Subasta de Arte Latinoamericano by Morton Subastas

DEBIDO A LA CONTINGENCIA, LA FECHA PUEDE CAMBIAR. CONSULTE MORTONSUBASTAS.COM PARA CUALQUIER ACTUALIZACIÓN

SUBASTA DE ARTE LATINOAMERICANO INCLUYE COLECCIÓN ARTE OBJETO Y BARBACHANO OSORIO

JUEVES 27 DE MAYO DEL 2021, 5:00 P.M.

Lote 158 Lote 89 49 Lote

Lote 123

Lote 106 7

DIRECTORIO Presidente | Luis C. López Morton · eorozco@mortonsubastas.com Director General | Eduardo López Morton · emorton@mortonsubastas.com Director de Operaciones | Manuel González · mgonzalez@mortonsubastas.com Gerente de Administración y Finanzas | Rosalía Madrigal · rmadrigal@mortonsubastas.com Director General de Préstamos | Andrés López Morton · amorton@mortonsubastas.com Gerente de Autos y Camiones | Aída Alanís Lara · aalanis@mortonsubastas.com

DEPARTAMENTO DE ARTE MODERNO

Especialista Constanza Infante

Especialista María Fernanda Serrano

Gerente de Departamento Sofía Duarte

Catalogadora Ana Segoviano

INFORMES Tel. + 52 (55) 5283 3140 · atencion.clientes@mortonsubastas.com Visite nuestra página web mortonsubastas.com donde encontrará fotografías adicionales de todos los lotes incluidos en esta subasta.

Atención a Clientes Valeria Cruz

subasta de arte latinoamericano

Incluye Colección Arte Objeto y Barbachano Osorio JUEVES 27 DE MAYO DEL 2021, 5:00 P.M. Monte Athos 179 Col. Lomas de Chapultepec, Ciudad de México. EXPOSICIÓN Del 20 al 26 de mayo. De lunes a viernes de 9:00 a.m. a 4:00 p.m. Sábado 22 y domingo 23 de 11:00 a.m. a 2:00 p.m. PORTADILLA

Lote 144

PORTADA

CONTRAPORTADA

Lote 57

Lote 142

SUJETO A CAMBIO POR CONTINGENCIA

COMPRE EN LÍNEA DESDE NUESTRA APP, BIDSQUARE O A TRAVÉS DE OFERTAS TELEFÓNICAS Y EN AUSENCIA INFORMES. Valeria Cruz | Tel. (55) 5283 3140 ext. 3171 | vcruz@mortonsubastas.com Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, María Izquierdo, Saturnino Herrán, Frida Kahlo, José María Velasco y Dr. Atl, forman parte del grupo de pintores mexicanos cuyas obras son consideradas Monumentos Artísticos e Históricos. Si usted requiere mayor información, contacte a nuestro Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo.

Las piezas se entregan con la documentación que aparece en la descripción del catálogo. Informamos a nuestros clientes que la comisión de comprador es del 20% mñas IVA. Se recibirán ofertas en ausencia hasta cuatro horas antes del inicio de la subasta. Los precios son en pesos mexicanos (M.N.) Las descripciones proporcionadas en los catálogos impresos y en línea no en todos los casos incluyen un reporte de condición. La ausencia de una declaración de condición no implica que el lote se encuentre en perfecto estado o completamente libre de desgaste, daños, imperfecciones o los efectos del envejecimiento. Se recomienda encarecidamente a los compradores interesados, solicitar un informe sobre la situación precisa de los lotes por los que tenga intención de pujar, antes de hacer una oferta. Por lo anterior, no existe cancelación de ventas.

Si desea un reporte de condición de alguna pieza incluida en esta subasta, por favor contacte al Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo: Valeria Cruz | vcruz@mortonsubastas.com | Tel. 5283 3140

LAS VENTAS DESPUÉS DE SUBASTA SERÁN SOBRE EL ESTIMADO BAJO Morton Subastas no proporciona servicios de envío de las piezas; sin embargo, podemos asesorarlo para su envío.

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MORTON SUBASTAS, S.A. DE C.V. ¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA? Bienvenido al mundo de las subastas, donde tendrá la oportunidad de adquirir emocionantes tesoros como lo son antigüedades, arte, joyas, relojes, muebles, libros, vinos, entre muchas otras cosas. Participar en una subasta es muy sencillo y no requiere invitación. Usted podrá acudir, o en su caso, comprar en línea, disfrutar del momento, y participar para llevarse el lote de su preferencia. A continuación, le damos algunas recomendaciones, reglas y requisitos para que pueda disfrutar de esta experiencia única:

¿LA SUBASTA ESTÁ ABIERTA AL PÚBLICO?

Sí, la subasta es un evento público y gratuito. Usted es bienvenido sin necesidad de invitación, e incluso puede asistir aún sin estar seguro de adquirir un lote. (Lote: cualquiera de las piezas o conjunto de piezas que se subastarán, tiene un número y aparece en el catálogo correspondiente.)

¿QUÉ DEBO HACER ANTES DE LA SUBASTA?

Usted puede asistir antes de la subasta a la exposición en la cual podrá ver las piezas que se van a subastar. Asimismo, es recomendable adquirir el catálogo mediante la suscripción por teléfono o acudiendo directamente a nuestras oficinas, ya que en él se encuentran las fotos y la descripción detallada de cada lote. Para poder participar en la subasta es indispensable registrarse.

¿CÓMO ME REGISTRO A UNA SUBASTA? El registro puede ser de las siguientes maneras: A) Para participar en vivo: Directamente en las oficinas de Morton Subastas, ya sea previamente o durante la celebración de la subasta. B) Para participar en línea o con una oferta en ausencia: Directamente entrando a la pagina de www.mortonsubastas.com mediante la plataforma de Bidsquare, o bien descargando la aplicación de MORTON SUBASTAS Comunicándose a los teléfonos de Morton Subastas (55 5283 3140) Enviando un correo electrónico a la dirección ofertasenausencia@mortonsubastas.com En el registro se le solicitará su identificación oficial vigente, nombre, dirección y un depósito en garantía para sus compras (ya sea en efectivo o tarjeta). Al registrarse para la subasta se le asignará un número de paleta, con la cual usted podrá realizar las pujas que considere convenientes.

¿CÓMO SE LLEVA A CABO LA SUBASTA?

• Al dar inicio, el martillero indicará el lote a ser subastado, ya sea por medio del número que corresponda de acuerdo al catálogo de la subasta o dando lectura a la descripción, las características y el precio de salida. • La subasta de cada lote se iniciará cuando el martillero pregone el precio de salida del mismo y entonces, los licitadores podrán hacer efectivas las pujas o aceptar la postura ofrecida por el martillero. • El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor. • El martillero podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva, por medio de las pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores. • Para que el martillero adjudique un lote será necesario que no haya pujas que mejoren la anterior; por lo tanto, el precio mencionado por el martillero constituirá el precio de martillo o de venta que deberá pagar el licitador. • La mercancía se subasta, adjudica y entrega en las condiciones en que se encuentra, por lo que le recomendamos acudir a nuestras exhibiciones o verificar plenamente que el lote a subastar reúna las condiciones y características de su interés. Una vez adjudicado un lote, no se aceptan cancelaciones y devoluciones.

¿CÓMO REALIZAR UNA COMPRA EN LA SUBASTA?

Cuando salga a remate el lote que usted desea adquirir simplemente levante la paleta que le fue asignada cuando el subastador proponga el precio de venta en subasta y usted esté de acuerdo con dicha cantidad. El subastador continuará elevando el precio mientras haya personas que sigan ofreciendo por el mismo lote. Al último precio indicado por el subastador al dejar caer el martillo se le conoce como el precio del martillo, y esa es la cantidad, más la comisión (20%), más el I.V.A. de la comisión, que usted pagará por el lote adquirido.

¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA SIN ESTAR PRESENTE EN EL SALÓN?

¿Se pueden hacer ofertas sin asistir al salón de subastas? Sí, existen tres sencillas formas de hacerlo:

EN AUSENCIA Usted debe llenar el formato de ofertas en ausencia, mismo que se encuentra a su disposición en nuestras oficinas y en el presente catálogo, en el cual tendrá que indicar el número de lote o lotes que desea, así como la oferta máxima que quiere hacer por cada uno de ellos. De esta manera, uno de nuestros representantes podrá hacer las ofertas en su nombre y representación. El personal autorizado por Morton podrá hacer efectivas las pujas en representación de los licitadores sin ningún cargo adicional, y de acuerdo a las siguientes reglas: 1.

El licitador podrá hacer llegar su postura a Morton hasta cuatro horas antes de celebrarse la subasta, mediante la entrega de la ficha de registro para ofertas en ausencia directamente en nuestras oficinas, con acuse de recibo por correo electrónico a la siguiente dirección: ofertasenausencia@mortonsubastas.com.

Será necesario que Morton haya recibido las posturas del licitador señalando un monto máximo como límite de cada puja.

En el caso de que el límite máximo fijado por el licitador en ausencia se iguale con la última puja de la sala, usted puede autorizar a Morton Subastas a subir a la siguiente puja por cuenta del licitador en ausencia por una sola vez; de lo contrario el licitador presente en la sala tendrá la prioridad sobre el lote. Esta información se considera confidencial. Es importante que usted seleccione la casilla correspondiente en el formato para autorizar a Morton Subastas. En caso de que este recuadro no se haya requisitado, se entenderá que no acepta subir a la siguiente puja.

Como garantía de pago, en el caso de que el licitador se presente en Morton para registrar ofertas en ausencia deberá firmar un comprobante de tarjeta de crédito bancario o American Express a la orden de Morton Subastas, S.A. de C.V.

Los lotes se adjudicarán al precio final que permitan las demás pujas o posturas aceptadas en la sala.

En caso de que hubiera dos o más licitadores en ausencia, con ofertas por el mismo lote y por la misma cantidad, se adjudicará el lote al licitador cuya oferta haya sido presentada primero en día y hora. En lo demás, son aplicables todas las reglas de la subasta.

Morton Subastas NO es responsable si alguna de las ofertas en ausencia no se logra realizar.

Morton Subastas NO acepta ofertas sin límites.

POR TELÉFONO 1.

Pueden hacerse ofertas vía telefónica en el salón de subastas durante el transcurso de la subasta, presentando una solicitud por escrito y entregado a Morton por lo menos con dos días hábiles de anticipación, siempre y cuando la cifra sea mayor a $10,000.00 M.N. por cada lote de su interés. Las condiciones para hacer efectivas las pujas son las mismas que para ofertas en ausencia. Puede hacernos llegar sus ofertas y demás documentos a la dirección electrónica: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

Previo a la subasta, usted elige el lote o lotes por los que hará sus ofertas.

Al momento que el lote salga a remate, uno de nuestros representantes se comunicará con usted vía telefónica y así estará pasando sus ofertas al subastador.

Es importante que antes de hacer sus ofertas por teléfono se cerciore de los lotes, ya que no hay cambios ni devoluciones una vez adquirido un lote.

NOTA: No se aceptarán ofertas por teléfono que no tengan postura, ni menores a $10,000.00 M.N.

EN LÍNEA 1.

En www.mortonsubastas.com encuentre la subasta en la quiere participar y de click en “Participe en línea”. Entrará a la plataforma Bidsquare en la que podrá crear una cuenta gratuita con un correo electrónico y una contraseña. Una vez creada su cuenta, podrá registrarse para participar en la subasta; el sistema le indicará si su registro fue aprobado automáticamente para participar o si necesita contactar al personal de Morton para que éste sea autorizado. Una vez que suceda esto, puede dejar sus ofertas desde el momento que quiera o bien, tiene la opción de seguir la subasta en vivo a través de la transmisión de audio y video, y hacer sus ofertas con un click.

En caso de venta a través de Bidsquare, el Premium será de 23% más el I.V.A. del 16%. EL FORMATO DE OFERTAS EN AUSENCIA SE ENCUENTRA EN LA ÚLTIMA PÁGINA DE ESTE CATÁLOGO.

INFORMACIÓN IMPORTANTE 1.

El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor.

El subastador podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva por medio de pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores.

Todas las piezas se venden en el estado en que se encuentran, favor de revisarlas bien antes de comprar; si tiene alguna duda, no compre, ya que no se aceptan cambios ni devoluciones.

Todas las piezas incluidas en los catálogos están revisadas y muchas de ellas autentificadas, ya sea por los propietarios o por algún experto. Por favor si tiene dudas o requiere más información, estamos a sus órdenes y le asistiremos en lo más que podamos aclarar.

Si por alguna razón nuestra descripción no es de su entera satisfacción, usted puede revisar las piezas previamente a la subasta y traer a su experto dentro del horario de exposición.

Los precios estimados son en pesos mexicanos (M.N.).

Si por alguna razón no puede pasar a liquidar el precio, haremos efectivo el cargo a la tarjeta de crédito, cobrando también el porcentaje correspondiente a la comisión más el I.V.A. de la comisión.

Las compras menores de $50,000.00 (cincuenta mil pesos 00/100 M.N.) se cargarán el mismo día a la tarjeta de crédito, más el porcentaje de comisión de la subasta y el I.V.A. correspondiente.

En los lotes que no llevan estimado, la salida será por debajo de $2,000.00 M.N.

10. Una vez asignado el lote en la subasta no hay devoluciones ni cancelaciones. 11. Morton Subastas le proporciona factura únicamente por el Premium (comisión) y el I.V.A. correspondiente. 12. Una vez emitida la factura no hay cambio de nombre. 13. De acuerdo a lo establecido en el Artículo 16 de la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos y el Artículo 35 de su Reglamento; es necesario realizar el trámite INAH-00-002 para obtener el PERMISO DE EXPORTACIÓN TEMPORAL O DEFINITIVA DE MONUMENTOS O BIENES MUEBLES HISTÓRICOS. Para realizar dicho trámite es necesario ingresar a www.tramites.inah.gob.mx en la opción de Exportación y Transporte. 14. En caso de adquirir un lote que se considere monumento histórico o artístico en términos del artículo 36 de la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos, deberá de dar aviso al instituto competente, de acuerdo a lo establecido en el artículo 26 de la mencionada ley e inscribirlo en el Registro Público correspondiente, en términos del artículo 18 del Reglamento de la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos. 15. El transporte es por cuenta del comprador. 16. Cualquier reclamación de todo tipo contra Morton Subastas en relación a los lotes que adquiera, tendrá una vigencia únicamente por cinco años contados a partir de la compra respectiva.

RETIRE SUS PIEZAS COMPRADAS EN SUBASTA A TIEMPO

Las piezas de esta subasta se deberán recoger en los siguientes días y horarios, en Monte Athos 179, Lomas de Chapultepec: Viernes 28 de mayo de 9:00 a.m. a 4:00 p.m. Lunes 31 de mayo de 9:00 a.m. a 4:00 p.m.

Si no son recogidas en este plazo tendrán un cargo del 20% diario sobre el precio de martillo. A partir del sexto día hábil deberán recogerse en Av. Constituyentes 910, Lomas Altas.

Martes 1 de junio de 9:00 a.m. a 4:00 p.m. Miércoles 2 de junio de 9:00 a.m. a 4:00 p.m.

*FECHAS SUJETAS A CAMBIO POR CONTINGENCIA*

¿QUÉ SIGNIFICAN LOS VALORES ESTIMADOS QUE APARECEN EN EL CATÁLOGO? Los catálogos de Morton Subastas muestran dos valores: un estimado bajo y un estimado alto. El lote puede venderse por debajo del estimado bajo (si el consignante no ha fijado un precio mínimo) y puede venderse por arriba del estimado alto en el momento de la subasta.

+ $10,000

$100,000

¿CÓMO FUNCIONA EL INCREMENTO DE PRECIOS? Las pujas, es decir, la cantidad que el licitador ofrece respecto al precio de salida o a la postura anterior, se regirán dentro de los parámetros que se encuentran en el gráfico de incremento de precios.

+ $5,000

$50,000 ¿CUÁNTO DEBO PAGAR POR UN LOTE ADQUIRIDO EN SUBASTA? + $2,000

La persona a la que el martillero adjudique el lote se convierte en el propietario del mismo, como consecuencia deberá pagar lo siguiente:

•

El precio de venta o de martillo del lote subastado.

•

Comisión del comprador: Al precio de venta o de martillo de lote subastado se le agregará un 20% adicional, correspondiente al Premium, que es la comisión por la compra, más el 16% de I.V.A. que se aplicará únicamente al Premium.

•

En caso de que el pago se efectúe con tarjeta de crédito bancario o American Express, se agregará 6.6% sobre el monto total, por concepto de comisión por el uso de tarjeta de crédito.

•

En caso de venta a través de Bidsquare, el Premium será de 23% más el I.V.A. del 16%.

Como consecuencia de la adjudicación del bien, personal de Morton presentará al comprador una hoja de adjudicación, un estado de cuenta y realizará el cierre del comprobante de la tarjeta de Crédito Bancario o American Express, según sea el caso.

Si requiere factura a nombre de su compañía, favor de solicitarla al momento de liquidar, mostrando el Registro Federal de Contribuyentes. No habrá cambios en las facturas una vez completado el trámite.

$20,000

+ $1,000

$10,000 + $500

$5,000 + $800 + $500 + $200

$1,000 + $100

$100 Gráfico de incremento de precios

PARTICIPAR EN NUESTRAS SUBASTAS DESDE LA COMODIDAD DE SU HOGAR ES MUY FÁCIL

Conozca nuestras opciones no presenciales para participar a distancia.

EN AUSENCIA

Deje su oferta máxima a través del teléfono (55) 5283 3140 o por escrito. Durante la subasta uno de nuestros representantes levantará la paleta por usted.

AL TELÉFONO

Comuníquese con nostros para que tomemos sus datos y las ofertas por los lotes de su interés. Cuando el lote esté a punto de salir a subasta, nuestro personal le llamará para que haga sus ofertas al momento, vía telefónica.

EN LÍNEA

Entre en nuestra página web www.mortonsubastas.com podrá seleccionar el catálogo de la subasta de su interés. Dé click en “Participa en línea” y abra una cuenta en la plataforma Bidsquare. Una vez creada su cuenta, podrá registrarse para participar en las subastas.

Participar es muy sencillo. Compre en línea, en ofertas telefónicas o en ausencia

Toda la información en: mortonsubastas.com

GLOSARIO DE TÉCNICAS PLÁSTICAS Las técnicas pictóricas están conformadas por pigmento (sustancia que permite colorear las superficies al dejar partículas adheridas a ellas), aglutinante (que permite que la mezcla sea estable y garantiza su permanencia en el soporte) y diluyente (que permite adelgazar, homogenizar y disolver la materia). Tipos de soporte: Aglomerados: Tableros fabricados a partir de elementos fibrosos de madera prensada y unidos por medio de distintos procesos y aglutinantes; los más utilizados son: fibracel, masonite y MDF. En ocasiones llevan un recubrimiento industrial como en el caso de la melamina y formica. Cartón: Material compuesto por varias capas de papel a base de fibra virgen o de papel reciclado superpuestas. Es grueso, duro y resistente. Láminas de metal: Suelen ser de cobre o zinc. Madera: También catalogada como “tabla”. Los tipos de madera más usados en la pintura son: caoba, pino y laminados como el triplay. Papel: Hoja delgada que se hace con pasta de fibras vegetales. Puede ser de fabricación industrial o a mano, lo que brinda a las hojas distintas texturas y cualidades. Polipropileno: Polímero termoplástico, parcialmente cristalino. Se fabrica en diversos grosores y grados de flexibilidad. Tiene gran resistencia contra solventes químicos y al calor. Tela o lienzo: Usualmente preparado con una imprimatura para pintar sobre él. Los más utilizados son los fabricados en lino, yute, cáñamo, algodón o fibras sintéticas. Vinilo: Se obtiene a partir del cloruro de vinilo, un material que se usa para fabricar PVC (policloruro de vinilo), utilizado en una variedad de productos plásticos. Puede ser usado como soporte de impresión, entre sus propiedades destacan la durabilidad y la maleabilidad. También se utiliza como material de rotulación pues su alta maleabilidad permite que sea deformado y cortado, permitiendo construir siluetas y textos. Técnicas bidimensionales: Acrílico: Emulsión integrada por pigmento y cola vinílica soluble en agua que se distingue especialmente por la rapidez del secado. Acuarela: Pigmentos aglutinados con goma arábiga que al ser diluidos en agua resultan traslúcidos y ofrecen una textura visual muy ligera. Anilina: Pigmentos de origen natural, usados principalmente en la industria alimenticia. Barniz: Producto que suele aplicarse al finalizar la obra, forma una película sólida, transparente, con propiedades protectoras o decorativas. Bolígrafo: Instrumento que produce un trazo uniforme y de secado rápido. Contiene un tubo de tinta y, en la punta, una bolita metálica que gira permitiendo el dibujo. Crayón: Barra hecha con cera y pigmentos. Carboncillo: Trozo de madera carbonizada que permite trazar líneas ágiles y gradaciones. Collage: Procedimiento que consiste en pegar trozos de diferentes materiales como telas, cartón, papel, fotografías y recortes de periódicos, sobre una superficie para crear una composición. Conté: También se le conoce como lápiz de carbón compuesto, similar al carboncillo, pero ofrece un trazo más preciso al estar aglutinado con cera o arcilla. Encáustica: Pigmentos disueltos en cera que se extienden con ayuda de una espátula o pincel sobre el soporte. Se le suele aplicar fuego directo para crear diversos efectos y texturas. Esmalte: Pasta vítrea, brillante y dura, que se obtiene mediante fusión de polvo de vidrio coloreado con óxidos metálicos, y que se aplica sobre cerámica o metal. Gouache: Pintura opaca en la que los pigmentos están aglutinados con goma arábiga y mezclados con un medio inerte como el yeso, carbonato de calcio o creta. Hoja de oro: Lámina muy fina de oro batido o metal que imita metales preciosos. Se adhiere a diversas superficies previamente preparadas.

Lápiz: Barras de madera que contienen en su interior una mina de pigmento aglutinado. Los tipos más usuales son: De grafito: Su mina está compuesta de grafito (un mineral de carbono casi puro), arcilla y agua; da distintas tonalidades de gris de acuerdo al grado de dureza que tenga, en una escala indicada con las siglas H (hard) a B (black). De color: Su mina está compuesta por pigmentos de colores aglutinados con cera de abeja. Mixta: Cuando se combinan varias técnicas o se introducen elementos extra pictóricos como arena, polvo de mármol o tierra. Óleo: Pigmentos integrados con aceites y resinas vegetales, se disuelven en trementina (aguarrás). Se puede controlar su fluidez y espesor, aplicándolo de manera directa o por medio de veladuras. Pastel: Barras secas de pigmentos aglutinados con goma. Su textura permite mezclarlos o difuminarlos. Pastel graso: Combinación de pigmentos con aceite y cera. Estas barras son blandas, de consistencia cremosa y colores brillantes. Piroxilina: Laca sintética a base de nitrocelulosa; su uso es principalmente industrial. Poliuretano: Polímero que puede fabricarse para que sea rígido o flexible, por ejemplo como espuma. Sanguina: Óxido férrico aglutinado con goma arábiga que se utiliza en forma de lápiz o barra para trazar en una gama de colores rojizos. Temple: Su característica principal es la emulsión de agua y materia grasa. Los pigmentos se encuentran aglutinados con yema de huevo, caseína, goma o grasa animal. Tinta acrílica: Gracias a su base acrílica seca rápidamente, es permanente y resistente al agua. Tinta china: Está formada por partículas de pigmento negro carbón con un aglutinante de cola proteica, los cuales se disuelven en agua. Tinta saiboku: Barritas de tinta hechas con pigmentos inorgánicos y cola animal. Su color es intenso. Técnicas tridimensionales: Escultura: Obra tridimensional tallada, modelada o construida en barro, cerámica, piedra, madera, metal u otro material. Relieve: Obra adosada a un plano; adherida a una superficie que le sirve de fondo, por lo que tiene un punto de vista frontal. Las técnicas más comunes son: Fundición: Técnica para obtener esculturas en metal. Predominan dos procedimientos: la fundición a la cera perdida y a la arena. A la cera perdida: Consiste en realizar un modelo en arcilla que se recubre con una capa de cera, que a su vez se recubre con alguna sustancia refractaria y se deja endurecer. Una vez secos, se le hacen unos orificios por donde se deja salir la cera y posteriormente se rellena con bronce fundido. Al enfriarse el metal, se rompe la capa exterior de arcilla. A la arena: Consiste en dividir la pieza en diversas partes, que se ponen en cajas rellenas de arena y en las cuales se vierte el bronce líquido. Posteriormente las distintas piezas se unen mediante remaches. Ensamblaje: Técnica que consiste en pegar o soldar distintos objetos y materiales para crear una composición con tridimensionalidad. Labra: Técnica sustractiva en la que se parte de un bloque de piedra (mármol, ónix, basalto, etc.) y se desbasta con mazo y cincel, para crear una forma. Modelado: técnica aditiva que consiste en añadir materia e ir moldeándola, ya sea con las manos o algún instrumento como espátula o estiques. Los materiales más comunes son la arcilla, cerámica, cera y plastilina. Pátina: Medios químicos que posibilitan cambiar el tono de la superficie de una escultura. Su nombre proviene de emular la “pátina”, barniz o tono que adquieren ciertos objetos antiguos con el paso del tiempo. Soldadura: Procedimiento por el cual dos o más piezas de metal se unen por aplicación de calor, presión o una combinación de ambos. Talla: Técnica sustractiva que parte de un bloque generalmente de madera, el cual se va extrayendo y puliendo con mazas y gubias hasta alcanzar la forma deseada. Vaciado: Se vierte el material, que puede ser metal, plástico, resina, yeso o cerámica en un molde.

Lote120 198 Lote

Lote 129

“El ar te no reproduce aquello que es visible sino que hace visible aquello que no siempre lo es”. Paul Klee La expresión artística es el lugar donde se cultiva la individualidad y las obras artísticas son el fruto que crece y se alimenta de las conductas, interpretaciones, pensamientos, emociones y percepciones propias de la mente creadora. El arte es consecuencia de la problemática humana y es por ello que resulta tan fascinante, pues desde nuestro tiempo y lugar en el mundo podemos percibir otros momentos y realidades así como reconocerlas a través de nuevos ojos. Da fe de ello el despliegue de obras de grandes artistas que han marcado la historia nacional e internacional. En esta ocasión las obras que conforman esta gran subasta nos llevan en un recorrido por México, Cuba, Guatemala, El Salvador, Nicaragua, Costa Rica, Colombia, Venezuela, Ecuador, Perú, Uruguay y Argentina. Destacan obras como la de Fernando de Szyszlo, uno de los artistas latinoamericanos más emblemáticos del siglo XX. También, por primera vez en nuestras subastas de Arte Latinoamericano, contaremos con una importante obra de la artista centroamericana Conchita Kuny Mena. Asimismo, tendremos obras de grandes artistas mexicanos como David Alfaro Siqueiros donde con excepcional dinamismo retrata una Puerto Marqués, al sureste de Acapulco. También resalta una pintura de los sueños”, Rodolfo Morales y un óleo de Ricardo Martínez, sosteniendo una fruta.

una piroxilina realizada por vista de la afamada bahía de de gran formato de “el señor el cual retrata a una mujer

Nos complace también presentar dos importantes colecciones, Arte Objeto y Barbachano Osorio. En la primera, nos encontraremos ante una muestra del proyecto creado por TANE en colaboración con artistas de renombre internacional como Edgar Negret, Gunther Gerzso, Sergio Hernández, Manuel Felguérez, entre otros. Por otro lado, la selección de obras de la Colección Barbachano Osorio consta de figuras de suma importancia para la literatura y cinematografía del país, descubriremos piezas de Vicente Rojo, Fernando García Ponce y Francisco Corzas. Otros extraordinarios artistas que componen esta subasta son: Jorge González Camarena, Ignacio Iturria, Carlos Ríos, Carlos Cruz-Diez, Héctor Molné, Nelson Domínguez, Carlos Ríos, Francisco Toledo, Gustavo Aceves, Sergio Hernández, entre muchos otros. Las especialistas del Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo con mucho gusto le ofrecen asesoría personalizada y acompañarlo en cada paso del proceso de compra. Del mismo modo, lo invitamos a no perder la oportunidad de pedir una cita para visitar la exhibición de esta maravillosa subasta. Morton Subastas

FRANCISCO TOLEDO

(Juchitán, Oaxaca, 1940 - Oaxaca, Oaxaca, 2019) Toro viendo visiones

Firmado Gouache sobre papel 39 x 44.5 cm Con etiquetas del Museo de Arte Moderno y de Galería Juan Martín. Francisco Toledo fue mundialmente reconocido por su trabajo y personalidad. Es considerado uno de los artistas mexicanos más destacados del siglo XXI. Fue un artista multidisciplinario, promotor cultural y luchador social a favor de los indígenas y del medio ambiente. Experto en pintar, dibujar, esculpir y grabar, impuso con frecuencia su interpretación no racional de la realidad. Por medio de Rufino Tamayo, logró realizar estudios en París y vender sus primeras obras. Habiendo experimentado las vanguardias artísticas, su obra comenzó a tener su propio estilo y aunque se le llegó a asociar con la generación de la Ruptura, él siempre estableció su carácter autónomo. Entre los temas constantes en su obra están las figuras fantásticas, humanas y animales, el sexo, los insectos, el estudio de la escatología y las tradiciones y cultura oaxaqueñas. Su obra actúa y plantea aspectos plásticos, en ella propone texturas mediante sombreados con colores que generan una experimentación sensorial. Fuentes consultadas: -MANRIQUE, Jorge Alberto. Francisco Toledo. México. Smurfit, Cartón y Papel de México, 2002, pp.13-16. -Sitio del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía www.museoreinasofia.es -Sitio del Museo de Arte Moderno de México www.museoartemoderno.com

$130,000.00-$180,000.00 M.N. 22

JESÚS REYES FERREIRA “CHUCHO REYES” (Guadalajara, Jalisco, 1880 - Ciudad de México, 1977) Sin título

Firmada Anilina y pigmento dorado sobre papel de china 74.5 x 48.5 cm Presenta ligeros detalles de conservación a causa de la técnica empleada. Chucho Reyes fue un anticuario y reconocido artista plástico tapatío, representante del arte popular mexicano que, sin dejar de lado los movimientos vanguardistas, realizó obras con cierto dramatismo proveniente de la vida cotidiana mexicana. Los conocidos caballos fantásticos, gallos antropomórficos y payasos monstruosos son un ejemplo de la fuerte influencia que Chucho Reyes tuvo de los fuertes trazos de Rouault, Matisse y los colores expresivos de Kandinsky. “En la obra de Reyes el colorido es nítido: no son obras de arte en sí, son felices resultados de una tarea artesanal que, para ser de un naíf, resultan sorprendentes, son masterpieces de la inconsciencia artística”. Carlos Monsiváis. Fuente consultada: REYES IRIGOYÉN, Margarita et al. La mirada estética de Jesús Reyes Ferreira. México. Gobierno del Estado de Jalisco, CONACULTA, INBA, 2002, pp. 63 y 64.

$75,000.00-$100,000.00 M.N. 23

JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006) Gallito, 1961

Sin firma Escultura en cerámica 30 x 11.5 x 15 cm También conocida como “Gallo sobre flores”. Con certificado de autenticidad del artista. Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2021. Existe una versión en bronce de esta escultura, publicada en: PITOL, Sergio. Juan Soriano. La creación como libertad. México. MARCO, CONACULTA, INBA, 2000, Pág. 166 y en el sitio oficial del artista www.juansoriano.net Una versión monumental está publicada en: TOVAR Y DE TERESA, Rafael et al. Libertad en bronce. México. Impronta Editores-Agua tinta A.C., 1999, Pág 352. “Todos los pájaros del mundo le posaron a Juan Soriano. Observó a las palomas durante años y sentado en una banca del parque o frente al atrio de una iglesia, las juzgó con severidad”. Elena Poniatowska. Palomas, gorriones, cenzontles y todas las aves fueron para Juan Soriano una captura que iba más allá de la simple representación de la ornitología. Desde siempre, las aves fueron un asombro para Juan Soriano, siendo uno de los principales motivos en su obra. Durante años, dedicó atención casi exclusivamente a la realización de estas aves, encerrando en cada una formas inimaginables y combinaciones singulares que hicieron de estas, emblemas amigables con fines de contemplación. En definitiva, las aves se han convertido en el símbolo tridimensional del arte de Juan Soriano. Todo lo que vio y estudió, también fue parte importante para la realización de las aves, como lo fue su admiración por el imaginario del arte prehispánico, y por otro lado, las delicadezas del arte tradicional japonés y chino. Ya sean pequeñas, medianas o monumentales, todas las aves de Soriano han desarrollado una presencia visual pública importante y tangible dentro del paisaje artístico urbano mexicano, las cuales podemos apreciar tanto en la Ciudad de México como en diversos estados de la República. Fuentes consultadas: PONIATOWSKA, Elena et al. Juan Soriano. Aves de paso. España. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2006, pp. 43-49 y sitio oficial del artista www.juansoriano.net

$85,000.00-$100,000.00 M.N. 24

CARLOS MÉRIDA

(Quetzaltenango, Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) Popol Vuh

Firmado y fechado 1943 Lápices de color sobre papel 31 x 26.5 cm Esta obra es un dibujo original preparatorio para una de las láminas del proyecto “Estampas del Popol Vuh”, una de las más reconocidas carpetas de obra gráfica de Carlos Mérida, editada en México por Graphic Arts Publications Editores. “Estampas del Popol Vuh” constaba de 10 litografías y textos con fragmentos del Popol Vuh, se imprimió en 1943 en el Departamento de Litografía de los Talleres Gráficos de la Nación. $180,000.00-$300,000.00 M.N. 25

FRANCISCO TOLEDO

(Juchitán, Oaxaca, 1940 - Oaxaca, Oaxaca, 2019) Sin título

Sin firma Arena y gouache sobre papel 32.6 x 39.6 cm “Francisco Toledo es sin duda el pintor más original y el más importante de la segunda mitad del siglo XX. Es un verdadero chamán que crea personajes y temas insólitos; inmerso en el mundo del mito, genera nuevos mitos. Su pintura posee un contenido vital, lleno de erotismo y sexualidad.” Jaime Labastida Ochoa. $130,000.00-$280,000.00 M.N.

FRANCISCO ICAZA

(Embajada de México en el Salvador, 1930 - Ciudad de México, 2014) 5 Esculturas, 5 Ritmos

Firmado y fechado 2000 al frente. Firmado y fechado VII - 2000 MÉXICO al reverso Óleo sobre tela 90 x 80 cm Con certificado de autenticidad de Teresa Icaza, hija del artista, junio del 2019. Publicado en: ICAZA, Teresa. Francisco Icaza. Trazos, ritmo y color. México. Ediciones Tecolote, S.A. de C.V., 2003, Pág. 15. Incluye un ejemplar. Por ser hijo de un reconocido diplomático mexicano, Francisco Icaza tuvo un crecimiento y desarrollo educativo itinerante entre Europa, Medio Oriente y América, hecho que determinó su decisión de dedicarse de lleno al arte. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Bélgica, fue alumno de Rufino Tamayo durante su estancia en Nueva York y discípulo de Antonio Rodríguez Luna. Ya con formación, Francisco Icaza destacó como miembro activo del Salón de la Plástica Mexicana, del Salón Independiente y Confrontación 66. Además de sus pinturas de caballete y la ejecución de escultura monumental, realizó algunos murales, uno de ellos para el antiguo Casino de la Selva en Cuernavaca, Morelos, el cual fue restaurado en el 2000 después de haber sido trasladado del casino y otro para el pabellón de Osaka, Japón, donde se expuso junto a otros murales de colegas pintores, considerados hoy en día patrimonio de la humanidad. Durante su juventud fue diagnosticado con un tipo de neurosis, después de su primera crisis depresiva abrazó a la pintura con fines terapéuticos y decidió establecerse en el sureste mexicano. Ahí, descubrió la luz del trópico y los colores de tierra caliente, acontecimiento que dejó una profunda huella en toda su producción al óleo. Fuente consultada: TIBOL, Raquel. “Un códice marino de Francisco Icaza”. México. Revista Proceso, sección Cultura, 23 de noviembre de 1985.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. 27

RODOLFO NIETO

(Oaxaca, 1936 - Ciudad de México, 1985) De la serie Laboratorio París # 20, ca. 1967

Firmada Mixta y collage sobre cartoncillo 100 x 65 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, marzo del 2021. Rodolfo Nieto siempre fue artista con alma rebelde, así que aunque no quiso realizar una formación academicista, siguió el trabajo de Carlos Orozco Romero y de Santos Balmori con gran fervor, así como de su mentor Juan Soriano. Su paso por Europa influyó fuertemente su obra, especialmente la gama de colores y formas abstractas. A su regreso a México, amplió la experimentación con técnicas, las cuales enriquecieron su quehacer artístico, además empezó a estudiar el arte prehispánico y la cultura popular, incorporando en su obra nuevas estructuras. “Nieto tendió a saturar sus composiciones, adhiriendo o rodeando la imagen principal de un sinnúmero de elementos que pueden encontrarse irregularmente geometrizados, como grecas o tableros, igualmente suele acudir a finísimos chorreados, que se antojan siempre controlados, tal que si huyera del vacío”. Teresa del Conde.

Fuentes consultadas: MORENO VILLARREAL, Jaime. Lo que era todo tiene que ser nada. Homenaje a Rodolfo Nieto. México. Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, 1995 y DEL CONDE, Teresa. “Rodolfo Nieto: retrospectiva.” México. Diario La Jornada, 20 de abril del 2010.

$350,000.00-$500,000.00 M.N. 28

ALEJANDRO SANTIAGO

(Teococuilco de Marcos Pérez, Oaxaca, 1964 - Oaxaca, Oaxaca, 2013) Sin título

Firmado y fechado 012 al frente. Firmado y fechado 2009 al reverso Óleo sobre tela, díptico 150 x 100.5 cm cada uno 150 x 201 cm medidas totales Con certificado de autenticidad de Taller La Huella Gráfica firmado por Lucio Santiago López, enero del 2021. Alejandro Santiago fue un pintor y escultor oaxaqueño cuya obra se caracteriza por el uso de discursos relacionados a las problemáticas de la sociedad actual. Estudió en el Centro de Educación Artística y al poco tiempo ingresó al Taller de Artes Plásticas Rufino Tamayo donde conoció a Rufino Tamayo y a Francisco Toledo y el trabajo de Rodolfo Nieto. Más tarde se inscribió a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Oaxaca en donde conoció al Maestro Shinzaburo Takeda. Durante una década radicó en el extranjero, viajando por diversos países de Estados Unidos y Europa, donde conoció la obra de Antonio Saura y Jean-Michel Basquiat, dos de sus grandes influencias. A pesar de haber reforzado su formación artística fuera del país, su pasión siempre estuvo con la cultura del pueblo zapoteca. Con el tiempo fue consiguiendo fama internacional, lo que le ayudó a inaugurar el primer espacio escultórico en Oaxaca, llamado Centro Escultórico La Telaraña, donde becó a jóvenes artistas para desarrollarse en el medio. Expusó individualmente en museos y galerías de gran importancia y actualmente su obra forma parte de relevantes colecciones públicas y privadas de México, Estados Unidos, Francia y algunos países de Sudamérica.

Fuentes consultadas: ARANDA MÁRQUEZ, Carlos et al. Oaxaca tierra de arte. Venecia. Mondadori Electa, 2003, Pág. 60 y “Se cumplen tres años de la muerte del pintor Alejandro Santiago”. México. 20 minutos Notimex, sección Artes, 21 de julio del 2016.

