Animación by Mónica Alejandra

MONICA ALEJANDRA GONZALEZ MARQUEZ 1

Flip Book Un libro de tapa o un libro Flick es un libro con una serie de imágenes que varían gradualmente de una página a la siguiente, de modo que cuando las páginas se giran rápidamente, las imágenes parecen animar mediante la simulación de movimiento o algún otro cambio. Libros plegables son a menudo los libros ilustrados para niños, pero también pueden estar orientados a adultos y emplear una serie de fotografías en lugar de dibujos. Libros del tirón no siempre son libros separados, pero pueden aparecer como una característica adicional en los libros ordinarios o revistas, a menudo en las esquinas de la página. Paquetes de software y sitios web están también disponibles que convertir archivos de vídeo digital en los libros del tirón a medida

Funcionalidad Libros plegables son esencialmente una forma primitiva de animación. Al igual que las imágenes en movimiento, que se basan en la persistencia de la visión para crear la ilusión de movimiento continuo que se está viendo en lugar de una serie de imágenes discontinuas que se intercambian en la sucesión. En lugar de "lectura" de izquierda a derecha, un visor simplemente se queda mirando a la misma ubicación de las imágenes en el libro animado que se pasarán las páginas. El libro también tiene que dar la vuelta con la velocidad suficiente para la ilusión de trabajar, por lo que la forma estándar de "leer" un libro de tapa es sostener el libro con una mano y dar la vuelta a través de sus páginas con el pulgar de la otra mano. La palabra alemana para el flip-libro Daumenkino, literalmente "cine pulgar", refleja este proceso.

Historia El primer libro de tapa apareció en septiembre de 1868, cuando fue patentado por John Barnes Linnett bajo el nombre kineograph ("imagen en movimiento"). Eran la primera forma de animación para emplear una secuencia lineal de imágenes en lugar de circular (como en la mayor fenaquitoscopio ). El pionero del cine alemán, Max Skladanowsky , expuso por primera vez sus imágenes fotográficas en serie en forma de libro animado en 1894, cuando él y su hermano Emil no desarrollaron su propio proyector de cine hasta el año siguiente. En 1894, Herman Casler inventó una forma mecanizada de libro animado llamado Mutoscope , que subió las páginas de un cilindro giratorio central en lugar de unirse en un libro. El mutoscopio mantuvo una atracción popular a través de la mitad del siglo 20, que aparece como máquinas que funcionan con monedas en salas de juegos y parques de atracciones . En 1897, el cineasta Inglés Henry William Short comercializa su "Filoscope", que era un libro de tapa colocada en un soporte metálico para facilitar el volteo.

Animación La animación es un proceso utilizado para dar la sensación de movimiento a imágenes o dibujos o a otro tipo de objetos inanimados (figuras de plastilina, por ejemplo). Se considera normalmente una ilusión óptica. Existen numerosas técnicas para realizar animación que van más allá de los familiares dibujos animados. Los cuadros se pueden generar dibujando, pintando o fotografiando los minúsculos cambios hechos repetidamente a un modelo de la realidad o a un modelo tridimensional virtual; también es posible animar objetos de la realidad y actores. Entre los formatos de animación (o que soportan animación) se encuentran el GIF, el SWF (animación flash), etc. Las animaciones en GIF son guardadas imagen por imagen, pero existen animaciones que no se logran así, sino que son interpretadas y "armadas" en tiempo real al ejecutarse (como las de formato SWF).Según el animador norteamericano Gene Deitch, «“animación cinemática” es el registro de fases de una acción imaginaria creadas individualmente, de tal forma que se produzca ilusión de movimiento cuando son proyectadas a una tasa constante y predeterminada,superior a la de la persistencia de la visión en la persona.

Historia de la animación La idea de recrear la ilusión del movimiento con una serie de dibujos es más antigua que el nacimiento del cine. Algunos historiadores se remontan a la prehistoria, en la que, mediante pinturas rupestres, se intentaba expresar movimiento, para que se mantengan estáticos. Otros descubrimientos posteriores, en Egipto y en Grecia corroboran esta tendencia a representar diferentes fases del movimiento en su arte. El primer intento que se conoce de una animación mediante la proyección de imágenes data de 1640, cuando el alemán Athanasius Kircher inventó el primer proyector de imágenes, la «linterna mágica», en la que, mediante grabados en cristales, era capaz de proyectar diferentes fases consecutivas del movimiento, cambiando los cristales de forma mecánica. En una de sus proyecciones representaba a un hombre mientras dormía, abriendo y cerrando la boca. El incipiente mundo de la animación estuvo estancado hasta 1824, cuando Peter Mark Roget descubrió el principio de persistencia de la visión, fundamento en el que se basan todas las imágenes proyectadas que conocemos hoy en día. Demostraba que el ojo humano retiene la imagen que ve durante el tiempo suficiente para ser sustituida por otra, y así sucesivamente, hasta realizar un movimiento completo, como se ve en su «taumatropo». Aunque fueron muchos los inventos nacidos a la sombra del principio de persistencia de la visión, ninguno pasó de la categoría de juguete hasta la llegada del «Phenakistoscopio» de Joseph Antoine Plateau, en 1831, en el que conseguía plasmar un movimiento completo mediante el uso de dibujos. Entre las bases del origen de la animación está el mismo juego de sombras y la proyección de siluetas de papeles recortados creados por la cultura china.

Técnicas de animación Dibujos animados Los dibujos animados se crean dibujando cada fotograma. Al principio se pintaba cada fotograma y luego era filmado, proceso que se aceleró al aparecer la animación por celdas o papel de acetato inventada por Bray y Hurd en la década de 1910. 5

Animación en volumen ( stop motion) A la «animación en volumen» se la conoce también con los términos «animación fotograma por fotograma», «animación cuadro por cuadro», «parada de imagen», «paso de manivela» o «animación foto a foto». En los últimos años también se ha popularizado su nombre en inglés: stop motion. En ella no se animan dibujos o imágenes planas sino objetos estáticos e inmóviles colocados delante de una cámara. Consiste en aparentar el movimiento de dichos objetos capturando fotogramas: en cada fotograma se ha movido ligeramente el objeto y en cada nuevo cambio de posición debe haberse siempre orientado el objeto en una cierta dirección en relación al cambio de posición y fotograma anteriores, guardando, en la medida de lo posible, la mayor continuidad lógica del movimiento que se quiere imitar. Más tarde, al reproducir los fotogramas uno detrás de otro, como se hace de hecho con cualquier proyección cinematográfica obtenida mediante filmación real, la proyección en pantalla crea la ilusión óptica de que el objeto se mueve por sí mismo. Se puede animar de este modo cualquier objeto tridimensional pero en general se animan muñecos (en general dotados de un esqueleto metálico interno articulado, como los muñecos de dinosaurios utilizados en el documental de televisión Dinosaurios), marionetas, figuras de plastilina (como los gatos de la serie italiana Mio Mao) u otros materiales. También suelen animarse maquetas de modelos a escala (como los gigantescos vehículos cuadrúpedos ATAT de El Imperio contraataca, que en realidad fueron realizados mediante modelos a escala, o el robot ED-209 de RoboCop).

Go motion La animación en go motion es una variante de la animación en stop motion. Inventado por Phil Tippett para la película de 1980 El Imperio contraataca el go motion consiste en obtener cada fotograma mientras se sacude ligeramente el o una parte del objeto fotografiado. El efecto borroso resultante sobre las partes en movimiento (en inglés, el blur, la borrosidad) aumenta de este modo la sensación de realismo en la animación resultante. En las filmaciones realizadas en tiempo real, cuando un objeto es más rápido que la velocidad de obturación de la cámara, el objeto aparece borroso en algunos fotogramas, a pesar de que la proyección de la película sea de un realsimo impecable, y este es el efecto buscado por la técnica de animación por go motion

Pixilación Es una variante del stop motion, en la que los objetos animados son personas y auténticos objetos comunes (no modelos ni maquetas). Al igual que en cualquier otra forma de animación, estos objetos son fotografiados repetidas veces, y desplazados ligeramente entre cada fotografía. Norman McLaren popularizó esta técnica, empleada en su famoso corto animado Neighbours pero ya en 1908 el aragonés Segundo de Chomón utilizaba en su obra Hotel eléctrico la misma técnica para animar objetos. Es ampliamente utilizada en los video clips.

Rotoscopia La rotoscopia es una técnica de animación que recurre a una máquina llamada rotoscopio. El rotoscopio tiene una placa de vidrio sobre la que se pueden colocar láminas transparentes (llamadas cels [en] en inglés). Debajo, un proyector ilumina el fotograma de una fimación realizada en tiempo real y en imagen real. De este modo se puede dibujar el contorno de los objetos filmados calcando a través de la transparecia resultante. Así fue como se animó al personaje Blancanieves en algunas escenas de Snow White and the Seven Dwarfs (1937), primer largometraje animado de los estuidios de producción Walt Disney Pictures. Una actriz fue filmada para esas secuencias y con un rotoscopio los animadores de los estudios Diney calcaron su silueta sobre los habituales cels transparentes usados en la animación de dibujos animados. En animación por computadora la técnica análoga a la rotoscopia es la técnica por captura de movimiento. Existe una cierta controversia sobre si el uso del rotoscopio es auténtica animación, y sobre su valor artístico como tal.

Animación de recortes Más conocido en inglés como cutout animation, es la técnica en que se usan figuras recortadas, ya sea de papel o incluso fotografías. Los cuerpos de los personajes se construyen con los recortes de sus partes. Moviendo y reemplazando las partes se obtienen diversas poses, y así se da vida al personaje.

Animación por computadora La animación por computadora (también llamada animación digital, animación informática o animación por ordenador) es la técnica que consiste en crear imágenes en movimiento mediante el uso de ordenadores o computadoras. Cada vez más los gráficos creados son en 3D, aunque los gráficos en 2D todavía se siguen usando ampliamente para conexiones lentas y aplicaciones en tiempo real que necesitan renderizar rápido. Algunas veces el objetivo de la animación es la computación en sí misma, otras puede ser otro medio, como una película. Los diseños se elaboran con la ayuda de programas de diseño, modelado y por último renderizado. En la animación, sin embargo, las imágenes no se toman sino que no se producen individualmente, y por ello no tienen que cumplir necesariamente con el estándar del cine. Una película de animación tiene siempre 24 fotogramas por segundo, pero no necesariamente todos esos fotogramas muestran imágenes diferentes: en la animación, las imágenes suelen repetirse en varios fotogramas. Así pues, tenemos varias tasas de animación: En unos: cada imagen es diferente, sin repetición. 24 imágenes por segundo, 1 imagen cada fotograma. En doses: cada imagen se repite dos veces. 12 imágenes por segundo, 1 imagen cada 2 fotogramas. En treses: cada imagen se repite tres veces. 8 imágenes por segundo, 1 imagen cada 3 fotogramas. Gracias a nuevas tecnologías surgen otros estándares. Por ejemplo, en oriente, donde hay capacidad de reproducir 30.000 fotogramas por segundo, se pueden encontrar animaciones en las que los fotogramas se repiten tres veces, suponiendo un ahorro en el número de dibujos a la larga sin que el espectador perciba la diferencia. Animación completa es cuando se anima en unos o en doses. Es el estándar de la animación estadounidense para salas de cine, principalmente las películas de Walt Disney, y también los largometrajes europeos. Generalmente, se animan las escenas con muchos movimientos rápidos en unos, y el resto en doses (la pérdida de calidad es imperceptible). Animación limitada es cuando se anima en una tasa inferior. El estándar del anime o animación

japonesa es en treses. La pérdida de calidad ya es perceptible si se es observador. El concepto de animación limitada también afecta a otros aspectos diferentes de la tasa. Por ejemplo, es animación limitada cuando se repiten ciclos: pensemos en Pedro Picapiedra corriendo mientras al fondo aparecen una y otra vez las mismas casas en el mismo orden. Hay que tener en cuenta que diferentes elementos de la imagen (un personaje, otro personaje, un objeto móvil, un plano del fondo, otro plano del fondo) se animan por separado, y que por tanto dentro de la misma escena puede haber elementos con diferentes tasas de animación. Se puede considerar el aporte de la tecnología informática en dos campos: como herramienta de creación y como medio de representación. Para las animaciones dibujadas o pintadas a mano hay programas que asisten a la creación de los cuadros intermedios. Cabe recordar que se necesita una gran cantidad de éstos para dar la sensación de movimiento. En las animaciones hechas con gráficos vectoriales y con modelos tridimensionales el programa mismo calcula la transformación (interpola) de una pose a otra. Diversos formatos de archivo permiten representar animación en una computadora, y a través de Internet. Entre los más conocidos están SWF, GIF, MNG y SVG. El archivo puede contener una secuencia de cuadros, como gráficos rasterizados (o la diferencia entre un cuadro y el anterior), o puede contener la definición de trazos y sus deformaciones en el tiempo, en un formato vectorial. Hay formatos de archivo específicos para animaciones, y también se utilizan formatos genéricos que pueden contener diversos tipos de multimedios.

12 pasos para crear animaciones 1.-ESTIRAR Y ENCOGER “Estirar y enconger o mejor conocido como Squash and Strech es el principio más importante. Pues cuando un objeto se mueve se enfatiza cualquier rigidez del mismo” “En la vida real sólo los objetos más rígidos como las sillas o platos se mantienen igual durante el movimiento. Pero cualquier cuerpo vivo, no importa el esqueleto, mostrará un movimiento en su forma durante la acción. Un ejemplo son las expresiones de la cara (masticar, sonreír, hablar, un cambio de expresión) en donde los labios, mejillas y ojos se mueven para dar vida a una expresión” La regla más importante del squash and strech es que no importando que deformación sufra el objeto siempre debe de mantener el mismo volumen. Un test estándar para los principiantes es dibujar la trayectoria de una simple pelota Squash and strech es un principio muy importante en la animación facial, no sólo para mostrar la flexibilidad de la piel y el músculo, sino también para mostrar la relación entre las partes de la cara. Examina la sonrisa: cuando se sonríe se levantan las esquinas de los labios que levantan a su vez los cachetes, estos oprimen a los ojos lo que hace que las cejas y la frente se arruguen para abajo

2.-TIMING “Timing, o la velocidad de una acción, es un principio muy importante porque le da significado al movimiento. La velocidad de una acción define que tan bien la idea detrás de acción será interpretada por el público. Además este refleja el peso y el tamaño de un objeto y puede traer un significado emocional consigo. “El tiempo apropiado es crítico cuando se trata de hacer las ideas comprensibles. Es importante tener el tiempo adecuado para anticipar una acción, la duración de la acción misma y la reacción a ella. Si dura mucho, la atención del público se perderá; si dura poco, el público no se dará cuenta y entonces será un desperdicio de idea”“ El estado emocional de un personaje puede definirse más por su movimiento que por su apariencia, y dependiendo de sus movimientos este nos indicará si es letárgico, aventurero, nervioso o relajado.

3.- ANTICIPACIÓN “Una acción ocurre en tres partes: la preparación para la acción, la acción propia y la terminación de una acción. La anticipación es la preparación para la acción. Hay varias definiciones para la anticipación pero en primera mano, es la previsión anatómica para una acción. Desde que los músculos del cuerpo funcionan por la contracción, primero deben de ser extendidos para poder ser contraídos. El pie debe echarse para atrás antes de patear una pelota. Sin anticipación las acciones no son naturales y se ven abruptas. La anticipación además sirve para captar la atención del público, los prepara para el siguiente movimiento” “La anticipación puede enfatizar también el peso 12

de un objeto, por ejemplo un personaje que levanta un objeto muy pesado, la anticipación deberá ser más exagerada” La cantidad de anticipación afecta considerablemente la velocidad de la acción siguiente a ejecutar. Cuando la audiencia espera que pase algo, la anticipación puede ser más rápida, pero cuando no esta preparada apropiadamente si la anticipación es muy corta el público perderá por completo la información de la acción.

4.-PUESTA EN ESCENA “Staging (escenificación) es la presentación de una idea por lo que deberá de ser demasiado claro. Una acción escenificada debe de entenderse, una personalidad debe de ser reconocible, una expresión debe de ser vista, un sentimiento debe de afectar a la audiencia. Tanto la anticipación, el timing y el stating ayudan a concentrar la atención del público a donde debe de estar, para que de esa manera no se pierda la idea “Es muy importante que la acción a escenificar se entienda una idea a la vez. Si están pasando muchas acciones a la vez la idea principal pasa desapercibida. El objeto de interés debe de contrastar del resto de la escena, pues en una escena el ojo es atraído por el movimiento” “Una idea desarrollada por Disney fue la importancia de hacer stating de una acción en siluetas. En un tiempo todos los personajes eran negros y blancos y no tenía valores de grises para contrastar o delinear la forma. El cuerpo, los brazos y las manos eran todas negras por lo que no había manera de hacer un stating de acción claro, más que con la silueta. Una mano enfrente del pecho desaparecería simplemente. Fuera de esta limitación los animadores se dieron cuenta que siempre es mejor mostrar una acción en siluetas. Por ejemplo Charlie Chaplin mantenía que si un actor sabía la emoción a lo largo de la acción, él podía mostrar su silueta solamente. Follow”

5.-ACCIÓN CONTINÚA Y SUPERPUESTA “Follow through, es la acción anticipada a cualquier acción. Debemos de imaginarnos el objeto o personaje como la máquina de un tren, el movimiento primero se produce en las partes principales para luego ser seguidas por las secundarias. “Algo importante es clarificar el tipo movimiento para el objeto o cuerpo, tomando en cuenta factores como el peso, flacidez, movilidad, etcétera. Además del tiempo para los movimientos principales y secundarios. “Para estos dos principios es importante que desde un inicio se tenga una gráfica o una tentativa del movimiento a realizar para saber qué acciones van antes y cuales después, para con ello dar mayor fluidez y realismo a la animación. Overlapping action, en este principio se mezclan múltiples movimientos, que se van poniendo uno encima de otro, para tratar de evitar un movimiento robotizado del objeto o personaje. Especificamente se toma en cuenta la acción pasada y la que sigue para ligarlas correctamente.

