Mundo Películas Magazine by Mundo Películas

AGOSTO 2021

MUNDO PELÍCULAS

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EDICIÓN AGOSTO2021 En esta nueva edición, Mundo Películas te presenta todos los detalles de la tan aclamada película La Verónica, dirigida por Leonardo Medel y protagonizada por Mariana Di Girolamo, con quienes tuvimos el placer de platicar sobre la realización de la cinta. Por otra parte, la 74° entrega del Festival de Cannes nos permitió conversar con el director Apichatpong Weerasethakul sobre su nueva película Memoria, rodada en Colombia, y donde cuenta con Tilda Swinton como protagonista. Encontrarás toda la programación y actividades planificadas para la 17° edición de Sanfic, entre lo que se incluye una entrevista con Carlos Núñez, director creativo del festival. También te presentaremos un repaso con las mejores interpretaciones de Daniel Brühl, quien es el invitado especial del festival. Además de esto, te contaremos sobre Sayen, la primera trilogía de acción, original de Amazon Prime y rodada en Chile; House of Gucci por parte de Andes Films que cuenta con un elenco extraordinario y la gran transformación de Jared Leto. No te quedes sin saber todo sobre Iñaki Velásquez, el joven director chileno con grandes aspiraciones para el futuro, pues a pesar de su corta trayectoria, ha logrado tener éxito a nivel nacional e internacional. Karla Grunewaldt traza el camino por el lado musical, pues recientemente lanzó su single y videoclip de la canción ‘En tus manos’; ella nos cuenta acerca de sus procesos creativos para escribir y componer música. Netflix también se suma a las novedades, presentando grandes proyectos como Sweet Girl y The Chair, ambos con grandes personalidades como Jason Momoa y Sandra Oh. Asimismo, Warner llega con Cry Macho, un drama protagonizado por Clint Eastwood, en donde Fernanda Urrejola también hace aparición. HBO MAX también cuenta con increíbles series que llegan a la plataforma. Y finalmente Disney+ presenta la segunda temporada de Star Wars: The Bad Batch, entre mucho más. Mundo Películas Magazine, descubre lo mejor del cine, la televisión, la música y el mundo cultural en esta nueva edición.

W W W. M U N D O P E L I C U L A S . T V

Director en Jefe BENJAMÍN SCOTT Diseño & Diagramación FRANCISCO FIGUEROA Editores de Contenidos BENJAMÍN SCOTT Redacción SANTIAGO NARANJO HAILA LINARES SILVANA JARA LEZANA Entrevistadores RODRIGO JARQUE BENJAMÍN SCOTT

C O N TA C T O @ M U N D O P E L I C U L A S . T V

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► RECOMENDACIONES LITERARIAS GREEN FILM FEST MADE IN SPAIN

AUTOR JAMES RHODES

DESPUÉS DE LA NIEBLA

AUTOR MARÍA EDWARDS

SINOPSIS Con una mirada pictórica y poética, en esta novela se revela la infancia de una niña en un lago del sur de Chile. A través de fragmentos breves que van y vienen por una memoria cargada de sentimientos y revelaciones, la protagonista observa su excéntrico entorno. A pesar de crecer en una familia numerosa está siempre en su propia isla, solitaria, observadora y asertiva. Vive tiempos alegres, sumergida en una vida silvestre y retirada del mundo; y tiempos muy duros, constituidos sobre todo por el derrumbe constante de los proyectos de sus padres y las difíciles decisiones de los adultos que la afectan e implican. María Edwards presenta en su primera novela un mundo auténtico, único y conmovedor. SINOPSIS «Necesito escribir este libro. Un viaje de la muerte al renacimiento. Una carta de amor a España, que me ha regalado un hogar donde poder ser feliz.» Si en Instrumental, James Rhodes nos relató cómo la música clásica lo salvó de una infancia marcada por abusos sexuales, en Made in Spain es España el hilo conductor de esta historia entrañable sobre el poder de las segundas oportunidades. De no saber nada de español a ser un apasionado por el idioma, del fish and chips a la fascinación por su gastronomía (sobre todo por las tapas y la tortilla), de vivir nervioso y abrumado a respirar aliviado por primera vez en su vida, Made in Spain es una verdadera carta de amor a España y una impresionante invitación a renacer.

ESA GENTE

AUTOR CHICO BUARQUE

SINOPSIS Un escritor que tuvo su momento de gloria en los noventa se encuentra ahora en una grave crisis económica y creativa. Mientras deambula por las calles de Río de Janeiro, vemos a través de él una ciudad que se doblega y sangra bajo el látigo de la injusticia social y económica: un músico negro acribillado por la policía, un decreto que flexibiliza el uso de armas de fuego, una manifestación reprimida violentamente, lujosas fiestas de la nueva casta política... Las heridas de un coro de personajes forman una suerte de testimonio de la actualidad brasileña. Con una mirada irónica, Buarque ha escrito su novela más punzante, que, a modo de rompecabezas, nos muestra el devaneo de un escritor en crisis y la memoria fragmentada de un Brasil que se cae a pedazos.

LA BALLENA POR EL VIENTO

AUTOR ALDO BERRIOS

SINOPSIS ¿Cuántas veces nos hemos asombrado ante una pesadilla? ¿Cuántas veces nos ha provocado miedo la belleza? Tras la muerte de su hijo, un periodista viaja hasta Japón para hacer un reportaje sobre el suicidio, pues en aquella cultura, la muerte por mano propia, tiene un significado diferente al occidental. Con la ayuda del guía turístico Azusa Hayano, se adentrará en Aokigahara, el bosque de los suicidas ubicado cerca del monte Fuji, en su recorrido, se encontrará con distintos fantasmas y demonios de la mitología nipona, los cuales lo obligarán a enfrentarse a su dolor reprimido, desatando en él un delirio construido de soledad, tristeza y culpa. Entre tus manos, tienes es un libro repleto de fantasía y terror. Una oda a la oscuridad y la locura que habita en nosotros. Todos tenemos secretos. ¿Estás listo para enfrentar los tuyos? MUNDO PELÍCULAS

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EL AMOR EN CASO DE EMERGENCIA

GREEN FILM FEST ASTRO

AUTOR ROBERTO FUENTES / ALVARO TRONCOSO

AUTOR DANIELA KRIEN

SINOPSIS Paula conoce a su marido una calurosa tarde de verano. Se casan y forman una familia, pero pronto el dolor lo envuelve todo. Judith se muestra independiente y segura de sí misma, aunque en realidad busca de cama en cama al amor de su vida. Brida es escritora y una mujer ambiciosa, sin embargo, se siente a la deriva entre la familia y la escritura. Malika siempre quiso ser madre, pero su futuro ideal se derrumba cuando la abandona su pareja; entonces aparece su hermana Jorin de y le hace una propuesta inaudita. Estas cinco mujeres luchan por seguir adelante y ser dueñas de su propio destino, aunque, en ocasiones, resulta muy complicado. Una decisión puede hacer tambalea toda una vida, por eso estas mujeres son como juncos, que se doblan, pero no se rompen.

LA MITAD FANTASMA

AUTOR ALAN PAULS

SINOPSIS Savoy es un hombre maduro, excéntrico, cuyas aficiones son buscar pisos para alquilar y comprar chucherías electrónicas por internet. Un día conoce a Carla, una treintañera que recorre el mundo como homesitter, cuidando casas ajenas. Lo que en él es una perversión frívola para ella es una forma de vida. Ambos se enamoran, pero Carla debe partir a otro de sus encargos y se ven obligados a seguir con una relación que se irá complicando cada vez más para Savoy, quien se esfuerza en amar a Carla a través de Skype como la modernidad le exige. Una historia sobre las sutiles conexiones que la vida virtual conlleva, de esas ojeadas a la vida de los otros cuya huella se desmorona en pocos instantes, haciendo de las relaciones contactos fortuitos y perecederos.

SINOPSIS Al igual que Estrella, la viajera intergaláctica que recorre el mundo cambiando vidas de niños solitarios, Astro es un ser que asegura venir del espacio. ¿Logrará convencer a su actual visitante de que es alguien especial y no un niño común y corriente?

READY PLAYER TWO

AUTOR SERNEST CLINE

SINOPSIS Días después de ganar el concurso de Halliday, el fundador de OASIS, Wade Watts, hace un descubrimiento que lo cambia todo. Oculto en las cajas fuertes de Halliday a la espera de que lo encuentre su heredero, se halla un avance tecnológico que volverá a cambiar el mundo y hará que OASIS se convierta en un lugar mucho más asombroso de lo que Wade habría imaginado. Aparecerá una nueva misión, que volverá a poner en juego su vida y el futuro de OASIS, y el destino de la humanidad penderá de un hilo.

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RECOMENDACIONES LITERARIAS

NUEVA NORMALIDAD AUTOR MALAIMAGEN

Parece que fue ayer cuando el presidente hablaba del «oasis» chileno, luego vino la revuelta, la pandemia, y pareciera haber ocurrido de todo: desde invasiones alienígenas hasta el asedio de enemigos implacables, pode-rosos e imaginarios. Malaimagen utiliza el humor para tratar de descifrar los vaivenes de la contingencia. Con su habitual estilo y pluma, por las páginas de su más reciente libro desfilan ministros, políticos, alcaldes, candidatos y múltiples personajes de la variada fauna local en su faceta más caótica. Una mirada distinta que registra de forma satírica estos tiempos tumultuosos.

BRUJERÍA MODERNA: UN CAMINO ESPIRITUAL AUTOR SUSANA AGUILAR

Paso a paso, el texto avanza desde técnicas básicas de alineamiento energético, limpieza y protección, hasta técnicas más avanzadas como el contacto con entidades como las hadas, las diosas y los demonios. Encontrarás también rituales para atraer amor, prosperidad y salud a tu vida y la de tus seres queridos. Si alguna vez sentiste miedo de la brujería y quieres despejar tus dudas antes de empezar a practicar. Si siempre sentiste curiosidad por aquello que está más allá de la realidad convencional. O si lo que quieres es transformar tu vida con una mirada espiritual conectada a la Naturaleza. Entonces encontrarás la guía y orientación que necesitas en “Brujería Moderna”.

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La película colombiana dirigida por Apichatpong Weerasethakul y protagonizada por Tilda Swinton ya cuenta con un sitio web oficial para conocer toda la información sobre la cinta que será presentada en Cannes.

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ENTREVISTA RODRIGO JARQUE TRANSCRIPCIÓN SILVANA JARA NOTA SANTIAGO NARANJO FOTOS THE FILM AGENCY

“Memoria” cuenta la historia de Jessica (Tilda Swinton) quien desde que se sobresaltó con un fuerte “bang” al amanecer, no puede dormir. Estando en Bogotá, mientras visita a su hermana, se hace amiga de Agnes (Jeanne Balibar), una arqueóloga que estudia restos humanos descubiertos dentro de un túnel en construcción. Como anécdota el director cuenta que un día en las calles de Cartagena se encontró con un hombre que le dijo, “Para ser libre, hay que extraerse de todo, incluso de las propias experiencias”. “Memoria” incluye en su elenco a Tilda Swinton como Jessica Holland, Elkin Díaz como Hernán Bedoya (Adulto), Jeanne Balibar como Agnes Cerkinsky, Juan Pablo Urrego como Hernán Bedoya (Joven), Daniel Giménez Cacho como Juan Ospina, Agnes Brekke como Karen Holland, Jerónimo Barón como Mateo Ospina y Constanza Guitérrez Doctora Constanza. El equipo de la película estuvo en el pasado Festival de Cannes donde “Memoria” la nueva película del director Apichatpong Weerasethakul, tivo su estreno mundial. Junto a este se encontraban en la alfombra roja, los actores Jeanne Balibar, Elkin Díaz, Juan Pablo Urrego y la espectacular Tilda Swinton. El elenco posó para las fotografías con una bandera de Colombia y la palabra S.O.S en la parte superior de la misma, este gesto como muestra de apoyo a todas las víctimas que cayeron estos últimos meses por motivo de la situación política del país. Esta actitud es simplemente admirable, pues nos deja el mensaje de que, aunque el mundo se esté desmoronando allá afuera, el arte siempre nos volverá a unir, el cine siempre será un aliciente, un escape de la realidad hacia una perspectiva, de cómo debería ser el mundo realmente. En el marco del festival de Cannes, el destacado director de cine tailandés Apichatpong Weerasethakul, nos contó detalles sobre su película Memoria protagonizada por Tilda Swinton.

¿Cómo es para ti como director volver a los festivales, y promocionar una película después de la pandemia, y cómo es para ti mostrar esta nueva película ‘‘Memoria’’ en este contexto? Apitchatpong: Sí, se sintió… se siente extraño, porque yo estaba muy acostumbrado a estar en casa, y ahora es ir a trabajar de nuevo, es como volver a la misma trayectoria, pero a una diferente, así que, es como si estuviéramos aprendiendo de nuevo a socializar y se siente casi como que el tiempo - el último año y medio- casi no existió. Pero me siento fantástico al poder conocer a los miembros del equipo y compartir una película con el público, en la pantalla grande. Colombia es un país muy importante para ti, y quería preguntarte, ¿Cuánto de los [mitos] que tenías en tu cabeza sobre este todavía están ahí y qué cosas fueron totalmente diferentes a lo que esperabas de la experiencia de rodar en esta tierra? Apitchatpong: Oh... buena pregunta. Creo que el mito todavía está ahí, pero sé que de alguna manera lo asocio no sólo Colombia, sino que con América Latina en general, especialmente la zona de la Amazonia, por lo que no hubiese desaparecido, pero Colombia en sí, me da más pistas de la realidad, del sentido del sufrimiento, el tratar de seguir adelante e intentar alejarse, ir más allá y aprender de los traumas del pasado, sintiéndome mucho más vivo. Este sentimiento es porque en comparación con Tailandia, creo que los colombianos tienen una

mayor capacidad de reflexión del pasado y tratan de recordar, por ejemplo, cuando visité el museo y algunas de las exposiciones sobre los asesinatos. Así que creo que puede ser parte de la visión de que esta película se llame ‘Memoria’ porque se trata de retener y no olvidar. Tú tienes como una conexión muy profunda con los sueños, con la memoria en tu trabajo anterior y esta diferencia muy sutil entre lo que es real y lo que no, porque al parecer eso es muy importante en esta película, por ejemplo, hay una mención del asesinato de dos personas y el ruido que hace. ¿Cómo conectas el sonido y la memoria, y esta dicotomía en la que generalmente trabajas y tomas una realidad y no realidad? Apitchatpong: Sí, creo que para esta película el sonido es uno de los protagonistas. Al igual que el comunicado de prensa, se trata de mis síntomas también, así que no es nada personal, algo que originó esta curiosidad y para tratar de encontrar una manera de conectar y vincularse con recuerdos de otras personas, ya sabes, este sonido [en la banda]. En cierto modo, Jessica (Tilda Swinton), es casi como un medio, un micrófono que transforma, y transfiere… o receptor de estos traumas - o no- que existen en un determinado lugar. Así que, el diseño de sonido es muy importante, pero la verdadera película no consiste en este loco experimento sonoro, sino que es algo muy sutil, algo que hace que el público sea consciente de la riqueza del sonido en el presente y de cómo este puede aprovechar su propia me-

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moria. Memoria es un hito para el cine colombiano, y para la industria colombiana, ya que se convierte en el tercer largometraje que participa por la Palma de Oro. Anteriormente Colombia había estado [presente en 1990 y 1998. ¿Qué significa para ti, como un director de Tailandia, volver a poner a Colombia en el foco cinematográfico? Apitchatpong: Dios mío, no sabía esta información. No sé… espero que no suene muy mal, pero realmente no siento que represente al país, incluso antes, no me sentía cómodo, es casi como una carrera de caballos. Es como que, sólo se creasen más fronteras cuando se habla de competencia. Para mí es un honor, por supuesto, pero, nuevamente, es algo que es per-

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sonal, no es representar a un país, no es una película tailandesa, no es una película colombiana, digamos que es nuestra película, sabes. Eso es lo que siento, porque cuando miras a la gente que está detrás de la película, viene de todas partes, de China, de Alemania, Francia, Tailandia...etc. Has mencionado en un par de entrevistas que Tilda Swinton era más que una actriz que interpretaba un papel, era parte del equipo en cierto modo, que te ayudó a esculpir el resultado final de la película. ¿Cómo fue esto? ¿Hasta qué punto estuvo ella involucrada en el resultado final de Memoria? Apitchatpong: Claro, quiero decir que, aparte de otros actores, ella está básicamente al 95% en la película, así que es Tilda quien lleva Memoria. Hay

un montón de gestos casi como si estuviese integrada, como si la película fuese su cuerpo. No se trata de una historia, sino de una coreografía, así que es difícil de explicar, pero la forma en que trabajamos juntos es tratando de encontrar el movimiento correcto, o para mí es simplemente encontrar el ritmo correcto, me refiero a través de la edición, incluso hasta el punto de la respiración y también la capacidad de escuchar. Así que, para mí es muy difícil de explicar el proceso, pero nos tomó unos días ser capaces de llegar a este punto, en decir ‘’oh, tal vez esto es ella’’. Hay exploración política, pese a que Memoria es más un viaje personal a tus recuerdos, a tus propias experiencias con Colombia, pero, ¿tienes alguna expectativa de lo que la gente en América Latina pueda

MEMORIA

reaccionar con esta película? Apitchatpong: Sí y no. Sólo siento que algunas personas podrían sentirse identificadas por ese pasado en común, pero no de una manera intensa. Sigue siendo un viaje muy personal. Simplemente estás en este paisaje, que tiene algún tipo de algo que no es estable. Pero no es algo que hablemos políticamente, sigue siendo mi película, sigue siendo como mis otros trabajos. También eres un artista. ¿Cuánto de artista visual hay en tu labor como director? Apitchatpong: Creo que están tan integradas que me resulta difícil separarlas entre sí, pero creo que se alimentan mutuamente en cierto modo, sí... es difícil de decir.

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CONVERSAMOS CON MARIANA DI GIROLAMO Y LEONARDO MEDEL SOBRE EL RECIENTE ESTRENO NACIONAL DE LA ACLAMADA PELÍCULA

“LA VERÓNICA” ENTREVISTA BENJAMÍN SCOTT | TRANSCRIPCIÓN SANTIAGO NARANJO

La perturbadora realidad de las vidas de papel se despliega de manera magistral con el humor negro que Leonardo Medel proyecta en esta película. Con importante recorrido en festivales, la cinta escrita y dirigida por Leonardo Medel, por fin tendrá estreno nacional. Con 104 minutos de duración y con Mariana Di Girolamo como protagonista, el elenco lo completan la destacada actriz Patricia Rivadeneira, Ariel Mateluna, Antonia Giesen, Josefina Montané, Willy Semler, Coco Páez y María Jesús Vidaurre. La película cuenta la historia de Verónica, una modelo muy popular en las redes sociales, casada con una estrella internacional del fútbol, quien cae en desgracia cuando

MARIANA DI GIROLAMO ¿Cuál fue tu primera impresión cuando leíste el guion? Me impresionó mucho el guion y los referentes de Leonardo. Él viene trabajando en este proyecto desde hace muchos años y tiene referentes pictóricos, musicales, en las redes sociales, como youtubers e influencers, y tuvimos que desglosar todos estos temas para entenderlo. Para mí como intérprete esto me ayudó mucho para poder masticarlo y vivirlo. Verónica es un personaje superficial en primera instancia, alguien a quien solo le importan los likes, tener una vida de lujo, una piscina espectacular, con una toalla de cierta marca, pero ella tiene muchos perfiles, como talvez muchos de nosotros.

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descubre que es la principal sospechosa en la investigación sobre el asesinato de su primera hija, ocurrido hace diez años atrás. Frente a la presión de la investigación, su matrimonio está al borde de la ruptura y comienza a sentir celos de Amanda, su hija recién nacida. Conversamos con su protagonista y el director para conocer mayores detalles de las capas que presentan en esta imperdible película.

