El Puente de la Visión 2010 by MAS Museo de Arte Moderno y Contamporáneo de Santander y Cantabria

Comité de Honor Íñigo de la Serna Hernáiz Alcalde de Santander Francisco Javier López Marcano Consejero de Cultura, Turismo y Deporte del Gobierno de Cantabria Justo Barreda Cueto Director General de Cultura Samuel Ruiz Fuentes Primer Teniente de Alcalde del Ayuntamiento de Santander Fernando Garrido-Allepuz López Subdirector General de Cultura César Torrellas Rubio Concejal de Cultura del Ayuntamiento de Santander

EL PUENTE DE LA VISIÓN

Alexandra Aguiar, Ruth Gómez, Fernando Gutiérrez, Raúl Hevia, Moisés Mahiques, Tilo Schulz

GOBIERNO DE CANTABRIA Consejer a de Cultura, Turismo y Deporte

Six artists with different geographical and artistic backgrounds are part of the new edition of Bridge of Vision, an exciting, innovative, provocative project which has been growing since 1996 to become an icon of art life in Santander and Cantabria as a whole.

Seis artistas de distintas procedencias tanto geográficas como creativas, conforman la nueva propuesta de la presente edición de El Puente de la visión, un proyecto atractivo, novedoso y provocador que viene creciendo y fructificando desde 1996 y que ha supuesto un hito importante en la oferta expositiva tanto de Santander como de Cantabria.

The six are coming together at the Santander Museum of Fine Arts and the centuries-old Casas del Águila y la Parra, in Santillana del Mar, the venues that will be meeting points for the artists and the public, spaces open to the languages of expression emerging around the world and encouraging us to indulge in an emotional and sensory pilgrimage.

Vuelve a reunir en un mismo objetivo al Museo de bellas Artes de Santander y las centenarias Casas del Águila y La Parra de Santillana del Mar, que se convertirán en espacios para el encuentro entre el artista y su público, lugares abiertos a los lenguajes expresivos que están naciendo en distinto puntos del mundo y que nos animan a una peregrinaje sensitivo y emocional.

This time, the selected artists are Alexandra Aguiar, from Portugal (MCO Arte Contemporânea, Porto, Portugal), Asturiasborn Fernando Gutiérrez and Raúl Hevia (Espacio Líquido, Gijón, and Nuble, Santander, Spain), Ruth Gómez, from Valladolid (Mário Sequeira, Braga, Portugal), Valencia-born Moisés Mahiques (Fernando Pradilla, Madrid, Spain), and the German artist Tilo Schulz, (Steinle Contemporary, Munich, Germany).

En esta ocasión los elegidos son la portuguesa Alexandra Aguiar (galería MCO Contemporânea.Oporto); los asturianos Fernando Gutiérrez (galería Espacio Líquido, Gijón) y Raúl Hevia (galería Nuble, Santander); la vallisoletana Ruth Gómez (galería Mario Sequeira, Portugal); el valenciano Moisés Mahiques (galería Fernando Pradilla, Madrid) y el alemán Tilo Schulz (galería Steinle Contemporary, Munich).

Different personalities brought together by one of the oldest yet ever-evolving art techniques: drawing –a powerful and surprising outlet for expression. Six ways to show creative strength from intimate personal perspectives. Six forms of expression that make a whole under the generous Bridge of Vision, always ready to connect interests and efforts, thus leading to the search of knowledge and emotional experience.

Personalidades distintas que les unirá en esta ocasión, una de las técnicas artísticas más ancestrales y siempre en evolución, el dibujo, vehículo expresivo lleno de fuerza y siempre sorprendente. Seis formas diferentes que nos mostrarán la riqueza creativa de sus autores desde perspectivas intimas y personales. Seis expresiones distintas que conforman un todo y tienen acogida bajo este generoso El Puente de la visión siempre dispuesto a unir intereses y esfuerzos para favorecer el conocimiento y la experiencia emocional.

Francisco Javier López Marcano Regional Minister for Culture, Tourism and Sport of the Government of Cantabria

Francisco Javier López Marcano Consejero de Cultura, Turismo y Deporte del Gobierno de Cantabria

UN RÍO DE CREACIÓN

THE FLOW OF CREATION

Eso es lo que discurre bajo El Puente de la Visión 2010. Seis artistas, dos sedes expositivas, una sola filosofía: provocar con un río de creación en seis exposiciones.

That is what you can find under the Bridge of Vision in its 2010 edition. Six artists, two venues, one philosophy: giving rise to the flow of creation.

El Museo de Bellas Artes y las Casas del Águila y La Parra. Escenarios complementarios sindicados para acoger las propuestas de cinco hombres y una mujer en plena madurez artística.

The Museum of Fine Arts and Casas del Águila y la Parra. Complementary settings for the works of five men and a woman in the peak of their artistic careers.

Llega un nuevo otoño sugerente con El Puente de la Visión. Modelado en 1996 e inteligentemente remodelado, año tras año, desde entonces. Porque ya se sabe que toda visión admite su revisión.

A new fall has come, and with it a new and suggestive edition of Bridge of Vision –a project created in 1996 and wisely reshaped year in, year out since then. Because we know: every vision is subject to revision.

Consejería de Cultura y Ayuntamiento de Santander apuestan por El Puente y todos los caudales artísticos que veremos pasar bajo él. Ricos. Sugerentes. Provocadores. Los puentes también sirven para unir caminos. Y facilitar el tránsito. Este de 2010 nos conduce a los espacios creativos de Aguiar, Gutiérrez, Gómez, Mahiques, Hevia y Schulz. Los dos más jóvenes tienen 34 años; los dos mayores 45. Excelente edad para acabar de conocerlos.

Íñigo de la Serna Hernáiz Alcalde de Santander

The Cantabria Ministry of Culture and Santander Town Hall have renewed their commitment to the bridge and all the art flow under it. Rich. Suggestive. Provocative. Bridges can connect roads and make traffic easier. In its 2010 version, Bridge of Vision leads to the creative spaces of Bryce, Gutiérrez, Gómez, Mahiques, Hevia, and Schulz. he artists’ ages range from 34 to 45 –ideal ages to meet them.

Íñigo de la Serna Hernaiz Major of Santander

EL PUENTE DE LA VISIÓN

exposición / catálogo organización y producción MUSEO DE BELLAS ARTES / CONSEJERÍA DE CULTURA, TURISMO Y DEPORTE Ayuntamiento de Santander / Gobierno de Cantabria dirección técnica y coordinación MUSEO DE BELLAS ARTES DE SANTANDER dirección SALVADOR CARRETERO REBÉS comisariado SALVADOR CARRETERO REBÉS BELÉN POOLE QUINTANA adjunta al comisariado ISABEL PORTILLA ARROYO restauración BELÉN LAHOZ SOLER administración MAXIMINA DE ABAJO REÑONES Mª ESTHER MIGUEL DOSAL textos catálogo JAVIER ÁVILA GARCÍA ORLANDO BRITO SALVADOR CARRETERO REBÉS INÉS OBREGÓN TANIA PARDO MARÍA RUIZ SERRANO fotografía Alexandra Aguiar (Alexandra Aguiar) Ruth Gómez (Ruth Gómez ) Fernando Gutiérrez (Fernando Gutiérrez) Raúl Hevia (Raúl Hevia) Moisés Mahiques (Moisés Mahiques) Tilo Schulz (Tilo Schulz) traducción VOCENTO MEDIATRADER diseño catálogo y cuidado edición MUSEO DE BELLAS ARTES DE SANTANDER impresión catálogo GRÁFICAS CALIMA S. A. transportes y asistencia montajes JOSÉ LUIS MARTÍNEZ DÍEZ / SITO MOBIBOX JESÚS FUENTES CASAL seguros AXA ART VERSICHERUNG AG Sucursal en Santander

señalización ALBAST S. L. ISBN: 978-84-88285-89-8 Dep. Legal: SA-629-2010 © de la edición: Museo de Bellas Artes / Ayuntamiento de Santander © de los textos: los autores Prohibida la reproducción total o parcial, por cualquier medio o procedimiento, sin autorización expresa y por escrito de los titulares Agradecimientos Galería Mco Contemporánea (Oporto/Portugal) (Alexandra Aguiar) Galería Mario Sequeira (Lisboa/Portugal) (Ruth Gómez) Galería Espacio Líquido (Gijón/España) (Fernando Gutiérrez) Galería Nuble (Santander/España) (Raúl Hevia) Galería Fernando Pradilla (Madrid/España) (Moisés Mahiques) Galerie Steinle Contemporary (Munich/Alemania) (Tilo Schulz)

Obra expuesta en Museo de Bellas Artes de Santander: Ruth Gómez, Moisés Mahiques, Tilo Schulz (de 1 de octubre a 8 de diciembre) Casas del Águila y La Parra de Santillana del Mar: Alexandra Aguiar, Fernando Gutiérrez, Raúl Hevia (de 30 de septiembre a 8 de diciembre)

GOBIERNO DE CANTABRIA Consejer a de Cultura, Turismo y Deporte CONSEJERÍA DE CULTURA, TURISMO Y DEPORTE C/ Pasaje de Peña, 2-1ª. 39008 Santander (Cantabria / España) Tlf: +34 942 208627

MUSEO DE BELLAS ARTES DE SANTANDER C/ Rubio, 6. 39001 Santander (Cantabria / España) Tlf: +34 942 203120 Fax: +34 942 203125 E-mail: museo@ayto-santander.es

ÍNDICE

El Puente de la Visión 2010 ..................................................................

