LaCasa6 by Grupo Diario Libre, S. A.

Maceteros con sistemas de irrigación automático. número 6 | marzo2010

RD$ 180.00

Av. Luperón #89 Maderas y materiales de construcción

E-mail: valfesa@codetel.net.do

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¡Donde puedes deﬁnir tu

LEOPOLDO NAVARRO -Tel.: 809-476-7700 • HERRERA - Tel.: 809-237-8484 • MEGACENTRO - Tel.: 809-335-7700 SANTIAGO - Tel.: 829-581-7700 • SAN CRISTÓBAL - Tel.: 809-528-0814 • S. F. DE MACORÍS - Tel.: 809-588-3131 S. P. DE MACORÍS - Tel.: 809-339-0077 • LA TELEFONICA -Tel.: 809-472-7700 SAN ISIDRO - Tel.: 809-591-2052

Servicio al Cliente

estilo!

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Servicio al Cliente

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iloveLacasa número 6 | marzo2010

| casasconestilo

InésAizpún directora

Arte y diseño Es una tendencia internacional. Ya

Lacasa

no basta decorar con objetos y elementos de diseño. Ahora, incorporar el Arte a la decoración es la opción que cada vez más diseñadores eligen. El Arte garantiza la exclusividad, la calidad, y el respeto por la creación. Por eso hemos elegido dar esta portada de Lacasa a Miriam Calzada. Su amor por la naturaleza y su calidad como artista de la fotografía son bien conocidos. Ahora, Miriam da un paso más y explora la manera de que su arte y su visión del mundo formen parte de la vida de los demás, como lo son de la suya propia. Estos cojines son un homenaje al mar, un homenaje a la vida natural, una de las constantes en su trabajo fotográfico. Y son, definitivamente, una vía hermosísima de empezar a entender que el Arte no es algo ajeno que vive en una vitrina, sino un que le podemos dar su puesto en nuestra vida diaria. Para hacerla mejor, simplemente.

Directora Inés Aizpún • Coordinación y Redacción Olga Agustín • Fotos Fernando Calzada, Maribel Álvarez, Kena Betancur, Holly Reynoso y Pam Díaz • Editora de Diseño de Revistas Norca Amézquita • Gerente de Ventas Bethania Manzueta • Publicidad Joseph Cabrera • Tratamiento de Imágenes Irving Cleto y Daniel de los Santos Presidente Arturo Pellerano • Vicepresidente Manuel Arturo Pellerano • Secretario Salvador Dájer • Vicepresidenta Comercial Gina Lovatón • Gerente Financiero Abel Flores • Gerente de Mercadeo Deborah Hernández • Directora de Ventas Laura Mena • Gerente de Circulación Rafael Oviedo • Gerente de Producción Tomás Rodríguez Dirección Ave. Abraham Lincoln esq. Max Henríquez Ureña, Santo Domingo, R. D. Teléfono 809-476-7200 Fax 809-616-1520 Apdo. 20313

Fotografías de portada

MiriamCalzada

número 6 | marzo2010

RD$ 180.00

casa

| miriamcalzada34

colortendencias

Vuelven las tonalidades

primaverales… Esta carta de colores

ELEGANT

expone las tonalidades por grupos, y dentro de estos se pueden resaltar algunos tonos en particular. Para la primavera, esta paleta muestra gamas pasteles, suaves contrastes y hasta tonos seductores, que prodigan calma, elegancia y calidez a cualquier espacio donde se encuentren.

Lacasa

FIRST THAW 6L2-2

SILVER QUEEN 6L2-5

WOOD LANE 5J2-7

ARTISTOS 512-2

OAK SAVANNA 5K1-5

DUNHILL 6F2-7

LAMOMA 6F1-5

GARDEN GLOVES 5J2-5

COTTAGE WHITE 6K1-2

AUSTRALIAN ADVENTURA 5L1-7

HIGHGATE GREY 6L3-5

SILHOUETTE GRAY 4223D

SHIPSGATE 4024T

SNOW WHITE OW20-1P

TEA LEAVES 5J1-8

CANTON COTTON 513-2

CARMEL SAUCE 5G3-7

RIVER ROCK 6J1-7

STEAMED MILK 5J2-1

TUXEDO TAILS 6L1-7

WOODBURY 5C3-7

MILK MOUSTACHE 6K1-1

WEATHERED WOOD 6H3-5

BLUE FESCUE 5O1-7

GARDEN GUEST 5N1-3

MOON DANCE 6N2-1

CASTLEWOOD CANYON 6J3-7

BAYOU WATERS 61C-3D

AMAZON TRAIL 5J3-7

SANDSTONE POINT 5J1-5

DASH OF CINNAMOON 5F1-7

BRIDGING THE BAY 6M2-7

CIRRUS CLOUD 6N1-1

SILVER BEACON 6L3-3

CALM

WARM

BIG MOSSY POINT 5K2-7

ilovemail

Querida lectoría:

El equipo de trabajo de Lacasa les agradece inmensamente todos sus comentarios sobre el diseño y el contenido editorial de nuestra revista. Por eso, esperamos que nos sigan escribiendo al correo electrónico: lacasa@revistalacasa.com 1

3. EL REPORTAJE “Bonobo, un santuario citadino”, publicado en la quinta edición de su revista, es realmente fantástico; las fotografías son maravillosas y está muy bien redactado. Por su parte, la impresión de la revista está también muy bien cuidada. Os felicito, ¡tenéis un gran producto! Pablo Mayoral, publicista y comerciante

2 Lacasa

4. ¡MUCHAS GRACIAS Y FELICITACIONES por la excelente entrevista realizada a mi persona en Altos de Chavón! Me siento muy halagado y satisfecho de ver el aprecio con el que trabajaron el tema de mi empresa Totuma. Edward Thomas, diseñador gráfico

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5. PARA NOSOTRAS FUE más que un placer poder colaborar con tan prestigiosa publicación y, a la vez, con un equipo tan profesional como ustedes. A través de esta vía les reiteramos nuestro apoyo para cualquier iniciativa. María Elena Corripio y Gabriella Ortega Viñas, diseñadoras de interiores

reportaje “Más allá de los linderos”, de uno de nuestros proyectos en Cap Cana, y nos pareció muy lindo. Gracias por el apoyo y la confianza depositada en nosotras.

6. DESEO FELICITARLES por el grandioso trabajo que hicieron al interpretar mis ideas en la última edición de su revista. Las fotos también estuvieron increíbles, no le quitaron importancia a nada de lo que había alrededor, haciéndome sentir muy especial. Igualmente, agradezco a Olga Agustín y a Fernando Calzada el buen trato dispensado y el entusiasmo mostrado por ellos ante mi casa, el gran proyecto que tanto disfruté. La verdad es que me llevé tremenda sorpresa cuando vi que mi espacio estaba en la portada. ¡Qué sensación tan agradable! Muchísimas personas me han llamado para felicitarme; no se cansan de bromear repitiéndome: “Tanto que te hemos dicho que tu casa es de revista, pero ahora es oficial…”. Ciertamente, esta revista ha tomado un giro muy interesante mostrando proyectos buenísimos, con una gran calidad tanto en las fotos como en el papel de impresión. Sigan así, porque Lacasa no tiene nada que envidiarle a las revistas internacionales. ¡Éxitos!

Zaida Sanz y Terisha Lluberes, diseñadoras de interiores

Michelle Urtecho, diseñadora de interiores

1. UNA VEZ MÁS, reciban del grupo SG Diseños de Interiores nuestro agradecimiento por hacernos partícipes de su importante revista. Estamos a sus órdenes.

Sandra Gautreaux, diseñadora de interiores

2. TRAS RECIBIR LA ÚLTIMA edición de su revista, vimos el

ilovelondres

Texto y fotografías: AntonioAcuña

La fotografía en la Feria de Arte de Londres Después de la Feria Frieze de Arte, otro evento clave para la preparación de los estilos y tendencias de Londres y del continente europeo es la Feria de Arte de Londres. Si la Frieze se encarga de mostrar lo nuevo, lo que está de moda y aquello que defini-

Lacasa

rá el paisaje del mundo del arte durante el año, la Feria de Arte de Londres lo establece y lo presenta de forma doméstica. Aquí, las grandes galerías y los pequeños ateliers reabastecen los gustos del público, presentando, por un lado, las obras de quienes triunfaron en la Frieze; y por el otro, las creaciones de aquellos artistas que, por su juventud o novedad prematura, no estuvieron en esa exhibición. Este año, la feria ha contado con la participación de galerías locales así como de representantes de Múnich, Dresde, Méjico y Belfast, entre otros. Además, para mantener su filo innovador, contó con ese ya conocido espacio: Photo50, donde diversos trabajos de medios fotográficos sorprendieron a todos. En ese orden, cabe destacar las presentaciones de Teresa Buskova y Oliver Beer, cuyas fotografías ya se van encontrando en muchas de las paredes de aquellos con suerte como para cubrir su costo. Los artistas de la Photo50 fueron elegidos por un prestigioso panel, que limitó las posibilidades a sólo 12 afortunados. La fotografía, sobre todo en este año, se ha convertido en una inversión meritoria y en una alternativa al óleo o a la pintura compuesta. Como resultado de esto, nuevos experimentos en medios fotográficos están llenando las principales exhibiciones de Londres. Otros trabajos en venta y exposición salieron de la mano de grandes exponentes como David Hockney, Richard Caldicott y Yuko Nasu. Caldicott, por ejemplo, produjo maravillosos trabajos en papel cromogénico, en azules y amarillos, que cautivaron

1. Vista panorámica de la Feria de Arte de Londres. 2. La obra Good waiting, de la artista Kelly Ratchford, fue exhibida durante el desarrollo de esta feria. 3. Los trabajos de connotados artistas fueron admirados por un sinnúmero de visitantes. 4. Una amante del arte observa una creación de Boo Ritson en la Feria de Arte de Londres.

a los coleccionistas. Thomas Allen, que se está convirtiendo en un huésped frecuente de las paredes acaudaladas de Europa, deleitó a todos con sus maravillosas fotos de caracteres de novelas. Éste emplea una novedosa técnica de recortar los personajes de las portadas de novelas negras, pero no completamente, quedando como solapa, y combinando portadas en una composición fotográfica para contar una historia completamente diferente. Si la Feria de Arte de Londres nos revela algo sobre las tendencias futuras es que la fotografía, como arte experimental, está tomando prominencia como objeto de decoración y admiración; no sólo como símbolo artístico, sino también como mueble, tan cuadro como un Kadinsky, y al mismo coste.

Fotografía: EvaHart

ilovemadrid

WendyEspinal Fotografías: FuenteExterna

Emerge el diseño Los diseñadores independientes se abren camino en las ferias alternativas de diseño.

Lacasa

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Camisetas, sudaderas, mochilas, chapas y bolsos de lona serigrafiados, además de una línea más artesanal de zapatillas, gorras y bolsos pintados a mano, componen la propuesta Breakingthepana. (www.breakingthepana.es)

Breakingthepana

Belén Isasi, Xavier Cardona y Manolo Mejías componemos Breakingthepana. Soy la diseñadora, y los chicos se encargan de toda la parte comercial y logística. Ellos vienen del mundo de la música, y yo estudié Bellas Artes entre Valencia, Madrid y Bélgica. Mis personajes nacieron en el papel y el formato digital, y ahora los hemos sacado a la calle. La gente los lleva puestos y es muy bonito ver que cada vez somos más los que andamos siempre rebuscando cosas que no lleva el 90% de la gente. Me inspira lo cotidiano, las imágenes del día a día, y la música, ¡soy una auténtica melómana! Por eso propongo un estilo divertido, sinvergüenza, simpático y urbano. Ahora acabo de abrir un estudio con tienda junto a otra amiga diseñadora, Rocío Córdoba, para trabajar proyectos personales y comunes ¡como si nos pusiéramos algo más serias! El diseño emergente se trata de ideas frescas, novedad, originalidad, y ése es nuestro pilar.

Depeapa

Detrás de Depeapa está Verónica de Arriba. A mis 30 años, dedico todo mi tiempo al diseño y la ilustración. Disfruto mucho haciendo lo que hago. Dibujar; pensar en nuevas creaciones, en nuevos soportes donde aplicar mis ilustraciones; y preparar pedidos para las tiendas y ferias, además de trabajos freelance de diseño e ilustración que me van saliendo, es lo mío. Después de licenciarme en Bellas Artes en la Universidad del País Vasco y cursar dos años más en Macerata (Italia) y en Madrid, ahora estoy establecida en Granada, y desde allí impulso esta delicada y artesanal línea de complementos ilustrados, con aires naive y hechos a mano. Vendo en toda España, Francia, Portugal, Reino Unido y Grecia. He participado en el Nómada SuperMarket (Madrid) y en Loverbooking (Málaga), y la experiencia ¡no me ha podido gustar más! (www.depeapa.com)

Maya Kaloyanova

Nací en Bulgaria, hace 29 años, y vivo en Madrid, hace 8. En el Instituto Europeo de Diseño estudié Diseño de Moda, realicé un master en Escaparatismo y estoy incursionando en el diseño de vestuario para teatro. Para mí la moda es una fusión entre diseño, seducción e innovación, y busco impregnar esa visión en cada uno de mis diseños. Desarrollé el proyecto Metamorfosis.Lab, en el que también hice trabajos plásticos y ahora estoy enfocada en mi línea de complementos y ropa. Mezclo materiales y diferentes conceptos en una misma imagen, buscando un estilo extravagante, elegante, llamativo y sofisticado. La gente, la calle y los movimientos underground son mi mayor fuente de inspiración y es trabajando donde salen todas estas influencias. Para mí, la inspiración se traduce en sentimientos que me provocan ganas de crear, y en los detalles encuentro el amor puro por el arte. (mayakaloyanova.blogspot.com)

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ilovemadrid Nómada Market

Se dice que el diseño joven español vive actualmente uno de sus mejores momentos. No sólo porque, desde hace varias temporadas, Cibeles Madrid Fashion Week dedica enteramente a los diseñadores noveles su primera jornada en El Ego de Cibeles, y el espacio del Showroom de El Ego, sino porque los mercados, eventos y ferias de diseño independiente son cada vez más frecuentes en toda España, y sobre todo, en Madrid que continúa resurgiendo como una ciudad de vanguardia. En estos espacios el talento reboza y la creatividad es el requisito principal. Cada encuentro se llena de jóvenes diseñadores que presentan sus creaciones de producción limitada y artesanal. Los espacios pueden ir desde un centro comercial, una red de tiendas, un parque, un bar, un paseo peatonal, hasta un edificio en construcción. El público es especial y curioso, siempre rebuscando los artículos más originales y vanguardistas. Moda, ilustración, complementos, decoración, artes plásticas, gráficas y aplicadas se re-descubren y se confunden entre las originales propuestas de los jóvenes creadores, que sobresalen a partir de su creatividad y la calidad de su propuesta. El objetivo es clarísimo: abrirse camino.

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Desde el 2005, Nómada Market se ha convertido en la más importante feria de diseño independiente de Madrid, contando con seis ediciones al año, dos de las cuales son especiales y engloban a más de 100 creadores nacionales e internacionales.

Little Miss Maimun

Todo cabe en Little Miss Maimum: kustom art, craftings, antojos, micropoesía, confección creativa y taller-laboratorio. Soy Cecilia Espejo Miñán, me formé en la escuela de Bellas Artes de Madrid especializándome en diseño gráfico y dirección de arte. Little Miss Maimum es mi nuevo proyecto, después de haber trabajado por diez años en dirección de arte, y por siete en mi anterior proyecto Arte_Facto, una tienda-galería-taller. Ahora me dirijo al diseño aplicado o art-útil, trabajando con todo tipo de materiales, especialmente los de desecho; inspirada en la gente, los alumnos, la vida y los artistas (los que saben que lo son y los que no). En estos tiempos, creo en la ‘antitendencia’, no es un ‘todo vale’ pero sí ‘vale’ lo que ‘vale’, lo que tiene alma, lo coherente, lo que no es insípido. Participar en las ferias es algo excepcional, pues ya no se considera a otro artista ‘competencia’ sino ‘compañero’, y esto es un gran avance. (www.littlemissmaimun.com)

Fotografía: JeanPiereVega

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Texto y fotografías: VinVitorio

Escaparates en la Gran Ciudad

Si bien es cierto que “los ojos son la ventana del alma”, los escaparates también constituyen el mejor reflejo de la marca que representan. Y en Nueva York, estos frontales que visten las tiendas, son uno de sus principales atractivos. Saks decidió hacer un homenaje a la firma italiana Brunello Cuccinelli por su 50 aniversario.

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Ir a pie es un requisito indispensable para poder palpar a plenitud la exuberancia de estas expresiones creativas llamadas escaparates. Visualmente, suelen estar llenos de colores, mensajes y fabulosas piezas, que nos hacen delirar y nos transportan a un subconsciente estado mental, donde el bullicio de la ciudad se disuelve en el silencio. Por ser una urbe en constante movimiento, las llamativas vidrieras de Nueva York siempre están

sujetas a cambios y, sobre todo, a nuevas formas de presentación. Esto hace que muchos escaparates se creen en base a un producto en específico, que a veces se omite, pero que siempre está guiado por una idea que nos adelantará qué podemos conseguir en el interior del establecimiento y qué tan asequible resultará esa aventura. Grandes tiendas por departamentos muestran elaborados y animados escaparates que invitan a neoyor-

Según las estadísticas, los escaparates pueden atraer hasta 6,000 espectadores por hora en las temporadas más altas del año.

