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El pasado 18 de diciembre, a la edad de 79 años nos dejó Majel Barrett Roddenberry, quien fuera la esposa de Gene Roddenberry, creador de la franquicia de culto Star Trek, conocida en México y algunos países de habla hispana como “Viaje a las Estrellas”.

Majel Barret fue algo más que el apéndice más importante de Gene Roddenberry, con una interesante carrera como actriz para el cine y principalmente la televisión, la recordamos por sus apariciones especiales en series como Bonanza o Los Intocables o en las series producidas y creadas por su esposo, tales como Andrómeda o Tierra: El Conflicto Final.

Sin embargo, siempre será recordada por los papeles que interpretó en las series de Viaje a las Estrellas; en la serie original interpretó a la enfermera Chapel, a quien siempre recordaremos por esa espectacular mini falda azul, también era la voz de ella la que escuchábamos en las computadoras de prácticamente todas las series de Star Trek así como en las películas. Sin embargo, sería el papel de Lwaxana Troi en las series de Star Trek: The Next Generation y Star Trek: Deep Space Nine el que la señalaría como una actriz realmente competente (destaca en el episodio: “Menage ‘a Troi” como uno de los más divertidos en donde pone al Capitán Picard en una situación de galanteo realmente absurda).

Su carácter parece ser siempre fue afable y alegre, al grado que llegó a auto-parodiarse en un episodio de la serie animada Family Guy (padre de familia). Deja un hueco más a los fans de una de las series de Ciencia-Ficción más populares.

A punto de cerrar esta edición nos enteramos del lamentable fallecimiento de una de las más grandes leyendas del cine y la televisión: Ricardo Montalbán. Actor mexicano quien alcanzara la fama en Estados Unidos (nunca tomó la nacionalidad estadounidense) quien nos deja la edad de 88 años, las causas de su fallecimiento aún no son dadas a conocer en el momento en que escribo estas líneas.

Montalbán destacó en algunas películas de la llamada Edad dorada del cine Hollywoodense como “La Hija de Neptuno” junto a la leyenda Esther Williams, “Como fue ganado el oeste”, “Sayonara” o “Dulce Caridad”, entre muchas otras.

Sin embargo, es curiosamente en el cine fantástico en donde realizaría sus papeles más memorables, destacan el papel de Armando en “Escape del Planeta de los Simios” y “La Conquista del Planeta delos Simios”, como el villanísimo Khan en la serie de televisión de Viaje a las Estrellas y la segunda película de la serie (por cierto, Khan es considerado como el mejor villano de toda la serie), aunque el papel que lo encumbró fue le del Señor Roarke de la serie de televisión “La Isla de la Fantasía”.

En estos últimos años destacó por prestar su voz en diversas series animadas como “La aventuras de Buzz Lightyear, Dora la Exploradora, Fenomenoide o Kim Possible.

Como dato curioso, cuando empezaba su carrera en Estados Unidos los estudios quisieron ponerle el nombre artístico de… ¡Ricky Martin!

Otro grande nos deja, lo vamos a extrañar.

E

l 2009 nos alcanzó, y con él prometen venir grandes cosas para el género fantástico. En cine babeamos por ver la adaptación que hizo Zack Snyder de Watchmen y la película de Wolverine que bien pudo titularse X-Men 4 con tanto mutante visto en el avance; esperamos saciar la curiosidad por el revolucionario proyecto de James Cameron titulado Avatar; y esperamos que no de pena ajena el trabajo de McG en Terminator Salvation.

También los fanáticos de Harry Potter y Star Trek están de plácemes con los estrenos de los siguientes capítulos estas sagas. ¿Y para los nostálgicos de la televisión ochentera? ¡La segunda parte de Transformers viene acompañada de una película de G. I. Joe! En los comics tendremos Blackest Night, el evento más esperado del año por parte de DC Comics y que involucra a los Linternas Verdes.

Y no vemos la hora de que comience la quinta temporada de Lost, esperando ver atados todos los cabos sueltos que viene arrastrando desde el principio.

Pero guarda toda esa expectativa por un momento y tómate un minuto para votar en nuestros Fanboy Awards y dinos que fue lo mejor que viste en el cine el pasado año, casi al final de la revista encontrarás las ternas.

Ya que mencioné a los Transformers y a G. I. Joe, ¿qué tanto añoras las caricaturas de tu infancia? En este número harás un viaje en el tiempo gracias al dossier de Animación tradicional o 2D, el primero tan grande que tuvimos que partir en dos entregas.

Pero antes, conoce más de la nueva temporada del Dr. House, un personaje que no deja medias tintas, o lo amas o lo odias.

Ya puedes darle vuelta a la página.

Vicente Cabrera El Editor

A brincar como Changos A pesar del fracaso que fue el remake del Planeta de los Simios, la Fox ha decidido realizar otro remake, en este caso de: La Conquista del Planeta de los Simios (Cuarta película de la versión original) que llevará por título simplemente: Cesar, en esta ocasión fungirá como “precuela” del remake de Burton y narrará como los simios inician la supremacía simiesca ante los humanos.

No sé… tengo sentimientos encontrados…

La hora del Vampiro Sam Raimi, el director que fue tanto amado como repudiado por los fans del Hombre Araña, comentó para la revista Empire que Morbius podría ser un buen villano para Spidey, que siempre disfrutó verlos pelear en los comics además de esa mezcla entre lo heroico y lo sobrenatural.

Morbius, el vampiro más popular de Marvel hasta la llegada de Blade al cine, es considerado más como un antihéroe que como un villano, aunque en las manos de Raimi bien podría funcionar como una criatura en busca de redención (así como él luego de dirigir Spider-Man 3).

Parece que es una sabia elección volver a los personajes de la vieja escuela, después de ver la pobre versión de Venom, un personaje por el que Raimi declaró tener nula simpatía.

Cowboy Keanu Luego de muchas especulaciones sobre su posible realización, se ha anunciado que 20th Century Fox tiene en marcha una versión live action de Cowboy Bebop, la popular serie de animación japonesa en donde los protagonistas son un pequeño grupo de caza recompensas que recorren el cada vez más colonizado sistema solar.

Lo que sorprende de esta adaptación es que Keanu Reeves interpretará a Spike Siegel, el carismático personaje principal de esta suerte de western espacial.

Se solicita villano...

Warner Bros se encuentra en busca de un nuevo villano en las páginas de Superman para la próxima película del Hombre de Acero, la cual aún no se ha confirmado si será continuación de Superman Returns o harán el “borrón y cuenta nueva” que ha funcionado en las últimas adaptaciones de superhéroes.

Así que Lex Luthor ha quedado fuera de la jugada, a pesar de que Kevin Spacey había firmado contrato para repetir como el villano egocéntrico en una posible secuela de aquella fallida versión de Bryan Singer. ¿Quien será el elegido? ¿Bizarro? ¿Brainiac? ¿Doomsday¿ ¿Darkseid?

Rourke vuelve a los comics Parece ser que los días de gloria de Mickey Rourke están vuelta, luego de su “resurrección artística” en la cinta de Darren Aronofsky The Wrestler (nosotros sabemos que volvió al pedestal luego de interpretar a Marv en Sin City), pues se ha anunciado su participación como uno de los villanos en la segunda parte de Iron Man. Aunque aún no se revela si será Whiplash o Crimson Dynamo. El otro villano confirmado es Justin Hammer, y será encarnado por Sam Rockwell.

Poner cera, quitar cera... otra vez Jackie Chan interpretará al maestro Miyagi en el ahora si literal remake de Karate Kid. ¿Por qué literal?

Porque el nuevo Daniel-san, quien aprenderá las artes marciales para defenderse de los bravucones será el niño Jaden Smith (hijo de Will Smith), a quien vimos en el también remake El Día que la Tierra se detuvo. ¿Acaso ahora ya hay bullies en el kinder? Dirán lo que quieran, pero Jackie Chan puede parecer todo menos un venerable maestro como lo fue Pat Morita.

Galactica para rato…

Pocas veces se da el caso de que una serie de televisión se cancele cuando se encuentra con buena salud, este es el caso de la nueva versión de Battlestar Galactica (Ídem) que está a punto de terminar en su cuarta temporada dándole fin a la historia, sin embargo, ejecutivos del Sci Fi Channel han decidido seguir explotando la franquicia con una nueva serie: Caprica, que será una “precuela” de la anterior narrando acontecimientos ocurridos cincuenta años antes. Estelarizan Esaí Morales, Eric Stoltz, Paula Malcomson y Polly Walker. ¡Sáquenle todo el jugo a la vaca!

Shazam se congela Debido al gran éxito monetario que fue El Caballero de la Noche alrededor del mundo, Warner Bros ha decidido reestructurar todas las adaptaciones de superhéroes que tienen en proceso, ahora tornándolas en historias oscuras y con un enfoque más adulto.

Una de las víctimas de esta decisión fue la película del Capitán Marvel, en donde Dwayne “The Rock” Johnson seria su némesis, Black Adam, y que ahora se encuentra en busca de nuevo escritor.

L

a mayoría de la gente muere con la esperanza de descansar en paz, pero desde tiempos ancestrales tenemos noticia de que esto no siempre ha sido posible. Y está bien que así sea, pues ¿dónde estarían la literatura y el cine de horror sin los muertos vivientes?

Hablaremos ahora de una de las más antiguas variantes del género: la momia.

De todos los países donde se ha practicado la momificación de cadáveres sin lugar a dudas Egipto ocupa el primer lugar, pues ahí se practicó a mayor escala y durante más tiempo: casi tres mil años. Es natural también que ahí sea donde aparecen algunos de los primeros relatos de muertos que se levantan para hacerles travesuras a los vivos.

Se ha dicho que de los monstruos que integran el panteón cinematográfico, la momia no cuenta con una tradición literaria que lo respalde, pero esta afirmación es cierta sólo a medias, en realidad la momia no cuenta con una gran tradición literaria, sin embargo, en los pocos títulos que la componen encontramos nombres como los de Conan Doyle, Anne Rice y hasta Bram Stoker.

Incluso, sus orígenes pueden ser rastreados hasta el Egipto antiguo: a finales del siglo XIX se encontró una tumba cerca de la ciudad de Luxor que contenía una serie de manuscritos cristianos primitivos y textos más antiguos aún. Posiblemente se tratara de la biblioteca personal de un monje (pues en aquellos tiempos las viejas necrópolis servían como lugar de retiro para dedicarse a la meditación) que el morir fue enterrado con sus libros.

Si tal era el caso podemos decir que el santo varón no sólo se entretenía con literatura religiosa, sino que también le gustaba echarse una novelita fuerte de vez en cuando.

Uno de estos papiros nos cuenta como Setne Jaemuaset, sumo sacerdote de Ptah en Menfis entró a la tumba del príncipe Neferkaptah para robar un libro de magia escrito por Thot, el dios de la sabiduría, y que contiene dos fórmulas: “Si lees la primera, hechizarás el cielo, la tierra, el mundo subterráneo, las montañas y las aguas. Podrás comprender todo lo que dicen los pájaros del cielo y los animales que se arrastran por la tierra y también los peces de las profundidades de las aguas. Si lees la segunda, aunque estés en el reino de los muertos, podrás tomar de nuevo la forma que tenías cuando vivías en la tierra, verás aparecer en el cielo al dios-sol Ra con su cortejo de dioses y a la Luna con su forma.”.

Pequeño inconveniente: el libro está maldito. El mismo Neferkaptah pagó con su vida, la de su esposa y la de su hijo pequeño su obsesión por poseerlo y su momia se levanta para impedir que algún ladrón se lo lleve.

Gracias a sus poderes mágicos, Setne Jaemuaset logra apoderarse del tesoro y escapar ileso de la tumba, pero a partir de ese momento se verá envuelto en una serie de aventuras provocadas por los poderes ocultos de la momia ¡que incluso manda a su esposa para que intente seducirlo! (¡guau! ¡díganme si no está bueno esto, no sólo hay maldición y momia viviente, sino también connato de necrofilia!) Al final, arrepentido, el profanador regresará el libro al sepulcro y todo volverá a la normalidad.

Subrayemos que la idea de “Hay cosas que el hombre no debería saber”, empleada en algunas películas gringas de horror y ciencia ficción de serie B aparece aquí con por lo menos ¡dos mil años de anticipación!.

Una de las primeras traducciones de esta historia apareció en un libro publicado en 1900: “Stories of the High Priests of Memphis” vol I.; lo que hace probable que fuera conocida por John L. Balderston, periodista americano que llegó a Egipto en 1922 como corresponsal del periódico New York World para cubrir el descubrimiento y apertura de la tumba del rey Tut, la sensación del momento.

Balderston se hizo aficionado a la Egiptología y después trabajó en los Estudios Universal en la elaboración de varios guiones para algunos de los clásicos del cine de horror de la época. Suyas son la adaptación de “Frankenstein”, “Drácula” y por supuesto “La Momia”, para la que debe haber utilizado la experiencia y conocimiento adquiridos en la tierra de los Faraones.

La película, vista por el público actual, acostumbrado a un ritmo diferente y a efectos especiales trepidantes, puede parecer lenta y aburrida; con todo y que no dura ¡más que una hora y doce minutos!, pero es un clásico que vale la pena conocer. Un crítico la definió como “lo más cerca que podía llegar una película de horror a ser un poema de amor”, aunque las situaciones vividas por los involucrados en su filmación fueron todo menos poéticas.

Para empezar, el pobre de Boris Karloff, estrella de la película, se las vio negras pues estuvo sentado las aproximadamente ocho horas que tardó el maestro maquillista Jack Pierce en caracterizarlo como egipcio momificado sólo para descubrir al final, y obviamente demasiado tarde, que “¡olvidaron ponerle cierre al maldito disfraz!”, algo por otra parte bastante lógico puesto que las momias auténticas no van al baño, que yo sepa. Zita Johann, actriz húngara que interpreta el doble papel de Helen Grosvenor y la princesa Ankh-es-en-Amen, se vio literalmente asediada por el director, quien a cada rato le repetía que iba a filmar con ella una escena donde saldría “¡De la cinturra parra arriba desnooda!”(Karl Freund era un alemán emigrado a Hollywood que colaboró en películas como “Metrópolis”, “Drácula” y “Los crímenes de la calle Morgue”; “La Momia” fue su primer trabajo como director y cuentan las malas lenguas que era todo un tiranuelo).