$550,000.00-$700,000.00 M.N. 29

BENITO CERNA

(Trujillo, Perú, 1960 - ) Blanco II

Firmado Óleo sobre tela 121 x 116 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, octubre del 2012. Benito Cerna es un pintor peruano que ha participado en diversas exposiciones, tanto individuales como colectivas, en su natal Perú y en países como Colombia, Panamá y Estados Unidos. Su obra forma parte de colecciones como la de Fundación Cultural del Banco de la Nación de Trujillo, Perú y la del Museo El Castillo en Medellín, Colombia. “Su tema varía según su emoción: bodegones, desnudos, paisajes, muestran la versatilidad de un alma inquieta queriendo atrapar la fugacidad del tiempo, que detenido en la retina de su ojo toma la magia del instante para atraparla en el lienzo que es la continuidad de su propia emoción lograda con un efecto que hace recordar la pintura flamenca. La excelencia es la búsqueda cotidiana de este artista”. Charles Nevott. $100,000.00-$190,000.00 M.N. 30

ROLANDO ROJAS

(Tehuantepec, Oaxaca, 1970 - ) Sin título

Firmado Óleo, arena y cordón sobre tela 150 x 100 cm Agradecemos al Maestro Rolando Rojas por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2021. Estudió Arquitectura en la Universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca y a la par estudió Pintura y Restauración en la Escuela de Bellas Artes de Oaxaca, donde tuvo como maestro a Shinzaburo Takeda. Para complementar sus estudios logró conseguir una beca mediante el Fondo Estatal para la Cultura y las Artes, con ella viajó a Estados Unidos para realizar una residencia artística en Pensilvania. Siendo istmeño y arquitecto su estilo está marcado por un orden constructivo, un gran colorido y temas de la cultura popular zapoteca, fábulas y mitos de animales como gallos, libélulas y langostas. Desde hace más de 30 años, ha participado en diversas exhibiciones colectivas e individuales en Ciudad de México, así como en California, Miami, Atlanta, Montreal, Puerto Rico, Madrid, París, Milán y Tokio. “Rolando Rojas, pinta lo que vio de niño, el entorno físico pero recreado, creado. Representación de los mitos de la cultura zapoteca que se van bordando, urdiendo, tejiendo, plasmando figuras propias a partir de lo conocido, palpado en la realidad. El conjunto plasmado de ayer y ahora se ha vuelto universal”. Macario Matus. $180,000.00-$220,000.00 M.N. 31

BENITO CERNA

(Trujillo, Perú, 1960 - ) Caballo árabe

Firmada Escultura en bronce 1 / 9 en base de metal 39.5 x 46.3 x 13.4 cm medidas totales con base Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, octubre del 2017. $100,000.00-$150,000.00 M.N.

ROBERTO PARODI

(Ciudad de México, 1957 - ) Basura social

Firmado y fechado 19 Óleo sobre lino 240 x 148 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Roberto Parodi es un pintor mexicano cuya obra se muestra ante nosotros con un lenguaje moderno, que corresponde a las inquietudes de la época en la que le ha tocado vivir. Estudió en La Esmeralda y en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, posteriormente marchó a España, estancia que le ayudó a apreciar las técnicas de la pintura antigua, adentrándose específicamente en el Renacimiento italiano, el Siglo de Oro español, la pintura flamenca y los artistas del Ottocento, continuando hasta los impresionistas y el cubismo de Picasso. No obstante, ha estudiado también la obra de José Clemente Orozco y otros artistas mexicanos. Su segunda etapa, fue influenciada por el expresionismo alemán del siglo XX, estudiando la aplicación del color, la cual comenzó a trabajar con mucha vitalidad, armonía y sentimiento. Con el tiempo, logró hacer una pintura refinada, donde los volúmenes de las figuras, las texturas y profundidades de los fondos, los obtenía principalmente gracias al manejo del color. Habiendo pasado casi dos años en Europa, regresó a México, exponiendo casi de inmediato en el Museo de Arte Moderno y en el Museo del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México. A partir de los años 80, comenzó a hacerse notoria su evolución plástica, generando un equilibrio entre modernidad y tradición. En 1984 obtuvo la mención honorífica en el IV Encuentro Nacional de Arte Joven, en 1987 recibió otra mención honorífica en el Salón Nacional de Artes Plásticas y en 1988 obtuvo el tercer lugar en la IV Bienal de Pintura Rufino Tamayo. Hoy por hoy, su obra puede encontrarse en los museos más importantes a nivel internacional, como en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus artistas. Tomo III. México. Promoción de Arte Mexicano, 2002, pp. 173-177.

$500,000.00-$700,000.00 M.N. 33

PERLA KRAUZE

(Ciudad de México, 1953 - ) Bañistas en el Mar Negro

Firmado y fechado 89 al frente. Firmado y fechado 1989 al reverso Óleo sobre masonite 65 x 95 cm Cursó estudios de Diseño Gráfico en la Escuela Nacional de Artes Plásticas en la Universidad Nacional Autónoma de México. Posteriormente se trasladó al Goldsmiths College en Londres para obtener un diploma en textiles y en 1992 estudió la Maestría en Artes Plásticas en el Chelsea College of Arts. A lo largo de su carrera ha colaborado en proyectos colectivos como “Materia Sensible” en el Museo de Arte Carrillo Gil, “Dilation” en Kuntshouse Santa Fe de San Miguel de Allende, Guanajuato, “Bolso Negro. Colección de múltiples” en Casa Vecina y en “Colectiva” en la Galería Nina Menocal, entre otros. Actualmente su obra forma parte de importantes acervos de museos y colecciones mexicanas y del extranjero. Fuente consultada: sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$75,000.00-$90,000.00 M.N. 34

PROPIEDAD DE MORTON PRÉSTAMOS

GUSTAVO ACEVES

(Ciudad de México, 1957 - ) Sin título, 2006

Firmado París al reverso Óleo sobre tela 311 x 200 cm Con certificado de autenticidad del artista. Presenta ligeros detalles de conservación. “Aceves es un artista autodidacta que rápidamente se forjó una reputación como un pintor influyente que trabaja en América Latina. Sus pinturas y obras en papel se centran en la figura humana […] Ha creado su propio lenguaje visual, con referencias culturales y simbolismo, notablemente el barco de Charon del Inframundo de Hades y el caballo de Troya de la mitología griega, para transmitir el movimiento de personas que comenzó con los primeros grupos humanos desde sus orígenes en Oriente. África a sus ubicaciones actuales en todo el mundo”. $380,000.00-$1,200,000.00 M.N. 35

JULIO CHICO

(Ciudad de México, 1947 - ) Ninfas

Firmado al frente. Firmado y fechado 2020 al reverso Óleo sobre tela 127 x 90 cm Con certificado de autenticidad del artista. Julio Chico descubrió su vocación artística desde pequeño, formándose en la Academia de San Carlos y posteriormente en el Centro Nacional de Conservación de Obras Artísticas del INBA, donde participó en la restauración de pinturas y murales. Su amplio dominio plástico y conocimiento artístico lo ha caracterizado como un pintor que se aventura no solo en la técnica sino que también en temas, donde los colores, texturas, formas y volúmenes adquieren vida y personalidad propia. Es fundador de talleres de impresión para grabado, ha participado como jurado en concursos de pintura, ha sido miembro del Salón de la Plástica Mexicana y ha obtenido diversos reconocimientos y premios internacionales como la Mención Honorífica en la Bienal de Maracaibo en Venezuela. Actualmente sus obras forman parte de importantes colecciones de galerías y museos, como el Salón de la Gráfica del Museo de Sofía, en Bulgaria, el Museo de Arte de Querétaro y el Museo de Arte Moderno de Toluca. Fuente consultada: blog del artista http://juliochico.blogspot.com

$100,000.00-$150,000.00 M.N. 36

GUSTAVO ACEVES

(Ciudad de México, 1957 - ) Sin título

Firmado al reverso Óleo sobre tela sobre madera 122 x 60 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, marzo del 2021. La pintura de Gustavo Aceves está a la vanguardia del arte europeo contemporáneo y se caracteriza por una personal “revisitación” de los grandes maestros de la tradición pictórica occidental, como Rembrandt y Bacon, patente en la obsesiva disección del cuerpo humano.

Fuente consultada: “Gustavo Aceves, invitado de lujo de la galería Vértice”. México. Diario El Informador.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. 37

BYRON GÁLVEZ

(Mixquiahuala, Hidalgo, 1941 - Ciudad de México, 2009) Sin título

Firmado y fechado 83 Óleo sobre tela 60 x 50 cm Agradecemos a Óscar Gálvez y a Eva Beloglovsky, viuda del artista por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2021. “La etapa inicial de la obra pictórica de Byron Gálvez se alimentó de los principios del expresionismo y principalmente del abstracto aunque también con fuerte influencia de artistas universales tales como Carlos Mérida, Rufino Tamayo, Santos Balmori, Kandinsky, Wifredo Lam y por supuesto Picasso […] No obstante, después de algún tiempo trabajando como expresionista, regresa definitivamente al figurativismo geometrizante alrededor de 1980. Ha sido este su tema casi exclusivo desde entonces, aunque podemos también apreciar excursiones menores a otros temas: de regreso al abstracto, de regreso al paisaje expresionista, el arte erótico, el arte taurino: todo por supuesto con un toque muy especial […] Podemos estar seguros de que la exploración de Byron Gálvez de este medio no concluyó. Y que sus figuras, planos, colores, texturas y composiciones seguirán allí: listos para estimular nuestra imaginación, deleitar nuestra vista y elevar nuestro espíritu”. Eva Beloglovksy. Fuente consultada: sitio oficial del artista: www.byrongalvez.com

$120,000.00-$180,000.00 M.N. 38

Otra vista 18

MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990) Sin título

Firmada Escultura en madera laqueada 21.5 x 21 x 6.5 cm Presenta detalles de conservación. Polifacético, con un avasallante espíritu emprendedor, Mathias Goeritz siempre argumentó que la arquitectura debería ser arte, por lo que diseñó obras, habitó espacios y ocupó paredes con diversos componentes arquitectónicos con el fin de detonar la máxima emoción en el hombre. Al año siguiente de la apertura del Museo Experimental El Eco, publicó el Manifiesto de la "Arquitectura Emocional", una corriente que se caracteriza por la utilización de diseños limpios y funcionales. Teniendo este manifiesto como antecedente, realizó diversos diseños para pequeñas y grandes estructuras, así como proyectos para murales; algunos de ellos se anticiparon, alrededor de una década, a una corriente plástica de gran trascendencia: el minimalismo. "La búsqueda obsesiva fue su método personal de trabajo: Goeritz concebía un tema y no lo abandonaba hasta agotar sus posibilidades de expresión tridimensional, con gran capacidad de entrega a su labor, que evidentemente disfrutaba. Su obra está nimbada por la gracia, por la alegría de su relación". Lily Kassner. Fuente consultada: KASSNER, Lily. Mathias Goeritz. Una biografía 1915-1990. México. UNAM, CONACULTA, 2007, pp. 78-80 y 251.

$110,000.00-$200,000.00 M.N. 39

IGNACIO ITURRIA

(Montevideo, Uruguay, 1949 - ) Sin título

Firmado y fechado 94 Óleo sobre tela 61.5 x 71 cm Agradecemos a Miguel Ángel Muñoz por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2021. Procedencia: adquirido directamente al artista. “A mí la pintura me entusiasma siempre. Para mí levantarme y saber que tengo una tela en blanco y que arranca el día es toda una ilusión, es como que podés empezar de vuelta. Esa es una de las cosas que más me gusta de esto, esa posibilidad de rectificación y que cada día parezca como si fuera un domingo o una fiesta o tu cumpleaños”. Ignacio Iturria. Fuente consultada: SALLÉ ONETTO, Andrea. “Ignacio Iturria: pinceladas de interioridad”. Uruguay. El Observador, sección Seisgrados, 22 de julio del 2014.

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

JAVIER VÁZQUEZ “JAZZAMOART” (Irapuato, Guanajuato, 1951 - ) Quinteto freejazzero

Firmado y fechado 99 al frente. Firmado y fechado Mex 99 al reverso Óleo sobre tela 135 x 201 cm Agradecemos al Maestro Jazzamoart y a su esposa Nora Smith por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2021. Adoptó en 1974 el seudónimo de Jazzamoart (jazz, amor y arte). Con estudios en la Academia de San Carlos, a partir de la década de los ochenta, su estilo definido y muy personal lo ubicaron en la escena de la plástica latinoamericana. El escritor Carlos Montemayor lo definió como el tercer grande de los pintores del Bajío, junto a Diego Rivera y José Chávez Morado, al respecto dijo: “Rivera y Chávez Morado estuvieron atentos al paisaje y a numerosos motivos del México popular, Jazzamoart también lo está, pero al paisaje social que se descubre y emerge desde un motivo central del México que sigue siendo asimismo popular: la música”. Sus improvisaciones visuales y escenografías han acompañado en el escenario a los principales exponentes del jazz mexicano y estadounidense. Como ilustrador y baterista ha trabajado en varios libros y discos. Jazzamoart ha mostrado su trabajo en más de quinientas exposiciones colectivas e individuales en museos y galerías de México, Latinoamérica, Estados Unidos, Canadá, Europa, Corea del Sur y Japón. Entre los reconocimientos a su trayectoria destacan haber sido miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte y el homenaje a su trayectoria por parte de la Universidad de Guanajuato que recibió en el 2017 en la sala Adamo Boari del Palacio de Bellas Artes. Fuentes consultadas: MUÑOZ, Miguel Ángel et al. Jazzamoart. Sólo a fuerza de pintar. México. Edición Nora Smith Castillo, Tiempo Imaginario, 2014, pp. 303-307 y sitio oficial del artista www.jazzamoart.com

$350,000.00-$450,000.00 M.N. 41

EMILIANO GIRONELLA PARRA (Ciudad de México, 1972 - ) a) Padre e hijo

Firmado y fechado 2020 Óleo sobre tela 140 x 100 cm b) Padre e hijo, 2020 Sin firma Escultura en madera 85 x 55 x 14 cm Piezas: 2 Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte firmada por el artista. No se puede decir que la formación humanístico-artística de Emiliano Gironella Parra haya sido autodidacta en el estricto significado del término, ya que siempre tuvo maestros cercanos y significativos: en primer lugar sus padres, Carmen Parra y Alberto Gironella, también su abuelo, el arquitecto Manuel Parra, y desde luego todos los personajes y artistas que frecuentaban su círculo familiar, desde Octavio Paz y Luis Buñuel hasta los fotógrafos Manuel Álvarez Bravo, Héctor García y Graciela Iturbide. Bajo el aprendizaje de estos grandes maestros, comenzó a interesarse por la fotografía y el cine, no obstante, su práctica artística se decantó por la pintura, el grabado y las tallas directas en plancha de madera. Entre los temas que circulan su obra, destacan el boxeo, la fiesta brava y las peleas de gallos, las mujeres, la muerte y la violencia. Así mismo, una constante en su producción son los homenajes a personajes sociales y nacionales como a José Alfredo Jiménez, a Sor Juana Inés de la Cruz, así como a las greguerías de Romón Gómez de la Serna, al poema “Muerte sin fin” de José Gorostiza y a la obra “Pedro Páramo” de Juan Rulfo. Fuentes consultadas: RICO, Pablo. Los Parra-Gironella, un collage familiar. México. Gobierno del Estado de San Luis Potosí-El Aire Centro de Arte, 2012, Pág. 327 y sitio oficial del artista www.emilianogironellaparra.com

$250,000.00-$400,000.00 M.N. 42

RICARDO MARTÍNEZ

(Ciudad de México, 1918 - Ciudad de México, 2009) Sin título

Firmado y fechado 05 Óleo y carboncillo sobre papel 34.5 x 24.5 cm Con certificado de autenticidad de la Fundación Ricardo Martínez, junio del 2018. Esta obra será registrada en el catálogo razonado del Dr. Mark Ruben con núm. RM-05003. Ricardo Martínez, en su aprendizaje apasionado y solitario, supo desde los comienzos aquellos principios fundamentales. Indagó durante años las causas y los efectos de la línea y el color y las disposiciones espaciales. Especuló, experimentó con ellos durante años de esfuerzo encarnizado y tenaz, fue despojándose en sus obras de lo que no fuera, de acuerdo con sus interiores necesidades, cabalmente esencial. “La luz se toca con la tiniebla para generar un ámbito de seres henchidos de energía que contienen la esencia de lo humano. Figuras que yacen, se yerguen y permanecen sedentes, suspendidas en el tiempo. Cuerpos de enorme contundencia y simultáneamente difusos, de una inmaterialidad rotunda, inasibles y oscuros a pesar de la inmovilidad inquietante con la que iluminan el espacio infinito”. Rafael Tovar y de Teresa. Fuente consultada: BONIFAZ NUÑO, Rubén. Ricardo Martínez. México, Fondo Editorial Panorama, 1994, pp. 5 y 35.

$90,000.00-$140,000.00 M.N. 43

JESÚS REYES FERREIRA “CHUCHO REYES” (Guadalajara, Jalisco, 1880 - Ciudad de México, 1977) Sin título

Firmada Anilina sobre papel de china 72 x 46 cm Presenta ligeros detalles de conservación a causa de la técnica empleada. Los temas principales de la obra de Chucho Reyes están relacionados a los íconos y materiales de la cultura mexicana, así que los temas religiosos y de la muerte forman parte de estos motivos populares, integró específicamente la figura de Cristos y calacas. En cierto modo, gustaba de distorsionar las formas para subrayar la fuerza emotiva, manejó pinceladas fuertes y expresivas, además prefería utilizar colores vivos y papeles de china para crear efectos tridimensionales; resaltan también los elementos naïf y decorativos que recuerdan los arreglos de papel picado presentes en las ferias. Fuente consultada: KASSNER, Lily. Chucho Reyes. Japón. Editorial RM, México MMI, 2000, Pág. 93.

$65,000.00-$80,000.00 M.N. 44

ARNOLD BELKIN

(Alberta, Canadá, 1930 - Ciudad de México, 1992) El profeta

Firmado y fechado 56 al frente. Fechado junio 11 1956 al reverso Óleo sobre papel 49 x 63 cm Agradecemos a Ariela Belkin, hija del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2021. Presenta ligeros detalles de conservación. Habiendo estudiado en la Vancouver School of Art y en la Banff School of Fine Arts en Canadá, Arnold Belkin se trasladó a México a los 18 años, país donde estructuró formalmente su carrera artística. El interés que tuvo por el arte mexicano comenzó cuando descubrió la pintura de Diego Rivera a través de la revista “Time”, decidiendo entonces estudiar arte en La Esmeralda, lugar en el que compartió estudios con Agustín Lazo y Carlos Orozco Romero; paralelamente participó en el Taller de Ensayo de Materiales y Plásticos del profesor José L. Gutiérrez en el Instituto Politécnico Nacional y fungió como ayudante de David Alfaro Siqueiros en la realización de murales para la Aduana de Santo Domingo y para el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México. Precisamente, bajo estas grandes influencias artísticas fue que Arnold Belkin empezó a pintar sus propios murales y el medio comenzó a conocerlo como “el hijo canadiense del muralismo mexicano” por su gran talento. Fuente consultada: GARCÍA DE KRINSKY, Emma Cecilia et al. Para disfrutar el infinito. Homenaje a Arnold Belkin. México. UNAM, México, 1998, pp. 13 - 17.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. 45

PROPIEDAD DE MORTON PRÉSTAMOS

GUSTAVO ACEVES

(Ciudad de México, 1957 - ) Sin título, 2006

Firmado y fechado París 02 al reverso Óleo sobre tela 200 x 300 cm Con certificado de autenticidad del artista. Gustavo Aceves es un pintor y escultor mexicano reconocido internacionalmente por sus pinturas relacionadas a la figura trazada bajo una tradición pictórica occidental, además de utilizar colores fuertes provenientes de su aprendizaje del muralismo mexicano, por el cual también realiza obra a escala grande y monumental. El trabajo de Aceves se ha exhibido en todo el mundo desde finales de los años setenta, incluidos el Museo del Palacio Bellas Artes en la Ciudad de México, la Bienal de Venecia y la Bienal de Beijing. Su obra se puede encontrar en las colecciones permanentes del Museo Memoria y Tolerancia, Ciudad de México y del Museo del Vaticano, Roma. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.gustavo-aceves.com

$300,000.00-$1,000,000.00 M.N. 46

CARMEN PARRA

(Ciudad de México, 1944 - ) Tobías y el Arcángel San Rafael

Firmada y fechada 2020 Mixta y acrílico sobre tela 185.5 x 125.5 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte firmada por la artista. Su padre era el reconocido arquitecto Manuel Parra, quien con frecuencia compartía con ella sus actividades. Gracias a él conoció a Diego Rivera, Juan O’Gorman, “El Indio” Fernández y Chucho Reyes entre otros importantes intelectuales de la época. Estuvo casada con el artista Alberto Gironella, en una época en la que él tuvo múltiples exposiciones y era reconocido como uno de los grandes representantes de la generación de La Ruptura. En alguna ocasión, cuando el maestro Fernando Gamboa vio la obra de Carmen en una reunión del grupo, le propuso y persuadió a que presentara su trabajo, idea que concluyó en una exposición en el Museo de Arte Moderno, la cual la impulsó a que comenzara su gran repertorio de exhibiciones individuales en importantes instituciones culturales y galerías de arte. Parte de la construcción de su estilo artístico proviene de la gran pasión de su padre por el arte colonial, admiración que la llevó a visitar frecuentemente conventos e iglesias. Sus estudios por el Centro Histórico de la Ciudad la condujeron a ser una amante del estilo pictórico y arquitectónico de la Catedral Metropolitana, donde conoció a Jaime Ortiz, quien se encontraba restaurando el inmueble y quien le abría las capillas en secreto para que ella entrara a dibujar. Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, noviembre de 1996, año 2, No. 23, pp. 14-21 y sitio oficial de Colección Milenio Arte www.coleccionmilenioarte.milenio.com

$180,000.00-$250,000.00 M.N. 47

JOSÉ GARCÍA OCEJO

(Córdoba, Veracruz, 1928 - Ciudad de México, 2019) Jardín brujo

Firmado y fechado 2012 Óleo sobre tela 116.5 x 100 cm Agradecemos a Andrés Ocejo, hijo del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2021. Presenta detalles de conservación. Fue un artista multidisciplinario en técnicas, estudioso del humor surrealista, conocedor del dadaísmo, apasionado del arte griego, admirador de los simbolistas franceses y amante de las apariencias. Su temática hace gala de imaginación y la desborda. Plasmaba en las telas y en el papel, con óleos, acrílicos, tintas de colores o bien con finísimas puntas de plata, carboncillo y sanguina, a los seres de la fantasía: faunos ninfas, sílfides, bacantes en continua orgía, venus aterrorizadas, vampiros ecuatorianos, reinas, reyes y príncipes, dragones amantes y jinetes apocalípticos que parecen arrancados de un cuento misterioso. “José García Ocejo aparece como un romántico tardío, perdido en medio de un siglo extraño, estéril en buena parte, y se adhiere ostensiblemente al sistema de símbolos, arquetipos y resonancias culturales europeas. Ocejo es un artista dandy que expresa sin equivocación su vocación teatral, que se fascina con el gesto retórico, y que vive la vida sólo como un espectáculo, al lado de su público”. Jordán Chimet, 1984. Fuentes consultadas: DE NEUVILLATE, Alfonso. José García Ocejo. México. Universidad Nacional Autónoma de México, 1969, pp. 12-17 y en “José García Ocejo. Pues Modernismo”. México. Galería Arvil,1989.

$120,000.00-$200,000.00 M.N. 48

CARLOS MÉRIDA

(Quetzaltenango, Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) Iglesia de Monterrey

Firmado y fechado 1952 Gouache sobre papel 40 x 26.5 cm Con etiqueta de Galería Arvil. Presenta ligero detalle de conservación. Carlos Mérida fue un relevante artista guatemalteco, nacionalizado mexicano, de la segunda mitad del siglo XX. Desde sus inicios, fue un pintor sumamente apegado a la idea de siempre experimentar con los cambios, jugaba y gozaba su trabajo. En 1912, viajó a París para involucrarse más con las vanguardias, sus estudios lo llevaron a viajar por otros países de Europa y a diversos países de Latinoamérica, hasta que se trasladó a México, país donde radicó un poco más de treinta años, tras destacar dentro del limitado círculo de artistas muralistas y colaborar con los tres grandes: Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco. Fuentes consultadas: DE LA TORRE, Mario. Carlos Mérida en sus 90 años. México. Cartón y papel de México S.A de C.V, 1981, Pág. 30 y CARDOZA Y ARAGÓN, Luis. Carlos Mérida. Color y forma. México. CONACULTA, 1992, pp. 42-44.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. 49

MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990) Crucifixión, ca. 1950

Firmada Tinta sobre papel 32 x 25 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, septiembre del 2020. $46,000.00-$60,000.00 M.N. 50

MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990) Crucifixión, ca. 1950

Firmada Tinta sobre papel 32 x 25 cm Con constancia de opinión de la Galería de Arte Mexicano, septiembre del 2020. $46,000.00-$60,000.00 M.N. 51

PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - ) Mano-silla

Firmada Escultura en fibra de vidrio y hoja de plata 1 / 2 91 x 62 x 52 cm Con certificado de autenticidad del artista, febrero del 2020. Presenta detalles de conservación. El interés de Friedeberg en diseñar muebles empezó en sus ratos de ocio en la escuela. Su primera silla-mano estaba labrada en caoba, a partir de una maqueta de plastilina. La idea emergió quizá, entre sueños, o mientras el artista mecía algo en su mano, aunque el refinado manierismo de los dedos no permite distinguir su género y resulta muy poco humana. Friedeberg pensaba inicialmente que estas manos serían esculturas únicas, y no piezas de mobiliario producidas masivamente, pero resultó que todo el mundo las quiso, personalidades como Jeanne Moreau, Roman Polanski y Arnold Scaasi pidieron las suyas. En 1963, Alice Rahon mandó una fotografía de la silla a André Bretón, lo que le valió a Friedeberg ser aceptado en el círculo surrealista. Las sillas-mano hechas a mano, ergonómicas y cómicas a la vez, así como todos los otros muebles diseñados por Friedeberg, atacan frontalmente el “buen gusto” del diseño moderno y funcionalista. Fuente consultada: HOLTZ, Déborah et al. Pedro Friedeberg. México. Trilce Ediciones, 2009, pp. 139-156.

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

CARLOS MÉRIDA

(Quetzaltenango, Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) Sin título

Sin firma Lápices de color y lápiz de grafito sobre papel albanene 77 x 57 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano. “Hay en su pintura, a medida que se observa más detenidamente, una íntima calidad emocional que resulta de la sutil combinación de una super simplicidad de materia unida a una deslumbradora y decorativa belleza. Generalmente, en la composición de sus pinturas. Mérida desecha lo innecesario no esencial; cada cosa esta simplificada a lo mínimo, y entonces, en violentos contrastes, equilibra las masas de su composición, de acuerdo con un ordenamiento ya previsto. La composición generalmente está basada en la pirámide. Esto es histórico, sin embargo, original: recuerda las más fluidas composiciones de los modernos: Picasso, con sus péndulos por ejemplo”. Luis Cardoza y Aragón. Fuente consultada: CARDOZA Y ARAGÓN, Luis. Carlos Mérida. México. CONACULTA, Ediciones era, 1992, Pág. 20.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. 53

CARLOS MÉRIDA

(Quetzaltenango, Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) Sin título

Firmado Lápices de color y lápiz de grafito sobre papel albanene 79 x 63.5 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano. Poco después de su llegada a México en 1919, Carlos Mérida siguió los pasos del muralismo mexicano con un gran sentido nacionalista, etapa que maduró casi hasta los años 50 con la llamada integración plástica. En 1927 viajó por segunda vez a París, estancia que le generó influencias artísticas por el contacto que tuvo con Pablo Picasso, Joan Miró y Wassily Kandinsky. Así fue como su obra comenzó a utilizar aún más la perspectiva geométrica y abstracta, pero bajo una fusión de elementos arquitectónicos provenientes de las culturas prehispánicas que jamás abandonó, como también los temas de la danza y la música, los cuales estuvieron ligados a su obra desde época temprana. Fuente consultada: CUSSI, Paula et al. Carlos Mérida. México. Especial de la revista Saber ver, Fundación Cultural Televisa, número 9, agosto-septiembre de 1997, pp. 5-27.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. 54

PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - ) Mano silla tripode

Firmada y fechada 2020 en la base Escultura en bronce a la cera perdida P / A 52.5 x 26.5 x 30 cm Con certificado de autenticidad del artista, agosto del 2020. $120,000.00-$180,000.00 M.N. 55

ALBERTO RAMÍREZ JURADO (Ciudad de México, 1978 - ) Recuerdo de mi pared sur

Firmada y fechada 2016 al reverso Mixta sobre tela 200.5 x 171 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, fue seleccionado en la Bienal Nacional Diego Rivera de Dibujo y Estampa en el estado de Guanajuato y en el programa Talento Joven del Gobierno del Distrito Federal. Ha participado en exhibiciones colectivas, colaborado en proyectos curatoriales y ejercido la docencia en el Museo Universitario de Ciencias y Artes MUCA en la Ciudad de México. Es un artista plástico que presenta notable influencia de las texturas o materiales como arena y pigmentos utilizados por los maestros Rufino Tamayo y Francisco Toledo. RAJU considera que algunas de sus piezas son alegorías de color que evocan armonías musicales, en otras ocasiones memorias de paisajes de forma abstracta, donde predominan los colores primarios. Fuente consultada: ALDAMA, José Ignacio et al. Alberto Ramírez Jurado. El color de mi tierra. Pinturas. México, ALDAMA Fine Art, 2008, Pág. 4.

$120,000.00-$150,000.00 M.N. 56

“Pongo en juego trampas de luz acordes con el comportamiento del color. En mis obras nada está hecho al azar, todo está previsto, programado y codificado. La libertad y lo afectivo sólo cuentan a la hora de elegir y combinar colores, tarea a la que impongo una única restricción: ser eficaz en lo que quiero decir. Es una integración de lo racional y lo afectio. Yo no me inspiro: reflexiono.” Carlos Cruz-Diez

CARLOS CRUZ-DIEZ

(Caracas, Venezuela, 1923 - París, Francia, 2019) Stitge

Firmada Litografía 73 / 75 100 x 24.8 cm Impresa por ediciones Polígrafa, Barcelona España. Practicó la disciplina del investigador y del experimentador, porque los “soportes” que ha logrado estructurar son fuente de sorpresas y de imponderables reacciones. Carlos Cruz-Diez es uno de los artistas actuales más importantes de Latinoamérica; ha dedicado su obra al elemento primordial para la vista: el color. A través de cada una de sus piezas busca generar transformación y mutación con cada paso del espectador, lo va invitando a reflexionar sobre conceptos como la realidad y la percepción. Aunque estos conceptos suelen vincularlo con el cinetismo es importante detallar que el tema central para él es el color y la relación de un espectador activo el cual será sometido a los límites de su sentido de la vista, situándolo en un ambiente coloreado que lo invita a reflexionar sobre una pregunta tan básica como ¿qué veo cuando veo? Carlos Cruz-Diez, antes de entrar a la Academia de Artes Plásticas, ya estaba maravillado por el mundo del color, las proyecciones de luz sobre los planos de diferentes tonos que lo envolvían en el mundo. Años después, con una mano ya educada para el dibujo, lo aceptan en la academia y ahí conoce unos de los más grandes maestros clásicos de la pintura en Venezuela, como Arturo Michelena el cual estaba ubicada su casa taller a unas cuantas cuadras de su casa de infancia, en donde tuvo la fortuna de pasar muchas tardes a ver sus cuadros. Al entrar a la Academia, el director Antonio Edmundo Monsanto influencia a los ingresados con historias de sus viajes a Francia y todos los movimientos de vanguardias que sucedían en Europa. $70,000.00-$90,000.00 M.N. 57

CARLOS CRUZ-DIEZ

(Caracas, Venezuela, 1923 - París, Francia, 2019) Stitge

Firmada y fechada 12 Litografía 74 / 75 100 x 24.8 cm Impresa por ediciones Polígrafa, Barcelona España. A mediados de la carrera, se empieza a sentir frustrado con la pintura y decide salirse de los cursos de arte puro y se dedicó a ganarse la vida como diseñador gráfico y a los talleres de grabado, ya que el proceso de impresión tenía cierta cercanía familiar por la labor profesional de su padre; el concepto de multiplicidad acompañó desde muy pequeño a Carlos Cruz-Diez, el cual por medio del video y los fotogramas, encontró la relevancia de los filmes y las posibilidades de las imágenes en sobre posición. Después de su desencanto con la pintura, regresa a ella, buscando un sentido o validez en su producción en donde pudiera encontrar salidas a lo típico de su obra y así, materializar las ideas sobre el andar creativo y lo que él consideraba como profundo y genuino. Por medio de la pintura, llegó a un lugar de introspección, en el que logró focalizar su atención a una conceptualización que lo iba acompañando desde su infancia y que había sido siempre constante, este nodo de investigación era el color. El enigma que iba creciendo ahora con el artista era aportar un elemento nuevo a la historia del color en el arte occidental. Años después de haberse casado con Mirtha, con un hijo y con un contexto político bastante complicado en Venezuela, deciden mudarse a Europa; es ahí donde tuvo su primer encuentro con el arte de ese momento en Europa, el cual estaba basado en el cinetismo, el color y el Op Art; al ver esto, Cruz-Diez, se dio cuenta que su visión era correcta y que estaba vinculado sin saber a una corriente muy importante del arte. Es así que decidió estructurar más su experimentación sobre el color y así empezar a buscar una inestabilidad en la bidimensionalidad a partir del color. Cruz-Diez busca colorear el espacio, encontrar el color indirecto, inestable y persistente a la literalidad del plano. Fuente consultada: sitio oficial Fundación Juan March www.march.es

$70,000.00-$90,000.00 M.N. 58

ENRIQUE CARBAJAL “SEBASTIAN” (Camargo, Chihuahua, 1947 - ) La puerta del sol

Firmada y fechada 98 Escultura en fierro con esmalte acrílico 6 / 15 86 x 59.7 x 27.9 cm Publicada en: DE LA FUENTE, Juan Ramón et al. Sebastian. Geometría emocional. México, Antiguo Colegio de San Ildefonso. 2004, Pág. 185. Presenta detalles de conservación. De vocación constructiva, desde mediados de la década de los 60, Sebastian inició el desarrollo de su lenguaje artístico apoyándose en su quehacer con disciplinas científicas como las matemáticas y la geometría, acercándose a la topología y la cristalografía. Además de realizar esculturas, su producción abarca también el diseño arquitectónico, pintura, diseño de objetos, mobiliario, joyería, diseño de vestuario teatral y escenografías. A lo largo de su exitosa carrera ha sido reconocido con numerosas distinciones, siendo elegido como miembro de La Real Academia de Arte de La Haya en Holanda en 1983 y condecorado como Doctor Honoris Causa por la universidad The City College of the City University en New York en 2008. También ha presentado exposiciones en los principales museos de México y su obra se encuentra en numerosas colecciones a nivel internacional. “Una vez que me decidí por las matemáticas y la geometría como lenguaje para llegar al fin plástico, fue sencillo. No estoy diciendo que sean fáciles, pero con un buen lenguaje uno puede decir cualquier cosa sobre la contemplación de la naturaleza [...] Es como tener un lenguaje que parte de las letras. Los poetas escriben con sílabas, palabras y frases, yo empecé a escribir esculturas, a definir cosas de dos, tres y múltiples dimensiones. Gracias a las matemáticas y la geometría pude hacer un lenguaje codificable”. Sebastian. $180,000.00-$220,000.00 M.N. 59

PEDRO FRIEDEBERG

(Florencia, Italia, 1936 - ) Obelisco caminante triangulizado

Firmada en la base Escultura en madera y reglas con aplicaciones de hoja de oro 4 / 6 50 x 17 x 17 cm Con certificado de autenticidad del artista, diciembre del 2020. “Es un arte circular el de Friedeberg, regido por los finos mecanismos de muchos oficios y sabidurías. Pasa por la sensibilidad visual del simbolismo y cierta poética del objeto surrealista. Sin embargo su disciplina y espíritu meticuloso hacen también pensar en un inventor o experto relojero que disimula detrás de su disfraz de cebra que fuma en pipa y que vive ajustando la fina cuerda de su imaginación o los estímulos de una estética que se mece entre el juego y la crítica”. Rita Eder. Fuente consultada: HOLTZ, Déborah et al. Pedro Friedeberg. México. Trilce Ediciones, 2009, Pág. 75.

$80,000.00-$100,000.00 M.N. 60

ALICE RAHON

(Chenecey-Buillon, Francia, 1904 - Ciudad de México, 1987) Sin título

Firmado Óleo y polvo de mármol sobre masonite 40 x 40 cm Con constancia de opinión de Galería Óscar Román, abril del 2021. Con certificado de autenticidad de Alejandro Moreno, agosto de 1997. Presenta craqueladuras. Alice Rahon comenzó a dibujar desde temprana edad, un pasatiempo que le sirvió de terapia cuando estuvo en reposo en dos ocasiones por diferentes accidentes, hechos que la marcaron de por vida y se reflejó en su producción artística. A principios de la década de 1930 contrajo matrimonio con Wolfgang Paalen, esta unión le permitió relacionarse con el grupo Surrealista, principalmente con Antonin Artaud y André Bretón. Con ellos compartía ideas y posturas artísticas, influyeron de manera directa y decisiva en la sensibilidad de la artista y en su necesidad de expresarse de una forma nueva. A partir de su llegada a México en 1939, por invitación de Frida Kahlo, Alice Rahon se dedicó a la pintura explorando diversas técnicas que enriqueció con arenas y esgrafiados. Al año de su estancia en nuestro país, participó en la “Exposición internacional del Surrealismo” organizada por César Moro y Paalen en la Galería de Arte Mexicano; parteaguas que le permitió posteriormente exponer de manera regular en México, Nueva York, París y Líbano. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo III. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 104.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. 61

CARLOS MÉRIDA

(Quetzaltenango, Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) Lázaro y la noche

Con firma bordada Tapiz 163 x 122 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, abril del 2021. Presenta detalles de conservación. “La obra de Mérida es importante por muchas razones. Una de ellas fue su honestidad al adoptar la vanguardia europea y el aprendizaje de sus maestros y colegas. Sus amigos, la gente con la que se codeó, fueron los integrantes de la vanguardia: Picasso, Modigliani… por lo que realmente comprendió el estilo europeo e hizo de él un lenguaje propio”. María Estela Duarte. Fuente consultada: QUEZADA ROQUE, José. “Los rostros de Carlos Mérida en el Munal”. México. Chilango, sección Cultura, 24 de noviembre del 2018.

