Subasta de Arte Latinoamericano by Morton Subastas

Lote 80

Lote 153

Lote 130

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CONSEJO DE ADMINISTRACIÓN Don Luis López Morton Ing. Sergio Autrey Maza Lic. José Calderón Muñoz de Cote Lic. Flavio J. Díaz Tueme Mtro. Carlos Noriega Arias Ing. Dan Ostrosky Shejet

DIRECTORIO

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Presidente Luis C. López Morton

eorozco@mortonsubastas.com Directora General Vivian Gorinstein vgorinstein@mortonsubastas.com Director General Adjunto Eduardo López Morton emorton@mortonsubastas.com Gerente de Administración y Finanzas Rosalía Madrigal rmadrigal@mortonsubastas.com Director General de Adelantos Andrés López Morton amorton@mortonsubastas.com Gerente de Autos y Camiones Aída Alanís Lara aalanis@mortonsubastas.com

CONSIGNACIÓN Antigüedades Fernanda Becerril Arte Moderno y Contemporáneo Sofía Duarte Obra Gráfica Diana Álvarez Fotografía Marcela Mena Joyería y Relojes Alejandra Rojas Libros Antiguos y Contemporáneos Jesús Cruz Vinos de Colección y Uso Diario Abril Rodríguez Estilo de Vida. Cerro de Mayka Lizbeth Silva Oportunidades. Sadi Carnot Alberto Flores Autos Clásicos Antonio López Morton Herencias y Colecciones Javier López Morton Monterrey Representante ︱ Samuel Campillo Coordinación General ︱ Yólika Sáenz Coordinación de Administración ︱ Daniela Palafox Guadalajara Shantal López París Carlos Millán DEPARTAMENTO DE ARTE MODERNO

Gerente de Departamento Sofía Duarte

Coordinadora de Contenidos Odette Paz

LA SUBASTA ES CONDUCIDA EN PESOS MEXICANOS. LOS ESTIMADOS EN ESTE CATÁLOGO SE PRESENTAN EN PESOS Y DÓLARES AMERICANOS. Los precios publicados en este catálogo fueron establecidos tomando en cuenta el tipo de cambio de $18.00 (dieciocho pesos M.N.) por dólar americano. En caso de que el tipo de cambio mencionado se incremente en un porcentaje equivalente o mayor al 10% (diez por ciento), se hará un ajuste de manera tácita a los estimados de los precios de venta publicados, el día de la subasta. Morton Subastas toma el tipo de cambio oficial, emitido por el Diario Oficial de la Federación. De acuerdo a la ley monetaria de los Estados Unidos Mexicanos, no podemos recibir moneda extranjera en efectivo. Si usted desea pagar en moneda extranjera, el tipo de cambio será acordado previamente con Morton Subastas, S.A. de C.V. Para mayor información, consulte con nuestro departamento de finanzas: Rosalía Madrigal: rmadrigal@mortonsubastas.com, o bien al teléfono 5283 3140, ext. 3390. La mercancía será entregada una vez que nuestro banco confirme la recepción de pago (puede tomar hasta 15 días). Las descripciones proporcionadas en los catálogos impresos y en línea no en todos los casos incluyen un reporte de condición. La ausencia de una declaración de condición no implica que el lote se encuentre en perfecto estado o completamente libre de desgaste, daños, imperfecciones o los efectos del envejecimiento. Se recomienda encarecidamente a los compradores interesados, solicitar un informe sobre la situación precisa de los lotes por los que tenga intención de pujar, antes de hacer una oferta.

Por lo anterior, no existe cancelación de ventas.

Si desea un reporte de condición de alguna pieza incluida en esta subasta, por favor contacte al Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo: Odette Paz | opaz@mortonsubastas.com | Tel. 5283 3140 ext. 3394

Especialista

Constanza Infante

Catalogadora

María Fernanda Serrano

Atención a Clientes Ana Segoviano

INFORMES Tel. + 52 (55) 5283 3140 atencion.clientes@mortonsubastas.com 6

mortonsubastas.com

Subasta de Arte Latinoamericano Salón Candiles del Club Naval Norte Fernando Alencastre 310, Col. Lomas de Virreyes, Ciudad de México

j u e v e s 16 d e m ay o d e l 2019, 7:00 p . m . Nos complace invitarle al cocktail, el martes 14 de mayo a partir de las 7:00 p.m.

EXPOSICIÓN Sábado 11 y domingo 12 de mayo de 11:00 a.m. a 2:30 p.m. Lunes 13 al miércoles 15 de mayo de 10:00 a.m. a 6:30 p.m. Salón Candiles del Club Naval Norte

INFORMES Ana Segoviano Tel. (55) 5283 3140 ext. 3146 asegoviano@mortonsubastas.com

VISITAS PRIVADAS Y ASESORÍA EN ARTE Citas: Constanza Infante Tel. (55) 5283 3140 ext. 3384 • cinfante@mortonsubastas.com

PORTADILLA: Lote 104 PORTADA: Lote 81 CONTRAPORTADA: Lote 103

Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, María Izquierdo, Saturnino Herrán, Frida Kahlo, José María Velasco y Dr. Atl, forman parte del grupo de pintores mexicanos cuyas obras son consideradas monumentos históricos. Si usted requiere mayor información, contacte a nuestro Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo.

LAS VENTAS DESPUÉS DE SUBASTA SERÁN SOBRE EL ESTIMADO BAJO Morton Subastas no proporciona servicios de envío de las piezas; sin embargo, puede consultarlo con Pakmail dentro de nuestras oficinas.

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¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA? ¡BIENVENIDO! Usted está entrando al mundo de las subastas, un mundo donde es emocionante adquirir antigüedades, arte, joyas, muebles y muchas cosas más. Algunas personas creen que la subasta es un proceso complicado... ¡sorpresa! entrar a comprar a una subasta es muy sencillo y no se requiere invitación, inscripción, ni nada de eso. Únicamente acuda, disfrute el momento y dese el placer de llevarse eso que tanto le gusta. Aquí le damos unos consejos para que lo disfrute desde la primera vez...

¿LA SUBASTA ESTÁ ABIERTA AL PÚBLICO? Sí, la subasta es un evento público y gratuito. Usted es bienvenido sin necesidad de invitación, incluso si no está seguro de que adquirirá un lote. (Lote: cualquiera de las piezas o conjunto de piezas que se subastarán, tiene un número y aparece en el catálogo correspondiente).

¿QUÉ DEBO HACER ANTES DE LA SUBASTA? Usted puede asistir antes de la subasta a la exposición, donde podrá ver las piezas que se van a subastar. Es muy recomendable comprar el catálogo, porque en él se encuentra la descripción detallada y fotos de cada lote. El día de la subasta, al registrarse en la recepción le entregarán un número de paleta para hacer posturas; es decir, una paleta de plástico con un número que será levantada cada vez que usted quiera ofrecer una cantidad para adquirir un lote. En el registro se le solicitará su nombre, dirección y un depósito en garantía para sus compras (en efectivo o tarjeta).

¿QUÉ SIGNIFICAN LOS PRECIOS ESTIMADOS QUE APARECEN EN EL CATÁLOGO? Generalmente el catálogo muestra dos precios: un estimado bajo y uno alto. El lote puede venderse por debajo del estimado bajo (si el consignante no ha fijado un precio mínimo) y puede venderse por arriba del estimado alto en el momento de la subasta.

¿CÓMO FUNCIONA LA SUBASTA? Cuando salga a remate el lote que usted desea adquirir, simplemente levante la paleta que le fue asignada cuando el subastador proponga el precio de venta en subasta y usted esté de acuerdo con dicha cantidad. El subastador continuará elevando el precio mientras haya personas que sigan ofreciendo por el mismo lote. El último precio indicado por el subastador al dejar caer el martillo es el precio de martillo, y esa es la cantidad más la comisión (20%), más el IVA de la comisión, lo que usted pagará por el lote adquirido.

¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA SIN ESTAR PRESENTE EN EL SALÓN? ¿SE PUEDEN HACER OFERTAS SIN ASISTIR AL SALÓN DE SUBASTAS?

El formato de ofertas en ausencia se encuentra en la última página de este catálogo

Sí, existen dos sencillas formas de hacer ofertas en ausencia: • Por escrito. Usted llena el formato de ofertas en ausencia, indica el número de lote o lotes que desea, así como la oferta máxima que quiere hacer por cada uno de ellos. Así, uno de nuestros representantes estará haciendo las ofertas en su nombre y representación. • Por teléfono. Previamente a la subasta, usted elige el lote o lotes por los que hará sus ofertas. Al momento que el lote salga a remate, uno de nuestros representantes se comunicará con usted y así estará pasando sus ofertas al subastador.

OFERTAS EN AUSENCIA El personal autorizado por Morton podrá hacer efectivas las pujas en representación de los licitadores, sin ningún cargo para el licitador y de acuerdo a las siguientes reglas: 1. El licitador podrá hacer llegar su postura a Morton hasta cuatro horas antes de celebrarse la subasta, mediante la entrega de la ficha de registro para ofertas en ausencia directamente en nuestras oficinas, con acuse de recibo por correo electrónico a la siguiente dirección: ofertasenausencia@mortonsubastas.com, el formato está a su disposición en nuestras oficinas así como en el catálogo de la subasta. 2. Será necesario que Morton haya recibido las posturas del licitador, señalando un monto máximo como límite de cada puja. 3. En el caso de que el límite máximo fijado por el licitador en ausencia se iguale con la última puja de la sala, se autoriza a Morton a subir a la siguiente puja por cuenta del licitador en ausencia; de lo contrario el licitador presente en la sala tendrá la prioridad sobre el lote. Esta información se considera confidencial. 4. Como garantía de pago, en el caso de que el licitador se presente en Morton para registrar ofertas en ausencia deberá firmar un comprobante de tarjeta de crédito bancario o American Express a la orden de Morton Subastas, S.A. de C.V. 5. Los lotes se adjudicarán al precio más bajo que permitan las demás pujas o posturas aceptadas en la sala. 6. En caso de que hubiera dos o más licitadores en ausencia, con ofertas por el mismo lote y por la misma cantidad, se adjudicará el lote al licitador cuya oferta haya sido presentada primero en día y hora. En lo demás, son aplicables todas las reglas de la subasta. 7. Morton NO es responsable si alguna de las ofertas en ausencia no se logra realizar. 8. Morton NO acepta ofertas sin límite.

OFERTAS POR TELÉFONO 1. Pueden hacerse ofertas vía telefónica en el salón de subastas durante el desarrollo de la subasta, presentando una solicitud por escrito y entregada a Morton por lo menos con dos días hábiles de anticipación siempre y cuando la cifra sea mayor a $10,000.00 por cada lote de su interés. Las condiciones para hacer efectivas las pujas, son las mismas que para ofertas en ausencia. Puede hacernos llegar sus ofertas y demás documentos a la dirección electrónica: ofertasenausencia@mortonsubastas.com 2. No se aceptarán ofertas por teléfono que no tengan postura, ni menores a $10,000.00

INFORMACIÓN IMPORTANTE • El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor. •

El subastador podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva, por medio de pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores.

• El transporte es por cuenta del comprador. •

Todas las piezas se venden en el estado en que se encuentran, favor de revisarlas bien antes de comprar; si tiene alguna duda no compre.

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Todas las piezas incluidas en este catálogo, están revisadas y muchas de ellas autentificadas tanto por los propietarios o por algún experto. Por favor si tiene dudas o requiere más información estamos a sus órdenes y le asistiremos en lo más que podamos aclarar.

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Si por alguna razón nuestra descripción no es de su entera satisfacción, usted puede revisar las piezas previamente a la subasta y traer a su experto dentro del horario de exposición.

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De acuerdo a lo establecido en el Artículo 16, de la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos y el Artículo 37 de su Reglamento; es necesario realizar el trámite INAH-00-005 para obtener el PERMISO DE EXPORTACIÓN TEMPORAL O DEFINITIVA DE MONUMENTOS O BIENES MUEBLES HISTÓRICOS. Para realizar dicho trámite es necesario ingresar a www.tramites.inah.gob.mx en la opción de Exportación y Transporte.

• Los precios estimados son en pesos mexicanos. • En los lotes que no llevan estimado, la salida está por abajo de $2,000.00 M.N. •

Si por alguna razón no puede pasar a liquidar en el tiempo ya mencionado, haremos efectivo el cargo a la tarjeta de crédito, más su porcentaje correspondiente.

•

Compras por debajo de $50,000.00 M.N., se cargarán el mismo día a la tarjeta de crédito más su porcentaje de comisión de la subasta.

• Morton Subastas le proporciona factura por el Premium y el IVA correspondiente. • Una vez hecha la factura no hay cambio de nombre. • Si se le asigna un lote en la subasta no hay devoluciones ni reclamaciones. RETIRE SUS PIEZAS COMPRADAS EN SUBASTA A TIEMPO Las piezas de esta subasta se deberán recoger en los siguientes días y horarios, en Monte Athos 179, Lomas de Chapultepec: Lunes 20 de mayo de 9:30 a.m. a 6:30 p.m. Martes 21 de mayo de 9:30 a.m. a 6:30 p.m Miércoles 22 de mayo de 9:30 a.m. a 6:30 p.m Jueves 23 de mayo de 9:30 a.m. a 6:30 p.m Viernes 24 de mayo de 9:30 a.m. a 6:30 p.m Si no son recogidas en este plazo tendrán un cargo del 10% mensual sobre la reserva. A partir del sexto día deberán recogerse en Av. Constituyentes 910, Lomas Altas.

LA SUBASTA 1. Al iniciar la subasta, el martillero indicará el lote a ser subastado, ya sea por medio del número que corresponda de acuerdo al catálogo de la Subasta o dando lectura a la descripción, las características y el precio de salida. 2. La subasta de cada lote se iniciará cuando el martillero pregone el precio de salida del mismo y entonces los licitadores podrán hacer efectivas las pujas o aceptar la postura ofrecida por el martillero. El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor. El martillero podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva, por medio de pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores. 3. Para que el martillero adjudique un lote, será necesario que no haya pujas que mejoren la anterior; por lo tanto el precio mencionado por el martillero constituirá el precio de martillo o de venta que deberá pagar el licitador. 4. Las pujas, es decir, la cantidad que el licitador ofrece respecto a la postura anterior o al precio de salida, se regirán dentro de los siguientes parámetros: PRECIO DE SALIDA

INCREMENTO DE LA PUJA

DE:

$100

$1,000

$100

$1,000

$5,000

$200 $500 $800

$5,000

$10,000

$500

$10,000

$20,000

$1,000

$20,000

$50,000

$2,000

$50,000

$100,000

$5,000

$100,000

En adelante

$10,000

5. La persona a la que el martillero adjudique el lote, se convierte en el propietario del mismo, como consecuencia deberá pagar lo siguiente: a. El precio de venta o de martillo del lote subastado. b. La cantidad equivalente al 20% del precio mencionado en el punto (a) por concepto de comisión (Premium). c. El Impuesto al Valor Agregado sobre la comisión. d. En caso de que el pago se efectúe con tarjeta de crédito bancario o American Express, se agregará el 6.6% sobre el monto total, por concepto de comisión por el uso de tarjeta de crédito. 6. Como consecuencia de la adjudicación del bien, personal de Morton presentará al comprador una hoja de adjudicación y un estado de cuenta y realizará el cierre del comprobante de la tarjeta de Crédito Bancario o American Express, según sea el caso.

7. El transporte corre por cuenta del comprador. 8. Compras menores de $50,000.00 (cincuenta mil pesos 00/100 M.N.) se cargarán el mismo día a la tarjeta de crédito, más el porcentaje de comisión de la subasta, el I.V.A. correspondiente. 9. Si requiere factura a nombre de su Compañía, favor de solicitar al momento de liquidar, mostrando el Registro Federal de Causantes. NO habrá cambios en las facturas. 10. Una vez adjudicado un lote no se aceptan reclamaciones ni cancelaciones. 11. La mercancía se subasta, adjudica y entrega en las condiciones en que se encuentra, por lo que le recomendamos acudir a nuestras exhibiciones o verificar plenamente que el lote a subastar reúna las condiciones y características de su interés.

GLOSARIO DE TÉCNICAS PLÁSTICAS Las técnicas pictóricas están conformadas por pigmento (sustancia que permite colorear las superficies al dejar partículas adheridas a ellas), aglutinante (que permite que la mezcla sea estable y garantiza su permanencia en el soporte) y diluyente (que permite adelgazar, homogenizar y disolver la materia). Tipos de soporte: Aglomerados: Tableros fabricados a partir de elementos fibrosos de madera prensada y unidos por medio de distintos procesos y aglutinantes; los más utilizados son: fibracel, masonite y MDF. En ocasiones llevan un recubrimiento industrial como en el caso de la melamina y formica. Cartón: Material compuesto por varias capas de papel a base de fibra virgen o de papel reciclado superpuestas. Es grueso, duro y resistente. Láminas de metal: Suelen ser de cobre o zinc. Madera: También catalogada como “tabla”. Los tipos de madera más usados en la pintura son: caoba, pino y laminados como el triplay. Papel: Hoja delgada que se hace con pasta de fibras vegetales. Puede ser de fabricación industrial o a mano, lo que brinda a las hojas distintas texturas y cualidades. Polipropileno: Polímero termoplástico, parcialmente cristalino. Se fabrica en diversos grosores y grados de flexibilidad. Tiene gran resistencia contra solventes químicos y al calor. Tela o lienzo: Usualmente preparado con una imprimatura para pintar sobre él. Los más utilizados son los fabricados en lino, yute, cáñamo, algodón o fibras sintéticas. Vinilo: Se obtiene a partir del cloruro de vinilo, un material que se usa para fabricar PVC (policloruro de vinilo), utilizado en una variedad de productos plásticos. Puede ser usado como soporte de impresión, entre sus propiedades destacan la durabilidad y la maleabilidad. También se utiliza como material de rotulación pues su alta maleabilidad permite que sea deformado y cortado, permitiendo construir siluetas y textos. Técnicas bidimensionales: Acrílico: Emulsión integrada por pigmento y cola vinílica soluble en agua que se distingue especialmente por la rapidez del secado. Acuarela: Pigmentos aglutinados con goma arábiga que al ser diluidos en agua resultan traslúcidos y ofrecen una textura visual muy ligera. Anilina: Pigmentos de origen natural, usados principalmente en la industria alimenticia. Barniz: Producto que suele aplicarse al finalizar la obra, forma una película sólida, transparente, con propiedades protectoras o decorativas. Bolígrafo: Instrumento que produce un trazo uniforme y de secado rápido. Contiene un tubo de tinta y, en la punta, una bolita metálica que gira permitiendo el dibujo. Crayón: Barra hecha con cera y pigmentos. Carboncillo: Trozo de madera carbonizada que permite trazar líneas ágiles y gradaciones. Collage: Procedimiento que consiste en pegar trozos de diferentes materiales como telas, cartón, papel, fotografías y recortes de periódicos, sobre una superficie para crear una composición. Conté: También se le conoce como lápiz de carbón compuesto, similar al carboncillo, pero ofrece un trazo más preciso al estar aglutinado con cera o arcilla. Encáustica: Pigmentos disueltos en cera que se extienden con ayuda de una espátula o pincel sobre el soporte. Se le suele aplicar fuego directo para crear diversos efectos y texturas. Esmalte: Pasta vítrea, brillante y dura, que se obtiene mediante fusión de polvo de vidrio coloreado con óxidos metálicos, y que se aplica sobre cerámica o metal. Gouache: Pintura opaca en la que los pigmentos están aglutinados con goma arábiga y mezclados con un medio inerte como el yeso, carbonato de calcio o creta. Hoja de oro: Lámina muy fina de oro batido o metal que imita metales preciosos. Se adhiere a diversas superficies previamente preparadas.

Lápiz: Barras de madera que contienen en su interior una mina de pigmento aglutinado. Los tipos más usuales son: De grafito: Su mina está compuesta de grafito (un mineral de carbono casi puro), arcilla y agua; da distintas tonalidades de gris de acuerdo al grado de dureza que tenga, en una escala indicada con las siglas H (hard) a B (black). De color: Su mina está compuesta por pigmentos de colores aglutinados con cera de abeja. Mixta: Cuando se combinan varias técnicas o se introducen elementos extra pictóricos como arena, polvo de mármol o tierra. Óleo: Pigmentos integrados con aceites y resinas vegetales, se disuelven en trementina (aguarrás). Se puede controlar su fluidez y espesor, aplicándolo de manera directa o por medio de veladuras. Pastel: Barras secas de pigmentos aglutinados con goma. Su textura permite mezclarlos o difuminarlos. Pastel graso: Combinación de pigmentos con aceite y cera. Estas barras son blandas, de consistencia cremosa y colores brillantes. Piroxilina: Laca sintética a base de nitrocelulosa; su uso es principalmente industrial. Poliuretano: Polímero que puede fabricarse para que sea rígido o flexible, por ejemplo como espuma. Sanguina: Óxido férrico aglutinado con goma arábiga que se utiliza en forma de lápiz o barra para trazar en una gama de colores rojizos. Temple: Su característica principal es la emulsión de agua y materia grasa. Los pigmentos se encuentran aglutinados con yema de huevo, caseína, goma o grasa animal. Tinta acrílica: Gracias a su base acrílica seca rápidamente, es permanente y resistente al agua. Tinta china: Está formada por partículas de pigmento negro carbón con un aglutinante de cola proteica, los cuales se disuelven en agua. Tinta saiboku: Barritas de tinta hechas con pigmentos inorgánicos y cola animal. Su color es intenso. Técnicas tridimensionales: Escultura: Obra tridimensional tallada, modelada o construida en barro, cerámica, piedra, madera, metal u otro material. Relieve: Obra adosada a un plano; adherida a una superficie que le sirve de fondo, por lo que tiene un punto de vista frontal. Las técnicas más comunes son: Fundición: Técnica para obtener esculturas en metal. Predominan dos procedimientos: la fundición a la cera perdida y a la arena. A la cera perdida: Consiste en realizar un modelo en arcilla que se recubre con una capa de cera, que a su vez se recubre con alguna sustancia refractaria y se deja endurecer. Una vez secos, se le hacen unos orificios por donde se deja salir la cera y posteriormente se rellena con bronce fundido. Al enfriarse el metal, se rompe la capa exterior de arcilla. A la arena: Consiste en dividir la pieza en diversas partes, que se ponen en cajas rellenas de arena y en las cuales se vierte el bronce líquido. Posteriormente las distintas piezas se unen mediante remaches. Ensamblaje: Técnica que consiste en pegar o soldar distintos objetos y materiales para crear una composición con tridimensionalidad. Labra: Técnica sustractiva en la que se parte de un bloque de piedra (mármol, ónix, basalto, etc.) y se desbasta con mazo y cincel, para crear una forma. Modelado: técnica aditiva que consiste en añadir materia e ir moldeándola, ya sea con las manos o algún instrumento como espátula o estiques. Los materiales más comunes son la arcilla, cerámica, cera y plastilina. Pátina: Medios químicos que posibilitan cambiar el tono de la superficie de una escultura. Su nombre proviene de emular la “pátina”, barniz o tono que adquieren ciertos objetos antiguos con el paso del tiempo. Soldadura: Procedimiento por el cual dos o más piezas de metal se unen por aplicación de calor, presión o una combinación de ambos. Talla: Técnica sustractiva que parte de un bloque generalmente de madera, el cual se va extrayendo y puliendo con mazas y gubias hasta alcanzar la forma deseada. Vaciado: Se vierte el material, que puede ser metal, plástico, resina, yeso o cerámica en un molde.

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“La vida no es la que uno vivió, sino la que uno recuerda, y cómo la recuerda para contarla”. Gabriel García Márquez, “Vivir para contarla”.

La importancia de la labor de un artista radica en brindar una perspectiva única sobre el contexto en el que se desenvuelve; su planteamiento estético y propuesta plástica responden a diversos sucesos históricos, sociales e incluso conceptuales. Cada semestre, en Morton Subastas nos maravillamos ante las obras que tenemos el honor de seleccionar como parte de nuestra Subasta de Arte Latinoamericano. En este primer semestre del 2019 ponemos a su alcance obras que sin duda son documentos históricos, dignas de habitar la sala de un museo o un acervo selecto. Iniciando con la portada de este catálogo: un paisaje francés de Diego Rivera que data de 1917; obra que fue presentada en la exposición “Picasso & Rivera. Conversaciones a través del tiempo”, realizada en conmemoración del 130 aniversario del natalicio del muralista y que curiosamente coincidió con el centenario de la realización de este espléndido óleo en el que es patente su depurada técnica y la exploración de las vanguardias europeas que permearon su obra en su estancia en Europa. Sudamérica está presente en obras, como las del gran maestro uruguayo Joaquín Torres-García, un bodegón de 1927, periodo en el que él también se encontraba viajando y descubriendo las manifestaciones artísticas del mundo y sentando las bases de su aclamada escuela. De otro de los tres grandes del muralismo mexicano, José Clemente Orozco, podrá disfrutar el fascinante paisaje urbano “Octava avenida”, obra que también fue presentada en la muestra retrospectiva de su autor: “José Clemente Orozco: pintura y verdad”, que itineró en el Instituto Cultural Cabañas y en el Antiguo Colegio de San Ildefonso. Sabemos que la generación de La Ruptura fue una de las que más aportó a la historia del arte mexicano y el impresionante cuadro “Trashumante tres” de Francisco Corzas nos cuenta de una manera excepcional parte de este periodo de nuestra historia, su fuerte pincelada y manejo del color nos permiten comprender porqué fue una de las obras predilectas de su autor y de los historiadores y curadores. Con más de cien reconocidos autores de Latinoamérica, entre los que destacan Leonora Carrington, Alfredo Alcalde García, Sergio Hernández, Eduardo Ramírez Villamizar, Rodolfo Morales y Jorge González Camarena, lo invitamos a visitar la exposición; sin duda creemos que lo mejor es vivir cada una de las 201 obras que conforman esta subasta frente a frente y si requiere asesoría, nuestras especialistas le podrán guiar a través de este maravilloso mapa artístico de nuestro continente y nuestra cultura. Morton Subastas

JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006) Calle de Alvarado

Firmado y fechado 44 Óleo sobre tela sobre masonite 82.5 x 58.5 cm Con certificado de autenticidad del artista, septiembre de 1992. Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2019. Publicado en: TOVAR Y DE TERESA, Rafael et ál. Juan Soriano. La creación como libertad. México. MARCO, CONACULTA, INBA, 2000, Pág. 80. Presenta ligeras craqueladuras y detalles de conservación. A finales de los años 30, Soriano impartió clases de desnudo en La Esmeralda y a la vez trabajó en varias piezas de cerámica en el taller de Francisco Zúñiga. En esta época continuó realizando escenografías y vestuarios para teatro, entre ellos estaban los diseños para la puesta en escena de “El tejedor de Segovia”, de Juan Ruiz de Alarcón. También produjo una serie de pinturas de caballete de espléndida factura con temas de naturalezas muertas, paisajes y retratos. En un principio, todas estas obras mostraban una línea que generaba figuras excesivamente hieráticas, como si fueran grabados; no obstante, con el tiempo fue modificando estos efectos y su pintura comenzó a cobrar ligereza poco a poco, así como luminosidad y sobre todo movimiento. En este trayecto, creó grandes estudios de carácter, hermosas escenas que recreaban atmósferas típicamente urbanas o exóticamente tropicales. Sin duda, las obras creadas en este periodo fueron importantes para la maduración de su pintura, como son “La novia vendida” de 1943, “Calle de Alvarado” de 1944 y “La mascarada” de 1945. “Juan Soriano pertenece a la categoría, sin clasificación posible, de los pintores absolutamente singulares. Sería inútil tratar de colocar su obra dentro de una determinada evolución de los estilos. Si sus cuadros siguen algún movimiento este no está guiado de una manera directa por las exigencias de la historia de la pintura. Al contrario, Soriano parece encontrarse siempre en los comienzos, incluso en relación con sus propias creaciones anteriores. Ante su obra todo parece ocurrir en el principio del principio y la impresión que nos causa de inmediato es la de una radical extrañeza. Nos encontramos frente a un mundo de pintor, sin duda alguna”. Juan García Ponce, “Color y poesía”, 1976. Fuentes consultadas: PITOL, Sergio. Juan Soriano. La creación como libertad. México. MARCO, CONACULTA, INBA, 2000, pp. 28-30 y sitio oficial del artista www.juansoriano.net

$550,000.00-$700,000.00 M.N. USD $30,550-$39,890 18

JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006) Dafne IV

Firmada y fechada 98 Escultura en bronce P. A. II 40 x 42 x 13.5 cm Con certificado de autenticidad de Galería El Estudio, firmado por el artista, octubre de 1998. Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2019. Publicada en: sitio oficial del artista www.juansoriano.net Juan Soriano desarrolló a lo largo de su carrera piezas relacionadas con temas mitológicos, historias que conoció bien durante su estancia en Italia y Creta, aprendizaje que le bastó para crear obras relacionadas a la cultura mediterránea como lo es la serie de “Dafne”, la escultura de “La ola” y varias versiones de “Apolo y las musas”. Dafne es un personaje de la mitología griega, una ninfa que rechazó a un sinfín de amantes, prefiriendo la caza y exploración de los bosques que el matrimonio, y que terminó siendo el amor prohibido del dios Apolo. Cuenta la historia que con el afán de burlarse y mostrar quien era el mejor arquero, Eros, el dios del amor, y Apolo tuvieron varias disputas, pero Eros, sumamente orgulloso de mostrar su superioridad, disparó su flecha de plomo a Dafne y la de oro a Apolo, ocasionando que el dios de las artes y la música se enamorara perdidamente de Dafne, quien al ser afectada por la punta de plomo, fue incitada al despecho total. La travesura de Eros hizo que Apolo hostigara a la ninfa, quien huía cada vez que podía, hasta que un día pidió ayuda a los dioses para que Apolo no la alcanzara, siendo entonces convertida en un árbol de laurel, su piel se transformó en corteza, sus brazos en ramas, su cabello en hojas, dejó de correr y sus pies se enterraron como raíces en la tierra. Apolo nunca dejo de abrazar aquel árbol, de lamentar su amor no correspondido, así que prometió amarla por la eternidad y que sus ramas coronarían las cabezas de los héroes eternos. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.juansoriano.net

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,120-$16,670 20

JOY LAVILLE

(Wight, Inglaterra, 1923 - Cuernavaca, Morelos, 2018) Sin título

Firmado y fechado 94 Pastel sobre papel 41 x 58 cm Joy Laville fue una artista nacionalizada mexicana especializada en la escultura, pintura al óleo, acrílico y gouache, así como en grabado al aguafuerte y serigrafía. Sin identificarse como parte de la generación de La Ruptura estuvo al nivel de Pedro Coronel, José Luis Cuevas, Francisco Toledo y Rufino Tamayo, entre otros. Establecida definitivamente en México, después de varios viajes a Europa, su carrera artística creció y sus obras comenzaron a sobresalir por el uso de colores matizados y las constantes figuras solitarias en grandes paisajes, así como también la presencia de palmeras, flores y ventanas. “Son varias las virtudes que caracterizan la pintura de Joy Laville: la extraordinaria delicadeza de sus colores, la levedad de sus contrastes cromáticos y la armonía impregnada en sus superficies. Su composición, por otro lado, hallase regida por un sentido muy original de espacio, en el que las formas son distribuidas asimétricamente y se mueven suave e imperceptiblemente, pareciéndonos que todo se encuentra en calma. Si bien sus paisajes, figuras e interiores, provienen de la realidad, Joy Laville se apropia de estas realidades sumiéndolas en un clima onírico y dándonos la impresión de que la materia de sus cuadros estuviese hecha de sueños. Son obras poéticas de cuyo exquisito refinamiento emanan sutiles armonías que, propias de mundos luminosos y transparentes, nos invaden de felicidad”. Fernando Gamboa. Fuentes consultadas: Joy Laville. Un mundo luminoso y transparente. México. Museo de Arte Moderno, INBA, 1977 y PUEBLITA DÍAZ, Ana Delia et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 362.

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,350-$11,150 21

VICENTE GANDÍA

(Valencia, España, 1935 - Morelos, México, 2009) Florero mixe de cerámica

Firmado Acrílico sobre tela 120 x 100 cm Con certificado de autenticidad de la Sra. Andrea Velasco Levy, viuda de Gandía. Agradecemos a la Sra. Andrea Velasco Levy, viuda de Gandía, por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2019. Publicado en: Vicente Gandía. México. Grupo Zurich, 2004, Pág. 109. $300,000.00-$400,000.00 M.N. USD $16,670-$22,250 22

“En su obra ha dibujado, pintado, grabado y esculpido todo, desde paisajes, casas de vecinos, invernaderos y casas de cristal, hasta laberintos, floreros, frutas y la propia imagen de las casas en que ha vivido a lo largo de los años. Hay, sin embargo, un elemento que pocos han descubierto en su obra, una preocupación por lo arquitectónico que aparece en forma de pilares, puertas, ventanas, habitaciones y paisajes. En su mundo, los ojos y los orificios se han vuelto espejos. La vinculación de la obra del artista con la arquitectura tiene una larga tradición en la crítica y en la historiografía del arte […] Un lienzo de Gandía no es sólo un deleite para los sentidos. También es una puerta o una ventana que se abre a un fragmento del universo”. Miguel Ángel Muñoz. Fuente consultada: MUÑOZ, Miguel Ángel. “Vicente Gandía: la memoria de la luz”. México. Revista Casa del tiempo, Universidad Autónoma Metropolitana, 2010, No. 33-34, pp. 50 y 51.

JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006) Sin título

Firmado y fechado 77 Óleo sobre lino 76 x 56 cm Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2019. Su interés por la zoología comenzó por los felinos, de hecho se cree que su primer dibujo de un animal fue un león. Conforme su educación artística se construía, su repertorio de animales pasó por diversas etapas, pues experimentó con la escultura, la acuarela, el óleo y la obra gráfica. Un viaje a Grecia lo hizo intrigarse por la mitología, concibiendo bajo esta influencia su propia zoología fantástica. A partir de 1975, radicó entre México y París, tiempo en el que realizó obras referentes a su ya extensa lista de animales, entre ellos los gatos. Desde entonces, estos felinos fueron vistos en sus obras repetidas veces, con actitudes desafiantes, independientes y sigilosos en sus cuatro patas, tal cual y como lo narra su amigo Julio Cortázar en la prosa “Orientación de los gatos”, la cual le dedicó. Fuentes consultadas: SÁNCHEZ AMBRIZ, Mary Carmen. “El arca de Juan Soriano”. México. Revista digital Casa Tiempo, Difusión Cultural UNAM, 2011 y sitio oficial del artista www.juansoriano.net

$460,000.00-$600,000.00 M.N. USD $25,500-$33,350 23

VICENTE GANDÍA

(Valencia, España, 1935 - Morelos, México, 2009) Botella Bo, 2001

Firmado Acrílico sobre tela 40 x 50 cm Con certificado de autenticidad de la Sra. Andrea Velasco Levy, viuda de Gandía. Agradecemos a la Sra. Andrea Velasco Levy, viuda de Gandía, por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2019. Vicente Gandía llegó de España a México en la década de los 50. Al poco tiempo de residir en nuestro país ingresó a la UNAM para estudiar Arquitectura, no obstante su admiración por la cultura mexicana y asombro por el paisaje y la vegetación hizo que abandonara aquella carrera para dedicarse a la pintura. Aunque su formación fue autodidacta, con el tiempo fluyeron en sus lienzos las emociones y el carácter de lo que sería su estilo, estructurando una carrera que se extendió por más de cinco décadas. No sólo ejerció los oficios de pintor y dibujante, sino que también experimentó con la técnica del grabado. Además trabajó como diseñador gráfico y comercial en algunas revistas mexicanas, fue miembro del Salón de la Plástica Mexicana, participó en más de 100 exposiciones colectivas e individuales en México y el extranjero, y actualmente su obra forma parte de la colección del Museum of Modern Art en Nueva York, la Colección BANAMEX y el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, entre otras.

Fuente consultada: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002. Pág. 268.

$75,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,200-$5,550

JESÚS REYES FERREIRA “CHUCHO REYES” (Guadalajara, Jalisco, 1882 - Ciudad de México, 1977) Florero

Firmado Óleo y aplicación textil sobre cartón 47 x 65.5 cm Con certificado de autenticidad del Sr. Rodrigo Rivero Lake, 2019. Presenta desprendimiento de capa pictórica. Chucho Reyes fue un reconocido pintor tapatío, coleccionista de antigüedades y amante de la cultura popular mexicana. Estuvo rodeado de artistas, galeristas y poetas, amigos como Salvador Novo, Carlos Pellicer, Justino Fernández, la galerista Inés Amor, Luis Barragán, Juan Soriano, Raúl Anguiano y Juan O’Gorman, por mencionar algunos. Además de haber creado sus afamadas pinturas en papel de china, un frágil material que utilizó con gran maestría, participó en diversos proyectos arquitectónicos y fue un destacado integrante del Salón Independiente. A lo largo de su carrera y posterior a su muerte, se organizaron diversas exposiciones, destacando el homenaje “Chucho Reyes. La fiesta del color” realizado en el Museo del Palacio de Bellas Artes en 2018, presentado en el marco de su 40 aniversario luctuoso. “Sus naturalezas muertas dan la sensación de ser un herbario, porque las flores, plantas y bodegones evocan a las flores de papel o a las hierbas y plantas secas que reposan entre cartones o entre las páginas de un libro”. Lily Kassner. Fuentes consultadas: KASSNER, Lily. Chucho Reyes. México. Editorial RM, 2001, Pág. 109 y sitio oficial del Museo del Palacio de Bellas Artes www.museopalaciodebellasartes.gob.mx

$70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,200-$5,550

ARNO AVILÉS

(Ciudad de México, 1971 - ) Flor de recinto, 2018

Sin firma Escultura en talla directa en piedra volcánica, pieza única 32 x 32 x 6 cm medidas variables Piezas: 4 Con certificado de autenticidad del artista, diciembre del 2018. Es un sobresaliente escultor mexicano egresado de la Licenciatura en Artes Visuales de la ENAP y un destacado alumno de Kiyoto Ota. A lo largo de su carrera ha participado en un sinfín de exposiciones colectivas, destacando la Trienal de Escultura de Osaka, Japón en 1998 y la muestra “Geometrismo escultórico mexicano” realizada en 2016, en la que exhibió junto a Manuel Felguérez, Ángela Gurría, Vicente Rojo y Jesús Mayagoitia. Su primera muestra individual la realizó en el Museo Fernando García Ponce-MACAY en 2006. Su proceso creativo está conformado por referentes visuales, intangibles y sensibles, por el dominio de la técnica y por la correspondencia con ciertos materiales. Su principal influencia proviene de la Ciudad de México, su entorno más cercano, de la cual captura objetos del diseño industrial, formas arquitectónicas, así como el mismo caos de los elementos urbanos y los vestigios de la naturaleza. “El fundamento geométrico se encuentra subyacente en nuestra conciencia y en nuestra percepción. La noción de la forma surge en el elemental ejercicio de trazar sobre una superficie con la vista en el dibujo y la atención en la idea. De aquí podemos especular o no (es parte del juego de la geometría). Lo cierto es que se trata de una cualidad que nos ayuda a interpretar la estructura de las cosas: concretas, ocultas o inmateriales”. Arno Avilés. Fuente consultada: ESPINOSA FERNÁNDEZ, Jorge. Arno Avilés. Escultura reciente. México. Arte Hoy Galería, 2014, pp. 10-14.

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,800-$3,900

ÁNGELA GURRÍA

(Ciudad de México, 1929 - ) Caracol, 2018

Firmada Escultura en acero en base de madera 1 / 4 44 x 40 x 24 cm medidas totales con base Con certificado de autenticidad de la artista. “La obra de Ángela Gurría está marcada por dicotomías, el suyo es un universo creativo donde los opuestos convergen, la vida con la muerte, la extrema sensibilidad con el calculado intelecto. A menudo sus esculturas obedecen a una visión dialéctica del mundo que la rodea; principio y fin, ying y yang, la luz y oscuridad; forma y contenido de un cosmos en sí mismo. Como creadora, se deja seducir por la nobleza de los materiales con que trabaja, ya sea mármol, fierro, metal o cantera, ella traslada su humilde impronta sobre ellos, transfigurando lo inerte en formas vivas. Con perspectiva habría que decir que Ángela Gurría es la última de los clásicos y la primera de los contemporáneos, pues guarda un lugar de primerísimo orden en la historia del arte moderno mexicano; es ‘la dama’ de la escultura en México”. Luis-Martín Lozano, 2012. Fuente consultada: LOZANO, Luis-Martín et ál. Ángela Gurría. Exposición escultórica. México. Arte Hoy Galería, 2012, Pág. 6.

$75,000.00-$90,000.00 M.N. USD $4,200-$5,000

ROGER VON GUNTEN (Zúrich, Suiza, 1933 - ) En la cima, 2012

Firmado al frente y al reverso Acrílico sobre triplay 50 x 50 cm Con certificado de autenticidad de Once Once Producciones Arte, firmado por el artista, mayo del 2013. Antes de llegar a México en 1957, Roger von Gunten estudió Pintura y Diseño Gráfico en la Kunstgewerbeschule en Zúrich y pasó una temporada en España; no obstante fue en nuestro país donde se formó como artista profesionalmente al integrarse al grupo de La Ruptura, además por su amor a México, su gente y cultura decidió nacionalizarse en 1980. En 1993 fue aceptado como miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte, siendo desde entonces un impulsor constante del desarrollo artístico y cultural mexicano. A lo largo de su laureada carrera ha expuesto de manera colectiva e individual en México, así como en algunos países de Europa y ciudades de Estados Unidos y Canadá. Actualmente su pintura y obra gráfica se encuentra en importantes colecciones de museos e instituciones como las colecciónes Bancomer y Banamex, la colección Bristol, el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, el Museo MACAY en Yucatán, el Museo Manuel Felguérez en Zacatecas y el Museo Pape en Coahuila, entre otros. Fuente consultada: GARCÍA PONCE, Juan. Nueve Pintores Mexicanos. México. UNAM, colección Pértiga, 2006, Pág. 62.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,900-$5,000 28

ROGER VON GUNTEN (Zúrich, Suiza, 1933 - ) En la fiesta

Firmado y fechado 75 Óleo sobre tela 90 x 70 cm Agradecemos al Maestro Roger von Gunten por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2016. Con etiqueta de Casa de las Américas, La Habana, Cuba. Roger von Gunten no vacila ante la necesidad de pintar cielos verdes o cuerpos azules y por esto su dibujo, tan importante incluso en sus óleos y caseínas, no es nunca una copia del modelo natural, sino una interpretación. Su obra es extremadamente sutil y elaborada, pero el pintor ha conseguido que en ella todo parezca fácil y natural.

“La obra habla por sí misma, aunque ahí puedes encontrar una mitología personal que, en mi caso, está poblada de música, literatura, paisajes y cosas que me suceden, que integro a los cuadros; es un proceso intuitivo que no puede justificarse con razones […] Sólo veo los elementos visuales que forman una pintura con la misma libertad que un músico haría en sus melodías; una estructura en la música es una estructura atemporal y en la pintura es más bien espacial”. Roger von Gunten. Fuente consultada: TALAVERA, Juan Carlos. “Obra rescatada de Roger von Gunten”. México. Excélsior, sección Expresiones, 5 de julio del 2015.