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Moss Tienda de Diseño (Soho). Una de las más reconocidas tiendas de diseño en Estados Unidos.

quinos y visitantes a delirar con ellos; muchas, tienden a ser una especie de shows a lo mini-Broadway, con grandes escenarios, movimiento y hasta su propia música. Pero, cada escaparate posee una personalidad diferente que va desde lo clásico hasta lo tecnológicamente intrigante. En la exclusiva Quinta Avenida podemos encontrar desde los más suntuosos escaparates; entre los cuales se destacan las creaciones visuales de Saks Fith Avenue y de Bergdorf Goodman, hasta las tiendas de diseñadores de firmas de la Madison Avenue, o las modernas tiendas de Soho. Para Joseph Polar, diseñador de interiores y propietario de la firma de diseño que lleva su nombre, un escaparate representa el aspecto más importante de un espacio comercial por ser la primera impresión y la principal atracción de potenciales clientes. Este creativo, que ha realizado importantes escaparates para Barney’s y Waterworks, cimenta su trabajo sobre la premisa de plasmar estilos de vida y, sobre todo, una estética con la cual las personas puedan identificarse para poder destacar al producto o marca en cuestión. Y es que el éxito de la creación de un escaparate depende esencialmente de su enfoque; se debe

Joseph Polar, diseñador de interiores y propietario de la firma de diseño que lleva su nombre. (www. josephpolardesigns.com)

Chanel en Spring Street es sinónimo de buen gusto, y en esta temporada lo va a apreciar en sus escaparates.

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Bergdorf Goodman recreó unos escaparates de ensueño y nos presentó a una bella durmiente vestida de Rodarte.

Cappellini, esta firma de diseño italiana es una de las más vanguardistas a la hora de adquirir objetos, muebles y lámparas...

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Calvin Klein es una conocida firma caracterizada por sus muy sensuales campañas publicitarias de ropa interior, que ha recreado gigantes escaparates con su última musa, la actriz Eva Méndez.

resaltar el producto sobre los elementos que le rodean, para no distraer el mensaje que se quiere proyectar. Todos los escaparates dependen del uso de los elementos y de la implementación de ciertos principios basados en el arte y el diseño, como las formas, líneas, colores y texturas. Igualmente, están sujetos a las tendencias, que inciden en la creación de cada temporada. Joseph Polar opina que la crisis económica le ha vuelto más creativo aun con menos presupuesto. “Esta situación hace que el reto sea mayor para crear visuales con la misma calidad. Y es algo muy realista el que los escaparates más creativos suelen ser los que están hechos o inspirados en las cosas más simples u ordinarias. Más que desafiar a la recesión económica actual, el reto es desafiar a la mente del consumidor”.

Cuando la actual depresión económica pegó en su momento más fuerte los expertos en la creación de visuales decidieron que era imperativo que los comerciantes llegaran a los extremos para atraer a consumidores cautos porque muchos de ellos necesitan una buena razón para comprar una marca. Por eso, en las temporadas por venir estaremos viendo escaparates mucho más elaborados y estratégicos para la llamar la atención de todos nosotros los consumidores y hacernos morder el anzuelo. Los escaparates de un espacio comercial pueden hacer que un consumidor regular entrar en éste e igualmente a alguien que solo pasa por su frente y busca algo diferente. Hay muchas tiendas exitosas construidas a base de creativos escaparates y no basadas en la calidad de la mercancía que ofrecen.

D&G se inspiró en la famosísima ópera de Verdi, “La Traviata”, para esta temporada.

CoStume National le ofrece a los seguidores de esta firma un espacio discreto en el cual pueden encontrar toda la coleccion de la multinacional europea.

entrevista Por YvonneFrancisco Fotografías: FernandoCalzada

Azul Mar

Hernán Arriaga es un diseñador internacional que trae a Santo Domingo un concepto que, aunque cosmopolita, impregnado de un sello muy particular, proyecta los conocimientos y experiencias adquiridas durante su trayectoria profesional.

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Flanqueando la sala de este apartamento se yerguen dos columnas (de Circa), del siglo XIX. La back table italiana es de madera y cromo, mientras que el banco inglés (de Altri Tempi) se complementa con dos banquitos blancos forrados en cuero de avestruz que están debajo, y con los pinceles y los libros que reposan sobre él. Por su parte, las alfombras de sisal son miamenses; los sillones combinan el aqua y el blanco en lino natural, y las lámparas argentinas fusionan la plata y el cuero en estado natural. (Diseño: Hernán Arriaga, Locación: Apartamento de Carlos Malla).

La sillería en dos estilos diferentes. Unas, Luis XV (francesas); y otras, tipo english wing chairs, son una combinación perfecta a manos de Hernán Arriaga para esta biblioteca. Los cojines sobre las french chairs también están forrados en cuero de avestruz.

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Diseñar un hogar es más que un estilo de vida, y así lo demuestra en sus creaciones el diseñador de interiores de origen argentino, Hernán Arriaga, quien ha llegado al país con sus novedosas e impresionantes creaciones artísticas. Vino a República Dominicana, por primera vez, a trabajar en el diseño de la casa de su amigo Carlos Malla, y quedó prendado del país. Se enamoró, le encantó la isla y su gente, y le surgió lo que él define como algo “mágico”, ya que esta tierra tiene para él una energía muy especial. Asimismo, los diseños que encontró localmente también le despertaron un gran interés por implementar en este país lo que había aprendido sobre el diseño

internacional en Europa, Nueva York y en otros lugares donde ha trabajado. Es así como surge Azul Mar, una tienda que se hizo realidad de repente. Hernán, asociado con Fabio Lopes y Carlos Malla, abrió las puertas de su nuevo showroom en Piantini, ofreciendo artículos decorativos variados y exclusivos, cuidadosamente seleccionados a través de sus viajes alrededor del mundo. En este proyecto, que se vislumbró en julio de 2009, y que ya se ha convertido en un espacio único, se exhiben exclusivas piezas de ciudades como Estamburgo, Moscú, Londres, Madrid, Barcelona, Roma, París. Aquí, además, el público puede encontrar el sello particular que caracteriza la marca de este diseñador.

“Entre mis fascinaciones está mezclar estilos e introducir piezas únicas en cuartos modernos, pero elegantes”, Hernán Arriaga, diseñador de interiores (www.hernanarriaga.com)

entrevista

“Para poderles dar lo que quieren (a los clientes), los tengo que conocer, e interpretar lo que están necesitando”, Hernán Arriaga, propietario de Arriaga Designs, en Nueva York y Miami; y de Azul Mar, en Santo Domingo.

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Estilo del artista El estilo decorativo de Arriaga es muy peculiar. Para él, el buen diseño es en sí lo primordial. Poder interpretar a su cliente y lo que éste necesita; adaptarse al tipo de vida que tenga, porque no todo el mundo es igual, ya que la vida de cada uno, en cada casa, es su mundo; son necesidades, estilos, gustos y formas de vida diferentes. Su vasta experiencia le ha demostrado que hay que sentarse con el cliente en su espacio, y hay que conocerle. Por eso, “Para poderles dar lo que quieran (a los clientes), los tengo que conocer e interpretar lo que están necesitando”. Después, si es necesario, les enseña el tipo de muebles, de artes, de estilos, de cosas que realmente envuelve el diseño. Muchas de las personas que recurren a los servicios de Arriaga han prosperado económicamente en los últimos diez años, y él siente el deber de enseñarles qué es vivir con cierto nivel. También entiende que el deber del diseñador no sólo es crear una casa bonita, sino que funcione y que al mismo tiempo tenga puntos de conversación. Explica que cuando tienes invitados, si ellos tienen en sus casas ciertos muebles, de alguna manera van a esperar lo mismo, y al mismo tiempo éstos se convierten en puntos de conversación. Por ejemplo: dónde compraste esta pieza, por qué la tienes en tu casa, dónde conseguiste aquel cuadro…son temas de conversación.

Inglaterra en el siglo XVIII. El uso del negro laqueado en las vitrinas representa el ébano, el crema y el marfil; este brillo ayuda a transportar el estilo inglés del siglo XVIII al mundo actual. Igualmente, las sillas son bien inglesas, y con un laqueado blanco y un velvet gris funcionan a la perfección en este ambiente diseñado por Arriaga.

Tendencias A Hernán Arriaga le fascina mezclar lo moderno y lo antiguo, porque considera que como gente joven lo lógico es que una pareja que oscile entre los 30, 40 ó 50 años se adapte a lo que es la vida hoy, del día a día, donde hay diferentes servicios y comodidades que antes no existían, y que van

Hernán Arriaga es conocido por su tendencia y respeto por las texturas y los materiales; por la combinación de las antigüedades y los elementos modernos.

En el comedor se fusiona la combinación del negro, el topo, los grises y los blancos. Los molinos son de la época colonial, los espejos (de Altri Tempi), la lámpara (de Ilumel). En este espacio, Hernán Arriaga deja evidenciado que no todo en el high end design tiene que ser costoso, y que él se las ingenia para presentar todos sus trabajos con estilo y calidad.

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entrevista

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a ser las antigüedades del futuro. Lo que más le gusta es tomar un espacio, modernizarlo, y después agregar piezas antiguas en el centro, como si fueran las estrellas del lugar. Un elegante cuarto se puede lograr con líneas rectas y bajas, con muebles del siglo XVIII, y con unas paredes blancas. “El detalle que te da es demasiado elegante y precioso, a mí me gusta muchísimo. Por eso, tiendo a mezclar y a implementar las antigüedades, las respeto mucho. Aunque al mismo tiempo, entiendo que vivimos en un mundo moderno y que tiene, de una manera u otra, que llenarse de esa manera”, explica. Considera que no hay necesidad de comprar muebles nuevos, ya que se pueden preservar los de la primera casa, y contando con los conocimientos necesarios se pueden adaptar a tu nuevo ambiente, y así servirte toda la vida. Cada mueble al final tiene una historia, y las cosas más valiosas son las que te siguen por el resto de tu vida.

Diseño orgánico A este experto en decoración internacional, le fascinan las texturas orgánicas. Siempre incorpora en su trabajo pieles, madera y elementos como campanas, cuernos, caparazones de tortuga y caracoles petrificados; le gusta cómo hacen que un lugar se torne más cálido y menos rígido, sobre todo cuando éste es contemporáneo. Advierte que el diseño, de alguna manera, genera un sentimiento muy frío por lo que hay que agregar colores, detalles y accesorios, para que cuando llegues a una casa no tiendas a ocupar la esquina del sofá, porque no te sientes cómodo. Mientras que, un buen diseño, con buenos accesorios, hace que te encuentres a gusto instantáneamente con sólo apreciarlo visualmente. Para Arriaga, “Cuando una casa está bien hecha el dueño no tiene que hacer mucho esfuerzo para hacerte sentir cómodo; te sientes como en casa desde que entras, hay una identificación, una fluidez…”.

Pasa a la página 24 En el dormitorio (foto inferior) se combina el blanco y una derivación de gamas del aqua, que realmente describen un cuarto elegante, cómodo y refrescante. El chandelier francés es original, del siglo XIX; la alfombra miamense se combina con las cortinas de conchas de mar (de Samaná) y con las lámparas (de la tienda Azul Mar).

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Viene de la página 22 En el powder room (en la foto superior), Arriaga colocó un antiqued mirror, y en el techo un gris-oatmeal. Los recuadros y el tamaño del espejo se deben a la continuidad del mármol en las paredes; mientras que la bacha es súper moderna y el mueble es un tanto tradicional.

tendencias

Por ArquitectoIvánBalcácer Fotografías: MaribelÁlvarez

Murales interiores

revestidos de naturaleza

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La búsqueda de naturalidad en las terminaciones arquitectónicas se remonta a la década del 50, durante el llamado “movimiento orgánico”. En aquel entonces, los diseñadores, en general, utilizaban a la naturaleza como tema central de sus creaciones; con esa fuente inspiracional se construyeron un sinnúmero de edificios que emulaban a las conchas de animales, y se fabricaron muebles en forma de insectos, tomando también como referente a los animales microscópicos. El uso de elementos naturales se hizo imprescindible; por tal razón, comenzaron a primar, por doquier, el agua en fuentes, estanques y cascadas; la piedra, en rocas, lajas y otras formas de revestimientos; el ladrillo, y por supuesto, la madera, en todas sus posibilidades. Ya en los años1990, y en oposición a la antinaturalidad de la década precedente, los diseñadores comienzan a buscar nuevas maneras de expresión más acordes con el nuevo concepto de conservación medioambiental que se empieza a imponer entonces. Con el arribo del siglo XXI se recuperan conceptos de movimientos del diseño del pasado reciente; así, las formas simples y más funcionales del modernismo aparecen en los proyectos de arquitectos e interioristas. Esto, unido a la implementación de las filosofías orientales (budismo-zen, feng-shui, entre otras), viene a aportar la renovada apreciación por los elementos naturales, ayudada por la necesidad de “llenar”, de alguna forma, las superficies casi vacías que deja el empleo del estilo minimalista en los espacios interiores de casas y apartamentos. La tendencia minimalista sugiere que se utilicen pocos muebles y accesorios, tratando de hacer los espacios más funcionales y prácticos. Mientras que estos, a su vez, deben poseer valor estético suficiente como para mantener el interés en el espectador. Al no recurrir al uso de cuadros para llenar el vacío de los muros, sumando a esto la preferencia por el uso del tono blanco, se permite, gracias a las

tendencias orientales, “enriquecer” visualmente los espacios con materiales de origen natural o aparente (como la cerámica). Es así que, hoy día, vemos desaparecer el gusto por el color, para dar paso a las texturas que aportan los materiales naturales y sus tonalidades llamadas intrínsecas.

Ventajas y Desventajas Al decidir emplear materiales naturales en nuestros espacios interiores, sobre todo como revestimientos murales, debemos saber que estamos introduciendo un elemento permanente, que no podrá cambiarse con tanta facilidad como la pintura o un empapelado.

Hoy día, se da paso a las texturas que aportan los materiales naturales y a sus tonalidades intrínsecas.

Estos materiales van a aportar riqueza visual al ambiente, haciendo posible que no tengamos que recurrir a otros recursos como el color. Su poder de atracción es tal, que condicionan hasta el carácter del ambiente, tornándolo más o menos formal, dependiendo del tipo de material seleccionado. También pueden servir para dar “terminación” a espacios de dudosa factura; aportan carácter a espacios anónimos y faltos de personalidad, y hasta acentúan un concepto de decoración que quiera resaltarse en un espacio o proyecto (rusticidad, exotismo, orientalismo, africanidad). Mucha gente aduce en contra del uso de los revestimientos naturales, el hecho de que encarecen las terminaciones. Si bien es una apreciación verídica, no es menos cierto que los costos iniciales son compensados por los costos futuros de mantenimiento, limpieza y resistencia, entre otros. Además, un muro revestido en piedra, lajas, tablones de madera, tabla de palma, no requerirá de la colocación de ningún otro objeto sobre la superficie revestida, disminuyendo así, los gastos en accesorios como cuadros, espejos y otros elementos decorativos. Un muro que haya sido tratado con revestido de elementos naturales hará el espacio más atemporal, es decir, que gracias a lo agradable que resulta su percepción, éste no parecerá propio de una época o moda temporal, sino que podrá permanecer, por mucho tiempo, manteniendo su apariencia fresca. Inclusive, será un mural que podrá renovarse con el cambio de colores de otros muros aledaños, de los muebles, de las lámparas y del resto de los accesorios del ambiente.

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Revestidos en piedra, lajas, tablones de madera, tablas de palma, ladrillos... los muros no requerirán de la colocación de ningún otro objeto sobre la superficie revestida, disminuyendo así, los gastos en accesorios como cuadros, espejos y otros elementos decorativos. Estos materiales, que aportan riqueza visual al ambiente, posibilitan que no tengamos que recurrir al color, pues su poder de atracción es tal que hasta condicionan el carácter del entorno.

livingart

Por OlgaAgustín Fotografías: FernandoCalzada

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Una sala “modular” permite que Adolfo Lucero coloque su mobiliario de diferentes maneras y sin complicación alguna. El sofá (de Urbana) está compuesto por tres piezas que le permiten jugar con el espacio, al igual que el trío de mesas que lo acompañan y se arman o desarman a conveniencia. En esta sala predominan los colores neutros y exclusivas piezas de diseñadores (adquiridas a través de la tienda virtual Chiasso).

El escape citadino de

Adolfo Lucero Mientras la gente sale de la ciudad evadiendo a la cotidianidad, Adolfo Lucero hace lo contrario; ingresa a la urbe y se refugia en su apartamento capitaleño. Cada fin de semana, cuando el Vicerrector de La Escuela de Diseño de Altos de Chavón, Adolfo Lucero, se “refugia” en su apartamento de 125 metros cuadrados, deja colgados todos los títulos en su oficina de La Romana, y llega hasta el corazón de Santo Domingo a disfrutar de su escape citadino.

