EDITORIAL
¡Bienvenidos de vuelta! Tras un tiempo de ausencia, estamos emocionados de reanudar nuestra misión como el medio de comunicación especializado en cine más importante de Chile. Nos dedicamos a llevarles lo mejor del séptimo arte, así como a explorar la música, el teatro y la literatura.
En esta edición, tenemos el privilegio de presentar entrevistas con figuras de renombre, como la Saoirse Ronan en su nueva película The Outrun y Lizzie Gillett y Robert Ford, productores del documental Super/Man: The Christopher Reeve Story. Además, en el cine chileno realizamos entrevista por el esperado estreno de Los Hiperboreos de León & Cociña, sumada una reseña de Aullido de invierno de Matías Rojas Valencia y la comedia Los domingos mueren más personas.
Esta edición contempla una sesión de fotos exclusiva, transformando a Patricia Rivadeneira en Elsa Mars de American Horror Story, y compartimos nuestra experiencia en el Festival Internacional de Cine de Londres. En nuestra sección Green Cinema, conversamos con Justin Kurzel sobre su documental Ellis Park, uniendo el arte con el respeto a los animales y el cuidado del medio ambiente.
Sonando la banda sonora de mi vida, entrevistamos a Moyka por el disco Movies, Cars & Heartbreak, y a Karla Grunewaldt, quien nos revela detalles sobre el proceso artístico en su viaje a Europa. Por último, Pablo Illanes nos ofrece una mirada a su más reciente libro.
Los invitamos a disfrutar de esta revista y a sumergirse en lo mejor del cine, la música, el teatro y la literatura, buscando siempre la belleza y la creatividad en todas sus formas.
¡Disfruten de la lectura!
DIRECTOR
Benjamín Scott
EDITORES
Benjamín Scott
Aldo Berríos
DISEÑO & DIAGRAMACIÓN
Francisco Figueroa
REDACTORES
Benjamín Scott
Andrés Monsalve
TRANSCRIPCIÓN
Giannina Gajardo
PRODUCCIÓN
Rodrigo Farias
© Mundo Películas | Magazine
Edición 001 | Noviembre 2024
Derechos reservados. Prohibida su reproducción total o parcial del contenido de esta revista
DIRECTOR DEL MES JOHN CASSAVETES Y GENA ROWLANDS
05
MARTES 05, NOVIEMBRE 20:15 HRS.
Un director de teatro y su hermana enfrentan la soledad y sus crisis personales, creando un relato que captura la esencia de las relaciones humanas.
23 09 26
SÁDABO 23, NOVIEMBRE 17:45 HRS.
Nick tiene que cargar con la responsabilidad de cuidar a su mujer que padece inestabilidad emocional.
SÁBADO 09, NOVIEMBRE 18:15 HRS.
Una mujer que se convierte en la protectora de un niño que ha sido testigo de un crimen.
MARTES 26, NOVIEMBRE 18:45 HRS.
Minnie trabaja en un museo y vive con un hombre abusivo. Moskowitz es un viejo beatnick aparcacoches que no encuentra su lugar. No tienen nada en común, excepto su soledad.
12
MARTES 12, NOVIEMBRE 20:15 HRS.
Esta sigue a una actriz en la cúspide de su carrera, lidiando con la angustia y la presión del mundo del espectáculo.
09
LUNES 09, DICIEMBRE 19:00 HRS.
A través de la historia de tres hermanos en Nueva York, Shadows desafía las convenciones narrativas y presenta un retrato honesto de la vida urbana y las relaciones raciales.
LOS CORTOMETRAJES
SE TOMAN LA SALA DE CINE
Del 5 al 8 de noviembre, la Ilustre Municipalidad de Ñuñoa y su Corporación Cultural presentan Ñufest 2024 en la Sala de Cine de Ñuñoa. El encuentro destaca cortometrajes estudiantiles de diversas escuelas de cine, mostrando talento en creación, producción y postproducción.
Sus representantes comentan la importancia de espacios.
Guillermo Bravo, Director de la Escuela de Cine de la Universidad Mayor:
Es un orgullo que nuestros estudiantes participen en un espacio como ÑUFEST, un referente cada año. Creemos que estas muestras no competitivas fortalecen el circuito audiovisual y fomentan redes necesarias para su consolidación.
Universidad Academia de Humanismo Cristiano:
La colaboración en ÑUFEST fomenta vínculos con cineastas y profesionales, clave para su desarrollo en un ecosistema donde las oportunidades suelen surgir a través de colegas.
Beatriz Molina, directora de ‘Humboldt’ (Universidad de Valparaíso):
Enfocamos más en la producción que en la distribución, pero este proceso ha sido muy profesionalizante, enseñándonos el valor de las audiencias y la importancia de estos encuentros.
Tomás Zárate, director de ‘Humboldt’ (Universidad de Valparaíso):
Es dar un paso gigante de estudiante a profesional, confiando en que nuestra visión tiene peso, al igual que la de nuestros referentes.
Cine UDD en ÑUFEST:
Para Cine UDD, es una valiosa oportunidad para que estudiantes de diversas generaciones compartan sus cortometrajes con la industria y otros cineastas, logrando visibilidad más allá del ámbito académico, especialmente en espacios como la Sala de Cine Ñuñoa.
Organiza:
CARTELERA CORTOMETRAJES ÑUFEST 2024
FICCIÓN
MAR. 05 | 18:30 HRS
CINCO FORMAS DE BORRAR UN CHUPÓN
Por Colectivo Ñiñita Perversa (Drama, 2023)
UC, 19 Min.
LA FAENA
Por Fiona Kemper (Drama, 2024)
U. De Chile, 13 Min.
LA NOCHE QUE DEJÉ ATRÁS
Por Luciano Besares (Drama, 2019)
UAHC, 19 Min.
COLOMBINA STAR Y SU BAILE DE TERROR
Por Antonia Ravest (Drama, 2023)
U. Mayor, 20 Min.
HUMBOLDT
Por Beatriz Molina (Drama, 2024)
U. de Vaparaíso, 14 Min.
EXPERIMENTAL
MIÉ. 06 | 19:30 HRS
EL FESTÍN DE LAS BESTIAS
Por Simón Bucher, Claudia Saldivia, Amanda Rivera (Animación, 2023)
UC, 8 Min.
HERITAGE
Por Pablo Besfamille (Animación, 2023)
UDD, 3 Min.
SHAPELESS TRACKING
Por Tomás Zárate (Esperimental, 2024)
U. de Vaparaíso, 12 Min.
CARTA ENCONTRADA DENTRO DE UNA CAJITA DE MENTHOLATUM
Por Carlos Muñoz
Salanca (Esperimental, 2023)
U. de Chile, 5 Min.
CRONOS
Por Nicolás Durán, Dante Cobian (Esperimental, 2024)
UAHC, 4 Min.
DOCUMENTAL
JUE. 07 | 19:30 HRS
TODOS COMEN PAN
Por Constanza Gaymer (Documental, 2024) UDD, 10 Min.
REYES SECRETOS
Por Nicolás Romero (Documental, 2023) U. De Chile, 12 Min.
Ó DE OSCAR
Por Joaquín Nercasseau, Matías Echeverría, Douglas Jackson (Documental, 2023) UC, 15 Min.
EL APORTE
Por Rata Decirco y Agustín Chamorro (Documental, 2023) UAHC, 20 Min.
TRAYECTORIA
VIE. 08 | 19:30 HRS
MÉDULA
Por Melisa Miranda (Documental, 2023)
U. De Chile, 25 Min.
EL ÚLTIMO DÍA DE INVIERNO
Por Belén Ortega (Documental, 2019)
U. Mayor, 27 Min.
LA MAMITA
Por Laura Donoso (Documental, 2020)
UDD, 14 Min.
SAN JUAN, LA NOCHE MÁS LARGA
Por Claudia
Huaiquimilla (Documental, 2012)
UC, 17 Min.
MOMENTOS DESTACADOS DEL
FESTIVAL DE LONDRES MARIA: EMILIA PÉREZ:
En este emocionante recorrido, resaltamos la avant premiere de María de Pablo Larraín y Emilia Pérez de Jacques Audiard. También asistimos a la conferencia de prensa de Blitz, donde conversamos con Saoirse Ronan y Steve McQueen. Las entrevistas exclusivas con talentos como Kani Kusruti, Himesh Patel y Fernanda Torres, junto a la cobertura de alfombras rojas, incluyendo la de Robot Salvaje con Pedro Pascal, nos ofrecen una mirada íntima a este vibrante evento cinematográfico.
DEJA QUE LA MÚSICA
La premiere de María en el Festival de Cine de Londres fue un evento memorable. La alfombra roja brilló con la presencia de Angelina Jolie, quien se mostró accesible y elegante ante sus admiradores. Pablo Larraín presentó muy emocionado a su director de fotografía, Edward Lachman, para luego introducir a Steven Knight, su guionista, y al elenco encabezado por Angelina. Para cerrar, le dijo al público que, para experimentar su obra, debían “dejar que la música entre en ti”.
