Subasta de Arte Latinoamericano by Morton Subastas

Lote 65

Lote 3

Lote 24

Lote 56

PARTICIPAR EN NUESTRAS SUBASTAS DESDE LA COMODIDAD DE SU HOGAR ES MUY FÁCIL

Conozca nuestras opciones no presenciales para participar a distancia.

EN AUSENCIA

Deje su oferta máxima a través del teléfono (55) 5283 3140 o por escrito. Durante la subasta uno de nuestros representantes levantará la paleta por usted.

AL TELÉFONO

Comuníquese con nosotros para que tomemos sus datos y las ofertas por los lotes de su interés. Cuando el lote esté a punto de salir a subasta, nuestro personal le llamará para que haga sus ofertas al momento, vía telefónica.

EN LÍNEA

Entre a nuestra página web www.mortonsubastas.com y seleccione el catálogo de la subasta de su interés. De click en “Participa en línea” y abra una cuenta en la plataforma Bidsquare. Una vez creada su cuenta, podrá registrarse para participar en las subastas.

Participar es muy sencillo. Compre en línea o en ofertas en ausencia

Toda la información en: mortonsubastas.com

OFERTAS EN AUSENCIA

CONDICIONES Y FICHA DE REGISTRO PARA REALIZAR OFERTAS EN AUSENCIA. AVISO DE PRIVACIDAD Los datos personales serán tratados de conformidad con lo dispuesto en la Ley Federal de Protección de Datos Personales en Posesión de los Particulares, la reglamentación respectiva y el aviso de privacidad están a su disposición en la siguiente liga http://www.mortonsubastas.com/formatos/Aviso_de_privacidad.pdf Por favor, consulte el aviso de privacidad antes de proporcionar sus datos. ESTOY DE ACUERDO SI NO

FICHA DE REGISTRO

AL FIRMAR LA FICHA DE REGISTRO DE OFERTAS EN AUSENCIA, USTED ACEPTA LO SIGUIENTE:

1. Las reglas y condiciones que aplican para las subastas en Morton Subastas, S.A. de C.V. (“Morton”) y/o las del catálogo; las cuales se encuentran a su disposición en Morton. 2. Que el personal de Morton haga efectivas las pujas en su nombre y representación en la subasta en la que se registra, por las piezas que se describen en el presente documento, hasta por la cantidad que aparece en el apartado “Límite superior de la oferta”.

LÍMITE DE OFERTA

3. Que no están permitidas las ofertas en ausencia sin límite superior.

RESPONSABILIDAD

4. Que Morton en ningún caso y por ningún motivo, es responsable que usted logre se le adjudique(n) la(s) pieza(s) por las que ofertó en ausencia.

UNA PUJA MÁS

5. Que en caso de que el monto máximo fijado por usted como Límite Superior de la Oferta para una pieza se iguale con la última puja de la sala, podrá autorizar una puja más, según lo establezca el recuadro denominado: “Autoriza una puja más”. En caso de que este recuadro no se haya requisitado, se entenderá que no acepta subir a la siguiente puja.

ADJUDICACIÓN

NOMBRE DE SUBASTA

FECHA

NÚMERO DE PALETA

AUTORIZA UNA PUJA MÁS

OFERTA POR TELÉFONO

NOMBRE COMPLETO CALLE

No.

COLONIA

C.P.

DELEGACIÓN / MUNICIPIO

E-MAIL

TELÉFONO

CELULAR

IDENTIFICACIÓN NÚM DE TARJETA DE CRED. NÚM DE SEGURIDAD

6. Que en caso de que existan dos o más ofertas en ausencia por la misma pieza y por la misma cantidad señalada como Límite Superior de la Oferta y no haya una puja superior en la sala, la pieza se adjudicará a la Oferta en Ausencia que se haya recibido primero en Morton. 7. Que el fallo de adjudicación lo emitirá Morton y será inapelable, por lo que Usted renuncia desde este momento a cualquier acción y/o derecho alguno para ejercer en contra de Morton y/o a quien sus derechos represente, por cualquier conflicto o controversia que surgiera por esta causa.

FECHA DE VENCIMIENTO

NÚMERO SEGÚN CATÁLOGO

LÍMITE SUPERIOR DE OFERTA

DESCRIPCIÓN

REQUISITOS

8. Que Morton no hará efectiva la Oferta en Ausencia si no cumple con los siguientes requisitos: a) Llenar completamente el presente documento y firmarlo de conformidad, indicando claramente el número de lote por el que desee ofrecer y la cantidad establecida con Límite Superior de la Oferta. b) Entregar firmado el presente documento al personal autorizado de Morton a más tardar a la fecha de celebración de la subasta y hasta cuatro horas antes de la misma, en el domicilio de Morton. c) Efectuar un depósito en garantía del cumplimiento de las obligaciones que pudiera llegar a tener como adquiriente, de acuerdo a lo siguiente: Subastas en Monte Athos: $50,000.00 M.N. Subastas en Cerro de Mayka: $5,000.00 M.N. Con esta garantía podrá participar en ambas subastas. El monto de la garantía podrá ser cambiado por Morton, con previo aviso al cliente.

.00 M.N.

RECIBIÓ (REPRESENTANTE DE MORTON) NOMBRE Y FIRMA FECHA Y HORA DE RECEPCIÓN

d) La garantía no podrá ser cubierta con tarjeta de débito, ya que en caso de no tener adjudicación alguna de los lotes, la devolución de la misma es demasiado complicada.

CONDICIONES DE PAGO

9. En caso de que se adjudique la pieza, pagar por el precio martillo, más el 20% por concepto de comisión, más el Impuesto al Valor Agregado sobre dicha comisión (16%). Si el pago se realiza a través de tarjeta de crédito o American Express, se cargará un 6.6% adicional al saldo que resulte de restar la garantía. Recuerde que usted tiene 3 días hábiles después de la subasta para liquidar el total de su compra y recoger los artículos adquiridos en el lugar de la subasta.

Acepto se me haga el cargo en garantía establecido de acuerdo a lo señalado en los requisitos del punto no. 8 letra C. reembolsable en el caso que no se me adjudiquen los lotes. Acepto las condiciones del catálogo, las reglas de la subasta y del presente documento.

FIRMA

OFERTAS POR TELÉFONO

10. Las ofertas en ausencia también se recibirán por teléfono, previa entrega del presente documento firmado y enviado vía correo electrónico a Morton con cuando menos dos días hábiles antes de la fecha de la celebración de la Subasta, siempre y cuando el precio estimado de la pieza por la que oferta sea de $10,000.00 M.N. o mayor.

México, D.F. a

del año

CONFIDENCIALIDAD

11. La información aquí contenida se considera Confidencial, por lo que su divulgación está prohibida y da derecho al pago de daños y perjuicios que causen por este hecho.

Informes: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

Nota: Las ofertas en ausencia se recibirán hasta cuatro horas antes de la subasta.

Tel. +52 (55) 5283 3140 Ext. 3148, 3149 y 3150

Lote 47

DIRECTORIO Presidente Luis C. López Morton

. .

eorozco@mortonsubastas.com

Director General Eduardo López Morton

. .

emorton@mortonsubastas.com

Director de Operaciones Manuel González mgonzalez@mortonsubastas.com Gerente de Administración y Finanzas Rosalía Madrigal rmadrigal@mortonsubastas.com

Director General de Préstamos Andrés López Morton amorton@mortonsubastas.com

Gerente de Autos y Camiones Aída Alanís Lara aalanis@mortonsubastas.com

CONSIGNACIÓN Antigüedades Antonio López Morton Arte Moderno y Contemporáneo Sofía Duarte Obra Gráfica Diana Álvarez Fotografía Marcela Mena Joyería y Relojes Alejandra Rojas Libros Antiguos y Contemporáneos Jesús Cruz Vinos de Colección y Uso Diario Abril Rodríguez Oportunidades. Cerro de Mayka Alejandro Sánchez Herencias y Colecciones Javier López Morton Monterrey Daniella Palafox Guadalajara Shantal López París Carlos Millán

DEPARTAMENTO DE ARTE MODERNO

Gerente de Departamento Sofía Duarte

Coordinadora de Contenidos Odette Paz

Especialistas María Fernanda Serrano Constanza Infante

Catalogadora Ana Segoviano

Atención a Clientes Valeria Cruz

INFORMES Tel. + 52 (55) 5283 3140 atencion.clientes@mortonsubastas.com 10

Visite nuestra página web

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donde encontrará fotografías adicionales de todos los lotes incluidos en esta subasta.

Subasta de Arte Latinoamericano Salón Monte Athos Monte Athos 179 Col. Lomas de Chapultepec, Ciudad de México

j u e v e s 18 d e j u n i o d e l 2020, 7:00 p . m .

EXPOSICIÓN Del 11 al 16 de junio del 2020 Lunes a viernes de 9:30 a.m. a 7:00 p.m. Sábado 13 de junio y domingo 14 de junio de 11:00 a.m. a 2:00 p.m. Salón Monte Athos VISITAS PRIVADAS Y ASESORÍA EN ARTE Citas: Constanza Infante Tel. (55) 5283 3140 ext. 3384 • cinfante@mortonsubastas.com

INFORMES Valeria Cruz Tel. (55) 5283 3140 ext. 3171 vcruz@mortonsubastas.com PORTADILLA: Lote 33 PORTADA: Lote 46 CONTRAPORTADA: Lote 52

fechas sujetas a cambio por contingencia Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, María Izquierdo, Saturnino Herrán, Frida Kahlo, José María Velasco y Dr. Atl, forman parte del grupo de pintores mexicanos cuyas obras son consideradas Monumentos Artísticos e Históricos. Si usted requiere mayor información, contacte a nuestro Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo.

LAS VENTAS DESPUÉS DE SUBASTA SERÁN SOBRE EL ESTIMADO BAJO Morton Subastas no proporciona servicios de envío de las piezas; sin embargo, puede consultarlo con Pakmail dentro de nuestras oficinas.

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¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA? ¡BIENVENIDO! Usted está entrando al mundo de las subastas, un mundo donde es emocionante adquirir antigüedades, arte, joyas, muebles y muchas cosas más. Algunas personas creen que la subasta es un proceso complicado... ¡sorpresa! entrar a comprar a una subasta es muy sencillo y no se requiere invitación, inscripción, ni nada de eso. Únicamente acuda, disfrute el momento y dese el placer de llevarse eso que tanto le gusta. Aquí le damos unos consejos para que lo disfrute desde la primera vez...

¿LA SUBASTA ESTÁ ABIERTA AL PÚBLICO? Sí, la subasta es un evento público y gratuito. Usted es bienvenido sin necesidad de invitación, incluso si no está seguro de que adquirirá un lote. (Lote: cualquiera de las piezas o conjunto de piezas que se subastarán, tiene un número y aparece en el catálogo correspondiente).

¿QUÉ DEBO HACER ANTES DE LA SUBASTA? Usted puede asistir antes de la subasta a la exposición, donde podrá ver las piezas que se van a subastar. Es muy recomendable comprar el catálogo, porque en él se encuentra la descripción detallada y fotos de cada lote. El día de la subasta, al registrarse en la recepción le entregarán un número de paleta para hacer posturas; es decir, una paleta de plástico con un número que será levantada cada vez que usted quiera ofrecer una cantidad para adquirir un lote. En el registro se le solicitará su nombre, dirección y un depósito en garantía para sus compras (en efectivo o tarjeta).

¿QUÉ SIGNIFICAN LOS PRECIOS ESTIMADOS QUE APARECEN EN EL CATÁLOGO? Generalmente el catálogo muestra dos precios: un estimado bajo y uno alto. El lote puede venderse por debajo del estimado bajo (si el consignante no ha fijado un precio mínimo) y puede venderse por arriba del estimado alto en el momento de la subasta.

¿CÓMO FUNCIONA LA SUBASTA? Cuando salga a remate el lote que usted desea adquirir, simplemente levante la paleta que le fue asignada cuando el subastador proponga el precio de venta en subasta y usted esté de acuerdo con dicha cantidad. El subastador continuará elevando el precio mientras haya personas que sigan ofreciendo por el mismo lote. El último precio indicado por el subastador al dejar caer el martillo es el precio de martillo, y esa es la cantidad más la comisión (20%), más el IVA de la comisión, lo que usted pagará por el lote adquirido.

¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA SIN ESTAR PRESENTE EN EL SALÓN? ¿SE PUEDEN HACER OFERTAS SIN ASISTIR AL SALÓN DE SUBASTAS?

El formato de ofertas en ausencia se encuentra en la última página de este catálogo

Sí, existen dos sencillas formas de hacer ofertas en ausencia: • Por escrito. Usted llena el formato de ofertas en ausencia, indica el número de lote o lotes que desea, así como la oferta máxima que quiere hacer por cada uno de ellos. Así, uno de nuestros representantes estará haciendo las ofertas en su nombre y representación. • Por teléfono. Previamente a la subasta, usted elige el lote o lotes por los que hará sus ofertas. Al momento que el lote salga a remate, uno de nuestros representantes se comunicará con usted y así estará pasando sus ofertas al subastador.

OFERTAS EN AUSENCIA El personal autorizado por Morton podrá hacer efectivas las pujas en representación de los licitadores, sin ningún cargo para el licitador y de acuerdo a las siguientes reglas: 1. El licitador podrá hacer llegar su postura a Morton hasta cuatro horas antes de celebrarse la subasta, mediante la entrega de la ficha de registro para ofertas en ausencia directamente en nuestras oficinas, con acuse de recibo por correo electrónico a la siguiente dirección: ofertasenausencia@mortonsubastas.com, el formato está a su disposición en nuestras oficinas así como en el catálogo de la subasta. 2. Será necesario que Morton haya recibido las posturas del licitador, señalando un monto máximo como límite de cada puja. 3. En el caso de que el límite máximo fijado por el licitador en ausencia se iguale con la última puja de la sala, se autoriza a Morton a subir a la siguiente puja por cuenta del licitador en ausencia; de lo contrario el licitador presente en la sala tendrá la prioridad sobre el lote. Esta información se considera confidencial. 4. Como garantía de pago, en el caso de que el licitador se presente en Morton para registrar ofertas en ausencia deberá firmar un comprobante de tarjeta de crédito bancario o American Express a la orden de Morton Subastas, S.A. de C.V. 5. Los lotes se adjudicarán al precio más bajo que permitan las demás pujas o posturas aceptadas en la sala. 6. En caso de que hubiera dos o más licitadores en ausencia, con ofertas por el mismo lote y por la misma cantidad, se adjudicará el lote al licitador cuya oferta haya sido presentada primero en día y hora. En lo demás, son aplicables todas las reglas de la subasta. 7. Morton NO es responsable si alguna de las ofertas en ausencia no se logra realizar. 8. Morton NO acepta ofertas sin límite.

OFERTAS POR TELÉFONO 1. Pueden hacerse ofertas vía telefónica en el salón de subastas durante el desarrollo de la subasta, presentando una solicitud por escrito y entregada a Morton por lo menos con dos días hábiles de anticipación siempre y cuando la cifra sea mayor a $10,000.00 por cada lote de su interés. Las condiciones para hacer efectivas las pujas, son las mismas que para ofertas en ausencia. Puede hacernos llegar sus ofertas y demás documentos a la dirección electrónica: ofertasenausencia@mortonsubastas.com 2. No se aceptarán ofertas por teléfono que no tengan postura, ni menores a $10,000.00

INFORMACIÓN IMPORTANTE • El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor. •

El subastador podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva, por medio de pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores.

• El transporte es por cuenta del comprador. •

Todas las piezas se venden en el estado en que se encuentran, favor de revisarlas bien antes de comprar; si tiene alguna duda no compre.

•

Todas las piezas incluidas en este catálogo, están revisadas y muchas de ellas autentificadas tanto por los propietarios o por algún experto. Por favor si tiene dudas o requiere más información estamos a sus órdenes y le asistiremos en lo más que podamos aclarar.

•

Si por alguna razón nuestra descripción no es de su entera satisfacción, usted puede revisar las piezas previamente a la subasta y traer a su experto dentro del horario de exposición.

•

De acuerdo a lo establecido en el Artículo 16, de la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos y el Artículo 37 de su Reglamento; es necesario realizar el trámite INAH-00-005 para obtener el PERMISO DE EXPORTACIÓN TEMPORAL O DEFINITIVA DE MONUMENTOS O BIENES MUEBLES HISTÓRICOS. Para realizar dicho trámite es necesario ingresar a www.tramites.inah.gob.mx en la opción de Exportación y Transporte.

• Los precios estimados son en pesos mexicanos. • En los lotes que no llevan estimado, la salida está por abajo de $2,000.00 M.N. •

Si por alguna razón no puede pasar a liquidar en el tiempo ya mencionado, haremos efectivo el cargo a la tarjeta de crédito, más su porcentaje correspondiente.

•

Compras por debajo de $50,000.00 M.N., se cargarán el mismo día a la tarjeta de crédito más su porcentaje de comisión de la subasta.

• Morton Subastas le proporciona factura por el Premium y el IVA correspondiente. • Una vez hecha la factura no hay cambio de nombre. • Si se le asigna un lote en la subasta no hay devoluciones ni reclamaciones. RETIRE SUS PIEZAS COMPRADAS EN SUBASTA A TIEMPO Las piezas de esta subasta se deberán recoger en los siguientes días y horarios, en Monte Athos 179, Lomas de Chapultepec:

Viernes 19 de junio de 9:30 a.m. a 7:00 p.m. Lunes 22 de junio de 9:30 a.m. a 7:00 p.m Martes 23 de junio de 9:30 a.m. a 7:00 p.m Miércoles 24 de junio de 9:30 a.m. a 7:00 p.m Si no son recogidas en este plazo tendrán un cargo del 20% diario sobre el precio de martillo. A partir del sextoen díaeste hábil deberán recogerse en del Av. 10% Constituyentes 910, la Lomas Altas. Si no son recogidas plazo tendrán un cargo mensual sobre reserva. A partir del sexto día deberán recogerse en Av. Constituyentes 910, Lomas Altas. *FECHAS SUJETAS A CAMBIO POR CONTINGENCIA*

LA SUBASTA 1. Al iniciar la subasta, el martillero indicará el lote a ser subastado, ya sea por medio del número que corresponda de acuerdo al catálogo de la Subasta o dando lectura a la descripción, las características y el precio de salida. 2. La subasta de cada lote se iniciará cuando el martillero pregone el precio de salida del mismo y entonces los licitadores podrán hacer efectivas las pujas o aceptar la postura ofrecida por el martillero. El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor. El martillero podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva, por medio de pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores. 3. Para que el martillero adjudique un lote, será necesario que no haya pujas que mejoren la anterior; por lo tanto el precio mencionado por el martillero constituirá el precio de martillo o de venta que deberá pagar el licitador. 4. Las pujas, es decir, la cantidad que el licitador ofrece respecto a la postura anterior o al precio de salida, se regirán dentro de los siguientes parámetros: PRECIO DE SALIDA

INCREMENTO DE LA PUJA

DE:

$100

$1,000

$100

$1,000

$5,000

$200 $500 $800

$5,000

$10,000

$500

$10,000

$20,000

$1,000

$20,000

$50,000

$2,000

$50,000

$100,000

$5,000

$100,000

En adelante

$10,000

5. La persona a la que el martillero adjudique el lote, se convierte en el propietario del mismo, como consecuencia deberá pagar lo siguiente: a. El precio de venta o de martillo del lote subastado. b. La cantidad equivalente al 20% del precio mencionado en el punto (a) por concepto de comisión (Premium). c. El Impuesto al Valor Agregado sobre la comisión. d. En caso de que el pago se efectúe con tarjeta de crédito bancario o American Express, se agregará el 6.6% sobre el monto total, por concepto de comisión por el uso de tarjeta de crédito. 6. Como consecuencia de la adjudicación del bien, personal de Morton presentará al comprador una hoja de adjudicación y un estado de cuenta y realizará el cierre del comprobante de la tarjeta de Crédito Bancario o American Express, según sea el caso.

7. El transporte corre por cuenta del comprador. 8. Compras menores de $50,000.00 (cincuenta mil pesos 00/100 M.N.) se cargarán el mismo día a la tarjeta de crédito, más el porcentaje de comisión de la subasta, el I.V.A. correspondiente. 9. Si requiere factura a nombre de su Compañía, favor de solicitar al momento de liquidar, mostrando el Registro Federal de Causantes. NO habrá cambios en las facturas. 10. Una vez adjudicado un lote no se aceptan reclamaciones ni cancelaciones. 11. La mercancía se subasta, adjudica y entrega en las condiciones en que se encuentra, por lo que le recomendamos acudir a nuestras exhibiciones o verificar plenamente que el lote a subastar reúna las condiciones y características de su interés.

GLOSARIO DE TÉCNICAS PLÁSTICAS Las técnicas pictóricas están conformadas por pigmento (sustancia que permite colorear las superficies al dejar partículas adheridas a ellas), aglutinante (que permite que la mezcla sea estable y garantiza su permanencia en el soporte) y diluyente (que permite adelgazar, homogenizar y disolver la materia). Tipos de soporte: Aglomerados: Tableros fabricados a partir de elementos fibrosos de madera prensada y unidos por medio de distintos procesos y aglutinantes; los más utilizados son: fibracel, masonite y MDF. En ocasiones llevan un recubrimiento industrial como en el caso de la melamina y formica. Cartón: Material compuesto por varias capas de papel a base de fibra virgen o de papel reciclado superpuestas. Es grueso, duro y resistente. Láminas de metal: Suelen ser de cobre o zinc. Madera: También catalogada como “tabla”. Los tipos de madera más usados en la pintura son: caoba, pino y laminados como el triplay. Papel: Hoja delgada que se hace con pasta de fibras vegetales. Puede ser de fabricación industrial o a mano, lo que brinda a las hojas distintas texturas y cualidades. Polipropileno: Polímero termoplástico, parcialmente cristalino. Se fabrica en diversos grosores y grados de flexibilidad. Tiene gran resistencia contra solventes químicos y al calor. Tela o lienzo: Usualmente preparado con una imprimatura para pintar sobre él. Los más utilizados son los fabricados en lino, yute, cáñamo, algodón o fibras sintéticas. Vinilo: Se obtiene a partir del cloruro de vinilo, un material que se usa para fabricar PVC (policloruro de vinilo), utilizado en una variedad de productos plásticos. Puede ser usado como soporte de impresión, entre sus propiedades destacan la durabilidad y la maleabilidad. También se utiliza como material de rotulación pues su alta maleabilidad permite que sea deformado y cortado, permitiendo construir siluetas y textos. Técnicas bidimensionales: Acrílico: Emulsión integrada por pigmento y cola vinílica soluble en agua que se distingue especialmente por la rapidez del secado. Acuarela: Pigmentos aglutinados con goma arábiga que al ser diluidos en agua resultan traslúcidos y ofrecen una textura visual muy ligera. Anilina: Pigmentos de origen natural, usados principalmente en la industria alimenticia. Barniz: Producto que suele aplicarse al finalizar la obra, forma una película sólida, transparente, con propiedades protectoras o decorativas. Bolígrafo: Instrumento que produce un trazo uniforme y de secado rápido. Contiene un tubo de tinta y, en la punta, una bolita metálica que gira permitiendo el dibujo. Crayón: Barra hecha con cera y pigmentos. Carboncillo: Trozo de madera carbonizada que permite trazar líneas ágiles y gradaciones. Collage: Procedimiento que consiste en pegar trozos de diferentes materiales como telas, cartón, papel, fotografías y recortes de periódicos, sobre una superficie para crear una composición. Conté: También se le conoce como lápiz de carbón compuesto, similar al carboncillo, pero ofrece un trazo más preciso al estar aglutinado con cera o arcilla. Encáustica: Pigmentos disueltos en cera que se extienden con ayuda de una espátula o pincel sobre el soporte. Se le suele aplicar fuego directo para crear diversos efectos y texturas. Esmalte: Pasta vítrea, brillante y dura, que se obtiene mediante fusión de polvo de vidrio coloreado con óxidos metálicos, y que se aplica sobre cerámica o metal. Gouache: Pintura opaca en la que los pigmentos están aglutinados con goma arábiga y mezclados con un medio inerte como el yeso, carbonato de calcio o creta. Hoja de oro: Lámina muy fina de oro batido o metal que imita metales preciosos. Se adhiere a diversas superficies previamente preparadas.

Lápiz: Barras de madera que contienen en su interior una mina de pigmento aglutinado. Los tipos más usuales son: De grafito: Su mina está compuesta de grafito (un mineral de carbono casi puro), arcilla y agua; da distintas tonalidades de gris de acuerdo al grado de dureza que tenga, en una escala indicada con las siglas H (hard) a B (black). De color: Su mina está compuesta por pigmentos de colores aglutinados con cera de abeja. Mixta: Cuando se combinan varias técnicas o se introducen elementos extra pictóricos como arena, polvo de mármol o tierra. Óleo: Pigmentos integrados con aceites y resinas vegetales, se disuelven en trementina (aguarrás). Se puede controlar su fluidez y espesor, aplicándolo de manera directa o por medio de veladuras. Pastel: Barras secas de pigmentos aglutinados con goma. Su textura permite mezclarlos o difuminarlos. Pastel graso: Combinación de pigmentos con aceite y cera. Estas barras son blandas, de consistencia cremosa y colores brillantes. Piroxilina: Laca sintética a base de nitrocelulosa; su uso es principalmente industrial. Poliuretano: Polímero que puede fabricarse para que sea rígido o flexible, por ejemplo como espuma. Sanguina: Óxido férrico aglutinado con goma arábiga que se utiliza en forma de lápiz o barra para trazar en una gama de colores rojizos. Temple: Su característica principal es la emulsión de agua y materia grasa. Los pigmentos se encuentran aglutinados con yema de huevo, caseína, goma o grasa animal. Tinta acrílica: Gracias a su base acrílica seca rápidamente, es permanente y resistente al agua. Tinta china: Está formada por partículas de pigmento negro carbón con un aglutinante de cola proteica, los cuales se disuelven en agua. Tinta saiboku: Barritas de tinta hechas con pigmentos inorgánicos y cola animal. Su color es intenso. Técnicas tridimensionales: Escultura: Obra tridimensional tallada, modelada o construida en barro, cerámica, piedra, madera, metal u otro material. Relieve: Obra adosada a un plano; adherida a una superficie que le sirve de fondo, por lo que tiene un punto de vista frontal. Las técnicas más comunes son: Fundición: Técnica para obtener esculturas en metal. Predominan dos procedimientos: la fundición a la cera perdida y a la arena. A la cera perdida: Consiste en realizar un modelo en arcilla que se recubre con una capa de cera, que a su vez se recubre con alguna sustancia refractaria y se deja endurecer. Una vez secos, se le hacen unos orificios por donde se deja salir la cera y posteriormente se rellena con bronce fundido. Al enfriarse el metal, se rompe la capa exterior de arcilla. A la arena: Consiste en dividir la pieza en diversas partes, que se ponen en cajas rellenas de arena y en las cuales se vierte el bronce líquido. Posteriormente las distintas piezas se unen mediante remaches. Ensamblaje: Técnica que consiste en pegar o soldar distintos objetos y materiales para crear una composición con tridimensionalidad. Labra: Técnica sustractiva en la que se parte de un bloque de piedra (mármol, ónix, basalto, etc.) y se desbasta con mazo y cincel, para crear una forma. Modelado: técnica aditiva que consiste en añadir materia e ir moldeándola, ya sea con las manos o algún instrumento como espátula o estiques. Los materiales más comunes son la arcilla, cerámica, cera y plastilina. Pátina: Medios químicos que posibilitan cambiar el tono de la superficie de una escultura. Su nombre proviene de emular la “pátina”, barniz o tono que adquieren ciertos objetos antiguos con el paso del tiempo. Soldadura: Procedimiento por el cual dos o más piezas de metal se unen por aplicación de calor, presión o una combinación de ambos. Talla: Técnica sustractiva que parte de un bloque generalmente de madera, el cual se va extrayendo y puliendo con mazas y gubias hasta alcanzar la forma deseada. Vaciado: Se vierte el material, que puede ser metal, plástico, resina, yeso o cerámica en un molde.

Lote 28

Lote 55

“El arte da al hombre la experiencia de vivir en un mundo donde las cosas son como deberían ser. Esta experiencia es de crucial importancia para él [...] Es como un descanso, un momento de repostar combustible mental hacia nuevos logros. El Arte le da este combustible, un momento de alegría metafísica, un momento de amor por la existencia. Como un faro, alzado sobre los oscuros cruces de caminos del mundo, diciendo ‘Esto es posible’”. Ayn Rand

En Morton Subastas nos apasiona el arte y por ello creemos que, en estos tiempos complejos, hoy más que nunca es el momento perfecto para la comunicación y reflexión. Esperamos que la selección de estos 117 lotes que hemos hecho con mucho esfuerzo y dedicación lo deleite y que en ella pueda encontrar la obra que en estos momentos reconforte su espíritu y pueda volverse parte de su colección. En estos días que hemos tenido que permanecer en casa, la lectura del catálogo nos permitirá hacer un viaje por el continente de la mano de distintos exponentes del arte latinoamericano. Recorriendo desde el Cono Sur, con artistas como Ignacio Iturria, pasando por Perú con Alfredo Alcalde García, subiendo a Centro América con Carlos Mérida, paseando por el Caribe con Carlos Ríos y por supuesto llegando a México con grandes maestros como Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros, entre muchos otros. P a r a n o s o t ro s e s u n g u s t o p o d e r c o m p a r t i r c o n u s t e d o b r a s d e d i s t i n t o s movimientos y etapas de la historia del arte. Muestras de los grandes muralistas, paisajistas, exponentes de la generación de La Ruptura, y artistas contemporáneos que hoy en día siguen trabajando y aportando al arte tanto dentro como fuera de nuestro país. Destacan de forma especial un retrato modernista del Benemérito de las Américas, Benito Juárez, ejecutado por David Alfaro Siqueiros en 1971 y por otro lado un fragmento del polémico Mural Efímero realizado por José Luis Cuevas, en la azotea de un edificio en la Zona Rosa, en 1967. Sin duda piezas dignas de pertenecer a cualquier museo o colección privada. Las especialistas del Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo se sentirán honradas de ofrecerle asesoría personalizada y acompañarlo en cada paso del proceso de compra en esta Subasta de Arte Latinoamericano.