$140,000.00-$200,000.00 M.N. USD $7,870-$11,150

GABRIEL MACOTELA

(Guadalajara, Jalisco, 1954 - ) Sin título

Sin firma. Fechado mayo 78 al reverso Acrílico y polvo de mármol sobre tela 140 x 121 cm Con etiqueta de la Galería Pecanins. Es un pintor, escultor, editor y escenógrafo mexicano destacado por su colaboración en concursos, bienales y asiduas exposiciones individuales y colectivas. Inició sus estudios en La Esmeralda y complementó su formación en la Escuela Nacional de Artes Plásticas y en el taller del Maestro Gilberto Aceves Navarro. En 1980 obtuvo el Premio de Adquisición del II Salón Anual de Pintura del INBA y Mención Honorífica en la I Bienal de Cuenca, Ecuador. En 1985 fundó la librería alternativa El Archivero; además, en su momento, fue un miembro destacado del grupo SUMA. Un año más tarde realizó una muestra individual en la afamada Galería Pecanins titulada “Macotela: 10 años en la Galería”, la cual fue una especie de homenaje por los años de trabajo y colaboración con las hermanas Pecanins. También, ha realizado murales como el que se encuentra en la Facultad de Medicina de la UNAM y escenografías para obras de teatro en el Museo León Trotsky, destacando en 1991 la ejecución de la escenografía de “Medea” y en 1993 para “Babel”.

Fuente consultada: LAMBARRY MARTÍNEZ, Margarita et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pp. 396 y 397.

$120,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,700-$11,150 30

IRMA PALACIOS

(Iguala, Guerrero, 1943 - ) Flores, Escudo de la tierra

Firmado y fechado 88 Acrílico y polvo de mármol sobre tela 140 x 140 cm Agradecemos a la maestra Irma Palacios por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2019. Con etiqueta de Akiba Antiques, Florida, E.E. U.U. Inició sus estudios en La Esmeralda, donde acudió al taller libre del maestro Reyes Haro y fue alumna de Francisco Castro Leñero, quien sería su esposo más tarde. En aquella época, entre sus amistades se encontraban Ilse Gradwohl, Gabriel Macotela y los otros hermanos Castro Leñero. Fue una etapa de arduo aprendizaje, hasta que logró hallar su propio estilo, el cual se caracteriza por el uso de materiales terrosos, influencia de su admiración por la cultura oaxaqueña, y colores oscuros provenientes del informalismo español. Ya habiendo despegado como una artista formal, fue distinguida con la beca Guggenheim y la beca del Sistema Nacional de Creadores, además fue acreedora al Primer Premio en la I Bienal de Pintura Rufino Tamayo, el Premio de Adquisición del Salón Nacional de Artes Plásticas del Palacio de Bellas Artes y ganadora del Segundo Premio del Salón Internacional de Estandartes en el Centro Cultural Tijuana. A lo largo de su laureada carrera, ha expuesto en forma individual en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, en el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, en el Chac-Mool Gallery en Los Ángeles, California y en el Museo MACAY en Yucatán, entre muchos otros. Fuente consultada: MASRI, Isaac, et ál. Variantes. Ocho Pintores. México. Impronta Editores, 1999, Pág. 112.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,150-$16,670 31

PEDRO CORONEL

(Zacatecas, 1923 - Ciudad de México, 1985) Sin título, ca. 1951

Sin firma Gouache sobre papel periódico 56 x 41 cm Con certificado de autenticidad de Martín Coronel, mayo de 1991. Estudió pintura y escultura en La Esmeralda, donde posteriormente fue maestro. En 1946 viajó por primera vez a Europa y residió en París, donde conoció a Octavio Paz y frecuentó los talleres de Victor Brauner y de Constantin Brancusi, que influyeron en gran medida a su proceso artístico. Su primera exposición individual fue en 1954, más tarde exhibió en países como Francia, Italia, Japón, Estados Unidos y Brasil. Sus obras han sido expuestas en importantes museos, galerías e instituciones de México, París, Tokio, Osaka, Estados Unidos, Italia, Brasil y Bélgica; obtuvo los premios Nacional de Pintura y el José Clemente Orozco de la I Bienal Interamericana de México en 1959. En 1983 abrió las puertas el museo que lleva su nombre, con la muestra “El universo de Pedro Coronel”, la cual fue inaugurada por el Presidente de la República; el museo se ubica en el Ex-Colegio de San Luis Gonzaga de la ciudad de Zacatecas, recinto que hasta la fecha resguarda lo que fue su colección de arte universal, que incluye arte prehispánico y colonial, arte grecolatino, oriental, de África y Oceanía, así como grabados de Francisco de Goya, de William Hogarth y gráfica moderna europea. Fuente consultada: GONZÁLEZ MATUTE, Laura. “La obra de Pedro Coronel”. México. Discurso Visual, abril del 2005.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,900-$5,000 32

PEDRO CORONEL

(Zacatecas, 1923 - Ciudad de México, 1985) Sin título, ca. 1954

Sin firma Mixta sobre cartoncillo 65 x 50 cm Con certificado de autenticidad de Martín Coronel, mayo de 1991. Presenta detalles de conservación. “El importante papel del color es palpable en la gente del pueblo. El color les atrae porque nuestra gente es tan maravillosa que ha vivido desde siempre dentro de ese mundo mágico del color, de la naturaleza, del clima. Y todas sus representaciones artesanales así lo demuestran. La forma misma está definida por el color, que la supera, la domina. Mi pintura es una poesía plástica, regida por el color, que no es sino la esencia de la pasión. “Yo pienso que cualquier artista auténtico está influido por la pasión. En mi caso, además impera el sentido de la muerte ligado al erotismo. Yo soy mexicano y desde las épocas más remotas, desde las bases del mundo prehispánico, nuestro pueblo basa sus tradiciones en el culto a la muerte. Parece como si mientras más profundamente se manifiesta la muerte, más se desarrolla la vida en sí. Es muy natural entonces que un pintor se sienta atraído por ese misterio”. Pedro Coronel. Fuente consultada: RIVERA, Lily. “Pedro Coronel: Pinto porque no quiero ser un asesino”. México. Semanario Cultural de Novedades, 27 de febrero de 1983.

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,000-$8,350 33

CARLOS MÉRIDA

(Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) Sin título

Firmado y fechado 1977 Lápices de color sobre papel albanene 12 x 12 cm Publicado en: MOYSSÉN, Xavier. Diseños de Carlos Mérida. México. Galería Arvil, 1981, Pág. 59. Exhibido en: “Diseños de Carlos Mérida”, muestra individual presentada en la Galería Arvil en la Ciudad de México con el fin de conmemorar los 90 años de edad del maestro y sus 62 años de estancia en México, 9 de diciembre de 1981. Con etiqueta de López Quiroga Galería. Carlos Mérida llegó a México en 1919 y desde 1922 formó parte del grupo de muralistas mexicanos, colaborando en el mural del Anfiteatro Bolívar con Diego Rivera y fundando con José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros el Sindicato de Obreros, Técnicos, Pintores y Escultores. De manera independiente, realizó diversos proyectos para murales, el primero que formalizó fue en la Biblioteca Infantil de la Secretaría de Educación Pública. Durante algunos años residió en París, donde tuvo contacto con la obra de Paul Klee, Kandinsky y Joan Miró, influencias que dieron como resultado un estilo mucho más geométrico y abstracto en su obra. No obstante, a pesar de las influencias provenientes de las corrientes artísticas europeas, nunca abandonó sus raíces maya-quiché, mismas que plasmaba en los temas de sus obras bajo una fusión de elementos arquitectónicos provenientes de aquellas culturas prehispánicas.

Fuente consultada: CUSSI, Paula et ál. Carlos Mérida. México. Especial de la revista Saber ver, Fundación Cultural Televisa, número 9 agosto-septiembre de 1997, pp. 5-27.

$46,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,550-$3,350 34

(Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) Boceto para pintura

(Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) Sin título

CARLOS MÉRIDA

Firmado y fechado 1979 Lápices de color sobre papel albanene 22 x 17 cm Exhibido en: “Diseños de Carlos Mérida”, muestra individual presentada en la Galería Arvil en la Ciudad de México con el fin de conmemorar los 90 años de edad del maestro y sus 62 años de estancia en México, 9 de diciembre de 1981. Con etiqueta de la Galería Arvil. “Hay en su pintura, a medida que se observa más detenidamente, una íntima calidad emocional que resulta de la sutil combinación de una supersimplicidad de materia unida a una deslumbradora y decorativa belleza. Generalmente, en la composición de sus pinturas. Mérida desecha lo innecesario no esencial; cada cosa está simplificada a lo mínimo y entonces, en violentos contrastes, equilibra las masas de su composición, de acuerdo con un ordenamiento ya previsto. La composición generalmente está basada en la pirámide. Esto es histórico, sin embargo, original: recuerda las más fluidas composiciones de los modernos: Picasso, con sus péndulos, por ejemplo”. Luis Cardoza y Aragón, 1992.

CARLOS MÉRIDA

Firmado Lápices de color sobre papel albanene 17 x 11 cm Publicado en: MOYSSÉN, Xavier. Diseños de Carlos Mérida. México. Galería Arvil, 1981, Pág. 52. Exhibido en: “Diseños de Carlos Mérida”, muestra individual presentada en la Galería Arvil en la Ciudad de México con el fin de conmemorar los 90 años de edad del maestro y sus 62 años de estancia en México, 9 de diciembre de 1981. Con etiqueta de la Galería Arvil. Al tratarse de un boceto, presenta detalles de conservación normales por el uso. $70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,900-$5,000

Fuente consultada: CARDOZA Y ARAGÓN, Luis. Carlos Mérida. México. CONACULTA, Ediciones Era, 1992, Pág. 20.

$75,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,200-$5,550

IRMA PALACIOS

(Iguala, Guerrero, 1943 - ) Corazón de la tierra, 1985

Sin firma Acrílico y polvo de mármol sobre tela 140 x 100 cm Agradecemos a la Maestra Irma Palacios por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2019. “La imagen mental que el pintor abstracto plasma es un diseño, una segunda cosa, que proviene de un inmenso e indefinido arsenal privado, conformado de cosas concretas. Las pinturas de Irma Palacios, incluyendo sus títulos, ejemplifican admirablemente la manera en que los circuitos sensoriales van nombrando los elementos conforme estos se aparecen en la tela […] La pintura de Irma Palacios está poblada de signos. Estos no son descifrables de causa a efecto, sino polivalentes, tal y como lo son las palabras que arman una frase poética”. Teresa del Conde. Fuente consultada: “Irma Palacios”. México. Tiempo-Revista UNAM, sección Mirador, febrero 2002, pp. 46 y 48.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,700-$10,000 36

FRANCISCO ICAZA

(Embajada de México en el Salvador, 1930 - Ciudad de México, 2014) Quimera No. 2

Firmado y fechado 94 al frente y al reverso Óleo sobre lino 100 x 85 cm Con certificado de autenticidad del artista, febrero del 2012. Por ser hijo de un reconocido diplomático mexicano, Francisco Icaza tuvo un crecimiento y desarrollo educativo itinerante, entre Europa, Medio Oriente y América, hecho que determinó su decisión de dedicarse de lleno al arte. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Bélgica, fue alumno de Rufino Tamayo durante su estancia en Nueva York y discípulo de Antonio Rodríguez Luna. Ya con formación, Icaza se destacó como miembro activo del Salón de la Plástica Mexicana, del Salón Independiente y Confrontación 66. Además de sus pinturas de caballete y la ejecución de escultura monumental, realizó algunos murales, uno de ellos para el antiguo Casino de la Selva en Cuernavaca, Morelos, el cual fue restaurado en el 2000 después de haber sido trasladado del casino y otro para el pabellón de Osaka, Japón, donde se expuso junto a otros murales de colegas pintores, considerados hoy en día patrimonio de la humanidad. Durante su juventud fue diagnosticado con un tipo de neurosis, después de su primera crisis depresiva abrazó a la pintura con fines terapéuticos y decidió establecerse en el sureste mexicano. Ahí, descubrió la luz del trópico y los colores de tierra caliente, acontecimiento que dejó una profunda huella en toda su producción al óleo. Fuente consultada: TIBOL, Raquel. “Un códice marino de Francisco Icaza”. México. Revista Proceso, sección Cultura, 23 de noviembre de 1985.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,150-$16,670 37

VICENTE ROJO

(Barcelona, España, 1932 - ) Letra minúscula

Firmada y fechada 2016 Escultura en bronce P / T 3 / 5 50 x 34 x 11 cm Con certificado de autenticidad del artista, 2017. Presenta mínimos detalles de conservación en la pátina. Incluye estuche de madera ensamblada, hecho exclusivamente para esta pieza. Vicente Rojo es además de pintor, escultor y diseñador, un gran amante de la labor editorial y un afamado personaje del medio cultural y literario mexicano. Durante sus años como director artístico de Ediciones Era desarrolló diversos proyectos editoriales, diseñó revistas, periódicos, carteles y numerosos libros. Para él, las letras siempre fueron todo un acontecimiento por explorar, así que estudió los elementos tipográficos tradicionales y convirtió la letra en el fundamento de su trabajo editorial. A través de medio siglo ha realizado pinturas y esculturas con títulos como “Primera letra”, “Letra mayor” y las series de “Alfabeto primitivo” y “Alfabeto urbano”, todas ellas dedicadas al abecedario, realizadas como un experimento artístico sobre la geometría de las letras y su funcionalidad como imagen y como texto, algunas ya existentes y otras inventadas por él. Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de arte mexicano, año 7, No. 56, marzo-abril del 2002, pp.10-13 y MAC MASTERS, Merry. “Hace falta dotar al mundo de mayor equilibrio: Vicente Rojo”. México, La Jornada, sección Cultura, 6 de noviembre del 2010.

$65,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,600-$5,000 38

VICENTE ROJO

(Barcelona, España, 1932 - ) Diseño

Firmado y fechado 68 Acrílico sobre tela 120 x 120 cm Agradecemos al Maestro Vicente Rojo por la verificación de autenticidad de esta obra, febrero del 2019. Presenta mínimos detalles de conservación. Vicente Rojo vivió duras experiencias en su juventud, ya que le tocó presenciar la Guerra Civil Española y su familia se vio obligada a huir a Francia, pues su padre militaba con el Partido Comunista Catalán y su tío por otro lado era el jefe del Estado Mayor del Ejercito Republicano. Después de una estancia de meses en territorio francés, aún era alto el riesgo de regresar a España, así que se trasladaron a México, llegando a nuestro país en 1949. Con el tiempo, Vicente Rojo adoptó a México como su patria, obtuvo la nacionalidad, conoció gente importante del medio artístico, aprendió la cultura y aprovechó todas las oportunidades para aprender y estudiar.

En 1950 ingresó a La Esmeralda y tan solo unos años después realizó su primera exposición en la Ciudad de México. Desde entonces su desempeño como pintor y diseñador gráfico, así como su infatigable labor intelectual han sido una aportación esencial para la cultura en México. En 1965 diseñó la “Revista de Bellas Artes” en colaboración con Ramón Pujol, al año siguiente asumió la dirección artística de la “Revista Universidad” y en 1967 realizó junto con Kazuya Sakai el diseño de la revista “Plural”. Actualmente es un afamado intelectual, un reconocido diseñador cofundador de Editorial Era, un destacado miembro de la generación de La Ruptura y un sobresaliente artista plástico de la línea del abstraccionismo en México.

Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana México. Promoción de Arte Mexicano, año 7, No. 56, marzo-abril del 2002, pp 5-8 y DEL CONDE, Teresa et ál. Variantes. Ocho pintores. México. Impronta Editores, 1999, Pág. 62.

$350,000.00-$450,000.00 M.N. USD $19,670-$25,000 39

FERNANDO GARCÍA PONCE

(Mérida, Yucatán, 1933 - Ciudad de México, 1987) Sin título

Firmada y fechada Navidad 72 Mixta y transfer sobre papel 22 x 31 cm Estudió Arquitectura en la UNAM y pintura en el taller del valenciano Enrique Climent. Realizó su primera exposición individual en la Galería de Arte Mexicano en 1956, posteriormente con una serie de collages se hizo acreedor a una Mención Honorifica en el Salón de la Plástica Mexicana. En 1960, exhibió su obra “No. 1”, la cual es considerada el parteaguas de su trabajo abstracto. Poco después volvió a exponer en la Galería de Arte Mexicano y en la Colectiva de Pintura Contemporánea de México y América del Sur. Los años 60 se identifican con el nacimiento del movimiento de la generación de La Ruptura, del cual García Ponce fue un predominante pintor. También destacó en aquellos años en la Colectiva de Arte Actual de América y España, realizada en Madrid y para inicios de los 70 su pintura comenzó a revelar la voluntad de sintetizar el frío ordenamiento geométrico por el cual se caracterizará. “Utilizó manchas, chorreadas, pegostes comerciales, letreros, cartón corrugado, veladuras, arenas, linóleo pintado, siempre cuidando (¿cuidando?) que un elemento encontrara su compensación en otro, que un plano hallara su contrapartida o que un color se hiciera valer al máximo en su efusiva inserción con otros colores. Creo que hizo todo lo que pudo por violar todas las posibles armonías y sin embargo ofreció a contrapelo un rico universo de contradicciones que siempre acabaron por configurar un sonoro y fuerte acorde, como si el impulso improvisado estuviera gobernado por una fuerza extrapersonal que evitara el caos y la confusión”. Teresa del Conde. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.fernandogarciaponce.com

$48,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,670-$3,350 40

KAZUYA SAKAI

(Buenos Aires, Argentina, 1927 - Dallas, E.E. U.U., 2001) Sin título, de la serie Genroku

Firmado y fechado 69-70 aug-sept / 1970 al reverso Acrílico sobre tela 100 x 100 cm Nacido en Argentina y de ascendencia japonesa, Kazuya Sakai estudió Literatura y Filosofía en la Universidad Waseda de Tokio, Japón. Su primera muestra individual fue realizada en 1952 en la Galería La Cueva en Buenos Aires, la cual le abrió las puertas para hacer una breve estancia en Nueva York, y posteriormente establecerse en México. En 1971 montó una exposición individual en la Galería Pecanins, donde en 1976 participó en la exhibición colectiva “21 juegos 21 artistas” del Grupo Grabas junto con otros artistas argentinos, cuyo objetivo principal era la difusión masiva de sus obras eludiendo los circuitos tradicionales. Durante sus años en territorio azteca produjo sus mejores piezas y experimentó los cambios más significativos, alejándose gradualmente de los trazos libres del informalismo, dando lugar a una etapa de figuras geométricas angulosas y bandas contrastadas de color. Kazuya Sakai fue un artista de grandes cambios a lo largo de su carrera, pues transitó entre varios estilos que abarcan desde elementos del Pop Art, el uso del color como elemento discursivo, el collage, aspectos musicales que aluden al jazz, hasta obras influenciadas por la cultura japonesa, tal es el caso de su serie “Genroku”, pinturas al acrílico pintadas entre 1985 y 1987 inspiradas en el siglo XVII japonés, periodo caracterizado por el florecimiento de la arquitectura y las artes. Fuente consultada: GARCÍA HERNÁNDEZ. Roberto. “Geometrías sonoras: Kazuya Sakai”. México. Revista GATOPARDO, sección Portafolio, 21 de diciembre del 2016.

$220,000.00-$300,000.00 M.N. USD $12,250-$16,670 41

LEONEL GÓNGORA

(Valle del Cauca, Colombia, 1932 Boston, E.E. U.U., 1999) Sal si puedes, los que se operan, la muerte de Monseñor, una visión, un disco, las actrices

Firmada y fechada 1966 al reverso Mixta, collage de impresiones y textiles sobre tela 200 x 79.5 cm Con fragmento de etiqueta de la Galería Pecanins. Leonel Góngora fue un destacado artista plástico colombiano que perteneció en un principio al movimiento neoexpresionista, el cual cambió el rumbo de la pintura en su país. Llegó a México en 1960, donde formó parte del grupo Nueva Presencia y entabló estrecha amistad con Arnold Belkin, Francisco Icaza y Vita Giorgi, quien fue su primera esposa. En 1964 regresó a Colombia y expuso en el Museo de Arte Moderno de Bogotá junto con artistas mexicanos como José Luis Cuevas y Manuel Felguérez. En 1968 se unió a los impulsores del Salón Independiente y en 1968 realizó su primera exposición individual en la Galería Pecanins, espacio donde posteriormente montó varias muestras incluyendo una retrospectiva en los años 80. “El pintor es un desafiante traductor de lo femenino, soñador de cuerpos que abandonan su volumen y se arquean inventando una lejanía, de rostros ovalados donde jamás aflora una sonrisa, y donde impera esa distancia impuesta por aquella mirada de sus creaciones, que si observamos con atención se trata de una mirada de ciego, o de alguien que observa a través de nosotros”. Gonzalo Márquez Cristo. Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa. “Leonel Góngora: in memoriam”. México. La Jornada, sección Cultura, 20 de julio de 1999.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,700-$10,000 42

FRANCISCO CORZAS

(Ciudad de México, 1936 - Ciudad de México, 1983) Sin título

Firmado y fechado 80 Gouache, acuarela y lápices de color sobre papel 49 x 59 cm Presenta mínimos detalles de conservación. El universo “corciano” está habitado por seres misteriosos, con una iconografía y estética que se aleja de lo costumbrista y las condiciones sociales, su obra refleja a personajes de la urbe, le interesaba de modo especial reflejar la historia de las mentalidades de su época. “Sobrio y atrevido, fino y sensual, apegándose a la modelo y al mismo tiempo descomponiendo y ajustando formas según intensas sensaciones y las exigencias de cada composición, Corzas reitera el tema del desnudo convirtiéndolo en uno de sus ejercicios preferidos. En muchos da rienda suelta a ensayos de técnica pictórica, recreándolos como manchas de formidable poder sugestivo, como es el caso de la obra ‘Capullo’ de 1971 y por eso, estas pinturas se cuentan entre las más bellas y espontáneas”. Berta Taracena. Fuentes consultadas: TARACENA, Berta. Francisco Corzas. México. Secretaría de Educación Pública, 1973, Pág. 30.

$75,000.00-$90,000.00 M.N. USD $4,200-$5,000 43

ARNALDO COEN

(Ciudad de México, 1940 - ) Pareja en la ópera

Firmado y fechado 62 Óleo sobre tela 60 x 90 cm Con certificado de autenticidad del artista, enero de 1963. Con etiqueta de la Galería Sagitario. Se pueden reconocer distintos periodos creativos en el trabajo de Arnaldo Coen, los cuales van del expresionismo abstracto al figurativo y el fantástico. Además de pintar ha realizado obra gráfica, experimentado con la escultura y participado en proyectos musicales, de arquitectura, teatro y danza. Su obra forma parte de distintas colecciones como la del Museo Universitario de Arte Contemporáneo MUAC en la Ciudad de México, Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez en Zacatecas, Museum of Latin American Art en California y el Museo de Arte de San Francisco, por mencionar algunos. En 2014 fue acreedor al Premio Nacional de Ciencias y Artes. Fuentes consultadas: sitio oficial del artista www.arnaldocoen.com.mx y sitio de la Academia de las Artes www.academiadeartes.org.mx

$60,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,350-$5,550

ARNALDO COEN

(Ciudad de México, 1940 - ) Sin título

Firmado y fechado 62 Óleo sobre tela 70 x 100 cm Presenta craqueladuras y detalles de conservación. “En la obra de Arnaldo Coen no reina el vegetal irregular, como en Baudelaire; sino la geometría: cubos, esferas, conos, sombras, poliedros. No es un paraíso natural, sino geométrico. Pero un paraíso invadido como por una liana funesta por el deseo. La mujer y su tropa monstruos encantadores y terribles”. Octavio Paz. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.arnaldocoen.com.mx

$60,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,350-$5,550

JUAN O’GORMAN

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 1982) Sin título

Firmado Lápiz de grafito sobre papel 22 x 31 cm Al tratarse de un boceto para mural, presenta detalles de conservación normales por el uso. Este estudio es un posible boceto realizado por Juan O’Gorman para esbozar algunas figuras que pertenecen al mural “Representación histórica de la cultura”, el cual decora el exterior del edificio de la Biblioteca Universitaria ubicada en Coyoacán, Ciudad de México. Esta obra es considerada un audaz intento plástico de recapitulación del pasado mexicano por la vía de las construcciones simbólicas; está armado como un códice y cuenta con cuatro muros: el norte representa “El pasado prehispánico”, el oriente personifica “El mundo contemporáneo”, el poniente incorpora la iconografía de “La Universidad y el México actual” y el lado sur explica “El pasado colonial”, el cual es probable pertenezca el dibujo aquí presentado. Fuente consultada: ALLARINO, Roberto et ál. Juan O’Gorman. 100 años. Temples, dibujos y estudios preparatorios. México. Fomento Cultural Banamex, 2005, Pág. 157.

$36,000.00-$50,000.00 M.N. USD $2,000-$2,800

JULIO RUELAS

(Zacatecas, 1870 - París, Francia, 1907) Perros

Firmado Lápiz de grafito sobre papel 10.3 x 19 cm Con etiqueta de Rafael Matos Casa de Subastas. Presenta ligeros detalles de conservación en las orillas del papel. Entre los ejercicios académicos de Ruelas se encuentran los caballos, gatos, lagartijas y perros dormidos; todos ellos cuentan con un trazo seguro y minucioso que demuestran un estado puro de la figura. Por ejemplo, los perros en los estudios aparecen casi siempre echados durmiendo, pacíficos, con volúmenes sumisos, en cambio en las viñetas de la “Revista Moderna” se encarna el espíritu de la violencia del animal. Con estas obras Ruelas se demostraba como un dibujante moderno y no pasivo, sin embargo la sensibilidad de los ejercicios a lápiz fueron la base de todo su arte. Fuente consultada: CERVANTES, Miguel et ál. Julio Ruelas. México. Casa de Bolsa Cremi S.A., 1987, Pág. 61.

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,250-$3,350

JULIO RUELAS

(Zacatecas, 1870 - París, Francia, 1907) Sin título

Firmada Tinta sobre papel 18 x 20.5 cm Con dictamen de autoría del Lic. Rafael Matos Moctezuma, marzo del 2019. Presenta ligeros detalles de conservación en las orillas del papel. Julio Ruelas estudió en la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos y complementó su formación en el extranjero, ya que su espíritu aristócrata lo llevó a viajar a Europa varias veces. Su primera parada fue en 1891 en Baden, Alemania para estudiar en la Universidad de Karlsruhe, donde obtuvo su mayor influencia artística y después en París aprendió las técnicas del grabado. En diciembre de 1904, gracias a una pensión del gobierno mexicano realizó su segundo largo viaje a París; su estancia en tierra francesa duró poco a causa de su enfermedad, sin embargo, para los críticos fue la época de sus mejores obras. La influencia de sus múltiples viajes hizo que su trabajo presentara diversas corrientes artísticas modernistas además de elementos trágicos que consolidan sus visiones fantásticas a causa de sus trastornos. Actualmente es reconocido por su excelente trabajo como ilustrador de estilo simbolista que construyó imágenes metafóricas y subversivas que apelan a la emotividad del espectador. Sus obras figuran en importantes galerías, museos y colecciones privadas de México, Estados Unidos, Holanda y Francia. Fuente consultada: LÓPEZ DOMÍNGUEZ, Leonor et ál. Julio Ruelas. México. Casa de Bolsa Cremi, 1987, pp. 17-20.

$70,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,900-$4,450

ROBERTO CORTÁZAR

(Tapachula, Chiapas, 1962 - ) Estudio para manos femeninas

Firmado al frente. Firmado y fechado 2019 al reverso Óleo, punta de plata, brillos con blanco de zinc sobre gesso sobre madera 42 x 37.3 cm Con certificado de autenticidad del artista, 2019. Estudió un año en la Escuela Nacional de Iniciación Artística, posteriormente ingresó a La Esmeralda y tres años después obtuvo su primera beca por parte del INBA. Al término de sus estudios mantuvo una constante disciplina en su quehacer artístico, sintió una libertad de experimentar aún más con materiales y técnicas, madurando la propuesta artística por la cual hoy es reconocido. A finales de los años 80 realizó paisajes, vistas urbanas y comenzó a trabajar con más precisión la figura humana, la cual fue desarrollando poco a poco con gran maestría. Mientras se abría paso en el mundo del arte, la base de su talento compositivo en la figura humana se fue consolidando. Además de su relación con las estructuras clásicas, su principal influencia provino del trabajo de José Clemente Orozco, de quien analizó los puntos más expresivos y las líneas de sus cuadros para enfatizar el ritmo de la figura más allá de lo tradicional. Fue el inicio de su experimentación con la deformación del cuerpo humano. Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 2, No. 21, septiembre de 1996, pp. 18-21 y LÉSPER, Avelina. “El Milenio visto por el arte. Roberto Cortázar.” México. Periódico Milenio, sección Cultura, agosto del 2013.

$50,000.00-$80,000.00 M.N. USD $2,800-$4,450 48

ROBERTO CORTÁZAR

(Tapachula, Chiapas, 1962 - ) Perfil masculino

Firmado al frente. Firmado y fechado 2019 al reverso Óleo, punta de plata, brillos con blanco de zinc sobre gesso sobre madera 45 x 35 cm Con certificado de autenticidad del artista, 2019. “Hasta la década de los ochenta apareció en México el que sin duda es el mejor dibujante de los últimos tiempos y uno de los más conspicuos de toda Latinoamérica. Me refiero a Roberto Cortázar. Lo descubrí en un concurso nacional de dibujo en el que yo fungía como jurado. Me sorprendió su madurez e instauré un premio que llevaba mi nombre. Ahí fue el inicio de una carrera en constante ascenso. Cortázar es hoy en día uno de los artistas de mayor reputación. Pinta, dibuja y graba. Sus obras están ya colocadas en grandes colecciones de México y el extranjero”. José Luis Cuevas.

Fuente consultada: GAMBOA, Fernando. Roberto Cortazar. Anatomías intemporales. México. Museo de Arte Moderno, Museo de Monterrey, Museo Regional de Guadalajara, 1989.

$50,000.00-$80,000.00 M.N. USD $2,800-$000 49

GUSTAVO ACEVES

(Ciudad de México, 1957 - ) Sin título, 2009

Firmado al reverso Óleo sobre tela 300 x 140 cm Con certificado de autenticidad del artista. Presenta detalles de conservación. La pintura de Gustavo Aceves está a la vanguardia del arte europeo contemporáneo y se caracteriza por una personal “revisitación” a los grandes maestros de la tradición pictórica occidental como Rembrandt y Bacon, patente en la obsesiva disección del cuerpo humano. En 2008, fue invitado a participar en la primera Bienal de Arte Contemporáneo de Pekín, China y en 2010 develó el mural “Nombres propios”, en el Museo Memoria y Tolerancia, de la Ciudad de México. En julio de 2011, Gustavo Aceves asistió al Vaticano, como el único pintor latinoamericano convocado al evento en el que 60 artistas de distintas nacionalidades con el jefe de la Iglesia católica, entre otros figuraron Santiago Calatrava, Zaha Hadid, Peter Greenaway, Bob Wilson y Arvo Pärt. Fuentes consultadas: RODRÍGUEZ, Ana Mónica. “Un artista mexicano desarrolla un ambicioso conjunto escultórico en Italia”. México. Periódico La Jornada, 17 de mayo del 2014 y “Gustavo Aceves, invitado de lujo de la galería Vértice”. México. Diario El Informador, 2 de febrero del 2009.

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $250,000.00-$400,000.00 M.N. USD $13,900-$22,250 50

GUSTAVO ACEVES

(Ciudad de México, 1957 - ) Sin título, 2009

Firmado al reverso Óleo sobre tela 300 x 140 cm Con certificado de autenticidad del artista. Presenta detalles de conservación. “Aceves es un artista autodidacta que rápidamente se forjó una reputación como un pintor influyente que trabaja en América Latina. Sus pinturas y obras en papel se centran en la figura humana […] Ha creado su propio lenguaje visual, con referencias culturales y simbolismo, notablemente el barco de Charon del Inframundo de Hades y el caballo de Troya de la mitología griega, para transmitir el movimiento de personas que comenzó con los primeros grupos humanos desde sus orígenes en Oriente. África a sus ubicaciones actuales en todo el mundo”. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.gustavo-aceves.com

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $250,000.00-$400,000.00 M.N. USD $13,900-$22,250

ROBERTO FABELO

(Camagüey, Cuba, 1951 - ) Sin título

Firmado y fechado 1988 Carboncillo sobre papel 60 x 41 cm “Inspirado tal vez en la fabulosa narrativa de Gabriel García Márquez, y específicamente en su famoso libro ‘Cien años de soledad’, Fabelo parece haber adoptado un estilo similar para su obra, un estilo que se nutre del realismo mágico para hacer nacer sus encantadoras creaciones. Fascinado por diversas historias, mitos y visiones oníricas, este artista radicado en La Habana se vale de la caricatura y del simbolismo —en complejas composiciones en las que conviven animales, desnudos y objetos cotidianos— para transmitir sus preocupaciones y puntos de vista acerca de la sociedad. Fabelo crea una fantástica visión de la vida a partir de escenas en las que predominan criaturas híbridas que encaran conceptos en apariencia antagónicos como: el bien y el mal, lo bello y lo grotesco, lo imaginario y lo real [...] Las obras de Fabelo revelan su postura ante el erotismo, el deseo, las relaciones humanas, la culinaria, la sociedad, la naturaleza y la ecología. La vida y su vida fluye, y al mismo tiempo, impacta en el trabajo de este soñador cubano, quien magistralmente sabe cómo transformar las ideas en arte”. Paul Laster. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.fabelostudio.com

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,900-$5,000 52

ROBERTO FABELO

(Camagüey, Cuba, 1951 - ) Sin título

Firmado y fechado 1989 Carboncillo y pastel sobre papel 63 x 49 cm Realizó sus estudios en la Escuela Nacional de Arte y en el Instituto Superior de Arte de La Habana. Ilustrador de numerosos libros, entre los que destacan las obras de Gabriel García Márquez. Ha realizado exposiciones en más de 20 países, entre ellos Cuba, Alemania, Argentina, España, Francia, E.E. U.U., Japón, México, Panamá, Suiza, Italia y Venezuela. Por su destacada trayectoria artística el Estado cubano le ha conferido la Medalla por la Cultura Nacional y la Medalla Alejo Carpentier. Fuente consultada: DÍAZ, Estrella. “Roberto Fabelo: Abriendo Puertas”. Cuba. La Jiribilla, número 04, 2003.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,900-$5,000 53

JOSÉ GARCÍA OCEJO

(Córdoba, Veracruz, 1928 - Ciudad de México, 2019) Gran pareja

Firmado y fechado 81 Óleo sobre tela 200 x 200 cm Agradecemos al Maestro José García Ocejo por la verificación de autenticidad de esta obra, diciembre del 2014. Es un artista multidisciplinario en técnicas, estudioso del humor surrealista, conocedor del dadaísmo, apasionado del arte griego, admirador de los simbolistas franceses y amante de las apariencias. Su temática hace gala de imaginación y la desborda, plasma en las telas y en el papel, con óleos, acrílicos, tintas de colores o bien con finísimas puntas de plata, carboncillo y sanguina, a los seres de la fantasía: faunos, ninfas, sílfides, bacantes en continua orgía, venus aterrorizadas, vampiros ecuatorianos, reinas, reyes y príncipes, así como dragones y jinetes apocalípticos. También tiene obra satírica y de humor negro en donde encontramos poetas muertos, mujeres en proceso de muerte y jóvenes que escapan de su alma. Sus cuadros son caprichosos, poéticos, interpretaciones libres y alucinantes. En 1968 fue distinguido por el Instituto Nacional de Bellas Artes y por el Comité di Terra Santa de Milán. En 1988, se inauguró en Córdoba, Veracruz, su ciudad natal, el Museo José García Ocejo. Sus obras se han expuesto en museos, galerías y pertenecen a colecciones privadas en México y en el mundo. Fuente consultada: DE NEUVILLATE, Alfonso. José García Ocejo. México. Universidad Nacional Autónoma de México, 1969, pp. 12-17.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,150-$16,670 54

JAVIER MARÍN

(Uruapan, Michoacán, 1962 - ) Cuatro manos I

Firmado y fechado 87 Acrílico y carboncillo sobre papel sobre madera 56 x 48.3 cm Con certificado de autenticidad de Terreno Baldío Arte, firmado por el artista, junio del 2017. “En Javier Marín, en cada una de las formas que busca en él, en sus Venus, sus guerreros, sus torsos y sus caballos, sólo por debilidad podríamos descubrir alguna inquietud metafísica. No hay inquietud, en sentido trivial, que sea existencial. No, sino una inquietud de la forma, una inquietud de esos gigantes con maneras de una serenidad desmentida; sus cuerpos, sumamente acogedores al principio, si nos aproximamos un poco y aunque todavía nos tengan de la mano y hayamos confiado en ellos con ojos de sorpresa, comunican esa ‘inquietante extrañeza’ de la que habla Sigmund Freud”. Francis Marmande, “La Dichosa Inquietud de la Forma”. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.javiermarin.com.mx

$60,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,350-$5,000

JAVIER MARÍN

(Uruapan, Michoacán, 1962 - ) Cuatro manos II

Firmado y fechado 1987 Acrílico y carboncillo sobre papel sobre madera 59 x 49 cm Con certificado de autenticidad de Terreno Baldío Arte, firmado por el artista, junio del 2017. Presenta ligeros detalles de conservación. $60,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,350-$5,000 55

JAVIER MARÍN

(Uruapan, Michoacán, 1962 - ) Auxiliadora

Firmado y fechado 87 al frente. Firmado y fechado 1987 al reverso Acrílico y pastel sobre papel sobre madera 82.5 x 60.3 cm Cuenta con bocetos a lápiz del artista al reverso. Con certificado de autenticidad de Terreno Baldío Arte, firmado por el artista, junio del 2017. Javier Marín es una reconocido artista plástico mexicano que cuenta con una larga y afamada trayectoria internacional. Su obra gira en torno al ser humano, especialmente enfocado al cuerpo, el cual presenta vulnerable y descompuesto, pero a la vez digno y orgulloso, fortalecido e imponente, con pieles marcadas por la propia existencia de la vida. La forma en que Javier Marín concibe su obra es significativa, con contexto, donde transgrede los materiales para crear obras con estilo personal. 56

A lo largo de su laureada carrera de más de 30 años, ha realizado proyectos y muestras en museos y galerías de gran importancia, como en el Place du Louvre en París, The San Diego Museum of Art en California, el MUDEC-Museo delle Culture en Milán, la Pinacoteca Comunale Casa Rusca en Locarno, Suiza, el Museo d’Arte Contemporanea de Roma, Les Musées royaux des BeauxArts de Belgique en Bruselas, así como en el Antiguo Colegio de San Ildefonso, el Palacio de Iturbide y el Museo del Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México. Actualmente su obra forma parte de colecciones públicas y privadas, destacando las pertenecientes al Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, Santa Barbara Museum of Art en California y Latin American Museum en Florida, así como en la Colección Blake-Purnell de Nueva York y la colección de arte del Príncipe de Mónaco. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.javiermarin.com.mx

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,000-$8,350

JORGE MARÍN (Uruapan, Michoacán, 1963 - ) Blanco, 2018

Firmada Escultura en bronce P.A III.IV 70 x 54 x 56 cm Con certificado de autenticidad del artista. Publicada en: sitio oficial del artista www.jorgemarin.com.mx Presenta ligeros detalles de conservación. De carrera multifacética con herencia artística, Jorge Marín es un sobresaliente escultor que ha experimentado con distintos materiales y técnicas, siendo el bronce su signo distintivo. Su temática se caracteriza por ser mitológica, totalmente apreciable en sus figuras aladas, seres inclinados sobre su propio peso presentándose como una alusión a la acción del vuelo. El bronce le es idóneo para que las manos y los pies de estos personajes, así como las texturas de plumas, venas y telas, adquirieran la perfección de la materia viva. Además, el hecho de trabajar con diversos formatos le ayuda a que los personajes se hagan más o menos imponentes, generando con ello un diálogo que permite desarrollar un juego espontáneo y lúdico. “El bronce es un metal mestizo, producto de la aleación de cobre y estaño. No es gratuito que Jorge Marín lo tome, lo trabaje como metal de nuestra raza, de nuestro país. Al bronce, Marín le da alas: alas de ángel. Sus ángeles de bronce no escapan a la tradición religiosa. Aparecen ángeles en todas las creencias. Y hombres, casi siempre jóvenes, unas veces viejos, en un alado paisaje angélico. La creación de Jorge Marín obedece no a lo divino, sino humano, ‘demasiado humano’ […] Hay también cantos, una música de las esferas acompañándolo todo. Música Celta, la llama Jorge Marín, como si una lengua común, irlandesa, gaélica, manx, bretona, celtíbera, se reuniesen aquí, por un momento, en escultura y gracias al bronce, le cantaran a México”. Carlos Fuentes. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.jorgemarin.com.mx

$350,000.00-$450,000.00 M.N. USD $5,000-$8,350 57

JAVIER MARÍN

(Uruapan, Michoacán, 1962 - ) Caballito

Firmada y fechada 7VII95 Escultura en bronce en base de acero B95A097 1 / 6 48 x 50 x 22 cm medidas totales con base Con certificado de autenticidad de Terreno Baldío Arte, firmado por el artista, enero del 2019. Publicada en: sitio oficial del artista www.javiermarin.com.mx Esta pieza fue realizada y fundida por el artista en los talleres de la Fundición de Artística Galindo en 1995. “Javier Marín acepta el reto de darle un vuelco a la lengua muerta de la escultura mediante un lenguaje bien equipado para afrontar todas sus especificidades, subrayando el dinamismo de su relación con el mundo. La escultura de Marín, cuya naturaleza el artista parece proverbialmente querer bloquear u obstaculizar con el peso de la materia, la velocidad de las ideas y el carácter impalpable de la emoción, está inervada por su necesidad de avanzar y actuar en la rica complejidad de sus tiempos. El artista, solo, escala hasta llegar a la construcción de una obra que afronta la relación con la técnica en busca de algo diferente a lo cotidiano, para volver a intentar el uso de los mismos materiales: bronce, mármol, arcilla”. Achille Bonito Oliva. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.javiermarin.com.mx

$350,000.00-$500,000.00 M.N. USD $19,670-$27,800 58

FRANCISCO CORZAS

(Ciudad de México, 1936 - Ciudad de México, 1983) Retrato de dama

Firmado y fechado 70 Óleo sobre tela 60 x 50 cm Francisco Corzas estudió en La Esmeralda, donde fue alumno de Carlos Orozco Romero y años más tarde entabló amistad con Rafael Coronel y Gilberto Aceves Navarro. A finales de la década de los 50 viajó a Roma en compañía de Humberto Kubli y asistió a clases de pintura al fresco con el maestro Ciotti en la Academia de San Giacomo. En su estancia participó en la exposición colectiva en Palazzo Venezia y obtuvo una medalla de plata. A mediados de los años 60 y principio de los 70 participó en diversas exposiciones colectivas y montó exhibiciones individuales en Estados Unidos, India, México, Israel, Francia, Austria, Brasil, Canadá y Bélgica. Entre 1972 y 1973 exhibió individualmente en el Museo del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, esta muestra se tituló “Retrospectiva (1962-1972)”. En esa misma época viajó a Europa y realizó dos óleos para el Vaticano: “Profeta” y “Plegaria”; en Roma creó la serie de diez litografías “Los profetas” en el taller de gráfica Caprini y en Milán elaboró la serie “Umbrío por la pena” en el taller litográfico de Giorgio Upiglio; en esta última ciudad expuso en la Galería Trentadue. En México, la Secretaría de Educación Pública editó el libro “Francisco Corzas” de Berta Taracena. Actualmente obras suyas se encuentran en colecciones públicas y en los acervos de importantes instituciones y destacados museos de México y aún más en el extranjero a causa de su ardua trayectoria itinerante. Fuente consultada: LOZANO, Luis-Martín et ál. Francisco Corzas. México. Editorial Océano, Grupo Financiero Bital, 2001, pp. 60-70 y 187.