$95,000.00-$180,000.00 M.N. 62

CARLOS MÉRIDA

(Quetzaltenango, Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) Boceto

Firmado Lápices de color y lápiz de grafito sobre papel albanene 18.9 x 14 cm Con etiqueta de Galería Arvil. Al tratarse de un boceto presenta ligeros detalles de conservación normales por el uso. Durante un viaje a París, observó la construcción del mercado del arte participando en los talleres del pintor catalán Hermen Anglada Camarasa quien generó mayor influencia en él. Formando parte de la vida bohemia en la ciudad de París conoció a pintores mexicanos como Diego Rivera, Jorge Enciso, Ángel Zárraga y Adolfo Best Maugard. Durante su estancia en Francia, logró exponer en el Salón Independiente y en galerías privadas, además de absorber artísticamente el estilo cubista y se inspiró en la abstracción, la geometría, la estabilidad y la arquitectura, elementos que utilizó en su obra a lo largo de los años. Realizó pintura, grabado, litografía, entre otras técnicas que lo posicionaron como el gran artista que fue. Al volver a México, destacó su interés por lo prehispánico y se dedicó a la integración plástica participando con algunos arquitectos reconocidos. Durante sus últimos años viajó a Guatemala, donde pintó, expuso y trabajó con mosaico veneciano en edificios públicos y residencias tanto en México como en Guatemala y Estados Unidos. Fuente consultada: sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$70,000.00-$100,000.00 M.N. 63

ROLANDO ROJAS

(Tehuantepec, Oaxaca, 1970 - ) Cuidando al sol, 2002

Firmado Óleo y arena sobre tela 150 x 100 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alberto Misrachi, mayo del 2002. Agradecemos al Maestro Rolando Rojas por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2021. Con etiqueta de Galeria Alberto Misrachi al reverso. Después de estudiar pintura con Shinzaburo Takeda, fue creciendo y complementando su formación para crear su propio estilo, conjugando su afán por el constructivismo del espacio, su efusión por los colores y su fuerte herencia oaxaqueña. Para Rolando Rojas, la vida es un ambiente festivo, una oportunidad de goce, de esfuerzo y de logros, y esta visión es la que él recrea en su obra como una ceremonia llena de color. $150,000.00-$250,000.00 M.N. 64

RODOLFO NIETO

(Oaxaca, 1936 - Ciudad de México, 1985) Sin título, ca. 1967

Firmado Pastel sobre papel 69 x 100 cm Con dedicatoria. Con constancia de autenticidad de la Galería de Arte Mexicano, marzo del 2021. Rodolfo Nieto fue un destacado artista con fuertes raíces plásticas ligadas a la cultura de su tierra, pero con una visión mucho más contemporánea. Entre 1953 y 1954 asistió a La Esmeralda, donde fue asistente de Diego Rivera y tuvo como mentor a Juan Soriano y a otros maestros que lo impulsaron a exponer colectivamente. Se mudó a París en los años sesenta, alejándose por completo del ambiente natal indígena, creciendo entonces sus influencias artísticas a un nivel internacional. En la llamada ciudad luz, logró exponer en algunas galerías y museos, destacando su muestra individual en el Museo de Arte Moderno de París en 1962; así mismo participó en la Bienal de París obteniendo un premio en 1963. Durante aquella época creó su propio lenguaje artístico, en parte influenciado por sus amistades con Francisco Toledo, Octavio Paz y Julio Cortázar. En 1965 ilustró el “Manual de Zoología Fantástica” de Jorge Luis Borges para la editorial de Maurice Nadau, lo que lo llevó a cultivar una relación laboral posterior con Carlos Fuentes y Mario Vargas Llosa. Regresó a México en 1970 ya con fama y reconocimiento en el extranjero, pero no en su país, lo que le causó una gran decepción, fue entonces que su mente comenzó a divagar; no obstante, conforme el tiempo pasó su trabajo dio un giro y fue aceptado por la crítica mexicana. Desde entonces, su obra entrelazó texturas, colores, formas abstractas, fusiones de animales con humanos y temas de la naturaleza que creaban situaciones y ambientes fantásticos. Fue un artista que se caracterizó por su pasión y dedicación a la pintura, siempre cuidadoso de mantener orden y limpieza a su alrededor. Murió a los 49 años de edad, dejando trunca su fructífera carrera. Actualmente su obra es considerada de gran importancia para la historia del arte mexicano del siglo XX y figura en importantes colecciones públicas y privadas de México, Estados Unidos y diversos países de Europa. “Lo interesante de él era la búsqueda, la inquietud y la falta de satisfacción que sentía con lo que hizo, que es un síntoma de indudable talento. Era un hombre inteligente, un pájaro raro”. Octavio Paz. Fuente consultada: sitio oficial del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey www.marco.org.mx

$650,000.00-$800,000.00 M.N. 65

ROSENDO PÉREZ PINACHO (Pochutla, Oaxaca, 1972 - ) Sin título

Firmado y fechado 99 Óleo y arena sobre tela 100 x 80 cm Presenta ligeros detalles de conservación. En el transcurso de pocos años Rosendo Pérez Pinacho ha conseguido formar parte de la más reciente generación de artistas oaxaqueños. Su influencia plástica inició con la obra de maestros mexicanos, pero conforme visitaba museos y galerías durante sus viajes al extranjero comenzó a estudiar detenidamente a los artistas europeos. Sin embargo, su línea temática se basa en su tierra oaxaqueña, las costumbres y leyendas que para él tienen un peso significativo. Las imágenes que acostumbra realizar refieren a su forma de pensar que hermana de la naturaleza y los animales, y también combina elementos orgánicos. Ha presentado múltiples exposiciones colectivas e individuales en México, Japón, Estados Unidos, Argentina y Europa. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.rosendopinacho.com.mx

$22,000.00-$30,000.00 M.N. 66

ROLANDO ROJAS

(Puebla, México, 1887 - 1962) Notas bohemias

Firmado Óleo y arenas sobre tela 100.5 x 210 cm Con certificado de autenticidad del artista. Agradecemos al Maestro Rolando Rojas por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2021. “Me gusta que las historias estén presentes en cada cuadro que pinto. Mis personajes no son lo que parecen. Lo mío es un lenguaje más libre y comunicativo […] Lo que no me gusta es ponerle título a los cuadros, mejor dejo que la persona interesada se lo ponga; es lo maravilloso, buscar algo”. Rolando Rojas. $240,000.00-$300,000.00 M.N. 67

GUILLERMO CONTE

(Buenos Aires, Argentina, 1956 - ) Improvisación II

Sin firma Mixta sobre tela 115 x 175 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, agosto del 2018. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Argentina. A los 23 años se mudó a Italia donde comenzó a trabajar con el llamado grupo de la Nuova Escola Romana y trabajó en la galería Fabio Sargentini. En 1985 comenzó a tener presencia internacional, participando en ferias alrededor del mundo y realizando una gran cantidad de exposiciones en toda Latinoamérica. Su obra ha participado en importantes ferias internacionales de arte, tales como: Pinta Nueva York, E.E. U.U.; ARTBO, Bogotá, Colombia; SCOPE Miami Beach, E.E. U.U.; Zona Maco, Ciudad de México, México; Art Chicago, E.E. U.U.; FIA, Caracas, Venezuela; Art Miami, E.E. U.U.; FIAC, París, Francia; ARCO, Madrid, España y arteBA, Buenos Aires, Argentina. $70,000.00-$100,000.00 M.N. 68

SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Torii, 2012

Firmada Escultura en bronce P / A 109 x 53 x 22.8 cm Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2021. Los Torii son los arcos tradicionales de los santuarios sintoístas o áreas sagradas en Japón. Según la cosmogonía japonesa, marcan la frontera entre el espacio profano y lo sagrado; la puerta al mundo espiritual. En esta escultura, Sergio Hernández toma esta concepción y le atribuye rasgos humanos, como si aquella estructura arquitectónica cobrara vida. $650,000.00-$800,000.00 M.N. 69

PEDRO CORONEL

(Zacatecas, 1923 - Ciudad de México, 1985) Sin título

Firmados y fechados Mex 72 al reverso Plumón y tinta sobre papel a) 23.5 x 16 cm b) 23.5 x 14.5 cm c) 23 x 16 cm 25 x 58 cm medidas totales Piezas: 3 enmarcadas juntas. Procedencia: adquirido directamente al artista. Estas obras se utilizaron para ilustrar la revista “Diálogos”, no. 44 año marzo - abril 1972, con ensayos de Rosario Castellanos. Estudió pintura y escultura en la Esmeralda, donde posteriormente fue maestro. En 1946 viajó por primera vez a Europa y residió en París, donde conoció a Octavio Paz y frecuentó los talleres de Victor Brauner y de Constantin Brancusi, que influyeron en gran medida a su proceso artístico. Su primera exposición individual fue en 1954, más tarde exhibió en países como Francia, Italia, Japón, Estados Unidos y Brasil. Sus obras han sido expuestas en México, París, Tokio, Osaka, Estados Unidos, Italia, Brasil y Bélgica; obtuvo los premios Nacional de Pintura y el José Clemente Orozco de la I Bienal Interamericana de México en 1959. En 1983 se inauguró el museo que lleva su nombre, con la donación de su colección de arte universal, ubicado en el Ex-Colegio de San Luis Gonzaga de la ciudad de Zacatecas. “Su obra nos invita a transitar por un mundo de color, textura, primitivismo y conceptos filosóficos ancestrales, que nos renuevan el desasosiego por descubrir las incógnitas del origen del ser, de las pasiones eróticas, de los furores bélicos y de nuestro ineludible camino hacia la muerte”. Laura González Matute. Fuente consultada: GONZÁLEZ MATUTE, Laura. “La obra de Pedro Coronel”. México. Discurso Visual, abril del 2005.

$80,000.00-$100,000.00 M.N. 70

RODOLFO NIETO

(Oaxaca, 1936 - Ciudad de México, 1985) Sin título

Firmado Gouache sobre papel 50 x 63.5 cm Con constancia de opinión de la Galería de Arte Mexicano, marzo del 2021. Al igual que otros grandes pintores mexicanos como Rufino Tamayo y Francisco Toledo, Rodolfo Nieto creó un estilo y lenguaje artístico propio, fusionando sus raíces con las corrientes internacionales que lo llevaron a ser uno de los artistas más importantes de la segunda mitad del siglo XX. Su trabajo pictórico y gráfico fue ampliamente reconocido casi desde sus inicios e incluso durante su estancia en Francia. La representación de figuras humanoides de esquema netamente geométrico abarca gran parte de su corpus pictórico. Fuente consultada: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002. pp. 462 - 464.

$150,000.00-$250,000.00 M.N. 71

CORDELIA URUETA

(Ciudad de México, 1908 - Ciudad de México, 1995) Balance del miedo

Firmado y fechado 75 al frente. Firmado y fechado 1975 al reverso Óleo sobre tela 130 x 170 cm Procedencia: adquirido directamente a la artista. Su obra es una constante búsqueda reflexiva sobre su propia identidad y condición, frente al mundo que la circunda. A lo largo de su trayectoria escapó de los convencionalismos sociales y también de las polarizaciones típicas de su generación, que dividían a los artistas entre los comprometidos con causas sociales y los comprometidos con el arte. Si bien su trayectoria se distingue por los logros formales y estéticos de su pintura, es notoria dentro de sus temáticas la presencia de elementos críticos que revelan a una mujer inteligente que supo estar en el mundo alternando dos facultades en apariencia extremas, que suelen acompañar al proceso creativo: la atención acuciosa y la distancia. “Colorista por naturaleza, por vocación, se lanzó al cambio de la pintura con una perseverancia admirable. Su creación múltiple, diversa y cambiante fue realizada bajo el signo de la curiosidad y del análisis, inclusive del juego serio y purificante, por ello sus cuadros se alejan de normas, de dogmas o patrones encasilladores. Su autonomía deriva y se extiende en una libertad, en una tenaz voluntad por ir más allá de lo perceptible, de lo tangible, para entrar a la búsqueda de un lenguaje del color, que en sensible poética se integra y descompone en formas, volúmenes, tierra y sol”. Luis Mario Schneider, 1985. Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus artistas. Tomo I. México. Promoción de Arte Mexicano, 2000, pp. 200-202 y en sitio oficial del Museo Mural Diego Rivera www.museomuraldiegorivera.inba.gob.mx

$360,000.00-$500,000.00 M.N. 72

MANUEL FELGUÉREZ

(Valparaíso, Zacatecas, 1928 - Ciudad de México, 2020) Tiempo de sombra

Firmado y fechado 90 Óleo sobre tela 115 x 135 cm Con certificado de autenticidad del artista. Agradecemos a Mercedes Oteyza, viuda del artista por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2021. Procedencia: adquirido directamente al artista. Exhibido en: “Manuel Felguérez. El límite de una frecuencia”, muestra individual presentada en el Museo MARCO en Monterrey, Nuevo León de enero a junio de 1997. Con etiquetas del Museo de Monterrey y de TEITY S.A. de C.V. En los años cincuenta la Ciudad de México experimentó un notable crecimiento urbano e industrial, mismo que se reflejó en todos los sectores sin exceptuar el arte. Los artistas pasaron de la Escuela Mexicana de Pintura, a la apropiación de tendencias europeas y estadounidenses. El componer obras fundamentalmente abstractas permitió que muchos artistas adoptaran rápidamente este nuevo lenguaje convirtiéndose en una renovación de las artes en México, La Ruptura. Destacaron, entre otros, Lilia Carrillo, Vicente Rojo, Fernando García Ponce y Manuel Felguérez, quien a mediados de la década empezó a destacar por su oposición contra la hegemonía de la Escuela Mexicana de Pintura, su pintura abstracta y murales estridentes que develaba con happenings de Alejandro Jodorowsky generando tumultos. Fue un artista implacable y analítico, un pintor libre y escultor rígido que creó su propio estilo y marcó sus propios ritmos, sin dejarse amedrentar por el paso del tiempo ni los avances tecnológicos del momento. Experimentó con formas, materias y colores. Cada obra suya suponía una nueva aventura, siempre ordenada pero también fluida y poética. Su vida estuvo marcada por la tragedia, sin embargo, la temática en su pintura se mantuvo al margen de la vida privada. Fuentes consultadas: - GONZÁLEZ TORRES, Alberto. México abstracto. Manuel Felguérez. Islas Canarias. CONACULTA, INBA, 2008, pp. 30 y 31 - MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et al. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 259 - GARCÍA GÓMEZ, Angélica. México abstracto. Manuel Felguérez (1959-1981). Islas Canarias. Gobierno de España e Instituto Nacional de Bellas Artes, 2008, pp. 15-17. -CHEREM, Silvia. “Contrapesos en tensión”. México. Reforma, sección Cultura, diciembre del 2003.

$850,000.00-$1,200,000.00 M.N. 73

LILIA CARRILLO

(Ciudad de México, 1930 - Ciudad de México, 1974) Sin título

Firmado Óleo sobre papel 54.3 x 75 cm Con constancia de opinión de la Galería de Arte Mexicano, octubre del 2019. Con certificado de autenticidad de Taller Jesusa. El acercamiento de Lilia Carrillo a la pintura fue de la mano de Manuel Rodríguez Lozano. Posteriormente obtuvo su título de Maestra en Artes Plásticas por La Esmeralda. En 1953 viajó a París y estudió en la Académie de la Grande Chaumière. Ahí se encontró con la etapa tardía del existencialismo francés. Los postulados de Simone de Beauvoir, Jean Paul Sartre y Albert Camus influenciaron su trabajo. El dolor y la angustia fueron catalizadores de su talento. El tiempo que pasó en la ciudad luz marcó la gestación de la variante automatista en su pintura, que la llevaría más tarde a una abstracción lírica y al informalismo. En 1966 participó en la afamada y controversial Confrontación 66 realizada en el Palacio de Bellas Artes. Tres años más tarde pintó el mural “La ciudad desbordada, contaminación del aire”, para ser expuesta en Osaka, Japón en el pabellón “Hacia un mejor entendimiento mutuo a través del arte”. A principios de la década de los setenta, la Galería Juan Martín llevó a cabo diversas exposiciones en donde se incluyó la producción de la artista; la crítica la alababa y su obra se empezó a consolidar. “Su pintura abrió caminos dentro de la abstracción en México, es cierto, pero además de este importante hecho, creo que su obra permanecerá por sus propias cualidades plásticas. Una pintura abierta y llena de sugerencias, realmente viva, que no se agota con una mirada y en la que podemos siempre encontrar algo nuevo esperando detrás del delicado tejido de su superficie”. Irma Palacios. Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LAMBARRY, Margarita. “Lilia Carrillo (1930 - 1974)”, Revista Digiral Discurso Visual, Cenidiap, Sección Remembranza, julio-septiembre del 2004 y en sitio oficial de La Ruptura www.laruptura.org

$280,000.00-$400,000.00 M.N. 74

CORDELIA URUETA

(Ciudad de México, 1908 - Ciudad de México, 1995) Sismo

Firmado y fechado 86 al frente. Firmado y fechado 1986 al reverso Óleo sobre tela 140 x 120 cm Procedencia: adquirido directamente a la artista. Con etiquetas del Palacio Nacional de Bellas Artes, Departamento de Control y Registro de Obra de la Segunda Bienal de la Habana, 1986. Nació en el seno de una singular familia de intelectuales, artistas, diplomáticos y cineastas. Fue alentada por Gerardo Murillo “Dr. Atl” a exponer por primera vez en el Salón de la Plástica Mexicana. Viajó a Nueva York debido a un problema de vista, ahí fue presentada con Alma Reed, fundadora de la galería Delphic Studios. Después de hacer un trabajo figurativo normado por la Escuela Nacional de Pintura, se volvió abstracta al interesarse en la obra de Georges Braque y de Pablo Picasso. Fue una gran colorista, supo descubrir la belleza de los hierros oxidado y tubos de chatarra abandonados en construcciones. Fuente consultada: sitio oficial de La Esmeralda www.esmeralda.edu.mx

$320,000.00-$400,000.00 M.N. 75

FERNANDO DE SZYSZLO

(Lima, Perú, 1925 - Lima, Perú, 2017) Estudio No. 9, 1974

Firmado Acrílico y gouache sobre papel 55.5 x 74 cm Con etiqueta de Galería Juan Martín. Se formó en la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad Católica de Lima, en donde además dio clases de pintura. En 1949 viajó a Europa donde estudió las obras de grandes maestros, se empapó de corrientes artísticas como el informalismo, surrealismo, cubismo y abstraccionismo. Fernando de Szyszlo fue una figura clave en el arte abstracto de la Latinoamérica de mediados de los años 50 y fue una de las mayores fuerzas en la renovación artística de su país, abriendo camino mediante la expresión de temáticas peruanas en un estilo no representacional. “Las obras de Fernando de Szyszlo hacen gala del deleite que el artista siente por la creación y de su encuentro con la estética. Entre luces y sombras se contiene la expresión del sentimiento que le robo un instante de plenitud o un momento de reflexión. En esos encuentros mágicos en los que vibran los colores, Szyszlo nos expone los misterios del alma, Sus formas hablan de rito, belleza, majestuosidad, poesía y amor”. Lupina Lara Elizondo. Fuentes consultadas: “Fernando de Szyszlo. Elogio a las Sombras.” México. Antiguo Colegio de San Ildefonso, 2011 y en LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 8, No. 62, marzo-abril, 2003, Pág. 5.

$150,000.00-$200,000.00 M.N. 76

BRUNO WIDMANN

(Montevideo, Uruguay, 1930 - Montevideo, Uruguay, 2017) El abuelo

Firmado al frente. Firmado y fechado 94 al reverso Óleo sobre tela 89.5 x 116 cm Con etiqueta de Arte Quimera Proyecto. Bruno Widmann inició sus estudios con Sergio Curto, artista italiano radicado en Montevideo; posteriormente se puso en contacto con el Instituto de Arte Contemporáneo del Maestro Scroppo de Turín y la Academia de Bellas Artes de Perusa, Italia. Su obra se caracteriza por llenarse de formas, de sugerencias orgánicas y en ocasiones también geométricas inscritas en un espacio infinito que no pretende representar el mundo, sino desplegarlo hasta el límite. “La trayectoria de Widmann en América Latina es importante; ha venido construyendo desde los años 70 un lenguaje indiscutible. Hay que asociarlo más con una actitud poética-pictórica que con cualquier ruptura estética y con posturas objetivas ante la obra de arte. Pintura que somete el acto plástico a una serie de investigaciones entre la figura, las líneas y los espacios. Pintura que va más allá de los límites. Cada cuadro descubre un significado independiente”. Miguel Ángel Muñoz. Fuente consultada: MUÑOZ, Miguel Ángel. Bruno Widmann: quimeras y realidades. Chile. Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago, 2007.

$150,000.00-$220,000.00 M.N. 77

FERNANDO DE SZYSZLO

(Lima, Perú, 1925 - Lima, Perú, 2017) Mar de Lurin

Firmado al frente. Fechado Orrantia 89 al reverso Acrílico sobre tela 120 x 120 cm Con etiqueta de Galería Arvil. Fernando de Szyszlo fue uno de los artistas más emblemáticos del siglo XX. Fue hijo del científico polaco Vitold de Szyszlo, sobrino del reconocido escritor peruano Abraham Valdelomar y cuñado del diplomático mexicano Alfonso García Robles, premio Nobel de la Paz en 1982. Estudió Arquitectura en la Universidad Nacional de Ingeniería de Perú, la cual dejó para seguir su verdadera vocación en la Academia de Artes Plásticas de la Pontificia Universidad Católica del Perú, bajo la tutela del austriaco Adolfo Winternitz, con quien creó la revista cultural “Las Moradas”. En 1947 viajó a París, estancia que fue trascendental para su formación artística. Allí entabló amistad con Octavio Paz, Julio Cortázar, Roberto Matta y Wifredo Lam, asimismo fue influenciado por la obra e ideales de Rufino Tamayo y estudió con gran dedicación el movimiento surrealista y abstracto, el cual estudió, estilizó y poco a poco fortaleció. De regreso a su tierra natal, se interesó por el arte precolombino, retomando sus raíces ancestrales por medio de la pintura, logrando un equilibrio armonioso entre la tradición y las vanguardias estudiadas en Europa. A principios de la década de los 60, su estilo artístico ya estaba trazado y cada uno de sus cuadros expresaba una total libertad estética. Para la década de los 70, su obra ya había sido expuesta de manera individual en diversos museos y galerías de diversos países de América y Europa. Durante su sólida trayectoria, fue acreedor a premios y reconocimientos importantes, obteniendo el nombramiento Doctor Honoris Causa por la Universidad de San Martín de Porres y la Pontificia Universidad Católica del Perú y la Cruz de Caballero de la Orden de las Artes y las Letras, una de las mayores distinciones otorgada por el Gobierno de Francia. Además, ejerció la docencia con gran responsabilidad, llegando a ser profesor en la Escuela de Arte de la Pontificia Universidad Católica de Perú y en las universidades Cornell y Yale en Estados Unidos. Fuentes consultadas: PORRAZ, Paloma. Fernando de Szyszlo. Elogio a las sombras. México. Universidad Nacional Autónoma de México, CONACULTA, 2011, Pág. 49, sitio oficial del Antiguo Colegio de San Ildefonso www.sanildefonso.org.mx y sitio oficial del Ministerio de Comercio Exterior y Turismo de Perú www.peru.info

$1,200,000.00-$2,000,000.00 M.N. 78

JORGE GONZÁLEZ VELÁZQUEZ (Ciudad de México, 1966 - ) Estrategia

Firmado y fechado 15 Acrílico sobre tela 150 x 200 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: DRIBEN, Lelia et al. Jorge González Velázquez. Origen. México. Aldama Fine Art, 2018, Pág. 29, catalogado 7. Exhibido en: “Jorge González Velázquez. Origen”, muestra individual presentada en Aldama Fine Art en la Ciudad de México, en octubre del 2018. Es un sobresaliente pintor y escultor mexicano egresado de La Esmeralda. A lo largo de su carrera ha trabajado en la fundición de múltiples piezas con Juan Soriano, Gunther Gerzso y José Luis Cuevas. Ha participado en un sinfín de exposiciones colectivas e individuales en museos y galerías de diferentes países de América y Europa. Es un incansable experimentador de técnicas y materiales, no obstante, la pintura es una disciplina que ha desempeñado de manera vasta y en cierta forma una rama de su trabajo tridimensional pero, a la vez, goza de una idea propia, usando casi siempre gamas monocromáticas y elementos en distintos modos de abstracción, es decir, descargando en su totalidad la complejidad de formas y figuras que serían difíciles de llevar a los tres planos. Por eso, sus dos trabajos se comunican y complementan, pues la elegancia y sobriedad de su escultura halla correspondencia en la delicadeza de su pintura. Fuente consultada: ALDAMA, José Ignacio, et al. Jorge González Velázquez. Fractal. México. Aldama Fine Art, 2013, pp. 8 y 9.

$130,000.00-$150,000.00 M.N. 80

CORDELIA URUETA

(Ciudad de México, 1908 - Ciudad de México, 1995) The ship

Firmado Óleo sobre tela 120 x 150 cm Procedencia: adquirido directamente a la artista “Es una espiritualista, pero posee las cualidades indispensables para producir obras de arte: pasión, sensualidad, capacidad de trabajo, un alto sentido de la belleza… La artista, tras largos ensayos, ha logrado encontrar un camino en el cual ha fijado, como piedras miliares, obras reveladoras de su personalísimo temperamento de artista y de mujer. Estamos delante de un temperamento de colorista que busca encerrar dentro del movimiento de las masas la potencia del color”. Dr. Atl, 1950. $320,000.00-$400,000.00 M.N. 81

COLECCIÓN BARBACHANO OSORIO

Miguel Barbachano

Miguel Barbachano fue un destacado escritor y cineasta yucateco de estirpe artística. Su hermano Manuel fue productor y figura esencial de la industria cinematográfica durante los años cincuenta, sesenta y setenta; Juan y Fernando García Ponce fueron sus primos. Estudió Leyes y Filosofía en la Universidad Nacional Autónoma de México, pero su relación familiar con el mundo artístico como sus inquietudes intelectuales propias lo mantuvieron interesado en las artes y la creación; encontró en ellas una forma de retratar el acontecer de las sociedades actuales, con sus luces y sus sombras. Incursionó en el teatro universitario y escribió varias obras. Ahí conoció a su compañera de vida, Lilia Osorio, actriz y escritora. Terminando ambas carreras, inició una relación profesional con su hermano. En 1955 produjeron Cine Verdad, un noticiero cultural semanal estructurado a través de cortometrajes o documentales de 15 minutos que se transmitía en salas de cine y duró hasta 1974. En esta producción colaboraron personajes importantes de los círculos intelectuales del momento, como Carlos Fuentes, Gabriel García Márquez, Juan Rulfo y José Emilio Pacheco, con quien formó una estrecha amistad. A la par, realizaron otro noticiero llamado Tele Revista, que trataba temas informativos de corte más ligero, con tres secciones cómicas y noticias de modas y deportes. En esta sección cómica desarrolló un personaje, “Cauich” que hablaba con modismos y estereotipos yucatecos. Tuvo mucho éxito, lo cual lo llevó a producir dos películas llamadas "Chistelandia", las cuales recopilaban los mejores chistes del noticiero e incluían la participación de personalidades como Ramiro Gamboa el "Tío Gamboín", Jorge Arvizu "El Tata" y Javier López "Chabelo", entre otros. El telediario también impulsó la creación del documental "Torero" de 1956, que seguía la carrera del torero Luis Procuna, donde los hermanos Barbachano se encargaron del guion y la producción. La obra fue nominada al premio Oscar al mejor documental de ese año. Miguel Barbachano igualmente colaboró en la redacción del guion de "Nazarín", dirigida por Luis Buñuel y producida por su hermano Manuel, obteniendo el Premio Internacional del Jurado en 1959. Al triunfo de la Revolución Cubana, fue invitado por Fidel Castro para asistir a la primera concentración agraria. Su relación con los cineastas e intelectuales lo llevó a participar en la filmación de la película “Cuba baila”, en 1960, primer largometraje después de la revolución castrista. A partir de ese momento asumió su condición de director cinematográfico y rodó la película “Amor, amor, amor” en 1964.

Miguel Barbachano Ponce y Lilia Osorio, 1960

Lilia Osorio y Miguel Barbachano

Su inclinación por lo relacionado al cine fue lo que lo hizo un artista completo. Su pasión por la historia y su curiosidad por darle seguimiento a la evolución de las nuevas técnicas y al cine de autor lo destacaron en el medio. Fue también articulista para diarios como “Excélsior”, “Unomásuno” y “La Jornada”. En 1992 fue nominado al premio Ariel por mejor cortometraje con la cinta "Se está volviendo gobierno" y becado por el Sistema Nacional de Creadores Artísticos como creador emérito en 1994. Su obra demanda una revaloración entre la crítica especializada y la divulgación constante hacia nuevas generaciones de lectores y creadores. Se desempeñó como profesor en la facultad de ciencias políticas y sociales de 1971 al 2001. Además, su obra literaria abarca casi todos los géneros, destacando los libros “Los desterrados del limbo”, “La utopía doméstica” y el igualmente afamado y polémico “El diario de José Toledo”, primera novela en México que trató abiertamente la homosexualidad. Es un libro que ha sido estudiado y analizado por diferentes investigadores; su narrativa se expuso a una crítica regida por la sociedad machista y homofóbica del país, confrontando la invisibilidad social y literaria hacia las relaciones del mismo sexo. Publicado por el mismo autor en 1964, sin ningún pseudónimo, da pie a obras literarias que hablaron del tema de la diversidad de una manera más abierta, por lo que es considerado un pionero. Fue gran amigo de Octavio Paz, Vicente Rojo, Fernando Benítez y Elena Poniatowska, entre otros. Lilia Osorio, su compañera y destacada latinista y escritora cuyas bases intelectuales impulsaron y acompañaron al escritor en ese proyecto establecido desde la intelectualidad mexicana de mediados del siglo pasado, cuyos estrechos nexos al quehacer cultural de Europa de la posguerra, a los remanentes del existencialismo francés y a la esperanza de un mundo que aboliera la guerra los unían en una búsqueda por la identidad del país. Morton Subastas se complace en presentar una sección dedicada a la Colección Barbachano Osorio, cuyo legado está inscrito en la vida cultural de nuestro país. Fuentes consultadas: -MURPHY, Jacinta. "Entre el cine y la literatura: Retrato de Miguel Barbachano Ponce". Revista Mérida, Ciudad de los Museos, 2018, Año 5, Número 8, pp. 38-39. -DÍAZ, Antonio. "Fallece Miguel Barbachano Ponce, pionero de la literatura LGBTTI". México. El Universal, Sección Cultura, 14 de mayo del 2020. -ROA, Óscar. "Hasta luego, Miguel Barbachano Ponce". México. Diario ContraRéplica, Sección Tendencias, 14 de mayo del 2020. -CASARES CÁMARA, Hernán. "Miguel Barbachano Ponce, yucateco que dejó destacado legado en el cine nacional". Diario de Yucatán, Sección Imagen, 11 de junio del 2020.

Casa Barbachano Osorio

De abajo hacia arriba: Carlos Fuentes, Elena Poniatowska, Miguel Barbachano Ponce y Fernando Benítez

De izquierda a derecha: Salomon Laiter, José Emilio Pacheco, desconocido, Miguel Barbachano

Marcela y Alejandro Galindo con Miguel Barbachano Ponce

FERNANDO GARCÍA PONCE

(Mérida, Yucatán, 1933 - Ciudad de México, 1987) Bodegón

Firmado Óleo sobre tela 90 x 60 cm Presenta ligeras craqueladuras. “La pintura de Fernando García Ponce es el resultado de una preocupación fundamental por el sentido del espacio en su relación con el color y la forma. Con plena conciencia, García Ponce ha buscado una objetividad que le permita olvidar la lucha con los distintos elementos plásticos como instrumentos de expresión personal, para centrar la atención en sus posibilidades de encerrar la realidad, creándola en lugar de comentarla. Después de aceptar el influjo del cubismo y de pasar por un periodo en el que trataba de expresar en sus cuadros su lucha con la realidad, ha conseguido finalmente ese dominio interior de la forma que le permite al artista hacerse a un lado y dejar que sea ésta exclusivamente la que hable de sus obras”. Juan García Ponce. Fuente consultada: BORRÀS, María Lluïsa. Fernando García Ponce. México. Fomento Cultural Banamex, 1992, pp. 39-39.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. 86

FERNANDO GARCÍA PONCE

(Mérida, Yucatán, 1933 - Ciudad de México, 1987) Composición geométrica, 1957

Firmado Óleo sobre tela 100 x 80.5 cm Publicado en: BORRÀS, María Lluïsa. Fernando García Ponce. México. Fomento Cultural Banamex, 1992, Pág. 27, catalogado 6. Fernando García Ponce fue un prominente pintor mexicano que formó parte de la generación de La Ruptura. Estudió arquitectura en la Universidad Nacional Autónoma de México y pintura en el taller del valenciano Enrique Climent. Bajo esta primera influencia, sus cuadros fueron retratos de familiares, sin embargo, no tardó mucho en que el geometrismo dominara sus obras y fuese la esencia de todo su trabajo. Realizó su primera exposición en la Galería de Arte Mexicano en 1956, posteriormente fue con una serie de collages que se hizo acreedor a una Mención Honorífica en el Salón de la Plástica Mexicana. Durante casi dos años, Fernando García Ponce se estableció con su esposa en París y Barcelona, etapa en la que además de estudiar las vanguardias europeas, realizó carpetas de obra gráfica. En 1977, el periódico “Excélsior” anunció el regreso del prominente artista a México. Enseguida, el Museo de Arte Moderno realizó una muestra de 40 obras realizadas entre 1977 y 1978. La pintura de esos años fue potente, llena de expresiones y juegos geométricos, con toques abstractos y neo figurativos. Desde entonces y sin parar, diversas galerías y museos de la ciudad exhibieron sus cuadros e importantes colecciones privadas adquirieron obras suyas. Fuentes consultadas: BORRÀS, María Lluïsa. Fernando García Ponce. México. Fomento Cultural Banamex, 1992, pp. 136-138, GARCÍA PONCE, Juan. Nueve pintores mexicanos. México. DGE Ediciones, 1968 y sitio oficial del artista www.fernandogarciaponce.com

$220,000.00-$300,000.00 M.N. 87

VICENTE ROJO

(Barcelona, España, 1932 - Ciudad de México, 2021) El flautista

Firmado y fechado 58 Óleo sobre tela 80 x 100 cm Con etiqueta del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México. “La obra de Vicente Rojo es clásica y universal en su contenido, en sus formas y en sus diálogos. A lo largo de su producción se ha mantenido una estructura estética que obedece al orden más puro de la expresión […] La obra de Vicente Rojo ha encontrado un amplio público, integrado por aquellos espectadores y coleccionistas que encuentran un eco sensible en el lenguaje abstracto, para quienes la línea, la figura y el color hablan un idioma que les es afín. El poder de resonancia que encierra la obra misma atrae de manera natural a quienes saben escucharla. En presencia de la obra, el espectador desarrolla un diálogo en el que surgen afinidades. Por estas razones nadie especula con ella, todos buscan disfrutarla. Hoy por hoy es un artista consagrado, con nombre que en la plástica se ha construido con hechos constantes, un nombre que tiene peso en el ámbito internacional”. Lupina Lara Elizondo. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 7, No. 56, marzo-abril del 2002, pp. 16 y 17.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. 88

FRANCISCO CORZAS

(Ciudad de México, 1936 - Ciudad de México, 1983) Sin título

Firmado y fechado 1972 Óleo sobre tela 105 x 80 cm Con dedicatoria firmada y fechada 1972 al reverso. Presenta craqueladuras y desprendimientos de capa pictórica. El universo corsiano está habitado por seres misteriosos, con una iconografía y estética que se aleja de lo costumbrista y las condiciones sociales, su obra refleja a personajes de la urbe, le interesaba de modo especial reflejar la historia de las mentalidades de su época. “Alguna vez definido como un pintor de carácter, a veces hosco y otras un tanto violento, Francisco Corzas pertenece al panteón de los artistas que como Julio Ruelas, crearon el anatema de la incomprensión y la condena de una sociedad de maneras harto burguesas. Poseía un talento innegable, mismo que sin mayor discusión, o justificación alguna ‒porque me parece que no la necesita‒, se vio frustrado por uno de aquellos excesos mundanos de la vida moderna”. Fuente consultada: LOZANO, Luis-Martín et al. Francisco Corzas. México. Editorial Océano, Grupo Financiero Bital, 2001, pp. 63, 186-189.

$680,000.00-$800,000.00 M.N. 89

FRANCISCO CORZAS

(Ciudad de México, 1936 - Ciudad de México, 1983) Sin título, de la serie Los crucificados

Firmado y fechado 62 Óleo sobre papel 54.5 x 73.3 cm Presenta craqueladuras y detalles de conservación. “Durante mis años de estudio en La Esmeralda aprendí a usar el carbón. Hice, como todos los alumnos, trabajos muy académicos. Pero yo aparte me ponía a pintar cuanto miraba: paisaje urbano, personajes, grupos, rostros, lugares. Con el tiempo eliminé todo ese fondo porque quiero que toda la fuerza, que toda la voz de mi pintura, esté en una figura central, única [...] Mis personajes son apariciones, seres que se encuentra uno en cualquier parte”. Francisco Corzas. Fuente consultada: VALLARINO, Roberto et al. Francisco Corzas. México. Editorial Oceano, Bital, 2001, Pág. 173.

$300,000.00-$400,000.00 M.N. 90

VICENTE ROJO

(Barcelona, España, 1932 - Ciudad de México, 2021) El mercenario, 1958

Firmado al reverso Óleo sobre masonite 120 x 94 cm Presenta ligeros detalles de conservación. Además de pintar, esculpir y diseñar, Vicente Rojo realizó una gran labor editorial, siendo cofundador de Ediciones Era, una editorial mexicana creada en 1960 y de la cual fue director artístico hasta el año 2000. Durante todos esos años, su presencia en la empresa fue fundamental para la realización de proyectos editoriales y diversos diseños de portadas de libros, entre los que destacan: “Cien años de soledad” de Gabriel García Márquez, “Aura” de Carlos Fuentes y “Días de guardar” de Carlos Monsiváis, entre muchos otros. En 1965 diseñó la “Revista de Bellas Artes”, en colaboración con Ramón Pujol, y al siguiente año asumió la dirección artística de la “Revista Universidad”. Su interés editorial fue constante y sólido, pero siempre en convivencia con sus creaciones artísticas, las cuales jamás abandonó. Los años 60, fueron para Vicente Rojo todo un reto, ya que su práctica pictórica dio un giro radical hacia la ejecución de obras cromáticas y ejercicios geométricos; convirtiendo así, a la geometría, en una parte fundamental de sus escenarios y de su caligrafía, no gustaba que se notase pero fue esencial en la estructura interna de la mayoría de sus obras. Fuente consultada: VÁZQUEZ MONTALBÁN, Manuel. “Vicente Rojo: memoria y geometría”. México. La Jornada, sección Cultura, 15 de mayo del 2003.

$220,000.00-$350,000.00 M.N. 91

VICENTE ROJO

(Barcelona, España, 1932 - Ciudad de México, 2021) Veinte

Firmado y fechado 63 Óleo sobre tela 139 x 100 cm Vicente Rojo vivió duras experiencias en su juventud, ya que le tocó presenciar la Guerra Civil Española y su familia se vio obligada a huir a Francia, pues su padre militaba con el Partido Comunista Catalán y su tío por otro lado era el jefe del Estado Mayor del Ejército Republicano. Después de una estancia de meses en territorio francés, aún era alto el riesgo de regresar a España, así que se trasladaron a México, llegando a nuestro país en 1949. Con el tiempo, Vicente Rojo adoptó a México como su patria, obtuvo la nacionalidad, conoció gente importante del medio artístico, aprendió la cultura y aprovechó todas las oportunidades para aprender y estudiar. En 1950 ingresó a La Esmeralda y tan solo unos años después realizó su primera exposición en la Ciudad de México. Desde entonces su desempeño como pintor y diseñador gráfico, así como su infatigable labor intelectual han sido una aportación esencial para la cultura en México. En 1965 diseñó la “Revista de Bellas Artes” en colaboración con Ramón Pujol, al año siguiente asumió la dirección artística de la “Revista Universidad” y en 1967 realizó junto con Kasuya Sakai el diseño de la revista “Plural”. Fue también es un afamado intelectual, un reconocido diseñador cofundador de Editorial Era, un destacado miembro de la generación de La Ruptura y un sobresaliente artista plástico. Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 7, No. 56, marzo-abril del 2002, pp. 5-8 y DEL CONDE, Teresa et al. Variantes. Ocho pintores. México. Impronta Editores, 1999, Pág. 62.

$220,000.00-$350,000.00 M.N. 92

FERNANDO GARCÍA PONCE

(Mérida, Yucatán, 1933 - Ciudad de México, 1987) Bodegón

Firmado Óleo sobre tela 70 x 110 cm Presenta ligeras craqueladuras. “Si bien García Ponce mantiene en su pintura un claro hilo conductor, sin embargo es posible discernir diferencias que tienen que ver con la actitud frente al color que ingresa en su obra no solo como un estado de ánimo, también como la denotación de un vocabulario constructivo en particular. No podríamos hablar de una lógica evolutiva ni de una determinada periodización sino de obsesiones recurrentes: la pureza y el eclecticismo, la sobriedad y el abigarramiento, el orden y el caos. Pintura hecha de contrarios, la tela se convierte en testigo de un temperamento ambicioso, antropofágico, en campo de una sensibilidad que en el afán de una gran síntesis ha hecho la disección consciente de cada uno de los procesos que le obsesionan”. Rita Eder. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.fernandogarciaponce.com

$200,000.00-$300,000.00 M.N. 93

LEONARDO NIERMAN

(Ciudad de México, 1932 - ) Sin título

Firmado y fechado 58 Acrílico y collage sobre masonite 40 x 60 cm Con un título en Ciencias Físico Matemáticas y Diseño Gráfico, estudios en psicología del color y violinista de profesión, Leonardo Nierman es uno de los artistas mexicanos más reconocido internacionalmente por su obra colorida llena de ritmo y armonía. Su relación con el expresionismo abstracto, los fenómenos cósmicos y la naturaleza sumados a la pasión por la música clásica, se ve reflejada en la diversidad su obra. Por ejemplo, a menudo emplea términos pictóricos para describir la música, refiriéndose al cromatismo como el compositor, el color como el sonido y las pinceladas como la partitura. Con los años, la obra de Leonardo Nierman ha recorrido y sobresalido en gran parte del mundo. Ha participado en exposiciones colectivas e individuales que lo han hecho acreedor de importantes premios, tales como la Medalla al mérito en Roma, la Palma de Oro de las Bellas Artes de Mónaco y el reconocimiento del Servicio Postal y la Lotería Nacional Mexicana con una edición especial. Actualmente, su obra se encuentra en prestigiosas colecciones de museos y edificios públicos de países de Europa, Asia y América. Fuente consultada: LÁMBARRY, Margarita. La Colección de Pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002. Pág. 460 y VELA, Sergio. “Leonardo Nierman”. España. Ayuntamiento de Valencia. Preludio, junio-julio del 2006.

$45,000.00-$60,000.00 M.N. 94

ALFONSO MICHEL

(Colima, 1897 - Ciudad de México, 1957) La copa azul

Firmado Óleo sobre tela 56 x 39 cm Con etiquetas del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México y del Museo de Arte Contemporáneo MARCO de Monterrey. De joven su vida fue un subir y bajar de emociones por cuestiones familiares y económicas, lo que lo impulsó a ser un hombre libre de toda restricción, imaginativo, rebelde e inestable sentimentalmente. Los viajes que logró realizar a Europa y Estados Unidos con ayuda de su hermano, fueron decisivos para su formación artística, logrando establecer relaciones de amistad y trabajo con pintores de diversas nacionalidades, entre ellos Agustín Lazo, pintor mexicano a quien conoció en Montparnasse. Entre sus amistades también destacan los pintores Juan Soriano, Chucho Reyes, Jesús Guerrero Galván, Ricardo Martínez y la fotógrafa Lola Álvarez Bravo. A su regreso a México, instaló su propio taller de pintura, donde produjo una cierta cantidad de obra que participó en algunas exposiciones colectivas. Su primera exhibición individual fue en la Galería de Arte Mexicano, lo que le abrió las puertas para mostrar su obra en museos y galerías del extranjero. Siempre trabajó de manera intensa, casi obsesiva, con el carácter profesional que lo determinó como uno de los pintores más destacado del arte mexicano de la primera mitad del siglo XX.