En el guión encontramos muchos elementos del papiro que les hablaba: un libro prohibido y maldito, la profanación de una tumba, la vuelta a la vida de una momia que intenta recuperar el libro y... como no, también un connato de necrofilia, faltaba más. La película fue todo un éxito de taquilla, por lo que las secuelas no se hicieron esperar.

Hubo cuatro de ellas antes de que el público se hartara del deambular del engendro momificado, así que ya sabemos lo que nos espera ahora con la nueva serie protagonizada por Brendan Fraser. Aunque se ha procurado introducir un poco de variedad haciendo que la momia de la tercera entrega sea la de un emperador chino cocinado vivo en el interior de un molde de bronce, cual vil tamal oaxaqueño. A este paso, no sería raro que un día se nos aparezca el mismísimo Rick O´Connell para enfrentarse en compañía del Santo y Blue Demon a las momias de Guanajuato, y quizás hasta le entre al relajo el Robot Humano.

En los años cincuenta la compañía inglesa Hammer Films realizó “remakes” de los clásicos de los Estudios Universal, protagonizados por sus dos estrellas: Peter Cushing y Christopher Lee. Esto incluyó una nueva versión de “La Momia” de la cual se desprendió su ciclo correspondiente con tres películas más. La última es interesante pues se trata de la primera versión cinematográfica de la novela de Bram Stoker “La Joya de las Siete Estrellas”. No es ninguna obra maestra, tuvo un rodaje difícil y la crítica no fue nada amable con el resultado final: de la actriz protagonista, Valerie Leon, alguien llegó a decir que “lamentablemente no llena el papel de la misma forma en que sus curvas llenan el sarcófago”, lo cual, bien mirado, podrá ser una crítica despiadada, pero también podría interpretarse como un elogio.

La novela de Stoker cuenta con otras dos versiones: una de 1981, conocida como “The Awakening”, cuya traducción sería “El Despertar”, pero se estrenó en México con el título más florido de “La Maldición”; algo comprensible, pues no todos los despertares son desagradables y en cambio las maldiciones si, además de estar ya indiscutiblemente asociadas con la apertura de la tumbas egipcias. Actúan Charlton

Heston y una jovencísima Stephanie Zimbalist (la de la serie “Con Temple de Acero” con Pierce Brosnan). La última data de 1997 y es nefasta; para ver si era chicle y pegaba como el “Drácula” de Coppola le pusieron “Bram Stoker´s The Mummy”, pero ni así tuvo éxito.

Las últimas propuestas fílmicas son las ya mencionadas que estelariza Brendan Fraser y que afortunada o desafortunadamente se descomponen más rápido que Karloff al final de la película original.

Esto se debe a que no se buscan alternativas novedosas a las fórmulas trilladas de siempre para inyectarle interés a la trama, sino que todo se reduce a vistosos despliegues de efectos especiales. En un par de ocasiones se ha anunciado el proyecto de filmar la novela de Anne Rice “La Momia o Ramsés el maldito”, aunque los rumores nunca se han concretado. No desesperemos, un día la momia se levantará de nuevo y entonces “Los cielos se abrirán, las arenas subirán, el poder se desencadenará...”

Pero como dice un zombi amigo mío: “Eso ya es tierra de otro cementerio....”

Los primeros promocionales sobre la serie televisiva House M.D. mostraban a un sujeto desaliñado con la barba crecida de unos días atrás, vestido con un saco y camisa sin corbata sentado en un cuarto semi-iluminado jugando con una pelota, pensativo y mirando fijamente a la cámara que se acercaba lentamente hasta hacerle un close up; una voz en off anunciaba: “Doctor House; una nueva serie de investigación. Próximamente...”, efectiva publicidad que nada mostraba en sí, pero que invitaba irremediablemente a verla. Estrenada la primera temporada en EUA el 16 de Noviembre de 2004, llega a México hasta 2005 dentro de la programación de Universal Channel y comienza a ganarse un lugar dentro del corazón y mente de muchos televidentes que le han seguido asiduamente -hasta el momento- por 4 temporadas completas (2004 - 2008) y una 5a en pleno desarrollo (2008 - 2009).

La formula de la serie gira alrededor de Gregory House quien es líder de un grupo de médicos que se dedican al diagnostico en pacientes con enfermedades cuya naturaleza no logran aclarar otros médicos, ya sea por presentar síntomas de otras o un conjunto de síntomas que no deberían aparecer al mismo tiempo; de entrada, esta sería la idea principal, como el cuerpo humano puede decaer de las formas más extrañas e inverosímiles; mas el atractivo principal es el de su protagonista, el Doctor House.

House es un sujeto que podría considerarse un antihéroe, no muestra virtud alguna que pueda ser considerada como ejemplo a seguir, sin embargo, su personalidad es tan fuerte que de menos atrae la atención de quien llegue a ver algún capítulo de la serie.

Misántropo y solitario, sarcástico y arrogante, megalómano y demás etiquetas de personalidad egocéntrica, pero que le harán ser un medico brillante que pocas veces se equivocará en el diagnostico de sus pacientes a quienes nunca ve como seres humanos sino como enigmas, rompecabezas, misterios a resolver que es su único aliciente para tomar los casos, un reto a vencer y no más. Otra de las características del personaje es el que usa un bastón debido a un infarto muscular que provoco le fuera removido gran parte de musculo del muslo de la pierna derecha evitando así la amputación pero dejándole con dolor crónico que mitiga con la continua ingestión de un fuerte calmante llamado vicodin, al cual repetidas ocasiones dentro de la serie se hace mención es ya adicto.

En las primeras tres temporadas House dirige el grupo compuesto por la doctora Allison Cameron, el doctor Robert Chase y el doctor Eric Foreman con quienes ha realizado el llamado diagnostico diferencial, que básicamente es la discusión de los síntomas y la relación con las posibles enfermedades que padezca el paciente en turno. Posteriormente ocurren cambios que hacen necesario el armar un nuevo equipo para los diagnósticos. Ningún personaje dentro de la serie escapa a la feroz personalidad House, pero quienes más lo consecuentan son la doctora Cuddy y el doctor Wilson, la primera su jefa que si no lo presiona para que atienda pacientes de consulta en clínica, trata de evitar que caiga en excesos al buscar curas excéntricas para sus pacientes en diagnostico; el segundo quizá sea el único amigo de House y no lo cuida demasiado, muchas veces hace el papel de su conciencia aunque al final sea la causa House la que predomine. House es capaz de encontrar que posible enfermedad padece la gente con solo mirar detalles que de pronto parecerían ajenos a ello o incluso situaciones de la vida privada de los pacientes que poco o nada determinan los síntomas que presentan; House es analítico y mucho sabe de la naturaleza humana y ello le lleva a mencionar en muchas ocasiones la frase que le es más célebre: “Todo el mundo miente”.

Durante la primera temporada se da la presentación de los personajes, sus personalidades; vemos como se van develando los lazos entre ellos, definiendo el rumbo de la serie.

Somos testigos de cómo Cameron se siente atraída por su jefe y como es rechazada; también como Foreman y Chase son presionados a niveles extremos. La temporada termina con el regreso de la ex de House y la explicación de cómo es que casi pierde la pierna derecha. Un capitulo clave es el titulado “Tres historias”, Cuddy hace que House supla a otro médico que imparte cátedra sobre diagnostico diferencial, de mala gana lo hace y en ella propone tres casos hipotéticos que vemos en un aparente viaje a la mente de House que termina siendo la explicación del porque House tiene el daño en su pierna. Considerado el mejor episodio de una serie televisiva, hace que Doctor House se consagre entre las favoritas del público.

En la segunda temporada continúan los casos médicos extraños aunque se explora más aun la relación entre House y el resto del staff de la clínica, también vemos como House vuelve a involucrarse con su ex, que es empleada por Cuddy para ser representante legal del hospital mientras su actual esposo es atendido de un padecimiento que ningún otro médico ha logrado tratar; y se incluye a un nuevo personaje, Vogler, que es un multimillonario empresario que invierte 100 millones de dólares en la clínica de Cuddy para investigaciones medicas y que tarda poco en verse contrariado por la actitud de un House rebelde. Es en esta temporada donde los co-protagonistas definen más su personalidad siendo de pronto más independientes de la estela que va dejando House tras de sí. La temporada concluye dejándonos con un House herido por dos balazos que le “receta” un sujeto cuya esposa no salvo a tiempo. Mientras se debate entre la vida y la muerte, House encuentra una solución que le permitirá tener nuevamente cierto control de su pierna dañada además de ya no sufrir tanto dolor.

En el comienzo de la 3ª temporada House ya no usa bastón pues la nueva intervención en su pierna ha sido exitosa permitiéndole llevar una vida más normal, su humor es más ligero y es un poco menos irritante de lo que nos tiene acostumbrados; los casos que toma no son tan complejos, su nueva actitud no le hace tan confiable como antes. Esto no dura mucho pues el dolor crónico regresa y con ello la habitual manera de ser House. Esta temporada resulta ser la más oscura e intima y quizá la mejor hasta el momento, vemos algunos momentos donde House no sabe cómo actuar o se ve dentro de situaciones que le hacen replantearse sus convicciones. Aparece el Detective Tritter quien llega al hospital para una consulta, pero tras contrariar a House recibe un “tratamiento” como pocos por lo que busca se le dé una disculpa. House se niega como es habitual y comienza uno de los arcos argumentales mas fuertes dentro de la serie, ya que House se ve bajo la lupa de la policía y poco le ayudara su dependencia al vicodin además de también afectar la carrera de Wilson y de sus subordinados; incluso Cuddy llega a mentir solo para apoyar a House.

También vemos como la adicción de House lo lleva a situaciones extremas, como el robar el medicamento de pacientes del hospital o falsificar la firma de Wilson en recetas, incluso finge tener un tumor para anotarse en una lista de tratamientos experimentales que le haría recibir calmantes directamente en el cerebro. Finaliza la temporada con solo House como parte del equipo de diagnostico, Foreman renuncia, despide a Chase y Cameron también renuncia, House no se inmuta pareciera que tal situación le agrada si no es que le divierte.

Entre los mejores capítulos de esta temporada se encuentra el titulado “Un día, una habitación”, en este no hay casos extraños; una chica es víctima de violación y queda embarazada, House le revisa en una consulta rutinaria y turna el caso al departamento de psicología. La chica se niega a hablar con otra persona que no sea House. Lo siguiente es un intercambio de ideas como no se había dado antes y descubrimos una de las razones que determinaron la personalidad de House.

La cuarta temporada es la más corta, debido a la huelga de escritores en Hollywood, solo se producen 16 capítulos; quizá es la razón por lo que es la más relajada sin que House pierda mordacidad y sarcasmo. Al quedarse sin su grupo de diagnostico Cuddy le hace entrevistar a nuevos médicos para formar otro equipo, aunque logra resolver algunos casos sin ayuda (¿no ocurre siempre así?) y convoca a un número de candidatos algo exagerada, sometiéndolos a un sinfín de pruebas llegando incluso a semejar un reality show (Survivor), finalmente solo emplea a tres médicos de todo el grupo que asiste, la Doctora Remy Hadley a quien House apoda “trece”, al Doctor Lawrence Kutner y al Doctor Chris Taub, siendo de personalidades completamente distintas a sus predecesores pero que dada su capacidad profesional les asegura un puesto bajo las ordenes de House, quien no los dejara en paz dado que ese es el poder que se le ha conferido. Cuddy y Wilson refuerzan sus personalidades en esta temporada, la tensión entre ellos y House es más constante, sobre todo con Cuddy pues muestra mucho más interés en ella que antes como reza el viejo dicho: donde hubo fuego, cenizas quedan, varias veces se insinúa que ambos tuvieron alguna aventura en el pasado. Wilson comienza a salir con una de las aspirantes que House despide y la fricción entre los amigos aumenta debido a ello. A pesar de la huelga de escritores, los guiones de esta temporada no pierden calidad para interés del público. Termina la temporada con un episodio doble, el primero titulado “La cabeza de House” el segundo “El corazón de Wilson” ambos muy buenos donde la amistad de los doctores se verá afectada además de ser los más emotivos dentro de la serie que deja al espectador muy interesado por ver el desenlace; deseando que llegue la siguiente temporada.

Actualmente se transmite en EUA la quinta temporada llegando al capítulo 11, la temporada invernal permite un respiro en el desarrollo de la serie; hay algunas sorpresas como las emociones entre los protagónicos, los nuevos personajes siguen su camino a la madurez y House no deja de ser él mismo lo cual ya es un logro, la fórmula aun no se agota y su creador David Shore ha declarado que House no bajará la guardia ablandándose ante las circunstancias, se darán más detalles de la relación entre él y su padre, así como el principio de la amistad entre House y Wilson.

El Doctor House se ha ganado un lugar dentro de las series consentidas y favoritas del público, incluso podría decirse que es ya de culto, siguiendo la tendencia que está marcando la televisión actual de entregar propuestas inteligentes y bien estructuradas como años atrás la cinematografía tenia como estandarte. Si no has visto capitulo alguno de esta serie esta puede ser tu oportunidad para comenzar, se han editado en DVD las cuatro temporadas completas y en cable puedes ver la quinta, no te defraudará.

· Muchas veces se ha hecho mención de los paralelismos entre el Doctor House y Sherlock Holmes como el hecho de que ambos tienen una personalidad absorbente, son misántropos, pueden elaborar todo un perfil solo mirando algunos detalles de una persona; son muy observadores, arrogantes, megalómanos; House es adicto a un calmante, Vicodin; Holmes a la heroína. Ambos tienen solo un amigo, House al Doctor Wilson y Holmes al Doctor Watson; de hecho hay varios juegos de palabras entre todos estos personajes. Tales semejanzas no son azar, David Shore ha declarado que esa es la idea, homenajear a otro personaje de ficción. · Varias veces vemos a House tocando el piano o la guitarra, Hugh Laurie realmente domina ambos instrumentos. · Brian Singer el productor de la serie no deseaba que un actor inglés interpretara el personaje de House, pero al ver la grabación en video de la audición realizada por Laurie, Singer no pudo menos que quedar encantado con el actor, decidiendo que el representaría al Doctor en la serie. Después se enteraría de que Hugh Laurie es inglés que puede impostar un perfecto acento norteamericano. · Antes de Interpretar a House, Laurie fue el papá de Stuart Little; cambio para bien (quizá de ahí el que consiguiera esa interpretación tan lograda de un doctor misántropo). · El padre de Hugh Laurie es médico, pero es un ser amable preocupado por sus pacientes, completamente lo opuesto al personaje que interpreta su hijo.