Ella es un rostro, y después en otra escena podemos ver otro rostro, y esto va acorde con quien esté interactuando, sea su madre, su esposo, su mejor amiga. Y fue algo que yo entendí más cuando vi la película. Verónica es una especie de esquizoide, tiene muchas caras, incluso en cada plano su rostro se ve distinto, la iluminación es distinta, y hasta su nariz se ve distinta. Y bueno, la he ido completando y entendiendo a medida que la he visto, y he conversado con gente como tú que la ha visto, y es difícil distanciarse cuando estás tan cerca, y especialmente en esta película que estoy tan cerca. ¿Cómo fue tu preparación para interpretar a la compleja Verónica? Lo preparé desde mi propia experiencia como mujer que consume y genera contenido virtual todo el tiempo, yo paso mucho tiempo en

Instagram, haciendo scrolling, a veces comparándome con grandes figuras y modelos norteamericanas. Y también desde mi experiencia como rostro público y lo que eso ha significado en mi vida personal, los beneficios que me ha traído pero también la ansiedad cotidiana. Buscamos referentes nacionales e internacionales, no nos basamos en Cote López como se ha dicho, ella aparece porque es muy famosa, pero no la tomamos como inspiración. Sobre el look de Verónica, trabajamos un pelo por encima de lo particular y de igual forma para el maquillaje; Leonardo se basó en lo que pasa con los “Beautys” como género fotográfico, no lo sé, en donde el rostro es el protagonista de la foto. Los ensayos fueron muy breves, más que nada para entender como ella iba a hablar, que en general es muy susurrado, y eso para mí era algo nuevo. Nos pusimos de frente como si

LA VERÓNICA

LA PELÍCULA PROTAGONIZADA POR MARIANA DI GIROLAMO TUVO ESTRENO EXCLUSIVO DEL 5 AL 8 DE AGOSTO Y AHORA SE ENCUENTRA EN CARTELERA AGOSTO WWW.MUNDOPELÍCULAS.TV 2021 MUNDO PELÍCULAS

AUDIOVISUALES CINE CHILENO DE CULTO él fuese la cámara, para soltar ahí el texto, y para entender el volumen que yo tenía que usar. Y en el set fue un trabajo de mucho silencio, pues yo lo necesité para poder concentrarme y hacer la escena, que son como mini planos secuencia, y todo el recorrido que tenemos con Leonardo y con Merced, fue fundamental para poder llegar al momento de la película, preparados, confiados para abordar esta osadía que es La Verónica, que es una locura también. Durante toda la película estás expuesta a la cámara ¿Cómo enfrentaste este desafío actoral de exponerte a ti misma ante el lente durante tanto tiempo? Tuve un poco de experiencia con Ema en lo que es enfrentarme al lente. Hubo muchas escenas que yo las grababa con sitckers pegados al lado de la cámara, simulando que eran varias chicas, entonces tuve algo de experiencia en lo que respecta hablar al borde del lente como si fuera un interlocutor. Aquí es todo aún más íntimo, y era algo que tenía que hacer diariamente, es decir, yo tenía que ir todos los días a ponerme muy cerca de una cámara a hablarle al otro imaginario, entonces la experiencia de Ema me ayudó bastante, y Leonardo es un director magistral. La película se grabó con un equipo pequeño, lo cual fue una ventaja, pues como te digo requerí de mucha concentración, entonces todos estábamos ahí entendiendo como funcionaba esto. Nosotros hicimos un corto con Leonardo como 4 años atrás donde se probó este formato. Fue muy impactante verme más de 100 minutos en la película, cuando la vi por primera vez, fue sorprendente, dije “wow, se sostiene”, porque pudo pasar que hubiese sido un completo fracaso y que no resultara, pero se sostiene. Desde mi perspectiva no se hace tedioso, la película está muy bien escrita, montada, para soltarte en ciertos momentos, que tu puedas respirar y después te vuelve a tomar. ¿Pensaste al principio que la gente podía representarse con Verónica? Cuando yo la leí la sentí lejana, y cuando la presentamos en San Sebastián, al terminar la película,

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había mujeres conmocionadas porque se sintieron identificadas; tal vez desde su rol de madre, de personas que consumen redes sociales o desde ser mujer. Había un cierto aire de culpabilidad por identificarse con Verónica, pues ella hace cosas tremendas para lograr su objetivo y escalar hasta donde ella quiere escalar, pero, ha pasado que la gente se ha identificado, y no solo mujeres, sino también personas jóvenes que estamos tan metidos en este mundo de las redes sociales. Verónica tiene una primera capa que muestra un ser un poco vacío, pero al ver la película y entender todas las capas que tiene, a mí me pareció realmente una genialidad de Leonardo como creó esto, y tu interpretación está realmente increíble como sostienes toda la película ¿Cuál fue tu impresión respecto a esta interpretación y representación que le da Leonardo

a Verónica en la película? A Leonardo yo nunca termino de entenderlo ni de descubrirlo, es una de las personas más cultas que conozco, tan valiente, con tantos referentes, he tenido muchas tertulias con él, tengo como 6 pendrives que me ha pasado de sus referentes, me embobo cuando lo escucho hablar, y hemos hecho muchas locuras juntos. Siempre que trabajo con Leonardo y Merced sé que me voy a enfrentar a algo nuevo, y a veces eso me da mucho vértigo, pero es muy satisfactorio porque uno aprende cosas nuevas. Estás metida aquí con esta gente que hace cosas muy locas, pero que son tremendas y geniales personas. Tenemos muchas ganas de seguir trabajando juntos, y yo voy a ir a todas, porque no hay muchos directores así, entonces que suerte habernos encontrado desde el lado creativo, desde la amistad, desde la

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complicidad, donde saber que van a venir grandes cosas. Me dio la impresión de que hay cosas en la película que van haciendo una crítica indirecta. Al inicio el personaje de Patricia Rivadeneira se encuentra con Verónica, y ella menciona ciertos temas que parecen hacer una crítica a la prensa sensacionalista ¿Fue así? No lo había pensado, pero sí, puede ser. Tendría que preguntarle a Leonardo, pero lo que tú dices, es algo que está pasando. Mucha gente se queda solo con los titulares. Cuando doy entrevistas a veces me da pánico, porque digo, “¡mierda!, ¿cuál va a ser el titular de esto?”, o, por ejemplo, cuando mencionábamos que quizás habíamos pensado en Cote López para basar este personaje, eso fue el titular durante meses. Después buscábamos la oportunidad para

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AUDIOVISUALES CINE CHILENO DE CULTO desmentirlo. A veces pasa que mucha gente no lee las entrevistas, como digo se queda solo con los encabezados de la prensa sensacionalista, y para los que hacemos esto, desde el lado del entrevistado o el periodista, eso se vuelve muy molesto. Y bueno, no sé, no me había preguntado sobre el rol de Patricia, ella está metida en esa casa, completamente embobada con Verónica, con su mundo, tal vez hasta enamorada de ella, buscando y buscando, pero mi personaje también necesitaba de ella, se necesitaban mutuamente. Hay muchas cosas en la película que ponen temas en la palestra de manera muy inteligente, y esto me pasó con el rol femenino que tiene Verónica con la maternidad. Siento que ahí también hay un discurso importante, como el rol de la mujer de cumplir un ciclo, un hijo para completar la pareja y poder ser feliz, aunque no quiera. ¿Cómo viste eso desde tu perspectiva como mujer? La maternidad en esta película está cuestionada desde un lugar donde todo debería ser perfecto, una persona pública, influencer, mujer de un futbolista, y aunque no vemos las redes sociales de Verónica, sabemos que de seguro tendría lindas fotos familiares de su niña, con su esposo, en Dubái o en la piscina de su casa regia en Chicureo, mostrando una vida que no es, y como le pasa a este personaje, también es la realidad de muchas y muchos otros. Verónica está en plena investigación por la muerte de su primera hija, y en el presente de la película, empieza a sentir una especie de rechazo por su segunda hija. Está celosa de la atención que le da Javier, su marido, y está celosa de la atención que le da el mundo también a su marido. Ella no quiere ser la sombra de nadie, quiere brillar con luz propia y quiere escalar. Tiene mucha ambición y es imparable, no hay límites para ella. Quizás estamos frente a lo que el mundo llama una mala madre. Creo que fue una escritora brasileña que habló sobre ser una madre arrepentida, aunque ama mucho a su hijo. Mi mejor amiga que también es madre y es feliz siéndolo, me dijo que leyó un libro que se llamaba “Las malas madres”, y que fue muy

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iluminador para ella, entonces me imagino que hay momentos atroces, la postergación es absoluta, yo no soy mamá, y me aterra serlo, puede que lo sea, como no, pero debe haber algo de alivio al encontrarse con personajes así, Verónica es un extremo, pero está bueno plantearlo. Estuvieron presentando la película en San Sebastián y compartieron con el público. ¿Cuál fue la reacción de la gente? ¿Era lo que esperaban? Yo no sabía que esperar, fue tan difícil llegar a San Sebastián, estábamos en plena pandemia, todo el equipo logró ir, yo ya tenía la experiencia el año anterior al presentar Ema. El día del estreno nos tocó una tormenta, entonces pensamos que muy poca gente iría a verla, pero la sala estaba llena, nos aplaudieron por varios minutos, y eso solo quería decir que a la gente le gustó. En un momento se empezó a rumorear que era la favorita, estábamos en competencia en Horizontes Latino, y a mí me llamó

mucho la atención que se hayan reído en ciertas partes, que hayan entendido los chistes que son tan distintos cuando estás en otra cultura, y a la gente le gustó, se emocionó, como te decía hay gente que se identificó, fue muy sorprendente y lindo lo que pasó ahí. También estuvimos en otros festivales y la descripción de los jueces nos hizo entender que la película se capta bien. ¿Cómo crees que el público chileno recibirá La Verónica? Estoy nerviosa. Ya era la hora de que llegara al público chileno. Creo que les va a gustar, se van a sorprender, sin duda la película es inédita, o sea, no se parece a nada de lo que nosotros hemos visto, yo no había visto nada similar, el elenco está excelente, la fotografía que hizo Pedro García, el color que tiene la película es impresionante. No se van a aburrir, yo les aseguro que en algún punto se van a identificar, se van a poner a pensar, y repensar desde distintos lugares.

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LEONARDO MEDEL, DIRECTOR DE LA PELÍCULA “LA VERÓNICA” ¿Cómo nace la idea de contar esta historia tan particular? Leonardo Medel: En general yo parto con la forma y luego con la historia para llenar esa forma que me parece más relevante, y en un punto estas se encuentran y se arman la película. Yo soy seguidor del cine de Bergman, por ejemplo, y mezclar lo que pasa en este tipo de cine con lo que sucede en YouTube y esa conexión, me gustó. Esta película es como un vídeo extendido de esta plataforma. Hace doce años hicimos el primer teaser de esta película y hace tres años trabajamos un cortometraje que se llamaba La Verónica. Me di cuenta haciendo ese trabajo que era una buena idea y finalmente la idea termina de surgir un año antes de grabar. Todo esto también se mezcla con que mi

pareja es influencer, entonces podía ver ahí algunas de estas cosas. Por otro lado, me pasa que estos personajes como esposas de futbolistas, son tan atractivos y son capaces de atravesar todos los soportes mediales. Yo estaba buscando un personaje infinitamente atractivo y me pareció que esos eran los que más se acercaban a este ideal. ¿Cómo construyes las capas para La Verónica? Para mi hay dos situaciones relevantes. El personaje tenía que ser diferente en cada uno de los planos. Así estaba escrito y Mariana logró habitar cada una de esas personalidades tan distintas la una de la otra. A veces en rodaje nos mirábamos pensando si acaso en algunos momentos Verónica se veía muy distinta. El actor debe mantener coherencia y creíamos que podía ser vertiginoso al ser diferente en cada uno de los planos. También tengo una referencia cinematográfica. Vi una película de madrugada y los personajes iban

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narrando su historia. Yo sentía que todos estos personajes estaban mintiendo y que lo único que era verdad, era la unidad y el ser que subyacía a estas mascaras. ¿Por qué decidiste trabajar los planos en la manera en que lo hiciste? Al igual que en las redes sociales, en esta película Verónica está siempre expuesta a la cámara y al público. Yo pensé esta película siempre como un primer plano. La cámara se mueve ligeramente llegando al primer plano. El nivel de exposición que estaba buscando es el mismo al que nos sometemos a las redes sociales. Es la selfie que hoy en día es una expresión artística. En unos años más miraremos atrás y veremos cómo fuimos gobernados por este tipo de fotografías. Lo que pasa con el rostro es interesante también. Al ver la cara vemos la verdad, es un objeto de manipulación, tiene esta doble naturaleza pared blanca, agujero negro, te traga y te expulsa. En la

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película jugamos con el rostro de Mariana por medio de la iluminación para que se viera diferente. Lograr sostener una película por más de 100 minutos es un trabajo impactante ¿Cómo fue dirigir a Mariana Di Girolamo para lograr esto? Yo creo que mi trabajo como director con ella es muy fácil. Cualquiera que esté en el set con Mariana lo sentirá así. Cuando ella llega a grabar yo descanso, porque sé que es una gran actriz. Nosotros rodábamos con monólogos muy largos y ella se los aprendía de un día para otro, diciéndolos tal cuál como estaban escritos. Luego viene el tono de la película que fuimos encontrando mientras estábamos en rodaje. En la primera escena teníamos 21 tomas, de la segunda 19 tomas y de los últimos días, teníamos 2 o 3 solamente. Eso pasó porque estábamos encontrando ese tono preciso que necesitaba La Verónica. Trabajar con Mariana Di Giroloma

es muy gozoso. Si yo le digo que necesito que baje solo un poco, ella lo hace perfecto. Es como casi como cuando bajas y subes el volumen. Creo que ella es muy buena actriz. A veces han dicho cosas bien nepotistas en su contra y lo encuentro tan sucio. Yo no conozco a nadie que trabaje tanto como ella. Siempre son voces, espaldas o personajes en segundo plano. Cuéntanos un poco sobre la forma en la que trabajaste con el resto del elenco. Me parece que cada personaje tiene una semiótica. El fiscal es como la voz de la ley o la civilización; el personaje de Moni es siempre un cuerpo, era eso más que un alguien. Patricia Rivadeneira es quien más aparece y comparte la selfie con Verónica, aspirando a convertirse en ella. Me gustaba mucho este plano de Mariana a cámara y Ariel en las espaldas porque genera una sensación de molestia como de “Este hombre siempre está detrás de mí”. Como el galán de fondo.

LA VERÓNICA

de pensar donde había personajes como Flores o Bolaño, y hoy ¿A quién tenemos? Y eso se debe a que esta clase está preocupada de frivolidades y piensa hacer parecer inteligente en vez de serlo. Respecto a la figura femenina quisiera partir contando que leo mucho a Camille Paglia, una filosofa que habla de un feminismo que habla sobre que lo afectivo es una forma de poder. Yo creo que el poder se ejerce por expansión o por atracción y el poder que ejerce desde ahí es silencioso y es una forma de poder que en este momento no está siendo validado desde su existencia. Tu película tiene muchas capas y me dio la impresión que crítica a la prensa sensacionalista y también al rol de la mujer con la maternidad. ¿Podrías hablarnos un poco de eso? Eso ha sido muy fuerte porque en San Sebastián se me acercaron varias mujeres y la verdad es que tenía un poco medio. Yo soy un hombre heterosexual cisgénero que abordó temas femeninos, pero se me acercaron a darme las gracias a pesar de que Verónica sea una sociópata. Al parecer genera una liberación sobre ello. Respecto a los medios me pareció interesante abordar a estos periodistas que se obsesionan con algún ídolo famoso y que pueden llegar a escribirles una biografía. Eso me pareció bello, es como cuando un cineasta hace eso en algunas de sus películas. No sé si pensé directamente en una crítica a los medios, aunque si pensé en interpretar a la clase intelectual. En los 90’s nosotros teníamos esa belleza

La Verónica me parece una película para quienes disfrutan constantemente de ver cine, pero por la temática, creo que también puede captar a una audiencia comercial. Cuando miras una película de Scorsese como Toro Salvaje, se basa en un personaje del mundo popular y siento que es lo mismo que hoy en día contar una historia sobre una modelo influencer. Me parece que los cineastas siempre se sienten atraídos por personajes de este tipo. También pasa en Parasite, ocurre en un bello espacio arquitectónico que tiene personajes del mundo popular. Y puede pasar lo que tú dices, aunque la película puede ser demandante para el espectador. Yo pensé todo el tiempo en esa expansión que se puede cuantificar y por otro lado lo atractivo que aparece en la dimensión de lo inefable. Ahora el like hace lo atractivo cuantificable y en redes sociales está eso de querer ser visto por otros. Hoy es un momento en

que la gente quiere ser atractiva por medio de las redes sociales y creo que todos somos un poco La Verónica. Pareciera que no podemos identificarnos con un personaje como este, pero pasa Tener una red social es como tener un segundo ego. La construcción del ego se puede mirar desde su construcción con una perspectiva que es muy delirante, imagina cuando lo extiendes a un reflejo más, por ejemplo, poner una foto con un hashtag para ser encontrado. ¿Esperabas el éxito que tuvo La Verónica en festivales? Como yo vengo de nuevos medios, he tenido un paso por festivales super lateral y periférico. Tengo suerte de que se escriban cosas de mi obra porque es rara y tiene otros soportes, pero cuando grabé La Verónica, pensé que estaría en una sección más de cine y artes visuales. Cuando quedamos en Horizontes Latinos en San Sebastián, me asusté un poco, pensé ¿Qué haremos ahí compitiendo con películas más convencionales? Sinceramente no imaginé que estaríamos en tantos festivales importantes, y con los premios y nominaciones que hemos tenido, solo puedo decir que estoy muy contento y agradecido. ¿Cuál es el mensaje que querías proyectar con esta película? Creo que esta película lo que tiene para decir, es que todos siempre estamos mintiendo.

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La decimoséptima versión de Santiago Festival Internacional de Cine, que se realizará nuevamente de forma digital y gratuita para todo el país en contexto de pandemia, contará con 86 películas tanto nacionales como internacionales, entre las que se encuentran 16 estrenos mundiales, 29 latinoamericanos y 39 nacionales.

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Santiago Festival Internacional de Cine, SANFIC -presentado por Fundación CorpArtes e Itaú, y producido por Storyboard Media- dio a conocer la programación de la edición n°17 del certamen, que se realizará, en contexto de pandemia, de forma digital y gratuita para todo Chile entre el 15 y 22 de agosto. En la conferencia de prensa, realizada este viernes 30 de julio, estuvieron presentes Francisca Florenzano, Directora Ejecutiva de Fundación CorpArtes, Fernanda Castillo, Directora de Programación, Educación y Extensión de Fundación CorpArtes; Loreto Araya, Coordinadora de SANFIC; Carlos Núñez, Director Artístico de SANFIC; y Gabriela Sandoval, Directora de SANFIC Industria.

ver desde sus propios hogares y de forma gratuita en la edición n°17 de SANFIC.

En la instancia se dio a conocer la programación 2021 del festival, que contará con 86 producciones nacionales e internacionales, entre las que se encuentran 16 estrenos mundiales, 29 latinoamericanos y 39 nacionales.

Respecto a la programación, las producciones de las secciones “Directoras en foco”, “Retrospectiva de Ana Katz”, “Visiones del mundo”, “Función Especial” y “SANFIC Educa”, así como de la “Competencia Internacional”, se encontrarán disponibles durante toda la semana del festival. Mientras que las producciones de “Maestros del Cine” y de las competencias de “Cine Chileno” y “Cortometraje Talento Nacional”, además de la película Nebenan del actor y director Daniel Brühl, estarán disponibles durante 24 horas, entre 10:00 am y 10:00 am del día siguiente.

Asimismo, el certamen contará con la participación del invitado especial de la edición 17°: Daniel Brühl, reconocido y multipremiado actor y director alemán-español que ha actuado en más de 60 producciones junto a importantes cineastas como Quentin Tarantino (Bastardos Sin Gloria) , Wolfgang Becker (Good Bye, Lenin!), Ron Howard (Rush), Anthony y Joe Russo (Capitán América: Civil War), Bill Condon (The Fifth Estate), Florian Gallenberger (Colonia), July Delpy (My Zoe) , Matthew Vaughn (The King`s Man), José Padilha (7 Days in Entebbe), entre otros. También ha participado en exitosas series como “The Alienist” (TNT, Netflix) donde estuvo nominado como mejor actor en los Golden Globes 2019. Este año, regresó como el Baron Zemo en “Falcon y el soldado de invierno” de Marvel, la serie que sigue a “Avengers: Endgame”, la película más exitosa de todos los tiempos. El actor y director participará en SANFIC 17 en la sección Función Especial con su primera película como director, Nebenan -estrenada en el Festival Internacional de Cine de Berlín 2021- y, además, realizará un conversatorio online abierto a todo público durante la semana del festival. Dentro de los títulos destacan las producciones más recientes de los reconocidos cineastas Naomi Kawase, Andrey Konchalovsky, Agnieszka Holland, Christian Petzold, Ryusuke Hamaguchi, Denis Coté, Alexandre Rockwell, entre otros, además de una completa retrospectiva de la destacada realizadora argentina Ana Katz. En cuanto a las temáticas, la programación de películas abarca una amplia diversidad que van desde el estallido social, el medio ambiente, las diversidades sexuales hasta las nuevas tecnologías, el racismo, el feminismo y la adolescencia, entre muchas otras.

CERTAMEN 100% DIGITAL Y GRATUITO El mundo de las artes y la cultura se ha visto directamente afectado por la crisis sanitaria que se vive a nivel internacional desde hace más de un año, lo cual ha dificultado el acceso de las personas a actividades culturales. Es por eso que uno de los objetivos de Fundación CorpArtes ha sido seguir acompañando a las diversas comunidades de todo el territorio nacional con contenido de calidad que podrán

Para acceder al contenido, las personas interesadas deberán registrarse, a partir del 2 de agosto, como usuario en el sitio web de SANFIC (www.sanfic.com), y a través de éste tendrán acceso para ver las películas durante las fechas del certamen, entre el 15 al 22 de agosto, según disponibilidad de cupos. Cada película tiene límites de “butacas” o visualizaciones totales: las de la programación general tienen un cupo de hasta 600 visualizaciones, y las de SANFIC Educa tienen cupo hasta 1.200 visualizaciones.

La programación también incluirá conversatorios online y encuentros con realizadores durante la semana del festival, con un ciclo de tres conversaciones en torno a la creación cinematográfica. El primer conversatorio será sobre la industria del cine desde la perspectiva de directoras, después habrá otro junto a la destacada directora argentina Ana Katz, y el último será junto al actor y director Daniel Brühl, donde contará sobre su experiencia como director de su película Nebenan. Además, este fin de semana comienza una serie de tres de actividades de Comunidad SANFIC que se realizarán en el marco de la sección SANFIC Educa. La primera actividad se realizará este sábado 31 de julio a las 18 horas y será una conversación con la directora Maite Alberdi y la productora de cine Marcela Santibáñez, creadoras del documental El Agente Topo -recientemente nominado a los Premios Oscar 2021-; la segunda conversación será el miércoles 11 de agosto a las 18 horas junto a Carlos Núñez, fundador y Director Artístico de SANFIC, y productor y fundador de la productora Storyboard Media; la última instancia será el miércoles 18 de agosto a las 18 horas, junto al director y productor argentino, Tomás Lipgot, quien presentará su película El Universo de Clarita.

PRODUCCIONES DE RENOMBRE Una de las secciones más esperadas por los cinéfilos es Maestros del Cine. En esta ocasión, las personas podrán disfrutar de las más recientes producciones de destacados directores y directoras, que han sido exhibidas en importantes festivales internacionales como Berlín, Buenos Aires, Cannes y Venecia. Estas son El Charlatán (Elegida por República Checa para ser la representante a los Oscar 2021), de Agnieszka Holland, sobre la vida de Jan Mikolášek, un curandero checo al que encarcelaron durante el régimen comunista por sus habilidades y experiencias; Enfant Terrible (Alemania), de Oskar Roehler, parte de la selección oficial de Cannes y ganadora a Mejor Actor (Oliver Masucci) en los premios Bavarian Film, que aborda la vida del director alemán más memorable y radical: Rainer Werner Fassbinder;

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Mis Queridos Camaradas (Dorogie tovarishchi) (Rusia), de Andrey Konchalovskiy, exhibida en diversos festivales como el de Venecia, Chicago y Rotterdam; Social Hygiene (Canada), de Denis Cote, ganadora al premio Mejor Director en el festival de Berlín; Sweet Thing (Estados Unidos), de Alexandre Rockwell, que fue exhibida en 2020 en los festivales de Berlín, Tribeca, Buenos Aires, Melbourne, entre otros; True Mothers (Asa ga kuru) (Japón), de Naomi Kawase, presentada en festivales internacionales de cine como el de San Sebastián, Chicago y Cannes; Undine (Alemania- Francia), de Christian Petzold, estrenada en el Festival de Cine de Berlín; y Wheel of Fortune and Fantasy (Japón), de Ryusuke Hamaguchi, exhibida en el Festival de Cine de Berlín.

cho Guggiari, presentada en el Festival de Cine de Benevento; Invisibles (España), de Gracia Querejeta, exhibida en Festival de Cine de Seattle; La Restauración (Perú), de Alonso Llosa, presentada en los festivales de Guadalajara, Vancouver, San Diego y Lima. Y, en Documental, se podrán ver La guardiana (Die Wächterin) (Alemania), de Martina Priessner, parte de la selección oficial del Festival de Leipzig 2020; La opción cero (Cuba, Brasil, Colombia), de Marcel Beltrán, exhibida en el IDFA, Festival de Documentales de Ámsterdam 2020 y en Hot Docs 2021 de Canadá; y Negra (México), de Medhin Tewolde Serrano, presentada en los festivales de Toulouse, Chicago Latino, Monterrey, Philadelphia Latino, entre otros.

