SUBASTA DE ANIVERSARIO | 10 AÑOS DE ARTE LATINOAMERICANO by Morton Subastas

DEBIDO A LA CONTINGENCIA, LA FECHA PUEDE CAMBIAR. CONSULTE MORTONSUBASTAS.COM PARA CUALQUIER ACTUALIZACIÓN

subasta de aniversario años de arte latinoamericano jueves

de noviembre del

2020, 5:00

p.m.

Detalle lote 70

Lote 94

Lote 117

Lote 38

DIRECTORIO Presidente | Luis C. López Morton · eorozco@mortonsubastas.com Director General | Eduardo López Morton · emorton@mortonsubastas.com Director de Operaciones | Manuel González · mgonzalez@mortonsubastas.com Gerente de Administración y Finanzas | Rosalía Madrigal · rmadrigal@mortonsubastas.com Director General de Préstamos | Andrés López Morton · amorton@mortonsubastas.com Gerente de Autos y Camiones | Aída Alanís Lara · aalanis@mortonsubastas.com

DEPARTAMENTO DE ARTE MODERNO

Especialista Constanza Infante

Especialista María Fernanda Serrano

Gerente de Departamento Sofía Duarte

Catalogadora Ana Segoviano

INFORMES Tel. + 52 (55) 5283 3140 · atencion.clientes@mortonsubastas.com Visite nuestra página web mortonsubastas.com donde encontrará fotografías adicionales de todos los lotes incluidos en esta subasta.

Atención a Clientes Valeria Cruz

subasta de aniversario 10 años de arte latinoamericano JUEVES 19 DE NOVIEMBRE DEL 2020, 5:00 P.M. Monte Athos 179 Col. Lomas de Chapultepec, Ciudad de México. EXPOSICIÓN

Salón Monte Athos. Del 12 al 18 de noviembre del 2020 Martes a viernes de 9:00 a.m. a 4:30 p.m. Sábado 14 y domingo 15 de 11:00 a.m. a 1:00 p.m. Lunes 16 de noviembre la exposición permanecerá cerrada. VISITAS PRIVADAS Y ASESORÍA EN ARTE. Citas: Constanza Infante | Tel. (55) 5283 3140 ext. 3384 | cinfante@mortonsubastas.com

PORTADILLA

Lote 62

PORTADA

CONTRAPORTADA

Lote 126

Lote 78

INFORMES. Valeria Cruz | Tel. (55) 5283 3140 ext. 3171 | vcruz@mortonsubastas.com Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, María Izquierdo, Saturnino Herrán, Frida Kahlo, José María Velasco y Dr. Atl, forman parte del grupo de pintores mexicanos cuyas obras son consideradas Monumentos Artísticos e Históricos. Si usted requiere mayor información, contacte a nuestro Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo.

Las piezas se entregan con la documentación que aparece en la descripción del catálogo. Informamos a nuestros clientes que la comisión de comprador es del 20% más IVA. Se recibirán ofertas en ausencia hasta cuatro horas antes del inicio de la subasta. Los precios son en pesos mexicanos (M.N.) Las descripciones proporcionadas en los catálogos impresos y en línea no en todos los casos incluyen un reporte de condición. La ausencia de una declaración de condición no implica que el lote se encuentre en perfecto estado o completamente libre de desgaste, daños, imperfecciones o los efectos del envejecimiento. Se recomienda encarecidamente a los compradores interesados, solicitar un informe sobre la situación precisa de los lotes por los que tenga intención de pujar, antes de hacer una oferta. Por lo anterior, no existe cancelación de ventas.

Si desea un reporte de condición de alguna pieza incluida en esta subasta, por favor contacte al Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo: Valeria Cruz | vcruz@mortonsubastas.com | Tel. 5283 3140 ext. 3171

LAS VENTAS DESPUÉS DE SUBASTA SERÁN SOBRE EL ESTIMADO BAJO Morton Subastas no proporciona servicios de envío de las piezas; sin embargo, podemos asesorarlo para su envío.

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PARTICIPAR EN NUESTRAS SUBASTAS DESDE LA COMODIDAD DE SU HOGAR ES MUY FÁCIL

Conozca nuestras opciones no presenciales para participar a distancia.

EN AUSENCIA

Deje su oferta máxima a través del teléfono (55) 5283 3140 o por escrito. Durante la subasta uno de nuestros representantes levantará la paleta por usted.

AL TELÉFONO

Comuníquese con nostros para que tomemos sus datos y las ofertas por los lotes de su interés. Cuando el lote esté a punto de salir a subasta, nuestro personal le llamará para que haga sus ofertas al momento, vía telefónica.

EN LÍNEA

Entre en nuestra página web www.mortonsubastas.com podrá seleccionar el catálogo de la subasta de su interés. Dé click en “Participa en línea” y abra una cuenta en la plataforma Bidsquare. Una vez creada su cuenta, podrá registrarse para participar en las subastas.

Participar es muy sencillo. Compre en línea, en ofertas telefónicas o en ausencia

Toda la información en: mortonsubastas.com

¿Cómo se compra en subasta? Bienvenido al mundo de las subastas, donde tendrá la oportunidad de adquirir emocionantes tesoros como lo son antigüedades, arte, joyas y muebles, entre muchas otras cosas. Participar en una subasta es muy sencillo y no requiere invitación ni inscripción. Usted podrá acudir, disfrutar del momento, y participar para llevarse el lote de su preferencia. A continuación, le damos algunos consejos para que pueda disfrutar de esta experiencia única:

¿LA SUBASTA ESTÁ ABIERTA AL PÚBLICO? Sí, la subasta es un evento público y gratuito. Usted es bienvenido sin necesidad de invitación, e incluso puede asistir aún sin estar seguro de adquirir un lote. (Lote: cualquiera de las piezas o conjunto de piezas que se subastarán, tiene un número y aparece en el catálogo correspondiente.

¿QUÉ DEBO HACER ANTES DE LA SUBASTA? Usted puede asistir antes de la subasta a la exposición en la cual podrá ver las piezas que se van a subastar. Asimismo, es recomendable comprar el catálogo, ya que en él se encuentra la descripción detallada y fotos de cada lote. Al registrarse para la subasta se le asignará un número de paleta para hacer posturas. En el registro se le solicitará su nombre, dirección y un depósito en garantía para sus compras (ya sea en efectivo o tarjeta). (Paleta: Una paleta de plástico con un número que será levantada cada vez que usted quiera ofrecer una cantidad para adquirir un lote).

¿CÓMO FUNCIONA LA SUBASTA? •

Al dar inicio, el martillero indicará el lote a ser subastado, ya sea por medio del número que corresponda de acuerdo al catálogo de la subasta o dando lectura a la descripción, las características y el precio de salida.

•

La subasta de cada lote se iniciará cuando el martillero pregone el precio de salida del mismo y entonces, los licitadores podrán hacer efectivas las pujas o aceptar la postura ofrecida por el martillero.

•

El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor.

•

El martillero podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva, por medio de las pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores.

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Para que el martillero adjudique un lote será necesario que no haya pujas que mejoren la anterior; por lo tanto, el precio mencionado por el martillero constituirá el precio de martillo o de venta que deberá pagar el licitador.

•

La mercancía se subasta, adjudica y entrega en las condiciones en que se encuentra, por lo que le recomendamos acudir a nuestras exhibiciones o verificar plenamente que el lote a subastar reúna las condiciones y características de su interés. Una vez adjudicado un lote, no se aceptan cancelaciones y devoluciones.

¿CÓMO REALIZAR UNA COMPRA EN LA SUBASTA? Cuando salga a remate el lote que usted desea adquirir simplemente levante la paleta que le fue asignada cuando el subastador proponga el precio de venta en subasta y usted esté de acuerdo con dicha cantidad. El subastador continuará elevando el precio mientras haya personas que sigan ofreciendo por el mismo lote. Al último precio indicado por el subastador al dejar caer el martillo se le conoce como el precio del martillo, y esa es la cantidad, más la comisión (20%), más el IVA de la comisión, que usted pagará por el lote adquirido.

¿Cómo se compra sin estar presente en el salón? ¿Se pueden hacer ofertas sin asistir al salón de subastas? Sí, existen tres sencillas formas de hacerlo:

EN AUSENCIA Usted debe llenar el formato de ofertas en ausencia, en el cual tendrá que indicar el número de lote o lotes que desea, así como la oferta máxima que quiere hacer por cada uno de ellos. De esta manera, uno de nuestros representantes podrá hacer las ofertas en su nombre y representación. El personal autorizado por Morton podrá hacer efectivas las pujas en representación de los licitadores sin ningún cargo adicional, y de acuerdo a las siguientes reglas: 1.

El licitador podrá hacer llegar su postura a Morton hasta cuatro horas antes de celebrarse la subasta, mediante la entrega de la ficha de registro para ofertas en ausencia directamente en nuestras oficinas, con acuse de recibo por correo electrónico a la siguiente dirección: ofertasenausencia@mortonsubastas.com. El formato está a su disposición en nuestras oficinas, así como en el catálogo de la subasta.

Será necesario que Morton haya recibido las posturas del licitador señalando un monto máximo como límite de cada puja.

En el caso de que el límite máximo fijado por el licitador en ausencia se iguale con la última puja de la sala, se autoriza a Morton a subir a la siguiente puja por cuenta del licitador en ausencia; de lo contrario el licitador presente en la sala tendrá la prioridad sobre el lote. Esta información se considera confidencial.

Como garantía de pago, en el caso de que el licitador se presente en Morton para registrar ofertas en ausencia deberá firmar un comprobante de tarjeta de crédito bancario o American Express a la orden de Morton Subastas, S.A. de C.V.

Los lotes se adjudicarán al precio final que permitan las demás pujas o posturas aceptadas en la sala.

En caso de que hubiera dos o más licitadores en ausencia, con ofertas por el mismo lote y por la misma cantidad, se adjudicará el lote al licitador cuya oferta haya sido presentada primero en día y hora. En lo demás, son aplicables todas las reglas de la subasta.

Morton Subastas NO es responsable si alguna de las ofertas en ausencia no se logra realizar.

Morton Subastas NO acepta ofertas sin límites.

POR TELÉFONO 1.

Pueden hacerse ofertas vía telefónica en el salón de subastas durante el transcurso de la subasta, presentando una solicitud por escrito y entregado a Morton por lo menos con dos días hábiles de anticipación, siempre y cuando la cifra sea mayor a $10,000 M.N. por cada lote de su interés. Las condiciones para hacer efectivas las pujas son las mismas que para ofertas en ausencia. Puede hacernos llegar sus ofertas y demás documentos a la dirección electrónica: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

Previo a la subasta, usted elige el lote o lotes por los que hará sus ofertas.

Al momento que el lote salga a remate, uno de nuestros representantes se comunicará con usted vía telefónica y así estará pasando sus ofertas al subastador.

NOTA: No se aceptarán ofertas por teléfono que no tengan postura, ni menores a $10,000 M.N.

EN LÍNEA 1.

En www.mortonsubastas.com encuentre la subasta en la quiere participar y de click en “Participe en línea”. Entrará a la plataforma Bidsquare en la que podrá crear una cuenta gratuita con un correo electrónico y una contraseña. Una vez creada su cuenta, podrá registrarse para participar en la subasta; el sistema le indicará si su registro fue aprobado automáticamente para participar o si necesita contactar al personal de Morton para que éste sea autorizado. Una vez que suceda esto, puede dejar sus ofertas desde el momento que quiera o bien, tiene la opción de seguir la subasta en vivo a través de la transmisión de audio y video, y hacer sus ofertas con un click.

En caso de venta a través de Bidsquare, el Premium será de 23%. EL FORMATO DE OFERTAS EN AUSENCIA SE ENCUENTRA EN LA ÚLTIMA PÁGINA DE ESTE CATÁLOGO.

Información importante 1.

El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor.

El subastador podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva por medio de pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores.

Todas las piezas se venden en el estado en que se encuentran, favor de revisarlas bien antes de comprar; si tiene alguna duda, no compre.

Todas las piezas incluidas en los catálogos están revisadas y muchas de ellas autentificadas, ya sea por los propietarios o por algún experto. Por favor si tiene dudas o requiere más información, estamos a sus órdenes y le asistiremos en lo más que podamos aclarar.

Si por alguna razón nuestra descripción no es de su entera satisfacción, usted puede revisar las piezas previamente a la subasta y traer a su experto dentro del horario de exposición.

Los precios estimados son en pesos mexicanos (M.N.).

Si por alguna razón no puede pasar a liquidar en el tiempo ya mencionado, haremos efectivo el cargo a la tarjeta de crédito, más su porcentaje correspondiente

Compras menores de $20,000 (veinte mil pesos 00/100 M.N.) se cargarán el mismo día a la tarjeta de crédito, más el porcentaje de comisión de la subasta y el I.V.A. correspondiente.

En los lotes que no llevan estimado, la salida está por debajo de $2,000 M.N.

10. Si se le asigna un lote en la subasta no hay devoluciones ni cancelaciones. 11. Morton Subastas le proporciona factura por el Premium y el IVA correspondiente. 12. Una vez hecha la factura no hay cambio de nombre. 13. De acuerdo a lo establecido en el Artículo 16 de la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicas, Artísticos e Históricos y el Artículo 37 de su Reglamento; es necesario realizar el trámite INAH-00-005 para obtener el PERMISO DE EXPORTACIÓN TEMPORAL O DEFINITIVA DE MONUMENTOS O BIENES MUEBLES HISTÓRICOS. Para realizar dicho trámite es necesario ingresar a www.tramites.inah.gob.mx en la opción de Exportación y Transporte. 14. El transporte es por cuenta del comprador.

RETIRE SUS PIEZAS COMPRADAS EN SUBASTA A TIEMPO Si no son recogidas en este plazo tendrán un cargo del 20% diario sobre el precio de martillo. A partir del sexto día hábil deberán recogerse en Av. Constituyentes 910, Lomas Altas.

Las piezas de esta subasta se deberán recoger en los siguientes días y horarios, en Monte Athos 179, Lomas de Chapultepec: Viernes 20 de noviembre de 9:00 a.m. a 4:30 p.m. Lunes 23 de noviembre de 9:00 a.m. a 4:30 p.m. Martes 24 de noviembre de 9:00 a.m. a 4:30 p.m. Miércoles 25 de noviembre de 9:00 a.m. a 4:30 p.m.

*FECHAS SUJETAS A CAMBIO POR CONTINGENCIA*

¿QUÉ SIGNIFICAN LOS VALORES ESTIMADOS QUE APARECEN EN EL CATÁLOGO? Los catálogos de Morton Subastas muestran dos valores: un estimado bajo y un estimado alto. El lote puede venderse por debajo del estimado bajo (si el consignante no ha fijado un precio mínimo) y puede venderse por arriba del estimado alto en el momento de la subasta.

+ $10,000

$100,000

¿CÓMO FUNCIONA EL INCREMENTO DE PRECIOS? Las pujas, es decir, la cantidad que el licitador ofrece respecto a la postura anterior o al precio de salida, se regirán dentro de los parámetros que se encuentran en el gráfico de incremento de precios.

+ $5,000

$50,000 ¿CUÁNTO DEBO PAGAR POR UN LOTE ADQUIRIDO EN SUBASTA? + $2,000

La persona a la que el martillero adjudique el lote se convierte en el propietario del mismo, como consecuencia deberá pagar lo siguiente:

•

El precio de venta o de martillo del lote subastado.

•

Comisión del comprador: Al precio de venta o de martillo de lote subastado se le agregará un 20% adicional, correspondiente al Premium, que es la comisión por la compra, más el 16% de IVA que se aplicará únicamente al Premium.

•

En caso de que el pago se efectúe con tarjeta de crédito bancario o American Express, se agregará 6.6% sobre el monto total, por concepto de comisión por el uso de tarjeta de crédito.

•

En caso de venta a través de Bidsquare, el Premium será de 23%.

Como consecuencia de la adjudicación del bien, personal de Morton presentará al comprador una hoja de adjudicación, un estado de cuenta y realizará el cierre del comprobante de la tarjeta de Crédito Bancario o American Express, según sea el caso.

Si requiere factura a nombre de su compañía, favor de solicitar al momento de liquidar, mostrando el Registro Federal de Causantes. No habrá cambios en las facturas una vez completado el trámite.

$20,000

+ $1,000

$10,000 + $500

$5,000 + $800 + $500 + $200

$1,000 + $100

$100 Gráfico de incremento de precios

GLOSARIO DE TÉCNICAS PLÁSTICAS Las técnicas pictóricas están conformadas por pigmento (sustancia que permite colorear las superficies al dejar partículas adheridas a ellas), aglutinante (que permite que la mezcla sea estable y garantiza su permanencia en el soporte) y diluyente (que permite adelgazar, homogenizar y disolver la materia). Tipos de soporte: Aglomerados: Tableros fabricados a partir de elementos fibrosos de madera prensada y unidos por medio de distintos procesos y aglutinantes; los más utilizados son: fibracel, masonite y MDF. En ocasiones llevan un recubrimiento industrial como en el caso de la melamina y formica. Cartón: Material compuesto por varias capas de papel a base de fibra virgen o de papel reciclado superpuestas. Es grueso, duro y resistente. Láminas de metal: Suelen ser de cobre o zinc. Madera: También catalogada como “tabla”. Los tipos de madera más usados en la pintura son: caoba, pino y laminados como el triplay. Papel: Hoja delgada que se hace con pasta de fibras vegetales. Puede ser de fabricación industrial o a mano, lo que brinda a las hojas distintas texturas y cualidades. Polipropileno: Polímero termoplástico, parcialmente cristalino. Se fabrica en diversos grosores y grados de flexibilidad. Tiene gran resistencia contra solventes químicos y al calor. Tela o lienzo: Usualmente preparado con una imprimatura para pintar sobre él. Los más utilizados son los fabricados en lino, yute, cáñamo, algodón o fibras sintéticas. Vinilo: Se obtiene a partir del cloruro de vinilo, un material que se usa para fabricar PVC (policloruro de vinilo), utilizado en una variedad de productos plásticos. Puede ser usado como soporte de impresión, entre sus propiedades destacan la durabilidad y la maleabilidad. También se utiliza como material de rotulación pues su alta maleabilidad permite que sea deformado y cortado, permitiendo construir siluetas y textos. Técnicas bidimensionales: Acrílico: Emulsión integrada por pigmento y cola vinílica soluble en agua que se distingue especialmente por la rapidez del secado. Acuarela: Pigmentos aglutinados con goma arábiga que al ser diluidos en agua resultan traslúcidos y ofrecen una textura visual muy ligera. Anilina: Pigmentos de origen natural, usados principalmente en la industria alimenticia. Barniz: Producto que suele aplicarse al finalizar la obra, forma una película sólida, transparente, con propiedades protectoras o decorativas. Bolígrafo: Instrumento que produce un trazo uniforme y de secado rápido. Contiene un tubo de tinta y, en la punta, una bolita metálica que gira permitiendo el dibujo. Crayón: Barra hecha con cera y pigmentos. Carboncillo: Trozo de madera carbonizada que permite trazar líneas ágiles y gradaciones. Collage: Procedimiento que consiste en pegar trozos de diferentes materiales como telas, cartón, papel, fotografías y recortes de periódicos, sobre una superficie para crear una composición. Conté: También se le conoce como lápiz de carbón compuesto, similar al carboncillo, pero ofrece un trazo más preciso al estar aglutinado con cera o arcilla. Encáustica: Pigmentos disueltos en cera que se extienden con ayuda de una espátula o pincel sobre el soporte. Se le suele aplicar fuego directo para crear diversos efectos y texturas. Esmalte: Pasta vítrea, brillante y dura, que se obtiene mediante fusión de polvo de vidrio coloreado con óxidos metálicos, y que se aplica sobre cerámica o metal. Gouache: Pintura opaca en la que los pigmentos están aglutinados con goma arábiga y mezclados con un medio inerte como el yeso, carbonato de calcio o creta. Hoja de oro: Lámina muy fina de oro batido o metal que imita metales preciosos. Se adhiere a diversas superficies previamente preparadas.

Lápiz: Barras de madera que contienen en su interior una mina de pigmento aglutinado. Los tipos más usuales son: De grafito: Su mina está compuesta de grafito (un mineral de carbono casi puro), arcilla y agua; da distintas tonalidades de gris de acuerdo al grado de dureza que tenga, en una escala indicada con las siglas H (hard) a B (black). De color: Su mina está compuesta por pigmentos de colores aglutinados con cera de abeja. Mixta: Cuando se combinan varias técnicas o se introducen elementos extra pictóricos como arena, polvo de mármol o tierra. Óleo: Pigmentos integrados con aceites y resinas vegetales, se disuelven en trementina (aguarrás). Se puede controlar su fluidez y espesor, aplicándolo de manera directa o por medio de veladuras. Pastel: Barras secas de pigmentos aglutinados con goma. Su textura permite mezclarlos o difuminarlos. Pastel graso: Combinación de pigmentos con aceite y cera. Estas barras son blandas, de consistencia cremosa y colores brillantes. Piroxilina: Laca sintética a base de nitrocelulosa; su uso es principalmente industrial. Poliuretano: Polímero que puede fabricarse para que sea rígido o flexible, por ejemplo como espuma. Sanguina: Óxido férrico aglutinado con goma arábiga que se utiliza en forma de lápiz o barra para trazar en una gama de colores rojizos. Temple: Su característica principal es la emulsión de agua y materia grasa. Los pigmentos se encuentran aglutinados con yema de huevo, caseína, goma o grasa animal. Tinta acrílica: Gracias a su base acrílica seca rápidamente, es permanente y resistente al agua. Tinta china: Está formada por partículas de pigmento negro carbón con un aglutinante de cola proteica, los cuales se disuelven en agua. Tinta saiboku: Barritas de tinta hechas con pigmentos inorgánicos y cola animal. Su color es intenso. Técnicas tridimensionales: Escultura: Obra tridimensional tallada, modelada o construida en barro, cerámica, piedra, madera, metal u otro material. Relieve: Obra adosada a un plano; adherida a una superficie que le sirve de fondo, por lo que tiene un punto de vista frontal. Las técnicas más comunes son: Fundición: Técnica para obtener esculturas en metal. Predominan dos procedimientos: la fundición a la cera perdida y a la arena. A la cera perdida: Consiste en realizar un modelo en arcilla que se recubre con una capa de cera, que a su vez se recubre con alguna sustancia refractaria y se deja endurecer. Una vez secos, se le hacen unos orificios por donde se deja salir la cera y posteriormente se rellena con bronce fundido. Al enfriarse el metal, se rompe la capa exterior de arcilla. A la arena: Consiste en dividir la pieza en diversas partes, que se ponen en cajas rellenas de arena y en las cuales se vierte el bronce líquido. Posteriormente las distintas piezas se unen mediante remaches. Ensamblaje: Técnica que consiste en pegar o soldar distintos objetos y materiales para crear una composición con tridimensionalidad. Labra: Técnica sustractiva en la que se parte de un bloque de piedra (mármol, ónix, basalto, etc.) y se desbasta con mazo y cincel, para crear una forma. Modelado: técnica aditiva que consiste en añadir materia e ir moldeándola, ya sea con las manos o algún instrumento como espátula o estiques. Los materiales más comunes son la arcilla, cerámica, cera y plastilina. Pátina: Medios químicos que posibilitan cambiar el tono de la superficie de una escultura. Su nombre proviene de emular la “pátina”, barniz o tono que adquieren ciertos objetos antiguos con el paso del tiempo. Soldadura: Procedimiento por el cual dos o más piezas de metal se unen por aplicación de calor, presión o una combinación de ambos. Talla: Técnica sustractiva que parte de un bloque generalmente de madera, el cual se va extrayendo y puliendo con mazas y gubias hasta alcanzar la forma deseada. Vaciado: Se vierte el material, que puede ser metal, plástico, resina, yeso o cerámica en un molde.

Lote 21

Lote 198

Lote 29

“Cualquier pretexto es bueno para interrumpir la marcha del tiempo [...] La fiesta es una operación cósmica: la experiencia del desorden, la reunión de los elementos y principios contrarios para provocar el renacimiento de la vida”. Octavio Paz

América Latina, despliegue extraordinario de países, culturas, etnias, religiones y lenguas; una región compleja y heterogénea, pero que comparte un pasado común y un sentido de identidad que parece unir a todo un continente. Son sus expresiones artísticas las que hoy nos reúnen y despiertan interés entre los amantes del arte. Desde hace ya algunos años el arte latinoamericano se ha perfilado como uno de los mercados con más crecimiento, para sumar a ello, desde el 3 de junio del 2010, Morton Subastas ha realizado las Subastas de Arte Latinoamericano cada semestre, atrayendo así a coleccionistas nacionales y extranjeros, interesados en adquirir excepcionales obras. A lo largo de estos 10 años hemos podido ser testigos de una parte fundamental de la historia del arte latinoamericano, hemos sido privilegiados en poder ver desfilar en nuestras subastas lienzos y esculturas, murales, y proyectos de carácter histórico, dignos de formar parte de las colecciones más importantes. Se han presenciado resultados sin precedentes y sentando las bases de la que es hoy en día la subasta más relevante de nuestro departamento de Arte Moderno y Contemporáneo. Esta edición es sin duda una celebración y por lo tanto nos hemos esmerado en contar con importantes piezas como los son los dos estudios previos que realizó David Alfaro Siqueiros para el mural "La marcha de la humanidad", que se encuentra en el Polyforum Siqueiros. Destaca también la sección de la Fundación Aceves Navarro, que en colaboración con Morton Subastas, ponen a su disposición extraordinarias obras del maestro Gilberto Aceves Navarro para recaudar fondos para programas educativos. Entre los artistas que engalanan esta subasta podemos encontrar piezas de artistas mexicanos como Joaquín Clausell, Ricardo Martínez, Jorge González Camarena, Rodolfo Morales, Alfredo Castañeda, Gunther Gerzso, y de otras latitudes como Joaquín Torres García, Manuel Mendive, Ignacio Iturria, Maikel Martínez, Roberto Fabelo, entre otros. Nos complace también presentar la primera botella de la colección Grandes Maestros, creada por Maestro DOBEL, y Francisco Toledo, uno de los artistas más reconocidos de México. Se trata de una de las últimas piezas de diseño realizadas por el maestro. Si tiene cualquier duda o simplemente quisiera un consejo o guía, nuestras especialistas con gusto lo apoyarán. Morton Subastas 19

SOFÍA BASSI

(Camerino Mendoza, Veracruz, 1913 - Ciudad de México, 1998) Sin título

Firmado y fechado 75 Óleo sobre masonite 69.5 x 60 cm Procedencia: adquirido directamente a la artista. Presenta mínimos detalles de conservación. Desde muy joven mostró una gran inquietud hacia el mundo artístico. Estudió Filosofía en la Universidad Nacional Autónoma de México y su formación en la pintura fue prácticamente autodidacta. En su madurez vivió en Acapulco y descubrió el surrealismo; desde entonces produjo un gran volumen de obra tranquila y llena de sensibilidad que fue capaz de conmover a la alta sociedad mexicana. Además, fue respetada y aplaudida tanto por artistas coetáneos como intelectuales de la época. En 1964 realizó su primera exposición individual obteniendo una crítica favorecedora; al año siguiente expuso en la Galería Plástica de México e inmediatamente después ya pudo ver su obra colgada en la Lys Gallery de Nueva York. Fue una persona espiritual, lo que se ve reflejado en ciertos elementos empleados en sus obras, de fuertes cargas simbólicas que ella misma convirtió en su propia iconografía, como el huevo y los resplandores que pinta alrededor de ciertos personajes, algunos de ellos casi fantasmales. "En la obra de Sofía Bassi se siente una gran experiencia de muchísimos años, una maestría. Y sobre todo, este mundo íntimo, este íntimo poético que nos conduce a universos oníricos. Es una pintura que realmente me emociona, de las pocas obras de la nueva escuela mexicana de pintura que realmente me conmueve". José Luis Cuevas, 1972.

Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1995. Pág. 142 y MAYORDOMO, Concha. "Mujeres en el arte: Sofía Bassi emocionaba también desde la cárcel". México. El País, sección Mujeres, 15 de noviembre del 2015.

$190,000.00-$300,000.00 M.N.

SOFÍA BASSI

(Camerino Mendoza, Veracruz, 1913 - Ciudad de México, 1998) Snow chapel

Firmado Óleo sobre masonite 35 x 80 cm Con certificado de autenticidad de Franco Bassi, hijo de la artista. "Yo descubro en la pintura de Sofía Bassi una cualidad inquietante: la que el paisaje transcurre al margen, no de un tiempo precisable, sino del tiempo en sí. Ella intuye un universo absolutamente intemporal. Esta es la primera fase de una operación mística de los sentidos […] Las ciudades que sueña Sofía Bassi están contenidas en estructuras ovoidales de espacio que envuelven todos los elementos de su mundo en una interioridad automultiplicante, de tal manera que su mundo es siempre un mundo interior de sí mismo". Salvador Elizondo. Fuente consultada: ELIZONDO, Salvador. Sofía Bassi. Los continentes del sueño. México. Artes de México, 1974, pp. 13 y 15.

$90,000.00-$150,000.00 M.N.

JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006) Gallo, 2001

Firmada Escultura en bronce a la cera perdida P / A II 31.5 x 19.5 x 9.5 cm También conocida con el título "Gallo amarillo". Con certificado de autenticidad de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., noviembre del 2019. Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2020. Una versión de esta pieza con otro número de tiraje está publicada en: Juan Soriano. Santo y seña. México. Museo Soumaya, Fundación Carso, pp. 132 y 166, catalogada 107. Existen otros formatos similares de esta obra, entre ellos una fundición fechada en 1969 y otra en 1994, una versión en cerámica en un tamaño similar y otra monumental, publicada en: MORENO VILLAREAL, José Luis et ál. Juan Soriano. Los sueños Moldeados. México. Grupo Azabache, 2005, Pág. 185 y en el sitio oficial del artista www.juansoriano.net Palomas, gorriones, cenzontles y todas las aves fueron para Juan Soriano una captura que va más allá de la simple representación de la ornitología. Desde siempre, las aves fueron un asombro para Soriano, siendo uno de los motivos principales en su obra. Durante años, dedicó una atención casi exclusiva a la realización de estas aves, encerrando en cada una formas inimaginables y combinaciones singulares que hicieron de estas, emblemas amigables con fines de contemplación. En definitiva, las aves se han convertido en el símbolo tridimensional del arte de Soriano. Ya sean pequeñas, medianas o monumentales, todas las aves de Soriano han desarrollado una presencia visual pública importante y tangible dentro del paisaje artístico urbano mexicano, las cuales podemos apreciar tanto en la Ciudad de México como en diversos estados de la República. Fuentes consultadas: PONIATOWSKA, Elena et ál. Juan Soriano. Aves de paso. España. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2006, pp. 43-49 y sitio oficial del artista www.juansoriano.net

$150,000.00-$250,000.00 M.N. 23

ANTONIO RUIZ "EL CORZO"

(Ciudad de México, 1936 - Ciudad de México, 1983) Sin título

Firmadas Acuarela sobre papel 24 x 15.5 cm cada una Piezas: 2 Cada una con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, agosto del 2020. Presentan ligeros detalles de conservación. Era conocido por sus amigos como "El Corzo" o "El Corcito", a causa de su parecido con el célebre torero Manuel Corzo Andaluz. Antonio Ruiz ingresó en 1912 a la Academia de San Carlos, donde fue alumno de Saturnino Herrán y Germán Gedovius. Dos años más tarde solicitó su cambio a la Escuela de Arquitectura, época en la que trabajó como ayudante de dibujo en la Secretaría de Comunicación y Obras Públicas. En 1925 viajó a Hollywood, California, para estudiar las estructuras de los sets cinematográficos; sin embargo, más tarde regresó a México y comenzó a dar clases en La Esmeralda, donde también fue director, y diseñó escenografías para cine y teatro. Nunca le interesó formar parte de los grupos de las vanguardias artísticas de la época, aun así, su trabajo mural fue bien recibido al igual que sus dibujos y pintura de caballete, en los cuales destacaban los temas costumbristas, en especial la vida de los barrios de la Ciudad de México. En general su producción no fue abundante, por lo que cada una de sus obras tienen un indiscutible trabajo artístico, consideradas por muchos como reliquias nacionales. María Izquierdo lo elogió diciendo: "Dibuja con precisión de arquitecto y con imaginación de poeta". Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 3, No. 35, noviembre de 1997, pp. 6-11.

$75,000.00-$100,000.00 M.N.

ANTONIO RUIZ "EL CORZO"

(Ciudad de México, 1936 - Ciudad de México, 1983) Sin título

Firmadas Acuarela sobre papel 24 x 15.5 cm cada una Piezas: 2 Cada una con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, agosto del 2020. "Las virtudes de Antonio Ruiz radican en su oficio, en haber incorporado con sabiduría las tradiciones populares, pero hay pocas reflexiones sobre el sentido de estas imágenes; más allá de sus incuestionables virtudes formales, de la maestría en el dibujo, hay en Ruiz una gran originalidad en su manera de dotarlas de varios significados en términos visuales; todo concurre hacia ello: el color, la arquitectura, las perspectivas, el lugar que ocupan las figuras, la composición: puede decirse que las imágenes están cargadas de imágenes". Rita Eder. Fuente consultada: HERRÁN GUDIÑO, Saturnino. Antonio Ruiz El Corcito. México. Ediciones Landucci, Grupo Protexa, 1998, Pág. 52.

$75,000.00-$100,000.00 M.N.

ANTONIO RUIZ "EL CORZO"

(Ciudad de México, 1936 - Ciudad de México, 1983) Sin título

Firmadas Acuarela sobre papel 24 x 15.5 cm cada una Piezas: 2 Cada una con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, agosto del 2020. A partir de 1927 expuso en diferentes ciudades de los Estados Unidos, Europa y Japón, su vida transcurrió en la ciudad de México donde desarrolló su obra. Realizó toda su corta pero rica producción en formatos muy pequeños. Se dedicó a tratar con manifiesta actitud satírica, irónica y crítica, temas que representan diversos aspectos de la vida del pueblo. Fue en este sentido un cronista de las clases bajas. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de Artistas en México. Tomo III. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997.

$75,000.00-$100,000.00 M.N.

JORGE MARÍN

(Uruapan, Michoacán, 1963 - ) Abraxas en balsa miniatura, 2011

Firmada Escultura en bronce P / A II / IV 40 x 34 x 72 cm Con certificado de autenticidad del artista. Agradecemos al Maestro Jorge Marín por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2020. Publicada en: sitio oficial del artista www.jorgemarin.com El hombre-pájaro es un personaje al que han recurrido artistas y literatos en toda la historia del arte, la filosofía y la literatura. Para Jorge Marín, sus hombres-pájaro son una forma de transmitir obsesión por la búsqueda de la belleza, la perfección y el equilibrio en el desarrollo integral del ser humano a modo de Leonardo da Vinci. Sus bronces evocan en el espectador imágenes porque juegan con el uso de los símbolos explícitos y universales y la poesía visual de las metonimias. Fuente consultada: "Expondrá en Madrid el mexicano Jorge Marín." México. El siglo de Torreón, Sección Cultura, 11 de abril del 2011.

$150,000.00-$200,000.00 M.N.

JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006) Cometa

Firmada y fechada 2003 Escultura en bronce I / VI 35 x 34 x 16 cm Con certificado de autenticidad del artista, febrero del 2003. Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2020. Nació en la ciudad de Guadalajara donde vivió hasta su adolescencia, fue en la Ciudad de México donde inició el contacto con la esfera literaria, cultural y bohemia de la época: Luis Barragán, María Izquierdo, José Chávez Morado, Olga Costa y Rufino Tamayo, por mencionar algunos. Son memorables los retratos que realizó de sus contemporáneos: Xavier Villarrutia, Elena Garro, Carmen Barreda o Lola Álvarez Bravo, género plástico por el que manifestó gran interés en la etapa temprana de su carrera. Juan Soriano permaneció alejado de la escuela nacionalista mexicana y los cánones de la modernidad, fue un artista de alta sensibilidad extendida en su colorida obra plástica.

Fuentes consultadas: MORENO VILLAREAL, José Luis et ál. Juan Soriano. Aves de paso. España. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2006, pp. 5-17 y MORENO VILLAREAL, José Luis et ál. Juan Soriano. Los sueños moldeados. México. Grupo Azabache, 2005, pp. 9-11.

$150,000.00-$220,000.00 M.N. 28

JESÚS REYES FERREIRA "CHUCHO REYES" (Guadalajara, Jalisco, 1880 - Ciudad de México, 1977) Gallo

Sin firma Anilina sobre papel de china 74 x 48 cm Agradecemos al Sr. Rodrigo Rivero Lake por la verificación de autenticidad de esta obra, junio del 2020. Presenta detalles de conservación a causa de la técnica empleada. "En 1942, Cuando Marc Chagall vino a México para realizar la escenografía del ballet 'Aleko', Jesús Reyes Ferreira tuvo la oportunidad de conocer personalmente al maestro ruso. Horas antes del inicio de la función se presentó ante él y le regaló un conjunto de 'papeles'. Un tanto sorprendido. Chagall los desenvolvió, colocándolos sobre las tablas del escenario. Fascinado ante este gesto y por la belleza de las obras, el pintor ruso lo abrazó y dándole las gracias le dijo: 'Tú eres el Chagall mexicano'. Luego el pintor ruso gozó de la hospitalidad de Reyes: pues algunos días antes de partir a Europa, vivió en su casa de la calle Milán". Lili Kassner. Fuente consultada: KASSNER, Lily. Chucho Reyes. Japón. Editorial RM, México MMI, 2000, Pág. 73.

$90,000.00-$120,000.00 M.N. 29

ALICE RAHON

(Chenecey-Buillon, Francia, 1904 Ciudad de México, 1987) Rocío y manchas solares, ca. 1950

Firmado Pastel y óleo sobre papel amate 183 x 94.5 cm Agradecemos a Oscar Román por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2020. Presenta detalles de conservación. Alice Rahon comenzó a dibujar desde temprana edad, un pasatiempo que le sirvió de terapia cuando estuvo en reposo en dos ocasiones por diferentes accidentes, un hecho que le marcó de por vida y se reflejó en su producción artística. A principios de la década de 1930 contrajo matrimonio con Wolfgang Paalen, esta unión le permitió relacionarse con el grupo surrealista, principalmente con Antonin Artaud y André Bretón. Con ellos compartía ideas y posturas artísticas, influyeron de manera directa y decisiva en la sensibilidad de Alice Rahon y en su necesidad de expresarse de una forma nueva. A partir de su llegada a México en 1939, por invitación de Frida Kahlo, se dedicó a la pintura explorando diversas técnicas que enriqueció con arenas y esgrafiados. Al año de su estancia en nuestro país, participó en la "Exposición internacional del Surrealismo" organizada por César Moro y Paalen en la Galería de Arte Mexicano; parte aguas que le permitió posteriormente exponer de manera regular en México, Nueva York, París y Líbano. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo III. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 104.

$420,000.00-$600,000.00 M.N.

"El Pato", fundición fechada en 1991, colección Marek Keller

JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006) El Pato

Firmada y fechada 1989 Escultura en bronce P / A 196 x 47 x 113 cm Con certificado de autenticidad de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., enero del 2009. Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2020. Existe otra versión con formato similar a esta, fechada en 1991, publicada en: PITOL, Sergio. Juan Soriano. La creación como libertad. México. MARCO, CONACULTA, INBA, 2000, Pág. 160, una versión monumental en: MORENO VILLAREAL, José Luis et ál. Juan Soriano. Los sueños Moldeados. México. Grupo Azabache, 2005, Pág. 185 y en el sitio oficial del artista www.juansoriano.net Presenta detalles de conservación en la patina. Considerado como uno de los artistas más prolíficos de su época, Juan Soriano se mantuvo activo hasta sus últimos días. Entre los reconocimientos otorgados al artista destacan el Premio Constancia Especial al Mérito por parte del Presidente Manuel Ávila Camacho, el Premio Nacional de las Artes, la medalla del Oficial de la Cruz del Mérito, otorgada por el Presidente de la República de Polonia y la Legión de Honor por parte del gobierno de Francia. Juan Soriano fue el primer personaje no español en recibir el Premio Velázquez de las Artes Plásticas en el Museo del Prado. Fuentes consultadas: MORENO VILLAREAL, José Luis et ál. Juan Soriano. Aves de paso. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. España. 2006, pp. 5-17 y MORENO VILLAREAL, José Luis et ál. Juan Soriano. Los sueños Moldeados. México. Grupo Azabache, 2005, pp. 9-11.

$750,000.00-$900,000.00 M.N.

GUNTHER GERZSO

(Ciudad de México, 1915 - Ciudad de México, 2000) Sin título

Firmada y fechada 98 Escultura en bronce 6 / 6 61.2 x 29.8 x 12.5 cm Presenta detalles de conservación. Gunther Gerzso nació en el seno de una familia multicultural, hijo de un inmigrante húngaro y una cantante y pianista berlinesa. A pesar de haber sido educado en Europa, su formación artística se estructuró a su llegada a México, donde inició haciendo escenarios para obras de teatro; no obstante, su mayor producción de estos diseños se desarrolló en 1935 cuando obtuvo una beca para estudiar en Cleveland Playhouse. Para la década de los 40, a su regreso a México, participó en diversas actividades cinematográficas, trabajando con Luis Buñuel, John Ford e Yves Allegret, entre otros. Estas actividades fueron objeto de un homenaje póstumo en el año 2000 al entregarle el Ariel por su aportación al cine mexicano. La pintura y la escultura fueron para él un amor secreto, trabajos que realizó inspirados en el surrealismo y objetos geométricos. En 1950, Inés Amor le organizó su primera exposición en la Galería de Arte Mexicano, lugar donde expuso periódicamente con gran éxito; fue la época en la que decidió dedicarse por completo a la pintura. En 1970, el Museo de Phoenix, Arizona, le dedicó una exposición retrospectiva y en 1973 recibió la Beca Guggenheim. Posteriormente, su trabajo fue expuesto, además de en galerías mexicanas, en destacadas instituciones de Nueva York y París. Fuente consultada: "Inmigración y diversidad cultural. Los mexicanos que nos dio el mundo". México. Nación Multicultural UNAM, 2001.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. 32

CARLOS MÉRIDA

(Quetzaltenango, Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) Alom y el Oráculo, boceto, ca. 1968

Firmado Lápiz de grafito y lápices de color sobre papel albanene 62 x 53 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, agosto del 2020. Al tratarse de un boceto, presenta detalles de conservación normales por el uso. Carlos Mérida fue un relevante artista guatemalteco, nacionalizado mexicano, de la segunda mitad del siglo XX. Desde sus inicios, fue un pintor sumamente apegado a la idea de siempre experimentar con los cambios, jugaba y gozaba su trabajo. En 1912, viajó a París para involucrarse más con las vanguardias, sus estudios lo llevaron a viajar por otros países de Europa y a diversos países de Latinoamérica, hasta que se trasladó a México, país donde radicó un poco más de treinta años, tras destacar dentro del limitado círculo de artistas muralistas y colaborar con los tres grandes: Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco. Desde antes de llegar a nuestro país, sus obras ya abordaban múltiples temas relacionados a la cultura prehispánica, algunas se resumían a figuras y signos mayas. En el caso de este boceto, interpreta a Alom, dios creador en la cosmogonía maya. Obras como esta sintetizan el finísimo colorista que era Mérida y su gusto por el juego geométrico y las estilizadas líneas que narran la íntima relación del artista con la historia y su sensibilidad por el lenguaje de las culturas populares. Fuentes consultadas: DE LA TORRE, Mario. Carlos Mérida en sus 90 años. México. Cartón y papel de México S.A de C.V, 1981, Pág. 30 y CARDOZA Y ARAGÓN, Luis. Carlos Mérida. Color y forma. México. CONACULTA, 1992, pp. 42-44.

$120,000.00-$150,000.00 M.N. 33

CARLOS MÉRIDA

(Quetzaltenango, Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) Florilegio de formas, boceto, ca. 1973

Firmado Lápiz de grafito y lápices de color sobre papel albanene 61 x 51 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, agosto del 2020. Al tratarse de un boceto, presenta detalles de conservación normales por el uso. "Hay en su pintura, a medida que se observa más detenidamente, una íntima calidad emocional que resulta de la sutil combinación de una supersimplicidad de materia unida a una deslumbradora y decorativa belleza. Generalmente, en la composición de sus pinturas. Mérida desecha lo innecesario no esencial; cada cosa está simplificada a lo mínimo y entonces, en violentos contrastes, equilibra las masas de su composición, de acuerdo con un ordenamiento ya previsto. La composición generalmente está basada en la pirámide. Esto es histórico, sin embargo, original: recuerda las más fluidas composiciones de los modernos: Picasso, con sus péndulos, por ejemplo". Luis Cardoza y Aragón, 1992. Fuente consultada: CARDOZA Y ARAGÓN, Luis. Carlos Mérida. México. CONACULTA, Ediciones Era, 1992, Pág. 20.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. 34

GUNTHER GERZSO

(Ciudad de México, 1915 - Ciudad de México, 2000) Los instrumentos del deseo

Firmada y fechada 97 Escultura en bronce 6 / 6 53.5 x 41.5 x 16 cm "La obra de Gerzso representa una búsqueda de lo sublime, originada en la exaltada ambición de explorar las complejas emociones humanas, lo cual vincula al artista y a su obra con México; tiene que ver con la identidad personal y un tema que abarca toda su vida: la redefinición del indigenismo por medio del lenguaje visual de la abstracción. "Gerzso creía en la espontaneidad, pero deliberadamente equilibrada. Si bien su aproximación cuidadosa y racional al crear arte se revela en su estructura arquitectónica y su proceso creativo. Habiendo sido educado en Europa, estaba empapado de la técnica de los maestros de la vieja escuela, en la medida que desarrolló su propia forma de abstracción expresiva, conocimientos que le resultaron fundamentales". Diana Du Point. Fuente consultada: DU POINT, Diana. El riesgo de lo abstracto: el modernismo mexicano y el arte de Gunther Gerzso. México. Santa Bárbara Museum of Art, 2003, Pág. 147.

$180,000.00-$250,000.00 M.N.

RICARDO REGAZZONI

(Ciudad de México, 1942 - ) De la serie Penis Totems

Sin firma Acrílico y hoja de oro sobre páneles de madera montados en metal 244 x 61.5 cm cada uno 244 x 495 cm medidas totales, las cuales pueden variar según el acomodo Piezas: 8 Procedencia: adquirido directamente al artista. Presentan desprendimientos de capa pictórica, bisagras y patas faltantes. $850,000.00-$1,500,000.00 M.N.