Por Juan Javier Gómez Sánchez

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uede que esto sea un shock parecido al que experimentamos al descubrir que Santa Claus no existe, pero les diré una cosa: Walt Disney no fue el inventor de los dibujos animados.

La animación es incluso anterior al mismo cine, pero se apoya en el mismo principio: a saber que la permanencia en nuestra retina de una serie de imágenes repetidas que se alternan nos hace percibirlas como una sola imagen en movimiento. Y es que de todos nuestros sentidos, el más fácil de engañar es la vista (ténganlo muy presente la próxima vez que vean a esa preciosidad de muñeca en la escuela, la universidad o en el súper a la vuelta de la esquina, las apariencias engañan).

El primer antecedente de los dibujos animados lo encontramos en el año 1825 y se llama Taumatropo. Según las fuentes consultadas puede haber sido inventado por diversas personas: unos citan a Peter Roget, otros al doctor John Ayrton de París, mientras que para algunos su creador es el Dr. Fitton de Londres. El Taumatropo es un artefacto muy sencillo, se trata de un disco ligero, de cartón por ejemplo, que tiene dos imágenes diferentes, una al frente y la otra al reverso; a cada lado tiene amarrado un trozo de cuerda, cuando se le hace girar entre los dedos las dos imágenes parecen fundirse en una sola. Johnny Depp usa uno de ellos para ligarse a Christina Ricci en “La Leyenda del Jinete sin cabeza” de Tim Burton, chiste privado del director quien empezó su carrera como animador en los estudios Disney.

En 1833 aparece el Fenaquistoscopio, inventado por Joseph Plateau en Bruselas. Se trata otra vez de un disco que tiene perforaciones a intervalos regulares y una serie de imágenes pintadas en una de sus caras; el centro del disco se fija a un palito como si fuera un rehilete, se coloca uno frente a un espejo y lo hace girar mirando a través de las ranuras y se obtiene así una vista que simula un objeto en movimiento.

Finalmente tenemos el Zoetropo, del que al parecer ya hacían uso los chinos hace unos dos mil años, pues se han encontrado algunos modelos arcaicos del año 180 de nuestra era, pero cuya invención oficial se atribuye a William George Homer en 1834. El Zoetropo se base en el mismo principio que el Fenaquistoscopio, pero en este caso se trata de bandas de imágenes colocadas en el interior de un tambor giratorio. Ofrece la novedad de que las bandas pueden cambiarse y ver distintas animaciones.

Todos estos aparatos eran vistos como atracciones de feria, y es que el cine nació entre magos y funámbulos. Uno de los pioneros de la animación fue Emile Courtet, quien adoptó más tarde el seudónimo de Emile Cohl. Nacido en París el 4 de enero de 1857 era un verdadero saltimbanqui de las artes: dibujante humorístico, periodista, hombre de teatro, pintor, fotógrafo y marionetista. Realizó más de trescientos cortometrajes él solo, de los que se conserva únicamente la quinta parte. Los historiadores están de acuerdo en considerar su película “Fantasmagoría” proyectada el 17 de agosto de 1908 en el Teatro del Gimnasio en París como el primer film de dibujos animados propiamente dicho.

No contento con esto, su curiosidad lo llevó a explorar diferentes caminos; a él se debe la creación del primer personaje de los dibujos animados: “Fantoche”, un personaje sencillo, prácticamente hecho de bolitas y palitos, así como el primer filme de marionetas (lo cual lo convierte en algo así como el bisabuelito de Wallace y Gromit); los primeros dibujos animados en colores; la primera animación publicitaria (nada menos que para sopas Campbell`s , ¡sacré Mafalda!); la primera adaptación de una historieta a dibujos animados (“Les aventures des Pieds Nickelés”, en 1917) y las primeras series de dibujos animados.

Utilizó recortes de papel en sus animaciones e incluso se especializó en dibujos de transformación, lo que hoy conocemos como “morphing”.

Cuando Walt Disney recibió la Legión de Honor en Francia, reconoció el papel fundamental que Cohl había desempeñado en la creación del cine de animación, y otros animadores, como el canadiense Norman McLaren reconocieron siempre haberse inspirado en su trabajo.

Cohl dejó de producir dibujos en 1923, pero para entonces otros ya habían tomado el relevo en el mundo de la animación. Tres de ellos destacan por su creatividad, me ocuparé de ellos brevemente.

La evolución en el mundo animado tuvo también su período jurásico, que le corresponde por entero a Winsor McCay. Lo que Michael Crichton soñó hacer usando ADN fosilizado McCay lo logró utilizando solamente lápiz y papel de arroz, el resultado: más de mil dibujos para dar vida a Gertie, la dinosaurio amaestrada, pues McCay no solo dibujó cuadro por cuadro la acción de los personajes sino también los fondos (Un fragmento de esta animación podía o puede verse en YouTube), su estreno se llevó a cabo el año de 1914 en la ciudad de Chicago. McCay también realizó la historieta del Pequeño Nemo en el país de los sueños, una obra maestra surrealista y fue calificado como “El Mozart de Bujolandia” por el crítico W. Almont La Peer.

Dibujar cuadro por cuadro fondos y personajes es un proceso extremadamente laborioso, para agilizar este proceso titánico, John R. Bray y Earl Hurd idearon un sistema de micas transparentes sobre las que podían trazarse los personajes en movimiento para que luego pudieran fotografiarse sobre un solo fondo fijo. Este descubrimiento ahorró un montón de tiempo y facilitó la producción en masa de los cortos de animación. Durante 17 años, la BrayHurd Process Company otorgó licencias para el uso de esta técnica a diversos estudios pues los cortos animados tenían cada vez mayor demanda. Y es que en las funciones de cine de antes era de rigor proyectar uno o dos “cortos de monitos” como una especie de entremés antes del plato fuerte, la película propiamente dicha.

Y ya para cerrar este breve artículo mencionaré a Max Fleischer, inventor del Rotoscopio, un aparato que servía para proyectar cuadro por cuadro imágenes de un film sobre una pantalla de cristal, permitiendo utilizarlos como base y retrazarlos haciendo así más realista el movimiento de los protagonistas de una animación. Fleischer tuvo un gran éxito con los cortos de la serie “Fuera del tintero” (“Out of the Inkwell”) protagonizados por Koko el payaso y su perrito Fitz, que escapaban de un tintero para vivir una serie de aventuras.

Estos serían a grandes (muy grandes) rasgos los principios y algunos de los principales pioneros del cine de dibujos animados, una historia que empieza como los cuentos clásicos, con un “Había una vez...” y que continúa escribiéndose en nuestros días, ya que, como diría uno de nuestros personajes favoritos: “¡Eso NO es to... eso No es to... eso No es todo, amigos!”

T

odavía a finales de la década pasada, decir “Walt Disney” era todo un sinónimo de animación, dibujos animados o caricaturas, inclusive, y es que el estilo y técnica del papá de Mickey Mouse permaneció en el imaginario popular durante décadas, su huella es innegablemente indeleble.

Curiosamente uno podría pensar en una vida de éxito continuo, pero esto no siempre fue así; tras algunos falsos inicios, Walt fundó su estudio de animación en Kansas, en donde realizó varios cortos que aunque exitosos, no fueron lo suficiente como para sostener su estudio, después emigró a Los Angeles donde realizó las Alice Comedies, pequeños cortometrajes en donde una niña (Virginia Davis) real convivía con personajes animados. Estos le dieron un éxito notable que le permitió realizar una serie animada de un conejo llamado Oswald, que produjo junto a la Universal Pictures. Tras algunos problemas legales pierde los derechos de Oswald, y recordando a un ratoncito que tenía de mascota en Kansas crea Mickey Mouse, que un principio tuvo un lento avance, pero a partir de aquí la historia sería muy diferente.

Junto con los cortos de Disney realizó las Silly Symphonies (Sinfonías Tontas) pequeñas piezas de animación que serían el terreno de pruebas con nuevas técnicas, siendo el corto Flowers and trees (Flores y árboles) la primera animación realizada en color. Las Sinfonías Tontas serían también los ensayos para el que sería el primer largometraje animado: Blanca Nieves y los Siete Enanos, estrenada en 1937, generando una gran polémica pero también un gran éxito.

Se cree que a partir de ahí siguió un éxito tras otro, pero esto no es del todo cierto, de hecho, sus siguientes cuatro películas resultaron ser filmes de regular éxito: Pinocho (1940), Fantasía (1940), Dumbo (1941) y Bambi (1942), siendo Fantasía además un terrible fracaso en taquilla (aunque artísticamente es una de las películas más hermosas que se han realizado en animación).

Corrían los años de la Segunda Guerra Mundial y la producción de largometrajes animados se detendría (aunque hubo largometrajes realizados con varios segmentos, como Los tres Caballeros o Make Mine Music) para dar paso a diversos cortos con personajes como Mickey, Tribilín o Donald (este último además protagonizó pequeños filmes de propaganda política, pro Americana, of course).

Sería hasta 1950 con la realización de Cenicienta que Disney se anotaría otro éxito, tal vez esto se debería a que tras la guerra el público estaba sediento de historias un poco más complacientes y tradicionales; de aquí seguirían éxitos como Peter Pan (1953), La Dama y el Vagabundo (1955), La Bella Durmiente (1959), La Espada en la Piedra (1963) y El Libro de la Selva (1967), siendo esta última la realización final de Disney quien fallecería ese mismo año, víctima de cáncer de pulmón (poco tiempo después surgió una leyenda urbana que decía que a Walt se le había criogenizado para resucitarlo cuando se encontrara la cura a su mal y que su cuerpo estaba debajo de la atracción de “Piratas del Caribe” en Disneylandia, pero esto no es verdad, en realidad fue cremado).

El estilo de Disney es maravilloso, detallado y fluido, en cuanto a animación 2-D podemos decir que no ha sido superado, ni siquiera por los Japoneses. El secreto de su animación consistía básicamente en que al animar a los personajes primero se determinaba que actor haría la voz y en base a sus características físicas se creaba al personaje, brindándole de esta forma una calidez y

realismo difícilmente igualado, a diferencia de cómo se piensa comúnmente que los personajes se diseñan y posteriormente los actores prestan su voz.

A la muerte de Disney, el estudio continuó con muchas realizaciones de mucha calidad en las dos décadas siguientes, filmes como Los Aristogatos (1970), Robin Hood (1973), El Zorro y el Sabueso (1981), El Caldero Mágico (1985) o Policías y Ratones (1986) tuvieron éxito de manera relativa, pero sin alcanzar realmente un gran logro hasta que en 1989 se estrenaría el filme que llevaría a Disney a una nueva edad dorada: La Sirenita; aderezada con la estupenda música de Alan Meneken y Howard Ashman volvería a poner el nombre de Disney por lo alto, alcanzando la animación 2-D un nivel realmente alto.

A esta siguieron La Bella y la Bestia (1991),que sería el primer filme animado en estar nominado al Oscar en la categoría de “Mejor Película” y es realmente una película hermosa que mezcla lo mejor del cuento de hadas con las situaciones mágicas de Fantasía.

Desafortunadamente este éxito marcaría las producciones Disneyanas llevando sus películas a ser demasiado formuláicas y filmes musicales como El Rey León (1994), Pocahontas (1995), Hércules (1997) o Mulán (1998), que no dejaban de ser visualmente maravillosas y divertidas, no dejaban de ser chabacanas y predecibles.

Consientes de esto,a finales del siglo XX y principios del XXI realizan diferentes tratando de alejarse del cliché del musical y aparecen cintas como Tarzán (1999), Atlantis (2001), Lilo y Stitch (2002) o El Planeta del Tesoro (2002) en donde experimentarían con

los géneros de aventura y de humor, que estaba muy de moda gracias a cierto ogro de animación en computadora que sería la mejor competencia para la Disney en el 2001.

Vacas Vaqueras (2004) sería la última película de Disney en animación “tradicional”, un triste epílogo a un estilo que podríamos definir como “artesanal”, y es que realmente es la película más mala realizada por los estudios. Ese mismo año se anunció que ya no se realizarían filmes en este estilo para realizar solamente animaciones de tipo digital, aunque afortunadamente se ha anunciado la realización de La Princesa y la rana para este año, retomando de nuevo al cuento de Hadas, esperemos que sea buena y tenga éxito, por que ciertamente sería muy triste que se perdiera este estilo de animación, creo que la memoria de Walt Disney no se lo merece.

Desde hace cincuenta años varias generaciones de padres e hijos han crecido viendo las series de dibujos animados creadas por Hanna-Barbera Productions. Y es que a lo largo de las décadas el trabajo de este estudio de animación ha penetrado en el estilo de vida del televidente de clase media.

Mientras estudios como Warner y Disney apostaban por la formación de un estilo particular o el desarrollo técnico de su trabajo, Hanna-Barbera prefería presentar series con situaciones que se vincularan con el público que las veía. ¿Por cuánto años pensamos que Hanna-Barbera era un genial e incansable creador que presentaba continuamente series y personajes nuevos, invadiendo lentamente todos los horarios de transmisión para estos programas, e incluso abriendo espacios nuevos? Pero William Hanna (oriundo de Melrose, New México) y Joseph Barbera (de New York) se unieron por primera vez en 1939, trabajando en los estudios de animación de Metro-Goldwyn Mayer. Su primer trabajo como directores fue en el corto “Puss Gets the Boot” (1940), el origen para las famosas caricaturas de “Tom y Jerry”, en las cuales ambos trabajaron por 17 años, ganando ocho premios de la Academia.

DOMINANDO LA TELEVISIÓN Tras el cierre del estudio de animación de MGM, en 1957, Hanna y Barbera contrataron a la mayoría de los animadores despedidos para trabajar en su propio estudio con la intención de especializarse en animación para televisión. La primera serie producida por Hanna-Barbera Productions fue “The Ruff & Reddy Show”, distribuida por Screen Gems (división de Columbia Pictures) y se estrenó en la cadena NBC en diciembre de 1957. Al año siguiente, con el estreno de “The Huckleberry Hound Show”, HannaBarbera Productions obtuvo su primer gran éxito obteniendo en 1960 el premio Emmy por logro en el campo de programación para niños.

