Esto es Ahora. Subasta de Arte Contemporáneo by Morton Subastas

PAGINA DOBLE

PAGINA

Lote 10

A DOBLE

Lote 88 (detalle)

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CONSEJO DE ADMINISTRACIÓN Don Luis López Morton Ing. Sergio Autrey Maza Lic. José Calderón Muñoz de Cote Lic. Flavio J. Díaz Tueme Mtro. Carlos Noriega Arias Ing. Dan Ostrosky Shejet

DIRECTORIO

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Director General

Luis C. López Morton

eorozco@mortonsubastas.com

Directora Comercial Vivian Gorinstein

vgorinstein@mortonsubastas.com

Gerente de Consignación Eduardo López Morton

emorton@mortonsubastas.com

Gerente de Administración y Finanzas Rosalía Madrigal

rmadrigal@mortonsubastas.com

Gerente de Adelantos Andrés López Morton

amorton@mortonsubastas.com

Gerente de Autos y Camiones Aída Alanís Lara

aalanis@mortonsubastas.com

CONSIGNACIÓN Antigüedades

Fernanda Becerril

Arte Moderno y Contemporáneo Pilar Alfonso

Portada: lote 50 Contraportada: lote 60

Joyería y Relojes

Alejandra Rojas

Libros Antiguos y Contemporáneos Jesús Cruz

Vinos de Colección y Uso Diario Antonio Villa

Oportunidades Rafael Perusquía

Autos Clásicos

Antonio López Morton

LA SUBASTA ES CONDUCIDA EN PESOS MEXICANOS. LOS ESTIMADOS EN ESTE CATÁLOGO SE PRESENTAN EN PESOS Y DÓLARES AMERICANOS. Los precios publicados en este catálogo fueron establecidos tomando en cuenta el tipo de cambio de $18.50 (dieciocho pesos 50/100 M.N.) por dólar americano. En caso de que el tipo de cambio mencionado se incremente en un porcentaje equivalente o mayor al 10% (diez por ciento), se hará un ajuste de manera tácita a los estimados de los precios de venta publicados, el día de la subasta. Morton Subastas toma el tipo de cambio oficial, emitido por el Diario Oficial de la Federación.

Herencias y Colecciones Javier López Morton

Monterrey

Samuel Campillo

París

Carlos Millán DEPARTAMENTO DE ARTE MODERNO

Gerente de Departamento Pilar Alfonso

Especialistas Sofía Duarte Constanza Infante

Catalogadoras Odette Paz María Fernanda Serrano

Atención a Clientes Mariel Ortega INFORMES Tel. + 52 (55) 5283 3140 atencion.clientes@mortonsubastas.com

De acuerdo a la ley monetaria de los Estados Unidos Mexicanos, no podemos recibir moneda extranjera en efectivo. Si usted desea pagar en moneda extranjera, el tipo de cambio será acordado previamente con Morton Subastas, S.A. de C.V. Para mayor información, consulte con nuestro departamento de finanzas: Gerardo González: ggonzalez@mortonsubastas.com, o bien al teléfono 5283 3140, ext. 3395. La mercancía será entregada una vez que nuestro banco confirme la recepción de pago (puede tomar hasta 15 días).

Las descripciones proporcionadas en los catálogos impresos y en línea no en todos los casos incluyen un reporte de condición. La ausencia de una declaración de condición no implica que el lote se encuentre en perfecto estado o completamente libre de desgaste, daños, imperfecciones o los efectos del envejecimiento. Se recomienda encarecidamente a los compradores interesados, solicitar un informe sobre la situación precisa de los lotes por los que tenga intención de pujar, antes de hacer una oferta.

Por lo anterior, no existe cancelación de ventas.

Si desea un reporte de condición de alguna pieza incluida en esta subasta, por favor contacte al Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo: Pilar Alfonso | palfonso@mortonsubastas.com | Tel. 5283 3140 ext. 6881

mortonsubastas.com

ESTO ES AHORA SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO JUEVES

5.10.2017 7:00 P.M.

Monte Athos 179. Lomas de Chapultepec. Ciudad de México Lote 59 (detalle)

Lote 7 (detalle)

#ESTO

AHORA

S U B A S TA D E A RT E C O N T E M P O R Á N E O

ACTIVIDADES Exposición Del 25 de septiembre al 3 octubre Lunes a viernes de 10:00 a.m. a 7:00 p.m. Sábado y domingo de 10:00 a.m. a 1:00 p.m. Magma, performance duracional de MAx Provenzano Sábado 30 de septiembre, 10:00 a.m. a 1:00 p.m. Corpus Lingüístico, performance de Jaime Lobato Sábado 30 de septiembre, 11:00 a.m. a 12:00 p.m. Carbono, danza contemporánea por Sensodanza Diana Fernández - Coreógrafa G’Ayla Iliria y Adriana Hernández Deschamps - Intérpretes Carlos Xi - Multimedia Domingo 1 de octubre, 10:30 a.m. Desayuno con artistas: Alejandra Zermeño y Néstor Quiñones Domingo 1 de octubre, 11:00 a.m. a 12:00 p.m. Gobernador José María Tornel 12 San Miguel Chapultepec Ciudad de México

Subasta Jueves 5 de octubre, 7:00 p.m. Monte Athos 179. Lomas de Chapultepec. Ciudad de México

¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA? ¡BIENVENIDO! Usted está entrando al mundo de las subastas, un mundo donde es emocionante adquirir

antigüedades, arte, joyas, muebles y muchas cosas más. Algunas personas creen que la subasta es un proceso complicado... ¡sorpresa! entrar a comprar a una subasta es muy sencillo y no se requiere invitación, inscripción, ni nada de eso. Únicamente acuda, disfrute el momento y dese el placer de llevarse eso que tanto le gusta. Aquí le damos unos consejos para que lo disfrute desde la primera vez...

¿LA SUBASTA ESTÁ ABIERTA AL PÚBLICO? Sí, la subasta es un evento público y gratuito.

Usted es bienvenido sin necesidad de invitación, incluso si no está seguro de que adquirirá un lote. (Lote: cualquiera de las piezas o conjunto de piezas que se subastarán, tiene un número y aparece en el catálogo correspondiente).

¿QUÉ DEBO HACER ANTES DE LA SUBASTA? Usted puede asistir antes de la subasta a la exposición, donde podrá ver las piezas que se van a subastar. Es muy recomendable comprar el catálogo, porque en él se encuentra la descripción detallada y fotos de cada lote. El día de la subasta, al registrarse en la recepción le entregarán un número de paleta para hacer posturas; es decir, una paleta de plástico con un número que será levantada cada vez que usted quiera ofrecer una cantidad para adquirir un lote. En el registro se le solicitará su nombre, dirección y un depósito en garantía para sus compras (en efectivo o tarjeta).

¿QUÉ SIGNIFICAN LOS PRECIOS ESTIMADOS QUE APARECEN EN EL CATÁLOGO? Generalmente el catálogo muestra dos precios: un estimado bajo y uno alto. El lote puede venderse por debajo del estimado bajo (si el consignante no ha fijado un precio mínimo) y puede venderse por arriba del estimado alto en el momento de la subasta.

¿CÓMO FUNCIONA LA SUBASTA? Cuando salga a remate el lote que usted desea adquirir, simplemente levante la paleta que le fue asignada cuando el subastador proponga el precio de venta en subasta y usted esté de acuerdo con dicha cantidad. El subastador continuará elevando el precio mientras haya personas que sigan ofreciendo por el mismo lote. El último precio indicado por el subastador al dejar caer el martillo es el precio de martillo, y esa es la cantidad más la comisión (20%), más el IVA de la comisión, lo que usted pagará por el lote adquirido.

¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA SIN ESTAR PRESENTE EN EL SALÓN? ¿SE PUEDEN HACER OFERTAS SIN ASISTIR AL SALÓN DE SUBASTAS?

El formato de ofertas en ausencia se encuentra en la última página de este catálogo

Sí, existen dos sencillas formas de hacer ofertas en ausencia: • Por escrito. Usted llena el formato de ofertas en ausencia, indica el número de lote o lotes que desea, así como la oferta máxima que quiere hacer por cada uno de ellos. Así, uno de nuestros representantes estará haciendo las ofertas en su nombre y representación. • Por teléfono. Previamente a la subasta, usted elige el lote o lotes por los que hará sus ofertas. Al momento que el lote salga a remate, uno de nuestros representantes se comunicará con usted y así estará pasando sus ofertas al subastador.

OFERTAS EN AUSENCIA El personal autorizado por Morton Subastas podrá hacer efectivas las pujas en representación de los licitadores, sin ningún cargo para el licitador y de acuerdo a las siguientes reglas: 1. El licitador podrá hacer llegar su postura a Morton Subastas hasta cuatro horas antes de celebrarse la subasta, mediante la entrega de la ficha de registro para ofertas en ausencia directamente en nuestras oficinas, con acuse de recibo por correo electrónico a la siguiente dirección: ofertasenausencia@mortonsubastas.com, el formato está a su disposición en nuestras oficinas así como en el catálogo de la subasta. 2. Será necesario que Morton Subastas haya recibido las posturas del licitador, señalando un monto máximo como límite de cada puja. 3. En el caso de que el límite máximo fijado por el licitador en ausencia se iguale con la última puja de la sala, se autoriza a Morton Subastas a subir a la siguiente puja por cuenta del licitador en ausencia; de lo contrario el licitador presente en la sala tendrá la prioridad sobre el lote. Esta información se considera confidencial. 4. Como garantía de pago, en el caso de que el licitador se presente en Morton Subastas para registrar ofertas en ausencia deberá firmar un comprobante de tarjeta de crédito bancario o American Express a la orden de Morton Subastas, S.A. de C.V. 5. Los lotes se adjudicarán al precio más bajo que permitan las demás pujas o posturas aceptadas en la sala.

6. En caso de que hubiera dos o más licitadores en ausencia, con ofertas por el mismo lote y por la misma cantidad, se adjudicará el lote al licitador cuya oferta haya sido presentada primero en día y hora. En lo demás, son aplicables todas las reglas de la subasta. 7. Morton Subastas NO es responsable si alguna de las ofertas en ausencia no se logra realizar. 8. Morton Subastas NO acepta ofertas sin límite.

OFERTAS POR TELÉFONO 1. Pueden hacerse ofertas vía telefónica en el salón de subastas durante el desarrollo de la subasta, presentando una solicitud por escrito y entregada a Morton Subastas por lo menos con dos días hábiles de anticipación siempre y cuando la cifra sea mayor a $10,000.00 por cada lote de su interés. Las condiciones para hacer efectivas las pujas, son las mismas que para ofertas en ausencia. Puede hacernos llegar sus ofertas y demás documentos a la dirección electrónica: ofertasenausencia@mortonsubastas.com 2. No se aceptarán ofertas por teléfono que no tengan postura, ni menores a $10,000.00

INFORMACIÓN IMPORTANTE • El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor. •

El subastador podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva, por medio de pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores.

• El transporte es por cuenta del comprador. •

Todas las piezas se venden en el estado en que se encuentran, favor de revisarlas bien antes de comprar; si tiene alguna duda no compre.

•

Todas las piezas incluidas en este catálogo, están revisadas y muchas de ellas autentificadas tanto por los propietarios o por algún experto. Por favor si tiene dudas o requiere más información estamos a sus órdenes y le asistiremos en lo más que podamos aclarar.

•

Si por alguna razón nuestra descripción no es de su entera satisfacción, usted puede revisar las piezas previamente a la subasta y traer a su experto dentro del horario de exposición.

•

De acuerdo a lo establecido en el Artículo 16, de la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos y el Artículo 37 de su Reglamento; es necesario realizar el trámite INAH-00-005 para obtener el PERMISO DE EXPORTACIÓN TEMPORAL O DEFINITIVA DE MONUMENTOS O BIENES MUEBLES HISTÓRICOS. Para realizar dicho trámite es necesario ingresar a www.tramites.inah.gob.mx en la opción de Exportación y Transporte.

• Los precios estimados son en pesos mexicanos. • En los lotes que no llevan estimado, la salida está por abajo de $2,000.00 M.N. •

Si por alguna razón no puede pasar a liquidar en el tiempo ya mencionado, haremos efectivo el cargo a la tarjeta de crédito, más su porcentaje correspondiente.

•

Compras por debajo de $20,000.00 M.N., se cargarán el mismo día a la tarjeta de crédito más su porcentaje de comisión de la subasta.

• Morton Subastas le proporciona factura por el Premium y el IVA correspondiente. • Una vez hecha la factura no hay cambio de nombre. • Si se le asigna un lote en la subasta no hay devoluciones ni reclamaciones.

RETIRE SUS PIEZAS COMPRADAS EN SUBASTA A TIEMPO Las piezas de esta subasta se deberán recoger en los siguientes días y horarios, en Monte Athos 179, Lomas de Chapultepec:

Viernes 6 de octubre de 9:30 a.m. a 7:00 p.m. Lunes 9 de octubre de 9:30 a.m. a 7:00 p.m. Martes 10 de octubre de 9:30 a.m. a 7:00 p.m. Miércoles 11 de octubre de 9:30 a.m. a 7:00 p.m. Jueves 12 de octubre de 9:30 a.m. a 7:00 p.m. Si no son recogidos en este plazo tendrán un cargo del 10% mensual sobre la reserva.

LA SUBASTA 1. Al iniciar la subasta, el martillero indicará el lote a ser subastado, ya sea por medio del número que corresponda de acuerdo al catálogo de la Subasta o dando lectura a la descripción, las características y el precio de salida. 2. La subasta de cada lote se iniciará cuando el martillero pregone el precio de salida del mismo y entonces los licitadores podrán hacer efectivas las pujas o aceptar la postura ofrecida por el martillero. El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor. El martillero podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva, por medio de pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores. 3. Para que el martillero adjudique un lote, será necesario que no haya pujas que mejoren la anterior; por lo tanto el precio mencionado por el martillero constituirá el precio de martillo o de venta que deberá pagar el licitador. 4. Las pujas, es decir, la cantidad que el licitador ofrece respecto a la postura anterior o al precio de salida, se regirán dentro de los siguientes parámetros: PRECIO DE SALIDA

INCREMENTO DE LA PUJA

DE:

$100

$1,000

$100

$1,000

$5,000

$200 $500 $800

$5,000

$10,000

$500

$10,000

$20,000

$1,000

$20,000

$50,000

$2,000

$50,000

$100,000

$5,000

$100,000

En adelante

$10,000

5. La persona a la que el martillero adjudique el lote, se convierte en el propietario del mismo, como consecuencia deberá pagar lo siguiente: a. El precio de venta o de martillo del lote subastado. b. La cantidad equivalente al 20% del precio mencionado en el punto (a) por concepto de comisión (Premium). c. El Impuesto al Valor Agregado sobre la comisión. d. En caso de que el pago se efectúe con tarjeta de crédito bancario o American Express, se agregará el 6.6% sobre el monto total, por concepto de comisión por el uso de tarjeta de crédito. 6. Como consecuencia de la adjudicación del bien, personal de Morton Subastas presentará al comprador una hoja de adjudicación y un estado de cuenta y realizará el cierre del comprobante de la tarjeta de Crédito Bancario o American Express, según sea el caso.

7. El transporte corre por cuenta del comprador. 8. Compras menores de $20,000.00 (veinte mil pesos 00/100 M.N.) se cargarán el mismo día a la tarjeta de crédito, más el porcentaje de comisión de la subasta, el I.V.A. correspondiente. 9. Si requiere factura a nombre de su Compañía, favor de solicitar al momento de liquidar, mostrando el Registro Federal de Causantes. NO habrá cambios en las facturas. 10. Una vez adjudicado un lote no se aceptan reclamaciones ni cancelaciones. 11. La mercancía se subasta, adjudica y entrega en las condiciones en que se encuentra, por lo que le recomendamos acudir a nuestras exhibiciones o verificar plenamente que el lote a subastar reúna las condiciones y características de su interés.

GLOSARIO DE TÉCNICAS PLÁSTICAS

Lote 54 (detalle)

Las técnicas pictóricas están conformadas por pigmento (sustancia que permite colorear las superficies al dejar partículas adheridas a ellas), aglutinante (que permite que la mezcla sea estable y garantiza su permanencia en el soporte) y diluyente (que permite adelgazar, homogenizar y disolver la materia). Tipos de soporte: Aglomerados: Tableros fabricados a partir de elementos fibrosos de madera prensada y unidos por medio de distintos procesos y aglutinantes; los más utilizados son: fibracel, masonite y MDF. En ocasiones llevan un recubrimiento industrial como en el caso de la melamina y formica. Cartón: Material compuesto por varias capas de papel a base de fibra virgen o de papel reciclado superpuestas. Es grueso, duro y resistente. Láminas de metal: Suelen ser de cobre o zinc. Madera: También catalogada como “tabla”. Los tipos de madera más usados en la pintura son: caoba, pino y laminados como el triplay. Papel: Hoja delgada que se hace con pasta de fibras vegetales. Puede ser de fabricación industrial o a mano, lo que brinda a las hojas distintas texturas y cualidades. Polipropileno: Polímero termoplástico, parcialmente cristalino. Se fabrica en diversos grosores y grados de flexibilidad. Tiene gran resistencia contra solventes químicos y al calor. Tela o lienzo: Usualmente preparado con una imprimatura para pintar sobre él. Los más utilizados son los fabricados en lino, yute, cáñamo, algodón o fibras sintéticas. Vinilo: Se obtiene a partir del cloruro de vinilo, un material que se usa para fabricar PVC (policloruro de vinilo), utilizado en una variedad de productos plásticos. Puede ser usado como soporte de impresión, entre sus propiedades destacan la durabilidad y la maleabilidad. También se utiliza como material de rotulación pues su alta maleabilidad permite que sea deformado y cortado, permitiendo construir siluetas y textos. Técnicas bidimensionales: Acrílico: Emulsión integrada por pigmento y cola vinílica soluble en agua que se distingue especialmente por la rapidez del secado. Acuarela: Pigmentos aglutinados con goma arábiga que al ser diluidos en agua resultan traslúcidos y ofrecen una textura visual muy ligera. Anilina: Pigmentos de origen natural, usados principalmente en la industria alimenticia.

Barniz: Producto que suele aplicarse al finalizar la obra, forma una película sólida, transparente, con propiedades protectoras o decorativas. Bolígrafo: Instrumento que produce un trazo uniforme y de secado rápido. Contiene un tubo de tinta y, en la punta, una bolita metálica que gira permitiendo el dibujo. Crayón: Barra hecha con cera y pigmentos. Carboncillo: Trozo de madera carbonizada que permite trazar líneas ágiles y gradaciones. Collage: Procedimiento que consiste en pegar trozos de diferentes materiales como telas, cartón, papel, fotografías y recortes de periódicos, sobre una superficie para crear una composición. Conté: También se le conoce como lápiz de carbón compuesto, similar al carboncillo, pero ofrece un trazo más preciso al estar aglutinado con cera o arcilla. Encáustica: Pigmentos disueltos en cera que se extienden con ayuda de una espátula o pincel sobre el soporte. Se le suele aplicar fuego directo para crear diversos efectos y texturas. Esmalte: Pasta vítrea, brillante y dura, que se obtiene mediante fusión de polvo de vidrio coloreado con óxidos metálicos, y que se aplica sobre cerámica o metal. Gouache: Pintura opaca en la que los pigmentos están aglutinados con goma arábiga y mezclados con un medio inerte como el yeso, carbonato de calcio o creta. Hoja de oro: Lámina muy fina de oro batido o metal que imita metales preciosos. Se adhiere a diversas superficies previamente preparadas. Lápiz: Barras de madera que contienen en su interior una mina de pigmento aglutinado. Los tipos más usuales son: De grafito: Su mina está compuesta de grafito (un mineral de carbono casi puro), arcilla y agua; da distintas tonalidades de gris de acuerdo al grado de dureza que tenga, en una escala indicada con las siglas H (hard) a B (black). De color: Su mina está compuesta por pigmentos de colores aglutinados con cera de abeja. Mixta: Cuando se combinan varias técnicas o se introducen elementos extra pictóricos como arena, polvo de mármol o tierra. Óleo: Pigmentos integrados con aceites y resinas vegetales, se disuelven en trementina (aguarrás). Se puede controlar su fluidez y espesor, aplicándolo de manera directa o por medio de veladuras. Pastel: Barras secas de pigmentos aglutinados con goma. Su textura permite mezclarlos o difuminarlos. Pastel graso: Combinación de pigmentos con aceite y cera. Estas barras son blandas, de consistencia cremosa y colores brillantes. Piroxilina: Laca sintética a base de nitrocelulosa; su uso es principalmente industrial. Poliuretano: Polímero que puede fabricarse para que sea rígido o flexible, por ejemplo como espuma. Sanguina: Óxido férrico aglutinado con goma arábiga que se utiliza en forma de lápiz o barra para trazar en una gama de colores rojizos. Temple: Su característica principal es la emulsión de agua y materia grasa. Los pigmentos se encuentran aglutinados con yema de huevo, caseína, goma o grasa animal. Tinta acrílica: Gracias a su base acrílica seca rápidamente, es permanente y resistente al agua. Tinta china: Está formada por partículas de pigmento negro carbón con un aglutinante de cola proteica, los cuales se disuelven en agua. Tinta saiboku: Barritas de tinta hechas con pigmentos inorgánicos y cola animal. Su color es intenso. Técnicas de obra gráfica: Grabado: Conjunto de técnicas de arte gráfico cuya característica común es la creación de imágenes a partir de los cortes o tallas que un grabador efectúa sobre una matriz de madera o metal. Este corte o incisión puede ser realizado utilizando instrumentos cortantes, punzantes o soluciones químicas mordientes. La clasificación más simple de las técnicas de grabado es la que introduce dos categorías, dependiendo del sistema de impresión correspondiente a cada una de ellas: estampación en hueco o en relieve. Hay dos tipos en relieve: Grabado calcográfico: Su matriz de incisión es una lámina de metal. Grabado a fibra: Xilografía, linografía, etc.

Estampa: Es un soporte (generalmente papel) al que se ha transferido la imagen contenida en una matriz trabajada previamente mediante alguno de los procedimientos de arte gráfico. La imagen del soporte original pasa a la estampa tras entintar aquél, poner en contacto ambos y someterlos a presión. La estampa es el producto final del arte gráfico y la multiplicidad su característica más genuina. Recibe este nombre porque el proceso de impresión se denomina estampación. Es importante aclarar que grabado no es sinónimo de estampa; el grabado es una operación técnica y estampa es un producto artístico, el resultado del proceso de estampación de una matriz trabajada previamente, que puede estar grabada o puede no estarlo, sino estampada o impresa. Acrilografía: Creada por Byron Gálvez, en ella se utilizan placas de acrílico que poseen texturas creadas a base de resinas y cargas de polvo de mármol o carbón. Aguafuerte: Utiliza una plancha de metal recubierta de barniz sobre la cual el artista traza el dibujo con un punzón y dejando así el metal al descubierto al sumergir la plancha en una solución de ácido nítrico, este graba únicamente las zonas que quedaron sin barniz. Aguatinta: Técnica pictórica de grabado calcográfico que permite la obtención de semitonos o gradaciones de un mismo color. Sobre la superficie de la lámina se espolvorea resina de pino pulverizada que actúa de aislante, así, al sumergirla en ácido, éste sólo ataca los intersticios entre los puntos de resina. Al azúcar: Técnica alternativa al aguatinta, en la que se espolvorea azúcar en lugar de resina. Fotograbado: Técnica que utiliza una placa cubierta de una solución de colodión sensible a la luz para capturar una imagen negativa y transferirla a la placa de impresión. Gofrado: Proceso que consiste en producir un relieve sin tinta en el papel por el efecto de la presión a un mordido muy profundo. Giclée: Impresión por inyección de tinta de gran calidad sobre papeles de algodón, lienzo y papeles de acabado fotográfico. Impresión digital: Se realiza con un dispositivo periférico a un ordenador, permite producir gráficos almacenados en formato electrónico, imprimiéndolos en medios físicos utilizando cartuchos de tinta o tecnología láser. Impresión offset: Método de reproducción de documentos e imágenes, consiste en aplicar una tinta, generalmente oleosa, sobre una plancha metálica. Linograbado: Recibe su nombre porque el material utilizado como matriz es el linóleo: formado a partir de una pasta de aceite de linaza, resinas de pino, corcho en polvo e ingredientes colorantes prensada y laminada sobre tela de yute. Es flexible, impermeable, ligero y fácil de cortar con gubias. Litografía: La matriz es una plancha de piedra sobre la cual se dibuja la imagen con una materia grasa. La piedra se humedece y las superficies no dibujadas absorben el agua mientras que las dibujadas la rechazan. En seguida se aplica tinta grasa que es repelida por la humedad y se deposita únicamente en la zona dibujada. Mixografía: Procedimiento a partir de un cliché de cobre fundido en relieve negativo que permite la producción de estampas texturadas con detalles muy refinados en la superficie. El cliché es entintado utilizando los colores elegidos para esa impresión y en él se extiende pasta de papel mojado para después introducir los dos elementos en una prensa. A causa de la presión, la tinta queda absorbida por el papel, lo que le confiere cualidades pictóricas. Piezografía: Impresión digital de inyección de tinta que tiene la virtud de proporcionar una extraordinaria calidad, similar incluso a la fotográfica. Permite la impresión sobre sustratos que la fotografía convencional no puede, tales como papeles de algodón 100% libres de ácido. Emplea tintas pigmentadas a base de carbón con diversidad de tonos, desde fríos hasta sepias. Pochoir / esténcil / estarcido: Técnica en la que se corta una plantilla que permite reproducir en serie una imagen. Esta se sitúa sobre un soporte y se aplica pintura de modo que la forma trasferida quede limitada por la plantilla. Punta seca: Técnica que se basa en la utilización de una punta de acero afilada con la que el grabador dibuja directamente sobre la superficie del metal. Ruleta: Ruedecilla giratoria dentada que se utiliza para crear texturas de forma directa o sobre barniz a la cera. Serigrafía: Se interviene sobre una malla de seda, tejido sintético o metal, tensada en un marco. Se obturan ciertas zonas de su trama, ya sea aplicando un líquido de relleno o adhiriendo una película recortada en las áreas donde no habrá imagen, quedando libre la zona por donde pasará la tinta. También existen sistemas de obturación fotomecánicos. Para estampar se esparce tinta que se filtrará sólo por las partes no obturadas. Xilografía: La plancha es de madera, en ella se talla un relieve con la imagen deseada con una gubia o buril.

Las obras gráficas se numeran de acuerdo al tiraje que se haya realizado, es decir, de cuántos ejemplares conste la edición. Antes de llegar al resultado final se requieren de varias pruebas, las cuales son identificadas por el artista comúnmente con abreviaturas: E.E.

Edición Especial. Tienen alguna particularidad especial o superior.

H.C. Hors Commerce (fuera de comercio). Estampa definitiva de una tirada, no incluida en la edición venal numerada. P.A.

Prueba de artista. Estampas definitivas reservadas para la colección personal del artista.

P.C.

Prueba de color. El artista las lleva a cabo para comprobar el resultado de las tintas, tipo de papel y método de estampación más adecuado.

P.E.

Prueba de estado. En ellas el artista hace una revisión de la composición de la imagen, construcción de luces y sombras. Varían considerablemente de una a otra y por lo tanto cada una de ellas es única.

P.T.

Prueba de taller. Reservadas para ser de propiedad del taller donde se imprimió la estampa, generalmente conservan al menos una de cada edición.

BAT

Bon à tirer. Con la que el artista queda satisfecho y sirve de modelo de la tirada.

Fotografía: Las técnicas fotográficas permiten capturar imágenes mediante un dispositivo sensible a la luz. Analógica: La fotografía tradicional, para cuyo revelado es necesario un proceso fisicoquímico que involucra el uso de un material fotosensible activo (aplicado sobre placas de vidrio o sobre una película flexible de material traslúcido) y su revelado, para la obtención y el procesado de las imágenes. Digital: Se utilizan dispositivos dotados de una serie de fotodetectores electrónicos. Instantánea: Se obtiene con una cámara que utiliza una película que contiene los químicos necesarios para revelar y fijar la fotografía al momento, se les conoce como “Polaroid” por la compañía pionera en su desarrollo. Plata sobre gelatina: Imagen fotográfica desarrollada a partir de una emulsión de gelatina y plata, que se encuentra aplicada sobre un papel de composición definida que muestra la imagen a través de una sustancia reveladora. Puede ser a color (cromógena) o en blanco y negro. Técnicas tridimensionales: Escultura: Obra tridimensional tallada, modelada o construida en barro, cerámica, piedra, madera, metal u otro material. Relieve: Obra adosada a un plano; adherida a una superficie que le sirve de fondo, por lo que tiene un punto de vista frontal. Las técnicas más comunes son: Fundición: Técnica para obtener esculturas en metal. Predominan dos procedimientos: la fundición a la cera perdida y a la arena. A la cera perdida: Consiste en realizar un modelo en arcilla que se recubre con una capa de cera, que a su vez se recubre con alguna sustancia refractaria y se deja endurecer. Una vez secos, se le hacen unos orificios por donde se deja salir la cera y posteriormente se rellena con bronce fundido. Al enfriarse el metal, se rompe la capa exterior de arcilla. A la arena: Consiste en dividir la pieza en diversas partes, que se ponen en cajas rellenas de arena y en las cuales se vierte el bronce líquido. Posteriormente las distintas piezas se unen mediante remaches. Ensamblaje: Técnica que consiste en pegar o soldar distintos objetos y materiales para crear una composición con tridimensionalidad. Labra: Técnica sustractiva en la que se parte de un bloque de piedra (mármol, ónix, basalto, etc.) y se desbasta con mazo y cincel, para crear una forma. Modelado: técnica aditiva que consiste en añadir materia e ir moldeándola, ya sea con las manos o algún instrumento como espátula o estiques. Los materiales más comunes son la arcilla, cerámica, cera y plastilina. Pátina: Medios químicos que posibilitan cambiar el tono de la superficie de una escultura. Su nombre proviene de emular la “pátina”, barniz o tono que adquieren ciertos objetos antiguos con el paso del tiempo. Soldadura: Procedimiento por el cual dos o más piezas de metal se unen por aplicación de calor, presión o una combinación de ambos. Talla: Técnica sustractiva que parte de un bloque generalmente de madera, el cual se va extrayendo y puliendo con mazas y gubias hasta alcanzar la forma deseada. Vaciado: Se vierte el material, que puede ser metal, plástico, resina, yeso o cerámica en un molde.