Morton Subastas

GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 2003) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 55 x 45 cm Gustavo Montoya realizó estudios en la Academia de San Carlos, donde tuvo como maestros a importantes artistas como Germán Gedovius, Roberto Montenegro, Leandro Izaguirre y Mateo Herrera. Posteriormente fue influenciado por el estilo de Diego Rivera y durante muchos años mantuvo una cercana amistad con Juan Rulfo. Habiendo aprendido estilo academicista, emprendió su camino como artista autodidacta. Pasó una corta estancia en París hasta que el gobierno mexicano le otorgó una concesión para estudiar en Suiza, Inglaterra e Italia; no obstante, a consecuencia de la Segunda Guerra Mundial tuvo que acortar su viaje para regresar a América y se instaló un tiempo en Nueva York. Ahí tuvo varias exposiciones y en 1942 volvió a México, donde comenzó a dar clases en la Escuela Nacional de Artes Plásticas y fue reconocido por su trabajo en distintas instituciones culturales. Si bien tuvo distintas etapas en su producción, una de las más destacadas es la de la serie de “Niños Mexicanos”, niños de tez morena y rasgos indígenas, con atavíos tradicionales, en ocasiones jugando o sosteniendo objetos vinculados con la identidad nacional. Tanto pinturas como esculturas de esta serie fueron exhibidas en repetidas ocasiones en el Museo del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México en las exposiciones “Retrato Mexicano” en 1961 y “Maestros de la pintura mexicana” en 1976.

Fuentes consultadas: RULFO, Juan et ál. Gustavo Montoya. México. Litógrafos Unidos S. A., 1981, pp. 77-79 y LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, julio-agosto 1999, año 4, No. 40, pp. 10-12.

$260,000.00-$320,000.00 M.N.

CARLOS MÉRIDA

(Quetzaltenango, Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) Paisaje con 3 mujeres

Firmado y fechado Atitlan 1926 Pochoir y lápiz de grafito sobre papel 22.5 x 27.5 cm Procedencia: adquirido directamente al artista. Colección particular de Berta Singerman. Presenta detalles de conservación. Carlos Mérida fue un importante artista guatemalteco nacionalizado mexicano. Desde sus inicios como artista se apegó a la idea de experimentar en todo momento con los cambios, jugaba y gozaba su trabajo. En 1912 viajó a París para experimentar en persona con las vanguardias, sus estudios lo llevaron a viajar por otros países de Europa y Latinoamérica, hasta llegar a México, donde radicó por más de treinta años. Destacó dentro del limitado círculo de artistas muralistas al colaborar con Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco. Los ejes temáticos de su obra ya abordaban la cultura prehispánica, desde antes de llegar a México; en especial la cultura maya, especialmente los rituales tradicionales y escenas de la vida cotidiana. Su obra sintetiza su dominio en el color, su gusto por los juegos geométricos y las líneas, narrando su íntima relación con la historia y su sensibilidad por el lenguaje de las culturas populares. Fuentes consultadas: DE LA TORRE, Mario. Carlos Mérida en sus 90 años. México. Cartón y papel de México S.A de C.V, 1981, Pág. 30 y CARDOZA Y ARAGÓN, Luis. Carlos Mérida. Color y forma. México. CONACULTA, 1992, pp. 42-44.

$100,000.00-$150,000.00 M.N.

GUILLERMO MEZA

(Ciudad de México, 1917 - Ciudad de México, 1997) Aura silenciosa

Firmado, con monograma y fechado 1959 al frente y al reverso Óleo sobre tela 80 x 100 cm Acudió a la Escuela Nocturna de Arte para Trabajadores, donde aprendió dibujo, grabado y música. Posteriormente estudió con Santos Balmori, quien lo hizo su asistente e invitó a realizar algunos murales en Morelia, en donde también dio clases a niños refugiados españoles. Fue también aprendiz de Diego Rivera, quien lo recomendó a su regreso a la Ciudad de México con Inés Amor, directora de la Galería de Arte Mexicano, donde hizo su primera exposición individual y varias posteriores. En 1947, laboró en la Academia Mexicana de Danza y diseñó escenografías y vestuarios para una compañía de ballet en Noruega. Trabajó como tema principal la denuncia social. Mediante figuras humanas distorsionadas conjugadas en fondos llenos de ritmo, armonía y composición cromática, Guillermo Meza hacía una muestra simbólica del reclamo a la ruptura sufrida en el pueblo. Era un arraigado nacionalista cuya obra ha pasado a la historia del arte mexicano por su mensaje humano y reflexivo de forma sublime. "La obra pictórica del artista destaca por sus habilidades estéticas que revelan trazos firmes en el dibujo, solidez en el manejo del color y una visión formal diferente, la cual más que subconsciente o inconsciente es surrealista. Trata la vida indígena revestida de elementos simbólicos con recuerdos de la infancia en un ambiente romántico, evocativo y muchas veces trágico". Rebeca Monroy Nars. Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo et ál. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 348, MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 418 y "Obra de Guillermo Meza pasó a la historia por su contenido universal". México. Notimex, 10 de octubre del 2007.

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

JOSÉ BARDASANO

(Madrid, España, 1910 - Madrid, España, 1979) Recolectoras de frutas

Firmado y fechado Madrid Mayo 66 Óleo sobre tela 121 x 250 cm $700,000.00-$900,000.00 M.N.

José Bardasano fue un pintor madrileño virtuoso del color, excelente dibujante y arduo representante de la norma estética. Su trabajo es fruto de un cultivo de temas costumbristas nacidos en dos continentes, pues sus múltiples viajes a causa del exilio por guerras, le ampliaron el panorama plástico. No obstante, a pesar de que se identificó con las ideas del muralismo mexicano, optó por un camino propio, pues su fuerte personalidad le permitió conservar su identidad española sobreponiéndose a todas las influencias. Fue así, que su inconfundible estilo realista se adecuó bien a las circunstancias y realizó una larga serie de retratos, paisajes y bodegones, así como temas costumbristas y festivales latinos con personajes pertenecientes a la vida moderna, pero con un estilo clásico europeo digno de su formación. Vivió dedicado a la pintura, una dedicación que él explicaba llanamente como una auténtica necesidad fisiológica. En su momento, su producción alcanzó un gran reconocimiento y su prolífica carrera ha traspasado los años, y actualmente se le han realizado diversas exposiciones en importantes instituciones y museos, como las montadas el Museo Carmen Thyssen Málaga y el Museo del Prado en Madrid, España. Además, su obra forma parte de destacadas colecciones públicas y privadas de galerías y museos de países de Europa, América y Asia. Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 106 y sitio oficial del Museo Carmen Thyssen de Málaga www.carmenthyssenmalaga.org

CARMEN PARRA

(Ciudad de México, 1944 - ) Sin título

Firmado y fechado 2015 Óleo sobre tela 65 x 125 cm Con constancia de El Aire Centro de Arte firmada por la artista. Publicado en: RUIZ REGIL, José Manuel. Carmen Parra / José Antonio Farrera. La flor de loto y el cardo. México. Aldama Fine Art, 2015, Pág. 24, catalogado 6. Exhibido en: "Carmen Parra / José Antonio Farrera. La flor de loto y el cardo", muestra presentada en la galería Aldama Fine Art, en la Ciudad de México, de octubre a diciembre del 2015. La formación de Carmen Parra se constituyó de sus estudios en teatro, antropología social, después en diseño gráfico y por último en música y pintura, la cual aprendió en la Academia de Bellas Artes de Roma y en La Esmeralda en la Ciudad de México. Estuvo casada con Alberto Gironella en una época en la que él tuvo múltiples exposiciones; cuando Fernando Gamboa vio la obra de Carmen, le propuso presentarla en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, teniendo un gran éxito. A lo largo de su carrera artística ha realizado obra con diferentes temáticas, entre ellas la tauromaquia, arte colonial, mitología, paisajes y bodegones con flores. Las pinturas de flores de Carmen Parra son un festín de color, una gama compleja de cálidos y fríos, de curvas y líneas, de transparencias y sólidos. Sus floreros tienen una esencia única, juegan a esconderse con el fondo y a confundirse con el dibujo del tapiz o el de los muros. Fuente consultada: RUIZ REGIL, José Manuel. Carmen Parra / José Antonio Farrera. La flor de loto y el cardo. México. Aldama Fine Art, 2015, Pág. 6.

$100,000.00-$150,000.00 M.N.

ROBERTO MONTENEGRO

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Pátzcuaro, Michoacán, 1968) a) Frutero

Firmado y fechado 62 Óleo sobre tela 56 x 65 cm Con etiqueta de Galería de Arte Plástica de México b) Frutero Firmado Óleo sobre tela 60 x 50 cm Ambos con certificados de autenticidad de Stern Fine Art. Piezas: 2 Roberto Montenegro fue hijo del Coronel Ignacio Montenegro y doña María Nervo, tía de Amado Nervo. Estudió en la Academia de San Carlos, fue amigo de Diego Rivera y José Juan Tablada, quien lo introdujo al arte japonés. Pasó la mayor parte de su juventud en Francia, donde consiguió la experiencia vanguardista, no obstante, mucho también le debe a su tierra natal, no sólo por nacionalidad y tradición sino porque en México desarrolló toda su producción. A su regreso al país en 1921 se relacionó con el muralismo, aunque no dejó la pintura de caballete. Posteriormente colaboró en puestas teatrales y cinematográficas, haciendo escenografía y diseño de vestuarios; además fue un gran difusor del arte y la cultura mexicana en el extranjero, llevándolo a recibir el Premio Nacional de Artes. Acostumbrado a las variantes modernas aprendidas en Europa, las naturalezas muertas que pintó están ejecutadas con formas geométricas, un tanto a la manera cubista. Así mismo, la dedicación al estudio del arte popular y su amor por el teatro, fueron reflejados en cada uno de sus bodegones, como si fuesen escenografías. Son piezas que presentan carácter y una excepcional calidad pictórica.

Fuentes consultadas: BALDERAS, Esperanza. Roberto Montenegro. La sensualidad renovada. México. CENIDIAP, Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 2001, pp. 20-26, 50 y 51 y FERNÁNDEZ, Justino. Roberto Montenegro. México. UNAM, 1962, Pag. 26.

$280,000.00-$400,000.00 M.N.

PHIL KELLY

(Dublín, Irlanda, 1950 - Ciudad de México, 2010) Sin título

Firmado Óleo sobre papel 71 x 56 cm Agradecemos a la familia Kelly Munguía por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2020. Phil Kelly llegó a México por primera vez en 1982. Siete años después decidió quedarse a vivir. Artista autodidacta, de obra recargada con trazos vigorosos y una paleta de colores exaltada, centró la mayoría de su pintura en temas urbanos, aunque también cultivó el desnudo femenino y el bodegón. En 1991 realizó su primera exposición individual en México, "Ciudad inédita" en el Polyforum Cultural Siqueiros. Cinco años después, más experimentado e involucrado con actores culturales que le ayudaron a impulsar su carrera, expuso individualmente en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México la muestra que llevó por título "Babel descifrado". Entre los años 2003 y 2010 realizó varias exposiciones en diversos museos, festivales y fundaciones culturales de México, Estados Unidos y algunos países de Europa. "La solución cromática empleada por Phil Kelly pone en evidencia su aprecio por los impresionistas y postimpresionistas. Lo atestiguan su gusto por las composiciones abruptas, a lo Edgar Degas, hasta la misma fascinación compartida por las estructuras modernas de Gustave Caillebotte. Así también, Kelly se entusiasma por pintar calles bulliciosas, cargadas de movimiento, tal como lo hacía Claude Monet. No menos elocuente resulta la afinidad del irlandés por los colores fovistas empleados por Matisse". Luis-Martín Lozano. Fuentes consultadas: LOZANO, Luis-Martín et ál. Phil Kelly. Dos horas y veinticinco años. México. Aeroméxico, American Express, 2005, Pág. 110 y MACMASTERS, Merry. "Muere el pintor Phil Kelly; hizo del DF su leitmotiv estético". México. La Jornada, Sección Cultura, 4 de agosto del 2010.

$40,000.00-$50,000.00 M.N. 30

SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Sin título, 2013

Firmada al reverso Mixta sobre lámina de plomo 80 x 80 cm Con certificado de autenticidad del artista, diciembre del 2014. Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2020. Sergio Hernández inició su experimentación con el plomo en el taller del restaurador Manuel Serrano, en la colonia Roma de la Ciudad de México. El artista menciona: "El blanco de plomo se ha utilizado históricamente, siempre, mezclado con aceite y se convierte en amarilloso. Mi gran curiosidad fue si usando vinagre, agua ácida, sacaría la pureza del plomo, el blanco de plomo. Ahí empecé a trabajar con las placas". La curiosidad de Sergio Hernández por el plomo lo llevó a puntos extremos, hasta intoxicarse físicamente y en forma grave; es el peligro convertido en creatividad lo fundamental de la serie de obras que realizó con este material. Su exploración artística se sustenta en la técnica, pero no deja de darse una búsqueda estética, que surgió de imágenes realizadas en el siglo XIX, obra delicada, muy fina, de una delicadeza en la finura de las transparencias y en el dibujo. Fuentes consultadas: AMADOR TELLO, Judith y PONCE, Armando, "Las pasiones de Sergio Hernández en Casa Lamm". México. Proceso, 3 de abril del 2017 y SÁNCHEZ MEDEL, Leticia. "Los plomos y bronces de Sergio Hernández, en Puebla". México. Diario Milenio, sección Cultura, 28 de agosto del 2014.

$420,000.00-$600,000.00 M.N. 31

VICENTE GANDÍA

(Valencia, España, 1935 - Morelos, México, 2009) Alcachofas, 2002

Firmado Acrílico sobre tela 40 x 50 cm Agradecemos a la Sra. Andrea Velasco Levy, viuda de Gandía por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2020. Vicente Gandía fue un artista español de corazón mexicano, siempre fiel a su estilo y esencia, considerado como uno de los más versátiles de su generación. Llegó a México en 1951, con su hermana y con su madre. Rápidamente se adaptó a la cultura mexicana, pues deslumbrado por el paisaje y la vegetación optó por dejar a un lado su interés por la arquitectura para dedicarse a la pintura. Su formación fue autodidacta, aun así, poco a poco fluyeron en sus lienzos las emociones y el carácter de lo que sería su estilo, estructurando una carrera que se extendió por más de 50 años. Logró hacer de la realidad algo excepcional, aplicando la luz con diferentes matices y poniendo el color de manera exuberante como el protagonista de las emociones dramáticas de las escenas. No sólo ejerció los oficios de pintor y dibujante, sino que también experimentó con la técnica del grabado. En general, su obra se distinguió de cualquier otra por su inigualable forma anímica de pintar los paisajes, su casa, las casas de sus vecinos, invernaderos, laberintos, floreros, frutas y hasta temas mitológicos y juegos abstractos. A lo largo de su carrera también trabajó como diseñador gráfico y comercial en algunas revistas mexicanas y fue miembro del Salón de la Plástica Mexicana. Participó en más de 100 exposiciones colectivas e individuales en México y el extranjero. Actualmente, su obra forma parte de las colecciones del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, del MoMA de Nueva York, del Museo de Arte Contemporáneo de Santiago, de la Biblioteca P. Arango en Bogotá, del Instituto de Cultura Puertorriqueña y de la Colección Banamex, entre otros. Fuente consultada: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 268.

$75,000.00-$100,000.00 M.N. 32

GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 2003) Alcachofas en frutero

Firmado Óleo sobre tela 84 x 55.5 cm Con certificado de autenticidad firmado por el artista. Publicado en: CRESPO DE LA SERNA, Jorge Juan et ál. Gustavo Montoya. Still lifes. México. Litógrafos Unidos, S.A., Pág. 12. Incluye un ejemplar. Exhibido en: “Gustavo Montoya. Still lifes”, muestra individual presentada en Weintraub Gallery Nueva York, de enero a febrero de 1979. Presenta ligeras craqueladuras. Gustavo Montoya es considerado como un poeta de la pintura, moderno, perfeccionista y emocional. Tras su estancia en Europa, enriqueció su bagaje artístico y lo unió a su herencia mexicana, creando así un estilo pictórico personal e interesante. Pensaba que la mejor manera de finalizar un cuadro era eliminando los elementos inútiles que frecuentemente eran impedimento para su libre expresión. Tanto la serie de “Bodegones” como la de “Niños Mexicanos” fueron representativas de estas ideas y a diferencia de los del siglo XIX, como los de Agustín Arrieta, Gustavo Montoya optaba por la modernidad, ejecutando bodegones de composiciones limpias, escasas gamas de colores y falsas perspectivas con el fin de apreciar la totalidad de los elementos expuestos. En 1951, la Galería de la Plástica Mexicana exhibió una serie de casi quince bodegones de frutas, verduras, flores y panes de dulce. En estas obras, compartió la importancia del folclor mexicano, haciendo una sutil referencia a festividades tradicionales. Fuentes consultadas: RULFO, Juan et ál. Gustavo Montoya. México. Litógrafos unidos A. S., 1981, pp. 45-62 y LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 4, No. 40, julio - agosto 1999, pp. 10-12.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. 33

SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Ojo turquesa

Firmada y fechada 2011 Escultura en bronce a la cera perdida 10 / 112 60 x 15 x 15 cm Con certificado de autenticidad del artista. Por un error, el tiraje está mal mencionado en el certificado. Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2020. En la práctica escultórica de Sergio Hernández el artista recurre a la cerámica y al bronce, para transformar el material en ocasiones en superficies que parecen encontradas o extraídas de sitios antiguos, en objetos o vestigios arqueológicos. Sus esculturas son un ecosistema de entes que han salido de sus cuadros, fieras inofensivas con características compartidas entre seres marinos, aves y humanas de largas y retorcidas extremidades. Desde 1978, Sergio Hernández ha recibido diversos reconocimientos por su destacada carrera. Su incansable actividad artística lo ha llevado a realizar numerosas exposiciones en sedes como la Galería Chapultepec del INBA, el Museo de Arte Carrillo Gil, Galería Quetzalli, Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, Museo Rufino Tamayo, Galería de Arte Mexicano, Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, Associated American Artists de Nueva York, entre otros reconocidos espacios. Fuente consultada: ARANDA MÁRQUEZ, Carlos et ál. Oaxaca Tierra de Arte. Venecia. Mondadori Electa, 2003, Pág. 32.

$90,000.00-$120,000.00 M.N.

SOFÍA BASSI

(Camerino Mendoza, Veracruz, 1913 - Ciudad de México, 1998) La lágrima del mundo

Firmado y fechado 74 Óleo sobre masonite 70 x 60 cm Con certificado de autenticidad de la artista. Presenta ligeros detalles de conservación. Sofía Bassi estudió Filosofía en la Universidad Nacional Autónoma de México, fue alumna de José Bardasano y realizó estudios de arte en Venecia y Roma. A pesar de que la vida de Sofía fue un subibaja, su carrera artística siempre se mantuvo firme ante su fuerte personalidad, pues en 1968 ingresó a la cárcel de Acapulco por el asesinato del esposo de su hija Claire; habiendo sido un accidente, ella cumplió una condena de cinco años. Durante esta difícil etapa, continuó ejerciendo la pintura realizando su primer mural en la pared de la prisión con la colaboración de sus amigos José Luis Cuevas, Rafael Coronel, Alberto Gironella y Francisco Corzas. Pasado el tiempo y ya siendo una mujer

libre, formó parte del Comité de Derechos Humanos en Nueva York y sus obras viajaron a diversas exposiciones en importantes galerías e instituciones culturales de París, Estocolmo, Tel Aviv, Bruselas, la Ciudad de México y Estados Unidos. "Yo descubro en la pintura de Sofía Bassi una cualidad inquietante: la que el paisaje transcurre al margen, no de un tiempo precisable, sino del tiempo en sí. Ella intuye un universo absolutamente intemporal. Esta es la primera fase de una operación mística de los sentidos […] Las ciudades que sueña Sofía Bassi están contenidas en estructuras de cierto espacio, que envuelven todos los elementos de su mundo en una interioridad automultiplicante, de tal manera que su mundo es siempre un mundo interior de sí misma". Salvador Elizondo. Fuentes consultadas: ELIZONDO, Salvador. Sofía Bassi. Los continentes del sueño. México. Artes de México, 1974, pp. 13 y 15 y TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1995, Pág. 142.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. 35

JOSÉ GARCÍA NAREZO

(Madrid, España, 1922 - Ciudad de México, 1994) Muchacho sentado contemplando un grupo de caballos que galopan en el crepúsculo

Firmado y fechado 1981 Óleo sobre tela 78 x 81 cm Con etiqueta del Salón de la Plástica Mexicana. Presenta detalles de conservación. José García Narezo fue un destacado pintor, sordomudo de nacimiento, español naturalizado mexicano. Llegó a México en 1928 como refugiado de la Guerra Civil Española; hijo de madre mexicana y del crítico de arte Gabriel García Maroto. Estudió en la Escuela de Pintura al Aire Libre de Tlalpan, cuatro años más tarde regresó a España para estudiar en la Escuela Hogar Imagen, cuyo fundador había sido su padre. Su obra mantuvo una constante evolución, hasta encaminarse al surrealismo. Con el tiempo, se fue dando a conocer en México y en distintos países de Latinoamérica y Estados Unidos. "En su momento fue uno de los grandes artistas, ya que acerca de su obra escribieron, Xavier Villaurrutia, Luis Cardoza y Aragón, así como María Izquierdo. No hubo un crítico de la época que no realizara notas realmente alabando su obra". Juan Coronel Rivera. Fuentes consultadas: SÁNCHEZ, Leticia. "Redescubren a García Narezo en el museo Diego Rivera". México. Milenio, sección Cultura, 30 de noviembre del 2015 y "El Paraninfo acoge la exposición 'Después de la alambrada. El arte español en el exilio'". España. Universidad de Zaragoza, 27 de enero del 2013.

$60,000.00-$80,000.00 M.N.

MARIO ALMELA

(Ciudad de México, 1940 - Ciudad de México, 2017) Ayapango

Firmado Óleo sobre tela 100 x 120 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: ALDAMA, José Ignacio y RUIZ MARTÍNEZ, María Guadalupe. Mario Almela. El paisaje y los volcanes de México. México. Aldama Fine Art, 2008, Pág. 20, catalogado 36. Exhibido en: "Mario Almela. El paisaje y los volcanes de México", muestra individual presentada en la galería Aldama Fine Art, en la Ciudad de México de octubre a noviembre del 2008. "Su obra se hermana con la de Velasco y con la del Dr. Atl por su amor por la pintura de paisaje a la cual los tres consagraron sus vidas; sobre todo por su amor por los volcanes, a cuya interpretación ofrendaron lo más claro de sus desvelos, obteniendo en premio el acceso a la verdad, durante los largos recorridos que debieron emprender hacia su cabal identificación, de la cual surgió esplendente su final enamoramiento. Velasco, Atl y Almela cayeron presos de la fascinación del volcán y en sus llamas y fumarolas se acabaron consumiendo". Luis Ortiz Macedo. Fuente consultada: ALDAMA, José Ignacio et ál. Mario Almela. El paisaje y los volcanes de México. México. Aldama Fine Art, 2008.

$180,000.00-$240,000.00 M.N.

RODRIGO PIMENTEL

(Zináparo, Michoacán, 1945 - ) El Valle de México, 2015

Firmado al frente y al reverso Óleo sobre tela 80.5 x 100 cm Con certificado de autenticidad del artista. Rodrigo Pimentel es un destacado pintor michoacano, considerado uno de los más talentosos de su generación y cuyo trabajo es bien conocido entre los especialistas del arte mexicano. Su larga trayectoria lo ha llevado a exponer en muchas ocasiones en México y en el extranjero, en países como Estados Unidos, Panamá, Argentina, España y Francia. Además de ejercer como pintor, también se ha desenvuelto como docente en el Taller de Grabado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas y en la Sección Escolar del Museo de Antropología e Historia. Actualmente su trabajo forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México y de otras colecciones importantes en México y el mundo. "Desde los años de la Academia, sentimos en la pintura de Rodrigo cierto vigor emotivo que se enfatiza en sus paisajes actuales, pródigos en ritmo y expresividad, las últimas obras, no exentas de esta característica, sintetizan con acierto la idea de recabar los aspectos más íntimos del paisaje, valiéndose de la forma y el color que utiliza con pureza y precisión técnica". Ernesto Guzmán, 1971. Fuente consultada: MONSIVÁIS, Carlos. Testigos Ausentes. Rodrigo Pimentel. México. Palacio de Bellas Artes, CONACULTA, 1995.

$70,000.00-$90,000.00 M.N.

RAÚL ANGUIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1915 - Ciudad de México, 2006) Montañas de Tepoztlán

Firmado y fechado 71 al frente y al reverso Óleo y acuarela sobre tela 50.5 x 55.3 cm Con certificado de autenticidad firmado por el artista, 1971. Debido al estado de conservación del certificado, la firma no es completamente legible. Procedencia: adquirido directamente al artista. Miembro de la tercera generación de muralistas mexicanos, Raúl Anguiano fue profesor en La Esmeralda y miembro fundador del Salón de la Plástica Mexicana. Es considerado uno de los máximos exponentes del arte mexicano de la segunda mitad del siglo XX. Tuvo más de 100 exposiciones en museos de México y en el resto del mundo. En el 2002 obtuvo el Premio Nacional de Ciencias y Artes. Durante la primera mitad del siglo XX impartió clases de pintura en Estados Unidos, posteriormente se dedicó a viajar. Fue un incesante explorador de la expresividad humana y la naturaleza, pasión que destacó en su obra como tema principal por más de 78 años, lapso de tiempo que le permitió formar una excelente calidad pictórica, manejando fácilmente diversos materiales y convirtiéndose en un maestro en las técnicas del óleo, acuarela, grabado, bronce, cerámica, tapiz, esmalte y mural. Este paisaje muestra tendencias vanguardistas, de las cuales fue influenciado durante sus estudios en Estados Unidos y Europa, sin dejar a un lado el interés que tuvo el pintor por la cultura popular mexicana y el paisaje que la acogía. Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 76, CASILLAS, Beatriz Eugenia et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 78 y "Raúl Anguiano, último representante del muralismo en México". México. Secretaría de Cultura, 26 de febrero del 2015.

$80,000.00-$150,000.00 M.N. 39

CARLOS RÍOS

(La Habana, Cuba, 1958 - ) Los volcanes

Firmado al frente. Firmado y fechado 2011 al reverso Acrílico sobre tela 60 x 120 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, febrero del 2011. Carlos Ríos nació en la zona rural de Provincia de La Habana. Durante sus años de infancia, tuvo poco contacto con el entorno urbano; siempre estuvo rodeado de una atmósfera campirana llena de espacio, de verdor, de palmeras espigadas, de veredas bordeadas de vegetación. Para el pintor, el paisaje tiene un cierto sabor a juego, a lluvia y a las caminatas que tenía que emprender para encontrarse con la infinita vista azulada del mar de La Habana. Desde sus primeros cuadros, se motivó por el género del paisaje, envuelto en una atmósfera tropical. Realizó cursos de artes plásticas en el sistema de casas de cultura de la enseñanza cubana. En 1975 comenzó a participar en exposiciones de plástica en Cuba, sobre todo en salones de paisaje. Se graduó en arquitectura, desarrolló el primer sistema de perspectiva esférica geométricamente fundamentada. Tomó cursos de diseño, cerámica, grabado y fotografía. A finales de 1994 llegó a México a residir definitivamente. Ha presentado su obra en diversas ferias internacionales de arte en Latinoamérica, Europa y Estados Unidos. Su pintura ha sido calificada como paisaje hiperrealista.

Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y Pintura Mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 13, No. 95, septiembre - octubre del 2008, pp. 28 - 31.

$100,000.00-$150,000.00 M.N.

SANTIAGO CARBONELL (Quito, Ecuador, 1960 - ) Paisaje

Firmado Óleo sobre lino 25 x 65 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio. “Reconocidos profesionales de la critica pictórica, al explorar por los intricados caminos recorridos por este artista notable, nos muestran que en pleno siglo XXI Carbonell ha hecho suyos a los clásicos; ha recuperado y transformado paletas que se creía habían pasado al olvido, enriqueciendo con su oficio los lenguajes pictóricos puestos al servicio de su indeclinable posición contemporánea. Así, merecedor absoluto de este esfuerzo intelectual, los estudiosos de la obra de Santiago analizan su técnica, interpretan su pensamiento revisando minuciosamente los caminos de la luz que transita los complejos planos de sus composiciones plásticas, lo emparentan con Caravaggio, Velázquez, entre otros. El afán por descubrir sus influencias, para concluir que su obra es rotundamente innovadora”. Eduardo Morales. Fuente consultada: MORALES, Eduardo. “En los lienzos de Carbonell”. México. 2007, en el sitio oficial del artista www.santiagocarbonell.com

$180,000.00-$220,000.00 M.N.

CARLOS PELLICER

(Ciudad de México, 1948 - ) Volcán contento

Firmada al frente. Firmada y fechada 2009 al reverso Encáustica sobre fibracel 100 x 121 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicada en: TIBOL, Raquel et ál. Carlos Pellicer. Temples, gouaches y encáusticas. México. Aldama Fine Art, 2019, Pág. 28, catalogada 21. Carlos Pellicer es un destacado pintor mexicano egresado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas. A lo largo de su carrera ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales en importantes instituciones, galerías y museos de México y Estados Unidos. Algo que inquietó al artífice desde sus inicios era el encontrar un lenguaje propio y aunque después lo descubrió, no se atrevió a seguir pintando, así pues, comenzó a dibujar paisajes. Al pasar los años encontró una especie de abstracción del paisaje con la que sí se sintió cómodo, quedándose con pocos elementos, con algo sintético de lo que él veía en el campo; esto es lo que ahora caracteriza a su propuesta. "La noción de que en la pintura hay algo oculto que el espectador hará surgir mediante la contemplación es muy propicia ante la obra de Carlos Pellicer […] Él indaga en las raíces de la pintura que, si por un lado, pueden ser tan distantes y primordiales como el arte rupestre, igualmente las encuentra en los órdenes radicales de la modernidad. El impresionismo, el fauvismo, el cubismo le competen, y halla en Cézanne un modelo idóneo […] Sus obras son umbrales, son miradores, son oquedades, son senderos". Jaime Moreno Villareal. Fuentes consultadas: MORENO VILLAREAL, Jaime et ál. Carlos Pellicer. Abstracto. México. Aldama Fine Art, 2018, pp. 3-11 y DE ÁVILA, Alejandra. "Carlos Pellicer, artista del abstracto". México. El Sol de Zacatecas, sección Cultura, 14 de agosto del 2018.

$110,000.00-$150,000.00 M.N.