“La selección de películas de este año es transversal desde el punto de vista temático y conecta muy bien con las audiencias. SANFIC incluye a cineastas de prestigio y jóvenes talentos nacionales e internacionales que están a la vanguardia con puntos de vista novedosos, sorprendentes, actuales y atractivos. Esto se podrá apreciar en todos los estrenos que se exhibirán durante la semana del festival. Y si a esto le sumamos la participación de una estrella de la relevancia de Daniel Brühl y un jurado de excelencia, tenemos los condimentos para celebrar una nueva edición de la mejor manera”, comenta Carlos Núñez, Director Artístico de SANFIC.

Mientras que este año, la sección Función Especial, en la cual tradicionalmente se presentan largometrajes de realizadores con una mirada particular sobre alguna temática, contará con cuatro producciones: Stardust (Reino Unido), de Gabriel Range, exhibida en los festivales de Thessaloniki y San Diego, que aborda la vida de David antes de convertirse en el icónico David Bowie; Nebenan (Next Door) (Estados Unidos-Alemania), la primera película como director del actor Daniel Brühl, que fue estrenada este año en el Festival de Cine de Berlín; Especial (Venezuela-Estados Unidos), de Ignacio Márquez, presentada en los festivales de cine de Chicago y Toronto, donde se muestra la vida de un joven con síndrome de Down que debe enfrentarse a los desafíos de la edad adulta; y Vera de Verdad (Io sono Vera) (Italia-Chile), de Beniamino Catena, exhibida en Cannes en la sección Working Progress.

Además, en SANFIC 2021 se podrá disfrutar de la sección Visiones del Mundo, dedicada a presentar en sus distintas subsecciones -Drama, Comedia y Documental- reconocidos largometrajes de ficción y no ficción de todo el mundo. En Drama se exhibirán las películas El Arte de Volver (España), de Pedro Collantes, exhibida en festivales como el de Venecia, Sevilla y Hong Kong; Implosión (Argentina), de Javier Van de Couter, presentada en el Festival Internacional de Cine de Gijón y ganadora al Gran Premio de la Competencia Argentina de BAFICI; y La taza rota (Chile), de Esteban Cabezas, parte de la Selección Work In Progress del Festival de Cartagena de Indias 2019. En Comedia estarán El cuento del tío (Argentina), de Na-

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DIRECTORAS EN LA INDUSTRIA CINEMATOGRÁFICA Por segundo año consecutivo, se presentará la sección Directoras en Foco, la cual está dedicada exclusivamente a reconocer y visibilizar el trabajo de las cineastas en la industria cinematográfica. Asimismo, muestra el talento cine-

matográfico y espíritu innovador de realizadoras de todo el mundo que destacan por su propio estilo y visión. Las realizadoras que exhibirán sus películas son Marina Thomé (Brasil), con Aquilo que eu Nunca Perdi, que retrata la historia de la artista brasileña Alzira E, y que fue exhibida en los festivales BAFICI, Cracovia, e In-Edit Brasil; Sandra Gugliotta (Argentina), con Retiros (in)voluntarios, que muestra cómo las compañías telefónicas usaron una política de terror psicológico durante las privatizaciones de las telecomunicaciones en Argentina y Francia, y que fue exhibida en el Festival de Cine de Málaga; Charlène Favier (Francia), con Slalom, que fue parte de la selección oficial del prestigioso Festival de Cannes 2020 y ganadora a Mejor Película en el Tallinn Black Nights Film Festival 2020; Natalia Almada (México), con Users, ganadora a Mejor Dirección Documental en el Festival de Cine de Sundance 2021 y exhibida en el Thessaloniki Documentary Film Festival; y Amalia Ulman (Argentina), con El planeta, exhibida en el Festival Sundance 2021 y en BAFICI, donde ganó Mejor Directora de la Competencia Internacional. Otra destacada realizadora que participará este año con sus producciones y como jurado es Ana Katz, reconocida actriz y cineasta argentina de vasta trayectoria con propuestas cinematográficas de excelencia que serán parte de la sección Retrospectiva, donde se presentarán seis de las más destacadas producciones de su carrera. Entre las películas seleccionadas se encuentran El Juego de la Silla (2002), exhibida en los festivales de San Sebastián y Toulouse; El perro que no calla (2021), estrenada en los festivales de Sundance y Rotterdam, donde obtuvo el premio “Big Screen Award”; Los Marziano (2011), presentada en el Festival de San Sebastián; Mi Amiga del Parque (2015), exhibida en los festivales de Málaga y Sundance, donde recibió el Premio al guion; Sueño Florianópolis (2018); presentada en los festivales de Guadalajara, Karlovy Vary y San Sebastián; y Una Novia Errante (2007); exhibida en diversos festivales internacionales y ganadora del Premio Cine en Construcción del Festival de Cannes. Asimismo, a modo de seguir avanzando en materias de inclusión y equidad, uno de los premios más populares de SANFIC cambiará su nomenclatura a “Mejor Interpretación” para reconocer a las mejores actuaciones de la Competencia Nacional e Internacional sin distinción de género. Esto significa que las actrices y actores nominados utilizarán únicamente el término intérprete al recibir el galardón, dejando de lado los criterios que en otros años diferenciaban entre lo femenino y lo masculino.

COMPETENCIAS Y JURADOS Al igual que en años anteriores, la edición n°17 de SANFIC contará con tres competencias: Competencia Internacional, de Cine Chileno y Cortometraje Talento Nacional, a través de las cuales el festival busca promover las más recientes producciones de directores nacionales e internacionales. La Competencia Internacional contará con ocho producciones, las cuales competirán por las categorías a Mejor Director, Mejor Película y Mejor Interpretación: Exile (Alemania), de Visar Morina; La ciudad de las fieras (Colombia-Ecuador), de Henry Rincón; Cryptozoo (Estados Unidos), de Dash Shaw; Bosco (Italia-Uruguay), de Alicia Cano

Menoni; Spring Blossom (Francia), de Suzanne Lindon; Gaucho Americano (Chile), de Nicolás Molina; As I Want (Egipto-Francia-Noruega-Palestina-Alemania), de Samaher Alqadi; y Un lugar llamado dignidad (Chile-Francia-Alemania-Argentina-Colombia), de Matías Rojas Valencia. El jurado de esta competencia está compuesto por la galardonada directora Ana Katz; el actor nacional Gastón Salgado, reconocido por su participación en diversas producciones como El reemplazante y La Jauría; y el productor de cine estadounidense de destacadas películas como Sergio y No, Daniel Dreifuss. En tanto, la Competencia de Cine Chileno tendrá nueve películas, las cuales competirán a su vez por los premios a Mejor Director, Mejor Película y Mejor Interpretación: Y solo el amor resucita, de Nelson Pérez Sepúlveda; Zoila, de Gabriela Pena; Lo habitado, de Martín Emiliano Díaz; Primera, de Virgilio ‘Vee’ Bravo; Nidal, de Josefina Pérez-García y Felipe Sigala; Gran Avenida, de Moisés Sepúlveda; Dominio Vigente- El valor de la tierra, de Juan Mora Cid; Karnawal, de Juan Pablo Félix; y La nave del olvido, de Nicol Ruiz Benavides. El jurado de esta competencia está compuesto por el realizador chileno-español Theo Court; la programadora del Festival Internacional de Cine de La Habana, Elvira Rosell; y la productora mexicana-francesa, Lucero Garzón. Mientras que la Competencia Cortometraje Talento Nacional estará compuesta por 21 cortometrajes, los cuales competirán en la categoría a Mejor Cortometraje. Estos son: Breve Historia De Amor Y Un Par De Canciones, de Pablo Berthelon; Igor, de Néstor Cantillana; El borde de las sombras, de Diego Fierro; No es ella, de Samuel González; Mti, de Mauricio Corco; En La Playa, de Maximiliano Scheleff; La Sorpresa, de Antonieta Díaz y Emilia Rodríguez-Cano; Weona Loca, de Irene Mercadal; Pulento, de Eduardo Villa-

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lobos; Actitud, de Pedro Morales; La Casa Llena, de Paola Piña; Soñé Que Vivía, de Eymeraude Cordon Le Beurier; Snowdevil, de Patricio Valladares; Animales, de Carlos Tampe; Luz, de Emilio Torres Ale; Teo, de Eduardo Bunster y Belén Abarza; Fervor, de José Manuel Vélez; Aburo, de Cecilia Otero; Quien Dice Patria Dice Muerte, de Sebastián Quiroz; Insurrección, de Andrés Aguayo; e Interferencia, de Juan Carlos Soto Martínez. El jurado de esta competencia está compuesto por la actriz nacional y ganadora de los Premios Caleuche por su interpretación en Ramona, Giannina Fruttero; el director colombiano del Festival de Cortos de Bogotá, Jaime E. Manrique; y la directora de programación belga del Festival de Cortos de Glasgow, Sanne Jehoul.

SANFIC EDUCA Una sección que se ha convertido en una de las más importantes del festival desde su creación en el año 2017 es SANFIC Educa, ya que permite acercar el mundo audiovisual a niños, jóvenes, y a las diversas familias del país. Este año se estrenarán en Chile 16 producciones de nueve países, incluyendo cinco largometrajes y 11 cortometrajes, algunos de los cuales han sido exhibidos en destacados festivales internacionales como el de Berlín, Buenos Aires y San Sebastián. Además, se incluirán dos producciones que fueron seleccionadas especialmente porque se desarrollan sin diálogos y por su trabajo de sonidos sin estridencias, acciones o luminosidad que puedan afectar a personas en situación de discapacidad cognitiva. “Al igual que en años anteriores, SANFIC Educa se sitúa como una de las secciones clave del Festival, pues buscamos no sólo a través de las películas si no que a través de encuentros, diálogo y debate, acercar el contenido audiovisual a niños, niñas, jóvenes y diversas familias de nuestro país. Este año y con mayor fuerza hemos desarrollado un gran número de actividades con Gendarmería logrando por primera vez llegar a recintos penales de regiones distintas a la Metropolitana y, por supuesto, continuamos con alianzas estratégicas con instituciones culturales y relacionadas con la discapacidad, entre muchas otras. Finalmente, creemos que SANFIC Educa potencia el rol que el arte y la cultura desarrolla con el objetivo de crear sociedades más justas, más humanas, donde el centro del desarrollo es la creatividad”, comenta Fernanda Castillo, Directora de Programación, Educación y Extensión de Fundación CorpArtes. A través de esta sección, SANFIC busca presentar películas de gran calidad de todo el mundo, seleccionadas especialmente para que niños, niñas y jóvenes, junto a sus familias, puedan reflexionar en torno a nuevas temáticas, desarrollar el pensamiento crítico, la imaginación, la creatividad y la comunicación, a través del acceso a producciones con diversas temáticas contingentes. También tiene el objetivo de poder llegar a aquellas comunidades que por lo general tienen menor acceso a expresiones artísticas, entre ellos niños, niñas y jóvenes vulnerados de derechos, personas privadas de libertad y personas en situación de discapacidad. Este año, además de la exhibición gratuita por medio de www.sanfic.com, se trabajará directamente en sedes de instituciones de distintas regiones como: Fundación Integra, Gendarmería, Fundación Mawen, Ciudad del Niño, Parque Cultural de Valparaíso, Municipalidad de Puente Alto, Penta UC, Corporación Cultural USACH, la Corporación de la Cultura y las Artes de Rancagua, el Centro

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de Extensión de la Universidad Católica del Maule, la Corporación Artistas del Acero de Concepción, entre muchas otras, gracias a una alianza de estas organizaciones con Fundación CorpArtes.

SANFIC INDUSTRIA Este año SANFIC Industria, el espacio de formación y fomento para el sector audiovisual nacional e iberoamericano del festival, se realizará fuera del marco del certamen y en una modalidad mixta; online y presencial. En la conferencia de prensa fueron anunciadas las fechas de su décima edición, la cual tendrá lugar entre el 27 de octubre y el 5 de noviembre, y para conmemorar los diez años de este importante espacio para el cine chileno e iberoamericano, se realizarán diez actividades. Mientras que las postulaciones y bases para participar de las diversas secciones que componen esta instancia, entre las que se encuentran; Work in Progress Iberoamericano, Santiago LAB, SANFIC NET, Productoras NET, Series LAB Conosur, SANFIC Series, entre otras mesas de negocios que están por confirmarse, se abrirán este martes 10 de agosto hasta el martes 7 de septiembre en www.sanfic. com. “En marzo recién pasado finalizamos una edición exitosa y ambiciosa de industria en donde, pese a la pandemia, el espacio creció enormemente. Fueron 10 días con 450 profesionales y más de 1.200 reuniones. Por lo que para esta nueva versión aniversario pretendemos desarrollar nuevamente una plataforma de conexión e internacionalización para las y los profesionales chilenos e iberoamericanos, como así también conectar con las audiencias a través de las exhibiciones presenciales de estrenos de series iberoamericanas y de cine de género de terror/fantástico”, expresa Gabriela Sandoval, Directora de SANFIC Industria. Toda la información de la programación del Santiago Festival Internacional de Cine 2021 se encuentra disponible en www.sanfic.com. La decimoséptima edición de SANFIC cuenta con el cofinanciamiento del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio a través del Fondo de Fomento Audiovisual, línea de Difusión, Implementación y Exhibición Audiovisual, convocatoria 2021. Más información sobre la edición n°17 de SANFIC en www.sanfic.com

CARLOS NÚÑEZ, DIRECTOR CREATIVO DE SANFIC NOS ENTREGA MÁS DETALLES RESPECTO AL FESTIVAL Y SU PROGRAMACIÓN. ENTREVISTA BENJAMÍN SCOTT ¿Cómo es el proceso de trabajo para la programación y selección de invitados? Es un trabajo bastante intenso que comienza con muchos meses de antelación. Una vez que termina una versión

ya estamos trabajando en la próxima; viendo películas, buscando invitados. En marzo se abre convocatoria para solicitar que participen películas de todo el mundo. Este año llegaron unas 500 o 600 piezas audiovisuales postulando desde muchos países, y con el equipo empezamos a visionar de manera muy anticipada. Por otro lado, me tocaba mucho viajar cuando se podía; viendo películas, conversaba con directores, directoras, productores y productoras. En este tiempo de pandemia todo esto ha sido de forma digital y de apoco este año se ha vuelvo a esta semi normalidad de apertura de salas que no sabemos cuanto va a durar. Como venimos preparando la edición hace tiempo, este año será nuevamente digital para todo Chile y de manera gratuita. Es un trabajo de mucho visionado de películas, de mucha gestión de derechos de exhibición, invitados e invitadas. Hay que estar todo el año participando en distintos mercados, muy conectados con la industria nacional e internacional y de ahí vamos viendo que incluir. El festival se caracteriza por tener producciones del mismo año o del año anterior, ese es el primer parámetro, luego que exista un director o directora detrás con un punto de vista y un relato interesante, atractivo y novedoso. Ahí se evalúan las distintas características de la película, el casting, fotografía, el montaje y se va conversando eso para hacer la curaduría, y este año seleccionamos 86 películas que serán parte de la programación. ¿Cuáles son las alianzas que tiene SANFIC con los festivales del mundo? El festival tiene dos espacios grandes, uno es la programación en sí misma con jurados, los directores que traen sus películas y, por otra parte, la industria. Hace dos años teníamos alianza con la critica de Cannes que no se ha realizado por los cambios de fecha y la pandemia. Con Berlín

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nos pasó lo mismo. Esperamos poder hacerlo el próximo. Esos son los festivales con los que siempre estamos dialogando y viendo que hacer. A nosotros nos parece muy importante están en contacto con ellos, ya que son de los más importantes a nivel mundial. ¿Cómo es el proceso de definir quien será el invitado especial de cada año? SANFIC se ha caracterizado durante toda su historia por traer invitados especiales. No solamente tener una presencia potente en los jurados que siempre son artistas, cineastas, productoras y productores del concierto mundial de mucha relevancia. Nosotros siempre hablamos de que el festival tiene 4 ingredientes que son los más importantes: por un lado, las películas, luego los artistas y cineastas que las realizan, después el público y luego la prensa. Esos son los cuatro elementos principales para que el festival funcione. Por el lado están las películas e invitados que es nuestro foco, para luego conectarlos con la audiencia junto con la prensa. Es una búsqueda que tiene que ver con ir viendo películas, hablar con agentes en distintos lugares del mundo y desde ahí, todos los invitados e invitadas que hemos tenido han sido personas que siempre quisimos traer a SANFIC. Por ejemplo, ahora estamos pensando a nombres para los próximos años. Daniel Brühl es el invitado para esta nueva edición de SANFIC. Haciendo memoria, recuerdo que en la segunda o tercera edición del festival vino a Chile Wolfgang Becker, director de Good Bye, ¡Lenin!, cuando la película era un super hit. Daniel Brühl era muy joven y el protagonista de esta cinta que estaba causando furor en todo el mundo. En conversaciones con el director, me contó sobre el elenco y de este actor que tenía un brillante futuro. Desde ahí que seguimos su carrera y por fin se dio que en este contexto de pandemia pueda participar en esta edición, aunque sea de manera online en un conversatorio. Para nosotros es muy importante que él este, aunque sea virtual y además presentando su primera película. Este año hay películas muy interesantes que traen a la pantalla a David Bowie y Rainer Werner Fassbinder por ejemplo, ¿Podrías contarnos más detalles sobre los títulos que se exhibirán?

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Este año la programación del festival trae un montón de películas que son joyas absolutas y que estuvieron participando en los festivales más importantes del mundo en el último tiempo. Como mencionaste, es interesante destacar la película Stardust, una biopic no autorizada que dio mucho de qué hablar cuando se estaba produciendo, y trata sobre la etapa previa al Bowie más comercial y famoso. La película es muy interesante ya que por los datos que cuenta, uno se puede hacer una idea más cercana sobre el proceso del artista. Está muy bien hecha y los fanáticos de David Bowie y a los que les gusta su música les parecer muy cautivadora. Como bien decías, hay una serie de películas que atraviesan la programación. En la sección Maestros del Cine tenemos 8 películas de directores con una importante trayectoria. Agnieszka Holland o el mismo Andrey Konchalovskiy, un director ruso muy potente. Él presentó en el festival de Venecia ‘Mis queridos camaradas’, una película en blanco y negro preciosa sobre una época de Rusia con temas políticos que tuvo una gran ovación en el mundo. Vamos a tener la posibilidad de verla en SANFIC y estamos muy contentos de exhibirla. La película de Oskar Roehler que aborda la vida de Rainer Werner Fassbinder, es una historia muy intensa que fue parte del Festival de Berlín el año pasado y en esta ficción nos narra el detrás de escena de como este director trabaja su cinematografía. Complementar con la nueva película de la directora japonesa Naomi Kawase, el drama True Mothers. También hay otras dos joyas en esta sección que son muy interesantes: ‘Wheel of fortune and fantasy’ de Ryusuke Hamaguchi, un director japonés muy potente que este año ganó premio en el festival de Berlín y, por otro lado, hay otra película norteamericana titulada ‘Sweet thing’ de Alexandre Rockwell, super indie, que tiene una fotografía, guiones y adaptaciones muy buenas. Es de estas cintas periféricas con historias bien particulares. Para que mencionar la nueva película de Denis Cote, que es un director canadiense muy aclamado y que ya es de nuestra casa. ‘Social Hygiene’ es su película número 10 con la que ganó un premio en Berlín este año. Recuerdo que su primera película fue estrenada en 2006 en la segunda edición de SANFIC, así que estamos muy contentos de tener su nuevo trabajo.