Lote 91 (detalle)

Lote 86

#EstoesAhora En tiempos como los que corren, el arte no sólo funge como espejo, instrumento de medición o mera narración. La vocación del arte contemporáneo, hoy más que nunca, es la de constituirse como un verdadero agente de cambio, un ámbito donde lo imposible se hace posible. Unas veces desde la denuncia social y la confrontación; otras, desde el juego, la reflexión o la provocación estética. El arte contemporáneo se materializa en los más diversos e inesperados lenguajes que escapan a cualquier intento de categorización. En Morton Subastas nos sentimos profundamente comprometidos con la misión de ser una plataforma de visibilidad para las prácticas artísticas actuales; un espacio emocionante y accesible a través del cual los coleccionistas puedan acercarse al arte contemporáneo. Y es que coleccionar arte contemporáneo no se trata nada más de la inversión que representa. Los coleccionistas de arte contemporáneo apoyan a los artistas, permiten que sigan produciendo, y en ese sentido, dan forma y dirección a la historia del arte actual. En la segunda edición de Esto es Ahora. Subasta de Arte Contemporáneo, usted podrá encontrar una variada selección de obra de muchos de los artistas contemporáneos nacionales e internacionales, consolidados y emergentes, más relevantes de la escena actual. Destacan obras como el acrílico sobre tela del importante artista sudafricano Gavin Rain o la pieza de gran formato del alemán Michael Conrads. La subasta también incluye obra de artistas mexicanos de la talla de Beatriz Zamora, Felipe Ehrenberg, Rafael Cauduro, Héctor Falcón, Adela Goldbard, Dr. Lakra, Néstor Quiñones y Carlos Amorales. Este catálogo es una ventana a lo que están haciendo los artistas contemporáneos en toda su riqueza y pluralidad. Esta subasta es una oportunidad única para empezar o crecer una colección de arte. Esto es ahora. Morton Subastas

1 EMMANUEL GARCÍA (Ciudad de México, 1973 - )

Art, de la serie Figurama, 2014 Firmada al frente y al reverso Tinta sobre papel 120 x 80 cm Con certificado de autenticidad del artista. Publicada en: sitio oficial del artista www.emmanuelgarcia.weebly.com Exhibida en: "Lost Horizont", muestra colectiva presentada en Xu Yuan Centre en Beijing, China en julio del 2014. A lo largo de su trayectoria ha sido seleccionado en certámenes como la Bienal Internacional José Guadalupe Posada, el Encuentro Nacional de Arte Joven, X Bienal Nacional Diego Rivera, la Competencia Internacional de mini estampa y ex libris de Lituania, entre otros. Ha formado parte del Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA y fue becario del programa Jóvenes Creadores. Su obra forma parte de las colecciones de instituciones como el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca IAGO, el Centro de las Artes de Monterrey, el Muzeum Miasta Ostrowa Wielkopolskiego en Polonia y el Museocomplex Zwijgershoek. Sint-Niklaas en Bélgica. "Sus obras son la promesa de una repetición que no olvida su principal fundamento: el placer de activar el recuerdo de lo vivido. […] Un modo de contar cómo vivimos los recuerdos es a partir de la experiencia de apropiarnos de aquello que está afuera y trazar nuestros pasos con la mirada para reconocer en el consumo visual una memoria colectiva, la que constituye nuestra familiaridad, como lo descubrimos en las obras de Emmanuel García". Carlos Alberto Rodríguez Gómez. Fuente consultada: RODRÍGUEZ GÓMEZ, Carlos Alberto. Pasaremos un día maravilloso. México. eMe espacio de arte, 2016.

$36,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,950-$2,700

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2 OMAR MAÑUECO (Ciudad de México, 1977 - )

Theories of the universe: S.E.T.I. / Torna in nero (Buco nero), de la serie Fermius o el universo de uno mismo Firmados al frente. Firmados y fechados 2015 al reverso Óleo, laca, acrílico, tinta china, aerosol, marcador permanente y barniz sobre impresión digital fotográfica en loneta, díptico 110 x 140 cm cada uno Piezas: 2 Con certificado de autenticidad del artista. Cuenta con más de veinte años de trayectoria en el medio del arte, tanto en la producción, como en la docencia. Para su propuesta ha estudiado desde las técnicas de la pintura académica italiana, hasta el grafiti y el cómic. Cursó diplomados en Artes Visuales en la Academia Arteum en la Ciudad de México, tomando talleres con maestros como Luis Argudín, Edgardo Ganado Kim, Phillip Bragar, Alberto Castro Leñero, Hugo Kiehnle, Roberto Turnbull y Betsabeé Romero. En el año 2000 tomó clases de dibujo con José Luis Cuevas. Más tardé cursó la Licenciatura en Artes Visuales en La Esmeralda y ha seguido su formación asistiendo a clases con Teresa del Conde, Cuauhtémoc Medina y Dr. Alderete. $30,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,620-$2,160 24

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La serie "Fermius o el universo de uno mismo" fue llamada así en homenaje a Enrico Fermi (Roma, 1901-Chicago, 1954), un físico conocido por el desarrollo del primer reactor nuclear y sus contribuciones a la teoría cuántica, la física nuclear y de partículas, así como la mecánica estadística. Fermi recibió el Premio Nobel de Física por sus trabajos sobre radiactividad inducida en 1938; es considerado uno de los científicos más destacados del siglo XX. En "Fermius o el universo de uno mismo", piezas icónicas de la historia del arte, temas pop como los superhéroes, los extraterrestres, los robots, la inteligencia artificial, el mundo de los cómics, dibujos animados, los temas científicos y el grafiti crean una amalgama mutante que es a la vez atractiva y enigmática, que trasciende formas ilusorias, dando vida a escenas de mundos inventados, con composiciones dotadas de un gran dinamismo y dimensionalidad divergente. El resultado son experimentos visuales que se basan en descripciones del mundo en dos versiones: las leyes de la "física Newtoniana" (macrouniverso) lo visible a simple vista y en la "física cuántica" (microuniverso), lo que sólo se ve a través de los ojos de la imaginación. Para Mañueco, la ciencia representa el poder mismo, una manifestación visual de los principios sociopolíticos. S.E.T.I. (Search for ExtraTerrestrial Intelligence) se inspira en un proyecto de la NASA que trata de encontrar vida extraterrestre inteligente ya sea por medio del análisis de señales electromagnéticas capturadas en distintos radiotelescopios o bien enviando mensajes de distintas naturalezas al espacio con la esperanza de que alguno de ellos sea contestado. La apuesta de Mañueco es: ¿qué pasaría el día en que sea detectada una señal de claro origen extraterrestre? Buco nero es el término en italiano para agujero negro; esta obra se basa en un esquema representando una región finita del espacio en cuyo interior existe una concentración de masa lo suficientemente elevada como para generar un campo gravitatorio tal que ninguna partícula material, ni siquiera la luz, pueda escapar de ella.

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3 STEVE KAUFMAN "SAK"

(Bronx, Nueva York, 1960 - Vail, Colorado, 2010)

Campbell's soup Firmada Serigrafía y detalles pintados a mano al óleo 7 / 100 90 x 58 cm También conocido como "SAK", Steve Kaufman es considerado uno de los artistas más relevantes del Pop Art estadounidense. Los años 80, fueron trascendentales para el estilo del artista, tiempo en el cual solía visitar el Studio 54, club donde conoció a la comunidad de artistas de Nueva York. Así mismo, durante sus estudios en la School of Visual Arts de Manhattan estableció una relación artística con Jean-Michel Basquiat y Keith Haring. Posteriormente, conoció a Andy Warhol, con quien trabajó como asistente en su estudio The Factory, hasta que logró abrir su propio taller. El trabajo de Warhol se convirtió en una de sus mayores influencias, la cual podemos apreciar en los iconos de la cultura popular americana como la Coca-Cola y los billetes de 100 dólares. Kaufman creó su serie "Campbell's soup" para conmemorar el centenario de la icónica marca de sopas enlatadas. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.stevekaufmanart.com

$22,000.00-$30,000.00 M.N. USD $1,190-$1,620 26

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4 STEVE KAUFMAN "SAK"

(Bronx, Nueva York, 1960 - Vail, Colorado, 2010)

$100 Dollar bill, de la serie Cash flow 1995-2005 Firmada Serigrafía y detalles pintados a mano al óleo sobre tela 1 / 50 A.P. 38 x 91 cm Con certificado de autenticidad del artista, junio del 2007. En su vida cotidiana encarnó la verdadera experiencia del arte pop. Pintó personajes icónicos, figuras históricas y productos importantes en la vida cotidiana. Fue un periodista artístico que comentó tanto la historia como los acontecimientos actuales con su arte. Steve Kaufman evolucionó el uso del proceso de la serigrafía y fue reconocido por su uso de colores vivos y principalmente por los detalles que pintaba a mano en muchas de sus obras, haciendo de cada pieza múltiple una obra única. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.stevekaufmanart.com

$18,000.00-$25,000.00 M.N. USD $970-$1,350 ESTO ES AHORA

5 BENJAMÍN OROZCO LÓPEZ (Ciudad de México, 1964 - )

La cruda realidad, de la serie Trampantojo, 2010 Firmado Óleo sobre macocel 34 x 30 cm Con certificado de autenticidad del artista. Publicado en: sitio oficial del artista www.orozcoarte.com Su formación fue autodidacta, se inició muy joven en la pintura, teniendo como guía y maestro a su padre, el también pintor Benjamín Orozco Méndez. Su obra no se queda en la representación obsesiva, ni en el ilusionismo mimético. Antes bien, enraíza en una realidad plena de vida, está lograda con una técnica que asombra tanto por su perfección, como por la fuerza sensual y sensorial que atrapa la fuerza y la presencia de los objetos. Al igual que los sentidos del observador, Benjamín Orozco López captura la realidad "viva", captura los ambientes en su sencillez o complejidad, tal como se los presenta la vida. Su obra no está adornada con símbolos, su objetivo es la perfección del oficio, su inspiración es un homenaje a la luz, al color, a la alegría y a la vida. Su ideal es el arte. "Durante siglos, la cualidad fundamental del arte de la pintura fue la capacidad de reproducir lo que vemos con tanta fidelidad como lo permitiera el talento del pintor. Esta cualidad alcanza su máxima expresión en el complejo género pictórico conocido como 'trampantojo' (trampa para el ojo), en pinturas que literalmente engañan al espectador y en las cuales, la técnica se lleva al extremo de la precisión para lograr texturas y dimensiones que nos hacen dudar si se trata de un collage o una pintura". Benjamín Orozco López. Fuente consultada: MARTÍN DEL CAMPO, Leonora. "El arte como ideal; homenaje a la vida". México. 2002.

$46,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,490-$3,780

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Detalle

6 MR. BRAINWASH (París, Francia, 1966 - )

Life is beautiful Firmada y fechada 2015 Escultura en resina intervenida por el artista 1 / 1 14 x 22 x 4 cm Con certificado de autenticidad firmado y con huella digital del artista, 2015. Con estuche firmado y con huella digital del artista estampada al reverso. Mr. Brainwash es el seudónimo del artista francés Thierry Guetta. Se lanzó a la fama con el documental "Exit through the gift shop" dirigido por el famoso artista urbano Banksy, quien lo impulsó a crear su propio estilo. Por decisión propia, invirtió en un taller capaz de producir obra a escala masiva en donde empezó a comercializar sus proyectos. En 2008, Mr. Brainwash realizó su primera exposición llamada "Life is beautiful", la cual fue instalada en el antiguo estudio de televisión de CBS en Hollywood. Un artículo en una revista de Los Ángeles sobre la exposición lo dio a conocer en el mundo del arte. Más de 7,000 personas asistieron la noche de apertura y estuvo abierta tres meses con bastante afluencia. Fuente consultada: www.miamibiennale.org

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,400-$8,110

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7 FERNANDO GUEVARA (Ciudad de México, 1969 - )

Estética para Leidis Gaga, 2013 Firmado Óleo sobre tela 230 x 175 cm Con certificado de autenticidad del artista, agosto del 2017. Exhibido en: "Paralelas contemporáneas IX", presentada en Galería Oscar Román, febrero a marzo del 2016. De formación autodidacta, Fernando Guevara crea en cada una de sus pinturas un universo diferente, único, lleno de personajes frágiles y lúdicos en apariencia, pero fuertes en estilo, originales y que conviven en un mundo paralelo al conocido por cualquiera. Guevara fuertemente influenciado por el pop art, el collage, la publicidad, la moda y las imágenes del siglo XIX, genera un lenguaje figurativo que sabe mezclar de manera incomparable un estilo propio para lograr una iconografía estilizada de formas y mundos llenos de colores brillantes. Su narrativa se centra en la belleza melancólica y la nostalgia de su infancia que le rodea destacando el valor simbólico de la imagen y cuya única pretensión para su discurso es el de no permitir que este mundo ajetreado y cada vez más distante de lo humano alcance y termine con la inocencia, lo extraordinario y lo bello. Su trayectoria se ha consolidado con más de 60 exposiciones colectivas en México, España y Estados Unidos; de manera individual destacan las presentadas en el Museo de Arte de Zapopan, el Festival Internacional Cervantino y galerías de prestigio como Arte Actual Mexicano y Galería Oscar Román. I'm beautiful in my way 'Cause God makes no mistakes I'm on the right track, baby I was born this way Don't hide yourself in regret Just love yourself and you're set I'm on the right track, baby I was born this way. Lady Gaga, Born this way. $100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,400-$8,110 30

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Still del video, 00'02"

Still del video, 03'10"

8 KATARZYNA PERLAK (Chorzów, Polonia, 1979 - )

Self-portrait with strawberries, 2016 Video edición 1 / 3 Duración: 3' 38" Exhibido en: Chalton Gallery en Londres. Estudió Artes Visuales en la Slade School of Fine Art en Londres, Fotografía en Camberwell College of Arts en Londres y Filosofía en University of Silesia en Polonia. Su práctica se centra en el video, la fotografía y el performance. Recientemente ha ampliado su trabajo al incorporar sonido y enfatizando los elementos escultóricos y las maneras de plantear sus instalaciones. Ha exhibido su obra en Reino Unido, Alemania, México, Portugal, Suecia, Polonia, Italia y Corea del Sur. "La política y los sentimientos impulsan mi trabajo. Estoy comprometida con las narrativas que involucran historias de migrantes, individuos queer y mujeres. Experiencias autobiográficas suelen ser mi punto de partida, que posteriormente expando a diálogos intersubjetivos, ideas de memoria colectiva, vulnerabilidades y deseos compartidos. Actualmente estoy explorando el potencial del afecto como una herramienta para registrar y archivar los momentos históricos presentes y pasados. También he estado investigando las relaciones entre las nociones queer de la utopía, la esperanza y el concepto del 'paisaje de los deseos'. Recolectar es otra estrategia que empleo a menudo en mi trabajo y estoy particularmente interesada en las maneras en que estas metodologías de acumulación pueden comprometer a los espectadores emocionalmente". Katarzyna Perlak. Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.katarzynaperlak.com

$12,000.00-$20,000.00 M.N. USD $650-$1,080 32

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9 OFILL ECHEVARRÍA (La Habana, Cuba, 1972 - )

An-dan-tes Firmado "O." con vinil al frente. Firmado y fechado NYC 2016 al reverso Óleo sobre tela 122 x 127 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, mayo del 2016. Se graduó de la legendaria Academia de Bellas Artes San Alejandro en 1991. Al año siguiente se trasladó a la Ciudad de México, donde vivió hasta 2002. Actualmente vive y trabaja en Nueva York. Desde su primera exposición individual en La Habana en 1991, ha expuesto individualmente en galerías e instituciones de México y América Latina, así como en los Estados Unidos. Sus obras forman parte de importantes colecciones públicas y privadas, entre las que destacan: el Centro de Desarrollo de las Artes Visuales de La Habana, Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana, Museo de Arte Moderno de México, Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, Museo Nacional de Arte, México, Centro Nacional de las Artes de Nuevo León y la Fundación Merrill Lynch para las Artes en Miami. "Como parte de una investigación con respecto a la fotografía, estoy interesado en explorar temas de contenido social y antropológico, mediante la pintura tradicional y las técnicas multimedia. La obra, en conjunto, invita al espectador a reflexionar, rodeado de un concepto espacial creado con el fin de representar el universo visual que nos circunda". Ofill Echevarría. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.ofillechevarria.com

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,780-$4,870

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10 CÉSAR CÓRDOVA (Ciudad de México, 1983 - )

Carne, de la serie Natural / Artificial Firmado y fechado 2016 al reverso Óleo sobre tela 120 x 160 cm Con certificado de autenticidad del artista, julio del 2017. Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en la ENAP. Ha sido acreedor a la beca del programa Jóvenes Creadores del FONCA en dos ocasiones y su obra ha sido seleccionada en importantes certámenes nacionales como la Bienal de Pintura Pedro Coronel, Bienal de Arte Sacro Contemporáneo, Bienal Nacional de Pintura Gómez Palacio y la Bienal de Pintura Rufino Tamayo. Ha participado en diversas exposiciones en México, Estados Unidos, Italia, Colombia y Alemania. Las obras de la serie “Natural / Artificial” han sido reconocidas con el XXXII Premio Nacional de Arte Joven en 2013 y la Mención Honorífica de la XVII Bienal de Pintura Rufino Tamayo en 2016. "El límite entre lo natural y lo artificial no es claro. Una idea bastante difundida es la de que las construcciones de hormigón son en realidad parte de una actividad natural, aunque se realicen con materiales sintéticos. Las grandes ciudades no son más que símil de los hormigueros o los panales. Pero el pensamiento contemporáneo va más allá y entiende que todo lo que creemos que es natural (la naturaleza humana) es en realidad una construcción artificial. La creencia de que la violencia, la explotación, la desigualdad, han existido siempre y por lo tanto continuarán, se desmorona día a día. Estos son los planteamientos a partir de los que surgen estas pinturas, buscando hacer visible la integración de estos conceptos que parecían contradictorios". César Córdova. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.cesarcordova.com

$40,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,160-$3,780

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11 MAX PRUS

(Reading, Reino Unido, 1987 - )

The latex shop Sin firma Gouache sobre papel 44 x 49 cm Exhibido en: Chalton Gallery en Londres. Estudió en la Glasgow School of Art y en 2015 se graduó de la Royal Academy. Sus recientes muestras individuales incluyen "Breathless Dowser" en The Old Waterworks en Reino Unido en 2017, "To fly a homemade aeroplane, built from scrap metal sourced in local junkyards, over Bangalore" en 1Shanthi Road en India en 2016 y "Batik babes" en Sewon Art Space en Indonesia en 2015. "En los últimos años he encontrado mi propia manera de trabajar, principalmente involucra dibujar y pintar. Estas obras están definidas por narrativas complejas, relatando historias culturales y sociales a través de pinturas y dibujos figurativos. Empleo la diversidad de imágenes y diferentes formas: desde pinturas a gran escala en ornamentadas instalaciones teatrales, hasta íntimos libros hechos a mano". Max Prus. $10,000.00-$15,000.00 M.N. USD $540-$810 36

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12 MIGUEL ÁNGEL GARRIDO (Ciudad de México, 1982 - )

Guanajuato en bicicleta Firmado y fechado 14 Óleo sobre tela 104.5 x 150 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: VÉLEZ, Gonzalo et ál. Miguel Ángel Garrido. Lo que habitamos. México. Aldama Fine Art, 2014, catalogado 16, Pág. 25. Desde los 19 años vive y trabaja en San Miguel de Allende, Guanajuato, donde estudió la Licenciatura en Artes Visuales en el Instituto Allende, especializándose en pintura bajo la guía del maestro José Ignacio Maldonado. Ha sido becario del programa Jóvenes Creadores del FONCA. "Estamos ante un pintor que confunde el lienzo con la cámara fotográfica, o la cámara fotográfica con la pintura, o el arte con un diario, de esos que antiguamente se escribían a mano en un cuaderno, el cual él a su manera nos muestra página por página, cuadro por cuadro, y al hacerlo nos abre, no sin cierta impudicia, su vida. Sin embargo, esta confusión es plenamente intencionada, y en las ambigüedades que se establecen subyace un tejido semántico complejo, apoyado en una pintura intensa, expresiva, con sólidas composiciones basadas en un notable manejo del color". Gonzalo Vélez. Fuente consultada: VÉLEZ, Gonzalo et ál. Miguel Ángel Garrido. Lo que habitamos. México. Aldama Fine Art, 2014, Pág. 2.

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,870-$6,490 ESTO ES AHORA

13 GENEVA SILLS (Chicago, E.E. U.U., 1987 - )

Jungle 3 Firmada y fechada 2017 al reverso Fotografía, impresión digital sobre papel de algodón 1 / 3 101.6 x 127 cm Obtuvo la Maestría en Artes Visuales en la Glasgow School of Art en 2012. A partir de sus años como estudiante, ha vivido entre Glasgow y Chicago, exhibiendo en ambas ciudades y en otros lugares del mundo. Entre sus exhibiciones más relevantes están las presentadas en The Pipe Factory y Centre for Contemporary Art en Glasgow, The Chalton Gallery en Londres y en Künstlerhaus Bethanien en Berlín. "Jungle 3" es una impresión digital de pigmento tomada de un negativo 4 x 5 pseudosolarizado. Originalmente un error en el cuarto oscuro llamado "efecto Sabattier" (que consiste en la inversión tonal parcial de una imagen fotográfica a causa de una segunda exposición a la luz durante el revelado); cuando se domina técnicamente el proceso de la pseudosolarización, permite la suspensión de un negativo en transición a un positivo. No se trata entonces ni de uno, ni de otro, se vuelve algo completamente ambiguo y pictórico. Esta obra pertenece a una serie que fue expuesta por primera vez, en una versión impresa en plata sobre gelatina, en The Pipe Factory en Glasgow. $30,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,620-$2,160 38

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14 ADELA GOLDBARD (Ciudad de México, 1979 - )

Non-Reflex 5, 2008 Sin firma Fotografía análoga, impresión digital sobre papel metálico 1 / 6 90 x 115 cm Con certificado de autenticidad de Galería Enrique Guerrero firmado por la artista, agosto del 2017. Publicada en: sitio oficial de la artista www.adelagoldbard.com Cursó la Licenciatura en Lengua y Literaturas Hispánicas en la UNAM y actualmente está terminando su Maestría en Bellas Artes en la School of the Art Institute of Chicago, donde se le concedió la New Artist Society Scholarship. Su obra ha sido exhibida en Alemania, Holanda, Bélgica, Francia, Italia, Austria, Hungría, España, Filipinas, Rusia, Argentina, Canadá, Estados Unidos y México. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores desde 2015. Vive y trabaja en Chicago y la Ciudad de México. Adela Goldbard es una artista y cineasta que cree en el poder político del arte para generar pensamiento crítico y transformación social. Está interesada en cuestionar las políticas de la memoria poniendo en duda la preservación arqueológica, la historia oficial, los medios masivos y la cultura popular. Su trabajo incluye fotografía, video, escultura, textos, acciones públicas e instalaciones inmersas, y siempre está basado en la investigación, ya sea de archivo o etnográfica, un elemento fundamental en su práctica. En "Non-Reflex", la artista colocó esculturas efímeras hechas con espejos dentro de lagos, provocando un juego de reflejos donde el paisaje se "doblaba" sobre sí mismo, el reflejo se tomaba por el original. Estas extrañas atmósferas, creadas con el uso de la ilusión óptica, pretenden deconstruir aspectos convencionales de nuestra visión y percepción. Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.adelagoldbard.com

$80,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,320-$5,400 ESTO ES AHORA

15 YAMPIER SARDINA (La Habana, Cuba, 1979 - )

El sueño, de Rain series Firmado y fechado III 014 Óleo sobre tela 76 x 61 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. "Rain series" es un proyecto que Yampier Sardina comenzó en 2013. Para Yampier la lluvia es sinónimo de intimidad y verla detrás de un cristal le da la posibilidad de jugar con las formas y de proponer una imagen inconclusa, realista y a la vez abstracta. Al mismo tiempo, brinda al espectador muchas maneras de verla y de especular incluso cuál es el lugar representado, porque, aunque parte de fotos, siempre les hace cambios y en palabras del autor: "pueden ser donde sea. Me gusta mucho jugar con el concepto de la mentira, es una mentira que lleva a un conocimiento". $50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,700-$3,780 40

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16 KRYSIA GONZÁLEZ (Ciudad de México, 1992 - )

Arqueología moderna Firmado y fechado 2013 al reverso Óleo sobre tela 150 x 150 cm Con certificado de autenticidad de la artista. Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, en el 2015 realizó una estancia de Investigación en la Universidad Complutense de Madrid en la Facultad de Bellas Artes. Actualmente es beneficiaria del programa FONCA Jóvenes Creadores y concluye el Posgrado en la Academia de San Carlos. Ha exhibido su obra en diversos museos y galerías en México, España e Italia. En 2017 obtuvo Mención Honorífica en la Primera Bienal de Pintura de Paisaje Luis Nishizawa. "Krysia González rescata el buen oficio y la herencia paisajística; su pintura se centra en sus propias impresiones del entorno haciendo así, de sus paisajes un ejercicio poético, a medio camino entre lo real y lo ideal. La representación de sus paisajes son realidades socio-territoriales, donde se combina el paisaje natural con el paisaje cultural de la industrialización que conquista el horizonte; casi ausente de representación humana, la atmósfera de desolación convierte a la visión en un acto emocional de reconstrucción de la memoria". Rafael Alonso Pérez y Pérez. $22,000.00-$30,000.00 M.N. USD $1,190-$1,620

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17 FABIÁN GIMÉNEZ (Buenos Aires, Argentina, 1964 - )

Donde vamos Firmado y fechado 05 Acrílico sobre tela 100 x 80 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, julio del 2017. Desde chico tuvo la inquietud de ser pintor, fue discípulo del vasco Miguel Alzugaray, quien le guió hacia el dominio de la técnica pictórica. Más tarde trabajó en el taller de escenografía del Teatro Argentino de La Plata, al tiempo que tomó clases con Eduardo Medici quien le enseñó a desarrollar el concepto de sus obras. Actualmente, además de desarrollar su obra plástica, cuenta con un taller en La Plata en el que se dedica a la docencia. "Mi obra se puede leer como detenerse frente a una situación cotidiana en el entorno de nuestro día a día; que está presente, pero no tenemos el tiempo para reflexionar en torno al lugar en que vivimos o lo que nos sucede dentro de él". Fabián Giménez.

Fuente consultada: "Bola de Nieve, obra, biografía y pensamiento de 1147 artistas elegidos por artistas". Un proyecto de Ramona, un emprendimiento de Fundación Start, Argentina www.boladenieve.org.ar

$36,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,950-$2,700

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18 JULIÁN MADERO (Ciudad de México, 1990 - )

Narvarte Firmado y fechado 2016 al reverso Óleo sobre espejo 127 x 187 cm Con certificado de autenticidad del artista, agosto del 2016. Exhibido en: "Mil cortes. Imagen de un instante", muestra presentada en Casa del Lago de marzo a mayo del 2016. Es Licenciado en Artes Plásticas y Visuales por La Esmeralda; su trabajo se desarrolla en torno a la pintura y la gráfica. Ha expuesto de manera individual en el Museo de Arte Carrillo Gil, La Quiñonera y La Esmeralda. Ha participado de manera colectiva en varias exposiciones, destacando "Yo sé que tu padre no entiende mi lenguaje modelno" presentada en el MUAC. En su trabajo, es recurrente la referencia a obras literarias. "Mil cortes. Imagen de un instante" fue un ejercicio colaborativo entre Julián Madero y la fotógrafa Zayda Gómez, el centro productor de la exposición fue la novela "Farabeuf" de Salvador Elizondo, en la que la imagen del suplicio tiene una importancia central. En este marco, la obra "Narvarte", realizada sobre espejo, retoma el asesinato de cuatro mujeres y el fotoperiodista Rubén Espinosa, en julio del 2015; la imagen corresponde a un fotograma del video publicado por la Procuraduría General de Justicia de la Ciudad de México en torno al caso (la toma desde una cámara de vigilancia en el momento en que los asesinos escapan en un Mustang rojo). El caso de la Narvarte es tomado como ejemplo del suplicio contemporáneo y la "introyección del poder represivo". $24,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,300-$2,160 ESTO ES AHORA

19 WUERO RAMOS (Ciudad de México, 1979 - )

Cruz oculta Firmado y fechado México DF 2011 al reverso Óleo sobre tela 60 x 40.5 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: sitio oficial del artista www.wueroramos.com y en DRIBEN, Lelia et ál. El misterio de la tristeza. Vanidad y paisaje de la obra del Wuero Ramos. México. Aldama Fine Art, 2014, Pág. 95, catalogado 45. Incluye un ejemplar. Miguel Ángel "Wuero" Ramos cursó la Licenciatura en Artes Visuales en la ENAP y la Maestría en Pintura en la Academia de San Carlos. Su participación en bienales y certámenes ha sido extensa, sobresalen su selección en la Bienal de Dibujo y Estampa Diego Rivera, la Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce y en la Bienal de Pintura Pedro Coronel. Ha sido becario del programa Jóvenes Creadores del FONCA. "Nunca he pretendido ser un innovador en el campo del paisaje, pero creo que la novedad de mi trabajo se da en mi aproximación a las transformaciones y cambios constantes de las atmósferas, el ambiente que se siente en el paisaje mismo, las sensaciones del tiempo en que tiene lugar, en la apariencia de la luz. Esto me permite tener una manera muy particular de interpretar y plasmar lo que veo. Para lograrlo he tenido que estudiar permanentemente a importantes pintores de paisaje como José María Velasco, Eugenio Landesio, Dr. Atl, William Turner y John Constable […] Más que buscar la belleza en los espacios urbanos, he tenido la fortuna de encontrarme con ella y sucumbir ante sus extrañas revelaciones. Después he querido compartir mi gozo ante tal hallazgo mediante mi pintura con la conciencia de que algunos de estos sitios son repudiados o van quedando en el abandono. A pesar de abordar en la mayoría de mis pinturas temas y ambientes que aluden a la desolación, a la fragilidad y hasta la muerte, siempre he tratado de dejar 'una luz tenue' que se muestre como la esperanza de una vida impávida ante este mundo descarnado, una luz que nos recuerde que sobre la muerte alguna vez reinó la vida". Wuero Ramos. Fuente consultada: DRIBEN, Lelia et ál. El misterio de la tristeza. Vanidad y paisaje en la obra del Wuero Ramos. México. Aldama Fine Art, 2014, pp. 36 y 39.