La proyección de Emilia Pérez trajo el vibrante espíritu latino al corazón de Londres, destacando la química del elenco en pantalla con la gran actuación de Karla Sofía Gascón en la película. La atmósfera estaba cargada de entusiasmo, y como cierre inesperado de la noche, tuvimos la oportunidad de asistir a una fiesta privada con el cast, poniendo el broche perfecto a una experiencia llena de ritmo y sorpresas.
BLITZ
En la conferencia de prensa de Blitz, Steve McQueen destacó que la película honra el espíritu de los londinenses durante la Blitz, al tiempo que explora la representación auténtica de su gente. Afirmó que en el centro de la historia se encuentra una familia de clase trabajadora que lucha por reunirse en tiempos de guerra. Fue un momento bastante interesante, donde los actores subrayaron la visión del director, resaltando la profundidad y el enfoque humanista que McQueen aporta a la narrativa.
RED CARPET
Cubrimos varias alfombras rojas, donde tuvimos la oportunidad de conversar con destacados actores, actrices, directores y directoras. Entre las exclusivas, hablamos con Kani Kusruti, la protagonista de All We Imagine as Light, quien compartió su visión sobre la película. También charlamos con Himesh Patel, Fleur Fortune, Fernanda Torres, y otros nombres sorpresas que no querrán perderse.
PEDRO PASCAL
EN ROBOT SALVAJE
Pedro Pascal tuvo un papel destacado en ROBOT SALVAJE, donde su actuación cautivó a la audiencia. En la alfombra roja, su carisma y conexión con los fans fueron evidentes, convirtiendo la presentación en un evento memorable.
ENTREVISTAS POR MIL
Realizamos grandes conversaciones con voces únicas y sorprendentes, incluyendo a Kani Kusruti, Selton Mello, Carson Lund, Tomás Pichardo, Iain Forsyth, Jane Pollard, Dag Jon Haugerud, Lizzie Gillett y Marissa Anita. Cada entrevista nos ofreció perspectivas diversas que cruzan fronteras entre Estados Unidos, Europa y Latinoamérica, capturando la vibrante esencia del cine actual. ¡No se pierdan nuestras exclusivas!
LO MEJOR QUE VIMOS EN LONDON FILM FESTIVAL
En esta temporada de festivales, Memoir of a Snail, dirigido por Adam Elliot, se alzó como el Mejor Film del Festival, destacando entre los títulos más aclamados. Además, no te pierdas nuestras recomendaciones que abarcan una variedad de géneros y estilos: Nightbitch, A Real Pain, All We Imagine as Light, 2073, Ellis Park, All Shall Be Well, Skincare, Elton John: Never Too Late, y Sex. Cada una de estas películas promete ofrecer una experiencia cinematográfica única que seguramente cautivará a los amantes del cine.
“AULLIDO DE INVIERNO”: Un viaje entre el olvido y la esperanza
Un recordatorio de la importancia de no olvidar el pasado para que las heridas de una nación puedan sana
Por Andrés Monsalve
En lugar de señalar con el dedo, entrelaza historias humanas llenas de matices, donde la introspección y el perdón son fundamentales. La Patagonia, con su belleza inmaculada y su inmensidad fría, actúa como un personaje más, contraponiéndose con la oscuridad del trauma vivido por los protagonistas. Esa vastedad natural, llena de silencios y viento, parece ser el único lugar capaz de contener el dolor y el deseo de consuelo de quienes buscan refugio.
La película plantea
preguntas incómodas, y lo hace con la característica sutileza del director. En lugar de entregarnos respuestas, nos obliga a reflexionar sobre la culpa, el olvido, y la manera en la que enfrentamos las sombras del pasado. La narrativa se mueve entre los recuerdos de Ingrid y Franz, quienes se debaten entre olvidar y recordar, y la búsqueda de redención de una mujer que intenta hacer las paces consigo misma. Esta dualidad entre la necesidad de recordar y el deseo de dejar atrás el dolor está presente a lo
¿Es posible encontrar paz en medio de la vastedad del olvido? Esa es la pregunta que subyace en cada escena de “Aullido de Invierno”, la más reciente obra de Matías Rojas Valencia. Con una mezcla poética de documental y ficción, el director explora las cicatrices del pasado chileno, enfocándose en el oscuro capítulo de Colonia Dignidad. Ingrid y Franz, dos sobrevivientes, viven aislados en la Patagonia, luchando contra el olvido y aferrándose
al presente que nunca se les permitió tener. En paralelo, la película nos introduce a la historia de una mujer, interpretada por Paulina García, que busca redimir una culpa vinculada a este doloroso periodo de la historia reciente de Chile.
Rojas Valencia, conocido por “Raíz” y “Un Lugar Llamado Dignidad”, exhibe nuevamente su destreza para abordar temas complejos sin caer en una denuncia evidente.
largo de toda la película, reflejando un equilibrio frágil y lleno de tensión.
El elenco, con Paulina García, Amalia Kassai, Clara Larraín y Patricia Cuyul, logra un balance perfecto entre vulnerabilidad y resistencia. Cada actuación está cargada de un peso emocional que no necesita palabras para ser comprendido; los gestos y silencios comunican más que cualquier diálogo. Esto es especialmente evidente en las escenas donde la naturaleza se convierte en la única testigo de los traumas y pequeñas victorias de los personajes, reflejando el alma de quienes intentan encontrar paz.
“Aullido de Invierno” es una obra esencial para quienes buscan entender la complejidad del trauma y la esperanza. Nos recuerda que
la memoria es resistencia, y que el amor y la naturaleza pueden ser fuentes poderosas de sanación. Con una duración de 84 minutos, Matías Rojas Valencia entrega una pieza íntima y profundamente reflexiva que no solo aborda el horror de Colonia Dignidad, sino que también deja espacio para la esperanza y la redención personal y colectiva. Es una película que conmueve, invita a la introspección y deja preguntas que resuenan más allá de la sala de cine.
El estreno de “AULLIDO DE INVIERNO” será el 14 DE NOVIEMBRE, un evento que promete ser tan inolvidable como la película misma.
ESPECIAL HALLOWEEN: AHS
JESSICA LANGE SUEÑOS Y SOMBRAS EN AMERICAN
HORROR STORY: FREAK SHOW
LA EMBLEMÁTICA INTERPRETACIÓN DE LANGE NOS REVELA LOS ANHELOS DE UNA ARTISTA ATRAPADA EN UN MUNDO DISTORSIONADO.
En American Horror Story: Freak Show, Jessica Lange da vida a Elsa Mars, una exestrella de la música que, al igual que muchos de sus compañeros en el espectáculo, enfrenta sus sueños frustrados en un entorno de marginalidad. A lo largo de la serie, la complejidad del personaje se despliega en su búsqueda de aceptación y reconocimiento, que se
ve reflejada en sus emotivas actuaciones musicales. Una de sus interpretaciones más memorables es la versión de “Life on Mars?” de David Bowie, donde Lange fusiona la melancolía de la letra con la desesperanza de su personaje.
Elsa es una figura que lucha contra la percepción de ser un “monstruo” en un mundo que no la entiende. Su voz, al igual que su presencia, actúa como un grito de auxilio en medio de la oscuridad. La elección de esta canción en particular simboliza su anhelo por una vida mejor, la
vida que soñó pero que se le fue de las manos. A través de su interpretación, Lange destaca la fragilidad de su personaje, evidencia los estragos del tiempo, revelando la humanidad que se oculta tras la fachada del horror.
En American Horror Story: Freak Show, Jessica Lange interpreta a Elsa Mars, una exestrella de la música que enfrenta sueños frustrados en un entorno marginal. A lo largo de la serie, su complejidad se refleja en su búsqueda de aceptación, especialmente en su actuación de “Life on Mars?” de David Bowie, donde fusiona la melancolía de la letra con la desesperanza de su personaje. Elsa lucha contra no haber cumplido sus sueños y usando su voz como grito de auxilio, simbolizando su anhelo por una vida mejor y revelando su humanidad tras la fachada del horror.
LAS FOTOS HABLAN
1. Jessica Lange como Elsa Mars en AHS interpreta Life on Mars? de David Bowie
2. Lange retrata a Elsa como una artista cuya búsqueda de reconocimiento se ve constantemente obstaculizada, explorando temas de identidad y pertenencia en un mundo hostil.
3. “Life on Mars?” es un momento culminante, donde la vulnerabilidad de Elsa se expresa con una profundidad conmovedora.
ESTILO Y PRODUCCIÓN DE RODRIGO FARIAS: UN
ESTILO Y PRODUCCIÓN DE RODRIGO FARIAS: UN
HOMENAJE A FREAK SHOW
HOMENAJE A FREAK SHOW
Lo que me atrajo de American Horror Story es mi admiración por su director, Ryan Murphy, y la estética que aporta a cada proyecto. Para rendir homenaje a un nuevo Halloween, decidí centrarme en “Freak Show”, una temporada que captura perfectamente la esencia del desamor. Jessica Lange representa esa lucha, y su interpretación dAe una canción de Bowie se siente como un exorcismo de todo lo vivido.