JORGE GONZÁLEZ VELÁZQUEZ (Ciudad de México, 1966 - ) En dos

Firmado y fechado 2016 Acrílico sobre fibracel 80.5 x 121 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: DRIBEN, Lelia et ál. Jorge González Velázquez. Origen. México. Aldama Fine Art. Pág. 40, catalogado 16. Asistió a La Esmeralda, ha trabajado en la fundición de múltiples piezas con Juan Soriano, Gunther Gerzso y José Luis Cuevas. Su trayectoria está dividida en dos vertientes: la escultura y pintura. En ambas recurre al cuerpo femenino, elementos naturales en distintos modos de abstracción. Es un incansable experimentador de técnicas y materiales, no obstante, la pintura es una disciplina que ha desempeñado de manera vasta y en cierta forma una rama de su trabajo tridimensional, pero a la vez, goza de una idea propia, usando casi siempre gamas monocromáticas y elementos en distintos modos de abstracción, es decir, descargando en su totalidad la complejidad de formas y figuras que serían difíciles de llevar a los tres planos. Por eso, sus dos trabajos se comunican y complementan, pues la elegancia y sobriedad de su escultura halla correspondencia en la delicadeza de su pintura. Fuentes consultadas: ALDAMA, José Ignacio, et ál. Jorge González Velázquez. Fractal. México. Aldama Fine Art, 2013, pp. 8 y 9 y DRIBEN, Lelia et ál. Jorge González Velázquez. Origen. México. Aldama Fine Art, 2018, pp. 17-19.

$80,000.00-$120,000.00 M.N.

RUBÉN LEYVA

(Oaxaca, Oaxaca, 1953 - ) Sin título

Firmado Acrílico y collage sobre papel 75 x 110 cm Procedencia: colección del historiador y crítico de arte Miguel Ángel Muñoz. Rubén Leyva es un renombrado artista plástico mexicano, egresado de la Escuela de Bellas Artes de Oaxaca y que para complementar su formación estudió en el taller de cerámica de Kathy McFadden en Portland, Oregon. En 1981 inauguró su primera exposición individual, a la que han seguido numerosas muestras individuales y colectivas. La pintura de Rubén Leyva toma un camino definido y claro, regido por la autenticidad y espontaneidad. En este camino, no existen rivalidades ni formalismos. La crítica afirma que la obra de Rubén Leyva encierra en sí misma mucha de la poderosa tradición artística mexicana: la dimensión fabulosa de Francisco Toledo, los colores milenarios de Rufino Tamayo, el imaginario zoomorfo de Rodolfo Nieto y el clasicismo parodiado de Francisco Gutiérrez. “Mi pintura me pone muy contento, simplemente porque cuando pinto soy yo y no tengo que pretender ser alguien más. Decidí apostarme a mí mismo, por supuesto con unas grandes referencias y unas grandes influencias de otros pintores como Monet, Miró y Chagall”. Rubén Leyva. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, No. 55, febrero del 2002, pp. 18-19.

$90,000.00-$120,000.00 M.N.

BRUNO WIDMANN

(Montevideo, Uruguay, 1930 - Montevideo, Uruguay, 2017) Las ventanas

Firmado al frente y al reverso Óleo sobre tela 50 x 70 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, octubre del 2000. Bruno Widmann inició sus estudios con Sergio Curto, artista italiano radicado en Montevideo; posteriormente se puso en contacto con el Instituto de Arte Contemporáneo del Maestro Scroppo de Turín y la Academia de Bellas Artes de Perusa, Italia. Su obra se caracteriza por llenarse de formas, de sugerencias orgánicas y en ocasiones también geométricas inscritas en un espacio infinito que no pretende representar el mundo, sino desplegarlo hasta el límite. Desde los años 70, Bruno Widmann construyó un lenguaje pictórico indiscutiblemente particular, más inclinado a lo poético-pictórico que a alguna ruptura estética. Su obra sometía el acto de pintar a una serie de investigaciones entre la figura, las líneas y los espacios. Siempre dominado por esta pasión por la investigación, quiso conocer el camino de sus búsquedas y análisis formales para entregarse por completo a los materiales. Su formación académica lo ayudó a tener contacto directo con las vanguardias artísticas alrededor del mundo. En Europa conoció las propuestas de artistas como Antoni Tàpies y Josep Guinovart, en Latinoamérica a Ricardo Martínez, José Luis Cuevas y Fernando de Szyszlo, quienes fueron sin duda de inspiración para su producción. A lo largo de su carrera recibió entre múltiples distinciones el Primer Premio y Medalla de Oro en el XXX Salón Nacional de Artes Plásticas de Montevideo y el Premio Internacional de Pintura en la VI Bienal del Deporte en las Bellas Artes en el Palacio Velázquez de Madrid. Fuente consultada: MUÑOZ, Miguel Ángel. “Bruno Widmann. Un recuerdo a la memoria (1930 -2017)”. México. La Razón, sección Cultura, 24 de agosto del 2019.

$90,000.00-$150,000.00 M.N.

JORGE GONZÁLEZ CAMARENA

(Guadalajara, Jalisco, 1908 - Ciudad de México, 1980) Diamantes #4

Firmado y fechado 1980 al reverso Óleo sobre tela 80 x 100 cm Con certificado de autenticidad de Marcel González Camarena Barre de Saint-Leu, hijo del artista. Procedencia: adquirido directamente al artista. Publicado en: “Revista. La pluma del ganso”. México. La pluma del ganso, año 12, número 50, marzo-mayo 2008, pág. 4. Jorge González Camarena fue un destacado pintor y escultor jalisciense considerado como uno de los representantes más importantes de la segunda generación de muralistas mexicanos. Su formación comenzó en la Academia de San Carlos, donde fue recomendado por el entonces director Alfredo Ramos Martínez para dibujar unas láminas que Gerardo Murillo “Dr. Atl” estaba realizando para un futuro libro. De aquel trabajo, Jorge González Camarena no solo consiguió aprender de uno de los mejores artistas de la época, sino entablar también una estrecha y larga amistad; inclusive su afecto y admiración profesional hicieron que el propio Dr. Atl le regalara uno de sus conventos para que lo convirtiese en su taller personal. Dibujante nato, mostró un gentil y fino trato estético en cada una de sus obras, las cuales realizó mediante la pintura de caballete y mural, así como la realización de esculturas de formatos medianos y monumentales. Fue un artista interesado en la difusión y preservación de la cultura mexicana a través de su obra y por ello recibió varios premios y reconocimientos en México y el extranjero. Algunas de estas obras se encuentran en instituciones de gran importancia, como el Palacio de Bellas Artes, el Castillo de Chapultepec y el Museo de Antropología e Historia de la Ciudad de México. Además, pintó por encargo para el Instituto Mexicano del Seguro Social, para el edificio de Televicentro y para la Casa de Estudios del Instituto Tecnológico de Estudios Superiores de Monterrey, entre otros. Su indiscutible entrega al arte lo colocó a través de los años como uno de los pintores más completos y cuya obra prevalece por su temática equilibrada en el campo histórico y social de México. Fuentes consultadas: LUNA ARROYO, Antonio. Jorge González Camarena en la Plástica Mexicana. México. UNAM, 1981, Pág. 39 y FAVELA FIERRO, Ma. Teresa. Jorge González Camarena. Universo plástico. México. Democracia ediciones, 1995, Pág. 86.

$750,000.00-$850,000.00 M.N. 47

FERNANDO GARCÍA PONCE

(Mérida, Yucatán, 1933 - Ciudad de México, 1987) Pintura No. 4

Firmado y fechado 74 al reverso Acrílico sobre tela 124 x 200.2 cm Publicado en: BORRÀS, María Lluïsa. Fernando García Ponce. México. Fomento Cultural Banamex, 1992, Pág. 122 catalogado 83. Exhibido en: “Vida, formas y muerte de pintor”, muestra póstuma presentada en el Museo del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, en abril de 1997. Con etiqueta del Museo Palacio de Bellas Artes. Fernando García Ponce fue un prominente pintor mexicano perteneciente a la generación de La Ruptura. Estudió arquitectura en la Universidad Nacional Autónoma de México y pintura en el taller del valenciano Enrique Climent. Bajo esta primera influencia, sus cuadros fueron retratos de familiares, sin embargo, no tardó mucho en que el geometrismo dominara sus obras y fuese la esencia de todo su trabajo. Realizó su primera exposición en la Galería de Arte Mexicano en 1956, posteriormente fue con una serie de collages que se hizo acreedor a una Mención Honorífica en el Salón de la Plástica Mexicana. Durante casi dos años, Fernando García Ponce se estableció con su esposa en París y Barcelona, etapa en la que además de estudiar las vanguardias europeas, realizó carpetas de obra gráfica. En 1977, el periódico “Excélsior” anunció el regreso del prominente artista a México. Enseguida, el Museo de Arte Moderno realizó una muestra de 40 obras realizadas entre 1977 y 1978. La pintura de esos años fue potente, llena de expresiones y juegos geométricos, con toques abstractos y neo figurativos. Desde entonces y sin parar, diversas galerías y museos de la ciudad exhibieron sus cuadros e importantes colecciones privadas adquirieron obras suyas. “Sus cuadros son, simple y difícilmente, espacios vivos, espacios animados por la presencia del espíritu que el creador logra hacer encarnar. En ellos podemos admirar, desde luego, la extraordinaria sabiduría formal, la capacidad para alcanzar un equilibrio secreto que a veces parece imposible e incluso la ocasional sensualidad de la materia o el deslumbrante impacto del color”. Juan García Ponce. Fuentes consultadas: BORRÀS, María Lluïsa. Fernando García Ponce. México. Fomento Cultural Banamex, 1992, pp. 136-138, GARCÍA PONCE, Juan. Nueve pintores mexicanos. México. DGE Ediciones, 1968 y sitio oficial del artista www.fernandogarciaponce.com

$550,000.00-$700,000.00 M.N.

CARLOS MÉRIDA

(Quetzaltenango, Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) El connubio

Firmado y fechado 1975 al frente y al reverso Petroplástico sobre papel amate sobre masonite 58 x 53.5 cm Con documentos de autenticidad firmados por el artista. Con copia de factura de compra de Galería Trini, noviembre de 1976. Poco después de su llegada a México en 1919, Carlos Mérida siguió los pasos del muralismo mexicano con un gran sentido nacionalista, etapa que maduró casi hasta los años 50 con la llamada integración plástica. En 1927 viajó por segunda vez a París, estancia que le generó influencias artísticas por el contacto que tuvo con Pablo Picasso, Joan Miró y Wassily Kandinsky. Así fue como su obra comenzó a utilizar aún más la perspectiva geométrica y abstracta, pero bajo una fusión de elementos arquitectónicos provenientes de las culturas prehispánicas que jamás abandonó, como también los temas de la danza y la música, los cuales estuvieron ligados a su obra desde época temprana. Fuente consultada: CUSSI, Paula et ál. Carlos Mérida. México. Especial de la revista Saber ver, Fundación Cultural Televisa, número 9, agosto-septiembre de 1997, pp. 5-27.

$420,000.00-$600,000.00 M.N.

CARLOS MÉRIDA

(Quetzaltenango, Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) Sin título

Firmado y fechado 1974 Acrílico sobre madera 81 x 61 cm Con factura de compra de Galería Trini, noviembre de 1976. “Hay en su pintura, a medida que se observa más detenidamente, una íntima calidad emocional que resulta de la sutil combinación de una supersimplicidad de materia unida a una deslumbradora y decorativa belleza. Generalmente, en la composición de sus pinturas. Mérida desecha lo innecesario no esencial; cada cosa está simplificada a lo mínimo y entonces, en violentos contrastes, equilibra las masas de su composición, de acuerdo con un ordenamiento ya previsto. La composición generalmente está basada en la pirámide. Esto es histórico, sin embargo, original; recuerda las más fluidas composiciones de los modernos: Picasso, con sus péndulos, por ejemplo”. Luis Cardoza y Aragón, 1992. Fuente consultada: CARDOZA Y ARAGÓN, Luis. Carlos Mérida. México. CONACULTA, Ediciones Era, 1992, Pág. 20.

$420,000.00-$600,000.00 M.N. 50

ENRIQUE ECHEVERRÍA

(Ciudad de México, 1923 - Cuernavaca, Morelos, 1972) Estaciones no. 4

Firmado y fechado 61 Óleo sobre tela 60 x 50 cm Agradecemos a la Maestra Esther Echeverría por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2020. Enrique Echeverría fue un destacado artista integrante del núcleo duro de la generación de La Ruptura. Desarrolló una maestría colorística por su cuidadosa y persistente forma de trabajar la luz. Planos, empastes, ritmos y la vibración de la materia pictórica. Estudió Ingeniería Aeronáutica, la cual no abandonó cuando empezó a dedicarse a las artes plásticas. Se inscribió a los talleres de pintura de Arturo Souto, quien posteriormente fuera uno de los principales promotores de su obra y lo alentaría a tomar cursos en La Esmeralda. En dichos talleres, tuvo como condiscípulos a Vicente Rojo y Alberto Gironella. En 1947 ingresó como dibujante técnico a la compañía de luz, lo cual combinaría con su vocación artística. En 1951 intentó exponer en el Salón de la Plástica Mexicana sin éxito, así que empezó a colaborar en la fundación de la Galería Prisse, donde exhibirían las primeras obras pertenecientes a la generación de La Ruptura. Un año después obtuvo una beca del Instituto de Cultura Hispánica para estudiar en Europa. A su regreso a México, impulsó la Galería Proteo junto con otros artistas de su generación y en 1968 obtuvo el Premio de Adquisición en el recién inaugurado Salón Anual de Pintura del Salón de la Plástica Mexicana. Para el inicio de los años 70 había participado en diversas exposiciones en México, Estados Unidos, Sudamérica y Europa e impartía clases en la UNAM. Fuente consultada: sitio oficial del Museo Fernando García Ponce-MACAY www.macay.org

$260,000.00-$320,000.00 M.N. 51

MANUEL FELGUÉREZ

(Valparaíso, Zacatecas, 1928 - ) Viaje en el tiempo

Firmado y fechado 2-91 Óleo y resina sobre tela 115 x 134.5 cm Con certificado de autenticidad del artista. Procedencia: adquirido directamente al artista. Exhibido en: “Homenaje a México”, muestra presentada en el Museo de Monterrey, en 1991. Con etiqueta del Museo de Monterrey. Manuel Felguérez es un artista implacable y analítico, un pintor libre y un escultor rígido que tras su fuerza reveladora ha creado su propio estilo. Estudió en la Academia de San Carlos, en La Esmeralda y en la Académie Colarossi en París. Formó parte de la generación de La Ruptura, junto a otros importantes artistas como Vicente Rojo, Fernando García Ponce y Lilia Carrillo, quienes destacaron por componer obras fundamentalmente abstractas, renovando por completo el lenguaje artístico en México. En sus obras experimenta con las formas, la materia y el color. Cada una es una aventura, siempre ordenada, analítica y abstracta. Si bien la tecnología fue un compromiso artístico para Manuel Felguérez, con su uso, aumentó su producción plástica y realizó diversos proyectos que poco a poco fueron recibidos con elogios. En 1975 por las obras de “El espacio múltiple” obtuvo la beca Guggenheim, uno de los subsidios de arte más importantes a nivel internacional. Ese mismo año, fue galardonado con el Gran Premio de Honor en la XIII Bienal de São Paulo, Brasil, una de las exposiciones de arte moderno más importantes de Latinoamérica. Actualmente es considerado el pintor más intelectual de su generación, sus obras se pueden encontrar en museos e importantes colecciones mexicanas y extranjeras. “La pintura de Felguérez tiene entraña e interioridad. No es mero exponente de un mundo tecnificado. Por el contrario es desafío del artista a la tecnología de la época. Este pintor se puede considerar como uno de los artistas más complejos y completos de México. No sólo que es tan escultor como pintor: es una personalidad artística de muchas facetas e inquietudes; un buscador que nunca se contenta con lo ya logrado, por muy bueno que sea, que se enfrenta una y otra vez a nuevos problemas con el afán de saber de un científico y con la sensibilidad del artista”. Fernando Gamboa. Fuentes consultadas: - GONZÁLEZ TORRES, Alberto. México abstracto. Manuel Felguérez. Islas Canarias. CONACULTA, INBA, 2008, pp. 30 y 31. - MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 259. - Manuel Felguérez. La superficie imaginaria. México. INBA, catálogo de la exposición presentada en el Museo de Arte Moderno de julio a septiembre de 1979.

$800,000.00-$1,200,000.00 M.N. 53

LUCIANO SPANÓ

(Saluzzo, Italia, 1959 - ) Historia del dolor, 1996

Sin firma Óleo sobre tela 250 x 194 cm Con certificado de autenticidad del artista, noviembre de 1996. Exhibido en: “Per Fare Uomo”, muestra individual presentada en el Museo Universitario del Chopo en la Ciudad de México, en noviembre de 1996. Luciano Spanó llegó en 1974 a México, y estudió en la Escuela de Iniciación Artística no. 4 del INBA. Trabajó en 1980 en el Taller de técnicas y materiales de pintura de Luis Nishizawa, en la Escuela Nacional de Artes Plásticas. En 1977, ingresó a La Esmeralda, donde cursó sus estudios profesionales. En 2012 expuso de manera individual en la Galería Carmesí y en la Galería del Banco Barclays en París, y en 2013 presentó “Biografía”, en la Galería Luis Nishizawa de la Escuela Nacional de Artes Plásticas. 54

Colectivamente, ha colaborado en proyectos como “Detalles de fragmentos. El Greco a 400 años de su muerte”, en la Fundación Sebastian, en 2014; así como en “La Colección del Museo de Arte Moderno: Un siglo de crítica”, en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, en 2013. Ha participado en la Bienal de Pintura Rufino Tamayo en 1998, 2002 y 2004, y en 2011 presentó su trabajo en la Bienal de Venecia. Su obra se encuentra en colecciones como la del Museo José Luis Cuevas, el Museo de Arte Moderno, el Museo de Arte Carrillo Gil en la Ciudad de México y también en colecciones de instituciones como la Embajada de Italia en México, el Instituto Nacional para la Educación de los Adultos, el Centro Cultural San Ángel, la colección de la Galería Arte Contemporáneo, en San Miguel de Allende, Guanajuato, entre otras. Fuente consultada: sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$75,000.00-$120,000.00 M.N.

GERMÁN VENEGAS

(Puebla, México, 1959 - ) Sin título, de la serie Afroditas XI

Firmado y fechado 2003 Óleo sobre tela 100 x 130 cm Presenta detalles de conservación. Antes de su preparación formal como artista plástico, se desarrolló como artesano tallador. Realizó sus estudios en La Esmeralda. Durante la década de los ochenta irrumpió con gran vigor en la escena de la cultura nacional, destacando entre la generación de artistas calificados como neo mexicanistas. Con tan sólo 23 años de edad, fue distinguido con la Mención Honorífica en la I Bienal de Pintura Rufino Tamayo, el primero de una larga serie de premios y reconocimientos que culminaron con su ingreso como miembro al Sistema Nacional de Creadores de Arte en cuatro ocasiones. Su obra se ha expuesto en México, Estados Unidos, Japón, España, Guatemala, Brasil, Alemania, Ecuador, Australia, Cuba, Italia, Francia e Inglaterra, y se incluye en colecciones tan importantes como las del Museo Universitario de Arte Contemporáneo, el Museo de Arte de Ponce en Puerto Rico, el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México, el Metropolitan Museum of Art en Nueva York, el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca y el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo en Badajoz, España. El trabajo de Germán Venegas ha destacado desde hace décadas por su solidez y fuerte carga expresiva. De manera característica subyace en él una profunda reflexión teórica, tanto en los aspectos técnicos e históricos de la creación artística misma como respecto a las connotaciones amplias del tema que esté tratando, siempre a través de obra estricta y manifiestamente plástica. Si su obra es portadora de algo que pudiera adjetivarse como mexicanista, no porque se lo proponga, sino simplemente porque así es como se manifiestan en imagen una conjunción de herencias culturales que el artista ha sabido hacer propias y fructificar, y que pasan por el sobre enmarañamiento del arte pre-europeo, la sobresaturación del barroco nuestro y la sobre ideologización de la escuela mexicana de pintura en el siglo veinte. A través de una deliciosa exploración visual-matérica, traslada la iconografía mesoamericana a términos complejos pero gratamente comprensibles de la pintura más fresca del siglo veintiuno hasta ahora. Y al mismo tiempo, bajo las formas estrambóticas y una gestualidad casi desenfrenada, lo que subyace es un valiente acercamiento a esa espantosa región de nuestro inconsciente que nunca nos hemos atrevido a ver. Fuente consultada: VÉLEZ, Gonzalo. Germán Venegas. Coatlicue. México. Aldama Fine Art, 2006, pp. 4, 5 y 18.

$220,000.00-$300,000.00 M.N. 55

ALEJANDRO SANTIAGO

(Teococuilco de Marcos Pérez, Oaxaca, 1964 - Oaxaca, Oaxaca, 2013) Sin título

Firmado y fechado 012 al frente. Firmado al reverso Óleo sobre tela 150 x 100 cm Alejandro Santiago fue un pintor y escultor oaxaqueño cuya obra se caracteriza por el uso de discursos relacionados a las problemáticas de la sociedad actual. Estudió en el Centro de Educación Artística y al poco tiempo ingresó al Taller de Artes Plásticas Rufino Tamayo donde conoció a Rufino Tamayo y a Francisco Toledo, así como el trabajo de Rodolfo Nieto. Más tarde se inscribió a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Oaxaca en donde conoció al Maestro Shinzaburo Takeda. Durante una década radicó en el extranjero, viajando por diversos países de Estados Unidos y Europa, estudiando la obra de Antonio Saura y Jean-Michel Basquiat, dos de sus grandes influencias. A pesar de haber reforzado su formación artística fuera del país, su pasión siempre estuvo con la cultura del pueblo zapoteca. Con el tiempo fue consiguiendo fama internacional, lo que le ayudó a inaugurar el primer espacio escultórico en Oaxaca, llamado Centro Escultórico La Telaraña, donde becó a jóvenes artistas para desarrollarse en el medio. Expuso individualmente en museos y galerías de gran importancia y actualmente su obra forma parte de relevantes colecciones públicas y privadas de México, Estados Unidos, Francia y algunos países de Sudamérica. Fuentes consultadas: ARANDA MÁRQUEZ, Carlos et ál. Oaxaca tierra de arte. Venecia. Mondadori Electa, 2003, Pág. 60 y “Se cumplen tres años de la muerte del pintor Alejandro Santiago”. México. 20 minutos Notimex, sección Artes, 21 de julio del 2016.

$290,000.00-$400,000.00 M.N. 56

FRANCISCO CORZAS

(Ciudad de México, 1936 - Ciudad de México, 1983) Personajes

Firmada y fechada 73 Acuarela, tinta y crayones de color sobre papel 52 x 42 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano. A los catorce años ingresó a la Escuela Nacional de Artes Plásticas, al concluir sus estudios viajó a Roma donde estuvo rodeado de su cultura plástica y conoció las pinturas de Caravaggio, experiencia parteaguas para la realización de su extensa producción, conformada por cerca de mil quinientas obras. Al igual que sus contemporáneos Gilberto Aceves Navarro y Rafael Coronel, Francisco Corzas fue fuertemente influenciado por la obra de Pablo Picasso, quien tuvo una exhibición en 1951 en la Galería de Arte Mexicano. Fue en este periodo cuando eran alumnos en los talleres de dibujo con el maestro Carlos Orozco Romero. El universo corsiano está habitado por seres misteriosos, con una iconografía y estética que se aleja de lo costumbrista y las condiciones sociales, su obra refleja a personajes de la urbe, le interesaba de modo especial reflejar la historia de las mentalidades de su época. Fuente consultada: LOZANO, Luis-Martín et ál. Francisco Corzas. México. Editorial Océano, Grupo Financiero BITAL, 2001, pp. 9, 15, 27 y 173.

$75,000.00-$90,000.00 M.N. 57

“Cervantes acabó con los libros de caballería; yo acabé con el Muralismo”. José Luis Cuevas.

José Luis Cuevas realizó su primera exposición formal en la Galería Prisse en 1953, donde conoció a jóvenes pintores los cuales serían como él, integrantes de la llamada generación de La Ruptura. Tras irrumpir en el medio artístico con fuerza, gracias a su personalidad sociable, fuertes ideales y una estética particular, viajó por el mundo para difundir su obra. Expuso en diversos museos y galerías y sus catálogos fueron prologados por críticos y escritores de renombre internacional y publicados en varios idiomas. En 1956 publicó el manifiesto “La Cortina de Nopal” en Estados Unidos, el cual provocó una fuerte polémica en torno a la Escuela Mexicana de Pintura y sus vicios. Era un ideario estético basado en la libertad de expresión para los artistas jóvenes que querían alejarse del excesivo mensaje político y social del muralismo y la Escuela Mexicana de Pintura. Este debate continuaría durante los siguientes años e hizo que se ganara el mote de “L’enfant terrible” en el gremio. Su personalidad simbolizó la transformación del México rural, embebido en la mitología de la Revolución, en un país urbano y cosmopolita donde sus artistas podían convivir tanto con lo bohemio como con el espectáculo y la publicidad. En 1967 viajó a Nueva York, donde inauguró una muestra individual titulada “The World of José Luis Cuevas” en la galería Grace Borgenicht. La exposición fue todo un éxito y en su primera noche había vendido la mayoría de las obras. Al regresar a su hotel, lleno de adrenalina por su triunfo, aquella noche no pudo dormir. Encendió la televisión, donde se transmitía “Born Yesterday”, comedia de 1950 protagonizada por Judy Holliday. Interpretaba a una secretaria que deseaba ser famosa, invirtió todos sus ahorros en un espectacular en donde se imprimió una fotografía suya junto con su nombre. Esta premisa se plantó en la cabeza de José Luis Cuevas y pronto un nuevo proyecto comenzó a tomar forma. La idea principal de hacer el mural pretendía ofrecer un contraste con los artistas que se tomaban demasiado en serio su trabajo y aspiraban a la eternidad de su creación. En aquel entonces el movimiento muralista estaba representado por David Alfaro Siqueiros, quien se ufanaba de que los materiales que usaba en sus obras eran imperecederos; específicamente en la ejecución del mural “La marcha de la humanidad en la tierra hacia el cosmos: miseria y ciencia” realizado un año antes para el Polyforum Cultural Siqueiros. En contraste, esta nueva obra se conformaba como un acto de modestia frente a la soberbia de Siqueiros, manteniendo la idea del muralista de hacerlo frente a multitudes pero planeado para destruirse poco después de su develación; a su vez, funcionaría como golpe publicitario y marcaría una aproximación del artista con el arte Pop. La idea original era montarlo en Times Square. La búsqueda del espacio no tuvo éxito ya que todos estaban comprometidos para los próximos siete años y quería realizarlo lo antes posible. Regresó a México en abril, en donde aterrizó la idea de hacerlo en la Zona Rosa, sector de moda entre los intelectuales progresistas del momento y la juventud ávida de frecuentar cafés, boutiques y galerías en lo que se pretendía que fuera un “Village mexicano”. Presentó su idea a Jacobo Zabludovsky, quien le sugirió acercarse a Calafell, una empresa publicitaria, para llevar a cabo su idea. Consiguieron rentar una azotea exprofeso, entre las calles de Génova y Londres. En un inicio, planeó que el proyecto tuviera las mismas medidas del Guernica de Pablo Picasso, aunque terminó midiendo 24 metros cuadrados en total. Decidió que debido a su naturaleza, debía llamarse “Mural Efímero”. Hizo múltiples bocetos para conceptualizarlo, al final quedó dividido en cuatro partes: la primera, un autorretrato moviendo la mano que simbolizaba la inquietud; atrás, escrito en grandes caracteres su apellido; a un lado un personaje corpulento representando a un jugador de football americano que simbolizaba la agresión y por último un conjunto de personajes que en principio estaban dispuestos de manera simple y con la intención de fungir como una parte cómica, cambió el concepto por un conjunto de convulsos personajes prefigurando la hecatombe nuclear que podría derivarse de la recién declarada Guerra de los Seis Días entre Egipto, Jordania, Irak y Siria. Previo a la realización, Jacobo Zabludovsky encabezó la propaganda, logrando llegar a varios diarios y noticieros en donde también consiguió detractores. Las obras fueron realizadas en las instalaciones de Calafell, se terminaron en una semana bajo la lente de periodistas. Fue realizado por un pintor de brocha gorda que se limitaba a seguir las instrucciones de José Luis Cuevas. Se destruiría un mes después. Un día antes de su develación, se llevó a cabo una conferencia de prensa en la Galería Misrachi. Fue considerada todo un happening; participaron varias modelos vestidas de porristas a gogó, que vestían playeras con un autorretrato del artista. El día 8 de junio de 1967, el “Mural Efímero” fue inaugurado ante una emocionada multitud. Asistieron propios y extraños, se develó en medio de aplausos, pero también de muchas injurias y actos de vandalismo; los comercios cercanos tuvieron que cerrar sus puertas. Los jóvenes que asistieron a la develación, vieron en el acontecimiento un acto generacional y un signo de los tiempos y fue ampliamente reseñado por prensa nacional e internacional. La realización de esta obra fue algo insólito en el ámbito plástico de la Ciudad de México por su significación conceptual y planeamiento formal; constituyó una histórica burla hacia los afanes de permanencia del arte institucionalizado y se convirtió en un referente de la voz de la generación de La Ruptura. En febrero de 1999, la revista “Letras Libres” publicó una crónica donde José Luis Cuevas relataba la idea y conformación del famoso “Mural Efímero”. Fuentes consultadas: - BENITO VÉLEZ, Sandra et ál. José Luis Cuevas. México. INBA, CONACULTA, 2008, pp. 192-194. - CUEVAS, José Luis. “El Mural Efímero”. México. Letras Libres, 29 de febrero de 1999. - “A 50 años del Mural Efímero de José Luis Cuevas”. México. Al Momento, Sección Cultura, 8 de julio del 2017. - MASSE, Francisco. “José Luis Cuevas, eterno ‘enfant terrible’ del arte mexicano”. México. Milenio, sección Cultura, 3 de julio del 2017. - Sitio oficial del artista www.joseluiscuevas.com - Sitio oficial de La Enciclopedia de la Literatura en México www.elem.mx

José Luis Cuevas frente a “Autorretrato moviendo la mano”

En el taller de Calafell con “Jugador de football americano” concluido

El Mural Efímero completo

JOSÉ LUIS CUEVAS

(Ciudad de México, 1934 - Ciudad de México, 2017) Fragmento del Mural Efímero a) Autorretrato moviendo la mano

Sin firma Mixta sobre masonite 216 x 180 cm b) Sin título (jugador de football americano) Sin firma Mixta sobre masonite, tres paneles unidos por una estructura de metal Uno de 166.6 x 305.5 cm y dos de 123 x 305.5 cm. 410 x 306 cm medidas totales Piezas: 4 Procedencia: colección particular, Ciudad de México. Con etiqueta del Instituto Nacional de Bellas Artes, Museo Internacional de Arte Reina Sofia. Presentan detalles de conservación. $1,500,000.00-$2,000,000.00 M.N. 60

ANTONIO RODRÍGUEZ LUNA

(Córdoba, España, 1910 - Córdoba, España, 1985) Los autómatas de Escorial

Firmado y fechado 1966 al frente y al reverso Óleo sobre tela 150 x 190 cm Procedencia: adquirido en Skinner Auction House, Boston, Estados Unidos, Subasta de Arte Americano y Europeo, lote 613, 1ro de febrero del 2013; colección particular. Con etiqueta del Museo de Arte Moderno Presenta rasgadura y detalles de conservación. Llegó a México en 1939, exiliado de la Guerra Civil Española. Tuvo su primera exposición en la Galería de Arte Mexicano en 1941. Su trabajo se avocó de principio en temáticas indigenistas, a tono con la Escuela Mexicana, pero pronto retomó su lenguaje y continuó buscando una mayor pureza artística, recuperando la libertad espiritual que como todo exiliado vio coartada. Con ayuda de la beca Guggenheim, mostró su obra en el National Museum de Washington. Durante los años cuarenta y cincuenta trabajó sin interrupción y formó varias generaciones de artistas en la Escuela Nacional de Artes Plásticas. En 1959 se celebró una retrospectiva de su obra en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México. Fue nombrado “Hijo Predilecto” de Montoro, se le concedió la Medalla de Oro de la ciudad y expuso en algunos museos mexicanos. “Pinto desde antes de saber leer y escribir. Pintaba en la acera de mi casa en Montoro, con tiza y con picón, cuando tenía cinco o seis años. Pinté, detrás de la hostería con una ramita de adelfa, en las esquinas, en el papel de estraza que mi madre tiraba después de echar el azúcar o la sal a las orzas. Creo que nací del vientre de mi madre pintando hasta que a los diez años partí para Sevilla a estudiar, donde empecé a usar los pinceles y colores”. Antonio Rodríguez Luna. Fuentes consultadas: CABAÑAS BRAVO, Miguel. Pinceladas. Dos raíces, dos tierras, dos esperanzas. México. Grupo Financiero BX+, 2014, Nota 32, Pág. 156 y TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo III. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 200.