$40,000.00-$50,000.00 M.N. USD $2,160-$2,700 44

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20 LUCÍA PRUDENCIO (Ciudad de México, 1984 - )

Malinali Firmada Litografía 12 / 20 97 x 75 cm Con sello de agua de La Ceiba Gráfica. Es egresada de La Esmeralda, fue becaria del Programa de Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico de Veracruz. Ha presentado exposiciones individuales en Artecocodrilo Ediciones, Vértigo Galería, el Museo de Arte Carrillo Gil y Simple, galería en Bolivia. Ha enfocado su trabajo al desarrollo de la obra gráfica, obteniendo numerosas distinciones como la Mención Honorífica en la II Bienal Internacional José Guadalupe Posada, fue seleccionada para la I Bienal de Arte en Veracruz, primer lugar en la convocatoria para pintar el Viaducto Parque Juárez en Xalapa y en 2015 para realizar una residencia en el Centro de las Artes de San Agustín en Oaxaca. Con su hermana, la diseñadora textil Andrea Prudencio, es creadora de Pol&Pol gráfica/textil, una marca mexicana resultado del trabajo colaborativo entre artesanos, artistas, diseñadores y fotógrafos. Los estampados creados por Lucía Prudencio le dan originalidad y un sello distintivo. $12,000.00-$18,000.00 M.N. USD $650-$970 ESTO ES AHORA

21 PEDRO VARELA (Niterói, Brasil, 1981 - )

Sin título, 2015 Firmado y fechado 2016 al reverso Acrílico sobre lino 200 x 150 cm Con certificado de autenticidad de Galería Enrique Guerrero, marzo del 2017. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Federal de Río de Janeiro. Fue becario del programa de iniciación científica del Consejo Nacional de Desarrollo Científico y Tecnológico de Brasil con la investigación "La pintura de los años 80 en Brasil y sus desdoblamientos", orientado por los profesores Angela Ancora da Luz, Júlio Sekiguichi y Lourdes Barreto. Ha presentado numerosas muestras individuales en París, Río de Janeiro, São Paulo, Ciudad de México, Catar, Montevideo, Buenos Aires, Miami, Valparaíso, entre otras importantes ciudades. Ha participado en más de un centenar de exposiciones colectivas en países como su natal Brasil, Francia, Hungría, Uruguay, Estados Unidos, México, Reino Unido, Suiza, Catar, Portugal, España y Suecia. Su obra se encuentra en importantes colecciones, como la del MAR Museu de Arte do Rio, colección Montblanc México y Sprint Nextel Art Collection, entre otras. A través de sus pinturas e instalaciones Varela hace referencia a distintas corrientes artísticas que influyeron en la creación de las mismas: partiendo de la iconografía producida por los artistas viajeros del periodo colonial, las naturalezas muertas barrocas y modernas, hasta llegar a la geometría del concretismo y neo concretismo. Varela busca la aproximación entre la naturaleza barroca, considerada como caótica y la geometría neo concretista la cual refiere a las tendencias del arte moderno latinoamericano. Estas corrientes, a pesar de sus diferencias y opuestos, no se anulan ni predominan entre ellas, sino que crean una dialéctica tropical. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.pedrovarela.com.br

$260,000.00-$300,000.00 M.N. USD $14,050-$16,220 46

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Detalle

22 HUGO LUGO

(Los Mochis, Sinaloa, 1974 - )

Tercer paisaje robado, 2010 Firmado Óleo y acrílico sobre tela y óleo y acrílico sobre lienzo plegado contenido dentro de caja de acrílico Bastidor:130 x 160 cm; Caja de acrílico 46 x 59 x 5 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, septiembre del 2011. Incluye base de madera para apoyar la caja que contiene el paisaje robado. Es Licenciado en Artes Visuales por la Universidad de Montemorelos, Nuevo León. Ha desarrollado su obra en diferentes disciplinas donde destacan proyectos de pintura, fotografía, video e instalación. Desde 1996 su obra ha sido expuesta en ciudades como Caracas, Ámsterdam, París, Ciudad de México, Bogotá, Hong Kong, Río de Janeiro y Singapur. Ha sido reconocido con la beca Jóvenes Creadores del FONCA, el Premio Nacional de Arte Joven y el premio de adquisición de la Bienal Internacional de Pintura Rufino Tamayo. "Le interesa experimentar el oficio del pintor, invertir tiempo en realizar una pieza; el grado de dificultad engrandece la obra, por eso se inclina por pintar aún al óleo, lo toma como una suerte de homenaje a la tradición pictórica, la que busca si no reinventar, sí al menos releer desde el presente. En sus piezas hay reminiscencias de los géneros pictóricos tradicionales, como el paisaje y la naturaleza muerta. Hugo Lugo los revisa y los trabaja agregando el ingrediente lúdico. Las escenas que muestra en sus obras no son lo que parecen a simple vista: al mirarlas con detenimiento se descubren, no sin desconcierto, situaciones absurdas. Pareciera que lo que el artista quiere transmitir son experiencias lúdicas con tintes catastrofistas, que sin embargo, al mirarlas, no causan angustia alguna, sino más bien extrañeza". Ana Elena Mallet, 2010. "Hugo Lugo te engaña desde el lienzo. El hecho de la pintura se vuelve una excusa para el cuento. No es cómo está pintado, sino ‒y en gran medida‒ por lo que está pintado […] Hugo es un Magritte gandalla. Magritte ofrece el mundo alternativo, el sueño. Lugo lo decanta, lo exhibe en sus carencias, lo explota con parsimonia, lo dice y luego dice, no es cierto. Afanado en un coctel entre óleos y acrílicos en cuanto a conato material para el lienzo (que habla de velocidades, brillos y caducidades) exhibe manuales de instrucciones ‒todavía posibles‒ en un territorio que confunde y traduce contenido a partir de una poética que le resulta irresistible explotar. […] Puede presumirse como un barroquismo, Hugo Lugo hace gala de una obsesión entregada a la pérdida de alcances, se burla pero casi, un poco desde la barrera pero no, casi más allá, asomado de más. Es con el casi con el que siempre se cae". Ricardo Pohlenz, "Un Magritte gandalla" (fragmento). Fuentes consultadas: sitio oficial del artista www.hugolugo.com y MALLET, Ana Elena. Hugo Lugo. La superficie del precipicio. México. Ginocchio Galería, 2010, pp. 7 y 8.

$150,000.00-$180,000.00 M.N. USD $8,110-$9,730 48

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23 DANIELA EDBURG (Houston, Texas, E.E. U.U., 1975 - )

Patio, de la serie Civilized Moss, 2015 Sin firma Fotografía, impresión duratrans en caja de luz 1 / 3 74 x 109 cm Con certificado de autenticidad de Galería Enrique Guerrero, agosto del 2017. Exhibida en: "El musgo civilizado", exposición individual presentada en Galería Enrique Guerrero en 2015. Estudió Artes Visuales en la Academia de San Carlos. Su obra ha sido presentada en el Museo de la Ciudad de México y en el Museo de Arte Carrillo Gil, Guandong Museum of Art en Guangzhou, China, el Itaú Cultural en São Paulo, Centro Cultural Recoleta en Buenos Aires, los Museos Nacionales de Bellas Artes de Montevideo y Santiago de Chile, National Centre for Contemporary Arts en Moscú y Arts Santa Monica en Barcelona. Actualmente, su obra forma parte de la muestra "Mi Tierra: Contemporary Artists Explore Place", presentada hasta octubre de este año en el Denver Art Museum. Sus obras han sido adquiridas por importantes colecciones como la de The Museum of Fine Arts en Boston, The Art Museum of the Americas en Washington, D.C., The Museum of Latin American Art en California, así como la de Astrup Fearnley Museet en Oslo y el Musée du Quai Branly en París. Vive y trabaja en San Miguel de Allende, Guanajuato. "Mi trabajo analiza ciertos aspectos que definen nuestra naturaleza humana, particularmente el mundo artificial que habitamos y el sinsentido que genera. Trabajo con escenarios ficticios, tan extremos que se vuelven contradictorios. Mi proceso creativo es obsesivo, lleno de incertidumbres que son resueltas por el trabajo mismo. Es por eso que me gusta estar involucrada en todas las etapas de la producción, me ayuda mantenerme enfocada en pequeñas cosas como tejer un riñón en crochet mientras trabajo una idea. La fotografía me permite capturar el producto final de este proceso. En los últimos años he integrado objetos realizados en crochet a mi trabajo. Lo considero un medio versátil que me permite hacer representaciones blandas y absurdas de casi cualquier cosa. Pienso en estos objetos, que son claramente artificiales, como una simple forma de ficción hecha a mano". Daniela Edburg. Para el proyecto "Civilized Moss", la artista abordó la idea de que el musgo desafía la idea de que para prosperar se necesita tener raíces fuertes y profundas. Si las condiciones no son propicias, el musgo se seca pero no muere, espera pacientemente a que las condiciones vuelvan a ser las correctas para reverdecer. Esta minúscula planta nos enseña técnicas básicas de supervivencia con su estructura elegante y simple. El musgo de Daniela Edburg viaja, trabaja, reside y convive; ha colaborado con tejedores en Canadá, Islandia, Francia, Estados Unidos y México para generar una variedad de musgos que crecen e invaden suave y temporalmente diferentes espacios. Fuentes consultadas: sitio oficial de la artista www.danielaedburg.com y sitio de proyecto Civilized Moss www.civilizedmoss.com

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,870-$8,110

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24 LUCÍA HINOJOSA y NÉSTOR QUIÑONES (Ciudad de México, 1987 - ) y (Ciudad de México, 1967 - )

Tabula Rasa Sin firma Fotografía, impresión digital, edición de 6 ejemplares 43 x 92 cm Lucía Hinojosa es escritora y artista visual, trabaja con video, textos, sonido y performance. En 2013, co-fundó diSONARE, un proyecto editorial bilingüe. Realizó una Licenciatura en Estudios Visuales y Críticos y actualmente estudia en SOMA en la Ciudad de México. Su obra ha sido expuesta local e internacionalmente, y sus escritos críticos han aparecido en publicaciones como Hyperallergic y The Brooklyn Rail. Néstor Quiñones es un artista multidisciplinario que desde finales de los años ochenta ha mantenido una postura definida y crítica ante los convencionalismos y las fórmulas establecidas del mundo del arte. A través de manifiestos sociales y políticos, Quiñones ha creado proyectos que involucran no sólo procesos artísticos, sino preocupaciones permanentes por las políticas culturales en México. "Tabula Rasa" es un proyecto colaborativo entre Lucía Hinojosa y Néstor Quiñones, con curaduría de Sofía Casarín, fue presentado de junio a julio del 2017 en Chalton Gallery en Londres. Esta fotografía está compuesta por tres stills de video, la exposición constaba de seis videos y tres esculturas. Lucía y Néstor pertenecen a diferentes generaciones y prácticas, han trabajado juntos esta serie de procesos que exploran el concepto y el objeto de la mesa, de donde emanan las percepciones multidimensionales del significado y la acción. La mesa: objeto y cómplice de comportamientos ideológicos y sociales, es explorada a través de la idea epistemológica de la frase Tabula Rasa (locución latina que refiere a algo que está exento de asuntos anteriores, que se encuentra "en blanco"). La mesa es percibida como un espacio silencioso que atestigua la transformación de la conducta ritual a través del tiempo. El proyecto integra paradigmas sociales y sistémicos contemporáneos a lo largo del evento del rito y la complicidad de la mesa con estos. Fuente consultada: sitio de Chalton Gallery, Londres www.chaltongallery.org

$30,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,620-$2,160

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25 HOLLY BIRTLES (Londres, Reino Unido, 1985 - )

Explosive, de la serie I feel like I'm going to explode, 2015 Sin firma Fotografía digital C-print 1 / 3 50 x 30 cm Publicada en: sitio oficial de la artista www.hollybirtles.com Exhibida en: Chalton Gallery en Londres, diciembre del 2015. Estudió la Licenciatura en Fotografía en la Westminster University y la Maestría en Bellas Artes en The Slade School of Art. En su obra, la artista critica el supuesto de que la fotografía es un verdadero registro de la realidad, enfatizando la promesa fallida del medio y su deficiencia sensorial. En el trabajo de Birtles coexisten numerosos diálogos sobre la manipulación de las imágenes, transformando la realidad de la fotografía a través de técnicas mixtas y montajes. Desde que se graduó, exhibe predominantemente en Londres y más recientemente completó una residencia en The University of Creative Arts, exhibiendo el resultado en James Hockey and Foyer Galleries de dicha institución. $6,000.00-$10,000.00 M.N. USD $325-$540

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26 AMADO SANTOS (Buenos Aires, Argentina, 1975 - )

Sin título 6 Firmada y fechada 2010 al reverso Óleo y mixta sobre tela 100 x 130 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, julio del 2017. Amado Santos estudió Pintura en la Universidad Nacional de Córdoba, tomó diversos talleres de arte en Catamarca y Buenos Aires y una residencia artística en Francia. Ha realizado más de 15 exposiciones entre Argentina y México. "Sus imágenes evocan estados de ánimo, pero ante todo, una urgencia expresiva en la que el color semeja explotar en algunas de sus obras. Tenues y diminutas líneas se observan en sus trabajos; están ubicadas a modo de referencia, tal vez, como pretendiendo poner orden al caos generalizado". Jorge Figueroa. $45,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,430-$3,240

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27 RAFAEL URIEGAS (Málaga, España, 1982 - )

Flor Cueva Sol, 2016 Sin firma Acrílico sobre tela 80 x 104.5 cm Con certificado de autenticidad de Galería Karen Huber. Exhibido en: "Cueva Semilla Sol", muestra individual presentada en Galería Karen Huber en febrero del 2017. Es Licenciado en Artes Plásticas por La Esmeralda y realizó la Maestría en Artes en la Universidad Autónoma de Morelos. Fue becado por el Programa Jóvenes Creadores del FONCA de 2013 a 2014, mismos años en que fue profesor de pintura en la ENAP. En 2014 obtuvo el premio de adquisición en la XVI Bienal de Pintura Rufino Tamayo y en 2015 por la Bienal de Pintura Latinoamericana de Nicaragua. Entre sus exposiciones individuales destacan "Gizon Zintzoa" en el Museo de los Pintores Oaxaqueños en 2015, "Laguna" en Galería Karen Huber y "Pintura Silva" en Galería Toca en 2014. Vive y trabaja en la Ciudad de Oaxaca. El trabajo de Rafael Uriegas parte de una búsqueda azarosa a través del dibujo, por medio del cual van apareciendo formas que el artista ha ido relacionando con los conceptos de Cueva, Semilla y Sol. Uriegas entiende estos símbolos, relacionados con la vida y la muerte, como ideas sagradas e intrínsecas al hombre; forman parte de nosotros como parte de la herencia genética de la cosmovisión mesoamericana. Entendiendo la creación artística como un acto chamánico Uriegas lleva estos conceptos a la pintura contemporánea a través de una creación abstracta y simbólica. Su obra se vuelve entonces una búsqueda mística a través de motivos autónomos que van surgiendo y hacen evidentes las construcciones mentales que rigen su mundo. $130,000.00-$180,000.00 M.N. USD $7,030-$9,730 ESTO ES AHORA

28 AIDEE DE LEÓN (Ciudad de México, 1979 - )

Sub - objetualidad I Sin firma Donas para cabello sobre esfera de cartón con hilo de acero para colgar 95 cm de diámetro Con certificado de autenticidad de la artista. Estudió la Licenciatura y la Maestría en Artes Visuales en la Facultad en Artes y Diseño y el Máster en "Producción artística e investigación, adaptada a la Unión Europea" en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona. Ha sido becaria en el Programa Jóvenes Creadores del FONCA y fue seleccionada para formar parte del Archivo del Programa Bancomer-MACG Arte Actual. Ha realizado residencias de producción e investigación en Kanazawa, Madrid y París. En 2014 ganó el Premio Revelación a una Artista Iberoamericana, por parte de La Tertulia Ilustrada de Madrid. Su trabajo ha sido seleccionado y distinguido en certámenes como el Encuentro Nacional de Arte Joven, la Bienal Nacional de Artes Visuales de Yucatán, la XVIII Bienal FEMSA, el Certamen Adolfo Prieto Caja Madrid, entre otros. $18,000.00-$25,000.00 M.N. USD $970-$1,350 56

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29 AIDEE DE LEÓN (Ciudad de México, 1979 - )

Naturalness No. 14 Firmado al frente y al reverso Acrílico y óleo sobre tela 110 x 180 cm Con certificado de autenticidad de la artista. "El sentido que Aidee tiene del color es un lenguaje en sí mismo, ella habla, dice con esos colores, con esa composición de tonalidades, de texturas. La pintura cae en chorros entre trazos dibujados, y huellas de pigmentos que impregnan. Pinceladas rebeldes se alternan con rasgos meditados, serenos. Es el efecto de acercarse a la construcción del color puro, que se expresa desde sus propias dimisiones. Aidee pinta así porque goza con la pintura, goza con el acto voluntario de crear". Avelina Lésper. $36,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,950-$2,700 ESTO ES AHORA

30 EDGAR BACALAO (Bacalar, Quintana Roo, 1983 - )

De la serie Poema rojo Firmada y fechada 2017 Tinta china y acrílico sobre tela 140 x 140 cm Con certificado de autenticidad del artista. Edgar Argáez, mejor conocido como Edgar Bacalao, estudió la Licenciatura en Artes Visuales en la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana. Ha tomado diversos cursos de especialización en técnicas gráficas con importantes maestros como Yvan LaFontaine, Per Anderson, Carlos Torralba y Luis Miguel Valdés. Entre sus exposiciones individuales destacan las presentadas en el Museo El Centenario en Nuevo León, galería Rojo Bermelo en la Ciudad de México y Museo del Fuerte de San Felipe en Bacalar. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas en México, Canadá y Reino Unido. Con Artecocodrilo Ediciones ha presentado su trabajo en ferias internacionales como Multiplied Art Fest organizado por Christie's Londres, Art Blooom 2010. The fair of the creative industries en Colonia, Alemania y Swab en Barcelona. “La obra de Edgar Bacalao es una constante exploración visual del espacio afectivo usando el cuerpo como territorio y el dibujo como lengua materna. Imágenes reveladas cómo el esfuerzo por asir una realidad en perpetua fuga a través de sus gestos más teatrales, un inabarcable mundo humano abandonado con miel, flores y mierda. En ellas la tonalidad que emana en cada línea es la protagonista del drama, del negro melancólico a la roja calidez de un abrazo que también se derrama en salada herida. Estos versos visuales, barajan ansiedad, dolor, deseo, miedo y soledad. Filosas dimensiones que recortan los contornos de la condición humana cómo naturaleza primigenia” $36,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,950-$2,700

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31 SAELIA APARICIO (España, 1982 - )

A mysterical journey, 2016 Sin firma Mixta sobre papel 70 x 50 cm Publicada en: sitio oficial de la artista www.saelito.com Exhibida en: Chalton Gallery en Londres. Estudió Bellas Artes en la Universidad de Castilla - La Mancha y un Máster en escultura en el Royal College of Art en Londres. Ha tomado talleres de dibujo expandido en Corea del Sur y Salamanca. A principios de este año hizo una residencia en México convocada por el curador Javier Calderón y en abril fue galardonada por New Contemporaries' Studio Bursary with Sarabande: The Lee Alexander McQueen Foundation, en Londres. También ha realizado residencias de producción en Corea del Sur, Austria y España, en los talleres de La Fundación Joan Miró en Mallorca. Saelia ha presentado su obra en exposiciones en Argentina, Corea del Sur, España y México. Fue parte de la exposición "Retour Sur Mulholland's Drive", curada por Nicolas Bourriaud en La Panacee, Montpellier, Francia y próximamente presentará las muestras individuales "Your consequences have actions" en The Tetley y "Peaks and Troughs" en Turf Projects, producida por the Arts Council, Croydon, Londres. $10,000.00-$15,000.00 M.N. USD $540-$810

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32 SAELIA APARICIO (España, 1982 - )

A mysterical journey, 2016 Sin firma Mixta sobre papel 70 x 50 cm Publicada en: sitio oficial de la artista www.saelito.com Exhibida en: Chalton Gallery en Londres. $10,000.00-$15,000.00 M.N. USD $540-$810

33 SAELIA APARICIO (España, 1982 - )

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34 SAELIA APARICIO (España, 1982 - )

35 SAELIA APARICIO (España, 1982 - )

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36 DR. LAKRA

(Ciudad de México, 1972 - )

Sin título, ca. 2010 Firmada Litografía 8 / 25 74.5 x 54.5 cm Impresa en Ediciones Polígrafa en Barcelona. Hijo del famoso artista mexicano Francisco Toledo y de la poetisa y antropóloga Elisa Ramírez Castañeda, Jerónimo López Ramírez, mejor conocido como Dr. Lakra, es un destacado artista tanto en el contexto del arte contemporáneo como en el arte del tatuaje. Adquirió su seudónimo cuando se inició como tatuador por traer un maletín de doctor, posteriormente él agregó la palabra "Lakra", cuyo significado tiene que ver con la temática de su trabajo artístico (lacra refiere a un vicio físico o moral que marca a quien lo tiene). Su obra se caracteriza por crear imágenes irreverentes y bastante provocativas, que transgreden las normas academicistas. Interviene con sus dibujos, estampillas, pósters, revistas y postales. La mayoría de las mujeres que aparecen en su obra son de épocas pasadas, generalmente de la década de los 50, generando en estas piezas un congruente erotismo mezclado con lo popular y el humor negro. Ha experimentado con los tabúes y fetiches provenientes de sus intereses por la antropología y etnografía. Dr. Lakra ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales en México, Reino Unido, Filipinas, Estados Unidos, Japón, Dinamarca, España y Francia.

Fuente consultada: "Dr. Lakra", micrositio de la exposición presentada de mayo a septiembre de 2011 en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey www.marco.org.mx

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,160-$3,240 62

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37 DR. LAKRA

(Ciudad de México, 1972 - )

Sin título, ca. 2010 Firmada Litografía 23 / 50 75 x 55 cm Impresa en Ediciones Polígrafa en Barcelona. $36,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,950-$2,700

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38 MANUEL SOLANO (Estado de México, 1987 - )

Ollie, de la serie We can't make you younger, 2017 Sin firma Acrílico y crayón sobre papel 66 x 51 cm Con certificado de autenticidad de Galería Karen Huber. Exhibido en: "Desafiando la autoridad", muestra individual presentada en Galería Karen Huber de junio a agosto del 2017. Esta obra pertenece a "We can´t make you younger", proyecto en colaboración con el escritor Benoît Loiseau, quien desarrolló historias cortas que Manuel Solano ilustró y cuyo resultado fue la publicación de un libro con el mismo nombre. Incluye un ejemplar. Estudió la Licenciatura en Artes Plásticas y Visuales en la UDLA Puebla y La Esmeralda, así como un año de intercambio en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Lyon, Francia. Su producción incluye video, performance y pintura. Ha expuesto individualmente en diversos espacios del país, como "Punchis Punchis" en el Museo de Arte Carrillo Gil en 2016, "Sigourney Weaver" en Biquini Wax en 2015, "Desafiando a la autoridad" e "Inherent Vice" en Galería Karen Huber y "Homesick", presentada por SaBuLee en Galería Teatro Lux en Guatemala en 2013. De manera colectiva ha participado en exposiciones en México, Estados Unidos, Canadá y diversos países de Europa. Destaca su participación en Zona Maco 2016 con un solo show; Just Mad Art Fair en Madrid, Odeón Art Fair en Bogotá y la muestra "The future is on writing", presentada por The Luciano Bennetton Foundation en Palazzo Cini, Venecia en 2015. Manuel Solano nació con melancolía y en su vivir la ha moldeado con delirio, su arma es un humor sofisticado en ironía. Su obra puede dividirse en dos etapas de producción: la primera, de 2007 a 2013, estuvo marcada por su interés en la moda como código cultural del cual se apropiaba y registraba a manera de crónica visual. Personalmente la retomaba como una configuración ideológica que le permitía transmutar constantemente; la técnica en estas obras era pulcra y perfeccionista. No sucede lo mismo con su segunda etapa de trabajo que inició en 2014, cuando perdió la vista, en esta etapa hay incluso un cambio de uso de los materiales. El óleo, en el caso de la pintura, fue sustituido por el acrílico por su ductilidad y rapidez. El bastidor por hojas de papel, el pincel por plumones y crayones que generan una cercanía a lo primigenio de la infancia. Si bien existen dos periodos de producción artística de Solano muy delimitados, su postura artística no ha cambiado, al contrario, se ha reafirmado: moldear el caos del mundo a partir de lo íntimo y utilizar la melancolía como postura política. Finalmente, Manuel es un artista neorromántico en la era de la banalidad: aprehende el mundo, lo cuestiona y se fastidia de él. Fuente consultada: AVENDAÑO TRUJILLO, Octavio. "Entrevista con Manuel Solano". México. Revista Tierra Adentro, 2015.

