del 27 de septiembre de 2008 al 11 de enero de 2009 retorno a hansala salvador cidrรกs 24 horas 10 minutos
paul pfeiffer monรณlogo
terence koh
love for eternity
laboratorio 987
antonio ballester moreno regina de miguel
proyecto vitrinas ยกfake!
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JUNTA DE CASTILLA Y LEÓN CONSEJERÍA DE CULTURA Y TURISMO Consejera Dña. María José Salgueiro Cortiñas Secretario General D. José Rodríguez Sanz-Pastor Viceconsejero de Cultura D. Alberto Gutiérrez Alberca Director General de Patrimonio Cultural D. Enrique Saiz Martín Directora General de Promoción e Instituciones Culturales Dña. Luisa Herrero Cabrejas
FUNDACIÓN SIGLO PARA LAS ARTES DE CASTILLA Y LEÓN Director General D. José Luis Fernández de Dios Director de Artes Plásticas D. Rafael Doctor Roncero
MUSAC. Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León Director Rafael Doctor Roncero Conservador Jefe Agustín Pérez Rubio Coordinadora General Kristine Guzmán Coordinación Marta Gerveno Helena López Camacho Carlos Ordás Tania Pardo Eneas Bernal Registro Koré Escobar Josefina Manzanal Prensa La Comunicateca S.C. Biblioteca-Centro Documentación Araceli Corbo Carlos S. Suárez Educación y Acción Cultural Belén Sola Ando C.B. Gestión AdminiStrativa Andrés de la Viuda María Luisa Fraile Restauración Pablo Bernabé Mantenimiento Mariano Javier Román Roberto Gómez Ibanoz Álvarez Gutiérrez Servicios Auxiliares Dalser S.L. Seguridad Eulen
COMITÉ DE ADQUISICIÓN
D. José Luis Fernández de Dios D. Rafael Doctor Roncero D. Agustín Pérez Rubio Dña. Estrella de Diego D. José Guirao Cabrera D. Javier Hernando D. Octavio Zaya
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Comenzamos este nuevo periodo expositivo de la Junta de Castilla y León con un cada vez más afianzado, entre la crítica y el público, MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, baluarte incontestable de la creación contemporánea dentro y fuera de nuestra Comunidad. Para esta ocasión, tengo el honor de presentar cuatro nuevas e importantes exposiciones, encabezadas por la muestra de Paul Pfeiffer, en la que es la primera exposición en España del reconocido artista norteamericano. El artista chino-canadiense Terence Koh también se presenta con su primera muestra monográfica en nuestro país. Así como la gran instalación de Salvador Cidrás, realizada a partir de una serie de obras inéditas producidas específicamente para esta exposición. Por otro lado, un proyecto artístico dirigido por Chus Gutiérrez hará un recorrido por el proceso de producción de su último largometraje. De forma similar a como viene realizándose en anteriores temporadas, el MUSAC presentará en esta ocasión dos intervenciones específicas en el Laboratorio 987, a cargo, respectivamente, de Antonio Ballester Moreno y Regina de Miguel. De esta forma, el MUSAC continúa su habitual programa expositivo, consolidado como el más importante referente de la modernidad artística de Castilla y León, y uno de los puntos de referencia de la creación actual tanto dentro como fuera de nuestro país. María José Salgueiro Cortiñas
Consejera de Cultura y Turismo de la Junta de Castilla y León
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¡FAKE! Fake es una revista de difusión gratuita editada por John Smith & Jane Doe desde 2004, y cuenta con más de diez números a sus espaldas, cada uno de ellos dedicado íntegramente a un tema: coches, moda, “rock’n’roll”, belleza o amor. ¿Por qué no editar su siguiente número sobre el arte contemporáneo? Es ésta la razón que movió al MUSAC a invitar a la publicación a desarrollar este proyecto editorial y expositivo, dentro del Proyecto Vitrinas del Museo. Fiel a su espíritu apropiacionista, Fake encontraría en el MUSAC una vía original de difusión y distribución, cuyo resultado sería el lanzamiento de un número especial, cuyos contenidos estarían dedicados al arte actual. Parte fundamental de este proyecto es el lanzamiento de un número especial de Fake, ´ fue el encargado con Tolo Cañellas como editor invitado. Él de llenar este excitante número de contenido no menos excitante. Fake considera en sus ediciones que la forma es tan o más importante que el contenido, recurriendo a conceptos como “copia”, “imitación”, “suplantación” o “apropiacionismo”, como herramientas formales para activar el sentido crítico del lector provocando en él diferentes lecturas. Para este número especial, Fake se inspira en la revista ¡HOLA!, suplantando así el diseño, maquetación, secciones, y la lujosa artificiosidad de las imágenes de la famosa revista. Por otra parte, lo que en las vitrinas podemos ver es una instalación que imita la estética de las paredes de cualquier museo clásico, repasando la historia de la revista a través de sus portadas y actuando a la vez de punto de distribución de la revista. Cerca de 3.000 ejemplares de esta edición bilingüe de Fake serán distribuidos gratuitamente en el espacio asignado por la Frieze Art Fair (Londres) para el MUSAC del 16 al 19 de octubre de 2008. - página 4 -
MUSAC has invited Fake magazine to develop a project for its Showcase Project. The initiative, produced by the Museum itself, will essentially revolve around a special issue devoted to today’s art, for which guest editor Tolo Cañellas has selected a number of works by contemporary artists, asking some of them to carry out specific interventions on the publication. Fake’s editorial line is underpinned by the idea that form is just as important as content, if not more so, applying concepts such as “copy”, “imitation”, “impersonation” or “appropriation” as formal tools to engage the reader’s critical perspective and suggesting readings on different possible levels. Based on Fake’s underlying philosophy, the exhibition will review the magazine’s history through its covers (published or not), with a special focus on this new and exclusive special issue. The magazine will also be distributed from the same spot. Close to 3,000 copies of this English and Spanish edition of Fake will be circulated free at the MUSAC stand at Frieze Art Fair (London) from 16 to 19 October 2008.