En SANFIC EDUCA quiero destacar la película ‘Las Niñas’ ganadora de dos GOYA este año, dirigida por Pilar Palomera, la gran directora del cine español y europeo. que habla sobre mujeres adolescentes de 12 a 13 años y que habla sobre la búsqueda personal, sexual y de todo tipo. Está muy interesante. Tomás Lipgot es un director argentino que cerró el festival de Buenos Aires BAFICI y trae El Universo de Clarita como premiere internacional. Este documental trata sobre una niña que quiere conocer el mundo de la astronomía. Haremos una super retrospectiva de Ana Katz, una de las directoras con más de los 20 años de importante carrera, quien ha ganado premios en festivales como Cannes y San Sebastián. Ella es muy potente a nivel internacional y en SANFIC queremos hacerle un reconocimiento. Este año estuvo en Sundance con ‘El perro que no calla’, adelantándose a la pandemia con esta película, ya que su temática habla sobre las pandemias en el mundo, y no solo del virus, sino que también de cosas personales y psicológicas. Este año la directora también estuvo rodando una serie para Disney con Benjamín vicuña y actores argentinos. Contar también que ella es actriz y es muy activa en la industria, por eso nos parece importante hacer retrospectiva de directores y directoras que estén vivos. Siempre nos hemos caracterizado por realizar esto y poder compartir con ellos en conversatorios. Ana Katz también será jurado de la competencia internacional, por lo que estará participando muy activamente en esta edición de SANFIC. Será un deleite verla y descubrir su cinematografía. Vera de Verdad de Beniamino Catena, es una producción entre Chile-Italia que tendrá estreno mundial en nuestro país. Fue filmada en el norte de Chile y está protagonizada por Manuela Martelli y Marcelo Alonso. La invitación es a sumergirse en la programación y descubrir títulos, películas, directoras y directores. Hay muchas películas que han sido premiadas y otras que se presentan por primera vez en el festival. Un dato es que de las 86 películas que tiene SANFIC, 35 son chilenas. Háblanos un poco sobre las temáticas de las películas que serán parte de SANFIC17 Para nosotros siempre ha sido muy importante tener una diversidad y ser transversales en lo temático, y en ese sentido tenemos libertad total desde lo editorial para seleccionar películas que vayan con los tiempos. El cine, los cineastas y el mundo audiovisual siempre va recogiendo lo que va pasando en las distintas culturas y en distintos países, y nos interesa traer esas películas con temáticas que estén a la vanguardia, tocando temas en específico, no solo en el cine chileno, sino que también internacional. Las películas traen registros del estallido social, por ejemplo, y como festival nos parece importante recogerlo y reflejarlo, porque son temas contingentes en nuestra sociedad chilena, y como es cine, son documentales creativos, de autor o ficciones. También hay temas con tecnología, ahí hay una sección que se llama ‘Directoras en Foco’, que trae 5 directoras con mucho talento, entre ellas, la mexicana Natalia Almada, que viene generando contenido interesante entre los últimos 5 o 10 años. Ahora aparece con ‘Users’,

esta nueva película narra el tema de los niños e hijos que están todo el tiempo en el computador y en los celulares, abordando esa relación que tienen con sus padres. Almada ganó en Sundance con esta película y es uno de los imperdibles en este festival. En la sección de cortometrajes está pegando lo del calentamiento global, una temática que los cineastas están tratando, por otro lado, está el tema de los indígenas en la Araucanía de Chile. Nos parece interesante y positivo para entregarle al publico nacional estas distintas temáticas para que puedan reflexionar y entretenerse con contenido interesante. ¿Cómo es para ti mirar la primera edición de SANFIC y como han crecido hasta ahora? Es super importante porque era un poco lo que imaginaba. Yo soy uno de los fundadores e hicimos la primera edición en 2005 con Storyboard Media y el 2006 se sumó CorpArtes como organizador, y hemos realizado un trabajo en conjunto todo este tiempo. Siempre lo proyectamos así, queríamos ser un aporte y mostrar en Chile las películas que estaban en los distintos festivales del mundo. Yo soy de periodista de profesión y cuando viajaba me preguntaba por qué esas películas no llegaban a nuestro país. Había todo un circuito internacional y dije ¿hay q hacer algo?, y con harto esfuerzo, trabajo y ayuda de mucha gente de la industria audiovisual que se sumaron al proyecto, lo pusimos en marcha. A medida que van pasando los años el festival va cumpliendo metas; partimos con 45 películas, sumando invitados, apareciendo directores y directoras que venían al país el SANFIC, hicimos presencia en festivales grandes como Cannes, Sundace, San Sebastián, Berlín, Venecia y muchos viajes para hablar del cine chileno y lo que pasaba en nuestra industria. Cuando nace SANFIC también estaba naciendo la nueva ola de cine chileno. Aparecían las primeras películas de Matías Bize, Sebastián Lelio, Pablo Larraín, y recuerdo que tuvimos todas sus primeras películas participando en el festival. Aparecían estos nuevos directores y directoras, recuerdo que en la primera edición ganó nuestro festival Play, la primera película de Alicia Scherson, mientras también se mostraba en Tribeca. Junto con el festival aparecieron estos directores que han sido parte activa de SANFIC. Recuerdo que Tony Manero fue hit en Cannes. Pablo Larraín venía de una crítica increíble en Europa, donde se hablaba que Alfredo Castro era el nuevo Al Pacino. La película estuvo en mayo en ese importante festival y en agosto se presenta y gana como Mejor Película en SANFIC. Siempre se pensó nuestro festival de cara a la industria y que se realizaría en conjunto con sus creadores. Ha sido muy curiosos como en estos 17 años, nuestro festival ha ido creciendo en conjunto con el cine chileno. Siempre quisimos ser un aporte y una ventana, ser un espacio de lanzamiento de nuevos realizadores y también estar de cara al público como vitrina para que la gente en Chile pueda ver estas grandes películas que se exhiben en otros países.

AGOSTO 2021

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DANIEL BRUHL

DANIEL BRUHL:

5 ROLES Y CINTAS MÁS IMPORTANTES.

A propósito de la participación del actor en la 17 versión de Santiago Festival Internacional de Cine (Sanfic), te compartimos una lista de 7 de sus interpretaciones y películas más memorables. El actor de origen español-alemán nacido en Berlín, es bastante reconocido en la industria porque, además de gozar de virtuosos dotes actorales, es un verdadero maestro de la alienación cultural al momento de interpretar sus roles. Siendo capaz de hablar perfectamente cuatro idiomas (español, francés, inglés y alemán), la trayectoria del autor ofrece una rica variedad de trabajos ambientados en diversos rincones del mundo.

“GOOD BYE, LENIN!” (2003) Uno de los trabajos más recordados de Daniel Brühl y una excelente comedia dramática alemana. Sigue la historia de un joven criado en la Alemania del Este durante la Guerra Fría, quien vive la caída del muro de Berlín y la transición de su hogar al sistema capitalista. Todo eso mientras que su madre (una adepta del comunismo), se encuentra en coma. El actor otorga una perspectiva fidedigna de la confusión y disonancia que experimenta un hombre cotidiano enfrentándose a fuertes cambios culturales, a la vez que genera cómicos momentos para los que se presta esta bizarra situación en la que, de la noche a la mañana, un país cuyo mayor rival era estados unidos, ahora cuelga banners de Coca-Cola por todo Berlín.

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“SALVADOR” (2006) La cinta española nominada en los premios Goya cuenta la historia del juicio de Salvador Puig Antich (Daniel Brühl), miembro de un grupo anarquista conocido como Movimiento Ibérico de Liberación (MIL) el cual se dedicaba a cometer atracos con el fin de conseguir fondos para sus actividades en contra la dictadura franquista. Este se trató de un rol especialmente demandante por la carga política que conllevaba y el contexto histórico tan delicado de la época.

SANFIC 17

“THE ALIENIST” (2018) Aunque el actor se destaca principalmente por su trayectoria en el cine, también está logrando abrirse paso como una estrella de la pantalla chica. “El cine sigue siendo mi pasión, pero desde que vi Los Soprano tenía ganas de hacer televisión” manifiesta Brühl. En esta serie original de Netflix de crimen y thriller psicológico, Brühl hace del doctor Laszlo Kreizler, cabecilla de un equipo de investigación que resuelve una serie de crímenes en la ciudad de Nueva York. Su interpretación ofrece una combinación de elementos arquetípicos de roles de este género que al final convergen en un personaje familiar pero interesante a la vez.

“BASTARDOS SIN GLORIA” (2009) En esta versión de Tarantino de lo que fue la muerte de Hitler, Brühl tuvo que interpretar una representación del oscuro pasado de su país: el nazi Frederick Zöller, un héroe de guerra alemán enamorado de una mujer judía que logró escapar de las garras del mítico Hanz Landa (Christoph Waltz) años antes. Esta actuación brindó un fuerte contraste entre un hombre aparentemente correcto y simpático que a la vez es un cazador de judios bizarramente insistente con una mujer que lo ha rechazado en cada ocasión que puede. Una performance realmente incómoda de ver por su efectividad en el carisma de un personaje de naturaleza moral cuestionable.

“RUSH” (2013) Cinta dirigida por Ron Howard, donde el actor interpreta al conductor austriaco de fórmula uno Niki Lauda (papel que le otorgó una nominación como Mejor Actor de Reparto en los Oscar). La historia sigue al icónico automovilista y su contienda con el británico James Hunt (interpretado por Chris Hemsworth). En un rol que despilfarra adrenalina, el actor se encarga de personificar fielmente el perfil del personaje, tanto en su transformación física y sus ademanes como en sus actitudes y pasión por dicho deporte de alto riesgo.

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PARECIERA QUE TODA HISTORIA DE GLAMOUR VA DE LA MANO DE UNA TRAGEDIA. LA CASA GUCCI (2021) POR HAILA LINARES

“LA CASA GUCCI” (UNIVERSAL, PRÓXIMAMENTE) una película que desde la primera imagen oficial dio que hablar por el increíble reparto que incluye a la cantante y ganadora del Oscar Lady Gaga, al también ganador del Oscar, Jared Leto y al nominado al Oscar, Adam Driver entre una larga lista de estrellas. La Casa Gucci está inspirada en la impactante historia real del imperio familiar detrás de la casa de moda italiana Gucci. A lo largo de tres décadas de amor, traición, decadencia, venganza y en última instancia un asesinato, veremos lo que significa un nombre, lo que vale y hasta dónde llegará una familia por el control.

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Basada en la novela de Sara Gay Forden, La casa de Gucci: una sensacional historia de asesinato, locura, glamour y codicia, esta cinta adapta a la gran pantalla el acontecimiento real sobre uno de los crímenes que sacudió al mundo de la alta costura en 1995.

EL ARGUMENTO Nos ubicamos en la época de 1972, en las zonas de la alta alcurnia de Florencia, Italia, existe un grupo de élite que son los herederos de Guccio Gucci, cuyo legado y fortuna se tendrá que repartir entre este codicioso grupo de personas que parecen ser más rivales que parientes. En dicho año a esta ecuación parental se suma la socialité Patrizia Reggiani, que consiguió hacerse paso entre la élite de la sociedad italiana y así contraer matrimonio con Maurizio Gucci, el nieto de veinte años de edad del fundador de Gucci, matrimonio que dió fruto a dos descendencias. “Lady Gucci”, cómo la bautizó la prensa, tenía un extravagante (y derrochador) estilo de vida, apareciendo en las portadas de las revistas luciendo costosas joyas o paseando por las calles de Manhattan en su Rolls Royce valorizado en miles de dólares. Pero su vida daría un vuelco cuando Maurizio decidiera que, siendo un hombre de tanta fortuna y vigor, conformarse con una sola mujer no le iba a ser suficiente, y dentro de los parámetros de la lujuria que lo caracterizaba, dejó a Patrizia por una pareja que gozara de mayor juventud. Esto sumado a unas decisiones financieras de la firma con las que Patricia discrepaba, se empezó a conformar en ella una gran apatía que acabaría en tragedia.

EL REPARTO En esta ocasión, la multifacética cantantautora y actriz Lady Gaga, aclamada por su emotiva interpretación en el clásico moderno “A Star is Born” de 2018, encarna a la enigmática Patrizia Reggiani, conocida también como Lady Gucci, la ambiciosa ex esposa de Maurizio Gucci (Adam Driver), heredero de una de las más importantes firmas de moda de Milán, el cual fue asesinado a tiros en la entrada de su oficina por mandato de Reggiani. Por su

parte, Driver fue aclamado por su interpretación en la cinta “Historia de un Matrimonio” (2019), donde terminó de consolidar su talento para los roles dramáticos. Todo indica que con estos protagonistas nos deleitaremos con una dinámica que gozará de gran química basada en tensión y rivalidad. La cinta está conformada por un elenco principal espectacular, cada miembro contando con nominaciones o galardones de la academia, un reparto digno de una “verdadera producción Hollywoodense”. Además de los ya mencionados, entre los roles más importantes se encuentran: Al Pacino como Aldo Gucci, quien en la vida real tuvo una gran rivalidad con Maurizio para hacerse de la dirección general de la firma y fue también el responsable de expandir internacionalmente a la marca. Jared Leto, quien dará vida a Paolo Gucci, hijo del personaje que interpreta Al Pacino. Este, al igual que su padre, estuvo sumido en una gran codicia que lo lleva a tener una disputa con

su primo Maurizio por el control de la empresa familiar. Jeremy Irons como Rodolfo Gucci, padre de Maurizio, el cual siempre desconfió de Patrizia. Y Salma Hayek, una de las mexicanas más consentidas de Hollywood, interpreta a Giuseppina “Pina” Auriemma, una amiga clarividente de Lady Gucci.

EL DIRECTOR El inglés tres veces nominado al Oscar y al Globo de Oro por mejor dirección y candidato a la Palma de Oro en Cannes, Ridley Scott, ha destacado desarrollándose como especialista en el género de la ciencia ficción. Sin embargo, también ha demostrado desenvolverse en otros géneros. Es reconocido por cintas como “Alien” (1979), “The Martian” (2015), la película de distopía neo-noir “Blade Runner” (1982), el clásico de roadtrip “Thelma y Louise” (1991), y el drama histórico “Gladiador” (2000), entre los títulos más emblemáticos.

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LO QUE NOS DEJÓ EL TRAILER Al ritmo de Blondie con el icónico tema Heart of Glass, el adelanto publicado el pasado 29 de Julio nos da un primer vistazo a la perspectiva que nos ofrecerá el director sobre el fatídico pero icónico acontecimiento. Se muestra el contraste de unas psicodélicas atmósferas de fiesta y regocijo con escenas de las mansiones y las locaciones de los paisajes europeos en una sombría fotografía en tonos fríos y poco saturados. Esta cinta lo que más promete son actuaciones muy ambiciosas y memorables. De la misma forma,

tratándose de un biopic, la mayoría del público ya conoce el desenlace y trayecto de la historia, así que se espera una gran ejecución en la narrativa. A juzgar por el tráiler, algo de lo que obtendremos mucho será un lenguaje audiovisual y composiciones impactantes que realmente ejemplifican el glamour y la traición que caracteriza el relato. Quizás, se podría tratar de un trabajo que encuentre semejanza con la cinta biopic “I, Tonya” (2017), sobre la patinadora Tonya Hardin (involucrada en un escándalo similar al de Reggiani) interpretada por Margot Robbie, (actriz que incluso en algún punto fue considerada para el papel de Lady Gucci). Otra producción a la que recuerda esta cinta es claramente a la segunda entrega de la serie antológica de Ryan Murphy, “American Crime

Story”, que relata los acontecimientos que concluyeron en el escandaloso asesinato de otro ídolo de la alta costura, Gianni Versace.

LA TRANSFORMACIÓN DE JARED LETO Si el actor de “Requiem por un sueño” (2000) ya nos había demostrado sus habilidades para el mimetismo, en esta ocasión parece que se ha superado completamente. Tanto en los posters oficiales como en el trailer luce completamente irreconocible, escondido tras grandes capas de maquillaje, prótesis y un drástico cambio de físico. Un rol que desde ya se comenta que cumple con todas las condiciones para ser un candidato favorito en la próxima ceremonia de los Oscar y llevarse a casa una segunda estatuilla (ya que es bien sabido que las transformaciones físicas en los actores son uno de los grandes caprichos de la academia). Y efectivamente, esta no es la única ocasión en su carrera donde realiza una drástica metamorfosis en nombre de la actuación de método. Todo empieza con el rol de Harry Goldfarb en “Requiem por un sueño’’ (2000), donde tuvo que interpretar a un perturbado drogadicto de aspecto desnutrido. Para luego comprometerse con roles mucho más radicales, cómo dar vida al asesino de John Lennon en “Chapter 27” (2007), un papel por el cual tuvo que ganar 30 kilos, y cómo consecuencia sufrió severos problemas en las articulaciones y una artritis que lo aqueja hasta el día de hoy. Años

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después, para poder interpretar el papel de un joven transexual infectado de VIH en “Dallas Buyers Club” (2013) (actuación que lo llevo a conseguir un Oscar), tuvo que bajar alrededor de

20 kilos a base de radicales ayunas. Siempre mostrando su dedicación tanto física como emocional con los papeles que le toca encarnar.

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NOTICIAS

SAYEN AMAZON PRIME VIDEO ANUNCIA AL ELENCO DE

RALLEN MONTENEGRO Y ARÓN PIPER ENCABEZAN EL ELENCO DE SAYEN, LA PRIMERA TRILOGÍA DE PELÍCULAS DE ACCIÓN ORIGINAL DE AMAZON.

La historia sigue el viaje de SAYEN, una mujer Mapuche que descubre una peligrosa conspiración que está destruyendo los ecosistemas locales a lo largo de Latinoamérica Amazon Studios reveló hoy el elenco de su Amazon Original SAYEN, la primera trilogía de películas de acción en Chile. El elenco de Sayen estará liderado por Rallen Montenegro (Inés del Alma Mía), Arón Piper (Elite), Roberto García Ruiz (Money Heist), Alejandro Trejo (Taxi para Tres), Loreto Aravena (Los 80), Eduardo Paxeco (Una Mujer Fantástica), Teresa Ramos (Antofagasta), Roberto Cayuqueo (Neruda), y Camilo Arancibia (Inés del Alma Mía). Rallen Montenegro fue elegida mediante un casting abierto realizado en Chile, durante el mes de abril de este año y fue elegida entre más de 250 participantes. La trilogía Amazon Original, Sayen, está dirigida por el aclamado director de películas de acción Alexander Witt (007 No Time to Die, Fast Five, Avengers: Infinity War,

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X-Men: First Class, The Bourne Identity) y producida por el equipo ganador del Óscar, Pablo y Juan de Dios Larraín y Rocío Jadue (Una mujer fantástica, Jackie, Gloria Bell, Neruda) de Fabula. Este thriller de acción sigue el viaje de Sayen, una mujer Mapuche que descubre una peligrosa conspiración liderada por una corporación que está destruyendo las tierras de su familia y acabando con los ecosistemas locales a lo largo de Latinoamérica. Sayen se encargará de llevar el caso ante la justicia y salvar el legado de su familia.

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AUDIOVISUALES MÚSICADE CULTO

KARLA GRUNEWALDT LA MAGIA MÁS ALLÁ DE LOS SUEÑOS

La joven promesa nacional hizo lanzamiento de su nuevo single ‘En tus manos’ y prepara el lanzamiento de su primer disco. Con solo 24 años, Karla es la nueva artista chilena con más reacciones en YouTube. Ha sido llamada “la revelación del Indie pop” y asociada a grandes exponentes internacionales, como Bjork, Florence and The Machine y Aurora. Pero sin duda, algo que la diferencia de otros artistas es su esencia mística y propuesta visual, con tintes cinematográficos y fantásticos. Lo anterior le ha llevado a ser nombrada por su público “el hada de la música”. Sus canciones han identificado a miles de personas por tratar temáticas basadas en el autoconocimiento, amor y empoderamiento.

ENTREVISTA Y REDACCIÓN BENJAMÍN SCOTT FOTOGRAFÍAS DANIEL GRUNEWALDT

través de la música. Mis primeras melodías no se las mostraba a nadie porque era muy tímida en ese entonces. A los 16 años, más grande y con más confianza, mostré “En tus manos” a mi familia y ahí cambió todo. La música me empoderó y me permitió valorar lo que me hacía distinta, fortalecer mis amistades y mi amor propio.

Hablemos del nuevo single. Este 30 de julio hiciste el lanzamiento de tu canción titulada ‘En tus manos’, pero es una canción que escribiste cuando tenías 13 años. ¿En qué proceso interno te encontrabas en ese momento para escribir esta letra?

Es interesante que, a pesar de tener tan corta edad, el contenido musical que compones por estos días sigue proyectando el mismo mensaje. ¿A qué crees que se deba esa coherencia en tu música a pesar del tiempo?

A esa edad estaba viviendo un proceso interno de descubrir quién soy. Fue una etapa compleja porque empecé a notar que tenía intereses diferentes en relación a la mayoría de mis pares. Frente a eso, algunas veces me llegaron comentarios sobre mi forma de ser y aspecto físico. Esos comentarios puedes llegar a creértelos porque estás en una etapa muy vulnerable, en la que quieres gustarle a los demás y sentirte aceptado. Ahí me encontré en un estado más melancólico y de cuestionamientos sobre mí misma, eso hizo que naciera en mí expresarme a

Creo que a pesar de la edad siempre hay algo que nos falta trabajar de nosotros mismos. Y he visto lo necesario que es, en cualquier etapa de la vida, trabajar la identidad, el sentirte capaz y suficiente. Me han escrito personas desde 13 hasta 60 años o más para contarme que alguna de mis canciones les llegó. En mi música espero ofrecer un espacio de contención y/o entretenimiento a quien lo necesite. Son temáticas transversales que me siguen llegando por la energía sanadora que ofrecen.