Estudió Arquitectura en la Universidad Nacional Autónoma de México. Posteriormente el Gobierno de Francia le otorgó una beca para estudiar en la Universidad Dauphine en París. Trabajó con Luis Barragán, quien lo ayudó a conseguir la Beca Fullbright con la cual pudo estudiar en la Smithsonian Institution en Washington, D.C. Trabajó también con Vicente Rojo, quien lo impulsó a introducirse en el mundo artístico. A lo largo de más de cuarenta años de trayectoria, ha expuesto en ciudades como Nueva York, Seúl, París y Amsterdam. En México ha exhibido en la Galería de Arte Mexicano, la Casa Luis Barragán y algunas de sus obras se encuentran en el Paseo Escultórico Nezahualcóyotl en el Estado de México y en el jardín escultórico del Bosque de Aragón en la Ciudad de México. Fuente consultada: sitio oficial del Museo Amparo www.museoamparo.com

PEDRO CORONEL

(Zacatecas, 1923 - Ciudad de México, 1985) Año uno Luna 2

Firmado y fechado Roma 69 al reverso Óleo sobre lino 115.5 x 89 cm Con recibo de consignación de Galería de Arte Mexicano, octubre de 1994 y recibo de compra de Galerías Enrique Romero, noviembre de 1995. Con fragmento de etiqueta de Galería de Arte Mexicano. Presenta craqueladuras y desprendimiento de capa pictórica. Pedro Coronel se desligó de las tendencias pictóricas del ámbito nacional a partir de los años 60 para tomar un camino más personal, a lo cual contribuyeron sin duda sus prolongadas estancias en el extranjero. Residió en París y Roma por casi dos años. Fue ahí donde realizó la serie Año uno Luna. A su regreso a México presentó una exhibición en el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México en donde parte de esta serie estuvo expuesta y en la cual los críticos pudieron admirar ese cambio personal, donde la obra muestra un olvido por las texturas, el uso de planos lisos, una vivencia fuerte del color que fluye sin ataduras ni intenciones anecdóticas, una pintura mucho más espacial, sin perspectivas ni engaños superficiales. Tras haberse desarrollado como un gran colorista en años anteriores, realizó obras que sin marcar periodos se dividieron en dos maneras de expresión; la de los planos lisos yuxtapuestos que construyen imágenes ideales y la de los planos de texturas ásperas que añadían sensualidad a las formas. Esto, en combinación con los temas humanistas en su producción como la frecuente insinuación a la muerte, así como el mundo de los astros, decantó en las obras que realizó a finales de los sesenta en Italia, compuestas por planos multicolores ya sin preocupación por las texturas, lisos y formas claras y recortadas. A medida que transcurrieron sus etapas creativas, se afirmó como pintor de una realidad cósmica, encontrando en ella lo simbólico de la naturaleza. "¿Qué era el color para Pedro Coronel? Desde sus primeras obras, aquellas realizadas en la infancia, podemos observar que la gama cromática era un acertijo para el creador, una encrucijada que lo mantenía al borde, ya que sus propuestas colorísticas no siempre relatan lindes con tramas hegemónicas. Muchas veces cuando observamos las obras de este genial autor, nos encontramos con un código que nos presenta la relación del ser humano y el desasosiego, tema que le interesó al artista durante toda su producción, ya que la lucha de los contrarios fue siempre un estado filosófico que le asombró: vivía entre la fascinación y el insomnio. El pintor al observar la incógnita tocante a la carga afectiva de la gama cromática, que en su caso fue de origen intuitivo, interpretó con un sentido agudo, que las emociones se pueden personificar a través de las tonalidades y que con lo anterior realizaba una función expresiva que definió su estructura ideológica". Juan Rafael Coronel Rivera.

Fuentes consultadas: CORONEL RIVERA, Juan Rafael. Pedro Coronel. El espíritu del color. México. Gobierno del estado de Veracruz, Instituto Veracruzano de Cultura, 2012, Pág. 3 y en CORONEL ORDIALES, Martín et ál. Pedro Coronel. México. Grupo Financiero Bital, 1993, pp. 183 y 185.

$1,500,000.00-$2,200,000.00 M.N. 38

FELICIANO BÉJAR

(Jiquilpan, Michoacán, 1920 - Ciudad de México, 2007) Flor magiscópica doble

Firmada y fechada 2003 Escultura en acero y cristal tallado 65 x 50.3 x 23 cm Agradecemos a Martín Feliciano Béjar y a Martin Foley por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2020. Al principio de su carrera, Feliciano Béjar se dedicó a recorrer el mundo. En 1948 presentó su primera exposición en Ward Eggleston Galleries en Nueva York. Continuó su formación en los museos de París y recorrió Europa en bicicleta. En 1956, mientras vivía en París, un nuevo elemento asomó con insistencia en su obra: las luces a manera de pequeños soles. Su biógrafo, Martin Foley, lo bautizó como "el recolector de soles". Fue en México donde se involucró en la construcción de instrumentos "poblados de luz". Los soles escaparon de sus lienzos y maderas para convertirse en los ojos de sus nuevas esculturas. Así nacieron las obras bautizadas por Jorge Hernández Campos como magiscopios: instrumentos de acero reciclado con lentes encapsulados. La llegada de estas creaciones al Palacio de Bellas Artes, en 1966, constituyó la apertura a toda una generación de escultores vanguardistas y significó la ruptura de moldes tradicionales. Impuso una nueva forma de entender el arte como un juego, una actividad lúdica en esencia.

Fuente consultada: MATEOS, Mónica. "Murió Feliciano Béjar, impulsor de un arte al servicio de la sociedad". México. Diario La Jornada, sección Cultura, 2 de febrero del 2007.

$150,000.00-$200,000.00 M.N. 40

FERNANDO GARCÍA PONCE

(Mérida, Yucatán, 1933 - Ciudad de México, 1987) Sin título 76-14

Firmado y fechado 76 al reverso Óleo sobre tela 150 x 110 cm Publicado en: BORRÀS, María Lluïsa. Fernando García Ponce. México. Fomento Cultural Banamex, 1992, Pág. 177 catalogado 109. Presenta detalles de conservación. Habiendo estudiado Arquitectura en la UNAM y practicante en el taller del valenciano Enrique Climent, sus primeros trabajos se vieron influenciados por composiciones simétricas, parteaguas a lo que sería su dominio pleno: el geometrismo. Al reconocer su pasión por la pintura, abandonó su licenciatura y viajó a Europa, visitando París, donde estudió las obras de los grandes maestros. A su regreso a México, montó su primera exposición individual en la Galería de Arte Mexicano, en la cual incluyó óleos con temas de naturalezas muertas, no obstante fue la serie de collages la exhibición por la cual se hizo acreedor a una Mención Honorífica en el Salón de la Plástica Mexicana.

Posteriormente inició su época abstracta, participando con pinturas de mediano y gran formato en la Colectiva de Pintura Contemporánea de México y América del Sur, Colectiva de Arte Actual de América y España realizada en Madrid, así como exposiciones adyacentes en la Galería Juan Martín y Galería de Arte Mexicano. Durante el verano de 1976 viajó nuevamente a París, pasando también una temporada en Barcelona, donde realizó una serie de obras gráficas. La pintura de Fernando García Ponce explora y traza las líneas temporales que empezaron en las primeras vanguardias europeas a las que ocurrían en aquel momento; analizaba los procesos mentales que iban de Paul Cézanne a Georges Braque, siguiendo una transformación del objeto a estructura, ordenando sus sensaciones en planos o por el contrario, dividiendo espacios con la meta de no alterar las formas.

Fuentes consultadas: BORRÀS, María Lluïsa. Fernando García Ponce. México. Fomento Cultural Banamex, 1992, pp. 155 - 158, GARCÍA PONCE, Juan. "Vida, formas y muerte de pintor". México. Revista Vuelta, No. 249, agosto de 1997 y en sitio oficial del artista www.fernandogarciaponce.com

$400,000.00-$600,000.00 M.N. 41

ÁGUEDA LOZANO

(Cuauhtémoc, Chihuahua, 1944 - ) Expansión 121

Firmado y fechado 1987 Acrílico sobre tela 129 x 129 cm Con etiqueta de Arte Núcleo Galería Con copia de certificado de Arte Núcleo Galería firmado por la artista, diciembre de 1989. Su obra es compacta, racional, con tintes glaciales pese al furor de algunos de sus tonos; resulta eminentemente reflexiva, sobre todo si la confrontamos con otras grandes pintoras mexicanas, como Cordelia Urueta, Lilia Carrillo o Irma Palacios, proclives al lirismo abstracto. Al igual que Kazimir Malevich, Josef Albers y Gunther Gerzso, influencias de sus primeros años, se ha empeñado en abolir las distancias entre el tiempo y el espacio, logrando ciertos tintes deconstructivistas. "Al contacto de su personalidad tierna aunque vigorosa, la geometría, sin dejar de serlo, empieza a florecer. El hermoso desierto de los rectángulos se puebla de formas orgánicas, a la vez vagas y precisas; pequeños paisajes urbanos brotan de ellos, como fatas morganas". Fernando Gamboa. Fuente consultada: SÁINZ, Luis Ignacio. Águeda Lozano. México. Fondo Editorial de Nuevo León, 2009.

$120,000.00-$200,000.00 M.N. 42

GUNTHER GERZSO

(Ciudad de México, 1915 - Ciudad de México, 2000) Tihuanacu Revisted

Firmada y fechada 50 al frente Firmada y fechada México 1950 al reverso Acuarela sobre papel 35 x 47.8 cm Con dedicatoria al reverso. Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, febrero del 2020. "Los títulos de muchos de los cuadros de Gerzso aluden a paisajes de México y Grecia. Otros a espacios más bien imaginarios. Paisajesmitos y no paisajes míticos. Todos ellos revelan la sed de otro espacio del pintor-poeta […] La pintura de Gerzso es una tentativa por responder a esta pregunta, tal vez la pregunta clave del erotismo y, claro, raíz del sadismo. Violencia pero, en el otro extremo, la geometría, la búsqueda del equilibrio. Cada cuadro tiende a inmovilizarse no en el reposo sino en una tensión: pacto de muchas fuerzas adversas, convergencias, nudos magnéticos […] Esta pintura tan rigurosa y exquisitamente pintura reposa sobre una hendidura de tiempo. Geometrías de fuego y hielo construidas sobre un espacio que se desgarra: abolición de las leyes de gravedad". Octavio Paz. $550,000.00-$700,000.00 M.N.

VICENTE ROJO

(Barcelona, España, 1932 - ) 801, de la serie México bajo la lluvia

Firmado y fechado París, 1980 al reverso Óleo y acrílico sobre tela 80.5 x 80 cm Agradecemos al Maestro Vicente Rojo por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2020. Con dos etiquetas de Colección Andrés Blaisten. Presenta detalles de conservación. Vicente Rojo vivió duras experiencias en su juventud, ya que le tocó presenciar la Guerra Civil Española y su familia se vio obligada a huir a Francia, pues su padre militaba con el Partido Comunista Catalán y su tío por otro lado era el jefe del Estado Mayor del Ejército Republicano. Después de una estancia de meses en territorio francés, aún era alto el riesgo de regresar a España, así que se trasladaron a México, llegando a nuestro país en 1949, obteniendo la nacionalidad mexicana al poco tiempo. Adoptó México con facilidad, incluso como su patria, y con rapidez conoció gente importante del medio artístico, aprendió la cultura y aprovechó todas las oportunidades para aprender y estudiar. En 1950 ingresó a La Esmeralda y en 1958 realizó su primera exposición en la Ciudad de México con gran éxito. Desde entonces su desempeño como pintor y diseñador gráfico, así como su infatigable labor intelectual han sido aportaciones esenciales para la cultura en México. Actualmente es un afamado intelectual, un reconocido diseñador cofundador de Editorial Era, un destacado miembro de la generación de La Ruptura y un sobresaliente artista plástico. Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 7, No. 56, marzo-abril del 2002, pp. 5-8 y DEL CONDE, Teresa et ál. Variantes. Ocho pintores. México. Impronta Editores, 1999, Pág. 62.

$360,000.00-$500,000.00 M.N. 44

VICENTE ROJO

(Barcelona, España, 1932 - ) 108, de la serie México bajo la lluvia

Firmado y fechado México,1982 Acrílico sobre tela 100 x 100 cm Agradecemos al Maestro Vicente Rojo por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2020. Con dos etiquetas de Colección Andrés Blaisten. En 1981, Vicente Rojo realizó la serie "México bajo la lluvia", un homenaje a su admiración por México. Ejecutó diversas piezas, todas ellas en distintas técnicas y colores, las cuales trabajó hasta 1984. La idea inicial nació durante su estancia en Barcelona, posteriormente trató de desarrollarla en París pero terminó ejecutándola en México. Es así, que tras remembranzas de ver la lluvia caer, admiración por las formas de las antiguas pirámides y amor por los textiles indígenas, hizo que su arte fuese parte de la naturaleza mexicana. "Voy a ponerte un cuchillo en la mano para que desentierres a la lluvia y examines la locura de sus transformaciones. La lluvia es un diamante sucio: míralo. Escucha sus organismos tenues y toca sus fragores vegetativos. Te daré oscuridad para que de la lluvia saques el día, inventes las toscas nubes y deshagas el cielo. Abre la boca y verás. Cuando cierres los ojos, la tumba de tu cuerpo será la noche fresca. La mirada y las voces de la lluvia te irán desenterrando: caminarás al filo de tu propio cuchillo, transformándote". David Huerta, fragmento del poema de la carpeta "Lluvias de noviembre". Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de arte mexicano, año 7, No. 56, marzo-abril del 2002, Pág. 9.

$440,000.00-$600,000.00 M.N. 45

BEATRIZ ZAMORA

(Ciudad de México, 1935 - ) El negro #2420

Firmada y fechada 1999 al reverso Mixta sobre tela 150 x 100 cm Presenta ligero desprendimiento de capa pictórica. Inició su formación con maestros particulares de pintura y cerámica, para posteriormente estudiar en la École des Beaux-Arts en París. Desde 1962 ha realizado más de 80 exposiciones individuales en México y en el extranjero. Más de cincuenta años de trayectoria, ochenta y cinco de vida, Beatriz Zamora es fuerte, poderosa y libre; ella es hija del universo. Ha sido la única mujer artista mexicana capaz de crear un sinnúmero de obras de arte con un solo color: el negro. El negro es el silencio, es la creación y el absoluto. Sus obras se rebelan ante los cánones preestablecidos 46

y hablan por sí solos, feroces, apasionados, llámese incluso primitivos. Sus materiales, frutos de la naturaleza, surgen de la profundidad de la tierra para servir como un portal hacia lo infinito: carbón vegetal, carburo de cilicio, acerina, negro de humo, obsidiana son algunos de los elementos utilizados para crear estos portales hacia la contemplación. "En las obras de Beatriz el tamaño no parece importante. Hay piezas pequeñitas que son universos fascinantes y de un gran contenido poético, tan rico como las de gran formato. Cada pieza es como un fragmento de la noche". Eduardo Rubio.

Fuentes consultadas: RUBIO, Eduardo. Historia de una artista excepcional. México. Ediciones Castillo, 1998, Pág. 8 y texto de sala de la muestra "El negro de Beatriz Zamora. Una celebración de vida", presentada en Galería Enrique Guerrero en 2015.

$180,000.00-$250,000.00 M.N.

FRANCISCO MORENO CAPDEVILA

(Barcelona, España, 1926 - Ciudad de México, 1995) Orfeo, de la serie Nocturnos urbanos

Firmado y fechado 73 Acrílico sobre masonite 80 x 80 cm Exhibido en: "Capdevila, visión múltiple 1987", muestra individual presentada en el Museo del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, de mayo a agosto de 1987. Catalogado en: RODRÍGUEZ, Antonio et ál. Capdevila, visión múltiple 1987. México. Museo del Palacio de Bellas Artes, 1987, Pág. 126, cat. 30. Con etiqueta del Museo del Palacio de Bellas Artes. Al llegar a nuestro país a la edad de 13 años como refugiado político, adoptó la nacionalidad mexicana. Su obra abarca pintura, grabado, mural, dibujo y diseño gráfico. Se hizo acreedor a 11 premios y menciones honoríficas, entre las que destacan el Primer Premio de Grabado del Salón Nacional de Grabado, INBA, en 1955, el Primer Premio de Adquisición de Pintura del Salón de la Plástica Mexicana, INBA, en 1962 y 1967 y la Medalla de Oro de la Tercera Bienal Internacional de Gráfica de Arte de Florencia, Italia, en 1972. "Si en algunos casos, en gran número de sus cuadros, hay pinceladas que en cierto modo simulan la incisión, la hendidura, que pudieran llevarnos a la impresión de pintura imitativa de otras técnicas de expresión gráfica, en general nos encontramos con un pintor de grandes recursos en el empleo de sus medios pictóricos de expresión". Pablo Fernández Márquez. Fuentes consultadas: RODRÍGUEZ, Antonio et ál. Capdevila, visión múltiple 1987. México. Museo del Palacio de Bellas Artes, 1987, Pág. 114 y PONCE, Armando. "Investigación exhaustiva sobre Moreno Capdevila, en el soporte de su gran retrospectiva". México. Proceso, 9 de mayo de 1987.

$75,000.00-$95,000.00 M.N. 47

GUNTHER GERZSO

(Ciudad de México, 1915 - Ciudad de México, 2000) Sin título

Firmada y fechada 98 Escultura en bronce 6 / 6 44.2 x 15.6 x 23 cm "A Gerzso le apasionó una imagen de la realidad con estilo diferente de sus coetáneos. Su planteamiento fue tan radical que su resultado es totalmente de otra índole. La pintura en sí misma es su propio contenido. Un arte de relaciones y proporciones puras basado en ritmos dinámicos. No deseó representar ningún antecedente directo de la pintura, del mundo de la experiencia objetiva. Sino pintar estructuras mentales, sonoras de reflejos recíprocos, ejerciendo influjo sobre el sentimiento y la inteligencia, comunicando una vivencia hecha visible, hecha real". Luis Cardoza y Aragón. $120,000.00-$200,000.00 M.N. 48

GUNTHER GERZSO

(Ciudad de México, 1915 - Ciudad de México, 2000) Sin título

Firmada y fechada 97 Escultura en bronce 6 / 6 51.5 x 36 x 6.7 cm "Mis esculturas y cuadros deben mostrar la misma sensibilidad. La diferencia entre ellas radica en los materiales y las técnicas usadas, pero no creo que el bronce contribuya nada especial al carácter o emoción de lo que hago. es sólo una manera distinta de hacer visible esta emoción". Gunther Gerzso. Fuente consultada: TOVAR Y DE TERESA, Rafael et ál. Libertad en Bronce. México. Impronta Editores, 1999.

$120,000.00-$200,000.00 M.N. 49

JOSÉ LUIS CUEVAS

(Ciudad de México, 1934 - Ciudad de México, 2017) El sueño

Firmado y fechado 13 sep 03 Acrílico sobre tela 119.5 x 150 cm Presenta ligeros detalles de conservación. Estudioso de la figura humana y el lenguaje corporal, fue pintor, dibujante, escultor, artista gráfico e ilustrador de libros. A edad prematura ingresó a la Escuela Nacional de Artes Plásticas y fue acreedor a numerosos premios de dibujo. Su obra es resultado de la observación y un alto grado de sensibilidad, contiene una gran carga narrativa de los acontecimientos alejados en todo momento de un estilo clásico o nacionalista, aspecto que otorga valor trascendente definida como realismo pictórico. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte mexicano, 2011, Pág. 5.

$350,000.00-$500,000.00 M.N.

JOY LAVILLE

(Wight, Inglaterra, 1923 - Cuernavaca, Morelos, 2018) Sin título, de la serie Mujer arreglando flores

Firmado al frente. Fechado 1997 al reverso Óleo sobre tela 150.5 x 120 cm Agradecemos al Dr. Salomon Grimberg por la revisión de esta obra, octubre del 2020. Presenta detalles de conservación. "Son varias las virtudes que caracterizan la pintura de Joy Laville: la extraordinaria delicadeza de sus colores, la levedad de sus contrastes cromáticos y la armonía impregnada en sus superficies. Su composición, por otro lado, hállase regida por un sentido muy original de espacio, en el que las formas son distribuidas asimétricamente y se mueven suave e imperceptiblemente, pareciéndonos que todo se encuentra en calma. Si bien sus paisajes, figuras e interiores, provienen de la realidad, Joy Laville se apropia de estas realidades sumiéndolas en un clima onírico y dándonos la impresión de que la materia de sus cuadros estuviese hecha de sueños. Son obras poéticas de cuyo exquisito refinamiento emanan sutiles armonías que, propias de mundos luminosos y transparentes, nos invaden de felicidad". Fernando Gamboa. Fuente consultada: Joy Laville. Un mundo luminoso y transparente. México. Museo de Arte Moderno, INBA, 1977.

$850,000.00-$1,000,000.00 M.N. 51

JESÚS GUERRERO GALVÁN

(Tonalá, Jalisco, 1910 - Cuernavaca, Morelos, 1973) Sin título

Firmada y fechada 37 Acuarela sobre papel 37 x 26.5 cm Agradecemos a Flora y Miguel Ángel Guerrero, hijos del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2020. Jesús Guerrero Galván es considerado un artista clásico de la Escuela Mexicana de Pintura y su mejor obra de caballete se caracteriza por el excelente manejo del nacionalismo, el cual está reflejado también en la técnica aprendida de los modelos clásicos. Otros temas de su pintura se enfocan principalmente en lo cotidiano y la cultura popular; en cambio los asuntos políticos no se hacen presentes, a pesar de que existe cierta referencia a ello, como una denuncia sutil mediante la propia imagen. Es así que mediante una visión realista y muy particular, formó su propio lenguaje rescatando la dignidad de mujeres y niños indígenas. La clave de sus obras está en los personajes modelados, fondos luminosos, espacios compositivos y la presencia de tonos azules, ocres y rosados que brotan libremente con el único fin de transmitir una estética poética y sublime. Fuentes consultadas: DE LA CALLE PARDO, María Teresa. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pp. 300-304 y TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 120.

$90,000.00-$150,000.00 M.N. 52

JOY LAVILLE

(Wight, Inglaterra, 1923 - Cuernavaca, Morelos, 2018) El reposo

Firmada y fechada 2000 Escultura en bronce VII / IX 61 x 113 x 44 cm Con certificado de autenticidad de la artista, marzo del 2011. Agradecemos al Dr. Salomon Grimberg por la revisión de esta obra, octubre del 2020. Existe otra versión de esta pieza con otro número de tiraje publicada en: TOVAR Y DE TERESA, Rafael et ál. Libertad en bronce. México. Impronta Editores-Agua tinta A.C., 1999, pp. 216 y 217. Joy Laville fue una artista inglesa nacionalizada mexicana especializada en pintura al óleo, acrílico y pastel, así como grabados al aguafuerte, serigrafías y una que otra experimentación escultórica, las cuales en su mayoría son piezas con temas de desnudos femeninos. Sin embargo, ya sea de hombre o mujer, en sus desnudos gustaba expresar sensualidad y un cierto júbilo que provenía de su propia realidad, por otra parte son piezas que se sumergen en un clima onírico dando la impresión de que también emanan de un sueño. Entre sus esculturas destacan las realizadas para el proyecto "Libertad en bronce, 2000", la primera muestra planeada por Isaac Masri para ser exhibida en el Paseo de la Reforma en la Ciudad de México, la cual incluyó 88 obras de 11 renombrados artistas. La invitación a esta exposición fue la primera experiencia de Joy Laville con la escultura monumental, ya que anteriormente solo había trabajado piezas en barro a pequeña escala. Para esta exhibición fue que realizó "El reposo", así como "Dos mujeres", "La silla" y "Niño y borreguito" entre otras. "La mujer parece levitar, reclinada sobre una banca que no impide imaginarla como una isla flotante, rodeada de aire. Improbable cariátide, que no soporta ningún techo […] Aquellos cuerpos desnudos tienen los ojos semi-cerrados, la mirada hacia dentro. Miran hacia el espacio interior para reconocer, en su infinita vulnerabilidad, lo insondable de su fortaleza. Son esculturas densamente materiales, masivas, trabajadas a veces por surcos, como la tierra […] No importan los rasgos de los rostros si no el aliento que les confiere un alma, un afán que estuvo en su pintura y está ahora en su escultura".Julieta Campos, fragmento del texto "Islas", del proyecto "Libertad en bronce". Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 242 y TOVAR Y DE TERESA, Rafael et ál. Libertad en bronce. México. Impronta Editores-Agua tinta A.C., 1999, Pág. 204.

$150,000.00-$250,000.00 M.N.

FRANCISCO ZÚÑIGA

(San José, Costa Rica, 1912 - Ciudad de México, 1998) Rosa, desnudo de espalda

Firmado y fechado 1980 Carboncillo sobre papel 70 x 50 cm Con certificado de autenticidad de Galería Misrachi, septiembre de 1993. Agradecemos al Sr. Ariel Zúñiga por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2020. Esta obra será incluida en: Francisco Zúñiga: catálogo razonado. Volumen V. México. Fundación Zúñiga Laborde. Presenta ligeros detalles de conservación. "La base en la obra plástica de Francisco Zúñiga fueron siempre sus apuntes y dibujos que denotaron una gran sensibilidad, así como una perfecta manufactura, lograda por medio de escasas líneas. Posiblemente, ese trazo tan libre y espontáneo era el que conseguía captar y transmitir el estado de ánimo y la psicología de sus modelos. Para él, la mujer representaba abundancia y fertilidad, de ahí que sus volumetrías fuesen siempre tan contundente". Nuri Karina Contreras Martret. Fuente consultada: CONTRERAS MARTRET, Nuri Karina. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 702.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. 54

LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014) Sin título

Firmado y fechado 56 Óleo sobre tela 118 x 78 cm Con certificado de autenticidad de Adriana Nishizawa Zepeda, febrero del 2019. Agradecemos a Gabriel Nishizawa por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2020. Presenta craqueladuras y detalles de conservación. Su formación artística comenzó en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, donde tuvo como maestro a Antonio Rodríguez Luna, José Chávez Morado y Alfredo Zalce. No obstante, también su legado familiar, tanto mexicano como japonés, congeniaron e

influyeron en la formación de su peculiar estilo. Con el tiempo, formó un extenso conocimiento de técnicas pictóricas, experimentando con acuarelas, temples, óleos, encáustica, cerámica y técnicas orientales como la tinta saiboku. Dentro de esta vasta producción, abordó temas de preocupación social, recurriendo a la figura humana, en especial la femenina. El retrato fue un género complicado para él, sin embargo lo representó con gran excelencia, ya que más que atender una problemática social, plasmó la serenidad de sus modelos, mostrando la dignidad indígena sin folclor alguno, simple y natural.

Fuente consultada: CASTILLO SÁMANO, María del Socorro. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 470.

$330,000.00-$450,000.00 M.N. 55

GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - 2003) Sin título, de la serie Niños Mexicanos

Firmado Óleo sobre tela 55 x 45 cm Gustavo Montoya fue un artista mexicano perteneciente a la llamada Escuela Mexicana de Pintura. Se deleitó experimentando con nuevas técnicas y temas, así como colores y formas que obedecían a la inspiración del artista. Entre sus obras más conocidas destacan las naturalezas muertas y las referentes a los niños, piezas de gran demanda tanto en México como en el extranjero por la excelente narrativa y espontaneidad plástica dedicada a las tradiciones populares mexicanas. La serie de "Niños Mexicanos" está vinculada con la identidad nacional, niños de tez morena y rasgos indígenas que equilibran la etapa de construcción cultural. Tanto pinturas como esculturas de la serie de "Niños Mexicanos" fueron presentadas en repetidas ocasiones en el Palacio de Bellas Artes, en la exposición "Retrato Mexicano" en 1961 y en la exposición "Maestros de la Pintura Mexicana" en 1976. Fuentes consultadas: RULFO, Juan et ál. Gustavo Montoya. México. Litógrafos unidos A. S., 1981, pp. 77-79 y LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 4, No. 40, julio - agosto 1999, pp. 10 - 12.

$280,000.00-$320,000.00 M.N. 56

GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 2003) Sin título, de la serie Niños Mexicanos

Firmado Óleo sobre tela 55.7 x 45.5 cm Estudió en la Academia de San Carlos, donde tuvo como maestros a Germán Gedovius y Roberto Montenegro. Sin embargo, ya habiendo tenido el aprendizaje academicista necesario, decidió emprender su propio camino como artista autodidacta, viajando a Europa y Estados Unidos. La producción artística de su primera etapa fue principalmente el retrato, en especial el femenino y de niños, género que ejecutó con gran belleza. A lo largo de su carrera fue bien aceptado por la crítica, mereciendo con justicia la atención de Jorge Juan Crespo de la Serna y Xavier Villaurrutia. Expuso en diversas galerías mexicanas de gran renombre, entre ellas la Galería de Arte Mexicano de Inés Amor, así como en Estado Unidos, Perú, Bélgica y Japón. "Montoya fue sin duda el pensador más profundo que ha dado la pintura mexicana; el que ha llegado más lejos, a penetrar los misterios que rodean a la vida y a la muerte. No lo ha escrito en prosa ni en verso, no ha teorizado sobre una filosofía elevada, lo ha pintado y eso, le hace ser un pintor inconmensurable". Leonardo Martínez Lanz. Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 372 y en RULFO, Juan et ál. Gustavo Montoya. México. Litógrafos unidos A. S., 1981, pp. 27-31.

$280,000.00-$320,000.00 M.N. 57

RODOLFO MORALES

(Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 - Oaxaca, 2001) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 100.3 x 76 cm Agradecemos a Víctor González Sánchez, presidente de la Fundación Arte de Oaxaca, A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2013. Cuando era niño era solitario y taciturno, lo que lo convirtió en un agudo observador de la realidad que lo rodeaba, dando prueba muy pronto de sus capacidades pictóricas. Sus padres, que apoyaban sus inclinaciones artísticas, lo inscribieron en la Academia de San Carlos. Rodolfo Morales trabajó en la sombra hasta 1975, año en que Rufino Tamayo visitó la primera exposición individual del artista en Cuernavaca y lo introdujo en el ambiente artístico. El gran maestro promovió con constancia y convicción la obra de Morales, tanto frente a la crítica, como frente al mercado de coleccionistas. En 1985, tras haber conquistado una notable fama, regresó a Ocotlán para dedicarse exclusivamente a la pintura. En 1992 creó la Fundación Cultural Rodolfo Morales. Es considerado verdadera alma de la Escuela de Oaxaca. Fuente consultada: ARANDA MÁRQUEZ, Carlos et ál. Oaxaca Tierra de Arte. Venecia. Mondadori Electa, 2003, Pág. 52.

$1,500,000.00-$2,000,000.00 M.N.

VALETTA SWANN

(Eastbourne Sussex, Inglaterra, 1904 - Ciudad de México, 1973 Junto al mar

Firmado y fechado 64 Óleo sobre tela 100 x 125 cm Presenta restauración y detalles de conservación. Su segundo esposo fue el antropólogo de origen polaco Bronislaw Malinowski, con quien viajó a Norteamérica en 1939. Pronto iniciaron un recorrido por las regiones indígenas de México y Estados Unidos. Valetta Swann, además de pintar, colaboraba realizando los dibujos y las fotografías que servirían para ilustrar las publicaciones de su esposo a partir de una serie de estudios sobre los sistemas de trueque en los mercados indígenas. Expuso su trabajo por primera vez en México en el Palacio de Bellas Artes en 1945. En 1950, Dr. Atl apuntó que: "Esta artista es, esencialmente, una luminista, porque pinta con luz, no a la manera de los puntillistas o los futuristas, sino según su propio saber, creando en el espectador sensaciones vibratorias reales". Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo III. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 310.

$120,000.00-$180,000.00 M.N.

ALFREDO ALCALDE GARCÍA (Chimbote, Perú, 1961 - ) Faena diaria

Firmado al frente. Firmado y fechado 2020 al reverso Óleo sobre lino 81 x 100 cm Con certificado de autenticidad del artista, octubre del 2020. "Nada inhibe a Alcalde en la persecución de su visión de un arte pictórico de peculiar giro filosófico. Lo que se manifiesta es una profundización importante de la figuración humanista en la que se enmarcaría su arte […] Hay en su manejo del color algo así como una sugerencia de ecuación de nueva dimensión cósmica: esta corporeidad sólida se convierte en puente entre los orígenes y el final de la existencia". Jorge Villacorta Chávez. Fuente consultada: VILLACORTA CHÁVEZ, Jorge. "Alfredo Alcalde. Antología pictórica 1985-2016. Caminos, máscaras y destinos". Perú. Instituto Cultural Peruano Norteamericano, Galería Germán Krüger Espantoso, hoja de sala de la muestra presentada de julio a agosto del 2016.

$400,000.00-$600,000.00 M.N.

JOSÉ CHÁVEZ MORADO

(Silao, Guanajuato, 1909 - Guanajuato, Guanajuato, 2002) Sin título

Firmado y fechado 78 Óleo sobre cartón 53 x 68 cm Desde el punto de vista formal, la obra de José Chávez Morado puede ser considerada como prototípica del realismo que se desarrolló paralelamente a la pintura mural posrevolucionaria, con abundantes antecedentes del arte popular tanto en lo cromático como en la inclusión de productos artesanales. Sin embargo, no faltan en él las influencias internacionales como la del surrealismo, el cubismo o el tachismo, en lo cual reconocemos una actitud de receptividad ecléctica que integra lo formal a sus intenciones críticas y poéticas. Sus contenidos, vertidos en una temática ya calificada como rica y diversificada, se sustentan en la cultura popular y en la reflexión histórica y crítica. Así nos enfrentamos a un pueblo mestizo rico en raíces culturales, pero inmerso en las contradicciones del sistema. Fuente consultada: DE SANTIAGO SILVA, José. José Chávez Morado: vida, obra y circunstancias. México. Gobierno del Estado de Guanajuato, ediciones La Rana, 2001, Pág. 33.

$250,000.00-$400,000.00 M.N.

FRANCISCO ZÚÑIGA

(San José, Costa Rica, 1912 - Ciudad de México, 1998) Riqueza del mar, 1951

Sin firma Escultura en yeso pintado 35 x 82 x 34 cm Agradecemos al Sr. Ariel Zúñiga por la verificación de autenticidad de esta obra, agosto del 2020. Publicada en: ZÚÑIGA, Ariel et ál. Francisco Zúñiga. Catálogo Razonado. Volumen I: Escultura 1923-1993. México. Editorial Albedrío, Fundación Zúñiga Laborde A.C., 2003, Pág. 127, catalogada 124. Presenta ligeros detalles de conservación. Francisco Zúñiga inició su formación artística en el taller de su padre, el escultor Manuel María Zúñiga, donde tallaba figuras religiosas en madera. Posteriormente, estudiando el movimiento artístico mexicano, descubrió el arte prehispánico y se cuestionó sobre su importancia en el desarrollo del arte latinoamericano contemporáneo. Así, ansioso de ampliar sus conocimientos, organizó su primera exposición individual para poder, con el producto de sus ventas, viajar a México en 1936. Cuando llegó a México, trabajó en el taller del maestro Manuel Rodríguez Lozano y más tarde formó parte del equipo del escultor Oliverio Martínez durante la elaboración de las esculturas del Monumento a la Revolución Mexicana. Cincuenta años después de su llegada a nuestro país, se nacionalizó mexicano. Su multidisciplinaria actividad, incluye una importante labor docente entre 1936 y 1971 en La Esmeralda. Además, fue acreedor a diversos premios, entre ellos el Premio Nacional de las Artes de parte del gobierno mexicano. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 442.

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

DIEGO RIVERA

(Guanajuato, 1887 - Ciudad de México, 1957) Sin título

Firmada y fechada 40 Tinta y acuarela sobre papel 26.5 x 38 cm Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2018. Después de su primera etapa de realización de murales, Diego Rivera continuó ensayando rasgos esquemáticos mediante una serie de dibujos realizados entre 1935 y 1940, en los cuales integró apuntes de danzantes, granjeros, mercados, indígenas y uno que otro paisaje. En estos bocetos, se aprecia su excelente esquema gráfico y magistrales trazos, fueron ejercicios que posteriormente plasmó en pinturas de caballete y murales. Fuente consultada: TARACENA, Berta. Diego Rivera. Pintura de caballete y dibujos. México. Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 1979, pp. 58-62.

$230,000.00-$300,000.00 M.N.

RAÚL ANGUIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1915 - Ciudad de México, 2006) Cara mujer

Firmado y fechado 1964 Carboncillo y lápices de color sobre papel 69 x 53 cm El género del retrato fue para Raúl Anguiano el trabajo más prolífico. A lo largo de su carrera, estos trabajos resaltaron por su habilidad con el dibujo, pues trabajaba con sencillez los elementos de las composiciones, trazando sabiamente las líneas hasta crear una copia fiel de la fisonomía de la modelo. La característica de sus retratos radica en que sus interpretaciones, en especial las femeninas, se convertían en homenajes, incursionando hacia un ideal de mujer, fuerte independiente y sensual. "Después de siete décadas de trabajo, mi obra ha pasado por varios períodos, podríamos decir: ingenuo, figurativo, sólido y riguroso con influencias de los tres grandes, producción con sentido social y crítica durante la época del Taller de la Gráfica Popular, período surrealista basado en sueño y en mi imaginación, vuelta al clasicismo con temas de la realidad y centenares de retratos […] Es muy difícil prever el futuro desarrollo de mi obra porque el artista reacciona ante la realidad inmediata, pero creo que basado en el rigor clásico del dibujo, continuaré desarrollando un estilo figurativo". Raúl Anguiano. Fuente consultada: VIDAL DE ALBA, Beatriz. Raúl Anguiano 1915-2006. México. UNAM, CONACULTA, 2006, Pág. 18.

$50,000.00-$70,000.00 M.N. 65

JOSÉ CLEMENTE OROZCO

(Zapotlán el Grande, Jalisco, 1883 - Ciudad de México, 1949) Modelo de perfil

Sin firma Óleo y temple sobre masonite 28 x 38.5 cm Agradecemos a la Fundación José Clemente Orozco por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2020. José Clemente Orozco fue un pintor, grabador mexicano perteneciente al movimiento muralista. Estudió en la Escuela Nacional de Agricultura y tomó clases de matemáticas y dibujo arquitectónico. Sus primeros murales muestran sus trazos limpios, escueto a las lecciones bien aprendidas, en cambio, reservó la caricatura política, retratos, dibujos y diversos trabajos en caballete para una mayor libertad de expresión y movimiento. En 1943, fue miembro fundador de El Colegio Nacional, en 1946 recibió el Premio Nacional de Bellas Artes de México y al año siguiente expuso en el Palacio de Bellas Artes. "José Clemente Orozco fue un hombre que atravesó el siglo XX con todo este bagaje de conocimientos, vivencias, problemáticas bélicas y revolucionarias ideológicas que fueron transformando el siglo XX; él fue un hombre de este siglo, quien supo hacernos ver, a través de su obra, todo este cúmulo de circunstancias por las que atravesó el hombre contemporáneo". Laura González Matute. Fuentes consultadas: FERNÁNDEZ. Justino. José Clemente Orozco. México. Librería Porrúa, 1942, pp. 37-39 y sitio oficial de la Secretaría de Cultura www.gob.mx/cultura

$320,000.00-$500,000.00 M.N.

DIEGO RIVERA

(Guanajuato, 1887 - Ciudad de México, 1957) Cabeza de niño

Firmado y fechado 35 Pastel y carboncillo sobre papel 29.2 x 23.3 cm Con factura y documentos de compra de Sotheby's Nueva York, mayo de 1994. Con documentos de repatriación de obra y pedimento de importación de los Estados Unidos Mexicanos, junio de 1994. Procedencia: adquirido en Sotheby's, Nueva York, Arte Latinoamericano, lote 211, 18 de mayo de 1994. "Propulsor de un nacionalismo que se insertaba en el cuadro de una revolución social y a la vez nacional. Rivera defendió y conquistó el derecho a sacudir tutelas espirituales ajenas; pero de ningún modo se encerró en un círculo de hierro, que lo separara de las fuentes universales. Y esto lo reconocieron involuntariamente y contradictoriamente cuantos censuraron las influencias, que en realidad existen en su obra, de los primitivos italianos del Renacimiento, de la Francia clásica y del arte moderno mexicano […] Al exaltar los valores, de su patria, y al crear un lenguaje propio para expresarlos, Rivera contribuyó al reforzamiento de la conciencia nacional de su pueblo, y con su actitud dio un ejemplo a los pueblos colonizados que no se atreven a hablar. Dio a México, y al mundo, un trabajo audaz, poderoso, pleno de valores estéticos, que en parte es el producto de la fuerza creadora de un gran pueblo". Antonio Rodríguez. Fuente consultada: TARACENA, Berta et ál. Diego Rivera. Exposición Homenaje. México. INBA, 1977, pp. 166 y 167.

$300,000.00-$400,000.00 M.N.

JOSÉ CLEMENTE OROZCO

(Zapotlán el Grande, Jalisco, 1883 - Ciudad de México, 1949) Desnudo en verdes

Sin firma Temple sobre cartulina 50 x 68 cm Agradecemos a la Fundación José Clemente Orozco por la verificación de autenticidad de esta obra, mayo del 2020. "El tema para mí es un pretexto para la realización de la obra de arte. Por eso puedo pintar lo que se me da la gana, sin que por ello me sienta ligado a cualquier compromiso. Durante un tiempo pinté prostitutas, gente deforme. No faltó, por eso, quien dijera que yo soy un degenerado. Sin embargo, soy tan degenerado o tan normal como cualquier otro hombre". Fuente consultada: 45 Autorretratos de pintores mexicanos siglos XVII al XX. Instituto Nacional de Bellas Artes.

$380,000.00-$500,000.00 M.N. 68

RUFINO TAMAYO

(Oaxaca de Juárez, México, 1899 - Ciudad de México, 1991) Sin título, del proyecto Arte Prehispánico de México

Firmado y fechado O-72 Lápiz de grafito y acuarela sobre papel 31.5 x 24.3 cm Esta acuarela forma parte del proyecto Arte Prehispánico de México, originalmente estaba acompañada con el libro homónimo editado por Galería Misrachi. La edición constó de 110 ejemplares, cada uno incluía un dibujo original y único. "Las obras arqueológicas –originarias‒ que aquí vemos constituyen formas de expresión artística y nos remiten, además, al artista que las escogió: Rufino Tamayo […] Tamayo inauguró una nueva tradición, la de la pintura contemporánea de México. Ésta pone de manifiesto la originalidad del pintor, pone de manifiesto que esta obra es absolutamente actual y anda siempre en busca de nuevos caminos. Nos dice que Tamayo nunca ha dejado de atender a las voces antiguas de sus propias tradiciones, de sus propios orígenes". Ramón Xirau, fragmento de la introducción del libro "Arte prehispánico de México. Colección Rufino Tamayo". $300,000.00-$400,000.00 M.N. 70

ARTURO ESTRADA

(Panindícuaro, Michoacán, 1925 - ) Anahuacalli

Firmado y fechado 79 al frente. Firmado dos veces al reverso Óleo sobre tela 30 x 40 cm Presenta craqueladuras y mínimos detalles de conservación. Con la leyenda: "Compañero: llame usted a todos los canteros y albañiles del Pueblo de San Pablo Tapetlapa y al mejor para maestro; que vayan juntando las piedras vamos a trazar el sitio que escogí para levantar un edificio donde trabajar y guardar los ídolos. Diego Rivera, 42". Arturo Estrada tuvo grandes maestros quienes lo influenciaron en su incursión al muralismo. Arturo Estrada fue uno de los estudiantes del grupo de Frida Kahlo llamado "Los Fridos", colaboró con José Clemente Orozco en el mural exterior de la Escuela Nacional de Maestros, con Juan O'Gorman en el complejo muralístico de la Secretaría de Comunicaciones y Obras Públicas y asistió a Diego Rivera en los mosaicos del Museo Anahuacalli, así como en el estadio de Ciudad Universitaria. En su ejecución descubrió que pintar un muro es convertir al pintor en un obrero visual, donde la labor pictórica obliga a estar en constante movimiento, observando la ubicación del trazo, la proporción y los efectos formales del color, la luz y la sombra. "Estrada es dueño del color y las calidades, contrastador y armonista, luminoso, preciso, claro y limpio. Posee una sensibilidad y una ternura grandes, cada una de sus pinceladas es una expresión de amor. Compone con equilibrio, originalidad y con una sencillez totalmente desprovista de retórica declamatoria y prosopopeya odiosa y teatral. Su realismo es un realismo poético". Diego Rivera. Fuentes consultadas: TIBOL, Raquel. "Arturo Estrada en Bellas Artes". México. Proceso, Redacción, 2 abril de 1988 y "Arturo Estrada revalora el espíritu social del muralismo". México. INAH, boletín No. 96, 14 de abril del 2016.

$100,000.00-$180,000.00 M.N.

MARIO ALMELA

(Ciudad de México, 1940 - Ciudad de México, 2017) Acolman, 2007

Firmado Óleo sobre tela 70 x 90 cm Publicado en: ALDAMA, José Ignacio y RUIZ MARTÍNEZ, María Guadalupe. Mario Almela. El paisaje y los volcanes de México. México. Aldama Fine Art, 2008, Pág. 11, catalogado 13. Exhibido en: "Mario Almela. El paisaje y los volcanes de México", muestra individual presentada en la galería Aldama Fine Art, en la Ciudad de México de octubre a noviembre del 2008. Su inclinación por el paisaje y la pintura al aire libre se hizo evidente desde los siete años, cuando pintaba acuarelas en días de campo acompañando a José Bardasano, Armando García Núñez, Ignacio Rosas y otros pintores de aquella época. Con una clara vocación por las artes, a la edad de doce años ingresó en la academia de pintura del maestro Bardasano, donde perfeccionó su destreza en el dibujo. Después de tres años dejó los estudios formales para depurar su técnica de manera independiente y quedó en manos de su padre, Pablo Almela, quien restauraba cuadros antiguos, oficio que Almela aprendió a la par de la pintura. A los veinte años realizó su primera exposición individual. Desde entonces ha recorrido la vastedad del paisaje mexicano, cuyas costas, selvas, valles y montañas han quedado plasmados en sus lienzos. Experimentado alpinista, ha pintado nuestros volcanes desde todos sus rincones. En su madurez como artista, siempre ha trabajado tras la perfección en su técnica y acompañado de su eterna obsesión por la luz. Fuente consultada: ALDAMA, José Ignacio et ál. Mario Almela. El paisaje y los volcanes de México. México. Aldama Fine Art, 2008, Pág. 4.