El artista Antonio Ballester Moreno (Madrid, 1977) presenta en el Laboratorio 987 la exposición Gallo rojo, gallo negro, en la que muestra una compleja instalación pictórica de enormes dimensiones, que combina trabajos en pintura acrílica sobre lienzo con dibujos a tinta (bolígrafo) sobre papel. La obra de este artista está basada en la reproducción de sus propios referentes, desde objetos cotidianos a alusiones culturales del ámbito musical, el cine o la literatura. Interesado por todo tipo de folklore, así como por la cultura y la artesanía popular y sus costumbres, los motivos utilizados en su trabajo permiten al artista desarrollar una amplia investigación de carácter antropológico. En cualquier caso el título de la exposición, Gallo rojo, gallo negro, alude a la canción de Chicho Sánchez Ferlosio, que se convirtió en un himno contra la dictadura franquista. La metáfora que reside en el propio título hace referencia al enfrentamiento entre esos dos colores. Gallo rojo, gallo negro muestra, mediante una instalación de lienzos de grandes dimensiones y dibujos, las alusiones a la “estética anarquista” de la que hablara André Rezler. Una pintura de colorido estridente ejecutada a grandes brochazos que recuerda, incluso, la pintura de Mattise o Picasso. Según el artista, es en esa forma de trazo y en ese modo de proceder donde reside la vinculación con la reivindicación de la artesanía y los trabajos manuales. La pintura de Ballester Moreno es una expresión desprejuiciada de la propia técnica. De hecho, el artista relaciona su modo de ejecución con la libertad como concepto. En su obra reside la idea de libertad que poseen las pinturas infantiles, la de los dementes o el “art brut” característico de la Compagnie d´Art Brut formada, entre otros, por Jean Dubuffet, Breton y Michel Tapié. Sus lienzos reflejan precisamente esa libertad a la hora de actuar en contra de lo establecido, donde habitan planteamientos basados en la revolución de las conciencias individuales sobre la revolución social colectiva la cual, sin
negarla, supone que cualquier cambio social importante proviene del cambio individual. - página 6 -
Gallo rojo, ga l lo n eg r o
“Sin título” de la serie Gallo rojo, gallo negro. 2008. Collage, tinta sobre papel. 29 x 63 cm.
The artist Antonio Ballester Moreno (Madrid, 1977) premières at MUSAC’s Laboratorio 987 with an exhibition by the title of Gallo rojo, gallo negro (Red Cock, Black Cock), a complex and supersized figurative installation combining pieces in acrylic on canvas with biro ink drawings on paper. Antonio Ballester Moreno’s work revolves around the recreation of his private references, from everyday items to cultural allusions drawn from the realms of music, film or literature. Inspired by a special interest in all varieties of folklore and popular crafts, culture and customs, he takes his motifs from patchwork, embroidery, pottery, tiles or child-like drawings, developing a vast inquiry on an anthropological plane. The exhibition title itself recovers a song by singer-songwriter Chicho Sánchez Ferlosio that was adopted as an anthem against Franco’s dictatorship. The metaphor in the title conjures up the conflict between the two colours. The large canvases and drawings that make up Gallo rojo, gallo negro capture a range of references to what André Rezler referred to as “anarchist aesthetics”. According to the artist, this is the brushwork and technique that best ties in with his defence of crafts and artisanal work. Indeed, the artist relates this execution to his very concept of freedom.
El trabajo de Regina de Miguel (Málaga, 1977) hace referencia a conceptos que van desde el viaje, la memoria, el vacío, el espacio, la arquitectura y el lugar. Los dibujos y pinturas que presenta en esta exposición, El aire aún no respirado -título inspirado en una idea del matrimonio Smithson para la “casa del futuro”- muestran diferentes motivos que pueblan superficies heterogéneas y que, en principio, resultan de una compleja interpretación. En ellos muestra imágenes aparentemente inconexas, suspendidas en el vacío de la superficie, donde combina desde imágenes oníricas a espacios arquitectónicos que, tras una segunda lectura, comienzan a desvelarse. Como si de mapas cartográficos se tratara, la artista habla de su propia realidad, midiendo aspectos de la vida psíquica y social intangibles. Para esta exposición, Regina de Miguel muestra también una maqueta de un espacio reconstruido y un vídeo que se proyecta en su interior, y desvela la memoria de lo habitado. La obra de Regina de Miguel, basada fundamentalmente en dibujos, pinturas, maquetas y vídeos, reflexiona sobre la habitabilidad de espacios, en los que está implícito el viaje y sus percepciones del lugar. Su obra está construida sobre sus propias experiencias y percepciones, como una especie de arquitectura de recuerdos que remiten al mundo de la memoria. El uso de la arquitectura, y más concretamente los interiores de edificios, es evidente en trabajos como Terrain Vague, que realizara entre 2006 y 2007, donde fija su atención en la relación de la arquitectura y la memoria y continúa implícito el viaje. En otros trabajos como la serie Tránsito (2004) y Mapa del astronauta (2005) vuelve a poner en tela de juicio conceptos antagónicos como lo natural y lo artificial, lo construido y lo destruido, lo físico y lo mental, la realidad y el deseo. - página 8 -
E L A IRE A Ú N NO R E S P I RADO Sus obras no dejan de ser cartografías y mapas que ella misma traza midiendo los estados de ánimo, como Mapa del futuro abandonado (2007), Mapa del presente accidentalizado (2007) o Nuestra existencia sismográfica (2007). Mapas que reflejan y aproximan al espectador a ese universo íntimo y personal de la artista.