Elegí el bar El Bajo (GAM) como escenario, gracias a sus cortinas rojas y la iluminación característica que reflejan el ambiente de la serie. En cuanto a la paleta de colores, opté por tonos celestes y rojos, que se integran en el vestuario, el maquillaje y una peluca inspirados en Bowie. La actriz Patricia Rivadeneira logró transmitir mi visión a través de su re-interpretación, llevándonos de vuelta a ese momento icónico de AHS.
American Horror Story: Freak Show
SIEMPRE PARTO DESDE
MI PROPIA EXPERIENCIA, EXPLORANDO LA PROFUNDIDAD DE LA PSIQUE Y DEL CUERPO, BUSCANDO QUÉ LE SUCEDE AL PERSONAJE QUE INTERPRETO. MI ENFOQUE ES QUE CADA PERSONAJE SE SIENTA VIVO Y VERDADERO. ESTE PROCESO CREATIVO ES COLECTIVO: DESDE EL DIRECTOR HASTA CADA MIEMBRO DEL EQUIPO, TODOS APORTAMOS PARA DARLE ALMA A LA ESCENA.
Patricia Rivadeneira como Elsa Mars
BACK STAGE
“PARA MÍ, LO ESENCIAL NO ES EL ÉXITO O EL RECONOCIMIENTO, SINO LA PASIÓN POR EL VIAJE CREATIVO. A VECES NO OBTENEMOS
EL RECONOCIMIENTO ESPERADO Y FRACASAMOS, PERO CADA PROYECTO ES UN CAMINO DE AUTODESCUBRIMIENTO Y TRANSFORMACIÓN.”
Patricia Rivadeneira como Elsa Mars
CRÉDITOS
ACTRIZ Patricia Rivadeneira | STYLING Y DIRECCIÓN CREATIVA Rodrigo Farias | FOTOGRAFÍA Loreto Gibert | PELO Xime Muñoz | MAKEUP Gabriela Arevalo | REALIZACIÓN INDUMENTARIA Álvaro Ceballos | ASISTENTE DE FOTOGRAFÍA Cristóbal Yañez | FOTO FIJA Francisco Figueroa
AGRADECIMIENTOS
TRAJE Wendy Pozo Londress | LOCACIÓN Bar El Bajo
EL LEGADO DE UN HÉROE
La historia detrás de ‘Super/Man: The Christopher Reeve Story’
LOS PRODUCTORES CON UNA SÓLIDA TRAYECTORIA EN LA REALIZACIÓN DE DOCUMENTALES; LIZZIE GILLETT Y ROBERT FORD, COMPARTEN SU EXPERIENCIA EN LA CREACIÓN DE UN DOCUMENTAL QUE TRASCIENDE LA FIGURA ICÓNICA DE SUPERMAN, EXPLORANDO LA VIDA Y EL LEGADO DE CHRISTOPHER REEVE, UN VERDADERO HÉROE QUE, TRAS UN TRÁGICO ACCIDENTE, SE CONVIRTIÓ EN UN
DEFENSOR DE LA COMUNIDAD DE PERSONAS CON DISCAPACIDADES. YA EN CINES, EL DOCUMENTAL OFRECE UNA MIRADA CONMOVEDORA Y REFLEXIVA SOBRE EL HOMBRE DETRÁS DEL PERSONAJE.
EXCLUSIVA
Un director está trabajando en una serie que explora la conexión de Christopher Reeve con Chile.
¿Cómo cambió la realización de esta película tu percepción sobre el propio Christopher Reeve como persona o sobre Superman como símbolo?
Lizzie: Al comenzar esta película, sabía poco sobre Christopher Reeve, solo que era Superman. Descubrí que, aunque era un gran actor, fue tras su accidente que encontró su verdadero potencial. En sus palabras y las de sus hijos, se convirtió en un mejor padre y compañero, y estuvo más presente. Ahí se transformó en un verdadero héroe, lo que me impactó, ya que sugiere que, incluso después de un grave accidente, se puede mejorar la calidad de vida.
Robert: Sí, no sabía mucho sobre su historia personal antes de hacer esta película, pero aprendí que era un hombre de familia genuino, su hermosa historia de amor con Dana y lo bueno, cariñoso y considerado que era, y no una persona arrogante. Y eso continúa a través de sus hijos hoy. Su legado son los tres maravillosos niños que hemos llegado a conocer durante la realización de esta película. Así que es realmente una historia familiar.
¿Cómo se logra equilibrar el respeto por la memoria de una persona real con la necesidad de mostrar su humanidad y sus dificultades?
Lizzie: Tuvimos la suerte de contar con los hijos de Reeve, quienes querían una representación honesta de su padre y Dana, sin exageraciones ni una biografía lineal. La película muestra momentos difíciles, como la lucha de Christopher Reeve con la fisioterapia, que el público encuentra conmovedores.
Los hijos confiaron en nosotros y compartieron material de archivo. Después de seis meses de edición, mostramos el primer corte; fue aterrador, pero su confianza se recompensó. Hicimos algunos cambios, y aunque no tenían control creativo final, juntos encontramos ese delicado equilibrio.
¿Cómo afrontaste la responsabilidad de llevar a la pantalla un personaje tan querido?
Lizzie: Desde el principio, sentimos una profunda responsabilidad, ya que Christopher dejó un legado increíble en la investigación y atención a comunidades con discapacidades, además de la
Fundación Reeve. Hablamos con los niños sobre cómo abordar esto. Al final de la película, ellos asumen ese papel y son el legado: Matt es el cineasta, Alexandra la activista y Will el presentador de televisión. A través de ellos, podemos ver todas las facetas de Christopher Reeve y destacar su trabajo para mantener vivo su legado.
¿Qué es lo diferente en este documental?
Lizzie: El mundo es un lugar oscuro, lleno de miseria, guerra, cambio climático y catástrofes. Si bien esas realidades son importantes y hacemos películas sobre ellas, esta película, aunque triste, es alentadora. Trata sobre el amor, la familia y la unión. La gente busca algo emotivo e inspirador que demuestre que, a pesar de las imperfecciones, las familias —rotas o reconstituidas— pueden tener mucho amor. Eso es lo que ha resonado en el público.
¿Qué desafíos enfrentaron al realizar esta película y cómo fue el proceso de investigación?
“Christopher Reeve no solo era un actor increíble, sino que se convirtió en un verdadero héroe tras su accidente.”
Lizzie Gillett
¿Cómo eligieron estructurar la narrativa del documental?
Robert: Los directores, Peter y Lan, tienen un lema que prioriza la emoción sobre la información. Por ello, optaron por contar la historia no de manera lineal, sino a través de flashbacks que se sitúan después del accidente. En algunos momentos, parece casi un sueño, donde su vida anterior se despliega ante sus ojos. Esto le da a la narrativa una profundidad y emotividad mucho mayores.
Lizzie: Uno de los principales desafíos fue manejar una gran cantidad de archivos, con 125 cintas y miles de materiales disponibles. Decidimos concentrar todo en una película de hora y media, lo que requirió debates sobre qué contenido eliminar. También enfrentamos dificultades financieras al principio hasta que Words and Pictures se unió a nosotros. El proceso de investigación fue relativamente rápido; desarrollamos la película en un año y filmamos en otro, gracias a un equipo sólido y la clara visión de los directores.
¿Qué mensaje espera que el público se lleve de este documental?
Lizzie: Espero que el público reconozca el valor de las personas con discapacidades y su capacidad de contribuir al mundo. Un momento clave es cuando Dana le dice a Chris: “sigues siendo tú y te amo”. Su aparición en silla de ruedas en los Premios de la Academia fue confrontativa pero inspiradora. Además, Chris entendió que ser un héroe significa perseverar ante los obstáculos, una capacidad que todos compartimos. Por último, el amor y la familia son fundamentales; he escuchado a espectadores reflexionar sobre cómo ser mejores padres y compañeros tras ver la película.
Por cierto, me encanta el título de la película, porque resalta cómo Chris era un superhombre en muchos aspectos. Soy de Chile y él visitó nuestro país.
Lizzie: No quería decirlo, pero tuvimos que eliminar una parte sobre Chile de la película. Teníamos una sección entera de cinco o seis minutos, pero no ayudaba al ritmo, así que decidimos cortarla. Lo siento mucho.
Es una pena, pero también tenemos recuerdos de él en nuestro país.
Lizzie: Alguien está trabajando en una serie sobre eso, un director está desarrollando el proyecto. Ahí les dejo esa exclusiva (risas)…
SAOIRSE RONAN THE OUTRUN
THE OUTRUN, la nueva película protagonizada por Saoirse Ronan, marca un hito en la carrera de la actriz, ya que es también su primera experiencia como productora. Basada en el aclamado libro de Amy Liptrot, la película narra el conmovedor viaje de Rona, un personaje que regresa a su hogar en las islas Orcadas tras enfrentar una lucha profunda contra la adicción.