Fuente consultada: MARTÍNEZ JUÁREZ, Sagrario et al. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 424.

$500,000.00-$700,000.00 M.N. 95

RODRIGO PIMENTEL

(Zináparo, Michoacán, 1945 - ) Campanilla

Firmado al frente. Firmado y fechado Mich. Méx 1996 al reverso Óleo sobre tela 70 x 90 cm Con certificado de autenticidad del artista. Originario de Michoacán, Rodrigo Pimentel es conocido entre los especialistas del arte mexicano actual como un sobresaliente pintor. Su larga trayectoria lo ha llevado a exponer en muchas ocasiones en diversas galerías y renombrados museos de México, Estados Unidos, Panamá, Argentina, España y Francia. Además de ejercer como pintor, se ha desenvuelto como docente en el Taller de Grabado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas y en la Sección Escolar del Museo de Antropología e Historia. Actualmente, su trabajo forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México y de otras colecciones importantes en el extranjero. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo III. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 80.

$80,000.00-$150,000.00 M.N. 96

VICENTE GANDÍA

(Valencia, España, 1935 - Morelos, México, 2009) Interior con tucán, 2003

Firmado Óleo sobre tela 150 x 100 cm Agradecemos a la Sra. Andrea Velasco Levy, viuda de Gandía, por la verificación de autenticidad de esta obra, febrero del 2021. Cuando Vicente Gandía llegó a México en 1951, se adaptó rápidamente a la cultura mexicana, pues deslumbrado por el paisaje y la vegetación optó por dejar a un lado su interés por la arquitectura para dedicarse a la pintura. Logró hacer de la realidad algo excepcional, aplicando la luz con diferentes matices y poniendo el color de manera exuberante como el protagonista de las emociones dramáticas de las escenas. Además de pintar y experimentar con el grabado, trabajó como diseñador gráfico y comercial en algunas revistas mexicanas, también fue miembro destacado del Salón de la Plástica Mexicana y participó en más de 100 exposiciones colectivas e individuales en México y el extranjero. Fuente consultada: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 268.

$330,000.00-$500,000.00 M.N. 97

JOY LAVILLE

(Wight, Inglaterra, 1923 - Cuernavaca, Morelos, 2018) Sin título

Firmado H J Rowe Óleo sobre masonite 60 x 88.2 cm Con constancia de opinión de la Galería de Arte Mexicano, junio del 2019. Agradecemos al Dr. Salomon Grimberg por la revisión de esta obra, abril del 2021. Joy Laville se trasladó en 1956 a México con el fin de cursar clases de pintura en el Instituto Allende de Guanajuato. Durante su estancia conoció al escritor Jorge Ibargüengoitia, con quien se casó en 1973, también entabló amistad con Roger von Gunten y otros artistas, quienes la influenciaron e impulsaron a desarrollar su arte, sintetizando y combinando ciertos elementos plásticos, los cuales se inclinaron principalmente a la figura humana acompañada de algunos elementos que por lo general construía bajo una paleta clara, luminosa y, a la vez, con efecto opaco, dando como resultado una pintura tenue y delgada. Sobre su pintura, Jorge pensaba: “No son simbólicas ni alegóricas ni realistas, son como una ventana a un mundo misteriosamente familiar; son enigmas que no es necesario resolver, pero que es interesante percibir. El mundo que representan no es angustioso, sino alegre, sensual, ligeramente melancólico, es el mundo interior de una artista que está en buenas relaciones con la naturaleza”. En 1983, tras casi veinte años de matrimonio, Jorge murió en un accidente, en ese momento residían en París, así que después de su pérdida, Joy Laville decidió regresar a México para establecerse en Cuernavaca, donde vivió y trabajó hasta el 2018. A lo largo de su carrera, además de pintar realizó ilustraciones para las portadas de los libros de su marido, participó en diversas exposiciones individuales en galerías y museos de la Ciudad de México, San Miguel de Allende, Nueva York, Dallas, Washington D.C., Toronto, París, Barcelona y Londres; así mismo fue acreedora en 1966 al Premio de Adquisición por el Palacio de Bellas Artes, en 2012 fue reconocida con la Medalla de Bellas Artes y galardonada con el Premio Nacional de Ciencias y Artes por la Secretaría de Educación Pública. Fuente consultada: TOVAR Y DE TERESA, Guillermo. Repertorio de Artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 242.

$260,000.00-$360,000.00 M.N. 98

BENJAMÍN DOMÍNGUEZ

(Ciudad Juárez, Chihuahua, 1942 - Ciudad de México, 2016) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 100 x 140 cm Benjamín Domínguez inició sus estudios en la Academia de San Carlos, posteriormente fue un alumno destacado del Maestro Luis Nishizawa, de quien aprendió el uso de diversas técnicas y materiales, formando parte de su vida los aceites y bálsamos. Al terminar la escuela entró a trabajar en el equipo de museografía del Museo del Virreinato en Tepotzotlán, allí tuvo la oportunidad durante años de convivir con obras de arte colonial, marfiles, estofados y porcelanas de oriente, una influencia reflejada en sus monjas coronadas, bodegones, naturalezas muertas y vanitas. Con el tiempo marcó su propio estilo a partir de una visión posmodernista, atribuyendo elementos contemporáneos a obras de estilo barroco, el cual dominó desde su labor en Tepotzotlán. Así, que hoy en día, habiendo sido dueño de una técnica depurada y de una imaginación avasalladora, se constituye como uno de los artistas ejemplos de evolución y de búsqueda más interesantes dentro del contexto de la plástica mexicana. Fuente consultada: MACMASTERS, Merry. “Muere Benjamín Domínguez, el pintor del dolor y el gozo”. México. La Jornada, sección Cultura, 11 de julio del 2016.

$320,000.00-$500,000.00 M.N. 100

ALFREDO RAMOS MARTÍNEZ

(Monterrey, Nuevo León, 1871 - California, E.E. U.U., 1946) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 60 x 50 cm Presenta detalles de conservación. Alfredo Ramos Martínez fue un artista mexicano nacido en Monterrey, Nuevo León, que llevó a cabo un proyecto novedoso en el campo de la educación artística. Académico en su formación, discípulo de Félix Parra y Santiago Rebull, entre otros, pintó retratos y paisajes naturalistas. Como muchos otros de sus contemporáneos, viajó a Europa para seguir su formación y se vio influenciado por el movimiento impresionista y fauvista, entre otros estilos europeos de la época. Su producción plástica es reconocida por su excelente dibujo, composición equilibrada, grato colorido y amplio manejo de tonalidades, texturas y claroscuros. Su obra fue prolífica tanto en la realización de retratos al óleo como al pastel. A través de sus pinceladas o sus trazos, pudo expresar un caudal de emociones y plasmar belleza en sus imágenes. Fuente consultada: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La Colección de Pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002. Pág. 558.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. 101

JOSÉ CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1953 - ) Sobremesa

Firmado al frente. Firmado y fechado 2014 / 15 al reverso Óleo sobre tela 100 x 100 cm Con certificado de autenticidad del artista, abril del 2021. José Castro Leñero es un artista mexicano destacado por representar en su obra la importancia de la expresión neofigurativa mexicana. Las imágenes que utiliza en sus obras adquieren un sentido completamente diverso cuando las manipula, hasta convertirlas en juego con una nueva significación. Utiliza herramientas tradicionales y de las nuevas tecnologías para hacer, rehacer y deshacer, dibujar y desdibujar, pintar y despintar, figurar y desfigurar, sobreponer, aparecer y desaparecer, construyendo un discurso que nos introduce a un modo particular de ver la cotidianidad. A lo largo de su sólida carrera, ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales en Museos de México y Estados Unidos. Fuente consultada: BLANCO, Alberto. José Castro Leñero. La imagen encontrada. México. Museo de Arte Moderno, 1992.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. 102

JUAN CARLOS DEL VALLE (Ciudad de México, 1975 - ) Hot cakes

Firmado y fechado 5 - VIII - 2012 al reverso Óleo sobre tela 40 x 30 cm Con certificado de autenticidad del artista. Agradecemos al Maestro Juan Carlos del Valle por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2021. Publicado en: GONZÁLEZ ROSAS, Blanca et al. Temptation-Tentación. México. Secretaría de Relaciones Exteriores - The Mexican Institute - Museum of Biblical Art, 2013, catálogo de exposición, Pág. 37. Incluye un ejemplar. Exhibido en: "Temptation-Tentación", muestra presentada en el Museo de Arte Bíblico MBA en Dallas, Texas, de septiembre del 2013 a junio del 2014. “Andar es el mero acto físico de dar pasos. Caminar es además de eso, un acto que conduce a alguna parte, en el caso, realizarse el artista que se sueña ser. Quien trabaja se trabaja, quien labora se elabora. Hasta cuando se tiene genio y Juan Carlos del Valle lo tiene, hay que trabajar, hasta cuando se esté dormido”. Andrés Henestrosa, 19 de junio del 2003. $100,000.00-$180,000.00 M.N. 103

CARLOS PELLICER

(Ciudad de México, 1948 - ) Sobre un tema de Degas

Sin firma, fechado Marzo 2011 al reverso Encáustica sobre madera 80 x 121 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Carlos Pellicer es un destacado pintor mexicano egresado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas. A lo largo de su carrera ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales en importantes instituciones, galerías y museos de México y Estados Unidos. “La noción de que en la pintura hay algo oculto que el espectador hará surgir mediante la contemplación es muy propicia ante la obra de Carlos Pellicer […] Él indaga en las raíces de la pintura que, si por un lado, pueden ser tan distantes y primordiales como el arte rupestre, igualmente las encuentra en los órdenes radicales de la modernidad. El impresionismo, el fauvismo, el cubismo le competen, y halla en Cézanne un modelo idóneo […] Sus obras son umbrales, son miradores, son oquedades, son senderos”. Jaime Moreno Villareal. Fuente consultada: MORENO VILLAREAL, Jaime et al. Carlos Pellicer. Abstracto. México. Aldama Fine Art, 2018, pp. 3-11.

$120,000.00-$150,000.00 M.N. 104

JOSÉ CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1953 - ) Ciudad laberinto

Firmado al frente y al reverso Acrílico sobre tela 120 x 150 cm Con certificado de autenticidad del artista, abril del 2021. Su obra comparte los valores e inquietudes visibles de la obra de uno de los grandes creadores contemporáneos que se ha servido de la fotografía como su principal soporte: Robert Rauschenberg. Las imágenes que José Castro Leñero utiliza en sus obras adquieren un sentido completamente diverso cuando las manipula, hasta convertirlas en juego con una nueva significación. Utiliza herramientas tradicionales y de las nuevas tecnologías para hacer, rehacer y deshacer, dibujar y desdibujar, pintar y despintar, figurar y desfigurar, sobreponer, aparecer y desaparecer. En este proceso José Castro Leñero construye un discurso que nos introduce a un modo particular de ver la cotidianidad. Actualmente, José Castro Leñero es un artista que destaca por representar en su obra la importancia de la expresión neofigurativa mexicana. Ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales en Museos de México y Estados Unidos. Fuentes consultadas: BLANCO, Alberto. José Castro Leñero. La imagen encontrada. México. Museo de Arte Moderno, 1992 y sitio oficial de La Siempre Habana www.lasiemprehabana.com

$200,000.00-$300,000.00 M.N. 105

FANNY RABEL

(Lublin, Polonia, 1922 - Ciudad de México, 2008) Una ciudad muy bien comunicada, de la serie Réquiem por una ciudad

Firmada y fechada 1980 Tinta y gouache sobre papel 80 x 120 cm Como alumna de Frida Kahlo, su enseñanza fue plenamente nacionalista con posturas ideológicas, políticas y sociales. Fue contratada por Diego Rivera para pintar en el Palacio Nacional y por David Alfaro Siqueiros para decorar los muros del Sindicato Mexicano de Electricistas. También fue miembro fundador del Salón de la Plástica Mexicana y trabajó en el Taller de Gráfica Popular. Su obra ha sido definida como poético surrealista, enfocada al aspecto humano. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo III. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 102.

$100,000.00-$190,000.00 M.N. 106

SOFÍA BASSI

(Camerino Mendoza, Veracruz, 1913 - Ciudad de México, 1998) Alegoría de espíritus

Firmado y fechado ELC 72 Óleo sobre masonite 90 x 120 cm Con certificado de autenticidad de Franco Bassi, hijo de la artista. Sofía Bassi ingresó a la cárcel de Acapulco en 1968, por el asesinato del esposo de su hija Claire; habiendo sido un accidente, ella cumplió una condena de cinco años. Durante esta difícil etapa continuó ejerciendo la pintura, firmando su obra con las iniciales “ELC” haciendo referencia a “En La Cárcel”. A pesar de las circunstancias que afectaron su vida privada, siempre mantuvo firme su amor por la pintura, además sus excelentes relaciones de trabajo y estrechas amistades con el medio del arte, hicieron que Sofía Bassi lograra tener incentivos para mantener su producción artística activa en este periodo. Por la influencia dentro y fuera del penal, la obra de Sofía Bassi se cargó con un fuerte estilo surrealista, el cual se caracterizó por la visión poética que tenía hacia la vida, mediante figuras simbólicas que conmueven y emocionan. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1995, Pág. 142.

$260,000.00-$360,000.00 M.N. 107

CONCHITA KUNY MENA

(Crystal City, Texas, E.E. U.U., 1944 - San Salvador, El Salvador, 2020) La siesta, 2015

Sin firma Óleo sobre tela 151.5 x 101 cm Con certificado de autenticidad de la artista. A mediados de 1946, Conchita Kuny Mena llegó a San Salvador junto con su familia, después de terminar la Segunda Guerra Mundial. Desde temprana edad tuvo una fuerte inclinación hacia las expresiones artísticas como la pintura, influenciada también por su madre, quien pintaba y dibujaba. En 1965 después de viajar a Europa, regresó a El Salvador e ingresó a la Academia de Dibujo y Pintura de Valero Lecha, quien es considerado el padre de la pintura en dicho país. Su lenguaje se distingue por la percepción de la forma. Su estilo conduce a mundos de simbolismo irónico. Las temáticas en sus pinturas reflejan escenas surrealistas en las que se conjugan una cantidad de motivos y atributos extraídos del complejo mundo de mestizaje cultural en el que se ha desarrollado la artista: sus orígenes familiares europeos de larga tradición histórica, inmersos en una sociedad que subsiste entre lo rural y lo urbano. Su simbolismo se refleja en todos los preceptos utilizados por su lenguaje: los colores contendrán un significado profundo, objetos como bolsas transmitirán el sentimiento de rechazo y vacío, los aguacates significarán la indiferencia hacia lo cotidiano, las muñecas, reminiscencias al pasado. Fuente consultada: BAHAMOND PANAMÁ, Astrid. Procesos del arte en El Salvador. El Salvador. Secretaría de Cultura de la Presidencia. 2012, pp. 274-276.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. 108

RODRIGO PIMENTEL

(Zináparo, Michoacán, 1945 - ) Popocatépetl

Firmado y fechado 2020 al frente y al reverso Óleo sobre tela 125 x 150 cm Con certificado de autenticidad del artista. “Desde los años de la Academia, sentimos en la pintura de Rodrigo cierto vigor emotivo que se enfatiza en sus paisajes actuales, pródigos en ritmo y expresividad, las últimas obras, no exentas de esta característica, sintetizan con acierto la idea de recabar los aspectos más íntimos del paisaje, valiéndose de la forma y el color que utiliza con pureza y precisión técnica. La totalidad de su obra nos da idea clara de su proceso evolutivo, parte de la naturaleza objetiva del realismo, hacia el concepto de la abstracción, tan mal interpretado por muchos artistas sin capacidad y sin convicciones ideológico plásticas. Podemos tener la más absoluta seguridad de que el éxito es merecido para quien demuestra una conducta de rectitud profesional, como la que preocupa a nuestro amigo que ha dado ya pasos definitivos en la tarea difícil que ha emprendido y que habrá de conducirle al encuentro de su propia expresión creativa”. Ernesto Guzmán, 1971. $150,000.00-$250,000.00 M.N. 109

ARTURO ESTRADA

(Panindícuaro, Michoacán, 1925 - ) Anahuacalli

Firmado al frente al reverso Óleo sobre tela 60 x 80 cm Con fragmento de etiqueta del Salón de la Plástica Mexicana Arturo Estrada tuvo grandes maestros quienes lo influenciaron en su incursión al muralismo. Fue uno de los estudiantes del grupo de Frida Kahlo llamado “Los Fridos”, colaboró con José Clemente Orozco en el mural exterior de la Escuela Nacional de Maestros, con Juan O’Gorman en el complejo muralístico de la Secretaría de Comunicaciones y Obras Públicas y asistió a Diego Rivera en los mosaicos del Museo Anahuacalli, así como en el estadio de Ciudad Universitaria. En su ejecución descubrió que pintar un muro es convertir al pintor en un obrero visual, donde la labor pictórica obliga a estar en constante movimiento, observando la ubicación del trazo, la proporción y los efectos formales del color, la luz y la sombra. “Estrada es dueño del color y las calidades, contrastador y armonista, luminoso, preciso, claro y limpio. Posee una sensibilidad y una ternura grandes, cada una de sus pinceladas es una expresión de amor. Compone con equilibrio, originalidad y con una sencillez totalmente desprovista de retórica declamatoria y prosopopeya odiosa y teatral. Su realismo es un realismo poético”. Diego Rivera. Fuentes consultadas: TIBOL, Raquel. “Arturo Estrada en Bellas Artes”. México. Proceso, Redacción, 2 abril de 1988 y “Arturo Estrada revalora el espíritu social del muralismo”. México. INAH, boletín No. 96, 14 de abril del 2016.

$90,000.00-$150,000.00 M.N. 110

GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA (Puebla, México, 1887 - 1962) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 75.5 x 131 cm Patrimonio de la Humanidad, Xochimilco fue lugar especial para pintores paisajistas, entre ellos Gómez Mayorga, quien utilizó este terreno prehispánico como laboratorio de experimentación. “Gómez Mayorga a diferencia de Clausell muestra un sentimiento de libertad diferente, construido sobre volúmenes más corpóreos, pero una rara y afortunada sensación de unidad y equilibrio”, apunta el investigador Hugo Convantes, quien cree que el pintor dejó en este tema regional ejemplos de magnificas piezas. Colores que avivan la flora, tonos para recrear el agua del canal y elementos que se esconden entre el matorral, hacen de esta pieza una magnífica interpretación atmosférica de Xochimilco. Mayorga definitivamente logró llegar al éxtasis de la perspectiva con trazos definitivos en el horizonte, creando una poesía histórica. Fuente consultada: AMERLINCK, Rodrigo et al. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, pp. 87-99.

$400,000.00-$600,000.00 M.N. 111

ADOLFO MEXIAC

(Cuto de la Esperanza, Michoacán, 1927 - Cuernavaca, Morelos, 2019) Chalcatzingo Mor.

Firmado y fechado 97 al frente y al reverso Óleo sobre tela 80 x 200 cm Con certificado de autenticidad del artista, diciembre del 2008. Publicado en: SALAZAR, Ignacio et al. Adolfo Mexiac: la impronta de los años. México, 2008, Pág. 103. Con etiqueta del Instituto Nacional de Bellas Artes. Estudió Pintura en la Escuela Nacional de Artes de Morelia. Posteriormente, viajó a la Ciudad de México en la Academia de San Carlos. Sus maestros fueron José Chávez Morado, Leopoldo Méndez y Pablo O’Higgins. Trabajó durante la década de los cincuenta en el Taller de Gráfica Popular y fue profesor de arte y signos gráficos en la Escuela Nacional de Artes Plásticas. Participó en numerosas bienales en diferentes lugares, incluidos Yugoslavia, Chile, Cuba e Italia. Ganó en cuatro ocasiones el Primer Premio en el Salón de Gráfica México, el primer premio en el Festival Mundial de la Juventud y los estudiantes en Viena y en 1964 el primer lugar otorgado por la Casa de las Américas en Cuba. Pintó su obra mural más famosa en 1981 en el Palacio Legislativo en la Ciudad de México, describe la historia constitucional de México y mide 35 metros de largo. Fuente consultada: sitio oficial del Museo Blaisten www.museoblaisten.com

$220,000.00-$300,000.00 M.N. 112

ÁNGEL ZÁRRAGA

(Victoria de Durango, 1886 - Ciudad de México, 1946) Sin título

Sin firma Óleo sobre tela 80 x 64 cm Con certificado de autenticidad de Fernando Zárraga Gysi, hijo del artista, octubre del 2020. Ángel Zárraga presentó aptitudes artísticas desde joven, las cuales desarrolló formalmente cuando sus dibujos fueron publicados en la Revista Moderna entre 1902 y 1903, año en el que ingresó a la Academia de San Carlos. En aquella institución perfeccionó sus aptitudes para la pintura y bajo la influencia de su maestro Julio Ruelas, se embarcó con destino a Europa. A su llegada, asistió a la Real Academia de Bruselas y mediante una beca se trasladó a España para tomar clases con Joaquín Sorolla. Regresó a México en 1907 con el fin de montar su primera exposición individual, no obstante volvió a España en 1908 y al año siguiente viajó a Venecia, Florencia, Múnich y París para participar en diversas exposiciones colectivas. Tras vivir casi treinta años en tierras europeas, se vio obligado a regresar definitivamente a México en 1941 e inmediatamente fue buscado por diversas instancias y personalidades de la cultura mexicana. Europa fue para él un cúmulo de enseñanzas e influencias artísticas, como lo fue el cubismo, el simbolismo y el realismo. Su experimentación vanguardista lo condujo a pintar diferentes temáticas, destacando las escenas religiosas, los bodegones y las representaciones deportivas, sobre todo el fútbol. Su pintura de caballete fue de gran importancia al igual que los murales que se le encomendaron, labor que comenzó en Francia y por los cuales fue distinguido por los cánones de los pintores mexicanos de la primera mitad del siglo XX. Actualmente su obra se encuentra en importantes colecciones de museos de América y Europa, y se le ha dedicado un gran número de publicaciones que rinden tributo a su trabajo, además uno de los recintos más antiguos y emblemáticos de Durango es hoy en día el Museo de Arte Contemporáneo Ángel Zárraga, el cual alberga una importante exposición del artista. Fuente consultada: ECHEGARAY, Miguel Ángel et al. Ángel Zárraga. Primer realista mexicano del siglo XX. México. Gobierno del estado de Durango, 2006, pp 9-40.

$2,000,000.00-$3,000,000.00 M.N. 113

JORGE OBREGÓN

(Ciudad de México, 1972 - ) Volcanes en el otoño

Firmado y fechado 21 al frente y al reverso Óleo sobre lino 56.5 x 105.2 cm Con certificado de autenticidad del artista. Jorge Obregón cursó la Licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas en donde fue distinguido con la Medalla “Gabino Barreda” al Mérito Universitario, y obtuvo la Mención Honorífica por su tesis “Volcanes de México, una experiencia al aire libre”. Colaboró con el Maestro Luis Nishizawa en diversos cursos de técnicas de los materiales en el Museo del Pueblo de Guanajuato y en el Centro Nacional de las Artes. Ha llevado a cabo 3 residencias artísticas: en el Centre d´Art i Natura en Farrera de Pallars, España, en el Vermont Studio Center en Johnson, Vermont, Estados Unidos y en El Montserrat College of Arts. Ha desarrollado proyectos de paisaje con apoyo de instituciones y gobierno, en España, Finlandia, Ecuador, Estados Unidos, México y el más reciente en Japón, invitado por la embajada de México en Tokio para realizar un proyecto del volcán Fuji pintando “in-situ” por 20 días todas las vistas del volcán. Ha realizado más de 22 exposiciones individuales, en diversos Museos y galerías como: Museo Memorial Hideyo Noguchi, Museo Taller Luis Nishizawa, Museo de Arte Moderno del Estado de México, Museo Casa del Risco, “Remanentes de la cuenca” en Aldama Fine Art, “Episodios de Luz” en el Centro de Cultura Casa Lamm y “México y Japón, territorios de fuego”, Embajada de México en Tokio, en la Ciudad de México. Ha sido acreedor de varios premios, distinciones, menciones honoríficas y becas, como: el Segundo Lugar en el Sexto Concurso Nacional de Acuarela, Selección de obra en concurso José Guadalupe Posada en 1993, Cuarto lugar en el Premio Internacional de pintura a la Acuarela Sinaide Ghi, Roma Italia en 2001 entre muchos otros. En el 2020 ingresó al Sistema Nacional de Creadores de Arte. “A través de una carrera que comprende más de dos décadas y media de estudios avanzados, investigación constante y exploración técnica diversa, su producción está centrada en el ejercicio de un paisajismo marcado por una sensibilidad definida. Jorge Obregón concibe la pintura y el dibujo de vistas naturales a la manera de una práctica de conocimiento que integra arte y vida”. Erik Castillo. $120,000.00-$180,000.00 M.N. 114

LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014) Paisaje de Amecameca

Firmado y fechado 98 al frente. Firmado al reverso Temple sobre tela sobre madera 98 x 163 cm Con certificado de autenticidad del artista, junio del 2006. Agradecemos a Gabriel Nishizawa por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2021. Luis Nishizawa fue un artista que vivió en el contexto muralista y de la Escuela Mexicana por lo que se vio fuertemente influenciado por las corrientes artísticas; en este sentido realizó varias obras con este formato en el metro de Tokio en Japón, en la unidad del ISSSTE de Celaya y en el Centro Cultural Mexiquense en Toluca, sitio en el que se ubica el Museo Taller Luis Nishizawa inaugurado en 1992 y del Archivo General del Estado de México. Su primera exposición fue en el Salón de la Plástica Mexicana, posteriormente participó en la Bienal Internacional de Tokio, en la Trienal de Grabado en Buenos Aires, en la Bienal de São Paulo, recibió la Presea Estado de México, en el área de Ciencias y Artes en 1984. Parte de su obra se encuentra resguardada en el Museo de Arte Carrillo Gil.

Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA Guillermo et al. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 410 y sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$930,000.00-$1,300,000.00 M.N. 115

DAVID ALFARO SIQUEIROS

David Alfaro Siqueiros

Desde 1946 el género paisajístico comenzó hacer un tema recurrente en la producción de David Alfaro Siqueiros. Sus viajes alrededor del mundo, así como el exilio que tuvo que vivir entre las sierras chiapanecas y su posterior huida a Sudamérica influyeron en variedad que no solo reflejan temáticas de características geográficas, como barrancas, cumbres, pedregales, lagunas, selvas y cañones, sino que sirvieron en la exploración de perspectivas, composición y textura. Parte de esta producción fue producto de una famosa sesión fotográfica al aire libre planeada por Siqueiros y llevada a cabo en conjunto entre 1940-4946 con el fotógrafo colombiano Leo Matiz. Especialmente en 1956 sus obras denotan la modernidad que va de la mano con la tecnología y el progreso del que fue testigo el sexenio presidencial de Miguel Alemán. El muralista siguió el paso de las transformaciones de la planeación urbana, pintó pronunciadas vistas aéreas de paisajes que poco a poco se modificaban para dar paso al desarrollo urbano. Estas obras fueron resueltas en un espectáculo de formas geométricas en volumen captadas desde el aire, soluciones que consideró aplicar para el arte de su tiempo. Consideraba interesante tomar elementos partiendo siempre de un realismo, pero evitando las imitaciones y sin una intención descriptiva. En esta obra, David Alfaro Siqueiros pinta formas inesperadas logradas con su método de "accidentes controlados", que nació en el "Siqueiros Experimental Workshop" de Nueva York en 1936 y que se caracterizaba por convertir el soporte de la obra en una arena abstracta sobre la cual se lanza al azar pintura desde las latas de piroxilina. Combina también sus ejercicios esculto-pictóricos aplicando empastes gruesos y retomando enseñanzas de sus grandes maestros y contemporáneos, como la maestría para pintar una atmósfera de José María Velasco y las perspectivas curvilíneas de Dr. Atl, así como la teoría de Luis G. Serrano acerca de la representación esférica de la naturaleza. "En su técnica de generar texturas, Siqueiros establece la diferencia entre la tierra y el mar, entre volumen y espacio, entre el acuático que se convierte en aire y atmósfera y el contenido como a la olla de barro que lo recibe. "El realismo siqueiriano se deja ver más allá de la ilustración, más allá de las apariencias, más allá de las impresiones foto y cinematográficas, más allá del ojo que mire el paisaje desde la altura y desde la mayor cercanía. Este mar que pinta es un remolino bajo el sol tropical, conformado por un círculo concéntrico de agua y espuma que va girando suavemente al ritmo de la brisa que eventualmente se convertirá en nubes. "Desde 1922, Siqueiros pinta los elementos fundamentales de la naturaleza y sus combinatorias. La tierra, el agua, el aire y el fuego de su propia energía explosiva y apasionada [...] En esta representación de Puerto Marqués el artista apropia con claridad geométrica el cordón de la playa y espuma del mar que constata la visión aérea. Y logra perfectamente trasmitir lo que se propuso desde 1936: 'en "Nacimiento del fascismo" conseguimos crear el marino copiar el mar así cómo conseguimos dar la mejor síntesis humana mental del mar plus tracción imaginativa del recuerdo del mar y no lo intento pueril ridículo miserable de la instantánea descriptiva del mar' ". Dra. Irene Herner. Fuentes consultadas: MARÍN, Manuel et ál. Siqueiros paisajista. México. Museo de Arte Carrillo Gil, Museum of Latin American Art, 2010, pp. 29-31 y HERNER, Irene. "Ensayo documental de Vista de la bahía de Puerto Marqués", 24 de abril del 2021.

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David Alfaro Siqueiros ca. 1950, fotografía de Leo Matiz

David Alfaro Siqueiros en el Palacio de Lecumberri

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DAVID ALFARO SIQUEIROS

(Ciudad de México, 1896 - Cuernavaca, Morelos, 1974) Vista de la bahía de Puerto Marqués

Firmada y fechada 56 Piroxilina sobre tela sobre masonite Presenta ligeros detalles de conservación. 55.3 x 75.5 cm Con ensayo documental de la Dra. Irene Herner, abril del 2021. Con constancia de opinión de la Galería de Arte Mexicano, marzo del 2021. Con etiquetas del Salón de la Plástica Mexicana y del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México. $4,200,000.00-$6,000,000.00 M.N. 118

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LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014) Sin título

Firmada y con gago in Tinta sobre papel 33 x 62 cm Agradecemos a Gabriel Nishizawa por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2021. Presenta ligeros detalles de conservación. Además de haber sido un destacado pintor, dibujante, grabador, escultor, muralista y docente, Nishizawa también ejerció con gran tenacidad la promoción cultural en México. De padre japonés y madre mexicana, supo aventajar su herencia internacional para crear un estilo muy particular: paisaje mexicano con técnicas asiáticas. “No cree en el olvido, en la desmemoria, ni pasa del expresionismo realista al expresionismo abstracto por estar a la moda. Atento a las voces de la época se ha permitido articular muchas corrientes y creer en un arte sin fronteras”. Raquel Tibol. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA Guillermo et al. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 410.

$50,000.00-$70,000.00 M.N. 120

LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014) Paisaje del Valle

Firmado Temple sobre papel 70.5 x 106 cm Con certificado de autenticidad del artista, junio del 2001. Agradecemos a Gabriel Nishizawa por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2021. Luis Nishizawa es uno de los personajes más representativos de la pintura contemporánea mexicana. Estudió en la Academia de San Carlos, por lo que su obra está influenciada por el academismo del siglo XIX y características nacionalistas. Durante su carrera, recurrió a numerosas temáticas, especialmente tuvo gran interés en las naturalezas muertas, el paisaje y el retrato, género en el cual demostró un amplio conocimiento y dominio, así como una extensa gama de posibilidades estéticas y plásticas. En estas obras son reconocibles ciertos elementos orientales provenientes de su familia paterna y de los viajes que realizó a Japón. Asimismo, el haber sido seguidor de José Chávez Morado y Alfredo Zalce contribuyó notoriamente en su carrera artística, al igual que otros maestros de la pintura, como José María Velasco y Francisco Goitia. Fuente consultada: sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$360,000.00-$500,000.00 M.N. 121

NICOLÁS MORENO

(Ciudad de México, 1923 - Ciudad de México, 2012) Sin título

Firmado y fechado 1973 Óleo sobre tela sobre madera 22.5 x 132 cm Con certificado de autenticidad de Alicia Moreno, hija del artista. Nicolás Moreno fue un pintor, grabador, dibujante y muralista mexicano considerado entre los mejores dentro del género de paisaje en la segunda mitad del siglo XX. Aunque no nació en el campo, sino en la Ciudad de México, su vasta producción recrea los escenarios naturales de pueblos, valles, bosques, volcanes y praderas de sus múltiples viajes por la República Mexicana y otros países. Caferino Placencia escribió en “México en la cultura” el 19 de junio de 1955, una síntesis para insistir en la importancia del género paisajístico, y el artículo se lo sugirió la obra de Nicolás Moreno: “Todas estas superficiales divagaciones nos las ha sugerido la bella colección paisajística presentada por Moreno; quizás a la paleta de este pintor, en cuanto a riqueza de color, puede ponérsele a la tilde de ser un tanto monótona, pero como compensación a esa igualdad, poseen sus paisajes un especial lirismo, un activo cautivador, en el que la placidez lo invade todo”. Fuente consultada: PELLICER, Carlos. El arte de Nicolás Moreno. México. Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 1990, Pág. 21.

$75,000.00-$100,000.00 M.N. 122

SANTIAGO CARBONELL (Quito, Ecuador, 1960 - ) Paisaje

Firmado y fechado 19 Óleo sobre tela 70 x 150 cm Con certificado de autenticidad del artista, 2019. “Reconocidos profesionales de la crítica pictórica, al explorar por los intricados caminos recorridos por este artista notable, nos muestran que en pleno siglo XXI Carbonell ha hecho suyos a los clásicos; ha recuperado y transformado paletas que se creía habían pasado al olvido, enriqueciendo con su oficio los lenguajes pictóricos puestos al servicio de su indeclinable posición contemporánea. Así, merecedor absoluto de este esfuerzo intelectual, los estudiosos de la obra de Santiago analizan su técnica, interpretan su pensamiento revisando minuciosamente los caminos de la luz que transita los complejos planos de sus composiciones plásticas, lo emparentan con Caravaggio, Velázquez, entre otros. El afán por descubrir sus influencias, para concluir que su obra es rotundamente innovadora”. Eduardo Morales. Fuente consultada: MORALES, Eduardo. “En los lienzos de Carbonell”. México. 2007, en el sitio oficial del artista www.santiagocarbonell.com

$500,000.00-$700,000.00 M.N. 123

SANTIAGO CARBONELL

(Quito, Ecuador, 1960 - ) Figura que se esconde tras el advenimiento de su propia luz

Firmada Escultura en mármol 32 x 19 x 17.5 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, marzo del 2018. Existen diversas adaptaciones de esta pieza, una de ellas en bronce y una versión pictórica, la cual se encuentra publicada en: sitio oficial del artista www.santiagocarbonell.com “El hecho de que Carbonell no sólo prescinde de objetos y elementos innecesarios sino que se atiene, la mayoría de las veces, a una o dos figuras dotadas de centralidad y de jerarquía compositivo. El artista no ha hecho entonces más que crear un espacio-visión que tiene por nexo y aglutinante la luz tenebrista dirigida con doble intención: dotará las formas de energía plástica, y la visión lumínico atmosférica”. Jorge Juanes. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.santiagocarbonell.com

$300,000.00-$400,000.00 M.N. 124

SOFÍA BASSI

(Camerino Mendoza, Veracruz, 1913 - Ciudad de México, 1998) Sin título

Firmado y fechado 81 Óleo sobre masonite 80 x 100 cm Con certificado de autenticidad de Franco Bassi, hijo de la artista. Con etiqueta del Salón de la Plástica Mexicana. Desde muy joven mostró una gran inquietud hacia el mundo artístico. Estudió Filosofía en la Universidad Nacional Autónoma de México y su formación en la pintura fue prácticamente autodidacta. En su madurez vivió en Acapulco y descubrió el surrealismo; desde entonces produjo un gran volumen de obra tranquila y llena de sensibilidad que fue capaz de conmover a la alta sociedad mexicana. Además, fue respetada y aplaudida tanto por artistas coetáneos como intelectuales de la época. En 1964 realizó su primera exposición individual obteniendo una crítica favorecedora; al año siguiente expuso en la Galería Plástica de México e inmediatamente después ya pudo ver su obra colgada en la Lys Gallery de Nueva York. Fue una persona espiritual, lo que se ve reflejado en ciertos elementos empleados en sus obras, de fuertes cargas simbólicas que ella misma convirtió en su propia iconografía, como el huevo y los resplandores que pinta alrededor de ciertos personajes, algunos de ellos casi fantasmales. Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1995. Pág. 142 y MAYORDOMO, Concha. “Mujeres en el arte: Sofía Bassi emocionaba también desde la cárcel”. México. El País, sección Mujeres, 15 de noviembre del 2015.

$220,000.00-$300,000.00 M.N. 125

CAROL MILLER

(Los Ángeles, California, E.E. U.U., 1933 - ) Atanúa, la aurora, de la serie Las mujeres de la polinesia, 1982

Firmada Escultura en bronce sin número de tiraje 37 x 106.5 x 60 cm Agradecemos a la Maestra Carol Miller por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2021. En la mitología polinesia, Atanúa es la diosa del amanecer y esposa de Atea, el dador de luz. Fruto de su matrimonio nació Tu-Mea, el primer hombre. Según el mito, Atanúa creó los mares después de tener un aborto espontáneo, al llenarlos con su líquido amniótico. “Para mí, ser escultora significa ser investigadora. He curioseado en todas las culturas del orbe. Y he tratado de compaginar la historia y la mitología con la realidad humana: el amor, la ternura, la convivencia, la dedicación de los padres hacia los hijos, la devoción de las parejas entre sí; todo eso se expresa en mi producción”. Carol Miller. $150,000.00-$200,000.00 M.N. 126

SOFÍA BASSI

(Camerino Mendoza, Veracruz, 1913 - Ciudad de México, 1998) Ángel de la fecundación

Firmado y fechado 83 Óleo sobre masonite 70 x 90 cm Con certificado de autenticidad de Franco Bassi, hijo de la artista. Con etiqueta de Galería Estela Shapiro. “Yo descubro en la pintura de Sofía Bassi una cualidad inquietante: la que el paisaje transcurre al margen, no de un tiempo precisable, sino del tiempo en sí. Ella intuye un universo absolutamente intemporal. Esta es la primera fase de una operación mística de los sentidos […] Las ciudades que sueña Sofía Bassi están contenidas en estructuras ovoidales de espacio que envuelven todos los elementos de su mundo en una interioridad automultiplicante, de tal manera que su mundo es siempre un mundo interior de sí mismo”. Salvador Elizondo. Fuente consultada: ELIZONDO, Salvador. Sofía Bassi. Los continentes del sueño. México. Artes de México, 1974, pp. 13 y 15.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. 127

ARNOLD BELKIN

(Alberta, Canadá, 1930 - Ciudad de México, 1992) Hombre

Firmada y fechada VI / 2 / 83 al frente. Fechada 1983 al reverso Acuarela y tinta sobre papel 50 x 34.5 cm Agradecemos a Ariela Belkin, hija del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2021. $40,000.00-$60,000.00 M.N. 128

ARMANDO MORALES

(Granada, Nicaragua, 1927 - Miami, Florida, 2011) Figures

Firmada Mixta sobre madera 118 x 81 cm Procedencia: adquirida en Papillon Gallery en Los Ángeles, California, E.E. U.U., en febrero del 2018. Presenta detalles de conservación. “Armando Morales es capaz de pintar cualquier cosa, cualquier instante, cualquier sentimiento, sin someterlo a la servidumbre de ninguna moda. Es realista de una realidad que sólo él conoce, y que lo mismo puede ser del siglo XVI que del siglo XXI: el tema determina el modo. “Ha viajado por todo el mundo, ha vivido y pintado con su inventiva sedienta. Sus desafueros creativos se delatan a sí mismos de inmediato por una misma seña de identidad: el vasto silencio de sus cuadros, alumbrados aún a pleno día por la luna llena de Granada. “Sólo después de conversar con él durante muchas horas, en nuestras dilatadas tardes en México, entendí que Armando Morales no le tuviera miedo a nada. Más aún: me pregunté si hubiera sido pintor de no haber nacido y crecido en Nicaragua, y si sus cuadros hubieran sido posibles en una realidad distinta de la fantasmagórica de su patria de endriagos y guerreros, de aguaceros inmemoriales y despelotes de amor, donde la iguana y el armadillo son platos nacionales, y donde estuvieron casi al mismo tiempo un aventurero gringo que se coronó emperador y don Rubén Darío, uno de los grandes poetas de este mundo. Gabriel García Márquez. Fuente consultada: GARCÍA MÁRQUEZ, Gabriel. Prólogo del catálogo de la exposición en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo en París, 1992.

