SUBASTA DE ARTE LATINOAMERICANO

Presidente | Luis C. López Morton · eorozco@mortonsubastas.com

Director General | Eduardo J. López Morton · emorton@mortonsubastas.com

Director de Administración y Finanzas | Antonio Flores · afloress@mortonsubastas.com

Directora Comercial | Sofía Duarte · sduarte@mortonsubastas.com

Director General de Préstamos | Andrés López Morton · amorton@mortonsubastas.com

Gerente de Autos y Camiones | Aída Alanís Lara · aalanis@mortonsubastas.com

CONSIGNACIÓN

Antigüedades | Antonio López Morton · almorton@mortonsubastas.com

Arte Moderno y Contemporáneo | Fernanda Serrano · mserrano@mortonsubastas.com

Joyería y Relojes | Alejandra Rojas · arojas@mortonsubastas.com

Libros Antiguos y Contemporáneos | Rodrigo Agüero · raguero@mortonsubastas.com

Vinos de Colección y Uso Diario | Jessica Cázares · jcazares@mortonsubastas.com

Oportunidades | Lizbeth Silva · lsilva@mortonsubastas.com

Herencias y Colecciones | Javier López Morton · jlmorton@mortonsubastas.com

Guadalajara | Stephanie Torres · atorres@mortonsubastas.com

Monterrey | Itzel Cardoza · icardoza@mortonsubastas.com

París | Carlos Millán · cmillan@mortonsubastas.com

Catalogadora Ana Segoviano

Tel. + 52 (55) 5283 3140 · atencion.clientes@mortonsubastas.com

Visite nuestra página web mortonsubastas.com donde encontrará fotografías adicionales de todos los lotes incluidos en esta subasta.

Gerente de Departamento Fernanda Serrano

Especialista Ana Paula López

subasta de arte latinoamericano

Salón Candiles del Club Naval Norte

Fernando Alencastre 310, Col. Lomas de Virreyes, Ciudad de México

JUEVES 25 DE MAYO DE 2023, 5:00 P.M.

EXPOSICIÓN

Sábado 20 y domingo 21 de mayo, de 11:00 a.m. a 2:00 p.m.

Lunes 22, martes 23 y miércoles 24 de mayo, de 9:30 a.m. a 6:00 p.m.

Nos complace invitarle al cocktail, el martes 23 de mayo a partir de las 6:00 p.m.

VISITAS PRIVADAS Y ASESORÍA EN ARTE. Citas: Ma. Fernanda Serrano | Tel. (55) 5283 3140 ext. 6894 | mserrano@mortonsubastas.com

PORTADILLA

Lote 122

PORTADA

Lote 75

CONTRAPORTADA

Lote 92

Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, María Izquierdo, Saturnino Herrán, Frida Kahlo, José María Velasco y Dr. Atl, forman parte del grupo de pintores mexicanos cuyas obras son consideradas Monumentos Artísticos e Históricos. Si usted requiere mayor información, contacte a nuestro Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo.

Las piezas se entregan con la documentación que aparece en la descripción del catálogo. Informamos a nuestros clientes que la comisión de comprador es del 20% más IVA. Se recibirán ofertas en ausencia hasta cuatro horas antes del inicio de la subasta. Los precios son en pesos mexicanos (M.N.) Las descripciones proporcionadas en los catálogos impresos y en línea no en todos los casos incluyen un reporte de condición. La ausencia de una declaración de condición no implica que el lote se encuentre en perfecto estado o completamente libre de desgaste, daños, imperfecciones o los efectos del envejecimiento. Se recomienda encarecidamente a los compradores interesados, solicitar un informe sobre la situación precisa de los lotes por los que tenga intención de pujar, antes de hacer una oferta.

Por lo anterior, no existe cancelación de ventas.

Si desea un reporte de condición de alguna pieza incluida en esta subasta, por favor contacte al Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo: Ma. Fernanda Serrano | mserrano@mortonsubastas.com | Tel. 5283 3140 ext. 6894

LAS

VENTAS DESPUÉS DE SUBASTA SERÁN SOBRE EL ESTIMADO BAJO

Morton Subastas no proporciona servicios de envío de las piezas; sin embargo, podemos asesorarlo para su envío

Aproveche 3, 6, 9 ó 12 meses sin intereses con BBVA. Además puede pagar sus compras con puntos.

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El desempeño del mercado del arte siempre ha estado sujeto a especulaciones y en gran medida, arraigado a la economía y la sociedad en general. Sin embargo, su futuro siempre ha sido prometedor, especialmente en el mundo de las subastas donde hemos sido testigos de grandes sorpresas.

Es en un salón de subastas donde se puede observar la fluctuación constante de gustos, pasiones y euforias por tener algo que se desea, tanto por una simple necesidad humana de enriquecer el alma con las bellas artes, como por una inversión a mediano o largo plazo.

Constantemente se han registrado nuevos récords de venta y estamos siendo testigos del rápido crecimiento del Arte Latinoamericano en el extranjero, así como de la constante oscilación de obras de artistas mexicanos, aumentando así la confianza en el mercado en nuestro país.

Morton Subastas se complace en presentar una selección de 188 lotes que reflejan la creatividad trabajada por grandes artistas, quienes han marcado la historia social, política y artística a nivel mundial.

Entre las obras que conforman esta gran Subasta de Arte Latinoamericano destaca un mural del guanajuatense José Chávez Morado titulado “La música”, así como dos óleos sobre tela y un dibujo sobre papel del sobresaliente artista del realismo simbólico: Ángel Zárraga; siendo el lote 75, “Flores” la portada de nuestro catálogo.

También, se debe hacer énfasis en un biombo del jalisciense Roberto Montenegro, el cual fue ejecutado por encargo y en el que plasmó la bahía de Acapulco con un sentido modernista pero una estética arraigada al nacionalismo.

El lote 53 pertenece a la pintura “Naranja – Azul – Verde” de Gunther Gerzso, quien se caracterizó por tener una profunda apreciación por el estilo abstracto y que, a su vez, vinculó con elementos precolombinos. De igual forma destacan dos “Mensajes” y una “Estrella” del escultor, arquitecto, pintor e historiador nacionalizado mexicano de origen alemán: Mathias Goeritz.

Además, podrán encontrar tres apartados dedicados a ciertos artistas y colecciones, como por ejemplo: 6 pinturas pertenecientes a la familia de Francisco Eppens, 10 esculturas de distintos creadores que formaron parte del proyecto “Libertad en Bronce”; por último, una sección dirigida al gran proyecto que fue la producción de Pintura de Calendarios Mexicanos a mediados del siglo XX.

Asimismo, se presentan obras de Dr. Atl, Nahui Olin y las surrealistas Alice Rahon, Bridget Tichenor y Leonora Carrington. De la Generación de La Ruptura encontrará trabajos de Francisco Corzas, Manuel Felguérez, Vicente Rojo, Enrique Echeverría, Vlady, Alberto Gironella y Pedro Coronel. De pintores nacidos en Latinoamérica sobresalen los trabajos de Loló Soldevilla, Fernando Botero, Manuel Pailós, Fernando de Szyszlo, Alejandro Corujeira entre muchos otros.

Digna para un coleccionista, al final del catálogo se presenta la pintura “Naturaleza muerta” de Rufino Tamayo, la cual ha formado parte de importantes colecciones institucionales y privadas, siendo una excelente inversión para los amantes de la plástica mexicana.

Les invitamos a disfrutar de esta excepcional subasta. Nuestras especialistas estarán a su disposición para responder todas sus dudas con respecto a las obras y al proceso de compra.

Morton Subastas

LOLÓ SOLDEVILLA

(La Habana, Cuba, 1901 - La Habana, Cuba, 1971)

Sin título

Firmado y fechado 53

Óleo sobre tela

61 x 90 cm

Procedencia: adquirido en Bonhams, Nueva York, 10 de febrero de 2023; colección privada.

Agradecemos a Martha Flora Carranza Barba, nieta de la artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, enero de 2022.

Presenta detalles de conservación.

María de los Dolores Juan Soldevilla Nieto de nacimiento, originaria de Pinar del Río, Cuba, trazó su personalidad a edad temprana en parte gracias al ambiente culto en el que creció y en el cual generó un sólido compromiso social. En 1911 su familia se mudó a La Habana donde posteriormente se graduó del Conservatorio Falcón, en esta etapa de su vida fundó la “Orquesta de Loló” conformada por mujeres. Respecto a sus intereses sociales, se promulgó en contra del gobierno de Gerardo Machado, dictador de Cuba por lo que fue encarcelada en más de una ocasión. Así mismo en 1947 participó en el Primer Consejo de la Federación Internacional de la Mujer en Praga representando los ideales de la mujer cubana. Sus roles políticos no cesaron y para 1948 llegó a ser Miembro de la Cámara de Representantes de Cuba. Un suceso que cambió no sólo su perspectiva sino también el rumbo del arte cubano y latinoamericano fue la invitación recibida en 1948 por parte de la Federación Americana de Arte en Washington para visitar diversos museos de la región. Ese mismo año viajó a París donde comenzó su carrera artística de la mano de Wifredo Lam.

Para 1949 es nombrada agregada cultural de la Embajada de Cuba en Francia, lo que le permitió estudiar en la aclamada Académie de la Grande Chaumière, además de continuar sus enriquecedores viajes por el viejo continente. En 1950 regresó a Cuba y realizó su primera exposición individual “Loló esculturas”. De vuelta en París formó parte de diversas exposiciones colectivas y se relacionó con el movimiento “Los Disidentes”. En 1951 gestionó la muestra “Art cubain contemporain” en el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris. En 1956 organizó la primera muestra de arte abstracto internacional en el Palacio de Bellas Artes de La Habana con el título “Pintura de Hoy. Vanguardia de la Escuela de París” en la que se incluyeron 46 artistas europeos como Jean Arp, André Bloc, Sonia Delaunay además de distinguidos artistas latinos.

Un año más tarde fundó junto con Pedro de Oraá la “Galería de Arte Color Luz” en La Habana, con una exposición colectiva titulada “Pintura y Escultura cubana” en la que pintores abstractos cubanos se dieron lugar.

El trabajo de Loló Soldevilla exploró la geometría en diversos medios; pintura, escultura, collage y relieves. Su producción siguió los principios del concretismo: simplicidad y reducción de elementos a superficies y color, usando el círculo como forma dominante e introduciendo un sentido de ritmo y movimiento en sus composiciones.

Fuentes consultadas: sitio oficial de la artista www.lolosoldevilla.com y “5 things to know about Loló Soldevilla”. Bonhams. Publicaciones, 12 de julio de 2021.

$430,000.00-$600,000.00 M.N.

MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990)

Estrella, ca. 1973

Firmada

Escultura en bronce con pátina verde 10 x 13 x 13.5 cm

Con certificado de autenticidad de la Dra. Lily Kassner, febrero de 2013. Presenta mínimos detalles de conservación.

Mathias Goeritz fue un creador de corrientes estéticas que marcaron de forma indeleble el desarrollo artístico del siglo XX en México. Durante su multidisciplinaria trayectoria nutrió al país con una faceta lírica y pasional adscrita al expresionismo, una etapa polémica e irónica dadaísta y en su labor arquitectónica, ayudó a darle paso al constructivismo.

La escultura se convirtió para Goeritz en el medio de expresión más adecuado a su carácter y a la proyección de ideas estéticas. La transformación de la materia pareció ofrecerle posibilidades más amplias y directas.

Polifacético, con un avasallante espíritu emprendedor, siempre argumentó que la arquitectura debería ser arte, por lo que diseñó obras, habitó espacios y ocupó paredes con diversos componentes arquitectónicos con el fin de detonar la máxima emoción en el hombre. Después de publicar su manifiesto de la “Arquitectura Emocional” realizó diversos diseños para pequeñas y grandes esculturas, así como proyectos para murales.

Fuente consultada: KASSNER, Lily. Mathias Goeritz. Una biografía 1915-1990. México. UNAM - CONACULTA. 2007, pág. 252, LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y Pintura Mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano. Marzo-Abril 2006, año 11 no. 80, pp. 4-27 y sitio oficial del Patronato Ruta de la Amistad www.mexico68.org

$100,000.00-$150,000.00 M.N.

PEDRO CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1923 - Ciudad de México, 1985)

Sin título (proyecto para escultura)

Firmado y fechado Mex 1970 al reverso

Pastel y lápices de color sobre cartoncillo

69 x 49 cm

Con boceto al reverso.

Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, febrero de 2023.

Pedro Coronel estudió pintura y escultura en La Esmeralda, donde posteriormente fue maestro. En 1946 viajó por primera vez a Europa y residió en París, donde conoció a Octavio Paz y frecuentó los talleres de Victor Brauner y de Constantin Brancusi, que influyeron en gran medida a su proceso artístico. Su primera exposición individual fue en 1954, más tarde exhibió en países como Francia, Italia, Japón, Estados Unidos y Brasil.

Se desligó de las tendencias pictóricas del ámbito nacional a partir de los años 60 para tomar un camino más personal, a lo cual contribuyeron sin duda sus prolongadas estancias en el extranjero.

Residió en París y Roma un tiempo y a su regreso a México presentó una exhibición en el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México, en la cual los críticos pudieron admirar ese cambio personal, donde la obra muestra un olvido por las texturas, el uso de planos lisos, una vivencia fuerte del color que fluye sin ataduras ni intenciones anecdóticas, una pintura mucho más espacial, sin perspectivas ni engaños superficiales. Fuentes consultadas: CORONEL ORDIALES, Martín et al. Pedro Coronel. México. Grupo Financiero Bital, 1993, pp. 183 y 185 y GONZÁLEZ MATUTE, Laura. “La obra de Pedro Coronel”. México. Discurso Visual, abril de 2005.

$130,000.00-$250,000.00 M.N.

MANUEL FELGUÉREZ

(Valparaíso, Zacatecas, 1928 - Ciudad de México, 2020)

Monólogo

Firmado y fechado 97

Óleo y mixta sobre tela

100 x 120 cm

Agradecemos a Mercedes Oteyza, viuda del artista por la verificación de autenticidad de esta obra, febrero de 2023. Este multifacético artista que se desenvolvió en ámbitos como pintura, escultura, cerámica ha sido sujeto de diversas publicaciones bibliográficas donde se remarcan las grandes aportaciones al mundo del arte gracias a su experimentación tanto práctica como teórica. Gracias a su visita a Europa sus horizontes se expandieron y decidió incursionar en el campo artístico. Se le reconoce como pieza clave de La Ruptura, alejándose del discurso de los muralistas para adentrarse en la individualidad y libertad.

Su formación comenzó en la Academia de San Carlos, sin embargo, dadas las limitaciones académicas desertó para posteriormente ingresar a la Académie de la Grande Chaumière de París. De regreso a México ingresó a La Esmeralda, volvería a Francia en 1954 becado para estudiar en la Académie Colarossi.

En su obra destacan las formas geométricas mas no de manera limitativa logrando explorar el expresionismo desde la abstracción lírica y elementos figurativos como se aprecia en su muralismo escultórico.

Uno de los puntos clave tanto de su carrera como de la propia historia del arte se dio cuando realizó trabajos de investigación en la Universidad de Harvard gracias a la beca Guggenheim durante 1970 de la mano del ingeniero en sistemas Mayer Sasson, usando programación informática para la producción artística, dando como resultado la exposición "Espacio múltiple" además de la publicación posterior de "La máquina estética".

Fuentes consultadas:

-MANRIQUE, Jorge Alberto. La obra y el concepto de Manuel Felguérez. El proceso creativo XXVI Coloquio Internacional de Historia del Arte. México. Instituto de Investigaciones Estéticas, 2006

- MEDINA, Cuauhtémoc et al. Manuel Felguérez. El futuro era nuestro. México. Museo Universitario de Arte Contemporáneo. México. Instituto de Investigaciones Estéticas. 2020, pp. 16-18

- KITROEFF, Natalie. “Manuel Felguérez, artista mexicano de arte abstracto, falleció a los 91 años”. The New York Times, 18 de junio de 2020.

$850,000.00-$1,200,000.00 M.N.

5

FELICIANO BÉJAR

(Jiquilpan, Michoacán, 1920 - Ciudad de México, 2007)

Custodia (Magiscopio)

Firmada y fechada 79

Escultura en acero y cristal tallado

142 x 77 cm

Con certificado de autenticidad de SUMMA Arts, agosto de 1981. Agradecemos a Martín Feliciano Béjar y a Martin Foley por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2016. Su formación fue autodidacta; desde que tenía 15 años Béjar comenzó a experimentar con los materiales que hallaba a su paso. Fue entonces que conoció a José Clemente Orozco, quien trabajaba en una biblioteca de Jiquilpan y de quien aprendió que el arte debía estar al servicio de la sociedad y fue por eso que durante su vida pugnó por "democratizar la belleza por medio del arte". En un principio se dedicó a recorrer el mundo. En 1948 presentó su primera exposición en Ward Eggleston Galleries en Nueva York. Continuó su formación en los museos de París y recorrió Europa en bicicleta. En 1956, mientras vivía en París, un nuevo elemento asomó con insistencia en su obra: las luces a manera de pequeños soles. Su biógrafo, Martin Foley, lo bautizó como “el recolector de soles”. Fue en México donde se involucró en la construcción de instrumentos "poblados de luz".

Los soles escaparon de sus lienzos y maderas para convertirse en los ojos de sus nuevas esculturas. Así nacieron las obras bautizadas por Jorge Hernández Campos como magiscopios: instrumentos de acero reciclado con lentes encapsulados. La llegada de estas creaciones al Palacio de Bellas Artes, en 1966 constituyó la apertura a toda una generación de escultores vanguardistas, y significó la ruptura de moldes tradicionales. Impuso una nueva forma de entender el arte como un juego, una actividad lúdica en esencia.

Fuente consultada: MATEOS, Mónica. “Murió Feliciano Béjar, impulsor de un arte al servicio de la sociedad”. México. Diario La Jornada, sección Cultura, 2 de febrero de 2007.

$150,000.00-$250,000.00 M.N.

6 ENRIQUE ECHEVERRÍA

(Ciudad de México, 1923 - Cuernavaca, Morelos, 1972)

Cosas en el jardín

Firmado y fechado 1967 al frente y al reverso Óleo sobre tela

105 x 85 cm

Agradecemos a la Maestra Ester Echeverría por la verificación de autenticidad de esta obra, febrero de 2023.

Con etiquetas de DIMART y del Museo del Palacio de Bellas Artes. Presenta detalles de conservación.

“Enrique Echeverría fue por, vocación plena un pintor, un maestro en el arte eterno del color, arte al que hizo la entrega de lo mejor que poseía, en cuanto hombre y en cuanto artista”. Xavier Moyssen.

Enrique Echeverría fue un destacado artista integrante del núcleo duro de la generación de La Ruptura. Desarrolló una maestría colorística por su cuidadosa y persistente forma de trabajar la luz, planos, empastes, ritmos y la vibración de la materia pictórica. Además de su carrera artística estudió Ingeniería Aeronáutica.

Arturo Souto además de ser su profesor promovería su obra e iniciaría en La Esmeralda.

En 1951 intentó exponer en el Salón de la Plástica Mexicana sin éxito, así que empezó a colaborar en la fundación de la Galería Prisse, icónico sitio para los artistas de La Ruptura. Un año después obtuvo una beca del Instituto de Cultura Hispánica para estudiar en Europa.

A su regreso a México, impulsó la Galería Proteo junto con otros artistas de su generación y en 1968 obtuvo el Premio de Adquisición en el recién inaugurado Salón Anual de Pintura del Salón de la Plástica Mexicana. Fuentes consultadas: MOYSSEN, Xavier. Enrique Echeverría, la vocación de un pintor. México. Revista de la Universidad de México, septiembre de 1980 y sitio oficial del Museo Fernando García Ponce-MACAY www.macay.org

$300,000.00-$400,000.00 M.N.

VLADY

(Petrogrado, Rusia, 1920 - Cuernavaca, Morelos, 2005)

Desde la colina

Firmado y fechado 56

Óleo sobre tela 50 x 60 cm

Presenta craqueladuras.

Nació durante el periodo bélico en Rusia, su padre Victor Serge fue un anarquista franco-ruso y su madre Luiba Rasákova, provenía de una familia judía anarquista, siendo el abuelo de Vlady una gran influencia en él como se aprecia en la obra "El abuelo nihilista 1968". Vlady heredó la ideología revolucionaria, espíritu que lo caracterizó de modo especial. Desde joven acudió a admirar el Museo Hermitage de Leningrado quedando impactado por las obras del Renacimiento. A través del dibujo, plasmó fuertes imágenes de su contexto.

Debido a las características de su familia fueron perseguidos por diversas autoridades, teniendo que emigrar en múltiples ocasiones a países como Bélgica y Francia, donde su acercamiento al arte continuaría gracias a su gusto por Van Gogh y su empleo del color para después establecer cercanos vínculos con personajes como André Breton y artistas latinoamericanos, desafortunadamente la ocupación nazi lo haría desplazarse nuevamente, ahora a Martinica donde se maravilló con la diversidad natural.

En 1941 llegó con su padre a México y tuvo su primer contacto con los gigantes murales de Diego Rivera y el arte revolucionario, experiencia que marcó de manera determinante su estadía y vida. Mantuvo contacto con André Breton, Wifredo Lam y otros maestros muralistas, además de acercarse a Remedios Varo y Leonora Carrington. Se casó con Isabel Díaz Fabela, la verdadera “tierra de Vlady” como se le conoció a la esposa del apátrida.

Mantuvo una relación compleja con los rupturistas al mismo tiempo que se mantuvo siempre crítico ante los artistas pseudo comprometidos con el socialismo. Publicó diversos textos que abarcan reflexiones estéticas, filosóficas y políticas de igual manera impulsó la publicación de textos de su padre acompañados de sus ilustraciones.

Su obra plasma su dura postura social como lo haría en el encargo realizado por la Secretaría de Gobernación en 1994 que terminaría por ser desaparecido dados los puntos tocados.

Fuente consultada: ALBERTANI, Claudio. ¿Quién es Vlady? (y por qué es importante saber). México. Invndación Castálida, año 3, No. 6, pp. 12 - 25 y RENS, Jean Guy. Vlady. De la Revolución al Renacimiento. México. Siglo XXI Editores, 2005, pp. 25-30 y 121-135.

$100,000.00-$200,000.00 M.N.

ENRIQUE ECHEVERRÍA

(Ciudad de México, 1923 - Cuernavaca, Morelos, 1972)

La mulata

Firmado y fechado 1959

Óleo sobre tela

110 x 85 cm

Agradecemos a la Maestra Ester Echeverría por la verificación de autenticidad de esta obra, febrero de 2023. Con etiqueta del Palacio de Bellas Artes y del Museo de Arte Moderno. Presenta detalles de conservación.

Enrique Echeverría fue un destacado artista de La Ruptura. Reconocido por su detallado uso del color a través de su forma de trabajar la materia pictórica.

Gracias a que no pudo exponer en el Salón de la Plástica Mexicana colaboró en la fundación de la Galería Prisse, icónico sitio para los artistas de La Ruptura. Posteriormente impulsó la Galería Proteo junto con otros artistas de su generación y en 1968 obtuvo el Premio de Adquisición en el recién inaugurado Salón Anual de Pintura del Salón de la Plástica Mexicana. Para el inicio de los años 70, había participado en diversas exposiciones en México, Estados Unidos, Sudamérica y Europa. Fuentes consultadas MOYSSEN, Xavier. Enrique Echeverría, la vocación de un pintor. México. Revista de la Universidad de México, septiembre de 1980 y sitio oficial del Museo Fernando García Ponce-MACAY www.macay.org

$300,000.00-$400,000.00 M.N.

9 BYRON GÁLVEZ

Sin título

Firmado

Óleo sobre tela

180 x 180 cm

Agradecemos a Óscar Gálvez y a Eva Beloglovsky, viuda del artista por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2023. Procedencia: perteneció a la Colección del Grupo Financiero Inbursa (Mercantil de México).

Desde muy joven manifestó sus inquietudes artísticas. Su padre, que era comerciante y campesino, fue un apasionado de la literatura y, además, tocaba el violín en una banda de jazz. Así, el pintor creció en un ambiente ligado a las expresiones de la cultura de una manera natural. En 1964 montó su primera exposición individual y desde entonces realizó más de sesenta muestras en los principales museos y galerías de México y diferentes ciudades de Estados Unidos, Europa y Latinoamérica.

Un hecho singular dentro de su trayectoria como artista plástico aconteció cuando, siendo muy joven, el famoso actor estadounidense Vincent Price adquirió todas las obras que conformaban su primera exposición individual, llamándolo así “un Picasso mexicano”.

Fuentes consultadas: “Byron Gálvez, de la Academia a la Eternidad”. México. Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo, 2014 y sitio oficial del artista www.byrongalvez.com

$450,000.00-$700,000.00 M.N.

(Mixquiahuala, Hidalgo, 1941 - Ciudad de México, 2009)

VICENTE ROJO

(Barcelona, España, 1932 - Ciudad de México, 2021)

Escenario junto al mar 803

Firmada y fechada 1998 al reverso

Mixta sobre tela

80 x 80 cm

Con etiquetas de Galería Juan Martin y de Galería Artur Ramon. Artista plástico, diseñador y editor, perteneciente a la generación de La Ruptura. Sus estudios iniciaron en 1946 en la Escuela Elemental del Trabajo en España donde adquirió conocimientos referentes al dibujo, cerámica y escultura. Tres años más tarde llegó a México para reunirse con su padre, quien fuera emigrado político. Ingresó a La Esmeralda gracias al apoyo de Miguel Prieto quien lo habría instruido en tipografía y diseño, recibió clases de maestros de alta talla como Agustín Lazo y Raúl Anguiano aunque abandonó más tarde la institución por diferencias ideológicas. Su papel como diseñador ha sido ampliamente reconocido, en este ámbito se le reconoce la cofundación de la "Revista Artes de México" y "Ediciones Era".

Fuentes consultadas: DEL CONDE, Teresa. "Vicente Rojo: recuentos". La Jornada y LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 7, No. 56, marzo-abril de 2002, pág. 9.

$260,000.00-$380,000.00 M.N.

VICENTE ROJO

(Barcelona, España, 1932 - Ciudad de México, 2021)

Cuatro códices y dos espejos enterrados

Firmada y fechada 98 al frente. Firmada y fechada 1998 al reverso

Mixta sobre tela 100 x 100 cm

“Si mis obras pudieran hacer sentir a otros lo que a mí me ha producido ese viaje que es el arte me daría por bien servido”. Vicente Rojo. $380,000.00-$500,000.00 M.N.

ALBERTO GIRONELLA

(Ciudad de México, 1929 - Ciudad de México, 1999)

Calavera fumante basada en un cuadro de Van Gogh

Sin firma

Óleo sobre tela

46 x 46 cm

Con constancia de autenticidad de Fundación Parra Gironella, marzo de 2023. Publicado en: FUENTES, Carlos et al. Alberto Gironella. México. Grupo Financiero Bital. 2002, pág 161. Presenta mínimos detalles de conservación.

“Para mí, el sentimiento trágico de la vida es un sentimiento fundamental. Es lo que rige. Yo no creo en la inmortalidad. Creo en la muerte. Y de ahí que mi obra sea el tránsito hacia la muerte. Ahora yo no amo la muerte. No soy necrófilo. Se puede creer en tal cosa, pero no amarla. El personaje central de mi obra es el tiempo; es la dimensión que yo quiero darle a mi obra…”. Alberto Gironella, 1963. Fuente consultada: RICO, Pablo. Los Parra - Gironella, un collage familiar. México. Gobierno del Estado de San Luis Potosí, Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario, El Aire Centro de Arte, 2012, pág. 128.

$140,000.00-$200,000.00 M.N.

13

ALBERTO GIRONELLA

(Ciudad de México, 1929 - Ciudad de México, 1999)

Retrato de Ofelia Medina

Sin firma, Fechado 21 - II - 78

Lápiz de grafito y gouache sobre papel

65 x 50 cm

Con constancia de autenticidad de Fundación Parra Gironella.

Presenta detalles de conservación.

De padre catalán y madre yucateca Alberto Gironella fue un reconocido artista plástico cuya producción estuvo sumamente ligada a la literatura, la poesía y la música, o como él mismo llamaba: “un loco intento de atrapar el tiempo”. Estudió Letras Españolas en la Universidad Nacional Autónoma de México porque deseaba ser escritor, pero pronto descubrió que su pasión era la pintura. Su formación artística estuvo marcada por diversas influencias, destacando su estudio por las obras de Diego Velázquez, El Greco, Rembrandt, Francisco de Goya y Pablo Picasso, así como el contacto que tuvo con los exiliados españoles en nuestro país, de quienes aprendió la ideología y técnicas vanguardistas, sin olvidar su absoluta dedicación por la lectura de autores como Francisco de Quevedo, Miguel de Cervantes Saavedra, Friedrich Nietzsche y Octavio Paz.

Fuentes consultadas: PAZ, Octavio et al. Alberto Gironella. México. Grupo Financiero Bital, Landucci Editores, 2002, pp. 185 y 186 y SÁNCHEZ, Antonio. “La silla presidencial”. México. Algarabía, 20 de noviembre de 2014.

$100,000.00-$180,000.00 M.N.

JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006)

Paloma

Firmada en la base

Escultura en terracota, pieza única

40 x 32 x 23 cm

Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2023.

Presenta detalles de conservación a causa de la técnica empleada. Existen otras versiones en formato y material similar de esta obra. En definitiva, las aves se han convertido en el símbolo tridimensional del arte de Juan Soriano. Palomas, gorriones, cenzontles y todas las aves fueron para Juan Soriano una captura que va más allá de la simple representación de la ornitología. Desde siempre, las aves fueron un asombro para Soriano, siendo uno de los motivos principales en su obra. Durante años, dedicó una atención casi exclusiva a la realización de estas aves, encerrando en cada una formas inimaginables y combinaciones singulares que hicieron de estas, emblemas amigables con fines de contemplación.

“Las obras escultóricas de Juan Soriano, no podían escapar a las peculiaridades de un pintor que hace escultura; tanto en sus p equeñas cerámicas como en sus trabajos monumentales en bronce. El artista en cuestión es un escultor que siente, piensa y crea en pintor; sus grandiosas esculturas le dan tema y materia para explayarse en una fina gama de textura y de coloraciones que dan el toque y el sentido final a su tarea.

El arte de Soriano, interesante en grado sumo en nuestro medio, por lo sui generis, llega ya a una maestría consumada no solo por lo que al oficio se relaciona sino, y esto es lo importante, por el aliento creativo que lleva en sí y por la dosis de inefable lirismo de que está lleno. Soriano, por su talento, por su finura espiritual, por su don divino, es una voz de poesía en el campo de las artes plásticas d e México”. Carlos Mérida, febrero de 1962. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.juansoriano.net

$190,000.00-$250,000.00 M.N.

JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006)

Sin título

Firmado y fechado 61

Óleo sobre tela 68 x 44.5 cm

Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2023.

Presenta ligeras craqueladuras y detalles de conservación.

Juan Soriano fue un artista independiente de la Academia, aprendió por sí mismo el oficio de pintor, sin embargo, sus múltiples viajes al extranjero, el trabajo de sus colegas y la cultura mexicana fueron sus principales motivaciones e influencias. También conocido como “El Mozart de la pintura”, incursionó en diversos temas y técnicas enriqueciendo y afinando su estilo a través del tiempo. A mediados de los años 70, vivió entre México y París, trabajando como agregado cultural del embajador Carlos Fuentes, experiencia que le dejó una rica inspiración artística.

Fueron años sumamente productivos tanto social como artísticamente, el vivir entre México y Francia con gran libertad hizo que su obra lo

resintiera, siendo testigo de su apego a la modernidad occidental y la unión que hizo con su ideal del color y las formas mexicanas. Su mutable actividad creadora le permitió ser docente, ceramista, escenógrafo, pintor, escultor, diseñador de vestuarios, ilustrador y activo participante en exposiciones en México, Estados Unidos, Italia, Francia, Alemania, Polonia y otras sedes más. En estos vaivenes, su trabajo tomó ciertas características cromáticas de los impresionistas y lo unió a su estudio del dibujo, actividad que para él era un hecho puramente intelectual que iba mucho más allá de solo un punto de partida. No obstante, en esta etapa conoció a Marek Keller en una reunión en casa de Sergio Pitol, quien se convertiría en su representante y compañero de vida por más de 30 años. Juntos conformaron un gran acervo y crearon la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C.

Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 2, No. 16, abril 1996, pp. 10-12 y PITOL, Sergio. Juan Soriano. La creación como libertad. México. MARCO, CONACULTA, INBA, 2000, pág. 40.

$400,000.00-$600,000.00 M.N.

ALICE RAHON

(Chenecey-Buillon, Francia, 1904 - Ciudad de México, 1987)

Sin título

Firmada

Mixta sobre madera

16.5 x 36.7 cm

Con constancia de opinión de Galería Oscar Román, marzo de 2023. Presenta craqueladuras.

Se reconoce la profundidad de sus composiciones resultado de la delicada disposición de elementos seleccionados con la gran sensibilidad que la caracterizaba.

Su vida estuvo plagada de sucesos trágicos que forjan en ella una personal manera de ver la vida sin escapar de sus vivencias. A los tres años sufrió una fractura en la cadera lo que derivó en una prolongada recuperación en la que pasaba largos periodos interactuando con la naturaleza de la región de Bretaña, cuestión que educó su curioso ojo. Otros infortunios incluyen la muerte de su hijo, la contracción de tuberculosis y más tarde la pérdida de Wolfgang Paalen su ex pareja. No es de extrañar que con este perfil fuera muy cercana a Frida Kahlo, otro personaje peculiar.

Una visita a la cueva de Altamira y su encuentro con las pinturas paleolíticas le devolvieron el interés por la producción de arte que en su infancia y adolescencia había sido cultivada por su padre. Alice Rahon también se desempeñó como poeta, siendo la revista Dyn de Paalen uno de sus principales medios de publicación.

Fuentes consultadas: GÚZMAN, Anvy. Tres mujeres surrealistas en México Parte I. Alice Rahon y SÁNCHEZ, Héctor Antonio. Alice Rahon: arte como sortilegio. Ménades y meninas. Universidad Autónoma Metropolitana, noviembre 2015, pp. 32-35.

$130,000.00-$200,000.00 M.N.

17

NAHUI OLIN

(Veracruz, México, 1894 - Ciudad de México, 1978)

Sin título

Firmado

Óleo sobre cartón

34.5 x 25 cm

Procedencia: perteneció a la colección de la familia de la artista.

Esta fue una de las últimas obras realizadas por Nahui Olin.

Más allá de su relación con Gerardo Murillo quien la posicionó como la figura de “la musa” por excelencia, Nahui Olin puede ser incluida dentro de un grupo de mujeres junto con Frida Kahlo, Tina Modotti, María Izquierdo, Lupe Marín y Lola Álvarez Bravo, que asumieron un rol activo en la vida intelectual, artística y política del México posrevolucionario, desafiando muchas de las prohibiciones sociales y los dogmas morales establecidos. Su trabajo se insertó en la escena a la par de sus colegas hombres y se vinculó con el arte desde una posición sumamente personal.

“En la obra pictórica de Nahui Olin existe una confluencia de recuerdos, de emociones intensas que le permiten conformar obras de gran vitalidad. Debido a este sedimento vivencial, sus pinturas están plenas de una textura emocional intensa que atrapa al espectador”. Tomás Zurián.

$450,000.00-$600,000.00 M.N.

ALICE RAHON

(Chenecey-Buillon, Francia, 1904 - Ciudad de México, 1987)

Paisaje

Firmado y fechado 54

Lápiz de grafito sobre papel chino

15.5 x 25 cm

Con constancia de opinión de Galería Oscar Román, marzo de 2023. Con etiqueta de Galería Proteo. Presenta ligeros detalles de conservación. “Afecta a las manipulaciones minúsculas; pegaba plumitas, hojitas secas, papelitos encontrados en la calle, alitas de mariposas, algodoncitos quemados. Su curiosidad por la materia pictórica la acercaba a los cubistas, el misterio de sus imágenes a los surrealistas”. Raquel Tibol. $60,000.00-$80,000.00 M.N.

19

NAHUI OLIN

(Veracruz, México, 1894 - Ciudad de México, 1978)

La plaza del pueblo ca.1933

Firmado

Óleo sobre cartón

40 x 53.5 cm

Con dedicatoria al reverso.

Publicado en: ZURIÁN UGARTE, Tomás et al. Nahui Olin. La mirada infinita. México. Museo Nacional de Arte - Secretaría de Cultura. 2018, pág. 276, catalogado 264.

Exhibido en: “Nahui Olin. La mirada infinita”, muestra presentada en el Museo Nacional de Arte, de junio a septiembre de 2018.

Su verdadero nombre era Carmen Mondragón. Perteneció a una de las familias más conservadoras de principios del siglo XX. Su padre fue el general Manuel Mondragón, quien fue considerado como un traidor pues se alió con Victoriano Huerta para derrocar al gobierno de Francisco I. Madero. Por esta razón se exilió junto con su familia, excepto Carmen, en Europa. Ella llegó a París un año más tarde, recién casada con el pintor Manuel Rodríguez Lozano. En aquella época, conoció a personajes como Pablo Picasso, Georges Braque y Henri Matisse, quienes la provocaron a iniciarse en el mundo del arte. Regresó a México hasta 1921, ya separada de su esposo. Fue con Dr. Atl con quien forjó un intenso romance, él la rebautizó como Nahui Olin, que en náhuatl significa “el quinto sol”.

Su obra tomó como eje principal escenas bucólicas y momentos amorosos, así como una vasta serie de autorretratos. Sin una técnica académica, se le encasilló entre los artistas naïf, pero detrás de esa aparente ingenuidad se encontraba una fuerte reivindicación de la autonomía femenina y de la identidad popular mexicana.

Fuente consultada: REYNA, Carlos. “La mirada infinita de Nahui Olin”. México. Gatopardo, sección Arte y Cultura, 17 de agosto de 2018 y sitio oficial del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires www.malba.org.ar

$650,000.00-$1,000,000.00 M.N.

VALETTA SWANN

(Eastbourne Sussex, Inglaterra, 1904 - Ciudad de México, 1973)

Sin título

Firmado

Óleo sobre tela

82 x 108 cm

Nacida en Inglaterra se construyó solidaria con los problemas sociales del mundo, pero en especial con nuestro país a través de su mirada etnográfica al igual que su pareja Bronislaw Malinowsk. Alguna vez se negaría ante la solicitud de un importante galerista de Nueva York quien le pidió dejar de pintar “despreciado pueblo de color ” y augurarle gran éxito económico. Su obra se describe entorno al impresionismo europeo y costumbrismo mexicano como las obras producidas de las provincias pintorescas de México.

