Esto es Ahora Subasta de Arte Contemporáneo by Morton Subastas

ESTO ES A H O R A

SUBAS TA DE A RTE C O N TE M PO RÁ N E O JUEVES 19 DE ABRIL DEL 2018, 7:00 P.M.

Lote 147

Lote 147 Lote 74 Lote 10

Lote 3 Lote 88 (detalle)

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CONSEJO DE ADMINISTRACIÓN Don Luis López Morton Ing. Sergio Autrey Maza Lic. José Calderón Muñoz de Cote Lic. Flavio J. Díaz Tueme Mtro. Carlos Noriega Arias Ing. Dan Ostrosky Shejet DIRECTORIO

Presidente

. . . . . .

Luis C. López Morton

eorozco@mortonsubastas.com

Directora General Vivian Gorinstein

vgorinstein@mortonsubastas.com

Director de Consignación Eduardo López Morton

emorton@mortonsubastas.com

Gerente de Administración y Finanzas Rosalía Madrigal

rmadrigal@mortonsubastas.com

Director General de Adelantos Andrés López Morton

amorton@mortonsubastas.com

Gerente de Autos y Camiones Aída Alanís Lara

aalanis@mortonsubastas.com

CONSIGNACIÓN Antigüedades

Fernanda Becerril

Arte Moderno y Contemporáneo Sofía Duarte

Portada: lote 69 Contraportada: lote 68

Joyería y Relojes

Alejandra Rojas

Libros Antiguos y Contemporáneos Jesús Cruz

Vinos de Colección y Uso Diario Abril Rodríguez

Oportunidades Alberto Flores

Autos Clásicos

Antonio López Morton

Herencias y Colecciones

LA SUBASTA ES CONDUCIDA EN PESOS MEXICANOS. LOS ESTIMADOS EN ESTE CATÁLOGO SE PRESENTAN EN PESOS Y DÓLARES AMERICANOS. Los precios publicados en este catálogo fueron establecidos tomando en cuenta el tipo de cambio de $19.30 (dieciocho pesos 50/100 M.N.) por dólar americano. En caso de que el tipo de cambio mencionado se incremente en un porcentaje equivalente o mayor al 10% (diez por ciento), se hará un ajuste de manera tácita a los estimados de los precios de venta publicados, el día de la subasta. Morton Subastas toma el tipo de cambio oficial, emitido por el Diario Oficial de la Federación.

Javier López Morton

Monterrey

Representante ︱ Samuel Campillo Coordinación General ︱ Yólika Sáenz Coordinación de Administración ︱ Daniela Palafox

Guadalajara

Stephanie Torres

París

Carlos Millán DEPARTAMENTO DE ARTE MODERNO

Gerente de Departamento Sofia Duarte

Coordinadora de Contenidos Odette Paz

Especialistas

Constanza Infante Diana Álvarez

Catalogadoras

María Fernanda Serrano Marcela Mena

Atención a Clientes

De acuerdo a la ley monetaria de los Estados Unidos Mexicanos, no podemos recibir moneda extranjera en efectivo. Si usted desea pagar en moneda extranjera, el tipo de cambio será acordado previamente con Morton Subastas, S.A. de C.V. Para mayor información, consulte con nuestro departamento de finanzas: Gerardo González: ggonzalez@mortonsubastas.com, o bien al teléfono 5283 3140, ext. 3395. La mercancía será entregada una vez que nuestro banco confirme la recepción de pago (puede tomar hasta 15 días).

Las descripciones proporcionadas en los catálogos impresos y en línea no en todos los casos incluyen un reporte de condición. La ausencia de una declaración de condición no implica que el lote se encuentre en perfecto estado o completamente libre de desgaste, daños, imperfecciones o los efectos del envejecimiento. Se recomienda encarecidamente a los compradores interesados, solicitar un informe sobre la situación precisa de los lotes por los que tenga intención de pujar, antes de hacer una oferta.

Por lo anterior, no existe cancelación de ventas.

Si desea un reporte de condición de alguna pieza incluida en esta subasta, por favor contacte al Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo: Odette Paz | opaz@mortonsubastas.com | Tel. 5283 3140 ext. 3394

Ana Segoviano

INFORMES Tel. + 52 (55) 5283 3140 atencion.clientes@mortonsubastas.com

mortonsubastas.com

ESTO ES AHORA SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO JUEVES

19.04.2018 7:00 P.M.

Monte Athos 179. Lomas de Chapultepec. Ciudad de México Lote 42

Lote 139 Lote 7 (detalle)

Del 11 al 16 de abril

Lunes a viernes de 10:00 a.m. a 6:30 p.m. Sábado de 10:00 a.m. a 12:30 p.m.

ACTIVIDADES Jueves 12 de abril 6:00 p.m.

Conversatorio “El artista y su contexto” Alexis Mata “Ciler” Emilio Rangel Viviana Martínez Presentación de The Epic Moleskine por Gerardo Guerrero

AHORA

EXPOSICIÓN

7:00 p.m. Cocktail

Sábado 14 de abril

Realidad Virtual Mexicráneos

11:00 a.m. a 12:00 p.m. Desayuno con artistas: Lao Gabrielli Pancho López Ramsés de la Cruz

SUBASTA Jueves 19 de abril 7:00 p.m. Monte Athos 179 Col. Lomas de Chapultepec Ciudad de México

#ESTO

10:00 a.m. a 12:30 p.m.

¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA? ¡BIENVENIDO! Usted está entrando al mundo de las subastas, un mundo donde es emocionante adquirir

antigüedades, arte, joyas, muebles y muchas cosas más. Algunas personas creen que la subasta es un proceso complicado... ¡sorpresa! entrar a comprar a una subasta es muy sencillo y no se requiere invitación, inscripción, ni nada de eso. Únicamente acuda, disfrute el momento y dese el placer de llevarse eso que tanto le gusta. Aquí le damos unos consejos para que lo disfrute desde la primera vez...

¿LA SUBASTA ESTÁ ABIERTA AL PÚBLICO? Sí, la subasta es un evento público y gratuito.

Usted es bienvenido sin necesidad de invitación, incluso si no está seguro de que adquirirá un lote. (Lote: cualquiera de las piezas o conjunto de piezas que se subastarán, tiene un número y aparece en el catálogo correspondiente).

¿QUÉ DEBO HACER ANTES DE LA SUBASTA? Usted puede asistir antes de la subasta a la exposición, donde podrá ver las piezas que se van a subastar. Es muy recomendable comprar el catálogo, porque en él se encuentra la descripción detallada y fotos de cada lote. El día de la subasta, al registrarse en la recepción le entregarán un número de paleta para hacer posturas; es decir, una paleta de plástico con un número que será levantada cada vez que usted quiera ofrecer una cantidad para adquirir un lote. En el registro se le solicitará su nombre, dirección y un depósito en garantía para sus compras (en efectivo o tarjeta).

¿QUÉ SIGNIFICAN LOS PRECIOS ESTIMADOS QUE APARECEN EN EL CATÁLOGO? Generalmente el catálogo muestra dos precios: un estimado bajo y uno alto. El lote puede venderse por debajo del estimado bajo (si el consignante no ha fijado un precio mínimo) y puede venderse por arriba del estimado alto en el momento de la subasta.

¿CÓMO FUNCIONA LA SUBASTA? Cuando salga a remate el lote que usted desea adquirir, simplemente levante la paleta que le fue asignada cuando el subastador proponga el precio de venta en subasta y usted esté de acuerdo con dicha cantidad. El subastador continuará elevando el precio mientras haya personas que sigan ofreciendo por el mismo lote. El último precio indicado por el subastador al dejar caer el martillo es el precio de martillo, y esa es la cantidad más la comisión (20%), más el IVA de la comisión, lo que usted pagará por el lote adquirido.

¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA SIN ESTAR PRESENTE EN EL SALÓN? ¿SE PUEDEN HACER OFERTAS SIN ASISTIR AL SALÓN DE SUBASTAS?

El formato de ofertas en ausencia se encuentra en la última página de este catálogo

Sí, existen dos sencillas formas de hacer ofertas en ausencia: • Por escrito. Usted llena el formato de ofertas en ausencia, indica el número de lote o lotes que desea, así como la oferta máxima que quiere hacer por cada uno de ellos. Así, uno de nuestros representantes estará haciendo las ofertas en su nombre y representación. • Por teléfono. Previamente a la subasta, usted elige el lote o lotes por los que hará sus ofertas. Al momento que el lote salga a remate, uno de nuestros representantes se comunicará con usted y así estará pasando sus ofertas al subastador.

OFERTAS EN AUSENCIA El personal autorizado por Morton Subastas podrá hacer efectivas las pujas en representación de los licitadores, sin ningún cargo para el licitador y de acuerdo a las siguientes reglas: 1. El licitador podrá hacer llegar su postura a Morton Subastas hasta cuatro horas antes de celebrarse la subasta, mediante la entrega de la ficha de registro para ofertas en ausencia directamente en nuestras oficinas, con acuse de recibo por correo electrónico a la siguiente dirección: ofertasenausencia@mortonsubastas.com, el formato está a su disposición en nuestras oficinas así como en el catálogo de la subasta. 2. Será necesario que Morton Subastas haya recibido las posturas del licitador, señalando un monto máximo como límite de cada puja. 3. En el caso de que el límite máximo fijado por el licitador en ausencia se iguale con la última puja de la sala, se autoriza a Morton Subastas a subir a la siguiente puja por cuenta del licitador en ausencia; de lo contrario el licitador presente en la sala tendrá la prioridad sobre el lote. Esta información se considera confidencial. 4. Como garantía de pago, en el caso de que el licitador se presente en Morton Subastas para registrar ofertas en ausencia deberá firmar un comprobante de tarjeta de crédito a la orden de Morton Subastas, S.A. de C.V. 5. Los lotes se adjudicarán al precio más bajo que permitan las demás pujas o posturas aceptadas en la sala.

6. En caso de que hubiera dos o más licitadores en ausencia, con ofertas por el mismo lote y por la misma cantidad, se adjudicará el lote al licitador cuya oferta haya sido presentada primero en día y hora. En lo demás, son aplicables todas las reglas de la subasta. 7. Morton Subastas NO es responsable si alguna de las ofertas en ausencia no se logra realizar. 8. Morton Subastas NO acepta ofertas sin límite.

OFERTAS POR TELÉFONO 1. Pueden hacerse ofertas vía telefónica en el salón de subastas durante el desarrollo de la subasta, presentando una solicitud por escrito y entregada a Morton Subastas por lo menos con dos días hábiles de anticipación siempre y cuando la cifra sea mayor a $10,000.00 por cada lote de su interés. Las condiciones para hacer efectivas las pujas, son las mismas que para ofertas en ausencia. Puede hacernos llegar sus ofertas y demás documentos a la dirección electrónica: ofertasenausencia@mortonsubastas.com 2. No se aceptarán ofertas por teléfono que no tengan postura, ni menores a $10,000.00

INFORMACIÓN IMPORTANTE • El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor. •

El subastador podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva, por medio de pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores.

• El transporte es por cuenta del comprador. •

Todas las piezas se venden en el estado en que se encuentran, favor de revisarlas bien antes de comprar; si tiene alguna duda no compre.

•

Todas las piezas incluidas en este catálogo, están revisadas y muchas de ellas autentificadas tanto por los propietarios o por algún experto. Por favor si tiene dudas o requiere más información estamos a sus órdenes y le asistiremos en lo más que podamos aclarar.

•

Si por alguna razón nuestra descripción no es de su entera satisfacción, usted puede revisar las piezas previamente a la subasta y traer a su experto dentro del horario de exposición.

•

De acuerdo a lo establecido en el Artículo 16, de la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos y el Artículo 37 de su Reglamento; es necesario realizar el trámite INAH-00-005 para obtener el PERMISO DE EXPORTACIÓN TEMPORAL O DEFINITIVA DE MONUMENTOS O BIENES MUEBLES HISTÓRICOS. Para realizar dicho trámite es necesario ingresar a www.tramites.inah.gob.mx en la opción de Exportación y Transporte.

• Los precios estimados son en pesos mexicanos. • En los lotes que no llevan estimado, la salida está por abajo de $2,000.00 M.N. •

Si por alguna razón no puede pasar a liquidar en el tiempo ya mencionado, haremos efectivo el cargo a la tarjeta de crédito, más su porcentaje correspondiente.

•

Compras por debajo de $20,000.00 M.N., se cargarán el mismo día a la tarjeta de crédito más su porcentaje de comisión de la subasta.

• Morton Subastas le proporciona factura por el Premium y el IVA correspondiente. • Una vez hecha la factura no hay cambio de nombre. • Si se le asigna un lote en la subasta no hay devoluciones ni reclamaciones.

RETIRE SUS PIEZAS COMPRADAS EN SUBASTA A TIEMPO Las piezas de esta subasta se deberán recoger en los siguientes días y horarios, en Monte Athos 179, Lomas de Chapultepec:

Viernes 20 de abril de 9:30 a.m. a 6:30 p.m. Lunes 23 de abril de 9:30 a.m. a 6:30 p.m. Martes 24 de abril de 9:30 a.m. a 6:30 p.m.

Si no son recogidos en este plazo tendrán un cargo del 10% mensual sobre la reserva.

LA SUBASTA 1. Al iniciar la subasta, el martillero indicará el lote a ser subastado, ya sea por medio del número que corresponda de acuerdo al catálogo de la Subasta o dando lectura a la descripción, las características y el precio de salida. 2. La subasta de cada lote se iniciará cuando el martillero pregone el precio de salida del mismo y entonces los licitadores podrán hacer efectivas las pujas o aceptar la postura ofrecida por el martillero. El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor. El martillero podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva, por medio de pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores. 3. Para que el martillero adjudique un lote, será necesario que no haya pujas que mejoren la anterior; por lo tanto el precio mencionado por el martillero constituirá el precio de martillo o de venta que deberá pagar el licitador. 4. Las pujas, es decir, la cantidad que el licitador ofrece respecto a la postura anterior o al precio de salida, se regirán dentro de los siguientes parámetros: PRECIO DE SALIDA

INCREMENTO DE LA PUJA

DE:

$100

$1,000

$100

$1,000

$5,000

$200 $500 $800

$5,000

$10,000

$500

$10,000

$20,000

$1,000

$20,000

$50,000

$2,000

$50,000

$100,000

$5,000

$100,000

En adelante

$10,000

5. La persona a la que el martillero adjudique el lote, se convierte en el propietario del mismo, como consecuencia deberá pagar lo siguiente: a. El precio de venta o de martillo del lote subastado. b. La cantidad equivalente al 20% del precio mencionado en el punto (a) por concepto de comisión (Premium). c. El Impuesto al Valor Agregado sobre la comisión. d. En caso de que el pago se efectúe con tarjeta de crédito o débito, se agregará el 6.6% sobre el monto total, por concepto de comisión por el uso de tarjeta. 6. Como consecuencia de la adjudicación del bien, personal de Morton Subastas presentará al comprador una hoja de adjudicación y un estado de cuenta y realizará el cierre del comprobante de la tarjeta de crédito o débito, según sea el caso.

7. El transporte corre por cuenta del comprador. 8. Compras menores de $20,000.00 (veinte mil pesos 00/100 M.N.) se cargarán el mismo día a la tarjeta de crédito, más el porcentaje de comisión de la subasta, el I.V.A. correspondiente. 9. Si requiere factura a nombre de su Compañía, favor de solicitar al momento de liquidar, mostrando el Registro Federal de Causantes. NO habrá cambios en las facturas. 10. Una vez adjudicado un lote no se aceptan reclamaciones ni cancelaciones. 11. La mercancía se subasta, adjudica y entrega en las condiciones en que se encuentra, por lo que le recomendamos acudir a nuestras exhibiciones o verificar plenamente que el lote a subastar reúna las condiciones y características de su interés.

GLOSARIO DE TÉCNICAS PLÁSTICAS

Lote 99 (detalle)

Las técnicas pictóricas están conformadas por pigmento (sustancia que permite colorear las superficies al dejar partículas adheridas a ellas), aglutinante (que permite que la mezcla sea estable y garantiza su permanencia en el soporte) y diluyente (que permite adelgazar, homogenizar y disolver la materia). Tipos de soporte: Aglomerados: Tableros fabricados a partir de elementos fibrosos de madera prensada y unidos por medio de distintos procesos y aglutinantes; los más utilizados son: fibracel, masonite y MDF. En ocasiones llevan un recubrimiento industrial como en el caso de la melamina y formica. Cartón: Material compuesto por varias capas de papel a base de fibra virgen o de papel reciclado superpuestas. Es grueso, duro y resistente. Láminas de metal: Suelen ser de cobre o zinc. Madera: También catalogada como “tabla”. Los tipos de madera más usados en la pintura son: caoba, pino y laminados como el triplay. Papel: Hoja delgada que se hace con pasta de fibras vegetales. Puede ser de fabricación industrial o a mano, lo que brinda a las hojas distintas texturas y cualidades. Polipropileno: Polímero termoplástico, parcialmente cristalino. Se fabrica en diversos grosores y grados de flexibilidad. Tiene gran resistencia contra solventes químicos y al calor. Tela o lienzo: Usualmente preparado con una imprimatura para pintar sobre él. Los más utilizados son los fabricados en lino, yute, cáñamo, algodón o fibras sintéticas. Vinilo: Se obtiene a partir del cloruro de vinilo, un material que se usa para fabricar PVC (policloruro de vinilo), utilizado en una variedad de productos plásticos. Puede ser usado como soporte de impresión, entre sus propiedades destacan la durabilidad y la maleabilidad. También se utiliza como material de rotulación pues su alta maleabilidad permite que sea deformado y cortado, permitiendo construir siluetas y textos. Técnicas bidimensionales: Acrílico: Emulsión integrada por pigmento y cola vinílica soluble en agua que se distingue especialmente por la rapidez del secado. Acuarela: Pigmentos aglutinados con goma arábiga que al ser diluidos en agua resultan traslúcidos y ofrecen una textura visual muy ligera. Anilina: Pigmentos de origen natural, usados principalmente en la industria alimenticia.

Barniz: Producto que suele aplicarse al finalizar la obra, forma una película sólida, transparente, con propiedades protectoras o decorativas. Bolígrafo: Instrumento que produce un trazo uniforme y de secado rápido. Contiene un tubo de tinta y, en la punta, una bolita metálica que gira permitiendo el dibujo. Crayón: Barra hecha con cera y pigmentos. Carboncillo: Trozo de madera carbonizada que permite trazar líneas ágiles y gradaciones. Collage: Procedimiento que consiste en pegar trozos de diferentes materiales como telas, cartón, papel, fotografías y recortes de periódicos, sobre una superficie para crear una composición. Conté: También se le conoce como lápiz de carbón compuesto, similar al carboncillo, pero ofrece un trazo más preciso al estar aglutinado con cera o arcilla. Encáustica: Pigmentos disueltos en cera que se extienden con ayuda de una espátula o pincel sobre el soporte. Se le suele aplicar fuego directo para crear diversos efectos y texturas. Esmalte: Pasta vítrea, brillante y dura, que se obtiene mediante fusión de polvo de vidrio coloreado con óxidos metálicos, y que se aplica sobre cerámica o metal. Gouache: Pintura opaca en la que los pigmentos están aglutinados con goma arábiga y mezclados con un medio inerte como el yeso, carbonato de calcio o creta. Hoja de oro: Lámina muy fina de oro batido o metal que imita metales preciosos. Se adhiere a diversas superficies previamente preparadas. Lápiz: Barras de madera que contienen en su interior una mina de pigmento aglutinado. Los tipos más usuales son: De grafito: Su mina está compuesta de grafito (un mineral de carbono casi puro), arcilla y agua; da distintas tonalidades de gris de acuerdo al grado de dureza que tenga, en una escala indicada con las siglas H (hard) a B (black). De color: Su mina está compuesta por pigmentos de colores aglutinados con cera de abeja. Mixta: Cuando se combinan varias técnicas o se introducen elementos extra pictóricos como arena, polvo de mármol o tierra. Óleo: Pigmentos integrados con aceites y resinas vegetales, se disuelven en trementina (aguarrás). Se puede controlar su fluidez y espesor, aplicándolo de manera directa o por medio de veladuras. Pastel: Barras secas de pigmentos aglutinados con goma. Su textura permite mezclarlos o difuminarlos. Pastel graso: Combinación de pigmentos con aceite y cera. Estas barras son blandas, de consistencia cremosa y colores brillantes. Piroxilina: Laca sintética a base de nitrocelulosa; su uso es principalmente industrial. Poliuretano: Polímero que puede fabricarse para que sea rígido o flexible, por ejemplo como espuma. Sanguina: Óxido férrico aglutinado con goma arábiga que se utiliza en forma de lápiz o barra para trazar en una gama de colores rojizos. Temple: Su característica principal es la emulsión de agua y materia grasa. Los pigmentos se encuentran aglutinados con yema de huevo, caseína, goma o grasa animal. Tinta acrílica: Gracias a su base acrílica seca rápidamente, es permanente y resistente al agua. Tinta china: Está formada por partículas de pigmento negro carbón con un aglutinante de cola proteica, los cuales se disuelven en agua. Tinta saiboku: Barritas de tinta hechas con pigmentos inorgánicos y cola animal. Su color es intenso. Técnicas de obra gráfica: Grabado: Conjunto de técnicas de arte gráfico cuya característica común es la creación de imágenes a partir de los cortes o tallas que un grabador efectúa sobre una matriz de madera o metal. Este corte o incisión puede ser realizado utilizando instrumentos cortantes, punzantes o soluciones químicas mordientes. La clasificación más simple de las técnicas de grabado es la que introduce dos categorías, dependiendo del sistema de impresión correspondiente a cada una de ellas: estampación en hueco o en relieve. Hay dos tipos en relieve: Grabado calcográfico: Su matriz de incisión es una lámina de metal. Grabado a fibra: Xilografía, linografía, etc.

Estampa: Es un soporte (generalmente papel) al que se ha transferido la imagen contenida en una matriz trabajada previamente mediante alguno de los procedimientos de arte gráfico. La imagen del soporte original pasa a la estampa tras entintar aquél, poner en contacto ambos y someterlos a presión. La estampa es el producto final del arte gráfico y la multiplicidad su característica más genuina. Recibe este nombre porque el proceso de impresión se denomina estampación. Es importante aclarar que grabado no es sinónimo de estampa; el grabado es una operación técnica y estampa es un producto artístico, el resultado del proceso de estampación de una matriz trabajada previamente, que puede estar grabada o puede no estarlo, sino estampada o impresa. Acrilografía: Creada por Byron Gálvez, en ella se utilizan placas de acrílico que poseen texturas creadas a base de resinas y cargas de polvo de mármol o carbón. Aguafuerte: Utiliza una plancha de metal recubierta de barniz sobre la cual el artista traza el dibujo con un punzón y dejando así el metal al descubierto al sumergir la plancha en una solución de ácido nítrico, este graba únicamente las zonas que quedaron sin barniz. Aguatinta: Técnica pictórica de grabado calcográfico que permite la obtención de semitonos o gradaciones de un mismo color. Sobre la superficie de la lámina se espolvorea resina de pino pulverizada que actúa de aislante, así, al sumergirla en ácido, éste sólo ataca los intersticios entre los puntos de resina. Al azúcar: Técnica alternativa al aguatinta, en la que se espolvorea azúcar en lugar de resina. Fotograbado: Técnica que utiliza una placa cubierta de una solución de colodión sensible a la luz para capturar una imagen negativa y transferirla a la placa de impresión. Gofrado: Proceso que consiste en producir un relieve sin tinta en el papel por el efecto de la presión a un mordido muy profundo. Giclée: Impresión por inyección de tinta de gran calidad sobre papeles de algodón, lienzo y papeles de acabado fotográfico. Impresión digital: Se realiza con un dispositivo periférico a un ordenador, permite producir gráficos almacenados en formato electrónico, imprimiéndolos en medios físicos utilizando cartuchos de tinta o tecnología láser. Impresión offset: Método de reproducción de documentos e imágenes, consiste en aplicar una tinta, generalmente oleosa, sobre una plancha metálica. Linograbado: Recibe su nombre porque el material utilizado como matriz es el linóleo: formado a partir de una pasta de aceite de linaza, resinas de pino, corcho en polvo e ingredientes colorantes prensada y laminada sobre tela de yute. Es flexible, impermeable, ligero y fácil de cortar con gubias. Litografía: La matriz es una plancha de piedra sobre la cual se dibuja la imagen con una materia grasa. La piedra se humedece y las superficies no dibujadas absorben el agua mientras que las dibujadas la rechazan. En seguida se aplica tinta grasa que es repelida por la humedad y se deposita únicamente en la zona dibujada. Mixografía: Procedimiento a partir de un cliché de cobre fundido en relieve negativo que permite la producción de estampas texturadas con detalles muy refinados en la superficie. El cliché es entintado utilizando los colores elegidos para esa impresión y en él se extiende pasta de papel mojado para después introducir los dos elementos en una prensa. A causa de la presión, la tinta queda absorbida por el papel, lo que le confiere cualidades pictóricas. Piezografía: Impresión digital de inyección de tinta que tiene la virtud de proporcionar una extraordinaria calidad, similar incluso a la fotográfica. Permite la impresión sobre sustratos que la fotografía convencional no puede, tales como papeles de algodón 100% libres de ácido. Emplea tintas pigmentadas a base de carbón con diversidad de tonos, desde fríos hasta sepias. Pochoir / esténcil / estarcido: Técnica en la que se corta una plantilla que permite reproducir en serie una imagen. Esta se sitúa sobre un soporte y se aplica pintura de modo que la forma trasferida quede limitada por la plantilla. Punta seca: Técnica que se basa en la utilización de una punta de acero afilada con la que el grabador dibuja directamente sobre la superficie del metal. Ruleta: Ruedecilla giratoria dentada que se utiliza para crear texturas de forma directa o sobre barniz a la cera. Serigrafía: Se interviene sobre una malla de seda, tejido sintético o metal, tensada en un marco. Se obturan ciertas zonas de su trama, ya sea aplicando un líquido de relleno o adhiriendo una película recortada en las áreas donde no habrá imagen, quedando libre la zona por donde pasará la tinta. También existen sistemas de obturación fotomecánicos. Para estampar se esparce tinta que se filtrará sólo por las partes no obturadas. Xilografía: La plancha es de madera, en ella se talla un relieve con la imagen deseada con una gubia o buril.

Las obras gráficas se numeran de acuerdo al tiraje que se haya realizado, es decir, de cuántos ejemplares conste la edición. Antes de llegar al resultado final se requieren de varias pruebas, las cuales son identificadas por el artista comúnmente con abreviaturas: E.E.

Edición Especial. Tienen alguna particularidad especial o superior.

H.C. Hors Commerce (fuera de comercio). Estampa definitiva de una tirada, no incluida en la edición venal numerada. P.A.

Prueba de artista. Estampas definitivas reservadas para la colección personal del artista.

P.C.

Prueba de color. El artista las lleva a cabo para comprobar el resultado de las tintas, tipo de papel y método de estampación más adecuado.

P.E.

Prueba de estado. En ellas el artista hace una revisión de la composición de la imagen, construcción de luces y sombras. Varían considerablemente de una a otra y por lo tanto cada una de ellas es única.

P.T.

Prueba de taller. Reservadas para ser de propiedad del taller donde se imprimió la estampa, generalmente conservan al menos una de cada edición.

BAT

Bon à tirer. Con la que el artista queda satisfecho y sirve de modelo de la tirada.

Fotografía: Las técnicas fotográficas permiten capturar imágenes mediante un dispositivo sensible a la luz. Analógica: La fotografía tradicional, para cuyo revelado es necesario un proceso fisicoquímico que involucra el uso de un material fotosensible activo (aplicado sobre placas de vidrio o sobre una película flexible de material traslúcido) y su revelado, para la obtención y el procesado de las imágenes. Digital: Se utilizan dispositivos dotados de una serie de fotodetectores electrónicos. Instantánea: Se obtiene con una cámara que utiliza una película que contiene los químicos necesarios para revelar y fijar la fotografía al momento, se les conoce como “Polaroid” por la compañía pionera en su desarrollo. Plata sobre gelatina: Imagen fotográfica desarrollada a partir de una emulsión de gelatina y plata, que se encuentra aplicada sobre un papel de composición definida que muestra la imagen a través de una sustancia reveladora. Puede ser a color (cromógena) o en blanco y negro. Técnicas tridimensionales: Escultura: Obra tridimensional tallada, modelada o construida en barro, cerámica, piedra, madera, metal u otro material. Relieve: Obra adosada a un plano; adherida a una superficie que le sirve de fondo, por lo que tiene un punto de vista frontal. Las técnicas más comunes son: Fundición: Técnica para obtener esculturas en metal. Predominan dos procedimientos: la fundición a la cera perdida y a la arena. A la cera perdida: Consiste en realizar un modelo en arcilla que se recubre con una capa de cera, que a su vez se recubre con alguna sustancia refractaria y se deja endurecer. Una vez secos, se le hacen unos orificios por donde se deja salir la cera y posteriormente se rellena con bronce fundido. Al enfriarse el metal, se rompe la capa exterior de arcilla. A la arena: Consiste en dividir la pieza en diversas partes, que se ponen en cajas rellenas de arena y en las cuales se vierte el bronce líquido. Posteriormente las distintas piezas se unen mediante remaches. Ensamblaje: Técnica que consiste en pegar o soldar distintos objetos y materiales para crear una composición con tridimensionalidad. Labra: Técnica sustractiva en la que se parte de un bloque de piedra (mármol, ónix, basalto, etc.) y se desbasta con mazo y cincel, para crear una forma. Modelado: técnica aditiva que consiste en añadir materia e ir moldeándola, ya sea con las manos o algún instrumento como espátula o estiques. Los materiales más comunes son la arcilla, cerámica, cera y plastilina. Pátina: Medios químicos que posibilitan cambiar el tono de la superficie de una escultura. Su nombre proviene de emular la “pátina”, barniz o tono que adquieren ciertos objetos antiguos con el paso del tiempo. Soldadura: Procedimiento por el cual dos o más piezas de metal se unen por aplicación de calor, presión o una combinación de ambos. Talla: Técnica sustractiva que parte de un bloque generalmente de madera, el cual se va extrayendo y puliendo con mazas y gubias hasta alcanzar la forma deseada. Vaciado: Se vierte el material, que puede ser metal, plástico, resina, yeso o cerámica en un molde.

Lote 50

Lote 100

The artist can express everything. Thought and language are to the artist instruments of an art. Vice and virtue  are to the artist materials for an art […] It is the spectator, and not life, that art really mirrors. Diversity of opinion about a work of art shows that the work is new, complex, and vital. Oscar Wilde, The portrait of Dorian Gray, 1890.

Conscientes de la importancia que tenemos como referente en la historia del arte de nuestro país, y ante el crecimiento de la oferta y demanda de nuevas manifestaciones artísticas que demuestran que la venta de Arte Contemporáneo en el mercado secundario mexicano está en aumento, en 2016, en Morton Subastas, realizamos nuestra primera venta enfocada en las manifestaciones contemporáneas. Para la tercera edición de Esto es Ahora Subasta de Arte Contemporáneo, estamos emocionados de poner en sus manos este catálogo con 180 obras que reflejan la diversidad del arte creado en nuestro mundo actual. En esta ocasión, encontrará una selección de piezas de artistas que fueron parteaguas en su tiempo, planteando nuevos lenguajes, técnicas y conceptos, no siempre comprendidos en su momento, pero que han trascendido construyendo parte de la historia del arte y permeado a nuevas generaciones. Destacan las obras de Pedro Friedeberg que formaron parte de la colección de la importante galerista y curadora Reyna Henaine; así como la presencia de creadores vanguardistas como Felipe Ehrenberg, Beatriz Zamora, José Manuel Schmill y Estrella Carmona Ronzón. También hallará obras de artistas contemporáneos con trayectorias consolidadas y de repercusión internacional: Daniel Lezama, Hugo Lugo, Dr. Lakra, Bosco Sodi, Gavin Rain, Raymundo Sesma, José Castro Leñero, Nadín Ospina, Víctor Rodríguez, Damien Hirst, Ramsés de la Cruz, Carlos Amorales, Fernanda Brunet, Cisco Jiménez, Ángel Ricardo Ricardo Ríos, Samuel Meléndrez Bayardo, que son opciones para enriquecer su acervo material y espiritual. Invertir en nuevas generaciones es sin duda una posibilidad generosa e inteligente, además de que nos permite interactuar con obras creadas en el contexto en que vivimos el día a día, ejemplos claros son la escultura en neón de la famosa artista Olivia Steele, el paisaje reflejante de David Pintado, la propuesta “neo-Op Art” de Lao Gabrielli, el retrato nostálgico de Darío Meléndez, la intervención abstracta a un paisaje de la serie “Traductores” de Sofía Echeverri, la denuncia en la sensible mirada de Bruno Bresani, el sutil límite entre arte y ciencia en la obra de Víctor Pérez-Rul y la imponente portada de este catálogo, un lienzo del internacionalmente reconocido muralista Edgar Flores “Saner”. Este es el recuento de sólo algunas de las obras que en cada página de este catálogo le permitirán tener una idea de lo diversa, bella y al mismo tiempo estremecedora que puede ser la expresión de nuestros tiempos, lo que es ahora. Morton Subastas

Lote 120

1 MARITA TERRÍQUEZ (Guadalajara, Jalisco, 1980 - )

Looking glasses, de la serie El arte como acto de fe, el museo como lugar de culto Firmado y fechado 2017 Lápiz de grafito sobre papel de algodón 54 x 65.5 cm Con certificado de autenticidad de la artista, enero del 2018. Es Licenciada en Artes Visuales con especialidad en Pintura por la Universidad de Guadalajara. Ha tomado cursos y talleres de dibujo, pintura, edición de video y audio que le han ayudado a complementar su formación artística. Entre 2009 y 2010 fue becaria del Consejo Estatal para la Cultura y las Artes, en 2015 fue acreedora al segundo lugar del Premio Anual de Pintura Jorge Martínez y cuatro veces ha sido seleccionada por el Salón de Octubre. Ha realizado más de 55 exposiciones colectivas e individuales en galerías y casas de cultura de México y el extranjero, destacando la Galería Espacio de Arte ARJE en Sevilla, España, la Galería Casa Rombo y el Club de Industriales en Guadalajara, Jalisco, así como el Museo Casa Serrano en Lagos de Moreno, Jalisco, la Galería Casa Diana en San Miguel de Allende, Guanajuato y Ladrón Galería en la Ciudad de México. Recientemente participó en el proyecto "Indocumentados" en el nuevo espació Fábrica Morelos en Guadalajara y una residencia artística en Chacalart en Chacala, Nayarit. Su trabajo se encuentra en diferentes colecciones públicas y privadas de México y Estados Unidos. Marita Terríquez busca abordar la relación del hombre con su entorno, investiga y reflexiona sobre la memoria, el lugar y el tiempo, creando narrativas visuales a partir de medios como la pintura y más recientemente la fotografía. Entre sus series, sobresale "El arte como acto de fe, el museo como lugar de culto", en la cual reflexiona sobre los mecanismos y elementos que determinan y componen el fenómeno artístico dentro del espacio museístico, por medio de la exploración de las relaciones que surgen entre la arquitectura, el espectador y el objeto de arte. Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.maritaterriquez.wixsite.com/work

$16,000.00-$26,000.00 M.N. USD $830-$1,350

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2 GABRIELA GONZÁLEZ LEAL (Ciudad de México, 1981 - )

Dualidad Firmado y fechado 2013 Lápices de grafito y de color, cabello sintético y collage sobre papel con escrito a máquina 70 x 106.5 cm Con certificado de autenticidad de Art Cage firmado por la artista, marzo del 2018. Egresada de La Esmeralda, ha sido becaria del FONCA y del FOCAEM. Su trabajo fue seleccionado en la IV Bienal Nacional de Artes Gráficas Shinzaburo Takeda, en la XII Bienal de Pintura Joaquín Clausell, en la Bienal Nacional de Artes Visuales Yucatán en dos ocasiones y en IX Bienal Puebla de los Ángeles. Ha participado en decenas de exposiciones colectivas e individuales, su obra pertenece a las colecciones del Museo de Sonora, del Zuckerman Museum of Art en Florida y el Museo Histórico del Peñol en Colombia. Es una artista visual cuyo proceso creativo y narrativo está fuertemente vinculado con la escritura. Esta obra es parte del proyecto "La palabra como dibujo o Transmutación de la escritura", que realizó de 2013 a 2015, como homenaje a su padre que era escritor y periodista, Fidencio González Montes. Gabriela González se apropia de la obra y busca: "rescatar el trazo, movimiento y textura de la letra de mi padre, otorgarle el espacio y técnica adecuada para que se libere y descubra toda su fuerza orgánica". "Es a través de la caligrafía que la pintora Gabriela González aborda temas como el oficio de un sastre en relación con la litografía, la memoria colectiva, la infancia y el juego que va transmutando en un sinfín de experimentos visuales. Conceptos que responden a vivencias muy personales como la muerte de su padre y el nacimiento de su hija y cómo estos sucesos repercuten en el proceso y confección de cada obra". $22,000.00-$30,000.00 M.N. USD $1,140-$1,555 24

SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

3 JULIÁN MADERO (Ciudad de México, 1990 - )

Asesinato en la galería Firmado y fechado 2017 al reverso Óleo sobre tela 30 x 40 cm Con certificado de autenticidad del artista. Exhibido en: "Conectados por el azar", muestra colectiva presentada en galería Tu Mamá, septiembre del 2017 y en "¿Quién te crees tú?", colectiva inaugural del espacio cultural Períférico, enero del 2018. Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en La Esmeralda, un Diplomado de Docencia en Artes Visuales en la Academia de San Carlos y varios cursos y talleres en la UNAM. Ha expuesto individualmente en el Museo de Arte Carrillo Gil, La Quiñonera y La Esmeralda, además participó de manera colectiva en "Yo sé que tu padre no entiende mi lenguaje modelno" muestra presentada en el Museo Universitario Arte Contemporáneo de la Ciudad de México. Su trabajo se desarrolla en torno a la pintura y la gráfica, en donde es recurrente la referencia a obras literarias y la influencia de la vida cotidiana actual, la cual impregna de una cierta sensibilidad trágica. Para esta obra, Julián Madero tomó como referencia un polémico incidente ocurrido en una galería de arte. En diciembre del 2016 el embajador de Rusia en Turquía, Andrei Karlov, murió baleado en una exhibición de arte en Ankara mientras daba un discurso en un evento organizado por su representación diplomática. Tras el ataque, las autoridades turcas neutralizaron al atacante, quien fue identificado como un oficial de la policía. Burhan Ozbilici fue el fotógrafo que asistió a la exposición y acabó captando el asesinato, logrando imágenes que sacudieron al mundo. "La pintura es un ser vivo. Pinto por la necesidad y el gusto de hacerlo. La pintura también es una escritura, en sí misma un grito sordo, pero en su trayectoria se hace presente el sentido. La imagen es pensamiento, se puede pensar por medio de imágenes y se debe explorar y conocer la mirada". Julián Madero. Fuente consultada: sitio del artista https://islasmadero.wordpress.com

$7,000.00-$15,000.00 M.N. USD $365-$780

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4 MIGUELANGEL CISNEROS (Guadalajara, Jalisco, 1981 - )

Deceso Firmados y fechados 2017 al reverso Grafito sobre papel, polĂptico 38 x 30 cm medidas del papel de cada uno 50.5 x 42 cm medidas totales con marco de cada uno Piezas: 4 Los marcos forman parte de la obra. Con certificado de autenticidad del artista. $20,000.00-$30,000.00 M.N. USD $1,040-$1,555

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Estudió la Licenciatura en Artes Visuales con especialidad en Pintura en la Universidad de Guadalajara y al término complementó su formación artística tomando varios cursos y talleres impartidos por reconocidos maestros. En 2015 fue seleccionado en el Salón de Octubre, en 2016 fue acreedor a una de las becas otorgadas por el programa Proyecta Producción de la Secretaría de Cultura de Jalisco y participó en la X Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce; al año siguiente obtuvo Mención Honorífica en el III Premio Anual de Pintura Jorge Martínez. Entre 2003 y 2017 ha realizado más de 30 exposiciones colectivas y 13 individuales en galerías y casas de cultura de Guadalajara, Michoacán, Nayarit y Querétaro. Sus principales medios de expresión son el dibujo y la pintura, con los cuales abarca diferentes formas de representación de las ideas, pues no cree en estilos o límites. Su obra transita bajo una delgada línea entre lo moderno, lo contemporáneo y el diseño, además presenta ciertas influencias del expresionismo abstracto y el pop. En ocasiones sus piezas se ven incompletas, pero sólo en apariencia lo están, ya que el objetivo es revelar la transformación progresiva del objeto-imagen, como si los colores y las texturas fueran capaces de atrapar el tiempo. Asimismo, en la manera de presentar sus trabajos, es común que contemple el montaje como parte integral de la obra, pues con ello expande la idea de los soportes tradicionales a una forma de instalación.