El lugar de lo concreto, 2008. Instalación, maqueta y DVD. Dimensiones variables.
In her work, Regina de Miguel (Málaga, 1977), addresses concepts ranging from travel, memory, the void, space or architecture to one’s sense of place. The drawings and paintings brought together under the exhibition El aire aún no respirado (The air not yet breathed) -title based on an idea by the Smithsons for the “house of the future”- reveal different subjects inhabiting heterogeneous surfaces. The effect is initially hard to apprehend, with seemingly unrelated images suspended over the surface’s void. On a second reading, these combinations of dreamlike imaginations and architectural spaces start to make sense. As if on a survey map, the artist lays out her reality, weighing up intangible psychological and social magnitudes. For this exhibition, Regina de Miguel has also created a model of a reconstructed space with a video projected inside that reveals the memory of inhabited spaces. - página 9 -
iz, l á c o soto t ed a r r r f , al m o n se z y e a r c r n g u t i éi o l ó pe z c u e s u h c r o ge l Retorno a Hansala es un recorrido por el proceso creativo de la última película de la directora Chus Gutiérrez (Granada, España, 1962) a través de las miradas de los artistas Alfredo Cáliz, Rogelio López Cuenca, Montserrat Soto y la obra de la propia Chus Gutiérrez titulada El retorno 1 (2004), vídeo-instalación perteneciente a la Colección MUSAC que marcó el punto de partida de lo que hoy es un largometraje cinematográfico. Durante el rodaje en Hansala, aldea que da título a la película y ahora al proyecto expositivo en el MUSAC, los artistas Alfredo Cáliz, Rogelio López Cuenca y Montserrat Soto visitaron el país vecino, del que retornaron con el material que ha dado origen a las piezas que ahora se presentan en el MUSAC junto a El retorno 1, y con las que el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León ha implicado a estos artistas en el proceso de producción de Retorno a Hansala. Así, el fotógrafo Alfredo Cáliz presentará en la sala 1 del MUSAC la serie de fotografías titulada Hansala, que documentan el rodaje de la película en la aldea marroquí. Por su parte, Rogelio López Cuenca expondrá Calor Humano, un vídeo que ha dado origen a los títulos de crédito de la película. En él, texto e imágenes en negativo se combinan para reflexionar sobre cómo en la actualidad la percepción de los fenómenos de nuestra realidad circundante –en este caso, la inmigración- proceden en su mayoría de representaciones e interpretaciones que nos llegan a través de los medios de comunicación. Por último, Montserrat Soto presentará una instalación en la que indaga en el proceso creativo del filme a través de los ojos de la directora, Chus Gutiérrez. Retorno a Hansala permite al espectador realizar un recorrido amplio por el proceso creativo y de producción de una obra fílmica contemporánea, haciéndole partícipe, una vez más, de los procesos de producción de manifestaciones artísticas que definen la contemporaneidad como es, en este caso, el cine. - página 10 -
Retorno a Hansala is a take on the creative process behind director Chus Gutierrez’s (Granada, Spain, 1962) most recent film, from the perspective of artists Alfredo Cáliz, Rogelio López Cuenca Montserrat Soto and a piece by Chus Gutierrez herself - El retorno 1 (2004) - a video installation held by the MUSAC Collection that provided the point of departure for what is now a feature film. During the shoot at Hansala, the village that gives its name to the film and now also to the project at MUSAC, creators Alfredo Cáliz, Rogelio López Cuenca and Montserrat Soto crossed the border and brought home the material that served as the basis for the pieces to be shown at MUSAC alongside El retorno 1, in a project that involves the three artists in the process of making the film Retorno a Hansala.
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[1 ] “ S i n t ít u lo” de la s er ie H ans ala. A lfred o Cáliz, 2008. F o to grafía c o lo r. Im pr e si ó n en p ap el alg odón. 1 2 0 x 70 cm. [2 ] “ T a nat or io” de Ret or no a H ans ala. Q uim Vives, 2008. F o to grafía c o lo r. [3 ] D o c ument o p r imit ivo 1 . Mont s er r at So to , 2008. Vídeo c o lo r y so n id o . [4 ] C a l o r h u mano. Rog elio Lóp ez Cu enca, 2008. Vídeo c o lo r y so n id o .
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La muestra 24 horas 10 minutos del artista Salvador Cidrás (Vigo, España, 1968) está concebida como una gran instalación producida en su totalidad por el MUSAC. 24 horas 10 minutos reflexiona sobre la juventud como valor, incidiendo especialmente en el universo masculino adolescente y en las relaciones simbólicas presentes en sus entornos cotidianos. El artista replantea el espacio expositivo adaptando elementos y prácticas urbanas para reconstruir los estereotipos del mundo adolescente, y explorar los aspectos narrativos que interfieren en la construcción de su identidad. Salvador Cidrás se dio a conocer a mediados de los años noventa; desde entonces, su obra ha transcendido de forma temprana las fronteras de su Galicia natal con exposiciones individuales como Nueve tipos de encuesta (Espacio UNO, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid), proyectos en colaboración como Bloody Nose/ El prisionero blanco (Main Gallery CGU, Los Angeles, California), realizado junto a Vicente Blanco, y exposiciones internacionales como Collage (Sparwasser HQ, Berlín) y Transplant-heart. Urban Environmental Sculpture Project, (Santiago de Compostela – Helsinki). En la actualidad, Cidrás basa su trabajo en la reconstrucción de modas culturales alternativas, reflexionando sobre determinados comportamientos sociales a través de la imagen, cuyo tratamiento y uso vienen presididos por una fuerte vocación experimental gracias a la combinación de infinidad de formatos. 24 horas 10 minutos gira entorno a tres ejes fundamentales: una instalación sonora, una gran instalación mural y una sala conformada por ocho dibujos de gran formato y un vídeo con el mismo título de la exposición.