“Cuando pinto, no veo otra cosa que la alegría creadora que se derrama de los tubos de color en la tela a través del pincel, al impulso de un mandato”. Valetta Swann.

Fuentes consultadas: “Influencia de México en la pintura de Valetta Swann”. México. Revista de la Universidad de México, UNAM, N° 27, marzo de 1949 y SERNA DIMAS, Adrián. Amor salvaje. Tempestades en el relato etnográfico. Promesa recóndita. Relatos sobre la cultura y el amor romántico. CLACSO 2017, pp. 43-84.

$150,000.00-$300,000.00 M.N.

21

NAHUI OLIN

(Veracruz, México, 1894 - Ciudad de México, 1978)

Pareja, 1932

Firmado

Óleo sobre cartón, doble vista 38 x 30 cm

Publicado en:

- ZURIÁN UGARTE, Tomás et al. Nahui Olin. La mirada infinita. México. Museo Nacional de Arte - Secretaría de Cultura. 2018, pág. 271, catalogado 254.

- ZURIÁN UGARTE, Tomás et al. Nahui Olin. Una mujer de los tiempos modernos. México. Instituto Nacional de Bellas Artes. 1992, pág 147 y 157, catalogados 32 y 33.

Exhibido en:

- “Nahui Olin, una mujer de los tiempos modernos”, muestra presentada en el Museo Estudio Diego Rivera en la Ciudad de México en 1992 y 1993 y en el Museo de Arte del Estado en Monterrey, Nuevo León en 1993

- “Nahui Olin. A woman beyond time”, muestra presentada en el National Museum of Mexican Art en Chicago, Illinois, del 22 de junio al 2 de septiembre de 2007

- “Nahui Olin. La mirada infinita”, muestra presentada en el Museo Nacional de Arte de la Ciudad de México, de junio a septiembre de 2018. Con etiqueta del Instituto Nacional de Bellas Artes.

Mi espíritu y my cuerpo tienen siempre loca sed de esos mundos nuevos que voy creando sin cesar y de las cosas y de los elementos

$500,000.00-$900,000.00 M.N.

y de los seres y de esa sed admirable nace el poder creador y es fuego que no resiste mi cuerpo que en continua renovación

de juventud de carne y de espíritu es uno y es mil insaciable sed...

Nahui Olin.

GERARDO MURILLO “DR. ATL”

(Guadalajara, Jalisco, 1875 - Ciudad de México, 1964)

Sin título

Firmado

Óleo y Atl colors sobre masonite

30 x 42.5 cm

Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, mayo de 2022.

Procedencia: regalo del artista al Dr. Jaime Antonio Aguadé i Cortés.

Con fragmento de etiqueta de Museo Nacional de Arte. Gerardo Murillo Cornado fue un destacado pintor, un refinado dibujante y caricaturista, un asiduo escritor, ensayista y filósofo, un persistente explorador, geólogo y vulcanólogo, crítico de arte, político, revolucionario, admirador de la historia del arte universal y un inalcanzable amante de la naturaleza.

En su natal Guadalajara nació su amor al arte, bajo la tutela de Félix Bernardelli se inició como artista. Su inquietud por conocer las vanguardias europeas lo llevó al viejo continente en 1897, ya que el gobierno de Porfirio Díaz le otorgó una beca, con la cual estudió filosofía y derecho penal y empezó a apoyar causas obreras, dejando la pintura como una actividad ocasional.

Con la Revolución Mexicana a punto de estallar, Dr. Atl estaba ya involucrado en movimientos intelectuales que proponían luchas sociales. Al término, se refugió en las faldas del Popocatépetl, donde se dedicó a estudiar y pintar a los volcanes y empezó a hacer excursiones cortas, a las que lo lo acompañaba Joaquín Clausell. Realizó su segundo viaje a Europa colaboró en la revista “L’Action d’Art” y realizó diversas exposiciones. Tras enterarse de los conflictos políticos y sociales que azotaban a México, regresó en 1914 y se integró a una ardua labor con Venustiano Carranza.

Los paisajes de Dr. Atl fueron toda una revelación para el arte mexicano, pues los detalles por los cuales se caracterizaron estaban lejos de inscribirse en las preocupaciones nacionalistas de la época.

Para la historia del arte mexicano Dr. Atl es un personaje trascendental que revolucionó el término de “modernidad”, ya que influenció fuertemente en la vida política y cultural del país a través de recursos nunca antes usados bajo la ejecución de proyectos, textos, pinturas y teorías realizadas durante sus múltiples viajes. destacan sobre otras cosas por la técnica, ya que la mayor parte de su trabajo fue realizado con tinta, lápiz, pastel, óleo, témpera y pasteles grasos que él mismo creó y bautizó como “Atl colors”.

Fuentes consultadas: ROURA, Alma Lilia. Dr. Atl, paisaje de hielo y fuego. México. CONACULTA, 1999, pp. 22-25 y MANRIQUE, Jorge Alberto et al. Dr. Atl. Obras maestras. Dibujos y bocetos. México. Turner, 2012, pp. 27-56.

$2,300,000.00-$3,500,000.00 M.N.

LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014)

Valle de Juchitepec, 1970

Firmado al frente. Con gago-in al reverso Óleo sobre tela

49.5 x 100 cm

Con certificado de autenticidad del artista, diciembre de 2002.

Agradecemos a Gabriel Nishizawa por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2023. Presenta ligeros detalles de conservación.

Gran maestro de ascendencia mexicana-japonesa, exponente de la herencia nacionalista de la primera mitad del siglo XX y sus venideras contrapartes, cuestiones que aunadas a su personal modo de vida relacionado con la sensibilidad adquirida durante sus primeros años en el campo mexicano serían determinantes plasmadas en su producción dejando ver la apertura al mundo técnica y literalmente a través de sus múltiples paisajes en los que el legado de artistas como José María Velasco y Dr. Atl se dejan ver acompañados de un modo de vida japonés indiscutible.

Fuentes consultadas: GARCÍA LUNA, Margarita. Luis Nishizawa Master of His Craft. México. Voices of Mexico. Science, Art and Culture, 55, pp. 33 - 35 y MACMASTERS, Merry. Luis Nishizawa Heir to Two Ancient Traditions. México. Voices of Mexico. Science, Art and Culture, 55, pp. 39 - 46.

$300,000.00-$400,000.00 M.N.

GERARDO MURILLO “DR. ATL”

(Guadalajara, Jalisco, 1875 - Ciudad de México, 1964)

Sin título

Firmado

Óleo y Atl colors sobre masonite

42 x 55 cm

Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, mayo de 2022.

Procedencia: regalo del artista al Dr. Jaime Antonio Aguadé i Cortés. Presenta craqueladuras y desprendimientos de capa pictórica.

Fue entre las décadas de los 20 y 40, que Dr. Atl construyó una fructífera labor editorial, algunos libros incluían tanto textos como bocetos y dibujos acompañados por fotografías de Guillermo Kahlo. En este período, conoció a María del Carmen Mondragón, hija del general Manuel Mondragón, de quien se enamoró y bautizó como “Nahui Olin”.

1949 fue un año difícil, pues sufrió la amputación de la pierna derecha, lo que le impidió continuar con sus estudios de vulcanología, actividad que comenzó a realizar desde principios de los años 20, en especial las expediciones que hacía al volcán Paricutín desde su yacimiento en 1943. Aquel incidente, lo impulsó a crear el “aeropaisaje”, una nueva técnica que consistía en sobrevolar los cielos, permitiéndole alcanzar una visión mucho más amplia de los volcanes, montañas y valles; así, junto con la aplicación de la perspectiva curvilínea creó espectaculares cuadros con una específica vitalidad telúrica del espacio y vibrantes combinaciones de la luz en la atmósfera.

Fuente consultada: ROURA, Alma Lilia. Dr. Atl, paisaje de hielo y fuego. México. CONACULTA, 1999, pp. 22-25.

$2,300,000.00-$3,500,000.00 M.N.

GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA

(Puebla, México, 1887 - 1962)

Sin título

Firmado

Óleo sobre tela

52.5 x 68 cm

Patrimonio de la Humanidad, Xochimilco fue lugar especial para pintores paisajistas, entre ellos Gómez Mayorga, quien utilizó este terreno prehispánico como laboratorio de experimentación. Colores que avivan la flora, tonos para recrear el agua del canal y elementos que se esconden entre el matorral, hacen de esta pieza una magnífica interpretación atmosférica de Xochimilco. Mayorga definitivamente logró llegar al éxtasis de la perspectiva con trazos definitivos en el horizonte, creando una poesía histórica.

Fuente consultada: AMERLINCK, Rodrigo et al. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, pp. 87-99.

$180,000.00-$250,000.00 M.N.

GERARDO MURILLO “DR. ATL”

(Guadalajara, Jalisco, 1875 - Ciudad de México, 1964)

Sin título

Sin firma

Óleo sobre masonite

25.5 x 35.8 cm

Agradecemos al Sr. Andrés Blaisten por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2023. Los paisajes de Dr. Atl fueron toda una revelación para el arte mexicano, pues los detalles por los cuales se caracterizaron estaban lejos de inscribirse en las preocupaciones nacionalistas de la época.

Para la historia del arte mexicano Dr. Atl es un personaje trascendental que revolucionó el término de “modernidad”, ya que influenció fuertemente en la vida política y cultural del país a través de recursos nunca antes usados bajo la ejecución de proyectos, textos, pinturas y teorías realizadas durante sus múltiples viajes. Fue un hombre con energía, de personalidad rica y compleja, quien a pesar de su condición física nunca perdió el espíritu explorador, falleciendo en plena actividad artística el 15 de agosto de 1964. Actualmente su herencia estética forma parte de importantes colecciones privadas y toda su obra ha sido declarada monumento histórico.

Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus Artistas. Tomo I. México, Promoción de Arte Mexicano, 2000, pp. 84 - 87.

$850,000.00-$1,500,000.00 M.N.

JORGE GONZÁLEZ CAMARENA

(Guadalajara, Jalisco, 1908 - Ciudad de México, 1980)

Paisaje

Firmado

Óleo sobre masonite

36 x 46 cm

Con constacia de la Galería Windsor.

Jorge González Camarena fue un destacado pintor y escultor jalisciense considerado como uno de los representantes más importantes de la segunda generación de muralistas mexicanos. Fue un dibujante nato, que mostró un gentil y fino trato estético en cada una de sus obras, las cuales realizó mediante la pintura de caballete y mural, así como la realización de esculturas de formatos medianos y monumentales. Fue un artista interesado en la difusión y preservación de la cultura mexicana a través de su obra y por ello recibió varios premios y reconocimientos en México y el extranjero. Algunas de estas obras se encuentran en instituciones de gran importancia, como el Palacio de Bellas Artes, el Castillo de Chapultepec y el Museo de Antropología e Historia en la Ciudad de México. Además, pintó por encargo para el Instituto Mexicano del Seguro Social, para el edificio de Televicentro y para la Casa de Estudios del Instituto Tecnológico de Estudios Superiores de Monterrey, entre otros. Su indiscutible entrega al arte lo colocó a través de los años como uno de los pintores más completos y cuya obra prevalece por su temática equilibrada en el campo histórico y social de México. Por esto y más, este año se aprobó el dictamen para declararlo como Benemérito del estado de Jalisco, acordando colocar una escultura conmemorativa en la Plaza de los Jaliscienses Ilustres. Fuente consultada: LUNA ARROYO, Antonio. Jorge González Camarena en la Plástica Mexicana. México. UNAM, 1981, pág. 39.

$350,000.00-$500,000.00 M.N.

GERARDO MURILLO “DR. ATL”

(Guadalajara, Jalisco, 1875 - Ciudad de México, 1964)

Sin título (Paisaje)

Firmado

Carboncillo sobre papel

30 x 46 cm

Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano. Con etiqueta de Galería Misrachi.

Presenta detalles de conservación.

“No puede pasarse por alto que las raíces artísticas y políticas de la pintura mexicana moderna las sentó Dr. Atl […] Personaje notable del carrancismo, que por razones estratégicas se trasladó a Orizaba, allí fundó el periódico ‘La Vanguardia’, y encabezó numerosas tareas. Con el tiempo se adjuntó al fascismo”.Cardoza y Aragón, escribió: ‘Dr. Atl fue el primero que trabajó ardorosamente la obra mural. Trajo a México una visión más precisa del impresionismo y un fervor profundo por los Renacentistas italianos. En él se aunaban el hombre de acción y el artista. Su figura fue de primerísima importancia’.

Orozco, Siqueiros y Rivera, resaltaron la tarea esencial de Atl como el verdadero precursor. Fue parte distinguida de una generación que revolucionó la cultura mexicana. Su figura, pese a sus contradicciones políticas, es considerado un artista fundamental entre nosotros, los mexicanos". René Avilés Fabila.

Fuente consultada: ROURA, Alma Lilia et al. Dr. Atl: conciencia y paisaje. México. MUNAL, 1985, prólogo.

$270,000.00-$400,000.00 M.N.

RAYMUNDO MARTÍNEZ

(Ciudad de México, 1938 - )

Sin título

Firmado y fechado 77

Acrílico sobre tela

71 x 140 cm

Agradecemos a César Martínez Rioja, hijo del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, noviembre de 2022. Raymundo Martínez es un paisajista inclinado a pintar los volcanes y los valles de México. utiliza recursos como la fotografía, helicópteros, video y otros medios que tiene a su alcance, de la misma manera que los artistas del siglo XVI, XVII y XVIII usaron la cámara oscura como su recurso técnico. Esto no atenta contra la artisticidad de sus obras, al contrario, lo mantiene al día respecto a aquellos adelantos técnicos que favorecen su quehacer. Su influencia principal proviene de los principios de José María Velasco y los paisajes del siglo XVIII. En su obra, emplea el manejo de las formas de la naturaleza, la luz y los colores con una gran calidad artística.

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

“Raymundo que es amoroso conocedor del campo, particularmente en sus despliegues de libertad y fuerza, ama por igual a la ciudad y sabe identificarse con ella y asumir sus problemas […] La pintura empuñada así como un acto típicamente creador, como una acción que confronta o mejor todavía, que complementa y armoniza el espacio como extensión y el espacio como recinto, redunda en un planteamiento cívico sin equivalencia”.

Ernesto de la Peña

ARTURO ESTRADA

(Panindícuaro, Michoacán, 1925 - )

Don Juan el Molinero

Firmado

Óleo sobre tela

59 x 104 cm

Procedencia: adquirido directamente al artista.

Presenta detalles de conservación.

Arturo Estrada tuvo grandes maestros quienes lo influenciaron en su incursión al muralismo. Fue uno de los estudiantes del grupo de Frida Kahlo llamado “Los Fridos”, colaboró con José Clemente Orozco en el mural exterior de la Escuela Nacional de Maestros, con Juan O’Gorman en el complejo muralístico de la Secretaría de Comunicaciones y Obras Públicas y asistió a Diego Rivera en los mosaicos del Museo Anahuacalli, así como en el estadio de Ciudad Universitaria. En su ejecución descubrió que pintar un muro es convertir al pintor en un obrero visual, donde la labor pictórica obliga a estar en constante movimiento, observando la ubicación del trazo, la proporción y los efectos formales del color, la luz y la sombra.

“Estrada es dueño del color y las calidades, contrastador y armonista, luminoso, preciso, claro y limpio. Posee una sensibilidad y una ternura grandes, cada una de sus pinceladas es una expresión de amor. Compone con equilibrio, originalidad y con una sencillez totalmente desprovista de retórica declamatoria y prosopopeya odiosa y teatral. Su realismo es un realismo poético”. Diego Rivera. Fuentes consultadas: TIBOL, Raquel. “Arturo Estrada en Bellas Artes”. México. Proceso, Redacción, 2 abril de 1988 y “Arturo Estrada revalora el espíritu social del muralismo”. México. INAH, boletín No. 96, 14 de abril de 2016.

$90,000.00-$150,000.00 M.N.

ANGELINA BELOFF

(San Petersburgo, Rusia, 1883 - Ciudad de México, 1969)

Casita en el camino

Firmado y fechado 1951

Óleo sobre tela

49.5 x 65 cm

Con etiqueta del Instituto Nacional de Bellas Artes, Oficina de registro de obras. “Al llegar a México en 1932, una nueva naturaleza apareció ante sus ojos y se condensó en sus obras. El paisaje monumental contribuyó con nuevos planos para enriquecer el lenguaje de la artista, respondiendo su mano a los secretos de la topografía exuberante. Después de su larga trayectoria europea ella afirma en esta fase la fusión de lo circundante con su armonía interior. La naturaleza que era trasfondo impreciso, se desplaza a primer plano en forma de rica red de tono y líneas: el cuadro le resulta un modelo reducido del universo”. Berta Taracena. Fuente consultada: BELOFF, Angelina. Memorias. México. UNAM, SEP, 1986.

$450,000.00-$600,000.00 M.N.

JOSÉ

CHÁVEZ MORADO

(Silao, Guanajuato, 1909 - Guanajuato, Guanajuato, 2002)

La música

Firmada y fechada 51

Vinilita sobre concreto en estructura de metal

272 x 166.5 cm

Con leyendas acerca de su realización y restauraciones posteriores al reverso.

Esta obra fue realizada por encargo para una biblioteca privada por lo que la estructura cuenta con un espacio realizado especialmente para instalar una chimenea.

Presenta craqueladuras, faltantes y detalles de conservación debido a la técnica empleada. Por lo mismo, el deterioro puede seguir sucediendo. Pintor, grabador, caricaturista agudo, muralista, maestro de artes plásticas, promotor de la cultura a través de la fundación de museos e instituciones, denominado por teóricos como Raquel Tibol como un adelantado a su época.

Su postura política respecto al apoyo de la pluralidad y respeto de la democracia fue siempre defendida como se aprecia en sus proyectos culturales y en diversos textos publicados con pseudónimos como Juan Brochas o Chon en los que además pondría bajo la lupa a personajes como David Alfaro Siqueiros.

Comenzó su formación desde temprana edad en su biblioteca familiar, en la que temas como la historia, ciencia y poesía forjaron su futura labor. Por razones personales a los 16 años emigró a Estados Unidos donde sembró un interés especial por el diseño de escenografías. En 1930 ingresó a la Chouinard School of Art en Los Ángeles, anticipándose a David Alfaro Siqueiros, temporal y prácticamente, a través de la experimentación de técnicas de lo que se consagró posteriormente como "action painting". En 1931 su educación continuó en la Escuela Nacional de Bellas Artes donde se acercó al grabado, pintura y litografía. Formó parte del Taller de Gráfica Popular donde realizó escenas urbanas y populares con su toque personal. En 1944 tuvo lugar su primera exposición individual en la Galería de Arte Mexicano y 5 años después en el Salón de la Plástica Mexicana. Entre los múltiples proyectos que apoyó destaca el primer taller de integración plástica cofundadó con el arquitecto Francisco Serrano Cacho en 1948. Junto con Olga Costa, su pareja, grandes gestiones tuvieron lugar como la Sociedad de Arte Moderno, polémica al haber sido considerada como promotora de arte degenerado por exhibir artistas como Picasso. Del mismo modo, instituyó la Escuela de Diseño y Artesanías, además de impulsar la cultura en su natal Guanajuato con la creación del Museo del Pueblo de Guanajuato y Museo Olga Costa y José Chávez Morado en su casa habitación.

Su primer acercamiento con el muralismo se dio cuando vio a José Clemente Orozco mientras éste trabajaba en los frescos de Pomona College en Claremont, California, su primer mural tuvo lugar en la Escuela Normal de Veracruz en Xalapa gracias a su afiliación a la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios.

Uno de sus trabajos más apreciados fue la comisión de los murales de la Alhóndiga de Granaditas en 1954 donde plasmó la pasión por su lugar de origen acompañado del propósito de revalorizar la herencia mestiza. A este recinto donó gran parte de la colección prehispánica formada por Olga Costa y él.

Su obra se reconoce por la inclusión de elementos geométricos y líricos, además de conceptos críticos a través del realismo. Los temas que destacan son bodegones, autorretratos y retratos en los que las mujeres, especialmente indígenas.

Fuentes consultadas: CONCHEIRO, Elvira y PACHECO, Victor Hugo. (Compiladores) Raquel Tibol. La crítica y la militancia. México. Centro de Estudios del Movimiento Obrero y Socialista, A. C. 2016, pág. 149 y DE SANTIAGO SILVA, José. José Chávez Morado. Vida, obra y circunstancias. México. Ediciones La Rana, 2001.

Este lote será mostrado únicamente bajo previa cita. Para más información contacte a nuestra especialista Ma. Fernanda Serrano mserrano@mortonsubastas.com

$2,000,000.00-$3,000,000.00 M.N.

“Los atributos ilusorios de casi toda la pintura de Chávez Morado se deben al uso del lenguaje simbólico, gracias al cual logra sintetizar amplios capítulos de la historia y las luchas sociales”.

Reverso

Raquel Tibol

RAYMUNDO MARTÍNEZ

(Ciudad de México, 1938 - )

Bandera

Firmado

Acrílico sobre tela

80 x 100 cm

Agradecemos a César Martínez Rioja, hijo del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2023.

Procedencia: perteneció a la colección dedicada a las banderas mexicanas del Expresidente Miguel de la Madrid Hurtado.

$170,000.00-$220,000.00 M.N.

FRANCISCO ZÚÑIGA

(San José, Costa Rica, 1912 - Ciudad de México, 1998)

Fundadores de Nuevo Laredo

Firmada y fechada 59

Escultura en bronce a la cera perdida en base en ónix

59 x 40 x 27 cm medidas totales con base

Con dedicatoria en la base.

Con placa conmemorativa que describe la leyenda: “Pueblo tan entrañablemente patriota y mexicano como éste de Nuevo Laredo, que sabiendo que una ciudad no solo es presente y futuro, sino también pasado, para asentarse en este sitio se trajo los venerados restos de sus antepasados para ligarse a toda nuestra tradición histórica de mexicanidad”. Adolfo López Mateos, 5 de junio de 1958.

Agradecemos al Sr. Ariel Zúñiga por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2023.

Publicada en: ZÚÑIGA, Ariel et al. Francisco Zúñiga. Catálogo Razonado. Volumen I: Escultura 1923-1993. México. Editorial Albedrío, Fundación Zúñiga Laborde A.C., 2003, pág. 173, catalogada 225. Existe una versión monumental de esta obra, que se encuentra en instalada en el Puente Internacional de Nuevo Laredo, Tamaulipas y publicada en: ZÚÑIGA, Ariel et al. Francisco Zúñiga. Catálogo Razonado. Volumen I: Escultura 1923-1993. México. Editorial Albedrío, Fundación Zúñiga Laborde A.C., 2003, pág. 173, catalogada 226. En la obra de Francisco Zúñiga los héroes mexicanos destacan ya que en múltiples ocasiones le fueron comisionados para ser obsequios a otras naciones, además de otras comisiones institucionales. Técnicamente su obra se diversifica en talla de mármoles y ónices, además de modelados para fundición en bronce, generando resultados donde el juego de volúmenes y el contrapeso de bloques se apegan al realismo mexicano. Fuente consultada: CONCHEIRO, Elvira y PACHECO, Víctor Hugo. (Compiladores) Raquel Tibol. La crítica y la militancia. México. Centro de Estudios del Movimiento Obrero y Socialista, A. C. 2016, pág. 110.

$250,000.00-$320,000.00 M.N.

P INTURA DE C ALENDARIOS

“Actualmente los calendarios producidos en México son valorados y coleccionados como productos de moda o colección vintage, al definir una retrospectiva crítica y nostálgica de un estilo gráfico del pasado preservado en su originalidad”. Lydia Elizalde.

La sección de Pinturas de Calendarios aquí presente reúne piezas que son reconocibles por cualquier ojo mexicano gracias a su profusa difusión desde el siglo XX hasta la actualidad, siendo las décadas de 1930 a 1970 las de más auge, lo que las ha convertido en ejemplos consolidados de la cultura popular mexicana, por ello, no es sorpresa que se hayan retomado como material de investigación en múltiples ocasiones por su alta relevancia como reflejo de la sociedad de nuestro país.

En su mayoría, las piezas fueron distribuidas de manera impresa por una empresa estableció un estudio en el que laboraron dibujantes, ilustradores y pintores, algunos de ellos con una formación académica mientras que otros como Jaime Sadurní se formaron de manera autodidacta, además se reconoce la inmersión de mujeres artistas y autores anónimos. Entre los autores a destacar están Jesús Helguera, el más difundido, Jorge González Camarena, autor de "La Patria", reconocida por estar plasmada en los libros de texto gratuito de la Secretaría de Educación Pública, así como Armando Dreschler, Eduardo Cataño, Antonio Gómez Rodríguez, Mario Chávez Marión, Vicente Morales, Xavier Gómez, Víctor M. Magallón, Romero Díaz, entre otros, los cuales aparecen a continuación.

El proceso de estas piezas iniciaba con los artistas viajando acompañados de fotógrafos para conocer las escenas costumbristas que posteriormente plasmaron con su pincel. Después comenzaba la ejecución de bocetos que era supervisada y aprobada por la empresa para continuar con la ilustración final con técnicas que abarcaban óleo, pastel, acuarela, acrílico y aerógrafo. Para finalizar, la obra terminada era plasmada en impresión gracias a los avances tecnológicos de la cuatricromía y el offset que lograron la práctica difusión masiva en publicidad variada siempre destacando los calendarios.

Las empresas tabacaleras fueron las pioneras en el empleo de los cromos como medio de publicidad generando una pronta expansión a otras industrias, siendo los negocios populares quienes preservan esta tradición en la actualidad con la tradición de regalar calendarios a inicio de año generando un elemento decorativo para sus clientes. Entre los temas plasmados destacan por obvias razones alegorías de la Patria, la mujer mexicana en diversos formatos siendo de los más populares aquellos donde viste trajes tradicionales o aparece en poses sensuales. Asimismo, los eventos cotidianos como idas al mercado o festejos populares son muy recurridos, tal como escenas de devoción religiosa. No podemos dejar de mencionar los icónicos paisajes entre los que los volcanes son los favoritos, Xochimilco, las zonas arqueológicas y las costas también suelen aparecer. Por otro lado, la época del cine de oro influenció la producción de estas piezas dada el inmenso impacto tenido en el imaginario mexicano, por lo que no es sorpresa tener obras con personajes parecidos a las grandes actrices como Dolores del Río o María Félix.

Además de ser las piezas originales que dan vida a series emblemáticas de calendarios o publicidad, son el reflejo de un periodo de auge tanto político como económico en el que la modernización del país se vió reflejada en las necesidades comerciales y publicitarias que además retoman el carácter nacionalista tan presente durante la primera mitad del siglo XX, elemento que orilló a generar estrategias locales y alejarse de las maneras norteamericanas antes empleadas. La relevancia de lo antes mencionado se ha abordado en diversas investigaciones, coloquios académicos así como exhibiciones en recintos importantes como Museo Soumaya, el Museo del Calendario en Querétaro y el Museo del Estanquillo que alberga la colección de Carlos Monsiváis.

Fuente consultada: ELIZALDE, LYDIA. Revisión de la imagen gráfica en los calendarios Galas de México. Ensayos. Historia y teoría del arte, Bogotá, D.C., Universidad Nacional de Colombia, Vol. XXI, No. 33 (julio-diciembre 2017), pp. 61-85.

35 JAIME SADURNÍ

(Veracruz, México, 1915 - 1988)

Caminantes Tehuanos

Firmado

Óleo sobre tela 125 x 160 cm

Presenta desprendimientos de capa pictórica, craqueladuras y detalles de conservación.

Al igual que Eduardo Cataño, Jesús Helguera, Luis Améndolla y José Bribiesca, Jaime Sadurní formó parte de los reconocidos artistas de calendario. En su obra acostumbraba plasmar su origen veracruzano, en especial en sus mujeres, las cuales representaba con una belleza idealizada, exaltando la feminidad con sensualidad. También pintó temas históricos y realizó ilustraciones publicitarias para empresas privadas, siendo el encargado de diseñar la etiqueta original para el calendario de Tequila José Cuervo en 1964, el cual lo hizo acreedor a ser el artista exclusivo de la Casa Cuervo.

Fuente consultada: WHALEY, Jaime. “Los prestigiosos cromos de Cronos”. México. La Jornada, 19 de mayo de 2000.

$500,000.00-$600,000.00 M.N.

37

JESÚS

HELGUERA

(Chihuahua, México, 1910 - Ciudad de México, 1971)

Sin título

Firmado

Óleo sobre tela

55 x 50 cm

Esta obra fue editada para la portada de la revista “La Familia”, no. 62. La obra de Jesús Helguera abarcó paisajes, retratos, desnudos y escenas históricas, mitológicas y cotidianas, sumándole a su poética la representación del indio, el campesino, el obrero, la familia y las mujeres con vestidos típicos como el de las tehuanas, las chinas poblanas y los correspondientes al estado de Jalisco y Ciudad de México, caracterizados por el uso de faldas bordadas, rebozos y sombreros.

Fuente consultada: sitio oficial del Museo del Calendario www.mucal.mx

$150,000.00-$250,000.00 M.N.

36

ARMANDO DRESCHLER

(1901 - México, 1964)

Mujer fatal, ca. 1930

Firmada

Óleo sobre tela

59 x 51 cm

Esta obra fue editada para ser la portada de la revista “La familia”, 2da quincena de septiembre de 1940.

Después de servir en la Primera Guerra Mundial, Armando Drechsler emigró de Alemania a México, donde se interesó por las artes plásticas. Con un talento innato, sus obras se destacaron gracias a su participación en la pintura de calendario, en donde desarrolló las temáticas que lograron hacer de los calendarios de Galas de México un referente de la cultura popular mexicana; princesas Mayas y Aztecas, vaqueras, diosas y bailarinas, entre otras. Entre los años cuarenta y cincuenta, se enfocó en realizar retratos por comisión, volviéndose popular entre prominentes políticos nacionales como los presidentes Plutarco Elías Calles, Lázaro Cárdenas y Miguel Alemán Valdés.

Fuente consultada: sitio oficial del Museo Getty www.getty.edu

$70,000.00-$90,000.00 M.N.

38 EDUARDO CATAÑO

(Nayarit, México, 1910 - Ciudad de México, 1964)

Amapolas mexicanas

Firmado

Pastel sobre papel

115 x 85 cm

Presenta humedad y detalles de conservación. Entre los artistas de Galas de México destacó Eduardo Cataño, artista que inmortalizó principalmente retratos de famosos, así como algunos temas históricos. Estudio Artes Plásticas en la Academia de San Carlos, educación que le heredó un amor por la historia del arte, la poesía y la arquitectura virreinal. Uno de sus primeros encargos en Galas fue el diseño de la etiqueta de la cerveza Corona.

$180,000.00-$280,000.00 M.N.

39 JESÚS HELGUERA

(Chihuahua, México, 1910 - Ciudad de México, 1971)

Sin título

Firmado

Óleo sobre papel

37.5 x 29 cm

“Helguera fue el pintor de cabecera de las multitudes, que vivió siempre un doble reconocimiento: la admiración de la mayoría y la referencia irónica de la minoría”. Carlos Monsiváis.

$60,000.00-$70,000.00 M.N.

40 JESÚS HELGUERA

(Chihuahua, México, 1910 - Ciudad de México, 1971)

La Nacional, ca. 1940

Firmado

Óleo sobre tela

98 x 76 cm

Esta pieza fue reproducida para ser calendario, editado por Galas de México a mitad del siglo XX. Presenta craqueladuras y detalles de conservación. Jesús Helguera es considerado como el pintor más representativo del arte calendárico en México. Emigró a España junto con su familia a los 7 años. Ahí recibió su formación artística en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid y posteriormente en la Academia de San Fernando. Regresó a México en 1938 tras el estallido de la Guerra Civil Española y encontró trabajo en la revista “Sucesos para todos”. Con el tiempo recorrió gran parte del territorio nacional, conociendo a fondo las tradiciones y costumbres mexicanas. De estos viajes nació la primera versión de “La leyenda de los volcanes” en 1949, un famoso lienzo que le valió un contrato exclusivo con la compañía cigarrera La Moderna. Entre 1954 y 1970 trabajó para la empresa Galas de México, la principal editora de calendarios e imágenes comerciales del siglo XX en México. Fuentes consultadas: ESPINOSA, Elia. Jesús Helguera y su pintura, una reflexión. México. Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM, 2004, pp. 17-24.

$420,000.00-$500,000.00 M.N.

41 ANTONIO GÓMEZ RODRÍGUEZ (Ecuandureo, Michoacán, ca. 1886Pénjamo, Guanajuato, 1970)

Pareja frente al ferrocarril, ca. 1930

Firmado

Óleo sobre tela

146 x 115.5 cm

Presenta ligeros detalles de conservación y restauración.

$160,000.00-$250,000.00 M.N.

42 MARIO CHÁVEZ MARIÓN

(Mazatlán Sinaloa, 1918 - 1988)

Mujer con ahorros o Rompiendo el Cochinito, ca. 1940

Firmado

Óleo sobre tela

80 x 60 cm

Presenta detalles de conservación.

$95,000.00-$150,000.00 M.N.

43 JAIME SADURNÍ (Veracruz, México, 1915 - 1988)

Naufragio, ca. 1960

Firmado

Óleo sobre tela

180 x 144 cm

Presenta restauración.

$630,000.00-$750,000.00 M.N.

44 VICENTE MORALES (México) Mujer desnuda y Coatlicue, ca. 1950

Firmado

Óleo sobre tela

150 x 120 cm

Exhibido en:

Portátil:

$400,000.00-$500,000.00 M.N.

Calendars”,

“La Patria

100 years of Mexican Chromo Art

muestra presentada en el Mexican Fine Arts Center Museum of Chicago del 15 de enero al 25 de abril de 1999.

45 JAIME SADURNÍ (Veracruz, México, 1915 - 1988)

Carnaval de Veracruz, ca. 1960

Firmado

Óleo sobre tela

85.5 x 110.5 cm

Presenta ligeros detalles de conservación.

$180,000.00-$280,000.00 M.N.

46 XAVIER GÓMEZ (México) Aquí está mi gallo, ca. 1930

Firmado Óleo sobre tela

145 x 116 cm

Presenta detalles de conservación.

$160,000.00-$250,000.00 M.N.

48

ROMERO DÍAZ (México) Tehuanas ca. 1940

Firmado Óleo sobre tela

135.5 x 105 cm

Presenta rasgadura, desprendimientos de capa pictórica y detalles de conservación.

$160,000.00-$250,000.00 M.N.

49

ROBERTO MONTENEGRO

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Pátzcuaro, Michoacán, 1968)

Los héroes de la patria

Firmada

Mixta sobre madera

127.7 x 196 cm medidas de la obra

187 x 244 cm medidas totales con marco

Con carta de Franz Mayer dirigida a Roberto Montenegro donde se menciona la obra, diciembre de 1938. Presenta ligeros detalles de conservación. El marco es parte de la obra.

Se reconoce como pionero del muralismo a Roberto Montenegro en México, al haber plasmado el primer mural del país: "El árbol de la vida", ubicado en el ex Templo de San Pedro y San Pablo, actual Museo de las Constituciones de la UNAM; en este se observa su personal aleación entre el modernismo y el nacionalismo como se aprecia en otras piezas donde el simbolismo se nutre de elementos indigenistas, de las clases trabajadoras, así como pasajes históricos y míticos del país.

Esta pieza deja ver la importancia depositada a la interpretación psicológica de cada uno de los personajes retratados, tal como en su momento lo observó Justino Fernández, destacándose de las muchas otras representaciones de estos próceres.

Fuentes consultadas: BALDERAS, Esperanza et al. Roberto Montenegro. La sensualidad renovada. México. CENIDIAP, Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 2001, pág. 30, FERNÁNDEZ, Justino. Roberto Montenegro. México. Universidad Nacional Autónoma de México, 1962, pág. 23 y VIDAURRE, Carmen V. Roberto Montenegro: lo nacional y el modernismo. México. Estudios Jaliscienses, Universidad de Guadalajara, mayo 2008, 72, pp. 6- 18.

$2,000,000.00-$3,000,000.00 M.N.

ROBERTO MONTENEGRO

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Pátzcuaro, Michoacán, 1968)

Biombo del Puerto de Acapulco Sin firma

Óleo sobre madera, políptico unido por bisagras y marco de metal 200 x 153 cm medidas totales

Agradecemos a la Maestra Ester Echeverría por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2023.

Procedencia: realizada por encargo para un domicilio en Acapulco, Guerrero en marzo de 1951.

Presenta detalles de conservación.

Roberto Montenegro fue un destacado artista dentro de las disciplinas del muralismo, pintura de caballete, escenógrafo, vestuarista además de promotor de arte popular.

Esperanza Balderas describe a este artista como "modernista nacionalista" gracias a la simbiosis de influencias que se plasman en su multidisciplinaria obra, entre las que destaca su inicial predilección por el impresionismo aunado al empleo de cierto lenguaje nacionalista del momento con tintes casi indigenistas. Entre sus influencias directas están los mexicanos Germán Gedovius y Julio Ruelas. Por otra parte, y en relación con su época, tuvo una inclinación por el arte oriental como se observa en esta ocasión.

Fuente consultada: VIDAURRE, Carmen V. Roberto Montenegro: lo nacional y el modernismo. México. Estudios Jaliscienses, Universidad de Guadalajara, mayo 2008, pp. 6- 18.

$3,500,000.00-$4,500,000.00 M.N.

Reverso

ARNOLD BELKIN

(Alberta, Canadá, 1930 - Ciudad de México, 1992)

Boceto para la obra Triple Retrato Felipe Ángeles

Sin firma

Tinta y lápiz sobre papel

99 x 70 cm

Agradecemos a Ariela Belkin, hija del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, febrero de 2023. La versión pictórica se encuentra publicada en: GARCÍA DE KRINSKY, Emma Cecilia et al. Para disfrutar el infinito. Homenaje a Arnold Belkin. México. UNAM, Museo Universitario del Chopo, 1998 y en UGALDE, Nadia. Arnold Belkin. 33 años de producción artística. México. INBA, CONACULTA, 1989, catalogado 106.

Al tratarse de un boceto presenta detalles de conservación normales por el uso.

