Subasta de Arte Latinoamericano

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Eduardo J. López Morton | emorton@mortonsubastas.com

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Directora Comercial

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ARTE MODERNO

Gerente

Ma. Fernanda Serrano

Especialista

Ana Fernanda Segoviano

Especialista

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Catalogadora

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Atención a clientes

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Informes

Tel. + 52 55 5283 3140 atencion.clientes@mortonsubastas.com

Visite nuestra página web mortonsubastas.com donde encontrará fotografías adicionales de todos los lotes incluidos en esta subasta.

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Las piezas se entregan con la documentación que aparece en la descripción del catálogo.

Informamos a nuestros clientes que la comisión de comprador es del 22% más IVA y en caso de compra a través de plataformas online, será del 23% más IVA. Se recibirán ofertas en ausencia hasta cuatro horas antes del inicio de la subasta. Los precios son en pesos mexicanos (M.N.) Las descripciones proporcionadas en los catálogos impresos y en línea no en todos los casos incluyen un reporte de condición.

La ausencia de una declaración de condición no implica que el lote se encuentre en perfecto estado o completamente libre de desgaste, daños, imperfecciones o los efectos del envejecimiento.

Se recomienda encarecidamente a los compradores interesados, solicitar un informe sobre la situación precisa de los lotes por los que tenga intención de pujar, antes de hacer una oferta.

Por lo anterior, no existe cancelación de ventas.

En caso de que la catalogación del lote adquirido indique que cuenta con certificado, documento o publicación física, estos serán entregados en conjunto con la obra en el salón de Monte Athos 179 los 5 días hábiles después a la subasta. Posterior a dichos días, los documentos se entregan en las oficinas de Monte Athos 175, directamente con el departamento de Arte Moderno y Contemporáneo.

Morton Subastas no proporciona servicios de envío de las piezas; sin embargo, podemos asesorarlo para su envío.

Aproveche 3, 6, 9 ó 12 meses sin intereses con BBVA. Además puede pagar sus compras con puntos.

Salón de Subastas

Monte Athos 179 Lomas de Chapultepec, CDMX

Mie │ 27.Nov.24 │ 5 PM

EXPOSICIÓN

Del 22 al 26 Noviembre

Lun-Vier 9.30 AM a 6 PM

Sáb-Dom de 11 AM a 2 PM

EVENTO

Jue│21.Nov.24 │ 6PM

RSVP

VISITAS PRIVADAS Y ASESORÍAS

Ana Fernanda Segoviano asegoviano@mortonsubastas.com Tel. 55 5283 3140 ext. 3146

Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, María Izquierdo, Saturnino Herrán, Frida Kahlo, José María Velasco y Dr. Atl, forman parte del grupo de pintores mexicanos cuyas obras son consideradas Monumentos Artísticos e Históricos. Si usted requiere mayor información, contacte a nuestro Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo.

El Arte Latinoamericano ha ganado un lugar prominente en el mercado internacional, no solo por su calidad estética, sino también por la riqueza cultural que encierra. Desde el desierto mexicano hasta los humedales argentinos, Latinoamérica está marcada por una historia compleja de conquistas, mestizaje y resistencia, lo que ha dado lugar a una producción artística vibrante y profundamente expresiva. Cada obra refleja la mezcla única de influencias indígenas, africanas y europeas, además de abordar temas políticos, sociales y espirituales propios de las realidades de la región.

El interés en el Arte Latinoamericano no solo es una cuestión de demanda comercial, sino un reconocimiento de la importancia de las historias que estas piezas cuentan. Esta creciente valorización en el mercado global es una señal de que ha pasado de ser un nicho regional a convertirse en una fuerza esencial en la narrativa artística mundial. Hoy, no solo representa un segmento de creciente interés, sino que también actúa como un puente que une las voces del pasado con las inquietudes contemporáneas. Esta subasta ofrece la oportunidad de ser parte de esa tradición, celebrando no solo el talento, sino el patrimonio y la visión de un continente lleno de historia y creatividad.

Morton Subastas presenta cada semestre una selecta colección de obras de Arte Latinoamericano que son ideales para robustecer una colección. En esta ocasión presentamos 145 obras seleccionadas minuciosamente por nuestras especialistas.

Destaca “Joven campesino”, un expresivo óleo de David Alfaro Siqueiros, personaje clave para entender el nacionalismo en la pintura, un retrato de Rocío Sagaón, quien fue última pareja sentimental de Miguel Covarrubias, así como paisajes que retratan la vasta naturaleza del continente; prismas en la pintura de Armando Morales, una particular vista de Los Andes de Nicolás Moreno y la aclamada visión contemporánea de paisajistas cubanos como Carlos Ríos, René Martín y Jorge López Pardo. No podemos perder de vista el paso por el surrealismo y otras vanguardias europeas que permearon la mirada de artistas tanto modernos como contemporáneos, desde Sofía Bassi, Rodolfo Morales, Alfredo Alcalde, Susan Schmidt y Edwin Rojas, entre muchos otros creadores cuyas obras podrán ser vistas en este catálogo.

Los invitamos a descubrir esta riqueza y pluralidad de la mano de Morton Subastas, nuestras especialistas podrían guiar a quienes buscan enriquecer sus colecciones con el talento vibrante y la historia profunda del Arte Latinoamericano.

1 FRANCISCO TOLEDO

(Juchitán, Oaxaca, 1940 - Oaxaca, Oaxaca, 2019)

Torete rayado, de la serie Zoología fantástica

Firmada

Acuarela y gouache sobre papel

36 x 39 cm

Con documento de Galería Kin, junio de 1987. Con fotografía que ilustra la obra, firmada por el artista. Francisco Toledo desarrolló su carrera de manera autónoma definiendo un estilo identitario desde sus inicios. Gracias a Rufino Tamayo, logró realizar estudios en París y vender sus primeras obras. En 1983, publicó su primer libro y en 1988 fundó el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO), un espacio para difundir y exhibir su colección particular de gráficas, así como obras de otros artistas latinoamericanos de gran importancia.

La visión de Francisco Toledo buscaba crear mundos con sentidos fantásticos, figuras antropomórficas que a veces son monstruosas y otras hasta divertidas y juguetonas. Entre los temas constantes en su obra están el sexo, los insectos, el estudio de la escatología, las tradiciones y cultura oaxaqueña.

Fuentes consultadas: MANRIQUE, Jorge Alberto. Francisco Toledo. México. Smurfit, Cartón y Papel de México, 2002, pp. 11-17, sitio del Museo Reina Sofía www.museoreinasofia.es y sitio del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México www.museoartemoderno.com

$180,000.00-$250,000.00 M.N.

2 FRANCISCO TOLEDO

(Juchitán, Oaxaca, 1940 - Oaxaca, Oaxaca, 2019)

Aves, de la serie Zoología fantástica

Firmada

Acuarela y tinta sobre papel

33 x 33.5 cm

Con documento de Galería Kin, junio de 1987. Con fotografía que ilustra la obra, firmada por el artista. Describir a Francisco Toledo únicamente como artista es dejar de lado gran parte de su carrera; se desarrolló como activista, filántropo y promotor cultural, además se pronunció a favor de múltiples causas en relación con la defensa de los derechos humanos y las lenguas originarias.

Respecto a su producción artística, ésta abarcó diversas técnicas como grabado, escultura, pintura y otras técnicas con las que experimentó de manera exitosa.

Es bien conocida su inspiración en la cosmogonía oaxaqueña, sin embargo, también podemos observar múltiples influencias del arte internacional, como la obra de Jean Dubuffet, Joan Miró y Antoni Tàpies, que se conjuntan con la tradición mexicana para dar como resultado un estilo identificable lleno de vida.

Fuentes consultadas: AQUINO CASAS, Arnulfo. Francisco Toledo. Sembrador de Arte y Cultura. México. Dossier, enero de 2020, pp. 37-43 y sitio oficial del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura www.inba.gob.mx

$180,000.00-$250,000.00 M.N.

3 JESÚS URBIETA

(Juchitán, Oaxaca, 1959 - Ciudad de México, 1997) De quietu gui!

Firmado y fechado 94 Óleo y arena sobre tela 100 x 120 cm

Con certificado de autenticidad de Galería Oscar Román. Jesús Urbieta fue un reconocido artista oaxaqueño que se desempeñó en diversas artes, abarcando la obra plástica, la literatura y la música, su interés por la cultura no se detuvo ahí, creó la Fundación Guiée Xhúuba con propósito de promover la riqueza de su estado originario, Oaxaca.

A través del empleo del dibujo logró que el espectador entrara a un mundo fantástico en el que seres como tlacuaches y aves conviven con híbridos de tintes chamánicos.

Actualmente su obra forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, del Museo de Arte Moderno de Ciudad de México y del Museo Würth en Alemania.

Fuente consultada: ROMÁN, Oscar. “Jesús Urbieta, el genio que se adelantó a su tiempo”. México. Invndación Castálida, mayo de 2017, vol. 2, no. 2, pág. 80. $150,000.00-$200,000.00 M.N.

4 JESÚS URBIETA

(Juchitán, Oaxaca, 1959 - Ciudad de México, 1997)

Sin título

Firmado y fechado 90

Óleo y arena sobre tela

150 x 150 cm

Agradecemos a Filiberta Palizada, viuda del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2021. Presenta detalles de conservación.

“Pudiera pensarse que Urbieta ignoraba las teorías modernas sobre los efectos emotivos del color, teorías que pertenecen al ámbito de los estudios sobre la percepción visual, la Gestalt y la semiótica […] Era intuitivo, desde luego, pero también fue un hombre muy completo en cuanto su formación intelectual: capaz de asimilar sin número de conocimientos de toda índole”. Teresa del Conde. Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa. Jesús Urbieta. Testamentos. México. Museo de Arte Moderno, 1998, pág. 12.

$180,000.00-$200,000.00 M.N.

5 FRANCISCO TOLEDO

(Juchitán, Oaxaca, 1940 - Oaxaca, Oaxaca, 2019)

Sin título

Firmada y fechada 60

Mixta sobre papel

52 x 77 cm

Con certificado de autenticidad del artista, mayo de 2018.

Procedencia: perteneció a la colección del The Utah Museum of Fine Arts, Salt Lake City, Utah, E. E. U. U.; colección particular, Washington D.C., E. E. U. U.

La concepción del arte que Francisco Toledo profesaba no empataba con el sistema que envolvía a la escena artística de aquel momento, por lo que se dio a la tarea de crear instituciones que brindaran un apoyo certero para la producción plástica. Estos espacios continúan su labor hasta nuestros días, tal es el caso del Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo, el Centro de las Artes San Agustín (CASA) y la Bienal Internacional de Cartel de Oaxaca, entre otras instituciones impulsadas por el maestro, además de haber apoyado en la fundación del Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca.

“El acto de pintar se convierte en Toledo en un ritual de creaciones y destrucciones interminables [...] saca sus figuras mágicas, incansablemente como un mago de su sombrero” Verónica Volkow.

Fuentes consultadas: DEL CONDE, Teresa. Francisco Toledo: A Retrospective of his Graphic Works. Estados Unidos. Mexican Fine Arts Center Museum, 1988 y ESPINOSA DE LOS MONTEROS, Silvina. Conversación con Francisco Toledo “He vivido deslumbrado”. México. Revista de la Universidad de México, julio de 2015.

$220,000.00-$400,000.00 M.N.

6 SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Carrusel de juego Firmado y fechado 11-11-1993 Oaxaca al reverso Óleo y piedra pomex sobre tela 160 x 160 cm

Con certificado de autenticidad de Galería Quetzalli, enero de 1994. Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2024.

Con etiqueta de Galería Quetzalli.

Sergio Hernández comenzó su trayectoria de manera autodidacta, el propio artista menciona que se refugió en la experimentación plástica desde niño a causa de una dificultad para socializar. Su temprano despertar artístico lo llevó a ingresar a la Academia de San Carlos y a La Esmeralda, espacios donde exploró profundamente las posibilidades que la formación oficial le ofrecía.

La carrera de Sergio Hernández refleja la complejidad de la producción artística de los últimos tiempos, en ella apreciamos

el peso de la educación académica aunada a la continua experimentación, proceso que comenzó de manera temprana y que fortaleció durante su estancia en París. Ahí sostuvo encuentros con múltiples expresiones en plena gesta, entre ellas estaban las de artistas como Antoni Tàpies y Wifredo Lam, cuyas influencias permean en su obra.

Sergio Hernández posee una prolífica producción que abarca diversas técnicas y materiales en los que se refleja su ardua labor teórica y experimental, observable también en la implementación de temas profundos como lo son sus selecciones históricas, pasajes fantásticos y la integración de elementos de la flora y fauna de su originaria Oaxaca.

Fuentes consultadas: MEJÍA MADRID, Fabrizio. “Entrevista con Sergio Hernández. Las delicias del jardín”. México. Revista de la Universidad de México, marzo de 2001, no. 61, pp. 49-53 y DEL CONDE, Teresa et al. Sergio Hernández. México. Turner, Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 34 y 323.

$800,000.00-$1,200,000.00 M.N.

7 RODOLFO NIETO

(Oaxaca de Juárez, 1936 - Ciudad de México, 1985)

Sin título

Firmado Óleo sobre papel

47 x 54.5 cm

Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, septiembre de 2024. Rodolfo Nieto fue un artista con alma rebelde, si bien no quiso realizar una formación academicista, siguió con gran fervor el trabajo de Carlos Orozco Romero y de Santos Balmori, entre otros. Su paso por Europa influyó fuertemente en su obra, en especial en su paleta de colores y figuración. A su regreso a México, amplió la experimentación con técnicas, las cuales enriquecieron su quehacer artístico, además empezó a estudiar el arte prehispánico y la cultura popular, incorporando en su obra nuevas estructuras.

En su pintura encontramos riqueza en la diversidad de elementos que empleó; texturas, colores, formas abstractas, fusiones de animales con humanos y temas de la naturaleza que creaban situaciones y ambientes fantásticos.

“Nieto tendió a saturar sus composiciones, adhiriendo o rodeando la imagen principal de un sinnúmero de elementos que pueden encontrarse irregularmente geometrizados, como grecas o tableros, igualmente suele acudir a finísimos chorreados, que se antojan siempre controlados, tal que si huyera del vacío”. Teresa del Conde.

Fuentes consultadas: MORENO VILLARREAL, Jaime. Lo que era todo tiene que ser nada. Homenaje a Rodolfo Nieto. México. Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, 1995 y DEL CONDE, Teresa. “Rodolfo Nieto: retrospectiva”. México. Diario La Jornada, 20 de abril de 2010.

$500,000.00-$700,000.00 M.N.

8 RODOLFO NIETO

(Oaxaca de Juárez, 1936 - Ciudad de México, 1985)

Sin título, 1974

Firmado

Pastel sobre papel

49.5 x 64.5 cm

Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, octubre de 2024.

Procedencia: perteneció a la colección de Luis Carlos Emerich. Con etiqueta de Galería Pecanins.

“La magia no sólo es negra o blanca sino que obra desde la entera paleta del pintor, todo tiende aquí a la ruptura de lo usual para avanzar hacia una recomposición que descubre ese punto de vista a la vez remoto de inmediato. Comprendidas las premisas se accede por derecho propio al taller central que hace posibles telas y collages en una violenta y jubilosa pugna de materias [...] Aquí se osa la alegría en el centro mismo del pavor, se afirma el privilegio humano de la risa contra la nada. Hay mucho de violento en tanta elegancia y mucho de elegante en tanta violencia: paradoja extrema de un arte donde tesis y antítesis son radicales porque tienden a una síntesis extrema, a la flecha que clavará su diamante estremecido en una realidad más rica. De este lado, contempladores, todo nos espera: no hay más que merecerlo”. Julio Cortázar. Fuente consultada: CORTÁZAR, Julio. “Rodolfo Nieto”. México. Revista de la Universidad de México, octubre de 1968, sección Creación, pág. 2.

$500,000.00-$700,000.00 M.N.

9 GABRIEL MACOTELA

(Guadalajara, Jalisco, 1954 - )

Crucificciones

Firmada y fechada 86

Acuarela, pastel y carbón sobre papel

58 x 83 cm

La obra de Gabriel Macotela refleja cómo su temperamento y sensibilidad sirven de guía en su proceso artístico. Su personal manera de trabajar las formas, genera un interesante diálogo, entre una formación académica sólida y un lenguaje plástico con propósito de alejarse de lo figurativo, poniendo en jaque los límites de su contexto.

La ruta elegida para plasmar su obra es reconocible aún al presentar variaciones cromáticas. En el tema y el ritmo de las composiciones podemos encontrar referencias a intereses personales, como la propia Ciudad de México y la inspiración que en ella encontró a pesar de su característico abrumador sinsentido, ya que en ella se conjuntan pasiones del artista tal como la arquitectura. De este modo, encontramos referencias a lo urbano a través de las texturas arenosas que emulan el paisaje: el real y el deseado.

Fuente consultada: RUIS CASO, Luis. “The Painting of Gabriel Macotela”. México. Voices of Mexico, enero-marzo 2002, no. 58, pp. 33-37.

$60,000.00-$80,000.00 M.N.

10 FELICIANO BÉJAR

(Jiquilpan, Michoacán, 1920 - Ciudad de México, 2007)

Custodia

Firmada y fechada 79

Escultura en acero y cristal tallado

152 x 80 x 20 cm

Agradecemos a Martín Feliciano Béjar y a Martin Foley por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2024. En 1956, mientras Feliciano Béjar vivía en París, un nuevo elemento asomó con insistencia en su obra: las luces a manera de pequeños soles, por ello su biógrafo, Martin Foley, lo bautizó como "el recolector de soles".

A su regreso a México se involucró en la construcción de instrumentos "poblados de luz", y así los soles escaparon de sus lienzos y maderas para convertirse en los ojos de sus nuevas esculturas. Así nacieron las obras bautizadas por Jorge Hernández Campos como "Magiscopios": instrumentos de acero reciclado con lentes encapsulados.

Fuente consultada: MATEOS, Mónica. "Murió Feliciano Béjar, impulsor de un arte al servicio de la sociedad". México. Diario La Jornada, sección Cultura, 2 de febrero de 2007.

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra.

$180,000.00-250,000.00 M.N.

11 FERNANDO DE SZYSZLO

(Lima, Perú, 1925 - Lima Perú, 2017)

Sin título

Firmada

Tinta, acurela y lápiz de grafito sobre papel

29.5 x 23.5 cm

Inicialmente ingresó a estudiar Arquitectura en la Universidad Nacional de Ingeniería de Perú, la cual dejó para seguir su verdadera vocación en la Academia de Artes Plásticas de la Pontificia Universidad Católica del Perú bajo la tutela del austriaco Adolfo Winternitz, con quien creó la revista cultural “Las Moradas”. En 1947 viajó a París, estancia que fue trascendental para su formación artística. Allí estudió con gran dedicación el movimiento surrealista y las propuestas del abstraccionismo, el cual estilizó y poco a poco fortaleció. En este periodo entabló amistad con Octavio Paz, Julio Cortázar, Roberto Matta y Wifredo Lam, asimismo, fue influenciado por la obra e ideales de Rufino Tamayo. Fuentes consultadas: PORRAZ, Paloma. Fernando de Szyszlo. Elogio a las sombras. México. Universidad Nacional Autónoma de México, CONACULTA, 2011, pág. 49 y sitio oficial del Antiguo Colegio de San Ildefonso www.sanildefonso.org.mx

$80,000.00-$150,000.00 M.N.

12 FERNANDO DE SZYSZLO

(Lima, Perú, 1925 - Lima Perú, 2017)

Sin título

Firmada

Tinta sobre papel

29 x 23 cm

Fernando de Szyszlo perteneció a una línea genealógica de gran envergadura en Latinoamérica, fue hijo del científico polaco Vitold de Szyszlo, sobrino del reconocido escritor peruano Abraham Valdelomar y cuñado del diplomático mexicano Alfonso García Robles, premio Nobel de la Paz en 1982.

Durante su sólida trayectoria, fue acreedor a premios y reconocimientos importantes, obteniendo el nombramiento Doctor Honoris Causa por la Universidad de San Martín de Porres y la Pontificia Universidad Católica del Perú así como de la Cruz de Caballero de la Orden de las Artes y las Letras, una de las mayores distinciones otorgada por el Gobierno de Francia. Además, ejerció la docencia con gran responsabilidad, llegando a ser profesor en la Escuela de Arte de la Pontificia Universidad Católica de Perú y en Cornell y Yale en Estados Unidos.

Fuentes consultadas: PORRAZ, Paloma. Fernando de Szyszlo. Elogio a las sombras. México. Universidad Nacional Autónoma de México, CONACULTA, 2011, pág. 49 y sitio oficial del Ministerio de Comercio Exterior y Turismo de Perú www.peru.info

$80,000.00-$150,000.00 M.N.

13 GABRIEL MACOTELA

(Guadalajara, Jalisco, 1954 - )

Paisaje urbano

Firmado y fechado 80 al frente y al reverso Óleo sobre tela 110 x 100 cm

Con etiqueta de Galería Pecanins. Gabriel Macotela estudió en La Esmeralda y en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, más tarde, ingresó al taller del Maestro Gilberto Aceves Navarro en la Academia de San Carlos. Se trata de un artista polifacético que ha incursionado en la pintura, el grabado, la escultura, la edición e incluso la música. También se reconoce su paso por el Grupo SUMA.

Ha presentado su trabajo en diversas exposiciones colectivas en museos y galerías nacionales e internacionales, así como muestras individuales entre las que sobresalen las realizadas en el Museo Carrillo Gil en 1983 y 1997, en el Museo de Arte Moderno en 1986 y en el Museo Rufino Tamayo en 1988. Fuente consultada: LAMBARRY MARTÍNEZ, Margarita et al. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pág. 396. $120,000.00-$200,000.00 M.N.

14 FERNANDO DE SZYSZLO

(Lima, Perú, 1925 - Lima Perú, 2017)

Sin título, de la serie Anabase

Firmado

Gouache sobre papel

57 x 76 cm

Con etiqueta de Galería de Arte 9, Lima, Perú.

Fernando de Szyszlo representa una pieza clave en el arte abstracto de Latinoamérica de mediados de los años 50, asimismo, fue una de las mayores fuerzas en la renovación plástica de su país, abriendo camino mediante la expresión de temáticas nacionalistas peruanas en un estilo no representacional.

Fernando de Szyslo gustaba de establecer una relación directa entre poesía y pintura, es así que la serie “Anabase” efectuada en los años 80 está inspirada en el poema del francés Saint-John Perse

“Las obras de Fernando de Szyszlo hacen gala del deleite que el artista siente por la creación y de su encuentro con la estética. Entre luces y sombras se contiene la expresión del sentimiento que le robó un instante de plenitud o un momento de reflexión. En esos encuentros mágicos en los que vibran los colores, Szyszlo nos expone los misterios del alma, sus formas hablan de rito, belleza, majestuosidad, poesía y amor”. Lupina Lara Elizondo. Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, marzo-abril, 2003, año 8, no. 62, pág. 5 y “Fernando de Szyszlo. Elogio a las Sombras”. México. Antiguo Colegio de San Ildefonso, 2011.

$130,000.00-$200,000.00 M.N.

15 TIBURCIO ORTIZ

(Santa Catalina Chinango, Oaxaca, 1945 - )

Muchacha de la soledad

Firmada y fechada 2023

Escultura en bronce II / V

40 x 75 x 24.5 cm

Procedencia: adquirida directamente al artista.

Tiburcio Ortiz tuvo un despertar plástico temprano, años más tarde, en la Ciudad de México, ingresó al ejército y al taller de la misma institución donde hacía tanto prótesis para manos u ojos, como bustos de los personajes destacados de la historia patria. El encargado del taller, quien estudió en la Academia de San Carlos, recomendó a Tiburcio Ortiz para que entrara a estudiar escultura formalmente. Ahí estudió de 1966 a 1970 con maestros como Manuel Silva Guerrero, Alberto de la Vega y Elizabeth Catlett, quienes le enseñaron a trabajar las formas de manera simplificada.

“Tiburcio Ortiz, al modo de un monje que vive su ministerio en la creación de universos fantásticos, se dedica a rescatar las formas ancladas en el corazón de estos materiales duros [...] Primero escucha y después dialoga con esos gajos de mineral, ofreciéndonos una alteración dinámica de la figura humana (varonil, femenil) capaz de convivir con paisajes míticos y muestras de la flora y la fauna de su entorno”. Luis Ignacio Sáinz.

Fuente consultada: SÁINZ, Luis Ignacio et al. Tiburcio Ortiz. Piedra-raíz. México. Museo Federico Silva Escultura Contemporánea, 2016, pág. 50.

$180,000.00-$300,000.00 M.N.

16 ROGER VON GUNTEN

(Zúrich, Suiza, 1933 - )

Las noches del diablo Firmado y fechado 65 Óleo sobre tela 52.5 x 102 cm

Con certificado de autenticidad del artista, octubre de 2003. Procedencia: adquirido directamente al artista. Presenta detalles de conservación. La obra está titulada “Minotauro” en el certificado. Roger von Gunten llegó a México interesado en recorrer la mítica carretera Panamericana hasta la Patagonia, en cambio, el paisaje mexicano lo impactó de tal manera que se adentró a conocer su cultura, siendo la arquitectura y el muralismo de Ciudad Universitaria lo que haría llamar a nuestro país su hogar. Formó parte de la generación de La Ruptura, el cual trabajó por navegar hacia nuevas rutas diferentes a la doctrina hegemónica de la Escuela Mexicana de Pintura, logrando conjuntar las nuevas propuestas del arte occidental con la tradición nacional. La temática de su obra ahonda en aspectos de su particular interés como la botánica, astronomía, poesía, música, entre otros. El color se convirtió en una de sus mayores campos de trabajo, llegando incluso a impartir talleres sobre su teoría.

Fuente consultada: CABRERA, Iván. “La cultura es la conciencia de la vida: Roger von Gunten en la IBERO”. México. Universidad Iberoamericana CDMX, 23 de agosto de 2018 y sitio oficial del Instituto Nacional De Bellas Arte y Literatura www.inba.gob.mx

$120,000.00-$180,000.00 M.N.

17 FELICIANO BÉJAR

(Jiquilpan, Michoacán, 1920 - Ciudad de México, 2007)

Forma de cajas

Firmada y fechada 68

Escultura en acero y cristal tallado

56 x 41.5 x 15 cm

Agradecemos a Martín Feliciano Béjar y a Martin Foley por la verificación de autenticidad de esta obra, agosto de 2024. La formación de Feliciano Béjar fue principalmente autodidacta; desde que tenía 15 años comenzó a experimentar con los materiales que hallaba a su paso. Su carrera se definió por el principio de "democratizar la belleza por medio del arte", inspirado en José Clemente Orozco.

Inicialmente se dedicó a recorrer el mundo y en 1948 presentó su primera exposición en Ward Eggleston Galleries en Nueva York. Continuó su formación en los museos de París y recorrió Europa en bicicleta.

Fuente consultada: MATEOS, Mónica. "Murió Feliciano Béjar, impulsor de un arte al servicio de la sociedad". México. Diario La Jornada, sección Cultura, 2 de febrero de 2007.

$230,000.00-$300,000.00 M.N.

(Bucarest, Rumania, 1926 - Países Bajos, 2018)

Ritmo blanco

Firmado y fechado 79 al reverso

Pastel sobre tela

85 x 65 cm

Con dedicatoria firmada al reverso

Con certificado de autenticidad de Galería Marie Louise Ferrari.

Procedencia: perteneció a la colección de Marie Louise Ferrari.

El trabajo de Myra Landau ha sido expuesto en múltiples exposiciones tanto colectivas como individuales desde los años 50, en destacadas instituciones de México, Brasil, Chile, Estados Unidos, Italia, Francia y Panamá. Actualmente tiene una muestra individual en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo de la Universidad Nacional Autónoma de México, vigente hasta febrero de 2025.

$180,000.00-$260,000.00 M.N.

18 MYRA LANDAU

19 RODOLFO NIETO

(Oaxaca de Juárez, 1936 - Ciudad de México, 1985)

Sin título

Firmado

Carboncillo y acrílico sobre madera

72 x 54 cm

Con certificado de autenticidad de Galería Quetzalli, diciembre de 1991. Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, octubre de 2024.

Rodolfo Nieto fue un destacado artista con fuertes raíces plásticas ligadas a la cultura de su tierra oaxaqueña a través de una visión moderna.

Asistió a La Esmeralda, donde fue discípulo de Diego Rivera y Juan Soriano, entre otros maestros que lo impulsaron a exponer colectivamente.

Se mudó a París en los años sesenta, donde tuvo acercamiento con influencias artísticas internacionales, específicamente el

informalismo y la pintura matérica como se aprecia en su obra posterior. En la llamada Ciudad Luz, logró exponer en algunas galerías y museos, destacando su muestra individual en el Museo de Arte Moderno de París en 1962; así mismo participó en la Bienal de París obteniendo un premio en 1963. Durante aquella época concibió un lenguaje artístico más personal, en parte influenciado por su amistad con Francisco Toledo, Octavio Paz y Julio Cortázar. Uno de sus proyectos más reconocidos se dio en 1965, cuando ilustró el “Manual de Zoología Fantástica” de Jorge Luis Borges para la editorial de Maurice Nadau, lo que lo llevó a cultivar una relación laboral posterior con Carlos Fuentes y Mario Vargas Llosa. Fuentes consultadas: sitio oficial del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey www.marco.org.mx y sitio oficial del Museo Ralli Marbella www.museoralli.es

$550,000.00-$800,000.00 M.N.

20 RIVELINO MORENO

(San José de Gracia, Jalisco, 1973 - )

Acercamientos y Divisiones

Firmada y fechada 04

Cerámica sobre acero

116 x 173.5 cm

Con certificado de autenticidad de Galería Oscar Roman, noviembre de 2004. Presenta detalles de conservación.

José Rivelino Moreno es un destacado dibujante, pintor y escultor jalisciense activo profesionalmente desde los años 90. De formación autodidacta, ha creado un estilo tan propio e inconfundible que convirtió a los materiales parte de su ser; con el tiempo, desarrolló la habilidad de detonar diálogos entre materiales y objetos geométricos, manteniendo la importancia del relieve a través de volúmenes realizados por intervenciones directas en las superficies. Así, tras una indudable poética, sus obras oscilan entre lo reconocible, lo extraño y lo misterioso.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.rivelino.com.mx

$180,000.00-$300,000.00 M.N.

21 IGNACIO ITURRIA

(Montevideo, Uruguay, 1949 - )

Fachada indiscreta

Firmado y fechado 99

Óleo sobre papel

49 x 31.5 cm

Desde la segunda mitad del siglo XX, la obra de Ignacio Iturria ha destacado, pues el artista ha desarrollado un estilo maduro, con una fuerte y personal paleta de colores terrosos y personajes de ensueño y fantasía, cargados de historias y provocadores de recuerdos, que hoy conocemos como el cuño indeleble de su arte poético y humanístico.

A lo largo de su carrera ha expuesto su trabajo en diversos museos, ferias y galerías de arte, destacando la Galería Sa Llumenera en Cadaqués, España, Galería Manzione en Punta del Este, Uruguay, Galería Praxis de Buenos Aires, Argentina y Lima, Perú; La Galería en Quito, Ecuador, Park Gallery en Florida y el Museo de Artes de las Américas en Washington, D.C., Estados Unidos, así como en la V Bienal de La Habana, Cuba y en ARCO’92, Madrid, España.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.iturria.com.uy

$65,000.00-$100,000.00 M.N.

22 JESÚS RAFAEL SOTO

(Ciudad Bolívar, Venezuela, 1923 - París, Francia, 2005)

Sin título, Jai-Alai series, 1969

Firmado

Escultura de madera, metal, plexiglás e hilo de nylon 5 / 30 50 x 15 x 15 cm

Con recibo de compra de Estudio Actual, Caracas, septiembre de 1971.

Procedencia: adquirido en Estudio Actual, Caracas; Galería

Benise Renée, París.

Publicado en: sitio oficial del artista www.jesus-soto.com

Jesús Rafael Soto fue un pintor y escultor exponente del arte Cinético y el Op Art. Recibió su formación académica en la Escuela de Artes Plásticas y Artes Aplicadas de Caracas. Desde temprana edad se interesó por el arte geométrico y el constructivismo.

En 1950, mientras fungía como director de la Escuela de Bellas Artes de Maracaibo e intrigado por las obras de Kazimir Malévich y Piet Mondrian, recibió una beca y se mudó a París, animado por su amigo, el pintor venezolano Alejandro Otero. Pronto expuso en el Salón de Réalités Nouvelles, donde conoció a Yris Clert, Víctor Vasarely e Yves Klein, entre otros.