Salvador Carretero

Alexandra Aguiar .................................................................................... 17 María Ruiz

Ruth Gómez ............................................................................................ 37 Tania Pardo

Fernando Gutiérrez ................................................................................ 57 Javier Ávila

Raúl Hevia .............................................................................................. 75 Orlando Brito

Moisés Mahiques .................................................................................... 99 Inés Obregón

Tilo Schulz .............................................................................................. 119 Salvador Carretero

EL PUENTE DE LA VISIÓN 2

Salvador Carretero Rebés

El Museo de Bellas Artes de Santander creó e ideó El Puente de la Visión en 1996 con el objetivo de apoyar las nuevas generaciones artísticas de la autonomía y, fundamentalmente, pictóricas. Pasado algún tiempo, aquello se vio que se quedaba pequeño. Y fue el propio Museo de Bellas Artes de Santander quien se planteó la plena internacionalización del proyecto, contando a su vez con artistas españoles y extranjeros, abriendo más el arco de los criterios con los que trabajar. El nuevo formato era más ambicioso y, por lo tanto, más caro económicamente. Por ésta y otras razones, el Museo de Bellas Artes de Santander le propuso a Caja Cantabria si ésta deseaba colaborar y coproducir el nuevo formato, a lo que accedió, dando como resultado cuatro nuevas ediciones ciertamente fructíferas. La quinta edición, la del pasado año, se contó con una nueva complicidad coproductiva institucional, llevada adelante entre el Museo de Bellas Artes del Ayuntamiento de Santander y la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte del Gobierno de Cantabria, bajo la dirección y propuesta del primero, en las sedes del propio Museo y las Casas del Águila y La Parra de Santillana del Mar. Consolidado el proyecto en todos los sentidos, caracterizado por su consistente continuidad, su multiplicidad, su calidad, su internacionalización, su integración con un referente de trabajo, su integración de talentos, su salto cualitativo y cuantitativo cosmopolita..., El Puente de la Visión sigue con su identidad y sus criterios de trabajo, con constantes mejoras, de año en año, y donde pintura, escultura, intervenciones espaciales, instalaciones, fotografía, videocración, nuevas tecnólogías, arte sonoro…, conviven con naturalidad desde 2005, contando cada artista con su propio y diferenciado espacio –se trata de exposiciones individuales dentro de un proyecto múltiple, y no colectivo–, como concepto fundamental del proyecto. Multiplicidad y unidad desarrollado también en todos los catálogos, con aparatos críticos diferenciados, como también sucede en el presente. En este sentido, son ya muchos –superan la treintena– los críticos de arte que han colaborado y colaboran con sus textos en el proyecto: Fernando Zamanillo, Elena Vozmediano, Martí Perán, María Antonia de Castro, Guiomar Lavín, Gabriel Rodríguez, Javier Ávila, Mónica Álvarez Careaga, Juan Botella, Lidia Gil, Marta Mantecón, Alicia Murría, Carlos Neves, Rocío de la Villa, Raúl Hevia, María Rosa Ruiz, Luis Alberto Salcines, Pilar Solana, Javier Hontoria, Patricia Sánchez, Isabel Cotero, Rocío García, Sara Rodríguez, Orlando Brito, Tania Pardo, Inés Obregón, María Ruiz, Salvador Carretero, Noelia Tofé, Belén Poole e Isabel Portilla. Hay por lo tanto unidad en la multiplicidad, asunto que se manifiesta de edición en edición, multiplicidad de soportes,

Bridge of Vision was created in 1996 by the Santander Museum of Fine Arts to support generations of local young artists, mostly painters. After some time, the Museum, noticing the project needed expansion, took it beyond regional borders to house Spanish and international artists and under broader criteria, too. The new, increasingly ambitious initiative was also more expensive. This is why the Museum asked for cooperation from Caja Cantabria, inviting the savings bank to co-produce it. The fifth edition last year added new partners: organised by the Santander Museum of Fine Arts and the Cantabria Ministry of Culture, Tourism and Sports, Bridge of Vision was hosted in the Museum and in Casas del Águila y la Parra, in Santillana del Mar. At present, Bridge of Vision is a consolidated project, synonymous with continuity, multiplicity, quality, internationalisation, coherence within a reference, talent integration, quantitative and qualitative leaps, and cosmopolitanism. It has remained faithful to its own identity and principles while getting better by the year, becoming a fertile ground for the coexistence of painting, sculpture, spatial interventions, installations, photography, videocreation, new technologies, and sound art since 2005. In it, every artist has a distinct space of their own, for it comprises individual exhibitions in a multiple, though not collective, project. This is one of the key concepts in Bridge of Vision. Unity and multiplicity are also reflected in the catalogues, featuring distinct critical frameworks. The present one is no exception. Many art critics (as a matter of fact, more than thirty) have contributed their texts. Among them we can mention Fernando Zamanillo, Elena Vozmediano, Martí Peran, María Antonia de Castro, Guiomar Lavín, Gabriel Rodríguez, Javier Ávila, Mónica Álvarez Careaga, Juan Botella, Lidia Gil, Marta Mantecón, Alicia Murría, Carlos Neves, Rocío de la Villa, Raúl Hevia, María Rosa Ruiz, Luis Alberto Salcines, Pilar Solana, Javier Hontoria, Patricia Sánchez, Isabel Cotero, Rocío García, Sara Rodríguez, Orlando Brito, Tania Pardo, Inés Obregón, María Ruiz, Salvador Carretero, Noelia Tofé, Belén Poole, and Isabel Portilla. So there is unity in multiplicity, a fact that becomes apparent in each and every edition: multiple media, ideas, and generations and distinct personalities and creativities in well-defined spaces. About fifty different artists have already taken part in this project. In 2005, it was Irene van de Mheen, from the Netherlands (spatial intervention), Stephen Dean, from France (“sculptures” and light projections), Luis González Palma, from Guatemala (narrative photographs of memory); from Spain, Cristina Lucas (video-creation made in

Santander with extras from the city and watercolours), Juan Carlos Robles (wall drawings and videos), and Naia del Castillo (photographs and small installations); and, from Cantabria, Mabel Arce (paintings), Berta Jayo (paintings and other objects), Manu Arregui (video- and IT-creations), and late Esteban de la Foz (paintings). In 2006, Bridge of Vision housed Concha García (2D creations and sculptures) and Gorka Mohamed (paintings) from Cantabria, alongside Nuria Canal (photographs and installation), Paloma Navares (3D works on photographic medium), Juan Carlos Bracho (artifacts, sculptures, video), Mateo Maté (multicultural installation), Kaoru Katayama, from Japan (five videocreations), Catarina Campino, from Portugal (installation integrating 3D pieces, photographs, and videos), Miriam Bäckström, from Sweden (video-creations and photographs). In 2007, the project welcomed Juan Navarro Baldeweg (paintings and sculptures), Mario Rey (installation, paintings, and collages), Jorge Rojo (installation), Ángeles Agrela (videos and watercolours), Vicente Blanco (video and 2D digital-based works), and Rufo Criado (pictorial digital works), as well as Juan Erlich, from Argentina (photographs), Baltazar Torres, from Portugal (brilliant installation), and Pierre Gonnord, from France (photographs). In 2008, it gathered German artists Stephan Kaluza (paintings) and Alexandra Ranner (videos and mock-ups), Magdalena Correa, from Chile (photographs), and Spain-born Florentino Díaz (large rain installation), Marta Espinach (drawings), Paloma Álvarez de Lara (Cantabria, paintings), and Javier Arce (Cantabria, Capilla Sixtina installation). In 2009, the works of seven women were selected to be part of Bridge of Vision: Ruth Morán (paintings, drawings, and a drawing installation), Cantabrian Ana Díez (photographs), Concha Pérez (photographs), Portuguese Marta Bernardes (videos and large painting and drawing installation), Rosalía Banet (large installation on Siamesas), and Argentine Nicola Costantino (bright photographs). The 2010 edition of Bridge of Vision is housing another six artists. Casas del Águila y la Parra, a great facility of the Cantabria Ministry of Culture, Tourism and Sports in Santillana del Mar, is playing host to the works of Fernando Gutiérrez, Alexandra Aguiar, and Raúl Hevia. Asturias-born Fernando Gutiérrez has made a remarkable intervention consisting of a mural whose wall drawings are scattered around the rooms while still bearing continuity. Done in situ, it is a work in which things move in playful yet controlled ways, a fabulous composition of archaeological images and figures, an imaginary world of Boschian creatures, a magical, unreal, versatile, dynamic trip. Raúl Hevia’s Nunca volverás a

ideas, generaciones…, manteniendo cada cual su propia personalidad y creatividad en su propio espacio. Y también ya son un buen puñado de artistas bien diferentes los que vienen participando del proyecto, acercándose al medio centenar. En 2005, la holandesa Irene van Mheen (con una gran intervención espacial), el francés Stephen Dean (con sus “esculturas” y proyeccciones lumínicas), el guatemalteco Luis González Palma (con sus narrativas fotografías de la memoria) y los españoles Cristina Lucas (con su videocreación que hizo y rodó en el propio Santander, contando con figurantes de la ciudad y acuarelas), Juan Carlos Robles (con su intervención de dibujo directo en la pared, así como videos), Naia del Castillo (con sus fotografías y pequeñas instalaciones), junto con los cántabros Mabel Arce (pinturas), Berta Jayo (pinturas y otros objetos), Manu Arregui (videos y creaciones llevadas a cabo con nuevas tecnologías), y el más veterano, hoy desaparecido, Esteban de la Foz (con sus pinturas). La edición de 2006 contó con los cántabros Concha García (creaciones bidimensionales y esculturas) y Gorka Mohamed (pinturas), junto con Nuria Canal (fotografías e instalación), Paloma Navares (piezas tridimensionales de soporte fotográfico), Juan Carlos Bracho (fotografías y un mural de dibujo) y Mateo Maté (con una instalación multicultural), además de la japonesa Kaoru Katayama (con cinco videocreaciones), la portuguesa Catarina Campino (con una instalación donde se conjugaban piezas tridimensionales, fotografías y videos) y la sueca Miriam Bäckström (con videocreaciones y fotografías). En 2007 con Juan Navarro Baldeweg (pinturas y alguna escultura), Mario Rey (con una instalación, pinturas y collages), Jorge Rojo (instalación), Ángeles Agrela (videos y acuarelas), Vicente Blanco (video y trabajos bidimensionales de fundamentación digital) y Rufo Criado (creaciones digitales pictoralistas), junto con el argentino Juan Erlich (fotografía), el portugués Baltazar Torres (con una brillante instalación) y el francés Pierre Gonnord (fotografía). En la edición de 2008, con los alemanes Stephan Kaluza (pinturas) y Alexandra Ranner (videos y piezas-maquetas), la chilena Magdalena Correa (fotografía) y los españoles Florentino Díaz (una gran instalación de lluvia), Marta Espinach (dibujos), Paloma Álvarez de Lara (pintura) y Javier Arce (con la instalación de la “Capilla Sixtina”), los dos últimos cántabros. Y en 2009 fueron siete mujeres las seleccionadas: Ruth Morán (pintura y dibujo, con una instalación también de dibujos), la cántabra Ana Díez (fotografía), Concha Pérez (fotografía), la portuguesa Marta Bernardes (con varios videos y una gran instalación de dibujos y pinturas), Rosalía Banet (con una gran instalación dedicada a sus “Siamesas”) y la argentina Nicola Costantino (con sus también brillantes fotografías).