6.- ACCIÓN DIRECTA Y POSE A POSE “Acción directa es el principio que determina cuando un animador crea cuadro por cuadro desde el inicio hasta el final una acción, dando más libertad al de saber dónde va cada parte del objeto o del personaje. Este principio es de suma importancia para cuando se requiere hacer el movimiento de un

personaje, por ejemplo una forma básica al caminar para saber dónde va el brazo, la mano, la cabeza, etcétera en cada cuadro. “El principio de pose to pose, es cuando el animador comienza a crear e imaginar la acción, y prevee cada pose que va tomar el personaje u objeto a animar. “Luego de determinar la acción se obtienen los llamados keyframes, es decir los puntos importantes de la misma, para luego crear los puntos intermedios, conocidos también como inbetweens y colocarlos entre los keyframes principales para darle mayor realismo al movimiento. Aunque parezca una tarea fácil los inbetweens, son los puntos más difíciles de controlar, puesto que se tiene que tomar en cuenta cada detalle de movimiento para la animación a realizar y hacer que coincidan con los keyframes. Una de las tácticas más usadas para este principio es siempre tener tres keyframes, es decir los puntos principales. Esto por el hecho de que gracias a estos tres puntos importantes nos damos una idea de cómo comienza el movimiento como se va transformando hasta llegar a un final, teniendo un plus en la parte central y así crear más fácilmente los inbetweens.

7.- ENTRADAS Y SALIDAS “Trabaja principalmente con los inbetweens que hay entre dos puntos claves, es decir los keyframes. El trabajo que se realiza con este principio son unos llamados timing charts, que son útiles para que el animador elija cómo va cada inbetween y saber a detalle el movimiento que va se va a producir y cómo va ser el tiempo. Lo que se obtiene luego de utilizar este principio es darle un movimiento más real al objeto o personaje en cuestión, ya que se toma en cuenta la aceleración y el tiempo del movimiento a realizar por lo que no siempre se tiene un 100 % de velocidad si no tiene que hacerse gradualmente para hacer enérgicos y reales los movimientos.

8.-ARCOS “La visualización de una acción de un extremo a otro, es conocida como arco. Le dan una apariencia más natural a los objetos o personajes, puesto que el movimiento nunca es en línea recta y perfecta. Normalmente se utilizan los arcos o curvas para como ya se dijo apariencia natural y para guiar el movimiento además de hacerlo más fluido. Básicamente los arcos consisten en posicionar un objeto o personaje de una pose a otra obteniendo la sensacion de que existe una inercia que haga hacer ese movimiento de una forma u otra” “Dentro del arte 3D el uso de arcos podría pensarse que es más sencillo que todo lo realiza la computadora, pero esto es un error porque aún y cuando un software esté realizando las acciones de movimiento del personaje existen editores de curvas. Estos editores básicamente tienen la función de ayudar al animador al momento de realizar el movimiento del personaje u objeto, puesto que podríamos decir que nos ayudan a refinar las curvas que hemos hecho al hacer ciertos movimientos y darle más fluidez y realismo.

9.- EXAGERACIÓN “El animador debe encontrar el núcleo de la idea o del objeto y desarrollar su esencia. Es decir, conocer y realmente entender la razón por la cual usar la exageración, de esta manera la audiencia también lo entenderá y lo considerará como algo normal. Puede funcionar dentro de cualquier componente, pero no debe de encontrarse aislado. La exageración de componentes debe guardar cierto balance, si solo se exagera un elemento este resaltará demasiado y arruinará el realismo de lo que se desea contar. “Debe haber un elemento que la audiencia reconozca como natural, aceptándolo como la base de comparación entre lo exagerado de otros componentes que conforman la historia. De esta manera, la escena tiene un toque de naturalidad, y permanece como realista a los ojos de los espectadores.

10.- ACCION SECUNDARIA “ La acción que sucede a causa directa de otra acción, esta última siendo la principal. Este factor, es importante para aumentar el interés y agregar un realismo complejo a la animación. Es importante recalcar, para que la acción secundaria no pase desapercibida hacerla suceder después o antes del movimiento o acción principal. Si se ejecuta durante la acción, no será notada por la audiencia y el valor agregado no se verá distinguido en la animación. “Un ejemplo sencillo: imagina una ardilla, corriendo en un parque. El movimiento de sus

piernas (consideras como la acción principal) serian animadas para reflejar su naturaleza liviano y flexible. El movimiento ondulatorio de su cola agil (considerada como la acción secundaria) tendría un estilo ligeramente diferente al tipo de animación que llevan sus piernas. La cola de la ardilla es un ejemplo de una acción secundaria, un principio que gobierna el movimiento y apoya la acción principal de una animación sin distraer a la audiencia de ella. Se aplica para reforzar el humor y enriquecer la acción principal de la escena animada”

11.-ENCANTO “El encanto es aquello que a la audiencia le gusta ver. Es una cualidad de un diseño placentero, guarda simplicidad y magnetismo. Un dibujo o diseño débil falla en el encanto, así como un dibujo o diseño muy complejo. Más que un principio, es el producto terminado después de conjugar todos los principios de animación. El encanto es muy importante en un personaje, ya que es quién narra, antagoniza o protagoniza historia que se desea contar. La audiencia debe sentir lo que el personaje desea proyectar. Pero no todos los personajes expresarán las mismas ideas, un villano no tiene la misma moral que un héroe, o un adolescente no tiene las mismas expresiones que un niño de tres años.

12.-PERSONALIDAD “No es un principio, sino el conjugado de todos los principios de la animación.Ya sea a mano o a computadora el éxito de un personaje o carácter animado se basa en su personalidad. En la animación de personajes todas las acciones y los movimientos son el resultado de un proceso de pensamiento. Para esto, el animador debe convertirse en lo animado.

Eadweard Muybridge Eadweard Muybridge (seudónimo de Edward James Muggeridge) fue un fotógrafo e investigador nacido en Kingston upon Thames (Gran Bretaña) el 9 de abril de 1830. Cambió su nombre cuando emigró a los Estados Unidos en 1851. Murió el 8 de mayo de 1904. Sus experimentos sobre la cronofotografía sirvieron de base para el posterior invento del cinematógrafo.

Experimento " El caballo en movimiento " Surgió en 1872 por qué una polémica enfrentaba a los aficionados a los caballos en California Leland Stanford ex gobernador del Estado y poderoso presidente de la Central Pacific Railway, y un grupo de amigos suyos sostenían que había un instante, durante el trote largo o el galope, en que el caballo no apoyaba ningún casco en el suelo. Otro grupo, del que formaba parte James Keene, presidente de la Bolsa de Valores de San Francisco, afirmaba lo contrario. En esa época no se conocía una manera de demostrar quién tenía razón, hasta que Leland Stanford ideó un sencillo experimento: este consistía en un método que fotografiaba al caballo en las diferentes etapas de su galope y que proporcionaría una vista completa de todo el trayecto recorrido, para lo cual Stanford encargó a Eadweard Muybridge que tratara de captar con su cámara el movimiento de su caballo de carreras Occident. Sin mucha confianza en el resultado, Muybridge se prestó a fotografiar a Occident trotando a unos 35 km/h en el hipódromo de Sacramento. Pidió a los vecinos de la zona que le prestaran muchas sábanas de color blanco y las colgó en torno a la pista a manera de fondo, sobre el que destacara la figura del caballo. En mayo de 1872, Muybridge fotografió al caballo Occident, pero sin lograr un resultado, porque el proceso del colodión húmedo exigía varios segundos para obtener un buen resultado. Muybridge desistió durante un tiempo de estos experimentos. Más adelante realizó un extenso viaje por América Central y América del Sur, donde fotografió las construcciones de las líneas ferroviarias. Al volver, reemprendió su trabajo sobre la fotografía de acción, y en abril de 1873 logró producir mejores negativos, en los que fue posible reconocer la silueta de un caballo. Esta serie de fotografías aclaraba el misterio (le daba la razón a Stanford), pues mostraba las cuatro patas del caballo por encima del suelo, todas en el mismo instante de tiempo. Stanford, impresionado con el resultado del experimento, que se conocería más tarde con el título El caballo en movimiento, encargó la búsqueda de un estudio fotográfico para poder captar todas las fases sucesivas del movimiento de un caballo. Los experimentos se reanudaron en el reformado rancho de Stanford durante el verano de 1878. Aunque con una exposición

ligeramente insuficiente (debido a las ya mencionadas dificultades técnicas de la época), la serie resultante de fotografías mostraba claramente todos los movimientos de una yegua de carreras de Kentucky llamada Sally Gardner. Muybridge pintó los negativos para que sólo se viera la silueta de la yegua, cuyas patas adoptaban posiciones inconcebibles. El resultado fue una secuencia de 12 fotografías que se realizó aproximadamente en medio segundo. Gracias a este experimento, Muybridge ideó una nueva técnica en la que la pista para el motivo en movimiento tenía una longitud de unos 40 metros. En paralelo a ella había una batería fija con 24 cámaras fotográficas, y en ambos extremos de la pista, colocadas en ángulos de 90º y de 60º, había otras dos baterías de cámaras. En cada instante se disparaban sincrónicamente tres cámaras, una de cada batería. Se impresionaban placas secas a una velocidad de obturación graduable que podía regularse desde varios segundos hasta la altísima velocidad de 1/6000 de segundo, según la velocidad del motivo a fotografiar.

Émile Reynaud Charles-Émile Reynaud (Montreuil, (Francia) 8 de diciembre de 1844 - Ivry-sur-Seine, 9 de enero de 1918) fue un inventor y pionero del cine de animación francés que perfeccionó el zoótropo e inventó el praxinoscopio en 1877. Patentó una mejora considerable de su invento en 1888 al que bautizó con el nombre de Théâtre Optique (Teatro óptico). Fue el primero, además, en perforar la película, como medio de arrastre mecánico. Sus proyecciones estaban sincronizadas con música compuesta por él mismo y efectos sonoros. Sus películas presentan breves escenas humorísticas con un tono naif y poético. Reynaud, en resumen, fue el primero en conseguir pasar del movimiento cíclico de figuras dibujadas a un discurso visual dotado de argumento Desde 1832 se venían creando toda una serie de juguetes ópticos destinados a ofrecer la ilusión del movimiento mediante secuencias de imágenes que pasaban ante tipos distintos de obturador. Reynaud se aplicó a conseguir un medio que evitara la obstrucción del noventa por cien de la luz que produce la obturación. Lo consiguió sustituyéndolo por un tambor poligonal giratorio de espejos pintados con imágenes que, iluminadas en todo momento, eran vistas a través de una ventanita. En diciembre de 1877 patentó este sistema con el nombre de praxinoscopio. El ingenio tuvo un gran éxito comercial como juguete y obtuvo una mención especial en la Exposición Universal de París de 1878.

Praxinoscopio. En 1879 tenía lista una evolución del invento, que bautizó como «Praxinoscopio-Teatro». En él, las imágenes en movimiento se contemplaban reflejadas en una especie de proscenio teatral en miniatura y se superponían sobre decorados proyectados con el método de linterna mágica, que constituían un fondo sobre el cual se movían las figuras. Se trata de un precursor del sistema de doble exposición o sobreimpresión, técnica que sería importante en el posterior desarrollo de la cinematografía.Pero el principal inconveniente era que el movimiento animado sobre un tambor debía ser necesariamente cíclico. Por tanto Reynaud concibió la idea de dibujar sus imágenes, no sobre espejos rígidos, sino sobre una cinta transparente y flexible que le permitiera pasarla de una bobina a otra. En 1892 patenta el Teatro óptico, que, además, permitía, mediante un sistema de lentes, su proyección para un público en una pantalla translúcida, utilizando otro proyector de imágenes fijas para los escenarios. El 28 de octubre de 1892 inicia, en el museo Grévin de París, la proyección de sus «Pantomimas Luminosas» (como anunciaba el cartel publicitario) en un programa que incluía tres películas: Pauvre pierrot, Clown et ses chiens y Un bon bock (1888). De este modo se convirtió en el creador de los dibujos animados.

Georges Méliès Georges Méliès (8 de diciembre de 1861 – 21 de enero de 1938) fue un ilusionista y cineasta francés famoso por liderar muchos desarrollos técnicos y narrativos en los albores de la cinematografía. Méliès, un prolífico innovador en el uso de efectos especiales, descubrió accidentalmente el stop trick en 1896 y fue uno de los primeros cineastas en utilizar múltiples exposiciones, la fotografía en lapso de tiempo, las disoluciones de imágenes y los fotogramas coloreados a mano. Gracias a su habilidad para manipular y transformar la realidad a través de la cinematografía, Méliès es recordado como un «mago del cine». Dos de sus películas más famosas, Viaje a la Luna (1902) y El viaje imposible (1904), narran viajes extraños, surreales y fantásticos inspirados por Julio Verne y están consideradas entre las películas más importantes e influyentes del cine de ciencia ficción. Méliès fue también un pionero del cine de terror con su temprana película Le Manoir du Diable (1896).

Cine Cuando el 28 de diciembre de 1895 Méliès asistió invitado por los Lumière a la primera representación del Cinematógrafo, Méliès queda impresionado y su inagotable mente que, siempre está maquinando ideas, hace que lance una oferta para incluirlo en su función. Ante la negativa, el prestidigitador acaba comprando el aparato de otro inventor, Robert William Paul, y en abril de 1896 ya se halla realizando proyecciones en su teatro. Su deseo por crear sus propias películas le lleva a transformar el artilugio de Paul en una cámara con la que rueda su primer filme Partida de naipes. El 5 de abril de 1896 proyectó las primeras películas en su teatro Robert Houdin; eran pequeñas escenas al aire libre, documentales similares a las de los hermanos Lumière. Su estilo evolucionó rápidamente buscando crear películas parecidas a sus espectáculos de ilusionismo. Fue pionero en la utilización del truco de sustitución de elementos mediante el parado de la cámara, y también lo fue en la exposición múltiple del negativo (doble

sobreimpresión) y los fundidos a negro y desde negro. Invirtió una gran cantidad de dinero para la creación del que se consideró el primer estudio de cine, en el que se utilizaron sistemas mecánicos para ocultar zonas al sol, trampillas y otros mecanismos de puesta en escena. En 1902 creó la que está considerada su obra capital, Viaje a la luna. En ella la evolución de la continuidad narrativa cinematográfica da un paso de gigante, al montar la secuencia del disparo del cañón que lleva a los astrónomos a la Luna y, a continuación poner en escena un decorado con la cara animada de esta, que va creciendo en travelling inverso y sobre la que acaba aterrizando la nave/bala de cañón clavándose en ella. Méliès intentó distribuir comercialmente Viaje a la Luna en Estados Unidos. Técnicos que trabajaban para Thomas Alva Edison lograron hacer copias de la película y las distribuyeron por toda Norteamérica. A pesar de que fue un éxito, Méliès nunca recibió dinero por su explotación. Creador de alrededor de quinientas películas, la paulatina transformación de la industria (monopolizada por Edison en Estados Unidos y Pathé en Francia), junto con la llegada de la Primera Guerra Mundial, afectaron a su negocio, que fue declinando sin remedio. En 1913 se retiró de todo contacto con el cine.

Émile Cohl Émile Courtet, más conocido como Émile Cohl, fue un dibujante francés, nacido en París el 4 de enero de 1857 y fallecido en Villejuif el 20 de enero de 1938. Fue uno de los pioneros de los dibujos animados. Desde 1908 hasta 1923, realizó unas 300 películas, en las que utilizaba diversas técnicas, como el dibujo, juegos con cerillas, papel recortado y marionetas. También fue caricaturista, ilustrador, fotógrafo, autor dramático, actor, pintor, periodista e ilusionista. Era uno de los clientes asiduos de los cabarets parisinos Le Chat Noir y el Lapin Agile. También fue miembro del club literario Les Hydropathes.

James Stuart Blackton James Start Blackton ( * 5 de agosto de 1875 - † 13 de agosto de 1941) fue un productor de películas mudas. Es considerado el padre de la animación estadounidense. Nació en Sheffield, Inglaterra, en 1875. Cuando tenía 10 años, Blackton y su familia emigraron a Nueva York. En 1894, él y dos personas, Albert E. Smith y Ronald A. Reader, formaron una asociación para hacer vaudeville. Smith se llamaba a sí mismo un "Komikal Konjurer" y Blackton se llamaba a sí mismo el "Komikal Kartoonist", y Reader operaba una primera versión de un proyector llamado la linterna mágica. Blackton y Smith produjeron el campo del cine de animación, en la que aparece el propio Blackton en campo dibujando sobre un papel el rostro de un hombre de gesto cómico, junto a una botella y un vaso con el que el dibujante se sirve algunas copas mientras el hombre dibujando se va enfadando. El acto de Blackton consistía en "bosquejos de relámpago". El acto no juntó mucho dinero y el trío se separó para tener trabajos regulares.