Hace dos años, adquirió en planos este inmueble del Ensanche Paraíso y le hizo pocas remodelaciones estructurales, buscando preservar su sencillez. Aunque es un diseñador gráfico que soñaba con un estilo cien por ciento minimalista se dio cuenta de que, en su caso, no era factible; diversos viajes alrededor del mundo se encargaron de sabotear

“Hay piezas que son íconos del diseño por el tiempo en que fueron diseñadas, por quien las diseñó, o porque simplemente se han convertido en un hito”, Adolfo Lucero, Vicerrector de la Escuela de Diseño de Altos de Chavón

Entre el collage y Le Corbusier… Antes de adquirir este apartamento, Adolfo Lucero tenía decidido que en éste no faltaría un sillón de Le Corbusier (también apodado por ese prominente arquitecto del siglo XX como la “máquina de relación”). Mientras que en la pared se observa uno de los hobbies de Adolfo, el collage, mediante el cual drena su creatividad y refleja distintos momentos de su vida a través de simples recortes de papel.

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“Hay tres elementos que convergen en este apartamento: el equilibrio de su neutralidad, la fuerza que imprime el color negro y la elegancia del niquelado”.

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30| Alma de niño es el mood que se aprecia en este estudio, donde una colección de muñecos del Museo de Arte de Nueva York, una serie de carros en miniatura y un ajedrez con figuras animadas, entre otros detalles, evidencia el lado infantil de Adolfo Lucero. Esta área (con mobiliario de IKEA) maneja tonalidades neutras, donde se combinan el confort, para dar cabida al entretenimiento; y el pragmatismo, para dar vida a los proyectos artísticos de su propietario.

El espíritu de diseñador de Adolfo Lucero se apodera de esta sala que muestra una alfombra blanquinegra a juego con la neutralidad del sofá y del oscuro piso. En las mesas, una afición por recopilar diferentes tipos de cámaras antiguas, y un sinnúmero de libros y revistas de decoración e interiorismo hablan por sí solas de las grandes pasiones de la vida de su dueño.

esta idea, tentándolo a adquirir y coleccionar múltiples objetos, que hoy día han devenido en múltiples hobbies, como el collage y la fotografía. Adolfo Lucero decidió ambientar las diversas estancias de su apartamento sin recargamientos ni complicaciones. Él estaba convencido, por la experiencia que da el haber vivido en diferentes latitudes (en su natal Venezuela, en España, en La Romana y, ahora, en Santo Domingo) de que “a medida que vas perpetuándote en los sitios, estos se van tornando más complejos, pues vas acumulando más cosas. Por eso es importante que los lugares se transformen en la medida en que cambian el tiempo y los intereses”. En ese sentido, este artista consiguió el punto intermedio entre lo que no es ni muy recargado ni muy minimalista. “Aquí he tratado de hacer un balance entre lo que es real y lo que mantiene un concepto de diseño básico”, explica. Eso sí, Lucero tuvo claras desde siempre sus ideas para decorar este hogar, pues las acariciaba en su mente desde hacía mucho tiempo. Como diseñador y catedrático, estuvo eternamente enamorado de ciertos íconos del diseño (como la lámpara de la década del 60 que tiene en su sala o el sillón de Le Corbusier que privilegia a un rincón del salón). Para él, son ese tipo de elementos de diseño los que suben el nivel del entorno y enriquecen su contexto. En cuanto al color, optó por manejar una línea neutra, tanto en las paredes como en el mobiliario. Aunque la parte más idealista de su ser soñaba con vestir el espacio enteramente de blanco, entendió que esto podría tornarlo en un ambiente irreal e invivible; por lo que decidió jugar con el blanco, el negro y el gris, y buscó ornamentos puntuales que aportasen su tonalidad vibrante al entorno. En todas las áreas del apartamento de Adolfo Lucero queda algo bien claro: para él, su espacio es algo más que una mera inversión en decoración; es la disposición de unas flores frescas en un jarrón, es la colocación de un buen tapiz o de un elemento sencillo a nivel de color…En fin, son los detalles; aquellos mágicos detalles, los que transforman este espacio en el otro mundo de Adolfo Lucero: en el mundo metropolitano donde se “guarece” los fines de semana.

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1. La cocina es el punto de reunión y transmite la pasión que le impregna el color rojo. Allí la blanca mesa genera el balance necesario entre los cajones enmaderados y las enrojecidas paredes. Por su parte, todos los utensilios de esta estancia son prácticos y funcionales, y la iluminación se maneja bajo un estilo high tech. 2. Una fantasía en blanco y negro se presenta en este baño de las visitas, donde los espejos reciclados con sus marcos pintados de blanco lo dotan de cierto halo de eclecticismo. 3. En el hiperventilado dormitorio de Lucero, tanto el mobiliario como las lámparas son de IKEA. La sencillez, la prolijidad y hasta su fanatismo por los collages se apoderan y manifiestan en esta área, que es sagrada para el artista.

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Por OlgaAgustín Fotografías: FuenteExterna

“Arquitectura Popular Dominicana”, al rescate del diseño criollo

Fotografía de portada del libro “Arquitectura Popular Dominicana”.

El libro “Arquitectura Popular Dominicana”, editado por el Banco Popular Dominicano, y escrito por los arquitectos Víctor

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Manuel Durán Núñez y Emilio José Brea García, se puso en circulación en aras de rescatar los valores culturales que forman parte de la dominicanidad. El libro incluye en su contenido temas como: la arquitectura popular en el panorama mundial, la arquitectura popular dominicana, lo precolombino y lo colonial, lo campesino y lo urbanístico, la arquitectura urbana y popular, el cuerpo compositivo de la vivienda y la regionalización. “Arquitectura Popular Dominicana” presenta, además, los modelos y preferencias, la composición familiar, los materiales, estructura, tamaño, espacios, ambientes, constructores y edades de las casas; las transformaciones de la vivienda y los servicios. Asimismo, trata la arquitectura y la identidad, y la casa tropical, como una manera de mostrar cómo influye la tradición arquitectónica dominicana en la antropología, el arte y la historia criolla.

“Fotofija: El arte de espiar” de Fernando Calzada

Isabella Rossellini, bajo el lente de Fernando Calzada.

El de Isabella Rossellini es uno de los múltiples rostros cinematográficos fotografiados por Fernando Calzada, que podrán ser apreciados en la exposición “Fotofija: El arte de espiar”, a partir del 8 de abril. La Sala Principal del Palacio de Bellas

Artes será testigo de otra muestra fotográfi ca de este artista del lente, donde se recopila un resumen de su experiencia como fotofi ja en el mundo del cine, tanto dentro como fuera del país. En “Fotofija: El arte de espiar”, Calzada exhibirá 75 obras, a diferentes tamaños, entre las que se destacan fotografías de películas como: “Cuba in blood” (Dreaming of Julia), de Juan Gerard; “The lost city”, de Andy García; “La fiesta del chivo”, de Luis Llosa; y “Sugar”, de Ryan Fleck y Anna Boden. Entre las exposiciones de este fotógrafo, que lo consagran como un artista consumado, están: “Piel Adentro”, exhibida en Casa de Teatro y en la Casa de Cultura de Puerto Plata (2001); y “27 Aniversario de Casa de Teatro”, en Casa de Teatro (2002).

Logotipo de Corferias, empresa organizadora de Imaginna Diseño 2010.

Feria Imaginna Diseño 2010, en Colombia

Del 11 al 17 de mayo, el Centro internacional de Negocios y Exposiciones de Bogotá – Corferias presentará a Imaginna Diseño 2010. Esta feria busca ser una plataforma de promoción y de posicionamiento del diseño, como eje diferenciador en la actividad comercial nacional e internacional, por medio a una selección creativa e innovadora a cargo de las mejores empresas de diseño, que ofrecerán soluciones vanguardistas a las compañías o particulares que demanden de sus servicios especializados. En Imaginna Diseño 2010 se congregará una importante muestra de todo lo relacionado con productos y tendencias de las diferentes ramas del diseño como: Diseño Arquitectónico, Diseño Interior, Diseño Industrial, Diseño Visual y Ofimática. Esta actividad contará con una exhibición comercial, que evidenciará los procesos creativos de los diseñadores, desde la idea inicial y su conceptualización hasta su desarrollo, y se complementará con una amplia agenda académica de espacios interactivos. Para más detalles, ingrese a: www.feriaimaginna.com

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Inspirados en el mar y en sus criaturas, Miriam Calzada usa sus imágenes fotográficas para adornar una colección de cojines. Estos son fabricados a base de algodón y muaré; son de alta calidad y elegante terminación.

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Aunque Calzada nació en Guayaquil, Ecuador, se considera dominicana y tiene una gran necesidad de proteger esta tierra. A veces, siente ser una herramienta para que la gente valore lo que tiene. Piensa que ésa es su misión y eso le da felicidad. Es por ello que todas sus producciones son de aquí. “Mi obra es República Dominicana, porque creo que mi mensaje cobra fuerza y aquí hay tanto que todavía no termino, hay tanto que me encantaría documentar… que no tengo que ir a ningún otro sitio”. Los ojos de Calzada se concentran en cosas y situaciones que al común de la gente se le pasa por alto todos los días y no las ve. Hay gente que la llama y le pregunta cosas inverosímiles como: “¿Viste que la luna está muy hermosa?”, pero es porque ése es el mundo real de Calzada, y quienes la conocen lo saben. A veces ella está hablando con alguien y sin proponérselo, al mismo tiempo, está pensando en la luz, en cómo ésta le está dando a la cara a esa persona, y se hace un bosquejo imaginario de cómo podría quedar una fotografía bajo ese escenario.

Al terminar cada colección, su creadora, Miriam Calzada (en la foto superior), disfruta el colocar sus cojines y otros elementos decorativos sobre los sillones de Altri Tempi (tienda donde están disponibles las obras de esta artista), para ver cómo se ven en ambientes totalmente contemporáneos. En la foto inferior, se muestra que los cristales son otra historia al ser imágenes impresas sobre el mosaico, que hacen la función de placematts para una mesa de playa, o para una mesa más sobria, a base de blanco y negro, acompañada de una gran vajilla.

Nueva faceta Con hermosos y diversos objetos inspirados por el mar y sus especies, Miriam Calzada utiliza sus imágenes para adornar una colección de cojines y tocadores decorativos hechos de algodón de alta calidad y de elegante acabado. Así transporta toda esa belleza que nos ofrece la Madre Naturaleza y que sólo Calzada sabe captar con su lente para luego presentarlas en piezas de diversas formas y texturas, en objetos de tela, y en otros artículos con la solidez del cristal, con un acabado impresionante. Calzada es muy perfeccionista en su trabajo profesional, y cada objeto, al final, resulta ser como una pieza de colección. De ese modo lo perciben las personas que adquieren y aprecian su trabajo; es ese respeto por su obra lo que la hace merecedora de la valoración que tiene el público por su arte. Cada pieza, aunque igual, es única por las exigencias personales de calidad que le impregna esta artista, como sello de fábrica. Ella se involucra, no sólo en la creación inicial de la fotografía, que de por sí sola es una obra acabada, sino en la

confección de lo que va a ser la pieza final, en la selección de los materiales y en toda la logística que envuelve la realización de estos objetos. Ese interés por crear objetos para la casa, le viene también de su amor por el hogar, por lo que significa para ella esa relación que tiene entre su vida laboral y familiar, tan equilibrada; por ese día a día que conjuga entre su esposo, sus hijos, su cámara, la cocina (que le encanta), sus viajes…y ahora con la confección de estos objetos. Miriam Calzada ha incursionado en esta nueva faceta porque ella no quiere que solamente la identifiquen como fotógrafa de paisaje, lo cual le encanta y siempre seguirá haciendo mientras tenga vida, según manifiesta. Es que ella tiene que involucrarse en cosas nuevas para satisfacer sus constantes inquietudes.

“Me siento privilegiada. ¡Cuánta gente no ha entrado en contacto con la naturaleza como lo he estado yo…! Ni pueden, ni se atreven, y se les va la vida sin tener ese contacto”, Miriam Calzada, fotógrafa y decoradora (www.miriamcalzada.com)

“Todas nuestras obras están disponibles en la tienda Altri Tempi (ubicada en la calle Salvador Sturla #25, en Naco. Su correo electrónico es altritempi@codetel.net.do)”, Miriam Calzada, fotógrafa y decoradora

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La madre tierra nos ofrece numerosas bellezas, tanto en la tierra como en sus aguas. Por eso, Miriam Calzada captura esta realidad y la estampa en piezas de cristal de impresionante terminación.

casasconestilo Por OlgaAgustín Fotografías: LaurenLlenas

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Un área VIP. En esta sala predomina un aire de glamour, lujo y elegancia, que se respira a través de sus lámparas, cristales y espejos... Esas tonalidades doradas simbolizan la brillantez y el destello que, fusionadas con elementos de matices plateados, hacen honor a esta área denominada “Platinum gold” en franca alusión a esa aleación dorado-platinada.

Un proyecto

polifacético “Lady in red”, “All night long” y “Platinum gold” no son los nuevos sencillos del álbum discográfico de Andrés Aybar; son tres ambientes únicos, que recreó en un apartamento de Piantini y posicionó como otros hits de su carrera de diseñador.

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|39 Camaleónico como él. Así considera Andrés Aybar el interiorismo creado por su equipo de trabajo (de El Estudio by Andrés Aybar) en esta infraestructura de 442 metros cuadrados, ubicada en el séptimo piso de una elegante torre del sector Piantini. Aquí la meta que se trazó el diseñador de interiores fue la de seguir la línea de las piezas mobiliarias y la de los ornamentos existentes, lo que le sirvió de referencia y se constituyó en el eje central de la decoración. Una ornamentación que se complementó con nuevos elementos para preservar la armonía y la coherencia del entorno. Tras seis meses de trabajo a un ritmo conveniente, tanto para él como para la pareja de esposos que ya habitaban el inmueble, la constante retroalimentación entre el diseñador y sus clientes rindió los frutos esperados y permitió terminar exitosamente el proyecto de decoración que los dueños habían iniciado hacía tres años (cuando adquirieron el apartamento), y el cual nunca llegaron a concluir. “Nos sentimos muy a gusto con el producto final, pues Andrés Aybar superó las expectativas que teníamos en un principio. Él sabe seleccionar, ordenar y colocar los diferentes elementos de una forma

1. Un comedor de impacto. Los cabezales que presiden esta mesa le aportan una gran personalidad al espacio; así como las lámparas, los cuadros laterales y las consolas japonesas (al fondo) que lo complementan. 2. El salón de la cava. Aquí se impone la calidez en las tonalidades, en el revestimiento de las paredes, en el sofá de piel y en la alfombra tipo shaggy. 3, 4 y 5. En todos los rincones del apartamento se fusionan diversos elementos que armonizan a la perfección con su entorno.

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tal que sus espacios se convierten en verdaderas creaciones, y no en cuartos repletos de muebles y de adornos”, expresa con satisfacción el propietario sobre el trabajo del diseñador. Y es que estos elogios a la labor cumplida no son para menos. Para estos anfitriones, Aybar transformó radicalmente las áreas sociales de su hogar en espacios tan poco convencionales como los nombres con los que les bautizó su autor. “Platinum gold”, como denominó Andrés Aybar al recibidor, al pasillo, al comedor, a la cava y a la sala principal; “All night long”, como pasó a llamarse la terraza; y “Lady in red”, como fue apodado el estudio, fueron conceptos decorativos temáticos que surgieron de piezas mobiliarias puntuales y que, tejidos entre sí, crearon un estilo totalmente ecléctico, que permite recorrer todas las áreas sin encontrar repeticiones entre éstas.

“Platinum gold” Bajo esta denominación se englobaron diversas estancias que se gestaron en torno a un ambiente de exclusividad y prestancia; un “área premium”, como prefiere describirle su creador. Ésta se inicia en la entrada con un pasillo que exhibe una estructura totalmente longitudinal, donde se trabajaron las perspectivas arquitectónicas y se jugó con la implementación de nichos en sheetrock como plafones, combinados con la iluminación directa y con los revestimientos de papel decorativo en los techos; mientras que las paredes se realzaron con impresionantes murales de arte.

La terraza (bautizada como “All night long” por su creador Andrés Aybar) evoca al sentido de las residencias playeras, porque cuenta con detalles marinos como corales, peces... Los muebles; las mesas centrales, que combinan la rusticidad del tronco y la contemporaneidad del cristal y del acero inoxidable; y el tapizado de los cojines le dan un toque especial a este espacio.

“El estilo de este apartamento converge en que todos los espacios se van enlazando uno con otro”, Andrés Aybar, diseñador de interiores

Ya en el comedor, las monótonas piezas mobiliarias de la estancia tomaron otro giro cuando se cambiaron los cabezales, otorgándole mayor impacto y personalidad. Las espectaculares lámparas que penden sobre la mesa también le dan otro toque, así como los cuadros laterales y las consolas japonesas que se encuentran en el fondo. Por su parte, el “estudio marrón” (como le dice su propietario, quien lo disfruta a plenitud como un área de entretenimiento) funge, a su vez, como una cava. A ese punto de encuentro social y familiar, Andrés Aybar lo dotó de calidez con colores ocres y cremas; con un sofá en piel; con una alfombra tipo shaggy y con revestimientos en las paredes de un

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Una perspectiva longitudinal del pasillo y de su impresionante decoración recibe al visitante a la entrada. El tríptico es del artista Juan Carlos Reyes; y el wallpaper, implementado en el diseño de los techos, es un print con textura de piel de cocodrilo “gold antique”.

casasconestilo material con recuadros que simula ser piel, y con visillos marrones que anteceden a un fondo gris plateado, también. Mientras que, en la sala principal prima el glamour, el lujo y la suntuosidad que los aportan elementos dorados y platinados. Las lámparas, los detalles ornamentales, los cristales, el piso de mármol y los espejos...todo conspira a favor de la aleación dorado-platinada, a la que alude directamente este ambiente “Platinum gold”.