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5 DIEGO MATTHAI (Ciudad de México, 1942 - )

Round and round we go...! Firmada y fechada 2015 Luz neón sobre base de cerámica 1/1 31 x 33 x 9 cm Diego Matthai es un arquitecto y diseñador mexicano reconocido internacionalmente por su incursión en el campo del arte objeto. Cuenta con una amplia experiencia, la cual abarca el diseño de edificios, muebles, esculturas, murales, cuadros y arte objeto. Con el tiempo, sus propuestas originales comenzaron a ser una fuerte influencia para mejorar y optimizar los diseños de mobiliario urbano, haciéndolo acreedor a la Medalla de Plata en la XII Bienal de Arquitectura Mexicana en 2012. Dentro de su larga trayectoria, cuenta con más de cien exposiciones colectivas en México y Estados Unidos. En la década de los 60, creó una serie de figuras geométricas y cuadros con diversos metales hasta llegar a las esculturas de neón, las cuales están hechas en una base de cerámica con un tubo de neón moldeado en diferentes diseños y colores; todas ellas son piezas únicas, originales y diferentes, las cuales marcaron el inicio de un estilo propio y su formación dentro del campo del arte objeto. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.matthai.net

$10,000.00-$18,000.00 M.N. USD $520-$935 28

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6 MAGDALENA MARTÍNEZ FRANCO (Ciudad de México, 1965 - )

Qr Emboss Firmada y fechada 2016 Impresión en rígido sobre papel 68 x 75 cm Con certificado de autenticidad de la artista. Cuenta con una Maestría en Artes Visuales por la Escuela Nacional de Artes Plásticas. En su vasto currículo destaca su trabajo con Dennis Oppenheim y Jannis Kounellis durante sus exposiciones en 1998 y 1999. En 2002 tuvo una beca del Programa de Educación por el Arte con Elías Levin para dar un taller de video para niños de educación especial, en 2007 obtuvo el apoyo de producción de la Dirección de Danza de la UNAM con Ángel Rosas y en 2010 con la Producción e Investigación en Arte y Medios del Centro Multimedia del CENART. De 2002 a 2007 realizó el registro de obra del Laboratorio Arte Alameda y de 2007 a 2008 trabajó en la dirección visual de "Anamesis" en la sala Miguel Covarrubias de la UNAM. Desde 1996 a la fecha ha ejercido la docencia en museos, centros culturales y universidades de prestigio. Desde 1995 ha realizado un sin fin de exposiciones colectivas e individuales, destacando las exhibidas en la Universidad de Columbia en Nueva York, en el Contemporary Museum de Maryland, en el Centro de Arte Moderno de Quilmes en Argentina, en el Centro Cultural España de Santiago de Chile, en el Teatro Municipal de Lisboa en Portugal y en la Ciudad de México en el Museo de Arte Carrillo Gil, Laboratorio Arte Alameda, Museo de Arte de la SHCP, Antiguo Palacio del Arzobispado y Museo Universitario del Chopo. Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.magdalenamartinezfranco.com

$15,000.00-$20,000.00 M.N. USD $780-$1,040

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7 RAMSÉS OLAYA (Ciudad de México, 1981 - )

Cuadro principal, intento fallido de hacer un teseracto, de la serie Soñando con teseractos, 2014 Sin firma Papel recortado a mano 23 x 21.5 cm medidas del papel, 39.5 x 39.5 cm medidas totales con marco Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, enero del 2015. Exhibido en: "Ramsés Olaya. Obra reciente", muestra individual presentada por Galería Alfredo Ginocchio y LUGAR_0, en 2014. Ramsés Olaya es un destacado artista plástico emergente. Licenciado en Artes Visuales por la Escuela Nacional de Artes Plásticas, su obra se caracteriza por una evidente influencia del oficio artesanal de cortar papel mezclado con un sentido original de la abstracción. Aunque su estilo es totalmente personal, su trabajo contiene cierta influencia de los productos de la vida cotidiana de los años 80, ya que al crecer en esta generación fue marcado por la producción en masa, el rock y los iconos de la cultura popular. Su obra ha sido presentada en importantes ferias internacionales de arte como Zona MACO en México, Pinta en Nueva York, arteBA en Argentina, Art Concept en Miami y Asia Contemporary Art en Singapur. Actualmente su obra se encuentra en destacas colecciones públicas y privadas de México y el extranjero. Fuente consultada: GARBULSKY, Javier. "Ramsés Olaya inaugura muestra en Galería Alfredo Ginocchio". México. Masaryk.TV, 25 de enero del 2017, www.masaryk.tv

$20,000.00-$30,000.00 M.N. USD $1,040-$1,555 30

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8 RAMSÉS OLAYA (Ciudad de México, 1981 - )

Song bird, de la serie Soñando con teseractos, 2014 Sin firma Papel recortado a mano 34 x 17 cm medidas del papel, 50 x 32 cm medidas totales con marco Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, enero del 2015. Exhibido en: "Ramsés Olaya. Obra reciente", muestra individual presentada por Galería Alfredo Ginocchio y LUGAR_0, en 2014. "Para Ramsés Olaya, el camino de las artes visuales ha estado poblado de dibujos, esculturas y objetos que recrean a súper héroes, en múltiples roles y soportes contemporáneos, como resinas, plásticos y acrílicos. Actualmente la obra de Olaya es el producto de una mecánica creativa, en donde fusiona el 'oficio' artesanal (recortado de papel y dibujo) y una particular y personal mirada plástica, que resultan en un conjunto de piezas que trascienden su idea original y se encuentran ahora más cerca de la abstracción". Mayra Nakatani. Fuente consultada: GARBULSKY, Javier. "Ramsés Olaya inaugura muestra en Galería Alfredo Ginocchio". México. Masaryk.TV, 25 de enero del 2017, www.masaryk.tv

$20,000.00-$30,000.00 M.N. USD $1,040-$1,555

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9 HARTWIG LUGO ROHDE (Ciudad de México, 1970 - )

Rebote #22, de la serie Inversiones Firmado y fechado México DF 2014 al reverso Óleo sobre tela 50 x 70 cm Estudió en La Esmeralda y con el maestro Santiago Carbonell, quien influyó en su depurada técnica y atención por los detalles de lo representado, aunque el interés de Hartwig son temas que rozan con el Pop Art y el mundo contemporáneo. Ha exhibido su obra tanto a nivel nacional como internacional, en espacios como Museo Universitario del Chopo, Museo de la Ciudad de Querétaro, Galería Oscar Román, Galería Libertad de Querétaro y Galería El Palomar del Minotauro. Las posibilidades de discurso de una pieza de arte no sólo se limitan a la lectura que hacemos de ella, sino que a través de la contestación podemos pensar que ésta se enriquece cuantas más veces sea reproducida en la réplica, en este caso la paráfrasis (a la obra de On Kawara) es la estrategia que utiliza el artista, para lograr "otra lectura" desde un nuevo punto de partida , dejando con este atrevimiento claro que el rebote de alguna manera puede generar un efecto emotivo. $12,000.00-$20,000.00 M.N. USD $620-$ 1,040 32

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10 JUAN JOSÉ SOTO (Ciudad de México, 1981 - )

Linde 1, Linde 2 y Linde 3 de la serie Paisaje inconexo, 2016 Sin firma Tinta serigráfica sobre lámina de latón 1 / 3, tríptico 30 x 30 cm cada una Piezas: 3 Con certificado de autenticidad del artista. Realizó estudios en Artes Visuales en La Esmeralda, también es egresado de la Licenciatura en Relaciones Internacionales por la UIA. Ha realizado exposiciones individuales entre las que destacan "Paisaje Inconexo" en la Celda Contemporánea de la Universidad del Claustro de Sor Juana en 2016 y "Utopías del trópico" en Galería Thomas Flechel en 2013. Entre las más de treinta exposiciones colectivas en las que ha participado destacan "Modern Love Vol. 1" en la Galería Quinto piso durante Zona MACO 2017, "Capital Flight" en Chalton Gallery en Londres, "Le rhinocéros est mort" en la galería Rotolux en París. En 2012 fue acreedor al premio de adquisición en la Quinta Bienal Internacional de Arte Visual Universitario del Estado de México. Este año fue seleccionado para la primera edición de la Feria Arte Diez en la Ciudad de México. Su obra abarca la instalación, la fotografía, el video y la gráfica, desde donde busca experimentar con un cruce de intereses formales y conceptuales que han sido una constante dentro de su trabajo. En ella explora su preocupación por el tema del camuflaje como una síntesis y representación alegórica del paisaje; las delimitaciones fronterizas como una desconfiguración arbitraria del mismo y un tercer elemento formal que es la recuperación de la mojonera topográfica como monolito en el espacio público. Las delimitaciones geográficas desde una visión postcolonialista, demarcan un territorio y se imponen a una espacialidad siempre definida por coordenadas de poder vertical. La mojonera topográfica, un vestigio de memoria, ilusorio, arbitrario y jerárquico. En la serie "Paisaje inconexo", el autor yuxtapone imágenes de la frontera norte, específicamente del área de Tijuana interviniéndolas con un patrón inspirado en el camuflaje dazzle razzle, desarrollado para la Primera Guerra Mundial utilizando soportes no convencionales que remiten al monumento público para hablar de la renuncia al territorio natural y de la condición de olvido; donde las fronteras son siempre un artificio de camuflaje. $20,000.00-$30,000.00 M.N. USD $1,040-$1,555 ESTO ES AHORA

11 JUAN MIGUEL CARRANZA (Ciudad de México, 1983 - )

Fractura, de la serie Silence and Disaster Firmada al reverso Gráfica digital sobre papel 1 / 1 60 x 120 cm Con certificado de autenticidad del artista. Es artista visual y diseñador gráfico especializado en nuevas tecnologías y medios impresos. Es egresado de la Licenciatura en Artes Visuales por La Esmeralda. En su obra manipula impresoras, fotocopiadoras, scanners, cámaras fotográficas y computadoras, con la finalidad de encontrar errores digitales y con ellos generar nuevos dispositivos visuales que entablen puentes de comunicación entre las máquinas y la experiencia del usuario. Su obra ha sido expuesta en Galería Centro, en Galería Sesenta y Seis Cinco, en Centro Cultural Universitario Tlatelolco y Palast Galerie, Berlín, Alemania, entre otros. Actualmente, desarrolla su propuesta visual en distintos colectivos audiovisuales como VJ en la producción de video con mezcla e improvisación en vivo. "Silence and Disaster" es una serie de gráficas digitales que representan los remanentes del terremoto que sacudió a la Ciudad de México el 19 de septiembre del 2017. En esta serie de abstracciones, el artista ha codificado y digitalizado datos del sismo: epicentro, fecha, hora, lugar, magnitud, duración, lugares afectados, número de personas afectadas y fallecidas, direcciones y nombres, para narrar el terror, la impotencia, el desvanecimientos de identidades, patrimonios, las angustias, las pérdidas, los silencios y sollozos que provocaron los desastres. El impacto visual que genera, simula los sentimientos de miedo y terror. "Silence and Disaster" es una huella de múltiples experiencias; muestra complejos postraumáticos, así como el estrés que vivió toda la ciudad. $12,000.00-$20,000.00 M.N. USD $620-$1,040 34

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12 CECILIA BARRETO (Ciudad de México, 1985 - )

Is never enough 0017 Firmado y fechado 2016 al reverso y en el bastidor Esmalte automotivo sobre acrílico sobre tela 50 x 75 cm Con certificado de autenticidad de la artista, agosto del 2016. Es Maestra en Artes Visuales por la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM. Actualmente es becaria del programa BBVA BancomerMACG. En 2016 fue ganadora del primer lugar en el concurso Parámetro Arte Lumen 2ª edición. Ha obtenido la beca Adidas Border, así como la del programa Jóvenes Creadores del FONCA. Su obra ha sido seleccionada en certámenes como la XVI Bienal de Pintura Rufino Tamayo y obtuvo la Mención Honorífica en la 8ª Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce. Ha participado en más de 50 exposiciones colectivas, entre las que destacan "Fábulas sin moraleja. El desbordamiento de la corrupción en México" presentada en Casa del Lago en 2017, "Notas para una educación (económico-) sentimental" en el Museo Universitario del Chopo, "El futuro no está escrito" presentada en Palazzo Cinni dentro de la programación oficial de la 56 Esposizione Internazionale d' Arte de Venecia en 2015 y "Yo sé que tu padre no entiende mi lenguaje modelno" en el MUAC en 2014. Algunas de las obras pertenecientes a la serie "Is never enough" fueron presentadas en la muestra individual "Happy markets" en Galería Luis Adelantado en 2016. "El nombre de la muestra 'Happy markets' abreva del efecto de personificación que, de manera recurrente, se hace del comportamiento de los mercados de capitales. Cada vez que se refiere el estado de ánimo con el que los mercados amanecen o cierran sus operaciones. En los trabajos que se presentan en esta exposición, Cecilia Barreto se ocupa de la visualidad relacionada con el capitalismo financiero. Las gráficas, los indicadores y otros signos de las principales entidades responsables de mediar estos intercambios son apropiados y reutilizados para levantar un cuestionamiento acerca del campo de representación que constituyen. Más allá, el proyecto se inscribe en una investigación acerca de la visualidad y sus relaciones con el poder, las tensiones entre realidad y virtualidad, así como la sensación de desconcierto que producen el modelo económico actual y sus formas de representación. La estrategia de la artista forma parte de una línea de investigación más amplia en la que se ha ocupado de los mecanismos de representación de la publicidad, las agencias informativas y los usos de internet en las protestas sociales de los últimos años. Sus inquietudes también se reflejan en la selección de materiales y las maneras de trabajarlos; en esta serie utilizó pintura automotiva, resinas y pinturas acrílicas, tal y como los artistas que en el siglo XX optaron por estas soluciones para visualizar una época industrial". Christian Gómez. $10,000.00-$20,000.00 M.N. USD $520-$1,040

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13 CECILIA BARRETO (Ciudad de México, 1985 - )

http://11 Firmado y fechado 2012 al reverso y en el bastidor Acrílico, esmalte en aerosol, resina, pintura automotiva y óleo sobre tela 80 x 120 cm Con certificado de autenticidad de la artista, agosto del 2016. Exhibido en: "Yo sé que tu padre no entiende mi lenguaje modelno", exposición colectiva curada por Amanda de la Garza, Aline Hernández, Alejandra Labastida, Cuauhtémoc Medina y Daniel Montero, presentada en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo MUAC, en 2014. "Las obras de Cecilia Barreto son testimonio del modo en que los medios de comunicación, en particular el internet y las redes sociales, han logrado potenciar ese régimen visual que Susan Sontag ya había denunciado desde los años setenta. La ventana ha sido una estructura esencial en la historia de la pintura occidental; en las pinturas de Barreto esta adquiere la forma de pantalla de computadora, donde las redes sociales y canales de video se postulan como el primer (si no es que también el único) acceso a las protestas sociales y disturbios en la actualidad. Sontag describía lo necesario que resultaba corroborar la realidad gracias a una imagen. Nos vemos entonces situados frente a recuerdos e imágenes cruzados por vacíos, por silencios. "En el intento por sustraer la imagen a una totalidad que devela lo que fue, lo que capturó, nos vemos frente a la imposibilidad de hacerla hablar; ahí donde la búsqueda vuelve a inscribirse en su punto de inicio sin que esta condición le reste a la imagen su potencia visual. Uno de los elementos, quizás el más interesante, que ponen en juego las obras de Barreto es el modo de hacer converger lo que José Luis Brea definiría como dos eras diferentes de la imagen: la era de la imagen-materia, aquella que echa mano de un soporte material que le da permanencia, y la era de la imagen fílmica, aquella que se dimensiona por su carácter siempre variable, condición que la hace 'testimonio de lo pasajero y lo efímero'". Equipo curatorial MUAC. Fuente consultada: MEDINA, Cuauhtémoc et ál. Yo sé que tu padre no entiende mi lenguaje modelno. México. MUAC, UNAM, 2014, pp. 8 y 9.

$22,000.00-$30,000.00 M.N. USD $1,140-$1,555

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14 RUBÉN MORALES LARA (Ciudad de México, 1979 - )

Forma y vacío 1.24042017 Firmada y fechada 2017 al reverso del marco Tinta de offset sobre cartulina sulfatada, pieza única 95 x 71 cm Con certificado de autenticidad de Art Cage firmado por el artista, marzo del 2018. Cursó la Licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas. En su trayectoria ha presentado su obra en museos y galerías, destacando el Museo Universitario del Chopo, el MUCA Roma, la Sala de Arte Público Siqueiros, el Polyforum Siqueiros, The Mexican Cultural Institute en San Antonio, Texas, La Petite Mort Gallery en Ottawa, Canadá y el MUMART en La Plata, Argentina. Ha sido acreedor al premio del XXIV Encuentro Nacional de Arte Joven en 2014, así como en la VI Bienal de Yucatán en 2014 y 2016, en la II Bienal Internacional de Grabado y Estampa José Guadalupe Posada en 2015 y al año siguiente obtuvo el primer lugar en la Bienal Miradas en Tijuana. Fuente consultada: sitio de Local 21. Espacios Alternativos de Arte, A.C. www.local21arte.org

$18,000.00-$30,000.00 M.N. USD $930-$1,555 ESTO ES AHORA

15 DANIEL EVO

(Ciudad de México, 1985 - )

Maremotus A Firmado y fechado 2016 al reverso Esmalte, óleo, chapopote, cinta adhesiva, hoja de plata, vinil y papeles sobre tela 60 x 100 cm Con certificado de autenticidad del artista, febrero del 2018. Estudió la Licenciatura en Diseño y Comunicación Visual en la Escuela Nacional de Artes Plásticas y actualmente cursa estudios de Maestría en Facultad de Artes y Diseño UNAM y el programa educativo SOMA. En sus años de formación, a la par de producir imágenes, se dedicó a reflexionar sobre el cuerpo a través de la danza butoh, por lo que ha centrado su interés en el trance entre la práctica de la pintura y la experimentación escénica. Ha participado en más de 20 exposiciones y performances en foros como el Teatro de la Ciudad, el Teatro de las Artes y el Centro de las Artes de San Agustín, Oaxaca. "El trabajo de Daniel Evo está hecho de pequeñas decisiones que tienen que aprender a vivir juntas. No se sabe exactamente qué las ha traído aquí, una suerte de primer magnetismo que las mantiene en relación es lo único que ha quedado de un proceso en mayor o menor medida coreografiado en secreto. Las energías se distribuyen en algunas ocasiones como distancias desdibujadas entre las cosas y en otras como breves acciones que seleccionan y determinan la posición de un objeto o sustancia en coordinación con su entorno". Christian Camacho. $10,000.00-$20,000.00 M.N. USD $520-$1,040

SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

16 STEFAN WIRNSPERGER (Tamsweg, Austria, 1985 - )

MA03, de la serie Cuadros cuadras, 2015 Sin firma Óleo y acrílico sobre tela 140 x 160 cm Con certificado de autenticidad del artista. Publicado en: sitio oficial del artista www.stefanwirnsperger.net y en Stefan Wirnsperger. Cuadros cuadras, paintings 2015/16. México. Pág. 15. Exhibido en: "An ideal city that complicates the real one", muestra colectiva presentada en Espectro Electromagnético, marzo del 2017. Stefan Wirnsperger estudió la maestría en pintura en la Universidad de Artes Aplicadas de Viena, Austria; más tarde impartió clases en esa misma institución. Ha participado en diversas exposiciones y festivales de cine en Europa y México. Realizó una colaboración con el colectivo Torolab en Tijuana y su corto "Tito" ganó el premio al mejor cortometraje ficción del LATIUM Festival Internacional de Cine Latinoamericano 2016. En 2015 recibió la beca de Excelencia de los Programas Especiales del Gobierno de México para Extranjeros y en 2014 el premio anual de las artes visuales de Salzburgo. Actualmente vive y trabaja en Viena y en la Ciudad de México. Wirnsperger tiene un interés especial sobre las relaciones sociales y sus distintas maneras de expresarse. Por ello, sus obras versan sobre dinámicas que constituyen identidades colectivas, así como entornos de vida que, a menudo, están involucrados en utopías políticas y sociales. Asimismo, hace uso de distintos medios y técnicas de expresión, ya sea en solitario o colaborando con otros artistas. Su serie de pintura "Cuadros cuadras", está inspirada en estructuras urbanas de la Ciudad de México; refleja su cambio permanente y efervescente, el cual deja rastros al superponer capa sobre capa en la búsqueda por una condición ideal. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.stefanwirnsperger.net

$26,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,350-$2,590

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17 MARISOL PLARA (Estado de México, 1989 - )

Abrazo y expando el espacio I y II Firmados y fechados 2018 Pigmentos naturales, óleo y acrílico sobre tela sobre macocel I: 46.5 x 141 cm y II: 47 x 137 cm Medidas totales variables Piezas: 2 Con certificado de autenticidad de la artista. El acomodo de las obras puede ser a gusto del coleccionista creando diferentes composiciones. Estudió la Licenciatura y la Maestría en Artes Visuales en la Facultad de Arte y Diseño de la UNAM, institución en donde realizó una estancia de investigación en la Universidad Complutense de Madrid. Ha sido seleccionada en la convocatoria Exposiciones TAB en Madrid, así como para la Cátedra Extraordinaria Ciudad de Albacete a cargo del maestro Antonio López. A lo largo de su carrera ha realizado exposiciones individuales en galerías e institutos culturales de México, Estados Unidos y España. "La pintura es un conjuro visual y específico que convoca a la belleza, la cual emana del conocimiento contenido en la morfología de la naturaleza. El placer que conduce a la acción es el eje que direcciona y sustenta mi práctica artística; el cuerpo en el tiempo es tan orgánico como lo describe su apariencia estática, las curvas de la estructura nanométrica y fisiológica se reproducen en movimiento, trayectorias que se registran en pinceladas por medio de aceites y pigmentos, líquidos orgánicos que estructuralmente contienen conocimiento puro. La energía libre, sin juicio, fluye por el cuerpo, como un río que desemboca en una composición de líneas extrínsecas […] La organicidad de la existencia sin prejuicio se refleja macroscópicamente en colores, líneas y códigos que son en sí mismos dibujos del orden natural de todas las dimensiones". Marisol Plara. $15,000.00-$26,000.00 M.N. USD $780-$1,350

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18 AIDEE DE LEÓN (Ciudad de México, 1979 - )

La disolución de la materia Firmado al reverso Acrílico sobre tela 165 x 108 cm Con certificado de autenticidad de la artista. Es Maestra en Artes Visuales por la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM, realizó el Máster en Producción Artística e Investigación en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona. Su formación ha sido constante en instancias en México y en el extranjero, asistiendo a la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, realizando una Residencia de Producción e Investigación en Kanazawa, Japón en 2012, y la Estancia de Producción en Pintura, Fundación Rodríguez Amat en el Centro de Arte Contemporáneo en Barcelona. Ha sido acreedora a numerosos premios y distinciones, destacando la Mención Honorífica en el Encuentro Nacional de Arte Joven en 2004, el Premio Revelación a una Artista Iberoamericana por parte de la Tertulia Ilustrada de Madrid en 2014 y la Medalla de Plata Gabino Barrera; además ha sido becaria del FONCA en dos ocasiones. Su obra está incluida en el Museo de Arte Alfredo Zalce, en el Museo de Arte Contemporáneo Ateneo de Yucatán y en el Archivo del Programa Bancomer MACG Arte Actual. El color vibrante, el mundo de las formas y la abstracción son una constante en su quehacer artístico, tomando como referencia las obras de Kandinsky y Rothko. $30,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,550-$2,070 ESTO ES AHORA

19 DAVID PESCADOR (Ciudad de México, 1986 - )

008, de la serie No waste painting Firmado y fechado 2014 al reverso Óleo sobre madera 50 x 70 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: sitio oficial del artista www.neurocolor.art También conocido por el alias "neurocolor", estudió en la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM. David Pescador recurre a elementos multimedia, pintura, manipulación digital de imágenes, fotografía e ilustración. Las obras de la serie "No waste painting" están realizadas sobre bastidores y telas reciclados, con sobrantes de pintura de paleta utilizados en otras piezas, donde el artista da espacio a lo lúdico y permanece fuera de las convenciones académicas, dando como resultado una serie más abstracta. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.neurocolor.art

$12,000.00-$20,000.00 M.N. USD $620-$1,040 42

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20 PABLO CASTILLO (Ciudad de México, 1966 - )

Sin título Firmada y fechada 1993 Mixta sobre tela 100 x 100 cm Pablo Castillo es un artista visual egresado de la carrera de Filosofía y Letras de la Universidad La Salle y de la Licenciatura en Artes Plásticas por la Escuela Nacional de Artes Plásticas. "El que tripule la nave de Pablo Castillo debe ser un espectador ávido de nuevas sensaciones y debe mirar a los ojos a las criaturas que pueblan el lugar; como dice el curador Leonardo Ramírez: 'Entremos a sus ojos de vidrio, concentrémonos en el brillo inexplicable de sus transparencias, porque estos personajes están de paso, nos visitan desde otro universo, el universo alterno de Pablo Castillo'". Jorge Luis Flores.

Fuente consultada: FLORES, Jorge Luis. "Pablo Castillo: el escultor del Retrofuturo". México. Instituto de Cultura de León, sección Arte y Tendencias, 15 de agosto del 2013.

$34,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,760-$2,590

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21 ALBERTO RAMÍREZ JURADO (Ciudad de México, 1978 - )

Tierra vecina Firmado RAJU y fechado 16 al reverso Óleo sobre tela 150 x 200 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en la ENAP, fue seleccionado en la Bienal Nacional Diego Rivera de Dibujo y Estampa en el estado de Guanajuato y en el programa Talento Joven del Gobierno del Distrito Federal. Ha participado en exhibiciones colectivas de pintura y colaborado en proyectos curatoriales, así como docente en el Museo Universitario de Ciencias y Artes MUCA en la Ciudad de México. Es un artista plástico que presenta notable influencia de las texturas o materiales como arena y pigmentos utilizados por los maestros Rufino Tamayo y Francisco Toledo. RAJU considera que algunas de sus piezas son alegorías de color que evocan armonías musicales, en otras ocasiones memorias de paisajes de forma abstracta, donde predominan los colores primarios. Fuente consultada: ALDAMA, José Ignacio, Alberto Ramírez Jurado. El color de mi tierra. Pinturas. México, ALDAMA Fine Art, 2008, Pág. 4.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,180-$7,770

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22 ERIK PEÑA "JAPANE" (Ciudad de México, 1985 - )

De la serie Dualidad humana 45, 2018 Sin firma Tinta y plumón sobre papel 58 x 42 cm Con certificado de autenticidad de Art Cage firmado por el artista, marzo del 2018. Japane es un artista autodidacta que de manera simultánea ha realizado diversas series, entre ellas "Cosmogonía onírica" dedicada al sentido místico del ser, "Nuevos significados" donde usa hojas de revistas y periódicos para crear nuevas atmósferas y "Dualidad humana" en la cual representa cuerpos que se entrelazan y evocan formas antropomórficas. Con ayuda de publicaciones de moda, "Dualidad humana" presenta en su mayoría, composiciones limpias que ejercen una línea precisa y dominada que estructura formas dancísticas y convulsivas; son obras que sin duda pretenden presentar una evolución en la gráfica. A lo largo de su carrera Japane ha sido apoyado por Art Cage, en donde ha logrado exhibir algunas de sus series en muestras como "Arte a Domicilio" y "Artistas en Tránsito"; en la galería Oscar Román, formó parte este año de la muestra colectiva Paralelas Contemporáneas XI, compratiendo créditos con los artistas Lulú Sánchez Puig, Pamela Zubillaga, Ricardo Alemán y Daniel Bravo, entre otros. Fuentes consultadas: XI Paralelas Contemporáneas ONCE. México. Galería Oscar Román, 2018, Pág. 24 y sitio de Art Cage www.artcage.mx

$15,000.00-$20,000.00 M.N. USD $780-$1,040

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23 ERIK PEÑA "JAPANE" (Ciudad de México, 1985 - )

De la serie Geometrías urbanas, 2017 Sin firma Lápiz de grafito, plumón, tinta y collage sobre papel 59 x 42 cm Con certificado de autenticidad de Art Cage firmado por el artista, marzo del 2018. Luis Erik Peña Velázquez comenzó a usar el seudónimo "Japane" cuando se inició en la práctica del grafiti a los 17 años. A lo largo de su carrera, el dibujo ha sido su mayor medio de expresión, el cual ha manifestado a través de diferentes soportes tales como el papel, la madera e intervenciones a periódicos y revistas. Su estilo está enfocado principalmente a la abstracción, en el que extiende juegos de construcciones lineales para crear entornos de patrones geométricos controlados, como si fuesen una arquitectura. En la serie "Geometrías urbanas", Japane hace la línea de una manera sutil, casi imperceptible, que delimita el contorno del collage como si fuese un remate ornamental para la composición, invitando así al público a no dejar de mirar la obra. "Las Geometrías urbanas nos remontan a pensar desde diseños de tuberías hasta ciudades, siempre manteniendo una solidez gráfica en el uso de las texturas que dan diferentes profundidades, tonalidades rojas, azules o verdes que van modificando las sombras y juegos de luces que transforman el espacio bidimensional en el que se forjan". Emmanuel Razo, Art Cage. Fuente consultada: sitio de Art Cage www.artcage.mx

$15,000.00-$20,000.00 M.N. USD $780-$1,040 ESTO ES AHORA

24 ELENA ARAUZ (Ciudad de México, 1981 - )

Puerta mística, de la serie Samurai Firmado y fechado 18 Grabado p.a., intervenido con acrílico y hoja de oro, en ensamblaje con vidrio con lupas 82 x 100 cm Con certificado de autenticidad de la artista. Además de tomar algunos cursos en la Academia de San Carlos y tomar talleres con Luis Nishizawa, Jaime Leyva y Dianne Pearce, Elena Arauz se graduó de la Licenciatura en Artes Plásticas en La Esmeralda. Su trabajo ha sido reconocido por el Instituto Mexiquense de Cultura, por el colectivo Mujeres en la Música en el marco del XVI Encuentro Internacional Iberoamericano de Mujeres en el Arte y obtuvo el primer lugar en el concurso Arte Abierto del Museo Universitario Leopoldo Flores. Además, ha expuesto en prestigiosos espacios culturales, destacando el Museo Casa Diego Rivera en Guanajuato, el Museo Universitario de Toluca, el Consulado General de México en Texas y la galería El Atrio de la Universidad de Guanajuato, en la que presentó su exposición individual "Otros Mundos" dentro del programa del XXXVI Festival Internacional Cervantino. "Cada una de mis piezas es una sugerencia para que el espectador pueda transportarse, por medio de su imaginación y sensibilidad única, a un mundo interno en el que todo puede ocurrir". Elena Arauz. Fuentes consultadas: 36 Festival Internacional Cervantino. Artes visuales. México. CONACULTA, FIC, 2008, Pág. 147 y sitio oficial de la artista www.elenaarauz.com

$14,000.00-$24,000.00 M.N. USD $725-$1,245 48

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25 SEBASTIAN FUND (Buenos Aires, Argentina, 1985 - )

El nudo, de la serie Bestias Negras, 2016 Firmada Colografía, xilografía y chine-collé 1 / 2 180 x 110 cm Con sello de agua de taller Médula Negra. Con certificado de autenticidad del artista, febrero del 2018. Publicada en: RODRÍGUEZ, Manuel. Bestias Negras. México, 2017, Pág. 4. Exhibida en: "Bestias Negras" muestra presentada en la Biblioteca de la Galería Carlos Fuentes en Xalapa, Veracruz de junio a julio del 2017 y en "Obra gráfica, Bestias Negras" muestra presentada en el Centro Cultural Ataranzas en Veracruz, Veracruz de julio a septiembre del 2017. Sebastian Fund es un joven artista con una madura y sólida producción artística, la cual presenta una gran calidad creativa principalmente en su obra gráfica de la cual es especialista. Es Licenciado en Artes Visuales por la Facultad de Artes Visuales de la Universidad Veracruzana y co-fundador del taller de grabado Médula Negra. Ha sido acreedor en varias emisiones a la beca de Jóvenes Creadores del Instituto Veracruzano de la Cultura y ha obtenido Menciones Honoríficas en la Bienal Internacional de Artes Gráficas José Guadalupe Posada en Aguascalientes, en el XXII Festival de Teatro Universitario de Xalapa y en la Bienal de Artes Veracruz de la Galería de Arte Contemporáneo de Xalapa. En 2013 realizó una residencia de producción en la Universidad de las Artes de La Habana, Cuba, y en 2016 fue invitado especial en la Bienal Miradas de la Fundación CODET en Tijuana, Baja California. En el verano del 2017 presentó la exposición "Bestias Negras", en la cual hizo gala de su maestría con el dibujo y la técnica del grabado, mostrado obras de mediano y gran formato con temas relacionados a criaturas místicas. "El nudo" es un ejemplo, en esta obra Sebastian Fund muestra su gran creatividad para retomar figuras antiguas y fundirlas en una misma, pues influenciado por la literatura y la historia del arte, creó su propio archivo imaginario místico, en el cual desfila su versión de híbridos de Pegaso, Kukulkán, Quetzalcóatl, dragones, esfinges, grifos, sirenas, sátiros y quimeras. En esta pieza también hace lucir su habilidad de realizar grabados de gran tamaño, dando la impresión de que la bestia se impone ante la pequeñez del espectador. Fuente consultada: RODRÍGUEZ, Manuel. Bestias Negras. México. 2017, pp. 2-16.

$26,000.00-$36,000.00 M.N. USD $1,350-$1,865

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26 JOAO RODRÍGUEZ (Empalme, Sonora, 1974 - )

Principio de espiral III Firmados al reverso Acrílico sobre madera, políptico 40 x 40 cm cada uno, 80 x 80 cm medidas totales Piezas: 4 Con certificado de autenticidad del artista. Cuenta con una extensa producción plástica donde recurre al grabado, pintura, serigrafía, fotografía y dibujo en yuxtaposición con objetos de cerámica, madera e incluso piedra volcánica. Durante su extensa trayectoria ha sido acreedor a una Mención Honorífica en la X Bienal Internacional de Grabado Caixanova en España, fue seleccionado en dos ocasiones por el Premio La Joven Estampa, Casa de las Américas en La Habana, Cuba, Mención Honorífica en el IX Concurso Nacional de Grabado José Guadalupe Posada, ha recibido la Beca del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes en dos ocasiones y el Premio Estatal de Fotografía de Sonora. Su obra forma parte de importantes colecciones como Colección Banco del Bajío, Colección del Instituto Sonorense de Cultura, Colección Permanente del Museu de Arte Assis Chateaubriand, en Paraiba, Brasil, Colección de la Pinacoteca José Atanasio Monroy, Colección de Casa de las Américas en la Habana y Colección Chrysler de México. Rodríguez plantea la interpelación a partir de elementos visuales, de la idea del centro como punto de partida, el orden que condiciona la vida en su composición orgánica e incluso matemática. Fuentes consultadas: LÓPEZ GRANDA, Sergio. "Joao Rodríguez en el 'Centro'". México. Metrópoli, sección Cultura, 9 de marzo del 2018 y blog oficial del artista www.joao-arte-contemporaneo.blogspot.mx

$30,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,555-$2,075 50

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27 RICARDO PINTO (Guadalajara, Jalisco, 1973 - )

Alambrada, de la serie Nodos libres Firmada dos veces y fechada 13 y 2014 al reverso Encáustica sobre madera 50 x 100 cm Con certificado de autenticidad de Fundación México Vivo. Tiene estudios en arquitectura y artes plásticas, cualidades que amalgama y pueden percibirse en su obra de aspecto abstracto, composición compleja, donde además recurre a distintas técnicas como grabado o aguatinta. La serie Nodos Libres forma parte de la colección del Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca y de entidades como el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez, el Museo Alfredo Zalce de Morelia y el Museo de Arte Contemporáneo Yucatán. Su trabajo ha sido reconocido con el Premio de Adquisición en la Bienal Julio Castillo, la Beca de Jóvenes Creadores del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes, realizó la residencia artística en el Centro Banff en Canadá a través del FONCA, así como en el Xu Yuan Centre de Beijing. $20,000.00-$30,000.00 M.N. USD $1,040-$1,555

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28 RICARDO PINTO (Guadalajara, Jalisco, 1973 - )

Nodos libres II, 2013 Firmado Grabado al aguafuerte, aguatinta y colagrafía 5 / 12 48.4 x 48.4 cm área estampada 63.5 x 63.5 cm medidas totales del papel Realizado en el Taller de Producción Gráfica Zanate, Oaxaca. $8,000.00-$12,000.00 M.N. USD $415-$620

29 RICARDO PINTO (Guadalajara, Jalisco, 1973 - )

Nodos libres V, de la serie Nodos libres, 2013 Firmado Grabado al aguafuerte, aguatinta y colagrafía 3 / 12 48.4 x 48.4 cm área estampada 63.5 x 63.5 cm medidas totales del papel Realizado en el Taller de Producción Gráfica Zanate, Oaxaca. $8,000.00-$12,000.00 M.N. USD $415-$620

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30 RICARDO PINTO (Guadalajara, Jalisco, 1973 - )

Nodos libres IV, 2013 Firmado Grabado al aguafuerte, aguatinta y colagrafía 4 / 12 48.4 x 48.4 cm área estampada 63.5 x 63.5 cm medidas totales del papel Realizado en Taller de Producción Gráfica Zanate, Oaxaca. "Mi trabajo oscila entre planteamientos intuitivos y procesos estructurados. Estructuro superficies de ideas y consideraciones temáticas donde puedo desarrollar procesos creativos libres, en momentos laberínticos. Estoy interesado en la generación del espacio y su representación bidimensional, acercándome desde las tradiciones de la representación de la perspectiva, llevando los planos a distintas circunstancias". Ricardo Pinto $8,000.00-$12,000.00 M.N. USD $415-$620

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31 EMILIO RANGEL

(Toluca, Estado de México, 1984 - )

Tres monos desnudos Firmada Escultura en plata .925 P. A. 5 x 2.5 x 4.5 cm medidas de la escultura 10.5 x 10 x 10 cm medidas totales del estuche Montada a estuche de madera y vidrio. Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en La Esmeralda. Fue beneficiario del programa Jóvenes Creadores del FONCA. Emilio Rangel ha participado en muestras nacionales e internacionales en donde ha mostrado algunos elementos que conforman el amplio cuerpo de obra que ha producido. Algunas de las sedes en las que ha exhibido su trabajo son: el Antiguo Colegio de San Ildefonso, Co-lab en Copenhague, Queens Nails Anex en San Francisco, California, Centro Nacional de las Artes en la Ciudad de México, el Centro Cultural Tijuana, Zona MACO y Terreno Baldío Arte. Con una producción mayormente tridimensional, Emilio centra su trabajo técnico en el contacto directo con el material. El resultado final es un objeto de carácter cercano a la manualidad, pero con la herencia de una sólida escuela de arte contemporáneo que hace guiños a la modernidad pop. Su lenguaje evoca personajes icónicos de dibujos animados y animales con los que narra historias que satirizan el comportamiento humano. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.emiliorangel.mx

$6,000.00-$10,000.00 M.N. USD $310-$520 54

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32 DARÍO MELÉNDEZ (Ciudad de México, 1985 - )

Retrato de un habitante, 2016 Firmado al reverso Acrílico sobre tela 30 x 30 cm Con certificado de autenticidad del artista. Exhibido en: Bienal Internacional de Arte Jovem Vila Verde, muestra presentada en la Biblioteca Professor Machado Vilela, en Braga, Portugal, en 2016. "Comencé a pintar unas pequeñas ratas en las calles de París porque las ratas son el único animal salvaje que vive en las ciudades, y sólo las ratas sobrevivirán cuando la raza humana haya desaparecido por completo". Blek le Rat. $7,000.00-$12,000.00 M.N. USD $365-$620

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33 CÉSAR CÓRDOVA (Ciudad de México, 1983 - )

Sin título, de la serie Natural / Artificial Firmado al reverso Óleo sobre tela 120 x 160 cm Con certificado de autenticidad del artista. César Córdova estudió la Licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas. Ha sido acreedor a la beca del programa Jóvenes Creadores del FONCA en dos ocasiones y su obra ha sido seleccionada en importantes certámenes nacionales como la Bienal de Pintura Pedro Coronel, Bienal de Arte Sacro Contemporáneo, Bienal Nacional de Pintura Gómez Palacio y la Bienal de Pintura Rufino Tamayo. A lo largo de su carrera ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales en México, Estados Unidos, Italia, Colombia y Alemania. Esta obra es una variante de la pieza por la cual César Córdova obtuvo Mención Honorífica en la XVII Bienal de Pintura Rufino Tamayo en 2016, además otra obra perteneciente a la serie "Natural / Artificial" fue reconocida en el XXXII Premio Nacional de Arte Joven en 2013. "El límite entre lo natural y lo artificial no es claro. Una idea bastante difundida es la de que las construcciones de hormigón son en realidad parte de una actividad natural, aunque se realicen con materiales sintéticos. Las grandes ciudades no son más que símil de los hormigueros o los panales. Pero el pensamiento contemporáneo va más allá y entiende que todo lo que creemos que es natural (la naturaleza humana) es en realidad una construcción artificial. La creencia de que la violencia, la explotación, la desigualdad, han existido siempre y por lo tanto continuarán, se desmorona día a día. Estos son los planteamientos a partir de los que surgen estas pinturas, buscando hacer visible la integración de estos conceptos que parecían contradictorios". César Córdova. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.cesarcordova.com

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,070-$3,110

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34 BRUNO BRESANI

(Recife, Pernambuco, Brasil, 1973 - )

Loreto - La muerte de una comunidad a) Fotografía digital, inyección de tinta, pieza única 100 x 100 cm b) Pájaro encapsulado en acrílico 11.5 x 11.5 x 5.5 cm Piezas: 2 Con certificado de autenticidad del artista a) Publicada en: sitio oficial del artista www.brunobresani.com $30,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,555-$2,590

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Aunque nació en Brasil, desde temprana edad se mudó a México. Cursó la Maestría en Investigación y Producción Artística en la Universidad de Barcelona, estudió Artes Digitales en la Universidad Pompeu Fabra en España y la Licenciatura en Artes Visuales en la UNAM. Es un artista especializado en la fotografía, aunque también ha realizado piezas de video, es docente de fotografía y realiza labores de investigación. Su trayectoria es amplia: en dos ocasiones fue ganador del concurso Philips Art Expression para jóvenes talentos, del Premio Nacional de Arte Joven y de la Bienal Nacional de Arte Visual Universitario, también recibió una Mención Honorífica en el Festival Black and White en Portugal. Fue seleccionado en la Bienal de Fotoperiodismo Héctor García y en la Bienal de Artes Visuales de Yucatán. Participó en la exposición "Revisiones del cuerpo en la fotografía contemporánea mexicana" que se presentó en el Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo en Oaxaca y en la Galería Patricia Conde y participó en la Exposición Binacional México-Austria en 2010. Las dos piezas de Bruno Bresani que conforman este lote pertenecen a la serie "Loreto-La muerte de una comunidad". Este proyecto parte de la documentación de una fábrica de papel ubicada dentro del barrio Tizapán, al sur de la Ciudad de México. "Es el reflejo de la destrucción, son los sobrevivientes a la mirada de la muerte. Loreto es lo que sobrevive del barrio de Tizapán. Este espacio, esta comunidad está conformada por los habitantes que trabajaron en lo que fue su motor, lo que fue su corazón, que ahora se encuentra desterrado. "La fábrica de papel Loreto creó una comunidad a su alrededor. Creó equipos de béisbol, de fútbol. Construyó viviendas y hospitales. Ahora esta comunidad se ve como fantasmas que se pierden entre los comercios de alto lujo y las avenidas llenas de automóviles importados. De los 600 trabajadores de la fábrica, actualmente solo restan en sus inmediaciones 30. "Estas son las historias que se cuentan en las imágenes de muerte de un espacio comunitario, de una historia colectiva, de la caída sin miramientos. Estos son los pájaros que aún nos dejan ver su mortalidad despedazada, en las calles olvidadas de esta comunidad desgarrada". Bruno Bresani. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.brunobresani.com

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35 EMILIANO GIRONELLA PARRA (Ciudad de México, 1972 - )

Ángel cósmico Firmado y fechado 2013 Dusting: mixta, pigmentos comprimidos y aplicaciones de plumas sobre papel 115 x 105 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte firmada por el artista. Con etiqueta del El Aire Centro de Arte. Hijo de los artistas Alberto Gironella y Carmen Parra, Emiliano se graduó de la Interlochen Arts Academy en Michigan. Cuenta con una larga trayectoria en producción artística, exposiciones individuales y colectivas, así como de publicaciones de proyectos propios y colaboraciones con numerosos artistas. Al contemplar la obra el espectador puede identificar la preocupación de Emiliano Gironella en problemáticas vinculadas con la violencia y la muerte, una constante también en la historia del arte. Es sello del artista la técnica dusting, donde a partir del esparcimiento de pigmentos, uso de plumas y colores vigorosos con fondo oscuro otorga a la obra una dosis de intensidad por medio de la experimentación de técnicas, para simbolizar la tragedia, en otras ocasiones recurre al metacrilato para dar visibilidad o representar alegorías de la violencia. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.emilianogironellaparra.com

$50,000.00-$80,000.00 M.N. USD $2,590-$4,145 60

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36 SABINO GUISU (Juchitán, Oaxaca, 1986 - )

Sin título Firmado Acrílico y humo sobre tela 180 x 240 cm Con sello de Galería Jesús Villafán en el bastidor. La imagen de una llanta quemada sobre una pared o un autobús en llamas, escenas comunes en el movimiento social en Oaxaca de 2006, aunadas a que pertenece a una familia de alfareros, fueron elementos determinantes en el empleo de fuego y el humo en la obra de Sabino Guisu. Cuando era niño su padre, que era pintor, le regaló un libro sobre las guerras en la historia, y el pequeño Sabino a veces moldeaba ejércitos con barro, figuras que luego eran mandadas a la hoguera, a manera de juego. "La biblioteca del IAGO fue en realidad mi escuela, porque era una manera de estudiar más libre. Cambió mi vida. Empecé a ver desde el arte primitivo hasta Ai Weiwei. Era como un puente que me transportaba. Siempre me ha gustado transportar lo antiguo y lo místico con lo moderno y lo frívolo". Sabino Guisu. Fuente consultada: MACMASTERS, Merry. "Sabino Guisu concibe arte de las cenizas". Diario La Jornada, sección Cultura, 3 de agosto del 2015.