En 1953 exploró la tridimensionalidad al superponer dos placas de plexiglás pintadas que parecen animarse con el movimiento del espectador. Siguiendo este mismo procedimiento, realizó en 1957 sus primeras obras, intituladas “Vibration”, constituidas de marañas de hilos de metal y de materiales que conseguía en la calle, colocados sobre una superficie estriada en blanco y negro, creando así el efecto “moiré”.

Jesús Rafael Soto fue radicalizando y sistematizando la utilización de esta trama como soporte, superpuso elementos diversos que aparecen y desaparecen de acuerdo al movimiento del espectador, dejando entrever un espacio “intersticial”: la vibración, el vaivén de lo invisible y lo visible.

En 1967 realizó sus primeros “Penetrables”, obras entonces compuestas de varillas de metal o de filamentos de nylon suspendidos en el espacio. Ahí produjo sus primeras pinturas, basadas en la repetición y progresión de elementos simples, cuya distribución es determinada por un sistema que recuerda a la música.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.jesus-soto.com

$160,000.00-$200,000.00 M.N.

23 GUNTHER GERZSO

(Ciudad de México, 1915 - Ciudad de México, 2000)

Azul - verde

Firmado y fechado 70 al frente. Firmado y fechado 70 - III al reverso Óleo sobre masonite

25 x 37 cm

Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, abril de 2024. Agradecemos al Dr. Salomon Grimberg por la revisión de esta obra, septiembre de 2024.

Gracias al origen europeo de su familia, tuvo la oportunidad de realizar sus estudios del otro lado del Atlántico, donde residió con su tío, quien era estudioso del arte, factor que sin duda marcó el destino del joven artista.

A los 14 años recibió un regalo peculiar para un adolescente de su edad, el libro “Hacia una nueva arquitectura” de Le Corbusier y quedó impactado con los postulados que contenía. De tal manera que escribió al teórico para comentar sus inquietudes, si bien no recibió respuesta se gestó una inclinación clara por la disciplina.

Durante este mismo periodo descubrió la escenografía de la mano del afamado actor italiano Nando Tamberlani, área donde sus principales afinidades convergieron.

Para el inicio de la década de los años 30 regresó a México, se enfocó en formarse artísticamente de manera autodidacta, haciendo énfasis principalmente en escenografía y vestuario teatral. Con propósito de continuar con su carrera profesional en 1935 se mudó a Cleveland, Ohio, donde ingresó como escenógrafo auxiliar de la compañía teatral de la ciudad. Paralelamente, gracias al pintor Bernard Pfriem se acercó a la pintura, así como hizo con otros de sus intereses, optó por el camino del aprendizaje personal, estableciendo preferencia por las propuestas modernistas europeas así como las presentes en el arte mexicano del momento.

A finales de 1941, regresó oficialmente a México, continúo su camino en la pintura adquiriendo influencias de su entorno, entre estas se pueden observar rasgos de la obra de Carlos Orozco Romero, Manuel Rodríguez Lozano y Julio Castellanos, relacionados también con el arte escenográfico.

Su papel como escenógrafo de la Época de Oro del cine mexicano ha sido ampliamente reconocido por su prolífico desempeño. Algunos títulos en los que colaboró son; “Santa” de Norman Foster, “La posesión” de Julio Bracho y “Susana” de Luis Buñuel, entre otros. El conocer las pasiones de Gunther Gerzso nos permite comprender el lenguaje empleado en su obra pictórica, en el que converge su interés por la arquitectura, la escenografía, el arte prehispánico, el paisaje mexicano, así como la adopción de lenguajes de su época como el surrealismo y abstraccionismo.

Fuentes consultadas: DU PONT, Diana et al. El riesgo de lo abstracto: el modernismo mexicano y el arte de Gunther Gerzso. España. Santa Barbara Museum of Art - CONACULTA, 2003, pp. 297-301, GÓMEZ HARO, Germaine. “Los paisajes emocionales de Gunther Gerzso”. México. La Jornada, Suplemento Cultural, 05 de julio de 2015 y “Gunther Gerzso, figura clave del arte mexicano”. México. Milenio, sección Cultura, 21 de abril de 2020.

$3,500,000.00-$4,200,000.00 M.N.

24 MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990) Mensaje, ca. 1965

Sin firma

Hoja de oro sobre madera, díptico 75 x 64.5 cm cada uno

Piezas: 2

Con certificado de autenticidad de la Dra. Lily Kassner. Con certificado de autenticidad firmado por Rosa Nicolayevsky, julio de 2024.

$3,500,000.00-$4,500,000.00 M.N.

“Mensajes” es el nombre que recibe una serie de obras de Mathias Goeritz; las piezas que la conforman poseen como característica no estar pintadas, sino revestidas con hojas de oro o ser trabajos sobre lámina con posibilidad de monocromía o perforación. A través de esta expresión, el artista buscó materializar su posición respecto al impulso del arte como espacio espiritual, universal y metafísico, al mismo tiempo pretendía hacer una extensa crítica hacia la arquitectura moderna a la que atribuía un empobrecimiento de la experiencia en razón de la funcionalidad.

En sintonía con lo anterior, propuso el término de “Arquitectura Emocional”. Las expresiones creadas bajo este precepto buscaban conmover al espectador, ya sea por el material empleado como el caso de este díptico, o ante la monumentalidad en el caso de las proyecciones arquitectónicas. Lo anterior se relaciona a su vez con un triste pasaje en su vida, ya que de manera simultánea se encontraba de luto por la muerte de su ex pareja Marianne Gast.

Los “Mensajes”, también definidos por Mathias Goeritz como “Cloauges”, pueden considerarse como decoraciones simbólicas que a juicio del artista infunden un halo de espiritualidad a través del resplandor dorado en su interacción con la luz. De esta manera, cabe mencionar que estas piezas también poseen relación con textos bíblicos, generalmente del Viejo Testamento. Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 11, no. 80, marzo-abril de 2006, pp. 4-27 y KASSNER, Lily. Mathias Goeritz. Una biografía 1915-1990. México. UNAM, CONACULTA, INBA, 2007, pág. 137 y ZÚÑIGA, Olivia. Mathias Goeritz. México. Editorial Intercontinental, 1963, pp. 41-43.

25 MANUEL FELGUÉREZ

(Valparaíso, Zacatecas, 1928 - Ciudad de México, 2020)

Centro del lado Este Firmado y fechado 2019

Ensamblaje de aluminio 6 / 9

60 x 43 x 12 cm

Con certificado de autenticidad de Mercedes de Oteyza de Felguérez, viuda del artista.

Agradecemos a Mercedes Oteyza de Felguérez, viuda del artista por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2024. Existe una versión monumental de esta obra, la cual fue exhibida en la muestra “Trayectorias” en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo de la Universidad Nacional Autónoma de México en 2019.

Este multifacético artista que se desenvolvió en ámbitos como pintura, escultura, cerámica ha sido sujeto de diversas publicaciones bibliográficas donde se remarcan las grandes aportaciones al mundo del arte gracias a su experimentación tanto práctica como teórica. Gracias a su visita a Europa sus horizontes se expandieron y decidió

incursionar en el campo artístico. Se le reconoce como pieza clave de generación de La Ruptura, alejándose del discurso de los muralistas para adentrarse en la individualidad y libertad. Uno de los puntos clave tanto de su carrera como de la propia historia del arte se dio cuando realizó trabajos de investigación en la Universidad de Harvard gracias a la beca Guggenheim durante 1970 de la mano del ingeniero en sistemas Mayer Sasson, usando programación informática para la producción artística, dando como resultado la exposición “Espacio múltiple” además de la publicación posterior de “La máquina estética”. Fuentes consultadas:

- MANRIQUE, Jorge Alberto. La obra y el concepto de Manuel Felguérez. El proceso creativo XXVI Coloquio Internacional de Historia del Arte. México. Instituto de Investigaciones Estéticas, 2006

- MEDINA, Cuauhtémoc et al. Manuel Felguérez. El futuro era nuestro. México. Museo Universitario de Arte Contemporáneo. Instituto de Investigaciones Estéticas. 2020, pp. 16-18

- KITROEFF, Natalie. “Manuel Felguérez, artista mexicano de arte abstracto, falleció a los 91 años”. The New York Times, 18 de junio de 2020.

$220,000.00-$280,000.00 M.N.

26 MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990)

Las puertas de la nada, 1971

Sin firma

Esculturas en metal policromado

40 x 25 x 30 cm medidas totales

Piezas: 7

Con certificado de autenticidad de Éditions du Griffon.

Agradecemos a Ricardo Suárez Haro, por la revisión de autenticidad de esta obra, septiembre de 2024. Publicadas en:

- MORAIS, Federico. Mathias Goeritz. México. Universidad Nacional Autónoma de Méxicp, 1982, catalogadas 15.

- RODRÍGUEZ PRAMPOLINI, Ida. Los ecos de Mathias Goeritz: catálogo de la exposición. Tomo II. México. Antiguo Colegio de San Ildefonso - Instituto Nacional de Bellas Artes - Instituto de Investigaciones Estéticas, 1997, catalogadas 121.

- WIEHAGER, Renate. Minimalism and after, the Daimler Chrysler collection. Alemania. Hatje Cantz, 2007, pp. 268 y 269.

- KASSNER, Lily. Mathias Goeritz, 1915 - 1990. México. CONACULTA - INBA, 2008, pág. 175, catalogadas 708.

- MÉNDEZ-GALLARDO, Mariana et al. “De la abstracción al arte oración” en Mathias Goeritz I. Obsesión creativa. México. Artes de México, 2015.

Mathias Goeritz llegó a México en 1949 y se instaló en la ciudad de Guadalajara, donde fundó cuatro galerías de arte. En una de ellas, la Galería Arquitac, expuso obras de Henry Moore, Paul Klee y Rufino Tamayo entre otros, en una muestra llamada "ARTE SIN FRONTERAS", que obtuvo resonancia internacional.

Considerado en el ámbito artístico mundial como un artista excepcional de nuestro tiempo; escultor, pintor, arquitecto, diseñador gráfico e industrial, creador de minimal art, fue además un digno sucesor de los maestros de la Bauhaus, ya que su aportación en el campo de la enseñanza de la arquitectura ha sido esencial, considerando que gracias a él se mejoró el plan de estudios de la carrera de arquitectura en las universidades del país.

Fuentes consultadas: KASSNER, Lily. Mathias Goeritz. Una biografía 1915 - 1990. México. UNAM, CONACULTA, 2007, pp. 84, 103, 192 y 193 y ZÚÑIGA, Olivia. Mathias Goeritz. México. Intercontinental, 1963, pp. 24-26.

$400,000.00-$500,000.00 M.N.

27 MANUEL FELGUÉREZ

(Valparaíso, Zacatecas, 1928 - Ciudad de México, 2020)

Centro del lado Oeste Firmado y fechado 2019

Ensamblaje de aluminio 3 / 9

60 x 43 x 12 cm

Con certificado de autenticidad de Mercedes de Oteyza de Felguérez, viuda del artista. Agradecemos a Mercedes de Oteyza de Felguérez, viuda del artista por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2024. Existe una versión monumental de esta obra, la cual fue exhibida en la muestra “Trayectorias” en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo de la Universidad Nacional Autónoma de México en 2019. Para los años sesenta, la promesa de un arte latinoamericano ya había sido sembrada en el debate europeo de la modernidad, a través de una tensión entre el lenguaje abstracto y la tradición propia. Este fue un aspecto que entrelazó los trabajos de artistas como Pedro Coronel, Wifredo Lam, Alejandro Obregón y Rufino Tamayo. Aunque Manuel Felguérez formó parte de esta atmósfera artística intelectual, sus investigaciones sobre la abstracción se apuntaron hacia un terreno más experimental. Además de formar parte de una generación que contravino los preceptos nacionalistas del muralismo en México, experimentó tempranamente con elementos industriales, integró la escultura con arquitectura y desarrolló una constante búsqueda en la pintura volumétrica.

Fuente consultada: MEDINA, Cuauhtémoc et al. Manuel Felguérez. El futuro era nuestro. México. Museo Universitario de Arte Contemporáneo - Instituto de Investigaciones Estéticas. 2020, pp. 16-18.

$220,000.00-$280,000.00 M.N.

28 MIGUEL CASTRO LEÑERO

(Ciudad de México, 1956 - )

Sin título

Firmado

Óleo sobre tela 146 x 97 cm

Agradecemos al Maestro Miguel Castro Leñero por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2024. Presenta detalles de conservación.

“En su obra, la síntesis y el desarrollo simbólico por las que atraviesa la imagen en cada una de sus series, así como el paso hacia otros materiales, convierten en poesía el objeto o sujeto representado. A veces es casi como un ‘haiku’ que se rediseña hasta explorar las diversas posibilidades de un paisaje. Otras veces se trata de una

alegoría compleja que se expresa en la sencillez de los trazos en relieve sobre las texturas y, en el caso de la escultura, en el volumen y dimensiones que adquiere el objeto. Para Miguel Castro, su búsqueda se ha convertido en una actividad diaria: recopila imágenes y con ellas construye y reconstruye otras, a las que les da significados que pueden ser personales o, por otro lado, convertirse en símbolos universales que tocan a todos los seres humanos, adquiriendo así la sustancia de los arquetipos”. Astrid Velasco Montante.

Fuente consultada: VELASCO MONTANTE, Astrid. “Miguel Castro Leñero. The poetry of images”. México. Voices of Mexico, primavera de 2017, sección Arte y Cultura, pág. 76.

$150,000.00-$250,000.00 M.N.

29 BOSCO SODI

(Ciudad de México, 1970 - )

Sin título

Firmada y fechada 06 al reverso

Mixta sobre cartón

94 x 64 cm

Con certificado de autenticidad digital de Studio Bosco Sodi, enero de 2018. Presenta desprendimiento de capa pictórica.

Bosco Sodi es un reconocido artista mexicano que está en constante búsqueda de trascender las barreras de lo conceptual. Convierte el trabajo en sí, en una memoria, una reliquia simbólica y una conversación con la materia prima. Deja sus producciones sin título, con la intención de eliminar cualquier conexión más allá de la existencia de la obra. Gusta de explorar con materiales ricos en texturas y colores. Trabaja de forma horizontal, directo en el piso, siendo sus manos la herramienta principal para pintar. Utiliza mezcla de materiales orgánicos como aserrín, fibras de árboles y pigmentos para crear una masa parecida al lodo, lo que hace que las capas pictóricas de sus piezas tengan distintos grados de texturas, en algunos casos son superficies uniformes y en otras se crean grietas y craqueladuras en diversas intensidades.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.boscosodi.com

$300,000.00-$400,000.00 M.N.

30 GUSTAVO ACEVES

(Ciudad de México, 1957 - )

Sin título

Firmado y fechado 02 al reverso Óleo sobre tela

250 x 150 cm

La pintura de Gustavo Aceves se caracteriza por una revisitación personal a los grandes maestros de la tradición pictórica occidental, como Rembrandt y Francis Bacon, patente en la obsesiva disección del cuerpo humano. En 2008, fue invitado a participar en la primera Bienal de Arte Contemporáneo de Pekín, China, asimismo, en julio de 2011, Gustavo Aceves asistió al Vaticano en el marco del homenaje

que 60 artistas invitados rindieron al papa Benedicto XVI, como el único pintor latinoamericano convocado al evento en el que 60 artistas de distintas nacionalidades con el jefe de la Iglesia católica, entre otros figuraron Santiago Calatrava, Zaha Hadid, Peter Greenaway, Bob Wilson y Arvo Pärt.

Desde principios de esta década vive y trabaja en Pietrasanta, Italia. Fuentes consultadas: RODRÍGUEZ, Ana Mónica. “Un artista mexicano desarrolla un ambicioso conjunto escultórico en Italia”. México. Periódico La Jornada, 17 de mayo de 2014 y “Gustavo Aceves, invitado de lujo de la galería Vértice”. México. Diario El Informador.

$250,000.00-$300,000.00 M.N.

31 GABRIEL OROZCO

(Jalapa, Veracruz, 1962 - )

Piezas de herrería

Firmado y fechado 1985

Acrílico sobre tela

89 x 109 cm

Gabriel Orozco es uno de los artistas contemporáneos más reconocidos en el circuito internacional, lo respalda una gran producción en medios plásticos tradicionales y experimentales, abarcando técnicas como el dibujo, la instalación, el video y la escultura. Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas y posteriormente en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Junto con Damián Ortega, Gabriel Kuri, Abraham Cruzvillegas y Dr. Lakra realizaba reuniones semanales en los que discutían temas de arte y política, con el tiempo se convirtió en un lugar en el que muchos proyectos artísticos y culturales tomaron forma, este grupo posteriormente fue conocido como “Taller de los Viernes”.

La producción de Gabriel Orozco está en una constante evolución que nos remite a la vivencia personal en donde con su mirada nos muestra los accidentes, las circunstancias ajenas, decepciones y sorpresas que muestran el devenir de la espera. En sus piezas encontramos razones por las cuales existe el arte, no busca dar una respuesta totalitaria sino una posibilidad del mundo contemplativo. “Gabriel Orozco se rehúsa a producir un sólo tipo de piezas. Su obra es una continua exploración, revelando un espíritu de partes iguales de ingenio y asombro, abierto a la sorpresa. La variedad y espectro de su obra es impresionante. Sin embargo, su estética es consistente, más cercana a la de un poeta que a la de un pintor, él encuentra revelaciones cada día. Sus piezas parecieran irónicas, pero las ideas detrás de su trabajo, a pesar de mostrar espontaneidad, no desprecian el intelecto”. Carmen Boullosa. Fuente consultada: BOULLOSA, Carmen. “Gabriel Orozco”. Estados Unidos. BOMB, invierno de 2007, no. 98, pp. 66-78.

$900,000.00-$1,200,000.00

32 SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - )

Moby Dick

Firmado dos veces al reverso Óleo y arena sobre tela

120 x 200 cm

Con certificado de autenticidad del artista, julio de 2022.

Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2024. La obra está titulada “Leviatán” en el certificado.

“La ballena blanca de reminiscencias melvilleanas es apenas un pretexto para internarse en fascinantes parajes submarinos que revelan una atmósfera inédita en su quehacer pictórico. Con el incansable espíritu lúdico que lo caracteriza, Sergio se sumerge en aguas profundas mediante imágenes que descubre en un libro sobre el Golfo de Baja California; su fantasía desbordante lo lleva a congregar en lienzos de enormes dimensiones una pléyade de personajes nuevos pulpos, focas, tortugas, tiburones, camarones, buzos, marsopas, entre otros seres híbridos en una danza alegórica de gran impacto visual. Cada pintura es un universo per se: las figuras esgrafiadas con una asombrosa delicadeza se van hilando en una intrincada trama melódica que conforma un baile colectivo en el corazón del mar. Los personajes flotan, vuelan, se abrazan y copulan en ritmos y pausas marcados por destellos lumínicos que armonizan sus composiciones monocromáticas”. Germaine Gómez Haro.

Fuente consultada: GÓMEZ HARO, Germaine. “Moby Dick, la ballena blanca, nueva musa del pintor Sergio Hernández”. México. Diario La Jornada, 15 de junio de 2002.

$1,200,000.00-$1,600,000.00 M.N.

33 EDNA PALLARES

(Ciudad de México, 1965 - )

Fragmentos de la media luna

Firmada

Escultura en plata Sterling .925 de la firma TANE 4 / 24

30 x 20 x 5 cm

Con sello de TANE ME-32 e iniciales del platero. Publicada en: Colección Arte en Plata. México. TANE, pág. 16 y sitio oficial de TANE mx.tane.com

La producción de Edna Pallares se centra en la exaltación y valoración de lo ordinario, con el objetivo de ofrecer una experiencia consciente de las diferencias que las estructuras sociales aportan al día a día del ser humano. Del mismo modo, se interesa en promover un vínculo sólido con expresiones ancestrales para mantener al individuo contemporáneo en contacto con el inconsciente colectivo.

Para transmitir sus argumentos emplea diversos recursos plásticos, destacando a la escultura como su medio predilecto, asimismo, a través la docencia es otro espacio donde se muestra comprometida en difundir sus principios.

Fuente consultada: sitio oficial del Museo Universitario del Chopo www.chopo.unam.mx

$600,000.00-$660,000.00 M.N.

34 GLORIA CORTINA

(México, 1972-)

Gallo, de la serie Gallos 60° Aniversario

Firmada

Escultura en plata Sterling .925 de la firma TANE con vermil de oro amarillo de 23k, óxido negro, obsidiana y bronce 1 / 1, pieza única 44 x 50 x 25 cm

Con sello de TANE ME-32 e iniciales del platero Arturo Hernández (AHG).

Publicada en sitio oficial de TANE mx.tane.com

Presenta ligeros detalles de conservación.

Esta pieza es una interpretación diferente a las provenientes de la serie Gallos 60° Aniversario de TANE, podemos apreciar la personal manera de trabajo de la diseñadora Gloria Cortina, en la que la armonía es visible a través de la deconstrucción proporcionada del ave, asimismo, los materiales que acompañan a la plata; oro, obsidiana y bronce, son una elección acertada para realzar tanto la belleza como la mexicanidad de la obra.

Fuente consultada: sitio oficial de TANE mx.tane.com

$640,000.00-$700,000.00 M.N.

35 XAWERY WOLSKI

(Varsovia, Polonia, 1960 - )

Irida

Firmada

Escultura en plata Sterling .925 de la firma TANE 3 / 24

45 x 20 x 16 cm

Con sello de TANE ME-32 e iniciales del platero Arturo Hernández (AHG).

Publicada en: sitio oficial de TANE mx.tane.com

“Irida toma su nombre de una de las deidades griegas encargadas de portar los mensajes entre los dioses y los seres humanos. Wolski captura la esencia de dicha misión en una serie de eslabones suspendidos en el aire como desafiando las leyes de la gravedad y las convenciones físicas, que nos hablan de la conexión entre los planos universales, lo divino y lo humano, el cielo y la tierra, el pasado y el futuro”.

Fuente consultada: sitio oficial de TANE mx.tane.com

$700,000.00-$760,000.00 M.N.

36 EDGAR NEGRET

(Popayán, Colombia, 1920 - Bogotá, Colombia, 2012)

Acoplamiento, 1976

Firmada

Escultura en plata Sterling .925 de la firma TANE 7 / 11

22 x 20 x 10.5 cm

Con sello de TANE ME-32.

Publicada en: Colección Arte en Plata. México. TANE, pág. 21 y sitio oficial de TANE mx.tane.com

Es reconocido como uno de los escultores colombianos más importantes a nivel internacional. Su obra se identifica por resaltar la existencia de belleza en las máquinas, como se aprecia en la incorporación minuciosa de engranes y articulaciones antes sólo pensadas con propósitos de funcionalidad.

A lo largo de su trayectoria fue acreedor a diversos premios, entre los que destacan: el primer lugar en el XV Salón Nacional de Artistas Colombianos, el Gran Premio de Escultura en la XXXIV Bienal de Venecia y la medalla de plata de la VIII Bienal de São Paulo. En 1984 se fundó la Galería Casa Negret en Bogotá y en 1985 la Casa Museo Negret en su natal Popayán, Colombia.

Fuente consultada: BUENAVENTURA, Julia. “Edgar Negret”. Bogotá. ARCADIA, obituario, noviembre de 2012.

$360,000.00-$430,000.00 M.N.

37 JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006) Cruz, 2000

Firmada

Escultura en plata Sterling .925 de la firma TANE 19 x 7.5 x 3.75 cm

Con sello de TANE ME-32 e iniciales del platero (RPC).

Publicada en: Colección Arte en Plata. México. TANE S.A. de C.V., pág. 50. Incluye caja original de TANE.

“Las obras escultóricas de Juan Soriano, no podían escapar a las peculiaridades de un pintor que hace escultura; tanto en sus pequeñas cerámicas como en sus trabajos monumentales en bronce. El artista en cuestión es un escultor que siente, piensa y crea en pintor; sus grandiosas esculturas le dan tema y materia para explayarse en una fina gama de textura y de coloraciones que dan el toque y el sentido final a su tarea. El arte de Soriano, interesante en grado sumo en nuestro medio, por lo sui generis, llega ya a una maestría consumada no solo por lo que al oficio se relaciona sino, y esto es lo importante, por el aliento creativo que lleva en sí y por la dosis de inefable lirismo de que está lleno. Soriano, por su talento, por su finura espiritual, por su don divino, es una voz de poesía en el campo de las artes plásticas de México”. Carlos Mérida.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.juansoriano.net

$150,000.00-$220,000.00 M.N.

38 MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990)

Salvador de Auschwitz VII, ca. 1951

Firmada

Escultura en bronce

38 x 32 x 2 cm

Con certificado de autenticidad de la Dra. Lily Kassner, octubre de 2009. Con carta de procedencia de RISUHA, Consultora en Arte.

Agradecemos a Ricardo Suárez Haro, por la revisión de autenticidad de esta obra, septiembre de 2024.

Mathias Goeritz fue un promotor de corrientes estéticas que marcaron de forma indeleble el desarrollo artístico del siglo XX en México. Durante su multidisciplinaria trayectoria nutrió al país con una faceta lírica y pasional adscrita al expresionismo, una etapa polémica e irónica dadaísta y en su labor arquitectónica, ayudó a darle paso al constructivismo. La escultura se convirtió para Goeritz en el medio de expresión más adecuado a su carácter y a la proyección de ideas estéticas. La transformación de la materia pareció ofrecerle posibilidades más amplias y directas.

Polifacético, con un avasallante espíritu emprendedor tras la promulgación de su manifiesto de la “Arquitectura Emocional” realizó diversos diseños para pequeñas y grandes esculturas, así como proyectos para murales con el fin de detonar la máxima emoción en el hombre.

Fuentes consultadas: KASSNER, Lily. Mathias Goeritz. Una biografía 1915-1990. México. UNAM - CONACULTA. 2007, pág. 252 y sitio oficial del Patronato Ruta de la Amistad www.mexico68.org

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

39 MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990)

Custodia

Sin firma

Escultura de engranes soldados

93.5 x 36 x 42.5 cm

Presenta mínimos detalles de conservación. Con certificado de autenticidad firmado por Rosa Nicolayevsky, septiembre de 2023.

“De la idea de encontrar una relación entre el mundo formal de la técnica y su espiritualidad nace, desde 1961, un grupo de Custodias compuestas con ruedas y otras figuras de bronce. También expresan la misma intención subalterna, aunque podrían considerarse expresiones del arte moderno por corresponder, hasta cierto punto, a inquietudes formales del arte del ‘ensamblado’. Estas Custodias simbolizan una nueva época. Pues han quedado atrás aquellos ‘tiempos modernos’ que desde el Renacimiento hasta el siglo XX, dominaron los fenómenos artísticos. El mundo nuevo del arte pertenece a una nueva modalidad en la que el individuo debe subordinar sus conocimientos a una sociedad homogénea”. Olivia Zúñiga.

Fuente consultada: ZÚÑIGA, Olivia. Mathias Goeritz. México. Editorial Intercontinental, 1963, pág. 50.

$250,000.00-$300,000.00 M.N.

40 MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990)

Crucifixión, 1945

Firmado

Gouache y tinta sobre papel

39 x 49 cm

Con documento de Mary - Anne Fine Art. Agradecemos a Ricardo Suárez Haro por la revisión de autenticidad de esta obra, septiembre de 2024. Procedencia: Mary-Anne Martin Fine Art; colección de Bárbara Gironella; colección de Ana Cecilia Treviño (Bambi); adquirido directamente al artista.

Publicado en: KASSNER, Lily. Mathias Goeritz, 1915 - 1990. México. CONACULTA - INBA, 2008, pág. 23, catalogado 67. “Es un hecho que el hombre no sólo está hecho para racionalizar. El hombre también está hecho para creer. Cuando el hombre cree, es capaz de hacer un trabajo más importante. ¡Necesitamos fe! ¡Necesitamos amor! ¡Necesitamos a DIOS! ¡DIOS significa vida! ¡Necesitamos las leyes definitivas y los mandamientos de DIOS! ¡Necesitamos catedrales y pirámides! ¡Necesitamos arte más grande, más significativo! No necesitamos otra autodestrucción fácil”. Mathias Goeritz, 1960 (Fragmento del manifiesto Please stop!).

Fuente consultada: GOERITZ, Mathias. Manifiesto “Please stop!”,1960.

$100,000.00-$150,000.00 M.N.

41 GUNTHER GERZSO

(Ciudad de México, 1915 - Ciudad de México, 2000)

Sin título

Firmado y fechado July 45

Lápiz de grafito sobre papel

24 x 30.5 cm

Agradecemos al Dr. Salomon Grimberg por la revisión de esta obra, septiembre de 2024. Con etiqueta de Mary-Anne Martin Fine Art y Galería López Quiroga. “Gerzso se definió a sí mismo como un pintor intuitivo y a su pintura como la imagen de un estado de la mente. Solía decir que la técnica es importante sólo si se obtiene un elemento emocional de ella, ya que cada cuadro es una variante de la emoción primitiva”. María Cristina Hernández Escobar.

Fuente consultada: HERNÁNDEZ ESCOBAR, María Cristina. “Gunther Gerzso The Appearance of the Invisible”. México. Voices of Mexico, 2018, pág. 117. $60,000.00-$90,000.00 M.N.

42 JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006)

Luna Firmada y fechada 95

Escultura en bronce III / III

48 x 30 x 22 cm

Con certificado de Fundación Juan Soriano y Marek Keller A. C., agosto de 2021.

Otras versiones de esta obra están publicadas en: PITOL, Sergio. Juan Soriano. La creación como libertad. México. MARCO, CONACULTA, INBA, 2000, pág. 169, DEL CONDE, Teresa y FUENTES, Carlos. Juan Soriano y su obra. México. Instituto Nacional de Bellas Artes - Secretaría de Educación Pública, 1984, pág. 20 y sitio oficial del artista www.juansoriano.net

La versión monumental de esta obra, se encuentra en la explanada del Auditorio Nacional en la Ciudad de México.

Durante el proceso de remodelación del Auditorio Nacional gestionado por el arquitecto Teodoro González de León entre 1989 y 1991, se invitó a Juan Soriano a colocar una de sus obras en la explanada y éste decidió colocar “Luna”, una de sus piezas más emblemáticas.

Pertenece a la última etapa creativa del artista, en la que trabajó ejes temáticos como los animales y las fuerzas de la naturaleza. Además de ser un referente de la inspiración de músicos y poetas,

la figura de la luna fue para Juan Soriano la síntesis de las teorías de su amiga la filósofa española María Zambrano acerca de la relación entre el arte y la aurora. El artista comentaba que en Italia existe un culto a la aurora, pues es la promesa eterna de cada día; precede a la luz. En relación con esto, comentó que se percibía a sí mismo en un nacimiento continuo. Antes de la aurora siempre había un temor dentro de él, “la angustia de nacer cada día”, tal como para los aztecas la noche ocupaba su temor de no ver el alba de nuevo.

En 1992 cuando la versión monumental de esta obra se colocó en la explanada del Auditorio Nacional, comentó que le gustaría que esa obra se volviera punto de encuentro, como se hace con el afamado “Caballito” de Manuel Tolsá en el Centro Histórico de la Ciudad de México. Diez años después se instituyó la entrega de “Las Lunas del Auditorio”, premio que reciben los personajes más destacados de la industria musical nacional y desde entonces los galardonados reciben una réplica de cristal de la obra en miniatura. Debido a eso, hoy en día mucha gente se queda de ver en “Luna”.

Fuentes consultadas: FIGUEROA, Fernando. “Juan Soriano: niño de 100 años”. México. Milenio, sección Cultura, agosto de 2020 y sitio oficial del artista www.juansoriano.net

$230,000.00-$280,000.00 M.N.

43 SOFÍA BASSI

(Camerino Mendoza, Veracruz, 1913 - Ciudad de México, 1998)

Sin título

Firmado y fechado 87 Óleo sobre MDF

76 x 61 cm

Con constancia de opinión (reproducción autorizada) de Fundación Sofía Bassi, septiembre de 2024. La vida personal de Sofía Bassi presentó diversos sucesos trágicos, a los que se antepuso con gran resiliencia, observable a lo largo de su producción.

En 1968 ingresó a la cárcel de Acapulco por el asesinato del esposo de su hija Claire; habiendo sido un accidente, ella cumplió una condena de cinco años. Durante esta difícil etapa, continuó ejerciendo la pintura realizando su primer mural en la pared de la prisión con la colaboración de sus amigos José Luis Cuevas, Rafael Coronel, Alberto Gironella y Francisco Corzas. Pasado el tiempo y ya siendo una mujer libre, formó parte del Comité de Derechos Humanos en Nueva York y sus obras viajaron a diversas exposiciones en importantes galerías e instituciones culturales de París, Estocolmo, Bruselas y la Ciudad de México, entre otras ciudades de Estados Unidos. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1995. pág. 142. $150,000.00-$200,000.00 M.N.