$380,000.00-$500,000.00 M.N. USD $21,100-$27,800 59

Francisco Corzas en su taller. Fotografía de Paulina Lavista

Melancolía… esta podría ser la palabra que definiría a Francisco Corzas, integrante de la Generación de la Ruptura, la marca colectiva de un camino distinto al de los muralistas mexicanos. Recordado como un ser de cálida personalidad, un trabajador infatigable que no toleraba testigos presenciales en su estudio. Pintaba a grandes brochazos seres de rostros indefinidos, acompañado de música a pleno volumen (Vivaldi u ópera) y con un vaso de su vino italiano preferido siempre cerca. Una personalidad entrañable, tierna y violenta a la vez. Él clasificaba su pintura como impresionista y reconocía como a sus artistas más admirados a Goya, Rembrandt, Velázquez y Caravaggio. Usaba una paleta de colores limitada y lograba con ello crear espacios envolventes y misteriosos en sus temas preferidos: los desnudos, los profetas, el pintor y su modelo y los trashumantes. Quizá este último tema fue el más cercano a su corazón. Plasmó ahí recuerdos familiares que vivió en forma vicaria. Sus padres eran músicos: Enrique Corzas Tinoco tocaba la guitarra y Regina Chávez Herrera la mandolina. Las sequías periódicas sumían en la miseria a los habitantes del pueblo de Quecholac en el estado de Puebla. Decidieron entonces emigrar, caminando por la orilla de la carretera, con sus primeros cuatro hijos, hacia la capital. Francisco fue el más pequeño de once hermanos. Su padre y hermanos mayores pintaban casas pero Pancho ‘quería ser pintor de verdad’. El primogénito, veintiséis años mayor que Pancho, lo llevó a inscribir en La Esmeralda y le compró sus primeros óleos pequeñitos. Las pláticas en la casa familiar versaban con frecuencia sobre la caminata, el frío en la noche estrellada, el cansancio. La aventura que Pancho no vivió se le volvió obsesión y se incorporó a sus lienzos en esos viajeros enigmáticos de un espacio imaginado que avanzan en soledad. La comunicación que se establece con una pintura de Francisco Corzas es indescriptible. Algo de su espíritu, de su tristeza y de su canto quedó en el óleo. Al final de su corta vida, el médico advirtió a Pancho que su hígado estaba destrozado y una copa más podría matarlo. Su esposa, entró una noche al estudio. La música estridente lo envolvía todo y Francisco bebía vino disimulado en una taza de café. Ella estalló en llanto, le reclamó su falta de consideración porque ese suicidio lento la conduciría a una soledad desprotegida y regresó a la casa. El pintor acostumbraba no firmar sus cuadros hasta el momento de entregarlos a su siguiente poseedor, pero decidió entonces, firmar algunos que consideraba terminados y le explicó a Bianca que ellos le servirían como protección económica. Una de estas obras, fechada de memoria, fue Trashumante Tres, el cuadro amado por él que colgó por más de una década en su estudio. La fecha ‘77 es definitivamente incorrecta dado que el cuadro aparece ya en el libro de Berta Taracena publicado en 1973. Francisco murió pocos días después a los cuarenta y siete años de edad. Martha Zamora. 62

Bianca Dall’Occa, viuda del artista, en el taller de Francisco Corzas

Francisco Corzas en su taller. Fotografía de Crispín Vázquez

Portada del catálogo “Francisco Corzas. El espejo del mito”, 1988

FRANCISCO CORZAS

(Ciudad de México, 1936 - Ciudad de México, 1983) Trashumante tres

Firmado y fechado 1977 Óleo sobre tela 200 x 298 cm - Con certificado de autenticidad de Bianca Corzas, viuda del artista, noviembre de 1987. - Con carta del Conjunto Cultural “Ollin Yoliztli”, solicitando el préstamo de la obra a la exposición “Francisco Corzas. El espejo del mito” y con documento especificando la entrega de la obra, septiembre de 1988. - Con copia del documento de la Dirección General de Acción Social, Cívica, Cultural y Turística del Departamento del Distrito Federal, agradeciendo el préstamo de la obra a la exposición “Francisco Corza. El espejo del mito”, noviembre de 1988. Procedencia: adquirido directamente al artista en 1987. Publicado en: - ELIZONDO, Salvador. Francisco Corzas. El espejo del mito. México. SOCICULTUR, cátalogo de exposición, 1988, portada del catálogo. Incluye ejemplar. - TARACENA, Berta. Francisco Corzas. México. Secretaría de Educación Pública, 1973. - CORONEL RIVERA, Juan. Francisco Corzas. Italia. Bital, Grupo Financiero, 2001. Exhibido en: “Francisco Corzas. El espejo del mito”, muestra presentada en la Galería de la Ciudad de México, de octubre a noviembre de 1988. Incluye fotografías que retratan a Bianca Corzas con la obra. Presenta ligeros detalles de conservación. $6,000,000.00-$8,000,000.00 M.N. USD $333,330-$444,440

ALFREDO ALCALDE GARCÍA

(Chimbote, Perú, 1961 - ) Don Quijote y Sancho visitan México

Firmado al frente. Firmado y fechado Lima 2019 al reverso Óleo sobre tela 135 x 200 cm Con certificado de autenticidad del artista, marzo del 2019. “Don Quijote y Sancho, con su curiosidad a cuestas, encuentran en su ruta a un pueblo que los subyuga, que les hace ver que existen muchas realidades. Conscientes de sus espíritus aventureros, saben que podrían salir de un mundo de creencias y entrar a otro, que puede encontrar a Eros en el ingreso y Tánatos a la salida, reencontrarse con la ternura o la ferocidad, jugar la comedia fuera de sí por unos momentos, platicar con el sol de cabellos dorados de los antepasados o ingresar al mundo poético y nostálgico de los días grises y de desventura. “Don Quijote, el caballero andante, alberga un espíritu renacentista, crucial para el hombre contemporáneo, donde nuestra naturaleza participativa sea un ingrediente crucial. Ellos llegan a México en el mes de noviembre, Don Quijote entra a escena con un ramo de flores, siempre cortés y caballero y, Sancho -en primer plano-, sostiene con naturalidad una enigmática obra de arte popular; y de inmediato interactúan con su gente, su cultura milenaria, su historia, su humanidad toda. “Nación que junto a las culturas prehispánicas del sur, han construido un continente de perfil valioso, fuerte e imperecedero, de grandes creadores, pensadores, soñadores; que en el transcurso de décadas se han ido fortaleciendo debido al entendimiento como culturas de resistencia y anhelos nobles. “El atractivo de México es de siempre. Tuve la suerte de conocer y entender la civilización mexicana desde mi niñez, razón por la cual la exposición de imágenes es una manera de exteriorizar mi identificación y valoración de México como una gran cultura”. Alfredo Alcalde García, Lima, 2019. $800,000.00-$1,000,000.00 M.N. USD $44,450-$55,550

ALFREDO ALCALDE GARCÍA (Chimbote, Perú, 1961 - ) Paseando a Fido

Firmado Óleo sobre tela 90 x 70 cm Con certificado de autenticidad del artista, marzo del 2019. Alfredo Alcalde García es considerado uno de los pintores más representativos e importantes en el medio de las artes plásticas en Perú. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Lima donde tuvo como maestro al pintor expresionista Víctor Humareda. Su estilo ha transitado del impresionismo al expresionismo, hasta el realismo simbólico con temas irónicos relacionados a la reflexión y denuncia social. A lo largo de su carrera, además de desempeñarse como pintor, realizó obra escultórica y experimentó con el grabado y la cerámica. Ha ilustrado libros, participado en foros y pláticas en universidades y centros culturales en Perú y el extranjero. Ha expuesto en museos y galerías de Perú, Chile, México, Japón, Suiza y Francia. Además, en el año 2000 fue distinguido con la placa “Sol del Cuzco” otorgada por el Museo de la Nación y el Instituto Nacional de Cultura del Perú a la mejor exposición de arte del año.

Fuente consultada: VILLACORTA CHÁVEZ, Jorge. “Alfredo Alcalde. Antología pictórica 1985-2016. Caminos, máscaras y destinos”. Perú. Instituto Cultural Peruano Norteamericano, Galería Germán Krüger Espantoso, hoja de sala de la muestra presentada de julio a agosto del 2016.

$250,000.00-$400,000.00 M.N. USD $13,900-$22,250 68

RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - ) La máscara

Firmada y fechada 10 Escultura en bronce 12-12 150 x 59.5 x 66 cm medidas totales con base Con certificado de autenticidad del artista, noviembre del 2011. Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2019. Presenta ligeros detalles de conservación. La obra de Rafael Coronel está repleta de elementos fantásticos y místicos. Uno de sus personajes más recurrentes es la imagen de un viejo, de estructura huesuda y dedos alargados, quien recuerda a la figura de un profeta o mago según lo entendemos en la cultura occidental; así, trae a la mente a personalidades como El Quijote que pinta El Greco o quizá al mismo Merlín. La narrativa que crea este personaje casi sagrado nos envuelve en un ambiente misterioso y ritual. Fuente consultada: CORONEL RIVERA, Juan Rafael et ál. Rafael Coronel: Retrofuture. México. Talamontes Editores, INBA, CONACULTA, 2010, Pág. 445.

$750,000.00-$900,000.00 M.N. USD $41,700-$50,000 69

JESÚS GUERRERO GALVÁN

(Tonalá, Jalisco, 1910 - Cuernavaca, Morelos, 1973) Sin título

Firmado y fechado 1970 Óleo sobre tela 70 x 80 cm Agradecemos a Flora Guerrero y a Miguel Ángel Guerrero, hijos del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2019. Presenta ligeros detalles de conservación. Fue hijo de Jalisco, campesino purépecha, aprendiz de ceramistas, activo militante del Partido Comunista y un pintor mexicano que se dejó llevar siempre por sus instintos culturales. Su carrera artística comenzó de joven cuando viajó a Estados Unidos por cuestiones familiares, lugar donde tuvo la oportunidad de obtener una beca en la Escuela de Artes Plásticas de San Antonio, Texas, instituto donde refinó sus conocimientos plásticos. De regreso a México fue atraído por el movimiento muralista, interesándose en especial por los temas indígenas. Considerado también un gran dibujante y colorista, incursionó en el diseño teatral, haciendo escenografías, vestuarios y decoraciones para el teatro de la Universidad Nacional Autónoma de México. Exhibió numerosas veces en México, Estados Unidos y Asia. En 1941 presentó su primera exposición individual en la Galería de Arte Mexicano de Inés Amor. Fue miembro fundador de la Unión de Pintores y Grabadores de México junto con Raúl Anguiano y Juan O’Gorman, entre otros. Su obra de caballete ha sido albergada por importantes museos y colecciones privadas mexicanas y extranjeras. Murales suyos pueden apreciarse en la Comisión Federal de Electricidad en México, en la Universidad de Albuquerque, y algunos edificios en la Ciudad de México y Guadalajara. Fuentes consultadas: DE LA CALLE PARDO, María Teresa et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pp. 300-304 y TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 120.

$300,000.00-$400,000.00 M.N. USD $16,670-$22,250 70

JESÚS GUERRERO GALVÁN

(Tonalá, Jalisco, 1910 - Cuernavaca, Morelos, 1973) Sin título

Firmado y fechado 1966 Óleo sobre tela 70 x 80 cm Agradecemos a Flora Guerrero y a Miguel Ángel Guerrero, hijos del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2019. “Guerrero Galván abandonó paulatinamente las masas redondeadas. Si bien preservó el aspecto frontal, el carácter retratístico, en las composiciones, la búsqueda ‘modernista’ de geometría y de síntesis, lo impulsó a trabajar con trazos angulosos […] los fondos adquirieron mayor importancia. Se trataba, casi siempre, de un paisaje abierto, neutro hasta cierto punto, en el que aparecían algunos elementos arquitectónicos, muros en ruinas, árboles secos, ramos de flores a punto de marchitarse, cielos incendiados por un atardecer lúgubre”. Olivier Debroise. Fuente consultada: DEBROISE, Olivier et ál. Jesús Guerrero Galván. De personas y personajes. México. INBA, 1994, Pág. 26.

$250,000.00-$350,000.00 M.N. USD $13,900-$19,670 71

JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006) Paloma

Firmada y fechada 2005 Escultura en bronce P/A II 65 x 40 x 58 cm Con certificado de autenticidad de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., noviembre del 2018. Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2019. Otra versión de esta pieza se encuentra publicada en: TOVAR Y DE TERESA, Rafael et ál. Juan Soriano. La creación como libertad. México. MARCO, CONACULTA, INBA, 2000, Pág. 164. Existen otros formatos similares de esta obra, la primera fundición data aproximadamente de 1955 y hay otra fechada en 1989, además existe una versión en cerámica en pequeño formato y en especial una en tamaño monumental de 6 metros que posa fuera del museo MARCO en la ciudad de Monterrey y otra en el malecón de La Paz, Baja California. Palomas, gorriones, cenzontles y todas las aves fueron para Juan Soriano una captura que va más allá de la simple representación de la ornitología. Desde siempre, las aves fueron un asombro para Soriano, siendo uno de los motivos principales en su obra. Durante años, dedicó una atención casi exclusiva a la realización de estas aves, encerrando en cada una formas inimaginables y combinaciones singulares que hicieron de estas, emblemas amigables con fines de contemplación. En definitiva, las aves se han convertido en el símbolo tridimensional del arte de Soriano. Ya sean pequeñas, medianas o monumentales, todas las aves de Soriano han desarrollado una presencia visual pública importante y tangible dentro del paisaje artístico urbano mexicano, las cuales podemos apreciar tanto en la Ciudad de México como en diversos estados de la República. Fuentes consultadas: PONIATOWSKA, Elena et ál. Juan Soriano. Aves de paso. España. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2006, pp. 43-49 y sitio oficial del artista www.juansoriano.net

$400,000.00-$500,000.00 M.N. USD $22,250-$27,800 72

JESÚS GUERRERO GALVÁN

(Tonalá, Jalisco, 1910 - Cuernavaca, Morelos, 1973) Sin título

Firmado y fechado 1962 Óleo sobre tela 50 x 61 cm Agradecemos a Flora Guerrero y a Miguel Ángel Guerrero, hijos del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2019. Guerrero Galván es considerado un artista clásico de la Escuela Mexicana de Pintura y su mejor obra de caballete se caracteriza por el excelente manejo del nacionalismo, el cual está reflejado también en la técnica aprendida de los modelos clásicos. Otros temas de su pintura se enfocan principalmente en lo cotidiano y la cultura popular; en cambio los asuntos políticos no se hacen presentes, a pesar de que existe cierta referencia a ello, como una denuncia sutil mediante la propia imagen. Es así que mediante una visión realista y muy particular, formó su propio lenguaje rescatando la dignidad de mujeres y niños indígenas. La clave de sus obras está en los personajes modelados, fondos luminosos, espacios compositivos y la presencia de tonos azules, ocres y rosados que brotan libremente con el único fin de transmitir una estética poética y sublime.

Fuentes consultadas: DE LA CALLE PARDO, María Teresa. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pp. 300-304 y TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 120.

$180,000.00-$220,000.00 M.N. USD $10,000-$12,250 73

GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 2003) Niña en rosa

Firmado Óleo sobre tela 55 x 45.5 cm Gustavo Montoya se deleitó experimentando con técnicas y temas, así como colores y formas que obedecían a la inspiración del artista. Considerado como un poeta de la pintura, moderno, perfeccionista y emocional, Montoya nunca se acostumbró a fechar sus obras, lo que hace que sus temas sean la definición de sus épocas. Una de ellas corresponde a su serie de retratos. Durante su primera etapa, la principal inspiración fue la figura femenina, la cual ejecutaba con gran belleza y líneas limpias. Elaboró diversos retratos, entre los que se encuentran algunos de su hija Rosa Elena Montoya de niña, fruto de su primer matrimonio con Luz Saavedra. También retrató a Cordelia Urueta, su segunda esposa y a Martha Villaseñor Urueta. “Montoya fue sin duda el pensador más profundo que ha dado la pintura mexicana; el que ha llegado más lejos, a penetrar los misterios que rodean a la vida y a la muerte. No lo ha escrito en prosa ni en verso, no ha teorizado sobre una filosofía elevada, lo ha pintado y eso, le hace ser un pintor inconmensurable”. Leonardo Martínez Lanz. Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 4, No. 40, julio-agosto 1999, pp. 10-12 y RULFO, Juan et ál. Gustavo Montoya. México. Litógrafos unidos A. S., 1981, pp. 45-62.

$260,000.00-$320,000.00 M.N. USD $14,450-$17,800 74

TOSIA MALAMUD

(Vínnytsia, Ucrania, 1923 - Ciudad de México, 2008) Mujer tocando el arpa

Firmada y fechada 1971 Escultura en piedra de Tulpetlac, pieza única 101 x 93 x 39 cm Procedencia: adquirida directamente a la artista. Publicada en: NUDELSTEJER, Sergio y FABELA FIERRO, María Teresa. Tosia Malamud. La materia tras la forma. México. CONACULTA. 2007, Pág. 91. Llegó a México a la edad de 4 años, por lo que su educación fue totalmente mexicana. Inició su formación artística a los 16 años cuando ingresó a la ENAP, en un principio tuvo conflictos con su familia para dedicarse al arte, ya que en ese entonces se creía que no era propio para una jovencita de su edad; sin embargo convencida por su inclinación hacia el arte decidió no abandonar su ideal y seguir adelante estudiando. Tuvo como profesores a Francisco Goitia, Luis Sahagún y a los escultores Luis Ortiz Monasterio e Ignacio Asúnsolo. En 1943 finalizó la carrera de Artes Plásticas y un año más tarde contrajo matrimonio, alejándose por poco tiempo del arte. No obstante, regresó a aquella gran satisfacción que tenía al hacer escultura; trabajó con distintos materiales como barro, arcilla, piedra, madera y acrílico.

Tuvo diferentes etapas creativas y temáticas, en ellas realizó autorretratos y retratos, bailarines y momentos musicales, máscaras y personajes fantásticos, así como numerosas piezas acerca de la maternidad y la familia. Para Tosia, 1954 fue un año muy productivo, ya que participó en varias muestras colectivas y dos exhibiciones individuales, las cuales causaron tan buena impresión que se le dedicaron varias notas y buenas críticas de especialistas reconocidos, abriéndole las puertas a muchas más exposiciones en México y el extranjero en los siguientes años, tal fue el impacto que la bautizaron como “la mejor retratista mexicana”. Actualmente, su obra forma parte de las colecciones mexicanas del Instituto Nacional de Bellas Artes, del Instituto Mexicano del Seguro Social, Museo Casa León Trotsky, Museo de Arte Moderno, Museo Nacional del Virreinato y el Museo Universitario de Arte Contemporáneo. En el extranjero destacan el Museo Betzalel en Jerusalén, Museo Contemporáneo de Pintura Hispano-Americano en Zaragoza, España, Museo de Toronto y la Universidad de Tel Aviv.

Fuente consultada: NUDELSTEJER, Sergio y FABELA FIERRO, María Teresa. Tosia Malamud. La materia tras la forma. México. CONACULTA. 2007, pp. 19-27.

$450,000.00-$600,000.00 M.N. USD $25,000-$33,350 75

GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 2003) Niña en amarillo

Firmado Óleo sobre tela 56 x 45.5 cm Procedencia: adquirida en Christie’s, Nueva York, 2012. Presenta ligeros detalles de conservación. Antes de cumplir los 16 años Gustavo Montoya ingresó a la Academia de San Carlos, teniendo como maestros a Germán Gedovius y Roberto Montenegro. Fue influenciado por el estilo de Diego Rivera y durante años mantuvo una amistad con Juan Rulfo. Sin embargo, habiendo aprendido solo la técnica en la academia, decidió emprender su camino como un artista autodidacta. Su segundo matrimonio, con la pintora mexicana Cordelia Urueta, lo llevó a mudarse a París; poco después, el gobierno mexicano le otorgó una concesión para estudiar arte en Suiza, Inglaterra e Italia. Es en Europa, donde descubrió la pintura moderna, uno de los más grandes retos que tuvo en su carrera, pero que lo hizo trascender en la plástica mexicana. A consecuencia de la Segunda Guerra Mundial, Montoya y su esposa viajaron a Nueva York, donde tuvo varias exposiciones antes de volver a México en 1942. El regreso a su patria lo inspiró a caminar por los barrios y calles, pintando iglesias, mercados, niños, haciendo retratos de diferentes niveles sociales y registrando las tradiciones de los pueblos, sin dejar a un lado la realización de murales. Fue bien aceptado por la crítica, mereciendo con justicia la atención de Jorge Juan Crespo de la Serna y Xavier Villaurrutia. Expuso en diversas galerías mexicanas de gran renombre entre ellas la Galería de Arte Mexicano de Inés Amor, así como en Estado Unidos, Perú, Bélgica y Japón. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 372.

$260,000.00-$320,000.00 M.N. USD $14,450-$17,800 76

RAYMUNDO MARTÍNEZ (Ciudad de México, 1938 - ) Sin título

Firmado y fechado 75 Acrílico sobre tela 75 x 56 cm Es un destacado pintor mexicano cuya obra se centra en el género paisajista, sin embargo ha realizado retratos y experimentado con la técnica escultórica y la obra gráfica. Específicamente con el retrato, Raymundo Martínez introduce las normas académicas bajo una exquisitez ecléctica que los retrocede al espíritu manierista del siglo XVI. Estas piezas las ejecuta fundamentalmente usando líneas puras y sobrios colores, en el caso de las pinturas estas las realiza por gusto o encargo, por otro lado, los dibujos a lápiz los ejecuta como esbozos y ejercicios únicamente. “Sus retratos pueden alcanzar las alturas que actualmente alcanza su especialidad paisajística. Empero, es aún también de excelente calidad con las normas imperantes de Dominique Ingres y Eugène Delacroix, o de los pintores modernos mexicanos Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros”. Enrique F. Gual. Fuente consultada: F. GUAL, Enrique. Raymundo Martínez y el paisaje. México. Offset Fersa S.A., 1971. Pág. 143.

$26,000.00-$46,000.00 M.N. USD $1,450-$2,550 77

ROSA CASTILLO

(Guachinango, Jalisco, 1910 - Ciudad de México, 1989) Sin título

Firmada y fechada I-30-57 Escultura en bronce en base de mármol 33.5 x 40 x 32 cm medidas totales con base Presenta ligeros detalles de conservación en la pátina. Rosa Castillo fue una sobresaliente escultora jalisciense, cuyo trabajo se caracterizó por abordar temáticas indígenas, representaciones de grupos infantiles, el desnudo femenino, la maternidad y el costumbrismo. En 1944 ingresó a La Esmeralda como asistente de taller y al graduarse comenzó a trabajar en la SEP como Profesora de Arte, ejerciendo la docencia por casi 20 años. Su estilo se formó gracias a la influencia de Francisco Zúñiga, de quien fue asistente en su taller, y con quien aprendió a dibujar y conoció a fondo el proceso de la escultura. Además, fue conocida por ser hermana del escultor Fidencio Castillo, juntos formaron diversas generaciones de alumnos en La Esmeralda. Más tarde fue miembro fundador del Salón de la Plástica Mexicana, institución de la cual obtuvo el Premio de Adquisición en 1958. Fuente consultada: sitio oficial del Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara www.musa.udg.mx

$55,000.00-$70,000.00 M.N. USD $3,060-$3,900

RAÚL ANGUIANO

(Guadalajara, 1915 - Ciudad de México 2006) Alfarera de Juchitán

Firmado y fechado 83 al frente y al reverso Pastel sobre papel 50 x 65 cm Con etiqueta de Rojo Galería de Arte. Raúl Anguiano fue un destacado artista originario de Guadalajara, perteneciente a la llamada Escuela Mexicana de Pintura. Fue un incesante explorador de la expresividad humana y la naturaleza, pasiones que destacó en su obra como tema principal por más de 78 años, lapso de tiempo que le permitió formar una excelente calidad pictórica, manejando fácilmente diversos materiales y convirtiéndose en un maestro en las técnicas del óleo, acuarela, grabado, bronce, cerámica, tapiz, esmalte y mural. A pesar de haber vivido en otros países siempre manifestó cariño especial por México, representándolo en diversos retratos de mujeres, paisajes y naturalezas, todos ellos enfocados en su experiencia y aprendizaje visual de sus viajes por el país, haciendo énfasis en las costumbres y tradiciones indígenas, así como en la flora y fauna de rica herencia maya. Entre sus hazañas artísticas destacan su participación en la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios y la fundación del Taller de la Gráfica Popular junto con Alfredo Zalce, Leopoldo Méndez, Pablo O’Higgins y Fernando Castro Pacheco. La excelente calidad de su trabajo, realizado a lo largo de su laureada carrera lo colocó como unos de los pintores más sobresalientes del arte mexicano del siglo XX. Fuentes consultadas: CASILLAS, Beatriz Eugenia et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 78 y “Raúl Anguiano, último representante del muralismo en México”. México. Secretaría de Cultura, 26 de febrero del 2015, www.gob.mx

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,800-$3,900

FELIPE CASTAÑEDA

(La Palma, Michoacán, 1933 - ) Sin título

Firmada y fechada 77 Escultura en bronce en base de madera VI / VII 26 x 24 x 24.5 cm medidas totales con base Agradecemos al Maestro Felipe Castañeda por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2019. La base presenta detalles de conservación. Durante su formación artística, Felipe Castañeda trabajó en el Museo Nacional de Antropología y fue asistente de Francisco Zúñiga, quien fue una gran influencia para su trabajo posterior, al igual que la obra de Benito Messeguer, Raúl Anguiano y Fidencio Castillo. Inició moldeando con yeso y arcilla, hasta que perfeccionó su estilo para emprender el camino con el bronce y otros materiales como el mármol y ónix. Con una trayectoria de más de 55 años, actualmente la obra de Castañeda ha logrado un lugar importante entre los más destacados artistas de su generación. Además por su implacable disciplina artística, su obra se ha hecho presente en importantes galerías de México y el extranjero, además de tener excelentes resultados en subastas a nivel internacional. Fuentes consultadas: “Reconocimiento a una trayectoria”. México. La Voz de Michoacán, sección Cultura, 18 de diciembre del 2013 y “Felipe Castañeda Jaramillo.” Gobierno del Estado de Michoacán, 2005, www.cultura.michoacan.gob.mx

$46,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,550-$3,350 80

RAÚL ANGUIANO

(Guadalajara, 1915 - Ciudad de México 2006) Alfarera con ánfora

Firmado y fechado 81 al frente y reverso Óleo sobre tela 102 x 90.5 cm El género del retrato fue para Raúl Anguiano el trabajo más prolífico y por el cual es considerado de los mejores. A lo largo de su carrera, distinguió estos trabajos por su habilidad con el dibujo, pues trabajaba con sencillez los elementos de las composiciones, trazando sabiamente las líneas hasta crear una copia fiel de la fisonomía de la modelo. La característica de sus retratos radica en que sus interpretaciones, en especial las femeninas, se convertían en homenajes, incursionando hacia un ideal de mujer, fuerte, independiente y sensual. “Después de siete décadas de trabajo, mi obra ha pasado por varios períodos, podríamos decir: ingenuo, figurativo, sólido y riguroso con influencias de los tres grandes, producción con sentido social y crítica durante la época del Taller de la Gráfica Popular, período surrealista basado en sueño y en mi imaginación, vuelta al clasicismo con temas de la realidad y centenares de retratos […] Es muy difícil prever el futuro desarrollo de mi obra porque el artista reacciona ante la realidad inmediata, pero creo que basado en el rigor clásico del dibujo, continuaré desarrollando un estilo figurativo”. Raúl Anguiano. Fuente consultada: VIDAL DE ALBA, Beatriz. Raúl Anguiano 1915-2006. México. UNAM, CONACULTA, 2006, Pág. 18.

$250,000.00-$400,000.00 M.N. USD $13,900-$22,250 81

FELIPE CASTAÑEDA

(La Palma, Michoacán, 1933 - ) Sin título

Firmada y fechada 1977 Escultura en bronce en base de madera III / V 49 x 45 x 28 cm medidas totales con base Agradecemos al Maestro Felipe Castañeda por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2019. La base presenta detalles de conservación. Concentrado en la figura femenina, Felipe Castañeda estudió bien la anatomía humana y con una sensualidad moderada ha capturado todos los estados de ánimo de sus modelos, representándolas casi desnudas, de rodillas, en cuclillas, sentadas, paradas, reclinadas o en estiramiento. “El tema predilecto, la mujer, es para Felipe Castañeda la más hermosa prolongación de la naturaleza. Felipe Castañeda hace nacer de la quietud de sus figuras un latido vital inconfundible. Los rostros enigmáticos de esas mujeres, la línea armónica con que han sido estructuradas, el ritmo impuesto a la composición, mucho tienen que ver con la vida que nos rodea. Son el testimonio de un artista que cree en la existencia de un mundo real y que manifiesta en esas imágenes un hondo sentido de la belleza”. Alí Chumacero. Fuente consultada: “Felipe Castañeda Jaramillo.” Gobierno del Estado de Michoacán, 2005, www.cultura.michoacan.gob.mx

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,000-$8,350 82

FRANCISCO ZÚÑIGA

(San José de Costa Rica, 1912 - Ciudad de México, 1998) Mujeres envueltas con rebozo

Firmado y fechado 1978 Pastel sobre papel 49 x 70.5 cm Agradecemos al Sr. Ariel Zúñiga por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2019. Con etiquetas de The Santa Barbara Museum of Art y Tucson Museum of Art y Tasende Gallery. A pesar de que Francisco Zúñiga siempre se consideró escultor, el dibujo fue la base fundamental de su producción artística, este se caracterizó por honrar y dignificar la figura indígena ya que esta revelaba su condición humana por medio de elementos regionales, tanto precolombinos como contemporáneos. “El artista ha encontrado en el pueblo mexicano, y sobre todo en la hierática figura de la mujer mestiza de México, el alimento visual y la inspiración espiritual para su obra. Se trata de seres cuya nación ha vivido y vive entre la grandeza y la miseria, entre la esperanza y la desesperación. Es un pueblo que ya no cree en nada salvo en el aliento de vida que lo anima y en las realidades elementales de la existencia humana: los hijos, el pan, el sol sobre la piel”. Carlos Francisco Echeverría. Fuente consultada: ECHEVERRÍA, Carlos Francisco. Zúñiga. México. Galería de Arte Misrachi, 1980.

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,350-$11,150 83

FELIPE CASTAÑEDA

(La Palma, Michoacán, 1933 - ) Sin título

Firmada y fechada 1996 Escultura en ónix blanco 50.5 x 29.5 x 31 cm Con certificado de autenticidad del artista. Agradecemos al Maestro Felipe Castañeda por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2019. A lo largo de su ardua trayectoria artística, Felipe Castañeda ha colaborado con otros escultores, entre ellos, Anastasio Nequiz, Ramón e Ignacio Castañeda, así como el fundidor Mario Aguirre Roa. Ha realizado varias esculturas monumentales para la Secretaría de la Defensa Nacional. Durante la década de los 80 realizó diversas exposiciones individuales en galerías de Estados Unidos y Canadá y muestras colectivas en Acapulco, Cuernavaca y Ciudad de México. Esculturas de mediano y gran formato se encuentran en las colecciones del Museo de Arte e Historia en Ciudad Juárez, Chihuahua, del Museo de Arte Contemporáneo de Morelia, Michoacán y del Museo de Morelos en Cuernavaca y Museo de Arte de León Guanajuato. Fuente consultada: KASSNER, Lily. Diccionario de escultores mexicanos del siglo XX. Tomo I. México. CONACULTA, 1997, Pág. 150.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,550-$8,350 84

FRANCISCO ZÚÑIGA

(San José de Costa Rica, 1912 - Ciudad de México, 1998) Mujer sentada con turbante

Firmado y fechado 1978 Carboncillo sobre papel 70 x 49 cm Agradecemos al Sr. Ariel Zúñiga por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2019. Esta obra será incluida en: Francisco Zúñiga: catálogo razonado. Volumen V. México. Fundación Zúñiga Laborde. Inició su formación artística en el taller de su padre, el escultor Manuel María Zúñiga, en la década de los 30 descubrió el arte prehispánico y se cuestionó sobre su importancia en el desarrollo del arte latinoamericano contemporáneo; también estudió el movimiento artístico mexicano el cual le dio las bases académicas para su escultura y dibujos. Deseoso de ampliar sus conocimientos, organizó su primera exposición individual para poder, con el producto de sus ventas, viajar a México en 1936. A su llegada a México, trabajó en el taller del maestro Manuel Rodríguez Lozano y más tarde formó parte del equipo del escultor Oliverio Martínez durante la elaboración de las esculturas del Monumento a la Revolución Mexicana. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 442.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,550-$8,350 85

FERMÍN REVUELTAS

(Santiago Papasquiaro, Durango, 1901 - Ciudad de México, 1935) Sin título

Firmado Gouache sobre papel 32.5 x 21 cm Presenta detalles de conservación. Fermín Revueltas perteneció a una notable familia de artistas: el músico y compositor Silvestre Revueltas, el escritor José Revueltas y la actriz Rosaura Revueltas. Estudió en Texas y Chicago, ciudades que le aportaron una gran experiencia, la cual fue determinante para su trabajo futuro. En México, formó parte de las escuelas de pintura al aire libre y realizó murales, destacando el realizado en el Colegio de San Ildefonso. Fue amigo cercano del poeta y diplomático mexicano Manuel Maples Arce y representante del movimiento de renovación estética Estridentista en los años 20, por lo que en dicho periodo su obra se vio fuertemente influenciada por este estilo, es decir, con características futuristas y cubistas. Fue un artista versátil debido a que recurrió a diversas técnicas durante su etapa activa en las artes plásticas, utilizó encáustica en murales, pintó con óleos, acuarela, realizó dibujos y grabados. “Fermín Revueltas es ante todo un pintor de irresistible lirismo. Su obra posee dos cualidades preciosas: la amplitud de su forma y la dialéctica del color”. Manuel Maples Arce. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II, México. Grupo Financiero Bancomer, Pág. 136.

$40,000.00-$50,000.00 M.N. USD $2,250-$2,800 86

FRANCISCO ZÚÑIGA

(San José de Costa Rica, 1912 - Ciudad de México, 1998) Mujer sentada

Firmado y fechado 1980 70 x 50 cm Crayón y lápiz de grafito sobre papel Agradecemos al Sr. Ariel Zúñiga por la verificación de autenticidad de esta obra, enero del 2019. Esta obra será incluida en: Francisco Zúñiga: catálogo razonado. Volumen V. México. Fundación Zúñiga Laborde. “El aspecto más engañoso y la interrogante en la obra de Zúñiga es: ¿Por qué mujeres?, y es engañoso porque es puramente accidental, la necesidad natural en él de expresarse gráficamente lo condujo en búsqueda del elemento más rico posible a su alrededor; no en balde en la tradición del arte es la figura femenina la que domina. No podemos ignorar que las juchitecas y yucatecas son suficientemente ricas para estar en el primer plano de su obra. El mérito de Zúñiga es restablecer y mantener el vínculo entre la tradición plástica de las figuras que representan a la fertilidad y las diosas indígenas, con aquellas que invaden los mercados en las calles”. Ariel Zúñiga.

Fuente consultada: ZÚÑIGA, Ariel. Francisco Zúñiga: Catálogo Razonado. Volumen III: dibujos, 1927-1970. México. Albedrío, Fundación Zúñiga Laborde, 2006, Pág. 27.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,700-$10,000 87

“El mérito de Zúñiga es restablecer y mantener el vínculo entre la tradición plástica de las figuras que representan a la fertilidad y las diosas antiguas aztecas, mayas y zapotecas, con aquellas mujeres que invaden los mercados y las calles, cuya presencia es tan obvia que casi de manera inmediata las mujeres se convierten en el pretexto formal de quien ya venía considerándolas así desde un principio”. Ariel Zúñiga.

FRANCISCO ZÚÑIGA

(San José de Costa Rica, 1912 - Ciudad de México, 1998) El espejo

Firmado y fechado 1980 Conté y pastel sobre papel 99 x 68 cm Con certificado de autenticidad de la Fundación Zúñiga Laborde A. C., octubre del 2018. Publicado en: ZÚÑIGA, Ariel et ál. Francisco Zúñiga. Catálogo razonado. Volumen IV: Dibujos 1971-1989. México. Albedrío-Fundación Zúñiga Laborde A.C., 2006, Pág. 631, catalogado 2814. A pesar de que su principal producción fue la escultura, también realizó numerosos trabajos con técnicas diversas, especialmente óleo y dibujos con tinta, lápiz, carboncillo, sanguinas y conté. Sus dibujos se caracterizan por honrar y dignificar la figura indígena. Su multidisciplinaria actividad también incluye una importante labor docente entre 1936 y 1971 en La Esmeralda. Durante su laureada carrera, fue acreedor a diversos premios, entre ellos el Premio Nacional de las Artes de parte del gobierno mexicano. Fuentes consultadas: ECHEVERRÍA, Carlos Francisco. Zúñiga. México. Galería de Arte Misrachi, 1980 y ZÚÑIGA, Ariel. Francisco Zúñiga: Catálogo Razonado. Volumen III: Dibujos 1927-1970. México. Albedrío, Fundación Zúñiga Laborde, 2006, Pág. 27.

$200,000.00-$250,000.00 M.N. USD $11,150-$13,900

JORGE GONZÁLEZ CAMARENA

(Guadalajara, Jalisco, 1908 - Ciudad de México, 1980) Malinalli, la llorona

Firmado al frente. Firmado y fechado 1977 al reverso Óleo sobre tela 70 x 80 cm Con certificado de autenticidad de Marcel González Camarena Barre de Saint-Leu, hijo del artista. Procedencia: adquirido directamente al artista. Publicado en: - ÁLVAREZ ACOSTA, Miguel et ál. Jorge González Camarena. Universo plástico. México. Democracia Ediciones, 1995, Pág. 98. - ARTEAGA, Agustín et ál. Jorge González Camarena. Antología. México. CONACULTA-INBA, 1996, Pág. 34. - GONZÁLEZ CAMARENA, Jorge A. et ál. Evocaciones de Jorge González Camarena. México. Instituto Politécnico Nacional, 2016, Pág. 206. - LUNA ARROYO, Antonio. Jorge González Camarena en la Plástica Mexicana. México. UNAM, 1981, Pág.75. - Jorge González Camarena. El pintor de los colores mexicanos. México. SABER VER, Número 14, junio-julio 1998, Pág. 17, catalogado 25. - “Revista. La pluma del ganso”. México. La pluma del ganso, año 12, número 50, marzo-mayo 2008, Pág. 7. - “Arte&artes. Revista Mexicana de Cultura”. México. Operadora México Viva S.A. de C.V., año 2, número 7, marzo-mayo 2000, Pág 89. - “Arte&artes. Revista Mexicana de Cultura”. México. Operadora México Viva S.A. de C.V., año V, número 17, invierno-primavera 2003, Pág. 60. Exhibido en: “Jorge González Camarena. Antología”, homenaje luctuoso presentado en el Museo del Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México en 1996. Con etiqueta del Museo del Palacio de Bellas Artes. Esta obra se está contemplada para formar parte de “Malinche as metaphor”, exposición itinerante que será presentada en el Denver Art Museum en Colorado, de diciembre del 2020 a marzo del 2021 y en el Fowler Museum de la UCLA en Los Ángeles, California, de abril a julio del 2021. “En este cuadro González Camarena decide plasmar el rostro de una figura emblemática del pasado prehispánico y colonial de México: ‘Malinalli’, aquella mujer que Hernán Cortés recibió junto con otras doncellas jóvenes a su paso por Tabasco luego de sostener algunas refriegas con indígenas del lugar. ‘Malinalli’ descendía de un linaje noble. Sabía hablar maya y náhuatl, dicho conocimiento le otorgaría un lugar importante al lado de Cortés, quien decidió utilizarla como interprete en sus encuentros con los indígenas del centro de México. “Es significativo que González Camarena haya titulado al cuadro ‘Malinalli’, nombre de uno de los veinte días del calendario azteca, y no Malintzin como aparece en las crónicas coloniales o ‘Marina’, nombre que los españoles le adjudicaron al ser bautizada. Esta decisión responde a una intención de subrayar su origen indígena, la cara redonda y nariz achatada enfatizan su estirpe. El rostro de ‘Malinalli’, ubicado al centro del cuadro y en primer plano, emerge de un fondo oscuro mientras su larga cabellera negra, que porta en el lado izquierdo unas cintas en color violeta y rosa, se confunde con él. “La faz, que destaca por su gran dimensión, expresa una profunda melancolía; sus ojos inundados de lágrimas miran hacia un costado. Los labios gruesos y entreabiertos dejan ver una parte de su dentadura y le concede cierto aire de dignidad. “A pesar de lo tradicional que puede parecer este tema, destaca la reinterpretación iconográfica que realiza. Esta ‘Malinalli’ no asemeja las acostumbradas representaciones de este personaje, bien podría tratarse de una mujer del siglo XX, únicamente recurre a la fuerza expresiva de su rostro, violenta a veces, también llorosa, cuyos rasgos tenuemente iluminados contrastan con el fondo oscuro, entre luz y penumbra languidece después de haber contribuido a la capitulación de los suyos… derrota”. Magdalena Andrade Briseño. Fuente consultada: GONZÁLEZ CAMARENA, Jorge A. et ál. Evocaciones de Jorge González Camarena. México. Instituto Politécnico Nacional, 2016, Pág. 206.

$1,400,000.00-$2,000,000.00 M.N. USD $77,780-$111,120 91

JORGE GONZÁLEZ CAMARENA

(Guadalajara, Jalisco, 1908 - Ciudad de México, 1980) Estudio de Victoria # 1

Firmada Sanguina sobre papel 30 x 24 cm Con certificado de autenticidad de Marcel González Camarena Barre de Saint-Leu, hijo del artista. Procedencia: adquirido directamente al artista. Al tratarse de un estudio, presenta detalles de conservación normales por el uso. “Jorge González Camarena consideraba que el retrato era la obra plástica más difícil, pero, en todo caso, la más interesante, por la relación de elementos que determinan la conexión de la personalidad física y el carácter del individuo susceptible a ser retratado. Además, estaba convencido de que era más convincente representar los rasgos característicos de la persona con ciertas modificaciones o modulaciones para exaltar expresivamente aquéllas que eran particulares de su personalidad. “Por otra parte, el retrato debía contener la otra personalidad del personaje, que era la del artista que lo ejecutaba; conjugando al retratado y al autor. Estas apreciaciones son las que se pueden ver en los cuadros de Camarena. Casi todos los cuadros que pintó por encargo o por iniciativa propia están realizados de tres cuartos de perfil; aparecen hasta la parte del cuello o de los hombros. Los retratos femeninos están enfocados principalmente a rostros de tipo indígena o criollo, los cuales resultan verdaderos documentos etnográficos. Para lograr este fin, tuvo como modelo en innumerables ocasiones a Victoria Dorantes, quien le proporcionaba precisamente esta mexicanidad que él tanto anhelaba”. Fuentes consultadas: FAVELA FIERRO, María Teresa. Jorge González Camarena. Universo plástico. México. Democracia Ediciones, 1995, pp 79-80.