$20,000.00-$30,000.00 M.N. USD $1,040-$1,555

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37 CARLOS AMORALES (Ciudad de México, 1970 - )

Mariposas negras, 2008 Firmadas Litografías P.T., 3/50, 23/50, 27/50 y H.C. 3/5 114 x 88.5 cm cada una Piezas: 5 $150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $7,770-$2,160 62

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La serie "Mariposas negras" fue impresa por Ediciones Polígrafa en Barcelona. La edición consta de 50 ejemplares numerados, cinco pruebas de artista A.P., cinco Hors Commerce H.C. y dos pruebas de taller P.T. Es un artista multidisciplinario que vive en la Ciudad de México. A través de cine, video, animación, dibujo, performance y obras musicales, ha conformado la narrativa en su producción. Una constante general en la obra de Amorales es el uso del signo e imagen, que son el estudio de valores de la cultura mexicana. Colabora con diseñadores, escritores, psicoanalistas e incluso recurre al análisis a partir de formas tipográficas. Cuenta con una amplia trayectoria a nivel internacional: al año de esta publicación se presenta en el Museo de Arte Contemporáneo MUAC, la retrospectiva de Amorales que tiene por título “Axiomas para la acción”. Actualmente forma parte de los artistas representados por la galería Kurimanzutto. De manera individual ha exhibido en el Museo Tamayo, en el Museo de Arte Moderno de Medellín MAMM, en el Irish Museum of Modern Art en Dublín y en el Museo de Arte Latinoamericano en Buenos Aires, Argentina. Ha participado en varias bienales, destaca su participación para el pabellón de México en la 57ª Bienal de Venecia el cuál fue considerado por la crítica como uno de los mejores, su obra se incluyó en la II Moscow Internacional Biennale of Contemporary Art, en la X Shangai Biennale en China, en la X y XII Bienal de la Habana y en la V SeMA Biennale Mediacity Seoul en Corea. En cuanto a exposiciones colectivas destacan sus colaboraciones en el Museo de Arte Moderno, así como en el Guggenheim en Nueva York, en MARCO Museo de Arte Contemporáneo de Vigo en España, en Tate Liverpool Reino Unido, en el Museum of Contemporary Art San Diego y en el Museum of Latin American Art en Estados Unidos, en el Centro Georges Pompidou en París, en Cabaret Voltaire en Suiza, en Mori Art Museum en Tokio y en Beues Museum Weimar en Alemania, entre otros. Su obra puede ser consultada en las publicaciones: “Axiomas para la acción” (2018), “Working tools" (2017), “La vida en los pliegues” (2017) y “Anti tropicalia” (2015). "Black Cloud" es una instalación que Carlos Amorales desarrolló en 2007, consiste en 30 mil mariposas negras de papel pegadas a las paredes y el techo formando una especie de nube negra, ha tenido diferentes interpretaciones, según el espacio y la historia donde se ha exhibido alrededor del mundo. El artista ideó esta obra mientras visitaba a su abuela. La ha descrito como su forma de despedirse de ella, un origen intensamente personal para una obra de arte que inspira una sensación de asombro universal en cada uno de nosotros. La pieza se ha presentado en ciudades como la Ciudad de México, Roma, París, Nueva York, Puebla, Arizona, Miami, Murcia, Toronto y Jerusalén, volviéndose una de las obras más icónicas de Amorales. Actualmente se puede apreciar como parte de su exposición “Axiomas para la acción” en el MUAC. Fuentes consultadas: semblanza del artista en el sitio de Kurimanzutto www.kurimanzutto.com, “Carlos Amorales. Axiomas para la acción”. México. MUAC, UNAM, 2018, www.muac.unam.mx y "Carlos Amorales exhibe su 'Black Cloud' en Canadá". México. Excélsior, 27 de septiembre del 2015.

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38 DAMIEN HIRST (Brístol, Reino Unido, 1965 - )

Psalm: Quare fremuerunt gentes?, 2009 Firmada a lápiz Serigrafía con polvo de diamante 15 / 50 61 x 61 cm área estampada, 74 x 71.5 cm medidas totales del papel Con sellos de agua de Other Criteria y Damien Hirst. Publicada por Other Criteria. Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, febrero del 2018. Damien Hirst es el artista, coleccionista y empresario inglés más prominente de los últimos años, considerado el miembro más destacado del grupo The Young British Artists (YBAs) y conocido en el medio como el "chico malo" del arte británico. Sus obras han causado polémica en galerías y museos de renombre, y han sido controversia en las subastas más importantes de arte contemporáneo a nivel internacional. Su obra se caracteriza por reflejar la dualidad de la experiencia humana sumergida entre la vida y la muerte, la belleza y la decadencia, el deseo y el miedo, el amor y la pérdida. Un ejemplo de ello, son sus obras con mariposas, las cuales comenzó a utilizar desde 1989 y las describe como un "disparo universal". En 2001 pintó la primera obra con patrones de alas de mariposa inspirada en una bandeja de té victoriana, creando así una de sus series más famosa titulada "Caleidoscopio", y de la cual creó posteriormente la subserie "Psalms", un conjunto de 150 obras hechas con alas de mariposa sobre lienzos pintados; más tarde fueron realizadas de manera gráfica y luego editadas por Other Criteria Books para ser publicadas en un libro de artista. La serie "Psalms" fue creada en 2008 y cada obra fue titulada como un salmo del Antiguo Testamento. Las piezas se presentan en diversas formas y tamaños, también pueden ser interpretadas como naturaleza muerta, exploraciones de belleza, religión y/o muerte, todas ellas consideradas maravillosas y totalmente hipnóticas, siguen la geometría "caleidoscópica". La serie completa nunca ha sido expuesta, sin embargo, para la primera exposición individual del artista en Suecia se presentó la colección más grande. "Todo el mundo está asustado del vidrio, todo el mundo está asustado de los tiburones, todo el mundo ama a las mariposas". Damien Hirst. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.damienhirst.com

$130,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,740-$10,365 ESTO ES AHORA

39 DANI VEGA

(Belén, Catamarca, Argentina, 1967 - )

Mandala 5 Sin firma Virutas de lápices de color sobre cartón 70 cm de diámetro 83 x 82 cm medidas totales con marco Con certificado de autenticidad de la artista, 2009, enmarcado al reverso de la obra. Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio. Publicada en: sitio del artista www.danivega.com.ar Daniel Vega es un artista plástico argentino Licenciado en Ciencias Antropológicas en la Facultad de Filosofía y Letras por la Universidad de Buenos Aires. En 2004 fue acreedor al segundo premio de pintura en el Certamen Sherwin Williams y participó en la exposición "TICS" en Montevideo, Uruguay. A partir del 2003, ha realizado más de 20 exposiciones colectivas e individuales en galerías argentinas, destacando las muestras "MUY", "Abanico" y "El Cielo" en Galería Juan de Arco. Dani Vega además de pintar y dibujar, también destaca en la realización de instalaciones y obras elaboradas con materiales provenientes de la naturaleza. $40,000.00-$50,000.00 M.N. USD $2,075-$2,590 66

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40 ALEJANDRA LÓPEZ YASKY (Hermosillo, Sonora, 1973 - )

Del tiempo antes del presente #3 Firmado y fechado 2017 al reverso Óleo y pigmentos sobre tela 150 cm de diámetro Exhibido en: "El tiempo antes del presente", muestra individual presentada en Traeger & Pinto Arte Contemporáneo, marzo del 2017. Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en La Esmeralda y Cinematografía en el Centro de Capacitación Cinematográfica en la Ciudad de México, además de ser Licenciada en Imagen y Sonido por la Universidad de Buenos Aires, Argentina. Para complementar su formación artística tomó diversos talleres de dibujo y pintura en Alemania, Argentina y México. En 2011 por medio de una beca realizó una residencia en Harlösa, Suecia, en 2012 montó la exposición individual "Sensus" en el Museo de Historia Natural y en 2013 participó en la muestra colectiva "Paisaje" curada por Hilario Galguera en el Museo de la Cancillería. Recientemente, exhibió en la Galería Traeger & Pinto la muestra "El tiempo antes del presente". Además de pintar, Alejandra López Yasky es una destacada ilustradora de publicaciones y libros argentinos, para los cuales ha realizado textos, sobresaliendo su escrito en el catálogo de la exposición "El alfabeto perdido" del artista Andrés Waissman, realizada en el Museo Judío de Buenos Aires en 2007. $80,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,145-$5,180

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41 SANTIAGO GÓMEZ (Bogotá, Colombia, 1992 - )

Recomponer la historia, 2017 Firmado al reverso del enmarcado Collage digital y modelado 3D 100 x 70 cm Con certificado de autenticidad del artista. Es Maestro en Artes Plásticas y estudió Filosofía y Letras, es un artista emergente que abarca múltiples prácticas culturales: investigación, crítica de cine en numerosas publicaciones especializadas y académicas. En su trabajo incorpora varias disciplinas: multimedia, audiovisual, fotografía y arte digital para indagar en temáticas históricas, de narrativa y ficción. Ha participado en numerosas exhibiciones colectivas en su natal Colombia y en nuestro país. En "Art Barter México" presentada en el Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo y en la Bienal Internacional de Arte en Chacahua BIACh, ambas en Oaxaca; así como en el Festival Internacional de la Imagen en Pachuca, y varias ediciones del Salón Universitario ASAB en Colombia, entre muchas otras. "Recomponer la historia" es un proyecto que toma como punto de partida las relaciones materiales que se establecen con las tecnologías de interfaz. Mediante la búsqueda y colección de imágenes de cerámicas rotas encontradas en la web, el artista compone una imagen que alude a su modificación tridimensional, utilizando las herramientas de diferentes software de edición, esto con la finalidad de obtener una única imagen que aluda a la re-unificación de los eventos de ruptura que cargan la idea del fragmento". $8,000.00-$12,000.00 M.N. USD $415-$620 68

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42 YUPICA

(Tokio, Japón, 1982 - )

De la serie Tint of time, 2017 Sin firma Fotografías a color, impresión digital. Edición de 3 ejemplares 27.9 x 27.9 cm cada una, 30 x 30 cm cada una considerando el marco Piezas: 4 Con certificado de autenticidad de Art Cage, marzo del 2018. Es un artista visual nacido en Tokio, su trayectoria se encuentra conformada principalmente por cortometrajes realizados por él y que lo han consolidado en la esfera del arte contemporáneo. Además ha explorado otras plataformas y medios como el video, collage, instalación, escultura, performance y pintura de los que ha realizado exposiciones a nivel internacional: en galería Parada 54 y la galería LAC en la Ciudad de México y Japón en Hakodate Art Hall, Galería Kohno, Boulangerie du Prado en Lyon, Francia y en la Galería Nacional en Yakarta, Indonesia, entre otras. Ha sido acreedor a numerosos reconocimientos en su trayectoria, de ellos destaca el Premio del Festival Internacional de Puebla, México y Guatemala en 2013, en Toronto Internacional Film and Video Awards en 2012 y el Royal Reel Award para la excelencia en el cine en 2010 ambos en Canadá, el Village Film Festival en Jatiwangi, Indonesia. En cuanto a proyecciones se ha presentado en Cineteca Nacional en México, RESOBOX Gallery Nueva York, ArtiUK en London University, Galería Nacional en Yakarta, Indonesia y en DISTURB en París. Ambos dípticos de Yupica pertenecen a las series “Tint of Time” y “Portait Session”, forman parte de proyectos relacionados a su objeto de producción que es el arroz, Yupica encuentra este elemento parte trascendental y permanente de su cotidianeidad, en este sentido funciona como detonante de la memoria, identidad y experiencia del artista. A partir de estas series ha realizado varias piezas de instalación en el Centro Cultural Olimpo en Yucatán como parte del Festival Internacional de las Luces y en el Centro Banamex en la Ciudad de México en 2017. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.yupica.com

$12,000.00-$20,000.00 M.N. USD $620-$1,040 ESTO ES AHORA

43 YUPICA

(Tokio, Japón, 1982 - )

Portrait Session 20170702, 2017 Sin firma Fotografías a color, impresión digital. Edición de 3 ejemplares 28 x 21 cm cada una 30 x 23.5 cm medidas totales con marco Piezas: 6 Con certificado de autenticidad de Art Cage, marzo del 2018. “Cuando era niño, mi abuelita me llevaba cada fin de semana al centro de Tokio, los colores vívidos y luces animadas me envolvían, pero cerca de mi casa, aún, había arrozales, donde jugaba con el lodo, hasta que me regañaran. Crecí con arroz, lo he comido toda mi vida, es componente elemental de mi organismo. “Creo en la potencialidad del arroz, es impredecible, desde sake, onigiri (bola de arroz para el almuerzo), yakimeshi (arroz frito), senbei (galleta de arroz), arroz con leche, kinako-mochi (pastel de arroz dulce) hasta la permanencia del kome-nori (pegamento tradicional). “Mi trabajo se gesta a partir de la contemplación de mi entorno, efecto de la relación entre diversos incidentes que se entretejen, expanden, fragmentan, interceptan y disuelven, en un flujo cronológico determinado”. Yupica. $12,000.00-$20,000.00 M.N. USD $620-$1,040

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44 GENEVA SILLS (Chicago, E.E. U.U., 1987 - )

Sin título Sin firma Impresión digital sobre papel algodón 127 x 101.6 cm Geneva Sills es una artista plástica estadounidense que vive y trabaja en Londres y cuya obra se caracteriza por intentar unir la brecha entre la fotografía y la pintura a través de gestos auto-ficticios y la deconstrucción de películas y medios impresos. Estudió la Maestría en Artes Visuales en la Glasgow School of Art en 2012, años durante los cuales vivió entre Glasgow y Chicago, exhibiendo en ambas ciudades. Su primera exposición individual fue realizada en The Centre for Contemporary Arts en Glasgow; posteriormente exhibió en el Künstlerhaus Bethanien en Berlín, en The Pipe Factory y Centre for Contemporary Art en Glasgow, en The Chalton Gallery y recientemente en la Royal Scottish Academy en Londres. Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.genevasills.net

$34,000.00-$44,000.00 M.N. USD $1,760-$2,280 ESTO ES AHORA

45 MOISÉS JÁCOME (Ciudad de México, 1983 - )

Paisaje en 8 bits Firmado y fechado al reverso 2017 Óleo sobre tela 121 x 150.5 cm Con certificado de autenticidad del artista, febrero del 2018. Estudió la Licenciatura y la Maestría en Artes Visuales en la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM, institución por medio de la cual realizó estudios de investigación en la Universidad Complutense de Madrid. Ha sido acreedor a la beca Jóvenes Creadores del FONCA y a diversos premios y reconocimientos nacionales, destacando la Mención Honorifica en la III Bienal de Pintura Pedro Coronel. A lo largo de su carrera ha participado en ferias de arte y ha realizado exposiciones colectivas en galerías y centros culturales de México. "La relación que tenemos con nuestro entorno conlleva una estructura que define nuestra percepción, se vuelve una interpretación afectada directamente por la experiencia, es en esta elaboración intelectual, donde la memoria surge como un planteamiento para mostrar una dispersión temporal en mis paisajes, llevando estos conceptos a la pintura, reflexionando sobre entornos que evoquen el pasado e instantes del presente". Moisés Jácome. $30,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,555-$2,590 72

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46 ALEJANDRO PINTADO (Ciudad de México, 1973 - )

Volcán (Atmospheric perspective) Firmado y fechado 2015 D.C. al reverso Corte láser en espejo sobre grabado antiguo con marco de madera, pieza única 34 x 44 cm medidas totales Con certificado de autenticidad de Fundación México Vivo. Alejandro Pintado es un artista que se dedica a crear obras contemporáneas mediante la intervención de paisajes con el fin de crear diálogos entre siglos. Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en La Esmeralda y la Maestría en Arte en el Goldsmiths, University of London. Durante su formación estudió la historia de la pintura mexicana, convirtiéndose en admirador del paisajista José María Velasco (1840-1912), de quien se ha inspirado para utilizar el género del paisaje del siglo XIX como la base de sus intervenciones, utilizando principalmente pintura acrílica o elementos de la vida cotidiana como cables, neones, tubos, listones y espejos. En otras ocasiones, también ha retomado paisajes del alemán Mauricio Rugendas (1802-1858) que ha intervenido con elementos fosforescentes. Para Alejandro Pinto, el fin de relacionar obras antiguas con estructuras contemporáneas es vincular pasado y presente en un solo espacio; es decir, integrar el estilo y la estética de dos épocas y en ocasiones dos naciones diferentes. A veces no queda claro cuál de los dos protagonistas cumple con la función de intruso, sin embargo sabemos que es el tiempo el elemento principal del concepto de su obra, la cual invita al espectador a reflexionar sobre la presencia de la naturaleza, lo orgánico y lo humano en la historia del arte antigua, moderna y contemporánea. A lo largo de su carrera, ha sido merecedor a diversos premios y reconocimientos, como el premio Centenario en Zona MACO, el premio especial de Arte Laguna en Venecia, Italia y el primer premio de la Bienal Miradas de Tijuana. También ha sido acreedor a becas otorgadas por el programa Jóvenes Creadores del FONCA, la Fundación Bancomer BBVA y por The Pollock-Krasner Foundation de Nueva York, Desde 1995 ha realizado más de 50 exposiciones individuales y colectivas en galerías, museos e instituciones culturales de México, Estados Unidos, Alemania, Francia, Italia, Dinamarca, España y Reino Unido. Su obra ha sido publicada en revistas y periódicos tales como Aesthetica, Modern Luxury DC y ArtNexus. Actualmente su obra se encuentra en colecciones como la de Fundación Cuervo, Grupo FEMSA en México, en Phillips Collection y Elgin Community Center en Estados Unidos. Fuentes consultadas: "Alejandro Pintado". México. Lifestyle Magazine + Loma Linda. Vol. 55, 16 de noviembre del 2016 y sitio oficial del artista www.alejandropintado.com

$34,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,760-$2,590

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47 HUGO LUGO

(Los Mochis, Sinaloa, 1974 - )

Paisaje robado (Primera evidencia) Ambos firmados y uno fechado 2010 Óleo y acrílico sobre tela, uno montado en bastidor y otro enmarcado en caja veneciana 76 x 96 cm cada uno Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, noviembre del 2011. $100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,180-$7,770 74

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Hugo Lugo es un destacado artista contemporáneo en cuya obra se aprecia su constante interés por representar los aspectos más formales de la historia del arte pero con un lenguaje artístico propio. En casi todos sus trabajos, incorpora objetos que tienen cierto significado para la humanidad, extrayendo de ellos únicamente la esencia con mayor potencial, haciendo visible la sencillez y naturalidad de las particularidades de ese objeto. Entre su repertorio pictórico, además de las reconocidas hojas de cuaderno a rayas con bocetos y las representaciones de su ser en fondos neutros y escenarios cotidianos, también ha realizado una serie de obras en las que estéticamente reproduce la interrogante de la historia del arte sobre la unicidad aurática de la pintura frente a otros medios; tal es el caso de "Paisaje robado". En este tipo de obras, Hugo Lugo se influencia en reconocidas pinturas de la escuela paisajista europea del siglo XVII y retira escenas para sugerir únicamente cierta presencia de la misma. Pictóricamente desmonta la pintura dejando el bastidor a la vista y a su vez deja la escena por aparte para completar el díptico. Estas obras son un ejercicio de representación que incitan al público a crear una narrativa, pues al moldear la bidimensional de la obra, la despoja de su área aureática formando un engaño visual que hace recordar el valor del verdadero legado del arte pictórico. "Hugo Lugo te engaña desde el lienzo. El hecho de la pintura se vuelve una excusa para el cuento. No es cómo está pintado, sino -y en gran medida- por lo que está pintado". Ricardo Pohlenz. Fuentes consultadas: POHLENZ, Ricardo. "Un Magritte gandalla". México, sitio oficial del artista www.hugolugo.com

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48 JOAQUÍN FLORES (Ciudad de México, 1989 - )

El cerro roto Firmado y fechado 2014 en el canto Óleo sobre tela 190 x 145 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: sitio oficial del artista www.joaquinflorespintor.blogspot.mx Esta pieza pertenece a la serie "En el borde", constituida por paisajes urbanos, donde la periferia, el abandono, la desolación y el despojo son parte de la iconografía establecida por el artista, quien presenta un gran interés por temas relacionados con los desechos de la mancha urbana en contraste con la naturaleza. El artista interpreta las ruinas y los restos, como testigos de la historia contemporánea. Otros elementos presentes en su obra son la representación de grafiti, perros callejeros o insectos, que en conjunto forman el imaginario de los sujetos que aparecen en sus paisajes. Joaquín Flores es egresado de la Licenciatura en Artes Plásticas por La Esmeralda. Fue acreedor al Premio Nacional de Pintura Julio Castillo en 2014, a la beca del programa Jóvenes Creadores del FONCA en ese mismo año y el tercer lugar en la V Bienal de Pintura Pedro Coronel en 2016. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.joaquinflorespintor.blogspot.mx

$100,000.00-$120,000.00 M.N. USD $5,185-$6,220 76

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49 ARTURO BUITRÓN (Ciudad de México, 1961 - )

Verano 18:30, de la serie Círculo abierto Firmado y fechado 2016 al reverso Óleo y encáustica sobre tela 160 x 130 cm Con certificado de autenticidad del artista, 2016. Arturo Buitrón es un sobresaliente pintor, grabador y ceramista que cuenta con una destacada carrera artística y una sólida participación docente en México y el extranjero. Es egresado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas y miembro actual del Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA. En 2000 fue becario del Programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales del FONCA y de la Fundación Cultural Bancomer, dos años más tarde obtuvo una beca por parte de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México por el programa "Arte por todas partes". En 2014 fue invitado al proyecto "La poesía vista por el arte" del programa de adquisición y promoción del Grupo Milenio, el cual cuenta con la curaduría de la crítica de arte Avelina Lésper. A lo largo de su carrera, ha realizado más de 100 exposiciones colectivas e individuales en museos e instituciones culturales de renombre, entre ellos el Museo de Arte Moderno, el Museo Universitario del Chopo, el Museo de Arte Carrillo Gil y la Fundación Sebastian A.C. en la Ciudad de México, el Museo de Arte Contemporáneo Alfredo Zalce en Morelia, el Centro de Arte Contemporáneo El Piramidón en Barcelona, España, el Consulado General de México en Guangzhou, China y en el Museo de Arte Contemporáneo de Valdivia, Chile, así como en las célebres galerías Casa Frissac y Oscar Román. Actualmente, su obra forma parte de colecciones públicas y privadas de Morelia, Zacatecas, Ciudad de México, así como en Lisboa y Barcelona. "La obra de Buitrón se amplifica o se reduce al grado de perder la noción clara de sus formas, reinventando el entorno que lo rodea […] Nos entrega pinturas vivas, que se sienten, que hay que disfrutar; pintar para él no es sólo un ejercicio testimonial, es un trabajo creador, de lo que no somos capaces de ver en la vida inmediata". Avelina Lésper. Fuente consultada: "Aborda Arturo Buitrón multiplicidad en la muestra 'Paisaje Rizoma'". México. 20minutos, sección Arte, 4 de julio del 2013.

$100,000.00-$140,000.00 M.N. USD $5,180-$7,255

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50 IRENE CRUZ (Madrid, España, 1987 - )

Moonlight 4, 2016 Sin firma Fotografía, impresión digital fine art en papel Hahnemühle 10 + PA 20 x 30 cm Con certificado de autenticidad de Art Cage, marzo del 2018. Es una talentosa joven fotógrafa y video-artista española. Licenciada en Publicidad y Relaciones Publicas y en Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid y Maestra en Fotografía por el Efeti Centro Internacional de Fotografía y Cine de Madrid. Ha sido acreedora a importantes premios y reconocimientos, tales como el accésit de Fototalentos de la Fundación Banco Santander en 2010, el premio de Fotografía Fundación AENA y el premio a mejor pieza de Videoarte en 2014 por la plataforma internacional Elmur.net. En su currículo cuenta con más de 300 exposiciones de fotografía e instalaciones en galerías, institutos y centros culturales de París, Madrid, Salamanca, Berlín, Nueva York y la Ciudad de México. También ha participado en importantes festivales y ferias de arte como ARCO, Art Madrid, Art Basel y en 2017 fue la artista invitada e imagen de la feria La Quatrieme Image de París. Al mismo tiempo que ejerce su arte, practica la docencia dando seminarios en la Universidad Complutense de Madrid, en la Universidad de Darmstadt y en la Freie Universität de Berlín. Actualmente vive y trabaja en Berlín. Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.irenecruz.com

$12,000.00-$20,000.00 M.N. USD $620-1,040 78

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51 IRENE CRUZ (Madrid, España, 1987 - )

Moonlight 10, 2016 Sin firma Fotografía, impresión digital fine art en papel Hahnemühle 10 + PA 20 x 30 cm Con certificado de autenticidad de Art Cage, marzo del 2018. "Mi obra habla del misterio, la privacidad, la integración en el paisaje... Me interesa trabajar lejos de la personalización, cerca de representar emociones y sentimientos universales. La característica más distintiva es la luz, la luz del anochecer, fría... esa es, 'mi azul'. Siempre he sentido una gran atracción por la iluminación tenue e íntima, sutil, serena, que envuelve el escenario. Rara vez muestro los rostros de las personas que fotografío. No hay límites. Hay caminos, puentes... La naturaleza lo es todo". Irene Cruz. Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.irenecruz.com

$12,000.00-$20,000.00 M.N. USD $620-$1,040 ESTO ES AHORA

52 CÉSAR SALDÍVAR (Monterrey, Nuevo León, 1965 - )

El niño del eclipse Sin firma Fotografía, impresión digital en papel Hahnemühle, primera edición 69 x 46 cm Esta obra pertenece a una serie realizada para una colaboración en pro de la juventud de Etiopía. César Saldívar es un fotógrafo mexicano, naturalizado español, que ha utilizado la técnica de la fotografía análoga tomada con luz natural para capturar sus característicos retratos. Como resultado de su elección de temas y personajes de la industria del cine, ha sido conocido como el "Fotógrafo del cine español", por ejemplo, destaca su exposición "Mitos y divas de Almodóvar". Del mismo modo, en su trabajo, no sólo busca retratar el glamour del cine sino también tener un impacto en los problemas sociales actuales, que podemos notar en la exposición "Perder el Norte", dedicada a los feminicidios ocurridos en Ciudad Juárez, México. Su trabajo ha sido difundido ampliamente en la prensa nacional e internacional y recientemente la UNAM produjo un documental sobre su carrera. $30,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,550-$2,070 80

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53 CECILIA HURTADO (Ciudad de México, 1973 - )

La sombra del fantasma, de la serie El tiempo del deseo Firmado y fechado 2015 al reverso Registro fotográfico de transfer sobre madera, impresión digital en papel de algodón 33.5 x 50 cm Con certificado de autenticidad de la artista. Publicado en: DOMÍNGUEZ, Irving. La sombra del fantasma. Cecilia Hurtado. México. Secretaría de Cultura del Estado de Jalisco, 2016. A partir del desarrollo tecnológico de los dispositivos fotográficos, ha emergido una nostalgia en los círculos artísticos por la recuperación, práctica, enseñanza y conservación de métodos antiguos o alternativos para la creación de imágenes con sus correspondientes discursos visuales; tal es el caso de Cecilia Hurtado, una fotógrafa alquimista, cuyas series están constituidas desde la condición del archivo, es decir interviene fotografías provenientes de distintos repositorios, para lograr el tránsito entre la invisibilidad y visibilidad de las imágenes, propiciar reflexiones sobre la imagen y memoria que dependerán de los métodos con los que experimenta: albúminas, ambrotipos e impresiones digitales. Estudió en Grisart Escola Internacional de Fotografia en Barcelona, en el Instituto Cultural Cabañas en Guadalajara y en varios talleres especializados del Centro de la Imagen en la Ciudad de México. Ha sido acreedora a reconocimientos, formó parte del Sistema Nacional de Creadores en dos ediciones y del Programa de Fomento y Coinversiones del FONCA. Destacan en su trayectoria las exhibiciones individuales en la Universidad del Claustro de Sor Juana, en el Instituto Cultural Cabañas y en Galería Casa en Blanco en Santiago de Chile. En exposiciones colectivas participó en Metropolitan University of London, en Studio Maragoni en Florencia, en The Camera Club en Nueva York y en ferias de libro de artista. "Concebida como instalación, la obra es activada con el uso de un aspersor de agua que el público puede arrojar sobre la superficie blanca. La humedad revela una imagen detrás de esa pantalla y el público puede desgarrar el papel para descubrir la imagen transferida". Irving Domínguez. Fuente consultada: DOMÍNGUEZ, Irving. La sombra del fantasma. Cecilia Hurtado. México. Secretaría de Cultura del Estado de Jalisco, 2016, pp. 1-7.

$16,000.00-$26,000.00 M.N. USD $830-$1,350 ESTO ES AHORA

54 ANDRÉS MAÑÓN (Ciudad de México, 1994 - )

Juan Diego, 2017 Firmada al reverso Fotografía, impresión digital en papel perla 1 / 15 60 x 48 cm Con certificado de autenticidad del artista. Publicada en: "Mi tribu: los amigos del fotógrafo Andrés Mañón atraviesan el alma de la Ciudad de México". México. i-D, Vice, 7 de noviembre del 2017, https://i-d.vice.com/es_mx Exhibida en: "Borders", muestra colectiva presentada en Squash 73, enero del 2018. Es un fotógrafo independiente que vive en la Ciudad de México. Estudió en la Escuela Activa de Fotografía y actualmente se desarrolla en el ámbito editorial y de moda. Su trabajo engloba una propuesta contemporánea sobre identidades, especialmente en la escena queer, mediante la caracterización de sujetos de su entorno cercano, de este modo busca eliminar estereotipos sociales, de género o nacionalidad. Algunas de sus fotografías se encuentran publicadas en revistas de moda o cultura alternativa. Fuentes consultadas: sitio oficial del artista www.magno-son.wixsite.com y PICS Centro de la Imagen México http://centrodelaimagen.cultura.gob.mx/PICS

$6,000.00-$10,000.00 M.N. USD $310-$520 82

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55 ANDRÉS MAÑÓN (Ciudad de México, 1994 - )

Marva, 2017 Firmada al reverso Fotografía, impresión digital en papel perla 1 / 15 60 x 45 cm Con certificado de autenticidad del artista. Exhibida en: "Borders", muestra colectiva presentada en Squash 73, enero del 2018. Andrés prefiere tomarse su tiempo ideando los intrincados escenarios donde sus sujetos posarán para su lente. En su obra muestra a sus amigos en todo su colorido esplendor: ilustradores, diseñadores, modelos, fotógrafos conforman su mundo. "Si estoy con mis amigos puedo sentirme bien en cualquier lugar, ellos me proporcionan esa seguridad". Andrés Mañón. Fuente consultada: "Mi tribu: los amigos del fotógrafo Andrés Mañón atraviesan el alma de la Ciudad de México". México. i-D Mexico, Vice, 7 de noviembre del 2017.

$6,000.00-$10,000.00 M.N. USD $310-$520

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56 RICARDO HOSEGUERA (Ciudad de México, 1979 - )

Cactus, de la serie Trapped, 2018 Sin firma Fotografía, impresión digital. Edición de 7 ejemplares 150 x 100 cm Es un arquitecto, fotógrafo y pintor reconocido por su trabajo con los directores Tony Scott, Richard Shepard, Luc Besson, Mel Gibson y John Malkovich. Entre sus mayores influencias se encuentra Herb Ritts, Annie Leibovitz, La Chapelle y Emmanuel Lubezki. En los últimos años además de ejercer la fotografía, ha realizado obra pictórica y guiones cinematográficos de los cuales derivaron diversos proyectos, entre ellos la creación de Richo Film, filmando así los cortometrajes "Un lugar tranquilo" y "En ti", para después trabajar en el largometraje "On my Knees". La serie “Trapped” parte de una fusión de gente común y corriente “americana” con una cultura establecida, representada por la máscara del luchador mexicano. Es una fusión de culturas. Una serie que hasta ahora cuenta con cuatro piezas y que contará con siete piezas en total. $200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $5,180-$10,360

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57 MAURO TERÁN (Ciudad de México, 1964 - )

Viendo la oscuridad Firmado y fechado 2015 Óleo y mixta sobre tela sobre madera 50 x 40.3 cm Con sello del artista al reverso. Publicado en: TERÁN, Mauro. Arte Alterado. México. Ediciones Mauro, 2017, catalogado 54, Pág. 65. El cine mexicano y sus clichés, la publicidad de la farándula televisiva, la religión, la historia del arte de la época prehispánica y renacentista, los estudios de la ciencia y la tecnología, el deporte como espectáculo y las historietas, son sólo algunas de las influencias en los temas pictóricos del destacado artista mexicano Mauro Terán. Es originario de la Ciudad de México y egresado de La Esmeralda, ha tomado cursos de pintura con reconocidos maestros y logrado exponer de manera colectiva en galerías y centros culturales de renombre en México. Entre sus exhibiciones individuales, destaca "Instantes luminosos" realizada en GB Gallery en 2015, "México Tropicamp" presentada en ArtSpace México en 2017 y recientemente expuso en Ikal Store la 2a. edición de "México Tropicamp". Además, ha elaborado ilustraciones de historietas y realizado trabajos editoriales, sobresaliendo la publicación del libro "Arte Alterado" en 2017, el cual recopila 92 obras de su autoría. El estilo de su obra ha pasado de la figuración expresionista a la figuración naturalista, lo contrario a sus temas, los cuales siempre han sido constantes al abordar firmemente la historia popular de México. Es así, que mediante composiciones nuevas, frescas y a veces hasta irreverentes para algunos, Mauro Terán representa un humor poco bizarro al mezclar imágenes que narran una historia, a través de la reconstrucción de figuras míticas de personajes u objetos provenientes del breviario cultural del pueblo mexicano, tales como la Tigresa, Pepe El Toro, el Santo, Juan Gabriel, Topo Gigio, Benito Juárez, Frida Kahlo, Diego Rivera, sin olvidar el Gansito y Chocotorro de Marinela; los canoniza, los "tropicaliza" para contar una historia diferente y sarcástica de forma moderna y contemporánea. "Cierta parte del caos parece armonizarse en las imágenes alteradas de Mauro Terán, cada tela de esta serie de óleos neobarrocos, after pop, hacen evidente un intento por acercarse a verdades históricas, a veces no tan legibles, algo ocultas por la enceguecedora luz del progreso, el orden social y lo políticamente correcto". Orlando Jiménez Ruiz/The Killer Film (El crítico enmascarado). Fuente consultada: TERÁN, Mauro. Arte Alterado. México. Ediciones Mauro, 2017.

$22,000.00-$30,000.00 M.N. USD $1,140-$1,555 86

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58 CARLOS TORRES (Guadalajara, Jalisco, 1983 - )

Pachuco, de la serie Caras vemos Firmado y fechado 2015 al reverso Óleo sobre tela 144 x 150 cm Exhibido en: "Caras vemos", muestra individual presentada en el Ex Convento del Carmen, Jalisco, en mayo del 2015. A título ilustrativo, la serie "Caras vemos" está conformada por retratos, en los cuales el artista define el género como una primera interpretación de los personajes que aparecen en el lienzo, permite hacer lecturas acerca de su modo de vida o intereses, que resultan predeterminadas o erróneas. El proceso de búsqueda de personajes representa para Carlos Torres la experimentación de su propio lenguaje plástico, de las formas de composición y el uso del dibujo o el color, para relacionarlo con su contexto que tiene estrecho vínculo con lo urbano y social. Otra premisa del artista es retratar individuos anónimos para evitar la idealización o embellecimiento, mediante óleos y tintas deja una especie de filtro en sus retratos, parecido al puntillismo, que puede ser una alegoría a las apariencias o juicios que empleamos al ver a los otros. Carlos Torres es agresado de la Escuela de Artes Plasticas de la Universidad de Guadalajara. Recibió una Mención Honorífica en la Bienal José Atanasio Monroy en 2008. Ha exhibido su obra en espacios como el Foro de Arte y Cultura de Guadalajara, el Museo Fernando del Paso en Colima y el XV Salón de la Plástica Joven en Guadalajara. Fuente consultada: blog oficial del artista www.carlos-torres-pinturas.blogspot.mx

$30,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,555-$2,590

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59 DAVID PESCADOR (Ciudad de México, 1986 - )

Hotel Wungu, de la serie DreamSight Firmado y fechado 2015-16 al reverso Óleo y acrílico sobre tela 180 x 140 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: sitio oficial del artista www.neurocolor.art Esta obra pertenece a "DreamSight", un proyecto en el que partir de datos capturados en la aplicación de registro de sueños Dreamboard se generan composiciones que buscan una correspondencia entre los aspectos mentales del sueño y el lenguaje pictórico. "Mi trabajo consiste en evidenciar el diálogo existente entre la tradición plástica y el lenguaje digital contemporáneo, así como explorar la virtualidad y artificialidad que impregnan el entorno día a día". David Pescador. $40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,070-$3,110 88

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60 FELIPE EHRENBERG

(Tlacopac, Ciudad de México, 1943 - Cuernavaca, Morelos, 2017)

¿Y ahora qué hago? Autorretrato concebido en la mañana Firmado y fechado 82 Lápices de color sobre papel 53.5 x 73 cm Ehrenberg fue un cronista, político, diplomático, activista y profesor destacado, pero ante todo fue un pintor y escultor mexicano, explorador y navegante del mundo contemporáneo. Su aprendizaje visual comenzó con la inspiración del muralista José Chávez Morado, los escultores Feliciano Béjar y Mathias Goeritz. Durante tres años escribió en la revista "Mexico City Times" con el seudónimo de "Montenegro". A finales de los años 60 representó a México en exposiciones y ferias de arte en Texas, Nueva Jersey y Argentina. Posteriormente, se exilió en Inglaterra donde fundó con algunos colegas el colectivo Beau Geste Press / Libro Acción Libre, dedicado a presentar el trabajo de importantes poetas y artistas visuales experimentales conectados a Fluxus. En 1979 fundó H2O Talleres de Comunicación, colectivo que durante 10 años dirigió la creación de más de 500 pequeñas comunidades y grupos de comunicación y cerca de 1,100 murales colectivos en México. Al mismo tiempo que ejercía su carrera artística, Ehrenberg se presentó sin éxito como candidato a las elecciones municipales y federales por el Partido Socialista Unificado de México (PSUM) en la década de los 80; posteriormente practicó la docencia, impartiendo cursos de instalación, activismo cultural y administración para el artista en la Universidad Veracruzana y en el año 2006 fue agregado cultural de México en Brasil. Actualmente su obra se encuentra en diversas colecciones públicas y privadas en México y en el extranjero; parte de su trabajo ha sido expuesto en el Museo de Arte Moderno en México, el MOLAA en Los Ángeles y la Pinacoteca de São Paulo en Brasil. Fuente consultada: MORENO, Concepción. "Felipe Ehrenberg: el arte en su versión anarquista". México. El Economista, 6 de junio del 2012.

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,070-$3,110

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61 JOSÉ MARÍA MARTÍNEZ (Jilotzingo, Estado de México, 1974 - )

Alice in México, 2014 Firmado Óleo sobre tela 70 x 50 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: PÉREZ Y PÉREZ, Rafael. José María Martínez. La luz de la sombra. México. Aldama Fine Art, 2017, Pág. 59, catalogado 29. Cursó la Licenciatura en Diseño Gráfico en el Instituto Profesional de Arte y Diseño en Monterrey, Nuevo León, fue alumno del maestro Arturo Rivera en varios talleres. Participó en exposiciones colectivas en el Museo Universitario del Chopo, en el Poliforum Siqueiros, en el Instituto Cultural Cabañas, en Guadalajara, Jalisco, en el Centro Cultural María Velasco en Temascalcingo y en Agora Gallery en Nueva York. Fue seleccionado en la IV y VIII Bienal de Pintura Alfredo Zalce en Morelia, Michoacán, recibió el Premio de Adquisición en la I Bienal Estatal Alberto Gironella en 2004, así como la I Bienal de Paisaje Mexiquense José María Velasco en 2015, forma parte de los artistas de la galería Aldama Fine Art en la Ciudad de México. Su obra está dotada de teatralidad, drama e incluso elementos circenses musicales y magia. Es distintiva su paleta de colores tenues o pálidos, donde el elemento que otorga la idea o peso en la obra resalta en rojo vibrante. Se interesa en representar el paso del tiempo y lo anecdótico que van de la mano con alegorías de lo fantástico. Fuente consultada: PÉREZ Y PÉREZ, Rafael. José María Martínez. La luz de la sombra. México. Aldama Fine Art, 2017.