$360,000.00-$500,000.00 M.N.

ALFREDO ALCALDE GARCÍA (Chimbote, Perú, 1961 - ) Mimo con pinocho

Firmado al frente. Firmado y fechado 2020 al reverso Óleo sobre tela 150 x 120 cm Con certificado de autenticidad del artista, marzo del 2020. “Nada inhibe a Alcalde en la persecución de su visión de un arte pictórico de peculiar giro filosófico. Lo que se manifiesta es una profundización importante de la figuración humanista en la que se enmarcaría su arte […] Hay en su manejo del color algo así como una sugerencia de ecuación de nueva dimensión cósmica: esta corporeidad sólida se convierte en puente entre los orígenes y el final de la existencia”. Jorge Villacorta Chávez. Fuente consultada: VILLACORTA, Alberto et ál. Alfredo Alcalde. Caminos, máscaras y destinos. Perú. Instituto Cultural Peruano Norteamericano, 2016, pp. 17-28.

$550,000.00-$700,000.00 M.N.

ALFREDO ALCALDE GARCÍA (Chimbote, Perú, 1961 - ) Eros y Tanatos

Firmado al frente. Firmado y referenciado Lima, Perú al reverso Óleo sobre tela 135 x 200 cm Con certificado de autenticidad del artista, marzo del 2020. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Lima; tuvo de maestro a Víctor Humareda, uno de los pintores expresionistas más importantes de Perú. Comenzó su carrera explorando el paisaje urbano, su producción se encuentra dividida entre este género y el registro de personajes y puestas en escena dotadas de un carácter atmosférico, donde la luz forma parte medular en sus lienzos. Su estilo ha transitado del impresionismo y expresionismo hasta el realismo simbólico con temas irónicos relacionados con la reflexión y la denuncia social. A lo largo de su carrera, además de desempeñarse como pintor, realizó obra escultórica y experimentó con el grabado y la cerámica. Ha ilustrado libros, participado en foros y pláticas en universidades y centros culturales en Perú y el extranjero. Ha expuesto en museos y galerías de Perú, Chile, México, Japón, Suiza y Francia; además, en el año 2000 fue distinguido con la placa “Sol del Cuzco” otorgada por el Museo de la Nación y el Instituto Nacional de Cultura del Perú a la mejor exposición de arte del año. Fuente consultada: VILLACORTA, Alberto et ál. Alfredo Alcalde. Caminos, máscaras y destinos. Perú. Instituto Cultural Peruano Norteamericano, 2016, pp. 17-28.

$850,000.00-$1,500,000.00 M.N.

SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Los minotauros

Firmado tres veces y fechado 2007 al reverso Óleo y arena sobre lino 120 x 200 cm Con certificado de autenticidad del artista, febrero del 2007. Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2020. Es considerado uno de los artistas oaxaqueños más representativos de nuestra época construye sus discursos a través de la pintura, escultura o artes gráficas. Su obra comparte características formales del arte neoexpresionsta europeo y estadounidense de las décadas de los 80 y 90. La creatividad de Sergio Hernández proviene de un amplio panorama de la historia del arte y los aspectos más destacados de su obra emanan del imaginario de la cultura oaxaqueña; así, con el tiempo brotaron los temas de los insectos, el mezcal y la muerte. “Nací en el pueblo de Huajuapan de Léon en Oaxaca y de niño íbamos a las pozas de agua a bañarnos. Yo solía acostarme en el pasto a escuchar los sonidos de las chicharras, entre botones de amapolas. No me atrevía a verlos de cerca sólo a escucharlos e imaginaba sus formas. El sonido llenaba el espacio. Le tengo miedo al espacio abierto, necesito saturarlo con pequeños elementos […] Ahora colecciono insectos de formas extrañas de Brasil, Nueva Zelanda, Madagascar y México”. Sergio Hernández. Fuentes consultadas: DEL CONDE, Teresa et ál. Sergio Hernández. México. Turner, Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 34 y 323 y SULLIVAN, Edward. Sergio Hernández. México. Fomento Cultural Banamex. 2008, pp. 25-29.

$950,000.00-$1,500,000.00 M.N.

EMILIANO GIRONELLA PARRA (Ciudad de México, 1972 - ) El grillo, de la serie Insectos

Firmado y fechado 2017 Óleo y hoja de oro sobre fibrocemento grabado sobre madera 80 x 120 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte firmada por el artista. Con etiqueta de El Aire Centro de Arte. Emiliano Gironella Parra es hijo de los pintores Alberto Gironella y Carmen Parra. Su formación artística comenzó desde pequeño, ya que por las circunstancias familiares siempre tuvo maestros cercanos y significativos, entre los que destacan Luis Buñuel, Manuel Álvarez Bravo, Carlos Fuentes, Octavio Paz y Paul Leduc, entre muchos otros. No obstante, tuvo la oportunidad de estudiar en la Interlochen Arts Academy en Michigan donde estudió Escultura, Fotografía y Grabado. A lo largo de su carrera ha experimentado con diversas técnicas como el óleo, la acuarela, el video, las instalaciones, la fotografía y el grabado, en especial las tallas directas en madera, en cuya técnica es un reputado especialista. Su primera exposición fue en el Museo del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, como parte de la muestra “Colorín Colorado”, desde entonces ha participado en un sinfín de exhibiciones colectivas e individuales y formado parte de diversos proyectos a nivel internacional. Fuente consultada: RICO, Pablo. Los Parra-Gironella, un collage familiar. México. Gobierno del Estado de San Luis Potosí, Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario, El Aire Centro de Arte, 2012, Pág. 327.

$90,000.00-$120,000.00 M.N.

CARMEN PARRA

(Ciudad de México, 1944 - ) Águila pescador

Firmado Gouache sobre papel 74 x 103 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte firmada por la artista. A lo largo de su vida, su producción artística se ha visto enriquecida por diversos factores, los cuales se han plasmado en la selección de sus temas, destacando su idea de plasmar la mexicanidad bajo un sentido antropológico, como lo ha sido: la migración de la mariposa monarca, la pintura barroca de la Catedral de México, los hallazgos del Templo Mayor y la figura del águila real como emblema mexicano. De este último, para defender su valor de símbolo histórico, Carmen Parra emprendió una campaña contra la extinción de la patria mediante la figura del águila real, realizando la exposición “República del aire: el águila contra la patria en extinción”, la cual exhibió 27 cuadros de gran formato para los cuales tuvo el privilegio de contar con un ejemplar vivo como modelo llamado “Inka”, un águila de alas rotas que fue adoptada por un amante de la especie tras un decomiso. Sobre su encuentro con el águila real, la pintora mencionó: “Creo que ningún artista del mundo ha tenido el privilegio de que le traigan un águila real a posar. Es un animal muy difícil de ver […] traté de pintar el vuelo del águila casi del tamaño natural, en telas de dos por dos metros, ya que ‘Inka’ tiene una envergadura de dos metros de ancho”.

Fuente consultada: MACMASTERS, Merry. “Carmen Parra enarbola el águila real contra la extinción de la patria”. México. La Jornada, sección Cultura, 18 de agosto del 2011.

$80,000.00-$120,000.00 M.N.

FERNANDO DE SZYSZLO

(Lima, Perú, 1925 - Distrito de San Isidro, Perú, 2017) Boceto para la serie Sol negro

Firmado Pastel y gouache sobre papel 56 x 37.5 cm Con dedicatoria: “Para Miguel A. Muñoz”. Procedencia: adquirido directamente al artista. Colección del historiador y crítico de arte Miguel Ángel Muñoz. Este boceto fue un estudio para una de sus pinturas al óleo de la serie “Sol negro”, la cual realizó como homenaje a su hijo. Fernando de Szyszlo fue uno de los artistas más emblemáticos del siglo XX. Fue hijo del científico polaco Vitold de Szyszlo, sobrino del reconocido escritor peruano Abraham Valdelomar y cuñado del diplomático mexicano Alfonso García Robles, premio Nobel de la Paz en 1982. Estudió Arquitectura en la Universidad Nacional de Ingeniería de Perú, la cual dejó para seguir su verdadera vocación en la Academia de Artes Plásticas de la Pontificia Universidad Católica del Perú, bajo la tutela del austriaco Adolfo Winternitz, con quien creó la revista cultural 70

“Las Moradas”. En 1947 viajó a París, estancia que fue trascendental para su formación artística. Allí entabló amistad con Octavio Paz, Julio Cortázar, Roberto Matta y Wifredo Lam, asimismo fue influenciado por la obra e ideales de Rufino Tamayo y estudió con gran dedicación el movimiento surrealista y abstracto, el cual estudió, estilizó y poco a poco fortaleció. De regresó a su tierra natal, se interesó por el arte precolombino, rescatando sus raíces ancestrales por medio de la pintura, logrando un equilibrio armonioso entre la tradición y las vanguardias estudiadas en Europa. A principios de la década de los 60, su estilo artístico ya estaba trazado y cada uno de sus cuadros expresaba una total libertad estética. Para la década de los 70, su obra ya había sido expuesta de manera individual en diversos museos y galerías de distintos países de América y Europa. Fuentes consultadas: PORRAZ, Paloma. Fernando de Szyszlo. Elogio a las sombras. México. Universidad Nacional Autónoma de México, CONACULTA, 2011, Pág. 49 y sitios oficiales del Antiguo Colegio de San Ildefonso www.sanildefonso.org.mx y del Ministerio de Comercio Exterior y Turismo de Perú www.peru.info

$100,000.00-$150,000.00 M.N.

JORGE MARÍN

(Uruapan, Michoacán, 1963 - ) Media luna, 2007

Firmada Escultura en bronce P.F. 185 x 103 x 24 cm Con certificado de autenticidad del artista. Agradecemos al Maestro Jorge Marín por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2020. Publicada en: sitio oficial del artista www.jorgemarin.com.mx Presenta ligeros detalles de conservación. De carrera multifacética, ha experimentado con distintos materiales y técnicas, siendo el bronce su signo distintivo, pues lo considera idóneo para que las manos y los pies de sus personajes, así como las texturas de plumas, venas y telas, adquieran la perfección de la materia viva. Además, trabaja con diversos formatos, desde la miniatura hasta la escultura monumental, con ello generando un diálogo que permite desarrollar un juego espontáneo y lúdico. En la mitología plástica de Jorge Marín, es común encontrar figuras aladas, seres inclinados sobre su propio peso, presentándose como una alusión a la acción del vuelo. A través de sus obras, busca provocar en el espectador una profunda reflexión. “En Marín, la composición juega con los puntos de equilibrio y tensión que dota de una armonía constructiva al volumen contenido entre los vacíos y la masa. Ambos oscilan entre la pureza lineal de los soportes de sus personajes, donde formas elegantemente proyectadas en el espacio, constituyen la morada del tema que acusa; y el sujeto, que evoca cierto manierismo desde su resolución realista, en la actividad que recrea los personajes fantásticos provistos de máscaras y vigorosas alas.[…] Jorge Marín nos transporta con su obra en un viaje hacia a un mundo misterioso, mágico y místico, pero a la vez de sugerente erotismo, divertido y sagaz”. Luisa Barrios.

Fuentes consultadas: SOTRES MORE, Bertha Eugenia. “Jorge Marín”. México. IdeArte, julio del 2015 y sitio oficial del artista www.jorgemarin.com.mx

$360,000.00-$500,000.00 M.N.

REMEDIOS VARO

(Anglès [Gerona], España, 1908 - Ciudad de México, 1963) Sin título

Firmado Remedios en la dedicatoria Tinta y lápiz de grafito sobre papel 27 x 26 cm Con dedicatoria a Óscar Domínguez. Agradecemos al Sr. Salomón Grimberg por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2020. Procedencia: colección particular del pintor español Óscar Domínguez. Colección Bravo, París, Francia. Colección particular, Palm Beach, Florida, Estados Unidos. Presenta detalles de conservación. Remedios Varo fue uno de los personajes más entrañables del movimiento surrealista de la primera mitad del siglo XX en nuestro país. Mujer de gran personalidad, exiliada política, feminista, practicante de la alquimia y el tarot. Aprendió de su padre, quien era un ingeniero hidráulico y librepensador, el dibujo académico, las matemáticas y la perspectiva. Aunque durante toda su vida se sintió dolorosamente criticada por él, la impulsó a ingresar a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, mismo colegio donde asistieron Federico García Lorca y Salvador Dalí. Terminando sus estudios se casó con Gerardo Lizárraga, condiscípulo, y se mudaron a París. Al año siguiente se establecieron en Barcelona, donde empezó a trabajar para una compañía publicitaria, relacionándose con artistas de la vanguardia como José Luis Florit, Óscar Domínguez y Esteban Frances. Se integró al grupo catalán Logicofobista, dedicado a perseguir la síntesis del estado del alma e ideales surrealistas. Durante la Guerra Civil Española, se proclamó partidaria del lado republicano y fue a través de su participación en la política donde conoció a su gran amor Benjamin Péret, un poeta y luchador inalcanzable por quien dejó a su esposo Gerardo Lizárraga. 72

La nueva pareja se trasladó a París, fue una época muy productiva artística, social e intelectualmente; entabló amistad con Max Ernst, Leonora Carrington, Joan Miró y Wolfgang Paalen, y participó con éxito en la “Exposition Internationale du Surréalisme en la Galerie des Beaux-Arts” en París y en la Galerie Robert en Amsterdam. Tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial, la pareja se vio obligada a huir de Europa y, después de varias complicaciones, lograron trasladarse a México como refugiados políticos. A pesar de haber llegado a nuestro país sin haberlo planeado, fue aquí donde Remedios Varo logró un mayor balance artístico. Conoció a Diego Rivera y a Frida Kahlo, además se reencontró con su amiga Leonora Carrington, con quien colaboró en los diseños de vestuarios del ballet “Aleko”, presentado en el Palacio de Bellas Artes. El ambiente de libertad y la esencia del mexicano la envolvieron y enamoraron tanto que jamás volvió a España. En 1947 se separó de Benjamin Péret y se unió a una expedición científica a Venezuela, donde se reunió con su hermano Rodrigo. Allí hizo estudios microscópicos de mosquitos y ejecutó dibujos de estos insectos para una campaña de salubridad, además realizó algunos cuadros de uso publicitario para la casa Bayer; piezas de esta etapa están firmadas como “Uranga”. A principios de los años 50 regresó a México y conoció a Walter Gruen, un refugiado austriaco con quien se unió en matrimonio, también abandonó los trabajos publicitarios y se dedicó por completo a la pintura, logrando con facilidad participar en un sinfín de exposiciones en destacados museos y galerías mexicanas. Las pinturas de esta etapa fueron vastas y complejas, cargadas de teorías psicoanalíticas, llenas de misticismo, obras con un cúmulo de elementos oníricos y arquetipos que subrayan su vida y estado del alma. Fuentes consultadas: SANTOS TORROELLA, Rafael et ál. Remedios Varo. Madrid, Fundación Banco Exterior, 1989, Pág. 56 y sitio oficial de la artista www.remedios-varo.com

$450,000.00-$600,000.00 M.N.

JOSÉ CLEMENTE OROZCO

(Zapotlán el Grande, Jalisco, 1883 - Ciudad de México, 1949) Alegoría de la justicia, de la serie La Verdad, boceto para el mural La Justicia

Firmada y fechada 1945 Tinta sobre papel 38 x 28 cm Con certificado de autenticidad de Margarita V. de Orozco adherido al reverso. Agradecemos a la Fundación José Clemente Orozco por la verificación de autenticidad de esta obra, mayo del 2020. Exhibida en: muestra conmemorativa del vigésimo aniversario luctuoso del artista en el Colegio Nacional, en la Ciudad de México en 1969. El tema de la justicia apareció de manera frecuente en la obra de José Clemente Orozco. Durante su vida ocurrieron tres eventos bélicos que cambiaron su percepción de la vida, reflejándose en su trabajo: la Revolución Mexicana y la Primera y Segunda Guerra Mundial. En esos sucesos confluyeron el poder, la milicia, la economía y la desigualdad social. Lejos de interpretar estos conceptos de manera solemne y rígida, logró expresarlos de manera irónica, sin tabúes e incluso de forma festiva; con trazos fuertes y mensajes de denuncia contundentes. Entre 1940 y 1941, realizó tres murales para el edificio de la Suprema Corte de Justicia de la Ciudad de México: “Las riquezas nacionales”, “La Justicia” y “La lucha de los trabajadores”. En ellos expresó su completa visión de los Poderes de la Nación, este hecho le ocasionó un vasto número de críticas y oposiciones que incluso pusieron en riesgo la terminación del mural. Reaccionó de manera intransigente, completando el mural y logrando su cometido de denunciar las irregularidades que caracterizan los procesos de impartición de justicia en el país. En el mural, la figura de “La Justicia” es representada durmiendo plácidamente, reposando hacia atrás sus brazos, en una mano sujetando aún las leyes y en la otra la espada. Frente a esta matrona dormida, personajes enmascarados abusan del poder. En 1968, Raquel Tibol expresó que los murales de Orozco eran “la crítica más dura que se haya hecho en imagen al Poder Judicial”. Fuentes consultadas: AMADOR TELLO, Judith. “Restauran los murales de la justicia”. México. Proceso, 27 de octubre del 2018.

$320,000.00-$400,000.00 M.N. 73

JUAN O’GORMAN

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 1982) Estudios para los murales del Castillo de Chapultepec, ca. 1960 a) Lucio Blanco, Venustiano Carranza y Luis Cabrera b) Venustiano Carranza c) Álvaro Obregón y Plutarco Elías Calles

Firmados Lápiz de grafito sobre papel 41 x 22 cm cada uno, medidas totales variables. Piezas: 3 enmarcadas juntas Procedencia: colección privada México; Christie’s, Nueva York, 26 de mayo del 2005, lote 142 y 27 de mayo del 2011, lote 237. Con etiqueta de Christie’s. Un boceto semejante al primero se encuentra publicado en: VILLEGAS MORENO, Gloria et ál. Juan O’Gorman 100 años. Temples, dibujos y estudios preparatorios. México. Fomento Cultural Banamex, 2005, Pág. 182. Al tratarse de un boceto, presenta ligeros detalles de conservación normales por el uso. Hacia el año de 1967 Juan O’Gorman iniciaría dos importantes proyectos con los que culminaría su obra mural, mientras proseguía cultivando el género fantástico y el retrato de caballete: “La confluencia de las civilizaciones europeas y americanas” mosaico destinado a la fachada del Centro de Convenciones Henry B. González en San Antonio, Texas por una parte y por otra, varias composiciones para la sala dedicada a la Revolución en el Museo Nacional de Historia, donde siete años atrás había ejecutado el “Retablo de la Independencia”. La Revolución Mexicana fue un tema recurrente en los últimos murales de Juan O’Gorman. Para estos frescos, el artista proyectó dos paneles de tamaños semejantes. El primero, intitulado “Retablo de la Revolución. Sufragio efectivo no reelección, 1910-1914” fue ejecutado entre 1967 y 1968, y el segundo, “El feudalismo porfirista”, entre 1970 y 1973. La decoración de la sala se complementaría con paneles más pequeños, de dos o más personajes significativos en ese proceso: Emiliano Zapata y Otilio Montaño, Francisco Villa y Felipe Ángeles; Venustiano Carranza, Luis Cabrera y Lucio Blanco, entre otros. El retablo principal fue elaborado sobre un bastidor de hierro y retrata la llegada triunfante de Francisco I. Madero a la Ciudad de México. Basó su composición en el material fotográfico de la época, agregando dramatismo al relato con propósito de ofrecer una lección vívida de un pedazo de historia patria, pues en sus palabras, “la Revolución había sido el primer proceso social avanzado del siglo”. De esta manera, asumía el compromiso de representar un fragmento de la historia de la nación con nitidez y contundencia, conforme a los preceptos del realismo. Fuente consultada: VILLEGAS MORENO, Gloria et ál. Juan O’Gorman 100 años. Temples, dibujos y estudios preparatorios. México. Fomento Cultural Banamex, 2005, pp. 180-188.

$500,000.00-$700,000.00 M.N.

RODOLFO MORALES

(Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 - Oaxaca, 2001) Preparándose para la fiesta

Firmado Carboncillo sobre papel 64.5 x 48.5 cm Con certificado de la Fundación Cultural Rodolfo Morales, marzo del 2018. Rodolfo Morales fue uno de los más importantes pintores mexicanos de la segunda mitad del siglo XX. Durante mucho tiempo trabajó su obra en silencio, hasta que conoció al maestro Rufino Tamayo, quien lo impulsó a introducirse al medio artístico, promoviendo su obra y haciendo frente al mercado de los coleccionistas de la época. Poco a poco fue exponiendo en importantes galerías de México y la mayor parte de las ganancias por las ventas de sus obras fueron invertidas a favor de su pueblo. En 1992 fundó la Fundación Cultural Rodolfo Morales, la cual realizó la restauración de diversos inmuebles del siglo XVIII en el Centro Histórico de Oaxaca y templos de San Jacinto Ocotlán, entre otros. Con el tiempo, se hizo conocido en el medio del arte como “El señor de los sueños”. Fue un maestro de la pintura surrealista y creó un lenguaje artístico basado en sus vivencias y estudios, plasmando en cada obra elementos mágicos provenientes de su pueblo natal. Actualmente, es considerado el alma de la Escuela de Oaxaca junto con Rufino Tamayo y Francisco Toledo. Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 378 y “Rodolfo Morales. El señor de los sueños cumplidos”. México. El Proceso, 16 de diciembre del 2000.

$220,000.00-$300,000.00 M.N. 75

Para David Alfaro Siqueiros, el arte y la política iban siempre entrelazados. Sus ideas políticas de extrema izquierda lo llevaron a quedar preso en siete ocasiones; la última de ellas fue en 1960, apenas terminando el mural “Del porfirismo a la Revolución” en el Castillo de Chapultepec. Por organizar disturbios estudiantiles, fue perseguido y aprehendido, acusado de disolución social, dado que era el presidente del “Comité de Presos Políticos y la Defensa de Libertades Democráticas”. Fue encarcelado cuatro años en Lecumberri. Durante su encarcelamiento siguió dibujando y pintando, utilizando el poco material que se le permitía tener, acuarelas, tintas, acrílicos, piroxilina y papel, que en ocasiones solía ser reciclado. Ahí realizó bocetos para el proyecto de la decoración del Hotel Casino de la Selva en Cuernavaca, Morelos, propiedad de Manuel Suárez y Suárez, mecenas de la época con quien entabló una buena relación a pesar de sus disparidades políticas. Al salir de prisión, reunió a un equipo de artistas para realizar el mural que decoraría dicho hotel. Entre sus discípulos se encontraban: su cuñado Luis Arenal Bastar, Mario Orozco Rivera, Guillermo Ceniceros y Jorge Flores, entre otros. El proyecto creció tanto en dimensión como en ambición. Suárez comprendió la magnificencia de la obra y pensó que la capital del país sería más adecuada para el mural y ordenó construir un recinto que lo albergaría. Cambió el proyecto inicial y se dispusieron a construir el espacio para el mural más grande del mundo, que sumaría un total de 237 metros cuadrados. El lugar elegido fue el Jardín de la Lama, sobre la Avenida Insurgentes. En este espacio aplicaría trucos de perspectiva que romperían visualmente las aristas de la arquitectura. El resultado fue el afamado mural “La marcha de la humanidad en la tierra hacia el cosmos: miseria y ciencia”, cuyo diseño octagonal por dentro y un dodecaedro por fuera, lo hacían una experiencia artística singular. Así nacería el proyecto que posteriormente recibió por nombre Polyforum Cultural Siqueiros. Finalmente, el centro cultural y su mural fueron inaugurados el 15 de diciembre de 1971. Por sus imponentes dimensiones y alto contenido social y humanista, intenta llamar al ser humano a establecer la libertad, el bienestar y la justicia por medio del arte. Durante sus últimos años trabajó intensamente. Abrió dos talleres, uno en Cuernavaca y otro en la Ciudad de México. Ahí acudían una gran cantidad de discípulos que compartían sus investigaciones y propuestas de nuevos conceptos compositivos y metodológicos. Fue un revolucionario tanto en lo político como en la pintura. Su interés por renovar y aportar cambios quedó plasmado en la siguiente declaración: “No se trata de revolucionar solamente el contenido del arte, sino también la manera de ejecutarlo”. A lo largo de ese tiempo, el artista realizó obras de distinta índole por encargo de Don Manuel, con sus ideas políticas veladas. Este retrato podría ser un antecedente pictórico de lo que sería la obra final de Siqueiros: el proyecto de integración plástica conocido como Cabeza de Juárez. 1972 fue el año del centenario de la muerte del Benemérito de las Américas y fue declarado el Año de Benito Juárez. Se mandaron a hacer diversos proyectos públicos con motivo de esta efeméride. Situado al oriente de la Ciudad de México en dos predios pertenecientes a la Secretaría de Comunicaciones y Transportes, se propuso edificar allí una concha acústica, para lo cual se sugirió a Siqueiros para realizar murales. El artista propuso elaborar una estatua al presidente Juárez, planeando erigir un busto monumental. Fue una oportunidad para realizar una obra popular de acuerdo con su ideología. El proyecto fue empezado en 1972, interrumpido por la muerte de Siqueiros solo dos años más tarde. Manuel Suárez y Suárez (Asturias, España, 1896 - Ciudad de México, 1987) llegó a México a la edad de 15 años por circunstancias familiares. Viajó por la República comercializando con granos y vivió el movimiento revolucionario de cerca. Fue fundador de la empresa cementera Techo Eterno Eureka, la cual tuvo un papel destacado como constructora en el desarrollo industrial del México posrevolucionario. Desde esos años ya tenía claro que su éxito empresarial estaría acompañado de una generosidad que desembocaría en una labor de mecenazgo al arte y a la cultura. Fue una de las figuras principales en la fundación del Tecnológico de Monterrey. Se dedicó también a la construcción turística con los hoteles Casino de la Selva y el Hotel de México (hoy World Trade Center), donde dio un importante espacio al Polyforum Cultural Siqueiros. A su muerte, en 1987, fue velado bajo el mural “La Marcha de la humanidad” en el Polyforum Cultural Siqueiros. Su vida fue la de un empresario ejemplar, que supo darle la importancia que tiene a la educación y a la cultura e invertir en ellas con generosidad. La exposición “Trascendencia de un mecenazgo Manuel Suárez y Suárez (1896 - 1987)”, presentada en el Museo Mural Diego Rivera en 2012, rindió homenaje a este gran benefactor de las bellas artes quien fue considerado el más grande mecenas del muralismo mexicano. Fuentes consultadas: - LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus Artistas. Tomo I. México. Promoción de Arte Mexicano, 2000. pp. 140-143. - RAMÍREZ BAUTISTA, Francisco Miguel. “La cabeza de Juárez, un proyecto olvidado en la Ciudad de México”. México. Relatos e Historias de México, sección Nuestras Historias. - “¿Qué pasó ahí?... Polyforum Cultural Siqueiros”. México. Excélsior, sección Comunidad, 16 de mayo del 2014. - SÁIZAR, Consuelo et ál. Trascendencia de un mecenazgo Manuel Suárez y Suárez (1896 - 1987). México. CONACULTA, INBA, Museo Mural Diego Rivera, 2012, Pág. 7.