$80,000.00-$120,000.00 M.N.

FERMÍN REVUELTAS

(Santiago Papasquiaro, Durango, 1901 - Ciudad de México, 1935) Paisaje tropical

Firmado y fechado 927 Óleo sobre tela 94 x 89 cm - Con documento del Museo de Arte Moderno, solicitando el préstamo de la obra a la exposición "Fermín Revueltas. Muestra antológica", febrero de 1993. - Con copia del documento del Instituto Nacional de Bellas Artes, especificando la recepción de la obra por el préstamo a la exposición "Fermín Revueltas. Muestra antológica", febrero de 1993. - Con copia de la carta del Museo Nacional de Arte, solicitando el préstamo de la obra a la exposición "Movimiento ¡30-30!", septiembre de 1993. - Con copias de los documentos y formulario original del Museo Nacional de Arte, especificando el préstamo y devolución de la obra a la exposición "Movimiento ¡30-30!", 1993 y 1994. Incluye copia del reporte de condición.

Exhibido en: "Fermín Revueltas. Muestra antológica", muestra presentada en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, de febrero a marzo de 1993 y en "Movimiento ¡30-30!", exposición realizada en el Museo Nacional de Arte en la Ciudad de México, de diciembre de 1993 a enero de 1994. Con etiquetas del Museo de Arte Moderno y Museo Nacional de Arte MUNAL Presenta restauración, ligeros desprendimientos de capa pictórica y detalles de conservación. "Su obra presenta toda una gama temática que incorpora elementos representativos propios de su época como los trabajadores, los indígenas, las tradiciones populares y muchos más, pero también introduce otros temas menos comunes, como el de su mural 'Andamios exteriores' y 'Líneas de alta tensión'. Fermín Revueltas, quien murió el 7 de septiembre de 1935, fue un pintor que asumió su momento y lo expresó plásticamente. Es un ejemplo para reflexionar sobre los cambios que a la fecha se manifiestan en el ámbito cultural. Su obra nos lleva a entender su opción moderna y nacionalista, inscrita en un proyecto de nación que hoy parece marginal pero que sigue presente en los múltiples discursos de su pintura". Fuente consultada: "Fermín Revueltas, a 80 años de su muerte". México. 20minutos, sección NOTIMEX, 6 de septiembre del 2015.

$300,000.00-$400,000.00 M.N. 73

JOSÉ CHÁVEZ MORADO

(Silao, Guanajuato, 1909 - Guanajuato, Guanajuato, 2002) Sin título

Firmado y fechado 86 Óleo sobre tela 125.5 x 70 cm El estado de Guanajuato ha sido un territorio con gran trascendencia histórica, fue la cuna del movimiento independentista y escenario de la última etapa de la Revolución Mexicana; sitio que dio origen a afamadas leyendas, excepcionales templos coloniales y laberínticos callejones, además de haber sido centro de reunión de ilustres personajes desde políticos y libertadores, hasta figuras artísticas y literarias como Jorge Ibargüengoitia y los pintores Diego Rivera y José Chávez Morado, quien además de haber sido un extraordinario pintor y coleccionista de arte, fue un asiduo promotor cultural. José Chávez Morado fue uno de los artistas plásticos más importantes de la primera mitad del siglo XX junto con su esposa Olga Costa, Juan O'Gorman, Alfredo Zalce y Raúl Anguiano. Diseñó escenografías y vestuarios para ballet, ejecutó murales en la Alhóndiga de Granaditas en Guanajuato, así como en Ciudad Universitaria y en el Museo Nacional de Antropología e Historia de la Ciudad de México; además fue un miembro destacado del Partido Comunista Mexicano y un perseverante trabajador del Taller de la Gráfica Popular. Después de varios viajes con grandes aprendizajes y arduos encargos artísticos, se estableció en 1966 en Guanajuato, donde logró retomar planes pictóricos y proyectos museísticos; estos fueron tiempos en los que consiguió simbolizar su visión de la cultura de México y fue Guanajuato el lugar perfecto para capturar la vitalidad de una sociedad llena de historia y, lo más importante, con tradiciones aún vigentes, pintando entonces los folclóricos mercados, las estrechas calles, los singulares callejones y viejos puentes. Fuente consultada: DE SANTIAGO SILVA, José. José Chávez Morado: vida, obra y circunstancias. México. Gobierno del Estado de Guanajuato, Ediciones la Rana, 2001, pp. 63-65.

$460,000.00-$600,000.00 M.N. 74

PHIL KELLY

(Dublín, Irlanda, 1950 - Ciudad de México, 2010) Santo Domingo 17:00 hrs

Firmado. Firmado y fechado Oaxaca 98 al reverso Óleo sobre tela 100 x 120 cm Agradecemos a la familia Kelly Munguía por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2020. Publicado en: SOLANO OLIVARES, Fernando. Phil Kelly. La forma de las cosas que vendrán. México. Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca-CONACULTA-FONCA, 1999, Pág. 24 Exhibido en: "La forma de las cosas que vendrán", muestra individual presentada en el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, en agosto de 1999. Presenta detalles de conservación. "Quienes conocen a Kelly saben cuán íntimamente ligada está su obra a su modo de vida. Una vida que se dispensa a sí misma en el disfrute del vino, de la buena mesa y de numerosos amigos. Un reguero báquico de cassettes, tubos de óleo, botellas de cerveza, buenos filetes y largos domingos. Sus virtudes como anfitrión están ligadas a la versatilidad de una vida dedicada a otros muchos menesteres arraigados en la dura esplendorosa cotidianidad. Y ahí radican los valores de su obra: esa rapidez y esa intensidad de la captación, esa frescura desbordada, la vibración cromática como revelación, la confianza en el instante, la sensualidad de sus modulaciones, ese facilismo aparente, el deseo de no opacar con su ego la presencia del entorno". Osvaldo Sánchez. Fuente consultada: SÁNCHEZ, Osvaldo, et ál. Phil Kelly. Babel Descifrada. México. Museo de Arte Moderno-INBA, 1996. Pág. 6.

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

JOSÉ REYES MEZA

(Tampico, Tamaulipas, 1924 - Ciudad de México, 2011) Sin título

Firmado Óleo sobre lino 60 x 80 cm Agradecemos a Fernanda Reyes, hija del Maestro José Reyes Meza, por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2020. Presenta mínimos detalles de conservación. José Reyes Meza ingresó a la Academia de San Carlos y ocasionalmente estudió en la Escuela Nacional de Antropología e Historia, donde se permeó de la historia de México que habría de determinar fuertemente su obra. De tendencia realista y miembro de la segunda generación de la llamada Escuela Mexicana de Pintura, la obra de Reyes Meza abunda sobre escenas costumbristas, bodegones y retratos. Además de su pintura de caballete, sobresale su obra mural, la cual se encuentra en edificios e instituciones públicas y privadas en México y Estados Unidos. En 2008, se fundó en la ciudad de Nuevo Laredo un museo que lleva su nombre. "Reyes Meza fue un maestro de la composición y del dibujo. Su color es certero y se volvió agresivo a veces. Pero nunca lo abandona un lirismo profundo que es muy suyo, ese amor a las cosas, ese deleite del paisaje con agua y nubes, o ese acabado moroso y amoroso de la figura". Emilio Carballido. Fuente consultada: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 582.

$70,000.00-$100,000.00 M.N.

PHIL KELLY

(Dublín, Irlanda, 1950 - Ciudad de México, 2010) Tarde de sol navideña Centro (Histórico)

Firmado y fechado 06 al frente. Firmado y fechado Mex D.F. 06 al reverso Óleo sobre tela 160 x 99.5 cm Agradecemos a la familia Kelly Munguía por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2020. "La Ciudad de México como modelo temperamental de un pintor explosivo reconfirma que la imaginación y la razón forman una entidad indivisible. 78

"Por ello, para Phil Kelly no existe una motivación creativa mayor. Esa realidad en constante mutación lo mantiene tan expectante y aguzado que incluso sus acometidas de cualquier otro género pictórico siempre terminan poseídas por su mismo asombro. Sea paisaje provinciano o campestre, sea naturaleza muerta o figuración humana, la condición tan ruinosa como estridentemente viva que descubre en sus modelos, es el resultado de la conjugación del verbo encarnado por la ciudad: estallar". Luis Carlos Emerich. Fuente consultada: EMERICH, Luis Carlos, Phil Kelly. La ciudad y sus íconos. México. CONACULTA-Museo de la Ciudad de México, 2003. pp. 5 y 6.

$260,000.00-$360,000.00 M.N.

PHIL KELLY

(Dublín, Irlanda, 1950 - Ciudad de México, 2010) Ciudad guía Roji

Firmado y fechado 09 al frente. Firmado y fechado Mex D.F 09 al reverso Óleo sobre tela 120 x 100 cm Agradecemos a la familia Kelly Munguía por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2020. "Tan saturado está el ambiente artístico de desafíos y banalidades neoconceptualistas, que resulta reconfortante que a Phil Kelly le basten los elementos de la normatividad pictórica y los motivos que siguen significándose aún en la frontera fauvista entre el impresionismo y el expresionismo, para volcar su asombro ante y dentro del paisaje urbano defeño, como si sus contingencias reflejaran las de sus necesidades internas de expresión. Tomando el Paseo de la Reforma como su columna vertebral y las calles aledañas como inflamaciones de su sistema nervioso, Phil Kelly contempla la Ciudad de México como una metáfora de sus propias crispaciones existenciales, y viceversa". Luis Carlos Emerich. Fuente consultada: EMERICH, Luis Carlos. Phil Kelly. La ciudad y sus íconos. México. Museo de la Ciudad de México - Secretaría de Cultura, 2003, Pág. 5.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. 79

RAY SMITH

(Brownsville, Texas, E.E. U.U., 1959 - ) Pensamientos

Sin firma Óleo sobre madera 2.76 x 10.20 metros, medidas totales Piezas: 15 Después de estudiar pintura al fresco con artesanos tradicionales, recibió educación formal en diferentes escuelas de arte en Estados Unidos y México, país donde decidió residir definitivamente. Su obra se asocia a menudo con el surrealismo, debido a sus yuxtaposiciones irreales, también se caracteriza por poseer un tipo único de realismo mágico y que gusta crear escenarios ilógicos que están llenos de sorpresas y efectos especiales, plenos de fantásticos seres antropomorfos. Ray Smith considera que un animal es una "entidad de la figura humana". A lo largo de su carrera ha tenido más de 50 exhibiciones en destacadas galerías y museos de Estados Unidos y México, Japón, Europa y Sudamérica. $550,000.00-$700,000.00 M.N.

En un texto de la Galería Joan Prats de Barcelona escrito por David G. Torres, crítico de arte español, se menciona que para Ray Smith: "la pintura aparece como un medio con el cual especular sobre la imagen y que refiere a las diferentes capas de realidad que se esconden bajo lo real. La pintura le ofrece la posibilidad tanto de penetrar en profundidad en la apariencia de los objetos y las cosas, como el lugar desde el qué realizar una crítica radical hacia la supuesta seguridad que ofrecen. Un desmembramiento de la realidad que reclama una vía distinta para observar el mundo". Fuentes consultadas: "Ray Smith como dios". España. Diario Ideal, 23 de diciembre del 2006 y sitio oficial de Mana Contemporary www.manacontemporary.com

RENÉ MARTÍN

(La Habana, Cuba, 1952 - ) Iluminada, 2020

Firmado al frente y al reverso Acrílico sobre tela 100 x 160 cm Con certificado de autenticidad del artista. René Martín es un destacado pintor cubano cuya obra se enfoca en el estilo paisajístico, principalmente en el paisaje tropical, el cual se caracteriza por el constante uso de metáforas y simbologías a través de la inclusión de elementos que crean un ambiente surrealista. Inició su carrera desde muy joven, pues mientras estudiaba Arquitectura y Diseño Gráfico en la Escuela de Bellas Artes de San Alejandro en La Habana, vendía sus cuadros de paisajes en las plazas públicas y por encargos a particulares, hasta que finalmente tuvo la oportunidad de presentarse en distintas exposiciones con gran éxito. En 1996 se trasladó a México, país donde su carrera maduró y creció aún más; desde entonces ha expuesto en más de 65 muestras colectivas e individuales en museos, galerías e instituciones públicas y privadas de Cuba, México, Costa Rica y Estados Unidos. Así mismo, su obra ha sido publicada en destacados periódicos, revistas y libros, en los cuales se describe a su pintura como una gestora de la tendencia del surrealismo-tropical y promotora de la conservación de la naturaleza así como del medio ambiente con un gran sentido profesional. Actualmente vive y trabaja entre México y Miami. Fuentes consultadas: FERNÁNDEZ SOTO, Francisco Javier y MARTÍN, René. Art & Golf Collection. México. Soto Editores, 2016, Pág. 187 y ESQUIVEL ALATORRE, Gerardo. "Cuando el Golf se convierte en arte". México. Mundo Ejecutivo, sección First Class, junio del 2018, No. 473, pp. 102-104.

$160,000.00-$250,000.00 M.N.

MAIKEL MARTÍNEZ

(Pinar del Río, Cuba, 1977 - ) Nostalgias I

Firmado al frente. Firmado y fechado 2018 al reverso Óleo sobre tela 50.5 x 50.5 cm Presenta ligeros detalles de conservación. Es hijo del pintor hiperrealista Silvio Martínez. Hay en él una vocación y vitalidad heredada que lo ha convertido en uno de los más originales paisajistas de la plástica latinoamericana contemporánea. No retrata la naturaleza desde una configuración hiperrealista, sino en la perspectiva de dar a conocer subjetividades espirituales e interiores. El artista reconoce la influencia del Maestro Tomás Sánchez, figura incuestionable del paisajismo cubano, aunque se deslinda de su estética, pues en su búsqueda de resultados iconográficos le interesa más lo interior y lo anímico. "A los 14 años descubrí un pequeño cuadro de Tomás Sánchez, que me impresionó de manera muy particular. Quizás, ahí empezó todo. Soy originario de Pinar del Río, una de las regiones geográficas más bellas de Cuba; esa exuberancia natural me inundó los ojos. Comencé haciendo paisajes tradicionales a partir de bocetos y apuntes fotográficos que después lo 'traducía', los llevaba al papel o la tela. Soy autodidacta, no tengo formación académica". Maikel Martínez.

Fuente consultada: OLIVARES BARO, Carlos. "Maikel Martínez, el paisajista de la mente alista exposición en México". México. La Razón, Sección Cultura, 16 de enero del 2018.

$150,000.00-$220,000.00 M.N.

JOAQUÍN FLORES

(Ciudad de México, 1989 - ) Carrizos

Firmado y fechado 19 Óleo sobre lino 120 x 150 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Es egresado de la Licenciatura en Artes Plásticas por La Esmeralda. Fue acreedor al Premio Nacional de Pintura Julio Castillo en 2014, a la beca del programa Jóvenes Creadores del FONCA en ese mismo año y al tercer lugar en la V Bienal de Pintura Pedro Coronel en 2016. "El tema central de mi producción es la periferia de la ciudad, es un tema que me interesa porque es el lugar donde he vivido. Para mí es importante, porque es el lugar donde se ve el impacto tanto social y ecológico del hombre, la basura siempre va a dar a la periferia, la pobreza también, todo lo que denigramos, todo lo que no queremos va a la periferia. Entonces, para mí es importante porque es dignificar este lugar. No quiero hacer una apología de la pobreza, quiero que la periferia sea un espacio de reflexión estética". Joaquín Flores. Fuente consultada: BENÍTEZ, Rocío G. "Joaquín Flores, un pintor ganador". México. El Universal de Querétaro, 16 de diciembre del 2014.

$90,000.00-$150,000.00 M.N.

MAIKEL MARTÍNEZ

(Pinar del Río, Cuba, 1977 - ) Nostalgias II

Firmado al frente. Firmado y fechado 2018 al reverso Óleo sobre tela 50.5 x 50.5 cm Presenta detalles de conservación. "El pulso pulcro de su paisajística se vale de una simbólica transida para referir la épica de partidas, sentimientos de pérdida, escisiones emocionales y soledades que le ha tocado vivir a una sucesión generacional que ya abarca cinco décadas. Por ello, las ficciones naturalistas y las visiones de campiñas se despojan del idealismo contemplativo para convertirse, a partir de la condensación minimalista de los referentes bucólicos ‒palma, nube, vegetación, bohío, cuerpo acuático‒, en testimonios de una consecuencia poco feliz de la historia. El paisaje de este artista es, por tanto, más un propósito transformable que un acto de captura sensorial. Desde su ritual de introspección y silencios, emerge una distopía embellecida con la poética del dibujante, pero al final, enrarecida como toda distopía. En este caso, la recreación del ambiente cálido del paisajismo tradicional cede paso al extrañamiento y a la deconstrucción de la complacencia. Hay una intención abrumadora al desproporcionar la presencia física del individuo ante su procedencia. ¿Será un acto de determinismo raigal o la manera de plasmar la frustración a escala de individuo? Queda a consideración del observador, más lo cierto es que pocas veces un ser humano ha sentido tanto el peso de ser 'isla' como en las representaciones de Maikel Martínez". Jesús Rosado. $150,000.00-$220,000.00 M.N. 85

NICOLÁS MORENO

(Ciudad de México, 1923 - Ciudad de México, 2012) El Ajusco y los pirules

Firmado y fechado 1970 Óleo sobre tela sobre triplay 61.5 x 99.7 cm Con certificado de autenticidad de Alicia Moreno, hija del artista, octubre del 2020. Con etiqueta de Galería Plástica de México. Presenta mínimos detalles de conservación. Aunque no nació en el campo, sino en la Ciudad de México, pronto estableció contacto con los valles, montañas, volcanes y lagos que sus ojos veían cuando su abuelo le hablaba de los caminos que su oficio de arriero lo obligaba a emprender. Los guardó en la mente para recuperarlos con el paso del tiempo. Ingresó a la Academia de San Carlos en 1941. Fue discípulo de José Chávez Morado, Alfredo Zalce, Julio Castellanos y Carlos Alvarado Lang. En 1964 Dr. Atl le encomendó la tarea de realizar los paneles para las salas Teotihuacana, Otomí y Pame del Museo Nacional de Antropología e Historia. La obra de Nicolás Moreno se encuentra entre el patrimonio cultural de la UNAM y en numerosas colecciones privadas de países como Estados Unidos, Francia, España y, por supuesto, México. "Un cuadro de Nicolás Moreno es suma y resumen de cuanto paisaje insinúa y dice: un poco de dolor alegre y otro poco la alegría dolorosa. Junto a esa roca descarnada, áspera, cacariza y dura, la flor, madre de la sonrisa. Sonrisas de la tierra árida, del desierto, de la soledad, de la muerte". Andrés Henestrosa. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 384.

$80,000.00-$150,000.00 M.N.

RAYMUNDO MARTÍNEZ (Ciudad de México, 1938 - ) Acapulco

Firmado y fechado 30-VII-58 al frente y al reverso Óleo sobre tela 69 x 150 cm Agradecemos a César Martínez Rioja, hijo del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2020. Presenta ligeros detalles de conservación. Raymundo Martínez es un paisajista inclinado a pintar los volcanes y los valles de México. Su influencia principal proviene de los principios de José María Velasco y los paisajes del siglo XVIII. En su obra, emplea el manejo de las formas de la naturaleza, la luz y los colores con una gran calidad artística. "Raymundo que es amoroso conocedor del campo, particularmente en sus despliegues de libertad y fuerza, ama por igual a la ciudad y sabe identificarse con ella y asumir sus problemas […] La pintura empuñada así como un acto típicamente creador, como una acción que confronta o mejor todavía, que complementa y armoniza el espacio como extensión y el espacio como recinto, redunda en un planteamiento cívico sin equivalencia". Ernesto de la Peña. $130,000.00-$200,000.00 M.N.

JOAQUÍN CLAUSELL

(San Francisco de Campeche, 1866 Lagunas de Zempoala, Morelos, 1935) Marina con nubes

Sin firma Óleo sobre lino 50 x 83 cm Con carta de opinión de autenticidad de Patricia Clausell, marzo del 2020. Publicado en: CLAUSELL, Patricia. Nostalgias Ocultas. Anécdotas sobre la vida de Joaquín Clausell. México. Miguel Ángel Porrúa, 2008, Pág. 158. Presenta ligeros detalles de conservación. Como artista fue autodidacta, pues nunca pasó por una escuela de arte. En sus obras destaca la sensibilidad, intuición, exaltado amor y profunda comprensión de la naturaleza mexicana. Fue en Europa alrededor del año 1896, cuando conoció a Claude Monet y al magnético mundo parisino impresionista, cuyas técnicas y colorido representarían un hito en su trayectoria artística siendo el único pintor mexicano que dedicó el total de su obra a este movimiento; pintor de las reverberaciones de la luz, de las transparencias del aire, del rico olor de su vegetación, de las rocas, del agua. Joaquín Clausell ocupa un lugar destacado en la pintura mexicana del siglo XX. Es "nuestro pintor impresionista por excelencia", su manera de capturar pequeñas escenas de paisaje y volverlas una realidad completa no ha sido superada. La obra y la vida de Clausell reflejan las circunstancias que le tocó vivir, los lugares por los que pasó, sus inquietudes y temperamento. Vivió una época difícil de nuestra historia, llena de contradicciones sociales y políticas, desde su formación como abogado y político durante el porfirismo, en el que desempeñó un papel importante como firme opositor al régimen existente, a su inicio en la pintura a principios de siglo; el desarrollo del movimiento armado de la revolución, etapa en la cual abandonó la pintura y, por último, el período de consolidación del país, así como el regreso a su actividad artística, de 1921 a su muerte. Fuente consultada: TOVAR Y DE TERESA, Rafael, et ál. Joaquín Clausell y los ecos del impresionismo en México. México. Museo Nacional de Arte. 1995. Pág. 65.

$2,800,000.00-$4,000,000.00 M.N.

ÁNGEL ZÁRRAGA

(Victoria de Durango, 1886 - Ciudad de México, 1946) Caracol, 1969

Sin firma Óleo sobre madera 44.5 x 25 cm Con certificado de autenticidad de Fernando Zárraga. Exhibido en: "Homenaje a Ángel Zárraga", muestra presentada en el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México, en abril de 1968 y en "Caracol", muestra presentada en La Casa de la Cultura Jaliciense. Con etiqueta de La Casa de la Cultura Jaliciense y fragmento de etiqueta del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México. Ángel Zárraga presentó aptitudes artísticas desde joven, las cuales desarrolló formalmente cuando sus dibujos fueron publicados en la Revista Moderna entre 1902 y 1903, año en el que ingresó a la Academia de San Carlos. En aquella institución perfeccionó sus aptitudes para la pintura y bajo la influencia de su maestro Julio Ruelas, se embarcó con destino a Europa. A su llegada, asistió a la Real Academia de Bruselas y mediante una beca se trasladó a España para tomar clases con Joaquín Sorolla. Regresó a México en 1907 con el fin de montar su primera exposición individual, no obstante volvió a España en 1908 y al año siguiente viajó a Venecia, Florencia, Munich y París para participar en diversas 90

exposiciones colectivas. Tras vivir casi treinta años en tierras europeas, se vio obligado a regresar definitivamente a México en 1941 e inmediatamente fue buscado por diversas instancias y personalidades de la cultura mexicana. Europa fue para él un cúmulo de enseñanzas e influencias artísticas, como el cubismo, el simbolismo y el realismo. Su experimentación vanguardista lo condujo a pintar diferentes temáticas, destacando las escenas religiosas, los bodegones y las representaciones de deportistas, sobre todo el futbol. Su pintura de caballete fue de gran importancia al igual que los murales que se le encomendaron, labor que comenzó en Francia y por los cuales fue distinguido por los cánones de los pintores mexicanos de la primera mitad del siglo XX. Actualmente su obra se encuentra en importantes colecciones de museos de América y Europa, y se le ha dedicado un gran número de publicaciones que rinden tributo a su trabajo, además uno de los recintos más antiguos y emblemáticos de Durango es hoy en día el Museo de Arte Contemporáneo Ángel Zárraga, el cual alberga una importante exposición del artista. Fuente consultada: ECHEGARAY, Miguel Ángel et ál. Ángel Zárraga. Primer realista mexicano del siglo XX. México. Gobierno del estado de Durango, 2006, pp. 9-40.

$450,000.00-$550,000.00 M.N.

GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA (Puebla, México, 1887 - 1962) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 60 x 80.5 cm Presenta ligeros detalles de conservación. La marina es un género pictórico importante cuyo objeto principal de inspiración es el mar y se ha desarrollado desde el siglo XVII pasando por diversos estilos y movimientos artísticos a nivel mundial. Guillermo Gómez Mayorga ha sido, junto a Joaquín Clausell, uno de los pocos artistas mexicanos cuya línea temática ha sido la marina, la cual ejecutaba con gran majestuosidad, marcando la bravura del mar y las zonas de agua espumosa que provocan una sensación de belleza clásica. Sus mejores cuadros de marinas fueron pintados únicamente a base de dos elementos: el agua y el cielo; con estas limitantes construyó desafiantes escenarios y a través de ritmos, densidades, movimientos, tonalidades monocromáticas y acentos lumínicos creó atmósferas serenas, tradicionales y frescas de las playas mexicanas. "La belleza de sus marinas reside en las cadencias rítmicas, en la habilidad para crear depresiones y cimas que dan lugar a un andante cantábile llevado por sus partes luminosas y oscuras". Hugo Covantes. Fuente consultada: AMERLINCK, Rodrigo. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, pp. 101-107.

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA (Puebla, México, 1887 - 1962) Los volcanes, ca. 1925

Firmado Óleo sobre tela 50.5 x 110.6 cm Con certificado de J. Ernesto Gómez Mayorga, nieto del artista, junio del 2018. Presenta una pequeña perforación y detalles de conservación. El paisaje ha sido uno de los géneros artísticos más utilizados por los pintores en la historia del arte, en el se representan escenas tanto urbanas como de la naturaleza, destacan los valles, lagos, ríos, bosques, montañas y volcanes. En nuestro país, el Valle de México ha sido el principal tema desde el siglo XIX, tanto por su flora y fauna que lo envuelven como por la importancia de los volcanes que lo rodean, sobresaliendo el Popocatépetl e Iztaccíhuatl, dos de los protagonistas de la leyenda mexica de amor más famosa en nuestro país. Guillermo Gómez Mayorga fue un pintor que logró representar con gran elegancia lumínica a estos dos volcanes, incorporando en los primeros y segundos planos un estilo casi impresionista, con el fin de lograr atmósferas variadas según el estado de ánimo de la naturaleza pintaba ángulos diversos a distintas horas del día. Principalmente retrataba a los volcanes desde el barrio de Xonaca, uno de los puntos más antiguos de Puebla donde el clima es templado y hay atardeceres radiantes. Fuente consultada: AMERLINCK, Rodrigo et ál. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, pp. 57 y 58.

$300,000.00-$400,000.00 M.N.

JOAQUÍN CLAUSELL

(San Francisco de Campeche, 1866 - Lagunas de Zempoala, Morelos, 1935) Ola con resaca

Sin firma Óleo sobre tela 13.5 x 25.5 cm Con carta de opinión de autenticidad de Patricia Clausell, marzo del 2017. Con carta de la Dirección General de Promoción Cultural y Acervo Patrimonial de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, especificando un cambio de fecha en la inauguración de la exposición "Joaquín Clausell. Un Radical entre Dos Siglos", noviembre del 2019. Presenta ligeros detalles de conservación. "Joaquín Clausell estudió leyes en México y Europa, obtuvo su título en 1896. Trabajó en la Secretaría de Justicia, ocupando un alto cargo donde litigaba no a favor de la justicia de ministerios, secretarias y juzgados, sino de los desfavorecidos. "Comentaba el Dr. Atl, amigo de Clausell, que 'muchas veces ante un juez estúpido o malévolo se vio obligado a pasar del campo jurídico a un campo de batalla. La discusión se salía de las páginas del Código Penal para entrar al terreno de los golpes'. "Fue el mismo Dr. Atl quien llevó a la superficie la otra vía en la que Clausell pondría la fuerza de su temperamento, encerrando su pasión en la belleza de la forma, convirtiendo esa pasión en pintura. Es la pintura y la naturaleza. No el mundo de las leyes y los hombres, sino el inmutable escenario del mundo en cuyo vibrante rumor se encierra, dejándose escuchar a través de los resplandores de la luz en la opacidad de la materia, la voz del silencio. "Clausell tenía la urgencia interior de convertir en cuadros su visión de la realidad del mundo […] Su oficio aparece como producto de su necesidad. Él nunca estudió, ni tuvo una formación académica y aun así, con justicia, Xavier Villaurrutia decía de él: 'Pintor sensual en el más puro y directo significado de la palabra, sus cuadros hablan sin elocuencia, poéticamente a los sentidos del espectador. Y si todos son un deleite para la vista, de algunos es justo decir que podemos respirarlos como una emanación; o bien tocarlos, por la magnífica calidad de su materia, y aun oír en ellos el silencio de sus lagos y canales, o el rumor de sus bosques, o la precipitada fuga del oleaje en sus marinas, o el hervor siempre rítmico de sus caídas de agua". Juan García Ponce. Fuente consultada: GARCÍA PONCE, Juan. "Joaquín Clausell. Óleos y Murales". México. Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 1973, pp. 8 - 11.

$220,000.00-$300,000.00 M.N.

DIEGO RIVERA

(Guanajuato, 1887 - Ciudad de México, 1957) Sin título

Firmados Lápiz de grafito sobre papel 9.5 x 14 cm cada uno 37 x 46 cm medidas totales con marco Piezas: 4 enmarcadas juntas Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2020. Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez, mejor conocido como Diego Rivera fue un destacado pintor, grabador, dibujante, muralista, comunista, idealista y revolucionario mexicano. Fue esposo de Angelina Beloff, Lupe Marín y Frida Kahlo, amante de Tina Modotti, Rina Lazo, Lupe Rivas Cacho y compañero de Emma Hurtado. Fue un hombre siempre presente en los acontecimientos más importantes del país, relacionado con las personalidades más destacadas de los círculos políticos y culturales de México, Francia y Estados Unidos. Su arte se ha caracterizado por ser único, al integrar un alto contenido social e histórico. "No puedo pintar sin ver y sin pensar; en consecuencia, pienso según lo que veo y pinto según lo que veo y pienso". Diego Rivera.

Fuentes consultadas: REYERO, Manuel. Diego Rivera. México. Fundación Cultural Televisa A.C., 1983, pp. 21-23. y en TARACENA, Berta. Diego Rivera. Pintura de caballete y dibujos. México. Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 1979, pp. 16, 58-62.

$230,000.00-$300,000.00 M.N.

GERARDO MURILLO "DR. ATL"

(Guadalajara, Jalisco, 1875 - Ciudad de México, 1964) Sin título

Firmado Carboncillo sobre papel 25.3 x 35 cm Agradecemos al Sr. Andrés Blaisten por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2020. Presenta ligeros detalles de conservación. Gerardo Murillo Cornado fue un destacado pintor, un refinado dibujante y caricaturista, un asiduo escritor, ensayista y filósofo, un persistente explorador, geólogo y vulcanólogo, crítico de arte, político, revolucionario, admirador de la historia del arte universal y un inalcanzable amante de la naturaleza. Fue entre la década de los 20 y 40, que construyó una fructífera labor editorial, algunos libros incluían tanto textos como bocetos y dibujos acompañados por fotografías de Guillermo Kahlo. En este período, conoció a María del Carmen Mondragón, hija del general Manuel Mondragón, de quien se enamoró y bautizó como "Nahui Olin", en náhuatl "cuatro movimientos". 1949 fue un año difícil, pues sufrió la amputación de la pierna derecha, lo que le impidió continuar con sus estudios de vulcanología, actividad que comenzó a realizar desde principios de los años 20, en especial las expediciones que hacia al volcán Paricutín desde su yacimiento en 1943. Aquel incidente, lo impulsó a crear el "aeropaisaje", una nueva técnica que consistía en sobrevolar los cielos, permitiéndole alcanzar una visión mucho más amplia de los volcanes, montañas y valles; así, junto con la aplicación de la perspectiva curvilínea creó espectaculares cuadros con una específica vitalidad telúrica del espacio y vibrantes combinaciones de la luz en la atmósfera. Fuente consultada: ROURA, Alma Lilia. Dr. Atl, paisaje de hielo y fuego. México. CONACULTA, 1999, pp. 22-25.

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

DIEGO RIVERA

(Guanajuato, 1887 - Ciudad de México, 1957) 4 figuras

Firmados Lápiz de grafito sobre papel 13.3 x 8.5 cm cada uno 45 x 35 cm medidas totales con marco Piezas: 4 enmarcadas juntas. Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2020. Con etiqueta de Galería Central de Arte Moderno Misrachi. Presentan detalles de conservación. Después de su primera etapa de realización de murales, Diego Rivera continuó ensayando rasgos esquemáticos mediante una serie de dibujos realizados entre 1935 y 1940, en los cuales integró apuntes de danzantes, granjeros, mercados, indígenas y uno que otro paisaje. En estos bocetos, se aprecia su excelente esquema gráfico y magistrales trazos, fueron ejercicios que posteriormente plasmó en pinturas de caballete y murales. Fuente consultada: TARACENA, Berta. Diego Rivera. Pintura de caballete y dibujos. México. Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 1979, pp. 58-62.

$230,000.00-$300,000.00 M.N.

"Dueño de una cultura que le ofrecía una amplia visión del mundo, pintó la vida del pueblo con una profundidad que se salía de la simple ilustración, prolongándose su expresión plástica hacia el pasado prehispánico, dando continuidad a la tradición y afirmando tramos para el futuro". Berta Taracena.

DAVID ALFARO SIQUEIROS

David Alfaro Siqueiros con godete y pincel

La producción mural de David Alfaro Siqueiros fue prioritaria en su creación plástica. Desde el Manifiesto del Sindicato de Obreros Técnicos, Pintores y Escultores publicado en 1923, proclamó la supremacía de ese género sobre la pintura de caballete por su carácter público. No obstante, realizó obras de caballete e incluso algunas fueron antecedentes para su trabajo mural. Siqueiros tuvo varias etapas dentro de su producción mural, en donde experimentó e integró distintas técnicas, materiales e instrumentos entrelazados con sus posturas políticas y viajes. Su última etapa se concentra principalmente en la creación del mural de mayores dimensiones, considerado el más grande del mundo: "La marcha de la humanidad". En él resumió todos sus experimentos plásticos e integró, por lo menos idealmente, pintura, escultura, arquitectura, música, teatro y danza. Se empezó a gestar dentro del Palacio de Lecumberri en 1961, donde estaba preso por sus ideas de extrema izquierda. El empresario y mecenas Manuel Suárez y Suárez le había solicitado 24 obras para la sala de convenciones que planeaba construir en el Hotel Casino de la Selva, en la ciudad de Cuernavaca. En cambio, el artista le propuso realizar un mural. Y desde su celda en el llamado "Palacio negro" empezó a trabajar en múltiples bocetos. Pronto el empresario y Siqueiros formaron una estrecha relación, a pesar de sus disparidades políticas, misma que mantendrían hasta los últimos días del artista. Al salir de la cárcel en agosto de 1964, emprendió en Cuernavaca la construcción de La Tallera, un gran espacio donde pudo usar elementos mecánicos como poleas para subir y bajar los paneles del mural, así como los múltiples estudios en menor formato que realizó para la conceptualización de la obra. El proyecto creció tanto en dimensión como en ambición. El empresario comprendió la magnificencia de la obra y pensó que la capital del país sería más adecuada para el mural y ordenó construir un recinto exprofeso. Cambió el proyecto inicial y se dispusieron a construir el espacio para el mural más grande del mundo, que sumaría un total de 237 metros cuadrados. Se edificaría en el Parque de la Lama, sobre la avenida Insurgentes. Este traslado significó la posibilidad de una integración completa del mural con el nuevo diseño arquitectónico; un dodecaedro al exterior y octágono al interior, que para el artista fue la oportunidad de trabajar desde la concepción del edificio. Para la nueva edificación se tuvieron que hacer cambios en el proyecto, originalmente rectangular en su interior, eliminando aristas, unificando muros y techos para crear un espacio continuo. El mismo diseño determinó la posibilidad de que la parte exterior también fuera cubierta con murales, lo que duplicó la cantidad de metros a pintar. En el recinto se incluyeron un teatro y áreas de comercio, fue un foro múltiple ‒o poliforo‒ que se integró al entorno urbano.

El Polyforum Siqueiros, vista exterior

La idea inicial de Siqueiros trataba de la lucha de los pueblos de América Latina, representada como una multitud miserable que gime por las enfermedades y las guerras, una historia de la humanidad concretada en México desde el primitivismo hasta la civilización del momento. Se le dio cuatro zonas temáticas generales: "La marcha de la humanidad hacia la revolución democrático burguesa", "La marcha de la humanidad hacia la revolución del futuro", "Paz, cultura y armonía" y "Ciencia y tecnología". Finalmente, fue conformado por doce paneles internos en donde sintetizaba y mezclaba la miseria de los pueblos con las artes, los éxodos y las luchas. El artista le dio el título general de "La marcha de la humanidad en América Latina", también le llamó "La marcha de la humanidad en la tierra y hacia el cosmos" y como subtítulo "Miseria y ciencia". Siqueiros fue criticado desde el inicio, pues se consideraba contradictorio que un pintor de ideología comunista realizara un mural integrado a un hotel de lujo. No obstante, el muralista promovió La marcha de la humanidad en diversas partes del mundo: Roma, Milán, París y otras ciudades de Europa, así como en la Unión Soviética donde también recibió el premio Lenin por la Paz. En varias de estas ciudades estuvo acompañado por Manuel Suárez y la bailarina Amalia Hernández. En 1971 el Polyforum Cultural Siqueiros, albergando el llamado "mural más grande del mundo" abrió sus puertas en una apoteósica inauguración efectuada por el entonces presidente de México Luis Echeverría. Una fiesta de música y danza con el ballet de Amalia Hernández, la presencia de Rufino Tamayo y José Luis Cuevas, entre muchos personajes más. Fuentes consultadas: -GUADARRAMA PEÑA, Guillermina. La ruta de Siqueiros. Etapas en su obra mural. México. Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información e Artes Plásticas, 2010, pp. 172-182. -LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus Artistas. Tomo I. México. Promoción de Arte Mexicano, 2000. pp. 140-143. -"¿Qué pasó ahí?... Polyforum Cultural Siqueiros". México. Excélsior, sección Comunidad, 16 de mayo del 2014.

DAVID ALFARO SIQUEIROS

(Ciudad de México, 1896 - Cuernavaca, Morelos, 1974) Paisaje y ecología, panel I, ca. 1966

Sin firma Piroxilina y acrílico sobre madera 75 x 247 cm Esta pieza es la primera de dos partes de un díptico. Procedencia: perteneció a la colección del Polyforum Siqueiros. Exhibida en: -"Siqueiros: la marcha de la humanidad", muestra presentada en el Museo de Sitio para Polyforum Siqueiros en la Ciudad de México, en mayo de 1994. -"Historia de la construcción de un mural" muestra presentada en el Museo de Sitio para Polyforum Siqueiros en la Ciudad de México, en el 2000. -"Siqueiros: Dentro del Polyforum", muestra presentada en Galerías Polyforum Siqueiros en la Ciudad de México, en marzo del 2007. -"Construcción de un mural: La marcha de la humanidad", muestra presentada en el Museo del Pueblo de Guanajuato, en enero del 2009 y en el Museo de Arte de Querétaro, en marzo del 2010. -"La Tallera, Fábrica en Movimiento", muestra presentada en La Tallera en Cuernavaca Morelos, de julio del 2012 a mayo del 2013. Con etiqueta del Centro Nacional de Conservación y Registro del Patrimonio Artístico Mueble del Instituto Nacional de Bellas Artes. Presenta ligero faltante en el cuadrante superior derecho. Esta obra es uno de los múltiples estudios previos que David Alfaro Siqueiros realizó para el mural "La marcha de la humanidad" que cubre la estructura del Polyforum Siqueiros. $6,000,000.00-$8,000,000.00 M.N. 100

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DAVID ALFARO SIQUEIROS

(Ciudad de México, 1896 - Cuernavaca, Morelos, 1974) Estudio bidimensional para el mural La marcha de la humanidad

Sin firma Acrílico y varillas de metal sobre madera 66.5 x 246 cm Procedencia: perteneció a la colección del Polyforum Siqueiros. Exhibido en: -"Siqueiros: la marcha de la humanidad", muestra presentada en el Museo de Sitio para Polyforum Siqueiros en la Ciudad de México, en mayo de 1994. -"Historia de la construcción de un mural" muestra presentada en el Museo de Sitio para Polyforum Siqueiros en la Ciudad de México, en el 2000. -"Siqueiros: Dentro del Polyforum", muestra presentada en Galerías Polyforum Siqueiros en la Ciudad de México, en marzo del 2007. -"Construcción de un mural: La marcha de la humanidad", muestra presentada en el Museo del Pueblo de Guanajuato, en enero del 2009 en el Museo de Arte de Querétaro, en marzo del 2010. -"La Tallera, Fábrica en Movimiento", muestra presentada en La Tallera en Cuernavaca Morelos, de julio del 2012 a mayo del 2013. Con etiqueta del Centro Nacional de Conservación y Registro del Patrimonio Artístico Mueble del Instituto Nacional de Bellas Artes y de La Tallera. Presenta detalles de conservación. Esta obra es uno de los múltiples estudios previos que David Alfaro Siqueiros realizó para el mural "La marcha de la humanidad" que cubre la estructura del Polyforum Siqueiros. $5,500,000.00-$7,000,000.00 M.N.

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Vista interior del mural "La marcha de la humanidad"

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RINA LAZO

(Guatemala, Guatemala, 1923 - Ciudad de México, 2019) Calcas, Murales de Bonampak

Sin firma Óleo y arena sobre tela sobre madera 89.5 x 344.5 cm Agradecemos a la Arquitecta Rina García Lazo, hija de la artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2020. Procedencia: adquirido directamente a la artista Presenta faltantes y detalles de conservación. Habiendo pasado parte de su infancia en Cobán, Guatemala, donde mantuvo contacto con el pueblo maya y habiendo sido aprendiz de Diego Rivera y Frida Kahlo en México, la actividad artística de Rina Lazo se basó principalmente en el muralismo y las temáticas relacionadas a la cultura e historia latinoamericana. En 1996, al tiempo que se desarrollaba el proyecto para la construcción del nuevo Museo Nacional de Antropología de la Ciudad de México, el arquitecto Pedro Ramírez Vázquez le encomendó a Rina Lazo realizar una réplica a tamaño natural, a partir de calcas, de los murales de Bonampak. Así, viajó al pleno corazón de la selva Lancadona en el estado de Chiapas para encontrarse con el Templo de los Murales de Bonampak durante más de tres meses. Gracias a grandes esfuerzos, durmiendo en la copa de los árboles en alguna ocasión para defenderse de amenazas propias del lugar, pudo imitar la técnica maya al fresco con algunas innovaciones para lograr mayor exactitud en la copia de los murales que datan del siglo VIII de nuestra era. Llegó a la conclusión de que no era posible reproducir las pinturas imprimiéndolas, sino que era necesario imitar la técnica original colocando capas de colores superpuestos para lograr las transparencias de color. Hizo como primera fase del proyecto, una calca completa y directa de los dibujos en papel transparente, contando con la ayuda de varios pintores como Arturo García Bustos, Nicolette Valderrama y Lorenzo Guerro. A esta primera fase le siguió el estudio del color, donde encontró que para mayor precisión de los colores era necesario usar pigmentos de la región. Los colores de la paleta fueron bautizados con nombres como "Amarillo Bonampak" y "Tierra de Tenocique". A su regreso a la Ciudad de México, pasó dos años plasmando las figuras al fresco en los muros de la reproducción del templo facsímil construido en el jardín anexo a la sala maya del museo.

Fuentes consultadas: MONTAÑO GARIFAS, Ericka. "Exhiben en Guatemala calcas que hizo Rina Lazo de los murales de Bonampak". México. La Jornada, sección Cultura, 28 de febrero del 2010 y sitio oficial del Museo Nacional de Antopología www.mna.inah.gob.mx

$220,000.00-$300,000.00 M.N. 104

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ROBERTO MONTENEGRO

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Pátzcuaro, Michoacán, 1968) Proyecto para un mural #2 a) Mascarones #62

Firmada Mixta sobre papel 29.5 x 21.5 cm b) #50 Sin firma Mixta sobre papel 29.5 x 22 cm Piezas: 2, enmarcadas juntas Con copia de constancia de opinión de la Galería de Arte Mexicano, abril del 2017. Roberto Montenegro fue un pintor jalisciense cuya obra es considerada una excelsa aportación a la pintura moderna de México. Su mayor contribución artística se encuentra en su producción mural, puesto que los trabajos que hizo entre 1924 y 1928 enriquecieron el movimiento muralista al tratar temas novedosos con un estilo eminentemente decorativo y hasta fantástico. Su excelente capacidad para el dibujo fue un conductor importante para la realización de sus murales, el cual transitó desde líneas definidas y cerradas con tendencia hacia las antiguas formas de inspiración italiana, hasta el uso de contenidos mexicanos mediante figuras de la geometría sagrada de las grecas prehispánicas. Fuente consultada: MOYSSEN, Xavier. Roberto Montenegro. Exposición de homenaje MAM. México. INBA, 1970, pp. 20 y 21.

$55,000.00-$70,000.00 M.N.