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Eres la directora del videoclip En

tus manos, ¿Cómo es el desarrollo del trabajo para la construcción cinematográfica? Para mí el proceso de trabajo de los videoclips debe ser entretenido, emocional, reflexivo y de mucha libertad, es decir, de no dejarte obstaculizar por ciertas normas, o por no tener cierto equipo técnico, etc... Me gusta que la experiencia sea un disfrute, algo que pueda atesorar, así como lo fue crear la canción. Suelo partir escuchando la canción una y otra vez con los ojos cerrados, visualizando lo que me gustaría proyectar. Qué colores identifican a la canción, qué texturas, qué espacios. Si es que quiero una narrativa o más bien jugar con estética o con símbolos para que el espectador pueda interpretar. Por eso siempre busco integrar en mi equipo a personas talentosas, profesionales, pero también empáticas, que entiendan como es trabajar con un artista. De la forma en que yo lo veo y siento. Los cantautores no estamos en la pantalla interpretando un personaje, como podría hacerlo un actor, somos nosotros mismos en un contexto distinto, que puede ser más o menos onírico. Y creo que tu equipo debe entender eso, que vas a proponer ideas y, en mi caso, querer dirigir/

“LA MÚSICA ME EMPODERÓ Y ME PERMITIÓ VALORAR LO QUE ME HACÍA DISTINTA, FORTALECER MIS AMISTADES Y MI AMOR PROPIO”. AGOSTO 2021

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MÚSICA

co-dirigir, o que van a haber tomas que te van a gustar más que otras, etc. Tú como cantautor conoces el mensaje de tu propia canción y lo que quieres transmitir, y es valioso que participes de forma activa, compartas tus opiniones, especialmente cuando eres independiente y la mayoría lo gestionas y financias tú mismo. Entiendo que encontraste influencias en libros para ‘En tus manos’… Este año he leído mucho, y eso me ha abierto mucho la mente. Con cada lectura te sumerges en un universo nuevo, conectas con ciertas emociones y trabajas tu empatía con los personajes de esa historia. Lo que encuentro lindo de la lectura es que te obliga a imaginar, a mirar dentro de ti para crear esas imágenes. Por lo mismo creo que es muy nutritivo no solo escuchar música para componer música. El cine, la literatura, la fotografía y otras formas de arte, también son muy inspiradoras y pueden provocarte emociones, ciertos tipos de melodías y sonidos. En lo personal disfruto mucho leyendo de magia, fantasía y ciencia ficción. Libros que hablen sobre autoconocimiento, símbolos, conexión con la naturaleza, mitología, y también historias de fantasía y ficción que abordan temáticas más profundas y oscuras, como “La ballena” de Aldo Berríos y “Las malditas” de Stacey Halls. Me pareció ver muchas referencias de Midsommar. En ese mundo mágico y positivo que creas, se me hace muy interesante que agregues referencias de un cine tan oscuro, que en tu trabajo no se nota directamente si no haces relación. Nos podrías contar de las referencias cinematográficas en ‘En tus manos’ y ¿Cómo involucras la oscuridad y la melancolía en tus canciones? Algunas inspiraciones cinematográficas que tuve para este vídeo fueron Into the wild y The Revenant, y otras menos obvias como Midsommar. Siento que ahí está la magia de incluir referencias, que algunas sean sorpresivas. Cuando mezclas mundos muy distintos van surgiendo ideas más originales. Es verdad que hay muchas cosas hechas, y que a veces hay coincidencias porque las personas se inspiran en algo similar, pero no creo que todo esté creado, eso sería algo muy

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“LO QUE ME MUEVE ES HACER MÚSICA Y QUE SEA UNA HERRAMIENTA PARA AYUDAR A OTRAS PERSONAS Y A LA NATURALEZA, TAN DAÑADA Y OLVIDADA”.

desesperanzador y aburrido (jajaja). El cómo aplicas una cosa de un área a otra puede generar cosas nuevas y muy creativas. En este caso, Midsommar, teniendo una historia muy distinta a la que busco entregar con “En tus manos”, sí tenía un sentimiento de oscuridad que quería incluir. Me gustaba mucho la estética y las tomas que realizan a la protagonista. A esto sumé mis lecturas sobre runas y oráculos, un tema que me intriga mucho. El videoclip de la canción finalmente representa un proceso de lucha personal, que pasa por un periodo de desolación

y frío, donde te van llegando señales en forma de símbolos (las runas) que debes recoger con tus manos e interpretarlos para seguir avanzando. Poniendo otro ejemplo, en mi primer videoclip, Desatar, hay una fuerte inspiración en lo pagano, pero también en los viajes, las dimensiones, las antigüedades y el anime, y creo que eso lo vuelve un universo muy específico y propio, que, por supuesto podría tener similitudes con otros universos, pero nunca ser el mismo. Hiciste una especie de oda a la

“LOS CANTAUTORES NO ESTAMOS EN LA PANTALLA INTERPRETANDO UN PERSONAJE, COMO PODRÍA HACERLO UN ACTOR, SOMOS NOSOTROS MISMOS EN UN CONTEXTO DISTINTO, QUE PUEDE SER MÁS O MENOS ONÍRICO”.

debe nacer hoy, porque ya estamos contra el tiempo. Como que los seres humanos necesitamos que esté todo en llamas y explotando ante nuestros ojos para recién actuar. Lo mismo ocurrió cuando comenzó la pandemia, que no se tomaron acciones cuando aún se podían evitar muchas muertes. Yo creo que los seres humanos podemos llegar a amar más a la naturaleza que al dinero, ¿sabes? pero muchos deben hacer un trabajo interior muy potente para llegar a eso. Llegará el día en que ni siquiera el dinero podrá restaurar la tierra. Hoy nos encontramos en ese punto donde las cosas pueden ir muy bien o muy mal. Creo que podríamos ser la generación que salvó la tierra. Dedicarse a la música implica de una pasión tremenda, arduo trabajo, constancia, estudio, entre muchas otras cosas ¿Qué es lo que hay dentro de ti que te tiene hoy aquí? naturaleza en este videoclip. Y es fascinante que en tu música seas tan inspiradora, pero mirando el escenario actual al que se enfrenta el planeta debido al cambio climático, ¿Cuáles son las motivaciones y esperanzas que hacen que el mundo te siga pareciendo mágico? Creo la magia está en creer que podemos mejorar el mundo cambiando nuestro interior. Creer que hay personas con esa bondad en el corazón. Pero también hay que caer en la realidad de que ese cambio en nosotros

Esperanza sería una palabra que describe bien lo que llevo dentro. Tener fe de que las cosas van a mejorar, y que podremos superar esta pandemia, compartir más con quienes amamos y disfrutar del arte y de la naturaleza, que hacen tan bien a la salud mental. Sin esperanza ni metas, aunque sean a corto plazo, siento que hay un vacío, al menos para mí. He aprendido con el tiempo a disfrutar el día a día, los pequeños logros y estar en el presente, pero también me gusta sentir que algo me mueve hacia el futuro. Y justamente lo que me mueve es hacer música y

que sea una herramienta para ayudar a otras personas y a la naturaleza, tan dañada y olvidada. Es mi terapia, y al mismo tiempo una ambición, pero no desde un lado negativo, la veo como una ambición hermosa, un desafío creativo y una motivación constante para reflexionar y entregar mensajes. ¿Como es el proceso de creación junto a tu familia? No tenemos un proceso de creación 100% estructurado, ya que a veces la inspiración viene de diferentes situaciones. Un día puede ser que despierte con una melodía en mente, que haya soñado algo interesante o revelador, que haya visto una película o leído un libro que me inspira a crear una canción. Grabo esa melodía para que no se me olvide y empiezo a acompañarme de algún instrumento, luego comparto esta creación con mi familia y empezamos a crear el arreglo y la producción musical. Puede ser que modifiquemos ciertos aspectos de la melodía o que quede tal como está, y en ese proceso voy escribiendo también la letra y pensando en el videoclip. Va ocurriendo de todo (jajaja). Concepto, música, letra, ¿Qué es lo primero que nace para la creación de tus canciones? En general me nace primero la melodía, pero siempre a partir de un sentimiento. Me es difícil crear si no estoy sintiendo algo de corazón. Ese senti-

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MÚSICA miento puede venir por una vivencia propia, porque vi una película o un amigo/a me contó algo que le pasó. De la mano de ese sentimiento vienen los conceptos, imágenes literarias, empiezo a profundizar en ese concepto y me pongo a escribir la letra.

pueda contener más oscuridad, como Ni siquiera el dinero. Esa canción contiene mucho arrepentimiento, culpa, melancolía, pero invita a despertar de esa oscuridad, disculparte y ver cómo volverte mejor una vez que reconoces tus errores y carencias.

¿Cuáles son tus influencias musicales y cinematográficas para tu música y estética?

En el arte en general se toman referencias para las creaciones. Para ti como artista independiente y mujer que apoya y aporta en la comunidad de músicas chilenas, ¿Qué te pasa al ver la falta de apoyo de un porcentaje mínimo de grandes artistas a las nuevas promesas musicales? ¿Qué te genera ver a veces como ‘se inspiran’ o directamente copian conceptos de músicos emergentes?

A nivel musical mis influencias son muy diversas, pero principalmente tengo que nombrar a Bjork, Dido, Tori Amos, Enya, Stevie Nicks, Roxette y Michael Jackson. Crecí escuchando su música, y siempre me llamó la atención sus formas de hacer música pop, con mezclas de sonidos muy propios e innovadores, dando como resultado algo épico y hasta cinematográfico. Actualmente me identifico mucho con cantautoras como Aurora, Birdy, Taylor Swift, Florence Welch y Lana del rey. También tengo que nombrar a exponentes del folklor de nuestro país, como Violeta Parra y Eduardo Gatti, que son mi principal inspiración al momento de escribir las letras, y trovadores como Ángelo Escobar, que escuchaba mucho en mi etapa escolar, uno de los primeros en motivarme a ser cantautora. Los sonidos celtas, nórdicos también me encantan y me erizan la piel. La verdad es que tengo una fuente de inspiración bien diversa. Respecto al cine, me nutro mucho de series estilo Outlander, Vikings, GOT, Luna Nera, películas como El laberinto del fauno, Call me by your name de Luca Guadagnino, pero también documentales, especialmente los que abordan temáticas sociales, medioambientales o existencialistas. Documentales como “The Internet’s Own Boy: the Story of Aaron Swartz”, “Seaspiracy” y “Cowspiracy” me inspiraron a escribir una canción que se llama “Autómatas de piel” y que irá en el disco. Otros documentales que recientemente me han gatillado inspiración han sido “Nostalgia de la luz”, “Mi maestro el pulpo” y “El agente topo”. ¿Cómo sientes que tu música aporta en la comunidad? He visto que a muchas personas les ayuda a sentirse acompañados en diferentes procesos y estados emocionales, ya sean de felicidad o tristeza. La música puede ser muy poderosa y por eso siempre siento una responsabilidad de ofrecer una luz en mis canciones, aunque el single en sí

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Yo me siento muy agradecida de haber recibido el cariño de grandes artistas como Nicole y Denise, que han compartido mi proyecto en muchas instancias. Creo que sería muy bueno promover más colaboraciones entre nosotras, artistas con más años de experiencia y artistas más emergentes. Nos podemos nutrir mutuamente. Respecto a la inspiración, creo que inspirarse es algo que todos los artistas hacemos. Nos inspiran colores, texturas, sonidos, historias, conceptos, muchas cosas que ya son del colectivo. Y por lo mismo siento que es un trabajo de honestidad y humildad decir que dentro de tu proceso creativo “X” artista te inspiró o motivó, especialmente si es emergente. Eso no te vuelve menos creativo o cool. Siento que, si te da temor compartir tus referentes, hay algo que no está resuelto aún, y hay que preguntarse qué es. Quizás aún no te has encontrado a ti mismo del todo, o no confías en la originalidad de tu proyecto. Si viene del corazón tu arte nunca va a quedar igual a tus referentes porque sabes que has puesto de tu propia cosecha e identidad, y que tu intención no era la copia misma. La gente percibe cuando algo es honesto, o es solo algo que haces por moda, tu propio ego o por competir. Cuando hablemos de pop chileno en unas décadas más ¿Qué papel en la música chilena desempeñaría Karla Grunewaldt? Me gustaría seguir entregando contenidos de valor para la gente, tocar en vivo, seguir escribiendo canciones. ¿Llegar a mis 60 años cantando, vistiendo con estilo y ser una maga que salta en el escenario sería mucho pe-

dir? (Jajaja). Pero más allá de eso, si llego a establecerme más como artista, me encantaría poder ayudar a los nuevos a tener su espacio en la escena musical. Tu música se conoce por envolver un universo lleno de magia. ¿Este es tu propio mundo o hay que separar alguna realidad de la creación? Es mi propio mundo, pero yo diría que visto desde un lado más espiritual. Cómo vivo los desafíos que se me presentan, representadas de formas más metafóricas y oníricas. Para ti, escribir una canción es ¿Ordenar la vida liberando un sentimiento o es descubrir que el mundo es opaco e indescifrable? Creo que una mezcla de ambos, primero liberar un sentimiento, luego

KARLA GRUNEWALDT relación extraña con la muerte. Me provoca inquietud y temor y prefiero no pensar mucho en ella, pero sé que evitarla tampoco es algo bueno. Se ha presentado de formas diversas en mi vida, como algo liberador y también asociada a un fuerte sufrimiento. Escribir sobre eso, como en “Efímeros” y “Ni siquiera el dinero”, me ha ayudado a no volverla algo tan tabú y analizar mi sentir al respecto. Aceptar que ocurre y que es parte del ser humano. Estás ligada al mundo esotérico, ¿Cómo unes todo ello a tu música? La magia es mi expresión espiritual. No me identifico con ninguna religión en particular, por lo que rescato aquello que me hace sentido para formar mi propio camino. En ese sentido me gusta conectar con la energía de los elementos de la naturaleza, mis piedras, amuletos, plantas, símbolos. Me gusta la magia porque no es solo creer (lo cual es muy importante), también es hacerte cargo, experimentar y aplicarla en tu día a día, sino, no funciona. Como buena sagitario-capricornio, me gusta usar mis manos para materializar mis sueños y deseos (jajaja). Creo que hago lo mismo con mi proyecto musical. Tomo aquello que me hace sentido, a nivel de sonidos, letras y temáticas. No busco pretender con ella algo que no soy ni me mueve. Y siempre he pensado que prefiero que mi autenticidad me abra puertas, a vender mi corazón y ser infeliz siendo algo que no soy, citando mi canción transparente, que justamente habla de eso. le pongo algo de cabeza y empiezo a transformar aquellas vivencias difíciles y lo que me rodea en algo más bello. El arte ayuda a ver lo bello que puede ser el mundo. La muerte se acercó a tu familia en el último tiempo, fue así como escribiste ‘Ni siquiera el dinero’, tu canción que se acerca más al rock, y como hablábamos al inicio, aquí se puede ver un tono más de oscuridad. ¿Piensas seguir indagando en ese estilo? Creo que cada canción que hago viene desde un lugar oscuro. Pero busco darle luz a esa oscuridad. Las personas somos sombra y luminosidad al mismo tiempo, depende mucho desde donde miremos. Tratar temáticas oscuras es como hacer un trabajo de crecimiento personal. Por ejemplo, siempre he sentido que tengo una

¿Cómo lidia Karla Grunewaldt con la oscuridad del mundo para plasmar lo bello que existe en él? A través de la música. Es mi mayor aliada y me invita a ver las cosas lindas del mundo y ser consciente de los aprendizajes. Tiene un poder transformador muy grande. Siempre que hay un momento oscuro, la música está ahí para acompañarme. Además, me une con mi familia, mis amigos y personas que no conozco, pero con las que compartimos emociones, intereses y vivencias. Me enraíza con el mundo terrenal y me eleva hacia el universo. A tu corta edad, ¿Cuál es el mensaje que quieres entregar con tu música? El mensaje es que todos somos capaces de transformar nuestras vidas, y

volvernos nuestra mejor versión. Usar las energías para cambiar es la definición de magia que tiene sentido para mí. Pero el deseo de cambio debe venir de corazón, sino las energías no te van a responder. Una frase que me gusta mucho es “Cómo es adentro es afuera”. Si logramos alinear nuestro poder interno con el exterior, la naturaleza, lo que llevamos dentro se replicara a nuestro alrededor y lograremos transformar nuestro entorno, como dice un libro de Susana Aguilar. Yo transformé mi vida así este año, porque venía de un estado depresivo, ese que las personas no comparten en redes sociales. A mí me afectó mucho la pandemia, el no poder compartir con libertad, y la muerte de un ser amado y amigo. Al volver a conectar con la magia como expresión espiritual, comenzaron a aparecer personas maravillosas en mi vida y oportunidades. Comencé a ver el mundo desde otra arista, menos dura y a agradecer hasta lo más pequeño. Tomé los momentos duros e injustos y construí una versión más firme de mí misma, que hace caso a su intuición, y establece límites claros sobre qué aceptar, y a qué/quién decirle adiós. En fin, qué difícil de por sí ya es ser un humano jajaja, aprendes mucho y a la vez no sabes nada de otras cosas. Hay que intentar volver esta estancia en el mundo más bella y significativa. ¿Qué se viene para Karla Grunewaldt? Se viene mi próximo disco en noviembre de este año. Tendrá muchas canciones, porque será el cierre de un primer ciclo. Muchas de ellas no han salido como single. Son canciones que he ido escribiendo desde mi adolescencia, que hablan de lo que viví durante esos años, y del proceso de reconocer mi propia piel. En sí el disco es un viaje tanto en lo emocional como en lo espiritual. Algunas canciones son más terrenales, otras mucho más oníricas. Hay como una dualidad siempre, entre oscuridad y luz, tierra y agua, aire y fuego, lo urbano y lo natural, realidad y fantasía. Pero todas las canciones están unidas por un sonido más épico y cinematográfico, y estarán ordenadas en el disco desde la primera a la última por una razón. La razón de ese orden me gustaría que la descubrieran mis hados una vez que lo escuchen. Puedo adelantar que la última canción del disco es “Luz”, mi favorita. Hasta aquel entonces seguiré lanzando singles cada mes previo al estreno del disco completo.

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MÚSICA

CARONTE MAYO

KARLA NOS REVELA LOS SECRETOS QUE SE ESCONDEN EN SU RECIENTE VIDEOCLIP “EN TUS MANOS”. Los secretos del video están en los espacios de la naturaleza elegidos, y los símbolos que quise incluir, que se llaman runas. Runa significa en lengua gótica “secreto” o “susurro”. Para los celtas, vikingos, germanos y otros pueblos nórdicos, las runas son las letras de su alfabeto. Según la mitología, las runas fueron reveladas al dios nórdico Odín, pero a cambio de ese conocimiento tuvo que hacer un gran sacrificio. Para el videoclip quise inspirarme en esa historia. Creo que todos vivimos situaciones desafiantes, dolorosas, y muchas veces injustas, de las que podemos optar por aprender algo. A Odín se le revelaron las runas en los árboles. En mi caso quise

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que la revelación fuera a través de la nieve y el río, porque es donde me he visto meditando y aprendiendo cosas. La primera runa en aparecer en el río es Mannaz y simboliza el deseo de cambiar. Cuando aparece Mannaz, la invitación es a conocerte a ti mismo. Luego, en el momento de crisis estando en la nieve, aparece la runa Algiz, que significa protección, y quiere decir que, a pesar del frío, el hambre y la desorientación, tengas esperanza, tus guías te están cuidando y saldrás de eso. Después aparece una tirada de 3 runas en el río: Nauthis, que representa que hubo un pasado de sufrimiento, un lado oscuro y reprimido que detenía el crecimiento. Teiwaz, que simboliza

el presente, la victoria y el ascenso, y Kano, la runa del futuro, representando la luz que vendrá a disipar la oscuridad. Ya al final del video, se revelan todas las runas juntas, indicando que se ha logrado el aprendizaje. Además de mostrarse todas, aparece un símbolo más grande que es el que abre paso a la tierra de las hadas, donde solo hay calidez, paz y amor. Ahí es cuando viene la coronación con flores, que para mí representan la prosperidad y fertilidad en la vida.

KARLA GRUNEWALDT

MANNAZ

ALGIZ

NAUTHIS, TEIWAZ, KANO AGOSTO 2021

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ENTREVISTA DIRECTOR

IÑAKI VELÁSQUEZ _ LA VERSÁTIL CARRERA DEL DIRECTOR PROMESA 44

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Con un portafolio de diversos proyectos como cortometrajes, videoclips, series web, documentales, música y ahora una novela, el joven director chileno nos cuenta sobre los distintos enfoques que tiene al crear y los proyectos que tiene a futuro.

ENTREVISTA BENJAMÍN SCOTT

Hablar de cine chileno durante los últimos años es cada vez más alentador. Si bien, las producciones nacionales llevan años siendo reconocidas en los mejores festivales de cine a nivel mundial, la llegada del país a los premios Oscar en el último tiempo, ha servido para abrir mucho más espacio a nuestros realizadores. Es así como grandes promesas salen de las escuelas de cine llegando con producciones como parte de su aprendizaje visual, donde podemos apreciar una cinematografía que los pone de inmediato en la palestra del presente y el futuro. Esto ha permitido que los más jóvenes trabajen con increíbles elencos debido a su gran despliegue y talento. Es por eso, que conversamos con una de las grandes estrellas nacionales que, a lo largo de su corta, pero exitosa trayectoria, ha logrado llegar a importantes festivales a lo largo del mundo, e incluso, ha trabajado con actrices de talle mundial, con un énfasis en darle un enfoque comercial a un cine que no deja de lado la calidad narrativa. Hablamos de Iñaki Velásquez, el joven chileno que tiene más de 10 producciones a sus espaldas con distinto contenido y enfoque, sumada de una carrera musical que inicia y el proyecto de su primer libro. Conversamos con el director para adentrarnos más en su carrera: ¿Cuál es tu motivación para contar las historias que pones en la pantalla?

Visibilizar realidades y aportar al imaginario colectivo a través de la emoción. Me gusta llevar historias muy particulares a un espectador lejano a esa vivencia, que pueda emocionarse y conectar a pesar de lo diferente que es su situación. También me interesa mucho hacer un cine que sea comercial, que logre un impacto. Mi objetivo es cambiar el paradigma del cine de autor sin éxito comercial y el cine comercial con baja calidad narrativa. Estoy seguro que se puede hacer una mezcla perfecta. Tus trabajos han llegado a diversos festivales de cine ¿Cuál fue tu reacción la primera vez que uno de tus trabajos fue parte de un festival? Te confieso que en mi primera selección, no entendía mucho. Fue un corto que hice en mi primer año en la universidad, y quedó en el festival de Palm Springs (el festival de cortometrajes más grande de Norteamérica, clasificatorio a los premios Oscar). Yo sabía que era un festival importantísimo, y obviamente me sentí muy emocionado. Pero en ese momento yo no entendía lo difícil que era lograr una selección. No sabía que a ese festival postulaban alrededor de 12.000 cortometrajes de todo el mundo. Incluso, muchos cortos que he hecho después, no han logrado ser seleccionados en Palm Springs. Fue un gran logro, y me siento orgulloso de ese Iñaki de primer año. Mirando esa instancia, has estado en festivales de USA y tu trabajo ha formado parte de selecciones que llegan a los Oscar, ¿Qué significaría para ti llegar a los premios más importantes del cine? Efectivamente,

hemos

sido

seleccionados en varios festivales clasificatorios al Oscar. Hemos ganado sólo una vez (el 2018, el festival Curta Cinema de Rio de Janeiro). Ganar esa categoría competitiva permite que tu puedas enviar el cortometraje para ser evaluado por los jurados que votan en los Oscar. Después viene otro proceso de selección, donde siempre hay entre 100 y 150 cortometrajes de todo el mundo, luchando por esos 5 espacios en las nominaciones. Lograr una nominación a un Oscar sería un sueño. Obviamente es el cliché de un cineasta, pero en mi caso hay otra motivación también. Quiero lograr una nominación, porque así podría hacer mi primer largometraje con una mayor exposición, con una validación previa. Estoy seguro que eso me permitiría hacer una película con mayores posibilidades de éxito comercial, que a la vez me permita posicionarme como director a futuro. Es mucho el riesgo de hacer un largometraje (que lleva tanto trabajo), y que sea un fracaso comercial o crítico. Yo quiero ser estratégico. Sé que hago un buen trabajo, que tiene peso artístico y social. Pero el espectador chileno no lo sabe. Una nominación al Oscar sería un antecedente convincente para que alguien pague una entrada al cine y vea mi película. Cuando entraste a estudiar cine recién estábamos ingresando en la recta de que las obras audiovisuales chilenas fueran parte de los Oscar, hoy ya parece algo más cercano ¿Cuál es tu perspectiva respecto al crecimiento y la visibilidad del cine chileno? Es increíble. Efectivamente cuando decidí estudiar cine, no se había logrado una nominación aún. Además de los Oscar, el cine chileno es

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considerado uno de los más exitosos a nivel internacional. Podemos ver películas chilenas nominadas en todos los premios y festivales más importantes. Obviamente, eso hace que sea más la “competencia” por llegar así de lejos. Pero en mi caso, lo único que hace es motivarme. El cine chileno es diverso, poderoso y tiene muchísimo potencial, y eso viene de las mentes creativas que hay detrás de una película, porque industria desarrollada no tenemos aún. Viéndolo desde ese punto de vista, el mérito es aún mayor.

zapatos, como se tocan las manos, lo que tienen en sus habitaciones y como los retrata, por ejemplo.