La edición de 2010 la protagonizan otros seis artistas. En las Casas del Águila y La Parra de Santillana del Mar, magnífico ámbito de la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte del Gobierno de Cantabria, exponen su obras Fernando Gutiérrez, Alexandra Aguiar y Raúl Hevia. El asturiano Gutiérrez lleva a cabo una excelente intervención, todo un mural de dibujo –que se dispersa entre distintos ámbitos con continuidad–, desarrollado directamente en la pared, tras varios días de trabajo in situ, donde todo se mueve de forma lúdica y controlada, una fantástica composición de imágenes y figuras de esencia arqueologista, mundo imaginario de criaturas bosquianas, viaje irreal y mágico, versátil y dinámico. Hevia nos presenta un trabajo –Nunca volverás a casa– que funciona como instalación, el único que se aleja del dibujo y la línea, pero proyecto de total sutilidad que engarza al resto, con total unidad de intención, siempre desde la atalaya del ensayo sobre lo cotidiano, la memoria, la infancia, el viaje, su inteligente y lineal sutilidad emocional narrativa. La portuguesa Aguiar propone con una serie de dibujos seleccionados, un ideario de sustrato escultórico de enorme lirismo y delicadeza, orgánicos y, especialmente, antropomórficos, intuitivos y directos. En el Museo de Bellas Artes de Santander se expone el trabajo de Moisés Mahiques, Ruth Gómez y Tilo Schulz. Del valenciano Mahiques hemos seleccionado un gran repertorio de sus dibujos de líneas puras, limpieza ocasionalmente rota al superponerse a campos cromáticos planos y claros que otorgan a sus trabajos de cierta tridimensionalidad, con series de un gran dinamismo y actualidad. De Ruth Gómez hemos construido y presentado diferentes obras –vinilos, dibujos, videocreaciones–, su particular mundo fresco, actual, directo, dinámico y divertido, profundo y reflexivo, de distintas series, con una continuidad. Por fin, del alemán Schulz, hemos trabajado dos intervenciones, trabajadas también para El Puente de la Visión: una intervención directa a las paredes, tras varios días de trabajo en el propio Museo; y una instalación bella y silente, más de setenta dibujos en la sala del fondo, con su magnífica serie Looking at the mountains of desire… También en el Museo, hemos trabajado que los artistas ubicados en Santillana, estuvieran también presentes, con algunas piezas y pequeñas intervenciones.

casa/You Will Never Come Back Home is the only installation that does not have to do with lines and drawing. This subtle project makes a setting for all the others with its unity of intention, watching over everyday affairs, memory, childhood, and travel with a powerful, emotional, linear narrative. As to Portuguese artist Alexandra Aguiar, her selection of drawings suggests a substratum of sculptural ideas of great delicacy and beauty. Her drawings are organic, anthropomorphic, intuitive, and straightforward. The Santander Museum of Fine Arts, on the other hand, is displaying works by Moisés Mahiques, Ruth Gómez, and Tilo Schulz. Moisés Mahiques has chosen a collection of pure-line drawings, occasionally interrupted by the overlapping of pale flat colour fields that add a certain threedimensionality. The series is characterised by its dynamic and contemporary nature. The works by Ruth Gómez (vinyl, drawing, video) reflect the artist’s fresh, dynamic, fun, straightforward, and contemporary world in different yet related series. Last but not least, German Tilo Schulz has prepared two interventions. One of them is on the walls, the result of several days’ work in the museum. The other is a beautiful silent installation in the back room, comprising over seventy drawings and the wonderful series Looking at the mountains of desire… In addition, the artists at Santillana del Mar are present in Santander with a few works and small interventions. This is then, what can be seen at Bridge of Vision 2010, an art initiative based on multiple approaches but unified in its subtlety and involvement, grouping independent individual projects in an international and cosmopolitan event. SCR, August 2010

Esta es, por lo tanto, la nueva entrega de El Puente de la Visión, correspondiente a 2010, diversa en sus planteamientos, pero con unidad en su sutilidad y participación, plena autonomía de sus propuestas, cosmopolita e internacional. SCR, agosto de 2010

ALEXANDRA AGUIAR

ALEXANDRA AGUIAR: THE FANTASY, THE DESIRE AND THEIR PLANS María Ruiz

ALEXANDRA AGUIAR: LA FANTASÍA, EL DESEO Y SUS DESIGNIOS María Ruiz

From the moment at which the artist calls on the invisible image, the creative process becomes a magical fight, the intensity of which depends on the resistance to counter ideas until they become reality.

Desde el mismo instante en el que el artista invoca a la imagen invisible, el proceso creativo se convierte en una lucha mágica cuya intensidad dependerá de la resistencia que opongan las ideas hasta alcanzar su concreción en el soporte.

For Alexandra Aguiar (Funchal, 1977), this initial contact with inspiration is what legitimizes all her works, far beyond the final result, and she considers that there is no better artistic strategy than drawing to diligently overcome ideas and enrich the underlying aesthetic perceptions which arise when illuminating an artistic discourse. The working instruments, with which she performs a stimulating intervention exercise on paper, are her best allies to establish a fruitful dialogue with inspiration and to unravel its mysteries. The communication process that is established between our artist and the image, her stance on ideas and the initial sketch to subject it to an enriching evolution is what is revealed in the semantics of drawing. A journey of thought is embarked on, a challenge in which it is unclear whether intellect chases the stroke or vice-versa, and which creates a highly suggestive and convincing pictorial outcome.

Para Alexandra Aguiar (Funchal, 1977), esta primera toma de contacto con la inspiración es lo que legitima toda su obra, por encima del resultado final, y considera que no hay mejor estrategia artística que el dibujo para adueñarse con suma diligencia de las ideas y poder enriquecer las percepciones estéticas primigenias que se dan cita a la hora de alumbrar un discurso artístico. Sus instrumentos de trabajo, con los que realiza un estimulante ejercicio de intervención sobre el papel, son los mejores aliados para establecer un fructífero diálogo con la inspiración e ir desvelando sus incógnitas. El proceso de comunicación que se establece entre nuestra artista y la imagen, su posicionamiento ante las ideas y el trabajo que realiza sobre el bosquejo inicial para someterlo a una evolución enriquecedora, es lo que revela toda la semántica del dibujo. Comienza un viaje del pensamiento, un reto en el que no queda muy claro si es el intelecto quien persigue al trazo o viceversa, y que genera un desenlace pictórico sumamente sugestivo y convincente.

Alexandra Aguiar’s artistic career is determined to a large extent by self-demand and the passionate eagerness to satisfy her artistic concerns, which are not only channelled into plastic art. Her constantly restless spirit has been lost in other cultural references. The theatre, advertising, design, video-art and particularly sculpture, which she has focused on for several years, have been other interesting channels of investigation which have inspired her towards the discovery of drawing as a catalyst of her thoughts, as an introspective means that succeeds in shedding the support before these ideas, which at times are even inaccessible to herself, come to nothing. Van Gogh, Bacon and Guston’s forms of expression, to which she has admitted interest, were essential influences for the preparation of the artist’s first works in this discipline. Oporto, Lisbon, Berlin or New York are some of the places in which Alexandra has developed her creative spirit, in search of multi-disciplinary and orthodox training, without taking away a hint of freshness and spontaneity from her work and her ever personal vision. She has consolidated her studies in these cities and has exhibited work which, in spite of her young age, is in a moment of full effervescence.

La trayectoria artística de Alexandra Aguiar, está determinada en gran medida por la autoexigencia y el afán apasionado de satisfacer sus inquietudes artísticas, que no solamente canalizan en manifestaciones plásticas, su espíritu siempre inquieto ha nadado por otras referencias culturales. El teatro, la publicidad, el diseño, el videoarte y especialmente la escultura, a la que se dedicó durante varios años, han supuesto para ella otros interesantes cauces de indagación que la han alentado hasta llegar finalmente al feliz hallazgo del dibujo como técnica catalizadora de sus pensamientos, como medio introspectivo que consigue arrojar sobre el soporte antes de que se malogren, esas ideas que en ocasiones son inaccesibles incluso para sí misma. Las formas de expresión de Van Gogh, Bacon y Guston, hacia las que manifiesta una adhesión confesa, fueron influencias fundamentales para la gestación de los primeros trabajos de la artista en esta disciplina. Oporto, Lisboa, Berlín o Nueva York, son algunos de los lugares en los que Alexandra ha dilatado su voluntad creativa, en busca de una formación multidisciplinar y ortodoxa, pero que de ninguna manera resta un ápice de frescura y esponta-

neidad a su quehacer y a su visión siempre personal. En estas ciudades ha cimentado su aprendizaje y ha expuesto una obra que precisamente ahora, a pesar de su juventud, se encuentra en un momento de plena efervescencia.

The mechanics of creation in the works of our artist revolves around exploration, risk and self-sacrifice, which are the three phases she goes through in each drawing and trying to code the images.

La mecánica de creación en la obra de nuestra artista se articula en torno a la exploración, el riesgo y la renuncia, son las tres fases por las que pasa a la hora de realizar cada dibujo e intentar codificar las imágenes.

She explores the format, tracing the outline of each line, initially guided by intuition and certain improvisation. Gestures and thought join forces in order to make the most of the initial idea, which is never intended to be limited to paper, before acquiring its authentic place, hence helping in a refining process which entails the formal maturing of the concept, in order to transmit the personal feeling and impression that the revelation of the image has had on the artist.