24 horas 10 minutos - página 12 -
La instalación sonora está compuesta por dos elementos (móviles): por un lado, un conjunto de altavoces de los que emanan cada cuatro minutos sonidos descontextualizados de un concierto. En la otra parte, un espejo de gran formato que completa la instalación y afronta la problemática de la excesiva superficialidad de las culturas adolescentes. Una metáfora sobre la irrealidad de las imágenes y el reflejo del espejo, pues no hay que olvidar que el trabajo de este artista ha aludido en más de una ocasión a la apariencia como idea implícita de la propia realidad. El segundo eje de la muestra lo forma la gran instalación mural, ideada formalmente como una piel plateada realizada con pósteres de grandes dimensiones, que invade, estructura y ocupa el lugar protagonista del espacio expositivo, pero que ha perdido sus propiedades inherentes como estructura urbana (muro), ya sea de espacio colaboracionista, de símbolo
Sin título (deta lle), 2008 . Insta lació n, plant illas para dibuj os, neón, póste res. Dimen sione s variab les. Produ cción MUSA C.
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de protesta o de uso publicitario. La instalación contiene una serie de plantillas impresas procedentes de diferentes iconografías sacadas de un imaginario contaminado, que bebe de la imagen “amateur”, Internet, la simbología popular, el archivo fotográfico del artista, el cómic, etc., que reconducen al espectador al análisis de toda una simbología callejera adolescente utilizada por jóvenes que desconocen el significado ideológico de las mismas. Finalmente, y como tercer eje expositivo, el artista reflexiona sobre los comportamientos y estereotipos que actúan en la configuración de las identidades masculinas adolescentes, a través de una sala formada por ocho dibujos de gran formato y el vídeo que da título a la exposición. Ésta última pieza, con un lenguaje documental y una duración de una jornada completa (1.440 minutos) y diez minutos, aborda la rutina diaria de un adolescente. Una vez más, los dibujos muestran lo que Cidrás identifica como “el otro” y se corresponde con la imagen del adolescente, que posa extrañamente pasivo, autómata, personificando los
Esgaz ad os, 20 0 8 . T é c n i c a m i x t a s o b r e pa p e l , m a d e r a y p l e x i g l á s . 2 0 0 x 2 8 6 cm . P r o d uc c ió n M USAC .
Con s umiend o j uv ent ud , 2 0 0 8 . T é c n i c a mix t a s o br e p a p el, ma d er a y p le x i g l ás . 2 0 0 x 28 6 c m. P r o d uc c ió n M U S A C.
estereotipos y deseos del mundo adulto. Los dibujos configuran una unidad que se aproxima a la estética del documento impreso (carteles, fanzines, revistas). Mientras el vídeo recoge de manera casi documental la realidad cotidiana de un joven en un entorno rural, a medio camino entre un gran pueblo de comarca y la ciudad, los dibujos bucean en un universo más onírico y surrealista como escapatoria a lo real. “Me interesa –explica Salvador Cidrásel conflicto que surge en un joven cuya vida gira en torno a conseguir dinero para divertirse el fin de semana sin un claro sentimiento afectivo hacia el entorno”. En definitiva, una mirada casi antropológica donde los diferentes contextos de su rutina reconstruyen su prismática identidad.
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The exhibition 24 Horas 10 minutos is a large sitespecific installation of new works conceived and executed by artist Salvador Cidrás (Vigo, Spain, 1968) and produced by MUSAC, in which the artist is currently focusing on the reconstruction of alternative cultural trends, reflecting on certain forms of social behaviour through images, whose treatment and use are governed by a powerful experimental drive that leads to a profusion of formats. Salvador Cidrás made a name for himself in the mid 1990s; since then, his work has been seen far beyond the reaches of his native Galicia, with solo exhibitions such as Nueve tipos de encuesta (Espacio UNO, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid) or collaborative projects such as Bloody Nose/El prisionero blanco (Main Gallery CGU, Los Angeles, California), alongside Vicente Blanco and international exhibitions, such as Collage, (Sparwasser HQ, Berlin) or Transplant-heart. Urban Environmental Sculpture Project, (Santiago de Compostela – Helsinki).
Sin títu l o (det a lle) , 20 0 8 . I ns t a la c ió n mu r a l , p l a n t i l l a s p a r a di b u j os , n e ón , pósteres. Dime n s i o n e s v a r i a b l e s . P r o d u c c i ó n M U S A C .
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Sin t ít ulo ( d e t a l l e ) , 2 0 0 8 . I n s t a l a c i ó n m u r a l , plan t i l l a s p a r a d i b u j o s , n e ó n , p ó s t e r e s . Dim ens io nes v a r ia bles . P r o d uc c i ón M U S A C.
In 24 horas 10 minutos, Cidrás inquires into youth as a value, placing special emphasis on the world of adolescent males and the symbolic relationships they develop in their everyday environments. The artist reshapes the exhibition space, adapting urban items and practices in order to reconstruct teenage stereotypes and explore the narratives that interfere in the construction of their identity. The exhibition, which takes the form of a mural installation, is the artists’ largest to date. His statement can be read as a succession of fragments, broken-up yet self-contained that reject a uniform discourse and must be appraised as a whole by the viewer, on the basis of his or her own experiences. 24 horas 10 minutos revolves around three main axes: a sound installation; a large mural installation and a room displaying eight large-format drawings and a video by the same title. - página 17 -
LO V E FOR E TE RN ITY
Terence Koh: el artista y su obra Tras su paso por la Wiener Secession, la Kunsthalle Zurich o el Frankfurt Schrirn Museum en Europa, o su muestra individual en el Whitney Museum de Nueva York en EE.UU., Terence Koh (Pekín, China, 1980) irrumpe en la escena expositiva española por primera vez de mano de esta exposición. Su obra es el resultado de un ensamblaje de culturas e identidades fuertemente arraigadas en este heredero de los postulados post-conceptuales de Joseph Beuys, en los que arte y vida se dan la mano, y donde la mística y la religión cobran una importancia extrema en el debatir de las diferentes creencias en un entramado globalizado. Koh no es reacio a mezclar todo su bagaje, por una parte asiático y trascendental –a través de óperas chinas, ideogramas y expresiones de un poso
Cap t ain Bu ddh a, 2 0 0 8. Fot og r afía blanco y negro .