Su tiempo en México lo convirtió en un afiliado a las luchas liberales, decidiendo pintar temas como la injusticia, la guerra, la muerte y el exilio, dando como resultado un trabajo testimonial y de profunda documentación. Su constante deseo por el conocimiento lo condujo a profundizar en aquellos temas, los cuales estuvieron específicamente inclinados hacia la práctica religiosa, política y social en el contexto de las revoluciones y sus mártires históricos, plasmando así rostros de personajes como Moisés y Jesucristo, el libertador Simón Bolívar, el conquistador español Gonzalo de Sandoval, así como los protagonistas de la Revolución Mexicana Emiliano Zapata y su opositor Felipe Ángeles, a quien representa en este triple retrato, obra para la cual tuvo como fuente de información histórica material inédito proveniente de la casa de la familia Díaz Soto y Gama y la nieta de Pancho Villa.

Fuentes consultadas: GARCÍA DE KRINSKY, Emma Cecilia et al. Para disfrutar el infinito. Homenaje a Arnold Belkin. México. UNAM, México, 1998, pp. 13-17 y en VOLKOW, Verónica. Arnold Belkin. Pinturas épicas y narrativas 1979-1982. México. INBA, Museo de Arte Moderno, 1982.

$70,000.00-$90,000.00 M.N.

52

JUAN O’GORMAN

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 1982)

Anteproyecto del mural de la Biblioteca Gertrudis Bocanegra

Firmada y fechada 1941

Mixta sobre papel sobre tela

177 x 151 cm

Al tratarse de un boceto, presenta detalles de conservación normales por el uso.

“Era un gran pintor, su trabajo tiene esa calidad de un gran artista plástico; cuando hacía muralismo, estudiaba profundamente los temas a tratar, y como arquitecto realizó obras icónicas de nuestro país”. Louise Noelle Gras.

Juan O’Gorman fue un artista completo que revolucionó la manera de ver la interdisciplinariedad artística en nuestro país. Su pasión por el arte se formó desde niño, gracias a su padre, Cecil C. O’Gorman, y posteriormente formado en la Escuela Nacional de Arquitectura donde sería considerado como el primer funcionalista de nuestro territorio.

Tal como la tríada muralista, solía incluir elementos realistas en sus obras además de inquietudes sociales y nacionalistas con el firme propósito de mantener una comunicación directa con el pueblo de México. Su producción se vió influenciada por diversos factores como nuevos postulados teóricos, entre los que destaca la arquitectura emocional de Mathias Goeritz.

Esta pieza tiene como tema principal el resumen histórico de la epopeya del pueblo tarasco, en la que se incluyen pasajes importantes del pueblo originario relacionados con aspectos sociales como su cosmovisión y el comercio, asimismo están representados los periodos de Conquista, Independencia y Revolución Mexicana.

En 1942 Juan O’Gorman terminó de realizar el mural “Historia de Michoacán” en la Biblioteca Gertrudis Bocanegra de Pátzcuaro. Fuentes consultadas: DURÓN AGUIRRE, Jaime. Juan O’Gorman, el arquitecto que se volvió pintor. México. Revista Código, julio de 2020 y LUGO, Guadalupe. Juan O’Gorman, un artista multifacético. México. Gaceta UNAM, agosto de 2020.

$500,000.00-$700,000.00 M.N.

GUNTHER GERZSO

(Ciudad de México, 1915 - Ciudad de México, 2000)

Naranja - Azul - Verde

Firmado y fechado 75 al frente y al reverso Óleo sobre masonite

57 x 48 cm

Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, enero de 2023. Gunther Gerzso fue un artista de diversos mundos. Nacido y criado en México, se educó en Suiza, donde vivió con un tío que era historiador de arte y coleccionista. En este tiempo se relacionó personalmente con Paul Klee y descubrió el abstraccionismo de Vassily Kandinsky, así como la prosa espiritual de Herman Hesse, quien era vecino de su tío. Posteriormente vivió en Cleveland, Ohio, al inicio de su carrera profesional; estas experiencias le dieron un panorama sumamente amplio del arte.

En 1950 Inés Amor le organizó su primera exposición en la Galería de Arte Mexicano, donde expuso periódicamente. En esta primera exhibición obtuvo opiniones divididas por parte de la crítica, quien calificó en un inicio su arte como “carente de mexicanidad”. En ese mismo periodo, la galería Mary-Anne Martin Fine Art de Nueva York realizó la primera exposición de Gerzso en los Estados Unidos. Casi al mismo tiempo, la Galería de Arte Mexicano realizó una exposición conjunta de 25 obras suyas en el Foire Internationale d’Art Contemporain en París, uno de los eventos de arte de la época más importantes a nivel internacional. Perteneció a la generación de creadores que le abrieron paso a la abstracción en el arte nacional. Su obra se distingue por un constructivismo derivado del cubismo; posee limpieza geométrica y volumetría que recuerda a los templos prehispánicos en un sentido místico, exaltando componentes mágicos. Exploró sobre el pasado de México, no en un sentido de búsqueda de identidad colectiva, sino personal. Creó una abstracción enraizada en la arquitectura, comprometiéndose con el espíritu nuevo de lo internacional y con las posibilidades emocionales y poéticas que conformaban a la abstracción.

Tenía una fascinación especial por las tradiciones mexicanas y el arte precolombino, no obstante, abrazó ideas modernas como el psicoanálisis. Asimismo, se acercó al grupo de artistas exiliados en México afines al surrealismo, integrado por Remedios Varo, Leonora Carrington, Kati Horna y Wolfgang Paalen.

El mundo indígena se volvió clave, en el estilo de corte arquitectónico y abstraccionista que desarrolló, caracterizado por una superposición de fragmentos cuadrangulares asimétricos: volúmenes acomodados de forma excesivamente ordenada que evocan los basamentos prehispánicos como si fueran vistos desde arriba. Fuentes consultadas:

- DU PONT, Diana et al. El riesgo de lo abstracto: el modernismo mexicano y el arte de Gunther Gerzso. España, Santa Barbara Museum of Art, CONACULTA, 2003, pág. 304.

- RIVAS GODOY, Dulce María. Gunther Gerzso. Los diagramas luminosos de un creador multifacético. México. Instituto Cultural de Aguascalientes. 2009, pp. 6-11.

- “Inmigración y diversidad cultural. Los mexicanos que nos dio el mundo”. México. Nación Multicultural UNAM, 2001.

- “Gunther Gerzso, figura clave del arte mexicano”. México. Milenio, sección Cultura, 21 de abril de 2020.

$6,400,000.00-$7,000,000.00 M.N.

Francisco Eppens Helguera es un exponente clave al momento de hablar del legado del muralismo en México. Su carrera comenzó en la capital del país tras su llegada desde San Luis Potosí a los nueve años, a partir de ese momento su educación comprendió talleres de carpintería, fundición y herrería, los cuales cimentaron su variada obra que se formalizó con su breve incorporación a la Academia de San Carlos.

Su multidisciplinaria educación se vió reflejada en su incursión en el mundo de la publicidad donde realizó trabajos para destacadas empresas como Cerveza Modelo, Cementos Tolteca y Goodrich Euzkadi entre otras, en los que plasmó simbolismos prehispánicos y populares. Asimismo, tuvo participación en cintas de Emilio “El Indio” Fernández y Santiago "Chano" Urueta como diseñador de escenografía. Por otro lado, sería ampliamente reconocido por su diseño de estampillas postales y timbres fiscales.

Sin duda uno de sus más importantes proyectos fue el comisionado por el presidente Gustavo Díaz Ordaz en 1968, quien le encargó el diseño de Escudo Nacional el cual tuvo un éxito rotundo, lo que tuvo como consecuencia su homologación y reglamentación para uso oficial hasta nuestros días. Entre otros proyectos institucionales destaca la realización de más de 28 conjuntos muralísticos y monumentales con técnicas que van desde el óleo, fresco, piroxilina y mosaico de vidrio, entre otros, de los cuales destacan los realizados en Ciudad Universitaria.

De igual complejidad es su producción de obras de caballete, la cual se divide en tres etapas basadas en elementos temáticos y formales a pesar de compartir características como la monumentalidad, y paralelismos con el diseño, áreas desarrolladas magistralmente por Francisco Eppens Helguera. A lo largo de la primera etapa existe un acercamiento mayor a las vanguardias europeas, mientras que en las dos posteriores predomina el carácter nacionalista a través de elementos prehispánicos apreciados en la síntesis de proporciones y geometrismo.

Si bien su contexto social permea en su obra, este no decanta a una postura extremista si no que tal como los elementos formales es un balance que vela por la justicia social empleando al simbolismo prehispánico principalmente para exaltar la milenaria cosmovisión de una nación que atravesó por un complejo proceso de transformación y consolidación.

Fuentes consultadas: ÁLVAREZ

14, 19, 30, 31, 67, 73 - 81, 90 - 95 y 361 - 371 y sitio

CORDERO, Rafael. La creatividad de Francisco Eppens Helguera. México. Revista de la Facultad de Medicina de la UNAM. Julio-Agosto 2013 pp. 62 - 64. LÓPEZ OROZCO Leticia et al. Francisco Eppens Helguera. Revolución, Nación, Modernidad. 1913 - 2013. Centenario. México. Partido Revolucionario Institucional. 2013, pp.

oficial de la Secretaría de Cultura www.cultura.gob.mx

54 FRANCISCO EPPENS

(San Luis Potosí, México, 1913 - Ciudad de México, 1990) Ruinas

Firmado y fechado 1988

Óleo sobre masonite 62 x 120 cm

Procedencia: Perteneció a la colección de Gabriela Eppens. Publicado en: LÓPEZ OROZCO Leticia. Francisco Eppens Helguera. Revolución, Nación, Modernidad. 1913 - 2013. Centenario. México. Partido Revolucionario Institucional. 2013, pág. 373. Con etiquetas del Museo Palacio de Bellas Artes y Fondo Cultural Carmen A. C.

$100,000.00-$200,000.00 M.N.

55 FRANCISCO EPPENS

(San Luis Potosí, México, 1913 - Ciudad de México, 1990)

Albañil con costal

Firmado y fechado 1986

Óleo sobre masonite

65 x 88 cm

Procedencia: Perteneció a la colección de Gabriela Eppens. Publicado en: LÓPEZ OROZCO Leticia. Francisco Eppens Helguera. Revolución, Nación, Modernidad. 1913 - 2013. Centenario. México. Partido Revolucionario Institucional. 2013, pág. 81. Con etiquetas del Museo Palacio de Bellas Artes y Fondo Cultural del Carmen A. C.

$65,000.00-$90,000.00 M.N.

56

FRANCISCO EPPENS

(San Luis Potosí, México, 1913 - Ciudad de México, 1990)

Montañas

Firmado y fechado 1984

Óleo sobre masonite

64 x 121.5 cm

Procedencia: Pertenenció a la colección de Gabriela Eppens.

Publicado en: LÓPEZ OROZCO Leticia. Francisco Eppens Helguera. Revolución, Nación, Modernidad. 1913 - 2013. Centenario. México.

Partido Revolucionario Institucional. 2013, pp. 374.

Con etiqueta del Fondo Cultural del Carmen A. C.

$100,000.00-$200,000.00 M.N.

57 FRANCISCO EPPENS

(San Luis Potosí, México, 1913 - Ciudad de México, 1990)

Cactáceas

Firmado y fechado 1988

Óleo sobre masonite

60 x 88.5 cm

Procedencia: Perteneció a la colección de Gabriela Eppens

Publicado en: LÓPEZ OROZCO Leticia. Francisco Eppens Helguera. Revolución, Nación, Modernidad. 1913 - 2013. Centenario. México. Partido Revolucionario Institucional. 2013, pág. 376. Con etiqueta del Fondo Cultural del Carmen A. C.

$75,000.00-$100,000.00 M.N.

58

FRANCISCO

EPPENS

(San Luis Potosí, México, 1913 - Ciudad de México, 1990)

Mujeres

Firmado y fechado 1989

Óleo sobre masonite

60 x 83.5 cm

Procedencia: Perteneció a la colección de Gabriela Eppens.

Publicado en: LÓPEZ OROZCO Leticia. Francisco Eppens Helguera. Revolución, Nación, Modernidad. 1913 - 2013. Centenario. México. Partido Revolucionario Institucional. 2013, pág. 378.

Con etiqueta del Fondo Cultural del Carmen A. C.

$65,000.00-$90,000.00 M.N.

59 FRANCISCO EPPENS

(San Luis Potosí, México, 1913 - Ciudad de México, 1990)

Caballos

Firmada

Escultura en bronce en base de mármol 30 x 31 x 30 cm medidas de la escultura

Procedencia: Perteneció a la colección de Gabriela Eppens.

Publicado en: LÓPEZ OROZCO Leticia. Francisco Eppens Helguera. Revolución, Nación, Modernidad. 1913 - 2013. Centenario. México. Partido Revolucionario Institucional. 2013, pág. 393.

$75,000.00-$100,000.00 M.N.

60

FRANCISCO ZÚÑIGA

(San José, Costa Rica, 1912 - Ciudad de México, 1998)

La carta, fragmento de relieve, 1952 Sin firma

Escultura en yeso, pieza única

55 x 63 x 10 cm

Agradecemos al Sr. Ariel Zúñiga por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2023. Publicada en: ZÚÑIGA, Ariel et al. Francisco Zúñiga. Catálogo Razonado. Volumen I: Escultura 1923-1993. México. Editorial Albedrío, Fundación Zúñiga Laborde A.C., 2003, pág. 134, catalogada 140.

Gracias a la formación recibida desde temprana edad de la mano su padre, es que Francisco Zúñiga logró que su obra sea un excelso juego de volúmenes y contrapeso de bloques con influencia del realismo mexicano, expresiones que prolongó en su producción hasta sus últimos años de vida aún cuando su visión se encontraba debilitada.

Fuente consultada: CONCHEIRO, Elvira y PACHECO, Victor Hugo. (Compiladores). Raquel Tibol. La crítica y la militancia. México. Centro de Estudios del Movimiento Obrero y Socialista, A. C. 2016, pág.110.

$230,000.00-$300,000.00 M.N.

61 FRANCISCO ZÚÑIGA

(San José, Costa Rica, 1912 - Ciudad de México, 1998)

Claudia y Alberto

Firmada y fechada 55

Escultura en terracota en base de madera, pieza única

42 x 44 x 22 cm medidas totales con base

Agradecemos al Sr. Ariel Zúñiga por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2023. Publicada en: ZÚÑIGA, Ariel et al. Francisco Zúñiga. Catálogo Razonado. Volumen I: Escultura 1923-1993. México. Editorial Albedrío, Fundación Zúñiga Laborde A.C., 2003, pág. 148, catalogada 171. Presenta mínimos detalles de conservación.

Llegó desde Costa Rica a México con tan sólo 23 años de edad con hambre de crecer, a pesar de haber recibido diversas muestras de apoyo en su país natal donde su formación comenzó en la Escuela de Bellas Artes junto con lecciones de talla de imágenes religiosas por parte de su padre. A su llegada a territorio mexicano ayudó en el taller de Manuel Rodríguez Lozano así como en el de Oliverio Martínez. Años más tarde fue Francisco Zúñiga quien formó alumnos como Pedro Coronel y Manuel Felguérez.

Fuente consultada: CONCHEIRO, Elvira y PACHECO, Victor Hugo. (Compiladores) Raquel Tibol. La crítica y la militancia. México. Centro de Estudios del Movimiento Obrero y Socialista, A. C. 2016, pág. 110. $80,000.00-$120,000.00 M.N.

62

GUSTAVO MONTOYA (Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 2003)

De la serie Niños mexicanos

Firmado

Óleo sobre tela

60 x 46 cm

Procedencia: adquirido en B. Lewin Galleries, marzo de 1993.

Perteneciente a la Escuela Mexicana de Pintura, Gustavo Montoya fue un artista que experimentó con nuevas técnicas y temas, así como colores y formas que obedecían a su inspiración. Entre sus obras más conocidas destacan las naturalezas muertas y las referentes a los niños, piezas de gran demanda tanto en México como en el extranjero por la excelente narrativa y espontaneidad plástica dedicada a las tradiciones populares mexicanas. En general, su carrera artística estuvo dividida en vertientes, siendo uno el periodo academicista en la que realizó: bodegones, retratos y naturalezas muertas. Otra etapa fue neorrealista y posteriormente tuvo uno período en el que ejecutó la afamada serie de “Niños Mexicanos”, la cual vinculó con la identidad nacional, niños de tez morena y rasgos indígenas que equilibran la etapa de construcción cultural.

Dicha serie fue presentada en repetidas ocasiones en el Palacio de Bellas Artes, en la Exposición Retrato Mexicano en 1961 y en la Exposición Maestros de la Pintura Mexicana en 1976.

Fuentes consultadas: RULFO, Juan et al. Gustavo Montoya. México. Litógrafos unidos A. S., 1981, pp. 77-79 y LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 4, No. 40, julio-agosto 1999, pp. 10-12.

$300,000.00-$500,000.00 M.N.

FRANCISCO ZÚÑIGA

(San José, Costa Rica, 1912 - Ciudad de México, 1998)

Dos mujeres sentadas, 1957

Sin firma

Escultura en terracota, pieza única

10 x 18 x 11 cm

Agradecemos al Sr. Ariel Zúñiga por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2023. Publicada en: ZÚÑIGA, Ariel et al. Francisco Zúñiga. Catálogo Razonado. Volumen I: Escultura 1923-1993. México. Editorial Albedrío, Fundación Zúñiga Laborde A.C., 2003, pág. 154, catalogada 185.

Presenta detalles de conservación a causa de la técnica empleada.

En la obra de Francisco Zúñiga predominan las figuras femeninas, campesinas posando de manera seductora, en su mayoría acompañadas por un motivo singular, el rebozo. Lo anterior se relaciona con otras comisiones de tintes nacionalistas que resuenan con la predilección por el realismo mexicano.

Fuente consultada: CONCHEIRO, Elvira y PACHECO, Victor Hugo. (Compiladores) Raquel Tibol. La crítica y la militancia. México. Centro de Estudios del Movimiento Obrero y Socialista, A. C. 2016, pág. 110.

$100,000.00-$150,000.00 M.N.

Otra vista

64 RAÚL ANGUIANO (Guadalajara, Jalisco, 1915 - Ciudad de México, 2006)

Sin título (Mujer desnuda)

Firmado y fechado 69

Óleo sobre tabla

110 x 80 cm

Se le conoce por haber formado parte de la llamada tercera generación de muralistas, es decir, un grupo de artistas que recibió el riguroso entrenamiento de la academia mexicana de principios del siglo anterior, sin embargo, optaron por ampliar sus horizontes al emplear técnicas y términos provenientes de la vanguardia europea.

Desde una temprana edad tuvo un interés por producir arte al dibujar repetidamente su entorno, a los 12 años ingresó a la Escuela de Pintura al Aire Libre de Guadalajara, enriqueciendo sus conocimientos con publicaciones de pintura europea y las vanguardias. A lo largo de su vida formó parte de diversos grupos donde intercambió ideas y expandió su mente, entre ellos destacan Jóvenes Pintores Jaliscienses, la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios y su posterior Taller de Gráfica Popular.

Sus motivos predilectos para ser plasmados son especialmente retratos entre los que destacan aquellos de la clase trabajadora, indígenas y mujeres desnudas a las cuales dota de un individualización y refinamiento a través de actitudes fuertes e independientes. Su pincelada es reconocible gracias a la simplicidad compositiva, pincelada firme para la aplicación del color.

Fuente consultada: VELASCO MONTANTE, Astrid. A Tribute to Raúl Anguiano (1915-2006). México. Voices of Mexico, 2018.

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

JESÚS GUERRERO GALVÁN

(Tonalá, Jalisco, 1910 - Cuernavaca, Morelos, 1973)

San Sebastián

Firmado y fechado 1965

Óleo sobre tela

99 x 80 cm

Con certificado de autenticidad de Flora Guerrero Garro, mayo de 2015. Agradecemos a Flora Guerrero Garro, hija del artista por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2023.

Jesús Guerrero Galván es considerado un artista clásico de la Escuela Mexicana de Pintura y su obra de caballete se caracteriza por el excelente manejo del nacionalismo, el cual está reflejado también en la técnica aprendida de los modelos clásicos. Fuentes consultadas: DE LA CALLE PARDO, María Teresa. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pp. 300-304, TOVAR DE TERESA, Guillermo et al. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, pág. 120 y sitio oficial de la Colección Blaisten www.museoblaisten.com

$380,000.00-$500,000.00 M.N.

JESÚS

GUERRERO GALVÁN

(Tonalá, Jalisco, 1910 - Cuernavaca, Morelos, 1973)

Sin título

Firmado y fechado 1955

Óleo sobre tela

44 x 54 cm

Agradecemos a Flora Guerrero Garro por la verificación de autenticidad de esta obra, febrero de 2023. Proveniente de una familia agricultora jalisciense, comenzó en Estados Unidos su formación en la National School of Plastic Arts en San Antonio, Texas. A su regreso a tierras mexicanas continuó su formación con José Vizcarra en Guadalajara, para después formar parte de Banderas de Provincia donde conocería a Raúl Anguiano con quien tendría similitudes en el camino, tal como su interés por el muralismo dentro del cual realizaría obras como "The Union of the Americas Associated for Freedom" en la Universidad de Nuevo México en Albuquerque.

En 1941 expuso en la Galería de Arte Mexicano. En su obra abundan retratos de mujeres y niños plasmados con alta destreza en dibujo y color sin dejar de lado el respeto. Otros temas de su pintura se enfocan principalmente en lo cotidiano y la cultura popular. Fuentes consultadas: DE LA CALLE PARDO, María Teresa. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pp. 300-304, TOVAR DE TERESA, Guillermo et al. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, pág. 120 y sitio oficial de la Colección Blaisten www.museoblaisten.com

$220,000.00-$350,000.00 M.N.

ÁNGELA GURRÍA

(Ciudad de México, 1929 - Ciudad de México, 2023)

Paloma, 2016

Sin firma

Escultura en placa de acero en base de mármol 1 / 5 80 x 78 x 44 cm medidas totales con base Con certificado de autenticidad de la artista, octubre de 2016. La base presenta detalles de conservación.

Ángela Gurría es un referente de la escultura nacional y contemporánea, estudió en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México, fue docente de escultura en la Universidad Iberoamericana, fue la primera mujer aceptada en la Academia Nacional de las Artes y colaboró con los escultores Mathias Goeritz, Geles Cabrera y Juan Luis Díaz.

Entre sus piezas representativas se encuentran los bustos de personajes como Benito Juárez, Rufino Tamayo y Jorge Carpizo. Realizó “Río Papaloapan” que se ubica en el vestíbulo del Museo de Arte Moderno, así como la escultura “Espiral caracol”, ambos en la Ciudad de México. Participó en exposiciones individuales y colectivas en el Polyforum Cultural Siqueiros, en el Salón de la Plástica Mexicana, en la Galería Juan Martín, en el Palacio de Bellas Artes y en el Museo Tamayo.

“Ángela Gurría es la gran escultora de México. Su trayectoria, su producción artística, su calidad estética, su diversidad de contenidos, sus cualidades plásticas, su fuerza crítica y su acercamiento a la grandeza son un referente en la historia de la plástica mexicana”.

Gabriela Iraztorza Zatarain.

Fuente consultada: IRASTORZA DE ZATARAIN, Gabriela. Ángela Gurría. La gran escultora de México. México. Arte Hoy Galería, 2013. pp. 8, 98 y 99.

$250,000.00-$350,000.00 M.N.

JESÚS GUERRERO GALVÁN

(Tonalá, Jalisco, 1910 - Cuernavaca, Morelos, 1973)

Mujer con caracol

Firmado y fechado 1971

Óleo sobre tela

70.5 x 80 cm

Con certificado de autenticidad de Flora Guerrero Garro, mayo de 2015. Agradecemos a Flora Guerrero Garro, hija del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2023.

La obra de Jesús Guerrero Galván abarca murales, litografías, ilustraciones y pinturas al óleo, estas últimas en su mayoría son retratos que gracias a su estilo y talento lo hicieron uno de los artistas más representativos de la plástica mexicana. Su estilo difiere al nacionalista tradicional, aunque se mantiene bajo ciertos temas similares da un tratamiento diferente que logra explotar en su totalidad gracias a un excelso dominio de la forma y el color.

Fuentes consultadas: DE LA CALLE PARDO, María Teresa. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pp. 300-304, TOVAR DE TERESA, Guillermo et al. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, pág. 120 y sitio oficial de la Colección Blaisten www.museoblaisten.com

$280,000.00-$400,000.00 M.N.

CARMEN PARRA

(Ciudad de México, 1944 - )

Olin I

Firmado y fechado 85

Acrílico y collage sobre tela 100 x 100 cm

Con constancia de autenticidad de Fundación Parra Gironella.

Publicado en: LIMÓN ROJAS, Miguel et al. Mariposa Monarca. Polvo de estrellas. Carmen Parra. México. Secretaría de Educación Púbica, el Aire Centro de Arte, 2000, pág. 4, en DE LA FUENTE, Juan Ramón et al. Metamorfosis. México. Palacio de la Escuela de Medicina, Facultad de Medicina, UNAM, pág. 12 y en sitio oficial de la artista www.carmenparra.com.mx

Exhibido en: “Mariposa Monarca: eternidad de lo efímero”, muestra itinerante presentada en el Palacio de la Escuela de Medicina y en el Museo Universum en la Ciudad de México, en 2015.

“Carmen Parra recoge en su pintura todo lo que las mariposas han representado para la cultura y por ende, lo que a ellas nos une. En sus cuadros, nos restituye esa figura, esa huella o dibujo con la que empiezan todas las mitologías y que hace que algo se vuelva atávico para el espíritu humano […] El motivo de la monarca es una alegoría para leer el mundo y reflexionar sobre la relación entre el ser humano y la naturaleza. La metamorfosis de la mariposa significa la aspiración del ser humano a encontrar siempre la luz en todos los sentidos, así como la posibilidad de renacer con nuevas utopías o cosmovisiones”. Alicia García Bergua.

Fuente consultada: DE LA FUENTE, Juan Ramón et al. Metamorfosis. México. Palacio de la Escuela de Medicina, Facultad de Medicina, UNAM, pp. 83 y 90.

$120,000.00-$180,000.00 M.N.

AGUSTÍN LAZO

(Ciudad de México, 1896 - Ciudad de México, 1971)

Sin título

Firmado

Óleo sobre tela

64 x 49 cm

Procedencia: adquirido a Teresa Padilla de García Lazo; colección privada. Presenta desprendimientos de capa pictórica.

“Nacido durante la Revolución Mexicana, Agustín Lazo fue un pintor sobresaliente, dedicado también al diseño escénico y a la dramaturgia. Los viajes que el pintor realizó a Francia, donde residió hasta 1932, marcaron su trayectoria, así como su identidad estética. Sus frecuentes contactos con los círculos de vanguardia, particularmente del surrealismo, lo llevaron a transitar por un pulcro constructivismo, llegando a un intenso lirismo.

“Su trabajo se respalda en sus teorías estéticas frente al realismo social, y sus obras muestran diferencias conceptuales con muchos de sus contemporáneos, que emprendieron una constante búsqueda por subrayar una identidad nacional. Lazo encontró ahí su propio lenguaje”. Blanca González Rosas.

Fuente consultada: AMADOR TELLO, Judith. “Agustín Lazo: entre el desdén y el reconocimiento”. México. Proceso, sección Cultura, 19 de julio de 2016.

$300,000.00-$400,000.00 M.N.

GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 2003)

Las sandías

Firmado

Óleo sobre tela

45 x 55 cm

Presenta ligeros detalles de conservación. La obra de Gustavo Montoya se dividió en dos grande vertientes, el periodo academicista y el neorrealista. Esta última estuvo influenciada por las visitas a galerías y museos de sus viajes a Europa, especialmente por el abstraccionismo, el cual Juan Rulfo comentó: “Gustavo Montoya descubre otros mundos: aquellos que escondidos en el subconsciente, no había percibido hasta entonces: los mundos alucinantes de la memoria y, por añadidura las percepciones más recónditas de la mente, tales como a los muchos temores de que está rodeado el hombre: agonías, pesares, sueños y alucinaciones, todos ellos llenos de una ineludible fatalidad desesperada”.

Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, pág. 372.

$150,000.00-$250,000.00 M.N.

BYRON GÁLVEZ

(Mixquiahuala, Hidalgo, 1941 - Ciudad de México, 2009)

Sin título

Firmado y fechado 90

Óleo sobre tela

160 x 140 cm

Agradecemos a Óscar Gálvez y a Eva Beloglovsky, viuda del artista por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2023. Byron Gálvez estudió en la Academia de San Carlos, donde tuvo grandes maestros quienes ejercieron una importante influencia sobre él, tales como Antonio Rodríguez Luna, Francisco Moreno Capdevila, Luis Nishizawa, Santos Balmori y Antonio Ramírez.

Durante su carrera practicó la escultura, la obra gráfica y con gran maestría la pintura, la cual se caracteriza por su inusual manejo de volúmenes y colores fríos, además de expresar a través de ella, el temperamento rebelde que tenía ante su conocimiento y manejo de la simultaneidad de los planos y cualidades colorísticas. Actualmente, su producción plástica forma parte de grandes colecciones privadas en México y el extranjero.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.byrongalvez.com

$300,000.00-$400,000.00 M.N.

JOY LAVILLE

(Wight, Inglaterra, 1923 - Cuernavaca, Morelos, 2018)

Sin título

Firmado

Gouache y tinta sobre cartón

57 x 37.5 cm

Agradecemos al Dr. Salomón Grimberg por la revisión de esta obra, marzo de 2023. Presenta mínimos detalles de conservación.

Joy Laville demostró que las fronteras no son limitantes para la producción artística, su obra es considerada como un ejemplo de la diversificación del arte mexicano en el siglo XX, llegando a ser comparada con artistas como Pedro Coronel, José Luis Cuevas, Francisco Toledo y Rufino Tamayo, quienes cambiaron el rumbo de la historia del arte de México al desafiar la ruta trazada por la tríada muralista. Entre sus piezas es característico divisar el uso de abstracciones inusuales y colores matizados usados en figuras solitarias dentro de grandes paisajes; gatos, palmeras y flores en jarrones, elementos que amaba apreciar en su casa de San Miguel de Allende y que utilizó constantemente en su pintura. Es de admirar el trabajo de memoria y reflexión en su producción, ya que esta entrelaza su historia, generando una práctica tanto visual y emocional, plasmando una iconografía profunda en cada una de sus piezas.

Fuentes consultadas: DAMIAN, Carol. Joy Laville: The First Fifty Years Grimberg Salomon Cherem Silvia Rowe Isabella. Woman’s Art Journal 36, octubre 1, 2015 No. 2, pp. 49–50, GAMBOA, Fernando et al. Joy Laville. Un mundo luminoso y transparente. México. Museo de Arte Moderno, INBA, 1977, pág. 5 y LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 6, No. 52, julio-agosto de 2001, pág. 26

$150,000.00-$200,000.00 M.N.

74

ANGELINA BELOFF

(San Petersburgo, Rusia, 1883 - Ciudad de México, 1969) Flores

Firmado y fechado 61

Óleo sobre tela

60 x 70 cm

Con etiquetas de Galerías Chapultepec y Galería de Arte Mexicano. Presenta ligeros detalles de conservación.

Angelina Beloff nació en el seno de una familia de intelectuales rusos. Estudió Matemáticas y Ciencias Biológicas con la intención de estudiar medicina por sugerencia de su padre, sin embargo fue el arte lo que siempre quiso hacer, así que ingresó a la Academia Imperial de Arte de San Petersburgo donde aprendió a dibujar al natural de manera clásica. En 1909 se mudó a París para continuar con su formación artística, en aquel año conoció al muralista mexicano Diego Rivera, con quien contrajo matrimonio, durante una corta visita a Bélgica. Durante la Segunda Guerra Mundial tuvo que dejar a un lado su carrera artística. Intercambiaba ideas políticas con su marido y sus amigos Pablo Picasso, Amedeo Modigliani y Marie Laurencin.

Regresó a México en 1932 tras haber sido invitada por Alfonso Reyes. A su llegada formó parte de un círculo social alto y comenzó a trabajar como profesora de dibujo y grabado en el Instituto Nacional de Bellas Artes, gran parte de su labor se enfocaba a talleres de escenografías. También pintó algunos murales con temáticas cuentísticas en hospitales de Guadalajara y Ciudad de México. Fue miembro distinguido de la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios, de la Sociedad Mexicana de Grabadores, de la Sociedad para el Impulso de las Artes Plásticas y del Salón de la Plástica Mexicana. La mayor parte de su obra artística la realizó en México y actualmente su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas mexicanas, como las del Museo de Arte Moderno y el Museo Nacional de Arte de la Ciudad de México, la Colección Blaisten y el Museo Dolores Olmedo.

Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y Pintura Mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 3, No. 34, octubre de 1997, pp. 5-13.

$460,000.00-$600,000.00 M.N.

ÁNGEL ZÁRRAGA

(Victoria de Durango, 1886 - Ciudad de México, 1946)

Flores

Firmado y fechado Pâques - 1926

Óleo sobre tela

92 x 65 cm

Agradecemos a la Maestra María Luisa Novelo, asesora en la realización del libro: Ángel Zárraga, la colección de la CNIC [Cámara Nacional de la Industria de la Construcción], por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2023 Ángel Zárraga presentó aptitudes artísticas desde joven, las cuales desarrolló formalmente cuando sus dibujos fueron publicados en la Revista Moderna entre 1902 y 1903, año en el que ingresó a la Academia de San Carlos. En aquella institución perfeccionó sus aptitudes para la pintura y bajo la influencia de su maestro Julio Ruelas, se embarcó con destino a Europa. A su llegada, asistió a la Real Academia de Bruselas y mediante una beca se trasladó a España para tomar clases con Joaquín Sorolla. Regresó a México en 1907 con el fin de montar su primera exposición individual, no obstante, volvió a España en 1908 y al año siguiente viajó a Venecia, Florencia, Múnich y París para participar en diversas exposiciones colectivas. Tras vivir casi treinta años en tierras europeas, se vio obligado a regresar definitivamente a México en 1941 e inmediatamente fue buscado por diversas instancias y personalidades de la cultura mexicana. Europa fue para él un cúmulo de enseñanzas e influencias artísticas, como lo fue el cubismo, el simbolismo y el realismo. Su experimentación vanguardista lo condujo a pintar diferentes temáticas, destacando las escenas religiosas, los bodegones y las representaciones deportistas, sobre todo el futbol. Su pintura de caballete fue de gran importancia al igual que los murales que se le encomendaron, labor que comenzó en Francia y por los cuales fue distinguido por los cánones de los pintores mexicanos de la primera mitad del siglo XX.

Actualmente su obra se encuentra en importantes colecciones de museos de América y Europa, y se le ha dedicado un gran número de publicaciones que rinden tributo a su trabajo, además uno de los recintos más antiguos y emblemáticos de Durango es hoy en día el Museo de Arte Contemporáneo Ángel Zárraga, el cual alberga una importante exposición del artista.

Fuente consultada: ECHEGARAY, Miguel Ángel et ál. Ángel Zárraga. Primer realista mexicano del siglo XX. México. Gobierno del estado de Durango, 2006, pp 9-40.

$900,000.00-$1,500,000.00 M.N.

JOSÉ REYES MEZA

(Tampico, Tamaulipas, 1924 - Ciudad de México, 2011)

Sin título

Firmado y fechado 07-08

Óleo sobre tela 260 x 254 cm

Agradecemos a Fernanda Reyes, hija del Maestro José Reyes Meza, por la verificación de autenticidad de esta obra, agosto de 2022.

Comenzó a dibujar a los once años y a los catorce se trasladó a la Ciudad de México para ingresar a la Academia de San Carlos, donde tuvo como profesores a Francisco Goitia y Luis Sahagún. También estudió en el Instituto de Antropología e Historia, donde fundó junto con otros estudiantes el Teatro Estudiantil Autónomo (TEA). A partir de ese momento, desarrolló una extensa actividad escenográfica. En 1952 trabajó como escenógrafo en el Ballet de la Academia de la Danza Mexicana del Instituto Nacional de Bellas Artes y dos años más tarde fue nombrado jefe de producción. Retomó la pintura en 1958, realizando frescos para el Casino de la Selva en Cuernavaca, Morelos. El Maestro Reyes Meza hizo de “México y lo mexicano” su preocupación más importante, y esto se vio reflejado en su quehacer profesional. Son notables sus series de toros y de bodegones (naturalezas vivas, como él solía decir), en donde incorporaba el color, la luz, los sabores y los elementos típicos de nuestra tierra. Su lenguaje iconográfico fue fuertemente influenciado por Diego Rivera, Guillermo Meza, Julio Castellanos y Jesús Guerrero Galván. De tendencia realista y miembro de la segunda generación de la llamada Escuela Mexicana de Pintura, además de su pintura de caballete sobresale su obra mural, la cual se encuentra en edificios e instituciones públicas y privadas en México y Estados Unidos. En 2008 se fundó en la ciudad de Nuevo Laredo un museo que lleva su nombre.

Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pág. 582, Texto para la exposición “Reyes Meza: el alquimista del color”. Museo Reyes Meza, Centro Cultural Nuevo Laredo, Gobierno de Tamaulipas y sitio oficial de la Colección Blaisten www.museoblaisten.com

Este lote será mostrado únicamente bajo previa cita. Para más información contacte a nuestra especialista Ma. Fernanda Serrano mserrano@mortonsubastas.com

$600,000.00-$900,000.00 M.N.

GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 2003)

Bodegón de dulces mexicanos, 1973 Firmado

Óleo y mixta sobre tela

102 x 125.5 cm

Publicado en: RULFO, Juan et al. Montoya. México. Litógrafos unidos A. S., 1981, pág. 106, fig. 58. Con etiquetas de Galería Tassende y Galería Central de Arte Moderno Misrachi. Presenta detalles de conservación.

Gustavo Montoya es considerado como un poeta de la pintura, moderno, perfeccionista y emocional. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes donde tomó cursos con Leandro Izaguirre y Germán Gedovius. En 1920, dejó la formación academicista y decidió tomar su propio camino, viajando a Estados Unidos y algunos países de Europa, donde incluso trabajó y dio a conocer su obra con gran éxito. Tras visitar otros países y conocer las obras de arte expuestas en sus museos y galerías, Montoya enriqueció su bagaje artístico y lo unió a su herencia mexicana, creando así un estilo pictórico personal e interesante. Pensaba que la mejor manera de finalizar un cuadro era eliminando los elementos inútiles que frecuentemente eran impedimento para su libre expresión. A diferencia de los pintados en el siglo XIX, como los de Agustín Arrieta, Montoya optaba por la modernidad, ejecutando bodegones de composiciones limpias, escasas gamas de colores y falsas perspectivas con el fin de apreciar la totalidad de los elementos expuestos.