Explora sobre el soporte siguiendo el trazo de cada línea, en un principio, guiada por la intuición y cierta improvisación. Gesto y pensamiento aúnan sus esfuerzos con el objetivo de que florezca al máximo posible la idea inicial, que en ningún caso está predestinada a paralizarse sobre el papel en primera instancia, antes debe adquirir su auténtica pertinencia, asistiendo así a una suerte de proceso de refinamiento que conlleva a la maduración formal del concepto, para intentar transmitir con la mayor nitidez posible la sensación, la impresión personal que la revelación de la imagen causa en la artista. Arriesga y renuncia porque siguiendo la pista a la imagen continuamente borra, rasga y frota el papel en aras de conseguir una creación cada vez más estimulante que concentre una mayor riqueza expresiva. Pero a la vez, estas acciones, en las que debido a la premeditada intervención manual, se desintegra la gestualidad asociada al pensamiento, pueden derivar hacia la pérdida completa de la concepción original. Es por ello que si bien la actividad constituye una experiencia creativa intensa, por otro lado también entraña un sacrificio. Es entonces cuando se manifiesta el miedo a borrar que experimenta cualquier creador, cuando anida en él la incertidumbre, se plantea si la nueva imagen que ha conquistado el espacio, es mejor o peor que la que ha sido desterrada, y se pregunta cuál es la cuota de autenticidad que posee la actual, tras haberla sometido a la fórmula de investigación del ensayo y el error. De todos los dibujos que Alexandra Aguiar presenta en El Puente de la Visión, se desprende un lirismo paradójico. Al observarlos, da la sensación de que sobre los planos descontextualizados se ha realizado un ejercicio en el que la carga gestual y el factor emocional es primordial, parecen basados en la accidentalidad, en el azar y en la ensoñación sensual, pero a la vez, subyace una consciencia plena y un control total evidente sobre lo que va deparando la línea, se produce un enfrentamiento directo entre lo fortuito y lo deliberado, que se desarrolla con total naturalidad sobre el papel. Esta ambigüedad, no sólo es inherente a la obra en general, también la transmite

She takes risks and renounces things, following the outline of the image, constantly deleting, rubbing the paper in order to obtain an ever more stimulating creation that offers greater expressive richness. At the same time, these actions, which due to the premeditated manual intervention, break up the signs associated with thought, may derive in the complete loss of the original concept. Therefore, although this activity represents an intense creative experience, it also involves a sacrifice. It is then that the fear of rubbing out emerges, which all creators face when considering whether the new image that has taken over the space is better than the previous one or not, and asking how authentic it is having been subject to the trial and error investigation formula. Of all the drawings presented by Alexandra Aguiar at the Bridge of Vision, there is a paradoxical lyricism. On observing them, there is the feeling that an exercise has been carried out on the decontextualized plans, in which the gestural burden and the emotional factor is fundamental. They seem to be based on chance, luck and sensual fantasy yet at the same time, they underline full consciousness and total control over the lines, producing a direct confrontation between chance and what is deliberate, which is developed naturally on paper. This ambiguity is not only inherent in the works in general, but is also transmitted in each tiny detail, capable of producing its own repercussions and different levels of perception on observation. There are therefore numerous dialectic exchanges between the artist and the work, the work and the spectator and even between the artist and the spectator. . They are compositions in which the coding of the image beings about fiction with clearly oneiric and mythological

reminiscences which come from the inclusion of hybrid, miscellaneous and fantasy shapes which also have a strong organic and anthropomorphic component. This component is what contributes to transferring a certain degree of reality to the image within an enigmatic, slightly grotesque and totally unreal framework. It evokes imaginary journeys, often erotic, inaccurate and fragmented yet dehumanized actions from different phases of the sexual act, leading to tension that we can easily recognise as phallic elements that co-exist and interact with other animal, vegetable, bulbous and even geological aspects, because the extraordinary creative dimension of nature and its mysteries are essential to release Alexandra’s creative flow. Throughout the works, there is a hint of tender audacity, which connects with the rebelliousness that on many occasions suggests the evolution of the strokes with the symbolic game that represents all artistic exhibitions. Some figures with an active part in action appear to dissolve in the inconsistency of an almost transparent and immaterial profile, making them barely perceptible, hence producing a provocative contrast between these fragile shapes with a ghostly outline and the rest of the unusual and disturbing figures on the scene, whose lines are created more emphatically, united yet compact, with a tendency towards transmutation and which may even be susceptible to a slight concession to colour through pale shades of blue, yellow or red, which bring to mind free-flowing blood. The role played by spirals, present in most of her creations is extremely interesting. They interfere in the action, involving a dual conflictive concept. The spiral is related to eternity, cyclic reflections and the constant and expansive evolution, but in this case, the meaning of the spiral has other connotations, as its twinkling offers a dissipated identity, in line with what is fragmentary and ephemeral, moving away from the archetypal meaning, yet maintaining the magical and regenerating component to which Alexandra feels such closeness. Expressive vividness and movement are resolved in space to a greater or lesser degree depending on each case. On one hand, we can observe drawings subject to temporary suspension, which covered in poetic immobility spark off an unquestionable melancholic and sexual charge, these hybrid and phallic shapes which we mentioned earlier, communicate reciprocally and overcome distances via the cadence of subtle and intermittent lines that come together. They seem to be trying to overcome semifiguration, going beyond it and

cada pequeño detalle, capaz de generar sus propias repercusiones y diferentes niveles de percepción en el momento de la observación. Se sucederán por tanto numerosos intercambios dialécticos entre artista y obra, obra y espectador e incluso entre artista y espectador. Son composiciones en las que la codificación de la imagen origina una ficción con reminiscencias claramente oníricas y mitológicas que devienen de la inclusión de formas híbridas, misceláneas y fantasiosas que también poseen un fuerte componente orgánico y antropomórfico. Este componente es el que contribuye a transferir a la imagen cierto grado de realidad en un marco enigmático, ligeramente grotesco y del todo irreal. Evoca viajes imaginarios, acciones imprecisas y fragmentadas, muchas veces eróticas, trasunto de las diferentes fases del acto sexual aunque deshumanizadas, de las que emana una ligera tensión y en las que podemos reconocer perfectamente elementos fálicos que conviven e interactúan con otros de aspecto animal, vegetal, bulboso e incluso geológico, porque la extraordinaria dimensión generadora de la naturaleza y sus misterios son esenciales para dar rienda suelta al caudal creativo de Alexandra. Existe en toda la muestra un tono de tierno descaro que conecta muy bien con la rebeldía que en muchas ocasiones sugiere la evolución de los trazos, con el juego simbólico que toda manifestación artística es en si misma. Algunas figuras con parte activa en la acción, parece que se diluyen en la inconsistencia de un perfil casi transparente e inmaterial, que las hace apenas perceptibles, de esta forma se produce un contraste provocador entre estas formas frágiles de contorno fantasmal y el resto de figuras de la escena, insólitas y perturbadoras, cuyas líneas están forjadas con mayor rotundidad, cohesionadas aunque en absoluto compactas, con tendencia a la transmutación y que incluso pueden ser susceptibles a una leve concesión al color a través de tonos muy livianos, azulados, amarillentos o rojizos que evocan fluidos sanguíneos. Resulta sumamente interesante el papel que juegan las espirales, presentes en gran parte de las creaciones. Se inmiscuyen en la acción, encerrando un doble concepto antagónico. La espiral está relacionada con la eternidad, las reflexiones cíclicas y la evolución constante y expansiva, pero en este caso el significado de la espiral tiene otros matices, al estar trazada de forma titilante posee una identidad disipada, acorde con lo fragmentario y fugaz, alejándose del significado arquetípico, pero manteniendo el componente mágico y regenerador al que Alexandra se siente tan afín.

La viveza expresiva y el movimiento se resuelven en el espacio, en mayor o menor medida dependiendo de cada caso. Por un lado podemos observar dibujos sometidos una suspensión temporal, que revestidos de un estatismo poético originan una incuestionable carga melancólica y sexual, esas formas híbridas y fálicas de las que hablábamos anteriormente, se comunican recíprocamente y salvan distancias a través de la cadencia de líneas sutiles e intermitentes que las unen. Parece que ambicionan superar la semifiguración, trascenderla y alcanzar un realismo completo, una apariencia absolutamente reconocible que les dote de mayor identidad. Algunas figuras nos remiten a lo marchito, a lo perecedero, en cambio otras, aluden directamente a la vida, a la capacidad de atracción que el sexo tiene sobre el arte y la existencia. Esta premisa queda perfectamente reflejada a través de la expulsión de constelaciones que aparece en varios dibujos, son estrellas sintetizadas en rasgos ingenuos que producen una cercana y sentimental visión cosmogónica.

reaching full realism, an absolutely recognisable appearance that offers greater identity. Some figures refer to what is faded, transitory, whereas others refer directly to life, to the attraction capacity that sex has on art and existence. This premise is perfectly reflected through the expulsion of constellations which appear in several drawings. They are synthesized stars in ingenious shapes that produce a close and sentimental cosmogonic vision. On the other hand, in other compositions, speed and volume freely and easily make way for the enthusiastic outlines that juxtapose, boldly converging and diverging in all directions. Time is energetically contextualized in space. Life bursts onto the paper, imaginary beings, feathers and undefined particles lead us to a surprisingly aesthetic experience that Alexandra Aguiar has created around the two parameters that define and give meaning to her creative process: desire and freedom.

Por otro lado, en otras composiciones, la velocidad y el volumen se abren paso desenfadadamente, los trazos entusiastas se yuxtaponen, convergen y divergen audazmente en todas las direcciones. Enérgicamente el tiempo se contextualiza en el espacio. La vida irrumpe sobre el papel, seres imaginarios, plumas y partículas indefinidas nos conducen a una experiencia estética sorprendente que Alexandra Aguiar ha elaborado en torno a los dos parámetros que definen y dan sentido a su proceso creativo: el deseo y la libertad.

Sin título. 2008. Técnica mixta sobre papel. 70 x 100 cm

Sin título. 2008. Técnica mixta sobre papel. Díptico. 42 x 59,5 cm c.u.

Sin título. 2008. Técnica mixta sobre papel. 70 x 70 cm

Sin título. 2008. Técnica mixta sobre papel. 70 x 100 cm

RUTH GÓMEZ

EVERY STORY IS POSSIBLE NOW Tania Pardo

TODO ES POSIBLE AHORA Tania Pardo

Reality is never certain. We could say it is arbitrary and yet subjective. Reality and time are two of the key concepts in the work of Ruth Gómez. Right from the beginning of her career –Te sobrealimentas (2003), El artista de la vida moderna (2004), El asesino de su persona (2003)–, her concerns with alienation in contemporary society and the tedium of routine are self-evident in looping videos where techniques prevail over messages. No beginning and no end. A metaphor of cyclic routine in contemporary life. With time, without abandoning the features that characterise her work, Gómez has become fully aware of her use of metaphor. Thus, if her early work brought no answer, states of mind individuals were confined to, now they have found an outlet in fantasy and illusion, conceived of as possible places. But let us go step by step.

La realidad nunca es certera, podríamos definirla como arbitraria y, paradójicamente, subjetiva. Precisamente son la realidad y el tiempo dos de los conceptos fundamentales sobre los que versa la obra de Ruth Gómez. Desde sus primeros trabajos –Te sobrealimentas (2003), El artista de la vida moderna (2004) y El asesino de su persona (2003)- la preocupación por temas como la enajenación del individuo en la sociedad contemporánea y el hastío de lo rutinario eran presentados en vídeos de formato loop donde la técnica trascendía al mensaje. Sin principio, sin final. Una metáfora de la rutina cíclica de nuestros días. Pero con el paso del tiempo, sin dejar de utilizar los rasgos característicos de su obra, la artista es plenamente consciente de su uso metafórico. Si estas obras primigenias se presentaban sin respuesta, como estados anímicos a los que estaba condenado el individuo, ahora parece que éstos tienen una vía de escape a través de la ilusión y la fantasía, planteados como lugares posibles. Pero vayamos por partes.