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En una amplia terraza, tipo balcón, se evoca al sentido de las residencias playeras, porque muestra diversos detalles marinos como corales y peces... Los muebles; las mesas centrales, que combinan la rusticidad del tronco y la contemporaneidad del cristal y del acero inoxidable; y el tapizado de los cojines, le dan un toque especial a esta área. Es un espacio que se concibió para disfrutar la noche a plenitud. Al fondo, la iluminación de los edificios colindantes parece ingresar desde el exterior para incorporarse al interiorismo de la terraza. En la misma, las luminarias son absolutamente puntuales y dirigidas, pues sólo se quiso implementar ligeros puntos de luz que preservasen la intimidad y el romanticismo, propios del concepto que encierra este ambiente.

“Lady in red” es el estudio y el único espacio que exhibe un toque de color en este apartamento. Aquí se aprecia un wallcovering retro combinado con el rojo, donde toda la decoración está inspirada en la forma orgánica que dictamina el sofá central.

“Lady in red” “Las mujeres que visten de rojo lucen súper sensuales”, una reflexión muy acertada de parte de Andrés Aybar, quien la aplicó en el “estudio rojo” (el área por

excelencia de la dueña de este apartamento, y la única que goza de un acento de color sólido). La inspiración del diseñador para desarrollar este tema devino de las formas orgánicas y curveadas del sofá rojo que ya estaba en la estancia. De ese mismo concepto, también le surgió revestir los techos de un material tipo print, que representa para este profesional una de las telas preferida por la mujer de buen gusto a la hora de vestir. Finalmente, ándese por donde se ande en este apartamento, quien lo visite no dejará de sorprenderse por lo que irá descubriendo en su recorrido por cada una de las áreas. Lo que sí les quedará más que claro al finalizar su travesía es el gran ingenio con el que Andrés Aybar las diseñó, y el polifacético estilo que le caracteriza, tanto a él como a sus proyectos.

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Por OlgaAgustín Fotografías: FuenteExterna

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IKEA el diseño sueco… en casa IKEA, la firma escandinava de muebles y artículos decorativos más grande del mundo, abre sus puertas en República Dominicana para darle paso al diseño sueco a través de su marca. Ni recorrer los 29,000 metros cuadrados del espacio comercial que ocupa en su estructura de la avenida John F. Kennedy, ni hojear las 376 páginas de uno de los 300,000 catálogos de ventas que se distribuyeron entre igual número de hogares, podrá acercarnos a las múltiples combinaciones que posibilita IKEA a través de sus cuatro estilos decorativos.

Tras ser fundada en Suecia durante 1943, IKEA ya supera las 300 tiendas diseminadas en 37 países de Europa, América del Norte (Estados Unidos y Canadá), Medio Oriente, Asia y el Caribe (en República Dominicana, donde se materializa su incursión en Latinoamérica).Y aunque su expansión territorial ha hecho de ésta una de las marcas más reconocidas en el mundo, IKEA se aferra a sus orígenes suecos,

go y ancho de las diversas infraestructuras de IKEA en el mundo, y se muestran parcialmente a través de las más de 3,000 imágenes exhibidas en el catálogo que circula actualmente en el mercado dominicano. Por medio a esta innovadora herramienta de venta, impresa a todo color, se presentan estos muebles y complementos -con sus respectivos precios- dentro de ambientes decorados de un todo, que orientan al consumidor sobre cómo utilizarlos en sus espacios. Sin embargo, IKEA República Dominicana ya cuenta –para empezar- con aproximadamente 6,500 artículos disponibles como surtido básico, y todos, absolutamente todos, están unidos por un elemento común: su exclusivo diseño escandinavo; un diseño que es inherente a IKEA, y que se presenta a través de una vasta oferta de productos y artículos para el hogar, plasmados en cuatro estilos que complacen a todos los gustos.

Diferentes estilos, para la mayoría

pues fue en Småland (una provincia histórica del sureste de Suecia, cuya traducción al español significa “tierra pequeña”), donde Ingvar Kamprad, el fundador de esta multinacional, inició su actividad empresarial siendo apenas un niño.

Smålanderos de corazón… Así se ha mantenido IKEA a la hora de ofrecer sus productos y artículos de decoración para el hogar, durante más de medio siglo: fiel a las raíces de Kamprad, su creador. Mientras Småland es conocida por ser una tierra austera con lugareños ahorrativos y trabajadores, IKEA extrapola estas características a su modus operandi cuando fabrica y comercializa muebles desarmables en grandes volúmenes (para que los consumidores los transporten y los ensamblen por sí mismos), que pueden almacenarse y transportarse en embalajes planos y uniformes, con el fin de aminorar los costos y, por ende, de disminuir los precios a pagar por el cliente. Por eso, los diseñadores de IKEA, desde su sede en Estocolmo, empiezan a trabajar con las etiquetas de precios de cada producto, esforzándose por buscar las formas más eficaces de crear muebles funcionales, duraderos y de buena calidad al menor coste. Estos artículos de diseño se expenden a lo lar-

En IKEA República Dominicana, tanto Anders Alm (el empresario canario que viabilizó su instalación en Santo Domingo), la venezolana Marita Marante (su directora general), y los más de 500 colaboradores directos (dominicanos en su mayoría) con los que cuenta la empresa hoy día, están conscientes de que amueblar el hogar no es sólo una cuestión de estilo, sino de conocer y de solucionar las necesidades de las personas que lo habitan. Ellos saben muy bien que pormenorizar sobre los diferentes estilos ayuda a conseguir una atmósfera balanceada y más interesante; y que, al reconocerlos, pueden ser mezclados para que agregue sus expresiones a los espacios. Definitivamente, en esta multinacional son especialistas en muebles y decoración, porque están al tanto de cómo viven las personas en sus hogares; de sus necesidades, sueños y situaciones de vida, y les proveen de soluciones asequibles que inspiran a realizar cambios en sus casas, mejorando así sus vidas, a través de los estilos decorativos disponibles. Uno de ellos es el “estilo country”, donde las piezas de IKEA reciben la influencia del arte folclórico sueco, dándole un sentido de calidez y de relajación al ambiente. Éste se caracteriza por ser tradicional y romántico, y utiliza colores rústicos inspirados por la naturaleza, creando una sensación de suavidad; mientras las mezclas y combinaciones de patrones y texturas agregan un toque mágico.

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IKEA cuenta con cuatro estilos en su oferta de productos y artículos de decoración para el hogar. En este caso, el “estilo juvenil sueco” se muestra tosco, dinámico y diverso. Sus tonos son contemporáneos y divertidos, mientras crean combinaciones no convencionales que quizás no estén coordinadas, pero que prodigan un excepcional aspecto de confort.

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En el “estilo escandinavo” también se evidencia la raigambre sueca; éste celebra la practicidad y las soluciones flexibles para amueblar el hogar, basadas en la belleza, simplicidad y claridad de las formas. Los colores escandinavos están inspirados en la luz solar y en los espacios abiertos de la naturaleza; se caracterizan por la luz y la combinación de colores frescos con colores pasteles básicos, así como por tonalidades orgánicas naturales. La madera rubia y pálida le aporta suavidad a este estilo. Otro de los estilos, propios de IKEA, es el “estilo moderno”, que se encuentra influenciado por el diseño contemporáneo alrededor del mundo. En él se utilizan los colores que están a la vanguardia en el ámbito de la moda, y su paleta cambia según las tendencias. Colores audaces y osados, y patrones estilizados conforman su base. Mientras tanto, el “estilo juvenil sueco” es tosco, dinámico y diverso. Sus tonos son contemporáneos y divertidos. Tanto las tonalidades como los colores y acabados, crean combinaciones no convencionales que quizás no estén coordinadas, pero que crean un excepcional aspecto de confort. Ahora bien, elíjase el estilo que se elija, “El mueble de IKEA se reconoce donde quiera”, según afirma la dominicana Julissa Taveras, gerente de mercadeo; una aseveración que se sustenta en los grandiosos diseños de esta marca, que provienen de mentes creativas y presupuestos ajustados, y que parecen gritar a los cuatro vientos: “¡Somos suecos!”.

La raigambre sueca de IKEA también se evidencia en el “estilo escandinavo”, que celebra la practicidad y las soluciones flexibles para amueblar el hogar. Los colores escandinavos están inspirados en la luz solar y en los espacios abiertos de la naturaleza; se caracterizan por la luz y la combinación de los colores frescos con los pasteles básicos, así como por tonalidades orgánicas naturales.

Otro de los estilos, propios de IKEA, es el “estilo moderno”, que se encuentra influenciado por el diseño contemporáneo alrededor del mundo. Su paleta cambia según las tendencias; y los colores audaces y osados, junto a los patrones estilizados conforman su base.

El “estilo country”, que presenta IKEA, recibe la influencia del arte folclórico sueco, dándole un sentido de calidez y de relajación al ambiente. Es tradicional y romántico, y utiliza colores rústicos inspirados por la naturaleza, creando una sensación de suavidad. Las mezclas y las combinaciones de patrones y texturas le agregan un toque mágico.

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Por OlgaAgustín Fotografías HollyReynoso

¡Goool... en el armario! Norma Guzmán

Si bien el fútbol precisa 90 minutos por partido, el Proyecto 001 da 30 días a sus diseñadores. En ese tiempo, Norma Guzmán logró sacarle tarjeta roja al “hoyo negro” que era el clóset de su hermana, y lo convirtió en una portería del Atlético de Madrid.

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48| “Un espacio puede ser muy frío si sólo lo decoras porque sí; es mejor hacerlo según las preferencias y necesidades del usuario”.

A Lisa Guzmán, una futbolista de 16 años, que vive y se desvive por ese deporte, no le es ajeno ningún partido de fútbol protagonizado por su equipo favorito, el Club Atlético de Madrid; lo que sí le es extraño es ver organizado el clóset de su habitación, que durante años, se granjeó –con mucha razón– el mote de “el hoyo negro”. A ese desastre institucionalizado, que atraía y “desaparecía” las vestimentas y accesorios de todas las féminas de la casa, le llegó su derrota el día en que su hermana, la diseñadora Norma Guzmán, decidió enfrentarse a tan poderoso rival en una contienda promovida por Lacasa, con apenas cuatro semanas de plazo y 20 mil pesos en fondos. Ante la remodelación de la habitación de Lisa, Norma aprovechó la ocasión para transformar el armario de su hermana en un lugar funcional y acogedor, donde ésta pudiese colocar sus zapatos, vestidos, camisas de fútbol, accesorios y perfumes, de una manera prolija. Para ello, siguió la línea minimalista que caracteriza a su familiar y la gran obsesión de ésta por el Club Atlético de Madrid.

Por eso, no es de dudar la razón por la que las paredes de este espacio de 4.5 metros cuadrados fueron pintadas de rojo, de azul y de blanco, en honor al escudo y al uniforme de los “rojiblancos”. Para ello, fueron implementadas y combinadas las tonalidades “Rojo Positivo”, “Blanco 00” y “Navy Wool”, de Pinturas Popular. “Mi mayor reto aquí fue encontrar un sitio para todo”, afirma la profesional egresada con honores de UNIBE y copropietaria de la empresa IN (Interiores Innovadores). “Básicamente, lo que traté de hacer fue separar este pequeño espacio en un área de tocador y en una donde se pudiesen colocar la ropa y los zapatos”. Así, Norma optó por anular las puertas del clóset anterior, para integrar la disposición de los ajuares de Lisa con el resto del ambiente. Igualmente, colocó nueve gavetas suspendidas, que por su profundidad permiten sacarle el mayor partido al clóset. Debajo de éstas, instaló dos anaqueles para el ordenamiento del calzado; y sobre las mismas, una barra de acero que permite colgar la ropa. Casi en el techo, pues este espacio cuenta con 2.70 metros de altura, se dispuso otra repisa para los contenedores provistos de los objetos menos utilizados por Lisa. En cuanto al tocador, Norma Guzmán prefirió algo bien creativo y funcional: un enorme espejo con una pieza de madera al lado (simulando figuras lineales y geométricas), donde su hermana pudiese colocar sus perfumes, cremas y maquillaje. Y es que Norma ya expulsó del juego al caos total en el que se convirtió el clóset de Lisa, dependerá del último penalti de esta hincha del Atlético Madrid la permanencia de la prolijidad de su armario durante el paso del tiempo…

Para un buen saque de banda en un clóset... -Se deben eliminar los elementos innecesarios, para que el armario luzca más grande. La implementación de materiales laqueados y vidriosos contribuye a aumentar la sensación de profundidad, refleja la luz, y no te hace sentir ni encerrado ni oscuro. - Pintar las paredes y el techo del mismo color permite que se pierdan de vista las esquinas. - La iluminación puntual y dirigida ayuda a contrarrestar la oscuridad de las paredes. Dejar el techo sin iluminar puede lograr, en este caso, que la estancia se perciba más alta y que no se vea la parte del almacenamiento que no interesa. Norma Guzmán anotó tremendo golazo cuando organizó gran parte del vestuario de Lisa (franelas, pantalones, ropa interior) con la incorporación de nueve gavetas de madera, suspendidas y construidas con las dimensiones que otorga la profundidad del clóset. El ebanista José Luis Eduardo Batista le ayudó a instalar las piezas de madera que, tanto en el armario como en el marco del espejo, se ven increíblemente modernas por la pintura laqueada que se aplicó sobre éstas. La iluminación dirigida (con una lámpara de Lux Gallery) permite que en el área sólo se vea lo que la diseñadora quiso mostrar.

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Por OlgaAgustín Fotografías: PamDíaz

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adentro… Evocar el mar y la sensación de sereni-

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dad que éste prodiga ya no es difícil si tomamos en cuenta que agregar elementos marinos en los hogares está al alcance de nuestras manos. Ésta es una tendencia que nos permitirá renovar el look de nuestro hogar de una forma simple y económica. Adornos como estrellas de mar, caracolas, conchas, y figuras en forma de animales marinos… aluden a este estilo oceánico y pueden adquirirse fácilmente en las tiendas de decoración. Sin embargo, si tu hobby es ir a la playa, también puedes dedicarte a recolectar estos pequeños tesoros marinos que, tras ser lavados y barnizados, obtendrán un acabado de lujo. Entre algunos consejos prácticos para darle este toque al ambiente están: colocar algunas conchas al descuido o en el centro de la mesa del comedor, coser caracolitos en los ruedos de los manteles de hilo, doblar servilletas y enrollarlas con un cordón fino sobre el cual se colocará una caracola. Igualmente, se pueden disponer los pequeños objetos de mar en jarrones de cristal, o se puede jugar con la inserción de algas secas por el sol, con trozos de madera arrastrados por la corriente marina y con un sinnúmero de cosas más… Cualquiera de estos detalles embellecerán su entorno con un aire de naturalidad.

1. Tallado en madera, este pez (de Nueva Dimensión) parece decir: “¡Todos al agua!”, mientras embellece cualquier rincón del hogar. 2, 3 y 5. Un par de estrellas plateadas, alguna figura marina como un caracol fabricado en vidrio transparente o hecho de porcelana fina, pueden renovar la apariencia del espacio donde estén colocados o prodigarlo de ese toque marino que tanto te gusta (Son de Urbana). 4 y 6. Los motivos que emulan las especies marinas son sumamente efectivos para lograr esta decoración basada en el mar. (Disponibles en Básico).

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La terraza central de la Casa del Río es el eje de esta edificación. A su alrededor giran cuatro módulos entre los que están compartidas las tres habitaciones (con sus respectivos baños), la cocina, el comedor y la sala.

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Diseñada y construida hace un par de

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décadas, esta Casa del Río se convirtió en la residencia de veraneo ideal para un tejano que se enamoró perdidamente del paradisíaco entorno de la playa de Portillo. Siendo éste un eterno admirador de la obra arquitectónica de Frank Lloyd Wright, le encargó al arquitecto Pedro José Borrell Bentz la misión de rendirle un tributo tropical a la Casa de la Cascada (uno de los trabajos más importantes de Lloyd, y uno de los principales hitos arquitectónicos del siglo XX), situada en Pensilvania, Estados Unidos. Con este reto en mente, el arquitecto Borrell localizó un lugar donde hubiese un río con la idea de represarlo, y cuando lo encontró procedió a construir la Casa del Río, para que ésta “flotase” sobre él. Años después, el norteño propietario decidió vender esta residencia a alguien que la valorase en su justa dimensión, y fue de esa manera cuando pasó a manos de la familia Prieto Pou, quien desde hace diez años la conserva como el primer día. “La infraestructura de esta casa se ha mantenido intacta desde que la adquirimos; la remozamos un poco, pero siempre bajo el consentimiento de su creador, el arquitecto Borrell”, comenta Cynthia Pou, su dueña actual.