Fuentes consultadas: RULFO, Juan et al. Gustavo Montoya. México. Litógrafos unidos A. S., 1981, pp. 45-62 y LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 4, No. 40, julio - agosto 1999, pp. 10 - 12.

$580,000.00-$750,000.00 M.N.

GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 2003)

Bodegón con panes

Firmado

Óleo sobre tela

70 x 100 cm

Presenta craqueladuras y desprendimiento de capa pictórica. En 1951, la Galería de la Plástica Mexicana exhibió una serie de casi quince bodegones de frutas, verduras, flores y panes de dulce. En estas obras, Montoya compartió la importancia de las costumbres mexicanas. Es así, que tras cuernitos, teleras, chilindrinas, cochas, donas y campechanas compone un cuadro de manjares mexicanos y sutilmente hace referencia a festividades tradicionales, por ejemplo, en el centro de la mesa se aprecia un pan de dulce representativo de la fiesta de los muertos, un pan decorado con pequeños huesos de azúcar que se prepara como ofrenda a los difuntos del 2 de noviembre de cada año.

“Montoya fue sin duda el pensador más profundo que ha dado la pintura mexicana; el que ha llegado más lejos, a penetrar los misterios que rodean a la vida y a la muerte. No lo ha escrito en prosa ni en verso, no ha teorizado sobre una filosofía elevada, lo ha pintado y eso, le hace ser un pintor inconmensurable”. Leonardo Martínez Lanz.

Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LAMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pág. 442 y LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 4, No. 40, julio-agosto 1999, pp. 7-8.

$330,000.00-$500,000.00 M.N.

BENJAMÍN DOMÍNGUEZ

(Ciudad Juárez, Chihuahua, 1942 - Ciudad de México, 2016)

Monja coronada

Firmado y fechado 78

Óleo sobre tela

80 x 70 cm

Presenta detalles de conservación.

Benjamín Domínguez, originario de Chihuahua, migró a la Ciudad de México a la edad de 20 años para estudiar en la Academia de San Carlos. Heredero de los conocimientos de Luis Nishizawa, principalmente en el uso de diversas técnicas y materiales, formando así parte de su vida los aceites y bálsamos para su quehacer artístico. Su entrada al equipo de museografía del Museo del Virreinato en Tepotzotlán fue determinante para su producción artística, ya que el contacto con obras de arte colonial, marfiles, estofados y porcelanas de oriente definieron su estilo personal como se observa en sus monjas coronadas y alacenas que poseen tintes barrocos.

“Benjamín Domínguez ha sido capaz de construir un condensado y fantástico microcosmos […] Pintor de la ensoñación y de la vigilia, de una permanente transmutación de contenidos e imágenes de estas dos inagotables fuentes de la inspiración, de un cargado mundo de mitos y de símbolos asociados sobre todo a la ritualidad y la transgresión, a la santidad y la condena, al placer y el dolor. Uno de los artistas más sorprendentes de su generación”. Mario Saavedra.

Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, julio-agosto, 1999, pp. 19-30, MACMASTERS, Merry. “Muere Benjamín Domínguez, el pintor del dolor y el gozo”. México. La Jornada, sección Cultura, 11 de julio de 2016 y SAAVEDRA, Mario. “El universo plástico de Benjamín Domínguez”. México. Biblioteca Babab, No. 34, 2009.

$160,000.00-$250,000.00 M.N.

BENJAMÍN DOMÍNGUEZ

(Ciudad Juárez, Chihuahua, 1942 - Ciudad de México, 2016)

Retrato de María Idalia Prefeso

Firmado

Óleo sobre tela

78 x 54 cm

Con certificado de autenticidad del artista.

Presenta detalles de conservación.

Con la leyenda "Retrato de la M. María Idalia Profeso de Belo Negro de edad de 19 años en día 26 de Mayo de 76 en el Sagrado Convento de Sta. Brigida de la Ciudad de México".

El gusto por la pintura clasicista en un siglo de grandes cambios lo hace un pintor singular cuya inspiración sería detonada al ver por primera vez la obra de "La Tasadora de Perlas" del maestro holandés Johannes Vermeer en la National Gallery of Art de Washington D.C. Los teóricos describen su obra como expresión de dolor, placer y sacrificio evadiendo el exceso, tal como se observa en las monjas coronadas, que tanto caracterizó el trabajo de Benjamín Domínguez, las cuales incluyen los típicos elementos iconográficos del periodo virreinal en los que se conmemoran momentos decisivos de la vida de las eclesiásticas, cuando realizaban sus votos perpetuos y su muerte.

Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, julio-agosto, 1999, pp. 19-30, MACMASTERS, Merry. “Muere Benjamín Domínguez, el pintor del dolor y el gozo”. México. La Jornada, sección Cultura, 11 de julio de 2016 y SAAVEDRA, Mario. “El universo plástico de Benjamín Domínguez”. México. Biblioteca Babab, No. 34, 2009.

$150,000.00-$250,000.00 M.N.

ÁNGEL ZÁRRAGA

(Victoria de Durango, 1886 - Ciudad de México, 1946)

El cura y su sobrina

Firmado y fechado Segovia 1906

Óleo sobre tela

128 x 96 cm

Agradecemos a la Maestra María Luisa Novelo, asesora en la realización del libro: Ángel Zárraga, la colección de la CNIC [Cámara Nacional de la Industria de la Construcción], por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2023. Presenta ligeros desprendimientos de capa pictórica y craqueladuras.

En 1904, Ángel Zárraga inició su peregrinaje por Europa, estudiando en Bélgica por un año, en la Academia Real de Artes y Ciencias de Bruselas, donde conoció las técnicas pictóricas clásicas para después viajar a España e inscribirse en el taller de Ignacio Zuloaga. Posteriormente frecuentó los talleres de Joaquín Sorolla y de Julio Romero de Torres. Viajó también a Italia y Holanda, pintando sin descanso bajo la influencia de El Greco y Zuloaga, para desarrollar un personal simbolismo. Con madurez precoz, en sus primeras obras realizó escenas costumbristas, en las que logró fijar y exteriorizar el drama humano. Expresó los diversos estados del alma española provinciana, sumida en el estancamiento histórico y en la decadencia espiritual. Tomó sus modelos de los tipos populares, registrando el carácter étnico de sus posantes, sumando al ascetismo de la pintura española, la gracia florentina para poder expresar escenas históricas de la cultura peninsular y la condición humana. Fuentes consultadas: ECHEGARAY, Miguel Ángel et al. Ángel Zárraga. Primer realista mexicano del siglo XX. México. Gobierno del estado de Durango, 2006, pp 26- 29 y ESPINOSA OROZCO, Alberto. “Ángel Zárraga: el pintor mexicano de la Escuela de París”. Terranova, Revista de Cultura, Crítica y Curiosidades, 20 de julio de 2016.

$1,500,000.00-$2,500,000.00 M.N.

GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA (Puebla, México, 1887 - 1962)

Sin título

Firmado

Óleo sobre tela

95 x 75 cm

Se tiene registro del gusto de Guillermo Gómez Mayorga por pintar en momentos especiales del día en los que el sol resaltaba la belleza de la naturaleza.

Lo anterior lo hace acreedor a comparaciones con Don Quijote, dada su personalidad soñadora e imaginativa, dichos rasgos se trasladan a su obra a través de un lirismo cromático en su paleta sin dejar de lado el naturalismo.

Fuentes consultadas: AMERLINCK, Rodrigo et al. Guillermo Gómez Mayorga. Fernández Cueto editores, 1998, pp. 44 - 49 y LARA DE ELIZONDO, Lupina. Guillermo Gomez Mayorga. A Virtuoso of Landscaping, Universidad Nacional Autónoma de México, Coordinación de Humanidades, Centro de Investigaciones sobre América del Norte, 1999, pp. 26-31.

$220,000.00-$300,000.00 M.N.

JOSÉ BARDASANO

(Madrid, España, 1910 - Madrid, España, 1979)

Sin título

Firmado

Óleo sobre tela

95 x 78 cm

José Bardasano fue un pintor madrileño virtuoso del color, excelente dibujante y arduo representante de la norma estética. Su trabajo es fruto de un cultivo de temas costumbristas nacidos en dos continentes, pues sus múltiples viajes a causa del exilio por guerras, le ampliaron el panorama plástico. No obstante, a pesar de que se identificó con las ideas del muralismo mexicano, optó por un camino propio, pues su fuerte personalidad le permitió conservar su identidad española sobreponiéndose a todas las influencias. Fue así, que su inconfundible estilo realista se adecuó bien a las circunstancias y realizó una larga serie de retratos, paisajes y bodegones, así

como temas costumbristas y festivales latinos con personajes pertenecientes a la vida moderna pero con un estilo clásico europeo digno de su formación.

Vivió dedicado a la pintura, una dedicación que él explicaba llanamente como una auténtica necesidad fisiológica. En su momento, su producción alcanzó un gran reconocimiento y su prolífica carrera ha traspasado los años, y actualmente se le han realizado diversas exposiciones en importantes instituciones y museos, como las montadas el Museo Carmen Thyssen Málaga y el Museo del Prado en Madrid, España. Además, su obra forma parte de destacadas colecciones públicas y privadas de galerías y museos de países de Europa, América y Asia.

Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex. 2002, pág. 106 y sitio oficial del Museo Carmen Thyssen de Málaga www.carmenthyssenmalaga.org

$330,000.00-$500,000.00 M.N.

JESÚS REYES FERREIRA “CHUCHO REYES”

(Guadalajara, Jalisco, 1880 - Ciudad de México, 1977)

Bouquet

Sin firma Temple sobre cartón

44 x 56 cm

Con certificado de autenticidad de Rodrigo Rivero Lake, junio de 2022. Agradecemos al Sr. Rodrigo Rivero Lake por la verificación de autenticidad de esta obra, junio de 2022. Presenta craqueladuras y desprendimientos de capa pictórica.

“Sus naturalezas muertas dan la sensación de ser un herbario, porque las flores, plantas y bodegones evocan a las flores de papel o a las hierbas y plantas secas que reposan entre cartones o entre las páginas de un libro”. Lily Kassner.

Fuente consultada: KASSNER, Lily. Chucho Reyes. México. Editorial RM, 2001, pág. 109.

$55,000.00-$70,000.00 M.N.

85

CARMEN PARRA

(Ciudad de México, 1944 - ) Órgano de la Catedral Firmado y fechado 2014

Óleo y arena sobre tela

209 x 137.5 cm

Con constancia de autenticidad de Fundación Parra Gironella. Publicado en: MENDOZA, María Luisa. Carmen Parra. Suave Patria. México. National Museum of Mexican Art, El Aire Centro del Aire A.C. 2015, pág. 49, catalogado 24.

Presenta desprendimiento de capa pictórica y detalles de conservación.

“A lo largo de su incesante actividad plástica, Carmen Parra ha generado una hermandad con los artistas novohispanos para rescatar su tiempo, su iconografía-altares, espacios arquitectónicos, ángeles, arcángeles, águilas, mariposas y flores cohabitan en su obra. El mundo de El Aire puebla sus sueños. A través de su pincel y de su inagotable imaginación transcribe su experiencia, creando un lenguaje propio. Para Carmen Parra, las raíces de México son sus propias alas, se declara veedora de la Nación”. María Luisa Mendoza. Fuente consultada: MENDOZA, María Luisa. Carmen Parra. Suave Patria. México. El Aire Centro del Aire A.C. 2015, pág. 65. $190,000.00-$250,000.00 M.N.

GABRIEL FERNÁNDEZ LEDESMA

(Aguascalientes, 1900 - Ciudad de México, 1983)

Sin título

Sin firma

Óleo sobre madera

155 x 155 cm

Presenta detalles de conservación.

En 1917 llegó a la Ciudad de México, becado por el gobierno de su estado natal para estudiar en la Academia de San Carlos donde fue alumno de Leandro Izaguirre, Carlos Lazo y Saturnino Herrán. En 1922, viajó a Río de Janeiro como ayudante de Roberto Montenegro, a quien habían comisionado la decoración del Pabellón de México en Brasil. A su regreso, el ministro de educación José Vasconcelos lo nombró director artístico del Pabellón de Cerámica de la Facultad de Ciencias Químicas.

Opuesto a la formación impresionista que se impartía en las Escuelas de Pintura al Aire Libre, rechazó la dirección que Alfredo Ramos Martínez le había ofrecido de una de ellas. En lugar de eso, Fernández Ledesma, sus hermanos y Guillermo Ruiz concibieron la creación de la Escuela de Escultura y Talla Directa; en esa escuela se buscaba abolir la idea del arte por el arte, impulsar el arte popular e impartir la enseñanza a obreros y niños. Paralelamente creó un taller de grabado con el cual impulsó el desarrollo de la gráfica en México. En 1929, fue comisionado para viajar a España y llevar una exposición de las Escuelas de Pintura al Aire Libre y de los Centros Populares a la Feria de Sevilla. Fue miembro fundador de la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios (LEAR) en 1934 y jefe de la oficina editorial de la Secretaría de Educación Pública al año siguiente. En 1940 colaboró con Miguel Covarrubias en la realización de la exposición “20 siglos de arte mexicano” que se presentó en Nueva York. En 1969, obtuvo la beca de la Guggenheim Foundation y en 1975 recibió en Aguascalientes la medalla José Guadalupe Posada. En 1982, un año antes de su muerte, se presentó la importante exposición “Artista y promotor cultural. Gabriel Fernández Ledesma” en el Palacio de Bellas Artes. Fuentes consultadas: TOVAR Y DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1995, pág. 396 y MARTÍNEZ LAMBARRY, Margarita et al. La Colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pág. 260.

$250,000.00-$350,000.00 M.N.

GABRIEL FERNÁNDEZ LEDESMA

(Aguascalientes, 1900 - Ciudad de México, 1983)

Sin título

Firmado y fechado 1947

Óleo y arena sobre madera

155 x 155 cm

Presenta detalles de conservación.

Fue pintor, muralista, grabador, fotógrafo, escritor, editor, diseñador e investigador de las artes populares. Además, Fernández Ledesma se dedicó al diseño escénico, al teatro de marionetas y la fotografía y fue uno de los más prolíficos en el arte moderno mexicano.

“Gabriel Fernández Ledesma nunca vivió al margen de los acontecimientos que lo rodeaban; fue un hombre inmerso en su tiempo y de este registró todas sus ventajas y contradicciones”. Judith Alanis Figueroa, 1985.

Fuente consultada: TOVAR Y DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1995, pág. 396.

$250,000.00-$350,000.00 M.N.

88

ROBERTO MONTENEGRO

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Pátzcuaro, Michoacán, 1968)

Mujer en la costa

Firmado

Óleo sobre tela

61 x 46 cm

Roberto Montenegro es una artista fundamental para entender la diversidad de producciones artísticas del siglo XX en nuestro país, su trabajo abarca piezas dentro del muralismo, pintura de caballete, escenografía, vestuario, además de fungir como promotor de arte popular. Resulta limitante buscar un sólo adjetivo para describir su obra, sin embargo, Esperanza Balderas describe a este artista como "modernista nacionalista" debido a las influencias que retoma de sus múltiples formaciones entre las que destaca su inicial predilección por el impresionismo aunado al empleo de cierto lenguaje nacionalista del momento, con tintes casi indigenistas. Esto se ve reflejado en sus trabajos de retrato, en los que su pincelada y formas son inconfundibles por el trato psicológico que se maneja el cual llega incluso a recordar a ciertos personajes de Saturnino Herrán.

Fuentes consultadas: BALDERAS, Esperanza et al. Roberto Montenegro. La sensualidad renovada. México. CENIDIAP, Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 2001, pág. 30, FERNÁNDEZ, Justino. Roberto Montenegro. México. Universidad Nacional Autónoma de México, 1962, pág. 23 y VIDAURRE, Carmen V. Roberto Montenegro: lo nacional y el modernismo. México. Estudios Jaliscienses, Universidad de Guadalajara, mayo 2008, 72, pp. 6- 18.

$380,000.00-$500,000.00 M.N.

ROBERTO MONTENEGRO

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Pátzcuaro, Michoacán, 1968)

Sic transit gloria mundi (Así pasa la gloria del mundo), 1958

Firmado

Óleo sobre masonite

100 x 134.5 cm

Procedencia: adquirido en Sotheby’s, Nueva York, Subasta de Arte Latinoamericano, lote 268, 26 de mayo de 2015; Christie’s, Nueva York, Subasta de Arte Latinoamericano, lote 237, 21 de noviembre de 2012.

Presenta ligero desprendimiento de capa pictórica

Roberto Montenegro se mudó a temprana edad a la Ciudad de México, donde estudió en la Academia de San Carlos bajo la tutela de Julio Ruelas, Germán Gedovius y Antonio Fabrés y fue condiscípulo de Saturnino Herrán, Armando García Núñez, Diego Rivera y José Clemente Orozco. A través de dichas escuelas podemos comprender su obra y sus múltiples líneas de trabajo, en las que las limitaciones a una sola influencia no existen. En 1907 viajó a París para inscribirse en la École de Beaux Arts y en L’Académie de la Grande Chaumière donde perfeccionó su técnica. Tras estallar la Primera Guerra Mundial pasó algunos años en España para después regresar a México en 1921 cuando José Vasconcelos le encargó la creación de varios murales entre los que destaca el primer mural de nuestro país: "El árbol de la vida", ubicado en el ex Templo de San Pedro y San Pablo, actual Museo de las Constituciones de la UNAM, en el que vemos de nueva cuenta las diferencias técnicas respecto a sus contemporáneos.

Fuentes consultadas: BALDERAS, Esperanza et al. Roberto Montenegro. La sensualidad renovada. México. CENIDIAP, Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 2001, pág. 30, FERNÁNDEZ, Justino. Roberto Montenegro. México. Universidad Nacional Autónoma de México, 1962, pág. 23 y VIDAURRE, Carmen V. Roberto Montenegro: lo nacional y el modernismo. Estudios Jaliscienses, Universidad de Guadalajara, mayo 2008, 72, pp. 6- 18.

$900,000.00-$1,500,000.00 M.N.

ANTONIO RODRÍGUEZ LUNA

(Córdoba, España, 1910 - Córdoba, España, 1985)

Gato con pescado

Firmado y fechado 68 al frente. Firmado y fechado 1968 al reverso Óleo sobre tela

60 x 80 cm

Presenta craqueladuras.

Antonio Rodríguez Luna fue uno de los pintores que poseía una de las más claras y definida conciencia de su arte: de lo que su arte supone como propósito, como responsabilidad, como medio de comunicación entre el artista y el hombre. Su obra oscila entre tres de los más fundamentales “ismos” del primer tercio del siglo: surrealismo, expresionismo y realismo. Todo ello, sucedía en su trabajo de una manera natural, sin sobresaltos y completamente de acuerdo con los objetivos artísticos e ideológicos por los que atravesó.

Para Rodríguez Luna, la pintura fue una forma de conocimiento: de conocimiento del mundo, de sus fenómenos, de sus apariencias, de sus realidades. Una forma de conocimiento poético, es decir, un instrumento para someter a un supremo orden metafórico lo que sus ojos contemplan y su imaginación recrea. No se limitaba, trataba siempre de hacer un análisis apasionado de las expresiones provenientes de los sentimientos, siempre dentro del más exigente rigor estético, por implícita inferencia, eran sus propios horizontes.

Fuente consultada: REJANO, Juan. Antonio Rodríguez Luna. México. Universidad Nacional Autónoma de México. 1971, pág. 14.

91

RICARDO MARTÍNEZ

(Ciudad de México, 1918 - Ciudad de México, 2009)

Pelea de perros

Firmado y fechado 2005

Óleo sobre tela

80 x 100 cm

Con certificado de autenticidad del artista.

Agradecemos a la Fundación Ricardo Martínez de Hoyos A.C. por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2022. Esta obra será registrada en el catálogo razonado del Dr. Mark Ruben con núm. RM-05024.

Ricardo Martínez es considerado como uno de los exponentes más sólidos de la riqueza cultural mexicana. Fue un artista que logró articular en su obra una maestría técnica y una profunda imaginería plástica, que ha sido ampliamente reconocida por el gremio a nivel internacional. Su formación artística no fue producto de estudios académicos, ya que era renuente a cumplir con los sistemas institucionales, así que optó por ser autodidacta y abrevar en la obra de los grandes artistas ya consagrados. A pesar de haber viajado a Europa y estudiado la obra de los viejos y modernos maestros, Ricardo Martínez nunca se sustrajo de la influencia de la llamada Escuela Mexicana de Pintura, realizando cuadros con narrativas nacionales. Además de la pintura de caballete, creó diseños para escenarios para ballet e ilustró libros de Alfonso Reyes y Juan Rulfo.

Dentro de la modernidad de su pintura, siempre siguió siendo un clásico, un artista protagonista de su tiempo que comunicó un lenguaje universal.

Fuentes consultadas: BONIFAZ NUÑO,

$1,200,000.00-$2,000,000.00 M.N.

Rubén. Ricardo Martínez. México, Fondo Editorial Panorama, 1994, pp. 5 y 35 y LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus artistas. Tomo I. México. Promoción de Arte Mexicano, 2000, pp. 254-255.

92

BRIDGET TICHENOR

(París, Francia, 1917 - Ciudad de México, 1990)

Sin título, ca. 1975

Firmado con monograma Óleo sobre masonite 40 x 40 cm

Agradecemos a José Valtierra, curador de la exposición “Bridget Tichenor” presentada en el Museo de la Ciudad de México en 2012 por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2023. Presenta ligeros detalles de conservación

La obra de Bridget Bate Tichenor es producto de una sublimación estética de su propia experiencia en este mundo, la que inició entre la sociedad más refinada de París. Fue hija del corresponsal norteamericano Frederick Blantfort Bate y Sara Gertrude Arkwright Bate Lombardi, quienes se conocieron en el Hospital Americano de París, donde su madre trabajaba como enfermera durante la Primera Guerra Mundial. Mostró su talento artístico a temprana edad, cuando vivía en Savoia, Roma, con su familia. En esta época fue alumna de Giorgio de Chirico cuyas composiciones se consideran precursoras del surrealismo. A la edad de 16 años se mudó a París con su madre, donde fue modelo para Coco Chanel y para el fotógrafo Man Ray, ambos amigos de su madre, y estudió pintura con la argentina Leonor Fini.

Hacia el final de la década de los treinta se había mudado a Nueva York, donde se vio obligada a contraer matrimonio con el poeta Hugh Joseph Chisholm, por mera convención social y presionada por su madre, y con quien tuvo a su único hijo, Jeremy.

Después de haber visitado nuestro país a principios de los cincuenta, fue invitada por sus amigos Diego Rivera, Luis Barragán y Mathias Goeritz a la Ciudad de México.

En 1958 participó en el Primer Salón de Plástica Femenina en la Galería Excélsior. Dos años más tarde adquirió el rancho "Contembo" en Michoacán, donde prácticamente se recluyó para pintar obsesivamente, acompañada únicamente por trabajadores domésticos y una colección de perros, loros, iguanas, gatos y chivos, entre muchos otros animales, que servirían como modelos para algunas de sus creaciones fantásticas. Ahí también se inspiró en el paisaje volcánico del estado.

Fuente consultada: SCHUESSLER, Michael K. “Bridget Bate Tichenor: la epifanía en la pintura”. México. Nexos, sección Cultura y vida cotidiana, 17 de junio de 2017.

$900,000.00-$2,000,000.00 M.N.

BRIDGET TICHENOR

(París, Francia, 1917 - Ciudad de México, 1990)

Sin título, ca. 1957

Sin firma

Óleo sobre madera 50 x 70 cm

Agradecemos a José Valtierra, curador de la exposición “Bridget Tichenor” presentada en el Museo de la Ciudad de México en 2012 por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2023.

Con etiqueta del Museo de Arte Moderno y Antonio Souza. Presenta detalles de conservación

Los elementos que conforman su obra remiten en su totalidad a un personaje artístico de su propia mano basado en su refinada vida parisina anterior a la guerra, con anécdotas de casas reales de Europa así como en pasarelas de casas de moda y una visión fantástica del mundo. A través de sus piezas conocemos su personalidad interesada en lo místico como se observa en el uso de seres fantásticos alejados de la etiqueta de surrealistas ya que poseen inspiración en la mitología mesoamericana, las religiones ocultas y la alquimia, además de experiencias místicas propias de la artista. Entre las experiencias que forjaron la identidad de su obra se destaca la visita a su primo, el afamado Edward James, en “Las Pozas” de Xilitla, reconocido espacio fantástico. Fuente consultada: SCHUESSLER, Michael K. “Bridget Bate Tichenor: la epifanía en la pintura”. México. Nexos, sección Cultura y vida cotidiana, 17 de junio de 2017. $800,000.00-$1,000,000.00 M.N.

94

BRIDGET TICHENOR

(París, Francia, 1917 - Ciudad de México, 1990) Diplomáticos Paris en Eden (El cara blanca) Firmado con monograma Óleo sobre tela 22.5 x 35 cm

Agradecemos a José Valtierra, curador de la exposición “Bridget Tichenor” presentada en el Museo de la Ciudad de México en 2012 por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2023.

Los desafortunados eventos históricos de la primera mitad del siglo anterior determinaron que México fuera el país de Bridget Tichenor como lo fue también de Remedios Varo, Alice Rahon y Leonora Carrington, con quienes se relacionó. Estilísticamente, su obra está compuesta por una original mezcla de técnicas con origen en el renacimiento.

El universo pictórico de Bridget Tichenor es intensamente personal, compuesto de seres fantásticos, rostros enmascarados con cuerpo de zorros, perros, serpientes o salamandras, cobran una fuerza especial porque la mayoría se inspiraba en las facciones de los animales que habitaban en su pequeño zoológico, todos gobernados por el poder mágico e inmanente de su dueña, quien a través de sus lienzos tendía un puente místico para transportarse a otros niveles de conciencia.

En 1943 se inscribió en el Arts Student League, donde conoció al pintor Paul Cadmus, quien le enseñó una antigua técnica pictórica basada en una receta para tempera basada en fórmulas italianas que databan del renacimiento. No obstante, la artista inventó su propia mezcla de yeso bruñido sobre masonite al que le agregaba encima una veladura de óleo transparente, pintando con un pincel muy delicado que le ayudaba a lograr los detalles casi microscópicos que ostentan la mayoría de sus cuadros.

Fuente consultada: SCHUESSLER, Michael K. “Bridget Bate Tichenor: la epifanía en la pintura”. México. Nexos, sección Cultura y vida cotidiana, 17 de junio de 2017. $400,000.00-$600,000.00 M.N.

L I B E R B R O N E N

El proyecto Libertad en Bronce fue el resultado de un certamen en el cual once artistas: Leonora Carrington, José Luis Cuevas, Manuel Felguérez, Gunther Gerzso, Roger Von Gunten, Joy Laville, Brian Nissen, Irma Palacios, Vicente Rojo, Juan Soriano y Fernando de Szyszlo produjeron 65 esculturas en bronce para ser exhibidas sobre Paseo de la Reforma en la Ciudad de México en el año 2000 e itineró en otras ciudades del país los años posteriores.

R TA D N C E

IRMA PALACIOS

(Iguala, Guerrero, 1943 - )

Casa del viento, 1995

Sin firma

Escultura en bronce 3 / 6

105 x 54 x 56 cm

Con certificado de autenticidad de Impronta Editores firmado por la artista, julio de 1996.

Publicada en: TOVAR DE TERESA, Rafael et al. Libertad en bronce. México. Impronta Editores-Agua tinta A.C., 1999, pp. 289 y 290. Presenta detalles de conservación.

Inició sus estudios en La Esmeralda, donde acudió al taller libre del Maestro Reyes Haro y fue alumna de Francisco Castro Leñero. Fue una etapa de arduo aprendizaje, hasta que logró hallar su propio estilo, el cual se caracteriza por el uso de materiales terrosos, influencia de su admiración de la cultura oaxaqueña, y colores oscuros provenientes del informalismo español. Ya habiendo despegado como una artista formal, fue distinguida con la beca Guggenheim y la beca del Sistema Nacional de Creadores, además fue acreedora al Primer Premio en la I Bienal de Pintura Rufino Tamayo, el Premio de Adquisición del Salón Nacional de Artes Plásticas del Palacio de Bellas Artes y ganadora del Segundo Premio del Salón Internacional de Estandartes en el Centro Cultural Tijuana. Fuente consultada: MASRI, Isaac, et al. Variantes. Ocho Pintores. México. Impronta Editores, 1999, pág. 112.

$75,000.00-$100,000.00 M.N.

96

IRMA PALACIOS

(Iguala, Guerrero, 1943 - )

Memoria en bronce, 1996

Sin firma

Escultura en bronce 1 / 6

130 x 112 x 102 cm

Con certificado de autenticidad de Impronta Editores firmado por la artista, noviembre de 1996.

Publicada en: TOVAR DE TERESA, Rafael et al. Libertad en bronce. México. Impronta Editores-Agua tinta A.C., 1999, pp. 285 y 286. Presenta detalles de conservación.

“La artista escucha sus voces profundas, se expresa desde dentro, logrando transformar en materia una sensibilidad reflexiva que, con independencia de las técnicas empleadas, se impone por su valor estético: la belleza natural que esquiva el análisis y la interpretación, absorbiendo al espectador en el fluir de su existencia espiritual. La imposibilidad de proferir palabra articulada ante sus imágenes y sus formas marca el contacto de quien tiene la fortuna de verlas, acariciarlas, contemplarlas, ser unas y ser otras”. Luis Ignacio Sáinz, 2001.

$75,000.00-$100,000.00 M.N.

Otra vista

ROGER VON GUNTEN

(Zúrich, Suiza, 1933 - )

Valle sagrado, 1996

Sin firma

Escultura en bronce 2 / 6

100 x 155 x 64 cm

Con certificado de autenticidad de Impronta Editores firmado por el artista, junio de 1996. Publicada en: TOVAR DE TERESA, Rafael et al. Libertad en bronce. México. Impronta Editores-Agua tinta A.C., 1999, pp. 180 y 196. Presenta detalles de conservación.

Roger von Gunten, suizo de nacimiento, llegó a México interesado en recorrer la mítica carretera Panamericana hasta la Patagonia, sin embargo, fue el paisaje mexicano lo que lo impactó de tal manera que se adentró a conocer su cultura, siendo la arquitectura y el muralismo de Ciudad Universitaria lo que haría llamar a nuestro país su hogar.

Su educación comenzó a temprana edad, más tarde ingresó a la Escuela de Artes Aplicadas de Zúrich, donde recibió lecciones de pintura y diseño gráfico de profesores provenientes de la Bauhaus. En su país de origen tendría lugar su primera exposición individual en 1956. Formó parte del movimiento de La Ruptura y trabajó nuevas rutas diferentes a la doctrina hegemónica de la Escuela Mexicana de Pintura, logrando conjuntar las nuevas propuestas del arte occidental con la tradición nacional.

La temática de su obra ahonda en aspectos de su particular interés como lo era la botánica, astronomía, poesía, música, entre otros. El color se convirtió en una de sus mayores campos de trabajo, llegando incluso a impartir talleres sobre su teoría. Asimismo, su producción se diversifica al grabado con piezas sobre metal, litografías y serigrafías.

Fuente consultada: CABRERA, Iván. “La cultura es la conciencia de la vida: Roger von Gunten en la IBERO”. México. Universidad Iberoamericana CDMX, 23 de agosto de 2018 y sitio oficial del Instituto Nacional De Bellas Artes y Literatura www.inba.gob.mx

$90,000.00-$150,000.00 M.N.

98

BRIAN NISSEN (Londres, Inglaterra, 1939 - )

Baliza, 1994

Sin firma

Escultura en bronce 4 / 6 111 x 24 x 21 cm

Con certificado de autenticidad de Impronta Editores firmado por el artista, julio de 1995. Publicada en: TOVAR DE TERESA, Rafael et al. Libertad en bronce. México. Impronta Editores-Agua tinta A.C., 1999, pp. 252 - 253. Presenta detalles de conversación.

Brian Nissen es un artista plástico anglomexicano influenciado por el arte de las culturas prehispánicas. Estudió en la Escuela de Artes Gráficas de Londres y en la Escuela de Bellas Artes de París. En 1963 llegó a la Ciudad de México y pocos años después logró exponer en el Museo de Arte Moderno y en otros recintos importantes del país. Ya relacionado con las vanguardias mexicanas, le fue concedida la beca Guggenheim y en 1979 se mudó a Nueva York, en donde reside habitualmente, manteniendo aún su estudio en la Ciudad de México.

Su obra se caracteriza por ser experimental y se manifiesta de diferentes maneras, transitando entre la figuración y la abstracción. Tiende a ejecutar obras narrativas a la manera de los murales mayas y los cuentos del Popol Vuh y el Chilam Balam. Juega con luces y sombras y concibe texturas y formas orgánicas que invitan al espectador a jugar con los sentidos.

En 2009, Jaime Kuri realizó el documental “Brian Nissen: Evidence of a poetic art”, el cual fue nominado como mejor documental por el premio Ariel en México y en 2012 por primera vez, tuvo una exposición en el Museo del Palacio de Bellas Artes. Fuentes consultadas: sitios oficiales del artista www.briannissen.com y del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$75,000.00-$100,000.00 M.N.

VICENTE ROJO

(Barcelona, España, 1932 - Ciudad de México, 2021)

Estela 1

Firmada y fechada 95

Escultura en bronce 4 / 6

190.5 x 69 x 47 cm

Con certificado de autenticidad de Impronta Editores firmado por el artista, junio de 1996. Publicada en: TOVAR DE TERESA, Rafael et al. Libertad en bronce. México. Impronta Editores-Agua tinta A.C., 1999, pp. 311 - 312. Presenta ligeros detalles de conservación.

Su padre militaba con el Partido Comunista Catalán y al terminar la Guerra Civil española y ante el riesgo que implicaba estar en España, se vieron obligados a viajar a México en busca de refugio y nuevas oportunidades, viviendo en este país desde 1949. En 1950, Vicente Rojo ingresó a La Esmeralda y en 1958 realizó su primera exposición con gran éxito. Desde entonces su desempeño como pintor, escultor y diseñador gráfico, así como su infatigable labor intelectual, fueron una aportación esencial para la cultura en México. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de arte mexicano, año 7, No. 56, marzo-abril de 2002, pp. 6-10.

$220,000.00-$400,000.00 M.N.

Otra vista

100 FERNANDO DE SZYSZLO

(Lima, Perú, 1925 - Lima Perú, 2017)

Sol negro, 1995

Sin firma

Escultura en bronce 2 / 6

118 x 95 x 57 cm

Con certificado de autenticidad de Impronta Editores firmado por el artista, junio de 1996.

Publicada en: TOVAR DE TERESA, Rafael et al. Libertad en bronce. México. Impronta Editores-Agua tinta A.C., 1999, pp. 381 - 382. Presenta ligeros detalles de conservación.

Fernando de Szyszlo fue una figura clave en el arte abstracto de la Latinoamérica de mediados de los años 50 y fue una de las mayores fuerzas en la renovación artística de su país, abriendo camino mediante la expresión de temáticas peruanas en un estilo no representacional. “Las obras de Fernando de Szyszlo hacen gala del deleite que el artista siente por la creación y de su encuentro con la estética. Entre luces y sombras se contiene la expresión del sentimiento que le robó un instante de plenitud o un momento de reflexión. En esos encuentros mágicos en los que vibran los colores, Szyszlo nos expone los misterios del alma, sus formas hablan de rito, belleza, majestuosidad, poesía y amor”. Lupina Lara Elizondo.

Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, marzo-abril, 2003 año 8, No. 62. pág. 5 y “Fernando de Szyszlo. Elogio a las Sombras.” México. Antiguo Colegio de San Ildefonso, 2011.

$220,000.00-$400,000.00 M.N.

JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006)

El pájaro cantando

Firmada y fechada 94

Escultura en bronce 4 / 6

115 x 78 x 47 cm

Con certificado de autenticidad de Impronta Editores firmado por el artista, julio de 1995. Publicada en: TOVAR DE TERESA, Rafael et al. Libertad en bronce. México. Impronta Editores-Agua tinta A.C., 1999, pp. 412 - 413. Presenta ligeros detalles de conservación.

Nació en la ciudad de Guadalajara donde vivió hasta su adolescencia, fue en la Ciudad de México donde inició el contacto con la esfera literaria, cultural y bohemia de la época: Luis Barragán, María Izquierdo, José Chávez Morado, Olga Costa y Rufino Tamayo, por mencionar algunos. Son memorables los retratos que realizó de sus contemporáneos: Xavier Villarrutia, Elena Garro, Carmen Barreda o Lola Álvarez Bravo, género plástico por el que manifestó gran interés en la etapa temprana de su carrera.

Juan Soriano permaneció alejado de la escuela nacionalista mexicana y los cánones de la modernidad, fue un artista de alta sensibilidad extendida en su colorida obra plástica.

Fuentes consultadas: MORENO VILLAREAL, José Luis et al. Juan Soriano. Aves de paso. España. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2006, pp. 5-17 y MORENO

VILLAREAL, José Luis et al. Juan Soriano. Los sueños moldeados. México. Grupo Azabache, 2005, pp. 9-11.

$450,000.00-$600,000.00 M.N.

102

RODOLFO NIETO

(Oaxaca, 1936 -Ciudad de México, 1985)

Gato

Firmado

Lápiz de grafito, carboncillo y pastel sobre papel 69 x 100 cm

Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, marzo de 2023. Con etiqueta de DIMART.

Rodolfo Nieto es reconocido por su alma rebelde y lo que esta derivó en su carrera plástica. Desde sus inicios se alejó de lo academicista al escoger una formación diferente que nutrió de influencias como Carlos Orozco Romero, Santos Balmori, así como Diego Rivera y Juan Soriano. Su paso por Europa impactó directamente en su producción, especialmente en su paleta de colores y uso de formas abstractas. A su regreso a México se enfrentó a un sector hostil a las influencias europeas, esto no lo detuvo y continuó con la experimentación de técnicas que enriquecieron su quehacer artístico, por otro lado, empezó a estudiar el arte prehispánico y la cultura popular, incorporando en su obra nuevas estructuras.

Fuentes consultadas: MORENO VILLARREAL, Jaime. Lo que era todo tiene que ser nada. Homenaje a Rodolfo Nieto. México. Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, 1995, DEL CONDE, Teresa. “Rodolfo Nieto: retrospectiva.” México. Diario La Jornada, 20 de abril de 2010, y sitio oficial del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey www.marco.org.mx

$150,000.00-$220,000.00 M.N.

SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - )

Hadas

Firmado al reverso

Óleo y arenas sobre lino

289 x 289 cm

Con certificado de autenticidad del artista, febrero de 2013.

Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2023. Sergio Hernández es un multifacético pintor y escultor oaxaqueño que ha producido un destacado conjunto de obras con diversas técnicas y materiales. Los aspectos más sobresalientes de su obra emanan del imaginario de la cultura oaxaqueña; con el tiempo brotaron los temas de los insectos, el mezcal y la muerte. “Nací en el pueblo de Huajuapan de León en Oaxaca y de niño íbamos a las pozas de agua a bañarnos. Yo solía acostarme en el pasto a escuchar los sonidos de las chicharras, entre botones de amapolas. No me atrevía a verlos de cerca sólo a escucharlos e imaginaba sus formas. El sonido llenaba el espacio. Le tengo miedo al espacio abierto, necesito saturarlo con pequeños elementos […] Ahora colecciono insectos de formas extrañas de Brasil, Nueva Zelanda, Madagascar y México”. Sergio Hernández. Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa et al. Sergio Hernández. México. Turner, Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 34 y 323. Este lote será mostrado únicamente bajo previa cita. Para más información contacte a nuestra especialista Ma. Fernanda Serrano mserrano@mortonsubastas.com

$2,400,000.00-$3,000,000.00 M.N.

104

ALEJANDRO SANTIAGO

Familia de migrantes

Sin firma

Esculturas en cerámica a la alta temperatura

55 x 33 x 13 cm

Piezas: 5

Con certificado de autenticidad del artista.

Presentan detalles de conservación.

$250,000.00-$350,000.00 M.N.

(Teococuilco de Marcos Pérez, Oaxaca, 1964 - Oaxaca, Oaxaca, 2013)

Las esculturas de esta serie son el resultado de la preocupación de Alejandro Santiago quien al volver a su pueblo natal, luego de una larga estancia en europa, notó que la mayoría de los habitantes habían emigrado a Estados Unidos.

Por ello decidió realizar la travesía que hacen sus paisanos rumbo a la frontera norte, con el fin de entender la experiencia de dejar una vida atrás. Observó ahí las 2500 cruces colocadas en el desierto mexicano, con las que se rinde homenaje a quienes han fallecido en el intento de encontrar una vida con más oportunidades en Estados Unidos. A partir de esta vivencia, decidió realizar un conjunto de 2501 esculturas de barro, representando el espectro de los que ya no están, conjuntando la sensibilidad estética con la fuerza de la tierra de la tradición escultórica en barro de las comunidades oaxaqueñas.

En 2019 se realizó una instalación donde se exhibió el conjunto para hablar de la crisis migratoria del país, en el marco de la celebración del 30 aniversario del Centro de Investigaciones sobre América del Norte en el Colegio de San Ildefonso en la Ciudad de México. "…es un homenaje a los caídos en la línea, la dignificación por los que ya están allá y son discriminados, y la reflexión por los que se quedan. Cada escultura pretende reflejar a cada uno de nosotros con ellos, a ellos en su desnudez como migrantes, y a nosotros como parte de la realidad que vivimos". Alejandro Santiago.

Fuente consultada: CUEVAS, Arturo. “Llegan los Migrantes de Alejandro Santiago a San Ildefonso”.

México. Gaceta UNAM, sección Cultura, 7 de noviembre de 2019.

105 ROLANDO ROJAS (Tehuantepec, Oaxaca, 1970 -)

Sin título Firmado

Óleo y arena sobre tela 220 x 120 cm Rolando Rojas es originario del Istmo de Tehuantepec, se desenvuelve como pintor apoyándose en su formación como arquitecto para así plantear líneas de proyección que pretenden generar reacciones en el público.

Es de admirarse la sencilla manera en la que se conduce, dejando de lado las pretensiones para entonces dar paso a una poesía a través de un efecto visual, regido por la composición y el ritmo a través de las figuras y el color. Desde joven le interesaron las artes visuales, pero decidió estudiar una profesión más tradicional por cuestiones económicas, arquitectura, posteriormente ingresó a la escuela de Bellas Artes de Oaxaca donde entró en contacto con el maestro Shinzaburo Takeda. De manera paralela, comenzó una formación en restauración.

En la actualidad su trabajo es reconocido por galerías nacionales e internacionales, además de las más reconocidas de Oaxaca.

Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, septiembre de 2009, año 14, No. 101, pág. 34.

$230,000.00-$300,000.00 M.N.

106

ALEJANDRO SANTIAGO

(Teococuilco de Marcos Pérez, Oaxaca, 1964 - Oaxaca, Oaxaca, 2013)

Sin título

Firmado

Óleo sobre tela

120 x 100 cm

Con certificado de autenticidad del artista.

Estudió en el Centro de Iniciación Artística en la ciudad de Oaxaca y al poco tiempo fue integrante de la primera generación del Taller de Artes Plásticas Rufino Tamayo donde conoció a Francisco Toledo, Rufino Tamayo y el trabajo de Rodolfo Nieto. Posteriormente se inscribió a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Oaxaca, donde se encontró con el maestro Shinzaburo Takeda.

En 1985 presentó su primera exposición individual en la Galería Sol y Luna, en la cual la Fundación Rockefeller adquirió tres de sus obras. Más tarde fue seleccionado para un programa de intercambio cultural de la Embajada de Estados Unidos, lo que le permitió viajar por el país norteamericano y establecer contacto con galerías. Conoció también la obra de Antonio Saura y Jean-Michel Basquiat, dos de sus mayores influencias. A pesar de reforzar su educación artística fuera del país, su obra siempre tuvo raíces en la cultura zapoteca. Con el tiempo su trabajo obtuvo reconocimiento internacional, lo que le ayudó a inaugurar el Centro Escultórico La Telaraña, primer espacio escultórico en el estado de Oaxaca que durante años ha mantenido la labor de becar a jóvenes artistas para desarrollarse en el medio. Fuentes consultadas: ARANDA MÁRQUEZ, Carlos et al. Oaxaca tierra de arte. Venecia. Mondadori Electa, 2003, pág. 60 y “Se cumplen tres años de la muerte del pintor Alejandro Santiago”. México. 20 minutos Notimex, sección Artes, 21 de julio de 2016.

$250,000.00-$400,000.00 M.N.

107

RODOLFO MORALES

(Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 - Oaxaca de Juárez, 2001)

Caritas

Firmado en una tira de papel

Collage de textiles, papeles, imágenes y aplicaciones de listones sobre papel con marco de hojalata repujado

46 x 52 cm

Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, octubre de 2021.

Procedencia: Galería de Arte Mexicano.

Con etiqueta de Galería de Arte Mexicano.

Cuando era niño, Rodolfo Morales era algo solitario y observaba todo lo que lo rodeaba. Pronto presentó dotes para las artes y sus padres lo apoyaron para inscribirse en la Academia de San Carlos. Siendo hijo de una maestra de escuela que montaba obras de teatro y de un carpintero, Morales fabricaba toda clase de objetos lúdicos, los cuales derivaron en collages. Con estas primeras obras, creó un nuevo lenguaje, con el que se dio a conocer entre amigos. Esto, sumado al bagaje cultural del arte popular que tanto amó desde pequeño, el artista oaxaqueño maduró el estilo y realizó varias obras con diferentes elementos hasta crear casi una artesanía como testimonio de la sensibilidad creativa e imaginativa de nuestros pueblos.

Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, pág. 378.

$65,000.00-$80,000.00 M.N.

108

RODOLFO MORALES

(Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 - Oaxaca de Juárez, 2001)

Mujeres y novia, ca. 1980

Firmado

Lápiz de grafito sobre papel

65 x 50 cm

Con certificado de Fundación Cultural Rodolfo Morales, abril de 2022.

“La magia de Morales consiste en atraernos a sus pinturas con la belleza de sus formas y colores, pero sólo para atrapar nuestra mirada, acaparar nuestra atención y transmitirnos un estado de ánimo muchas veces contrario a la fácil alegría que uno podría sospechar a primera vista. Los colores de Morales son fuertes, contundentes y alegres, pero basta ver la mirada de sus personajes, las sombras de sus casas y los espíritus que merodean en sus cielos y en sus subsuelos para advertir que el mundo del pintor tiene una gran dosis de desamparo Los miedos, los recuerdos y la nostalgia están siempre presentes en el universo de su pequeño pueblo”. Andrés Oppenheimer. Fuente consultada: “Rodolfo Morales. Maestro de los sueños”. México. Proceso, sección La Redacción, 5 de junio de 2006.

$250,000.00-$300,000.00 M.N.

109 SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - )

Flora

Escultura en bronce 1 / 7

Firmada en la base. Firmada dos veces y fechada 2003 87 x 23 x 21 cm

Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2023.

En la práctica escultórica de Hernández el artista recurre a la cerámica y al bronce, para transformar el material en superficies que parecen encontradas o extraídas de sitios antiguos, en objetos o vestigios arqueológicos, donde el tiempo ha dejado grabado del mismo modo que a los fósiles, a insectos y la vegetación. También, habitan en estos trabajos figuras que evocan la muerte y a los demonios, los cuales personifica a partir de su predilección por los libros antiguos. Parecen ser piezas pertenecientes a los ecosistemas prehispánicos, de los cuales han salido su ideal de fieras inofensivas con características compartidas entre seres marinos, aves, humanos y la muerte. “En las obras de Sergio Hernández, efectuados todas en nuestra época, que es densa y quebrada, se observa una inquieta sensibilidad buscadora de contrastes plásticos en la que no hay fronteras; por eso es posible afirmar que no pretende en sus creaciones rizar más el rizo de sus propias propuesta”. Teresa del Conde. Fuente consultada: DEL CONDE, TERESA. Sergio Hernández. México. Turner, Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 26-27 y 38. $420,000.00-$600,000.00 M.N.

110

SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - )

La niña del océano

Firmado al reverso

Óleo sobre tela

150 x 150 cm

Con certificado de autenticidad del artista, 2001.

Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, julio de 2022.

El carácter antropomórfico de sus obras, es una complacencia tanto artística como literaria. Representa emociones y debilidades humanas con un aspecto animal, que a su vez, nos retorna a la antigüedad literaria de la cultura grecorromana. No obstante, a pesar de sus conocimientos y experiencia artística internacional, su obra está vinculada con su lugar de nacimiento y con las vivencias que ponderaron su vida. “Sergio se enfrenta, con la emoción de unificar retazos de estímulos visuales, literarios y acústicos que van desde la prehistoria hasta la actualidad […] Lo mueve el ímpetu de abarcar mucho, de ir más allá, trascendiendo el imaginario de su región natal que, a querer o no, en todas formas emerge. Porque en él pueden convivir, transformados, rasgos de Edvard Munch, de Miró, de Dubuffet, del románico catalán y de la cerámica pintada maya”. Teresa del Conde.

Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa y HERNÁNDEZ RAMÍREZ, Roberto. Sergio

$870,000.00-$1,000,000.00 M.N.

Hernández. México. Turner, Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 31-33.

SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - )

El sueño de la mariposa, 2000

Firmado

Óleo sobre tela

180 x 160 cm

Con certificado de autenticidad del artista, enero de 2000. Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, julio de 2022. Es considerado uno de los artistas oaxaqueños más representativos de nuestra época, construye sus discursos a través de la pintura, escultura y artes gráficas. Su obra comparte características formales del arte neoexpresionsta europeo y estadounidense de las décadas de los ochenta y noventa, aspecto que coloca a Sergio Hernández en la vanguardia artística global. Al observar de manera general su producción se puede definir una iconografía auténtica: la elaboración de lienzos en colores monocromáticos, vibrantes primarios, grandes formatos, el uso de la escritura como parte del lenguaje visual y el arte geométrico, uso de materiales como sílica, barro, cerámica, plata, encáustica o cera, azúcar y densas capas o trozos de pigmento. Fuente consultada: SULLIVAN, Edward. Sergio Hernández. México. Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 25-29.

$950,000.00-$1,300,000.00 M.N.

112

SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - )

Teatro de la vida

Firmado al reverso

Óleo y arena sobre lino

150 x 150 cm

Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2023.

Presenta detalles de conservación.

Esta obra formó parte de un tríptico.

“Todo lo que he ido recolectando en la literatura, en los hallazgos visuales, en las experiencias de la arquitectura, de las vivencias del amor, de la misma vida, me da como resultado un resumen de energía que se refleja en esas obras que son intensas, a la vez que efímeras, pues están hechas con gestos, porque no están tan meditadas”. Sergio Hernández.

Fuente consultada: MACMASTERS, Merry. “Sergio Hernández da vida a un diario personal a partir de la entomología”. México. Diario La Jornada, sección Cultura, 21 de septiembre de 2005.

$730,000.00-$1,000,000.00 M.N.

113

RODOLFO NIETO

(Oaxaca, 1936 -Ciudad de México, 1985)

Cocinero con langosta, 1976

Firmado

Pastel graso sobre papel

69 x 99 cm

Con dedicatoria.

Con etiqueta del Instituto Nacional de Bellas Artes, Oficina de registro de obra. Rodolfo Nieto contribuyó a las generaciones de artistas que apostaron por una diversificación de lenguajes en el arte mexicano del siglo XX, agregó una visión fresca derivada de su acercamiento con la esfera europea sin dejar de lado los aspectos locales. Entre sus grandes influencias destacan Diego Rivera y Juan Soriano quienes lo impulsaron a exponer colectivamente.

El círculo social en el que se desenvolvió ayudó a gestar grandes ideas y expandir su propio lenguaje artístico, entre sus amistades se encontraban Francisco Toledo, Octavio Paz y Julio Cortázar.

Fuentes consultadas: DEL CONDE, Teresa. “Rodolfo Nieto: retrospectiva.” México. Diario La Jornada, 20 de abril de 2010, MORENO VILLARREAL, Jaime. Lo que era todo tiene que ser nada. Homenaje a Rodolfo Nieto. México. Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, 1995 y sitio oficial del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey www.marco.org.mx

$550,000.00-$780,000.00 M.N.

114

RODOLFO NIETO

(Oaxaca, 1936 -Ciudad de México, 1985)

Bailarina de flamenco

Firmado

Óleo sobre tela

130 x 97 cm

Con constancia de Galería de Arte Mexicano, febrero de 2023.

La obra de Rodolfo Nieto se caracteriza por la presencia de formas abstractas plasmadas con texturas y colores propios en las que imágenes de animales fusionados con humanos y temas de naturaleza se unen para crear escenarios fantásticos.

“Nieto tendió a saturar sus composiciones, adhiriendo o rodeando la imagen principal de un sinnúmero de elementos que pueden encontrarse irregularmente geometrizados, como grecas o tableros, igualmente suele acudir a finísimos chorreados, que se antojan siempre controlados, tal que si huyera del vacío”. Teresa del Conde

Fuentes consultadas: DEL CONDE, Teresa. “Rodolfo Nieto: retrospectiva.” México. Diario La Jornada, 20 de abril de 2010, MORENO VILLARREAL, Jaime. Lo que era todo tiene que ser nada. Homenaje a Rodolfo Nieto. México. Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, 1995 y sitio oficial del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey www.marco.org.mx

$2,000,000.00-$3,000,000.00 M.N.

JUAN CRUZ REYES

(Ciudad de México, 1910 - Ciudad de México, 1991)

Bracero

Firmada y fechada 85

Escultura en bronce P / A

28 x 24 x 22 cm

Con certificado de autenticidad firmado por Fernando Cruz, hijo del artista. El capitalino Juan Cruz Reyes nació en 1910, en medio de los procesos revolucionarios. Egresó de la Academia de San Carlos para ser artista y docente mexicano, considerado como uno de los escultores mexicanos más representativos del siglo XX. Recibió comisiones de alta importancia como lo fueron diversas solicitudes que incluyeron personajes importantes para la historia nacional, de esta manera en 1938 viajó a Colombia para entregar una escultura de Benito Juárez donada por el gobierno mexicano y a Panamá a instalar una estatua de José María Morelos y Pavón.

Dos años más tarde fue colega de Francisco Zúñiga en la Escuela de Escultura y Talla Directa. Con Guillermo Ruiz ejecutó uno de sus proyectos más importantes, una comisión por parte del presidente Lázaro Cárdenas que consistió en diversas obras para el estado de Michoacán, entre las que se encontraban el monumento a José María Morelos y Pavón en la isla de Janitzio y la escultura consagrada a Gertrudis Bocanegra en Pátzcuaro.

Por su destacada carrera fue acreedor a la beca Guggenheim en 1950, con la que tuvo oportunidad de exhibir individualmente su obra en la New School for Social Research.

Fuente consultada: sitio oficial de la Secretaría de Cultura www.cultura.gob.mx y sitio oficial del Museo Blaisten www.museoblaisten.com

$75,000.00-$90,000.00 M.N.

116 JOSÉ CLEMENTE OROZCO

(Zapotlán el Grande, Jalisco, 1883 - Ciudad de México, 1949)

Sin título

Firmada

Tinta sobre papel

62 x 48 cm

Agradecemos al Sr. Emmanuel Herrero-Morales Orozco, nieto del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2022. José Clemente Orozco es reconocido principalmente por su ardua labor como muralista.

Las tendencias políticas de José Clemente Orozco eran bastante claras, durante el proceso revolucionario formó parte del ejército carrancista como redactor, ilustrador y caricaturista en el periódico "La Vanguardia", a lo largo de su estancia fue testigo de una cara diferente de la campaña militar por lo que decidió alejarse. Expuso sus vivencias como mejor sabía, a través de la caricatura por lo que tuvo represalias directas de Venustiano Carranza saliendo del país por una temporada.

En 1922 se unió al Sindicato de Obreros Técnicos, Pintores y Escultores con Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros, formando el grupo lideró el

arte de nuestro país bajo un proyecto nacionalista. A raíz de su compromiso gubernamental resultaron obras célebres como los murales de la Escuela Nacional Preparatoria, el Palacio Municipal de Orizaba, Veracruz, "Katharsis" en el Palacio de Bellas Artes, así como aquellos del Palacio de Gobierno y el Hospicio Cabañas en Guadalajara.

Su obra tiene presencia en Nueva York, donde realizó una colaboración con el Museo de Arte Moderno con la creación de un mural en vivo "Dive bomber and Tank", con temática de la Segunda Guerra Mundial.

Durante la última parte de su vida su producción constó principalmente de obras de caballete, relacionadas con la Conquista de México.

Continuó laborando hasta sus últimos momentos como se apreció en los trazos de un mural en el edificio multifamiliar Miguel Alemán. Fuentes consultadas: sitio oficial de El Colegio Nacional www.colnal.mx y sitio oficial del Museo Blaisten www.museoblaisten.com

$250,000.00-$350,000.00 M.N.

117

RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - Cuernavaca, Morelos, 2019)

Mi querida Humberta

Firmado y fechado 73 al frente. Firmado R.C.A y fechado 73 9 al reverso

Óleo sobre lino

101 x 70.5 cm

Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2023. Presenta ligeros detalles de conservación.

Rafael Coronel fue un artista reconocido por sus pinturas de esencias melancólicas. Realizó sus estudios en la Escuela Nacional de Arquitectura, en la academia High American School y finalizó en La Esmeralda, escuela de la cual fue expulsado por conflictos con los maestros. Un día, el pintor Carlos Mérida le presento a Inés Amor, dueña de la Galería de Arte Mexicano, lugar donde sin duda se dio a conocer como un verdadero artista. El arte siempre corrió por sus venas, su abuelo fue decorador de iglesias, su hermano fue el pintor Pedro Coronel y estuvo casado con Ruth Rivera, hija de Diego Rivera con quien trabajó en su taller durante veinte años. Al madurar su estilo, Rafael Coronel comenzó a romper con ciertas modalidades, se convirtió en un maestro del naturalismo y del realismo poético, fantástico y mágico. Su intención fue mostrar la particularidad del ser humano sin tanto revestimiento como lo hacían los muralistas, plasmando personajes cuya esencia se congela en el tiempo.

Fuente consultada: CORONEL RIVERA, Juan Rafael. Retrofuture. Rafael Coronel. México. INBA, CONACULTA, Museo del Palacio de Bellas Artes, 2010, pp. 373 y 374.

$380,000.00-$600,000.00 M.N.

RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - Cuernavaca, Morelos, 2019)

El chico de la prensa Firmado y fechado 65

Óleo sobre tela 90 x 90 cm

Publicado en: CORONEL RIVERA, Juan Rafael. Retrofuture. Rafael Coronel. México. INBA - CONACULTA - Museo Nacional de Bellas Artes. 2011, pág. 182.

Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2023. Exhibido en: “Retrofuture. Rafael Coronel”, muestra itinerante presentada en el Museo del Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México, del 13 de septiembre al 6 de noviembre de 2011, en el Ex Templo de San Agustín de Zacatecas del 7 de diciembre de 2011 al 10 de junio de 2012, en el Museo de Arte Contemporáneo de San Luis Potosí del 28 de junio al 2 de septiembre de 2012 y el Museo de Arte Contemporáneo MARCO de Monterrey del 21 de septiembre de 2012 al 13 de enero de 2013.

Con etiquetas del Museo MARCO de Monterrey, Ex Templo de San Agustín de Zacatecas, Museo del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México y Museo Arte Contemporáneo de San Luis Potosí.

Presenta detalles de conservación.

“Rafael Coronel, artista de sensibilidad mágica, intrigante, profunda, es dueño de un virtuosismo inherente a los grandes maestros de la pintura. Su interés por la naturaleza humana y preocupación por su intimidad lo ha llevado a captarla y volverla susceptible de transformación en forma plástica”. Josephine Siller.

$550,000.00-$700,000.00 M.N.

FRANCISCO CORZAS

(Ciudad de México, 1936 - Ciudad de México, 1983)

El profeta, memento mori Firmado y fechado 72

Óleo sobre tela

130 x 169 cm

Publicado en: MORA TAVARES, Guillermo. Francisco Corzas. México. Petróleos Mexicanos. 1987, pág. 79, catalogado 74 y en RAMÍREZ SANDOVAL, Carlos. Francisco Corzas. México. Universidad Autónoma Metropolitana. 1985, pág. 72. Con etiqueta del Instituto Nacional de Bellas Artes, Oficina de Registro de Obra.

Presenta craqueladuras.

Fue un pintor con una presencia plástica indomable, certero en su visión sobre el fin que persigue la pintura misma: crear un mundo poblado de seres propios. Como estudiante en La Esmeralda recibió lecciones de personajes como Agustín Lazo, Carlos Orozco Romero y Manuel Rodríguez Lozano, además de María Izquierdo y Juan Soriano, influencias que valoró junto con otras figuras en la historia del arte, como Rembrandt, Caravaggio, Goya y José Clemente Orozco. Francisco Corzas fue un artífice que comprendió los profundos cambios estilísticos que introducía su generación a mediados del siglo XX en México, mucho de esto gracias a su prolongada estancia en Europa. Por todo ello, Corzas está siendo reevaluado como artista, con aprecio y objetividad, por parte de la crítica y los historiadores de arte.

El universo corziano está habitado por seres misteriosos, con una iconografía y estética que se aleja de lo costumbrista y las condiciones sociales, su obra refleja a personajes de la urbe, le interesaba de modo especial reflejar la historia de las mentalidades de su época.

Fuentes consultadas: TARACENA, Berta. Francisco Corzas. México. Secretaría de Educación Pública, 1973, pág. 30 y LOZANO, Luis-Martín et al. Francisco Corzas. México. Editorial Océano, Grupo Financiero Bital, 2001, pp. 60-70 y 187.

$3,000,000.00-$4,000,000.00 M.N.

120

ADOLFO BEST MAUGARD

(Ciudad de México, 1891 - Atenas, Grecia, 1964)

María Félix

Firmada y fechada 1953

Mixta sobre masonite

120 x 78 cm

Presenta detalles de conservación, ligeros desprendimentos y craqueladuras. Adolfo Best Maugard, conocido por sus amigos como “Fito Best”, fue un miembro sobresaliente de la intelectualidad mexicana posrevolucionaria, quien evitó las actividades políticas para concentrarse en la promoción del desatendido valor estético del arte popular mexicano. Descendiente de raíces inglesas y francesas, recibió una formación europea. Su familia pertenecía a un grupo social privilegiado, que veía a Europa como modelo del arte y la cultura. No obstante, se apartó de esta mentalidad con el fin de explorar las raíces estéticas de México y promover el arte nacional en el extranjero. Pasó una temporada en París, donde conoció a Paul Gauguin, Paul Cézanne y Henri Matisse y expuso en el Salón de Otoño, donde tuvo contacto con Diego Rivera y a su regreso a México en 1914 comenzó a trabajar en su revolucionario “Método de dibujo. Tradición, resurgimiento y evolución del arte mexicano”, el cual

se publicó hasta 1923, se tradujo al inglés e incluía viñetas de Miguel Covarrubias; pero antes de su publicación, “El Método” se enseñaba ya en las escuelas mexicanas. Convivió con Roberto Montenegro y Ángel Zárraga y fue el primer artista mexicano en exponer de manera individual en Nueva York, en la Galería Knoedler. También incursionó en el cine y el diseño de vestuario y escenografías de teatro y danza, destacando su participación en el legendario “Jarabe Tapatío”, interpretado por la bailarina clásica Anna Pavlova.

En 1929 expuso en el Arts Club de Chicago y en el Hotel Waldorf Astoria en Nueva York. Hacia 1931 recibió el encargo de supervisar y asistir el trabajo de Serguéi Eisenstein durante el rodaje de su filme “¡Que viva México!”. Influido por el cineasta ruso, en 1933 realizó “Humanidad”, cortometraje elogiado por los intelectuales de la época.

Fuentes consultadas: GRIMBERG, Salomon et al. Adolfo Best Maugard. La espiral del arte. Un caballero educado. México. Secretaría de Cultura. pp. 19-27 y sitio oficial de la Secretaría de Cultura www.gob.mx/cultura

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

121

RAFAEL CORONEL (Zacatecas, Zacatecas, 1931 - Cuernavaca, Morelos, 2019)

Sin título

Firmado

Óleo sobre tela

65 x 55 cm

Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2023.

“Su obra está impregnada de fuerza, de una inquietud interna por entender los estados anímicos del hombre, de confrontar lo que otros no confrontan: la soledad, el abandono y la desesperación que se manifiesta en aquellos momentos en los que la vida hace crisis en el ser humano. En ese estado miserable, existe un ser que se está aferrando a la vida como un culto a la existencia”.

Fuente consultada: “Rafael Coronel”, texto para exposición en la galería Vértice de Guadalajara, Jalisco, octubre de 1999.

$300,000.00-$450,000.00 M.N.

122 SANTIAGO CARBONELL (Quito, Ecuador, 1960 - )

El rito, 2022

Firmado

Óleo sobre tela

85 x 140 cm

Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, septiembre de 2022.

Los trabajos de Santiago Carbonell comprenden el empleo de óleos sobre tela de gran formato en los que plasma a mujeres, paisajes, personajes y escenas con un toque etéreo. En sus piezas está presente un excelso manejo de la técnica del claroscuro, derivado del arduo estudio por la historia del arte. “Esta es una propuesta que nos da la oportunidad de encontrarnos con un hiperrealismo muy particular con sus guiños al pasado y una lucidez y claridad en cada una de las obras”. Ricardo Marcos.

Fuentes consultadas: NAVARRO, Adriana. Carbonell: la revuelta de la tradición. México. La gaceta. Universidad de Guadalajara, 17 de septiembre de 2007, pág. 5, sitio oficial de Galería Ginocchio www.ginocchio.gallery y sitio oficial de Consejo para la Cultura y las Artes de Nuevo León www.conarte.org.mx

$1,200,000.00-$1,600,000.00 M.N.

123

SANTIAGO CARBONELL

(Quito, Ecuador, 1960 - )

Figura que se esconde tras el advenimiento de su propia luz Firmada

Escultura en mármol

31 x 20 x 18 cm

Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, julio de 2019. Santiago Carbonell comenzó su carrera a la corta edad de 6 años, a partir de la cual la disciplina y estudio tenaz determinarían su camino. Su trabajo realista no pretende reproducir la realidad a manera de fotografía sino tomar inspiración en ella e inventar a partir de ella. Si bien se habla de su carácter autodidacta, tuvo una formación artística en Barcelona donde apreció la obra Antoni Tápies especialmente. Una de sus grandes comisiones fue la realizada en la Suprema Corte de Justicia de la Nación en conmemoración del bicentenario de la Independencia y centenario de la Revolución Mexicana en 2010. Ha participado en muestras expositivas alrededor del mundo y en 2014 inauguró su Museo Fundación en la ciudad de Querétaro, donde su obra se exhibe de manera permanente. Fuentes consultadas: NAVARRO, Adriana. Carbonell: la revuelta de la tradición. México. La gaceta. Universidad de Guadalajara, 17 de septiembre de 2007, pág. 5, sitio oficial de Galería Ginocchio www.ginocchio.gallery y sitio oficial de Consejo para la Cultura y las Artes de Nuevo León www.conarte.org.mx

$300,000.00-$500,000.00 M.N.

124

ARNOLD BELKIN

(Alberta, Canadá, 1930 - Ciudad de México, 1992)

Retrato de Esperanza

Firmado 1952 al reverso

Óleo sobre tela 120 x 85 cm

Agradecemos a Ariela Belkin, hija del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, febrero de 2023.

Presenta ligeros detalles de conservación.

Habiendo estudiado en la Vancouver School of Art y en la Banff School of Fine Arts en Canadá, Arnold Belkin se trasladó a México a los 18 años, país donde estructuró formalmente su carrera artística. El interés que tuvo por el arte mexicano comenzó cuando descubrió la pintura de Diego Rivera a través de la revista “Time”, decidiendo entonces estudiar arte en La Esmeralda, lugar en el que compartió estudios con Agustín Lazo y Carlos Orozco Romero; paralelamente participó en el Taller de Ensayo de Materiales y Plásticos del profesor José L. Gutiérrez en el Instituto Politécnico Nacional y fungió como ayudante de David Alfaro Siqueiros en la realización de murales para la Ex Aduana de Santo Domingo y para el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México. Precisamente, bajo estas grandes influencias artísticas fue que Arnold Belkin empezó a pintar

sus propios murales y el medio comenzó a conocerlo como “el hijo canadiense del muralismo mexicano” por su gran talento. Su trabajo pasó por varios ejercicios plásticos a causa de los contextos sociales que lo rodeaban, pasando a formar parte del movimiento Nueva Presencia, integrado por José Luis Cuevas, Francisco Icaza y Rafael Coronel, entre otros. Además, en su viaje a Europa experimentó en su pintura un nuevo carácter cromático, así como la consideración de establecer al hombre como el protagonista en cada una de sus obras. En 1977 regresó a México y fue invitado a realizar murales para la Universidad Autónoma Metropolitana, en los cuales dejó su influencia artística europea con un discurso dramático sobre la guerra, el exilio y la injusticia nacional. Actualmente, es considerado como uno de los artistas más vanguardistas del siglo XX en México y su obra mural se encuentra plasmada en importantes edificios públicos y su pintura de caballete en destacadas colecciones a nivel internacional. Fuente consultada: GARCÍA DE KRINSKY, Emma Cecilia et al. Para disfrutar el infinito. Homenaje a Arnold Belkin. México. UNAM, México, 1998, pp. 13 - 17.

$160,000.00-$250,000.00 M.N.

125

ALFONSO MICHEL

(Colima, 1897 - Ciudad de México, 1957)

El mago

Firmado y fechado 45

Óleo sobre tela

90 x 50 cm

Alfonso Michel nació en el seno de una familia hacendada de Colima. De joven su vida fue un subir y bajar de emociones por cuestiones familiares y económicas, lo que lo impulsó a ser un hombre libre de toda restricción, imaginativo, rebelde e inestable sentimentalmente. A los 19 años conoció Europa junto a sus hermanos, pero tras la muerte de su padre en 1918, decidió establecerse en San Francisco donde estudió con Mark Hopkins. Posteriormente viajó a Buenos Aires, Florencia, París y Berlín. Para 1924 era un artista bohemio en Montparnasse que había acudido a academias privadas y trabajaba para revistas de moda parisinas. Un par de años más tarde, compartió taller con Agustín Lazo, quien tenía entonces una clara influencia por el trabajo de Giorgio de Chirico misma que contagió a Alfonso Michel. Tras una temporada abandonó la pintura, volvió a México y se instaló en Guadalajara, donde recibió el apoyo de Roberto Montenegro y se asoció al grupo de jóvenes pintores jaliscienses: Ricardo Martínez, Jesús Guerrero Galván y Juan Soriano. Hacia la década de los 40 decidió establecerse en la Ciudad de México y en 1945 presentó su primera exposición en la Galería de Arte Mexicano de Inés Amor. En 1949 regresó a Europa y convivió con Rufino Tamayo, tuvo una exposición en la Galería Art Pictorical de Montparnasse. En aquella época, su estilo manifestó un cambio con composiciones que se estructuraban en planos geométricos, marcados fuertemente por el cubismo. Pronto presentó su segunda exposición en la Galería de Arte Mexicano, donde destacaron sus naturalezas muertas. Siempre trabajó de manera intensa, casi obsesiva, con el carácter profesional que lo determinó como uno de los pintores más destacados del arte mexicano de la primera mitad del siglo XX. Fuentes consultadas: MARTÍNEZ JUÁREZ, Sagrario et al. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 424 y sitio oficial de la Colección Andrés Blaisten www.museoblaisten.com

126 ÁNGEL

ZÁRRAGA

(Victoria de Durango, 1886 - Ciudad de México, 1946) Étude Pour portrait

Firmado

Lápiz de grafito sobre papel 94 x 44 cm

Agradecemos a la Maestra María Luisa Novelo, asesora en la realización del libro: Ángel Zárraga, la colección de la CNIC [Cámara Nacional de la Industria de la Construcción], por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2023.

Al ser un boceto presenta detalles de conservación normales por el uso, así como faltantes en el papel. Desde su juventud conoció a personajes artísticos de la época, fue alumno de Justo Sierra y Amado Nervo, amigo cercano de Jaime Torres Bodet y asistió a clases en la Academia de San Carlos, donde estudió con Julio Ruelas. En el año de 1904 emprendió un viaje a Francia y ahí fue uno de los fundadores de la Escuela de París, al lado de personajes como Braque o Juan Gris, además, entabló amistad con Pablo Picasso y Amedeo Modigliani. En su obra es donde puede apreciarse a un gran dibujante, debido a la gama de influencias de vanguardias y características plásticas formales: algunas piezas contienen texturas, especialmente los retratos que nos recuerdan las pinceladas e imágenes de Claude Monet, de la época impresionista, bañados en luz y realizados al aire libre, en contraste con los retratos de infantes realizados al interior del estudio del pintor. Llaman la atención los lienzos abstractos, que funcionan como un estudio de la geometría a partir de la figura humana y objetos cotidianos. Desde otra perspectiva realizó obras de estilo medieval, con composición central, fondos planos y con aspectos alegóricos o religiosos.

Fuente consultada: ECHEGARAY, Miguel Ángel et ál. Ángel Zárraga. Primer realista mexicano del siglo XX. México. Gobierno del Estado de Durango, 2006, pp. 19-22.

$130,000.00-$180,000.00 M.N.

MIGUEL COVARRUBIAS

(Ciudad de México, 1904 - Ciudad de México, 1957)

Entrevista imposible (George Orliss y el Cardenal Richelieu, Duque de Wellington y Disraeli), 1936

Firmado

Gouache y lápices de color sobre papel 25 x 23.5 cm

Procedencia: perteneció a la colección del Maestro José Luis Cuevas.

Publicado en: NAVARRETE, Sylvia. Miguel Covarrubias, artista y explorador. México. Consejo Nacional para la Cultura y las Artes. 1993 pág. 36 y en GARCÍA NORIEGA Y NIETO, Lucía. Miguel Covarrubias: Homenaje. Centro Cultural Arte Contemporáneo, 1987.

Exhibido en: “Homenaje: Miguel Covarrubias”, muestra presentada en el Centro Cultural Arte Contemporáneo de la Fundación Cultural Televisa en la Ciudad de México en 1987.

Miguel Covarrubias, “El Chamaco”, fue un importante pintor, dibujante, investigador y promotor de la cultura mexicana de la segunda mitad del siglo XX. Su interés por el arte fue temprano, abandonó sus estudios en la Escuela Nacional Preparatoria para iniciar su fructífera carrera como caricaturista. En 1924, decidió instalarse en Nueva York y pronto presentó su primera exposición de caricaturas, estuvo publicado en diversas ocasiones en títulos como Vanity Fair, The New Yorker y Fortune, lo que lo hizo alcanzar fama mundial. Fue en aquella ciudad estadounidense donde entró en contacto con Rufino Tamayo, Carlos Mérida y Carlos Chávez con quienes impulsó la cultura de nuestro país. Miguel Covarrubias se desarrolló también en el ámbito antropológico y etnológico al tener un gran interés por culturas prehispánicas y del sur asiático, de las cuales publicó textos importantes. Asimismo, dedicó una parte de su vida a fungir como jefe del Departamento de Danza del Instituto Nacional de Bellas Artes, donde diseñó vestuarios y escenografías para importantes ballets en los que llegó a colaborar con grandes artistas del momento.

Gracias a su gran sensibilidad de observación logró adquirir inspiración de todos los lugares maravillosos que visitó alrededor del mundo, acudiendo a museos, talleres, mercados públicos, casas de coleccionistas y más espacios de donde retoma elementos que podemos apreciar plasmados en sus piezas.

Fuentes consultadas: PONIATOWSKA, Elena. Miguel Covarrubias. Vida y mundos. México. Ediciones Era, 2004, pp. 13-15, RUBIN DE LA

Portrait Gallery, Londres, 8 de junio de 2012.

$750,000.00-$900,000.00 M.N.

BORBOLLA, Daniel F. Miguel Covarrubias-1905–1957. American Antiquity, Cambridge University Press 23, pp. 63 - 65. y “Miguel Covarrubias, caricaturas de la época del jazz”. Blog oficial del National

128

CARLOS MÉRIDA

(Quetzaltenango, Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984)

Boceto para el remate de la escalera del multifamiliar Presidente Juárez, ca. 1951

Sin firma

Lápiz de grafito y lápices de color sobre papel albanene

35.5 x 58 cm

Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, agosto de 2017.

Publicado: MÉRIDA, Carlos. Su obra en el multifamiliar Juárez, Nacimiento, Muerte y Resurrección. ISSSTE, INBA. pág. 30.

Exhibido en: “Detrás de los andamios”, muestra presentada en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, del 17 de mayo al 9 de octubre de 2022.

Con etiqueta del Museo de Arte Moderno.

Con las anotaciones:

ESCALERA, 5

Centro: muerte del Ixtlilxóchitl.

Derecha: Nezahualcóyotl en la montaña.

Izquierda: Los capitanes entrenan a Ixtlilxóchitl.