The images used in the work of Ruth Gómez come from digitally edited real videos, which results in a typical personal aesthetics. Her techniques are based on maths and geometry: numbers, points and vectors in space, coordinates and parameters in a timeline that combines 2D (drawing) and 3D (sculpture) in a collage style, on the basis of audio. The artist thus manipulates time and reality. Also, she resorts to similar colour shades in all her works, pink being the prevailing colour, and a synthetic finish that brings them close to drawings or paintings. However, despite the apparently simple strokes, her digital drawings and videos are the result of a complex structure of lines and points. What really matters to Gómez is how an individual can go beyond unreality and become a cartoon character by means of rotoscoping. Even when Ruth has worked for many years in advertising and the audiovisual industry after getting a degree in Audiovisual Design from the School of Fine Arts, what defines the aesthetics of her drawings beyond the language of advertising, videogames, video clips, or pink shades, is her technique, close to classic drawing and painting, and reminiscent of manga. In fact, her fascination with Takashi Murakami’s flat graphic images, Yoshitomo Nara’s drawings, and Hayao Miyazaki’s films is present in her work. Most of her videos make reference to films, not only in frames or the use of narrative language but also in plentiful allusions. In Animales de compañía (2005), for

Las imágenes utilizadas en las obras de Ruth Gómez parten de una grabación real en vídeo que, posteriormente, es manipulada digitalmente dando como resultado una personal y característica estética. Y es que la técnica utilizada surge de una variante relacionada con las matemáticas y la geometría. Números, vectores y puntos en el espacio, coordenadas y parámetros en una línea de tiempo que mezcla 2D (dibujo) y 3D (escultura), a modo de collage, sobre una base de audio. De ahí, que la artista manipule el tiempo y la propia realidad que nos presenta. Por otro lado, recurre a una gama de color similar en todas sus piezas, con predominación del rosa y un acabado de imagen sintética con las que pretende aproximarse al dibujo y la pintura. En cualquier caso, sus vídeos y dibujos digitales, de una aparente sencillez de trazo, son el resultado de un complejo entramado de líneas y puntos. Pero lo que realmente le interesa a la artista es el hecho de cómo un individuo puede traspasar la barrera de la irrealidad al convertirse en un dibujo animado a través de la técnica de la rotoscopia. Y es que, aunque Ruth Gómez ha trabajado durante años vinculada al mundo audiovisual y la publicidad, ya que se especializó en Audiovisuales y Diseño en la Facultad de Bellas Artes, lo que define la estética de sus dibujos, más allá del lenguaje publicitario, los video juegos y a los video clips o el uso del color rosa, es la propia técnica, más próxima al dibujo clásico en cuanto trazo y a la pintura que recuerdan al mundo del cómic manga. De hecho, la fascinación de la artista por el grafismo japonés de Murakami, los dibujos de Yositomo Nara y el cine de Hayao Miyazaki se intuyen en su trabajo.

En la mayoría de sus vídeos las referencias cinematográficas se evidencian no sólo a través de los encuadres o el uso del lenguaje narrativo, también son muchos los guiños que realiza a este género, como en el vídeo Animales de compañía (2005) donde utiliza algunos planos que recuerdan a King Kong (Merian C.Cooper y Ernest B. Schoedsack, 1933), Godzilla (Kaiju Tokusatsu, 1962) o La noche de los muertos vivientes (Georges A. Romero, 1968); para plantearnos cómo el individuo se comporta en sociedad, utilizando lo metafórico de una jungla, en definitiva cómo el hombre es un animal en constante evolución (regresiva o progresiva); o en la animación Magic Mirror’s Slaves (2007) en la que observamos a Oskar, el protagonista de El tambor de hojalata (Volker Schlöndorff, 1978); por otro lado, la banda sonora de esta pieza es una conversación a partir de fragmentos, en apariencia inconexos, extraídos de diferentes largometrajes (Drácula de Coppola, Taxi Driver de Martin Scorsese, Amadeus de Milos Forman, Blancanieves de Walt Disney…), para reflexionar sobre la vanidad y los espejos deformantes de los que hablara Jorge Luis Borges. Un análisis sobre nuestra propia percepción y su reflejo. En el vídeo Las ilusiones fantásticas (2009), en clara referencia a la imaginación y la fantasía utilizada en el cine de Georges Méliès, la artista planteaba el ensalzamiento de cualquier tipo de ensoñación, por banal que fuera, como contraposición o vía de escape en una sociedad caracterizada por el desencanto. Como explica ella misma: “Pretendo hacer un homenaje al cine de animación, a los trucos, a los efectos especiales, a las ficciones dentro de las ficciones… y sobre todo, un homenaje a las ilusiones. Ya que, perdidas o no, y apoyadas en la realidad o en la fantasía, son habitualmente las que nos permiten sobrevivir a nuestra cotidianidad.” Este vídeo muestra a un joven que juega al hula hoop pero su sombra no corresponde a sus movimientos, por lo tanto, técnica y tema, en mayor o menor medida ficticios, unidos ambos, se convierten en una reiteración de la fantasía. “Y, al mismo tiempo, –apunta– un intento de recordar al espectador y a mí misma, que aunque paradójicamente una ilusión sea algo irreal, engañosa o ficticia no se corresponde con algo falso. Y que lo que vulgarmente conocemos como fantasear es, en muchas ocasiones, una necesidad, un mecanismo de supervivencia del ser humano, ya que si perdiéramos nuestra capacidad para ilusionar y de ser ilusionados, independientemente de la época que vivamos, estaríamos perdidos.” Ella misma ha utilizado su propia realidad circundante, el sistema artístico, en trabajos como Made in MUSAC (2004) o El artista de la vida moderna (2004) con los que medita sobre su posición como artista, que en realidad no deja de ser una reflexión sobre el otro, en este caso, nosotros. Pero, sobre todo, es en el único dibujo, realizado en 2009, que no es está en relación con ningún vídeo, en el que mejor simboliza la sin-

instance, some of the shots reminds the audience of King Kong (Merian C. Cooper and Ernest B. Schoedsack, 1933), Godzilla (I. Honda, 1962) or Night of the Living Dead (Georges A. Romero, 1968). In addition, Gómez uses films to explore the behaviour of individuals in society, resorting to the metaphor of the jungle to show how men are everevolving animals (progressive or regressive evolution). Magic Mirror’s Slaves (2007) features Oskar, the protagonist of The Tin Drum (Volker Schlöndorff, 1978), whereas its soundtrack is a dialogue between apparently unrelated fragments of other films (Francis Ford Coppola’s Dracula, Martin Scorsese’s Taxi Driver, Milos Forman’s Amadeus, Walt Disney’s Snow White and the Seven Dwarfs…), food for thought on vanity and the distorting mirrors that were so dear to Jorge Luis Borges, an analysis of perception and its reflections. Las ilusiones fantásticas (2009) –a clear allusion to imagination and fantasy as featured in the films by Georges Méliès– praises fancy in all its forms, no matter how trivial, as an antidote or outlet in a society marked by disappointment. In Gómez’s words, “I try to pay tribute to animation movies, to tricks, special effects, fiction within fiction… and, above all, to illusion. For it is hope, lost or found, based on hard real facts or fantasies, that enables us to survive in everyday life.” In Las ilusiones fantásticas, a young boy plays hula hoop while his shadow does something else, so that both the subject and the shooting technique, fictitious and related, replicate fantasy. “Likewise,” Ruth adds, “I try to remind my audience and myself that, paradoxically enough, even when it is unreal, deceptive, and fictitious, illusion is not false. And many times, what we call ‘fantasise’ is just a necessity, a survival mechanism, for if we lost our ability to build someone’s or our own hopes, we would be at a loss, no matter what age we live in.” In works like Made in MUSAC (2004) or El artista de la vida moderna (2004), Ruth Gómez uses her own reality and the art system to reflect on her stance as an artist. This is also a reflection on the other, that is, us. But it is the only drawing of 2009 that is not related to a video that best embodies the honesty and commitment with which Ruth opens up her world. In this drawing, the artists is shown giving birth to herself. The use of a similar colour range is a metaphor for her stepping back from reality –an allusion to what is transitory, vulnerable, and against the war. Pink is usually associated with peace and quiet and with innocence. The metaphor, however, makes a counterpoint between the colour and its connotation on the one hand and the

underlying subjects in Gómez’s work on the other, thus emphasising the irony of denying or opposing the existential conflicts posed. The association with pop art becomes evident in the use of colours and, above all, in this counterpoint, which is reminiscent of the works by Andy Warhol, most (if not all) of which speak of death under a coating of apparent vitality: the Marilyn series, the Tuna Fish Disaster paintings, pistols, electric chairs, and so on. Death, after all, is a part of life. “We could say there is a certain pessimism in the work by Ruth Gómez, but it would be more accurate to describe it as a cry and the need to lay down new rules for the game she is playing, which is the only possible game: inhabiting a complex, contradictory world where you have to be always on the alert and where you cannot be innocent, since we have never left the jungle,” Rafa Doctor holds. The works by Ruth Gómez are not autobiographical, but they are extensions of her own experience, which is also our own. Her world is populated with the characters that appear in her work once and again, as a metaphor of the multiple roles played by individuals in modern society. Insecurities (Animales de compañía, 2005; Bubble Bobble, 2005), vanity (Magic Mirror’s Slaves, 2007), ego and love (Caleidoscopio, 2009; Cariño, 2009; Amor, 2007) are shared projections where reality and fiction get intertwined in little animated stories. This exhibition is thus an attempt to bring our contradictions into question. “The real world is perhaps less important than the world we need,” Ruth says. After all, who cares about reality any more?