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Detalle de la cabeza de José María Morelos con el Monumento en construcción al fondo. Colección de la familia González Camarena

Jorge González Camarena y Armando Ravize. Colección de la familia González Camarena

JORGE GONZÁLEZ CAMARENA

(Guadalajara, Jalisco, 1908 - Ciudad de México, 1980) Cabeza de José María Morelos, ejercicio escultórico para el "Monumento a los Héroes de la Independencia"

Sin firma Escultura en talla directa en piedra volcánica, pieza única 41 x 32 x 33.3 cm Con certificado de autenticidad de Marcel González Camarena Barre de Saint-Leu, hijo del artista. La versión en bronce de esta pieza se encuentra publicada en: FAVELA FIERRO, María Teresa. Jorge González Camarena: antología. México. Museo del Palacio de Bellas Artes, INBA,1996. Exhibida en: "Jorge González Camarena a 100 años de su nacimiento", homenaje realizado en el Museo Soumaya de Plaza Loreto en la Ciudad de México, marzo del 2008. Presenta ligeros detalles de conservación. Esta obra es un ejercicio escultórico previo a la pieza a mayor escala realizada por el artista para el Monumento a los Héroes de la Independencia. Incluye fotografía de la estructura en construcción y de la obra exhibida en el Museo Soumaya. Además de haber sido un sobresaliente pintor y muralista, Jorge González Camarena también destacó como escultor, interpretando varios temas en tamaños medianos y monumentales por encargo. Entre sus trabajos destaca el "Monumento a los Héroes de la Independencia", ejecutado en 1960 en conmemoración al 150 aniversario del movimiento independentista. Esta escultura fue seleccionada entre varias por medio de una convocatoria realizada por el Instituto Nacional de Bellas Artes y fue en colaboración con el Arquitecto Carlos Obregón, a quien conoció por medio de Diego Rivera, que Jorge González Camarena estructuró el monumento, el cual está edificado como una gran torre labrada en cantera rosa, ostentando las colosales figuras de Miguel Hidalgo, Ignacio Allende, Juan Aldama y José María Morelos, personaje histórico que promulgó algunas leyes del congreso de Apatzingán y representó con gran vigor y rasgos esenciales para su identificación. En la parte superior de la construcción aparecen una especie de banderas que, con sus picos, se convierten en estrellas que ayudan a aligerar la pesadez de las esculturas. Esta extraordinaria estructura se encuentra en la Calzada de los Héroes en el centro del municipio de Dolores Hidalgo en el estado de Guanajuato. Fuente consultada: FAVELA FIERRO, María Teresa. Jorge González Camarena. Universo plástico. México. Democracia ediciones, 1995, Pág. 57.

$260,000.00-$360,000.00 M.N. 107

JORGE GONZÁLEZ CAMARENA

(Guadalajara, Jalisco, 1908 - Ciudad de México, 1980) El diablo

Firmado al frente. Firmado y fechado 1968 al reverso Óleo sobre tela 100 x 80 cm También conocido con el título "Fantasía erótica". Con certificado de autenticidad firmado por Jorge González Camarena Barre de Saint-Leu, hijo del artista. Publicado en: -ÁLVAREZ ACOSTA, Miguel et ál. Jorge González Camarena. Universo plástico. México. Democracia Ediciones, 1995, Pág. 72. -GONZÁLEZ CAMARENA BARRE DE SAINT-LEU, Jorge. Evocaciones de Jorge González Camarena. México. Instituto Politécnico Nacional, 2016, Pág. 108. - LUNA ARROYO, Antonio. Jorge González Camarena en la Plástica Mexicana. México. UNAM, 1981, Pág. 156. Con fragmentos de dos etiquetas del Salón de la Plástica Mexicana Presenta detalles de conservación. Jorge González Camarena fue un destacado pintor y escultor jalisciense considerado como uno de los representantes más importantes de la segunda generación de muralistas mexicanos. Fue un dibujante nato, que mostró un gentil y fino trato estético en cada una de sus obras, las cuales realizó mediante la pintura de caballete y mural, así como la realización de esculturas de formatos medianos y monumentales. Comenzó sus estudios en la Academia de San Carlos, donde fue recomendado por el entonces director Alfredo Ramos Martínez para dibujar unas láminas que Gerardo Murillo "Dr. Atl" estaba realizando para un futuro libro. De aquel trabajo, Jorge González Camarena no solo consiguió aprender de uno de los mejores artistas de la época, sino entablar también una estrecha y larga amistad; inclusive su afecto y admiración profesional hicieron que el propio Dr. Atl le regalara uno de sus conventos para que lo convirtiese en su taller personal. En ocasiones realizaron proyectos murales juntos y en otras solo se recomendaban; tal fue la encomienda que tuvo Jorge González Camarena para restaurar los frescos del convento de Huejotzingo en Puebla, lugar en el que tuvo que residir un tiempo y donde se inspiró tanto que se integró a la orquesta del pueblo de música prehispánica tocando la chirimía. Fue la época en la que conoció realmente el arte mexicano, pues tras aquellas fuertes influencias se entusiasmó tanto que comenzó a abordar en su pintura temas de las culturas precolombinas, aspectos relacionados con los movimientos revolucionarios, históricos, sociales, religiosos y de índole musical. Estas temáticas las ejecutó durante casi 35 años y un ejemplo de ellas es la presencia de la figura del diablo, el cual representó en diversas ocasiones utilizándolo tanto como simbolismo religioso como social. Este es el caso de "El diablo", realizada en 1968, año en el que surgieron movimientos estudiantiles en el mundo que provocaron un cambio de rumbo y México no fue la excepción. De interesante solución compositiva, una gran máscara de ojos múltiples caracteriza la maldad, así como los cuernos y enorme boca abierta que asoma dientes y colmillos a punto de devorar a los pequeños, indefensos y suplicantes seres humanos. La pintura narra al mismo tiempo el cosmos prehispánico y el México contemporáneo, conjugando el mito con la realidad. Fuentes consultadas: GONZÁLEZ CAMARENA, Jorge A. et ál. Evocaciones de Jorge González Camarena. México. Instituto Politécnico Nacional, 2016, Pág. 109 y FAVELA FIERRO, Ma. Teresa. Jorge González Camarena. Universo plástico. México. Democracia ediciones, 1995, Pág. 80.

$3,000,000.00-$4,000,000.00 M.N.

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ALFREDO CASTAÑEDA

(Ciudad de México, 1938 - Madrid, España, 2010) Nuestra sabiduría

Firmado Óleo sobre cartulina 36 x 28 cm Procedencia: adquirido en Galería de Arte Actual Mexicano en Monterrey, Nuevo León. "Si alguna obra literaria serviría para explicar a Castañeda, es la de Samuel Beckett con su incesante espera y espiritual movilidad hacia el vacío abierto en uno mismo y en los demás. El ámbito místico de Castañeda es cercano a una poesía pintada, barroca, inusitada. La obra de Alfredo Castañeda ha sido clasificada de maneras muy distintas a lo largo de las últimas décadas: en el Surrealismo tardío tuvo su lugar y luego en La Ruptura. Hasta en el Neomexicanismo de los ochentas y noventas fue incluido. En realidad no pertenece a ningún movimiento y su persistente originalidad está a prueba de modas y simplificaciones. Incluyendo a las más actuales. Su mundo pictórico, tan extraña y profundamente místico, es único y descubrirlo, entrar en él, en 'lo abierto' de su obra, es siempre una sorpresiva experiencia poética". Alberto Ruy Sánchez. Fuente consultada: RUY SÁNCHEZ, Alberto. "Por el asombro avanzando hacia el vacío".

$100,000.00-$180,000.00 M.N.

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RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - Ciudad de México, 2019) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 120.5 x 155 cm Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2020. Presenta ligeros detalles de conservación. Rafael Coronel fue un artista reconocido por sus pinturas de esencias melancólicas. Realizó sus estudios en la escuela Nacional de Arquitectura, en la academia High American School y finalizó en La Esmeralda, escuela de la cual fue expulsado por conflictos con los maestros. Un día, el pintor Carlos Mérida le presento a Inés Amor, dueña de la Galería de Arte Mexicano, lugar donde sin duda se dio a conocer como un verdadero artista. El arte siempre corrió por sus venas, su abuelo fue decorador de iglesias, su hermano fue el pintor Pedro Coronel y estuvo casado con Ruth Rivera, hija de Diego Rivera con quien trabajó en su taller durante veinte años. Al madurar su estilo, Coronel comenzó a romper con ciertas modalidades, se convirtió en un maestro del naturalismo y del realismo poético, fantástico y mágico. Su intención fue mostrar la particularidad del ser humano sin tanto revestimiento como lo hacían los muralistas, plasmando personajes cuya esencia se congela en el tiempo. Como dijera el crítico literario Salvador Elizondo: "Coronel forma una síntesis misteriosa entre la apariencia y la realidad". Fuente consultada: CORONEL RIVERA, Juan Rafael. Retrofuture. Rafael Coronel. México. INBA, CONACULTA, Museo del Palacio de Bellas Artes, 2010, pp. 373 y 374.

$700,000.00-$900,000.00 M.N.

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ALFREDO CASTAÑEDA

(Ciudad de México, 1938 - Madrid, España, 2010) No entender

Firmado y fechado 73 Óleo sobre tela 100 x 100 cm Con recibo de compra de Christie's, Nueva York, noviembre de 1989. Con documento del Instituto Nacional de Bellas Artes en donde se expide un permiso de importación definitiva de la obra, enero de 1990. Procedencia: adquirido en Christie's, Subasta de Arte Latinoamericano, lote 243, noviembre de 1989. Estudió en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México, donde conoció a Mathias Goeritz, quien lo encaminó a lo filosófico y poético del arte, conceptos que lo animaron a hacer frente a su pintura. Esto hizo que interrumpiera sus estudios para viajar a Europa. Después de varios años de carrera artística, Alfredo Castañeda afinó su técnica y comenzó a caracterizarse por un estilo muy marcado, escenarios de colores neutros y personajes imaginarios. Sus obras lograron grandes éxitos y se exhibieron en museos y galerías en ciudades como Nueva York y Miami, y en la Ciudad de México en importantes espacios como el Museo de Arte Moderno, el Museo Nacional de Arte y el Museo del Palacio de Bellas Artes. "La obra de Alfredo Castañeda es fina en su detalle y mágica en su expresión. En sus cuadros nos encontramos con personajes imaginarios que por lo general son de edad madura y cuya vestimenta conservadora y miradas profundas, nos hacen pensar en el desvelo que puede haber provocado un estado de vigilia o concentración. En los rostros de cada uno de sus individuos se advierte cierto parecido […] Amante de la lectura de textos místicos, estudioso de poetas y filósofos, le permitió escapar de lo ordinario. De esta manera encontramos personajes fuera de su realidad. Esta diversidad de lecturas es lo que vuelve a su obra fascinante ante el espectador, ya que a través de la pintura se establece un diálogo entre el pintor y quienes se encuentran frente a ella".

Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 9, No. 70, julio-agosto 2004, pp. 25-38.

$1,300,000.00-$2,000,000.00 M.N. 112

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ROBERTO FABELO

(Camagüey, Cuba, 1951 - ) Sin título

Firmado y fechado 1988 Carboncillo y lápiz de color sobre papel 93 x 60.5 cm Procedencia: adquirido directamente del artista. Presenta detalles de conservación. Realizó sus estudios en la Escuela Nacional de Arte y en el Instituto Superior de Arte de La Habana. Ilustrador de numerosos libros, entre los que destacan las obras de Gabriel García Márquez. Ha realizado exposiciones en más de 20 países, entre ellos Cuba, Alemania, Argentina, España, Francia, Estados Unidos, Japón, México, Panamá, Suiza, Italia y Venezuela. Por su destacada trayectoria artística el Estado cubano le ha conferido la Medalla por la Cultura Nacional y la Medalla Alejo Carpentier. Fuente consultada: DÍAZ, Estrella. "Roberto Fabelo: Abriendo Puertas". Cuba. La Jiribilla, número 04, 2003.

$65,000.00-$80,000.00 M.N. 114

Anverso

Reverso

RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - Ciudad de México, 2019) Niño anciano

Firmada Escultura en plata .925 de la firma TANE 6 / 24 en base de madera. 39 x 14 x 12 cm medidas totales con base Elaborada por TANE como parte del proyecto Arte / Objeto. Con certificado de identidad y garantía de oirgen de TANE Orfebres. Con folleto de TANE Orfebres. Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2020. Publicada en: "Arte / Objeto Sculpture from the Tane Silversmiths Collection". E.E. U.U. The Smithsonian Institution, 1984, Catalogada 14 y en CORONEL RIVERA, Juan Rafael. Retrofutura. Rafael Coronel. México. INBA - CONACULTA - Museo del Palacio de Bellas Artes, 2011. pp. 350 y 351. "Rafael Coronel, artista de sensibilidad mágica, intrigante, profunda, es dueño de un virtuosismo inherente a los grandes maestros de la pintura. Su interés por la naturaleza humana y preocupación por su intimidad lo ha llevado a captarla y volverla susceptible de transformación en forma plástica". Josephine Siller. $250,000.00-$350,000.00 M.N. 115

(Chicontepec, Veracruz, 1947 - ) ¿?

(Chicontepec, Veracruz, 1947 - ) Fenómeno

NAHUM B. ZENIL

Firmada y fechada 90 Mixta sobre papel 52 x 39.7 cm Agradecemos al Maestro Nahum B. Zenil por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2020. Con etiqueta de Galería de Arte Mexicano. Esta es la primera de 5 piezas de un políptico que puede ser leído de izquierda a derecha o de derecha a izquierda. A los doce años migró con sus hermanos y madre a la Ciudad de México. Estudió la carrera magisterial en la Escuela Nacional de Maestros y posteriormente se interesó en estudiar artes plásticas, por lo que se inscribió a La Esmeralda. Su primera exposición colectiva fue en 1971 en el Museo del Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México e individualmente expuso por primera vez en la Galería José María Velasco, en 1974. Ha pertenecido al Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA. Fuente consultada: EMERICH, Luis Carlos. Figuraciones y desfiguros de los 80s. Pintura mexicana joven. México. Editorial Diana, 1989, Pág. 152.

$85,000.00-$100,000.00 M.N.

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NAHUM B. ZENIL

Firmada y fechada 90 Mixta sobre papel 52.5 x 39.8 cm Agradecemos al Maestro Nahum B. Zenil por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2020. Con etiqueta de Galería de Arte Mexicano. Esta es la segunda de 5 piezas de un políptico que puede ser leído de izquierda a derecha o de derecha a izquierda. "La presencia constante del pintor como autor y personaje central de un mundo prisión, un apando doméstico donde se alucina el juego entre la mayor soledad y la mayor compañía, serían la clave para referirlo forzosamente a la influencia directa de Frida Kahlo. Esta evidente afinidad de sensibilidades es sólo rasgo familiar artístico que Zenil explota con fuerzas, motivos y connotaciones diferentes". Luis Carlos Emerich. Fuente consultada: EMERICH, Luis Carlos. Figuraciones y desfiguros de los 80s. Pintura mexicana joven. México. Editorial Diana, 1989, Pág. 152.

$85,000.00-$100,000.00 M.N.

NAHUM B. ZENIL

(Chicontepec, Veracruz, 1947 - ) El monstruo de las 3 cabezas

Firmada y fechada 90 Mixta sobre papel 52 x 39.7cm Agradecemos al Maestro Nahum B. Zenil por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2020. Con etiqueta de Galería de Arte Mexicano. Esta es la tercera de 5 piezas de un políptico que puede ser leído de izquierda a derecha o de derecha a izquierda. En su obra propone la apertura de nuevos discursos estéticos, en relación al contenido y la temática, partiendo del autorretrato como eje y referencia para todas sus pinturas. Es provocador, luchador, imaginativo, soñador, introvertido y creativo. Sus creaciones contribuyen de forma esencial en la construcción de referentes históricos, sociales, culturales, políticos y económicos del México contemporáneo, que se distingue por la diversidad y riqueza de los lenguajes artísticos. Fuente consultada: sitio oficial de la Galería Mónica Saucedo www.galeriamonicasaucedo.com

$85,000.00-$100,000.00 M.N.

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NAHUM B. ZENIL

(Chicontepec, Veracruz, 1947 - ) Siameses

Firmada y fechada 90 Mixta sobre papel 52.5 x 39.7 cm Agradecemos al Maestro Nahum B. Zenil por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2020. Con etiqueta de Galería de Arte Mexicano. Esta es la cuarta de 5 piezas de un políptico que puede ser leído de izquierda a derecha o de derecha a izquierda. La obra de Nahum B. Zenil se ha caracterizado por ser en su mayoría autorretratos, haciendo una reconstrucción y una resignificación sobre sus creencias religiosas, la aceptación de su sexualidad, el erotismo y los sentidos. En su producción ha encontrado un camino para que la religión y la sexualidad logren convivir y unirse. Sus obras son revolucionarias para el contexto mexicano y la sociedad; aunque fue educado en la abstracción, se le conoce más bien por sus obras figurativas autobiográficas. Fuente consultada: "El arte es el camino de mi libertad: Nahum B. Zenil". México. La Razón, Sección Cultura, 9 de septiembre del 2018.

$85,000.00-$100,000.00 M.N. 118

NAHUM B. ZENIL

(Chicontepec, Veracruz, 1947 - ) Los amigos

Firmada y fechada 90 Mixta sobre papel 52 x 39.7 cm Agradecemos al Maestro Nahum B. Zenil por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2020. Con etiqueta de Galería de Arte Mexicano. Esta es la quinta de 5 piezas de un políptico que puede ser leído de izquierda a derecha o de derecha a izquierda. "Su pintura cuajada de símbolos, es como la interpretación velada del rico paisaje huasteco arrullado con lamentos de huapango. Y más en lo profundo, subyacen los misterios insondables de su origen; los ideales arquetípicos indescifrables y significaciones de raza solo posibles en manifestación pictórica, en trasuntos de vibrar cromático que traslucen todo un pasado de siglos tornándose presente, palpitante, en su pintura". Cristóbal Torres Valencia. Fuente consultada: sitio oficial de Frente de Afirmación Hispanista, A.C. www.hispanista.org

$85,000.00-$100,000.00 M.N. 119

ROBERTO FABELO

(Camagüey, Cuba, 1951 - ) Sin título, de la serie Fragmentos vitales

Firmados y fechados 1988 Pastel y crayón sobre papel kraft sobre papel amate 215.5 x 150 cm medidas totales con marco Piezas: 3, enmarcadas juntas Procedencia: adquirido directamente al artista. Esta obra es parte de una serie de dibujos hechos en crayón sobre papel kraft, en la cual el artista cortaba con sus manos para seguir el contorno de los dibujos, acentuando la figura. Muestra un conjunto de seres inusuales que se enfrentan a un mundo regido por patrones estéticos y de conducta que pretenden homogeneizar el comportamiento, rechazar la fealdad y poner estándares sobre el bien y el mal. Estas obras obedecen a un lenguaje muy distinto al que tenemos la costumbre de enfrentarnos y dan la sensación de que están inconclusas. La mezcla entre lo gestual del papel con lo minucioso de cada una de las formas, nos hace sentir que presenciamos un trabajo que no ha salido del estudio, que debería permanecer guardado y que fue rescatado años después. La primera parte de la serie fue exhibida por primera vez en el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México en 1987, exposición que llevó el mismo nombre de la serie y posteriormente en una exposición colectiva en las Naciones Unidas, Nueva York. Fuente consultada: ESPINOSA DE LOS MONTEROS, Santiago. "Roberto Fabelo: crayón sobre papel kraft". México. Revista de la Universidad de México, enero de 1988.

$180,000.00-$260,000.00 M.N.

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RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - Ciudad de México, 2019) Niño chileno

Firmado al frente. Firmado R.C.A. al reverso Óleo sobre tela 40.5 x 60.5 cm Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2020. Su obra está impregnada de fuerza, de una inquietud interna por entender los estados anímicos del hombre, de confrontar lo que otros no confrontan: la soledad, el abandono y la desesperación que se manifiesta en aquellos momentos en los que la vida hace crisis en el ser humano. En ese estado miserable, existe un ser que se está aferrando a la vida como un culto a la existencia. Fuente consultada: "Rafael Coronel", texto para exposición en la galería Vértice de Guadalajara, Jalisco, octubre de 1999.

$180,000.00-$220,000.00 M.N.

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EMILIANO GIRONELLA PARRA (Ciudad de México, 1972 - ) Cráneo

Firmada y fechada 2016 Encáustica y óleo sobre madera tallada 115 x 88.2 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte. Con etiqueta de El Aire Centro de Arte. Presenta ligeros detalles de conservación. A lo largo de su carrera, Emiliano Gironella ha trabajado la fotografía, la pintura, la escultura y experimentado con los procesos gráficos. Su primera exposición fue en Bellas Artes, como parte de la muestra "Colorín Colorado". Desde entonces, ha participado en un sinfín de exposiciones colectivas e individuales y formado parte de diversos proyectos, uno de ellos relacionado a la protección y cuidado de niños, por el cual recibió un reconocimiento del expresidente Enrique Peña Nieto por el proyecto "Manos Manchadas de Pintura", el cual utiliza el 122

arte como un catalizador de dolor en apoyo a los hijos de elementos policiales fallecidos durante estrategias federales. Su obra circula en torno a ciertos temas, destacando el boxeo, la fiesta brava, las mujeres, la muerte y violencia. Una constante en su producción son los homenajes a personajes sociales y nacionales como José Alfredo Jiménez, con las exposiciones "Y sigue siendo el Rey" y el homenaje a Juan Rulfo y a su obra "Pedro Páramo" con su acción en Mineral de Pozos en Guanajuato a la que pertenece la obra "Desnudo homenaje a Susanita San Juan". "Pedro Páramo" es la primera novela de Juan Rulfo, y en aquella historia Susanita San Juan es el verdadero amor de Pedro Páramo pero son forzadamente separados cuando muere la madre de ella.

Fuente consultada: RICO, Pablo. Los Parra-Gironella, un collage familiar. México. Gobierno del Estado de San Luis Potosí, Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario, El Aire Centro de Arte, 2012, Pág. 327.

$100,000.00-$200,000.00 M.N.

ALFREDO ALCALDE GARCÍA (Chimbote, Perú, 1961 - ) Mimo con flores

Firmado al frente. Firmado y fechado 2020 al reverso Óleo sobre lino 100 x 81 cm Con certificado de autenticidad del artista. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Lima; tuvo de maestro a Víctor Humareda, uno de los pintores expresionistas más importantes de Perú. Comenzó su carrera explorando el paisaje urbano, su producción se encuentra dividida entre este género y el registro de personajes y puestas en escena dotadas de un carácter atmosférico, donde la luz forma parte medular en sus lienzos. Su estilo ha transitado del impresionismo y expresionismo hasta el realismo simbólico con temas irónicos relacionados con la reflexión y la denuncia social. A lo largo de su carrera, además de desempeñarse como pintor, realizó obra escultórica y experimentó con el grabado y la cerámica. Ha ilustrado libros, participado en foros y pláticas en universidades y centros culturales en Perú y el extranjero. Ha expuesto en museos y galerías de Perú, Chile, México, Japón, Suiza y Francia; además, en el año 2000 fue distinguido con la placa "Sol del Cuzco" otorgada por el Museo de la Nación y el Instituto Nacional de Cultura del Perú a la mejor exposición de arte del año. Fuente consultada: VILLACORTA, Alberto et ál. Alfredo Alcalde. Caminos, máscaras y destinos. Perú. Instituto Cultural Peruano Norteamericano, 2016, pp. 17-28.

$400,000.00-$600,000.00 M.N. 123

ROBERTO FABELO

(Camagüey, Cuba, 1951 - ) Sin título

Firmada y fechada 1989 Sanguina sobre papel 47 x 34 cm Procedencia: adquirido directamente al artista. "Estas imágenes intemporales ofrecen referencias a La Divina Comedia de Dante, el realismo mágico de García Márquez, un toque del Bosco, la destreza en el dibujo de los maestros holandeses y flamencos, y el alma de Rembrandt. Todos testimonios para la obra de este informado creador y su síntesis de elementos de la historia de arte y sus propias y singulares sensibilidades. "La metamorfosis de estas figuras humanas en las criaturas únicas de Fabelo transcurre en paralelo con la transformación que tiene lugar en el espectador cuando se abre a otras realidades. Las representaciones son tan reales que estamos convencidos de que existen. "Los cuerpos parecen brotar de un maná orgánico que genera a todas las criaturas de carne, como si fuera un gigante crisol que las produce. El crisol es, en realidad, el recipiente del ajiaco de imágenes que habitan en la imaginación del artista". Stuart A. Ashman. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.fabelostudio.com

$46,000.00-$60,000.00 M.N. 124

ROBERTO FABELO

(Camagüey, Cuba, 1951 - ) Sirena

Firmada y fechada 1989 Sanguina sobre papel 46 x 34 cm Procedencia: adquirida directamente al artista. "Creador de seres contrahechos, faunos, insectos humanoides, cerdos grotescos, un bestiario multiforme y, al mismo tiempo, de delicadas sirenas, dulces y hermosas doncellas de cuerpos voluptuosos, es decir, lo opuesto, el imaginario del artista pretende una representación de totalidad del hombre y sus sueños. Otros grandes creadores poblaron sus lienzos y papeles con monstruos: Bacon, Brueghel (el Viejo), Dubuffet, José Luis Cuevas; pero el bestiario de nuestro artista es diferente, es ingenuo, retozón, burlesco más que cruel, no hay violencia en él; es un artista que obedece a los impulsos y sentidos del alma y el corazón, y que, como el flautista de Hamelin, convoca a sus fantásticos seres a seguirlo en su andadura por el arte". Rafael Acosta de Arriba. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.fabelostudio.com

$46,000.00-$60,000.00 M.N. 125

HUGO LUGO

(Los Mochis, Sinaloa, 1974 - ) Objeto bomba

Firmado y fechado 06 Acrílico sobre tela 147 x 119.5 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, mayo del 2006. Presenta ligeros detalles de conservación. Es Licenciado en Artes Visuales por la Universidad de Montemorelos en Nuevo León. Cursó el Máster en Fotografía Latinoamericana en el Centro de la Imagen de Lima, así como el programa en Historia del Pensamiento en la Universidad Panamericana de la Ciudad de México. Actualmente cursa la Maestría en Cultura Escrita en el Instituto Sor Juana de Estudios de Posgrado en Tijuana, México. 126

Desde 1999 ha desarrollado su obra en diversos medios, principalmente la pintura y el dibujo. La fotografía, el video y la instalación han dado a su trabajo la oportunidad de explorar nuevas dimensiones de sentido. Su obra se ubica en el cruce de lo que entendemos como lenguaje pictórico y las reflexiones en torno a la práctica disciplinaria que identificamos como pintura. Hugo Lugo dirige estas exploraciones matérico-conceptuales hacia la creación de experiencias estéticas que revelen algo sobre nuestros modos de ver, en tanto toda contemplación abre espacio para reparar sobre la propia condición humana. Su obra ha sido expuesta en ciudades como Nueva York, Los Ángeles, Caracas, Bogotá, Río de Janeiro, Santiago de Chile, Madrid, Ciudad de México, Ámsterdam, París, Hong Kong, entre otras.

Fuente consultada: sitio oficial de HeartEgo www.heartego.com

$100,000.00-$150,000.00 M.N.

ARMANDO ROMERO

(Ciudad de México, México 1964 - ) Sin título

Firmadas y fechadas 2001 al frente y al reverso Mixta sobre tela sobre madera a) 45 x 40.5 cm b) 50 x 40.5 cm c) 50 x 40.3 cm Con certificado de autenticidad de NM Contemporáneo firmado por el artista, octubre del 2020. Es un sobresaliente artista plástico mexicano egresado de La Esmeralda. Su pintura se caracteriza por contener un una fusión de elementos históricos, es decir, combina imágenes contemporáneas irreverentes con caracteres de obras maestras del siglo de oro, principalmente de Francisco de Goya, Caravaggio, El Greco, Francisco de Zurbarán y Rembrandt, entre otros. A lo largo de su carrera ha participado en exposiciones colectivas e individuales en MAIA Contemporary, Museo Rufino Tamayo y Museo Mural Diego Rivera en la Ciudad de México, en la Leslie Feely Gallery de Nueva York, en la Tasende Gallery de Los Ángeles y Miami, en la Galería Kunsthaus Richterswil en Zurich, así como en la Galería Espacio en el San Salvador y la Inception Gallery en París. Actualmente su obra forma parte de importantes colecciones públicas y privadas de México, Estados Unidos y España. $180,000.00-$250,000.00 M.N.

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IGNACIO ITURRIA

(Montevideo, Uruguay, 1949 - ) Las canillas

Firmado Óleo sobre tela 80 x 98.5 cm Con certificado de autenticidad de Fundación Praxis, diciembre del 2010. Presenta ligeros desprendimientos de capa pictórica. Desde la segunda mitad del siglo XX, la obra de Ignacio Iturria ha destacado, pues el artista ha desarrollado un estilo maduro, con una fuerte y personal paleta de colores terrosos y personajes de ensueño y fantasía, cargados de historias y provocadores de recuerdos, que hoy conocemos como el cuño indeleble de su arte poético y humanístico. A lo largo de su carrera ha expuesto su trabajo en diversos museos, ferias y galerías de arte, destacando la Galería Sa Llumenera en Cadaqués, España, Galería Manzione en Punta del Este, Uruguay, Galería Praxis de Buenos Aires, Argentina y Lima, Perú; La Galería en Quito, Ecuador, Park Gallery en Florida y el Museo de Artes de las Américas en Washington, D.C., Estados Unidos, así como en la V Bienal de La Habana, Cuba y en ARCO´92, Madrid, España. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.iturria.com.uy

$160,000.00-$220,000.00 M.N. 128

BORIS VISKIN

(Ciudad de México, 1960 - ) Tesoros del Rijksmuseum, 2012

Firmado al reverso Óleo y collage sobre madera 137 x112 cm medida con marco Con certificado de autenticidad del artista. Publicado en: VÉLEZ, Gonzalo. Tesoros del Rijksmuseum. México. Trouvé, 2013, Portada. El marco es parte de la obra. "[…] Detrás de los juegos formales y semánticos, se vislumbra la presencia reflexiva del artista: cierto escepticismo en su manera

de ver el mundo, de abarcar la cultura en un sentido muy amplio y de criticarlo con la ironía penetrante del arte, con esa energía impalpable capaz de abrir ojos y alumbrar conciencias. Pero entonces, según el artista, ¿todo [los 'tesoros' del Rijksmuseum] es un engaño? "Aparentemente sí: en realidad no hay Botticellis ni Giacomettis ni Rubens, sino sólo Boris Viskin y viejas reproducciones de grandes maestros, y entonces resulta que esta serie no trata sobre la historia del arte sino sobre el mundo contemporáneo, y por supuesto que no es el Rijksmuseum, sino nuestro aquí y ahora interpretado lúdicamente y puesto en escena por un notable artista nuestro. La intervención plástica es aquí diálogo con el acontecer". Gonzalo Vélez.

Fuente consultada: VÉLEZ, Gonzalo. "Tesoros del Rijksmuseum por Boris Viskin", 2013.

$120,000.00-$200,000.00 M.N. 129

MANUEL MENDIVE

(La Habana, Cuba, 1944 - ) Sin título

Firmada y fechada 1994 al frente. Firmada y fechada París 1994 al reverso Pastel y gouache sobre papel 31 x 41 cm Presenta ligeros detalles de conservación. Manuel Mendive es uno de los máximos representantes del arte cubano y latinoamericano. Su obra está rodeada e impregnada de religiosidad propia del entorno originario que creó toda una cultura mucho antes del mestizaje. Son las raíces herederas de ese mundo religioso-santero transculturado de origen africano. Un mundo que se debate entre la luz y las tinieblas como lo afirma el artista: "La luz es la enseñanza, las tinieblas meditación. Yo no me canso de pasar continuamente de la luz a las tinieblas y de las tinieblas a la luz. Mi pasado, mi historia y mi destino, los rostros que nunca he visto solamente en sueños están justamente en ese estadio intermedio, allí donde el Cielo se une con la Tierra". Fuente consultada: DE JUAN, Adelaida et ál. Manuel Mendive. La luz y las tinieblas. Cuba. Mendive estudio-taller, CONACULTA, INBA, Arte Cubano Ediciones, CNAP, 2010, Pág. 7.

$70,000.00-$120,000.00 M.N.

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IGNACIO ITURRIA

(Montevideo, Uruguay, 1949 - ) Sin título

Firmado y fechado 2017 Óleo sobre cartón corrugado 31 x 49 cm Procedencia: colección del historiador y crítico de arte Miguel Ángel Muñoz. "Siempre pienso que soy uruguayo, hombre y pintor. Esas son las tres cosas que tengo clarísimo. A mí la pintura me entusiasma siempre. Para mí levantarme y saber que tengo una tela en blanco y que arranca el día es toda una ilusión, es como que podés empezar de vuelta. Esa es una de las cosas que más me gusta de esto, esa posibilidad de rectificación y que cada día parezca como si fuera un domingo o una fiesta o tu cumpleaños […] Todo me significa tema y gran entusiasmo, porque si no estás entusiasmado perdés la esencia; a mí la pintura me entusiasma siempre […] Por esta necesidad, si tienes la posibilidad, la condición y te gustó lo suficiente, no hay que dudar, no hay que dejar que nada del entorno, ni los miedos nos alejen, porque la vida y la pintura hay que vivirla con libertad". Ignacio Iturria. Fuente consultada: SALLÉ ONETTO, Andrea. "Ignacio Iturria: pinceladas de interioridad". Uruguay. El Observador, sección Seisgrados, 22 de julio del 2014.

$60,000.00-$80,000.00 M.N.

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Detalle lote 100

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FUNDACIÓN ACEVES NAVARRO

Gilberto Aceves Navarro se mantuvo activo durante sus últimos años de vida

Uno de los mayores anhelos del Maestro Gilberto Aceves Navarro fue crear una fundación que le permitiera continuar con su insigne labor en el medio artístico: crear, enseñar, formar, deslumbrar, impulsar, provocar y abrir caminos para descubrir e interpretar el mundo a través del dibujo, la pintura y la imaginación. La Fundación Aceves Navarro es una organización sin fines de lucro que rabaja bajo los preceptos y la incansable creatividad que distinguió a Gilberto Aceves Navarro en su extensa trayectoria. Además de dedicarse a la investigación, preservación y difusión de su patrimonio artístico formado a través de la organización de exposiciones en galerías y museos, la creación de publicaciones acerca del maestro y su quehacer artístico y el resguardo de su amplia biblioteca especializada, la Fundación Aceves Navarro ha desarrollado programas educativos como #Arte Desde Pequeños®, en donde niños de la Ciudad de México tienen la oportunidad de exhibir sus dibujos y pinturas en una galería compuesta por once pantallas espectaculares inteligentes distribuidas en puntos estratégicos de la ciudad. La fundación resguarda también el acervo de obra pictórica, gráfica, dibujos, escritos, fotografías y otros medios que el maestro realizó durante más de cuarenta años de creación. En esta Subasta de Arte Latinoamericano, agradecidos con el legado que el Maestro Gilberto Aceves Navarro dejó en la historia del arte en México y Latinoamérica, es un honor para Morton Subastas presentar una destacada selección de obras representativas del artista. Los fondos recaudados a partir de la venta de las piezas irán destinadas a la Fundación Aceves Navarro.

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"Trascender es lo menos importante, lo que importa es entender más y más el prodigioso mundo de la creación”. Gilberto Aceves Navarro.

El Maestro Aceves Navarro frente a algunas de sus obras de gran formato

Detalle del pintor en su taller

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Gilberto Aceves Navarro por Rogelio Cuéllar en 1989

Gilberto Aceves Navarro

(Ciudad de México, 1931 - Ciudad de México, 2019)

Hijo de padres con espíritu artístico pues su madre había sido cantante de ópera y nacido en una cultura con una rica historia del arte, parecería que su destino fue trazado de nacimiento. Comenzó a dibujar cuando tenía cuatro años de edad, dejando claro que era una actividad tanto fácil como necesaria en su vida. Desde su infancia fue reservado; pudo ir a la escuela hasta los siete años, pero debido a su naturaleza hiperactiva aprendió a leer por sí mismo. Durante sus años escolares conoció a Carlos Pellicer, Julio Torri y Francisco Villaseñor. No fue muy atento en la escuela, se mantenía ocupado haciendo pequeñas figuras de plastilina. Su familia quería que estudiara medicina, pero impulsado por un maestro de su secundaria, se postuló para La Esmeralda. Cuando se graduó finalmente, empezó a trabajar con Diego Rivera. Los años siguientes, Aceves Navarro estuvo re-dibujando los trabajos del muralista, mientras aprendía las cosas fundamentales del arte. Después trabajó con David Alfaro Siqueiros en la realización de los murales de Rectoría en Ciudad Universitaria. Él fue quien le enseñó la libertad del sujeto y después, estudiando en la universidad, conoció a Enrique Assad Lara, a quien observó pintar y reutilizar sus lienzos, destruirlos y empezarlos de nuevo; esta experiencia probablemente influyó en sus métodos de creación. La rigidez academicista en La Esmeralda no le sentó muy bien, especialmente con Carlos Orozco Romero, pues este insistía en estudiar rigurosamente trabajos que Gilberto Aceves Navarro consideraba obsoletos, en lugar de estudiar la vida real, aunado a la falta de oportunidades para que los artistas en ciernes exhibieran sus trabajos. Él y algunos condiscípulos armaban exhibiciones improvisadas y sin autorización en lugares como la Alameda Central y fábricas cercanas. Esto impulsó a la administración escolar a inaugurar la Galería Nuevas Generaciones, en donde el artista expuso en dos ocasiones, pero también le dio la reputación de rebelde o de buscapleitos. En 1952 viajó a Chilpancingo, Guerrero para ayudarle a Luis Arenal a realizar murales en el Palacio de Gobierno del Estado de Guerrero; cuando regresó a la Ciudad de México, tres meses después, no le fue permitido volverse a registrar en La Esmeralda, sin embargo, clandestinamente regresó a estudiar grabado con Isidoro Ocampo. En 1957 conoció a Raquel Rodríguez Brayda Longoria, quien era estudiante y cuatro años después contrajeron matrimonio, a pesar de que sus padres se oponían. Tuvieron un hijo, Juan Aceves. Después de trabajar con David Alfaro Siqueiros, empezó a dibujar en la calle; salía en las mañanas con papel y lápices, al principio al Parque México y dibujaba lo que veía a lo largo del día; desde niñeras paseando a niños hasta prostitutas. Sobrevivía de la venta de esos dibujos y de las pinturas de calendario que hacía para Casa Galas. Su primera exhibición en Galería Nuevas Generaciones fue muy bien recibida por artistas consagrados como Roberto Montenegro y contemporáneos como Ricardo Martínez. Esta muestra fue apenas el inicio de múltiples exposiciones individuales y más de trescientas colectivas en recintos como el Salón de la Plástica Mexicana, el Museo de Arte Carrillo Gil, el Museo de Arte Moderno y el Museo del Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México, así como en la Bienal Latinoamericana en Sao Paulo, Brasil, el Museo de Arte Contemporáneo en la Universidad de Chile, el Museo de Bellas Artes en Bogotá, Colombia, Sagacho Exhibit Space en Tokio, Japón y Norddeutsche Landesbank en Hanover, Alemania, entre muchos otros. En 2008 se realizó una exposición retrospectiva con más de 400 de sus trabajos en el Museo del Palacio de Bellas Artes. Entre las distinciones que recibió por su labor artística y docente se encuentran el Premio Nacional de Ciencias y Artes en el campo de las Bellas Artes en el 2003, la Medalla de Oro de Bellas Artes y el Premio al Mérito Cultural de la Ciudad de México, Medalla Carlos Monsiváis por el Gobierno de la Ciudad de México en el 2011. La Universidad Nacional Autónoma de México le otorgó en el 2014 una medalla por sus 40 años de Servicios Académicos. Además de ser un artista clave para el desarrollo artístico del país, situándose dentro de la generación de La Ruptura y desarrollando un lenguaje completamente propio, fue maestro de un gran número de artistas que se convirtieron en destacados exponentes de la escena artística mexicana actual, tales como Magali Lara, Gabriel Macotela, Beatriz Ezban y Germán Venegas, entre muchos otros. Fuentes consultadas: sitios oficiales del artista www.ganpintor.com y de Galería Hilario Galguera www.galeriahilariogalguera.com

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Mostrando su espĂritu lĂşdico y humorĂstico

Gilberto Aceves Navarro en movimiento

Gilberto Aceves Navarro

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GILBERTO ACEVES NAVARRO

(Ciudad de México, 1931 - Ciudad de México, 2019) El de Van Gogh II, de la serie Del beso

Firmado, con monograma y fechado 27/06/88 México al reverso Óleo sobre tela 100.5 x 120.5 cm Con certificado de autenticidad. Exhibido en: "Gilberto Aceves Navarro. Homenaje. 1931-2019", muestra individual póstuma presentada en la Galería Hilario Galguera en la Ciudad de México durante el 2020. Publicado en: sitio oficial del artista www.ganpintor.com Presenta mínimos detalles de conservación. Como resultado de su prestigiosa educación artística y de los siguientes cuarenta años de carrera, Gilberto Aceves Navarro creó en la década de 1990 una serie de obras que conceptualmente trataban dos temas; el trabajo de Vincent Van Gogh y su propia práctica escultórica. Sus piezas, de gruesas pinceladas y empastes, están llenas de rostros místicos, manos alargadas, la silla de Gauguin...y papas. Su concentración en Van Gogh creció por su identificación con el marginado artista, y suma eclecticismo a sus trabajos. Como maestro de arte, el artista cuestionó los métodos y aspiraciones del muralismo. Su estilo siempre fue difícil de definir, pues cambiaba constantemente, a la par de su propio desarrollo e investigaciones. La serie en la que pintó a Vincent Van Gogh disecciona al artista holandés; encuentra similitudes entre las dificultades de Van Gogh con la sociedad y la propia ansiedad de Aceves dentro de su investigación artística. Utiliza la sutil pero poderosa crítica social de Van Gogh para deconstruirla, dejando los conceptos al desnudo y transmitiendo el núcleo de las dificultades en los sujetos originales. Fuentes consultadas: RYAN, Lorna. "Aceves moving to sculpture". Japón. The Japan Times, 12 de julio de 1992 y CEDILLO, Alonso. "Entrevista a Gilberto Aceves Navarro", 2018.

Lo recaudado por la venta de esta obra será destinado a la Fundación Gilberto Aceves Navarro. $300,000.00-$500,000.00 M.N. 138

GILBERTO ACEVES NAVARRO

(Ciudad de México, 1931 - Ciudad de México, 2019) Sin título, 1989

Sin firma Escultura en madera policromada 120 x 81.5 x 46 cm Con certificado de autenticidad. Exhibida en: "Gilberto Aceves Navarro. Homenaje. 1931-2019", muestra individual póstuma presentada en la Galería Hilario Galguera en la Ciudad de México durante el 2020. Presenta detalles de conservación. La investigación de Gilberto Aceves Navarro se condujo a sus propios orígenes, aquellos en donde lograba distraerse de la vida cotidiana esculpiendo pequeñas figuras en plastilina. Reconstruyó sus figuras y las transformó en pinturas con gruesas pinceladas, a menudo resultando en lo que se podría denominar como "escultura pictórica". Su trabajo escultórico a su vez asemejaba sus técnicas pictóricas,

si bien tridimensionales, apreciándolas de lado se puede observar que son planas, parecidas a los relieves, inspirados en la cultura maya. Las bases actúan como anclas, creando la impresión de que las esculturas están siendo forzadas a estar inertes, aludiendo a que tienen movimiento propio. Habiendo movido sus pinceladas de los lienzos (transportándolas hacia las esculturas), parecería que estas mismas forman parte de dichos movimientos propios. Sus obras fueron encasilladas en el neoexpresionismo. Aunque no inapropiado, su trabajo estaba mucho más interesado en el proceso y desarrollo. No dejó de aprender, investigar y experimentar aún en sus últimos años. Fuentes consultadas: RYAN, Lorna. "Aceves moving to sculpture". Japón. The Japan Times, 12 de julio de 1992 y CEDILLO, Alonso. "Entrevista a Gilberto Aceves Navarro", 2018.

Lo recaudado por la venta de esta obra será destinado a la Fundación Gilberto Aceves Navarro. $150,000.00-$250,000.00 M.N. 139

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GILBERTO ACEVES NAVARRO

(Ciudad de México, 1931 - Ciudad de México, 2019) Unicornio atrapado por perro y máscara, 1996

Sin firma Acrílico sobre tela 150.5 x 296 cm Con certificado de autenticidad. Publicado en: sitio oficial del artista www.ganpintor.com Exhibido en: "Gilberto Aceves Navarro. Homenaje. 1931-2019", muestra individual póstuma presentada en la Galería Hilario Galguera en la Ciudad de México durante el 2020. Con etiqueta de Galería Hilario Galguera. Lo recaudado por la venta de esta obra será destinado a la Fundación Gilberto Aceves Navarro. $950,000.00-$1,800,00.00 M.N. 140

Parte de la serie "De las 7,000 formas de atrapar un unicornio" fue exhibida en "Historias y sueños del Unicornio", muestra individual presentada en el Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, Palacio del Arzobispado en la Ciudad de México en junio de 1998. "De las 7,000 formas de atrapar un unicornio" fue el título de una serie compuesta por alrededor de 90 pinturas, donde este animal fantástico era la figura central de la creación, como obsesión y representación de la libertad. Gilberto Aceves Navarro definía al conjunto de obras como una forma de autorretratos, ya que consideraba que el unicorno era su "nahual", concepto utilizado por los chamanes indígenas para definir a ese ser que vive en algunas personas. "Yo soy el unicornio, estos trabajos son autorretratos, no de mi figura exterior, sino de mi interior, no son historias, son cuadros que tienen que ver más con mis delirios y fantasías". Gilberto Aceves Navarro. La figura del unicornio fue asociada por el artista con la libertad y su propia necesidad de ejercerla, encontrando en el arte múltiples posibilidades para encontrarla y vivirla también como un acto lúdico. Fuentes consultadas: "Unicornio, inspiración pictórica, Gilberto Aceves Navarro". México. Imagen Zacatecas, Sección Cultura, 3 de julio de 1998 y GARCÍA GARCÍA, Sandra. "Aceves Navarro pinta la leyenda". El Universal, Sección Cultura, 30 de junio de 1998.

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GILBERTO ACEVES NAVARRO

(Ciudad de México, 1931 - Ciudad de México, 2019) Las lloronas de la Armada Invencible, 2001

Sin firma Acrílico sobre tela 120 x 140 cm Con certificado de autenticidad. Publicado en: sitio oficial del artista www.ganpintor.com Exhibido en: "Felipe II y la armada invencible", en la Galería Metropolitana de la Universidad Autónoma Metropolitana en la Ciudad de México en 2001, en el Centro Cultural Arte A.C. en Monterrey, Nuevo León en el 2000 y en "Gilberto Aceves Navarro. Homenaje. 1931-2019", muestra individual póstuma presentada en la Galería Hilario Galguera en la Ciudad de México durante el 2020. Con etiqueta de Galería Hilario Galguera. La serie dedicada a Felipe II comenzó cuando vio por primera vez un retrato realizado por el flamenco Antonio Moro. Gilberto Aceves Navarro explicaba que la relación del monarca con los artistas que lo pintaron fue muy importante, dedicándoles algunos dibujos a este aspecto, así como a las mujeres que lloraron cuando la Armada Invencible se marchó. El humor y el sarcasmo caracterizan la serie "Felipe II y la Armada Invencible", dedicada al hijo de Carlos I de España e Isabel de Portugal, y a la aniquilación de la flota comandada por el duque de Medina Sidonia. "La serie comunica con eficacia los oscuros recovecos de la vida y obra del malhadado gobernante; en un festín de planos superpuestos y de figuras yuxtapuestas, convida los empeños de un gobernante, aquejado de condición fantasmal por dotarse de carne y huesos, sin poder jamás mondar la cáscara de los adjetivos". Luis Ignacio Sáinz. Fuente consultada: MARTÍNEZ, Norma. "Humor y sarcasmo en la muestra Felipe II y la Armada Invencible". México. La Crónica, Sección Cultural, 17 de septiembre del 2001.