En comunión con lo verde La zona circundante a la casa presenta un terreno ligeramente accidentado, un manglar que se mantiene prácticamente virgen, la playa de Portillo y el arroyo sobre el cual se ubica Casa del Río. Es notable que la puerta principal de esta infraestructura de cuatro módulos se encuentra prácticamente oculta en la parte posterior. Es en esa cara norte, la opuesta a la que está frente al mar, donde se “esconde” un espectacular manglar preservado por la paisajista Norma Van der Linde (quien está a cargo del paisajismo de esta propiedad), donde

1. La familia Prieto Pou le encomendó a la paisajista Norma Van der Linde la creación de un espacio exterior que fuese lo más natural posible y ¡vaya que lo logró! 2. Los detalles dominan las áreas de esta casa, ambientada por Cynthia Pou; mientras los colores tierra y el blanco son sus colores por excelencia. 3. En esta terraza, desde donde se avista el comedor y la sala, Pou y Van der Linde utilizaron troncos y pañoletas multicolores para matizarla.

Las raíces de bambú, los apliques de pared fabricados en palo, las bateas, los caracoles de todos los colores y tamaños; los muebles rústicos, los baúles, las antigüedades… Todo es parte de la decoración de esta casa.

pueden encontrarse decenas de ninfeas, eneas y papiros, entre otras especies. En este espacio, el arquitecto Pedro José Borrell dejó bien claro el respeto por la naturaleza con el que diseñó este hogar. Otra particularidad del ecosistema que rodea a esta estructura es que, dependiendo de la estación del año, tanto la vida animal del río como la vegetal, dentro y fuera de él, cambia drásticamente. Las plantas de jicacos (endémicas), las uvas del playa, las almendras; los cangrejos, las anguilas y las jaibas... son algunas de estas especies temporales. Al ingresar a esta residencia de veraneo, los altos techos, los grandes ventanales y la ausencia de paredes a lo interno de la terraza conducen la vista al mar; mientras que, el sonido del río se hace omnipresente, aunque su afluente es invisible en la mayoría de los interiores de la casa. Bajo el primer y único nivel, se observa un terreno con abundancia de rocas en el suelo, sobre las que está cimentado el edificio. La fachada está revestida de madera y contrasta con el verde entorno protagonizado por una vegetación exuberante, y por el azul vibrante que presenta el horizonte a través del mar. En el interior, la madera también dice presente, tanto en el piso y en el techo, como en las paredes, y se fusiona por doquier con la decoración interior y con el verdor circundante. Otro elemento particular de esta construcción tipo cluster es que las áreas sociales y las habitaciones están totalmente separadas; sin embargo, todas circundan alrededor de una terraza, desde donde se puede ver claramente el arroyo que pasa por debajo. Esta amplia estancia central, que se constituye en el núcleo de Casa del Río, se extiende frente al dormitorio de los Prieto Pou y está visualmente integrada al paisaje. En el interior de Casa del Río hay tres habitaciones (con sus respectivos baños) que son singulares por su distribución, ubicación y acabados. Entre estas habitaciones, hay una de ellas desde donde se obtiene una vista espléndida hacia el manglar que flanquea la vivienda por el ala norte; desde ésta se aprecia este tesoro natural y hasta se puede avistar alguno que otro cuaco (un ave endémica) que suele hacerse presente en la zona. A estos dormitorios se añade el de los anfitriones, que cuenta con un cuarto de baño y un extenso espacio que se extiende en voladizo en

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56| “El encanto natural de esta casa hace que todo lo que se coloca en ella se vea bien”, Cynthia Pou, propietaria.

Mientras Cynthia Pou ama su casa con pasión y plasma su buen gusto en los detalles de cada rincón; Ramón Prieto la disfruta como nadie, y se deleita con la astrología (uno de sus hobbies), a través de su telescopio.

dirección sur; tiene, además, una excelente vista a la playa, y exhibe una innumerable cantidad de detalles ornamentales. En esta habitación se destaca el predominio del blanco en plena sintonía con la madera, pues a juicio de Cynthia Pou: “Aporta mucha calidez al espacio”. También se observa la presencia de las iniciales correspondientes a los apellidos de los dueños por todos los rincones (“PP”, o lo que es equivalente a Prieto Pou), lo cual es otro indicador de que esta pareja tiene un gran estilo y devoción por el detalle. Las paredes de la terraza central, al igual que las del resto de la casa, son iguales que las de afuera, y están revestidas de una madera canadiense, resistente a los embates del tiempo. El suelo está igualmente enmaderado y el techo (a dos aguas en el área social y a un agua en las habitaciones) está recubierto por este material natural. Según se entra al comedor, a mano izquierda, se percibe un mobiliario de ocho sillas, donde la familia suele cenar aprovechando la frescura que se siente de noche en el área. A su derecha, está la sala, y a ambos lados de estas estancias hay varias puertas que conducen a la terraza central, donde se integran un comedor y un estar exterior.

El diseño interior parece salir de la propia casa y los elementos decorativos, preferiblemente basados en la naturaleza del entorno, coadyuva en otorgarle un aire de paz y tranquilidad a la vivienda. “Esta es una casa muy sencilla, pero inspiradora y cautivadora a su vez”, comenta Cynthia Pou, quien considera esta residencia como el lugar ideal para concentrarse en todos sus proyectos personales y profesionales. Para Ramón Prieto y Cynthia Pou, junto a sus tres hijas con sus respectivos esposos e hijos, la Casa del Río no sólo es un paradigma arquitectónico que promueve la armonía entre el hábitat humano y el mundo natural; es su sitio favorito para vacacionar. Pero, sobre todo, es un destino de ensueño, convertido en un verdadero hogar, donde han sido, y son, inmensamente felices…

Para el arquitecto Pedro José Borrell, diseñador de Casa del Río, “el éxito de esta casa radica en que es muy casual”. En todos sus espacios hay una apertura hacia la naturaleza, que refleja claramente la forma de ser de sus propietarios.

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Por OlgaAgustín Fotografías: PamDíaz

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Los jarrones, en sus diversas tonalidades, materiales, tamaños y formas, son los

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detalles perfectos para vestir cualquier espacio y acoplarse a todos los estilos. Estos complementos nos permiten ambientar nuestro hogar cuando adecuamos su tipología a un arreglo floral o a un adorno determinado. En cristal, cerámica, porcelana, madera, hierro o arcilla… estos búcaros nos presentan un abanico de opciones a implementar, cuya selección dependerá de si queremos que se luzca por sí solo o de si preferimos que destaque a un determinado arreglo floral u ornamental. Generalmente, si nuestra estancia está pintada con colores claros podemos elegir jarrones de tonalidades fuertes; sin embargo, si la sala está presidida por un mobiliario oscuro, pero cuenta con buena iluminación, podemos optar por floreros de cristal que permitan reflejar la luz exterior a través de ellos. Existen modelos que son capaces de llamar la atención por su mero diseño; lo importante es dejarse inspirar por ellos…

1. Los búcaros de cerámica se presentan pintados con múltiples motivos: cenefas, líneas, geometrías, collage... Todos pueden estar estratégicamente colocados encima de una estructura elegida. (Es de Urbana). 2 y 3. Jarrones de grandes dimensiones, fabricados en fina porcelana, se prestan para ser colocados en las entradas de los hogares, en los recibidores y también en los pasillos. (Están en Básicos). 4, 5 y 6. La versatilidad en los jarrones permite redondear los lugares de mediana y gran altura. Es primordial que su conformación llame la atención por sí misma y su color atraiga a la vista. (Disponibles en Nueva Dimensión).

La enorme pluralidad de jarrones disponibles en el mercado hace más fácil la asignación del complemento adecuado para cada rincón del hogar.

livingoffice Por MitriJiménez Fotografías: MaribelÁlvarez

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En Bella Vista Mall, Gastro Pub es una mezcla colonial; de taberna y ladrillo; donde se incorporan la madera y los elementos decorativos más utilizados en los bares de moda. En su entrada, se exhibe una gran cristalera, enmarcada en un arco de caoba, que delimita la zona divisoria entre el restaurante y la terraza.

Gastro Pub un reto arquitectónico

El propietario, la arquitecta y el decorador del restaurante Gastro Pub habían conversado acerca de los planes e ideas a implementar en el local, que hoy ocupa el lateral derecho de Bella Vista Mall; sin embargo, nunca imaginaron el reto que les esperaba… Con 210 metros cuadrados de construcción, y dos niveles con una capacidad operativa que le permite sentar cómodamente a noventa personas, Gastro Pub es una mezcla colonial; de taberna y ladrillo; donde se incorporan la madera y los elementos decorativos más utilizados en los bares de moda. Su propietario Luís Piantini, como todo emprendedor, sabía perfectamente lo que quería y consiguió, en apenas cuatro meses, más de lo que había imaginado, gracias a la ayuda del decorador Víctor Erarte y de la arquitecta Odeida Abreu. “La idea de Gastro Pub surge de un nuevo concepto que se está utilizando alrededor del mundo, para definir un tipo de comida tradicional, pero culinariamente intelectual”, explica entusiasmado Luís. Pero al referirse a la estructura del restaurante, confiesa que se trató de una interacción de circunstancias que fueron ocurriendo entre la arquitecta, el decorador y él. El concepto estaba muy claro, pero al contar con una estructura física muy particular, es decir, con limitaciones, al trabajarla fueron forzados a ser mucho más creativos, ya que todo se hizo sobre la marcha. La arquitecta, quien además tuvo a cargo el diseño, la supervisión y la responsabilidad técnica de la obra, utilizó materiales como el hormigón armado, los blocks, una cubierta de losas aligeradas y algunas viguetas pretensadas que, durante la remodelación, fueron revestidas de ladrillos envejecidos, creando un techo en bovedillas. Mientras que en el recubrimiento de las paredes se observa el uso de ladrillos, de porcelanato, de madera y hasta de algún que otro tapizado; es notoria, por igual, la presencia de una gran cristalera, que delimita la zona del restaurante con la terraza. Además, se aprecia la implementación del hierro y de ciertos espejos en algunas áreas.

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Fusión cromática. En este restaurante se trabajó con el rojo y el amarillo, tanto en las luces como en las cortinas, ya que la fusión de ambas tonalidades prodiga una magnífica sensación de calidez y de energía. Para balancear la paleta cromática se implementó el verde en el mobiliario.

1. Este local invita a disfrutar de un buen ambiente, donde el buen gusto sobresale en cada uno de sus detalles. 2. Una escalera para acceder al área VIP está diseñada de modo tal que sus peldaños están iluminados y señalizan los pasos de todo el que la transita. 3. En este ambiente impera una mezcla del estilo barroco con un aire modernista. 4. En el restaurante Gastro Pub, la presencia de un bar permite la cata y el deleite de un sinnúmero de tragos.

‘‘El local combina una base colonial y contemporánea, con detalles clásicos, que busca convertir este lugar en un ícono de referencia de todos los espacios similares, escapando de los cánones habituales. Aquí se percibe un nexo tridimensional entre el cliente, el espacio y el bienestar, a través de la mezcla de diferentes influencias y estilos’’, afirma la arquitecta Abreu. Sin dudas, este espacio arquitectónico fusiona una inteligente combinación de elementos. Es un local con una altura libre de unos 5.20 metros, que cuenta con un sistema estructural a base de viguetas pretensadas y de losas aligeradas, que convierten en un verdadero reto su diseño y decoración. El primer nivel está conformado por la terraza, que es una de las estancias más atractivas, ya que ofrece una perspectiva única hacia el paisaje urbano, rompiendo con la arquitectura colindante. Al entrar al restaurante se avista un espectacular espacio presidido por una gran lámpara colgante. A su derecha, se ven las primeras filas de mesas, la cocina y los servicios; y al fondo, el bar. En el segundo piso se sitúa la zona VIP con acceso desde el restaurante, a la cual se sube a través de una escalera cuyos peldaños, de inicio, se encuentran iluminados de forma que señalizan los pasos de todo el que la transita. Esta zona se concibió como un área para disfrutar del ambiente de una manera más exclusiva. En este nivel se encuentra, además, el bar de vinos, un área de servicios y un área de depósito. El punto fuerte del espacio, según explica la arquitecta, es la zona central, pues es un punto diáfano con una doble altura. Ésta ofrece una vista panorámica hacia el exterior, a través de una gran cristalera en cuyo centro se encuentra la puerta de acceso, enmarcada en un arco de caoba que enfatiza un poco el sabor de la presencia del estilo colonial. La iluminación fue un elemento fundamental en el diseño del local, en los contrastes entre los objetos estáticos y dinámicos. Las luminarias se imponen sobre los colores fríos y cálidos y en los espacios claroscuros producen un efecto dramático, que permite la flexibilidad de los diferentes espacios; lo que se traduce en una confortable experiencia en compañía de una clientela fresca.

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En el segundo piso se sitúa la zona VIP con acceso desde el restaurante; esta área se concibió para disfrutar del ambiente de una manera más exclusiva. La cava tampoco podía faltar en este espacio, pues, originalmente, el concepto de Gastro Pub giraba completamente en torno a los vinos.

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Las singulares luminarias que se observan en Gastro Pub se dispusieron de un modo tal, que le aportan un sentido de collage al espacio, insertando su diversidad en un ambiente donde impera una mezcla del estilo barroco con el estilo modernista.

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‘‘En Gastro Pub, la iluminación juega un papel preponderante, pues cada elemento se resalta de una manera adecuada”. Víctor Erarte, decorador.

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66| Como pièce de résistance, esta lámpara preside el área mientras se codea con una obra pictórica del artista dominicano Chichí Reyes.

azulmarino Por OlgaAgustín Fotografías: MaribelÁlvarez

La entrada principal se planteó por la esquina, levantando el nivel del piso cuatro escalones por encima del nivel de la calle, a fin de que la casa no quedase soterrada. Entre pilastras y arcos, esta entrada está matizada por un pañete exterior, cuya textura y color (propios de la época colonial) vienen dados por una mezcla de cal y tierra de la zona.

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“La casa de los arcos”

En esta residencia de Casa de Campo el arquitecto Miguel Llodrá implementó los criterios de diseño de las casas coloniales de Camagüey (Cuba): con los arcos de medio punto y las columnas redondas, con las amplias galerías de circulación, y con un espacioso patio interior colmado de enredaderas y de plantas frutales y ornamentales.

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azulmarino “Todo el mundo la conoce como la casa de los arcos”, admiten los propietarios

La anfitriona es amante de la decoración rústica y de los ornamentos dotados de personalidad. Lacasa

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de esta residencia ubicada en Barranca Este, Casa de Campo, cuyo terreno presentaba originalmente una topografía muy accidentada y con un gran desnivel. Si bien es cierto que el sobrenombre de esta casa parece estar bien fundamentado, a juzgar por la cantidad de arcos existente (39 en total), no se puede negar que esta tendencia se ciñe al estilo arquitectónico utilizado por el arquitecto Miguel Llodrá, responsable de este proyecto, quien utilizó al máximo los arcos de medio punto y las columnas redondas. Sin embargo, Llodrá no hizo más que interpretar las preferencias de sus clientes, un matrimonio cubano amante de las casas coloniales de Camagüey, cuyos códigos arquitectónicos se caracterizan -entre otras cosas- por el gran impacto visual de sus fachadas, debido a la implementación de un estilo ecléctico con influencia art nouveau; y al aportar elementos como: el empleo de pilastras a lo largo de la entrada, puertas y ventanas enmarcadas en arcos de medio punto, y puertas de tablero de dos hojas con elementos decorativos de gran riqueza imaginativa. De ese modo, estos cubanos, radicados en el país desde 1985, y con asiento definitivo en Casa de Campo desde hace media década, le encomendaron a Miguel Llodrá la construcción de su vivienda. Inmediatamente, el arquitecto erigió la entrada principal, levantando el nivel del piso cuatro escalones por encima del de la calle, y la dotó de una decoración que porta, igualmente, elementos propios del estilo ecléctico. En esta área, poseedora deun amplio espacio empleado como garaje, se percibe una escalinata de coralina, que conduce al recibidor de la casa. Se accede a esta pieza a través de un gran portón enmaderado de tablero de dos hojas, que permite avistar al fondo un muro revestido de coralina, de aproximadamente siete metros de altura, mientras un mueble del siglo XIX le antecede y refleja a través de su espejo la imagen de todo el que lo contempla. Podría decirse que este recibidor, junto a un área social denominada por la anfitriona como el “camino de los elefantes”, forman parte de una logia (un elemento arquitectónico muy utilizado en la arquitectura italiana del siglo XVII) que funciona a modo

El estilo de esta residencia tiende a ser mediterrĂĄneo y evoca a las casas coloniales de CamagĂźey (Cuba).