ceridad y la entrega absoluta con la que Ruth muestra, sin pudor, su universo; en él la artista se representa en el acto de parirse a sí misma. La utilización de la misma gama cromática no es sino un modo metafórico de distanciarse de la realidad, como una forma de alusión a lo transitorio, lo vulnerable y lo anti bélico. Un color, además, asociado comúnmente a la calma, a la tranquilidad, a la inocencia, sin embargo se trata de una metáfora que contrapone la utilización de este color a los temas implícitos que trata su obra, remarcando así la ironía de negación o de oposición frente a los conflictos existenciales planteados. En este caso, la vinculación al mundo del pop art se evidencia, no sólo en la utilización de una determinada gama cromática, sino sobre todo en esa contraposición que remite al propio Andy Warhol, quién en muchas de sus obras, sino en todas, de aparente vitalidad, se escondían temas relacionados con la muerte, desde sus Marilyn, los Tuna Fish Disaster, las pistolas, sillas eléctricas, etc. Porque la muerte, en definitiva, no deja de ser parte de la vida. Y es que, como afirma Rafa Doctor: “podríamos hablar de cierto pesimismo persistente en casi toda la obra de Ruth Gómez, pero sería mucho más correcto hablar de grito y necesidad de plantear unas nuevas reglas para el juego en el que está jugando, el único juego posible, el juego de ser habitante de un mundo complejo, contradictorio en el que hay que estar en constante alerta y en el que no hay inocencia posible pues, al fin y al cabo, se sigue en la jungla”. El trabajo de Ruth Gómez no es autobiográfico, sino una extensión de su propia experiencia que no deja de ser la nuestra. Su mundo está poblado por los mismos personajes que aparecen reiteradamente en su obra, como una metáfora más de los diferentes roles que ocupa el individuo en nuestra sociedad. Porque las inseguridades (Animales de compañía, 2005; Bubble Bobble, 2005), la vanidad (Magic Mirror’s Slaves, 2007), el ego, el amor (Caleidoscopio, 2009; Cariño, 2009 o Amor, 2007), etc. se convierten aquí en proyecciones compartidas. Donde realidad y la ficción se entremezclan en estas pequeñas historias animadas. Esta exposición, por tanto, trata de cuestionar nuestras propias contradicciones porque, como afirma Ruth Gómez, “el mundo real, quizá, es menos importante que el mundo que necesitamos”, pero ¿a quién le importa ya la realidad?

Animales de compañía. 2005. Dibujo digital sobre soporte fotográfico. 110 x 300 cm

Animales de compañía. 2007. Dibujo digital sobre soporte fotográfico. 110 x 300 cm

Animales de compañía. 2005. Vídeo animación color. 2’51’’

Bubble Bobble. 2005. Vídeo animación color. 28’’

Las ilusiones fantรกsticas. 2009. Dibujo digital sobre soporte fotogrรกfico sobre aluminio. 185 x 120 cm

Las ilusiones fantásticas. 2009. Vídeo, animación, color, loop. 36’’

Magic Mirrorâ&#x20AC;&#x2122;s Slaves. 2008. Dibujo digital sobre soporte fotogrĂĄfico. 150 x 105 cm

Magic Mirrorâ&#x20AC;&#x2122;s Slaves. 2008. Dibujo digital sobre soporte fotogrĂĄfico. 150 x 280 cm

Magic Mirror’s Slaves. 2007. Instalación vídeo, animación, color, sonido. 2’50’’ en buche. 150 x 105 cm

Magic Mirrorâ&#x20AC;&#x2122;s Slaves. 2008. Dibujo digital sobre soporte fotogrĂĄfico

El papel de la artista. 2008. Impresi贸n digital sobre papel fotogr谩fico. 21 x 29,7 cm

FERNANDO GUTIÉRREZ

BETWEEN DREAM AND METAPHOR An Oneiric Trip by Fernando Gutiérrez Javier Ávila

ENTRE EL SUEÑO Y LA METÁFORA Un viaje onírico de Fernando Gutiérrez Javier Ávila

Pictorial assumptions, animation as medium, mental landscapes, emotional, sensitive, sometimes playful nature, fiction and reality, narrative coyness, mental construction, universe of events and morphing fragmentary emergencies, conscious or unconscious, articulated collage, overlapping and accidental encounters… These are some of the descriptions we can read of the work of Fernando Gutiérrez –a corpus based mainly on drawing to develop a subjectwrapping narrative.

Presupuestos pictóricos, la animación como soporte, paisajes mentales, carácter emocional, sensitivo y ocasionalmente lúdico, ficción y realidad, viaje iniciático, hipnótica aleatoria, esquiva narrativa, construcción mental, universo de sucesos y emergencias fragmentadas en transformación, conscientes o inconscientes, collage articulado, superposiciones y encuentros fortuitos, son algunos de los adjetivos y definiciones que podemos encontrar como referenciales a la obra de Fernando Gutiérrez, a un corpus de obra que ha devenido fundamentalmente en la disciplina del dibujo, para desde ésta, poner en pie toda una narrativa envolvente al sujeto.

The work of F.G. has a lot to do with a happy encounter, with the identification of unimagined situations with an evocative rather than real unifying element, which needs intuition and collective memory to emerge from the traces that make it, most often in cross-border territories, in outsider’s positions or attitudes, marginal and in the margins, underground, far from standardised canons. His drawings are calculated, accurate gestures adapting to features and restrictions of the ground where they become apparent, embedded in imperfections, clinging to bulges and recesses, to whatever should not be there, turning conditioning factors into virtues. It is impossible not to mention the primitivism underlying F.G.’s projects and interventions. His works become “neo-caves” where the artist is a sort of emcee. As pointed out by Abel Pozuelo, “Beyond connotation theories and explanations of the first men’s parietal creations, it is possible to imagine that some of our artist forebears had the vital need to reach the depths of a cave in order to create representations in the dark. One can think of the foundations of a relationship between the social and material needs, the magical and the aesthetic. Painters, shamans, mediums.”1

Tiene la obra de F.G. mucho de feliz encuentro, de localización de situaciones no imaginadas y articuladas sobre un elemento unificador, más evocador que real, que precisa de la intuición y la memoria colectiva para encaminarse sobre las pistas que la construyen, la mayoría de las veces sobre territorios limítrofes, en posturas y actitudes outsiders, marginales y en los márgenes, en los subsuelos, alejados de cánones normalizados. Sus dibujos son gestos acertados y meditados, de adaptación a las limitaciones y accidentes del terreno en los que se manifiestan, incrustados en las imperfecciones, asidos a los recovecos y protuberancias, a todo lo que no debería de estar ahí, haciendo, de los condicionantes, virtud. Es inevitable traer a colación el carácter primitivista subyacente en las propuestas e intervenciones de F.G. Sus obras se transmutan en “neo cuevas” sobre las que el artista actúa a modo de maestro ceremonial, tal como ha indicado Abel Pozuelo, en referencia al artista, “al margen de las diferentes teorías sobre las connotaciones y explicación de las creaciones parietales de los primeros hombres, parece posible imaginar que para algunos de nuestros remotos antepasados artistas existía una necesidad vital de llegar hasta las profundidades de una gruta para crear ciertas representaciones en medio de su penumbra. Cabe imaginar el fundamento de una relación entre lo social y las necesidades materiales, lo mágico y lo estético. Pintores, chamanes de la tribu, médiums”.1

The artist as tribal shaman, in charge of creating an imagery with powers with which we can identify ourselves –an imagery made up by the gesture of spitting coal over your hand to leave your mark on a wall, of materialising magical or supernatural beings, of making unfathomable medieval bestiaries visible –totem creatures matching their

El artista como chamán de la tribu, encargado de crear un imaginario dotado de poderes sobre el cual identificarnos,

1 Abel H. Pozuelo. En la caverna del deseo automático, incluido en Fernando Gutiérrez Crisálidas. Laboral Centro de Arte y Creación Industrial. Gijón. 2009.

imaginario conformado desde el gesto de escupir carbón sobre la mano y dejar la impronta en el muro, de materializar seres mágicos y sobrenaturales, de hacer visibles bestiarios impensables, criaturas totémicas consecuentes con cada momento histórico, del cómic a las revistas de moda, del Medievo, en páginas miniadas pacientemente, pensemos en piezas como el Beato de Liébana, a los medios de masas, sombras arrojadas al muro para ser de nuevo iluminadas e iluminarnos a nosotros mismos, “en un sustrato primitivista, animista, explicado como un estado pre racional y pre científico que defiende la existencia de seres sobrenaturales (o almas), dotados de razón, inteligencia y voluntad que habitan sobre objetos inanimados y gobiernan su existencia”.2 F.G. ha ido dejando sus huellas sucesivamente en espacios que comienzan en el ámbito doméstico, un encuentro entre el artista y una vivienda a punto de ser rehabilitada. Las habitaciones repletas de criaturas lo envuelven absolutamente todo, se adaptan a los salientes, accidentes y elementos estructurales; grifos transformados en personajes, entre la ensoñación y la resistencia al cambio que se producirá próximamente; puertas, ventanas, sanitarios, tiradores, todo se muta en una galería de seres híbridos que constituyen desde ese momento el imaginario particular desde el que construir su obra. Una suerte de animalario que irá viendo la luz en propuestas continuadas como Ciudad Superpuesta, título de presentación de la muestra realizada en la Sala Astragal de Gijón. En ella la fauna, los híbridos, los monstruos, encontraban acomodo en las mal conservadas paredes de la sala. Personajes infantiles embarazados, guiños a un arte rupestre, individuos de cabezas zoomórficas; todo ello observado desde una especie de cámara oscura que ponía en relación lo ocurrido en su interior y lo acontecido en el día a día de la ciudad. En Alicia hacia adentro, para la Fundación Municipal de Cultura de la misma ciudad, partirá de las vivencias del personaje de Lewis Carroll para embarcarse en un viaje introspectivo de la mano de la niña y su mundo como laberinto, imposible de solucionar una salida. Para ello, los personajes trascienden de los límites del espacio expositivo, adueñándose de la vía pública.

historical contexts, from comics to fashion magazines–, on patiently illustrated pages (think of St Beatus of Liébana), by mass media, shadows projected on a wall to be illuminated and to illuminate us “in primitive, animist substratum understood as a pre-rational, pre-scientific state embracing the existence of supernatural beings (or souls) endowed with reason, intelligence, and will living in inanimate objects and rule their existence.”2 F.G. has left his mark in different spaces, starting with the domestic in an encounter between the artist and a home about to be rehabilitated. The rooms brimming with creatures encroach on every corner, adjusting to projections, structural elements, and features; griffins turned into characters between fantasy and resistance to the change that is about to happen; doors, windows, toilets, handles… everything morphs in a gallery of hybrid beings that make the peculiar imagery his work is based on. A sort of bestiary that comes to light in serial projects like Ciudad superpuesta, the exhibition at Sala Astragal in Gijón. In it, animals, hybrids, monsters found their way into the ill-preserved room walls. Children’s pregnant characters, allusions to cave paintings, individuals with zoomorphic heads… everything seen with a sort camera obscura that connects what happens inside with what goes on in the city. Alicia hacia adentro, an exhibition at the Gijón Foundation of Culture, is an inner journey based on the experiences of Lewis Carroll’s character –a tour guided by the little girl of the labyrinth of her world, where there is no way out. Here the characters go beyond the boundaries of the exhibition space and take to the streets.