totalmente ancestral–, con las nuevas formas y vías de expresión contemporáneas como la música, el diseño y los juegos subversivos de las identidades. Su obra, con una marcada referencia “queer”, se posiciona de forma abstracta en límites o polos donde no es fácil discernir si el artista habla de pasado o de futuro, de sexo o de género, de misticismo o de hedonismo, en una producción marcada por el secretismo y el misterio, la mascarada e incluso la numerología. Sus claras referencias a otros artistas provenientes del mundo de la “performance” como Man Ray, Marcel Duchamp, Joseph Beuys, Bruce Nauman o Rober Gober le hacen seguir una línea discursiva relacionada con los postulados de los noventa respecto a la identidad masculina, lo que se denomina “Male Trouble”, a la manera poética y de recuperación de estas formas donde el artista se sitúa como herramienta de trabajo entre la acción y el objeto. - página 19 -
T HE W H OL E F A M IL Y ( de t a l l e s ) , 2 0 0 3 [ arriba] U nti tle d 11 (A pai r o f bi n o c ular s, a f lashli g ht and ET to y), 2 0 0 3. Prismáticos, linterna, muñeco de ET p ar lante , pi ntur a ac r í li c a, c o la adhe si va y est a nte r í a de made r a. 51 x 110 x 26 c m. [C ENTRO] U nti tle d 13 (A Ti ny Radi o , a S m al l plate o f S hi t, a B r o ke n Pai r o f G l as se s), 2003. Radio, excremento, gafas, p i n t ur a ac r í li c a, c o la adhe si va y e stante r í a d e m a de r a. 51 x 110 x 26 c m. [A B A J O] Untitled 12 (3 stackS of towels and a whi te ho r se ), 20 0 3 . To alla, c aballo , pelo falso, pintura acrílica, cola adhesiva y e stante r í a de made r a. 61 x 110 x 26 c m.
U nti tled (Lig h t s ), 2006. Escultura, técnica mixta. 222 luces, so po r t es , p int u r a, or o, p an de or o y o tras téc n ic as, ac o mpañ ado d e c e r t ificado de aut ent icidad. Dim en sio n es variables (200 x 200 x 2 00 cm, ap r ox.).
Sobre “Love for eternity” Love for Eternity es una extensa muestra de más de 1.200 m2 que constituye un repaso de la trayectoria del artista, desde sus primeras creaciones, firmadas bajo el seudónimo “asianpunkboy”, hasta la actualidad, apartado en el que emergen obras de nueva creación presentadas al gran público de manera inédita, así como nuevas instalaciones pensadas ex profeso para las salas del MUSAC. Dando comienzo a la muestra, frente al cartel diseñado por el artista para la ocasión, un pasadizo conduce a la primera instalación de Koh, The Whole Family (2003). Una estancia completamente blanquecina en la que objetos, figuras e imágenes incitan a investigar dentro de aspectos espaciales, subversivos y sensitivos del artista. A continuación, una nueva instalación que, con la predominancia del negro, emerge como opuesto de la sala anterior. Una habitación completamente negra en la que se - página 20 -
presentará un conjunto de torres de cristal oscuro y piezas escultóricas quemadas inspiradas, de forma alegórica, en la pintura Guernica (1937) de Pablo Picasso, que van a adoptar un simbolismo de destrucción relacionado con las bombas que cayeron sobre la ciudad de Guernica durante la Guerra Civil Española. La poética de Koh remite a la guerra y a la destrucción de nuestro tiempo, a través de piezas individuales que en forma de una instalación cobran un nuevo significado. En la siguiente sala se puede contemplar una serie de piezas negras bajo luz dorada (GOD, 2007 y MI + T, July 1, 2007, 2007) formando una naturaleza muerta donde la mística de la luz y las propias obras remiten a referentes como la religión o la efímera existencia del ser humano. La cuarta estancia muestra una pieza de nueva producción consistente en una gran vitrina, compuesta por más de trescientos módulos horizontales, que cubre de lado a lado la sala. Esta vitrina, en su mayor parte vacía, presenta algunas esculturas blancas como cuernos de toro y banderillas pintadas
GOD ( d e t a l le), 2007. Escultura, técnica mixta. Doce esqueletos h u m a n o s , maniquí, molde de yeso del cuerpo del artista, hormigas, m a d e r a , c e r a, t elas , azú car , s ake, abs ent a, c o gn ac , c hampagn e, Eau d ’ O r a ng e V e r t de Her m ès , s u s ur r os , s em en y o rin a d el artista so bre s u e l o p l á s tico con restos de una fiesta inaugural: latas, colillas, m a nc ha s, e t c. Dimens iones var iables .