44 SOFÍA BASSI

(Camerino Mendoza, Veracruz, 1913 - Ciudad de México, 1998)

Sin título

Firmado y fechado 86

Óleo sobre fibra de vidrio en base de madera 174 x 74 cm medidas totales con base

Con constancia de opinión (reproducción autorizada) de Fundación Sofía Bassi, septiembre de 2024.

Sofía Bassi mostró desde muy joven una gran inquietud por el mundo artístico, estudió Filosofía en la Universidad Nacional Autónoma de México y su formación en la pintura fue prácticamente autodidacta aunque realizó estudios en Venecia y Roma. A pesar de que la vida de esta artista fue escenario de situaciones complejas, su carrera siempre se mantuvo firme ante su fuerte personalidad. En su madurez vivió en Acapulco y descubrió el surrealismo; desde entonces produjo un gran volumen de obra llena de sensibilidad que conmueve a quien la observe.

“Las ciudades que sueña Sofía Bassi están contenidas en estructuras ovoidales de espacio que envuelven todos los elementos de su mundo en una interioridad automultiplicante, de tal manera que su mundo es siempre un mundo interior de sí mismo”. Salvador Elizondo.

Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1995. pág. 142 y ELIZONDO, Salvador. Sofía Bassi. Los continentes del sueño. México. Artes de México, 1974, pp. 11-15.

$380,000.00-$500,000.00 M.N.

Otra vista

45 LEONORA CARRINGTON

(Lancashire, Inglaterra, 1917 - Ciudad de México, 2011)

Vulture

Firmada

Escultura en bronce

28 x 13 x 14 cm

Publicada en: FERNÁNDEZ BARRIOS, Octavio et al. Estampas, Independencia y Revolución. México. Instituto Nacional de Bellas Artes, 2010, pág. 57. Incluye caja original.

Esta obra formó parte del proyecto “Estampas, Independencia y Revolución”, proyecto realizado entre el Instituto Nacional de Bellas Artes y el Museo Nacional de Estampa en el marco de los festejos conmemorativos de 2010, por el bicentenario del inicio de la lucha de Independencia y el centenario del arranque de la Revolución Mexicana.

Estudió en la escuela de Amédée Ozenfant en Londres, institución donde aprendió a dibujar con gran destreza; durante esta época gustaba curiosear en las tiendas de libros usados, descubriendo libros sobre alquimia y esoterismo, temas que tuvieron fuerte influencia en su trabajo posterior. En ese entonces, se encontró con las expresiones surrealistas, quedando cautivada por la portada de un libro del alemán Max Ernst, conectando con el tipo de arte que intuitivamente había estado buscando. Conoció a Max Ernst en 1936 con quien vivió un importante romance. Tras el advenimiento de las guerras, en la década de los 40, Leonora Carrington sufrió un colapso nervioso y fue hospitalizada en contra su voluntad en un hospital en España, lugar en el que le administraron poderosas drogas; aquella experiencia de encarcelamiento le causó locura momentánea, pero también una reformación artística, ya que experimentó la poética idea de la demencia y confirmó lo que los surrealistas tanto decían.

Tras salir del hospital, se trasladó a México, llegando a nuestro país en 1943 acompañada de Max Ernst, de quien se separaría al poco tiempo y se casaría entonces con el fotógrafo húngaro Emerico Weisz. En aquel tiempo, se alejó del surrealismo ortodoxo y comenzó a adquirir influencias del arte mexicano, en especial de la coexistencia de las creencias del cristianismo con las precolombinas, con las cuales construyó sus propios símbolos, mismos que repitió en sus pinturas constantemente. Fuentes consultadas: CHADWICK, Whitney. Leonora Carrington. La realidad de la imaginación. México. Ediciones Era, 1994, pp. 7-35 y LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus artistas. Siglo XX 1901-1950. Tomo I. México. Promoción de Arte Mexicano. 2000, pp. 244-247.

$60,000.00-$80,000.00 M.N.

Copyright Estate of Leonora Carrington / ARS.

46 SOFÍA BASSI

(Camerino Mendoza, Veracruz, 1913 - Ciudad de México, 1998)

Sin título (Proyecto escenográfico)

Firmado y fechado 75 ELC Óleo sobre tela

57 x 77 cm

Con constancia de opinión (reproducción autorizada) de Fundación Sofía Bassi, septiembre de 2024. Presenta desprendimiento de capa pictórica.

“Sofía Bassi nos revela un arte de remotas paralelas increíbles, de figuraciones y de símbolos cuya sustancia original permanece apenas o casi en la memoria atávica de atlántidas conocidas oníricamente, de continentes perdidos, ciudades ceñidas por los brazos lentísimos de mares ávidos. Germinados de razas legendarias cuyos vestigios sólo es capaz de descubrir la laboriosa arqueología de la ebriedad, como si la visión, ante esos paisajes, lograra desentrañar las ruinas luminosas que subyacen en los monumentos espurios de una realidad demostrable sensiblemente. Estas pinturas atañen, no a la historia de la pintura –que de ninguna manera es historia–, si no a la historia del sueño”. Salvador Elizondo.

Fuente consultada: ELIZONDO, Salvador. Sofía Bassi. Los continentes del sueño. México. Artes de México, 1974, pág. 12.

$280,000.00-$380,000.00 M.N.

Juntos, podemos hacer la diferencia en la vida de estos valientes guerreros

47 JAVIER VÁZQUEZ “JAZZAMOART”

(Irapuato, Guanajuato, 1951 - )

Caballo Bop III

Firmado y fechado 2017 al frente. Firmado y fechado Méx 2017 al reverso Óleo sobre tela 150 cm de diámetro

Con certificado de autenticidad del artista.

Agradecemos al Maestro Jazzamoart y a su esposa Nora Smith por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2024.

Presenta mínimos detalles de conservación. Habiendo estudiado en la Academia de San Carlos, a partir de la década de los ochenta, su estilo definido y muy personal lo ubicaron en la escena de la plástica latinoamericana.

La obra de Jazzamoart ha abarcado todos los materiales, géneros, técnicas y, por supuesto, opciones posibles, porque se ha caracterizado por la inquietud, la experimentación y la reflexión. De todas formas, si nos limitamos a su trayectoria pictórica, la vía por él más frecuentada, vemos que no ha dejado de cambiar sin apartarse de sí mismo, es decir, ha cambiado para mantenerse fiel a su esencia, a su discurso estético inicial. Entiende el arte como un ejercicio creativo constante, ha practicado un lenguaje semifigurativo, acercándose al gestualismo automático, pues nunca reprime su impulso primero. Jazzamoart ha mostrado su trabajo en más de quinientas exposiciones colectivas e individuales en museos y galerías de México, Latinoamérica, Estados Unidos, Canadá, Europa, Corea del Sur y Japón. Entre los reconocimientos a su trayectoria destacan haber sido miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte y el homenaje a su trayectoria por parte de la Universidad de Guanajuato que recibió en el 2017 en la sala Adamo Boari del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México. Fuentes consultadas: MUÑOZ, Miguel Ángel et al. Jazzamoart. Sólo a fuerza de pintar. México. Edición Nora Smith Castillo, Tiempo Imaginario, 2014, pp. 16 y 17 y sitio oficial del artista www.jazzamoart.com

$150,000.00-$230,000.00 M.N.

Lo recaudado por la venta de esta obra, será donado para la lucha contra el cáncer infantil a través de la Fundación Cree Amos Más, quienes han brindando esperanza y apoyo a ellos y a sus familias en su camino hacia la curación.

48 CARMEN PARRA

(Ciudad de México, 1944 - )

Pasíphae

Firmado

Óleo y arena sobre tela

200 x 92 cm

Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte. Presenta mínimos detalles de conservación.

Carmen Parra es reconocida como una artista multidisciplinaria con una amplia trayectoria, la cual posee cimientos sólidos en una formación internacional que le permitió expandir sus habilidades. Destacan sus estudios en Diseño Gráfico en el Royal College of Arts de Londres, en Pintura en la Academia de Bellas Artes de Roma, así como en Música en el Instituto Villalobos de Río de Janeiro, sin omitir su paso por La Esmeralda en la Ciudad de México.

A través de su obra podemos apreciar sus diversas áreas de interés, entre las que se puede mencionar al arte novohispano y sus vínculos con ángeles y arcángeles. Por otro lado, también recurre a la inclusión de flora y fauna mexicana como las mariposas monarca y aves como los quetzales, animales cuyo movimiento libre es identitario de su plástica.

Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.carmenparra.com.mx

$220,000.00-$280,000.00 M.N.

49 CARMEN PARRA

(Ciudad de México, 1944 - )

Sagrado corazón

Firmados

Acrílico sobre papel sobre tela, políptico

44.5 x 34 cm medidas de cada uno

134 x 103 cm medidas totales

Piezas: 8

Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte.

Cada uno con etiqueta de El Aire Centro de Arte.

Carmen Parra ha enfocado una importante parte de su producción en la representación de ángeles, seres que según sus palabras, "nos rodean constantemente y nos ayudan a sobrellevar la tristeza". En la reciente exposición colectiva “Las huestes celestiales en la Tierra””, presentada en el Museo Nacional de Arte en la Ciudad de México, expuso una variedad de obras que exploran el simbolismo y el papel de los ángeles como mensajeros, guardianes y ejecutores en la historia de la humanidad. Inspirándose en la iconografía virreinal y en los grandes maestros como Diego Rivera y su padre, Manuel Parra, ha logrado rescatar el simbolismo de los ángeles de una manera única. A través de su trabajo, combina técnicas modernas y tradicionales para reinterpretar estas figuras, dotándolas de una nueva dimensión contemporánea. Los ángeles no solo son símbolos espirituales en su obra, sino también metáforas de la vida misma, reflejando la conexión entre el cielo y la tierra, lo divino y lo humano.

Fuente consultada: VARGAS, Ángel. “Estamos rodeados de ángeles, si no, ya hubiéramos muerto de tristeza”. México. La Jornada de en medio, sección cultura, 14 de septiembre de 2024.

$180,000.00-$250,000.00 M.N.

50 EDWIN ROJAS

(Valparaíso, Chile, 1957 - )

Las increíbles historias del Capitán Morgan, de la serie Monstruos, caprichos y superhéroes Firmado y fechado 2019 Óleo sobre tela 105 x 150 cm

Publicado en: sitio oficial del artista www.edwinrojas.cl Edwin Rojas posee una formación plástica sólida, estudió en la Escuela de Bellas Artes de Punta Arena, obtuvo una especialización en Grabado en la Escuela de Bellas Artes de Viña del Mar así como un Máster en Artes Visuales en la Universidad de Playa Ancha de Valparaíso y en la Universidad Nacional Autónoma de México. Su obra ha sido clasificada como neofigurativista, en ella priman composiciones oníricas con referencias mitológicas propias de su localidad, por lo que ha sido comparada con piezas literarias del realismo mágico de autores como Gabriel García Márquez o Mario Vargas Llosa. Edwin Rojas aprecia la comparación e indica que se ha identificado con estos referentes por la creación de mundos imaginarios repletos de simbolismos complejos.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.edwinrojas.cl

$150,000.00-$180,000.00 M.N.

51 ALFREDO ALCALDE GARCÍA

(Chimbote, Perú, 1961 - )

Desfile de otoño

Firmado al frente. Firmado y fechado 2017 al reverso Óleo sobre tela

135 x 200 cm

Con certificado de autenticidad del artista, marzo de 2017.

Publicado en: MORA, Manuel R. Alfredo Alcalde. La ética de un pintor. México. Fundación Sebastian. 2021, pág. 142. Alfredo Alcalde García es un ícono representativo del arte latinoamericano actual, su obra es resultado del manejo cuidadoso en cuanto a lo formal, y un planteamiento riguroso de la expresividad. Su trabajo fusiona espacios de fuertes tonalidades primarias, con luces enfocadas y sombras que predominan en distintos ángulos, evidenciando una profunda interpretación fotográfica de la realidad. Su aprecio por la vida ha provocado que presente reflexiones sobre la muerte; emanando cierta seguridad de sí que le ha permitido realizar una seria y expresiva asimilación de escenas cotidianas y características de espíritu sudamericano.

“Nada inhibe a Alcalde en la persecución de su visión de un arte pictórico de peculiar giro filosófico. Lo que se manifiesta es una profundización importante de la figuración humanista en la que se enmarcaría su arte […] Hay en su manejo del color algo así como una sugerencia de ecuación de nueva dimensión cósmica: esta corporeidad sólida se convierte en puente entre los orígenes y el final de la existencia” Jorge Villacorta Chávez.

Fuente consultada: VILLACORTA CHÁVEZ, Jorge. “Alfredo Alcalde. Antología pictórica 1985-2016. Caminos, máscaras y destinos”. Perú. Instituto Cultural Peruano Norteamericano, Galería Germán Krüger Espantoso, hoja de sala de la muestra presentada de julio a agosto de 2016.

$900,000.00-$1,100,000.00 M.N.

52 CLAUDIO GALLINA

(Buenos Aires, Argentina, 1964 - )

Sin título

Firmada

Escultura en bronce P. A.

32 x 21.5 x 29 cm

Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, abril de 2013. Claudio Gallina egresó de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, en Buenos Aires, Argentina, más tarde se desempeñó como escenógrafo del Teatro Colón, así como en cine y televisión. Una parte considerable de su obra toca el tema de lo escolar. La primera etapa de esta producción estuvo basada en una representación subjetiva de pequeños ensayos escenográficos donde jugaba con metáforas personales. Pronto, estas escenas empezaron a abandonar el mundo contado en primera persona y se transformaron en composiciones con fines críticos a la educación argentina, ámbito afectado por las crisis que han aquejado a este país. Esto lo llevó a realizar un ejercicio de memoria donde recorre su infancia con el fin de trazar una “morfología de la niñez”. Asumió una condición lúdica incluso en las técnicas y materiales que utilizó para estas obras, empleando medios tradicionales, al mismo tiempo que recolectó cuadernos, pupitres y mesas en diversas locaciones argentinas para intervenirlos posteriormente.

Fuente consultada: NIEBLA, Pablo et al. Claudio Gallina. Entre la memoria y el olvido. Estados Unidos. Museum of Latin American Art. 2008, pág. 11.

$60,000.00-$80,000.00 M.N.

53 ALFREDO ALCALDE GARCÍA

(Chimbote, Perú, 1961 - )

Sábado de otoño

Firmado al frente. Firmado y fechado 2020 al reverso Óleo sobre tela

135 x 200 cm

Con certificado de autenticidad del artista, febrero de 2022.

Agradecemos al Maestro Alfredo Alcalde García por la verificación de autenticidad de esta obra, diciembre de 2023. Inició sus estudios en arte en la Escuela de Bellas Artes de Lima, donde tuvo de maestro a Víctor Humareda, considerado uno de los pintores expresionistas más importantes en Perú. Su estilo ha transitado por el impresionismo y el expresionismo hasta experimentar con el realismo simbólico a través de temas irónicos relacionados con la reflexión y denuncia social.

A lo largo de su carrera, además de desempeñarse como pintor, ha realizado obra escultórica, además de experimentar con el grabado y la cerámica. Ha ilustrado libros, participado en foros y pláticas en universidades y centros culturales en Perú y el extranjero. Alfredo Alcalde García cuenta con diversas exhibiciones en museos y galerías de su país natal así como en el extranjero, en países como Chile, México, Tokio, Suiza y Francia; asimismo, en el año 2000 fue distinguido con la placa “Sol del Cuzco” otorgada por el Museo de la Nación y el Instituto Nacional de Cultura del Perú a la mejor exposición de arte del año.

Fuentes consultadas: VILLACORTA CHÁVEZ, Jorge. “Alfredo Alcalde. Antología pictórica 1985-2016. Caminos, máscaras y destinos”. Perú. Instituto Cultural Peruano Norteamericano, Galería Germán Krüger Espantoso, hoja de sala de la muestra presentada de julio a agosto de 2016.

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra.

$500,000.00-$850,000.00 M.N.

54 RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - Cuernavaca, Morelos, 2019)

La máscara

Firmada

Escultura en bronce P. A. 10

76.5 x 33 x 29.7 cm

Con certificado de autenticidad de Juan Rafael Coronel Rivera, enero de 2023. “Para Rafael Coronel el hombre no es ese bibelot existencial del éxito y la armonía, sino la gente tangible, el que se quiebra y algunas veces no se levanta. Gusta de enseñarnos nuestro yo fracasado a través del interior de sus personajes, confrontándonos con sus estados anímicos más que con la simple representación de éstos; el individuo retratado es un accidente, ya que el motor de la obra está en abrir el interior del espectador; no someterlo, sino evidenciarlo, no lo exhibe, lo confronta consigo mismo, desarraiga a los personajes de su entorno lógico. Coronel entra a un mundo de viejos, de danzantes, al desnudo; pero ve esto desde el punto de vista de un explorador, de los exploradores del siglo XIX que vinieron a México”. Juan Coronel Rivera. Fuente consultada: CORONEL RIVERA, Juan Rafael. Retrofuture. Rafael Coronel. México. INBA, CONACULTA, Museo del Palacio de Bellas Artes, 2010, pp. 373 y 374.

$400,000.00-$500,000.00 M.N.

55 JAVIER VÁZQUEZ “JAZZAMOART”

(Irapuato, Guanajuato, 1951 - )

Interior con pitos y máscaras XV

Firmado y fechado 91 al frente y al reverso Óleo sobre tela

180 x 200 cm

Agradecemos al Maestro Jazzamoart y a su esposa Nora Smith por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2024. “A lo largo de su evolución como pintor, desde los años setenta hasta la actualidad, Jazzamoart se mantiene siempre en un mismo nivel, a la vez que no cae en ninguna retórica repetitiva lo cual resulta importante en un artista que maduró un estilo personal muy pronto-- sino que prácticamente desde el principio su obra tuvo una aceptación inmediata. Un lenguaje personal que cualquier artista quisiera tener una estructura compositiva muy depurada en su esquema figurativo, una capacidad sobresaliente para sintetizar elementos pictóricos y referenciales (espacio, materia, gesto, luz, color), y, por último, un uso poético de los contrastes cromáticos bitonales”. Miguel Ángel Muñóz. Fuente consultada: MUÑOZ, Miguel Ángel. Los juegos estéticos y luminosos de Jazzamoart. México. Revista Ménades y meninas, mayo de 2014, pág. 37.

$650,000.00-$800,000.00 M.N.

56 ALFREDO ALCALDE GARCÍA

(Chimbote, Perú, 1961 - )

Sin título

Firmado al frente. Firmado y fechado Lima 2019 al reverso Óleo sobre tela

120 x 150 cm

Agradecemos al Maestro Alfredo Alcalde García por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2024.

“Alcalde escoge el mimo para expresar lo que siente en su interior, pero de una forma intensa, hasta dramática. Coinciden el mimo y el pintor: ambos incapaces de fingir emociones o gestos, expresan lo que sienten aquí y ahora, como si fueran transparentes escribidores del acontecer. Alcalde transita desde los mimos solitarios de la década del ochenta, llenos de color y expresivos de sorpresa, abatimiento, agobio reflexivo, a una etapa donde su fuerza es tal que hasta una pared podría ser insuficiente para contenerlos, como si llevaran consigo el dinamismo y la fuerza del universo. Mimos que condensan lo más humano del hombre pensante y reflexivo, como una partitura profundamente ética, política y filosófica”. Carmen González Cuevas. Fuente consultada: MORA, Manuel R. Alfredo Alcalde. La ética de un pintor. México. Fundación Sebastian. 2021, pág. 33.

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra.

$280,000.00-$500,000.00 M.N.

57 FRANCISCO CORZAS

(Ciudad de México, 1936 - Ciudad de México, 1983)

Autorretrato

Firmado y fechado 68 Óleo sobre tela

59.5 x 59 cm

Con certificado de autenticidad de Galería Inverarte. Presenta mínimos detalles de conservación.

“De las pinturas del mexicano Francisco Corzas emanan gestos sombríos, taciturnos, que obedecen quizás a una tragedia escondida, a una sórdida pesadumbre, a alguna angustia existencial que mueve el pincel de este intenso y formidable artista de México y del mundo”. Fernando Ureña Rib.

Fuente consultada: “Francisco Corzas: luminoso pero triste”. México. Revista Electrónica Imágenes del Instituto de Investigaciones Estéticas, 16 de octubre de 2006. $500,000.00-$700,000.00 M.N.

58 SANTIAGO CARBONELL

(Quito, Ecuador, 1960 - )

Figura que se esconde tras el advenimiento de su propia luz

Firmada

Escultura en bronce P. A.

70 x 45 x 40 cm

Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, febrero de 2022. Existen diversas adaptaciones de esta pieza, una de ellas en mármol y una versión pictórica publicadas en: sitio oficial del artista www.santiagocarbonell.com

El tratamiento que Santiago Carbonell imprime en la figura humana es de sumo detalle, cada gesto y mirada es retratado con el objetivo de enmarcar a los personajes en determinadas actitudes y poses, en una atmósfera teatral que forma parte de su iconografía. Tanto en su obra pictórica como escultórica se hace referencia a escenarios tenebristas protagonizados por figuras ataviadas con túnicas, potencializando su carácter místico.

Fuente consultada: NAVARRO, Adriana. “Carbonell: la revuelta de la tradición”. México. La Gaceta. Universidad de Guadalajara, 17 de septiembre de 2007, pág. 5. $250,000.00-$300,000.00 M.N.

59 YAMPIER SARDINA

(La Habana, Cuba, 1979 - )

Sin título, de Rain series

Firmado y fechado 03 16 Óleo sobre tela 91 x 122 cm

Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Yampier Sardina se interesa en abordar temáticas de la cotidianidad a través de enfoques más personales, tal es el caso de la serie “Rain”, trabajo que comenzó en 2013. Estas obras se caracterizan por representar la lluvia como un sinónimo de intimidad, da la impresión de ver las escenas plasmadas a través de un cristal, dando así la posibilidad de jugar con las formas y de proponer una imagen inconclusa, realista y a la vez abstracta; en palabras del autor: “pueden ser donde sea. Me gusta mucho jugar con el concepto de la mentira, es una mentira que lleva a un conocimiento”.

$130,000.00-$150,000.00 M.N.

60 OFILL ECHEVARRÍA

(La Habana, Cuba, 1972 - )

Naturaleza

Firmado en vinil al frente. Firmado y fechado N. Y. May 08 al reverso Óleo sobre tela

109 x 149 cm

Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, junio de 2008. Se graduó de la Academia de Bellas Artes San Alejandro de La Habana, Cuba en 1991. Al año siguiente se trasladó a la Ciudad de México, donde vivió hasta 2002. Actualmente vive y trabaja en Nueva York.

Desde su primera exposición individual en su ciudad natal en 1991, Ofill Echevarría ha expuesto en numerosas galerías e instituciones de México y América Latina, así como en los Estados Unidos. Sus obras forman parte de importantes colecciones públicas y privadas, entre las que destacan: el Centro de Desarrollo de las Artes Visuales y el Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana, Cuba; Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México; Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca; Museo Nacional de Arte, México; Centro Nacional de las Artes, Nuevo León; Fundación Merrill Lynch para las Artes, Miami y la del Museo de Arte Latinoamericano, en Long Beach, California. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.ofillarts.com

$90,000.00-$120,000.00 M.N.

61 HUGO LUGO

(Los Mochis, Sinaloa, 1974 - )

Boceto para un retrato calculado Sin firma Óleo sobre tela, tríptico a y c) 30.5 x 25 cm b) 141 x 110 cm

Piezas: 3

Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, noviembre de 2008. Hugo Lugo destaca como artista visual por su trabajo en diversos medios, principalmente pintura y dibujo, además de fotografía, video e instalación. En su obra propone reflexiones sobre la condición humana en las que emplea a los personajes representados conviviendo con elementos de la cotidianidad redimensionados. Asimismo, el artista dirige estas exploraciones matérico-conceptuales hacia la creación de experiencias estéticas que revelen algo sobre nuestros modos de ver como espectadores del arte y humanos. Fuente consultada: sitio oficial de Fundación AMMA www.amma.art

$140,000.00-$190,000.00 M.N.

62

AIDEÉ DE LEÓN

(Ciudad de México, 1979 - )

La transformación de la materia no. 14, 2016 Firmado al frente y al reverso Óleo y acrílico sobre tela

150.5 x 200 cm

Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: NERI FAJARDO, Sofía. Aidee de León. Pintura (2016-2022). México. Aldama Fine Art - Secretaría de Cultura. 2022, pág. 37, catalogado 14 y en sitio oficial de la artista www.aideedeleon.com

Aideé de León es conocida por su energía y coloridos plasmados en su obra, resultado de un interés por conocer y comprender diferentes técnicas de la historia del arte global como se observa en su amplio currículum formativo; es Maestra en Artes Visuales por la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM, asimismo realizó el Máster en Producción Artística e Investigación en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona. Su formación ha sido constante en instancias mexicanas e internacionales, asistiendo a la Universidad Complutense de Madrid, realizando una Residencia de Producción e Investigación en Kanazawa, Japón y una estancia de Producción en Pintura en el Centro de Arte Contemporáneo en Barcelona. Ha recibido numerosos premios y distinciones entre los que destacan: Mención Honorífica en el Encuentro Nacional de Arte Joven en 2004, beca del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en dos ocasiones, el Premio Revelación a una Artista Iberoamericana por parte de la Tertulia Ilustrada de Madrid en 2014 y la Medalla de Plata Gabino Barrera. Su obra está incluida en el Museo de Arte Alfredo Zalce, el Museo de Arte Contemporáneo Ateneo de Yucatán y en el Archivo del Programa Bancomer MACG Arte Actual.

Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.aideedeleon.com

$150,000.00-$180,000.00 M.N.

63 SUSAN SCHMIDT

(Nueva Jersey, E.E. U.U., 1953 - )

In spite of it all, 2024

Firmado

Óleo sobre tela

201 x 132 cm

Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por la artista, octubre de 2024. Publicado en: sitio oficial de la artista www.schmidthazen.com

“Dueña del dibujo perfecto y de total dominio sobre las figuras, particularmente la humana, en los cuadros de esta artista es común encontrar personajes inmensos rodeados de objetos

en miniatura o viceversa, figuras diminutas enmarcadas por enormes muñecas, flores, manzanas o cualquier otra cosa como espejos, pájaros volando, caracoles o un nutrido bosque. No obstante a esa contradicción los cuadros presentan una simetría completa ya que cada figura, cada componente posee la proporción exacta logrando así un todo absolutamente armonioso y bello”.

Fuente consultada: “Susan Schmidt exhibe obra en México”. México. Excélsior, 3 de diciembre de 2001.

$650,000.00-$800,000.00 M.N.

64 ALBERTO JOSÉ SÁNCHEZ

(Caracas, Venezuela, 1979 - )

Fila colorida

Firmado y fechado 2019 al reverso

Acrílico sobre tela

100 x 100 cm

Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, marzo de 2019. Publicado en: sitio oficial del artista www.albertojosesanchez.com

Se graduó en Negocios por la Universidad Metropolitana de Venezuela y fue durante su etapa estudiantil que mantuvo contacto con el mundo artístico, pasión que lo llevó a estudiar Arte en la misma institución. Ha centrado su interés principalmente en el arte cinético, explorando extensamente sus posibilidades. Su principal fuente de inspiración ha sido el Maestro Carlos Cruz-Diez, a quien conoció en su taller de París. En 2007, comenzó su camino por

desarrollar piezas con un carácter óptico-geométrico abstracto, a partir de ese momento se centró en la perfección de este lenguaje.

“Con mi trabajo busco generar un impacto sensorial tridimensional a través de la fusión de la razón y la lógica visual. Las formas y líneas en un plano definen la estructura del trabajo, que cuando se combina con la aplicación adecuada de sombras y colores, crea la impresión de la tercera dimensión y el espacio irreal. Las sombras virtuales se convierten en un elemento crucial de mi trabajo, destacando la subjetividad de las tres dimensiones. Quiero entrar en la conciencia del espectador, tratando de generar una percepción diferente de la realidad. Quiero crear una dialéctica entre lo que se ve y lo que realmente está allí, para generar un placer adicional, más que el placer estético”. Alberto José Sánchez.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.albertojosesanchez.com

$120,000.00-$140,000.00 M.N.

65 JESÚS PEDRAGLIO BELMONT

(Lima, Perú, 1970 - )

Tiki taka

Sin firma

Hilo sólido de nailon trenzado y algodón de tubos reciclados 220 x 80 x 20 cm

Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, febrero de 2022.

Su obra propone una transformación en donde el hilo se convierte en la técnica y soporte para ser paralelamente forma y argumento. Una unión entre la geometría y lo orgánico, usando materiales inusuales para investigar la estructura, formas y la vibración y tensión del color.

Su propuesta estética tiene un origen conceptual en la geometría sagrada, aquella que ocurre de forma espontánea en la naturaleza. La simetría en la obra de Jesús Pedraglio Belmont alude al espejismo de la mandala y su capacidad de reflejar estados internos de la mente. Ha formado parte de ferias y exposiciones en ciudades como Toronto, Miami, Callao y Ciudad de México.

Fuente consultada: sitio oficial de Galería Alfredo Ginocchio www.ginocchiogaleria.com

$150,000.00-$200,000.00 M.N.

66 CARLOS PELLICER

(Ciudad de México, 1948 - )

Compás de cuatro tiempos

Firmada al frente. Fechada Marzo 2005 al reverso Encáustica sobre MDF

61 x 105 cm

Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art.

Publicada en: MORENO VILLARREAL, Jaime. Carlos Pellicer. Abstracto. México. Museo de Arte Abstracto Manuel FelguérezSecretaría de Cultura - Instituto Zacatecano de Cultura - Aldama Fine Art, 2018, pág. 25, catalogada 10.

Exhibida en: “Carlos Pellicer. Abstracto”, muestra presentada en el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez, en Zacatecas, Zacatecas, del 13 de julio al 30 de septiembre de 2018.

Carlos Pellicer es un destacado pintor mexicano egresado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas. A través de su producción forma parte de la transformación de la pintura moderna, inspirado en exponentes como Paul Cézanne y Kazimir Malévich. Su obra posee rasgos identificables tales como los juegos geométricos desarrollados con el propósito de generar composiciones abstractas llenas de color.

“[Carlos Pellicer] Explica su trabajo colorístico en términos de modulaciones y alteraciones de una escala, como en la musicalidad. Se refiere entonces a la tonalidad y explica su pintura como una sucesión modulable mediante alteraciones, justo como se indican en una partitura”. Jaime Moreno Villareal.

Fuente consultada: MORENO VILLARREAL, Jaime. Carlos Pellicer. Abstracto. México. Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez - Secretaría de CulturaInstituto Zacatecano de Cultura - Aldama Fine Art, 2018, pág. 5

$100,000.00-$150,000.00 M.N.

67 ALDO CHAPARRO

(Lima, Perú, 1965 - )

Mx Matte Blue, November 16, 2017 16:07

Sin firma

Pintura electrostática en acero inoxidable

130 x 120 x 36 cm

Con certificado de autenticidad del artista, 2017.

Las esculturas de Aldo Chaparro hechas con acero doblado son el resultado de una cercana relación con el material. Este elemento ha estado presente en la humanidad desde la antigüedad y en esta ocasión remite a los límites infringidos entre arte y el diseño, encontrando el campo perfecto para explorar y expandir las convergencias de estas disciplinas. Su delgadez, pulcritud y calidad reflejante solo se pueden lograr con el uso de maquinaria, debido a eso, la naturaleza violenta de las esculturas crea un contraste con el estado original de estas hojas, ya que el artista las patea, dobla y salta sobre ellas usando nada más que su cuerpo y su propio peso. Los objetos resultantes de su confrontación con el material son evidencia, perpetúan el proceso de transformación por el que el material se transforma en un objeto artístico. De esta manera, sus hojas de acero arrugadas pueden interpretarse como autorretratos, ya que capturan la energía liberada por Aldo Chaparro en una fecha y hora específicas.

A medida que la precisión del reflejo en las láminas de acero se distorsiona, las esculturas nos permiten experimentar la realidad de forma paralela. Activan nuestro sentido de exploración para que la vista se transforme en conocimiento utilizando la superficie de las esculturas como teatro. Los ojos triunfan sobre el sentido del tacto. Las esculturas crean reflejos de varias maneras muy diferentes. Mediante su poder de reflexión, transforman el cuerpo en una versión alternativa e intocable de nosotros mismos.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.aldochaparro.com

$180,000.00-$250,000.00 M.N.

68 FERNANDO PACHECO

(Ciudad de México, 1959 - )

Azar 12, 2016, de la serie Estructuras Infinitas

Sin firma

Escultura tallada en MDF laqueado en base de madera

47 x 40 x 15.5 cm medidas de la escultura

156 x 40 x 18 cm medidas totales con base

Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art.

Publicada en: MATOS MOCTEZUMA, María Fernanda et al. Fernando Pacheco. Estructuras infinitas. México. Aldama Fine Art, 2017, pág. 67, catalogada 21.