Crisálidas es la instalación que acomete en diferentes versiones para las salas de Laboral. Centro de Arte y Creación Industrial de Gijón, el Centro Párraga de Murcia y el Da2 de Salamanca, esta última dentro de la exposición “Merrie Melodies”, de fuerte contenido onírico, compone una narración

Crisálidas is an installation with multiple versions at LABoral Centro de Arte y Creación Industrial (Gijón), Centro Párraga (Murcia), and DA2 (Salamanca, in the context of “Merrie Melodies”). It is an oneiric work, a narrative unfolding between memory and fate, the foundations of personal commitment and the often fortuitous circumstances that complement intentions and goals. The formal and discursive conclusions drawn from Crisálidas confirmed F.G. as one of the soundest in the crop of young creators, an artists whose work has a huge development potential –a corpus open to new research possibilities, never closed on itself. This opens up a wide range of paths and adds flexibility, in terms of both

2 F. Javier Panera. Diseño, artilugio, animismo y fantasmagoría, incluido en Fernando Gutiérrez Crisálidas. Laboral Centro de Arte y Creación Industrial.

narrative and positioning, which in turn unravels plots. This becomes crucial when it comes to taking a stance, as shown in later exhibitions like Sociedad Secreta, where F.G. introduces a new self-created neo-bestiary, invites to plunge into retro-projected hybrid beings that have sprung out of well-defined, vibrant, effective drawings and scattered LED light bulbs that become little spotlights suggesting heads, sexual organs, and other bodily parts. Thus, we are witnesses to a community of ideas (the explicit visual metaphor of a light bulb associated with a head) that recreates an intelligent society or, maybe, a society that is not very bright. A community with an inner light in permanent wakefulness, waiting for the unavoidable switch that turns it off. This community of ideas is to bridge the various narratives in the new edition of El Puente de la Visión/“The Bridge of the Vision,” connecting the two exhibition spaces: Caja Cantabria in Santillana del Mar and the Museum of Fine Arts in Santander. Fernando Gutiérrez invites us to go on a hallucinatory journey resembling a cabinet of curiosities, brimming with more or less explicit references and inspired by Hieronymus Bosch’s Extracción de la piedra de la locura or The Cure of Folly –an artist who escapes classification, and who has created a catalogue of follies and phantasmagorias, of hybrid and diabolical creatures that are close to the imagery produced by F.G., the observer of an invented world that has come true with the artist’s natural construction method. A hallucinatory journey that materialises in the obligation to bridge the distance between the inhabitants of this world, a sort of parenthesis in the continuum that transforms the images appearing before us anywhere at any time, between surprise and disappointment, between daily routine and ever-present optimism, into the pieces of an artist whose reflections are among the soundest and most promising in the contemporary art scene.

desarrollada entre la memoria y el destino, sobre las bases desde las que intentamos generar nuestro compromiso personal y las circunstancias, muchas veces fortuitas o encontradas de manera azarosa, que complementan nuestras intenciones y objetivos. Crisálidas nos ofrecía unas conclusiones formales y discursivas que suponían la confirmación de la obra de F.G. como una de las más sólidas y con más posibilidades de desarrollo dentro de la nueva hornada de jóvenes creadores; una obra abierta a nuevas posibilidades de investigación con la particularidad de no mostrarse cerrada a sí misma. Esto le concede un amplio abanico de caminos por recorrer y le otorga una flexibilidad, tanto de narración como de posicionamiento, que sin duda continuará abriendo los argumentos, algo que es fundamental a la hora de establecer actitudes, lo demuestran sus muestras posteriores , como en el caso de Sociedad Secreta donde nos introduce en un neobestiario de inteligencia propia, una inmersión en la entidad de extraños híbridos retro iluminados, concebidos a partir de un dibujo limpio, de línea vibrante y eficaz, al que se añade la utilización esporádica de bombillas leds diseminadas a lo largo de la composición, así pequeños focos de luz sugieren cabezas, sexos y otras partes anatómicas. Asistimos a una comunidad de ideas (metáfora visual explícita de una bombilla asociada a una cabeza) recreando una sociedad inteligente, o tal vez de pocas luces. Una comunidad con luz interna, en permanente vigilia, a la espera de un ineludible interruptor. Una comunidad que, para esta ocasión, hará de puente entre las distintas narraciones propuestas en esta edición de El Puente de la Visión, uniendo visual y conceptualmente los dos espacios sedes de la muestra, el espacio de Caja Cantabria en Santillana del Mar y el Museo de Bellas Artes de Santander. Fernando Gutiérrez propone un viaje alucinatorio, cercano a la idea de gabinete de maravillas y rarezas, repleto de referencias más o menos explícitas, tomando como punto de partida la imagen de La extracción de la piedra de la locura de El Bosco, otro artista inclasificable generador de todo un catálogo de demencias y fantasmagorías, de seres híbridos y diabólicos, que tanto tienen de proximidad al imaginario de nuestro creador, constituido en observador de un mundo inventado y hecho realidad desde su natural forma de construir. Un viaje alucinatorio y a la vez materializado en la obligación de salvar la distancia que separa a sus moradores, a modo de paréntesis en ese continuo que transforma las imágenes que nos asaltan desde todos los lugares, en cualquier momento, entre la sorpresa y el desencanto, entre lo cotidiano y el optimismo, factor este último siempre presente, de algún modo, en las piezas de un artista que ofrece una de las reflexiones más sólidas y con posibilidad de largo recorrido del panorama actual.

Crisálidas. 2009. Vídeo-instalación e intervención gráfica. Laboral Centro de Arte y Creación Industrial. Gijón.

Crisálidas. 2010. Vídeo-instalación e intervención gráfica. Da2 Domus Artium 2002. Salamanca

Lubber Das. 2010. InfografĂa

RAÚL HEVIA

CHAPTER 2010 OF THE BOOK OF MEMORY TALE NO. 6 (JUNE). EXCERPTS0 Orlando Britto Locations:

CAPÍTULO 2010 DEL LIBRO DE LA MEMORIA RELATO VI. (JUNIO). FRAGMENTOS Orlando Britto Localizaciones:

I– Dakar, Senegal, again, Savana Hotel, a white MacBook, and the hum of air conditioning in my room. It is too hot today to write in the gardens facing Gorée Island. The only presence of the creamy-coloured lampshade of a lighted lamp whose post indecently penetrates the memory of Ashanti, a goddess long ago turned into a kitsch contrivance for Western tourists. An immediately effective artefact that is the image of the black continue they have come to find. They are in Africa. Bienvenue! I tap the keys of memory so that they help me find my place in the beginning of this tale. Fragmented images, sounds, blinks, I half-open my eyes while going down white-lighted lanes, someone turns my body once and again in a hallway I have never been in, my body does not respond as it should, maybe I am being reset. (Nothing do to with setas or the psychotropic effects of some mushroom dreamt of in the past.) I am living my memories or dreaming of reality, I do not know what is going on, but I smile at the pleasure of memory. Still under the effects of awakening from anaesthesia, I get a mobile message at Marqués de Valdecilla Hospital in Santander. I looked at the blurred screen. It is from Salvador Carretero, the Director of the Santander Museum of Fine Arts. He asks me to write about Raúl Hevia’s work for the 2010 edition of El Puente de la Visión/The Bridge of the Vision. In my slumbering haze, I ask Rosa to send a reply right away. “Thank him, tell him it’s my pleasure to write about the work of my dear friend and renowned artist.” Raúl Hevia has been my friend for many years, my partner in lots of projects and experiences in our art adventures in the adoptive homeland of Cantabria. Those who know me know I cannot shirk the need to establish a relationship of dialogue and deep understanding with artists before defining a work space. This space must be characterised by previous communication, which fortunately sometimes goes beyond curator-artist or critic-artist distance and creates complicity,

I - Nuevamente Dakar, Senegal, Hotel Savana, MacBook blanco y el ruido del aire acondicionado de mi habitación. Hoy hace mucho calor para escribir en sus jardines frente a la Isla de Goreé. A mi lado tan solo la tulipa color crema de una lámpara encendida cuyo eje atraviesa indignamente la memoria de una diosa Ashanti, reconvertida desde hace mucho por la industria turística en artilugio kistch para los turistas occidentales. Artefacto cuya efectividad es inmediata pues es la imagen del continente negro que desean encontrarse. Ya han llegado a África. ¡Bienvenue! Comienzo a golpear suavemente las teclas de la memoria para que me ayuden a situarme en el comienzo de este relato. Imágenes fragmentadas, sonidos, pestañeos, entreabro los ojos recorriendo caminos de luces blancas, alguien gira mi cuerpo una y otra vez en un pasillo que no reconozco, el cuerpo no responde como debiera, quizás me esté reseteando. (Que conste que este término no viene de seta, ni de la acción psicotrópica emergida en el tiempo de algún hongo soñado en el pasado.) Vivo recuerdos o sueño la realidad, no sé bien lo que me pasa, pero me sonrío en el placer de la memoria… Todavía bajo los efectos del despertar de la anestesia recibo en mi habitación del hospital Marqués de Valdecilla de Santander el sonido de un mensaje sms que acaba de entrar en mi teléfono móvil. Lo miro entre líneas y veo que lo remite Salvador Carretero, Director del Museo de Bellas Artes de Santander. Me ofrece escribir un texto sobre el trabajo que el artista Raúl Hevia va a presentar en la edición de este año de 2010 del proyecto El Puente de la Visión. Entre las nubes del sueño y la vigilia le pido a Rosa que le conteste sobre la marcha. Dile por favor que le estoy muy agradecido, que para mí es un placer poder escribir sobre el trabajo del muy querido y respetado amigo y artista. Raúl Hevia ha sido y es amigo y partener de tantos proyectos y emociones compartidas durante años en las aventuras artísticas de nuestra tierra adoptiva de Cantabria. Quien me conoce sabe que no puedo alejarme de esta ineludible necesidad de establecer una relación de diálogo y conocimiento intenso con los artistas antes de acordar y definir un posible espacio de trabajo. Un espacio que debe contar con una comunicación necesaria y previa, que afortunadamente, y