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Este proyecto residencial, ejecutado por la Constructora Llodrá, está diseñado en forma de “U” y ubica a la piscina y al jacuzzi, junto a sus áreas de estar, en el centro de la “U” y por debajo del nivel de las terrazas y locales que circundan a este espacio.

de galería y que está abierto íntegramente por uno de sus lados, y sostenido por columnas y arcos. A partir de esa logia, el arquitecto Llodrá desarrolló escalonadamente un proyecto en forma de “U”, que agrupa a su alrededor a los dormitorios, a las áreas sociales, al comedor y a la cocina, buscando visuales siempre hacia el mar, y ubicando a la piscina y al jacuzzi, junto a sus áreas de estar, en el centro de esa “U” y por debajo del nivel de las terrazas y de las estancias que circundan a este espacio. Entre los materiales utilizados por los arquitectos Miguel Llodrá y Joaquín Galván, y por el ingeniero Juan Novas, a todo lo largo y ancho de estos 850 metros cuadrados de construcción, se evidencian el uso del mosaico hidráulico, de la teja de barro y la doble teja, del pañete exterior que mezcla tierra de la zona con cal y con otros productos para emular la textura y el color de la época colonial, de los pisos de coralina envejecida en áreas exteriores, de la piedra caliza y del saltillo mejicano. Pasa a la página 74

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El reinado del detalle

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El arquitecto Miguel Llodrá y los esposos que habitan este hogar, tienen en común más que una sólida amistad de más de 15 años; los tres sienten una profunda pasión por el detalle. Y es que, desde una lámpara cubana de cristal de Bacará del siglo XIX, que fue armada pieza por pieza por sus propietarios, hasta la colocación ornamental de coralina envejecida en algunas áreas, dentro de la cual se pueden observar pequeños caracoles, son algunos de los detalles que se presentan en cualquier rincón de la vivienda. Existe también una batería de muebles, dispuestos en todas las áreas, que provienen en su mayoría de Indonesia y que fueron adquiridos, casi en su totalidad, en la tienda Teck, de la Romana. Este mobiliario se presenta en madera de teca (una material tan duro, elástico e incorruptible, que hasta se emplea preferentemente en algunas construcciones navales). En el “camino de los elefantes”, por ejemplo, el sofá, los sillones, la mesa central, una escultura... Todo parece cobrar forma de elefante, por ser éste un animal que, a juicio de la anfitriona, atrae la buena suerte al hogar.

En esta residencia de Casa de Campo la mayoría del mobiliario (como éste de la terraza) proviene de Indonesia y su madera es de teca –un material tan duro, elástico e incorruptible, que hasta se emplea preferentemente en algunas construcciones navales-. Pasa a la página 76

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Al igual que los franceses, los propietarios de esta casa consideran al gallo como un animal que trae buena suerte y, por eso, lo implementan como temática en la cocina.

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Al lado de esta logia, un salón de estudio plantea una concepción espacial donde se fusiona con el patio central a través de un balcón dotado de un aire mediterráneo. Aquí, el estilo decorativo es ecléctico; la presencia de muebles de teca, de pomos cubanos antiguos, y de pinturas de artistas cubanos y dominicanos, permite apreciar el carácter familiar que tiene lugar entre estos muros. Tres habitaciones (la de los anfitriones y las de sus dos hijos) son una franca invitación al deleite visual. Objetos de valor histórico y artesanal, como una cama perteneciente a la época de cuando Indonesia era colonia de Holanda, o como algunas reliquias (en su mayoría de la tienda Capriccio Antigüedades), son algunos de los artículos que se pueden apreciar en el entorno. En la habitación matrimonial, una amplia estancia abierta a un patio de luz y al área de la piscina, se sitúan: una pequeña área de estar, un espacio reservado para un escritorio y una imponente cama indonesia inspirada en un mueble de la Colonia inglesa. En tanto, la ropa de cama es italiana, las mantillas decorativas imperan por doquier y la manufactura de la cortinería reparte sus créditos entre las tiendas Nueva Dimensión y Aurora. Por su parte, tres espaciosos cuartos de baño, donde dos de ellos (los de los hijos) son tan atrevidos que permiten ducharse “al aire libre”, presentan baldosas hidráulicas que acentúan la expresión artística cubana a través de sus colores y diseños. En el otro extremo de la “U” es toda una experiencia adentrarse al comedor y, justo al lado, insertarse en la amplia cocina, con su meseta de mármol, una isla central y todo un arsenal de elementos decorativos alusivos a la figura del gallo, donde se sigue la tradición francesa de incluir la figura de esta ave para atraer a la buena suerte. Ya en el exterior, la terraza ofrece una refrescante vista hacia un jardín que evoca una sensación de reposo y de frescor, donde coloridas plantas frutales y ornamentales trepan sobre rústicos pergolados, muros y portones. Y son, justamente, estos elementos arquitectónicos tan rústicos como el estilo que guió a este matrimonio para hacer de su vivienda una réplica de aquellas residencias coloniales de Camagüey, que gracias al arquitecto Miguel Llodrá parecen haber cobrado vida a través de esta “casa de los arcos”.

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Por OlgaAgustín Fotografías: KenaBetancur

Una intensa paleta cromática se presenta, tanto en las vigas como en las columnas de la sala y del comedor. Jugar con diversos colores y utilizar un diseño multicolor a rayas en una de las paredes principales, ayudó a ocultar los prominentes soportes arquitectónicos.

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Un espacio

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Un diseñador francés aprovechó sus conocimientos y destrezas para impregnarle originalidad y colorido al apartamento que hoy habita en la Zona Colonial, construido en la década del 30 y remodelado enteramente por él. Así como el tecnicolor fue el primer intento efectivo de la industria cinematográfica de los años 30 para dejar atrás el blanco y negro, reproduciendo en la pantalla grande los colores filmados en la realidad; de ese modo, y con idéntica filosofía, Benoit Bonansea remodeló su vetusto apartamento –con más de 70 años de data– , dotándolo de un vanguardismo inusitado si se compara con la antigua fachada colonial que lo alberga. El edificio Ricart es la construcción donde se enclava este espacio de 160 metros cuadrados, que fue adquirido por el francés Benoit Bonansea, presidente de la empresa Bocart Interiorismo. Inicialmente, él se encontró con una estructura arquitectónica que le “daba la espalda” a la majestuosa vista que se aprecia desde el balcón de este apartamento, desde donde no sólo se ve una panorámica del río Ozama, sino que se disfruta de importantes patrimonios de la Zona Colonial. Pero cuando Benoit se mudó a este espacio, hace ya cuatro años, todo cambió; lo reformuló enteramente y, ahora, todas las áreas dirigen su mirada hacia el exterior.

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Hecho en casa Actualmente, este apartamento consta de dos habitaciones y de un área de estudio; de una sala, de la cocina y del comedor. Aunque es, sin dudas, el balcón, el área favorita del propietario y de quienes le visitan. No obstante, la cualidad más notable a reseñar en este espacio sin igual es que en todos sus rincones se impone la estampa de Bonansea. Su talento y capacidad, a la hora de diseñar y de realizar muebles, son predominantes y se imponen por doquier. El mobiliario de la sala (incluyendo el estante del televisor y las butacas circundantes); los muebles de la terraza (el sofá y la mesa central); la mesa del comedor y sus lámparas… Todo, en general, es de fabricación casera. Y es que, desde Bocart Interiorismo, Benoit Bonansea ofrece toda su experiencia adquirida, tanto en el área del diseño de muebles como en la de ebanistería, acumulada por él durante largos años en su natal Francia.

De fabricación casera son la mayoría de los muebles que se observan en el apartamento de Benoit Bonansea, quien estuvo a cargo del diseño y la realización de los mismos. El mobiliario de la sala (incluyendo el estante del televisor, las lámparas colgantes y las butacas circundantes); los muebles de la terraza (el sofá y la mesa central); la mesa del comedor y sus lámparas (tanto la de pie como la suspendida)… Todo, en general, es obra de Benoit.

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“Para mí, el mayor encanto que posee este apartamento es su apertura hacia el exterior”, Benoit Bonansea, presidente de Bocart Interiorismo.

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Pero, no sólo el mobiliario es una de las características que más llaman la atención de este apartamento, también está la parte del color. De esta rama en particular, se encargó David Camejo, quien también participó desde Bocart Interiorismo en la evolución decorativa de este espacio. La elección de una paleta cromática intensa, por parte de Camejo, no es fortuita. Como la presencia, tanto de unas vigas como de unas columnas sumamente sobresalientes en todas las estancias, es muy considerable, este especialista apeló a ocultarlas jugando con diversos colores, y utilizando un diseño multicolor a rayas en la pared principal de la sala. Mientras que, en la cocina decidió pintar de un amarillo intenso que la realza y la dota de una singularidad inesperada. En las habitaciones, sin embargo, los colores de las habitaciones estuvieron a cargo del propietario. Con su atinada intervención cromática, David Camejo logró convertir el hogar de Benoit Bonansea en un lugar alegre, donde todo el mundo se siente cómodo. A su juicio, este lugar ha evolucionado dejando de lado las estancias opacas y añejas. “Este apartamento siempre va a cambiar con el gusto, con el ambiente…Va a estar siempre en movimiento”, agrega.

Un espacio de vida

1. Benoit Bonansea comparte su singular espacio con sus dos gatas. 2. El pasillo de las máscaras. Esta área de transición se ha convertido en un verdadero museo, donde hasta ahora se exhiben artesanías dominicanas, haitianas, asiáticas y africanas. 3. Todos los muebles de este apartamento son diseñados por el propio anfitrión, desde su empresa Bocart Interiorismo. 4. Desde el baño se aprecia el Mar Caribe, pero la naturaleza también se hace presente en su interior, a través de los elementos ornamentales. 5. Los detalles de la vivienda son personalizados, al igual que el diseño y la remodelación de la misma. ornamentales.

La cocina es más que una estancia cualquiera en esta residencia. Ésta se construyó durante cinco etapas de manera que estuviese totalmente integrada con el comedor y la sala, pero, sobre todo, con la terraza y sus maravillosas vistas capitalinas. Este espacio es el centro de la casa, y encierra en sí una especie de magnetismo que imanta a todos los visitantes, pues cuando hay alguna actividad social siempre se termina departiendo en esta área. Por eso, fue dotada de un nivel de importancia que se percibe a través de un escalón que la eleva sobre el resto de las demás. Así queda demostrado que en este apartamento “cada cosa tiene su historia, su proceso creativo y su tiempo justo de instalación”, según afi rma el propio Benoit Bonansea. Éste demuestra, además, que es más que un artista con ingenio; es también un ser humano que disfruta de su espacio y que plasma en él su cultura y personalidad.

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Por OlgaAgustín Fotografías: FernandoCalzada

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Un jardín urbano

En esta residencia de Bella Vista, el jardín es su “habitación exterior” (como le llama su creadora, la arquitecta paisajista Rosángela Bobea); en éste, el área no sólo está techada de hojas, sino que también reviste sus muros de verde. Podría decirse que una década no ha sido tiempo suficiente para los constantes cambios que ha sufrido, y sigue sufriendo, este jardín, desde que se enraizó en una de las residencias del centro de Santo Domingo. Este jardín, que evoluciona incesantemente, ha vivido tres etapas, según la arquitecta paisajista Rosángela Bobea, quien ha sido la responsable, junto a la anfitriona de esta casa, del paisajismo del espacio. Bobea debía optimizar al máximo el metraje de esta área exterior, pues había que adaptarla a las diversas necesidades y prioridades de un matrimonio con cuatro hijos.

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Las tres etapas El jardín empezó con un área de juegos para los niños. “También debíamos ‘cubrirnos’ de verde, por la cantidad de edificaciones que arropan a esta casa y por la intensidad de los rayos solares. El jardín fue así, primero”, recuerda Rosángela Bobea, quien es la responsable de incontables proyectos paisajísticos, tanto de complejos turísticos como de residencias privadas. Posteriormente, los pequeños fueron creciendo y la propietaria contactó nuevamente a esta profesional. La idea a ejecutar, en la segunda etapa del jardín, era la de eliminar el otrora espacio infantil, y la de diseñar una fuente y un área para sentarse; así surgió la construcción de un pequeño gacebo, y de una terraza que se integrase al jardín. Por lo demás, el césped fue preservado, y todo lo demás permaneció igual… La normalidad en este espacio ajardinado perduró durante un trienio hasta que a su dueña se le ocurrió instalar una piscina con un pergolado enfrente. Inmediatamente, volvió a llamar a la

creadora del jardín para externarle su nueva propuesta. “Entonces le pregunté a mi clienta: ‘¿Qué más quieres hacer en este pedacito´?”, comenta Rosángela de forma hilarante. Y de ese modo, procedió a llevar a cabo la tercera etapa…

Un “dedo verde” Definitivamente, esta área exterior ha adquirido la personalidad de su anfitriona. Y aunque, ésta consulta constantemente a Rosángela Bobea sobre las modificaciones que desea hacer en este espacio, ella se ha empoderado cien por ciento del mismo -no por casualidad se ha granjeado la

El edén de las cacatúas y los guacamayos. Estas aves revolotean libremente a lo largo y ancho del jardín diseñado por Rosángela Bobea. Las exóticas especies acompañan a sus propietarios desde que se mudaron en esta vivienda. En la foto izquierda, se puede apreciar la terraza al fondo, donde se producen los encuentros familiares; mientras que, en la de la derecha, se ve una fuente de agua, en forma de pez (también creación de Bobea), que está detrás de una oronda cacatúa.

“Hay que aprovechar el jardín al máximo y tratarlo como una terraza al aire libre”, Rosángela Bobea, arquitecta paisajista.

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Bajo un gran samán, el pergolado se constituye en uno de los espacios más concurridos de este “jardín urbano”. Un samán, franchipanes, palmas (Macarthur y rafias), árboles de calamandrín, helechos… son algunas de las especies que se aprecian desde el pergolado y hasta dentro de la piscina.

“Éste es un jardín tropical, que equivale a verdor, a sombra y a muy pocas flores...”, Rosángela Bobea, arquitecta paisajista.

admiración de la arquitecta paisajista, quien la considera dotada de un “dedo verde” por su dedicación, pasión y talento hacia la jardinería. En cuanto a las especies, “Primero, sembramos el samán, que hoy día hace las veces de sombrilla sobre el pergolado “, apunta la especialista; a partir de ese entonces, han sido muchas las plantas cultivadas y es difícil sacar la cuenta de cuántas son. Franchipanes, palmas (Macarthur y rafias), árboles de calamandrín, helechos y cañafístula…

La sombra que prodiga este ficus ali es de agradecer en esta área. Éste está decorado con pequeñas casas de pajaritos y con algunas canastas colgantes.

son algunos de los nombres que recuerda esta arquitecta paisajista. Aquí, el colorido está a cargo de los caprichos, de las orquídeas, de las cañafístulas (cuando florecen de amarillo en las primaveras), y sobre todo, de los árboles de calamandrín; estos últimos irradian un color cítrico y vibrante a través de sus frutos. Sin embargo, la escasa y sutil presencia floral se debe a que Bobea trabajó este espacio bajo el concepto de un jardín tropical, “lo cual es sinónimo de verdor, de sombra y de muy pocas flores”, según explica. La razón de integrar tantas palmas al lugar se atribuye al movimiento que aportan al área, a su aspecto tropical y a su fácil mantenimiento; éstas le añaden, también, un aire casual y espontáneo. Rosángela combinó, además, el césped con un piso adoquinado, para que se le diese un uso constante a este jardín, sin temor a pisar y dañar la grama y sin evadirlo en los días de lluvia. Pero la mutación de este “jardín urbano” no se detiene. Su propietaria ya sugiere la realización de nuevos cambios; mientras tanto, Rosángela Bobea ya se intuye el inicio de una cuarta etapa (que, seguramente, no habrá de ser la última…).

livingoffice Por OlgaAgustín Fotografías: AlejandroGonzález

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Jean Louis David

La infraestructura emplazada en el número 24 de la avenida Sarasota se convirtió, durante nueve meses, en el tablero de ajedrez del diseñador de interiores Andrés Aybar. Allí, movió sus piezas sobre unos lineamientos rectilíneos y blanquinegros, ganando airoso la partida al ambientar al Jean Louis David Santo Domingo. Quién diría que Jean Louis David, una

Jaque Mate al convencionalismo. En Jean Louis David Santo Domingo, el diseñador de interiores Andrés Aybar dispuso que esta área de corte y secado/manicure y pedicure sería la única donde el piso –caracterizado por ser un porcelanato mate y brillo– se tornaría blanquinegro. Aquí, diez estaciones de secado y sus respectivas sillas (todo de la casa italiana Maletti by Philippe Starck) se sitúan longitudinalmente frente a unos paneles de cristal, que permiten disfrutar de la vista hacia un jardín japonés exterior.

de las principales franquicias mundiales, con más de 1,000 peluquerías diseminadas en nueve países, elegiría al Caribe como sede para enclavarse en Latinoamérica… Aunque, a decir verdad, no es de extrañar que esta cadena francesa decidiese inaugurar un nuevo salón y spa en la ciudad de Santo Domingo, como punto estratégico para expandir su marca. Localmente el rótulo de Jean Louis David se exhibe en el sector La Julia sobre un imponente local, ubicado en un terreno de aproximadamente 1,780 metros cuadrados. Desde allí, Giovanna Mercedes y Jackie Fermín, propietarias de la franquicia en el país, se rodearon de un dream team de profesionales que diseñaron y ambientaron la infraestructura bajo la dirección de Andrés Aybar, quien a través de su compañía El Estudio también manejó el