$50,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,800-$3,350 92

JOSÉ CLEMENTE OROZCO

(Zapotlán el Grande, Jalisco, 1883 - Ciudad de México, 1949) Sin título

Firmada Acuarela y gouache sobre papel 43.5 x 32 cm Presenta ligera oxidación en las orillas del papel. José Clemente Orozco fue un pintor, grabador mexicano perteneciente al movimiento muralista. Estudió en la Escuela Nacional de Agricultura y tomó clases de matemáticas y dibujo arquitectónico. Sus primeros murales muestran sus trazos limpios, escueto a las lecciones bien aprendidas, en cambio, reservó la caricatura política, retratos, dibujos y diversos trabajos en caballete para una mayor libertad de expresión y movimiento. En 1943, fue miembro fundador de El Colegio Nacional, en 1946 recibió el Premio Nacional de Bellas Artes de México y al año siguiente expuso en el Palacio de Bellas Artes. “José Clemente Orozco fue un hombre que atravesó el siglo XX con todo este bagaje de conocimientos, vivencias, problemáticas bélicas y revolucionarias ideológicas que fueron transformando el siglo XX; él fue un hombre de este siglo, quien supo hacernos ver, a través de su obra, todo este cúmulo de circunstancias por las que atravesó el hombre contemporáneo”. Laura González Matute. Fuentes consultadas: FERNÁNDEZ. Justino. José Clemente Orozco. México. Librería Porrúa, 1942, pp. 37-39 y sitio oficial de la Secretaría de Cultura www.gob.mx

$450,000.00-$600,000.00 M.N. USD $25,000-$33,350 93

IGNACIO ASÚNSOLO

(Hacienda de San Juan Bautista, Durango, 1890 - Ciudad de México, 1965) La flor

Firmada Escultura en bronce 4 / 7 82 x 27 x 29 cm Con copia del certificado de autenticidad, firmado por Mireille B. de Asúnsolo, marzo de 1973. Agradecemos a Adolfo Cantú por el apoyo a la catalogación de esta obra, abril del 2019. Desde niño estudió escultura con el italiano Pellegrini; en 1908 ingresó a la Escuela Nacional de Bellas Artes, donde tuvo como maestros a Arnulfo Domínguez Bello, José María Velasco y Leandro Izaguirre. En 1919 viajó a Europa, donde primero se instaló en Madrid y posteriormente ingresó a L’Ecole des Beaux Arts en París. Cuando regresó a México, en 1921, rápidamente se convirtió en el escultor más sobresaliente del movimiento cultural de Vasconcelos. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1995, Pág. 114.

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $5,000-$6,700 94

ANGELINA BELOFF

(San Petersburgo, Rusia, 1883 - Ciudad de México, 1969) Dama de sociedad

Firmado y fechado 1944 México Lápiz de grafito sobre papel 73 x 54 cm Presenta ligeros detalles de conservación en las orillas del papel. Angelina Beloff nació en el seno de una familia de intelectuales rusos. Estudió Matemáticas y Ciencias Biológicas con la intención de estudiar Medicina por sugerencia de su padre, sin embargo fue el arte lo que siempre quiso hacer, así que ingresó a la Academia Imperial de Arte de San Petersburgo donde aprendió a dibujar al natural de manera clásica. En 1909 se mudó a París para continuar con su formación artística, en aquel año conoció al muralista mexicano Diego Rivera durante una corta visita a Bélgica. Tras unos años de relación se casaron, siendo este su único matrimonio. Durante la Segunda Guerra Mundial tuvo que dejar a un lado su carrera artística. Intercambiaba ideas políticas con su marido y sus amigos Pablo Picasso, Amadeo Modigliani y Marie Laurencin. En

1921, Diego Rivera regresó a México y le pidió el divorcio, quedándose en Francia hasta que Alfonso Reyes la invitó a nuestro país en 1932. A su llegada formó parte de un círculo social alto, alejado de su ex-esposo y comenzó a trabajar como profesora de dibujo y grabado en el Instituto Nacional de Bellas Artes, gran parte de su labor se enfocaba a talleres de escenografías. También pintó algunos murales con temáticas cuentísticas en hospitales de Guadalajara y la Ciudad de México. Fue miembro distinguido de la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios, de la Sociedad Mexicana de Grabadores, de la Sociedad para el Impulso de las Artes Plásticas y del Salón de la Plástica Mexicana. La mayor parte de su obra artística la realizó en México y actualmente su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas mexicanas, como las del Museo de Arte Moderno y el Museo Nacional de Arte de la Ciudad de México, la Colección Blaisten y el Museo Dolores Olmedo. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y Pintura Mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 3, No. 34, octubre de 1997, pp. 5-13.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,550-$8,350 95

IGNACIO ASÚNSOLO

(Hacienda de San Juan Bautista, Durango, 1890 - Ciudad de México, 1965) Hablaron los siglos

Firmada Escultura en bronce 1 / 4 37 x 22 x 27 cm Agradecemos a Adolfo Cantú por el apoyo a la catalogación de esta obra, abril del 2019. “Conviene tener muy presente ese periodo de lucha revolucionaria del artista que lo hizo compartir tan íntimamente los sentimientos y reacciones de su pueblo en la viva entraña de éste, y le permitió el lógico aprovechamiento de modalidades del momento, llegadas de un Viejo Mundo heredero de clasicismos y cánones antiguos y renacentistas, de patetismos y desorbitaciones de transposiciones místicas, sin extraviarse jamás lejos del acento vernáculo”. Fuente consultada: NELKEN, Margarita. Ignacio Asúnsolo. México. Universidad Nacional Autónoma de México, 1962, Pág. 39.

$45,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,500-$3,900 96

JORGE GONZÁLEZ CAMARENA

(Guadalajara, Jalisco, 1908 - Ciudad de México, 1980) Retrato de Antonio Luna Arroyo

Sin firma Óleo sobre tela 74 x 100 cm Con certificado de autenticidad de Marcel González Camarena Barre de Saint-Leu, hijo del artista. Procedencia: adquirido directamente al artista. Presenta ligero detalle de conservación. Comenzó sus estudios en la Academia de San Carlos, donde fue recomendado por el entonces director Alfredo Ramos Martínez para dibujar unas láminas que Gerardo Murillo “Dr. Atl” estaba realizando para un futuro libro. De aquel trabajo, Jorge González Camarena no solo consiguió aprender de uno de los mejores artistas de la época, sino entablar también una estrecha y larga amistad; inclusive su afecto y admiración profesional hicieron que el propio Dr. Atl le regalara uno de sus conventos para que lo convirtiese en su taller personal. Fue la época en la que conoció realmente el arte mexicano, pues tras aquellas fuertes influencias se entusiasmó tanto que comenzó a abordar en su pintura temas de las culturas precolombinas, aspectos relacionados con los movimientos revolucionarios, históricos, sociales, religiosos y de índole musical, sin olvidar la ejecución de retratos de amigos y personajes relevantes del medio artístico, literario y cultural mexicano. Tal es el caso del retrato de Antonio Luna Arroyo, un destacado profesor normalista, Licenciado y Doctor en Derecho por la UNAM, instituto del cual fue catedrático al igual que en el Instituto Politécnico Nacional; también fue abogado consultor de la Secretaría de la Presidencia y Director Jurídico de la Secretaría de Agricultura y Ganadería, donde promovió las reformas a las leyes Forestal, de Aguas, de Tierras y de Colonización. De igual manera, destacó realizando un centenar de ensayos y escritos para revistas especializadas y publicado libros como “De la sociología general a la sociología de las profesiones”, “Diccionario de derecho agrario mexicano” y por supuesto “Jorge González Camarena en la plástica mexicana”. Fuente consultada: FAVELA FIERRO, Ma. Teresa. Jorge González Camarena. Universo plástico. México. Democracia ediciones, 1995, Pág. 86.

$550,000.00-$700,000.00 M.N. USD $30,550-$39,900 97

RETIRADO

JESÚS HELGUERA

(Chihuahua, 1910 - Ciudad de México, 1971) El rapto

Firmado al frente y al reverso Óleo sobre tela 126 x 100 cm Procedencia: colección Santiago Galas Arce; colección particular, México. Publicado en: ESPINOSA Elia. Jesús Helguera y su pintura, una reflexión. México. Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM, 2004, Pág. 188. Presenta ligeros detalles de conservación. Esta pieza fue reproducida para ser calendario, editado por Galas de México a mitad del siglo XX. Actualmente existen diversas impresiones, una de ellas pertenece a la colección del Museo del Calendario (MUCAL) en Querétaro, el cual cuenta con la colección más completa y la exclusividad de la reproducción de las obras de Jesús Helguera pertenecientes a la colección de Calendarios Landin. La segunda se encuentra en la colección de “Calendarios mexicanos” perteneciente al Museo Soumaya Fundación Carlos Slim, A.C. sede Plaza Loreto. Entre la fantasía, el romanticismo, el folclore y el erotismo, nace la

obra de Jesús Helguera, conocido como uno de los pintores más representativos del arte calendárico en México. A la edad de 7 años emigró junto con su familia a España, allí recibió su formación artística inicial en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid y posteriormente en la Academia de San Fernando. Al estallar la Guerra Civil Española, se trasladó a México, encontrando rápidamente un trabajó en la revista “Sucesos para todos”. Con el tiempo recorrió gran parte del territorio nacional conociendo las costumbres y tradiciones mexicanas. Entre 1954 y 1970 trabajó para la empresa Galas de México, la principal editora de calendarios e imágenes comerciales del siglo XX en México. La obra de Jesús Helguera para Galas abarcó paisajes, retratos, desnudos y escenas históricas, mitológicas y cotidianas, como es el caso de “El rapto”, pintura en la que idealizó a los personajes de acuerdo a su propio gusto pero manteniendo su formación académica. Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 138 y ESPINOSA, Elia. Jesús Helguera y su pintura, una reflexión. México. Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM, 2004, pp. 17-24.

$400,000.00-$500,000.00 M.N. USD $22,250-$27,800 99

JOSÉ CLEMENTE OROZCO

(Zapotlán el Grande, Jalisco, 1883 - Ciudad de México, 1949) Desnudo femenino

Firmada y fechada 45 Tinta sobre papel 36 x 27 cm Con dedicatoria. Con etiqueta de Mary-Anne Martin Fine Art. Presenta ligero detalle de conservación. “Las diferentes maneras que Orozco empleó en sus dibujos, siempre nos lo muestran como un realizador seguro de sí mismo, que sabía que perseguía mediante el trazo dinámico del lápiz o la tinta. Desde las formas más apegadas a un naturalismo de raigambre académico hasta aquellas en las que la libertad creativa permitió alcanzar resultados inesperados; así se muestra la obra de Orozco como maestro del dibujo, de la caricatura, del grabado […] Cuando José Clemente Orozco falleció, Diego Rivera reconoció que el arte contemporáneo de México no sería lo que era sin las aportaciones plásticas del jalisciense. Yo me remito a afirmar que Orozco siempre figurará como uno de los más señalados y sobresalientes dibujantes del arte mexicano, con trascendencia universal”. Xavier Moyssén. Fuente consultada: MOYSSÉN, Xavier et ál. Orozco: una relectura. México. UNAM, 1983, pp. 144 y 145.

$150,000.00-$220,000.00 M.N. USD $8,350-$12,250 100

DIEGO RIVERA

(Guanajuato, 1887 - Ciudad de México, 1957) Paisaje de Álamos Sonora

Firmado Lápiz de grafito sobre papel 9.8 x 13.5 cm Con certificado de autenticidad del Arquitecto Juan Hurtado y Santa Cruz, diciembre del 2018. Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2019. Procedencia: perteneció a la colección de Emma Hurtado, viuda del artista. Al tratarse de un boceto, presenta detalles de conservación normales por el uso. $80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,450-$6,700

DIEGO RIVERA

(Guanajuato, 1887 - Ciudad de México, 1957) Noche de muertos en Janitzio

Firmado y fechado 49 Lápiz de grafito sobre papel 14.1 x 9.5 cm Con certificado de autenticidad del Arquitecto Juan Hurtado y Santa Cruz, diciembre del 2018. Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2019. Procedencia: perteneció a la colección de Emma Hurtado, viuda del artista. Al tratarse de un boceto, presenta detalles de conservación normales por el uso. Después de su primera etapa de realización de murales, Diego Rivera continuó ensayando rasgos esquemáticos mediante una serie de dibujos realizados entre 1935 y 1940, en los cuales integró apuntes de danzantes, granjeros, mercados, indígenas y uno que otro paisaje. En estos bocetos, se aprecia su excelente esquema gráfico y magistrales trazos, fueron ejercicios que posteriormente plasmó en pinturas de caballete y murales. “No puedo pintar sin ver y sin pensar; en consecuencia, pienso según lo que veo y pinto según lo que veo y pienso”. Diego Rivera. Fuente consultada: TARACENA, Berta. Diego Rivera. Pintura de caballete y dibujos. México. Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 1979, pp. 58-62.

$80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,450-$6,700 101

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JOSÉ CLEMENTE OROZCO

(Zapotlán el Grande, Jalisco, 1883 - Ciudad de México, 1949) Octava avenida, 1928

Firmado Óleo sobre tela 52 x 66.5 cm - Con documento del Instituto Cultural Cabañas, especificando el préstamo de la obra a la exposición “José Clemente Orozco: pintura y verdad”, febrero del 2010. - Con copia del recibo de compra de Sotheby’s Nueva York, mayo de 1983. Procedencia: adquirido en Sotheby’s Nueva York, 12 de mayo de 1983, lote 26; colección privada, México. Publicado en: DEL CONDE, Teresa, et ál. José Clemente Orozco: pintura y verdad. México. Instituto Cultural Cabañas - INBA, 2010, Pág. 141. Exhibido en: “José Clemente Orozco: pintura y verdad”, muestra itinerante presentada en el Instituto Cultural Cabañas en Guadalajara, Jalisco, de marzo a agosto del 2010 y en el Antiguo Colegio de San Ildefonso en la Ciudad de México, del 1 de octubre al 16 de enero del 2011. Con etiqueta de Delphic Studios, Nueva York. Presenta mínimo desprendimiento de capa pictórica y ligeras craqueladuras. A finales de los años 20, José Clemente Orozco ya era un afamado muralista en México, así que cuando llegó a Nueva York en 1927 no fue para complementar su formación, sino para reforzar y obtener reconocimiento internacional; sin embargo esa no fue ni la primera ni la única vez que cruzó la fronteras geográficas y culturales en pos de nuevos públicos, pero esta migración que hizo fue totalmente diferente a todas, con este viaje regresaría glorioso artísticamente. Llegó a Estados Unidos en un momento de gran agitación, Nueva York era la cuna del jazz y contaba con una gran efervescencia económica y cultural, así como el auge de las construcciones, seguido por el estruendo de la guerra en Europa. La presencia del jalisciense causó estruendo, no solo por el escándalo del muralismo mexicano, sino porque él ya tenía encargos muralísticos en Pomona College en la New School for Social Research y Dartmouth College, hasta trabajos de formato pequeño que incluían pinturas de caballete, acuarelas y grabados. Algunas de sus pinturas de caballete ejecutadas en este periodo de 7 años, fueron modelo de composición para varias de las tomas más memorables de la época de oro del cine mexicano, en especial las realizadas por Emilio “El Indio” Fernández y Gabriel Figueroa, pues el gusto que tuvo José Clemente Orozco por el dibujo le permitió lograr composiciones de figuras humanas en correspondencia con el espacio arquitectónico o natural, con resultados plásticos y escénicos grandiosos. En esta segunda estancia en Nueva York, visitó todos los museos y galerías, observando en cada uno los trabajos de sus contemporáneos, aprendiendo de ellos sin complejos ni ataduras. Con este aprendizaje cultural, es que también se hicieron presentes en su pintura las arquitecturas modernas como puentes y edificios, el metro, multitudes de gente en avenidas y fragmentos de estructuras industriales, las cuales crearon una atmósfera teatral muy peculiar, como si se estuviese varado en el tiempo. En obras como “Octava avenida” y “Puente de Queensboro” es mucho más apreciable dichas características, así como una fuerte influencia plástica del expresionismo alemán, ya que tuvo puntos de encuentro específicamente con obras de George Grosz y Max Beckmann. De 1927 a 1934 fue un capítulo crucial en la carrera de José Clemente Orozco, fue un puente entre su obra temprana realizada en México y su periodo de madurez que inició a su regreso a su país como artista consagrado, con este viaje regresó triunfal y con fama internacional. Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa, et ál. José Clemente Orozco: pintura y verdad. México. Instituto Cultural Cabañas - INBA, 2010, pp. 537-541.

$6,800,000.00-$8,000,000.00 M.N. USD $380,000-$450,000

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Diego Rivera. Fotografía de Edward Weston, 1924

Diego Rivera fue un titán entre los muralistas, un sublime pintor de caballete, un controvertido cómplice de la revolución política, un gran defensor de las artes y un cautivador de mujeres. Su trayectoria fue basta y casi siempre bien aceptada por la crítica; pero antes de todo ello, tuvo una rígida formación, siendo sus inicios artísticos la base de lo que posteriormente sería su arte. Todo inició en 1902, cuando impulsado por el director de la Academia de San Carlos, salió de las aulas para empezar a trabajar de manera independiente. En 1907 realizó su primera exposición, la cual le valió una beca otorgada por el Gobernador del Estado de Veracruz, gracias a la cual pudo viajar a Europa para complementar sus estudios. Inició su viaje en España, país donde tuvo la oportunidad de estudiar la obra de Francisco de Goya, El Greco, Diego Velázquez y Pieter Brueghel el “Viejo” en los museos más importantes de Madrid. Su estancia cambió en el verano de 1909, cuando se trasladó a París; en un principio no tenía intenciones de quedarse ya que deseaba ir a Bélgica y Roma, no obstante al visitar exposiciones, asistir a conferencias e inscribirse a cursos de pintura al aire libre, vio que comenzó a mejorar su estilo pictórico. Empero, no dejó de realizar su viaje a la ciudad de Brujas; allí conoció a la rusa Angelina Petrovna Belova, mejor conocida como Angelina Beloff, con quien entabló una relación amorosa. Después de aquel encuentro, ambos decidieron regresar a París en el invierno de 1909, permaneciendo de aquel lado del Atlántico algunos años. Los primeros trabajos que realizó en Francia vacilaron entre una línea moderna y académica a la vez, pero entre 1913 y 1917 fue consumido completamente por el cubismo, movimiento que le cautivó formalmente cuando visitó sus primeras exposiciones en los Salones de París; sin embargo, su estilo ya marcaba ciertas pinceladas precubistas desde que conoció la obra de El Greco en Toledo. Pasó tiempo en que Rivera comprendiera como es que aquella pintura toledana lo influenció primero, y fue casi 15 años después que declaró: “desgraciadamente había pensado que las raíces del cubismo se encontraban en las obras de El Greco, y que la obra de Cézanne, a su vez, se originaba en gran parte en la misma obra de El Greco”. Su periodo cubista fue una desviación artística afortunada para su carrera futura y aunque la influencia inició en España, se formó en la ciudad de la luz, donde conoció a los miembros importantes del movimiento, como Juan Gris, Georges Braque y Pablo Picasso; si bien no logró emerger como una figura principal por su estilo nada ortodoxo, consiguió un papel importante entre el círculo artístico años más tarde. Dividió su estilo cubista en retratos y paisajes, los cuales mostraban una fragmentación del espacio compositivo a su manera. No obstante, fue desde 1917 y hasta antes de su regreso a México en 1920, que decidió abrazar el estilo paisajístico de Paul Cézanne y alejarse del cubismo puro de Pablo Picasso para entonces brincar al realismo que marcó su obra de 1918 a 1919. Durante este periodo visitó varios pueblos y ciudades francesas, entre ellas Fontenay, una comuna situada en el departamento de Eure al norte de Francia, donde pintó paisajes de color brillante tal y como lo hizo en sus cuadros realizados en Mallorca. Fuentes consultadas: - CORONEL RIVERA, Juan Rafael et ál. Picasso & Rivera. Conversaciones a través del tiempo. México. Museo del Palacio de Bellas Artes y Los Angeles County Museum of Art, 2017, pp. 124 y 125. - TOVAR Y DE TERESA, Rafael. Diego Rivera. Arte y revolución. México. CONACULTA-INBA, 1999, pp. 107-115. - LOZANO, Luis-Martín. “Estudio de obra. Paysage de Fontenay”. México. Febrero del 2015.

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Diego Rivera pintando en su estudio, 1954

Diego Rivera en su estudio de San Ángel. Fotografía de Manuel Álvarez Bravo

“En Fontenay pintó óleos de transición, claves para entender su viraje estilístico del cubismo hacia la figuración; piezas con una lógica constructiva que mostraba un proceso gradual de la aparición de formas naturalistas en composiciones de movimiento centrífugo, que creaban atmósferas de un virtual geometrismo aéreo, y una concepción cúbica del espacio, que lo llevó a declarar que con estos cuadros estaba en pos de la representación de la cuarta dimensión. En realidad Rivera iba desestructurando las formas que observaba a partir de la naturaleza, deslindando los límites perimetrales de los objetos y desfasando el área de representación de los volúmenes, hasta llegar a una geometrización de las formas en el paisaje. Llegando a ese punto —que deberíamos llamar una suerte de hora nona en la teorización cubista—, Rivera procedía en un proceso totalmente a la inversa: regresaba a la reconstrucción de las formas a través de la recuperación de las estructuras geométricas, ahora con base en el dibujo y el color, para concebir un nuevo manejo del espacio de dimensión centrífuga: en otras palabras, había descubierto las lecciones de Cézanne. “Este ‘Paysage de Fontenay’ pintado en 1917, es una pieza de suma importancia para comprender el proceso gradual del alejamiento que el pintor tuvo con el cubismo. Es una obra heredera de todas sus exploraciones formales y estéticas cubistas […] representa un punto máximo de experimentación con el cubismo, y a la vez inaugura un nuevo punto de partida para su pintura. Posee una perspectiva curvilínea central que engloba una fuerza centrípeta de atracción de la periferia del bosque hacia el centro del conjunto habitacional de la villa de Fontenay-Sus-Bois”. Luis-Martín Lozano, “Estudio de obra. Paysage de Fontenay”, 2015. 109

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DIEGO RIVERA

(Guanajuato, 1887 - Ciudad de México, 1957) Paysage de Fontenay

Firmado y fechado 1917 al reverso Óleo sobre tela 32 x 41 cm - Con ensayo documental del Profesor Luis-Martín Lozano, febrero del 2015. - Con constancia de opinión de la Galería de Arte Mexicano, septiembre del 2015. - Con documento del Dr. Ramón Favela, junio de 1987. - Con documento del Lic. Rafael Matos Moctezuma, abril del 2018. - Con carta del Museo del Palacio de Bellas Artes-INBA, solicitando el préstamo de la obra a la exposición “Picasso & Rivera. Conversaciones a través del tiempo”, julio del 2016. - Con carta del Museo del Palacio de Bellas Artes-INBA, agradeciendo el préstamo de la obra a la exposición “Picasso & Rivera. Conversaciones a través del tiempo”, febrero del 2017 y con documento de la misma institución especificando la entrega de la obra a dicha exhibición, mayo del 2017. Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2019. Publicado en: CORONEL RIVERA, Juan Rafael et ál. Picasso & Rivera. Conversaciones a través del tiempo. México. Museo del Palacio de Bellas Artes y Los Angeles County Museum of Art, 2017, pp. 125 y 249, catalogado 138. Incluye un ejemplar. Exhibido en: “Picasso & Rivera. Conversaciones a través del tiempo”, muestra realizada en conmemoración del 130 aniversario del natalicio de Diego Rivera, presentada en el Museo del Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México, del 9 de junio al 10 de septiembre del 2017. $18,000,000.00-$21,000,000.00 M.N. USD $1,000,000-$1,200,000 111

GERARDO MURILLO “DR. ATL”

(Guadalajara, Jalisco, 1875 - Ciudad de México, 1964) Valle de México desde el camino a Cuernavaca, ca. 1929

Firmado Carboncillo sobre papel 29.5 x 43.5 cm Esta obra será registrada con el número 21-02, en el catálogo razonado “Gerardo Murillo, Dr. Atl”, que está realizando la Fundación Andrés Blaisten, A.C. Incluye documento que lo avala, noviembre del 2017. Gerardo Murillo Cornado fue un destacado pintor, un refinado dibujante y caricaturista, un asiduo escritor, ensayista y filósofo, un persistente explorador, geólogo y vulcanólogo, crítico de arte, político, revolucionario, admirador de la historia del arte universal y un inalcanzable amante de la naturaleza. Fue entre la década de los 20 y 40, que construyó una fructífera labor editorial, algunos libros incluían tanto textos como bocetos y dibujos acompañados por fotografías de Guillermo Kahlo. En este período, conoció a María del Carmen Mondragón, hija del general Manuel Mondragón, de quien se enamoró y bautizó como “Nahui Olin”, en náhuatl “cuatro movimientos”. 1949 fue un año difícil, pues sufrió la amputación de la pierna derecha, lo que le impidió continuar con sus estudios de vulcanología, actividad que comenzó a realizar desde principios de los años 20, en especial las expediciones que hacia al volcán Paricutín desde su yacimiento en 1943. Aquel incidente, lo impulsó a crear el “aeropaisaje”, una nueva técnica que consistía en sobrevolar los cielos, permitiéndole alcanzar una visión mucho más amplia de los volcanes, montañas y valles; así, junto con la aplicación de la perspectiva curvilínea creó espectaculares cuadros con una específica vitalidad telúrica del espacio y vibrantes combinaciones de la luz en la atmósfera. Fuente consultada: ROURA, Alma Lilia. Dr. Atl, paisaje de hielo y fuego. México. CONACULTA, 1999, pp. 22-25.

$260,000.00-$400,000.00 M.N. USD $14,450-$22,250

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CARLOS OROZCO ROMERO

(Guadalajara, Jalisco, 1898 - Ciudad de México, 1984) Sin título

Firmado y fechado 1979 Óleo sobre tela 86 x 136 cm “Obras tiene, este pintor, que se dirían precedentes de una inspiración de muchos años atrás. Otras, de repentino anhelo […] Cierto es que unas obras de Orozco Romero pueden comprenderse bajo el epígrafe de paisajes, otras bajo el de retratos, y otras bajo el de composiciones. Pero los paisajes por igual podrían titularse ensayos hacia una arquitectura del paisaje. Y para todas, el rótulo general habría de ser: afloración de un sentimiento mexicano, a través de formas, volúmenes y colores. Se ha empleado el calificativo de ‘amoroso’ para la labor de este artista; él mismo dice: ‘La pintura es un arte que expresa un todo y justifica la existencia del hombre: por ser tan amplia, no la debemos limitar. La expresión humana es infinita, tan grande como el planeta en que vivimos…El artista que limita su vida a un solo sector, limita su obra. El artista de capacidad está atento a todo aspecto humano […] Siempre debemos encontrar en nuestra obra el amor y la pasión”. Margarita Nelken. Fuente consultada: NELKEN, Margarita. Carlos Orozco Romero. México. UNAM, Coordinación de Humanidades, 1994, Pág. 22.

$300,000.00-$400,000.00 M.N. USD $16,670-$22,250

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LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014) Sin título

Firmado al frente. Firmado y fechado 2010 al reverso Tinta saiboku sobre papel 49.5 x 83 cm Con dedicatoria al reverso. Agradecemos a Gabriel Nishizawa por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2019. De padre japonés y madre mexicana, supo aventajar su herencia internacional para crear un estilo muy particular: paisaje mexicano con técnicas del medio oriente, como el uso de la tinta saiboku. La estampa y la admiración por el pintor Ando Hiroshige lo estimularon para utilizar “tintas secas” y técnicas japonesas con las que experimentó hasta lograr la síntesis, una economía de líneas, colores y efectos especiales de luz; de modo que amalgamó sus dos raíces y logró su emancipación pictórica, creando su completo, personal y celebrado estilo. “Yo crecí en la antigua tradición de los paisajes pintados a tinta, además de que estudié el arte japonés, que es precisamente a base de tinta y papel arroz. Al principio de mi carrera tuve mucha influencia de la pintura japonesa, porque mi padre era de Japón, aunque yo nací en un pueblo del Estado de México y me encantaron desde siempre los volcanes y sus colores”. Luis Nishizawa. Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA Guillermo et ál. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 410 y PALAPA QUIJAS, Fabiola. “Crecí en la tradición de los paisajes a tinta: Luis Nishizawa”. México. La Jornada, sección Cultura, 12 de marzo del 2008.

$70,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,900-$4,450

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CARLOS OROZCO ROMERO

(Guadalajara, Jalisco, 1898 - Ciudad de México, 1984) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 31 x 46 cm Carlos Orozco Romero, un artista que aprendió junto a los grandes maestros del Prado, El Escorial y Toledo, sabía que un pintor que no aportara al mundo un mensaje artístico verdadero, no sería conocido, empecinándose en buscar el elemento más adecuado a su expresión para que sus obras pasaran a la historia como uno de los de mayor calidad matérica. Para sobresalir, se dedicó a estudiar, investigar y ejercer ciertas prácticas pictóricas; en los museos de Toledo observó como el pigmento se impregna en los lienzos, en las pinturas de Francisco de Goya observó el uso del empastado y en las de Diego Velázquez se instruyó en el proceso de las veladuras. Con tales experiencias, obtuvo maestría en sus propios procesos, por ejemplo el empleo de la pincelada de forma lateral sustituyendo, en sentido contrario, la sucesión de veladuras, generando una suavización en el colorido, como si fuese una disolución para que la línea se viera medida y sutil. De igual forma, él mismo maceraba sus lienzos durante meses antes de pintar en ellos, dándole como resultado una base en la cual podía lograr, en un solo tono dominante, una gama de matices realmente asombrosos. Fuente consultada: NELKEN, Margarita. Carlos Orozco Romero. México. UNAM, Coordinación de Humanidades, 1994, pp. 22-24.

$150,000.00-$220,000.00 M.N. USD $8,350-$12,250

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LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014) Paisaje del Valle

Firmado Temple sobre madera 122 x 160 cm Con certificado de autenticidad del artista, junio del 2001. Luis Nishizawa nació en la Hacienda de San Mateo en Ixtacalco, un pueblo que hoy forma parte del municipio de Cuautitlán Izcalli, donde vivió los primeros 7 años de su vida. Allí convivió con la naturaleza y aprendió a observarla y respetarla, admiración que influyó a que el paisaje se convirtiera posteriormente en uno de los temas más concurrentes en su pintura. Dentro de este género, recreó la vista panorámica de los valles y volcanes mexicanos, de los cuales capturaba poquísimos elementos y los transformaba en puntos focales a través del color y la luminosidad. Las influencias principales para sus paisajes atmosféricos provinieron de la tradición pictórica de José María Velasco, Francisco Goitia y Dr. Atl. Además de haber sido un destacado pintor, dibujante, grabador, escultor, muralista y docente, Luis Nishizawa también ejerció con gran tenacidad la promoción cultural ya que el haber vivido en el contexto del movimiento muralista y de la Escuela Mexicana, se vio fuertemente influenciado por las corrientes artísticas; en este sentido realizó varias obras de gran formato en el metro de Tokio en Japón, en la unidad del ISSSTE en Celaya, en el Archivo General del Estado de México y en el Centro Cultural Mexiquense en Toluca, sitio en el que se ubica actualmente el Museo Taller Luis Nishizawa inaugurado en 1992. Su primera exposición fue en el Salón de la Plástica Mexicana, participó en la Bienal Internacional de Tokio, en la Trienal de Grabado en Buenos Aires, en la Bienal de São Paulo, recibió la Presea Estado de México, en el área de Ciencias y Artes en 1984. Parte de su obra se encuentra resguardada en el Museo de Arte Carrillo Gil. Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA Guillermo et ál. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 410 y sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$950,000.00-$1,500,000.00 M.N. USD $52,780-$83,350 117

LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014) Autorretrato

Firmado al frente. Firmado y fechado 2002 al reverso Temple sobre tela sobre madera 49 x 36 cm Agradecemos a Gabriel Nishizawa por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2019. Su formación artística comenzó en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, donde tuvo como maestros a Antonio Rodríguez Luna, José Chávez Morado y Alfredo Zalce. Con el tiempo, formó un extenso conocimiento de técnicas pictóricas, experimentando con acuarelas, temples, óleos, encáustica, cerámica y técnicas orientales como la tinta saiboku. Dentro de su repertorio artístico, además del paisaje, destacan las naturalezas muertas, temas de preocupación social que recurren a la figura humana y una serie de retratos, de los cuales tuvo un interés especial. A pesar de que fue un género complicado, él lo representó con gran excelencia y demostró tener un amplio conocimiento, dominio y una extensa gama de posibilidades estéticas y plásticas, representado en ellos ciertos rasgos orientales provenientes de su familia paterna y algunos elementos y caracteres derivados de los viajes que realizó a Japón, como el estilo de las líneas y el uso de una paleta de color reducida. Fuente consultada: sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$80,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,450-$5,550 118

LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014) Paisaje del valle

Firmado Temple sobre papel 73 x 110 cm Con certificado de autenticidad del artista, junio del 2001. “En el embrujo que sus paisajes ejercen para el espectador, puede advertirse, con mayor certeza, el enorme acercamiento a la estética dominante en la paisajística del arte japonés, del que fue heredero de sangre. Fue tal su grado de finura y sutileza en el manejo de atmósferas, de planos y matices impregnados de color, que el recorrido visual no logra, de una sola mirada, aprehenderlos en su totalidad anímica. Colorista por naturaleza, con una gama de tonalidades con las que el artista interpreta su visión del mundo físico. Si la contemplación persiste, como suele pasar, en lo que llamo seducción o embrujo de la atmósfera de sus paisajes, el espectador se interna tanto que, por momentos, él mismo esté en el paisaje para formar parte de su espacio, junto a las rocas, la hierba, las nubes, la tierra […] La emoción no es gratuita, Nishizawa ha volcado en sus paisajes un sentimiento sin límite, una sabiduría ancestral, su gran entrega al arte mexicano”. Milena Koprivitza. Fuente consultada: ESPINOZA, Antonio. “Luis Nishizawa: testimonio de una vocación”. México. El Universal, sección Confabulario, 4 de octubre del 2014.

$380,000.00-$500,000.00 M.N. USD $21,100-$27,800 119

RODRIGO PIMENTEL

(Zináparo, Michoacán, 1945 - ) Erupción Popocatépetl

Firmado y fechado 20/04/2012 al frente. Firmado y fechado 24/05/2012 al reverso. Óleo sobre tela 70 x 90 cm Con certificado de autenticidad del artista. Originario de Michoacán, Rodrigo Pimentel es conocido entre los especialistas del arte mexicano actual como un sobresaliente pintor. Su larga trayectoria lo ha llevado a exponer en muchas ocasiones en diversas galerías y renombrados museos de México, Estados Unidos, Panamá, Argentina, España y Francia. Además de ejercer como pintor, se ha desenvuelto como docente en el Taller de Grabado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas y en la Sección Escolar del Museo de Antropología e Historia. Actualmente, su trabajo forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México y de otras colecciones importantes en el extranjero. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo III. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 80.

$80,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,450-$8,350

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RODRIGO PIMENTEL

(Zináparo, Michoacán, 1945 - ) Nube

Firmado al frente y al reverso Óleo sobre tela 100 x 125 cm Con certificado de autenticidad del artista. “Desde los años de la Academia, sentimos en la pintura de Rodrigo cierto vigor emotivo que se enfatiza en sus paisajes actuales, pródigos en ritmo y expresividad, las últimas obras, no exentas de esta característica, sintetizan con acierto la idea de recabar los aspectos más íntimos del paisaje, valiéndose de la forma y el color que utiliza con pureza y precisión técnica. La totalidad de su obra nos da idea clara de su proceso evolutivo, parte de la naturaleza objetiva del realismo, hacia el concepto de la abstracción, tan mal interpretado por muchos artistas sin capacidad y sin convicciones ideológico plásticas. Podemos tener la más absoluta seguridad de que el éxito es merecido para quien demuestra una conducta de rectitud profesional, como la que preocupa a nuestro amigo que ha dado ya pasos definitivos en la tarea difícil que ha emprendido y que habrá de conducirle al encuentro de su propia expresión creativa”. Ernesto Guzmán, 1971. $120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,700-$10,000

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“La solución cromática empleada por Phil Kelly pone en evidencia su aprecio por los impresionistas y postimpresionistas. Lo atestiguan su gusto por las composiciones abruptas, a lo Edgar Degas, hasta la misma fascinación compartida por las estructuras modernas de Gustave Caillebotte. Así también, Kelly se entusiasma por pintar calles bulliciosas, cargadas de movimiento, tal como lo hacía Claude Monet. No menos elocuente resulta la afinidad del irlandés por los colores fovistas empleados por Matisse”. Luis-Martín Lozano.

PHIL KELLY

(Dublín, Irlanda, 1950 - Ciudad de México, 2010) Acapulco

Firmado al frente. Firmado y fechado Mex DF 96 al reverso Óleo sobre tela 120 x 100 cm Agradecemos a la familia Kelly Munguía por la verificación de autenticidad de esta obra, febrero del 2019. Con etiqueta de Galería Kin. La pintura de Phil Kelly es testimonio de su gusto por las composiciones cromáticas y su fascinación por las estructuras modernas de las metrópolis. Su formación artística fue autodidacta, por lo que su trabajo plástico fue siempre libre visualmente. Fue un pintor modernista, expresivo y poco radical en su pensamiento plástico. Su lenguaje visual se forjó por su gusto en recorrer las avenidas y puentes de algunos estados de la República Mexicana y la propia Ciudad de México; de hecho, él ya era un artista inmerso en las modernidades de las urbes desde sus paseos en Europa y estancia en Estados Unidos. Al llegar México, los colores fueron el principal cambio en el trabajo de Phil, los cuales manejó con un cierto rango emotivo, destacando el amarillo, verde, azul y rojo. Él tenía como objetivo convertir lo cotidiano en algo excepcional, el color fue el elemento esencial para describir y revelar el caprichoso ambiente metropolitano. Poéticamente, sus trazos gruesos y explosivos colores describían su visión alegre y apocalíptica de las calles, avenidas, puentes, bares y restaurantes de México.

Fuentes consultadas: SPRINGER, José Manuel et ál. Phil Kelly. Dos horas y veinticinco años. México. Aeroméxico, American Express, 2005, pp. 15-21 y 110 y EMERICH, Luis Carlos et ál. Phil Kelly. Las manos, el corazón, los ojos, la vida. México. ESPAC Espacio de Arte Contemporáneo, Editorial Fogra, 2014, Pág. 164.

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,350-$11,150

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JUAN EUGENIO MINGORANCE

(Jaén, España, 1906 - Ciudad de México, 1979) Campos de México

Firmado Óleo sobre tela sobre madera 54 x 65 cm Presenta detalles de conservación. Estudió en la Academia de San Fernando en Madrid y en la Academia de Bellas Artes de París. Durante el marco del estallido de la Guerra Civil Española, se exilió junto con muchos otros pintores e intelectuales, llegando entonces primero a Nueva York y luego a México en 1944, donde visitó algunos estados de la República como Guanajuato y Monterrey, ciudad donde logró exponer en diversas ocasiones, incluso durante su estancia colaboró en varios proyectos artísticos y estableció un taller donde impartió clases de pintura a artistas regios. “Mingorance, humano y español a ultranza en su realización plástica, oreando su espíritu por las brisas mediterráneas de su ciudad natal, es un peregrino de la luz […] Eterno y fluyente en la humanizada entrega de su arte”. José Moreno Villa. Fuente consultada: CABAÑAS BRAVO, Miguel. Pinceladas. Dos raíces, dos tierras, dos esperanzas. México. Grupo Financiero BX+, 2014, Pág. 142.

$70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,900-$5,550

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EDGARDO COGHLAN

(Los Mochis, Sinaloa, 1928 - 1995) Sin título

Firmado y fechado 1972 Óleo sobre tela 50 x 70 cm Con etiqueta de Galería Rosano S.A. Coghlan es un reconocido artista mexicano de ascendencia irlandesa cuya temática principal es la naturaleza. En su obra sobresale el excepcional dominio de la línea, casi siempre con formas conservadoras y perspectivas tradicionales aprendidas en la academia y en el taller del pintor español José Bardasano. Fue distinguido múltiples veces en ferias y exposiciones en México y el extranjero. Actualmente obra suya se encuentra en las colecciones del Museo de Arte Moderno de México, Museo Michelin Mount Vernon en Illinois, Museo Presidencial de John F. Kennedy, así como en colecciones privadas de México, Estados Unidos, Canadá, Alemania, Grecia, Nueva Zelanda, Escocia y Chile. “Edgardo Coghlan fue un pintor mexicano de ascendencia irlandesa cuya temática fundamental en toda su obra fue el hombre y el paisaje de México. Entre los paisajistas mexicanos, Coghlan es sin duda el más poético de todos. Visionario, fantasmal, abstraído, Coghlan muestra en el fondo su dominio de la línea y la esencia consumada de las cosas”. Juan Bañuelos. Fuente consultada: BAÑUELOS, Juan. Edgardo Coghlan. Dibujos, acuarelas, óleos. México. Grupo financiero Serfín, 1975.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,900-$5,000

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GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA (Puebla, 1887 - 1962) Vista de Xochimilco, ca. 1950

Firmado Óleo sobre tela 71 x 101 cm Con certificado de autenticidad de la galería Bishop’s, octubre del 2001. Presenta ligeros detalles de conservación. Además de la influencia de la obra de Cézanne, las tendencias impresionistas y postimpresionistas determinaron el sentido del estilo de Gómez Mayorga. Los tratamientos lumínicos de estos movimientos artísticos fueron puestos a prueba en sus paisajes, en especial en las pinturas de los volcanes del Valle de México. Los contenidos de los primeros planos y la atmósfera de estas obras varían, pues están realizadas desde el mismo lugar pero desde diversos ángulos y a distintas horas del día. Hacía variables en los acercamientos, ya sea con o sin laguna, uno o dos volcanes, él vertió sus propios estados de ánimo para definir el color y la propia esencia de la obra, pero siempre conservando las composiciones. “Gómez Mayorga nos deja la impresión de un artista plástico que tuvo una relación obsesiva con la naturaleza, entre el gusto de vivir en ella y sentirla, de arrancarle los secretos de sus espacios, sus ritmos y sus fenómenos lumínicos”. Hugo Covantes. Fuente consultada: AMERLINCK, Rodrigo et ál. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, pp. 58 y 59.

$300,000.00-$400,000.00 M.N. USD $16,670-$22,250

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GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA (Puebla, 1887 - 1962) Xochimilco

Firmado Óleo sobre tela 81 x 103 cm Patrimonio de la Humanidad, Xochimilco fue lugar especial para pintores paisajistas, entre ellos Gómez Mayorga, quien utilizó este terreno prehispánico como laboratorio de experimentación. Colores que avivan la flora, tonos para recrear el agua del canal y elementos que se esconden entre el matorral, hacen de esta pieza una magnífica interpretación atmosférica de Xochimilco. Mayorga definitivamente logró llegar al éxtasis de la perspectiva con trazos definitivos en el horizonte, creando una poesía histórica. Fuente consultada: AMERLINCK, Rodrigo et ál. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, pp. 87-99.