Lo recaudado por la venta de esta obra será destinado a la Fundación Gilberto Aceves Navarro. $400,000.00-$600,000.00 M.N. 142

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GILBERTO ACEVES NAVARRO

(Ciudad de México, 1931 - Ciudad de México, 2019) La calle de Génova #38

Firmado y fechado 08 al frente. Firmado, con monograma y fechado 19 09 08 al reverso Óleo sobre tela 180 x 170 cm Con certificado de autenticidad. Publicado en: sitio oficial del artista www.ganpintor.com Exhibido en: "La Calle de Génova, Personajes", muestra individual presentada en el Centro Cultural Estación Indianilla en la Ciudad de México, de enero a abril del 2009 y en "Gilberto Aceves Navarro. Homenaje. 1931-2019", muestra individual póstuma presentada en la Galería Hilario Galguera en la Ciudad de México durante el 2020. Con etiqueta de Galería Hilario Galguera. Pasaron tres décadas desde que Gilberto Aceves Navarro pasó muchas noches en la calle Génova en la Zona Rosa, bebiendo vino y hablando de arte con otros jóvenes artistas mexicanos. Volvió a pisar el mismo suelo en el 2007, pero la calle había cambiado y él también. Fue una reunión con amigos cuyas oficinas se encontraban en ese lugar la que inspiró una serie de 43 dibujos y 19 pinturas llamada "La Calle de Génova, Personajes" donde retrata a sus sujetos como multitud. Al artista le impactó pasar por una calle antes concurrida por artistas y gente perteneciente al "círculo intelectual" y ver que se había convertido en escenario agresivo; prostitutas, narcomenudistas, etcétera. Con la serie buscó transmitir lo que sintió ante una cauda de seres estrambóticos. No hay estudios ni acercamientos a una persona en particular sino a grupos; un circo de caras llamativas, enfermas, cuerpos aprensados unos con otros, series de cabezas flotando en un espacio casi onírico, a la manera de James Ensor e incluso de Francisco de Goya. Pintaba a los personajes de manera casi obsesiva, aunque las visitas a la calle Génova no le traían un sentido de paz, expresaba no poder alejarse. Fuentes consultadas: VILLAGRAN, Lauren. "The 'Revolutionary' Zona Rosa". The News-Arts, 27 de enero del 2009 y MACMASTERS, Merry. "Reencuentro de Aceves Navarro con la Zona Rosa detona nueva serie pictórica". México. La Jornada, Sección Cultura, 21 de enero del 2009.

Lo recaudado por la venta de esta obra será destinado a la Fundación Gilberto Aceves Navarro. $600,000.00-$900,000.00 M.N. 143

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RODOLFO NIETO

(Oaxaca, 1936 - Ciudad de México, 1985) Sin título (Guajolote)

Sin firma Pastel sobre papel 70 x 100 cm Procedencia: adquirido directamente al artista. Rodolfo Nieto siempre fue artista con alma rebelde, así que aunque no quiso realizar una formación academicista, siguió con gran fervor el trabajo de Carlos Orozco Romero y de Santos Balmori, así como de su mentor Juan Soriano. Su paso por Europa influyó fuertemente en su obra, en especial en su paleta de colores y formas abstractas. A su regreso a México, amplió la experimentación con técnicas, las cuales enriquecieron su quehacer artístico, además empezó a estudiar el arte prehispánico y la cultura popular, incorporando en su obra nuevas estructuras. "Nieto tendió a saturar sus composiciones, adhiriendo o rodeando la imagen principal de un sinnúmero de elementos que pueden encontrarse irregularmente geometrizados, como grecas o tableros, igualmente suele acudir a finísimos chorreados, que se antojan siempre controlados, tal que si huyera del vacío". Teresa del Conde.

Fuentes consultadas: MORENO VILLARREAL, Jaime. Lo que era todo tiene que ser nada. Homenaje a Rodolfo Nieto. México. Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, 1995 y DEL CONDE, Teresa. "Rodolfo Nieto: retrospectiva." México. Diario La Jornada, 20 de abril del 2010.

$650,000.00-$800,000.00 M.N.

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FRANCISCO TOLEDO

(Juchitán, Oaxaca, 1940 - Oaxaca, Oaxaca, 2019) Sin título

Firmado y fechado 63 Gouache, acuarela y tinta sobre papel 52 x 40 cm Su verdadero nombre era Benjamín, pero al conocer a Antonio Souza en la Ciudad de México, el galerista sugirió cambiárselo a Francisco. Habiendo pasado su infancia entre Oaxaca y Veracruz, se trasladó a la capital del país, donde aprendió el oficio de litógrafo en el taller de grabado de la Escuela de Artes y Artesanías. En 1959, expuso en la Galería Antonio Souza en la Ciudad de México y en el Forth Worth Art Center en Texas. Obtuvo una beca a finales de la década de los 60 para ir a Francia, donde vivió durante cinco años. Ahí estudió el trabajo de Pablo Picasso, Marc Chagall y Paul Klee, sin embargo, el impacto que estos artistas tuvieron en su trabajo fue superficial y prefirió enfocarse en la cultura visual y materiales de su natal Oaxaca. Fue también en Francia donde conoció y trabajó con Rufino Tamayo, quien fue una gran inspiración. Su obra siempre estuvo marcada por las creencias y ritos del istmo mexicano. Mostró siempre un sentido de lo fantástico maravillosamente desarrollado al crear criaturas antropomórficas que son a la vez monstruosas y lúdicas, incluyéndolas no solo en sus pinturas, sino en sus papalotes, libros de artista, máscaras y joyería. Multifacético, además de ser el prestigiado artista y exponer en Tokio, Oslo y Buenos Aires, fue un activista y mecenas que patrocinó infinidad de proyectos y organizaciones sociales, haciéndolo un actor clave para la protección del patrimonio artístico y cultural de Oaxaca.

Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo III. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 332 y en FLORES OLEA, Víctor. "Francisco Toledo: un guiño a donde quiera que esté". México. La Jornada, sección Política, 9 de septiembre del 2019.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. 145

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FRANCISCO TOLEDO

(Juchitán, Oaxaca, 1940 - Oaxaca, Oaxaca, 2019) Tequila DOBEL Grandes Maestros, edición exclusiva Lagartos, 2019

Botella de tequila extra añejo y caja de madera de cuatro módulos ensamblados diseñadas por Francisco Toledo 21/281, en estuche de lujo 28 x 12 x 12 cm medidas de caja de madera de cuatro módulos ensamblados 48 x 36 x 20.3 cm medidas de estuche de lujo Con certificado de autenticidad expedido por DOBEL Grandes Maestros y Galería Quetzalli firmado por el artista. El diseño de este tequila edición especial Maestro DOBEL fue uno de los últimos proyectos de diseño de Francisco Toledo, destacado por ser un gran dibujante, pintor, escultor y ceramista, así como por ser un gran benefactor y promotor de múltiples causas de desarrollo social, artístico y educativo en el estado de Oaxaca. La caja es un prisma rectangular conformado por cuatro cubos movibles, réplica gráfica de una obra pintada por Francisco Toledo y diseñada para dar lugar a la transformación de la pieza en diferentes momentos y espacios. Se extiende hacia la botella y cada elemento que la conforma para volverla una pieza de arte en sí misma; la tapa de piedra está hecha a mano en Teotihuacán, la botella está esmerilada y grabada a mano con el mismo diseño de lagartos y la base de piedra está tallada a mano. La edición especial está certificada, numerada y es limitada a 281 botellas. Este extraordinario líquido es el primer tequila extra añejo terminado en barricas de mezcal en el mundo. Es una antología de los agaves y sus diferentes orígenes, formas y expresiones. Para obtenerlo, se añejó un destilado excepcional en barricas de roble americano y francés con diferentes matices y tostados, para finalmente armonizarlo con un acabado en una única barrica de mezcal como homenaje a Oaxaca, otorgándole una compleja gama de aromas y sabores. Parte de lo recaudado con la venta de la obra será a beneficio de Amigos del IAGO y del Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo A.C. $95,000.00-$120,000.00 M.N.

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SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Mariposa con botas, 2011

Firmado al reverso Óleo y arena sobre tela 174 x 114.5 cm Con certificado de autenticidad del artista, mayo del 2013. Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2020. Presenta ligeros detalles de conservación. "En la obra de Sergio Hernández la imagen y la pincelada están en competencia, pero por lo general las formas reconocibles ganan 148

la partida. Aun así, los movimientos poderosos del pincel, cargado de un pigmento espeso, crean una red en la que las figuras tienen que negociar su espacio. En muchos casos estás aparecen de manera muy abreviada, rayadas, criaturas como de graffiti y a veces reconocemos en ellas insectos o roedores (la rata es uno de los animales característicos de Hernández). El carácter antropomórfico de estas criaturas conecta al artista con un aspecto animal que nos regresa a la antigüedad literaria de la cultura grecorromana". Edward J. Sullivan. Fuente consultada: J. SULLIVAN, Edward et ál. Sergio Hernández. México. Turner, Fomento Cultural Banamex, 2008, Pág. 26.

$850,000.00-$1,000,000.00 M.N.

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SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Sin título

Firmada al frente, en el canto y dos veces al reverso Mixta sobre lámina de plomo 190 x 100 cm Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2020. Sergio Hernández inició su experimentación con el plomo en el taller del restaurador Manuel Serrano, en la colonia Roma de la Ciudad de México. El artista menciona: "El blanco de plomo se ha utilizado históricamente, siempre, mezclado con aceite y se convierte en amarilloso. Mi gran curiosidad fue si usando vinagre, agua ácida, sacaría la pureza del plomo, el blanco de plomo. Ahí empecé a trabajar con las placas". La curiosidad de Sergio Hernández por el plomo lo llevó a puntos extremos, hasta intoxicarse físicamente y en forma grave; es el peligro convertido en creatividad lo fundamental de la serie de obras que realizó con este material. Su exploración artística se sustenta en la técnica, pero no deja de darse una búsqueda estética, que surgió de imágenes realizadas en el siglo XIX, obra delicada, muy fina, de una delicadeza en la finura de las transparencias y en el dibujo. Fuentes consultadas: AMADOR TELLO, Judith y PONCE, Armando, "Las pasiones de Sergio Hernández en Casa Lamm". México. Proceso, 3 de abril del 2017 y SÁNCHEZ MEDEL, Leticia. "Los plomos y bronces de Sergio Hernández, en Puebla". México. Diario Milenio, sección Cultura, 28 de agosto del 2014.

$950,000.00-$1,200,000.00 M.N.

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ALEJANDRO SANTIAGO

(Teococuilco de Marcos Pérez, Oaxaca, 1964 - Oaxaca, Oaxaca, 2013) Sin título

Firmado y fechado 08 al frente. Firmado al reverso Óleo sobre tela 120 x 100 cm Con certificado de autenticidad de Lucio Santiago, hijo del artista, agosto del 2019. Alejandro Santiago fue un pintor y escultor oaxaqueño cuya obra se caracteriza por el uso de discursos relacionados a las problemáticas de la sociedad actual. Estudió en el Centro de Educación Artística y al poco tiempo ingresó al Taller de Artes Plásticas Rufino Tamayo y más tarde se inscribió a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Oaxaca. Durante una década radicó en el extranjero, viajando por diversos países de América y Europa, donde conoció la obra de Antonio Saura y Jean-Michel Basquiat, dos de sus grandes influencias; no obstante, a pesar de haber reforzado su formación fuera del país, su pasión siempre estuvo con la cultura del pueblo zapoteca. En vida, expuso individualmente en museos y galerías de gran importancia y actualmente su obra forma parte de relevantes colecciones públicas y privadas de México, Estados Unidos, Francia y algunos países de Sudamérica. Fuente consultada: ARANDA MÁRQUEZ, Carlos et ál. Oaxaca tierra de arte. Venecia. Mondadori Electa, 2003, Pág. 60.

$250,000.00-$400,000.00 M.N. 150

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RODOLFO NIETO

(Oaxaca, 1936 - Ciudad de México, 1985) Bisonte

Firmada al frente. Firmada y fechada P0-1968-50 al reverso Mixta sobre madera 73 x 100.5 cm Con certificado de autenticidad de Galería López Quiroga, febrero de 1998. Publicado en: No hay paraíso sin animales. México. Galería López Quiroga, 1997, Pág. 25, catalogada 34. Incluye un ejemplar. Exhibida en: "No hay paraíso sin animales", muestra colectiva presentada en la Galería López Quiroga en la Ciudad de México, de mayo a junio de 1997. Con etiqueta de Galería Estela Shapiro y de Galería López Quiroga. Rodolfo Nieto fue un destacado artista con fuertes raíces plásticas ligadas a la cultura de su tierra, pero con una visión mucho más contemporánea. Entre 1953 y 1954 asistió a La Esmeralda, donde fue asistente de Diego Rivera y tuvo como mentor a Juan Soriano y a otros maestros que lo impulsaron a exponer colectivamente. Se mudó a París en los años sesenta, alejándose por completo del ambiente natal indígena, creciendo entonces sus influencias artísticas a un nivel internacional. En la llamada Ciudad Luz, logró exponer en algunas galerías y museos, destacando su muestra individual en el Museo de Arte Moderno de París en 1962; así mismo participó en la Bienal de París obteniendo un premio en 1963. Durante aquella época creó su propio lenguaje artístico, en parte influenciado por sus amistades con Francisco Toledo, Octavio Paz y Julio Cortázar. En 1965 ilustró el "Manual de Zoología Fantástica" de Jorge Luis Borges para la editorial de Maurice Nadau, lo que lo llevó a cultivar una relación laboral posterior con Carlos Fuentes y Mario Vargas Llosa. Regresó a México en 1970 ya con fama y reconocimiento en el extranjero, pero no en su país, lo que le causó una gran decepción, fue entonces que su mente comenzó a divagar; no obstante, conforme el tiempo pasó su trabajo dio un giro y fue aceptado por la crítica mexicana. Desde entonces, su obra entrelazó texturas, colores, formas abstractas, fusiones de animales con humanos y temas de la naturaleza que creaban situaciones y ambientes fantásticos. Fue un artista que se caracterizó por su pasión y dedicación a la pintura, siempre cuidadoso de mantener orden y limpieza a su alrededor. Murió a los 49 años de edad, dejando trunca su fructífera carrera. Actualmente su obra es considerada de gran importancia para la historia del arte mexicano del siglo XX y figura en importantes colecciones públicas y privadas de México, Estados Unidos y diversos países de Europa. "Lo interesante de él era la búsqueda, la inquietud y la falta de satisfacción que sentía con lo que hizo, que es un síntoma de indudable talento. Era un hombre inteligente, un pájaro raro". Octavio Paz. Fuente consultada: sitio oficial del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey www.marco.org.mx

$950,000.00-$1,200,000.00 M.N. 151

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JAVIER VÁZQUEZ "JAZZAMOART" (Irapuato, Guanajuato, 1951 - ) La máscara del pintor

Firmado y fechado 86 al frente. Firmado y fechado 86 Méx al reverso Óleo sobre tela 166 x 136 cm Agradecemos al Maestro Jazzamoart y a su esposa Nora Smith por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2020. Presenta ligeros detalles de conservación. Javier Vázquez Estupiñán adoptó en 1974 el seudónimo de Jazzamoart (jazz, amor y arte). Con estudios en la Academia de San Carlos, a partir de la década de los ochentas, su estilo definido y muy personal lo ubicaron en la escena de la plástica latinoamericana. El escritor Carlos Montemayor lo definió como el tercer grande de los pintores del Bajío, junto a Diego Rivera y José Chávez Morado, al respecto dijo: "Rivera y Chávez Morado estuvieron atentos al paisaje y a numerosos motivos del México popular, Jazzamoart también lo está, pero al paisaje social que se descubre y emerge desde un motivo central del México que sigue siendo asimismo popular: la música". 152

En 1990 instaló un taller en París y en México expuso en el Museo de Arte Moderno y en el Museo Nacional de la Estampa. Ese mismo año su obra fue elogiada por la crítica de arte Teresa del Conde y recibió el Premio del VI Festival del Centro Histórico de la Ciudad de México. Sus improvisaciones visuales y escenografías han acompañado en el escenario a los principales exponentes del jazz mexicano y estadounidense. Como ilustrador y baterista ha trabajado en varios libros y discos. Jazzamoart ha mostrado su trabajo en más de quinientas exposiciones colectivas e individuales en museos y galerías de México, Estados Unidos, Canadá, Europa, Corea del Sur y Japón. Entre los reconocimientos a su trayectoria destacan haber sido miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA-CONACULTA y el homenaje a su trayectoria por parte de la Universidad de Guanajuato que recibió el pasado 18 de marzo, en la sala Adamo Boari del Palacio de Bellas Artes. Fuentes consultadas: MUÑOZ, Miguel Ángel et ál. Jazzamoart. Sólo a fuerza de pintar. México. Edición Nora Smith Castillo, Tiempo Imaginario, 2014, pp. 303-307 y en sitio oficial del artista www.jazzamoart.com

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

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JAVIER VÁZQUEZ "JAZZAMOART" (Irapuato, Guanajuato, 1951 - ) Retrato múltiple

Firmado y fechado 88 al frente. Firmado y fechado 88 Mex al reverso Óleo sobre tela 140 x 120.5 cm Agradecemos al Maestro Jazzamoart y a su esposa Nora Smith por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2020. Presenta ligeros detalles de conservación. Jazzamoart lleva ya más de cuatro décadas de producción plástica ininterrumpida, que ha abarcado todos los materiales, géneros, técnicas y, por supuesto, opciones posibles, porque se ha caracterizado por la inquietud, la experimentación y la reflexión. De todas formas, si nos limitamos a su trayectoria pictórica, la vía por él más frecuentada, vemos que no ha dejado de cambiar sin apartarse de sí mismo; es decir, ha cambiado para mantenerse fiel a sí mismo, a su discurso estético inicial. Jazzamoart ha practicado un lenguaje semifigurativo y ha llevado a cabo

una abstracción sin prescindir de un gestualismo automático, pues nunca reprime su impulso primero. Jazzamoart entiende el arte como un ejercicio creativo constante. A mediados de los años ochenta y principios de los noventa, Jazzamoart ya había expuesto en el Museo Carrillo Gil, en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México y en países como Chile, Noruega y Bélgica; sin embargo, su pintura no manifestaba relación alguna con las pautas artísticas del momento. Ya entrada la década de los noventa, la tarea de Jazzamoart comenzó a ser interpretada desde una tesitura diferente. Seguramente contribuyó a ello el reconocimiento de su trabajo a escala nacional, en Estados Unidos y en Europa, así como cierta aclaración del panorama pictórico; su obra ya se podía apreciar como un corpus total y una definición única e importante en México.

Fuente consultada: MUÑOZ, Miguel Ángel et ál. Jazzamoart. Sólo a fuerza de pintar. México. Edición Nora Smith Castillo, Tiempo Imaginario, 2014, pp. 16 y 17.

$150,000.00-$220,000.00 M.N. 153

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BYRON GÁLVEZ

(Mixquiahuala, Hidalgo, 1941 - Ciudad de México, 2009) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 35 x 30.2 cm Con certificado de autenticidad del artista, 1990. Agradecemos a Óscar Gálvez y a Eva Beloglovsky, viuda del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2020. Estudió en la Academia de San Carlos, donde tuvo grandes maestros, tales como Antonio Rodríguez Luna, Francisco Moreno Capdevila, Luis Nishizawa, Santos Balmori y Antonio Ramírez, quienes ejercieron una importante influencia en el artista. En vida, presentó más de 60 exposiciones individuales en Estados Unidos y América Latina, además de muchas otras colectivas. Su producción plástica forma parte de diversas colecciones privadas en México y el extranjero. Su obra al óleo se caracteriza por un dominio técnico, una capacidad inusual en el manejo de los volúmenes y los colores fríos y su temperamento rebelde ante una realidad que pretende unificar al ser humano, su conocimiento en el manejo de la simultaneidad de los planos y sus cualidades como colorista. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.byrongalvez.com

$40,000.00-$60,000.00 M.N. 154

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FRANCISCO TOLEDO

(Juchitán, Oaxaca, 1940 - Oaxaca, Oaxaca, 2019) Payaso

Firmado Gouache y hoja de oro sobre papel 33 x 26 cm Fue uno de los artistas contemporáneos más importantes de México y un referente internacional en cuanto a artistas oaxaqueños. El aspecto geográfico es fundamental para interpretar su obra, demuestra en cada pieza una genialidad inagotable. En el imaginario oaxaqueño habitan seres que comparten cualidades humanas y animales, transportan al espectador a temporalidades alejadas y en algunas ocasiones gozan de un carácter o actitud sexual. Fue acreedor al Premio Nacional de Ciencias y Artes, recibió por parte de la Universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca el Doctorado Honoris Causa, fundó el Taller Arte papel Oaxaca y fundó el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, IAGO. Fuente consultada: SOLÍS OLGUÍN, Felipe et ál. Francisco Toledo en el Museo Nacional de Antropología e Historia. México. Prisma Editorial, 2004, pp. 21-28.

$180,000.00-$250,000.00 M.N.

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BORIS VISKIN

(Ciudad de México, 1960 - ) El grito

Firmada al reverso Mixta sobre madera 25 x 20 cm Con certificado de autenticidad del artista. Parte de su juventud transcurrió en Israel, antes de regresar a México vivió tres años en Italia donde arrancó su trayectoria artística. Esta experiencia multicultural ha sido plasmada en su obra, además de usar la historia universal y del arte como sus temas centrales; sin embargo ha explorado constantemente una gran cantidad de tópicos como los autorretratos, el jazz, así como las puertas y marcos, tanto en el sentido figurado de delimitación como en el de carpintería. Uno de los rasgos notorios en su producción es su sentido compositivo, con tendencia creciente hacia el collage y los relieves en técnicas mixtas, una exploración hacia el constructivismo. Es un artista cuya carrera se ha consolidado como una de las más destacadas en su generación, principalmente entre pintores, pero desmintiendo en sus propuestas plásticas un encasillamiento como tal; ha llevado la pintura más allá del lienzo. Fuente consultada: sitio oficial del Museo de Arte Moderno www.museoartemoderno.com

$55,000.00-$70,000.00 M.N. 156

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ARMANDO MORALES

(Granada, Nicaragua, 1927 - Miami, Florida, 2011) Figures

Firmado Mixta sobre madera 118 x 81 cm Procedencia: adquirido en Papillon Gallery en Los Ángeles, California, E.E. U.U., en febrero del 2018. Presenta detalles de conservación. "Armando Morales es capaz de pintar cualquier cosa, cualquier instante, cualquier sentimiento, sin someterlo a la servidumbre de ninguna moda. Es realista de una realidad que sólo él conoce, y que lo mismo puede ser del siglo XVI que del siglo XXI: el tema determina el modo. "Ha viajado por todo el mundo, ha vivido y pintado con su inventiva sedienta. Sus desafueros creativos se delatan a sí mismos de inmediato por una misma seña de identidad: el vasto silencio de sus cuadros, alumbrados aún a pleno día por la luna llena de Granada. "Sólo después de conversar con él durante muchas horas, en nuestras dilatadas tardes en México, entendí que Armando Morales no le tuviera

miedo a nada. Más aún: me pregunté si hubiera sido pintor de no haber nacido y crecido en Nicaragua, y si sus cuadros hubieran sido posibles en una realidad distinta de la fantasmagórica de su patria de endriagos y guerreros, de aguaceros inmemoriales y despelotes de amor, donde la iguana y el armadillo son platos nacionales, y donde estuvieron casi al mismo tiempo un aventurero gringo que se coronó emperador y don Rubén Darío, uno de los grandes poetas de este mundo. "Su infancia es un modelo ejemplar de poder de la vocación, se formó solo, y lo puede probar ante los tribunales, pues aún conserva en sus archivos el primer dibujo que hizo a los tres años en el que se vislumbra ya el resplandor de esa luna errante que ha hecho de Armando Morales uno de los grandes pintores de este siglo moribundo […] Pintaba todo lo que veía, todo lo que recordaba, todo lo que quería, pues desde entonces parecía convencido de que todo lo que sucede en la vida es digno de ser pintado". Gabriel García Márquez.

Fuente consultada: GARCÍA MÁRQUEZ, Gabriel. Prólogo del catálogo de la exposición en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo en París, 1992.

$1,000,000.00-$1,800,000.00 M.N. 157

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RIVELINO MORENO

(San José de Gracia, Jalisco, 1973 - ) La fortaleza, 2003

Cerámica a la alta temperatura, políptico 200 x 100 cm cada una 200 x 500 cm medidas totales Piezas: 5 Con certificado de autenticidad del artista. Procedencia: adquirido directamente al artista. Presenta detalles de conservación. $850,000.00-$1,200,000.00 M.N. 158

Es un artista autodidacta activo desde los años 90, cuya obra se ha desarrollado a través de una propuesta artística que le permite la exploración de diversos elementos escultóricos para espacios urbanos. En su obra, los materiales son como una piel que lleva grabadas las huellas de ritos, creencias y memorias comunes del inconsciente colectivo mexicano. Con el tiempo, ha desarrollado la habilidad de detonar diálogos entre materiales y objetos geométricos, manteniendo la importancia del relieve a través de volúmenes realizados por intervenciones directas en las superficies. Así, tras una indudable poética, sus obras oscilan entre lo reconocible, lo extraño y lo misterioso. Su trabajo no se rige bajo la línea de la moda, sino más bien con la finalidad de satisfacer el gusto personal. Además de su actividad artística, Rivelino se ha interesado en proyectos de arte público y gestión cultural, iniciando así en 2009 el proyecto "Nuestros Silencios", el cual se presentó en Portugal, España, Rusia, Italia, Alemania, Francia, Bélgica, Reino Unido y México. En 2012 participó en el Foro Económico Mundial de Davos, Suiza, en la mesa de Arte y Desigualdad. Desde 2010 hasta la fecha ha hecho énfasis en la libertad de expresión en ciudades de Europa y América. También, ha participado en más de 60 muestras colectivas y 35 individuales en galerías y museos de México y el extranjero. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.rivelino.com.mx

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EMILIANO GIRONELLA PARRA

(Ciudad de México, 1972 - ) Los ojos son los locos del corazón, Homenaje a William Shakespeare, 2020

Firmada y fechada 2020 Talla en madera 195 x 129 x 11 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte. "Emiliano Gironella Parra, siempre leal a su afición, logra en su trabajo encender la magia de la fiesta brava, el efecto que en su sensibilidad producen el riesgo, el peligro y la belleza. En su pincel se transparenta la tragedia, el vigor, el rito misterioso, su pasión por esa actividad del espíritu sin la cual las bellas artes estarían incompletas". Alí Chumacero. $380,000.00-$600,000.00 M.N. 160

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RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - Ciudad de México, 2019) Coatl # 1

Firmado RCA Cemento policromado en base de madera 38 x 29.5 x 10 cm Con certificado de autenticidad de Juan Coronel Rivera, agosto del 2020. Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, agosto del 2020. El arte corrió por la venas de Rafael Coronel, su abuelo fue decorador de iglesias, su hermano fue el pintor Pedro Coronel y estuvo casado con Ruth Rivera, hija de Diego Rivera con quien trabajó en su taller durante veinte años. A pesar de su herencia artística, formalizó sus estudios en prestigiosas escuelas de arte. Su obra ha sido reconocida a nivel internacional, presentando un gran número de exposiciones colectivas e individuales en México, Brasil, Italia, Bélgica y Estados Unidos, entre otros. Actualmente, en el Ex-Convento de San Francisco, Zacatecas, se localiza el museo que lleva su nombre, en donde se exhiben interesantes colecciones de arte popular mexicano. $280,000.00-$400,000.00 M.N. 161

119

CARMEN PARRA

(Ciudad de México, 1944 - ) Altar de los Reyes

Firmado en el noveno panel Relieve en metacrilato y hoja de oro, políptico 85 x 65 cm cada uno 262 x 201 cm medidas totales Piezas: 9 Los marcos son parte de la obra. Para su montaje se debe de dar 3 cm de separación entre cada pieza. Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte. Todos con etiqueta de El Aire Centro de Arte. 162

"A lo largo de su incesante actividad plástica, Carmen Parra ha generado una hermandad con los artistas novohispanos para rescatar su tiempo, su iconografía-altares, espacios arquitectónicos, ángeles, arcángeles, águilas, mariposas y flores cohabitan en su obra. El mundo de El Aire puebla sus sueños. A través de su pincel y de su inagotable imaginación transcribe su experiencia, creando un lenguaje propio. Para Carmen Parra, las raíces de México son sus propias alas, se declara veedora de la Nación". María Luisa Mendoza. Fuente consultada: MENDOZA, María Luisa. Carmen Parra. Suave Patria. México. El Aire Centro del Aire A.C., 2015, Pág. 65.

$450,000.00-$600,000.00 M.N.

120

RAÚL ANGUIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1915 - Ciudad de México 2006) Cristo milagroso

Firmado y fechado 59 Óleo sobre tela 145 x 100 cm También conocido con el título "Cristo de la columna" Con certificado de autenticidad del artista, 1977. Publicado en: VIDAL DE ALBA, Beatriz. Raúl Anguiano 1915-2006. México. UNAM, CONACULTA, 2006, pp. 56 y 57. Exhibido en: Museo de San Ildefonso en la Ciudad de México. Presenta detalles de conservación. Por un error, la medida de la obra en el certificado está incorrecta. Después de los años cincuenta, el temperamento de Raúl Anguiano dominaba el dibujo, lo que sería sin duda un cimiento sólido;

sin embargo, se exigió más valentía en la elección de su paleta cromática, así como en la calidad de las texturas. Reforzó su mirada de gran retratista que lograba la identificación, a través de la sencillez expresiva y luminosa, con su pueblo, sus costumbres y vivencias. Fue en esta época que realizó numerosas obras que retrataban fiestas paganas y carnavales, develando su espíritu dramático, así como celebraciones litúrgicas. En contraposición a los roces sensuales de los carnavales, surgieron obras como "Cristo milagroso". El tratamiento de estos temas fue solucionado mediante pinceladas espesas y fondos contrastantes que entornaban las expiaciones religiosas. Esto reforzó la ideología ecléctica y antisectaria del artista, además de la capacidad de adaptación e identificación con su país, variopinto y contradictorio.

Fuente consultada: VIDAL DE ALBA, Beatriz. Raúl Anguiano. 1915-2006. México. UNAM, CONACULTA, 2006, Pág. 36.

$350,000.00-$450,000.00 M.N. 163

121

CARMEN PARRA

(Ciudad de México, 1944 - ) Órgano de la catedral

Firmado Óleo y hoja de oro sobre tela 150.5 x 100 cm Agradecemos a la Maestra Carmen Parra y al Maestro Emiliano Gironella Parra por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2020. Exhibido en: "Memoria Barroca: La Catedral de México, Muestra Antológica", muestra presentada en el Museo del Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México, en el marco del Festival del Centro Histórico en 1993. Con etiqueta del Museo del Palacio de Bellas Artes. 164

Presenta ligeros detalles de conservación. “A lo largo de su incesante actividad plástica, Carmen Parra ha generado una hermandad con los artistas novohispanos para rescatar su tiempo, su iconografía-altares, espacios arquitectónicos, ángeles, arcángeles, águilas, mariposas y flores cohabitan en su obra. El mundo de El Aire puebla sus sueños. A través de su pincel y de su inagotable imaginación transcribe su experiencia, creando un lenguaje propio. Para Carmen Parra, las raíces de México son sus propias alas, se declara veedora de la Nación”. María Luisa Mendoza. Fuente consultada: MENDOZA, María Luisa. Carmen Parra. Suave Patria. México. El Aire Centro del Aire A.C., 2015, Pág. 65.

$150,000.00-$200,000.00 M.N.

122

ARMANDO ROMERO

(Ciudad de México, México 1964 - ) La verdadera historia del Santo y el convento

Firmado y fechado 2001 Óleo sobre tela 90 x 110 cm Con certificado de autenticidad de NM Contemporáneo firmado por el artista, octubre del 2020. “Yo sí creo en lo vintage, eso me ayuda a jugar con el tiempo y jugar con las formas y con la composición. Trato de rescatar por un lado la armonía, la melodía, los ritmos de los cuadros antiguos, pero siempre el poner stickers, rayones y jugar con ellos, con otro lenguaje, me favorece. Aunque parecen stickers todo es pintado; trabajo con el temple, después el óleo y empiezo a quitar la tela, la lijo, la vuelvo a raspar, la vuelvo a pintar […] Trato de usar la técnica de la pintura clásica o académica y al ponerle stickers, al rayarlo, ponerle graffitis, estoy recordando, como Picasso, que la pintura es bidimensional”. Armando Romero. Fuente consultada: “Armando Romero”. Colección Milenio Arte. México. Grupo Milenio.

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

165

123

FEDERICO CANTÚ

(Cadereyta, Nuevo León, 1907 - Ciudad de México, 1989) Quinteto ángeles músicos, 1942

Sin firma Temple sobre madera, políptico 183 x 70 cm cada uno 183 x 350 cm medidas totales Piezas: 5 Agradecemos al Sr. Adolfo Cantú por la verificación de autenticidad y apoyo en la catalogación de esta obra, agosto del 2019. Procedencia: pertenecieron a la colección del artista. Vendido por Inés Amor. Presentan detalles de conservación $400,000.00-$500,000.00 M.N. 166

El interés de Federico Cantú en el tema religioso surgió a muy temprana edad, desde el inicio de su estancia en París en los años 20. Sobre esta temática existen muchos bocetos en cuadernos de trabajo que utilizó en su paso por la Académie Colarossi que fueron primero llevados a pinturas de caballete y posteriormente se convirtieron en murales que realizó en una parroquia en Pasadena, California en 1928, que acompañarían la narrativa del artista durante toda su trayectoria y que lo llevarían a ser uno de los más importantes exponentes de la pintura de América exhibida dentro de la colección de los Museos Vaticanos. La figura del ángel músico fue una constante en la producción artística de Federico Cantú, inspirado por la tradición renacentista de la música religiosa y pastoril. Su iconografía fue de suma importancia para el artista mexicano, pues de alguna manera le permitía revelar no solo el pensamiento bíblico que cultivaba a diario, sino su gusto por la música barroca, incluyendo la obra de Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel y Antonio Vivaldi, entre muchos otros. En 1928 se instaló en Los Ángeles, California con la idea de tener un receso de lo vivido en París y preparar una serie de exposiciones. Muy pronto ahí surgió la oportunidad de pintar su primera obra mural en la parroquia de Pasadena, California, donde en una serie de páneles se describe parte de la Pasión acompañada de ángeles músicos. Varios años después, entre 1943 y 1945, trabajó dos ideas creativas en torno a los ángeles músicos, una de ellas, pensada en versión monumental en función de la casa en Boston del Doctor MacKinley Helm y la otra pensada como obra al fresco en la Pinacoteca Virreinal. La consolidación de la idea lo llevó a recrear esta serie de paneles con diferentes ángeles músicos desnudos, a manera de quinteto, mismos que sufrirán una variante para llevar a cabo una nueva versión gráfica titulada “Quinteto”. 167

124

FELIPE CASTAÑEDA

(La Palma, Michoacán, 1933 - ) Gimnasta

Firmada y fechada 2007 Escultura en mármol 56 x 51 x 21 cm Con certificado de autenticidad del artista, enero del 2008. Originario de Michoacán, Felipe Castañeda es un escultor modesto, sensible y alegre cuyo tema principal se centra en la mujer. Durante su formación artística, trabajó en el Museo Nacional de Antropología y fue asistente de Francisco Zúñiga, quien fue una fuerte influencia para su trabajo posterior, al igual que la obra de Benito Messeguer, Raúl Anguiano y Fidencio Castillo. Concentrado en la figura femenina, Castañeda estudió bien la anatomía humana y con una sensualidad moderada ha capturado todos los estados de ánimo de sus modelos, representándolas casi desnudas, de rodillas, en cuclillas, sentadas, paradas, reclinadas o en estiramiento. Inició moldeando con yeso y arcilla, hasta que perfeccionó su estilo para emprender el camino con el bronce y otros materiales como el mármol y ónix. Fuentes consultadas: “Reconocimiento a una trayectoria”. México. La Voz de Michoacán, sección Cultura, 18 de diciembre del 2013 y “Felipe Castañeda Jaramillo.” Gobierno del Estado de Michoacán, 2005, www.cultura.michoacan.gob.mx

$180,000.00-$250,000.00 M.N. 168

125

RODOLFO MORALES

(Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 - Oaxaca, 2001) Sin título

Firmado y fechado 85 Lápiz de grafito sobre papel 63.5 x 49 cm Con documento de validación de autenticidad de Fundación Cultural Rodolfo Morales, febrero del 2020. Procedencia: adquirido en Grant Zahajko Auctions, Estados Unidos, lote 54, 10 de enero del 2019; colección privada. “La magia de Morales consiste en atraernos a sus pinturas con la belleza de sus formas y colores, pero sólo para atrapar nuestra mirada, acaparar nuestra atención y transmitirnos un estado de ánimo muchas veces contrario a la fácil alegría que uno podría sospechar a primera vista. Los colores de Morales son fuertes, contundentes y alegres, pero basta ver la mirada de sus personajes, las sombras de sus casas y los espíritus que merodean en sus cielos y en sus subsuelos para advertir que el mundo del pintor tiene una gran dosis de desamparo Los miedos, los recuerdos y la nostalgia están siempre presentes en el universo de su pequeño pueblo”. Andrés Oppenheimer. Fuente consultada: “Rodolfo Morales. Maestro de los sueños”. México. Proceso, sección La Redacción, 5 de junio del 2006.

$240,000.00-$300,000.00 M.N. 169

126

RICARDO MARTÍNEZ

(Ciudad de México, 1918 - Ciudad de México, 2009) Mujer y niño

Firmado y fechado 73 al frente. Firmado al reverso Óleo sobre tela 85 x 115 cm Con certificado digital de la Fundación Ricardo Martínez, febrero del 2020. Esta obra será registrada en el catálogo razonado del Dr. Mark Ruben con núm. RM-73001. Agradecemos a la Fundación Ricardo Martínez de Hoyos A.C. por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2020. Publicado en: BARREDA, Octavio G. Atmósferas: Ricardo Martínez. México. Siglo XXI Editores-Instituto Nacional de Bellas Artes, 2007, Pág. 76. Ricardo Martínez es considerado como uno de los exponentes más sólidos de la riqueza cultural Mexicana. Fue un artista que logró articular en su obra una maestría técnica y una profunda imaginería plástica, que ha sido ampliamente reconocida por el gremio a nivel internacional. Su formación artística no fue producto de estudios académicos, ya que era renuente a cumplir con los sistemas institucionales, así que optó por ser autodidacta y abrevar en la obra de los grandes artistas ya consagrados. A pesar de haber viajado a Europa y estudiado la obra de los viejos y modernos maestros, Ricardo Martínez nunca se sustrajo de la influencia de la llamada Escuela Mexicana de Pintura, realizando cuadros con narrativas nacionales. Además de la pintura de caballete, creó diseños para escenarios para ballet e ilustró libros de Alfonso Reyes y Juan Rulfo. Dentro de la modernidad de su pintura, siempre siguió siendo un clásico, un artista protagonista de su tiempo que comunicó un lenguaje universal. Fuentes consultadas: BONIFAZ NUÑO, Rubén. Ricardo Martínez. México, Fondo Editorial Panorama, 1994, pp. 5 y 35 y LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus artistas. Tomo I. México. Promoción de Arte Mexicano, 2000, pp. 254-255.

$2,300,000.00-$3,000,000.00 M.N. 170

171

127

RICARDO MARTÍNEZ

(Ciudad de México, 1918 - Ciudad de México, 2009) Sin título

Firmado y fechado 74 Óleo sobre lino 59 x 79 cm Esta obra será registrada en el catálogo razonado del Dr. Mark Ruben con núm. RM-74036. Agradecemos a la Fundación Ricardo Martínez de Hoyos A.C. por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2020. Ricardo Martínez creó su mundo propio utilizando las fantasías que habitaban en su mente y que cobraron realidad en los grandes lienzos coloridos que conforman su obra. Fue un artista solitario y silencioso, tuvo en su gusto por la cultura una fuente interminable de creación. Se inspiró en la literatura, la música, la contemplación, la naturaleza y el cuerpo humano para hacer de su pintura una antología poética de color y formas. Con su estilo personal y autodidacta, capturó universos donde coexisten la bondad y la violencia, el amor maternal y una sensual mirada desbordante, la luz y la oscuridad. Son sus obras un espejo del paisaje humano, de una realidad soñada, de un abismo existencial siempre en movimiento. En la obra de Ricardo Martínez perduró la predilección por los símbolos, la recurrencia a una iconografía sintética y la reducción y hondos contrastes en la paleta cromática. Contrario a Rufino Tamayo, quien usó la luz como recurso principal para su producción, Ricardo Martínez fue un pintor de la sombra, heredando sin duda la visión de Tamayo pero no continuando con su obra. "Es sutil geometría sin la frialdad metálica, sin la semejanza o la uniformidad, más o menos general, de lo geométrico. No es menos intolerante Ricardo Martínez en su orgánica y ardiente construcción. Yo siento que me expreso por ellas: yo siento que ellas me manifiestan. Lo que cantan estos monolitos, con lo intrínseco de la pintura, es un poema mitológico y un poema de nuestros días". Luis Cardoza y Aragón, 1981. Fuentes consultadas: GARCÍA CEPEDA, María Cristina et ál. Ricardo Martínez. Desde el interior. México. Instituto Nacional de Bellas Artes-Museo del Palacio de Bellas Artes, 2018, Pp. 6-8 y SÁNCHEZ, Héctor Antonio. "Ausencia y presencia: la obra de Ricardo Martínez". México. Revista Casa del tiempo, Universidad Autónoma Metropolitana, Número 57, pp. 47-48.

$1,800,000.00-$2,500,000.00 M.N. 172

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128

RICARDO MARTÍNEZ

(Ciudad de México, 1918 - Ciudad de México, 2009) Tres hombres comiendo helado, boceto

Firmado Óleo sobre papel 10 x 15 cm Con dedicatoria, fechada 94. Esta obra será registrada en el catálogo razonado del Dr. Mark Ruben con núm. RM-94016. Agradecemos a la Fundación Ricardo Martínez de Hoyos A.C. por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2020. Al tratarse de un boceto presenta ligeros detalles de conservación normales por el uso. Está pintado en la parte posterior de una invitación de parte de la Sociedad de Arquitectos Mexicanos a la lectura de un breve ensayo sobre “La música decorativa” del poeta Francisco Serrano Méndez en La Casa del Arquitecto, en agosto de 1955. Ricardo Martínez, en su aprendizaje apasionado y solitario (él nunca asistió a escuela o academia alguna, careció incluso de compañía con quien comentar o compartir sus búsquedas y sus hallazgos), supo desde los comienzos aquellos principios fundamentales. Indagó durante años las causas y los efectos de la línea y el color y las disposiciones espaciales. Especuló, experimentó con ellos durante años de esfuerzo encarnizado y tenaz, fue despojándose en sus obras de lo que no fuera, de acuerdo con sus interiores necesidades, cabalmente esencial. “La luz se toca con la tiniebla para generar un ámbito de seres henchidos de energía que contienen la esencia de lo humano. Figuras que yacen, se yerguen y permanecen sedentes, suspendidas en el tiempo. Cuerpos de enorme contundencia y simultáneamente difusos, de una inmaterialidad rotunda, inasibles y oscuros a pesar de la inmovilidad inquietante con la que iluminan el espacio infinito”. Rafael Tovar y de Teresa. Fuente consultada: BONIFAZ NUÑO, Rubén. Ricardo Martínez. México. Fondo Editorial Panorama, 1994, pp. 5 y 35.

$46,000.00-$60,000.00 M.N.

174

129

SOFÍA BASSI

(Camerino Mendoza, Veracruz, 1913 - Ciudad de México, 1998) Sin título

Firmado ELC Óleo sobre masonite 48.3 x 68.5 cm Con certificado de autenticidad de Franco Bassi, hijo de la artista. Presenta ligeros detalles de conservación. Sofía Bassi ingresó a la cárcel de Acapulco en 1968, por el asesinato del esposo de su hija Claire; habiendo sido un accidente, ella cumplió una condena de cinco años. Durante esta difícil etapa continuó ejerciendo la pintura, firmando su obra con las iniciales “ELC” haciendo referencia a “En La Cárcel”. A pesar de las circunstancias que afectaron su vida privada, siempre mantuvo firme su amor por la pintura, además sus excelentes relaciones de trabajo y estrechas amistades con el medio del arte, hicieron que Sofía Bassi lograra tener incentivos para mantener su producción artística activa en este periodo. Por la influencia dentro y fuera del penal, la obra de Sofía Bassi se cargó con un fuerte estilo surrealista, el cual se caracterizó por la visión poética que tenía hacia la vida, mediante figuras simbólicas que conmueven y emocionan. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1995, Pág. 142.

$100,000.00-$150,000.00 M.N.

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IGNACIO NIEVES BELTRÁN “NEFERO”

(Tampico, Tamaulipas, 1920 - Ciudad de México, 2005) El incendio, 1995

Firmado al frente y al reverso Óleo sobre tela 80.5 x 55 cm Publicado en: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 400. Con fragmento de etiqueta de Salón de la Plástica Mexicana. Presenta detalles de conservación. Su nombre artístico fue sugerido por Manuel Rodríguez Lozano, quien fuera su maestro y mecenas, y significa bello o hermoso en egipcio. Lo conoció cuando estudió en la Academia de San Carlos, donde formarían una estrecha relación, misma que llevaría al entonces director de la afamada escuela de pintura a colaborar en la decoración del mural 176

“La piedad en el desierto” en el Palacio de Lecumberri y que posteriormente se trasladaría al Palacio de Bellas Artes. En la década de los cuarenta, Nefero participó en cuatro exposiciones colectivas y en 1951 el Instituto Francés de América Latina IFAL le otorgó una beca para estudiar en L’Ecole de Beaux Arts, en París. Ahí expuso individualmente en la galería Artiel. Viajó en los años siguientes a España, Bélgica, Holanda, Austria e Italia. A su regreso a México, participó en diversas exposiciones colectivas e individuales en importantes galerías y museos de México, incluyendo el Museo de Arte Moderno y el Salón de la Plástica Mexicana, el cual ayudó a fundar junto con otros artistas mexicanos en 1949.

Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 400.

$80,000.00-$100,000.00 M.N.

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RAÚL ANGUIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1915 - Ciudad de México, 2006) Sin título

Firmado y fechado 81 Óleo sobre masonite 50.8 x 40.8 cm Miembro de la tercera generación de muralistas mexicanos, Raúl Anguiano fue profesor en La Esmeralda y miembro fundador del Salón de la Plástica Mexicana. Es considerado uno de los máximos exponentes del arte mexicano de la segunda mitad del siglo XX. Tuvo más de 100 exposiciones en museos de México y en el resto del mundo. En el 2002 obtuvo el Premio Nacional de Ciencias y Artes. Durante la primera mitad del siglo XX impartió clases de pintura en Estados Unidos, posteriormente se dedicó a viajar. Fue un incesante explorador de la expresividad humana y la naturaleza, pasión que destacó en su obra como tema principal por más de 78 años, lapso que le permitió formar una excelente calidad pictórica, manejando fácilmente diversos materiales y convirtiéndose en un maestro en las técnicas del óleo, acuarela, grabado, bronce, cerámica, tapiz, esmalte y mural. Fuentes consultadas: CASILLAS, Beatriz Eugenia et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 78 y “Raúl Anguiano, último representante del muralismo en México”. México. Secretaría de Cultura, 26 de febrero del 2015.

$90,000.00-$150,000.00 M.N. 177

“En un siglo en que la pintura parece alejarse cada vez más de la vida, él es un salteador de caminos de la memoria cotidiana, que anda a campo traviesa echándose en el saco todo lo que corre el riesgo de perderse para el mundo por las desidias del corazón. La suya es una poética personal e inquietante que lo mismo puede leerse al derecho o al revés por la magia de sus esdrújulas: boxeadores quiméricos, bailarines fúnebres, brújulas náufragas […] billaristas prostáticos, Maximiliano heráldico, Juárez atónitos, gringos bárbaros. En fin, la vida entera vista por la ventana compasiva de un tren de cuerda”. Gabriel García Márquez.

132

ABEL QUEZADA

(Monterrey, Nuevo León, 1920 - Cuernavaca, Morelos, 1991) Miss México y un jockey, 1981

Firmado A. al frente. Firmado en bastidor al reverso Óleo sobre lino 56 x 40.5 cm Con certificado de autenticidad de Abel Quezada Rueda, hijo del artista, julio del 2020. Abel Quezada se dedicó a la pintura después de consolidar una carrera de dibujante de historietas, cartones e ilustraciones por casi cincuenta años. Con un gran talento para narrar y agudeza para observar de la vida sociopolítica del México moderno, sus posturas llenas de sagacidad y humor se publicaron en periódicos como “Esto”, “Ovaciones”, “Novedades” y “Excélsior”; su sentido de la forma y valores compositivos y tonales en revistas como “The New Yorker” o “Time” entre otras. Fue autodidacta para la pintura y se autodenominaba “pintor vergonzante”. A la edad de 60 años, elaboró un importante conjunto de óleos sobre tela en dos géneros: paisaje y retrato. Operaba esa función con una sencilla estructura de sus diseños y un acertado uso del color, siempre dentro de la figuración; personajes y formas elocuentes, con intensidad cromática y simplicidad de trazo. La ausencia de drama, la síntesis de formas y la serenidad de las miradas están incorporadas a atmósferas silentes que más que trasfondo son protagonistas por derecho propio, elementos que perfilan su estilo pictórico característico. Siempre fue un hombre visionario, simpático, con un buen sentido del humor creativo, que era la síntesis social de las opiniones colectivas. En 1981, se trasladó a vivir a Nueva York, contratado por el semanario "The New Yorker". En 1989 se retiró de su actividad periodística y sus últimos cartones fueron publicados en casi todos los periódicos de México. Fuentes consultadas: - BATTAGLINI, Peppi et ál. Abel Quezada. El cazador de musas. México-Italia. Editorial Joaquín Mortiz, 1989, pp. 13 - 17. - MARTÍNEZ JUÁREZ, Sagrario Ileana. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 556. - Texto curatorial de ‘Abel Quezada. Digno Pintor’, muestra individual presentada en el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México, de abril a julio del 2018. - Sitio oficial del artista www.abelquezada.mx

$500,000.00-$700,000.00 M.N. 178

179

133

JESÚS HELGUERA

(Chihuahua, 1910 - Ciudad de México, 1971) Belleza criolla

Firmado al frente y al reverso Óleo sobre tela 65.5 x 55 cm Esta pieza fue reproducida para ser calendario, editado por Galas de México a mitad del siglo XX. Entre romanticismo, fantasía, erotismo y folclore, nace la obra de Jesús Helguera, conocido como uno de los pintores más representativos del arte calendárico en México. A la edad de 7 años emigró junto con su familia a España, allí recibió su formación artística inicial en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid y posteriormente en la Academia de San Fernando. En esta etapa aprendió el gusto por la pintura de historia estudiando las obras del Museo del Prado, lo que le abrió paso a la ilustración. Al estallar la Guerra Civil Española, Helguera regresó a México en 1938, encontrando rápidamente un trabajó en la revista “Sucesos para todos”. Con el tiempo recorrió gran parte del territorio nacional conociendo las costumbres y tradiciones mexicanas. De estos viajes nació la primera versión de “La leyenda de los volcanes” en 1949, un famoso lienzo que le valió un contrato exclusivo con la compañía cigarrera La Moderna. Entre 1954 y 1970 trabajó para la empresa Galas de México, la principal editora de calendarios e imágenes comerciales del siglo XX en México. Fuentes consultadas: ESPINOSA, Elia. Jesús Helguera y su pintura, una reflexión. México. Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM, 2004, pp. 17-24 y sitio del Museo del Calendario www.mucal.mx

$150,000.00-$300,000.00 M.N. 180

134

JESÚS HELGUERA

(Chihuahua, 1910 - Ciudad de México, 1971) Pensativa

Firmado Óleo sobre tela 60.5 x 46 cm La obra de Helguera abarcó paisajes, retratos, desnudos y escenas históricas, mitológicas y cotidianas, sumándole a su poética la representación del indio, el campesino, el obrero, la familia y las mujeres con atavíos típicos. Fuentes consultadas: ESPINOSA, Elia. Jesús Helguera y su pintura, una reflexión. México. Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM, 2004, pp. 17-24 y sitio del Museo del Calendario www.mucal.mx

$90,000.00-$150,000.00 M.N.

181

135

JESÚS HELGUERA

(Chihuahua, 1910 - Ciudad de México, 1971) Gitana con castañuelas

Firmado Óleo sobre tela 66 x 55 cm Presenta detalles de conservación y desprendimientos de capa pictórica. Esta pieza fue reproducida para ser calendario, editado por Galas de México a mitad del siglo XX. “Helguera fue el pintor de cabecera de las multitudes, que vivió siempre un doble reconocimiento: la admiración de la mayoría y la referencia irónica de la minoría”. Carlos Monsiváis. $180,000.00-$250,000.00 M.N. 182

136

ALFREDO RAMOS MARTÍNEZ

(Monterrey, Nuevo León, 1871 - California, E.E. U.U., 1946) Retrato de la Señora de Sánchez Juárez

Firmado y fechado 1915 Pastel sobre papel 43.5 x 33 cm Con dedicatoria. Con constancia de compra de Galerías Louis C. Morton, mayo de 1993. Publicado en: Alfredo Ramos Martínez (1871-1946) Una Visión Retrospectiva. México. Instituto Nacional de Bellas Artes, 1992, Pág. 141, catalogado 88. Exhibido en: “Alfredo Ramos Martínez (1871-1946) Una Visión Retrospectiva”, muestra presentada en el Museo Nacional de Arte, de abril a junio de 1992. A principios del siglo XX, Alfredo Ramos Martínez ya era un artista consolidado además de socialmente reconocido, por lo que su producción se enfocó en la ejecución de retratos. Principalmente pintó personajes de la alta sociedad, obras en las que plasmó la última moda europea. También gustaba de idealizar los rostros de sus modelos, los cuales constantemente envolvía en fondos oscuros, de tonos planos y neutros, además las posturas debían ser rígidas, generalmente de tres cuartos de perfil. Esta producción al pastel, la cual fue su técnica predilecta, tuvo una gran aceptación, sobre todo por su factura preciosista y en el esmero de los detalles. Fuente consultada: FAVELA, Ramón et ál. Alfredo Ramos Martínez (1871-1946). Una Visión Retrospectiva. México. MUNAL, 1992, Pág. 55.

$150,000.00-$250,000.00 M.N. 183

137

JOSÉ BARDASANO

(Madrid, España, 1910 - Madrid, España, 1979) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 81 x 100 cm Fue un sobresaliente pintor madrileño, virtuoso del color, excelente dibujante y cartelista, arduo representante de la norma estética y promotor de temas costumbristas nacidos en dos continentes, pues sus múltiples viajes a causa del exilio por guerras, le ampliaron el panorama plástico. Además de ejercer la profesión de pintor, fungió como director de la revista “No Veas”, fue un destacado delegado del Congreso Internacional de Pintores y Escultores, así como presidente del Círculo de Bellas Artes de México. A lo largo de su carrera participó en numerosas exposiciones tanto colectivas como individuales y fue galardonado con diversas distinciones, destacando en 1934 la segunda medalla en la Nacional de Bellas Artes, tres años después con el primer premio de carteles en el concurso convocado por la Cámara Oficial del Libro y 1961 fue honrado en el Salón de Otoño y en 1964 por el Arts, Sciences et Lettres de Francia. Fuente consultada: sitio oficial del Museo del Prado www.museodelprado.es

$260,000.00-$400,000 M.N.

184

138

ARTURO SOUTO

(Pontevedra, España, 1902 - Ciudad de México, 1964) Joven turca

Firmado al frente. Firmado y fechado 1943 México al reverso Óleo sobre tela 108 x 81.5 cm La obra Arturo Souto está extendida por el mundo, figurando en museos de España y América. Fue un pintor que se alimentaba principalmente del impresionismo y del expresionismo. Tristán Tzara afirmaba que Souto “ha sabido encontrar el digno y profundo sentido, sin el cual, en nuestro tiempo, la vida no merecería ser vida ni llamarse vida”. La rebelión militar del General Franco lo sorprendió en Madrid. Participó con dibujos y carteles en la defensa de la República. También participó

en el Pabellón de la República Española, presente en la Exposición Internacional de París de 1937. Finalizada la guerra, emprendió el camino del exilio. Expuso en París, Bélgica, La Habana, Nueva York, Los Ángeles y Filadelfia. En 1942 se estableció en México donde residió hasta el final de su vida. “Los pintores españoles, por su parte, descentrados por la guerra y el exilio, se ven a su vez desorientados por una contradicción más: el magnetismo de un mundo nuevo (paisaje, hombre, cultura), y nostalgia de un ámbito perdido; nostalgia que en la paz y la soledad, agranda, intensifica, idealiza, las calidades de una tierra y una luz españolas que han quedado fijas en la retina y el recuerdo”. Arturo Souto. Fuente consultada: ARIAS SOLÍS, Francisco. “Arturo Souto Feijoo”. España. Blog del diario El Norte de Castilla, 17 de abril del 2010.

$130,000.00-$200,000.00 M.N. 185

139

JOSÉ BARDASANO

(Madrid, España, 1910 - Madrid, España, 1979) Holandés (Bodegón del libro)

Firmado Óleo sobre masonite 61 x 49 cm Presenta ligeros detalles de conservación José Bardasano fue parte del grupo de artistas españoles que llegaron a nuestro país en términos de refugiado a causa de la guerra. Pronto se identificó con las ideas de los muralistas, sin embargo tomó un camino mucho más personal. Tenía el don para la gente y una fuerte personalidad madrileña que le permitió consagrarse como pintor y cartelista de temas costumbristas. Logró participar en numerosas exposiciones en México y España. En 1934 obtuvo la segunda medalla en la Nacional de Bellas Artes y tres años después fue galardonado con el primer premio de carteles en el concurso de la Cámara Oficial del Libro. Fuentes consultadas: CABAÑAS BRAVO, Miguel. Pinceladas. Dos raíces, dos tierras, dos esperanzas. México. Grupo Financiero BX+, 2014, pp. 68-71 y sitio del Museo del Prado www.museodelprado.es

$180,000.00-$220,000.00 M.N. 186

140

JOSÉ BARDASANO

(Madrid, España, 1910 - Madrid, España, 1979) Sin título

Firmado Óleo sobre masonite 38 x 46 cm Presenta ligero desprendimiento de capa pictórica. $100,000.00-$200,000.00 M.N.

187

141

EDGARDO COGHLAN

(Los Mochis, Sinaloa, 1928 - Estado de México, 1995) Sin título (Bodegón con naranjas)

Firmado Óleo sobre tela 60 x 80 cm Edgardo Coghlan es un reconocido artista mexicano de ascendencia irlandesa cuya temática principal es la naturaleza. En su obra sobresale el excepcional dominio de la línea, casi siempre con formas conservadoras y perspectivas tradicionales aprendidas en la academia y en el taller del pintor español José Bardasano. Fue distinguido múltiples veces en ferias y exposiciones en México y el extranjero. Actualmente obra suya se encuentra en las colecciones del Museo de Arte Moderno de México, Museo Michelin Mount Vernon en Illinois, Museo Presidencial de John F. Kennedy, así como en colecciones privadas de México, Estados Unidos, Canadá, Alemania, Grecia, Nueva Zelanda, Escocia y Chile. “Edgardo Coghlan fue un pintor mexicano de ascendencia irlandesa cuya temática fundamental en toda su obra fue el hombre y el paisaje de México. Entre los paisajistas mexicanos, Coghlan es sin duda el más poético de todos. Visionario, fantasmal, abstraído, Coghlan muestra en el fondo su dominio de la línea y la esencia consumada de las cosas”. Juan Bañuelos. Fuente consultada: BAÑUELOS, Juan. Edgardo Coghlan. Dibujos, acuarelas, óleos. México. Grupo financiero Serfín, 1975.

$70,000.00-$100,000.00 M.N.

188

142

ENRIQUE CLIMENT

(Valencia, España, 1897 - México, 1980) Bodegón

Firmado y fechado Mexico 1942 Óleo sobre tela 89 x 120 cm Agradecemos a Pilar Climent, hija del artista por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2020. Durante las primeras dos décadas de su vida profesional fue conocido por su participación en la vanguardia española de los años veinte y treinta. En este periodo obtuvo múltiples reconocimientos. En 1939 llegó a México como refugiado de la Guerra Civil Española. Al igual que sucedió con muchos otros de los artistas que desembarcaron en las mismas circunstancias, México nutrió su trabajo y su obra. Apasionado de su oficio, en su pintura hacían frontera las naturalezas muertas con los lugares imaginarios y los derroteros de la pintura abstracta. Muy pronto se convirtió en una de las marcas decisivas del arte mexicano del siglo XX. Fuente consultada: CLIMENT, Enrique. Enrique Climent en el Museo de la Ciudad de México. México. Artes de México, 2015, Pág. 3.

$180,000.00-$280,000.00 M.N.

189

143

LOLA CUETO

(Ciudad de México, 1897 - Ciudad de México, 1978) Guaje

Firmado y fechado 1941 Óleo sobre tela 45.5 x 35.5 cm Con constancia de opinión de la Galería de Arte Mexicano, septiembre del 2020. Presenta desprendimiento de capa pictórica y detalles de conservación Fue una escritora, marionetista, pintora, grabadora, diseñadora de títeres y gran defensora de la tradición popular mexicana. Dominó técnicas y géneros para explorar el arte moderno gestándose en el país. Fue la primera mujer en ingresar a la Academia de San Carlos y la única en el grupo de pintores que formaron parte de la primera Escuela de Pintura al Aire Libre. Al lado de su esposo, Germán Cueto, inició un proyecto pedagógico que fusionaba el arte con la vida diaria para brindar un panorama distinto de la urbe y la modernidad. Vivió en un ambiente en el que se encontraban también figuras como Frida Kahlo, Diego Rivera, Ramón Alva de la Canal, Angelina Beloff. Con Germán Cueto contrajo nupcias en 1919 y vivieron en París entre 1927 y 1932. A su regreso a México dominó el grabado y la pintura, lo que la llevó a exhibir sus obras en México, Estados Unidos y Europa, llamado la atención de críticos como Paul Westheim y artistas como Jean Charlot. En 1979 el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura realizó una importante exposición retrospectiva en el Salón de la Plástica Mexicana. Fuente consultada: sitio oficial del Instituto Nacional de Bellas Artes www.inba.gob.mx

$70,000.00-$90,000.00 M.N. 190

144

MANUEL GONZÁLEZ SERRANO

(Lagos de Moreno, Jalisco, 1917 - Ciudad de México, 1960) Orquídea

Firmado Óleo sobre cartón 45 x 29.3 cm Con documentos del Museo Mural Diego Rivera especificando la entrega y salida de la obra, marzo y julio del 2014. Con dictamen de conservación del Instituto Nacional de Bellas Artes-Museo Mural Diego Rivera, marzo del 2014. Con carta del Instituto Nacional de Bellas Artes-Museo Mural Diego Rivera solicitando el préstamo de la obra para la itinerancia de la exposición “La naturaleza herida: Manuel González Serrano (1917-1960)”, enero del 2014. Exhibido en: “La naturaleza herida, Manuel González Serrano (1917-1960)”, muestra individual póstuma presentada en el Museo Mural Diego Rivera en la Ciudad de México de julio a octubre del 2013, en el Jardín Borda en Cuernavaca, Morelos, de noviembre del 2013 a marzo del 2014 y en el Museo Casa Diego Rivera en Guanajuato, Guanajuato de abril a junio del 2014. Con etiqueta del Museo Mural Diego Rivera y del Museo Casa Diego Rivera. Presenta ligeros detalles de conservación. $170,000.00-$250,000.00 M.N. 191

145

YAMPIER SARDINA

(La Habana, Cuba, 1979 - ) Sesión con el deseo

Firmado y fechado V-08 Óleo sobre tela 60 x 69.5 cm Con certificado de autenticidad del artista. Publicado en: ALDAMA, José Ignacio, et ál. Yampier Sardina. El placer del engaño. México. Aldama Fine Art, 2009. pp. 24 y 25, catalogado 2. Exhibido en: “Yampier Sardina. El placer del engaño”, muestra individual presentada en Aldama Fine Art en la Ciudad de México, de octubre a noviembre del 2009. Realizó estudios en la Escuela Elemental de Artes Plásticas 20 de Octubre y en la Academia Nacional de Artes Plásticas San Alejandro, ambas en La Habana. Fue discípulo de Arturo Montoto, con quien realizó varios proyectos murales. Vive y trabaja en Miami. “Su colección de óleos y acrílicos baña de luz su memoria para abrir los telones policromos de la emoción a manera de naturalezas muertas y retratos que retan a la realidad con la organicidad de sus trazos y la vibrancia real- maravillosa de su paleta. Los pliegues de los manteles en ‘Objets’ disponen una plataforma para mostrar una abundancia fabricada. Naturalezas muertas… de risa, que saben lo que esconden, hasta que no pueden más y se revelan desnudas; desnudas y abiertas, sarcásticas, confiadas en sus propios efectos cromáticos”. José Manuel Ruiz Regil. Fuente consultada: ALDAMA, José Ignacio et ál. Yampier Sardina. El placer del engaño. México. Aldama Fine Art, 2009, Pág. 9.

$90,000.00-$120,000.00 M.N.

192

146

JOSÉ GOTOPO

(Falcón, Venezuela, 1964 - ) Bodegón sepia con piña y candelabro

Firmado y fechado 2020. Firmado y fechado Ciudad México 2020 al reverso Acrílico sobre tela 96 x 153 cm Con certificado de autenticidad del artista. José Gotopo es un artista plástico contemporáneo, entre los más premiados de su país y con un extenso currículo que lo acredita como uno de los mejores en las artes plásticas venezolanas en el extranjero. Ha realizado exposiciones en Praga, Estambul, Ciudad de México y en algunas ciudades de Estados Unidos. “Soy un pintor camaleónico, a cada rato cambio de colores, no puedo vivir en un solo sitio, hay muchas cosas en el mundo que me asombran, mi visión preferida es contemplar aletargado el ultramarino del mar de las Antillas visto desde Paraguaná”. José Gotopo. $100,000.00-$160,000.00 M.N.

193

147

JESÚS REYES FERREIRA “CHUCHO REYES” (Guadalajara, Jalisco, 1880 - Ciudad de México, 1977) Flores

Firmada Anilina sobre papel de china 94 x 53 cm Con certificado de autenticidad del Sr. Rodrigo Rivero Lake. Presenta ligero faltante en el papel. “Sus naturalezas muertas dan la sensación de ser un herbario, porque las flores, plantas y bodegones evocan a las flores de papel o a las hierbas y plantas secas que reposan entre cartones o entre las páginas de un libro”. Lily Kassner. Fuente consultada: KASSNER, Lily. Chucho Reyes. México. Editorial RM, 2001, Pág. 109.

$90,000.00-$120,000.00 M.N. 194

148

ANGELINA BELOFF

(San Petersburgo, Rusia, 1883 - Ciudad de México, 1969) Flores

Firmado y fechado 40 Óleo sobre tela 52 x 72 cm Con constancia de opinión de la Galería de Arte Mexicano, septiembre del 2020. Presenta una perforación y detalles de conservación. Angelina Beloff nació en el seno de una familia de intelectuales rusos. Estudió Matemáticas y Ciencias Biológicas con la intención de estudiar Medicina por sugerencia de su padre, sin embargo fue el arte lo que siempre quiso hacer, así que ingresó a la Academia Imperial de Arte de San Petersburgo donde aprendió a dibujar al natural de manera clásica. En 1909 se mudó a París para continuar con su formación artística, en aquel año conoció al muralista mexicano Diego Rivera durante una corta visita a Bélgica. Tras unos años de relación se casaron, siendo este su único matrimonio. Durante la Segunda Guerra Mundial tuvo que dejar a un lado su carrera artística. Intercambiaba ideas políticas con su marido y sus amigos Pablo Picasso, Amedeo Modigliani y Marie Laurencin. En 1921, Diego Rivera regresó a México y le pidió el divorcio, quedándose en Francia hasta que Alfono Reyes la invitó a nuestro país en 1932. A su llegada formó parte de un círculo social alto, alejado de su ex-esposo y comenzó a trabajar como profesora de dibujo y grabado en el Instituto Nacional de Bellas Artes, gran parte de su labor se enfocaba a talleres de escenografías. También pintó algunos murales con temáticas cuentísticas en hospitales de Guadalajara y la Ciudad de México. Fue miembro distinguido de la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios, de la Sociedad Mexicana de Grabadores, de la Sociedad para el Impulso de las Artes Plásticas y del Salón de la Plástica Mexicana. La mayor parte de su obra artística la realizó en México y actualmente su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas mexicanas, como las del Museo de Arte Moderno y el Museo Nacional de Arte de la Ciudad de México, la Colección Blaisten y el Museo Dolores Olmedo. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y Pintura Mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 3, No. 34, octubre de 1997, pp. 5-13.

$400,000.00-$600,000.00 M.N. 195

149

JULIO CHICO

(Ciudad de México, 1947 - ) Manifestando intereses

Firmado Óleo sobre tela 155.7 x 110 cm Con certificado de autenticidad del artista. Julio Chico descubrió su vocación artística desde pequeño, formándose en la Academia de San Carlos y posteriormente en el Centro Nacional de Conservación de Obras Artísticas del INBA, donde participó en la restauración de pinturas y murales. Su amplio dominio plástico y conocimiento artístico lo han caracterizado 196

como un pintor que se aventura no sólo en la técnica sino que también en temas, donde los colores, texturas, formas y volúmenes adquieren vida y personalidad propia. Es fundador de talleres de impresión para grabado, ha participado como jurado en concursos de pintura, ha sido miembro del Salón de la Plástica Mexicana y ha obtenido diversos reconocimientos y premios internacionales como la Mención Honorífica en la Bienal de Maracaibo en Venezuela. Actualmente, sus obras forman parte de importantes colecciones de galerías y museos, como el Salón de la Gráfica del Museo de Sofía, en Bulgaria, el Museo de Arte de Querétaro y el Museo de Arte Moderno de Toluca. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.juliochico.com

$100,000.00-$180,000.00 M.N.

150

LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014) Nopal

Firmada y fechada 90 al frente. Firmada y fechada 1990 al reverso Mixta sobre madera 61 x 81 cm Con certificado de autenticidad de Galería Sloane Racotta, marzo de 1999. Agradecemos a Gabriel Nishizawa por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2020. Luis Nishizawa fue un artista que vivió en el contexto muralista y de la Escuela Mexicana por lo que se vio fuertemente influenciado por las corrientes artísticas; en este sentido realizó varias obras con este formato en el metro de Tokio en Japón, en la unidad del ISSSTE de Celaya y en el Centro Cultural Mexiquense en Toluca, sitio donde se ubica el Museo Taller Luis Nishizawa inaugurado en 1992 y del Archivo General del Estado de México. Su primera exposición fue en el Salón de la Plástica Mexicana, participó en la Bienal Internacional de Tokio, en la Trienal de Grabado en Buenos Aires, en la Bienal de Sao Paulo, recibió la Presea Estado de México, en el área de Ciencias y Artes en 1984. Parte de su obra se encuentra resguardada en el Museo de Arte Carrillo Gil.

Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA Guillermo et ál. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 410 y sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$160,000.00-$220,000.00 M.N. 197

151

JORGE OBREGÓN

(Ciudad de México, 1972 - ) Popocatépetl y Nexpayantla

Firmado y fechado 20 al frente. Firmado y fechado 2020 al reverso Óleo sobre lino 50 x 80 cm Con certificado de autenticidad del artista, junio del 2020. Estudió Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, donde fue distinguido con la Medalla Gabino Barreda al Mérito Universitario y obtuvo mención honorífica por su tesis “Volcanes de México, una experiencia al aire libre”. Colaboró con el Maestro Luis Nishizawa en diversos cursos de técnicas de los materiales. Ha llevado a cabo tres residencias artísticas: en el Centre d’Art i Natura de Farrera en España, en The Vermont Studio Center en Johnson, Vermont, E.E. U.U. y en Montserrat College of Art, con el maestro George Nick, en Beverly, Massachusetts, E.E. U.U. También ha desarrollado proyectos de paisaje in situ con el apoyo de diversas instituciones y el gobierno de países como España, Finlandia, Ecuador, Estados Unidos, México y el más reciente en Japón invitado por la Embajada de México en Tokio. Su obra se encuentra en importantes colecciones de México, Estados Unidos, Italia, Finlandia y España. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.jorgeobregon.com.mx

$70,000.00-$90,000.00 M.N.

198

152

LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014) Paisaje del valle

Firmado Temple sobre papel 74.3 x 109.5 cm Con certificado de autenticidad del artista, junio del 2001. Agradecemos a Gabriel Nishizawa por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2020. “No cree en el olvido, en la desmemoria, ni pasa del expresionismo realista al expresionismo abstracto por estar de moda. Atento a las voces de la época se ha permitido articular muchas corrientes creer en un arte sin fronteras”. Raquel Tibol. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA Guillermo et ál. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 410

$360,000.00-$500,000.00 M.N.

199

153

RODRIGO PIMENTEL

(Zináparo, Michoacán, 1945 - ) Popocatépetl en septiembre

Firmado y fechado 08/06/2020 al frente. Firmado al reverso Óleo sobre tela 100 x 120 cm Con certificado de autenticidad del artista. Rodrigo Pimentel es uno de los más talentosos artistas michoacanos. Realizó sus estudios en la Academia de San Carlos. Su larga trayectoria lo ha llevado a exponer en muchas ocasiones en México y en el extranjero, en países como Estados Unidos, Panamá, Argentina, España y Francia. Su trabajo forma parte de la Colección Permanente del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México y de otras colecciones importantes en México y el mundo. “Desde los años de la Academia, sentimos en la pintura de Rodrigo cierto vigor emotivo que se enfatiza en sus paisajes actuales, pródigos en ritmo y expresividad, las últimas obras, no exentas de esta característica, sintetizan con acierto la idea de recabar los aspectos más íntimos del paisaje, valiéndose de la forma y el color que utiliza con pureza y precisión técnica. La totalidad de su obra nos da idea clara de su proceso evolutivo, parte de la naturaleza objetiva del realismo, hacia el concepto de la abstracción, tan mal interpretado por muchos artistas sin capacidad y sin convicciones ideológico plásticas. Podemos tener la más absoluta seguridad de que el éxito es merecido para quien demuestra una conducta de rectitud profesional, como la que preocupa a nuestro amigo que ha dado ya pasos definitivos en la tarea difícil que ha emprendido y que habrá de conducirle al encuentro de su propia expresión creativa”. Ernesto Guzmán, 1971. Fuente consultada: MONSIVÁIS, Carlos. Testigos Ausentes. Rodrigo Pimentel. México. Palacio de Bellas Artes, CONACULTA, 1995.

$120,000.00-$180,000.00 M.N.

200

154

JOSÉ CHÁVEZ MORADO

(Silao, Guanajuato, 1909 - Guanajuato, Guanajuato, 2002) Laureles

Firmado y fechado 55 Óleo sobre cartón 45.5 x 60.6 cm Con fragmento de certificado de Galería de Arte Mexicano adherido al reverso. Con carta de autenticidad de Galería Lourdes Chumacero junio de 1993. Con constancia de compra de Galerías Louis C. Morton, mayo de 1993. El pintor José Chávez Morado en su obra, sintetiza una elaborada crítica acerca de la desintegración política a partir de los mitos del origen de la Ciudad de México; se muestran, además, como ejemplo de las complejas negociaciones entre la tradición y la modernidad a mediados del siglo XX. Su carrera se fortaleció gracias a su labor como empleado del Estado, creando líneas de acción cultural muy fructíferas. El guanajuatense contribuyó así a la dirección de los discursos artísticos y educativos para mantener los ideales posrevolucionarios de una nación mestiza unificada. Fuente consultada: PÉREZ GAVILÁN, Ana Isabel. “Chávez Morado, destructor de mitos. Silencios y aniquilaciones de la ciudad (1949)”. México. Anales del Instituto de Investigaciones Estéticas, 2005, vol. XXVII, núm. 87.

$120,000.00-$200,000.00 M.N.

201

155

CARLOS OROZCO ROMERO

(Guadalajara, Jalisco, 1898 - Ciudad de México, 1984) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 29.5 x 43.8 cm Carlos Orozco Romero fue un artista que para sobresalir en el mundo del arte debió prepararse arduamente, y aunque no frecuentó la Academia de San Carlos, durante años se dedicó a estudiar, investigar y ejercer con gran calidad y profesionalismo ciertas prácticas pictóricas. Aprovechó cada estancia en el extranjero, observando en los museos de Toledo como el pigmento se impregna en los lienzos, en las pinturas de Francisco de Goya miró con detenimiento el uso del empastado y mediante las de Diego Velázquez se instruyó en el proceso de las veladuras. Con tales experiencias, obtuvo maestría en sus propios procesos, por ejemplo el empleo de la pincelada de forma lateral sustituyendo, en sentido contrario, la sucesión de veladuras, generando una suavización en el colorido, como si fuese una disolución para que la línea se viera medida y sutil. De igual forma, él mismo maceraba sus lienzos durante meses antes de pintar en ellos, dándole como resultado una base en la cual podía lograr, en un solo tono dominante, una gama de matices realmente asombrosos, aspecto que es más notorio en sus pinturas de paisaje. Fuente consultada: NELKEN, Margarita. Carlos Orozco Romero. México. Colección de arte N° 7, UNAM, 1959, pp. 23 y 24.

$180,000.00-$280,000.00 M.N.

202

156

GERARDO MURILLO “DR. ATL”

(Guadalajara, Jalisco, 1875 - Ciudad de México, 1964) Valle de México

Firmado y fechado 1937 Carboncillo y gouache sobre papel 18 x 25 cm Con etiqueta de Galería de Arte Mexicano. “No puede pasarse por alto que las raíces artísticas y políticas de la pintura mexicana moderna las sentó Dr. Atl […] Personaje notable del carrancismo, que por razones estratégicas se trasladó a Orizaba, allí fundó el periódico ‘La Vanguardia’, y encabezó numerosas tareas. Con el tiempo se adjuntó al fascismo. “Cardoza y Aragón, escribió: ‘Dr. Atl fue el primero que trabajó ardorosamente la obra mural. Trajo a México una visión más precisa del impresionismo y un fervor profundo por los Renacentistas italianos. En él se aunaban el hombre de acción y el artista. Su figura fue de primerísima importancia’. “Orozco, Siqueiros y Rivera, resaltaron la tarea esencial de Atl como el verdadero precursor. Fue parte distinguida de una generación que revolucionó la cultura mexicana. Su figura, pese a sus contradicciones políticas, es considerado un artista fundamental entre nosotros, los mexicanos”. René Avilés Fabila. Fuente consultada: ROURA, Alma Lilia et ál. Dr. Atl: conciencia y paisaje. México. MUNAL, 1985, prólogo.

$85,000.00-$120,000.00. M.N.

203

157

RAYMUNDO MARTÍNEZ (Ciudad de México, 1938 - ) Valle de México

Firmado Óleo sobre tela 30 x 60 cm Agradecemos a César Martínez Rioja, hijo del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2020. El Maestro Raymundo Martínez utiliza recursos como la fotografía, helicópteros, video y otros medios que tiene a su alcance, de la misma manera que los artistas del siglo XVI, XVII y XVIII usaron la cámara oscura como su recurso técnico. Esto no atenta contra la artisticidad de sus obras, al contrario, lo mantiene al día respecto a aquellos adelantos técnicos que favorecen su quehacer. $50,000.00-$70,000.00 M.N.

204

158

LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014) Valle de México

Firmado Temple sobre lino sobre madera 75.5 x 120 cm Con certificado de autenticidad del artista, diciembre del 2013. Agradecemos a Gabriel Nishizawa por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2020. “En el embrujo que sus paisajes ejercen para el espectador, puede advertirse, con mayor certeza, el enorme acercamiento a la estética dominante en la paisajística del arte japonés, del que fue heredero de sangre. Fue tal su grado de finura y sutileza en el manejo de atmósferas, de planos y matices impregnados de color, que el recorrido visual no logra, de una sola mirada, aprehenderlos en su totalidad anímica. Colorista por naturaleza, con una gama de tonalidades con las que el artista interpreta su visión del mundo físico. Si la contemplación persiste, como suele pasar, en lo que llamo seducción o embrujo de la atmósfera de sus paisajes, el espectador se interna tanto que, por momentos, él mismo esté en el paisaje para formar parte de su espacio, junto a las rocas, la hierba, las nubes, la tierra […] La emoción no es gratuita, Nishizawa ha volcado en sus paisajes un sentimiento sin límite, una sabiduría ancestral, su gran entrega al arte mexicano”. Milena Koprivitza. Fuente consultada: ESPINOZA, Antonio. “Luis Nishizawa: testimonio de una vocación”. México. El Universal, sección Confabulario, 4 de octubre del 2014.

$440,000.00-$600,000.00 M.N.

205

159

CARLOS OROZCO ROMERO

(Guadalajara, Jalisco, 1898 - Ciudad de México, 1984) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 68 x 95 cm Presenta mínimos detalles de conservación. A mediados de la década de 1940 irrumpió con fuerza el género del paisaje en la producción de Orozco Romero. Un buen número de estos paisajes pertenecen al ámbito de una lograda abstracción temática, siguiendo la línea de la experimentación plástica, donde Orozco Romero plasmó mediante una serie de planos diáfanos, juegos cromáticos de azules de gran intensidad, sin mayor asunto que la interacción del color.

Fuente consultada: LOZANO, Luis-Martín. Carlos Orozco Romero. Propuestas y variaciones. México. CONACULTA, INBA, Secretaría de Cultura del Gobierno de Jalisco, 1996, Pág. 26.

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

206

160

LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014) Paisaje

Firmada Tinta sobre papel 58 x 88 cm Agradecemos a Gabriel Nishizawa por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2020. “Yo crecí en la antigua tradición de los paisajes pintados a tinta, además de que estudié el arte japonés, que es precisamente a base de tinta y papel arroz. Al principio de mi carrera tuve mucha influencia de la pintura japonesa, porque mi padre era de Japón, aunque yo nací en un pueblo del Estado de México y me encantaron desde siempre los volcanes y sus colores”. Luis Nishizawa.

Fuente consultada: PALAPA QUIJAS, Fabiola. “Crecí en la tradición de los paisajes a tinta: Luis Nishizawa”. México. Diario La Jornada, sección Cultura, 12 de marzo del 2008.

$120,000.00-$200,000.00 M.N.

207

161

ARTURO SOUTO

(Pontevedra, España, 1902 - Ciudad de México, 1964) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 55 x 65 cm Presenta craqueladuras y ligeros detalles de conservación. “Si resultara obligatorio rotular de alguna manera la riqueza y variedad de la pintura de Souto lo más adecuado sería llamarla romántica. Es decir, una variedad moderna, muy española, de un romanticismo expresionista que nunca llegó a agotar su sed de imaginación creadora”. Miguel Cabañas Bravo. Fuente consultada: CABAÑAS BRAVO, Miguel. Pinceladas. Dos raíces, dos tierras, dos esperanzas. México. Grupo Financiero BX+, 2014, Pág. 150.

$90,000.00-$150,000.00 M.N.

208

162

JOAQUÍN TORRES-GARCÍA

(Montevideo, Uruguay, 1874 - Montevideo, Uruguay, 1949) Plaza de Bruselas, ca. 1940

Firmado Óleo sobre cartón 33 x 41 cm Con certificado de autenticidad de la galería J. E. Gomensoro, en el cual se titula a la obra por error “Quartier de Paris”, marzo del 2017. Procedencia: colección privada, Uruguay; galería J. E. Gomensoro, París, 29 de diciembre del 2015, lote 24; colección privada, México. Publicado en: DE TORRES, Cecilia et ál. Joaquín Torres-García Catalogue Raisonné. Número 1940-101, www.torresgarcia.com Joaquín Torres-García fue un destacado pintor, escultor y teórico de arte uruguayo. Creador del Universalismo Constructivo, un sistema estético-filosófico creado en base a los principios de proporción, unidad y estructura. Fue uno de los principales impulsores de la vida intelectual de Barcelona y participante junto con Antonio Gaudí del movimiento Noucentista Catalán, basado en un retorno al clasicismo y arraigo a la tradición mediterránea. Sus primeras pinturas fueron influenciadas por el mundo antiguo greco-romano, así como del arte español y renacentista italiano, posteriormente dio un brinco al uso de la geometría de estilo modernista-constructivista. No obstante, fueron sus inicios los más tradicionales y bajo la influencia de sus múltiples viajes logró plasmar en cada pintura sus propias vivencias y vistas que gustaba, tanto en la pintura de caballete como en murales. Fuentes consultadas: - Sitio oficial del artista www.torresgarcia.com. - Sitio oficial del Museo Torres García www.torresgarcia.org.uy - Sitio oficial del Museo Reina Sofía www.museoreinasofia.es

$500,000.00-$700,000.00 M.N. 209

163

ANTONIO RUIZ “EL CORZO”

(Texcoco, Estado de México, 1892 - Ciudad de México, 1964) Sin título

Firmada Acuarela sobre papel 24 x 32 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, agosto del 2020. Antonio Ruiz, mejor conocido como “El Corzo” o “El Corcito”, fue un pintor satisfecho de su trabajo, siempre trabajando bajo sus propias reglas y aunque no formó parte de ningún movimiento, se guió por algunas ideas renovadoras que trajeron consigo personajes como Dr. Atl y las Escuelas al Aire Libre. Constantemente se veía motivado por las composiciones de espacios, por lo que la arquitectura fue una línea presencial en su trabajo. Los reflejos fueron recurrentes en algunas obras del autor, donde captaba la dimensionalidad a partir de una percepción atípica. En esta obra representó objetos reflejantes con un efecto trompe l’oeil. La luz también juega en este esquema compositivo de reflejos, produciendo sombras insólitas, no obstante se trata de una escena realista y realizada in situ. Quienes conocieron a “El Corzo” comentaban que su obra hablaba de su simpatía por la fusión de culturas; Juan O’Gorman por ejemplo, llegó a expresar en sus escritos la admiración por la magnífica técnica del Maestro Antonio Ruiz, a quien conoció por casualidad mientras le daba consejos para pintar. Las exposiciones que realizó fueron pocas, sin embargo en cada una de ellas las obras fueron vendidas casi en su totalidad. Actualmente, sus obras pertenecen a colecciones y acervos de museos y galerías privadas en México y Estados Unidos. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 3, No. 35, noviembre de 1997, pp. 10-12.

$55,000.00-$70,000.00 M.N.

210

164

CARMEN PARRA

(Ciudad de México, 1944 - ) Resurrección

Firmado y fechado 2016 Óleo sobre tela sobre MDF 100 x 150 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte. Con etiqueta de El Aire Centro de Arte. A lo largo de su vida, su producción artística se ha visto enriquecida por diversos factores, los cuales se han plasmado en la selección de sus temas, destacando su idea de plasmar la mexicanidad bajo un sentido antropológico, como lo ha sido: la migración de la mariposa monarca, la pintura barroca de la Catedral de México, los hallazgos del Templo Mayor y la figura del águila real como emblema mexicano. De este último, para defender su valor de símbolo histórico, Carmen Parra emprendió una campaña contra la extinción de la patria mediante la figura del águila real, realizando la exposición “República del aire: el águila contra la patria en extinción”, la cual exhibió 27 cuadros de gran formato para los cuales tuvo el privilegio de contar con un ejemplar vivo como modelo llamado “Inka”, un águila de alas rotas que fue adoptada por un amante de la especie tras un decomiso. Sobre su encuentro con el águila real, la pintora mencionó: “Creo que ningún artista del mundo ha tenido el privilegio de que le traigan un águila real a posar. Es un animal muy difícil de ver […] traté de pintar el vuelo del águila casi del tamaño natural, en telas de dos por dos metros, ya que ‘Inka’ tiene una envergadura de dos metros de ancho”. Fuente consultada: MACMASTERS, Merry. “Carmen Parra enarbola el águila real contra la extinción de la patria”. México. La Jornada, sección Cultura, 18 de agosto del 2011.

$150,000.00-$200,000.00 M.N.

211

165

MIGUEL CARRILLO

(Mérida, Yucatán, 1947 - ) Contexto

Firmado y fechado 91 Óleo sobre tela 115 x 140 cm Con certificado de autenticidad de Galería Misrachi, julio de 1992. Exhibido en: “Tierras. Miguel Carrillo”, muestra individual presentada en la Torre Ejecutiva PEMEX en la Ciudad de México, en mayo de 1992. Miguel Carrillo es un sobresaliente artista mexicano de formación autodidacta y cuya obra se caracteriza por su gusto en crear atmósferas mágicas, divinas, que remiten a lo antiguo y clásico pero con un estilo etéreo y vanguardista. Así mismo, sobresalen por el uso constante de cuerpos casi arquitectónicos y fondos agrietados mediante el uso de líneas sutiles. A lo largo de su carrera ha exhibido en el Museo Nacional de Historia, Museo Nacional de la Estampa y en el Museo del Palacio de Bellas Artes, así como en varios estados de la República Mexicana, Estados Unidos y Alemania. Fuente consultada: CASELLAS, Roberto. “Miguel Carrillo, pintor clásico y moderno”. México. Revista Panorama Médico, Año XXII, abril de 1992.

$220,000.00-$300,000.00 M.N.

212

166

JORGE MARÍN

(Uruapan, Michoacán, 1963 - ) Abrazo II

Firmada Escultura en bronce 7 / 10 en base de metal 89 x 97 x 25.5 cm medidas de la escultura 169.5 x 97 x 30 cm medidas totales con base Con certificado de autenticidad del artista. Agradecemos al Maestro Jorge Marín por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2020. Una versión de esta pieza se encuentra publicada en: ARTEAGA, Agustín. Jorge Marín. Bronces. México. 2003 y en sitio oficial del artista www.jorgemarin.com.mx La base fue realizada especialmente para esta escultura. En la mitología plástica de Jorge Marín, es común encontrar figuras aladas, seres inclinados sobre su propio peso, presentándose como una alusión a la acción del vuelo. A través de sus obras, busca provocar en el espectador una profunda reflexión. En el 2016, su escultura “Alas de México” se presentó en un importante parque ubicado en Lumpini, un subdistrito de Bangkok. La escultura interactiva causó un gran revuelo con el público que podía posar y tomarse fotos como si fueran ángeles o la diosa de la Victoria. “Sacar al espectador de su zona de confort, de ese catálogo que le dice cómo vivir, qué sentir, qué pensar, cómo actuar y hasta cómo morir. Hacer que el espectador viva una experiencia que lo haga pensar en sí mismo como persona, individuo, y como ser social que lo lleve a descubrir qué tantas alas tiene o qué tan roto está… tal vez esta es la auto-reflexión que busco inspirar”. Jorge Marín. Fuentes consultadas: SOTRES MORE, Bertha Eugenia. “Jorge Marín”. México. IdeArte, julio del 2015, sitio oficial del artista www.jorgemarin. com.mx y “Tailandia acoge la escultura ‘Alas de México’ del artista Jorge Marín”. España. Agencia EFE, 23 de noviembre del 2016.

$500,000.00-$600,000.00 M.N. 213

167

BENITO CERNA

(Trujillo, Perú, 1960 - ) Dama VII

Firmado al frente. Firmado y fechado septiembre 18 - 2012 al reverso Óleo sobre tela 86 x 80.7 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, octubre del 2012. Presenta ligeros detalles de conservación. Benito Cerna es un pintor peruano que ha exhibido su obra en numerosas muestras individuales en Francia, México, E.E. U.U., Panamá, Colombia y Costa Rica. Su obra forma parte de colecciones como la de Fundación Cultural del Banco de la Nación de Trujillo, Perú y la de Museo El Castillo, Medellín, Colombia. “Un viaje que evoca cierta letanía con el pasado, colores densos que compactan la claridad del aire y la luz. Emoción de un instante detenido en el tiempo subjetivo del artista, que en el principio de su ensoñación plástica no deja escapar la imagen que atrapa. Su tema varía según su emoción: bodegones, desnudos, paisajes, muestran la versatilidad de un alma inquieta queriendo atrapar la fugacidad del tiempo, que detenido en la retina de su ojo toma la magia del instante para atraparla en el lienzo que es la continuidad de su propia emoción lograda con un efecto que hace recordar la pintura flamenca. La excelencia es la búsqueda cotidiana de este artista”. Charles Nevott. $90,000.00-$150,000.00 M.N.