En la premiere de la película en Irlanda, tuvimos la oportunidad de entrevistar a Ronan, quien compartió su pasión y dedicación en la creación de esta historia de esperanza y redención. A través de paisajes impresionantes y un enfoque honesto sobre la salud mental, The Outrun invita al espectador a reflexionar, ya que la cinta no solo explora los desafíos de la adicción, sino que también celebra la esperanza y la resiliencia.
NO SUCEDERÁ, PERO
SAOIRSE RONAN
Hablamos sobre tu rol en esta película…
Interpreto a Rona, una versión cinematográfica de Amy Liptrot, autora del libro en el que se basa la película. La historia está inspirada en su vida y su increíble camino hacia la recuperación. Amy escribió el libro hace más de diez años, siendo increíblemente valiente al documentar su proceso y el rol crucial que tuvo su hogar en Orkney en esa sanación.
La historia sigue su regreso a casa, algo que hizo con mucha reticencia tras una rehabilitación por adicción al alcohol, después de haber perdido en Londres todo lo que le era querido. Volver fue un proceso lleno de altibajos, un viaje profundamente doloroso que, al final, la llevó a la curación y al autodescubrimiento. La película es un gran logro para todos nosotros y, como es también el primer proyecto que produzco, ha sido un trabajo de amor en el que hemos invertido cinco años. Estamos muy orgullosos del resultado.
La película aborda temas profundos como la adicción, la salud mental y el trauma. ¿Cómo te preparaste para un papel tan complejo?
He conversado con muchas personas que han estado en situaciones similares. Creo que, de algún modo, todos hemos tenido alguna relación con estos temas, ya sea como quienes lo viven o como espectadores de alguien cercano que enfrenta estos problemas.
Estuviste en prácticamente todas las
DEBERÍA GANAR UN OSCAR POR ESTA PELÍCULA. HA DEJADO EL ALMA EN EL SET Y ESO SE TRANSMITE EN LA PANTALLA.
escenas de la película, y algunas parecían emocionalmente intensas. ¿Te afectó a nivel personal?
La verdad es que no me pasó factura. Al contrario, me sentí revitalizada al hacerlo. Gran parte del tiempo estuve al aire libre y trabajando con animales. Sin entrar en detalles, hay una escena impactante al comienzo de la película, y fue increíblemente divertido de grabar.
Fue una experiencia llena de “primeras veces” para mí. Hubo momentos emocionalmente intensos para
todos, ya que muchos teníamos alguna relación con los temas de adicción y las complicaciones que surgen del abuso de alcohol. Sin embargo, debo decir que nunca había trabajado en una película donde la alegría y la amistad entre el equipo fueran tan fuertes. Aunque abordamos temas serios, creo que es una película inspiradora, llena de momentos conmovedores y hasta algo de humor.
La música parece tener un papel importante en el viaje de Rona.
“Conocer a personas en recuperación, quienes muestran una valentía increíble, fue realmente revelador. La adicción no es una elección sencilla; puede afectar a cualquiera.”
¿Cómo contribuye al desarrollo de la historia?
Así es. Contamos con dos tipos de banda sonora: el paisaje sonoro natural y la música en los auriculares de Rona, que es principalmente de bajos y baterías electrónicos. Ese tipo de música representa su vida pasada y su desesperación por aferrarse a algo, incluso después de haberlo perdido. Hay un momento clave en la película en que Rona se quita los auriculares y escucha el entorno que la rodea por primera
“La música representa su vida pasada y su desesperación por aferrarse a algo, incluso después de haberlo perdido.”
vez. Ese instante simboliza un acto de fortaleza.
¿La experiencia de filmar esta película cambió tu perspectiva sobre la adicción?
Definitivamente. Fue una de las principales razones por las que quise hacer esta película. Siempre me ha inquietado un poco este tema. Conocer a personas en recuperación, quienes muestran una valentía increíble al atravesar este proceso, fue realmente revelador. Este papel me ayudó a comprender mejor que la adicción no es una elección sencilla; es algo que puede afectar a cualquiera, independientemente de su edad, género o situación social.
Irlanda tiene una relación compleja con el alcohol. ¿Crees que la percepción de la gente ha cambiado en los últimos años?
Sin duda, he notado que muchos jóvenes están optando por no beber por motivos de salud mental o física, lo cual es algo poderoso y positivo. Aunque en nuestra cultura el alcohol aún ocupa un lugar importante, siento que las actitudes están cambiando, aunque sea poco a poco.
¿Qué hace que la historia de Amy Liptrot sea tan universal?
La historia de Amy es universal porque, aunque sigue a una joven que enfrenta un problema muy común, también nos permite conectar con los personajes secundarios que la rodean. Su familia, sus amigos, todos son afectados de alguna manera. The Outrun es, en esencia, una historia de esperanza y resiliencia en medio de la adversidad.
El libro The Outrun fue tu principal inspiración, ¿verdad?
Sí, sin duda. Nos empapamos de toda la información
posible: podcasts, libros, conversaciones… El libro fue nuestra biblia durante el rodaje, y su autoría fue fundamental para el desarrollo de la historia.
¿Amy tiene un cameo en la película?
Sí, ella aparece en una escena junto al grupo de nadadores con el que filmo una escena muy significativa. De hecho, está con su esposo e hijos en una de las tomas. Fue un momento hermoso, cerrar el círculo con su historia y verla formar parte de este viaje.
Hubo una escena memorable en la que Rona aúlla a las focas. ¿Cómo fue filmar ese momento?
Fue uno de los momentos más increíbles que he vivido. Durante la filmación, el público comenzó a cantar en respuesta a mi actuación, como parte de una antigua tradición celta. Jamás olvidaré esa experiencia.
Hablemos del acento escocés. ¿Fue un reto para ti?
¡Lo fue! El acento escocés, especialmente en las islas, es una mezcla única de influencias que suena tanto a Geordie como a nórdico. Además, Amy Liptrot no tenía un acento muy
marcado, ya que sus padres eran ingleses. Quisimos reflejar esa diferencia en el personaje. Por último, ¿qué te pareció filmar en Escocia?
Es un lugar mágico, casi nórdico. El paisaje es impresionante y tiene una atmósfera única, sin árboles debido al viento fuerte, lo que lo hace muy especial. Irlanda es hermosa, pero debo admitir que Escocia le hace competencia.
“Nunca había trabajado en una película donde la alegría y la amistad entre el equipo fueran tan fuertes. Es una película inspiradora, llena de momentos conmovedores y hasta algo de humor.”
SUMERGIDOS EN EL Limbo
LA MEZCLA DE REALIDAD Y FANTASÍA EN LOS HIPERBÓREOS
En esta película visualmente deslumbrante, los reconocidos directores Joaquín Cociña y Cristóbal León, junto a los actores Antonia Giesen y Francisco Visceral, nos llevan a una odisea cinematográfica donde se fusionan el arte, el cine y lo teatral. Desde
personajes atrapados en la fantasía hasta mundos de sueños anacrónicos, todos los involucrados nos comparten sus experiencias en la creación de esta producción única que llega a los cines el 28 de noviembre.
La estética visual de sus películas tiene un sello muy particular y ha sido comparada con un estilo artesanal y casi onírico. ¿Cómo lograron que esta identidad visual complementara el tono filosófico de Los Hiperbóreos y la forma en que aborda el mito de la existencia? ¿Cómo han evolucionado en Los Hiperbóreos y qué elementos nuevos quisieron explorar en esta película?
Cristóbal: Los Hiperbóreos trata sobre nuestra incapacidad de escribir un guion coherente. Durante la pandemia, nos sumergimos en la escritura y reescritura, creando un guion que terminó siendo dos o tres. Queríamos reflejar ese caos creativo. Al igual que en La Casa Lobo, buscamos crear un universo de construcción y destrucción permanente, donde la inestabilidad narrativa refleja nuestra propia mitología, entrelazando leyendas locales y universales.
Joaquín: En Cannes, alguien nos preguntó, de forma algo ofensiva, por qué no usamos un registro más sofisticado. Su comentario me hizo reflexionar sobre lo que significa hacer cine profesional. Siempre estamos cuestionando cómo hacemos las cosas. Hay un carácter experimental intrínseco en nuestros procesos, pues cada idea surge de un deseo de probar cosas que
Joaquín Cociña y Cristóbal León, Directores de “Los Hiperbóreos”
nos atraen. Amamos reinventar la pólvora.
¿Cómo fue el proceso creativo detrás de la construcción de los personajes?
Cristóbal: Caótico. Cada personaje tuvo su propia gestación. Los personajes son versiones hiperbolizadas de nosotros mismos. El guion es un collage de ideas de Alejandra Moffat, Joaquín y yo. A veces, los personajes nacen
de accidentes, como el metalero, que surgió de un robo en nuestro taller durante la pandemia.