$55,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,970-$3,780

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39 NÉSTOR QUIÑONES (Ciudad de México, 1967 - )

De la serie Bosque negro Firmados Acrílico, chapopote, sangre del artista y hoja de oro de 22k sobre lino, políptico 40 x 35 cm cada uno Piezas: 4 Su formación fue autodidacta. Su obra conlleva una capacidad de síntesis extraordinaria, siempre poética, en un plano que pareciera onírica; es la percepción estética de su propia realidad imprimada por el auto-examen y la soledad. A través de postulados, manifiestos y utopías artísticas como parte de la obra misma, Quiñones va creando un metalenguaje por encima de la forma que guía en un viaje hacia el interior, en la búsqueda de sí mismo a través de la piel, diseccionando sus propias entrañas. Con una gran experiencia expositiva, tiene en su haber un centenar de muestras colectivas e individuales tanto en México y en países como Inglaterra, Estados Unidos y España; también se ha desempeñado con soltura como curador, casi siempre impulsando a artistas jóvenes. Junto a su hermano gemelo Héctor Quiñones (1967-2016) y Rubén Bautista, fundó La Quiñonera en 1988, un espacio emblemático de la escena artística mexicana que continúa hasta hoy vigente, desarrollando proyectos experimentales y exposiciones. Su obra forma parte de importantes colecciones públicas y privadas, como las de Coppel, MUCA, Museo de Arte Carrillo Gil, Banco de la República de Colombia, Cemex, Andrés Blaisten y Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, entre otras. Estas obras forman parte de "Bosque Negro", proyecto que el artista sigue desarrollando actualmente. Una parte de esta serie fue presentada con éxito en la galería La Tozi en San Cristóbal de Las Casas en julio del 2017. "Enemigo de la razón, la falsa sensibilidad y la descripción objetiva, para Néstor Quiñones, el mundo es un misterio por descifrar, y para ello en su trabajo traza las correspondencias ocultas que unen los objetos perceptivos, recurriendo al uso esencial de la sinestesia para conseguirlo. La serie de pinturas Bosque Negro, muestra una colección de manchas y geometrías que describen el interior y exterior de árboles, que encuentran su origen en la observación de obras específicas de la cultura universal, como: Las flores del mal, libro emblema de Charles Baudelaire o El árbol gris de Piet Mondrian, piezas clave de la vanguardia simbólica europea que al ser cuestionadas desde la identidad de este artista contemporáneo, sirven como referencias que proporcionan la mayoría de imágenes y figuras literarias. El impacto que nuestra especie ha infringido en el medio ambiente ha cambiado para siempre la faz del planeta y con esta serie de pinturas, Quiñones emite un réquiem poético a la naturaleza y los auténticos poseedores de la tierra, encontrando un potente centro de gravedad político, tanto en el uso de los materiales seleccionados: linos, alquitrán de petróleo, incrustaciones de hoja de oro y sangre humana". Gabriel Mestre, curador de la muestra "Bosque Negro". $160,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,650-$10,810 66

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40 JORGE ROSANO GAMBOA (Ciudad de México, 1984 - )

Fibra, de la serie Señores del monte Sin firma Cianotopia sobre papel amate 120 x 80 cm Con certificado de autenticidad del artista. Jorge Rosano Gamboa es graduado de La Esmeralda, participó en el seminario de "Semiótica en el Arte" del CENIDIAP, en el seminario de "Fotografía Contemporánea" en el Centro de la Imagen y realizó un Máster en Crítica de Arte y Producción en SOMA. Ha participado en más de 20 exhibiciones colectivas en México y en el extranjero. Entre sus exposiciones individuales se encuentra "Impermanencia" que se presentó en el MUCA Roma y en el Museo Latino en Omaha, Nebraska. Ha presentado su obra en México, Reino Unido, Alemania, Países Bajos, Estados Unidos y varios países de Latinoamérica. Es fundador de la galería Breve, un proyecto enfocado en impulsar a artistas emergentes mexicanos y extranjeros. La memoria, la identidad, las fuerzas de la naturaleza y la muerte, son puntos clave en el proceso de su trabajo, pero lo medular radica en lo que no está, en el vacío, la presencia de la ausencia, donde la importancia reside más en la memoria que se tiene de las imágenes, que en las imágenes mismas y lo familiar se torna en algo extraño. La imagen fotográfica suele ser la base de reflexión, aunque la salida de su obra puede terminar en dibujo e instalación. $18,000.00-$24,000.00 M.N. USD $970-$1,300

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41 JORGE ROSANO GAMBOA (Ciudad de México, 1984 - )

El Calabaza, de la serie Señores del monte Sin firma Cianotipia sobre papel amate 120 x 80 cm Con certificado de autenticidad del artista. El pueblo Otomí de la sierra de Puebla (o Ñañu, como se hacen llamar a ellos mismos) ha producido papel amate desde tiempos precolombinos y este conforma la base de su economía y sus tradiciones. Gracias a estar en una zona de difícil acceso, su cosmogonía ha sido apenas rozada por el pensamiento occidental. Por un impulso entre sus intereses alquímicos de crear imágenes fotográficas y el asombro por el uso del papel como base para todos los rituales de los Ñañu, Jorge Rosano decidió hacer un viaje y combinar el proceso de la cianotipia y el de la creación del papel de los artesanos. Al conocer a los dos últimos músicos ceremoniales del pueblo y su música, intuitivamente asoció la temporalidad de sus canciones con los fotogramas que realizó al momento de tocaban la guitarra y el violín en una interpretación que alababa al Señor del Monte, una de las deidades principales que suelen representar en el papel amate. Las imágenes conforman registros del proceso del mismo papel: las sombras del árbol, la obtención del jonote, la olla de cocción, y las aquí presentadas son la fibra del árbol y la última realizada por el artista, un niño apodado "El Calabaza" que lo ayudó y acompañó en el proceso de realización de esta serie. $18,000.00-$24,000.00 M.N. USD $970-$1,300

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42 CARLOS XI

(Ciudad de México, 1978 - )

Cazadoras de brujos, 2016 Sin firma Técnica mixta de carboncillo con diluciones en agua, alcohol y acetona sobre madera 80 x 60 cm Con certificado de autenticidad del artista. Es egresado de la Licenciatura en Artes Visuales por la ENAP. Ha desarrollado un lenguaje plástico con un conocimiento sólido de las técnicas pictóricas y dibujísticas, y simultáneamente ha ganado lugar como uno de los productores visuales más reconocidos de nuestro país, practicando la manipulación de video en vivo desde hace más de una década, tanto en artes escénicas, instalaciones artísticas como video mapping en monumentos arquitectónicos. Ha colaborado con compañías de danza como ASyC de Alicia Sánchez, Diseño Coreógrafo de Carolina Jiménez y Sensodanza de Diana Fernández. $7,000.00-$10,000.00 M.N. USD $380-$540

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43 CARLOS XI

(Ciudad de México, 1978 - )

Versos compuestos en pesadillas, 2016 Sin firma Técnica mixta de carboncillo con diluciones en agua, alcohol y acetona sobre madera 80 x 60 cm Con certificado de autenticidad del artista. En su obra, Carlos XI explora territorios opuestos dentro de las artes escénicas y las matemáticas, resultando un lenguaje contrastado entre elementos poéticos y analíticos. Considera el acto del dibujo contemporáneo como un estudio sobre la motivación antropológica de la plástica. Buscando una filosofía de la forma, Carlos XI estudia los flujos entre sistemas deterministas y caóticos, oponiendo modos de representación clásicos con figuras y formas provenientes de la abstracción, el ruido y el azar. Estos trabajos sumergen al espectador en un universo carente de tiempo, donde metáforas emergen de axiomas numéricos y arrojan reflexiones sobre lo corpóreo, roles de género y la trascendencia. $7,000.00-$10,000.00 M.N. USD $380-$540

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44 ALEJANDRA ZERMEÑO (Ciudad de México, 1978 - )

It starts Firmada y fechada 17 Escultura en bronce sobre base de mármol 2 de 10 46 x 22 x 22 cm Con certificado de autenticidad de la artista. "It starts" fue la primera obra con la que Alejandra Zermeño incursionó en la técnica del bronce a la cera perdida. Esta obra forma parte del proyecto "Las custodias del maíz" la cual se expondrá en The Mexican Museum en San Francisco, California, en enero del 2018. "En mis esculturas utilizo la referencia humana como símbolo de identificación inmediata con el observador y el observado. En ella hago coincidir dos objetos de estudio; por un lado me interesa tratar de una manera subjetiva y vivencial el tema de la existencia humana desde una relación mística de la permanencia, ¿mi existencia se desarrolla a través de lo sensible o de lo inteligible? "El otro objeto de estudio se centra en la investigación, aplicación y manipulación delicada y algunas veces obsesiva de materiales que por sí solos conllevan una carga de protección y recubrimiento de algo interno". Alejandra Zermeño. Fuente consultada: MARISTAIN, Mónica. "Artistas en su taller / Alejandra Zermeño: como Virginia Woolf". México. Periódico Sin Embargo, sección Cultura y Entretenimiento, 16 de agosto del 2015, www.sinembargo.mx

$30,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,620-$2,160 72

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45 ALEJANDRO BARRÓN (Ciudad de México, 1980 - )

Ritual de medianoche, 2017 Firmado Óleo sobre tela sobre madera 56 x 42 cm Con certificado de autenticidad del artista, julio del 2017. Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en la ENAP, donde únicamente se especializó en litografía. Al darse cuenta que la carrera no le podía ofrecer la formación como pintor que él buscaba, se inició de manera autodidacta en la pintura desde el año 2003, practicando retrato del natural. Ha presentado su obra en más de 35 exposiciones colectivas y 10 muestras individuales en México y en países como Finlandia, Estados Unidos, Irlanda, Suiza, Japón y España. La mayor parte de su trabajo forma parte de colecciones públicas y privadas en México y en el extranjero; destacan las de La Universidad Autónoma Chapingo, Grupo Milenio, Colección Manifesto y colección Miguel Bañuls Ribas en España. "Cuando uno conoce a Alejandro, uno puede ver en su discurso una frontalidad y un diálogo directo con sus obras, en ellas hay tres elementos predominantes: los gestos, el contraste y el miedo visto por alguien que lo desentraña, lo aspira y reinterpreta. En sus manos podemos aprender el contenido de nuestros avatares, mirando sus negros que no son negros sino grises profundos, sus azules que como plomo invaden nuestra psique para quedarse clavados de forma permanente como susurros de un sitio desconocido o como el sexo de una loba humana hambrienta. Y así cual viajante metafísico, Barrón busca a través de sus testimonios autorreferenciales crear una experiencia directa entre nosotros y el mundo que habitan sus vivencias trabajadas con pintura, textura, sombras y luces". Raúl Gasque. Fuente consultada: Raúl Gasque, "El oficio del pintor", texto para la muestra individual presentada en el Museo del Pueblo de Guanajuato, 2016.

$18,000.00-$26,000.00 M.N. USD $970 -$1,400 ESTO ES AHORA

46 JOSÉ ANTONIO FARRERA (Ciudad de México, 1964 - )

La naissance de Vénus Firmado y fechado al reverso Óleo sobre tela 140 x 140 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Cursó la Licenciatura en Arte en La Esmeralda y la Maestría en Artes Visuales en la Academia de San Carlos. Su laureada trayectoria incluye numerosos premios y distinciones desde 1992, cuando obtuvo la Mención Honorífica en el Primer Concurso de Pintura Ramón Alva de la Canal. En 2010 ingresó al Sistema Nacional de Creadores de Arte, una de las más notables distinciones otorgadas por el CONACULTA a través del FONCA. Su obra puede encontrarse en importantes colecciones institucionales y privadas, como las del Museo de Arte Moderno, la Secretaría de Relaciones Exteriores, el Museo Pedro Coronel, la Fundación Cultural Omnilife, el Instituto Cultural Domecq y Nestlé. Es considerado como uno de los autores más significativos del género del desnudo de su generación, en 2014 participó en la muestra "El hombre al desnudo. Dimensiones de la masculinidad a partir de 1800" que se presentó en el Museo Nacional de Arte. En las obras de Farrera la mujer es ante todo, una fuerza vital que se yergue con el solo poder de una corporeidad plena en la medida en que se aparta de los cánones de una belleza forzosa, tradicionalmente impuesta como obligación y razón de ser del género femenino. José Antonio usa el virtuosismo técnico que le permite manejar luces, sombras, proporciones y texturas a su antojo para un interesante propósito: crear una tensión constante dentro y fuera del cuadro, una peculiar relación de poder en la que por momentos no sabemos si nosotros miramos a las mujeres o son ellas quienes nos miran a nosotros. “Mi estilo no sé cómo definirlo, para cuestiones prácticas mucho de lo que he hecho cuando hago texto es decir que es una especie de pintura superlativa neoexpresionista, en el sentido de que pongo mucha materia, insisto mucho con varias herramientas que yo he diseñado y modifico. Hago mucho un chiste de que soy un pintor del 'neochingonismo mexicano', o sea, los que otra vez estamos haciendo pintura muy bien hecha. No estoy en contra de los colegas que embarran y salpican, pero sí hay una corriente en la que estamos regresando a las técnicas tradicionales y las estamos combinando con nuevos procesos". José Antonio Farrera. Fuentes consultadas: CAMPOS, Raúl. "Antonio Farrera, el pintor que se autoincluye en el 'neochingonismo mexicano'". México. Horizontum, Finanzas y Cultura, 20 de agosto del 2017 y ALDAMA, José Ignacio et ál. José Antonio Farrera. Óleos. México. Aldama Fine Art, 2012, pp. 7 y 92.

$140,000.00-$200,000.00 M.N. USD $7,570-$10,810 74

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47 PAULINA JAIMES (Ciudad de México, 1986 - )

Sin título Firmado y fechado MEX 2013 Óleo sobre tela 45 x 85 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Exhibido en: "Evocaciones. Cinco pintoras mexicanas contemporáneas", Museo de Arte de Querétaro, 2016. Publicado en: NERI FAJARDO, Sofía. Evocaciones 2016. Cinco pintoras mexicanas contemporáneas. México. Aldama Fine Art, Instituto Queretano de la Cultura y las Artes, Museo de Arte de Querétaro, 2016, Pág. 36, catalogado 18. Estudió la Licenciatura de Artes Visuales en La Esmeralda y diversos cursos de especialización en técnicas pictóricas en la Escuela de Arte Van Gogh. Su trabajo ha sido reconocido con la beca del programa Jóvenes Creadores del FONCA y con la Mención Honorífica en el Premio Nacional de Pintura José Atanasio Monroy. En 2013 fue invitada a participar en el proyecto "El milenio visto por el arte", iniciativa de Grupo Milenio y Avelina Lésper para la difusión de la pintura mexicana contemporánea. En 2015 presentó la exposición individual "Síntomas de un cuerpo presente" en el Museo del Pueblo de Guanajuato y en 2016 "Entre el silencio y el canto" en la Galería de la SHCP. También ha participado en numerosas exposiciones colectivas en espacios como el National Museum of Mexican Art, en Chicago, el Museo de la SHCP Antiguo Palacio del Arzobispado y el Museo del Carmen. El tema del cuerpo se ha vuelto parte esencial en su trabajo ya que le permite conocer aspectos relevantes de su condición humana. Aunque tiende a la figuración, hay una preocupación e insistencia por ser brutal con cada personaje al que retrata. Por medio del óleo y barnicetas a base de cera, y entre pinceladas de color que tienden a la desfragmentación, Paulina Jaimes muestra la condición vulnerable del cuerpo, frente a los embates de un mundo insospechadamente inestable. Fuente consultada: "Paulina Jaimes. Síntomas de un cuerpo presente", 2015.

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,160-$3,240 76

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48 FRANCESCA DALLA BENETTA (Florencia, Italia, 1977 - )

Kauyumari Firmada y fechada 17 Escultura en bronce, pieza única 50.5 x 13.7 x 11.5 cm Con certificado de autenticidad de la artista. Publicada en: sitio oficial de la artista www.francescadallabenetta.com Estudió Artes Plásticas en la Accademia di Brera en Milán, posteriormente se especializó en escultura y efectos especiales en la escuela Cinelife en Milán y en Studio Rocchetti & Sodano en Roma. Por un tiempo se dedicó a la caracterización para efectos especiales, una forma de explorar continuamente un concepto que siempre le ha interesado y ha estado presente en su obra: la transformación de los cuerpos y la deformación, con la aspiración de crear un mundo donde la realidad y el sueño se fundan. En 2006 fue invitada a trabajar en la película "Apocalypto", así llegó a México, donde decidió quedarse. A partir de 2011 comenzó su participación en múltiples exhibiciones en distintas galerías y museos del país, habiendo presentado a la fecha 15 muestras individuales. Este año, Francesca inició su exploración en la técnica del bronce a la cera perdida, un material lleno de posibilidades plásticas que le ha permitido expandir su imaginario. "La inspiración es espontánea, es algo que no controlo y dejo que me envuelva con visiones. Imágenes se acumulan en frente de mí, como un universo transparente que se sobrepone a la realidad como normalmente la percibimos. Es como una película que fluye delante de mis ojos y me permite ver cosas maravillosas. Este mundo contiene mi arte. Es el proceso creativo en sus aspectos más misteriosos. Es mi platónico mundo de las ideas". Francesca dalla Benetta. Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.francescadallabenetta.com $20,000.00-$36,000.00 M.N. USD $1,080-$1,950

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49 ALEJANDRA ZERMEÑO (Ciudad de México, 1978 - )

Biología interna de un Jaguar Negro, de la serie BiDA (Biología interna De los Animales) Firmada Life casting, vaciado en resina y fibra de vidrio y tejido crochet y 8 cuadros tejidos enmarcados 120 x 40 x 70 cm medidas del personaje principal, dimensiones totales variables Piezas: 10 Con certificado de autenticidad de la artista. Exhibida en: "BiDA (Biología interna De los Animales)", Museo Universitario del Chopo, noviembre del 2012. Posteriormente itineró en galería X Espacio de Arte, Centro Cultural Jaime Torres Bodet IPN, Corredor Cultural José Chávez Morado en Guanajuato, Parque de las Esculturas Izcalli e ITESM Estado de México. “En mis esculturas utilizo la referencia humana como símbolo de identificación inmediata con el observador y el observado. En ella hago coincidir dos objetos de estudio; por un lado me interesa tratar de una manera subjetiva y vivencial el tema de la existencia humana desde una relación mística de la permanencia, ¿mi existencia se desarrolla a través de lo sensible o de lo inteligible? El otro objeto de estudio se centra en la investigación, aplicación y manipulación delicada y algunas veces obsesiva de materiales que por sí solos conllevan una carga de protección y recubrimiento de algo interno". Alejandra Zermeño. Fuente consultada: "Artistas en su taller / Alejandra Zermeño: Como Virginia Woolf". México. Diario Sin embargo,

$70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,780-$5,400

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50 RICHARD STIPL

(Sternberk, República Checa, 1968 - )

Untitled, 2017 Sin firma Talla en madera (bajo y ceniza) con detalles en gesso 38 x 27 x 20 cm Con certificado de autenticidad de Galería Enrique Guerrero, 2017. Exhibida en: Zona Maco Arte Contemporáneo, febrero del 2017 y en "Richard Stipl & Josef Zlamal", exposición presentada en Galería Enrique Guerrero en 2017. Estudió en el Ontario College of Art en Toronto, donde se graduó con honores. Tiene gran trayectoria internacional, lo cual lo ha llevado a exponer en importantes recintos culturales en países como Canadá, Estados Unidos, Holanda, Dinamarca, Estambul, Francia, España y República Checa. Vive y trabaja en Praga. Desarrollando su propuesta inicialmente como pintor, Richard Stipl enfocó su trabajo artístico en la creación de esculturas. Es considerado un talento excepcional en términos técnicos, Stipl sobresale de sus contemporáneos por su misteriosa habilidad para dotar de un aliento vigorizante, algo como una "fuerza vital" a sus obras de arte, independientemente de la técnica que haya utilizado. Las perturbadoras imágenes de Stipl han seducido a numerosas instituciones y colecciones particulares en países como Inglaterra, Estados Unidos, Puerto Rico, Canadá, México, Alemania y Países Bajos; algunos ejemplos son las colecciones de Fusun Eczacıbaşı y la de Glenn Close. Su obra posee una iconografía refinada con la que abarca cuestiones universales acerca del mundo habitado por él mismo y también por nosotros. Inicialmente realizaba su obra usando cera pigmentada y resinas, pero ahora se expresa a través de la simplicidad del barro pintado y la pureza de la madera. Su devoción a la materia y la técnica funcionan como punto de partida para analizar el fenómeno de la condición humana. En su trabajo el espectador puede buscar y encontrar goce, contemplación, maldad, conocimiento y obscenidad, no con un interés de crítica o shock, sino como puntos encontrados donde la dualidad entre humanidad y monstruosidad se vuelven uno. Su trabajo entonces, apela a cualquiera que piense activamente sobre la existencia. $150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,110-$10,810 80

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51 STEFAN BRÜGGEMANN (Ciudad de México, 1975 - )

Open your eyes outsiders to become insiders Firmada y fechada 2014 al reverso Mixta sobre tela 70 x 57 cm Procedencia: adquirida directamente al artista. Vive y trabaja entre la Ciudad de México y Londres. Su obra parte de la combinación entre conceptos filosóficos (post-estructuralismo y deconstrucción) y el imaginario popular inspirado en las ideologías que dieron origen al movimiento punk (anti-conformismo, provocación y cinismo). La gama de materiales, soportes y expresiones que utiliza son diversos, puede ir de la pintura al neón o una instalación, siempre con un común denominador, el texto. Sus obras combinan un lenguaje conceptual y crítico, en donde el artista no sólo refleja un contexto sociológico y lo cuestiona, sino que critica su propio trabajo. Recientemente ha exhibido su obra en Kunsthalle Bern en Suiza, FRAC Bourgogne en Dijon, Museum of Contemporary Art en Chicago, Bass Museum en Miami, Schrin Kunsthalle en Frankfurt, Museum of Contemporary Art en Cincinnati, Museu Serralves en Porto, Museo Tamayo Arte Contemporáneo en la Ciudad de México, Mies van der Rohe Foundation en Barcelona, De Appel Arts Centre en Ámsterdam, y en el Museo Jumex, entre otros. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.stefanbruggemann.com

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,110-$10,810

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52 IVÁN MARTÍNEZ (Ciudad de México, 1980 - )

Sin título Firmado y fechado November 2016 al reverso Stencil print, impresión en relieve y gofrado 1 / 6 25 x 25 cm Con certificado de autenticidad del artista. Exhibido en: "Jan van Eyck open studios 2017", muestra colectiva presentada en la Jan van Eyck Academie, Maastricht, Países Bajos. Estudió la Licenciatura en Diseño de la Comunicación Gráfica en la UAM Xochimilco. Continuó su formación en Werkplaats Typografie Summer School/ISIA Urbino, Italia; realizó posteriormente una Maestría en Tipografía en ArtEZ/Werkplaats Typografie Arnhem, Países Bajos, al tiempo que atendió seminarios en ArtEZ/Dutch Art Institute y estudios de posgrado en el Jan van Eyck Academie en Maastricht, Países Bajos. En 2015 realizó una residencia de producción en De Liceiras 18, Oporto, Portugal. De 2005 a 2013 se desempeñó como diseñador gráfico y productor de obra en el estudio de Carlos Amorales en la Ciudad de México. A la fecha sigue colaborando con el artista de manera independiente. Este año realizó la identidad corporativa de “Fun & Fury!” para The New Cabaret Voltaire en Zúrich, Suiza y fue el encargado del diseño gráfico y concepto del catálogo “Life in the folds / La vida en los pliegues” de Carlos Amorales para el pabellón de México en la 57 edición de la Bienal de Venecia. Su exposición individual “Unfinished Business” fue presentada en The Box/Werkplaats Typografie en Arnhem en 2015. Ha presentado su obra en exposiciones colectivas en galerías y museos en Países Bajos, Portugal, Brasil, México y Estados Unidos. Es el autor del concepto y diseño de las publicaciones “Megaphone News”, “The Sunken School” y “Unusual Persecutions” editadas en los Países Bajos. Su obra más reciente se centra, a través del desarrollo de narrativas ficticias y publicaciones especulativas, en la estética del rumor y sus mecanismos de propagación y modificación. $8,000.00-$12,000.00 M.N. USD $430-$650

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53 HARTWIG LUGO ROHDE (Ciudad de México, 1970 - )

€1.750.000 de la serie Inversiones Firmado y fechado 2011 al reverso Óleo sobre tela 70 x 200 cm Estudió en La Esmeralda y con el maestro Santiago Carbonell. Ha exhibido su obra tanto a nivel nacional como internacional, en espacios como Museo Universitario del Chopo, Museo de la Ciudad de Querétaro, Galería Oscar Román, Galería Libertad de Querétaro y Galería El Palomar del Minotauro. "Medimos el mundo por cifras y estadísticas y en nuestra alucinación del mundo somos. Necesitamos comparar valores para ubicarnos. Es la máquina humana que por su gracia distingue un borde de un gradiente, un mucho de un poco, un probable de un posible. ¿Cuánto es? ¿Cuánto tengo? ¿Qué es tener? Esta serie sólo puede llamarse Inversiones en español y en inglés daría con los dos términos Investments e Inversions. Invertir el espacio del cuadro al darnos una vista interna del mismo, luego devenimos en cifra; en dar una vista desde dentro siendo cifra. Se trata de una particular estética de los números que provoca desde y hacia un lugar del alma que cuantifica cada sensación. La vida humana medida en pinceladas, monedas, índices, grados. Sinceramiento financiero. Amor numérico. Los números no significan nada si no se les refiere a la vida humana. Pintarlos es un gesto que mira hacia todas las épocas del arte realista". Hartwig Lugo Rohde. $26,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,400-$2,160 84

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54 CECILIA BARRETO (Ciudad de México, 1985 - )

Is never enough 14 Firmado y fechado 2017 al reverso Acrílico y resina de polímero sobre tela sobre MDF 66 x 80.5 cm Con certificado de autenticidad de la artista. Exhibido en: "Happy markets", muestra individual presentada en Galería Luis Adelantado de noviembre del 2016 a enero del 2017. Es Maestra en Artes Visuales por la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM. Actualmente es becaria del programa BBVA BancomerMACG. En 2016 fue ganadora del primer lugar en el concurso Parámetro Arte Lumen 2ª edición. Ha obtenido la beca Adidas Border, así como la del programa Jóvenes Creadores del FONCA. Su obra ha sido seleccionada en certámenes como la XVI Bienal de Pintura Rufino Tamayo y obtuvo la Mención Honorífica en la 8ª Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce. Ha participado en más de 50 exposiciones colectivas, entre las que destacan "Fábulas sin moraleja. El desbordamiento de la corrupción en México" presentada en Casa del Lago en 2017, "Notas para una educación (económico-) sentimental" en el Museo Universitario del Chopo, "El futuro no está escrito" presentada en Palazzo Cinni dentro de la programación oficial de la 56 Esposizione Internazionale d' Arte de Venecia en 2015 y "Yo sé que tu padre no entiende mi lenguaje modelno" en el MUAC en 2014. "El nombre de la muestra 'Happy markets' abreva del efecto de personificación que, de manera recurrente, se hace del comportamiento de los mercados de capitales. Cada vez que se refiere el estado de ánimo con el que los mercados amanecen o cierran sus operaciones. En los trabajos que se presentan en esta exposición, Cecilia Barreto se ocupa de la visualidad relacionada con el capitalismo financiero. Las gráficas, los indicadores y otros signos de las principales entidades responsables de mediar estos intercambios son apropiados y reutilizados para levantar un cuestionamiento acerca del campo de representación que constituyen. Más allá, el proyecto se inscribe en una investigación acerca de la visualidad y sus relaciones con el poder, las tensiones entre realidad y virtualidad, así como la sensación de desconcierto que producen el modelo económico actual y sus formas de representación. La estrategia de la artista forma parte de una línea de investigación más amplia en la que se ha ocupado de los mecanismos de representación de la publicidad, las agencias informativas y los usos de internet en las protestas sociales de los últimos años. Sus inquietudes también se reflejan en la selección de materiales y las maneras de trabajarlos; en esta serie utilizó pintura automotiva, resinas y pinturas acrílicas, tal y como los artistas que en el siglo XX optaron por estas soluciones para visualizar una época industrial". Christian Gómez. $15,000.00-$26,000.00 M.N. USD $810-$1,400

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55 THOMAS LAMMERS (Cuernavaca, Morelos, 1980 - )

Sin título Firmada y fechada 17 Escultura en corian 1 / 3 52 x 65 x 65 cm Con certificado de autenticidad de galería Oscar Román firmado por el artista. Estudió la Licenciatura en Artes Plásticas en la Universidad de las Américas, Puebla. Ha exhibido su obra en México, Argentina, Estados Unidos, España y Cuba. En la obra de Thomas Lammers podemos apreciar su interés por crear un vínculo entre lo orgánico y lo industrial. En su proceso inicialmente traza formas intuitivas, que se perciben orgánicas y a la vez abstractas que fluyen de su mano para después someterlas a procesos industriales como los cortes en router o láser a materiales comúnmente utilizados en la industria de la construcción como el corian y el acero inoxidable. El contraste entre estos materiales caracterizados por su solidez y resistencia con las formas planteadas, resulta en un juego etéreo de superficies sólidas, sombras, espacios y vacíos. $70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,780-$5,400 86

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56 RAMSÉS OLAYA (Ciudad de México, 1981 - )

Flor punk, 2017 Firmada al reverso Hoja de oro sobre lino 150 x 115 cm La intención del artista es que la composición de esta obra permita que sea montada de manera vertical u horizontal, a gusto del coleccionista. Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, enero del 2017. Exhibida en: "Ramsés Olaya. I see you", presentada en Galería Alfredo Ginocchio de enero a febrero del 2017. Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en la ENAP. Su obra ha sido presentada en importantes ferias internacionales de arte como Zona Maco México, Pinta en Nueva York, arteBA en Argentina, Art Concept en Miami y Asia Contemporary Art en Singapur. "Flor punk" formó parte de la exposición "I see you", cuyo título remite al acto de contemplación que por mucho tiempo fue sinónimo de apreciación artística. En esta exposición, Ramsés Olaya abordaba la abstracción con tintes orientales, remitiendo a los mosaicos árabes y a los florilegios bizantinos a partir de la repetición y alteración de los elementos que ya había utilizado con anterioridad, que van desde formas reconocibles de la historia del arte hasta la cultura de masas. Fuente consultada: GARBULSKY, Javier. "Ramsés Olaya inaugura muestra en Galería Alfredo Ginocchio". México. Masaryk.TV, 25 de enero del 2017, www.masaryk.tv

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,870-$6,490

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57 FRANCESCA BLOMFIELD (Londres, Reino Unido, 1990 - )

Another type of rain, 2016 Sin firma Óleo sobre tela 45 x 45 cm Exhibido en: Chalton Gallery en Londres. Estudió Artes Visuales en el Chelsea College of Art and Design. Ha exhibido su obra en México y en numerosas ciudades del Reino Unido. Obtuvo el primer lugar en el concurso Barbican Arts Group Trust en 2016 y produjo en la Jerwood Painting Fellowship entre 2015 y 2016. Vive y trabaja en Londres. El trabajo de Francesca Blomfield se relaciona con la información visual proveniente del mundo que la rodea, ya sea a través de la experiencia cotidiana o a través de imágenes analógicas o digitales: limusinas, copas de vino, hiedra, luz de la luna, tallarines y cabello humano. Motivada por un interés continuo en la limitación de la pintura como objeto, Blomfield extiende a menudo los temas tangenciales de su trabajo agregando dimensiones. "Siempre pinto en formatos cuadrados. El cuadrado tiene un linaje modernista. Para mí, proviene de los pintores hard edge como Frank Stella. Cuando pienso en pintar siempre considero la interacción del color y la forma. Me entusiasma realmente esa parte de la historia y su enfoque pragmático. Para mí, la pintura es siempre la creación de un estado de ánimo o una atmósfera". Francesca Blomfield. Fuente consultada: EPPS, Philomena. "Applying systems: a conversation with Francesca Blomfield". Reino Unido. Jerwood Visual Arts, 2016, www.jerwoodvisualarts.org

$15,000.00-$25,000.00 M.N. USD $810-$1,350 88

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58 MANUEL CERDA (Ciudad de México, 1972 - )

Sin título, 2015 Acrílico sobre tela, incluye gafas anaglifo 198 x 203 cm Con certificado de autenticidad de Galería Enrique Guerrero, julio del 2017. Estudió la Licenciatura en Administración de Empresas en la UNAM y la Maestría de Teoría y Práctica de las Artes Plásticas Contemporáneas en la Universidad Complutense de Madrid y en La Esmeralda. Ha formado parte del Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA y ha obtenido becas para realizar estudios en el extranjero por parte del Programa de Intercambio de Residencias Artísticas del FONCA y de la Fundación / Colección Jumex. Ha presentado exposiciones individuales en ciudades como San Diego, Ciudad de México, Múnich, Copenhague y Palma de Mallorca. Su obra se ha exhibido en muestras colectivas en países como España, Japón, Bulgaria, Francia y Alemania. En su obra representa imágenes del mundo a través de texturas, a manera de camuflaje. El mimetismo se convierte en un instrumento para representar, un camaleón que cambia conforme se simboliza, se convierte en una herramienta pacífica de rebelión a favor de lo pictórico, una máscara estética de la realidad. Es una nueva forma de transgredir la tradición de la pintura en una dirección inversa del signo, la mimetización conceptual de las figuras es un proceso que articula el significado a través de diversas fisionomías y apariencias. La mímesis y el ver, se convierten en

procedimientos preformativos que actúan sobre el sentido al observar las texturas visuales en cada parte de la obra. En sus obras, un diseño colorido, llamativo y vistoso es intencionado para desviar la atención sobre los auténticos problemas, busca ocultarlos bajo unos dibujos amables y entretenidos. Se denuncia así el uso de la habilidad de escaparatista como uno de los resortes típicos de la sociedad del espectáculo, que se preocupa por iluminar y decorar de forma conveniente sus propios intereses. La ambigüedad de una pieza que a simple vista es algo decorativo, como un encaje, esconde una imagen fría y cruda. Mediante este tipo de trabajo, Manuel Cerda busca abolir las formas habituales de mirar y apuntalar la condición plástica de lo pictórico como materia en el sentido funcional y corpóreo, no como una derivación virtual o digital, sino por sí misma y así afirmar las posibilidades de la pintura de caballete ante los nuevos métodos. $180,000.00-$240,000.00 M.N. USD $9,730-$12,970 ESTO ES AHORA