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de blanco, que atraviesan los cristales en representación de la esencia de la cultura española sobre la muerte y lo festivo. A través de los vidrios se puede contemplar la instalación The End of My Life as a Rabbit in Love (2007) en la que, a modo de celebración fúnebre de color blanco, unas esferas escultóricas remiten a la idea del “ying” y el “yang”, al juego de positivos y negativos o al ser y su desaparición. Por último, en la gran sala del MUSAC el artista presenta una sutil instalación, de nueva producción y concebida para el espacio en el que se expone, donde la oscuridad y el silencio cobran protagonismo en una pieza en la que confluyen la esencia del fuego, el encuentro y lo efímero. Estas cinco grandes instalaciones repletas de formas y objetos diferentes entre el blanco, el negro y el dorado van a marcar un recorrido que hace de la exposición un viaje por diferentes capítulos de la vida y obra del artista. En definitiva, una amalgama de mezclas de las que obtiene todas las referencias posibles para hablar de la decadencia y fragilidad del ser humano, de sus miedos y de sus victorias, de la alegría y del dolor simultáneamente. Love for eternity supone una puerta de entrada a un universo personal repleto de muchos y variados referentes como los del propio Koh.
Th e End of My Life as a Rabbit in L o ve, 2007 (vista de la “ p er for mance” en Deit ch Pro j ec ts, Nueva Yo rk en 2007). Escultura, técnica mixta. Neón, metal, soportes, instalación eléctrica y voz del artista iluminada en el es p acio. Dimens iones var iables.
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Love for eternity is a foray into the unique creative universe of Chinese-Canadian artist Terence Koh (Beijing, China, 1980), where cultures and identities blend with influences from postminimalism and 1970s body art to create a personal cosmos governed by decadence and deliberate excess, providing the onlooker moments of fragile beauty. This is Koh’s first solo exhibition in Spain, having shown previously in Europe at the Wiener Secession, Kunsthalle Zurich or Frankfurt Schirn Museum; and after his major individual exhibition at the Whitney Museum in New York. Love for Eternity is a vast exhibition, coving over 1,200 m2, devoted to a review of Koh’s main works, from those signed as “asianpunkboy”, up to the present. The viewer will be enticed to plunge into a succession of rooms holding installations whose objects, lighting and composition generate a sense of fragility and whiteness; or their opposites, such as the Baroque black of certain pieces endowed with a compelling visual force. The installations will provide an essentially sensorial experience, where mysticism meets the underground. Koh’s work is the result of an assemblage of the cultures and identities deeply engrained in this heir of Joseph Beuys’ post-conceptualism, where art and life go hand in hand and where mysticism and religion take on a crucial importance when it comes to appraising varying beliefs within a globalised mesh. Koh is not reluctant to intermixing the broad range of his baggage: on the one hand Asian and transcendental, captured in Chinese opera, ideograms and expressions of an ancestral past; with the newest forms of expression such as music, design and subversive identity games on the other. His work, rich in queer references, acquires a degree of abstraction between two poles where it is not always straightforward to determine whether he is talking about the past or the future, sex or gender, mysticism or hedonism. All of this in an execution defined by secrecy and mystery, masquerade and even numerology. Koh’s clear references to other artists from the world of performance, such as Man Ray, Marcel Duchamp, Joseph Beuys, Bruce Nauman or Rober Gober place him line with a specific discourse, though he is also influenced by the 1990s exploration of male identity, the so-called Male Trouble, as a poetic revisitation of those forms of expression where the artist stands as an instrument between action and object.
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m o n óolnoogloo/g u e m Paul Pfeiffer pertenece a una generación de artistas que ha explorado y experimentado con el uso de las nuevas tecnologías en un proceso creativo que se despliega en medios tan diversos como el vídeo, la instalación, la escultura y la fotografía. En su obra más reconocida, el artista manipula digitalmente viejos metrajes de películas o eventos deportivos de la televisión para terminar borrando las figuras principales de la escena, diseccionando el papel que juegan los
Em pir e (de tal le) , 20 04 . In sta lac ión , víd eo mo noc ana l. Dim ens ion es var iab les .
medios de comunicación de masas en la obsesión y el culto contemporáneo de la celebridad. Sus instalaciones son con frecuencia inesperadamente pequeñas, y su soporte técnico perfectamente diseñado y concebido como parte de la obra. Una de las principales aficiones del artista es el cine de terror y las películas de Hitchcock, y éstos sirven de referencia a ciertos aspectos de su creación. En obras como 24 Landscapes (2000), las extensas playas de esta serie fotográfica funcionan como silenciosas escenas que activan nuestra curiosidad. Pfeiffer retocó minuciosamente esas fotografías, desplazando el verdadero sujeto de la imagen –el cuerpo icónico de la estrella– hasta convertir el fondo en tema principal y hacer resaltar las dunas, las pisadas o las formaciones de nubes que, de lo contrario, habríamos pasado por alto. Igualmente, su serie Three Studies of Figures at the Base of a Crucifixion (2001) y Caryatid (2004) –respectivamente a partir de - página 24 -
S elf- Por t r ait as a Fou nt ain, 2000. Instalación, vídeo y t écnica mixt a. 1 83 x 549 x 3 0 5 c m. V ista de la instalación en K 21 Kunstsammlung N or dr h ein- Wes t falen, Dü s s eldor f, Aleman ia.
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la supresión de los protagonistas de un partido de baloncesto, o del aislamiento de uno de sus protagonistas, sin balón ni contrincante– nos emplazan simultáneamente entre el suspense y la casi-veneración. Hay otro aspecto en la obra de Pfeiffer donde realidad e imagen también se trastocan, pero esta vez a modo de sondeo de la relación entre la apariencia y el espacio real. Vertical Corridor (2005) y Jungle Diorama (2008) oscilan entre la posibilidad y la distopía. Una imagen proyectada en la pared nos muestra un pasillo aséptico y escueto, iluminado por luces de neón en la primera obra, y la entrada de una cueva en la segunda. Una apertura casi imperceptible en la pared nos permite mirar la misma escena desde otra perspectiva. Tanto la realidad como la imagen que vemos se disuelven una
P o l ter g eis t , 2000. Instalación, v i t r i na (56 x 56 x 61 cm). D i m ens iones var iables .