La cinematografía en tu trabajo es una de las mas destacables a nivel nacional. ¿Cuál es tu inspiración y tu método para lograr la atmosfera en tu trabajo?

Por otro lado, he tratado de diversificar mi filmografía con una webserie inspirada en las tribus urbanas, que lo toma desde un lado más comercial. También videoclips de fantasía, como “Desatar” de Karla Grunewaldt. Ahora estoy preparando varios proyectos diferentes, lo que me motiva mucho. Aún tengo que encontrar una voz definitiva, y sigo explorando.

Una de mis más grandes inspiraciones es el cine asiático, en particular de Studio Ghibli. Son películas animadas en 2D, dibujadas a mano. Se destacan por contar historias fantásticas, pero siempre con una perspectiva de conciencia social, ambientalismo o simplemente de contar historias que son más profundas de lo que parecen. Hayao Miyazaki, el director de varias de esas películas (como “El Viaje de Chihiro”), siempre se fija en detalles muy humanos y sencillos. Detalles que no todos los cineastas se detienen a explorar, pero que aportan un montón. Como un personaje se abrocha los

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El cine asiático tiene esa humildad al fijarse en los detalles, y a veces cuentan historias muy pequeñas. No todo tiene que ser un espectáculo. Eso me toca la fibra personalmente, y siento que me emociono mucho con películas de animación (de las gringas también), porque conectan desde emociones más inocentes. La película “Onward” de Pixar me hizo llorar sin poder parar, por ejemplo.

La mirada de Iñaki Velásquez en la pantalla siempre busca algo (en su mayoría el cine siempre lo busca) ¿Qué mensaje quieres entregar al mundo con tu arte? En concreto, mi cine autoral busca conectar con las emociones para que seamos más empáticos como seres humanos. Quizás suena evidente, pero es algo que nos afecta en

demasiados sentidos, sobre todo en un país tan dividido. Mis historias casi siempre tienen inspiraciones reales, y buscan darle un espacio a vivencias muy específicas, que puedan tener visibilidad y logren tocar una fibra emotiva en la gente que las ve. En el caso de “Señales” (un corto sobre el abuso doméstico en cuarentena), nos pasó que generó un gran revuelo en redes sociales porque muchas mujeres se sintieron identificadas y nos escribieron contando sus experiencias. En pandemia, subió un 70% el número de llamados por situaciones de abuso a las mujeres. Este es un ejemplo de cómo el cine es una herramienta importante, que muchas veces es más efectiva que lo discursivo o lo noticioso. Como seres humanos, conectamos mucho con las historias y los relatos. La motivación viene desde un lugar muy inconsciente, muy instintivo. Desde muy pequeño demostraba interés por las historias y el cine. Cuando no tenía aún una cámara de video, usaba mis figuras de Pokemón para hacer películas con fotografías que, al hacerlas correr en la misma cámara, se transformaban en stopmotion. Siempre supe que iba a ser cineasta. Ya cuando más grande, fui concientizando mis motivaciones más reales y maduras, como aportar al imaginario colectivo, dar a conocer realidades particulares y generar cambios a través de la empatía que

genera un relato en cine. Hoy que ya tienes una corta pero exitosa carrera, ¿Cómo miras tu trabajo realizado y tus próximos proyectos? Miro hacia atrás y me siento orgulloso. No tenía ninguna conexión en el medio, ningún “pituto”. Tuve que empezar de cero, y siempre iba con toda la energía, con demasiado esfuerzo. Siento que siempre me esforcé mucho más de lo que se me pedía. Y es por cumplir un sueño, pero también por agradecer el privilegio que tengo de poder estudiar esto, de poder dedicarme a mi mayor pasión. Se lo debo a mis padres, que siempre me apoyaron a pesar de que era alguien tan diferente. Me dieron una infancia alegre, que me permite tener mis pilares sólidos. Me dieron apoyo y comprensión, que me permite ser constante y nunca rendirme. Y me dieron valores, que me permiten buscar relatos que se centran en la empatía, en las emociones humanas más sensibles.

de moda en quiebra que se pone a trabajar con tiktokers, y vemos desde atrás como funciona el mundillo de los influencers y las marcas. “La sentencia de Simona Roa”. Cortometraje grabado con celulares, protagonizado por Loreto Aravena. Es sobre una actriz que hace una obra en pandemia y es funada, mientras lucha por la custodia de su hija que tiene síndrome de down. Ya está grabado. “Bajo la luz de la vela”. Cortometraje co-dirigido con Pin Montané (y protagonizado por ella). Es sobre el racismo asiático, se trata de dos mujeres que toman un uber y este las secuestra mientras escupe odio hacia la chica coreana y se ven enfrentadas a una situación de vida o muerte. “Eidesis“. Mi primera novela. Es un libro sobre un futuro post guerra por el agua, donde la gente con dinero y poder puede desconectar su mente del mundo terrenal y vivir en una realidad fabricada.

Hablemos de tus futuros trabajos como realizador audiovisual…

“Nitrocelulosa y Alcanfor”. Cortometraje sobre el allanamiento de Chilefilms el día del golpe militar. Con un elenco de lujo protagonizado por Antonia Zegers. Es el corto más producido que he hecho, estamos empezando pre-producción.

“Fashion Mess”. Serie digital para IGTV protagonizada y co-creada con Eugenia Lemos. Es sobre una revista

Mi música. Estoy trabajando en un disco, titulado “Takayama”. Tendrá un sonido indie alternativo, a veces

más pop. Toda mi música cuenta historias, en muchas ocasiones de personajes que no tienen nada que ver conmigo. Una canción habla sobre un aldeano japonés que nunca dejó su pueblo. Otra habla sobre un niño al que le empiezan a ver el aura personas desconocidas. Algunas son más íntimas, pero siempre la letra habla desde un lugar cinematográfico, como si la vida fuera una película con personajes y trama. El próximo single se llama “Limerencia”, fue producido por Fakuta y se estrena en octubre. Además de todos esos, se vienen: dos videoclips, una webserie argentina que me ofrecieron dirigir tres episodios en Chile, un cortometraje “interactivo” donde vamos a lanzar escenas toda una semana, y la gente que va interactuando va determinando que pasa con el personaje. Ese fin de semana, se termina de armar el corto y se libera completo. ¡Y lo último es que empecé a escribir el guion de mi primer largometraje! ¿Qué le dirías a los jóvenes que están estudiando cine? Les diría que no se queden atrás. Para lograr éxitos, es necesario esforzarse mucho. El talento es una parte de ello, pero el trabajo diría que es el porcentaje mayor.

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ENTREVISTA

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La película Sweet Girl se estrena a nivel mundial en Netflix el viernes 20 de agosto de 2021. Un devoto hombre de familia llamado Ray Cooper (Jason Momoa) jura justicia contra la empresa farmacéutica responsable de lanzar al mercado un fármaco que potencialmente podría salvar vidas justo antes de que su esposa (Adria Arjona) muera de cáncer. Pero en su búsqueda de la verdad, Ray se dirige a un callejón sin salida que lo pone a él y a su hija Rachel (Isabela Moner) en peligro, ahora el objetivo de Ray se convierte en una misión de venganza con el fin de proteger a la única familia que le queda. Sweet Girl está dirigida por Brian Andrew Mendoza y su reparto incluye a estrellas como Justin Bartha, Amy Brenneman, Manuel García Rulfo, Raza Jaffrey, Lex Scott Davis y Michael Raymond-James.

BRIAN ANDREW MENDOZA DIRECTOR Has estado en este negocio por más de 20 años y tu socio productor Jason Momoa por más de 10 años a través de su bandera del orgullo de los gitanos. ¿Qué te hizo querer dar el salto a la dirección de largometrajes?

para Netflix cuando Jeff Fierson y su socio Brad Peyton nos trajeron el guión de Sweet Girl, un nuevo proyecto para producirlo con ellos y para que Jason protagonice. A los dos nos encantó el guión. Empezamos a buscar directores, pero nos encontramos con varios obstáculos. Entonces, un día afuera de su casa, simplemente me dijo: “¿Por qué no lo diriges tú?” Él sabía desde hace un tiempo que yo estaba interesado en la dirección.

Jason y yo acabábamos de terminar la última temporada de “Frontier”

Comencé mi carrera como fotógrafo y director de fotografía antes de ser

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productor, y yo empecé a dirigir comerciales de Pride of Gypsies durante algunos años, pero nunca me hubiera imaginado dirigir un proyecto a esta escala por primera vez. Para un director primerizo, trabajar con una película de esta magnitud, fue algo sin precedentes. Así que le dije, “Déjame pensar en ello”, volví, miré el guión y pensé, está bien, si tuviera que dirigir esto, así es como lo haría yo. Le hice una propuesta a Jeff y Brad, y les encantó. ¿Qué te atrajo de la historia? Hubo dos desafíos en particular que realmente amé. Uno era la relación padre – hija entre Ray y Rachel Cooper. Yo hice un corto con Jason para Carhartt llamado “Canvas of My Life”, el cual trataba sobre la paternidad, y realmente disfruté el explorar la relación entre padres e hijos, y quería explorar eso más a fondo en Sweet Girl. También me atrajo mucho la subtrama farmacéutica dentro de la historia. Investigué mucho sobre grandes empresas farmacéuticas cuando estaba preparando mi propuesta, y encontré cosas que realmente me dejaron alucinado. La película sigue siendo un thriller de acción, pero me encanta que la historia toque esta faceta de la realidad que no recibe la atención que merece.

Jason da un giro emocional en esta película que el público nunca antes ha visto en él ¿Qué discutieron ustedes dos mientras estaban preparándose para la película? Después de trabajar con Jason durante tanto tiempo y sabiendo lo importante que es la familia para él, sabía que había un lado emocional en él como actor que la gente lamentablemente no ha podido ver. Por eso pensé que el personaje de Ray Cooper, fue una gran oportunidad para mostrar este lado de su talento, un lado más sutil y emocional. Jason es un actor fenomenal y no puedo esperar a que la gente lo vea en esta película. Entonces en las conversaciones que teníamos, tratábamos de asegurarnos realmente de que exista una conexión palpable entre él y su familia en pantalla. Ambos sabíamos que la apertura de la película era fundamental en el sentido de que realmente teníamos que sentar una base sólida con él, Adria e Isabela. Ahí es donde el viaje emocional de la historia realmente comienza. Cuéntanos un poco sobre nuestra Sweet Girl ¿Cómo fue el proceso de casting para Rachel? Y, ¿qué hizo Isabela Moner para destacar del resto? Tuvimos tanta suerte de poder con-

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tar con Isabela. Nos la recomendó un buen amigo que había trabajado con ella en Dora. Hicimos una inmersión profunda en su trabajo y descubrimos que tenía tanta intensidad en sus actuaciones y que estaba muy presente. Nos enfocamos en Isabela desde el principio y, afortunadamente, ella dijo que sí. Lo que realmente me asombró fue lo similar que ella es a Jason. Jason es como un interruptor de luz, simplemente hay que ser capaz de encenderlo. Isabela es igual. Todos tenían enfoques similares. Ella pasó de sonreír a la completa seriedad tan pronto como dije “acción”. Fue realmente impresio-

SWEET GIRL nante. Entonces cuando requería a los dos en una escena, ambos estaban recorriendo el lugar y luego inmediatamente fueron capaces de cambiar su estado de ánimo en una dirección diferente. De hecho, no tuvimos muchos ensayos juntos. Lo hicimos, creo que dos o tres días antes de que comenzara la filmación, así que pasamos un fin de semana juntos ensayando las escenas y repasando la historia. Podías ver su vínculo desde el principio. yo todavía tengo esta foto que les tomé cuando les mostré el Oldsmobile 442 que iban a ir conduciendo, e inmediatamente ellos hicieron clic. Fue casi algo espiritual para dos personas que no se conocían de antemano. Ellos solo entendieron la historia y se entendieron entre sí. Las acrobacias en esta película juegan un papel crucial en la narrativa. ¿Cómo te conectaste con tu coordinador de acrobacias, Jon Valera, ¿y cuáles fueron sus metas en términos del trabajo con acrobacias? Jon fue literalmente la primera persona a la que llamamos, pues sabíamos el tipo de acción que esta película requería. Jason había hecho Aquaman con él y, tuvimos la suerte de tener a los mejores especialistas del negocio. El trabajo con acrobacias fue un gran desafío, hablamos mucho sobre cómo diseñar los combates para que tengan diferentes tonalidades. Hubo mucha planificación detrás de cada movimiento, incluso hasta el tipo de stuntmens que contratamos para Jason e Isabela. Porque sabíamos desde el principio que no queríamos meternos demasiado en la editorial, sabía que teníamos que enfocarnos en cada ritmo de la historia y capturar todas las sutilezas dentro de estas secuencias de lucha. Jon hizo un trabajo asombroso. ¿Qué hubo detrás del proceso de casting para el personaje del asesino, Amos? ¿Qué fue lo que buscabas en un actor y que hizo Manuel García Rulfo para cumplir con tus expectativas? Siento que en el cine los asesinos o sicarios a menudo pueden reducirse a un solo tono. Yo realmente quería que Santos fuera más que eso. Yo quería que haya un espacio para su perspectiva completa y no solo para

que ejecute su plan. El personaje necesitaba profundidad y necesitaba ser comunicado con rapidez. Manuel fue increíble. Me encanta la escena de la cena en la película porque tanto Jason como Manuel son tan imponentes que verlos enfrentarse cara a cara fue verdaderamente emocionante. Esa escena permitió que la audiencia viera tonos de Santos más aterradores. Manuel siempre estuvo lleno de ideas y es un actor muy físico. Me encantó colaborar con él. Pittsburgh y sus vecindarios circundantes juegan un papel muy importante en la película. ¿Cómo fue rodar allí y en pleno invierno? Amo Pittsburgh. Me encantó rodar allí, y me encantó el equipo local que utilizamos, lo digo con toda sinceridad. Tiene un lugar especial en mi corazón también, porque mi esposa dio a luz a nuestro hijo una semana antes de que empezáramos el rodaje. Fue el lugar donde mi hijo vivió los primeros meses de su vida. El guión originalmente se situaba en Nueva York. Inicialmente nosotros colocamos sobre la mesa Nueva York y Pittsburgh, pero cuando visitamos Pittsburgh, las ubicaciones se sintieron tan reales, que lo decidimos. Amo los lugares que tienen carácter, que tienen valor, y Pittsburgh lo tiene por todas partes. Quería que la película tuviese un sentido de realidad y quería rodar en lu-

gares reales. Entonces, probablemente alrededor del 80% de las locaciones eran reales. Filmamos en el Carnegie Museum of Art, que fue increíble, y en un metro que fue realmente genial. Tuvimos que coreografiar la pelea para que encajara perfectamente entre las dos estaciones, culminando con Rachel siendo arrojada por las puertas del tren. Fue muy desafiante pero también muy gratificante lograrlo. El túnel fue uno de mis lugares favoritos. Y no puedo olvidar mencionar PNC Park. El alcance de esa secuencia fue enorme. Creo que teníamos 80 coches en el puente y unos 800 extras saliendo del estadio. La gente de Pittsburgh fue fantástica. Realmente no podríamos haber logrado todas estas locaciones sin nuestro increíble gerente de locaciones Kent Jackson y la extraordinaria ayuda de todos los departamentos de la ciudad de Pittsburgh y el condado de Allegheny. ¿Cómo esperas que la audiencia reaccione cuando inicien los créditos finales? Bueno, espero que al principio estén satisfechos y disfruten viendo la película, que regresen y digan: “Esperen un segundo, quiero ver cómo hicieron esto”, pero que también tomen en cuenta algunos de los temas que toca la película. Me encantaría que la gente profundizara en las prácticas detrás de algunas compañías farmacéuticas y lograra un cambio.

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ENTREVISTA

JASON MOMOA PROTAGONISTA ¿Cómo fue que ser padre cambió tu perspectiva del mundo y cómo hizo esta película para abordar este aspecto sobre ti? Cuando me convertí en padre, mi vida cambió, realmente me obligó a cuidar de mí mismo. Antes de eso, no pensé demasiado en eso. Todo lo que en la vida te sucede, te sirve luego cuando tienes bebés. Nunca he aprendido más en mi vida, que ahora al tener hijos. Realmente no sé lo que estaba haciendo antes en mi vida. Al tener hijos, sentí que volví a nacer. Cuando leí el guión por primera vez, al ser padre, algo se iluminó dentro de mí. Me hizo pensar en lo que haría si me pasara esto y si estuviera en esta situación. ¿Qué debería hacer? ¿Cómo me sentiría al respecto? ¿Qué medidas tomaría en mis propias manos? Obviamente, llevamos las cosas muy lejos en la película, y tenemos algunos giros sorprendentes que nunca antes había visto, pero hay algunas partes de esta película que también te arrancan el corazón. Tuve que ir a algunos lugares bastante retorcidos en los que nunca he estado antes, especialmente al comienzo de la película. Definitivamente es lo más difícil que he tenido que hacer hasta la fecha. Estoy interpretando a un hombre común sin ningún superpoder, solo un tipo que intenta mantener a su familia unida, y eso es emotivo. Es un sentimiento horrible cuando un padre no puede proteger a su familia. ¿Cómo fue trabajar con Isabela Moner? La amo demasiado. La siento como mi hija; es como si fuera de mi familia. Realmente nos llevamos bien y nos conectamos. Ella ya ha logrado mucho para su edad y simplemente la rompe en esta película. He hecho muchas acrobacias y, ya sabes, no creerías que ella puede golpear o pelear como lo hace por ser alguien tan pequeña, pero es increíble. Quiero decir, teníamos un equipo de especialistas fenomenal, pero ella tiene ese impulso y simplemente sabe cómo moverse.

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ISABELA MONER ACTRIZ No eres ajeno al trabajo de acrobacias y al entrenamiento con el equipo de 87 Eleven. ¿Qué diferencia encuentras en esta película con respecto a las experiencias pasadas? Me entrenó 87 Eleven desde que tenía 26 o 27 años. Estuve con ellos prácticamente durante Game of Thrones y Conan the Barbarian, hasta Bullet in the Head y Aquaman. Son mi equipo de especialistas favorito en el mundo y creamos cosas hermosas juntos y también me mantienen a salvo. Entonces, obviamente quería que estuvieran en esta película. En lo que respecta a la acción en esta película, fue divertido porque no quería usar un arma. Pensé que estaría fuera de lugar. Ray no usaría un arma para vengarse. Así que tuvimos que ser realmente creativos con las formas en que hicimos las secuencias de lucha, que, si has visto la película, agrega otra capa de complejidad a todo.

Rachel es un personaje muy diferente a los que te hemos visto interpretar con anterioridad. ¿Qué nos puedes acerca de la historia y sobre este personaje que conectó contigo? Estudié psicología durante un par de años en un colegio comunitario de mi ciudad natal y lo disfruté muchísimo. ¡La psicología simplemente me fascina y pensé que este personaje tenía algunos mecanismos de afrontamiento realmente fascinantes por no decir más! Pero esta película también pertenece a todos mis géneros favoritos: acción, thrillers, cosas psicológicas / alucinantes / tramas retorcidas. Es así que estaba muy emocionada por esto. ¿Cómo fue ser la hija de Jason Momoa en pantalla? En este punto, me siento como su hija adoptiva. Hay mucho corazón en esta película, es tan intensa y loca. Fuera de la pantalla, nunca he tenido una relación tan duradera con ningún

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MANUEL GARCÍA RULFO ACTOR ¿Qué te atrajo de este guión? Aunque es un thriller con mucha acción, tiene mucho corazón. Y, por supuesto, el increíble giro. Tu personaje, Amos, es una especie de enigma. ¿Hubo algunas figuras, reales o ficticias, que usaste como inspiración?

actor, porque siempre estamos ocupados. Siempre estamos trabajando en el siguiente proyecto. Se cuidan el uno al otro, sí, pero eventualmente pierden el contacto. Pero con Jason, es diferente. De hecho, se mantuvo en contacto conmigo, me pregunta cómo está mi mamá, que le enviará un mensaje de texto. Realmente me trata como a uno de sus propios hijos. ¿Cómo fue tu entrenamiento para la película? ¿Tenías alguna experiencia previa en artes marciales o boxeo? Sabía boxear antes de empezar a trabajar en la película. Yo era mejor que Jason. El hombre puede lanzar un puñetazo, pero ¿puede lanzar un puñetazo hábil? Tal vez no. Recuerdo cuando estábamos haciendo sparring y yo le estaba enseñando cosas. ¿Pero artes marciales? No necesariamente. Tuve que aprender las cosas de otra manera. Tuve que adaptarme. Porque cuando practicas artes marciales, la postura es diferente, a diferencia de cuando estás boxeando. También tuve que aprender mucho sobre la lucha libre y cómo derribar a la

gente. Se sintió como una clase de defensa personal, porque honestamente aprendí muchas cosas aplicables en mi vida que definitivamente usaría. Y de hecho he usado algunas de las cosas que aprendí en la vida real. Hubo mucho entrenamiento de Jiu - Jitsu específicamente, que se basa más en la inteligencia que en la fuerza bruta. Y eso es exactamente lo que pasa con Rachel. Da una falsa impresión a la gente, que debido a que es pequeña, la otra persona tiene la ventaja. Pero luego ella los tiene en el suelo en dos segundos. Mencionaste que Sweet Girl es tu tipo de película favorita. ¿Te inspiraste en algún personaje del cine o la televisión para prepararte para este papel? Me encantó Atomic Blonde con Charlize Theron. Creo que la rompió en el entrenamiento de acrobacias. Vi un video detrás de escena y me encantó el proceso. Me encantó su actitud. Me encantó que una mujer pueda ser tan sensible como fuerte, tan emocional como dura.