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59 GAVIN RAIN

(Ciudad del Cabo, Sudáfrica, 1971 - )

Venus Firmada y fechada 2K+14 Acrílico sobre tela 150 x 150 cm Con certificado de autenticidad del artista, 2014. Estudió Arte y Neuropsicología en The University of Cape Town. Empezó a experimentar con el puntillismo en el año 2003, pero había pintado toda su vida. Reconoce que sus influencias son Seurat, el arte vanguardista ruso de principios del siglo XX y la obra de varios arquitectos, de hecho a una edad temprana su sueño era estudiar Arquitectura, en su obra ha logrado conjuntar sus dos intereses: el arte y las matemáticas. Ha presentado muestras individuales en ciudades como Dallas, Ciudad de México, Houston, Génova, Ámsterdam, Venecia, Ciudad del Cabo, Viterbo, Zululandia y Johannesburgo. En 2017 ha participado en ferias y exposiciones en Palm Beach, Nueva York, Ámsterdam y Maastricht. Sus pinturas han sido mostradas en importantes ferias de arte como The Armory Show, Art Wynwood, Zona Maco, Start Art Fair, Art Miami, PAN Amsterdam, entre muchas otras. Logró su celebrado estilo tras una serie de diferentes procesos de pensamiento. Mirando una fotografía tomada de la superficie de Marte por el Mars Global Surveyor notó que parte de la imagen estaba distorsionada, comprendió que eso no era sólo ruido, también era información y lo comprendió como un circuito que presentaba un cortocircuito por una razón, y que en el futuro ese ruido visual tendría la posibilidad de contar su propia historia. Otro factor que influyó en su proceso, fue que al observar una fotografía digital reflexionó en la cantidad de información que perdemos en las compensaciones por conveniencia. Digital significa "intervalo distinto". Todos esos tonos increíbles que se registraban en la fotografía análoga se han perdido y tal parece que a nadie le importa que se esté perdiendo esa cualidad. De este modo, empezó a desarrollar un estilo pictórico en el que pudiera enfatizar esta pérdida, ese espacio oscuro. Sus primeras exploraciones fueron sobre un fondo negro para describir este problema, pero finalmente llegó al estilo que permitiera presentar su perspectiva. Su proceso pictórico es lento y minucioso, sigue una serie de pasos en los que parte de una imagen que simplifica en zonas de luz y sombra, un método similar al de un grabador, esas zonas las trabaja entonces con capas de pintura en colores que sinteticen los valores tonales de esa sección de la imagen. De este modo, a la distancia, el ojo interpreta ese conjunto de colores como un todo. "Parte del mensaje de mi trabajo es acerca de la estética del close-up. La materia es más interesante cuando se aprecian los detalles de cerca. Nuestras vidas tienen muchas texturas y ruidos, sólo al retroceder podemos ver la influencia de las personas y las cosas en nosotros, los factores que nos han moldeado. Mi búsqueda intenta repetir esa sensación de manera simbólica en mis obras. Así, cada punto es de un tamaño y de un color diferente, la combinación de estos dos elementos crea la imagen". Gavin Rain. En esta obra, Gavin Rain recrea un fragmento de la icónica obra "El nacimiento de Venus" de Sandro Boticelli. Por medio de su perspectiva, nos comparte un acercamiento del rostro de la diosa romana del amor, la belleza y la fertilidad, que en esta obra fundamental de la historia del arte universal, luce radiante y llena de vitalidad, alegóricamente ilustra el misterio de nuestro nacimiento, así como la armonía entre la mente y el cuerpo. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.gavinrain.com

$400,000.00-$500,000.00 M.N. USD $21,620-$27,030

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60 MICHAEL CONRADS (Grevenbroich, Alemania, 1977 - )

Rubik city, 2014 Sin firma Mixta y collage de periódico y cinta adhesiva sobre lino 255 x 180 cm Con certificado de autenticidad de MARSO firmado por el artista. Con etiqueta de MARSO. Exhibida en: "Resueltos-Irresolutos", muestra individual presentada en MARSO en 2016 y en "Eye Around Matter", exposición colectiva presentada en MARSO en 2014. Michael Conrads vive y trabaja en Berlín, se graduó de la Universidad de Bellas Artes de Hamburgo. Ha presentado exposiciones individuales en importantes galerías y museos de México y Alemania. De manera colectiva lo ha hecho en Alemania, México, República Checa, Suiza, Francia, Bélgica, Irlanda, Reino Unido, Austria, Japón y Serbia. Ha realizado residencias de producción en The Fountainhead en Miami, "Sommerfrische" Bad Gastein en Austria y MARSO en la Ciudad de México. "Rubik city" fue creada como parte de la muestra "Resueltos-Irresolutos", que fuera el producto de seis meses de trabajo en el programa de residencias de MARSO. La exposición estaba planteada como un recorrido pictórico y espacial. La saturación en el lienzo de formas coloridas, entrelazadas en perspectivas isométricas, mutan en piezas abstractas y patrones repetitivos más aireados. Lo que prevalece en el amplio espectro visual de la obra de Conrads es la exploración de la percepción. Desde hace casi diez años, Michael Conrads visita constantemente México, fuertemente atraído por el misticismo de las prácticas chamánicas y el uso de sustancias alucinógenas como la mescalina por parte de algunos grupos indígenas. Asimismo, las novelas y películas de Alejandro Jodorowsky, la paleta de color de Mathias Goeritz, la arquitectura de Luis Barragán y la exuberancia de las piezas de Pedro Friedeberg, han sido algunas de sus fuentes de inspiración. Lugares como Las Pozas de Edward James en Xilitla y el propio caos de la Ciudad de México han tenido un profundo impacto en su obra. La estética mexicana se mezcla con efectos visuales que hacen referencia a la obra de Sigmar Polke o Gerard Richter. Las obras acabadas, siempre inconclusas, permanecen en devenir constante. Esto quizá se deba a la multiplicidad de referencias formales, hibridaciones visuales y técnicas, de las que se vale el artista en la creación de cada una de sus piezas. $280,000.00-$340,000.00 M.N. USD $15,140-$18,380 92

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61 HÉCTOR FALCÓN (Culiacán, Sinaloa, 1973 - )

Extracción modular constructiva, 2016 Firmado y fechado 2016 Acrílico, collage y ensamblaje de tela, papel, acrílico y metal sobre madera 50 x 50 cm cada uno Piezas: 4 Con certificado de autenticidad de Galería Enrique Guerrero firmado por el artista, marzo del 2017. Exhibidos en: "Interferencia", muestra individual presentada en Galería Enrique Guerrero de abril a junio del 2017. $150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,110-$10,810

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Estudió Diseño en la Universidad Continental, Artes Visuales en La Esmeralda y fue becado por la Universidad de Arte y Diseño de Kioto, Japón. Desde 1997 Héctor Falcón se ha interesado en la corporeidad, sus implicaciones y relaciones entre distintos sectores sociales: la ciencia, la tecnología y la moda, abordándolos a través de acciones e intervenciones a su propio cuerpo y en colaboración con voluntarios. Su obra forma parte de importantes colecciones en países como Japón, Estados Unidos, México y España. Estas obras pertenecen a una serie de piezas intervenidas, en las que los libros (otro tipo de cuerpos que Falcón disfruta intervenir), los objetos y las pinturas se convierten en instalaciones y esculturas. Son la marca de la evolución del trabajo que ha venido desarrollando a partir de la idea de interferir. Héctor Falcón sigue mostrando una actitud transgresora, pues el artista ha buscado a lo largo de su desarrollo creativo, escaparse de las fronteras del deber-ser y del saber-hacer. No es coincidencia que lo que presenta esta exposición conjugue con la marca emblemática que ha definido su trayectoria: la intención de corroer, interrumpir, interponer y transgredir.

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62 CARLOS AMORALES (Ciudad de México, 1970 - )

De la serie Mariposas negras, 2008 Firmada Litografía 11 / 50 114 x 88 cm Mariposas negras consta de cinco estampas diferentes impresas en Ediciones Polígrafa en Barcelona. La edición consta de 50 ejemplares numerados, cinco pruebas de artista AP, cinco Hors Commerce HC y dos pruebas de taller PT. Carlos Amorales es egresado de la Gerrit Rietveld Academie y de la Rijksakademie van Beeldende Kunsten de Ámsterdam, Holanda. Ha expuesto individualmente en importantes instituciones nacionales como el Museo Amparo, el Museo Tamayo y el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO), e internacionales como el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), el Contemporary Art Center de Cincinnati, el Hirshhorn Museum en Washington DC, el Cabaret Voltaire en Zúrich, entre otros. Sus obras forman parte de importantes colecciones como la del MoMA de Nueva York, la Colección Jumex, Tate Modern y Daros Latinoamérica. Este año fue invitado a desarrollar el proyecto para el pabellón de México en la 57ava. edición de la Bienal de Venecia, presentó "Life in the Folds / La vida en los pliegues", una muestra de carácter transdisciplinario que fue considerada entre los diez mejores pabellones de la bienal por la crítica especializada. A lo largo de su trayectoria, su producción artística ha trascendido los límites del dibujo, difuminando las fronteras entre el arte y el diseño. A través del cruce de diferentes soportes artísticos aborda cuestiones sociales, políticas y estéticas, así como la construcción de identidades y la tensión entre la realidad y ficción. Fuente consultada: MOTA, Melissa. "Perfil: Carlos Amorales, del archivo líquido al esplendor geométrico". México. Revista Código, febrero de 2015.

$30,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,620-$2,160 96

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63 CARLOS AMORALES (Ciudad de México, 1970 - )

De la serie Mariposas negras, 2008 Firmada Litografía P.T. 114 x 88 cm Mariposas negras consta de cinco estampas diferentes impresas en Polígrafa en Barcelona. La edición consta de 50 ejemplares numerados, cinco pruebas de artista AP, cinco Hors Commerce HC y dos pruebas de taller PT. “Black Cloud” es una instalación que Carlos Amorales desarrolló en 2007, consiste en 30 mil mariposas negras de papel pegadas a las paredes y el techo formando una especie de nube negra, ha tenido diferentes interpretaciones, según el espacio y la historia donde se ha exhibido alrededor del mundo. La pieza se ha presentado en ciudades como la Ciudad de México, Roma, París, Nueva York, Puebla, Arizona, Miami, Murcia, Toronto y Jerusalén, volviéndose una de las obras más icónicas de la obra de Amorales. Fuente consultada: “Carlos Amorales exhibe su ‘Black Cloud’ en Canadá”. México. Excélsior, 27 de septiembre del 2015.

$30,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,620-$2,160 ESTO ES AHORA

64 ERIKA HARRSCH (Ciudad de México, 1970 - )

Morpho Rhetenor. Imago. Country of origin Brazil, de la serie Object of desire Sin firma Fotografía, impresión por inyección de tinta, calidad archivo 3 / 6 63 x 70 cm Esta pieza fue fotografiada en el año 2005 e impresa en el 2015. Con certificado de autenticidad de la artista. Publicada en: sitio oficial de la artista www.erikaharrsch.com Harrsch vivió y trabajó en varias ciudades de todo el país, así como en Italia, Alemania y Brasil; durante los últimos catorce años ha vivido y trabajado en Nueva York. Se ha definido como una artista multidisciplinaria, empleando tanto técnicas tradicionales como nuevos medios y tecnologías para articular sus conceptos e intereses. Para desarrollar los aspectos formales de su propuesta y lenguaje ha investigado diversos campos para lograr experiencias visuales, multisensoriales e interactivas, así como una reflexión integral sobre el cuerpo, la identidad, el espacio que nos define y el que deseamos, los límites y la vertiginosa libertad que conduce a una migración corpórea e ideológica continua. Durante los últimos años, Erika Harrsch ha incluido la investigación entomológica como parte de su trabajo, utilizando las mariposas como metáfora de temas como el género, la identidad, la migración, la nacionalidad y la relación que los seres humanos tienen con su propia naturaleza y fragilidad. Su obra ha participado en ferias y bienales en Polonia, China, Estados Unidos, Corea del Sur y México. Su trabajo ha sido mostrado en exposiciones individuales y colectivas en galerías y museos de América, Europa y Asia. Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.erikaharrsch.com

$60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,240-$4,320 98

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65 ERIKA HARRSCH (Ciudad de México, 1970 - )

Papilio Rumanzovia. Imago. Country of origin Malaysia, de la serie Object of desire Sin firma Fotografía, impresión por inyección de tinta, calidad archivo 3 / 6 63 x 70 cm Esta pieza fue fotografiada en el año 2005 e impresa en el 2015. Con certificado de autenticidad de la artista. Publicada en: sitio oficial de la artista www.erikaharrsch.com El proyecto “Imagos” propone una interpretación de las mujeres como objetos de deseo, un concepto que involucra representaciones del cuerpo, afectos y experiencias psicológicas y sociales. La búsqueda de la mujer por su propio deseo y por ser deseada es esencial para la construcción de su identidad y el desarrollo de la personalidad, unión del sexo y la psique. En la antigua Grecia, la psique, que se refería tanto al alma como a la mente, estaba representada como una mariposa. En latín, Imago es una imagen mental idealizada del otro o del yo, pero es también un término que refiere a un insecto que ha llegado a su fase adulta una vez finalizado el proceso de metamorfosis. Centrándose en la mariposa como un ícono visual y metáfora para la mujer, la serie consiste en imágenes de diferentes especies de Lepidoptera fusionadas digitalmente con una vulva en el centro de las alas. Cada mujer y cada espécimen tienen el mismo país de origen y fueron fotografiadas en la ciudad de Nueva York. A lo largo del proceso muchas conversaciones y revelaciones enriquecieron la investigación del proyecto y plantearon cuestiones sobre las experiencias transformadoras de la migración, la sexualidad y la individualidad, y sobre los valores relacionados con la diversidad étnica y el patrimonio cultural e ideológico. Las fotografías resultantes son una nueva forma de retrato que revela y expone las características más privadas y ocultas mientras que la fisonomía reconocible y la identidad de cada mujer permanecen sin identificar. Las fotografías de “Imagos” han sido expuestas internacionalmente en museos y galerías en Santiago de Chile, Ámsterdam, Nueva York, Alepo, Charleroi, Yeosu, Monterrey, Houston, Ciudad de México, São Paulo y Londres. Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.erikaharrsch.com

$60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,240-$4,320

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66 FELIPE EHRENBERG

(Tlacopac, Ciudad de México, 1943 - Cuernavaca, Morelos, 2017)

6 Toneladas: Chuleta de res hasta agotar existencias Firmada y fechada 76 Acuarela y tinta sobre papel 39 x 27.2 cm Ehrenberg se consideraba a sí mismo cronista, político, diplomático, activista y profesor, pero ante todo fue un pintor y escultor mexicano, explorador y navegante del mundo contemporáneo. Su aprendizaje visual comenzó con la inspiración del muralista José Chávez Morado, los escultores Feliciano Béjar y Mathias Goeritz. Durante tres años escribió en la revista Mexico City Times con el seudónimo de "Montenegro". A finales de los años 60 representó a México en exposiciones y ferias de arte en Texas, Nueva Jersey y Argentina. Posteriormente, se exilió a Inglaterra donde fundó con algunos colegas el colectivo Beau Geste Press / Libro Acción Libre, dedicado a presentar el trabajo de importantes poetas y artistas visuales experimentales conectados a Fluxus. En 1979 fundó H2O Talleres de Comunicación, colectivo que durante 10 años dirigió la creación de más de 500 pequeñas comunidades y grupos de comunicación y cerca de 1,100 murales colectivos en México. La obra de Felipe ha sido expuesta en el Museo de Arte Moderno en México, MOLAA en Los Ángeles y la Pinacoteca de São Paulo en Brasil. Fuente consultada: MORENO, Concepción. "Felipe Ehrenberg: el arte en su versión anarquista". México. El Economista, 6 de junio de 2012.

$18,000.00-$26,000.00 M.N. USD $970-$1,400 100

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67 KRAKEN

(Ciudad de México, 1980 - )

Sin título Firmada Tinta sobre papel 111 x 75 cm Con certificado de autenticidad del artista. Exhibida en: "Haunted Hunted (Poseído Desposeído)", exposición conjunta de Kraken y Mirjam presentada en Vértigo Galería, septiembre a noviembre del 2016. Ricardo García, mejor conocido como Kraken, es artista, diseñador gráfico e ilustrador. Actualmente se desempeña como director de arte de Buró Negro Creativo. Ha exhibido su obra en numerosas muestras colectivas e individuales en México y Estados Unidos. En su trabajo hace converger estas disciplinas creativas, produciendo imágenes para publicidad masiva y proyectos de diseño e intervenciones artísticas para marcas; se ha dado a conocer por sus colaboraciones en el ámbito del diseño y la música, trabajando con importantes agrupaciones como Metallica, Primus, She Wants Revenge, Scorpions y Black Sabbath. Este año fue convocado por Universal Pictures para realizar el arte conmemorativo por el estreno en México de la película "The Mummy". "En las primeras notas, fantasmas, espíritus, almas, emociones vueltas animal y a su vez animales vueltos emociones rindiendo culto a divinidades desconocidas, primitivas con las almas convertidas en cuervos y la ansiedad convertida en ojos. Lo emocional vuelto animal, lo etéreo convertido en salvaje". Kraken. Fuentes consultadas: "Kraken. Ánimas", texto de la exposición presentada en Upper Playground Condesa en el 2011.

$26,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1400-$2,160 ESTO ES AHORA

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68 RAFAEL CAUDURO (Ciudad de México, 1950 - )

Sin título Firmado y fechado 10-9-96 Lápiz de grafito sobre papel 40 x 29.4 cm Cursó estudios superiores de Diseño Industrial en la Universidad Iberoamericana. En 1976 presentó su primera exposición individual en la Casa del Lago y desde entonces sus obras han recorrido importantes museos y galerías de México y el mundo. Actualmente es uno de los pintores mexicanos más reconocidos a nivel internacional. "Descubrí en 1975, a través de una intuición, que yo era pintor. A partir de ese momento en que asumí mi vocación, fue cuando cambió mi vida, incluso la forma de verla […] Para que verdaderamente te sientas vivo debes seguir asombrándote con la pintura que haces. Si no haces divorcios con tu propio arte, te empiezas a aburrir terriblemente". Rafael Cauduro.

Fuentes consultadas: VENEGAS, Ricardo. "Estética de la erosión." México. La Jornada Semanal, 3 de enero del 2010 y ALMELA, Ramón. "Pictoespacio y técnica en Rafael Cauduro". México. Criticarte revista de crítica de arte en Puebla, enero del 2001.

$30,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,620-$2,160

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69 RAFAEL CAUDURO (Ciudad de México, 1950 - )

Tres planos y un mismo tema Firmado y fechado 83 Grafito, acrílico, tinta y lápices de color sobre papel 60 x 47 cm medidas del dibujo, 71 x 60 cm medidas totales "Confrontar la creación de Rafael Cauduro es sentirse involucrado en el espacio de la obra. Lo consigue por dos medios, su realismo y su concreción espacial. Cauduro se mantuvo en los años setenta pintando figuración cuando esto en México suponía un pecado mortal, según él mismo confiesa. La ideología y propuestas abstractas eran un dogma entonces, pero él creyó intensamente en lo que hacía. Su obra siguió una evolución expansiva de la pintura afirmando un nuevo espacio, un pictoespacio". Ramón Almela. Fuente consultada: ALMELA, Ramón. "Pictoespacio y técnica en Rafael Cauduro." México. Criticarte Revista de crítica de arte en Puebla, enero del 2001.

$65,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,510-$4,870

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70 JUAN DE DIOS

(Monterrey, Nuevo León, 1986 - )

Composición en rojo Firmado y fechado 2017 Collage, acrílico, tinta y acuarela sobre papel 33 x 26 cm, medidas considerando el marco que es parte de la obra Con certificado de autenticidad del artista. Realizó la Licenciatura en Artes Visuales en la Universidad de las Américas, Puebla y en la Academy of Art University en San Francisco, California. En 2011 obtuvo el primer lugar en el Academy of Art University Annual Spring Show. Ha exhibido de forma individual y colectiva en México y Estados Unidos. “Mi trabajo siempre se ha enfocado en los conceptos de tiempo y espacio, esos pequeños momentos que forman nuestras vidas: niñez, adolescencia, primeros amores, primeros corazones rotos, primeros triunfos, viajes y personas memorables; como un collage, todos somos un conjunto de piezas bien pegadas, otras arrancadas y partes que se empalman, básicamente de eso se trata este viaje en el que todos estamos abordo. Las piezas que desarrollo actualmente son retratos en técnica mixta con trazos rápidos e intuitivos, enfatizando lo efímero de nuestras vidas". Juan de Dios. $12,000.00-$20,000.00 M.N. USD $650-$1,080 104

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71 RIGEL HERRERA (Guadalajara, Jalisco, 1975 - )

I'm on the hunt down Firmado y fechado 17 al frente y al reverso Óleo y hoja de plata sobre tela 120 x 140 cm Con certificado de autenticidad de la artista. Rigel estudió la Licenciatura en Artes Plásticas en La Esmeralda. En 1996 fundó La Masmédula galería. En 2000 recibió Mención Honorífica en el Salón Internacional de Artes Plásticas de Barcelona. Ha participado en más de 80 exposiciones en museos y galerías de México, Estados Unidos, Francia, Irlanda y Japón. Su trabajo está enfocado en la figura femenina presentada de forma sensual, con poses y acciones atractivas y eróticas que dejan el deseo a la imaginación. Burning the ground I break from the crowd I'm on the huntdown I'm after you Scent and a sound I'm lost and I'm found [...] Duran Duran, Hungry like the wolf, 1982. $70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,780-$5,400

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72 KEKE VILABELDA (Valencia, España 1986 - )

White Wall, de la serie Overwrite, 2017 Firmado y fechado 2017 al reverso Acrílico, pintura en aerosol y transfer sobre tela 90 x 60 cm Con certificado de autenticidad de Galería Karen Huber. Exhibido en: "Overwrite series", muestra individual presentada en Galería Karen Huber en febrero del 2017. Es egresado de la Facultad de Bellas Artes de San Carlos (Universidad Politécnica de Valencia) y cuenta con un Máster en Bellas Artes del Central Saint Martins College of Art & Design de Londres. Entre sus exposiciones individuales destacan Flow en la Kir Royal Gallery en Valencia, España en 2016, "Acid-House" en Plecto EAC en Medellín, Colombia en 2016 y "Brand New Ruins" en Rodríguez Gallery en Poznan, Polonia en 2015. Colectivamente ha participado en más de treinta exposiciones a nivel internacional. La obra de Keke Vilabelda parte de una investigación casi arqueológica del paisaje urbano contemporáneo. El registro y la interpretación que hace de su entorno nos hace reflexionar sobre nuestro hábitat y sobre su posible atractivo visual. A través de distintas técnicas que podrían estar más relacionadas con procesos de la gráfica industrial, crea una pintura cargada de contrastes, matices y texturas. La apariencia, a veces más fotográfica que pictórica de la obra, se debe a la utilización de materiales poco comunes, como lienzo sintético y laca, además de las técnicas utilizadas como el frotagge y el gratagge. Las obras, cargadas de una gestualidad implícita, crean un paisaje de apariencia abstracta ‒y de alguna manera ficticia‒ que en realidad es un registro objetivo y concreto del registro urbano. Jugando con esta dicotomía entre lo real y lo ficticio, entre lo abstracto y lo concreto, la obra de Vilabelda nos invita a entender la pintura desde su materialidad hasta su capacidad de registro y memoria. $20,000.00-$30,000.00 M.N. USD $1,080-$1,620

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73 CECILIA PAREDES (Lima, Perú, 1950 - )

Corinthians, 2014 Fotografía, impresión digital 3 / 7 120 x 120 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, julio del 2017. Es llamada la "Maestra Camaleón", pues maneja con maestría el arte del camuflaje. Con sus fotoperformances, la artista transforma su cuerpo en paisaje e imagen para reflexionar sobre temas como el arraigo, la memoria, el desplazamiento, la migración, la adaptación y la identidad. Mismos que ella conoce muy bien pues a lo largo de su vida ha vivido en distintos países como Perú, Costa Rica, México, Italia y Estados Unidos, y en cada uno ha tenido que adaptarse. "Parte de lo que nos hace humanos es nuestra capacidad de ver más allá de la estrecha puerta a través de la cual entramos al mundo, esto nos permite crecer más allá de nuestra cultura madre, reconociendo otras culturas, otras formas de vida. Sin embargo, nuestra cultura natal siempre estará grabada en nosotros; el misterio de la identidad nunca será completamente resuelto. Siempre perteneceremos a un tiempo y lugar al que nunca podremos regresar". Cecilia Paredes. Fuente consultada: DÍAZ, Doriam. "Cecilia Paredes, alquimista del paisaje y la imagen". Costa Rica. La Nación, 18 de septiembre del 2016.

$200,000.00-$260,000.00 M.N. USD $10,810-$14,050

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74 MARISOL PLARA (Estado de México, 1989 - )

Transvivencial Firmado y fechado 16 Óleo, acrílico y aerosol sobre tela 120 x 88 cm Con certificado de autenticidad de la artista. Exhibido en: "Digital Opalus", exposición individual presentada en GB Gallery en 2017. Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en la Facultad de Arte y Diseño. En 2013 cursó el programa de Maestría en la misma institución, dentro del cual realizó una estancia de investigación en la Universidad Complutense de Madrid. Ha presentado exposiciones individuales en México, Estados Unidos y España. Fue seleccionada en la convocatoria "ExposicionesTAB" en Madrid, así como para la Cátedra Extraordinaria "Ciudad de Albacete" a cargo del maestro Antonio López. "La pintura es un conjuro visual y específico que convoca a la belleza, la cual emana del conocimiento contenido en la morfología de la naturaleza. El placer que conduce a la acción es el eje que direcciona y sustenta mi práctica artística; el cuerpo en el tiempo es tan orgánico como lo describe su apariencia estática, las curvas de la estructura nanométrica y fisiológica se reproducen en movimiento, trayectorias que se registran en pinceladas por medio de aceites y pigmentos, líquidos orgánicos que estructuralmente contienen conocimiento puro, sabiduría sin observación, sin traducción, sin representación, sin lenguaje, creación desde la estructura para hacer visible el conocimiento intrínseco a ella". Marisol Plara. $20,000.00-$30,000.00 M.N. USD $1,080-$1,620 108

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75 KYLLA PIQUERAS (Lima, Perú, 1979 - )

Organica divinorum III, 2016 Sin firma Mixta sobre tela en caja de luz 72 x 78 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, julio del 2017. De formación autodidacta, Kylla Piqueras ha explorado distintas disciplinas artísticas como las artes plásticas, el diseño, la danza y el performance, entre otras. A los 23 años, Kylla decidió mudarse a Los Andes junto con su familia. El contacto con la naturaleza la hizo desprenderse de todo aquello que sabía y dar paso a la creación usando nuevas técnicas y materiales tradicionales andinos generando así un diálogo entre lo ancestral y contemporáneo. Actualmente y ya de vuelta en la capital peruana, la artista crea en sus obras diseños y patrones que retoma de distintas culturas como la andina, amazónica, india o japonesa, una realidad más entusiasta, luminosa y feliz. Kylla Piqueras menciona que le basta con que al menos una persona que mire su obra, alcance a recibir esa fuerza vital que ella deja en cada una. Su obra fue seleccionada en el 2014 en el VI Concurso Nacional de Pintura del Banco Central de Reserva del Perú. Ha presentado su obra en exposiciones colectivas e individuales en ciudades como Lima, Cusco, São Paulo, Ciudad de México, Shanghai y Beijing.

Fuentes consultadas: sitio oficial de la artista: www.kyllapiqueras.com y CHAVEZ YACILA, Rosa. "Kylla Piqueras: en la búsqueda de un lenguaje perdido en Art Lima". Perú. El Comercio, Art Lima Feria Internacional de Arte, 19 de abril del 2016.

$65,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,510-$4,320 ESTO ES AHORA

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76 ROBERTO FLORES (Ciudad de México, 1980 - )

El origen de las cosas Firmados y fechados 17 al reverso Acrílico sobre papel tornasol 47.7 x 35 cm cada uno Piezas: 3 Todos con certificado de autenticidad del artista. Roberto Flores es un artista visual que vive y trabaja en la Ciudad de México. Estudió la Licenciatura en Diseño Gráfico en la Universidad Nacional Autónoma de México. Antes de enfocarse en las artes visuales desarrolló una amplia trayectoria en el mundo de la ilustración. Su trabajo ha sido expuesto en México, Estados Unidos, Inglaterra, Alemania, Italia, Serbia y Croacia. $16,000.00-$26,000.00 M.N. USD $870-$1400

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"La conciencia humana procesa sólo una fracción de las más de diez millones de percepciones sensoriales que actúan sobre nosotros en un segundo. El subconsciente, sin embargo, es capaz de procesar millones de veces más información. A momentos, lo hace de manera tan precisa que podemos llegar a beneficiarnos de aquellas decisiones que tomamos de manera inconsciente. Nuestra intuición, esa capacidad humana de reconocer relaciones complejas sin hacer uso de la comprensión discursiva, es uno de los fundamentos de los procesos de trabajo creativos. ‘El origen de las cosas’ es un intento por transformar ese momento del reconocimiento intuitivo, que precede a la producción artística, en un proceso consciente hasta su materialización en las obras que forman parte de la muestra. En esta reciente serie de obras, Roberto Flores toma como referencia justamente aquellas situaciones, objetos y textos, con los que se topa en su cotidianeidad y a partir de cuyo encuentro lo ocupan e influencian su trabajo artístico. Son ellos los que sirven de fuente de inspiración y de punto de partida a su quehacer creativo. Esa manifestación da pie a una comprensión desde aquellos criterios esenciales para la obra del artista: la selección, la abstracción y la reducción". Annika Hirsekorn. Fuente consultada: HIRSEKORN, Annika. "El origen de las cosas", texto para la muestra presentada en galería Breve en agosto del 2017.