Exhibida en: “Fernando Pacheco. Estructuras infinitas”, muestra presentada en Aldama Fine Art, en la Ciudad de México, del 1 de marzo al 30 de abril de 2017. “Fernando Pacheco es un comunicador que va contracorriente de una sociedad que tiende a transformar la cultura en actividad lucrativa, ha sabido utilizar los recursos aprendidos en su paso por las aulas del diseño gráfico para transmitir de manera simbólica el mundo de las armonías y silencios del universo. Su creación artística se ha mantenido dentro de los parámetros del arte objetual para confirmar, una vez más que cuando una obra logra conectar al espectador con la experiencia de sí mismo se mantiene viva dentro de la pluralidad que ofrece el ámbito de las expresiones contemporáneas”. María Fernanda Matos Moctezuma. Fuente consultada: MATOS MOCTEZUMA, María Fernanda et al. Fernando Pacheco. Estructuras infinitas. México. Aldama Fine Art, 2017, pág. 5.

$150,000.00-$200,000.00 M.N.

69 JORGE GONZÁLEZ VELÁZQUEZ

(Ciudad de México, 1966 - )

La guía

Firmado y fechado 2016 al reverso Acrílico sobre tela

150.5 x 200 cm

Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: DRIBEN, Lelia et al. Jorge González Velázquez. Origen. México. Aldama Fine Art, 2018, pp. 10 y 26, catalogado 4. Exhibido en: “Jorge González Velázquez. Origen”, muestra presentada en Aldama Fine Art, en la Ciudad de México, del 3 al 31 de octubre de 2018.

La obra de Jorge González Velázquez goza de una idea propia, usando casi siempre gamas monocromáticas y elementos en distintos modos de abstracción, es decir, descargando en su totalidad la complejidad de formas y figuras que serían difíciles de llevar a los tres planos. Se desenvuelve de manera elegante y sobria tanto en pintura como en escultura, ambas disciplinas se comunican y complementan, pues una halla correspondencia en la delicadeza de la otra. Las temáticas que abarca se comparten de igual manera, un ejemplo de ello es su afán por exaltar su admiración por la mujer como creadora del universo con fortaleza incomparable, como se aprecia en esta pieza.

Fuentes consultadas: ALDAMA, José Ignacio, et al. Jorge González Velázquez. Fractal. México. Aldama Fine Art, 2013, pp. 8 y 9 y DRIBEN, Lelia et al. Jorge González Velázquez. Origen. México. Aldama Fine Art, 2018, pp. 17-19.

$150,000.00-$200,000.00 M.N.

70 RICARDO REGAZZONI

(Ciudad de México, 1942 - )

Biombo, 1995, de la serie Penis Totems

Sin firma

Acrílico y hoja de oro sobre paneles de madera montados en metal

244 x 61.5 cm medidas de cada panel

244 x 495 cm medidas totales

Piezas: 8

Procedencia: adquirido directamente al artista. Publicado en: ACKBAR, Omar y RICALDE, Humberto. Ricardo Regazzoni. Fuge und Variationen. España. CONACULTA - Turner, 2005, pág. 12.

Presenta desprendimiento de capa pictórica y faltante de patas.

$600,000.00-$800,000.00 M.N.

La producción de Ricardo Regazzoni remite a la sencillez arquitectónica y tiene un efecto casi mágico en su constante evolución artística, sus piezas constructivistas no sólo tienen propósitos formales, además, poseen una intención psicológica que busca trabajar con el estado anímico del espectador a partir del trabajo de la perspectiva.

Durante su faceta de arquitecto colaboró con Luis Barragán quien lo impulsó a incluir esculturas como elementos arquitectónicos, recordando el concepto de integración plástica de la época. Otro personaje importante en su vida fue Vicente Rojo, quien lo orilló a integrarse al mundo del arte.

Fuentes consultadas: MANRIQUE, Jorge Alberto. “Regazzoni”. México. Revista de la Universidad de México, octubre de 1972 y sitio oficial del Museo Amparo www.museoamparo.com

71 RUFINO TAMAYO

(Oaxaca de Juárez, México, 1899 - Ciudad de México, 1991)

Sin título

Firmado y fechado 72

Lápiz de grafito y acuarela sobre papel

33 x 26 cm

Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, octubre de 2024. Con dedicatoria.

A Rufino Tamayo comúnmente se le describe como un artista precursor. Fue de los primeros en América en interpretar sus raíces sin historicismo, anécdota o proclama; y empleó elementos puramente plásticos de indudable origen local, logrando obras con una calidad impecable en el campo de la pintura y la gráfica en el país. Descubrió que en su tradición estaba la fuente para su trabajo; su obra se caracterizó en general por su voluntad de integrar la herencia precolombina autóctona, la experimentación y las tendencias plásticas que revolucionaron los ambientes artísticos europeos a comienzos del siglo XX. Fuentes consultadas: MORENO GALVÁN, José María et al. Rufino Tamayo. Pinturas. España. Centro de Arte Reina Sofía. 1988, pp. 70-76, sitio oficial de la Secretaría de Cultura www.gob.mx/cultura y sitio oficial de la Fundación Olga y Rufino Tamayo, A.C. www.rufinotamayo.org.mx

$250,000.00-$350,000.00 M.N.

72 CARLOS MÉRIDA

(Quetzaltenango, Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984)

Sin título

Firmado

Lápices de color y lápiz de grafito sobre papel albanene

71 x 84 cm

Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, agosto de 2020. Al tratarse de un boceto presenta detalles de conservación normales por el uso. Carlos Mérida fue inquieto por naturaleza, un artista viajero que gustaba cambiar de ambiente. Amaba merodear y conocer otras culturas, así como experimentar y buscar en la naturaleza su inspiración, siendo esta una inquietud que se reflejaba en cada una de sus obras. Probó varios géneros y técnicas incluyendo la pintura de caballete y mural, la obra gráfica y diseños para escenografías de teatro y ballet. Realizó obra documental dispersa en un gran número de piezas sobre motivos de danza e instrumentaría regional mexicana, en especial aventurado a tratar temas de la cultura prehispánica.

“Tengo la ambición de hacer pintura poética, porque creo que no hay arte sin poesía”. Carlos Mérida. Fuente consultada: DE LA TORRE, Mario. Carlos Mérida en sus 90 años. México. Cartón y Papel de México S.A de C.V, colección CPM, 1981, pp. 22 y 23.

$200,000.00-$280,000.00 M.N.

73 JUAN O’GORMAN

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 1982)

Croquis para Liverpool Motors, 1982

Firmado

Lápiz de grafito sobre papel

20 x 33 cm

Procedencia: perteneció a la colección de la familia del artista; colección privada, México. Arquitecto de profesión, Juan O’Gorman se convirtió en uno de los artistas más completos y reconocidos de su generación. Se formó en la Academia de San Carlos y la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México, donde adquirió una perspectiva social que mantuvo a lo largo de su vida, tanto en el plano profesional como en el personal. Por otro lado, se ha reconocido que gran parte de su lenguaje formal fue retomado de las lecciones instruidas por su padre, Cecil Crawford O’Gorman, durante su juventud.

Su carrera estuvo plagada de proyectos de magna importancia, entre los que destacan la realización de edificios funcionalistas. Por otro lado, también cabe mencionar su papel como muralista, con la ejecución del mural de la Biblioteca Central de Ciudad Universitaria y algunos dentro de las instalaciones del Castillo de Chapultepec, entre otros.

Fuente consultada: BRIUOLO DESTÉFANO, Diana. “Juan O’Gorman, un alemán y muchos mexicanos”. México. Crónicas. El Muralismo, producto de la Revolución Mexicana en América, 2010.

$50,000.00-$70,000.00 M.N.

74 DIEGO RIVERA

(Guanajuato, Guanajuato, 1887 - Ciudad de México, 1957)

Sin título

Firmados y fechados 1956

Carboncillo sobre papel

28 x 20 cm medidas de cada uno

Piezas: 4

Cada uno con documento de Emma Hurtado, viuda del artista, octubre de 1973. Cada uno con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, octubre de 2024. Diego Rivera fue un destacado pintor, grabador, dibujante, e idealista mexicano, un controvertido cómplice de la revolución política y gran defensor de las artes. Al hablar del maestro muralista no puede dejarse de lado la cercanía que mantuvo con la Unión Soviética y su posicionamiento político. Se tiene registro de dos viajes realizados a dicho territorio, en primer lugar, en 1927 cuando asistió como invitado del Partido Comunista Mexicano para celebrar el décimo aniversario de la Revolución Rusa. Tres décadas después, en 1955 acudió a recibir un reconocimiento, aprovechando su estancia para tratar el cáncer que padecía en una renombrada institución de Moscú.

“El segundo viaje quedó muy bien registrado porque lo realizó con Emma Hurtado, quien se encargó de tomar los datos, incluso, de los más pequeños bocetos. Sin embargo, lo que destaca son los dibujos que realizó desde su llegada a Rusia hasta el trayecto hacia Berlín. Es una serie que, incluso, puede verse como un diario de viaje, a través del cual registró paisajes, personas y hasta el clima. Podemos sentir sus cambios de ánimo. Por ejemplo, los dibujos referentes al último tramo del viaje antes de llegar a Berlín capturan escenarios desolados con ruinas por todas partes. Sin embargo, en todos ellos aparece un sol como base central de sus composiciones: una representación de la esperanza de un renacer que bien puede ser descrito como un paralelismo con su situación anímica y de salud”. Mariano Meza Marroquín. Fuente consultada: sitio oficial del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura www.inba.gob.mx

$400,000.00-$600,000.00 M.N.

75 DAVID ALFARO SIQUEIROS

(Ciudad de México, 1896 - Cuernavaca, Morelos, 1974)

Poems from the Canto General, 1968 Firmadas

Litografías 26 / 200

57.5 x 102.5 cm medidas totales de cada una

66 x 58 x 8 cm medidas totales de la carpeta

Piezas: 10, en carpeta entelada.

Impresas por el Atelier Mourlot en París, Francia en 1968. La carpeta presenta ligeros detalles de conservación

Pablo Neruda fue un poeta chileno considerado uno de los más destacados del siglo XX. Entre sus obras maestras, “Canto General” se convirtió en una de las poesías más influyentes de todo el pueblo de América; conformada por 15 secciones, 231 poemas y 15,000 versos.

Fue publicado por primera vez en México en 1950 en los Talleres Gráficos de la Nación, la edición contaba con ilustraciones originales de sus amigos David Alfaro Siqueiros y Diego Rivera.

En 1968, a pedido de una empresa extranjera, Pablo Neruda y David Alfaro Siqueiros realizaron una carpeta especial con una selección de poemas del “Canto General” y 10 litografías, algunas en blanco y negro, y posteriormente otras intervenidas cromáticamente con aplicación de dos a tres colores.

Anterior a la publicación, David Alfaro Siqueiros ya había seleccionado las 10 piezas con las que confeccionaría las planchas para la carpeta, esto durante uno de sus encarcelamientos.

Así, bajo el título “Poems from the Canto General”, la carpeta fue impresa por Fernando Mourlot, quien envió a México a un experto impresor con el material necesario para realizar el proceso litográfico, no obstante el trabajo final se imprimió en París, de ellos sólo 200 fueron para comerciar.

Fuente consultada: PÉREZ GARCÍA, Carina. “Exhibe MBJ carpeta de grabados de Siqueiros con textos de Neruda”. México. Voz e Imagen Noticias, sección Cultura, 10 de mayo de 2014.

$150,000.00-$200,000.00 M.N.

Alturas de Macchu Picchu (Fragmento)

Entonces en la escala de la tierra he subido entre la atroz maraña de las selvas perdidas hasta ti, Macchu Picchu.

Alta ciudad de piedras escalares, por fin morada del que lo terrestre no escondió en las dormidas vestiduras.

En ti, como dos líneas paralelas, la cuna del relámpago y del hombre se mecían en un viento de espinas.

Madre de piedra, espuma de los cóndores.

Alto arrecife de la aurora humana.

Pala perdida en la primera arena. Ésta fue la morada, éste es el sitio: aquí los anchos granos del maíz ascendieron y bajaron de nuevo como granizo rojo.

Aquí la hebra dorada salió de la vicuña a vestir los amores, los túmulos, las madres, el rey, las oraciones, los guerreros.

Aquí los pies del hombre descansaron de noche junto a los pies del águila, en las altas guaridas carniceras, y en la aurora pisaron con los pies del trueno la niebla enrarecida y tocaron las tierras y las piedras hasta reconocerlas en la noche o la muerte.

Miro las vestiduras y las manos, el vestigio del agua en la oquedad sonora, la pared suavizada por el tacto de un rostro que miró con mis ojos las lámparas terrestres, que aceitó con mis manos las desaparecidas maderas: porque todo, ropaje, piel, vasijas, palabras, vino, panes, se fue, cayó a la tierra. Y el aire entró con dedos de azahar sobre todos los dormidos: mil años de aire, meses, semanas de aire, de viento azul, de cordillera férrea, que fueron como suaves huracanes de pasos lustrando el solitario recinto de la piedra.

Pablo Neruda

76 DIEGO RIVERA

(Guanajuato, Guanajuato, 1887 - Ciudad de México, 1957)

Boceto para el mural Río Juchitán

Firmado

Lápiz de grafito sobre papel

20 x 95 cm

Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, octubre de 2024. La versión al óleo de este boceto se encuentra publicado en: ARTEAGA, Agustín y McDERMOTT, Eugene. México 1900-1950. Diego Rivera, Frida Kahlo, José Clemente Orozco y las vanguardias. España. Dallas Museum of Art y Ediciones El Viso, 2017, portada. Existe una versión mural al óleo realizada entre 1953 y 1955 y otra en mosaico veneciano a doble vista realizada en 1956, ubicado en el Museo Soumaya, Plaza Carso, Ciudad de México.

Esta composición corresponde a la última etapa de vida de Diego Rivera, se conoce que, la versión en mosaico veneciano fue realizada como comisión para el hogar del director de cine mexicano, Santiago Reachi, en Cuernavaca, Morelos.

A través del identificable lenguaje formal del artista guanajuatense podemos apreciar un homenaje a la vida del Istmo de Tehuantepec, región de gran importancia en la obra de Diego Rivera y que ha sido referenciada como su Polinesia Francesa tal como ésta sirvió de inspiración para la producción de Paul Gauguin.

Si bien, a primera vista pareciera que el argumento escapa de la inclinación política defendida por el maestro a través de su obra mural, podemos observar que por medio de las figuras retratadas continúa con su discurso nacionalista, al mostrar la cotidianidad con gran orgullo.

Fuente consultada: CASASOLA, Mariana. “Rivera en un trazo”. México. Gaceta 22.

$400,000.00-$600,000.00 M.N.

77 RUFINO TAMAYO

(Oaxaca de Juárez, México, 1899 - Ciudad de México, 1991)

El Grito

Firmado, fechado 67 y referenciado O Lápiz de grafito y pastel sobre papel

33 x 24 cm

Procedencia: Heritage Auctions, Dallas, Texas; colección privada, Dallas, Texas; adquirida en Galería de Arte Misrachi, Ciudad de México. En este dibujo podemos apreciar uno de los mayores símbolos identitarios de la obra de Rufino Tamayo, su firma acompañada de una “O”, la cual como podría inferirse en primera instancia, hace alusión a la inicial de su amada esposa Olga Flores Rivas, mejor conocida como Olga Tamayo.

Juan Carlos Pereda comparte que este gesto tiene una romántica raíz entre la pareja, ya que Rufino Tamayo le prometió a su esposa dedicarle cada una de sus obras para que esta mejorara al pasar por un periodo de salud complicado. Fue así que a partir de 1943 podemos apreciar este magnífico gesto en la mayor parte de su obra hasta el final de sus días.

Fuente consultada: sitio oficial de la Fundación Olga y Rufino Tamayo, A.C. www.rufinotamayo.org.mx

$350,000.00-$500,000.00 M.N.

78 RICARDO MARTÍNEZ

(Ciudad de México, 1918 - Ciudad de México, 2009) Sin título

Firmado y fechado 01 Óleo, tinta y lápiz de grafito sobre papel

28 x 22 cm

Agradecemos a la Fundación Ricardo Martínez de Hoyos A.C. por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2024. Esta obra será registrada en el catálogo razonado del Dr. Mark Ruben con núm. RM-60026. Ricardo Martínez dotó a la plástica mexicana de una interpretación clave de la modernidad y el pasado prehispánico, cuestiones que parecían difíciles de conciliar durante una época pero que observamos convivir de manera ejemplar en la composición, figuración y color de su producción.

En la obra de este artista apreciamos la incorporación de conceptos provenientes de las vanguardias americanas y europeas, las cuales aprendió de primera mano durante su estancia en Nueva York, lugar donde además logró exhibir de manera contemporánea a grandes exponentes como Robert Motherwell, Jackson Pollock y Arshile Gorky, entre otros, de los cuales podemos rastrear sus influencias en la carrera de Ricardo Martínez.

Fuente consultada: BARREDA, Octavio. Atmósferas. Ricardo Martínez. México. Siglo XII Editores - CONACULTA - INBA -, 2007, pp. 15-24.

$90,000.00-$150,000.00 M.N.

79 RUFINO TAMAYO

(Oaxaca de Juárez, México, 1899 - Ciudad de México, 1991)

Mujer con piña Firmado

Lápiz de grafito y color sobre papel

33 x 23 cm

Con copia de la factura de Grooper Art Gallery Inc.

Con etiqueta de Galería Mary-Anne Martin Fine Arts, Nueva York. Procedencia: adquirido en Galería Mary-Anne Martin Fine Arts, Nueva York; Kunstveilingen Mak Van Waay, Ámsterdam, Países Bajos; perteneció a la colección de Robert Aron, Cranston, Rhode Island. Rufino Tamayo nació y creció en Oaxaca, pero se educó artísticamente en la Ciudad de México en la Academia de San Carlos, donde tuvo como maestros a Germán Gedovius, Saturnino Herrán y Roberto Montenegro. No obstante, abandonó los estudios en 1921 porque no coincidía con los ideales académicos. Tiempo después, apoyado

por José Vasconcelos, entonces Secretario de Educación, fue nombrado Jefe del Departamento de Dibujo Etnográfico en el INAH.

Durante su estancia en Nueva York tuvo la oportunidad de entrar en contacto con las corrientes artísticas del momento visitando museos y galerías. En 1928 regresó a México y fue nombrado profesor de pintura de la Escuela Nacional de Bellas Artes por Diego Rivera, dando inicio a su actividad docente.

Su producción abarcó el muralismo, dibujos y pinturas, además de obra gráfica, en los que abordó el género del retrato, escenas costumbristas y personajes con elementos de la vida cotidiana.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.rufinotamayo.org.mx

$350,000.00-$500,000.00 M.N.

80 DAVID ALFARO SIQUEIROS

(Ciudad de México, 1896 - Cuernavaca, Morelos, 1974)

Joven campesino

Firmado y fechado 56

Acrílico sobre madera

72 x 53 cm

Con ensayo documental de la Dra. Irene Herner, junio de 2024.

David Alfaro Siqueiros representa un eslabón clave para la historia del arte universal, se reconoce su papel como uno de los tres grandes protagonistas del muralismo mexicano de la mano de Diego Rivera y José Clemente Orozco, asimismo, se valora su involucramiento en diversas causas sociales.

Participó en las filas militares de la Revolución Mexicana, así como en la Guerra Civil Española, además, cuando estalló la Guerra de Vietnam organizó un comité en oposición a esta.

A la par de ser un personaje crítico de la sociedad, cuestión que le llevó a la cárcel en varias ocasiones e incluso al exilio, formó parte de las innovaciones técnicas del arte moderno. Tuvo la oportunidad de absorber de primera mano las influencias de las vanguardias europeas de principios del siglo XX e incorporarlas en su obra llena de dinamismo. Su compromiso social fue trasladado de manera consciente a su obra con el firme objetivo de emplear su plataforma estética como medio de difusión para su ideario político. Como comenta la Dra. Irene Herner en su ensayo documental, en “Joven campesino” observamos un rostro que representa a un pueblo completo al mismo tiempo que es único y libre de estereotipos: “‘Joven campesino’ es un poderoso retrato monumental pintado con trazos dinámicos y certeros, especialmente sintéticos,que transmite de manera poderosa una protesta siempre actualizada contra la indignidad de la injusticia y la desigualdad”. Dra. Irene Herner. Fuentes consultadas: RODRÍGUEZ PRAMPOLINI, Ida. “Siqueiros y la Revolución”. México. Anales Del Instituto De Investigaciones Estéticas, 1986, no. 56, pp. 113-120 y HERNER, Irene. Ensayo documental, Joven Campesino. México, 11 de junio de 2024, pp. 1-7.

$2,800,000.00-$5,000,000.00 M.N.

81 MIGUEL COVARRUBIAS

(Ciudad de México, 1904 - Ciudad de México, 1957) Retrato de Rocío Sagaón Firmado y fechado 1956 al reverso Óleo sobre masonite 61 x 43.4 cm

Con documento digital de Adriana Williams, noviembre de 2019. Procedencia: Christie’s, Nueva York, Subasta de Arte Latinoamericano, lote 12, 25 de mayo de 2016; colección privada, Estocolmo, Suecia; perteneció a la colección de Rocío Sagaón, Ciudad de México. Publicado en:

-Miguel Covarrubias: Homenaje. Catálogo de exhibición. México. Centro Cultural / Arte Contemporáneo - Fundación Televisa, 1987, pág. 77.

-NAVARRETE, Sylvia. Miguel Covarrubias, Artista y explorador. México. Dirección General de Publicaciones - Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, 1993, pág. 105, catalogado 141.

-WILLIAMS, Adriana. Covarrubias. Estados Unidos. University of Texas Press, 1994, pág. 207.

-WILLIAMS, Adriana. Covarrubias. México. Fondo de Cultura Económica, 1999, pág. 318.

-PONIATOWSKA, Elena. Miguel Covarrubias: vida y mundos. México. Ediciones Era, 2004.

-Miguel Covarrubias en México y San Francisco. Catálogo de exhibición. México. Instituto Nacional de Antropología e Historia, 2007, pág. 35.

-“Un homenaje virtual a Rocío Sagaón”. México. Vogue México, sección Cultura, 27 de mayo de 2015. -SANDOVAL RODRÍGUEZ, David. “Musa y creadora en danza y artes plásticas. Rocío Sagaón, una vida dedicada al arte”. México. Universo. El periódico de los universitarios - Universidad Veracruzana, 24 de agosto de 2015.

Exhibido en: “Miguel Covarrubias: Homenaje”, muestra presentada en Centro Cultural / Arte Contemporáneo, Fundación Televisa, Ciudad de México, de febrero a mayo de 1987, “Miguel Covarrubias: Arqueólogo apasionado”, muestra presentada en el Museo del Templo Mayor, Ciudad de México, 2004 y en “Rocío Sagaón, estilo que baila”, muestra presentada en la Galería Ramón Alva de la Canal de la Universidad Veracruzana, Xalapa, Veracruz, 2015.

Estas obras han sido solicitadas para ser exhibidas en “Miguel Covarrubias. Un arte sin fronteras”, muestra organizada por Fomento Cultural Citibanamex con la curaduría de Anahí Luna y Sergio Raúl Arroyo, que será presentada en 2025 en el Palacio de Iturbide, Centro Histórico, en Ciudad de México.

Miguel Covarrubias, conocido como “El Chamaco” en su círculo más cercano, fue un importante pintor, dibujante, investigador y promotor de la cultura.

Su interés por el arte fue temprano, abandonó sus estudios de preparatoria para iniciar su carrera como caricaturista, en la cual tuvo gran éxito al instalarse en 1924 en Nueva York. Fue en aquella ciudad estadounidense donde entró en contacto con Rufino Tamayo, Carlos Mérida y Carlos Chávez, otros nombres relacionados con la transformación cultural del país.

Se desarrolló también en el ámbito antropológico y etnológico al tener gran interés y respeto por las culturas originarias de todo el mundo. Se conocen textos e ilustraciones que realizó sobre grupos prehispánicos, indígenas del continente americano, así como investigaciones sobre poblaciones de diversas latitudes como fue el caso de Bali, Indonesia.

ROCÍO SAGAÓN

(Ciudad de México, 1933 - Xalapa, Veracruz, 2015)

Rosa María López Bocanegra, posteriormente conocida como Rocío Sagaón, descubrió su pasión por la danza a temprana edad cuando su familia se mudó a Mérida, Yucatán, y sus padres hospedaron a José Antinous, un bailarín profesional que la inspiró. Comenzó su formación clásica con Nina Shestakova, una bailarina moscovita, y más tarde ingresó en la Academia de la Danza Mexicana del INBA en 1948.

Desde el inicio de su carrera destacó, por lo que fue considerada por Emilio “El Indio” Fernández para participar en la película Islas Marías (1950), junto a Pedro Infante, protagonizando una escena icónica de danza. Gracias al director del filme, Rocío Sagaón conoció a Miguel Covarrubias, en aquel momento director del Departamento de Danza de Bellas Artes, con quien unió su vida hasta el temprano deceso del artista.

Rocío Sagaón dedicó su vida a la danza, realizando giras internacionales y colaborando con compañías como Ballet Contemporáneo de México y Les Ballets Modernes de París. Con la misma dedicación, incursionó en las artes plásticas, explorando técnicas como la pintura, escultura y grabado, con el apoyo de artistas como Leticia Tarragó y Fernando Vilchis.

Fuentes consultadas:

-PONIATOWSKA, Elena. Miguel Covarrubias. Vida y mundos. México. Ediciones Era, 2004, pp. 13-15.

-RUBIN DE LA BORBOLLA, Daniel F. Miguel Covarrubias 1905-1957. Reino Unido. American Antiquity, Cambridge University Press, no. 23, julio de 1957, pp. 63-65.

-MANZANOS, Rosario. “El gran amor de la bailarina Rocío Sagaón”. México. Excélsior, sección Expresiones, 22 de agosto de 2015. -SANDOVAL RODRÍGUEZ, David. “Musa y creadora en danza y artes plásticas. Rocío Sagaón, una vida dedicada al arte”. México. Universo. El periódico de los universitarios - Universidad Veracruzana, 24 de agosto de 2015.

$1,500,000.00-$1,800,000.00 M.N.

82 ROBERTO MONTENEGRO

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Pátzcuaro, Michoacán, 1968) Rogerio de la Selva y Escoto

Firmado

Óleo sobre tela

80 x 65 cm

Presenta detalles de conservación. Roberto Montenegro se mudó a temprana edad a la Ciudad de México, donde estudió en la Academia de San Carlos bajo la tutela de Julio Ruelas, Germán Gedovius y Antonio Fabrés y fue condiscípulo de Saturnino Herrán, Armando García Núñez, Diego Rivera y José Clemente Orozco. En 1907 viajó a París para inscribirse en la École de Beaux Arts y en L’Académie de la Grande Chaumière donde perfeccionó su técnica. Tras estallar la Primera Guerra Mundial pasó algunos años en España para después regresar a México en 1921, cuando José Vasconcelos le encargó la creación de varios murales para la Secretaría de Educación Pública, así como para la Librería Iberoamericana y la Escuela Nacional de Docentes. En 1934 fue nombrado director del Museo de Artes Populares de Bellas Artes y en 1967 fue galardonado con el Premio Nacional de las Artes. Fuente consultada: BALDERAS, Esperanza et al. Roberto Montenegro. La sensualidad renovada. México. CENIDIAP, Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 2001, pág. 30.

$250,000.00-$350,000.00 M.N.

83 JORGE GONZÁLEZ CAMARENA

(Guadalajara, Jalisco, 1908 - Ciudad de México, 1980)

Benito Juárez

Firmado al frente. Firmado y fechado 1972 al reverso Óleo sobre poliéster sobre fibra de vidrio

80.5 x 60.5 cm

Con certificado de autenticidad del artista, julio de 1972. Procedencia: Esta obra fue un regalo del artista a Leandro Rovirosa Wade, quien se desempeñó como Gobernador de Tabasco en el periodo de 1977 a 1982. Presenta detalles de conservación.

Jorge González Camarena fue un destacado pintor y escultor jalisciense considerado como uno de los representantes más importantes de la segunda generación de muralistas mexicanos. Fue un dibujante nato, que mostró un gentil y fino trato estético en cada una de sus obras, las cuales realizó mediante la pintura de caballete y mural, así como la realización de esculturas de formatos medianos y monumentales.

Fue un artista interesado en la difusión y preservación de la cultura mexicana a través de su obra y por ello recibió varios premios y reconocimientos en México y en el extranjero. Algunas de sus obras se encuentran en instituciones de gran importancia, como el Palacio de Bellas Artes, el Castillo de Chapultepec y el Museo de Antropología e Historia en la Ciudad de México. Además, pintó por encargo para el Instituto Mexicano del Seguro Social, para el edificio de Televicentro y para la Casa de Estudios del Instituto Tecnológico de Estudios Superiores de Monterrey, entre otros. Su indiscutible entrega al arte, lo colocó a través de los años como uno de los pintores más completos y cuya obra prevalece por su temática equilibrada en el campo histórico y social de México. Por esto y más, este año se aprobó el dictamen para declararlo como Benemérito del estado de Jalisco, acordando colocar una escultura conmemorativa en la Plaza de los Jaliscienses Ilustres. Fuente consultada: LUNA ARROYO, Antonio. Jorge González Camarena en la Plástica Mexicana. México. Universidad Nacional Autónoma de México, 1981, pág. 39.

$550,000.00-$700,000.00 M.N.

84 ARMANDO AMAYA

(Ciudad de México, 1935 - )

Campesina de pie

Firmada y fechada 1989

Escultura en bronce A / P

188 x 48 x 52 cm

Con sello de Fundición Carlos Rojas, México.

Agradecemos a Patricia, Arturo y Andrés Amaya Romero, hijos del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2024.

“Encuentro en Armando Amaya la vocación, la clara disposición personal de renovar con gracia y ternura la tradición escultórica de cuidar la figura femenina como modelo y fuente primaria de inspiración. Sus composiciones son delicadas variaciones de la inagotable belleza del cuerpo de la mujer. En muchas de sus esculturas, cubiertas con velos perfectamente modelados, se percibe con demasiada discreción una resignación silenciosa, un anhelo melancólico. Armando Amaya no se abandona a la dramatización expresionista. Su trabajo logra un equilibrio perfecto”. Juan Soriano.

Fuente consultada: CHÁVEZ RAMÍREZ, Rocío. Armando Amaya. México. Artes Gráficas Panorama S.A. de C.V., 2001, pág. 9.

$280,000.00-$350,000.00 M.N.

85 FRANCISCO ZÚÑIGA

(San José, Costa Rica, 1912 - Ciudad de México, 1998)

Desnudo con mano en el mentón Firmado y fechado 1964

Conté sobre papel

50 x 50 cm

Publicada en: Catálogo Digital de la Fundación Zúñiga Laborde A.C. con núm. 4060A.

Francisco Zúñiga comenzó su formación en la Escuela de Bellas Artes de San José en Costa Rica, paralelamente sirvió de aprendiz de talla de imágenes religiosas con su padre. Los cimientos trabajados durante esta época le sirvieron para la definición de su lenguaje, identificado por el delicado manejo de la línea y el volumen.

Con tan sólo 23 años de edad arribó a nuestro país con intención de potencializar su talento, previamente reconocido en su natal patria. A su llegada fue recibido por un mexicano destacado, Manuel Rodríguez Lozano, quien le acompañó en su periodo de adaptación.

Una de sus primeras labores fue como ayudante de Oliverio Martínez en el proyecto escultórico del Monumento a la Revolución, donde además de continuar con su camino de aprendizaje, demostró sus habilidades en la materia. Más tarde obtuvo la oportunidad de desempeñarse como docente de escultura y fundición en La Esmeralda, donde formó a alumnos ejemplares por treinta años como Pedro Coronel y Manuel Felguérez.

El maestro trabajó hasta el final de sus días a pesar de las adversidades que la vida le presentó, demostrando que su talento podía hacer frente a cualquier advenimiento.

Fuentes consultadas: KASSNER, Lily. “Francisco Zúñiga”. México. Revista de la Universidad de México, septiembre de 1996, no. 548, pp. 33-40 y CONCHEIRO, Elvira y PACHECO, Victor Hugo. Raquel Tibol. La crítica y la militancia. México. Centro de Estudios del Movimiento Obrero y Socialista, A. C. 2016, pág. 110.

$100,000.00-$150,000.00 M.N.

86 LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014)

Desnudo no. 20

Firmado y fechado 79 al frente y al reverso Temple sobre tela sobre madera 126 x 96 cm

Agradecemos a Gabriel Nishizawa por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2024. Con etiqueta del Museo Taller Nishizawa. La obra de Luis Nishizawa no se reduce a una corriente estética y, como él mismo señaló, sus inicios se remontan a la Escuela Mexicana de Pintura, donde obtuvo un estilo realista de contenido social muy marcado, del que poco a poco se fue separando. Pasó por varias etapas: expresionismo, gestualismo, hasta llegar al abstraccionismo y de vuelta a la figuración. Dentro de estos estilos utilizó diversas técnicas pictóricas, tanto en el caballete como en mural.