$70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,630-$5,180 90

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62 GERARDINE CIPRIANI (Rovereto, Italia, 1986 - )

Mirar Firmado y fechado 2017 Óleo sobre tela sobre fibracel 80 x 45 cm Con certificado de autenticidad de la artista. Gerardine Cipriani es una joven pintora italomexicana que de forma gradual e importante se ha ido incorporando al panorama de la pintura contemporánea mexicana, su trabajo está presente en distintas colecciones privadas y múltiples exposiciones colectivas. Cipriani ha desarrollado un lenguaje pictórico que utiliza constantemente la tensión entre elementos contradictorios: detalladas figuras “luminosas” que emergen de austeros y oscuros escenarios, la preocupación por la carne y el cuerpo que en ocasiones culmina en meticulosos recortes anatómicos, sutiles indicios de melancolía cotidiana en personajes cuya gestualidad raya en lo teatral. En palabras de la artista, su obra propone como uno de sus temas “la poesía de la banalidad en la vida, y la fuerte presencia de los cuerpos que la contienen”. La autora se coloca en la vertiente del realismo pictórico, lo cierto es que su trabajo se configura en puntos que convergen y divergen de esta tradición; basta con revisar el breve y significativo cuerpo de obra generado para encontrar que un lenguaje sencillo, que no recurre a metáforas de lugar común o gestos innecesarios, sumado a un notable trabajo técnico es suficiente para mostrar lo importante del simple acto de mirar. Fuente consultada: WAXSEMODION, Alberto. “Gerardine Cipriani”. México. 2018.

$12,000.00-$20,000.00 M.N. USD $620-$1,040

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63 FRANCISCO SORIANO (Puebla, 1983 - )

Los susurradores I Firmado y fechado 2017 al reverso Óleo sobre tela 120 x 160 cm Con certificado de autenticidad del artista. Es Maestro en Artes Visuales por la UNAM, su actividad profesional está dividida entre la docencia en la Academia de San Carlos y el ejercicio pictórico, especialmente a base de óleo. En cierto modo su actividad artística ha sido autodidacta y en gran medida se debe al estudio y observación de obras de los maestros en pintura como Modigliani, Schiele y Goya. Francisco Soriano recurre a la narrativa mitológica y a las alegorías, además parte de varios bosquejos de modelos que distan del resultado final en sus lienzos, donde predomina el uso del claroscuro y la representación de la figura femenina. De forma independiente ha experimentado con la fotografía, que a veces utiliza como herramienta de registro. Ha realizado varias exposiciones individuales en su natal Puebla, recibió una Mención Honorífica en la II Bienal de Pintura Pedro Coronel y en la X Bienal de Pintura de Campeche. $30,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,555-$2,590

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64 CELESTE BEJARANO (Ciudad de México, 1991 - )

El despertar Firmada y fechada 6 / 17 Escultura de resina y plastilina epóxica 2 / 3 54 x 49 x 23 cm Con certificado de autenticidad de la artista. Publicada en: sitio oficial de la artista www.celestebejarano.com.mx Exhibida en: "Mujer Celeste", muestra presentada en San Antonio, Texas, en junio del 2017. Celeste Bejarano estudió la Licenciatura en Artes Plásticas en la Universidad de la Américas Puebla en Cholula, Puebla, posteriormente para completar su formación, cursó el taller en Historia del Arte en Casa Lamm en la Ciudad de México y Museografía y Diseño de Exposiciones en Node Center, además de contar con una certificación como Terapeuta de Arte por el Centro Integral de Terapia de Arte de la UNAM. Ha realizado exposiciones colectivas e individuales en galerías y centros culturales de Puebla, Ciudad de México y Texas. Es una artista plástica mexicana cuya obra concentra un lenguaje onírico que explora la entereza de la transformación humana y espiritual. Su trabajo es el resultado de la exploración de sí misma y de su constante estudio por el reflejo que genera especificamente la vida íntima de la mujer, de sus secretos y enterezas. Mediante su propio lenguaje artístico, intenta entablar un camino hacia el despertar espiritual y forma una conexión con las emociones y la plenitud del ser; tal es el caso de la obra "El despertar". "'El despertar' es una obra que habla acerca del despertar espiritual. La glándula pineal expresa un estado meditativo en el cual se logra sentir y ver más allá de los sentidos". Celeste Bejarano. Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.celestebejarano.com.mx

$18,000.00-$26,000.00 M.N. USD $935-$1,350 94

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65 LUIS SELEM

(Cuernavaca, Morelos, 1975 - )

Retrato No. 8 Firmado y fechado 2017 Óleo sobre tela 110 x 90 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, noviembre del 2017. Realizó estudios en Arquitectura, sin embargo se especializó en Artes Plásticas. Su obra presenta una composición tradicional, la figura humana aparece fragmentada o acompañada de objetos, especialmente de pies y zapatos, donde el sujeto retratado no los usa, éstos son ornamentación de la imagen. Además, el papel periódico en el que los objetos están representados y/o envueltos puede interpretarse como una alegoría del consumo y la moda, interpelando a objetos cuya base frágil y vulnerable como el papel resultan insostenibles o inservibles por sí mismos: zapatos, botellas de vino, gafas de sol que transitan entre lo escultórico como objetos decorativos, o pictóricos, para su apreciación. Su obra ha sido exhibida en el Museo Fundación Santiago Carbonell, en Agora Gallery en Nueva York, galería Oscar Román y Galería Alfredo Ginocchio, entre otros. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.luisselem.blogspot.mx

$85,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,405-$5,180 ESTO ES AHORA

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66 GAVIN RAIN

(Ciudad del Cabo, Sudáfrica, 1971 - )

Mona Lisa Firmado y fechado 2K+11 Acrílico sobre tela 120 x 80 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, septiembre del 2016. Estudió Arte y Neuropsicología en The University of Cape Town. Empezó a experimentar con el puntillismo en el año 2003, pero había pintado toda su vida. Reconoce que sus influencias son Seurat, el arte vanguardista ruso de principios del siglo XX y la obra de varios arquitectos, disciplina que a temprana edad deseó estudiar. Actualmente su obra ha logrado conjuntar sus dos intereses: el arte y las matemáticas. Ha presentado muestras individuales en ciudades como Dallas, Ciudad de México, Houston, Génova, Ámsterdam, Venecia, Ciudad del Cabo, Viterbo, Zululandia y Johannesburgo. En 2017 participó en ferias y exposiciones en Palm Beach, Nueva York, Ámsterdam y Maastricht. Sus pinturas han sido mostradas en importantes ferias de arte como The Armory Show, Art Wynwood, Zona MACO, Start Art Fair, Art Miami, PAN Amsterdam, entre otras. Logró su celebrado estilo tras una serie de diferentes procesos de pensamiento. Mirando una fotografía tomada de la superficie de Marte por el Mars Global Surveyor notó que parte de la imagen estaba distorsionada, comprendió que eso no era sólo ruido, también era información y lo entendió como un circuito que presentaba un cortocircuito por una razón, y que en el futuro ese ruido visual tendría la posibilidad de contar su propia historia. Otro factor que influyó en su proceso, fue que al observar una fotografía digital reflexionó en la cantidad de información que perdemos en las compensaciones por conveniencia. Digital significa "intervalo distinto". Todos esos tonos increíbles que se registraban en la fotografía análoga se han perdido y tal parece que a nadie le importa que se esté perdiendo esa cualidad. De este modo, empezó a desarrollar un estilo pictórico en el que pudiera enfatizar esta pérdida, ese espacio oscuro. Sus primeras exploraciones fueron sobre un fondo negro para describir este problema, pero finalmente llegó al estilo que permitiera presentar su perspectiva. Su proceso pictórico es lento y minucioso, sigue una serie de pasos en los que parte de una imagen que simplifica en zonas de luz y sombra, un método similar al de un grabador, esas zonas las trabaja entonces con capas de pintura en colores que sinteticen los valores tonales de esa sección de la imagen. De este modo, a la distancia, el ojo interpreta ese conjunto de colores como un todo. "Parte del mensaje de mi trabajo es acerca de la estética del close-up. La materia es más interesante cuando se aprecian los detalles de cerca. Nuestras vidas tienen muchas texturas y ruidos, sólo al retroceder podemos ver la influencia de las personas y las cosas en nosotros, los factores que nos han moldeado. Mi búsqueda intenta repetir esa sensación de manera simbólica en mis obras. Así, cada punto es de un tamaño y de un color diferente, la combinación de estos dos elementos crea la imagen". Gavin Rain. En esta obra, recrea desde su perspectiva, una de las más celebradas obras de la historia del arte universal: "La Gioconda", mejor conocida como "La Mona Lisa", de Leonardo da Vinci. Este retrato es tan icónico, que a simple vista nuestra mente lo reconoce a pesar del tratamiento de defragmentación en círculos de color característico de la propuesta de Gavin Rain. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.gavinrain.com

$280,000.00-$350,000.00 M.N. USD $14,510-$18,135 ESTO ES AHORA

67 ALEXIS MATA "CILER" (Ciudad de México, 1981 - )

Ejercicio de distorsión sobre Ritratto di giovane pittrice de Rosalba Carriera Firmado y fechado 17 al reverso Acrílico sobre tela 122 x 98 cm Con certificado de MAIA Contemporary firmado por el artista. Estudió la Licenciatura en Diseño Gráfico en CADEC. Ha exhibido su obra de forma individual en galerías como FU Gallery en Miami, Soze Gallery en Los Ángeles, FIFTY24MX, Yautepec, Nina Menocal, MAIA Contemporary y Panteón en la Ciudad de México, entre otras; así como en muestras colectivas en espacios como Modern Eden Gallery en San Francisco, MUCA Roma, Inner State Gallery en Detroit, Vlaams Cultuurhuis de Brakke Grond en Países Bajos, Eye Level Gallery en Nueva York y Soil en Seattle. En mayo de este año exhibirá su trabajo en la muestra "México: pintura reactiva", en el Museo de Arte Carrillo Gil. A través de sus collages, dibujos, pinturas e instalaciones transforma las imágenes encontradas en comentarios viscerales sobre la muerte, la violencia, la belleza y los ambientes producidos. "Cuando un artista crea algo -una palabra, una obra literaria, una pieza de arte- su acción deja de pertenecerle y pasa al dominio del público. El autor no es autor sino agente de la cultura: un médium que se deja poseer para canalizar la semiosis: el proceso de significación. "Bajo esta premisa Alexis Mata 'Ciler' se apropia de obras clásicas por medio del Internet, ese entramado de unos y ceros que además de descontextualizar las imágenes es propenso a corromperlas con errores o fallos (glitches). Esta abrupta tergiversación digital altera la naturaleza de la imagen y la reviste de una nueva esencia, eternamente inacabada y vulnerable a la apropiación del otro". Cristina Sandoval. Fuente consultada: SANDOVAL, Cristina. "Alexis Mata 'Ciler': La muerte del autor". Texto de sala para la muestra homónima presentada en MAIA Contemporary, 2017.

$60,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,110-$4,665

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68 DR. LAKRA

(Ciudad de México, 1972 - )

Sin título (Cola de rata) Firmado y fechado 2007 Collage y tinta sobre periódico vintage 22 x 19.4 cm Con etiqueta de Kurimanzutto. Presenta ligeros detalles de conservación. El mexicano Jerónimo López Ramírez alias Dr. Lakra, es un artista visual que es conocido por el estilo único en los objetos, litografías y revistas antiguas que interviene mediante dibujo, acrílico, acuarela o tinta. Su búsqueda de objetos e imágenes es una suerte de investigación de archivo y coleccionismo, una especie de cadáver exquisito gráfico, con una iconografía que transita entre las revistas de moda, carteles de cine con la de la cultura contemporánea de la urbe, de lo grotesco con lo sexual, de personajes religiosos tatuados al estilo talavera poblana con símbolos de pandillas o personalidades de la época de oro del cine, con la piel repleta de atributos pertenecientes a tribus ancestrales o prehispánicas; yuxtapone además elementos de la cultura popular mexicana como el boxeo y personajes de la música, con otros artísticos como los grabados de José Guadalupe Posada o vedettes quimeras. Con una extensa trayectoria Dr. Lakra ha generado un gran interés en el mercado del arte contemporáneo en México y el mundo. Ha expuesto en el Museo Amparo en Puebla, en el MARCO de Monterrey, en el Museo de los Pintores MUPO en Oaxaca, en el Museo de Arte Carrillo Gil, en el Museo Universitario del Chopo y forma parte de los artistas de la galería Kurimanzutto. En el extranjero ha participado en exhibiciones en The Museum of Contemporary Art en San Diego, en el Museum of Modern Art MoMA, en Nueva York, en Brandts - Museum of Art and Visual Culture y en el Museum of Modern Art Copenhague ambos en Dinamarca, así como en Yokohama Museum en Japón, por mencionar algunos. $200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,365-$15,545 ESTO ES AHORA

69 EDGAR FLORES "SANER" (Estado de México, 1981 - )

Sueño de amor Firmado y fechado 2016 Acrílico sobre tela 195 x 130 cm Con certificado de MAIA Contemporary firmado por el artista. Exhibido en: "In a dream (En un sueño)", muestra individual presentada en Brand Library & Art Center, Los Ángeles, California en 2016. Egresado de la carrera en Diseño Gráfico de la UNAM, es artista plástico, escultor, y pintor, sin embargo Saner es reconocido internacionalmente como representante del muralismo mexicano contemporáneo, cuyo estilo reúne aspectos de grafiti y la cultura pop. En sus murales encontramos una iconografía concreta: todos los personajes son enmascarados, dotados de atributos o elementos pertenecientes a la cultura prehispánica y al imaginario colectivo: piedra jade, pieles de jaguares, calaveras, reptiles, penachos, guerreros ancestrales o deidades como Tláloc y serpientes emplumadas. Su obra incita a que el espectador reflexione y cuestione problemáticas de la actualidad, que detone resistencia por medio de la más importante arma que pueda poseer el ser humano, el amor; para ello recurre casi en todas sus obras al color rosa como alegoría para representarlo y es un modo de identificar al autor. En Brasil creó el muro "El encuentro de dos culturas", durante la exposición "Cidade Matarazzo: Feito por Brasileiros". En el año de 2016 fue invitado por la Embajada de México en Marruecos para elaborar un mural en el marco del Festival Jidar: en la obra, reúne los elementos de ambas culturas, debido a que encuentra conexiones en la civilización mexicana y la marroquí, el personaje con una máscara de jaguar, un turbante azul, sumergido en el río y cargando una charola con los utensilios dispuestos para necesarios para tomar té. El mismo año fue comisionado por el festival de música Vive Latino para realizar el diseño artístico de esa edición. De manera individual ha presentado su trabajo en Anno Domini en San José, California, Jonathan Levine Gallery en Nueva York, en New Image Art Gallery en Los Ángeles y en varias ocasiones en FIFTY24SF Gallery. Destaca también en la Ciudad de México el mural de "Tejedores de sueños" en el Museo Nacional de Culturas Populares, el realizado junto al muralista portugués El Mac, en el Hotel Reforma Avenue durante All City Canvas en 2012, el grafiti de tres niños jugando en la Plaza Luis Cabrera en la Colonia Roma. También ha realizado murales y grafitis en Londres, Nueva York y Berlín. En junio del 2016 presentó su primera muestra individual en un Museo de Estados Unidos: "Resistencia/Resistance" en el Museo de las Américas en Denver. Fuentes consultadas: sitio oficial del artista www.saner-dsr.blogspot.mx y PÉREZ GAVILÁN, Sergio. "Saner contemporiza la simbología prehispánica y la identidad mexicana". México. Creators, Vice, 16 de noviembre del 2016, https://creators.vice.com/es_mx

$110,000.00-$160,000.00 M.N. USD $5,700-$8,650 100

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70 ANTONIO GRITÓN (Ciudad de México, 1953 - )

Mujer desnuda con tatuaje Firmado al frente. Firmado y fechado 2017 al reverso Óleo sobre tela 120 x 150 cm Con certificado de autenticidad del artista, enero del 2018. "El Gritón" es el seudónimo del artista plástico y promotor cultural mexicano Antonio Ortiz, cuya obra se caracteriza por un estilo lleno de color y formas sencillas que representan objetos y elementos de la estética popular y del mercado de consumo masivo. En ocasiones su trabajo es abstracto y a su vez simbólico, y aunque existe cierta distancia con lo decorativo, sus pinturas e instalaciones conservan un sentido bastante lúdico; tal es el caso de "Mujer desnuda con tatuaje", obra que pertenece a un grupo de pinturas realizadas en presencia de una modelo al natural y que pueden ser entendidas como desnudos deconstruidos o como paisajes orgánicos creados a partir del cuerpo femenino. A lo largo de su carrera ha sido acreedor a varios premios y reconocimientos, destacando su participación en la Primera Bienal de Monterrey y la acreditación de la beca de excelencia al mérito artístico México-Québec. Actualmente, su obra se encuentra en importantes colecciones públicas y privadas, sobresaliendo el Museo Carrillo Gil en la Ciudad de México, el Museo de Artes Gráficas en Oaxaca y la Colección Green de San Francisco, por mencionar algunas. Fuentes consultadas: ARGÜELLO GRUNSTEIN, Alberto. Pensamiento y arte en los 90. Debates, versiones, rupturas. México. CENIDIAP, 2003, Pág. 91 y NOREÑA, Aura. "Quién diablos es el Gritón". México. La Otra Revista, 2 de octubre del 2009.

$46,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,390-$3,110 102

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71 JULIÁN MADERO (Ciudad de México, 1990 - )

Dos buzos, de la serie Ensueños Firmado y fechado 2016 al reverso Acrílico, óleo y carboncillo sobre tela 70 x 100 cm Con certificado de autenticidad del artista. Publicado en: sitio oficial del artista www.islasmadero.wordpress.com "Concibo la práctica pictórica como el desarrollo de una idea a lo largo de la vida. Cada pintura es una reanudación, un ordenamiento del caos. Pinto como digo: corro. No voy hacia un punto fijo, transito, exploro las posibilidades del balbuceo de la materia en la tela y en la retina. La pintura se comporta como imagen, entra en su campo, pero es un acto de libertad, su dominio es el Color y el Tiempo. Dialogo con las imágenes, pero la pintura debe rozar el filo de la apariencia y regresar triunfal a su inconcreción". Julián Madero. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.islasmadero.wordpress.com

$14,000.00-$24,000.00 M.N. USD $725-$1,245 ESTO ES AHORA

103

72 AGUSTÍN CASTRO LÓPEZ (Ciudad de México, 1958 - )

Sin título Firmado Óleo sobre tela 102 x 127 cm Egresado de La Esmeralda, Agustín Castro López es un sobresaliente artista por el uso del dibujo. En sus pinturas encontramos características que se ajustan a las del neoexpresionismo figurativo, como paleta de colores intensos, pinceladas gruesas y marcadas en el lienzo. Algunas de las entidades que albergan su obra son el Museo de Arte Carrillo Gil, el Museo de Arte Moderno, la Colección Andrés Blaisten, el Museo de Arte de la SHCP, el Antiguo Palacio del Arzobispado y el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey MARCO. Fue acreedor a la beca de Jóvenes Creadores del FONCA, a una Mención Honorífica en la VI Bienal de Pintura Rufino Tamayo y al Premio de Adquisición del Salón Nacional de Artes Plásticas. Puede señalarse en su trayectoria la participación en exposiciones colectivas en la Galería Oscar Román y en el Museum of Latin American Art. De manera individual se presentó en la SmithKlein Gallery en Boulder, Colorado, en Artexpo en Nueva York y en la Galería del Tiempo de la UAM Azcapotzalco. Fuente consultada: sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,075-$3,110 104

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73 CARLOS VARGAS PONS (Guadalajara, Jalisco, 1968 - )

Bañistas con flores, 1995 Firmado 95 al reverso Óleo y acrílico sobre tela 128 x 97 cm Carlos Vargas Pons estudió pintura y dibujo con los maestros Enrique Ruiz Rojo, José Fors y Davis Birks. Inició la construcción de su discurso pictórico en los 90, una década de profundos cuestionamientos de la naturaleza del arte. Y es que para este destacado artista contemporáneo, uno de los principios de su creación está basado en una permanente investigación, misma que en 1990 y 1991 lo hicieron acreedor al premio de adquisición del Encuentro Nacional de Arte Joven, realizado en el Museo de Arte Moderno de Aguascalientes. Inicialmente, fue su amplio bagaje cultural el que alimentó su mundo creativo, permitiéndole generar imágenes poderosas en las cuales fluyen el tiempo y el espacio. Especialmente tiene admiración por algunas figuras de la historia del arte occidental, la cual despliega mediante sus dones pictóricos y sus placeres lúdicos; el grado de complejidad que ha alcanzado en su desarrollo ha hecho que sus imágenes sean de gran riqueza estética pero ante todo manifiestan su propia filosofía, haciendo también gala de su capacidad de compresión del color, el espacio y la imagen, en donde iguala al puntillismo prevaleciente de los impresionistas y gamas tan fuertes como los fovistas; la figura humana la presenta parcial o totalmente sumergida en los planos acuosos, como una interpretación de una abstracción de la realidad. Tal es el caso de sus imágenes de bañistas jóvenes, presentadas con deformaciones corporales debidas a la refracción de la luz natural a través del agua cristalina y agitada de una alberca, estanque o río; estas obras no sólo le permitieron fijar una recurrencia significativa en toda su obra, sino caracterizar su pincelada gruesa, sinuosa y espontánea. Fuentes consultadas: PÉREZ VEGA, Rebeca. "Las formas de diluye en el MAZ". México. El Occidental, sección Cultura, 6 de marzo del 2008 y EMERICH, Luis Carlos. "Carlos Vargas Pons, el nadador".

$80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,145-$6,220 ESTO ES AHORA

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"Ramsés desmorona jerarquías, establece correspondencias, deja en suspenso lo inabarcable en plena abundancia figurativa. Valga la paradoja, Ramsés pone en manos de la intensidad tenebrista la tarea de des-cubrir la presenciaausencia de las cosas con miras a 'lograr la iluminación'”. Jorge Juanes.

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74 RAMSÉS DE LA CRUZ (San Luis Potosí, 1976 - )

Inmersión numinosa Firmado Óleo sobre lino 110 x 170 cm Con certificado de autenticidad de Impulso Galería firmado por el artista, marzo del 2018. Cursó la Licenciatura en Artes Visuales donde se especializó en Artes Plásticas en la Universidad Autónoma de Querétaro. En varias ocasiones ha sido beneficiario del Consejo Estatal de las Culturas, CONECULTA, recibió la presea Germán Galindo por el H. Ayuntamiento de Querétaro, recibió el Primer Lugar de Arte Joven del Instituto de la Juventud en Santiago de Querétaro y obtuvo una Mención Honorífica en el Museo de Arte de Querétaro, actualmente es parte de los artistas de Galería Impulso. Ha realizado varias exposiciones individuales en Querétaro entre las que destacan las realizadas en el Museo de Arte, el Centro Cultural Gómez Morín, la Galería Hecaro, en la Galería Universitaria de Arte Contemporáneo y en la Galería Libertad. Su obra se identifica por el estilo de iluminación y sombras semejantes a las del género pictórico del tenebrismo, una composición fragmentada, juego de planos y perspectivas en forma de cubos, el reflejo y repetición son una suerte de estudio de los objetos ahí representados. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.ramsesdelacruz.com

$280,000.00-$350,000.00 M.N. USD $14,510-$18,135 ESTO ES AHORA

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75 CECILIA PAREDES (Lima, Perú, 1950 - )

Ruta del dragón, 2013 Sin firma Fotoperformance, impresión digital 4 / 7 91.5 x 65 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, febrero del 2018. Es llamada la "Maestra Camaleón" pues maneja con maestría el arte del camuflaje. Con sus fotoperformances, la artista transforma su cuerpo en paisaje e imagen para reflexionar sobre temas como el arraigo, la memoria, el desplazamiento, la migración, la adaptación y la identidad. Mismos que ella conoce muy bien pues a lo largo de su vida ha vivido en distintos países como Perú, Costa Rica, México, Italia y Estados Unidos, y en cada uno ha tenido que adaptarse. "Parte de lo que nos hace humanos es nuestra capacidad de ver más allá de la estrecha puerta a través de la cual entramos al mundo, esto nos permite crecer más allá de nuestra cultura madre, reconociendo otras culturas, otras formas de vida. Sin embargo, nuestra cultura natal siempre estará grabada en nosotros; el misterio de la identidad nunca será completamente resuelto. Siempre perteneceremos a un tiempo y lugar al que nunca podremos regresar". Cecilia Paredes. Fuente consultada: DÍAZ, Doriam. "Cecilia Paredes, alquimista del paisaje y la imagen". Costa Rica. La Nación, 18 de septiembre del 2016.

$55,000.00-$100,000.00 M.N. USD $2,850-$5,180 108

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76 CARLOS XI

(Ciudad de México, 1978 - )

Testamento de ceniza Firmado y fechado 18 al frente. Firmado y fechado 2018 al reverso Carbón y lápiz de grafito sobre papel 80 x 100 cm Con certificado de autenticidad del artista. Es egresado de la Licenciatura en Artes Visuales por la Escuela Nacional de Artes Plásticas. Ha desarrollado un lenguaje plástico con un conocimiento sólido de las técnicas pictóricas y dibujísticas, y simultáneamente ha ganado lugar como uno de los productores visuales más reconocidos de nuestro país, practicando la manipulación de video en vivo desde hace más de una década, tanto en artes escénicas, instalaciones artísticas como video mapping en monumentos arquitectónicos. Ha colaborado con compañías de danza como ASyC de Alicia Sánchez, Diseño Coreógrafo de Carolina Jiménez y Sensodanza de Diana Fernández. $10,000.00-$20,000.00 M.N. USD $520-$1,040 110

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77 CARLOS XI

(Ciudad de México, 1978 - )

Anatomías y destinos, 2017 Firmado y fechado 2017 Carboncillo y lápiz de grafito diluidos en agua, alcohol y acetona sobre papel 76 x 100 cm Con certificado de autenticidad del artista. En su obra, Carlos Xi explora territorios opuestos dentro de las artes escénicas y las matemáticas, resultando un lenguaje contrastado entre elementos poéticos y analíticos. Considera el acto del dibujo contemporáneo como un estudio sobre la motivación antropológica de la plástica. Buscando una filosofía de la forma, Carlos Xi estudia los flujos entre sistemas deterministas y caóticos, oponiendo modos de representación clásicos con figuras y formas provenientes de la abstracción, el ruido y el azar. Estos trabajos sumergen al espectador en un universo carente de tiempo, donde metáforas emergen de axiomas numéricos y arrojan reflexiones sobre lo corpóreo, roles de género y la trascendencia. $10,000.00-$20,000.00 M.N. USD $520-$1,040 ESTO ES AHORA

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78 CECILIO BALTHAZAR (Ciudad de México, 1945 - )

Románica, 1992 Sin firma Mixta sobre lino 176 x 200 cm Publicada en: "Crítica". México. Revista de la Universidad Atónoma de Puebla, sección La vigilia de la aldea, N° 52, julio-agosto de 1993, Pág. 79. Presenta ligeros detalles de conservación. Cecilio Balthazar es un reconocido pintor, dibujante, grabador, filósofo y docente mexicano egresado de La Esmeralda y de la Escuela Nacional de Artes Plásticas. Dentro de su larga y sólida trayectoria cuenta con diversas exposiciones colectivas e individuales realizadas en galerías, instituciones y casas de cultura de México, Estados Unidos y Japón. Fue durante los años 90 que su obra pictórica abarcó los medios con fuerza, pues desde sus inicios estuvo atento a las manifestaciones de su época, siendo un testigo de las expresiones de su periodo. Sin caer en contradicciones, siempre tuvo un estilo propio construido bajo la influencia del trabajo de José Luis Cuevas, Francisco Toledo y Vlady, a quien conoció en 1966 y entabló una fuerte amistad. En su obra también se aprecia el legado de sus estudios de la tradición flamenca, veneciana y barroca, presente a través de formas que surgen con gran fuerza cromática, así como el constante uso de veladuras. Estas características se pueden apreciar en su etapa dedicada a la exploración del hombre actual, moderno y cosmopolita; obras en las cuales propone un conjunto de imágenes humanas frontales, hieráticas, desnudas y sin identidad. Sobre su obra, el filósofo y crítico de arte Jorge Juanes dice: "…Son cuerpos desnudos. Son fragmentos de cuerpo. Texturas coexistiendo con la reviviscencia de obras clásicas. Telas en bruto que absorben los cuerpos de la indiferencia; mientras el tiempo queda confirmado como secuencia de instantes separados. Es el anverso de la degradación: figuras, imágenes, atmósferas, modos que acompañan el recorrido genealógico y excepcional de la pintura de siempre". Fuente consultada: JUANES LÓPEZ, Jorge. Sinóptico. Cecilio Balthazar. México. Museo Universitario del Chopo, UNAM, 1996, Pág. 6.

$100,000.00-$120,000.00 M.N. USD $5,400-$6,490 112

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79 JOSÉ ANTONIO FARRERA (Ciudad de México, 1964 - )

Alegoría en azul. El triunfo de la paz sobre la guerra, 2017 Firmado y fechado 2017 al reverso Óleo sobre tela 140 x 120 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Es Maestro en Artes Visuales por The Nacional School of Visual Arts, estudió grabado y escultura en La Esmeralda y pintura en The Nacional School of Painting. Ha recibido múltiples premios y reconocimientos entre los que destacan: Mención Honorífica en Art Exhibition Auctin, Izutsu Department Store, Kokura, Japón en 1995, en la Bienal de Pintura y Grabado Alfredo Zalce en Michoacán en 1999 y en el Concurso Pasión por el Arte en el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México en 1997. Ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores del FONCA en dos ocasiones y obtuvo el Premio de Adquisición en la I Bienal de Pintura Pedro Coronel en 2008. Ha participado en decenas de exposiciones entre las que destacan: la I Bienal de las Américas Rafael Cauduro en 2006, "Arte Contemporáneo en México" en el Museo Ludwin de Hungría, en la V Bienal de Monterrey en 2001, "Conjeturas del Barrio" en ARCO Madrid en 2005, en 2010 "Descripciones de un viaje" en el Gorman Museum en Sacramento, California y "Fábula de dos conflagraciones" en el Museo Universitario del Chopo. Farrera es un artista que se ha desarrollado en el ámbito pictórico de gran formato y la figura humana, en su serie de retratos femeninos utiliza la fotografía como pre-registro, así como bocetos para la obra final, él define sus óleos como "apuntes del natural", donde la pintura dialoga con la fotografía. De forma permanente se preocupa por la perfección en sus piezas así como el goce estético de las mismas por parte del espectador. "En mis óleos el 'eterno femenino' es un ícono polisémico, las mujeres representadas a veces son Venus erotizantes, a veces son referencias a la historia del arte y a veces son vírgenes adolescentes, todas son representaciones contemporáneas construidas desde la más primitiva necesidad del matriarcado, ídolos, fetiches, amuletos cuya potestad es la vida y con ello la ontología cultural". José Antonio Farrera. Fuentes consultadas: ALDAMA, José Ignacio et ál. José Antonio Farrera. Óleos. México. Aldama Fine Art, 2013, Pág. 27.

$140,000.00-$200,000.00 M.N. USD $7,255-$10,365

ESTO ES AHORA

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80 DANIEL LEZAMA (Ciudad de México, 1968 - )

Retrato de Jimena Firmado y fechado 2001 al reverso Óleo sobre macocel 50 x 40 cm Con etiqueta de Galería OMR. Daniel Lezama es un destacado pintor mexicano de estilo naturalista en cuya obra acostumbra representar la cotidianidad moderna mexicana mediante una narrativa propia, como si fuese una anécdota literaria vuelta pintura. Su carrera despegó formalmente a mediados de los años 90 al terminar sus estudios de Arte en la Escuela Nacional de Artes Plásticas. A partir del 2000 comenzó a participar en exposiciones individuales, ganando en 2001 el Premio de Adquisición en la X Bienal de Pintura Rufino Tamayo; posteriormente el FONCA y CONACULTA lo apoyaron en múltiples ocasiones para continuar con sus estudios. En 2008 realizó la muestra "La Madre Pródiga" en el Museo de la Ciudad de México, con motivo de la cual se publicó una monografía a gran escala de su trabajo en Hilario Galguera Ediciones, tres años más tarde presentó en Hilario Galguera Galería la exposición "Cartas de viaje", para la cual se publicó el libro "Travelers". A lo largo de su carrera, ha participado en un sinfín de exposiciones individuales y colectivas tanto en México como en el extranjero. Actualmente forma parte del Sistema Nacional de Creadores de Arte y su obra forma parte de importantes colecciones públicas y privadas, destacando el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, el Museo del Barrio en Nueva York, el Dallas Museum of Art en Dallas, Texas y en la Murderme Collection en Londres. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.daniellezama.net

$55,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,850-$3,625 114

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81 DANIEL LEZAMA (Ciudad de México, 1968 - )

Retrato de muchacha (Monse) Firmado y fechado 2003 al reverso Óleo sobre macocel 55 x 40 cm La trayectoria artística de Daniel Lezama es basta, completa y bien reconocida por la crítica del arte contemporáneo en México gracias a sus múltiples exposiciones en museos, galerías y casas de cultura de renombre a nivel internacional, además de su participación como líder de opinión, jurado, curador y tutor de jóvenes creadores de las nuevas generaciones. Su trabajo ha sido revolucionario visualmente; sus temas se encuentran en el contexto de las memorias y sueños de la sociedad actual, siendo el desnudo el género que más ha practicado para representar todos aquellos deseos perdidos de la colectividad mexicana. Tras una influencia artística proveniente de la tradicional pintura europea, Lezama representa la figura humana como un ejercicio analítico y de investigación, y en especial plasma a la mujer de forma respetuosa y humanista, pero evidenciando también el sentimiento escondido que pronostica la nostalgia, la tristeza y hasta la autodestrucción de su ser. Al respecto, Carlos Monsiváis dijo: "Lezama evidencia su proyecto: obtener, a través de la pintura, las respuestas de vida y de arte que no se detengan en la literatura, pero que usen de la literatura para interpretar las reacciones del que contempla. Esta, creo, es una de las claves: los relatos son el método para volver a la pintura, para captar la melancolía, la tristeza, el irla pasando que es el irse muriendo". Fuente consultada: sitio oficial del artista www.daniellezama.net

$55,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,850-$3,625 ESTO ES AHORA

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82 PAMELA ZUBILLAGA (Atoyac de Álvarez, Guerrero, 1984 - )

El jardín de las delicias 8, 2014 Sin firma Acuarela y grafito sobre papel 56 x 76 cm Con certificado de autenticidad de Art Cage firmado por la artista, marzo del 2018. Publicada en: sitio oficial de la artista www.pamelazubillaga.com Es Licenciada en Artes Visuales por el Centro Morelense de las Artes en Cuernavaca y Maestra en Arte con Mención Honorífica por la Universidad Autónoma del Estado de Morelos en Cuernavaca. Entre 2009 y 2010 fue acreedora a la beca de Jóvenes Creadores del FONCA y del CONACYT. En 2008 realizó su primera exposición individual en la Galería Izcateopan en Acapulco, Guerrero y en 2013 en la galería del Centro Morelense de las Artes del Estado en Cuernavaca, Morelos; desde entonces ha participado en diversas exposiciones colectivas en instituciónes y centros culturales de gran importancia en Puebla, Cuernavaca y Ciudad de México. En 2015 obtuvo el segundo lugar en la Décima Bienal Puebla de los Ángeles en la Ibero, Puebla. Por otro lado, desde el año 2012 ha practicado la docencia, dando clases de arte en universidades de Acapulco, Huatusco y Cuernavaca. Su trabajo se caracteriza por diversas series, todas ellas relacionadas a recrear con cuerpo humano en su entorno cotidiano, acentuando los valores personales, sociales y culturales. En cada obra indaga las particulares del cuerpo humano y destaca los contrastes causados por eventos que afectaron las relaciones humanas, tales como la guerra, la tecnología y la ciencia. En la serie "El jardín de la delicias", representa la piel humana como el elemento protagónico, como pretexto visual para hablar del abandono del cuerpo, mostrando la esencia de la carne, su fragilidad, deformación y descomposición. "Esta serie tiene que ver con la pérdida de vínculos afectivos y la necesidad por el contacto humano. Surge por el ansia de hacer visible los múltiples cuerpos olvidados, aislados, intervenidos, deformados y violentados que pertenecientes a mi entorno y que también son parte y consecuencia del sistema en el que vivimos". Pamela Zubillaga. Fuentes consultadas: sitio oficial de la artista www.pamelazubillaga.com y blog de la artista http://pamelazubillaga.blogspot.mx

$17,000.00-$26,000.00 M.N. USD $880-$1,350

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83 PAOLA BECK (Ciudad de México, 1983- )

Monday Firmado y fechado 2009 al reverso Acrílico sobre madera 120 x 90 cm Estudió ilustración y animación multimedia en el Instituto Europeo de Di Desing (IED) en Roma, Italia. Posteriormente empezó a realizar dibujos e ilustraciones en distintos formatos. Su primera experiencia profesional con la realización de un mural fue determinante para continuar en esta práctica artística. En sus murales se pueden contemplar escenas relacionadas con el medio ambiente, su estrecho vínculo y pasión por la naturaleza o los animales, reunidos en el lienzo con una intención activista. Son un cuestionamiento acerca del hombre y su dominio sobre el entorno, la artista pretende propiciar reflexiones en cuanto al espacio que ocupamos y la destrucción que el ser humano deja a su paso. A través de sus intervenciones en espacios públicos, encuentra en los murales o arte público una herramienta de comunicación colectiva. Además de la pintura mural, Paola Beck trabaja con acrílico, collage, así como escultura a partir de madera, mármol y papel. Forma parte de la colección de Secretaría de Hacienda y Crédito Público. Su obra se encuentra en las instalaciones del Periódico Reforma, en la Academia de Música Fermatta, en Vans, en Cultura Colectiva y con coleccionistas privados. Realizó el mural "This is México" en St. Nicholas Ave. & Troutman en Brooklyn, Nueva York y ha realizado varios otros en Puerto Escondido. $44,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,280-$3,110 ESTO ES AHORA

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84 OSIEL GUERRERO (Querétaro, Querétaro, 1989 - )

Construcción Fechado 2016 y con monograma del artista Lápiz de grafito y tinta sobre papel 99 x 69.5 cm Con certificado de autenticidad de Impulso Galería firmado por el artista, marzo del 2018. Realizó sus estudios en Artes Plásticas en la Universidad Autónoma de Querétaro, en la actualidad forma parte de los artistas de Impulso Galería. Fue seleccionado en la IV Bienal Nacional de Artes Gráficas Shinzaburo Takeda en Oaxaca en 2014. Ha expuesto en el Salón de la Plástica Contemporánea Queretana dentro de la Galería Libertad, participó en la muestra colectiva en el Centro de Arte Bernardo Quintana Arrioja y en la Fundación Carol Rolland. Ha realizado varias residencias artísticas, destaca el taller "El cobre como matriz calcográfica" en Tacámbaro, Michoacán, la residencia de producción e intercambio en litografía RIZOMA-TEQUIO en los talleres de Bambú y Tamayo en Oaxaca, la residencia de producción en el taller de gráfica TIR Tlalpan y recibió la beca completa en el taller La Ceiba Gráfica en Coatepec, Veracruz. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.osielguerrero.tumblr.com

$15,000.00-$20,000.00 M.N. USD $780-$1,040 118

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85 ODETTE PAZ

(Ciudad de México, 1983 - )

Te espero, de la serie Lo de Adentro Firmado y fechado 2013 Acrílico y tinta sobre papel 21 x 15 cm Con certificado de autenticidad de la artista, marzo del 2018. Exhibida en: "Lo de adentro", muestra individual presentada en el centro cultural Ignacio Barrios en Carmelo, Uruguay en abril del 2014. Odette Paz es una artista que ha enfocado parte de su trabajo en los cruces entre las artes visuales y la literatura. Licenciada en Artes Visuales por la Escuela Nacional de Artes Plásticas, ha exhibido su obra en distintas galerías de México, Estados Unidos y Uruguay de manera colectiva e individual. Como parte de su relación con la literatura, Paz ha ejecutado colaboraciones con distintos artistas y literatos, entre los que destacan la uruguaya Natalia Chargoñia y el español Óscar Fernández. Aunque hay que tener en claro que su relación con las letras no se agota allí, puesto que muchas de sus series parten de la apropiación y reinterpretación de distintas obras artísticas y poéticas. Poesía, anatomía y color, son los tres elementos base que la autora usa y a los que suma el dibujo y la pintura para develar, por medio de la repetición y la hipérbole visual, aquel mensaje que en cada caso se quiere comunicar al espectador. "Este es mi ser, mi magia, mi tragedia, mis dolores, mis alegrías, soy la conjunción de los éxitos y los fracasos, de ese momento místico que reencuentra los cuerpos en la distancia, el aullido de lo insano, la calma de lo cotidiano, soy las manchas en mis manos, los colores de mi paleta, el trazo firme e inequívoco, los dedos temblorosos, el estrés del último suspiro, la espera latente de lo perdido, la aceptación de lo pasado, la esperanza sin planificar de lo venidero. No soy lo que ves, no soy lo que ansías, soy lo que puedo y con eso me basta, soy Lo de adentro, aquello de lo que no quieres enterarte, un corazón fuerte en pedazos, un revoltijo de emociones a flor de piel enmascaradas, maquilladas con una paleta de infinitos colores con sombras en un firmamento encapotado". Natalia Chargoñia. Fuentes consultadas: CHARGOÑIA, Natalia. Texto de sala para la muestra "Lo de adentro", abril de 2014 y Alberto Waxsemodion "Tengo ojos, Odette Paz".

$6,000.00-$10,000.00 M.N. USD $310-$520 ESTO ES AHORA

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86 VÍCTOR LÓPEZ (Oaxaca, 1989 - )

In memoriam Fechado 2015 al reverso Óleo sobre tela 90.5 x 71 cm Con certificado de autenticidad de Impulso Galería firmado por el artista, marzo del 2018. Víctor López es un joven artista visual egresado de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Autónoma de Querétaro. Ha participado en más de 20 exposiciones colectivas en galerías y casas de cultura de México, destacando su colaboración en "Maíz nativo", muestra realizada en Oaxaca organizada por Francisco Toledo en protesta del maíz transgénico y en "In Memoriam", exhibición realizada en la Galería Municipal de Querétaro, para la cual pintó cuadros que incitan a reflexionar sobre la relatividad del tiempo y del espacio en una misma escena. En 2012 fue acreedor al Premio Estatal de Ecología en la categoría de Mural en Lienzo. Actualmente forma parte del colectivo "La Madriguera Gráfica" el cual propone diálogos colectivos a través de la experimentación con distintas disciplinas gráficas. $15,000.00-$20,000.00 M.N. USD $780-$1,040 120

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87 JOSÉ MANUEL SCHMILL

(Ciudad de México, 1934 - Ciudad de México, 2018)

Sin título

Firmada y fechada 1968

Mixta sobre papel 64 x 49 cm Su formación como pintor comenzó en el taller de José Antonio Grana y posteriormente en el de José Bardasano; cuando sintió que ya no podía enseñarle más, Schmill se dedicó a aprender solo, libre de toda autoridad, a través de la contemplación de los cuadros de John Singer Sargent, Abram Arkhipov, James Whistler y Max Liebermann. En 1964 fue acreedor a la beca de la John Simon Guggenheim Memorial Foundation. Su obra se ha exhibido en importantes recintos como la Galería Antonio Souza, el Palacio de Bellas Artes, el Salón de la Plástica Mexicana, el HR Giger Museum, Musée d'Art Moderne de la Ville de París, Weyhe Gallery en Nueva York y Galería Misrachi. Además, forma parte de la colección permanente de instituciones como el MoMa de Nueva York, Museum of Modern Art en San Luis Misuri, Texas University, Museo de Arte Moderno y el Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México. "Existen dos tendencias básicas en mi pintura, como en la vida existen también: lo positivo y lo negativo; la vida y la muerte. Estas dos tendencias surgen espontáneas, algunos hombres las ignoran y otros, como yo, las afrontan. "El instinto de deformar surge de un capricho momentáneo, pero no pesimista, ni anímico, sino muy intelectual; no trato de expresar sensaciones vulgares de amor, odio, pasión, etcétera, sino que, por el simple juego con mis materiales y texturas, surgen figuras grotescas. "Mi tendencia básica, como lo muestran mis desnudos femeninos, retratos y paisajes, es clásica y en lograrlo he puesto todo mi entusiasmo y dedicación. Los monstruos surgen de una especulación psicológica divertida y caprichosa, simplemente". Adaptación libre de José Manuel Schmill del escrito "Proyectos de prólogos para 'Las flores del mal' y consejos a los jóvenes escritores" de Charles Baudelaire, fragmento. Fuente consultada: NELKEN, Margarita et ál. José Manuel Schmill. México. Producciones Educación Aplicada, 2015.