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77 ROBERTO FLORES (Ciudad de México, 1980 - )

Me sabía las respuestas, pero me cambiaron las preguntas, 2017 Sin firma Acrílico sobre papel, políptico de 80 piezas enmarcadas juntas 58 x 72.5 cm Con certificado de autenticidad del artista. En su quehacer artístico aborda temas como la cultura pop, el dibujo como herramienta multidimensional, las conexiones no aparentes en la sociedad y la transferencia del ser y estar a lo material. Sus obras abarcan exploraciones hacia lo siniestro, lo invisible, lo oculto e inadvertido, la yuxtaposición y lo metafísico. $8,000.00-$12,000.00 M.N. USD $430-$650 112

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78 JUAN MIGUEL CARRANZA (Ciudad de México, 1983 - )

The tiredness, de la serie El don de la sangre, 2017 Firmada al reverso Gráfica digital sobre lámina de aluminio 1 / 5 56.5 x 100 cm La intención del artista es que la composición de esta obra permita que sea montada como se muestra ilustrada o a un giro de 180°, a gusto del coleccionista. Con certificado de autenticidad del artista, agosto del 2017. Exhibida en: "El don de la sangre" muestra presentada con el colectivo la Mafia de la Basura "Die Gabe DESBlutES , die MÜllMafia" en Palast Galerie, Berlín en marzo del 2017 y en "Nueva abstracción, muestra colectiva presentada en Galería 66-5, Ciudad de México en junio del 2017. Es egresado de la Licenciatura en Artes Visuales de La Esmeralda. Actualmente, además de desarrollar su propuesta visual, es agente activo en Galería 66-5 y participa en distintos colectivos como VJ, con la producción de video con mezcla e improvisación en vivo. Ha presentado su trabajo en múltiples exposiciones en México y Alemania. Su trabajo consiste en manipular máquinas reproductoras de imágenes de uso común, tales como impresoras, fotocopiadoras, escáneres, cámaras fotográficas y computadoras, con la finalidad de encontrar errores de desempeño durante su funcionamiento. Esta búsqueda comenzó desde un plano totalmente vivencial, trabajó en un centro de fotocopiado, un trabajo en donde podría parecer que sólo podía existir la monotonía y que se convirtió para él en un laboratorio de experimentación. Juan Miguel Carranza considera la aberración como un proceso de identificación psicológico y un medio para entablar nuevos puentes de comunicación entre las máquinas y el usuario, generando como resultado un lenguaje por medio de abstracciones que permite explorar la infinidad que separa y relaciona la nada con el todo, por medio de la deconstrucción de la imagen. "Considerar el concepto de error como soporte y metáfora en mi proceso creativo ha derivado en la serie 'El don de la sangre', que tiene como finalidad la exploración del proceso de auto sabotaje como patología en la psique del individuo, reflejado en las máquinas y sus errores, además de reflexionar sobre las condiciones laborales que marginan al trabajador que afectan e influyen en su estado anímico y la representación visual de una libertad por medio del error digital". Juan Miguel Carranza. $14,000.00-$20,000.00 M.N. USD $760-$1,080

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79 IVÁN VILLASEÑOR (Ciudad de México, 1972 - )

Jardín ácido 1 Firmado al reverso Acrílico sobre papel 47 x 33 cm Con certificado de autenticidad del artista. Estudió la Licenciatura en Artes Plásticas en La Esmeralda, en los últimos años ha tomado diversos talleres literarios con autores como Eusebio Ruvalcaba, Adriana Tafoya e Israel Miranda. Ha recibido diversos reconocimientos a lo largo de su trayectoria, como la beca del programa Jóvenes Creadores del FONCA y el premio de la VI Bienal de Dibujo y Estampa Diego Rivera. Ha presentado su obra en numerosas exposiciones colectivas e individuales en México y España, destaca "Edén Tóxico", exhibición individual con la curaduría de Carlos Ashida para el XXXVII Festival Internacional Cervantino. Actualmente desarrolla el cómic "El ojo del ermitaño" para la editorial Dark Horse Comics, mismo que será presentado en Comic-Con International: San Diego en 2018. $10,000.00-$15,000.00 M.N. USD $540-$810 114

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80 FRANCISCO MUÑOZ (Texóloc, Tlaxcala, 1986 - )

a) Personaje con póstulas, de la serie Chamanes et divinités b) Máscara antropomorfa I, de la serie Chamanes et divinités d c) Máscara antropomorfa II, de la serie Chamanes et divinités d) Personaje con aspecto de felino y serpiente, de la serie Chamanes et divinités Firmados y fechados 2017 al reverso Papel trazo y collage sobre fibracel a), b) y c) 20.4 x 20.4 cm cada uno d) 30 x 25 cm Piezas: 4 Con certificado de autenticidad del artista. Exhibidos en: "New Creators Exhibition", presentada en Galerie Knoth & Krüger en Berlín en junio del 2017. Estudió en La Esmeralda, posteriormente en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Lyon, Francia. El dibujo es la base de su desarrollo artístico, sin embargo, también experimenta con la fotografía, instalación y cortometraje. Ha realizado exposiciones individuales como “Complex Antiform”, presentada en Oficina de Arte, Ciudad de México, “Coatlicue U.F.O. Regresa a Casa” en Casa del Artista, Tlaxcala y “Atentado Internacional” en el Centro Cultural Atarazanas en Veracruz. Además ha participado en exposiciones colectivas en México, Reino Unido y Francia. Su obra fue seleccionada en la XVI Bienal Nacional de Pintura Rufino Tamayo, en 2014 obtuvo el Premio Tlaxcala de artes visuales en la categoría de pintura y fue artista residente en la Fundación Jumelage Martel en Francia. $20,000.00-$30,000.00 M.N. USD $1,080-$1,620 ESTO ES AHORA

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81 IVÁN VILLASEÑOR (Ciudad de México, 1972 - )

Jardín ácido 2 Firmado al reverso Acrílico sobre papel 47 x 33 cm Con certificado de autenticidad del artista. Los intereses primordiales de Iván Villaseñor siempre han sido la poesía, la ficción y el misterio. Para la serie "Jardín ácido" se inspiró en elementos tan diversos como la artesanía, la contracultura y los mundos paralelos; sus elementos formales principales son el color, desarrollado a partir de una reiteración puntillista y la terapia del silencio. Estas piezas abstractas son una especie de descanso para el autor de la saturación figurativa que ha prevalecido en su obra. $10,000.00-$15,000.00 M.N. USD $540-$810

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82 YUI KUGIMIYA (Tokio, Japón, 1981 - )

Clock, 2016 Firmado y fechado 2016 al reverso Óleo sobre tela 56 x 43 cm Con certificado de autenticidad de Galería Enrique Guerrero firmado por la artista, julio del 2016. Exhibido en: "Naked Table", exposición individual presentada en Galería Enrique Guerrero de julio a septiembre del 2016. Yui Kugimiya realizó estudios de arte en la Universidad de Yale en New Haven y en el Massachussets College of Art en Boston. Ha participado en múltiples exposiciones individuales y colectivas alrededor del mundo, especialmente en México, Estados Unidos y Japón. Su trabajo ha mostrado una evolución con el paso de los años, partiendo de la realización de animaciones en stop motion hechas con sus propias telas, a la pintura abstracta. Sus obras pertenecen a las colecciones del MoMA y Everson Museum of Art en Nueva York, al igual que a otras importantes colecciones privadas. "Naked table" fue una exhibición para la que Yui Kugimiya creó pinturas que contenían elementos dibujísticos y abstractos. Los colores están cargados con energía y tensión; mientras que algunas áreas del lienzo son dejadas vacías. Las pinturas sugieren momentos de inversión en donde las áreas sin pintar consideradas como áreas negativas se convierten en áreas positivas. La artista plantea una metáfora al experimentar la idea de la presencia y la nada. $60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,240-$4,320 ESTO ES AHORA

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83 DAMIEN HIRST (Brístol, Reino Unido, 1965 - )

Methylamine 13c, 2015 Firmada al reverso Serigrafía con polvo de diamante 44 / 100 84 x 68 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, julio del 2017. Hirst es considerado el "chico malo" del arte británico, ha causado una gran polémica con sus controversiales animales flotando en enormes acuarios de vidrio en formaldehído, armarios repletos de diamantes, pinturas con puntos, pinturas con mariposas pinchadas con alfileres debajo de un vidrio y sobre todo cuando en 2008 decidió dejar de lado a sus marchands y apostar por vender en subasta una colección de 223 obras de su autoría. Su obra refleja la dualidad de la experiencia humana sumergida entre la vida y la muerte, la belleza y la decadencia, el deseo y el miedo, el amor y la pérdida. Conocidas como Spot Paintings y Spot Prints, las composiciones de puntos se encuentran entre las obras más reconocidas de Hirst. En 1988, durante la última etapa de su proyecto "Freeze", Hirst pintó dos composiciones casi idénticas de manchas de color en las paredes de un almacén, tituló a estas obras "Edge" y "Row". Estas pinturas seguían la línea compositiva que había explorado desde 1986, algunos puntos sueltos pintados a mano sobre tablas y dio lugar al primer trabajo sobre lienzo Untitled (with Black Dot), también de 1988, única pintura de la serie "Pharmaceutical" en la que incorporó un punto negro. Tras "Freeze", Hirst comenzó a perfeccionar su proceso creativo, empleó a ayudantes para crear las pinturas lo más perfectas posibles, al punto de que parecían haber sido realizadas mecánicamente o "por una persona tratando de pintar como una máquina", eliminando cualquier posible evidencia física de la intervención humana. La transición de este concepto a las técnicas gráficas fue, por ende, algo natural en relación al concepto que exploraba. Los títulos de estas obras los toma arbitrariamente del catálogo "Bioquímicos de investigación y diagnóstico reactivos" de la empresa química Sigma-Aldrich, un libro con el que Hirst se tropezó en la década de 1990, y sugieren un contenido representacional: drogas farmacéuticas que actúan sobre el comportamiento humano. La composición a manera de retícula está relacionada con algunos de sus famosos trabajos de gabinetes con cajas, frascos de medicinas y pastillas minuciosamente alineados. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.damienhirst.com

$340,000.00-$400,000.00 M.N. USD $18,380-$21,620 118

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84 TIM ALLEN

(Manchester, Reino Unido, 1950 - )

Blaze (For N.F.) Firmado y fechado 2002 al reverso Acrílico sobre tela 75 x 133 cm Estudió en la University of Newcastle upon Tyne y en Goldsmiths. Desde 1968 ha expuesto ampliamente en el Reino Unido y Europa. En 2012 fue acreedor al Highly Commended, Norvill Art Prize. Ha realizado residencias de producción en Sídney, Glasgow y Hong Kong. Su obra se encuentra en importantes colecciones públicas y privadas. Vive y trabaja en Londres. "Durante los últimos seis o siete años mi obra ha intentado reunir un número de elementos formales disparatados y a veces contradictorios o temas que hayan aparecido en mi trabajo en los últimos cuarenta y cinco años. Espero que las pinturas sean más que la suma de las partes y que generen una respuesta extensa en quien las vea, tanto emocional como intelectual. No quiero limitar esta respuesta al tratar de definir su 'contenido' de manera demasiado rígida". Tim Allen. Fuente consultada: sitio del Fine Art Professional Doctorate Showcase de la University of East London www.profdocfineartuel.weebly.com

$30,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,620-$2,160

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85 ANDRÉS FELIPE CASTAÑO (Bogotá, Colombia, 1986 - )

Nero, 2016 Sin firma Lápiz y pastel sobre papel 65 x 53 cm Con certificado de autenticidad de Galería Karen Huber. Es egresado de la Academia Superior de Artes de Bogotá, Maestro en Artes Visuales por la UNAM e integrante del programa educativo SOMA en la Ciudad de México y del CAPACETE en Río de Janeiro. Ha realizado residencias artísticas en TEOR/éTica en San José de Costa Rica y en Nordic Artist’ Centre Dale en Noruega. Ha participado en diversas exposiciones tales como “Imago Mundi” en la Fundación Giorgio Cini, Venecia, Italia; “Salón de Arte Joven” en la Fundación Gilberto Álzate Avendaño, “Bienal de las Fronteras” en el Museo de Arte Contemporáneo de Tamaulipas, “El fuego y el borrego” en Ex-teresa Arte Actual y “I Bienal de Arte Contemporáneo” de Cartagena. Su obra se ha presentado en importantes ferias de arte internacionales como ARTBO en Bogotá. Castaño aborda la idea de la imagen como vehículo principal de la información histórica. A partir de ahí, analiza de qué manera esas imágenes proporcionan una idea distorsionada de la realidad, y en qué medida eso afecta nuestra manera de entenderlo. También desarrolla ideas sobre los mitos que construyen la sociedad actual latinoamericana, haciendo piezas que indican diferentes relaciones entre la economía y la política de los mercados emergentes. Esta obra forma parte de un proyecto en el que el artista indaga sobre el original en la obra de arte y su reproducción masiva a través de distintos dispositivos, la forma en que nos acercamos a las obras de arte a partir de diferentes soportes como lo es el impreso e incluso el virtual. La pintura es fiel al modo de reproducción, enfatizando la unidad que compone las imágenes en los libros, el punto se convierte en el elemento principal de la composición. Genera cuestionamientos a los modos de recepción, exhibición y circulación del material artístico. Otra obra de este proyecto fue seleccionada en la XVII Bienal de Pintura Rufino Tamayo en 2016. $60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,240-$4,320

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86 JAVIER PULIDO SHERWIN WILLIAMS (Ciudad de México, 1980 - )

This is not art #5, 2017 Firmado en el canto Óleo sobre tela 160 x 133.5 cm Con certificado de autenticidad del artista Javier Pulido se inició en el oficio de la pintura a los 12 años. Su formación pictórica es el resultado de una continua exploración de los grandes maestros mediante la reproducción de obras para el mercado de la decoración. Esta situación lo llevó a buscar un enfoque diferente a los medios tradicionales, por lo que decidió estudiar la Licenciatura en Artes Visuales en La Esmeralda. Ha presentado su obra de forma individual en importantes recintos como el Museo Universitario de Arte Contemporáneo MUAC, Ex Teresa Arte Actual, galería Arena México Arte Contemporáneo, galería Jesús Gallardo en León, Guanajuato dentro del Festival Internacional Cervantino, entre otros. Pulido ha creado varios alter egos que crean y firman sus propuestas interdisciplinarias: Patrick Mallow, MonsterTruck!!! y Sherwin Williams. "This is not art" es una serie de piezas pictóricas que proponen una reflexión acerca de los procesos de valoración y legitimación del arte contemporáneo; sobre sus clichés, vicios y estigmas. Un juego utópico, irónico y maniqueísta donde lo mismo se anula y se legitima la potestad significante, integrando dos fórmulas en apariencia opuestas y discordantes. $120,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,490-$10,810 122

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87 PEDRO VAZ

(Maputo, Mozambique, 1977 - )

Sin título Firmado y fechado 2017 al reverso Acrílico sobre madera 122 x 174 cm Con certificado de autenticidad de Galería Enrique Guerrero firmado por el artista, junio del 2017. Exhibido en: "Superstition wilderness", exposición individual presentada en Galería Enrique Guerrero de junio a julio del 2017. Estudió la Licenciatura en Artes Plásticas en la Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa. Desde el 2005 ha realizado diversas exposiciones individuales en museos y galerías de Lisboa y Brasil. Entre 2011 y 2016 participó en diferentes festivales y bienales de arte en Europa. Su producción artística se basa principalmente en la pintura, la instalación y el video. En cada obra reflexiona los contextos arduamente, en ocasiones sus investigaciones lo llevan a prácticas de campo y sus proyectos incluyen tours. Para las piezas de la exposición “Superstition Wilderness”, Pedro Vaz incursionó en la geografía del paisaje americano siguiendo las leyendas sobre la riqueza de sus minas. Recorrió a pie varias millas de los cañones de Peralta en Arizona, una cordillera de montañas que desempeñan un papel importante en las leyendas de la fiebre del oro. Esta incursión se le conoce popularmente en Estados Unidos como "The Superstitions", en la cual la caminata es trazada a manera de que se admire el paisaje visualmente y de forma táctil. En las imágenes que Pedro Vaz capturó de esta exploración se aprecian las montañas y matorrales que caracterizan el terreno árido; los elementos topográficos que recrea en su pintura son de manera porosa, con una luminosidad pálida y colores ocres. El contexto artístico de estos paisajes contiene una visión más cosmológica que antropológica. $80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,320-$6,490

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88 BEATRIZ ZAMORA (Ciudad de México, 1935 - )

El negro Firmado al reverso Carbón mineral y negro de humo sobre madera 57 x 48 cm Inició su formación con maestros particulares de pintura y cerámica, para posteriormente estudiar en la École des Beaux-Arts en París. Desde 1962 ha realizado más de 80 exposiciones individuales en México y en el extranjero. Más de cincuenta años de trayectoria, ochenta de vida, Beatriz Zamora es fuerte, poderosa y libre; ella es hija del universo. Ha sido la única mujer artista mexicana capaz de crear un sinnúmero de obras de arte con un solo color: el negro. El negro es el silencio, es la creación y el absoluto. Sus obras se rebelan ante los cánones preestablecidos y hablan por sí solos, feroces, apasionados, llámese incluso primitivos. Sus materiales, frutos de la naturaleza, surgen de la profundidad de la tierra para servir como un portal hacia lo infinito: carbón vegetal, carburo de cilicio, acerina, negro de humo, obsidiana son algunos de los elementos utilizados para crear estos portales hacia la contemplación. "En las obras de Beatriz el tamaño no parece importante. Hay piezas pequeñitas que son universos fascinantes y de un gran contenido poético, tan rico como las de gran formato. Cada pieza es como un fragmento de la noche". Eduardo Rubio. Fuentes consultadas: RUBIO, Eduardo. Historia de una artista excepcional. México. Ediciones Castillo, 1998, Pág. 8 y texto de sala de la muestra "El negro de Beatriz Zamora. Una celebración de vida", presentada en Galería Enrique Guerrero en 2015.

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,700-$3,780

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89 JOAQUÍN FLORES (Ciudad de México, 1989 - )

Las rocas Firmado y fechado 2016 en el canto Óleo sobre lino 80 x 60 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Es egresado de la Licenciatura en Artes Plásticas por La Esmeralda. Fue acreedor al Premio Nacional de Pintura Julio Castillo en 2014, a la beca del programa Jóvenes Creadores del FONCA en ese mismo año y al tercer lugar en la V Bienal de Pintura Pedro Coronel en 2016. Aunque creció en Celaya ha mantenido una relación muy estrecha con Querétaro, porque sus padres son originarios de Amealco y este municipio también es un referente en su obra. “Joaquín Flores se preocupa y ocupa con los detritus y desechos, inasimilables, del desarrollo y consumismo moderno: sus paisajes son así las ruinas periféricas a donde van a parar las maravillas industriales obsoletas. Imágenes que alían a la marginación suburbana la pobreza del desarrollo espiritual, cuyo telón de fondo es la violencia competitiva de la lucha por la vida, y en donde se muestra al materialismo y productivismo de nuestros días como una opción del hombre moderno y contemporáneo por la mecanización de sus movimientos, cuya eficiencia y aceleración no hace sino exacerbar sus impulsos inferiores, anulando al hombre como tal". Alberto Espinosa Orozco, 2016. Fuente consultada: BENÍTEZ, Rocío G. "Joaquín Flores, un pintor ganador". México. Diario El Universal de Querétaro, 16 de diciembre de 2014.

$30,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,620-$2,700

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90 JOSÉ CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1953 - )

Sin título Firmado Acrílico sobre tela 100 x 120 cm Presenta ligeros detalles de conservación en las orillas del lienzo. Proveniente de una familia de artistas, José Castro Leñero estudió Comunicación Gráfica y posteriormente Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. En 1986, colaboró en el Taller de Producción Self-Help Graphics en los Ángeles California. Cuando Susana Fischer interrogó a José Castro Leñero acerca de sus influencias, obtuvo la siguiente respuesta: "Mis influencias siguen siendo lo que veo; las imágenes de mi contexto, lo que yo tengo en mi entorno, como puede ser el paisaje urbano, la gente que me rodea". La respuesta es significativa y en ella encontramos una aproximación a la clase de "realismo" que practica este pintor, y a la realidad a la que hace referencia: lo que a José Castro Leñero interesa, como un primer motor de su trabajo, es el registro de las imágenes de la ciudad. Y no cualquier ciudad, sino la Ciudad de México en particular. Habla de las imágenes de la ciudad y la gente que lo rodea, que no es lo mismo. Si en cada obra de José Castro Leñero el punto de partida ha sido una imagen del ser humano y de su entorno cotidiano, el punto de llegada viene a ser una verdadera visión de nosotros mismos y nuestro entorno cotidiano. Una visión del hombre, la mujer y la ciudad lograda a través de la miseria de los sentidos. "Yo no estoy compitiendo con las imágenes ‒ha dicho José‒ sino que me sirvo de ellas para expresar lo que tengo necesidad de expresar". Fuente consultada: BLANCO, Alberto. "José Castro Leñero. La imagen encontrada". Texto para la exposición presentada en el Museo de Arte Moderno, de 1992 a 1993.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,400-$8,110

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Anverso

91 KANAKO NAMURA (Osaka, Japón, 1967 - )

Cutting and piecing, 2015 Sin firma Tinta y acuarela sobre papel, doble vista 134 x 104 cm Con certificado de autenticidad de Galería Karen Huber. Exhibida en: "Acumulación", muestra individual presentada en Galería Karen Huber en septiembre del 2015. Publicada en: sitio oficial de la artista www.kanakonamura.com Kanako Namura es una artista nacida en Japón, pero que vivió en los Estados Unidos durante muchos años, creciendo en ambos países. Desde el 2012 radica en la Ciudad de México. Comenzó sus estudios en Diseño Gráfico en la Universidad de Artes de Osaka. En 1991 realizó una segunda licenciatura en Fiber Arts en el Instituto de Artes de Kansas. Finalmente, en 2012 realizó una maestría en artes en la San Francisco State University. Ha participado en numerosas exposiciones en Japón, Estados Unidos y México. Entre sus exposiciones individuales destacan "Acumulación" en Galería Karen Huber, "Festive", en Yebisu Art Labo Gallery en Nagoya, " Edging away", "Strokes-weaving the body in and out of wáter", "Gathering Momentum" y "Records and Recollection", en Yebisu Art Labo Gallery en Nagoya, Japón. Su infancia transitoria entre dos culturas distantes genero escepticismo sobre el idioma y afectó enormemente su obra. Utiliza expresiones relacionadas con los textiles, como patrón y tacto que resuenan en un nivel primario. Sus dibujos, relieves y objetos con frecuencia obsesivos, son documentaciones de la fabricación de una pieza o un evento en su vida. También son una exploración de la idea del tiempo, la estructura y la repetición. ¿Por qué necesitamos estructuras en nuestras vidas? ¿Cómo modificar el tiempo en la estructura? ¿Cómo cambia algo con el tiempo y repetición? Estas son algunas de las preguntas que aborda. $50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,700-$3,780

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Reverso

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92 ALBERTO RAMÍREZ JURADO (Ciudad de México, 1978 - )

Tardes tranquilas Firmado y fechado 16 Óleo y pastel graso sobre tela 200 x 170 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. También conocido como RAJU, Ramírez Jurado es egresado de la ENAP y fue coordinador del Museo Regional de Milpa Alta. En 2004 participó en la Bienal Nacional Diego Rivera de Dibujo y Estampa. Ha impartido cursos y talleres de arte en el Colegio de Bachilleres. "Sus pinturas se gestan en los recuerdos, la memoria, en los colores que soñamos. Busca que su obra conecte con el público de forma libre, sin explicaciones, con el impacto del color y la forma". Avelina Lésper. Fuente consultada: LÉSPER, Avelina. "Alberto Ramírez Jurado en el mural del Milenio". México. Grupo Milenio, 2016, http://mural.milenio.com

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,400-$8,110

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93 COLECTIVO MANGLE: MARÍA PAULA ÁLVAREZ y DIEGO FERNANDO ÁLVAREZ (Bogotá, Colombia, 1984 - ) y (Bogotá, Colombia, 1978 - )

Cable 2, 2015 Madera de cedro doblada y tallada a mano 76 x 33 x 7 cm Con certificado de autenticidad de Galería Enrique Guerrero, septiembre del 2016. María Paula Álvarez y Diego Fernando Álvarez son dos artistas colombianos que conforman el colectivo Mangle. Desde 2006 han investigado y experimentado con diferentes tipos de madera y métodos de manipularla. En la madera han encontrado un material noble, capaz de adecuarse y transformarse, tal como lo hace la naturaleza que, a pesar de ser agredida, es capaz de adaptarse al entorno para sobrevivir. Su obra toma elementos de la cotidianidad para resaltar las cosas más simples y naturales de la vida, pero que generen en el espectador preguntarse acerca de la forma en la que percibe el mundo, si las cosas son realmente lo que parecen y finalmente maravillarse con la belleza del objeto en sí mismo. $60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,240-$4,320 ESTO ES AHORA

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94 CHRISTIAN CASTAÑEDA (Ciudad de México, 1982 - )

YTTE I Sin firma Grafito y tinta sobre papel 60 x 45 cm Con certificado de autenticidad de la artista. Christian Castañeda es graduada de La Esmeralda y participó en el Seminario de Fotografía Contemporánea en el Centro de la Imagen durante 2007. Fue becada por la Fundación / Colección Jumex y el FONCA-CONACYT en 2011 y en 2012, para una residencia en Islandia. Ha participado en más de treinta exhibiciones en México y en el extranjero, de igual forma que en diversas ferias y festivales de arte en México, Estados Unidos, Canadá y Suecia. Su obra ha sido adquirida por colecciones privadas en Nueva York, Los Ángeles, Boston y la Ciudad de México, así como también por la colección pública Länskultur Gävleborg en Bollnäs, Suecia. Entre 2011 y 2014 formó parte del Colectivo Neter. Ella combina su producción artística con el tatuaje, su obra se ha desarrollado dentro del campo del dibujo, la instalación y la fotografía, siendo ésta última, por medio de la cual ha desempeñado trabajos editoriales en diversas revistas en México, Brasil, Estados Unidos, Inglaterra y China. $12,000.00-$20,000.00 M.N. USD $650-$1,080

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95 CHRISTIAN CASTAÑEDA (Ciudad de México, 1982 - )

YTTE II Sin firma Grafito y tinta sobre papel 60 x 45 cm Con certificado de autenticidad de la artista. A través de la investigación del ocultismo, la fragilidad, la arquitectura, el espacio, el silencio y las realidades alternas, Christian discute las fronteras entre los mundos posibles y relaciona el dibujo como acto alquímico, centrándose en el estudio del psicoanálisis, la abstracción y la realidad simbólico-sagrada. $12,000.00-$20,000.00 M.N. USD $650-$1,080

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96 MIGUEL ÁNGEL MADRIGAL (Ciudad de México, 1974 - )

Caja 4, de la serie Mudanzas, 2016 Con etiqueta del artista Calado láser en madera e instalación lumínica ensamblados en caja de madera 46 x 104 x 58 cm Con certificado de autenticidad de Galería Enrique Guerrero firmado por el artista, marzo del 2017. $90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,870-$6,490

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Detalle de vista superior

Estudió Arquitectura y Artes Plásticas en la Universidad Autónoma del Estado de Morelos y escultura con el maestro Kyoto Oya Okusawa. Su obra explora diversas formas de manipular objetos y materiales de forma que reten la gravedad y el equilibrio, tanto físico como visual, así como la convencionalidad de los soportes. Muchas de sus obras están dispuestas de manera que engañen a la vista del espectador. “Todo lo que uno observa está ahí y existe, es una fascinación y una trampa a nuestra percepción y una metáfora de las grandes ratoneras inescapables en las que muchas veces son convertidas las ciudades”. Cisco Jiménez Ha exhibido en México y en países como España, Indonesia, Alemania, República Dominicana, Estados Unidos, Reino Unido, Colombia, Canadá y Australia. Su obra forma parte de importantes colecciones como Gelman, Fundación Jumex, Enrique Guerrero y el Museo RISD (Rhode Island School of Design). Fuentes consultadas: JIMÉNEZ, Cisco. “Utopía Boulevard”. México. Revista Tierra Adentro y LAVAT, Pericles. "Miguel Ángel Madrigal. Escultor”. México. Centro Morelense de las Artes, sección Artes Visuales, 19 de mayo del 2016.