Manuel Suárez y Suárez y David Alfaro Siqueiros

Manuel Suárez y Suárez y David Alfaro Siqueiros frente al Polyforum

David Alfaro Siqueiros en su taller

“Lo que se impuso en los retratos que hicieron los tres grandes del muralismo mexicano de este prócer fue la imagen de un hombre simbólico de nuestra identidad mexicana. “Siqueiros, en sus dos versiones de Juárez, la de 1956 y ésta de 1971, recupera el hieratismo voluminoso que se conformó en 1931, cuando el artista logró crear una composición pictórica y monumental mestiza que integró de manera novedosa elementos de la composición renacentista y cubista, con los valores plásticos de la escultura precolombina. “El muralista no podía pintar a Juárez como una víctima proletaria. Juárez no fue un Cristo, no fue un santo, no fue un mártir. Forma parte de otra serie de retratos realizados por Siqueiros, de figuras centrales en la conformación de nuestra república democrática, más allá de sus vidas personales [...] Juárez es presentado por Siqueiros como el indígena mestizado por la educación y la cultura cosmopolita. Nunca una imagen folclórica, ni ‘mexican curious’. “Traspasa al espectador con el brillo enérgico de su penetrante mirada de águila. ‘En México, el respeto al derecho ajeno es la Paz’ Un imperativo categórico para una nación constituida por padrinos y ahijados, por caudillos y caciques, por víctimas discriminadas por su raza. Su figura se actualiza y equivale a otras luchas hermanadas en el tiempo, como la de Martin Luther King: ‘I have a dream, the American Dream’ [...] “Para Siqueiros, Juárez es un visionario y así lo expresa en el reverso del cuadro donde también le traza un dibujo —un boceto del retrato— y escribe el siguiente texto: ‘México y el mundo sabe que Juárez fue el caudillo y el pensador más importante, no solo de México sino de toda América Latina en defender la autonomía política y económica de nuestra patria contra el predominio de Europa y los Estados Unidos. Su doctrina de amor es válida en más de dos siglos’”. Dra. Irene Herner, fragmento del ensayo documental “Retrato de Juárez”, junio del 2015.

Reverso

DAVID ALFARO SIQUEIROS

(Ciudad de México, 1896 - Cuernavaca, Morelos, 1974) Benito Juárez

Firmado y fechado 71 al frente. Firmado y fechado 2 de mayo de 1971 al reverso Acrílico sobre madera 100 x 70 cm Con dedicatoria firmada al reverso. Con boceto y leyenda escrita al reverso: “México y el mundo sabe que Juárez fue el caudillo y pensador más importante, no solo de México, sino de toda la Améirca Latina, el defendió la autonomía política y economía de nuestra patria contra el predominio de Europa y los Estados Unidos. Su doctrina de amor es válida en más de dos siglos”. Con ensayo documental de la Dra. Irene Herner. Procedencia: colección de Manuel Suárez y Suárez. Con fragmento de etiqueta de Polyforum Cultural Siqueiros. $4,200,000.00-$6,000,000.00 M.N. 78

Anverso

GERARDO MURILLO “DR. ATL”

(Guadalajara, Jalisco, 1875 - Ciudad de México, 1964) El pintor Clausell

Firmado con monograma y fechado 1908 Pastel sobre papel 42 x 46 cm Publicado en: - MANRIQUE, Jorge Alberto et ál. Dr. Atl. Obras maestras. Dibujos y bocetos. México. Turner, 2012, Pág. 64. - ROURA, Alma Lilia et ál. Dr. Atl: conciencia y paisaje. México. MUNAL, 1985, Pág. 25, catalogado 59. - FERNÁNDEZ DE CALDERÓN, Cándida et ál. La visión de un coleccionista. Grandes maestros Europeos y Mexicanos. México. Fomento Cultural Banamex, catálogo de exposición, 2002, Portada. - ESPEJO, Beatriz. Dr Atl. El paisaje como pasión. México. Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 1994, Pág.47. Exhibido en: - “Dr. Atl: conciencia y paisaje”, muestra presentada en Museo Nacional de Arte y en el Palacio de Minería en la Ciudad de México, de diciembre de 1984 a marzo de 1985. - “Retrospectiva del Dr. Atl”, muestra presentada en el Museo Biblioteca Pape en Monclova, Coahuila, de junio a septiembre de 1985. - “La visión de un coleccionista. Grandes maestros Europeos y Mexicanos”, muestra presentada en el Palacio de Cultura Banamex, en la Ciudad de México, en el 2002. - “Dr. Atl: Obras Maestras”, muestra presentada en el Salón Juárez del Centro Cultural Universitario Tlatelolco en la Ciudad de México, de diciembre del 2011 a abril del 2012 y en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey en Monterrey, de mayo a septiembre del 2012. Con etiquetas del Museo Nacional de Arte y del Instituto Nacional de Bellas Artes. Personas cercanas a Dr. Atl, como Diego Rivera, asociaron su nombre con el de Joaquín Clausell. A los dos les gustaba escalar montañas y en una de esas excursiones se conocieron. Atl pintaba por las faldas del Ajusco y Clausell lo acompañaba, y de verlo, decidió probar fortuna en la pintura. Practicaba a diario y al cabo de un año dominaba el color. En “El pintor Clausell”, Atl lo captura agachado sobre su paleta, absorto. Realizaron varias pinturas al alimón. Joaquín Clausell le propuso retratar también a su sobrina Amada. Antes de terminar el encargo, Dr. Atl estaba completamente enamorado, sin ser muy bien correspondido. Para aliviar ese amor imposible, Atl pasó dos años, al menos por temporadas, en las faldas del Popocatépetl, convencido de que las enfermedades del alma se curan entre los hielos de un volcán a veinte grados bajo cero. Fue ahí donde descubrió su pasión por el estudio de los volcanes, el cual desarrollaría magistralmente a lo largo de su carrera artística. En ese mismo año, Justo Sierra impulsó exposiciones de arte entre los eventos con los cuales se celebraría el Centenario de la Independencia. Primero se realizó una exposición para artistas de España, la cual contó con un gran presupuesto y tuvo mucho éxito. Tras ver el triunfo de la muestra, inconforme por la nula participación de talento local, presidió una organización que le exigía a Sierra impulsar una nueva exhibición. Nombró tesorero a Clausell, quien había estudiado leyes. Figuraron 49 nombres, entre ellos Leandro Izaguirre, Germán Gedovius, y Roberto Montenegro. Se ha visto este acontecimiento como un parteaguas en la historia de la pintura mexicana, pues fue una especie de bautismo triunfal. Dr. Atl limitó su participación a la realización del cartel publicitario. El acto es nombrado a la fecha como El Renacimiento Mexicano y a Gerardo Murillo se le reconoce como su principal promotor; a su vez, el artista creía que la presencia de Clausell en la organización fue clave para su éxito; y con lo que reafirmaron su estrecha y cercana amistad hasta el día de su muerte. Para la historia del arte mexicano Dr. Atl es un personaje trascendental que revolucionó el término de “modernidad”, ya que influenció fuertemente en la vida política y cultural del país a través de recursos nunca antes usados bajo la ejecución de proyectos, textos, pinturas y teorías realizados durante sus múltiples viajes. Fue un hombre con energía, de personalidad rica y compleja, quien a pesar de su condición física nunca perdió el espíritu explorador, falleciendo en plena actividad artística el 15 de agosto de 1964. Actualmente su herencia estética forma parte de importantes colecciones privadas y toda su obra ha sido declarada monumento histórico. Fuentes consultadas: - LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus Artistas. Tomo I. México, Promoción de Arte Mexicano, 2000, pp. 84-87. - ROURA, Alma Lilia. Dr. Atl, paisaje de hielo y fuego. México. CONACULTA, 1999, pp. 22-25. - MANRIQUE, Jorge Alberto et ál. Dr. Atl. Obras maestras. Dibujos y bocetos. México. Turner, 2012, pp. 27-56. - ESPEJO, Beatriz. Dr. Atl. El paisaje como pasión. México. Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 1994, pp. 16-20.

$900,000.00-$1,500,000.00 M.N. 81

JOSÉ REYES MEZA

(Tampico, Tamaulipas, 1924 - Ciudad de México, 2011) La hamaca

Firmado y fechado 54 Óleo sobre tela 40 x 70 cm Con etiqueta del Museo Nacional de Artes Plásticas, Instituto Nacional de Bellas Artes. A pesar de haber sido un apasionado de los toros, José Reyes Meza se inclinó por el arte, profesión que ejerció con gran dedicación. Estudió en el Instituto Nacional de Antropología e Historia, en la Academia de San Carlos y posteriormente por su interés en la cultura mexicana tomó cursos en la Escuela Nacional de Antropología e Historia. En su pintura de caballete exaltó soltura en la pincelada y maestría en la calidad del dibujo, reflejando así una tendencia realista, en la que abundan bodegones, retratos y escenas costumbristas, de las cuales tiene como subtema la tauromaquia. Durante sus múltiples facetas fue un promotor cultural inalcanzable, ejerciendo en el medio teatral, realizando durante 25 años escenografías para el INBA, la UNAM, el Instituto Mexicano del Seguro Social y algunos teatros de la ciudad; también fue miembro de la segunda generación de la llamada Escuela Mexicana de Pintura y miembro fundador del Salón de la Plástica Mexicana. En 2008, se fundó en la ciudad de Nuevo Laredo un museo con su nombre. “De no haber sido pintor habría sido torero, de no haber sido torero habría sido cocinero. Torero lo fui, no como razón de vida o meta, sino como realización anímica de mi otro yo razón de ser de los ‘hobbies’, eventualidad que en mi vida perduró casi quince años. En el transcurso de este tiempo, los capotes de brega, las muletas, los estoques, banderillas y bártulos de oficio táurico, se fueron integrando a los lápices, a los pinceles, a los bastidores, a las telas, a los colores y las corridas de toros acabaron en pinturas en mis cuadros”. José Reyes Meza. Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 582 y ROMERO - LECANDA, Héctor. “¿Quién es José Reyes Meza?”, 3 de mayo del 2009.

$75,000.00-$100,000.00 M.N.

DESIDERIO HERNÁNDEZ XOCHITIOTZIN

(Tlacatecpac de San Bernardino Contla, Tlaxcala, 1922 - Tlaxcala de Xicohténcatl, 2007) Mercado de máscaras

Firmado y fechado 1953 al frente. Firmado y fechado Puebla, Pue, México 1953 al reverso Óleo sobre masonite 57 x 80.5 cm De origen tlaxcalteca, fue un relevante pintor dentro de la segunda generación del movimiento muralista del siglo XX. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Puebla y posteriormente tuvo la oportunidad de viajar a Europa un tiempo, lugar donde realizó varias obras y trabajos por encargo. Fue gran admirador de la obra de José Guadalupe Posada, Diego Rivera y Francisco Goitia. Su principal obra fue realizada en el Palacio de Gobierno de Tlaxcala, un mural que resguarda la rica historia de la tierra tlaxcalteca. También realizó murales al fresco en Tehuacán, Reynosa, Huamantla y Ocotlán. Además, su admiración por la arquitectura virreinal lo llevó a estudiarla con singular gusto, realizando remodelaciones para capillas y diseños de casas, incluyendo la suya. Fue arquitecto Honoris Causa y fundador de la escuela de arquitectura de la BUAP, así como restaurador de edificios históricos en Tlaxcala y Puebla. En 2006 se le otorgó el título honorífico de Embajador de la Cultura Tlaxcalteca. Además de México, sus obras han sido expuestas en Estados Unidos, Suecia, El Vaticano y Francia. Fuente consultada: CRUZ PÉREZ, Juan Luis. “Declaran diputados a Xochitiotzin embajador de la cultura local”. México. La Jornada de Oriente (Tlaxcala), sección Cultura, 28 de abril del 2006.

$70,000.00-$90,000.00 M.N.

JESÚS HELGUERA

(Chihuahua, 1910 - Ciudad de México, 1971) Sin título

Firmado al reverso Óleo sobre tela 101 x 80 cm Presenta ligeros detalles de conservación. Jesús Helguera es conocido como uno de los pintores más representativos del arte calendárico en México, cuya obra nació del romanticismo, la fantasía, el erotismo y el folclore nacional. A la edad de 7 años emigró junto con su familia a España, allí recibió su formación artística inicial en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid y posteriormente en la Academia de San Fernando. En esta etapa aprendió el gusto por la pintura clásica estudiando las obras del Museo del Prado, lo que le abrió paso a la ilustración.

Al estallar la Guerra Civil Española, Jesús Helguera regresó a México en 1938, donde recorrió gran parte del territorio nacional conociendo las costumbres y tradiciones mexicanas. Con el tiempo encontró un trabajó en la revista “Sucesos para todos”, posteriormente, trabajó exclusivamente y hasta su muerte con la compañía cigarrera La Moderna y, entre 1954 y 1970, trabajó para la empresa Galas de México, la principal editora de calendarios e imágenes comerciales del siglo XX en México; con ellos sus imágenes se convirtieron tan populares que no había hogar, taller, despacho, restaurante o ferretería que no tuviese en su pared un calendario diseñado por el chihuahuense. Fuentes consultadas: - TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 138. - ESPINOSA, Elia. Jesús Helguera y su pintura, una reflexión. México. Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM, 2004, pp. 17-24. - Sitio del Museo del Calendario www.mucal.mx

$350,000.00-$500,000.00 M.N.

GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 2003) Niña montando caballito

Firmado al frente. Firmado y fechado México D.F. 1969 al reverso Óleo sobre lino 61 x 46 cm Con etiqueta de Galería Tasende. “De su obra, se desprenden fáciles simbolismos y anécdotas, la imagen de un México fervorosamente apegado a sus perfiles populares”. Margarita Nelken. Fuente consultada: RULFO, Juan et ál. Gustavo Montoya. México. Litógrafos unidos A. S., 1981, Pág. 79.

$280,000.00-$350,000.00 M.N.

JESÚS HELGUERA

(Chihuahua, 1910 - Ciudad de México, 1971) Ofrenda al ídolo

Firmado Óleo sobre tela 200 x 160 cm También conocido como “Ofrenda a Coatlicue”. Esta pieza fue reproducida para ser calendario, editado por Galas de México a mitad del siglo XX. Presenta ligeras craqueladuras. La obra de Jesús Helguera abarcó paisajes, retratos, desnudos y escenas históricas, mitológicas y cotidianas. La textura, colorido, realismo y disposición de los personajes en su obra, ejercían un gran atractivo en el gusto popular. En ocasiones trabajó con modelos naturales, no obstante también llegó a apoyarse en la fotografía, con las cuales idealizó a los personajes de acuerdo a su propio gusto y formación académica hasta lograr una escena que a pesar de ser kitsch, representa una sublime historia de unos de los géneros tradicionales de la cultura popular mexicana. En 1949 pintó el famoso lienzo “La leyenda de los volcanes”, que le valiera un contrato exclusivo con la importante compañía cigarrera La Moderna. Helguera se dedicó a pintar según los requerimientos publicitarios de la empresa. Aunque admiraba a Diego Rivera, José Clemente Orozco, Davil Alfaro Siqueiros y a Dr. Atl y poseía amplia cultura visual, jamás se sintió artista ni pretendió exhibir sus originales. Hacía caso del guion que se le presentaba y utilizaba las fotografías pero introducía modificaciones y sobre todo idealizaba a los personajes de acuerdo a sus muy personales intereses y gustos. Su obra refuerza vínculos con el pasado prehispánico, aflorando sentimientos de pertenencia a través de la representación de leyendas, costumbres y ritos, fortaleciendo la identidad nacional en todos sus sentidos. Esta obra es testigo de ello: en la escena, una mujer de rasgos indígenas pero maquillada según la época del artista, da una ofrenda a Coatlicue, que en náhuatl significa “la de la falda de serpientes”, la madre de todos los dioses. Diosa de la tierra y de la luna, madre de Huitzilopochtli. “Helguera fue el pintor de cabecera de las multitudes, que vivió siempre un doble reconocimiento: la admiración de la mayoría y la referencia irónica de la minoría”. Carlos Monsiváis. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de Artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 138.

$1,300,000.00-$2,000,000.00 M.N. 86

ARTURO SOUTO

(Pontevedra, España, 1902 - Ciudad de México, 1964) Sin título

Firmado y fechado 1951 al reverso Óleo sobre tela 130 x 90.5 cm Presenta craqueladuras y desprendimientos de capa pictórica. La obra Arturo Souto está extendida por el mundo, figurando en museos de España y América. Fue un pintor que se alimentaba principalmente del impresionismo y del expresionismo. Tristán Tzara afirmaba que Souto “ha sabido encontrar el digno y profundo sentido, sin el cual, en nuestro tiempo, la vida no merecería ser vida ni llamarse vida”. La rebelión militar del General Franco lo sorprendió en Madrid. Participó con dibujos y carteles en la defensa de la República. También participó 88

en el Pabellón de la República Española, presente en la Exposición Internacional de París de 1937. Finalizada la guerra, emprendió el camino del exilio. Expuso en París, Bélgica, La Habana, Nueva York, Los Ángeles y Filadelfia. En 1942 se estableció en México donde residió hasta el final de su vida. “Los pintores españoles, por su parte, descentrados por la guerra y el exilio, se ven a su vez desorientados por una contradicción más: el magnetismo de un mundo nuevo (paisaje, hombre, cultura), y nostalgia de un ámbito perdido; nostalgia que en la paz y la soledad, agranda, intensifica, idealiza, las calidades de una tierra y una luz españolas que han quedado fijas en la retina y el recuerdo”. Arturo Souto. Fuente consultada: ARIAS SOLÍS, Francisco. “Arturo Souto Feijoo”. España. Blog del diario El Norte de Castilla, 17 de abril del 2010.

$250,000.00-$350,000.00 M.N.

JESÚS GUERRERO GALVÁN

(Tonalá, Jalisco, 1910 - Cuernavaca, Morelos, 1973) Retrato de Ancira Mireles Elizondo

Firmado Óleo sobre tela 117 x 92 cm Agradecemos a Flora, Francisco y Miguel Ángel Guerrero, hijos del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2020. Presenta craqueladuras. Los padres de Jesús Guerrero Galván eran personas muy humildes dedicadas al campo, de origen purépecha. Jesús mostró desde pequeño sus dotes para el dibujo, recibiendo todo el apoyo familiar para dedicarse de lleno a su profesión. A la edad de quince años, viajó a Estados Unidos acompañando a su madre y a su hermana. Durante su estancia dibujaba con pedazos de carbón sobre las banquetas. Cierto día, una pareja que pasaba por allí quedó sorprendida al descubrir sus habilidades artísticas, al grado de conseguirle una beca para estudiar en la

Escuela de Artes Plásticas de San Antonio, Texas. En 1941, la Galería de Arte Mexicano presentó con gran éxito su primera exposición individual, Inés Amor lo apoyó en lo profesional y personal por el resto de su vida. Su inquietud por la enseñanza lo llevó a ser maestro en la Escuela Nacional de Artes Plásticas durante veinticinco años. “Guerrero Galván abandonó paulatinamente las masas redondeadas. Si bien preservó el aspecto frontal, el carácter retratístico, en las composiciones, la búsqueda ‘modernista’ de geometría y de síntesis, lo impulsó a trabajar con trazos angulosos […] los fondos adquirieron mayor importancia. Se trataba, casi siempre, de un paisaje abierto, neutro hasta cierto punto, en el que aparecían algunos elementos arquitectónicos, muros en ruinas, árboles secos, ramos de flores a punto de marchitarse, cielos incendiados por un atardecer lúgubre”. Olivier Debroise. Fuentes consultadas: DEBROISE, Olivier et ál. Jesús Guerrero Galván. De personas y personajes. México. INBA, 1994, Pág. 26. Y LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus Artistas. Tomo I. Siglo XX 1901 - 1950. México. Promoción de Arte Mexicano, 2000, Pág. 226.

$130,000.00-$200,000.00 M.N. 89

Diego Rivera en su estudio en San Ángel, fotografía de Manuel Álvarez Bravo

Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez, mejor conocido como Diego Rivera fue un destacado pintor, grabador, dibujante, muralista, comunista, idealista y revolucionario mexicano. Fue un titán entre los muralistas, sublime pintor de caballete, un controvertido cómplice de la revolución política, gran defensor de las artes y cautivador de mujeres. Fue esposo de Angelina Beloff, Lupe Marín y Frida Kahlo, amante de Tina Modotti, Rina Lazo, Lupe Rivas Cacho y compañero de Emma Hurtado. Fue un hombre siempre presente en los acontecimientos más importantes del país, relacionado con las personalidades más destacadas de los círculos políticos y culturales de México, Francia y Estados Unidos. Su trayectoria fue basta y casi siempre bien aceptada por la crítica; pero antes de todo ello, tuvo una rígida formación, siendo sus inicios artísticos la base de lo que posteriormente sería su arte. Todo inició en 1902, cuando impulsado por el director de la Academia de San Carlos, salió de las aulas para empezar a trabajar de manera independiente. En 1907 realizó su primera exposición, la cual le valió una beca otorgada por el Gobernador del Estado de Veracruz, gracias a la cual pudo viajar a Europa para complementar sus estudios. Primero viajó a España, donde tuvo la oportunidad de estudiar de cerca la obra de Francisco de Goya, Diego Velázquez y El Greco en los museos de Madrid. Más tarde se trasladó a París, donde visitó exposiciones y asistió a conferencias y cursos de pintura al aire libre, madurando su estilo pictórico. Los primeros trabajos que realizó en Francia vacilaron entre una línea moderna y académica a la vez, pero entre 1913 y 1917 fue consumido completamente por el cubismo, movimiento que le cautivó formalmente cuando visitó sus primeras exposiciones en los Salones de París. Aunque obtuvo buen reconocimiento en su periodo cubista, a partir de 1917 decidió abrazar el estilo de Paul Cézanne y alejarse del cubismo, para saltar al realismo que marcó su obra de 1918 a 1919. Volvió a México en 1922, momento en que la Revolución parecía consolidada. Se dedicó a estudiar a profundidad el arte maya y azteca, que influirían de forma significativa en su obra posterior. En colaboración con otros destacados artistas mexicanos del momento, fundó el Sindicato de Pintores, del que surgiría el movimiento muralista mexicano. Durante la década de 1920 recibió numerosos encargos del gobierno para realizar grandes composiciones murales en las que abandonó las corrientes artísticas del momento para crear un estilo nacional que reflejara la historia del pueblo mexicano. Entendió el presente como una lucha renovadora en la que integró crítica e ironía y visualizó un futuro glorioso sustentado en las aportaciones de la ciencia. Su obra se ha caracterizado por ser único, al integrar un alto contenido social e histórico. Su calidad de gran retratista, con los atributos siempre presentes de rescatar la personalidad de cada uno de sus personajes, se congela perennemente en las magníficas imágenes de los seres reales como en los oníricos. “No puedo pintar sin ver y sin pensar; en consecuencia, pienso según lo que veo y pinto según lo que veo y pienso”. Diego Rivera. Fuentes consultadas: - REYERO, Manuel. Diego Rivera. México. Fundación Cultural Televisa A.C., 1983, pp. 21-23. - TARACENA, Berta. Diego Rivera. Pintura de caballete y dibujos. México. Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 1979, pp. 16, 58-62. - TOVAR Y DE TERESA, Rafael. Diego Rivera. Arte y revolución. México. CONACULTA-INBA, 1999, pp. 107-115. - LOZANO, Luis-Martín et ál. Diego Rivera: Arte y Revolución. México. CONACULTA-INBA, The Cleveland Museum of Art, Ohio Arts Council, 1999. - LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen Pintores y Pintura Mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano. Enero-Febrero 2001. pp. 5-23. Año 6 No. 49.

Diego Rivera pintando su cuadro titulado Estudio del pintor, 1954

“Dueño de una cultura que le ofrecía una amplia visión del mundo, pintó la vida del pueblo con una profundidad que se salía de la simple ilustración, prolongándose su expresión plástica hacia el pasado prehispánico, dando continuidad a la tradición y afirmando tramos para el futuro”. Berta Taracena.

DIEGO RIVERA

(Guanajuato, 1887 - Ciudad de México, 1957) Cabeza india

Firmado y fechado 27 Óleo sobre tela 50 x 41 cm Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2020. Publicado en: Diego Rivera. Catálogo general de obra de caballete. México. CONACULTA-INBA, Pág. 100 catalogado 736. Con etiqueta de registro del Instituto Nacional de Bellas Artes, Oficina de Registro de Obra. Presenta ligeros detalles de conservación. $5,800,000.00-$7,000,000.00 M.N.

CARLOS MÉRIDA

(Quetzaltenango, Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) a) Retrato de Berta Singerman

Firmado y fechado 1927 Óleo sobre tela 61 x 51 cm Presenta craqueladuras y ligeros detalles de conservación. b) Boceto para el retrato de Berta Singerman Firmada y fechada 1927 Carboncillo sobre papel Berta Singerman, 1930 67.5 x 49.5 cm Presenta oxidación en el papel y ligeros detalles de conservación. Procedencia: adquirido directamente al artista. Colección personal de Berta Singerman. “La obra de Mérida es importante por muchas razones. Una de ellas fue su honestidad al adoptar la vanguardia europea y el aprendizaje de sus maestros y colegas. Sus amigos, la gente con la que se codeó, fueron los integrantes de la vanguardia: Picasso, Modigliani… por lo que realmente comprendió el estilo europeo e hizo de él un lenguaje propio”. Maria Estela Duarte. Berta Singerman (Mózyr, Bielorrusia 1901 - Buenos Aires, Argentina, 1999) fue una actriz y recitadora rusa nacionalizada argentina, conocida con el sobrenombre de “la lira viviente”. Cuando todavía era una niña, sus padres trasladaron su residencia a Buenos Aires. Estudió en el Liceo Nacional y en la Biblioteca del Consejo Nacional de Mujeres. Comenzó su vida artística en el teatro, pero la riqueza cromática de su voz, su sentido del sonido, el ritmo y el gesto la impulsaron a la declamación profesional. Berta Singerman fue la primera y única recitadora profesional de América y llegó a ser la más ilustre de las intérpretes de la poesía castellana. En sus viajes por el mundo, entabló amistad con artistas, actores, escritores y cantantes como Carlos Mérida, Luis Quintanilla y Juan Ramón Jiménez. Su arte no sólo triunfó en América, sino también en España y Portugal, donde cosechó importantes éxitos en su viaje realizado a principios de 1926, que supuso su reconocimiento internacional. En esta gira interpretó a Lope de Vega, a Rubén Darío y a otros clásicos de la literatura castellana. También hizo algunas incursiones en el cine, en películas como “Rumba”, “No más que una mujer” y “Cenizas al viento”. Su última representación teatral tuvo lugar en el Teatro Colón de Argentina. Fuentes consultadas: QUEZADA ROQUE, José. “Los rostros de Carlos Mérida en el Munal”. México. Chilango, sección Cultura, 24 de noviembre del 2018 y Fernández, T. et. ál. “Biografia de Berta Singerman”. España. Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea, 2004.

$550,000.00-$700,000.00 M.N. 94

CARLOS OROZCO ROMERO

(Guadalajara, Jalisco, 1898 - Ciudad de México, 1984) Autorretrato

Firmada y fechada 1968 Acuarela y lápiz de grafito sobre papel 29 x 21 cm Procedencia: adquirido directamente al artista. Entre tantas pinturas realizadas por Carlos Orozco Romero, además del paisaje, fue el retrato uno de sus géneros más solicitados; pintaba autorretratos y casi exclusivamente retratos de mujeres y los ejecutaba principalmente por encargo. Cuando se enfrentaba a una modelo, aunque tenía en mente su formación realista, se olvidaba de las modalidades tradicionales y simplemente interpretaba; dejaba fluir la influencia contemporánea, revelando una creación espontánea, sintetizando los principales rasgos físicos y subrayando el porte y carácter de la modelo, dando como resultado retratos de gran calidad artística. Fuente consultada: NELKEN, Margarita. Carlos Orozco Romero. México. Universidad Nacional Autónoma de México, Coordinación de Humanidades, 1994, pp. 29 y 30.

$70,000.00-$90,000.00 M.N.

RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - Ciudad de México, 2019) Sin título

Firmado Acrílico sobre tela 80 x 100 cm Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2020. Rafael Coronel fue un célebre artista mexicano, reconocido por sus pinturas de esencias melancólicas. Realizó sus estudios en la escuela Nacional de Arquitectura, en la academia High American School y finalizó en La Esmeralda, escuela de la cual fue expulsado por conflictos con los maestros. Un día, el pintor Carlos Mérida le presento a Inés Amor, dueña de la Galería de Arte Mexicano, lugar donde sin duda se dio a conocer como un verdadero artista. El arte siempre corrió por sus venas, su abuelo fue decorador de iglesias, su hermano fue el pintor Pedro Coronel y estuvo casado con Ruth Rivera, hija de Diego Rivera con quien trabajó en su taller durante veinte años. Al madurar su estilo, comenzó a romper con ciertas modalidades, se convirtió en un maestro del naturalismo y del realismo poético, fantástico y mágico. Su intención fue mostrar la particularidad del ser humano sin tanto revestimiento como lo hacían los muralistas, plasmando personajes cuya esencia se congela en el tiempo. Como dijera el crítico literario Salvador Elizondo: “Coronel forma una síntesis misteriosa entre la apariencia y la realidad”. “Al pintor le atrae lo fantástico y extraño de los atuendos, no cabe duda. Pero además le seduce dar corporeidad a las telas en que envuelve sus figuras. ¡Cómo se deleita pintando el brillo del satín, los pliegues con sus sombras profundas, con qué fidelidad reproduce esas telas lustrosas y corrientes! Pero sobre todo le interesa la expresión de los rostros y los cuerpos. Y este es otro de los ingredientes de su realismo: lo psicológico. Estos rostros, cada uno de ellos, muestran, con gran conocimiento del alma humana, una gama de expresiones en que falta una sola cosa: la alegría. Y este estado de ánimo, de desolación se hace evidente asimismo en el lenguaje de sus manos y de sus cuerpos encorvados”. Fernando Gamboa. Fuentes consultadas: GAMBOA, Fernando. Rafael Coronel. El rostro anónimo. Acrílicos recientes. México. INBA, Museo de Arte Moderno, 1979, CORONEL RIVERA, Juan Rafael. Retrofuture. Rafael Coronel. México. INBA, CONACULTA, Museo del Palacio de Bellas Artes, 2010 y sitio oficial del artista: www.rafaelcoronel.com

$320,000.00-$500,000.00 M.N.