214

168

SANTIAGO CARBONELL

(Quito, Ecuador, 1960 - ) Figura que se esconde tras el advenimiento de su propia luz

Firmada Escultura en bronce P. A. 74.5 x 37.5 x 40 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, marzo del 2018. Existen diversas adaptaciones de esta pieza, una de ellas en mármol y una versión pictórica publicadas en: sitio oficial del artista www.santiagocarbonell.com “Reconocidos profesionales de la crítica pictórica, al explorar por los intricados caminos recorridos por este artista notable, nos muestra que en pleno siglo XXI Carbonell ha hecho suyos a los clásicos; ha recuperado y transformado paletas que se creía habían pasado al olvido, enriqueciendo con su oficio los lenguajes pictóricos puestos al servicio de su indeclinable posición contemporánea. Así, merecedor absoluto de este esfuerzo intelectual, los estudiosos de la obra de Santiago analizan su técnica, interpretan su pensamiento revisando minuciosamente los caminos de la luz que transita los complejos planos de sus composiciones plásticas, lo emparentan con Caravaggio, Velázquez entre otros. El afán por descubrir sus influencias, para concluir que su obra es rotundamente innovadora. “Voltean las miradas y esconden la vergüenza, apenas descubierta al otro día del ‘mordisco de la manzana’. Elevan la mirada en el olvido de la desesperanza. Descansan los ojos en el recuerdo de la tranquilidad recuperada, después del desorden de la noche anterior. Ensombrece la mirada del fatigado o acrecentan nuestra resignación a la mirada del hombre curtido por el tiempo. Conviven personajes es un escena que convoca todos los tiempos. Ahí, pues, estamos todos”. Eduardo Morales. Fuente consultada: MORALES, Eduardo. “En los lienzos de Carbonell”. México, mayo del 2007.

$250,000.00-$300,000.00 M.N. 215

169

OFILL ECHEVARRÍA

(La Habana, Cuba, 1972 - ) Various

Firmado con vinil al frente. Firmado y fechado NYC, 2015 al reverso Óleo sobre tela 161 x 200 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, noviembre del 2015. Se graduó de la Academia de Bellas Artes San Alejandro en 1991. Al año siguiente se trasladó a la Ciudad de México, donde vivió hasta 2002. Actualmente vive y trabaja en Nueva York. Desde su primera exposición individual en La Habana, Cuba en 1991, Ofill Echevarría ha expuesto individualmente en galerías e instituciones de México y América Latina, así como en los Estados Unidos. Sus obras forman parte de importantes colecciones públicas y privadas, entre las que destacan: el Centro de Desarrollo de las Artes Visuales y el Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana, Cuba; Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México; Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca; Museo Nacional de Arte, México; Centro Nacional de las Artes, Nuevo León; Fundación Merrill Lynch para las Artes, Miami y la del Museo de Arte Latinoamericano, en Long Beach. “Como parte de una investigación basada en la fotografía y el impacto de la tecnología en nuestras vidas, estoy interesado en explorar asuntos sociales y antropológicos a través de la pintura como medio tradicional, así como técnicas multimedia. El trabajo invita a la audiencia a reflexionar, rodeado de un concepto ambiental que tiene la intención de representar el mundo de las imágenes con las que convivimos diariamente”. Ofill Echevarría Fuente consultada: sitio oficial del artista www.ofillarts.com

$150,000.00-$180,000.00 M.N.

216

170

JOSÉ CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1953 - ) Sin título, 2001

Firmado y fechado 02 al frente. Firmado y fechado 2002 al reverso Óleo sobre tela 87 x 100 cm Agradecemos al Maestro José Castro Leñero por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2020. Su obra comparte los valores e inquietudes visibles de la obra de uno de los grandes creadores contemporáneos que se ha servido de la fotografía como su principal soporte: Robert Rauschenberg. Las imágenes que José Castro Leñero utiliza en sus obras adquieren un sentido completamente diverso cuando las manipula, hasta convertirlas en juego con una nueva significación. Utiliza herramientas tradicionales y de las nuevas tecnologías para hacer, rehacer y deshacer, dibujar y desdibujar, pintar y despintar, figurar y desfigurar, sobreponer, aparecer y desaparecer. En este proceso José Castro Leñero construye un discurso que nos introduce a un modo particular de ver la cotidianidad. Actualmente, José Castro Leñero es un artista que destaca por representar en su obra la importancia de la expresión neofigurativa mexicana. Ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales en Museos de México y Estados Unidos. Fuentes consultadas: BLANCO, Alberto. José Castro Leñero. La imagen encontrada. México. Museo de Arte Moderno, 1992 y sitio oficial de La Siempre Habana www.lasiemprehabana.com

$90,000.00-$150,000.00 M.N.

217

171

JORGE GONZÁLEZ-CAMARENA “GONCAM” (Ciudad de México, 1973 - ) Stephanie, de la serie Velero's

Firmada en placa Escultura en acero inoxidable y madera de chechén en base de piedra de recinto 1 / 7 33 x 68 x 30 cm Con certificado de autenticidad del artista. Inició su carrera artística hace algunos años, después de haberse dedicado desde su juventud al mundo empresarial. Su pasión por el arte la adquiere por genética y experiencias vividas con su abuelo, el pintor, muralista y escultor Jorge González Camarena. Su producción está centrada en la escultura, utilizando diversos materiales como madera, vidrio, acero y piedra. Se caracteriza por utilizar la simplicidad en las formas y líneas, haciendo alusión al modernismo cosmopolita y mezclándolo con elementos naturales originarios de México. Al haber practicado profesionalmente esquí acuático, Jorge González-Camarena se identifica particularmente con el agua. La intención del artista con esta obra es representar el movimiento de un velero, como si estuviese navegando rápidamente esbozándose en el horizonte. El artista juega en la escultura con elementos rústicos, sacados de la naturaleza, como la madera de chechén, considerada como uno de los materiales más duros encontrados en la región sur del país y la base en piedra de recinto, contrastando con materiales modernos como el acero inoxidable de las velas y los detalles que representan la maquinaria y el rompeolas del velero. $30,000.00-$40,000.00 M.N.

218

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RAFAEL CAUDURO

(Ciudad de México, 1950 - ) Tráfico citadino

Firmado y fechado 79 Óleo sobre tela 100 x 80 cm Con certificado de autenticidad de Galería Inverarte. Presenta craqueladuras y ligeros detalles de conservación. Es un reconocido pintor y muralista cuya obra se caracteriza por estar cargada con ilusionismo y jugar con la realidad y el tiempo. Su gama de técnicas y materiales es amplia, con ellas logra realidades a través de ilusiones ópticas que parecen tener el poder de diluir entes y ciudad en un todo. Estudió Arquitectura y Diseño Industrial en la Universidad Iberoamericana por insistencia de su padre. Al morir este, decidió no continuar ejerciendo su carrera, lo cual sentía como obligación, y dedicarse de lleno a la pintura. Su primera exhibición individual la realizó en La Casa del Lago, lo cual consideró como el cumplimiento de un sueño, pues en su infancia, su padre lo llevó a muchas exposiciones y consideraba a ese lugar sagrado.

A principio de los años ochenta comenzó a exhibir su obra en la Galería de Arte Misrachi, posteriormente se presentó en otras galerías y museos tanto en México como en Estados Unidos. A mediados de la década permaneció un tiempo en Nueva York y presentó una exposición individual en la Alex Rosenberg Gallery. Posteriormente realizó su primera exhibición retrospectiva en el Museo del Palacio de Bellas Artes y en 1991 en el Museo de Arte Moderno, ambos en la Ciudad de México, consolidándose como uno de los artistas más prolíficos de la época. “En toda mi obra existe la mentira o la ilusión, productos del manipuleo que hago del tiempo en mis cuadros. Con respecto a los materiales que empleo en mis obras siempre los seguiré mezclando, para ofrecer una mitad real y otra que es una ilusión. Me interesa tener una actitud crítica en cuanto a la realidad, por eso no acepto tanto el título de ‘realismo’ dentro de mi obra. Creo que siempre he estado del otro lado de la trampa, del lado de la ilusión”. Rafael Cauduro. Fuente consultada: sitio oficial de Galería Inverarte www.inverarte.com

$500,000.00-$600,000.00 M.N. 219

173

Otra vista

ERNESTO HUME

(Ciudad de México, 1953 - ) Doce

Firmada con monograma en placa Escultura en piedra de recinto, pieza única 21.5 x 66 x 40 cm Con certificado de autenticidad del artista. Inició sus estudios en la Academia de San Carlos, interesado por la vanguardia minimalista de la escuela de Mathias Goeritz. En 1985 obtuvo mención honorífica por parte del INBA en el Salón Nacional Trienal de Escultura; en 1995 recibió la beca Mex-AM Fellowship Award del Vermont Studio Center y en 2007 obtuvo el primer lugar en la Primera Bienal Internacional de la ciudad de León. Sus obras forman parte del acervo de instituciones como el Museo Carrillo Gil, del Museo de Arte Moderno y del Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, así como del Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez en Zacatecas y del Museo Antropológico de La Paz, Baja California. En su propuesta, su interés radica en la dualidad y la relación entre la ciencia y el arte. Ha realizado obra de carácter público y urbano, en su trabajo de gran escala ha explorado la capacidad de integración de la obra plástica al espacio arquitectónico, sus esculturas se caracterizan por un efecto logrado de movimiento o transformación constante. Fuente consultada: ESPINOSA FERNÁNDEZ, Jorge. Ernesto Hume. México. Arte Hoy galería, 2014, pp. 4-7 y 11.

$100,000.00-$150,000.00 M.N.

220

174

EDMUNDO OCEJO

(Ciudad de México, 1964 - ) Inventario del paisaje IV

Firmada y fechada 13 al frente. Firmada y fechada 2013 al reverso Encáustica y óleo sobre tela sobre madera 80.5 x 160.5 cm Publicada en: NERI, Sofía. Edmundo Ocejo. Inventario de imágenes. México. Aldama Fine Art, 2014, Pág. 30, catalogada 12. Cursó la licenciatura en diseño gráfico en la Universidad Iberoamericana e incursionó en la pintura unos años después. Formó parte del taller de pintura del maestro Ignacio Salazar y del taller de dibujo del maestro Francisco Castro Leñero en la ENAP. “La carga atmosférica impuesta a sus paisajes se define a partir de opuestos y complementarios como el día y la noche, la primavera y el invierno, la tierra y el cielo, la luz y la sombra”. Sofía Neri. Fuente consultada: NERI, Sofía. Edmundo Ocejo. Inventario de imágenes. México. Aldama Fine Art, 2014, Pág. 2.

$70,000.00-$100,000.00 M.N.

221

175

CARLOS PELLICER

(Ciudad de México, 1948 - ) Puerta rayuela

Sin firma, fechada Febrero 2014 al reverso Encáustica sobre fibracel 125 x 80 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicada en: TIBOL, Raquel et ál. Carlos Pellicer. Temples, gouaches y encáusticas. México. Aldama Fine Art, 2019, Portada interior y Pág. 22, catalogada 2 y MORENO VILLAREAL, Jaime et ál. Carlos Pellicer. Abstracto. México. Aldama Fine Art, 2018, pp. 57, catalogada 42. Exhibida en: “Carlos Pellicer. Temples, gouaches y encáusticas”, muestra individual presentada en Aldama Fine Art en la Ciudad de México en 2019 y en “Carlos Pellicer. Abstracto”, muestra individual presentada en el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez en Zacatecas, Zacatecas, de julio a septiembre del 2018. 222

Carlos Pellicer es un destacado pintor mexicano egresado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas. A lo largo de su carrera ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales en importantes instituciones, galerías y museos de México y Estados Unidos. “La noción de que en la pintura hay algo oculto que el espectador hará surgir mediante la contemplación es muy propicia ante la obra de Carlos Pellicer […] Él indaga en las raíces de la pintura que, si por un lado, pueden ser tan distantes y primordiales como el arte rupestre, igualmente las encuentra en los órdenes radicales de la modernidad. El impresionismo, el fauvismo, el cubismo le competen, y halla en Cézanne un modelo idóneo […] Sus obras son umbrales, son miradores, son oquedades, son senderos”. Jaime Moreno Villareal. Fuente consultada: MORENO VILLAREAL, Jaime et ál. Carlos Pellicer. Abstracto. México. Aldama Fine Art, 2018, pp. 3-11.

$90,000.00-$120,000.00 M.N.

176

ENRIQUE CARBAJAL “SEBASTIAN” (Camargo, Chihuahua, 1947 - ) Sin título

Firmada y fechada 1992 Escultura en acero policromado 7 / 10 60 x 52 x 42 cm Presenta detalles de conservación. “Una vez que me decidí por las matemáticas y la geometría como lenguaje para llegar al fin plástico, fue sencillo. No estoy diciendo que sean fáciles, pero con un buen lenguaje uno puede decir cualquier cosa sobre la contemplación de la naturaleza [...] Es como tener un lenguaje que parte de las letras. Los poetas escriben con sílabas, palabras y frases, yo empecé a escribir esculturas, a definir cosas de dos, tres y múltiples dimensiones. Gracias a las matemáticas y la geometría pude hacer un lenguaje codificable”. Sebastian. Fuente consultada: DELGADO, Alix. “Sebastian, escultor. Entrevista”.

$80,000.00-$120,000.00 M.N.

223

177

ALBERTO RAMÍREZ JURADO (Ciudad de México, 1978 - ) El triunfo

Firmado RAJU y fechada 2016 al reverso Mixta sobre tela 201 x 170.5 cm Con certificado de autenticidad de Aldame Fine Art. Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, fue seleccionado en la Bienal Nacional Diego Rivera de Dibujo y Estampa en el estado de Guanajuato y en el programa Talento Joven del Gobierno del Distrito Federal. Ha participado en exhibiciones colectivas, colaborado en proyectos curatoriales y ejercido la docencia en el Museo Universitario de Ciencias y Artes MUCA en la Ciudad de México. Es un artista plástico que presenta notable influencia de las texturas o materiales como arena y pigmentos utilizados por los maestros Rufino Tamayo y Francisco Toledo. RAJU considera que algunas de sus piezas son alegorías de color que evocan armonías musicales, en otras ocasiones memorias de paisajes de forma abstracta, donde predominan los colores primarios. Fuente consultada: ALDAMA, José Ignacio et ál. Alberto Ramírez Jurado. El color de mi tierra. Pinturas. México, ALDAMA Fine Art, 2008, Pág. 4.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. 224

178

GUSTAVO ARTIGAS

(Ciudad de México, 1970 - ) Río Dendrobatidae, de la serie Dardos Tranquilizantes

Sin firma Acrílico sobre tela 100 x 100 cm Con certificado de autenticidad del artista. Gustavo Artigas es parte del floreciente grupo de artistas mexicanos contemporáneos que iniciaron su carrera en la década de los 90 y que irrumpieron de fuerte manera en la escena internacional. Ha experimentado con diferentes medios y disciplinas como arte sonoro, instalaciones, performance, plataformas educativas como obras de arte, piezas de luz y pintura. Su trabajo dialoga con una gran variedad de temas, desde cuestiones de orden formal hasta constructos sociales. Ha participado en numerosos foros internacionales de arte como la Bienal de Venecia, de La Habana y de Liverpool. Ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte FONCA-CONACULTA en tres periodos distintos, incluyendo el de 2019-2022. Ha presentado más de diez exposiciones individuales en México, Estados Unidos y Canadá, donde reside actualmente. Ha desarrollado talleres de creatividad artística y tutoría especializada para artistas en Canadá, Argentina, Panamá, Francia, España, Finlandia y México. Por ocho años trabajó como Profesor de Arte Contemporáneo en La Esmeralda. La serie Dardos Tranquilizantes ha sido trabajada por el artista desde el año 2015. Está formada de composiciones de color derivadas de patrones encontrados en la piel de ranas venenosas, dendrobatidae. Fuentes consultadas: sitio oficial del artista www.gustavoartigas.com y sitio oficial del Museo Universitario del Chopo www.chopo.unam.mx

$150,000.00-$200,000.00 M.N. 225

179

LORENA CAMARENA OSORNO (Ciudad de México, 1974 - ) Eco

Firmado y fechado 2019 Acrílico sobre lino 94.5 x 160.5 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: NERI FAJARDO, Sonia. Lorena Camarena. Invernadero de sombras. México. Aldama Fine Art, 2019, Pág. 25, catalogado 5. Exhibido en: “Lorena Camarena. Invernadero de sombras”, muestra individual presentada en Aldama Fine Art en la Ciudad de México, de noviembre a diciembre del 2019. Después de haber vivido muchos años en Estados Unidos y Uruguay, Lorena Camarena regresó a México y estudió durante dos años la Licenciatura en Psicología. Posteriormente practicó las bases del dibujo con el escultor tapatío Ignacio Garibay y en 1996 ingresó a la Licenciatura en Artes Visuales en la Universidad de Guadalajara. A lo largo de su carrera ha colaborado como investigadora en la Secretaría de Cultura de Jalisco y en el Museo Nacional de San Carlos. Además, cuenta con más de 16 exposiciones individuales y 33 colectivas en diversos estados de la República Mexicana y en el extranjero. “Sus obras se desarrollan no solo en varios planos o estratos de colores y formas superpuestos, sino en varios tiempos. A través de borraduras, diluciones de fondo y desmaterialización de formas Camarena construye una especie de ‘mise en abyme’ donde suceden pasado y presente simultáneamente: lienzos como antiguos palimpsestos”. María Rivera, fragmento del texto de sala de la exposición “Luz fósil”. $100,000.00-$120,000.00 M.N.

226

180

FERNANDO PACHECO

(Ciudad de México, 1959 - ) Dos estructuras, 2016

Firmada Mixta sobre madera 172 cm de diámetro Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicada en: MATOS MOCTEZUMA, María Fernanda et ál. Fernando Pacheco. Estructuras infinitas. México. Aldama Fine Art, 2017, pp. 35, catalogada 5. Exhibida en: “Fernando Pacheco. Estructuras infinitas”, muestra individual presentada en Aldama Fine Art en la Ciudad de México, de marzo a abril del 2017. “En obras como ‘Dos estructuras’, el autor vuelve a la superficie plana y al pigmento de colores, con diagramas modulares con tonos siempre cálidos y de naturaleza táctil, donde la técnica mixta de los acrílicos, el gesso y sus barridos y lijados superficiales logran calidades de profundidad al espacio; acoge las retículas en su continua redondez, pero sin limitarlas: tiempo y espacio presentes nuevamente. “La percepción del tiempo como abstracción de infinitud puede ser una de las versiones de lo expresado en formas artísticas por Fernando Pacheco. No hay sobrante en la organización compositiva, y sí hay apertura en el esbozo de las formas, que permanecen sugestivas, inconclusas, tal vez para completarse en aquello que no se ve, en lo que se prolonga más allá del soporte, cuando lo temporal de la creación artística individual alcanza su ilusión de infinitud en el momento en que se transforma en idea concretada, en obra artística”. Sofía Neri Fajardo. Fuente consultada: NERI FAJARDO, Sofía et ál. Fernando Pacheco: Estructuras infinitas. México. Aldama Fine Art, 2017, Pág. 18.

$120,000.00-$150,000.00 M.N.

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181

WALDEMAR SJÖLANDER

(Gotemburgo, Suecia, 1908 - Ciudad de México, 1988) Alegorías de esculturas sobre madera

Firmado y fechado 1961 Gouache y tinta sobre papel 63.5 x 48.8 cm Con una fuerte influencia previa de Munch, Picasso y Matisse, la obra de Waldemar Sjölander pasó de lo figurativo a la abstracción con una temática centrada en el ser humano. No obstante, interesado en conocer más sobre la cultura mexicana, viajó por algunos estados de la República Mexicana, entre ellos Oaxaca, Jalisco y Nayarit, en donde estudió detalladamente los colores, texturas y materiales. Los elementos plásticos que fue conociendo durante su acercamiento con el arte mexicano, eran muy distintos a los de su país de origen, por lo que en ocasiones diseñaba sus propios materiales. Fuente consultada: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 6.

$80,000.00-$100,000.00 M.N.

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182

RAY SMITH

(Brownsville, Texas, E.E. U.U., 1959 - ) Sin título, de la serie Espejos, 2018

Sin firma Esmalte y espejo sobre madera 213 x 90 x 3 cm Con certificado de autenticidad de GE Galería, abril del 2018. Agradecemos al Maestro Ray Smith por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2020. Ray Smith es un artista que desde mediados de los años ochenta ha reflexionado de una manera peculiar de y desde la pintura. Ha estado dedicado en los cuarenta años de carrera a la experimentación de lo que puede hacer con su propio cuerpo y sus alcances, que lo ha llevado al descubrimiento de materiales que usa y mezcla y que sirven como un vehículo para crear composiciones en las que trabaja hasta que el concepto, el gesto y la línea, o lo que emerja de esto lo sorprenda. Fuente consultada: sitio oficial de la galería NM Contemporáneo www.nmcontemporaneo.com

$220,000.00-$300,000.00 M.N. 229

183

CÉSAR LÓPEZ NEGRETE (Ciudad de México, 1973 - ) Tsukubai VII

Sin firma Escultura en obsidiana, pieza única 26 x 36 x 40 cm Con certificado de autenticidad de Día Galería, septiembre del 2017. Es egresado de la Architectural School de Londres. Ha fungido como profesor de diseño en la Universidad de California, Berkeley y fue becado por la Ford Foundation, realizando sus prácticas de arte y diseño con Shin Egashira en Koshirokura, Japón. Entre sus proyectos se encuentra la Sala Pública, una instalación artística y comunitaria para la reconstrucción del tejido social mediante la convivencia. Sus proyectos recientes incluyen la producción e instalación de la obra artística en los hoteles Grand Hyatt Playa del Carmen y Andares Guadalajara. Además, su trabajo ha sido comisionado y presentado por diversas galerías e instituciones. Su obra integra múltiples lenguajes artísticos como escultura, fotografía, grabado, instalación y proyectos en espacios públicos. Fuente consultada: sitio oficial del Consejo Consultivo del Agua, A.C. www.aguas.org.mx

$150,000.00-$200,000.00 M.N.

230

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JORGE GONZÁLEZ VELÁZQUEZ (Ciudad de México, 1966 - ) Cálculo

Firmado y fechado 16 Acrílico sobre madera 120.5 x 80 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: DRIBEN, Lelia et ál. Jorge González Velázquez. Origen. México. Aldama Fine Art, 2018, Pág. 44, catalogado 18. Exhibido en: “Jorge González Velázquez. Origen”, muestra individual presentada en Aldama Fine Art en la Ciudad de México, en octubre del 2018. Es egresado de La Esmeralda y a lo largo de su carrera trabajó en la fundición de múltiples piezas con Juan Soriano, Gunther Gerzso y José Luis Cuevas. Su trayectoria está dividida en dos vertientes: la escultura y pintura. En ambas recurre al cuerpo femenino con elementos naturales en distintos modos de abstracción. Fuente consultada: DRIBEN, Lelia et ál. Jorge González Velázquez. Origen. México. Aldama Fine Art, 2018, pp. 17-19.

$80,000.00-$120,000.00 M.N. 231

185

CARLOS AMORALES

(Ciudad de México, 1970 - ) Letra A, 2008

Sin firma Corte láser sobre papel 63 x 45.5 cm Con certificado de autenticidad del artista, 2008. Presenta mínimos detalles de conservación. Carlos Amorales es egresado de la Gerrit Rietveld Academie y de la Rijksakademie van Beeldende Kunsten en Ámsterdam, Holanda. Ha expuesto individualmente en importantes instituciones nacionales como el Museo Amparo, el Museo Tamayo y el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey MARCO, e internacionales como el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires MALBA, el Contemporary Art Center de Cincinnatti, el Hirshhorn Museum en Washington DC, el Cabaret Voltaire en Zúrich, entre otros. Sus obras forman parte de importantes colecciones como la del MoMA de Nueva York, la Colección Jumex, Tate Modern y Daros Latinoamérica. A lo largo de su trayectoria, Carlos Amorales ha desarrollado una producción artística que trasciende los límites del dibujo, difuminando las fronteras entre el arte y el diseño. A través del cruce de diferentes soportes artísticos aborda cuestiones sociales, políticas y estéticas, así como la construcción de identidades y la tensión entre la realidad y ficción. Fuente consultada: MOTA, Melissa. “Perfil: Carlos Amorales, del archivo líquido al esplendor geométrico”. México. Revista Código, febrero del 2015.

$250,000.00-$380,000.00 M.N. 232

186

JAN HENDRIX

(Maasbree, Holanda, 1949 - ) De la serie Algae 2, 2011

Sin firma Vaciado en bronce sin número de tiraje 113 x 116 cm Con certificado de autenticidad del artista, febrero 2020 Publicado en: MEDINA, Cuauhtémoc et ál. Jan Hendrix. Tierra firme. México. Museo Universitario de Arte Contemporáneo - Universidad Nacional Autónoma de México, 2019, Pág. 155 y en sitio oficial del artista www.janhendrix.com.mx La edición de esta obra consta de 3 ejemplares. Presenta detalles de conservación al reverso. “Siempre he estado en contacto con el paisaje. Quizá tenga que ver con una larga tradición en Holanda. También por mi vida de niño en el campo, por factores mucho más personales y culturales. Cuando llegué a México en 1975, me conecté con la escuela del paisaje. “Hoy en día las cosas son distintas en mi manera de abordarlo. Nuestra relación con el paisaje es diferente, también nuestra forma de mirarlo. Esta mirada abarca todas las posibilidades con las que medimos, vemos, calculamos, sentimos el paisaje. Y ahí empieza una traducción que tiene que ver con el mapeo, una traducción más sintetizada y más depurada del mismo planeta”. Jan Hendrix. Fuente consultada: ALONSO, Guadalupe “Storyboard. Entrevista con Jan Hendrix”. México. Revista de la Universidad de México, número 46, diciembre del 2007, pp. 61 a 64.

$350,000.00-$450,000.00 M.N. 233

187

RICARDO REGAZZONI

(Ciudad de México, 1942 - ) Árbol de la vida

Sin firma Escultura en madera con recubrimiento de acrílico y hoja de oro 217 x 98 x 36 cm Presenta detalles de conservación. Ha vivido y trabajado en Nueva York, Amsterdam y París. La obra del mexicano Ricardo Regazzoni se ha definido de muchas maneras, en su paso por las salas de exposiciones de Nueva York, Seúl y Madrid. Su obra geométrica de la sencillez arquitectónica tiene un efecto casi mágico en constante evolución artística. Durante su faceta de arquitecto colaboró con Luis Barragán quien lo impulsó a incluir esculturas propiamente como elementos arquitectónicos. Así, descubrió relaciones geométricas que coinciden con la naturaleza; y de Vicente Rojo un impulso para su ingreso al medio artístico. Fuentes consultadas: sitio oficial de ArtBook www.artbook.com y sitio oficial de Galería Ethra www.galeriaethra.com

$400,000.00-$500,000.00 M.N. 234

188

BRAD HOWE

(Riverside, California, E.E. U.U., 1959 - ) Giggles II

Firmada y fechada 2008 en la base Escultura en acero 244.5 x 104 x 77 cm Con certificado digital del artista. Procedencia: adquirido directamente al artista. Presenta ligeros detalles de conservación. Comenzó su carrera en Brasil después de estudiar Historia en la Universidad de Sao Paulo. Su obra presenta la influencia de la investigación sobre la estética de varias culturas y movimientos distintos en el continuo de la historia del arte. Se conecta con comunidades internacionales, exhibiendo y completando comisiones específicas de sitio tanto en Estados Unidos como en el extranjero. Es conocido por su práctica escultórica, pero ha incursionado en diversas disciplinas como la fotografía. Ha exhibido de manera individual en Sao Paulo, Brasil, California, Estados Unidos, Biberach, Alemania, Zurich, Suiza y Ciudad de México, destacando una muestra individual en la Galería de Arte Misrachi en 1990 y en Praxis Arte Internacional en 1999. Sus obras monumentales han sido instaladas en espacios públicos en Estados Unidos, Corea del Sur, Puerto Rico y Japón. Actualmente su escultura "Atlas Melody", instalada en el Parque Fundidora de Monterrey, Nuevo León, es de las más fotografiadas del recorrido de la Ruta del Arte, junto con las obras de Sebastian, José Luis Cuevas y Mathias Goeritz. $450,000.00-$600,000.00 M.N. 235

189

PEDRO FRIEDEBERG

(Florencia, Italia, 1936 - ) Obelisco magnífico y sobresaliente

Firmada Escultura en madera, metal, lápices y reglas 65 x 18 x 18 cm Con certificado de autenticidad del artista, julio del 2020. El certificado indica que el tiraje de la obra es 5 / 6. “Es un arte circular el de Friedeberg, regido por los finos mecanismos de muchos oficios y sabidurías. Pasa por la sensibilidad visual del simbolismo y cierta poética del objeto surrealista. Sin embargo su disciplina y espíritu meticuloso hacen también pensar en un inventor o experto relojero que disimula detrás de su disfraz de cebra que fuma en pipa y que vive ajustando la fina cuerda de su imaginación o los estímulos de una estética que se mece entre el juego y la crítica”. Rita Eder. Fuente consultada: HOLTZ, Déborah et ál. Pedro Friedeberg. México. Trilce Ediciones, 2009, Pág. 75.

$80,000.00-$100,000.00 M.N. 236

190

JORGE GONZÁLEZ VELÁZQUEZ (Ciudad de México, 1966 - ) Contemplación

Firmado y fechado 16 Acrílico sobre tela 200 x 150 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: DRIBEN, Lelia et ál. Jorge González Velázquez. Origen. México. Aldama Fine Art, 2018, pp. 30 y 31, catalogado 8. Exhibido en: “Jorge González Velázquez. Origen”, muestra individual presentada en Aldama Fine Art en la Ciudad de México, en octubre del 2018. Presenta ligeros detalles de conservación. $130,000.00-$150,000.00 M.N. 237

191

FERNANDO PACHECO

(Ciudad de México, 1959 - ) Abedul 1

Firmada y fechada 2018 Escultura en madera de abedul en base de madera y metal 66 x 31 x 28 cm medidas totales con base Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Cursó la Licenciatura en Diseño de la Comunicación Gráfica en la Universidad Autónoma Metropolitana. Sus inclinaciones por el dibujo, la pintura y la escultura han sido sólidamente desarrollados a través de los años, estructurando su propio estilo mediante la realización de núcleos temáticos que remiten a la naturaleza; es decir que, mediante el uso de juegos de curvas y rectas, divisiones de espacios, engranajes y conexiones, Fernando Pacheco crea obras rítmicas semejantes a rizomas botánicos, modelos atómicos o arborescencias provocadas por reacciones electromagnéticas. La armonía inconclusa de sus creaciones lleva a reflexionar sobre la fragilidad del equilibrio de un sistema sujeto a la mutación, en donde el acaso es capaz de desencadenar un proceso de cambios progresivo e irreversible. A lo largo de su carrera, ha expuesto de manera colectiva e individual en el Salón de la Plástica Mexicana, en el Centro Cultural Universitario de Tuxtla y en el Museo de la Ciudad de México. Fuente consultada: MATOS MOCTEZUMA, María Fernanda, et ál. Fernando Pacheco: Estructuras infinitas. México. Aldama Fine Art, 2017, pp. 6 y 9.

$120,000.00-$140,000.00 M.N.

238

192

PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - ) Tu y yo, Zig zag

Firmadas Escultura en bronce 4 / 8 58 x 29 x 27.5 cm cada una Medidas totales variables Piezas: 2 Con certificado de autenticidad del artista, mayo del 2019. “Lo que sucede en la cabeza de Pedro Friedeberg es un misterio, un mecanismo que debe haberse desencadenado en la infancia y le llenó los ojos de formas sucesivas que el repitió una y otra vez, espacios y perspectivas con las que él jugó y a las que convirtió en un eterno rompecabezas”. Elena Poniatowska. Fuente consultada: PONIATOWSKA, Elena. “Pedro Friedeberg”. México. Diario La Jornada, sección Cultura, 11 de septiembre del 2011.

$180,000.00-$220,000.00 M.N.

239

193

CARLOS MÉRIDA

(Quetzaltenango, Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) Boceto huichol 19, ca. 1964

Firmado dos veces Lápiz de grafito y lápices de color sobre papel albanene 60 x 66 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, agosto del 2020. Al ser un boceto presenta detalles de conservación normales por el uso. Poco después de su llegada a México en 1919, Carlos Mérida siguió los pasos del muralismo mexicano con un gran sentido nacionalista, etapa que maduró casi hasta los años 50 con la llamada integración plástica. En 1927 viajó por segunda vez a París, estancia que le generó influencias artísticas por el contacto que tuvo con Pablo Picasso, Joan Miró y Wassily Kandinsky. Así fue como su obra comenzó a utilizar aún más la perspectiva geométrica y abstracta, pero bajo una fusión de elementos arquitectónicos provenientes de las culturas prehispánicas que jamás abandonó, como también los temas de la danza y la música, los cuales estuvieron ligados a su obra desde época temprana. Fuente consultada: CUSSI, Paula et ál. Carlos Mérida. México. Especial de la revista Saber ver, Fundación Cultural Televisa, número 9, agosto-septiembre de 1997, pp. 5-27.

$130,000.00-$200,000.00 M.N. 240

194

CARLOS MÉRIDA

(Quetzaltenango, Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) Boceto

Firmado Lápiz de grafito y lápices de color sobre papel albanene 50 x 38 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, agosto del 2020. Al ser un boceto presenta detalles de conservación normales por el uso. “La obra de Mérida es importante por muchas razones. Una de ellas fue su honestidad al adoptar la vanguardia europea y el aprendizaje de sus maestros y colegas. Sus amigos, la gente con la que se codeó, fueron los integrantes de la vanguardia: Picasso, Modigliani… por lo que realmente comprendió el estilo europeo e hizo de él un lenguaje propio”. Maria Estela Duarte. Fuente consultada: QUEZADA ROQUE, José. “Los rostros de Carlos Mérida en el Munal”. México. Chilango, sección Cultura, 24 de noviembre del 2018.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. 241

195

PEDRO FRIEDEBERG

(Florencia, Italia, 1936 - ) Silla zigurática con panorama

Firmada y fechada 2018 Escultura en madera estofada y barnizada 86 x 47 x 41.3 cm Con certificado de autenticidad del artista. El certificado indica que el tiraje de la obra es 1 / 2. “Aunque la pertenencia de Friedeberg al surrealismo haya sido certificada por André Breton, lo más seguro es que su obra gravita en ese mencionado tercer plano que guarda imprudente distancia de cualquier tendencia en que se le encasille. Así como sus disociaciones deliberadas entre obra, título y significado, Friedeberg se disoció de la historia del arte del siglo XX, de la misma manera que un juego infantil prescinde de la lógica, porque él es un caso aparte, pese a que su obra sea legible a partir de muchos de los principios del surrealismo”. Luis Carlos Emerich. Fuente consultada: HOLTZ, Déborah et ál. Pedro Friedeberg. México. Trilce Ediciones, 2009, pp. 31 y 42.

$100,000.00-$180,000.00 M.N.

242

196

VÍCTOR CHA’CA

(Juchitán, Oaxaca, 1948 - ) Escenas de circo

Firmado Óleo y arena sobre tela 140 x 140 cm Debido a sus inconfundibles esculturas, cerámicas y lienzos de gran formato, Víctor Cha’ca se ha convertido en uno de los artistas oaxaqueños más representativos de su generación. Al contemplar su obra el espectador puede visualizar el imaginario del artista, de cualidades fantásticas que denotan aspectos mitológicos y criaturas de otros mundos. En la paleta del artista se identifican colores primarios brillantes así como texturas. A lo largo de su carrera ha participado en decenas de exposiciones individuales en México, destacando la Casa de la Cultura de Juchitán, la Casa de la Cultura de Tabasco, el Museo de los Pintores Oaxaqueños, la Galería del Estado de Xalapa, la Alianza Francesa de Polanco y la Galería del Auditorio Nacional de la Ciudad de México. Fuente consultada: MATÍAS, Pedro. “El artista plástico zapoteca Víctor Cha’ca inaugura Génesis en Oaxaca”. México. Proceso, sección Cultura y Espectáculos, mayo del 2017.

$55,000.00-$70,000.00 M.N.

243

244

197

SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Sin título, 2010

Firmado Temple sobre creta sobre madera 60.7 x 61.2 cm Con dedicatoria al reverso. Con certificado de autenticidad del artista, febrero del 2016. Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2020 Presenta mínimos detalles de conservación. Sergio Hernández es un multifacético pintor y escultor oaxaqueño que ha producido un destacado conjunto de obras con diversas técnicas y materiales. Los aspectos más destacados de su obra emanan del imaginario de la cultura oaxaqueña; con el tiempo brotaron los temas de los insectos, el mezcal y la muerte. “Nací en el pueblo de Huajuapan de León en Oaxaca y de niño íbamos a las pozas de agua a bañarnos. Yo solía acostarme en el pasto a escuchar los sonidos de las chicharras, entre botones de amapolas. No me atrevía a verlos de cerca sólo a escucharlos e imaginaba sus formas. El sonido llenaba el espacio. Le tengo miedo al espacio abierto, necesito saturarlo con pequeños elementos […] Ahora colecciono insectos de formas extrañas de Brasil, Nueva Zelanda, Madagascar y México”. Sergio Hernández. Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa et ál. Sergio Hernández. México. Turner, Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 34 y 323.

$420,000.00-$600,000.00 M.N. 245

198

VÍCTOR CHA’CA

(Juchitán, Oaxaca, 1948 - ) Sin título

Firmado Óleo y arena sobre tela 140 x 140 cm “Cha’ca se identificó, desde temprano, profundamente con las señales de la mexicanidad y eso le permite, paradójicamente, ser más libre, buscar con más avidez. Nada imita. Se mantiene fiel a sus visiones esotéricas. Inventa sus ritmos y coreografías en una especie de barroquismo delirante al servicio de su sorprendente sentido plástico. Si copia, copia sus inquietudes personales. Reconstruye”. Beatriz Espejo. Fuente consultada: ESPEJO, Beatriz. Víctor Cha’ca: Los sueños son el principio de muchos cuentos. México. San Ángel Ediciones, 2013, Pág. 21.

$45,000.00-$65,000.00 M.N.

246

199

SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Dátil, 2017

Firmada Mixta y grana cochinilla sobre papel sobre lino P / A 100.9 x 129.5 cm Con certificado de autenticidad del artista, agosto del 2020. Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2020. “Todo lo que he ido recolectando en la literatura, en los hallazgos visuales, en las experiencias de la arquitectura, de las vivencias del amor, de la misma vida, me da como resultado un resumen de energía que se refleja en esas obras que son intensas, a la vez que efímeras, pues están hechas con gestos, porque no están tan meditadas”. Sergio Hernández Fuente consultada: MACMASTERS, Merry. “Sergio Hernández da vida a un diario personal a partir de la entomología”. México. Diario La Jornada, sección Cultura, 21 de septiembre del 2005.

$400,000.00-$500,000.00 M.N.

247

SECCIÓN DE OBRAS CON PRECIOS DE RECUPERACIÓN

200

RUFINO TAMAYO

(Oaxaca de Juárez, México, 1899 - Ciudad de México, 1991) Mujer de espaldas

Firmado Tinta sobre papel 42.7 x 35 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, julio del 2019. Presenta detalles de conservación. Rufino Tamayo nació y creció en Oaxaca, pero se educó artísticamente en la Ciudad de México en la Academia de San Carlos, donde tuvo como maestros a Germán Gedovius, Saturnino Herrán y Roberto Montenegro. No obstante, abandonó los estudios en 1921 porque no coincidía con los ideales académicos, así que apoyado por José Vasconcelos, entonces Secretario de Educación, fue nombrado Jefe del Departamento de Dibujo Etnográfico en el INAH. Posteriormente viajó a Nueva York, donde tuvo la oportunidad de empaparse de conocimiento sobre las corrientes artísticas del 248

momento visitando museos y galerías. En 1928 regresó a México y fue nombrado profesor de pintura de la Escuela Nacional de Bellas Artes por Diego Rivera, dando inicio a su actividad docente. En 1933 se le encargó pintar un mural en el Conservatorio Nacional de Música, donde conoció a Olga Flores, quien sería su esposa. Además de haber practicado el muralismo, hizo dibujos y pinturas en los que abordó el género del retrato, escenas costumbristas y personajes con elementos de la vida cotidiana. Para la década de los 50 ya era todo un éxito internacional, un artista consolidado y uno de los mejores pintores contemporáneos mexicanos, recibiendo en 1957 el nombramiento de Caballero de la Legión de Honor, una de las distinciones francesas más importantes que se concede únicamente a hombres y mujeres que realizaron algún mérito dentro del ámbito civil en Francia.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.rufinotamayo.org.mx

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $480,000.00-$600,000.00 M.N.

201

FRANCISCO TOLEDO

(Juchitán, Oaxaca, 1940 - Oaxaca, Oaxaca, 2019) Maternidad, ca. 1965

Firmado Gouache, acuarela y tinta sobre papel 46.5 x 63 cm También conocido con el título “Mujeres”. Con certificado de autenticidad de Galería Arvil, abril del 2018. Con recibo de compra de Galería Quetzalli. “En este territorio está presente la inquietante `animalidad´ que juega en las proximidades de la fabulación. Transitan por ahí insectos que dialogan con los pistilos de las flores; vacas, conejos, camarones y aves que se aventuran a la experiencia de su ensimismamiento o al encuentro con seres humanos envueltos por el misterio elemental de su cuerpo […]”. Sergio Raúl Arroyo. Fuente consultada: SOLÍS OLGUÍN, Felipe et ál. Francisco Toledo en el Museo Nacional de Antropología e Historia. México. Prisma Editorial, 2004, pp. 21-28.

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $280,000.00-$380,000.00 M.N.

249

202

ROLANDO ROJAS

(Tehuantepec, Oaxaca, 1970 - ) Guardianes de la luna, 2014

Firmado Óleo y arena sobre lino 100 x 79.5 cm Agradecemos al Maestro Rolando Rojas por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2016. Desde joven le interesaron las artes visuales, pero decidió estudiar una profesión que pudiera solventar sus gastos, por lo que eligió estudiar arquitectura. Ejerciéndola con tesón pudo continuar con el estudio de la pintura en la escuela de Bellas Artes de Oaxaca, donde tuvo como maestro a Shinzaburo Takeda. Para aumentar su acervo, el pintor se inscribió en un curso de restauración. Tras años de trabajo con galerías nacionales e 250

internacionales, las galerías de Oaxaca se interesaron por el autor, y su apoyo y difusión continúa hasta ahora. “Rolando Rojas pinta lo que vio de niño, el entorno físico pero recreado, creado. Representación de los mitos de la cultura zapoteca que se van bordando, urdiendo, tejiendo, plasmando figuras propias a partir de lo conocido, palpado en la realidad. El conjunto plasmado de ayer y ahora se ha vuelto universal”. Macario Matus.

Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, septiembre del 2009, año 14, No. 101, Pág. 34.

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $65,000.00-$90,000.00 M.N.

203

GUILLERMO PACHECO LÓPEZ (México, 1971 - ) Torre azul

Firmado y fechado 2001 al reverso Óleo sobre lino 90.5 x 150.5 cm Presenta detalles de conservación. Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $35,000.00-$50,000.00 M.N.

251

204

ROLANDO ROJAS

(Tehuantepec, Oaxaca, 1970 - ) Caritas

Firmado Óleo y arena sobre tela 200 x 40 cm Agradecemos al Maestro Rolando Rojas por la verificación de autenticidad de esta obra, enero del 2018. “Me gusta que las historias estén presentes en cada cuadro que pinto. Mis personajes no son lo que parecen. Lo mío es un lenguaje más libre y comunicativo […] Lo que no me gusta es ponerle título a los cuadros, mejor dejo que la persona interesada se lo ponga; es lo maravilloso, buscar algo”. Rolando Rojas. Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $65,000.00-$80,000.00 M.N. 252

205

JESÚS URBIETA

(Juchitán, Oaxaca, 1959 - Ciudad de México, 1997) Sin título

Firmado y fechado 94 Acrílico y acuarela sobre papel hecho a mano 53 x 71.5 cm Estudió Ingeniería Civil y se desempeñó como topógrafo. En 1983 ingresó a la Escuela Nacional de Artes Plásticas, Pintura y Grabado del INBA en Oaxaca, estudió también en el Taller de Gráfica de la Casa de la Cultura del Istmo y en La Esmeralda. Además de ejercer la pintura con gran maestría, experimentó con la escultura y el grabado; también fue novelista, poeta, promotor cultural, traductor del zapoteco y ocasionalmente cantante y guitarrista. Actualmente su obra forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, del Museo de Arte Moderno de Ciudad de México y del Museo Würth en Alemania. Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa. Jesús Urbieta. Testamentos. México. Museo de Arte Moderno, 1998, pp. 83-86.

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $35,000.00-$50,000.00 M.N.

253

206

IVONNE KENNEDY

(Oaxaca, Oaxaca, 1971 - ) La espera

Firmado y fechado 11 al frente y al reverso Óleo sobre lino 50 x 104 cm Agradecemos a la Maestra Ivonne Kennedy por la verificación de autenticidad de esta obra, mayo del 2019. Presenta craqueladuras. Ivonne Kennedy comenzó su formación artística desde su adolescencia en la ciudad de Oaxaca. Más tarde prosiguió sus estudios de arte en California, donde radicó de 1991 a 1993. Apartada de los usos iconográficos que predominan en Oaxaca, Ivonne Kennedy se concentró en explorar geometrismos y diseños de regularidad simétrica que recuerdan el dibujo arquitectónico. Sin embargo, lejos de la frialdad de cierto abstraccionismo, la pintora se empeñó en recrear escenarios arquitectónicos, en los cuales una estratégica aplicación de detalles ambientales permite evocar presencias humanas, cuya intempestiva aparición parece subrayada con su momentánea ausencia. Fuente consultada: PECH CASANOVA, Jorge. V Aniversario Volumen VI. México. Black Coffee Gallery, 2013, Pág. 96.