$650,000.00-$800,000.00 M.N. 129

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CAROL MILLER

(Los Ángeles, California, E.E. U.U., 1933 - ) Thetis, de la colección La Ilíada, 1981

Firmada Escultura en bronce sin número de tiraje 76.5 x 48 x 29.5 cm Agradecemos a la Maestra Carol Miller por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2021. “La obra de Carol Miller es notoriamente femenina, al igual que la de muchas artistas tiende a la anécdota, nos trata de contar una historia completa en cada escultura o toda una forma filosófica de pensamiento y no un concepto, además de tratar los volúmenes que las componen con suavidad, esto aunado a los distintos materiales que trabaja, que producen en cada caso un resultado diferente”. Horacio Castrejón Galván. Fuente consultada: CASTREJÓN GALVÁN, Horacio. “En la casa de Anáhuac. Carol Miller”.

$130,000.00-$180,000.00 M.N. 130

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ARNOLD BELKIN

(Alberta, Canadá, 1930 - Ciudad de México, 1992) Estudio para el Mural Omniciencia

Firmado y fechado 84 al frente. Firmado y fechado UAM Iztapalapa 1985 al reverso Óleo sobre madera 120 x 77 cm Agradecemos a Ariela Belkin, hija del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2021. Presenta detalles de conservación. “Omnisciencia” es uno de los seis murales que realizó Arnold Belkin entre 1984 y 1989 en la Universidad Autónoma Metropolitana de la Unidad Iztapalapa. El mural se ubica en la fachada norte del edificio S, el cual lamentablemente resultó dañado durante el sismo del 19 de septiembre del 2017. En diciembre del 2018 se hizo una restauración para esta obra y dos más: “Muerte a la ignorancia y transformación de la sociedad”, ubicado en el edificio L y “El hombre y el cosmos: Génesis de un nuevo orden” localizado en la fachada del edificio E. “Belkin fue un artista extremadamente disciplinado. Con disciplina aprendió el uso de variados materiales y herramientas; con disciplina abordó muy complejos problemas de composición; con disciplina diversificó su paleta tras una prolongada fijación por los ocres; con disciplina asimiló las teorías de Siqueiros y revisó a los neoclásicos, los románticos, los constructivistas, los futuristas, los cubistas y los expresionistas; con disciplina fue conquistando su propia e inconfundible originalidad: esas estructuras armadas con perfiles, contornos, torsos, cabezas, pilares... Ellas fueron el soporte para hacer a un lado lo declamatorio en el tratamiento de los grandes problemas del presente. Sus soluciones plásticas por medio de sistemas interrelacionados se volvieron cada vez más audaces y con mayor densidad simbólica. Esto le permitió llegar a la pintura de progresión y al arte social”. Raquel Tibol. Fuente consultada: TIBOL, Raquel. “El laboratorio muralístico de Arnold Belkin”. México. UNAM, Revista de la Universidad de México, No. 430, noviembre de 1986.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. 131

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DAVID ALFARO SIQUEIROS

(Ciudad de México, 1896 - Cuernavaca, Morelos, 1974) Boceto para mural Nueva democracia del Palacio de Bellas Artes

Firmado Carboncillo sobre papel 44.5 x 63 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, noviembre del 2020. Presenta ligeros detalles de conservación. David Alfaro Siqueiros siempre fue un hombre atento a los acontecimientos del mundo que lo rodeaba. Participó en las batallas de la Guerra Civil Española al lado de los republicanos, donde se ganó el apodo de “Coronelazo” por su aguerrida entrega en los combates. A su regreso a México en 1939, trabajó sin cesar en su pintura de caballete y murales, los cuales se albergan en importantes museos, universidades y edificios públicos y privados. Fue un artista de alma viajera, recorrió Latinoamérica y Estados Unidos, en donde estableció un taller experimental y en el que tuvo como alumno a Jackson Pollock. Su rica personalidad artística hizo que como ningún otro, ejecutara obras dignas de ser patrimonio nacional. Fue un hombre de convicciones fuertes, tanto en lo político, hecho que lo hizo ser encarcelado en tres ocasiones, como en lo artístico. Hasta sus últimos días fue defensor de un arte completamente nacional. En 1944 se inauguró en el Palacio de Bellas Artes el mural ahora conocido como “Nueva Democracia”. El panel central, cuyo título original era “México por la democracia y la independencia”, fue encargado a Siqueiros por la Secretaría de Educación Pública. El mural da un sentido alegórico a la composición: el surgimiento de un nuevo régimen que destruye al viejo y opresor sistema totalitario. Para conmemorar la victoria de los Aliados sobre el Eje, en 1945 añadió al mural dos paneles laterales, Víctimas de la guerra y “Víctima del fascismo”. “Arte de México no es necesariamente el arte producido por mexicanos en México o fuera de México. Arte mexicano es aquel que se desprende de un impulso nacional dueño de una beligerancia histórica internacional. Un arte que le plantea al mundo sus propios descubrimientos locales, siempre que estos sean de alcance y utilidad internacionales. Ingenuo o malévolo es en extremo el criterio de que arte nacional mexicano puede serlo aquél que siempre recubre de elementos supuestamente locales, nativos, la estructura, el cuerpo íntegro de una corriente importada”. David Alfaro Siqueiros. Fuentes consultadas: -TIBOL, Raquel. Textos de David Alfaro Siqueiros. México. Fondo de Cultura Económica, 1998, Pág. 167. -Sitio oficial del Museo del Palacio de Bellas Artes www.museopalaciodebellasartes.gob.mx -Sitio oficial de Fundación UNAM www.fundacionunam.org.mx

$950,000.00-$1,500,000.00 M.N. 132

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FEDERICO CANTÚ

(Cadereyta, Nuevo León, 1907 - Ciudad de México, 1989) Maternidad, 1953

Firmada con monograma Tempera y carboncillo sobre papel sobre tela 91.5 x 234.5 cm Con certificado de autenticidad de Adolfo Cantú, noviembre del 2020. Agradecemos al Sr. Adolfo Cantú por la verificación de autenticidad y apoyo en la catalogación de esta obra, marzo del 2021. Procedencia: perteneció a la colección del artista. Exhibida en: “Federico Cantú”, exposición retrospectiva en el Museo del Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México en 1970. Publicada en: Federico Cantú. Una nueva visión. México. CONACULTA - INBA - Banpaís, 1989, Pág. 75, catalogada 83. Presenta detalles de conservación. $380,000.00-$500,000.00 M.N. 134

Federico Cantú inició la década de los cincuenta trabajando una serie de obras murales en diferentes residencias particulares, después de haberse dedicado a realizar obras públicas en Boston, California y Nuevo León. Sus trabajos siempre partieron de un estudio previo donde proyectaba la monumentalidad, como en el caso de esta obra que sirvió como anteproyecto de dimensión para el fresco de la Maternidad con ángeles pintada en 1953. En la obra, retrata a una mujer arropando a su hijo, custodiados por dos ángeles. El tema de la maternidad fue recurrente en el trabajo de Federico Cantú. Casi una década después, realizó a la emblemática “Madona” del Instituto Mexicano del Seguro Social, también trató esta temática en sus grabados al buril y otras pinturas. 135

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ARNOLD BELKIN

(Alberta, Canadá, 1930 - Ciudad de México, 1992) Cabeza cibernética

Firmada y fechada 82 al frente. Firmada y fechada 1982 al reverso Tinta y gouache sobre papel 34 x 49 cm Agradecemos a Ariela Belkin, hija del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2021. "Belkin fue un artista extremadamente disciplinado. Con disciplina aprendió el uso de variados materiales y herramientas; con disciplina abordó muy complejos problemas de composición; con disciplina diversificó su paleta tras una prolongada fijación por los ocres; con disciplina asimiló las teorías de Siqueiros y revisó a los neoclásicos, los románticos, los constructivistas, los futuristas, los cubistas, y los expresionistas; con disciplina fue conquistando su propia e inconfundible originalidad: esas estructuras armadas con perfiles, contornos, torsos, cabezas, pilares... Ellas fueron el soporte para hacer a un lado lo declamatorio en el tratamiento de los grandes problemas del presente. Sus soluciones plásticas por medio de sistemas interrelacionados se volvieron cada vez más audaces y con mayor densidad simbólica. Esto le permitió llegar a la pintura de progresión y al arte social". Raquel Tibol. Fuente consultada: TIBOL, Raquel. "El laboratorio muralístico de Arnold Belkin". México. UNAM, Revista de la Universidad de México, No. 430, noviembre del 1986.

$40,000.00-$60,000.00 M.N. 136

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REMEDIOS VARO

(Anglès [Gerona], España, 1908 - Ciudad de México, 1963) Sin título, 1961

Firmado Lápiz sobre papel 29.5 x 23 cm Con dedicatoria. Agradecemos al Dr. Salomon Grimberg por la revisión de esta obra, marzo del 2021. Remedios Varo fue uno de los personajes más entrañables del movimiento surrealista de la primera mitad del siglo XX en nuestro país. Mujer de gran personalidad, exiliada política, feminista, practicante de la alquimia y el tarot. Aprendió de su padre, quien era un ingeniero hidráulico y librepensador, el dibujo académico, las matemáticas y la perspectiva. Aunque durante toda su vida se sintió dolorosamente criticada por él, la impulsó a ingresar a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Terminando sus estudios se casó con Gerardo Lizárraga, condiscípulo, y se mudaron a París. Al año siguiente se establecieron en Barcelona, donde empezó a trabajar para una compañía publicitaria, relacionándose con artistas de la vanguardia como José Luis Florit, Óscar Domínguez y Esteban Frances. Se integró al grupo catalán Logicofobista, dedicado a perseguir la síntesis del estado del alma e ideales surrealistas. Durante la Guerra Civil Española, se proclamó partidaria del lado republicano y fue a través de su participación en la política donde conoció a su gran amor Benjamin Péret, un poeta y luchador inalcanzable por quien dejó a su esposo Gerardo Lizárraga. La nueva pareja se trasladó a París, fue una época muy productiva artística, social e intelectualmente; entabló amistad con Max Ernst, Leonora Carrington, Joan Miró y Wolfgang Paalen, y participó con éxito en la “Exposition Internationale du Surréalisme en la Galerie des Beaux-Arts” en París y en la Galerie Robert en Amsterdam. Tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial, la pareja se vio obligada a huir de Europa y, después de varias complicaciones, lograron trasladarse a México como refugiados políticos. A pesar de haber llegado a nuestro país sin haberlo planeado, fue aquí donde Remedios Varo logró un mayor balance artístico. Conoció a Diego Rivera y a Frida Kahlo, además se reencontró con su amiga Leonora Carrington, con quien colaboró en los diseños de vestuarios del ballet “Aleko”, presentado en el Palacio de Bellas Artes. El ambiente de libertad y la esencia del mexicano la envolvieron y enamoraron tanto que jamás volvió a España. Fuentes consultadas: SANTOS TORROELLA, Rafael et al. Remedios Varo. Madrid, Fundación Banco Exterior, 1989, Pág. 56 y sitio oficial de la artista www.remedios-varo.com

$450,000.00-$600,000.00 M.N. 137

Jorge González Camarena

Jorge González Camarena fue un destacado pintor y escultor jalisciense considerado como uno de los representantes más importantes de la segunda generación de muralistas mexicanos. Fue un dibujante nato, que mostró un gentil y fino trato estético en cada una de sus obras, las cuales realizó mediante la pintura de caballete y mural, así como la realización de esculturas de formatos medianos y monumentales. Comenzó sus estudios en la Academia de San Carlos, donde fue recomendado por el entonces director Alfredo Ramos Martínez para dibujar unas láminas que Gerardo Murillo "Dr. Atl" estaba realizando para un futuro libro. De aquel trabajo, Jorge González Camarena no solo consiguió aprender de uno de los mejores artistas de la época, sino entablar también una estrecha y larga amistad; inclusive su afecto y admiración profesional hicieron que el propio Dr. Atl le regalara uno de sus conventos para que lo convirtiese en su taller personal. En ocasiones realizaron proyectos murales juntos y en otras solo se recomendaban; tal fue la encomienda que tuvo Jorge González Camarena para restaurar los frescos del convento de Huejotzingo en Puebla, lugar en el que tuvo que residir un tiempo y donde se inspiró tanto que se integró a la orquesta del pueblo de música prehispánica tocando la chirimía. Fue la época en la que conoció realmente el arte mexicano, pues tras aquellas fuertes influencias se entusiasmó tanto que comenzó a abordar en su pintura temas de las culturas precolombinas, aspectos relacionados con los movimientos revolucionarios, históricos, sociales, religiosos y de índole musical. Estas temáticas las ejecutó durante casi 35 años y un ejemplo de ellas es la presencia de la figura del diablo, el cual representó en diversas ocasiones utilizándolo tanto como simbolismo religioso como social. Sus pinturas tuvieron abundantes simbolismos y gran riqueza cromática, se inclinó por representar temas indígenas, del mestizaje y la Conquista, así como de la lucha de Revolución y las repercusiones sociales que esta tuvo en la población. Combinó temas eróticos con temas sociales, llenando de fantasía y onirismo a escenas que podrían plantarse en cualquier momento histórico del país. "Esta mujer, acostada a lo largo y encima de los cerros, ubicados atrás del Pueblo, está en actitud de despertar; del codo derecho parte en dos brazos, que en realidad son uno el movimiento […] Las banderas indican la fiesta que se armará. Su cuerpo es un témpano de hielo. La parte inferior que descansa en el cerro, empieza a entrar en calor debido a las llamas infernales. Esto es necesario para su actividad, pero en ese momento tiene una fantasía erótica donde imagina su cabeza reposando a un costado de su cadera, para finalmente ver su cara entre sus piernas, por supuesto, está enamorada de sí misma". Jorge González Camarena Barre de Saint Leu. Fuentes consultadas: GONZÁLEZ CAMARENA, Jorge A. et al. Evocaciones de Jorge González Camarena. México. Instituto Politécnico Nacional, 2016, Pág. 110 y FAVELA FIERRO, Ma. Teresa. Jorge González Camarena. Universo plástico. México. Democracia ediciones, 1995, Pág. 80.

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Detalle de la obra

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JORGE GONZÁLEZ CAMARENA

(Guadalajara, Jalisco, 1908 - Ciudad de México, 1980) Amenaza sobre el pueblo

Firmada al frente. Firmada y fechada 1979 al reverso Óleo sobre tela 60 x 100 cm También conocido por el título "Sueño". Con certificado de autenticidad firmado por Jorge González Camarena Barre de Saint-Leu, hijo del artista. Publicado en: -ÁLVAREZ ACOSTA, Miguel et al. Jorge González Camarena. Universo plástico. México. Democracia Ediciones, 1995, Pág. 14. -GONZÁLEZ CAMARENA BARRE DE SAINT-LEU, Jorge. Evocaciones de Jorge González Camarena. México. Instituto Politécnico Nacional, 2016, Pág. 110. - LUNA ARROYO, Antonio. Jorge González Camarena en la Plástica Mexicana. México. UNAM, 1981, Pág. 56 Exhibido en: "Retrospectiva. Jorge González Camarena", homenaje luctuoso presentado en el Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México en 1996. Con etiqueta del Museo del Palacio de Bellas Artes. Presenta ligeros detalles de conservación. $2,200,000.00-$3,500,000.00 M.N.

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GUILLERMO MEZA

(Ciudad de México, 1917 - Ciudad de México, 1997) El carpintero y su familia

Firmado y fechado 1943 Temple sobre madera 36.3 x 30 cm Con certificado de autenticidad del artista, noviembre de 1989. Con etiqueta de B. Lewin-Galleries. Desde temprana edad mostró un interés en la pintura y la música. Comenzó a dibujar desde los ocho años y estudió música de los doce a los diecinueve, tocó varios instrumentos en la Escuela Popular de Música José Austri. En su juventud fue aprendiz en la sastrería de su padre. En 1933 entró a la Escuela Nocturna de Arte para Trabajadores número 1. Ahí estudió grabado con Francisco Díaz de León y dibujo con Santos Balmori, quien lo invitaría después a trabajar como asistente en los murales que pintó en Morelia, Michoacán. Con los ingresos obtenidos por este trabajo siguió estudiando pintura en la Escuela España-México, donde conoció a Josefa Sánchez -cariñosamente llamaban “Pepita”- con quien se casó en 1947 y quien sería su eterna musa. A la par de su obra de caballete, trabajó en murales para el Instituto Mexicano del Seguro Social y el Club de Industriales entre 1951 y 1958. También realizó escenografías y vestuarios para cine y varias obras de teatro, como “The Adding Machine” de Elmer Rice, para la Academia Mexicana de Danza y para la película “Mictlán o la casa de los que ya no son” dirigida por Raúl Kamffer en 1969. Fue presidente del Primer Congreso Nacional de Artistas Visuales y ayudó a proyectar la Secretaría de Cultura. Participó en la Bienal de Tokio, de Venecia, de São Paulo y de México y en las exposiciones más representativas del país, encontrándose actualmente obra suya en el MoMA de Nueva York, el Instituto de Arte de Chicago, la Universidad de Michigan y el Museo de Arte de San Francisco. Eminente nacionalista, la obra de Guillermo Meza trasciende por su contenido universal, su pensamiento y mensaje humano de aceptación positiva al sufrimiento y su búsqueda constante de la paz. Fuentes consultadas: “Guillermo Meza, pintor surrealista”. México. México Desconocido, sección Arte y Artesanías, 28 de julio del 2010, “Murió el pintor Guillermo Meza”. México. La Jornada, 3 de octubre de 1997 y sitio oficial del Museo Blaisten www.museoblaisten.com

$70,000.00-$90,000.00 M.N. 142

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JAVIER ARÉVALO

(Guadalajara, Jalisco, 1937 - Guadalajara, Jalisco, 2020 ) El Guajiro

Firmado y fechado Mex 80 al frente y al reverso Óleo y arena sobre tela 130 x 120 cm Con certificado de autenticidad firmado por Iván Arévalo Madrid, Esteban Arévalo Madrid y Gabriela Arévalo B, hijos del artista. Presenta desprendimientos de capa pictórica. Javier Arévalo fue un conocido artista jalisciense cuya obra se caracteriza por el realismo mágico. Estudió en la Escuela de Arte y Letras de Guadalajara, en la Academia de San Carlos y años después ingresó a la Escuela Nacional de Artes Plásticas, donde estudió con el pintor Antonio Rodríguez Luna. En 1966 fue aceptado como miembro del Salón de la Plástica Mexicana y en 1970 fue ganador del primer premio en la Bienal de Tokio. Junto con Francisco Toledo y José Luis Cuevas, los críticos de arte lo consideraron en la década de los setenta como un notable dibujante. Para él, lo más importante en su pintura es la firmeza y perfección de los trazos y el poder de capturar la esencia mágica de cada lugar que visita. Su obra ha sido expuesta en México, Estados Unidos, Canadá, Chile, Francia, Argentina, España, Costa Rica y Colombia, entre otros países. Actualmente, obras suyas se encuentran en importantes colecciones de museos, como el Metropolitan Museum of Art en Nueva York, Museo de Arte de Nagaoka en Japón y en los Museos de Arte Moderno de la Ciudad de México, Lugano, Suiza y Zaragoza, España. Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 100 y “El arte, una gran aventura: Javier Arévalo”. México. Informador, sección Cultura, 21 de marzo del 2011.

$220,000.00-$300,000.00 M.N. 143

109

FELIPE CASTAÑEDA

(La Palma, Michoacán, 1933 - ) Dos mujeres

Firmada y fechada 1976 Escultura en bronce en base de madera I / IV 34 x 35 x 22.5 cm Con copia de certificado de autenticidad del artista. Agradecemos al maestro Felipe Castañeda por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2021. Durante su formación artística, Felipe Castañeda trabajó en el Museo Nacional de Antropología y fue asistente de Francisco Zúñiga, quien fue una gran influencia para su trabajo posterior, al igual que la obra de Benito Messeguer, Raúl Anguiano y Fidencio Castillo. Inició moldeando con yeso y arcilla, hasta que perfeccionó su estilo para emprender el camino con el bronce y otros materiales como el mármol y ónix. Con una trayectoria de más de 55 años, actualmente la obra de Castañeda ha logrado un lugar importante entre los más destacados artistas de su generación. Además por su implacable disciplina artística, su obra se ha hecho presente en importantes galerías de México y el extranjero, además de tener excelentes resultados en subastas a nivel internacional. Fuentes consultadas: “Reconocimiento a una trayectoria”. México. La Voz de Michoacán, sección Cultura, 18 de diciembre del 2013 y “Felipe Castañeda Jaramillo”. Gobierno del Estado de Michoacán, 2005, www.cultura.michoacan.gob.mx

$46,000.00-$60,000.00 M.N. 144

110

FERNANDO CASTRO PACHECO

(Mérida, Yucatán, 1918 - Mérida, Yucatán, 2013) El abanico

Firmado y fechado MM al frente. Fechado 1998 al reverso Óleo sobre tela 81 x 56 cm Con certificado de autenticidad de Promoción de Arte Mexicano, marzo del 2002. Agradecemos a la Maestra María Luisa Novelo, alumna y especialista reconocida por el Maestro Castro Pacheco para la verificación de autenticidad de su obra, abril del 2021. Presenta un faltante y ligeros detalles de conservación. Fernando Castro Pacheco fue un artista multifacético que capturó rostros, colores, sentimientos e imágenes que enaltecieron el arte mexicano, en especial la cultura de su tierra natal, Yucatán. Preocupado siempre por la educación, ejerció la docencia durante muchos años en instituciones de gran importancia. En 1941, fundó la Escuela Libre de Artes Plásticas de Mérida, lo que le permitió experimentar al aire libre y bajo esta influencia realizó sus primeras litografías y grabados en madera. Radicó un tiempo en la Ciudad de México, estancia que le permitió explorar otras técnicas, entre ellas la escultura, las ilustraciones para libros y escenografías y vestuarios para el ballet. Sus pinturas al óleo fueron de sus trabajos más predominantes, al igual que los murales, en los que narró historias nacionales y relatos mayas. En 1971 pintó los murales en el Palacio de Gobierno de Mérida y poco tiempo después le fue encomendado hacer 19 murales más para el Palacio de Gobierno de Querétaro, los cuales lo consagraron como uno de los grandes muralistas de nuestro país. “Como pintor no me desespero por parecer innovador, quiero explotar mi particular veta con el mejor rendimiento, deseo a toda costa no engañarme con los ojos”. Fernando Castro Pacheco. Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa. Castro Pacheco. Color e imágenes de Yucatán. México. Universidad Autónoma de Yucatán, 1994, pp. 30-35.

$90,000.00-$120,000.00 M.N. 145

111

JOY LAVILLE

(Wight, Inglaterra, 1923 - Cuernavaca, Morelos, 2018) Sin título

Firmado Gouache sobre papel 51 x 63 cm Agradecemos al Dr. Salomon Grimberg por la revisión de esta obra, abril del 2021. “Son varias las virtudes que caracterizan la pintura de Joy Laville: la extraordinaria delicadeza de sus colores, la levedad de sus contrastes cromáticos y la armonía impregnada en sus superficies. Su composición, por otro lado, hállase regida por un sentido muy original de espacio, en el que las formas son distribuidas asimétricamente y se mueven suave e imperceptiblemente, pareciéndonos que todo se encuentra en calma. Si bien sus paisajes, figuras e interiores, provienen de la realidad, Joy Laville se apropia de estas realidades sumiéndolas en un clima onírico y dándonos la impresión de que la materia de sus cuadros estuviese hecha de sueños. Son obras poéticas de cuyo exquisito refinamiento emanan sutiles armonías que, propias de mundos luminosos y transparentes, nos invaden de felicidad”. Fernando Gamboa. Fuente consultada: Joy Laville. Un mundo luminoso y transparente. México. Museo de Arte Moderno, INBA, 1977.

$150,000.00-$250,000.00 M.N. 146

112

FRANCISCO ZÚÑIGA

(San José, Costa Rica, 1912 - Ciudad de México, 1998) Desnudo de Dolores

Firmada y fechada 1977 Escultura en bronce VI / VI en base de mármol 32.5 x 53 x 26 cm Agradecemos al Sr. Ariel Zúñiga por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2020. Publicada en: ZÚÑIGA, Ariel et al. Francisco Zúñiga. Catálogo Razonado. Volumen I: Escultura 1923-1993. México. Editorial Albedrío, Fundación Zúñiga Ñaborde A.C., 2003, Pág. 464, catalogada 799. Nació en Costa Rica y obtuvo la nacionalidad mexicana. Fue un artista reconocido mundialmente como uno de los mejores escultores de la modernidad y de su época, además fue distinguido por el dominio, la destreza y el talento en el dibujo. Sin embargo, también realizó pinturas, acuarelas, cerámicas y litografías. En el taller de su padre aprendió el oficio de escultor, en la que representaba personajes religiosos como vírgenes o santos. Fue a corta edad cuando realizó talla sobre madera con esta temática, durante su carrera utilizó piedra, mármol y ónix. A la edad de veinticinco años llegó a México y conoció al pintor Manuel Rodríguez Lozano, con quien mantuvo una amistad por un largo periodo. Francisco Zúñiga transitó por varias etapas creativas, una de las más significativas en su trayectoria fue cuando abordó el cuerpo femenino, sus desnudos y la mujer indígena, de este modo se conformó su narrativa original. En este sentido le fueron solicitadas de modo oficial esculturas a gran escala así como monumentos públicos y obras para colecciones de museos en México y en el extranjero. “Como modo de representación, elige representar a la figura humana y encuentra el sentido de su quehacer al asumir que una escultura fuera de la representación del hombre, carece de sentido. Oscila, sin embargo, entre arquetipo y retrato conservando a lo largo de su recorrido plástico esa ambigüedad como modus operandi […] Elige pues, apasionadamente, volver la mirada al pasado y observar su alrededor con una mirada más o menos fresca y espontánea posible”. Ariel Zúñiga. Fuente consultada: ZÚÑIGA, Ariel et al. Francisco Zúñiga. Catálogo Razonado. Volumen I: Escultura 1923 - 1993. México. Editorial Albedrío, Fundación Zúñiga Laborde A.C., 2003, pp. 27 - 35.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. 147

113

SANTIAGO CARBONELL (Quito, Ecuador, 1960 - ) Sinfonía de la luz

Firmada Escultura en bronce P/ A 63.2 x 45 x 41.5 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, marzo del 2018. En su obra de tinte hiperrealista está siempre presente la figura humana, el retrato con gestos, miradas y manos. Importa poco el fondo de las imágenes, es el lienzo que enmarca a los personajes en determinadas actitudes y poses, en una atmósfera teatral y escenarios que forman parte de su iconografía: pinturas de gran formato, recursos luminosos que recuerdan la época tenebrista, con sus protagonistas ataviados en capas o túnicas acorde a ese periodo. Son distintivos los murales de Carbonell, ubicados en el edificio de la Suprema Corte de Justicia, en el corazón del Centro Histórico de la Ciudad de México. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.santiagocarbonell.com

$250,000.00-$350,000.00 M.N. 148

114

RAÚL ANGUIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1915 - Ciudad de México, 2006) India de Guatemala

Firmado y fechado 78 al frente. Fechado y fechado 70 al reverso Óleo sobre tela 70 x 55 cm Con etiqueta de Deicas Art. Perteneciente a la llamada Escuela Mexicana de Pintura, Raúl Anguiano es considerado uno de los máximos exponentes del arte de la segunda mitad del siglo XX en México. Fue un explorador incesante de la expresividad humana y destacó estas cualidades en sus obras acentuando las características de la sociedad de algunos estados de la República. Durante los años 30, trabajó formalmente por primera vez el desnudo, haciendo figuras humanas a la manera clásica y academicista. Posteriormente, las mujeres tehuanas, juchitecas y lacandonas fueron sus principales modelos a retratar. En estas obras gustaba resaltar la feminidad, los rasgos y colores de piel de la diversidad étnica, sus actividades diarias como tradiciones y festividades, así como las carencias y protestas en las que vivían. La excelente calidad de su trabajo, realizado a lo largo de más de 78 años, le permitió fácilmente manejar diversos materiales, convirtiéndose un maestro con el óleo, las acuarelas, grabados, esculturas, cerámicas, tapices, esmaltes y murales. Anguiano perteneció a la segunda generación de muralistas, integrada por Federico Cantú, Jorge González Camarena y Juan O’Gorman, entre otros. También, fue profesor en el Salón de la Plástica Mexicana, en La Esmeralda y en la UNAM, teniendo como alumnos a Vicente Rojo, Fanny Rabel y Enrique Echeverría. Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo III. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 78 y NAVARRETE, Sylvia et al. Raúl Anguiano 1915-2006. México, Antiguo Colegio de San Ildefonso, CONACULTA, UNAM, 2006, Pág. 107.

$150,000.00-$220,000.00 M.N. 149

115

FEDERICO CANTÚ

(Cadereyta, Nuevo León, 1907 - Ciudad de México, 1989) Madona del Seguro Social

Firmada, con monograma y fechada 1960 dos veces Escultura en bronce en base de mármol 25.5 x 20 x 17.5 cm Agradecemos al Sr. Adolfo Cantú por la verificación de autenticidad y apoyo en la catalogación de esta obra, abril del 2021. Esta maqueta en bronce de la icónica obra “Madona del Seguro Social” que creó Federico Cantú para el Instituto Mexicano del Seguro Social en 1960, corresponde a un tiraje especial que fue solicitado al artista como obsequio para algunos funcionarios del IMSS. Estando al frente del IMSS don Ignacio García Téllez, surgió la idea de darle a la institución un símbolo que la identificara: el águila patria que protege a una madre con su hijo. Esta imagen, con ligeras variantes, ha perdurado hasta la fecha. $36,000.00-$50,000.00 M.N. 150

116

FERNANDO CASTRO PACHECO

(Mérida, Yucatán, 1918 - Mérida, Yucatán, 2013) Cavilando

Firmado y fechado MMII al frente. Fechado al reverso 2002 Mérida Yuc. Méx al reverso Óleo sobre tela 56 x 81 cm Con certificado de autenticidad de Promoción de Arte Mexicano, marzo del 2002. Agradecemos a la Maestra María Luisa Novelo, alumna y especialista reconocida por el Maestro Castro Pacheco para la verificación de autenticidad de su obra, abril del 2021. Fernando Castro Pacheco hizo gala de una virtud que había distinguido a los artistas modernos de otras épocas: la actitud crítica y la actitud de experimentación. Esto significa que fue un artista preocupado en encontrar su lenguaje adecuado, su modo de expresión idóneo, su equilibrio entre lo que pensaba y lo que pintaba. No se sujetó a reglas de la Academia, demostró que las dominaba a través de su virtuosismo en el dibujo y con base en el conocimiento total de los materiales y las aplicaciones que empleaba. Para que Fernando Castro Pacheco llegara a los juegos de color y dibujo que caracterizan a su lenguaje, fue necesario que ejecutara miles de cuadros en donde poco a poco se fueron disociando dichos elementos con una armonía por demás difícil de lograr. Avanzada la década de los setenta empezaron a aparecer nuevos elementos en sus obras: ciertos esfumados y manchas que parecieran fuera de lugar; las figuras comenzaron a alargarse y a volverse monumentales. La iconografía indígena comenzó a ser explorada por Castro Pacheco, tanto por sus rasgos como por sus vestimentas y demás atributos. Hay cuadros que ya no tienen el color local ortodoxo, es decir, donde debería de ir un color natural no queda más que la sensación de forma lograda a través de un gran dibujo pero también a través de grandes manchas de color. Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa et al. Fernando Castro Pacheco. Color e imagen de Yucatán. México. Gobierno del estado de Yucatán, 1994, pp. 140 - 152.

$90,000.00-$120,000.00 M.N. 151

117

JOSÉ CHÁVEZ MORADO

(Silao, Guanajuato, 1909 - Guanajuato, Guanajuato, 2002) Mujer y piñanona

Firmado y fechado 80 Óleo sobre tela 120 x 100 cm Con certificado de autenticidad del artista, octubre de 1980. Con etiqueta del Salón de la Plástica Mexicana. Fue uno de los artistas plásticos militantes más importantes del siglo XX junto con su esposa Olga Costa. Fue parte del Partido Comunista Mexicano y del Taller de la Gráfica Popular; no obstante, su carrera se fortaleció con su labor en los campos de acción cultural de México. En 1974 recibió de manos del presidente Luis Echeverría el Premio Nacional de Artes, máxima distinción que otorga el gobierno de México a través del Consejo de la Academia de Artes, el Seminario de Cultura, el INBA y la Sociedad de Arquitectos a quienes destacan en la creación, investigación o promoción artística. Desde el punto de vista formal, la obra de José Chávez Morado puede ser considerada como prototípica del realismo que se desarrolló paralelamente a la pintura mural posrevolucionaria, con abundantes antecedentes del arte popular tanto en lo cromático como en la inclusión de productos artesanales. Sin embargo, no faltan en Chávez Morado las influencias internacionales como la del surrealismo, el cubismo o el tachismo, en lo cual reconocemos una actitud de receptividad ecléctica que integra lo formal a sus intenciones críticas y poéticas. Sus contenidos, vertidos en una temática ya calificada como rica y diversificada, se sustentan en la cultura popular y en la reflexión histórica y crítica. Así nos enfrentamos a un pueblo mestizo rico en raíces culturales, pero inmerso en las contradicciones del sistema. Fuentes consultadas: DE SANTIAGO SILVA, José. José Chávez Morado: vida, obra y circunstancias. México. Gobierno del Estado de Guanajuato, ediciones La Rana, 2001, Pág. 33 y en TIBOL, Raquel. José Chávez Morado. Imágenes de identidad mexicana. México. UNAM, 1980, Pág. 155.

$600,000.00-$800,000.00 M.N. 152

153

118

JORGE GONZÁLEZ CAMARENA

(Guadalajara, Jalisco, 1908 - Ciudad de México, 1980) Muchacha italiana

Sin firma Óleo sobre tela 100 x 75 cm Con certificado de autenticidad firmado por Jorge González Camarena Barre de Saint-Leu, hijo del artista. Procedencia: perteneció a la colección del artista. Publicado en: GONZÁLEZ CAMARENA BARRE DE SAINT-LEU, Jorge. Evocaciones de Jorge González Camarena. México. Instituto Politécnico Nacional, 2016, Pág. 140. Exhibido en: "Retrospectiva. Jorge González Camarena", homenaje luctuoso presentado en el Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México en 1996. Con etiqueta del Museo Palacio de Bellas Artes. Con la inconfundible formalidad estética que caracterizó a Jorge González Camarena, realizó no solo obra mural, sino que desarrolló con gran firmeza la pintura de caballete, abordando el genero del paisaje, escenas históricas y sobre todo el retrato, en el cual desenvolvió con solidez el dibujo y el uso del color, obteniendo siempre excepcionales resultados. Consideraba que el retrato era la obra plástica más difícil, pero en todo caso, la más interesante por la relación de elementos que determinan la conexión de la personalidad física y el carácter del individuo a ser retratado. Además, estaba convencido de que era más conveniente representar los rasgos característicos de la persona con ciertas modificaciones o modulaciones para exaltar expresivamente aquellas que eran particulares de su personalidad. Por otra parte, el retrato debía contener la otra personalidad del personaje, que era la del artista que lo ejecutaba; de esta manera se conjugaban las dos particularidades, la de la persona retratada y la del autor de la obra. La belleza femenina fue su principal inspiración, muy claro se ve en la representación que hizo de la mujer indígena Victoria Dorenlas en la famosa pintura "La Patria", musa que figuró en muchos otros cuadros. También, retrató a su esposa Jeannie Barré Saint-Leu y a su hija Gabriela. Esta obra fue pintada por el artista después de un viaje de gran importancia a Italia. En este hizo un retrato de Miguel Ángel Buonarotti que fue colgado en la casa natal del artista italiano en Capresse, Italia, lo cual provocó un gran orgullo a Jorge González Camarena. Ahí conoció a una mujer italiana cuya belleza lo impresionó y lo inspiró a pintar esta obra. "En este cuadro observamos una mujer de belleza extraordinaria y gran porte, sin negar las características de la mujer italiana. Su larga cabellera fue coronada por González Camarena, ésta lleva elementos rectangulares y triangulares en verde jade, además de hojas de laurel a la usanza romana, pues era una ´reina´ […] tiene un cuello exageradamente largo y ancho. Su vestimenta pareciera ser una túnica romana; en lugar de joyas solo tiene una franja roja con lo que complementa el colorido y de nueva cuenta, más que una pintura, esta muchacha italiana parece una escultura romana". Jorge González Camarena Barre de Saint Leu. Fuentes consultadas: -GONZÁLEZ CAMARENA BARRE DE SAINT-LEU, Jorge. Evocaciones de Jorge González Camarena. México. Instituto Politécnico Nacional, 2016, Pág. 139 - ÁLVAREZ ACOSTA, Miguel et ál. Jorge González Camarena. Universo plástico. México. Democracia Ediciones, 1995, pp. 78-79 -Jorge González Camarena. México. Saber Ver, No 14, junio- julio 1998, pp. 3-15.

$2,000,000.00-$3,000,000.00 M.N. 154

155

119

FRANCISCO CORZAS

(Ciudad de México, 1936 - Ciudad de México, 1983) Profeta

Firmado y fechado 75 Óleo sobre tela 71 x 56 cm Con certificado de autenticidad de Galerías Castillo, enero del 2014. Estudió en La Esmeralda, sus maestros fueron Agustín Lazo, Carlos Orozco Romero y Manuel Rodríguez Lozano, además de María Izquierdo y Juan Soriano. En 1956 viajó a Europa y se instaló en Roma durante tres años; allí asimiló los cursos de la técnica de pintura al fresco en la Academia de San Giacomo y de desnudo en la de Bellas Artes. Esta etapa formativa en Roma, donde se nutrió de los fundamentos de la cultura occidental, fue decisiva en la formulación de los principios plásticos que comenzaría a desarrollar poco tiempo después. Su estancia europea le ofreció la oportunidad de acercarse al arte renacentista, manierista, barroco, romántico y vanguardista. En esa misma capital ganó la medalla de plata en el Premio Internacional Vía Margutta en 1958, lo que le permitió darse a conocer a nivel internacional. Realizó una exposición individual en la galería Trentadue en Milán y participó en varias colectivas. Su reconocimiento le mereció en 1973 realizar dos óleos para el Vaticano: “Profeta” y “Plegaria”. A su regreso a México en 1962, le fue otorgada la Mención Honorífica en el Salón de la Plástica Mexicana y realizó una exposición en la Galería Misrachi. Obtuvo la beca Des Art del gobierno francés y residió en París un año. A lo largo de su vida Francisco Corzas participó en exposiciones en varias ciudades del mundo, entre las que destacan: Roma, Florencia, Venecia, Belgrado, Praga, Bruselas, Viena, Nueva Delhi, Bombay, Osaka, Nueva York, San Antonio, Los Ángeles, Montreal, Bogotá, Buenos Aires, Río de Janeiro y Santiago de Chile. La trayectoria itinerante de Francisco Corzas es una de las causas por la cual muchas de sus obras se hallan en el extranjero, algunas en museos y otras más pertenecientes a colecciones privadas. “Sobrio y atrevido, fino y sensual, apegándose a la modelo y al mismo tiempo descomponiendo y ajustando formas según intensas sensaciones y las exigencias de cada composición, Corzas reitera el tema del desnudo convirtiéndolo en uno de sus ejercicios preferidos. En muchos da rienda suelta a ensayos de técnica pictórica, recreándolos como manchas de formidable poder sugestivo, como es el caso de la obra ‘Capullo’ de 1971 y por eso, estas pinturas se cuentan entre las más bellas y espontáneas”. Berta Taracena. Fuentes consultadas: TARACENA, Berta. Francisco Corzas. México. Secretaría de Educación Pública, 1973, Pág. 30 y “Francisco Corzas: luminoso pero triste”. México. Imágenes revista electrónica del Instituto de Investigaciones Estéticas, Universidad Nacional Autónoma de México.