$24,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,245-$2,075

ESTO ES AHORA

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88 RICARDO PINTO (Guadalajara, Jalisco, 1973 - )

Tórax, de la serie Nodos libres, 2013 Firmado Grabado al aguafuerte, aguatinta y colagrafía 3 / 12 48.4 x 48.4 cm área estampada, 63.5 x 63.5 cm medidas totales del papel Realizado en el Taller de Producción Gráfica Zanate, Oaxaca. $8,000.00-$12,000.00 M.N. USD $415-$620 122

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89 OSCAR RATTO (Ciudad de México, 1953 - )

Estudio del fémur Firmado y fechado 2002 Carboncillo y pigmento sobre fresco sobre soporte de madera 70 x 55 cm Con certificado de autenticidad del artista. Estudió en el Politécnico de Oxford, en la Universidad de Arte de Bournemouth en Inglaterra, de 1982 a 1985 estudió con el maestro Aceves Navarro en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, posteriormente se enfocó en la producción e investigación de la pintura al fresco. Su trabajo se ha presentado de manera individual en la ENAP, en el Museo de Arte Carrillo Gil, en la Galería Oscar Román, en el MUCA Roma, en Chamizal National Memorial en el Paso Texas y en el Metro Bellas Artes de la Ciudad de México. En cuanto a exposiciones colectivas participó en el IV Encuentro Nacional de Arte Joven, en el Museo de Arte Moderno, en la Galería Casa Azul, en el Palacio de Bellas Artes y en la Galería de Arte Mexicano en la capital mexicana. Entre los premios y distinciones a su trayectoria destaca el I lugar en la Bienal Tamayo en Oaxaca en 1986, fue acreedor a una Mención Honorífica en el Salón Nacional de las Artes Plásticas, recibió el mismo reconocimiento en la Bienal José Clemente Orozco en 1991 y fue miembro del Sistema Nacional de Creadores del FONCA. En 2017 presentó la exposición “Objetos amados” en el Museo de Arte Moderno y en Chalton Gallery en Londres, el mismo año participó en la exposición colectiva de obra en gran formato “AKASO” en el Museo Espacio de Aguascalientes, que también se presentó en Museo Universitario del Chopo en 2011 y en el Museo de Arte de Sonora (MUSAS) en Hermosillo, Sonora, en 2010. $20,000.00-$30,000.00 M.N. USD $1,040-$1,555 ESTO ES AHORA

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90 NADÍN OSPINA (Bogotá, Colombia, 1960 - )

Colombialand a) Muerte en el cultivo de amapola b) El alacrán c) Guerrero d) Guerrillera con ramo de amapolas e) Vaso con amapolas f) Terrorista g) Chamán h) Sicario i) Secuestrado Firmadas y fechadas 05 Serigrafías P.E. 50 x 40 cm cada una, 185 x 155 cm medidas totales del marco Piezas: 9, enmarcadas juntas. Procedencia: adquiridas directamente al artista. Colección particular, Ciudad de México. Publicadas en: sitio oficial del artista www.nadinospina.com La edición consta de 20 ejemplares numerados, Prueba de Taller y Prueba de Impresión. Influenciado por su familia e impulsado por su interés en el humanismo, Nadín Ospina estudió Medicina en la Universidad Javeriana de Bogotá, carrera que abandonó para estudiar tiempo después Artes Plásticas en la Universidad Jorge Tadeo Lozano de Bogotá. En la década de los 80, compartió estudios con Doris Salcedo, José Alejandro Restrepo y Carolina Ponce en un grupo dedicado a discutir textos e investigar y compartir anécdotas; además gracias a la Mención Honorífica que obtuvo en el Primer Salón Arturo y Rebeca Rabinovich, evento creado con el apoyo del Museo de Arte Moderno de Medellín, logró colocarse en el medio artístico y abrirse paso a la realización de exposiciones y participación en ferias y bienales. En los años 90, fue acreedor a la beca Francisco de Paula Santander del Instituto Colombiano de Cultura y a la beca de la Fundación Guggenheim de Nueva York. Realizó su primera exposición individual en el espacio de Nuevos Nombres en la Casa de Moneda de Colombia y representó a su país en la XX Bienal Internacional de Sao Paulo en Brasil. Su trabajo ha sido reconocido a nivel internacional, estando presente en revistas y periódicos de gran popularidad, causando polémica en galerías, museos de renombre y controversia en subastas de arte latinoamericano y contemporáneo a nivel mundial. A finales de los años 90, la serie "Lego Aventureros" de la empresa danesa LEGO, incluyó en sus juguetes versiones de escenarios de todo el mundo, incluida América Latina, influencia que Nadín Ospina utilizó para hacer su obra "Colombialand", la cual es una denuncia del incorrecto proceder de LEGO y su apropiación del "cliché" latinoamericano. Ante el impactante descubrimiento de este mensaje racista, inició la producción de piezas con diversas técnicas, pero pronto dio un giro a su elaborada reproducción cambiando los procedimientos, incluyendo nuevos personajes, paisajes y referentes que aluden directamente a Colombia, permitiéndole jugar una aventura en medio de un conflicto real. "Nadín Ospina entra al juego, pero cambia las reglas del mismo. En esta versión, inocentemente perversa de los juegos de construcción con bloques de plástico hay una lectura que connota específicamente la traslación de un conflicto en algún lugar de América Latina. Los muñequitos que aparecen personifican un indígena, un criminal un estereotipo de mafioso: todo listo para iniciar la aventura incierta y codificada de antemano. Tanto por el lema de Lego, como por las características negativas que llevan implícitas los protagonistas […] En ese sentido, la práctica de Nadín Ospina participa de esa 'moral del juguete' que formalizó Charles Baudelaire". María Elvira Ardila. Fuentes consultadas: ARDILA, María Elvira. "Los juegos de Nadín Ospina". Colombia. La silla vacía, sección Arte y Realidad Nacional y sitio oficial del artista www. nadinospina.com

$180,000.00-$300,000.00 M.N. USD $9,330-$15,545 ESTO ES AHORA

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91 RAVI ZUPA

(Colorado, E.E. U.U., 1977 - )

Discuss, 2017 Firmada con monograma Serigrafía, acrílico, grafito e impresiones sobre madera 60.5 x 46 cm Con etiqueta y sello del artista al reverso. Con certificado de autenticidad del estudio de Ravi Zupa firmado por el artista. Ravi Zupa es un artista estadounidense de formación autodidacta amante de los libros de arte, mitología, religión, geografía e historia de las culturas. Es admirador de los grabadores alemanes y flamencos, del arte expresionista y abstracto, del estilo japonés y de las pinturas renacentistas. Ha sido influenciado por el diseño de la iconografía propia de la propaganda revolucionaria de todo el mundo, así como de temas relacionados a la conciencia política, la violencia, la lucha armada, el anarquismo y el poder. Le disgusta el arte irónico y la apropiación de la cultura sin sentido, así que en su obra integra imágenes que aparentemente no están relacionadas en busca de algo universal. La mayor parte de su trabajo, lo realiza con su propia mano, pues no usa collage ni impresiones digitales, él pinta, dibuja y esculpe todo, utilizando la combinación de varias técnicas artísticas. A lo largo de su carrera su obra ha sido publicada en importantes revistas y libros del medio artístico, ha presentado exposiciones individuales en galerías de México, Estados Unidos, Reino Unido y Dinamarca, y en ferias de arte internacionales como Context Art Miami, Art San Diego y Scope Art Show en Nueva York y Miami. En 2017, presentó su obra en Los Ángeles, Chicago, San Francisco y Montreal obteniendo excelentes resultados. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.ravizupa.com

$12,000.00-$16,000.00 M.N. USD $620-$830

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SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

92 EMILIANO GIRONELLA PARRA (Ciudad de México, 1972 - )

Granada con flores de amapola Firmada Escultura en bronce 2 / 9 89 x 45 x 41 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte firmada por el artista. Publicada en: "Hotbook". México. Hotbook, S.A de C.V., Tomo 27, sección HOT cahangemakers, septiembre-noviembre del 2017, Pág. 186. Es internacionalmente reconocido por sus diálogos y escritos sobre la "Artempatía" y su práctica social-artística diversa. Conceptualmente, Emiliano Gironella Parra implementa su amplia gama de medios para abordar temas relacionados a la tradición, violencia e injusticia social en México. Para él, el arte es una poderosa herramienta para modificar paradigmas e historias preconcebidas; una herramienta clave para cambiar la visión que se tiene en el exterior sobre México e inspirar un cambio radical y educativo dentro del país. "Artempatía" es estimular nuestra empatía natural a través de la enseñanza y la práctica artística, así como un conjunto de acciones artísticas colaborativas que buscan la identificación y el reconocimiento de las víctimas de la violencia y de sus seres queridos. Su trabajo aborda específicamente la violencia en México en relación con el tráfico de drogas dentro del país y es un intento de reconciliar a la sociedad y la policía. Dirige la atención hacia las familias de los fallecidos y utiliza "Artempatía" para proporcionar un sentido de pertenencia a los hijos de policías caídos, al mismo tiempo que busca promover cambios sociales y culturales en la sociedad mexicana y en todo el mundo. En 2017 presentó "Artempatía / Empathy Art", su primera exhibición individual en Estados Unidos, realizada en colaboración con The Getty Museum's Pacific Standard, la muestra se presentó en la galería Jason Vass en Los Ángeles con gran éxito. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.emilianogironellaparra.com

$180,000.00-$220,000.00 M.N. USD $9,330-11,400

ESTO ES AHORA

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93 VIVIANA MARTÍNEZ (Guadalajara, Jalisco, 1984 - )

Como no nos dejaron soñar, no los dejaremos dormir Firmado Acrílico sobre madera 60 x 90 cm Con certificado de autenticidad de la artista. Exhibido en: "Insurrecciones", muestra individual presentada en la Galería Apollinaire en Guadalajara en junio del 2017 y en "Devenires", exposición colectiva presentada en Vía Libre espacio, Ciudad de México, en agosto del 2017. Es Licenciada en Historia del Arte por la Universidad Autónoma de Guadalajara, donde realizó una estancia académica en la Universidad Autónoma de Madrid en 2005, además es Maestra en Artes Visuales por la Universidad Autónoma del Estado de México. Su quehacer cultural es amplio, abarca la producción plástica o visual, actividad curatorial, difusión, gestión cultural, así como la permanente formación en diplomados, ponencias, seminarios y es colaboradora en distintas publicaciones impresas y digitales relacionadas con arte contemporáneo. Su producción está conformada por pintura, fotografía y dibujo, donde aborda la preocupación por temáticas sociales en México. Dentro de la trayectoria de Viviana Martínez pueden señalarse exposiciones colectivas en el Museo Casa Diego Rivera en Guanajuato, en la Galería Apollinaire en Guadalajara, Jalisco, en el Centro Cultural Border, en el Polyforum Siqueiros y en el Museo de Memoria y Tolerancia en la Ciudad de México, así como en espacios independientes. $12,000.00-$20,000.00 M.N. USD $620-$1,040 128

SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

94 VIVIANA MARTÍNEZ (Guadalajara, Jalisco, 1984 - )

Narcobloqueo Firmado al reverso Acrílico sobre fibracel 90 x 110 cm Con certificado de autenticidad de la artista. Habitualmente utiliza la fotografía como registro para elaborar sus pinturas, con las cuales busca reflexionar respecto a la otredad mexicana, específicamente en hechos relacionados con desapariciones forzadas, manifestaciones, detenciones, movimientos juveniles o estudiantiles. Sus imágenes provocan en el espectador una especie de estupor, asombro o vacío; los personajes o escenarios son una especie de anacronismo visual que de manera inmediata nos hacen recordar acontecimientos que han quedado marcados en la memoria colectiva o historia contemporánea. $14,000.00-$24,000.00 M.N. USD $725-$1,245 ESTO ES AHORA

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95 BALAM BARTOLOMÉ (Ocosingo, Chiapas, 1975 - )

Prisioneros Firmadas y fechadas 2014 Serigrafías sobre papel de algodón 3 / 5, díptico 100 x 70 cm cada una Piezas: 2 Publicadas en: sitio oficial del artista www.balambartolome.com Exhibidas en: "Revés", muestra individual presentada en el Museo de Arte Carrillo Gil en 2014 y en la feria de arte Material Art Fair en 2016; ambas en la Ciudad de México. $18,000.00-$30,000.00 M.N. USD $935-$1,555 130

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Es Licenciado en Artes Visuales por la Escuela Nacional de Artes Plásticas. Su trabajo se desarrolla principalmente en las disciplinas del dibujo, obra gráfica, escultura, video e instalaciones. Ha sido beneficiario de la beca Jóvenes Creadores del FONCA y becario de The Pollock-Krasner Foundation de Nueva York; además ha realizado residencias artísticas en Arte Era en Uruguay, en el International Studio & Curatorial Program en Nueva York, en el Nordisk Kunstnarsenter en Noruega y en el Bemis Center for Contemporary Arts en Nebraska. En 2013 publicó su primer libro titulado "Batalla de Ciervos" con el apoyo de la Fundación Jumex. Entre sus últimos proyectos se encuentran "Alotropos", exhibición montada en el Museo Universitario del Chopo y la exposición individual "Revés" presentada en el Museo de Arte Carrillo Gil. En este año presentará la exposición "Mexymoron" en el Museo de las Intervenciones en la Ciudad de México. A lo largo de su carrera, ha participado en más de 60 exposiciones individuales y colectivas en museos, galerías y ferias de arte en Alemania, Argentina, Brasil, Canadá, Colombia, España, Estonia, Estados Unidos, Francia, Holanda, Inglaterra, Japón, México, Noruega, Paraguay, Portugal y Uruguay. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.balambartolome.com

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96 NÉSTOR QUIÑONES (Ciudad de México, 1967 - )

Sin título, 2012 Firmado Esmalte sobre metal ensamblado en masonite, marco en terciopelo y madera 77 x 92 cm Con certificado de autenticidad del artista. De formación autodidacta, su obra conlleva una capacidad de síntesis extraordinaria, siempre poética, en un plano que pareciera onírica; es la percepción estética de su propia realidad imprimada por el auto-examen y la soledad. A través de postulados, manifiestos y utopías artísticas como parte de la obra misma, Quiñones va creando un metalenguaje por encima de la forma que guía en un viaje hacia el interior, en la búsqueda de sí mismo a través de la piel, diseccionando sus propias entrañas. Con una gran experiencia expositiva, tiene en su haber un centenar de muestras colectivas e individuales tanto en México y en países como Inglaterra, Estados Unidos y España; también se ha desempeñado con soltura como curador, casi siempre impulsando a artistas jóvenes. Junto a su hermano gemelo Héctor Quiñones (1967-2016) y Rubén Bautista, fundó La Quiñonera en 1988, un espacio emblemático de la escena artística mexicana que continúa vigente, desarrollando proyectos experimentales y exposiciones. Su obra forma parte de importantes colecciones públicas y privadas, como las de Coppel, MUCA, Museo de Arte Carrillo Gil, Banco de la República de Colombia, Cemex, Andrés Blaisten y Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, entre otras. $34,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,760-$2,590 132

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97 RAVI ZUPA

(Colorado, E.E. U.U., 1977 - )

Woodstock assault rifle, de la serie Mightier than, 2017 Sin firma Ensamblaje de componentes de máquina de escribir y engrapadora 93 x 30 x 28 cm Con certificado de autenticidad del estudio de Ravi Zupa firmado por el artista. Las piezas de la serie "Mightier than" imitan ametralladoras de la Segunda Guerra Mundial, construidas con máquinas de escribir antiguas desmontadas para darles forma de arma. El título de la serie proviene del viejo tópico literario "La pluma es más poderosa que la espada (The pen is mightier than the sword)", acuñado por el autor inglés Edward Bulwer-Lytton; es una metonimia para indicar que hace más daño un escrito bien concebido y dirigido contra un punto débil del adversario. Algunas piezas cuentan con componentes de engrapadoras y otras partes que solda mediante pernos y rivots para mantener todo unido. Los rodillos de la máquina de escribir actúan como barriles y en el caso de las municiones, están compuestas de puntas de bolígrafo speedball y cartuchos de bala usados de varios tamaños, en ocasiones cada cartucho está grabado en láser con su monograma, el símbolo de sierra y hacha. El artista ha hecho estas esculturas de forma tan realista que en una entrevista, Ravi Zupa mencionó que en una ocasión alguien que vio a los manejadores de arte empacando algunas de las armas para una exposición llamó al Departamento de Policía de Englewood para investigar tráfico de armas. "Realmente creo que las palabras son mucho más poderosas que las pistolas, tanto en el tipo de daño que las palabras pueden ocasionar como en el tipo de palabras de mejora positiva que pueden hacer". Ravi Zupa. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.ravizupa.com $50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,630-$3,700 ESTO ES AHORA

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98 LUCIEN SHAPIRO (California, E.E. U.U., 1979 - )

Gold quartz bat, de la serie Urban obsessions, 2017 Sin firma

Ensamblaje en madera, estoperoles, cuarzo, resina, amor y fortaleza 75 x 12.7 x 12.7 cm Con certificado de MAIA Contemporary firmado por el artista. Publicado en: sitio oficial del artista www.lucienshapiro.com Es un destacado artista plástico egresado de la Licenciatura en Bellas Artes por Academy of Art University: San Francisco Art School. A lo largo de su sólida trayectoria ha participado en diversas exposiciones colectivas en galerías de Londres, San Francisco, Los Ángeles y Nueva York, además de realizar muestras individuales en Guerrero Gallery y Cassel Gallery en San Francisco, en CES Gallery en Los Ángeles y recientemente en Hashimoto Contemporary en San Francisco y en MAIA Contemporary en la Ciudad de México con la muestra "Urban obsessions" Toda la producción artística de Lucien Shapiro está plagada de objetos encontrados, texturas, formas fundidas, manipulaciones, materias primas, rarezas y múltiples personalidades. Principalmente trabaja con objetos y recuerdos olvidados, considerados por muchos como tesoros y recrea un nuevo concepto a través de la escultura; ejemplo de ello, se aprecia en su serie "Urban obsessions", la cual explora la percepción de identidad mediante la manipulación de ornamentos utilizados en rituales para manifestar acciones humanas, su relación con los desechos y la creación de nueva vida a partir de ensamblajes. Utilizando conceptos correlacionados con diversas formas de adicción, como a las drogas, el alcohol y la violencia, los ensamblajes realizados con máscaras, piezas antiguas, botellas y armas incrustadas a partir de cuarzos, Lucien Shapiro interpreta el acto de la preocupación compulsiva y simboliza la protección contra el dolor, el estrés y el amor. "Mis piezas se construyen a partir de la belleza de objetos que ya no se usan para su propósito original. Estoy obsesionado con el proceso de convertir objetos que algunos ven como feos o inútiles en tesoros escondidos llenos de belleza. Son un reciclaje inspirador como forma de arte". Lucien Shapiro. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.lucienshapiro.com

$15,000.00-$20,000.00 M.N. USD $780-$1,040

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99 KYLLA PIQUERAS (Lima, Perú, 1979 - )

Universo estelar I, 2017 Sin firma Mixta sobre tela 142 x 142 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por la artista, octubre del 2017. Estudió Diseño y Artes Plásticas en Toulouse Lautrec, Corriente Alterna y estudios de Humanidades en la Pontificia Universidad Católica del Perú, desde entonces su formación ha sido permanente y autodidacta. Su obra pictórica gira en torno a figuras orgánicas y geométricas, reunidas en varias técnicas como tela, pintura, serigrafía, bases acrílicas, bordados o pedrería. Las ideas que persisten en su quehacer artístico están fuertemente vinculadas al aprendizaje y experiencia en herbolaria, joyería, arte popular y especialmente en el performance, donde reúne elementos de la danza clásica, contemporánea y folklórica. Su obra fue seleccionada en el 2014 en el VI Concurso Nacional de Pintura del Banco Central de Reserva del Perú. Ha presentado su obra en exposiciones colectivas e individuales en ciudades como Lima, Cusco, São Paulo, Ciudad de México, Shanghái y Beijing. Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.kyllapiqueras.com

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,330-$12,955

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Vista superior. Detalle.

100 OLIVIA STEELE (Tennessee, E.E. U.U., 1985 - )

Fountain of truth, 2016 Sin firma Ensamblaje en neón, metal esmaltado y espejo. Edición de 5 ejemplares 153 x 30 x 30 cm Con certificado de MAIA Contemporary firmado por la artista. La luz neón se caracteriza por ser una lámpara de tubo que contiene neón y otros gases que mediante electricidad dan una luminiscencia particular. Fue en 1910 cuando se presentó en el Grand Palais de París un anuncio luminoso por primera vez, de ahí en adelante la luz neón se propagó por Europa y América siendo un descubrimiento que llegó a la mira del mundo del arte y la cultura. Hoy en día, este invento ha sido empleado por diversas mentes creativas, convirtiéndolo en una tendencia utilizada como un recurso en instalaciones, performances y obras de arte. Olivia Steele es una artista contemporánea estadounidense reconocida mundialmente por haber aprovechado en su trabajo el poder de estas luces. Con el tiempo ganó una prestigiosa reputación por sus instalaciones en neón, por las cuales es conocida como "la artista de la luz", pues la utiliza para crear enunciados simbólicos e irreverentes. Sus frases iluminadas se ubican deliberadamente en entornos que provocan reflexiones existenciales, las cuales se suspende en tiempo y movimiento en lugares públicos estratégicos, como lo ha hecho en Bombay, Roma, Berlín, Miami y Tulum. Además, su exploración con este material ha sido espiritual y contradictoria pues las emociones ocultas en cada una de sus frases están cargadas de conciencia sobre la ingenuidad de la era digital. En ocasiones, aparte de sus intervenciones en espacios, ha complementado sus estructuras con imágenes que contextualizan la pieza inicial, como bombas atómicas, paisajes, fondos neutros, iconos y símbolos religiosos; en otros casos también se ha apoya en el uso de elementos comunes, como jaulas, espejos, vidrios y pósteres adornados con palabras. Ha presentado su trabajo de neones en un sinfín de ferias, museos y galerías de arte, destacando entre 2016 y 2017 su participación en Art Angels Gallery de Miami, en la plataforma Circle Culture en Berlín, en Lights of Soho Gallery de Londres, en la feria Zona MACO en la Ciudad de México, en Galleria Torbandena Projects en Trieste, Italia y en Steininger Design Showroom en Viena, Austria. Recientemente expuso, con éxito sin precedentes, en la galería MAIA Contemporary la muestra "Attached to Nothing, Connected to Everything", en la cual Olivia Steele presentó su más reciente serie de piezas de neón, incluyendo instalaciones, fotografías, letreros de tránsito, cajas infinitas que plantean temas de auto exploración a partir de figuras retóricas que utilizan al texto medio de reflexión. Fuente consultada: sito oficial de la artista www.oliviasteele.com

$75,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,145-$5,180

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101 THOMAS LAMMERS (Cuernavaca, Morelos, 1980 - )

Somos amor Firmado y fechado 18 Luz neón 40 x 63 cm Con certificado de autenticidad de galería Oscar Román firmado por el artista. Estudió la Licenciatura en Artes Plásticas en la Universidad de las Américas, Puebla. Ha exhibido su obra en México, Argentina, Estados Unidos, España y Cuba. La violencia forma parte de nuestra cotidianeidad, paulatinamente se ha perdido la capacidad de asombro y la sociedad se encuentra fragmentada entre la falta de tolerancia y empatía. La agresividad ha trastocado a las comunidades y a las familias, ya sea de manera verbal o física. “Activismo para erradicar la violencia de género” es un proyecto que inició en Guatemala, en una asociación que lleva por nombre “Love matters”. Es en 2017 cuando llegó a México la primera exposición de la mano de la fundación México Vivo, en el Museo de Arte Moderno en la capital del país. En un ambiente de sensibilización, diálogo y reflexión, Thomas Lammers fue invitado a participar en el proyecto. En este sentido busca mediante su obra propiciar en el espectador, otra mirada respecto a la realidad, a transformar el modo en que se construye el entorno, a través del amor y de la vida, es en este contexto donde surge su proceso de entendimiento y la producción de textos en luz neón. ¿Somos dolor? o ¿somos amor? ¿Somos vida? o ¿somos muerte? Decisión y trabajo de todos los días... $12,000.00-$20,000.00 M.N. USD $620-$1,040 138

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102 TANIA ESPONDA AJA (Ciudad de México 1980 - )

Do more of what makes you happy! Firmada Escultura en aluminio con pintura automotriz 8 / 13 130 x 130 x 113 cm Con certificado de autenticidad de la artista. Publicada en: sitio oficial de la artista www.taniaespondaaja.com Esta pieza fue realizada para ser colocada en interiores. Es una artista enfocada en la realización de obra escultórica, aunque también tiene como grandes pasiones a la fotografía y la pintura. Cada una de sus creaciones artísticas explora su fascinación por los símbolos, la geometría, los materiales y la habilidad de expresar sus mayores deseos, mostrando su visión ante la vida. La abstracción y su posibilidad de expresar la inspiran para seguir creando obras que reflejan aspectos de nuestra vida actual y que logran crear reflexiones más allá de la forma. A lo largo de su carrera ha participado en ferias y bienales de gran importancia a nivel internacional; además su obra ha formado parte de las subastas de la Fundación México Vivo, de los festejos del Día Mundial del Arte con sede en el Museo José Luis Cuevas y del proyecto "No Name" realizado en el Museo Tamayo en 2016. Ha realizado diversas exposiciones individuales y colectivas en museos, galerías e instituciones culturales de renombre en países como México, Estados Unidos, Austria, Turquía, Inglaterra y China. Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.taniaespondaaja.com

$80,000.00-$110,000.00 M.N. USD $4,145-$5,700 ESTO ES AHORA

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103 PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - )

40 manos más una Firmada Serigrafía P. A. VIII / XX 78 x 78 cm medidas totales con marco $12,000.00-$20,000.00 M.N. USD $620-$1,040

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104 PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - )

Mesa de centro con dos poliedros y seis pies, 2016 Firmada Mesa de madera policromada 51.5 x 106 x 475 cm Con certificado de autenticidad del artista, agosto del 2016. El artista cuenta con una vasta producción artística, formada por pinturas, esculturas, acuarelas y muebles, en su totalidad gozan de un estilo único surrealista o incluso psicodélico, que rechaza los cánones tradicionales del diseño, con decoración repetitiva incluso obsesivamente geométrica y con alto contenido simbólico. Los muebles de Friedeberg pertenecen a un mundo fantástico, donde se fusionan extremidades humanas con animales en arquitecturas hipnotizantes. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.pedrofriedeberg.com

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,365-$15,545 ESTO ES AHORA

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105 DAVID TROICE

(El Paso, Texas, E.E. U. U., 1990 - )

XI y XI.I Firmados y fechados XVIII al reverso Origami vaciado en resina y grafito con pintura acrílica sobre madera. Edición de 5 ejemplares 60 x 60 cm y 97 x 104 cm, medidas totales variables Piezas: 2 El acomodo de las obras puede ser a gusto del coleccionista creando diferentes composiciones. Con certificado de autenticidad de Art Cage firmado por el artista, marzo del 2018. David Troyce es un artista plástico y diseñador joven de edad, pero con una consistente, sólida y prometedora trayectoria. Inició sus estudios en Diseño Industrial en la Universidad Iberoamericana, concluyendo en el Massachusetts College of Art en Boston, donde obtuvo el grado de Licenciatura en Bellas Artes. En el 2014 fue invitado a exponer en el marco de la feria Art Basel en Miami y un año después realizó un mural para la Fundación Hogar Dulce Hogar en la Ciudad de Mexico. Más tarde, colaboró en el evento de Design Week Mexico, y en 2016 se incorporó en el proyecto Design House dentro de Design Week Mexico. En 2017 participó en la primera edición del evento cultural PopUp México junto con Michael Nyman, Elisa Carrillo, Mikhail Kaniskin y Aldo Chaparro, con quien compartió el jurado en la 4ta Edición del concurso de diseño SOPART de Maruchan. Además de exhibir en ferias de arte, su obra ha sido mostrada en diversas exposiciones colectivas e individuales en instituciones culturales y galerías, destacando su participación en El Palomar del Minotauro, Galería Oscar Román y proyectos alternos en Art Cage. "El trabajo de David Troice se basa en la indagación de la materia, el volumen y el movimiento. Su propuesta parte del origami como un acto íntimo donde los procesos de transformación del material están ligados a la meditación y reflexión sobre los planos personales y los contextos sociales. Su propuesta de trasladar el origami a un material más rígido y permanente como la resina invita a la reflexión diaria, permanente, imperecedera de lo que el ser humano debe aportar a su grupo social. El empleo de la luz y la forma, contribuye a una lectura intimista donde el espectador tenga consciente la importancia de elementos sustanciales básicos para la vida sobre la tierra como es la desfragmentación de la luz y su movimiento permanente sobre los cuerpos". Art Cage. $40,000.00-$50,000.00 M.N. USD $2,075-$2,590

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106 VÍCTOR PÉREZ-RUL (Ciudad de México, 1983 - )

a) Spheres, always spheres, b) Spheres, always, always spheres, c) Spheres, always, always, always spheres Firmadas al frente. Firmadas y fechadas México 2018 al reverso Gráficas digitales a partir de una escultura 3D, impresión Archival matte sobre papel 1 / 3 42 x 55 cm cada una Piezas: 3 Cada una con certificado de autenticidad del artista, enero del 2018. Publicadas en: sitio oficial del artista www.victorperezrul.com "Mi trabajo en una intersección entre el neo-futurismo, arte conceptual y tecnológico e ideas humanistas y tecnogénicas. Estoy interesado en el procesamiento energético, complejidad y la delgada línea entre lo vivo e inerte. Encuentro fuerte influencia en el (retro) futurismo, la ciencia ficción y la naturaleza, suelo desarrollar alrededor de la relación energía-materia y las manifestaciones de dicha relación en sistemas complejos. Trazo una línea entre lo ancestral y lo vanguardista". Víctor Pérez-Rul. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.victorperezrul.com

$36,000.00-$60,000.00 M.N. USD $1,865-$3,110 ESTO ES AHORA

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107 EMMANUEL GARCÍA (Ciudad de México, 1973 - )

La historia secreta Firmado y fechado China 2014 Fotograbado en cobre y serigrafía P/A 1/6 100 x 70 cm Con certificado de autenticidad del artista, febrero del 2018. Esta obra se editó durante la residencia que el artista llevó a cabo en el Xu Yuan Art Centre de Pekín, China. De tiraje muy limitado, sus ejemplares forman parte de las colecciones del Xu Yuan Art Centre, del Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca y del Museo Nacional de la Estampa. Estudió la Licenciatura en Artes Plásticas en la Esmeralda y Diseño Gráfico en la Escuela Nacional de Artes Plásticas. Ha presentado exposiciones individuales en el Polyforum Cultural Siqueiros en 2015, en la Galería El Carmen, en Antigua Guatemala en 2010, ese mismo año en la Galería Luis Nishizawa de la ENAP y en el Museo Casa de León Trotsky en 2008. En exposiciones colectivas ha participado en varias ediciones de Salón ACME incluyendo la del 2018, en el Museo Nacional de la Estampa, en Casa Lamm, en el Centro de las Artes de San Agustín, Oaxaca y en el Centro Cultural Universitario Tlatelolco por mencionar algunas en México. Su obra forma parte de las colecciones del Centro de las Artes de Monterrey, del Centro Nacional de las Artes, Museocomplex Zwijgershoek Sint-Niklaas en Bélgica y del Museo Miasma Ostrota, en Polonia. Fue miembro del Sistema Nacional de Creadores del FONCA, becario del Programa Jóvenes Creadores del FONCA, recibió una Mención Honorífica en la I Bienal Nacional de Artes Visuales de Yucatán y fue seleccionado en la X Bienal Diego Rivera en Guanajuato. Artista gráfico e impresor, recurre a variadas técnicas y materiales como fotograbado, serigrafía en madera y papel, donde los iconos de la cultura pop son parte de la iconografía de su obra. Desde el paisaje urbano al collage, Emmanuel García reúne elementos de la cultura estadounidense del cine, la novela gráfica o el cómic, con otros pertenecientes al imaginario en México, que van desde aspectos prehispánicos hasta la cultura musical. "Me interesa la pérdida de la memoria colectiva, mis registros no pretenden más que evidenciar el paso del tiempo". Emmanuel García. Fuentes consultadas: MAGAÑA, Janneth. "La gráfica pop de Emmanuel García". México. Revista Yaconic, sección Arte, 9 de marzo del 2017, www.yaconic.com y sitio oficial del artista www.emmanuelgarcia.weebly.com

$30,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,550-$2,070

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108 VÍCTOR RODRÍGUEZ (Ciudad de México, 1970 - )

Dona y hormiga Firmado y fechado 94 Acrílico sobre tela 80 x 100 cm "El pintor mexicano radicado en Nueva York desde 1997, Víctor Rodríguez, comenzó a desarrollar su obra a principios de los noventa, un tiempo de caos estilístico que se dio en llamar Postmodernidad. Mientras muchos de sus contemporáneos se entregaban a las complejidades retóricas del conceptualismo y rehuían a la pintura, con la convicción de que su tiempo había pasado y estaba muerta, Rodríguez siguió pintando y experimentando disciplinadamente con las posibilidades de la representación pictórica. Para este artista, fundamentalmente autodidacta, la búsqueda estética tenía lugar en el lienzo y no en las teorías que se ponían de moda tan vertiginosamente como eran olvidadas. Cada pintura era para Rodríguez, entre otras cosas, un experimento con el que trataba de demostrar hipótesis formuladas en términos estéticos, en función de formas y colores". Fuente consultada: Víctor Rodríguez. Pintura 1997-2009. México. Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey MARCO, CONARTE Nuevo León, 2009.

$90,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,665-$5,180 ESTO ES AHORA

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109 CISCO JIMÉNEZ (Cuernavaca, Morelos, 1969 - )

Fregadero maligno I Firmada y fechada 1999 Mixta y collage sobre papel 50 x 65 cm Con etiqueta de Galería Fúcares Madrid. Tiene estudios en Diseño Industrial y Artes Plásticas, se le considera un artista iconoclasta debido al uso permanente de símbolos e íconos que hacen referencia a la cultura mexicana en cuanto a temáticas históricas o aspectos formales como la paleta de colores, incluso el uso de tipografías y textos de los tradicionales exvotos virreinales, acompañados de un lenguaje e intención crítica o subversiva respecto a los sistemas de consumo a través del collage, el dibujo y la pintura principalmente, además de recurrir a materiales industriales. En varias ocasiones ha sido beneficiario del Sistema Nacional de Creadores del FONCA, ha presentado su obra en el Museo de Arte Moderno y en el Museo de Arte Contemporáneo MUAC, en la Ciudad de México. Sus obras pertenecen a las colecciones del Houston Museum of Fine Arts, a la Jacques y Natasha Gelman y a la de Claude Bernard Gallery en Frankfurt, Alemania. Actualmente forma parte de los artistas de la galería Yam Gallery, ha trabajado con la galería OMR. Fuente consultada: www.museoblaisten.com

$30,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,555-$2,590 ESTO ES AHORA

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110 JOSÉ LUIS LANDET (Buenos Aires, Argentina, 1977 - )

Modo de comunicar 03 Firmado y fechado 2006 al reverso Acrílico sobre tela 100 x 80 cm Con etiqueta de KBK Arte Contemporáneo. Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, febrero del 2018. José Luis Landet estudió la Licenciatura de Artes Visuales en La Esmeralda. Entre 2009 y 2016 realizó residencias en Revolver Galería en Lima, Perú, en Flora/Honda en Bogotá, Colombia y en el Taller de Gráfica Actual en Oaxaca, México; además ha sido acreedor a la beca del programa Jóvenes Creadores del FONCA y a la beca del Fondo Nacional de las Artes de Buenos Aires, Argentina. A lo largo de su carrera ha participado en numerosas ferias de arte en México y Estados Unidos, además ha expuesto de manera colectiva e individual en galerías y espacios culturales, tales como la galería KBK Arte Contemporáneo, galería NF/Nieves Fernández, la Celda Contemporánea del Claustro de Sor Juana y el Espacio La Gloria. En 2011 presentó su primera exposición en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México. Su obra se encuentra en las colecciones del Museo Jumex y Zona MACO en México, en el LACMA, Sayago & Pardon Collection y Sayago & Pardon en Estados Unidos y en el Lousiana Museum de Dinamarca. Actualmente, vive y trabaja en Buenos Aires y ocasionalmente en la Ciudad de México. "El trabajo de José Luis Landet involucra diversos modos de operar y asimilar procesos culturales atravesados por acciones sociales, políticas e ideológicas, por medio del cual explora vestigios o desechos socioculturales. A través del dibujo, concebido como una forma de pensar que hace conexiones entre los conceptos adquiridos y las formas ejecutadas, presenta conceptos diversos, tratando de darles una nueva forma para clasificarlos. Una forma que se acerca a una traducción cruda, primaria y orgánica de la mente". NF/Nieves Fernández. Fuentes consultadas: sitio de arteBA www.arteba.org y sitio de la galería NF/Nieves Fernández www.nfgaleria.com

$35,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,815-$2,590 148

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111 HUGO LUGO

(Los Mochis, Sinaloa, 1974 - )

Colgando, de la serie Soltero 3, 2007 Sin firma Dibujo bordado sobre tela en caja de acrílico 37 x 23 x 6 cm medidas de la camisa, 40.2 x 25.2 x 7.7 cm medidas totales con caja Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, marzo del 2007. Hugo Lugo es Licenciado en Artes Visuales por la Universidad de Montemorelos, Nuevo León. Es un sobresaliente artista que a lo largo de su carrera ha enriquecido su trabajo mediante la constante experimentación con técnicas y estilos, ejerciendo principalmente la pintura, el dibujo, la escultura, la fotografía, la literatura y el video arte. Explora los aspectos de la condición humana como centro y medida del universo. Usa escenarios reales y cotidianos para colocar personajes que juegan un rol poco inusual y que provocan una reflexión más allá de una simple sublimidad estética. A lo largo de su carrera, ha sido reconocido con la beca Jóvenes Creadores del FONCA, el Premio Nacional de Arte Joven y el premio de adquisición de la Bienal Internacional de Pintura Rufino Tamayo. Su obra ha sido expuesta en museos y galerías de Caracas, Ámsterdam, París, Ciudad de México, Bogotá, Hong Kong, Río de Janeiro y Singapur. Actualmente, su trabajo se encuentra en los acervos del Centro de Arte Contemporáneo de Málaga en España, en el Museo de Arte de Sonora, en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) y en el Museo Rufino Tamayo en México, así como en el Museum of Latin American Art (MOLAA) de Los Ángeles, Estados Unidos. Fuentes consultadas: sitio oficial del artista www.hugolugo.com

$60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,110-$4,145 ESTO ES AHORA

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112 HORACIO CADZCO (Ciudad de México, 1979 - )

Wings not needed. Marvin y Quetzal by Cadzco Firmadas y fechadas 2009 Tinta permanente sobre acetato 28 x 22 cm Piezas: 2 Horacio Cadzco estudió la Licenciatura en Artes Plásticas en La Esmeralda. Desde el año 2003 su trabajo ha sido difundido ampliamente en el circuito del arte contemporáneo en México, pero debido a la naturaleza de sus temas, acciones y materiales (desechos del cuerpo como cabello, dientes, costras, saliva, orina, entre otros), también la prensa popular y de espectáculos ha publicado sus proyectos. Su interés en el cuerpo humano, su estética y el paso del tiempo sobre él, también fueron determinantes para el desarrollo de la serie “Facial spa members club” a finales de la primera década del siglo XXI. En ella intervenía con tinta, y en relación a la anatomía de los músculos faciales, los rostros de anuncios y portadas de revistas, esta línea estilística fue el punto de partida para el desarrollo de su colaboración con Marvin y Quetzal. $12,000.00-$20,000.00 M.N. USD $620-$1,040 150

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Marvin y Quetzal, Primavera-Verano 2010

Marvin y Quetzal fue considerada la mancuerna venezolana-mexicana de enfants terribles de la moda, conformada por Marvin Durán y Quetzalcóatl Rangel. Marvin estudió diseño en Venezuela y luego trabajó como aprendiz de Libertin Louison en París. Quetzal estudió diseño de modas en La Salle College de Montreal y en la Maison de France en México. Su marca es el resultado de un enamoramiento de moda entre los dos cuando se conocieron en una fiesta en el 2004 y admiraron mutuamente sus estilos. Pronto tomaron las pasarelas latinoamericanas y las sacudieron de vuelta a la vida, gracias a sus diseños sofisticados y arriesgados. La firma rápidamente estuvo en la mira internacional y su talento y actitud fueron aplaudidos por publicaciones especializadas como Harper’s Bazaar, Marie Claire, Amelia’s de Londres, Trace, Super Super y Nylon, quienes los nombraron entre los más talentosos diseñadores latinoamericanos. Sus colecciones originales, coloridas y atrevidas se inspiraban en una amplia gama de referencias: desde piñatas juguetonas a tableros de ajedrez Op-Art, de plisados indígenas mazahuas a plataformas tan altas como el cielo de Harajuku; los resultados tan barrocos una temporada como minimalistas la siguiente. En septiembre del 2008 Quetzal falleció en un accidente, pero a su corta edad dejó un legado de creatividad y energía. Hace un par de años, Marvin retomó la marca y continúa dándole vida. La colección Primavera-Verano 2010, que se presentó en Fashion Week México, fue resultado de una colaboración con el artista Horacio Cadzco, cuyas viñetas retrataron el espíritu de la marca y a sus creadores e inmortalizaron el rostro de Quetzal en cada uno de los estampados. ESTO ES AHORA