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en otra, como si la obra ocupara siempre dos espacios que simultáneamente se complementan y se contradicen. Live from Neverland (2006) opera inequívocamente en ese doblaje. A través de un monitor, una de las dos partes de la obra recoge la famosa declaración televisada de Michael Jackson en la que pronunciaba su inocencia contra las alegaciones de abusos sexuales con un grupo de niños. La segunda parte es una amplia proyección que despliega un coro de ochenta estudiantes que recitan con precisión la confesión de Jackson. Los dos vídeos están sincronizados de manera que las voces del coro coincidan precisamente con el monólogo que Jackson gesticula en el monitor mudo. En esta obra, el desplazamiento y el pliegue que el artista nos revela abiertamente evidencian el carácter ventrílocuo que rastrea Pfeiffer entre el público y la celebridad, y subraya los intercambios, las repeticiones y las sustituciones que nunca acaban de atrapar el complejo universo de reconocimientos, identificaciones y proyecciones en el que se debate la cultura visual. En contraste con el elaborado artificio de estas obras, la exposición incluye dos obras documentales, Sunset Flash (2004) y Empire (2004). Ambas aluden irremediablemente a lo incompleto y a la imposibilidad y frustración del cumplimiento; en el primer caso en relación a su contenido, y en el segundo en relación al formato inabarcable (porque nunca conseguiremos ver la obra completa). En general, referirse a la obra de Paul Pfeiffer significa hablar de desplazamientos, de borraduras y escalas. En este sentido, la obra puede entenderse como una suerte de proceso de revelación que conduce a una realidad hasta ahora escondida por la imagen (icónica) y tras ella, desplazando la mirada hacia lo siniestro o lo inesperado, donde la cámara adopta a menudo una perspectiva extraña, inhumana o sobrenatural, siempre obtusa, entre miniaturas y amplificaciones, pliegues y doblajes. En obras como Study for Morning After the Deluge (2003), Pfeiffer desestabiliza el sentido de la perspectiva con una tensión entre el movimiento y la escala. Mientras en The Pure Products Go Crazy (1998), la repetición de una acción de la película Risky Business hipnotiza de la misma manera que se objetualiza una película en Poltergeist (2001), y en otras, como Quod Nomen Mihi Est (1998) —que reproduce la habitación de la niña en la película El Exorcista— el objeto posibilita y alienta una experiencia casi cinematográfica. Esta - página 27 -
T he P ur e Pr odu ct s Go C r a z y , 1998. Instalación, p r o y e c tor, vídeo color, b r a z o de metal. 50 x 12 x 38 cm.
Live from Neve rlan d, 200 6. Ins tala ción , vídeo de dos cana les. Dim ensi ones varia bles .
experiencia, no obstante, se complica con Self-Portrait as a Fountain (2000) –que reproduce la famosa ducha de Psicosis de Hitchcock–. Este “autorretrato” no revela, ni inmediata ni subrepticiamente, la presencia del artista. Por el contrario, es en el espejeo entre las referencias que convoca y su homenaje donde localizamos el rastro distante y siempre cambiante del artista, siempre presente y siempre ausente, siempre en todas partes y en ninguna, en un deslizamiento constante entre los dos. En todos estos casos, Pfeiffer nos emplaza en un evento/monólogo-en-curso, que es sobre todo una experiencia sin una narrativa clausurada y sin sentimiento, porque ambos, -respectivamente la narrativa y el sentimiento- pertenecen al dominio de lo manifiesto y de lo sensible, mientras que el evento ventrílocuo de Pfeiffer no es sino motor y guía que, en cambio, sólo se manifiesta en sus síntomas; como representación y como sentimiento. En otras palabras, la obra explora una manera de acercarnos a lo que no podemos ver a través de lo que vemos, mientras pospone indefinidamente la resolución en un vaivén que desliza constantemente la percepción, y nuestra percepción, en un juego que especula entre realidad y ficción, a partir de sofisticadas referencias e invisibilidades, obsesiones y ausencias. - página 28 -
Paul Pfeiffer belongs to a generation of artists who have explored and experimented with the use of new technologies in a creative process that unfolds in media as diverse as video, installation, sculpture and photography. For his most widely recognized work, the artist digitally alters old film footage or T.V. sports events from which he eventually erases the main characters of the scenes, dissecting the role played by the mass media in the contemporary obsession and cult of celebrity. His installations are often unexpectedly small, and their technical means perfectly designed and conceived as part of the artwork. But what is striking is not only the elimination of the icon of mass culture that usually represents the American Dream, but also the multitude of spectators and the void upon which we project our anxieties and desires, especially those related to invisibility or the rejection represented by what we cannot attain, what escapes us. Hence, those references also point to the nearly religious spectacle of professional sports.
T hr e e S t udies of Fig ur es at t h e Base o f a Cruc ifix io n , 2001. I n s talaci贸n, 3 v铆deos color, 3 proyectores, 3 brazos de metal. D i m ens iones var iables . Colecci贸n M USAC.
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CURSO CON EL CFIE (CENTRO DE FORMACIÓN E INNOVACIÓN EDUCATIVA) Días 14,15,16/21,22,23/28,29,30. Información: www.cfieleon.com
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MIRAR PARA HABLAR I. Sábados de 12:30 a 14h. (primer grupo) y de 18:30 a 20h. (segundo gupo). :::Comienzo el 18 de octubre::: MIRAR PARA HABLAR II. Domingos de 12:30 a 14h. :::Comienzo el 19 de octubre::: TERTULIAS DE CINE. Cine Independiente Americano. Viernes a las 17h. :::Comienzo el 17 de octubre::: PEQUEAMIGOS MUSAC. :::Comienzo el 18 de octubre:::
TALLERES Taller de danza Contact improvisación II. Eckhard Muller y Daniela Schwart. Del 1 al 5 de octubre. Seminario de fotografía. Carmela García. Sábado 25 de octubre.