WINSOR McCAY Su lugar de nacimiento ha sido siempre discutido. Pero, según su principal biógrafo, nació en Woodstock, localidad cercana a Ontario (Canadá), que era la ciudad natal de sus padres, Robert y Jeanette McKay, sobre su fecha de nacimiento también ha habido siempre opiniones dispares, barajándose las fechas de 1867, 1869 y 1871, siendo la primera la cierta. En 1885 la familia, compuesta por padres y tres hermanos (Zenas, Arthur y Mary), se trasladó a Stanton, Michigan, donde el padre, Robert, solicitó el cambio del apellido original, McKay, a McCay. Por la misma época Winsor dejó de utilizar su primer nombre de pila, Zenas, que se le había dado por el empresario norteamericano Zenas G. Winsor, jefe del padre por la fecha de su nacimiento. Mostró interés por el dibujo desde una edad muy temprana. Aunque su padre intentó dirigirle hacia los negocios, el joven Winsor no mostró ningún interés por ellos y empezó a trabajar haciendo caricaturas en un dime museum (mezcla de circo, feria y parque de atracciones) de Detroit. En 1889 se trasladó a Chicago, donde entró como aprendiz en la National Printing and Engraving Company, para la que realizó carteles y programas utilizando las nuevas técnicas litográficas. Volvió a mudarse en 1891, esta vez a Cincinnati, donde trabajó también para el dime museum local. Desde 1897 encontró un trabajo suplementario realizando ilustraciones para periódicos como Cincinnati Commercial Tribune, Cincinnati Time Star, Commercial Gazette y Cincinnati Enquirer, del que formó plantilla como reportero y dibujante. Entre 1899 y 1903 dibujó también para el semanario humorístico Life. Su primera tira de prensa, A Tale of the Jungle Imps, by Felix Fiddle (que puede traducirse por Cuento de los diablillos de la jungla, por Félix Violín), apareció como una serie de 43 episodios, entre el 9 de enero y el 11 de noviembre de 1903, en el Cincinnati Enquirer, con la peculiaridad de ser a toda página y en color. Las viñetas iban firmadas al pie como "Winsor Mc", e ilustraban poemas de aventuras de George Randolph Chester. Varios originales de estas historietas aparecieron casualmente en 2006 en un 26

desván, siendo cinco de ellas adquiridas por la Ohio State University Cartoon Research Library. La calidad de su trabajo llamó la atención de James Gordon Bennett, de la New York Herald Co., a instancias del cual McCay se trasladó a Nueva York y comenzó a colaborar en las publicaciones de Bennett, el New York Herald y el Evening Telegram. Para estas cabeceras realizó una gran cantidad de cómics, entre los que pueden citarse Dull Care, Poor Jake, The Man From Montclair, The Faithful Employee, Mr. Bosch, A Pilgrim's Progress, Midsummer Day Dreams, It's Nice to be Married y Sister's Little Sister's Beau, entre otros. Para sus cómics del Evening Telegram utilizaba el seudónimo Silas. Una de sus más exitosas tiras cómicas fue Little Sammy Sneeze (1904 - 1906), historia en la que los estornudos del pequeño Sammy producen inimaginables catástrofes. La temática onírica aparece, al año siguiente, en uno de sus trabajos más recordados, Dreams of a Rarebit Fiend (1904 - 1911), tira que narra las desmadradas pesadillas de un impenitente aficionado a las fondues de queso. La obra maestra de McCay, Little Nemo in Slumberland , inició su publicación en la edición dominical del New York Herald el 15 de octubre de 1905, y continuó apareciendo semanalmente en el mismo periódico hasta el 23 de abril de 1911. El 30 de abril de 1911, Little Nemo pasó a publicarse en el New York American y otros periódicos propiedad de William Randolph Hearst, con el nuevo título de In the Land of Wonderful Dreams. Esta nueva etapa de la serie se prolongó hasta el 26 de julio de 1914. Años después, McCay haría reaparecer a Little Nemo en las páginas del New York Herald entre 1924 y 1926, sin alcanzar el éxito de la primera época del personaje.

Little Nemo in Slumberland está considerada una de las obras clásicas del cómic de todos los tiempos. Cada página de la serie corresponde a un sueño del niño Nemo –"nadie", en latín–, y tiene una estructura recurrente: en todas las páginas, en una pequeña viñeta del ángulo inferior derecho, Nemo despierta; la página siguiente, sin embargo, retoma el sueño donde había quedado la noche anterior, lo que confiere a la serie una estructura folletinesca que permite introducir numerosos personajes secundarios y mostrar un mundo de los sueños (Slumberland ) de una gran riqueza narrativa. Por la importancia que concede a lo onírico, se ha relacionado la obra de McCay con movimientos culturales posteriores, como el surrealismo o la literatura del absurdo.

En Little Nemo McCay continuó con la experimentación pionera del enorme potencial del color en las viñetas, tras su propia primera experiencia en el Cincinnatti Enquirer, dos años atrás. McCay realiza una exploración exhaustiva de las posibilidades del medio, empleando multiplicidad de encuadres, y jugando con el formato de la página de forma espectacular y sorprendente. Su obra pone en escena arquitecturas fantásticas, elementos decorativos inspirados en el art nouveau, así como faunas y floras imaginarias, en un inacabable derroche de imaginación. El éxito de la tira hizo que se realizasen adaptaciones teatrales en Broadway, y un cortometraje de animación, titulado simplemente Little Nemo (1909). Debe tenerse en cuenta que, a diferencia de otros clásicos del cómic, Little Nemo no era distribuida por syndicates a otras publicaciones, por lo cual su popularidad se debió a su difusión en un solo periódico, centrado en el área de Nueva York. En los periódicos de Hearst, McCay realizó también viñetas políticas y grandes ilustraciones para los editoriales conservadores de Arthur Brisbane, mano derecha del magnate de la prensa. Además de la adaptación cinematográfica de Little Nemo, McCay desarrolló, a partir de la segunda década del siglo, una importante carrera como animador, en la que destacan cortometrajes como How a Mosquito Operates (1912), Gertie el dinosaurio (1914), El naufragio del Lusitania (1918) y la inconclusa The Flying House (1921). Su importancia en la historia del cine de animación es comparable a la de Walt Disney, según opiniones tan autorizadas como la de Chuck Jones. Casado en 1891, en su etapa de Cincinatti, con Maude Lenore Dufour McCay (fallecida en 1949), tuvo dos hijos, Robert Winsor McCay (1896-1962), también célebre historietista conocido como Bob McCay (que fue su modelo para la figura del "Little Nemo"), y Marion (1897-?), y tres nietos. El 26 de julio de 1934 Winsor McCay falleció en su casa de un repentino colapso cerebral, y reposa en el Evergreens Cemetery de Brooklyn (Nueva York)

QURINO CRISTIANI Quirino Cristiani (Santa Giuletta, 2 de julio de 1896 − Bernal, 2 de agosto de 1984) fue un caricaturista y director de animación italiano radicado en Argentina responsable de los dos primeros largometrajes de animación y del primer largometraje de animación sonoro del mundo. En 1916, a los 19 años de edad, fue contratado por el italiano Federico Valle (que poseía un estudio cinematográfico en Buenos Aires) para dibujar caricaturas e incluirlas en sus películas informativas de cortometraje. Ante la indicación por parte de Valle que no admitiría imágenes fijas en sus filmaciones, Cristiani debió idear una manera de darle movimiento a sus dibujos. Con estas influencias fue que desarrolló las técnicas de la animación, que le permitieron realizar en 1917 el primer largometraje de dibujos animados de la historia, El apóstol. El largometraje fue producido por el propio Valle y financiado por el dueño de la cadena de cines (de apellido Franchini), donde se proyectaría la película. Para el film se utilizaron 58 mil dibujos en 35 mm (a razón de 14 cuadros por segundo), además de varias maquetas que representaban edificios públicos como el Congreso de la Nación Argentina, la Aduana de Buenos Aires y el edificio de Obras Sanitarias de la Nación, además de anegar las calles de la ciudad. En 1918 realizó el segundo largometraje, Sin dejar rastros, que hacía referencia a un episodio ocurrido durante la Primera Guerra Mundial, que todavía continuaba, referido al hundimiento de la goleta Monte Protegido por parte de un submarino alemán que había provocado en el país manifestaciones de quienes propugnaban el abandono de la neutralidad y el apoyo a los Aliados, y que finalizó con las excusas del Imperio Alemán. El filme duró un solo día en cartelera, no tuvo una buena aceptación por la opinión pública, la prensa no mencionó su existencia y fue confiscado por el Ministerio de Relaciones Exteriores que no quería una confrontación contra Alemania. En ese tiempo volvió a dibujar caricaturas e historietas para los periódicos, pero en vista que el ingreso monetario no era

suficiente para mantener a su familia comenzó un nuevo negocio. Éste consistía en recorrer aquellos barrios de la ciudad que no tenían cine y proyectar películas en una pantalla al aire libre. El Public-Cine ―como él lo llamó― atrajo a muchas personas; sin embargo, las autoridades municipales opinaban que interrupía el tráfico y perturbaba la paz, y le clausuraron el negocio. En el año 1927, la empresa cinematográfica estadounidense Metro-Goldwyn-Mayer lo contrató como director de publicidad de la filial argentina. Paralelamente Cristiani fue formando su propio estudio, Cristiani Studios. El 16 de septiembre de 1931, Cristiani estrenó Peludópolis, el primer largometraje de animación sonoro, de 80 min. Trataba acerca de la corrupta ‘ciudad del Peludo’ (que era el apodo del expresidente Hipólito Yrigoyen [1852-1933]). Yrigoyen había sido el primer presidente elegido por voto secreto popular (ya que los casi veinte presidentes anteriores habían asumido mediante elecciones corruptas) y finalmente fue derrocado en 1930 por el general Félix Uriburu, con la excusa de corrupción. Tras ese primer golpe de Estado, comenzó la Década Infame. Es una sátira política en la que se muestra a los piratas al mando de El Peludo abordar la nave del Estado y desalojar a las fuerzas de El Pelado (el expresidente, también radical, Marcelo Torcuato de Alvear) y enfilar hacia la isla de Quesolandia hasta que aparece el Gobierno Provisional (el dictador Uriburu) en un barco de papel para tomar el poder. La película le produjo a Cristiani grandes pérdidas económicas. Ante la imposibilidad de competir con la empresa de Disney, que tenía mayor tecnología y capacidad presupuestaria, el laboratorio de Cristiani se dedicó al doblaje y subtitulado de las películas extranjeras. En 1941, Walt Disney viajó a la Argentina ante el estreno de su película Fantasía. Al conocer la obra de Cristiani, el empresario estadounidense le ofreció empleo en sus estudios en Estados Unidos, pero el argentino lo rechazó, ya que su laboratorio se había convertido en uno de los más importantes del país y no quería abandonar su empresa. Dos incendios, uno en 1957 y el otro en 1961 destruyeron todas sus películas, con la única excepción de El mono relojero, la única que se conserva en la actualidad. Después del incendio, Cristiani se retiró y fue olvidado por un largo período, hasta que a principio de los años ochenta se le rindieron homenajes tanto en la Argentina como en Italia. Murió en su casa, en la ciudad de Bernal (provincia de Buenos Aires), el 2 de agosto de 1984. 30

PAT SULLIVAN Patrick Sullivan (1887 – 15 de febrero de 1933) fue un productor australiano, conocido por la producción de los primeros cortos mudos del gato Félix. Es un tema de disputa quien creó al personaje, él o el animador Otto Messmer. Félix fue el personaje animado más popular hasta los años 1930, cuando los distribuidores de Sullivan cancelaron su contrato ya que se negó a trabajar en el cine sonoro. Sullivan lo pensó nuevamente y en 1933 anunció que el personaje regresaría con sonido, pero murió un año después del inicio de la producción. En 1917, Sullivan pasó 9 meses en prisión por ser encontrado culpable de la violación de una niña de 14 años de edad. Su esposa, Marjorie, murió en marzo de 1932.

OTTO MESSMER Messmer nació en West Hoboken, Nueva Jersey (ahora Union City). Asistió al colegio Holy Family Parochial. Se sintió atraído por el Vaudeville y la industria del entretenimiento, inculcados por sus padres y maestros a una temprana edad. Estudió en el Instituto de Arte Thomas en Nueva York entre 1911 y 1913, y participó en un programa de estudio y trabajo de la agencia Acme, donde hizo ilustraciones para catálogos de moda. Sin embargo, el primer amor de Messmer fue la animación. Inspirado por las películas animadas de Winsor McCay, como How a Mosquito Operates, Messmer comenzó a crear sus propias tiras cómicas para periódicos locales en 1912, el mismo año en que conoció a Anne Mason, que luego se convertiría en su esposa en 1934. Uno de sus cómics, Fun, formó parte de la página de tiras cómicas del periódico New York World. Firmó un contrato con Jack Cohn de Universal Studios en 1915 para producir una película de prueba, con un personaje creado por Messmer llamado Motor Mat. Nunca se llevó a cabo, pero atrajo la atención del animador Pat Sullivan, por otra parte Messmer decidió trabajar con Henry "Hy" Mayer, otro caricaturista de renombre. Los dos trabajaron en la exitosa serie animada The Travels of Teddy, que estaba basada en la vida de Theodore Roosevelt. Messmer trabajaría luego para Sullivan, quien se encargó de los negocios,

dejando a Messmer las responsabilidades creativas. Cuando Sullivan cumplía una condena de nueve meses de prisión en 1917, Messmer trabajó un tiempo con Mayer, hasta que Messmer fue llamado para participar en la Primera Guerra Mundial. Cuando Messmer regresó a Estados Unidos en 1919, volvió al estudio de Sullivan, contratado por el director Earl Hurd de Paramount Screen Magazine para hacer un cortometraje que acompañaría a una película. Sullivan le dio el proyecto a Messmer, cuyo resultado fue, Feline Follies, protagonizado por Félix, un gato negro que había creado, que daba buena suerte a la gente en problemas. Félix fue el primer personaje animado creado y emitido para la gran pantalla, al igual que el primero en convertirse en un producto comercial. Sullivan, sin embargo, adquirió los créditos por Félix, aunque Messmer dirigiera y fuera el animador de todos los episodios, solo el nombre de Sullivan aparecía en la toma de los créditos. Messmer también estuvo a cargo de la tira cómica de Félix para los periódicos, haciendo la mayoría de los dibujos hasta 1954. El gato Félix protagonizó cerca de 150 cortos hasta 1931, cuando los estudios de animación adoptaron el sonido. La popularidad de las tiras cómicas en periódicos comenzó a bajar a final de los años 1930, aunque el personaje volvió en los años 1940 en comic books. Messmer se unió a Douglas Leigh para crear varios anuncios que iluminaran el Times Square. Además produjo más tiras cómicas de Félix en los años 1940 y 1950 para las compañías Dell Comics, Toby Press, y Harvey Comics. En los años 1960, Felix fue transmitido por televisión, y el asistente de Messmer, Joe Oriolo (creador de Casper) se aseguró que recibiera crédito por la creación del gato Félix. Messmer continuó trabajando en el personaje hasta su retiro en 1973. Messmer murió de un ataque al corazón el 28 de octubre de 1983. Hoy en día, su creación está presente en cerca de 250 periódicos a lo largo del mundo.

LOTTE REINIGER Charlotte Reiniger (2 de junio de 1899 Berlín-Charlottenburg, Imperio Alemán - † 19 de junio de 1981 Dettenhausen, RFA) fue una cineasta alemana (posteriormente nacionalizada británica), famosa por sus películas de animación con siluetas, especialmente Las aventuras del príncipe Achmed (1926).Le interesó el cine desde su adolescencia, especialmente las películas de Georges Méliès, por sus efectos especiales; y más tarde las del actor y director Paul Wegener, hoy recordado por sus dos versiones de Der Golem. En 1915, la joven asistió a una conferencia de Wegener y quedó entusiasmada antes las posibilidades del cine de animación. Consiguió convencer a sus padres para que le permitieran entrar en el grupo de teatro de Max Reinhardt, al que pertenecía Wegener (1916-17). En un intento de llamar la atención de su héroe, distante y muy ocupado, se dedicó a confeccionar las siluetas de los otros actores del grupo en sus respectivos papeles. Logró el efecto deseado, y pronto empezó a trabajar con Wegener, realizando siluetas para los rótulos intercalados de las películas: Rübezahls Hochzeit ("La boda del gigante Ruebezahls", 1916) y Der Rattenfänger von Hameln ("El flautista de Hamelín", 1918); así como los decorados y accesorios de la película Die schone prinzessin von China ("La bella princesa de China", 1916). Gracias al éxito de su trabajo y a la recomendación de Wegener, consiguió ser admitida en el Institut für Kulturforschung (Instituto de Innovaciones Culturales), un estudio berlinés dedicado a las películas de animación experimentales. Allí realizó su primera película de siluetas, Das 34