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113 LALO SÁNCHEZ DEL VALLE (Ciudad de México, 1968 - )

Chihuahualien rosa Firmada Escultura en resina con acabado en acrílico iridiscente 5 / 30 38.5 x 14.5 x 34.5 cm Con certificado de autenticidad del artista. Inició su carrera de manera autodidacta, posteriormente ingresó a la Escuela Nacional de Bellas Artes en París así como en Parsons School of Design en Nueva York. Fue invitado por la embajada de México en Hungría, en colaboración con el Instituto Cervantes de Budapest, para llevar a cabo la exposición “Turning the inside out” en 2017. Su obra se ha exhibido de manera colectiva e individual en galerías y centros de cultura de México, Estados Unidos, Austria y Eslovaquia. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.lalosanchezdelvalle.mx

$30,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,555-$2,590 152

SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

114 ROMERO BRITTO (Recife, Brasil, 1963 - )

Wells, 2015 Firmado Acrílico sobre tela sobre tabla 24.5 x 19 cm Con certificado de autenticidad del artista. Romero Britto es un pintor, escultor y diseñador reconocido mundialmente por sus piezas multicolores, estilo proveniente del Pop Art y elementos cubistas. Sus obras se encuentran expuestas en galerías, museos, aeropuertos y plazas de diversos países de Europa, América y Asia. Además de trabajar con empresas internacionales como Absolut Vodka, Gran Marnier y Pepsi Cola realizando diseños para campañas publicitarias, Romero Britto es un activista en pro de las fundaciones que creen que el arte puede ser demasiado importante para no compartirlo; así que mediante diseños amigables, hace un recordatorio de que el arte puede ser un cambio positivo sobre los problemas del mundo. Con el tiempo ha logrado convertirse en un notable personaje del medio artístico del siglo XXI. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.britto.com

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,630-$4,665 ESTO ES AHORA

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115 OMAR MAÑUECO (Ciudad de México, 1977 - )

Coatlicue Tonantzin, 2017 Firmada al frente. Firmada y fechada 2017-2018 al reverso Mixta sobre tela 180 x 140 cm Con certificado de autenticidad del artista. Inició su formación profesional tomando clases de dibujo con José Luis Cuevas, posteriormente cursó la Licenciatura en Artes Plásticas en La Esmeralda y tomó algunos diplomados en Artes Visuales en la Academia Arteum en la Ciudad de México, así como talleres con maestros de prestigio como Luis Argudín, Edgardo Ganado Kim, Phillip Bragar, Alberto Castro Leñero, Hugo Kiehnle, Roberto Turnbull y Betsabeé Romero. Por su trabajo pictórico ha sido acreedor a premios y distinciones, destacando la Mención Honorífica para obra gráfica en la 2da Bienal de Artes Visuales de Yucatán en 2004. Actualmente, cuenta con 22 años de una sólida carrera artística y una destacada trayectoria docente. En su obra se aprecia una constante influencia del grafiti y del comic, así como de un dominio en el estudio por las técnicas de la pintura académica italiana. Su trabajo se divide en diversos géneros que a su vez derivan en series, todas ellas con su propia visión moderna. En el caso de "Coatlicue Tonantzin", Omar Mañueco pinta la representación de una de las más importantes deidades prehispánicas pero con una interpretación contemporánea. Tonantzin, también conocida como Coatlicue, es la diosa madre, venerada como la mujer con falda de serpientes; simboliza la fertilidad y la relación entre vida y muerte. La representación más conocida se encuentra en el Museo Nacional de Antropología de la Ciudad de México. "Esta obra es parte de una serie de ideas alrededor de la formas de ver y entender el universo de los antiguos nativos meso-americanos […] Es una representación que simboliza el ciclo continuo de la existencia mediante la conocida imagen de Tonantzin, nuestra madrecita". Omar Mañueco. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.omarmanueco.com

$30,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,555-$2,075 154

SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

116 SANTIAGO ROBLES (Ciudad de México, 1984 - )

Teoría de la inversión política Firmado al reverso Acrílico y lápiz sobre papel amate San Pablito Pahuatlán 118 x 78 cm Con certificado de autenticidad del artista. Publicado en: sitio oficial del artista www.santiagorobles.info Exhibido en: "Conectados por el azar" muestra presentada en la Galería Tu Mamá en la Ciudad de México en 2017. Estudió Diseño y Comunicación Visual en la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM y en Art Students League de Nueva York. Su trabajo ha sido premiado con el primer lugar del Catálogo Iberoamericano de la Feria Internacional del Libro de Guadalajara, recibió el premio en la categoría de libro de artista en la I Bienal Universitaria de Arte y Diseño UNAM, una Mención Honorífica en la I Bienal de los Volcanes de la Fundación Noval y fue becario del Programa Jóvenes Creadores del FONCA. Presentó la exposición "Migración" de manera individual en la Ciudad de México, en 2016 la muestra "Reparadora" en el Polyforum Siqueiros, en cuanto a colectivas ha participado en el Ex Teresa Arte Actual y colaborado en la Revista Código. Fuera de México ha presentado su obra en Francia, Austria, España, Brasil, Cuba y Estados Unidos. Esta obra es una suerte de crítica o sátira respecto a la influencia comercial y sobre todo colonial en México. Santiago Robles recurre al mural "Dualidad", de Rufino Tamayo, ubicado en el Museo Nacional de Antropología e Historia, para contraponer elementos, símbolos y significados de nuestra cultura, como la serpiente emplumada, el estilo y colores utilizados por el maestro Tamayo, en contraposición de la cultura pop. "La pieza 'Teoría de la inversión política' forma parte de un cuerpo profuso de obra que propone una lectura distinta de nuestro entorno actual; reflexionar sobre la influencia de la economía política en la cultura desde una perspectiva histórica a partir de algunas preguntas como: ¿De qué manera el libre mercado condiciona lo que entendemos hoy como cultura propia? ¿Cómo podemos interpretar de un modo distinto los mitos fundacionales de nuestra sociedad?". Santiago Robles. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.santiagorobles.info

$18,000.00-$26,000.00 M.N. USD $935-$1,350

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117 ADRIÁN RODRÍGUEZ TORRES (ART) (Ciudad de México, 1989 - )

Imaginación de infancia, de la serie Pasado presente Firmada y fechada 2018 Acuarela y acrílico sobre papel 44.5 x 52 cm Con certificado de autenticidad del artista. Es Licenciado en Artes Visuales por la Escuela Nacional de Artes Plásticas, obteniendo Mención Honorífica en su examen profesional por su desempeño y alto promedio. Ha apoyado proyectos museográficos en la Universidad Autónoma de Baja California, realizado conferencias, elaborado ilustración para libros, dado entrevistas sobre arte en radio mexicana y actualmente ejerce la docencia en la Academia de San Carlos. El 2017 realizó un mural en el marco del famoso festival Burning Man en Nevada, Estados Unidos, el cual fue admirado por más de 150 mil personas. Hoy en día, sus obras se encuentran en colecciones privadas de México y Estados Unidos, además cuenta en su currículo con diversas exposiciones individuales y colectivas, así como proyectos con marcas e instituciones, los cuales lo han colocado como un artista activo, vigente y propositivo. "Esta pieza pertenece a la serie ‘Pasado presente’, que trata la infancia y la imaginación como base de nuestro presente, y la importancia de la perseverancia de esta para la creación de un futuro mejor, deslindando a los niños de aquel dicho popular 'los niños son el futuro del mundo', quizá, pero la realidad es que es una responsabilidad que ni les pertenece y que es única de los adultos, quienes nos encargaremos de cambiar el futuro y dejarles un mejor presente". Adrián Rodríguez Torres. $8,000.00-$15,000.00 M.N. USD $415-$780

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118 CLAUDIO GALLINA (Buenos Aires, Argentina, 1964 - )

Desde las ramas, de la serie Cuadernos intervenidos, 2017 Firmado en lápiz y en cuaderno Acuarela, acrílico sobre cuaderno y papel de algodón 21 x 62 x 1.5 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, noviembre del 2017. Es egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Su obra se ha presentado en bienales y ferias de arte internacionales como arteBA, Art Miami, Art Madrid, PINTA New York, ARTBO en Colombia y la Bienal de Arte de Panamá. Ha realizado más de 30 exposiciones individuales entre las que destacan las presentadas en el Museum of Latin American Art en Los Ángeles, Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico, Museo de Arte del Tolima en Ibagué, Colombia, Galería Alfredo Ginocchio en la Ciudad de México y Centro Cultural Recoleta en Buenos Aires. También ha exhibido en muestras colectivas en Argentina, México, Colombia, Puerto Rico, Estados Unidos, Perú, España, Chile, Inglaterra y Panamá. Las obras de la serie "Cuadernos intervenidos", son libretas originales rescatadas de escuelas primarias de Argentina y otros países de Latinoamérica que el artista recoge en sus viajes. Sobre ellas el artista menciona: "Los presento como objetos y los intervengo dejando todo lo que pueda del original, para mí son piezas estéticas de por sí, además de que contienen la energía de la memoria". $50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,590-$3,630

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Las libretas Moleskine® siempre han estado vinculadas al talento y la creatividad. Son una herramienta básica para quienes bocetan, imaginan y crean en las más diversas expresiones. Moleskine® México convocó a 25 personalidades dedicadas a distintas artes: la pintura, el diseño de modas, la gastronomía, la ilustración, la caricatura y las letras, así como a importantes activistas para que donaran su trabajo e ideas para recopilarlas en una sola libreta: The Epic Moleskine. The Epic Moleskine, única en su género, fue creada con la idea de que el talento depositado en ella impulse el talento de jóvenes artistas, pues lo obtenido de su venta será duplicado por Moleskine® y se donará al FARO de Oriente en especie para impresión de obra, insumos, materiales, apertura y mantenimiento de talleres, entre otros. Este acercamiento también contempla la realización de clínicas y estancias con creativos como pintores, escultores, chefs, moneros, ilustradores y escritores. La Fábrica de Artes y Oficios de Oriente, mejor conocida como FARO, es un centro cultural y escuela que ofrece servicios para jóvenes de zonas con alta marginalidad en Iztapalapa, y cuya misión es fomentar el desarrollo de las expresiones más diversas e importantes de la cultura como una alternativa para alejarlos de situaciones de riesgo en las calles o problemas de adicción. El FARO es un modelo perteneciente a la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México que inició actividades en 1998, y desde entonces promueve entre los miembros de la comunidad el diálogo y el encuentro con las artes y la cultura, convirtiéndose en artífice de reconstrucción del tejido social. Para algunas familias del oriente de la Ciudad de México, este modelo de instrucción no oficial ha sido la única opción de acceso a la enseñanza al concluir los estudios básicos o para suplir la falta de estos. El FARO de Oriente es, dentro de la comunidad, un espacio para la convivencia. En sus cursos y talleres, los niños y jóvenes descubren y desarrollan sus habilidades artísticas y conocimientos que pueden devenir en opciones viables para una vida productiva. El FARO de Oriente ha probado ser un semillero de talento, muestra de esto es que algunos de sus exalumnos tienen un lugar importante en la escena artística nacional e internacional. La Secretaría de Cultura de la Ciudad de México ha replicado este programa en seis sedes más, pero siempre con la necesidad de sumar apoyos que impulsen y promuevan la creatividad y los logros de los miembros de su comunidad. Morton Subastas se complace en incluir en Esto es Ahora Subasta de Arte Contemporáneo una obra colectiva tan única y especial como es The Epic Moleskine.

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SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

El texto de presentación de The Epic Moleskine estuvo a cargo del escritor Jorge F. Hernández y las personalidades que la intervinieron son: Malala Yousafzai - activista Irvine Welsh - escritor Élmer Mendoza - novelista Alberto Ruy Sánchez - escritor Jan Hendrix - artista visual Yasmina Khadra - escritor Jis y Trino - moneros Sandra Lorenzano - escritora Rafael Pérez Gay - escritor y periodista Liniers - monero Gerardo Vaca - artista visual Alejandro Magallanes - ilustrador Xavier Velasco - escritor Rocío Cerón - poeta y editora Bef - escritor y dibujante de cómics Nino Bauti - creativo Edgar Flores “Saner” - muralista Alejandra Quesada - diseñadora de modas Marco Colín - dibujante Paco Huidobro - músico Dr. Alderete - ilustrador y diseñador gráfico Daniel Krauze - escritor Daniel Ovadía - chef y restaurantero Paulina Abascal - chef pastelera Más información en epicmoleskine.com

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Jorge F. Hernández

119 THE EPIC MOLESKINE

Firmada Libreta Moleskine® intervenida por 25 personalidades 21 x 13.5 x 3 cm Consulte todas las imágenes en www.mortonsubastas.com $30,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,555-$2,590

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SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

Gerardo Vaca

Malala Yousafzai

Jis y Trino

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Alberto Ruy Sรกnchez

Bef

Edgar Flores "Saner"

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Alejandra Quesada

Liniers

Alejandro Magallanes

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Marco Colín

Irvine Welsh

Jan Hendrix

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Dr. Alderete

Nino Bauti

Talento para inspirar tu talento.

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Pedro Friedeberg en la Colección de Reyna Henaine

Reyna Henaine fue galerista, coleccionista y promotora de arte latinoamericano durante más de tres décadas. Incursionó en el mundo del arte por primera vez en la década de los ochenta mediante la venta de obra gráfica. Algunos años después se asoció con la galerista Bertha Schwarsctein y juntas fundaron su primera galería: Grupo Arte Contemporáneo en la Ciudad de México. Manejaron obra de artistas de la talla de Raúl Anguiano, Gilberto Aceves Navarro, Juan Soriano, Jazzamoart y Kazuya Sakai, entre otros. En 1997, Reyna se mudó a Nueva York y creó Henaine Fine Art, un espacio físico y virtual a través del cual promovió a artistas norteamericanos y de América Latina, incluyendo al artista y diseñador Pedro Friedeberg. Cada una de estas piezas representa y celebra una larga trayectoria enfocada a la apreciación y la promoción del arte.

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120 PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - )

Horse catedral, 1967 Firmada Escultura de madera policromada y con hoja de oro 100 x 44.5 x 42 cm Presenta ligero desprendimientos de capa pictórica y desgaste en la madera. $250,000.00-$350,000.00 M.N. USD $12,955-$18,135

Colección de Reyna Henaine

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121 PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - )

Tattooed lady Firmada y fechada 2017 Acrílico sobre maniquí 74 x 40 x 28 cm Publicada en: sitio del artista www.pedrofriedeberg.com Presenta ligeros detalles de conservación. “Mi arte fue muy original y fresco. Hoy hay muchos que lo han copiado, pero en esa época nadie se atrevía a hacer exposiciones de dibujos de arquitectura y, aunque algunos lo despreciaban, en términos generales gustaba y rompía con lo que entonces se exponía: bodegones convencionales, arte mexicano de Rivera o Tamayo, o el arte abstracto de Goeritz o Felguérez… hay quienes me critican porque consideran que es vulgar decorar los objetos. Pero el ornamento es la forma más antigua del arte plástico y se caracteriza por darle un sentido religioso y excepcional a lo cotidiano”. Pedro Friedeberg. Fuente consultada: HOLTZ, Déborah et ál. Pedro Friedeberg. México. Trilce Ediciones, 2009, Pág. 319.

$120,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,220-$10,365 168

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Colección de Reyna Henaine

122 PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - )

Esquinas difíciles Firmada y fechada 2009 Acrílico, tinta y plumón sobre museum board 59.5 x 87.5 cm medidas totales con marco El marco es parte de la obra. Presenta ligeros detalles de conservación. Llegó a México a la edad de tres años. Estudió Arquitectura en la Universidad Iberoamericana donde fue alumno de Mathias Goeritz. Bajo su influencia, creó modelos arquitectónicos que fusionaban diversos elementos en una sola estructura, planteándolas como algo no sólo ficticio. Integrando Art Noveau y estructuras medievales, su trabajo anticipaba la postmodernidad. "Aunque la pertenencia de Friedeberg al surrealismo haya sido certificada por André Breton, lo más seguro es que su obra gravita en ese mencionado tercer plano que guarda imprudente distancia de cualquier tendencia en que se le encasille. Así como sus disociaciones deliberadas entre obra, título y significado, Friedeberg se disoció de la historia del arte del siglo XX, de la misma manera que un juego infantil prescinde de la lógica, porque él es un caso aparte, pese a que su obra sea legible a partir de muchos de los principios del surrealismo". Luis Carlos Emerich. Fuente consultada: HOLTZ, Déborah et ál. Pedro Friedeberg. México. Trilce Ediciones, 2009, pp. 31 y 42.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,365-$15,545 Colección de Reyna Henaine

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123 PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - )

Astroecological clock, 1997 Firmada Escultura de madera policromada con mecanismo interior de un reloj 58 x 40 x 22 cm Publicada en: sitio del artista www.pedrofriedeberg.com $100,000.00-$200,000.00 M.N. USD $5,180-$10,365 170

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Fin de la Colección de Reyna Henaine

124 ALONSO MATEO (La Habana, Cuba, 1964 - )

Brooch gold with turquoise Firmado y fechado 1998 en vinil Acrílico sobre tela 99 x 98.5 cm Realizó estudios en el Instituto Superior de Arte en La Habana, Cuba, es un artista multidisciplinario que ha utilizado la pintura, el grabado, diseño y performance, es uno de los miembros fundadores del Taller de Serigrafía Artística René Portocarrero también en La Habana. Dentro de sus exposiciones individuales, destaca su participación en la Universidad de Guanajuato, en la Galería OMR en la Ciudad de México, en Rosamund Felpen Gallery en Santa Mónica y en el Instituto Superior de Arte y Letras de La Habana, Cuba. En cuanto a exhibiciones colectivas ha participado en Toronto Internacional Art Fair, ha tenido varias participaciones en España: en la Galería Ángel Romero, en ARCO, en el Encuentro Internacional de Grabado en Casa de América, en la Muestra de Arte Cubano en el Hospital de Santa Cruz, en la Casa de la Cultura de los Pueblos y en la Galería Duris de Samos. En su país ha colaborado en la Fototeca de Cuba, en el Museo de Bellas Artes y en el Centro Provincial de Artes Plásticas y Diseño "Luz y Oficios", en El Centro Wifredo Lam y su obra ha sido seleccionada en varias ocasiones en la Bienal de Pintura Rufino Tamayo. Fuente consultada: sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,110-$4,145 ESTO ES AHORA

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125 RAYMUNDO SESMA

(San Cristóbal de las Casas, Chiapas, 1954 - )

Campo expandido VII Firmada y fechada 07 Escultura en policromo y aluminio 3 / 8 44.5 x 106 x 47.5 cm Con certificado de autenticidad de la galería Nina Menocal, en el cual se menciona errónamente un tiraje 6 / 8. Procedencia: adquirida en galería Nina Menocal. Colección privada. Maqueta del trabajo realizado por el artista en el marco de la Feria de Arte Contemporáneo Bâlelatina, en Basilea, Suiza, en el año 2007, dentro de las actividades paralelas de Art Basel. Artista multidisciplinario que recurre al dibujo, pintura, escultura e instalación. Es un productor de notable sensibilidad, cuya narrativa se acerca a problemáticas sociales, políticas, autobiográficas que gozan de un gran estilo arquitectónico, además se encuentra en permanente experimentación. A título Ilustrativo, la intervención de la grúa portuaria de Raymundo Sesma, busca propiciar espacios de acción entre la pintura tradicional con objetos de gran formato o escultura situados en el espacio para transformarlos en parte del paisaje. Es parte de este proyecto la pieza de aluminio a escala que proyecta el resultado final de su intervención urbana, donde toma como referencia el texto "De Constructio" perteneciente a Eligio Calderón, para hacer uso de aforismos relacionados a la arquitectura. La obra se realizó en la Ciudad de Basilea, Suiza, en el marco de la Feria de Arte Contemporáneo Bâlelatina. De su amplia trayectoria destacan las exhibiciones individuales en Galleria Palladio en Suiza, en MyOwnGallery en Milán, en el Museo de Arte Carrillo Gil, el Museo de Arte Moderno y en el Centro de la Imagen en la Ciudad de México, en Lattuada Pardo Gallery en Nueva York, Galerie Les Filles du Calvaire en París y en el Antiguo Convento de las Carmelitas en Cuenca, Ecuador. Representó a México en la XLII y XLVII Bienal de Venecia, su trabajo ha formado parte de muestras colectivas en el Centro Nacional de las Artes, en The Mexican Cultural Institute en Washington y en el Museo Nacional Prehistórico Etnográfico Luigi Pigorni en Roma. Su obra se resguarda en las colecciones del Museo Nacional de la Estampa y en el Museo Regional de Puebla, en el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, en la Biblioteca Nacional de Madrid, España, en el Metropolitan Museum en Nueva York, el Museo de Arte Moderno en Tokio, Japón, y en Victoria and Albert Museum en Londres, por mencionar algunas. $250,000.00-$350,000.00 M.N. USD $12,950-$18,135 172

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"Una construcción, primero que lo sea, inmediatamente habitable, que no la cubra ninguna idea acerca de ella, que sea sin verlo, sin prescripción, sin arquitecto, sin mapas dios que admitirme en su morada. "Una obra que sea habitable como una montaña, un bosque, una selva, una tempestad: su seguridad, sus sonidos, su diversidad, su pasión". Eligio Calderón.

Grúa portuaria antes de ser intervenida por el artista en la ciudad de Basilea, Suiza.

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126 FERNANDO PACHECO (Ciudad de México, 1959 - )

Estructura temporal 6 Firmada y fechada 2012 al reverso Resina sobre tinta y acrílico sobre madera 88 x 88 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicada en: MATOS MOCTEZUMA María Fernanda et ál. Fernando Pacheco. Estructuras infinitas. México. Aldama Fine Art, 2017, Pág. 32, catalogada 4. Licenciado en Diseño de la Comunicación Gráfica por la Universidad Autónoma Metropolitana, forma parte de los artistas de la galería Aldama Fine Art en la Ciudad de México, donde se realizó la exposición de la serie "Estructuras infinitas", conformada por esculturas y pinturas, cuyo hilo conductor es el azar de las líneas y formas, entre ellas esta obra. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en el Salón de la Plástica Mexicana en 2004, en el Centro Cultural Universitario, Tuxtla Gutiérrez, Chiapas en el 2000 y en el mismo año en el Museo de la Ciudad de México. "La práctica pictórica del artista visual parte de afortunadas piezas que acusan un goce en la intervención de la superficie del cuadro; capas que añaden poco a poco imprimaturas, veladuras, trazos de curvatura cuyo centro generador está fuera del soporte, perforaciones superficiales, capas de pigmento, capa de resina e incisiones reticulares que se suceden en estratos cuyo resultado deriva en mapas plásticos que se observan en piezas como Fibo 32, obras que mantienen aún elementos de trazo libre, goteos, perforaciones, colores y tramas que, en conjunto, generan texturas de naturaleza orgánica de innegable calidez". Sofía Neri Fajardo. Fuente consultada: MATOS MOCTEZUMA, María Fernanda et ál. Fernando Pacheco. Estructuras infinitas. México, Aldama Fine Art, 2017, Pág. 12.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,630-$4,665 174

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127 OLIVIA ROJO (Ciudad de México, 1967 - )

Puntos cardinales Firmado y fechado 17 Óleo sobre tela 135 x 170 cm Con certificado de autenticidad de la artista. Exhibido en: "Pasajes exposición de pintura y dibujo de Olivia Rojo" muestra presentada en Fundación Sebastian en noviembre del 2017. Estudió la Licenciatura en Diseño de la Comunicación Gráfica en la Universidad Autónoma Metropolitana y Pintura en La Esmeralda. Desde entonces se ha desarrollado como artista plástica, ilustradora, diseñadora y en el campo de la educación artística. Ha sido beneficiaria de la beca Jóvenes Creadores del FONCA y del Sistema Nacional de Creadores de Arte del CONACULTA; además, en 2001 su obra fue seleccionada en el IV Salón de Octubre y en 2004 en la XII Bienal de Pintura Rufino Tamayo. A lo largo de su carrera ha logrado participar en más de 34 exposiciones colectivas y realizar 13 individuales en galerías, museos e instituciones culturales, sobresaliendo las muestras en el Museo de Arte Carrillo Gil, Museo Tamayo y Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, así como el Museo de Arte Contemporáneo Alfredo Zalce en Morelia, Michoacán, el Museo de Arte de Querétaro, la Fundación Sebastian y en la Galería Espacio en Morges, Suiza. "Los trazos se comunican en su obra, chocan violentamente o se agrupan mediante una armonía oculta que se revela cuando el espectador se da cuenta del trasfondo humano que los anima. Las líneas cambian de color, se remarcan o difuminan en el lienzo, se enciman o estorban […] El negro, tonalidad del inconsciente, es un color omnipresente en los cuadros de Olivia Rojo. Su preponderancia se justifica cuando advertimos que toda interferencia es también un pasaje hacia la oscuridad de lo reprimido. De negro se pintan las raíces ocultas en la tierra y negros son los hilos de lo invisible, lo indecible y lo ignoto…". Lobsang Castañeda, fragmento del texto "Ganar espacios, sembrar raíces”. "En su muestra 'Pasajes', la línea es la protagonista y el punto de partida para crear su mundo. Un mundo diferente a aquel que le llamamos 'real'. La línea está vinculada con las formas, pero también con caminos y trazos sin ninguna aparente utilidad más que la de ser habitantes de un espacio plástico. Así, la línea, es restricción al mismo tiempo que libertad. Otra característica de la línea que en esta ocasión Olivia Rojo explora es la de su compleja indeterminación existencial. Esto es, la línea es en sí misma una sucesión infinita de puntos". Napoleón Camacho Brandi, fragmento del texto de la exposición "Pasajes". Fuente consultada: CASTAÑEDA, Lobsang. Interferencias. México. Museo de la Ciudad de México, CONACULTA, 2015, pp. 1 y 3.

$60,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,110-$4,655 ESTO ES AHORA

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128 BEATRIZ ZAMORA (Ciudad de México, 1935 - )

El Negro #1062 Firmada y fechada 1994 al reverso Mixta sobre tela 120 x 100 cm medidas del lienzo,154 x 134 cm medidas totales con marco Inició su formación con maestros particulares de pintura y cerámica, para posteriormente estudiar en la École des Beaux-Arts en París. Desde 1962 ha realizado más de 80 exposiciones individuales en México y en el extranjero. Más de cincuenta años de trayectoria y ochenta de vida, Beatriz Zamora es fuerte, poderosa y libre; ella es hija del universo. Ha sido la única mujer artista mexicana capaz de crear un sinnúmero de obras de arte con un solo color: el negro. El negro es el silencio, es la creación y el absoluto. Sus obras se rebelan ante los cánones preestablecidos y hablan por sí solos, feroces, apasionados, llámese incluso primitivos. Sus materiales, frutos de la naturaleza, surgen de la profundidad de la tierra para servir como un portal hacia lo infinito: carbón vegetal, carburo de cilicio, acerina, negro de humo, obsidiana son algunos de los elementos utilizados para crear estos portales hacia la contemplación. "En las obras de Beatriz el tamaño no parece importante. Hay piezas pequeñitas que son universos fascinantes y de un gran contenido poético, tan rico como las de gran formato. Cada pieza es como un fragmento de la noche". Eduardo Rubio. Fuentes consultadas: RUBIO, Eduardo. Historia de una artista excepcional. México. Ediciones Castillo, 1998, Pág. 8 y texto de sala de la muestra "El negro de Beatriz Zamora. Una celebración de vida", presentada en Galería Enrique Guerrero en 2015.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,180-$7,770

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129 BOSCO SODI (Ciudad de México, 1970 - )

Sin título Firmado y fechado 2003 Óleo y arena sobre tela 60 x 60 cm Con documento que especifica la autenticidad de la pieza. Bosco Sodi es un reconocido artista mexicano que siempre está en constante búsqueda de trascender las barreras de lo conceptual. Convierte el trabajo en sí, en una memoria, una reliquia simbólica y una conversación con la materia prima. Deja muchos cuadros sin título, con la intención de eliminar cualquier conexión más allá de la existencia de la obra. Gusta de explorar con materiales ricos en texturas y colores. Trabaja de forma horizontal, directo en el piso, siendo sus manos la herramienta principal para pintar. Utiliza mezcla de aserrín, fibras de árboles y pigmentos para crear una masa parecida al lodo, lo que hace que la capa pictórica de sus piezas tengan distintos grados de texturas, en algunos casos son superficies uniformes y en otras se crean grietas y craqueladuras en diversas intensidades. Su influencia artística proviene de las líneas de Antoni Tàpies y Jean Dubuffet, del expresionismo abstracto de Mark Rothko y Willem de Kooning y del colorido vibrante de su herencia oaxaqueña. Ha expuesto en reconocidas galerías de México y el extranjero. Ha participado en importantes ferias de arte internacionales como Art Basel Miami, Zona MACO, Frieze Art Fair y ARCO. Su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas alrededor del mundo. Actualmente vive y trabaja entre Nueva York, Barcelona, Berlín y la Ciudad de México. "Mi obra es orgánica. Me gusta convertir la pintura al óleo en una especie de escultura. Quiero que el espectador juegue con la obra y crea que proviene de marte, de la luna o del desierto". Bosco Sodi. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.boscosodi.com

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,365-$15,545 178

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130 FERNANDA BRUNET (Ciudad de México, 1965 - )

Sin título Firmados y fechados 1997 al reverso del bastidor Óleo sobre tela 51 cm diámetro de cada uno Piezas: 2 Procedencia: perteneció al coleccionista, galerista y curador Carlos Ashida. Colección particular. Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, recibió el premio de la Bienal Rufino Tamayo en la Ciudad de México, la Bienal de Artes Visuales de Mérida y ha sido ganadora de la Bienal de Pintura de Monterrey. Su obra forma parte de colecciones importantes como Peter Stuyvesant Foundation, British American Tobacco, San Diego Museum of Art, La Colección Jumex y The Weisman Foundation. Fernanda Brunet ha explorado distintas narrativas plásticas, que tienen sus bases en la pintura de caballete y que posteriormente ha reunido con elementos del cómic e historietas. $50,000.00-$80,000.00 M.N. USD $2,590-$4,145 180

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131 EMILIO SAID (Ciudad de México, 1970 - )

Destino México directo Firmado y fechado 94 Grabado en aguafuerte y aguatinta 1 / 10 47 x 51 cm Con etiqueta de la VI Bienal Nacional Diego Rivera. Exhibida en: la VI Bienal Nacional Diego Rivera de Dibujo y Estampa, muestra presentada en el Museo Casa Diego Rivera de Guanajuato en 1994. Emilio Said es un artista visual mexicano en cuya obra prevalece un sentido de experimentación urbana donde los rasgos de la arquitectura articulan las líneas principales de sus paisajes. Es egresado de La Esmeralda y miembro actual del Sistema Nacional de Creadores de Arte. En 1998 impartió un curso de gráfica en la Hochschule für Kunst de Bremen, Alemania y en el 2001 realizó una residencia en Viena apoyado por el programa Artist in Residence. También ha sido acreedor a la beca Jóvenes Creadores del FONCA y a las Menciones Honoríficas de la Bienal de Artes Plásticas del Museo de Arte Contemporáneo de Yucatán, de la Bienal Nacional Zalce en Michoacán y del Premio Omnilife en Guadalajara, además de ser reconocido con el Premio de Adquisición Bienal Internacional de Grabado del Museo Posada en Aguascalientes. Su obra se ha presentado en galerías, museos y casas de cultura de México, Perú, Chile, Estados Unidos, Francia, Alemania, España, China, Corea del Sur y Singapur. "El tránsito entre medios es donde mejor me expreso, me gusta alternar la gráfica con la pintura para que se retroalimenten […] Me gusta participar en intervenciones urbanas o de instalaciones, ya que para mí son vasos comunicativos que van construyendo una obra mayor". Emilio Said. Fuente consultada: GONZÁLEZ, Joel. "Exposición muestra vínculo entre la arquitectura y el individuo". México. Milenio Novedades, sección Entretenimiento, 17 de septiembre del 2016.

$6,000.00-$10,000.00 M.N. USD $310-$520 182

SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

132 REYNALDO DÍAZ ZESATI (Monterrey, Nuevo León, 1977 - )

De la serie Cuentos para Marat III, 2008 Firmado Óleo sobre tela sobre madera 120.5 x 100 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, febrero del 2018. Es un sobresaliente artista plástico mexicano egresado de la Universidad Autónoma de Nuevo León. Al término de sus estudios en Arquitectura, complementó su formación artística tomando diferentes cursos de pintura con destacados maestros del medio, además de realizar una residencia en la School of Visual Arts de Nueva York. Entre el 2007 y 2014 fue seleccionado para la Bienal FEMSA, la Bienal Pedro Coronel, la Bienal de Pintura Alfredo Zalce y la Bienal Nacional de Artes Visuales de Yucatán. Además, en 2005 y 2009 obtuvo los premios de adquisición en la Reseña de la Plástica de Nuevo León y posteriormente fue reconocido con una Mención Honorífica en Salón de Noviembre Arte A.C. Ha expuesto de manera individual y colectiva en la Pinacoteca de Nuevo León, en el Museo Metropolitano de Monterrey, en Drexel Galería, en Dallas Art Fair, Houston Fine Art y Zona MACO, entre otras. "Artista plástico que en sus obras el eje central es el lugar que ocupa el hombre en el tiempo y su circunstancia. La temática que aborda en las series de su pintura, es más bien lúdica, buscando un poco en anécdotas de la infancia y otras más basadas en la idea del paisaje y la construcción del espacio, mediante el uso de la línea. Su trabajo es eminentemente autorreferencial tratando de indagar en vivencias de su edad formativa, como una forma de comprender quién es hoy en día". Drexel Galería.

Fuentes consultadas: MARTÍNEZ, Teresa. "Retoma con su pincel ornamento de antaño". México. Reforma, sección Cultura, 25 de junio del 2015 y sitio de Drexel Galería www.drexelgaleria.com

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,590-$3,630 ESTO ES AHORA

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133 WUERO RAMOS (Ciudad de México, 1979 - )

Vista en soledad Firmado y fechado 2008 al reverso Óleo sobre madera 20 x 25 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: MATOS MOCTEZUMA, María Fernanda et ál. Wuero Ramos. El misterio de la tristeza. México. Aldama Fine Art, 2013, Pág. 73, catalogado 27. $20,000.00-$30,000.00 M.N. USD $1,040-$1,555

Estudió la Licenciatura en Artes Visuales y es Maestro en Pintura por la ENAP, recibió el primer Premio de Adquisición en el Concurso de pintura profesional Royal Talens en 2012, Mención Honorífica en la Bienal de Pintura Alfredo Zalce y en el XXV Encuentro Nacional de Arte Joven en Aguascalientes en 2007. En su trayectoria destacan las exposiciones individuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas en 2004 y en Centro Cultural Casa Tomada en 2005. Su obra ha sido expuesta en bienales como la VI Bienal Pedro Coronel en Zacatecas, X Bienal de Dibujo y Estampa Diego Rivera en Guanajuato y la IV Bienal de Puebla de los Ángeles, por mencionar algunas. En su producción otorga importancia a lo intangible, a el paso del tiempo, el trascender en la memoria o permanecer en el olvido como objetos mediante paisajes y la contemplación.

Fuentes consultadas: MUÑOZ SALDAÑA, Rafael et ál. Wuero Ramos. El misterio de la tristeza. México. Aldama Fine Art, 2013 y sitio oficial del artista www.wueroramos.com

134 WUERO RAMOS (Ciudad de México, 1979 - )

Árbol y lento amanecer Firmado y fechado México DF 2009 al reverso Óleo sobre madera 19.5 x 24.8 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: MUÑOZ SALDAÑA, Rafael et ál, Wuero Ramos. El misterio de la tristeza Vanidad y paisaje en la obra del Wuero Ramos. México. Aldama Fine Art, 2013, pp. 27 y 68, catalogado 22. $20,000.00-$30,000.00 M.N. USD $1,040-$1,550 184

SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

Otra vista

135 VÍCTOR PÉREZ-RUL (Ciudad de México, 1983 - )

(dis)order landscape 01, 2017 Firmada Cristalización de tártaro de potasio y sodio en resina, pieza única 20 x 39.5 x 19 cm Con certificado de autenticidad del artista, 2018. Es diseñador industrial de formación, aspecto que contribuye determinantemente en el uso de materiales como el acrílico, paneles solares, artículos tecnológicos, cristales o piedras, resinas e instrumentos musicales electrónicos para crear réplicas de estructuras orgánicas o formas de la naturaleza. Artista multidisciplinario que recurre a la escultura e instalación con múltiples objetos, su sistema de producción depende en gran medida del trabajo de investigación y conceptualización de la misma, es una alineación entre ciencia y arte como búsqueda de interpretaciones y entendimiento del universo que nos rodea. Expuso su trabajo de manera individual en importantes instancias culturales como el Antiguo Colegio de San Ildefonso, el Laboratorio de Arte Alameda, en Southwest School of Art y en el Mexican American Cultural Center en San Antonio, Texas. En la Ciudad de México ha participado de manera colectiva en varias ediciones de Salón ACME, en Art Cage, en la Galería Karen Huber, en el Museo de la Ciudad de México; y en Europa destacan sus participaciones en el Crosser Border Festival en Holanda y en Unpainted Art Fair, en Múnich, Alemania. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.victorperezrul.com

$36,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,865-$2,590

ESTO ES AHORA

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136 SOFÍA ECHEVERRI (Guadalajara, Jalisco, 1971 - )

Ensayo para poderlo todo, de la serie Traductores Firmado y fechado 2016 al reverso Acrílico sobre lienzo 170 x 130 cm Con certificado de autenticidad de la artista. Publicado en sitio oficial de la artista: www.sofiaecheverri.com Esta obra fue seleccionada en la Bienal UNAM de Artes Visuales, 2016. En su obra habitan personajes fantásticos, pequeñas figuras humanas que tienen cabeza de animal, colocados en paisajes monocromáticos, donde su acción o pensamiento dentro de la imagen toma movimiento, energía y explosión de color, como llamaradas abstractas que detonarán en el entorno un acontecimiento que la artista deja a la interpretación, como si el espectador estuviese presenciando una especie de ritual o transformación del paisaje. Esta pieza perteneciente a la serie "Traductores", busca representar la forma en la que percibimos el mundo. El trabajo de Sofía Echeverri ha sido seleccionado en la I Bienal de Paisaje en Sonora, en la VI Bienal Nacional de Yucatán, en la XI Bienal Nacional Diego Rivera de Dibujo y Estampa en Guanajuato donde recibió una Mención Honorífica, en la Bienal José Clemente Orozco y en la I Bienal Nacional de Artes Visuales en Yucatán. Ha formado parte de exposiciones colectivas en México, Colombia, Argentina, Italia y Singapur, así como en exposiciones individuales en el interior de la República. Su obra forma parte la colección del Museo Diego Rivera en Guanajuato, del Museo Raúl Anguiano en Guadalajara y de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público. "Me interesa observar el comportamiento humano en situaciones de poder así como la utilización de la ficción en lo que pretende ser realidad, el doble discurso". Sofía Echeverri. Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.sofiaecheverri.com

$80,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,145-$5,180 186

SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

137 SAMUEL MELÉNDREZ BAYARDO (Guadalajara, Jalisco, 1969 - )

El ventanal, 2007 Firmado Óleo sobre tela 130 x 150 cm Con certificado de autenticidad del artista, marzo del 2018. Estudió en la Escuela de Artes Plásticas de Guadalajara y fue integrante del Sistema Nacional de Creadores del FONCA. Su obra está incluida en el Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara MUSA, en el Acervo Patrimonial del Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, es integrante de la Colección del Pueblo de Jalisco de la Secretaría de Cultura de Guadalajara e integrante de la Colección del Museo de Arte Moderno. Los lienzos de Samuel Meléndrez son únicos e irreconocibles, están dotados de elementos arquitectónicos: columnas, de interiores con iluminación a contraluz, esculturas, establecimientos comerciales, vistas de azoteas. La ausencia de figuras humanas provoca una atmósfera nostálgica de otra época, de abandono, incluso desolación, son objetos los que habitan las imágenes. Su estilo pictórico remite al del artista Edward Hopper, que retrata el estilo de vida contemporáneo estadounidense y la cultura material. Su trabajo se ha presentado de manera colectiva en Centro de Arte Moderno de Guadalajara, en la Galería Lacaye en Los Ángeles California, en el Museo de Arte Carrillo Gil, en Mexican Fine Arts Center Museum y en Sara Lee Foundation en Chicago, en la Galería José María Velasco en la Ciudad de México, En Aldama Fine Art, en Ex Teresa Arte Actual y en el Museo Universitario del Chopo, por mencionar algunos. “Está claro que la producción del artista ha contribuido –dentro de y desde el contexto del arte en México- a la historia visual de las soledades en la ciudad contemporánea”. Eric Castillo. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.samuelmelendrezbayardo.com

$120,000.00-$150,000.00 M.N. USD $6,220-$7,770 ESTO ES AHORA

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138 KRYSIA GONZÁLEZ (Ciudad de México, 1992 - )

Infected nation Firmada y fechada 2017 Mixta sobre tela 88 x 156 cm Con certificado de autenticidad de la artista, febrero del 2018. Krysia González es una joven artista plástica cuya obra está enfocada principalmente en el género del paisaje y sus aristas. Estudió la Licenciatura y el Posgrado en Artes Visuales en la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM, en el 2015 realizó una estancia de Investigación en la Universidad Complutense de Madrid en la Facultad de Bellas Artes y posteriormente asistió a diversas residencias artísticas en el Centro de Residencias e Investigación Artística en Ensenada, Baja California. Actualmente es beneficiaria de la beca Jóvenes Creadores del FONCA y concluye el Posgrado en la Academia de San Carlos. Ha exhibido su obra en diversos museos y galerías en México, España e Italia. En 2017 obtuvo Mención Honorífica en la Primera Bienal de Pintura de Paisaje Luis Nishizawa. "La representación de sus paisajes son realidades socio-territoriales, donde se combina el paisaje natural con el paisaje cultural de la industrialización que conquista el horizonte; casi ausente de representación humana, la atmósfera, de desolación convierte a la visión en un acto emocional de reconstrucción de la memoria. Con pinceladas que se convierten en improntas sobre la territorialidad de la superficie pictórica, crea la representación del ambiente, fusionando mediante la gestualidad tierra, cielo, mar y presencia humana en un estallido de luz que delata la experiencia espiritual de fusión con el todo, estableciendo su trabajo como un puente para hacer visible lo infinito en lo finito. "La experiencia sensible de su mundo plástico se configura a partir del proceso visual del trabajo del ojo y de la luz, siendo capaz de dar forma a lo infinito. Las gradaciones de color y los recorridos de luz y sombra nos llevan más allá de la representación externa de la naturaleza y los objetos, nos hace introducirnos en ella, una inmersión que permite al espectador encontrar y encontrarse, una búsqueda, un estar ahí, transmutándonos en seres sensibles a lo que ocurre, a lo que está en movimiento, a lo efímero que parece eterno". Rafael Alfonso Pérez y Pérez. Fuente consultada: sitio de la artista http://krysiagonzalez.wixsite.com

$20,000.00-$36,000.00 M.N. USD $1,040-$1,865 188

SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

139 ESTRELLA CARMONA RONZÓN (Veracruz, 1962 - Ciudad de México, 2011)

R.V.R. Firmado y fechado 2003 al reverso Acrílico sobre tela 50 x 40 cm Con certificado de autenticidad. Fue una destacada artista plástica cuya obra se caracteriza por la inclinación a los temas de la industria, la guerra, las máquinas e inteligencia artificial, la energía atómica y todas aquellas imágenes que contengan una gran fuerza crítica y simbólica en la sociedad. Inició sus estudios a la edad de 16 años en La Esmeralda; en 1980 complementó sus estudios tomando clases de Etnología en la Escuela Nacional de Antropología e Historia y al siguiente año de Filosofía en el Claustro de Sor Juana. Fue acreedora a una beca para hacer una residencia en The Edward F. Albee Foundation, Inc. en Nueva York, y fue invitada a colaborar en diversos proyectos nacionales, destacando su participación en la Siderúrgica Altos Hornos de México para la creación de murales alusivos en Monclova, Coahuila, donde residió 3 años. La singular originalidad de su obra ha sido apreciada en exposiciones colectivas e individuales y que se han montado post mortem en galerías y museos de México, Estados Unidos, Cuba, Chile, Ecuador, España, Francia, Italia, República Dominicana, Sudáfrica y Yugoslavia. En toda su producción pictórica, gráfica y de animación digital, incorporó el tema de la relación tecnología versus sociedad, el cual tiene una fuerte influencia filosófica y política proveniente de los conflictos armados de la segunda mitad del siglo XX y de los escritos de Nietzsche, Kierkegaard, Schopenhauer y Spinoza. El caso de la aparición tardía de la figura humana en su obra, es de gran importancia para la formación de su discurso artístico, ya que antes no sabía cómo despojar un cuerpo humano de su significado erótico, hasta que optó por la representación del llamado posthumanismo mediante robots y cíborgs. En estas obras, Estrella Carmona acostumbraba a pintar con pinceladas violentas y trazos anchos, siluetas y contornos esbozados, una paleta monocromática con toques finales de colores intensos y contrastes de luces y sombras pronunciadas que exaltan la esencia de la pieza. "R.V.R." remite de manera libre a las películas distópicas de ciencia ficción "The day the Earth stood still" y "The war of the worlds". Fuente consultada: TIBOL, Raquel. "La fuerza vigente de Estrella Carmona". México. Proceso, sección Cultura y Espectáculos, 6 de mayo del 2012.