$380,000.00-$450,000.00 USD $21,100-$25,000

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MARIO ALMELA

(Ciudad de México, 1940 - 2017) Postia, 2008

Firmado Óleo sobre tela 80 x 100 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: ALDAMA, José Ignacio et ál. Mario Almela. El paisaje y los volcanes de México. México. Aldama Fine Art, 2008, Pág. 23, catalogado 15. “La pincelada rápida y enérgica que se aprecia en sus lienzos, remite irremediablemente a la pintura impresionista, de la cual el artista elaboró su propia interpretación, en especial del tratamiento de la luz. En una suerte de magia, Almela atrapaba ese fenómeno que desde tiempos remotos cautivó a la humanidad, y lo trasladó magistralmente a las telas. El maestro salía del taller y se dejaba seducir por los volcanes que se convierten en tema predilecto; los observaba a distancia, ascendía hasta sus cumbres y allí tocaba el cielo. Ese cielo que, en ocasiones apenas esbozado, aparece tímidamente al fondo del cuadro, mientras que en otras su presencia, plena de cerros y cúmulos, conquista la mirada del público. En cada trayecto, Almela llenaba sus ojos y su ánimo con los cielos, montes, campos, árboles y flores que más tarde quedáron plasmados en los lienzos para deleite de quien los contemple. El idilio entre Almela y la naturaleza fue una historia de amor correspondido. Él la descifró y la tradujo; ella, agradecida, le brindó su semblante más hermoso”. María Guadalupe Ruiz Martínez. Fuente consultada: ALDAMA, José Ignacio et ál. Mario Almela. El paisaje y los volcanes de México. México. Aldama Fine Art, 2008, Pág. 3.

$120,000.00-$160,000.00 M.N. USD $6,700-$8,900

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JOAQUÍN TORRES-GARCÍA

(Montevideo, Uruguay, 1874 - Montevideo, Uruguay, 1949) Plaza de Bruselas, ca. 1940

Firmado Óleo sobre cartón 33 x 41 cm Con certificado de autenticidad de la galería J. E. Gomensoro, en el cual se titula a la obra por error “Quartier de Paris”, marzo del 2017. Procedencia: colección privada, Uruguay; galería J. E. Gomensoro, París, 29 de diciembre del 2015, lote 24; colección privada, México. Publicado en: DE TORRES, Cecilia et ál. Joaquín Torres-García Catalogue Raisonné. Número 1940-101, www.torresgarcia.com Joaquín Torres-García fue un destacado pintor, escultor y teórico de arte uruguayo. Creador del Universalismo Constructivo, un sistema estético-filosófico creado en base a los principios de proporción, unidad y estructura. Fue uno de los principales impulsores de la vida intelectual de Barcelona y participante junto con Antonio Gaudí del movimiento Noucentista Catalán, basado en un retorno al clasicismo y arraigo a la tradición mediterránea. Sus primeras pinturas fueron influenciadas por el mundo antiguo greco-romano, así como del arte español y renacentista italiano, posteriormente dio un brinco al uso de la geometría de estilo modernista-constructivista. No obstante, fueron sus inicios los más tradicionales y bajo la influencia de sus múltiples viajes logró plasmar en cada pintura sus propias vivencias y vistas que gustaba, tanto en la pintura de caballete como en murales. Fuentes consultadas: Sitio oficial del artista www.torresgarcia.com Sitio del Museo Torres García www.torresgarcia.org.uy Sitio del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía www.museoreinasofia.es

$600,000.00-$800,000.00 M.N. USD $33,350-$44,500 129

ARTURO SOUTO

(Pontevedra, España, 1902 - Ciudad de México, 1964) Sin título

Firmado al frente. Firmado y fechado 1951 al reverso Óleo sobre tela 50 x 60 cm Presenta desprendimiento de capa pictórica y craqueladuras. Llegó a México en 1942 en uno de los primeros contingentes de españoles que venía huyendo de la Segunda Guerra Mundial. Al igual que lo sucedido con otros artistas, Arturo Souto era ya un adulto al llegar a América, por lo que sus vivencias migratorias fueron más determinantes en su producción que la influencia mexicana. Al grupo de artistas exiliados se les conoce como la “Generación madura” y fue Arturo Souto un personaje destacado dentro de este contingente de pintores. Durante su estancia en nuestro país, tuvo diversas fases pictóricas, parte de ellas fue neutralizar su paleta de color y aprender sobre el muralismo. No obstante, siempre fue un pintor de línea hierática, vanguardista, capaz de capturar todo tipo de ambientes, pintando tanto bodegones, desnudos, retratos y composiciones libres, como praderas y bosques. En 1962 regresó a España y tras permanecer dos años, viajó de nuevo a México para finalizar sus proyectos.

Fuentes consultadas: CABAÑAS BRAVO, Miguel. Pinceladas. Dos raíces, dos tierras, dos esperanzas. México. Grupo Financiero BX+, 2014, pp. 44-46 y 149 y sitio de la Colección de Arte Afundación www.coleccion.afundacion.org

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,000-$8,350

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ARTURO SOUTO

(Pontevedra, España, 1902 - Ciudad de México, 1964) Pont Neuf

Firmado al frente. Firmado y referenciado París al reverso Óleo sobre tela 60 x 95 cm El primer maestro de arte de Arturo Souto fue su propio padre, un magistrado y pintor de arte. A causa del trabajo de su padre, conoció gran parte de España hasta que en 1920 se establecieron en Sevilla, pero Souto era impaciente y quería conocer más, así que se fue a Madrid e ingresó a la Academia de San Fernando, donde coincidió con Salvador Dalí y otros artistas. En 1938 partió de su tierra natal, siendo su primera parada La Habana, donde logró exponer al poco tiempo; después viajó a Nueva York, Los Ángeles y Filadelfia. Fue en Estados Unidos donde logró organizar algunas exposiciones, pero fue hasta 1942 que por medio de su amigo, el poeta Jaime Torres Bodet, llegó a México, donde de inmediato se identificó con la cultura mexicana. Sus vivencias migratorias fueron más determinantes en su producción que la influencia mexicana y con el tiempo creo un estilo propio. “[…] Los mejores cuadros de Souto, las más logradas fases de su pintura, son aquellas en que, libres de reflexiones sobre la teoría de la pintura, expresa con autenticidad una fantasía, un estado de ánimo, una vivencia o un sueño, sea cual fuere su naturaleza”. Arturo Souto Alabarce. Fuentes consultadas: CABAÑAS BRAVO, Miguel. Pinceladas. Dos raíces, dos tierras, dos esperanzas. México. Grupo Financiero BX+, 2014, pp. 44-46 y 149 y sitio de la Colección de Arte Afundación www.coleccion.afundacion.org

$150,000.00-$250,000.00 M.N. USD $8,350-$13,900

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IGNACIO ITURRIA

(Montevideo, Uruguay, 1949 - ) Night

Firmado Acrílico y esténcil sobre cartón 38 x 49.5 cm Agradecemos al Maestro Ignacio Iturria y al historiador y crítico de arte Miguel Ángel Muñoz por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Presenta ligeros detalles de conservación en las orillas del cartón. “A mí la pintura me entusiasma siempre. Para mí levantarme y saber que tengo una tela en blanco y que arranca el día es toda una ilusión, es como que podés empezar de vuelta. Esa es una de las cosas que más me gusta de esto, esa posibilidad de rectificación y que cada día parezca como si fuera un domingo o una fiesta o tu cumpleaños”. Ignacio Iturria. Fuente consultada: SALLÉ ONETTO, Andrea. “Ignacio Iturria: pinceladas de interioridad”. Uruguay. El Observador, sección Seisgrados, 22 de julio del 2014.

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $20,000.00-$30,000.00 M.N. USD $1,120-$1,670 132

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IGNACIO ITURRIA

(Montevideo, Uruguay, 1949 - ) Rural landscape

Firmada y fechada 77 Mixta sobre tela 73.5 x 92 cm Agradecemos al Maestro Ignacio Iturria y al historiador y crítico de arte Miguel Ángel Muñoz por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Con dedicatoria al reverso. Presenta ligeros detalles de conservación. Originario de Montevideo, hijo de un migrante vasco, Ignacio Iturria es un pintor que inició su vocación desde joven, explorando técnicas, materiales y estilos, que lo guiaron a España, instalándose en Cadaqués en 1977. Durante su estancia en aquella ciudad, trabajó con Ramón Aguilar Moré, experiencia que lo influenció a aclarar su paleta de colores y sofisticar su línea de dibujo. En 1984 regresó a Uruguay y realizó exposiciones en Punta del Este y más tarde en Buenos Aires, Argentina, ambos lugares le abrieron puertas para poder exhibir en distintas ciudades latinoamericanas. A lo largo de su carrera, Ignacio Iturria ha realizado diversas exposiciones individuales y participado en ferias y bienales de arte a nivel internacional.

Fuentes consultadas: SALLÉ ONETTO, Andrea. “Ignacio Iturria: pinceladas de interioridad”. Uruguay. El Observador, sección Seisgrados, 22 de julio del 2014 y sitio oficial del artista www.iturria.com.uy

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $50,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,800-$3,350

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JOSÉ BARDASANO

(Madrid, España, 1910 - Madrid, España, 1979) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 114 x 146 cm José Bardasano fue un pintor y dibujante madrileño que cultivó su arte en diversos países, convirtiéndose en uno de los artistas más relevantes de su época. Comenzó su formación como aprendiz del pintor Marceliano Santa María, posteriormente viajó a Londres, París, Bruselas y La Haya gracias a la beca Conde de Cartagena que le fue concedida en 1935. Durante la Guerra Civil en España, colaboró como cartelista e ilustrador en diversas publicaciones. En 1939, llegó a México junto con otros refugiados de la guerra en Europa. Pronto se identificó con las ideas de los muralistas, pero optó por un camino propio. Su fuerte personalidad le permitió conservar su identidad española durante su estancia, sin embargo se sobrepuso a todas las influencias y ambientes para mantener su estilo. Realizó paisajes, marinas, bodegones, retratos y escenas históricas, en las cuales se puede apreciar la devoción que el madrileño tenía por los usos y costumbres de la sociedad, con personajes pertenecientes a la vida moderna urbana pero con un estilo clásico europeo digno de su formación. Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002. Pág. 106 y sitio del Museo del Prado www.museodelprado.es

$500,000.00-$700,000.00 M.N. USD $27,800-$39,900 134

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“No hay que buscar en sus obras un lenguaje simbólico, hay que aceptarlas como visiones concretas de la realidad. Visiones en las que se le ha devuelto a la vida el sentido cósmico y que encierran dentro de sí las diversas etapas de los planos ancestrales. En sus cuadros lo maravilloso, lo fantástico, lo irreal está formado exactamente con los datos inmediatos de lo estrictamente cotidiano. Las actitudes de los protagonistas son extraordinariamente comunes, reconocibles, los personajes imaginarios no se ven a sí mismos, ni ven el mundo. Encontramos ancianas de cabellos blancos y miradas dulces que hilan sin avisar que puede ser una monstruosa telaraña; bucólicos picnics en los que los personajes comen tranquilamente sin ver el mundo a su alrededor; alegres reuniones de filosofía. No se trata solo de imágenes oníricas, fue para Leonora el mundo real”. Juan García Ponce.

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LEONORA CARRINGTON

(Lancashire, Inglaterra, 1917 - Ciudad de México, 2011) Dándole de comer a una mesa, 1959

Firmado Óleo sobre tela 57 x 70 cm Agradecemos al Dr. Salomon Grimberg, por el apoyo en la revisión de esta obra, marzo del 2019. - Con certificado de autenticidad de la Galería de Arte Mexicano firmado por la artista y por Mariana Pérez Amor, marzo de 1995. - Con copia del documento de The Tokio Shimbun, solicitando el préstamo de la obra a la exposición itinerante “Leonora Carrington: una retrospectiva”, febrero de 1997. Esta obra será incluida en el Catálogo razonado de pintura de Leonora Carrington, preparado por el Dr. Salomon Grimberg. Con etiqueta del Instituto Nacional de Bellas Artes. En un mundo de entre sueños y vigilia, de límites indefinidos, donde la vida, la muerte y el pasado se entrelazan, se puede encontrar el significado pictórico y literario de la obra de Leonora Carrington, una afamada artista surrealista cuyo nombre sobresale en la lista de mujeres creadoras más importantes de finales del siglo XX a nivel mundial. Estudió en la escuela de Amédée Ozenfant en Londres, institución donde aprendió a dibujar con gran destreza; durante esta época gustaba curiosear en las tiendas de libros usados, descubriendo libros sobre la alquimia, el esoterismo y las prácticas espirituales budistas, temas que serían una fuerte influencia en su trabajo posterior. En 1936, conoció a Max Ernst, con quien vivió un importante romance, sin embargo, a este lo aprisionaron al momento de estallar la guerra; Leonora intervino y logró liberarlo, no obstante, fue nuevamente encarcelado en 1940 y ella debió huir a España temiendo por su propia seguridad como extranjera. En España sufrió un colapso nervioso y fue hospitalizada en contra su voluntad; esta experiencia de encarcelamiento le causó locura momentánea, experimentado la poética idea de la demencia. Ella misma describió esta vivencia como: “un terremoto mental. Fue como la muerte psíquica, un renacimiento, una experiencia con la cual cambié de forma drástica”. Llegó a la Ciudad de México a principios del año 1943, junto con Max Ernst, de quien se separaría al poco tiempo. Se integró en el medio cultural de nuestro país y se rodeó de otros artistas surrealistas refugiados como Remedios Varo, Benjamin Peret y Kati Horna, también entabló amistad con el escritor Edward James. En México, hizo su vida, realizó su mayor producción pictórica y ejerció la ilustración para libros con gran demanda. Su obra se fue convirtiendo en todo un descubrimiento para los críticos mexicanos ya que cada uno de sus cuadros envolvía al espectador en un ambiente fantástico, pues al utilizar diversos espacios imaginarios con contrastes de luz y personajes increíbles generaba estados inexistentes que solo se encuentran en la imaginación. Su trabajo extravagante invita a la reflexión y al juego, pero sobre todo, al deleite del ensueño. Fuentes consultadas: - LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus artistas. Siglo XX 19011950. México. Tomo I. Promoción de Arte Mexicano. 2000, pp. 244-247. - HADWICK, Whitney. Leonora Carrington. La realidad de la imaginación. México. Ediciones Era, 1994, pp. 7-35. - GARCÍA PONCE, Juan et ál. Leonora Carrington. México. Ediciones Era, 1974, pp. 10-13.

$6,500,000.00-$8,000,000.00 M.N. USD $360,000-$450,000 Copyright Estate of Leonora Carrington / ARS

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JOAQUÍN TORRES-GARCÍA

(Montevideo, Uruguay, 1874 - Montevideo, Uruguay, 1949) Bodegón

Firmado y fechado 1927 Óleo sobre tela 38 x 71.5 cm Publicado en: DE TORRES, Cecilia et ál. Joaquín Torres-García Catalogue Raisonné. Número 1927-33, www.torresgarcia.com Exhibido en: “Torres-García: Colección privada de Montevideo” muestra presentada por la Comisión Nacional de Bellas Artes de Montevideo, Uruguay, en diciembre de 1962 y en “J. Torres-García (1874-1949)”, exposición realizada en la Galería Dau al Set en Barcelona, España, en noviembre de 1976. Presenta ligeros detalles de conservación. 140

En los años 20, Joaquín Torres-García comenzó su travesía por Nueva York, Italia, Barcelona y París, un período de gran riqueza artística donde se rodeó de artistas que cada noche hacían tertulias de pintura. En 1926, expuso en diferentes galerías y su arte comenzó a ser reconocido, vendiendo todo lo que producía. En 1934 regresó a Uruguay con el ideal de impulsar el arte de su nación, fundando la Asociación de Arte Constructivo. En 1942 formó el Taller Torres-García, un taller exclusivo de trabajo y enseñanza colectiva donde daba clases de pintura a jóvenes artistas, forjando una escuela latina con identidad propia. Su obra se caracterizó por una moderada gama cromática y una pincelada de estilo modernista. No obstante, tras su llegada a París, comenzó a integrar la abstracción geométrica, la cual desarrolló el resto de su producción artística. Hoy en día, Joaquín Torres-García es considerado uno de los protagonistas del desarrollo del arte moderno latinoamericano. Fuentes consultadas: sitio oficial del artista www.torresgarcia.com, sitio del Museo Torres García www.torresgarcia.org.uy y sitio del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía www.museoreinasofia.es

$1,000,000.00-$1,800,000.00 M.N. USD $55,560-$100,000 141

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ALFREDO ZALCE

(Pátzcuaro, Michoacán, 1908 - Morelia, Michoacán, 2003) Cráneos de buey

Firmado y fechado 50 Gouache sobre papel 42 x 68 cm Con certificado de autenticidad del artista, abril de 1980. Alfredo Zalce estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, fue alumno de Diego Rivera y miembro fundador del Taller de Gráfica Popular. En 1978 fue ganador del premio del Salón de la Plástica Mexicana y para 1993 su arte y labor docente fue reconocido a nivel nacional, añadiendo su nombre Alfredo Zalce, al nombre del Museo de Arte Contemporáneo, en honor a su trabajo; es así, que actualmente en el MACAZ podemos encontrar una extensa colección de sus obras. Debido a que nunca fue su interés el tener fama, toda su vida estuvo alejado de la publicidad, sin embargo hoy en día, es uno de los pintores más representativos del arte mexicano del siglo XX. Los temas que trabajó en su pintura a lo largo de su vida fueron variados, sin embargo sobresalen los paisajes y bodegones con características de la vida de las etnias mexicanas, obras que realizó con vivas composiciones de colores y elementos de finas líneas. “Podemos resumir la pasión de Zalce en tres bellas palabras: belleza, servicio y libertad. Ama el color, la línea sensible y la invención, rompe lo estéril y renueva lo cansado, agita lo estancado, ataca lo injusto, exige responsabilidad y entrega a labor”. José Chávez Morado. Fuentes consultadas: PUEBLITA DÍAZ, Ana Delia et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 686 y TOVAR Y DE TERESA, Rafael et ál. Alfredo Zalce, noventa años. Recuerdo de una vida, trabajos de un pintor. México. Telmex, 1998, Pág. 62.

$150,000.00-$250,000.00 M.N. USD $8,350-$13,900

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JOSÉ REYES MEZA

(Tampico, Tamaulipas, 1924 - Ciudad de México, 2011) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 100 x 75 cm Agradecemos a Fernanda Reyes, hija del Maestro José Reyes Meza, por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2019. José Reyes Meza ingresó a la Academia de San Carlos en 1938 e, interesado por la cultura mexicana, estudió también en la Escuela de Antropología. Su producción pictórica refleja una tendencia realista, en la que abundan escenas costumbristas, bodegones y retratos, exaltando la soltura de la pincelada y la calidad del dibujo. Durante sus múltiples facetas fue también un promotor cultural inalcansable, ejerciendo en el medio teatral, realizando durante 25 años escenografías para el INBA, la UNAM, el Instituto Mexicano del Seguro Social y algunos teatros de la ciudad; además fue miembro de la segunda generación de la llamada Escuela Mexicana de Pintura y cofundador del Salón de la Plástica Mexicana. En 2008, se fundó en la ciudad de Nuevo Laredo un museo con su nombre. “Maravillosas y envidiables facultades posee Reyes Meza, como pintor. Puede pintar todo lo que quiera, y del modo que a él le venga en gana. Paisajes, flores, pescados, naturalezas muertas, toros, retratos”. Antonio Rodríguez. Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 582 y sitio de la Academia de Artes www.academiadeartes.org.mx

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,000-$8,350 143

“Con antecedentes en la pintura mexicana de artistas como Francisco Goitia, Saturnino Herrán y Luis G. Serrano, Juan Carlos del Valle obtiene contrastes en los que, gracias a su dominio técnico y a su exaltada pasión, llega a conciliar y armonizar conceptos contrarios con los que interpreta, en su más profundo sentido, la luz y la oscuridad, el calor y el frío, el bien y el mal, la ternura y el coraje”. Ricardo Pérez Escamilla.

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JUAN CARLOS DEL VALLE (Ciudad de México, 1975 - ) Panqué marmoleado

Firmado y fechado 8-X-2015 al reverso Óleo sobre tela 30 x 40 cm Agradecemos al Maestro Juan Carlos del Valle por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2019. Juan Carlos del Valle es un destacado pintor mexicano, que a lo largo de su rigurosa formación ha desarrollado un lenguaje visual realista caracterizado por la alteración de estereotipos estéticos y mitologías contemporáneas. Consciente del poder expresivo de los estados de ánimo de manera cromática y de la materialidad, ha transformado el género del retrato (autorretratos, retratos intervenidos y de alimentos procesados) en un protagonista que le permite revelar deseos, fantasías y los miedos más profundos. La corriente de su pintura es la dualidad en curso de la representación de la realidad y la evocación pictórica de lo que es verdaderamente real. Su laureada carrera está conformada por varias exposiciones individuales en destacados museos e instituciones de renombre, como el Museo Casa Diego Rivera en Guanajuato, Museo Francisco Cossío en San Luis Potosí, Museo Francisco Goitia en Zacatecas, Museo del Palacio de Bellas Artes y Museo Nacional de San Carlos en la Ciudad de México, Museo de Arte del Centro Cultural de San Marcos en Lima, Perú y el Museum of Biblical Art en Dallas, Texas.

Fuentes consultadas: MORENO VILLARREAL, Jaime et ál. The Judgement of the Eyes. México. INBA, Editorial RM, 2006, Pág. 20 y sitio oficial del artista www.jcdelvalle.com.mx

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,550-$8,350

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ARTURO ESTRADA

(Panindícuaro, Michoacán, 1925 - ) Rincón de taller

Firmado al frente y al reverso Óleo sobre tela 113 x 80 cm “Mi apuesta es que mi creación plástica sea una pintura realista inspirada en todas las manifestaciones del pueblo. He realizado retratos, desnudos, escenas tradicionales o costumbres populares y religiosas, naturalezas muertas, mineros, campesinos, vendedores callejeros, etc.; pero considero que sin falsa modestia he logrado contribuir al enriquecimiento del imaginario del arte mexicano del siglo XX, a través de la pintura monumental y de caballete”. Arturo Estrada. Fuente consultada: ESTRADA HERNÁNDEZ, Arturo. “Pasión por el arte: Principios”. México. Revista UNAM, No. Especial, Pág. 255.

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $5,000-$6,700 146

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VICENTE GANDÍA

(Valencia, España, 1935 - Morelos, México, 2009) Bodegón magenta, 2000

Firmado Acrílico sobre tela 100 x 120 cm Con certificado de autenticidad del artista, marzo del 2000. Agradecemos a la Sra. Andrea Velasco Levy, viuda de Gandía, por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2019. Vicente Gandía fue un artista español de corazón mexicano, siempre fiel a su estilo y esencia, considerado como uno de los más versátiles de su generación. Como pintor, logró hacer de la realidad algo excepcional, aplicando la luz con diferentes matices y poniendo el color de manera exuberante como el protagonista de las emociones dramáticas de las escenas. En general, su obra puede ser distinguida de cualquier otra por su inigualable forma anímica de pintar los paisajes, su casa, las casas de sus vecinos, invernaderos, laberintos, floreros, frutas y hasta temas mitológicos y juegos abstractos. Fuente consultada: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 268.

$300,000.00-$400,000.00 M.N. USD $16,670-$22,250 147

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ARTURO ESTRADA

(Panindícuaro, Michoacán, 1925 - ) Mantón de fruta

Firmado al frente y al reverso Óleo sobre tela sobre cartón 44.3 x 60 cm Presenta ligeros detalles de conservación. Arturo Estrada estudió en La Esmeralda, donde tuvo como maestros a Feliciano Peña, Diego Rivera, José Chávez Morado y especialmente a Frida Kahlo, pues junto con otros artistas fue miembro de la agrupación artística conocida como “Los Fridos”, conformada por alumnos y seguidores de la afamada artista. Cuando la salud de Frida Kahlo comenzó a deteriorarse, Arturo Estrada se convirtió en su estudiante particular, junto con su compañera Fanny Rabel. Con el paso de los años, fue adquiriendo madurez artística y comenzó la búsqueda de un lenguaje propio, el cual desarrolló acorde con los principios del muralismo. Actualmente obra suya se encuentra en los acervos de galerías e instituciones de renombre y en colecciones privadas de México, Estado Unidos, Venezuela, Francia y Australia. Fuente consultada: ESTRADA HERNÁNDEZ, Arturo. “Pasión por el arte: Principios”. México. Revista UNAM, No. Especial, pp. 253-255.

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,250-$3,350

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ARTURO ESTRADA

(Panindícuaro, Michoacán, 1925 - ) Sin título

Firmada Acuarela sobre papel 54 x 74.5 cm El lenguaje artístico de Arturo Estrada se caracteriza por contener un constante equilibrio entre lo plástico y lo social, muy acorde con las características que aprendió del muralismo, movimiento que marcó la mayor parte de su producción plástica. Su pintura recae en un dinamismo plenamente intelectual, que conduce al público a una experiencia sensorial única; además su maestría en el uso del color hizo que su obra crease un aura sumamente folklórica, más aun sumando sus temáticas favoritas: flores, frutas, retratos indígenas y escenarios típicos mexicanos. En una entrevista que dio al Museo Nacional de Arte en 2015, Arturo Estrada describió su trabajo como una mezcla de lo popular y lo oculto. Fuente consultada: SALGADO MANZANARES, Gilda. “Arturo Frido Estrada. Maestro colorista”. México. Museo Nacional de Antropología, INAH, serie Obra Moderna y Contemporánea, 2016.

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $5,000-$6,700

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ORIS ROBERTSON

(Presidio, Texas, 1937 - Guadalajara, Jalisco, 2002) Sin título

Firmado y fechado 1993 Acrílico sobre tela 90.5 x 75.5 cm Presenta ligeros detalles de conservación. Tras incursionar en el diseño de escenografía, Oris Robertson decidió estudiar Arte Comercial, complementando sus estudios en Estados Unidos en el San Francisco Art Institute y en la Houston University. Tras maravillosos recuerdos con su padre cuando viajó a México, se dispuso a cambiar su residencia a Guadalajara, llegando a nuestro país en los años 70. En esta bella ciudad descubrió un mundo lleno de estímulos visuales que eventualmente lo ayudaron a encontrar su estilo en la pintura. “La experiencia de vivir en este extraordinariamente bello y exótico país durante un periodo tan largo ha sido muy enriquecedora. Aquí me he encontrado con indescriptible belleza y dolorosas tragedias. México me ha dado el mayor de los regalos: me ha permitido simplemente ser. Con frecuencia me pregunto, si no hubiera elegido vivir aquí, si aún podría seguir pintando”. Oris Robertson. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, noviembre-diciembre, 2000, año 5, No. 48, pp. 22-35.

$80,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,450-$5,550 150

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LORENA CAMARENA OSORNO (Ciudad de México, 1974 - ) Bosque y perfil

Firmado y fechado 2018 Acrílico sobre lino 100 x 170 cm Con certificado de autenticidad de la artista. Después de haber vivido muchos años en Estados Unidos y Uruguay, Lorena Camarena regresó a México y estudió durante dos años la Licenciatura en Psicología. Posteriormente practicó las bases del dibujo con el escultor tapatío Ignacio Garibay y en 1996 ingresó a la Licenciatura en Artes Visuales en la Universidad de Guadalajara. A lo largo de su carrera ha colaborado como investigadora en la Secretaría de Cultura de Jalisco y en el Museo Nacional de San Carlos. Además, cuenta con más de 16 exposiciones individuales y 33 colectivas en diversos estados de la República Mexicana y en el extranjero. “Sus obras se desarrollan no solo en varios planos o estratos de colores y formas superpuestos, sino en varios tiempos. A través de borraduras, diluciones de fondo y desmaterialización de formas Camarena construye una especie de ‘mise en abyme’ donde suceden pasado y presente simultáneamente: lienzos como antiguos palimpsestos”. María Rivera, fragmento del texto de sala de la exposición “Luz fósil”. $80,000.00-$90,000.00 M.N. USD $4,450-$5,000 151

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ARMANDO ZESATTI

(Ciudad de México, 1967 - ) Luz del sueño

Firmado al frente. Firmado y fechado 2003 al reverso Acrílico sobre tela 100.5 x 100 cm Con certificado de autenticidad de Galería Interart, diciembre del 2012. Publicado en: CORVERA GALVÁN, Laura Gabriela et ál. Instantes: Armando Zesatti Retrospectiva 1995-2012. México. Galería Interart, 2012, Pág. 60. Exhibido en: “Sueños y realidades”, muestra presentada en la Galería Interart en la Ciudad de México, en el 2003 y en “Instantes: Armando Zesatti Retrospectiva 1995-2012”, exposición realizada en el Museo de Arte de Querétaro, del 2012 a 2013. “El pintor Armando Zesatti se declara autodidacta. Lo es hasta cierto punto si se toma en cuenta que si bien no asistió a las academias de arte, pero sí se benefició del entrenamiento técnico que le proporcionaron diversos maestros. A eso se ha sumado una tenacidad a toda prueba que redunda en un impecable manejo del oficio que practica. Según sus propias palabras, ha querido ver la pintura ‘como una forma de vida’ y a ello dedica sus empeños. Su pintura tiene la capacidad de crear una realidad donde antes no existía sino una tela vacía, y en parte tiene que ver también con el encuadre fotográfico, pues al igual que otros artistas actuales él se ha valido de la fotografía para armar sus composiciones. En etapas anteriores exploró el paisaje desértico, ahora es la exaltación del verdor el tema que propone. “Zesatti dijo: ‘Me tranquiliza bastante el verde… No toda la vida es bella, pero pintar los verdes es terapéutico…Cuando el cielo es gris, pinto, pero me tardo más… No podría pintar temas deprimentes’. “El verde no es un color primario, pero entonces ¿cómo es que en estos cuadros sí resulta serlo? La respuesta podría ser la siguiente: porque no lo vemos como lo que es en su aspecto, digámosle, material. La sensación es simplemente ‘verde’, un verde más obscuro contra otro que se corresponde aproximadamente con el color del pasto inglés. Estoy hablando de sensaciones […] Sus cuadros son como ventanas, hay zonas más brillantes que otras, porque solo así, mediante el empleo de luces y sombras puede lograrse la sensación de volumen, de profundidad, de planos que el pintor ha elegido como motivos de representación. “Armando Zesatti quiere dar la impresión de realidades que ha visto y vivido. No necesariamente en México, su país de origen, aunque también allí. Varios de estos cuadros fueron pintados en Miami, otros en Veracruz (los cocos, sobre todo), el manglar proviene de un jardín botánico por el cual discurre un riachuelo. Su actitud es, pues, la de veneración ante lo que mira y vive, sea donde sea. En cierto modo es un pintor ecologista a pesar de no habérselo propuesto en forma consciente”. Teresa del Conde. Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa. “Zesatti. Ilusionismo y realidad”. México, 2001, sitio oficial del artista www.zesatti.com

$400,000.00-$500,000.00 M.N. USD $22,250-$27,800 153

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RENÉ MARTÍN

(La Habana, Cuba, 1952 - ) Serenidad

Firmado Acrílico sobre tela 80 x 100 cm Con certificado de autenticidad del artista. René Martín estudió Arquitectura y Diseño Gráfico, carreras que lo influenciaron a dedicarse al arte e ingresar a la Escuela de Bellas Artes de San Alejandro en La Habana, Cuba. A la par de sus estudios, comenzó a pintar paisajes, los cuales vendía en las plazas públicas y por encargos a particulares, hasta que finalmente tuvo la oportunidad de presentar su trabajo en exposiciones, muchas de ellas con gran éxito. El paisaje ha sido su principal temática, siendo la naturaleza tropical el centro de su marco artístico; a este estilo le ha agregado con el tiempo un toque de personalidad, un distintivo que se caracteriza por el uso constante de metáforas y simbologías mediante la inclusión de elementos que crean ambientes surrealistas como túneles y espacios abiertos entre las malezas, árboles que emergen del agua y estructuras arquitectónicas fusionadas con la flora y fauna. Llegó a México en 1996, país donde su carrera maduró y creció aún más. Actualmente vive y trabaja entre México y Miami, ha expuesto en más de 65 muestras colectivas e individuales en museos, galerías e instituciones públicas y privadas de Cuba, México, Costa Rica y Estados Unidos. Además, su obra ha sido publicada en destacados periódicos, revistas y libros, en los cuales se describe a su pintura como una gestora de la tendencia del surrealismo-tropical y promotora de la conservación de la naturaleza, así como del medio ambiente con un gran sentido profesional. Fuentes consultadas: FERNÁNDEZ SOTO, Francisco Javier y MARTÍN, René. Art & Golf Collection. México. Soto Editores, 2016, Pág. 187 y ESQUIVEL ALATORRE, Gerardo. “Cuando el golf se convierte en arte”. México. Mundo Ejecutivo, sección First Class, junio del 2018, No. 473, pp. 102-104.

$85,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,750-$8,350 154

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CARLOS RÍOS

(La Habana, Cuba, 1958 - ) Montaña en el cañón de los amates

Firmado al frente. Firmado y fechado 2018 al reverso Acrílico sobre tela 150 x 100 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, firmado por el artista, abril del 2018. Carlos Ríos es un destacado paisajista cubano egresado de la Licenciatura de Arquitectura en el Instituto Superior Politécnico de La Habana, Cuba. Participó en diversos cursos realizados en importantes casas de cultura de la enseñanza cubana. En 1975 comenzó a exponer en la provincia de La Habana y en algunas otras ciudades, sobre todo en salones de paisaje. Llegó a México en 1994, lugar donde decidió residir definitivamente.

Tras un año de su llegada a nuestro país, logró presentar su obra en museos y galerías de gran importancia, las cuales lo apoyaron para que su obra fuera también exhibida en exposiciones colectivas en países de Latinoamerica y Europa. “Sus paisajes nos recuerdan la perfección, siempre cambiante en sobrevivencia, de los santuarios entramados de vida y libertad, que poco a poco están siendo destruidos por los hombres […] En propias palabras de Carlos: ‘es el lugar en el que somos uno con el todo, y donde en la más holística de las contemplaciones, el alma humana superando lo bello se sublima’”. Viridiana Gutiérrez Tejeda. Fuente consultada: GUTIÉRREZ TEJEDA, Viridiana. Texto curatorial para la exposición “Imaginarios” presentada en el Centro Cultural El Nigromante, 2017.

$200,000.00-$250,000.00 M.N. USD $11,150-$13,900 155

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GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA (Puebla, 1887 - 1962) La Quebrada, Acapulco

Firmado Óleo sobre tela 61 x 80 cm “Las sensaciones transmitidas por los paisajes de Mayorga se deben a su conocimiento grafológico, su amor por la naturaleza y su aprendizaje en la cumbre de las vanguardias artísticas de la época”. Hugo Covantes. Fuente consultada: AMERLINCK, Rodrigo. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, pp. 101 y 107.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,150-$16,670 157

118

GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA (Puebla, 1887 - 1962) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 42 x 70 cm La marina es un género pictórico importante cuyo objeto principal de inspiración es el mar y se ha desarrollado desde el siglo XVII pasando por diversos estilos y movimientos artísticos a nivel mundial. En México, ha habido excepcionales pintores de marinas, entre ellos Guillermo Gómez Mayorga, un destacado artista que gustaba de pintar el mar, el cual ejecutaba con gran majestuosidad, marcando la bravura del mar y las zonas de agua espumosa que provocan una sensación de belleza clásica. Sus mejores cuadros de marinas fueron pintados únicamente a base de dos elementos: el agua y el cielo; con estas limitantes construyó desafiantes escenarios y a través de ritmos, densidades, movimientos, tonalidades monocromáticas y acentos lumínicos creó atmósferas serenas, tradicionales y frescas de las playas mexicanas. Fuente consultada: AMERLINCK, Rodrigo. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, pp. 101 y 107.

$150,000.00-$220,000.00 M.N. USD $8,350-$12,250 158

119

ARMANDO ZESATTI

(Ciudad de México, 1967 - ) Marea bicolor

Firmado al frente. Firmado y fechado 2013 al reverso Acrílico sobre tela 130 x 130 cm Con certificado de autenticidad de Galería Interart. Publicado en: PEREDA, Juan Carlos y FERNÁNDEZ CASTRO, Roberto. Armando Zesatti. La paz perdida. México. Alsea Fundación, 2018, Pág. 156 y en Armando Zesatti: Volver a mirar. México. Museo de Arte e Historia de Guanajuato, 2017, Pág. 55. Exhibido en: “Armando Zesatti: Volver a mirar”, muestra presentada en el Museo de Arte e Historia de Guanajuato, del 31 de marzo al 18 de junio del 2017. “En cada trazo, Zesatti se propone imitar a la naturaleza y elige por ello lienzos de gran tamaño. Trabaja sobre sus propias fotografías digitales con el fin de reproducir cada detalle y ceñirse lo más posible a la imagen. Por ello prefiere la luz de la mañana; empieza temprano para aprovecharla y solo se detiene brevemente para comer. Su propósito es que mirar sus cuadros sea placentero y que quien lo haga se sienta a gusto […] Entre sus influencias menciona la pintura de Claudio Bravo, pondera la técnica de Arturo Rivera, se identifica con Tomás Sánchez y celebra el trabajo de Rafael Cauduro y Santiago Carbonell. Zesatti hoy está pintando olas, mañana querrá hacer nubes. Desde hace dos años radica con su esposa en Valencia, España, pero se considera nómada y recorre senderos para conocer nuevas costumbres y encontrar a su paso algún reflejo en un arroyo, el rincón de un jardín, el juego de luz y sombra del manglar o el brillo inspirador de la espuma sobre las olas del océano”. Raquel Barreda. Fuente consultada: BARREDA, Raquel. “Armando Zesatti: Semblanza”. México, sitio oficial del artista www.zesatti.com

$650,000.00-$750,000.00 M.N. USD $36,100-$41,670 159

120

SOFÍA BASSI

(Camerino Mendoza, Veracruz, 1913 - Ciudad de México, 1998) Sin título

Firmado y fechado 83 Óleo sobre masonite 39 x 56 cm Con certificado de autenticidad de Franco Bassi, hijo de la artista. Agradecemos a Franco Bassi, hijo del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2019. Estudió dos años de filosofía y fue completamente autodidacta en la pintura. Con José Luis Cuevas, Rafael Coronel, Alberto Gironella y Francisco Corzas realizó un mural en las paredes de la cárcel de Acapulco donde estuvo recluida cinco años. A pesar de los momentos difíciles de su vida, Sofía Bassi fue una persona espiritual, lo que se ve reflejado en los simbolismos empleados en sus obras, elementos iconográficos como el huevo, los resplandores que aportan divinidad a sus personajes y los astros, los cuales sugieren una reinterpretación espiritual. “En la obra de Sofía Bassi se siente una gran experiencia de muchísimos años, una maestría. Y sobre todo, este mundo íntimo, este íntimo poético que nos conduce a universos oníricos. Es una pintura que realmente me emociona, de las pocas obras de la nueva escuela mexicana de pintura que realmente me conmueve”. José Luis Cuevas, 1972. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1995. Pág. 142.

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,800-$3,900 160

121

ANGELINA BELOFF

(San Petersburgo, Rusia, 1883 - Ciudad de México, 1969) Sin título

Firmado y fechado 32 Óleo sobre tela 55 x 46 cm Presenta detalles de conservación. “Al llegar a México en 1932, una nueva naturaleza apareció ante sus ojos y se condensó en sus obras. El paisaje monumental contribuyó con nuevos planos para enriquecer el lenguaje de la artista, respondiendo su mano a los secretos de la topografía exuberante. Después de su larga trayectoria europea ella afirma en esta fase la fusión de lo circundante con su armonía interior. La naturaleza que era trasfondo impreciso, se desplaza a primer plano en forma de rica red de tono y líneas: el cuadro le resulta un modelo reducido del universo”. Berta Taracena. Fuente consultada: BELOFF, Angelina. Memorias. México. UNAM, SEP, 1986.

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,350-$11,150 161

122

JUAN EUGENIO MINGORANCE

(Jaén, España, 1906 - Ciudad de México, 1979) Sin título

Firmado Óleo sobre tela sobre madera 30.5 x 40.5 cm Fue un destacado pintor español perteneciente a la Asociación Libre de Artistas, conocido como Grupo ALA, formado en España en 1931 como una asociación que aspiraba modernizar los ambientes artísticos y literarios españoles. En México fue un afamado docente, siendo maestro de Aquiles Sepúlveda, Gerardo Cantú, Ignacio Ortíz y Héctor Carrizosa, entre otros. Su trabajo artístico se encuentra en diversas colecciones públicas y privadas de México y el extranjero, siendo el Museo del Patrimonio Municipal de Málaga la institución que resguarda uno de los acervos más completos de su obra. Fuente consultada: CABAÑAS BRAVO, Miguel. Pinceladas. Dos raíces, dos tierras, dos esperanzas. México. Grupo Financiero BX+, 2014, Pág. 142.

$36,000.00-$50,000.00 M.N. USD $2,000-$2,800 162

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JUAN EUGENIO MINGORANCE

(Jaén, España, 1906 - Ciudad de México, 1979) Monjes

Firmado Óleo sobre tela 71 x 63.5 cm Además de haber sido un sobresaliente docente fue un extraordinario pintor en cuya obra se observa su constante búsqueda de la luz, además de lograr comulgar la herencia de la pintura española con lo que aprendía en sus diversos viajes. Cuando instaló su estudio en México, su actividad pictórica se multiplicó, pues no había guerra que lo interrumpiera, así que se dedicó sin fin a pintar, centrándose principalmente en la representación de paisajes, naturalezas muertas, escenas costumbristas, interiores arquitectónicos y algunos retratos de personalidades de la vida social, además de realizar murales en iglesias, capillas, cines y residencias particulares. Integrado por completo en la vida de México, en 1945 fue nombrado vicepresidente del Círculo de Bellas Artes, año en el que participó en una muestra colectiva junto a José Bardasano, a quien consideraba su mentor y amigo. En esta época realizó una serie de retratos de excelente calidad plástica, destacando el cuadro del Presidente Miguel Alemán y los retratos de los familiares del Presidente Ávila Camacho. Durante los años en los que residió y frecuentó Monterrey se convirtió en el pintor de moda, casi en exclusividad, de la sociedad regiomontana. Fuente consultada: GUASCH MARÍ, Yolanda. “De Jaén a Monterrey: el pintor Juan Eugenio Mingorance”. México. 2015, pp. 210-212.