$480,000.00-$600,000.00 M.N. 156

120

RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - Ciudad de México, 2019) Sin título

Firmado Acrílico sobre papel 101 x 127 cm Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2021. Rafael Coronel estudió en la Escuela Nacional de Arquitectura, en la academia High American School y en La Esmeralda. Su obra está repleta de elementos fantásticos y místicos, y uno de sus personajes más recurrentes es la imagen de un viejo, de estructura huesuda y dedos alargados, quien recuerda a la figura de un profeta o mago; así, trae a la mente a personalidades como El Quijote que pinta El Greco o hasta al mismo Merlín. La narrativa que crea en estos personajes casi sagrados nos envuelve en un ambiente misterioso y ritual. A lo largo de su carrera, su obra ha sido reconocida a nivel internacional, presentando un gran número de exposiciones colectivas e individuales en México, Brasil, Italia, Bélgica y Estados Unidos, entre otros. Actualmente, en el Ex-Convento de San Francisco, Zacatecas, se localiza el museo que lleva su nombre, en donde se exhiben interesantes colecciones de arte popular mexicano. “Rafael Coronel, artista de sensibilidad mágica, intrigante, profunda, es dueño de un virtuosismo inherente a los grandes maestros de la pintura. Su interés por la naturaleza humana y preocupación por su intimidad lo ha llevado a captarla y volverla susceptible de transformación en forma plástica”. Josephine Siller. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.rafaelcoronel.com

$650,000.00-$800,000.00 M.N. 157

121

ANGELINA BELOFF

(San Petersburgo, Rusia, 1883 - Ciudad de México, 1969) Sin título

Firmado Óleo sobre papel 66 x 44 cm Angelina Beloff nació en el seno de una familia de intelectuales rusos. Estudió Matemáticas y Ciencias Biológicas con la intención de estudiar Medicina por sugerencia de su padre, sin embargo fue el arte lo que siempre quiso hacer, así que ingresó a la Academia Imperial de Arte de San Petersburgo donde aprendió a dibujar al natural de manera clásica. En 1909 se mudó a París para continuar con su formación artística, en aquel año conoció al muralista mexicano Diego Rivera durante una corta visita a Bélgica. Tras unos años de relación se casaron, siendo este su único matrimonio. Durante la Segunda Guerra Mundial tuvo que dejar a un lado su carrera artística. Intercambiaba ideas políticas con su marido y sus amigos Pablo Picasso, Amedeo Modigliani y Marie Laurencin. En 1921, Diego Rivera regresó a México y le pidió el divorcio, quedándose en Francia hasta que Alfono Reyes la invitó a nuestro país en 1932. A su llegada formó parte de un círculo social alto, alejado de su ex-esposo y comenzó a trabajar como profesora de dibujo y grabado en el Instituto Nacional de Bellas Artes, gran parte de su labor se enfocaba a talleres de escenografías. También pintó algunos murales con temáticas cuentísticas en hospitales de Guadalajara y la Ciudad de México. Fue miembro distinguido de la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios, de la Sociedad Mexicana de Grabadores, de la Sociedad para el Impulso de las Artes Plásticas y del Salón de la Plástica Mexicana. La mayor parte de su obra artística la realizó en México y actualmente su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas mexicanas, como las del Museo de Arte Moderno y el Museo Nacional de Arte de la Ciudad de México, la Colección Blaisten y el Museo Dolores Olmedo. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y Pintura Mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 3, No. 34, octubre de 1997, pp. 5-13.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. 158

122

ALFREDO ALCALDE GARCÍA

(Chimbote, Perú, 1961 - ) Confesiones detrás de la catedral

Firmado al frente. Firmado y fechado 2020 al reverso Óleo sobre tela 120 x 150 cm Con certificado de autenticidad del artista, marzo del 2021. Desde sus inicios el pintor dirigió su atención a la composición y al estudio del color, estudió en la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú, en Lima. Comenzó su carrera explorando el paisaje urbano, su producción se encuentra dividida entre éste género y el registro de personajes y puestas en escena dotadas de un carácter atmosférico, donde la luz forma parte medular en sus lienzos. Fuente consultada: VILLACORTA, Alberto et al. Alfredo Alcalde. Caminos, máscaras y destinos. Perú. Instituto Cultural Peruano Norteamericano, 2016, pp. 17-28.

$600,000.00-$800,000.00 M.N. 159

123

ALFREDO ALCALDE GARCÍA (Chimbote, Perú, 1961 - ) Anhelo de vivir II

Firmado al frente. Firmado y fechado 2021 al reverso Óleo sobre tela 135 x 200 cm Con certificado de autenticidad del artista, marzo del 2021. Alfredo Alcalde García estudió en la Escuela de Bellas Artes de Lima donde tuvo de maestro al pintor expresionista peruano Víctor Humareda. Su estilo ha transitado del impresionismo y expresionismo hasta el realismo simbólico con temas irónicos relacionados a la reflexión y denuncia social. Ha expuesto en museos y galerías de Perú, Chile, México, Tokio, Suiza y Francia, además fue distinguido con la placa “Sol del Cuzco” otorgada por el Museo de la Nación y el Instituto Nacional de Cultura del Perú a la mejor exposición de arte del año 2000. “Nada inhibe a Alcalde en la persecución de su visión de un arte pictórico de peculiar giro filosófico. Lo que se manifiesta es una profundización importante de la figuración humanista en la que se enmarcaría su arte […] Hay en su manejo del color algo así como una sugerencia de ecuación de nueva dimensión cósmica: esta corporeidad sólida se convierte en puente entre los orígenes y el final de la existencia”. Jorge Villacorta Chávez.

Fuente consultada: VILLACORTA CHÁVEZ, Jorge. “Alfredo Alcalde. Antología pictórica 1985-2016. Caminos, máscaras y destinos”. Perú. Instituto Cultural Peruano Norteamericano, Galería Germán Krüger Espantoso, hoja de sala de la muestra presentada de julio a agosto del 2016.

$950,000.00-$1,500,000.00 M.N. 160

161

124

RODOLFO MORALES

(Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 - Oaxaca, 2001) Mujeres en el parque

Firmado y fechado 74 Óleo sobre tela 80 x 50 cm Con certificado de autenticidad de la Fundación Cultural Rodolfo Morales, octubre del 2020. “Nadie como Rodolfo Morales puede ser considerado tan pintor de la alegría de vivir, ni tan escrupulosamente mexicano a fuerza de no poder ser sino eso necesariamente; feliz pintor mexicano. Feliz porque sus cuadros demuestran, de manera casi mágica, la relación alegre que se establece entre autor y obra cuando no existe ningún desquiciamiento, ninguna traba, nada que no sea el enfrentamiento del artista con su mundo fantástico y desbordado de libertad. Mexicano porque lo es y porque nadie como él deja de manifiesto más claramente esa mexicanidad eternamente buscada y nunca hallada. “El manejo meticuloso del pincel construye un mundo, una realidad paralela y de algún modo mitológica. Las figuras, sus mujeres aladas, las arquitecturas de desbordada perspectiva, el color nebuloso, la nitidez de las escenas, simbolismos de lo cotidiano, erigidos casi en tótems pictóricos, etéreos lugares de esa otra realidad. “En sus cuadros la atmósfera creada es muy importante, es decir, no ya lo pintado, sino la impresión de lo pintado, que en Morales significa placer por la propia pintura. Como se demuestra en sus telas, y collages, lo gozoso de la imagen conmina al espectador a seguir mirando. Rodolfo Morales pone en sus cuadros lo que él es, un estado de ánimo, la red que se construye entre sus recuerdos y su interpretación sentimental de la pintura”. Josu Iturbe, 1992. Fuente consultada: “Rodolfo Morales. Maestro oaxaqueño’. México. Secretaría de Cultura http://cultura.hidalgo.gob.mx

$1,400,000.00-$2,000,000.00 M.N. 162

163

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NELSON DOMÍNGUEZ

(Santiago de Cuba, Cuba, 1947 - ) Pareja de vendedores

Firmado y fechado 19. VII. 96 al frente y al reverso Óleo sobre tela 160 x 101 cm Estudió en la Escuela Nacional de Arte Cobanacán en la cual también ejerció la docencia. Es miembro de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba y la Asociación Internacional de Artistas Plásticos. Ha sido acreedor a distintos premios y distinciones entre las que destacan el Premio Nacional de Artes Plásticas de Cuba en el 2009 y la III Mención de Honor en la Primera Exposición Internacional de Gráfica en Quito, Ecuador. Su obra ha sido expuesta en más de 15 muestras individuales en La Habana, Tokio y la Ciudad de México. En la obra de Nelson Domínguez se refleja la temática de los cultos, sin embargo confiesa que no se ha propuesto ser un pintor de raíces negras porque en realidad su ambiente natural está en África, aunque aquí encuentra expresión en el tema de la religión. La magia y calidez de los colores tropicales están en sus pinturas, que resultan impactantes. A esas tonalidades propias de la tierra en que nació, suma el color negro cuando quiere dar un toque de dramatismo, de fuerza al mensaje que trasciende desde el lienzo. Fuente consultada: sitio oficial de Maxima Contemporary Cuban Art www.maximacubart.com

$150,000.00-$250,000.00 M.N. 164

126

HÉCTOR MOLNÉ

(Camagüey, Cuba, 1937 - ) Conga cubana

Firmado al frente. Firmado y fechado 1989 Miami Florida al reverso Óleo sobre lino 87 x 106.5 cm Héctor Molné estudió en la Escuela de Artes Plásticas de su ciudad de origen, más tarde fue becado para estudiar en la Académie de la Grande Chaumière en París. Es conocido por ser uno de los más destacados representantes de la pintura cubana en el mundo. Su obra ha sido expuesta en numerosas muestras en Cuba, Costa Rica, Los Ángeles y Miami y ha participado en importantes exposiciones colectivas de arte cubano en Cuba, Francia, Europa del este y Estados Unidos. Fuente consultada: sitio oficial del artista https://hectormolne.com

$280,000.00-$350,000.00 M.N. 165

127

JOSÉ REYES MEZA

(Tampico, Tamaulipas, 1924 - Ciudad de México, 2011) La cuadrilla

Firmado y fechado 94 Óleo sobre tela 135 x 160 cm Agradecemos a Fernanda Reyes, hija del Maestro José Reyes Meza por la verificación de autenticidad de esta obra, enero del 2021. “De no haber sido pintor habría sido torero, de no haber sido torero habría sido cocinero. Torero lo fui, no como razón de vida o meta, sino como realización anímica de mi otro yo razón de ser de los ‘hobbies’, eventualidad que en mi vida perduró casi quince años. En el transcurso de este tiempo, los capotes de brega, las muletas, los estoques, banderillas y bártulos de oficio táurico, se fueron integrando a los lápices, a los pinceles, a los bastidores, a las telas, a los colores y las corridas de toros acabaron en pinturas en mis cuadros”. José Reyes Meza.

Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et al. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 582

$300,000.00-$400,000.00 M.N. 166

128

RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - Ciudad de México, 2019) Mujer en rojo

Firmado y fechado 79 Acrílico sobre tela 150.5 x 126 cm Con certificado de autenticidad de Promoción de Arte Mexicano, enero del 2001. Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2021. Con etiqueta de Galería de Arte Misrachi al reverso. El arte siempre recorrió las venas de Rafael Coronel ya que su abuelo fue decorador de iglesias, su hermano fue el pintor Pedro Coronel y su esposa fue Ruth Rivera, hija de Diego Rivera, con quien trabajó en su taller durante 20 años. No obstante, a pesar de su herencia artística, complementó sus estudios en la Escuela Nacional de Arquitectura y en La Esmeralda, donde entabló amistad con Francisco Corzas y Carlos Mérida, por medio de quien conoció a Inés Amor, directora de la Galería de Arte Mexicano, lugar donde realizó su primera exposición individual. Durante los siguientes años, su trabajo se dividió en dos etapas: la figurativa y la abstracta, ambas fueron bien aceptadas por la crítica y los coleccionistas a nivel internacional; el crítico de arte Agustín Arteaga se expresó sobre la obra Rafael Coronel como si fuese un reflejo del alma y al respecto mencionó: “En la obra de Coronel encontramos, de manera regular, la intención de descubrir el interior de sus personajes […] la figura humana transcurre por procesos varios de deconstrucción, para llegar a la descontextualización”. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.rafaelcoronel.com

$700,000.00-$900,000.00 M.N. 167

129

RODOLFO MORALES

(Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 - Oaxaca, 2001) Sin título, ca. 1975

Firmado Óleo sobre tela 130 x 100 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano. Presenta craqueladuras. Conocido en el medio del arte como “El señor de los sueños”, Rodolfo Morales fue uno de los más importantes pintores del arte mexicano de la segunda mitad del siglo XX. Siempre entregado al pueblo y a la cultura mexicana, Morales poseía una inigualable cualidad para la docencia. Cuando concluyó sus estudios de pintura, se dedicó a impartir clases de dibujo, actividad que ejerció durante más de 32 años. Durante mucho tiempo trabajó su obra en las sombras, hasta que conoció al maestro Rufino Tamayo, quien lo introdujo al medio artístico, ayudándolo a promover su obra con constancia y convicción haciendo frente al mercado de coleccionistas. Por casi 10 años expuso en las galerías más importantes de México. Las ganancias que obtenía por las ventas de sus obras fueron invertidas a favor de su pueblo, creando en 1992 la Fundación Cultural Rodolfo Morales, la cual realizó la restauración de diversos inmuebles de Oaxaca, como el ex convento de Santo Domingo de Guzmán, casas del siglo XVIII en el Centro Histórico de Oaxaca y templos de San Jacinto Ocotlán, entre otros. Con el tiempo, desarrolló una amplia obra altruista social, cultural y ecológica. Actualmente, es considerado el alma de la Escuela de Oaxaca junto con Rufino Tamayo y Francisco Toledo. Fue un maestro de la pintura surrealista que dedicó su vida a crear un lenguaje artístico basado en sus vivencias y estudios, plasmando en cada obra elementos mágicos provenientes de su pueblo natal. “La magia de Morales consiste en atraernos a sus pinturas con la belleza de sus formas y colores, pero sólo para atrapar nuestra mirada, acaparar nuestra atención y transmitirnos un estado de ánimo muchas veces contrario a la fácil alegría que uno podría sospechar a primera vista. Los colores de Morales son fuertes, contundentes y alegres, pero basta ver la mirada de sus personajes, las sombras de sus casas y los espíritus que merodean en sus cielos y en sus subsuelos para advertir que el mundo del pintor tiene una gran dosis de desamparo Los miedos, los recuerdos y la nostalgia están siempre presentes en el universo de su pequeño pueblo”. Andrés Oppenheimer.

Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 378, “Rodolfo Morales. El señor de los sueños cumplidos”. México. El Proceso, 16 de diciembre de 2000 y sitio de La Fundación Cultural Rodolfo Morales www.fcrom.org.mx

$2,800,000.00-$4,000,000.00 M.N. 168

169

130

JOSÉ REYES MEZA

(Tampico, Tamaulipas, 1924 - Ciudad de México, 2011) Bodegón taurino

Firmado y fechado 2000 Óleo sobre tela 110 x 120 cm Agradecemos a Fernanda Reyes, hija del Maestro José Reyes Meza por la verificación de autenticidad de esta obra, enero del 2021. A pesar de haber sido un apasionado de los toros, José Reyes Meza se inclinó por el arte, profesión que ejerció con gran dedicación. Estudió en el Instituto Nacional de Antropología e Historia, en la Academia de San Carlos y posteriormente por su interés en la cultura mexicana tomó cursos en la Escuela Nacional de Antropología e Historia. En su pintura de caballete exaltó soltura en la pincelada y maestría en la calidad del dibujo, reflejando así una tendencia realista, en la que abundan bodegones, retratos y escenas costumbristas, de las cuales tiene como subtema la tauromaquia. De este último tema, la influencia inició con el legendario torero “Chato” Guerra, quien era amigo de su padre, además en sus andanzas se mantuvo cerca del pintor Antonio Navarrete, por lo que por un momento se le ocurrió ser torero, profesión que no ejerció para dedicarse a la pintura. Durante sus múltiples facetas fue un promotor cultural incansable, ejerciendo en el medio teatral, realizando durante 25 años escenografías para el INBA, la UNAM, el Instituto Mexicano del Seguro Social y algunos teatros de la ciudad; también fue miembro de la segunda generación de la llamada Escuela Mexicana de Pintura y miembro fundador del Salón de la Plástica Mexicana. En 2008, se fundó en la ciudad de Nuevo Laredo un museo con su nombre. Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et al. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 582 y ROMERO - LECANDA, Héctor. “¿Quién es José Reyes Meza?”, 3 de mayo del 2009.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. 170

131

ALFREDO ZALCE

(Pátzcuaro, Michoacán, 1908 - Morelia, Michoacán, 2003) La niña del barquillo

Firmado y fechado 1980 al frente. Fechado 1980 al reverso Acrílico sobre tela sobre masonite 92 x 61 cm Con certificado de autenticidad del artista, junio de 1981. Procedencia: adquirido directamente al artista. Publicado en: Alfredo Zalce. Exposición retrospectiva 1930-1980. Tributo a 50 años de su labor artística. Catálogo de exposición. México. Instituto Nacional de Bellas Artes, 1981, catalogado 71. Exhibido en: “Alfredo Zalce. Exposición retrospectiva 1930-1980. Tributo a 50 años de su labor artística”, muestra individual presentada en el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México, de marzo a mayo de 1981. “Zalce es un notable dibujante y pintor, que ya a fines de los veinte como alumno de la Escuela de Bellas Artes en México sobresalía por su gran talento y causaba admiración entre sus maestros y condiscípulos. Su dibujo libre y limpio describe un bello arco que va de Ingres a Picasso. Su realismo tiene una dimensión de silenciosa poesía […] En los retratos capta una con una notable intuición psicológica el modo de ser de personas del pueblo, que encontró durante sus viajes por el territorio nacional en muchas regiones del país”. Fernando Gamboa. Fuente consultada: Alfredo Zalce. Exposición retrospectiva 1930-1980. Tributo a 50 años de su labor artística. Catálogo de exposición. México. Instituto Nacional de Bellas Artes, 1981, Pág. 2-3.

$280,000.00-$400,000.00 M.N. 171

132

DR. LAKRA

(Ciudad de México, 1972 - ) Sin título, jueves de Excélsior, 2007

Firmada Tinta y acrílico sobre papel periódico vintage 41 x 26 cm Con certificados de autenticidad de Kurimanzutto, uno firmado por el artista y otro con sello de la galería. Jerónimo López Ramírez, alias Dr. Lakra, es un artista visual que es conocido por el estilo único en los objetos, litografías y revistas antiguas que interviene mediante dibujo, acrílico, acuarela o tinta. Su búsqueda de objetos e imágenes es una suerte de investigación de archivo y coleccionismo, una especie de cadáver exquisito gráfico, con una iconografía que transita entre las revistas de moda, carteles de cine con la de la cultura contemporánea de la urbe, de lo grotesco con lo sexual, de personajes religiosos tatuados al estilo talavera poblana con símbolos de pandillas o personalidades de la época de oro del cine, con la piel repleta de atributos pertenecientes a tribus ancestrales o prehispánicas, yuxtapone además elementos de la cultura popular mexicana como el boxeo y personajes de la música, con otros artísticos como los grabados de José Guadalupe Posada o vedettes quimeras. Con una extensa trayectoria Dr. Lakra ha generado un gran interés en el mercado del arte contemporáneo en México y el mundo. Ha expuesto en el Museo Amparo en Puebla, en el MARCO de Monterrey, en el Museo de los Pintores MUPO en Oaxaca, en el Museo de Arte Carrillo Gil, en el Museo Universitario del Chopo y forma parte de los artistas de la galería Kurimanzutto. En el extranjero ha participado en exhibiciones en The Museum of Contemporary Art en San Diego, en el Museum of Modern Art MoMA, en Nueva York, en Brandts - Museum of Art and Visual Culture y en el Museum of Modern Art Copenhague ambos en Dinamarca, así como en Yokohama Museum en Japón, por mencionar algunos. $200,000.00-$300,000.00 M.N. 172

133

ABEL QUEZADA

(Monterrey, Nuevo León, 1920 - Cuernavaca, Morelos, 1991) Homenaje a Fred Astaire también conocido como Ginger y Fred

Firmado A.Q. y fechado Jun 1987 al frente. Fechado 1987 al reverso Óleo sobre tela 75.5 x 51 cm Con certificado de autenticidad de Abel Luis Miguel Quezada, julio del 2020. Publicado en: BATTAGLINI, Peppi et al. Abel Quezada. El cazador de musas. México-Italia. Editorial Joaquín Mortiz, 1989, Pág. 87. Exhibido en: “Abel Quezada”, muestra individual presentada en la Galerie Nesle en París en 1990, en Galerie Nesle, París, junio del 2020 y en el Museo de la Ciudad de México en el 2010. Con etiqueta de André Chenue & Fils. Abel Quezada fue un destacado pintor, ilustrador y caricaturista mexicano cuya obra ha contenido cierta crítica social, política y cultural de finales del siglo XX. Llegando a la Ciudad de México, comenzó su trayectoria realizando sus primeros cómics en la revista “Chamaco Chico”, posteriormente publicó varios libros de cuentos autobiográficos y colaboró para el diario “Ovaciones” y publicó a Los Tarzanes y Los Mariachis en la revista “Pinocho”. Después de ejercer una aclamada carrera como dibujante de historietas, cartones e ilustraciones por casi cincuenta años, se dedicó de lleno a la pintura, mostrando su talento como narrador y observador de la vida sociopolítica en el México moderno. Se autoproclamaba “pintor vergonzante”, pues durante muchos años solo su familia y unos cuantos amigos habían sido testigos de su producción pictórica. Elaboró un conjunto importante de óleos, de mediano y gran formato, enfocándose en dos géneros: el paisaje y el retrato. Fue autodidacta; sus pinturas operaban una fusión entre sus diseños tempranos y un buen uso del color.

Fuentes consultadas: MARTÍNEZ JUÁREZ, Sagrario Ileana. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 556, texto curatorial de ‘Abel Quezada. Digno Pintor’, muestra individual presentada en el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México, de abril a julio del 2018 y sitio oficial del artista www.abelquezada.mx

$700,000.00-$900,000.00 M.N. 173

134

RICARDO MARTÍNEZ

(Ciudad de México, 1918 - Ciudad de México, 2009) Mujer con fruta

Firmado y fechado 65 Óleo sobre tela 150 x 95 cm Esta obra será registrada en el catálogo razonado del Dr. Mark Ruben con núm. RM-65019. Agradecemos a la Fundación Ricardo Martínez de Hoyos A.C. por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2021. Publicado en: BONIFAZ NUÑO, Rubén. Ricardo Martínez. México, Fondo Editorial Panorama, 1994, Catalogado 79. Con etiqueta de la Galería López Quiroga. Ricardo Martínez es considerado como uno de los exponentes más sólidos de la riqueza cultural mexicana. Fue un artista que logró articular en su obra una maestría técnica y una profunda imaginería plástica, que ha sido ampliamente reconocida por el gremio a nivel internacional. Su formación artística no fue producto de estudios académicos, ya que era renuente a cumplir con los sistemas institucionales, así que optó por ser autodidacta y abrevar en la obra de los grandes artistas ya consagrados. A pesar de haber viajado a Europa y estudiado la obra de los viejos y modernos maestros, Ricardo Martínez nunca se sustrajo de la influencia de la llamada Escuela Mexicana de Pintura, realizando cuadros con narrativas nacionales. Además de la pintura de caballete, creó diseños para escenarios para ballet e ilustró libros de Alfonso Reyes y Juan Rulfo. Dentro de la modernidad de su pintura, siempre siguió siendo un clásico, un artista protagonista de su tiempo que comunicó un lenguaje universal. “Ricardo Martínez fue un artista reconocido a nivel nacional e internacional; un pintor cultísimo y de un temperamento reservado como pocos. El silencio fue para él una forma de ser y de vivir, pero también una metodología creativa; de ahí que fuera, asimismo, una magnitud presente en su imaginario, uno que expandió su poder de seducción por la vía ardua de la reiteración y el énfasis. Sus cuadros cierran el espectáculo de producción de identidad que fue el arte moderno mexicano, y su enunciación mitologizante se encuentra, cara a cara y cuerpo a cuerpo, con la potencia desmedida de la prestidigitación perceptualista”. Erik Castillo. Fuentes consultadas: -BONIFAZ NUÑO, Rubén. Ricardo Martínez. México, Fondo Editorial Panorama, 1994, pp. 5 y 35 -LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus artistas. Tomo I. México. Promoción de Arte Mexicano, 2000, pp. 254-255 -CASTILLO, Erik et al. Ricardo Martínez. México. Editorial RM, Museo de la Ciudad de México, 2012, Pág. 79.

$2,500,000.00-$3,500,000.00 M.N. 174

175

135

MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990) Superman envejecido, ca. 1956

Sin firma Escultura en madera 63 x 42.5 x 42 cm Con copia de carta de agradecimiento por el préstamo de obra al Fomento Cultural Banamex, septiembre del 2015. Con copia de ficha informativa de préstamo para exposición, Fomento Cultural Banamex y Museo Amparo. Exhibida en: "Los Ecos de Mathias Goeritz", muestra individual presentada en el Antiguo Colegio de San Ildefonso en la Ciudad de México, de diciembre de 1997 a abril de 1998; y en "El retorno de la serpiente. Mathias Goeritz y la invención de la arquitectura emocional", muestra individual presentada en el Palacio de Cultura Banamex - Palacio de Iturbide en la Ciudad de México, de mayo a septiembre del 2015 y en el Museo Amparo en Puebla, de octubre del 2015 a febrero del 2016. Publicada en: -Los ecos de Mathias Goeritz. Catálogo de la exposición. México. Antiguo Colegio de San Ildefonso - Instituto de Investigaciones Estéticas, 1997, Pág. 85, catalogada 106. -REYES PALMA, Francisco. El retorno de la serpiente: Mathias Goeritz y la invención de la arquitectura emocional. España. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. 2014, Pág. 203. -REYES PALMA, Francisco. El retorno de la serpiente: Mathias Goeritz y la invención de la arquitectura emocional. España. Fomento Cultural Banamex. 2015, Pág. 79. A partir de 1941, con la Segunda Guerra Mundial como trasfondo y recién doctorado en Historia del arte, Mathias Goeritz trabajó como profesor de alemán y organización de exposiciones en el Lektorat der Deutschen Academie de Tetuán, capital del protectorado español de Marruecos. Tras su cierre en 1944, Goeritz se estableció en el sur de España, donde cada vez concedió más peso a la actividad pictórica. Para hacer operativa su producción artística, asimiló el lenguaje de otros artistas afectados por el nacionalsocialismo, como Hans Arp y Paul Klee, además influirse fuertemente por Joan Miró y sus líneas automáticas y Ángel Ferrant con sus esculturas articuladas y móviles En su plan de refundar el arte de vanguardia a partir de un origen mítico, Goeritz estableció en 1948 un agrupamiento artístico: la Escuela de Altamira. Intento de alcanzar al hombre niño desde una pureza ancestral, a contrapelo con su experiencia de guerra. El arte de los "nuevos prehistóricos", como se autonombraban los seguidores de la Escuela de Altamira, atrajo atención internacional, en especial el modo expresivo de Joan Miró, cuyas formas sintéticas y espontáneas fueron asimiladas por Mathias Goeritz y difundidas como una estética de libertad. A partir de este periodo, valoró la pintura rupestre y destacó la importancia de la expresión infantil, de la que hacía uso en su obra. Llegó incluso a trasladar un dibujo de su hijo pequeño a su propio estilo. No obstante, el espacio lúdico de su producción se halla también en la combinación de materiales y de formas elementales con un sentido del humor que se extiende a sus escrituras, algunas de las cuales podían ser transformadas por el espectador en actitud de juego. Fuentes consultadas: RODRÍGUEZ PRAMPOLINI, Ida et al. Los ecos de Mathias Goeritz. Catálogo de la exposición. México. Colegio de San Ildefonso, INBA, UNAM, 1997, Pág. 143 y sitio oficial de Fomento Cultural Banamex www.fomentoculturalbanamex.org

$2,200,000.00-$3,500,000.00 M.N. 176

177

136

TOSIA MALAMUD

(Vínnytsia, Ucrania 1923 - Ciudad de México 2008) Homenaje a Matisse

Firmada y fechada 1996 Escultura en bronce 1 / 5 en base de madera 37 x 50 x 21 cm medidas totales con base $150,000.00-$250,000.00 M.N. 178

137

FERNANDO BOTERO

(Medellín, Colombia, 1932 - ) Madame Cezanne el domingo

Firmado y fechado 63 Lápiz de grafito sobre papel 42 x 31 cm Con certificado de autenticidad del artista Procedencia: adquirido directamente al artista. Presenta detalles de conservación. Es el artista colombiano más importante, internacionalmente conocido por su obra pictórica y escultura en bronce, resina o mármol de figuras con proporciones anatómicas desbordantes, donde representa a personajes, paisajes, escenas costumbristas, taurinas y algunos bodegones. “Afirma Fernando Botero que la razón secreta que explica los volúmenes monstruosos de su pintura es que así se crean campos de color. Pero también reconoce que quizá solo se trate de obsesiones y que sabe que morirá con ellas”. Fuente consultada: ANTOLIN, Enriqueta. “Fernando Botero dice que pinta gordos para crear campos de color”. Madrid. El País, sección Cultura, octubre de 1992.

$280,000.00-$400,000.00 M.N. 179

138

CARLOS MÉRIDA

(Quetzaltenango, Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) Boceto para Tres reyes mayas

Firmado Lápiz de grafito y lápiz de color sobre papel albanene 81 x 60 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, agosto del 2020. Al tratarse de un boceto presenta detalles de conservación normales por el uso. “En el alma de Carlos Mérida habitaba un músico en potencia [lo cual explica] el profundo sentido de ritmo que habita su obra y que se refleja en el manejo y equilibrio de las formas, en las correspondencias de las líneas, su cadencia, su movimiento”. Eduardo Espinosa Campos. $180,000.00-$250,000.00 M.N. 180

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TOSIA MALAMUD

(Vínnytsia, Ucrania 1923 - Ciudad de México 2008) Penélope

Firmada y fechada 1974 Escultura en bronce, pieza única en base de madera 36.8 x 47 x 36 cm medidas totales con base Una versión monumental de esta obra se encuentra en Jardín Alameda de Tacubaya ubicado en la avenida Paseo de la Reforma en la Ciudad de México. Llegó a México en su infancia acompañada de su familia, en su juventud conoció a personalidades del medio artístico y acudió a la Academia de San Carlos con maestros como Ignacio Asúnsolo, Francisco Goitia y Luis Ortiz Monasterio, es considerada la artista más importante en el género escultórico. Trabajó con distintos materiales como barro, arcilla, piedra, madera y acrílico, inspirada en las esculturas del México prehispánico, la música y el ballet. Tuvo distintas etapas creativas y temáticas, en ellas realizó autorretratos y retratos, bailarines y momentos musicales, máscaras o personajes fantásticos, numerosas piezas acerca de la maternidad y la familia que se encuentran exhibidas en espacios públicos, la figura y sensibilidad femenina pueden definirse como parte de su iconografía. Su obra forma parte de la colección del Instituto Nacional de Bellas Artes, del Instituto Mexicano del Seguro Social, Museo Casa León Trotsky, Museo de Arte Moderno, Museo Nacional del Virreinato, Museo Universitario de Arte Contemporáneo en México. En colecciones en el extranjero su obra se encuentra en el Museo Betzalel en Jerusalén, Museo Contemporáneo de Pintura Hispano-Americano en Zaragoza, España, Museo de Toronto y la Universidad de Tel Aviv.

Fuente consultada: NUDELSTEJER, Sergio y FABELA FIERRO, María Teresa. Tosia Malamud. La materia tras la forma. México. CONACULTA. 2007, pp. 11-14 y 206-201.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. 181

140

JESÚS REYES FERREIRA “CHUCHO REYES” (Guadalajara, Jalisco, 1880 - Ciudad de México, 1977) Sin título

Firmada con monograma Anilina y pigmento dorado sobre papel de china 74 x 47 cm Publicada en: KASSNER, Lily et al. Chucho Reyes. El pintor. México. Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 2015, Pág. 147. Presenta detalles de conservación a causa de la técnica empleada. “Dándose cuenta que los papeles de china que pintaba para envolver los pequeños regalos que obsequiaba a sus amistades eran a veces más admirados que el propio regalo, empezó a pintarlos para que fueran el obsequio en sí mismo. Ramos de flores, frutas, gallos con cresta y colas doradas, ángeles y arcángeles, caballos y pescados fueron saliendo de su taller en números interminables...”. Inés Amor. Fuente consultada: MANRIQUE, Jorge Alberto y DEL CONDE, Teresa. Una mujer en el arte mexicano. Memorias de Inés Amor. México. Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM, 2005, Pág. 104.

$65,000.00-$80,000.00 M.N. 182

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CARLOS MÉRIDA

(Quetzaltenango, Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) Boceto

Firmado Lápiz de grafito y lápiz de color sobre papel albanene 76 x 56 cm Con constancia de opinión de la Galería de Arte Mexicano, diciembre del 2020. Al tratarse de un boceto presenta detalles de conservación normales por el uso. “En el alma de Carlos Mérida habitaba un músico en potencia [lo cual explica] el profundo sentido de ritmo que habita su obra y que se refleja en el manejo y equilibrio de las formas, en las correspondencias de las líneas, su cadencia, su movimiento”. Eduardo Espinosa Campos. $180,000.00-$250,000.00 M.N. 183

142

MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990) Bailarín, 1951

Firmada en la base Escultura en madera en base de madera 78.5 x 51 x 31.7 cm Piezas: 3, la escultura se compone de partes móviles. Con copia carta de agradecimiento por el préstamo de obra al Fomento Cultural Banamex, septiembre del 2015. Exhibida en: "Los Ecos de Mathias Goeritz", muestra individual presentada en el Antiguo Colegio de San Ildefonso en la Ciudad de México, de diciembre de 1997 a abril de 1998; y en "El retorno de la serpiente. Mathias Goeritz y la invención de la arquitectura emocional", muestra individual presentada en el Palacio de Cultura Banamex - Palacio de Iturbide en la Ciudad de México, de mayo a septiembre del 2015 y en el Museo Amparo en Puebla, de octubre del 2015 a febrero del 2016. Publicada en: - Los ecos de Mathias Goeritz. Catálogo de la exposición. México. Antiguo Colegio de San Ildefonso - Instituto de Investigaciones Estéticas, 1997, Pág. 84, catalogada 85 - REYES PALMA, Francisco. El retorno de la serpiente: Mathias Goeritz y la invención de la arquitectura emocional. España. Fomento Cultural Banamex. 2015, Pág. 83. Mathias Goeritz llegó a México en 1949 y se instaló en la ciudad de Guadalajara. Ahí fundó cuatro galerías de arte. En una de ellas, la galería Arquitac, expuso obras de Henry Moore, Paul Klee y Rufino Tamayo entre otros, en una muestra llamada "ARTE SIN FRONTERAS", que obtuvo resonancia internacional. El público jalisciense tuvo acceso a obras de artistas europeos que nunca habían sido expuestas en México. Aparte, impartió cursos y realizó algunas ediciones artísticas, dando a las personas un acercamiento al arte que no habían vivido. Considerado en el ámbito artístico mundial como un excepcional artista de nuestro tiempo; escultor, pintor, arquitecto, diseñador gráfico e industrial, creador de minimal art es además, innovador y gran maestro del diseño, digno sucesor de los maestros de la Bauhaus, ya que su aportación en el campo de la enseñanza de la arquitectura ha sido esencial, y gracias a él se mejoró el plan de estudios de la carrera de arquitectura en las universidades del país. En un manifiesto propuesto por Goeritz en París a principios de la década de 1960, llamaba "l'art merde" a: "El truco, a la moda del momento, al erotismo fastidioso e imponente, a la propaganda escandalosa del surrealismo materialista, al egocentrismo consciente o subconsciente, al expresionismo gratuito, a la broma dizque profunda, a la lógica y al esprit sofisticado, al funcionalismo vulgar, a la pretensión del racionalismo, a la autodestrucción mecánica o individual, al cálculo decorativo, a la glorificación del yo, a la crueldad, la vanidad y la ambición, la violencia, el bluff y la merde misma". Pero no sólo atacaba, también proponía el "art-priere": "Es la pirámide, la catedral, el ideal, el amor místico y humano, la abundancia del corazón, la imagen de la nada y del todo, la lucha en contra del ego y en pro de Dios, la rebelión del Dadá contra la incredulidad, el sol nunca alcanzado, la crucifixión de la vanidad y de la ambición, la ley interior de la fe, la forma y el color como expresión de la adoración, el monócromo metafísico, la experiencia emocional, la línea modesta que crea el mundo de la fantasía espiritual, la absurda belleza del canto gregoriano, el servicio y la entrega absoluta, el arte, la oración". Fuentes consultadas: KASSNER, Lily. Mathias Goeritz. Una biografía 1915 - 1990. México. UNAM, CONACULTA, 2007, pp. 84, 103, 192 y 193 y ZÚÑIGA, Olivia. Mathias Goeritz. México. Intercontinental, 1963, pp. 24-26.

$2,600,000.00-$4,000,000.00 M.N. 184

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COLECCIÓN ARTE OBJETO La casa platera TANE tiene más de 70 años de vida y fue fundada en nuestro país, por europeos expatriados. México es uno de los mayores productores de plata en el mundo, privilegio que ha favorecido al oficio del orfebre, quienes gradualmente se unieron a TANE para crear en un inicio, piezas de estilo híbrido moderno, de influencia maya y mexica, así como de clásicos europeos. Desde 1974 por iniciativa de Pedro Leites, hijo de los fundadores de la marca, artistas y arquitectos han elaborado piezas escultóricas en plata. La Colección Arte Objeto de TANE es la más relevante muestra de obras realizadas en plata por artistas emblemáticos de México y Latinoamérica, con cerca de 60 piezas diseñadas por artistas como Francisco Toledo, Leonora Carrington, Luis Barragán, Mathias Goeritz, Pedro Coronel, Mary Stuart y Juan Soriano, entre otros. Los artistas trabajan en estrecha colaboración con los orfebres, quienes logran superar con destreza las dificultades técnicas que cada pieza artística representa. Morton Subastas se complace en presentar una delicada selección de diez piezas de artistas latinoamericanos, modernos y contemporáneos de renombre. Fuentes consultadas: GUTIÉRREZ, Vicente. "Tane presenta Arte Objeto .925". México. El Economista, Sección Arte e Ideas, 11 de octubre del 2015, MARTÍNEZ, Paloma. "Felguérez se suma a la Colección Arte Objeto de TANE". México, Conexión 360, 17 de agosto del 2016 y sitio oficial de TANE www.tane.mx

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Vista 1

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PEDRO CERVANTES

(Ciudad de México, 1933 - Ciudad de México, 2020) Columna móvil

Firmada Escultura en plata Sterling .925 de la firma TANE 14 / 24 en base de madera laqueada 47 x 12 x 12 cm medidas totales con base Existe una versión de esta obra en mayor formato publicada en: BOELSTERLY URRUTIA, Regina. Pedro Cervantes. Camino escultórico. México. Museo Federico Silva Escultura Contemporánea, 2006, Pág. 36, y una versión en bronce fundida en 1990 en: QUIRARTE, Vicente et al. Cuerpo en el espacio: Las vidas de Pedro Cervantes. México. Frontespizio, 2010, Pág. 135. Con sello de TANE ME-32 e iniciales del platero Félix Landero (FLM). Cuando Pedro Cervantes quiso eternizar el cuerpo femenino lo estudió por completo y lo ha ejecutado mediante la escultura con gran elegancia y delicadeza desde entonces. Son obras realizadas de manera precisa, concebidas en parte de forma autobiográfica, pues en ellas se encuentran influencias de sus propias experiencias, como por ejemplo sus antiguos paseos por el patio de la Academia de San Carlos donde yacía una reproducción a escala de la Victoria de Samotracia, sus visitas por el Museo de Antropología y la admiración hacia la Coatlicue, así como sus primeros estudios dibujanticos sobre bailarinas en la Academia de la Danza, donde conoció al entonces director Santos Balmori. El captar el movimiento de las bailarinas equivalió a un gran aprendizaje en su educación visual, aquellos bocetos fueron elogiados por el propio Balmori y al convertirse en esculturas, fueron aclamadas por la crítica con la obra de Henry Moore. Fuente consultada: QUIRARTE, Vicente et al. El cuerpo en el espacio: Las vidas de Pedro Cervantes. México. Frontespizio, 2010, pp. 69-117.

$220,000.00-$300,000.00 M.N. 187

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EDGAR NEGRET

(Popayán, Colombia, 1920 - Bogotá, Colombia, 2012) Acoplamiento, 1976

Firmada Escultura en plata Sterling .925 de la firma TANE 5 / 11 23.5 x 19 x 14 cm Esta pieza con otro número de tiraje se encuentra publicada en: sitio oficial de TANE www.tane.mx Con sello de TANE ME-32 Es reconocido como uno de los escultores colombianos más importantes a nivel internacional. A lo largo de su trayectoria fue acreedor a diversos premios, entre los que destacan: el primer lugar en el XV Salón Nacional de Artistas Colombianos, el Gran Premio de Escultura en la XXXIV Bienal de Venecia y la medalla de plata de la VIII Bienal de São Paulo. En 1984 se fundó la Galería Casa Negret en Bogotá y en 1985 la Casa Museo Negret en su natal Popayán, Colombia. Fuente consultada: BUENAVENTURA, Julia. “Edgar Negret”. Bogotá. ARCADIA, obituario, noviembre del 2012.