$30,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,555-$2,590 ESTO ES AHORA

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140 YAMPIER SARDINA (La Habana, Cuba, 1979 - )

Sin título, de Rain series Firmado y fechado VIII 016 Óleo sobre tela 91 x 122 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Realizó estudios en la Escuela Elemental de Artes Plásticas 20 de Octubre y en la Academia Nacional de Artes Plásticas San Alejandro, ambas en La Habana. Fue discípulo de Arturo Montoto, con quien realizó varios proyectos murales. Actualmente vive y trabaja en Miami. "Rain series" es un proyecto que Yampier Sardina comenzó en 2013. Para Yampier la lluvia es sinónimo de intimidad y verla detrás de un cristal le da la posibilidad de jugar con las formas, de proponer una imagen inconclusa, realista y a la vez abstracta. Al mismo tiempo, brinda al espectador muchas maneras de verla y de especular incluso cuál es el lugar representado, porque, aunque parte de fotos, siempre les hace cambios y en palabras del autor:"pueden ser donde sea. Me gusta mucho jugar con el concepto de la mentira, es una mentira que lleva a un conocimiento". $100,000.00-$120,000.00 M.N. USD $5,180-$6,220 190

SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

141 OFILL ECHEVARRÍA (La Habana, Cuba, 1972 - )

Issues Firmado al frente en vinil. Firmado y fechado NYC 2014 al reverso Óleo sobre tela 120.5 x 126.5 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, septiembre del 2014. Es egresado de la Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro de La Habana, Cuba. En 1992 viajó a la Ciudad de México donde vivió hasta el 2002, para luego trasladarse a Estados Unidos donde actualmente vive y trabaja. Además de realizar obra pictórica, Ofill ha practicado el grabado y realizado obras audiovisuales, las cuales ha presentado en importantes recintos culturales de Nueva York. No obstante, para él, la pintura es su principal oficio, buscando siempre la forma de innovarla mediante la influencia de nuevas tecnologías. En una entrevista realizada en Berlín para la revista digital ARTE FUSE, posterior a su última exposición en Valencia en 2017, mencionó que la apariencia de velocidad que constantemente aparece en su trabajo proviene del estudio de la fotografía y de su continua observación a la ciudad, específicamente de su gusto por mirar el flujo constante de las calles, es decir, la energía visible que se genera en las metrópolis por la activación diaria de la gente. A lo largo de su carrera ha realizado un sinfín de exposiciones individuales en museos, instituciones y galerías de diversos países de América Latina y Estados Unidos. Además, sus obras forman parte de importantes colecciones públicas y privadas, entre las que destaca el Centro de Desarrollo de las Artes Visuales y el Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana, el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, el Centro Nacional de las Artes de Nuevo León y la Fundación Merrill Lynch para las Artes en Miami. Fuente consultada: ISLA, Mónica. "Entrevista con el artista Ofill Echevarría". Estados Unidos. Sección Entrevistas, 31 de julio del 2017.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,630-$4,665

ESTO ES AHORA

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142 OMAR CASTILLO (Ciudad de México, 1987 -)

De la serie Límites Firmada al reverso Acuarela, acrílico, gouache y hoja de oro sobre papel 73 x 52 cm Con certificado de autenticidad del artista. Es un artista plástico que cursó estudios en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda. En su obra aborda la preocupación en temáticas relacionadas a las zonas limítrofes, la delgada línea entre lo rural y la urbe, las transformaciones sociales que encuentra irreversibles, busca evidenciar la metamorfosis urbana como consecuencia de la intervención arquitectónica y de monopolios en zonas rurales. Actualmente Omar Castillo tiene interés en desarrollar obra a través de video mapping o realidad virtual con otros artistas. Su obra puede considerarse dentro del género de instalación ya que utiliza materiales recolectados en zonas específicas como parte de la conceptualización de sus piezas como restos de madera y techos de lámina intervenida. $16,000.00-$22,000.00 M.N. USD $830-$1,140

143 MIGUEL ÁNGEL GARRIDO (Ciudad de México, 1982 - )

Me viste dormir

Firmado y fechado 10 Óleo sobre tela 156 x 99 cm

Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: ALDAMA, José Ignacio et ál. Miguel Ángel Garrido. Todos nuestros fantasmas. México. Aldama Fine Art, 2010, pp. 41 y 42, catalogado 14. Vive en San Miguel de Allende, Guanajuato, donde tiene su estudio y cursó la Licenciatura en Artes Visuales en el Instituto Allende especializándose en pintura. Fue becario del programa Jóvenes Creadores del FONCA en el periodo 2010-2011, entre sus exposiciones individuales destacan "Mientras sigamos vivos", "Todos nuestros fantasmas" y "Serán mi nostalgia" llevadas a cabo en Aldama Fine Art. Las piezas de gran formato son parte de su imaginario cotidiano, donde convergen la fotografía y la pintura, para documentar la figura humana, su obra contiene gran carga anecdótica íntima en habitaciones, comedores u objetos de uso diario, así como de sitios y actividades en exteriores: restaurantes, parques públicos o supermercados. "En efecto, estamos ante un pintor que confunde el lienzo con la cámara fotográfica, o la cámara fotográfica con la pintura, o el arte con un diario, de esos que antiguamente se escribían a mano en un cuaderno, el cual a su manera nos muestra página por página, cuadro por cuadro, y al hacerlo nos abre, no sin cierta impudicia, su vida". Gonzalo Vélez. Fuentes consultadas: VÉLEZ, Gonzalo. Miguel Ángel Garrido. Lo que habitamos. México. Aldama Fine Art, 2014, Pág. 2 y sitio oficial del artista www.miguelangelgarrido.com

$80,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,145-$5,180

192

SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

ESTO ES AHORA

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144 FABIÁN CADENA MONTES (Ciudad de México, 1975 - )

Escisión, 2004 Sin firma Fotografía análoga, impresión cromógena, políptico. Edición de 8 ejemplares 30.2 x 30.2 cm Piezas: 4, enmarcadas juntas Con certificado de autenticidad del artista. Es un fotógrafo con más de veinte años de trayectoria; especializado en fotografía de retrato, escena y reprografía de piezas de arte. A la par del trabajo comercial ha desarrollado una línea creativa personal de lenguaje abstracto que muestra las posibilidades de la fotografía como materia para producir nuevos escenarios. "Hacer uso de la fotografía como método de lo que percibo como realidad, es un mecanismo que desarrollé como forma de interpretar y rememorar acontecimientos personales. Entiendo que la fotografía es siempre un juego entre lo subjetivo o lo objetivo, es precisamente esa línea sutil en la que me interesa realizar una suerte de equilibrismo. Desde mi perspectiva no es necesario reconstruir una experiencia integral de un determinado momento para traerlo de vuelta a la memoria, basta un sesgo, una mínima parte o un detalle para transportarlo al presente y con ello construir otra forma de rememorar". Fabián Cadena Montes. $10,000.00-$15,000.00 M.N. USD $520-$780 194

SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

145 LILIANA GÁLVEZ (Ciudad de México, 1981 - )

Crucero, 2018 Sin firma Óleo sobre madera 49 x 200 cm Con certificado de autenticidad de Impulso Galería firmado por la artista, marzo del 2018. Liliana Gálvez cuenta con una Licenciatura en Artes Visuales por la Universidad Autónoma de Querétaro y un Diplomado en Tendencias del Arte Contemporáneo. Ha sido acreedora a diversos premios y reconocimientos, entre ellos el primer lugar en 2005 y 2007 en el concurso Libertad de Pintura, Escultura y Fotografía de la Galería Libertad en Querétaro, además en 2009 fue seleccionada para la exposición de la IX Bienal de Monterrey FEMSA en Monterrey y para la IV Bienal Nacional de Artes Visuales de Yucatán. Su obra ha formado parte de exposiciones colectivas e individuales en casas de cultura, ferias y galerías de México y España. Su arte ha sido publicado en la portada de "Crónicas de Eva" del Instituto Queretano de la Cultura y las Artes, así como en "Calendario de cantinas" del 2007 al 2010, muestra la mayor parte de su obra de la serie "Cantinas". Además de ejercer como artista plástica, ha practicado la docencia a nivel licenciatura en San Miguel de Allende en Guanajuato y en escuelas preescolares y primarias en Querétaro. Con respecto a su obra pictórica, Liliana Gálvez hace énfasis en los efectos visuales, los cuales son resultado de una constante experimentación, de aciertos y fracasos, hasta que consiguió la atmósfera que deseaba. Por ejemplo, en sus series "Temporada de Huracanes" y "Calentamiento Global", hace énfasis en la inquietud del cambio climático mediante el uso de efectos atmosféricos que ella misma contempló, pintando escenas urbanas, como si estuviese dentro de un auto y viera llover o viera un calentamiento extremo. Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.lilianagalvezheras.com

$55,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,850-$3,630

ESTO ES AHORA

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Pancho López, "Picnic formal", Nueva York, 1998. Fotografía: Pedro Linger

146 PANCHO LÓPEZ (Ciudad de México, 1972 - )

Picnic, 2017

Firmado y fechado 2017 al reverso

Grafito y barniz sobre mantel 120 x 120 cm medidas totales Piezas: 6 Exhibido en: "20 Años de Picnic", muestra individual presentada en Galería Regia en Monterrey, en 2017. Estudió Ciencias de la Comunicación en la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la UNAM. Fue jefe del Departamento de Performance y Arte Actual del Museo Universitario del Chopo y fue coordinador de la Licenciatura de Comunicación y Gestión de la Cultura y las Artes de la Universidad de la Comunicación. Ha sido coordinador del Encuentro Internacional de “Performagia”, el concurso de moda alternativa “.modales”,el festival de Performance “EXTRA” y “EJECT”, festival de videoperformance de la Ciudad de México. Ha participado en muestras y festivales de performance en Canadá, varios países de América Latina, así como China, España, Portugal, Brasil, El Salvador, Ecuador, Cuba, Polonia, Alemania y Estados Unidos. Ha sido becario de la Secretaría de Cultura del Gobierno del Distrito Federal, Coinversiones del FONCA, PROCINE, PADID y PAPIAM-CENART. Actualmente es beneficiario de las becas PADID 2017 y Fundación Jumex Arte Contemporáneo, 2018. “Picnic formal” es seguramente la acción más icónica de la obra de Pancho López, en ella saca de su contexto una acción tan convencional como comer. La ha repetido en más de 17 ocasiones y ha sido rememorada en dos exposiciones en Ex Teresa Arte Actual en 2007 y en la Galería Regia en 2017. Todo comenzó en 1997, en Ex Teresa, mientras tomaba un taller con Andrea Ferreyra quien les pidió sacaran algo de su contexto original. “A mí se me ocurrió sacar de contexto algo tan convencional como comer. Así que me fui al Zócalo, con todo y mi mesa, y comencé mi performance. No dejaban de mirar extrañados lo que hacía, pero me dejaban comer”, comenta. El segundo picnic lo hizo en plena clase en la Facultad de Ciencias Políticas. “Mientras estaban exponiendo, yo me preparaba una torta descomunal, con todos los ingredientes que te puedas imaginar. Tenía a todos embobados preparándome el baguette; cuando le di la mordida hubo un grito general y todos se salieron a comer, fue muy divertido”. Fuente consultada: AGUILAR GARCÍA, Juan Carlos. “Pancho López revisa su Picnic formal”. México. Diario La Crónica, sección Cultura, 25 de febrero del 2007.

$15,000.00-$20,000.00 M.N. USD $780-$1,040 196

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147 DULCE PINZÓN (Ciudad de México, 1974 - )

Road trip, de la serie The wonderful life of Andy, 2012-2017 Sin firma Fotografía a color, impresión digital 1 / 5 50 x 60 cm Con certificado de autenticidad de la artista. Publicada en: sitio oficial de la artista www.dulcepinzon.com Estudió Comunicaciones en la Universidad de las Américas Puebla y Fotografía en la Indiana University en Pensilvania. En 1995 se trasladó a Nueva York donde estudió en The International Center of Photography. Ha sido becaria del FONCA en el programa Jóvenes Creadores. Una de sus obras ganó la XII Bienal de Fotografía de El Centro de la Imagen. En 2010 obtuvo el The Gaea Foundation/ Sea Change Residencies Award y en 2011 el premio de adquisición de Perrier en Zona MACO. En 2012 fue invitada a participar en el renombrado festival de fotografía Les Rencontres d'Arles en Francia, esta participación le dio una nominación para el prestigioso Prix Pictet; el mismo año obtuvo una mención honorífica en la X Bienal FEMSA. Su libro "La verdadera historia de los superhéroes" fue publicado en tres idiomas por Editorial RM y el FONCA. Esta obra pertenece al proyecto "The wonderful life of Andy", una serie de fotografías documentales/ficticias sobre la vida de la bella Andy, una joven contemporánea que vive apasionadamente el espíritu y la estética de los años 50. El peculiar estilo de vida de Andy se ha convertido en un ejemplo inspirador para una generación de jóvenes mexicanos, una vida que, junto a su hijo Maximiliano y su esposo Vincent (el vocalista de los Rebel Cats), es observada de cerca. La aportación de esta pareja a la escena musical mexicana ha comenzado a solidificar pautas estéticas, las cuales han interesado a Pinzón y por lo tanto considera importante documentar. Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.dulcepinzon.com

$26,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,350-$2,075

ESTO ES AHORA

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148 MYRNA QUIÑONEZ (Los Mochis, Sinaloa, 1987 - )

Trayecto Firmado y fechado 2017 Óleo sobre tela 150 x 100 cm Con certificado de autenticidad de la artista. Publicado en: sitio oficial de la artista con el título "Trayecto I" www.myrnaquinonez.com $40,000.00-$50,000.00 M.N. USD $2,075-$2,590 198

SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

149 MYRNA QUIÑONEZ (Los Mochis, Sinaloa, 1987 - )

Retrato Firmado y fechado 2018 Óleo sobre tela 89 x 60 cm Con certificado de autenticidad de la artista. Publicado en: sitio oficial de la artista con el título "XZ" www.myrnaquinonez.com Estudió la Licenciatura en Artes Plásticas en la Universidad de Guanajuato. En su trayectoria destacan las exposiciones individuales y colectivas en su casa de estudios, en 2017 tuvo una muestra individual en Limited Edition Gallery en Art District, Miami, ese mismo año en Dôce 18 Concept House Gallery en San Miguel de Allende y en el Museo Olga Costa en Guanajuato. Fue galardonada con el Primer Lugar en la XX Bienal Nacional en el Museo Iconográfico el Quijote, además de una Mención Honorífica en el mismo concurso. Es notable en su obra la paleta de colores tenues, pinceladas gruesas y cuadradas, tiene una inclinación hacia el paisaje y el retrato. Sus imágenes tienen cierto movimiento, aparecen o desaparecen en el lienzo, como recuerdos brumosos que se diluyen entre la misma pintura que los materializa. Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.myrnaquinonez.com

$10,000.00-$15,000.00 M.N. USD $520-$780 ESTO ES AHORA

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150 GABY MICHEL (Ciudad de México, 1985 - )

a) Reflexiones Firmada y fechada 2017 Mixta sobre papel 46.5 x 32 cm b) Ultraviolet A Firmada y fechada 2018 Mixta sobre papel 43 x 32 cm Piezas: 2 Cada una con certificado de autenticidad de la artista, marzo del 2018 Cursó la Licenciatura en Artes Plásticas y de Diseño en la Universidad de Guanajuato y la Licenciatura en Diseño de Modas en la Universidad Vizcaya. A lo largo de su trayectoria ha participado en distintas exposiciones colectivas e individuales. Fue becaria del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Nayarit, seleccionada en la Bienal de Arte Emergente de Monterrey y participó en el XXXIX Festival Internacional Cervantino. Ha sido finalista en cuatro ocasiones en el Concurso Internacional de Moda CREARE, recientemente fue publicada en la revista española de Arte Contemporáneo FLAMANTES en la 9° edición. Ambas obras pertenecen a la serie “Mujer Contemporánea”, conformada en su totalidad por retratos femeninos en su cotidianeidad: cada una refleja aspectos del género con un gran sentido estilístico, tienen mirada intensa y retadora, cada mujer es auténtica en su apariencia. El uso de la tinta y el grafito logra un efecto sutil en el cual las figuras se integran con el fondo por medio de líneas fluidas de tinta. $8,000.00-$12,000.00 M.N. USD $415-$620

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SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

151 JOSÉ CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1953 - )

Sin título, 1989 Sin firma Carboncillo, pastel, acuarela y lápices de color sobre papel 73 x 112 cm Con etiqueta de Arte Núcleo Galería. Con certificado de autenticidad del artista, diciembre del 2015. Agradecemos al Maestro José Castro Leñero por la verificación de autenticidad de esta obra, febrero 2018. Proveniente de una familia de artistas, José Castro Leñero estudió Comunicación Gráfica y posteriormente Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. Su obra comparte los valores e inquietudes visibles de la obra de uno de los grandes creadores contemporáneos que se ha servido de la fotografía como su principal soporte: Robert Rauschenberg. Las imágenes que José Castro Leñero utiliza en sus obras adquieren un sentido completamente diverso cuando las manipula, hasta convertirlas en juego con una nueva significación. Utiliza herramientas tradicionales y de las nuevas tecnologías para hacer, rehacer y deshacer, dibujar y desdibujar, pintar y despintar, figurar y desfigurar, sobreponer, aparecer y desaparecer. En este proceso José Castro Leñero construye un discurso que nos introduce a un modo particular de ver la cotidianidad. A lo largo de decenas de series y exposiciones se ha dedicado a plasmar nuestro devenir, entendido como la acción de ser, pero en proceso: nuestra realidad en constante evolución. Su vasto cuerpo de obra se convierte en testimonio gráfico de nuestro tiempo.

Fuentes consultadas: BLANCO, Alberto. José Castro Leñero. La imagen encontrada. México. Museo de Arte Moderno, 1992 y ALDAMA, José Ignacio. José Castro Leñero circuito interior. México. Aldama Fine Art, CONACULTA, FONCA, 2014, Pág. 3.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,630-$4,665 ESTO ES AHORA

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152 ABRAHAM VÁZQUEZ ROSAS (Ciudad de México, 1984 - )

Plastic Queen Firmado y fechado 2016 al reverso Óleo sobre lino 50.5 x 40 cm Con certificado de autenticidad del artista, febrero del 2018. Es Licenciado en Artes Plásticas por la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM. Recibió la beca del programa Jóvenes Creadores del FONCA en el periodo 2015-2016, participó en la II Bienal de Arte Universitario con sede en el MUCA, UNAM y recibió el Premio de Adquisición del Concurso Royal Talens en el Museo Soumaya. Ha presentado su obra en la Casa Museo León Trotsky. El proyecto al que pertenece “Plastic Queen” propone la creación, análisis y reflexión en torno al retrato como género pictórico dentro de contexto actual, influenciado y modificado por la tecnología y medios de comunicación masivos, la identidad y relación con el otro a partir de la democratización y libre expresión de la imagen de sí mismo, que ha estado cambiando la manera de ser percibidos. Partiendo y haciendo un parangón con los cánones clásicos de belleza y de representación del retrato de siglos pasados antes de la invención de la fotografía, cuando la manera de captación del retrato era a través de medios manuales. $12,000.00-$20,000.00 M.N. USD $620-$1,040 202

SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

153 DAVID OCTAVIO (Ciudad de México, 1989 - )

Anatomía de una pérdida de fe, de la serie Anatomía de una esperanza Firmado y fechado 2017 al reverso Óleo sobre tela 150 x 100 cm Con certificado de autenticidad del artista. Publicado en: sitio oficial del artista www.davidoctavio.com Egresado de la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma del Estado de México, David Octavio ha sido acreedor a reconocimientos y distinciones: fue beneficiario del FONCA en dos ediciones, recibió mención honorífica en el Concurso Estatal Arte Joven del Instituto Mexiquense de la Juventud, en la XI Bienal Nacional de Artes Visuales de Yucatán y en la Bienal Nacional de Pintura Joaquín Clausell. Su trabajo ha sido seleccionado en la IV Bienal Nacional de Pintura Pedro Coronel en Zacatecas, en el XXVII Encuentro Nacional de Arte Joven en Aguascalientes, en el 8° Concurso de Pintura y Escultura del Museo Europeo de Arte Moderno en Barcelona, España en 2015, en el Museo Universitario Leopoldo Flores y en la Primera Bienal de Pintura Luis Nishizawa en 2017, entre otras. Esta obra es parte de la serie "Anatomía de una esperanza", proyecto que fue apoyado por la beca del programa Jóvenes Creadores del FONCA 2015-2016. Una pieza de esta serie forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Barcelona, España y otra ganó el premio de adquisición en la III Bienal Nacional de Pintura de la UDG. La serie "Anatomía de una esperanza" fue concluida en el 2017 con esta pintura. "La obra de David Octavio plantea de manera contradictoria su relación con los modos convencionales de representación pictórica de la realidad visual, ya que el asombro que causan los detalles de la enunciación de esa realidad son al mismo tiempo una manera fría, aséptica, de mostrar el propio proceso de producir una pintura (lo que lo evidencia más como un proceso abstracto que una obsesión por lo mimético). "Las imágenes generadas enfatizan esta factura casi quirúrgica al mostrarnos personajes estáticos en ámbitos también pulcros, como si un efecto de ralentización congelara por fin esos rostros severos y distantes que más que mirarnos parecen estar en espera de la mirada que ahora los diseccione a ellos esperando encontrar un sentido que vaya más allá de su delimitación formal". José Luis Vera. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.davidoctavio.com

$26,000.00-$36,000.00 M.N. USD $1,350-$1,865 ESTO ES AHORA

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154 LILIANA ANG (Ciudad de México, 1983 - )

Amor, de la serie La persistencia de la imagen femenina Firmado al frente. Firmado y fechado 2011 03 al reverso Óleo sobre tela 90 x 70 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: sitio oficial de la artista www.angliliana.com Exhibido en: "La persistencia de la imagen femenina", muestra individual presentada en el Museo Universitario de Ciencias y Artes MUCA en 2011. Forma parte de los artistas de la galería Aldama Fine Art en la Ciudad de México y estudió Artes Visuales en la ENAP. Participó en las exposiciones colectivas "Evocaciones", "Cinco pintoras mexicanas contemporáneas" en 2014 y "Maletas migrantes" en el Museo de Memoria y Tolerancia en 2012. Entre sus exposiciones individuales se encuentran "La persistencia de la imagen femenina" en el Museo Universitario de Artes y Ciencias MUCA en 2011, "Mirada interior" en el Museo del Pueblo de Guanajuato en 2016 y en el mismo año "Los soñadores" en el Museo del Pueblo de Guanajuato. En su trayectoria ha recibido el Premio Único de Adquisición en la Segunda Bienal de Pintura Gómez Palacio en 2010, fue seleccionada en la Quinta Bienal Nacional de Artes Visuales de Yucatán en 2011 y forma parte de la Colección Ford del Museo de Arte Contemporáneo de Gómez Palacio. "'La persistencia de la imagen femenina' es un proyecto de pintura que se inició en 2009 y que explora las representaciones de la mujer en imágenes tomadas de las redes sociales. Este proyecto constituye el punto de partida de una investigación más amplia, en el que mi interés inicial por la imagen se ha desplazado a la exploración de su influencia en la construcción del yo". Liliana Ang. Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.angliliana.com

$30,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,550-$2,070 204

SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

155 ROBERTO TOSTADO (Torreón, Coahuila, 1980 - )

El resignado Firmado y fechado 2018 México al reverso Óleo sobre tela 120 x 100 cm Con certificado de autenticidad del artista. Inició su formación artística en Guadalajara trabajando en el taller de Iñaki Beorlegui, posteriormente en 2003 se trasladó a Aguascalientes para laborar en el taller del maestro Moisés Díaz Jiménez, ciudad en la cual tuvo su primera exposición individual titulada "Diálogos blandos". Al año siguiente regresó a Guadalajara para estudiar dibujo con el Maestro José Fors y posteriormente volvió a su tierra natal para realizar unos grabados con el maestro Miguel Canseco. En 2005 fue seleccionado para participar en el Concurso Nacional de Estampa de Guanajuato, en 2006 para la 1° Bienal de las Américas, en 2007 para el Salón de Octubre y en 2008 para la Bienal Enrique Guzmán de Aguascalientes. En 2012 estudió pintura con el maestro Santiago Rebolledo y en 2014 obtuvo la Mención Honorífica en la Bienal Joaquín Clausell en Campeche. Aparte de pintar, Roberto Tostado es un artista que ha experimentado con la obra gráfica y la realización de monotipos, obras con las cuales ha participado en diversas exposiciones colectivas en Durango, Michoacán, Aguascalientes y la Ciudad de México. En el caso de su pintura, la divide en series, destacando "Diálogos" del 2004, "Hermetismo popular" del 2007 y "Cefalografías" del 2016, entre otras. Con esta última serie, logró exponer en Arto Galería y en la Casa de Cultura San Rafael en la Ciudad de México. Recientemente exhibió de manera individual "Zarabanda" en la galería Arto|Otra en la Ciudad de México y en Rüido Proyectos en Aguascalientes. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.robertotostado.com

$30,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,555-$2,590

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156 CÉSAR RANGEL (Ciudad de México, 1977 - )

Sin título, 2001 Sin firma Mixta sobre papel 92.5 x 130 cm Por su padre se interesó en la actividad pictórica e inició su práctica artística de manera autodidacta a temprana edad. Entre las exposiciones individuales destaca la muestra en la Galería de la Secretaría de Economía en 2013, en el Museo de Arte Contemporáneo de Yucatán en 2011, en la Galería Alfredo Ginocchio en 2014 y en Raemian Gallery en Seúl, Corea del Sur. Respecto a las muestras colectivas ha colaborado en la Galleria Civica Monteverginni, en Sicilia, Italia y fue seleccionado en la IV Bienal de Arte Sacro en el Museo Metropolitano de Monterrey. En cada una de sus series aborda reflexiones independientes de otros proyectos, sin embargo el agua es un elemento narrativo en su obra, así mismo, recurre a gran variedad de materiales entre los que destacan el óleo, grafito, cera y acrílicos, vidrio, impresión digital, madera y resina, por enumerar algunas. $36,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,865-$2,590

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SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

157 CÉSAR RANGEL (Ciudad de México, 1977 - )

Sin título, 2001 Sin firma Mixta sobre papel 112 x 65 cm

$36,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,865-$2,590

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158 ÁNGELA LEYVA (Ciudad de México, 1987 - )

Humor negro I y II Firmados y fechados 2011 al reverso Acrílico sobre madera 55 x 86 cm cada uno Piezas: 2 Cada uno con certificado de autenticidad de la artista, febrero del 2018. Ángela Leyva es una sobresaliente artista visual egresada de la Licenciatura en Artes Plásticas y Visuales por La Esmeralda. Para complementar su formación artística tomó el seminario de Medios Múltiples 5 impartido en la UNAM, así como cursos en el INBA, con el destacado pintor Gilberto Aceves Navarro y el programa educativo de SOMA. Ha realizado trabajos audio-visuales para artistas escénicos independientes y ha colaborado en proyectos realizados por La Quiñonera, además de laborar como ilustradora para El Universal y como docente en el taller de Dibujo y de Expresión Visual en la Escuela Superior de Medicina del Instituto Politécnico Nacional. Ha sido beneficiara de la beca Jóvenes Creadores del FONCA y del Programa de Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico del Estado de México FOCAEM. Ha realizado 10 exposiciones colectivas y tres individuales en galerías y museos de México, destacando en el Museo de Arte Moderno de Toluca, Estado de México, en el Museo del Ferrocarril Mexicano del Sur en Oaxaca, así como en la Escuela Superior de Medicina del Instituto Politécnico Nacional y en la Sala Fernando Gamboa del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México. En el extranjero realizó la exposición "OVO Habitante, A concept, to live a work of art" en la galería 4/ F North Win Gallery en el Museo del Pueblo Filipino en Filipinas y la muestra "Equilibrio- Desequilibrio" realizada en Buenos Aires, Argentina. "Mi proceso pictórico tiene como resultado retratos a medio pintar, borrosos, que denotan un proceso inacabado que apela a lo endeble de la memoria. Pretende reestructurar los rostros escindidos de un relato cualquiera, plasmarlos en un lienzo y construir algo que apela a la sensación de un recuerdo". Ángela Leyva. $16,000.00-$26,000.00 M.N. USD $830-$1,350 208

SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

159 VERÓNICA BAPÉ (Ciudad de México, 1981 - )

Niña, 2009 Sin firma Óleo sobre MDF 25 x 20 cm Con certificado de autenticidad de la artista. Verónica Bapé es una artista visual que crea obras en distintos formatos a partir del cuestionamiento sobre los sucesos posteriores a una pérdida. Al terminar sus estudios de arte en La Esmeralda tomó diversos cursos con artistas de renombre para complementar su formación. En 2015 participó en una residencia de producción artística en Fundación Bilbao Arte en Bilbao, España, y dos años más tarde en Art House en Tulum, Quintana Roo. En 2017 fue acreedora a una Mención Honorífica en la XII Bienal de Pintura Joaquín Clausell, al igual que en la X Bienal Nacional de Pintura Alfredo Zalce. Además de pintar, ha participado en la realización de talleres y publicaciones editoriales, colaborando para la Editorial Ex Molino, ilustrando "Elegías y Poemas" de Marceline Desbordes-Valmore, y para la editorial ALIAS en la publicación "Campos de acción: entre el performance y el objeto, 1949-1979". Su obra ha sido publicada en las revistas "Nomastique", "Universidades" y "Nota al pie". A lo largo de su carrera ha realizado diversas exposiciones colectivas e individuales en galerías y casas de cultura de México, Uruguay, Alemania, Estados Unidos e Italia. Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.cargocollective.com/estudioveronicabape

$7,000.00-$12,000.00 M.N. USD $365-$620

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SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

160 DARÍO MELÉNDEZ (Ciudad de México, 1985 - )

1º de noviembre, de la serie Resurrección Firmado y fechado 2017 al reverso Acrílico y tinta sobre tela 80 x 124.5 cm Con certificado de autenticidad del artista. Vive y trabaja en la Ciudad de México, es Doctor por la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM. Es un artista multidisciplinario que se distingue por un estilo y dominio único en el dibujo, tanto en formatos grandes como pequeños, y del que también es docente. Cuando no está dibujando recurre a distintos medios para cada proyecto, ya sea fotografía digital, instalación, pintura o acuarela. Su obra posee una delicada carga de humor basada en experiencias personales, afectivas y recuerdos de su infancia. De manera individual, ha presentado las exposiciones "Ejemplar express" en la Galería Alfredo Ginocchio, "Infancia" en Allende Red en la Ciudad de México y "Resurrección" en el Museo de Arte Virreinal de Taxco, Casa Humboldt. Como parte de los festejos de aniversario de la Antigua Academia de San Carlos participó en la exposición colectiva "Dibujo. Lenguaje abierto" en 2016 y en el mismo año en la XXI Triennale di Milano en Milán, Italia. Recibió el Primer lugar en el 4° Concurso de retrato "Autores UNAM" y su obra fue seleccionada en la Bienal Internacional de Arte Joven Vila Verde en Braga, Portugal, ambas en 2016, así como en Hong Kong Graphic Art Fiesta de la L1 y L2 Gallery en China en 2014. $20,000.00-$30,000.00 M.N. USD $1,040-$1,555

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161 SANDRA DEL PILAR (Ciudad de México, 1973 - )

Canción de cuna, 2016 Firmado Ensamblaje, óleo sobre lino y malla sintética 54.5 x 45.5 cm Es Licenciada por la Escuela Nacional de Artes Plásticas y Maestra en Artes Visuales por la Academia de San Carlos; también es Maestra en Historia del Arte por la Universidad Heinrich-Heine en Düsseldorf, Alemania, donde más tarde obtuvo su primer Doctorado, realizando el segundo con especialidad en Pintura en la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM. En 2011 fue invitada de honor en la VII Bienal Internacional de Arte SIART en La Paz, Bolivia, siendo la única representante mexicana. Al año siguiente fue seleccionada en la Bienal de Pintura Rufino Tamayo y obtuvo el primer premio de adquisición en la II Bienal de Pintura Pedro Coronel en Zacatecas. En 2014 fue acreedora a la beca del Landschaftsverband Rheinland y en 2015 para el Proyecto Grandweg 32ª en Soest, Alemania. Ha participado en conferencias y ponencias de arte en prestigiosas universidades de México y Alemania, además de ejercer la docencia y practicar la curaduría desde entonces. A lo largo de su vasta y sólida carrera, ha realizado diversas exposiciones tanto colectivas como individuales en galerías, museos e instituciones de cultura en México, Alemania, China, Palestina y Bélgica. Con respecto a sus piezas, Sandra del Pilar se caracteriza por conjugar la parte matérica con la conceptual-performática agregando elementos que aprovechen el movimiento natural del espectador dentro de las pinturas. Al respecto Pilar dice que: "Técnicamente estoy sobreponiendo telas transparentes de manera en que una misma figura varíe un poco. Esas mallas tienen cierta distancia y al momento en que el público se mueve, se desfasan esas dos capas, se separan visualmente y da la impresión de movimiento". Fuentes consultadas: CAMPOS, Raúl. "La figura femenina es como la pintura: Sandra del Pilar". México. Milenio, sección Estados, 12 de marzo del 2016 y sitio oficial de la artista www.sandra-del-pilar.com

$30,000.00-$50,000.00 M.N. USD $ 1,550-$2,590 212

SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

162 DENIS JOCKMANS (Bruselas, Bélgica, 1966 - )

L'Escalier, de la serie Le Château, 2014 Firmada al reverso. Fechada 3 / 2014 Impresión digital en papel metálico 1 / 10 76 x 60.5 cm Con certificado de autenticidad del artista, marzo del 2018. Publicada en: sitio oficial del artista www.denisjockmans.com Exhibida en: "Conceptos fotográficos" muestra presentada en el espacio Archipiélago de la Torre Latinoamericana en diciembre del 2014 y en "Entre la Realidad y el Sueño" muestra presentada en la Plaza Cuicuilco en junio del 2015. Denis Jockmans es un fotógrafo belga reconocido a nivel internacional con más de 20 años de trayectoria creativa. Creció en el municipio de Tremelo en la provincia belga del Brabante Flamenco, rodeado de bosques que lo inspiraron a sacar sus primeras fotografías a la edad de siete años, descubriendo así su vocación futura, pues su amor a la naturaleza y necesidad de captar la belleza humana lo hizo comprender que una imagen puede decir más que mil palabras. A la edad de veinte años, se enroló a la Marina del ejército de su país, navegando durante nueve meses en un barco de guerra, conociendo Yugoslavia, Venecia, Ancora y Bríndisi, puertos en donde su ojo fotográfico capturó muchas escenas; aprendiendo a manejar mejor la composición y la iluminación en situaciones y momentos de la vida diaria. Después de unos años, llegó a América, continente del cual se maravilló por sus sabores, olores y colores muy distintos a los europeos. Este viaje fue importante para su desarrollo como ser humano y crecimiento como fotógrafo, siendo ganador en 1994 del Primer Premio Internacional de la revista Geomundo por su fotografía "Simetría". A causa de su situación migratoria, no pudo trabajar como fotógrafo independiente sino hasta el 2009; mientras tanto, fue fotógrafo de la embajada francesa durante dos años y luego fue guía de turistas aprovechando esos múltiples viajes para fotografiar la riqueza de México y sus grupos étnicos. Posteriormente viajó por el norte del país, llegando a Arizona y terminando su camino en Vancouver, Canadá, donde permaneció todo el año 2010, logrando capturar el ambiente deportivo de los Juegos Olímpicos de invierno. En 2016, ya siendo un fotógrafo profesional y reconocido, dividió su trabajo en retratos de artistas, modelos de moda y grupos étnicos, paisajes, desnudos, autorretratos e imágenes fantásticas, las cuales son famosas por narrar historias sublimes y retratos insertados en hermosos paisajes surrealistas. Tal es el caso de "L'Escalier" de la serie "Le Château", realizada en el famoso Castillo de Miranda en Bélgica, donde Denis Jockmans aprovechó la arquitectura neogótica del siglo XIX para narrar la historia de una bella dama que regresa a su casa ya en ruinas y abandono. En octubre del 2016 las autoridades del ayuntamiento de Celles optaron por demoler esta emblemática construcción debido a su lamentable estado de conservación y amenaza de derrumbe. Fuentes consultadas: "Denis Jockmans, redescubriendo a los mayas". México. Mira Miraflores, sección Cultura, 23 de enero del 2017 y sitio oficial del artista www.denisjockmans.com

$8,000.00-$12,000.00 M.N. USD $415-$620 ESTO ES AHORA

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163 MAX PRUS

(Reading, Reino Unido, 1987 - )

Blue tunnels through the cupbard / Túneles azules a través del armario Firmado y fechado January 2018 al reverso Acrílico sobre lona enmarcado en caja veneciana con leds 58 x 58 cm medidas totales con marco Exhibido en: 'Temporary Realities', muestra colectiva curada por Javier Calderón de Chalton Gallery, Londres, presentada en Karen Huber Galería, febrero del 2018. Max Prus es egresado de la prestigiosa escuela The Glasgow School of Art y de la afamada institución The Royal Academy of Art en Londres. Ha realizado diversas exposiciones en galerías y centros culturales del Reino Unido, destacando la muestra "Breathless Dowser" en el espacio The Old Waterworks. En 2015 participó en la exhibición "Batik babes" en Sewon Art Space en Indonesia y al siguiente año viajó a la India para participar en la muestra titulada "To fly a homemade aeroplane, built from scrap metal sourced in local junkyards, over Bangalore" en 1Shanthiroad Studio/Gallery. Fuentes consultadas: sitio oficial del artista www.maxprus.com y sitio de The Royal Academy of Arts www.royalacademy.org.uk

$50,000.00-$65,000.00 M.N. USD $1,555-$2,075 214

SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

164 MAX PRUS

(Reading, Reino Unido, 1987 - )

Night of pink sashes / Noche de bandas rosadas Firmado y fechado 2018 Acrílico sobre lona enmarcado en caja veneciana con leds 62 x 87 cm Exhibido en: “Temporary Realities”, muestra colectiva curada por Javier Calderón de Chalton Gallery, Londres, presentada en Karen Huber Galería, febrero del 2018 "En los últimos años he encontrado mi propia forma de trabajar, que principalmente incluye el dibujo y la pintura. Mis obras se definen por narrativas complejas, historias culturales y sociales a través de pintura figurativa y dibujos. Empleo la diversidad de imágenes en diferentes formas: desde pinturas a gran escala en ornamentadas instalaciones teatrales hasta libros íntimos hechos a mano”. Max Prus. Fuentes consultadas: sitio oficial del artista www.maxprus.com y sitio de The Royal Academy of Arts www.royalacademy.org.uk

$60,000.00-$75,000.00 M.N. USD $3,250-$4,050 ESTO ES AHORA

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Otra vista

165 LALO SÁNCHEZ DEL VALLE (Ciudad de México, 1968 - )

Bola de boliche Firmada y fechada MX 2013 Mixta sobre bola de boliche 32 cm de diámetro Con certificado de autenticidad del artista. Creció siendo un artista multidisciplinario, y con el tiempo ha elaborado series completas de obras, que en su mayoría son mezclas de materiales. Además de pintar en lienzos, en los cuales rescata aspectos de la vida cotidiana con colores vibrantes que denotan su iconografía plástica, Lalo Sánchez del Valle sobresale con la técnica de la escultura, producción que realiza con bronce, madera, papel reciclado y resina (que utilizó para la instalación "Granja urbana"), así como la intervención de objetos como bolas y pinos de boliche. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.lalosanchezdelvalle.mx

$36,000.00-$56,000.00 M.N. USD $1,865-$2,900

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SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

166 ALEX BOLIO (Ciudad de México, 1974 - )

Paseo con mis mejores amigos Firmada y fechada 2009 al reverso Tinta sobre papel 70 x 90 cm Estudió la Licenciatura en Ingeniería Mecánica en la UAM y Artes Plásticas en La Esmeralda. Es miembro de La Trampa Gráfica Contemporánea, fue colaborador en NETER en el proyecto Autjaus beneficiado por el FONCA, y partícipe en la feria Material Art Fair del 2014 en la Ciudad de México. A lo largo de su carrera ha realizado varias exposiciones colectivas, destacando "Referencias Cruzadas" en el Museo Municipal de Arte de Buenos Aires, Argentina, "Arte y Animación" en el Museo Universitario del Chopo en la Ciudad de México y "Natural" en el Polyforum Siqueiros. Su obra ha sido publicada en el catálogo "#SomosCreadores, las 200 expresiones del arte mexicano" del Programa de Coinversiones del FONCA. "El trabajo de Alex Bolio parte de una relación con el objeto que se originó durante sus estudios de ingeniería mecánica. Su visión científica lo encaminaba a delimitar, catalogar y encontrar un sentido funcional a los objetos que existen en la naturaleza. Más tarde, durante sus estudios en arte, intentó encontrar una nueva posibilidad a la condición del objeto, buscando más allá de los límites teóricos y funcionales de la ciencia. "Una vez difuminados sus límites, le dio al ser humano una entidad ajena a la naturaleza que lo rodea, de ahí su búsqueda de los escenarios que provocaran un diálogo entre los dos. Los objetos aparecieron ahora como elementos necesarios creados por el ser humano para poder adaptarse dentro de la cosmogonía de sus dibujos". Texto de la exposición "Natural". Fuentes consultadas: sitio oficial del artista www.alexbolio.com y sitio del Polyforum Siqueiros www.polyforumsiqueiros.com

$10,000.00-$15,000.00 M.N. USD $520-$780 ESTO ES AHORA

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En octubre del 2017, la Ciudad de México fue testigo de la aparición de 50 cráneos monumentales en pleno Paseo de la Reforma. Una de las avenidas más importantes de nuestro país, se convirtió durante un mes en una galería efímera en la que dos millones de personas visitaron la exposición, eran sesenta mil los transeúntes que diariamente caminaron a lo largo de ella. Esta iniciativa fue ideada por J. García López y Locos por el Arte, empresas que se unieron con la inquietud de inculcar el amor a nuestro país a través de la difusión activa de la cultura, y qué mejor manera de hacerlo que eligiendo el Día de Muertos, una de las tradiciones más hermosas, arraigadas y emblemáticas de los mexicanos, considerada por la UNESCO Patrimonio Cultural de la Humanidad. En ese contexto y con el apoyo del Gobierno de la Ciudad de México, crearon Mexicráneos. La exposición reunió el trabajo de cincuenta artistas con el objetivo de promover la grandeza del arte y la cultura de nuestro país, llevándola a su cotidianeidad de un modo majestuoso. Cincuenta perspectivas sobre la muerte y la vida, porque en palabras de Óscar Padilla, director de J. García López: “Cuando me preguntan por qué una funeraria hace esto, mi primer respuesta es ‘Porque somos una empresa llena de vida y sobre todo, transmitirle a las nuevas generaciones lo que es la tradición del Día de Muertos’”. El proyecto sigue en desarrollo con la intención de que esta gran exposición se convierta en un evento que la gente espere año con año como parte de las actividades emblemáticas de la Ciudad de México. Esto es Ahora Subasta de Arte Contemporáneo se suma al proyecto mostrando una representativa selección de los colores y texturas que conforman Mexicráneos. Los ponemos a su alcance con el valor adicional de que parte de la venta de cada una de estas obras apoyará a causas como Fundación Un Granito de Arena (en pro de asistencia a Personas Mayores semidependientes y dependientes), Casa Hogar Pas (para menores de escasos recursos), Fundación Juntos para el Bienestar de Niños Contra el Cáncer IAP, la comunidad Huichol de la zona de Jalisco y la comunidad de artesanos de alebrijes de San Martín Tilcajete, Ocotlán en Oaxaca. Los invitamos a ser parte de Mexicráneos y celebrar nuestras tradiciones que hoy más que nunca siguen vivas y adaptándose a nuestro tiempo.