Al tratarse de un boceto, presenta detalles de conservación normales por el uso.

Carlos Mérida, de origen guatemalteco con herencia indígena quiché por lado paterno y español, por el materno, fue una de las piezas más importantes en la apertura del arte en el siglo XX, además de coreógrafo, diseñador de ropa, dibujante de viñetas y escultor.

Su obra es descrita como un baile de líneas y colores en la cual se observan innovaciones a nivel formal y material en comparación con la obra muralista ortodoxa. Carlos Mérida difiere en el empleo del fresco y opta por el uso de mosaicos venecianos o placas esmaltadas de vidrio que se integran con el espacio arquitectónico, dando lugar a la llamada integración plástica entre pintura y arquitectura como se apreció en los murales realizados para los conjuntos multifamiliares del arquitecto Mario Pani.

El cambio de ruta política y estética respecto a la tríada muralista le costó no sólo su alejamiento en aquel momento, si no también su reconocimiento hasta el momento en que los teóricos han despertado su revalorización. Cabe aclarar que Carlos Mérida veló por un nacionalismo con otro lenguaje, aquel adquirido en Europa de las vanguardias artísticas que derivó en el uso de la abstracción geométrica que a su vez tomó inspiración de la tradición maya.

Fuentes consultadas: CULLELL, Jon Martín. “Al rescate de Carlos Mérida, el muralista olvidado”. México. El País, sección Arte, 14 de diciembre de 2018 y NOELLE, Louise. Los murales de Carlos Mérida. Relación de un desastre. México. Anales Del Instituto De Investigaciones Estéticas 15 (58), 1987, pp. 125 - 143.

$160,000.00-$200,000.00 M.N.

129

RUFINO TAMAYO

(Oaxaca de Juárez, México, 1899 - Ciudad de México, 1991)

Personaje

Firmado y fechado O. 66

Lápiz de grafito y acuarela sobre papel

30 x 25 cm

Procedencia: perteneció a la colección de Galerías La Granja de Bolívar 16. Rufino Tamayo nació y creció en Oaxaca, pero se educó artísticamente en la Ciudad de México en la Academia de San Carlos, donde tuvo como maestros a Germán Gedovius, Saturnino Herrán y Roberto Montenegro. En 1926 viajó a Nueva York, donde tuvo la oportunidad de empaparse de conocimiento sobre las corrientes artísticas del momento visitando museos y galerías y realizó su primera exposición en The Weyhe Gallery, la cual fue muy bien recibida por el público y la crítica estadounidense. En la década de los 50, Tamayo viajó con su esposa a Europa, para entonces ya era todo un éxito internacional, consolidado así como uno de los mejores pintores contemporáneos mexicanos. En esta época, la productividad pictórica de Tamayo se extendió, especialmente a los murales, realizando algunos en Houston, París, Puerto Rico, entre otros. También hizo dibujos y pinturas en los que abordó el género del retrato, los cuales trabajó en diversas épocas, varios de ellos considerados prodigiosos.

Fuentes consultadas: MORENO GALVÁN, José María et al. Rufino Tamayo. Pinturas. España. Centro de Arte Reina Sofía. 1988, pp. 70-76, sitio oficial de la Secretaría de Cultura www.gob.mx/cultura y sitio oficial del artista www.rufinotamayo.org.mx

$320,000.00-$500,000.00 M.N.

PEDRO CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1923 - Ciudad de México, 1985)

Los penitentes, ca. 1953

Sin firma

Óleo sobre masonite

121.5 x 78.5 cm

Con certificado de autenticidad de Martín Coronel Ordiales, mayo de 2018. Con copia de carta solicitud de préstamo para la exposición “Pedro Coronel. 100 años, una ruta infinita”, del Museo del Palacio de Bellas Artes - Secretaría de Cultura, febrero de 2021.

Procedencia: perteneció a la colección de Esperanza Coronel Arroyo.

Publicado en:

- CORONEL ORDIALES, Martín et al. Pedro Coronel. México. Grupo Financiero Bital, 1993, pág. 36

- GONZÁLEZ MATUTE, Laura et al. Pedro Coronel. Retrospectiva. México. Museo de Arte Moderno. CONACULTA. 2005, pág. 60

- CORONEL RIVERA, Juan Rafael. El espíritu del color. Pedro Coronel. México. Instituto Veracruzano de la Cultura. 2012, pág. 38

- GARZA USABIAGA, Daniel. Pedro Coronel. 100 años: una ruta infinita. México. Museo del Palacio de Bellas Artes. 2022, pág. 127.

Exhibido en: “Pedro Coronel. El espíritu del color”, muestra presentada en la Pinacoteca Diego Rivera en Veracruz, de julio a septiembre de 2012 y en “Pedro Coronel. 100 años, una ruta infinita”, muestra presentada en el Museo del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México del 3 de diciembre de 2021 al 27 de febrero de 2022. Con dos etiquetas de la exposición “Retrospectiva”. Presenta mínimos desprendimientos de capa pictórica.

“Pasión: palabra clave en el universo de Coronel. En su pintura reina la pasión. Frente al arte de propaganda y al arte abstracto, Coronel nos muestra que la verdadera fuente de la poesía y la pintura está en el corazón. Pasión se llama la fuerza que lucha contra la pesadez mineral de las grandes figuras que invaden algunas de sus telas; pasión lo que arde en sus colores hasta no ser sino un resplandeciente trozo de materia desollada, en un cielo deshabitado; y el lento movimiento de sus azules y rojos es pasión magnífica y suntuosa. Todas las reservas y las dudas del espectador desaparecen ante este candor poderoso. ¿Es necesario añadir que muy pronto Pedro Coronel será uno de nuestros grandes pintores?”. Octavio Paz para la muestra en la Galería Proteo, 1954.

$1,300,000.00-$2,000,000.00 M.N.

MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990)

Sin título (Mensaje)

Sin firma

Láminas perforadas ensambladas sobre madera

143 x 125.5 cm

Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, octubre de 2022.

Procedencia: David & Yehudit Shaltiel, Jerusalén; Kings Gallery, Jerusalén; José Assad Masrí, México; Colección privada, México. “Mensajes” es el nombre de una serie de obras no pintadas, sino revestidas con hojas de oro. Algunos son sencillamente monocromáticos, mientras que en otros, la hoja de oro era perforada.

En esta época, Goertiz proclamaba ideas en pro de un arte espiritual, universal y metafísico, este sentimiento, unido a la profunda depresión en la que cayó por la muerte de su esposa Marianne. Aunque el matrimonio se había separado tiempo antes, al saber que ella enfermó y fue operada de un tumor cerebral, pasó los últimos meses a su lado. El terrible hecho lo llevó a crear obras en donde se enfatizaba la tristeza. El retorno hacia el mundo interior lo hizo producir, en un continuo afán de salvarse como artista, unas creaciones compuestas con clavos y otras con hojalata, cuyo significado basaba en textos bíblicos, generalmente del Viejo Testamento. El artista los definió como “clouages”. Los “Mensajes” podrían considerarse, entonces, decoraciones simbólicas que a juicio del artista, infunden un halo de espiritualidad a través del resplandor dorado en su interacción con la luz. La primera vez que exhibió los “Mensajes” fue en la Galería de Arte Mexicano en la Ciudad de México en 1959, muestra que causó extrañeza entre el público, apenas acostumbrados a sus propuestas anteriores, esto era nuevo. La Carstairs Gallery, de Nueva York, repitió esa exposición en marzo de 1960, acontecimiento que fue ampliamente discutido dentro de los círculos artísticos de esa ciudad. En ese marco, Goeritz escribió e imprimió una protesta contra el MoMA, se instaló frente al museo y distribuyó ese material. Esta fue su primera rebeldía pública contra el relativismo destructivo del arte contemporáneo y el primer llamamiento en pro de un arte espiritual y metafísico. Proponía una postura religiosa como única salida a aquella revolución artística. Al tomar partido contra el nihilismo de Marcel Duchamp y contra el ateísmo de los artistas modernos, señaló cuál sería su camino en el futuro. Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 11, No. 80, marzo-abril del 2006, pp. 4-27. y KASSNER, Lily. Mathias Goeritz. Una biografía 1915 - 1990. México. UNAM, CONACULTA, INBA, 2007, pág. 137 y ZÚÑIGA, Olivia. Mathias Goeritz. México. Editorial Intercontinental, 1963, pp. 41-43.

$7,000,000.00-$8,000,000.00 M.N.

MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990)

Sin título (Mensaje)

Sin firma

Lámina perforada y clavos sobre madera

22.5 x 20 x 8 cm

Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, octubre de 2022.

Procedencia: David & Yehudit Shaltiel, Jerusalén; Kings Gallery, Jerusalén; José Assad Masrí, México; Colección privada, México. La mayoría de estas piezas, eran constelaciones rítmicas logradas a través de clavos superpuestos o perforaciones en hojas de metal. Con el uso de esa técnica, el artista lograba una gran variedad de expresiones Con obras como los “Mensajes”, cargadas de una función espiritual, Goeritz pretendía hacer una extensa una crítica hacia la arquitectura moderna a la que atribuía un empobrecimiento de la experiencia en razón de la funcionalidad. Propuso entonces lo que denominó arquitectura emocional. Emoción que se convierte en asombro del espectador que reacciona ante el resplandor dorado o ante la monumentalidad de obras públicas como las torres de Satélite.

“Es un hecho que el hombre no sólo está hecho para racionalizar. El hombre también está hecho para creer. Cuando el hombre cree, es capaz de hacer un trabajo más importante.

¡Necesitamos fe! ¡Necesitamos amor! ¡Necesitamos a DIOS! ¡DIOS significa vida! ¡Necesitamos las leyes definitivas y los mandami entos de DIOS! ¡Necesitamos catedrales y pirámides! ¡Necesitamos arte más grande, más significativo! No necesitamos otra autodestrucc ión fácil”. Mathias Goeritz, 1960 (Fragmento del manifiesto Please stop!).

Fuente consultada: GOERITZ, Mathias. Manifiesto “Please stop!”, 1960.

$650,000.00-$800,000.00 M.N.

133

PEDRO RAMÍREZ VÁZQUEZ

(Ciudad de México, 1919 - Ciudad de México, 2013)

Calavera Cuauhxicalli 4

Firmada dos veces

Escultura en plata Sterling .925 de la firma TANE con acabado blanco mate 04 13 x 12 x 14 cm

Con sello de TANE ME-32 e iniciales del platero.

Esta pieza con otro número de tiraje se encuentra publicada en: sitio oficial de TANE www.tane.mx

Pedro Ramírez Vázquez fue un destacado miembro de la Universidad Nacional Autónoma de México como alumno y maestro, por medio de sus proyectos arquitectónicos aportó al proceso de urbanización y la modernidad del país.

A lo largo de su vida desempeñó cargos importantes que aunados a su labor profesional como urbanista, fomentaron la cultura en nuestro país. Fue fundador y primer rector de la Universidad Autónoma Metropolitana, igualmente desempeñó otros cargos públicos entre los que destaca su presidencia en el Comité Organizador de los Juegos Olímpicos de 1968, evento para el que además diseñó el afiche oficial y su emblema. Fuentes consultadas: sitio oficial del Arquitecto Pedro Ramírez Vázquez www.pedroramirezvazquez.com y sitio oficial del Instituto Nacional De Bellas Arte y Literatura www.inba.gob.mx

$330,000.00-$400,000.00 N.N.

BRIAN NISSEN

(Londres, Inglaterra, 1939 - )

Zodiaco

Firmada

Escultura en plata Sterling .925 de la firma TANE 5 / 24

50 x 15 x 11 cm

Con sello de TANE ME-32.

Esta pieza con otro número de tiraje se encuentra publicada en: sitio oficial de TANE www.tane.mx

$160,000.00-$250,000.00 M.N.

PEDRO RAMÍREZ VÁZQUEZ

(Ciudad de México, 1919 - Ciudad de México, 2013)

Calavera Cuauhxicalli 3

Firmada dos veces

Escultura en plata Sterling .925 de la firma TANE con acabado en negro óxido

13 x 12 x 14 cm

Con sello de TANE ME-32 e iniciales del platero.

Esta pieza con otro número de tiraje se encuentra publicada en: sitio oficial de TANE www.tane.mx

“Queremos reconocer el trabajo de Pedro Ramírez Vázquez como el gran promotor que coordinó muchas actividades a favor de la cultura mexicana, algo que reconocemos en el gran ser humano que fue, una persona capaz de coordinar diversos temas de diferentes estilos, tipologías y usos, que nos deja un gran legado en el proceso y la producción cultural y arquitectónica del país”. Dolores Martínez. El estilo arquitectónico de Pedro Ramírez Vázquez destaca por la experimentación realizada, en la que converge la influencia de la arquitectura brasileña moderna, raíces mexicanas, así como el expresionismo estructural europeo relacionado con la poética estructural.

Fuentes consultadas: sitio oficial del Arquitecto Pedro Ramírez Vázquez www.pedroramirezvazquez.com y sitio oficial del Instituto Nacional De Bellas Arte y Literatura www.inba.gob.mx

$330,000.00-$400,000.00 M.N.

136

PALOMA TORRES

(Ciudad de México, 1960 - )

Mirando al cielo

Firmada

Escultura en plata Sterling .925 de la firma TANE serie 4 / 24 40 x 8.5 x 6.5 cm

Con sello de TANE ME-32 e iniciales del platero Félix Landero (FLM).

Realizó sus estudios en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, y posteriormente su maestría en la Academia de San Carlos. La obra de Torres mantiene una estrecha relación entre el espacio y los materiales. A lo largo de su carrera ha probado con distintas superficies y materiales como cerámica, piedra, metal, e incluso textiles. Ha participado en exposiciones tanto individuales como colectivas en diversas instituciones de la República Mexicana como por ejemplo Museo Amparo de Puebla, Museo de Arte de Zapopan, en el Atrio de San Francisco en la Ciudad de México, el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, el Museo de Arte Moderno, Museo del Palacio de Bellas Artes y La Quiñonera. Su obra forma parte de colecciones como la del Museo de Arte Carrillo Gil, el Museo Universitario del Chopo, el Museo de Arte Moderno, el Museo de la Estampa, el Museo de Arte de Ponce en Puerto Rico, la Augustin der Galerie Nothburga Innrain, en Austria, el Museo de Young en San Francisco, California, y el Acervo de la Secretaría de Relaciones Exteriores. Fuentes consultadas: MEDEL, Cindy. “Paloma Torres, la artista mexicana que viaja por Tierras Ambulantes”. México. GAMA, sección Actualidad, Cultura, 26 de junio de 2017 y sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

137

ROBERTO MATTA

(Santiago de Chile, 1911 - Civitavecchia, Italia, 2002)

Dedalófono

Sin firma

Escultura en plata Sterling . 925 de la firma TANE 11 / 11

19.5 x 12 x 10 cm

Esta pieza con otro número de tiraje se encuentra publicada en: sitio oficial de TANE www.tane.mx Con sello de TANE ME-32.

Roberto Matta fue primero arquitecto de formación para pasar después a la pintura, ámbito donde sería muy bien recibido por grandes artistas como André Breton y Robert Motherwell quienes elogiaron su trabajo en reiteradas ocasiones.

En su estancia por Europa coincidiría con grandes mentes del momento, siendo allí donde se integró a los surrealistas de quienes retomó la carga psicológica y el rechazo a la herencia de la historia del arte. Por otro lado, también recibió influencias de artistas del expresionismo abstracto de la década de los 40. Los textos de Gabriela Mistral y Federico García Lorca le impresionaron al plasmar imágenes oscuras y metafóricas para presentar temas cosmológicos. De igual manera, trabajó en proyectos dirigidos por Le Corbusier, Walter Gropius y László Moholy-Nagy de quienes se aprecia su legado en múltiples piezas de su producción.

Al inicio de la Segunda Guerra Mundial volvió a América, primero en Nueva York se relacionó con artistas como Jackson Pollock, Arshile Gorky y Mark Rothko, posteriormente en México apreció la obra de los muralistas por lo que aumentó el formato de sus piezas e influenció a sus compañeros estadounidenses también.

“La tarea de Matta consistió en descubrir la sabiduría y la creatividad ocultas del inconsciente interior y en relacionar estos descubrimientos con el mundo exterior.”

Fuentes consultadas: MOSOVICH, Marcela. Artistas Latinoamericanos del siglo XX: Roberto Matta. México. Eje 1. Arte Latinoamericano, 2007, pp. 43 - 45 y sitio oficial del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

$120,000.00-$200,000.00 M.N.

138

LOLÓ

SOLDEVILLA

(La Habana, Cuba, 1901 - La Habana, Cuba, 1971)

Sin título

Firmado y fechado 1957

Tacos de madera y yute sobre madera policromada, díptico 63 x 108 cm medidas totales con marco

Con certificado de autenticidad de Martha Flora Carranza Barba, nieta de la artista, noviembre de 2020. El marco es parte de la obra.

$530,000.00-$700,000.00 M.N.

Loló Soldevilla fue gestora de uno de los eventos que modificó el rumbo del arte latinoamericano, cuando en 1956 organizó la primera muestra de arte abstracto internacional en el Palacio de Bellas Artes de La Habana con el título “Pintura de Hoy. Vanguardia de la Escuela de París” en la que artistas del momento como Jean Arp, Andre Bloc, Sonia Delaunay se dieron lugar además de distinguidos artistas latinos. Tal como en esta pieza puede apreciarse, Loló Soldevilla exploró la geometría en diversos medios; pintura, escultura, collage y relieves, siguiendo al concretismo a través de la simplicidad y reducción de elementos a superficies y color, usando el círculo como forma dominante e introduciendo un sentido de ritmo y movimiento en sus composiciones.

139

JOAQUÍN TORRES-GARCÍA

(Montevideo, Uruguay, 1874 - Montevideo, Uruguay, 1949)

Bodegón

Firmado y fechado 1927

Óleo sobre tela

38 x 71.5 cm

Publicado en: DE TORRES, Cecilia et al. Joaquín Torres-García Catalogue Raisonné. Número 1927-33, www.torresgarcia.com

Exhibido en: “Torres-García: Colección privada de Montevideo” muestra presentada por la Comisión Nacional de Bellas Artes de Montevideo, Uruguay, en diciembre de 1962 y en “J. Torres-García (1874-1949)”, exposición realizada en la Galería Dau al Set en Barcelona, España, en noviembre de 1976.

Presenta ligeros detalles de conservación.

$1,000,000.00-$2,000,000.00 M.N.

En los años 20, Joaquín Torres-García comenzó su travesía por Nueva York, Italia, Barcelona y París, un período de gran riqueza artística donde se rodeó de artistas que cada noche hacían tertulias de pintura. En 1926, expuso en diferentes galerías y su arte comenzó a ser reconocido, vendiendo todo lo que producía. En 1934 regresó a Uruguay con el ideal de impulsar el arte de su nación, fundando la Asociación de Arte Constructivo. En 1942 formó el Taller Torres-García, un taller exclusivo de trabajo y enseñanza colectiva donde daba clases de pintura a jóvenes artistas, forjando una escuela latina con identidad propia.

Su obra se caracterizó por una moderada gama cromática y una pincelada de estilo modernista. No obstante, tras su llegada a París, comenzó a integrar la abstracción geométrica, la cual desarrolló el resto de su producción artística. Hoy en día, Torres-García es considerado uno de los protagonistas del desarrollo del arte moderno latinoamericano.

Fuentes consultadas:

- Sitio oficial del artista www.torresgarcia.com

- Sitio del Museo Torres García www.torresgarcia.org.uy

- Sitio del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía www.museoreinasofia.es

140

FERNANDO DE SZYSZLO

(Lima, Perú, 1925 - Lima Perú, 2017)

Sin título

Firmado

Óleo sobre tela 100 x 81 cm

Procedencia: adquirido directamente al artista.

Fernando de Szyszlo fue uno de los artistas más emblemáticos de Latinoamerica. Fue hijo del científico polaco Vitold de Szyszlo, sobrino del reconocido escritor peruano Abraham Valdelomar y cuñado del diplomático mexicano Alfonso García Robles, premio Nobel de la Paz en 1982.

Estudió Arquitectura en la Universidad Nacional de Ingeniería de Perú la cual dejó para seguir su verdadera vocación en la Academia de Artes Plásticas de la Pontificia Universidad Católica del Perú, bajo la tutela del austriaco Adolfo Winternitz, con quien creó la revista cultural “Las Moradas”. En 1947 viajó a París, estancia que fue trascendental para su formación artística. Allí entabló amistad con Octavio Paz, Julio Cortázar, Roberto Matta y Wifredo Lam, asimismo fue influenciado por la obra e ideales de Rufino Tamayo y estudió con gran dedicación el movimiento surrealista y abstracto, el cual estilizó y poco a poco fortaleció.

De regreso a su tierra natal, se interesó por el arte precolombino, retomando sus raíces ancestrales por medio de la pintura, logrando un equilibrio armonioso entre la tradición y las vanguardias estudiadas en Europa. A principios de la década de los 60 su estilo artístico ya estaba trazado y cada uno de sus cuadros expresaba una total libertad estética. Para la década de los 70 su obra ya había sido expuesta de manera individual en diversos museos y galerías de diversos países de América y Europa. Durante su sólida trayectoria, fue acreedor a premios y reconocimientos importantes, obteniendo el nombramiento Doctor Honoris Causa por la Universidad de San Martín de Porres y la Pontificia Universidad Católica del Perú y la Cruz de Caballero de la Orden de las Artes y las Letras, una de las mayores distinciones otorgada por el Gobierno de Francia. Además, ejerció la docencia con gran responsabilidad, llegando a ser profesor en la Escuela de Arte de la Pontificia Universidad Católica de Perú y en las universidades Cornell y Yale en Estados Unidos.

Fuentes consultadas: PORRAZ, Paloma. Fernando de Szyszlo. Elogio a las sombras. México. Universidad Nacional Autónoma de México, CONACULTA, 2011, pág. 49, sitio oficial del Antiguo Colegio de San Ildefonso www.sanildefonso.org.mx y sitio oficial del Ministerio de Comercio Exterior y Turismo de Perú www.peru.info

$570,000.00-$800,000.00 M.N.

141

FERNANDO BOTERO

(Medellín, Colombia, 1932 - )

Retrato de Solange de Turenne

Firmada y fechada 88

Tinta sobre papel

36 x 31 cm

Presenta detalles de conservación.

Fernando Botero es autor de un estilo sumamente reconocible en el arte latinoamericano, a través de la incorporación de formas divergentes observamos personajes de proporciones acentuadas que resultan con ojos pequeños, barbillas prominentes así como con vestimenta ajustada y pies pequeños. Como puede apreciarse, estas figuras son personas con volumen en las que se representa una búsqueda de sensualidad. El “boterismo”, como ha sido nombrado el estilo de este artista, abarca un refinado dominio de la pintura al seco, lo anterior se agrega a una técnica de dibujo meramente esbozada. Entre sus temáticas recurridas se encuentran retratos, desnudos, bodegones, paisajes, escenas de burdel, entre otras muchas más, todos tratados con optimismo y frescura. Fernando Botero posee un método sistemático para trabajar de manera eficiente y veloz como observamos en su prolífica y homogénea producción. Su formación se vio nutrida por diversas experiencias alrededor del mundo, viajó a Europa, donde asistió a la Real Academia de Arte de San Fernando en Madrid, así como a la Academia de San Marcos en Italia, obteniendo influencias de artistas consagrados como Diego Velázquez y Francisco de Goya. Por su parte, al visitar México se vería fuertemente inspirado por la obra de José Clemente Orozco y Rufino Tamayo. Fuentes consultadas: FORTOUL VAN DER GOE, Teresa I. Las voluminosas figuras de Botero. México. Revista de la Facultad de Medicina de la UNAM. Vol. 65, no. 2, Mayo-Junio 2022, pp. 58-60 y sitio oficial del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía www.museoreinasofia.com

$160,000.00-$180,000.00 M.N.

142

ALEJANDRO CORUJEIRA

(Buenos Aires, Argentina, 1961 - )

Mesará

Firmado y fechado 1991 al reverso

Acrílico sobre tela

221 x 181 cm

Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes en Buenos Aires y en 1991 se trasladó a España. A lo largo de su extensa carrera ha exhibido en diversos espacios en su país y el extranjero, tales como la Galería Juan Martín en México, el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas y el de Panamá, la Malborough Gallery en Nueva York y en el Espacio Uno del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Ha sido acreedor a diversos reconocimientos como el Premio Braque del Museo de Arte Moderno de Bellas Artes y el Primer Premio de Pintura Todisa en Madrid. Sus primeros trabajos estuvieron dirigidos hacia una estética constructivista, pero después de algún tiempo de estar en España, país en donde actualmente reside, comenzó a trabajar con formas orgánicas y minimalistas. Empleando una amplia gama de medios, ha exhibido constantemente un compromiso con las líneas y formas onduladas, las oblongas, al tiempo que las representa en un amplio espectro de paletas cromáticas y las imbuye de una sensación única de movimiento.

Fuente consultada: sitio oficial de Hutchinson Modern & Contemporary www.hutchinsonmodern.com

$160,000.00-$220,000.00 M.N.

143

FERNANDO LLORT

(San Salvador, Salvador, 1949 - La Palma, Salvador, 2018)

De la serie Poemas no. 10

Firmada

Mixta sobre cartulina

72 x 51 cm

Fernando Llort mostró habilidades pictóricas desde niño. En los años 60 estuvo involucrado en el movimiento hippie y tuvo una gran inclinación por la práctica religiosa, al punto de ingresar a un seminario para convertirse en sacerdote, del cual se retiraría más tarde. Abandonó su lugar de origen para establecerse en La Palma, donde fundó un taller llamado “La semilla de Dios”, en el cual enseñó a la gente del pequeño pueblo a dibujar y pintar. Esto tuvo como consecuencia un movimiento artesanal y La Palma pasó de ser un pueblo agrícola a uno impulsado por el arte, volviéndose la fuente de ingreso de la mayoría de los habitantes, además de convertirse en uno de los lugares más turísticos de El Salvador. A principios de los años ochenta tuvo que abandonar La Palma junto con su familia debido a la guerra civil, no obstante, se repuso de sus pérdidas e inauguró “El árbol de Dios”, galería en San Salvador. Esto le brindó más reconocimiento como artista y realizó diversos murales, entre ellos la fachada de la catedral metropolitana de San Salvador, que fue destruida en 2011 y una cruz de madera intervenida para la Catedral de Southwark en Londres.

La obra de Fernando Llort está fuertemente influenciada por la cultura maya y ha sabido mezclar ideas modernas con un estilo naif. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.fernando-llort.com

$60,000.00-$90,000.00 M.N.

144

MANUEL PAILÓS

(Galicia, España, 1918 - Montevideo, Uruguay, 2004)

Aventuras

Firmada y fechada 1978 al reverso

Mixta sobre masonite

36.5 x 31 cm

Manuel Pailós destacado artista en todas las esferas que abarcó, fue un dedicado discípulo de Joaquín Torres García cuyo taller dirigió tras la muerte de su maestro, heredando no sólo su estética constructivista sino también algunos rasgos plásticos como su singular uso de color y dibujo con resultados libres y vitales, además de elementos marítimos. En 1968 ganó el premio de escultura en el Salón Nacional de Artes Plásticas, en 1991 fue invitado por la Junta de Galicia a realizar una exposición en Santiago de Compostela y una escultura en granito para los jardines de la Facultad de Economía. En 1996 obtuvo el Premio Figari que otorga el Banco Central por el conjunto y la calidad de la obra de plásticos de extensa foja.

“Pailós era un hombre de obstinado perfil bajo, retraído y modesto, cordial y muy discreto, prefiriendo en todo caso que sus obras hablarán por él. Trabajaba mucho, con notable continuidad, lo cual permitió que a lo largo de un período consagratorio de su carrera expusiera de manera individual todos los años, sin falta y con heroica regularidad, en lo que constituye un ejemplo insólito de perseverancia y empeño laboral”. Texto de sala en la Galería Montenegro, España. Fuente consultada: sitio oficial de los Museos Ralli www.museoralli.cl

$60,000.00-$80,000.00 M.N.

RENÉ MARTÍN

(La Habana, Cuba, 1952 - ) Sendero de paz

Firmado al frente y al reverso Acrílico sobre tela

100 x 120 cm

Con certificado de autenticidad del artista.

Presenta mínimo detalle de conservación.

René Martín originalmente estudió Arquitectura y Diseño Gráfico, carreras que lo influenciaron a dedicarse al arte e ingresar a la Escuela de Bellas Artes de San Alejandro en La Habana, Cuba. A la par de sus estudios, comenzó a pintar paisajes, los cuales vendía en las plazas públicas y por encargos de particulares, hasta que finalmente tuvo la oportunidad de presentar su trabajo en exposiciones, muchas de ellas con gran éxito. El paisaje ha sido su principal temática, siendo la naturaleza tropical el centro de su marco artístico, a través de la cual busca promover su conservación con gran sentido del humor, utilizando metáforas y simbologías por medio de la integración de elementos surrealistas como huevos a la deriva, frutas, escaleras, sombrillas que cuelgan en las nubes, entre otros. Llegó a México en 1996, país donde su carrera maduró. Actualmente vive a medio tiempo dividiendo su hogar con Miami, ha expuesto en más de 65 muestras colectivas e individuales en diversos recintos de Cuba, México, Costa Rica y Estados Unidos. Además, su obra ha sido publicada en destacados periódicos, revistas y libros, en los cuales se describe a su pintura como gestora de la tendencia del surrealismo-tropical además de comprometida con el medio ambiente. Fuentes consultadas: ESQUIVEL ALATORRE, Gerardo. “Cuando el golf se convierte en arte”. México. Mundo Ejecutivo, sección First Class, junio del 2018 y FERNÁNDEZ SOTO, Francisco Javier y MARTÍN, René. Art & Golf Collection. México. Soto Editores, 2016, pág. 187.

$150,000.00-$200,000.00 M.N.

146

CORDELIA URUETA

(Ciudad de México, 1908 - Ciudad de México, 1995)

Noche en la playa

Firmado y fechado 89 al frente y al reverso Óleo sobre tela

105 x 125 cm

El afán de pintar bajo el concepto de la abstracción y lograr obras que reúnan adjetivo de calidad, implica contar con una sensibilidad profunda de lo que es armonía y movimiento, pues en el deseo espontáneo de expresar, sin palabras y sin formas, el lenguaje se ve simplificado a meros conceptos. En Cordelia Urueta el fenómeno no se da de golpe; transita en términos medios con obras en las que se hacen presentes figuras y objetos como simples alusiones al tema, pero poco a poco se va alejando de ello con el fin de acercarse a una abstracción total. Cuando se parte de pensamientos racionales que exigen puntos de referencia, el objetivo de la abstracción se vuelve difícil de alcanzar, no obstante, Cordelia Urueta se acerca a ello con gran soltura.

“Colorista por naturaleza, por vocación, se lanzó al cambio de la pintura con una perseverancia admirable. Su creación múltiple, diversa y cambiante fue realizada bajo el signo de la curiosidad y del análisis, inclusive del juego serio y purificante, por ello sus cuadros se alejan de normas, de dogmas o patrones encasilladores. Su autonomía deriva y se extiende en una libertad, en una tenaz voluntad por ir más allá de lo perceptible, de lo tangible, para entrar a la búsqueda de un lenguaje del color, que en sensible poética se integra y descompone en formas, volúmenes, tierra y sol”. Luis Mario Schneider, 1985. Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus artistas. Tomo I. México. Promoción de Arte Mexicano, 2000, pp. 200-202 y LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, No. 38, marzo de 1999, pág. 10.

$400,000.00-$600,000.00 M.N.

147

PHIL KELLY

(Dublín, Irlanda, 1950 - Ciudad de México, 2010) Sin título Sin firma

Óleo sobre madera 200 x 120 cm

Agradecemos a la familia Kelly Munguía por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2023.

Presenta detalles de conservación. Phil Kelly, un pintor mexicano de origen irlandés como suele referirse, tuvo una formación autodidacta alejada de las instituciones tradicionales con las que no llevaba una buena relación. Se dice que llegó a nuestro país a raíz de una decisión casi impulsiva, al elegir por medio de un volado entre París y la Ciudad de México, siendo la última la ganadora y de la cual quedaría enamorado con el paso de los años.

Artísticamente sus trazos gruesos y de colores explosivos describen su visión tanto alegre como apocalíptica de las calles, puentes, hoteles y bares de México. También ejecutó piezas con temática de desnudo femenino y bodegón. Fuentes consultadas: EMERICH, Luis Carlos et al. Phil Kelly. Las manos, el corazón, los ojos, la vida. México. ESPAC Espacio de Arte Contemporáneo, Editorial Fogra, 2014, pág. 164, PAZ AVENDAÑO, Reyna. ““La línea desnuda”, una mirada a la libertad estética de Phil Kelly”. México. Crónica, sección Exposición, 16 de junio de 2022 y SPRINGER, José Manuel et al. Phil Kelly. Dos horas y veinticinco años. México. Aeroméxico, American Express, 2005, pp. 15-21.

$330,000.00-$500,000.00 M.N.

148

PHIL KELLY

(Dublín, Irlanda, 1950 - Ciudad de México, 2010)

Dusk - View from the Circuito Firmado al frente y al reverso Mex D. F Óleo sobre tela

76.2 x 101.6 cm

Agradecemos a la familia Kelly Munguía por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2023. Con etiqueta de Panter & Hall.

La pintura de Phil Kelly es testimonio de su gusto por las composiciones cromáticas y fascinación por las estructuras modernas de las metrópolis, así como de las edificaciones que a sus ojos rompían con la armonía visual de la ciudad, todo esto logrado con un trazo vigoroso y exaltado colorido.

Su taller estaba situado frente a la vía de comunicación Circuito Interior, lo que le brindaría inspiración paisajística.

Fuentes consultadas: EMERICH, Luis Carlos et al. Phil Kelly. Las manos, el corazón, los ojos, la vida. México. ESPAC Espacio de Arte Contemporáneo, Editorial Fogra, 2014, pág. 164, PAZ AVENDAÑO, Reyna. ““La línea desnuda”, una mirada a la libertad estética de Phil Kelly”. México. Crónica, sección Exposición, 16 de junio de 2022 y SPRINGER, José Manuel et al. Phil Kelly. Dos horas y veinticinco años. México. Aeroméxico, American Express, 2005, pp. 15-21.

$180,000.00-$250,000.00 M.N.

149

ENRIQUE CARBAJAL “SEBASTIAN”

(Camargo, Chihuahua, 1947 - )

Sin título

Firmada y fechada 1995

Escultura en fierro con esmalte acrílico P / A

107 x 24.5 x 24.5 cm

Presenta ligeros detalles de conservación. “Una vez que me decidí por las matemáticas y la geometría como lenguaje para llegar al fin plástico, fue sencillo. No estoy diciendo que sean fáciles, pero con un buen lenguaje uno puede decir cualquier cosa sobre la contemplación de la naturaleza [...] Es como tener un lenguaje que parte de las letras. Los poetas escriben con sílabas, palabras y frases, yo empecé a escribir esculturas, a definir cosas de dos, tres y múltiples dimensiones. Gracias a las matemáticas y la geometría pude hacer un lenguaje codificable”. Sebastian. Fuente consultada: DELGADO, Alix. “Sebastian, escultor. Entrevista”.

$280,000.00-$350,000.00 M.N.

150 PHIL KELLY (Dublín, Irlanda, 1950 - Ciudad de México, 2010)

Segundo piso

Firmado y fechado 04

Óleos sobre tela

55 x 72 cm

Agradecemos a la familia Kelly Munguía por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2023. “Retrató escenas que se han olvidado para los habitantes de la Ciudad de México y que Phil nos puede recordar a través de su visión festiva de lo que era vivir el color en la Ciudad de México. Phil nos enseñó a ver muchos de esos paisajes que no encontramos e n ninguna otra ciudad”. Jimena Espejo.

Fuente consultada: PAZ AVENDAÑO, Reyna. “La línea desnuda, una mirada a la libertad estética de Phil Kelly”. México. Crónica, sección Exposición, 16 de junio de 2022.

$80,000.00-$130,000.00 M.N.

151

CARLOS PELLICER

(Ciudad de México, 1948 - )

Otro recuerdo, 2017

Firmada

Encáustica sobre madera

79.5 x 120 cm

Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art.

Publicada en: MORENO VILLAREAL, Jaime et al. Carlos Pellicer. Abstracto. México. Aldama Fine Art. 2018, Pág. 74, catalogada 59. Exhibida en: “Carlos Pellicer. Abstracto”, muestra individual presentada en el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez en Zacatecas, Zacatecas, de julio a septiembre del 2018.

Carlos Pellicer es un destacado pintor mexicano egresado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas. A lo largo de su carrera ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales en importantes instituciones, galerías y museos de México y Estados Unidos.

“La noción de que en la pintura hay algo oculto que el espectador hará surgir mediante la contemplación es muy propicia ante la obra de Carlos Pellicer […] Él indaga en las raíces de la pintura que, si por un lado, pueden ser tan distantes y primordiales como el arte rupestre, igualmente las encuentra en los órdenes radicales de la modernidad. El impresionismo, el fauvismo, el cubismo le competen, y halla en Cézanne un modelo idóneo […] Sus obras son umbrales, son miradores, son oquedades, son senderos”. Jaime Moreno Villareal. Fuente consultada: MORENO VILLAREAL, Jaime et al. Carlos Pellicer. Abstracto. México. Aldama Fine Art, 2018, pp. 3-11.

$130,000.00-$150,000.00 M.N.

152

EDUARDO OLBÉS

(Filipinas, 1951 - )

Tezcatlipoca

Firmada con monograma

Escultura en obsidiana tallada en grado espejo sobre madera parota

188.5 x 60 x 25 cm medidas totales

Piezas: 3

Con certificado de autenticidad del artista. Eduardo Olbés, llegó a México a los 24 años tras concluir estudios en las universidades de Haverford y Goddard College en Estados Unidos, donde aprendió talla directa de la mano de Peter Ruddick, quien fue discípulo de Henry Moore. Se estableció en Tepoztlán donde fundó el taller “La Iguana de Oriente”, enseñó escultura en la Escuela de Diseño y Artesanía y estudió técnicas en madera, piedra y metal con Arturo Ramos. La obra del chileno Raúl Valdivieso lo inspiró a abrirse camino en la escultura años antes y tenía las bases técnicas del ebanista Mario Viel, de quien también fue aprendiz en su país de origen.