$300,000.00-$400,000.00 M.N. 188

Vista 1

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MANUEL FELGUÉREZ

(Valparaíso, Zacatecas, 1928 - Ciudad de México, 2020) Mirada suspendida

Firmada y fechada 16 Escultura en plata Sterling .925 de la firma TANE 8 / 24 en base de madera 50 x 13 x 12 cm Agradecemos a Mercedes Oteyza, viuda del artista por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2021. Con sello de TANE ME-32. La producción de Manuel Felguérez ha oscilado entre el constructivismo y la abstracción, experimentando con la geometría o haciendo detonar las formas. Ha usado tanto los metales más rígidos como las materias más crudas y, ha explorado, el uso de computadoras para generar variantes visuales. Durante toda su carrera ha buscado nuevas maneras de expresión, siempre renovando su lenguaje artístico pero nunca dejando de lado ciertos parámetros de la generación que lo vio nacer como artista: La Ruptura. Fuente consultada: MONCADA, Gerardo. “Manuel Felguérez: El monstruo creativo”. Otro Ángulo, 12 de diciembre del 2018.

$140,000.00-$250,000.00 M.N. 189

Vista 1

146

FRANCISCO CORZAS

(Ciudad de México, 1936 - Ciudad de México, 1983) Centurión

Firmada y fechada 82 Escultura en plata Sterling .925 de la firma TANE 10 / 24 29 x 36 x 16 cm Con sello de TANE ME-32 e iniciales del platero Félix Landero (FLM). Vista 2

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$160,000.00-$260,000.00 M.N.

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GUNTHER GERZSO

(Ciudad de México, 1915 - Ciudad de México, 2000) Tonantzin

Firmada Escultura en plata Sterling .925 de la firma TANE 19 / 38 en base de madera 51 x 11 x 13 cm Con sello de TANE ME-32 e iniciales del platero Félix Landero (FLM). Gunther Gerzso nació en el seno de una familia multicultural, hijo de un inmigrante húngaro y una cantante y pianista berlinesa. A pesar de haber sido educado en Europa, su formación artística se estructuró a su llegada a México, donde inició haciendo escenarios para obras de teatro; no obstante, su mayor producción de estos diseños se desarrolló en 1935 cuando obtuvo una beca para estudiar en Cleveland Playhouse. Para la década de los 40, a su regreso a México, participó en diversas actividades cinematográficas, trabajando con Luis Buñuel, John Ford e Yves Allegret, entre otros. Estas actividades fueron objeto de un homenaje póstumo en el año 2000 al entregarle el Ariel por su aportación al cine mexicano. La pintura y la escultura fueron para él un amor secreto, trabajos que realizó inspirados en el surrealismo y objetos geométricos. En 1950, Inés Amor le organizó su primera exposición en la Galería de Arte Mexicano, lugar donde expuso periódicamente con gran éxito; fue la época en la que decidió dedicarse por completo a la pintura. En 1970, el Museo de Phoenix, Arizona, le dedicó una exposición retrospectiva y en 1973 recibió la Beca Guggenheim. Posteriormente, su trabajo fue expuesto, además de en galerías mexicanas, en destacadas instituciones de Nueva York y París. Fuente consultada: “Inmigración y diversidad cultural. Los mexicanos que nos dio el mundo”. México. Nación Multicultural UNAM, 2001.

$280,000.00-$400,000.00 M.N. 191

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GUSTAVO PÉREZ

(Ciudad de México, 1950 - ) Vasija

Firmada Escultura en plata Sterling .925 de la firma TANE 11 / 28 16.5 x 19.5 x 16.5 cm Con sello de TANE ME-32 e iniciales del platero Félix Landero (FLM). “Gustavo Pérez es un creador asombrosamente culto. Conoce a la perfección la historia del arte, en especial la de la cerámica y se interesa por estudiar sus tendencias de los últimos tiempos. Esos conocimientos lo han alejado de las formas triviales. Su obra se mantiene en permanente movimiento, da pasos en determinados sentidos, experimenta y cuando logra una pieza que de verdad le interesa comienza a jugar con ella, a elaborar distintas ramificaciones. Cada período es para él un fin y un principio. Vuelve al pasado para avanzar, pero la vuelta no implica un retroceso, sino una señal de la unidad en su creación. Cada nueva horneada es una renovación, una cauda de hallazgos, otro inicio”. Sergio Pitol. $200,000.00-$300,000.00 M.N. 192

Vista 1

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YVONNE DOMENGE

(Ciudad de México, 1946 - Ciudad de México, 2019) Concha marina II

Firmada y fechada 09 Escultura en plata Sterling .925 de la firma TANE 4 / 24 10.5 x 31 x 22 cm Con sello de TANE ME-32. Estudió artes plásticas en la Outremont School en Montreal y en la Corcoran School of Art en Washington DC. Fue miembro de la Comisión Consultiva en Escultura de CONACULTA, de la Comisión de Artes y Letras de París y del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Participó en más de 50 exposiciones individuales y 165 colectivas en México, Estados Unidos, Canadá y en algunos países de Asia y Europa, incluyendo el Museo del Louvre, así como una retrospectiva de su trayectoria en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México. En 2011, se convirtió en la primera mujer en exhibir su obra en el Millennium Park, Chicago, conviviendo con obras de Anish Kapoor y Frank Gehry. Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.domenge.com

$120,000.00-$220,000.00 M.N. 193

150

PALOMA TORRES

(Ciudad de México, 1960 - ) Escultura mirando al cielo

Firmada Escultura en plata Sterling .925 de la firma TANE 4 / 24 41 x 8.7 x 9 cm Con sello de TANE ME-32 e iniciales del platero Félix Landero (FLM). Realizó sus estudios en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, y posteriormente su maestría en la Academia de San Carlos. La obra de Torres mantiene una estrecha relación entre el espacio y los materiales. A lo largo de su carrera ha probado con distintas superficies y materiales como cerámica, piedra, metal, e incluso textiles. Ha participado en exposiciones tanto individuales como colectivas en diversas instituciones de la República Mexicana como por ejemplo Museo Amparo de Puebla, Museo de Arte de Zapopan, en el Atrio de San Francisco en la Ciudad de México, el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, el Museo de Arte Moderno, Museo del Palacio de Bellas Artes y La Quiñonera. Su obra forma parte de colecciones como la del Museo de Arte Carrillo Gil, el Museo Universitario del Chopo, el Museo de Arte Moderno, el Museo de la Estampa, el Museo de Arte de Ponce en Puerto Rico, la Augustin der Galerie Nothburga Innrain, en Austria, el Museo de Young en San Francisco, California, y el Acervo de la Secretaría de Relaciones Exteriores. Fuentes consultadas: MEDEL, Cindy. “Paloma Torres, la artista mexicana que viaja por Tierras Ambulantes”. México. GAMA, sección Actualidad, Cultura, 26 de junio del 2017 y sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$220,000.00-$300,000.00 M.N. 194

151

BETSABEÉ ROMERO

(Ciudad de México, 1963 - ) A flor de piel (2018)

Firmada Escultura en plata Sterling de la firma TANE 1 / 24 en base de madera 7 x 44 x 34 cm medidas totales con base Esta pieza con otro número de tiraje se encuentra publicada en: sitio oficial de TANE www.tane.mx Con sello de TANE ME-32 e iniciales del platero Ernesto Montoya (EMM). La obra de Betsabeé Romero es una expresión de las tradiciones y elementos culturales de México y Latinoamérica en la que se mezclan el arte contemporáneo y las artes populares. Trata temas de importancia social como la migración, los roles de género, la religiosidad y el mestizaje, utilizando y modificando objetos cotidianos de consumo como neumáticos, chicles, tatuajes. Sus piezas son una reflexión acerca de las contradicciones de la vida urbana. A Flor de Piel es un homenaje al Volkswagen tipo 1, mejor conocido en México como “Vocho”, símbolo de la vida urbana, familiar e íntima de México durante varias décadas del siglo XX. Fuente consultada: sitio oficial de TANE www.tane.mx

$180,000.00-$280,000.00 M.N. 195

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SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Luna Luna

Firmada Escultura en plata Sterling de la firma TANE 25 / 28 30.7 x 20.1 x 6.5 cm Con sello de TANE ME-32 e iniciales del platero. Sergio Hernández creció viendo el trabajo de su padre, un carpintero y ebanista de profesión. A los 16 años decidió independizarse e ingresó a la Academia de San Carlos y posteriormente a La Esmeralda. Después de haber pasado un año en París conociendo las vanguardias europeas, regresó a vivir a Oaxaca, donde ha tomado un papel destacado dentro de la plástica y la cultura de esta región. A menudo en la obra de Sergio Hernández la imagen y la pincelada están en competencia, como si se tratara de una propuesta abstracta que no llega a serlo; por lo general, las formas reconocibles ganan la partida [...] Ante una obra de Sergio Hernández, uno se pregunta qué ve y qué es lo que quiere ver. Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa. Sergio Hernández. México. Turner, Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 26 y 323.

$100,000.00-$200,000.00 M.N. 196

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JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006) Proyecto para Monumento a un caballo, 1966

Sin firma Escultura en cerámica 76 x 23 x 15 cm Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2021. Publicada en: PITOL, Sergio. Juan Soriano. La creación como libertad. México. MARCO, CONACULTA, INBA, 2000, Pág. 146. Existen versiones de esta obra en bronce, la primera fundición data de 1966. Presenta restauración y detalles de conservación. Juan Soriano nació en la ciudad de Guadalajara donde vivió hasta su adolescencia, pero fue en la Ciudad de México donde inició el contacto con la esfera literaria, cultural y bohemia de la época, conociendo a Luis Barragán, María Izquierdo, José Chávez Morado, Olga Costa y Rufino Tamayo, por mencionar algunos. Ya habiendo madurado artísticamente se convirtió en un artista con una mutable actividad creadora, la cual le permitió ser docente, ceramista, escenógrafo, pintor, escultor, diseñador de vestuarios, ilustrador y un activo participante en exposiciones en México y el extranjero. Su producción escultórica está compuesta por temáticas varias, pero sobresalen las figuras zoomorfas, o como él las llama “zoológicas”, de las cuales destacan los caballos, toros, ranas, gatos y aves. Estas piezas ya sean pequeñas, medianas o monumentales han desarrollado una presencia visual pública importante y tangible dentro del paisaje artístico urbano mexicano, las cuales podemos apreciar tanto en la Ciudad de México como en diversos estados de la República. Entre los reconocimientos que le fueron otorgados destacan el Premio Constancia Especial al Mérito por parte del Presidente Manuel Ávila Camacho, el Premio Nacional de las Artes, la medalla del Oficial de la Cruz del Mérito otorgada por el Presidente de la República de Polonia y la Legión de Honor por parte del gobierno de Francia, además Juan Soriano fue el primer personaje no español en recibir el Premio Velázquez de las Artes Plásticas en el Museo del Prado. Fuentes consultadas: MORENO VILLAREAL, José Luis et al. Juan Soriano. Aves de paso. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. España. 2006, pp. 5-17 y MORENO VILLARREAL, José Luis et al. Juan Soriano. Los sueños Moldeados. México. Grupo Azabache, 2005, pp. 9-11.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. 197

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JESÚS REYES FERREIRA “CHUCHO REYES” (Guadalajara, Jalisco, 1880 - Ciudad de México, 1977) Sin título

Firmada dos veces Anilina sobre papel de china 72 x 47 cm Presenta detalles de conservación a causa de la técnica empleada. Chucho Reyes fue un pintor acostumbrado a preparar sus propias pinturas, mismas que empleaba sobre papel de china, un frágil material que utilizó con gran maestría. Sus primeros papeles pintados fueron con el fin de envolver las antigüedades que compraban sus clientes, hasta que cobraron cierto valor estético bajo la influencia de su pasión por el arte popular. A través de pliegos de papel importados pintaba temas de carácter festivo, destacando las figuras de caballos, flores, ángeles, cristos, calaveras, y gallos.

Fuentes consultadas: SAAVEDRA, Mario. “La magia estética de Chucho Reyes”. México. Revista Siempre, 21 de mayo de 2011 y sitio del Museo Claudio Jiménez Vizcarra www.museocjv.com

$65,000.00-$80,000.00 M.N. 198

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WALDEMAR SJÖLANDER

(Gotemburgo, Suecia, 1908 - Ciudad de México, 1988) Semilla de plátano

Sin firma Escultura en bronce con base de madera 75 x 102 x 88 cm Procedencia: adquirida directamente al artista. Exhibida en: “Färg / Color. El Racionalismo Espontáneo de Waldemar Sjölander”, muestra individual presentada en el Museo de Arte Carrillo Gil en la Ciudad de México, del 7 de junio al 10 de noviembre del 2019. Presenta detalles de conservación. Con una fuerte influencia previa de Edvard Munch, Pablo Picasso y Henri Matisse, la pintura y escultura de Waldemar Sjölander pasó de lo figurativo a la abstracción con una temática centrada en el ser humano. No obstante, interesado en conocer más sobre la cultura mexicana, viajó por algunos estados de la República Mexicana, entre ellos Oaxaca, Jalisco y Nayarit, en donde estudió detalladamente los colores, texturas y materiales. Los elementos plásticos que fue conociendo durante su acercamiento con el arte mexicano, eran muy distintos a los de su país de origen, por lo que en ocasiones diseñaba sus propios materiales. Fuente consultada: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et al. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 638.

$150,000.00-$200,000.00 M.N. 199

Anverso

Reverso

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FERNANDO PACHECO

(Ciudad de México, 1959 - ) Tótem XXI

Firmada Mixta sobre madera 207 x 75 x 22.5 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicada en: MATOS MOCTEZUMA, María Fernanda et al. Fernando Pacheco. Estructuras infinitas. México. Aldama Fine Art, 2017, pp. 40 y 41, catalogada 8. “Fernando Pacheco es un comunicador que a contracorriente de una sociedad que tiende a transformar la cultura en actividad lucrativa, ha sabido utilizar los recursos aprendidos en su paso por las aulas del diseño gráfico para transmitir de manera simbólica el mundo de las armonías y silencios del universo. Su creación artística se ha mantenido dentro de los parámetros del arte objetual para confirmar, una vez más, que cuando una obra logra conectar al espectador con la experiencia de sí mismo se mantiene viva dentro de la pluralidad que ofrece el ámbito de las expresiones contemporáneas. “Los objetos artísticos que produce no nacen del accidente o la improvisación. Por el contrario, tienen su origen en la reflexión y en las horas que pasa en su taller imaginando mundos de equilibrada complejidad. Sus obras no parecen obedecer a la expresión pasional de la emoción ni a la reducción geométrica de conceptos, más bien podría decirse que se adentran en un abstraccionismo lírico de inclinación filosófica donde el intelecto se sobrepone a la emotividad para analizar y dar salida a principios fundamentales”. Fernanda Matos Moctezuma. Fuente consultada: MATOS MOCTEZUMA, María Fernanda et al. Fernando Pacheco. Estructuras infinitas. México. Aldama Fine Art, 2017, Pág. 5.

$150,000.00-$180,000.00 M.N. 200

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MYRA LANDAU

(Bucarest, Rumania, 1926 - Países Bajos, 2018) Ritmo en T

Firmada y fechada 1971 Mixta sobre tela 100 x 145 cm Con etiqueta de Galería Pecanins. Presenta detalles de conservación. De origen rumano, naturalizada brasileña y mexicana, Myra Landau llegó a México en 1959. A partir de 1963 destacó como pintora dentro de la corriente del geometrismo mexicano. Ejecutó murales para la Universidad Veracruzana en los años setenta y se presentó en varias exposiciones individuales en la Galería Pecanins de la Ciudad de México entre 1967 y 1972. Participó en el XI Salón Esso de Artistas Jóvenes de América Latina celebrado en 1964 en el Museo de Arte Moderno de México y en el primer Salón Independiente de 1968. $150,000.00-$200,000.00 M.N. 201

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BEATRIZ ZAMORA

(Ciudad de México, 1935 - ) El negro #1693

Firmada y fechada al reverso 1998 Mixta sobre tela 120 x 100 cm Presenta ligeros detalles de conservación. Ha realizado más de 60 exposiciones individuales en México y en el extranjero entre las que destacan la presentada en Jaspers Gallery en Nueva York, en Hall D’entree de la cité en Montreal, en el Museo del Palacio de Bellas Artes, en la ENAP, en el Museo Metropolitano de Monterrey y en el Museo de la Ciudad de México. Su obra ha sido donada a distintas instancias artísticas y culturales como El Colegio de México, el Museo Universitario de Artes MUCA y la Universidad Pedagógica. Ha sido acreedora a diversos reconocimientos y distinciones, obtuvo la Medalla Legión de Honor de la Academia de Bellas Artes, es fundadora de la Academia de Bellas Artes, obtuvo el Premio Omnilife en 1999, recibió la beca Pollock-Krasner Foundation de Nueva York en E.E. .U.U., y es miembro del Salón de la Plástica Mexicana. “El Negro es un estado de libertad, de pureza...no tiene nada de feo, su misterio es mucho más bello que lo obvio”. Beatríz Zamora. Fuentes consultadas: RUBIO, Eduardo. Beatríz Zamora. Historia de una artista excepcional. México. Ediciones Castillo Pág. 85 y sitio oficial de la artista www.beatrizzamora.com

$95,000.00-$120,000.00 M.N. 202

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FRANCISCO TOLEDO

(Juchitán, Oaxaca, 1940 - Oaxaca, Oaxaca, 2019) Sin título

Firmada Gouache sobre papel 27 x 21 cm Publicado en: TOLEDO, Francisco et al. El sol, la luna y las estrellas. Leyendas de la creación. México. Editorial Novaro, 1981, Pág. 27. Esta obra es una de las ilustraciones que acompañan el cuento de “Cómo formó Dios el Tacaná y la humanidad”, originario de la región del Soconusco en el extremo sur de Chiapas. Relata que cuando Dios hizo la Tierra, también creó a los hombres para que la trabajaran y le adoraran. Se fue confiado en que su creación era perfecta, pero un día regresó y vio el mal estado en el que se encontraban los campos y cómo los humanos se enemistaban, nadie lo recordaba. Intentó hablarles pero no lo escucharon, hasta que subió a un volcán y desde ahí tuvo que hacerlo con fuego, piedras y terremotos. Los hombres buscaron refugio; los que se metieron al agua para refugiarse del fuego se convirtieron en peces, los que saltaron a las rocas en pájaros, los que subieron a los árboles en monos, y los que se pusieron en cuatro patas o arrastraron se transformaron en culebras y tlacuaches. Quienes se arrepintieron de corazón, sobrevivieron en la Tierra. Desde entonces, Dios se quedó en el volcán Tacaná, en donde vigila que nunca más vuelvan a caer. $95,000.00-$150,000.00 M.N. 203

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FERNANDO PACHECO

(Ciudad de México, 1959 - ) Fibo 32

Firmado y fechado 2013 al reverso Óleo y resina sobre madera 84 x 84 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: MATOS MOCTEZUMA María Fernanda et al. Fernando Pacheco. Estructuras infinitas. México. Aldama Fine Art, 2017, Pág. 29, catalogado 2. Licenciado en Diseño de la Comunicación Gráfica por la Universidad Autónoma Metropolitana, forma parte de los artistas de la galería Aldama Fine Art en la Ciudad de México, donde se realizó la exposición de la serie “Estructuras infinitas”, conformada por esculturas y pinturas, cuyo hilo conductor es el azar de las líneas y formas, entre ellas esta obra. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en el Salón de la Plástica Mexicana en 2004, en el Centro Cultural Universitario, Tuxtla Gutiérrez, Chiapas en el 2000 y en el mismo año en el Museo de la Ciudad de México. “La práctica pictórica del artista visual parte de afortunadas piezas que acusan un goce en la intervención de la superficie del cuadro; capas que añaden poco a poco imprimaturas, veladuras, trazos de curvatura cuyo centro generador está fuera del soporte, perforaciones superficiales, capas de pigmento, capa de resina e incisiones reticulares que se suceden en estratos cuyo resultado deriva en mapas plásticos que se observan en piezas como Fibo 32, obras que mantienen aún elementos de trazo libre, goteos, perforaciones, colores y tramas que, en conjunto, generan texturas de naturaleza orgánica de innegable calidez”. Sofía Neri Fajardo. Fuente consultada: MATOS MOCTEZUMA, María Fernanda et al. Fernando Pacheco. Estructuras infinitas. México, Aldama Fine Art, 2017, Pág. 12.

$60,000.00-$80,000.00 M.N. 204

Otra vista

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FELICIANO BÉJAR

(Jiquilpan, Michoacán, 1920 - Ciudad de México, 2007) Construcción

Firmada y fechada 68 Escultura en cristal tallado y acero 51 x 51.5 x 14 cm medidas totales variables Agradecemos a Martín Feliciano Béjar y a Martin Foley por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2021. La colocación de la pieza puede ser al gusto del comprador. Su formación fue autodidacta; desde que tenía 15 años Béjar comenzó a experimentar con los materiales que hallaba a su paso. Fue entonces que conoció a José Clemente Orozco, quien trabajaba en una biblioteca de Jiquilpan y de quien aprendió que el arte debía estar al servicio de la sociedad y fue por eso que durante su vida pugnó por “democratizar la belleza por medio del arte”. En un principio se dedicó a recorrer el mundo. En 1948 presentó su primera exposición en Ward Eggleston Galleries en Nueva York. Continuó su formación en los museos de París y recorrió Europa en bicicleta. En 1956, mientras vivía en París, un nuevo elemento asomó con insistencia en su obra: las luces a manera de pequeños soles. Su biógrafo, Martin Foley, lo bautizó como “el recolector de soles”. Los soles escaparon de sus lienzos y maderas para convertirse en los ojos de sus nuevas esculturas. Así nacieron las obras bautizadas por Jorge Hernández Campos como magiscopios: instrumentos de acero reciclado con lentes encapsulados. La llegada de estas creaciones al Palacio de Bellas Artes, en 1966, constituyó la apertura a toda una generación de escultores vanguardistas, y significó la ruptura de moldes tradicionales. Impuso una nueva forma de entender el arte como un juego, una actividad lúdica en esencia. Fuente consultada: MATEOS, Mónica et al. “Murió Feliciano Béjar, impulsor de un arte al servicio de la sociedad”. México. Diario La Jornada, sección Cultura, 2 de febrero del 2007.

$230,000.00-$300,000.00 M.N. 205

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FRANCISCO TOLEDO

(Juchitán, Oaxaca, 1940 - Oaxaca, Oaxaca, 2019) Sin título

Firmado al reverso Óleo y arena sobre tela 110 x 80 cm Presenta detalles de conservación. La obra de Francisco Toledo muestra de un modo universal las vivencias en el mundo rural que lo vio crecer en su natal Juchitán. En su cosmogonía, la naturaleza no es contraria a la esencia del ser humano, es un intercambio donde no hay jerarquías entre los pobladores del cosmos. El resultado son imágenes donde podemos ver la vertiginosa cercanía de todas las formas de vida, algo que sólo podría lograr en una obra de arte. Retoma formas y temas tradicionales del Istmo mexicano y los une a su búsqueda personal, creando seres comparables a los que se establecieron en el arcaísmo como esencia del mundo, códices contemporáneos. Con una formación académica en México y el extranjero, Francisco Toledo recuperó técnicas antiguas y experimentó con otras nuevas, tanto en la pintura y la cerámica resaltando el modo en que trabaja las texturas y materiales, como la arena o el papel amate; así como la maestría con la que materializa su creación consiguiendo que sus criaturas: sapos, murciélagos, peces y hombres parezcan cobrar vida real. En 1988 fundó el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, un espacio para difundir y exhibir su colección particular de obra gráfica, así como obras de otros artistas latinos de gran importancia. En 2005 le fue otorgado el Premio Nobel Alternativo de la fundación sueca Right Livelihood Award por su labor en defensa del patrimonio cultural. Participó en numerosas exposiciones a nivel mundial y su obra forma parte de los acervos de los Museos de Arte Moderno de la Ciudad de México, Filadelfia, Nueva York y París, así como de la Tate Gallery de Londres y la Kunstnaneshus de Oslo, entre otros. Fuentes consultadas: - MANRIQUE, Jorge Alberto. Francisco Toledo. México. Smurfit, Cartón y Papel de México, 2002, pp.13-16. - Sitio del Museo Reina Sofía www.museoreinasofia.es - Sitio del Museo de Arte Moderno de México www.museoartemoderno.com

$1,200,000.00-$1,800,000.00 M.N. 206

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JOSÉ BEDIA

(La Habana, Cuba, 1959 - ) a) Nsimba mbole b) Moana bunt

Firmados y fechados 02 Acrílico sobre tela 286 x 46.5 cm cada uno Piezas: 2 Procedencia: adquiridos en Bonhams & Butterfields, Los Ángeles, Subasta de Arte Moderno, Contemporáneo y Latinoamericano, lote 1209, 17 de noviembre del 2009. José Bedia fue iniciador de una transformación radical del arte cubano de su tiempo. Su obra ha sido el reflejo de sus experiencias y motivaciones personales. Tal es el caso de su profundo interés por las formas de culturas diversas, referencias que tiene de sus estudios antropológicos. Desde este punto de vista, su proceso artístico ha implicado una compilación mágico-religiosa llena de métodos y reflexiones sobre lo divino y lo humano. Ha sido un viajero inalcanzable y gracias a ello y a sus arduos estudios, ha podido incorporar al arte contemporáneo otras perspectivas, llevando a sus lienzos e instalaciones su pasión por las manifestaciones del arte popular. Todas estas inquietudes lo llevaron a fijar su residencia fuera de su país natal, primero en México y luego en Estados Unidos, lo que a su vez le ha permitido presentar su trabajo en países como Perú, Chile, Haití, República Dominicana, Puerto Rico, Zambia, Botsuana, Kenia y Tanzania. Actualmente, su obra se encuentra en importantes colecciones como las del Museo Nacional de Bellas Artes en La Habana, así como el MoMa, The Metropolitan Museum of Art, Whitney Museum of American Art, the Guggenheim Museum, Tate Modern, Smithsonian Museum, la colección Daros en Zúrich, el Museum of Contemporary Art of North Miami, entre muchas otras. Fuentes consultadas: OLIVARES, Rosa et al. 100 Artistas latinoamericanos 100 Latin American artists. España. Exit publicaciones, 2006, Pág. 66 y sitio oficial del artista www.josebedia.com

208

$500,000.00-$700,000.00 M.N.

164

SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Músico de Ayamonte, 2019

Firmada Escultura en bronce sin número de tiraje 181.5 x 25.3 x 13.5 cm Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2021. En la práctica escultórica de Hernández el artista recurre a la cerámica y al bronce, para transformar el material -en ocasiones en superficies que parecen encontradas o extraídas de sitios antiguos- en objetos o vestigios arqueológicos, donde el tiempo ha dejado grabado del mismo modo que a los fósiles, a insectos y la vegetación. Sus esculturas son un ecosistema de entes que han salido de sus cuadros, fieras inofensivas con características compartidas entre seres marinos, aves y humanas de largas y retorcidas extremidades. Fuente consultada: SULLIVAN, Edward. Sergio Hernández. México. Fomento Cultural Banamex, 2008.

$800,000.00-$1,500,000.00 M.N. 209

165

SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Sexteto

Firmado tres veces y fechado 2008 al reverso Óleo y arena sobre tela 180 x 300 cm Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2021. Su creatividad proviene de un amplio panorama de la historia del arte y los aspectos más destacados de su obra emanan del imaginario de la cultura oaxaqueña; así, con el tiempo brotaron los temas de los insectos, el mezcal y la muerte. “Nací en el pueblo de Huajuapan de Léon en Oaxaca y de niño íbamos a las pozas de agua a bañarnos. Yo solía acostarme en el pasto a escuchar los sonidos de las chicharras, entre botones de amapolas. No me atrevía a verlos de cerca sólo a escucharlos e imaginaba sus formas. El sonido llenaba el espacio. Le tengo miedo al espacio abierto, necesito saturarlo con pequeños elementos […] Ahora colecciono insectos de formas extrañas de Brasil, Nueva Zelanda, Madagascar y México”. Sergio Hernández. Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa et al. Sergio Hernández. México. Turner, Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 34 y 323.

$1,800,000.00-$2,500,000.00 M.N. 210

211

Anverso

Reverso

166

NOÉ KATZ

(Ciudad de México, 1953 - ) Mr. Schneider / Así es la vida

Sin firma Escultura en madera con pintura acrílica 117 x 45 x 19.5 cm Presenta detalles de conservación. Publicada en: GONZÁLEZ HÍJAR, Cristina et al. Noé Katz. México. Tiferet Arts, 2011, pp. 62 y 63. A través de una poética personal, Noé Katz crea un arte de discursos constantes, ideas creativas con alusiones simbólicas. Antes de incursionar en la plástica, Noé se dedicó profesionalmente a la música hasta que fue atraído por el sentimiento de libertad que el pintar le provocaba. Sin tener que justificar nada, se dedicó de lleno a su formación y comenzó estudiando en la Escuela de Diseño y Artesanías ubicada en la Ciudadela. Posteriormente obtuvo una beca para estudiar arte en Italia, país que dedicó a conocer por completo. En Florencia trabajó en el taller de Moretti, con quien aprendió mucho más las técnicas y el uso del color que en la Academia. La pintura y escultura de Noé Katz conceptualiza sus ideas y trata de mantener un diálogo abierto para constantes descubrimientos. Tiene influencias directas e indirectas provenientes de las vanguardias europeas, la obra de Diego Rivera y Tamayo, el Arte Pop y las presencias urbanas. Noé Katz ha sido premiado en varios concursos artísticos, su obra se encuentra publicada en diversos catálogos y revistas especializadas. Asimismo, ha expuesto en numerosos institutos y galerías de México, Estados Unidos, Italia, Japón, Bélgica, entre otros. Fuentes consultadas: GONZÁLEZ HÍJAR, Cristina et al. Noé Katz. México. Tiferet Arts, 2011, pp. 71 -75 y 223; y MACMASTERS, Merry. “El nivel de arte en México es increíble, pero lo opacan los problemas sociales: Noé Katz”. México. Periódico la Jornada, sección Cultura, 4 de abril del 2016.

$250,000.00-$350,000.00 M.N. 212

167

SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Popol Vuh - Negra Noche 2010 -2014

Firmado y fechado 2012 al reverso Óleo y arena sobre lino 80 x 100 cm Con certificado de autenticidad del artista, mayo del 2015. Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2021. Con etiqueta de Galería de Arte XXI. A los 16 años Sergio Hernández decidió independizarse y se mudó a la Ciudad de México para ingresar a la Academia de San Carlos y posteriormente a La Esmeralda. Después pasó un año en París conociendo las vanguardias europeas y a su regresó México, tomó un papel destacado dentro de la plástica y la cultura de Oaxaca. Con el tiempo se convirtió en un multifacético pintor y escultor que ha producido un conjunto de obras con diversas técnicas y materiales como óleos, tintas, gouaches, acuarelas y grabados. Actualmente, su trabajo forma parte de importantes acervos de instituciones y museos públicos y privados, como el del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, el Museo de Arte Contemporáneo de Aguascalientes, el San Antonio Museum of Art en Texas y el Museum Würth Künzelsau en Alemania. Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa. Sergio Hernández. México. Turner, Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 26 y 323.

$700,000.00-$900,000.00 M.N. 213

168

LORENA CAMARENA

(Ciudad de México, 1974 - ) Selva cuarzo

Firmado y fechado 21 Acrílico sobre lino 112 x 180 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Lorena Camarena Osorno inició su formación artística en 1994, estudiando dibujo académico con el escultor tapatío Ignacio Garibay. Después estudió la Licenciatura en Artes Visuales, Pintura, en la Universidad de Guadalajara. En 1997 fue seleccionada para formar parte del Salón de Octubre, Guadalajara, Jalisco y en 2003 en el XXIII Encuentro Nacional de Arte Joven, Aguascalientes. En dos ocasiones, 2007 y 2010, formó parte de la exposición “Mexique, Peinture contemporaine” en el Instituto Cultural México á Paris, recibiendo mención honorífica en 2010 por parte del jurado. Cuenta con 17 exposiciones individuales y ha participado en 33 exposiciones colectivas, en varios estados de México y en Canadá, Francia y Estados Unidos. En octubre de 2011 presentó la exhibición individual “Silencio habitado” en la Galería Luis Cardoza y Aragón del Centro Cultural Bella época de la Ciudad de México. En enero de 2013 participó en la exposición colectiva “Materia Sensible” en el Museo de Arte Carrillo Gil. Ese mismo año presentó “Horizontes fracturados” en la Celda Contemporánea del Claustro de Sor Juana donde realizó una instalación y un video dedicada a la vida de Sor Juana Inés de la Cruz; el músico inglés Michael Nyman compuso una pieza para voz y piano basado en el soneto 45 de Sor Juana, para acompañar su pieza “Claroscuro.” En junio de 2017 presentó la obra tamaño mural de 2.70 x 4.90 metros, “Vestigio de Sombra” en la Fundación Sebastián. En noviembre de 2019 mostró su exposición individual Invernadero de Sombras en Aldama Fine Arts, en Ciudad de México. Actualmente prepara una muestra para el Museo de la Cancillería. En el año 2020 ingresó al Sistema Nacional de Creadores de Arte. $120,000.00-$150,000.00 M.N. 214

169

CARLOS RÍOS

(La Habana, Cuba, 1958 - ) Asomos en la nieblas

Firmado al frente. Firmado y fechado 2015 al reverso Acrílico sobre tela 120 x 60 cm Arquitecto, pintor y amante de la naturaleza, Carlos Ríos es conocido por su obra paisajística con esencia tropical tanto cubana como mexicana. Estudió Arquitectura en el Instituto Superior Politécnico de La Habana y posteriormente se especializó en Diseño Gráfico e Industrial. Llegó a México en 1994, donde su obra comenzó un mestizaje cultural visual y emprendió un estable y definido camino como artista plástico, participando en diversas exposiciones colectivas e individuales y ferias de arte a nivel internacional. La obra de Carlos pretende rescatar a través de los detalles sus propios recuerdos. Pinta sus estudios biogeográficos con reverencia y sentimiento, resaltando la vitalidad de los bosques, selvas, lagos, ríos y montañas, creando una atmósfera que genera calidez, reflexión y libertad. Pinta una idealización sublime del paisaje.

Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, septiembre-octubre del 2008, año 13, No. 95, pp. 27 y 28.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. 215

170

MAIKEL MARTÍNEZ

(Pinar del Río, Cuba, 1977 - ) Sin título, de la serie Paisajes perdidos

Firmado al frente. Firmado y fechado 2017 al reverso Óleo sobre lino 51 x 51 cm Es hijo del pintor hiperrealista Silvio Martínez. Hay en él una vocación y vitalidad heredada que lo ha convertido en uno de los más originales paisajistas de la plástica latinoamericana contemporánea. No retrata la naturaleza desde una configuración hiperrealista, sino en la perspectiva de dar a conocer subjetividades espirituales e interiores. El artista reconoce la influencia del Maestro Tomás Sánchez, figura incuestionable del paisajismo cubano, aunque se deslinda de su estética, pues en su búsqueda de resultados iconográficos le interesa más lo interior y lo anímico. “A los 14 años descubrí un pequeño cuadro de Tomás Sánchez, que me impresionó de manera muy particular. Quizás, ahí empezó todo. Soy originario de Pinar del Río, una de las regiones geográficas más bellas de Cuba; esa exuberancia natural me inundó los ojos. Comencé haciendo paisajes tradicionales a partir de bocetos y apuntes fotográficos que después lo ‘traducía’, los llevaba al papel o la tela. Soy autodidacta, no tengo formación académica”. Maikel Martínez.

Fuente consultada: OLIVARES BARO, Carlos. “Maikel Martínez, el paisajista de la mente alista exposición en México”. México. La Razón, Sección Cultura, 16 de enero del 2018.

$150,000.00-$220,000.00 M.N. 216

171

RENÉ MARTÍN

(La Habana, Cuba, 1952 - ) Cuatro estados de profundidad

Firmado al frente y fechado 2020 al reverso Acrílico sobre tela 100 x 150 cm Con certificado de autenticidad del artista. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Alejandro en La Habana, Cuba. En 1985 realizó su primera exposición individual y desde entonces ha realizado más de 60 en Cuba, México, Estados Unidos y Costa Rica. Su obra se cataloga como paisaje con un tinte surrealista, un “surrealismo tropical”, en sus obras incluye elementos como huevos a la deriva, frutas, escaleras, sombrillas que cuelgan de nubes, tenedores que se convierten en palmeras o selvas que flotan en las nubes, sin dejar a un lado la tradición paisajística de la producción artística cubana. Con estos temas, René Martín trata de promover la conservación de la naturaleza así como el medio ambiente con un gran sentido del humor, utilizando la metáfora y la simbología, dejando que el espectador interactúe con las obras para darles su propia interpretación. $170,000.00-$220,000.00 M.N. 217

172

JOAQUÍN FLORES

(Ciudad de México, 1989 - ) La barranca, 2019

Firmado Óleo sobre lino 120 x 150 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Es egresado de la Licenciatura en Artes Plásticas por La Esmeralda. Fue acreedor al Premio Nacional de Pintura Julio Castillo en 2014, a la beca del programa Jóvenes Creadores del FONCA en ese mismo año y al tercer lugar en la V Bienal de Pintura Pedro Coronel en 2016. “El tema central de mi producción es la periferia de la ciudad, es un tema que me interesa porque es el lugar donde he vivido. Para mí es importante, porque es el lugar donde se ve el impacto tanto social y ecológico del hombre, la basura siempre va a dar a la periferia, la pobreza también, todo lo que denigramos, todo lo que no queremos va a la periferia. Entonces, para mí es importante porque es dignificar este lugar. No quiero hacer una apología de la pobreza, quiero que la periferia sea un espacio de reflexión estética”. Joaquín Flores. Fuente consultada: BENÍTEZ, Rocío G. “Joaquín Flores, un pintor ganador”. México. El Universal de Querétaro, 16 de diciembre del 2014.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. 218

173

ARMANDO ZESATTI

(Ciudad de México, 1967 - ) Tronco y espinas

Firmado al frente y al reverso Acrílico sobre tela 65.5 x 100 cm Con certificado de autenticidad de Galería Interart. “Armando Zesatti ha puesto su interés en las maneras originales de la naturaleza. Observando con tanto cuidado cómo las plantas y piedras han ido desarrollándose, acentúa colores, sombras, superposiciones, rescata tonalidades y crea ambientes, de todo aquello que mira y ahora nos llega como si fuese una llamada de atención de lo que estamos a punto de perder [...] La obra de Armando Zesatti cobra en la actualidad el carácter de documento. Digamos que es testimonio de una naturaleza que se nos presenta con la sencilla dignidad de lo que permanece y evoluciona, atesorando millones de años de sabiduría y memoria genética. Su obra representa al mundo en retazos. Armarlo es tarea ociosa en tanto se impone antes de mirar, sencillamente mirar, y luego volver sobre nuestras huellas hasta dar con las partes del paraíso que nos ha arrebatado”. Santiago Espinosa de los Monteros, “La realidad extrema de Armando Zesatti”, 2012. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.zesatti.com

$320,000.00-$500,000.00 M.N. 219

174

RENÉ MARTÍN

(La Habana, Cuba, 1952 - ) Luz divina

Firmado al frente y al reverso Acrílico sobre tela 100 x 150 cm Agradecemos al Maestro René Martín por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2021. “En la obra de René Martín han desaparecido las delgadas fronteras que separaron lo real de lo irreal, lo posible de lo imposible, lo visible de lo invisible. Su obra no es un espejo del mundo, sino una ventana abierta a otra realidad y a la única libertad del hombre: el sueño”. Alejando Robles. $170,000.00-$220,000.00 M.N. 220

175

GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA (Puebla, México, 1887 - 1962) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 50 x 80 cm La marina es un género pictórico importante cuyo objeto principal de inspiración es el mar y se ha desarrollado desde el siglo XVII pasando por diversos estilos y movimientos artísticos a nivel mundial. En México, ha habido excepcionales pintores de marinas, entre ellos Guillermo Gómez Mayorga, un destacado artista que gustaba de pintar el mar, el cual ejecutaba con gran majestuosidad, marcando la bravura del mar y las zonas de agua espumosa que provocan una sensación de belleza clásica. Sus mejores cuadros de marinas fueron pintados únicamente a base de dos elementos: el agua y el cielo; con estas limitantes construyó desafiantes escenarios y a través de ritmos, densidades, movimientos, tonalidades monocromáticas y acentos lumínicos creó atmósferas serenas, tradicionales y frescas de las playas mexicanas. Fuente consultada: AMERLINCK, Rodrigo. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, pp. 101 y 107.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. 221

176

MANUEL GONZÁLEZ SERRANO

(Lagos de Moreno, Jalisco, 1917 - Ciudad de México, 1960) Sin título

Firmado Gouache y tinta sobre papel 21 x 29 cm “Activo en las décadas de los 40 y 50, Manuel González Serrano fue un artista mexicano considerado parte de la contracorriente de la formación academicista. Paisajes, naturalezas muertas y retratos fueron los temas principales utilizados por el jalisciense, todos ellos inmersos en irrealidad y nutridos por su influencia de la metafísica de Giorgio de Chirico y los matices del surrealismo”. María Helena Noval. Fuente consultada: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et al. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 292.