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1. Unas sillas Mademoiselle de la casa italiana Kartell by Philippe Starck, se presentan (a la izquierda de la foto) con un print floral a blanco y negro (cuyo textil es de la firma Missoni by Rosita Missoni) y están en el área de manicure y pedicure. Mientras que, la iluminación de esta área de corte y secado está a cargo de unas lámparas colgantes Sioux (de la firma española LZF, diseño de Miguel Herranz), que prodigan originalidad a través de su colocación asimétrica y angular, y de unas luminarias LED empotradas estratégicamente a lo largo y ancho de un doble techo. 2. Dentro de un sistema de circuito cerrado, de iluminación, de sonido y de alarma, diez estaciones de secado y sus respectivas sillas hacen que el cliente se sienta como en casa. 3. Un cuarteto de lavacabezas eléctricos (diseñados por Phillip Stark) se hacen acompañar de unos muebles (diseñados por El Estudio by Andrés Aybar), cuyos tramos flotantes se complementan con exclusivos productos de la línea Jean Louis David y con blancas toallas -debidamente enrolladas-. 4 y 5. En el área de caballeros la sillería en cuero wengue (de la línea Maletti, de Philippe Starck) se combina con el print de los marcos de los espejos (de Altri Tempi), dándole un toque varonil a la estancia; mientras que el wallpaper del fondo (de Murall Decorative Group), le aporta un estilo semi-retro.

concepto, el diseño y la ejecución general de los interiorismos, así como la proyección de la fachada de Jean Louis David Santo Domingo. En la distribución del primer nivel de la edificación, donde está ubicada la peluquería, trabajó la arquitecta Mariel Asencio; de la escalera y de la distribución del segundo piso, donde está el spa, se encargaron: Nicola Stocco, de Eurostone, y los arquitectos Miguel Henríquez y Eduardo Álvarez. Mientras que, en la supervisión general de la obra, tanto de la peluquería como del spa, estuvo al frente el arquitecto Zoilo Parra; y la iluminación corrió a cargo de Andrés Aybar, de El Estudio, conjuntamente con Rosadela Serulle, de I.D.A. Luce. Y si bien este espacio comercial debía mantener sus lineamientos universales, en cuanto al diseño conceptual y la decoración de esta cadena, no menos cierto es que en Santo Domingo sus propietarias y el diseñador de interiores tenían planes de agregarle un toque extra a los colores blanquinegros distintivos de la firma, a la elegancia imbricada con la sencillez, y a la modernidad aunada con la tecnología. Ese “plus” se produjo, en parte, con la implementación del acento vernáculo, impreso en todo el local a través del diseño y la fabricación de algunas piezas mobiliarias, y de otros ornamentos “custom made” de manufactura criolla. En el caso del diseño, tanto de las puertas

como del mobiliario local, los créditos se los lleva Andrés Aybar de El Estudio; mientras que, detrás de la ejecución de estos muebles estuvieron: la arquitecta Mariela Montás, de Sit Mobiliarios; el ingeniero Carlos David Pérez Mármol y las arquitectas María Mena y Lilliam Báez, de TR3ESSS; así como de Philippe Herbetrau, de PH Design. De ese modo, y coincidiendo con su reciente graduación de un postgrado en diseño de espacios comerciales de ELISAVA (institución adscrita a la Universitat Pompeu Fabra de Barcelona), Andrés Aybar aceptó el reto que Giovanna Mercedes y Jackie Fermín pusieron en sus manos para fusionar libremente estilos y texturas; crear espacios puros, limpios y de líneas muy rectas, pero con cierto movimiento; y para matizar de blanco y negro la peluquería y spa Jean Luis David Santo Domingo. Inmediatamente, este profesional inició una travesía ininterrumpida por varios continentes para descubrir, investigar y empaparse al máximo del diseño y la logística de los salones más emblemáticos de Jean Louis David, tanto en París y Nueva York, como en Madrid y Barcelona. Además, visitó otros proyectos de igual idiosincrasia, como el spa del Mandarín Oriental y el spa Guerlain del Waldorf Astoria, ambos en Nueva York; así como el spa del Hotel Standard, el spa del Hotel Setai y el spa del Hotel Fontainebleau, todos localizados en Miami.

Jean Louis David: “Un templo de la belleza” Años atrás, el edificio de dos niveles que hoy alberga a Jean Louis David Santo Domingo era un espacio residencial que, casualmente, encajó a la medida con este proyecto por su estructura contemporánea. Al igual que el interiorismo de esta peluquería y spa, la construcción es rica en volúmenes, texturas y composiciones; y juega a plenitud con las formas geométricas. En la fachada de este local, un mural del artista plástico Antonio Prats Ventós fue preservado para exhibirse, mientras un cuerpo sólido en porcelanato negro permite estar frente al gran logo del Jean Louis David y disfrutar de una fuente apostada en un lateral de este paramento exterior principal, que también se reviste de porcelanato negro y cuenta con una boca de acero inoxidable por donde el agua cae en cascada a diferentes alturas. Una vez en el interior y tras recorrer un pequeño pasillo, que iluminado indirectamente contrasta y realza los colores blanquinegros de la franquicia, se avistan el counter, una sala de espera y la tienda; en esta última, el mobiliario está inspirado en las composiciones geométricas de las pinturas de Piet Mondrian, y permite a la franquicia internacional exhibir, vender y almacenar sus productos para el cabello. Ya en el counter un mueble trabajado con perfiles verticales en roble blanco rasgado evoca una línea bastante minimalista que se hace acompañar de espejos, que prodigan transparencia, amplitud y retroproyección en el espacio. Aquí la iluminación es muy puntual y se presenta a través de luminarias LED, en tanto los zócalos están enmarcados dentro

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En el sentido de las manecillas del reloj, la primera y segunda imagen permiten apreciar el área del bar junto a una pequeña sala tipo lounge, que tiene enfrente al área bautizada como el “laboratorio del color”. Asimismo, las velas flotantes sobre varias repisas de espejos le otorgan un aire de relajación al ambiente. En la tercera foto, se aprecia una panorámica del counter, ubicada a la entrada del Jean Louis David, donde Andrés Aybar trabajó una línea limpia y minimalista.

“En este proyecto interpretamos la imagen de la marca, a la que le aportamos un toque criollo”, Andrés Aybar, diseñador de interiores.

Sombra aquí y sombra allá. En la cabina de maquillaje, el techo y el mueble (diseñado por El Estudio by Andrés Aybar) son flotantes. Estos contribuyen con la iluminación ideal para maquillar simultáneamente a dos personas, mientras se encuentran cómodamente sentadas en un par de sillones plateados (de Maletti by Philippe Starck).

de una madera color wengue, para contrastar con la nívea tonalidad circundante. En la primera sala de recepción, el mobiliario imperante es el único toque clásico en todo el local y los ventanales son paneles acrílicos negros que, giratorios y rotulados en vinil plateado, fungen también como una vitrina al ser vistos desde afuera. Para dirigirse a la peluquería hay que atravesar un pequeño puente de madera sobre un río (disecado) de piedras, y para subir al spa se accede por un escalera flotante cuya estructura está inspirada en una columna vertebral. En el ínterin, una cabina VIP espera por aquellos clientes que prefieren recibir todos los servicios de esta cadena internacional, pero en privado. Del otro lado del puente, un pequeño bar con un mueble similar al del counter, pero con perfiles horizontales, es contiguo a otra sala de espera, desde donde se pasa hacia el área de lavado y secado. Allí, un sofá modular tipo lounge y en forma de “L”, se hace acompañar de dos butacas (de Altri Tempi) y de tres mesas de cristal (de Ilumel) que, en niveles diferentes, varían sus composiciones según se prefiera. Al frente está el “laboratorio del color”, donde se preparan, se aplican y se retiran los tintes. En

esta área se luce un impecable piso de porcelanato blanco y tres sillas Mademoiselle, de la casa italiana Kartell y diseñadas por Philippe Starck, que le dan el único toque de color al establecimiento. Una vez en el área de corte y secado/manicure y pedicure, el piso es blanquinegro y las lámparas colgantes, colocadas de manera asimétrica, están confeccionadas en finas láminas de madera natural con un acabado de color blanco. Asimismo, la presencia de un mobiliario importado se manifiesta a través de las diez estaciones de secado y de los lavacabezas eléctricos, que pertenecen en su totalidad a la firma italiana Maletti by Philippe Starck. Accediendo al nivel medio, la cabina de maquillaje combina la iluminación blanca y la incandescente para retocar simultáneamente a dos clientes, cómodamente sentados en un par de sillones de la línea Maletti, de Philippe Starck. Adentrándose hacia el fondo, está el área de caballeros. Ésta presenta un moblaje en cuero y en color wengue (también de la línea Maletti by Philippe Starck) y dotan de masculinidad al espacio junto a un par de espejos (de Altri Tempi), que se enmarcan con un wallpaper de fondo, el cual prodiga un estilo semi-retro. Adicionalmente, un baño, una sala, un área de lavacabezas y un balcón con su pergolado se codean con un bar que cuenta con un par de stools en blanco. Al subir al spa, dos cabinas permiten que el cliente se duche “al aire libre”, bajo un pergolado con enredaderas, donde se fusionan el estilo oriental y el moderno. En otra área, una cabina de relajación, con un piso trabajado en madera de palo de rosa, se presta para acostarse y relajarse hasta pasar a la ducha o a los vestidores. Allí, los paneles divisorios (de Juan Carlos Peña) son importados y delimitan visualmente a cada cabina por medio a una especie de visillos, dentro de una estancia con música ambiental donde no faltan las frutas, los jugos naturales, el agua y las infusiones de té. No cabe duda de que la volumetría, el simplismo, la iluminación, y los muebles y artículos firmados por prestigiosos diseñadores, fueron algunas de las piezas que los dueños y los profesionales que diseñaron y ejecutaron el proyecto Jean Louis David Santo Domingo movieron estratégicamente para darle “jaque mate” al reto de ambientar un espacio nunca antes visto en el país.

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livingoffice 6. Al entrar al local, un pequeño pasillo recibe al visitante con una iluminación indirecta que realza el contraste de los colores insignia de la franquicia Jean Louis David: el blanco y el negro. 7. En la primera sala de espera, el mobiliario (de Altri Tempi) le imprime un toque clásico –el único dentro de este salón y spa, donde prima la contemporaneidad y el vanguardismo-. Aquí, los paneles giratorios de acrílico negro (a cargo de la diseñadora gráfica Karla Leschhörn, de la firma Lucca & Benito) están rotulados en vinil plateado y emulan las ondulaciones del cabello, fungiendo también como vitrina, de cara al exterior. 8. Influenciado por Piet Mondrian y sus famosas “composiciones”, el diseñador de interiores Andrés Aybar ideó esta creativa pieza para delimitar la escalera del Jean Louis David de su nivel medio. 9. Cual columna vertebral, esta escalera levantada a través de peldaños flotantes en granito pulido negro (de Eurostone), y de estructuras de acero inoxidable y cristales, se hace acompañar de una lámpara colgante Mercury by Ross Lovegrove (de la casa italiana Artemide), compuesta por una serie de piedras de gran tamaño, que flotan bajo un disco de aluminio satinado. Esta estructura flotante está enclavada sobre un río de piedras (disecado). 10. El único toque de color de todo el local son estas tres sillas Mademoiselle en un print multicolor de la línea Kartell by Philippe Starck.

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Fotografía: LaurenLlenas

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Por: RuthEBautista Fotografías: FuenteExterna

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En esta cocina, la puerta lisa es en cristal templado laqueado, con marco en aluminio (modelo Diamante de la línea Veneta Cucine, de Baccessory). Su tope en cristal blanco, con canto en aluminio brillante, hace juego con el zócalo. Mientras que la campana viene en el color del cristal templado.

Cocinas de cristal

El uso de este material transparente genera un ambiente de confort y de exquisitez en las cocinas, que invita al disfrute de todos los sentidos. La cocina siempre ha sido el lugar ideal para reunir a la familia, los amigos y parientes, haciendo de éste un espacio ideal para compartir, desde una interesante conversación hasta el más exquisito de los platillos que allí se elaboran. Conscientes de la importancia de las cocinas en los hogares, los diseñadores europeos exploran los

materiales más avanzados para incorporarlos en sus creaciones, y el vidrio es uno de ellos. Éste ofrece a sus usuarios una nueva respuesta de funcionalidad. Es, sin duda, una tendencia que viene a marcar la diferencia entre lo tradicional y lo moderno, y deja claro que ambos estilos pueden convergir sin restarse elegancia.

En las cocinas, el cristal puede estar en los tiradores, revistiendo las gavetas, en los gabinetes altos y bajos, en las campanas y hasta en las mesetas. Las nuevas colecciones no sólo incorporan el cristal en la estantería y en algunos accesorios del mobiliario, como en la cocina clásica; en la cocina de vanguardia, lo encontramos en lugares antes impensables, como en los tiradores, en los frentes de las gavetas, y en las gavetas en sí. Los gabinetes altos y bajos también pueden ser completamente de cristal, al igual que los extractores o campanas; y hasta podemos ver la presencia del cristal en las mesetas, que es lo último que se ha incorporado. ¿Para qué se utiliza el vidrio en la cocina? “Para dos cosas…”, aclara la arquitecta Guillermina Mercado Aybar, encargada del área de cocinas de Baccessory, “... para que ingrese la luz o para que salga”. Si quieres que toda tu cocina sea de vidrio, la podrás tener… ¡Eso seguro! Podrás revestirla de pies a cabeza en cristal templado, frozen, opaco o tipo espejo. El color dependerá de tu personalidad, pues las opciones van desde una gama de colores brillantes y vibrantes, que incluyen al transparente, al negro, al amarillo, al verde, al rojo y hasta al naranja. La cocina de cristal es ideal para los apartamentos modernos, porque además de que se integran a cualquier tipo de decoración, aportan al ambiente mucha luminosidad y ligereza. “Una cocina de cristal en tu casa, la cambiarás sólo si te aburres”, opina Mercado Aybar, porque ésta garantiza durabilidad, seguridad y hasta hará que tu decoración luzca más sofisticada.

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Para ampliar visualmente la cocina, se recomienda colocar cristal en las puertas de los muebles, pues ocupan menos por su transparencia. Asimismo, reflejan la pared frontal y acrecentan la sensación espacial de amplitud. Igualmente, permiten observar el interior de los armarios, sin necesidad de tener que memorizar la ubicación de los objetos ni de abrir y cerrar continuamente puertas y cajones cuando deseamos encontrar algo. (Estas cocinas, que pertenecen al modelo Diamante y están disponibles en Baccessory, muestran: en la foto superior, el color Grigio Corda; en la del medio, el Azurro Ghiaccio, y en la inferior, una versión del Nero).

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Estas cocinas combinan el vidrio junto a otros materiales, y le dan al usuario la posibilidad de personalizar y de dar vida a sus diseños, realzando el brillo y la intensidad de los colores. Las tonalidades también sufrirán efectos cambiantes y adquirirán mayor sensación de profundidad, según se refleje la luz sobre sus superficies. (Los modelos exhibidos en ambas fotos son de Baccessory).

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Por OlgaAgustín Fotografías: PamDíaz

Redondea tu

entorno

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Actualmente, objetos circulares como las bolas, las esferas y otros ornamentos redondeados, son ampliamente utilizados para decorar, tanto los hogares como las oficinas, por su volumetría perfecta y por las formas simplificadas que exhiben. Estas figuras en círculo aportan, además, movimiento y alegría a los lugares donde se incorporan. La diversidad de los materiales con las que se fabrican (madera, rafia, cristal, mimbre, cerámica...) contribuye a que el listado de las esferas a elegir sea muy extenso, y permite encontrar la opción ideal que resalta la decoración de nuestros interiores y exteriores. Con frecuencia se observa la presencia de las superficies esféricas dentro de los ambientes minimalistas y no se descarta su uso y preponderancia en otro tipo de decoraciones. A raíz de eso, se puede ver cómo el Feng Shui, que promueve la energía del Chi, una fuerza universal que nos rodea, se concentra y potencia a través de las formas curveadas y redondeadas, que suavizan también los efectos negativos derivados de las figuras geométricas rectilíneas. 1

1 y 2. De madera rústica y de mimbre, estas bolas decorativas, disponibles en diversos estilos y tamaños, realzan nuestro hogar. Éstas pueden formar parte, por ejemplo, de la decoración de nuestras mesas de centro. (Son de Urbana). 3. Esta lámpara decorativa exhibe las formas esféricas en su base de cristal. (Disponible en Básicos). 4, 5, 6 y 7. Las esferas decorativas, fabricadas con el material adecuado y colocadas en el lugar indicado, pueden llegar a convertirse en una escultura minimalista. (De Urbana). 8 y 9. Los platones decorativos también exhiben formas circulares que realzan las diversas superficies donde se colocan. (Están en Nueva Dimensión).

Las figuras en círculo (las bolas decorativas, las superficies esféricas, los platones…) aportan movimiento y alegría a los lugares donde se incorporan.