$70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,900-$5,550 163

124

JOSÉ BARDASANO

(Madrid, España, 1910 - Madrid, España, 1979) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 80 x 70 cm Bardasano fue un extraordinario pintor español que cultivó su obra de temas costumbristas en dos continentes. Al ser ya un artista de formación y habiendo pasado años de grandes éxitos en el exilio, sufrió un infarto en 1957, lo que le causó temor a la muerte y anhelo de regresar a España, así que se impuso sobre cualquier consideración y regresó fugazmente a su tierra natal. Durante su prolífica carrera, realizó ilustraciones para libros y calendarios para la empresa Galas de México, la principal editora de imágenes comerciales del siglo XX en México. Además de haber diseñado carteles, vivió dedicado a la pintura de caballete, producción en la que incluyó diversos temas, entre ellos los paisajes de praderas y montañas. Fuente consultada: sitio oficial del Museo Carmen Thyssen Málaga www.carmenthyssenmalaga.org

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $10,000-$13,900 164

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FERMÍN REVUELTAS

(Santiago Papasquiaro, Durango, 1901 - Ciudad de México, 1935) Paisaje tropical

Firmado y fechado 927 Óleo sobre tela 94 x 89 cm - Con documento del Museo de Arte Moderno, solicitando el préstamo de la obra a la exposición “Fermín Revueltas. Muestra antológica”, febrero de 1993. - Con copia del documento del Instituto Nacional de Bellas Artes, especificando la devolución de la obra por el préstamo a la exposición “Fermín Revueltas. Muestra antológica”, febrero de 1993. - Con copia de la carta del Museo Nacional de Arte, solicitando el préstamo de la obra a la exposición “Movimiento ¡30-30!”, septiembre de 1993. - Con copias de los documentos y formulario original del Museo Nacional de Arte, especificando el préstamo y devolución de la obra a la exposición “Movimiento ¡30-30!”, 1993 y 1994. Incluye copia del reporte de condición. Exhibido en: “Fermín Revueltas. Muestra antológica”, muestra presentada en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, de febrero a marzo de 1993 y en “Movimiento ¡30-30!”, exposición realizada en el

Museo Nacional de Arte en la Ciudad de México, de diciembre de 1993 a enero de 1994. Con etiqueta del Museo de Arte Moderno y del Museo Nacional de Arte MUNAL. Presenta ligeros desprendimientos de capa pictórica y detalles de conservación. “Su obra presenta toda una gama temática que incorpora elementos representativos propios de su época como los trabajadores, los indígenas, las tradiciones populares y muchos más, pero también introduce otros temas menos comunes, como el de su mural ‘Andamios exteriores’ y ‘Líneas de alta tensión’. Fermín Revueltas, quien murió el 7 de septiembre de 1935, fue un pintor que asumió su momento y lo expresó plásticamente. Es un ejemplo para reflexionar sobre los cambios que a la fecha se manifiestan en el ámbito cultural. Su obra nos lleva a entender su opción moderna y nacionalista, inscrita en un proyecto de nación que hoy parece marginal pero que sigue presente en los múltiples discursos de su pintura”. Fuente consultada: “Fermín Revueltas, a 80 años de su muerte”. México. 20minutos, sección NOTIMEX, 6 de septiembre del 2015.

$300,000.00-$400,000.00 M.N. USD $16,670-$22,250 165

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FERMÍN REVUELTAS

(Santiago Papasquiaro, Durango, 1901 - Ciudad de México, 1935) Ruta Industrial

Sin firma 24.3 x 17 cm Tinta y lápiz de grafito sobre papel Presenta ligeros detalles de conservación. Tras volver a México en 1922, Fermín Revueltas comenzó un camino enriquecedor y de muchos contrastes: por un lado colaboró con los estridentistas y por otro comenzó a acercarse al muralismo. Con una intuición estética tan especial, sus composiciones desbordaban genialidad creativa, pues además de ejercer la pintura de caballete y murales también realizó viñetas en revistas y anuncios publicitarios y experimentó con el diseño de vitrales. “Revueltas, sin perder jamás una cierta autonomía, comulgó con el estridentismo y su amor a la modernidad, la máquina y el movimiento. Su obra, en medios diversos, óleo, acuarela, grabado, quedó marcada por ese entusiasmo y sus claras deudas con el constructivismo ruso o el futurismo italiano”. Héctor Antonio Sánchez. Fuente consultada: SÁNCHEZ, Héctor Antonio. Fermín Revueltas, geometría y abundancia. México. UNAM, 10 de noviembre del 2014. pp. 27-29.

$22,000.00-$30,000.00 M.N. USD $1,230-$1,670 166

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FERMÍN REVUELTAS

(Santiago Papasquiaro, Durango, 1901 - Ciudad de México, 1935) Las barcas

Firmado y fechado 927 Óleo sobre tela 62 x 72 cm - Con documento del Museo de Arte Moderno, solicitando el préstamo de la obra a la exposición “Fermín Revueltas. Muestra antológica”, febrero de 1993. - Con copia del documento del Instituto Nacional de Bellas Artes, especificando la devolución de la obra por el préstamo a la exposición “Fermín Revueltas. Muestra antológica”, febrero de 1993. - Con copia de la carta del Museo Nacional de Arte, solicitando el préstamo de la obra a la exposición “Movimiento ¡30-30!”, septiembre de 1993. - Con copias de los documentos del Museo Nacional de Arte, especificando el préstamo y devolución de la obra a la exposición “Movimiento ¡30-30!”, 1993 y 1994. Incluye copia del reporte de condición. Exhibido en: “Fermín Revueltas. Muestra antológica”, muestra presenta en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, de febrero a marzo de 1993 y en “Movimiento ¡30-30!”, exposición realizada en el Museo Nacional de Arte en la Ciudad de México, de diciembre de 1993 a enero de 1994. Con etiqueta del Museo de Arte Moderno y del Museo Nacional de Arte. Presenta ligeros detalles de conservación. Fermín Revueltas murió a la joven edad de 34 años y, sin embargo, se le considera un importante pintor mexicano por la riqueza de sus propuestas y la calidad de su obra. En 1917 comenzó a estudiar en el Saint Edward’s College en Austin, Texas, al año siguiente se trasladó a Chicago, ciudad que le causó una gran influencia pues estaba repleta de arte, de vanguardia y de movimiento. Durante su estancia, conoció bien los ambientes de los alrededores, donde se juntaban las bandas de jazz y blues, así como los establecimientos prohibidos donde se consumía alcohol y se vivía la vida libre y bohemia. Fue alrededor de 1927, abordó el tema de los embarcaderos y las barcas, donde es palpable la influencia de Diego Rivera con un manejo del color muy particular. Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 3, No. 30, junio de 1997, Pág. 11.

$260,000.00-$400,000.00 M.N. USD $14,450-$22,250 167

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JOSÉ REYES MEZA

(Tampico, Tamaulipas, 1924 - Ciudad de México, 2011) Sin título

Firmado y fechado 93 Óleo sobre tela 45 x 56 cm Agradecemos a Fernanda Reyes, hija del Maestro José Reyes Meza, por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2019. A pesar de haber sido un apasionado de los toros, José Reyes Meza se inclinó por el arte, profesión que ejerció con gran dedicación. En su pintura de caballete exaltó soltura en la pincelada y maestría en la calidad del dibujo, reflejando así una tendencia realista, en la que abundan bodegones, retratos y escenas costumbristas, de las cuales tiene como subtema la tauromaquia. De este último tema, la influencia inició con el legendario torero “Chato” Guerra, quien era amigo de su padre, además en sus andanzas se mantuvo cerca del pintor Antonio Navarrete, por lo que por un momento se le ocurrió ser torero, profesión que no ejerció para dedicarse a la pintura. “De no haber sido pintor habría sido torero, de no haber sido torero habría sido cocinero. Torero lo fui, no como razón de vida o meta, sino como realización anímica de mi otro yo razón de ser de los ‘hobbies’, eventualidad que en mi vida perduró casi quince años. En el transcurso de este tiempo, los capotes de brega, las muletas, los estoques, banderillas y bártulos de oficio táurico, se fueron integrando a los lápices, a los pinceles, a los bastidores, a las telas, a los colores y las corridas de toros acabaron en pinturas en mis cuadros”. José Reyes Meza. Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 582 y ROMERO-LECANDA, Héctor. “¿Quién es José Reyes Meza?”, 3 de mayo del 2009.

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,800-$3,900 168

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ARNOLD BELKIN

(Alberta, Canadá, 1930 - Ciudad de México, 1992) Simón Bolívar, gira presidencial en Caracas Venezuela

Firmado y fechado 84 Acrílico sobre tela 203 x 158 cm Publicado en: UGALDE, Nadia. Arnold Belkin. 33 años de producción artística. México. INBA, CONACULTA, 1989, catalogado 116. Exhibido en: “Arnold Belkin. 33 años de producción artística”, muestra presentada en el Museo del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, de julio a septiembre de 1989. Con etiqueta del Instituto Nacional de Bellas Artes Ya habiendo estructurado con gran firmeza su carrera artística, Arnold Belkin tuvo diversas exposiciones individuales, destacando en 1989 la muestra retrospectiva “Arnold Belkin. 33 años de producción artística” que el Instituto Nacional de Bellas Artes le organizó como parte de un reconocimiento a su larga y valiosa carrera artística. Dicha muestra significó un importante evento cultural; el propio Arnold Belkin dijo: “Esta gran muestra es un examen, un balance de mis quehaceres como creador de obras de carácter público e íntimo a lo largo de 33 años”. En 1983 Arnold Belkin pintó para la Casa de las Américas de La Habana, Cuba, y en homenaje a Haydée Santamaría un singular Bolívar ecuestre muy decorativo con el efectismo que caracterizó

a su obra pictórica, muchas veces reproducido en serigrafías y en timbre postal, que incluso sirvió de ilustración para la carátula del libro “Reflexiones sobre el sueño bolivariano de la Patria Grande” en 1985. El mismo artista explicó sobre su obra que: “La primera vez que vi a Haydée estaba plantada en el centro del gran salón de la Casa de las Américas observando una exposición de pinturas mías que estaba a punto de inaugurarse esa noche de marzo de 1979. ‘Pintor’, me dijo en voz retumbante, ‘¿Por qué no has pintado a Bolívar?’ Me quedé atónito. Esperaba una primera conversación más convencional. ‘¿Cómo es posible que un pintor de nuestra América pinte a Napoleón con esos colores de nuestra América, y no pinte a Bolívar?’ No sabía qué contestar. Haydée me llevó a un recorrido por el museo a ver los diversos cuadros de Bolívar que había en la colección. Le prometí entonces que lo pintaría para la Casa de las Américas. Un tiempo después lo pinté y el cuadro fue enviado a La Habana, como parte de una colección de pintura mexicana que fue donada a Cuba por los propios artistas, a través del Foro de Arte Contemporáneo. Tiempo después, fui encomendado para diseñar una estampilla postal para el bicentenario del nacimiento de Simón Bolívar. Hice dibujos y varias serigrafías y otro cuadro de gran formato, en todos esos trabajos estaba presente Haydée Santamaría y cada vez que pinté a Bolívar se lo dedicaba a ella”. Fuente consultada: BELKIN, Arnold. “Haydée Santamaría y Bolívar”. Cuba. Revista Casa de las Américas, No.152, agosto de 1985, Pág. 46.

$480,000.00-$600,000.00 M.N. USD $26,670-$33,350 169

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ARNOLD BELKIN

(Alberta, Canadá, 1930 - Ciudad de México, 1992) El diluvio

Firmado y fechado 85 al frente. Firmado y fechado sept-nov-1985 al reverso Acrílico sobre tela 220 x 250 cm Publicado en: UGALDE, Nadia. Arnold Belkin. 33 años de producción artística. México. INBA, CONACULTA, 1989, catalogado 117. El muralismo fue la mayor inspiración que alimentó la fuerza creativa de Arnold Belkin, además del trabajo de Diego Rivera y el aprendizaje que tuvo en la Vancouver School of Art y en La Esmeralda, donde tuvo de maestros a Carlos Orozco Romero y a Agustín Lazo. Asimismo, fue ayudante de David Alfaro Siqueiros, práctica que enriqueció su futuro dominio del espacio y el planeamiento de composiciones. Aparte de los murales, fueron constantes sus aportaciones para producciones teatrales, trabajos que requirieron ciertas características que posteriormente mantuvo en su obra de caballete, como el uso de planos, perspectivas y aplicaciones del color para generar luces y sombras. Su tiempo en México, lo convirtió en un afiliado a las luchas liberales por lo que se inclinó a pintar temas de la injusticia, la guerra, la muerte y el exilio, sin dejar a un lado la paz. Su trabajo fue testimonial y de profunda documentación desde una perspectiva crítica y reflexiva de la historia de nuestro país. En los años 80, el muralismo fue el centro de su producción artística, a tal grado que fue considerado como “el hijo canadiense del muralismo mexicano”. Realizó murales en México, Estados Unidos, Canadá, Cuba y Nicaragua, y presentó exposiciones individuales en galerías de Vancouver y Calgary. Fuentes consultadas: TIBOL, Raquel. “El laboratorio muralístico de Arnold Belkin”. México. UNAM, Revista de la Universidad de México, No. 430, noviembre de 1986 y sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$600,000.00-$800,000.00 M.N. USD $33,350-$44,500 170

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CUNDO BERMÚDEZ

(La Habana, Cuba, 1914 - Florida, E.E. U.U., 2008) Figura

Firmado y fechado 49 Acrílico sobre papel 60.5 x 46 cm Procedencia: perteneció a la colección de Héctor Ayala, embajador de Cuba en París. Mrs. de Velasco, París; Galerie Natalie Seroussi, París. Subasta Sotheby’s, Nueva York, 16-17 de noviembre del 2011, lote 243; Colección privada. Exhibido en: Salon de l’Art Libre en el Palais de Beaux Arts de París, Francia, en 1954. Estudió en la Academia de Bellas Artes en la Habana, es uno de los representantes de la pintura cubana moderna, que perteneció a la generación vanguardista en la década de los cuarenta. En el año de 1938 viajó a México para continuar con su profesionalización artística y tuvo contacto con la obra de los maestros muralistas, experiencia que fue determinante para él. Tuvo una profunda influencia de pintores 172

cubanos como Amelia Peláez y Carlos Enríquez. Así como Wifredo Lam, René Portocarrero, Mariano Rodríguez o Mario Carreño, Cundo Bermúdez es uno de los artistas que conforman el listado de artistas de arte moderno cubanos de manera internacional. En el marco de la exposición de Pintura y Escultura Moderna Cubanas, celebrada en La Habana en el año de 1943, David Alfaro Siqueiros escribió: “Cundo Bermúdez representa audacia en las artes plásticas. El sabe cómo construir de una manera sincronizada. Él construye y organiza a veces de una manera milagrosa. “El último maestro de la vanguardia habanera plasmó la vida cotidiana de la isla”. Mauricio Vicent. Fuente consultada: VICENT, Mauricio, “Cundo Bermúdez, pintor cubano”. América Latina, El País, 1 de noviembre del 2008.

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $130,000.00-$160,000.00 M.N. USD $7,250-$8,900

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EDUARDO RAMÍREZ VILLAMIZAR

(Pamplona, Colombia, 1922 - Bogotá, Colombia, 2004) Autorretrato

Firmado y fechado 58 Óleo sobre madera 76 x 52 cm Al reverso cuenta con un escrito de Walter Engel sobre la pieza. Después de la crisis económica mundial que afectó a Colombia a finales de los años 20, Rámirez Villamizar se vio en la necesidad de mudarse a Cúcuta, donde vivió hasta 1940. En aquella época estudió Arquitectura en la Universidad Nacional de Colombia y durante sus tiempos libres trabajó en sus primeras pinturas, las cuales eran retratos de familiares y amigos, bodegones, flores y paisajes. Posteriormente, a finales de los años 40, decidió estudiar Arte y Decoración en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Colombia, comenzó a participar en varias exposiciones colectivas, inició a trabajar con el afamado escultor Edgar Negret y su trabajo se vio influenciado por los cambios políticos que vivía su país; al respecto él dijo: “En aquel tiempo, mis pinturas eran expresiones con temas religiosos, temas poéticos y de violencia; no la violencia directa que estamos sufriendo en Colombia, sino la violencia un poco disfrazada y poetizada”. En 1950 viajó a París para complementar su formación sobre las vanguardias plásticas, admirando los trabajos de Piet Mondrian,

Paul Klee, Pablo Picasso, Wassily Kandinsky y Georges Braque, entre otros. A su regreso a Colombia, su obra ya madura, recibió varios elogios por la crítica, ganando en 1958 el Guggenheim International Selection Award, premio que lo llevó a realizar el relieve abstracto “El dorado”, el cual marcó su tránsito de la pintura a la escultura, explorando los volúmenes y sacando sus figuras cubistas y abstractas de las telas para empezar una larga serie de trabajos con relieve y escultóricas. A finales de ese año, montó su primera exposición retrospectiva en la Biblioteca Luis Ángel Arango de Bogotá, muestra en la que se incluyeron obras desde 1945 hasta 1958. En 1990 Fundó el Museo de Arte Moderno Eduardo Ramírez Villamizar en Pamplona, su ciudad natal, al que donó una gran cantidad de su obras, su gran colección de esculturas y cerámicas precolombinas, y su colección personal de arte que incluye importantes piezas de varios artistas colombianos y extranjeros. “[…] En el ‘Autorretrato’ de Eduardo Ramírez encontramos una extraordinaria respuesta. Al mirar este cuadro como pintura, hallamos el estilo del artista; sus grandes planos lisos; la reducción a sencillas formas geométricas; pulcritud; armonía, gusto y fuerza en el color. Y tal como se reconoce el estilo, también se reconoce al hombre […]”. Walter Engel. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.ramirezvillamizar.com

$400,000.00-$600,000.00 M.N. USD $22,250-$33,350 173

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CAROL MILLER

(Los Ángeles, California, E.E. U.U., 1933 - ) Chalchiuhtlicue, 1983

Firmada Escultura en bronce 10 / 10 100 x 38 x 46 cm Con certificado de autenticidad de la artista, enero de 1987. Presenta detalles de conservación. Chalchiuhtlicue significa en náhuatl “la que tiene su falda de jade” y en la mitología mexica es la diosa de los lagos y corrientes de agua, patrona de los nacimientos, protectora de la navegación y personaje principal en los bautismos aztecas. Fue una de las figuras femeninas más importantes dentro de cultura mesoamericana, así que no es de sorprender que la afamada artista Carol Miller haya elegido a esta patrona azteca como tema a esculpir. Nacida en los Los Ángeles, es una artista que además de destacar como escultora de figura humana, también trabajó como periodista en la revista “Mexican Life”, ha realizado labores de investigación y traducción. “El cuerpo ha sido el tema de sus obras desde el principio. Creadas en bronce, son piezas que han evolucionado, que expresan la anatomía. Salvo la labor de fundición, todas las etapas previas son creadas solo por Miller. En sus piezas está el sello de lo cultural más que del de la historia del arte: incorpora mitos, personajes, líneas, hace homenaje a culturas y formas de pensamiento”. Sonia Sierra. Fuente consultada: SIERRA, Sonia. “Carol Miller frente al espejo mexicano”. México, El Universal, sección Cultura, 1 de septiembre del 2012.

$150,000.00-$220,000.00 M.N. USD $8,350-$12,250 174

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LEOPOLDO RICHTER

(Hesse, Alemania, 1896 - Bogotá, Colombia, 1984) Sin título

Firmado Óleo sobre masonite 61 x 41 cm Presenta desprendimiento de capa pictórica y detalles de conservación. Leopoldo Richter fue un artista de corazón alemán y alma colombiana; viajero inalcanzable que amaba pasar largas temporadas en la selva del Amazonas y en la Sierra de la Macarena en Colombia. Después de luchar en la Segunda Guerra Mundial y de haber sido profesor en una escuela alemana, Richter decidió viajar a Brasil a mediados de los años 30, para después llegar a Colombia, lugar donde se enamoraría de la naturaleza y sus habitantes. Durante un tiempo trabajó como entomólogo en el Instituto de Ciencias Naturales de la Universidad Nacional de Colombia. Sin embargo, no fue sino hasta los años 50 que comenzó a dar a conocer su creatividad artística. Luego de algunas exposiciones individuales, decidió adentrarse en la selva, época que lo marcó emocional y artísticamente. Por esta influencia tropical y aborigen, nacieron los colores intensos en su obra, el estilo expresionista, los toques filosóficos y líneas figurativas. Posteriormente fue eliminando la perspectiva y empezó a experimentar con diversas técnicas. Con el tiempo, sus obras con temas de la cultura indígena, fidedignas a la cultura colombiana, comenzaron a conocerse en el medio latinoamericano. Fuente consultada: “El entomólogo y sus crayolas”. Bogotá. Boletín KIEN Y KE, sección Historias, 9 de abril del 2011, www.kienyke.com

$75,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,200-$5,550 175

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ROBERTO MATTA

(Santiago de Chile, 1911 - Civitavecchia, Italia, 2002) Romboloso, 2002

Firmado Acrílico sobre tela 49 x 67.5 cm Con dedicatoria al reverso. Con certificado de autenticidad de Archives de l’Oeuvre de Matta, firmado por Germana Matta Ferrari, viuda del artista, febrero del 2002. Procedencia: adquirido directamente al artista, 2002; colección privada, 2018. Esta obra está registrada en el Archives de l’Oeuvre de Matta con número 002 / 19. Roberto Matta fue un afamado pintor chileno nacido en Santiago de Chile el 11 de noviembre de 1911 (11-11-11), fecha que siempre consideró significativa debido a su fascinación por los números y que en ocasiones plasmó en algunas de sus obras. El auge de su arte comenzó durante su estancia en París, época en la que conoció a Federico García Lorca, Salvador Dalí, André Breton y Pablo Picasso, artistas de quienes aprendió el movimiento surrealista y del cual, a pesar de haber sido expulsado en 1948, volvió a ser admitido 11 años después. No obstante, ha sido nombrado como el último surrealista en numerosas ocasiones y aunque él se disociaba del movimiento por su expulsión, llegó a aceptar dicha clasificación. Durante la Segunda Guerra Mundial se trasladó a Nueva York, donde nunca se sintió integrado con los artistas, ni con la ciudad. Para él los pintores estadounidenses solo se preocupaban por la rentabilidad económica, por lo que los siguientes años se estableció entre Francia e Italia. Posteriormente, durante el gobierno del presidente Salvador Allende, visitó Chile para realizar colectivamente algunos murales, junto con una brigada del Partido Comunista. En 1973, tras el golpe militar del general Augusto Pinochet, se distanció definitivamente de Chile, los murales fueron destruidos y al año siguiente su pasaporte chileno fue anulado. Cuando la democracia volvió a su país recibió el Premio Nacional de Arte. Entre otros de los reconocimientos que recibió, destacan el Premio Príncipe de Asturias en 1992, el Praemium Imperiale en 1995 otorgado por la Asociación de Arte de Japón y el Premio Tomás Francisco Prieto en el 2000. Actualmente obra suya se cotiza a nivel internacional en galerías y casas de subastas de renombre y colecciones públicas y privadas cuentan con pinturas, dibujos y grabados de este consagrado artista en sus acervos.

Fuentes consultadas: GAMBOA, Fernando. Matta. Homenaje a Jorge Zalamea. México. Museo de Arte Moderno, INBA, 1975 y GALÁN, Lola. “Muere Roberto Matta, el último surrealista”. España. El País, 25 de noviembre del 2002.

$460,000.00-$600,000.00 M.N. USD $25,560-$33,350 176

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ROBERTO MATTA

(Santiago de Chile, 1911 - Civitavecchia, Italia, 2002) El caballazzo, 1974

Sin firma Pastel sobre papel 124 x 154 cm Con certificado de autenticidad de Archives de l’Oeuvre de Matta, firmado por Germana Matta Ferrari, viuda del artista, abril del 2018. Procedencia: adquirido en la Galería Aele en Madrid, España; colección del Sr. Luis Carlos Rodrigo Mazure, 1974; colección Conde de Peracamps, 1998; colección privada; casa de subastas Philips, Nueva York, 26 de septiembre del 2018, lote 207. Exhibido en: “El Gran Burundi ha muerto / Homenaje a Jorge Zalamea”, muestra presentada en la Galería Aele en Madrid, España en noviembre de 1974. La pintura surrealista de Roberto Matta se caracteriza por representar su propia visión de un universo cosmológico plagado de un imaginario único, por otro lado es también considerada de protesta ya que en ocasiones su pensamiento izquierdista-socialista predominó en algunos de sus temas. Fue un artista que se comprometía totalmente con su trabajo, siempre en constante aprendizaje. Tenía una gran inventiva para generar formas y colores nuevos, para con ellos estructurar aquel universo surreal, el cual gira en torno al hombre interior, el de su imaginación y su mente. Esos hombres tienen algo de máquina y a veces de insectos, son personajes surrealistas que forman parte de un mundo deshumanizado. “Matta es uno de los artistas chilenos de mayor influencia e impacto en la cultura del Siglo XX, pero antes de nada, es un surrealista, pintor, poeta y militante de los valores de este movimiento. En el aspecto individual, el de estudio, el íntimo, Matta fue un sempiterno buscador, un explorador de lo que permanece oculto al ojo, aquello que solo ve la pupila del alma, de quien vive en estado de rebelión permanente y se ha liberado de la pesada carga de una realidad impuesta sin cuestionamientos”. Enrique de Santiago, 2014.

$320,000.00-$500,000.00 M.N. USD $17,800-$27,800 177

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JOSÉ BEDIA

(La Habana, Cuba, 1959 - ) Sin título

Firmados y fechados 95 Óleo sobre tela 30 x 23 cm medidas de cada uno 167.5 x 57.5 medidas totales con marco Piezas: 5, enmarcadas juntas. Desde edad muy temprana le entusiasmaron el dibujo, las historietas y la ilustración, por lo que en su adolescencia ingresó a la Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro en La Habana, Cuba, fue un alumno talentoso que destacó dentro de su generación. Posteriormente formó parte de los primeros egresados del recién creado Instituto Superior de Arte ISA de La Habana, de donde se licenció con honores. Fue iniciador de una transformación radical del arte cubano de su tiempo, la cual inició con la conocida muestra “Volumen 1” de la que José Bedia formó parte muy activa. Su pasión por las culturas primigenias amerindias se complementó con sus dedicados estudios antropológicos de la cultura afrotransatlántica, ahondando desde la fe en las religiones y creencias de los cultos de la Regla Congo y la Regla de Ocha, así como de hombres leopardos o Abakuás, entre muchas otras. Sus investigaciones lo han llevado a realizar un cuerpo de obra que versa sobre cómo sobreviven en nuestros días las herencias culturales que nos levantan como ciudadanos de hoy. Tras la solidez de este trabajo, caracterizado por la mezcla de relatos fabuladores, que él llama “lecciones alfabetizadoras”, de los microuniversos cosmogónicos de las culturas ancestrales y su arraigo en las actuales culturas populares. Sus inquietudes lo llevaron a fijar su residencia fuera de su país natal, primero en México y luego en Estados Unidos, lo que le ha permitido presentar su trabajo en países como Perú, Chile, Haití, República Dominicana, Puerto Rico, Zambia, Botsuana, Kenia y Tanzania. Desde 1993 reside en Miami, su obra se encuentra en importantes colecciones como las del Museo Nacional de Bellas Artes en La Habana, así como The Metropolitan Museum of Art, el Whitney Museum of American Art y el Guggenheim Museum en Nueva York, el Tate Modern en Londres, el Museum of Contemporary Art of North Miami y la colección Daros en Zúrich, entre muchas otras. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.josebedia.com

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,150-$16,670 178

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SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Niño insecto

Firmada y fechada 2014 Escultura en bronce P / A 89.5 x 42 x 19.5 cm Con certificado de autenticidad del artista, marzo del 2019. El trabajo escultórico de Sergio Hernández posee cualidades visuales que provocan la sensación de inmediatez, la aspereza en lugar de acabados finos y lisos pueden aparentar poca planeación junto con los materiales tradicionales como paja y arena, recuerdan el arte primitivo e incluso infantil, sin embargo, el proceso para sus obras es desarrollado y planeado. “El carácter antropomórfico de estas criaturas conectan al artista con el deleite artístico, literario de representar las emociones y las debilidades humanas con un aspecto animal que nos regresa a la antigüedad literaria de la literatura grecorromana”. Edward Sullivan. Fuente consultada: SULLIVAN, Edward. Sergio Hernández. México. Fomento Cultural Banamex, 2008. pp. 26 y 27.

$450,000.00-$600,000.00 M.N. USD $25,000-$33,350 179

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SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Hormiguero, 2019

Firmado al reverso Óleo y arena sobre lino 150 x 150 cm Con certificado de autenticidad del artista, marzo del 2019. Presenta mínimos detalles de conservación a causa de la técnica empleada. Es considerado uno de los artistas oaxaqueños más representativos de nuestra época, construye sus discursos a través de la pintura, escultura o artes gráficas. Su obra comparte características formales del arte neoexpresionsta europeo y estadounidense de las décadas de los 80 y 90. También, entre sus antecedentes visuales y plásticos, está la constante brusquedad por deprenderse del localismo de otros artistas oaxaqueños o la de la llamada Escuela Mexicana de Pintura, es decir, de la corriente muralista y de artistas como Francisco Toledo o Rufino Tamayo. Actualmente, su trabajo forma parte de importantes acervos de instituciones y museos públicos y privados como el del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, el Museo de Arte Contemporáneo de Aguascalientes, el San Antonio Museum of Art en Texas y el Museum Würth Künzelsau en Alemania. Fuente consultada: SULLIVAN, Edward. Sergio Hernández. México. Fomento Cultural Banamex. 2008, pp. 25-29.

$850,000.00-$1,200,000.00 M.N. USD $47,230-$66,670 180

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SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Sin título

Firmado y fechado 2010 Jarrón de cerámica 90 x 43 x 43 cm Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2019. Sergio Hernández es un artista que gusta experimentar con materiales, no obstante en la práctica bidimensional solamente recurre a la cerámica y el bronce. Estas obras se asemejan a las piezas extraídas de sitios arqueológicos, objetos o vestigios de los cuales parece que el tiempo no ha pasado, casi como fósiles. También, habitan en estos trabajos figuras que evocan la muerte y a los demonios, los cuales personifica a partir de su predilección por los libros antiguos. Parecen ser piezas pertenecientes a los ecosistemas prehispánicos, de los cuales han salido su ideal de fieras inofensivas con características compartidas entre seres marinos, aves, humanos y la muerte. “En las obras de Sergio Hernández, efectuados todas en nuestra época, que es densa y quebrada, se observa una inquieta sensibilidad buscadora de contrastes plásticos en la que no hay fronteras; por eso es posible afirmar que no pretende en sus creaciones rizar más el rizo de sus propias propuestas”. Teresa del Conde. Fuente consultada: DEL CONDE, TERESA. Sergio Hernández. México. Turner, Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 26-27 y 38.

$550,000.00-$700,000.00 M.N. USD $30,550-$39,900 181

“Nací en el pueblo de Huajuapan de León en Oaxaca y de niño íbamos a las pozas de agua a bañarnos. Yo solía acostarme en el pasto a escuchar los sonidos de las chicharras, entre botones de amapolas. No me atrevía a verlos de cerca sólo a escucharlos e imaginaba sus formas. El sonido llenaba el espacio. Le tengo miedo al espacio abierto, necesito saturarlo con pequeños elementos […] Ahora colecciono insectos de formas extrañas de Brasil, Nueva Zelanda, Madagascar y México”. Sergio Hernández.

Sergio Hernández en su taller. Fotografía publicada en El Heraldo, agosto del 2014

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SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Carpa, 2018

Firmado al frente y al reverso Óleo y arena sobre lino 180 x 181 cm Con certificado de autenticidad del artista, marzo del 2019. La creatividad de Sergio Hernández proviene de un amplio panorama de la historia del arte y los aspectos más destacados de su obra emanan del imaginario de la cultura oaxaqueña; así, con el tiempo brotaron los temas de los insectos, el mezcal y la muerte. Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa et ál. Sergio Hernández. México. Turner, Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 34 y 323.

$1,300,000.00-$2,000,000.00 M.N. USD $72,250-$111,120 182

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VÍCTOR CHA’CA

(Juchitán, Oaxaca, 1948 - ) Sin título

Firmado Óleo y arena sobre tela 140 x 150.5 cm Procedencia: adquirido directamente al artista. Debido a sus inconfundibles esculturas, cerámicas y lienzos de gran formato, Víctor Cha’ca se ha convertido en uno de los artistas oaxaqueños más representativos de su generación. Al contemplar su obra el espectador puede visualizar el imaginario del artista, de cualidades fantásticas que denotan aspectos mitológicos y criaturas de otros mundos. En la paleta del artista se identifican colores primarios brillantes así como texturas. A lo largo de su carrera ha participado en decenas de exposiciones individuales en México, destacando la Casa de la Cultura de Juchitán, la Casa de la Cultura de Tabasco, el Museo de los Pintores Oaxaqueños, la Galería del Estado de Xalapa, la Alianza Francesa de Polanco y la Galería del Auditorio Nacional de la Ciudad de México.

Fuente consultada: MATÍAS, Pedro. “El artista plástico zapoteca Víctor Cha’ca inaugura Génesis en Oaxaca”. México. Proceso, sección Cultura y Espectáculos, mayo del 2017.

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,250-$3,350 184

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SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Niña cangreja

Firmada y fechada 2005 Escultura en bronce P / A 79 x 41.5 x 16 cm Con certificado de autenticidad del artista, marzo del 2019. Sergio Hernández gusta representar en su obra emociones y debilidades humanas con un aspecto animal, como si fuese magia. Para él, la magia es como un semblante, de hecho el más importante para la creación de su plástica, es la gracia y la simpatía que estructura el tema a plasmar. “Sergio representa el fino creador de su propio vocabulario visual y de sus propias mitologías [...] Su creatividad debe verse en el contexto de un amplio panorama de la historia del arte, y debe ubicarse más allá, a un nivel mundial, en las tendencias globales de principios del siglo XX”. Edward J. Sullivan. Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa. Sergio Hernández. México. Turner, Fomento Cultural Banamex, 2008, Pág. 327.

$450,000.00-$600,000.00 M.N. USD $25,000-$33,350 185

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JESÚS URBIETA

(Juchitán, Oaxaca, 1959 - Ciudad de México, 1997) Sin título

Firmado y fechado 86 Óleo y arena sobre tela 94.6 x 68 cm Con certificado de autenticidad de Chu Huiini, hijo del artista. En 1983 ingresó a la Escuela Nacional de Artes Plásticas, Pintura y Grabado del INBA en Oaxaca, estudió también en el Taller de Gráfica de la Casa de la Cultura del Istmo y en La Esmeralda. Además de ejercer la pintura con gran maestría, experimentó con la escultura y el grabado; también fue novelista, poeta, promotor cultural, traductor del zapoteco y ocasionalmente cantante y guitarrista. Actualmente su obra forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, del Museo de Arte Moderno de Ciudad de México y del Museo Würth en Alemania. Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa. Jesús Urbieta. Testamentos. México. Museo de Arte Moderno, 1998, pp. 83-86.

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $5,000-$6,700 186

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VÍCTOR CHA’CA

(Juchitán, Oaxaca, 1948 - ) Sin título

Firmado Óleo y arena sobre tela 140 x 150 cm Procedencia: adquirido directamente al artista. En dialecto zapoteca “cha’ca” significa “pájaro carpintero”. Cuando Víctor nació, su madre anunció que había nacido un cha’ca al ver que se trataba de un varón. Esa historia quedó grabada en el artista que decidió retomar la anécdota para conformar su nombre. “Cha’ca se identificó, desde temprano, profundamente con las señales de la mexicanidad y eso le permite, paradójicamente, ser más libre, buscar con más avidez. Nada imita. Se mantiene fiel a sus visiones esotéricas. Inventa sus ritmos y coreografías en una especie de barroquismo delirante al servicio de su sorprendente sentido plástico. Si copia, copia sus inquietudes personales. Él reconstruye”. Beatriz Espejo. Fuente consultada: ESPEJO, Beatriz. Víctor Cha’ca: Los sueños son el principio de muchos cuentos. México. San Ángel Ediciones, 2013, Pág. 21.

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,250-$3,350 187

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SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Sin título

Firmado y fechado 2017 al reverso Óleo y arena sobre lino 180 x 300 cm Con certificado de autenticidad del artista, abril del 2018. Sergio Hernández se mudó a la Ciudad de México a los 16 para ingresar a la Academia de San Carlos y así poder comenzar con su formación artística, posteriormente se inscribió a La Esmeralda y continuó su aprendizaje en París, donde pudo estudiar las vanguardias europeas. A su regreso a México, tomó un papel destacado dentro de la plástica y la cultura de Oaxaca y con el tiempo se convirtió en un multifacético pintor y escultor que ha producido un conjunto de obras con diversas técnicas y materiales como óleos, tintas, gouaches, acuarelas, grabados y esculturas. “En la obra de Sergio Hernández la imagen y la pincelada están en competencia, pero por lo general las formas reconocibles ganan la partida. Aun así, los movimientos poderosos del pincel, cargado de un pigmento espeso, crean una red en la que las figuras tienen que negociar su espacio. En muchos casos estas aparecen de manera muy abreviada, rayadas, criaturas como de grafiti y a veces reconocemos en ellas insectos o roedores”. Edward J. Sullivan. Fuente consultada: J. SULLIVAN, Edward et ál. Sergio Hernández. México. Turner, Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 26 y 323.

$1,800,000.00-$2,500,000.00 M.N. USD $100,000-$130,900

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TEÓDULO RÓMULO (Tetla, Tlaxcala, 1943 - ) Sin título

Firmado y fechado París 1979 Acrílico y arena sobre masonite 56 x 76 cm “El primer acercamiento a la pintura de Teódulo Rómulo nos produce asombro, pues sus óleos se desenvuelven en diferentes planos pictóricos a la vez, pero, por si fuera poco, se da el lujo de superponer, al mismo tiempo, distintos planos en los que maneja, a su antojo, géneros clásicos de la pintura, como lo son el bodegón y las escenas bucólicas. No conforme con ese alarde de simultaneidad, Teódulo Rómulo se regocija en la utilización de diversos tratamientos clásicos y es capaz de hacer convivir, en un mismo cuadro, el realismo académico con el surrealismo metafísico y el dibujo infantil, y para sazonar todo esto, escoge el mejor de los condimentos: el humor [...] Con toda esta riqueza plástica y temática, cada obra de Teódulo Rómulo ejerce una especie de magnetismo que atrapa la atención de quien la mira. Hay en la pintura de este artista esa atmósfera barroca típica del arte mexicano que sincretizó en la expresión popular la imaginería, uno de los más auténticos ejemplos del arte de todos los tiempos”. Antonio Luque Fuente consultada: sitio oficial del artista www.teodulo.mx

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,900-$5,000 190

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LUIS ZÁRATE

(Santa Catarina de Cuanana, Oaxaca, 1951- ) Mujer con pájaro, yegua y arcoíris

Firmado y fechado Oaxaca Mex 1987 al reverso Óleo sobre lino 130 x 140 cm Con certificado de autenticidad del artista, 1987. Publicado en: DRIBEN, Lelia. Luis Zárate. Las oscilaciones del imaginario. México. Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, 1999, Pág. 78, catalogado 41, con el título “Arcoíris”. Exhibido en: “Luis Zárate. Las oscilaciones del imaginario”, muestra individual presentada en el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, de julio a agosto de 1999. “El imaginario de Luis Zárate se despliega marcado por una libre diversidad en la que el paisaje que encabeza notas emerge como ejemplo de su contexto. Ajeno a modas, inserto en la modernidad del siglo XX en cruce con su propia iconología, esa que aflora entre las brumas del pasado y se cruza con sus pasos día a día, Luis Zárate desata un amplio imaginario sin que ninguno de sus cuadros abandone su marca, el sello personal. Y acorde con tal diversidad, acciona distintas puestas de la materia y el color, así como múltiples instrumentos muchas a veces inventados por él; pinceles cuyo remate es un trozo de suela triangular, una esfera a la que adosa un trozo de silicón para logar un ensamblaje de semicírculos con finjas y regulares rayas sobre el lienzo […] Así surgen las antropomorfias; en muchos bastidores de Zárate todo se aglutina, concentra y desborda para desencadenar, sobre la organización de sus núcleos visuales, la simbólica reminiscencia de un pensamiento cuyo sustrato late en el entorno circundante”. Lelia Dibren. Fuente consultada: DRIBEN, Lelia. Luis Zárate. Las oscilaciones del imaginario. México. Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, 1999, pp. 17 y 18.

$350,000.00-$450,000.00 M.N. USD $19,670-$25,000 191

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ALEJANDRO SANTIAGO

(Teococuilco de Marcos Pérez, Oaxaca, 1964 - Oaxaca, Oaxaca, 2013) Sin título

Firmado al reverso Óleo sobre tela 101 x 80 cm Con certificado de autenticidad de Lucio Santiago López, hijo del artista, mayo del 2018. Alejandro Santiago fue un pintor y escultor oaxaqueño cuya obra se caracteriza por el uso de discursos relacionados a las problemáticas de la sociedad actual. Estudió en el Centro de Educación Artística y al poco tiempo ingresó al Taller de Artes Plásticas Rufino Tamayo y más tarde se inscribió a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad 192

de Oaxaca. Durante una década radicó en el extranjero, viajando por diversos países de América y Europa, donde conoció la obra de Antonio Saura y Jean-Michel Basquiat, dos de sus grandes influencias; no obstante, a pesar de haber reforzado su formación fuera del país, su pasión siempre estuvo con la cultura del pueblo zapoteca. En vida expuso individualmente en museos y galerías de gran importancia y actualmente su obra forma parte de relevantes colecciones públicas y privadas de México, Estados Unidos, Francia y algunos países de Sudamérica. Fuente consultada: ARANDA MÁRQUEZ, Carlos et ál. Oaxaca tierra de arte. Venecia. Mondadori Electa, 2003, Pág. 60.

$150,000.00-$220,000.00 M.N. USD $8,350-$12,250

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LUIS ZÁRATE

(Santa Catarina de Cuanana, Oaxaca, 1951- ) Sin título, ca. 2002

Firmada Mixta sobre lino 130 x 162 cm Luis Zárate siempre tuvo claro que quería dedicarse a la pintura, sin embargo, al concluir el bachillerato estudió la Licenciatura en Ingeniería Industrial, manteniendo el dibujo como actividad paralela. Al terminar la carrera decidió incursionar en el dibujo y la pintura de forma autodidacta. Durante este proceso tuvo como influencias artísticas los trabajos de Rufino Tamayo, Francisco Toledo y Rodolfo Nieto. En 1970 presentó su primera exposición individual en el ex-convento de Santo Domingo en Oaxaca. En 1974 se inscribió en un concurso de diseño industrial con el que obtuvo una beca para estudiar en París. En este periodo estableció contacto con Juan Soriano, y sus sabios consejos le ayudaron a encontrar su camino en la pintura. Su estancia en Francia se extendió por 14 años, realizando estudios en la Escuela Nacional Superior de Artes Decorativas en París y en el Atelier 17. En 1986 decidió volver a Oaxaca. A lo largo de su carrera ha participado en exposiciones en España, Alemania, Bulgaria, Noruega, Francia, Italia, Mónaco, Singapur, Estados Unidos, México, Perú y Puerto Rico. En Europa ha sido acreedor a numerosos premios e importantes museos y galerías cuentan con obras suya en sus acervos. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus artistas. Tomo III. México. Promoción de Arte Mexicano, pp. 233 - 236.