Joaquín: Aunque la película tiene una actriz de carne y hueso, está imaginada por animadores. La lógica de animación nos permitió decisiones más gruesas sobre los personajes, que son más parecidos a fuerzas primarias que a personas con historias complejas. Antonia aporta profundidad a su personaje.
El stop-motion ha sido aclamado en sus películas anteriores. ¿Cómo lo integraron en Los Hiperbóreos?
Cristóbal: Estoy enamorado de la idea de hacer arte en general, no de una técnica específica. La película trata, en parte, sobre la animación y la creación de un Golem, por lo que era importante que el stop-motion estuviera presente.
Joaquín: No queremos ser vistos como especialistas en una técnica. Esta película es de live action pero tiene el espíritu y las decisiones de animación. Nos vemos en la tradición de Melies, que pensaba como mago.
¿Qué los motivó a explorar estos relatos y cómo creen que impacta en la audiencia moderna?
Cristóbal: Es casi una obligación expandir las perspectivas sobre la historia de nuestra comunidad. Pienso en el arte como un sueño: incontrolable y caótico. Espero que La Casa Lobo y Los Hiperbóreos sean una experiencia estética profunda, como un carrito en un parque de diversiones.
Joaquín: Nuestras películas intentan responder a la pregunta de cómo hacer una obra política. Abordamos lo político e histórico desde un enfoque chistoso, terrorífico y absurdo. No sabemos cómo nuestras películas cambian a las personas, pero espero que lo hagan de algún modo.
REFLEJOS DE CONFUSIÓN
ANTONIA GIESEN Y SU ENFOQUE EN LOS HIPERBÓREOS
Tu personaje enfrenta desafíos emocionales. ¿Cómo te preparaste para un rol tan exigente?
La peculiaridad del guion, con sus recovecos y confusiones, me llevó a sumergirme en ese código de confusión, que entendí como la columna vertebral del proyecto. No solo en el set, sino también en las charlas con el equipo. Era como danzar junto a lo no claro, disfrutando de la mezcla entre sueño, ficción y realidad. La idea de no hacer un producto mercantil, a pesar de las expectativas de festivales, me dio un espacio real para probar, opinar, “fallar” y jugar, priorizando el deseo de crear sobre si lo que hacíamos era correcto o no.
¿Qué aspectos de tu interpretación en Los Hiperbóreos han sido más desafiantes en comparación con otros proyectos?
Desglosar la historia fue complejo, y me entregué a la lógica de los sueños: su desorden cronológico, su sin sentido, el terror y lo poético. Abordar el desafío de interactuar con muñecos, marionetas y un set que era tan real como ficticio fue increíble y retador.
¿Qué fue lo más desafiante como actriz? Eres psicóloga, como tu personaje. ¿Cómo llevaste eso a tu interpretación?
No sé si fue lo más desafiante, pero cambiar el formato de trabajo fue asombroso y orgánico. Actuar casi siempre sin otros humanos, solo con objetos dibujados o de otros materiales, fue un desafío en sí mismo. Llevar mi profesión al servicio de la historia fue un diálogo entre el pudor y lo lúdico. Desde hace casi ocho años en teleseries y cine, juego a poner sobre la mesa mi experiencia clínica y una visión de la humanidad en la creación de personajes, generando un espacio de conflicto ideológico, metodológico y estético, pero también de drenaje y entretenimiento.
DANZANDO CON LA CONFUSIÓN:
EL PROCESO CREATIVO DE FRANCISCO VISCERAL
En Los Hiperbóreos, tu personaje se mueve en un mundo cargado de misterio. ¿Cómo fue tu proceso para desarrollar esta complejidad emocional?
La dirección de León Cociña, el asesoramiento de la guionista Alejandra Moffat y el apoyo de Antonia Giesen fueron vitales para el desarrollo de “el metalero”. La experiencia inmersiva del rodaje influyó mucho en la construcción tridimensional del personaje. Al estar involucrado desde la preproducción, sintiéndome “atrapado” en la película, se hacía fácil imaginar lo que viviría el personaje. Además, era gracioso y confuso ver cómo un muñeco de mí mismo era tan importante para el guion; había momentos en que tenía que arreglarme o manipularme mientras mis colegas bromeaban con el muñeco. La película cruzaba constantemente la ficción y la realidad, provocándome “náuseas psicológicas”. Con esta manera de
trabajar, era fácil imaginar cómo actuaría “el metalero” con la película dentro de su cabeza, porque también estaba dentro de la mía.
¿Cómo ha sido para ti trabajar en un proyecto con un enfoque visual y artístico tan fuerte como el de Cristóbal y Joaquín?
Ha sido muy fructífero. No es la primera vez que trabajo con ellos, pero esta ha sido, hasta ahora, la experiencia más importante y una piedra angular para mi carrera. Mi lenguaje pictórico se articulaba bien con lo que Cristóbal y Joaquín imaginaban, pero la demanda de trabajo en diferentes áreas ha sido extenuante, resultando en la mejor “especialización en artes” que podría haber tenido. Era mi primera vez como actor, colaborando en tantos roles y creando una gran cantidad de fondos para una producción de esta escala. A pesar del estrés, la calidez de los directores alimentó mis energías para seguir desarrollando
su imaginario.
No solo eres actor en la película, sino que realizaste varias funciones en la producción de Los Hiperbóreos. ¿Qué incluyó tu trabajo y cuál fue lo más desafiante?
En preproducción, realicé varias pruebas, pinté casi todos los fondos de la película, y armé muñecos y objetos de utilería y escenografía. Asesoré en el taller de “Los Hiperbóreos”, hice una animación en pintura, actué como “el metalero” y colaboré en la banda sonora. Lo más desafiante fue coordinar todas estas actividades durante el rodaje. Hubo momentos en que debía terminar algunos fondos mientras apoyaba con maquetas y practicaba mis líneas. Fue demandante, pero aprendí mucho sobre la economía del trabajo con la directora de arte Natalia Geisse. Los directores incluso me invitaron a trabajar con una asistente para manejar mejor mi carga de trabajo.
Antonia Giesen como “Antonia”
Francisco Visceral como “Metalhead”
ANTONIA ZEGERS DESTACA EN LA COMEDIA ARGENTINA QUE CAUTIVÓ EN
CANNES
Buenos Aires solo para descubrir que su madre ha decidido desconectar el respirador de su padre, lo que desencadena una serie de situaciones hilarantes y emotivas.
Said, quien ha sido galardonado en diversos festivales de cine, continúa demostrando su habilidad para contar historias que exploran las dinámicas familiares y la búsqueda de identidad. “Los Domingos Mueren Más Personas” es una propuesta cinematográfica que invita a los espectadores a reír, reflexionar y sentirse identificados.
ANTONIA ZEGERS, RECONOCIDA POR SU IMPRESIONANTE TRAYECTORIA EN EL CINE CHILENO, COMPARTE PANTALLA CON JULIANA GATTAS (MIRANDA!) Y LA ACLAMADA RITA CORTESE EN ESTA INNOVADORA COMEDIA QUE MEZCLA HUMOR Y DRAMA.
La comedia argentina “Los Domingos Mueren Más Personas” llega a la cartelera chilena el 14 de noviembre, prometiendo risas y reflexiones a través de una historia conmovedora y humorística.
El filme es el segundo largometraje del actor y director Iair Said, quien ha sabido combinar las complejidades de las relaciones familiares con toques de comedia y drama. La historia sigue a David, un joven judío de clase media que, tras el fallecimiento de su tío, regresa a
SOUND OF MUSIC
A
UN AÑO DEL LANZAMIENTO DE
MOVIES, CARS & HEARTBREAK:
BAILANDO SOLOS Y LLORANDO JUNTOS
CON LA MÚSICA DE MOYKA
Con un estilo que fusiona lo electrónico con una melancolía vibrante, Moyka ha logrado posicionarse como una de las voces más auténticas de la música pop actual. Su álbum debut, Movies, Cars & Heartbreak, es una exploración de la tristeza y el anhelo, una invitación a bailar mientras lidias con el dolor. El disco ha tenido un impacto resonante, especialmente entre aquellos que encuentran en su música un espacio para procesar emociones complejas. Hoy, a un año del lanzamiento de este álbum, Moyka reflexiona sobre su crecimiento como artista, el significado detrás de sus letras y su conexión con fans que se expanden por todo el mundo.
“La vulnerabilidad en mi música es mi forma de decir que está bien sentir profundamente.”
Ha pasado un año del lanzamiento Movies, Cars & Heartbreak ¿Cómo has vivido este viaje?
Me siento muy agradecida por lo que este álbum ha traído a mi vida. Ha sido un viaje increíble, con dos giras tanto en Noruega como otros países de UE, he tocado en pequeños pubs en Londres y Alemania hasta grandes festivales. Sorprendentemente, aún no me canso de tocar estas canciones. He conocido a personas maravillosas y he tenido experiencias que han inspirado mi música y mi vida. El álbum tiene un sonido cinematográfico, ¿era esa tu intención?