En 1959 Hanna-Barbera Productions alcanzó el horario estelar y el mayor éxito en su historia con la serie “The Flintstones” (Los Picapiedras), transmitida por ABC y basada en la serie de Jackie Gleason “The Honeymooners”, pero ambientada en la edad de piedra. La serie duró seis años con un éxito de audiencia y mercadotecnia sin precedentes.

LAS MEJORES PRODUCCIONES DE HANNA-BARBERA “The Huckleberry Hound Show” (1958–1962).

Esta serie y su protagonista establecieron la pauta para los futuros personajes-animales del estudio, como “Tiro Loco McGraw”, “El Oso Yogi” y “Magilla Gorilla”.

Hanna-Barbera Productions fue uno de los primeros estudios en desarrollar series directamente para televisión (hasta entonces los dibujos animados por televisión consistían en retransmisiones estrenadas originalmente en cine). Con el lanzamiento de varias series en horario estelar y sábados por la mañana, además de la creación de los primeros dibujos animados de acción y aventura, Hanna-Barbera llegó a transmitir sus programas en las tres principales cadenas de televisión en E. U.: ABC, CBS y NBC. Durante la década de los 70 la mayoría de las series animadas para televisión eran producidas por Hanna-Barbera, compitiendo ocasionalmente con Filmation (“Batman”), DePatie-Freleng Enterprises (“La Pantera Rosa”), Rankin-Bass, Chuck Jones (“Tom y Jerry”) y Lee Mendelson & Bill Meléndez (“Peanuts”).

Por los bajos presupuestos con que los estudios de animación deben trabajar, Hanna-Barbara desarrolló un concepto de “animación limitada”; diseño de personajes simplificados, fondos cíclicos, técnicas para animar sólo las partes del personaje que debían moverse y el reciclaje de celdas de animación. Con esto el típico cortometraje de diez minutos se realizaba con 1,200 dibujos, en lugar de los habituales 2,600, enfatizando además la música sobre la acción. Hanna-Barbera Productions también contrataba animadores y artistas que otros estudios despedían por conflictos laborales, como Arnulfo Rivera, artista mexicano que trabajó directamente para este estudio: “Era 1977 y ellos producían 30 series diferentes a la semana, de 22 minutos cada una. Tenían 80 animadores para ello [...] A diferencia de Disney, ellos pagaban mil quinientos dólares semanales. En una época donde la renta de un departamento era de setecientos dólares al mes, era mucha la diferencia”. (tomado de la revista “Dibujarte”)

“The Flintstones” (1960–1966).

La primera serie de dibujos animados en llegar al horario estelar y, antes de “Los Simpson”, la serie con mayor cantidad de capítulos (más de 200).

“Top Cat” (1960–1961).

Esta serie triunfó más en Latinoamérica que en su país de origen, principalmente por la imagen pícara de Don Gato y su asombroso doblaje.

“Jonny Quest” (1964–1965).

Inició el trabajo del estudio en las animaciones de acción y aventura.

Presentó por primera vez armas de fuego genuinas y muerte en personajes de animación.

“Fantastic Four” (1967–1969).

La primera serie del estudio basada en un producto licenciado.

“The Banana Splits Adventure Hour” (1967–1970).

La primera serie del estudio que mezcló segmentos de animación con “live action”.

“Scooby-Doo, Where are You?” (1969–1971).

Sentó las bases para las series de jóvenes detectives. También se le considera una de las primeras series animadas que promovió el escepticismo (admirada por esto por el astrónomo Carl Sagan, aunque esto se ha perdido en las versiones más recientes, desafortunadamente).

“Wait Till Your Father Gets Home” (1972–1974).

Poco conocida por el público en general. Esta serie fue la primera en tratar los problemas comunes de una familia contemporánea, aunque su tendencia era claramente progobierno.

“Super Friends” (1973–1986).

Basada ligeramente en el cómic de la “Liga de Justicia”, esta fue la serie más popular del estudio basada en un producto licenciado.

“Dexter’s Laboratory” (1996–1998).

Evolucionó las técnicas narrativas y rindió varios homenajes a animaciones clásicas. Este programa y “The Powerpuff Girls” surgieron del formato “World Premiere Toons”.

“The Powerpuff Girls” (1998–2002).

El mayor éxito comercial de Cartoon Network, hasta la fecha.

LA ERA TURNER Durante la década de los ochenta el estilo de animación semi-realista y de acción de estudios como Filmation (“He-Man”) y Rankin/Bass (“Thundercats”) provocó que el trabajo de Hanna-Barbera decayera, obligándole a seguir dicha tendencia con series basadas en productos licenciados como “Los Pitufos”, “Pac Man”, “Los Dukes de Hazzard”, “Los Osos Berenstain” y “Teen Wolf”. Para reducir costos, Hanna-Barbera mudó mucho de su trabajo a otros países, como Australia, Taiwán, Filipinas y Japón. En 1989 la mayoría del equipo de Hanna-Barbera Productions renunció para irse a Warner Bros. y desarrollar éxitos como “Tiny Toon” y “Animaniacs”.

En 1990 el estudio fue puesto a la venta, siendo adquirido por Turner Broadcasting. Fred Seibert fue el ejecutivo asignado para dirigir esta empresa, cuyos creadores ya se encontraban en el semi-retiro. Seibert llenó de inmediato el vacío de animadores y creativos con una nueva generación de dibujantes, escritores y productores: Pat Ventura (“Muppet Babies”), Donovan Cook (“2 Stupid Dogs”), Craig McCracken (“Powerpuff Girls”), Genndy Tartakovsky (“Dexter’s Laboratory”), Seth MacFarlane (“Family Guy”), David Feiss (“Cow & Chicken”), Van Partible (“Johnny Bravo”) y Butch Hartman (“Fairy Godparents”) fueron sólo algunos. En 1993 el nombre del estudio cambió a Hanna-Barbera Cartoons.

En 1993 Turner Broadcasting lanzó el canal Cartoon Network, originalmente pensado como un gran escaparate de series animadas clásicas, principalmente de Hanna-Barbera, Warner Bros. y MGM, presentándolas ante una nueva audiencia. Posteriormente, en 1995, Hanna-Barbera y Cartoon Network estrenaron el formato “World Premiere Toons”, diseñado por Seibert para estrenar, semanalmente, cortometrajes originales creados por los animadores locales del estudio. El primero fue “El Laboratorio de Dexter”, estrenado en 1996. Las tendencias y el éxito que este nuevo formato generó son bien conocidas.

Para el 2001 Hanna-Barbera Productions había sido completamente absorbida por Warner Bros. Animation (división de Turner), produciendo junto a Cartoon Network obras basadas en el trabajo clásico de HannaBarbera, manteniendo sus derechos legales sobre dicho material, pero no así sobre los programas creados por Cartoon Network luego de este año.

William Hanna murió el 22 de marzo del 2001 y Joseph Barbera continuó trabajando para Warner Bros. Animation hasta su muerte, el 18 de diciembre del 2006, culminando así una era en la historia de la animación.

D

esde que los estudios Disney hicieron su aparición en los años treinta y prácticamente hasta mediados de los noventas, la palabra animación nos remitía a las “caricaturas” de la Casa del Ratón en primera instancia y en los cortos de la Warner en un honroso segundo lugar seguidas muy de cerca por las de la HannaBarbera (cabría mencionar el “anime”, pero esa es otra historia…). De innegable calidad técnica, aunque si muy variable la correspondiente a tramas (especialmente en Disney y Hanna-Barbera que fueron algo más complacientes), sería hasta los años sesenta que aparecería una competencia real para estos tres grandes de la animación, pero competencia no

en cuanto a popularidad, sino en cuanto a usos alternos de la animación con productos menos complacientes y, por llamarlos de otra forma, alternativos, llegaban los “chicos malos” de la animación con productos de humor algo más ácidos o tramas más complejas orientadas a un público ya no exclusivamente infantil, aunque para los cánones actuales muchas de estas animaciones podrían parecer anacrónicas.

Cinco son los representantes de esta corriente de animación quienes ofrecieron propuestas frescas e innovadoras, tres productoras y dos artistas individuales son los que han destacado: La Rankin-Bass, Filmation, Jay Ward Productions, Don Bluth y Ralph Bakshi. Conozcámoslos:

Rankin Bass fue una compañía productora de animación fundada a principios de los años sesenta por Arthur Rankin Jr. y Jules Bass que se caracterizó principalmente por la realización de programas especiales de navidad en Stop-Motion (Animación cuadro por cuadro, técnica desarrollada principalmente por Ray Harryhausen en varias películas épicas de acción viva a la que llamó “Dynamation”, pero que la Rankin Bass llamó “Ani-Motion”). De estas destacan los especiales de “Rodolfo el reno de la nariz Roja”, “El niño del tambor” y particularmente “La vida y tiempos de Santa Claus”, basada en el relato de Frank L. Baum, que destaca por sus elementos de fantasía heroica. Estos y muchos otros especiales (no siempre navideños) destacan por la gran calidad de su animación, sus maravillosos diseños y sus canciones pegajosas. Los especiales navideños fueron todavía hasta principios de los noventas (al menos en México) eventos que había que ver por televisión abierta cada año.

Otros especiales en animación tradicional (2-D) fueron: Frosty, el Hombre de nieve y El Viento de los Sauces.

Sin embargo, en el terreno de los largometrajes y la animación tradicional la Rankin Bass fue realmente audaz con algunas de sus propuestas, destacan básicamente cinco películas, dos de estas en stop Motion y tres en animación tradicional, las dos primeras fueron: El Pequeño Soñador (The Daydreamer, 1966) que nos cuenta la historia de un joven Hans Christian Anderson que durante un sueño se encuentra con diferentes personajes como la Sirenita, el Patito Feo y a Pulgarcita entre muchos otros de los cuales escribirá cuando sea mayor. La película es una belleza en cuanto a escenarios y por una curiosa atmósfera nostálgica.

En “La Fiesta de los Monstruos” (Mad Monster Party, 1969), el Barón Von Frankenstein (Boris Karloff, en una de sus últimas interpretaciones) ha decidido retirarse y en una convención de monstruos en donde asisten la criatura del Doctor, Drácula, el Hombre Lobo, El Monstruo de la Laguna Negra y el Doctor Jekill y Mister Hyde entre muchos otros hacen una serie de disparates. Es esta una película realmente divertida que parodia al cine “clásico” de terror y que serviría de fuente de inspiración para la pesadilla navideña y la novia cadavérica de cierto señor Burton.

En animación 2-D, la Rankin Bass fue la primera que se atrevió a adaptar la obra de Tolkien con dos películas: El Hobbit (The Hobbit, 1977) y El Regreso del Rey (The Return of the King, 1980), la primera adapta de manera hermosa y efectiva la popular novela que daría origen a la trilogía del Señor de los Anillos, toda una audacia en un “cuento de hadas” que contrastaba con la chabacanería que Disney ya mostraba de manera desgastada en sus adaptaciones, curioso además que esta película fuera una producción para la televisión. Por otra parte, El Regreso del Rey adapta solamente el último libro de la trilogía de Tolkien ya que los dos primeros libros se habían adaptado de manera poco afortunada por Ralph Bakshi en la cinta llamada simplemente “El Señor de los Anillos” (de la que hablaremos más adelante), sintiéndose esta producción como una película iniciada por la mitad y que desentonaba con el estilo de animación de la cinta de Bakshi, aún así, es una curiosidad digna deberse.

Sin embargo, la joya de la corona de la Rankin Bass sería la adaptación de El Último Unicornio (The Last Unicorn, 1982), cinta de gran belleza poética y con una fluidez en la animación bastante lejana a la de las dos cintas mencionadas anteriormente; poética y adulta, aderezada por los nostálgicos acordes del grupo América es una adaptación bastante fiel a la novela original, en parte debido a que fue el mismo autor, Peter S. Beagle quien realizó el guión, la película complementa a la novela con diálogos y frases la sensación de magia y asombro sin necesidad de efectos especiales (que si los tiene, además). Ciertamente es una película que imprescindible para todo conocedor de la animación y del cine de fantasía heroica.

No podemos dejar de hablar de la Rankin Bass sin mencionar sus series de televisión, de estas destacan en su primera etapa King Kong (The King Kong Show. 1966-1969) en co-producción con Japón y las “caricaturas” de Los Jacksons 5 (The Jackson 5ive, 1971) y los Osmond (The Osmonds, 1972). Pero las series por las que sin duda es recordado el estudio son Los Halcones Galácticos (Silverhawks, 1986) y especialmente por los Felinos Cósmicos (The Thundercats, 1986), series de personajes antropomorfos mezclados con características animales en mundos extraños llenos de aventura y fantasía, Thundercats en especial se ha convertido en toda una serie de culto que junto con otras series animadas como G.I. Joe y Transformers cambiaron la programación televisiva para siempre, Irónicamente podríamos decir que Thundercats ha sido el canto de cisne de la Rankin-Bass.

El hecho de tener una animación “pobre” no significa que no se pueda alcanzar la popularidad y el éxito, de hecho, podríamos decir que las animaciones de Jay Ward son el antecedente más directo al estilo que actualmente utilizan Nickelodeon o Cartoon Network (en especial se nota su influencia en el trabajo de Genndy Tarstakovski, creador de Samurai Jack y las Chicas Superpoderosas entre otros).

Jay Ward Productions no fue un estudio muy prolífico, pero sus caricaturas fueron y siguen siendo bastante populares, como dato curioso, estos estudios originalmente contrataron a un estudio mexicano: Gamma Productions, quien fungía como un “outsorcing”. Cuatro serían sus series animadas que alcanzarían un gran éxito en los años sesenta: Dudley de la Montaña, Hoppity Hooper, George de la Selva y principalmente, Rocky y Bullwinkle.

La primera (Dudley Do-Right, 1969) era originalmente un segmento presentado en el show de Rocky y Bullwinkle en donde un oficial de la policía Montada de Canadá tenía que rescatar siempre a su amada Nell Fenwick de las garras del malvado Snidely en una serie de situaciones que homenajeaban al cine mudo de humor Slapstick (No tanto Chaplinesco, pero si más cercano a Buster Keaton). Años después se realizó una película en acción viva con Brendan Fraser que resultó ser un fracaso en taquilla.