LUIS GARCÍA GUERRERO

(Guanajuato, Guanajuato, 1921 - Ciudad de México, 1996) Bailarina

Firmado y fechado 1949 Óleo sobre tela 75.5 x 50 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, marzo del 2020. Presenta craqueladuras. Nacido en la ciudad de Guanajuato, descubrió y admiró la obra de su paisano Hermenegildo Bustos y los retablos populares. A principios de la década de los 50 se trasladó definitivamente a la Ciudad de México, donde creció su círculo de amigos, integrado por un grupo de pintores e intelectuales, entre ellos se encontraban los artistas Gunther Gerzso, Ricardo Martínez, Ángela Gurría, Manuel Felguérez y José Chávez Morado. Estos amigos interesaron a Inés Amor para

que visitara el estudio de García Guerrero, admiró su potencial y no dudó en ofrecerle una exposición. Críticos, historiadores y escritores que han tomado la iniciativa de analizar la obra de Luis García Guerrero, han concordado con la tesis de que este artista, antes que ubicarlo dentro de movimientos, tendencias, modas o estilos, fue un creador que tuvo la disciplina del color, el manejo del pincel, el dibujo equilibrado y la propuesta de una adecuada composición, que lo tornaron un pintor virtuoso que disfrutó con pasión su oficio y, por ende, es complejo encasillarlo dentro de alguna corriente estilística.

Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, 2004, No. 7, Pág. 21 y GONZÁLEZ MATUTE, Laura. “Luis García Guerrero (1921-1996). Retrospectiva en el Museo de Arte Moderno”. México. Discurso Visual, revista digital del CENIDIAP, No. 8, enero a abril del 2007.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. 97

GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 2003) Niños jugando

Firmado Óleo sobre tela 56 x 67 cm Presenta detalles de conservación. La carrera artística de Gustavo Montoya está dividida en dos vertientes; el periodo academicista y el neorrealista. En la primera realizó bodegones, retratos, naturalezas muertas, a través de pintura y dibujo. Su etapa neorrealista estuvo influenciada por las visitas a galerías y museos de Europa, especialmente por el abstraccionismo. Respecto a esta etapa, Juan Rulfo comentó: “Gustavo Montoya descubre otros mundos: aquellos que escondidos en el subconsciente, no había percibido hasta entonces: los mundos alucinantes de la memoria y, por añadidura las percepciones más recónditas de la mente, tales como el apesumbrado temor a los muchos temores de que está rodeado el hombre: agonías, pesares, sueños y alucinaciones, todos ellos llenos de una ineludible fatalidad desesperada”. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 372.

$150,000.00-$200,000.00 M.N.

JOY LAVILLE

(Wight, Inglaterra, 1923 - Cuernavaca, Morelos, 2018) Novia en la playa

Firmado y fechado 1993 al reverso Acrílico sobre tela 170 x 200 cm Referenciado 2000 al reverso. Publicado en: GRIMBERG, Salomon et ál. Joy Laville. The first fifty years. Estados Unidos. MetroGraphics, 2015, Pág. 97. Exhibido en: “Joy Laville. The first fifty years”, muestra individual presentada en el museo The McKinney Avenue Contemporary MAC en Dallas, Texas, de marzo a mayo del 2015. Con etiquetas del Museo de Arte Moderno y de Galería de Arte Mexicano. “Son varias las virtudes que caracterizan la pintura de Joy Laville: la extraordinaria delicadeza de sus colores, la levedad de sus contrastes cromáticos y la armonía impregnada en sus superficies. Su composición, por otro lado, hállase regida por un sentido muy original de espacio, en el que las formas son distribuidas asimétricamente y se mueven suave e imperceptiblemente, pareciéndonos que todo se encuentra en calma. Si bien sus paisajes, figuras e interiores, provienen de la realidad, Joy Laville se apropia de estas realidades sumiéndolas en un clima onírico y dándonos la impresión de que la materia de sus cuadros estuviese hecha de sueños. Son obras poéticas de cuyo exquisito refinamiento emanan sutiles armonías que, propias de mundos luminosos y transparentes, nos invaden de felicidad”. Fernando Gamboa. Fuente consultada: Joy Laville. Un mundo luminoso y transparente. México. Museo de Arte Moderno, INBA, 1977.

$500,000.00-$700,000.00 M.N.

JOSÉ BARDASANO

(Madrid, España, 1910 - Madrid, España, 1979) Interior con dama

Firmado Óleo sobre masonite 35 x 27.5 cm José Bardasano fue un pintor y dibujante madrileño que cultivó su arte en diversos países, convirtiéndose en uno de los artistas más relevantes de su época. Comenzó su formación como aprendiz del pintor Marceliano Santa María, posteriormente viajó a Londres, París, Bruselas y La Haya gracias a la beca Conde de Cartagena que le fue concedida en 1935. Durante la Guerra Civil en España, colaboró como cartelista e ilustrador en diversas publicaciones. En 1939, llegó a México junto con otros refugiados de la guerra en Europa. Pronto se identificó con las ideas de los muralistas, pero optó por un camino propio. Su fuerte personalidad le permitió conservar su identidad española durante su estancia, sin embargo se sobrepuso a todas las influencias y ambientes para mantener su estilo. Realizó paisajes, marinas, bodegones, retratos y escenas históricas, en las cuales en la cual se puede apreciar la devoción que el madrileño tenía por los usos y costumbres de la sociedad, con personajes pertenecientes a la vida moderna urbana pero con un estilo clásico europeo digno de su formación.

Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002. Pág. 106 y sitio del Museo del Prado www.museodelprado.es

$70,000.00-$120,000.00 M.N. 100

ENRIQUE ECHEVERRÍA

(Ciudad de México, 1923 - Cuernavaca, Morelos, 1972) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 80 x 87 cm Agradecemos a la Maestra Esther Echeverría por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2020. Presenta craqueladuras y desprendimiento de capa pictórica. “Enrique Echeverría fue por vocación plena un pintor, un maestro en el arte eterno del color, arte al que hizo la entrega de lo mejor que poseía, en cuanto hombre y en cuanto artista [...] Varias fueron las técnicas empleadas por Echeverría, incluso se aventuró en lo pictórico mural; sin embargo, la pintura al óleo fue la preferida; lo que tenía que decir lo hizo tangible gracias al dominio de los generosos recursos que posee el óleo. Echeverría todo lo construyó partiendo de la base del color; lo mismo para un tema tomado del exterior como lo son sus paisajes, que para escenas íntimas, como sucede con la serie de interiores; en ambos casos todo está sugerido mediante el color, ora aplicado en pinceladas ligeras o bien en pródigos empastes alcanzados con la espátula. La materia de las pinturas le brindó el que alcanzara los fines propuestos. Toda la expresividad de los colores estuvo a su alcance. En sus paisajes desaparecen los detalles, al igual que en sus figuras femeninas y masculinas, en las cuales marca más los volúmenes, alcanzados por el tratamiento del color. Echeverría dejó a la imaginación y a la inventiva de los espectadores de sus cuadros, el que reconstruyeran a los personajes allí contenidos”. Xavier Moyssen. Fuente consultada: MOYSSEN, Xavier. “Enrique Echeverría, la vocación de un pintor”. México. Revista de la Universidad de México, septiembre de 1980.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. 101

JOSÉ BARDASANO

(Madrid, España, 1910 - Madrid, España, 1979) Sin título

Firmado Óleo sobre lino 54 x 65 cm A pesar de que José Bardasano se identificó con las ideas de los muralistas al llegar a México, siempre optó por un camino propio, pues su fuerte personalidad le permitió conservar su identidad española sobreponiéndose a todas las influencias. Fue así, que su inconfundible estilo realista se adecuó bien a las circunstancias y realizó una larga serie de encargos oficiales, destacando los retratos y paisajes.

Fuente consultada: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002. Pág. 106.

$130,000.00-$250,000.00 M.N.

102

IGNACIO ITURRIA

(Montevideo, Uruguay, 1949 - ) Sin título

Firmado y fechado 94 Óleo sobre cartón 73 x 100 cm Presenta detalles de conservación a causa de la técnica empleada. Nacido en Uruguay de ascendencia vasca, en la década de 1970 se fue a Cadaqués, España en busca de inspiración para su obra, donde permaneció 10 años. Su obra ha destacado desde sus inicios pues el artista ha desarrollado un estilo maduro, con un fuerte y personal vocabulario de colores terrosos y personajes de ensueño y fantasía, cargados de historias y provocadores de recuerdos, que hoy conocemos como el cuño indeleble de su arte poético y humanístico. Ignacio Iturria ha expuesto su trabajo en diversos lugares de América Central y del Sur, Estados Unidos, Canadá, Europa y Japón. “A mí la pintura me entusiasma siempre. Para mí levantarme y saber que tengo una tela en blanco y que arranca el día es toda una ilusión, es como que podés empezar de vuelta. Esa es una de las cosas que más me gusta de esto, esa posibilidad de rectificación y que cada día parezca como si fuera un domingo o una fiesta o tu cumpleaños”. Ignacio Iturria. Fuentes consultadas: MUÑOZ, Miguel Ángel. “Ignacio Iturria. Obra en papel”. México. Museo Regional de Guanajuato, 2009 y SALLÉ ONETTO, Andrea. “Ignacio Iturria: pinceladas de interioridad”. Uruguay. El Observador, sección Seisgrados, 22 de julio del 2014.

$150,000.00-$200,000.00 M.N.

103

OFILL ECHEVARRÍA

(La Habana, Cuba, 1972 - ) Issues

Firmado con vinil al frente. Firmado y fechado 2014 NYC. al reverso Óleo sobre tela 122 x 127 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, septiembre del 2014. Es egresado de la Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro en La Habana, Cuba. En 1992 viajó a la Ciudad de México donde vivió hasta el 2002, para luego trasladarse a Estados Unidos donde actualmente vive y trabaja. Además de realizar obra pictórica, ha practicado el grabado y realizado obras audiovisuales, las cuales ha presentado en importantes recintos culturales de Nueva York. No obstante, para él, la pintura es su principal oficio, buscando siempre la forma de innovarla mediante la influencia de nuevas tecnologías. En una entrevista realizada en Berlín para la revista digital “ARTE FUSE”, posterior a su exposición en Valencia en 2017, mencionó que la apariencia de velocidad que constantemente aparece en su trabajo proviene del estudio de la fotografía y de su continua observación a la ciudad, específicamente de su gusto por mirar el flujo constante de las calles, es decir, la energía visible que se genera en las metrópolis por la activación diaria de la gente. A lo largo de su carrera ha realizado un sinfín de exposiciones individuales en museos, instituciones y galerías de diversos países de América Latina y Estados Unidos. Además, sus obras forman parte de importantes colecciones públicas y privadas, entre las que destaca el Centro de Desarrollo de las Artes Visuales y el Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana, el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, el Centro Nacional de las Artes de Nuevo León y la Fundación Merrill Lynch para las Artes en Miami. Fuente consultada: ISLA, Mónica. “Entrevista con el artista Ofill Echevarría”. Estados Unidos. Sección Entrevistas, 31 de julio del 2017.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. 104

PHIL KELLY

(Dublín, Irlanda, 1950 - Ciudad de México, 2010) Sin título

Firmado Óleo sobre papel 71 x 56 cm Agradecemos a la familia Kelly Munguía por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2020. “El rasgo más visible de sus representaciones pictóricas es el movimiento, la inestabilidad y el desplazamiento. En muchas ocasiones lo puramente visible de las pinturas, las manchas y las líneas, domina la mirada. En ese momento caemos en la cuenta de que estamos ante un ejercicio pictórico que, en su improvisación, resulta similar al free jazz, un himno a lo sonoro, una oda a lo visible. Es entonces cuando los significados de las formas, colores y texturas nos llevan a ignorar las realidades en que se basa, para entonces decantar un sentido de maravilla ante la colusión de sensaciones, inextricables, de la coreografía pictórica. Así es la ciudad, un muégano de realidades que rizomáticamente se encadenan”. José Manuel Springer. Fuente consultada: SPRINGER, José Manuel et ál. Phil Kelly. Dos horas y veinticinco años. México. Aeroméxico, American Express, 2005.

$40,000.00-$50,000.00 M.N. 105

HUGO LUGO

(Los Mochis, Sinaloa, 1974 - ) Un lugar sobre la mesa

Firmado y fechado 2000 Acrílico sobre tela 111 x 142 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, febrero del 2006. Es Licenciado en Artes Visuales por la Universidad de Montemorelos, Nuevo León. Ha desarrollado su obra en diferentes disciplinas donde destacan proyectos de pintura, fotografía, video e instalación. Desde 1996 su obra ha sido expuesta en ciudades como Caracas, Ámsterdam, París, Ciudad de México, Bogotá, Hong Kong, Río de Janeiro y Singapur. Sus premios incluyen la beca Jóvenes Creadores del FONCA, el Premio Nacional de Arte Joven y el premio de adquisición de la Bienal Internacional de Pintura Rufino Tamayo. La pintura de Hugo Lugo está marcada por el protagonismo que le da a cada personaje y el significado que le otorga a los objetos. En sus palabras: “Me gusta pensar en mi trabajo como un juego serio entre los puntos de cruce del dibujo, la pintura y la fotografía”. $100,000.00-$150,000.00 M.N.

106

OFILL ECHEVARRÍA

(La Habana, Cuba, 1972 - ) Industrial

Firmado y fechado NYC 2014 al reverso Óleo sobre tela 120 x 170 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, noviembre del 2014. “La obra que Ofill Echevarría ha venido creando como un ensayo incesante sobre la gente a la deriva en las arquitecturas urbanas —apenas sugeridas por los cuerpos que las habitan—, en donde sólo es posible ver y ser visto ‘de paso’ y de prisa, funciona en conjunto como un artefacto que altera el hábito y emplaza nuestra distracción hacia otro modo de conexión con la ciudad y su hirviente gentío”. Adriana Herrera, “Ofill Echevarría. El mundo de los vivos”, 2014. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.ofillarts.com

$90,000.00-$150,000.00 M.N.

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PHIL KELLY

(Dublín, Irlanda, 1950 - Ciudad de México, 2010) Rosa de la tarde

Firmado al frente. Firmado y fechado Mex DF 08 al reverso Óleo sobre tela 120 x 100 cm Agradecemos a la familia Kelly Munguía por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2020. Procedencia: adquirido directamente al artista. “La Ciudad de México como modelo temperamental de un pintor explosivo reconfirma que la imaginación y la razón forman una entidad indivisible. “Por ello, para Phil Kelly no existe una motivación creativa mayor. Esa realidad en constante mutación lo mantiene tan expectante y aguzado que incluso sus acometidas de cualquier otro género pictórico siempre terminan poseídas por su mismo asombro. Sea paisaje provinciano o campestre, sea naturaleza muerta o figuración humana, la condición tan ruinosa como estridentemente viva que descubre en sus modelos, es el resultado de la conjugación del verbo encarnado por la ciudad: estallar”. Luis Carlos Emerich. Fuente consultada: EMERICH, Luis Carlos. Phil Kelly. La ciudad y sus íconos. México. CONACULTA-Museo de la Ciudad de México, 2003. pp. 5 y 6.

$180,000.00-$220,000.00 M.N. 108

YAMPIER SARDINA

(La Habana, Cuba, 1979 - ) Fractura, de Rain series

Firmado y fechado 015 al frente. Firmado y fechado 2015 al reverso Óleo sobre tela 91.5 x 121 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Yampier Sardina comenzó sus estudios en la Escuela Elemental de Artes Plásticas 20 de Octubre y en la Academia Nacional de Artes Plásticas San Alejandro, ambas en La Habana, Cuba; posteriormente, para complementar su formación, se trasladó a Nueva York donde estudió el género del paisaje. Desde sus primeros años de formación logró participar en diversas exposiciones colectivas en Cuba y laboró en la ejecución de algunos proyectos, destacando la realización de murales al lado de Arturo Montoto, de quien fue discípulo. Actualmente, su obra se conforma por varios temas, entre ellos las naturalezas muertas y la serie “Rain”, trabajo que comenzó en 2013. Estas obras se caracterizan por representar la lluvia como un sinónimo de intimidad, da la impresión de verla detrás de un cristal, dando así la posibilidad de jugar con las formas y de proponer una imagen inconclusa, realista y a la vez abstracta; en palabras del autor: “pueden ser donde sea. Me gusta mucho jugar con el concepto de la mentira, es una mentira que lleva a un conocimiento”. $100,000.00-$140,000.00 M.N.

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BRUNO WIDMANN

(Montevideo, Uruguay, 1930 - Montevideo, Uruguay, 2017) Fanfarria (El mandadito)

Firmado al frente y al reverso Óleo sobre tela 120 x 120 cm “La búsqueda pictórica de Bruno Widmann es radical, establece un diálogo poético esclarecedor. Asume riesgos, llega al límite del vacío en la figura y, al mismo tiempo, la transforma. Conquista el espacio; el artista no tiene estilo alguno, ni tampoco que quiera expresar, ni representar. Tal vez quiere mostrar, o mejor dicho, dejar que la misma pintura se muestre tal como es, con su incomprensibilidad, su arbitrariedad y su sin sentido, o con un significado tan escondido y agazapado entre los intersticios de la realidad, que apenas pueda reconocerse. Es decir, Widmann es su pintura, su visión del tiempo, las relaciones entre forma y color, sensación y volumen”. Miguel Ángel Muñoz. Fuente consultada: MUÑOZ, Miguel Ángel. “Bruno Widmann. Un recuerdo a la memoria (1930 -2017)”. México. La Razón, sección Cultura, 24 de agosto del 2019.

$160,000.00-$250,000.00 M.N.

110

JOSÉ CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1953 - ) Sin título

Firmada al frente. Firmada y fechada 2020 al reverso Impresión digital y acrílico sobre tela 79.5 x 82.5 cm Con certificado de autenticidad del artista, marzo del 2020. Agradecemos al Maestro José Castro Leñero por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2020. José Castro Leñero es un artista mexicano destacado por representar en su obra la importancia de la expresión neofigurativa mexicana. Las imágenes que utiliza en sus obras adquieren un sentido completamente diverso cuando las manipula hasta convertirlas en juego con una nueva significación. Utiliza herramientas tradicionales y de las nuevas tecnologías para hacer, rehacer y deshacer, dibujar y desdibujar, pintar y despintar, figurar y desfigurar, sobreponer, aparecer y desaparecer, construyendo un discurso que nos introduce a un modo particular de ver la cotidianidad. A lo largo de su sólida carrera, ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales en Museos de México y Estados Unidos. Fuente consultada: BLANCO, Alberto. José Castro Leñero. La imagen encontrada. México. Museo de Arte Moderno, 1992.

$80,000.00-$100,000.00 M.N.

111

PEDRO ESCAPA

(Sabadell, Barcelona, 1966 - ) Deconstrucción no. 1, 2010

Sin firma Óleo sobre tela 140 x 100 cm Con etiqueta de Colección Diéresis. “Pedro Escapa es un experimentador incansable. Así se percibe en su trabajo reciente que consiste en utilizar pinturas y grabados que sus amigos-colegas han destinado al deshecho. Escapa les pide esas piezas y con ellas escudriña, recorta, fragmenta, pega, altera, manipula… Hace y deshace las obras ‘no logradas’ de otros artistas y magistralmente consigue composiciones atractivas que llevan su sello y su personalidad, sin descartar las referencias veladas de los autores originales que le sirvieron de ‘materia prima’”. Germaine Gómez Haro. Fuente consultada: sitio oficial de Galería Casa Lamm www.galeriacasalamm.com.mx

$100,000.00-$150,000.00 M.N. 112

MIGUEL CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1956 - ) Casa en construcción

Firmado y fechado 04 Óleo sobre tela 93 x 168 cm Agradecemos al Maestro Miguel Castro Leñero por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2020 Procedencia: adquirida directamente al artista. Realizó estudios de pintura en La Esmeralda y asistió al Centro de Investigación y Experimentación Plástica del INBA. En sus lienzos encontramos trazos y líneas de distintas densidades, figuras de carácter arquitectónico y urbano con texturas en tonalidades neutras. Lo mismo sucede en sus collages, dibujos, monotipos, grabados y esculturas. La obra de Miguel Castro Leñero puede encontrarse en las colecciones del Centro Cultural de Arte Contemporáneo, la Colección de Arte Gráfico Manuel Álvarez Bravo, en la Colección JUMEX, en el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, en el Museo de Arte Modero y en las colecciones del Banco de México y la Fundación Banamex en México, por mencionar algunas. En cuanto a colecciones en el extranjero forma parte de la Colección Bossano Simmonsen en Río de Janeiro, Brasil, en el Metropolitan Museum de Nueva York, en el Museo Sammlung en Viena, Austria y en el Museo Würth, en Alemania. Fuentes consultadas: sitios oficiales del artista www.miguelcastrolenero.com y del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$170,000.00-$220,000.00 M.N.

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MIGUEL CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1956 - ) Lágrimas en el cielo

Firmado y fechado 93 Óleo sobre lino 160 x 160 cm Agradecemos al Maestro Miguel Castro Leñero por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2020 Con etiqueta de Colección Diéresis. Proveniente de una prolífica familia de artistas plásticos, Miguel Castro Leñero es uno de los principales exponentes del arte contemporáneo en México. Su obra pictórica ha ido del collage y la composición de elementos constructivos, hacia una purificación geometrista bidimensional. Apoyado en los valores de espacio apenas significado por franjas a manera de vestigios constructivos y un colorido austero; su tendencia va hacia una minimalización geometrista modular, a manera de tableros donde las diferencias de tonos de trazos rectos sugieren superposiciones de dos o tres planos o más. Su obra ha sido expuesta en destacados museos y galerías mexicanas, y se encuentra en importantes colecciones privadas de México, Cuba, Brasil, Colombia, Ecuador, Estados Unidos, España, Alemania, Bélgica, Polonia, Francia, Inglaterra, Italia, Suiza y Corea del Sur. Fuentes consultadas: EMERICH, Luis Carlos et ál. Nueva plástica mexicana. México. Grupo Jumex, 1997, Pág. 33 y GARCÍA SANDOVAL, Laura. “Entrevista al pintor mexicano, Miguel Castro Leñero”. Blouin Artinfo, 26 de septiembre del 2013.

$220,000.00-$300,000.00 M.N. 114

PEDRO ESCAPA

(Sabadell, Barcelona, 1966 - ) Del proyecto México en construcción, 2010

Sin firma Escultura en varillas de acero y concreto sin número de tiraje 30 x 33 x 32 cm Existe otra versión de esta obra publicada en el sitio oficial del Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara MUSA www.musaudg.mx Para el Proyecto México en Construcción, el artista realizó una serie de piezas que resultaron de la reinterpretación de sus propias creaciones en un ejercicio de apropiación de sí mismo, al que se refiere como periódico nostálgico, no exento de ironía crítica a las tendencias posmodernas. La escultura repite el diseño de una serie de piezas que trabajó en diferentes formatos y materiales. Para esta versión utilizó materiales industriales que en su rudeza, contrastan con el aspecto ligero de dos estructuras curvas, una de varilla de acero y otra de concreto, ensambladas en un punto que sirve de soporte. El enrejado de metal de apariencia liviana entra en contraposición con la masa compacta de la superficie del arco, en una composición equilibrada en la que el artista se vale de materiales comunes en la albañilería para hacer una metáfora de su propia acción repetitiva, que también aplica al proceso del comienzo de nuevas etapas personales y de las circunstancias del país. Fuente consultada: sitio oficial del Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara MUSA www.musaudg.mx

$40,000.00-$60,000.00 M.N.

115

YVONNE DOMENGE

(Ciudad de México, 1946 - Ciudad de México, 2019) Semilla de opuestos

Firmada y fechada 07 Escultura en bronce 3 / 6 en base de bronce 17.5 x 34 x 14 cm Con certificado de autenticidad de la artista, febrero del 2020. La versión en madera de esta pieza se encuentra publicada en www.domenge.com. “Semilla de opuestos” está conformada por dos piezas, una versión en talla en madera y obra en bronce, ambas seleccionadas en la Segunda Bienal de Beijing, China del 19 al 28 de septiembre del 2005. Estudió artes plásticas en la Outremont School en Montreal y en la Corcoran School of Art en Washington DC. Fue miembro de la Comisión Consultiva en Escultura de CONACULTA, de la Comisión de Artes y Letras de París y del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Participó en más de 50 exposiciones individuales y 165 colectivas en México, Estados Unidos, Canadá y en algunos países de Asia y Europa, incluyendo el Museo de Louvre, así como una retrospectiva de su trayectoria en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México. En 2011, se convirtió en la primera mujer en exhibir su obra en el Millennium Park, Chicago, conviviendo con obras de Anish Kapoor y Frank Gehry. Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.domenge.com

$80,000.00-$120,000.00 M.N.

116

BEATRIZ ZAMORA

(Ciudad de México, 1935 - ) Serie 5ª: La tierra #9

Firmada y fechada 1976-junio al reverso Mixta sobre tela 193.5 x146 cm Presenta detalles de conservación. Inició su formación con maestros particulares de pintura y cerámica, para posteriormente estudiar en la École des Beaux-Arts en París. Desde 1962 ha realizado más de 80 exposiciones individuales en México y en el extranjero. Más de cincuenta años de trayectoria, ochenta de vida, Beatriz Zamora es fuerte, poderosa y libre; ella es hija del universo. Ha sido la única mujer artista mexicana capaz de crear un sinnúmero de obras de arte con un solo color: el negro. El negro es el silencio, es la creación y el absoluto. Sus obras se rebelan ante los cánones preestablecidos y hablan por sí solos, feroces, apasionados, llámese incluso primitivos. Sus materiales, frutos de la naturaleza, surgen de la profundidad de la tierra para servir como un portal hacia lo infinito: carbón vegetal, carburo de silicio, acerina, negro de humo, obsidiana son algunos de los elementos utilizados para crear estos portales hacia la contemplación. “En las obras de Beatriz el tamaño no parece importante. Hay piezas pequeñitas que son universos fascinantes y de un gran contenido poético, tan rico como las de gran formato. Cada pieza es como un fragmento de la noche”. Eduardo Rubio. Fuentes consultadas: RUBIO, Eduardo. Historia de una artista excepcional. México. Ediciones Castillo, 1998, Pág. 8 y texto de sala de la muestra “El negro de Beatriz Zamora. Una celebración de vida”, presentada en Galería Enrique Guerrero en 2015.

$280,000.00-$400,000.00 M.N.

117

LUCIANO SPANÓ

(Saluzzo, Italia, 1959 - ) La ciudad que no es de dios I, II y III

Uno firmado y fechado 03 al frente. Firmados y fechados 03 México D.F. al reverso Óleo sobre tela, tríptico 130 x 170 cm cada uno Piezas: 3 Con copia de certificado de autenticidad del artista. El primer panel del tríptico está publicado en: DEL CONDE, Teresa. Luciano Spanó. Espacio para una pintura. México. Landucci Editores, 2003, Pág. 24. Exhibido en: “Luciano Spanó. Espacio para una pintura”, muestra individual presentada en el Museo José Luis Cuevas en la Ciudad de México de noviembre del 2003 a febrero del 2004. $220,000.00-$300,000.00 M.N.

118

La producción artística que Luciano Spanó realizó a principios del nuevo milenio se dividió en tres núcleos; el primero, el de ejercicios dibujísticos al óleo sobre tela donde se manifiesta su predilección por realizar movimientos envolventes que involucran no solo a su mano o a su brazo, sino a todo su cuerpo; el segundo, a pinturas realizadas sobre fondos neutros y presencias libres con carácter fantasmal; y el tercero se integró por trípticos y polípticos de grandes dimensiones que representaron la síntesis de mociones que cultivó en los primeros veinte años de su carrera. Estas piezas no contaban con una narrativa lineal, aunque su composición y nombres les unían. Los trípticos tienen una raigambre profunda en la pintura renacentista de tema religioso, y su eje central es la composición. Si bien es cierto que con estas obras cada panel puede funcionar independiente a las otras, fueron concebidas para exhibirse juntas. Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa. Luciano Spanó. Espacio para una pintura. México. Landucci Editores, 2003, pp. 3-9.

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MAURICIO SANDOVAL

(Aguascalientes, Aguascalientes 1960 - ) Laguna mental

Firmado y fechado 2009 al reverso Óleo sobre tela 180 x 200 cm Con certificado de autenticidad del artista. “No soy ni abstracto ni figurativo. En un tiempo como el que vivimos estamos rodeados de imágenes, no te puedes dar el lujo de ser abstracto ni figurativo, tienes que ser un pintor a secas y abordarlo con tus obsesiones y tus cosas, lo demás te llegará”. Mauricio Sandoval. $60,000.00-$80,000.00 M.N.

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LORENA CAMARENA OSORNO (Ciudad de México, 1974 - ) Bosque sombra, 2019

Sin firma Acrílico sobre lino 130 x 211 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: NERI FAJARDO, Sonia. Lorena Camarena. Invernadero de sombras. México. Aldama Fine Art, 2019, Pág. 43, catalogado 15. Exhibido en: “Lorena Camarena. Invernadero de sombras”, muestra individual presentada en Aldama Fine Art en la Ciudad de México, de noviembre a diciembre del 2019. Los hallazgos plásticos de Lorena Camarena son actos platónicos para un teatro del mundo. Construye escenarios en los que el tiempo y el espacio provocan curiosidad propia del misterio de lo sugerido, de lo que no vemos pero que nuestra imaginación tiende a completar. Las escenas de Lorena son el archivo de un herbario de colores y formas recopiladas a lo largo de los años, tomadas de fotografías de hojas de plantes tropicales y ramas de árboles que son copiadas del papel al lienzo, armonizadas unas con otras para dar lugar a un álbum de recuerdos emergentes e introspectivos en formatos que con el paso de los años han ido de lo mediano a lo monumental. Su obra es un juego entre binomios: dibujo y pintura, orgánico e inorgánico, naturaleza y cultura, figuración y abstracción. Más allá de las recreaciones e interpretaciones de la sombra y sus resultantes siluetas, el hallazgo de la artista consigue entrelazar variaciones entre lo pensado, lo proyectado, lo descubierto, lo fotografiado, lo trazado y lo aprehendido. Fuente consultada: NERI FAJARDO, Sonia. Lorena Camarena. Invernadero de sombras. México. Aldama Fine Art, 2019, pp. 3-8.

$150,000.00-$200,000.00 M.N.

121

JESÚS PEDRAGLIO BELMONT (Lima, Perú, 1970 - ) Somos uno, 2018

Sin firma Ensamblaje de madera en forma de triángulos con hilo textil, díptico 56.5 x 120 cm cada uno 113 x 120 cm medidas totales Piezas: 2 Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, noviembre del 2018. Su obra propone una transformación en donde el hilo se convierte en lienzo y en pintura. Una unión entre la geometría y lo orgánico, usando materiales inusuales para investigar la estructura, formas y la vibración y tensión del color. Su propuesta estética tiene un origen conceptual en la geometría sagrada. Aquella que ocurre de forma espontánea en la naturaleza. La simetría en la obra de Pedraglio Belmont alude al espejismo de la mandala y su capacidad de reflejar estados internos de la mente. Su obra ha sido presentada en ferias y exposiciones en Toronto, Miami, Callao y Ciudad de México. $100,000.00-$150,000.00 M.N.