¡Sí! Quería que este álbum sonara como la banda sonora de mi vida. Desde que decidí que “Movies, Cars & Heartbreak” sería el título, trabajé en el diseño de sonido y la producción para lograr una cohesión completa. Aunque el proceso de composición fue algo
Moyka
complicado al principio, una vez que encontré el concepto, las letras se moldearon en función de eso. Me encanta crear conceptos y seguir las reglas que me impongo en el proceso creativo.
¿Qué películas o bandas sonoras influyeron en el sonido de este álbum?
¡Son muchas! Cuando mis letras son más melancólicas, me atraen películas como Worst Person in the World, Lost in Translation, Lady Bird y Eternal Sunshine of the Spotless Mind. Por otro lado, cuando busco un ritmo más rápido, me inspiran Kill Bill y Pulp Fiction.
Para este álbum, quería que algunas canciones transmitieran la sensación de estar en una sala de cine llena y tener un momento de revelación personal. Ver una película en la gran pantalla puede ser tan transformador y a menudo me hace reflexionar durante semanas después
El video musical de “Never Say Sorry” claramente tiene elementos de Kill Bill…
Es una de mis películas favoritas de todos los tiempos. La primera vez que la vi, me sentí empoderada al ver cómo la protagonista enfrenta la mayor traición de su vida y sobrevive. Seguimos su transformación y su enfoque extremo en la misión. Me encanta cómo se mantiene fuerte y no permite que lo que le sucedió la defina. Es una película única que amo.
Los elementos en el título del disco son recurrentes en las canciones ¿Qué simbolizan para ti?
Soy una persona muy melancólica; a veces siento que nací con el corazón roto. Estas canciones reflejan esa parte de mí. Antes creía que era difícil de amar por mi
Moyka
melancolía, pero ahora veo que es tanto mi poder como mi carga. Con respecto a los coches, siempre me han hecho sentir libre para dejar volar mi mente. Crecí en una familia que disfrutaba de los viajes por carretera, y a menudo creaba mundos místicos en mi cabeza. Con el tiempo, comprendí que los coches y otros medios de transporte son espacios para reflexionar, soñar y crecer; son ese lugar mágico entre dos posibilidades.
¿Cómo dirías que ha evolucionado tu música?
Mi sonido se ha vuelto más concentrado y juguetón. Cada etapa de nuestra vida nos inspira de diferentes maneras. Para este álbum, grabé en Ocean Sound Recording, un estudio de ensueño en la costa de Noruega, lo que influyó en la producción. Además, al no trabajar con un sello, no hubo A&R que interfiriera, lo que me permitió crear libremente con mis colaboradores, lo que fue muy positivo en esta fase de mi carrera.
‘Movies, Cars & Heartbreak’ se convirtió en el vehículo para canalizar todas estas experiencias y desamores.
“Cada canción en este álbum es una invitación a bailar mientras procesas tus sentimientos.”
Películas que influyeron en su música: Worst Person in the World, Lost in Translation, Lady Bird y Eternal Sunshine of the Spotless Mind.
¿Cuál fue el proceso creativo detrás de “Already Gone”?
Escribí esta canción con Anders y Sivert en su estudio de Oslo. Suelo llevar diarios y poemas a las sesiones. Esta canción surgió de un momento en el que me sentía pequeña y pisoteada, y necesitaba un mantra para salir de esa sensación. Quería expresar que mi tristeza no me hace frágil ni permite que nadie se aproveche de mí. La escribimos casi en su totalidad ese mismo día; fue una experiencia mágica.
¿Cómo te afectó emocionalmente
crear este álbum?
Después de lanzar mi primer álbum, ‘The Revelations of Love’, no sabía si podría volver a hacer música. Luché con mi salud mental y la auto-duda tras perder relaciones laborales, ser despedida de mi sello y de mi agente en el Reino Unido, además del peso de la pandemia, que me sumió en un estado depresivo. Me sentía perdida, y la música, que siempre había sido mi refugio, ahora se sentía contaminada. Afortunadamente, recibí la ayuda que necesitaba, fui a terapia y hablé con mis amigos. Con el tiempo, la pesada nube que me
oprimía comenzó a disiparse, y empecé a disfrutar de crear nuevamente. ‘Movies, Cars & Heartbreak’ se convirtió en el vehículo para canalizar todas estas experiencias y desamores. Este proceso ha sido uno de los más difíciles y transformadores de mi vida, y me enseñó la importancia de darme tiempo para sanar y escuchar mis necesidades internas.
¿Dirías que la música es tu principal forma de autodescubrimiento o terapia personal?
Definitivamente, así comenzó para mí; esa fue la razón por la que empecé a escribir. Pero ahora es mucho más: es una forma de explorar no solo lo
que hay en mi mente y corazón, sino también de conectar con otros, obtener nuevos impulsos y ser creativa de nuevas maneras. A medida que he crecido con mi música y he mejorado como escritora, ahora puedo usarla no solo terapéuticamente, sino también para explorar mi creatividad y mi lado juguetón.
¿Cómo manejas las emociones de vulnerabilidad que surgen al lanzar un álbum tan personal?
Antes de que se publicara, trabajé mucho en el contenido, así que estaba lista para compartir esos sentimientos y pensamientos con el mundo. Sin embargo, siempre es un
poco aterrador lanzar algo. Este álbum fue el resultado de un largo esfuerzo conjunto con mis colaboradores, así que fue genial ver que a la gente le gustó. ¡No puedo esperar para compartir la ‘Heartbreak Edition’ pronto! Describes tu música para “música para bailar mientras lloras”. ¿Qué significa para ti ese contraste?
¡Es una forma de catarsis! Me encanta escuchar algo emocional mientras muevo el cuerpo. Se siente espiritual y ancestral de alguna manera.
¿Cuál es tu letra favorita del álbum? Mi línea favorita del álbum en este momento tiene que ser “nuestro amor
pertenece a la luna, supongo que te veré en la noche” o “los grandes rompecorazones nunca dicen lo siento” de “Never Say Sorry”. Ambas capturan perfectamente la escena de la canción: el desamor mientras se finge no importar.
Conectas con oyentes de todo el mundo. ¿Cómo ha sido la recepción de este álbum fuera de Noruega?
Me siento muy honrada de que mi música haya llegado tan lejos desde Noruega. Es difícil de comprender, pero estoy agradecida. He conocido a muchas personas maravillosas en línea y espero encontrarlas en persona algún día, cuando haga
un show en México y Chile. ¡Tengo los dedos cruzados!
Tu canción “As Long As You’re Here” apareció en Young Royals. ¿Qué impacto tuvo que tu música apareciera en una serie de Netflix?
¡Un gran impacto! Me siento honrada de ser parte de una serie tan importante que aborda temas de amor juvenil y queer. Gran parte de mi música trata sobre mi propia vida, así que siento que es un momento de cierre para mí.
Me encanta que mi música forme parte de esta gran y singular historia de amor. Sé que ha cambiado vidas
y estoy muy agradecida de ver cómo la gente sigue compartiendo la canción en TikTok con sus propias historias.
¿En qué estás trabajando actualmente? ¿Qué viene para ti?
Estoy trabajando en nueva música y planificando una nueva gira para principios del próximo año. Pero antes, lanzaré una edición aniversario de “Movies, Cars & Heartbreak” llamada “Heartbreak Edition”, que saldrá el 15 de noviembre. ¡Siéntete libre de revisarlo y compartirlo con todos cuando esté disponible, así espero poder ir a Chile muy pronto! <3
La belleza está en lo simple: un viaje creativo con
La artista chilena explora nuevas conexiones con su público y con la naturaleza, revelando cómo su carrera ha evolucionado hacia una autenticidad profunda, y por qué encuentra en la magia cotidiana su mayor inspiración.
El Impacto de mi Viaje por Europa en Mi Proceso Creativo
Regresar de Europa, especialmente de Escocia, ha sido la experiencia más transformadora de mi vida. Antes, me sentía apagada, atrapada en una crisis de los 27, observando cómo mis amigos formaban familias y seguían caminos distintos al mío. Estaba llena de preguntas: ¿Estoy haciendo lo correcto? ¿Vale la pena tanto sacrificio por este proyecto? Sentía que necesitaba salir de mi zona de confort, conocer otras culturas y viajeros con visiones diferentes. Este viaje ha renovado mi proceso creativo, llevándome a escribir de manera más personal, con una narrativa rica en detalles y melodías más libres. Me ha dado la oportunidad de replantearme quién soy, qué valoro de mí, el camino que quiero seguir, y los temas que deseo explorar en mi próximo álbum.
Moldeando Ideas para un Nuevo Proyecto
Las letras siempre han sido el corazón de mi música. Al permitirme más libertad melódica, siento que puedo escribir con mayor facilidad. Quiero que cada canción sea una fotografía emocional, donde quien escuche pueda visualizar los momentos que narro.