$300,000.00-$400,000.00 M.N. USD $16,670-$22,250 193

151

LUIS ZÁRATE

(Santa Catarina de Cuanana, Oaxaca, 1951- ) Sin título, ca. 1999

Firmado Óleo sobre tela 85 x 65 cm Durante sus años en París, Luis Zárate ajustó su técnica pictórica y aprendió a aplicar ricos ensambles figurativos, los cuales hacían referencia a las leyendas, mitos y fantasías de la cultura zapoteca, la cual jamás ha abandonado. Es un artista que no escatima en el empleo del color; es colorista por naturaleza. Es un artista que crece y está en constante desarrollo, siempre a la par de las vanguardias plásticas; él mismo dice: “Yo siempre pienso que aún no he hecho mi mejor cuadro. Por eso pienso que al pintar únicamente hay que ir en pos de un cuadro, el que se está pintando. Hay que entender que ese tiene que ser el mejor cuadro y hay que entregarle todo. Esa es la única manera de avanzar como pintor”. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus artistas. Tomo III. México. Promoción de Arte Mexicano, pp. 233 - 236.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,900-$5,000 194

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ROLANDO ROJAS

(Tehuantepec, Oaxaca, 1970 - ) Sin título, 2019

Firmado Óleo y tierras sobre lino 80 x 100 cm Con certificado de autenticidad del artista, marzo del 2019. Estudió Arquitectura en la Universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca y a la par estudió Pintura y Restauración en la Escuela de Bellas Artes de Oaxaca, donde tuvo como maestro a Shinzaburo Takeda. Para complementar sus estudios logró conseguir una beca mediante el Fondo Estatal para la Cultura y las Artes, con ella viajó a Estados Unidos para realizar una residencia artística en Pensilvania. Siendo istmeño y arquitecto su estilo está marcado por un orden constructivo, un gran colorido y temas de la cultura popular zapoteca, así como fábulas y mitos de animales. Desde hace más de 30 años ha participado en diversas exhibiciones colectivas e individuales en la Ciudad de México, California, Miami, Atlanta, Montreal, Puerto Rico, Madrid, París, Milán y Tokio. “Rolando Rojas, pinta lo que vio de niño, el entorno físico pero recreado, creado. Representación de los mitos de la cultura zapoteca que se van bordando, urdiendo, tejiendo, plasmando figuras propias a partir de lo conocido, palpado en la realidad. El conjunto plasmado de ayer y ahora se ha vuelto universal”. Macario Matus. $120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,700-$10,000 195

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RODOLFO MORALES

(Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 - Oaxaca, 2001) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 58 x 90 cm Procedencia: adquirido directamente al artista. “Mexicano porque lo es y porque nadie como él deja de manifiesto más claramente esa mexicanidad eternamente buscada y nunca hallada […] El manejo meticuloso de su pincel construye un mundo, una realidad paralela y de algún modo mitológica. Las figuras, sus mujeres aladas, las arquitecturas de desbordada perspectiva, el color nebuloso, la nitidez de las escenas, simbolismos de lo cotidiano, erigidos casi en tótems pictóricos, etéreos lugares de esa otra realidad [...] En sus cuadros la atmósfera creada es muy importante, es decir, no ya lo pintado, sino la impresión de lo pintado, que en Morales significa placer por la propia pintura. Morales pone en sus cuadros lo que él es, un estado de ánimo, la red que se construye entre sus recuerdos y su interpretación sentimental de la pintura”. Josu Iturbe, 1992. Fuente consultada: “Rodolfo Morales. Maestro oaxaqueño’. México. Secretaría de Cultura www.cultura.hidalgo.gob.mx

$1,500,000.00-$2,000,000.00 M.N. USD $83,350-$111,120

196

197

154

BENJAMÍN DOMÍNGUEZ

(Ciudad Juárez, Chihuahua, 1942 - Ciudad de México, 2016) Monja florida, 1977

Sin firma Óleo sobre tela 79 x 64 cm Con la leyenda “Rto de la María Espíritu del Sagrado Corazón de Jesús Profeso en año del Señor 77”. En los años setenta, Benjamín Domínguez puso pausa a su carrera como artista plástico; al paso de unos años decidió retomarla y eligió la temática virreinal de las Monjas Floridas o Monjas Coronadas para hacerlo. Las Monjas Coronadas representaban un terreno en el que podía manejar varios conceptos a la vez: retrato psicológico, uso de símbolos, misticismo, religiosidad, uso de texturas y ambientación escénica fueron algunos de los factores que cautivaron al artista. Durante el virreinato este tema rendía homenaje a las mujeres que ingresaban en los conventos. Los retratos se mandaban a hacer cuando destacaban por su religiosidad y se les coronaba con flores como un reconocimiento a su posición, además de ello Domínguez agregó motivos que representaban la atmósfera de la vida doméstica de los conventos. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, julio-agosto, 1999, pp. 19-24.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,550-$8,350 198

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CARMEN PARRA

(Ciudad de México, 1944 - ) Altar de San Cayetano en la iglesia de Valencia, Gto.

Sin firma Óleo y hoja de oro sobre madera 126 x 86 cm medidas totales con marco Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte, firmado por la artista. Con etiqueta de El Aire Centro de Arte. El marco es parte de la obra.

“A lo largo de su incesante actividad plástica, Carmen Parra ha generado una hermandad con los artistas novohispanos para rescatar su tiempo, su iconografía-altares, espacios arquitectónicos, ángeles, arcángeles, águilas, mariposas y flores cohabitan en su obra. El mundo de El Aire puebla sus sueños. A través de su pincel y de su inagotable imaginación transcribe su experiencia, creando un lenguaje propio. Para Carmen Parra, las raíces de México son sus propias alas, se declara veedora de la Nación”. María Luisa Mendoza. Fuente consultada: MENDOZA, María Luisa. Carmen Parra. Suave Patria. México. El Aire Centro del Aire A.C., 2015, Pág. 65.

$160,000.00-$220,000.00 M.N. USD $8,900-$12,250 199

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SANTIAGO CARBONELL (Quito, Ecuador, 1960 - ) Arcadia y el tiempo, 2013

Firmada Escultura en bronce P. A. 53 x 39 x 37 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, firmado por el artista, abril del 2018. En su obra hiperrealista, está siempre presente la figura humana, el retrato con gestos, miradas y manos. Importa poco el fondo, es la atmósfera la que enmarca a los personajes en determinadas actitudes y poses, una atmósfera teatral e imaginaria que forma parte de su iconografía: obras de mediano y gran formato, recursos luminosos que recuerdan la época tenebrista, con sus protagonistas ataviados en capas o túnicas acorde a ese periodo. Es notable su dominio para representar el cuerpo humano, no solamente de manera bidimensional sino también tridimensional ya que con gran maestría ha sido capaz de plasmar en la escultura una impresión de sus pinturas. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.santiagocarbonell.com

$250,000.00-$300,000.00 M.N. USD $13,900-$16,670 200

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SANTIAGO CARBONELL

(Quito, Ecuador, 1960 - ) Figura que se esconde tras el advenimiento de su propia luz, 2018

Firmada Escultura en mármol blanco de Carrara, pieza única 32 x 18 x 17 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, firmado por el artista, abril del 2018. Existe una versión pictórica de esta pieza y se encuentra publicada en: sitio oficial del artista www.santiagocarbonell.com “El hecho de que Carbonell no sólo prescinde de objetos y elementos innecesarios sino que se atiene, la mayoría de las veces, a una o dos figuras dotadas de centralidad y de jerarquía compositivo. El artista no ha hecho entonces más que crear un espacio-visión que tiene por nexo y aglutinante la luz tenebrista dirigida con doble intención: dotará las formas de energía plástica, y la visión lumínico atmosférica”. Jorge Juanes. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.santiagocarbonell.com

$250,000.00-$300,000.00 M.N. USD $13,900-$16,670 201

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MARCO ANTONIO PALOMEQUE (Tonalá, Chiapas, 1973 - ) Mujer a la luz, 2012

Firmado al frente. Firmado México al reverso Óleo sobre tela 110 x 130.5 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, firmado por el artista, junio del 2012. “Los cuadros de Palomeque parecen competir con la realidad. Sus naturalezas muertas están vivas. Inmersas en el color, la textura y el volumen, sus frutas intentan salirse del cuadro. Sus pinceladas, a la vez sutiles y precisas, rebosan de sensualidad. Junto a una técnica impecable, el artista realiza un trabajo minucioso a partir de las formas, el color, las luces y las sombras. Su discurso plástico parece competir con la realidad; sin embargo, Palomeque logra entrar en la naturaleza y fundirla en obra de arte. En su obra, la referencia a los elementos sensitivos acierta y capta la mirada del espectador. A partir de su trabajo compositivo y expresivo nos acerca los olores, el gusto y el tacto de sus representaciones realizadas en óleo sobre tela”. Ricardo Pau Llosa. Fuente consultada: PAU LLOSA, Ricardo. “Palomeque”. Argentina. Revista Arte al Día International. No. 95, febrero-marzo del 2003.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,550-$8,350 202

159

BENITO CERNA

(Trujillo, Perú, 1960 - ) The model with brush

Firmado al frente. Fechado September 25-2018 al reverso Óleo sobre tela 130.5 x 108.5 cm “Un viaje que evoca cierta letanía con el pasado, colores densos que compactan la claridad del aire y la luz. Emoción de un instante detenido en el tiempo subjetivo del artista, que en el principio de su ensoñación plástica no deja escapar la imagen que atrapa. Su tema varía según su emoción: bodegones, desnudos, paisajes, muestran la versatilidad de un alma inquieta queriendo atrapar la fugacidad del tiempo, que detenido en la retina de su ojo toma la magia del instante para atraparla en el lienzo que es la continuidad de su propia emoción lograda con un efecto que hace recordar la pintura flamenca. La excelencia es la búsqueda cotidiana de este artista”. Charles Nevott. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.iambenito.com

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $10,000-$13,900 203

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BENITO CERNA

(Trujillo, Perú, 1960 - ) Modelo VIII

Firmado al frente y fechado Junio 10-2012 al reverso Óleo sobre tela 86 x 122 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, firmado por el artista, junio del 2012. Publicado en: sitio oficial del artista www.iambenito.com De origen peruano, Benito Cerna es un artista autodidacta que completó su formación en talleres de restauración y conservación. Ha participado en diversas exposiciones tanto colectivas como individuales en galerías e instituciones de Perú, México, Colombia, Panamá y Estados Unidos. Actualmente su obra forma parte de colecciones como las de Fundación Cultural del Banco de la Nación de Trujillo, Perú y la del Museo El Castillo en Medellín, Colombia. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.iambenito.com

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $10,000-$13,900

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VÍCTOR RODRÍGUEZ

(Ciudad de México, 1970 - ) Dad II

Firmado y fechado NYC 2000 al reverso Acrílico sobre tela 146 x 146 cm Publicado en: blog del artista www.victorrodrigueznyc.com Víctor Rodríguez es un destacado pintor mexicano que radica en Nueva York desde 1997. Comenzó a desarrollar su obra a principios de los noventa, un tiempo de caos estilístico que se dio en llamar Postmodernidad. A pesar de ser un artista autodidacta, su formación artística es vasta y completa, creando con el tiempo su propio estilo. A lo largo de su carrera su obra ha sido galardonada en importantes certámenes como la Bienal de Pintura Rufino Tamayo, Bienal Monterrey FEMSA, Encuentro Nacional de Arte Joven, entre otros. Además, ha exhibido de forma individual en importantes instituciones culturales y galerías de Madrid, París, Ciudad de México, California, Milán, Berlín, Nueva York, Panamá y Monterrey. “De vocación voyerista, Rodríguez pinta mujeres que son un arquetipo que se convierte en un pretexto pictórico. Dice que busca crear un ‘lenguaje pictórico, universal, muy fácil de absorber y de entender’, nunca se sintió cómodo haciendo cosas que requerían de una explicación sofisticada […] Las mujeres que pinta dejan su condición humana, son un vehículo para analizar el color y la forma, para desprender del hiperrealismo a la interpretación y la alteración. Una trayectoria en el gran formato, en el que la pincelada limpia y precisa, con colores violentos y deslumbrantes hace de la realidad una ficción delirante”. Avelina Lésper. Fuentes consultadas: Víctor Rodríguez. Pintura 1997-2009. México. Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey MARCO, CONARTE Nuevo León, 2009 y LÉSPER, Avelina. “Víctor Rodríguez”. México. El Milenio visto por el arte, 20 de julio del 2013, www.arte.milenio.com

$180,000.00-$220,000.00 M.N. USD $10,000-$12,250 205

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LUIS MIGUEL VALDÉS

(Pinar del Río, Cuba, 1949 - ) Sixth: A lot of cathedral

Firmado y fechado 17 al frente y al reverso Óleo y acrílico sobre tela 140 x 186 cm Publicado en: sitio oficial del artista www.luismiguelvaldes.com También conocido con el título “Mucha catedral”. Asistió a la Escuela Nacional de Arte en la Habana, Cuba, y actualmente vive y trabaja entre la Ciudad de México, La Habana y Miami. Es fundador y profesor del Departamento de Grabado del Instituto Superior de Arte, además fundó La Siempre Habana con el poeta Cuitláhuac Rangel, espacio que actualmente cuenta con reconocimiento internacional. Su obra pertenece a las colecciones del Museo Nacional de Bellas Artes en la Habana, la Ciudad de México y Bucarest, así como del Museo de Arte Contemporáneo de North Miami y el Museo Universitario de Arte Contemporáneo, MUAC. Ha sido ganador de premios y reconocimientos en concursos científicos, como jurado calificador de exhibiciones internacionales. Como creador, ha utilizado diversos medios y ha experimentado con nuevas tecnologías como arte digital y video-instalaciones, por los que también ha demostrado un gran interés de manera reciente. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.luismiguelvaldes.com

$100,000.00-$200,000.00 M.N. USD $5,550-$11,150

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PEDRO CERVANTES

(Ciudad de México, 1933 - ) Sirena, ca. 1989

Firmada Escultura en bronce en base de mármol 72 x 80 x 28 cm medidas totales con base Con certificado de autenticidad del artista. Otra versión de esta pieza se encuentra publicada en: QUIRARTE, Vicente et ál. Cuerpo en el espacio: Las vidas de Pedro Cervantes. México. Frontespizio, 2010, Pág. 95 y en el sitio oficial del artista www.pedrocervantes.com Cuando Pedro Cervantes quiso eternizar el cuerpo femenino lo estudió por completo y lo ha ejecutado mediante la escultura con gran elegancia y delicadeza desde entonces. Son obras realizadas de manera precisa, concebidas en parte de forma autobiográfica, pues en ellas se encuentran influencias de sus propias experiencias, como por ejemplo sus antiguos paseos por el patio de la Academia de San Carlos donde yacía una reproducción a escala de la Victoria de Samotracia, sus visitas por el Museo de Antropología y la admiración hacia la Coatlicue, así como sus primeros estudios dibujanticos sobre bailarinas en la Academia de la Danza, donde conoció al entonces director Santos Balmori. El captar el movimiento de las bailarinas equivalió a un gran aprendizaje en su educación visual, aquellos bocetos fueron elogiados por el propio Balmori y al convertirse en esculturas, fueron aclamadas por la crítica con la obra de Henry Moore. Fuente consultada: QUIRARTE, Vicente et ál. El cuerpo en el espacio: Las vidas de Pedro Cervantes. México. Frontespizio, 2010, pp. 69-117.

$260,000.00-$400,000.00 M.N. USD $14,450-$22,250 207

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YAMPIER SARDINA

(La Habana, Cuba, 1979 - ) Sin título, de Rain series

Firmado y fechado 015 Óleo sobre tela 92 x 122 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Yampier Sardina comenzó sus estudios en la Escuela Elemental de Artes Plásticas 20 de Octubre y en la Academia Nacional de Artes Plásticas San Alejandro, ambas en La Habana, Cuba; posteriormente, para complementar su formación, se trasladó a Nueva York donde estudió el género del paisaje. Desde sus primeros años de formación logró participar en diversas exposiciones colectivas en Cuba y laboró en la ejecución de algunos proyectos, destacando la realización de murales al lado de Arturo Montoto, de quien fue discípulo. Actualmente, su obra se conforma por varios temas, entre ellos las naturalezas muertas y la serie “Rain”, trabajo que comenzó en 2013. Estas obras se caracterizan por representar la lluvia como un sinónimo de intimidad, da la impresión de verla detrás de un cristal, dando así la posibilidad de jugar con las formas y de proponer una imagen inconclusa, realista y a la vez abstracta; en palabras del autor: “pueden ser donde sea. Me gusta mucho jugar con el concepto de la mentira, es una mentira que lleva a un conocimiento”. $120,000.00-$130,000.00 M.N. USD $6,700-$7,250 208

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CLAUDIO GALLINA

(Buenos Aires, Argentina, 1964 - ) Los secretos del sonido

Firmado y fechado 18 Acrílico y lápiz de grafito sobre tela 174 x 133 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, firmado por el artista, noviembre del 2018. Es egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón en Buenos Aires, además tomó cursos de escenografía y fue alumno de Osvaldo Attila y Armando Sapia. Su obra se ha presentado en bienales y ferias de arte internacionales como arteBA, Art Miami, Art Madrid, PINTA New York, ARTBO en Colombia y la Bienal de Arte de Panamá. A lo largo de su trayectoria ha realizado más de 30 exposiciones individuales, destacan las presentadas en el Museum of Latin American Art en Los Ángeles, Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico, Museo de Arte del Tolima en Ibagué, Colombia, Galería Alfredo Ginocchio en la Ciudad de México y Centro Cultural Recoleta en Buenos Aires. Fuente consultada: PALAPA QUIJAS, Fabiola. “Retrata pintor el universo lúdico donde los niños inventan sus historias”. México. Diario La Jornada, sección Cultura, 20 de febrero del 2008.

$220,000.00-$280,000.00 M.N. USD $12,250-$15,550 209

166

MIGUEL ÁNGEL GARRIDO (Ciudad de México, 1982 - ) Denisse

Firmado y fechado 12 Óleo sobre tela 120 x 160 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Miguel Ángel Garridio es egresado de la Licenciatura en Artes Visuales por el Instituto Allende y cuenta con una especialización en Pintura. Su obra se caracteriza por utilizar la pintura y la fotografía como herramientas para producir imágenes, retratando específicamente aspectos de la vida cotidiana con una cierta carga anecdótica. “En efecto estamos ante un pintor que confunde el lienzo con la cámara fotográfica, o la cámara fotográfica con la pintura, o el arte con un diario, de esos que antiguamente se escribían a mano en un cuaderno, el cual él a su manera nos muestra página por página, cuadro por cuadro, y al hacerlo, nos abre, no sin cierta impudicia su vida”. Gonzalo Vélez. Fuentes consultadas: VÉLEZ, Gonzalo. Miguel Ángel Garrido. Lo que habitamos. México. Aldama Fine Art, 2014. Pág. 2.

$120,000.00-$160,000.00 M.N. USD $6,700-$8,900 210

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JOSÉ ANTONIO FARRERA (Ciudad de México, 1964 - ) Fernanda en azul

Firmado y fechado 18 al reverso Óleo sobre tela 200 x 160 cm José Antonio Farrera es un destacado pintor y dibujante mexicano, Licenciado en Arte por La Esmeralda y Maestro en Artes Visuales por la Academia de San Carlos. A lo largo de su exitosa carrera ha recibido múltiples premios y reconocimientos, obteniendo el Premio de Adquisición en la I Bienal de Pintura Pedro Coronel, además ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores del FONCA en dos ocasiones. Su obra se encuentra en importantes colecciones públicas y privadas de México, como las del Museo de Arte Moderno

de la Ciudad de México, la Secretaría de Relaciones Exteriores, el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, el Museo Pedro Coronel en Zacatecas, la Fundación Cultural Omnilife, el Instituto Cultural Domecq y la colección Nestlé, entre otras. “En mis óleos el ‘eterno femenino’ es un ícono polisémico, las mujeres representadas a veces son Venus erotizantes, a veces son referencias a la historia del arte y a veces son vírgenes adolescentes, todas son representaciones contemporáneas construidas desde la más primitiva necesidad del matriarcado, ídolos, fetiches, amuletos cuya potestad es la vida y con ello la ontología cultural”. José Antonio Farrera. Fuentes consultadas: ALDAMA, José Ignacio et ál. José Antonio Farrera. Óleos. México. Aldama Fine Art, 2013, pp. 27 y 92.

$260,000.00-$360,000.00 M.N. USD $14,450-$20,000 211

“Cabezas de decapitados elaboradas mediante el proceso de máscara mortuoria en positivo de látex, encapsuladas en acrílico, así como imágenes de la muerte y el diablo, entre otras, forman una iconografía relacionada con el narco y la lucha para combatirlo […] Cada trabajo tiene un diálogo, que aquí está marcado por los degollados, básicamente con el mercado ‘narco’, pero está marcado más que nada por lo lúdico y por mi aventura personal de adquirir conocimiento mediante lo que nos toca vivir. Hay una cosa muy cómoda del arte: soy disidente y protesto solo con mi trabajo”. Emiliano Gironella.

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EMILIANO GIRONELLA

(Ciudad de México, 1972 - ) Cocainómano degollado, 2016

Sin firma Escultura en metacrilato vaciado y encapsulado en base de metal con luz 38 x 53.5 x 29 cm medidas totales con base Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte, firmada por el artista. Publicada en: PRADO GALÁN, Gilberto. México al filo. México, 2011. Exhibida en: “México al filo”, muestra presentada en el Espacio Cultural perteneciente a la Universidad Iberoamericana, enero del 2011. La base presenta detalles de conservación. Es el hijo de los artistas Alberto Gironella y Carmen Parra; se graduó de la Interlochen Arts Academy en Michigan donde estudió Escultura, Fotografía y Grabado. Es actualmente reconocido a nivel internacional por sus diálogos y escritos sobre la “Artempatía” y su práctica socialartística diversa. Conceptualmente, es un artista que implementa su amplia gama de medios artísticos para abordar temas relacionados a la violencia en México, específicamente y en ocasiones en relación con el tráfico de drogas dentro del país, siendo un intento de reconciliar a la sociedad y la policía. Para Emiliano Gironella Parra, el arte es una poderosa herramienta para modificar paradigmas e historias preconcebidas; una herramienta clave para cambiar la visión que se tiene en el exterior sobre México e inspirar un cambio radical y educativo dentro del país. Fuentes consultadas: MAC MASTERS, Merry. “Explora artista ‘la crueldad en la pelea por el mercado del narco’”. México. La Jornada, sección Cultura, 26 de enero del 2011 y sitio oficial del artista www.emilianogironellaparra.com

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,700-$10,000

212

169

OFILL ECHEVARRÍA

(La Habana, Cuba, 1972 - ) Horizon

Firmado con vinil al frente. Firmado y fechado NYC 2014 al reverso Óleo sobre tela 79.5 x 171 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, firmado por el artista, noviembre del 2014. Además de realizar obra pictórica, Ofill ha practicado el grabado y realizado obras audiovisuales, las cuales ha presentado en importantes recintos culturales de Nueva York. No obstante, para él, la pintura es su principal oficio, buscando siempre la forma de innovarla mediante la influencia de nuevas tecnologías. A lo largo de su carrera ha realizado un sinfín de exposiciones individuales en museos, instituciones y galerías de diversos países de América Latina y Estados Unidos. Además, sus obras forman parte de importantes colecciones públicas y privadas, entre las que destaca el Centro de Desarrollo de las Artes Visuales y el Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana, el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, el Centro Nacional de las Artes de Nuevo León y la Fundación Merrill Lynch para las Artes en Miami. “Como parte de una investigación basada en fotografía, estoy interesado en explorar temas sociales y antropológicos a través de la pintura, como técnica tradicional, así como a través de técnicas multimedia. La obra de arte, en conjunto, invita a la audiencia a reflexionar rodeada de un concepto ambiental que pretende representar el reino de las imágenes que experimentamos a diario”. Ofill Echevarría. Fuentes consultadas: ISLA, Mónica. “Entrevista con el artista Ofill Echevarría”. Estados Unidos. Sección Entrevistas, 31 de julio del 2017 y sitio oficial del artista www.ofillarts.com

$70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,900-$5,550

213

170

BRUNO WIDMANN

(Montevideo, Uruguay, 1930 - ) El escape

Firmado al frente y al reverso Acrílico y collage sobre tela 115 x 88 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, firmado por el artista, abril del 2015. Bruno Widmann inició sus estudios con el italiano Sergio Curto, posteriormente tomó cursos en el Instituto de Arte Contemporáneo de Turín y en la Academia de Bellas Artes de Perusa, Italia. En diversas ocasiones viajó a París como invitado del gobierno de Francia para participar en ciertas exposiciones realizadas por la Galería Arnaud de París. 214

Con el tiempo creó su propio estilo y estructuró su obra, la cual se caracteriza por llenarse de formas, de sugerencias orgánicas y en ocasiones geométricas inscritas en un espacio infinito que no pretende representar el mundo, sino desplegarlo hasta el límite. Su pintura ha sido parte de destacadas exposiciones individuales y forma parte de los acervos museísticos más importantes a nivel internacional, entre ellos el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid, España, el Centre Pompidou en París, Francia, el Museo de Arte Moderno de Milán, Italia y el Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo Uruguay, entre otros.

Fuente consultada: MUÑOZ, Miguel Ángel. Bruno Widmann: quimeras y realidades. Chile. Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago, 2007.

$200,000.00-$250,000.00 M.N. USD $11,150-$13,900

171

EMILIANO GIRONELLA

(Ciudad de México, 1972 - ) Carlos V y su sombra Hernán Cortés

Firmado y fechado 2018 Acrílico, tinta y hoja de oro sobre papel 120 x 206 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte, firmado por el artista. No se puede decir que la formación humanista-artística de Emiliano Gironella Parra haya sido autodidacta, en el estricto significado del término, ya que siempre tuvo maestros cercanos y significativos: en primer lugar sus padres, Carmen Parra y Alberto Gironella, también su abuelo, el arquitecto Manuel Parra, y desde luego todos los personajes y artistas que frecuentaban su círculo familiar, destacando Octavio Paz y Luis Buñuel, así como los fotógrafos Manuel Álvarez Bravo, Héctor García y Graciela Iturbide. Bajo el aprendizaje de estos grandes maestros, comenzó a interesarse por la fotografía y el cine, no obstante, su práctica artística se decantó por la pintura, el grabado y las tallas directas en plancha de madera. Entre los temas que circulan su obra destacan el boxeo, la fiesta brava y las peleas de gallos, las mujeres, la muerte y la violencia. Así mismo, una constante en su producción son los homenajes a personajes sociales y nacionales como José Alfredo Jiménez, Sor Juana Inés de la Cruz, Hernán Cortés, Ramón Gómez de la Serna, así como el poema “Muerte sin fin” de José Gorostiza y a la obra “Pedro Páramo” de Juan Rulfo. Fuentes consultadas: RICO, Pablo. Los Parra-Gironella, un collage familiar. México. Gobierno del Estado de San Luis Potosí-El Aire Centro de Arte, 2012, Pág. 327 y sitio oficial del artista www.emilianogironellaparra.com

$80,000.00-$130,000.00 M.N. USD $4,450-$7,250 215

172

CARMEN PARRA

(Ciudad de México, 1944 - ) Guajolote, 1993

Firmado Acrílico sobre lámina repujada con marco de madera 118 x 93 cm Con etiquetas de Galería Lourdes Chumacero y El Aire Centro de Arte. Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte, firmado por la artista. Carmen Parra es una destacada artista mexicana egresada de la Academia de Bellas Artes de Roma, donde conoció a su amigo y tutor Juan Soriano; también estudió en el Royal College of Art en Inglaterra y luego en la afamada escuela La Esmeralda en México. 216

A lo largo de su vida su producción artística se ha visto enriquecida por diversos factores, los cuales se han plasmado en la selección de sus temas, destacando la idea de plasmar la mexicanidad bajo un sentido antropológico, como lo han sido: la migración de la mariposa monarca, la pintura barroca de la Catedral de México, los hallazgos del Templo Mayor y la figura de algunos animales emblemáticos, tal es el caso de la águila real, la mariposa monarca y el pavo, conocido también como guajolote o “kuts” en lengua maya. Fuente consultada: MACMASTERS, Merry. “Carmen Parra enarbola el águila real contra la extinción de la patria”. México. La Jornada, sección Cultura, 18 de agosto del 2011.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,700-$10,000

173

JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006) Sirena

Firmada y fechada 2005 Escultura en bronce P/A II 100 x 96 x 120 cm Con certificado de autenticidad de Fundación Juan Soriano Marek Keller A.C., enero del 2009. Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2019. Otra versión de esta pieza se encuentra publicada en: TOVAR, Teresa et ál. Juan Soriano. La creación como libertad. México. MARCO, CONACULTA, INBA, 2000, Pág. 165. “Temperamento versátil y juguetón, desempeñó en su trabajo el papel del niño terrible, cuya misión fue componer absurdos, que sostuvieran a su público constantemente asustado o sorprendido. Tuvo ingenio o inventiva, y así lo demostró en sus pinturas, esculturas, ilustraciones y escenografías. Fue el más original, el menos imitativo de los abstraccionistas mexicanos”. Raquel Tibol, “Historia general del arte mexicano”, 1969. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.juansoriano.net

$550,000.00-$650,000.00 M.N. USD $30,550-$36,100 217

174

JESÚS REYES FERREIRA “CHUCHO REYES” (Guadalajara, Jalisco, 1882 - Ciudad de México, 1977) Sin título

Firmada Anilina sobre papel de china 75 x 49 cm Presenta detalles de conservación a causa de la técnica empleada. Con gran detalle, sus obras tienen un carácter lúdico y ritual que las distingue, haciéndolas únicas y originales. Fue un pintor en búsqueda de nuevas soluciones estéticas, siempre acostumbrado a preparar sus propias pinturas, las cuales empleaba sobre papel de china. 218

Sus primeros papeles pintados fueron con el fin de envolver las antigüedades que compraban sus clientes, hasta que cobraron cierto valor estético bajo la influencia de su pasión por el arte popular. Así, a través de pliegos de papel importados, gustó de pintar temas de carácter festivo como payasos, flores y animales, destacando los gallos, caballos y changos, todos ellos pintados de colores llamativos, rosas, verdes y azules que hacían desprender el esencial carácter folklórico del pintor.

Fuente consultada: SAAVEDRA, Mario. “La magia estética de Chucho Reyes”. México. Revista Siempre, 21 de mayo del 2011.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,900-$5,000

175

TIBURCIO ORTIZ

(Santa Catalina Chinango, Oaxaca, 1945 - ) Guerrero jaguar de la noche

Firmada Escultura en bronce II / XI 47 x 44 x 30 cm Existe una versión monumental de esta pieza, la cual concursó en la década de los 90 por el 3 ° Premio Rodin celebrado en The Utsukushiga-hara, perteneciente al Hakone Open-Air Museum en Tokio, Japón. Posteriormente fue exhibida en el Museo de los Pintores Oaxaqueños en Oaxaca, México. El acercamiento e interés que ha tenido el Maestro Tiburcio Ortiz hacia las artes plásticas se manifestó desde que era un niño, pues construía sus propios muñecos y copiaba las estampas revolucionarias del maestro Alberto Beltrán. Años más tarde, en la Ciudad de México ingresó al ejército y al taller de la misma institución, donde hacía prótesis para manos y ojos, así como bustos de los personajes destacados de la historia. El encargado del taller, quien estudió en la Academia de San Carlos, recomendó a Tiburcio Ortiz para que entrara a estudiar formalmente escultura. Ahí estudió de 1966 a 1970 con maestros como Manuel Silva Guerrero, Alberto de la Vega y Elizabeth Catlett, quienes le enseñaron a simplificar las formas con pocos recursos. “Tiburcio Ortiz, al modo de un monje que vive su ministerio en la creación de universos fantásticos, se dedica a rescatar las formas ancladas en el corazón de estos materiales duros [...] Primero escucha y después dialoga con esos gajos de mineral, ofreciéndonos una alteración dinámica de la figura humana (varonil, femenil) capaz de convivir con paisajes míticos y muestras de la flora y la fauna de su entorno”. Luis Ignacio Sáinz. Fuente consultada: SÁINZ, Luis Ignacio et ál. Tiburcio Ortiz. Piedra-raíz. San Luis Potosí. Museo Federico Silva Escultura Contemporánea, 2016, Pág. 50.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,150-$16,670 219

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JULIO CHICO

(Ciudad de México, 1947 - ) Luce bella (Luz bella)

Firmado al frente. Firmado y fechado 2018 al reverso Acrílico y hoja de oro sobre triplay 119.5 x 169.5 cm Con certificado de autenticidad del artista, enero del 2019. Estudió en la Academia de San Carlos y posteriormente en el Centro Nacional de Conservación de Obras Artísticas del INBA, donde participó en la restauración de pinturas y murales. Su amplio dominio plástico y conocimiento artístico lo ha caracterizado como un pintor que se aventura no solo en la técnica sino que también en temas, donde los colores, texturas, formas y volúmenes adquieren vida y personalidad propia. A lo largo de más de 30 años de carrera, ha obtenido reconocimientos y premios internacionales y sus obras forman parte de importantes colecciones de galerías y museos como el Salón de la Gráfica del Museo de Sofía en Bulgaria, el Museo de Arte de Querétaro y el Museo de Arte Moderno de Toluca. “Son mis propios sueños, así quería expresarme y plasmar este nuevo movimiento de mi obra […] Me evoca a cuando el hombre empieza a soñar y a materializar esos sueños construyendo el mundo que conocemos y que abarca todo el quehacer humano”. Julio Chico. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.juliochico.com

$95,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,300-$8,350 220

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ENRIQUE CARBAJAL “SEBASTIAN” (Camargo, Chihuahua, 1947 - ) De la orden del caos

Firmada y fechada 1993 Escultura en acero con esmalte acrílico 98 x 95 x 40 cm Presenta ligeros detalles de conservación. “La obra de Sebastian, particularmente atractiva para los amantes de la geometría, también atrae al público en general, como lo evidencian los numerosos espacios públicos que sus esculturas adornan alrededor del mundo. Aunque es mayor la emoción al conocer a este hombre tan agradable, cálido y humilde, que cuando se le ‘provoca’, habla sobre el desarrollo de sus obras con gran entusiasmo. Sus dinámicos trabajos pueden servir de estímulo ilimitado a los estudiantes de geometría, por sus visualizaciones desafiantes y sorprendentemente inspiradoras, mientras que el público en general puede apreciar la belleza de sus obras estéticas y, al contemplarlas durante horas, tener nuevos descubrimientos personales. Nuestra civilización recibió como regalo a este genio”. Alfred S. Posamentier. Fuente consultada: TAJONAR, Héctor et ál. Sebastian. Escultor. México. Fundación Sebastian, 2009, Pág. 42.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,150-$16,670 221

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PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - ) Astrorgánico

Firmada y fechada 2014 Escultura en madera policromada, pieza única 33 x 35 x 39 cm Con certificado de autenticidad del artista. Presenta ligeros detalles de conservación. Estudió la carrera en Arquitectura en la Universidad Iberoamericana, donde conoció a Mathias Goeritz, figura fundamental en los inicios de su vida profesional ya que lo alentó para dedicarse al arte. Con el tiempo, pulió su manera de dibujar y comenzó a inclinarse al surrealismo, volviéndose parte del grupo de Leonora Carrington y Alice Rahon. Conforme evolucionaba su arte, se volvió excéntrico y rechazaba el arte social y político, se convirtió en un admirador de lo inútil, frívolo y caprichoso. La ironía y el exceso se volvieron los sentidos fundamentales en su obra, así como los elementos principales del Art Nouveau y el Op Art, sin dejar atrás la influencia de sus estudios como arquitecto. “Mi arte fue muy original y fresco. Hoy hay muchos que lo han copiado, pero en esa época nadie se atrevía a hacer exposiciones de dibujos de arquitectura y, aunque algunos lo despreciaban, en términos generales gustaba y rompía con lo que entonces se exponía… hay quienes me critican porque consideran que es vulgar decorar los objetos. Pero el ornamento es la forma más antigua del arte plástico y se caracteriza por darle un sentido religioso y excepcional a lo cotidiano”. Pedro Friedeberg. Fuente consultada: HOLTZ, Déborah et ál. Pedro Friedeberg. México. Trilce Ediciones, 2009, Pág. 319.

$120,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,700-$11,150 222

179

PEDRO FRIEDEBERG

(Florencia, Italia, 1936 - ) Árbol euclídiano planetario

Firmada y fechada 2016 Escultura en bronce pulido a la cera perdida 6 / 8 68 x 21 x 21 cm Con certificado de autenticidad del artista. Pedro Friedeberg es un emblemático artista plástico, diseñador y arquitecto de origen italiano nacionalizado mexicano, cuya obra se caracteriza por contener un indiscutible carácter surrealista, lleno de iconos y símbolos religiosos antiguos. Su pasión por la arquitectura inició cuando conoció la casa estudio que Juan O’Gorman construyó para Diego Rivera y Frida Kahlo, posteriormente tuvo como influencias los trabajos de Mathias Goeritz, Manuel Felguérez y José Luis Cuevas. No obstante, ya habiendo aprendido las leyes de la arquitectura, decidió que esta profesión no era para él, así que se dispuso solo a crear edificios y estructuras imaginarias. Estas estructuras fantásticas tienen numerosos paralelos en la historia del arte, sin embargo proponen una utopía auténtica entre manos, pies, estrellas y cubos que suponen estructuras minimalistas que reflejan la vida moderna, expresando el infinito reducido a su mínima expresión. Fuente consultada: HOLTZ, Déborah et ál. Pedro Friedeberg. México. Trilce Ediciones, 2009, pp. 31, 42 y 117.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,700-$10,000 223

224

Enrique Guzmán en su taller

180

ENRIQUE GUZMÁN

(Guadalajara, Jalisco, 1952 - Aguascalientes, 1986) Sin título

Firmado y fechado 82 Óleo sobre tela 25 x 30 cm Publicado en: BLAS GALINDO, Carlos. Enrique Guzmán. Transformador, y víctima de su tiempo. México. CONACULTA, 1992, catalogado 80. “La orientación de la trayectoria de Enrique Guzmán es a partir de 1980, difícil de seguir, debido a que la obra perteneciente a esta etapa que de él se conoce es escasa y casi toda inconclusa. Entre 1981 y 1986, año de su muerte, experimentó diversas oscilaciones en su lenguaje visual; sin embargo, contó con fases alternas de una cierta estabilidad estilística durante las cuales realizó una serie de obras con motivos abstractos, combinando o no con otros figurativos y con los que, al parecer, estuvo satisfecho y no los destruyo […] El estudio de Guzmán por la abstracción no fue tan constante; sin embargo, durante 1982 y 1984 pintó una serie de obra abstracta cuya utilidad extraestética y extrartística parece haber sido la de permitirle a Guzmán eludir o, al menos, atenuar las referencias a una realidad natural que lo remitía al segmento de su pasado con el cual estaba insatisfecho y ante el que manifestaba culpabilidad”. Carlos Blas Galindo. Fuente consultada: BLAS GALINDO, Carlos. Enrique Guzmán. Transformador, y víctima de su tiempo. México. CONACULTA, 1992, Pág. 27.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $10,000-$13,900 225

181

JORGE GONZÁLEZ VELÁZQUEZ (Ciudad de México, 1966 - ) Tres soles

Firmado y fechado 015 Acrílico sobre tela 150 x 200 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: DRIBEN, Lelia et ál. Jorge González Velázquez. Origen. México. Aldama Fine Art, 2018, Pág 28., catalogado 6. Es egresado de La Esmeralda y a lo largo de su carrera ha trabajado en la fundición de múltiples piezas con Juan Soriano, Gunther Gerzso y José Luis Cuevas. Su trayectoria está dividida en dos vertientes: la escultura y pintura. En ambas recurre al cuerpo femenino con elementos naturales en distintos modos de abstracción. Fuente consultada: DRIBEN, Lelia et ál. Jorge González Velázquez. Origen. México. Aldama Fine Art, 2018, pp. 17-19.

$130,000.00-$150,000.00 M.N. USD $7,250-$8,350

226

182

CARLOS MÉRIDA

(Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) Sin título

Firmado y fechado 1961 Acrílico y lápiz de grafito sobre papel 30 x 21.5 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, 2019. Durante un viaje a París, observó la construcción del mercado del arte participando en los talleres del pintor catalán Hermen Anglada Camarasa quien generó mayor influencia en él. Formando parte de la vida bohemia en la ciudad de París conoció a pintores mexicanos como Diego Rivera, Jorge Enciso, Ángel Zárraga y Adolfo Best Maugard. Durante su estancia en Francia, logró exponer en el Salón Independiente y en galerías privadas, además logro absorber artísticamente el estilo cubista y se inspiró en la abstracción, la geometría, la estabilidad y la arquitectura, elementos que utilizó en su obra a lo largo de los años. Realizó pintura, grabado, litografía, entre otras técnicas que lo posicionaron como el gran artista que fue. Al volver a México, destacó su interés por lo prehispánico, se dedicó a la integración plástica participando con algunos arquitectos reconocidos y durante sus últimos años viajó a Guatemala, donde pintó, expuso y trabajó con mosaico veneciano en edificios públicos y residencias tanto en México como en Guatemala y Estados Unidos. Fuente consultada: sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,150-$16,670 227

183

MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990) Otra versión de la Serpiente del Eco, ca. 1970

Sin firma Escultura en metal pintado 55.8 x 144 x 21 cm Con certificado de autenticidad de la Dra. Lily Kassner. El 7 de septiembre de 1953 el Museo Experimental El Eco abrió sus puertas. Para la ocasión, Goeritz creó la Serpiente del Eco que fue colocada en el patio principal del recinto; una escultura monumental de lámina soldada y ensamblada, compuesta por una sencilla línea negra que se quiebra en distintos puntos. Durante la inauguración, la compañía de danza Walter Hicks representó una coreografía orquestada por Luis Buñuel, donde los danzantes bailaban simbólicamente con la Serpiente. Desde ese año y hasta 1964, la famosa y monumental escultura —de ocho metros de largo y tres metros de alto— permaneció en el patio del edificio. Años después, cuando el Museo cumplió 53 años de existencia y uno de que fuera reabierto, una réplica de la Serpiente del Eco volvió a ser exhibida al público. “No me interesan los dogmas artísticos ni los ‘ismos’ cuando estoy trabajando como pintor o escultor. Para los unos soy un ‘abstraccionista’ o un ‘surrealista’, mientras en los ojos de otros soy un ‘expresionista’ de tendencia más bien realista, por algunas obras de carácter más figurativo que he estado haciendo. Solamente muy poca gente ve que estoy realizando mis obras con espíritu independiente, y buena fe, intentando guardar mi libertad de expresión absoluta, como hombre y como pintor o escultor”. Mathias Goeritz. Fuente consultada: “El retorno de la serpiente. 10 momentos de Mathias Goeritz”. México. Revista Código, 17 de diciembre del 2014.

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $680,000.00-$900,000.00 M.N. USD $37,780-$50,000

228

184

BOSCO SODI

(Ciudad de México, 1970 - ) Sin título

Firmado y fechado 03 Barcelona al reverso Óleo y mixta sobre tela 80 x 80 cm Con documento del Estudio Bosco Sodi en el que se especifica la autenticidad de la pieza, emitido en mayo del 2011 y firmado en julio del 2012. Es un reconocido artista mexicano que siempre está en constante búsqueda de trascender las barreras de lo conceptual. Convierte el trabajo en sí, en una memoria, una reliquia simbólica y una conversación con la materia prima. Deja muchos cuadros sin título, con la intención de eliminar cualquier conexión más allá de la existencia de la obra. Gusta de explorar con materiales ricos en texturas y colores. Trabaja de forma horizontal, directo en el piso, siendo sus manos la herramienta principal para pintar. Utiliza mezcla de aserrín, fibras de árboles y pigmentos para crear una masa parecida al lodo, lo que hace que la capa pictórica de sus piezas tengan distintos grados de texturas, en algunos casos son superficies uniformes y en otras se crean grietas y craqueladuras en diversas intensidades. Su influencia artística proviene de las líneas de Antoni Tàpies y Jean Dubuffet, del expresionismo abstracto de Mark Rothko y Willem de Kooning y del colorido vibrante de su herencia oaxaqueña. A lo largo de su exitosa carrera ha expuesto en reconocidas galerías de México y el extranjero y participado en importantes ferias de arte internacionales como Art Basel Miami, Zona Maco, Frieze Art Fair y ARCO. Su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas alrededor del mundo. Actualmente vive y trabaja entre Nueva York, Barcelona, Berlín y la Ciudad de México. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.boscosodi.com

$250,000.00-$350,000.00 M.N. USD $13,900-$19,670 229

185

ÁNGEL ACOSTA LEÓN

(La Habana, Cuba, 1930 - La Habana, Cuba, 1964) Sin título

Firmado Óleo sobre tela sobre masonite 41 x 49 cm Ángel Acosta León fue un destacado artista cubano, perteneciente al movimiento de la Nueva Figuración, o mejor conocido como “vuelta al mundo figurativo”; artistas como Antonia Eiriz, Raúl Martínez, Servando Cabrera y Umberto Peña fueron parte de este grupo, el cual se identificó por llevar a la pintura nuevas concepciones sobre el socialismo que regía Cuba. Fue un artista que expresó ese difícil tránsito del capitalismo al socialismo, su precaria vida, en gran parte producto del medio social anterior a 1959. En 1961 algunos hechos históricos de la Revolución Cubana pasaron a su pintura, introduciendo las “naves” y las “estructuras”. Posteriormente creó sus series de “Juguetes” y “Colombinas”. Falleció durante la travesía marítima Holanda-La Habana, el 5 de diciembre de 1964. Fuente consultada: RODRÍGUEZ, A. Bienvenido. “In Memoriam Ángel Acosta León”. Cuba. Revista de la Biblioteca Nacional de Cuba José Martí, 2015, pp. 105-110.