122

BETO DE VOLDER

(Buenos Aires, 1962 - ) Sin título 8

Firmado y fechado 2010 al reverso Acrílico sobre MDF imantado y chapa 80 x 60 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, noviembre del 2011. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano en Buenos Aires. En el 2007 recibió una Mención en el Salón Nacional de dibujo, Palais de Glace, en Argentina. Ha realizado numerosas exhibiciones individuales y colectivas en Buenos Aires y Miami. Entre 2003 y 2005 coordinó “La Recolección”, proyecto que reúne obras contemporáneas de arte argentino donadas por los artistas al equipo de montaje del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires MALBA. La curva es el elemento omnipresente en las obras de Beto de Volder. Sus geometrías blandas se despliegan en el espacio en formas constituidas por líneas que recorren diferentes direcciones, oponiéndose, atravesándose e interceptándose unas con otras, reforzando su unión mediante el uso plano del color. Se inscribe en el grupo de artistas activos en Buenos Aires desde los años noventa que trabajan a partir de reelaboraciones de base abstracto-geométrica y que han reconectado en un ejercicio de memoria sus búsquedas con los planteos de la vanguardia argentina de los cuarenta. Su obra propone una reflexión sobre los modos de aparición y la morfología de la línea. En sus obras la contradicción entre figuración y abstracción reaparece con la riqueza del final abierto. Fuente consultada: sitio oficial de la galería Del Infinito www.delinfinito.com

$100,000.00-$150,000.00 M.N. 123

ARTEMIO

(Ciudad de México, 1976 - ) Sin título

Sin firma Impresión digital sobre papel 50 x 50 cm Artemio Narro es un artista autodidacta y director de cine que se desenvuelve en diferentes disciplinas artísticas como el performance, video, instalación y escultura. Forma parte de una generación de artistas que surgieron en la década de los noventa en la Ciudad de México y que rompieron con los paradigmas que años atrás habían instituido el muralismo y la academia. Ha expuesto de manera individual en museos, espacios independientes y galerías de todo el mundo entre los que destacan LAXART en Los Ángeles, The Queen Nails Annex en San Francisco, Revólver en Lima, la Sala de Arte Público Siqueiros y el Museo de Arte Carrillo Gil, ambas en la Ciudad de México. Es miembro fundador y profesor en el programa SOMA y fungió como director de La Panadería, un espacio alternativo al circuito de galerías y museos. Ha desarrollado también proyectos curatoriales en Perú, Estados Unidos, México, Bolivia y España. Fuente consultada: sitio oficial de la galería Machete Art www.macheteart.com

$65,000.00-$80,000.00 M.N.

124

FERNANDO PACHECO

(Ciudad de México, 1959 - ) Tzalam 4, 2017

Firmada Escultura tallada en madera de Tzalam en base de madera 163 x 70.5 x 40.5 cm medidas totales con base Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. La base presenta ligeros detalles de conservación. Cursó la Licenciatura en Diseño de la Comunicación Gráfica en la UAM. Su inclinación por el dibujo y la pintura se hizo evidente desde entonces y a partir de 1986 ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales. Las obras reunidas con el título “Estructuras infinitas” forman núcleos temáticos integrados por esculturas y objetos tridimensionales que discurren entre la pintura y la escultura: son esculturas colgantes y pinturas que intersectan y dividen el espacio, que sin estar basadas en lo visible, remiten a morfologías evocadoras de la naturaleza. Formaciones curvas y rectas se mueven sobre la madera o el metal, bajo un sistema organizado de engranajes y conexiones, semeja rizomas botánicos, modelos atómicos o arborescencias provocadas por reacciones electromagnéticas. Esta constante de ritmos y alteraciones encierra la paradoja del orden como generador del caos y su ciclo inverso. La armonía inconclusa de sus creaciones lleva a reflexionar sobre la fragilidad del equilibrio de un sistema sujeto a la mutación, en donde el acaso es capaz de desencadenar un proceso de cambios progresivo e irreversible. Fuente consultada: MATOS MOCTEZUMA, María Fernanda, et ál. Fernando Pacheco: Estructuras infinitas. México. Aldama Fine Art, 2017, pp. 6 y 9.

$300,000.00-$400,000.00 M.N.

125

ARTEMIO

(Ciudad de México, 1976 - ) Sin título

Sin firma Impresión digital sobre papel 50 x 50 cm Su statement artístico es “el arte no es un espejo, es un martillo”. Todo en su obra gira en torno a hacer reflexionar sobre los discursos. Qué decir y cómo decirlo es lo que más le importa; el poder de los contenidos. En 2008, Artemio decidió crear una serie de mandalas, que en su origen son imágenes creadas a partir de la repetición de figuras y formas que buscan infundir equilibrio y paz, con un ligero cambio de sentido: estos mandalas están creados a partir de rifles de asalto, cuernos de chivo y metralletas, haciendo referencia a la cultura del narco y abordando el tema de la violencia y el poder, usando una contradicción de conceptos. Fuentes consultadas: VELASCO, Édgar. “Artemio Narro instala su arsenal en el jardín del ITESO”. México, MAGIS - ITESO, 25 de octubre del 2012 y sitio oficial de la galería Machete Art www.macheteart.com

$65,000.00-$80,000.00 M.N.

126

ENRIQUE CARBAJAL “SEBASTIAN” (Camargo, Chihuahua, 1947 - ) Llave

Firmada y fechada 1989 Escultura en fierro 4 / 5 en base de acero 113 x 40 x 30 cm medidas totales con base De vocación constructiva, desde mediados de la década de los 60, Sebastian inició el desarrollo de su lenguaje artístico apoyándose en su quehacer con disciplinas científicas como las matemáticas y la geometría, acercándose a la topología y la cristalografía. Además de realizar esculturas, su producción abarca también el diseño arquitectónico, pintura, diseño de objetos, mobiliario, joyería, diseño de vestuario teatral y escenografías. A lo largo de su exitosa carrera ha sido reconocido con múltiples distinciones, siendo elegido como miembro de la Academia de Artes de la Haya en Holanda en 1983 y condecorado como Doctor Honoris Causa por The City College en Nueva York en 2008. También ha presentado exposiciones en los principales museos de México y su obra se encuentra en numerosas colecciones a nivel internacional. “La obra de Sebastian, particularmente atractiva para los amantes de la geometría, también atrae al público en general, como lo evidencian los numerosos espacios públicos que sus esculturas adornan alrededor del mundo. Aunque es mayor la emoción al conocer a este hombre tan agradable, cálido y humilde, que cuando se le ‘provoca’, habla sobre el desarrollo de sus obras con gran entusiasmo. Sus dinámicos trabajos pueden servir de estímulo ilimitado a los estudiantes de geometría, por sus visualizaciones desafiantes y sorprendentemente inspiradoras, mientras que el público en general puede apreciar la belleza de sus obras estéticas y, al contemplarlas durante horas, tener nuevos descubrimientos personales. Nuestra civilización recibió como regalo a este genio”. Alfred S. Posamentier. Fuente consultada: TAJONAR, Héctor et ál. Sebastian. Escultor. México. Fundación Sebastian, 2009, Pág 42.

$150,000.00-$200,000.00 M.N.

127

PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - ) Astrorgánico

Firmada y fechada 2014 Madera policromada, pieza única 36 x 40 x 37 cm Con certificado de autenticidad del artista. Estudió la carrera en Arquitectura en la Universidad Iberoamericana, donde conoció a Mathias Goeritz, figura fundamental en los inicios de su vida profesional ya que lo alentó para dedicarse al arte. Con el tiempo, pulió su manera de dibujar y comenzó a inclinarse al surrealismo, volviéndose parte del grupo de Leonora Carrington y Alice Rahon. Conforme evolucionaba su arte, se volvió excéntrico y rechazaba el arte social y político, se convirtió en un admirador de lo inútil, frívolo y caprichoso. La ironía y el exceso se volvieron los sentidos fundamentales en su obra, así como los elementos principales del Art Nouveau y el Op Art, sin dejar atrás la influencia de sus estudios como arquitecto. “Mi arte fue muy original y fresco. Hoy hay muchos que lo han copiado, pero en esa época nadie se atrevía a hacer exposiciones de dibujos de arquitectura y, aunque algunos lo despreciaban, en términos generales gustaba y rompía con lo que entonces se exponía… hay quienes me critican porque consideran que es vulgar decorar los objetos. Pero el ornamento es la forma más antigua del arte plástico y se caracteriza por darle un sentido religioso y excepcional a lo cotidiano”. Pedro Friedeberg. Fuente consultada: HOLTZ, Déborah et ál. Pedro Friedeberg. México. Trilce Ediciones, 2009, Pág. 319.

$90,000.00-$150,000.00 M.N.

128

FELICIANO BÉJAR

(Jiquilpan, Michoacán, 1920 - Ciudad de México, 2007) Custodia / Magiscopio

Firmada y fechada 58 Escultura en cristal tallado y acero 80 x 26 x 21 cm Agradecemos a Martín Feliciano Béjar y a Martin Foley por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2020. Su formación fue autodidacta; desde que tenía 15 años Béjar comenzó a experimentar con los materiales que hallaba a su paso. Fue entonces que conoció a José Clemente Orozco, quien trabajaba en una biblioteca de Jiquilpan y de quien aprendió que el arte debía estar al servicio de la sociedad y fue por eso que durante su vida pugnó por “democratizar la belleza por medio del arte”. En un principio se dedicó a recorrer el mundo. En 1948 presentó su primera exposición en Ward Eggleston Galleries en Nueva York. Continuó su formación en los museos de París y recorrió Europa en bicicleta. En 1956, mientras vivía en París, un nuevo elemento asomó con insistencia en su obra: las luces a manera de pequeños soles. Su biógrafo, Martin Foley, lo bautizó como “el recolector de soles”. Fue en México donde se involucró en la construcción de instrumentos “poblados de luz”. Los soles escaparon de sus lienzos y maderas para convertirse en los ojos de sus nuevas esculturas. Así nacieron las obras bautizadas por Jorge Hernández Campos como magiscopios: instrumentos de acero reciclado con lentes encapsulados. La llegada de estas creaciones al Palacio de Bellas Artes, en 1966, constituyó la apertura a toda una generación de escultores vanguardistas, y significó la ruptura de moldes tradicionales. Impuso una nueva forma de entender el arte como un juego, una actividad lúdica en esencia. Fuente consultada: MATEOS, Mónica et ál. “Murió Feliciano Béjar, impulsor de un arte al servicio de la sociedad”. México. Diario La Jornada, sección Cultura, 2 de febrero del 2007.

$130,000.00-$200,000.00 M.N. 129

PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - ) Silla escalérica mágica

Firmada en la base Escultura en bronce a la cera perdida 6 / 8 84 x 42 x 38.5 cm Con certificado de autenticidad del artista, 2019. Presenta ligeros detalles de conservación. El artista cuenta con una vasta producción artística, formada por pinturas, esculturas, acuarelas y muebles, en su totalidad gozan de un estilo único, especialmente surrealista o incluso psicodélico, que rechaza los cánones tradicionales del diseño, con decoración repetitiva obsesivamente geométrica y con alto contenido simbólico. Los muebles de Friedeberg pertenecen a un mundo fantástico donde se fusionan extremidades humanas con animales en arquitecturas hipnotizantes. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.pedrofriedeberg.com

$200,000.00-$250,000.00 M.N.

130

MIGUEL CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1956 - ) Arca

Firmado al frente. Firmado y fechado 2010 al reverso Óleo sobre tela 160 x 200 cm Con etiqueta de Colección Diéresis. “Mi trabajo más contemporáneo, de diez años a la fecha, es un intento por construir escenarios personales basados en códigos o formas preexistentes. Vivimos en un mundo lleno de información visual, cuando caminas en la ciudad ves formas, anuncios, letreros, señalizaciones e imágenes de diferente índole. Parte de mi trabajo ha sido recoger esto, que muchas veces pasa desapercibido, para crear un inventario, un banco de formas que no son mías, pero que tienen un sentido importante para mí. A través de ese banco de información, construyo imágenes propias, las llamo contraimágenes. Es decir, las deconstruyo y las vuelvo a construir de una manera personal, con un sentido particular, y adquieren otra dimensión. Me gusta esa capacidad humana de construir símbolos. Mi trabajo está vinculado a eso”. Miguel Castro Leñero. Fuente consultada: “Entrevista al pintor mexicano, Miguel Castro Leñero”. México. BLOUINARTINFO, septiembre del 2013.

$260,000.00-$360,000.00 M.N.

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Otra vista

FELICIANO BÉJAR

(Jiquilpan, Michoacán, 1920 - Ciudad de México, 2007) Tlahuiontli (Camino de Luz)

Firmada y fechada 97 Cuatro paneles de aluminio con incrustaciones de cristal tallado 30 x 30 cm cada panel y 19 cm de diámetro cada cristal. Los paneles están unidos con bisagras, por lo que las medidas totales pueden variar según la vista elegida. Agradecemos a Martín Feliciano Béjar y a Martin Foley por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2020. “Tengo el propósito de crear estructuras de líneas fuertes para capturar y albergar un mundo de visiones y poesías. Mis Magiscopios tienen cualidades de instrumentos ópticos: al mismo tiempo fantásticos como caleidoscopios y científicos como telescopios. Algunos distorsionan, otros afinan, pero siempre dan una nueva visión. Como su nombre genérico lo indica, ellos son instrumentos para ver mágicamente -para ver la magia y poesía que existe alrededor de nosotros todos los días pero que nuestros ojos indiferentes no quieren ver-”. Feliciano Béjar. Fuente consultada: FERNÁNDEZ VALLEJO, Rossana. “Entre la indignación y la indignidad en el tratamiento mental; en Memoria de Feliciano Béjar”. México. Comisión de Ciudadanos por los Derechos Humanos, 2008.

$180,000.00-$250,000.00 M.N.

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PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - ) Sin título

Firmada Escultura en madera 100 x 103 cm A su vocación hacia la arquitectura posiblemente se deba que los temas de su obra se orienten a la creación y ambientación de espacios urbanos exteriores e interiores: fachadas y cuartos rectangulares, por lo general vacíos, suspendidos en el tiempo. Dentro de ellos su ingenio aflora en lo que ahí se contiene, en algo que parece estar a punto de ocurrir, a punto de ser. Fuente consultada: GUASCH MARÍ, Yolanda y ALAMEDA GALÁN, Pablo. “Pedro Friedeberg. Dibujando fantasías”. México. Revista Quiroga, 2014, Pág. 94.

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

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JULIO CHICO

(Ciudad de México, 1947 - ) El Don

Firmado al frente. Firmado y fechado 2020 al reverso Óleo sobre tela 113 x 70.5 cm Con certificado de autenticidad del artista. Julio Chico descubrió su vocación artística desde pequeño, formándose en la Academia de San Carlos y posteriormente en el Centro Nacional de Conservación de Obras Artísticas del INBA, donde participó en la restauración de pinturas y murales. Su amplio dominio plástico y conocimiento artístico lo han caracterizado 134

como un pintor que se aventura no sólo en la técnica sino que también en temas, donde los colores, texturas, formas y volúmenes adquieren vida y personalidad propia. Es fundador de talleres de impresión para grabado, ha participado como jurado en concursos de pintura, ha sido miembro del Salón de la Plástica Mexicana y ha obtenido diversos reconocimientos y premios internacionales como la Mención Honorífica en la Bienal de Maracaibo en Venezuela. Actualmente, sus obras forman parte de importantes colecciones de galerías y museos, como el Salón de la Gráfica del Museo de Sofía, en Bulgaria, el Museo de Arte de Querétaro y el Museo de Arte Moderno de Toluca. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.juliochico.com

$90,000.00-$150,000.00 M.N.

CARMEN PARRA Y EMILIANO GIRONELLA PARRA al alimón

Mariposas y Calaveras Firmada por ambos artistas y fechada 2018 Mixta sobre tela con marco de madera, políptico 235.5 x 183 x 3 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte firmada por los artistas. El marco es parte de la obra. Carmen Parra y Emiliano Gironella han seguido sus fructíferas carreras artísticas con gran éxito y han sabido cuidar su herencia, la cual va más allá de sólo un vínculo personal. Juntos han estructurado aspiraciones, realizado obra y gestionado proyectos de arte y difusión cultural, dando como resultado la apertura en 1997 del recinto El Aire Centro de Arte, que hasta hoy en día, salvaguarda su colección y cumple como un espacio alternativo e independiente que abre sus puertas a ideas de arte innovadoras y educativas. Fuente consultada: sitio oficial de Carmen Parra www.carmenparra.com.mx

$160,000.00-$200,000.00 M.N. 135

CARMEN PARRA

(Ciudad de México, 1944 - ) Órgano sumergido

Firmado y fechado 2014 Óleo y arena sobre tela 209.5 x 137.5 cm Con constancia de El Aire Centro de Arte firmado por la artista. Publicado con el título “Órgano de la Catedral” en: María Luisa. Carmen Parra. Suave Patria. México. National Museum of Mexican Art, El Aire Centro del Aire A.C., 2015, Pág. 49, catalogado 24. Presenta desprendimiento de capa pictórica y detalles de conservación. “A lo largo de su incesante actividad plástica, Carmen Parra ha generado una hermandad con los artistas novohispanos para rescatar su tiempo, su iconografía-altares, espacios arquitectónicos, ángeles, arcángeles, águilas, mariposas y flores cohabitan en su obra. El mundo de El Aire puebla sus sueños. A través de su pincel y de su inagotable imaginación transcribe su experiencia, creando un lenguaje propio. Para Carmen Parra, las raíces de México son sus propias alas, se declara veedora de la Nación”. María Luisa Mendoza. Fuente consultada: MENDOZA, María Luisa. Carmen Parra. Suave Patria. México. El Aire Centro del Aire A.C., 2015, Pág. 65.

$190,000.00-$250,000.00 M.N. 136

BENJAMÍN DOMÍNGUEZ

(Ciudad Juárez, Chihuahua, 1942 - Ciudad de México, 2016) La despedida

Firmado Óleo y hoja de oro sobre tela 110 x 100 cm Procedencia: adquirido directamente al artista. Colección Luis Nishizawa. Presenta mínimos detalles de conservación. Nació en Jiménez, Chihuahua, un pueblo austero en medio del desierto; ese vacío provocó la necesidad de llenarlo de ideas y recuerdos como las funciones del circo y el cine al aire libre y el deseo de crear. Estudió en la Academia de San Carlos. En 1970 ingresó en el equipo de museografía del Museo del Virreinato en Tepotzotlán, donde se gestó su amor por el objeto y el virtuosismo técnico, dejando una huella tan profunda que cinco años más tarde definiría su estilo personal, reflejado en sus monjas coronadas y sus alacenas. “Una tranquilidad conventual y una paráfrasis se hallan en sus creaciones en las que recrea, con grande pasión y laberíntica curiosidad, el deseo de saber que es conocimiento y ahondar en el pretérito que es base o sostén de nuestra idiosincrasia y de la esencia del existir mexicano. Laborioso y maduro, intrépido y caleidoscópico, amante del ensueño de la historia de tres siglos coloniales, con dejo melancólico y cierta lujuria en cada una de sus voces poéticas traslucen al ‘bachiller’ del ‘muy noble arte de la pintura’, que detiene el pasado en presente y en futuro”. Alfonso de Neuvillate. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, Pág. 130.

$220,000.00-$300,000.00 M.N. 137

JOSÉ BARDASANO

(Madrid, España, 1910 - Madrid, España, 1979) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 155 x 105 cm Presenta ligeras craqueladuras. “Profundiza a golpe de pincel en todo lo que pinta, y en su obra no hay alegría falsa, ni majeza folclórica, ni disfraza zarzuelero, ni fingida tragedia, ni miseria buscada, sino hombres y mujeres sacados de la sangre y el recuerdo. Y junto a esas estampas de un Madrid de tranvías y mercados de barrio, soñando largamente en sus años de México, se cuelgan otros óleos, que parecen venidos de otro sueño, de una Holanda lejana, o de tierras bretonas. El sol pierde su serena belleza, donde la maestría del pintor disfraza los colores de silencio”. José Luis Pécker. Fuente consultada: PÉCKER, José Luis et ál. “Bardasano”. España. Universidad Virtual Internet.

$380,000.00-$500,000.00 M.N. 138

100

FRANCISCO CORZAS

(Ciudad de México, 1936 - Ciudad de México, 1983) Sin título

Firmado y fechado 63 Óleo sobre tela 97.5 x 79.5 cm Con certificado de autenticidad de Galería Lourdes Chumacero, marzo de 1981. Como muchos artistas de su generación, Francisco Corzas se opuso a los principios plásticos que dominaban la agenda cultural mexicana de entonces: propuestas político-sociales remanentes del muralismo mexicano. El artista experimentó y descubrió una nueva figuración llena de sugerencias en un ambiente etéreo más que en realidades concretas. Su obra se caracteriza por la luminosidad de los fondos y el lujo aparente de los personajes que se lamentan, pero resisten a su irremediable descomposición. Él describió su estilo como impresionista, con una clara influencia de Francisco de Goya. El artista español trascendió en la creación de Corzas, en mundos similares como los personajes del pueblo en Trashumantes, a quien apreciaba como un clásico de la pintura. El tema de los trashumantes fue recurrente en sus creaciones, e hizo un considerable volumen de ejercicios de búsqueda para llegar a ellos. Fuente consultada: “Francisco Corzas: luminoso pero triste”. México. Revista electrónica Imágenes - Instituto de Investigaciones Estéticas UNAM, sección Efemérides.

$550,000.00-$700,000.00 M.N. 139

101

ALBERTO CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1951 - ) Figura de pie

Firmado y fechado 2000 al reverso Óleo sobre tela 198 x 100 cm Presenta craqueladuras y detalles de conservación. Estudió Comunicación Gráfica y Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas. En 1978 obtuvo una beca para estudiar en la Academia de Bellas Artes en Bolonia, Italia. Ha trabajado como ilustrador en diversas publicaciones culturales y educativas de instituciones como el Fondo de Cultura Económica, la Secretaría de Educación Pública y el Instituto Nacional de Bellas Artes. Alberto Castro Leñero es uno de los artistas plásticos con mayor reconocimiento y trayectoria en nuestro país. Críticos como Teresa del Conde, Olivier Debroise, Juan García Ponce, David Huerta y Raquel Tibol han escrito con beneplácito sobre su obra y lo ubican dentro del grupo posterior al apogeo de la generación de la ruptura o de la vanguardia. “ Te n g o c i e r t a l i b e r t a d p a r a m o v e r m i s materiales, para usar distintos recursos. Uso un tipo de pincelada en acrílico con el que trabajo mis formas, es una suerte de descubrimiento que funciona en mis cuadros: una pincelada muy gruesa que marca el trazo de la forma con el pincel. […] Estoy partiendo de sensaciones que traduzco en formas. Son más complejas y estoy encontrando una idea de fragmentación del tiempo, una forma que se fragmenta, la complejidad del momento, que es como un concepto filosófico que emergió en el trabajo”. Alberto Castro Leñero. Fuente consultada: VENEGAS, Ricardo. “La semilla encendida de las formas. Entrevista con Alberto Castro Leñero”. México. La Jornada Semanal, 8 de mayo del 2005.

$160,000.00-$220,000.00 M.N.

140

102

TERESA MARGOLLES

(Culiacán, Sinaloa, 1963 - ) Sin título, 1997

Sin firma Escultura en yeso en forma de feto 6.5 x 27 x 11 cm Incluye capelo. Con constancia de autenticidad de EDS Galería, marzo del 2020. Exhibida en: “Insurrectas y estridentes a 100 años de Simone de Beauvoir”. muestra colectiva presentada en el Festival Internacional Cervantino, Guanajuato en octubre del 2008. Presenta detalles de conservación. Estudió Arte en la Dirección de Fomento de la Cultura Regional del Estado de Sinaloa. En 1990 se diploma en Medicina Forense en Servicio Mexicano Forense y más tarde, en 1995, estudia Ciencias de la Comunicación en la Universidad Nacional Autónoma de México. Durante más de dos décadas de trabajo, Teresa Margolles ha creado obras que de manera desafiante exploran temas como la muerte, la violencia y la desigualdad social en México. Algo recurrente en las piezas de la artista es su uso de restos humanos, vestigios forenses y evidencia, obtenidos de distintas escenas del crimen y morgues. Desde sus comienzos como miembro del colectivo SEMEFO durante los años noventa hasta sus exposiciones individuales, su estética ha estado constantemente comprometida con los asuntos sociopolíticos del país. Debido a su interés en “la vida del cadáver”, la crítica de Margolles hacia la sociedad está modelada por los vestigios de muerte que encuentra. En vez de caer en una estetización del cadáver, se volcó al campo de lo conceptual, con el propósito de evocar la contemplación. Fuentes consultadas: KINGSLEY, Anna y SDRIGOTTI, Fernando. “Los vivos y los muertos”. México. Confabulario El Universal, 20 de septiembre del 2014 y blog de la artista ww.arteypoliticateresamargolles.blogspot.com

$550,000.00-$700,000.00 M.N.

141

103

SANTIAGO CARBONELL (Quito, Ecuador, 1960 - ) Sin título

Firmado Óleo sobre lino 111 x 80 cm Procedencia: adquirido en Galería Alfredo Ginocchio. Las obras de Santiago Carbonell contienen ambición por las texturas, representando las telas con diferentes contrastes. De igual manera, la figura femenina es tema principal en su trabajo, en palabras del artista: “Si hay una anatomía es porque hay una realidad. No te puedes salir de los esquemas naturales; de lo que hay. Me gusta hablar de la mujer y de lo femenino en general”. Fuente consultada: DÍAZ, Anitzel. “Soy un pintor más evolucionario que revolucionario: Santiago Carbonell”. México. Diario Milenio, sección Cultura, 28 de junio del 2014.

$450,000.00-$600,000.00 M.N. 142

104

SANTIAGO CARBONELL (Quito, Ecuador, 1960 - ) Sinfonía de luz

Firmada Escultura en bronce P / A 63.5 x 43 x 34 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio. En su obra de tinte hiperrealista está siempre presente la figura humana, el retrato con gestos, miradas y manos. Importa poco el fondo de las imágenes, es el lienzo que enmarca a los personajes en determinadas actitudes y poses, en una atmósfera teatral y escenarios que forman parte de su iconografía: pinturas de gran formato, recursos luminosos que recuerdan la época tenebrista, con sus protagonistas ataviados en capas o túnicas acorde a ese periodo. Son distintivos los murales de Carbonell, ubicados en el edificio de la Suprema Corte de Justicia, en corazón del Centro Histórico de la Ciudad de México. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.santiagocarbonell.com

$250,000.00-$300,000.00 M.N.

143

105

JOSÉ CLEMENTE OROZCO

(Zapotlán el Grande, Jalisco, 1883 - Ciudad de México, 1949) Desnudo recostado

Firmado Carboncillo sobre papel 48 x 61 cm Con certificado de autenticidad de Margarita V. de Orozco. José Clemente Orozco fue un pintor, grabador mexicano perteneciente al movimiento muralista. Estudió en la Escuela Nacional de Agricultura y tomó clases de matemáticas y dibujo arquitectónico. Sus primeros murales muestran sus trazos limpios, escueto a las lecciones bien aprendidas, en cambio, reservó la caricatura política, retratos, dibujos y diversos trabajos en caballete para una mayor libertad de expresión y movimiento. En 1943, fue miembro fundador de El Colegio Nacional, en 1946 recibió el Premio Nacional de Bellas Artes de México y al año siguiente expuso en el Palacio de Bellas Artes. Fuentes consultadas: FERNÁNDEZ. Justino. José Clemente Orozco. México. Librería Porrúa, 1942, pp. 37-39 y sitio oficial de la Secretaría de Cultura www.gob.mx/cultura

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

144

106

CAROL MILLER

(Los Ángeles, California, E.E. U.U., 1933 - ) Doménica, Dama trono de Jaguar, 1991

Firmada Escultura en bronce sin número de tiraje 83 x 60.5 x 28 cm Agradecemos a la Maestra Carol Miller por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2020. “Para mí, ser escultora significa ser investigadora. He curioseado en todas las culturas del orbe. Y he tratado de compaginar la historia y la mitología con la realidad humana: el amor, la ternura, la convivencia, la dedicación de los padres hacia los hijos, la devoción de las parejas entre sí; todo eso se expresa en mi producción”. Carol Miller. $120,000.00-$180,000.00 M.N.