He comenzado a abrirme más a mis emociones, dejando atrás el miedo a mostrarlas, incluso si eso implica llorar. El llanto se ha convertido en un tema recurrente en mis nuevas canciones: desde llorar por sentirse perdido o por el amor que no llega, hasta llorar de felicidad al cumplir un sueño o simplemente al contemplar un paisaje hermoso. No todas las lágrimas son tristes, y esa dualidad me fascina. Emociones que Emergen en Mis Nuevas Canciones
Antes del viaje, lidiaba con un miedo constante a envejecer, algo que siento íntimamente y que quiero plasmar en mis canciones. Envejecer es un privilegio que deberíamos aprender a amar. La industria musical puede ser cruel, especialmente hacia las mujeres, y he leído comentarios despectivos sobre artistas mayores. Basta con leer comentarios de la gente hacia mujeres de 40 años: “ríndete, deja de intentarlo”, “devuelvan a la abuela a acostarse”, “está llena de arrugas.” No soy un robot, es inevitable leerlo y cuestionarlo. Nos han impuesto esta idea absurda de que solo puedes triunfar y estar en tu mejor momento a los 20. No me censuren, pero eso es una mierda, porque la vida realmente se enriquece con la experiencia y la
sabiduría que trae el tiempo. Yo espero ser una mujer increíble a mis 70.
Por eso, busco inspiración en artistas más grandes como Stevie Nicks, Patti Smith, Kate Bus, Tori Amos, Denisse Malebran, Nicole, Francisca Valenzuela, quienes cuentan historias desde la madurez, alejándose de la superficialidad promovida por las redes sociales.
La Influencia del Viaje en Mi Estética
La estética en mi arte proviene de mi amor por la naturaleza, que me ha salvado en momentos difíciles. Este viaje me ha llevado a disfrutar más de las ciudades. Edimburgo, con su atmósfera melancólica y hermosa, me ha inspirado a fusionar elementos visuales y sonoros, no solo quedarme en el bosque. La historia de la ciudad, marcada por la persecución de brujas, también ha resonado profundamente en mi reflexión sobre la espiritualidad y la conexión con la naturaleza.
La Evolución de Mi Música
Me siento más vulnerable en esta etapa. Aunque amo la luz y no quiero que toda mi música sea oscura, mis letras ahora tienen más capas. Mi proceso creativo ha cambiado: escribo lo que pienso sin reservar un momento
WALL OF SOUNDS
específico para crear. Llevo una libreta de notas siempre conmigo, desarrollando ideas en el momento.
Las Expectativas
Ha sido un proceso desafiante. Quiero expresar mis sentimientos de forma genuina, pero también busco que la gente conecte con lo que hago. Compartir ideas y avances con mi productora, músicos y amigos ha sido clave para reducir la ansiedad. Al recibir feedback en paralelo, libero la presión de lanzar algo sin saber cómo será recibido. Tengo expectativas altas en cuanto a la calidad del sonido y mi interpretación vocal, pero trato de mantenerlas bajas sobre la popularidad que pueda alcanzar,
especialmente en Chile, donde muchos artistas seguimos siendo vistos como “emergentes”. Aprendo a valorar cada pequeña reproducción, enfocándome más en el proceso creativo que en el resultado final.
El Espacio Que Me Conectó Con Mi Creatividad
El bosque The Hermitage en Escocia me enseñó que no necesito nada más que la naturaleza para crear. Esta
experiencia me recordó que, a veces, lo bello no requiere grandes producciones. Aunque disfruto dedicar tiempo al arte y al vestuario, ahora quiero encontrar grandeza en la simplicidad y estar más presente en mis procesos creativos. Este viaje me hizo más consciente de los detalles, permitiéndome absorber la belleza de lo que ya está frente a mí.
Mirando Al Futuro: Una Carrera Internacional Y Un Álbum Conceptual.
Quiero seguir conectándome con públicos diversos y, en el futuro, crear un álbum conceptual que refleje mi recorrido personal. La colaboración con artistas internacionales, como NOBUHLE de Sudáfrica, me entusiasma; creo que esta fusión de culturas puede dar lugar a algo único. Mi mayor motivación es el amor, los viajes y la conexión con los demás.
MI VEGANO DEL MES
LEONARDO DICAPRIO
“Cambiar la proteína animal a la proteína vegetal, es una de las medidas más poderosas que alguien puede tomar para reducir su impacto en nuestro medio ambiente.”
CUMPLEAÑOS: 11 DE NOVIEMBRE
Leonardo DiCaprio es un actor y activista ambiental apasionado que ha integrado el veganismo en su vida. Desde sus inicios en Hollywood, ha utilizado su plataforma para promover la conservación del planeta y la protección animal. Su compromiso con el veganismo se basa en la reducción de su impacto ambiental y en la promoción de un mundo más ético.
A través de la Fundación
Leonardo DiCaprio, ha financiado iniciativas contra el cambio climático y a favor de la sostenibilidad. DiCaprio destaca el impacto negativo de la industria de la carne en
el calentamiento global y su contribución al sufrimiento animal.
Además, ha invertido en compañías de productos basados en plantas, apoyando la transición hacia dietas más sostenibles y fomentando opciones más éticas y saludables.
ELLIS PARK
Una Exploración Profunda de la Conexión
Humano-Animal con Justin Kurzel
El reconocido director Justin Kurzel, conocido por su trabajo en Macbeth (2015), Assassin’s Creed (2016) y Nitram (2021), presenta Ellis Park, un conmovedor documental que explora la vida de Warren Ellis, miembro icónico de The Dirty Three y Nick Cave and the Bad Seeds. A través de este documental, Kurzel nos lleva a un viaje desde las grandes salas de conciertos hasta un santuario de vida silvestre en Sumatra, donde la música y la conservación se entrelazan.
Ellis Park ofrece una mirada íntima al mundo de Ellis, quien, junto a la incansable Femke den Haas, cofundó un refugio que rescata y rehabilita animales traficados y maltratados. Este documental no solo revela la vida personal de un artista, sino que también es un recordatorio inspirador de lo que se puede lograr trabajando juntos por una causa común.
El director de Macbeth en su primer documental con un emotivo relato sobre un santuario animal.
Aprendí que la paciencia es fundamental. Es esencial priorizar el bienestar de los animales y adaptarse a sus necesidades.
Femke den Haas Warren Ellis
Cada uno de nosotros tiene la capacidad de ayudar a cambiar la vida de estos animales.
¿Qué te inspiró a hacer Ellis Park y a abordar un tema tan delicado?
La idea de este documental surgió durante una conversación con Warren Ellis en el Festival de Cine de Cannes. Warren Ellis es un defensor apasionado de la vida silvestre y trabaja en un santuario en Sumatra. Su dedicación y el amor que tiene por los animales me impactaron profundamente. Desde esa charla, supe que quería contar historias que resaltaran la belleza y la lucha de estos seres, y mostrar la conexión tan fuerte que podemos tener con
ellos. El viaje al santuario me permitió ver de primera mano la vida de estos animales y los sacrificios que hacen quienes trabajan en su protección. Fue un proceso muy emotivo y transformador.
Algunos espectadores podrían sentirse incómodos con las imágenes de crueldad animal que se presentan. ¿Qué esperas que se lleven de la película?
Entiendo que hay una sensibilidad natural hacia estas imágenes, y es un tema delicado. Sin embargo, mi intención no es solo mostrar la crueldad, sino
también resaltar la esperanza que surge en medio de ella. Quiero que la audiencia se lleve una sensación de empoderamiento y una llamada a la acción. Ellis Park es un homenaje a la resiliencia tanto de los animales como de quienes los cuidan. Espero que los espectadores comprendan que la empatía puede cambiar vidas y que hay formas de ayudar a estos animales en necesidad.
¿Cómo cambió tu relación con los animales a lo largo del proceso de filmación?
Definitivamente volví a casa con una conexión mucho más profunda con mis propios perros. Antes de este proyecto, a menudo veía a los animales como seres distintos de nosotros. Pero después de pasar tiempo en el santuario, aprendí a ser más consciente de sus necesidades y comportamientos. Ahora, me esfuerzo por entender lo que mis mascotas quieren comunicarme. La experiencia en Ellis Park me enseñó que todos somos seres sintientes, y esa empatía se traduce en una relación más rica y significativa.
La música tiene un papel significativo en el documental. ¿Cómo fue el proceso de creación de la banda sonora?
La música fue un componente crucial del documental y fue creada por Warren Ellis. Decidimos que debía desarrollarse en paralelo a las filmaciones. Quería que la banda sonora no solo acompañara las imágenes, sino que se convirtiera en parte de la narrativa misma. La música refuerza las emociones que queremos transmitir y, en muchos momentos, comunica lo que las palabras no pueden.
Nuestra principal influencia fue Warren con su arte y su forma de tocar. Y luego, el director de fotografía, Jermaine McMicking, que tiene una enorme sensibilidad y que además viene del mundo del documental.
¿Qué esperas que logre Ellis Park en términos de conciencia sobre el bienestar animal?