$60,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,350-$5,000

230

Vista a

Vista b

186

FERNANDO PACHECO

(Ciudad de México, 1959 - ) Tótem XX, 2016

Firmada Mixta sobre madera 207 x 75 x 22.5 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: MATOS MOCTEZUMA, María Fernanda et ál. Fernando Pacheco. Estructuras infinitas. México. Aldama Fine Art, 2017, pp. 38 y 38, catalogada 7. “Fernando Pacheco es un comunicador que a contracorriente de una sociedad que tiende a transformar la cultura en actividad lucrativa, ha sabido utilizar los recursos aprendidos en su paso por las aulas del diseño gráfico para transmitir de manera simbólica el mundo de las armonías y silencios del universo. Su creación artística se ha mantenido dentro de los parámetros del arte objetual para confirmar, una vez más, que cuando una obra logra conectar al espectador con la experiencia de sí mismo se mantiene viva dentro de la pluralidad que ofrece el ámbito de las expresiones contemporáneas. “Los objetos artísticos que produce no nacen del accidente o la improvisación. Por el contrario, tienen su origen en la reflexión y en las horas que pasa en su taller imaginando mundos de equilibrada complejidad. Sus obras no parecen obedecer a la expresión pasional de la emoción ni a la reducción geométrica de conceptos, más bien podría decirse que se adentran en un abstraccionismo lírico de inclinación filosófica donde el intelecto se sobrepone a la emotividad para analizar y dar salida a principios fundamentales”. Fernanda Matos Moctezuma. Fuente consultada: MATOS MOCTEZUMA, María Fernanda et ál. Fernando Pacheco. Estructuras infinitas. México. Aldama Fine Art, 2017, Pág. 5.

$150,000.00-$160,000.00 M.N. USD $8,350-$8,900 231

187

RYUICHI YAHAGI

(Kanagawa, Japón, 1967 - ) De la serie La señal de pétalo

Firmada y fechada 2018 Escultura en talla directa en mármol en base de madera, pieza única 9 x 40 x 26 cm medidas totales con base Con certificado de autenticidad del artista, abril del 2019. Estudió Escultura en Artes Visuales en la Universidad de Bellas Artes de Kanazawa, Japón. Llegó a México en el año 2001 como becario extranjero de la Secretaría de Relaciones Exteriores de México, desde entonces se ha desempeñado como académico de la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana y del Instituto de Artes Plásticas de la misma institución. En el 2013 realizó un posgrado en Artes y Diseño en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. A lo largo de su carrera ha participado en exposiciones individuales y colectivas en México y el extranjero, además obra suya se encuentra en colecciones públicas y privadas de México, Japón, Vietnam y Serbia. Las características de su obra tiene que ver con la idea de lo original y la copia ya que otorga a la copia todos los valores estéticos del original, cuidando así la manufactura de cada detalle para conseguir los acabados correctos, apropiándose de la realidad para reconstruirla. $30,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,670-$2,250

232

188

ÁNGEL ACOSTA LEÓN

(La Habana, Cuba, 1930 - La Habana, Cuba, 1964) Sin título

Firmado y fechado 64 Pastel sobre papel 48 x 64 cm Ángel Acosta León estudió Pintura y Escultura en la Academia de Bellas Artes San Alejandro, en La Habana, Cuba. Realizó su primera exposición junto con Alfredo Sosabravo en la Galería del Arte y Cinema La Rampa en La Habana, Cuba, posteriormente participó en una exposición colectiva durante la 5° Bienal de São Paulo, Brasil. Su galardón más importante fue el Premio de Adquisición del Salón Anual de Pintura, Escultura y Grabado, en el Museo Nacional de Bellas Artes, en La Habana. En 1960 llegó a México durante la II Bienal Interamericana. En 1990 expuso de manera individual en la Galerie du Dragon en París, Francia y posteriormente en el Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago de Chile y en el año 2000 participó en la 7° Bienal de La Habana en el Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana. Actualmente obra suya se encuentra en los acervos de muses de Cuba y México. Fuente consultada: RODRÍGUEZ, A. Bienvenido. “In Memoriam Ángel Acosta León”. Cuba. Revista de la Biblioteca Nacional de Cuba José Martí, 2015, pp. 105-110.

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,250-$3,350

233

189

ALBERTO MONTAÑO

(Ciudad de México, 1953 - ) Arbolito

Firmado y fechado 88 dos veces al reverso Óleo sobre tela 170 x 140 cm Con etiqueta de la Galería OMR. Es un sobresaliente artista mexicano, egresado de la Chelsea School of Art en Londres, Inglaterra y de la Engraving Studies at the Atelier Dix Sept en París, Francia. Durante su laureada carrera ha realizado diversas exposiciones individuales en museos y galerías, destacando la Galería OMR en la Ciudad de México, la Galería Ramis Barquet en Monterrey y la Galería NM Contemporáneo en Cuernavaca. También ha participado en muestras colectivas en instituciones de Nueva York, Texas, Miami, Washington y Ciudad de México. Actualmente ejerce la pintura al óleo, el dibujo, la fotografía, las instalaciones y el video. $260,000.00-$360,000.00 M.N. USD $14,450-$20,000 234

190

Otra vista

HIROYUKI OKUMURA

(Kanagawa, Japón, 1963 - ) Destello de sombra

Firmada y fechada 17 Escultura en obsidiana, pieza única 28 x 33 x 15 cm Con certificado de autenticidad del artista, abril del 2019. Publicada en: Hiroyuki Okumura. Percepción. México. Arte Hoy Galería, 2017, portada del catálogo. De origen japonés y de profundas raíces en México, Hiroyuki Okumura ha trascendido su obra plástica y sus territorios para ser un escultor internacional. Vive y trabaja en la ciudad de Xalapa, Veracruz desde 1989; en esta ciudad decidió desarrollar su carrera por la inspiración que encuentra en el arte prehispánico. Su material predilecto es la piedra, principalmente el mármol y la cantera. “Enigmáticas y perturbadoras son las esculturas en piedra de Hiroyuki Okumura. Enigmáticas por sus formas y texturas; perturbadoras por esa tranquila belleza que, sin pudor, altera la racionalidad y el sentido que predomina el arte contemporáneo. “Su propuesta artística se basa en la intuición y se desarrolló a partir de una concepción espiritual de la naturaleza que la significa como lugares que resguardan presencias divinas. Respeta profundamente a las piedras y para intervenirlas establece una relación de ‘coproducción’ con ellas, con sus formas, con sus vetas, con sus texturas y con sus colores. Por lo mismo, en todas sus piezas se mantiene una estrecha cercanía con las estéticas sintoístas del arte japonés que se fusionan con otras de evocación primitiva y arcaica”. Blanca González Rosas. Fuente consultada: GONZÁLEZ ROSAS, Blanca. Hiroyuki Okumura. México. Arte Hoy Galería, 2014, pp. 20, 30 y 31.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,550-$8,350 235

191

CARLOS PELLICER

(Ciudad de México, 1948 - ) Estante de colores, 2008

Firmada Encáustica sobre madera prensada 81 x 105 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: MORENO VILLAREAL, Jaime et ál. Carlos Pellicer. Abstracto. México. Aldama Fine Art, 2018, pp. 34 y 82, catalogada 20. Carlos Pellicer es un destacado pintor mexicano egresado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas. A lo largo de su carrera ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales en importantes instituciones, galerías y museos de México y Estados Unidos. “La noción de que en la pintura hay algo oculto que el espectador hará surgir mediante la contemplación es muy propicia ante la obra de Carlos Pellicer […] Él indaga en las raíces de la pintura que, si por un lado, pueden ser tan distantes y primordiales como el arte rupestre, igualmente las encuentra en los órdenes radicales de la modernidad. El impresionismo, el fauvismo, el cubismo le competen, y halla en Cézanne un modelo idóneo […] Sus obras son umbrales, son miradores, son oquedades, son senderos”. Jaime Moreno Villareal. Fuente consultada: MORENO VILLAREAL, Jaime et ál. Carlos Pellicer. Abstracto. México. Aldama Fine Art, 2018, pp. 3-11.

$70,000.00-$120,000.00 M.N. USD $3,900-$6,700 236

192

ENRIQUE CARBAJAL “SEBASTIAN” (Camargo, Chihuahua, 1947 - ) Puerta blanca

Firmado y fechado 1986 Escultura en acero con esmalte acrílico 140 x 150 x 70 cm Presenta ligeros detalles de conservación. De vocación constructiva, desde mediados de la década de los 60, Sebastian inició el desarrollo de su lenguaje artístico apoyándose en su quehacer con disciplinas científicas como las matemáticas y la geometría, acercándose a la topología y la cristalografía. Además de realizar esculturas, su producción abarca también el diseño arquitectónico, pintura, diseño de objetos, mobiliario, joyería, diseño de vestuario teatral y escenografías. A lo largo de su exitosa carrera ha sido reconocido con numerosas distinciones, siendo elegido como miembro de la Academia de Artes de la Haya en Holanda en 1983 y condecorado como Doctor Honoris Causa por la universidad The City College of the City University en New York en 2008. También ha presentado exposiciones en los principales museos de México y su obra se encuentra en numerosas colecciones a nivel internacional. “Una vez que me decidí por las matemáticas y la geometría como lenguaje para llegar al fin plástico, fue sencillo. No estoy diciendo que sean fáciles, pero con un buen lenguaje uno puede decir cualquier cosa sobre la contemplación de la naturaleza [...] Es como tener un lenguaje que parte de las letras. Los poetas escriben con sílabas, palabras y frases, yo empecé a escribir esculturas, a definir cosas de dos, tres y múltiples dimensiones. Gracias a las matemáticas y la geometría pude hacer un lenguaje codificable”. Sebastian. $250,000.00-$350,000.00 M.N. USD $13,900-$19,670 237

193

CARLOS CRUZ-DIEZ

(Caracas, Venezuela, 1923 - ) Inducción de Bogotá amarillo

Firmada y fechada 10 Serigrafía 60 / 75 38 x 76 cm medidas del área estampada 45.5 x 81 cm medidas totales del papel Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, abril del 2019. Artista franco-venezolano, Carlos Cruz-Diez vive y trabaja en París desde 1960. Es uno de los protagonistas más relevantes del arte óptico y cinético, corriente artística que reivindica “la toma de conciencia de la inestabilidad de lo real”. Sus investigaciones lo revelan como uno de los pensadores del color del siglo XX. Sus obras se encuentran en prestigiosas colecciones permanentes como las del MoMA en Nueva York, la Tate en Londres, Musée d’Art Moderne de la Ville de París y Centre Pompidou de París. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.cruz-diez.com

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,550-$8,350

238

194

LAO GABRIELLI

(Buenos Aires, Argentina, 1971 - ) Concentric color I

Firmado y fechado CDMX, México 2017 al reverso Acrílico sobre espejo acrílico y placas acrílicas 100 x 100 x 7cm Con certificado de autenticidad de la artista. Publicado en: sitio oficial de la artista www.laogabrielli.com Estudió Diseño Gráfico en la Universidad de Buenos Aires, posteriormente para complementar su formación artística ingresó al taller del pintor Guillermo Roux y tomó clases de restauración de obras en el taller de Mónica de Tezanos Pinto. En 2007 viajó a Nueva York para participar en el seminario de Anna Rank y tomar un curso en el taller Torres García. Dos años más tarde, llegó a la Ciudad de México, donde actualmente vive y trabaja. Su obra ha formado parte de destacadas exposiciones en galerías, bienales y ferias de arte de renombre, destacando Zona Maco y Mexicráneos en la Ciudad de México, en Limited Edition en Miami, en Arte Laguna Prize en Venecia, en Florence Shanghai Prize en China y en Central Park Bandshell en Nueva York. “Lao Gabrielli explora las interacciones cromáticas entre líneas, formas, segmentos de distintos colores. Introduce dinamismo y tensión con sus acrílicos primarios y brillantes, que definen la estructura espacial de la pintura, mientras que al mismo tiempo dividen y unifican la composición. Exalta las reglas básicas de la teoría del color en la mezcla de los pigmentos para conseguir el efecto deseado combinando colores de luz, jugando con las cuatro sensaciones cromáticas elementales (amarillo, rojo, azul y verde) como las definió Wilhelm Ostwald”. Mercedes Auteri. Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.laogabrielli.com

$60,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,350-$5,000 239

195

PEDRO FRIEDEBERG

(Florencia, Italia, 1936 - ) Equinoxio y Antinoxio, 2014

Firmado Acrílico y tinta sobre papel 46.6 x 37 cm medidas totales con marco Con certificado de autenticidad del artista, julio del 2017. El marco es parte de la obra. “Aunque la pertenencia de Friedeberg al surrealismo haya sido certificada por André Breton, lo más seguro es que su obra gravita en ese mencionado tercer plano que guarda imprudente distancia de cualquier tendencia en que se le encasille. Así como sus disociaciones deliberadas entre obra, título y significado, Friedeberg se disoció de la historia del arte del siglo XX, de la misma manera que un juego infantil prescinde de la lógica, porque él es un caso aparte, pese a que su obra sea legible a partir de muchos de los principios del surrealismo”. Luis Carlos Emerich. Fuente consultada: HOLTZ, Déborah et ál. Pedro Friedeberg. México. Trilce Ediciones, 2009, pp. 31 y 42.

$60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,350-$4,450 240

196

CISCO JIMÉNEZ

(Cuernavaca, Morelos, 1969 - ) Fregadero maligno I

Firmada y fechada 1998, 1999 Mixta y collage sobre papel 50 x 65 cm Con etiqueta de Galería Fúcares Madrid. Tiene estudios en Diseño Industrial y Artes Plásticas, se le considera un artista iconoclasta debido al uso permanente de símbolos e íconos que hacen referencia a la cultura mexicana en cuanto a temáticas históricas o aspectos formales como la paleta de colores e incluso el uso de tipografías y textos de los tradicionales exvotos virreinales, acompañados de un lenguaje e intención crítica o subversiva respecto a los sistemas de consumo a través del collage, el dibujo, la pintura principalmente y recurre en otras ocasiones a materiales industriales. Sus obras pertenecen a la Colección del Houston Museum of Fine Arts, a la Colección Jacques y Natasha Gelman, a Pace Roberts Fundation en San Antonio Texas y en Claude Bernard Gallery en Frankfurt, Alemania. Actualmente forma parte de los artistas de la galería Yam Gallery, ha trabajado con la galería OMR. Fuente consultada: sitio oficial del Museo Blaisten www.museoblaisten.com

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $20,000.00-$30,000.00 M.N. USD $1,120-$1,670 241

197

JAVIER VÁZQUEZ “JAZZAMOART” (Irapuato, Guanajuato, 1951 - ) Trio freejazzero II

Firmado y fechado 2001 al frente. Firmado y fechado Mex 2001 al reverso Óleo sobre tela 90 x 90 cm Agradecemos al Maestro Jazzamoart y a su esposa Nora Smith por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2019. Esta obra fue parte del diseño de la portada del disco de jazz “Pleione” del grupo Cráneo de Jade. Entre los temas que aborda Jazzamoart, tienen que ver con los desnudos, cantinas, fútbol, toros y las reinterpretaciones de algunos antiguos maestros europeos, como Rembrandt y Diego Velázquez, así como la música clásica y el jazz. Por su amor al jazz, es común que agregue elementos icónicos de la imaginería del estilo musical, como el saxofón la tuba, la corneta, contrabajo, violín y la trompeta, los cuales casi siempre pinta de color amarillo brillante o café intenso, con líneas enérgicas y garabateadas. Su trabajo sobre la música ha acompañado en el escenario a los principales exponentes del jazz mexicano y estadounidense y ha sido publicado en varios libros y discos. A través de los años ha expuesto en el Museo de Arte Carrillo Gil, en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México y en países como Chile, Noruega y Bélgica. Su trabajo tiene un reconocimiento a escala nacional, en Estados Unidos y en Europa. Recientemente fue invitado a participar en la magna exposición “El arte de la música” en el Museo del Palacio de Bellas Artes y exhibió individualmente en el Salón de la Plástica Mexicana y el Museo Metropolitano de Monterrey. Fuentes consultadas: MUÑOZ, Miguel Ángel et ál. Jazzamoart. Sólo a fuerza de pintar. México. Edición Nora Smith Castillo, Tiempo Imaginario, 2014, pp. 16-17, 303307 y sitio oficial del artista www.jazzamoart.com

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,550-$8,350 242

198

JAVIER VÁZQUEZ “JAZZAMOART” (Irapuato, Guanajuato, 1951 - ) Orquesta tribal

Firmado y fechado 2009 al frente. Firmado y fechado 2009 al reverso Óleo sobre tela 95 x 120 cm Javier Vázquez Estupiñán adoptó en 1974 el seudónimo de Jazzamoart (jazz, amor y arte). Con estudios en la Academia de San Carlos, a partir de la década de los 80, su estilo definido y muy personal lo ubicaron en la escena de la plástica latinoamericana. El escritor Carlos Montemayor lo definió como el tercer grande de los pintores del Bajío, junto a Diego Rivera y José Chávez Morado, al respecto dijo: “Rivera y Chávez Morado estuvieron atentos al paisaje y a numerosos motivos del México popular, Jazzamoart también lo está, pero al paisaje social que se descubre y emerge desde un motivo central del México que sigue siendo asimismo popular: la música”. En 1990 instaló un taller en París y en México expuso en el Museo de Arte Moderno y en el Museo Nacional de la Estampa. Ese mismo año su obra fue elogiada por la crítica de arte Teresa del Conde y recibió el Premio del VI Festival del Centro Histórico de la Ciudad de México. En 2017 participó en “Hacer el cuerpo” en el Museo José Luis Cuevas en la Ciudad de México y en 2018 expuso “The loneliness of the painter” en el Gateway Art Center en Nueva York, Estados Unidos. Fuentes consultadas: MUÑOZ, Miguel Ángel et ál. Jazzamoart. Sólo a fuerza de pintar. México. Edición Nora Smith Castillo, Tiempo Imaginario, 2014, pp. 303-307 y en el sitio oficial del artista www.jazzamoart.com

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,700-$10,000 243

199

DR. LAKRA

(Ciudad de México, 1972 - ) Sin título

Sin firma Tinta y acuarela sobre papel 38 x 57 cm Con certificado de autenticidad de Kurimanzutto. Hijo del famoso artista mexicano Francisco Toledo y de la poetisa y antropóloga Elisa Ramírez Castañeda, Jerónimo López Ramírez, mejor conocido como Dr. Lakra, es un destacado artista tanto en el contexto del arte contemporáneo como en el arte del tatuaje. Adquirió su seudónimo cuando se inició como tatuador por traer un maletín de doctor, posteriormente él agregó la palabra “Lakra”, cuyo significado tiene que ver con la temática de su trabajo artístico (lacra refiere a un vicio físico o moral que marca a quien lo tiene). Su obra se caracteriza por crear imágenes irreverentes y bastante provocativas, que transgreden las normas academicistas. Su búsqueda de objetos e imágenes es una suerte de investigación de archivo y coleccionismo, una especie de cadáver exquisito gráfico, yuxtapone además elementos de la cultura popular mexicana como el boxeo y personajes de la música, con otros artísticos como los grabados de José Guadalupe Posada o vedettes quimeras. A lo largo de su trayectoria ha expuesto en el Museo Amparo en Puebla, en el MARCO de Monterrey, en el Museo de los Pintores MUPO en Oaxaca, en el Museo de Arte Carrillo Gil, en el Museo Universitario del Chopo, además forma parte de los artistas destacados de la galería Kurimanzutto. En el extranjero ha participado en exhibiciones en The Museum of Contemporary Art en San Diego, en el Museum of Modern Art en Nueva York, en el Brandts-Museum of Art and Visual Culture y en el Museum of Modern Art Copenhague, ambos en Dinamarca, así como en Yokohama Museum en Japón, por mencionar algunos. Fuente consultada: “Dr. Lakra”. México. Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, texto de exposición, 2011, www.marco.org.mx

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,150-$16,670 244

“La búsqueda obsesiva fue su método personal de trabajo: Goeritz concebía un tema y no lo abandonaba hasta agotar sus posibilidades de expresión tridimensional, con gran capacidad de entrega a su labor, que evidentemente disfrutaba. Su obra está nimbada por la gracia, por la alegría de su relación”. Lily Kassner.

Otra vista

200

MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990) Sin título

Firmada Escultura en madera laqueada 21.5 x 21 x 6.5 cm Presenta detalles de conservación. Polifacético, con un avasallante espíritu emprendedor, Mathias Goeritz siempre argumentó que la arquitectura debería ser arte, por lo que diseñó obras, habitó espacios y ocupó paredes con diversos componentes arquitectónicos con el fin de detonar la máxima emoción en el hombre. Al año siguiente de la apertura del Museo Experimental El Eco, publicó el Manifiesto de la “Arquitectura Emocional”, una corriente que se caracteriza por la utilización de diseños limpios y funcionales. Teniendo este manifiesto como antecedente, realizó diversos diseños para pequeñas y grandes estructuras, así como proyectos para murales; algunos de ellos se anticiparon, alrededor de una década, a una corriente plástica de gran trascendencia: el minimalismo. Fuente consultada: KASSNER, Lily. Mathias Goeritz. Una biografía 1915-1990. México. UNAM, CONACULTA, 2007, pp. 78-80 y 251.

$180,000.00-$220,000.00 M.N. USD $10,000 -$12,220 245

201

HUGO LUGO

(Los Mochis, Sinaloa, 1974 - ) Fotografía a color

Firmado y fechado 2006 Óleo y acrílico sobre tela 142 x 111 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, firmado por el artista, julio del 2006. Estudió Artes Visuales en la Universidad de Montemorelos, Nuevo León, posteriormente recibió una beca del FONCA y fue premiado en la Bienal de Pintura del Museo Rufino Tamayo. A partir de entonces, Hugo Lugo ha sido reconocido en varios encuentros de artes nacionales e internacionales. A lo largo de su carrera ha expuesto en diversos foros culturales de México y el extranjero, además ha sido acreedor de diferentes premios y menciones, destacando el Premio de adquisición en la IV Bienal Regional de Arte Joven, la Mención Honorífica en la XIX Reseña de la Plástica de Nuevo León y el Premio Adquisición de la XIV Bienal de Pintura Rufino Tamayo en 2008. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.hugolugo.com

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,550-$8,350 246

Lote 114

Lote 106

ÍNDICE I

A ACEVES, GUSTAVO ACOSTA LEÓN, ÁNGEL ALCALDE GARCÍA, ALFREDO ALMELA, MARIO ANGUIANO, RAÚL ASÚNSOLO, IGNACIO AVILÉS, ARNO

34, 35 185, 188 46, 47 96 58, 60 71, 73 8

BARDASANO, JOSÉ BASSI, SOFÍA BEDIA, JOSÉ BELKIN, ARNOLD BELOFF, ANGELINA BERMÚDEZ, CUNDO

102, 124 120 137 129, 130 72, 121 131

CAMARENA, LORENA CARBONELL, SANTIAGO CARRINGTON, LEONORA CASTAÑEDA, FELIPE CASTILLO, ROSA CERNA, BENITO CERVANTES, PEDRO CHA’CA, VÍCTOR CHICO, JULIO COEN, ARNALDO COGHLAN, EDGARDO CORONEL, PEDRO CORONEL, RAFAEL CORTÁZAR, ROBERTO CORZAS, FRANCISCO CRUZ-DIEZ, CARLOS

113 156, 157 103 59, 61, 63 57 159, 160 163 142, 145 176 27, 28 93 14, 15 48 32, 33 26, 44, 45 193

DEL VALLE, JUAN CARLOS DOMÍNGUEZ, BENJAMÍN DR. ATL DR. LAKRA

107 154 82 199

ECHEVARRÍA, OFILL ESTRADA, ARTURO

169 108, 110, 111

FABELO, ROBERTO FARRERA, JOSÉ ANTONIO FRIEDEBERG, PEDRO

36, 37 167 178, 179, 195

GABRIELLI, LAO GALLINA, CLAUDIO GANDÍA, VICENTE GARCÍA OCEJO, JOSÉ GARCÍA PONCE, FERNANDO GARRIDO, MIGUEL ÁNGEL GIRONELLA, EMILIANO GOERITZ, MATHIAS GÓMEZ MAYORGA, GUILLERMO GÓNGORA, LEONEL GONZÁLEZ CAMARENA, JORGE GONZÁLEZ VELÁZQUEZ, JORGE GUERRERO GALVÁN, JESÚS GURRÍA, ÁNGELA GUZMÁN, ENRIQUE

194 165 4, 6, 109 38 23 166 168, 171 183, 200 94, 95, 117, 118 25 68, 69, 74 181 49, 50, 52 9 180

HELGUERA, JESÚS HERNÁNDEZ, SERGIO

76 138, 139, 140, 141, 143, 146

E F

ICAZA, FRANCISCO ITURRIA, IGNACIO

20 100, 101

JAZZAMOART JIMÉNEZ, CISCO

197, 198 196

KELLY, PHIL

LAVILLE, JOY LUGO, HUGO

3 201

K L

MACOTELA, GABRIEL MALAMUD, TOSIA MARÍN, JAVIER MARÍN, JORGE MARTÍN, RENÉ MARTÍNEZ, RAYMUNDO MATTA, ROBERTO MÉRIDA, CARLOS MILLER, CAROL MINGORANCE, JUAN EUGENIO MONTAÑO, ALBERTO MONTOYA, GUSTAVO MORALES, RODOLFO

12 54 39, 40, 41, 43 42 115 56 135, 136 16, 17, 18, 182 133 92, 122, 123 189 53, 55 153

NISHIZAWA, LUIS

84, 86, 87, 88

O’GORMAN, JUAN OKUMURA, HIROYUKI OROZCO ROMERO, CARLOS OROZCO, JOSÉ CLEMENTE ORTIZ, TIBURCIO

29 190 83, 85 70, 77, 80 175

PACHECO, FERNANDO PALACIOS, IRMA PALOMEQUE, MARCO ANTONIO PARRA, CARMEN PELLICER, CARLOS PIMENTEL, RODRIGO

186 13, 19 158 155, 172 191 89, 90

RAMÍREZ VILLAMIZAR, EDUARDO REVUELTAS, FERMÍN REYES, CHUCHO REYES MEZA, JOSÉ RICHTER, LEOPOLDO RÍOS, CARLOS RIVERA, DIEGO ROBERTSON, ORIS RODRÍGUEZ, VÍCTOR ROJAS, ROLANDO ROJO, VICENTE RÓMULO, TEÓDULO RUELAS, JULIO

132 65, 125, 126, 127 7, 174 106, 128 134 116 78, 79, 81 112 161 152 21, 22 147 30, 31

SAKAI, KAZUYA SANTIAGO, ALEJANDRO SARDINA, YAMPIER SEBASTIAN SODI, BOSCO SORIANO, JUAN SOUTO, ARTURO

24 149 164 177, 192 184 1, 2, 5, 51, 173 98, 99

TORRES-GARCÍA, JOAQUÍN

97, 104

URBIETA, JESÚS

144

VALDÉS, LUIS MIGUEL VON GUNTEN, ROGER

162 10, 11

WIDMANN, BRUNO

170

YAHAGI, RYUICHI

187

ZALCE, ALFREDO ZÁRATE, LUIS ZESATTI, ARMANDO ZÚÑIGA, FRANCISCO

75, 105 148, 150, 151 114, 119 62, 64, 66, 67

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GUÍA PARA COMPRADORES Si usted no ha comprado antes en nuestras Subastas, por favor lea las siguientes reglas de Subasta. En cada catálogo aparece el directorio de todo el personal, que lo atenderá con gusto, así como el personal de los mostradores de la recepción y de la Sala de Ventas. Usted puede consultarnos y responderemos a todas sus preguntas.

I. GENERALES 1. Morton Subastas, S.A. de C.V., en adelante denominada Morton, actúa únicamente como comisionista en la venta de bienes muebles propiedad de terceros, en virtud de contratos previamente celebrados con estos, de quienes se presume tienen la propiedad de los mismos. 2. Los datos contenidos en el catálogo de la Subasta o cualquier otra declaración hecha acerca del autor de la obra, origen, edad, fecha, estado, autenticidad o precio de la misma, son responsabilidad única y exclusiva de sus propietarios. 3. La Subasta se llevará a cabo en moneda nacional y con la participación mínima de licitadores que previamente determine Morton.

la comisión de la Casa de Subastas. No se proporciona estimado de precio de los lotes cuya salida sea menor de dos mil pesos M.N. 6. Los lotes que se subasten se ofrecerán sujetos a un precio mínimo de venta previamente acordado entre el propietario y Morton, y sólo podrá ser modificado previo acuerdo por escrito entre los mismos. 7. Para efectos de la Subasta se le denomina licitador, posible comprador o postor, en adelante denominado “Licitador”, a aquella persona que tiene la facultad de hacer ofertas por lotes en el transcurso de la Subasta.

II. LOTES

Para hacer una oferta en la Subasta usted deberá registrarse acudiendo a la mesa de registro en presencia, mediante una hoja de registro establecida para ese fin. 1. Como garantía a Morton, por el o los lotes que le fueren adjudicados durante la Subasta, la contraprestación (Premium) y el impuesto correspondiente, deberá dejar un comprobante de tarjeta de crédito bancario o American Express, firmado a la orden de Morton Subastas, S.A. de C.V. 2. Comisión al comprador (Premium): Corresponde al 20% sobre el precio de venta, más el 16% de IVA sobre dicha comisión, que serán incrementados al importe de la compra de cada lote. Ejemplo: precio de martillo $5,000.00 más comisión $1,000.00 más IVA $160, total de la factura a pagar $6,160.00 3. Una vez registrado el licitador y otorgada la garantía correspondiente, se le hará entrega de una paleta numerada que lo identificará con su hoja de registro y de la cual hará uso únicamente el licitador, ya que es individual e intransferible. Por esta razón es importante que la conserve durante todo el desarrollo de la Subasta y la devuelva personalmente al abandonar la sala de Subastas. Si se diera el caso de que no se le adjudicara ningún lote, su depósito en garantía le será devuelto en ese momento.

1. Los bienes a subastar serán organizados en lotes integrados por uno o más bienes, en el orden y bajo la numeración que Morton indique. 2. Los lotes serán descritos y en algunos casos incluidas sus fotografías en el catálogo que para la Subasta elabore Morton. 3. Los lotes serán exhibidos para su inspección, en el lugar designado para ello por Morton, cuando menos con tres días naturales de anticipación al de la celebración de la Subasta, por lo que el personal de Morton, estará a su disposición para mostrar en detalle cualquier lote. 4. Los lotes serán subastados en el estado físico en que se encuentren en el momento de celebrarse la Subasta por lo que NO se aceptarán devoluciones ni reclamaciones sobre daños, desperfectos o restauraciones, aunque estos no se hayan hecho constar en el catálogo de la Subasta. Propóngase un precio máximo de compra para las piezas antes de que salgan a Subasta. Esto le ayudará a comprar mejor. Si tiene duda sobre alguna pieza, por favor NO ofrezca, ya que si se le asigna deberá pagarla. 5. Los precios estimados que aparecen impresos bajo las descripciones del catálogo son los precios aproximados que se espera sean obtenidos, sin incluir

III. OFERTAS EN PRESENCIA, REGISTRO

4. Con la entrega de registro, el licitador queda obligado a pagar el precio del lote más el 20% por concepto de la contraprestación más el IVA correspondiente. Si el pago se efectúa con tarjeta de Crédito Bancario o American Express, se incrementará el 6.6% (seis punto seis por ciento) por concepto de comisión sobre el monto total del lote o los lotes que le hayan sido adjudicados, descontando lo que previamente se tomó como garantía. 5. Para que los licitadores puedan hacer efectivas las pujas o aceptar una postura hecha por el martillero, bastará con levantar la paleta numerada. Por favor, hágalo con rapidez para que la dinámica de la Subasta continúe. Las ofertas aumentan aproximadamente un 10% en cada puja. 6. Se considera que el licitador que hizo efectiva la última puja, es decir la más alta, ha adquirido el bien que integra el lote subastado, en el momento en que no exista puja mayor y el martillero así lo manifieste.

IV. OFERTAS EN AUSENCIA Refiérase a las primeras páginas de este catálogo: “Cómo se compra en subasta”.

V. EXPORTACIÓN El comprador siempre deberá revisar si se requiere de autorizaciones, permisos o licencias de exportación o importación. Al participar en la subasta, acepta que es su sola responsabilidad obtener cualquier licencia, autorización o permiso de exportación o importación y que la negativa a cualquier permiso, autorización o licencia o cualquier retraso en obtenerlos, no justificará la rescisión o devolución de ninguna venta ni cualquier retraso en hacer el pago total de la propiedad adquirida. EL COMPRADOR RENUNCIA A REQUERIR CUALQUIER REEMBOLSO en cualquiera de los casos anteriormente mencionados. Las leyes locales pueden prohibir importar o exportar cierta propiedad y/o pueden limitar la reventa de alguna propiedad. Para mayores informes, consulte: www.tramites.inah.gob.mx

OFERTAS EN AUSENCIA

CONDICIONES Y FICHA DE REGISTRO PARA REALIZAR OFERTAS EN AUSENCIA. AVISO DE PRIVACIDAD Los datos personales serán tratados de conformidad con lo dispuesto en la Ley Federal de Protección de Datos Personales en Posesión de los Particulares, la reglamentación respectiva y el aviso de privacidad están a su disposición en la siguiente liga http://www.mortonsubastas.com/formatos/Aviso_de_privacidad.pdf Por favor, consulte el aviso de privacidad antes de proporcionar sus datos. ESTOY DE ACUERDO SI NO

FICHA DE REGISTRO

AL FIRMAR LA FICHA DE REGISTRO DE OFERTAS EN AUSENCIA, USTED ACEPTA LO SIGUIENTE:

1. Las reglas y condiciones que aplican para las subastas en Morton Subastas, S.A. de C.V. (“Morton”) y/o las del catálogo; las cuales se encuentran a su disposición en Morton. 2. Que el personal de Morton haga efectivas las pujas en su nombre y representación en la subasta en la que se registra, por las piezas que se describen en el presente documento, hasta por la cantidad que aparece en el apartado “Límite superior de la oferta”.

LÍMITE DE OFERTA

3. Que no están permitidas las ofertas en ausencia sin límite superior.

RESPONSABILIDAD

4. Que Morton en ningún caso y por ningún motivo, es responsable que usted logre se le adjudique(n) la(s) pieza(s) por las que ofertó en ausencia.

UNA PUJA MÁS

5. Que en caso de que el monto máximo fijado por usted como Límite Superior de la Oferta para una pieza se iguale con la última puja de la sala, podrá autorizar una puja más, según lo establezca el recuadro denominado: “Autoriza una puja más”. En caso de que este recuadro no se haya requisitado, se entenderá que no acepta subir a la siguiente puja.

ADJUDICACIÓN

NOMBRE DE SUBASTA

FECHA

NÚMERO DE PALETA

AUTORIZA UNA PUJA MÁS

OFERTA POR TELÉFONO

NOMBRE COMPLETO CALLE

No.

COLONIA

C.P.

DELEGACIÓN / MUNICIPIO

E-MAIL

TELÉFONO

CELULAR

IDENTIFICACIÓN NÚM DE TARJETA DE CRED. NÚM DE SEGURIDAD

6. Que en caso de que existan dos o más ofertas en ausencia por la misma pieza y por la misma cantidad señalada como Límite Superior de la Oferta y no haya una puja superior en la sala, la pieza se adjudicará a la Oferta en Ausencia que se haya recibido primero en Morton. 7. Que el fallo de adjudicación lo emitirá Morton y será inapelable, por lo que Usted renuncia desde este momento a cualquier acción y/o derecho alguno para ejercer en contra de Morton y/o a quien sus derechos represente, por cualquier conflicto o controversia que surgiera por esta causa.

FECHA DE VENCIMIENTO

NÚMERO SEGÚN CATÁLOGO

LÍMITE SUPERIOR DE OFERTA

DESCRIPCIÓN

REQUISITOS

8. Que Morton no hará efectiva la Oferta en Ausencia si no cumple con los siguientes requisitos: a) Llenar completamente el presente documento y firmarlo de conformidad, indicando claramente el número de lote por el que desee ofrecer y la cantidad establecida con Límite Superior de la Oferta. b) Entregar firmado el presente documento al personal autorizado de Morton a más tardar a la fecha de celebración de la subasta y hasta cuatro horas antes de la misma, en el domicilio de Morton. c) Efectuar un depósito en garantía del cumplimiento de las obligaciones que pudiera llegar a tener como adquiriente, de acuerdo a lo siguiente: Subastas en Monte Athos: $50,000.00 M.N. Subastas en Sadi Carnot y Cerro de Mayka: $7,000.00 M.N. Con esta garantía podrá participar en ambas subastas. El monto de la garantía podrá ser cambiado por Morton, con previo aviso al cliente. d) La garantía no podrá ser cubierta con tarjeta de débito, ya que en caso de no tener adjudicación alguna de los lotes, la devolución de la misma es demasiado complicada.

.00 M.N.

RECIBIÓ (REPRESENTANTE DE MORTON) NOMBRE Y FIRMA FECHA Y HORA DE RECEPCIÓN

CONDICIONES DE PAGO

9. En caso de que se adjudique la pieza, pagar por el precio martillo, más el 20% por concepto de comisión, más el Impuesto al Valor Agregado sobre dicha comisión (16%). Si el pago se realiza a través de tarjeta de crédito o American Express, se cargará un 6.6% adicional al saldo que resulte de restar la garantía. Recuerde que usted tiene 3 días hábiles después de la subasta para liquidar el total de su compra y recoger los artículos adquiridos en el lugar de la subasta.

Acepto se me haga el cargo en garantía establecido de acuerdo a lo señalado en los requisitos del punto no. 8 letra C. reembolsable en el caso que no se me adjudiquen los lotes. Acepto las condiciones del catálogo, las reglas de la subasta y del presente documento.

FIRMA

OFERTAS POR TELÉFONO

10. Las ofertas en ausencia también se recibirán por teléfono, previa entrega del presente documento firmado y enviado vía correo electrónico a Morton con cuando menos dos días hábiles antes de la fecha de la celebración de la Subasta, siempre y cuando el precio estimado de la pieza por la que oferta sea de $10,000.00 M.N. o mayor.

México, D.F. a

del año

CONFIDENCIALIDAD

11. La información aquí contenida se considera Confidencial, por lo que su divulgación está prohibida y da derecho al pago de daños y perjuicios que causen por este hecho.

Informes: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

Nota: Las ofertas en ausencia se recibirán hasta cuatro horas antes de la subasta.

Tel. +52 (55) 5283 3140 Ext. 3148, 3149 y 3150

ABSENTEE BIDS ABSENT BID TERMS, CONDITIONS AND BID FORM

BY SIGNING THIS ABSENTEE BID REGISTRATION FORM YOU AGREE TO THE FOLLOWING TERMS AND CONDITIONS:

1. You agree to the terms and conditions that apply to the auctions at the Morton Subastas, S.A. de C.V. (Morton) premises and/or those described in the catalogues available at Morton.

WHO MAKES THE BIDS

2. Allow the personnel of Morton to make effective the bids on your behalf during the auction to which you are registered, and for the pieces only described herein, up to the amount inserted in the top limit bid.

BIDS LIMIT

3. Unlimited bids are not permitted.

RESPONSIBILITY

4. In no case and by no means, Morton takes responsibility for the adjunction of the piece(s) for which you made absentee bids.

ONE MORE BID

5. In case the amount stated by you as the top limit bid for a piece is matched by the last bid made in the auction room, and if the option on the "One more bid authorized" section is chosen as "Yes", you will then be allowed to place a higher bid for the piece. In case this option was chosen as "No" or left blank, your bid will be stopped.

ASSIGNATION

6. In case that two or more absentee bidders appear for the same piece and for the same top limit bid stated, and in case there is not a higher bid in the auction room, the piece will be adjudicated to the absentee bid first received by Morton. 7. The decision for the adjudication will be decided by Morton, and thus, will be unappealable. By signing this form you agree to not taking any legal action against Morton or its representatives if any conflict or dispute arise due to disagreement.

ABSENTEE BID FORM AUCTION TITLE

DATE

PALETTE NUMBER

ONE MORE BID AUTHORIZE

YES

TELEPHONE BIDS

YES

FULL NAME ADRESS

ZIP CODE

E-MAIL TELEPHONE

MOBILE

ID NUMBER CREDIT CARD SECURITY CODE

EXPIRING DATE

LOT NUMBER

TOP LIMIT BID

DESCRIPTION

(Mexican Pesos)

REQUIREMENTS

8. Morton will not make effective the Absentee Bid if the following requirements are not met: a) This document should be duly filled in and properly signed for in the agreement section, making sure that is clearly entered the lot number of the piece you are interested in, and well stated your top limit bid for it. b) This document should be delivered only to the authorized personnel at latest the day of the Auction at the address of Morton in which the auction will be held. c) Allow a deposit as a guarantee for the payment of the piece and amounts generated by the adjudication of the piece. The deposit will be in the following amounts, and will be taken under the name of Morton. Auctions at Monte Athos Gallery: $50,000.00 MXP Auctions at Sadi Carnot and Cerro de Mayka Gallery: $7,000.00 MXP. This gives you access to both auctions. The amount of the guaranty may be changed by Morton prior notice to the customer. d) Guaranty may not be paid with a debit card since, in case of there is no awarding of lots, reimbursement would be too difficult.

.00 MXP

RECEPTION (MORTON STAFF ONLY) NAME AND SIGNATURE DATE AND TIME OF RECEPTION

I DO HEREBY ACCEPT THE CONDITIONS DESCRIBED IN THIS DOCUMENT AND CATALOGUES FOR THE AUCTION

PAYMENT CONDITION

9. If the piece is adjudicated to you, the price of the piece plus twenty percent of commission fee shall be paid, plus the corresponding VAT (16%) calculated over the commission. Payment made with credit card or any American Express card will incur an extra charge of 6.6%, added as a commission fee to the total amount to be paid for.

BIDS OVER THE TELEPHONE

10. Absentee bids by telephone are welcome, previous delivery of the present document duly filled and signed is required, sent to Morton with at least two working days before the date of the auction if your bid is $10,000.00 MXP or more. Long distance calls to and for the auction should be made by yourself.

SIGNATURE (Date)

MEXICO CITY

CONFIDENTIALITY

11. Information contained herein is deemed Confidential, and its disclosure is prohibited, entitling the payment of damages and looses caused by this fact.

Enquiries: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

Please note: On the day of the auction last absentee bids are received 4 hours before the auction.

Telephone. +52 (55) 5283 3140 Ext. 3148, 3149 & 3150