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97 CIRCE IRASEMA (Ciudad de México, 1987 - )

Rollos de toilet; marcas de papel higiénico, de la serie Producción en masa Firmados y fechados 2016 al reverso Óleo sobre tela, políptico 25 x 25 cm cada uno Piezas: 10 Con certificado de autenticidad de la artista, julio del 2017. Cursó estudios universitarios en la FAD-UNAM en 2010, actualmente continúa desarrollándose en el área de las artes visuales en La Esmeralda. Participó en la clínica Revisión de portafolios del MUAC por Jorge Macchi. Ha formado parte de la selección las segunda, tercera y cuarta ediciones de Salón ACME, así como de varias exposiciones colectivas como "Una red de líneas se intersectan" presentada en ESPAC. Su trabajo plástico considera a la publicidad y la cultura de masas como parte de una reflexión sobre la historia del arte, la identidad y el consumo desde la representación objetual o pictórica de productos comerciales. $26,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,400-$2,160 ESTO ES AHORA

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98 WENDY CABRERA RUBIO (Ciudad de México, 1993 - )

La historia la escriben los vencedores, 2017 Sin firma Marionetas elaboradas en tela y cartón con pelucas y zapatos Escala humana, medidas variables Piezas: 2 Con certificado de autenticidad de la artista, agosto del 2017. Exhibidas en: Biquini Wax en marzo del 2017 y "Videohause", muestra presentada en Deslave en Tijuana en abril del 2017. Es Licenciada en Artes Visuales por La Esmeralda. Ha tenido experiencias en proyectos de gestión como LADRÓNgalería y la Primera Bienal de Obra Chiquita. También ha participado en diversas exposiciones colectivas en espacios como Galería NIXON, Museo Numismático Nacional, Biquini Wax EPS y Chalton Gallery en Londres. Le interesa la conexión entre estética e ideología, explotando la iconografía existente en fenómenos como el "greenwashing" y movimientos de derecha alternativa post internet, entre otros. Trabaja principalmente con los procesos de divulgación del conocimiento, así como sus consecuencias en la ciencia aplicada, la economía y la industria. Tiene un particular interés en las investigaciones a largo plazo, la inserción en comunidades específicas y la colaboración con terceros. Sus proyectos se desenvuelven en diferentes medios como la instalación y el video, explorando la narrativa y el lenguaje usando herramientas del teatro didáctico y estrategias comerciales. $12,000.00-$20,000.00 M.N. USD $650-$1,080

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99 DULCE PINZÓN (Ciudad de México, 1974 - )

Puto el que use UNICEL, de la serie Generosity, 2017 Sin firma Fotografía, impresión digital 1 / 5 52 x 78 cm Con certificado de autenticidad de la artista. Estudió Comunicaciones en la Universidad de las Américas Puebla y Fotografía en la Indiana University en Pensilvania. En 1995 se trasladó a Nueva York donde estudió en The International Center of Photography. Ha sido becaria del FONCA en el programa Jóvenes Creadores. Una de sus obras ganó la XII Bienal de Fotografía de El Centro de La Imagen. En 2010 obtuvo el The Gaea Foundation/ Sea Change Residencies Award y en 2011 el premio de adquisición de Perrier en Zona Maco. En 2012 fue invitada a participar en el renombrado festival de fotografía Les Rencontres d'Arles en Francia, esta participación le dio una nominación para el prestigioso Prix Pictet; el mismo año que obtuvo una mención honorífica en la X Bienal FEMSA. Su libro "La verdadera historia de los superhéroes" fue publicado en tres idiomas por Editorial RM y el FONCA. "Generosity" es un proyecto en varias fases o etapas sobre una serie de intervenciones y actos simbólicos en espacios públicos, algunos en paisajes que actúan como regalos visuales pero que en realidad son pequeños disturbios en el orden del sistema. "Generosity" pretende generar impactos artísticos y ambientales, teniendo como uno de los temas focales el uso desmedido del unicel, así como otros materiales que perjudican nuestro medio ambiente y tiene grandes costos sociales en materia de salud y busca involucrar no sólo a la comunidad artística, la ambiental y las instituciones sino también al público en general para ser agentes de cambio y evidenciar, denunciar y actuar hasta que permitan en algún punto gestionar políticamente legislaciones que logren cambiar el consumo de productos nocivos por los biodegradables. El proyecto toma su nombre de la generosidad de la naturaleza, cuando una y otra vez perdona la agresión constante de contaminación, intromisión y sigue regenerándose y dándonos vida. Los elementos que conforman la primera serie de instalaciones son realizadas con vasos elaborados a base de almidón de papa y botánicos, los cuales se degradan en el ambiente entre 90 y 240 días, mientras que el unicel tiene una vida útil de dos a cinco minutos y tarda en desaparecer hasta mil años. Las obras son efímeras por encontrarse expuestas al medio ambiente y se irán degradando con las inclemencias del tiempo. El mensaje que "Generosity" pretende transmitir es: "No dejar huella en nuestro paso por este mundo que no nos pertenece". Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.dulcepinzon.com

$20,000.00-$30,000.00 M.N. USD $1,081-$1,620 ESTO ES AHORA

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Pliego de papel desenrollado

100 MAREK WOLFRYD (Ciudad de México, 1989 - )

Te voy a pintar mija, te voy a pintar como una princesa azteca, 2017 Sin firma 70 calcas a lápiz sobre papel de china enrolladas en bote de plástico envuelto con papel de regalo sobre libro "México esplendor de treinta siglos" 55 x 45 x 45 cm, medidas variables Con certificado de autenticidad del artista. Exhibida en: "Decolonizing Tridimensionality", exposición colectiva curada por Víctor Tilla, presentada en Amor art platform, Ciudad de México, en 2017. Estudió Ingeniería en Sonido en la Universidad de la Música y la Licenciatura en Artes Plásticas y Visuales en La Esmeralda. Su obra ha sido expuesta en el Museo de Arte de Sonora, el Museo Numismático Nacional, el Museo de Arte Carrillo Gil, La Tallera, el Palazzo Costanzi, entre otros. Individualmente ha expuesto en espacios como Biquini Wax EPS, la Universidad del Claustro de Sor Juana, La Esmeralda y la Casa de Cultura San Rafael. Su trabajo busca desarrollar proyectos que exploren y cuestionen las relaciones sociales y estéticas dentro de los relatos culturales. Configura de esta manera un análisis visual sobre las estructuras en las que se desenvuelven el arte y la cultura en contextos específicos bajo el fracaso moderno y sus sistemas sociales, políticos y económicos. Sus obras dan como resultado la posibilidad de examinar los medios donde se edifican las subjetividades de una sociedad, y de qué manera estas se exhiben y/o presentan en el imaginario de las culturas contemporáneas. Utiliza constantemente la ficción, creación de situaciones y el desarrollo de proyectos como métodos para ampliar estos argumentos, sin embargo también se desenvuelve en una multiplicidad de salidas formales como el video, la instalación, intervención, procesos interrelaciónales, gestión cultural y más. En noviembre del 2015 fundó junto con Marco Aviña el espacio alternativo LADRÓNgalería en donde se dedica a la gestión, promoción, curaduría, museografía de exposiciones y diversos eventos relacionados a la cultura y el arte contemporáneo. $6,000.00-$10,000.00 M.N. USD $325-$540

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101 DAVID PESCADOR (Ciudad de México, 1986 - )

007, de la serie No waste paint Firmado y fechado 2014 al reverso del pánel central Óleo, acrílico y resina de polivinilo sobre fibracel 120 x 40 cm cada uno, 125 x 135 cm medidas totales aproximadas considerando el enmarcado Piezas: 3 Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en la ENAP. Fue seleccionado en la XVIII Bienal de Pintura Alfredo Zalce, en el XXXV Encuentro Nacional de Arte Joven y ha sido acreedor a la beca del programa Jóvenes Creadores del FONCA en dos ocasiones. "No waste paint" es una serie de pinturas hechas con el material sobrante en paletas pertenecientes a otras piezas del cuerpo de obra del artista. La aplicación de esta pintura obedece a la pauta que surge de la tensión orden-caos, entre la planeación y la intuición. Las piezas parten de la obsesión por no dar lugar al desperdicio. $30,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,620-$2,700

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Stills del video del proceso de la pintura "Las mujeres desnudas de la calle Niágara"

102 ANTONIO GRITÓN (Ciudad de México, 1953 - )

Las mujeres desnudas de la calle Niágara Firmado Óleo sobre tela y video 170 x 120 cm Con certificado de autenticidad del artista Incluye video del proceso de realización de esta obra. Duración: 12' 17" Antonio Ortiz, mejor conocido como "El Gritón", ha sido acreedor a varios reconocimientos como la beca de excelencia al mérito artístico México-Québec y la Primera Bienal de Monterrey, entre otros. Su obra se encuentra en importantes colecciones como las del Museo Carrillo Gil, Museo de Artes Gráficas de Oaxaca, Colección Green de San Francisco, por mencionar algunas. "Las mujeres desnudas de la calle Niágara" pertenece a un grupo de pinturas realizadas en presencia de una modelo al natural y que pueden ser entendidas como desnudos deconstruidos o como paisajes orgánicos creados a partir del cuerpo femenino. Fuente consultada: ARGÜELLO GRUNSTEIN, Alberto. Pensamiento y arte en los 90. Debates, versiones, rupturas. México. CENIDIAP, 2003, Pág. 91.

$55,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,970-$3,780 142

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a) Reticular Nix (still)

103 JAIME LOBATO (Ciudad de México, 1984 - )

a) Reticular Nix b) Video de algoritmos genéticos, monitor y computadora en soporte de madera 42 x 64.5 x 11 cm b) Topos Uranus Sin firma Gráfica digital en papel de algodón 20 x 30 cm c) Oniros Auricos Sin firma Gráfica digital sobre papel 18 x 19 cm Piezas: 3 Con certificado de autenticidad del artista. Es compositor, artista multimedia, curador e investigador independiente. Estudió Composición en la Facultad de Música de la UNAM. Ha compuesto música para video, instalaciones interactivas, piezas electroacústicas mixtas, danza, poesía sonora y performance. Su obra va desde la composición contemporánea, hasta el performance, pasando por el arte digital e interactivo. En 2011 presentó la muestra individual "Tactosis!" en el Espacio de Experimentación Sonora del MUAC y actualmente exhibe "Jaime Lobato. Transmutación: alquimias del espacio" en el Laboratorio de Arte Alameda. Ha participado en exposiciones colectivas, entre las que destacan "Prácticas de Vuelo" en el Festival Internacional Cervantino, "PDCon" en la galería Lab for Electronic Art and Performance LEAP en Berlín, "Afecciones Colaterales" en el Festival Internacional de Artes Electrónicas y Video Transitio_MX, "C.A.C.A.O" en el Museo Universitario del Chopo, "litcha" en la galería CON Artist Collective en Nueva York, "IN-Sonora 9" en Medialab Prado, Madrid, "Periscopio" en Zipper Galería, Saõ Paulo y "LiveCodes" Factory Media Center, Hamilton, Canadá. Como investigador trabajó en el Laboratorio de Visualización Científica y en el Observatorio de Realidad Virtual Ixtli (DGTICUNAM), es fundador del Seminario de Investigación en Música, Matemáticas y Cómputo SEMIMUTICAS y fungió como vinculación académica para la creación del Seminario de Ciencias y Teorías de la Música en el Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información Musical "Carlos Chávez", es coordinador editorial del proyecto Palas y las Musas: Diálogos entre la Ciencia y el Arte. 144

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a) Reticular Nix (still)

Reticular Nix es una obra de video generativo, que muestra los sueños de animales electrónicos, abstracciones de datos que se recomponen a cada instante. Está constituida por algoritmos genéticos que componen imágenes constantemente, el artista no creó una obra única y estática, sino que modeló la posibilidad de miles de imágenes que comparten rasgos gráficos mínimos que les dan coherencia. Esta obra se inscribe en el muy antiguo arte de los autómatas, comenzado hace siglos en el mundo árabe y en el que han incursionado artistas como Leonardo da Vinci o Jean Tinguely. Así como el río de Heráclito, en esta obra el público no se puede sumergir dos veces, debido a que, a diferencia del video convencional, esta obra no está constituida por imágenes grabadas por el autor, sino por un autómata computacional que reconfigura los pixeles de la pantallas de manera aleatoria para generar las imágenes que le son reveladas al público, nunca se repetirá ninguna. Esta propuesta está acompañada por dos gráficas digitales únicas en las que el artista colabora con la máquina para la cristalización de un momento, pequeñas selfies que le ayudan a recordar a la obra quién es, quién fue. $46,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,490-$3,240 ESTO ES AHORA

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104 CÉSAR RANGEL (Ciudad de México, 1977 - )

Sin título, 9, 2012 Sin firma Grafito sobre tela 60 x 150 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, septiembre del 2012. Su formación fue autodidacta. Actualmente trabaja en su taller en San Francisco Tlalnepantla, Xochimilco. Entre sus exposiciones destacan: "Ni César ni Rangel" en la Galería de Arte de la Secretaría de Economía, "Animal de otra certeza" en Galería Alfredo Ginocchio; "Cuentahilos" en el Museo de Arte Contemporáneo Ateneo de Yucatán y "Seres Vivos" en Raemian Gallery en Seúl, Corea del Sur. "Cuando uno se detiene frente a una alberca quieta, sin nadadores, es un espejo. La realidad que se refleja en ese espejo es la misma que está afuera, afuera de ese espejo, pero en cuanto el agua se empieza a mover con el vaivén de quien transita esa agua, toda la realidad se sigue reflejando en el agua, pero empieza a variar. Nadar siempre tiene una continuación en las imágenes que necesito construir". César Rangel. $60,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,240-$4,870 146

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105 DANIEL EVO (Ciudad de México, 1985 - )

Jardín contra escarcha Firmado y fechado 2016 al reverso Óleo, acrílico y esmalte sobre tela 100 x 140 cm Con certificado de autenticidad del artista, 2017. Exhibido en: "Montaña y agua", exposición individual transdisciplinaria presentada en London Squash, noviembre de 2016. Estudió la Licenciatura en Diseño y Comunicación Visual en la ENAP. En sus años de formación, a la par de producir imágenes, se dedicó a reflexionar sobre el cuerpo a través de la danza butoh, así, ha centrado su interés en el trance entre la práctica de la pintura y la experimentación escénica. Ha participado en más de 20 exposiciones y performances en foros como el Teatro de la Ciudad y el Teatro de las Artes. En 2016 presentó "3RROR" instalación escénica en el Centro de las Artes de San Agustín, Oaxaca. Con su proyecto Mo T Mo presentó "The forest frog crosses a forgotten chain" en el encuentro de artistas multimedia "LPM Live Video Performers, Visual Artist and VJ Meeting", edición XI, Roma, 2012. "Daniel Evo está en una búsqueda continua de la mediación entre los conocimientos primigenios y los poderes de la tecnología de nuestro tiempo. En sus obras encontramos el valor de la técnica tradicional y artesanal entretejido con las posibilidades discursivas de los nuevos medios. De esta manera, las moléculas o las explosiones matéricas de la galaxia se representan a través de figuras yuxtapuestas y fragmentadas, de cortes rectos, en los que el referente de la máquina y de un todo organizado por diferentes subórganos, es decodificado". Mireille Torres. $18,000.00-$26,000.00 M.N. USD $970-$1,400 ESTO ES AHORA

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106 ALEX HANK

(Ciudad de México, 1973 - )

The Agony and the Ecstasy Sin firma Óleo sobre fotografía, impresión digital sobre tela 35.3 x 28 cm cada uno Piezas: 10 Estudió fotografía en Parsons School of Design en París y más tarde Pintura en el Centro Cultural de Arte Contemporáneo en México. Desde su primera exposición individual en la galería Generous Miracles en 2001, realizada en Nueva York, decidió quedarse a vivir y a trabajar en dicha ciudad la cual le ha permitido ir construyendo una sólida trayectoria de más de 20 años. Ha exhibido su obra en países como España, Estados Unidos, Suiza, Italia, México y Argentina. Su obra se caracteriza por abordar el género del retrato y su necesidad de expresarlo de distintas formas. Ana Sokoloff, curadora colombiana radicada también en Nueva York, apunta sobre el artista: "Hank transitó de lo espontáneo, efímero y momentáneo que le permitía la fotografía, a la prudente y reflexiva contemplación de cada rostro y pose, enfatizando su trabajo en las sutiles diferencias y en la develación de emociones con cada pincelada". Fuentes consultadas: MANGAL, Mayra G. "Alex Hank y su sueño cumplido de triunfar en NY". México. Quién, sección Círculos, 30 de septiembre del 2015 y WRIGLEY, Tish. "Curator Ana Sokoloff on artist Alex Hank". E.E. U.U. AnOther Magazine, 16 de marzo del 2012, www.anothermag.com

$70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,780-$5,400

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107 JAVIER ARJONA (Oaxaca, 1988 - )

Gravitas Firmada y fechada 15 Xilografía y colografía 1 / 3 108 x 152 cm Con certificado de autenticidad del artista. Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana. Además ha tomado múltiples talleres de dibujo y gráfica impartidos por reconocidos maestros como René Almanza y Carla Rippey, y en instituciones como el Taller Rufino Tamayo, La Curtiduría, Centro de las Artes de San Agustín, La Ceiba Gráfica, entre otros. Ha exhibido su obra en Xalapa, Oaxaca, Miami, Nueva York, Colonia (Alemania), Serbia, Alberta, La Habana y Puebla. Su obra ha sido seleccionada en numerosos certámenes enfocados en las técnicas gráficas, como la 14th International Triennial of Small Graphic Forms, en Polonia; la III International Exhibition of Art in Miniature” en Serbia, el Homenaje a José Guadalupe Posada en Xalapa, Veracruz. En 2013 obtuvo la beca Jóvenes Creadores por el Instituto Veracruzano de la Cultura; en 2015 la Mención Honorífica en la 1er Bienal de los Volcanes en Cuernavaca y en 2016 fue ganador del premio UABJO en la 5a Bienal Nacional de Artes Gráficas Shinzaburo Takeda en Oaxaca. $18,000.00-$30,000.00 M.N. USD $970-$1,620

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108 DAMIÁN ONTIVEROS (Monterrey, Nuevo León, 1974 - )

Basquiat's Skull / Jymminson Durán y Felipe Ortiz. (Honduras Guatemala), de la serie Pure beauty is inside those walls Firmado y fechado Monterrey México 2016 al reverso Acrílico y pastel al óleo sobre tela 207 x 176 cm

Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, julio del 2017. Publicado en el sitio oficial del artista www.damianontiveros.com Ha expuesto su obra en importantes espacios como Whitebox Art Center de Nueva York, Magyar Mhely Galéria en Budapest, Musée International des Arts Modestes de Sète, Francia, entre otros. En el 2003 representó a México en la Bienal de Bolivia, en el 2008 en la 5th Seoul Media Art Biennale en Corea del Sur y en el 2009 en la Beijing 798 Biennale. Su obra ha sido presentada en importantes ferias de arte contemporáneo como ARCO en Madrid, PINTA New York, PULSE en Miami, ZOOart en Londres, ArteBO en Bogotá y Zona Maco en la Ciudad de México. Ha sido becario del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes en la categoría de Creadores con Trayectoria. En el 2005 obtuvo una mención honorífica en la VI Bienal Monterrey FEMSA. Su obra forma parte de los acervos de la Colección Jumex, La Maison Rouge de París y del Museo del Barrio de Nueva York, además de importantes colecciones privadas.

"El fenómeno migratorio representa un estado de descomposición y transformación constante y es este mismo pueblo migrante, la masa de excluidos e invisibles, que dentro de su movilidad, tienen la posibilidad de reclamar para sí el levantamiento y fabricación de un lugar para sentirse en casa, 'Pure beauty is inside those walls' es un proyecto dirigido por Damián Ontiveros que brinda la posibilidad al pueblo migrante, de dejar de ser una categoría para convertirse en personas. A través de ésta serie de pinturas, se traza una dinámica social a través de la cual se valoran y revalorizan grupos de migrantes dentro de un espacio social y dentro de una práctica artística, en la que más allá de la remuneración económica, el ejercicio pictórico se convierte en un lugar para estar y lo materializado en vivienda. Dentro de esas paredes cabe la posibilidad del hogar anhelado, los espacios invisibles con los que cada migrante carga se materializan y juntos, por los que sólo tienen sus brazos para su sustento, acción y sujeto se convierten en belleza pura". Francisco Larios. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.damianontiveros.com

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,400-$8,110 ESTO ES AHORA

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109 FERNANDA DESCHAMPS (Ciudad de México, 1974 - )

El silencio más fino Firmado al frente y al reverso Acrílico sobre MDF 125 x 98 cm Con certificado de autenticidad de la artista. Estudió la Licenciatura en Historia del Arte y en talleres de importantes artistas como Conrado Domínguez, Enrique Cattaneo y José Luis Cuevas. Desde 1992 ha dado a conocer su obra como artista visual en múltiples exposiciones individuales y colectivas. En 2002 participó en la muestra "Dos momentos" y en 2007 fue seleccionada para participar en la 1ª Bienal de Dibujo Rafael Cauduro. Desde el año 2002 ha colaborado en los periódicos La Jornada Morelos, La Unión de Morelos y Revista Tangram en la publicación de artículos sobre historia y arte. "El silencio más fino" está inspirado en el emblemático poema "Los amorosos" de Jaime Sabines. Los amorosos callan. El amor es el silencio más fino, el más tembloroso, el más insoportable. Los amorosos buscan, los amorosos son los que abandonan, son los que cambian, los que olvidan […] Los amorosos se ponen a cantar entre labios una canción no aprendida, y se van llorando, llorando, la hermosa vida. Jaime Sabines, "Los amorosos". $12,000.00-$20,000.00 M.N. USD $650-$1,080

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110 ODETTE PAZ (Ciudad de México, 1983 - )

Yo también pienso en vos, de la serie Lo de adentro Firmada y fechada 2014 Tinta, acrílico, acuarela y lápices de color sobre papel 36 x 48 cm Con certificado de autenticidad de la artista, agosto del 2017. Exhibida en: "Lo de adentro", muestra individual presentada en el centro cultural Ignacio Barrios en Carmelo, Uruguay en abril del 2014. Odette Paz es una artista que ha enfocado parte de su trabajo en los cruces entre las artes visuales y la literatura. Licenciada en Artes Visuales por la Escuela Nacional de Artes Plásticas, ha exhibido su obra en distintas galerías de México, Estados Unidos y Uruguay de manera colectiva e individual. Como parte de su relación con la literatura, Paz ha ejecutado colaboraciones con distintos artistas y literatos, entre los que destacan la uruguaya Natalia Chargoñia y el español Óscar Fernández. Aunque hay que tener en claro que su relación con las letras no se agota allí, puesto que muchas de sus series parten de la apropiación y reinterpretación de distintas obras artísticas y poéticas como es el caso de la presente, cuyo título hace referencia a un momento fundamental de la novela “El túnel” de Ernesto Sábato. Poesía, anatomía y color, son los tres elementos base que la autora usa y a los que suma el dibujo y la pintura para develar, por medio de la repetición y la hipérbole visual, aquel mensaje que en cada caso se quiere comunicar al espectador. “Este es mi ser, mi magia, mi tragedia, mis dolores, mis alegrías, soy la conjunción de los éxitos y los fracasos, de ese momento místico que reencuentra los cuerpos en la distancia, el aullido de lo insano, la calma de lo cotidiano, soy las manchas en mis manos, los colores de mi paleta, el trazo firme e inequívoco, los dedos temblorosos, el estrés del último suspiro, la espera latente de lo perdido, la aceptación de lo pasado, la esperanza sin planificar de lo venidero. No soy lo que ves, no soy lo que ansías, soy lo que puedo y con eso me basta, soy Lo de adentro, aquello de lo que no quieres enterarte, un corazón fuerte en pedazos, un revoltijo de emociones a flor de piel enmascaradas, maquilladas con una paleta de infinitos colores con sombras en un firmamento encapotado”. Natalia Chargoñia. Fuentes consultadas: CHARGOÑIA, Natalia. Texto de sala para la muestra “Lo de adentro”, abril de 2014 y Alberto Waxsemodion “Tengo ojos, Odette Paz”.

$8,000.00-$12,000.00 M.N. USD $430-$650

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111 DARÍO SALZMAN (Ciudad de México, 1973 - )

Láctea, de la serie Cosmos Firmado y fechado 2017 al reverso Óleo sobre tela 45 x 35 cm Con certificado de autenticidad del artista. Exhibido en: "ConjuncionesTemporales", muestra presentada por Arteriorismo, junio del 2017. Comenzó su educación artística profesional en la Escuela de Iniciación Artística del INBA, así como en talleres de rotulación, modelismo y joyería. Posteriormente estudió la Licenciatura en Diseño en la Escuela de Diseño del INBA. Ha colaborado en diversas agencias de publicidad, editoriales y periódicos nacionales y extranjeros realizando ilustraciones, infografías y fotoarte. Desde hace varios años se ha enfocado en la producción de obra pictórica figurativa de corte onírico. Entre sus exposiciones recientes sobresale "Cosmos" presentada en la galería de Fundación Sebastián en el 2016; ese mismo año fue invitado a pertenecer al Arts & Letters Council del Museo Mexicano en San Francisco, California. "Tengo cierta fascinación por las fotos antiguas porque reflejan algo que precisamente ya no existe, como algo surrealista. Una de las cosas que más me gusta hacer en esta vida es soñar cuando duermo, y mis sueños son muy poco saturados de color o casi sin color, entonces mis obras son traducciones y mutaciones de lo que tengo en mi cabeza y saco a través de la pintura. Expreso lo que tengo dentro: mis sueños, mis miedos, mis pasiones como el universo, los sentimientos, la vida, la muerte porque es parte de la vida, los seres vivos y la comunión que tenemos con ellos". Darío Salzman. Fuente consultada: "El amor visto por el arte". México. Colección Milenio Arte, 2017, www.coleccionmilenioarte.milenio.com

$20,000.00-$30,000.00 M.N. USD $1,080-$1,620 154

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112 NICOLÁS GUZMÁN (Xalapa, Veracruz, 1983 - )

Sin título Firmado y fechado 2015 al reverso Acrílico sobre lino 150 x 120 cm Con certificado de autenticidad del artista. Publicado en: SOUSA, Rodolfo et ál. La vida de las imágenes. Nicolás Guzmán. México. Representación y Promotora de Arte F&H, 2017, pp. 74 y 199. Incluye un ejemplar. Nicolás Guzmán estudió Artes Plásticas en la Universidad Veracruzana e hizo una residencia artística en la University of Houston-Clear Lake. Ha colaborado como curador y museógrafo en la embajada Lomography México y fue jurado en 2007 del concurso de fotografía Cromofilia Lomography. En 2001 dio inicio a sus participaciones en exposiciones colectivas y en 2004 hizo su debut de forma individual en galerías de Oaxaca, Veracruz, Toluca y la Ciudad de México. Su obra ha sido expuesta en Zona Maco, BLOOM art fair en Alemania y en Multiplied Contemporary Editions Fair de Christie's, Londres.

“Decía Shintao, pintor chino del siglo XVII, que el pincel servía para salvar al mundo del caos, para ordenarlo. Guzmán parece tomar esta consigna,aunque descentra, reitera y fragmenta dicho mundo. Acumula imágenes procedentes de la cultura de masas sobre un mismo espacio, las multiplica como un canto de innovación. De la misma forma que descentra y fragmenta el espacio, las imágenes anónimas o procedentes de las películas de serie B que representan rituales orgiásticos y los pastiches, devienen originales al estar unificados por la materia pictórica, por momentos estas conjugaciones son alegorías, en otras el sentido es oscurecido, aquello que en los manuales de retórica era una metáfora continuada a la que se le llamaba noema ¿Cómo puede comunicarse un sentido unívoco?”. Rodolfo Sousa.