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107

CAROL MILLER

(Los Ángeles, California, E.E. U.U., 1933 - ) Mictlantecuhtli y Mictecacíhuatl, El Vals de Mefisto, 1984

Firmada Escultura en bronce sin número de tiraje 83.5 x 63 x 38 cm Agradecemos a la Maestra Carol Miller por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2020. La artista retoma las figuras de Mictlantecuhtli y su esposa Mictecacíhuatl de la cosmovisión mexica y la combina con El Vals de Mefisto, una pieza musical compuesta por Franz Liszt, que a su vez está inspirado en el Fausto de Johann Wolfgang von Goethe. La pareja de dioses mexicas reinaba sobre los muertos del Mictlán; el vals habla sobre un sujeto que ha vendido su alma al demonio en cambio de que le muestre los placeres mundanos. Mefisto, subordinado de Lucifer, toca el violín para que Fausto baile apasionadamente con una hermosa joven. Esta escultura contrapone y une ambos mitos, volviéndolos una pieza sublime que nos enseña los arquetipos de distintas culturas y denota el gusto de la artista por la investigación. $120,000.00-$200,000.00 M.N. 146

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JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006) Pájaro VII

Firmada y fechada 2003 Escultura en bronce a la cera perdida P / A 34 x 22.5 x 11 cm También conocida con el título “Papagayo”. Con certificado de autenticidad de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller, A.C., noviembre del 2003. Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2020. Publicada en: SORIANO, Juan y GÓMEZ LÓPEZ, Germán. Juan Soriano. Los sueños moldeados. México. Grupo Azabache, 2005, Pág. 155. “Todos los pájaros del mundo se le posaron a Juan Soriano. Observó a las palomas durante años y sentado en una banca del parque o frente al atrio de una iglesia, las juzgó con severidad”. Elena Poniatowska. Palomas, gorriones, cenzontles y todas las aves fueron para Juan Soriano una captura que va más allá de la simple representación de la ornitología. Desde siempre, las aves fueron un asombro para Soriano, siendo uno de los motivos principales en su obra. Durante años, dedicó una atención casi exclusiva a la realización de estas aves, encerrando en cada una formas imaginables y combinaciones singulares que hicieron de estas, emblemas amigables con fines de contemplación. Todo lo que vio y estudió, también fue parte importante para la realización de las aves, como lo fue su admiración por el imaginario del arte prehispánico, y por otro lado, las delicadezas del arte tradicional japonés y chino. Ya sean pequeñas, medianas o monumentales, todas las aves de Soriano han desarrollado una presencia visual pública importante y tangible dentro del paisaje artístico - urbano mexicano, las cuales podemos apreciar tanto en la Ciudad de México como en diversos estados de la República. En especial es fácil reconocer La Paloma monumental de 6 metros que posa fuera del museo MARCO en Monterrey. Fuentes consultadas: PONIATOWSKA, Elena et ál. Juan Soriano. Aves de paso. España. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2006, pp. 43-49 y sitio oficial del artista www.juansoriano.net

$150,000.00-$220,000.00 M.N. 147

109

JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006) Barca

Firmado y fechado 79 Óleo sobre tela 92 x 73 cm Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2020. Juan Soriano fue un artista independiente de la Academia, aprendió por sí mismo el oficio de pintor, sin embargo, sus múltiples viajes al extranjero, el trabajo de sus colegas y la cultura mexicana fueron sus principales motivaciones e influencias. También conocido como “El Mozart de la pintura”, incursionó en diversos temas y técnicas enriqueciendo y afinando su estilo a través del tiempo. A mediados de los años 70, vivió entre México y París, trabajando como agregado cultural del embajador Carlos Fuentes, experiencia que le dejó una rica inspiración artística. Fueron años sumamente productivos tanto social como artísticamente, el vivir entre México y Francia con gran libertad hizo que su obra lo resintiera, siendo testigo de su apego a la modernidad occidental y la unión que hizo con su ideal del color y las formas mexicanas. Su mutable actividad creadora le permitió ser docente, ceramista, escenógrafo, pintor, escultor, diseñador de vestuarios, ilustrador y activo participante en exposiciones en México, Estados Unidos, Italia, Francia, Alemania, Polonia y otras sedes más. En estos vaivenes, su trabajo tomó ciertas características cromáticas de los impresionistas y lo unió a su estudio del dibujo, actividad que para él era un hecho puramente intelectual que iba mucho más allá de solo un punto de partida. No obstante, en esta etapa conoció a Marek Keller en una reunión en casa de Sergio Pitol, quien se convertiría en su representante y compañero de vida por más de 30 años. Juntos conformaron un gran acervo y crearon la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C. En los 80, la obra de Juan Soriano se mostraba en importantes exposiciones, algunas de ellas homenajes y retrospectivas, y exhibía en diversas galerías mexicanas y parisinas donde los compradores debían esperar hasta un año para poder adquirir obra suya. “Es un artista elemental y figurativo, porque incluye una totalidad de destinos, esperanzas, dolores, alegrías, miserias y servidumbres humanas; está siempre, gravemente, obstinadamente, apegado al rito de los elementos: aire y fuego, aventarte y foguearte, agua y tierra, aguarte y aterrarte”. Carlos Fuentes. Fuentes consultadas: - LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 2, No. 16, abril 1996, pp. 10-12. - FUENTES, Carlos et ál. Juan Soriano. Santo y seña. México. Museo Soumaya, Fundación Carlos Slim, 2006, Pág. 45. - PITOL, Sergio. Juan Soriano. La creación como libertad. México. MARCO, CONACULTA, INBA, 2000, Pág. 40.

$900,000.00-$1,200,000.00 M.N.

148

149

110

JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006) Caballo, del proyecto Y también son caballos, 1998

Firmada Escultura en bronce 3 / 13 56 x 48.3 x 9 cm Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2020. La versión pictórica de esta pieza se encuentra publicada en: PITOL, Sergio. Juan Soriano. La creación como libertad. México. MARCO, CONACULTA, INBA, 2000, Pág. 118. La dedicación de Juan Soriano por la zoología comenzó a temprana edad y según las investigaciones se cree que su primer dibujo de un animal fue un león. Conforme su educación artística se construía, su repertorio de animales pasó por diversas etapas, pues los experimentó mediante la escultura, la acuarela y la estampa. Un viaje a Grecia lo hizo intrigarse por la mitología, concibiendo bajo esta influencia su propia zoología fantástica. A partir de 1975 radicó entre México y París, época en la que conoció a Julio Cortázar y Valerio Adami, quienes en su momento siguieron la tradición del bestiario, considerado un género breve y descriptivo que recopila relatos de animales imaginados de la literatura. Tras esta influencia y la creación de las ilustraciones para “El bestiario” de Guillaume Apollinaire, fue que Juan Soriano comenzó a pintar y dibujar sus propias versiones de los animales, conformando así su gran arca zoológica, destacando los gatos, cabras, caballos, serpientes, toros, peces, ranas y hasta centauros; posteriormente adjuntó a este listado los pájaros, lo cuales tuvieron un lugar especial en su producción plástica. Fuente consultada: SÁNCHEZ AMBRIZ, Mary Carmen. “El arca de Juan Soriano”. México. Revista digital Casa Tiempo, Difusión Cultural UAM, 2011, pp. 27-31.

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

150

111

RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - Ciudad de México, 2019) De la serie Biombos tropicales, 1989

Sin firma Óleo sobre tela 149.5 x 174.5 cm Con certificado de autenticidad de Juan Coronel Rivera, agosto del 2019. Con certificado de autenticidad de Galería Misrachi, junio del 2009 Con dictamen del Lic. Rafael Matos Moctezuma, mayo del 2019. Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2020. Publicado en: Biombos tropicales. Mi casa. México. Galería Misrachi. Catálogo de exposición, Pág. 2. Incluye un ejemplar. Exhibido en: “Biombos Tropicales. Mi casa”, muestra individual presentada en la Galería Misrachi, Ciudad de México en 1989. El estilo de Rafael Coronel ha transitado por varias etapas, sin embargo, en casi todas ellas ha presentado una consistencia en sentimientos, impregnada de fuerza e inquietudes internas por entender los estados anímicos del hombre, como la soledad, el abandono y la desesperación. En 1989, presentó una serie de obras totalmente distintas a su producción artística regular. Mostró una nueva faceta; habiéndose señalado con sus personajes como un renovador del expresionismo, mostró una nueva visión inédita del mundo que le rodeaba. “Rodeado por un maravilloso jardín con exuberante vegetación tropical —su casa— trae a nosotros un nuevo concepto de paisaje. Obra de tamaño magnífico, nos sumerge en un ambiente de luz y color que, a ratos se nos antoja abstracto, a ratos profundamente natural. Vibra en nosotros el resplandor de un sol que, atenuado por el espeso follaje, nos crea, con sus verdes, rojos, amarillos, una apacible sensación”. Enrique Beraha Misrachi. Fuente consultada: BERAHA MISRACHI, Enrique. Biombos tropicales. Mi casa. México. Galería Misrachi. Catálogo de exposición, pp. 1-5.

$550,000.00-$750,000.00 M.N. 151

112

PHIL KELLY

(Dublín, Irlanda, 1950 - Ciudad de México, 2010) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 60 x 50 cm Agradecemos a la familia Kelly Munguía por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2020. Procedencia: adquirido directamente al artista. Presenta craqueladuras y desprendimiento de capa pictórica. Su formación artística fue autodidacta, por lo que su trabajo plástico fue siempre libre visualmente. Su lenguaje visual se forjó por su gusto en recorrer las avenidas y puentes de la Ciudad de México, de hecho, él ya era un artista inmerso en las modernidades de las urbes desde sus paseos en Europa y estancia en Estados Unidos. Artísticamente sus trazos gruesos y explosivos colores describen lo que era su visión alegre y apocalíptica de las calles, avenidas, puentes, bares y restaurantes de México. Por estos antecedentes y más, su pintura es testimonio de su gusto por las composiciones cromáticas y su fascinación por las estructuras modernas de las metrópolis. Fuentes consultadas: SPRINGER, José Manuel et ál. Phil Kelly. Dos horas y veinticinco años. México. Aeroméxico, American Express, 2005, pp. 15-21 y EMERICH, Luis Carlos et ál. Phil Kelly. Las manos, el corazón, los ojos, la vida. México. ESPAC Espacio de Arte Contemporáneo, Editorial Fogra, 2014, Pág. 164.

$50,000.00-$70,000.00 M.N. 152

113

MANUELA GENERALI (Lugano, Suiza, 1948 - ) Agua

Firmado y fechado 1992 al reverso Óleo sobre tela 120 x 100 cm Con certificado de autenticidad de la artista, noviembre del 2019. Presenta desprendimientos de capa pictórica y detalles de conservación. Manuela Generali inició sus estudios artísticos en la Wimbledon School of Arts en Londres. Después de viajar por Europa, Argentina y Perú, en 1978 llegó a México. En 1983 ingresó a la Escuela Nacional de Artes Plásticas y ese mismo año obtuvo el Premio de Adquisición del Salón Nacional de Pintura.

El destino errante de la artista fue determinante en su formación profesional, pues debió adaptarse a diversas idiosincrasias, regímenes políticos y domésticos, hace referencia a la naturaleza de su obra. Los elementos paisajísticos, y las evocaciones atmosféricas pueden parecer metáforas del flujo constante de la vida, de la memoria y las sensaciones. La obra de Manuela Generali ha sido incluida en exhibiciones individuales y colectivas en México y Estados Unidos. En tres ocasiones ha sido acreedora a la beca del Sistema Nacional de Creadores en el FONCA y en el 2002 obtuvo Mención Honorífica en la XI Bienal de Pintura Rufino Tamayo. Sus pinturas forman parte de diversas colecciones privadas y de museos, tanto de México como en su natal Suiza.

Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.manuelagenerali.com.mx

$100,000.00-$200,000.00 M.N. 153

114

CARLOS RÍOS

(La Habana, Cuba, 1958 - ) Sin título

Firmado y fechado 1998 Acrílico sobre tela 60 x 80 cm “Conozco el paisaje de mi tierra de memoria. El pintarlo me permite repasar los lugares y cada obra que realizo me lleva a rescatar más detalles de mis propios recuerdos. Rara vez utilizo fotografías y cuando lo hago sólo consulto detalles, como la textura especifica de algún tipo de árbol, el color de alguna planta, una luz particular que obtuve a cierta hora del día o la atmósfera que el cambio de clima había provocado. Mi pintura no debe clasificarse como hiperrealista, pues va más allá del realismo en una idealización del paisaje”. Carlos Ríos. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 13, No. 95, septiembre-octubre del 2008, Pág. 28.

$70,000.00-$90,000.00 M.N.

154

115

GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA (Puebla, México, 1887 - 1962) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 100 x 162 cm Presenta craqueladuras y desprendimiento de capa pictórica. Guillermo Gómez Mayorga fue un excepcional pintor de marinas, género pictórico que se ha desarrollado desde el siglo XVII pasando por diversos estilos y movimientos artísticos al rededor del mundo. El artista las ejecutaba con gran majestuosidad, marcando la bravura del mar y las zonas de agua espumosa que provocan una sensación de belleza clásica. Sus mejores marinas fueron pintadas únicamente con base en dos elementos: el agua y el cielo; con estas limitantes construyó desafiantes escenarios y a través de ritmos, densidades, movimientos, tonalidades monocromáticas y acentos lumínicos creó atmósferas serenas, tradicionales y frescas de las playas mexicanas. “Los temas marítimos a finales del siglo XIX convirtieron al mar en un elemento independiente, Mayorga abordó la temática bajo una excelente calidad pictórica haciendo que sus pinceladas compitan con las de las marinas de Joaquín Clausell. “Se dice que Mayorga realizó un poco más de 100 marinas de gran calidad artística, situándolo así entre los especializados en el estilo”. Hugo Covantes. Fuente consultada: AMERLINCK, Rodrigo. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, pp. 101-107.

$400,000.00-$500,000.00 M.N.

155

116

EDGARDO COGHLAN

(Los Mochis, Sinaloa, 1928 - Estado de México, 1995) Sin título

Firmado y fechado 1972 al frente. Fechado Apulco Pue 1972 al reverso Óleo sobre tela 70.5 x 101 cm “Edgardo Coghlan fue un pintor mexicano de ascendencia irlandesa cuya temática fundamental en toda su obra fue el hombre y el paisaje de México. Entre los paisajistas mexicanos, Coghlan es sin duda el más poético de todos. Visionario, fantasmal, abstraído, Coghlan muestra en el fondo su dominio de la línea y la esencia consumada de las cosas”. Juan Bañuelos. Fuente consultada: BAÑUELOS, Juan. Edgardo Coghlan. Dibujos, acuarelas, óleos. México. Grupo Financiero Serfín, 1975.

$150,000.00-$200,000.00 M.N.

156

117

JOAQUÍN CLAUSELL

(San Francisco de Campeche, 1866 - Lagunas de Zempoala, Morelos, 1935) Sin título

Sin firma Óleo sobre tela sobre cartón 18 x 24 cm Con ensayo de opinión de autenticidad de la Mtra. María Amparo Clausell. Agradecemos a la Mtra. María Amparo Clausell por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo del 2020. Presenta detalles de conservación. Fue un hombre inquieto con un carácter rebelde y problemático, tanto que fue expulsado de su estado natal por el propio gobernador por causar disturbios políticos; así llegó a la Ciudad de México, donde comenzó sus estudios para ser abogado, no obstante parte de su tiempo lo dedicó a realizar caricaturas políticas para los periódicos “El Universal”, “El Monitor Republicano”, “Diario el Hogar” y “El Demócrata”, para el cual escribió un artículo periodístico que estuvo cerca de mandarlo a la cárcel, pero huyó antes del juicio, viajando a Nueva York y luego a París. Estando en la ciudad de las luces, visitó exposiciones de arte, topándose con el estilo impresionista y las obras de Monet, Renoir y los paisajes de Courbet, de quienes aprendió la técnica “plein air”, que le permitió captar la luz y mezclar tonalidades en un mismo paisaje. En 1896 regresó a México y por insistencia de sus amigos Gerardo Murillo “Dr. Atl” y Diego Rivera, fue que decidió dedicarse a la pintura y abandonar la abogacía. Con el tiempo comenzó a participar en exposiciones colectivas y trabajar temas provenientes de la naturaleza, es decir: valles, montañas, bosques, praderas, costas, cascadas, acantilados y marinas. En 1921, logró mostrar su obra en Nueva York, recibiendo grandes elogios por parte de la crítica. Más adelante fue miembro y fundador del Círculo Artístico de México, además de abogado defensor de los pocos afortunados. A pesar de que no fue un impresionista ortodoxo, retrató la naturaleza mexicana con gran dedicación. Juan O’Gorman se refirió a él como un pintor de grandes dotes impresionistas con obras llenas de precisión y colorido. “Pintor sensual en el más puro y directo significado de la palabra, sus cuadros hablan sin elocuencia, poéticamente a los sentidos del espectador”. Xavier Villaurrutia. Fuentes consultadas: TOVAR Y DE TERESA, Rafael, et ál. Joaquín Clausell y los ecos del impresionismo en México. México. Museo Nacional de Arte, 1995, Pág. 65 y MOYSSÉN, Xavier. Joaquín Clausell. México. UNAM, 1992, pp. 12-15 y 31-35.

$220,000.00-$300,000.00 M.N. 157

Lote 94

ÍNDICE A

ALCALDE GARCÍA, ALFREDO

35, 36

HELGUERA, JESÚS

50, 52

VARO, REMEDIOS

ALFARO SIQUEIROS, DAVID

HERNÁNDEZ, SERGIO

8, 11, 37

VENEGAS, GERMÁN

ALMELA, MARIO

HERNÁNDEZ XOCHITIOTZIN, DESIDERIO

ANGUIANO, RAÚL

ARTEMIO

85, 87

ITURRIA, IGNACIO

B BARDASANO, JOSÉ

4, 62, 64, 99

BASSI, SOFÍA

KELLY, PHIL

BÉJAR, FELICIANO

90, 93

WIDMANN, BRUNO 65

LAVILLE, JOY

LEYVA, RUBÉN

CARBONELL, SANTIAGO

18, 103, 104

LUGO, HUGO

CASTRO LEÑERO, ALBERTO

101

CASTRO LEÑERO, JOSÉ

CASTRO LEÑERO, MIGUEL

75, 76, 92

CHICO, JULIO

CLAUSELL, JOAQUÍN

117

COGHLAN, EDGARDO

116

CORONEL, RAFAEL

58, 111

CORZAS, FRANCISCO

32, 100

CUEVAS, JOSÉ LUIS

CAMARENA OSORNO, LORENA

D DE SZYSZLO, FERNANDO

DE VOLDER, BETO

DOMENGE, YVONNE

DOMÍNGUEZ, BENJAMÍN

DR. ATL

E ECHEVARRÍA, OFILL

66, 69

ECHEVERRÍA, ENRIQUE

27, 63

ESCAPA, PEDRO

74, 77

F FELGUÉREZ, MANUEL

FRIEDEBERG, PEDRO

89, 91, 94

G GANDÍA, VICENTE

GARCÍA GUERRERO, LUIS

GARCÍA NAREZO, JOSÉ

GARCÍA PONCE, FERNANDO

GENERALI, MANUELA

113

GIRONELLA PARRA, EMILIANO

38, 96

GÓMEZ MAYORGA, GUILLERMO

115

GONZÁLEZ CAMARENA, JORGE

GÓNZALEZ VELÁZQUEZ, JORGE

GUERRERO GALVÁN, JESÚS

Z ZAMORA, BEATRIZ

7, 67, 70, 112

MARGOLLES, TERESA

102

MARÍN, JORGE

MÉRIDA, CARLOS

2, 25, 26, 56

MEZA, GUILLERMO

MILLER, CAROL

106, 107

MONTENEGRO, ROBERTO

MONTOYA, GUSTAVO

1, 10, 51, 60

MORALES, RODOLFO

O O’GORMAN, JUAN

OROZCO, JOSÉ CLEMENTE

43, 105

OROZCO ROMERO, CARLOS

P PACHECO, FERNANDO

PARRA, CARMEN

5, 39, 96, 97

PEDRAGLIO BELMONT, JESÚS

PELLICER, CARLOS

PIMENTEL, RODRIGO

R REYES MEZA, JOSÉ

RÍOS, CARLOS

17, 114

RIVERA, DIEGO

RODRÍGUEZ LUNA, ANTONIO

S SANDOVAL, MAURICIO

SANTIAGO, ALEJANDRO

SARDINA, YAMPIER

SEBASTIAN 88 SORIANO, JUAN

108, 109, 110

SOUTO, ARTURO

SPANÓ, LUCIANO

29, 80

22, 72

Valeria Cruz Tel. (55) 5283 3140 ext. 3171 vcruz

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TÉRMINOS DE REFERENCIA PARA EL CATÁLOGO PINTURA, GRABADO, DIBUJO, ACUARELA Y MINIATURA. *Una obra que aparece sólo con el nombre (s) o una designación reconocida de un artista, sin más información, es en nuestra opinión una obra de ese artista. Atribuido a: En nuestra opinión, podría tratarse de una obra del artista. Escuela de: Obra ejecutada en el taller del artista, posiblemente bajo su supervisión. Círculo de: Obra del periodo del artista, con influencia del mismo. Después de: Obra realizada en el estilo del artista pero en una fecha más reciente. Copia de: Copia (sin importar la fecha) de una obra del artista. Firmado (a): La obra está firmada por el artista. La adición de un signo de interrogación o comillas indica un elemento de duda.

PORCELANA, VIDRIO, CERÁMICA Y ALFARERÍA *Una pieza con el nombre de la fábrica de un lugar o región sin más información, en nuestra opinión proviene de ese lugar. Estilo: Una copia o imitación de piezas producidas en la fábrica, lugar o región mencionados. Matrimonio: Las dos piezas que no pertenecen al mismo juego. Fabricado del modelo: Objeto hecho en el molde maestro por el modelador y bajo su supervisión. Pintado por: La pieza puede ser atribuida al artista por razones de su estilo o forma. Con sellos o firma de: La pieza podría atribuirse al artista, la fábrica o el taller mencionados.

ESCULTURA Y ARTES DECORATIVAS *Una obra que aparece sólo con el nombre (s) o una designación reconocida de un artista, sin más información, es en nuestra opinión una obra de ese artista. Fundido de un modelo de: Obra realizada a partir de un modelo del artista, proveniente de su círculo y fundido durante su vida o poco tiempo después. Atribuido a: Obra probablemente realizada por el artista o su taller. Estilo: Obra del periodo del artista o de su taller y cercano a su estilo. Firmados o sellados: A nuestro parecer, podría tratarse de una pieza del artista o de su taller.

Las descripciones contenidas en este catálogo son realizadas conforme a lo dispuesto en el primer párrafo del Artículo 77 del la Ley Federal del Derecho de Autor. Este catálogo se realiza en ejecución del contrato de consignación correspondiente, para servir de guía en la subasta a efectuarse.

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I. GENERALES 1. Morton Subastas, S.A. de C.V., en adelante denominada Morton, actúa únicamente como comisionista en la venta de bienes muebles propiedad de terceros, en virtud de contratos previamente celebrados con estos, de quienes se presume tienen la propiedad de los mismos. 2. Los datos contenidos en el catálogo de la Subasta o cualquier otra declaración hecha acerca del autor de la obra, origen, edad, fecha, estado, autenticidad o precio de la misma, son responsabilidad única y exclusiva de sus propietarios. 3. La Subasta se llevará a cabo en moneda nacional y con la participación mínima de licitadores que previamente determine Morton.

la comisión de la Casa de Subastas. No se proporciona estimado de precio de los lotes cuya salida sea menor de dos mil pesos M.N. 6. Los lotes que se subasten se ofrecerán sujetos a un precio mínimo de venta previamente acordado entre el propietario y Morton, y sólo podrá ser modificado previo acuerdo por escrito entre los mismos. 7. Para efectos de la Subasta se le denomina licitador, posible comprador o postor, en adelante denominado “Licitador”, a aquella persona que tiene la facultad de hacer ofertas por lotes en el transcurso de la Subasta.

II. LOTES

Para hacer una oferta en la Subasta usted deberá registrarse acudiendo a la mesa de registro en presencia, mediante una hoja de registro establecida para ese fin. 1. Como garantía a Morton, por el o los lotes que le fueren adjudicados durante la Subasta, la contraprestación (Premium) y el impuesto correspondiente, deberá dejar un comprobante de tarjeta de crédito bancario o American Express, firmado a la orden de Morton Subastas, S.A. de C.V. 2. Comisión al comprador (Premium): Corresponde al 20% sobre el precio de venta, más el 16% de IVA sobre dicha comisión, que serán incrementados al importe de la compra de cada lote. Ejemplo: precio de martillo $5,000.00 más comisión $1,000.00 más IVA $160, total de la factura a pagar $6,160.00 3. Una vez registrado el licitador y otorgada la garantía correspondiente, se le hará entrega de una paleta numerada que lo identificará con su hoja de registro y de la cual hará uso únicamente el licitador, ya que es individual e intransferible. Por esta razón es importante que la conserve durante todo el desarrollo de la Subasta y la devuelva personalmente al abandonar la sala de Subastas. Si se diera el caso de que no se le adjudicara ningún lote, su depósito en garantía le será devuelto en ese momento.

1. Los bienes a subastar serán organizados en lotes integrados por uno o más bienes, en el orden y bajo la numeración que Morton indique. 2. Los lotes serán descritos y en algunos casos incluidas sus fotografías en el catálogo que para la Subasta elabore Morton. 3. Los lotes serán exhibidos para su inspección, en el lugar designado para ello por Morton, cuando menos con tres días naturales de anticipación al de la celebración de la Subasta, por lo que el personal de Morton, estará a su disposición para mostrar en detalle cualquier lote. 4. Los lotes serán subastados en el estado físico en que se encuentren en el momento de celebrarse la Subasta por lo que NO se aceptarán devoluciones ni reclamaciones sobre daños, desperfectos o restauraciones, aunque estos no se hayan hecho constar en el catálogo de la Subasta. Propóngase un precio máximo de compra para las piezas antes de que salgan a Subasta. Esto le ayudará a comprar mejor. Si tiene duda sobre alguna pieza, por favor NO ofrezca, ya que si se le asigna deberá pagarla. 5. Los precios estimados que aparecen impresos bajo las descripciones del catálogo son los precios aproximados que se espera sean obtenidos, sin incluir

III. OFERTAS EN PRESENCIA, REGISTRO

4. Con la entrega de registro, el licitador queda obligado a pagar el precio del lote más el 20% por concepto de la contraprestación más el IVA correspondiente. Si el pago se efectúa con tarjeta de Crédito Bancario o American Express, se incrementará el 6.6% (seis punto seis por ciento) por concepto de comisión sobre el monto total del lote o los lotes que le hayan sido adjudicados, descontando lo que previamente se tomó como garantía. 5. Para que los licitadores puedan hacer efectivas las pujas o aceptar una postura hecha por el martillero, bastará con levantar la paleta numerada. Por favor, hágalo con rapidez para que la dinámica de la Subasta continúe. Las ofertas aumentan aproximadamente un 10% en cada puja. 6. Se considera que el licitador que hizo efectiva la última puja, es decir la más alta, ha adquirido el bien que integra el lote subastado, en el momento en que no exista puja mayor y el martillero así lo manifieste.

IV. OFERTAS EN AUSENCIA Refiérase a las primeras páginas de este catálogo: “Cómo se compra en subasta”.

V. EXPORTACIÓN El comprador siempre deberá revisar si se requiere de autorizaciones, permisos o licencias de exportación o importación. Al participar en la subasta, acepta que es su sola responsabilidad obtener cualquier licencia, autorización o permiso de exportación o importación y que la negativa a cualquier permiso, autorización o licencia o cualquier retraso en obtenerlos, no justificará la rescisión o devolución de ninguna venta ni cualquier retraso en hacer el pago total de la propiedad adquirida. EL COMPRADOR RENUNCIA A REQUERIR CUALQUIER REEMBOLSO en cualquiera de los casos anteriormente mencionados. Las leyes locales pueden prohibir importar o exportar cierta propiedad y/o pueden limitar la reventa de alguna propiedad. Para mayores informes, consulte: www.tramites.inah.gob.mx

ABSENTEE BIDS ABSENT BID TERMS, CONDITIONS AND BID FORM

BY SIGNING THIS ABSENTEE BID REGISTRATION FORM YOU AGREE TO THE FOLLOWING TERMS AND CONDITIONS:

1. You agree to the terms and conditions that apply to the auctions at the Morton Subastas, S.A. de C.V. (Morton) premises and/or those described in the catalogues available at Morton.

WHO MAKES THE BIDS

2. Allow the personnel of Morton to make effective the bids on your behalf during the auction to which you are registered, and for the pieces only described herein, up to the amount inserted in the top limit bid.

BIDS LIMIT

3. Unlimited bids are not permitted.

RESPONSIBILITY

4. In no case and by no means, Morton takes responsibility for the adjunction of the piece(s) for which you made absentee bids.

ONE MORE BID

5. In case the amount stated by you as the top limit bid for a piece is matched by the last bid made in the auction room, and if the option on the "One more bid authorized" section is chosen as "Yes", you will then be allowed to place a higher bid for the piece. In case this option was chosen as "No" or left blank, your bid will be stopped.

ASSIGNATION

6. In case that two or more absentee bidders appear for the same piece and for the same top limit bid stated, and in case there is not a higher bid in the auction room, the piece will be adjudicated to the absentee bid first received by Morton. 7. The decision for the adjudication will be decided by Morton, and thus, will be unappealable. By signing this form you agree to not taking any legal action against Morton or its representatives if any conflict or dispute arise due to disagreement.

ABSENTEE BID FORM AUCTION TITLE

DATE

PALETTE NUMBER

ONE MORE BID AUTHORIZE

YES

TELEPHONE BIDS

YES

FULL NAME ADRESS

ZIP CODE

E-MAIL TELEPHONE

MOBILE

ID NUMBER CREDIT CARD SECURITY CODE

EXPIRING DATE

LOT NUMBER

TOP LIMIT BID

DESCRIPTION

(Mexican Pesos)

REQUIREMENTS

8. Morton will not make effective the Absentee Bid if the following requirements are not met: a) This document should be duly filled in and properly signed for in the agreement section, making sure that is clearly entered the lot number of the piece you are interested in, and well stated your top limit bid for it. b) This document should be delivered only to the authorized personnel at latest the day of the Auction at the address of Morton in which the auction will be held. c) Allow a deposit as a guarantee for the payment of the piece and amounts generated by the adjudication of the piece. The deposit will be in the following amounts, and will be taken under the name of Morton. Auctions at Monte Athos Gallery: $50,000.00 MXP Auctions at Cerro de Mayka Gallery: $5,000.00 MXP. This gives you access to both auctions. The amount of the guaranty may be changed by Morton prior notice to the customer. d) Guaranty may not be paid with a debit card since, in case of there is no awarding of lots, reimbursement would be too difficult.

.00 MXP

RECEPTION (MORTON STAFF ONLY) NAME AND SIGNATURE DATE AND TIME OF RECEPTION

I DO HEREBY ACCEPT THE CONDITIONS DESCRIBED IN THIS DOCUMENT AND CATALOGUES FOR THE AUCTION

PAYMENT CONDITION

9. If the piece is adjudicated to you, the price of the piece plus twenty percent of commission fee shall be paid, plus the corresponding VAT (16%) calculated over the commission. Payment made with credit card or any American Express card will incur an extra charge of 6.6%, added as a commission fee to the total amount to be paid for.

BIDS OVER THE TELEPHONE

10. Absentee bids by telephone are welcome, previous delivery of the present document duly filled and signed is required, sent to Morton with at least two working days before the date of the auction if your bid is $10,000.00 MXP or more. Long distance calls to and for the auction should be made by yourself.

SIGNATURE (Date)

MEXICO CITY

CONFIDENTIALITY

11. Information contained herein is deemed Confidential, and its disclosure is prohibited, entitling the payment of damages and looses caused by this fact.

Enquiries: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

Please note: On the day of the auction last absentee bids are received 4 hours before the auction.

Telephone. +52 (55) 5283 3140 Ext. 3148, 3149 & 3150