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $40,000.00-$60,000.00 M.N.

254

207

IVONNE KENNEDY

(Oaxaca, Oaxaca, 1971 - ) Ciudad de los Coliseos

Firmado y fechado 13 al frente. Firmado y fechado 2013 al reverso ร leo sobre tela 100 x 150 cm Agradecemos a la Maestra Ivonne Kennedy por la verificaciรณn de autenticidad de esta obra, mayo del 2019. Los estimados de este lote son de recuperaciรณn y no corresponden al valor real de la obra. $75,000.00-$100,000.00 M.N.

255

Anverso

Reverso

208

ÁNGELA GURRIA

(Ciudad de México, 1929 - ) Sin título

Firmada Escultura en bronce 2 / 10 30.5 x 14 x 7.5 cm Agradecemos a la Maestra Ángela Gurría por la verificación de autenticidad de esta obra, febrero del 2019. Ella es un referente de la escultura nacional y contemporánea, estudió en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM, ha sido docente de escultura en la Universidad Iberoamericana, fue la primera mujer aceptada en la Academia Nacional de las Artes y colaboró con los escultores Mathias Goeritz, Geles Cabrera y Juan Luis Díaz. Entre sus piezas representativas se encuentran los bustos de personajes como Benito Juárez, Rufino Tamayo y Jorge Carpizo. Realizó “Río Papaloapan” que se ubica en el vestíbulo del Museo de Arte Moderno, así como la escultura “Espiral caracol” en el Fraccionamiento el Bosque, ambos en la Ciudad de México. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas en el Polyforum Cultural Siqueiros, en el Salón de la Plástica Mexicana, en la Galería Juan Martín, en el Palacio de Bellas Artes y en el Museo Tamayo. “Ángela Gurría es la gran escultora de México. Su trayectoria, su producción artística, su calidad estética, su diversidad de contenidos, sus cualidades plásticas, su fuerza crítica y su acercamiento a la grandeza son un referente en la historia de la plástica mexicana”. Gabriela Iraztorza Zatarain. Fuente consultada: IRASTORZA DE ZATARAIN, Gabriela. Ángela Gurría. La gran escultora de México. México. Arte Hoy Galería, 2013. pp. 8, 98 y 99.

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $40,000.00-$60,000.00 M.N.

256

209

RUBÉN LEYVA

(Oaxaca, Oaxaca, 1953 - ) Sin título

Firmado y fechado 2013 Óleo y hoja de oro sobre lino 70 x 200 cm Agradecemos al Maestro Rubén Leyva por la verificación de autenticidad de esta obra, julio del 2018. Desde pequeño, Rubén Leyva estuvo en contacto con el arte por su tío el pintor José Zúñiga y por su padre que era artesano. En 1972 acudió a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca, estudiando pintura y serigrafía. Leyva pintaba temas cotidianos, pero poco a poco fue decidiendo dejar lo cotidiano y comenzó a aplicar lo que a él le llamaba la atención, y así fue como descubrió su propio estilo. De esa forma fue surgiendo una pintura libre y espontánea, llena de expresividad. En 1985 recibió el Primer Premio de Artes Plásticas en la Casa de la Cultura de Oaxaca. Entre sus exhibiciones destacan ‘Fragmentos de mis sueños’ realizada en México en 1992, ‘50th Anniversary of the United Nations’ presentada en Nueva York en 1995 y ‘Solar Earth’ en el Consulado General de México en San Antonio, Texas, en 1996. Además, ha participado en exposiciones colectivas en España, Inglaterra, Estados Unidos y México. “La selección del color es un acto simple, sin rebuscamientos ni intelectualismos, es un acto de libertad total […] Me gustan los colores directos”. Rubén Leyva. Fuente consultada: ELIZONDO DE LARA, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, enero-febrero, 2002, año 7, No. 55, pp. 18-30.

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $180,000.00-$250,000.00 M.N.

257

210

POLLÈS

(París, Francia, 1945 - ) Orante

Firmada Escultura en bronce 1 / 1 22.5 x 15 x 16 cm Con documento especificando el tiraje. Exhibida en: "Pollès", muestra individual presentada en la galería Bernheim-Jeune en París, Francia de septiembre a octubre de 1989. Incluye un ejemplar del catálogo. Presenta ligeros detalles de conservación. En su juventud, Pollès a menudo observaba y admiraba a su padre mientras pintaba al óleo con gran sensibilidad. En 1964 comenzó a estudiar medicina y simultáneamente a seguir los cursos de la Académie Charpentier. En 1966 su fascinación por la pintura lo llevó a participar como pintor en una exposición de arte en la Ecole des Beaux-Arts de París y posteriormente abandonó la facultad de medicina. Durante su estancia en Londres en 1967, un encuentro casual con el escultor italiano Enzo Plazzotta selló su destino, ya que fue instruido por el maestro sobre los conceptos básicos de la escultura. En 1970 decidió partir hacia Italia, instalándose en Carrara, Toscana. En tres años, sus esculturas comenzaron a ser apreciadas y luego vendidas especialmente por coleccionistas estadounidenses. Cuantas más esculturas hacía, más grande y ambiciosa se había vuelto su obra. Sus esculturas otorgan una sorprendente sensación de volumen, contorno y textura que sugiere iconos primitivos masivos más que obras contemporáneas. Su tema es casi siempre de forma femenina con torsos retorcidos y truncados, enfatizando los planos curvos y sensuales del contorno femenino. En 1980 fue galardonado con el premio Pascal Bigel por el Museo Rodin de París y siete años más tarde la obra ‘Gran Ojiva’ fue comprada por la ciudad de París para ser instalada en el Museo Campredon. En 1997 recibió el premio de la Fundación Florence Gould en una exposición organizada por la Fundación Príncipe Pierre de Mónaco. Ha expuesto en Francia, Bélgica, Florida, Estados Unidos, Italia y Reino Unido. Fuente consultada: sitio oficial de Plateaux Gallery www.plateaux.co.uk

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $40,000.00-$60,000.00 M.N. 258

211

ARNALDO COEN

(Ciudad de México, 1940 - ) Sin título

Firmado y fechado 75 Gouache, acuarela y lápiz de grafito sobre papel 100 x 70 cm Presenta detalles de conservación. Se pueden reconocer distintos periodos creativos en el trabajo de Arnaldo Coen los cuales van del expresionismo abstracto al figurativo y al fantástico. Además de pintar ha realizado obra gráfica, experimentado con la escultura y participado en proyectos musicales, de arquitectura, teatro y danza.

Su obra forma parte de distintas colecciones como la del Museo Universitario de Arte Contemporáneo MUAC en la Ciudad de México, Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez en Zacatecas, Museum of Latin American Art en California y el Museo de Arte de San Francisco, por mencionar algunos. En 2014 fue acreedor al Premio Nacional de Ciencias y Artes.

Fuentes consultadas: sitio oficial del artista www.arnaldocoen.com.mx y sitio de la Academia de las Artes www.academiadeartes.org.mx

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $50,000.00-$60,000.00 M.N. 259

212

RAÚL ANGUIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1915 - Ciudad de México, 2006) Oaxaqueña

Firmado y fechado 91 al frente y al reverso Óleo sobre tela 25.5 x 20.3 cm Con certificado de autenticidad del artista, junio de 1997 y de Galería López Quiroga. Con etiqueta de Galería López Quiroga. Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $28,000.00-$40,000.00 M.N.

260

Anverso

Reverso

213

DAVID ALFARO SIQUEIROS

(Ciudad de México, 1896 - Cuernavaca, Morelos, 1974) Danzante

Firmado al frente y al reverso Acrílico sobre papel 34 x 24 cm Con certificado de autenticidad de Galería López Quiroga, febrero del 2020. Con copia de constancia de autenticidad de Sala de Arte Público Siqueiros firmado por Angélica Arenal de Siqueiros, julio de 1978. Esta obra está realizada en la parte posterior de “Contra la guerra y la paz”, litografía realizada por David Alfaro Siqueiros para la presentación de “Tono continuo”, de Manuel Quesada Brandi, en septiembre de 1969. La vida de David Alfaro Siqueiros estuvo marcada no sólo por lo artístico, sino también por sus actos políticos. Siempre fue un hombre atento a los acontecimientos del mundo que lo rodeaba. Participó en las batallas de la Guerra Civil Española al lado de los republicanos, donde se ganó el apodo de “El Coronelazo” por su aguerrida entrega en los combates. A su regreso a México en 1939, trabajó sin cesar en sus murales, los cuales se albergan en importantes museos, universidades y edificios. Fue un artista de alma viajera, recorrió Latinoamérica y Estados Unidos, en donde estableció un taller experimental, y en el que tuvo como alumno a Jackson Pollock. Su rica personalidad artística hizo que como ningún otro ejecutara obras dignas de ser patrimonio nacional. Fuentes consultadas: sitios del Museo del Palacio de Bellas Artes www.museopalaciodebellasartes.gob.mx y de la Fundación UNAM www.fundacionunam.org.mx

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $190,000.00-$300,000.00 M.N.

261

214

GUSTAVO ACEVES

(Ciudad de México, 1957 - ) Sin título

Firmado y fechado 09 Óleo sobre tela 210 x 170 cm Con certificado de autenticidad del artista. “Aceves es un artista autodidacta que rápidamente se forjó una reputación como un pintor influyente que trabaja en América Latina. Sus pinturas y obras en papel se centran en la figura humana […] Ha creado su propio lenguaje visual, con referencias culturales y simbolismo, notablemente el barco de Charon del Inframundo de Hades y el caballo de Troya de la mitología griega, para transmitir el movimiento de personas que comenzó con los primeros grupos humanos desde sus orígenes en Oriente. África a sus ubicaciones actuales en todo el mundo”. Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $320,000.00-$400,000.00 M.N. 262

215

GUSTAVO ACEVES

(Ciudad de México, 1957 - ) Sin título

Firmado y fechado 07 al reverso Óleo sobre tela 210 x 170 cm Con certificado de autenticidad del artista. La pintura de Gustavo Aceves está a la vanguardia del arte europeo contemporáneo y se caracteriza por una personal “revisitación” de los grandes maestros de la tradición pictórica occidental, como Rembrandt y Bacon, patente en la obsesiva disección del cuerpo humano. En 2008, Gustavo Aceves fue invitado a participar en la primera Bienal de Arte Contemporáneo de Pekín, China y en 2010 develó el mural

“Nombres propios”, en el Museo Memoria y Tolerancia, de la Ciudad de México. En julio del 2011, Gustavo Aceves asistió al Vaticano, como el único pintor latinoamericano convocado al evento en el que 60 artistas de distintas nacionalidades con el jefe de la Iglesia católica, entre otros figuraron Santiago Calatrava, Zaha Hadid, Peter Greenaway, Bob Wilson y Arvo Pärt. Desde principios de esta década vive y trabaja en Pietrasanta, Italia.

Fuentes consultadas: RODRÍGUEZ, Ana Mónica. “Un artista mexicano desarrolla un ambicioso conjunto escultórico en Italia”. México. Periódico La Jornada, 17 de mayo del 2014 y “Gustavo Aceves, invitado de lujo de la galería Vértice”. México. Diario El Informador.

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $320,000.00-$400,000.00 M.N. 263

216

JOSÉ CHÁVEZ MORADO

(Silao, Guanajuato, 1909 Guanajuato, Guanajuato, 2002) Sin título

Firmado y fechado 78 Óleo sobre tela 160 x 75 cm “En el arte no debemos llegar a definiciones tajantes que nos den un claroscuro condenatorio… Convivamos, laboremos y no nos discriminemos… Este propósito no debe tomarse como si fuese indefinido en mi obra… He sido un pintor que desea dialogar con su pueblo…”. José Chávez Morado. Fuente consultada: SANTIAGO SILVA, José. José Chávez Morado. Vida, obra y circunstancias. México. Instituto Estatal de la Cultura, Ediciones la Rana, 2001, Pág. 59.

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $350,000.00-$500,000.00 M.N.

264

217

ALFREDO ALCALDE GARCÍA (Chimbote, Perú, 1961 - ) Ciclista en noviembre

Firmado Óleo sobre tela 150 x 100 cm Con copia de certificado de autenticidad del artista, marzo del 2020. Bajo la influencia y admiración de pintores como Fernando de Szyszlo, José Guadalupe Posada, Francisco de Goya y Edvard Munch, entre otros, ha logrado construir su propio diálogo y estilo artístico, el cual transita, según su etapa, del impresionismo al expresionismo, hasta el realismo simbólico con temas irónicos relacionados a la reflexión y denuncia social. La muerte, uno de sus temas recurrentes, es representada con ironía y familiaridad.

“Hacia el fin del siglo XX -correspondiendo a los grandes años de Vincent Van Gogh, cien años atrás-, la cuestión de la pintura realista versus la pintura abstracta ya no pide una contestación, es para decir que ambas formas son totalmente válidas como expresiones de nuestros tumultuosos tiempos, y entonces es refrescante encontrar un talentoso y vigoroso artista plástico como Alcalde quien nunca evidentemente, ha sufrido dudas ni angustias sobre cuál será su verdadera trayectoria”. David Herskovitz, abril de 1987. Fuente consultada: VILLACORTA CHÁVEZ, Jorge. Alfredo Alcalde: Caminos, máscaras y destinos. Perú. Instituto Cultural Peruano Norteamericano, Galería Germán Krüger, 2016, pp. 26.

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $340,000.00-$500,000.00 M.N. 265

218

GUILLERMO PACHECO LÓPEZ (México, 1971 - ) La danza de los espacios

Firmado al frente. Firmado y fechado 2000 al reverso Óleo y arena sobre tela 90 x 150.2 cm Presenta detalles de conservación. Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $35,000.00-$50,000.00 M.N.

266

219

LUIS ZÁRATE

(Santa Catarina de Cuanana, Oaxaca, 1951- ) Paisaje montañoso, 2001

Firmado al frente Óleo sobre tela 100 x 80 cm Presenta detalles de conservación. Luis Zárate siempre tuvo claro que quería dedicarse a la pintura, sin embargo, al concluir el bachillerato estudió la Licenciatura en Ingeniería Industrial, manteniendo el dibujo como actividad paralela. Al terminar la carrera decidió incursionar en el dibujo y a la pintura de forma autodidacta. Durante este proceso tuvo como influencias artísticas los trabajos de Rufino Tamayo, Francisco Toledo y Rodolfo Nieto. En 1970 presentó su primera exposición individual en el ex-convento de Santo Domingo en Oaxaca. En 1974 se inscribió en un concurso

de diseño industrial con el que obtuvo una beca para estudiar en París. En este periodo estableció contacto con Juan Soriano, y sus sabios consejos le ayudaron a encontrar su camino en la pintura. Su estancia en Francia se extendió por 14 años, realizando estudios en la Escuela Nacional Superior de Artes Decorativas en París y en el Atelier 17. En 1986 decidió volver a Oaxaca. A lo largo de su carrera ha participado en exposiciones en España, Alemania, Bulgaria, Noruega, Francia, Italia, Mónaco, Singapur, Estados Unidos, México, Perú y Puerto Rico. En Europa ha sido acreedor a numerosos premios e importantes museos y galerías cuentan con obras suyas en sus acervos. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus artistas. Tomo III. México. Promoción de Arte Mexicano, pp. 233 - 236.

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $110,000.00-$160,000.00 M.N. 267

220

IRMA PALACIOS

(Iguala, Guerrero, 1943 - ) Espejismo

Firmado y fechado 15 Óleo sobre tela 100 x 119.5 cm Agradecemos a la Maestra Irma Palacios por la verificación de autenticidad de esta obra, febrero del 2016. “La imagen mental que el pintor abstracto plasma es un diseño, una segunda cosa, que proviene de un inmenso e indefinido arsenal privado, conformado de cosas concretas. Las pinturas de Irma Palacios, incluyendo sus títulos, ejemplifican admirablemente la manera en que los circuitos sensoriales van nombrando los elementos conforme estos se aparecen en la tela […] La pintura de Irma Palacios está poblada de signos. Estos no son descifrables de causa a efecto, sino polivalentes, tal y como lo son las palabras que arman una frase poética”. Teresa del Conde. Fuente consultada: “Irma Palacios”. México. Tiempo-Revista UNAM, sección Mirador, febrero 2002, pp. 46 y 48.

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $70,000.00-$90,000.00 M.N.

268

221

IRMA PALACIOS

(Iguala, Guerrero, 1943 - ) Regreso al sol

Firmado y fechado 95 Óleo sobre tela 150.5 x 151 cm Inició sus estudios en La Esmeralda, donde acudió al taller libre del maestro Reyes Haro y fue alumna de Francisco Castro Leñero, quien sería su esposo más tarde. En aquella época, entre sus amistades se encontraban Ilse Gradwohl, Gabriel Macotela y los otros hermanos Castro Leñero. Fue una etapa de arduo aprendizaje, hasta que logró hallar su propio estilo, el cual se caracteriza por el uso de materiales terrosos, influencia de su admiración de la cultura oaxaqueña, y colores oscuros provenientes del informalismo español. Ya habiendo despegado como una artista formal, fue distinguida con la beca Guggenheim y la beca del Sistema Nacional de Creadores, además fue acreedora al Primer Premio en la I Bienal de Pintura Rufino Tamayo, el Premio de Adquisición del Salón Nacional de Artes Plásticas del Palacio de Bellas Artes y ganadora del Segundo Premio del Salón Internacional de Estandartes en el Centro Cultural Tijuana. A lo largo de su laureada carrera ha expuesto en forma individual en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, en el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, en el Chac-Mool Gallery en Los Ángeles, California y en el Museo MACAY en Yucatán, entre muchos otros. Fuente consultada: MASRI, Isaac, et ál. Variantes. Ocho Pintores. México. Impronta Editores, 1999, Pág. 112.

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $150,000.00-$200,000.00 M.N. 269

222

BENJAMÍN MANZO

(Ciudad de México, 1939 - Aguascalientes, 2002) Trapiche

Firmado y fechado 94 al frente y al reverso Óleo sobre tela 71.5 x 80 cm Con certificado de autenticidad de Galería López Quiroga, julio de 1994. Benjamín Manzo fue un destacado artista plástico mexicano cuya obra se caracteriza por contener un gran sentido abstracto permeado por formas y juegos cromáticos. A manera de homenaje, el Instituto Cultural de Aguascalientes inauguro en 2007 la Galería Benjamín Manzo, la cual se dedica a apoyar exposiciones de artistas dedicados a las artes plásticas y la fotografía. Fuente consultada: “Galería Benjamín Manzo, inauguración oficial”, comunicado de prensa Instituto Cultural de Aguascalientes, 14 de agosto del 2007.

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $45,000.00-$60,000.00 M.N.

270

223

JORGE OBREGÓN

(Ciudad de México, 1972 - ) Sin título

Firmada, con gago in y fechada 18 Tinta y acuarela sobre papel 15.5 x 22.5 cm Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $10,000.00-$20,000.00 M.N.

271

224

JORGE OBREGÓN

(Ciudad de México, 1972 - ) Bennington pond

Firmado y fechado 15 al frente. Firmado y fechado 2015 al reverso Óleo sobre lino 40 x 53 cm “La pintura de vistas de paisaje producida por Jorge Obregón es una evidencia del doble poder que reside hoy en lo pictórico y en la experiencia de la naturaleza, en el contexto de las culturas contemporáneas de la imagen. La creatividad del artista representa un modo consistente de entendimiento de la relevancia de imaginar, recorrer, analizar y fijar panoramas y parajes. El núcleo temático que se despliega en las obras de este pintor / explorador se enfoca, sobre todo, en la inmemorial visión de las montañas. En este sentido, Obregón es un escudriñador de monumentos y de enigmas. A través del curso de una trayectoria sorprendente que inició en la década de los años noventa, el artista ha ejecutado un corpus de paisajismo -dentro de un género de ficción sentimental, que incorpora la investigación con parámetros de información objetiva- que lo inserta en una genealogía histórica, moderna y actual”. Erik Castillo. Fuente consultada: CASTILLO, Erik. “México y Japón, territorios de fuego. Jorge Obregón”.

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $30,000.00-$40,000.00 M.N.

272

225

JOSÉ BARDASANO

(Madrid, España, 1910 - Madrid, España, 1979) Pueblo, ca. 1960

Firmado Óleo sobre tela 55 x 46 cm Con certificado de autenticidad de Galería López Quiroga. Con etiqueta de Galería López Quiroga. Presenta ligeros desprendimientos de capa pictórica. Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $70,000.00-$90,000.00 M.N.

273

Lote 75

ÍNDICE

A ACEVES, GUSTAVO ACEVES NAVARRO, GILBERTO ALCADE GARCÍA, ALFREDO ALFARO SIQUEIROS, DAVID ALMELA, MARIO AMORALES, CARLOS ANGUIANO, RAÚL ARTIGAS, GUSTAVO

214, 215 98, 99, 100, 101, 102 38, 89, 217 70, 71, 213 48 185 42, 120, 131, 212 178

BARDASANO, JOSÉ BASSI, SOFÍA BÉJAR, FELICIANO BELOFF, ANGELINA

137, 139, 140, 225 1, 2, 129 18 148

CAMARENA OSORNO, LORENA CANTÚ, FEDERICO CARBONELL, SANTIAGO CARRILLO, MIGUEL CASTAÑEDA, ALFREDO CASTAÑEDA, FELIPE CASTRO LEÑERO, JOSÉ CAUDURO, RAFAEL CERNA, BENITO CHA'CA, VÍCTOR CHÁVEZ MORADO, JOSÉ CHICO, JULIO CLAUSELL, JOAQUÍN CLIMENT, ENRIQUE COEN, ARNALDO COGHLAN, EDGARDO CORONEL, PEDRO CORONEL, RAFAEL CUETO, LOLA CUEVAS, JOSÉ LUIS

179 123 168 165 76, 78 124 170 172 167 196, 198 39, 50, 154, 216 149 62, 66 142 211 141 17 77, 80, 87, 118 143 28

DR. ATL

68, 156

ECHEVARRÍA, OFILL "EL CORZO" ANTONIO RUIZ ESTRADA, ARTURO

169 4, 5, 6, 163 47

FABELO, ROBERTO FLORES, JOAQUÍN FRIEDEBERG, PEDRO

79, 86, 90, 91 58 189, 192, 195

GÁLVEZ, BYRON GARCÍA PONCE, FERNANDO GERZSO, GUNTHER GIRONELLA PARRA, EMILIANO GÓMEZ MAYORGA, GUILLERMO GONZÁLEZ-CAMARENA, JORGE "GONCAM" GONZÁLEZ CAMARENA, JORGE GONZÁLEZ SERRANO, MANUEL GONZÁLEZ VELÁZQUEZ, JORGE GOTOPO, JOSÉ GUERRERO GALVÁN, JESÚS GURRÍA, ÁNGELA

112 19 12, 15, 21, 26, 27 88, 117 64, 65 171 74, 75 144 184, 190 146 30 208

D E

HELGUERA, JESÚS HENDRIX, JAN HERNÁNDEZ, SERGIO HOWE, BRAD HUME, ERNESTO

133, 134, 135 186 106, 107, 197, 199 188 173

ITURRIA, IGNACIO

94, 97

JAZZAMOART

110, 111

KELLY, PHIL KENNEDY, IVONNE

51, 53, 54 206, 207

LAVILLE, JOY LAZO, RINA LEYVA, RUBÉN LÓPEZ NEGRETE, CÉSAR LOZANO, ÁGUEDA LUGO, HUGO

29, 31 72 209 183 20 92

MANZO, BENJAMÍN MARÍN, JORGE MARTÍN, RENÉ MARTÍNEZ, MAIKEL MARTÍNEZ, RAYMUNDO MARTÍNEZ, RICARDO MENDIVE, MANUEL MÉRIDA, CARLOS MONTENEGRO, ROBERTO MONTOYA, GUSTAVO MORALES, ARMANDO MORALES, RODOLFO MORENO, NICOLÁS MORENO, RIVELINO MORENO CAPDEVILA, FRANCISCO

222 7, 166 56 57, 59 61, 157 126, 127, 128 96 13, 14, 193, 194 73 34, 35 115 36, 125 60 116 25

NIETO, RODOLFO NIEVES BELTRÁN, IGNACIO "NEFERO" NISHIZAWA, LUIS

103, 109 130 33, 150, 152, 158, 160

OBREGÓN, JORGE OCEJO, EDMUNDO OROZCO, JOSÉ CLEMENTE OROZCO ROMERO, CARLOS

151, 223, 224 174 43, 45 155, 159

RAHON, ALICE RAMÍREZ JURADO, ALBERTO RAMOS MARTÍNEZ, ALFREDO REGAZZONI, RICARDO REVUELTAS, FERMÍN REYES, CHUCHO REYES MEZA, JOSÉ RIVERA, DIEGO ROJAS, ROLANDO ROJO, VICENTE ROMERO, ARMANDO

10 177 136 16, 187 49 9, 147 52 41, 44, 67, 69 202, 204 22, 23 93, 122

K L

PACHECO, FERNANDO 180, 191 PACHECO LÓPEZ, GUILLERMO 203, 218 PALACIOS, IRMA 220, 221 PARRA, CARMEN 119, 121, 164 PELLICER, CARLOS 175 PIMENTEL, RODRIGO 153 POLLÈS 210

QUEZADA, ABEL

132

SANTIAGO, ALEJANDRO 108 SARDINA, YAMPIER 145 SEBASTIAN 176 SJÖLANDER, WALDEMAR 181 SMITH, RAY 55, 182 SORIANO, JUAN 3, 8, 11 SOUTO, ARTURO 138, 161 SWANN, VALETTA 37

TAMAYO, RUFINO TOLEDO, FRANCISCO TORRES-GARCÍA, JOAQUÍN

46, 200 104, 105, 113, 201 162

URBIETA, JESÚS

205

VISKIN, BORIS

95, 114

ZAMORA, BEATRIZ ZÁRATE, LUIS ZÁRRAGA, ÁNGEL ZENIL, NAHUM B. ZÚÑIGA, FRANCISCO

24 219 63 81, 82, 83, 84, 85 32, 40

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PORCELANA, VIDRIO, CERÁMICA Y ALFARERÍA *Una pieza con el nombre de la fábrica de un lugar o región sin más información, en nuestra opinión proviene de ese lugar. Estilo: Una copia o imitación de piezas producidas en la fábrica, lugar o región mencionados. Matrimonio: Las dos piezas que no pertenecen al mismo juego. Fabricado del modelo: Objeto hecho en el molde maestro por el modelador y bajo su supervisión. Pintado por: La pieza puede ser atribuida al artista por razones de su estilo o forma. Con sellos o firma de: La pieza podría atribuirse al artista, la fábrica o el taller mencionados.

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Las descripciones contenidas en este catálogo son realizadas conforme a lo dispuesto en el primer párrafo del Artículo 77 del la Ley Federal del Derecho de Autor. Este catálogo se realiza en ejecución del contrato de consignación correspondiente, para servir de guía en la subasta a efectuarse.

Guía para compradores Si usted no ha comprado antes en nuestras subastas, por favor lea las siguientes reglas de subasta. En cada catálogo aparece el directorio de todo el personal quien lo atenderá con gusto, así como el personal de los mostradores de la recepción y de la sala de ventas. Usted puede consultarnos y le responderemos a todas sus preguntas

I. GENERALES 1.

Morton Subastas, S.A. de C.V., en adelante denominada Morton, actúa únicamente como comisionista en la venta de bienes muebles propiedad de terceros, en virtud de contratos previamente celebrados con estos, de quienes se presume tiene la propiedad de los mismos.

Los datos o contenidos en el catálogo de la subasta o cualquier otra declaración hecha acerca del autor de la obra, origen, edad, fecha, estado, autenticidad o precio de la misma, son responsabilidad única y exclusiva de sus propietarios.

La subasta se llevará a cabo en moneda nacional y con la participación mínima de licitadores que previamente determine Morton.

II. LOTES 1.

Para efectos de la subasta se le denomina licitador, posible comprador o postor, en adelante denominado “Licitador”, a aquella persona que tiene la facultad de hacer ofertas por lotes en el transcurso de la subasta.

Los bienes a subastar serán organizados en lotes integrados por uno o más bienes, en el orden y bajo la numeración que Morton indique.

Los lotes serán descritos y en algunos casos incluidas sus fotografías en el catálogo para la subasta que elabore Morton.

Los lotes serán exhibidos para su inspección, en el lugar designado para ello por Morton, cuando menos con tres días naturales de anticipación al de la celebración de la subasta, por lo que el personal de Morton estará a su disposición para mostrar en detalle cualquier lote.

Los lotes serán subastados en el estado físico en que se encuentran en el momento de celebrarse la subasta por lo que NO se aceptarán devoluciones ni reclamaciones sobre daños, desperfectos o restauraciones, aunque estos no se hayan hecho constar en el catálogo de la subasta. Propóngase un precio máximo de compra para las piezas antes de que salgan a subasta. Esto le ayudará a comprar mejor. Si tiene duda sobre alguna pieza, por favor NO ofrezca, ya que si se le asigna deberá pagarla.

Los valores estimados que aparecen impresos bajo las descripciones del catálogo son los precios aproximados que se espera sean obtenidos, sin incluir la comisión de la Casa de Subastas. No se proporciona estimado de precio de los lotes cuya salida sea menor de dos mil pesos M.N.

Los lotes que se subastan se ofrecerán sujetos a un precio mínimo de venta previamente acordado entre el propietario y Morton, y sólo podrá ser modificado previo acuerdo por escrito entre los mismos.

III. OFERTAS PRESENCIALES Para hacer una oferta en la subasta, usted deberá registrarse acudiendo a la mesa de registro en presencia, mediante una hoja de registro establecida para ese fin. 1.

Como garantía a Morton, por el o los lotes que les sean adjudicados durante la subasta la contraprestación (Premium) y el impuesto correspondiente, deberá dejar un comprobante de tarjeta de crédito bancario o American Express, firmado a la orden de Morton Subastas, S.A. de C.V.

Comisión al comprador (Premium): Corresponde al 20% sobre el precio de venta, más el 16% de IVA sobre dicha comisión, que serán incrementados al importe de la compra de cada lote. Ejemplo: precio de martillo $5,000 M.N. más comisión $1,000 M.N. más IVA $160 M.N., total de la factura a pagar $6,160 M.N.

Una vez registrado el licitador y otorgada la garantía correspondiente, se le hará entrega de una paleta numerada que lo identificará con su hoja de registro y de la cual hará uso únicamente el licitador, ya que es individual e intransferible. Por esta razón es importante que la conserve durante todo el desarrollo de la subasta y la devuelva personalmente al abandonar la sala de subastas. Si se diera el caso de que no se le adjudicará ningún lote, se depósito en garantía le será devuelto en ese momento.

Con la entrega de registro, el licitador queda obligado a pagar el precio del lote más el 20% por concepto de la contraprestación más el IVA correspondiente. Si el pago se efectúa con tarjeta de crédito bancario o American Express, se incrementará el 6.6% por concepto de comisión sobre el monto total del lote o los lotes que le hayan sido adjudicados, descontando lo que previamente se tomó como garantía.

Para que los licitadores puedan hacer efectivas las pujas o aceptar una postura hecha por el martillero, bastará con levantar la paleta numerada. Por favor, hágalo con rapidez para que la dinámica de la subasta continúe. Las ofertas aumentan aproximadamente un 10% en cada puja.

Se considera que el licitador que hizo efectiva la última puja, es decir la más alta, ha adquirido el bien que integra el lote subastado, en el momento en que no exista puja mayor y el martillero así lo manifieste.

IV. OFERTAS EN AUSENCIA Y OFERTAS EN LÍNEA 7.

Refiérase a las páginas de este catálogo: “Cómo se compra en subasta sin estar presente en en salón”

V. EXPORTACIÓN 8.

El comprador siempre deberá revisar si se requiere de autorizaciones, permisos o licencias de exportación o importación. Al participar en la subasta, acepta que es su sola responsabilidad obtener cualquier licencia, autorización o permiso de exportación o importación y que la negativa a cualquier permiso, autorización o licencia o cualquier retraso en obtenerlos, no justificará la rescisión de ninguna venta ni cualquier retraso en hacer el pago total de la propiedad adquirida. EL COMPRADOR RENUNCIA A REQUERIR CUALQUIER REEMBOLSO en cualquiera de los casos anteriormente mencionados. Las leyes locales pueden prohibir importar o exportar cierta propiedad y/o pueden limitar la reventa de alguna propiedad.

Para mayores informes consulte: www.tramites.inah.gob.mx

AVISO DE PRIVACIDAD

FICHA DE REGISTRO PARA REALIZAR OFERTAS EN AUSENCIA

Los datos personales serán tratados de conformidad con lo dispuesto en la Ley Federal de Protección de Datos Personales en Posesión de los Particulares, la reglamentación respectiva y el aviso de privacidad están a su disposición en la siguiente liga http://www.mortonsubastas.com/formatos/Aviso_de_privacidad.pdf

Por favor, consulte el aviso de privacidad antes de proporcionar sus datos. ESTOY DE ACUERDO SI

NOMBRE DE SUBASTA FECHA

NÚMERO DE PALETA

AUTORIZA UNA PUJA MÁS SI

OFERTA POR TELÉFONO

NOMBRE COMPLETO

RECIBIÓ (REPRESENTANTE DE MORTON)

CALLE

No.

COLONIA

C.P.

ALCALDÍA / MUNICIPIO NOMBRE Y FIRMA

E-MAIL TELÉFONO

CELULAR

IDENTIFICACIÓN

FECHA Y HORA DE RECEPCIÓN Acepto se me haga el cargo en garantía establecido de acuerdo a lo señalado en los requisitos del punto no. 8 letra C, reembolsable en el caso de que no se me adjudiquen los lotes. Acepto las condiciones del catálogo, las reglas de la subasta y del presente documento.

NÚM DE TARJETA DE CRED. NÚM DE SEGURIDAD NÚMERO SEGÚN

FECHA DE VENCIMIENTO DESCRIPCIÓN

FIRMA

Ciudad de México. a de

LÍMITE SUPERIOR DE OFERTA

CATÁLOGO

del año

Nota: Las ofertas en ausencia se recibirán hasta cuatro horas antes de la subasta.

Informes: ofertasenausencia@mortonsubastas.com Telephone. +52 (55) 5283 3140 Ext. 3148, 3149 y 3150

.00 M.N.

CONDICIONES PARA REALIZAR OFERTAS EN AUSENCIA AL FIRMAR LA FICHA DE REGISTRO DE OFERTAS EN AUSENCIA, USTED ACEPTA LO SIGUIENTE: 1. Las reglas y condiciones que aplican para las subastas en Morton Subastas, S.A. de C.V. (“Morton”) y/o las del catálogo, las cuales se encuentran a su disposición en Morton.

2. Que el personal de Morton haga efectivas las pujas en su nombre y representación en la subasta en la que se registra, por las piezas que se describen en la ficha de registro para ofertas en ausencia , hasta por la cantidad que aparece en el apartado “Límite superior de la oferta”.

a) Llenar completamente el presente documento y firmarlo de conformidad, indicando claramente el número de lote por el que desee ofrecer y la cantidad establecida con Límite Superior de la Oferta. b) Entregar firmado el presente documento al personal autorizado de Morton a más tardar a la fecha de celebración de la subasta y hasta cuatro horas antes de la misma, en el domicilio de Morton. c) Efectuar un depósito en garantía del cumplimiento de las obligaciones que pudiera llegar a tener como adquiriente, de acuerdo a lo siguiente:

LÍMITE DE OFERTA:

Subastas en Monte Athos: $20,000 M.N.

3. No están permitidas las ofertas en ausencia sin límite superior.

Subastas en Cerro de Mayka: $5,000 M.N.

RESPONSABILIDAD:

El monto de la garantía podrá ser cambiado por Morton sin previo aviso al cliente.

4. Que Morton en ningún caso y por ningún motivo es responsable que usted logre se le adjudique(n) la(s) pieza(s) por las que ofertó en ausencia. UNA PUJA MÁS:

5. Que en caso de que el monto máximo fijado por usted como Límite Superior de la Oferta para una pieza se iguale con la última puja de la sala, podrá autorizar una puja más, según lo establezca el recuadro denominado: “Autoriza una puja más”. En caso de que este recuadro no se haya requisitado, se entenderá que no acepta subir a la siguiente puja. ADJUDICACIÓN:

6. Que en caso de que existan dos o más ofertas en ausencia por la misma pieza y por la misma cantidad señalada como Límite Superior de la Oferta y no haya una puja superior en la sala, la pieza se adjudicará a la Oferta en Ausencia que se haya recibido primero en Morton. 7. Que el fallo de adjudicación lo emitirá Morton y será inapelable, por lo que Usted renuncia desde este momento a cualquier acción y/o derecho alguno para ejercer en contra de Morton y/o a quien sus derechos represente, por cualquier conflicto o controversia que surgiera por esta causa. REQUISITOS:

8. Que Morton no hará efectiva la Oferta en Ausencia si no cumple con los siguientes requisitos:

d) La garantía no podrá ser cubierta con tarjeta de débito, ya que en caso de no tener adjudicación alguna de los lotes, la devolución de la misma es demasiado complicada. CONDICIONES DE PAGO:

9. En caso de que se adjudique la pieza, pagar por el precio martillo, más el 20% por concepto de comisión, más el Impuesto al Valor Agregado sobre dicha comisión (16%). Si el pago se realiza a través de tarjeta de crédito o American Express, se cargará un 6.6% adicional al saldo que resulte de restar la garantía. Recuerde que usted tiene 3 días hábiles después de la subasta para liquidar el total de su compra y recoger los artículos adquiridos en el lugar de la subasta. OFERTAS POR TELÉFONO:

10. Las ofertas en ausencia también se recibirán por teléfono, previa entrega del presente documento firmado y enviado vía correo electrónico a Morton con cuando menos dos días hábiles antes de la fecha de la celebración de la Subasta, siempre y cuando el precio estimado de la pieza por la que oferta sea de $10,000.00 M.N. o mayor. CONFIDENCIALIDAD

11. La información aquí contenida se considera Confidencial, por lo que su divulgación está prohibida y da derecho al pago de daños y perjuicios que causen por este hecho.

ABSENTEE BID FORM

RECEPTION (MORTON STAFF ONLY)

AUCTION TITLE DATE

PALETTE NUMBER

ONE MORE BID AUTHORIZE

TELEPHONE BIDS SI

FULL NAME ADRESS

NAME AND SIGNATURE

ZIP CODE

E-MAIL TELEPHONE

MOBILE

ID NUMBER DATE AND TIME OF RECEPTION I DO HEREBY ACCEPT THE CONDITIONS DESCRIBED IN THIS DOCUMENT AND CATALOGUES FOR THE AUCTION

CREDIT CARD SECURITY CODE

EXPIRING DATE

DESCRIPTION

LOT NUMBER

TOP LIMIT BID

SIGNATURE

(Date)

(Mexican Pesos)

MEXICO CITY

Please note: On the day of the auction last absentee bids are received 4 hours before the auction.

Telephone. +52 (55) 5283 3140 Ext. 3148, 3149 & 3150 Enquiries: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

.00 M.N.

ABSENT BID TERMS AND CONDITIONS BY SIGNING THIS ABSENTEE BID REGISTRATION FORM YOU AGREE TO THE FOLLOWING TERMS AND CONDITIONS:

1. You agree to the terms and conditions that apply to the auctions at the Morton Subastas, S.A. de C.V. (Morton) premises and/or those described in the catalogues available at Morton. WHO MAKES THE BIDS:

2. Allow the personnel of Morton to make effective the bids on your behalf during the auction to which you are registered, and for the pieces only described herein, up to the amount inserted in the top limit bid. BIDS LIMIT:

a) This document should be duly filled in and properly signed for in the agreement section, making sure that is clearly entered the lot number of the piece you are interested in, and well stated your top limit bid for it. b) This document should be delivered only to the authorized personnel at latest the day of the Auction at the address of Morton in which the auction will be held. c) Allow a deposit as a guarantee for the payment of the piece and amounts generated by the adjudication of the piece. The deposit will be in the following amounts, and will be taken under the name of Morton. Auctions at Monte Athos Gallery: $20,000.00 MXP Auctions at Cerro de Mayka Gallery: $5,000.00 MXP.

3. Unlimited bids are not permitted.

The amount of the guaranty may be changed by Morton prior notice to the customer.

RESPONSIBILITY:

d) Guaranty may not be paid with a debit card since, in case of there is no awarding of lots, reimbursement would be too difficult.

4. In no case and by no means, Morton takes responsibility for the adjunction of the piece(s) for which you made absentee bids. ONE MORE BID:

5. In case the amount stated by you as the top limit bid for a piece is matched by the last bid made in the auction room, and if the option on the “One more bid authorized” section is chosen as “Yes”, you will then be allowed to place a higher bid for the piece. In case this option was chosen as “No” or left blank, your bid will be stopped. ASSIGNATION:

PAYMENT CONDITION:

9. If the piece is adjudicated to you, the price of the piece plus twenty percent of commission fee shall be paid, plus the corresponding VAT (16%) calculated over the commission. Payment made with credit card or any American Express card will incur an extra charge of 6.6%, added as a commission fee to the total amount to be paid for. BIDS OVER THE TELEPHONE:

6. In case that two or more absentee bidders appear for the same piece and for the same top limit bid stated, and in case there is not a higher bid in the auction room, the piece will be adjudicated to the absentee bid first received by Morton.

10. Absentee bids by telephone are welcome, previous delivery of the present document duly filled and signed is required, sent to Morton with at least two working days before the date of the auction if your bid is $10,000.00 MXP or more. Long distance calls to and for the auction should be made by yourself.

7. The decision for the adjudication will be decided by Morton, and thus, will be unappealable. By signing this form you agree to not taking any legal action against Morton or its representatives if any conflict or dispute arise due to disagreement.

11. Information contained herein is deemed Confidential, and its disclosure is prohibited, entitling the payment of damages and looses caused by this fact.

REQUIREMENTS

8. Morton will not make effective the Absentee Bid if the following requirements are not met:

CONFIDENTIALITY

CALENDARIO DE SUBASTAS

MONTE ATHOS Se llevan a cabo exposiciones y subastas de: Antigüedades, Arte Moderno y Contemporáneo, Joyería y Relojes, Vinos de Colección y Uso Diario. Se consignan piezas de Joyería y Relojes para venta en subasta. Monte Athos 179 Col. Lomas de Chapultepec 11000, Ciudad de México Tel. + 52 (55) 5283 3140

BLVD. DE LOS VIRREYES Se consigna ocho semanas antes de la fecha de subasta o antes si es posible: Antigüedades, Arte Moderno y Contemporáneo, Libros y Documentos, Vinos de Colección y Uso Diario. Blvd. de los Virreyes 155 Col. Lomas de Chapultepec 11000, Ciudad de México Tel. + 52 (55) 5283 3140

NOVIEMBRE D

SUBASTAS EN VIVO, A PUERTA CERRADA (SIN PÚBLICO), CON UN SUBASTADOR CONDUCIÉNDOLA Miércoles 18 5:00 p.m. | Salón Monte Athos

Subasta de Joyería y Relojes. Incluye Sección de Relojes Rolex

Martes 24 5:00 p.m. | Salón Cerro de Mayka

Subasta de Libros Antiguos y Contemporáneos. Incluye la Colección de un Bibliófilo; Historia de México, Literatura, Ciencias, Religión y las Primeras Ediciones de Historia Verdadera de la Conquista de la Nueva España y el Origen de las Especies.

CERRO DE MAYKA Subastas de Oportunidades Subastas de Arte Decorativo y todo tipo de artículos que visten y decoran el hogar. También se consigna desde menajes completos hasta objetos sencillos, que pueden ser aceptados durante la semana anterior a la Subasta; le pedimos consulte con nuestra oficina de consignación. Se llevan a cabo exposiciones y subastas de: Libros y Documentos, Obra Gráfica y Fotografía. Cerro de Mayka 115. esq. Sierra Paracaima Col. Lomas de Chapultepec 11000, Ciudad de México Tel. + 52 (55) 1100 1530

CONSTITUYENTES Se consigna ocho semanas antes de la fecha de subasta o antes si es posible: Libros y Documentos. Av. Constituyentes 910 Col. Lomas Altas 11950, Ciudad de México Tel. + 52 (55) 5283 3140

OFERTAS EN AUSENCIA Las ofertas en ausencia se recibirán hasta cuatro horas antes de la subasta. Blanca Sánchez ofertasenausencia@mortonsubastas.com Tel. + 52 (55) 5283 3140 ext. 3148, 3149 y 3150

INTERIOR DE LA REPÚBLICA Lo asesoramos en el proceso de compra o venta en subasta. Se consignan piezas para incluirse en las subastas que se llevan a cabo en la cd. de México. Monterrey, N.L. Río Mississippi 220 - C esq. Río Salinas Col. Del Valle (Centrito Valle). 66220, San Pedro Garza García, N.L. Tel. + 52 (81) 8335 1917 Guadalajara, Jal. Francisco Zarco 2384 Col. Ladrón de Guevara 44600, Guadalajara, Jalisco Tel. + 52 (33) 3630 2325

Martes 26 5:00 p.m. | Salón Monte Athos

Subasta de Antigüedades.

SUBASTAS EN VIVO, CON UN SUBASTADOR CONDUCIÉNDOLA AFORO LIMITADO Sábado 7 y 21 11:00 a.m. | Salón Cerro de Mayka

Subasta de Oportunidades

Jueves 19 5:00 p.m. | Salón Monte Athos

Subasta de Aniversario 10 Años de Arte Latinoamericano

SUBASTAS EN LÍNEA DE TIEMPO DETERMINADO PARTICIPE EN www.mortonsubastas.com Del 28 de octubre al 7 de noviembre

Subasta de Libros de Arte y Arquitectura de la Colección del Ing. Don Lorenzo Zambrano. Incluye Sección de Temas Varios.

Del 28 de octubre al 7 de noviembre

Subasta de Oportunidades 1063

Del 4 al 14 de noviembre

Subasta de Oportunidades 1064

Del 11 al 21 de noviembre

Subasta de Oportunidades 1065

Del 25 de noviembre al 5 de diciembre

Subasta de Fotografía

Del 25 de noviembre al 5 de diciembre

Subasta de Libros de Historia de México de la Colección del Ing. Don Lorenzo Zambrano

SUJETAS A CAMBIO POR CONTINGENCIA

SÍGANOS EN: MortonSubastas

@morton_subastas

@Morton_Subastas

MortonSubastas 287

Monte Athos 179 Col. Lomas de Chapultepec, C.P. 11000 Ciudad de MĂŠxico Tel. (55) 5283 3140 288

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