Hoppity Hooper (Ídem-1964-67) trataba de las aventuras una ranita quien con su tío Waldo, un Zorro (no me pregunten) y un oso llamado Philmore, buscaban la manera de hacerse ricos sin mucho éxito, sus aventuras eran bastante absurdas pero bastante divertidas.

(Incluso llegaron a parodiar a “La Dimensión Desconocida” en un episodio titulado “The Traffic Zone”), George de la Selva (George of the Jungle, 1967) era una parodia de Tarzán en donde el personaje titular chocaba constantemente contra los árboles o se caía al salir de su casa (se le olvidaba que vivía en un árbol), este tenía muchas aventuras, todas ellas disparatadas. En 1997 fue llevado al cine en una película de acción viva, interpretada irónicamente por Brendan Fraser, aunque esta última tuvo bastante éxito.

Rocky y Bullwinkle (desarrollada en dos series: Rocky and his Friends,1959-61 y The Bullwinkle Show, 1961-64; aunque conocida en México simplemente como: “Rocky, la ardilla Voladora”) narraba las aventuras de una ardilla y de un alce quienes tenían que detener los planes de un grupo de villanos (humanos) entre los que destacaban los espías Boris y Natasha, quienes eran realmente las estrellas de la serie, sus aventuras, todo un éxito en su momento debido en parte a que los villanos eran extranjeros y apelaban a una generación recién salida de la 2ª. Guerra mundial bastante comprometida con la guerra fría (De hecho, los mismos Boris y Natasha eran rusos, aunque irónicamente, su jefe era una especie de Nazi); al igual que las demás series del estudio, destacaban como ya se mencionó, por lo pobre de la animación, pero por lo ingenioso y absurdo de los guiones, tiene ya bastante que no se transmiten por acá, lo cual es una pena ya que las generaciones de Cartoon Network desconocen estas simpáticas animaciones que bien podrían ser los abuelos de “El Laboratorio de Dexter”, “Mucha Lucha” o “Pucca”, inclusive.

Otras animaciones que destacaron de los estudios Gamma y/o presentadas en los programas de Jay Ward Productions que gozaron de cierta popularidad fueron Mr Peabody, acerca de un perro científico que adoptaba a un niño (en serio), Sherman, quienes viajaban por el tiempo conociendo a personajes como Cleopatra, Napoleón, Marco Polo e inclusive al mismísimo ¡Pancho Villa!

Los Cereales General Mills crearon para patrocinar entre otros a Supercán (Underdog) una divertidísima parodia de Supermán acerca de un humilde perro bolero quien rescataba a una perrita reportera, la Dulce Polly Pura Sangre de diferentes peligros en la mejor tradición de Supermán y Luisa Lane.

También de General Mills estaba El Rey Leonardo, un noble aunque tonto rey quien era un león que junto con su paje Florín (un zorrillo) debían salvar su reino de los asedios de su hermano el león Itchy y una rata llamada Biggie, ésta destacó por ser además todo un melodrama. Aunque estas tres animaciones tenían todo el estilo de Jay Ward no son parte de sus creaciones.

Fundada en 1963 por Lou Scheimer y Norm Prescott, los estudios de Filmation se destacaron, en primera instancia al presentar tal vez las primeras series sobre superhéroes hechas exclusivamente para televisión (las animaciones de Supermán de los hermanos Fleischer fueron originalmente para cine) y por ser una empresa que se dedicó principalmente a realizar franquicias que compitieron realmente con estudios como los de Hanna Barbera en los años sesentas y setentas principalmente.

Filmation destacó por realizar series que podían tener tramas bastante moralistas y complacientes, muchas de ellas destacaban por que al final presentaban un segmento extra con los personajes recontando el episodio y dando una moraleja, como las caricaturas de He-Man y los Amos del Universo o She-Ra, la Princesa Guerrera, pero por otra parte podían tener argumentos realmente sublimes con escritores especializados en ciencia ficción como fue su adaptación de Viaje a las Estrellas (Los Episodios “Más allá de la Estrella más lejana” y “Yesteryear” son realmente magníficos, son relatos de una cierta complejidad bastante elevada para una serie animada de aquellos años, la última es además considerada como uno de los mejores episodios animados de cualquier serie de animación en general).

Muchísimas fueron las franquicias en las que Filmation realizó diversas series, destacan: La Isla de Gilligan (con dos versiones, en una de ellas los sufridos personajes naufragaban, ¡en otro planeta!), Batman, Supermán, Aquamán, los Súper Amigos, Archi (en esta popularizarían la canción “Sugar, Sugar” del grupo “Los Archies”, precisamente), Sabrina la Hechicera, El Llanero Solitario, Tarzán, Flash Gordon (una estupenda versión que originalmente sería hecha parta cine, cosa que se nota por la excelente calidad de los primeros seis episodios que cuentan una historia completa) y las ya mencionadas He-Man y los Amos del Universo y Viaje a las Estrellas.

Entre las pocas series “originales” destacan adaptaciones de Julio Verne como “Viaje al Centro de la Tierra” o la popular Bravestarr (Conocida en México como “Vaquero Galáctico”), así como de una versión apócrifa de Los Cazafantasmas (cosa que obligó a la franquicia de la película de los años ochenta a realizar una serie animada llamada “Los Verdaderos Cazafantasmas”). Una de las características que tuvo esta empresa en sus series fue el de re-utilizar metraje ya empleado anteriormente y así ahorrar costes de producción, esto demeritó mucho la calidad de estas series En largometrajes, Filmation básicamente realizó adaptaciones de sus productos como tres películas de He-Man y los Amos Universo (en realidad solo fue una, las otras dos fueron selecciones de capítulos de la serie de T.V. de He-Man y de She-Ra conectados por un hilo narrador), también realizaron filmes de Bravestarr y Súper Ratón (Mighty Mouse).

Aunque destacan dos películas en particular: Regreso al Mundo de Oz (Journey Back to Oz, 1974) y Starchaser: La leyenda de Orin (Starchaser: The Legend of Orin, 1985). La primera es una especie de continuación de la clásica película con Judi Garland, curiosamente, en esta, el personaje de Dorothy aporta su voz Liza Minelli, hija de Garland, en una imaginativa versión que se convirtió en un clásico de la animación muy apegado a los libros de Baum; por otra parte, Starchaser es una historia de Ciencia Ficción acerca de un grupo de personas que viven bajo el yugo de un tirano en los subterráneos de un extraño planeta y sobre como un adolescente busca una espada que los liberará de la tiranía, ésta fue una joya única realizada además en 3-D, cuando utilizábamos lentes, es una animación bastante decente y se podría decir que fue también el canto de cisne de esta productora que fue adquirida por una empresa francesa que más bien la deshizo.

Don Bluth es un animador independiente que salió de los estudios Disney en donde trabajó en filmes como La Bella Durmiente, La Espada en la Piedra, Bernardo y Bianca y El Zorro y el Sabueso entre otras. Debido a diferencias creativas, Bluth deja los estudios para lanzarse como realizador independiente.

En 1982 presenta su película The Secret of NIMH (Traducida espantosamente como “La Ratoncita Valiente”), en esta, una ratoncita debe pedir ayuda a unas ratas que han desarrollado una civilización subterránea a base de avanzada tecnología y magia para salvar la vida de su pequeño hijo. La película resultó ser toda una experiencia cinematográfica alejada realmente de los productos disneyanos al presentarnos una fantasía oscura bastante crítica. Llena de misterio, suspenso y personajes simpáticos, El Secreto de NIMH (Me niego a llamarla en su título en español) resulta una joya semi-olvidada de los anales de la animación, curioso, por que a nivel técnico resulta el primer atisbo de una competencia real para los estudios Disney.

El estilo de Bluth, aunque nada lejano técnicamente a Disney es generalmente más oscuro y su narra-

tiva es menos complaciente, salvo algunas excepciones que serían sus dos siguientes filmes: An American Tail (Un Cuento Americano, 1986) y Pie Pequeño en busca del valle perdido (The land before time began, 1988), ambas producidas por Steven Spielberg.

La primera es tal vez su película más popular, trata sobre un ratoncito ruso que emigra a América huyendo de los gatos, aunque divertida y encantadora, no deja de percibirse un mensaje reaccionario en donde los gatos son la sombra del comunismo. Aderezada con canciones (a diferencia de la cinta anterior), personajes simpáticos y una atmósfera nostálgica, Un cuento Americano es una buena película de animación que generó una secuela (bastante afortunada, hasta eso) y una serie de televisión, aunque estas últimas ya no fueron supervisadas por Bluth.

“The land before time” narra la odisea de un grupo de pequeños dinosaurios en el periodo previo a la extinción hacia un misterioso valle que es el último bastión de los grandes saurios. Estupendo filme también, aunque desafortunadamente se han realizado una cantidad enorme de secuelas de menor calidad.

Posteriormente, Bluth realizó películas bastante irregulares, desde las aceptables “Todos los perros se van al cielo” (All dogs go to heaven, 1989) y la divertida “Amigos Inseparables” (Rock-a-Doodle, 1992) hasta las tediosas y ñoñas “Pulgarcita” (Thumbelina, 1994) y “Un Troll en Central Park” (A Troll in Central Park, 1994).

Será hasta 1997 cuando Bluth se anote otro éxito con Anastasia (Anastasia, 1997)), producida por la Fox, en esta se retoma la hipótesis misteriosa acerca de una de las hijas de los Romanov quepudo haber sobrevivido a la masacre de la familia durante la Revolución Rusa; basada en la película Homónima de 1956 con Yul Brynner e Ingrid Bergman y en hechos “reales” (unos años después, una joven apareció en Paris clamando ser la verdadera Anastasia), esta película resulta ser la más “Disneyana” de su repertorio (de hecho, ésta y un Cuento Americano son atribuidas a Disney constantemente y de manera errónea),

llena de canciones, princesas, hechiceros y una fórmula de cuento de hadas, es sin embargo bastante entretenida y visualmente sorprendente. Irónicamente, el año de su estreno, se realizó la prueba de ADN de los restos de la familia Romanov y se descubrió que Anastasia efectivamente murió en la masacre, por lo cual se trata de un misterio que jamás existió.

La siguiente película de Bluth con la Fox (y su último largometraje hasta ahora) fue Titán A. E. (ídem, 2000), un aventura fantástica de ciencia ficción bastante lograda visualmente, aunque argumentalmente hace agua, provocando con esto un descalabro de taquilla del que parece aún no ha podido levantarse.

Bluth destaca también por dos videojuegos que utilizan el estilo de animación en 2-D: Space Ace y Dragon’s Lair, de esta última se habla de hacer un largometraje, ojalá así sea.

Pero si alguien merece el título de enfant terrible en la animación este sin duda es Ralph Bakshi, sin un estilo definido pero si con un aire transgresor, Bakshi no tiene reparos en mostrar que la animación no es cosa de niños.

Bakshi inicia su carrera como director de la segunda y tercera temporada de la primera serie del Hombre Araña (Spiderman, 1967-70) con un estilo algo deslucido pero con una ambientación psicodélica en donde destacaban los villanos Misterio o Rino entre otros, toda una serie que hizo época. Posteriormente, en los estudios Terrytoons (estudio que existía desde los años 20’s) con la película “Fritz el Gato” (Fritz the Cat, 1972), basada en el comic underground del polémico Crumb, en esta se nos narran las “aventuras” de un gato quien vive en los años 60’s en una vida llena de excesos, haciendo validero eso del “sexo, drogas y Rock & Roll”. La película es una joyita de la animación adulta en un estilo que podría calificarse como “sucio”, es algo así como la versión adulta de las animaciones de Jay Ward,como dato curioso,esta fue la primer película animada en recibir una clasificación de “Solo para adultos”.

Pero si algo destaca en el estilo de Bakshi ha sido el uso de la técnica denominada “Rotoscopio” que consistía en filmar escenas con actores reales para después dibujar sobre ellos, brindándole a esto una cierta dosis de “realismo” y fluidez al trabajo remitiéndonos a las animaciones de los hermanos Fleischer.

Usando esta técnica destacan su adaptación de “El Señor de los Anillos” (J.R.R. Tolkien’s The Lord of the Rings,1978), “Fuego y Hielo” (Fire and Ice, 1983) y “American Pop” (Ídem, 1982).

En El Señor de los Anillo, junto con “Los Hechiceros de la Guerra” (Wizards, 1977), Bakshi se adentra de forma polémica en el género de fantasía heroica, en la primera nos narra una fábula acerca de dos hermanos magos que pelean entre ellos por el control del mundo en una alegoría a la guerra y al uso de las armas, el resultado final es una obra irregular en el terreno técnico y argumental, aunque vale la pena verla, especialmente por su inesperado final.

El Señor de los Anillos por su parte es una curiosidad, en esta solo cuenta la mitad

de la historia ya que originalmente se tenía pensado realizar dos películas, pero a pesar de que no fue un fracaso en taquilla (costó apenas cuatro millones de dólares y en taquilla recaudó más de treinta) la productora decidió no realizar la continuación, una verdadera lástima, porque aunque está lejos de igualar a las realizaciones de Peter Jackson tiene buenos momentos ( por ejemplo la atmósfera, los personajes carismáticos y en especial Gollum, que parece ser la versión de Jackson se inspiró bastante en esta), a muchos sorprendió el uso del rotoscopio, los personajes rara vez dejan de moverse e incluso respiran.

En American Pop nos relata la conmovedora historia acerca de varias generaciones de descendientes rusos que durante gran parte del siglo XX se ven involucrados con la música popular americana, se trata en realidad de la historia de un sueño que se cumple hasta una cuarta generación después, en los años ochentas.

Después realizó Fuego y Hielo, empleando diseños del mismísimo Frank Frazetta en una pieza visualmente maravillosa, aunque argumentalmente lenta y a veces aburrida, se trata de una trama muy elemental en un periodo prehistórico rodeado de guerreros, magia y chicas realmente hermosas, vale la pena por la técnica, los diseños de Frazetta y por su carga erótica.