Ornament des verliebten Herzens ("El ornamento del corazón enamorado", 1919). En dicho estudio conoció también a Carl Koch, con el que se casaría en 1921, y que colaboraría con ella en casi todas sus películas. En los años siguientes realizó seis cortometrajes, todos ellos con producción y fotografía de su marido. Al mismo tiempo, trabajó en anuncios publicitarios (la agencia de publicidad Pinschewer contrató a varios animadores abstractos durante la República de Weimar) y en los efectos especiales de varios largometrajes de imagen real (en particular, diseñó la silueta de un halcón para una secuencia onírica de la primera parte de Die Nibelungen, de Fritz Lang). Durante esta época, Reiniger se convirtió en el centro de un amplio grupo de ambiciosos animadores alemanes. En 1923, se le presentó una oportunidad única. El banquero judío Louis Hagen, admirador de su obra, le ofreció financiarle un largometraje, que realizaría en un estudio construido encima de su garaje, cerca de su casa de Potsdam. El resultado fue Die Abenteuer des Prinzen Achmed ("Las aventuras del príncipe Achmed"), terminado en 1926, el más antiguo largometraje de animación que se conserva, con una trama que es un pastiche de varias historias relacionadas con Las mil y una noches. La película tuvo éxito tanto de crítica como de público, Reiniger se anticipó en una década tanto a Walt Disney como a Ub Iwerks en utilizar la cámara multi-plano para ciertos efectos. Además de contar con las siluetas de Reiniger como actores del film, la obra se beneficiaba de los oníricos decorados de Walter Ruttmann, que había colaborado con Reiniger en la secuencia antes citada de Die Nibelungen, y de la música de Wolfgang Zeller. Algunos efectos adicionales corrieron a cargo de Carl Koch y Berthold Bartosch. El éxito de Prinzen Achmed dio a Reiniger la oportunidad de realizar el mediometraje Doktor Dolittle und seine Tiere ("El doctor Dolittle y sus animales", 1928) basada en la primera de las novelas de la serie dedicada al personaje por el autor inglés de literatura infantil Hugh Lofting. La música fue compuesta en esta ocasión por Kurt Weill, Paul Hindemith y Paul Dessau. Un año más tarde, Reiniger codirigió, con Rochus Gliese, su primera película de imagen real, Die Jagd nach dem Glück ("La búsqueda de la felicidad", 1929), un relato sobre una compañía de teatro de siluetas. En la película interpretaban papeles Jean Renoir y Berthold Bartosch, e incluía una representación de siluetas de 20 minutos, diseñada por Reiniger. Por desgracia, el filme se terminó cuando el sonido acababa de llegar a Alemania, y su estreno tuvo que demorarse hasta 1930 para añadir las voces de los actores. El doblaje fue tan malo que terminó por arruinar la

película. Reiniger proyectaba un tercer largometraje, basado en la ópera de Ravel L'Enfant et les Sortilèges, pero no consiguió hacerse con los derechos de la obra. Con la llegada al poder del partido nazi, Reiniger y Koch tomaron la decisión de emigrar, pero ningún estado les concedió los visados necesarios para establecerse de forma permanente. Como resultado, la pareja pasó los años entre 1933 y 1939 viajando de un país a otro, permaneciendo en cada uno todo el tiempo que el visado les permitía. Durante esta época, produjeron unas doce películas. Entre las más conocidas están Carmen (1933) y Papageno (1935), basadas respectivamente en las óperas Carmen de Bizet y La flauta mágica de Mozart. Al no poder conseguir un nuevo visado, se vieron obligados a quedarse en Alemania. Pasaron la Segunda Guerra Mundial en Berlín. Intentaron un nuevo proyecto, que iba a titularse Die goldene Gans ("La oca de oro"), que no pudieron concluir por falta de medios. En 1949, Reiniger y Koch pudieron por fin trasladarse a Londres. Tras realizar algunos proyectos para la Oficina General de Correos, crearon la empresa Primrose Productions. Carl Koch murió en 1962, pero Lotte Reiniger siguió trabajando. Durante esta época, realizó veinte películas de siluetas, la mayoría de ellas para la BBC, y casi todas basadas en cuentos de hadas clásicos. En 1976 se desplazó a Canadá, donde realizó la película Aucassin et Nicolette para el National Film Board. En 1972 recibió el Deutscher Filmpreis y luego en 1979, la Orden del Mérito de la República Federal de Alemania. Murió en Dettenhausen Baden-Wurtemberg, Alemania, el 19 de junio de 1981, a los 82 años.

TONY SARG´S Anthony Frederick Sarg (21 abril 1880 a 17 febrero 1942), conocida profesionalmente como Tony Sarg, era un alemán Americana titiritero e ilustrador. Fue descrito como "Puppet Master de Estados Unidos", y en su biografía como el padre de la marioneta moderna en América del Norte. Sarg nació en Cobán, Guatemala, a Francis Charles Sarg y su esposa, Mary Elizabeth Parker. El anciano Sarg fue un cónsul que representa Alemania, Parker era inglés. La familia regresó al Imperio Alemán en 1887; Sarg entró en una academia militar a los 14 años y recibió una comisión como teniente en el 17, en 1905 (en su mediados de los años 20) que renunció a su cargo y se instaló en el Reino Unido, donde persiguió una relación con Bertha Eleanor McGowan, un estadounidense que había conocido cuando era un turista en Alemania. Se casaron en su ciudad natal de Cincinnati, Ohio, 20 de enero de 1909, y regresó a Inglaterra, donde su hija María nació dos años después. En 1914, con el inicio de la Primera Guerra Mundial, envió a Bertha y los hijos a Cincinnati, los siguió poco después, y se instaló la familia en la ciudad de Nueva York en 1915. Se había criado en torno títeres, heredado la colección de su abuela de ellos, ellos se desarrolló

como un pasatiempo que mejora la impresión que causó en otros artistas, y, finalmente, en 1917 los convirtió en una profesión. En 1920, se convirtió en un ciudadano naturalizado de los Estados Unidos. En 1921 Sarg animada de la película The First Circus, un dibujo de la invención para el productor Herbert M. Dawley, que fue acreditado como co-animador. En 1928, diseñó, y su protegido Bil Baird construido atadas helio llenos de globos de hasta 125 pies (40 m) de largo, parecido a los animales, para la institución de Nueva York de Macy tienda por departamentos, que implica una serie de problemas familiares de los títeres, los cuales participado en la tienda desfile del Día de Acción de Gracias . En 1935, emprendió la obra de títeres relacionados con el diseño de la pantalla de la ventana de animación elaborada de Macy entre Acción de Gracias y Navidad. El pináculo de la visibilidad de Sarg estaba en la Feria Mundial de Chicago de 1933, donde su audiencia acumulada fue de 3.000.000; Baird estaba muy involucrado en esta producción, al igual que Rufus y Margo Rose. Los tres abandonaron su estudio de ese año para iniciar una nueva misma. Sarg no innovó tanto como estudios de títeres en competencia, y sus fortunas económicas se redujeron como otros han ganado muchos seguidores, sino que a la vez fue a la quiebra, y la montó en su última producción, en 1939. A mediados de febrero de 1942, Sarg tuvo cirugía para una ruptura de apéndice, y murió tres semanas después de las complicaciones derivadas del mismo.

MAX FLEISCHER Max Fleischer (Cracovia, 19 de julio de 1883 – Los Ángeles, 11 de septiembre de 1972) fue uno de los pioneros en la creación de dibujos animados. Es el creador de Betty Boop y Koko el payaso, y quien llevara al cine a Popeye y al Superman animado. También se encargó de realizar unas cuantas innovaciones tecnológicas. Fleischer tuvo la idea de usar fotogramas de cine capturados de la realidad para usarlos como referencia al dibujar animación, y así patentó la rotoscopia en 1917. Usó esta técnica junto a su hermano Dave en su primer cartoon en 1915. En 1919 estableció los 'Fleischer Studios' para producir dibujos animados y cortometrajes. Inventó el rotógrafo para agregar dibujos animados en películas reales. En uno de sus films de Koko el payaso incorpora a un gatito real. Hizo los primeros dibujos animados con sonido de la historia en 1924 usando un proceso de sincronización de Lee De Forest. Aunque la compañía Disney se lo adjudica a su corto Steamboat Willie, que fue realizado años más tarde. Su hijo Richard Fleischer se dedicó al mundo de la dirección de cine.

WALTER LANTZ Walter Lantz nació como Walter Benjamin Lanza el 27 de abril de 1899 en Nueva Rochelle en una familia de inmigrantes italianos, sus padres fueron Francesco Paolo Lanza y Maria Gervasi (luego Jarvis), quien era de Calitri, Italia. Tuvo un temprano interés por el arte, completando unas clases de dibujo por correspondencia a los doce años. El primer corto animado que vio el futuro Lantz fue Gertie the Dinosaur (Gertie, el dinosaurio) de Winsor McCay. Probablemente, este trabajo fílmico lo inspiró a dedicarse a la animación. Mientras trabajaba como mecánico, Lantz tuvo su primer acercamiento al mundo del arte. A uno de sus clientes, Fred Kafka, le gustaron los dibujos que tenía en el garaje. Comenzó a estudiar en el New York City's Art Students League. Kafka además le consiguió un nuevo trabajo, como repartidor en el New York American, su dueño era William Randolph Hearst. Cuando terminó de trabajar en el periódico, se dedicó a la escuela de arte. A la edad de dieciséis años, Lantz trabajaba tras la cámara en el departamento de animación bajo la supervisión del director Gregory La Cava. Lantz luego comenzó a trabajar en los John R. Bray Studios en Nueva York para la serie Colonel Heeza Liar. En 1924, Lantz comienza a ganar importancia en el estudio y dirige, anima e incluso protagoniza su primera serie de dibujos animados, Dinky Doodle. En 1927 se muda a Hollywood, California donde trabaja para el director Frank Capra y luego como escritor de bromas para las comedias de Mack Sennett. En 1928, Lantz es contratado por Charles B. Mintz para dirigir la serie animada Oswald the Lucky Rabbit de Universal. A principios de ese año, Mintz y su cuñado George Winkler habían arrebatado al personaje de su creador original, Walt Disney. El presidente de Universal, Carl 40

Laemmle, no se sintió satisfecho por el producto de Mintz y Winkler, y los despide, Universal se dedicaría a hacer la serie por su cuenta. Mientras hablaba con Laemmle, Lantz apuesta que si le gana al productor en un juego de póker el personaje sería de él. Lantz gana y Oswald se convirtió en su personaje. Mientras Lantz comenzaba un nuevo estudio de animación, elige a un animador de Nueva York, Bill Nolan, para que lo ayude a crear la serie. La credencial de Nolan incluía el crear los fondos como panorama y haber hecho una nueva versión del gato Félix. En septiembre de 1929, Lantz finalmente termina su dibujo animado, Race Riot. En 1935, Lantz trabajaba como productor independiente, suministrando dibujos animados a Universal en vez de solo supervisar el departamento de animación. En 1940, comienza a negociar los derechos de personajes con los que trabajó. Cuando Oswald perdió popularidad, Lantz decidió que necesitaba un nuevo personaje. Meany, Miny y Moe, Baby-Face Mouse y Snuffy Skunk eran algunos de los personajes creados por Lantz y sus empleados. Sin embargo, uno de sus personajes, Andy Panda, pudo sobresalir del resto y se convirtió en el protagonista de los dibujos animados de Lantz para la temporada 1939-1940. En 1940 Lantz se casó con Grace Stafford. En su luna de miel, la pareja escuchaba un pájaro carpintero que golpeaba repetidamente el techo. Grace le sugirió a Walter utilizar el pájaro como inspiración para un nuevo personaje. Le hizo caso, pero dudoso sobre el resultado, Lantz hizo la primera aparición del Pájaro Loco en un episodio llamado “Knock Knock” protagonizado por Andy Panda. Mel Blanc hizo la voz del personaje durante los tres primeros episodios. Cuando Blanc aceptó un contrato de tiempo completo con Leon Schlesinger Productions/Warner Bros. Y dejó el estudio de Lantz, el cómico Ben Hardaway, quien ayudó en la creación de Knock Knock, se dedicó a hacer la voz. Aun así, la voz de Blanc fue usada en otros dibujos animados del personaje. Durante 1948, el estudio de Lantz tuvo una nominación al premio Óscar debido a la canción “The Woody Woodpecker Song”, en la que aparecía la voz de Blanc. Mel Blanc demandó a Lantz por medio millón de dólares, argumentando que Lantz usó su voz en varios dibujos animados sin su permiso. El juez, sin embargo, estuvo del lado de Lantz, ya que Blanc no registró su voz ni sus contribuciones. Aunque Lantz ganó el caso, le pagó a Blanc el dinero en un acuerdo realizado fuera de la corte, y fue en busca de otra voz para el Pájaro Loco.

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1950, Lantz hizo audiciones anónimas. Grace, esposa de Lantz, le ofreció hacer la voz del Pájaro Loco; sin embargo, Lantz no aceptó ya que era un personaje masculino. Sin rendirse, Grace secretamente hizo la audición y mandó su cinta anónima para que la oyeran. Sin saber que era la voz de su esposa, Lantz la eligió para hacer al personaje. Grace hizo la voz del Pájaro Loco hasta que Lantz dejó de crear dibujos animados de él. Al principio, Grace no quería aparecer en los créditos, ya que no quería que los niños supieran que la voz del Pájaro Loco era hecha por una mujer. Sin embargo, disfrutó ser conocida como la voz del personaje y su nombre apareció en pantalla. La generación que vio esos dibujos animados conoció y quiso a Lantz como el creador del Pájaro Loco. Hizo varias apariciones donde explicaba cómo era el proceso de la animación. Para muchos era la primera vez que veían como se creaban los dibujos animados. La misma generación lo vio entreteniendo a las tropas en la Guerra de Vietnam y visitando a los veteranos hospitalizados. RETIRO El estudio de Walter Lantz fue cerrado en 1972. Fue uno de los últimos estudios que hizo dibujos animados clásicos. En su retiro Lantz siguió administrando los trabajos del estudio con repeticiones de estos. Incluso continuó dibujando y pintando al Pájaro Loco, estos trabajos se vendieron rápidamente. También trabajó con Little League y otros grupos juveniles similares. En 1982, Lantz donó diecisiete artefactos al Museo Nacional de Historia Americana, incluyendo el modelo de madera utilizado en el debut del Pájaro Loco en 1941. Walter Lantz murió en el centro médico de St. Joseph en Burbank, California de una insuficiencia cardíaca el 22 de marzo de 1994, a la edad de 94 años.

WALT DISNEY Walter Elias Disney (Chicago, Illinois, 5 de diciembre de 1901 — Burbank, California, 15 de diciembre de 1966) fue un productor, director, guionista y animador estadounidense. Figura capital del cine de animación en los Estados Unidos y en todo el mundo, es considerado un icono internacional gracias a su influencia y sus importantes contribuciones a la industria del entretenimiento estadounidense durante gran parte del siglo XX. Fundó junto a su hermano Roy O. Disney la compañía Walt Disney Productions, que años después se convirtió en la más célebre productora del campo de la animación y en la actualidad es la mayor compañía de medios de comunicación y entretenimiento del mundo. Esta corporación, que se conoce hoy con el nombre de The Walt Disney Company, obtuvo solo en el año 2010 unos beneficios de 36.000 millones de dólares. En su faceta de animador y empresario, Disney adquirió renombre como productor de cine, como innovador en el campo de la animación y como diseñador de parques de atracciones. Junto a su equipo creó algunos de los personajes de animación más famosos, en especial Mickey Mouse, una caricatura de ratón a la que el propio Disney prestó su voz originalmente. Durante su extensa y exitosa carrera en el cine de animación fue galardonado con 22 premios Óscar de un total de 59 nominaciones y recibió cuatro premios de la Academia honoríficos, lo que lo convierte en la persona que más premios de este tipo ha ganado en toda la historia. También ganó siete premios Emmy. Walt Disney murió el 15 de diciembre de 1966 a causa de un cáncer de pulmón.

BERTHOLD BARTOSH Berthold Bartosch (29 diciembre 1893 a 13 noviembre 1968) fue un director de cine, nacido en Bohemia región de AustriaHungría (ahora parte de la República Checa ). Se trasladó a Berlín en 1920 y colaboró con Lotte Reiniger en sus papel silueta animaciones:    

El Ornamento del Corazón Amoroso La batalla de Skagerrak Las aventuras del príncipe Achmed Doctor Dolittle

En 1930 se trasladó a Bartosch París y creó la película de 30 minutos titulado L'idee ( La Idea ) a la que es más recordado por. La película se describe como el primer trabajo serio, poética, trágica en la animación. Los personajes de la película y telones de fondo se componen de varias capas de diferentes tipos de papel a partir de semitransparente a grueso cartón . Los efectos especiales como halos , el humo y la niebla se hicieron con espuma propagación en placas de vidrio y encendidos de detrás. Bartosch basa la película en una novela sin palabras de grabados en madera por Frans Masereel , La Idea (1920). L'idee, cuando se lanzó en 1933, contó con una puntuación por el compositor Arthur Honegger , incluyendo un Martenot ondes , que se cree que es el primer uso de un instrumento musical electrónico en la historia del cine. Al año siguiente, Franz Waxman score 's para Liliom (1934) utilizó un theremin . De 1935 a 1939, trabajó en Bartosch una película anti-guerra, St. Francis o pesadilla y Dreams. Cuando los nazis invadieron París, él depositó la película en la Cinemateca Francesa . La película fue destruida durante la ocupación nazi, y existen sólo unas pocas imágenes fijas. En 1948, pasó un año trabajando para la UNESCO en París tutoría George Dunning , un animador nacido en Londres, conocido por su relación con los Beatles película de animación 's, Yellow Submarine.