Mi mayor esperanza es que la gente se sienta inspirada a involucrarse y apoyar el trabajo que se realiza en los santuarios. Quiero que comprendan que todos tenemos un papel que desempeñar en la protección de estas criaturas vulnerables. La película es una invitación a abrir los ojos a la situación actual de muchos animales y a la importancia de la conservación. La empatía y la acción pueden realmente marcar la diferencia en sus vidas.
¿Hubo algún desafío inesperado durante el rodaje que te haya impactado?
Hubo muchos desafíos, como trabajar con animales que no siempre cooperan. Recuerdo un momento en el que uno de los animales se sintió demasiado incómodo y tuvimos que pausar la filmación para asegurarnos de que estaba bien. Aprendí que la paciencia es fundamental en este tipo de proyectos. Es esencial priorizar el bienestar de los animales y adaptarse a sus necesidades. Cada día en el santuario era una lección sobre la naturaleza y el respeto que debemos tener hacia todas las criaturas.
¿Cuál fue el mensaje más importante que quisiste transmitir a través de Ellis Park?
Quiero que la audiencia comprenda que cada uno de nosotros tiene la capacidad de ayudar a cambiar la vida de estos animales. Ellis Park es
una historia sobre amor, compasión y la profunda conexión que compartimos con el mundo natural. Al final del día, se trata de recordar que todos somos parte de este ecosistema y que nuestras acciones pueden tener un impacto positivo.
¿Qué significó para ti participar en este proyecto y cómo ha influido en tu carrera como director?
Participar en Ellis Park ha sido una experiencia transformadora. Me permitió explorar un lado más emocional y humano de la narración, algo que no siempre he tenido la oportunidad de hacer en mis proyectos anteriores. Espero que esta película inspire a otros directores a contar historias que realmente importan y que tengan un impacto positivo en la sociedad. A veces, el cine puede ser un poderoso vehículo para la conciencia social, y estoy agradecido de haber tenido la oportunidad de ser parte de este viaje.
CARTELERA LITERARIA
DE NOVIEMBRE
LA VIDA FELIZ
De David Foenkinos
Editorial: Alfaguara Páginas: 224
«NINGUNA OTRA ÉPOCA HA ESTADO TAN MARCADA POR EL DESEO DE CAMBIAR DE VIDA». Una historia de amor y segundas oportunidades, un Lost in Translation.
EL GATO QUE CUIDABA LAS BIBLIOTECAS
De Sosuke Natsukawa
Editorial: Grijalbo Páginas: 256
Nanami, una joven con asma, ama leer en la biblioteca, pero nota que sus libros favoritos están desapareciendo gradualmente.
LA BALLENA
De Aldo Berríos
Editorial: Aurea Ediciones Páginas: 130
Tras la muerte de su hijo, un periodista viaja hasta Japón para hacer un reportaje sobre el suicidio, pues en aquella cultura, la muerte por mano propia, tiene un significado diferente al occidental.
FRASES
DE CINE PARA VOLVER A CASA
De Julio Rojas Y Benjamin Scott
Editorial: Trayecto
Páginas: 382
Un compilado de aquellas reflexiones sobre los grandes temas de la vida, que los guionistas de algunas de las películas.
LA LENGUA DEL INCONSCIENTE
De Alvaro Santi
Editorial: Mirada Maga Páginas: 185
Un recorrido por el Tarot de Marsella desde su historia personal hasta lo cultural. Proponiendo el método de lectura óptico a través de los Arcanos Mayores.
Noviembre 2024
DESDE
AQUÍ A LO DESCONOCIDO
De Lisa Marie Presley Y Riley Keough
Editorial: Plaza & Janes Páginas: 296
Lisa Marie Presley, hija del ícono estadounidense, dejó un testimonio sincero antes de su muerte en 2023, que ahora su hija, Riley Keough, ha llevado al papel.
ENTIENDE A TU PERRHIJO
De La Dra. Josefa Ramírez
Editorial: Plaza & Janes Páginas: 184
El más completo manual para entender a tu perrhijo e interpretar su lenguaje único.
LA VEGETARIANA
De Han Kang
Editorial: Random House Páginas: 208
Lisa Marie Presley, hija del ícono estadounidense, dejó un testimonio sincero antes de su muerte en 2023, que ahora su hija, Riley Keough, ha llevado al papel.
Pablo Illanes
Un Viaje Al Crimen En La Era Digital
En Alevosía, su nueva novela, Pablo Illanes nos sumerge en un thriller escalofriante donde un asesino en serie acecha a influencers, utilizando sus propias estrategias de promoción para llevar a cabo sus crímenes. A través de una narrativa visual y cinematográfica, Illanes explora los oscuros rincones de la fama y el odio en las redes sociales, desafiando al lector a reflexionar sobre la dualidad de la influencia en la sociedad contemporánea. Con personajes complejos y una trama llena de giros, Alevosía promete ser una lectura que atrapa y provoca.
“El hate online es un rasgo oscuro que afecta a todos los personajes, reflejando una cultura donde la mentira es moneda corriente.”
Alevosía aborda la temática de un asesino en serie que se enfoca en influencers ¿Cómo llegas a esta idea?
La idea original era escribir un thriller contemporáneo, lleno de giros y que tuviera una perspectiva de género e inclusión. Para eso lo más importante era plantear desde el comienzo el modus operandi del asesino, uno que sirviera para identificarlo a nivel policial, pero también para separarlo de otros asesinos en serie que ya hemos visto y leído. Estamos bombardeados de true-crime y mi meta era lograr una diferencia, por eso el requisito de jugar con la forma y el fondo, con la ética y la estética del asesino.
Las muertes en el libro son muy gráficas y recuerdan al cine de Giallo. ¿Por qué decidiste utilizar este estilo tan explícito para las escenas de asesinato?
Sentí que para presentar a este ser desquiciado era imprescindible meterse en la piel del criminal y palpar su frustración. Quería que el lector sintiera las muertes como si fuera un testigo más. El Giallo fue fundamental para retratar la vileza y el espanto de las víctimas.
La detective Jackie Bravo es una de las protagonistas más interesantes. ¿Qué elementos de su personalidad te interesaba explorar al construirla?
Jackie fue el primer personaje que apareció. La concebí inspirada en Jackie Brown de Tarantino, situada en el departamento de homicidios. Es una mujer con muchas capas, comprometida con la búsqueda del asesino. Su desarrollo emocional y profesional fue crucial, así como su relación con Derek Martino, su compañero.
Alevosía tiene una narrativa muy visual, casi cinematográfica. ¿Tu experiencia como guionista influenció la estructura y el ritmo de la novela?
Sí, lo visual es inevitable. El desafío fue contar una historia que no podía abordar de otro modo. La cinematografía es un rasgo que me acompaña desde mis primeros cuentos. Antes de pensar en palabras, pienso en imágenes.
El libro está ambientado en Nueva York y usa muchos códigos del cine estadounidense. ¿Por qué decidiste situarlo en esta ciudad?
Quería escribir un thriller en el barrio Lastarria, pero me di cuenta de que no me interesaba. La historia me guió
hacia un horizonte diferente, buscando verosimilitud en una ciudad cosmopolita que claramente no es Santiago de Chile.
¿En qué o quién te inspiraste para darle vida a Jackie?
Jackie Brown fue el punto de partida, pero también tiene influencias de otras detectives que he visto. Es una mujer común con un gran duelo como madre y esposa, tratando de reconstruir su vida en un momento crítico.
¿Qué rol juega el mundo de las redes sociales en Alevosía y cómo abordas el hate online en la trama?
Me interesan las redes como punto de partida de las máscaras que usamos. Todos mentimos en nuestros
perfiles. El hate es el rasgo más oscuro de la novela; todos los personajes lo sienten. El asesino es un gran hater que ha llevado su odio demasiado lejos.
¿Cuáles son tus películas favoritas de este director y cómo influyeron en las escenas de tu libro?
Mis influencias incluyen El estrangulador de Boston, Zodiac, Seven de David Fincher, y Giallo de Dario Argento.
¿Qué desafíos encontraste al escribir? ¿Cuál es tu opinión sobre la cultura de los influencers?
Alevosía no critica a los influencers ni a las redes sociales. La novela propone un juego para encontrar al asesino, explorando un universo que parece conocido, pero que es extraño. No se puede meter a todos los influencers en el mismo saco; hay
comunicadores y otros que son meramente superficiales. La novela refleja la complejidad de esta industria.
Si Alevosía fuera adaptada al cine o la televisión, ¿tienes en mente algún actor o actriz para interpretar a Jackie Bravo o al asesino?
Toni Collette me gusta mucho como Jackie Bravo. Y para una adaptación chilena, Carolina Arregui sería ideal.
¿Cómo consigues equilibrar el entretenimiento con la profundidad reflexiva en tu narrativa?
Ese balance es lo más difícil de lograr. Se puede generar reflexión a partir de lo popular, y es algo que siempre busco en mi trabajo.