Entre sus últimas creaciones destaca “Mundo Genial” (Cool World, 1992), ya sin utilizar la técnica de rotoscopio, pero si mezclando animación con acción real. Incomprendida por muchos, Cool World es una especie de versión “mala leche” de Roger Rabitt de la Disney, en esta los personajes animados son todo menos tiernos y afables, retoma el estilo de los Terrytoons con una carga erótica bastante fuerte (Kim Basinger interpreta a Holli Would, una muñequita animada que para volverse real debe tener relaciones sexuales con un humano).

Incomprendido y hasta condenado, Ralph Bakshi no ha dirigido últimamente (aunque ha tenido un par de obras recientes para televisión, también incomprendidas por el sector popular) para nuestra mala fortuna, tal vez esto sea debido a que la animación “tradicional” no goza en estos momentos de popularidad ante la animación computarizada en 3-D, irónicamente en una época en la que las productoras y el público se están percatando que la animación, no es solo cosa de niños.

GENIO Luego de haber pedido riquezas fabulosas, palacios, mujeres y haber disfrutado hasta hartarse de todos los placeres terrenales, Aladino preguntó un día al genio: -Y tú, ¿no deseas nada para ti?

-Deseo que la gente nunca deje de desear- respondió el esclavo de la lámpara-Mientras haya un sólo hombre que desee algo sobre la faz de la tierra, nunca me faltará trabajo. Tú no sabes lo que es estar desempleado. Lo pasa uno fatal.

GENIO 2 Tras años de matrimonio, fiestas, orgías y aventuras, la princesa aprovechó un día que su marido Aladino dormía para apoderarse de la lámpara maravillosa escondida bajo su almohada. Salió al jardín del palacio y en un rincón solitario frotó el artefacto mágico de la forma conveniente. Apareció el Genio.

-Soy el esclavo de la lámpara- dijo- dime tu deseo.

-Deseo el divorcio- respondió la princesa.

FE Habíase armado un gran revuelo a orillas del mar de Galilea. El nazareno, Jesús hijo de María, predicaba y estaba realizando milagros.

-Señor, dijo Noemí acercándose al maestro y besando sus pies-ten piedad de mi hijo, que es tullido de nacimiento.

-Tu fe ha curado a tu hijo, decía Jesús-a partir de hoy caminará como cualquiera entre los hombres.

Y el muchacho sanaba.

-Maestro, imploraba Ruth tocando el borde del manto de Cristo-mi padre ha perdido la vista, ¡socórrelo!

-Tu padre ha visto la luz de nuevo gracias a tu fe, respondía y al momento se realizaba el milagro.

-Rabbí - lloraba Séfora-, mi hija padece lepra, ¡cúrala!

-En verdad te digo que no hay nada imposible para quien tiene fe en mí, tu hija ha sanado. Llagas y purulencias desaparecían al instante.

-¡Hijo de Dios!, llamó Judith, suplicante, de rodillas-¡dame un marido!

Se hizo el silencio, Jesús contempló largamente a Judith que, la verdad sea dicha, era bastante feíta y luego dijo: -¿Alguno de los presentes tendrá la suficiente fe en mi para creerme si les digo que esta mujer hará una excelente esposa?

ENCUENTRO Yusuke está sentado en la estancia esperando a su amigo Haruhiko para tomar el té, la pequeña katana cerca, pues en estos tiempos turbulentos el peligro nunca está lejos. Haruhiko tarda, pero su amigo no se preocupa, sabe que pase lo que pase su amigo vendrá, aunque pueden ser muchos los motivos que retrasen a un ronin. La doncella que le sirve abre la puerta corrediza al cabo de unos minutos y pregunta tímidamente si necesita algo más. Lleva puesto un kimono azul en el que están bordados primorosamente unos crisantemos. Yusuke, distraído en la contemplación de las flores bordadas responde que no, y cuando ella cierra la puerta se imagina cómo será su joven y frágil cuerpo desnudo, pálido como el marfil, a la luz de una vela. De pronto ,oye ladrar a lo lejos a unos perros, luego escucha una conmoción en el establecimiento de la casa de té, ruido de muebles al volcarse, pasos apresurados, gritos de mujeres, imprecaciones. ¿Vendrán a buscarlo mercenarios de algún clan rival? Toma su espada y se prepara para la lucha. La puerta se descorre violentamente, no son mercenarios, sino su amigo Haruhiko, la ropa desgarrada, llena de sangre, que lleva su propia cabeza cercenada bajo el brazo. Haruhiko saluda con una corta reverencia, toma asiento, deposita cuidadosamente su cabeza en el centro de la mesa, mira fijamente a Yusuke y dice: -Pido disculpas, amigo mío. Venía de camino cuando caí en una emboscada y fui decapitado por mis enemigos. Pero me pareció que sería una descortesía imperdonable faltar a nuestra cita por una pequeñez como ésa.

NOSFERATU Algunos decían que la epidemia venía de algún lugar del norte, otros que de algún sitio no identificado del este y que había viajado con el cambio de las estaciones, tal y como hacen los pájaros al migrar. A nadie se le ocurrió que más bien provenía de debajo de la tierra, en concreto de la tumba de un vampiro y no de un virus.

La gente caía como moscas y las moscas disfrutaban con ese festín abundante y macabro. Las calles se vaciaron como si fuera mediodía y todos se hubieran ido a dormir la siesta, sólo que ahora se trataba de la siesta eterna.

Y por las noches el impío No-muerto, el redivivo cuya hambre parecía no tener fin, correteaba por las calles de casa en casa como si fuera una abeja libando de flor en flor.

Hasta que una noche se le ocurrió entrar por la ventana en la habitación en que dormía Lucy.

Lucy solía quedarse despierta hasta muy entrada la noche, leyendo novelas o escuchando discos en un viejo fonógrafo. Y no se sorprendió por aquella visita inesperada, lo que permite suponer que no era la primera vez que esto ocurría, pero este visitante estaba más muerto que vivo, aunque no por eso menos hambriento.

El Vampiro la miró con ojos inyectados en sangre, mirada que conocen bien los que han sido sorprendidos con dinero en su bolsillo por algún acreedor, pero como Lucy era una chica moderna, de esas que no necesitan una presentación formal para ponerse a platicar con extraños, dijo: -Buenas noches, ¿hace frío afuera, verdad?, claro que sí, está usted helado. Venga, bailemos algo de Tap, así entrará en calor rapidito.

Bailar no se le da con facilidad a quien se la pasa todo el día metido en un ataúd, pero con un poco de paciencia Lucy pudo enseñarle algunas de las rutinas que había aprendido viendo películas norteamericanas. Luego lo hizo cantar algunas canciones acompañándolo con su saxofón, leyeron un capítulo de una novela romántica que él encontró insoportablemente cursi y acabaron jugando un partido de cartas.

Fue entonces cuando el canto del gallo sonó tres veces.

El vampiro cayó en cuenta demasiado tarde que amanecía, tan entretenido estaba que ni siquiera se había acordado de cenar.

-Fue una velada encantadora, muchas gracias-dijo medio sofocado e intentó salir por la ventana, pero no se había movido ni un centímetro cuando el primer rayo del sol cayó sobre él convirtiéndolo en polvo.

Lucy, que era una chica con mucha imaginación, imaginó que nadie le creería lo ocurrido y mucho menos que le darían las gracias. Por eso se guardó mucho de comentárselo a nadie. A partir de ese día, todos los que estaban bajo la influencia perniciosa del vampiro se vieron libres de su hechizo, los enfermos sanaron, las muertes cesaron, las calles volvieron a llenarse de gente. Y los chicos que entraban de noche por la ventana de Lucy estaban ahora más vivos que muertos, pero no por eso menos hambrientos.

El cine del 2008 nos trajo a seres queridos de la infancia de vuelta, a grandes superhéroes y villanos memorables, robots con corazón, adaptaciones lamentables de libros, monstruos que dieron miedo por lo mal elaborados y un panda artemarcialista...

Es hora de que ustedes elijan que fue lo mejor de ese año que nos dejo: Manden sus votos a fantasci@fiestudios.net antes del 13 de febrero. Los resultados serán publicados en nuestro próximo numero.

LA PELÍCULA DEL AÑO

PEOR PELÍCULA DEL AÑO

MEJOR DIRECTOR

- El Caballero de la Noche - Iron Man - Persépolis - Sweeney Todd: El barbero demoniaco de la calle Fleet - Wall•E - Otra:

- 10,000 A.C. - El Día que la Tierra se detuvo - El Fin de los Tiempos - Hancock - Jumper - Otra:

- Christopher Nolan (El Caballero de la Noche) - Frank Darabont (Sobre-natural) - Guillermo del Toro (Hellboy II: El ejército Dorado) - Jon Favreau (Iron Man) - Tim Burton (Sweeney Todd: El barbero demoniaco de la calle Fleet) - Otro:

MEJOR PELÍCULA DE SCI-FI

MEJOR PELÍCULA BUTCH

MEJOR PELÍCULA DE TERROR

- Carrera Mortal - Cloverfield: Monstruo - El Día que la Tierra se detuvo - Los Expedientes Secretos X: Quiero Creer - WALL•E - Otra:

- 007: Quantum - Búsqueda Implacable - Carrera Mortal - Max Payne - Rambo: Regreso al Infierno - Otra:

- Espejos Siniestros - Los Extraños - El Orfanato - Sobre-natural - [REC] - Otra:

MEJOR PELÍCULA DE FANTASÍA

MEJOR PELÍCULA ANIMADA

MEJOR PELÍCULA BASADA EN UN COMIC

- Crepúsculo - Las Crónicas de Narnia: El Príncipe Caspian - Las Crónicas de Spiderwick - Hellboy II: El ejército Dorado - El Reino Prohibido - Otra:

- Bolt - Kung Fu Panda - Madagascar 2 - Persépolis - Wall•E - Otra:

- El Caballero de la Noche - Hellboy II: El ejército Dorado - Hulk: El hombre increíble - Iron Man - Persépolis - Otra:

PELÍCULA MÁS SOBREVALORADA

PELÍCULA MÁS SUBESTIMADA

MEJORES EFECTOS ESPECIALES

- 007: Quantum - Cloverfield: Monstruo - Crepúsculo - Soy Leyenda - [REC] - Otra:

- Meteoro - Originalmente Pirata - Rambo: Regreso al Infierno - El Reino Prohibido - Sobre-natural - Otra:

- Cloverfield: Monstruo - El Día que la Tierra se detuvo - Hellboy II: El ejército Dorado - Iron Man - Se Busca - Otra:

MEJOR MAQUILLAJE

MAYOR DECEPCIÓN

MAYOR SORPRESA

- El Caballero de la Noche - Las Crónicas de Narnia: El Príncipe Caspian - Hellboy II: El ejército Dorado - Sweeney Todd: El barbero demoniaco de la calle Fleet - [REC] - Otra:

- Aliens VS Depredador 2 - Cloverfield: Monstruo - El Fin de los Tiempos - Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal - Soy Leyenda - Otra:

- Hulk: El hombre increíble - Kung Fu Panda - Rambo: Regreso al Infierno - Sobre-natural - [REC] - Otra:

ESCENA MEMORABLE

MEJOR SECUENCIA DE ACCIÓN

- La borrachera de Hellboy y Abe Sapien al ritmo de Can’t Smile Without You (Hellboy II: El ejército Dorado) - Escape de prisión de Tai Lung (Kung Fu Panda) - Indy sobrevive a una explosión atómica (Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal) - El truco de magia con un lápiz del Joker (El Caballero de la Noche) - La versión “suecada” de Cazafantasmas (Originalmente Pirata) - Otra:

- El Duelo entre Jackie Chan y Jet Li (El Reino Prohibido) - Hellboy vs el Príncipe Nuada por el control del ejército dorado (Hellboy II: El ejército Dorado) - Hulk y Abominación destrozando las calles de NY (Hulk: El hombre increíble) - Persecución y pelea en un andamio (007: Quantum) - Rambo masacrando al ejército de Burma (Rambo: Regreso al Infierno) - Otra:

PERSONAJE MÁS COOL

VILLANO MÁS CUL...

CHIQUITITA DEL AÑO

- James Bond (007: Quantum) - Johann Krauss (Hellboy II: El ejército Dorado) - Sweeney Todd (Sweeney Todd: El barbero demoniaco de la calle Fleet) - Tony Stark (Iron Man) - Wall•E (Wall•E) - Otro:

- Dos Caras (El Caballero de la Noche) - Dra. Irina Spalko (Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal) - Joker (El Caballero de la Noche) - Príncipe Nuada (Hellboy II: El ejército Dorado) - Tai Lung (Kung Fu Panda) - Otro:

- Angelina Jolie (Se Busca) - Mila Kunis (Max Payne) - Natalie Martinez (Carrera Mortal) - Olga Kurylenko (007: Quantum) - Selma Blair (Hellboy II: El ejército Dorado) - Otra:

EL IMPERIO DE LOS DRAGONES Valerio Massimo Manfredi Debolsillo Sin duda alguna Manfredi se ha convertido en el más destacado escritor de novelas históricas de los últimos años. Su narrativa está cargada de detalles de la época que escribe, y sus personajes son tan humanos y cercanos, que hace que uno simpatice con ellos.

En este libro, el personaje principal es Marco Metelo Aquila, comandante romano y leal sirviente de emperador Valeriano. En un encuentro de negociación con los Persas, los soldados romanos son traicionados por su propia gente y apresados por sus enemigos para realizar trabajos forzados en minas lejanas.

AMERICAN PSYCHO Bret Easton Ellis Ediciones B Ellis escribe un relato perturbador sobre un hombre llamado Patrick Bateman, quien es un profesionista financiero que trabaja en Wall Street obsesionado con su apariencia y envuelto en las modas y el despilfarro monetario tan predominante en la década de los 80’s, donde se ambienta la historia; un Yuppie en toda la extensión de la palabra, minucioso con todo detalle que tenga que ver con lo que le rodea. La historia está narrada en primera persona, como si de un diario se tratase y en las primeras páginas somos testigo de cómo funciona la mente del personaje, obsesiva, llena de la cultura pop vacua e insensible… y es perturbador, ya que de pronto nos vemos

Sin embargo, el grupo de soldados del “comandante Águila” logran escapar en una encarnizada lucha, y en su huida se toparan con exóticos personajes venidos de tierras distantes.