Fuente consultada: VILLA GUERRERO, Guadalupe. “El arte de Luis Nishizawa”. México. Revista Bicentenario, Instituto Mora, 2007, pp. 72 y 78.

$700,000.00-$900,000.00 M.N.

87 RODOLFO MORALES

(Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 - Oaxaca de Juárez, 2001)

Sin título

Firmado

Óleo sobre tela

73.5 x 97.5 cm

Con certificado de autenticidad de Fundación Cultural Rodolfo Morales A. C., mayo de 2024. Procedencia: adquirida en Doyle Auctions, Nueva York, Subasta de Arte Impresionista y Moderno / Arte de la Posguerra y Contemporáneo, lote 633, 8 de mayo de 2024; perteneció a la colección de Elaine y James D. Wolfensohn, Nueva York, E.E. U.U..

Con etiqueta de Doyle Auctions.

“Uno no sabe cuándo se va a terminar el camino, por eso es importante llenarlo de color, de texturas, de una magia y una mitología propia, porque eso es lo único que nos llevamos, la satisfacción de haber construido un reino, un mundo propio, que a cada vistazo con la luz de la mañana o en esas noches de soledad, nos devuelva una sonrisa, porque está hecho de lo mismo que nosotros”. Rodolfo Morales. Fuente consultada: sitio oficial de la Secretaría de Cultura www.gob.mx/cultura

$2,000,000.00-$3,000,000.00 M.N.

88 RODOLFO MORALES

(Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 - Oaxaca de Juárez, 2001)

Rostros

Firmado

Óleo sobre tela

100 x 80 cm

Con certificado de autenticidad de Galería Oscar Román.

Desde temprana edad Rodolfo Morales presentó habilidades artísticas que compaginaron a la perfección con su espíritu observador y curioso. Sus primeros acercamientos con el arte se dieron en su peluquería local donde descubrió de manera inesperada algunas pinturas en las revistas que allí tenían. En ese momento comprendió la diversidad de manifestaciones en las cuales el arte podía darse y decidió apostar por mostrar un sentido humano en su producción.

Gracias al apoyo de sus padres, cuyos oficios se relacionaban con la apreciación del trabajo manual, logró establecerse en la Ciudad de México para ingresar a la Academia de San Carlos.

Su cuerpo de obra está influido por artistas mexicanos como Abraham Ángel y Manuel Rodríguez Lozano, así como por exponentes internacionales como Marc Chagall, Amedeo Modigliani y Giorgio de Chirico, como podemos apreciar en la impresión del color, el trabajo de las figuras humanas y los ambientes las acompañan.

Asimismo, podemos encontrar inspiración en la producción de Rufino Tamayo, otro artista que desafió la única ruta como nombró David Alfaro Siqueiros en su momento a las maneras del muralismo. Su primer encuentro de impacto se dio durante una muestra de arte, en la que forjaron una sólida relación y con ello una apertura de oportunidades para Rodolfo Morales. Fue en este momento cuando comenzó a ser representado por la Galería Estela Shapiro gracias a la recomendación de la escultora Geles Cabrera.

Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, pág. 378 y PÁRAMO, Omar y PAZ, Rafael. “Las artes y las ciencias, de Rodolfo Morales”. México. Gaceta UNAM, sección Academia, 05 de septiembre de 2022. $2,000,000.00-$3,000,000.00 M.N.

89 LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014) Festival

Firmado y fechado 91 al frente Firmado y fechado 1991 al reverso Temple sobre tela sobre madera 81 x 122 cm

Agradecemos a Gabriel Nishizawa por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2024. Con etiqueta del Museo Taller Nishizawa. “Luis Nishizawa fue muy versátil en las temáticas y técnicas de sus trabajos. En sus óleos, cerámicas, murales, acuarelas y aún piñatas de diferentes diablos, lo que se representa es México con todo su esplendor e iconografía, con todos sus miedos y glorias […] La gente del México profundo halla manifestación en sus lienzos. Se refleja el espíritu indígena y se muestra como lo que es, alma de la nación e historia que nos constituye y dota de significados”. Fernando Pérez. Fuente consultada: PÉREZ, Fernando. “Luis Nishizawa”. México. Revista Horizontal, sección De Reojo, 17 de septiembre de 2014.

$800,000.00-$1,000,000.00 M.N.

90 MARÍA IZQUIERDO

(San Juan de los Lagos, Jalisco, 1902 - Ciudad de México, 1955)

Escena a la luz de la luna Firmada y fechada 36 Acuarela sobre papel 20.5 x 27 cm

Con constancia de opinión de Fundación Andrés Blaisten, febrero de 2024.

María Izquierdo se educó en un ambiente conservador y católico. Asistió a la Academia de San Carlos y su iniciación se produjo en un momento de franca discusión sobre cuales debían ser los lineamientos estéticos y pedagógicos válidos para la enseñanza de la pintura. Bajo la tutela de Germán Gedovius, fue donde a María Izquierdo se le planteó la disyuntiva entre tradición y modernidad.

Fue la primera mujer mexicana en presentar sus obras en Estados Unidos el 16 de noviembre de 1930, durante una exposición individual en el Art Center de Nueva York. Su preocupación por representar problemáticas de género, así como su insistencia en apartarse de estereotipos nacionalistas como la Madre Patria hacen que su obra se pueda leer dentro de una perspectiva feminista. Plasmó en sus lienzos estados emocionales como el dolor, la melancolía y la angustia. En este sentido coordinó la exposición “Carteles Revolucionarios Femeninos” para el Instituto Nacional de Bellas Artes en 1935 y fue integrante de la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarias.

Para el año de 1940, María Izquierdo había consolidado un prestigio, tanto nacional como internacional. Su trabajo se había expuesto en el Metropolitan Museum of Art y Museo de Arte Moderno de Nueva York; había merecido elogios de la crítica de arte y la literatura. Durante esos años sus intereses pictóricos tomaron nuevos rumbos; reapareció el retrato con influencias de las vanguardias europeas y de la pintura mexicana del siglo diecinueve, como los retablos o exvotos y las naturalezas muertas.

De los retablos, María Izquierdo adquirió la solución compositiva piramidal y ascendente de los elementos visuales y bajo la apariencia de las temáticas populares, siguió explorando los espacios bidimensionales.

Fuente consultada: LOZANO, Luis Martín. María Izquierdo. Una verdadera pasión por el color. México. CONACULTA, 2002, pp. 5, 31 - 40.

$780,000.00-$900,000.00 M.N.

(Ciudad de México, 1918 - Ciudad de México, 2009)

Sin título

Firmado y fechado 75 Óleo sobre papel

30 x 20 cm

Con dedicatoria.

Agradecemos a la Fundación Ricardo Martínez de Hoyos A.C. por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2024. Esta obra será registrada en el catálogo razonado del Dr. Mark Ruben con núm. RM-85017.

“El arte de Ricardo Martínez reside en su búsqueda de espacio: en combinar sensiblemente luz y color para suscitar vibraciones que llevan la superficie plástica hacia una cálida y profunda atmósfera que nos envuelve en su ya lograda extraordinaria espacialidad”. Fernando Gamboa. Fuente consultada: BARREDA, Octavio. Atmósferas. Ricardo Martínez. México. Siglo XII Editores - CONACULTA - INBA -, 2007, pág. 22.

$130,000.00-$180,000.00 M.N.

91 RICARDO MARTÍNEZ

92 RODOLFO MORALES

(Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 - Oaxaca de Juárez, 2001)

Sin título

Firmado

Óleo sobre tela

40 x 28 cm

Agradecemos al Maestro Adán Esperanza Arellanes, estudioso de la obra plástica y filantrópica de Rodolfo Morales, por la verificación de autenticidad de esta obra, agosto de 2024.

Presenta mínimos detalles de conservación.

Desde el inicio de su carrera se mostró interesado por el cuidado del patrimonio lo que más tarde derivó en su dedicación por la protección de sitios históricos, concretando para 1992 la Fundación Cultural Rodolfo Morales A.C., cuya finalidad principal es promover el legado cultural y el arte popular.

“Un pintor es aquel que puede hacer trazos precisos, pero un artista, ¡ah, eso es algo muy diferente! Un artista es aquel que además de pintar puede expresarse con perfección”. Rodolfo Morales.

Fuentes consultadas: PÁRAMO, Omar y PAZ, Rafael. “Las artes y las ciencias, de Rodolfo Morales”. México. Gaceta UNAM, sección Academia, 05 de septiembre de 2022 y sitio oficial de la Secretaría de Cultura www.gob.mx/cultura

$250,000.00-$400,000.00 M.N.

93 FRANCISCO CORZAS

(Ciudad de México, 1936 - Ciudad de México, 1983) Tiempo de dolor I

Firmado y fechado 76 al frente y al reverso Óleo sobre tela

80 x 60 cm

Publicado en: LOZANO, Luis-Martín et al. Francisco Corzas. México. Editorial Océano, Grupo Financiero Bital, 2001, pág. 74. Francisco Corzas recibió su formación plástica en La Esmeralda, sin embargo, fue en Italia gracias a la riqueza cultural impresa en el ambiente que el artista pudo explorar diferentes expresiones para conformar un estilo personal. Inspirado en Francisco de Goya produjo algunas de sus obras más representativas, como lo son los “Trashumantes”, definidos como figuras humanas inmersas en el ámbito de la soledad y el desconcierto, viajeros de un espacio metafísico, desposeídos, sempiternos, desterrados, en los que su mirada perdida y en ocasiones plasmada incluso borrosa remarcan su estado anímico. Para ello dotaba de personalidad propia a cada uno de sus modelos a quienes transformó en personajes individualizados. Fuentes consultadas: SAAVEDRA, Manola. Francisco Corzas. México. Fondo Editorial de la Plástica Mexicana – PEMEX – 1987, pp. 7-15 y DEL CONDE, Teresa, et al. Francisco Corzas. México. Grupo Financiero Bital. 2001, pp. 116-185.

$450,000.00-$600,000.00 M.N.

94 FRANCISCO CORZAS

(Ciudad de México, 1936 - Ciudad de México, 1983)

Orante

Firmado y fechado 76 al frente y al reverso

Óleo sobre tela

80 x 60 cm

Presenta mínimos detalles de conservación.

A diferencia de algunos de sus contemporáneos que trabajaron a través de la plataforma nacionalista, Francisco Corzas se remitió a referencias de la historia del arte para nutrir sus propias piezas, tal es el caso del simbolismo tardío como Odilon Redon, o la obra de Pablo Picasso en su etapa más temprana en las que podemos encontrar similitudes tanto en la paleta de color como en las temáticas envolventes, por otro lado, Edvard Munch, con quien congenió en plasmar situaciones emocionales a las que el humano es susceptible. “Francisco Corzas es uno de esos pintores que, más allá de las coincidencias con escuelas o tendencias pictóricas, se distingue por la visión íntima de aquellos seres y ambientes peculiares que habitan un mundo oscuro y enigmático”. Sealtiel Alatriste.

Fuentes consultadas: SAAVEDRA, Manola. Francisco Corzas. México. Fondo Editorial de la Plástica Mexicana - PEMEX - 1987, pp. 7-15 y DEL CONDE, Teresa, et al. Francisco Corzas. México. Grupo Financiero Bital. 2001, pp. 116-185.

$450,000.00-$600,000.00 M.N.

95 ROBERTO MONTENEGRO

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Pátzcuaro, Michoacán, 1968)

Familia mexicana

Firmada

Tinta sobre papel

37 x 41 cm

Se reconoce como pionero del muralismo a Roberto Montenegro en México, al haber plasmado el primer mural del país: “El árbol de la vida”, ubicado en el ex Templo de San Pedro y San Pablo, actual Museo de las Constituciones de la Universidad Nacional Autónoma de México; en este se observa su personal aleación entre el modernismo y el nacionalismo como se aprecia en otras piezas donde el simbolismo se nutre de elementos indigenistas, de las clases trabajadoras, así como de pasajes históricos y míticos del país.

Fuentes consultadas: BALDERAS, Esperanza et al. Roberto Montenegro. La sensualidad renovada. México. CENIDIAP, Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 2001, pág. 30 y VIDAURRE, Carmen V. “Roberto Montenegro: lo nacional y el modernismo”. Estudios Jaliscienses, Universidad de Guadalajara, mayo 2008, 72, pp. 6-18.

$80,000.00-$100,000.00 M.N.

96 RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - Cuernavaca, Morelos, 2019) Fuego, ca. 1955

Firmado

Óleo sobre masonite

60.5 x 79.5 cm

Con copia de recibo de compra de Christie’s, Nueva York, junio de 2010.

Con copia de carta de Juan Rafael Coronel Rivera, solicitando la toma fotográfica de la obra con motivo de su inclusión en el libro Retrofutura. Rafael Coronel, marzo de 2011.

Con documento del Museo del Palacio de Bellas Artes solicitando el préstamo de la obra a la exposición “Retrofutura. Rafael Coronel”, julio de 2011.

Procedencia: adquirido en Christie’s, Nueva York, Subasta de Arte Latinoamericano, lote 185, 27 de mayo de 2010; adquirido en Sotheby’s, Nueva York, Subasta de Importantes Pinturas, Dibujos y Esculturas Latinoamericanas, lote 173, 30 de mayo de 1984; colección de Lester Wolfe, Nueva York; Galería de Arte Mexicano, Ciudad de México.

Publicado en: CORONEL RIVERA, Juan Rafael. Retrofuture. Rafael Coronel. México. INBA - CONACULTA - Museo del Palacio de Bellas Artes. 2011, pág. 69.

Exhibido en: “Contemporary Mexican Art”, muestra presentada en The Rockefeller University, Nueva York, 1965-1966, “Retrofutura. Rafael Coronel” muestra itinerante presentada en el Museo del Palacio de Bellas Artes, Ciudad de México, del 13 de septiembre al 6 de noviembre de 2011, Ex-Convento de San Agustín, Zacatecas, Zacatecas, de diciembre de 2011 a agosto de 2012, Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, MARCO, Monterrey, Nuevo León, de septiembre de 2012 al 13 de enero de 2013. Rafael Coronel inicialmente se mostró renuente a participar en la esfera artística, sin embargo, su inclinación por la producción plástica era evidente. El destino hizo lo debido y lo llevó a rodearse de grandes artistas como su hermano Pedro Coronel y su suegro Diego Rivera, por lo que su incursión en el arte fue inevitable En relación con su carácter peculiar, presentó una inquietud interna por entender los estados anímicos del humano, de confrontar lo que otros evaden: la soledad, el abandono y la desesperación que se manifiesta en aquellos momentos en los que la vida genera crisis en el ser. Por ello, en su obra observamos una clara intención por mostrar la particularidad de la existencia sin evasiones como otros artistas de su época.

Fuentes consultadas: “Rafael Coronel”, texto para exposición en la galería Vértice de Guadalajara, Jalisco, octubre de 1999 y CORONEL RIVERA, Juan Rafael. Retrofuture. Rafael Coronel. México. INBA - CONACULTA - Museo del Palacio de Bellas Artes, 2010, pp. 373 y 374.

$850,000.00-$1,000,000.00 M.N.

97 RICARDO MARTÍNEZ

(Ciudad de México, 1918 - Ciudad de México, 2009) Hombre en reposo

Firmado y fechado 60 Óleo sobre tela 90 x 150 cm

Agradecemos a la Fundación Ricardo Martínez de Hoyos A.C. por la verificación de autenticidad de esta obra, mayo de 2024. Esta obra será registrada en el catálogo razonado del Dr. Mark Ruben con núm. RM-60026. Publicado en: CASTILLO, Erick et al. Ricardo Martínez. México. Editorial RM, 2012, pág. 187 y en sitio oficial de la Fundación Ricardo Martínez de Hoyos A.C. www.fundacionricardomartinez.net Ricardo Martínez creó su mundo propio utilizando fantasías que habitaban en su mente y que cobraron realidad en los grandes lienzos coloridos que conforman su obra.

Fue un artista solitario y silencioso. Se inspiró en la literatura, la música, la contemplación, la naturaleza y el cuerpo humano para hacer de su pintura una antología poética de color y formas. Con su estilo personal y autodidacta, capturó universos donde coexisten la bondad y la violencia, el amor maternal y una sensual mirada desbordante, la luz y la oscuridad. Son sus obras un espejo del paisaje humano, de una realidad soñada, de un abismo existencial siempre en movimiento.

Perduró la predilección por los símbolos, la recurrencia a una iconografía sintética y la reducción y hondos contrastes en la paleta cromática. Contrario a Rufino Tamayo, quien usó la luz como recurso principal para su producción, Ricardo Martínez fue un pintor de la sombra, heredando sin duda la visión de Tamayo pero creando un estilo propio.

“La conformidad de lo humano y lo cósmico, la derrota consciente de la muerte, el cumplimiento del amor y la comunidad de los hombres en su realidad única, componen la médula del sistema pictórico de Martínez”. Rubén Bonifaz Nuño.

Fuentes consultadas: BARREDA, Octavio. Atmósferas. Ricardo Martínez. México. Siglo XII Editores - CONACULTAINBA -, 2007, pp. 15-24 y CASTILLO, Erick et al. Ricardo Martínez. México. Editorial RM, 2012, pág. 81.

$2,500,000.00-$3,500,000.00 M.N.

98 ROBERTO MONTENEGRO

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Pátzcuaro, Michoacán, 1968)

Payaso

Firmado y fechado 59

Óleo sobre tela

70 x 60 cm

Con etiquetas de Galería Central de Arte Misrachi y Galería Gabriela Orozco.

“Concibió su vida y su arte como apariencias del mundo, pero con sentido trascendente, si bien contingentes ellas mismas. Siguió pensando lo mismo años después; pero en sentido impersonal, más bien el arte como actividad universal [...] Tales reflexiones expresan bien el sentido de su obra entera, siempre moviéndose, en su largo desarrollo, entre las apariencias, la fantasía y la ilusión expresadas por medio de alegorías de este mundo y de otros, y de la realidad concreta [...] En conjunto su obra es la de un excelente pintor, constante creador y gran retratista; sus formas de expresión son variadas y todas modernas. Según derecho de todo artista, se ha inspirado en lo antiguo y en lo moderno sin que su personalidad se haya diluido; antes por el contrario se ha afirmado en la trayectoria”. Justino Fernández.

Fuente consultada: FERNÁNDEZ, Justino. Roberto Montenegro. México. Universidad Nacional Autónoma de México, 1962, pág. 32

$230,000.00-$350,000.00 M.N.

99 CARLOS OROZCO ROMERO

(Guadalajara, Jalisco, 1898 - Ciudad de México, 1984)

Figura de mujer (El estudio)

Firmado

Óleo sobre tela

54 x 70 cm

Con etiquetas del Museo Nacional de Artes Plásticas. Presenta desprendimiento de capa pictórica.

La obra de Carlos Orozco Romero nos permite contemplar un período de cambios y nuevas propuestas en la expresión artística de México, así como el reflejo de una vida dedicada al aprendizaje y el impulso de la escena cultural en nuestra nación.

A través de una distintiva selección de tonos que decanta en el violeta, este artista de origen tapatío nos brindó excelsas composiciones en las que podemos apreciar su asimilación personal de las vanguardias y la abstracción, las cuales comulgarían con las posteriores propuestas de la generación de La Ruptura.

Respecto a su papel como promotor cultural, se reconoce su incursión en la gestión del proyecto de la Galería de Arte Moderno en el Palacio de Bellas Artes de la mano de Carlos Mérida; del mismo modo, fue un agente de valor en la fundación de la Escuela de Danza del Palacio de Bellas Artes y la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, donde formó a una generación excepcional de artistas como Pedro y Rafael Coronel, así como Francisco Toledo. Igualmente fue director del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, completando un ciclo próspero en la cultura de nuestro país.

Fuente consultada: VELASCO, Arnulfo Eduardo. “El titiritero de la pintura mexicana: Carlos Orozco Romero”. México. Estudios Jaliscieses, mayo de 2008, no. 72, pp. 19-31.

$180,000.00-$300,000.00 M.N.

100 AMELIA PELÁEZ

(Yaguajay, Cuba, 1896 - La Habana, Cuba, 1968)

Formes

Firmada al frente. Firmada y fechada 1963 al reverso

Mixta sobre masonite

40 x 100 cm

Procedencia: Aguttes, París, Pinturas del siglo XIX, Impresionistas, Escuelas Modernas Rusa y Extranjeras, lote 242, 14 de junio de 2010. Presenta detalles de conservación.

Amelia Peláez, miembro de una familia de clase media alta cubana de finales de siglo XIX, fue una figura clave en la edificación del arte moderno cubano y latinomericano.

Su formación comenzó en la Academia de San Alejandro en La Habana, donde tuvo la suerte de ser alumna de Leopoldo Romañach, quien le brindó una sólida base sobre el impresionismo. A finales de los años 20, recibió una beca para estudiar en París, acompañada por la artista Lydia Cabrera. Durante su estancia en la capital francesa, asistió a clases en Grand Chaumière y en la École des BeauxArts, aunque insatisfecha por la rigidez decimonónica, decidió junto con Lydia Cabrera, ingresar a la Académie Contemporaine de Fernand Léger, donde se acercaron al cubismo y a la abstracción, explorando las oportunidades que el color y la forma les brindaban. En París tuvo la oportunidad de participar en importantes exposiciones en recintos como el Salón de las Tullerías y el Salón de los Independientes. Su primera exhibición individual tuvo lugar en 1933 en la Galerie Zak, con 38 piezas que incluían retratos, paisajes y naturalezas muertas, siendo acreedora de excelentes críticas por parte del público.

La artista comentó en diversas ocasiones que durante este periodo obtuvo sus principales fuentes de inspiración, a partir de la contemplación de la obra de exponentes como Jean-Auguste-Dominique Ingres, Georges Pierre Seurat, Paul Cézanne, Pablo Picasso, Georges Braque y Henri Matisse, por ello su estilo se consolidó como una fusión compleja de modernidad y tradición. Otra parte importante de la conformación de su lenguaje personal fue la formación recibida de la mano de la constructivista rusa Alexandra Exter, con quien potenció su habilidad como colorista.

A los 38 años, Amelia Peláez se devolvió a La Habana, fungiendo como una de las representantes de la vanguardia, en un contexto donde esta corriente adquiría una carga política significativa. Sin embargo, la artista optó por explorar la cubanidad desde una perspectiva distinta, a través de retratos de interiores domésticos que incorporaban guiños sutiles al criollismo. Por otro lado, la decisión de forjar una carrera artística en un tiempo donde los límites de género eran estrictos fue, sin duda, un acto político en sí mismo, que desafiaba las expectativas sociales de su época.

Fuentes consultadas: RODRÍGUEZ, Bélgica. “Apuntes sobre Amelia Peláez y el arte latinoamericano”. Puerto Rico. Plástica, Revista Cultural de la Liga de Arte de San Juan, marzo de 1988, pp. 65-75 y GAZTAMBIDE, María. “Amelia Peláez and the Insertion of the Female Sphere: The Cuban Vanguardia Reconsidered”. Estados Unidos. Athanor XX, Tulane University, 2001, pp. 85-93.

$90,000.00-$130,000.00 M.N.

101 ARMANDO MORALES

(Granada, Nicaragua, 1927 - Miami, Florida, 2011)

Boceto Vila Nuova For No. 1 Cinco Bañistas

Firmado y fechado 98

Óleo sobre papel sobre tela

50 x 70 cm

Procedencia: adquirido en Sotheby’s, Nueva York, Subasta de Arte Latinoamericano, lote 139, 24 de mayo de 2016; colección privada, México.

“Morales ha pasado a la historia como uno de los mayores pintores de Occidente del siglo XX. Bien podría disputarle al ‘divino Morales’ su calificativo. Siempre, en todas sus etapas o períodos, en sus grafitos y carboncillos, en sus grabados, en sus acuarelas preparatorias, en sus esbozos, bocetos, apuntes, en sus óleos de capas raspadas con cuchillas y bisturíes para aplicar veladuras; en sus abstractos matéricos y lineales, en sus semi-abstractos o en su neo surrealismo; en sus naturalezas muertas y en su figuración, demostró algo más, mucho más, que dominio y pericia; demostró maestría, perfección en su acabado y factura, hasta lograr la creatividad lúdica, el rapto placentero, acaso un equilibrio entre clásico y romántico, convirtiéndose en el último renacentista del Orbe Novo y el primer renacentista de Centroamérica, cinco siglos después, en esta otra orilla, ejecutando plásticamente la naturaleza exuberante, suntuosa y lujuriosa, el vaho del primer día de la creación, el hombre de estas latitudes y el realismo mágico o lo real maravilloso nuestro. Una expresión pictórica a plenitud, americana y universal”. Julio Valle Castillo. Fuente consultada: VALLE CASTILLO, Julio. “Armando Morales: un renacentista del trópico”. Nicaragua. Revista Carátula, sección Crítica, 2023. $500,000.00-$700,000.00 M.N.

102 ARMANDO MORALES

(Granada, Nicaragua, 1927 - Miami, Florida, 2011)

Rapides à Agua Azul, Mexique Firmado y fechado 94 Óleo y cera de abeja sobre tela 53.5 x 72.5 cm

Procedencia: adquirido en Christie’s, Nueva York, Subasta de Arte Latinoamericano, lote 76, 2 de junio de 2000; colección privada, México.

Publicado en: FUENTES, Carlos y MAGENDIE, Annick. Armando Morales. Peintures récentes. Italia. Grafis Industrie GraficheGalerie Claude Bernard, 1994, catalogado 24. Exhibido en: “Armando Morales. Peintures récentes”, muestra presentada en Art Asia ‘94, Galerie Claude Bernard en Hong Kong, del 17 al 21 de noviembre de 1994 y en Galerie Claude Bernard en París, Francia, en enero de 1995. Con etiquetas de Christie’s y de Galerie Claude Bernard. Armando Morales externó su voluntad creadora desde una temprana edad, por lo que ingresó a la Escuela de Artes Plásticas de Managua. A la edad de 19 años fue acreedor a una beca para estudiar en Estados Unidos, sin embargo, su situación económica no era óptima y tuvo que dejar pasar la oportunidad. Tras casi una década de esfuerzos, en 1960 vuelve a ser reconocido con una de las mejores becas del mundo del arte, la John Simon Guggenheim Memorial Foundation para asistir a Nueva York, ciudad estadounidense donde se gestaba el abstraccionismo, lenguaje que inevitablemente adquirió. En su obra podemos observar ciertos elementos formales que la definen, tales como una paleta cercana a los colores impresionistas, fondos impregnados de misterios, así como una textura espesa otorgada por un manejo especial de la pincelada. “Armando Morales es capaz de pintar cualquier cosa, cualquier instante, cualquier sentimiento, sin someterlo a la servidumbre de ninguna moda. Es realista de una realidad que solo él conoce, y que lo mismo puede ser del siglo XVI que del siglo XXI: el tema determina el modo. Ha viajado por todo el mundo, ha vivido y pintado con su inventiva sedienta. Sus desafueros creativos se delatan a sí mismos de inmediato por una misma seña de identidad: el vasto silencio de sus cuadros, alumbrados aún a pleno día por la luna llena de Granada. Solo después de conversar con él durante muchas horas, en nuestras dilatadas tardes en México, entendí que Armando Morales no le tuviera miedo a nada […] Pintaba todo lo que veía, todo lo que recordaba, todo lo que quería, pues desde entonces parecía convencido de que todo lo que sucede en la vida es digno de ser pintado”. Gabriel García Márquez. Fuentes consultadas: GARCÍA MÁRQUEZ, Gabriel. Prólogo del catálogo de la exposición en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo en París,1992 y sitio oficial de Fundación de Arte de las Américas www.fadla.org $760,000.00-$900,000.00 M.N.

103 CARLOS OROZCO ROMERO

(Guadalajara, Jalisco, 1898 - Ciudad de México, 1984)

Bahía de Acapulco

Firmado

Óleo sobre tela

40 x 50 cm

Agradecemos al Sr. Andrés Blaisten por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2024. “Orozco Romero es un híbrido modernista, con una construcción clásica y una temática regionalista. Erróneamente considerado como miembro de la segunda generación de la Escuela Mexicana de Pintura, perteneció a la primera, ligado a sus cánones, pero caminó hacia otras propuestas. Nunca permaneció en una sola línea, estuvo en el cubismo, en la figuración geométrica y el paisaje. Él fue un paradigma de la modernidad”. Guillermina Guadarrama.

Fuente consultada: sitio oficial del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura www.inba.gob.mx

$160,000.00-$250,000.00 M.N.

104 GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA

(Puebla, México, 1887 - 1962)

Sin título

Firmado Óleo sobre tela 102 x 82 cm

Presenta mínimos detalles de conservación.

Guillermo Gómez Mayorga estudió en la Academia de San Carlos, donde fue un destacado alumno. Tuvo de maestro de perspectiva a Tomás Cordero, de dibujo a Leandro Izaguirre y de color a Germán Gedovius, de hecho, fue el propio director Alfredo Ramos Martínez, quien lo distinguió y recomendó en el medio del arte en México. Durante sus estudios logró viajar a Francia e Italia, con el fin de pulir su técnica. En aquella época pintó varios cuadros con temáticas marinas y de costa, logrando exhibirlos en algunas galerías y muestras en Turín.

Fue un destacado pintor del mar, género que ejecutó con gran majestuosidad, marcando la bravura del mar y las zonas de agua espumosa que provocan una sensación de belleza clásica, siendo estas las características que más llamaron la atención de los críticos y coleccionistas. Incluso el mismo Jorge González Camarena, comentó que: “Mayorga era un estupendo pintor de marinas”. El autor del libro “José María Velasco y sus contemporáneos” Javier Pérez de Salazar y Solana, dijo que: “el pintor oriundo de puebla fue un extraordinario creador de célebres marinas que constituyen joyas de arte pictórico”.

Fuente consultada: AMERLINCK, Rodrigo et al. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, pp. 30-37 y 101-107.

$350,000.00-$500,000.00 M.N.

105 GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA

(Puebla, México, 1887 - 1962)

Sin título Firmado Óleo sobre tela

80.5 x 121 cm

Presenta desprendimiento de capa pictórica. “Gómez Mayorga nos deja la impresión de un artista plástico que tuvo una relación obsesiva con la naturaleza, entre el gusto de vivir en ella y sentirla, de arrancarle los secretos de sus espacios, sus ritmos y sus fenómenos lumínicos”. Hugo Covantes.

Fuente consultada: AMERLINCK, Rodrigo et al. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, pp. 58 y 59.

$300,000.00-$400,000.00 M.N.

106 CARLOS OROZCO ROMERO

(Guadalajara, Jalisco, 1898 - Ciudad de México, 1984)

Sin título

Firmado

Óleo sobre tela

30 x 40 cm

“El tratamiento que Orozco Romero hace a sus temas desafía siempre la retórica política de la época en la que le tocó producir su obra, en la cual lo importante era enfatizar el sufrimiento de los obreros y los trabajadores […] para Orozco Romero era más importante el hecho de crear una composición dinámica cuyo propósito básico vendría siendo el oponer la suavidad de la figura humana con la angularidad del ambiente material”. Arnulfo Eduardo Velasco.

Fuente consultada: VELASCO, Arnulfo Eduardo. “El titiritero de la pintura mexicana: Carlos Orozco Romero”. México. Estudios Jaliscienses, mayo de 2008, no. 72, pág. 23.

$150,000.00-$220,000.00 M.N.

107 CARLOS OROZCO ROMERO

(Guadalajara, Jalisco, 1898 - Ciudad de México, 1984) Lejanías en azul

Firmado

Óleo sobre tela

83 x 132 cm

Con etiqueta de Galería Gabriela Orozco. La obra de Carlos Orozco Romero puede admirarse desde la complejidad de sus diferentes etapas, en estas se mantiene una línea de características similares.

Sus paisajes han sido considerados como reinterpretaciones del lenguaje postimpresionista, así como de la técnica de Dr. Atl. Trabajados bajo una visión personal, se nos presentan las cordilleras de nuestro país alineadas de manera sucesiva a través de un delicado trabajo de matices tonales.

Estas composiciones casi escenográficas trasladan al espectador a la cima de la montaña rodeado de una atmósfera casi onírica, embellecida por colores violetas, azules, rosas y grisáceos en todas sus variaciones.

Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, pág. 450 y VELASCO, Arnulfo Eduardo. “El titiritero de la pintura mexicana: Carlos Orozco Romero”. México. Estudios Jaliscienses, mayo de 2008, no. 72, pp. 19-31. Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra.

$250,000.00-$400,000.00 M.N.