Su obra está basada en las tradiciones estéticas que remontan a su origen asiático, pero sus estudios sobre las expresiones de otras culturas dan fundamento a un diálogo en el que a menudo hay un elemento de humor en la contextualización del pasado en la actualidad. Los materiales juegan un papel fundamental en su producción, resaltando no solo sus cualidades estéticas sino también sus implicaciones culturales e históricas. El artista indica que él no escoge a los materiales, sino ellos a él, dato con relevancia teniendo en cuenta la diversidad de piedra y madera de nuestro país, el respeto que demuestra a estos habla de su admiración y respeto por la naturaleza.

Fuentes consultadas: AKTORIES, Alexandra G. Eduardo Olbés Matter and Form, Voices of Mexico, 2018, pp. 76 -81 y sitio oficial del proyecto Arte para transformar Cuitzeo del Consejo Consultivo del Agua, A.C. www.aguas.org.mx

$350,000.00-$500,000.00 M.N.

GABRIEL MACOTELA (Guadalajara, Jalisco, 1954 - )

88 Sin firma

Escultura en bronce

102 x 100 x 10 cm

Presenta detalles de conservación.

“Siempre he sido un artista no muy colorido, me gusta mucho la idea del barco nocturno metido como en una luz de luna, cuando en la noche un navío navega ya no hay mar, ni cielo, es también una imagen de soledad, muy romántica y melancólica, es una magia, el arte siempre lleva una parte de razonamiento y la otra poética, absurda, sin lógica, nada más sensorial”. Gabriel Macotela. Fuente consultada: “Explora el pintor Gabriel Macotela su pasado en una exposición”. México. El Informador, sección Cultura, mayo de 2009.

$75,000.00-$100,000.00 M.N.

154

JORGE GONZÁLEZ VELÁZQUEZ

(Ciudad de México, 1966 - )

Sol turquesa

Firmado y fechado 21

Acrílico sobre tela

150 x 100 cm

Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art.

Es un sobresaliente pintor y escultor mexicano egresado de La Esmeralda. A lo largo de su carrera ha trabajado en la fundición de múltiples piezas con Juan Soriano, Gunther Gerzso y José Luis Cuevas. Ha participado en un sinfín de exposiciones colectivas e individuales en museos y galerías de diferentes países de América y Europa. Es un incansable experimentador de técnicas y materiales, no obstante la pintura es una disciplina que ha desempeñado de manera vasta

como una vertiente más de su trabajo tridimensional pero, a la vez, goza de una idea propia, usando casi siempre gamas monocromáticas y elementos en distintos modos de abstracción, es decir, descargando en su totalidad la complejidad de formas y figuras que serían difíciles de llevar a los tres planos. Por eso, ambos trabajos se comunican y complementan, pues la elegancia y sobriedad de su escultura halla correspondencia en la delicadeza de su pintura.

Fuentes consultadas: ALDAMA, José Ignacio, et al. Jorge González Velázquez. Fractal. México. Aldama Fine Art, 2013, pp. 8 y 9 y DRIBEN, Lelia et al. Jorge González Velázquez. Origen México. Aldama Fine Art, 2018, pp. 17-19.

$120,000.00-$160,000.00 M.N.

GABRIEL MACOTELA

(Guadalajara, Jalisco, 1954 - )

Sin título (81)

Sin firma

Escultura en bronce

102 x 56 x 36 cm

Presenta detalles de conservación.

Gabriel Macotela estudió en La Esmeralda y en la Escuela Nacional de Artes Plásticas. Más tarde, ingresó al taller del Maestro Gilberto Aceves Navarro en la Academia de San Carlos. Se trata de un artista polifacético que ha incursionado en la pintura, el grabado, la escultura, la edición e incluso la música. Perteneció al Grupo SUMA.

Ha presentado su trabajo en diversas exposiciones colectivas en museos y galerías nacionales e internacionales, así como muestras individuales entre las que sobresalen las realizadas en el Museo Carrillo Gil en 1983 y 1997, en el Museo de Arte Moderno en 1986 y en el Museo Rufino Tamayo en 1988.

Fuente consultada: LAMBARRY MARTÍNEZ, Margarita et al. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pág. 396.

$65,000.00-$100,000.00 M.N.

156

BYRON GÁLVEZ

(Mixquiahuala, Hidalgo, 1941 - Ciudad de México, 2009)

Sin título

Firmado

Óleo sobre tela

180 x 180 cm

Agradecemos a Óscar Gálvez y a Eva Beloglovsky, viuda del artista por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2023.

Procedencia: perteneció a la Colección del Grupo Financiero Inbursa (Mercantil de México).

“La etapa inicial de la obra pictórica de Byron Gálvez se alimentó de los principios del expresionismo y principalmente del abstracto aunque también con fuerte influencia de artistas universales tales como Carlos Mérida, Rufino Tamayo, Santos Balmori, Kandinsky, Wifredo Lam y por supuesto Picasso […] No obstante, después de algún tiempo trabajando como expresionista, regresa definitivamente al figurativismo geometrizante alrededor de 1980. Ha sido este su tema casi exclusivo desde entonces, aunque podemos también apreciar excursiones menores a otros temas: de regreso al abstracto, de regreso al paisaje expresionista, el arte erótico, el arte taurino: todo por supuesto con un toque muy especial […] Podemos estar seguros de que la exploración de Byron Gálvez de este medio no concluyó. Y que sus figuras, planos, colores, texturas y composiciones seguirán allí: listos para estimular nuestra imaginación, deleitar nuestra vista y elevar nuestro espíritu”. Eva Beloglovksy.

Fuente consultada: sitio oficial del artista: www.byrongalvez.com

$450,000.00-$700,000.00 M.N.

157 RICARDO REGAZZONI

(Ciudad de México, 1942 - )

Totem

Sin firma

Escultura en madera con hoja de oro 270 x 66 x 66 cm

Procedencia: adquirida directamente al artista. Ricardo Regazzoni ha vivido y trabajado en Nueva York, Amsterdam y París. La obra del mexicano se ha definido de muchas maneras en su paso por las salas de exposiciones internacionales. Su obra geométrica remite a la sencillez arquitectónica y tiene un efecto casi mágico en su constante evolución artística, hay que decir que sus obras constructivistas no sólo tienen propósitos formales, además poseen una intención psicológica que busca trabajar con el estado anímico del espectador.

Derivada de su formación arquitectónica, está siempre presente una preocupación especial, por ejemplo, a pesar de utilizar el formato pictórico, busca plantear tres dimensiones, falsas perspectivas. Durante su faceta de arquitecto colaboró con Luis Barragán quien lo impulsó a incluir esculturas como elementos arquitectónicos, recordando el concepto de integración plástica de la época. Otro personaje importante en su vida fue Vicente Rojo, quien lo orilló a integrarse al mundo del arte.

Fuentes consultadas: MANRIQUE, Jorge Alberto. Regazzoni, Revista de la Universidad de México, Octubre de 1972, sitio oficial de ArtBook www.artbook. com, sitio oficial de Galería Ethra www.galeriaethra.com y sitio oficial del Museo Amparo www.museoamparo.com

$400,000.00-$600,000.00 M.N.

158

VICENTE ROJO

(Barcelona, España, 1932 - Ciudad de México, 2021)

Diseño # 3

Firmado y fechado 68. Firmado al reverso

Acrílico sobre tela 120.5 x 120.5 cm

Exhibido en: “Vicente Rojo: la destrucción del orden”, muestra presentada en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México del 11 de agosto de 2022 al 5 de febrero de 2023.

Con etiqueta del Museo de Arte Moderno. Presenta ligeros detalles de conservación.

$350,000.00-$450,000.00 M.N.

JULIO CHICO

(Ciudad de México, 1947 - Ciudad de México, 2022)

Medusa

Firmado

Acrílico sobre tela

150 x 115 cm

Con certificado de autenticidad firmado por Evangelina Rico Castañeda. Julio Chico fue un sobresaliente artista plástico mexicano egresado de la Academia de San Carlos y cuyos conocimientos abarcan un gran dominio por la escultura, grabado y pintura mural y de caballete, trabajos caracterizados por su constante exploración en temas, donde los colores, texturas, formas y volúmenes adquieren vida y personalidad propia. Fue miembro del Salón de la Plástica Mexicana y fundador de talleres de impresión para grabado y galerías de arte.

A lo largo de más de 30 años de carrera, obtuvo reconocimientos y premios internacionales y sus obras forman parte de importantes colecciones de galerías y museos públicos y privados en México y el extranjero.

“Julio Chico es protagonista fundamental en la reinterpretación de la estética contemporánea. Para él, la emoción es el concepto planteado para fundamentar su discurso artístico y crea arte monumental con sus esculturas bajo la consigna ‘libertad de expresión y creación’. Sus obras transmiten emociones y su pasión por la geometría y las matemáticas junto con los detalles convierten su arte en algo positivo y memorable”. Marcela Evelyn Divin. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.juliochico.com

$100,000.00-$180,000.00 M.N.

160

JORGE

GONZÁLEZ VELÁZQUEZ

(Ciudad de México, 1966 - )

Oruga

Firmada y fechada 11

Escultura en madera y resina policromadas

127.5 x 34.5 x 31.5 cm

Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art.

Publicada en: ALDAMA, José Ignacio, et al. Jorge González Velázquez. Fractal. México. Aldama Fine Art, 2013, pág. 9, catalogada 9.

A diferencia de muchos de sus contemporáneos, Jorge González Velázquez no pretende explorar una paleta de color brillante y variada, además busca exaltar su admiración por la mujer como creadora del universo con fortaleza incomparable. Actualmente se encuentra asentado en Oaxaca donde posee su taller y asimila las experiencias adquiridas a lo largo de su vida en diversas locaciones del globo.

Se reconoce su papel primordial como elemento de apoyo durante el proyecto Libertad en Bronce, en el que artistas de alta talla como José Luis Cuevas y Manuel Felguérez participaron.

Fuentes consultadas: ALDAMA, José Ignacio, et al. Jorge González Velázquez. Fractal. México. Aldama Fine Art, 2013, pp. 8 y 9 y DRIBEN, Lelia et al. Jorge González Velázquez. Origen México. Aldama Fine Art, 2018, pp. 17-19.

$150,000.00-$200,000.00 M.N.

161

REMIGIO

VALDÉS DE HOYOS

(Monterrey, Nuevo León, 1958 - )

Rouge

Firmado y fechado 2001

Óleo sobre tela

139 x 108 cm

Procedencia: adquirida directamente al artista. De formación autodidacta, se inició en las artes plásticas a la edad de trece años. Sin embargo, bajo la presión de sus padres, estudió Arquitectura en la Universidad Nacional Autónoma de México. A partir de 1975 se dedicó por completo a las artes visuales. En 1978, se trasladó a París donde instaló su residencia y se introdujo a la técnica del grabado en cobre en el taller Lacourière-Frélaut. En 1984, trabajó con Andrew Vlady de Kyron Ediciones Gráficas Limitadas en México. En 1998, recibió una beca para una residencia artística por parte de la Fundación Cultural Starke en Berlín, Alemania. En 1999 decidió establecerse en Montreal, Canadá, fascinado por la energía que le proporciona esa ciudad. A lo largo de su carrera, ha expuesto su obra en México, Alemania, Estados Unidos, Francia, España, Cuba y en varios países de Asia.

Fuente consultada: sitio oficial del artista: www.valdesdehoyos.com

$120,000.00-$180,000.00 M.N.

162

FELICIANO BÉJAR

(Jiquilpan, Michoacán, 1920 - Ciudad de México, 2007)

Flor magiscópica doble

Firmada y fechada 2003

Escultura en acero y cristal tallado

65 x 50.3 x 23 cm

Agradecemos a Martín Feliciano Béjar y a Martin Foley por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2020. "Tengo el propósito de crear estructuras de líneas fuertes para capturar y albergar un mundo de visiones y poesías. Mis Magiscopios tienen cualidades de instrumentos ópticos: al mismo tiempo fantásticos como caleidoscopios y científicos como telescopios. Algunos distorsionan, otros afinan, pero siempre dan una nueva visión. Como su nombre genérico lo indica, ellos son instrumentos para ver mágicamente ‒ para ver la magia y poesía que existe alrededor de nosotros todos los días pero que nuestros ojos indiferentes no quieren ver ‒ ". Feliciano Béjar.

Fuente consultada: FERNÁNDEZ VALLEJO, Rossana. "Entre la indignación y la indignidad en el tratamiento mental; en Memoria de Feliciano Béjar". México. Comisión de Ciudadanos por los Derechos Humanos, 2008.

$100,000.00-$180,000.00 M.N.

163

ENRIQUE CARBAJAL “SEBASTIAN” (Camargo, Chihuahua, 1947 - ) Singularidad arquitectónico Firmada y fechada 2004

Escultura en bronce con esmalte acrílico 98 x 23 x 23 cm

Presenta ligeros detalles de conservación.

“La obra de Sebastian, particularmente atractiva para los amantes de la geometría, también atrae al público en general, como lo evidencian los numerosos espacios públicos que sus esculturas adornan alrededor del mundo. Aunque es mayor la emoción al conocer a este hombre tan agradable, cálido y humilde, que cuando se le ‘provoca’, habla sobre el desarrollo de sus obras con gran entusiasmo. Sus dinámicos trabajos pueden servir de estímulo ilimitado a los estudiantes de geometría, por sus visualizaciones desafiantes y sorprendentemente inspiradoras, mientras que el público en general puede apreciar la belleza de sus obras estéticas y, al contemplarlas durante horas, tener nuevos descubrimientos personales. Nuestra civilización recibió como regalo a este genio”. Alfred S. Posamentier. Fuente consultada: TAJONAR, Héctor et al. Sebastian. Escultor. México. Fundación Sebastian, 2009, pág 42.

$200,000.00-$250,000.00 M.N.

164

AIDEE DE LEÓN

(Ciudad de México, 1979 - )

La transformación de la materia no. 5, 2016

Firmado en el canto y dos veces al reverso Óleo y acrílico sobre tela 100 x 100 cm

Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art.

Publicado en: NERI FAJARDO, Sofía. Aidee de León. Pintura (2016-2022). México. Aldama Fine Art - Secretaría de Cultura. 2022, pág. 27, catalogado 5 y en sitio oficial de la artista www.aideedeleon.com

Aidee de León es conocida por su energía y coloridos plasmados en su obra, resultado de un interés por conocer y comprender diferentes técnicas de la historia del arte global como se observa en su amplio currículum formativo; es Maestra en Artes Visuales por la Facultad de Artes y Diseño de la Universidad Nacional Autónoma de México, así mismo realizó el Máster en Producción Artística e Investigación en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona. Su formación ha sido constante en instancias mexicanas e internacionales, asistiendo a la Universidad Complutense de Madrid, realizando una Residencia de Producción e Investigación en Kanazawa, Japón y una estancia de Producción en Pintura en el Centro de Arte Contemporáneo en Barcelona. Ha recibido numerosos premios y distinciones entre los que destacan; Mención Honorífica en el Encuentro Nacional de Arte Joven en 2004, beca del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en dos ocasiones, el Premio Revelación a una Artista Iberoamericana por parte de la Tertulia Ilustrada de Madrid en 2014 y la Medalla de Plata Gabino Barrera. Su obra está incluida en el Museo de Arte Alfredo Zalce, el Museo de Arte Contemporáneo Ateneo de Yucatán y en el Archivo del Programa Bancomer MACG Arte Actual.

“La pintura de Aidee De León huele a flores que no existen, y tiemblan un poco. Mediante una serie de movimientos precisos pero libres, un erotismo de colores y formas nos aproxima a la seducción. En un mundo en movimiento, no faltan repeticiones, los ecos forman nuevos cuerpos, hay un dolor constante de nacer. Y esa luz que emana desde las obras de Aidee De León, es la promesa de que el dolor es también la señal de vivir. Y nos muestra que caos y orden son solo prejuicios nuestros”.

John Lundberg.

Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.aideedeleon.com

$80,000.00-$120,000.00 M.N.

165

JORGE MARÍN

(Uruapan, Michoacán, 1963 - )

Ensayo sobre grabado

Sin firma

Escultura en bronce 11 / 20 en base de mármol

32 x 24 x 24 cm medidas de la escultura

42 x 28 x 30 cm medidas totales con base

Con certificado de autenticidad del artista.

Agradecemos al Maestro Jorge Marín por la verificación de autenticidad de esta obra, junio de 2022.

Publicada en: sitio oficial del artista www.jorgemarin.com.mx

En la mitología plástica de Jorge Marín, es común encontrar figuras aladas, seres inclinados sobre su propio peso, presentándose como una alusión a la acción del vuelo. A través de sus obras, busca provocar en el espectador una profunda reflexión. En el 2016 su escultura “Alas de México” se presentó en un importante parque ubicado en Lumpini, un subdistrito de Bangkok. La escultura interactiva causó un gran revuelo con el público que podía posar y tomarse fotos como si fueran ángeles o la diosa de la Victoria. “Sacar al espectador de su zona de confort, de ese catálogo que le dice cómo vivir, qué sentir, qué pensar, cómo actuar y hasta cómo morir. Hacer que el espectador viva una experiencia que lo haga pensar en sí mismo como persona, individuo, y como ser social que lo lleve a descubrir qué tantas alas tiene o qué tan roto está… tal vez esta es la auto-reflexión que busco inspirar”. Jorge Marín. Fuentes consultadas: SOTRES MORE, Bertha Eugenia. “Jorge Marín”. México. IdeArte, julio de 2015, sitio oficial del artista www.jorgemarin.com.mx y “Tailandia acoge la escultura ‘Alas de México’ del artista Jorge Marín”. España. Agencia EFE, 23 de noviembre de 2016.

$160,000.00-$250,000.00 M.N.

166

JOSÉ CASTRO LEÑERO

(Ciudad de México, 1953 - )

Estación amarilla

Firmado con monograma al frente. Firmado y fechado 2015 al reverso Óleo sobre madera

95 x 128 cm

Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art.

Actualmente José Castro Leñero es un artista que destaca por representar en su obra la importancia de la expresión neofigurativa mexicana. Ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales en Museos de México y Estados Unidos. Las imágenes que utiliza en sus obras adquieren un sentido completamente diverso cuando las manipula, hasta convertirlas en juego con una nueva significación. Utiliza herramientas tradicionales y las nuevas tecnologías para transformar un discurso que nos introduce a un modo particular de ver la cotidianidad. Su obra comparte los valores e inquietudes visibles de la obra de uno de los grandes creadores contemporáneos que se ha servido de la fotografía como su principal soporte: Robert Rauschenberg.

Fuentes consultadas: BLANCO, Alberto. José Castro Leñero. La imagen encontrada. México. Museo de Arte Moderno, 1992, sitio del taller de gráfica contemporánea La Siempre Habana www.lasiemprehabana.com y sitio oficial del Museo Blaisten www.museoblaisten.com

$150,000.00-$250,000.00 M.N.

167

RETIRADO

168

LUIS SELEM (Cuernavaca, Morelos, 1975 - )

Paulina

Firmado y fechado 30 08 2019

Óleo sobre tela

80 x 80 cm

Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, diciembre de 2022. Luis Selem realizó estudios en arquitectura, sin embargo se especializó en Artes Plásticas con maestros como Santiago Carbonell cuyas herencias se ven plasmadas en su obra. Su producción presenta una composición tradicional en la que la figura humana aparece fragmentada o acompañada de objetos ornamentales. El papel periódico se ha convertido en un distintivo de su trabajo, utilizándolo como elemento protector de lo preciado tal como se usa en los procesos de mudanza cuando se resguardan elementos privados del ojo público, como en la vida misma.

Su obra ha sido exhibida en el Museo Fundación Santiago Carbonell, en Agora Gallery en Nueva York, galería Oscar Román y Galería Alfredo Ginocchio, entre otros.

Fuentes consultadas: Sitio oficial del artista www.luisselem.com y sitio oficial de la Galería Alfredo Ginocchio www.ginocchiogaleria.com

$100,000.00-$150,000.00 M.N.

169

YAMPIER SARDINA

(La Habana, Cuba, 1979 - )

Propuesta deseada

Firmado y fechado 08 al frente. Firmado y fechado 5 - 2008 al reverso Óleo sobre tela

60 x 70 cm

Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art.

Publicado en: ALDAMA, José Ignacio, et al. Yampier Sardina. El placer del engaño. México. Aldama Fine Art, 2009. pág. 26, catalogado 3. Realizó estudios en la Escuela Elemental de Artes Plásticas 20 de Octubre y en la Academia Nacional de Artes Plásticas San Alejandro, ambas en La Habana, Cuba. Fue discípulo de Arturo Montoto, con quien realizó varios proyectos murales. Vive y trabaja en Miami. “Su colección de óleos y acrílicos baña de luz su memoria para abrir los telones policromos de la emoción a manera de naturalezas muertas y retratos que retan a la realidad con la organicidad de sus trazos y la vibrancia real- maravillosa de su paleta. Los pliegues de los manteles en ‘Objets’ disponen una plataforma para mostrar una abundancia fabricada. Naturalezas muertas… de risa, que saben lo que esconden, hasta que no pueden más y se revelan desnudas; desnudas y abiertas, sarcásticas, confiadas en sus propios efectos cromáticos”. José Manuel Ruiz Regil.

Fuente consultada: ALDAMA, José Ignacio et al. Yampier Sardina. El placer del engaño. México. Aldama Fine Art, 2009, pág. 9.

$100,000.00-$150,000.00 M.N.

170

FERNANDO PACHECO

(Ciudad de México, 1959 - )

Tzalam 4, 2017

Firmada

Escultura tallada en madera de tzalam en base de madera

66 x 63 x 35 cm medidas de la escultura

158 x 70 x 40 cm medidas totales con base

Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Licenciado en Diseño de la Comunicación Gráfica por la Universidad Autónoma Metropolitana, forma parte de los artistas representados por la galería Aldama Fine Art en la Ciudad de México, donde se realizó la exposición de la serie “Estructuras infinitas”, conformada por esculturas y pinturas, cuyo hilo conductor es el azar de las líneas y formas.

Ha formado parte de exposiciones individuales y colectivas en recintos como el Salón de la Plástica Mexicana en 2004, el Centro Cultural Universitario de Tuxtla Gutiérrez, Chiapas en el 2000 y en el mismo año en el Museo de la Ciudad de México.

Fuente consultada: MATOS MOCTEZUMA, María Fernanda et al. Fernando Pacheco. Estructuras infinitas. México, Aldama Fine Art, 2017, pág. 12 y sitio oficial del artista www.fernandopacheco.com

$300,000.00-$400,000.00 M.N.

171

OFILL ECHEVARRÍA

(La Habana, Cuba, 1972 - )

Same

Firmado y fechado NYC USA 2009 y referenciado Ofill Industrial al reverso

Óleo sobre tela

145 x 84.5 cm

Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, agosto de 2009. Presenta detalles de conservación.

Se graduó de la Academia de Bellas Artes San Alejandro en 1991. Al año siguiente se trasladó a la Ciudad de México, donde vivió hasta 2002. Actualmente vive y trabaja en Nueva York.

Desde su primera exposición individual en La Habana, Cuba en 1991, Ofill Echevarría ha expuesto individualmente en galerías e instituciones de México y América Latina, así como en los Estados Unidos.

Sus obras forman parte de importantes colecciones públicas y privadas, entre las que destacan: el Centro de Desarrollo de las Artes Visuales y el Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana, Cuba; Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México; Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca; Museo Nacional de Arte, México; Centro Nacional de las Artes, Nuevo León; Fundación Merrill Lynch para las Artes, Miami y la del Museo de Arte Latinoamericano, en Long Beach. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.ofillarts.com

$80,000.00-$100,000.00 M.N.

172

HUGO LUGO

(Los Mochis, Sinaloa, 1974 - )

Objeto bomba

Firmado

Óleo y acrílico sobre tela

147 x 120 cm

Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, mayo de 2006.

Artista visual que se ha desarrollado en diversos medios, principalmente pintura y dibujo. La fotografía, el video y la instalación han dado a su trabajo la oportunidad de explorar nuevas dimensiones.

Hugo Lugo dirige estas exploraciones matérico-conceptuales hacia la creación de experiencias estéticas que revelen algo sobre nuestros modos de ver, en tanto toda contemplación abre espacio para reflexionar sobre la propia condición humana.

Fuente consultada: sitio oficial de HeartEgo www.heartego.com

$130,000.00-$150,000.00 M.N.

PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - )

Silla

Sin firma

Silla de madera con hoja de oro forrada en terciopelo rojo

118 x 70 x 63.5 cm

“Mi arte fue muy original y fresco. Hoy hay muchos que lo han copiado, pero en esa época nadie se atrevía a hacer exposiciones de dibujos de arquitectura y, aunque algunos lo despreciaban, en términos generales gustaba y rompía con lo que entonces se exponía: bodegones convencionales, arte mexicano de Rivera o Tamayo, o el arte abstracto de Goeritz o Felguérez… hay quienes me critican porque consideran que es vulgar decorar los objetos. Pero el ornamento es la forma más antigua del arte plástico y se caracteriza por darle un sentido religioso y excepcional a lo cotidiano”. Pedro Friedeberg. Fuente consultada: HOLTZ, Déborah et al. Pedro Friedeberg. México. Trilce Ediciones, 2009, pág. 319.

$450,000.00-$600,000.00 M.N.

Derechos Reservados © Pedro Friedeberg

174

EIVAR MOYA

(Valledupar, Cesar, Colombia, 1970 - )

Expectante

Firmada y fechada 20 - 19

Mixta sobre tela

100 x 140 cm

Con certificado de autenticidad del artista.

Estudió en la Escuela de Bellas Artes en la Universidad del Atlántico en Barranquilla, Colombia. Su trabajo tiene la influencia de sus compatriotas Luis Caballero y Juan Cárdenas. Ha expuesto en diversas galerías y espacios en Italia, Inglaterra, Escocia, Colombia y México. Virtuoso del dibujo, sobresalen las atmósferas y el diálogo que éstas hacen con los cuerpos. Se reconoce su destacado virtuosismo en materia del dibujo, en el que se aprecia un trazo que proporciona personalidad a los cuerpos plasmados. Como puede apreciarse en esta pieza, las atmósferas en las que se desenvuelven los cuerpos son inmersivas respecto al espectador.

Fuente consultada: sitio oficial de Galería Ramón Alva de la Canal de la Universidad Veracruzana www.uv.mx

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

175

GUSTAVO ACEVES

(Ciudad de México, 1957 - )

Sin título, 2006

Firmado y referenciado París al reverso Óleo sobre tela

311 x 200 cm

Con certificado de autenticidad del artista. Presenta ligeros detalles de conservación.

“Aceves es un artista autodidacta que rápidamente se forjó una reputación como un pintor influyente que trabaja en América Latina. Sus pinturas y obras en papel se centran en la figura humana […]

Ha creado su propio lenguaje visual, con referencias culturales y simbolismo, notablemente el barco de Charon del Inframundo de Hades y el caballo de Troya de la mitología griega, para transmitir el movimiento de personas que comenzó con los primeros grupos humanos desde sus orígenes en Oriente. África a sus ubicaciones actuales en todo el mundo”. Propiedad de Morton Préstamos.

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

176

JULIO CHICO

(Ciudad de México, 1947 - Ciudad de México 2022)

Sin título

Firmado y fechado 96

Óleo sobre tela

120 x 172.5 cm

“Para él, la forma y el ritmo, es como gran música que está hecha de sonidos y silencios armonizados y se llega a la perfección al fundirse. No hay letra, únicamente sonidos, silencios y armonía, esa es la gran música. Julio Chico reconoció que no tiene propiamente un objetivo: ‘no estoy pensando en enviar ningún mensaje cuando pinto o hago escultura, tampoco estoy tratando de que la gente sienta todo, sino que simplemente me sumerjo en lo más profundo de mi ser y expreso esas simbologías. No estoy preocupado o pensando qué voy a hacer, simplemente ‘buceo’ dentro de mí y las cosas se van dando’”. Enrique Sancho.

Fuente consultada: “Pecados y Virtudes, lo nuevo del artista mexicano Julio Chico”. México-España. Sin Embargo, sección Redacción, 26 de febrero de 2015.

$110,000.00-$150,000.00 M.N.

177

GABRIEL MACOTELA

(Guadalajara, Jalisco, 1954 - )

Sin título (Conjunto escultórico)

c) Firmada y fechada 93

Esculturas en bronce 6 / 6

a) 69 x 26 x 17 cm

b) 32 x 13 x 26 cm

c) 67 x 31 x 24 cm

d) 59 x 31 x 29 cm

Piezas: 4, desmontables.

Esta obra es un conjunto de 4 bloques escultóricos que a su vez están formados de piezas más pequeñas, por lo que el acomodo puede variar según el gusto del comprador.

Presentan detalles de conservación.

Al hablar de arte contemporáneo en el rubro de la plástica, es referencia obligada el nombre de Gabriel Macotela. Muy seguramente se encuentra entre los trabajadores del arte con una visión más amplia de esta labor. Su misma diversificación de actividades nos demuestra el interés y la disciplina que tiene en todas las ramas que toca. Macotela no es un aventurero de los medios expresivos, es un investigador que muestra los resultados casi al momento en que estos ven la luz. En sus exposiciones suele encontrarse obra con referentes directos a lo urbano, a las construcciones, a las calles con alfombras de cemento, texturas a veces arenosas, a veces ásperas, a veces emulando en sí mismas el propio paisaje: el real y el deseado.

Fuente consultada: MANRIQUE, Jorge Alberto. “Gabriel Macotela: diario horizonte”. México. Revista de la Universidad de México, No. 26, junio de 1983.

$65,000.00-$100,000.00 M.N.

178

GUSTAVO ACEVES (Ciudad de México, 1957 - ) Sin título

Firmado y fechado París 07 al reverso

Óleo sobre tela

301 x 200 cm

Con certificado de autenticidad del artista. Por error el certificado fecha la obra en 2006. Presenta detalles de conservación.

Propiedad de Morton Préstamos

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

179

EMILIANO GIRONELLA PARRA

(Ciudad de México, 1972 - )

Perro

Firmada

Escultura en bronce 3 / 9

76 x 80 x 32 cm

Con constancia de autenticidad de Fundación Parra Gironella.

Si bien se habla de una formación autodidacta, debemos reconocer la importancia de las influencias que el artista tuvo en casa, dos de los pilares fundamentales de la esfera artística mexicana del siglo XX, Carmen Parra y Alberto Gironella. Su interés artístico va desde la fotografía y el cine, centrándose en la plástica, específicamente pintura, escultura, grabado y talla directa en planchas de madera.

Si bien su trabajo en las diferentes técnicas tiene una línea de conexión temática, dentro de la escultura sus trabajos se decantan a lo dramático al mismo tiempo que algunos pretenden ser críticos a través de la ironía.

Fuentes consultadas: RICO, Pablo. Los Parra-Gironella, un collage familiar. México. Gobierno del Estado de San Luis Potosí-El Aire Centro de Arte, 2012, pág. 327 y sitio oficial del artista www.emilianogironellaparra.com

$160,000.00-$200,000.00 M.N.

180 EMILIANO GIRONELLA PARRA

(Ciudad de México, 1972 - )

El veloz vuelo del águila

Firmada y fechada 2020

Mixta: óleo y talla en madera

132.5 x 132.5 cm

Con constancia de autenticidad de Fundación Parra Gironella. Su culta herencia familiar se nutrió de la formación en artes visuales en la Interlochen Arts Academy de Michigan donde expandió su interés por la producción en medios diversos.

De igual manera, el círculo social que lo rodeó desde niño dio pauta para la formación de un discurso complejo y argumentado con referencias de personajes como Octavio Paz y Luis Buñuel.

Fuentes consultadas: RICO, Pablo. Los Parra-Gironella, un collage familiar. México. Gobierno del Estado de San Luis Potosí-El Aire Centro de Arte, 2012, pág. 327 y sitio oficial del artista www.emilianogironellaparra.com

$150,000.00-$200,000.00 M.N.

181

ADOLFO BEST MAUGARD

(Ciudad de México, 1891 - Atenas, Grecia, 1964)

Sin título

Firmado y fechado 955

Óleo sobre masonite, díptico

121 x 122 cm cada uno

121 x 244 cm medidas totales

Piezas: 2

Presenta ligeros detalles de conservación.

“En el trabajo de Best Maugard podemos observar los patrones del arte popular e indígena para concebir la organicidad de una nación y la unión por vía de la identidad, todo esto mediante el arte y el enaltecimiento de raíces milenarias”. Miguel Fernández.

Fuente consultada: SÁNCHEZ MEDEI, Leticia. “Best Maugard, promotor de arte mexicano”. México. Milenio, sección Cultura, 8 de septiembre de 2016.

$250,000.00-$350,000.00 M.N.

182

ALFREDO CASTAÑEDA

(Ciudad de México, 1938 - Madrid, España, 2010)

Reconocimiento

Firmado y fechado 72

Acrílico y lápiz de grafito sobre cartulina

48 x 37 cm

Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, febrero de 2023. El trabajo de Alfredo Castañeda ha sido reconocido por su original producción, mal llamado surrealista por la integración de elementos metafísicos en sus composiciones, las cuales nos llevan a entrar en contacto con lo real e intangible al mismo tiempo pero de una manera más cercana a lo emotivo y espiritual alguna vez logrado por el movimiento vanguardista.

Dentro de sus obras impera la luz interior que dota de profundidad a los espacios y evidencia una clara influencia de los arquitectos Mathias Goeritz y Luis Barragán como también se aprecia el refinamiento de colores y ritmo de formas geométricas.

Fuentes consultadas: KUZMICZ, Sarah. La pintura lúcida de Alfredo Castañeda. Letras Libres. 09 de septiembre de 2020 y LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores. Pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 9, No. 70, julio-agosto 2004, pp. 25-38.

$500,000.00-$700,000.00 M.N.

JESÚS REYES FERREIRA “CHUCHO REYES”

(Guadalajara, Jalisco, 1880 - Ciudad de México, 1977)

Calaca

Firmada

Anilina sobre papel de china

74.5 x 49 cm

Con certificado de autenticidad de Rodrigo Rivero Lake.

Procedencia: adquirido directamente al artista. Presenta detalles de conservación a causa de la técnica empleada. Su producción inició sin pretensiones artísticas ya que los papeles con anilina que en la actualidad son considerados obras de alta calidad fueron concebidos originalmente sólo como envolturas de regalo en su tienda, la actual valoración se le debe a personajes de la esfera artística contemporáneos de Chucho Reyes entre los que destaca Pablo Picasso y Marc Chagall, quienes admiraron su pintoresca inventiva del llamado modernismo mexicano.

Fuente consultada: ASHIDA, Carlos. Una flor, todas las flores. México. Revista Renglones. ITESO, Marzo-Abril 2003, pp. 52 - 56 y KASSNER, Lily. Chucho Reyes. México. Editorial RM, 2001, pág. 109.

$80,000.00-$110,000.00 M.N.

184

JAVIER VÁZQUEZ “JAZZAMOART”

(Irapuato, Guanajuato, 1951 - )

Retrato crucificado

Firmado y fechado 86

Óleo sobre tela 100 x 100 cm

Agradecemos al Maestro Jazzamoart y a su esposa Nora Smith por la verificación de autenticidad de esta obra, febrero de 2023. Javier Vázquez Estupiñán, mejor conocido como Jazzamoart, es un pintor y escultor cuyo estilo definido y personal lo ha colocado como uno de los artistas plásticos más destacados de Latinoamérica. A través de cuatro décadas de producción plástica ininterrumpida ha practicado un lenguaje semifigurativo y ha llevado a cabo una abstracción sin prescindir de un gestualismo automático, pues nunca reprime su primer impulso. Su amor al estilo musical jazzístico, lo condujo a agregar en su obra elementos icónicos de la imaginería del jazz, como el saxofón, el cual casi siempre pinta de color amarillo brillante, con líneas enérgicas y garabateadas. Esta admiración musical no solo ha acompañado a sus innovaciones visuales, sino que también la ha implementado en la realización de escenografías, las cuales han decorado el escenario de algunos de los principales exponentes del jazz mexicano y estadounidense, igualmente como ilustrador y baterista ha trabajado en el diseño de varios libros y discos.

El escritor Carlos Montemayor lo definió como el tercer grande de los pintores del Bajío, junto a Diego Rivera y José Chávez Morado, al respecto dijo: “Rivera y Chávez Morado estuvieron atentos al paisaje y a numerosos motivos del México popular, Jazzamoart también lo está, pero al paisaje social que se descubre y emerge desde un motivo central del México que sigue siendo asimismo popular: la música”. Fuentes consultadas: MUÑOZ, Miguel Ángel et al. Jazzamoart. Sólo a fuerza de pintar. México. Edición Nora Smith Castillo, Tiempo Imaginario, 2014, pp. 303-307 y sitio oficial del artista www.jazzamoart.com

$160,000.00-$250,000.00 M.N.

JESÚS REYES FERREIRA “CHUCHO REYES”

(Guadalajara, Jalisco, 1880 - Ciudad de México, 1977)

Toro

Firmada

Escultura de plata IX / IX en base de mármol

26 x 50 x 24.5 cm medidas totales con base

Con documento de autenticidad José David de los Reyes Irigoyen, mayo de 1998. Otra versión de esta obra se encuentra publicada en: KASSNER, Lily. Chucho Reyes. México. Editorial RM. 2001, pág. 37. Resulta complicado encasillar a este artista en un sólo adjetivo para describir su trayectoria ya que se desarrolló como anticuario, decorador, escenógrafo e incluso llegó a ser consejero estético de grandes arquitectos mexicanos del siglo XX, quienes admiraban su mirada libre de prejuicios y convencionalismos.

Fuentes consultadas: ASHIDA, Carlos. Una flor, todas las flores. México. Revista Renglones. ITESO, Marzo-Abril 2003, pp. 52 - 56 y KASSNER, Lily. Chucho Reyes. México. Editorial RM, 2001, pág. 109. $150,000.00-$220,000.00 M.N.

186

JESÚS REYES FERREIRA “CHUCHO REYES”

(Guadalajara, Jalisco, 1880 - Ciudad de México, 1977)

Payaso

Firmada y con monograma

Anilina sobre papel de china

69 x 49 cm

Con certificado de autenticidad de Rodrigo Rivero Lake, febrero de 2023.

Procedencia: adquirido directamente al artista.

Presenta detalles de conservación a causa de la técnica empleada.

La producción de Chucho Reyes es evidencia del alejamiento de los órdenes canónicos en la escena del arte mexicano del siglo XX, su original obra contribuye ampliamente en la resignificación de la identidad visual del arte nacional. Por medio de las temáticas trabajadas que abarcan naturalezas muertas, bestiarios y figuras apocalípticas damos fe de una sensibilidad exacerbada y humor preciso que a su vez dan pie a la revalorización de la estética del arte popular a partir de la conjunción de técnicas empleadas como la anilina sobre papel china junto con temple e incluso polvo de oro y plata.