Me puse a pensar y dije, ¿y si él fuera el sobreviviente de una situación horrible? Como la historia real de la masacre de El Mozote en El Salvador en 1981, donde un pueblo entero de más de 800 personas, incluidos niños, que fueron asesinados por el ejército. Ver morir a toda su familia y amigos le daría una perspectiva bastante oscura sobre cómo funciona el mundo. Es brutal, pero se debe a que él mismo es una víctima. ¿Cómo fue interactuar con Jason Momoa e Isabela Moner? ¿De qué manera cambiaste tus estilos de lucha al enfrentarte cara a cara con cada actor? Realmente muy divertido, pero también muy doloroso, especialmente peleando con Jason, que no es exactamente un hombre pequeño. Obviamente fue diferente con Isabela, ¡pero también fue muy divertido trabajar con ella y realmente difícil! No eres ajeno al trabajo de acrobacias. ¿Aprendiste algo nuevo para esta película que no hayas hecho antes? Siempre aprendo cosas nuevas con cada película, pero esto fue único para mí porque estaba más enfocado en el combate cuerpo a cuerpo, aprender a recibir y dar golpes sin que nadie saliera lastimado. Los increíbles especialistas hicieron la mayor parte del trabajo. Es sorprendente lo que pueden hacer.

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DIVERTIDOS DATOS DETRÁS DE ESCENA SOBRE LA REALIZACIÓN DE SWEET GIRL •

Brian Mendoza le regaló a Jason Momoa una pintura de Todd Hido al comienzo de la producción. “Ha sido una inspiración para los dos durante mucho tiempo. Hido es conocido por paisajes muy cinematográficos y aquellos que conocen su trabajo podrán detectar su influencia en ciertas escenas.”

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Isabela Moner tenía a su perro, Plutón, en el set con ella todos los días y se convirtió en el perro de terapia para todo el elenco y el equipo.

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El apodo de Jason para Isabela es “OOMPS”, abreviatura de Oompa Loompa debido a su altura. (Ella mide 1,55cm, mientras que él mide 1,93cm)

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Isabela Moner se volvió realmente buena “encarnando” a Jason Momoa durante la filmación. “Todo está en el fuego. Solo tienes que fruncir las cejas, hacer que tu voz sea realmente ronca y mirar hacia abajo un poco a través de las cejas, y luego apretar los dientes y hacer que tu mandíbula sobresalga.”

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Se trajo una tina caliente para ayudar a Jason Momoa a calentarse después de una escena en la que él saltaba a un gran tanque de agua. Él se mantuvo con la ropa puesta, chaqueta, botas y todo.

CREW DIRIGIDO POR BRIAN ANDREW MENDOZA / ESCRITO POR GREGG HURWITZ & PHILIP EISNER / PRODUCIDO POR JASON MOMOA; BRIAN ANDREW MENDOZA; JEFF FIERSON, P.G.A.; BRAD PEYTON / PRODUCTORES EJECUTIVOS / MARK KAMINE, MARTIN KISTLER / DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA / BARRY ACKROYD, BSC / DISEÑO DE PRODUCCIÓN ANDREW MENZIES / EDITADO POR MIKE MCCUSKER, ACE; MATT CHEESE, ACE / DISEÑO DE VESTUARIO / MICHAEL GROUND / MÚSICA POR STEVEN PRICE / SUPERVISIÓN MUSICAL ANDREA VON FOERSTER / CASTING POR DENISE CHAMIAN, CSA.

CAST JASON MOMOA COMO RAY COOPER ISABELA MONER COMO RACHEL COOPER MANUEL GARCÍA RULFO COMO AMOS SANTOS ADRIA ARJONA COMO AMANDA COOPER RAZA JAFFREY COMO VINOD SHAH JUSTIN BARTHA COMO SIMON KEELEY LEX SCOTT DAVIS COMO DETECTIVE DEL FBI SARAH MEEKER MICHAEL RAYMOND-JAMES COMO DETECTIVE DEL FBI JOHN ROTHMAN AMY BRENNEMAN COMO DIANA MORGAN

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CRY MACHO EL CONMOVEDOR DRAMA PROTAGONIZADO Y DIRIGIDO POR CLINT EASTWOOD LLEGA A LOS CINES EN SEPTIEMBRE

“Una historia acerca de estar perdido… y encontrarse” así se define la última película dirigida, producida y protagonizada por el ganador del Óscar, Clint Eastwood. “Cry Macho” acaba de estrenar su tráiler dejando ver algo de lo que será este emocionante viaje y el que podrá ser visto en Chile en septiembre de este año. “Cry Macho” está protagonizada por Eastwood en el papel de Mike Milo, una antigua estrella del rodeo y un acabado criador de caballos que, en 1979, acepta un trabajo de un ex jefe para traer a su hijo pequeño desde México. Obligados a tomar las carreteras secundarias en su camino a Texas, se enfrentan a un viaje inesperadamente difícil, durante el cual, el jinete cansado del mundo encuentra conexiones inesperadas y su propio sentido de redención.

El elenco lo completan Eduardo Minett como el joven Rafo, en su debut en el largometraje, Natalia Traven (“Daño colateral”, “Almas gemelas” en televisión) como Marta, y Dwight Yoakam (“Logan Lucky”, “Sling Blade”) como el antiguo empleador de Mike, Howard Polk. El reparto también incluye a la actriz nacional Fernanda Urrejola (“Blue Miracle”, “Narcos: México” de Netflix) como Leta y Horacio García-Rojas (“Narcos: México” de Netflix, “La querida del Centauro” de TV) como Aurelio. La película será distribuida por Warner Bros Pictures Chile y llegará a las salas nacionales en septiembre de este año.

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EXPONE LO QUE ES VIVIR AHORA MISMO CON TODAS ESTAS COSAS, QUE CREO QUE TODO EL MUNDO ESTÁ VIVIENDO: CUESTIONÁNDOSE COSAS, CUESTIONANDO EL PATRIARCADO, CUESTIONANDO A LAS INSTITUCIONES, CUESTIONANDO EL SISTEMA EDUCATIVO. (AMANDA PEET)

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THE CHAIR U N A C O N V E R S AC I Ó N C O N L A C R E AD O R A Y P R O D U C T O R A E J E C U T I VA AM AN DA P E E T & L A P R O TAG O N I S TA Y TAM B I É N P R O D U C T O R A E J E C U T I VA S AN D R A O H TRANSCRIPCIÓN SANTIAGO NARANJO FOTOS ELIZA MORSE/NETFLIX © 2021

The Chair narra la historia de la Dra. Ji-Yoon Kim (Sandra Oh) mientras transita en su nuevo cargo como presidenta del departamento de inglés de la prestigiosa Universidad de Pembroke. Ji-Yoon se enfrenta a una serie de desafíos únicos, como, por ejemplo, el ser la primera mujer en presidir el departamento, y tener entre su personal docente a una mujer de color. El personal más antiguo le teme al cambio, mientras que la sangre nueva, como la profesora Yasmin McKay (Nana Mensah), lo celebra. Ji-Yoon hace malabares con sus nuevas responsabilidades administrativas: Chocar con compañeros de trabajo cercanos que eran confidentes antes de que ella se convirtiera en la jefa; con la maternidad de su hija Ju Ju (Everly Carginilla) y cuidando de su padre Habi (Ji Yong Lee). Simultáneamente,está luchando por discernir si su platónica relación con el querido profesor de inglés Bill Dobson (Jay Duplass) se está convirtiendo en algo más y, si es que eso sería lo correcto. Cuando Bill es capturado en video haciendo un gesto controversial, el cuerpo estudiantil estalla en un llamado a la rendición de cuentas y el viaje de Ji-Yoon se vuelve aún más salvaje como el trabajo, romance, drama y comedia chocan en este cuento mul-

tifacético creado por Amanda Peet y también protagonizada por Holland Taylor, Bob Balaban y David Morse. ¿Cómo describiría THE CHAIR? PEET: THE CHAIR se lleva a cabo en una universidad ficticia de artes liberales de Nueva Inglaterra y es la primera vez una que una mujer de color ha sido presidenta del departamento de inglés. Ella es interpretada por Sandra Oh y en su guardia, uno de sus más queridos colegas comete un acto de transgresión en el salón de clases, y ella tiene que decidir cómo manejar las consecuencias. OH: En su primer año como presidente, ella observa de primera mano el patriarcado, el sexismo, la discriminación por la edad, lo que es ser una madre soltera, estar atrapada entre dos culturas, hablar dos idiomas, y todo es una comedia. Entonces se trata de muchas cosas. Principalmente expone lo que es vivir ahora mismo con todas estas cosas, que creo que todo el mundo está viviendo: cuestionándose cosas, cuestionando el patriarcado, cuestionando a las instituciones, cuestionando el sistema educativo. Y básicamente ves que este departamento de inglés trata de abrirse camino a través de un evento controversial. ¿Cómo se originó el concepto de THE CHAIR? PEET: Durante un tiempo, Jay Duplass y yo estuvimos dándole vueltas a la idea de una película sobre un viudo que se estaba convirtiendo en un nido vacío. Y eso llevó a esta idea de una jefa cuyo empleado comete un

“SIENTO QUE JI-YOON ES EL PERSONAJE MÁS CERCANO A MÍ QUE HE INTERPRETADO. (SANDRA OH)”

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“NO RENUNCIAS A NADA CUANDO QUIERAS QUE ALGUIEN PROSPERE. DE HECHO, SIENTO QUE LA RELACIÓN ES BASTANTE MODERNA. (SANDRA OH)”

acto de transgresión. ¿Qué pasaría si ella estuviera desde hace mucho tiempo, en una relación íntima con esta persona y pensó que en el fondo era una muy buena persona, con una brújula moral sólida? ¿Cómo sería eso? Allí fue que esas dos ideas se mezclaron y fue entonces cuando comencé a escribir. ¿Cómo lograste ese delicado equilibrio en el tono que abarca el programa, con un tema serio, pero también divertido? PEET: Realmente siento que solo se trata de contratar a los actores adecuados y luego dejarlos ir. Definitivamente me atraen los actores que son intrínsecamente divertidos. ¿Cómo se involucró Sandra? PEET: La aceché. OH: Amanda Peet me ha estado acechando. PEET: Sí. Es realmente vergonzoso. La vi en la obra Stop Kiss en el Public Theatre en 1998. Yo estaba como, ¿quién diablos es? Porque ella iluminó mi mundo. Y luego trabajamos brevemente juntas y luego escribí esta parte y pensé: “¿Qué actriz que está en sus cuarenta, es realmente sexy, juguetona, puede hacer ciertas acrobacias, es muy divertida y también hacer un romance, algo como esa capacidad de tener ese anhelo y luego pasar por

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alguien que tiene un doctorado? OH: ¡Pasé la prueba! PEET: Era una tarea difícil, pero una vez que la metí en mi cabeza, no pude dejar de pensar en ella. OH: El proyecto estaba formado completamente. Podía sentir el mundo y sobre todo podía sentir su voz en él y lo que se siente como si ella lo estuviera conduciendo, escondida dentro de un tono cómico. Pero esa es también la naturaleza estratificada del escrito. ¿Puedes describir tu personaje Ji-Yoon? OH: Siento que Ji-Yoon es el personaje más cercano a mí que he interpretado. Hay algo en la forma en que Amanda la escribió. Era como si Amanda estuviera escribiendo mi propia voz. Ella es una madre soltera que está muy unida a su padre. Su madre murió cuando ella era una adolescente. Ella está, como muchas mujeres, ocupada, trabajando duro, cuidando a un padre anciano, cuidando a su hija y trabajando a tiempo completo. Está profundamente enamorada de la literatura y de sus alumnos. Y ahora está en un punto de su vida profesional en el que está lista para realmente generar un cambio en la institución. La relación de Ji-Yoon y Bill es bastante compleja, romántica, divertida y espinosa, ¿cómo trabajas

el arco? OH: Lo que trabajamos muy duro para establecer es historia y una amistad a largo plazo, y mucho respeto. Ves que este hombre respeta a esta mujer y, lo que también me encanta de esta relación es eso, ves a un personaje masculino básicamente decirle a un personaje femenino, “Estoy aquí para ti. Estoy apoyándote. Quiero que prosperes”, y no renuncia a nada. No renuncias a nada cuando quieras que alguien prospere. De hecho, siento que la relación es bastante moderna. Ambos están establecidos en su carrera, y solo basta mirar cómo él la apoya y cómo se relaciona con la hija de Ji-Yoon, Ju Ju. Creo que es realmente esperanzador e inspirador ver una amistad que potencialmente florecerá en un romance. PEET: Realmente me encantó esta idea que estoy segura que todos tenemos: ¿Qué persona en tu vida ha cruzado tu mente como candidato, en términos de romance, para “el camino no tomado?” Me agrada la idea de que ellos tuvieran una atracción hirviendo debajo de esta amistad incondicional y eso es realmente lo que quería para explorar. Para mí era muy importante que creyeras que su relación tiene historia y que son aliados desde hace mucho tiempo, de modo que cuando Bill comete su error, Ji-Yoon se siente muy desgarrada. No quería que fuera

THE CHAIR

fácil para ella condenarlo, pero tampoco quería que fuera fácil defenderlo. Tienes un elenco estelar de actores con rostros frescos y luego estos impactantes veteranos. ¿Cómo surgió eso? PEET: Queríamos hacer un programa con una política de “no imbéciles”. Y, ¿Bob Balaban, Holland Taylor, Nana Mensah, David Morse? Nos ganamos la lotería con este elenco. Ambos discutimos eso, queríamos hacer un show donde no hubiera villanos de paja. Así que queríamos explorar la idea de que el personaje de Bob Balaban (el profesor Rentz) estaba atrasado y no contaba todavía con su propio racismo cuando se enfrentaba a la progresividad y la popularidad del personaje de Nana Mensah (Profesora Yasmin McKay). OH: Y también ves los desafíos a los que se enfrenta. Hay tanta experiencia dentro de nuestro elenco. La forma en que pudieron entrar y hablar con tanta destreza, quiero decir, entra Holland y es oro cómico. Y debido a que ella es tan sincera como actriz, se dan diferentes niveles. Y Dios mío, David Morse, nunca lo habías visto así. A veces se le ocurrían cosas y yo pensaba: “Amigo, tienes que quedarte con eso, es ¡divertido! Confía en mí.” Sandra, mencionaste que cuando recibiste el guión era la primera vez que veías un nombre auténticamente coreano allí. ¿Cuál fue tu reacción cuando viste la cultura especificada? OH: Cuando vi el nombre en el piloto, fue una de las primeras cosas que iluminó algo dentro de mí, en realidad, viendo el nombre de una mujer coreana en la página. Y que ese sería el nombre de mi personaje y todos los

personajes que lo rodean tendrían que decir mi nombre correctamente, y eso fue solo una hermosa y brillante joya que me dejó ir. Significó mucho para mí. ¿Por qué crees que el campo académico es adecuado para este tipo de comedia? PEET: Quería hacer el show en un lugar específico de trabajo. Y es que tengo un adolescente en mi casa y mi hija ya entabla conversaciones como, “¿por qué asignamos significado a ¿género?” Esa es la conversación de la cena. Sentí que la escuela era un lugar realmente bueno donde podrían darse estas interacciones multigeneracionales. Y podríamos tener esa fricción donde por un lado están los niños pequeños que recién se están convirtiendo en adultos. Y por otro lado gente como nosotros que estamos en el medio, y luego la generación anterior. OH: El show explora lo atrasada que puede estar la educación superior. Pero quiere ser y puede estar, a la vanguardia del pensamiento. Podría ser un lugar donde comiencen los movimientos o que la gente joven realmente comience a explorar conceptos u opiniones por primera vez. Debería ser uno de los objetivos principales de la educación superior, pues siento que todos necesitamos cuestionarnos a nosotros mismos. PEET: Creo que la mayoría de las instituciones antiguas, sin importar el campo, deben reestructurar todo su estandarte, ahora. Tengo una adolescente en casa y siento la presión de seguirle el ritmo con lo progresista que es. Sandra, también eres productora ejecutiva de THE CHAIR. ¿Cómo fue tu colaboración con Amanda?

OH: Ella dirige, escribe y se comunica desde esta parte tan poderosa de la feminidad. Y me encanta. El personaje de Bill está sumergido dentro de la cultura coreana que lo rodea. Él va a la celebración de los cien días de un bebé coreano, que se llama Doljabi. Y algo que me encantó fue que mi personaje no está en esa escena. No es como si fueras a ver esto a través los cómodos ojos de los personajes coreano-americanos. ¡No! Lo vas a experimentar a través de los ojos de Bill. Y eso me encanta. Mientras tanto, me voy a hacer otra cosa. Me encantó que nada fuera más precioso que eso. Definitivamente tendríamos discusiones sobre ciertas cosas, pero de eso no se trata el show. Se trata de lo que el personaje está viviendo. El personaje está tratando de hablar con su padre. El personaje está tratando de hacer un puente entre su padre, quien habla coreano y su hija que habla inglés. Entonces, cualquier tipo de especificidad no se trata de hacerlo bien, digamos, para una audiencia coreano-estadounidense, se trata de hacerlo bien para los personajes y esta familia específicamente. PEET: Ambos queríamos explorar lo agotador que puede ser, en primer lugar, ser una mujer en un papel supervisor, y además también ser una persona de color. Tienes que hacer tu trabajo, pero también tienes que navegar por toda esa mierda subliminal que sucede porque representas un cambio de cultura. Cuando eres una mujer de color, constantemente te ponen a prueba en formas encubiertas (y descaradamente), los hombres blancos no experimentan esta presión adicional cuando están ascendiendo en las filas de sus profesiones. Amanda, ¿cómo fue colaborar con Sandra como actriz y productora ejecutiva? PEET: Bien podría ser escritora también, porque sus notas son acertadas y su atención a la historia es tan rigurosa, que realmente siento que debería intentarlo en algún momento. Nuestra sociedad fue increíble por eso, porque tenía esa ventaja. Ella es una actriz extraordinaria, pero también es muy buena para las historias. Sandra se ocupa realmente del equipo y del resto del elenco. Ella es una hermosa líder porque es una estrella de cine, pero no es distante. Especialmente durante la época Covid ella podría haber desaparecido en su remolque y no querer conocer a nadie,

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ENTREVISTA pero se enteró los nombres de todos. Creo que debido a que comenzó en el teatro, es por lo que quiere que esto se sienta como una empresa y eso incluye a la tripulación. ¿Qué espera que la gente se lleve de THE CHAIR? PEET: ¡Ojalá sea divertido! Ji-Yoon acepta esta promoción mientras está criando a una niña, mientras intenta encontrar un romance, mientras que su departamento corre el peligro de hundirse. Estoy con la esperanza de que haya muchas mujeres que se relacionen con la vertiginosa cantidad de presión. Y sí, y creo que mucha gente está hablando de lo que conlleva una verdadera disculpa cuando se transgrede o hiere a un grupo de personas, ya sea con la intención o no. Creo que la gente está más abierta a hablar de sus propios prejuicios y está más curiosa y abierta al respecto, como punto de discusión. Espero que a la gente le interese el show desde esta perspectiva también.

UNA CONVERSACIÓN CON LA ESTRELLA Y CONSULTOR JAY DUPLASS ¿Cómo te involucraste con THE CHAIR? Hace mucho tiempo, elegí a Amanda Peet para Togetherness, y me obsesioné con ella desde el momento en que entró en la habitación. Compartimos este mismo sentido de hacer arte enérgicamente, ser dramáticamente sólido y al mismo tiempo ser tan divertido como sea posible y tan irreverente como sea posible, pero también tener realmente algo que decir. Y también solo querer divertirse y ser respetuoso con los demás seres humanos y saber jugar. Entonces cuando Togetherness terminó, creo que Amanda y yo sabíamos que no habíamos terminado de trabajar juntos y comenzamos a hablar sobre lo que podríamos hacer. Finalmente, ella vino a verme con THE CHAIR y dijo que quería incluirme en ella. Y dije: “Claro. Seguro que protagonizaré un show de televisión junto a Sandra Oh, sin mencionar que esta es su primera producción después de Game of Thrones, así que, suena como un trabajo

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decente”. Tu química con Sandra Oh es eléctrica, ¿habías trabajado con ella anteriormente? No había conocido a Sandra antes. Fue solo una corazonada que tuvo Amanda. Creo que todos los buenos directores y showrunners son buenos chaperones. A veces eso no funciona, pero Sandra y yo nos hicimos amigos rápidamente durante la realización del show. Lo que tenía que suceder, debido al hecho que estábamos creando el show cuando el Covid estaba a tope, en pleno invierno en Pittsburgh, no podría haber pedido una mejor compañera. ¿Diría que hubo formas en las que el entorno restrictivo realmente los unió más? Estábamos todos juntos y eso se extendió hasta los fines de semana porque realmente no podíamos pasar el rato, salir con cualquiera los fines de semana, excepto entre nosotros. Éramos esencialmente una manada.

Estábamos pasando el rato y bebiendo vino los fines de semana conociéndonos y estableciendo esa relación. Otra cosa, nuestros personajes no eran nuevos para el otro al comienzo del show. La historia de fondo es que hemos sido un matrimonio trabajador por más de 15 - 20 años. Así que realmente necesitábamos tener esa zona de confort física y emocionalmente. Amanda y yo sabíamos que cuando empezásemos esto íbamos a necesitar a alguien fuerte y ella es una jodida guerrera. Me sentí tan agradecido de que tuviéramos a una bad-ass con nosotros aquí, haciendo esta tarea casi imposible. Este parece un papel muy exigente con muchas capas y tonos que estás intentando equilibrar desde la depresión que Bill todavía siente por la muerte de su esposa, la posibilidad vertiginosa de un nuevo romance con una vieja amiga, hasta la relación cada vez más profunda con Ju Ju debido al escándalo en el salón de clases. Y, sin embargo, este hombre no puede salirse de su propio camino. Eso debe ser atractivo

THE CHAIR vistos y su necesidad de expresarse y la política se pliega en torno a eso, pero el deseo humano es siempre lo que la motiva. Amanda siempre tuvo el ojo puesto en el premio y por eso se sintió como si estuviéramos en muy buenas manos. Y luego te rodeó de este impresionante grupo de actores que incluía a Holland Taylor, Bob Balaban, David Morse… ¡100%! Y Dios mío, David Morse es tan divertido. Este es un grupo que, en general, es igualmente conocido y experto en comedia y drama, que parecería crucial aquí.

como actor. Absolutamente. Es un maldito desastre. Me encantaron todas las contradicciones dentro de Bill, y no sólo su bondad y su maldad y su tremenda eficacia y sus tremendos defectos. También el hecho de que su esposa murió no hace mucho, pero él tiene un lugar al que le gustaría ir. Solo los ying - yang de su personaje y toda su situación son increíbles. Me encanta el hecho de que gran parte de mi relación con JiYoon, el personaje de Sandra, en realidad se desarrolla a través de su hija Ju Ju. Porque creo que lo que es realmente conmovedor y sorprendente es que no son un matrimonio trabajador, que pueden tener relaciones sexuales, sino realmente es una búsqueda para crear una familia y crear pertenencia en un mundo que parece estar destrozándose en todos los sentidos. Y la idea de ellos potencialmente es forjar esta familia mezclada a partir de una situación casi imposible, desde sus tres perspectivas. También me encanta el hecho de que se está reinventando la política de género al mismo tiempo. Amanda me ha dejado asombrado, ha creado un show que está tan vinculado al “Zeitgeist” debido al hecho de que plantea muchas preguntas, sin respuestas reales, sobre la academia, las relaciones, la discriminación por edad, y la cultura.