Uno de estos personajes les ofrecerá un trato para poder regresar a Roma y descubrir al traidor; pero antes deberán escoltar a un misterioso hombre en su viaje a un remoto país, del cual los romanos apenas y han escuchado de él: China, un imperio mágico de costumbres extrañas.

Si bien la trama puede recordarnos a la historia del general Maximus de la película Gladiador, esta toma un giro en el momento en que nuestros protagonistas ponen pie en tierras chinas y comienza el inevitable choque cultural. -Vicente Cabrera

envueltos en toda una vorágine de vísceras y sangre; el “héroe” de este relato es un asesino en serie que no tiene un patrón a seguir, solo encuentra la oportunidad y no la deja pasar.

Ellis destapa la cloaca de una época de libertinaje y de inocencia perdida que se ocultaba bajo las luces de colores neón y música pop; de drogas sintéticas y el culto al Yo como única religión. Describe de forma cruda los actos de su personaje sin miramientos, sin concesiones, la carne se abre y sangra no importando si poseía aspiraciones o sentimientos.

Una obra dura que puede hacerte arrojar el libro lejos de ti, pero que irremediablemente retomarás para saber cómo termina. No apta para corazones y estómagos delicados. -Vico

ROCKNROLLA Dir. Guy Ritchie Con: Gerard Butler, Thandie Newton y Tom Wilkinson Luego de un par de resbalones creativos, el director Guy Ritchie vuelve al cine con el tema que mejor sabe hacer: Absurdas e inverosímiles historias de criminales del bajo mundo con mucho humor negro y diálogos geniales, aderezados con violencia y una gran selección musical que acompaña sus imágenes freneticamente editadas. ¿Que es un RocknRolla? Lo que da nombre a esta película es el nivel o estatus máximo al que debe llegar un verdadero amante del rock, con ambiciones de poder, sexo y drogas. Digamos que un Rockstar mafioso. Y esa es la aspiración

EL CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTTON Dir. David Fincher Con: Brad Pitt, Cate Blanchett y Taraji P. Henson Basada en el relato de F. Scott Fitzgerald, sobre un hombre que extrañamente nace de 80 años y va envejeciendo a la inversa (es decir, su cuerpo rejuvenece conforme avanza su edad), llega a la pantalla una película que pretende darnos una lección de vida (como su propio slogan reza “la vida no se mide por minutos sino por momentos”), a través de un curioso personaje.

La mancuerna Pitt-Fincher logra darnos de nuevo una película memorable (ya antes lo hicieron con Se7en y El Club de la Pelea), alejada de las tramas oscuras que nos tenían acostumbrados.

de Jonnhy Quid, un músico que ha fingido su propia muerte (pues se ha dado cuenta que en este mundo vale más un rockero muerto que uno vivo), y él es precisamente el detonante que afecta de una u otra manera al mosaico de personajes de esta película. Entre ellos One Two, (interpretado por el mismísimo Rey Leónidas), un ladrón de poca mota con una gran deuda con el capo mayor de Londres y que debe lidiar con problemas de identidad entre los miembros de su banda. A la ecuación sumenle al consejero del capo inglés, dos managers del “difunto” músico, un mafioso ruso y su traicionera contadora, una pintura de la suerte desaparecida, algunos adictos y muchos millones de euros.

RocknRolla es una película bastante entretenida, y que si bien es ligeramente inferior a los grandes trabajos de Ritchie -Snatch: Cerdos y Diamantes por ejemplo-, nos demuestra que el director esta de nuevo en forma para hacer ese cine tan particular que lo etiquetó como el Tarantino inglés. -Vicente Cabrera

Sorprende que el realizador se haya animado a contar esta historia de amor y coraje, ambientada durante varias décadas, desde los años 20’s hasta la época moderna, un viaje por toda la vida del insólito Benjamin Button.

Las actuaciones son de gran nivel, Blanchett magnifica como siempre y el señor Pitt demostrando una vez más que en verdad sabe actuar y que incluso nos puede conmover.

Aplausos también para los logros técnicos, pues los efectos se encuentran al servicio de la historia, siendo muy sutiles por momentos y en otros de verdad impresionan como logran insertar el rostro envejecido de Brad Pitt en un enclenque cuerpo.

El Curioso caso de Benjamin Button es una hermosa historia, de esas que quedan marcadas en nuestra mente y en nuestros corazones. -Nowhere Man

THE AMAZING SPIDER-MAN: UN NUEVO DÍA Marvel/Televisa Historia: Dan Slott Arte: Steve McNiven Continuando los acontecimientos de “Un Día Más”, la nueva saga del Hombre Araña que empieza a publicarse en México toma un rumbo totalmente lejano y hasta podría decir que ajeno a todo lo leído en los últimos 20 años del personaje insignia de Marvel Comics.

Siendo un lector por todo ese tiempo solo me queda decir que este nuevo arco argumental es totalmente decepcionante, al leer los dos últimos números publicados hasta ahora en México (éste y Sensational Spider-Man #12) le queda a uno la sensación de vacio y de que el personaje se quedó estancado en los setentas.

Incluso, en el número de Sensational… Tom Brevoort publica un manifiesto de cómo debe ser el Hombre Araña, lleno de clichés y cosas algo obvias que en el fondo me parecen perfectas para justificar todo esto… en 1979 (ignorando todas esas fantásticas historias que ocurrieron en los años ochentas y algunas rescatables de los noventa). En fin, solo para quienes hayan quedado en coma en los últimos veinte años y se acaben de despertar o para coleccionistas irredentos.

P.D. No todo es malo, me agradó el villano Overdrive, la idea de un villano que admira a Spidey es divertida realmente, aunque su diseño deja algo que desear. -Ignacio Loranca

HELLBOY: THE WILD HUNT Dark Horse Historia: Mike Mignola Arte: Duncan Fegredo Vuelve el demonio favorito de todos, después de las aventuras llevadas en sus previas historias nos da una nueva miniserie, ya costumbre en él, en donde nos cuentan la historia que continua la línea narrativa de la miniserie de Darkness Calls, la cual a su vez es una continuación de la trama principal de Giurescu y compañía.

Todo comienza cuando unos gigantes antiguos comienza a salir de sus tumbas a lo largo de Inglaterra, Anung Un Rama – para los que no lo sepan, el verdadero nombre de Hellboy- es llamado a unirse a un grupo misterioso conocido

como “The Wild Hunt” para darles caza y mandarlos de nuevo al infierno, aunque Hellboy también es un demonio, ¿confiarán en él sus nuevos aliados?

The Wild Hunt mantiene la calidad de las historias del maestro Mignola aunque en esta ocasión descansa en el dibujo para dejarle todo en las manos de Duncan Fegredo, artista que se integra a las filas de la compañía de Dark Horse, el cual ha trabajado antes con Grant Morrison y en historias del Juez Dredd así que veremos que tal es su estilo, lo que si se puede decir a su favor es que el dibujo es idéntico al estilo de Mignola, y por momentos se olvida uno que no lo dibujo él, esto puede ser tanto bueno como malo. La historia promete habrá que seguirle la trama. -Bandaconp

ULTIMATUM Marvel Comics Historia: Jeph Loeb Arte: David Finch El odio racial entre mutantes y humanos ha cobrado la vida de muchas personas, ejemplo de ello es el comienzo de esta saga: Un día, una catástrofe (supuestamente natural), devasta la ciudad de NuevaYork, Latveria queda congelada y muchos héroes desaparecidos; y todo ello al parecer por causa de la guerras de especies.

Ahora los héroes tendrán que aliarse entre sí para luchar contra un enemigo común.

FINAL CRISIS DC Comics Historia: Grant Morrison Arte: JG Jones, Carlos Pacheco y Doug Mahnke Finalmente lo que prometió el escritor Grant Morrison ha llegado. Luego de las criticas tan divididas por su serie Batman RIP, en donde el Caballero Oscuro enfrento una lucha emocional y psicológica, para al final salir airoso (“Batman piensa en todo”) y morir aparentemente en una explosión en las últimas páginas, nos enteramos en los dos números titulados Last Rites que no murió en aquel momento y seguía siendo parte de la continuidad de Final Crisis (la cual afecta a todo el universo DC), dentro de la cual fue capturado por

¿Pero valdrá tanto como para que los héroes se alíen con Von Doom? ¿Lograrán encontrar al desaparecido Nick Fury?

Mientras estas preguntas esperan respuesta, el Capitán América lucha por su vida en el Valhala codo a codo con el dios del trueno Thor.

Marvel Comics ahora nos trae de regreso al mundo Ultimate con la serie Ultimatum (con la cual promete destruir esa realidad alterna) que constara de cinco números, historia en la que Magneto tomará venganza por la muerte de sus hijos Quiksilver y la Bruja Escarlata. La historia es escrita por Jeph Loeb y las viñetas corren a cargo del dibujante sensación David Finch; hasta el momento podemos obtener los dos primeros números, que en lo personal me están gustando, ya que el guión me parece muy conciso. “For what they’ve done, they must pay the Ultimate price.” -JC Peralta

el dios Darkseid para que su subalterno Desaad experimente con él. Siendo el gran escapista que es, Batman logra librarse del laboratorio de Deesad y va con todo para enfrentar al propio Darkseid. ¿Un hombre contra un dios?

Sin duda Grant Morrison da un épico final a Batman en esta historia. Aunque todos sabemos que en algún momento Bruce Wayne volverá a la vida, y quizás sea en este mismo 2009, año que se conmemoran 70 años de su creación. Incluso pueden verse algunas pistas de cómo podría regresar en este mismo número, el sexto de la miniserie Final Crisis, la cual está a unos días de que concluya y conozcamos el destino del multiverso y de los nuevos dioses.

Ahora falta saber quien suplantara momentáneamente a Bruce Wayne como el Hombre Murciélago, ¿Dick Grayson? ¿Jason Todd? ¿Tim Drake? ¿Su hijo Demian será el nuevo Robin?

Solo el tiempo lo dirá... -Vicente Cabrera

BÚSQUEDA IMPLACABLE Región 4 Luc Besson se ha retirado del campo de la dirección tras obsequiarnos una buena cantidad de excelentes cintas pero continúa su carrera realizando guiones para otros directores sin que ello reduzca la calidad del resultado; tal es el caso de la cinta Búsqueda Implacable (Taken).

Liam Neeson interpreta a Bryan Mills, un agente especial norteamericano que vive ya en retiro, divorciado, con solo una hija con quien desea recuperar el tiempo perdido; algo que le resulta un tanto difícil.

Para ganarse su cariño consiente dejarle ir en un viaje a Paris solo con una de sus amigas.

Mientras habla por teléfono con su padre es testigo de cómo un grupo de sujetos irrumpe violentamente en el departamento, llevándose a su amiga, le comunica todo a Bryan quien le pide guarde la calma, irán por ella sin duda, así que debe describir todo detalle posible que le ayude a ir en su búsqueda.

Los primeros 30 minutos solo son para preparar el terreno de la historia y es a partir de este momento que la acción no cesa y la tensión es tal que te mantendrá atento a todo lo que ocurra; escenas de lucha impecablemente coreografiadas, diálogos memorables que nos recordara cintas como El Perfecto Asesino o El Transportador, ambas proyectos de Besson.

Cinta que no debes perderte si eres fan del buen cine de acción; éste DVD trae como extras el detrás de cámaras, imágenes de la premier y el video Dentro de la acción: Comparativo a contra imagen. -Vico

HANCOCK Región 4 Esta película no la vi en su estreno en cine debido a ciertos prejuicios que la tachaban como una película terrible que decaía al final, sin embargo, al verla en DVD me dejó un agradable sabor de boca.

Básicamente se trata de una historia de redención en donde Hancock, aparentemente uno de los dos últimos seres de una mitología olvidada, deberá ser un superhéroe para ganarse el respeto de la gente.

Muchas de las críticas que había escuchado decían que fallaba al carecer de un súper villano y de cambiar su tono en su segunda mitad. No comulgo con esas opiniones, en primera, por que una his-

toria de súper héroes no debe ser la eterna trama de “héroe-villano” (eso es infantilizar al género mismo) y en segunda por que me parece que quienes opinaron eso no entendieron el concepto del filme (cabe destacar que Will Smith realiza una de las mejores interpretaciones que le he visto, alejándose del cliché del tipo que quiere hacerse el gracioso).

Por otra parte, Hancock no va a cambiar el género y tampoco es vital quela veas, pero aún así es un buen entretenimiento.

El DVD trae números extras (¡milagro!) que hacen que valga la pena. -Nash Gaarder

A PRUEBA DE MUERTE Región 4 Mike (Kurt Russell), un ex hombre de piedra (doble cinematográfico en las secuencias de riesgo para los actores) se dedica a la cacería de chicas indefensas para asesinarlas brutalmente en un auto “a prueba de muerte”, solo que, tras asesinar a un grupo de cinco amigas se encuentra con la horma de su zapato al acechar a otras tres chicas que resultan ser también dobles de riesgo quienes le harán morder el polvo.

Esta película originalmente era parte de un “programa doble” (Grindhouse, le llaman en inglés) que realizaron los directores Robert Rodriguez con Planet Terror y ésta, de Quentin Tarantino, cada película debía durara una media de una horá aproximadamente, pero la proveedora decidió lanzarlas por separado en

SE BUSCA Región 4 Versión libre, pero muy libre, del comic de Mark Millar y J.G. Jones, en donde vemos como la vida monótona de Wesley Gibson se pone de cabeza al descubrir que es el hijo del más grande asesino del mundo, perteneciente a una organización secreta de asesinos conocidos como LA HERMANDAD, -sociedad que domina al bajo mundo- que por cierto, acaba de ser liquidado.

Con esta premisa inicia una película de acción con tremenda cantidad de efectos especiales, la cual la convierte en una película más de acción totalmente

las “versiones del director” de mayor duración cada una. La idea era realizar un homenaje a las cintas de clase B y que se vieran viejas y baratas.

Aunque la favorita es Planet Terror, personalmente me agrada más ésta, la primera mitad cumple con la visión de clase B, pero en su segunda mitad se convierte en toda una cinta Tarantinesca en un interesante juego de espejos (las chicas de la primera mitad son las clásicas “chicas malas”, vulgares y aparentemente agresivas, mientras que las chicas de la segunda mitad son las clásicas “niñas buenas” con clase que terminan siendo las más temibles.