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La madera es un recurso natural abundante, y su uso es habitual en las construcciones de estructuras y muebles. Su aporte a la arquitectura no ha podido ser desplazado por otros materiales de reciente introducción, pues aún estos tratan de imitar la belleza y calidez de las superficies maderables. Los postulados higienistas de la primera mitad del siglo XIX limitaron el uso de la madera natural en los cuartos de baño. Para entonces no había solución a la capacidad de absorción de la humedad, lo que dio paso al protagonismo de otros materiales en las cocinas y baños, dos espacios del hogar con grandes requerimientos técnicos. Sin embargo, tanto antes como después de los higienistas, el uso de la madera ha sido frecuente en ambos ambientes. Los antiguos aguamaniles solían disponerse sobre elegantes muebles de madera en el interior de las habitaciones. A finales de los ochenta las soluciones revivalistas promovieron el uso tímido de la madera en los componentes que no tendrían un contacto directo con el agua. Se hallaban entonces líneas completas de un corte tradicional que eran implementadas en las barras, en las palancas, en los marcos de los espejos, en los botiquines, en las tapas de inodoros, en las faldas de bañeras y en los anillos de las cortinas.

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Un mueble fabricado en roble brasileño, que incorpora un espejo de grandes dimensiones y gavetas para toallas de mano y perfumes, se hace acompañar de los gráficos elaborados por los virtuosos graffiteros Jesse Victor y Roberto Sánchez. (Locación: Medio baño del Showroom ICONOS, a cargo del staff creativo del estudio de Patricia Alvarez. Diseño: José Ernesto Rivera, miembro de ADOPRODI).

El uso de la madera acentúa la imagen relajante y saludable que suele caracterizar la nueva tendencia en baños.

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Gracias a la implementación de nuevos materiales se pudo lograr un sellado perfecto de las superficies sin que la nobleza del material llegara a afectarse. Esto ha permitido la creación de innovaciones impensables en otros tiempos, como bañeras, platos de ducha y fuentes de lavamanos fabricados con madera natural. La constante renovación en la oferta de productos de diseño para baños ha avivado el interés por áreas consideradas anteriormente como zonas íntimas del programa arquitectónico. Tras mi experiencia en el taller de diseño de una tienda de revestimientos pude experimentar la cultura emergente de mostrar el baño. El consumidor está dispuesto a invertir en ellos tanto como lo haría en las áreas sociales de su proyecto. El uso de la madera acentúa la imagen relajante y saludable que suele caracterizar la nueva tendencia en baños. Es preferible utilizar madera maciza en lugar de aglomerados o contrachapados. Los frágiles muebles hechos en planchas comprimidas, abundantes en el mercado, no son resistentes. Este corto ciclo de vida es una carga para el ecosistema. La durabilidad de los muebles de madera maciza hace que su uso sea sostenible. En los proyectos que se muestran junto a este texto, la madera de roble ha sido el material recurrente. Nótese como el tratamiento de tintes y diseño puede lograr distintas configuraciones. En mis diseños importantizo los muebles de lavamanos, pues almacenar es una necesidad que comúnmente tiende a relegarse. La solución simple no puede obviar satisfacer las funciones indispensables.

1. Este baño femenino explora las formas cóncavas y convexas. 2. El efecto tridimensional en este mueble se logra con juegos de profundidad en la madera. 3. Los muebles para niños también pueden ser de madera. Un lavamanos semi-empotrado combinado con una encimera de silestone, se integra con el blanco de la pieza. 4 y 5. Dos muros del medio baño entablillados en madera natural con incrustaciones en piedra; las luces puntuales, las esculturas humanas, el juego de profundidades y los espejismos, crean un ambiente intimista y vivaz en este espacio. 6. Este mueble auxiliar, con cinco gavetas para cosméticos y dos gavetones para toallas, incluye dos nichos abiertos. 7. La variación en superficie tintada y en superficie natural le imprimen contraste a este mueble de lavamanos que hace juego con el mueble auxiliar. 8. Los espejos reproducen los muros de madera con las rítmicas incrustaciones del mármol envejecido.

verdemontañoso Por OlgaAgustín Fotografías: MaribelÁlvarez

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Una casa con

alma

¡A las entrañas de la montaña! Este puente de madera fue soñado y concebido por Fernando Leo, diseñador y propietario de esta casa campestre. Se construyó a base de antiguos postes del tendido eléctrico y de tuberías de desagüe; pero, sobre todo, a base de su ingenio, y gracias al declive natural del terreno.

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Desde lo más alto de El Majagual, en San Cristóbal, esta casa campestre es el mejor ejemplo de cómo mezclar ornamentos y colores, logrando la calidez que da vivir en el trópico Y ésa es una combinación que su dueño, el diseñador Fernando Leo, aplica siempre a la perfección. Ochenta y cuatro peldaños. No son 80 ni 90, “¡Son ochenta y cuatro!”, afirma contundentemente Fernando Leo. Tan convencido está de este riguroso conteo, como que desde hace ocho años viene subiendo y bajando la empedrada escalera que le conduce a las entrañas de una colina de San Cristóbal, donde construyó su residencia campestre. Cuando el diseñador de interiores llegó a esta zona de Majagual, en Cambita, San Cristóbal, este terreno era totalmente silvestre. “Nos tomó un año construir la escalera. Dejaba mi vehículo en la superficie y me internaba varios metros al fondo

hacia una propiedad empinada donde no había nada; sólo maleza. Poco a poco, fuimos sembrando frutales y erigiendo la residencia actual, dándole un toque hogareño, que para mí es lo más importante”, recuerda con nostalgia Fernando Leo. Curiosamente, y a diferencia del resto de las casas que colindan con la del diseñador, ésta sí tiene nombre y número. Bautizarla como “Doña Mery”, en honor a la madre del propietario, es entendible, pero designarla con el número 45, siendo la única residencia numerada varios kilómetros a la redonda, sólo puede justificarse bajo el hecho de que ése fue el número de la primera casa

Desde flores de cera hasta diversos frutales, pasando por un conuco enraizado en la jalda de la propiedad de Fernando Leo, forman parte de la vegetación que enorgullece y circunda a la residencia de este diseñador.

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Detalles de los pies a la cabeza. Los elementos de valor sentimental priman por doquier en la casa campestre del diseñador Fernando Leo. Él atesora los objetos más impensables, provenientes del ambiente local o de alguno de sus viajes alrededor del mundo. Entre estas piezas se encuentran un curioso par de zapatos viejos adquiridos en un mercadillo de Ginebra, que ornamentan y “humanizan” el lugar donde están colocados.

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capitaleña que ocuparon Fernando y su madre cuando emigraron de La Vega. Esta costumbre de designar con ese número a todas sus casas se ha convertido en más que una cábala para Fernando; ya es toda una tradición.

Una aventura tridimensional Al principio, cuando Fernando empezó a construir la que hoy es su residencia campestre, se limitó a erigir una cabaña, que ahora es contigua e independiente del edificio de tres pisos construido después, y en el que Fernando se hospeda actualmente. En la pequeña cabaña todavía se aprecia la rusticidad de sus materiales de construcción y, levantada en madera de palma, continúa prodigándole paz y tranquilidad al artista que, a veces, quisiera volver a refugiarse en ella. Por otra parte, es innegable que adentrarse en el tercer nivel del inmueble de más reciente construcción, a través de un puente de madera ubicado en la superficie de la colina, y construido con postes del tendido eléctrico y tuberías de plástico, es el indicador más fidedigno del sorpresivo recorrido que le aguarda al visitante a lo interno de esta obra arquitectónica. Esta edificación, que originalmente estuvo a cargo del arquitecto José Antonio Arias, y que posteriormente fue remodelada y ampliada por el ingeniero Federico Perdomo, se cimentó con materiales de la construcción como el block y el cemento. Mientras que, a Fernando Leo se le ocurrió implementar la madera de palma en el revestimiento de las paredes internas, otorgando un toque de calor humano y un aire más campestre a su domicilio. Una terraza, ubicada a pocos pasos del umbral, es el área donde Fernando suele ver televisión de noche, o lo que es mejor, donde suele disfrutar a plenitud de la vista que se percibe desde esta área: de la Cordillera Central. Es esa estancia un vivo ejemplo de que sus más de 20 años de experiencia profesional en el área del diseño de interiores lo sindican como un “isleño” consumado. Acostumbrado a rodearse de diversos elementos dotados, casi en su totalidad, de un gran valor sentimental y familiar, se considera un amante del color. “Creo que vivimos en una isla, y como tal, nuestras casas deben estar cargadas de color y de frescura”, expresa.

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Cocina campestre. Una mesa para desayunar, y hasta para amasar harina, preside esta amplia cocina, que fue creada por Fernando Leo con un concepto de apertura y comodidad. Con vivaces colores, y prácticos (pero no menos curiosos) utensilios, el diseñador logra ese matiz acogedor y apacible que caracteriza a todos sus trabajos.

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Fernando es, además, un fanático de crear ambientes agradables y, sobre todo, de generar estancias “habitables”. “¿Qué gana uno con crear un espacio bellísimo y que sólo sea para ver y no tocar?”, cuestiona. A su juicio, lo interesante de crear un ambiente es hacer una mezcla de elementos, tanto ornamentales como mobiliarios, y que el resultado sea agradable visualmente; que la decoración se vea utilizable, confortable, con mucho color.

Coleccionista empedernido En una primera instancia identificados, y posteriormente importados y coleccionados, los elementos de manufactura mexicana, europea, hindú y, por supuesto criolla, “invaden” todos los rincones del hogar de Leo. Las esferas talladas en piedra, las caras solares mexicanas, los muebles de mimbre, las antigüedades… Todo, absolutamente todo, contribuye con la funcionalidad y la estética de cada estancia. Para él, el uso adecuado de la paleta cromática junto a la acertada mezcla de texturas, ornamentos y objetos mobiliarios son las piezas claves a la hora de armar el rompecabezas de decorar una casa. De hecho, bajo la aplicación de estos preceptos ambientó esta residencia que “con el tiempo ha ido adquiriendo más carácter”. Aun bajando por las escaleras que conducen de la terraza al segundo nivel de la casa se siguen apreciando los detalles y se vislumbra al fondo un espectacular cuadro indígena (de México) y una serie de elementos como lámparas de “El artístico”, candelabros y columnas mexicanas.

¡A todo color! Elementos peculiares como bateas, escobas de guano, vasijas, hamacas y hasta arreglos frutales diseminados en algunas áreas de este hogar se conjugan armónicamente para transmitir la calidez que proporciona vivir en el trópico. Tal y como estila Fernando Leo en todos sus diseños, aquí impera la decoración “vivible”, confortable y dotada de mucho color.

Ya en la segunda altura están ubicados la cocina, el comedor, una pequeña sala de estar, y un deck de madera dispuesto frente a la Cordillera Central. “Cuando diseñé la cocina, instalé en ella una mesa de madera con tope de granito, que utilizo como desayunador; aunque, mi propósito original era amasar harina sobre ésta, todavía no he horneado la primera barra de pan”, comenta entre carcajadas Fernando Leo. Él siempre quiso que su cocina fuese abierta, que luciese y se sintiese cómoda; ésa fue su idea principal. Dos fregaderos de color rojo (de Carabela); un práctico bebedero que trajo consigo desde Estados Unidos (y que le acompaña donde quiera que va); una antigua tetera para preparar tisanas, y curiosos utensilios de cocina (de procedencia chilena y mexicana, en su mayoría) son algunos de los artilugios de los que se ha rodeado para dotar de mayor comodidad a su “departamento de humo y grasa”. Y ni qué decir de los arreglos florales y frutales, a cargo del propio diseñador y provenientes de su jardín y conuco, respectivamente. Estos son más que omnipresentes en todos los rincones de su hogar, y le dan un inusitado toque de calidez y de vivacidad a los espacios. Al internarse en la sala de estar, una columna mexicana divide dicha estancia de la cocina. Al lado de esa columna, hay una puerta ovalada de madera que el diseñador Fernando Leo cortó por la mitad y colocó en forma de “M”. La idea era crear una especie de división que separase e integrase, a la vez, ese gran salón. Pasa a la página 65

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Junto a la sala, el comedor cuenta con una pieza mobiliaria de seis sillas, proveniente de México, que es realzada por un espejo de ese país azteca. Las lámparas y una reliquia en forma de reloj antiguo vinieron en el equipaje del diseñador de interiores en uno de sus viajes a Argentina. Ya en el deck de la terraza, el piso de madera que lo sustenta le prodiga un aspecto natural y armónico a este lugar de deleite visual, que debate su belleza decorativa con la Cordillera Central y con su verdor montaraz. Este mirador es otro punto de encuentro que no se formó en la lista de los espacios encementados, sino que optó por alistarse en la fila de las áreas que prefirieron la madera para darle calidez al entorno. Allí, un comedor que está prácticamente al aire libre se hace acompañar de un lámpara colgante

(de México), a la que el diseñador Fernando Leo complementó con una decoración de palos de bambú para hacerla lucir como otro nido de pájaros (una escena que en esta zona natural se puede observar por doquier). Sin embargo, la residencia de Fernando Leo no finaliza en este deck, pues debajo de él se observa otra terraza que está en el primer nivel y más cerca de la jalda que funge como sembradío de la propiedad. Un par de habitaciones contiguas acompañan a este espacio que se aprovechó para hacer una pequeña sala de estar techada por el propio deck y abierta en sus laterales. Como se puede apreciar, todas las áreas de esta casa campestre son totalmente independientes entre sí, pero están unidas, a su vez, a través de un cordón umbilical de estilo y de buen gusto con su dueño y diseñador, Fernando Leo.

Descanso a plenitud. La decoración y selección, tanto de los materiales como de los elementos que se observan en cada una de las habitaciones que componen la residencia de descanso del diseñador Fernando Leo, es de su entera responsabilidad. Él quiso matizar estos dormitorios de un aire de paz y de tranquilidad, a través de su ornamentación, que conectasen directamente al interior de los mismos con la magnífica vista exterior de la Cordillera Central. ¡Y vaya que lo logró!

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valijadearte Texto y Fotografías: FuenteExterna

Hasta el 26 de abril de 2010

Tim Burton en el MOMA

Retrato de Carlos V armado, Juan Pantoja de la Cruz

8 de marzo al 23 de mayo de 2010

Colecciones reales de armería en El Prado Lacasa

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La Real Armería y el retrato de corte en España es una muestra con una selección de piezas de la Real Armería de Madrid, junto a un conjunto de pinturas que dan cuenta de la importancia que los grandes maestros otorgaron a estas piezas en la representación del poder de la monarquía española a partir del Renacimiento. Esta colección de referencia en el desarrollo del género del retrato armado, presenta la gran importancia y trascendencia histórica y artística en la Europa de los siglos XVI al XVIII. La exposición consta de los temas: el retrato de corte y las armerías de Carlos V y Felipe II; la ausencia de retratos armados en la segunda mitad del siglo XVI y su recuperación con Felipe III príncipe; la Real Armería en la pintura de corte del siglo XVII; y la tradición francesa y española en el retrato borbónico en armadura. Se exponen cinco obras maestras de la Real Armería y del Museo del Prado para enmarcar la importancia de las colecciones reales de armería y pintura, así como sus vínculos ideológicos o temáticos. Se destacan obras de Filippo Negro y Desiderius Helmschmid, junto a otras de Rubens, Velázquez, Brueghel o Teniers. Ubicación: Salas A y B de la ampliación del Museo del Prado. Ingrese a: www.museodelprado.es

El Museo de Arte Moderno (MOMA), en Nueva York, nos ofrece una exposición muy especial: “Tim Burton”. Ésta merecida semblanza rinde tributo al genial director y muestra su especial desarrollo creativo, desde sus dibujos de la infancia hasta su trabajo en el cine. Exhibe por primera vez más de 700 piezas, la mayoría de éstas nunca antes vistas: dibujos, pinturas, fotografías, arte conceptual, storyboards, marionetas, maquetas, vestuario y elementos usados en sus películas y, por si fuera poco, proyectos de tipo personal que ponen de manifiesto una vez más el riquísimo mundo creativo que envuelve al director…Y todo esto acompañado de la retrospectiva completa de su obra cinematográfica. Ubicación: 11 West 53 Street New York, New York 10019 Ingrese a: www.moma.org

Alicia en el país de las maravillas, 2010. Dirigida por: Tim Burton

Una de las obras de Ife

4 de marzo al 6 de junio de 2010

Museo británico exhibe “El reino de Ife: Esculturas de África Occidental” El Museo Británico nos ofrece la exposición “Kingdom of Ife: Sculptures from West Africa” (“El reino de Ife: Esculturas del África occidental”), del 4 de marzo al 6 de junio. Aquí se puede apreciar el arte de Ife, una poderosa y cosmopolita ciudad-estado que existió entre el siglo XII y XV antes de Cristo, y que hoy día está ubicada al sur de Nigeria. Ife floreció en sus tiempos como un punto estratégico a nivel político, espiritual, cultural y económico, y se constituyó en un centro de influencia de las redes del comercio local y de larga distancia. En esta exposición se aprecian magníficas esculturas de Ife, pertenecientes casi por completo a las colecciones de la Comisión Nacional de Museos y Monumentos de Nigeria, donde se muestra que los artistas de esa ciudad-estado desarrollaron una tradición escultórica refinada y muy naturalista en piedra, terracota, bronce, latón y cobre para crear un estilo diferente a todo lo existente en la África de aquel entonces. Por su lado, las figuras humanas representan un amplio sector de lo que era la sociedad de Ife e incluyen imágenes de la juventud y de la vejez; de la salud y de la enfermedad; del sufrimiento y de la serenidad. Ubicación: Great Russell Street Londres WC1B 3DG Ingrese a: www.britishmuseum.org

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