Ella también defiende a una persona femenina de color, específicamente una mujer asiática, en un momento en el que el mundo de repente se dio cuenta de que, “Mierda, solo porque a los asiáticos les está yendo relativamente bien en Estados Unidos no significa que hayan sido tratados con justicia o amabilidad de cualquier manera. Así que se siente realmente emocionante presentar estas situaciones en una comedia. Es un show divertido, con muchas risas y mucho corazón. Hay muchos problemas serios y cuestiones sustantivas en el show, pero hay un respiro, una flotabilidad que ayuda a equilibrar el estado de ánimo y que es una aguja difícil de enhebrar. ¿A quién atribuyes la delicada calibración de esos cambios tonales? Creo que todos nosotros. Amanda ciertamente está liderando la carga. Y Dan Longino, nuestro director, fue increíble al mantenerlo así. Pero creo que Amanda nos contrató a Sandra y a mí porque sabemos que la humanidad tiene que ser lo primero. Puedes disfrazarlo un poco con problemas, pero tiene que ser arraigado en el deseo humano. Y creo que Amanda lo entiende fundamentalmente. Incluso apoyando personajes, sientes su deseo personal y su humanidad y su necesidad de ser

Primero que nada, debes entender que estos son los titanes de mi juventud. Es una locura para mi estar en un show con esta gente. Pero tienes toda la razón, ese es el punto óptimo que Amanda y yo siempre hablábamos para el elenco: personas cuya celebridad no abrumaría la naturaleza del mundo real de lo que estábamos tratando de lograr, pero también personas que fueran dramáticamente asesinos, que sepan cómo hacerlo divertido sin romper la honestidad del drama. El drama tiene que real y los personajes tienen que ser reales en todo momento, pero esos actores necesitan saber cómo incluir la parte graciosa, de la manera correcta. El elenco, para mí, es perfecto. Así que tienes este elenco increíble y esta historia rica y compleja, entonces, ¿cuál fue tu camino para comprender el comportamiento autodestructivo de Bill? Porque claramente él es un hombre inteligente que entiende cuál podría ser su mejor camino a seguir, sin embargo elige seguir muchos otros rumbos. Amanda y yo hablamos mucho de eso desde el principio. Cuando era niño, dos de mis mejores amigos murieron. No es lo mismo que perder a un cónyuge, pero hablamos mucho sobre cómo, cuándo alguien cercano a ti muere, te hace consciente de que no hay reglas en la vida. Aunque pensamos que hay reglas, no hay reglas y cualquier cosa puede suceder. Especialmente con la muerte de ese primer amigo, tuve alrededor de un año de pensamiento mágico, donde no estaba realmente interesado en las re-

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ENTREVISTA glas establecidas por el mundo. Ciertamente, la academia triplica todas estas reglas. Así que esa es la mentalidad desde la que yo entro en él. Es decir, está en un lugar en el que intenta rehacer una vida que podría cobrar sentido a raíz de la muerte de su esposa. Y también su hija que se va a la universidad y probablemente nunca regrese. Así que definitivamente comencé desde ese lugar personal y realmente profundo. Cuando muere una persona que es tu todo, eso deja un agujero gigante en tu vida, te puede desquiciar. Y algunas personas tardan más que otras en volver a hacerlo. ¿Cómo fue trabajar con Everly Carganilla, quien interpreta a Ju Ju, la hija de Ji-Yoon? Ustedes tienen muchas escenas geniales juntos, dulces y espinosos

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Ella es la mejor actriz con la que cualquiera de nosotros haya trabajado alguna vez. Ella es una profesional absoluta y una potencial actriz increíble. Ella y yo nos llevamos muy bien.

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Bill y Ji-Yoon tienen esta relación compleja y poco convencional mientras intentan transitar de platónico a romántico en un punto de inflexión en sus vidas. Además, son dos adultos formados. ¿Cómo fue trabajar en algo que no solo esperaba alcanzar los ritmos de una relación?

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Realmente increíble, refrescante, inspirador y con fundamentos porque se sentía tan real. Lo que me encanta es que es un verdadero romance de mediana edad. Que, si dices eso, la gente dirá algo como “Oh que asqueroso”. Pero para mí no podría ser más romántico. Y siendo una persona de mediana edad que conozco a muchas personas que se están privando de cosas, que tienen familias y tienen miedo de volver a salir. Sepan que no se trata solo de ustedes y de la otra persona. Se trata de su familia, de sus padres. Se trata de crear juntos una vida completamente diferente. Para mí, eso fue tan emocionante, esa parte de este noviazgo no se trata solo de que Bill encuentre su camino en la vida de Ji-Yoon. Se trata de encontrar un camino con su hija y su padre y la vida que ella quiere crear para sí misma. Simplemente avanza hacia una mayor y más verdadera sensación de intimidad, en lugar de simplemente sensualidad. Y hay sensualidad involucrada. ¿Quién es más sexy que Sandra Oh? La naturaleza profunda de su conexión y como podrían ser sus vidas juntos, para mí, es 10 veces más romántico que solo cualquier escena random de sexo. Y en tan solo seis episodios, todos cubren una gran cantidad de terreno emocional tanto en el ámbito personal y el entorno universitario. Hay mucho conflicto en eso. Bill intenta apoyarla a su manera y finalmente es capaz de hacerlo, pero también está el hecho de que realmente se necesitó un temple como Ji-Yoon para romper a Bill en el camino que necesitaba ser agrietado. Este camino aún no ha terminado. Tiene mucho trabajo por hacer. Ella realmente se esforzó para hacerlo despertar.

INFO

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Fecha de estreno: 20 de agosto de 2021 Formato: 6 episodios de 30 minutos Creadores: Amanda Peet y Annie Julia Wyman Realizador: Daniel Gray Longino Escritores: Amanda Peet y Annie Julia Wyman (101, 103), Amanda Peet y Richard E. Robbins (102), Richard E. Robbins (104), Jennifer Kim (105), Andrea Troyer (106) Productores ejecutivos: Amanda Peet, Sandra Oh, David Benioff, D.B. Weiss, Bernadette Caulfield y Daniel Gray Longino Productor: Tyler Romary Coproductor ejecutivo: Richard E. Robbins Consultor: Jay Duplass Protagonizada por: Sandra Oh, Jay Duplass, Holland Taylor, Bob Balaban, Nana Mensah, David Morse, Everly Carginilla Director de fotografía: James Frohna Diseñador de producción: Grace Alie Diseñador de vestuario: Amy Stofsky Montaje: Stacy Moon Supervisora musical: Tiffany Anders

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EL CONJURO 3: EL DIABLO ME OBLIGÓ A HACERLO El Conjuro 3: El Diablo me Obligó a Hacerlo” revela una escalofriante historia de terror, asesinato y maldad desconocida que conmocionó incluso a los experimentados investigadores paranormales de la vida real, Ed y Lorraine Warren. Uno de los casos más sensacionales de sus archivos, comienza con una lucha por el alma de un joven y luego los lleva más allá de todo lo que habían visto antes, para marcar la primera vez en la historia de los Estados Unidos que un sospechoso de asesinato alega posesión demoníaca como defensa. Vera Farmiga y Patrick Wilson vuelven a protagonizar a Lorraine y Ed Warren, bajo la dirección de Michael Chaves (“The Curse of La Llorona”). También protagonizan la película Ruairi O’Connor (“The Spanish Princess” de Starz), Sarah Catherine Hook (“Monsterland” de Hulu) y Julian Hilliard (“Penny Dreadful: city of Angels “y” The Haunting of Hill House”).

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DISNEY+ ANUNCIA LA SEGUNDA TEMPORADA DE

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STAR WARS: THE BAD BATCH LA SEGUNDA TEMPORADA DE LA SERIE ANIMADA ORIGINAL DE LUCASFILM SE ESTRENARÁ EN EXCLUSIVA EN DISNEY+ EN 2022 Disney+ anunció la segunda temporada de la aclamada serie animada Star Wars: The Bad Batch, que estrenará en 2022. “Los fans han recibido con mucho entusiasmo la acción y el drama de Star Wars: The Bad Batch y nos alegra sobremanera ver que el mundo animado de STAR WARS se siga expandiendo en Disney+ – dijo Michael Paull, presidente de Disney+ y ESPN+ –. Como servicio de streaming exclusivo de la franquicia STAR WARS, estamos ansiosos por ver el estreno de la segunda temporada de esta serie animada favorita de los fans”. Sobre el anuncio de la segunda temporada, el productor ejecutivo Dave Filoni expresó: “Todo el equipo de Lucasfilm Animation agradece a Disney+ y a nuestros fans la oportunidad de continuar contando la historia de El Lote Malo”. El episodio final de la primera temporada de Star Wars: The Bad Batch se emite en dos partes y la primera estará disponible en exclusiva en Disney+ a partir del viernes 6 de agosto. Los productores ejecutivos de Star Wars: The Bad Batch son Dave Filoni (The Mandalorian, Star Wars: The Clone Wars), Athena Portillo (Star Wars: The Clone Wars, Star Wars Rebels), Brad Rau (Star Wars Rebels, Star Wars Resistance), Jennifer Corbett (Star Wars Resistance, NCIS: Criminología Naval) y Carrie Beck (The Mandalorian, Star Wars Rebels), y Josh Rimes (Star Wars Resistance) y Alex Spotswood (Star Wars: The Clone Wars, Star Wars Rebels) son sus productores. Rau también se desempeña como director supervisor y Corbett es la guionista principal. AGOSTO 2021

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HBO MAX ORDENA EL GUIÓN PARA UN EPISODIO PILOTO DE “FLEDGLING”, BASADO EN LA NOVELA DE OCTAVIA BUTLER HBO Max anunció que ordenó el guión para un episodio piloto de FLEDGLING, basado en la novela escrita por Octavia E. Butler. FLEDGLING cuenta la historia de una chica aparentemente joven que, tras sufrir episodios de amnesia se da cuenta de que en realidad es un vampiro y debe luchar contra un grupo de personas que quieren destruirla a ella y a sus seres cercanos. FLEDGLING será dirigida y escrita por Jonathan I. Kidd, Sonya Winton-Odamtten, y producida por Issa Rae (HOORAE), Montrel McKay (HOORAE), J.J. Abrams (Bad Robot) y Ben Stephenson (Bad Robot). Como co-productores ejecutivos se encuentran Rachel Rusch Rich (Bad Robot), Sara Rastogi (HOORAE) y Ray Ricord. El estudio es Warner Bros. Television. Información biográfica sobre Jonathan I. Kidd y Sonya Winton-Odamtten: Jonathan I. Kidd y Sonya Winton-Odamtten, antiguos profesores universitarios de la Universidad de Columbia y de la UCLA, dramaturgos y documentalistas, forjaron su asociación creativa en la Universidad de Yale, donde ambos obtuvieron su doctorado en Estudios Afroamericanos/inglés y Estudios Afroamericanos/Ciencias Políticas, respectivamente. En 2009, Kidd y Winton-Odamtten irrumpieron en la industria cuando fueron aceptados en Warner Bros. Television Writers’ Workshop. Posteriormente, trabajaron como guionistas en el drama legal de la ABC The Whole Truth y consiguieron un acuerdo de guiones a ciegas con Warner Horizon Television a través del cual adquirieron los derechos de vida de la historia de Fred Hayman, alias “Mr. Beverly Hills”. Poco después, el equipo de guionistas logró la venta de los derechos de The 4th Reich a Showtime y su drama familiar Southern Gothic a Lifetime con Catherine Hardwick como directora. Por último, la pasada primavera este dúo dinámico lanzó la primera de lo que será una serie de iniciativas filantrópicas con su reto Feed Covid-19 Health Workers, mediante el cual reclutaron a otros escritores de Hollywood para alimentar a los pabellones de Covid-19 en hospitales desatendidos de todo el país. Los objetivos a largo plazo de Kidd y Winton-Odamtten incluyen la creación de asociaciones entre Hollywood y las organizaciones 501c3 de todo el mundo para abordar los problemas del apartheid médico, el racismo medioambiental y las disparidades educativas.

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AGOSTO 2021

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“AMARRES” LA PRIMERA MAX ORIGINAL MEXICANA, DISPONIBLE DESDE 12 DE AGOSTO SOLO POR HBO MAX

H B O M A X

La serie es protagonizada por Gabriela de la Garza como Ana, una mujer libre pero comprometida con su papel de madre, quien se sumerge en la tradición de la brujería para salvar a su familia de la ruina. Todos los capítulos estarán disponibles el día del estreno.

La primera Max Original mexicana, AMARRES se estrenará en HBO Max el próximo 12 de agosto. Todos los capítulos estarán disponibles el día del estreno. La comedia dramática es protagonizada por Gabriela de la Garza, Hugo Catalán y Juan Pablo Medina.

AMARRES se centra en la historia de Ana, una mujer que, desesperada por su situación económica, recupera la tradición familiar de la brujería: el negocio de magia prehispánica y amarres que regenteaba su abuela Celia. Pero Ana es mucho más que eso. Aunque no cree que tiene un don especial, como lo asegura su abuela, se introduce en los amarres de corazones para juntar el dinero necesario y así ayudar a su familia. Sus hijos son el motor para seguir, pero no todo gira en torno a ellos. Ana vive de forma orgánica, natural y sin esquemas, guiada por sus propias convicciones. Es disruptiva, y como buena bruja contemporánea, rompe paradigmas y parámetros culturales de la mujer y madre que aún están vigentes. AMARRES expone de forma fresca y natural temas sobre la sexualidad, el poliamor, las familias y tradiciones mexicanas, además de retratar a una sociedad que está en plena transformación en cuanto al rol que tienen las mujeres quienes son dueñas de sí y exploran el empoderamiento de una manera provocativa y arriesgada. AMARRES es una creación de Fernanda Eguiarte, dirigida por Marcelo Tobar de Albornoz, con la producción ejecutiva de Ricardo Pichetto, Marcelo Tamburri, Anouk Aaron y Camila Bermúdez por parte de WarnerMedia, y Fidela Navarro de Dopamine. HBO Max refuerza su compromiso de contar historias de cada país y dar espacio a las diferentes voces locales, AMARRES es la primera de las más de 100 producciones planeadas para producirse en Latinoamérica en los próximos dos años bajo la marca Max Originals.

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LA EXITOSA PELÍCULA DE ANIMACIÓN JAPONESAQUE BATIÓ RÉCORDS DE TAQUILLA, SE LANZARÁ EXCLUSIVAMENTE EN AMAZON PRIME VIDEO EL 13 DE AGOSTO Amazon Prime Video anunció hoy el exclusivo estreno mundial (fuera de Japón) del esperado éxito taquillero de animación japonesa EVANGELION:3.0+1.01 TRIPLE el 13 de agosto. EVANGELION:3.0+1.01 TRIPLE es el cuarto y último capítulo de la nueva edición cinematográfica de Evangelion. La película de anime  –  que es la más taquillera de todas las películas del director Hideaki Anno y la película más vista en los cines japoneses en 2021 – es de los directores Kazuya Tsurumaki, Katsuichi Nakayama y Mahiro Maeda, así como del legendario creador, guionista y jefe de dirección

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Hideaki Anno (Shin Godzilla). Para celebrar el final de la franquicia, Amazon Prime Video también lanzará las tres películas anteriores EVANGELION:1.11 (NO) ESTÁS SOLO, EVANGELION: 2.22 YOU CAN (NOT) ADVANCE, EVANGELION: 3.33 YOU CAN (NOT) REDO, para los fans en más de 240 países y territorios. La exitosa franquicia es un anime japonés que se convirtió en un fenómeno de la cultura pop. La historia de Evangelion, un arma humanoide artificial y multipropósito, y los Ángeles, una forma de vida desconocida, sucede después de que

la Tierra fue destruida por un evento catastrófico.  La película presenta a todos los actores de voz originales, incluidos Megumi Ogata, Megumi Hayashibara, Yûko Miyamura y utiliza lo último en tecnología para mostrar las personalidades y relaciones de sus personajes únicos mientras luchan por sobrevivir. Se doblará en 10 idiomas, incluidos español, inglés, francés, alemán, portugués e italiano, y ofrecerá subtítulos en 28 idiomas. Desde que la serie de televisión se emitió por primera vez en 1995, la

franquicia de Evangelion ha tenido un impacto significativo en la cultura pop japonesa y ha elevado el género del anime en todo el mundo. La legendaria franquicia de anime renació como una nueva serie de películas Evangelion: New Theatrical Edition en 2007. Esta cuarta y última película estrenada en los cines de Japón en marzo ha batido récords para las películas de Hideaki Anno, y se ha convertido en la película más vista del año en cines de Japón. EVANGELION:3.0+1.01 TRIPLE en Amazon Prime Video será la versión más reciente de la película, incluyendo escenas actualizadas y que se estrena en cines ahora en Japón.

mejor manera de ofrecer la película a los fanáticos en el extranjero lo antes posible, en una situación desafiante con los cines durante el COVID-19, y estamos felices de haber encontrado a Prime Video como socio para transmitirla a nivel mundial. Recomendamos ampliamente verlo en una pantalla de televisión grande para disfrutar de la mejor experiencia visual”.

SOBRE EVANGELION:3.0+1.01 TRIPLE

“Las películas de EVANGELION han emocionado a los fanáticos durante años y sabemos que hay un gran apetito en todo el mundo por el final”, dijo Brad Beale, vicepresidente de licencias de contenido mundial de Prime Video. “Estoy emocionado por los miembros Prime de todo el mundo porque finalmente tendrán la oportunidad de ver la obra maestra del anime EVANGELION:3.0+1.01 TRIPLE, así como las tres películas anteriores”.

La cuarta y última entrega de Rebuild of Evangelion. Misato y su grupo anti-NERV Wille llegan a París, una ciudad roja por la coreización. La tripulación del Wunder aterriza en una torre de contención. Tienen 720 segundos para restaurar la ciudad. Cuando aparece una horda de NERV Evas, la Unidad 8 del Eva mejorado de Mari debe interceptarla. Shinji, Asuka y Rei (nomb. prov.) deambulan por Japón.

“Me gustaría agradecer a todos los fanáticos de Eva en el mundo por su apoyo continuo”, dijo Hideaki Anno, creador, guionista y jefe de dirección. “Estábamos buscando la

Studio: Khara, Inc. Jefe de Dirección: Hideaki Anno Director: Kazuya Tsurumaki, Katsuichi Nakayama y Mahiro Maeda Guionista: Hideaki Anno

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SOBRE LAS TRES PELÍCULAS ANTERIORES

EVANGELION 1.01 YOU ARE (NOT) ALONE Marcado por el Segundo Impacto, el Cuarto Ángel ataca Tokio III y el destino de la humanidad queda en manos de la Agencia Especial Gubernamental NERV. Shinji Ikari debe pilotar el EVA-01. Él y el piloto del EVA00, Rei Ayanami, deben luchar, pero el el Sexto Ángel daña al EVA-01. Misato Katsuragi planea dirigir la electricidad de Japón al cañón de positrones del EVA-01 para derrotar al Ángel. Estudio: Khara, Inc. Jefe de dirección: Hideaki Anno Director: Masayuki y Kazuya Tsurumaki Guionista: Hideaki Anno

EVANGELION:3.0+1.01 TRIPLE se une a miles de series de televisión y películas en el catálogo de Amazon Prime Video, incluyendo series Amazon Originals producidas en Latinoamérica como El Presidente, El Juego de las Llaves, La Jauría, Cómo Sobrevivir Soltero, De Viaje con los Derbez y las galardonadas producciones globales Amazon Originals aclamadas por la crítica como Borat Subsequent Moviefilm, Tom Clancy’s Jack Ryan, The Boys, Hunters, Fleabag y The Marvelous Mrs. Maisel. Los clientes de Amazon Prime Video podrán ver EVANGELION:3.0+1.01 TRIPLE en cualquier lugar y en cualquier momento en la aplicación de Amazon Prime Video para smart TVs, dispositivos móviles, Fire TV, Fire TV stick, Fire tablets, Apple TV y en línea. En la app de Amazon Prime Video, los miembros Prime pueden descargar episodios en sus dispositivos móviles y tabletas y ver el contenido sin conexión a internet y sin costo adicional.

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EVANGELION 2.0 YOU CAN (NOT) ADVANCE Mari Illustrious-Makinami pilotea la Unidad Provisional-05 para derrotar al Tercer Ángel. Asuka Langley-Shikinami y EVA-02 vencen al Séptimo Ángel. El Octavo Ángel ataca el Cuartel General de NERV. El Noveno Ángel toma el EVA-03 en las pruebas y Shinji busca detenerlo, pero descubre que Asuka va a bordo. Gendoh cambia los controles del EVA-01 al Sistema de Simulación y pelea contra el EVA-03. Studio: Khara, Inc. Jefe de dirección: Hideaki Anno Director: Masayuki y Kazuya Tsurumaki Guionista: Hideaki Anno

EVANGELION: 3.0 YOU CAN (NOT) REDO Shinji despierta después de 14 años en el acorazado AAA Wunder propiedad de una organización anti-NERV, fundada por antiguos miembros NERV. Shinji escucha la voz de Rei desde el EVA Mark.09, enviado a rescatarlo, así que deja Wunder y va a NERV. Kaworu Nagisa muestra la tierra transformada a Shinji. Descubre que salvar a Rei desencadenó el Tercer Impacto Cercano que dañó terriblemente a la Tierra. Estudio: Khara, Inc. Jefe de dirección: Hideaki Anno Director: Masayuki, Mahiro Maeda y Kazuya Tsurumaki Guionista: Hideaki Anno

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