108 GERARDO MURILLO “DR. ATL”

(Guadalajara, Jalisco, 1875 - Ciudad de México, 1964)

Popocatépetl

Sin firma Óleo sobre papel

17 x 18 cm

Con documento de Fundación Andrés Blaisten, octubre de 2024. Esta obra será publicada en el catálogo razonado de la obra de Gerardo Murillo “Dr. Atl” de la Fundación Andrés Blaisten con núm. SF-01.

Gerardo Murillo fue un destacado pintor, un refinado dibujante y caricaturista, un asiduo escritor, ensayista y filósofo, un persistente explorador, geólogo y vulcanólogo, crítico de arte, político, revolucionario, admirador de la historia del arte universal y un incansable amante de la naturaleza.

En su natal Guadalajara nació su amor al arte, bajo la tutela de Félix Bernardelli se inició como artista. Su inquietud por conocer las vanguardias europeas lo llevó al viejo continente en 1897, ya que el gobierno de Porfirio Díaz le otorgó una beca, con la cual estudió

Filosofía y Derecho penal, carreras por medio de las cuales apoyó causas obreras, dejando la pintura como una actividad ocasional. Con la Revolución Mexicana a punto de estallar, Dr. Atl estaba involucrado en movimientos intelectuales que proponían luchas sociales. Al término, se refugió en las faldas del Popocatépetl, donde se dedicó a estudiar y pintar los volcanes, de esta manera empezó a hacer excursiones cortas, a las que era acompañado por Joaquín Clausell.

Para la historia del arte mexicano Dr. Atl es un personaje trascendental que revolucionó el término de “modernidad”, ya que influenció fuertemente en la vida política y cultural del país a través de recursos nunca antes empleados, bajo la ejecución de proyectos, textos, pinturas y teorías realizadas durante sus múltiples viajes.

Fuentes consultadas: ROURA, Alma Lilia. Dr. Atl, paisaje de hielo y fuego. México. CONACULTA, 1999, pp. 22-25 y MANRIQUE, Jorge Alberto et al. Dr. Atl. Obras maestras. Dibujos y bocetos. México. Turner, 2012, pp. 27-56.

$130,000.00-$180,000.00 M.N.

109 RICARDO MARTÍNEZ

(Ciudad de México, 1918 - Ciudad de México, 2009) Paisaje del Pedregal Firmado y fechado 4 / 45 Óleo sobre tela

83 x 105 cm

Con documento del Museo del Palacio de Bellas Artes solicitando el préstamo de la obra a la exposición “Ricardo Martínez. Exposición Centenario”, mayo de 2018.

Con formulario de préstamo del Instituto Nacional de Bellas Artes para la exposición “Ricardo Martínez. Exposición Centenario”, mayo de 2018.

Esta obra será registrada en el catálogo razonado del Dr. Mark Ruben con núm. RM-45008.

Publicada en: Ricardo Martínez. México. Galería de Arte Mexicano, 1945, catalogado 7 y en sitio oficial de la Fundación Ricardo Martínez de Hoyos A.C. www.fundacionricardomartinez.net

Exhibido en: “Ricardo Martínez”, muestra individual presentada en la Galería de Arte Mexicano, en Ciudad de México, del 17 al 31 de mayo de 1945 y en “Ricardo Martínez. Exposición Centenario”, muestra individual presentada en el Museo de Palacio de Bellas Artes, en Ciudad de México, del 22 de noviembre de 2018 al 17 de febrero de 2019.

“La obra representa un paisaje rocoso, que, si se compara con otras obras del artista sobre el mismo tema –‘Hombre del Pedregal’, 1946–, se puede identificar como una región del sur de Ciudad de México conocida como Pedregal de San Ángel. Las rocas volcánicas que cubren el paisaje como consecuencia de la erupción del volcán Xitle son así las figuras principales del cuadro, ubicándose en el centro de la composición y extendiéndose por la mayor parte del paisaje formando diferentes relieves [...] Es interesante percibir la superficie curva en el ángulo inferior izquierdo, lograda mediante pinceladas rápidas y largas, en contraste visual con la dureza y líneas simples del resto. El artista logró así una sensación de movimiento, ligereza y suavidad. Cabe mencionar este contraste entre ambas formas y texturas, ya que no se encuentra en piezas similares realizadas por el artista durante ese período. Ricardo Martínez logra así un diálogo magistral y estético entre líneas curvas y rectas”. Aurora Avilés García. Fuente consultada: sitio oficial de la Fundación Ricardo Martínez de Hoyos A.C. www.fundacionricardomartinez.net

$1,100,000.00-$1,600,000.00 M.N.

110 GERARDO MURILLO “DR. ATL”

(Guadalajara, Jalisco, 1875 - Ciudad de México, 1964)

Cascada, ca. 1930

Firmado

Óleo sobre celotex

47 x 47 cm

Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, abril de 2024. Con documento de Fundación Andrés Blaisten, abril de 2024. Esta obra será publicada en el catálogo razonado de la obra de Gerardo Murillo “Dr. Atl” de la Fundación Andrés Blaisten con núm. 30-04. Presenta detalles de conservación.

La vena política de Dr. Atl estuvo presente en todos los aspectos de su vida, menos en sus pinturas. Desmenuzó los volcanes, el cielo y los paisajes que los rodeaban, pasando horas explorando parajes. Descrito también como botánico, yerbero, astrólogo y hechicero por su amigo Diego Rivera, dedicó gran parte de su vida a rendirle tributo a la naturaleza nacional, incluso cuando le amputaron la pierna derecha y no pudo escalar más. Siempre se las arregló para sobrevolar México y capturar los paisajes desde las alturas en busca de las mejores postales. Aquel incidente, lo impulsó a crear el “aeropaisaje”, una nueva técnica que consistía en sobrevolar los cielos, permitiéndole alcanzar una visión mucho más amplia de los volcanes, montañas y valles; así, junto con la aplicación de la perspectiva curvilínea creó espectaculares cuadros con una específica vitalidad telúrica del espacio y vibrantes combinaciones de la luz en la atmósfera. Sus paisajes fueron toda una revelación para el arte mexicano, pues los detalles por los cuales se caracterizaron estaban lejos de inscribirse en las preocupaciones nacionalistas de la época. Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus Artistas. Tomo I. México, Promoción de Arte Mexicano, 2000, pp. 84 - 87.

$2,600,000.00-$3,500,000.00 M.N.

111 ALFREDO RAMOS MARTÍNEZ

(Monterrey, Nuevo León, 1871 - California, E.E. U.U., 1946) Mallorca

Firmado y fechado 1908

Pastel sobre papel

61 x 87 cm

Publicado en: NIETO, Margarita y STERN, Louis. Alfredo Ramos Martínez & Modernismo. Estados Unidos. The Alfredo Ramos Martínez Research Project, 2009, pág. 28 y en sitio oficial de The Alfredo Ramos Martínez Research Project www.alfredoramosmartinez.com

Alfredo Ramos Martínez, nació y creció en Monterrey, Nuevo León, localidad que premió su talento cuando tenía 14 años por haber realizado un retrato del entonces gobernador estatal. De esta manera, se trasladó a la Ciudad de México para incorporarse a la Academia de San Carlos.

Su potencial fue reconocido por Phoebe Apperson Hearst, una acaudalada dama estadounidense que se convirtió en su mecenas y decidió apoyarlo para realizar estudios en Europa. En 1900 se embarcó a París, ciudad donde gestó grandes amistades, distinguiendo aquella con Rubén Darío, personaje emblema del modernismo y cuyos versos inspiraron la obra pictórica del artista. En 1910, Alfredo Ramos Martínez volvió a México, donde fue recibido con la oferta de ser docente en la Academia de San Carlos, cuyo nombre había cambiado a Escuela Nacional de Bellas Artes. Las innovadoras ideas recogidas durante su estancia en Europa le valieron ser elegido como director de la institución.

A finales de la década de los 20 Alfredo Ramos Martínez emigró a Estados Unidos por cuestiones personales, ahí continuó con su carrera que fue bien recibida por la crítica americana. Fue en este espacio en el que pudo explorar otras posibilidades de su lenguaje, dejando de lado las maneras vanguardistas para potencializar su sensibilidad nacionalista. Fuentes consultadas: MORALES RUIZ, Sylvia. “Alfredo Ramos Martínez. El pintor de melancolías”. México. Archipiélago, Revista cultural de nuestra América, 2016, pp. 66-69 y sitio oficial de The Alfredo Ramos Martínez Research Project www.alfredoramosmartinez.com

$300,000.00-$400,000.00 M.N.

112 JOAQUÍN CLAUSELL

(San Francisco de Campeche, 1866 - Lagunas de Zempoala, Morelos, 1935)

Árbol de la Noche Triste

Firmado

Óleo sobre tela 61 x 40 cm

Con dedicatoria a Antonio Cervantes, fechada mayo de 1902. Con carta de opinión de Patricia Clausell, nieta del artista, junio de 2016.

Publicado en: CLAUSELL, Patricia. Nostalgias Ocultas. Anécdotas sobre la vida de Joaquín Clausell. México. Miguel Ángel Porrúa - Gobierno del Estado de Campeche, 2008, pág. 84. Como artista fue autodidacta, pues nunca pasó por una escuela de arte. En sus obras destaca la sensibilidad, intuición, exaltado amor y profunda comprensión de la naturaleza mexicana. Fue en Europa alrededor del año 1896, cuando conoció a Claude Monet y al magnético mundo parisino impresionista, cuyas técnicas y colorido representarían un hito en su trayectoria artística siendo el único pintor mexicano que dedicó el total de su obra a este movimiento; pintor de las reverberaciones de la luz, de las

transparencias del aire, del rico olor de su vegetación, de las rocas, del agua.

Joaquín Clausell ocupa un lugar destacado en la pintura mexicana del siglo XX. Es “nuestro pintor impresionista por excelencia”, su manera de capturar pequeñas escenas de paisaje y volverlas una realidad completa no ha sido superada.

La obra y la vida de Clausell reflejan las circunstancias que le tocó vivir, los lugares por los que pasó, sus inquietudes y temperamento. Vivió una época difícil de nuestra historia, llena de contradicciones sociales y políticas, desde su formación como abogado y político durante el porfirismo, en el que desempeñó un papel importante como firme opositor al régimen existente, a su inicio en la pintura a principios de siglo; el desarrollo del movimiento armado de la revolución, etapa en la cual abandonó la pintura y, por último, el periodo de consolidación del país, así como el regreso a su actividad artística, de 1921 a su muerte.

Fuente consultada: TOVAR Y DE TERESA, Rafael, et al. Joaquín Clausell y los ecos del impresionismo en México. México. Museo Nacional de Arte. 1995. pág. 65.

$930,000.00-$1,200,000.00 M.N.

113 JOSÉ CHÁVEZ MORADO

(Silao, Guanajuato, 1909 - Guanajuato, Guanajuato, 2002) Sin título

Firmado y fechado 1956 Óleo sobre masonite

75 x 56 cm

José Chávez Morado fue un artista completo; pintor, grabador, caricaturista agudo, muralista, maestro de artes plásticas, promotor de la cultura a través de la fundación de museos e instituciones, denominado por teóricos como Raquel Tibol como un adelantado a su época.

Comenzó su formación desde temprana edad en su biblioteca familiar, en la que temas como la historia, ciencia y poesía forjaron su futura labor. Por razones personales a los 16 años emigró a Estados Unidos donde cultivó un interés especial por el diseño de escenografías. En 1930 ingresó a la Chouinard School of Art en Los Ángeles, anticipándose a David Alfaro Siqueiros, temporal y

prácticamente, a través de la experimentación de técnicas de lo que se consagró posteriormente como “action painting”. En 1931 su educación continuó en la Escuela Nacional de Bellas Artes donde se acercó al grabado, pintura y litografía. Su primer acercamiento con el muralismo se dio cuando vio a José Clemente Orozco mientras éste trabajaba en los frescos de Pomona College en Claremont, California, de este modo, la ejecución de su primer mural tuvo lugar en la Escuela Normal de Veracruz en Xalapa gracias a su afiliación a la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios. Fuentes consultadas: CONCHEIRO, Elvira y PACHECO, Victor Hugo. Raquel Tibol. La crítica y la militancia. México. Centro de Estudios del Movimiento Obrero y Socialista, A. C. 2016, pág. 149 y DE SANTIAGO SILVA, José. José Chávez Morado. Vida, obra y circunstancias. México. Ediciones La Rana, 2001.

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

114 ALFREDO ZALCE

(Pátzcuaro, Michoacán, 1908 - Morelia, Michoacán, 2003)

Acueducto

Firmado y fechado 1977

Óleo sobre masonite

57 x 83 cm

Con certificado de autenticidad de Fundación Cultural Alfredo Zalce firmado por Beatriz Zalce. Con certificado de The Grapevine Gallery. Alfredo Zalce comenzó a los dieciséis años a trabajar como fotógrafo para financiar sus estudios en la Academia de San Carlos, institución en donde tuvo como maestros a Germán Gedovius y Leandro Izaguirre, formadores de generaciones destacadas del arte mexicano. Paralelamente se integró al movimiento estudiantil a favor de la autonomía universitaria y la lucha por la reforma de la Escuela de Artes Plásticas encabezada por Diego Rivera.

El trabajo gráfico de Alfredo Zalce ha sido sumamente destacado, entre sus actividades en el mundo del arte fungió como dibujante, grabador, pintor, muralista y profesor.

La obra de Alfredo Zalce ofrece un guiño al panorama tan complejo y cambiante del arte del siglo XX, muestra de ello es el carácter nacionalista que el artista imprime en su obra tras haber vivido en carne propia los estragos de la Revolución Mexicana durante sus primeros años de vida.

En 1979 el gobierno de Michoacán creó el Premio de Artes Plásticas Alfredo Zalce y en 1993 se añadió su nombre al Museo de Arte Contemporáneo de Michoacán, reconociendo su labor.

Fuentes consultadas: LARA DE ELIZONDO, Lupina et al. Alfredo Zalce. Noventa años. Recuerdos de una vida. Trabajos de un pintor. México. Promoción de Arte Mexicano - TELMEX, 1998, pág. 101, “Alfredo Zalce, renovador de la gráfica mexicana”. México. Instituto Nacional de Bellas Artes - Secretaría de Cultura, boletín no. 28, 12 de enero de 2020 y sitio oficial del Museo Blaisten www.museoblaisten.com

$290,000.00-$400,000.00 M.N.

115 LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014) Cerros, ca. 1960

Firmado

Óleo sobre tela 12 x 30 cm

Con etiqueta de Galería Misrachi. Agradecemos a Gabriel Nishizawa por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2024. Procedencia: perteneció a la colección del museógrafo Rosendo González Gómez, quien dirigió el Salón de la Plástica Mexicana y gestionó varias exposiciones, destacando las realizadas en el Pabellón de México en la Exposición Universal de 1970 en Osaka, Japón y en el museo del Hermitage en Rusia.

Además de la figura femenina y la naturaleza muerta, el paisaje fue uno de los temas más concurrentes del Maestro Luis Nishizawa. Dentro de este género, recreó la vista panorámica de los valles y volcanes mexicanos, de los cuales capturaba elementos clave y los trasformaba en puntos focales a través del color y la luminosidad. Las influencias principales para sus paisajes atmosféricos provinieron de la tradición pictórica de José María Velasco y Dr. Atl; sin embargo, él mismo mencionó que: “La principal influencia que tuve del paisaje fue de Francisco Goitia, quien no era paisajista, pero su cuadro de La Hacienda de Santa María es una de las obras que más me han impresionado”.

Fuente consultada: CASTILLO SÁMANO, María del Socorro. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pág. 470.

$90,000.00-$140,000.00 M.N.

116 GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA

(Puebla, México, 1887 - 1962)

Sin título

Firmado

Óleo sobre tela

60 x 75 cm

Presenta detalles de conservación.

$180,000.00-$220,000.00 M.N.

117 JOSÉ CHÁVEZ MORADO

(Silao, Guanajuato, 1909 - Guanajuato, Guanajuato, 2002)

El fresno

Firmado y fechado 82 al frente. Firmado y fechado 82 Coyoacán D. F. al reverso Óleo sobre tela

100 x 120 cm

Publicado en: DE SANTIAGO SILVA, José. José Chávez Morado. Vida, obra y circunstancias. México. Ediciones La Rana, 2001, catalogado 112.

José Chávez Morado formó parte del Partido Comunista Mexicano y del Taller de la Gráfica Popular, sus afiliaciones reflejan su carácter de artista preocupado por compartir temas nacionalistas para comunicar a través de su arte la gran proliferación cultural mexicana. En Guanajuato desarrolló gran número de proyectos de la mano de Olga Costa y su producción manifestó madurez creativa a la par de una carga emocional sobre temas que simbolizaban su visión folclórica e histórica de México.

Desde el punto de vista formal, la obra de José Chávez Morado puede ser considerada como prototípica del realismo que se desarrolló paralelamente a la pintura mural posrevolucionaria, con abundantes antecedentes del arte popular tanto en lo cromático como en la reflexión temática.

Fuentes consultadas: DE SANTIAGO SILVA, José. José Chávez Morado. Vida, obra y circunstancias. México. Instituto Estatal de la Cultura, Ediciones La Rana, 2001, pp. 55-57 y 67-69 y TIBOL, Raquel. José Chávez Morado. Imágenes de identidad mexicana. México. Universidad Nacional Autónoma de México, Coordinación de Humanidades, 1980, pág. 43.

$270,000.00-$350,000.00 M.N.

118 ARTURO SOUTO

(Pontevedra, España, 1902 - Ciudad de México, 1964)

Sin título

Firmado y fechado 57

Óleo sobre tela

80 x 100 cm

Procedencia: adquirido en LA Modern Auctions (LAMA), Los Ángeles, Subasta 20-21 Art: LA Edition, lote 174, 20 de agosto de 2024. Arturo Souto llegó a México en 1942 en uno de los primeros contingentes de españoles que venían huyendo de la Segunda Guerra Mundial. Al igual que lo sucedido con otros artistas, era ya un adulto al llegar a América, por lo que sus vivencias migratorias tuvieron mayor peso en su producción que la influencia mexicana. Durante su estancia en nuestro país entabló gran número de amistades y artísticamente tuvo diversas fases pictóricas, parte de ellas fue neutralizar su paleta de color y aprender sobre el muralismo. No obstante, siempre fue un pintor de línea hierática, vanguardista, capaz de capturar todo tipo de ambientes, por lo que plasmó tanto bodegones, retratos, desnudos y composiciones libres. Fuente consultada: CABAÑAS BRAVO, Miguel. Pinceladas. Dos raíces, dos tierras, dos esperanzas. México. Grupo Financiero BX+, 2014, pp. 44-46 y 149. $130,000.00-$180,000.00 M.N.

119 ANGELINA BELOFF

(San Petersburgo, Rusia, 1883 - Ciudad de México, 1969)

Flores

Firmado

Óleo sobre tela

75 x 62 cm

Con etiqueta de Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México. Angelina Beloff nació en el seno de una familia de intelectuales rusos, lo que si bien le permitió el acceso a una educación privilegiada para su época, ésta estuvo inicialmente dirigida hacia la medicina. Más tarde, ingresó a la Academia Imperial de Arte de San Petersburgo donde adquirió una formación clásica y rigurosa.

En 1909 se mudó a París para continuar con su formación artística, formó parte del taller de Henri Matisse y entabló relaciones que marcaron el rumbo de su vida, como aquella con María Blanchard, Germán y Lola Cueto. En esta época también visitó Brujas, donde conoció a Diego Rivera, con quien contrajo nupcias.

Llegó a México en 1932 tras haber sido invitada por Alfonso Reyes, de manera inmediata se desempeñó en la gestión de proyectos

de la mano de la Secretaría de Educación Pública, en los que pudo apreciar la realidad social del momento y la importancia de ofrecer un sistema educativo nuevo.

Fue miembro distinguido de la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios (LEAR), de la Sociedad Mexicana de Grabadores, de la Sociedad para el Impulso de las Artes Plásticas y del Salón de la Plástica Mexicana. La mayor parte de su obra artística la realizó en México y actualmente su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas, como las del Museo de Arte Moderno y el Museo Nacional de Arte de la Ciudad de México y el Museo Dolores Olmedo. Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y Pintura Mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 3, no. 34, octubre de 1997, pp. 5-13 y ROSALES ESPINOZA, Yazmín. “Estructuras de poder que nombran o anulan: Angelina Beloff con luz propia”. México. Revista .925 - Facultad de Artes y Diseño de la Universidad Nacional Autónoma de México, 5 de agosto de 2022.

$500,000.00-$600,000.00 M.N.

120 RINA LAZO

(Guatemala, Guatemala, 1923 - Ciudad de México, 2019) Niña vendedora de flores Firmado Óleo sobre tela 90 x 90 cm

Publicado en: Diego Rivera y sus discípulos en el estudio: Rina Lazo, Arturo Estrada, Arturo García Bustos. México. Sistema de Transporte Colectivo Metro, 1987, pág. 35. Exhibido en: “Diego Rivera y sus discípulos en el estudio: Rina Lazo, Arturo Estrada, Arturo García Bustos”, muestra presentada en la estación Zócalo de la línea 2 del Sistema de Transporte Colectivo Metro, Ciudad de México, del 28 de noviembre al 14 de enero de 1987. En 1947, Rina Lazo llegó a México gracias a una beca que obtuvo por la delicada ejecución de la obra “Naturaleza muerta con Xipe”. Ingresó a estudiar a La Esmeralda, donde comenzó a forjar su camino en el mundo del arte. De manera inmediata, su talento fue reconocido por lo que pudo colaborar con Diego Rivera en la realización del mural “Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central”.

A partir de aquel momento, el maestro guanajuatense volcó sus enseñanzas en ella, al apreciar su gran potencial y dedicación. De este modo, las colaboraciones no cesaron, y Rina Lazo tuvo la oportunidad de participar como asistente en importantes proyectos de Diego Rivera, como el del “El agua, origen de la vida en la Tierra” en el Cárcamo de Dolores, el Estadio Olímpico Universitario y el mural

del Hospital General del Centro Médico Nacional La Raza, entre otros.

El muralismo mexicano le permitió comprender la relevancia de expresar una conciencia política y social, sin embargo, ella dotó de un carácter personal a sus composiciones. A través de su arte, honró a las culturas mesoamericanas, en particular la maya, por el vínculo personal que existía dado su origen guatemalteco, como se aprecia en el mural instalado en la Sala Maya del Museo Nacional de Antropología que representa una réplica de las pinturas de Bonampak.

Como reconocimiento a su trayectoria, a partir del 15 de agosto de 2024, se puede apreciar de manera permanente el mural “Xibalbá, el inframundo de los mayas” en el Museo del Palacio de Bellas Artes, convirtiéndose en la primera mujer en ocupar un espacio entre los exponentes más grandes del muralismo nacional.

Fuentes consultadas: LAZO, Rina. “Mi participación en el muralismo mexicano”. México. Crónicas. El Muralismo, producto de la Revolución Mexicana en América, 22 de junio de 2015, pp. 235-249 y STEINHAUER, Jillian. “Rina Lazo: la muralista que hizo del arte un vehículo de emoción y activismo”. Estados Unidos. The New York Times, sección Obituario, 20 de diciembre de 2019.

$150,000.00-$180,000.00 M.N.

121

ALFREDO ZALCE

(Pátzcuaro, Michoacán, 1908 - Morelia, Michoacán, 2003)

Escultor

Firmado y fechado 1987 Óleo sobre tela 51 x 56 cm

Con certificado de autenticidad de Fundación Cultural Alfredo Zalce firmado por Beatriz Zalce. Con certificado de The Grapevine Gallery. Alfredo Zalce formó parte de la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios (LEAR), donde tuvo la oportunidad de incursionar en el grabado en madera, además de participar en proyectos muralistas como el titulado “Los trabajadores contra la guerra y el fascismo”, en el que dejó ver su compromiso político. Más tarde, en 1937, junto con Leopoldo Méndez y Pablo O’Higgins, formó parte de los miembros fundadores del Taller de Gráfica Popular.

A lo largo de su producción observamos una constante respecto al empleo de la pintura figurativa, claramente influenciado por la Escuela Mexicana de Pintura de la primera mitad del siglo XX, llegando a ser llamado “el último gran muralista posrevolucionario”. Fuentes consultadas: “Alfredo Zalce”. México. Revista Digital Universitaria, 30 de diciembre de 2002, vol. 3, no. 4 y AUDEFROY, Joel. “Alfredo Zalce: grabador, pintor y muralista”. México. Revista Esencia y espacio, julio de 2008, pp. 77 y 78.

$350,000.00-$500,000.00 M.N.

122 ALFREDO ZALCE

(Pátzcuaro, Michoacán, 1908 - Morelia, Michoacán, 2003)

Niñas con jaulas de pájaros

Firmado y fechado 84

Lápiz de grafito sobre papel

36 x 26 cm

Con certificado de autenticidad de Fundación Cultural Alfredo Zalce firmado por Beatriz Zalce. “La expresión de Zalce es siempre nítida y su color original, con frecuencia en claras tonalidades; así ha desarrollado su obra de caballete, con escenas de la vida mexicana en el campo y las costas. Nada hay en ella que no sea sabiduría y sentido de medida, de manera que de sus obras trasciende la poesía y la nobleza de su personalidad”. Justino Fernández.

Fuente consultada: LARA DE ELIZONDO, Lupina et al. Alfredo Zalce. Noventa años. Recuerdos de una vida. Trabajos de un pintor. México. Promoción de Arte Mexicano - TELMEX, 1998, pág. 101.

$90,000.00-$130,000.00 M.N.

123 RINA LAZO

(Guatemala, Guatemala, 1923 - Ciudad de México, 2019) Flor de noche

Firmado y fechado 1986

Óleo sobre tela 62 x 83 cm

Con copia de documento del Museo Mural Diego Rivera por la recepción de obra para la exposición “Rina Lazo, Antología”, julio de 1996. Publicado en: Diego Rivera y sus discípulos en el estudio: Rina Lazo, Arturo Estrada, Arturo García Bustos. México. Sistema de Transporte Colectivo Metro, 1987, pág. 38.

Exhibido en: “Diego Rivera y sus discípulos en el estudio: Rina Lazo, Arturo Estrada, Arturo García Bustos”, muestra presentada en la estación Zócalo de la línea 2 del Sistema de Transporte Colectivo Metro, Ciudad de México, del 28 de noviembre al 14 de enero de 1987 y “Rina Lazo. Antología, pintura y dibujo”, muestra presentada en el Museo Mural Diego Rivera en Ciudad de México, del 3 de julio al 18 de agosto de 1996.

Con etiqueta del Instituto Nacional de Bellas Artes.

$80,000.00-$120,000.00 M.N.

124 GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 2003)

Niña con vestido azul

Firmado

Óleo sobre tela

56 x 46 cm

Con certificado de autenticidad de Galería Inverarte. Con etiqueta de Galería Central de Arte Moderno Misrachi.

“El color tejido por miríadas de pigmentos se convierte en instrumento de lenguaje. El artista posee las sensaciones más allá de la repentina sorpresa. El gozo del reclamo y la alegría de la captura se plasman en su pintura. Cruza sus manos errantes, toma colores y matices por todas partes, los acerca unos a otros, los fija y forma líneas que se convierten sin mayor esfuerzo en niños, en ángeles, en juguetes, en frutas”. Berta Taracena.

Fuente consultada: RULFO, Juan et al. Montoya. México. Litógrafos Unidos S. A., 1981, pág. 216.

$320,000.00-$500,000.00 M.N.

125 GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 2003)

Niño Firmado

Óleo sobre tela

70 x 55 cm

Perteneciente a la Escuela Mexicana de Pintura, Gustavo Montoya fue un artista que experimentó con nuevas técnicas y temáticas, así como con colores y formas que obedecían a su inspiración. Entre sus obras más conocidas destacan las naturalezas muertas y aquellas en las que se tienen como protagonistas a niños, piezas de gran demanda tanto en México como en el extranjero por la excelente narrativa y espontaneidad plástica dedicada a las tradiciones populares mexicanas.

En la afamada serie de “Niños Mexicanos” observamos una delicada vinculación con la identidad nacional, en la que niños de rasgos indígenas portan con orgullo elementos propios del imaginario mexicano.

Fuentes consultadas: RULFO, Juan et al. Gustavo Montoya. México. Litógrafos unidos S. A., 1981, pp. 77-79 y LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 4, no. 40, julio-agosto 1999, pp. 10-12.

$320,000.00-$450,000.00 M.N.

126 GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 2003)

Niño huichol

Firmado

Óleo sobre tela

60 x 50 cm

“El pujante vigor de la belleza puesta en las obras de Montoya, toca a los sentimientos y llama a las emociones más nobles del espíritu. Aún en sus pinturas hechas en la manera académica, no puede dejar de superar el intenso realismo del dibujo y del color, con el dato de su lirismo, con la aportación de su personalidad. Ese dato inasible que hemos señalado, lo constituye por igual la emoción lírica, la ternura, la devoción, el sentido profundo del equilibrio entre las aportaciones de la realidad, y las aportaciones del reflejo subjetivo. En los cuadros de Montoya -en un Montoya- pueden señalarse y sentirse, hasta las gradaciones más sutiles de la objetivación: se puede sentir la temperatura de las cosas; se siente igualmente, la humedad del aire, los ojos nos llevan hasta el interior mismo del cuadro, para sentirnos rodeados del ambiente y la atmósfera en que se halla”. Humberto Olguín Hermida.

Fuente consultada: RULFO, Juan et al. Montoya. México. Litógrafos Unidos S. A., 1981, pág. 37

$320,000.00-$400,000.00 M.N.

127 GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 2003) Cabeza de niño mexicano

Firmado al frente. Firmado y fechado al reverso México D.F. 1969 Óleo sobre tela 48 x 58 cm

Publicado en: RULFO, Juan et al. Montoya. México. Litógrafos Unidos S. A., 1981, pág. 96, catalogado 47. Procedencia: adquirido en Sloan & Kenyon, Chevy Chase, Maryland, Subasta de Catálogo de Bienes, lote 624, 27 de junio de 2024; colección privada, Washington, D. C., E.E. U.U.; adquirido en Art Collector’s Gallery, Ciudad de México, 1991. Gustavo Montoya es considerado un poeta de la pintura, moderno, perfeccionista y emocional. Si bien comenzó su formación de manera académica, optó por tomar su propio camino, viajando a Estados Unidos y algunos países de Europa, donde trabajó y dio a conocer su obra con gran éxito. En dichas experiencias enriqueció su bagaje artístico y lo unió a su herencia mexicana, creando así un estilo pictórico personal e interesante. En su obra podemos apreciar una decantación por el lenguaje de la modernidad, logrando ejecutar piezas de composiciones limpias y una paleta de color delicadamente seleccionada y falsas perspectivas con el fin de apreciar la totalidad de los elementos expuestos. Fuentes consultadas: RULFO, Juan et al. Gustavo Montoya. México. Litógrafos Unidos S. A., 1981, pp. 45-62 y LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 4, no. 40, julio-agosto 1999, pp. 10-12.

$250,000.00-$350,000.00 M.N.

128 ROBERTO MONTENEGRO

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Pátzcuaro, Michoacán, 1968)

La dama de negro

Firmado y fechado 59 al frente y al reverso Óleo sobre tela

90 x 80 cm

Roberto Montenegro se mudó a temprana edad a la Ciudad de México, donde estudió en la Academia de San Carlos bajo la tutela de Julio Ruelas, Germán Gedovius y Antonio Fabrés y fue condiscípulo de Saturnino Herrán, Armando García Núñez, Diego Rivera y José Clemente Orozco. En 1907 viajó a París para inscribirse en la École de Beaux Arts y en L’Académie de la Grande Chaumière donde perfeccionó su técnica. Tras estallar la Primera Guerra Mundial pasó algunos años en España para después regresar a México en 1921, cuando José Vasconcelos le encargó la creación de varios murales para la Secretaría de Educación Pública, así como para la Librería Iberoamericana y la Escuela Nacional de Docentes. En 1934 fue nombrado director del Museo de Artes Populares de Bellas Artes y en 1967 fue galardonado con el Premio Nacional de las Artes. Fuente consultada: BALDERAS, Esperanza et al. Roberto Montenegro. La sensualidad renovada. México. CENIDIAP, Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 2001, pág. 30.

$300,000.00-$400,000.00 M.N.

129 NAHUI OLIN

(Veracruz, México, 1894 - Ciudad de México, 1978)

La duquesita

Firmada Nahui Olin y María del Carmen Mondragón

Mixta sobre papel

38 x 28 cm

Procedencia: perteneció a la colección de la familia de la artista. Presenta detalles de conservación.