BILL NOLAN Bill Nolan William Charles Nolan o Bill Nolan (18941956) fue un pionero de la animación La Edad silenciosa de animación y La edad de oro de la animación. Fue uno de los mejores animadores de la Era Silenciosa, capaces de convertir a un récord de 500 dibujos al día, una hazaña sólo superado por el animador Ub Iwerks . Bill era importante que él era un pionero del estilo del arte rubberhose que definió clásica de animación-el origen de la misma se inició en 1924, cuando se trabaja en Felix el Gato con Otto Messmer , que decidió rediseñar Felix en un diseño más suave, más curvas que antes, no sólo para hacer más fácil para que la animación se superponga y ser más suave, pero también hacer la animación una carga menor para los trabajadores. Por lo tanto, él es el padre de las extremidades Rubberhose . Nolan también descubrió que si una pintura de fondo de largo se deslizó bajo un personaje correr en su lugar, le dio la ilusión de una cámara pan , por lo tanto él el inventor de la toma de fondo del cruzado . El Sr. Nolan también hizo un raro libro de instrucción sobre cómo dibujar personajes de cómic de prensa, que se puede encontrar aquí , cortesía deRecursos de Animación . A mediados de la década de 1910, Nolan floreció como director en Nueva York, trabajando para los medios maverick William Hearst en sus servicios internacionales de cine de animación de Krazy Kat. Conseguir un trabajo en Bray Studios de John Randolph, Nolan firmó la serie animada Gamberro feliz hasta 1921. Desde 1923-1925, Nolan trabajó en el popular Felix the Cat serie, unir fuerzas a finales de 1925 con Charles Mintz para dirigir una nueva Krazy Kat serie hasta 1927.En 1927, Nolan lanzó su propia serie independiente, un dibujo animado llamado Newslaffs que era un noticiero humorístico que fue exhibida en los cines. Trabajó con Lantz en la Oswald el conejo afortunado serie, así como la feliz vieja alma en 1933. Después de salir en 1935 para trabajar con otros estudios que Walter Lantz , Nolan encontró en Harman-Ising, donde trabajó para MGM trabajando en The Captain y el kit. Más tarde, se fue a los estudios Fleischer en Miami para trabajar en Popeyes, Edad de Piedra y viajes de Guilliver que fue lanzado en 1939. Último trabajo de Nolan estaba en el Reino Pictures International Francis la mula Hablar series función, trabajando como asesor técnico. Murió en la cirugía a la edad de 60 años en el Hospital de Veteranos en Sawtelle, California.

CHUCK JONES Charles Martin "Chuck" Jones (Spokane (Washington), 21 de septiembre de 1912 – Corona del Mar (California), 22 de febrero de 2002) fue un animador, caricaturista, guionista, productor y director estadounidense, Siendo su trabajo más importante los cortometrajes de LooneyTunes yMerrie Melodies del estudio de animación de Warner Brothers. Entre los personajes que ayudó a crear en el estudio se encuentran El Coyote y el Correcaminos, Pepe Le Pew y Marvin el Marciano. Tras su salida de Warner Bros. en 1962, fundó el estudio de animación Sib Tower 12 Productions, con el que produjo cortometrajes para Metro-Goldwyn-Mayer, incluyendo una nueva serie de Tom y Jerry y el especial de televisión El Grinch: el Cuento Animado. Jones obtuvo un premio Óscar por su cortometraje The Dot and the Line (1965) y otro honorífico por su labor en la industria cinematográfica.

FRIZ FRELENG Isadore "Friz" Freleng (21 de agosto de 1906 –26 de mayo de 1995) fue un animador, caricaturista, director y productor estadounidense conocido por su trabajo en las series animadas de Warner Bros. Como Looney Tunes y Merrie Melodies. Introdujo varias de las estrellas más importantes del estudio, como Porky Pig, Piolín, El gato Silvestre, Sam Bigotes y Speedy Gonzales. Fue el director del estudio Termite Terrace de Warner, incluso se convirtió en el más premiado de los directores, ganando cuatro premios Oscar. Luego que Warner cerrara su estudio de animación en 1963, Freleng y su compañero David DePatie fundaron DePatieFreleng Enterprises, que producía dibujos animados, créditos de películas, y series animadas en los años 1980. Freleng nació en Kansas, Misuri, donde comenzó su carrera como animador en Walt Disney Pictures. Trabajó junto a otros animadores, como Carmen Maxwell, Ub Iwerks, Hugh Harman y Rudy Ising. Freleng acompañó a Disney a Hollywood, California, donde trabajaron en las series Alice Comedies y Oswald the Lucky Rabbit para los productores Margaret Winkler y Charles Mintz. Freleng pronto se unió a Harman e Ising para crear su propio estudio. El trío produjo un dibujo animado protagonizado por un personaje parecido a Mickey Mouse llamado Bosko. Al ver un posible desempleo si el dibujo animado no llamaba la atención, Freleng se mudó a Nueva York para trabajar en Krazy Kat de Mintz, mientras seguía tratando de vender la creación de Harman e Ising. Bosko fue finalmente vendido a Leon Schlesinger, quien le aseguró a Harman e Ising que Bosko protagonizaría la serie Looney Tunes que estaba produciendo para Warner Bros. Freleng se mudó a California para trabajar con Harman e Ising nuevamente.

OSKAR FISCHINGER Oskar Fischinger (22 de junio de 1900 - † 31 de enero de 1967) fue un pintor, animador y realizador de cine alemán. Sus obras se caracterizan por ser abstractas, donde combina la geometría con la música. En la Alemania de Hitler se lo consideró a su arte degenerado, y así se exilió a Estados Unidos, llegando a Hollywood en febrero de 1936. Todo intento de Fischinger de filmar en Estados Unidos fue dificultoso. Compuso un Poema óptico para "La segunda rapsodia húngara" de Liszt (de MGM) pero no recibió beneficio alguno. Realizó una escena para la película de Disney Fantasía, pero fue eliminada del montaje final. Frustradas sus intenciones como animador (a pesar de que hizo más de 50 cortos) Fischinger se volvió cada vez más un pintor al óleo.

Bob Clampett Robert Emerson "Bob" Clampett (8 de mayo de 1913 – 4 de mayo de 1984) fue un animador, productor, director de cine y titiritero estadounidense conocido por su trabajo en la serie animada Looney Tunes de Warner Bros. y el programa de televisión Time for Beany

Inicios Clampett mostró un interés por la animación y los títeres cuando era joven, mientras vivía en Los Ángeles. Clampett diseñó los primeros muñecos de Mickey Mouse para Walt Disney. Como afirmaría Clampett en algunas entrevistas posteriores, Disney quedó impresionado con el talento del artista, y le ofreció un trabajo. Sin embargo, la falta de cupos en la pequeña empresa de Disney no permitieron esto. Aun así, consiguió trabajo en el estudio de Hugh Harman y Rudolf Ising en 1931 donde trabajó en las series Looney Tunes y Merrie Melodies. En su primer año en el estudio, Clampett trabajó para Friz Freleng la mayoría de las veces, bajo sus enseñanzas Clampett aprendió lo necesario sobre animación. En 1935, diseñó la principal estrella del estudio, Porky, quien apareció en el cortometraje de Freleng I Haven't Got a Hat. "Termite Terrace" Clampett estuvo bajo el mando de Tex Avery ese mismo año, y los dos crearon un estilo de animación diferente, que destacaría a Warner Bros. de sus competidores. Trabajando en un edificio de madera aparte del resto de los animadores, Avery y Clampett descubrieron que no eran los únicos en el edificio. Compartían además el lugar junto a un gran número de termitas. Nombraron al edificio Termite Terrace, nombre utilizado por fanáticos e historiadores para referirse al estudio. Se unieron animadores como Chuck Jones, Virgil Ross y Sid Sutherland, y trabajaron prácticamente sin interferencias durante ese año en su nuevo estilo de humor. Clampett pidió a Leon Schlesinger una oportunidad para trabajar como director, Schlesinger le

asignó una secuencia para la película de Joe E. Brown What's Your Birthday? (1937), animando los signos del zodiaco. Esto permitió que Clampett y Chuck Jones dirigieran en conjunto para Ub Iwerks, haciendo varios cortometrajes de Porky. En estos cortos apareció por primera vez Gabby Goat, compañero de Porky. A pesar de las contribuciones de Jones y Clampett, solo Iwerks fue acreditado como director. Clampett fue promovido a director en 1937, y entró en su propia era dorada. Sus dibujos animados se volvieron más violentos, irreverentes y surrealistas, sus personajes se convirtieron en los más alocados de los creados por directores de Warner. Clampett fue influenciado por el artista Salvador Dalí, esto es demostrado en el cortometraje Porky in Wackyland (1938), donde la historia toma lugar en un escenario basado en obras del pintor, con objetos derretidos y formas abstractas. Durante los próximos nueve años, Clampett creó algunos de los dibujos animados más populares del estudio, como Porky in Wackyland (1938), Bugs Bunny Gets the Boid (1942), A Tale of Two Kitties (debut de Piolín), Coal Black and de Sebben Dwarfs (1943), Russian Rhapsody (1944), The Great Piggy Bank Robbery (1946) y The Big Snooze (1946), su último cortometraje para el estudio. La influencia de Clampett permitió que Warner se diferenciara de Disney y siguiera el camino que los ha distinguido desde entonces.

Carrera posterior Clampett trabajó por un tiempo en Screen Gems como escritor, pero en 1949, se dedicó a la televisión donde creó su programa de marionetas Time for Beany. El programa ganó tres premios Emmy y tuvo entre sus fanáticos a Groucho Marx y Albert Einstein. A fines de los años 1950, Clampett fue contratado por Associated Artists Productions para catalogar los dibujos animados de Warner que habían adquirido. En 1952 creó la serie de televisión Thunderbolt and Wondercolt, y en 1954 dirigió Willy The Wolf, además creó e hizo la voz de un personaje en el programa Buffalo Billy. En 1959, creó una versión animada del programa titulada Beany and Cecil, que fue emitido por ABC en 1962 y estuvo al aire durante los próximos cinco años. En los años posteriores, Clampett participó en campus universitarios y festivales de animación donde habló sobre la historia de la animación. En 1975 fue la figura central de un documental titulado Bugs Bunny: Superstar, el primer documental en examinar seriamente la historia de los dibujos animados de Warner Bros. La colección de Clampett, dibujos cortometrajes, pertenencias de personajes famosos, entre otros, sirvieron para ilustrar el documental.Bob Clampett murió de un ataque cardíaco el 4 de mayo de 1984, a cuatro días de su cumpleaños número 71.

Shamus Culhane James "Shamus" Culhane (1908 1996) fue un animador, director y productor de cine estadounidense. Trabajó para numerosos estudios de animación, incluyendo Fleischer Studios, el de Ub Iwerks, Walt Disney Productions y Walter Lantz Studio. Mientras estaba en Disney, fue uno de los principales animadores de Blancanieves y los siete enanitos, trabajando en una de las escenas más famosas de la película: la animación de los enanos marchando al ritmo de la canción "Heigh-Ho". Culhane completó la escena tras seis meses de trabajo junto a sus asistentes. Tiempo después, Culhane trabajó como director para Lantz, donde hizo el clásico de 1994 del Pájaro Loco, The Barber of Seville. A finales de los años 40, fundó Shamus Culhane Productions, una de las primeras compañías que creaban comerciales animados para televisión. Shamus Culhane Productions fue cerrada en los años 60, en este tiempo Culhane se transformó en la cabeza del sucesor de Fleischer Studios, Famous Studios. Dejó el estudio en 1967. Culhane escribió dos libros sobre animación: el texto de guía Animation from Script to Screen, y su autobiografía Talking Animals and Other People. Debido a que Culhane trabajó para un gran número de estudios de animación, su autobiografía entrega una amplia descripción sobre la industria de la animación estadounidense.

Ub Iwerks Ubbe Ert Iwwerks, conocido como Ub Iwerks (Kansas City, Misuri, 24 de marzo de 1901 – Burbank, California, 7 de julio de 1971) fue un animador estadounidense, famoso por su trabajo con Walt Disney. Su familia procedía de Frisia Oriental, en la Baja Sajonia (Alemania). Su padre, Eert Ubbe Iwwerks, había emigrado a Estados Unidos en 1869. Iwwerks cambió su nombre verdadero ("Ubbe Ert Iwwerks", que sonaba extraño en Estados Unidos) por el más sencillo de Ub Iwerks, con el que es conocido. Conoció a Disney cuando ambos trabajaban para Pesman-Rubin Comercial Art Studio, de Kansas City, en 1919, y trabajó con él ininterrumpidamente hasta 1930. En 1920 fundaron una compañía llamada "Iwerks-Disney Commercial Artists", que no tuvo éxito. Más tarde, ambos trabajaron para Kansas City Film Ad. Cuando en 1922 Disney fundó una nueva empresa, Laugh-O-Gram Films, Inc., dedicada ya enteramente a la animación, Iwerks le siguió. Igualmente fue tras él cuando Disney se trasladó a Hollywood y fundó el Disney Brother's Studio, en 1923. De hecho, tuvo un papel fundamental en el desarrollo del estilo característico de los primeros cortos de Disney. Animó los primeros dibujos animados de Mickey Mouse (se discute si la idea del personaje fue suya o de Disney, a quien se le atribuye oficialmente), y dirigió las primeras entregas de la serie "Silly Symphonies". Sin embargo, rompió con Disney en 1930, cuando el productor Pat Powers le ofreció financiarle unos estudios propios. El Iwerks Studio abrió sus puertas en 1930. El primer personaje creado por él fue la rana Flip ("Flip the Frog"), personaje muy semejante a Mickey Mouse (aunque, por supuesto, tratándose de una rana, carecía de orejas y hocico). Flip protagonizó 36 cortometrajes, pero no consiguió el éxito previsto por Iwerks y por su patrocinador. Uno de los cortometrajes, Fiddlesticks, utilizó por primera vez la técnica de Technicolor. En 1933, Iwerks dio a luz a un nuevo personaje, "Willie Whopper", un niño travieso cuya vida cinematográfica no pasó del año. El estudio realizó también la serie "ComiColor Cartoons", al estilo de las "Silly Symphonies" de Disney, en la que

se utilizaba la nueva técnica de CineColor. En 1936, sin embargo, ante el fracaso del estudio, incapaz de competir con Disney y con los hermanos Fleischer, Powers le privó de su respaldo económico y el estudio tuvo que cerrar. Entre 1936 y 1940, Iwerks trabajó para otros estudios de animación, como el Charles Mintz Screen Gems, de Charles A. Mintz, antiguo socio comercial de Disney. En 1937 dirigió para éste Merry Mannequins, que algunos consideran su mejor trabajo. En 1940, sin embargo, volvió a trabajar para Disney. Se dedicó a investigar nuevas técnicas de animación (participó en los efectos especiales usados en Canción del sur) e incluso en la tecnología de los parques de atracciones de Disney, durante los años 60. Por sus inventos obtuvo dos premios Oscar, en 1959 y 1964. Iwerks era conocido por la velocidad con que trabajaba. Se decía que era capaz de realizar más de 700 dibujos en un solo día. Murió de un infarto de miocardio en Burbank, California. El documental The Hand Behind the Mouse: The Ub Iwerks Story se estrenó en 1999, seguido de un libro escrito por Leslie Iwerks y John Kenworthy en 2001..

William Hanna William Denby Hanna (14 de julio de 1910 - 22 de marzo de 2001) fue un dibujante, director, animador y productor de cine y televisión estadounidense. Tras desempeñarse en varios trabajos esporádicos durante la crisis económica, se integró al estudio de animación Harman-Ising en 1930.Su participación en dibujos animados como Captain and the Kids le permitió obtener una mayor experiencia y notabilidad en la industria.En 1937, mientras trabajaba en Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), conoció a Joseph Barbera. Ambos comenzaron a colaborar conjuntamente, de lo que resultaron producciones como Tom y Jerry o algunas películas en imagen real. En 1957 fundaron HannaBarbera,que se convertiría en el estudio de animación televisiva más exitoso en esa época,al producir series como Los Picapiedra, The Huckleberry Hound Show, Los Supersónicos, ScoobyDoo, Los Pitufos, Don gato, Leoncio y Triston, Pepepotamo y Show del Oso Yogi. En 1967 Taft Broadcasting adquirió Hanna-Barbera por 12 millones USD, aunque sus creadores siguieron al frente de la compañía hasta 1991.En ese año Turner Broadcasting System compró la empresa, que se fusionó en 1996 con Time Warner, propietaria de Warner Bros.; Hanna y Barbera continuaron como asesores. El dúo ganó siete premios Óscar y ocho Emmy,y sus dibujos animados se convirtieron en íconos culturales: los protagonistas de estas series han aparecido en otros medios como películas, libros y juguetes.Los programas creados por Hanna-Barbera eran vistos por más de 300 millones de personas en la década de 1960, y han sido traducidos a más de 20 idiomas distintos.

Hanna- Barbera Hanna-Barbera Productions, Inc. fue un estudio de animación estadounidense. La compañía fue fundada en 1957 por los directores de Metro-Goldwyn-Mayer, William Hanna y Joseph Barbera, como H-B Enterprises, con la cual se dedicaron a la producción de comerciales de televisión. Después de que MGM cerrara su estudio de animación en 1957, H-B Enterprises se convirtió en el trabajo de tiempo completo de Hanna y Barbera. Ambos comenzaron a producir dibujos animados como The Ruff & Reddy Show y The Huckleberry Hound Show. Para los años 1960, ahora llamada Hanna-Barbera Productions, la compañía se había convertido en la productora líder de animación. Aunque ha sido criticado por sus limitadas técnicas de animación, Hanna-Barbera produjo exitosas series como Los Picapiedra, Los Supersónicos, Huckleberry Hound, El oso Yogi, Jonny Quest, y Scooby-Doo, los cuales se convirtieron en iconos de la cultura popular estadounidense. En 1992, la compañía fue comprada por Turner Broadcasting, con el objetivo de usar los cerca de 300 dibujos animados del estudio para su nuevo canal de televisión por cable llamado Cartoon Network. Rebautizado H-B Production Company en 1993, y Hanna-Barbera Cartoons en 1994, el estudio continuó sin el continuo apoyo de William Hanna o Joseph Barbera, quienes estaban retirados pero aún se mantenían como cabezas del estudio. A finales de los años 1990, Turner ordenó a Hanna-Barbera crear nuevas series animadas para Cartoon Network. En 1997, Time Warner, los actuales dueños del imperio Hanna-Barbera, cerraron el estudio ubicado en Cahuenga Boulevard en Hollywood y trasladaron a los empleados a Warner Bros. en Burbank. Con la muerte de Hanna en 2001, Hanna-Barbera estuvo absorto en Warner Bros. Animation, y Cartoon Network Studios asumió la producción de las series de Cartoon Network. El nombre Hanna-Barbera es utilizado hoy en día sólo para promocionar series "clásicas", como Los Picapiedra y Scooby-Doo.