$36,000.00-$50,000.00 M.N. 222

177

LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014) Sin título

Firmado y fechado 78 al frente. Firmado al reverso Óleo sobre madera 23 x 32.5 cm Agradecemos a Gabriel Nishizawa por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2021. La obra de Luis Nishizawa no se reduce a una corriente estética y, como él mismo señaló, sus inicios se remontan a la Escuela Mexicana de Pintura, donde obtuvo un estilo realista de contenido social muy marcado, del que poco a poco se fue separando. Pasó por varias etapas: expresionismo, gestualismo, hasta llegar al abstraccionismo y de vuelta a la figuración. Dentro de estos estilos utilizó diversas técnicas pictóricas, tanto en el caballete como en muralismo. Las representaciones plásticas privilegiadas por nuestro pintor mostraban una marcada simpatía por aquellos seres que deben realizar pesadas tareas para poder subsistir; entre ellos, los hombres de campo y las comunidades indígenas. Las naturalezas muertas fueron otro de sus temas favoritos y las trabajó con gran maestría, representando los frutos de la tierra y los del mar: camarones, langostas y diversos peces. Fuente consultada: VILLA GUERRERO, Guadalupe. “El arte de Luis Nishizawa”. México. Revista Bicentenario, Instituto Mora, 2007, pp. 72 y 78.

$46,000.00-$60,000.00 M.N. 223

178

MARIO ALMELA

(Ciudad de México, 1940 - 2017) La pesca, ca. 2005

Firmado Óleo sobre tela 80 x 100 cm Además de ser un pintor y anticuario de larga y prolífica trayectoria, Mario Almela ha ejercido la práctica del alpinismo durante años, habilidad que le ha permitido apreciar el paisaje mexicano y a su vez recrearlo en cada pintura. A diferencia de otros paisajistas, sus pinceladas rápidas y enérgicas recrean una tendencia propia sobre la luz y la sombra, amparado por un estilo que remite al impresionismo. Es así, que ha sido llamado el “Pintor de luz y sol”. Su vocación por pintar valles, pueblos y volcanes, lo llevó a ejercer una relación estrecha entre naturaleza y pintura, misma que generó que su obra fuese considerada como un placer estético. Fuente consultada: ALDAMA, José Ignacio et al. Mario Almela. El paisaje y los volcanes de México. México. Aldama Fine Art, 2008, Pág. 3.

$120,000.00-$150,000.00 M.N. 224

179

ALEXIS LEYVA MACHADO “KCHO” (Isla de la Juventud, Cuba, 1970 - ) Sin título

Firmado y fechado 04 Óleo sobre tela 113 x 113 cm Procedencia: adquirido en Artnet Auctions, lote 19258, 3 de marzo del 2010. Es uno de los artistas cubanos más activos en Latinoamérica, es conocido por sus instalaciones en gran formato. Ha transitado entre el grabado, la escultura y el dibujo. Ha realizado decenas de exposiciones colectivas e individuales. “El mar está siempre presente en la obra de Kcho. Sus piezas se refieren al paisaje cubano y, por tanto, aluden al elemento más decisivo de la vida en la isla, el aislamiento marcado por el límite geográfico de la frontera del agua. Su trabajo evoca el viaje marítimo como territorio idóneo para la rememoración y la nostalgia”. Alicia Chillida. Fuente consultada: sitio oficial del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía www.museoreinasofia.es

$260,000.00-$360,000.00 M.N. 225

180

LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014) Naturaleza muerta

Firmado y fechado 78 al frente. Firmado al reverso Óleo sobre madera 23 x 32 cm Agradecemos a Gabriel Nishizawa por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2021. $46,000.00-$60,000.00 M.N. 226

181

JOSÉ ANTONIO FARRERA

(Ciudad de México, 1964 - ) San Francisco en el desierto

Firmado y fechado 94 al reverso Óleo sobre tela 100 x 80 cm Con certificado de autenticidad del Taller José Antonio Farrera, abril del 2021. Presenta ligeros detalles de conservación. Esta obra forma parte de un grupo de pinturas en las que el artista representó a distintos santos de la iconografía cristiana a partir del género del desnudo, entre ellos San Francisco, San Sebastián y San Jerónimo; esta investigación fue la que Farrera abordó en sus tesis de Licenciatura y Maestría. Parte de esta serie fue exhibida en 1994 en la galería de Rafael Matos en una muestra colectiva llamada “Naturaleza y Abstracción”. José Antonio Farrera cursó la Licenciatura en Arte en La Esmeralda y la Maestría en Artes Visuales en la Academia de San Carlos. Su laureada trayectoria incluye numerosos premios y distinciones desde 1992, cuando obtuvo la Mención Honorífica en el Primer Concurso de Pintura Ramón Alva de la Canal. En 2010 ingresó al Sistema Nacional de Creadores de Arte, una de las más notables distinciones otorgadas por el CONACULTA a través del FONCA. Su obra puede encontrarse en importantes colecciones institucionales y privadas, como las del Museo de Arte Moderno, la Secretaría de Relaciones Exteriores, el Museo Pedro Coronel, la Fundación Cultural Omnilife, el Instituto Cultural Domecq y el Museo Kaluz. $40,000.00-$80,000.00 M.N. 227

182

MIGUEL ÁNGEL GARRIDO (Ciudad de México, 1982 - ) Hombre de negro

Firmado y fechado 13 Óleo sobre tela 120 x 90 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: VÉLEZ, Gonzalo et al. Miguel Ángel Garrido. Lo que habitamos. México. Aldama Fine Art, 2014, Pág. 18, catalogado 9. Vive en San Miguel de Allende, Guanajuato, donde tiene su estudio. Cursó la Licenciatura en Artes Visuales en el Instituto Allende y se especializó en pintura. Fue becario del FONCA en el periodo 2010-2011, entre sus exposiciones individuales destacan “Serán mi nostalgia” en 2012, “Todos nuestros fantasmas” y “Mientras sigamos vivos” ambas en 2010, todas las anteriores se llevaron a cabo en Aldama Fine Art. Las piezas de gran formato son parte de su quehacer cotidiano, donde convergen la fotografía y la pintura, para documentar la figura humana, la obra contiene gran carga anecdótica: íntima en habitaciones, comedores u objetos de uso diario, así como de sitios y actividades en exteriores: restaurantes, parques públicos o supermercados. “En efecto, estamos ante un pintor que confunde el lienzo con la cámara fotográfica, o la cámara fotográfica con la pintura, o el arte con un diario, de esos que antiguamente se escribían a mano en un cuaderno, el cual él a su manera nos muestra página por página, cuadro por cuadro, y al hacerlo nos abre, no sin cierta impudicia, su vida”. Gonzalo Vélez. Fuentes consultadas: VELEZ, Gonzalo. Miguel Ángel Garrido. Lo que habitamos. México. Aldama Fine Arts, 2014. Pág. 2 y sitio oficial del artista: www.miguelangelgarrido.com

$120,000.00-$150,000.00 M.N. 228

183

HUGO LUGO

(Los Mochis, Sinaloa, 1974 - ) El ser y la nada en azul cobalto

Firmado y fechado 2018 Óleo y acrílico sobre lino 160 x 120 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, noviembre del 2018. Estudió Artes Visuales en la Universidad de Montemorelos, Nuevo León, posteriormente recibió una beca del FONCA y fue premiado en la Bienal de Pintura del Museo Rufino Tamayo. A partir de entonces, Hugo ha sido reconocido en varios encuentros de artes nacionales e internacionales. Durante la etapa de realización de esta obra participó en diversas exposiciones, entre las que destacan: “Obra reciente”, en Galería Alfredo Ginocchio, Ciudad de México, 2012; “Extraños transcursos del tiempo”, en la Galería Yusto/Giner, Marbella, España, 2013, y “Tomar nota” en la galería Frosch&Portmann, Nueva York, E.E. U.U., 2013. $200,000.00-$300,000.00 M.N. 229

184

IGNACIO ITURRIA

(Montevideo, Uruguay, 1949 - ) Alegría de volar

Firmado y fechado 99 al reverso Óleo sobre tela 35.5 x 26 cm Agradecemos a Miguel Ángel Muñoz por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2021. Desde la segunda mitad del siglo XX, la obra de Ignacio Iturria ha destacado, pues el artista ha desarrollado un estilo maduro, con una fuerte y personal paleta de colores terrosos y personajes de ensueño y fantasía, cargados de historias y provocadores de recuerdos, que hoy conocemos como el cuño indeleble de su arte poético y humanístico. A lo largo de su carrera ha expuesto su trabajo en diversos museos, ferias y galerías de arte, destacando la Galería Sa Llumenera en Cadaqués, España, Galería Manzione en Punta del Este, Uruguay, Galería Praxis de Buenos Aires, Argentina y Lima, Perú; La Galería en Quito, Ecuador, Park Gallery en Florida y el Museo de Artes de las Américas en Washington, D.C., Estados Unidos, así como en la V Bienal de La Habana, Cuba y en ARCO´92, Madrid, España. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.iturria.com.uy

$55,000.00-$70,000.00 M.N. 230

185

OFILL ECHEVARRÍA

(La Habana, Cuba, 1972 - ) Cielo

Firmado con vinil al frente. Firmado al reverso Óleo sobre tela 89.5 x 89.5 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, mayo del 2013. “La era del individualismo en la que vivimos, en la que parecería que el sujeto finalmente se ha liberado de los dogmas se ha convertido también en la era de masas de individuos, resultado de la pérdida del poder de la comunidad para regular la vida de los individuos y de la primacía de lo personal sobre lo colectivo, aspectos que para el artista resultan característicos de las sociedades occidentales, del exagerado pragmatismo y de la ausencia de valores trascendentes. Las incertidumbres creadas por la lógica del individualismo exacerbado, tienen en la obra de Ofill Echevarría una expresión inequívoca; los seres que retrata son hombres y mujeres que se esfuerzan por construir su individualidad a través de pautas rígidas y rutinas monótonas que reflejan la producción en masa a través de la conducta de masas. La tarea del artista es revelar la estrategia del poder que hace ver la individualidad como privilegio y carácter distintivo de nuestra era”. José Manuel Springer. $60,000.00-$80,000.00 M.N. 231

186

PEDRO FRIEDEBERG

(Florencia, Italia, 1936 - ) Banquito para los gemelitos siameses

Firmada y fechada 2020 Escultura en bronce 4 / 6 55 x 45.1 x 44.5 cm Con certificado de autenticidad del artista, noviembre del 2020. $180,000.00-$250,000.00 M.N. 232

187

HUGO LUGO

(Los Mochis, Sinaloa, 1974 - ) Estudio para el origen de la sombra (Vermeer)

Firmado y fechado 2017-2018 Gouache y tinta sobre papel 112 x 76 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, octubre del 2018. La pintura de Hugo está marcada por el protagonismo que le da a cada personaje y el significado que le otorga a los objetos. En sus palabras: “Me gusta pensar en mi trabajo como un juego serio entre los puntos de cruce del dibujo, la pintura y la fotografía”. $120,000.00-$180,000.00 M.N. 233

Lote 117

ÍNDICE H

A ACEVES, GUSTAVO ALCALDE GARCÍA, ALFREDO ALFARO SIQUEIROS, DAVID ALMELA, MARIO ANGUIANO, RAÚL ARÉVALO, JAVIER

14, 16, 25 122, 123 89, 102 178 114 108

80, 95, 97 163 161 24, 98, 101, 104 121 137

C CAMARENA, LORENA CANTÚ, FEDERICO CARBONELL, SANTIAGO CARRILLO, LILIA CASTAÑEDA, FELIPE CASTRO LEÑERO, JOSÉ CASTRO PACHECO, FERNANDO CERNA, BENITO CERVANTES, PEDRO CHÁVEZ MORADO, JOSÉ CHICO, JULIO CONTE, GUILLERMO CORONEL, PEDRO CORONEL, RAFAEL CORZAS, FRANCISCO

168 103, 115 93, 94, 113 53 109 75, 78 110, 116 9, 11 143 117 15 47 49 120, 128 63, 64, 119, 146

D DE SZYSZLO, FERNANDO DEL VALLE, JUAN CARLOS DOMENGE, YVONNE DOMÍNGUEZ, BENJAMÍN DOMÍNGUEZ, NELSON DR. LAKRA

55, 57 76 149 73 125 132

E ECHEVARRÍA, OFILL ESTRADA, ARTURO

185 83

181 52, 145 172 31, 34, 39, 186

G GÁLVEZ, BYRON GANDÍA, VICENTE GARCÍA OCEJO, JOSÉ GARCÍA PONCE, FERNANDO GARRIDO, MIGUEL ÁNGEL GERZSO, GUNTHER GIRONELLA PARRA, EMILIANO GOERITZ, MATHIAS GÓMEZ MAYORGA, GUILLERMO GONZÁLEZ CAMARENA, JORGE GONZÁLEZ SERRANO, MANUEL

I ICAZA, FRANCISCO ITURRIA, IGNACIO

JAZZAMOART

6 19, 184

17 71 27 60, 61, 67 182 147 21 18, 29, 30, 135, 142 84, 175 58, 106, 118 176

K KATZ, NOÉ KRAUZE, PERLA KUNY MENA, CONCHITA

166 13 81

L LANDAU, MYRA LAVILLE, JOY LEYVA MACHADO, ALEXIS "KCHO" LUGO, HUGO

157 72, 111 179 183, 187

M MALAMUD, TOSIA MARTÍN, RENÉ MARTÍNEZ, MAIKEL MARTÍNEZ, RICARDO MÉRIDA, CARLOS MEXIAC, ADOLFO MEZA, GUILLERMO MICHEL, ALFONSO MILLER, CAROL MOLNÉ, HÉCTOR MORALES, ARMANDO MORALES, RODOLFO MORENO, NICOLÁS

136, 139 171, 174 170 22, 134 4, 28, 32, 33, 41, 42, 138, 141 85 107 69 96, 100 126 99 124, 129 92

N NEGRET, EDGAR NIERMAN, LEONARDO NIETO, RODOLFO NISHIZAWA, LUIS

144 68 7, 44, 50 88, 90, 91, 177, 180

O OBREGÓN, JORGE

F FARRERA, JOSÉ ANTONIO FELGUÉREZ, MANUEL FLORES, JOAQUÍN FRIEDEBERG, PEDRO

48, 152, 164, 165, 167

B BASSI, SOFÍA BEDIA, JOSÉ BÉJAR, FELICIANO BELKIN, ARNOLD BELOFF, ANGELINA BOTERO, FERNANDO

HERNÁNDEZ, SERGIO

P PACHECO, FERNANDO PARODI, ROBERTO PARRA, CARMEN PELLICER, CARLOS PÉREZ, GUSTAVO PÉREZ PINACHO, ROSENDO PIMENTEL, RODRIGO

156, 160 12 26 77 148 45 70, 82

Q QUEZADA, ABEL

133

R RABEL, FANNY RAHON, ALICE

79 40

RAMÍREZ JURADO, ALBERTO RAMOS MARTÍNEZ, ALFREDO REYES MEZA, JOSÉ REYES, CHUCHO RÍOS, CARLOS ROJAS, ROLANDO ROJO, VICENTE ROMERO, BETSABEÉ

35 74 127, 130 2, 23, 140, 154 169 10, 43, 46 62, 66, 65 151

S SANTIAGO, ALEJANDRO SEBASTIAN SJÖLANDER, WALDEMAR SORIANO, JUAN

8 38 155 3, 153

T TOLEDO, FRANCISCO TORRES, PALOMA

1, 5, 159, 162 150

U URUETA, CORDELIA

51, 54, 59

V VARO, REMEDIOS

105

W WIDMANN, BRUNO

Z ZALCE, ALFREDO ZAMORA, BEATRIZ ZÁRRAGA, ÁNGEL ZESATTI, ARMANDO ZÚÑIGA, FRANCISCO

131 158 86 173 112

SUBASTA EN PREPARACIÓN

ARTE LATINOAMERICANO

Pintura y escultura de artistas como: Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, Dr. Atl, Leonora Carrington, Remedios Varo, Rufino Tamayo, Ángel Zárraga, Ricardo Martínez, Pedro Coronel, María Izquierdo, Fernando Botero, Roberto Matta, Wifredo Lam, Carlos Cruz - Diez, Jesús Rafael Soto, Joaquín Torres - García, entre otros.

Valuaciones sin costo para venta en subasta Contanza Infante Tel. (55) 5283 3140 ext. 3384 | cinfante Ricardo Martínez. Mujer y niño. Óleo sobre tela. 85 x 115 cm. Vendido en $2,710,400 M.N. Incluye comisiones de la casa de subastas

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NA D IE S ABE L O Q UE TIE NE HASTA QUE LO VALÚA EN MORTON VENDA SUS PIEZAS EN NUESTRAS SUBASTAS Colecciones Completas ■ Antigüedades ■ Platería ■ Porcelana ■ Cristalería ■ Marfiles ■ Mobiliario ■ Escultura ■ Arte Sacro ■ Taxidermia ■ Arte Moderno y Contemporáneo ■ Obra Gráfica ■ Fotografía y Libros de Fotografía ■ Joyería y Relojes Finos ■ Libros de Historia de México y Universal, Exploradores, Viajeros, Mapas, Libros de Arte y Primeras Ediciones ■ Vinos, Destilados y Puros ■ Instrumentos Musicales ■ Arte Decorativo ■ Objetos de Diseño del Siglo XX ■ Menajes de Casas VENDER SUS OBJETOS EN MORTON ES MUY FÁCIL AGENDE UNA VALUACIÓN EN VIDEOLLAMADA CON UNO DE NUESTROS ESPECIALISTAS Informes: Atención a Clientes ■ Tel. (55) 5283 3140 ■ atencion.clientes@mortonsubastas.com

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INFORMES Y CITAS Antonio López Morton | Tel. 55 5283 3140 almorton@mortonsubastas.com Carlos Ruano Llopis. Manola. Óleo sobre tela. 63 x 79 cm. Vendido en $51,744 M.N. (Incluye comisiones de la casa de subastas.)

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Abel Quezada. The volleyball game. Homenaje a Picasso el joven. Óleo sobre lino. Vendido en $739,200 M.N. Incluye comisión de la casa de subastas.

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Monterrey Yólika Sáenz | Tel: (81) 8335 1917 ysaenz@mortonsubastas.com Río Mississippi 220-C esq. Río Salinas Del Valle (Centrito Valle). San Pedro Garza García, N.L.

Guadalajara Stephanie Torres | Tel: (33) 3630 2325 atorres@mortonsubastas.com Francisco Zarco 2384, Ladrón de Guevara Guadalajara, Jal.

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No se hurta, se hereda Consejos y recomendaciones tanto para quien da como para quien recibe en De herencias y herederos , un libro de Luis C. López Morton, en conversaciones con Luis Ignacio Sáinz y arte de Paco Calderón.

Informes: Tel. (55) 5283 3140 atencion.clientes@mortonsubastas.com

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Pluma y Martillo es la división editorial

TÉRMINOS DE REFERENCIA PARA EL CATÁLOGO PINTURA, GRABADO, DIBUJO, ACUARELA Y MINIATURA. *Una obra que aparece sólo con el nombre (s) o una designación reconocida de un artista, sin más información, es en nuestra opinión una obra de ese artista. Atribuido a: En nuestra opinión, podría tratarse de una obra del artista. Escuela de: Obra ejecutada en el taller del artista, posiblemente bajo su supervisión. Círculo de: Obra del periodo del artista, con influencia del mismo. Después de: Obra realizada en el estilo del artista pero en una fecha más reciente. Copia de: Copia (sin importar la fecha) de una obra del artista. Firmado (a): La obra está firmada por el artista. La adición de un signo de interrogación o comillas indica un elemento de duda.

PORCELANA, VIDRIO, CERÁMICA Y ALFARERÍA *Una pieza con el nombre de la fábrica de un lugar o región sin más información, en nuestra opinión proviene de ese lugar. Estilo: Una copia o imitación de piezas producidas en la fábrica, lugar o región mencionados. Matrimonio: Las dos piezas que pertenecen al mismo juego. Fabricado del modelo: Objeto hecho en el molde maestro por el modelador y bajo su supervisión. Pintado por: La pieza puede ser atribuida al artista por razones de su estilo o forma. Con sellos o firma de: La pieza podría atribuirse al artista, la fábrica o el taller mencionados.

ESCULTURA Y ARTES DECORATIVAS *Una obra que aparece sólo con el nombre (s) o una designación reconocida de un artista, sin más información, es en nuestra opinión una obra de ese artista. Fundido de un modelo de: Obra realizada a partir de un modelo del artista, proveniente de su círculo y fundido durante su vida o poco tiempo después. Atribuido a: Obra probablemente realizada por el artista o su taller. Estilo: Obra del periodo del artista o de su taller y cercano a su estilo. Firmados o sellados: A nuestro parecer, podría tratarse de una pieza del artista o de su taller.

Las descripciones contenidas en este catálogo son realizadas conforme a lo dispuesto en el primer párrafo del Artículo 77 de la Ley Federal del Derecho de Autor. Este catálogo se realiza en ejecución del contrato de consignación correspondiente, para servir de guía en la subasta a efectuarse.

GUÍA PARA COMPRADORES

Si usted no ha comprado antes en nuestras subastas, por favor lea las siguientes reglas de subasta. En cada catálogo aparece el directorio de todo el personal quien lo atenderá con gusto, así como el personal de los mostradores de la recepción y de la sala de ventas. Usted puede consultarnos y le responderemos a todas sus preguntas

I. GENERALES 1.

Morton Subastas, S.A. de C.V., en adelante denominada Morton, actúa únicamente como comisionista en la venta de bienes muebles propiedad de terceros, en virtud de contratos de consignación previamente celebrados con estos, de quienes se presume tiene la propiedad de los mismos.

Los datos o contenidos en el catálogo de la subasta o cualquier otra declaración hecha acerca del autor de la obra, origen, edad, fecha, estado, autenticidad o precio de la misma, son responsabilidad única y exclusiva de sus propietarios.

La subasta se llevará a cabo en moneda nacional y con la participación mínima de licitadores que previamente determine Morton.

II. LOTES 1.

Para efectos de la subasta se le denomina licitador, posible comprador o postor, en adelante denominado “Licitador”, a aquella persona que tiene la facultad de hacer ofertas por los lotes en el transcurso de la subasta.

Los bienes a subastar serán organizados en lotes integrados por uno o más bienes, en el orden y bajo la numeración que Morton indique.

Los lotes serán descritos y en algunos casos incluidas sus fotografías en el catálogo para la subasta que elabore Morton.

Los lotes serán exhibidos para su inspección, en el lugar designado para ello por Morton, cuando menos con tres días naturales de anticipación al de la celebración de la subasta, por lo que el personal de Morton estará a su disposición para mostrar en detalle cualquier lote.

Los lotes serán subastados en el estado físico en que se encuentran en el momento de celebrarse la subasta por lo que NO se aceptarán devoluciones ni reclamaciones sobre daños, desperfectos o restauraciones, aunque estos no se hayan hecho constar en el catálogo de la subasta.

Propóngase un precio máximo de compra para las piezas antes de que salgan a subasta. Esto le ayudará a comprar mejor. Si tiene duda sobre alguna pieza, por favor NO ofrezca, ya que si se le asigna deberá pagarla.

Los valores estimados que aparecen impresos bajo las descripciones del catálogo son los precios aproximados que se espera sean obtenidos, sin incluir la comisión de la Casa de Subastas. No se proporciona estimado de precio de los lotes cuya salida sea menor de $2,000.00 M.N.

Los lotes que se subastan se ofrecerán sujetos a un precio mínimo de venta previamente acordado entre el propietario y Morton, y sólo podrá ser modificado previo acuerdo por escrito entre los mismos.

III. OFERTAS PRESENCIALES Para hacer una oferta en la subasta, usted deberá registrarse acudiendo a la mesa de registro en presencia, mediante una hoja de registro establecida para ese fin. 1.

Como garantía a Morton, por el o los lotes que les sean adjudicados durante la subasta la contraprestación (Premium) y el impuesto correspondiente, deberá dejar un comprobante de tarjeta de crédito bancario o American Express, firmado a la orden de Morton Subastas, S.A. de C.V.

Comisión al comprador (Premium): Corresponde al 20% sobre el precio de venta, más el 16% de I.V.A. sobre dicha comisión, que serán incrementados al importe de la compra de cada lote. Ejemplo: precio de martillo $5,000.00 M.N. más comisión $1,000.00 M.N. más I.V.A. $160.00 M.N., total de la factura a pagar $6,160.00 M.N.

Una vez registrado el licitador y otorgada la garantía correspondiente, se le hará entrega de una paleta numerada que lo identificará con su hoja de registro y de la cual hará uso únicamente el licitador, ya que es individual e intransferible. Por esta razón es importante que la conserve durante todo el desarrollo de la subasta y la devuelva personalmente al abandonar la sala de subastas. Si se diera el caso de que no se le adjudicará ningún lote, su depósito en garantía le será devuelto en ese momento.

Con la entrega de registro, el licitador queda obligado a pagar el precio del lote más el 20% por concepto de la contraprestación más el I.V.A. correspondiente. Si el pago se efectúa con tarjeta de crédito bancario o American Express, se incrementará el 6.6% por concepto de comisión sobre el monto total del lote o los lotes que le hayan sido adjudicados, descontando lo que previamente se tomó como garantía.

Para que los licitadores puedan hacer efectivas las pujas o aceptar una postura hecha por el martillero, bastará con levantar la paleta numerada. Por favor, hágalo con rapidez para que la dinámica de la subasta continúe. Las ofertas aumentan aproximadamente un 10% en cada puja.

Se considera que el licitador que hizo efectiva la última puja, es decir la más alta, ha adquirido el bien que integra el lote subastado, en el momento en que no exista puja mayor y el martillero así lo manifieste.

IV. OFERTAS EN AUSENCIA Y OFERTAS EN LÍNEA 7.

Refiérase a las páginas de este catálogo: “¿Cómo se compra en subasta sin estar presente en el salón?”

V. EXPORTACIÓN 8.

El comprador siempre deberá revisar si se requiere de autorizaciones, permisos o licencias de exportación o importación. Al participar en la subasta, acepta que es su sola responsabilidad obtener cualquier licencia, autorización o permiso de exportación o importación y que la negativa a cualquier permiso, autorización o licencia o cualquier retraso en obtenerlos, no justificará la rescisión de ninguna venta ni cualquier retraso en hacer el pago total de la propiedad adquirida. EL COMPRADOR RENUNCIA A REQUERIR CUALQUIER REEMBOLSO en cualquiera de los casos anteriormente mencionados. Las leyes locales pueden prohibir importar o exportar cierta propiedad y/o pueden limitar la reventa de alguna propiedad.

Para mayores informes consulte: www.tramites.inah.gob.mx

AVISO DE PRIVACIDAD

FICHA DE REGISTRO PARA REALIZAR OFERTAS EN AUSENCIA

Los datos personales serán tratados de conformidad con lo dispuesto en la Ley Federal de Protección de Datos Personales en Posesión de los Particulares, la reglamentación respectiva y el aviso de privacidad están a su disposición en la siguiente liga http://www.mortonsubastas.com/formatos/Aviso_de_privacidad.pdf

Por favor, consulte el aviso de privacidad antes de proporcionar sus datos. ESTOY DE ACUERDO SI

NOMBRE DE SUBASTA FECHA

NÚMERO DE PALETA

AUTORIZA UNA PUJA MÁS SI

OFERTA POR TELÉFONO

NOMBRE COMPLETO

RECIBIÓ (REPRESENTANTE DE MORTON)

CALLE

No.

COLONIA

C.P.

ALCALDÍA / MUNICIPIO NOMBRE Y FIRMA

E-MAIL TELÉFONO

CELULAR

IDENTIFICACIÓN

FECHA Y HORA DE RECEPCIÓN Acepto se me haga el cargo en garantía establecido de acuerdo a lo señalado en los requisitos del punto no. 8 letra C, reembolsable en el caso de que no se me adjudiquen los lotes. Acepto las condiciones del catálogo, las reglas de la subasta y del presente documento.

NÚM DE TARJETA DE CRED. NÚM DE SEGURIDAD NÚMERO SEGÚN

FECHA DE VENCIMIENTO DESCRIPCIÓN

FIRMA

Ciudad de México. a de

LÍMITE SUPERIOR DE OFERTA

CATÁLOGO

del año

Nota: Las ofertas en ausencia se recibirán hasta cuatro horas antes de la subasta.

Informes: ofertasenausencia@mortonsubastas.com Telephone. +52 (55) 5283 3140 Ext. 3148, 3149 y 3150

.00 M.N.

CONDICIONES PARA REALIZAR OFERTAS EN AUSENCIA AL FIRMAR LA FICHA DE REGISTRO DE OFERTAS EN AUSENCIA, USTED ACEPTA LO SIGUIENTE: 1. Las reglas y condiciones que aplican para las subastas en Morton Subastas, S.A. de C.V. (“Morton”) y/o las del catálogo, las cuales se encuentran a su disposición en Morton.

2. Que el personal de Morton haga efectivas las pujas en su nombre y representación en la subasta en la que se registra, por las piezas que se describen en la ficha de registro para ofertas en ausencia, hasta por la cantidad que aparece en el apartado “Límite superior de la oferta”.

a) Llenar completamente el presente documento y firmarlo de conformidad, indicando claramente el número de lote por el que desee ofrecer y la cantidad establecida con Límite Superior de la Oferta. b) Entregar firmado el presente documento al personal autorizado de Morton a más tardar a la fecha de celebración de la subasta y hasta cuatro horas antes de la misma, en el domicilio de Morton. c) Efectuar un depósito en garantía del cumplimiento de las obligaciones que pudiera llegar a tener como adquiriente, de acuerdo a lo siguiente:

LÍMITE DE OFERTA:

Subastas en Monte Athos: $50,000.00 M.N.

3. No están permitidas las ofertas en ausencia sin límite superior.

Subastas en Cerro de Mayka: $5,000.00 M.N.

RESPONSABILIDAD:

El monto de la garantía podrá ser cambiado por Morton sin previo aviso al cliente.

4. Que Morton en ningún caso y por ningún motivo es responsable que usted logre que se le adjudique(n) la(s) pieza(s) por las que ofertó en ausencia. UNA PUJA MÁS:

5. Que en caso de que el monto máximo fijado por usted como Límite Superior de la Oferta para una pieza se iguale con la última puja de la sala, podrá autorizar una puja más, según lo establezca el recuadro denominado: “Autoriza una puja más”. En caso de que este recuadro no se haya requisitado, se entenderá que no acepta subir a la siguiente puja. ADJUDICACIÓN:

6. Que en caso de que existan dos o más ofertas en ausencia por la misma pieza y por la misma cantidad señalada como Límite Superior de la Oferta y no haya una puja superior en la sala, la pieza se adjudicará a la Oferta en Ausencia que se haya recibido primero en Morton. 7. Que el fallo de adjudicación lo emitirá Morton y será inapelable, por lo que Usted renuncia desde este momento a cualquier acción y/o derecho alguno para ejercer en contra de Morton y/o a quien sus derechos represente, por cualquier conflicto o controversia que surgiera por esta causa. REQUISITOS:

8. Que Morton no hará efectiva la Oferta en Ausencia si no cumple con los siguientes requisitos:

d) La garantía no podrá ser cubierta con tarjeta de débito, ya que en caso de no tener adjudicación alguna de los lotes, la devolución de la misma es demasiado complicada. CONDICIONES DE PAGO:

9. En caso de que se adjudique la pieza, pagar por el precio martillo, más el 20% por concepto de comisión, más el Impuesto al Valor Agregado sobre dicha comisión (16%). Si el pago se realiza a través de tarjeta de crédito o American Express, se cargará un 6.6% adicional al saldo que resulte de restar la garantía. Recuerde que usted tiene 3 días hábiles después de la subasta para liquidar el total de su compra y recoger los artículos adquiridos en el lugar de la subasta. OFERTAS POR TELÉFONO:

10. Las ofertas en ausencia también se recibirán por teléfono, previa entrega del presente documento firmado y enviado vía correo electrónico a Morton con cuando menos dos días hábiles antes de la fecha de la celebración de la Subasta, siempre y cuando el precio estimado de la pieza por la que oferta sea de $10,000.00 M.N. o mayor. CONFIDENCIALIDAD

11. La información aquí contenida se considera Confidencial, por lo que su divulgación está prohibida y da derecho al pago de daños y perjuicios que causen por este hecho.

ABSENTEE BID FORM

RECEPTION (MORTON STAFF ONLY)

AUCTION TITLE DATE

PALETTE NUMBER

ONE MORE BID AUTHORIZE

TELEPHONE BIDS SI

FULL NAME ADRESS

NAME AND SIGNATURE

ZIP CODE

E-MAIL TELEPHONE

MOBILE

ID NUMBER DATE AND TIME OF RECEPTION I DO HEREBY ACCEPT THE CONDITIONS DESCRIBED IN THIS DOCUMENT AND CATALOGUES FOR THE AUCTION

CREDIT CARD SECURITY CODE

EXPIRING DATE

DESCRIPTION

LOT NUMBER

TOP LIMIT BID

SIGNATURE

(Date)

(Mexican Pesos)

MEXICO CITY

Please note: On the day of the auction last absentee bids are received 4 hours before the auction.

Telephone. +52 (55) 5283 3140 Ext. 3148, 3149 & 3150 Enquiries: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

.00 M.N.

ABSENT BID TERMS AND CONDITIONS BY SIGNING THIS ABSENTEE BID REGISTRATION FORM YOU AGREE TO THE FOLLOWING TERMS AND CONDITIONS:

1. You agree to the terms and conditions that apply to the auctions at the Morton Subastas, S.A. de C.V. (Morton) premises and/or those described in the catalogues available at Morton. WHO MAKES THE BIDS:

2. Allow the personnel of Morton to make effective the bids on your behalf during the auction to which you are registered, and for the pieces only described herein, up to the amount inserted in the top limit bid. BIDS LIMIT:

a) This document should be duly filled in and properly signed for in the agreement section, making sure that is clearly entered the lot number of the piece you are interested in, and well stated your top limit bid for it. b) This document should be delivered only to the authorized personnel at latest the day of the Auction at the address of Morton in which the auction will be held. c) Allow a deposit as a guarantee for the payment of the piece and amounts generated by the adjudication of the piece. The deposit will be in the following amounts, and will be taken under the name of Morton. Auctions at Monte Athos Gallery: $50,000.00 MXP Auctions at Cerro de Mayka Gallery: $5,000.00 MXP.

3. Unlimited bids are not permitted.

The amount of the guaranty may be changed by Morton prior notice to the customer.

RESPONSIBILITY:

d) Guaranty may not be paid with a debit card since, in case of there is no awarding of lots, reimbursement would be too difficult.

4. In no case and by no means, Morton takes responsibility for the adjunction of the piece(s) for which you made absentee bids. ONE MORE BID:

5. In case the amount stated by you as the top limit bid for a piece is matched by the last bid made in the auction room, and if the option on the “One more bid authorized” section is chosen as “Yes”, you will then be allowed to place a higher bid for the piece. In case this option was chosen as “No” or left blank, your bid will be stopped. ASSIGNATION:

PAYMENT CONDITION:

9. If the piece is adjudicated to you, the price of the piece plus twenty percent of commission fee shall be paid, plus the corresponding VAT (16%) calculated over the commission. Payment made with credit card or any American Express card will incur an extra charge of 6.6%, added as a commission fee to the total amount to be paid for. BIDS OVER THE TELEPHONE:

6. In case that two or more absentee bidders appear for the same piece and for the same top limit bid stated, and in case there is not a higher bid in the auction room, the piece will be adjudicated to the absentee bid first received by Morton.

10. Absentee bids by telephone are welcome, previous delivery of the present document duly filled and signed is required, sent to Morton with at least two working days before the date of the auction if your bid is $10,000.00 MXP or more. Long distance calls to and for the auction should be made by yourself.

7. The decision for the adjudication will be decided by Morton, and thus, will be unappealable. By signing this form you agree to not taking any legal action against Morton or its representatives if any conflict or dispute arise due to disagreement.

11. Information contained herein is deemed Confidential, and its disclosure is prohibited, entitling the payment of damages and looses caused by this fact.

REQUIREMENTS

8. Morton will not make effective the Absentee Bid if the following requirements are not met:

CONFIDENTIALITY

CALENDARIO DE SUBASTAS

MONTE ATHOS Se llevan a cabo exposiciones y subastas de: Antigüedades, Arte Moderno y Contemporáneo, Joyería y Relojes, Vinos de Colección y Uso Diario. Se consignan piezas de Joyería y Relojes para venta en subasta.

MAYO D

S 1

Monte Athos 179 Col. Lomas de Chapultepec 11000, Ciudad de México Tel. + 52 (55) 5283 3140

BLVD. DE LOS VIRREYES Se consigna ocho semanas antes de la fecha de subasta o antes si es posible: Antigüedades, Arte Moderno y Contemporáneo, Libros y Documentos, Vinos de Colección y Uso Diario.

SUBASTAS EN VIVO, AFORO MÁXIMO 10 PERSONAS Miércoles 12 5:00 p.m.

Mobiliario Francés

Jueves 13 5:00 p.m.

Obra Gráfica y Fotografía, visiones artísticas sobre papel

Martes 25 5:00 p.m.

Libros Antiguos, Contemporáneos y Raros. Incluye Grabados de José Guadalupe Posada, un Incunable Americano y la Segunda Edición de la Historia Verdadera de la Conquista de México.

Se llevan a cabo exposiciones y subastas de: Libros y Documentos, Obra Gráfica y Fotografía.

Miércoles 26 5:00 p.m.

Magníficos Relojes y Joyería Fina. Incluye Joyería Europea

Cerro de Mayka 115. esq. Sierra Paracaima Col. Lomas de Chapultepec 11000, Ciudad de México Tel. + 52 (55) 1100 1530

Jueves 27 5:00 p.m.

Arte Latinoamericano. Incluye Colección Arte Objeto y Barbachano Osorio

Blvd. de los Virreyes 155 Col. Lomas de Chapultepec 11000, Ciudad de México Tel. + 52 (55) 5283 3140

CERRO DE MAYKA Subastas de Oportunidades Subastas de Arte Decorativo y todo tipo de artículos que visten y decoran el hogar. También se consigna desde menajes completos hasta objetos sencillos, que pueden ser aceptados durante la semana anterior a la Subasta; le pedimos consulte con nuestra oficina de consignación.

CONSTITUYENTES Se consigna ocho semanas antes de la fecha de subasta o antes si es posible: Libros y Documentos. Av. Constituyentes 910 Col. Lomas Altas 11950, Ciudad de México Tel. + 52 (55) 5283 3140

OFERTAS EN AUSENCIA Las ofertas en ausencia se recibirán hasta cuatro horas antes de la subasta. Blanca Sánchez ofertasenausencia@mortonsubastas.com Tel. + 52 (55) 5283 3140 ext. 3148, 3149 y 3150

INTERIOR DE LA REPÚBLICA

SUBASTAS EN LÍNEA DE TIEMPO DETERMINADO PARTICIPE A TRAVÉS DE BIDSQUARE Del 28 de abril al 12 de mayo

Oportunidades 1088

Del 5 al 19 de mayo

Oportunidades 1089

Del 12 al 26 de mayo

Oportunidades 1090

Del 19 de mayo al 2 de junio

Oportunidades 1091

Del 26 de mayo al 9 de junio

Oportunidades 1092

COMPRE EN LÍNEA DESDE NUESTRA APP, BIDSQUARE O A TRAVÉS DE OFERTAS TELEFÓNICAS Y EN AUSENCIA SUJETAS A CAMBIO POR CONTINGENCIA Descargue la App oficial en

Lo asesoramos en el proceso de compra o venta en subasta. Se consignan piezas para incluirse en las subastas que se llevan a cabo en la cd. de México. Monterrey, N.L. Río Mississippi 220 - C esq. Río Salinas Col. Del Valle (Centrito Valle). 66220, San Pedro Garza García, N.L. Tel. + 52 (81) 8335 1917 Guadalajara, Jal. Francisco Zarco 2384 Col. Ladrón de Guevara 44600, Guadalajara, Jalisco Tel. + 52 (33) 3630 2325

SÍGANOS EN: MortonSubastas

@morton_subastas

@Morton_Subastas

MortonSubastas

Monte Athos 179, Col. Lomas de Chapultepec C.P. 11000 Ciudad de México Tel. (55) 5283 3140

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