Fuentes consultadas: SOUSA, Rodolfo et ál. La vida de las imágenes. Nicolás Guzmán. México. Representación y Promotora de Arte F&H, 2017, Pág. 13 y sitio oficial del artista www.nicolasguzman.mx

$60,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,240-$4,870

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113 REMIGIO VALDÉS DE HOYOS (Monterrey, Nuevo León, 1958 - )

Sueños Firmado Acrílico sobre tela 100 x 100 cm De formación autodidacta, se inició en las artes plásticas a la edad de trece años. Sin embargo, bajo la presión de sus padres, estudió Arquitectura en la UNAM. A partir de 1975 se dedicó por completo a las artes visuales. En 1978, se trasladó a París, donde instaló su residencia y se intodujo a la técnica del grabado en cobre en el taller Lacourière-Frélaut. En 1984, trabajó con Andrew Vlady de Kyron Ediciones Gráficas Limitadas en México. En 1998, recibió una beca para una residencia artística por parte de la Fundación Cultural Starke en Berlín, Alemania. En 1999 decidió establecerse en Montreal, Canadá, fascinado por la energía que le proporciona esa ciudad. A lo largo de su carrera, ha expuesto su obra en México, Alemania, Estados Unidos, Francia, España, en varios países de Asia y Cuba. $70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,780-$4,870

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114 JULIÁN MADERO (Ciudad de México, 1990 - )

Perro sueña Firmado y fechado 2016 al reverso Óleo sobre tela 70.5 X 100.5 cm Con certificado de autenticidad del artista, agosto del 2016. Exhibido en: "Ser sensible", colectiva presentada en La Quiñonera, de noviembre del 2016 a febrero del 2017. $12,000.00-$20,000.00 M.N. USD $650-$1,080

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115 CLAUDIO GALLINA (Buenos Aires, Argentina, 1964 - )

Soñando despierta, de la serie Cuadernos intervenidos, 2010 Firmado en el cuaderno y en el lápiz Cuaderno escolar rescatado e intervenido con acrílico y gouache en caja de acrílico 21.5 x 33 x 1.50 cm medidas del cuaderno, 31 x 37.5 x 6.5 cm medidas totales de la caja de acrílico Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, noviembre del 2010. Es egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Su obra se ha presentado en bienales y ferias de arte internacionales como arteBA, Art Miami, Art Madrid, PINTA New York, ARTBO en Colombia y la Bienal de Arte de Panamá. Ha realizado más de 30 exposiciones individuales entre las que se destacan las presentadas en el Museum of Latin American Art en Los Ángeles, Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico, Museo de Arte del Tolima en Ibagué, Colombia, Galería Alfredo Ginocchio en la Ciudad de México y Centro Cultural Recoleta en Buenos Aires. También ha exhibido en muestras colectivas en Argentina, México, Colombia, Puerto Rico, Estados Unidos, Perú, España, Chile, Inglaterra y Panamá. Las obras de la serie "Cuadernos intervenidos" son libretas originales rescatadas de escuelas primarias de Argentina y otros países de Latinoamérica que el artista recoge en sus viajes. Sobre ellos el artista menciona: "Los presento como objetos y los intervengo dejando todo lo que pueda del original, para mí son piezas estéticas de por sí, además de que contienen la energía de la memoria". $40,000.00-$50,000.00 M.N. USD $2,160-$2,700

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116 YAMPIER SARDINA (La Habana, Cuba, 1979 - )

Sin título Firmado y fechado XI 08 Grafito sobre papel 19.4 x 27 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: ALDAMA, José Ignacio et ál. Yampier Sardina. El placer del engaño. México. Aldama Fine Art, 2009, pp. 50 y 51, catalogado 15. Realizó estudios en la Escuela Elemental de Artes Plásticas 20 de Octubre y en la Academia Nacional de Artes Plásticas San Alejandro, ambas en La Habana. Fue discípulo de Arturo Montoto, con quien realizó varios proyectos murales. Vive y trabaja en Miami. En su trabajo se ve la madurez de quien ha asumido con claridad su vocación de pintor y la seguridad de quien se ha entregado por completo al estudio, la técnica, la reflexión y la contemplación. Su obra supone una revisión personal y colectiva a la vez, subjetiva y concreta, de lugares, acciones y objetos cotidianos para revelarlos en su cruda realidad, quizás para contar la mejor historia posible. "En los dibujos de la etapa en que yo salía de Cuba se reflejaba decadencia, yo diría que aunque con una intención realista, esos dibujos tienen mucho de expresionistas". Yampier Sardina. $12,000.00-$20,000.00 M.N. USD $650-$1,080

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117 DANIEL BERMAN (Veracruz, 1982 - )

Futurismo, 2015 Firmada Litografía 4 / 10 120 x 84 cm A través de una exploración en las maneras de hacer narrativa usando imágenes y potencialidades simbólicas del lenguaje visual, la obra de Daniel Berman pretende provocar reflexiones sobre el arte y la comunicación en un periodo de tiempo contemporáneo. Aplicando el grabado, el dibujo y otros medios, Daniel Berman ha enfocado su carrera en los medios gráficos de las artes visuales. Ha participado en numerosas exhibiciones tanto individuales como colectivas a través del mundo, siempre revelando nuevas posibilidades de su distintivo estilo. “Los personajes y las circunstancias que se despliegan a lo largo de la propuesta gráfica de Daniel Berman se establecen en lo contrario a una conducta considerada convencional, desde una estética que rememora a las viñetas de la novela gráfica underground. Partiendo de situaciones contradictorias o incongruentes, cada pieza pareciera ser parte de una narrativa particular, la cual ha sido fragmentada y desde cuya complejidad puede experimentarse el acontecimiento del sinsentido de la extravagancia o de las ambiguedades. Berman utiliza la condición humana como el escenario verosímil del disparate. La puesta en escena está investida por el absurdo, el elemento que irrumpe. Lo valioso de su propuesta radica en la generación de múltiples cuestiones: su propiedad narrativa y la relación con lo cotidiano, la transgresión de la lógica y la activación del pensamiento, la entropía del humor y las imposturas sociales. No hay que olvidar que el humor (en este caso, el humor negro), tiene una dignidad que lo diferencia de la mera burla y un carácter -‒indómito‒ de emancipación y enaltecimiento”. Francisco Benítez. $10,000.00-$15,000.00 M.N. USD $540-$810

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SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

118 EMILIANO GIRONELLA PARRA (Ciudad de México, 1972 - )

Ametralladora de heroína, de la serie Objetos de fin de sexenio, ca. 2011 Firmada Escultura en bronce con jeringas 2 / 9 20 x 76 x 10 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte firmada por el artista. Es el hijo de los artistas Alberto Gironella y Carmen Parra. Es internacionalmente reconocido por sus diálogos y escritos sobre la "Artempatía" y su práctica social-artística diversa. Gironella Parra se graduó de la Interlochen Arts Academy en Michigan donde estudió Escultura, Fotografía y Grabado. Desde entonces, ha experimentado con diversas técnicas como el óleo, acuarela, litografía, video, instalación de luz y serigrafía, entre otros. Conceptualmente, Gironella Parra implementa su amplia gama de medios para abordar temas relacionados a la tradición, violencia e injusticia social en México. Para Emiliano Gironella Parra, el arte es una poderosa herramienta para modificar paradigmas e historias preconcebidas; una herramienta clave para cambiar la visión que se tiene en el exterior sobre México e inspirar un cambio radical y educativo dentro del país. "Artempatía" es estimular nuestra empatía natural a través de la enseñanza y la práctica artística, así como un conjunto de acciones artísticas colaborativas que buscan la identificación y el reconocimiento de las víctimas de la violencia y de sus seres queridos. El trabajo de Gironella Parra aborda específicamente la violencia en México en relación con el tráfico de drogas dentro del país y es un intento de reconciliar a la sociedad y la policía. Su trabajo dirige la atención hacia las familias de los fallecidos y utiliza "Artempatía" para proporcionar un sentido de pertenencia a los hijos de policías caídos, al mismo tiempo que busca promover cambios sociales y culturales en la sociedad mexicana y en todo el mundo. Actualmente presenta "Artempatía / Empathy Art", la primera exhibición de Emiliano Gironella Parra en Estados Unidos. Realizada en colaboración con The Getty Museum's Pacific Standard, la muestra se presenta en la galería Jason Vass en Los Ángeles y permanecerá de septiembre a octubre del 2017. $130,000.00-$200,000.00 M.N. USD $7,030-$10,810 ESTO ES AHORA

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119 JUAN JOSÉ SOTO (Ciudad de México, 1981 - )

Para avis in terris nigroque simillima cygno / Un ave rara en la tierra muy parecida a un cisne negro, 2016 Sin firma Impresión fotográfica en papel Hahnemühle FineArt Baryta 2 / 3, díptico 40 x 55 cm dimensiones de la impresión fotográfica, 50.5 x 64.5 cm medidas totales de cada una considerando el marco Con certificado de autenticidad del artista. Esta obra fue producida por Juan José Soto para la exposición "Capital Flight" presentada en Chalton Gallery en Londres en 2016, consta de tres ejemplares, de los cuales uno pertenece a una colección particular en Europa. $18,000.00-$25,000.00 M.N. USD $970-$1,350

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SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

Realizó sus estudios en Artes Plásticas y Visuales en La Esmeralda y es egresado de la Licenciatura en Relaciones Internacionales por la UIA. Ha desarrollado proyectos curatoriales y de gestión como "No hay fronteras suficientemente grandes para caminar" presentada en el Senado de la República en 2016. Entre sus exposiciones individuales destacan "Paisaje inconexo" presentada en Celda Contemporánea en 2016 y "Utopías del trópico" en Galería Thomas Flechél en 2013. Ha participado en más de treinta exposiciones colectivas. Su obra fue presentada en Zona Maco 2017 con la galería El Quinto Piso, obtuvo el premio de adquisición en la Quinta Bienal Internacional de Arte Visual Universitario del Estado de México en 2012 y cuenta con un primer trabajo editorial, el libro "Cerca del mar" publicado en 2015. Las representaciones del poder frente a la tradición, ya sea esta, la tradición pictórica dentro de la historia del arte (en una clara evocación de la naturaleza muerta y uno de sus principales exponentes en el Reino Unido: Frans Snyders). O bien la tradición monárquica, su hegemonía orwelliana y sus referentes de poder simbólico que bajo la figura del cisne nos llevan desde teorías económicas como la "The black swan theory" hasta la tradición del Swan Upping británica.

ESTO ES AHORA

163

120 GERARDO FELDSTEIN (Buenos Aires, Argentina, 1958 - )

Izquierda, 2016 Firmado Dibujo de varilla de hierro sobre madera 1 / 3 130 x 115 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, mayo del 2016. Es un artista visual multidisciplinario, realiza pintura, dibujo, escultura, instalaciones y objetos. Estudió pintura con Eduardo Medici, además se formó en la escuela de arte dramático de Carlos Gandolfo y como instructor del Sistema Milderman de gimnasia psicofísica. Desde principios de los años noventa ha participado en los principales salones de artes visuales de Argentina. "Feldstein reemplaza la corporeidad sustanciosa y dominante para urdir un gráfico itinerario con el cual aprisiona la imagen y la circunscribe perfilándola sobre el trasfondo de un espacio anónimo. Desposeída de su densidad visceral, ella queda a disposición del ojo escrutador, que busca en vano una vívida densidad pero halla sólo la dimensión casi aérea de un límite expansivo. El fino espíritu creativo de Feldstein va en busca de errantes apariciones, que se desplazan por predios ingrávidos, lejos de toda posible promesa de instalación definitiva, como presas de un acercamiento del yo al abismo. Sin embargo, una inquietud existencial reduce el desafuero: estamos atestiguando una continuidad rítmica, apoyada en materiales exentos de lujoso atractivo (planos blancos, alambre, varillas de metal de distinto grosor...), que rescata el englobe de la estructura básica de ese escurridizo sujeto que es el yo, expuesto en el ir y venir de la contienda diaria". Guillermo Whitelow, "Feldstein, elogio de la línea" (fragmento). $90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,870-$6,490 164

SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

121 ALEX KATZ

(Brooklyn, Nueva York, 1927 - )

Plaid shirt 1, 1981 Firmada Serigrafía 36 / 71 111.9 x 78.1 cm Impresa por: Hiroshi Kawanishi, Simca Print Artists, Inc., Nueva York. Publicada por Simca Print Artists, Inc., Nueva York, y por el artista. Publicada en: MARAVELL, Nicholas P. Alex Katz: The complete prints. E.E. U.U. Art Books Intl Ltd, 1984, catalogada 127 y en el sitio oficial del artista: www.alexkatz.com La edición de esta serigrafía consta de 71 ejemplares numerados y 13 pruebas de artista. Estudió en la prestigiosa escuela de artes The Cooper Union Art School en Manhattan. Desde 1951, ha realizado más de 200 exposiciones individuales y cerca de 500 colectivas. Actualmente su obra se encuentra en importantes galerías y museos, como en el MoMA, el Whitney Museum y el Metropolitan Museum of Art. El crítico de arte y académico Robert Storr menciona que la obra de Katz transmite intimidad, su pintura alude a la cotidianidad con estilo de la escuela abstracta. De hecho, en estas piezas, se puede identificar la composición plana, los trazos simples y las gamas de colores claros y básicos que acostumbra a usar en los retratos. Fuente consultada: sitio oficial del artista: www.alexkatz.com

$26,000.00-$36,000.00 M.N. USD $1,400-$1,950

ESTO ES AHORA

165

Lote 73 (detalle)

ÍNDICE A

ADELA GOLDBARD AIDEE DE LEÓN ALBERTO RAMÍREZ JURADO ALEJANDRA ZERMEÑO ALEJANDRO BARRÓN ALEX HANK ALEX KATZ AMADO SANTOS ANDRÉS FELIPE CASTAÑO ANTONIO GRITÓN B BEATRIZ ZAMORA BENJAMÍN OROZCO LÓPEZ C CARLOS AMORALES CARLOS XI CECILIA BARRETO CECILIA PAREDES CÉSAR CÓRDOVA CÉSAR RANGEL CHRISTIAN CASTAÑEDA CIRCE IRASEMA CLAUDIO GALLINA COLECTIVO MANGLE D DAMIÁN ONTIVEROS DAMIEN HIRST DANIEL BERMAN DANIEL EVO DANIELA EDBURG DARÍO SALZMAN DAVID PESCADOR DIEGO FERNANDO ÁLVAREZ DR. LAKRA DULCE PINZÓN E EDGAR BACALAO EMILIANO GIRONELLA PARRA EMMANUEL GARCÍA ERIKA HARRSCH F FABIÁN GIMÉNEZ FELIPE EHRENBERG FERNANDA DESCHAMPS FERNANDO GUEVARA FRANCESCA BLOMFIELD FRANCESCA DALLA BENETTA FRANCISCO MUÑOZ G GAVIN RAIN GENEVA SILLS GERARDO FELDSTEIN H HARTWIG LUGO ROHDE HÉCTOR FALCÓN HOLLY BIRTLES HUGO LUGO I IVÁN MARTÍNEZ IVÁN VILLASEÑOR J JAIME LOBATO JAVIER ARJONA JAVIER PULIDO SHERWIN WILLIAMS JOAQUÍN FLORES

4 28, 29 92 44, 49 45 106 121 26 85 102 88 5 62, 63 42, 43 54 73 10 104 94, 95 97 115 93 108 83 117 105 23 111 101 93 36, 37 99 30 118 1 64, 65 17 66 109 7 57 48 80 59 13 120 53 61 25 22 52 79, 81 103 107 86 89

JORGE ROSANO GAMBOA JOSÉ ANTONIO FARRERA JOSÉ CASTRO LEÑERO JUAN DE DIOS JUAN JOSÉ SOTO JUAN MIGUEL CARRANZA JULIÁN MADERO K KANAKO NAMURA KATARZYNA PERLAK KEKE VILABELDA KRAKEN KRYSIA GONZÁLEZ KYLLA PIQUERAS L LUCÍA HINOJOSA LUCÍA PRUDENCIO M MANUEL CERDA MANUEL SOLANO MAREK WOLFRYD MARÍA PAULA ÁLVAREZ MARISOL PLARA MAX PRUS MICHAEL CONRADS MIGUEL ÁNGEL GARRIDO MIGUEL ÁNGEL MADRIGAL MR. BRAINWASH N NÉSTOR QUIÑONES NICOLÁS GUZMÁN O ODETTE PAZ OFILL ECHEVARRÍA OMAR MAÑUECO P PAULINA JAIMES PEDRO VARELA PEDRO VAZ R RAFAEL CAUDURO RAFAEL URIEGAS RAMSÉS OLAYA REMIGIO VALDÉS DE HOYOS RICHARD STIPL RIGEL HERRERA ROBERTO FLORES S SAELIA APARICIO STEFAN BRÜGGEMANN STEVE KAUFMAN "SAK" T THOMAS LAMMERS TIM ALLEN W WENDY CABRERA RUBIO WUERO RAMOS Y YAMPIER SARDINA YUI KUGIMIYA

40, 41 46 90 70 119 78 18, 114 91 8 72 67 16 75 24 20 58 38 100 93 74 11 60 12 96 6 24, 39 112 110 9 2 47 21 87 68, 69 27 56 113 50 71 76, 77 31, 32, 33, 34, 35 51 3, 4 55 84 98 19 15, 116 82

Graciela Iturbide. Mujer Ángel, Desierto de Sonora, 1979. Plata sobre gelatina. 27.7 X 35.3 cm $60,000 - $80,000 M.N.

SUBASTA DE FOTOGRAFÍA DE 2017, 2017, 7:00 7:00 P.M. P.M. JUEVES 9 19DE DENOVIEMBRE OCTUBRE DE Informes: Mariel Ortega mortega@mortonsubastas.com Tel. 5283 3140 ext. 3146

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Informes: Sofía Duarte sduarte@mortonsubastas.com Tel. (55) 5283 3140 ext. 3156 Antonio Berni Juanito y sus amigos Firmado y fechado 60 Óleo sobre tabla 74.5 x 60 cm

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GUÍA PARA COMPRADORES Si usted no ha comprado antes en nuestras Subastas, por favor lea las siguientes reglas de Subasta. En cada catálogo aparece el directorio de todo el personal, que lo atenderá con gusto, así como el personal de los mostradores de la recepción y de la Sala de Ventas. Usted puede consultarnos y responderemos a todas sus preguntas.

I. GENERALES 1. Morton Subastas, S.A. de C.V., en adelante denominada Morton Subastas, actúa únicamente como consignatario en la venta de bienes muebles propiedad de terceros, en virtud de contratos previamente celebrados con estos, de quienes se presume tienen la propiedad de los mismos. 2. Los datos contenidos en el catálogo de la Subasta o cualquier otra declaración hecha acerca del autor de la obra, origen, edad, fecha, estado, autenticidad o precio de la misma, son responsabilidad única y exclusiva de sus propietarios. 3. La Subasta se llevará a cabo en moneda nacional y con la participación mínima de licitadores que previamente determine Morton Subastas.

catálogo son los precios aproximados que se espera sean obtenidos, sin incluir la comisión de la Casa de Subastas. No se proporciona estimado de precio de los lotes cuya salida sea menor de dos mil pesos M.N. 6. Los lotes que se subasten se ofrecerán sujetos a un precio mínimo de venta previamente acordado entre el propietario y Morton Subastas, y sólo podrá ser modificado previo acuerdo por escrito entre los mismos. 7. Para efectos de la Subasta se le denomina licitador, posible comprador o postor, en adelante denominado “Licitador”, a aquella persona que tiene la facultad de hacer ofertas por lotes en el transcurso de la Subasta.

II. LOTES

III. OFERTAS EN PRESENCIA, REGISTRO

1. Los bienes a subastar serán organizados en lotes integrados por uno o más bienes, en el orden y bajo la numeración que Morton Subastas indique. 2. Los lotes serán descritos y en algunos casos incluidas sus fotografías en el catálogo que para la Subasta elabore Morton Subastas. 3. Los lotes serán exhibidos para su inspección, en el lugar designado para ello por Morton Subastas, cuando menos con tres días naturales de anticipación al de la celebración de la Subasta, por lo que el personal de Morton Subastas, estará a su disposición para mostrar en detalle cualquier lote. 4. Los lotes serán subastados en el estado físico en que se encuentren en el momento de celebrarse la Subasta por lo que NO se aceptarán devoluciones ni reclamaciones sobre daños, desperfectos o restauraciones, aunque estos no se hayan hecho constar en el catálogo de la Subasta. Propóngase un precio máximo de compra para las piezas antes de que salgan a Subasta. Esto le ayudará a comprar mejor. Si tiene duda sobre alguna pieza, por favor NO ofrezca, ya que si se le asigna deberá pagarla. 5. Los precios estimados que aparecen impresos bajo las descripciones del

Para hacer una oferta en la Subasta usted deberá registrarse acudiendo a la mesa de registro en presencia, mediante una hoja de registro establecida para ese fin. 1. Como garantía a Morton Subastas, por el o los lotes que le fueren adjudicados durante la Subasta, la contraprestación (Premium) y el impuesto correspondiente, deberá dejar un comprobante de tarjeta de crédito bancario o American Express, firmado a la orden de Morton Subastas, S.A. de C.V. 2. Comisión al comprador (Premium): Corresponde al 20% sobre el precio de venta, más el 16% de IVA sobre dicha comisión, que serán incrementados al importe de la compra de cada lote. Ejemplo: precio de martillo $5,000.00 más comisión $1,000.00 más IVA $160, total de la factura a pagar $6,160.00 3. Una vez registrado el licitador y otorgada la garantía correspondiente, se le hará entrega de una paleta numerada que lo identificará con su hoja de registro y de la cual hará uso únicamente el licitador, ya que es individual e intransferible. Por esta razón es importante que la conserve durante todo el desarrollo de la Subasta y la devuelva personalmente al abandonar la sala de Subastas. Si se

diera el caso de que no se le adjudicara ningún lote, su depósito en garantía le será devuelto en ese momento. 4. Con la entrega de registro, el licitador queda obligado a pagar el precio del lote más el 20% por concepto de la contraprestación más el IVA correspondiente. Si el pago se efectúa con tarjeta de Crédito Bancario o American Express, se incrementará el 6.6% (seis punto seis por ciento) por concepto de comisión sobre el monto total del lote o los lotes que le hayan sido adjudicados, descontando lo que previamente se tomó como garantía. 5. Para que los licitadores puedan hacer efectivas las pujas o aceptar una postura hecha por el martillero, bastará con levantar la paleta numerada. Por favor, hágalo con rapidez para que la dinámica de la Subasta continúe. Las ofertas aumentan aproximadamente un 10% en cada puja. 6. Se considera que el licitador que hizo efectiva la última puja, es decir la más alta, ha adquirido el bien que integra el lote subastado, en el momento en que no exista puja mayor y el martillero así lo manifieste.

IV. OFERTAS EN AUSENCIA Refiérase a las primeras páginas de este catálogo: “Cómo se compra en subasta”.

V. EXPORTACIÓN El comprador siempre deberá revisar si se requiere de autorizaciones, permisos o licencias de exportación o importación. Al participar en la subasta, acepta que es su sola responsabilidad obtener cualquier licencia, autorización o permiso de exportación o importación y que la negativa a cualquier permiso, autorización o licencia o cualquier retraso en obtenerlos, no justificará la rescisión o devolución de ninguna venta ni cualquier retraso en hacer el pago total de la propiedad adquirida. EL COMPRADOR RENUNCIA A REQUERIR CUALQUIER REEMBOLSO en cualquiera de los casos anteriormente mencionados. Las leyes locales pueden prohibir importar o exportar cierta propiedad y/o pueden limitar la reventa de alguna propiedad. Para mayores informes, consulte: www.tramites.inah.gob.mx

OFERTAS EN AUSENCIA

CONDICIONES Y FICHA DE REGISTRO PARA REALIZAR OFERTAS EN AUSENCIA. AVISO DE PRIVACIDAD Los datos personales serán tratados de conformidad con lo dispuesto en la Ley Federal de Protección de Datos Personales en Posesión de los Particulares, la reglamentación respectiva y el aviso de privacidad están a su disposición en la siguiente liga http://www.mortonsubastas.com/formatos/Aviso-de-Privacidad-Integral.pdf Por favor, consulte el aviso de privacidad antes de proporcionar sus datos. ESTOY DE ACUERDO SI NO

AL FIRMAR LA FICHA DE REGISTRO DE OFERTAS EN AUSENCIA, USTED ACEPTA LO SIGUIENTE:

1. Las reglas y condiciones que aplican para las subastas en Morton Subastas, S.A. de C.V. (“Morton Subastas”) y/o las del catálogo; las cuales se encuentran a su disposición en Morton Subastas. 2. Que el personal de Morton Subastas haga efectivas las pujas en su nombre y representación en la subasta en la que se registra, por las piezas que se describen en el presente documento, hasta por la cantidad que aparece en el apartado “Límite superior de la oferta”.

LÍMITE DE OFERTA

3. Que no están permitidas las ofertas en ausencia sin límite superior.

RESPONSABILIDAD

4. Que Morton Subastas en ningún caso y por ningún motivo, es responsable que usted logre se le adjudique(n) la(s) pieza(s) por las que ofertó en ausencia.

UNA PUJA MÁS

5. Que en caso de que el monto máximo fijado por usted como Límite Superior de la Oferta para una pieza se iguale con la última puja de la sala, podrá autorizar una puja más, según lo establezca el recuadro denominado: “Autoriza una puja más”. En caso de que este recuadro no se haya requisitado, se entenderá que no acepta subir a la siguiente puja.

ADJUDICACIÓN

FICHA DE REGISTRO FECHA

NOMBRE DE SUBASTA NÚMERO DE PALETA

AUTORIZA UNA PUJA MÁS

OFERTA POR TELÉFONO

NOMBRE COMPLETO CALLE

No.

COLONIA

C.P.

DELEGACIÓN / MUNICIPIO

E-MAIL

TELÉFONO

CELULAR

IDENTIFICACIÓN NÚM DE TARJETA DE CRED. NÚM DE SEGURIDAD

6. Que en caso de que existan dos o más ofertas en ausencia por la misma pieza y por la misma cantidad señalada como Límite Superior de la Oferta y no haya una puja superior en la sala, la pieza se adjudicará a la Oferta en Ausencia que se haya recibido primero en Morton Subastas. 7. Que el fallo de adjudicación lo emitirá Morton Subastas y será inapelable, por lo que Usted renuncia desde este momento a cualquier acción y/o derecho alguno para ejercer en contra de Morton Subastas y/o a quien sus derechos represente, por cualquier conflicto o controversia que surgiera por esta causa.

FECHA DE VENCIMIENTO

NÚMERO SEGÚN CATÁLOGO

LÍMITE SUPERIOR DE OFERTA

DESCRIPCIÓN

REQUISITOS

8. Que Morton Subastas no hará efectiva la Oferta en Ausencia si no cumple con los siguientes requisitos: a) Llenar completamente el presente documento y firmarlo de conformidad, indicando claramente el número de lote por el que desee ofrecer y la cantidad establecida con Límite Superior de la Oferta. b) Entregar firmado el presente documento al personal autorizado de Morton Subastas a más tardar a la fecha de celebración de la subasta y hasta cuatro horas antes de la misma, en el domicilio de Morton Subastas. c) Efectuar un depósito en garantía del cumplimiento de las obligaciones que pudiera llegar a tener como adquiriente, de acuerdo a lo siguiente: Subastas en Monte Athos: $20,000.00 M.N. Subastas en Sadi Carnot: $5,000.00 M.N. El monto de la garantía podrá ser cambiado por Morton Subastas, con previo aviso al cliente. d) La garantía no podrá ser cubierta con tarjeta de débito, ya que en caso de no tener adjudicación alguna de los lotes, la devolución de la misma es demasiado complicada.

.00 M.N.

RECIBIÓ (REPRESENTANTE DE MORTON) NOMBRE Y FIRMA FECHA Y HORA DE RECEPCIÓN

CONDICIONES DE PAGO

9. En caso de que se adjudique la pieza, pagar por el precio martillo, más el 20% por concepto de comisión, más el Impuesto al Valor Agregado sobre dicha comisión (16%). Si el pago se realiza a través de tarjeta de crédito o American Express, se cargará un 6.6% adicional al saldo que resulte de restar la garantía. Recuerde que usted tiene 5 días hábiles después de la subasta para liquidar el total de su compra y recoger los artículos adquiridos en el lugar de la subasta.

OFERTAS POR TELÉFONO

10. Las ofertas en ausencia también se recibirán por teléfono, previa entrega del presente documento firmado y enviado vía correo electrónico a Morton Subastas hasta cuatro horas antes del inicio de la Subasta, siempre y cuando el precio estimado bajo de la pieza por la que oferta sea de $5,000.00 M.N. o mayor.

Acepto se me haga el cargo en garantía establecido de acuerdo a lo señalado en los requisitos del punto no. 8 letra C. reembolsable en el caso que no se me adjudiquen los lotes. Acepto las condiciones del catálogo, las reglas de la subasta y del presente documento.

FIRMA Ciudad de México a

del año

CONFIDENCIALIDAD

11. La información aquí contenida se considera Confidencial, por lo que su divulgación está prohibida y da derecho al pago de daños y perjuicios que causen por este hecho.

Informes: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

Nota: Las ofertas en ausencia se recibirán hasta cuatro horas antes de la subasta.

Tel. +52 (55) 5283 3140 Ext. 3148, 3149 y 3150

ABSENTEE BIDS ABSENT BID TERMS, CONDITIONS AND BID FORM

BY SIGNING THIS ABSENTEE BID REGISTRATION FORM YOU AGREE TO THE FOLLOWING TERMS AND CONDITIONS:

1. You agree to the terms and conditions that apply to the auctions at the Morton Subastas, S.A. de C.V. (Morton Subastas) premises and/or those described in the catalogues available at Morton Subastas.

ABSENTEE BID FORM AUCTION TITLE

DATE

PALETTE NUMBER

WHO MAKES THE BIDS

2. Allow the personnel of Morton Subastas to make effective the bids on your behalf during the auction to which you are registered, and for the pieces only described herein, up to the amount inserted in the top limit bid.

BIDS LIMIT

3. Unlimited bids are not permitted.

RESPONSIBILITY

4. In no case and by no means, Morton Subastas takes responsibility for the adjunction of the piece(s) for which you made absentee bids.

ONE MORE BID

5. In case the amount stated by you as the top limit bid for a piece is matched by the last bid made in the auction room, and if the option on the "One more bid authorized" section is chosen as "Yes", you will then be allowed to place a higher bid for the piece. In case this option was chosen as "No" or left blank, your bid will be stopped.

ASSIGNATION

6. In case that two or more absentee bidders appear for the same piece and for the same top limit bid stated, and in case there is not a higher bid in the auction room, the piece will be adjudicated to the absentee bid first received by Morton Subastas. 7. The decision for the adjudication will be decided by Morton Subastas, and thus, will be unappealable. By signing this form you agree to not taking any legal action against Morton Subastas or its representatives if any conflict or dispute arise due to disagreement.

ONE MORE BID AUTHORIZE

YES

TELEPHONE BIDS

YES

FULL NAME ADRESS

ZIP CODE

E-MAIL TELEPHONE

MOBILE

ID NUMBER CREDIT CARD SECURITY CODE

EXPIRING DATE

LOT NUMBER

TOP LIMIT BID

DESCRIPTION

(Mexican Pesos)

REQUIREMENTS

8. Morton Subastas will not make effective the Absentee Bid if the following requirements are not met: a) This document should be duly filled in and properly signed for in the agreement section, making sure that is clearly entered the lot number of the piece you are interested in, and well stated your top limit bid for it. b) This document should be delivered only to the authorized personnel at latest the day of the Auction at the address of Morton Subastas in which the auction will be held. c) Allow a deposit as a guarantee for the payment of the piece and amounts generated by the adjudication of the piece. The deposit will be in the following amounts, and will be taken under the name of Morton Subastas. Auctions at Monte Athos Gallery: $20,000.00 MXP Auctions at Sadi Carnot Gallery: $5,000.00 MXP The amount of the guaranty may be changed by Morton Subastas prior notice to the customer. d) Guaranty may not be paid with a debit card since, in case of there is no awarding of lots, reimbursement would be too difficult.

.00 MXP

RECEPTION (MORTON STAFF ONLY) NAME AND SIGNATURE DATE AND TIME OF RECEPTION

I DO HEREBY ACCEPT THE CONDITIONS DESCRIBED IN THIS DOCUMENT AND CATALOGUES FOR THE AUCTION

PAYMENT CONDITION

9. If the piece is adjudicated to you, the price of the piece plus twenty percent of commission fee shall be paid, plus the corresponding VAT (16%) calculated over the commission. Payment made with credit card or any American Express card will incur an extra charge of 6.6%, added as a commission fee to the total amount to be paid for.

BIDS OVER THE TELEPHONE

SIGNATURE (Date)

MEXICO CITY

10. Absentee bids by telephone are welcome, previous delivery of the present document duly filled and signed is required, sent to Morton Subastas with at least two working days before the date of the auction if your bid is $10,000.00 MXP or more. Long distance calls to and for the auction should be made by yourself.

CONFIDENTIALITY

11. Information contained herein is deemed Confidential, and its disclosure is prohibited, entitling the payment of damages and looses caused by this fact.

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Please note: On the day of the auction last absentee bids are received 4 hours before the auction.

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