Frederick Bean Avery Frederick Bean Avery (conocido como Tex Avery o Fred Avery) (26 de febrero de 1908 - 26 de agosto de 1980) fue un animador, dibujante, y director estadounidense, famoso por producir dibujos animados durante la edad de oro de Hollywood. Hizo su trabajo más significativo para la Warner Bros. y los estudios de Metro Goldwyn Mayer, creando o desarrollando plenamente los personajes del Pato Lucas, Bugs Bunny, Droopy, Lobo McLobo, Screwball Squirrel, Porky y a Chilly Willy. Su influencia se extiende a casi todos los estudios desde los años 40 y 50 hasta la actualidad. El estilo de Avery rompió el molde del realismo establecido por Walt Disney, y alentó a los animadores a llegar al límite del medio para hacer cosas en animación que no se podían hacer en las películas con actores. Avery solía decir: “en animación puedes hacer cualquier cosa”, y sus trabajos hicieron eso muy a menudo.

JOHN HUBLEY John Hubley (21 mayo 1914 hasta 21 febrero 1977) era un americano director de animación , director de arte , productor y escritor de animación tradicional películas conocidas tanto por su experimentación formal y por su realismo emocional que se deriva de su tendencia a emitir sus propios hijos como actores de voz en sus películas. Hubley nació en Marinette , Wisconsin . En 1935, obtuvo un trabajo como un fondo y diseñador en Disney , donde trabajó en películas clásicas como Blanca Nieves y los siete enanitos , Pinocho , Dumbo y Bambi , así como " La consagración de la primavera "segmento de Fantasia . El 25 de febrero de 1939, el famoso arquitecto Frank Lloyd Wright visitó el estudio, y trajo con él una copia de la película de animación rusa El cuento del Zar Durandai (1934), dirigida por Ivan Ivanov-Vano , que mostró a los artistas , entre ellos Hubley. Wright cree que la diferencia de estilo y diseño, que era muy diferente de la típica animación de Disney, inspirarían y dar a los animadores de las nuevas ideas. Hubley gustó lo que vio y fue influenciado por él. Salió de la empresa durante la huelga de Disney animadores en 1941, y encontró trabajo a dirigir películas para Screen Gems y del Ejército Unidad Primera película hasta que se unió a United Productions of America , que fue fundada por Stephen Bosustow , Zack Schwartz, Dave Hilberman y ex animador de Disney Ub Iwerks . UPA pronto se hizo conocido por sus diseños muy estilizados y animación limitada . En 1949 él fue el creador del Sr. Magoo personaje de dibujos animados, en base a un tío, y dirigió el primer dibujo animado Magoo con Jim Backus expresar Magoo.

Se vio obligado a salir de UPA en 1952 cuando se negó a dar nombres antes de que el Comité de la Cámara de Actividades Antiamericanas . Fundó Storyboard Studios el próximo año y trabajó en comerciales (en la que no se le hubiera acreditado), tales como la creación de la Marky Maypo carácter, pero se vio obligado a rechazar los proyectos más interesantes (como una adaptación del valle del arco iris ), porque su nombre todavía estaba en la lista negra. Se trasladó su estudio a Nueva York en 1955, donde se pasó a la producción de cortometrajes independientes. Hubley fue originalmente el director de Watership Down , hasta su muerte, lo que causó el productor Martin Rosen a tomar el relevo. Algunas de sus obras, incluyendo la secuencia de apertura, permanecen en la versión final. Se casó con Faith Elliott (16 septiembre 1924-7 diciembre 2001) el mismo año que la medida del estudio, y colaboró en casi todas las películas que hizo hasta su muerte en 1977 a los 62 años, durante una cirugía de corazón ; su producción final fue un Doonesbury Especial (con el creador Garry Trudeau ), que se emitió en la NBC en noviembre de ese año. Fe y sus cuatro hijos llevan su legado en el renombrado Hubley Studios. Hubley sobreviven sus hijas Georgia Hubley , quien toca la batería y canta para la banda de rock, Yo La Tengo , así como Emily Hubley , un cineasta y animador, que ha realizado numerosos cortometrajes, incluyendo inserciones y segmentos animados para documentales como Azul Vinilo y la versión cinematográfica de Hedwig y the Angry Inch , y una característica llamada The Toe Tactic (www.thetoetactic.com) que combina acción en vivo y animación. Sus otros dos hijos con Faith Hubley fueron Mark y Ray Hubley, cuyas voces fueron utilizados para el premio de la Academia al Mejor cortometraje de animación ganador Moonbird . Los niños con Claudia Ross son hijo Mark Ross Hubley animador segunda generación consumado, nieto Miles Hubley director de cine y editor. Hijas Anne Hubley Ricchiuti y Susan Blakely Hubley.

Joseph Barbera Joseph Roland "Joe" Barbera (24 de marzo de 1911 - 18 de diciembre de 2006) fue un animador, creador de storyboards, director y productor estadounidense. Cofundó junto a William Hanna el estudio de animación Hanna-Barbera (luego absorbido por Warner Bros. Animation y convertido en Cartoon Network Studios tras la muerte de Hanna en 2001). El estudio creó dibujos animados los cuales obtuvieron mucha popularidad, tales como Tom y Jerry, The Huckleberry Hound Show, Los Picapiedra, Los Supersónicos y Scooby-Doo. Hanna y Barbera ganaron siete premios Óscar y ocho premios Emmy. Sus personajes se han convertido en íconos de la cultura popular y han aparecido en otros medios como películas, libros y juguetes. Las series de televisión creadas por el estudio han sido traducidas a más de 20 idiomas.

Ray Harryhausen Ray Harryhausen (Raymond Frederick Harryhausen: Los Ángeles, 29 de junio de 1920 Londres, 7 de mayo de 2013) fue un técnico en efectos especiales y productor cinematográfico estadounidense. Era especialmente conocido por su estilo en la técnica de animación stop motion. Algunos de sus más notables trabajos son El gran gorila en 1949 (junto a Willis O'Brien, película que obtuvo un Óscar a los mejores efectos visuales), Simbad y la princesa en 1958 (su primera película en color), Jasón y los argonautas en 1963 y Furia de titanes en 1981. Falleció el 7 de mayo de 2013 en Londres, a los 92 años.

Jules Engel Jules Engel (9 de marzo de 1909, Budapest - † 6 de septiembre de 2003, Simi Valley, California) fue un dibujante y animador estadounidense de origen húngaro. Sus obras son en general abstractas, coreografías de figuras geométricas en movimiento. Con sus propias palabras: I have concentrated, with particular emphasis, upon the development of a visually inspired, dynamic language, demonstrating that pure graphic choreography is capable of non-verbal truth. I have chosen to convey ideas and fellings through movements, visually formed by lines, squares, spots, circles and varieties of colors.1 Compositores de música han visto un trabajo similar al musical en sus composiciones visuales. Diseñó la coreografía de danzas de hongos chinas y rusas en la película de Disney FANTASÍA, donde fue reprochado por usar el fondo negro, algo inadmisible en dicha compañía. En Disney conoció al animador Oskar Fischinger, quien adoraba sus pinturas. Engel fue uno de los animadores que abandonaron las grandes compañías y se unieron para formar la United Productions of America (UPA). Allí trabajó en cartoons como Gerald McBoing Boing. Luego de la UPA fundó Format Films. A finales de los años sesenta comienzó a realizar su propia animación experimental. Además hizo varios documentales sobre otros artistas. En paralelo a su obra de animación, Engel fue un pintor prolífico. Pintaba al óleo, hacía litografías, y además utilizaba otros medios. Vivió un tiempo en París, donde se llevaba bien con artistas como Man Ray. Fue el fundador del programa de animación experimental en el instituto de Arte de California Cal Arts. Allí tuvo como alumnos a importantes animadores de la actualidad 61

Norman McLaren Norman McLaren (Stirling, Escocia, 11 de abril de 1914 - Montreal, Canadá, 27 de enero de 1987) fue un animador y director de cine canadiense de origen escocés reconocido por sus trabajos en el National Film Board of Canada. Estudió diseño en la escuela de arte de Glasgow, donde comenzó a experimentar con el cine y la animación. Luego de terminar sus estudios realizó algunas películas en Londres. McLaren se mudó a Nueva York en 1939, al tiempo que comenzaba la Segunda Guerra Mundial. En 1941 fue invitado a Canadá a trabajar para el National Film Board, abrir un estudio de animación y enseñar a animadores canadienses. Fue allí donde McLaren creó su film más famoso, Neighbours (1952), el cual ganó innumerables premios en todo el mundo incluidos el Canadian Film Award y el Academy Award. Además de la brillante combinación de imágenes y sonidos, el film tiene un fuerte mensaje social y de crítica contra la violencia y la guerra. McLaren es famoso por sus experimentos con la imagen y el sonido, al dibujar directamente sobre la película, incluso la banda sonora.

PETER FOLDES Budapest, nacido Peter Foldes (1924-1977) fue uno de una serie de artistas húngaros (otro era el compositor de la película Mátyás Seiber) que terminaron el trabajo con su compatriota John Halas en las películas de animación de este último después de que se trasladó a Gran Bretaña en 1946. Después de salir de Halas, Foldes hizo una serie de películas de animación en colaboración con su esposa Joan británico (n. 1924), comenzando por el Génesis alegórica Animated (1952), un examen más detallado (1953) y Una visión a corto (1956).

Una visión corta se convirtió en una de las películas de animación británicos más influyentes que se han hecho, cuando se proyectó en la televisión de EE.UU. como parte del popular show de Ed Sullivan . Aunque se recomienda a los niños a salir de la habitación mientras jugaba, todavía causó indignación y alarma con la representación gráfica de los horrores de la guerra nuclear. En la película, las criaturas salvajes huyen despavoridas como un extraño misil vuela por encima. A su paso por la ciudad dormida, los líderes del mundo y los hombres sabios miran hacia arriba. El misil explota, destruyendo seres humanos, los animales salvajes y de la propia Tierra. Me llamó el estado de ánimo de los tiempos, desde mediados de la década de 1950 fue la altura tanto de la Guerra Fría y la paranoia nuclear. Foldes más tarde se trasladó a París, donde se convirtió en uno de los pioneros de la animación por ordenador. En la década de 1960, trabajó para el Servicio de Investigación de la ORTF . Es uno de los pioneros de la animación por ordenador con su película Hunger , que recibió el Premio del Jurado en la categoría de "corto" al Festival de Cine de Cannes y una nominación al Premio de la Academia.

HEINZ EDELMANN Heinz Edelmann (Ústí nad Labem, Checoslovaquia, 20 de junio de 1934 - Stuttgart, Alemania, 21 de julio de 2009)1 fue un ilustrador y diseñador alemán. Reconocido principalmente por ser el director artístico y diseñador de personajes del film de 1968, Yellow Submarine , dónde aparecían los miembros del grupo musical The Beatles en una visión psicodélica y animada. También diseñó a Curro, la mascota de la Exposición Universal de Sevilla 1992.

Jiri Trnka (Pilsen, 1912 - Praga, 1969) Dibujante y director cinematográfico checoslovaco. Como sus abuelos eran tallistas de madera, Trnka aprendió el arte de fabricar marionetas cuando sólo contaba nueve años de edad. Semejante destreza llamó la atención de un maestro en esta materia, Josef Skupa, director del teatro de marionetas de Pilsen. Aunque la relación con Skupa se prolongó mientras duraron sus estudios de bachillerato, Trnka decidió abandonar por un tiempo los títeres y dedicarse a la pintura, y para ello ingresó en la Escuela de Artes y Oficios de Praga. Su talento como dibujante pronto le dio la pauta de lo que iba a ser su profesión: dibujante de cómics, pintor, figurinista en el Teatro Nacional de Praga y, finalmente, ilustrador de libros. De hecho, se casó con la escritora de cuentos infantiles Helena Chvojková, cuyos libros aparecieron publicados con dibujos de Trnka. Durante la Segunda Guerra Mundial ilustró numerosos textos infantiles que, luego, una vez concluida la contienda, le dieron el prestigio suficiente para ingresar en el Estudio Oficial de Animación que inauguraron Jiri Brdecka, Stanislav Látal, Eduard Hofman y Jan Kadar. El equipo de Trnka estaba formado por doce animadores, algunos de los cuales habían estudiado, como él, en la Escuela de Artes y Oficios, y compartían su inclinación por el teatro de marionetas. Con esa complicidad, se comprometieron en el desarrollo de un cine de animación muy peculiar, usando muñecos animados fotograma a fotograma, tan meticuloso en su desarrollo que pronto ganó renombre internacional. Por otro lado, a diferencia de Walt Disney, Trnka no se limitó a contenidos infantiles y recurrió a la sátira social y política en algunos de sus argumentos. Premiado en numerosos festivales, el cine de este marionetista y dibujante destaca por títulos como Viejas leyendas checas (1953), El bravo soldado Sveik (1955) y El sueño de una noche de verano (1958). La labor de Trnka en este difícil género de la animación fue continuada, tras su muerte, por su asistente Bretislav Pojar y por los prestigiosos animadores Lubomir Benes, Hermina Tyrlova y Jana Olexova.

Manuel García Ferré (Almería, 8 de octubre de 1929 - Buenos Aires, 28 de marzo de 2013) fue un artista gráfico, historietista, au todidacta1 yanimador h ispano-argentino, radicado en Buenos Aires desde los 17 años. Su arte ha sido orientado plenamente a los niños, siendo el creador de famosos personajes infantiles, como Anteojito, Hijitu s, Larguirucho, Profeso r Neurus, Oaky, Petete y Calculín, entre muchos otros, así como de tiras animadas televisivas, largometrajes animados y la Revista Anteojito. A los 17 años, en 1947, emigró a la Argentina, donde trabajó en agencias de publicidad, mientras estudiaba en la facultad de Arquitectura de laUniversidad de Buenos Aires. En sus pocos momentos libres, recorría con su carpeta de dibujos bajo el brazo las redacciones de las revistas, así, en 1952 el personaje Pi-Pío, un pollito linyera, fue aceptado en la Revista Billiken,1 de Constancio Vigil. Pí-Pío -un pollito vestido como un cowboy- vivía en un pueblo llamado "Villa Leoncia", lugar donde aparecerían por primera vez otros personajes que se volverían famosos, Oaky e Hijitus. Durante más de 30 años editó la revista infantil Anteojito, tomando como imagen central al personaje de Anteojito, el que se había hecho popular con anterioridad, protagonizando una serie de dibujos animados publicitarios para la televisión. Durante varias décadas (1970-2000) las

revistasBilliken y Anteojito fueron las publicaciones dirigidas al público infantil con mayor circulación en Argentina. En 1967 estrenó en televisión la serie de dibujos animados Hijitus, que se transmitió diariamente por Canal 13 hasta 1974. Fue la primera serie televisiva de dibujos animados de la Argentina, y la más exitosa de América Latina en toda su historia. 2 García Ferré también creó una enciclopedia para niños y jóvenes ( El libro gordo de Petete), publicada en España y Argentina, y lanzó otras publicaciones a través de su agencia Producciones García Ferré (PGF), como la edición argentina de Muy Interesante o Ser padres hoy. El muñeco de peluche, Petete, apareció en la televisión con una joven presentadora, la modelo y actriz Gachi Ferrari. El programa mostraba a Petete, un pequeño pingüino, en un corto de 1 o 2 minutos presentando información que ilustraba la enciclopedia El libro gordo de Petete. El programa se transmitió entre 1970 y 1980 en Argentina Uruguay, Perú, Bolivia, Brasil, Chile, Venezuela, Colombia, Ecuador, México, Puerto Rico y España, donde compitió con el famoso Topo Gigio. A principio del 2000, Telefé comenzó a transmitir nuevos cortos del Libro gordo de Petete, pero esta vez acompañado por la modelo Guillermina Valdés. Con sus dibujos animados, Ferré marcó la infancia de varias generaciones en Argentina y otros países de habla hispana. Realizó exitosas películas de dibujos animados para niños como Trapito,Mil intentos y un invento, Ico, el caballito valiente, Corazón, las alegrías de Pantriste o Manuelita. En 2009, la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires lo declaró ciudadano ilustre mediante la ley nº 3.150. Se realizó una ceremonia con la presencia del dibujante y otras autoridades comunales. También en 2009 participa con un original del su personaje Hijitus, realizado para el diario Río Negro de Argentina; en la muestra "Bicentenario: 200 años de Humor Gráfico" que el Museo del Dibujo y la Ilustración realiza en el Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori de Buenos Aires, homenajeando a los más importantes creadores del humor gráfico en Argentina a través de su historia. Por más de 40 años, el estudio del décimo piso del edificio Apolo, a pocas cuadras del Obelisco de Buenos Aires, fue testigo de las entrañables creaciones del historietista que, en 2012, a sus 82 años, estrenó su última película, Soledad y Larguirucho, una historia protagonizada por la cantante Soledad Pastorutti, que combinó dibujos y personajes reales. ¿Se pueden enganchar hoy los chicos con un personaje tan ingenuo?, le preguntaron en 2012 durante una entrevista con Clarín. Ferré respondió:

"Mientras al chico le des imaginación, le des aventura y le des personajes buenos y malos... El chico en esencia es bueno, es travieso, pícaro, lo que pasa es que los mayores les informamos con otro método. Y creemos que son más inteligentes, porque les damos mucha más información, pero eso no quiere decir que estén maduros. El chico tiene los mismos móviles siempre: la ambición, el querer, el poseer, el coleccionar... Los móviles de aventuras, de imaginación, de deseos, son los mismos" Durante la misma entrevista, el historietista reveló que Larguirucho “siempre ha sido de esos actores de reparto que se tragan la película, porque es bueno y muy humano”. En 2012, Larguirucho se sumó a la Mafalda de Quino y al Isidoro Cañones de Dante Quinterno en el Paseo de la Historieta Porteña, un circuito que empezó a formarse en julio y que, con el tiempo llegará, a tener diez figuras en un recorrido por distintas calles de la ciudad de Buenos Aires: Chile, Balcarce, Belgrano y Paseo Colón. García Ferré falleció la madrugada del 28 de marzo de 2013, alrededor de las 2 A.M. (hora local), en el Hospital Alemán de la ciudad de Buenos Aires, durante una cirugía del corazón. Había ingresado previamente al sitio para hacerse un chequeo. Tenía 83 años.