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Programa No Ficciones II. Documental realizado por mujeres. Martes y jueves de octubre a las 20:00h. Comienzo el 7 de octubre. El documental del mes. El primer jueves de cada mes a las 20:10h. Ciclo de cine español contemporáneo. Programa mensual dedicado a un director. Todos los miércoles del año –de octubre a mayo- a las 20:10h. :::Comienzo el 1 de octubre:::
VISITAS GUIADAS:
DE MARTES A JUEVES A LAS 19h. VIERNES A LAS 17, 18 Y 19h. SÁBADOS Y DOMINGOS A LAS 11, 12, 13, 17, 18, 19 y 20 h.
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La Biblioteca-Centro de Documentación del MUSAC, que ya cuenta con más de 9.500 volúmenes, está es pecializada en Arte Contemporáneo a nivel nacional e internacional, con las incursiones necesarias en los antecedentes. La Biblioteca-Centro de Documentación está ubi cada en la planta baja del museo, con acceso directo desde el vestíbulo y consta de dos plantas: la planta baja, reservada para consulta, visionado de mate rial audiovisual, hemeroteca y acceso a Internet; y la planta alta, que alberga el fondo bibliográfico. La entrada es gratuita para investigadores del mundo del arte y para el público en general. No es nece sario carnet de usuario, ya que no hay servicio de préstamo.
SERVICIOS
La Biblioteca-Centro de Documentación del MUSAC ofrece: · Consulta en sala de los fondos de libre acceso. · Información y referencia. · Acceso al catálogo informatizado de la biblioteca. · Acceso a Internet y conexión libre con wireless. · DSI (Difusión Selectiva de Información) y Alerta Informativa (exposiciones actuales, becas y certá menes). · Visionado de material audiovisual (VHS, DVD y CD-ROM). · Préstamo interbibliotecario restringido. · Atención al público on-line.
Horario:
Martes a sábado de 11:00 a 14:30 h y de 17:00 a 20:00 h Domingos, lunes y festivos: cerrado. E-mail: biblioteca@musac.es :::::::::::::::::::::::::::::::::: :::::::::::::::::::::::::::::::::::::
::::::::::::::::::::::::::::::::::::: MUSAC Library-Documentation Center :::::::::::::::::::::::::: The MUSAC Library-Documentation Center, that already has more than 9.500 volumes, specializes in Contemporary Art. It places special emphasis on the past two decades, with a multidisciplinary perspec tive on the national and international levels, and the necessary incursions into the past. The Library-Documentation Center is located on the ground floor of the building, with direct access from the main lobby. It consists of two floors: the ground floor is reserved for consultation and Internet and the upper floor is dedicated to bibliographic funds. The entrance is free for art researchers and for the public in general. A library identification is not required because there is no lending service.
SERVICES
The Library-Documentation Center offers: · Consultation of funds with free access. · Information and reference. · Access to library catalogues. · Access to the Internet. · Information on exhibitions, grants and artistic con tests. · Preview of audiovisual material (VHS, DVD and CD-ROM). · Interlibrary lending restricted. · On-line public assistance.
Opening hours:
Tuesdays to Sundays from 11:00 am to 2:30 pm and from 5:00 to 8:00 pm. Closed on Sundays, Mondays and Holidays. E-mail: biblioteca@musac.es :::::::::::::::::::::::::::::::::::::
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RETORNO A HANSALA
ARTISTAS: Chus Gutiérrez, Alfredo Cáliz, Rogelio López Cuenca y Montserrat Soto Idea Original: MUSAC COORDINACIÓN: Eneas Bernal ::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::
SALVADOR CIDRÁS (24 horas 10 minutos)
COMISARIADO: Tania Pardo COORDINACIÓN: Eneas Bernal (p.13) Cortesía Salvador Cidrás ::: (p.14-17) Foto: Imagen MAS. ::::::::::::::::::::::::::::::::::::
TERENCE KOH (love for eternity)
COMISARIADO: Agustín Pérez Rubio COORDINACIÓN: Helena López Camacho (p.18) Cortesía Peres Projects, Los Angeles Berlin y Schirn Kunsthalle, Frankfurt :::: (p.19) Cortesía Peres Projects, Los Angeles Berlin ::::::: (p.20) Cortesía Peres Projects, Los Angeles Berlin y Colección Sacha, Nueva York ::: (p.21) Cortesía Peres Projects, Los Angeles Berlin y Cortesía y Colección Olbricht :::: (p.22) © Matthu Placek. Cortesía Deitch Projects, Nueva York. :::::::::::::::::::::::::::::::
PAUL PFEIFFER (monólogo/monologue)
COMISARIADO: Octavio Zaya COORDINACIÓN: Kristine Guzmán (p.24) Cortesía del artista y The Project, Nueva York, EE.UU. ::::::::: (p.25) Foto: Achim Kukulies, Düsseldorf ::: (p.26) Cortesía del artista y The Project, Nueva York, EE.UU. :::::: (p.28 izqda.) Cortesía del artista y The Project, Nueva York, EE.UU. Foto: Jerry L. Thompson ::::: (p.28 dcha.) Cortesía del artista y The Project, Nueva York, EE.UU. ::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::
LABORATORIO 987
COMISARIADO Y COORDINACIÓN: Tania Pardo (p.7) Cortesía del artista y Peres Projects, Los Angeles Berlin ::::: (p.9) Cortesía de la artista, Galería Maisterravalbuena, Madrid y Galería Valle Ortí, Valencia. ::::::::::::::::::::::::::::::::::::
PROYECTO VITRINAS
COMISARIADO: Agustín Pérez Rubio COORDINACIÓN: Carlos Ordás
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