Menospreciada por muchos, pero cine de Tarantino puro, la región 4 trae bastantes extras entre los que destacan: Las ruedas del terror, Los dobles al volante, Conductores, Kurt Russell es Stuntman Mike y el trailer Double Dare entre otros, ‘ai de ti si te la pierdes. -Nash Gaarder

alejada de la buena historia que el comic nos da; solamente se puede rescatar a mi personal gusto, la forma en que son elegidos las personas que deben ser eliminadas, método que recuerda mucho a las leyendas templarías.

En fin, la película cumple con entretener a los amantes al género de acción y ser llevados al límite; no se la pierdan ahora en DVD, de la cual hay dos versiones en región 4, una de un solo disco con casi ningún extra y otra de dos discos que cuenta con varios documentales detrás de cámaras para los que disfrutamos de estas chucherías. -Bandaconp

TOKYO GODFATHERS Madhouse Studio Película ¿Qué creen que podría pasar si un trio de vagabundos encuentran en la calle un bebé?

Esta loca idea se hace posible cuando Miyuki, Gin y Hanna, tres vagabundos de las calles de Tokio encuentran un recién nacido mientras buscan comida entre la basura.

Aquí comienzan toda una travesía, tres personalidades completamente distintas y tres historias convergen para darle a este filme un extraño pero agradable sabor agridulce.

Gin es un mitómano apostador que perdió todo, Hanna es un travestí con una extraña obsesión por ser madre y Miyuki es una adolescente que huyó de su hogar tras estar a punto de cometer un homicidio.

Al encontrar al bebé, Hanna ve en él la posibilidad de ser madre y realizar su sueño imposible, pero Miyuki y Gin lo convencen de buscar a sus padres, en esta búsqueda recogen varias piezas perdidas de ellos mismos y encuentran su propio valor, la línea argumental puede parecer un tanto simple, pero el guión es estupendo y los detalles que puedes encontrar durante el filme te dejaran un excelente sabor de boca. Si ya viste Perfect Blue, Milllennium Actress y/o Paprika del director Satoshi Kon no puedes perderte de Tokyo Godfathers, es otra faceta de Kon que no puede faltar. -Cecilicus

SOUL EATER Estudio Bones 51 episodios Anime que nos narra la historia de unos estudiantes llamados maestros que viven en el mundo de los muertos y se dedican a cazar almas de demonios para alimentar sus “armas”, que a la vez son también estudiantes deseándose volverse “guadañas letales”, lográndolo solamente cuando devoran 99 almas humanas corrompidas por los demonios y al final comerse el alma de una bruja.

Soul Eater es una divertida animación con una atmosfera que nos recuerda a El Extraño mundo de Jack, protagonizada por Soul y Maka, junto con unos enfermizos compañeros de batalla, como Billy the dead, hijo del rector de la escue-

la, pasando por el mas desesperante y enloquecedor compañero Black Star y su particular estilo de pelea.

Llena de momentos de acción junto con divertidas situaciones, sobre todo de los personajes que poco a poco van demostrando sus características y complejos que vuelven sumamente divertida la historia, todo entretejido en una trama que se va complicando mientras va desarrollándose, todavía se transmite en Japón, pero eso no evita poder conseguir la primera temporada la cual vale mucho la pena. -Bandaconp

HEROES Universal Channel Viernes, 21:00 hrs.

Después de ver la segunda temporada de Heroes, el volumen II titulado “Generaciones”, parecía que la serie había perdido su novedad y comenzaba a verse cansada. Más aún con la huelga de escritores encima y la cancelación del SpinOff: Heroes Origins, una miniserie que se presentaría entre la segunda y tercera temporada.

Así que comenzó el Volumen III, “Villanos”, y las esperanzas por ver una buena temporada de estos seres con súper poderes comenzaron a crecer.

Lamentablemente, el inicio fue una sarta de clichés sobre clichés, que hemos visto más de una vez en los comics. Inclusive en otros medios, como es el caso de Mohinder Suresh,

quien de pronto nos recordó a la película de La Mosca; y la “sorpresiva” revelación telenovelesca de que el reivindicado Sylar es hermano de Peter y Nathan. ¡Ah, por cierto, los héroes deberán salvar al mundo una vez más!

Pero no todo es malo, hay una luz al final del túnel. Jeph Loeb y Jesse Alexander, los productores ejecutivos y responsables del grupo de guionistas fueron despedidos. Los últimos capítulos se han revitalizado con un giro en la trama, que implica al difunto padre de los Petrelli y un mayor dinamismo entre los personajes. ¿Estamos acaso ante un resurgir que nos dará buenas temporadas a futuro? Solo Hiro Nakamura podría saberlo... -Vicente Cabrera

TWO AND A HALF MEN Warner Channel Martes, 20:30 hrs.

Una de las comedias más divertidas del momento es Two and a Half Men, la cual ya va en su sexta temporada. El éxito de esta serie recae en el personaje interpretado por Charlie Sheen (con quien no solo comparte nombre), un irónico, alcohólico y mujeriego compositor de jingles quien da asilo a Allan, su hermano mayor, luego de que este se divorcia de una neurótica mujer de nombre Judith. En el paquete viene incluido el pequeño Jake, el epitome del niñito gringo cuyas neuronas no dan más que para pensar en comer -y por el que pronto tendrán que cambiar el nombre del programa por el de “Three Men”, pues Jake ya ha crecido tanto como su nivel de estupidez-.

En esta nueva temporada, las situaciones se siguen presentando de la misma forma, pues parte del encanto del show son los dimes y diretes fraternales y los traumas psicológicos causados por su madre; aparte de las voluptuosas mujeres que desfilan por la casa de Charlie Harper. ¿Algún día sentara cabeza? ¡Qué importa!, es divertido ver como inclusive Charlie Sheen hace mofa de sí mismo, con algunos chistes sobre apuestas, drogas, prostitutas y demás detalles de su vida privada, que parecen inspirar a los escritores de la serie. -Nowhere Man

CALL OF DUTY: WORLD AT WAR

LORD OF THE RINGS: CONQUEST

Todos aquellos que somos fanáticos de los juegos en primera persona, quedamos enganchados a los que se situaban en la Segunda Guerra Mundial.

Durante 3 entregas Call of Duty trato de superar a la serie Medal of Honor sin mucho éxito, y para su cuarto juego parecía que tiraban la toalla al ambientarlo en una guerra moderna.

Pues bien, ahora COD regresa a sus raíces y nos trae el mejor juego donde podrás patearle el trasero a los nazis: World at War. La calidad de gráficos y sonido son impresionantes, además del factor gore que tiene en las heridas y amputaciones que puedes realizar con tus armas; violencia explicita como debe haber en una autentica guerra. -Vicente Cabrera

Mientras esperamos el estreno de la precuela de El Señor de los Anillos -El Hobbit- y junto con él su versión para las consolas, Pandemic nos hace la espera más relax con un nuevo juego de la franquicia LOTR, titulado Conquest.

En este juego podrás elegir entre el bien y el mal, y luchar cada una de las batallas vistas en las tres películas. Eso sí, puedes hacerlo en línea, ya que el juego soporta hasta 16 jugadores.

La vista del juego es en tercera persona y puedes explorar los grandes escenarios siendo un arquero, un guerrero, un explorador o un mago.

Francamente no es el mejor de los juegos de la serie, pero tiene muy buenas graficas y la ventaja de haber salido tanto para el 360, el PS3 y la PC. -Nowhere Man

MORTAL KOMBAT VS DC UNIVERSE El titulo corre a cargo de MIDWAY y WARNER BROS para el Xbox 360 y el Playstation 3, por el momento los fanáticos de Wii no lo podrán disfrutar. Contamos con 22 personajes seleccionables que del lado de Mortal Kombat lucen muy al estilo de sus juegos, pero del lado de DC las poses que usaron se ven un tanto forzadas: Por otro lado, el modo de cambiar técnicas ha sido eliminado y el uso de armas solo es para un par de personajes. De las novedades tenemos lo que se le denomina Kloset kombat y el Free Fall Kombat, ambos muy interesantes.

Desafortunadamente no podremos ver a Superman o a Batman hacer un “Fatality”, en vez de eso tendremos que conformarnos con el llamado “Heroic Brutality” que es parecido, pero no descuartiza al oponente; no queda más que decir: “FINISH HIM”. -JC Peralta

TWILIGHT Varios artistas Este disco, como todo aquel soundtrack que acompaña una película juvenil, es creado para las masas. Es por ello que se eligen temas de diferentes bandas -la mayoría más que conocidas- para asegurar su venta. En el particular caso de Crepúsculo encontramos a grupos como Muse con Supermassive Black Hole y a Linkin Park con Leave Out All The Rest. Cabe mencionar que para todas aquellas que sueñan con Edward, se incluye un tema cantado por el propio Robert Pattinson. -Nowhere Man

THE CURIOUS CASE OF BENJAMIN BUTTON Alexandre Desplat La partitura que acompaña esta película tiene toques melancólicos perfectamente interpretados por el piano, que son acompañados por sonidos delicados que van tornándose más complejos en ritmo para destacar el amor entre los protagonistas. El trabajo hecho por Desplat para el primer disco es exquisito. El segundo disco de este álbum doble se compone por un recorrido musical de la vida de Button, con algunos temas de jazz y música clásica, acompañados por diálogos de la película. -Vicente Cabrera PUNISHER WAR ZONE Varios artistas Parece ser que la fórmula perfecta para musicalizar una pelicula de corte urbano y violento es empleando mucho metal y grandes nombres que habrán el disco; aquí por ejemplo tenemos a Rob Zombie con su tema War Zone (siendo el más destacado del álbum), el cual tiene un gran trabajo de guitarra y percusiones. También encontraran canciones de Static-X, Slipknot, Slayer y Justice entre otros. Vale la pena escuchar a Hatebreed coverenado Refuse/Resist de Sepultura. -Nowhere Man.

BATMAN: THE ANIMATED SERIES Shirley Walker, Lolita Ritmanis y Michael McCuistion Para los seguidores de la caricatura del Hombre Murciélago inspirada en las películas de Tim Burton, sale a la venta un disco doble de edición limitada con la partitura original, incluyendo el icónico y oscuro tema compuesto por Danny Elfman para la entrada de la serie.

Son más de setenta temas, la mayoría de ellos compuestos por la desaparecida Shirley Walker, quien dejo un gran legado orquestal con este trabajo; como curiosidtad incluye un tema alterno, creado por la compositora, para la entrada.

Este es uno de esos raros casos en que la TV se acompaña de una notable banda sonora. -Vicente Cabrera

Todo mundo es un crítico Dice Kevin Smith, en su muy divertida película “Jay and Silent Bob Strike Back” en una escena en donde los personajes titulares descubren que están realizando una película basada en el comic del cual ellos son protagonistas y que según el “rumor” en internet que probablemente será una basura, que “Internet le ha dado una voz a toda América y ellos han decidido utilizarla para abuchear su película”.

Frase de candente actualidad, Internet nos ha dado a todo mundo la oportunidad de ser críticos (chingao, hasta yo lo he hecho), es tan fácil ahora abrir un foro y pensar que todo mundo está interesadísimo en leer nuestras palabras de sabiduría, y así, surgen sitios y blogs especializados en comics, cine, video-juegos, libros, música, en fin, lo que se les ocurra, yo mismo leo regularmente algunos, aunque he decidido no tomármelos tan en serio.

Cuando vivimos en un país democrático (y no me refiero exclusivamente a mi México lindo y querido, sino a la red en general), la libertad de expresión y pensamiento se vuelve uno de los tesoros más caros que como seres humanos nos preciamos de poseer, olvidándonos del adagio de Voltaire que esgrimiera contra Rousseau y que versa: “Estoy en contra de los que dices, más defenderé hasta la muerte tu derecho de decirlo”; y es que muchos de esos foros de “debate” se convierten en auténticos terrenos para batallas campales que ya quisieran los jugadores de rol en donde el objetivo no es ya atacar un producto artístico o una idea, sino a quien esgrime tales argumentos o realiza tal o cual actividad o creación (revisen nada más cuantas mentadas de madre recibe el pobre editor de Marvel en México, ¡ y en su propio blog!).

Las armas son muchas: desde la idea aguda, pasando por la perspicacia, el sentido común, la falta de éste, la falta de respeto y hasta la mala ortografía y redacción, pero eso sí, todos creemos ser mejores que el otro (al que se ataca) y pensamos que si estuviera en nuestras manos lo haríamos mucho mejor.

“¡Claro, estoy en mi derecho, y si no te gusta puedes irte mucho a chingar* a tu $%&@!! madre!” esgrimimos casi inconscientemente y nos abrazamos a esta máxima como si se tratara de una verdad escrita en piedra, no importando la preparación, conocimientos o educación necesaria para esgrimirse como críticos, con el puro sentimiento y estado de ánimo basta.

Creo que esto es peligroso, por que me pregunto; ¿bajo que parámetros estamos aceptando la opinión de un supuesto “especialista” en la materia? (si no me creen consulten en Youtube las “críticas” del famoso Anticristo, que aunque divertidas piensa que el ejercicio de la razón es insultar y denigrar las cosas que no le gustan, por citar solamente un ejemplo ¡Bendito anonimato que brinda la red!).

Claro que cuando hablamos de cuestiones artísticas como el cine, la música, los comics o estas cosas que tanto nos gustan no hay tanto problema, a fin de cuentas, en la estética entramos al terreno de la subjetividad; el problema es grave cuando con esa misma actitud aceptamos la crítica de seudo conocedores y charlatanes para cuestiones políticas, religiosas, psicológicas, educativas o que se involucran en nuestra vida personal o comunitaria, debemos pensar en eso. ¿Y qué me autoriza a decir esto? Me preguntarán; modestia aparte, una carrera en filosofía, que si no me convierte eso en crítico entonces nada más lo hace. Además, este rincón se llama Subjetivo, donde lo que importa es lo que yo digo. ¡Y si no les parece pues pueden irse a ch…..! ¡Nos leemos el próximo mes!

Atte: Ignacio A. Loranca Frontana Dir. General Fi Estudios ignacio.loranca@gmail.com

* No se asusten queridos amigos reaccionarios, desde hace un lustro aproximadamente La Real Academia de la Lengua Española aceptó como una palabra de uso normal al bonito verbo “Chingar”