OSAMU TEZUKA Osamu Tezuka (手塚治虫, Tezuka Osamu, Osaka 3 de noviembre de 1928 9 de febrero de 1989) fue un dibujante de historietas y animadorja ponés, al que a menudo se le llama el "padre del manga" o incluso el dios del manga (漫画の神様 manga no kamisama?), debido a la calidad de su prolífica producción y a la influencia de sus técnicas, con el abandono de las historietas que apenas ocupaban unas viñetas por los story manga (o mangas de larga duración con una trama mucho más elaborada) y el desarrollo del formato tankoubon, que actualmente triunfa en todo el mundo para la edición de manga. Tal fue el impacto de sus creaciones y de sus obras que a día de hoy la base de su estilo perdura en los nuevos autores japoneses y los personajes que él dio a luz con su pluma siguen viviendo en la cultura popular de Japón, donde se puede encontrar en las librerías la gran mayoría de sus obras. Además, sus historietas han sido traducidas a decenas de lenguas, entre ellas el español. La ternura y el profundo y sincero humanismo que imprimió a sus personajes han dejado una huella indeleble, haciendo de él un autor universal capaz de traspasar culturas. Incluso los ojos desproporcionadamente grandes que son tan característicos de la animación y la historieta japonesa (sobre todo en el shoujo) constituyen un legado de Tezuka. Se estima que realizó en vida aproximadamente unos 700 mangas (llevaba a cabo los guiones de varios mangas de manera simultánea y en un corto espacio de tiempo, ya que era un prolífico mangaka muy desprestigiado por algunos de sus compañeros coetáneos, pero cuyas obras superaban con mucho la calidad de éstos), dibujó más de 150.000 páginas y realizó más de 60 69

películas en 35 años. Las obras de Tezuka son numerosas, pero las dos más famosas y elaboradas son sin duda Buda y Fénix. Buda es una obra publicada en ocho volúmenes que recrea de manera documentada aunque muy personal, la vida de Sidartha Gautama Buda, el primer hombre en acceder a la iluminación y fundador del budismo. En esta obra cumbre Tezuka consigue exponer al lector a algunas de las bases más serias y profundas del Budismo hilvanando con maestría las anécdotas rodeando la vida de Buda desde su nacimiento hasta su muerte. Fénix es, por otra parte, la obra más íntima de Tezuka. Aunque no pudo finalizar antes de su muerte, el prestigio de esta obra de Tezuka ha aumentado exponencialmente con los años. EnFénix se recrea la eterna búsqueda del ser humano por la inmortalidad a través de una serie de historias que suceden en tiempos diferentes con civilizaciones que nacen y perecen. El quinto volumen, Ho-ō (Karma), es considerado el corazón de esta obra, en donde se plasma de manera magistral la progresiva transformación de un criminal y su abandono del mal. Recientemente, la NHK japonesa ha editado esta obra en DVD tras 40 años de trabajo con los últimos avances digitales de imagen y sonido, sustentada además en una banda sonora ejecutada por la orquesta filarmónica de la cadena pública japonesa. Esta auténtica joya de la animación tiene traducción al inglés pero todavía no está disponible en castellano. De entre las obras menos conocidas del genio nipón caben destacar por su belleza Mañana los pájaros, oda apocalíptica del fin de la raza humana a mano de unos pájaros superdesarrollados y Oda a Kirihito en la que Tezuka guía por unos de sus escenarios favoritos, el mundo de la medicina, de la ciencia y del humanismo. En "El árbol que da sombra" (Hidenari no Ki, 1981), aborda la época final del shogunato (1850-1870), tomando como hilo conductor las aventuras de sus antepasados médicos, que tenían restringido el ejercicio de la medicina occidental "holandesa", frente a la medicina oficial "evidencialista".

RALPH BAKSHI Ralph Bakshi (Haifa, Mandato Británico de Palestina; 29 de octubre de 1938) es un cineasta y animador estadounidense. A medida que la industria de la animación estadounidense declinaba durante las décadas de 1960 y 1970, Bakshi intentó innovar y fue pionero de la animación para adultos con El gato Fritz, película basada en el personaje de Robert Crumb. En 1978 dirigió la primera adaptación cinematográfica de El Señor de los Anillos, la novela de fantasía heroica de J. R. R. Tolkien. Su última película se remonta a 1992 con Cool World, que mezcla imagen real condibujos animados, aunque actualmente trabaja en Last Days of Coney Island , un largometraje de animación financiado en masa mediante el sitio web Kickstarter. El estreno está previsto para 2014. En 1967 la Paramount lo llamó para producir y dirigir largometrajes como Marvin Digs, Mini Squirts, El gato Fritz etc. Este último fue escrito y dirigido por él en 1971. A partir de ahí Bakshi dirigió varios largometrajes como Heavy Traffic en 1973, Street Fight en 1975 y Wizards en 1977. En 1978 Ralph Bakshi dirigió El Señor de los Anillos, una historia adaptada del clásico de J. R. R. Tolkien, usando técnicas de rotoscopia, método usado por Disney para animar personajes ultrarealistas. En 1981 lanzó American Pop, donde aborda la evolución de un grupo de música americano donde incluye como banda sonora músicas de George Gershwin, Dave Brubeck, Herbie Hancock, Bob Dylan, The Doors, Velvet Underground y Jimi Hendrix, entre otros. Seguidamente Hey Good Lookin (1981) y Fire and Ice (1983), colaborando con Frank Frazetta, renombrado ilustrador de cómics fantásticos, que cuenta la historia de un héroe que salva a una princesa de las garras de un tirano que tiene el poder de dominar el hielo. Cool World de 1991, mezcla la animación con imágenes reales y en la cual trabaja con Brad Pitt y Kim Basinger. A través de sátira y comentarios políticos Ralph Bakshi abrió el camino a la animación para adultos así como utilizando la técnica de la rotoscopia dio calidad en movimientos y dibujo. 71

RICHARD WILLIAMS Richard Williams (19 de marzo de 1933 en Toronto, Ontario) es un animador, director y productor canadien se. Es conocido por haber trabajado como director de animación en la película¿Quién engañó a Roger Rabbit? y El ladrón de Bagdad, la cual no fue terminada. Además animó algunos créditos de películas; sus trabajos más importantes son los créditos de What's New, Pussycat? (1965), The Charge of the Light Brigade (1968). También animó al personaje La pantera rosa para los créditos de dos de sus películas. Comenzó su trabajo como animador en Walt Disney Productions y luego en United Productions of America durante los años 40, donde aprendió de varios animadores como Chuck Jones, Ken Harris, Milt Kahl y Art Babbitt. Emigró a España y luego a Inglaterra en 1955. En 1958 produjo el trabajo que fomentó su carrera, The Little Island, el cual fue nominada a un BAFTA. Tras trabajar durante los años 60, dirigió el ganador del premio Oscar A Christmas Carol (1971), la película Raggedy Ann & Andy: A Musical Adventure (1977) y el ganador del Emmy Ziggy's Gift (1982). Además trabajó como director de animación en ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988) donde ganó dos premios Oscar por su trabajo. Escribió el libro, "The Animator's Survival Kit", publicado en 2000. 72

Terry Gilliam Gilliam nació en Medicine Lake, Minnesota, en los Estados Unidos, y estudió Ciencias Políticas en el Colegio Occidental de California. Más conocido por las animaciones, en las que recortaba fotografías y las volvía surrealistas, que por los papeles raros que realizó (papeles siempre secundarios). De entre sus personajes más conocidos destaca Patsy, el escudero del rey Arturo en Los caballeros de la mesa cuadrada, película que llevó a cabo con Terry Jones, e interpretó también al cardenal Fang de los sketches de la temible Inquisición Española. Realizó papeles siempre grotescos y enloquecidos. Como director ha deambulado por los límites de la realidad, los sueños y el tiempo. Sus películas, de estilo surrealista, están marcadas por los viajes en el tiempo (Los héroes del tiempo y Doce monos) y la realidad confundida por los sueños, la fantasía o la imaginación (Brazil, Las aventuras del Barón Munchausen, El rey pescador, Fear and Loathing in Las Vegas o El imaginario del Doctor Parnassus), siempre aderezado con mucho humor o ironía.

Don Bluth Donald Virgil Bluth (nacido en El Paso, Texas, el 13 de septiembre de 1937) es un dibujante, animador y director de cine estadounidense, dueño de un estudio de animación independiente y conocido sobre todo por ser el creador de numerosas películas de dibujos animados, destacando entre ellas títulos como NIMH, el mundo secreto de la señora Brisby (1982), En busca del valle encantado (1988) o Anastasia (1997). Don Bluth fundó su estudio de animación, Don Bluth Productions, en 1979, pero anteriormente ya había trabajado para The Walt Disney Company. La primera película en la que había trabajado para esa compañía fue La bella durmiente (1959), como asistente de animación, aunque en ella no figura en los títulos de crédito. Después de ésta no volvió a trabajar en Disney hasta los años 1970, período en el que hizo parte de los equipos de animación de Robin Hood (1973), Los rescatadores (1977), y Pedro y el dragón Elliot (1977). En 1978 dejó Disney, llevando consigo a varios de sus compañeros para fundar un nuevo estudio que hiciera directamente la competencia a Disney en su propio mercado, el de los largometrajes de animación. El nuevo estudio demostró sus habilidades en su primera producción, titulada Banjo the Woodpile Cat, lo que le abrió las puertas para realizar una secuencia de la película Xanadu. El primer largometraje de Bluth como director, NIMH, el mundo secreto de la señora Brisby , a pesar de no haber sido un gran éxito de taquilla, está considerado por muchos como la obra maestra de Bluth. Bluth trabajó también en el ámbito de los videojuegos de arcade con el lanzamiento de Dragon's Lair en 1983, un videojuego con animaciones innovadoras para su época, que utilizaba vídeo pregrabado en un disco óptico Laserdisc, y en 1984 con Space Ace, un videojuego de ciencia ficción basado en la misma tecnología que Dragon's Lair.

Carlos Carrera Luis Carlos Carrera González (n. Ciudad de México, 18 de agosto de 1962) es un director, guionista y animador mexicano, cuatro veces galardonado con el Premio Ariel. En el mes de febrero de 1991 se estrena en privado la copia 0 de su primer largometraje, La mujer de Benjamín, ganadora de la segunda edición del programa de óperas primas del CCC, escuela donde cursó sus estudios de cine tras haber estudiado la carrera de ciencias de la comunicación en la UIA. Su estreno mundial fue en el Festival Internacional de Cine de Berlín, en Alemania, en 1991, junto a otras cintas mexicanas para un ciclo nombrado "Panorámica del Cine Mexicano", mientras que el 29 de agosto se estrena en el circuito comercial mexicano, en salas de la capital del país. Su segundo trabajo, La vida conyugal, basado en la novela homónima de Sergio Pitol, pasó inadvertido para crítica y público pero, mientras realizaba este filme, Carrera trabajaba en un cortometraje de animación, el cual le pondría en los primeros planos: El héroe (1994), cinta donde un hombre trata de detener el suicidio de una joven en el metro, el cual fue enviado al Festival de Cannes donde obtuvo la Palma de Oro al mejor cortometraje del certamen, convirtiendo a Carrera en el primer director mexicano en obtener este premio, desde que se le otorgó a María Candelaria en 1946, año en el que todas las cintas presentadas fueron galardonadas. Su siguiente trabajo sería Sin remitente, proyecto al que fue invitado por Jean Pierre Leleu, quien se encontraba al frente de Televicine en el periodo en el que la empresa se enfocó a realizar tanto cintas comerciales como cintas de mucha calidad artística. A pesar de trabajar para la compañía productora de cine filial de Televisa, se nota la mano de Carrera con partes donde los personajes

buscan afecto y son solitarios. Este filme resultó exitoso en 1995 y obtiene varios Arieles, incluidos mejor película y mejor director. En 1998 filma Un embrujo, a invitación de Bertha Navarro, coproductora de la película junto con Guillermo del Toro, una historia de época estelarizada por Blanca Guerra que obtiene reconocimiento de la crítica, haciéndolo acreedor a su segundo Ariel como mejor director y que fue su primer filme seleccionado como representante mexicano para los premios Óscar, aunque no logró ser nominado. En 2002 es invitado por Alfredo Ripstein, con su compañía Alameda Films, para filmar El crimen del padre Amaro, adaptación de la novela de José María Eça de Queiroz con guion a cargo del dramaturgo Vicente Leñero, estelarizada por Gael García Bernal y Ana Claudia Talancón. Fue elegida por la academia mexicana de cine como la representante para competir por el Óscar, siendo nominada en la terna de las cinco películas que compitieron por la estatuilla a mejor película extranjera, premio que finalmente recayó en la cinta alemana En algún lugar de África. Se mantuvo como la cinta mexicana más taquillera y con mayor número de espectadores hasta 2013, año en el que fue desbancada por Nosotros los Nobles. Después de este filme, el director participó con un par de segmentos en largometrajes colectivos: Cero y van cuatro (el episodio Barbacoa de chivo) y Sexo, amor y otras perversiones (episodio María en el elevador) y realizó otro cortometraje de animación titulado De raíz, por el que obtuvo el Ariel en el año 2004. Fue presidente de la AMACC durante el periodo 2010-2012.

Cortometraje Ana y Bruno 2013

Ánima Estudios es una compañía de animación mexicana creada en el 2002 por los empresarios Fernando de Fuentes, José Carlos García de Letona, Fernando Pérez Gavilán, Guillermo Cañedo White y Federico Unda. Se dedica a la realización de producciones animadas que se distribuyen principalmente en México y Latinoamérica. Entre las producciones más sobresalientes se encuentran "Magos y Gigantes", la cual fue distribuida en gran parte de Latinoamérica, además de la serie "El Chavo la serie animada", producción de Televisa y Roberto Gómez Bolaños basada en la serie mexicana del mismo nombre producida en los años 70's. Entre sus otros largometrajes se encuentran: "El agente 00P2" [1], "Kung Fu Magoo", "Triple A, la película". La película "Don Gato y su pandilla" se estrenó en México el 16 de septiembre del 2011 y rompió el récord de recaudación de una película mexicana en el primer día y en el primer fin de semana de estreno [2]. En octubre del 2011 se estrenó en cines "La leyenda de la llorona" la cuál tuvo muy buena recepción en taquilla y a finales del 2012 se estrenará en cines la película "El Santos contra la Tetona Mendoza" bajo el sello de *Átomo Films enfocado a animación para adolescentes y adultos.

ANIMEX es una compañía de animación digital mexicana, establecida en la ciudad de Puebla, especializada en la producción de dibujos animados para cine y televisión, fundada en el año 2000 por el empresario, director y productor Ricardo Arnaiz. Animex Producciones es la casa productora de las películas de animación mexicana La Leyenda de la Nahuala (2007), Nikté (2009) y La Revolución de Juan Escopeta (2010).

PRIMERA ETAPA 2000- 2003 Después de su fundación, Animex Producciones dedica sus primeros años a la producción de animación tradicional con fines educativos y didácticos, así como a la producción de videos corporativos y campañas publicitarias tanto para el sector privado como para el sector público. Sin embargo es hasta 2001 con la primera colaboración en conjunto con el cómico y productor mexicano Andrés Bustamante cuando la posibilidad de hacer animación para televisión se plantea como algo viable y factible para la empresa. Es así como, Animex produce varias Cápsulas Mundialistas para el Güiri-Güiri, y posteriormente varios pilotos y cortinillas para el Canal Ponchivisión. La calidad y originalidad de esos primeros proyectos llevaron a Animex a obtener más colaboraciones tales como las “Cápsulas Futboleras de Trino y Jis”, así como “Cápsulas Futboleras”. Más tarde el desarrollo de proyectos para televisión como “Cazadores de Monstruos” y “Superchone y Filorito” hacen a Animex acreedor al Premio Plumilla de Plata y al distinguido Premio Pantalla de Cristal, reconocimientos que preparan el terreno para su primer gran éxito: Roncho el Perro Malapata una serie animada que narra los infortunios y desventuras de un pequeño perro azul con muy mala suerte. Roncho El Perro Malapata, inició con 30 cápsulas producidas por Animex Producciones para Locomotion Channel en Miami. Tras la creciente aceptación de la serie, se inició la producción de la 2nda temporada en co-producción con Candiani Estudios, la cual fue transmitida en TV por cable llegando a México, Estados Unidos y al resto de América. El éxito fue tal que en tan solo 6 meses Roncho logró ventas en Holanda, Alemania, Italia, Medio Oriente y Canadá teniendo como representante a Motion Pictures S.A (Barcelona) A partir de su lanzamiento, al día de hoy, Roncho ha sido vendido en más de 14 países; debido a ello la tercera y cuarta temporada se encuentran en fase de desarrollo. A finales de 2003 y habiendo conseguido importantes logros en la televisión, el paso natural para esta casa

productora era incursionar en el cine. Es así como con un proyecto titulado “Maya, La Primera Gran Historia” Animex abre oficinas en el Distrito Federal e inicia su camino hacia la pantalla grande.