ESTO ES AHORA

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167 MOTHER MONKEY (Ciudad de México, 1982 - )

Mictlán 4: Puente Sin firma Litocráneo: Acrílico sobre cerámica 27 x 24 x 34.5 cm Con certificado de autenticidad de Mexicráneos / Locos por el Arte. Marco Alfredo González Torres mejor conocido como "Mother Monkey" es un artista plástico, ilustrador y muralista mexicano. Es Licenciado en Diseño y Comunicación Visual por la Escuela Nacional de Artes Plásticas. Comenzó su carrera en 2006 involucrándose en el mundo de la ilustración y la intervención alternativa de los espacios. Su obra ha sido parte de exposiciones en galerías y espacios alternativos, colaborando con la Universidad del Claustro de Sor Juana, la Galería Border, el Centro Cultural España, el Polyforum Siquerios y el Museo de Arte Moderno, entre otros. Además, ha realizado trabajado para marcas como HP México, Cervecería Cuauhtémoc Moctezuma, Reebok, Save the Children, Ford, Nike y Once TV. Actualmente es Director creativo en TERAN/ TBWA y socio fundador de Mother Monkey Studio. $9,000.00-$15,000.00 M.N. USD $470-$780

168 IGNACIO VILLANUEVA (Ciudad de México, 1971 - )

De la serie Xoloitzcuintle perro sagrado de los aztecas Sin firma Litocráneos: cobre por electrolisis sobre fibra de vidrio y baño de plata sobre fibra de vidrio 27 x 24 x 34.5 cm cada uno Piezas: 2 Con certificado de autenticidad de Mexicráneos / Locos por el Arte. Ignacio Villanueva estudió Arte y Diseño Gráfico en West Virginia, en Estados Unidos. Ha realizado varias intervenciones artísticas en México, destacando la exposición realizada en el Paseo de la Reforma en la Ciudad de México con motivo de las festividades del Día de Muertos. En su obra es común ver variedad de materiales mexicanos, como chaquiras de cristal y elementos provenientes de artesanos Huicholes originarios de la Sierra Norte de Jalisco. $18,000.00-$30,000.00 M.N. USD $935-$1,555 220

SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

169 LAO GABRIELLI (Buenos Aires, Argentina, 1971 - )

Mexicolor Firmado y fechado 2017 Cráneo monumental: fibra de vidrio y resina intervenida con pintura acrílica y pintura para exterior 145 x 133 x 210 cm medidas del cráneo, 192 x 133 x 210 cm medidas considerando la base Con certificado de autenticidad de Mexicráneos / Locos por el Arte. Publicado en: sitio oficial de la artista www.laogabrielli.com Exhibido en: "Mexicráneos 2017", muestra realizada en Paseo de la Reforma de octubre a noviembre del 2017. Al mismo tiempo que estudiaba Diseño Gráfico en la Universidad de Buenos Aires realizaba trabajos de diseño, estudios artísticos en el taller del pintor Guillermo Roux y restauración de obras en el taller de Mónica de Tezanos Pinto. En 2007 viajó a Nueva York para participar en el seminario de Anna Rank y tomar un curso en el taller Torres García; un año más tarde regresó a Buenos Aires para participar en la Muestra Anual del Taller Guillermo Roux. En 2009 arribó a la Ciudad de México, donde actualmente vive y trabaja. Su obra es una mezcla entre lo abstracto y figurativo, fue en parte la influencia de México lo que le da el colorido característico a su obra, pues al mezclar las figuras geométricas con los colores vivos crea composiciones armónicas por las cuales hoy se caracteriza. Su obra ha estado presente en diversas exposiciones individuales y colectivas en galerías, bienales y ferias de arte de renombre, destacando su participación en Zona MACO y Mexicráneos en la Ciudad de México, en Miami Limited Edition en Miami, en Arte Laguna Prize en Venecia, en Florence Shanghai Prize en China y en Central Park Bandshell en Nueva York. Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.laogabrielli.com

$200,000.00-$250,000.00 M.N. USD $10,365-$12,955 ESTO ES AHORA

221

170 LAO GABRIELLI (Buenos Aires, Argentina, 1971 - )

III Firmado y fechado 2017 Litocráneo: Acrílico sobre fibra de vidrio 27 x 24 x 34.5 cm Con certificado de autenticidad de Mexicráneos / Locos por el Arte. Publicado en: sitio oficial de la artista www.laogabrielli.com "Lao Gabrielli explora las interacciones cromáticas entre líneas, formas, segmentos de distintos colores. Introduce dinamismo y tensión con sus acrílicos primarios y brillantes, que definen la estructura espacial de la pintura, mientras que al mismo tiempo dividen y unifican la composición. Exalta las reglas básicas de la teoría del color en la mezcla de los pigmentos para conseguir el efecto deseado combinando colores de luz, jugando con las cuatro sensaciones cromáticas elementales (amarillo, rojo, azul y verde) como las definió Wilhelm Ostwald". Mercedes Auteri. Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.laogabrielli.com

$9,000.00-$15,000.00 M.N. USD $470-$780

171 JOSÉ GUILLÉN (México, 1972 - )

Cráneo blanco con negro mandala Firmado y fechado 2018 Litocráneo: Acrílico, marcador permanente y barniz sobre fibra de vidrio 27 x 24 x 34.5 cm Con certificado de autenticidad de Mexicráneos / Locos por el Arte. Comenzó su carrera artística desde temprana edad, lo que derivó en que su especialidad con el dibujo sea hoy en día de gran calidad. No obstante, también ha experimentado con diferentes técnicas y materiales como el óleo, el acrílico y la acuarela. Gran parte de la influencia en su trabajo proviene del arte Budista e Hinduista, como los mandalas, los cuales forman parte esencial de su obra; sin embargo, no se dedica a plasmar textualmente aquellas influencias sino que las toma y reconstruye para plasmar desde lo moderno nuevas formas y colores. $9,000.00-$15,000.00 M.N. USD $470-$780 222

SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

172 JORGE MAHDEZ (Ciudad de México, 1987 - )

Homenaje al minimalismo Sin firma Litocráneo: Tinta y acrílico sobre fibra de vidrio 27 x 24 x 34.5 cm Con certificado de autenticidad de Mexicráneos / Locos por el Arte. Jorge Martínez Hernández mejor conocido como Jorge MaHdez, es un artista plástico mexicano egresado de la carrera en Artes Plásticas por la Universidad Autónoma del Estado de México. Su obra se caracteriza por la influencia constante de la cultura mexicana y la herencia de su orígen oaxaqueño e hidalguense. En 2016 fue acreedor al primer lugar en el Concurso Estatal de Arte Joven y del concurso Joven a Joven por la Salud Integral a través del Arte y la Cultura por el Instituto Mexicano de la Juventud. Ha participado en exposiciones colectivas a lado de artistas como Rafael Cauduro y Miguel Ángel Peraza. Asimismo, su trabajo ha sido publicado en periódicos como "El Universal" y el diario "The Art Newspaper". $9,000.00-$15,000.00 M.N. USD $470-$780

173 COCOLVÚ

(Ciudad de México, 1981 - )

Jugando a ser Pollock 1 Firmado y fechado 17 Litocráneo: Acrílico sobre cerámica 27 x 24 x 34.5 cm Con certificado de autenticidad de Mexicráneos / Locos por el Arte. Rodolfo Rodríguez Argemí mejor conocido como "Cocolvú", es un ilustrador, artista plástico y diseñador gráfico mexicano, llamado así desde pequeño por la fusión de su apodo de niño "coco" y el libro maya Popol Vuh. Comenzó su carrera trabajando en un despacho de diseño, lo que lo impulsó a cursar la Licenciatura en Diseño Gráfico en la Universidad La Salle con un semestre en el College of Art and Design en Nueva Escocia. Su trabajo se caracteriza por la constante experimentación con el uso de diversos materiales, desde cajas de cerillos, tanques de gas, puertas, zapatos y skateboards, hasta aletas de buceo. Con su trabajo busca generar sensaciones visuales positivas, combinando colores vibrantes con una buena dosis de humor mediante ilustraciones inspiradas en animales y seres fantásticos. A lo largo de su carrera ha participado en diversas exposiciones en galerías de México, Estados Unidos, Puerto Rico, España, Alemania y Japón. Además, ha pintado murales, montado instalaciones en ferias y desarrollado proyectos de diseño e ilustración para clientes como Nike, Converse, Disney, Perrier, Revlon, Nestle, Grupo Modelo, Instagram, Facebook, Crayola, Danone, Ford, Nivea, Bic entre otras. Fuente consultada: sitio oficial del artista http://cocolvu.com

$9,000.00-$15,000.00 M.N. USD $470-$780 ESTO ES AHORA

223

174 MARCO ZAMUDIO (Ciudad de México, 1973 - )

Muerte dentro de mí Firmado y fechado 17 dos veces Litocráneo: Acrílico sobre fibra de vidrio 27 x 24 x 34.5 cm Con certificado de autenticidad de Mexicráneos / Locos por el Arte. Es Licenciado en Artes Visuales por la Escuela Nacional de Artes Plásticas. Su obra se caracteriza por ser de carácter realista y sus temas principales se enfrascan en la muerte y la mujer. Además de trabajar la pintura de caballete ha realizado intervenciones y obra mural, destacando los muros que pintó en el metro de las estaciones Insurgentes y Tlatelolco, tituladas "The Passenger" y "El Andén de Ouroboros". Ha realizado diversas exposiciones colectivas en galerías instituciones de cultura en México. $9,000.00-$15,000.00 M.N. USD $470-$780

175 SOFÍA CASTELLANOS (Ciudad de México, 1992 - )

Roses are pink Firmado Litocráneo: Acrílico y marcador sobre fibra de vidrio 27 x 24 x 34.5 cm Con certificado de autenticidad de Mexicráneos / Locos por el Arte. Sofía Castellanos es una destacada diseñadora, artista plástica, muralista e ilustradora mexicana. Estudió la Licenciatura en Diseño Gráfico en la Universidad Iberoamericana con una especialización en técnicas orientales de dibujo a lápiz en el Centro Cultural Michiko, además un curso intensivo en la Florence Academy of Art en Florencia, Italia. Su trabajo se caracteriza por el uso de imágenes oníricas que reflejan la naturaleza y el ser humano en conjunto, además es común que mezcle medios manuales, artesanales y digitales para dar una apariencia más exótica y fantasiosa. Además de que sus piezas han sido expuestas en galerías y casas de culturas mexicanas, han sido mostrada en diferentes eventos, como en el Corona Capital Music Festival, Holi Festival of Colours, NFL Ballparade y Bangkok's Creative District; también ha hecho colaboraciones con CHANEL, She’s Mercedes, Revista Quién, Liverpool, Cultura Colectiva, Bangkok River Partners, Creative District Foundation, Cerveza Indio, Café Olé, Arca y Revista Picnic entre otras. En 2017 fue nombrada una de las 50 Líderes Digitales en México por Grupo Expansión y todas sus marcas. Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.sofiacastellanos.com

$9,000.00-$15,000.00 M.N. USD $470-$780 224

SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

176 ÁNGEL RICARDO RICARDO RÍOS (Holguín, Cuba, 1965 - )

Buenas intenciones Firmado Cráneo monumental: acrílico sobre fibra de vidrio y recina 145 x 133 x 210 cm medidas del cráneo, 192 x 133 x 210 cm medidas considerando la base Con certificado de autenticidad de Mexicráneos / Locos por el Arte. Exhibido en: "Mexicráneos 2017", muestra realizada en Paseo de la Reforma de octubre a noviembre del 2017. Ángel Ricardo Ricardo Ríos es un artista plástico nacido en Holguín un pueblo conocido como la Ciudad de los Parques en Cuba. A temprana edad llegó a la Ciudad de México donde forjó su formación artística y donde actualmente se encuentra la mayor parte de su obra. Durante su trayectoria, ha realizado exposiciones colectivas y privadas en galerías, instituciones y casas de cultura de Colombia, México, Estados Unidos, España y Turquía. Además su obra ha sido publicada en revistas y catálogos. Su trabajo se caracteriza por la utilización de motivos orgánicos y contrastes de colores. Cree en la importancia del espectador al interpelar con la obra de arte, por lo que ha incursionado en diferentes expresiones artísticas como el performance. $200,000.00-$250,000.00 M.N. USD $10,365-$12,955 ESTO ES AHORA

225

177 GABY VILLANUEVA (Ciudad de México, 1981 - )

Doña Rosa de Monte Albán Firmado Litocráneo: Lacas mate y brillante sobre fibra de vidrio 27 x 24 x 34.5 cm Con certificado de autenticidad de Mexicráneos / Locos por el Arte. Estudió la Licenciatura en Diseño Gráfico y la Maestría en Arquitectura en Diseño de Interiores por la Universidad Motolinia. Sus intereses siempre han estado relacionados con el uso de las formas, el color y el espacio, lo cual se puede ver reflejado de forma directa en su obra plástica. Ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales, destacando "NO NAME" en el Museo Rufino Tamayo de la Ciudad de México, en la "Exposición Pintura Iberoamericana" en Jadite Galleries en la Ciudad de Nueva York, "Artistas al Cubo" en el Museo del Papalote en la Ciudad de México y en "Caleidoscopio" en el Club de Golf Valle Escondido, en el Estado de México. $9,000.00-$15,000.00 M.N. USD $470-$780

178 NATASHA KROUPENSKY (Ciudad de México, 1990 - )

Spacial abstractions III Firmado y fechado 2017 Litocráneo: Acrílico sobre fibra de vidrio 27 x 24 x 34.5 cm Con certificado de autenticidad de Mexicráneos / Locos por el Arte. Inició su camino en la creación artística al aprender la técnica de los hilados huicholes, que para ella representó una ofrenda a lo que ha sido "olvidado, silenciado y condenado". El material que utiliza para su obra es lo que le permite expresar ese discurso, entender el bronce como objeto cargado de poder inmortalizador y el peso abrumador del hierro fundido, son claves para poder dar voz a su obra y discurso. Además de pintar, Natasha Kroupensky también realiza esculturas e instalaciones, las cuales ha sido exhibidas en galerías y casas de cultura en México. Fuente consultada: sitio oficial de la artista http://natashakroupensky.com

$9,000.00-$15,000.00 M.N. USD $470-$780 226

SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

179 ÁNGEL RICARDO RICARDO RÍOS (Holguín, Cuba, 1965 - )

De la serie Las buenas intenciones de la Muerte Firmado y fechado 2017 en la parte inferior Litocráneo: Marcador permanente sobre fibra de vidrio 27 x 24 x 34.5 cm Con certificado de autenticidad de Mexicráneos / Locos por el Arte. $9,000.00-$15,000.00 M.N. USD $470-$780

180 BILI BALA

(Ciudad de México, 1989 - )

Morado technicolor Sin firma Litocráneo: Acrílico y laca sobre fibra de vidrio 27 x 24 x 34.5 cm Con certificado de autenticidad de Mexicráneos / Locos por el Arte. Paola García es mejor conocida bajo el seudónimo Bili Bala. Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en la UNAM y Diseño Industrial en la Universidad Iberoamericana. Su obra se caracteriza por la utilización de mandalas, diseños, color y patrones como préstamo de idea, los cuales traslada a sus grafitis y obras de motivos animales. Dentro de sus temáticas más representativas se encuentra la crítica hacia el mundo digital / análogo, por lo que trabaja con realidad aumentada a través de aplicaciones descargables en dispositivos móviles. Dentro de su repertorio de exposiciones individuales y colectivas se encuentran "Realidades Ocultas" en Bálsamo Galería, "Mexicráneos", "The Ghost Arcade" y "Ball Parade NBA"; además cuenta con una serie de trabajos urbanos en Quintana Roo, Ciudad de México, Saltillo y Estado de México. $9,000.00-$15,000.00 M.N. USD $470-$780

ESTO ES AHORA

227

ABRAHAM VÁZQUEZ ROSAS ADRIÁN RODRÍGUEZ TORRES (ART) AGUSTÍN CASTRO LÓPEZ AIDEE DE LEÓN ALBERTO RAMÍREZ JURADO ALEJANDRA LÓPEZ YASKY ALEJANDRO PINTADO ALEX BOLIO ALEXIS MATA "CILER" ALONSO MATEO ANDRÉS MAÑÓN ÁNGEL RICARDO RICARDO RÍOS ÁNGELA LEYVA ANTONIO GRITÓN

152 117 72 18 21 40 46 166 67 124 54, 55 176, 179 158 70

ARTURO BUITRÓN

BALAM BARTOLOMÉ BEATRIZ ZAMORA BILI BALA BOSCO SODI BRUNO BRESANI

95 128 180 129 34

CARLOS AMORALES CARLOS TORRES CARLOS VARGAS PONS CARLOS XI CECILIA BARRETO CECILIA HURTADO CECILIA PAREDES CECILIO BALTHAZAR CELESTE BEJARANO CÉSAR CÓRDOVA CÉSAR RANGEL CÉSAR SALDÍVAR CISCO JIMÉNEZ CLAUDIO GALLINA COCOLVÚ

37 58 73 76, 77 12, 13 53 75 78 64 33 156, 157 52 109 118 173

DAMIEN HIRST DANI VEGA DANIEL EVO DANIEL LEZAMA DARÍO MELÉNDEZ DAVID OCTAVIO DAVID PESCADOR DAVID TROICE DENIS JOCKMANS DIEGO MATTHAI DR. LAKRA DULCE PINZÓN

38 39 15 80, 81 32, 160 153 19, 59 105 162 5 68 147

EDGAR FLORES "SANER" ELENA ARAUZ EMILIANO GIRONELLA PARRA EMILIO RANGEL EMILIO SAID EMMANUEL GARCÍA ERIK PEÑA "JAPANE" ESTRELLA CARMONA RONZÓN

69 24 35, 92 31 131 107 22, 23 139

FABIÁN CADENA MONTES FELIPE EHRENBERG FERNANDA BRUNET FERNANDO PACHECO FRANCISCO SORIANO

144 60 130 126 63

GABRIELA GONZÁLEZ LEAL GABY MICHEL GABY VILLANUEVA

2 150 177

GAVIN RAIN 66 GENEVA SILLS 44 GERARDINE CIPRIANI 62

HARTWIG LUGO ROHDE 9 HORACIO CADZCO 112 HUGO LUGO 47, 111

IGNACIO VILLANUEVA 168 IRENE CRUZ 50, 51

RAMSÉS DE LA CRUZ RAMSÉS OLAYA RAVI ZUPA RAYMUNDO SESMA REYNALDO DÍAZ ZESATI RICARDO HOSEGUERA RICARDO PINTO ROBERTO TOSTADO ROMERO BRITO RUBÉN MORALES LARA

74 7, 8 91, 97 125 132 56 27, 28, 29, 30, 88 155 114 14

SABINO GUISU SAMUEL MELÉNDREZ BAYARDO SANDRA DEL PILAR SANTIAGO GÓMEZ SANTIAGO ROBLES SEBASTIAN FUND SOFÍA CASTELLANOS SOFÍA ECHEVERRI STEFAN WIRNSPERGER

36 137 161 41 116 25 175 136 16

TANIA ESPONDA AJA THE EPIC MOLESKINE THOMAS LAMMERS

102 119 101

VERONICA BAPÉ VÍCTOR LÓPEZ VÍCTOR PÉREZ-RUL VÍCTOR RODRÍGUEZ VIVIANA MARTÍNEZ

159 86 106, 135 108 93, 94

WUERO RAMOS

133, 134

YAMPIER SARDINA YUPICA

140 42, 43

J S JOAO RODRÍGUEZ 26 JOAQUÍN FLORES JORGE MAHDEZ JOSÉ ANTONIO FARRERA JOSÉ CASTRO LEÑERO JOSÉ GUILLÉN JOSÉ LUIS LANDET JOSÉ MANUEL SCHMILL JOSÉ MARÍA MARTÍNEZ JUAN JOSÉ SOTO JUAN MIGUEL CARRANZA JULIÁN MADERO

48 172 79 151 171 110 87 61 10 11 3, 71

KRYSIA GONZÁLEZ 138 KYLLA PIQUERAS 99

LALO SÁNCHEZ DEL VALLE LAO GABRIELLI LILIANA ANG LILIANA GÁLVEZ LUCIEN SHAPIRO LUIS SELEM

113, 165 169, 170 154 145 98 65

MAGDALENA MARTÍNEZ FRANCO MARCO ZAMUDIO MARISOL PLARA MARITA TERRÍQUEZ MAURO TERÁN MAX PRUS MIGUELANGEL CISNEROS MIGUEL ÁNGEL GARRIDO MOISÉS JÁCOME MOTHER MONKEY MYRNA QUIÑONEZ

6 174 17 1 57 163, 164 4 143 45 167 148, 149

NADÍN OSPINA 90 NATASHA KROUPENSKY 178 NÉSTOR QUIÑONES 96

W Y

ÍNDICE

O ODETTE PAZ OFILL ECHEVARRÍA OLIVIA ROJO OLIVIA STEELE OMAR CASTILLO OMAR MAÑUECO OSCAR RATTO OSIEL GUERRERO

85 141 127 100 142 115 89 84

PABLO CASTILLO PAMELA ZUBILLAGA PANCHO LÓPEZ PAOLA BECK PEDRO FRIEDEBERG

20 82 146 83 103, 104, 120, 121, 122, 123

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GUÍA PARA COMPRADORES Si usted no ha comprado antes en nuestras Subastas, por favor lea las siguientes reglas de Subasta. En cada catálogo aparece el directorio de todo el personal, que lo atenderá con gusto, así como el personal de los mostradores de la recepción y de la Sala de Ventas. Usted puede consultarnos y responderemos a todas sus preguntas.

I. GENERALES 1. Morton Subastas, S.A. de C.V., en adelante denominada Morton Subastas, actúa únicamente como consignatario

en la venta de bienes muebles propiedad de

terceros,

virtud

contratos

previamente celebrados con estos, de quienes se presume tienen la propiedad de los mismos.

2. Los datos contenidos en el catálogo de

la Subasta o cualquier otra declaración hecha acerca del autor de la obra, origen, edad, fecha, estado, autenticidad o precio

de la misma, son responsabilidad única y exclusiva de sus propietarios. 3. La Subasta se llevará a cabo en moneda nacional y con la participación mínima de licitadores que previamente Morton Subastas.

determine

II. LOTES 1. Los bienes a subastar serán organizados en lotes integrados por uno o más bienes, en el orden y bajo la numeración que Morton Subastas indique.

2. Los lotes serán descritos y en algunos casos incluidas sus fotografías en el catálogo que para la Subasta elabore Morton Subastas.

3. Los lotes serán exhibidos para su inspección, en el lugar designado para ello por Morton Subastas, cuando menos con tres días naturales de anticipación al de la celebración de la Subasta, por lo que el personal de Morton Subastas, estará a su disposición para mostrar en detalle cualquier lote. 4. Los lotes serán subastados en el estado físico en que se encuentren en el momento de celebrarse la Subasta por lo que NO se aceptarán devoluciones ni reclamaciones sobre daños, desperfectos o restauraciones, aunque estos no se hayan hecho constar en el catálogo de la Subasta. Propóngase un precio máximo de compra para las piezas antes de que salgan a Subasta. Esto le ayudará a comprar mejor. Si tiene duda sobre alguna pieza, por favor NO ofrezca, ya que si se le asigna deberá pagarla. 5. Los precios estimados que aparecen impresos bajo las descripciones del

catálogo son los precios aproximados que se espera sean obtenidos, sin incluir

ningún lote, su depósito en garantía le será

se proporciona estimado de precio de los

queda obligado a pagar el precio del lote más

la comisión de la Casa de Subastas. No

lotes cuya salida sea menor de dos mil pesos M.N. 6. Los lotes que se subasten se ofrecerán

sujetos a un precio mínimo de venta previamente acordado entre el propietario y Morton Subastas, y sólo podrá ser

modificado previo acuerdo por escrito entre los mismos. 7. Para efectos de la Subasta se le denomina licitador, posible comprador o postor, en

adelante denominado “Licitador”, a aquella persona que tiene la facultad de hacer ofertas por lotes en el transcurso de la Subasta.

III. OFERTAS EN PRESENCIA, REGISTRO Para hacer una oferta en la Subasta usted deberá registrarse acudiendo a la mesa de

registro en presencia, mediante una hoja de registro establecida para ese fin.

devuelto en ese momento. 4. Con la entrega de registro, el licitador el 20% por concepto de la contraprestación más el IVA correspondiente. Si el pago se

efectúa con tarjeta de crédito o débito, se incrementará el 6.6% (seis punto seis por ciento) por concepto de comisión sobre el

monto total del lote o los lotes que le hayan sido adjudicados, descontando lo que previamente se tomó como garantía.

5. Para que los licitadores puedan hacer efectivas las pujas o aceptar una postura

hecha por el martillero, bastará con levantar la paleta numerada. Por favor, hágalo con rapidez para que la dinámica de la Subasta continúe. Las ofertas aumentan

aproximadamente un 10% en cada puja. 6. Se considera que el licitador que hizo efectiva la última puja, es decir la más alta, ha adquirido el bien que integra el lote subastado, en el momento en que no exista puja mayor y el martillero así lo manifieste.

1. Como garantía a Morton Subastas, por el o los lotes que le fueren adjudicados

IV. OFERTAS EN AUSENCIA

deberá dejar un comprobante de tarjeta de crédito firmado a la orden de Morton Subastas, S.A. de C.V. 2. Comisión al comprador (Premium): Corresponde al 20% sobre el precio de venta, más el 16% de IVA sobre dicha comisión, que serán incrementados al importe de la compra de cada lote. Ejemplo: precio de martillo $5,000.00 más comisión $1,000.00 más IVA $160, total de la factura a pagar $6,160.00 3. Una vez registrado el licitador y otorgada la garantía correspondiente, se le hará entrega de una paleta numerada que lo identificará con su hoja de registro y de la cual hará uso únicamente el licitador, ya que es individual e intransferible. Por esta razón es importante que la conserve durante todo el desarrollo de la Subasta y la devuelva personalmente al abandonar la sala de Subastas. Si se diera el caso de que no se le adjudicara

V. EXPORTACIÓN

durante la Subasta, la contraprestación (Premium) y el impuesto correspondiente,

Refiérase a las primeras páginas de este catálogo: “Cómo se compra en subasta”.

El comprador siempre deberá revisar si se requiere de autorizaciones, permisos o licencias de exportación o importación. Al participar en la subasta, acepta que es su sola responsabilidad obtener cualquier licencia, autorización o permiso de exportación o importación y que la negativa a cualquier permiso, autorización o licencia o cualquier retraso en obtenerlos, no justificará la rescisión o devolución de ninguna venta ni cualquier retraso en hacer el pago total de la propiedad adquirida. EL COMPRADOR RENUNCIA A REQUERIR CUALQUIER REEMBOLSO en cualquiera de los casos anteriormente mencionados. Las leyes locales pueden prohibir importar o exportar cierta propiedad y/o pueden limitar la reventa de alguna propiedad. Para mayores informes, consulte: www.tramites.inah.gob.mx

OFERTAS EN AUSENCIA

CONDICIONES Y FICHA DE REGISTRO PARA REALIZAR OFERTAS EN AUSENCIA. AVISO DE PRIVACIDAD Los datos personales serán tratados de conformidad con lo dispuesto en la Ley Federal de Protección de Datos Personales en Posesión de los Particulares, la reglamentación respectiva y el aviso de privacidad están a su disposición en la siguiente liga http://www.mortonsubastas.com/formatos/Aviso-de-Privacidad-Integral.pdf Por favor, consulte el aviso de privacidad antes de proporcionar sus datos. ESTOY DE ACUERDO SI NO

AL FIRMAR LA FICHA DE REGISTRO DE OFERTAS EN AUSENCIA, USTED ACEPTA LO SIGUIENTE:

1. Las reglas y condiciones que aplican para las subastas en Morton Subastas, S.A. de C.V. (“Morton Subastas”) y/o las del catálogo; las cuales se encuentran a su disposición en Morton Subastas. 2. Que el personal de Morton Subastas haga efectivas las pujas en su nombre y representación en la subasta en la que se registra, por las piezas que se describen en el presente documento, hasta por la cantidad que aparece en el apartado “Límite superior de la oferta”.

LÍMITE DE OFERTA

3. Que no están permitidas las ofertas en ausencia sin límite superior.

RESPONSABILIDAD

4. Que Morton Subastas en ningún caso y por ningún motivo, es responsable que usted logre se le adjudique(n) la(s) pieza(s) por las que ofertó en ausencia.

UNA PUJA MÁS

5. Que en caso de que el monto máximo fijado por usted como Límite Superior de la Oferta para una pieza se iguale con la última puja de la sala, podrá autorizar una puja más, según lo establezca el recuadro denominado: “Autoriza una puja más”. En caso de que este recuadro no se haya requisitado, se entenderá que no acepta subir a la siguiente puja.

FICHA DE REGISTRO NOMBRE DE SUBASTA

FECHA

NÚMERO DE PALETA

AUTORIZA UNA PUJA MÁS

OFERTA POR TELÉFONO

NOMBRE COMPLETO CALLE

No.

COLONIA

C.P.

DELEGACIÓN / MUNICIPIO

E-MAIL

TELÉFONO

CELULAR

IDENTIFICACIÓN NÚM DE TARJETA DE CRED. NÚM DE SEGURIDAD

FECHA DE VENCIMIENTO

ADJUDICACIÓN

6. Que en caso de que existan dos o más ofertas en ausencia por la misma pieza y por la misma cantidad señalada como Límite Superior de la Oferta y no haya una puja superior en la sala, la pieza se adjudicará a la Oferta en Ausencia que se haya recibido primero en Morton Subastas. 7. Que el fallo de adjudicación lo emitirá Morton Subastas y será inapelable, por lo que Usted renuncia desde este momento a cualquier acción y/o derecho alguno para ejercer en contra de Morton Subastas y/o a quien sus derechos represente, por cualquier conflicto o controversia que surgiera por esta causa.

NÚMERO SEGÚN CATÁLOGO

LÍMITE SUPERIOR DE OFERTA

DESCRIPCIÓN

REQUISITOS

8. Que Morton Subastas no hará efectiva la Oferta en Ausencia si no cumple con los siguientes requisitos: a) Llenar completamente el presente documento y firmarlo de conformidad, indicando claramente el número de lote por el que desee ofrecer y la cantidad establecida con Límite Superior de la Oferta. b) Entregar firmado el presente documento al personal autorizado de Morton Subastas a más tardar a la fecha de celebración de la subasta y hasta cuatro horas antes de la misma, en el domicilio de Morton Subastas. c) Efectuar un depósito en garantía del cumplimiento de las obligaciones que pudiera llegar a tener como adquiriente, de acuerdo a lo siguiente: Subastas en Monte Athos: $20,000.00 M.N. Subastas en Sadi Carnot: $5,000.00 M.N. El monto de la garantía podrá ser cambiado por Morton Subastas, con previo aviso al cliente. d) La garantía no podrá ser cubierta con tarjeta de débito.

.00 M.N.

RECIBIÓ (REPRESENTANTE DE MORTON) NOMBRE Y FIRMA FECHA Y HORA DE RECEPCIÓN

CONDICIONES DE PAGO

9. En caso de que se adjudique la pieza, pagar por el precio martillo, más el 20% por concepto de comisión, más el Impuesto al Valor Agregado sobre dicha comisión (16%). Si el pago se realiza a través de tarjeta de crédito o débito, se cargará un 6.6% adicional al saldo que resulte de restar la garantía. Recuerde que usted tiene 5 días hábiles después de la subasta para liquidar el total de su compra y recoger los artículos adquiridos en el lugar de la subasta.

Acepto se me haga el cargo en garantía establecido de acuerdo a lo señalado en los requisitos del punto no. 8 letra C. reembolsable en el caso que no se me adjudiquen los lotes. Acepto las condiciones del catálogo, las reglas de la subasta y del presente documento.

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OFERTAS POR TELÉFONO

10. Las ofertas en ausencia también se recibirán por teléfono, previa entrega del presente documento firmado y enviado vía correo electrónico a Morton Subastas hasta cuatro horas antes del inicio de la Subasta, siempre y cuando el precio estimado bajo de la pieza por la que oferta sea de $5,000.00 M.N. o mayor.

Ciudad de México a

del año

CONFIDENCIALIDAD

11. La información aquí contenida se considera Confidencial, por lo que su divulgación está prohibida y da derecho al pago de daños y perjuicios que causen por este hecho.

Informes: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

Nota: Las ofertas en ausencia se recibirán hasta cuatro horas antes de la subasta.

Tel. +52 (55) 5283 3140 Ext. 3148, 3149 y 3150

ABSENTEE BIDS ABSENT BID TERMS, CONDITIONS AND BID FORM

ABSENTEE BID FORM BY SIGNING THIS ABSENTEE BID REGISTRATION FORM YOU AGREE TO THE FOLLOWING TERMS AND CONDITIONS:

1. You agree to the terms and conditions that apply to the auctions at the Morton Subastas, S.A. de C.V. (Morton Subastas) premises and/or those described in the catalogues available at Morton Subastas.

WHO MAKES THE BIDS

2. Allow the personnel of Morton Subastas to make effective the bids on your behalf during the auction to which you are registered, and for the pieces only described herein, up to the amount inserted in the top limit bid.

BIDS LIMIT

3. Unlimited bids are not permitted.

RESPONSIBILITY

4. In no case and by no means, Morton Subastas takes responsibility for the adjunction of the piece(s) for which you made absentee bids.

ONE MORE BID

5. In case the amount stated by you as the top limit bid for a piece is matched by the last bid made in the auction room, and if the option on the "One more bid authorized" section is chosen as "Yes", you will then be allowed to place a higher bid for the piece. In case this option was chosen as "No" or left blank, your bid will be stopped.

ASSIGNATION

AUCTION TITLE

DATE

PALETTE NUMBER

ONE MORE BID AUTHORIZE

YES

TELEPHONE BIDS

YES

FULL NAME ADRESS

ZIP CODE

E-MAIL TELEPHONE

MOBILE

ID NUMBER CREDIT CARD SECURITY CODE

EXPIRING DATE

LOT NUMBER

TOP LIMIT BID

DESCRIPTION

(Mexican Pesos)

6. In case that two or more absentee bidders appear for the same piece and for the same top limit bid stated, and in case there is not a higher bid in the auction room, the piece will be adjudicated to the absentee bid first received by Morton Subastas. 7. The decision for the adjudication will be decided by Morton Subastas, and thus, will be unappealable. By signing this form you agree to not taking any legal action against Morton Subastas or its representatives if any conflict or dispute arise due to disagreement.

REQUIREMENTS

8. Morton Subastas will not make effective the Absentee Bid if the following requirements are not met: a) This document should be duly filled in and properly signed for in the agreement section, making sure that is clearly entered the lot number of the piece you are interested in, and well stated your top limit bid for it. b) This document should be delivered only to the authorized personnel at latest the day of the Auction at the address of Morton Subastas in which the auction will be held. c) Allow a deposit as a guarantee for the payment of the piece and amounts generated by the adjudication of the piece. The deposit will be in the following amounts, and will be taken under the name of Morton Subastas. Auctions at Monte Athos Gallery: $20,000.00 MXP Auctions at Sadi Carnot Gallery: $5,000.00 MXP The amount of the guaranty may be changed by Morton Subastas prior notice to the customer. d) Guaranty may not be paid with a debit card.

.00 MXP

RECEPTION (MORTON STAFF ONLY) NAME AND SIGNATURE DATE AND TIME OF RECEPTION

I DO HEREBY ACCEPT THE CONDITIONS DESCRIBED IN THIS DOCUMENT AND CATALOGUES FOR THE AUCTION

PAYMENT CONDITION

9. If the piece is adjudicated to you, the price of the piece plus twenty percent of commission fee shall be paid, plus the corresponding VAT (16%) calculated over the commission. Payment made with credit or debit card will incur an extra charge of 6.6%, added as a commission fee to the total amount to be paid for.

BIDS OVER THE TELEPHONE

10. Absentee bids by telephone are welcome, previous delivery of the present document duly filled and signed is required, sent to Morton Subastas with at least two working days before the date of the auction if your bid is $10,000.00 MXP or more. Long distance calls to and for the auction should be made by yourself.

SIGNATURE (Date)

MEXICO CITY

CONFIDENTIALITY

11. Information contained herein is deemed Confidential, and its disclosure is prohibited, entitling the payment of damages and looses caused by this fact.

Enquiries: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

Please note: On the day of the auction last absentee bids are received 4 hours before the auction.

Telephone. +52 (55) 5283 3140 Ext. 3148, 3149 & 3150

CALENDARIO DE SUBASTAS Abril D

S 7

Domingo 15

Subasta de Autos Clásicos, Deportivos y de Colección. Hacienda de los Morales

11:00 a.m.

Martes 17

Subasta de Documentos Impresos y Manuscritos, Folletos, Autógrafos y Libros Dedicados

5:00 p.m.

Miércoles 18

Subasta de Vinos de Colección, Uso Diario y Destilados. Incluye una Selección de Vinos de Monte Xanic

6:00 p.m.

Jueves 19

Subasta de Arte Contemporáneo. Esto es Ahora

7:00 p.m.

Miércoles 25

Subasta de Alta Joyería y Fina. Incluye Sección de Joyería Vintage

6:00 p.m.

Todos los sábados

Subasta de Oportunidades. Salón Sadi Carnot

11:00 a.m.

Monte Athos

Interior de la República

Se llevan a cabo exposiciones y subastas de: Antigüedades, Arte Moderno y Contemporáneo, Joyería y Relojes, Libros y Documentos, Vinos de Colección y Uso Diario. Se consignan piezas de Joyería y Relojes para venta en subasta.

Lo asesoramos en el proceso de compra o venta en subasta. Se consignan piezas para incluirse en las subastas que se llevan a cabo en la cd. de México.

Monte Athos 179 Col. Lomas de Chapultepec 11000, Ciudad de México

Tel. (81) 8335 1917 Río Mississippi 220 - C esq. Río Salinas, Col. Del Valle (Centrito Valle) San Pedro Garza García, N.L.

Monterrey, N.L.

Guadalajara, Jal.

Blvd. de los Virreyes 155 Se consigna ocho semanas antes de la fecha de subasta o antes si es posible: Antigüedades, Arte Moderno y Contemporáneo, Libros y Documentos, Vinos de Colección y Uso Diario.

Tel. (33) 3630 2325 Francisco Zarco 2384. Col. Ladrón de Guevara. C.P. 44600 Guadalajara, Jalisco

Blvd. de los Virreyes 155 Col. Lomas de Chapultepec 11000, Ciudad de México

Sadi Carnot. Subastas de Oportunidades Subastas de Arte Decorativo y todo tipo de artículos que visten y decoran el hogar. También se consigna desde menajes completos hasta objetos sencillos, que pueden ser aceptados durante la semana anterior a la Subasta; le pedimos consulte con nuestra oficina de consignación. Sadi Carnot 16 Col. San Rafael 06700, Ciudad de México

Ofertas en Ausencia Las ofertas en ausencia se recibirán hasta cuatro horas antes de la subasta. Blanca Sánchez ofertasenausencia@mortonsubastas.com Tel. + 52 (55) 5283 3140 ext. 3148, 3149 y 3150

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Monte Athos 179 Col. Lomas de Chapultepec C.P. 11000 Ciudad de MĂŠxico Tel. 52 (55) 5283 3140

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