Carmen Mondragón, nombre verdadero de Nahui Olin, perteneció a una de las familias más conservadoras de principios del siglo XX. Su padre fue el general Manuel Mondragón, quien fue considerado como traidor pues se alió con Victoriano Huerta para derrocar al gobierno de Francisco I. Madero. Por esta razón recurrió al exilio junto con su familia, Carmen Mondragón arribó a París un año más tarde, recién casada con el pintor Manuel Rodríguez Lozano.

En aquella época, conoció a personajes como Pablo Picasso, Georges Braque y Henri Matisse, quienes la impulsaron a iniciarse en el mundo del arte. Regresó a México hasta 1921, separada de su primer esposo. Posteriormente, fue con Dr. Atl con quien forjó un intenso romance, él la rebautizó como Nahui Olin, que en náhuatl significa “el quinto sol2.

Su obra tomó como eje principal escenas bucólicas y momentos amorosos, así como una vasta serie de autorretratos. Sin una técnica académica, se le encasilló entre los artistas naïf, pero detrás de esa aparente ingenuidad se encontraba una fuerte reivindicación de la autonomía femenina y de la identidad popular mexicana.

Fuentes consultadas: REYNA, Carlos. “La mirada infinita de Nahui Olin”. México. Gatopardo, sección Arte y Cultura, 17 de agosto de 2018 y sitio oficial del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires www.malba.org.ar

$450,000.00-$600,000.00 M.N.

130 LUIS SELEM

(Cuernavaca, Morelos, 1975 - )

Firmado y fechado 2024

Óleo sobre tela

120.5 x 89.5 cm

Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, junio de 2024. Presenta mínimos detalles de conservación.

Luis Selem realizó estudios en Arquitectura, sin embargo, se especializó en Artes Plásticas con maestros como Santiago Carbonell cuyas herencias realistas se ven plasmadas en su obra. Su producción presenta una composición tradicional en la que el papel periódico posee protagonismo, utilizándolo como elemento protector de lo preciado tal como se usa en la vida cotidiana para resguardar piezas de alto valor.

Su obra ha sido exhibida en el Museo Fundación Santiago Carbonell, en Agora Gallery en Nueva York, Galería Oscar Román y Galería Alfredo Ginocchio, entre otros.

Fuentes consultadas: sitio oficial del artista www.luisselem.com y sitio oficial de la Galería Alfredo Ginocchio www.ginocchiogaleria.com

$140,000.00-$200,000.00 M.N.

Tea

131 SANTIAGO CARBONELL

(Quito, Ecuador, 1960 - )

Sin título, ca. 1985

Firmado

Óleo sobre tela

53 x 62 cm

Agradecemos al Maestro Santiago Carbonell por la revisión de autenticidad de esta obra, septiembre de 2024. Publicado en: Instagram oficial del artista instagram.com/santiagocarbonelloficial Santiago Carbonell comenzó su carrera a la corta edad de 6 años, a partir de ese momento la disciplina y el estudio tenaz determinarían su camino. A través del empleo del lenguaje realista no pretende reproducir la cotidianidad a manera de fotografía sino inspirarse e inventar a partir de ella. Si bien se habla de su carácter autodidacta, tuvo una formación artística en Barcelona donde apreció la obra Antoni Tápies especialmente.

Fuentes consultadas: NAVARRO, Adriana. “Carbonell: la revuelta de la tradición”. México. La Gaceta. Universidad de Guadalajara, 17 de septiembre de 2007, pág. 5 y sitio oficial de Galería Alfredo Ginocchio www.ginocchiogaleria.com

$220,000.00-$400,000.00 M.N.

132 JORGE LÓPEZ PARDO

(Trinidad, Cuba, 1976 - )

Retiro, de la serie El alma, como una casa sin puertas ni ventanas

Firmado 03 al frente y al reverso Óleo sobre tela

80 x 131 cm

Con copia de certificado de autenticidad de Galería Habana. Publicado en: El Alma, como una casa sin puertas, ni ventanas. México. Galería Habana México, 2004, pp. 6 y 7.

Exhibido en: “El Alma, como una casa sin puertas, ni ventanas”, muestra individual presentada en Galería Habana México, abril de 2004. “Cuando miramos a través del arte las posibilidades son infinitas, disfrutamos de la libertad expresiva para abordar diferentes temas y acercarnos a la esencia que nos describe. Filosofar desde una percepción sutil, ideas y obsesiones que nos acechan. Como sujeto de esa realidad que intento descifrar, diseño espacios llenos de códigos elementales, formas surgidas de mi experiencia intelectual y procesual, experiencias de un estado poético que encuentra en el lenguaje formal una solución minimalista de la idea. Por ello, la síntesis visual y el esquema constructivo de las piezas se basan en el uso de pocos recursos formales, pero suficientes desde mis pretensiones artísticas para fomentar el diálogo y la reflexión”. Jorge López Pardo.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.lopezpardoarte.com

$150,000.00-$200,000.00 M.N.

133 ARMANDO ZESATTI

(Ciudad de México, 1967 - )

Piretocnia

Firmado al frente y al reverso Acrílico sobre tela

150 x 220 cm

Publicado en: ZAMORA, Martha. Armando Zesatti. México natural. México. MVS Editorial, 2008, pág. 25, PEREDA, Juan Carlos y FERNÁNDEZ CASTRO, Roberto. Zesatti. La paz perdida. México. Alsea Fundación, 2018, pág. 97 y en sitio oficial del artista www.zesatti.com

Inicialmente Armando Zesatti decidió decantarse por el camino de la Administración en favor de seguir la tradición familiar, profesión de la que se alejó para formarse de manera casi autodidacta en la pintura, al acercarse a diversos maestros y comprender los principios básicos del arte.

Su estilo ha sido definido como hiperrealista, dando a entender que más que una copia exacta de los elementos naturales, ofrece una manera personal de acercarse a la realidad.

Del mismo modo que exponentes de la Historia del Arte Universal como Johannes Vermeer, Francesco Guardi y Canaletto emplearon la cámara oscura como guía para la ejecución de sus composiciones, Armando Zesatti utiliza fotografías para realizar su obra, de esta manera, el artista puede apreciar ilimitadamente los detalles de los elementos a retratar y plasmarlos de forma literal.

Puede observarse la predilección por los paisajes tropicales, protagonizados por tonalidades verdes alcanzadas por medio de variaciones de luces y sombras, además de la incorporación de colores complementarios que responden a la teoría del color y el enriquecimiento de los tonos.

Fuentes consultadas: DEL CONDE, Teresa. “Zesatti, Ilusionismo y Realidad”. México. Galería Interart, 2001 y ARTEAGA, Agustín, et al. Armando Zesatti, Arte y Naturaleza. México. Landucci Editores, 2002.

$950,000.00-$1,500,000.00 M.N.

134 CARLOS RÍOS

(La Habana, Cuba, 1958 - )

Paralela entre dos aguas

Firmado al frente. Firmado y fechado 2021 al reverso

Acrílico sobre tela

89 x 140 cm

Agradecemos al Maestro Carlos Ríos por la revisión de autenticidad de esta obra, agosto de 2024. “Conozco el paisaje de mi tierra de memoria. El pintarlo me permite repasar los lugares y cada obra que realizo me lleva a rescatar más detalles de mis propios recuerdos. Rara vez utilizo fotografías y cuando lo hago sólo consulto detalles, como la textura específica de algún tipo de árbol, el color de alguna planta, una luz particular que obtuve a cierta hora del día o la atmósfera que el cambio de clima había provocado. Mi pintura no debe clasificarse como hiperrealista, pues va más allá del realismo en una idealización del paisaje”. Carlos Ríos.

Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 13, no. 95, septiembreoctubre de 2008, pág. 28.

$250,000.00-$300,000.00 M.N.

135 RENÉ MARTÍN

(La Habana, Cuba, 1952 - ) Manglar en el atardecer Firmado al frente y al reverso Acrílico sobre tela 100 x 150 cm

Con certificado de autenticidad del artista.

René Martín originalmente estudió Arquitectura y Diseño Gráfico, carreras que lo influenciaron a dedicarse al arte e ingresar a la Escuela de Bellas Artes de San Alejandro en La Habana, Cuba. A la par de sus estudios, comenzó a pintar paisajes, los cuales vendía en las plazas públicas y por encargos de particulares, hasta que finalmente tuvo la oportunidad de presentar su trabajo en exposiciones con gran éxito.

El paisaje ha sido su principal temática, siendo la naturaleza tropical el centro de su marco artístico, a través de la cual busca promover su conservación con gran sentido del humor, utilizando metáforas y simbologías por medio de la integración de elementos surrealistas. Ha expuesto en más de 65 muestras colectivas e individuales en diversos recintos de Cuba, México, Costa Rica y Estados Unidos. Además, su obra ha sido publicada en destacados periódicos, revistas y libros, en los cuales se describe a su pintura como gestora de la tendencia del surrealismo-tropical, a la par de estar de comprometida con el medio ambiente.

Fuentes consultadas: ESQUIVEL ALATORRE, Gerardo. “Cuando el golf se convierte en arte”. México. Mundo Ejecutivo, sección First Class, junio de 2018 y FERNÁNDEZ SOTO, Francisco Javier y MARTÍN, René. Art & Golf Collection. México. Soto Editores, 2016, pág. 187.

$180,000.00-$200,000.00 M.N.

136 NICOLÁS MORENO

(Ciudad de México, 1923 - Ciudad de México, 2012) Los Andes desde Ollantaytambo

Firmado y fechado 1971 al frente y al reverso Óleo sobre tela sobre madera 61 x 131 cm

Con certificado de autenticidad de Alicia Moreno, hija del artista, septiembre de 2024. Desde temprana edad presentó dotes para la pintura, pasión que lo llevó a inscribirse en cursos nocturnos de dibujo, en los cuales recibió premios en efectivo por su trabajo. A los 17 años logró inscribirse a la Academia de San Carlos, donde adquirió fuertes influencias de la obra de José María Velasco y Francisco Goitia. Durante sus estudios fue discípulo de Alfredo Zalce, José Chávez Morado, Julio Castellanos y Carlos Alvarado Lang.

“Un cuadro de Nicolás Moreno es suma y resumen de cuanto paisaje insinúa y dice: un poco de dolor alegre y otro poco la alegría dolorosa. Junto a esa roca descarnada, áspera, cacariza y dura, la flor, madre de la sonrisa. Sonrisas de la tierra árida, del desierto, de la soledad, de la muerte”. Andrés Henestrosa

Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, pág. 384.

$150,000.00-$250,000.00 M.N.

137 PEDRO DIEGO ALVARADO

(Ciudad de México, 1956 - )

Pico de Orizaba

Firmado

Óleo sobre tela

106 x 200 cm

Con certificado de autenticidad de Galería Interart, septiembre de 2018. “Pedro Diego Alvarado no sólo pinta sino que también ha realizado estudios de Física en la facultad de Ciencias de la UNAM. Aunque no los ha concluido, es notorio que esos estudios le han proporcionado a su visión de pintor y a su acercamiento cosmogónico a la pintura mural. Habla de cómo el hombre se ha apartado del respeto a otros hombres, del respeto a la naturaleza, a su propio mundo y dice, ‘ese es el llamado de alerta; debemos hallar un nuevo humanismo que descanse sobre las posibilidades técnicas que el hombre ha alcanzado, un humanismo que proceda de la ciencia pero que también rescate el legado cultural, histórico de sus antepasados’. Pedro Diego habla enfático, casi emocionado; trae a colación la muerte de las supernovas, nuestra membresía en el cosmos; la maravilla del hombre. De repente parece que ya no habla y que con sus pinceles dispone sobre el pizarrón mural la ilustración de sus conclusiones en una cátedra breve y espontánea de historia de México, astronomía y filosofía”. Alberto Méndez.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.pedrodiegoalvarado.com

$250,000.00-$300,000.00 M.N.

138 JOSÉ CASTRO LEÑERO

(Ciudad de México, 1953 - ) Calle incierta

Firmado al frente. Firmado y fechado 2017 al reverso Óleo sobre tela sobre madera

110 x 149.5 cm

Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Actualmente José Castro Leñero es un artista que destaca por representar en su obra la importancia de la expresión neofigurativa mexicana. Ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales en Museos de México y Estados Unidos. Las imágenes que utiliza en sus obras adquieren un sentido completamente diverso cuando las manipula, hasta convertirlas en juego con una nueva significación. Utiliza herramientas tradicionales y las nuevas tecnologías para transformar un discurso que nos introduce a un modo particular de ver la cotidianidad. Su obra comparte los valores e inquietudes visibles de la obra de uno de los grandes creadores contemporáneos que se ha servido de la fotografía como su principal soporte: Robert Rauschenberg. Fuentes consultadas: BLANCO, Alberto. José Castro Leñero. La imagen encontrada. México. Museo de Arte Moderno, 1992, sitio del taller de gráfica contemporánea La Siempre Habana www.lasiemprehabana.com y sitio oficial del Museo Blaisten www.museoblaisten.com

$170,000.00-$250,000.00 M.N.

139 JORGE OBREGÓN

(Ciudad de México, 1972 - ) Cráter del Popocatépetl

Firmado y fechado 24 al frente y al reverso Óleo sobre lino

50 x 56 cm

Con certificado de autenticidad del artista.

Publicado en: Instagram oficial del artista instagram.com/jorgeobregonpintor Cursó la Licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México, donde fue distinguido con la Medalla “Gabino Barreda” al Mérito Universitario. Obtuvo la Mención Honorífica por su tesis “Volcanes de México, una experiencia al aire libre”.

Colaboró con el Maestro Luis Nishizawa en diversos cursos de técnicas de los materiales en el Museo del Pueblo de Guanajuato y en el Centro Nacional de las Artes. Ha llevado a cabo 4 residencias artísticas a nivel internacional, en el Centre d’Art i Natura, en España, en el Vermont Studio Center, el Montserrat College of Arts y el Bennington College, en Estados Unidos.

Entre sus trabajos más entrañables se encuentran los realizados en relación con la pintura de paisaje “in-situ” con apoyo de instituciones públicas y privadas de países como España, Finlandia, Ecuador, Estados Unidos, México y Japón, a este último fue invitado por la embajada de México en Tokio para realizar un proyecto del volcán Fuji pintando por 30 días todas sus vistas.

Desde 1991 ha sido acreedor de múltiples becas, premios y distinciones, siendo su ingreso al Sistema Nacional de Creadores de Arte en 2020 una de las más notables al haber sido otorgado por la Secretaría de Cultura a través del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes. Fuente consultada: CASTILLO, Erik. La reinvención contemporánea del paisaje inmemorial. México. 2023.

$80,000.00-$120,000.00 M.N.

140 EMILIANO GIRONELLA PARRA

(Ciudad de México, 1972 - )

Paloma, 2022

Sin firma

Escultura en madera con hoja de oro en base de madera

85 x 68 x 50 cm medidas totales con base

Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte.

La carrera de Emiliano Gironella Parra posee sólidas bases en una formación humanístico-artística, ha tenido maestros cercanos y significativos: en primer lugar sus padres, Carmen Parra y Alberto Gironella, también su abuelo, el arquitecto Manuel Parra, y desde luego todos los personajes de la escena artística que frecuentaban su círculo familiar. Además, su bagaje cultural se vio enriquecido por sus estudios en artes visuales en la Interlochen Arts Academy de Michigan, donde comenzó su experimentación en medios diversos.

Fuentes consultadas: RICO, Pablo. Los Parra-Gironella, un collage familiar. México. Gobierno del Estado de San Luis Potosí-El Aire Centro de Arte, 2012, pág. 327 y sitio oficial del artista www.emilianogironellaparra.com

$100,000.00-$150,000.00 M.N.

141 MARIO ALMELA

(Ciudad de México, 1940 - 2017)

Postla, 2008

Firmado

Óleo sobre tela

80 x 100 cm

Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art.

Publicado: ALDAMA, José Ignacio et al. Mario Almela. El paisaje y los volcanes de México. México. Aldama Fine Art. 2008, pág. 15, catalogado 23.

Exhibido en: “Mario Almela. El paisaje y los volcanes de México”, muestra individual presentada en la galería Aldama Fine Art, en la Ciudad de México de octubre a noviembre de 2008.

Su inclinación por el paisaje y la pintura al aire libre se hizo evidente desde los siete años, cuando pintaba acuarelas en días de campo acompañando a José Bardasano, Armando García Núñez, Ignacio Rosas y otros pintores de aquella época. Con una clara vocación por las artes, a la edad de doce años ingresó en la academia de pintura del maestro José Bardasano, donde perfeccionó su destreza en el dibujo. Después de tres años dejó los estudios formales para depurar su técnica de manera independiente y quedó en manos de su padre, Pablo Almela, quien restauraba cuadros antiguos, oficio que Almela aprendió a la par de la pintura.

A los veinte años realizó su primera exposición individual. Desde entonces ha recorrido la vastedad del paisaje mexicano, cuyas costas, selvas, valles y montañas han quedado plasmados en sus lienzos. Experimentado alpinista, ha pintado nuestros volcanes desde todos sus rincones. En su madurez como artista, siempre ha trabajado tras la perfección en su técnica y acompañado de su eterna obsesión por la luz.

Fuente consultada: ALDAMA, José Ignacio et al. Mario Almela. El paisaje y los volcanes de México. México. Aldama Fine Art. 2008, pág. 4.

$120,000.00-$160,000.00 M.N.

142 EMILIANO GIRONELLA PARRA

(Ciudad de México, 1972 - )

Sangre villana

Firmada y fechada 2023

Mixta sobre placa de acrílico 176 x 116 cm

Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte. Si bien se habla de una formación autodidacta, debemos reconocer la importancia de las influencias que el artista tuvo en casa. Su trabajo en las diferentes técnicas que ha abarcado tiene una línea de conexión temática, por ejemplo, dentro de la escultura sus trabajos se decantan a lo dramático al mismo tiempo que algunos pretenden ser críticos a través de la ironía. En su trayectoria encontramos interés por medios diversos como la fotografía y el cine, además de la plástica en la que conocemos trabajos en pintura, escultura,

grabado y talla directa en planchas de madera. Su trabajo ha sido expuesto y reconocido en diversas partes del mundo. Recientemente su muestra “Pluma y Plomo” fue presentada en la Casa de las Palmeras del Jardín Botánico de Tallin, Estonia, como parte del festival cultural Iberofest. Esta muestra exploraba los encuentros históricos clave entre México inspiradas en la llegada de los españoles a Tenochtitlan. Fuentes consultadas: BURILLO, Eduardo y GÁLVEZ DE AGUINAGA, Fernando. “Emiliano Gironella Parra. Plástica y maldad”. México. Revista de la Universidad de México, 2011, pág. 56 “Emiliano Gironella presenta ‘Pluma y Plomo’, en la Casa de las Palmeras del Jardín Botánico de Tallin”. La razón online, sección Cultura, 12 de julio de 2024 y sitio oficial del artista www.emilianogironellaparra.com

$180,000.00-$250,000.00 M.N.

143 JESÚS REYES FERREIRA “CHUCHO REYES”

(Guadalajara, Jalisco, 1880 - Ciudad de México, 1977)

Sin título

Firmada

Anilina sobre papel de estraza

86 x 57 cm

Con certificado de autenticidad de Rodrigo Rivero Lake, mayo de 2024. Presenta detalles de conservación a causa de la técnica empleada. “Lo popular lo inventa él y él inventa lo popular. Es al mismo tiempo fuente y mar. Es la suya una manifestación prístina y moderna de un arte plástico auténticamente nacional. Por ello el poeta Carlos Pellicer, en uno de sus brillantes ensayos, dictaminó: No se puede hablar de arte en México sin referirse a Chucho Reyes”. Lily Kassner. Fuente consultada: REYES IRIGOYÉN, Margarita et al. La mirada estética de Jesús Reyes Ferreira. México. Gobierno del Estado de Jalisco - CONACULTAINBA, 2002, pág. 23.

$80,000.00-$100,000.00 M.N.

144 PHIL KELLY

(Dublín, Irlanda, 1950 - Ciudad de México, 2010)

Cóctel de camarones

Firmado y fechado Mex. D.F 1999 al reverso Óleo y carboncillo sobre tela 120 x 100 cm

Con certificado de autenticidad de Ruth Munguía, agosto de 2021. Agradecemos a la familia Kelly Munguía por la verificación de autenticidad de esta obra, febrero de 2024. Phil Kelly, un pintor mexicano de origen irlandés como suele referirse, tuvo una formación autodidacta alejado de las instituciones tradicionales con las que no llevaba una buena relación. Se dice que llegó a nuestro país a raíz de una decisión al azar, al elegir por medio de un volado entre París y la Ciudad de México, siendo la última la ganadora y de la cual quedaría enamorado con el paso de los años.

Artísticamente sus trazos gruesos y de colores explosivos describen su visión tanto alegre como apocalíptica de las calles, puentes, hoteles y bares de México. Su pintura es testimonio de su gusto por las composiciones cromáticas y fascinación por las estructuras modernas de las metrópolis.

Fuentes consultadas: SPRINGER, José Manuel et al. Phil Kelly. Dos horas y veinticinco años. México. Aeroméxico, American Express, 2005, pp. 15-21 y EMERICH, Luis Carlos et al. Phil Kelly. Las manos, el corazón, los ojos, la vida. México. ESPAC Espacio de Arte Contemporáneo, Editorial Fogra, 2014, pág. 164. Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra.

$100,000.00-$180,000.00 M.N.

145 PHIL KELLY

(Dublín, Irlanda, 1950 - Ciudad de México, 2010) Mesa de Nápoles Amarillo

Firmado al frente. Firmado y fechado MEX DF 99 al reverso Óleo sobre tela 120 x 100 cm

Con certificado de autenticidad de Ruth Munguía, agosto de 2021. Agradecemos a la familia Kelly Munguía por la verificación de autenticidad de esta obra, febrero de 2024. “Retrató escenas que se han olvidado para los habitantes de la Ciudad de México y que Phil nos puede recordar a través de su visión festiva de lo que era vivir el color en la Ciudad de México. Phil nos enseñó a ver muchos de esos paisajes que no encontramos en ninguna otra ciudad”. Jimena Espejo.

Fuente consultada: PAZ AVENDAÑO, Reyna. “La línea desnuda, una mirada a la libertad estética de Phil Kelly”. México. Crónica, sección Exposición, 16 de junio de 2022.

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra.

$100,000.00-$180,000.00 M.N.

Esmeralda Castillo

Tel. 55 5283 3140 jcastillo@mortonsubastas.com MONTERREY

Maricruz Lozano Tel. 81 8335 1917 mlozano@mortonsubastas.com GUADALAJARA Stephanie Torres Tel. 33 3630 2325 atorres@mortonsubastas.com

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Carlos Millán Tel. 33 7 6715 6170 cmillan@mortonsubastas.com

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Con , podrá realizar sus compras a 3, 6, 9 ó 12 meses sin intereses. Además, tiene la opción de utilizar sus puntos BBVA para facilitar sus compras.

GLOSARIO DE TÉCNICAS PLÁSTICAS

Las técnicas pictóricas están conformadas por pigmento (sustancia que permite colorear las superficies al dejar partículas adheridas a ellas), aglutinante (que permite que la mezcla sea estable y garantiza su permanencia en el soporte) y diluyente (que permite adelgazar, homogenizar y disolver la materia).

Tipos de soporte:

Aglomerados: Tableros fabricados a partir de elementos fibrosos de madera prensada y unidos por medio de distintos procesos y aglutinantes; los más utilizados son: fibracel, masonite y MDF. En ocasiones llevan un recubrimiento industrial como en el caso de la melamina y formaica.

Cartón: Material compuesto por varias capas de papel a base de fibra virgen o de papel reciclado superpuestas. Es grueso, duro y resistente.

Láminas de metal: Suelen ser de cobre o zinc.

Madera: También catalogada como “tabla”. Los tipos de madera más usados en la pintura son: caoba, pino y laminados como el triplay.

Papel: Hoja delgada que se hace con pasta de fibras vegetales. Puede ser de fabricación industrial o a mano, lo que brinda a las hojas distintas texturas y cualidades.

Polipropileno: Polímero termoplástico, parcialmente cristalino. Se fabrica en diversos grosores y grados de flexibilidad. Tiene gran resistencia contra solventes químicos y al calor.

Tela o lienzo: Usualmente preparado con una imprimatura para pintar sobre él. Los más utilizados son los fabricados en lino, yute, cáñamo, algodón o fibras sintéticas.

Vinilo: Se obtiene a partir del cloruro de vinilo, un material que se usa para fabricar PVC (policloruro de vinilo), utilizado en una variedad de productos plásticos. Puede ser usado como soporte de impresión, entre sus propiedades destacan la durabilidad y la maleabilidad. También se utiliza como material de rotulación pues su alta maleabilidad permite que sea deformado y cortado, permitiendo construir siluetas y textos.

Técnicas bidimensionales:

Acrílico: Emulsión integrada por pigmento y cola vinílica soluble en agua que se distingue especialmente por la rapidez del secado.

Acuarela: Pigmentos aglutinados con goma arábiga que al ser diluidos en agua resultan traslúcidos y ofrecen una textura visual muy ligera.

Anilina: Pigmentos de origen natural, usados principalmente en la industria alimenticia.

Barniz: Producto que suele aplicarse al finalizar la obra, forma una película sólida, transparente, con propiedades protectoras o decorativas.

Bolígrafo: Instrumento que produce un trazo uniforme y de secado rápido. Contiene un tubo de tinta y, en la punta, una bolita metálica que gira permitiendo el dibujo.

Crayón: Barra hecha con cera y pigmentos.

Carboncillo: Trozo de madera carbonizada que permite trazar líneas ágiles y gradaciones.

Collage: Procedimiento que consiste en pegar trozos de diferentes materiales como telas, cartón, papel, fotografías y recortes de periódicos, sobre una superficie para crear una composición.

Conté: También se le conoce como lápiz de carbón compuesto, similar al carboncillo, pero ofrece un trazo más preciso al estar aglutinado con cera o arcilla.

Encáustica: Pigmentos disueltos en cera que se extienden con ayuda de una espátula o pincel sobre el soporte. Se le suele aplicar fuego directo para crear diversos efectos y texturas.

Esmalte: Pasta vítrea, brillante y dura, que se obtiene mediante fusión de polvo de vidrio coloreado con óxidos metálicos, y que se aplica sobre cerámica o metal.

Gouache: Pintura opaca en la que los pigmentos están aglutinados con goma arábiga y mezclados con un medio inerte como el yeso, carbonato de calcio o creta.

Hoja de oro: Lámina muy fina de oro batido o metal que imita metales preciosos. Se adhiere a diversas superficies previamente preparadas.

Lápiz: Barras de madera que contienen en su interior una mina de pigmento aglutinado. Los tipos más usuales son: De grafito: Su mina está compuesta de grafito (un mineral de carbono casi puro), arcilla y agua; da distintas tonalidades de gris de acuerdo al grado de dureza que tenga, en una escala indicada con las siglas H (hard) a B (black). De color: Su mina está compuesta por pigmentos de colores aglutinados con cera de abeja.

Mixta: Cuando se combinan varias técnicas o se introducen elementos extra pictóricos como arena, polvo de mármol o tierra.

Óleo: Pigmentos integrados con aceites y resinas vegetales, se disuelven en trementina (aguarrás). Se puede controlar su fluidez y espesor, aplicándolo de manera directa o por medio de veladuras.

Pastel: Barras secas de pigmentos aglutinados con goma. Su textura permite mezclarlos o difuminarlos.

Pastel graso: Combinación de pigmentos con aceite y cera. Estas barras son blandas, de consistencia cremosa y colores brillantes.

Piroxilina: Laca sintética a base de nitrocelulosa; su uso es principalmente industrial.

Poliuretano: Polímero que puede fabricarse para que sea rígido o flexible, por ejemplo como espuma.

Sanguina: Óxido férrico aglutinado con goma arábiga que se utiliza en forma de lápiz o barra para trazar en una gama de colores rojizos.

Temple: Su característica principal es la emulsión de agua y materia grasa. Los pigmentos se encuentran aglutinados con yema de huevo, caseína, goma o grasa animal.

Tinta acrílica: Gracias a su base acrílica seca rápidamente, es permanente y resistente al agua.

Tinta china: Está formada por partículas de pigmento negro carbón con un aglutinante de cola proteica, los cuales se disuelven en agua.

Tinta saiboku: Barritas de tinta hechas con pigmentos inorgánicos y cola animal. Su color es intenso.

Técnicas de obra gráfica:

Grabado: Conjunto de técnicas de arte gráfico cuya característica común es la creación de imágenes a partir de los cortes o tallas que un grabador efectúa sobre una matriz de madera o metal. Este corte o incisión puede ser realizado utilizando instrumentos cortantes, punzantes o soluciones químicas mordientes. La clasificación más simple de las técnicas de grabado es la que introduce dos categorías, dependiendo del sistema de impresión correspondiente a cada una de ellas: estampación en hueco o en relieve. Hay dos tipos en relieve:

Grabado calcográfico: Su matriz de incisión es una lámina de metal.

Grabado a fibra: Xilografía, linografía, etc.

Estampa: Es un soporte (generalmente papel) al que se ha transferido la imagen contenida en una matriz trabajada previamente mediante alguno de los procedimientos de arte gráfico. La imagen del soporte original pasa a la estampa tras entintar aquél, poner en contacto ambos y someterlos a presión. La estampa es el producto final del arte gráfico y la multiplicidad su característica más genuina. Recibe este nombre porque el proceso de impresión se denomina estampación.

Es importante aclarar que grabado no es sinónimo de estampa: el grabado es una operación técnica y estampa es un producto artístico, el resultado del proceso de estampación de una matriz trabajada previamente, que puede estar grabada o puede no estarlo, sino estampada o impresa.

Acrilografía: Creada por Byron Gálvez, en ella se utilizan placas de acrílico que poseen texturas creadas a base de resinas y cargas de polvo de mármol o carbón.

Aguafuerte: Utiliza una plancha de metal recubierta de barniz sobre la cual el artista traza el dibujo con un punzón y dejando así el metal al descubierto al sumergir la plancha en una solución de ácido nítrico, este graba únicamente las zonas que quedaron sin barniz.

Aguatinta: Técnica pictórica de grabado calcográfico que permite la obtención de semitonos o gradaciones de un mismo color. Sobre la superficie de la lámina se espolvorea resina de pino pulverizada que actúa de aislante, así, al sumergirla en ácido, éste sólo ataca los intersticios entre los puntos de resina.

Al azúcar: Técnica alternativa al aguatinta, en la que se espolvorea azúcar en lugar de resina.

Fotograbado: Técnica que utiliza una placa cubierta de una solución de colodión sensible a la luz para capturar una imagen negativa y transferirla a la placa de impresión.

Gofrado: Proceso que consiste en producir un relieve sin tinta en el papel por el efecto de la presión a un mordido muy profundo.

Gicleé: Impresión por inyección de tinta de gran calidad sobre papeles de algodón, lienzo y papeles de acabado fotográfico.

Impresión digital: Se realiza con un dispositivo periférico a un ordenador, permite producir gráficos almacenados en formato electrónico, imprimiéndolos en medios físicos utilizando cartuchos de tinta o tecnología láser.

Impresión offset: Método de reproducción de documentos e imágenes, consiste en aplicar una tinta, generalmente oleosa, sobre una plancha metálica.

Linograbado: Recibe su nombre porque el material utilizado como matriz es el linóleo: formado a partir de una pasta de aceite de linaza, resinas de pino, corcho en polvo e ingredientes colorantes prensada y laminada sobre tela de yute. Es flexible, impermeable, ligero y fácil de cortar con gubias.

Litografía: La matriz es una plancha de piedra sobre la cual se dibuja la imagen con una materia grasa. La piedra se humedece y las superficies no dibujadas absorben el agua mientras que las dibujadas la rechazan. En seguida se aplica tinta grasa que es repelida por la humedad y se deposita únicamente en la zona dibujada.

Mixografía: Procedimiento a partir de un cliché de cobre fundido en relieve negativo que permite la producción de estampas texturadas con detalles muy refinados en la superficie. El cliché es entintado utilizando los colores elegidos para esa impresión y en él se extiende pasta de papel mojado para después introducir los dos elementos en una prensa. A causa de la presión, la tinta queda absorbida por el papel, lo que le confiere cualidades pictóricas.

Piezografía: Impresión digital de inyección de tinta que tiene la virtud de proporcionar una extraordinaria calidad, similar incluso a la fotográfica. Permite la impresión sobre sustratos que la fotografía convencional no puede, tales como papeles de algodón 100% libres de ácido. Emplea tintas pigmentadas a base de carbón con diversidad de tonos, desde fríos hasta sepias.

Pochoir/esténcil/estarcido: Técnica en la que se corta una plantilla que permite reproducir en serie una imagen. Esta se sitúa sobre un soporte y se aplica pintura de modo que la forma trasferida quede limitada por la plantilla.

Punta seca: Técnica que se basa en la utilización de una punta de acero afilada con la que el grabador dibuja directamente sobre la superficie del metal.