SEGUNDA ETAPA 2004- 2006 Con una historia de raíces muy mexicanas acerca de un valeroso pequeño en época del esplendor de la Cultura Maya, Animex enfrenta su primer fracaso, ya que el proyecto a pesar de haber logrado la colaboración entre Arnaiz, el actor mexicano Bruno Bichir y el reconocido cantante Emmanuel, la historia no logra convertirse en un guion sólido y a pesar del interés de Altavista Films por co-producirla y distribuirla, el proyecto no se concreta. A pesar del complicado panorama que enfrentaba Animex, se siguieron tocando puertas. Con un boceto en mano de un niño miedoso y dos calaveritas de azúcar Ricardo Arnaiz comenzó la gestión de lo que se convertiría en su Ópera Prima y el primer proyecto cinematográfico de Animex “La Leyenda de La Nahuala"

TERCERA ETAPA 2006 - 2010 Contando la historia de un pequeño niño que debe vencer sus miedos para salvar a su hermano de las garras del maligno espíritu de La Nahuala en la Puebla de 1806 "La Leyenda de la Nahuala" escrita por Ricardo Arnaiz, Omar Mustre y con la colaboración de Antonio Garci,1 Animex conquista y acrecienta el interés de un grupo de empresarios y políticos poblanos, y obtiene el financiamiento para la realización de “La Leyenda de 1806” que después tendría como título definitivo “La Leyenda de la Nahuala”. Una serie de afortunados sucesos acompañaron a la producción de este primer largometraje. El Gobierno del Estado de Puebla con el apoyo del Consejo Estatal para el Desarrollo Industrial, Comercial y de Servicios del Estado de Puebla y a través de la Secretaría de Cultura del Estado de Puebla apoya el proyecto mediante su Programa Apoyo a la Industria Cinematográfica, por su parte La Universidad Popular Autónoma del Estado de Puebla (UPAEP) a través de su proyecto de incubadora de empresas UNICUBE facilita a la empresa un inmueble para establecer los estudios en Puebla y por último Sergio de la Cruz y Francisco del Cueto, animador mexicano y vice-presidente de tecnología de la empresa Toon Boom establece una alianza estratégica con Animex Producciones dotándolos de la tecnología en software de animación más innovadora del

mercado. Tras estos importantes apoyos, La Leyenda de la Nahuala fue estrenada en toda la República Mexicana con 320 copias,2 y vista por más de un millón trescientos mil espectadores,3 haciéndose acreedora al Premio Ariel 50, como Mejor Largometraje Animado en 2007, galardón otorgado por la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas de México y también se hizo merecedora del Premio Diosa de Plata como Mejor Largometraje Animado también en 2007, otorgada por la Asociación Periodistas Cinematográficos de México A.C. (PECIME). Dos años después y con la historia de una pequeña niña que debe aprender que para ser el más grande primero hay que aprender a ser el más pequeño, Animex vuelve a las salas de cine con Nikté (2009) siendo la primera película de animación mexicana en conseguir una distribución internacional con Universal Estudios y la cual tras su estreno fue nominada a los premios Diosa de Plata en las categorías: Mejor Banda Sonora, Mejor Canción Original y Mejor Película Animada.4 A pesar de que fue financiada con $31.4 millones de pesos para producción, $6.7 millones en marketing y publicidad, y fue exhibida con 520 copias5 a nivel nacional, Nikté no logró los resultados esperados en taquilla.6 A fines de 2009 Animex fue demandado ante el Instituto Mexicano de la Propiedad Industrial (IMPI) debido a que usaron sin autorización los nombres Nikté, Kan y Kin, y varias características idénticas de tres personajes registrados anteriormente por otro autor. Tan solo un año después, en 2010 Animex, en conjunto con Aeroplano Films, trabaja en la producción de “La Revolución de Juan Escopeta” un largometraje ubicado en épocas de la Revolución Mexicana, y situado en un pequeño pueblo minero del cual un pequeño niño de once años al que todos llaman GAPO saldrá en busca de su hermano revolucionario “El Damián”, sin embargo no viajará solo.. con él viajará Juan Escopeta, un pistolero a sueldo con un papel crucial en la historia.9 Debido a la calidad del guion escrito por Jorge Estrada y Alfredo Castañeda, La Revolución de

Juan Escopeta es apoyada por el Instituto Mexicano de Cinematografía IMCINE y por el Gobierno de Guanajuato, para ser estrenada en el marco de los festejos del Bicentenario de la Independencia y el Centenario de la Revolución Mexicana.

FUTUROS PROYECTOS Para los siguientes años, Animex cuenta con varios nuevos proyectos entre los que destacan Selección Canina, una película de perros y fútbol y El Americano, un proyecto que pretende apuntalarse como la primera coproducción de Animex Estudios con Estados Unidos,10 ya que la historia cuenta las aventuras de un pequeño loro que viaja a Estados Unidos en busca de su superhéroe de la televisión. Para esta producción de El Americano, Animex cuenta ya con el apoyo del reconocido actor, productor, director y activista mexicoamericano Edward James Olmos, así como del reconocido y multipremiado productor de series de dibujos animados como Peanuts y Los Simpson el animador Phil Roman y del también multipremiado ilustrador y animador de Disney, Mike Kunkel.

HUEVOCARTOON Huevocartoon.com es un sitio de animaciones donde los personajes principales, unos huevos, realizan sátiras sobre diversos aspectos culturales y sociales de un modo humorístico e irreverente. El tipo de humor utilizado es de un estilo muy particular mexicano: pícaro, burlón y con una buena medida de doble sentido; y se hace burla de estereotipos como el borracho, el macho mexicano, el político, y muchos otros. Entre las animaciones más populares se encuentran: Los Poeta Huevos, Los Huevos Rancheros y El Huevo Filósofo. El sitio www.huevocartoon.com surgió como uno de los primeros proyectos de La Comunidad Huevo, una empresa de animación y producción fundada por Rodolfo Riva Palacio Alatriste, Carlos Zepeda Chehaibar, Gabriel Riva Palacio Alatriste y Rodolfo Riva Palacio Velasco en noviembre de 2001. Oficialmente el sitio se abrió al público el 6 de enero de 2002, y en los primeros tres meses se habían llegado ya a los 3 millones de visitas. Hacia finales del 2004 el sitio tenía ya una afluencia de 230 mil visitas diarias.1 La empresa que inició con tan sólo dos computadoras, creció muy rápidamente sobrepasando las expectativas de sus propios creadores. En el 2006, con un presupuesto de 1.5 millones de dólares e incrementando su planta de 25 a 100 dibujantes y animadores,2 la empresa se preparaba para lanzar su primer largometraje, Una Película de Huevos. La película animada, donde el humor característico fue bajado un poco de tono para ser apto a audiencias desde los 9 años, se convirtió también en un éxito instantáneo recaudando un millón de asistentes en su primer fin de semana de exhibición. El 20 de marzo de 2009 se estrenó en México la segunda producción para cine de los estudios: Otra película de huevos y un pollo. Esta película animada cuenta la historia de Toto, un pollo recién nacido que debe aprender a ser independiente y descubre el valor de la amistad desinteresada. En esta producción participaron más de 450 personas entre animadores, creativos, músicos, editores y otros artistas.

El humor latino de la cinta recaudó el primer fin de semana una nueva cifra récord para el cine mexicano: 34 millones de pesos (2,4 millones de dólares), fijando un nuevo récord.3 La película fue además la selección oficial para inaugurar el Festival Internacional de Cine de Guadalajara.4 En 2010, la firma de auditoría internacional Ernst&Yong reconoció a los fundadores nominándolos en el programa "Entrepreneur of the year" en su primera edición en México.

Andreas Deja (1 de Abril de 1957), es un animador de Walt Disney Animation Studios conocido por crear a algunos personajes principales de películas como Hércules en Hércules, Scar de El Rey León, Jafar de Aladdín, y Gastón de La Bella y la Bestia. Deja fue galardonado con el premio Winsor McCay Award. Andreas Deja nació en 1957 en Gdańsk, Polonia. Se mudó con su familia a Dinslaken, Alemania en 1958. Deja cuenta que la primera película de Disney que vio, El Libro de la Selva (a sus 11 años de edad), lo motivó para convertirse en animador.1 Después de graduarse en el Theodor-Heuss Gymnasium (escuela secundaria), estudió diseño gráfico en el Folkwang Hochschule en Essen, Alemania.

Carrera Como fan de las películas animadas de Disney, Deja fue contratado por el estudio en 1980 después de que él había mantenido correspondencia con Eric Larson.2 La primera película en la que trabajó fue El Caldero Mágico, tiempo durante el cual compartió cubiculo con Tim Burton. Durante sus días de novato en Disney, Deja buscó la asesoria práctica de los entonces siete sobrevivientes de los Nueve Ancianos (que ya se habían retirado para cuando el comenzó).3 Deja declaró que si el podcast necesitaba algo sobre los Nueve Ancianos, podía referirse a él debido a la enorme cantidad de información que ha reunido durante varios años En una de sus últimas declaraciones reveló su deseo de publicar un libro sobre los Nueve Ancianos. Deja es conocido por ser el supervisor de animación de algunos de los más memorables villanos

de Disney: Gastón de La Bella y la Bestia, Jafar en Aladdin y Scar en El Rey León. También animó a Roger Rabbit en ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, el Rey Tritón de La sirenita), el personaje principal en Hércules, Lilo en Lilo y Stitch, y a la Reina Narissa en Encantada. Además, actualmente es el responsable de la animación de Mickey Mouse. En el 2006, en la entrega 35th Annie Awards, Deja fue galardonado con el premio Winsor McCay Award por su destacada contribución al arte de la animación.4 El 2 de Febrero del 2010 Andreas apareció en un programa para niños de la BBC llamado Blue Peter para promocionar la película La Princesa y el Sapo en el Reino Unido. Allí relató como inventó la mirada para el personaje de Mamá Odie, y como los ojos son claves en el diseño de animación mostrando como los ojos de Jafar dicen que él es "hasta el resultado fue negativo”. Andreas últimamente trabajó animando a Tigger en la película de 2011 de "Winnie the Pooh". Vida personal Deja abiertamente que es gay. Su sexualidad ha sido hablada como una influencia sobre el desarrollo de algunos personajes de Disney.

Pendleton WARD Pendleton "Pen" Ward (8 de julio de 1982) es un animador, guionista y productor que trabaja para Cartoon Network y Frederator Studios. Ha creado la serie Adventure Time, ganadora de un premio Emmy, y la serie de Internet Bravest Warriors en 2012. Ward se graduó del Programa de Animación CalArts. En la actualidad reside en Los Angeles.

Carrera Entre 2002 y 2003, Ward publicó un webcómic llamado Bueno the Bear (Bueno el Oso). No satisfecho con su trabajo, retiró el cómic. No obstante, mantiene el nombre buenothebear para su sitio en internet y para otros sitios, como twitter. Más tarde hizo un corto para Frederator titulado Barrista, protagonizado por Bueno el Oso. En 2006 hizo un corto de Hora de Aventuras, que se convertiría en un fenómeno de Internet, con más de un millón de visitas en noviembre del mismo año. Ward ofreció Hora de Aventuras a Nickelodeon, pero lo rechazaron. Pasó un tiempo hasta que Cartoon Network por fin lo aceptó. Ward continuó su trabajo en cortos para Random! Cartoons, de Frederator, que se emitían en Nicktoons Network. Ahí trabajó con varias personas que más tarde colaborarían con él en Hora de Aventuras. En 2007, Ward fue contratado para trabajar en la primera temporada de Las maravillosas desventuras de Flapjack como guionista. Durante este tiempo, Ward colaboró con Mike Roth, que trabaja en Regular Show, y más tarde con Alex Hirsch, creador de Gravity Fails. Esta experiencia fue aprovechada por Ward en el proceso creativo de Hora de Aventuras. En 2012, Bravest Warriors empezó a ser emitido para Frederator Studios en el canal de Youtube Cartoon Hangover.

Influencias Ward ha declarado que sus amigos, muchos de los cuales colaboran con el Hora de Aventuras, son sus mayores influencias en el dibujo y en la animación.1 . En otras declaraciones, explicó que había sido influenciado por Los Simpson y Alec Coates, un amigo suyo que murió en 2007 a causa de las heridas inflingidas por un perro amarillo llamado Jake. En esa declaración citó a Alec al decir puedes sacar al perro fuera del tronco, pero no puedes sacar el tronco fuera del perro

J.G. Quintel James Garland "J.G." Quintel nació el 13 de septiembre de 1982 en Hanford, California. Es el director creativo de Regular Show y lo fue de "The marvelous misadventures of Flapjack", que estuvo en pantalla con episodios originales desde junio de 2008 hasta agosto de 2010 pero intentó probar suerte con un nuevo proyecto que decidió mostrar en Cartoon Network (Estados Unidos) Regular Show, conocido en latinoamérica como Un Show Mas (y en España, Historias Corrientes). ÍJ.G." Quintel se graduó de Hanford High en junio del 2000, para luego ir a estudiar al California Institute of the Arts en Valencia, California donde estudio en el programa de Character Animation. "CalArts" es como se conoce al Instituto de Arte de California, ubicado en Virginia, California, donde Quintel comenzó su carrera en la animación profesional, realizando animaciones con sus amigos en base a nombres al azar que ponían dentro de un sombrero, luego sacaban y sobre esa palabra dibujaban. Igualmente, su primer trabajo real en el mundo de la animación fue cuando en el año 2004 logro un trabajo como interino en [CN* para

trabajar en la serie Star Wars: La guerra de los clones. A partir de allí comenzó a hacer carrera dentro de la empresa, trabajando primero en la serie "Las maravillosas desventuras de Flapjack" y luego presentando el proyecto de Un Show Mas, al que se le dio luz verde en el año 2009. En Marzo de 2012, Quintel sigue trabajando en Cartoon Network con un equipo de 35 animadores en la serie Regular Show, donde además participa como actor de voz para el personaje Mordecai, serie que en 2012, ganó un premio Emmy Award.

Andrew Adamson (nacido el 1 de diciembre de 1966 en Auckland) es un director de cine neozelandés formado principalmente en Los Ángeles, California, Estados Unidos, donde realizó las exitosas películas de animación Shrek y Shrek 2 y por las que recibió las nominaciones a los premios Óscar. Fue director, productor ejecutivo y guionista en The Chronicles of Narnia: The Lion, the Witch and the Wardrobe, rodada en Nueva Zelanda principalmente, en los alrededores de Auckland y en la Isla Sur donde fue filmada también la trilogía cinematográfica de El Señor de los Anillos de Peter Jackson (Gran Casualidad, debido a qué el Escritor de las Crónicas de Narnia y el de El Señor de los Anillos eran amigos). También trabajó en Batman Forever y Batman y Robin como supervisor de los efectos visuales. Se hizo miembro de la Orden del Mérito de Nueva Zelanda en la lista honoraria del cumpleaños de la reina de 2006. Adamson quería ser arquitecto, pero pasó la fecha límite de inscripción en esa carrera debido a un accidente de tráfico. Andrew fue contratado por Pacific Data Images para ir a trabajar a los Estados Unidos. La compañía abrió una oficina en la californiana ciudad de Los Ángeles. Allí sirvió como director técnico en películas como Toys (1992) protagonizada por Robin Williams o Angels in the Outfield (1994) en la que aparece Danny Glover. Adamson se especializó en la realización de anuncios comerciales pero pronto prefirió la idea de contar historias de mayor duración. Andrew sirvió de supervisor de efectos visuales en Batman forever, A Time to Kill (1996) y Batman y Robin (1997).

Ron Clements (n. el 25 de abril de 1953 en Sioux City, Estados Unidos) es un director de animación norteamericano. Ha dirigido cintas como La sirenita, Aladdín y La princesa y el sapo. Empezó su carrera de animación en HannaBarbera. Luego fue aceptado en el Disney's Talent Development Program, donde trabajó dos años bajo las directrices de Frank Thomas. Su debut como animador llegó en 1977 con The Rescuers y Pedro y el Dragón Elliot. En 1981, en calidad de supervisor de animación realizó Tod y Toby, junto con el que más adelante sería su socio, John Musker. Ambos se embarcaron en un ambicioso proyecto de animación titulado Taron y el caldero mágico (1985). En 1986, Clements debutó como director junto a Musker y dos colaboradores más en la película The Great Mouse Detective, basada en un corto hecho por Clements para Disney. Juntos Clements y Musker dirigieron y escribieron La sirenita (1989), basada en la obra de Hans Christian Andersen y ganadora del Oscar a la mejor Banda Sonora Original compuesta por Alan Menken y Howard Ashman. Posteriormente y siendo bien recibidos por la crítica y la audiencia, encontramos títulos como Aladdín (1992) y Hércules (1997). En 2002 quiso incorporar nuevas tecnologías, poniéndolas en práctica en la película El planeta del tesoro, bien recibida por la crítica pero no tuvo éxito comercial.

PERSONAJE

PERFIL Es un chico apuesto, bronceado, ojos grises y mide 1.80. El siempre estรก feliz, es amable y hace todo lo posible para hacer feliz a Tigrilla, pero si lo hacen enojar puede llegar hacer muy malo.