Fuentes consultadas: ASHIDA, Carlos. Una flor, todas las flores. México. Revista Renglones. ITESO, Marzo-Abril 2003, pp. 52 - 56 y KASSNER, Lily. Chucho Reyes. México. Editorial RM, 2001, pág. 109.

$80,000.00-$110,000.00 M.N.

187

PEDRO FRIEDEBERG

(Florencia, Italia, 1936 - )

Silla mano pie

Firmada en la base

Escultura en madera y hoja de oro

70 x 40 x 53 cm

Con certificado de autenticidad del artista, enero de 2023. Presenta detalles de conservación a causa de la técnica empleada. Su interés en diseñar muebles empezó en sus ratos de ocio en la escuela. Su primera silla-mano estaba labrada en caoba, a partir de una maqueta de plastilina. La idea emergió quizá, entre sueños, o mientras el artista mecía algo en su mano, aunque el refinado manierismo de los dedos no permite distinguir su género y resulta muy poco humana.

Friedeberg pensaba inicialmente que estas manos serían esculturas únicas, y no piezas de mobiliario producidas masivamente, pero se volvieron muy populares, personalidades como Jeanne Moreau, Roman Polanski y Arnold Scaasi pidieron las suyas.

En 1963, Alice Rahon mandó una fotografía de la silla a André Bretón, lo que le valió a Friedeberg ser aceptado en el círculo surrealista. Las sillas-mano hechas a mano, ergonómicas y cómicas a la vez, así como todos los otros muebles diseñados por Friedeberg, atacan frontalmente el “buen gusto” del diseño moderno y funcionalista.

Fuente consultada: HOLTZ, Déborah et al. Pedro Friedeberg. México. Trilce Ediciones, 2009, pp. 139-156. $250,000.00-$500,000.00 M.N.

Derechos Reservados © Pedro Friedeberg

188

LEONORA

CARRINGTON

y

PEDRO FRIEDEBERG

(Lancashire, Inglaterra, 1917 - Ciudad de México, 2011) (Florencia, Italia, 1936 - )

Cadáver exquisito

a) Firmado por ambos artistas y fechado 31 / 3 / 96

b) Firmado por ambos artistas

c) Firmado por ambos artistas y fechado 1996

Lápices de color sobre papel

31 x 23 cm cada uno

Piezas: 3

Procedencia: perteneció a la colección de Pedro Friedeberg. Presentan detalles de conservación normales por el uso.

El cadáver exquisito es una técnica de creación colectiva que nació en el ámbito literario y que luego se aplicó en las artes visuales. Surgió en el auge del surrealismo, vanguardia que se basó en la liberación total del inconsciente.

Su nombre viene de uno de los primeros ejercicios que se realizaron con esta técnica, en 1925, donde al develarse la frase creada de manera colectiva y automática por un grupo de escritores y poetas donde se encontraban Robert Desnos, André Bretón y Tristán Tzara. Esta decía “El cadáver exquisito beberá el vino nuevo”. Reunidos seguramente en el café Voltaire de Zúrich, estos tres artistas pusieron a prueba uno de los postulados elementales del movimiento: la inclusión del azar en el proceso creativo. La premisa era sencilla: en un papel, cada uno de los participantes debía escribir una palabra o frase sencillas, a continuación, esa parte era ocultada mediante un pequeño pliegue y otro participante continuaba la obra sin conocimiento de lo precedente. Pronto el "cadáver exquisito" se extendió a otros ámbitos. En el dibujo, la práctica daba como resultado imágenes alucinantes, figuras imposibles en las que el ensamblaje de imaginaciones se traducía en una unidad de conjunto. No es casualidad que artistas que pudieron insertarse en el contexto del surrealismo en México hayan creado cadáveres exquisitos. Leonora Carrington y Pedro Friedeberg, quienes entablaron una relación estrecha ‒amistosa pero delicada‒, realizaron varios ejercicios con esta técnica, en los que sobresalen alusiones a la sexualidad y figuras antropomorfas que podrían traducirse como seres mitológicos.

$650,000.00-$800,000.00 M.N.

Copyright Estate of Leonora Carrington /ARS

Derechos Reservados © Pedro Friedeberg

OBRA EN VENTA PRIVADA

En Morton Subastas nos orgullece poner a su alcance, en venta privada, esta maravillosa pieza de uno de los artistas más importantes e influyentes de nuestro país: Rufino Tamayo.

Esta obra ha formado parte de importantes colecciones institucionales y privadas, siendo una excelente inversión para los amantes de la plástica mexicana.

Para más información solicitar a:

Ma. Fernanda Serrano

mserrano@mortonsubastas.com

(55) 5283 3140 ext. 6894

PRECIO A SOLICITUD

RUFINO TAMAYO (Oaxaca de Juárez, México, 1899 - Ciudad de México, 1991)

Naturaleza muerta

Firmado y fechado 35

Óleo sobre tela

76 x 151 cm

Procedencia: colección de Edward Chodorov, Beverly Hills, California, E.E. U.U.; colección de Fanny Brice; Los Ángeles, California, E.E. U.U.; Galería Mary-Anne Martin/Fine Art, Nueva York.

Publicado en:

-GOLDWATER, Robert. Rufino Tamayo. Estados Unidos. The Quadrangle Press, 1948, pág. 56.

-PALENCIA, Ceferino. Rufino Tamayo. México. Colección Anáhuac de Arte Mexicano, 1950, vol. 24, catalogado 4.

-DU PONT, Diana C. Tamayo: A modern icon reinterpreted. Estados Unidos. Santa Barbara Museum of Art, 2007, pág. 162. Exhibido en: "Rufino Tamayo Retrospective", muestra itinerante presentada en el Nagoya City Art Museum en Nagoya, Japón, del 9 de octubre al 12 de diciembre de 1993, en el Museo de Arte Moderno de Kamakura, Japón, del 18 de diciembre de 1993 al 5 de febrero de 1994 y en el Museo Nacional de Arte Moderno de Kioto, Japón, del 5 de febrero al 21 de marzo de 1994 y en "Rufino Tamayo: del reflejo al sueño, 1920 - 1950", muestra presentada en el Centro Cultural / Arte Contemporáneo en la Ciudad de México, del 19 de octubre de 1995 al 25 de febrero de 1996.

ÍNDICE A

ACEVES, GUSTAVO 175, 178

ANGUIANO, RAÚL 64

B

BARDASANO, JÓSE 83

BÉJAR, FELICIANO 5, 162

BELKIN, ARNOLD 51, 124

BELOFF, ANGELINA 31, 74

BEST MAUGARD, ADOLFO 120, 181

BOTERO, FERNANDO 141

C

CARBONELL, SANTIAGO 122, 123

CASTAÑEDA, ALFREDO 182

CASTRO LEÑERO, JOSÉ 166

CATAÑO, EDUARDO 38

CHAVEZ MARIÓN, MARIO 42

CHÁVEZ MORADO, JOSÉ 32

CHICO, JULIO 159, 176

CORONEL, PEDRO 3, 130

CORONEL, RAFAEL 117, 118, 121

CORUJEIRA, ALEJANDRO 142

CORZAS, FRANCISCO 119

COVARRUBIAS, MIGUEL 127

CRUZ REYES, JUAN 115

D

DE LEÓN, AIDEE 164 DE SZYSLO, FERNANDO 100, 140

DÍAZ, ROMERO 48

DR. ATL 22, 24, 26, 28

DOMÍNGUEZ, BENJAMÍN 79, 80

DRESCHLER, ARMANDO 36

E

ECHEVERRÍA, ENRIQUE 6, 8

ECHEVERRIA, OFILL 171

EPPENS, FRANCISCO 54, 55, 56,57, 58, 59

ESTRADA, ARTURO 30

FELGUÉREZ, MANUEL 4

FERNÁNDEZ, GABRIEL 86, 87

FRIEDEBERG, PEDRO 173, 187, 188

G

GÁLVEZ, BYRON 9, 72, 156

GERZSO, GUNTHER 53

GIRONELLA, ALBERTO 12, 13

GIRONELLA PARRA, EMILIANO 179, 180

GOERITZ, MATHIAS 2, 131, 132

GÓMEZ MAYORGA, GUILLERMO 25, 41, 82

GÓMEZ, XAVIER 46

GONZÁLEZ CAMARENA, JORGE 27

GONZÁLEZ VELÁZQUEZ, JORGE 154, 160

GUERRERO GALVÁN, JESÚS 65, 66, 68

GURRÍA, ÁNGELA 67

HELGUERA, JESÚS 37, 39, 40 HERNÁNDEZ, SERGIO 103, 109, 110, 111, 112

JAZZAMOART 184

KELLY, PHIL 147, 148, 150

LAVILLE, JOY 73

LAZO, AGUSTÍN 70

LLORT, FERNANDO 143

LUGO, HUGO 172

MM. MAGALLÓN, VÍCTOR 47

MACOTELA, GABRIEL 153, 155, 177

MARÍN, JAVIER 167

MARÍN, JORGE 165

MARTÍN, RENÉ 145

MARTÍNEZ, RAYMUNDO 29, 33

MARTÍNEZ, RICARDO 91

MATTA, ROBERTO 137

MÉRIDA, CARLOS 128

MICHEL, ALFONSO 125

MONTENEGRO, ROBERTO 49, 50, 88, 89, MONTOYA, GUSTAVO 62, 71, 77, 78

MORALES, RODOLFO 107, 108

MORALES, VICENTE 44

MOYA, EIVAR 174

NAHUI OLIN 17, 19, 21

NIETO, RODOLFO 102, 113, 114

NISHIZAWA, LUIS 23

NISSEN, BRIAN 98, 134

OO'GORMAN, JUAN 52

OLBÉS, EDUARDO 152

OROZCO, JOSÉ CLEMENTE 116

PACHECO, FERNANDO 170

PAILÓS, MANUEL 144

PALACIOS, IRMA 95, 96

PARRA, CARMEN 69, 85

PELLICER, CARLOS 151

RAHON, ALICE 16, 18

RAMÍREZ VÁZQUEZ, PEDRO 133, 135 REGAZZONI, RICARDO 157

REYES, CHUCHO 84, 183, 185, 186 REYES MEZA, JOSÉ 76, 79

Informes: Fernanda Serrano | Tel. (55) 5283 3140

mserrano@mortonsubastas.com

Monte Athos 175 Lomas de Chapultepec Ciudad de México

mortonsubastas.com

MORTON SUBASTAS, S.A. DE C.V.

¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA?

Bienvenido al mundo de las subastas, donde tendrá la oportunidad de adquirir emocionantes tesoros como lo son antigüedades, arte, joyas, relojes, muebles, libros, vinos, entre muchas otras cosas.

Participar en una subasta es muy sencillo y no requiere invitación. Usted podrá acudir, o en su caso, comprar en línea, disfrutar del momento, y participar para llevarse el lote de su preferencia. A continuación, le damos algunas recomendaciones, reglas y requisitos para que pueda disfrutar de esta experiencia única:

¿LA SUBASTA ESTÁ ABIERTA AL PÚBLICO?

Sí, la subasta es un evento público y gratuito. Usted es bienvenido sin necesidad de invitación, e incluso puede asistir aún sin estar seguro de adquirir un lote.

(Lote: cualquiera de las piezas o conjunto de piezas que se subastarán, tiene un número y aparece en el catálogo correspondiente.)

¿QUÉ DEBO HACER ANTES DE LA SUBASTA?

Usted puede asistir antes de la subasta a la exposición en la cual podrá ver las piezas que se van a subastar. Asimismo, es recomendable adquirir el catálogo mediante la suscripción por teléfono o acudiendo directamente a nuestras oficinas, ya que en él se encuentran las fotos y la descripción detallada de cada lote.

Para poder participar en la subasta es indispensable registrarse.

¿CÓMO ME REGISTRO A UNA SUBASTA?

El registro puede ser de las siguientes maneras:

A) Para participar en vivo:

Directamente en las oficinas de Morton Subastas, ya sea previamente o durante la celebración de la subasta.

B) Para participar en línea o con una oferta en ausencia: Directamente entrando a la pagina de www.mortonsubastas.com mediante la plataforma de Bidsquare, o bien descargando la aplicación de MORTON SUBASTAS

Comunicándose a los teléfonos de Morton Subastas (55 5283 3140)

Enviando un correo electrónico a la dirección ofertasenausencia@mortonsubastas.com

En el registro se le solicitará su identificación oficial vigente, nombre, dirección y un depósito en garantía para sus compras (ya sea en efectivo o tarjeta).

Al registrarse para la subasta se le asignará un número de paleta, con la cual usted podrá realizar las pujas que considere convenientes.

¿CÓMO SE LLEVA A CABO LA SUBASTA?

• Al dar inicio, el martillero indicará el lote a ser subastado, ya sea por medio del número que corresponda de acuerdo al catálogo de la subasta o dando lectura a la descripción, las características y el precio de salida.

• La subasta de cada lote se iniciará cuando el martillero pregone el precio de salida del mismo y entonces, los licitadores podrán hacer efectivas las pujas o aceptar la postura ofrecida por el martillero.

• El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor.

• El martillero podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva, por medio de las pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores.

• Para que el martillero adjudique un lote será necesario que no haya pujas que mejoren la anterior; por lo tanto, el precio mencionado por el martillero constituirá el precio de martillo o de venta que deberá pagar el licitador.

• La mercancía se subasta, adjudica y entrega en las condiciones en que se encuentra, por lo que le recomendamos acudir a nuestras exhibiciones o verificar plenamente que el lote a subastar reúna las condiciones y características de su interés. Una vez adjudicado un lote, no se aceptan cancelaciones y devoluciones.

¿CÓMO REALIZAR UNA COMPRA EN LA SUBASTA?

Cuando salga a remate el lote que usted desea adquirir simplemente levante la paleta que le fue asignada cuando el subastador proponga el precio de venta en subasta y usted esté de acuerdo con dicha cantidad. El subastador continuará elevando el precio mientras haya personas que sigan ofreciendo por el mismo lote.

Al último precio indicado por el subastador al dejar caer el martillo se le conoce como el precio del martillo, y esa es la cantidad, más la comisión (20%), más el I.V.A. de la comisión, que usted pagará por el lote adquirido.

¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA SIN ESTAR PRESENTE EN EL SALÓN?

¿Se pueden hacer ofertas sin asistir al salón de subastas? Sí, existen tres sencillas formas de hacerlo:

EN AUSENCIA

Usted debe llenar el formato de ofertas en ausencia, mismo que se encuentra a su disposición en nuestras oficinas y en el presente catálogo, en el cual tendrá que indicar el número de lote o lotes que desea, así como la oferta máxima que quiere hacer por cada uno de ellos. De esta manera, uno de nuestros representantes podrá hacer las ofertas en su nombre y representación.

El personal autorizado por Morton podrá hacer efectivas las pujas en representación de los licitadores sin ningún cargo adicional, y de acuerdo a las siguientes reglas:

1. El licitador podrá hacer llegar su postura a Morton hasta cuatro horas antes de celebrarse la subasta, mediante la entrega de la ficha de registro para ofertas en ausencia directamente en nuestras oficinas, con acuse de recibo por correo electrónico a la siguiente dirección: ofertasenausencia@mortonsubastas.com.

2. Será necesario que Morton haya recibido las posturas del licitador señalando un monto máximo como límite de cada puja.

3. En el caso de que el límite máximo fijado por el licitador en ausencia se iguale con la última puja de la sala, usted puede autorizar a Morton Subastas a subir a la siguiente puja por cuenta del licitador en ausencia por una sola vez; de lo contrario el licitador presente en la sala tendrá la prioridad sobre el lote. Esta información se considera confidencial. Es importante que usted seleccione la casilla correspondiente en el formato para autorizar a Morton Subastas. En caso de que este recuadro no se haya requisitado, se entenderá que no acepta subir a la siguiente puja.

4. Como garantía de pago, en el caso de que el licitador se presente en Morton para registrar ofertas en ausencia deberá firmar un comprobante de tarjeta de crédito bancario o American Express a la orden de Morton Subastas, S.A. de C.V.

5. Los lotes se adjudicarán al precio final que permitan las demás pujas o posturas aceptadas en la sala.

6. En caso de que hubiera dos o más licitadores en ausencia, con ofertas por el mismo lote y por la misma cantidad, se adjudicará el lote al licitador cuya oferta haya sido presentada primero en día y hora. En lo demás, son aplicables todas las reglas de la subasta.

7. Morton Subastas NO es responsable si alguna de las ofertas en ausencia no se logra realizar.

8. Morton Subastas NO acepta ofertas sin límites.

1. Pueden hacerse ofertas vía telefónica en el salón de subastas durante el transcurso de la subasta, presentando una solicitud por escrito y entregado a Morton por lo menos con dos días hábiles de anticipación, siempre y cuando la cifra sea mayor a $50,000 M.N. por cada lote de su interés. Las condiciones para hacer efectivas las pujas son las mismas que para ofertas en ausencia. Puede hacernos llegar sus ofertas y demás documentos a la dirección electrónica: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

2. Previo a la subasta, usted elige el lote o lotes por los que hará sus ofertas.

3. Al momento que el lote salga a remate, uno de nuestros representantes se comunicará con usted vía telefónica y así estará pasando sus ofertas al subastador.

NOTA: No se aceptarán ofertas por teléfono que no tengan postura, ni menores a $10,000 M.N.

EN LÍNEA

1. En www.mortonsubastas.com encuentre la subasta en la quiere participar y de click en “Participe en línea”. Entrará a la plataforma Bidsquare en la que podrá crear una cuenta gratuita con un correo electrónico y una contraseña. Una vez creada su cuenta, podrá registrarse para participar en la subasta; el sistema le indicará si su registro fue aprobado automáticamente para participar o si necesita contactar al personal de Morton para que éste sea autorizado. Una vez que suceda esto, puede dejar sus ofertas desde el momento que quiera o bien, tiene la opción de seguir la subasta en vivo a través de la transmisión de audio y video, y hacer sus ofertas con un click.

2. En caso de venta a través de Bidsquare, el Premium será de 23%.

EL FORMATO DE OFERTAS EN AUSENCIA SE ENCUENTRA EN LA ÚLTIMA PÁGINA DE ESTE CATÁLOGO.

INFORMACIÓN IMPORTANTE

1. El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor.

2. El subastador podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva por medio de pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores.

3. Todas las piezas se venden en el estado en que se encuentran, favor de revisarlas bien antes de comprar; si tiene alguna duda, no compre, ya que no se aceptan cambios ni devoluciones.

4. Todas las piezas incluidas en los catálogos están revisadas y muchas de ellas autentificadas, ya sea por los propietarios o por algún experto. Por favor si tiene dudas o requiere más información, estamos a sus órdenes y le asistiremos en lo más que podamos aclarar.

5. Si por alguna razón nuestra descripción no es de su entera satisfacción, usted puede revisar las piezas previamente a la subasta y traer a su experto dentro del horario de exposición.

6. Los precios estimados son en pesos mexicanos (M.N.).

7. Si por alguna razón no puede pasar a liquidar el precio, haremos efectivo el cargo a la tarjeta de crédito, cobrando también el porcentaje correspondiente a la comisión más el I.V.A. de la comisión.

8. Las compras menores de $50,000.00 (cincuenta mil pesos 00/100 M.N.) se cargarán el mismo día a la tarjeta de crédito, más el porcentaje de comisión de la subasta y el I.V.A. correspondiente.

9. En los lotes que no llevan estimado, la salida será por debajo de $2,000.00 M.N.

10. Una vez asignado el lote en la subasta no hay devoluciones ni cancelaciones.

11. Morton Subastas le proporciona factura únicamente por el Premium (comisión) y el I.V.A. correspondiente.

12. Una vez emitida la factura no hay cambio de nombre.

13. De acuerdo a lo establecido en el Artículo 16 de la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos y el Artículo 35 de su Reglamento; es necesario realizar el trámite INAH-00-002 para obtener el PERMISO DE EXPORTACIÓN TEMPORAL O DEFINITIVA DE MONUMENTOS O BIENES MUEBLES HISTÓRICOS. Para realizar dicho trámite es necesario ingresar a www.tramites.inah.gob.mx en la opción de Exportación y Transporte.

14. En caso de adquirir un lote que se considere monumento histórico o artístico en términos del artículo 36 de la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos, deberá de dar aviso al instituto competente, de acuerdo a lo establecido en el artículo 26 de la mencionada ley e inscribirlo en el Registro Público correspondiente, en términos del artículo 18 del Reglamento de la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos.

15. El transporte es por cuenta del comprador.

16. Cualquier reclamación de todo tipo contra Morton Subastas en relación a los lotes que adquiera, tendrá una vigencia únicamente por cinco años contados a partir de la compra respectiva.

17. El adquirente tendrá un plazo máximo de 4 días hábiles a partir de la fecha de la subasta en que se le adjudicó el artículo para pagar en su totalidad y recogerlo en el domicilio de Morton en el cual se haya realizado la subasta y en el horario que se le indique. El quinto día después de la subasta se utilizará para transportar las piezas a Avenida Constituyentes 910, colonia Lomas Altas, C.P. 11950, Miguel Hidalgo, Ciudad de México, por lo cual este día no habrá entrega de mercancía. A partir del sexto día, si el adquirente no ha recogido sus artículos, estará obligado a pagar por cada lote $100.00 más I.V.A. diarios por concepto de almacenaje. No se realizarán entregas parciales.

RETIRE SUS PIEZAS COMPRADAS EN SUBASTA A TIEMPO

Las piezas de esta subasta se deberán recoger en los siguientes días y horarios, en Monte Athos 179, Lomas de Chapultepec:

Lunes 29 de mayo de 9:30 a.m. a 6:00 p.m.

Martes 30 de mayo de 9:30 a.m. a 6:00 p.m.

Miércoles 31 de mayo de 9:30 a.m. a 6:00 p.m.

Jueves 1 de junio de 9:30 a.m. 6:00 p.m.

¿QUÉ SIGNIFICAN LOS VALORES ESTIMADOS QUE APARECEN EN EL CATÁLOGO?

Los catálogos de Morton Subastas muestran dos valores: un estimado bajo y un estimado alto.

El lote puede venderse por debajo del estimado bajo (si el consignante no ha fijado un precio mínimo) y puede venderse por arriba del estimado alto en el momento de la subasta.

¿CÓMO FUNCIONA EL INCREMENTO DE PRECIOS?

Las pujas, es decir, la cantidad que el licitador ofrece respecto al precio de salida o a la postura anterior, se regirán dentro de los parámetros que se encuentran en el gráfico de incremento de precios.

1. La persona a la que el martillero adjudique el lote se convierte en el propietario del mismo, como consecuencia deberá pagar lo siguiente:

• El precio de venta o de martillo del lote subastado.

• Comisión del comprador: Al precio de venta o de martillo de lote subastado se le agregará un 20% adicional, correspondiente al Premium, que es la comisión por la compra, más el 16% de I.V.A. que se aplicará únicamente al Premium.

• En caso de que el pago se efectúe con tarjeta de débito o crédito bancario Visa o Mastercard se agregará el 3% y con American Express el 4%, sobre el monto total por concepto de comisión por el uso de tarjeta.

• En caso de venta a través de Bidsquare, el Premium será de 23% más el I.V.A. del 16%.

2. Como consecuencia de la adjudicación del bien, personal de Morton presentará al comprador una hoja de adjudicación, un estado de cuenta y realizará el cierre del comprobante de la tarjeta de Crédito Bancario o American Express, según sea el caso.

3. Si requiere factura a nombre de su compañía, favor de solicitarla al momento de liquidar, mostrando el Registro Federal de Contribuyentes. No habrá cambios en las facturas una vez completado el trámite.

¿CUÁNTO DEBO PAGAR POR UN LOTE ADQUIRIDO EN SUBASTA?

GUÍA PARA COMPRADORES

Si usted no ha comprado antes en nuestras subastas, por favor lea las siguientes reglas de subasta.

En cada catálogo aparece el directorio de todo el personal quien lo atenderá con gusto, así como el personal de los mostradores de la recepción y de la sala de ventas. Usted puede consultarnos y le responderemos a todas sus preguntas

I. GENERALES

1. Morton Subastas, S.A. de C.V., en adelante denominada Morton, actúa únicamente como comisionista en la venta de bienes muebles propiedad de terceros, en virtud de contratos de consignación previamente celebrados con estos, de quienes se presume tiene la propiedad de los mismos.

2. Los datos o contenidos en el catálogo de la subasta o cualquier otra declaración hecha acerca del autor de la obra, origen, edad, fecha, estado, autenticidad o precio de la misma, son responsabilidad única y exclusiva de sus propietarios.

3. La subasta se llevará a cabo en moneda nacional y con la participación mínima de licitadores que previamente determine Morton.

II. LOTES

1. Para efectos de la subasta se le denomina licitador, posible comprador o postor, en adelante denominado “Licitador”, a aquella persona que tiene la facultad de hacer ofertas por los lotes en el transcurso de la subasta.

2. Los bienes a subastar serán organizados en lotes integrados por uno o más bienes, en el orden y bajo la numeración que Morton indique.

3. Los lotes serán descritos y en algunos casos incluidas sus fotografías en el catálogo para la subasta que elabore Morton.

4. Los lotes serán exhibidos para su inspección, en el lugar designado para ello por Morton, cuando menos con tres días naturales de anticipación al de la celebración de la subasta, por lo que el personal de Morton estará a su disposición para mostrar en detalle cualquier lote.

5. Los lotes serán subastados en el estado físico en que se encuentran en el momento de celebrarse la subasta por lo que NO se aceptarán devoluciones ni reclamaciones sobre daños, desperfectos o restauraciones, aunque estos no se hayan hecho constar en el catálogo de la subasta.

6. Propóngase un precio máximo de compra para las piezas antes de que salgan a subasta. Esto le ayudará a comprar mejor. Si tiene duda sobre alguna pieza, por favor NO ofrezca, ya que si se le asigna deberá pagarla.

7. Los valores estimados que aparecen impresos bajo las descripciones del catálogo son los precios aproximados que se espera sean obtenidos, sin incluir la comisión de la Casa de Subastas. No se proporciona estimado de precio de los lotes cuya salida sea menor de $2,000.00 M.N.

8. Los lotes que se subastan se ofrecerán sujetos a un precio mínimo de venta previamente acordado entre el propietario y Morton, y sólo podrá ser modificado previo acuerdo por escrito entre los mismos.

III. OFERTAS PRESENCIALES

Para hacer una oferta en la subasta, usted deberá registrarse acudiendo a la mesa de registro en presencia, mediante una hoja de registro establecida para ese fin.

1. Como garantía a Morton, por el o los lotes que les sean adjudicados durante la subasta la contraprestación (Premium) y el impuesto correspondiente, deberá dejar un comprobante de tarjeta de crédito bancario o American Express, firmado a la orden de Morton Subastas, S.A. de C.V.

2. Comisión al comprador (Premium): Corresponde al 20% sobre el precio de venta, más el 16% de I.V.A. sobre dicha comisión, que serán incrementados al importe de la compra de cada lote. Ejemplo: precio de martillo $5,000.00 M.N. más comisión $1,000.00 M.N. más I.V.A. $160.00 M.N., total de la factura a pagar $6,160.00 M.N.

3. Una vez registrado el licitador y otorgada la garantía correspondiente, se le hará entrega de una paleta numerada que lo identificará con su hoja de registro y de la cual hará uso únicamente el licitador, ya que es individual e intransferible. Por esta razón es importante que la conserve durante todo el desarrollo de la subasta y la devuelva personalmente al abandonar la sala de subastas. Si se diera el caso de que no se le adjudicará ningún lote, su depósito en garantía le será devuelto en ese momento.

4. Con la entrega de registro, el licitador queda obligado a pagar el precio del lote más el 20% por concepto de la contraprestación más el I.V.A. correspondiente. Si el pago se efectúa con tarjeta de débito o crédito bancario Visa o Mastercard se incrementará el 3% y con American Express el 4%, por concepto de comisión sobre el monto total del lote o los lotes que le hayan sido adjudicados, descontando lo que previamente se tomó como garantía.

5. Para que los licitadores puedan hacer efectivas las pujas o aceptar una postura hecha por el martillero, bastará con levantar la paleta numerada. Por favor, hágalo con rapidez para que la dinámica de la subasta continúe. Las ofertas aumentan aproximadamente un 10% en cada puja.

6. Se considera que el licitador que hizo efectiva la última puja, es decir la más alta, ha adquirido el bien que integra el lote subastado, en el momento en que no exista puja mayor y el martillero así lo manifieste.

IV. OFERTAS EN AUSENCIA Y OFERTAS EN LÍNEA

7. Refiérase a las páginas de este catálogo: “¿Cómo se compra en subasta sin estar presente en el salón?”

V. EXPORTACIÓN

8. El comprador siempre deberá revisar si se requiere de autorizaciones, permisos o licencias de exportación o importación. Al participar en la subasta, acepta que es su sola responsabilidad obtener cualquier licencia, autorización o permiso de exportación o importación y que la negativa a cualquier permiso, autorización o licencia o cualquier retraso en obtenerlos, no justificará la rescisión de ninguna venta ni cualquier retraso en hacer el pago total de la propiedad adquirida. EL COMPRADOR RENUNCIA A REQUERIR CUALQUIER REEMBOLSO en cualquiera de los casos anteriormente mencionados. Las leyes locales pueden prohibir importar o exportar cierta propiedad y/o pueden limitar la reventa de alguna propiedad.

9. Para mayores informes consulte: www.tramites.inah.gob.mx

AVISO DE PRIVACIDAD

Los datos personales serán tratados de conformidad con lo dispuesto en la Ley Federal de Protección de Datos Personales en Posesión de los Particulares, la reglamentación respectiva y el aviso de privacidad están a su disposición en la siguiente liga http://www.mortonsubastas.com/formatos/Aviso_de_privacidad.pdf

Por favor, consulte el aviso de privacidad antes de proporcionar sus datos.

ESTOY DE ACUERDO SI NO

RECIBIÓ

(REPRESENTANTE DE MORTON)

FICHA DE REGISTRO PARA REALIZAR OFERTAS EN AUSENCIA

NOMBRE DE SUBASTA

FECHA

AUTORIZA UNA PUJA MÁS

NOMBRE COMPLETO

CALLE

COLONIA

ALCALDÍA / MUNICIPIO

NÚMERO DE PALETA

OFERTA POR TELÉFONO

No.

C.P.

NOMBRE Y FIRMA

E-MAIL

TELÉFONO

IDENTIFICACIÓN

CELULAR

FECHA Y HORA DE RECEPCIÓN

Acepto se me haga el cargo en garantía establecido de acuerdo a lo señalado en los requisitos del punto no. 8 letra C, reembolsable en el caso de que no se me adjudiquen los lotes.

Acepto las condiciones del catálogo, las reglas de la subasta y del presente documento.

Ciudad de México. a

NÚM DE TARJETA DE CRED.

NÚM DE SEGURIDAD

NÚMERO SEGÚN CATÁLOGO

FECHA DE VENCIMIENTO

DESCRIPCIÓN

LÍMITE SUPERIOR DE OFERTA

FIRMA

del año de

Nota: Las ofertas en ausencia se recibirán hasta cuatro horas antes de la subasta.

Informes: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

Telephone. +52 (55) 5283 3140 Ext. 3148, 3149 y 3150

CONDICIONES PARA REALIZAR OFERTAS EN AUSENCIA

AL FIRMAR LA FICHA DE REGISTRO DE OFERTAS EN AUSENCIA, USTED ACEPTA LO SIGUIENTE:

1. Las reglas y condiciones que aplican para las subastas en Morton Subastas, S.A. de C.V. (“Morton”) y/o las del catálogo, las cuales se encuentran a su disposición en Morton.

2. Que el personal de Morton haga efectivas las pujas en su nombre y representación en la subasta en la que se registra, por las piezas que se describen en la ficha de registro para ofertas en ausencia, hasta por la cantidad que aparece en el apartado “Límite superior de la oferta”.

LÍMITE DE OFERTA:

3. No están permitidas las ofertas en ausencia sin límite superior.

RESPONSABILIDAD:

4. Que Morton en ningún caso y por ningún motivo es responsable que usted logre que se le adjudique(n) la(s) pieza(s) por las que ofertó en ausencia.

UNA PUJA MÁS:

5. Que en caso de que el monto máximo fijado por usted como Límite Superior de la Oferta para una pieza se iguale con la última puja de la sala, podrá autorizar una puja más, según lo establezca el recuadro denominado: “Autoriza una puja más”. En caso de que este recuadro no se haya requisitado, se entenderá que no acepta subir a la siguiente puja.

ADJUDICACIÓN:

6. Que en caso de que existan dos o más ofertas en ausencia por la misma pieza y por la misma cantidad señalada como Límite Superior de la Oferta y no haya una puja superior en la sala, la pieza se adjudicará a la Oferta en Ausencia que se haya recibido primero en Morton.

7. Que el fallo de adjudicación lo emitirá Morton y será inapelable, por lo que Usted renuncia desde este momento a cualquier acción y/o derecho alguno para ejercer en contra de Morton y/o a quien sus derechos represente, por cualquier conflicto o controversia que surgiera por esta causa.

REQUISITOS:

8. Que Morton no hará efectiva la Oferta en Ausencia si no cumple con los siguientes requisitos:

a) Llenar completamente el presente documento y firmarlo de conformidad, indicando claramente el número de lote por el que desee ofrecer y la cantidad establecida con Límite Superior de la Oferta.

b) Entregar firmado el presente documento al personal autorizado de Morton a más tardar a la fecha de celebración de la subasta y hasta cuatro horas antes de la misma, en el domicilio de Morton.

c) Efectuar un depósito en garantía del cumplimiento de las obligaciones que pudiera llegar a tener como adquiriente, de acuerdo a lo siguiente:

Subastas en Monte Athos: $50,000.00 M.N.

Subastas de Oportunidades: $5,000.00 M.N.

El monto de la garantía podrá ser cambiado por Morton sin previo aviso al cliente.

d) La garantía no podrá ser cubierta con tarjeta de débito, ya que en caso de no tener adjudicación alguna de los lotes, la devolución de la misma es demasiado complicada.

CONDICIONES DE PAGO:

9. En caso de que se adjudique la pieza, pagar por el precio martillo, más el 20% por concepto de comisión, más el Impuesto al Valor Agregado sobre dicha comisión (16%).

Si el pago se realiza a través de tarjeta de débito o crédito bancario Visa o Mastercard se agregará el 3% y con American Express el 4% adicional al saldo que resulte de restar la garantía. Recuerde que usted tiene 3 días hábiles después de la subasta para liquidar el total de su compra y recoger los artículos adquiridos en el lugar de la subasta.

OFERTAS POR TELÉFONO:

10. Las ofertas en ausencia también se recibirán por teléfono, previa entrega del presente documento firmado y enviado vía correo electrónico a Morton con cuando menos dos días hábiles antes de la fecha de la celebración de la Subasta, siempre y cuando el precio estimado de la pieza por la que oferta sea de $10,000.00 M.N. o mayor.

CONFIDENCIALIDAD

11. La información aquí contenida se considera Confidencial, por lo que su divulgación está prohibida y da derecho al pago de daños y perjuicios que causen por este hecho.

I DO HEREBY ACCEPT THE CONDITIONS DESCRIBED IN THIS DOCUMENT AND CATALOGUES FOR THE AUCTION

AUCTION TITLE

ONE MORE BID AUTHORIZE

ABSENTEE BID FORM

Please note: On the day of the auction last absentee bids are received 4 hours before the auction.

E-MAIL

TELEPHONE

ID NUMBER

CREDIT CARD

SECURITY CODE LOT NUMBER

+52 (55) 5283 3140 Ext. 3148, 3149 & 3150 Enquiries: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

ABSENT BID TERMS AND CONDITIONS

BY SIGNING THIS ABSENTEE BID REGISTRATION FORM YOU AGREE TO THE FOLLOWING TERMS AND CONDITIONS:

1. You agree to the terms and conditions that apply to the auctions at the Morton Subastas, S.A. de C.V. (Morton) premises and/or those described in the catalogues available at Morton.

WHO MAKES THE BIDS:

2. Allow the personnel of Morton to make effective the bids on your behalf during the auction to which you are registered, and for the pieces only described herein, up to the amount inserted in the top limit bid.

BIDS LIMIT:

3. Unlimited bids are not permitted.

RESPONSIBILITY:

4. In no case and by no means, Morton takes responsibility for the adjunction of the piece(s) for which you made absentee bids.

ONE MORE BID:

5. In case the amount stated by you as the top limit bid for a piece is matched by the last bid made in the auction room, and if the option on the “One more bid authorized” section is chosen as “Yes”, you will then be allowed to place a higher bid for the piece. In case this option was chosen as “No” or left blank, your bid will be stopped.

ASSIGNATION:

6. In case that two or more absentee bidders appear for the same piece and for the same top limit bid stated, and in case there is not a higher bid in the auction room, the piece will be adjudicated to the absentee bid first received by Morton.

7. The decision for the adjudication will be decided by Morton, and thus, will be unappealable. By signing this form you agree to not taking any legal action against Morton or its representatives if any conflict or dispute arise due to disagreement.

REQUIREMENTS

8. Morton will not make effective the Absentee Bid if the following requirements are not met:

a) This document should be duly filled in and properly signed for in the agreement section, making sure that is clearly entered the lot number of the piece you are interested in, and well stated your top limit bid for it.

b) This document should be delivered only to the authorized personnel at latest the day of the Auction at the address of Morton in which the auction will be held.

c) Allow a deposit as a guarantee for the payment of the piece and amounts generated by the adjudication of the piece. The deposit will be in the following amounts, and will be taken under the name of Morton.

Auctions at Monte Athos Gallery: $50,000.00 MXP

Weekly Auctions : $5,000.00 MXP

The amount of the guaranty may be changed by Morton prior notice to the customer.

d) Guaranty may not be paid with a debit card since, in case of there is no awarding of lots, reimbursement would be too difficult.

PAYMENT CONDITION:

9. If the piece is adjudicated to you, the price of the piece plus twenty percent of commission fee shall be paid, plus the corresponding VAT (16%) calculated over the commission. Payment made with debit or credit card will incur an extra charge of 3% or American Express 4%, added as a commission fee to the total amount to be paid for.

BIDS OVER THE TELEPHONE:

10. Absentee bids by telephone are welcome, previous delivery of the present document duly filled and signed is required, sent to Morton with at least two working days before the date of the auction if your bid is $10,000.00 MXP or more. Long distance calls to and for the auction should be made by yourself.

CONFIDENTIALITY

11. Information contained herein is deemed Confidential, and its disclosure is prohibited, entitling the payment of damages and looses caused by this fact.