Ruleta: Ruedecilla giratoria dentada que se utiliza para crear texturas de forma directa o sobre barniz a la cera.

Serigrafía: Se interviene sobre una malla de seda, tejido sintético o metal, tensada en un marco. Se obturan ciertas zonas de su trama, ya sea aplicando un líquido de relleno o adhiriendo una película recortada en las áreas donde no habrá imagen, quedando libre la zona por donde pasará la tinta. También existen sistemas de obturación fotomecánicos. Para estampar se esparce tinta que se filtrará sólo por las partes no obturadas.

Xilografía: La plancha es de madera, en ella se talla un relieve con la imagen deseada con una gubia o buril.

Las obras gráficas se numeran de acuerdo al que se haya realizado, es decir, de cuántos ejemplares conste la edición. Antes de llegar al resultado final se requieren de varias pruebas, las cuales son identificadas por el artista comúnmente con abreviaturas:

E.E Edición Especial. T ienen alguna particularidad especial o superior.

H.C Hors Commerce (fuera de comercio). Estampa definitiva de una tirada, no incluida en la edición venal numerada.

P.A. Prueba de artista. Estampas definitivas reservadas para la colección personal del artista.

P.C. Prueba de color. El artista las lleva a cabo para comprobar el resultado de las tintas, tipo de papel y método de estampación más adecuado.

P.E. Prueba de estado. En ellas el artista hace una revisión de la composición de la imagen, construcción de luces y sombras. Varían considerablemente de una a otra y por lo tanto cada una de ellas es única.

P.T. Prueba de taller. Reservadas para ser de propiedad del taller donde se imprimió la estampa, generalmente conservan al menos una de cada edición.

BAT Bon á tirer. Con la que el artista queda satisfecho y sirve de modelo de la tirada.

Fotografía: Las técnicas fotográficas permiten capturar imágenes mediante un dispositivo sensible a la luz.

Analógica: La fotografía tradicional, para cuyo revelado es necesario un proceso fisicoquímico que involucra el uso de un material fotosensible activo (aplicado sobre placas de vidrio o sobre una película flexible de material traslúcido) y su revelado, para la obtención y el procesado de las imágenes.

Digital: Se utilizan dispositivos dotados de una serie de fotodetectores electrónicos.

Instantánea: Se obtiene con una cámara que utiliza una película que contiene los químicos necesarios para revelar y fijar la fotografía al momento, se les conoce como “Polaroid” por la compañía pionera en su desarrollo.

Plata sobre gelatina: Imagen fotográfica desarrollada a partir de una emulsión de gelatina y plata, que se encuentra aplicada sobre un papel de composición definida que muestra la imagen a través de una sustancia reveladora. Puede ser a color (cromógena) o en blanco y negro.

Técnicas tridimensionales:

Escultura: Obra tridimensional tallada, modelada o construida en barro, cerámica, piedra, madera, metal u otro material.

Relieve: Obra adosada a un plano; adherida a una superficie que le sirve de fondo, por lo que tiene un punto de vista frontal.

Las técnicas más comunes son:

Fundición: Técnica para obtener esculturas en metal. Predominan dos procedimientos: la fundición a la cera perdida y a la arena.

A cera perdida: Consiste en realizar un modelo en arcilla que se recubre con una capa de cera, que a su vez se recubre con alguna sustancia refractaria y se deja endurecer. Una vez secos, se le hacen unos orificios por donde se deja salir la cera y posteriormente se rellena con bronce fundido. Al enfriarse el metal, se rompe la capa exterior de arcilla.

A la arena: Consiste en dividir la pieza en diversas partes, que se ponen en cajas rellenas de arena y en las cuales se vierte el bronce líquido. Posteriormente las distintas piezas se unen mediante remaches.

Ensamblaje: Técnica que consiste en pegar o soldar distintos objetos y materiales para crear una composición con tridimensionalidad.

Labra: Técnica sustractiva en la que se parte de un bloque de piedra (mármol, ónix, basalto, etc.) y se desbasta con mazo y cincel, para crear una forma.

Modelado: Técnica aditiva que consiste en añadir materia e ir moldeándola, ya sea con las manos o algún instrumento como espátula o estiques. Los materiales más comunes son la arcilla, cerámica, cera y plastilina.

Pátina: Medios químicos que posibilitan cambiar el tono de la superficie de una escultura. Su nombre proviene de emular la “pátina”, barniz o tono que adquieren ciertos objetos antiguos con el paso del tiempo.

Soldadura: Procedimiento por el cual dos o más piezas de metal se unen por aplicación de calor, presión o una combinación de ambos.

¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA? MORTON SUBASTAS, S.A. DE C.V.

Bienvenido al mundo de las subastas, donde tendrá la oportunidad de adquirir emocionantes tesoros como lo son antigüedades, arte, joyas, relojes, muebles, libros, vinos, entre muchas otras cosas.

Participar en una subasta es muy sencillo y no requiere invitación. Usted podrá acudir, o en su caso, comprar en línea, disfrutar del momento, y participar para llevarse el lote de su preferencia. A continuación, le damos algunas recomendaciones, reglas y requisitos para que pueda disfrutar de esta experiencia única:

¿LA SUBASTA ESTÁ ABIERTA AL PÚBLICO?

Sí, la subasta es un evento público y gratuito. Usted es bienvenido sin necesidad de invitación, e incluso puede asistir aún sin estar seguro de adquirir un lote.

(Lote: cualquiera de las piezas o conjunto de piezas que se subastarán, tiene un número y aparece en el catálogo correspondiente.)

¿QUÉ DEBO HACER ANTES DE LA SUBASTA?

Usted puede asistir antes de la subasta a la exposición en la cual podrá ver las piezas que se van a subastar. Asimismo, es recomendable adquirir el catálogo mediante la suscripción por teléfono o acudiendo directamente a nuestras oficinas, ya que en él se encuentran las fotos y la descripción detallada de cada lote.

Para poder participar en la subasta es indispensable registrarse.

¿CÓMO

ME REGISTRO A UNA SUBASTA?

El registro puede ser de las siguientes maneras:

A) Para participar en vivo:

Directamente en las oficinas de Morton Subastas, ya sea previamente o durante la celebración de la subasta.

B) Para participar en línea o con una oferta en ausencia:

Directamente entrando a la pagina de www.mortonsubastas.com mediante la plataforma de Bidsquare, o bien descargando la aplicación de MORTON SUBASTAS

Comunicándose a los teléfonos de Morton Subastas (55 5283 3140)

Enviando un correo electrónico a la dirección ofertasenausencia@mortonsubastas.com

En el registro se le solicitará su identificación oficial vigente, nombre, dirección y un depósito en garantía para sus compras (ya sea en efectivo o tarjeta).

Al registrarse para la subasta se le asignará un número de paleta, con la cual usted podrá realizar las pujas que considere convenientes.

¿CÓMO SE LLEVA A CABO LA SUBASTA?

• Al dar inicio, el martillero indicará el lote a ser subastado, ya sea por medio del número que corresponda de acuerdo al catálogo de la subasta o dando lectura a la descripción, las características y el precio de salida.

• La subasta de cada lote se iniciará cuando el martillero pregone el precio de salida del mismo y entonces, los licitadores podrán hacer efectivas las pujas o aceptar la postura ofrecida por el martillero.

• El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor.

• El martillero podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva, por medio de las pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores.

• Para que el martillero adjudique un lote será necesario que no haya pujas que mejoren la anterior; por lo tanto, el precio mencionado por el martillero constituirá el precio de martillo o de venta que deberá pagar el licitador.

• La mercancía se subasta, adjudica y entrega en las condiciones en que se encuentra, por lo que le recomendamos acudir a nuestras exhibiciones o verificar plenamente que el lote a subastar reúna las condiciones y características de su interés. Una vez adjudicado un lote, no se aceptan cancelaciones y devoluciones.

¿CÓMO REALIZAR UNA COMPRA EN LA SUBASTA?

Cuando salga a remate el lote que usted desea adquirir simplemente levante la paleta que le fue asignada cuando el subastador proponga el precio de venta en subasta y usted esté de acuerdo con dicha cantidad. El subastador continuará elevando el precio mientras haya personas que sigan ofreciendo por el mismo lote. Al último precio indicado por el subastador al dejar caer el martillo se le conoce como el precio del martillo, y esa es la cantidad, más la comisión (22% ó en caso de compra a través de plataformas online, será de 23%) más el I.V.A. de la comisión, que usted pagará por el lote adquirido.

¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA SIN ESTAR PRESENTE EN EL SALÓN?

¿Se pueden hacer ofertas sin asistir al salón de subastas?

Sí, existen tres sencillas formas de hacerlo:

EN AUSENCIA

Usted debe llenar el formato de ofertas en ausencia, mismo que se encuentra a su disposición en nuestras oficinas y en el presente catálogo, en el cual tendrá que indicar el número de lote o lotes que desea, así como la oferta máxima que quiere hacer por cada uno de ellos. De esta manera, uno de nuestros representantes podrá hacer las ofertas en su nombre y representación.

El personal autorizado por Morton podrá hacer efectivas las pujas en representación de los licitadores sin ningún cargo adicional, y de acuerdo a las siguientes reglas:

1. El licitador podrá hacer llegar su postura a Morton hasta cuatro horas antes de celebrarse la subasta, mediante la entrega de la ficha de registro para ofertas en ausencia directamente en nuestras oficinas, con acuse de recibo por correo electrónico a la siguiente dirección: ofertasenausencia@mortonsubastas.com.

2. Será necesario que Morton haya recibido las posturas del licitador señalando un monto máximo como límite de cada puja.

3. En el caso de que el límite máximo fijado por el licitador en ausencia se iguale con la última puja de la sala, usted puede autorizar a Morton Subastas a subir a la siguiente puja por cuenta del licitador en ausencia por una sola vez; de lo contrario el licitador presente en la sala tendrá la prioridad sobre el lote. Esta información se considera confidencial. Es importante que usted seleccione la casilla correspondiente en el formato para autorizar a Morton Subastas. En caso de que este recuadro no se haya requisitado, se entenderá que no acepta subir a la siguiente puja.

4. Como garantía de pago, en el caso de que el licitador se presente en Morton para registrar ofertas en ausencia deberá firmar un comprobante de tarjeta de crédito bancario o American Express a la orden de Morton Subastas, S.A. de C.V.

5. Los lotes se adjudicarán al precio final que permitan las demás pujas o posturas aceptadas en la sala.

6. En caso de que hubiera dos o más licitadores en ausencia, con ofertas por el mismo lote y por la misma cantidad, se adjudicará el lote al licitador cuya oferta haya sido presentada primero en día y hora. En lo demás, son aplicables todas las reglas de la subasta.

7. Morton Subastas NO es responsable si alguna de las ofertas en ausencia no se logra realizar.

8. Morton Subastas NO acepta ofertas sin límites.

POR TELÉFONO

1. Pueden hacerse ofertas vía telefónica en el salón de subastas durante el transcurso de la subasta, presentando una solicitud por escrito y entregado a Morton por lo menos con dos días hábiles de anticipación, siempre y cuando la cifra sea mayor a $50,000.00 M.N. por cada lote de su interés. Las condiciones para hacer efectivas las pujas son las mismas que para ofertas en ausencia. Puede hacernos llegar sus ofertas y demás documentos a la dirección electrónica: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

2. Previo a la subasta, usted elige el lote o lotes por los que hará sus ofertas.

3. Al momento que el lote salga a remate, uno de nuestros representantes se comunicará con usted vía telefónica y así estará pasando sus ofertas al subastador.

4. Es importante que antes de hacer sus ofertas por teléfono se cerciore de los lotes, ya que no hay cambios ni devoluciones una vez adquirido un lote.

NOTA: No se aceptarán ofertas por teléfono que no tengan postura, ni menores a $10,000.00 M.N.

EN LÍNEA

1. En www.mortonsubastas.com encuentre la subasta en la quiere participar y de click en “Participe en línea”. Entrará a la plataforma Bidsquare en la que podrá crear una cuenta gratuita con un correo electrónico y una contraseña. Una vez creada su cuenta, podrá registrarse para participar en la subasta; el sistema le indicará si su registro fue aprobado automáticamente para participar o si necesita contactar al personal de Morton para que éste sea autorizado. Una vez que suceda esto, puede dejar sus ofertas desde el momento que quiera o bien, tiene la opción de seguir la subasta en vivo a través de la transmisión de audio y video, y hacer sus ofertas con un click.

2. En caso de venta a través de plataformas online, el Premium será de 23% más el I.V.A. del 16%.

EL

FORMATO DE OFERTAS EN AUSENCIA SE ENCUENTRA EN LA ÚLTIMA PÁGINA DE ESTE CATÁLOGO.

INFORMACIÓN IMPORTANTE

1. El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor.

2. El subastador podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva por medio de pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores.

3. Todas las piezas se venden en el estado en que se encuentran, favor de revisarlas bien antes de comprar; si tiene alguna duda, no compre, ya que no se aceptan cambios ni devoluciones.

4. Todas las piezas incluidas en los catálogos están revisadas y muchas de ellas autentificadas, ya sea por los propietarios o por algún experto. Por favor si tiene dudas o requiere más información, estamos a sus órdenes y le asistiremos en lo más que podamos aclarar.

5. Si por alguna razón nuestra descripción no es de su entera satisfacción, usted puede revisar las piezas previamente a la subasta y traer a su experto dentro del horario de exposición.

6. Los precios estimados son en pesos mexicanos (M.N.).

7. Si por alguna razón no puede pasar a liquidar el precio, haremos efectivo el cargo a la tarjeta de crédito, cobrando también el porcentaje correspondiente a la comisión más el I.V.A. de la comisión.

8. Las compras menores de $50,000.00 (cincuenta mil pesos 00/100 M.N.) se cargarán el mismo día a la tarjeta de crédito, más el porcentaje de comisión de la subasta y el I.V.A. correspondiente.

9. En los lotes que no llevan estimado, la salida será por debajo de $2,000.00 M.N.

10. Una vez asignado el lote en la subasta no hay devoluciones ni cancelaciones.

11. Morton Subastas le proporciona factura únicamente por el Premium (comisión) y el I.V.A. correspondiente.

12. Una vez emitida la factura no hay cambio de nombre.

13. De acuerdo a lo establecido en el Artículo 16 de la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos y el Artículo 35 de su Reglamento; es necesario realizar el trámite INAH-00-002 para obtener el PERMISO DE EXPORTACIÓN TEMPORAL O DEFINITIVA DE MONUMENTOS O BIENES MUEBLES HISTÓRICOS. Para realizar dicho trámite es necesario ingresar a www.tramites.inah.gob.mx en la opción de Exportación y Transporte.

14. En caso de adquirir un lote que se considere monumento histórico o artístico en términos del artículo 36 de la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos, deberá de dar aviso al instituto competente, de acuerdo a lo establecido en el artículo 26 de la mencionada ley e inscribirlo en el Registro Público correspondiente, en términos del artículo 18 del Reglamento de la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos.

15. El transporte es por cuenta del comprador.

16. Cualquier reclamación de todo tipo contra Morton Subastas en relación a los lotes que adquiera, tendrá una vigencia únicamente por cinco años contados a partir de la compra respectiva.

17. El adquirente tendrá un plazo máximo de 4 días hábiles a partir de la fecha de la subasta en que se le adjudicó el artículo para pagar en su totalidad y recogerlo en el domicilio de Morton en el cual se haya realizado la subasta y en el horario que se le indique. Posterior a estos días, las piezas serán transportadas a Avenida Constituyentes 910, Colonia Lomas Altas, C.P. 11950, Miguel Hidalgo, Ciudad de México, por lo cual ese día no habrá entrega de mercancía.

RETIRE SUS PIEZAS COMPRADAS EN SUBASTA A TIEMPO

Las piezas de esta subasta se deberán recoger en los siguientes días y horarios, en Monte Athos 179, Lomas de Chapultepec:

Jueves 28 de noviembre de 9:30 am a 6:00 pm

Viernes 29 de noviembre de 9:30 am a 6:00 pm

Lunes 2 de diciembre de 9:30 am a 6:00 pm

Martes 3 de diciembre de 9:30 am 6:00 pm

¿QUÉ SIGNIFICAN LOS VALORES ESTIMADOS QUE APARECEN EN EL CATÁLOGO?

Los catálogos de Morton Subastas muestran dos valores: un estimado bajo y un estimado alto.

El lote puede venderse por debajo del estimado bajo (si el consignante no ha fijado un precio mínimo) y puede venderse por arriba del estimado alto en el momento de la subasta.

¿CÓMO FUNCIONA EL INCREMENTO DE PRECIOS?

Las pujas, es decir, la cantidad que el licitador ofrece respecto al precio de salida o a la postura anterior, se regirán dentro de los parámetros que se encuentran en el gráfico de incremento de precios.

¿CUÁNTO DEBO PAGAR POR UN LOTE ADQUIRIDO EN SUBASTA?

1. La persona a la que el martillero adjudique el lote se convierte en el propietario del mismo, como consecuencia deberá pagar lo siguiente:

• El precio de venta o de martillo del lote subastado.

• Comisión del comprador: Al precio de venta o de martillo de lote subastado se le agregará un 22% adicional correspondiente al Premium, que es la comisión por la compra, más el 16% de I.V.A. que se aplicará únicamente al Premium.

• En caso de venta a través de plataformas online, el Premium será de 23% más el I.V.A. del 16%.

2. Como consecuencia de la adjudicación del bien, personal de Morton presentará al comprador una hoja de adjudicación, un estado de cuenta y realizará el cierre del comprobante de la tarjeta de Crédito Bancario o American Express, según sea el caso.

3. Si requiere factura a nombre de su compañía, favor de solicitarla al momento de liquidar, mostrando el Registro Federal de Contribuyentes. No habrá cambios en las facturas una vez completado el trámite.

$100 $1,000 $5,000 $10,000

Gráfico de incremento de precios

GUÍA PARA COMPRADORES

Si usted no ha comprado antes en nuestras subastas, por favor lea las siguientes reglas de subasta.

En cada catálogo aparece el directorio de todo el personal quien lo atenderá con gusto, así como el personal de los mostradores de la recepción y de la sala de ventas. Usted puede consultarnos y le responderemos a todas sus preguntas

I. GENERALES

1. Morton Subastas, S.A. de C.V., en adelante denominada Morton, actúa únicamente como comisionista en la venta de bienes muebles propiedad de terceros, en virtud de contratos de consignación previamente celebrados con estos, de quienes se presume tiene la propiedad de los mismos.

2. Los datos o contenidos en el catálogo de la subasta o cualquier otra declaración hecha acerca del autor de la obra, origen, edad, fecha, estado, autenticidad o precio de la misma, son responsabilidad única y exclusiva de sus propietarios.

3. La subasta se llevará a cabo en moneda nacional y con la participación mínima de licitadores que previamente determine Morton.

II. LOTES

1. Para efectos de la subasta se le denomina licitador, posible comprador o postor, en adelante denominado “Licitador”, a aquella persona que tiene la facultad de hacer ofertas por los lotes en el transcurso de la subasta.

2. Los bienes a subastar serán organizados en lotes integrados por uno o más bienes, en el orden y bajo la numeración que Morton indique.

3. Los lotes serán descritos y en algunos casos incluidas sus fotografías en el catálogo para la subasta que elabore Morton.

4. Los lotes serán exhibidos para su inspección, en el lugar designado para ello por Morton, cuando menos con tres días naturales de anticipación al de la celebración de la subasta, por lo que el personal de Morton estará a su disposición para mostrar en detalle cualquier lote.

5. Los lotes serán subastados en el estado físico en que se encuentran en el momento de celebrarse la subasta por lo que NO se aceptarán devoluciones ni reclamaciones sobre daños, desperfectos o restauraciones, aunque estos no se hayan hecho constar en el catálogo de la subasta.

6. Propóngase un precio máximo de compra para las piezas antes de que salgan a subasta. Esto le ayudará a comprar mejor. Si tiene duda sobre alguna pieza, por favor NO ofrezca, ya que si se le asigna deberá pagarla.

7. Los valores estimados que aparecen impresos bajo las descripciones del catálogo son los precios aproximados que se espera sean obtenidos, sin incluir la comisión de la Casa de Subastas. No se proporciona estimado de precio de los lotes cuya salida sea menor de $2,000.00 M.N.

8. Los lotes que se subastan se ofrecerán sujetos a un precio mínimo de venta previamente acordado entre el propietario y Morton, y sólo podrá ser modificado previo acuerdo por escrito entre los mismos.

III.OFERTAS PRESENCIALES

Para hacer una oferta en la subasta, usted deberá registrarse acudiendo a la mesa de registro en presencia, mediante una hoja de registro establecida para ese fin.

1. Como garantía a Morton, por el o los lotes que les sean adjudicados durante la subasta la contraprestación (Premium) y el impuesto correspondiente, deberá dejar un comprobante de tarjeta de crédito bancario o American Express, firmado a la orden de Morton Subastas, S.A. de C.V.

2. Comisión al comprador (Premium): Corresponde al 22% sobre el precio de venta, más el 16% de I.V.A., ó en caso de venta a través de plataformas online, el Premium será de 23% más el I.V.A. del 16% sobre dicha comisión, que serán incrementados al importe de la compra de cada lote. Ejemplo: precio de martillo $5,000.00 M.N. más comisión $1,100.00 M.N. más I.V.A. $160.00 M.N., total de la factura a pagar $6,260.00 M.N.

3. Una vez registrado el licitador y otorgada la garantía correspondiente, se le hará entrega de una paleta numerada que lo identificará con su hoja de registro y de la cual hará uso únicamente el licitador, ya que es individual e intransferible. Por esta razón es importante que la conserve durante todo el desarrollo de la subasta y la devuelva personalmente al abandonar la sala de subastas. Si se diera el caso de que no se le adjudicará ningún lote, su depósito en garantía le será devuelto en ese momento.

4. Con la entrega de registro, el licitador queda obligado a pagar el precio del lote más el 22% ó 23% por concepto de la contraprestación más el I.V.A. correspondiente.

5. Para que los licitadores puedan hacer efectivas las pujas o aceptar una postura hecha por el martillero, bastará con levantar la paleta numerada. Por favor, hágalo con rapidez para que la dinámica de la subasta continúe. Las ofertas aumentan aproximadamente un 10% en cada puja.

6. Se considera que el licitador que hizo efectiva la última puja, es decir la más alta, ha adquirido el bien que integra el lote subastado, en el momento en que no exista puja mayor y el martillero así lo manifieste.

IV.OFERTAS EN AUSENCIA Y OFERTAS EN LÍNEA

7. Refiérase a las páginas de este catálogo: “¿Cómo se compra en subasta sin estar presente en el salón?”

V.EXPORTACIÓN

8. El comprador siempre deberá revisar si se requiere de autorizaciones, permisos olicencias de exportación o importación. Al participar en la subasta, acepta que es su sola responsabilidad obtener cualquier licencia, autorización o permiso de exportación o importación y que la negativa a cualquier permiso, autorización o licencia o cualquier retraso en obtenerlos, no justificará la rescisión de ninguna venta ni cualquier retraso en hacer el pago total de la propiedad adquirida. EL COMPRADOR RENUNCIA A REQUERIR CUALQUIER REEMBOLSO en cualquiera de los casos anteriormente mencionados. Las leyes locales pueden prohibir importar oexportar cierta propiedad y/o pueden limitar la reventa de alguna propiedad.

9. Para mayores informes consulte: www.tramites.inah.gob.mx

AVISO DE PRIVACIDAD

Los datos personales serán tratados de conformidad con lo dispuesto en la Ley Federal de Protección de Datos Personales en Posesión de los Particulares, la reglamentación respectiva y el aviso de privacidad están a su disposición en la siguiente liga http://www.mortonsubastas.com/formatos/Aviso_de_privacidad.pdf

FICHA DE REGISTRO PARA REALIZAR OFERTAS EN AUSENCIA

NOMBRE DE SUBASTA

FECHA

AUTORIZA UNA PUJA MÁS

NÚMERO DE PALETA

OFERTA POR TELÉFONO

Por favor, consulte el aviso de privacidad antes de proporcionar sus datos. SI SI NO NO

ESTOY DE ACUERDO SI NO

RECIBIÓ

(REPRESENTANTE DE MORTON)

NOMBRE Y FIRMA

FECHA Y HORA DE RECEPCIÓN

Acepto se me haga el cargo en garantía establecido de acuerdo a lo señalado en los requisitos del punto no. 8 letra C, reembolsable en el caso de que no se me adjudiquen los lotes. Acepto las condiciones del catálogo, las reglas de la subasta y del presente documento.

FIRMA

Ciudad de México. a

Nota: Las ofertas en ausencia se recibirán hasta cuatro horas antes de la subasta. del año de

NOMBRE COMPLETO

CALLE No.

COLONIA

ALCALDÍA / MUNICIPIO

E-MAIL

TELÉFONO

IDENTIFICACIÓN

NÚM DE TARJETA DE CRED.

NÚM DE SEGURIDAD

NÚMERO SEGÚN

CATÁLOGO

CELULAR

C.P.

FECHA DE VENCIMIENTO

DESCRIPCIÓN

LÍMITE SUPERIOR DE OFERTA

Informes: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

Teléfono. +52 55 5283 3140 Ext. 3149

CONDICIONES PARA REALIZAR OFERTAS EN AUSENCIA

AL FIRMAR LA FICHA DE REGISTRO DE OFERTAS EN AUSENCIA, USTED ACEPTA LO SIGUIENTE:

1. Las reglas y condiciones que aplican para las subastas en Morton Subastas, S.A. de C.V. (“Morton”) y/o las del catálogo, las cuales se encuentran a su disposición en Morton.

2. Que el personal de Morton haga efectivas las pujas en su nombre y representación en la subasta en la que se registra, por las piezas que se describen en la ficha de registro para ofertas en ausencia, hasta por la cantidad que aparece en el apartado “Límite superior de la oferta”.

LÍMITE DE OFERTA:

3. No están permitidas las ofertas en ausencia sin límite superior.

RESPONSABILIDAD:

4. Que Morton en ningún caso y por ningún motivo es responsable que usted logre que se le adjudique(n) la(s) pieza(s) por las que ofertó en ausencia.

UNA PUJA MÁS:

5. Que en caso de que el monto máximo fijado por usted como Límite Superior de la Oferta para una pieza se iguale con la última puja de la sala, podrá autorizar una puja más, según lo establezca el recuadro denominado: “Autoriza una puja más”. En caso de que este recuadro no se haya requisitado, se entenderá que no acepta subir a la siguiente puja.

ADJUDICACIÓN:

6. Que en caso de que existan dos o más ofertas en ausencia por la misma pieza y por la misma cantidad señalada como Límite Superior de la Oferta y no haya una puja superior en la sala, la pieza se adjudicará a la Oferta en Ausencia que se haya recibido primero en Morton.

7. Que el fallo de adjudicación lo emitirá Morton y será inapelable, por lo que Usted renuncia desde este momento a cualquier acción y/o derecho alguno para ejercer en contra de Morton y/o a quien sus derechos represente, por cualquier conflicto o controversia que surgiera por esta causa.

REQUISITOS:

8. Que Morton no hará efectiva la Oferta en Ausencia si no cumple con los siguientes requisitos:

a) Llenar completamente el presente documento y firmarlo de conformidad, indicando claramente el número de lote por el que desee ofrecer y la cantidad establecida con Límite Superior de la Oferta.

b) Entregar firmado el presente documento al personal autorizado de Morton a más tardar a la fecha de celebración de la subasta y hasta cuatro horas antes de la misma, en el domicilio de Morton.

c) Efectuar un depósito en garantía del cumplimiento de las obligaciones que pudiera llegar a tener como adquiriente, de acuerdo a lo siguiente:

Subastas de Antigüedades, Arte Moderno, Obra Gráfica, Joyería y Relojes, Libros, Vinos: $50,000.00 M.N.

Subastas de los Sábados: $5,000.00 M.N.

El monto de la garantía podrá ser cambiado por Morton sin previo aviso al cliente.

d) La garantía no podrá ser cubierta con tarjeta de débito, ya que en caso de no tener adjudicación alguna de los lotes, la devolución de la misma es demasiado complicada.

CONDICIONES DE PAGO:

9. En caso de que se adjudique la pieza, pagar por el precio martillo, más el 22% por concepto de comisión, ó en caso de venta a través de plataformas online, será de 23%, más el Impuesto al Valor Agregado sobre dicha comisión (16%). Recuerde que usted tiene 3 días hábiles después de la subasta para liquidar el total de su compra y recoger los artículos adquiridos en el lugar de la subasta.

OFERTAS POR TELÉFONO:

10. Las ofertas en ausencia también se recibirán por teléfono, previa entrega del presente documento firmado y enviado vía correo electrónico a Morton con cuando menos dos días hábiles antes de la fecha de la celebración de la Subasta, siempre y cuando el precio estimado de la pieza por la que oferta sea de $10,000.00 M.N. o mayor.

CONFIDENCIALIDAD

11. La información aquí contenida se considera Confidencial, por lo que su divulgación está prohibida y da derecho al pago de daños y perjuicios que causen por este hecho.

NAME AND SIGNATURE

DATE AND TIME OF RECEPTION

I DO HEREBY ACCEPT THE CONDITIONS DESCRIBED IN THIS DOCUMENT AND CATALOGUES FOR THE AUCTION

AUCTION TITLE

DATE

ABSENTEE BID FORM

PALETTE NUMBER

ONE MORE BID AUTHORIZE

FULL NAME

TELEPHONE BIDS

ADRESS ZIP CODE

E-MAIL

TELEPHONE

ID NUMBER

CREDIT CARD

SECURITY CODE LOT NUMBER

MOBILE

EXPIRING DATE

SIGNATURE (Date)

CITY

Please note: On the day of the auction last absentee bids are received 4 hours before the auction.

Telephone. +52 55 5283 3140 Ext. 3149

Enquiries: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

ABSENTEE BID TERMS AND CONDITIONS

BY SIGNING THIS ABSENTEE BID REGISTRATION FORM YOU AGREE TO THE FOLLOWING TERMS AND CONDITIONS:

1. You agree to the terms and conditions that apply to the auctions at the Morton Subastas, S.A. de C.V. (Morton) premises and/or those described in the catalogues available at Morton. WHO MAKES THE BIDS:

2. Allow the personnel of Morton to make effective the bids on your behalf during the auction to which you are registered, and for the pieces only described herein, up to the amount inserted in the top limit bid.

BIDS LIMIT:

3. Unlimited bids are not permitted.

RESPONSIBILITY:

4. In no case and by no means, Morton takes responsibility for the adjunction of the piece(s) for which you made absentee bids.

ONE MORE BID:

5. In case the amount stated by you as the top limit bid for a piece is matched by the last bid made in the auction room, and if the option on the “One more bid authorized” section is chosen as “Yes”, you will then be allowed to place a higher bid for the piece. In case this option was chosen as “No” or left blank, your bid will be stopped.

ASSIGNATION:

6. In case that two or more absentee bidders appear for the same piece and for the same top limit bid stated, and in case there is not a higher bid in the auction room, the piece will be adjudicated to the absentee bid first received by Morton.

7. The decision for the adjudication will be decided by Morton, and thus, will be unappealable. By signing this form you agree to not taking any legal action against Morton or its representatives if any conflict or dispute arise due to disagreement.

REQUIREMENTS

8. Morton will not make effective the Absentee Bid if the following requirements are not met:

a) This document should be duly filled in and properly signed for in the agreement section, making sure that is clearly entered the lot number of the piece you are interested in, and well stated your top limit bid for it.

b) This document should be delivered only to the authorized personnel at latest the day of the Auction at the address of Morton in which the auction will be held.

c) Allow a deposit as a guarantee for the payment of the piece and amounts generated by the adjudication of the piece. The deposit will be in the following amounts, and will be taken under the name of Morton.

Antiques, Modern Art, Prints and Multiples, Jewelry and Watches, Fine Books, Wines Auctions: $50,000.00 MXP

Weekly Auctions: $5,000.00 MXP

The amount of the guaranty may be changed by Morton prior notice to the customer

d) Guaranty may not be paid with a debit card since, in case of there is no awarding of lots, reimbursement would be too difficult.

PAYMENT CONDITION:

9. If the piece is adjudicated to you, the price of the piece plus twenty two percent of commission fee shall be paid, or in case of sale through online platforms will be twenty three percent of commission, plus the corresponding VAT (16%) calculated over the commission.

BIDS OVER THE TELEPHONE:

10. Absentee bids by telephone are welcome, previous delivery of the present document duly filled and signed is required, sent to Morton with at least two working days before the date of the auction if your bid is $10,000.00 MXP or more. Long distance calls to and for the auction should be made by yourself.

CONFIDENTIALITY

11. Information contained herein is deemed Confidential, and its disclosure is prohibited, entitling the payment of damages and looses caused by this fact.