en muchas ocasiones, trasciende la distancia protocolaria al uso curador-artista, crítico-artista, para permitir desarrollar otros espacios de complicidad, diálogo, debate y sana disensión, en los irrenunciables territorios de la igualdad y libertad. Dos meses más tarde, y tras el tránsito de un postoperatorio, en esta ocasión y afortunadamente poco hostil, visito por fin su casa y estudio en la Calle Garmendia de Santander, hoy una calle que parece casi más propia de determinados barrios de Barcelona o Madrid por el porcentaje tan elevado de inmigrantes africanos que la habitan y transitan. Hemos finalmente acordado el día y la hora temprana en la mañana donde vernos para charlar tranquilamente sobre su proyecto. Con el olor y el calor de los fantásticos croissants de Toni Barros subo los cuatro pisos de su escalera, café caliente humeante recién hecho y desayunamos. No estoy en cualquier lugar posible, estoy en el lugar donde poder hablar de su proyecto, en su entorno cotidiano e íntimo, su casa-estudio-laboratorio, donde ha acontecido y se ha desarrollado su proyecto Nunca volverás a casa. Un proyecto que como el propio Raúl enuncia “surge de una investigación sobre el entorno cotidiano y desde lo cotidiano”. No puedo escribir el título de su proyecto sin evitar que en mi cabeza se entrecrucen memorias y realidades. Y es en este relato donde va ser imposible el poder sustraerme de la realidad o realidades desde donde lo escribo. No es lo mismo escribir el título de este proyecto de Raúl Nunca volverás a casa aquí en Senegal nuevamente, que escribirlo en Santander. El contexto es fundamental, inevitable e irrenunciable, y la obra de Raúl Hevia ya ha comenzado a confrontarse con otras realidades, comienza a tener múltiples lecturas, aproaches posibles, desde el momento que solamente la mentamos o la pensamos. Anoche hablaba con mi viejo amigo Badji, y le preguntaba por su sobrino, por cómo le iba por las tierras del sur de España, perdido en la jungla de plásticos de los invernaderos de la costa sur de nuestro país. El semblante de mi viejo amigo hablaba por sí mismo, lo decía todo. Las cosas no le van demasiado bien Orlando, me decía. Hace lo que puede, el trabajo falla, la indefensión es la misma, toda, ilegal, y ahora la crisis global. Por respeto a su situación no diré su nombre, ni tampoco deseo inventarme uno. Su sobrino decidió tomar el camino quizás sin retorno de la diáspora, un horizonte donde alcanzar a introducirse en los huecos de Occidente, un viaje que quizás nunca le permita volver a casa… Varios días inenarrables de navegación en cayuco hasta llegar a nuestras costas.

discussion, and healthy disagreement within the territory of freedom and equality. Two months later, after rather non-hostile post-op period, I pay a visit to Hevia’s home and studio on Garmendia Street in Santander. Today, Garmendia looks like a street in Madrid or Barcelona, given the number of African immigrants living and walking on it. We have made an early appointment to discuss his project at ease. Holding a bag of Toni Barros delicious-smelling, warm croissants, I climb the four flights of steps. Piping-hot just made coffee. Let’s have breakfast. This is not just any place. It is the place where we can talk about Hevia’s project in his intimate, everyday environment, his home-studio-lab, the place where his project Nunca volverás a casa/You Will Never Come Back Home came into being and unfolded. “This project,” Raúl tells me, “is the result of my research into the everyday environment from my day-to-day.” I cannot write the project’s title without memories and realities coming to mind and intertwining. And in this tale, it is impossible to keep out of the reality/realities in which I am writing. Writing Nunca volverás a casa here in Senegal once again and writing the same title in Santander are two different things. The context is crucial, unavoidable, something you cannot relinquish, and the work of Raúl Hevia begins to face other realities, have multiple readings, various possible approaches, right from the moment when you name it or think about it. I was talking to my old friend Badji last night, about his nephew and his adventures in southern Spain, lost in the plastic jungle of the greenhouses on the south coast. My old friend’s countenance spoke for itself. Things were not going that well, he said. He did what he could, but work failed and he was as defenceless as ever, being illegal, and what with the global crisis… I will not tell his name or invent one for that matter. His nephew is riding the road of no return of diaspora, in search of a horizon where he can fit a niche in the West, a trip which maybe never brings him home again… Several indescribable days on a cayuco to reach the coast of Spain. I will spare you the details, it is just one more story, one of those stories that move you to turn your TV off. I do not want to sound opinionated either, let every man lead his own life, tell his own story, bear his own contradictions.

The first thing that caught my attention in Raúl Hevia’s studio was a Superman costume hanging from the wall. It is the opening piece of his project. I associate the costume with the boy who made it to Spain after three months looking into the abyss, who can now work and send part of his income to his family back in Africa, telling a story in which he is the hero. This is how the system works: he has survived, and his myth is born in the west coast of Africa. He, across the pond, dressed up in the temporary tracksuit of an NGO. In the background of my memories, the Superman costume in Raúl Hevia’s studio. Staring at me as he always does (an attitude I really appreciate), Raúl says, “It’s not a fancy dress but a costume.” There is no doubt about it; it is a costume. It is real, there is no performance here, it just a matter of wearing it and experience it. “Bien sûr,” I reply in my peculiar French, although I would like to be able to answer in Wolof, the language spoken by my friends in Senegal. Dear Raúl, have you ever thought I might not see it that way? Your costume is real because your work is real and your memory is also real. As real as the superhero costume my friend of Senegal wears in the eyes of the thirty relatives his salary helps support. Thinking about this text for a week, I wandered about town and in the environs of Dakar, within an 80kilometre radius, moving from one place to another, from one reality to the next, entering the home of memory, revisiting childhood with every smiling kid living in this wonderful country and playing in the street. Raúl’s image of two little friends laughing and crouching behind a wall that shelters them from the waves comes to my mind. There is no danger, their families are out there, they can hang about in their fearless streets and neighbourhoods. How far have we come from this fabulous reality of yesteryear! With my travel companion, José Martín, we cannot stop talking about the lost spaces of humanisation in the other neighbouring coastline of the Atlantic, fragmented and insular. Meanwhile, I listen to politicians on the radio in Mamadou’s car: “Waw, waw, waw…” Yes, yes, yes… They always sound emphatic and repetitive, generous and very, very hospitable. (“They’re always ahead of us in this,” I keep telling Pepe.) Drowsy with the trip and the heat, leaning on the car’s right window and after a two-hour traffic jam at the

No entro en detalles, es un historia más, de las tantas que se prefieren desconectar el televisor…No deseo tampoco ser moralista, allá cada cual con su propia historia, contradicciones o con el relato de su vida. Pienso ahora en el traje de Superman que vi en un primer momento colgado en la pared del estudio de Raúl Hevia, y que abre su proyecto; pienso en este chico que tras meses en el abismo consigue llegar, trabajar, generar ingresos que enviar a su familia, y construir una historia en la que él es el héroe. Así es el sistema, había sobrevivido…y en la costa oeste de África su mitología había nacido. Él, al otro lado, superhéroe vestido con las galas del chándal temporal de ONG…Al fondo sigo recordando el traje de Superman colgado en el estudio de Raúl Hevia. Raúl me dice mirando fijamente a los ojos, como siempre hace y agradezco: “es un traje, no es un disfraz”. Por supuesto, no hay duda para mí, es un traje. Es real, no hay representación, solo es cuestión de cómo lo vive el que lo lleva puesto. Bien sur, le expreso en mi particular francés, pero me encantaría poder decírtelo en el wolof que hablan mis amigos de este país, ¿Acaso dudabas querido Raúl que no lo iba a poder ver así? Tu traje es real porque tu trabajo lo es, y porque tu memoria también lo es. Tan real como el traje de superhéroe que nuestro amigo senegalés porta a los ojos de su familia de mas de un treintena de personas que él ayuda a sustentar. Mientras he estado pensando este texto me he estado desplazando durante casi una semana dentro de la ciudad y en los alrededores de Dakar, en un radio de unos 80 kilómetros saltando de un lugar a otro, de una realidad a otra, entrando constantemente en la casa de mi memoria, en mi infancia rememorada constantemente por los miles de niños sonrientes, llenos de vida que pueblan este fantástico país, que juegan en su calles. La imagen usada por Raúl de dos niños, amigos, riéndose cómplices agazapados a resguardo de las olas tras un muro golpea mi memoria. No hay peligro, las familias están ahí, ellos se desplazan en sus calles y barrios sin miedo. ¡Qué lejos estamos de esta realidad antaño maravillosa en nuestros pueblos y ciudades¡ No puedo dejar de hablar constantemente con mi compañero de viaje José Martín sobre los espacios perdidos de humanización en nuestra otra cercana orilla fragmentada insular del Atlántico. Mientras, escucho a lo lejos los discursos políticos y entrevistas en la radio del auto de Mamadou, waw, wau, wau, sí, sí, sí sí,…son reiterativos y enfáticos siempre, generosos y muy, muy hospitalarios. (“Nos adelantan siempre por la derecha en todas estas cosas…le digo reiteradas veces a Pepe…”)

Apoyado, adormecido por el cansancio del viaje y el calor, en el cristal de la ventana delantera derecha del coche y tras dos horas casi de atasco para entrar en la ciudad, veo cuatro niños desplazándose a gran velocidad por la gran cunetamediana de la autopista colapsada de entrada a Dakar. Niños corriendo en zig-zag de un lado a otro, adelantándose entre sonrisas y carcajadas, disfrutando, subiendo y bajando tan solo sus montañas reales de la imaginación. No puedo dejar de verlos corriendo con el traje de superman de Raúl, que les ha prestado para esta carrera, aunque aquí prefieren llevar el de “Messi”. Pienso en el título de tu proyecto querido amigo: Nunca volverás a casa y me produce efectos y emociones contradictorias. Me parece sinceramente apasionante la capacidad de los artistas para trasladar historias reales, capítulos de la historia de nuestras vidas a cuestiones que atañen directamente al hecho de la representación artística, fundamental ésta en el cuestionamiento que de ella hacen los artistas contemporáneos. En el caso de Raúl Hevia, apasionado y experto conocedor, tan teórico como erudito y técnico del medio fotográfico, creo que en su proyecto una vez más revindica y homenajea el medio fotográfico como el medio idóneo para construir y reconstruir su mundo de las emociones.

entrance to the city, I see four kids running at full speed along the hard shoulder of the jammed road into Dakar. Kids zigzagging, laughing and smiling, enjoying themselves, climbing up and down imaginary mountains. I cannot help seeing them in Raúl’s superman costume, borrowed for the race, even when they are dressed up in Messi clothes. I think of you project’s title, dear friend –Nunca volverás a casa–, and I have mixed feelings. I find artists’ ability fascinating to turn real stories, chapters of the story of our lives into matters directly related to artistic representation, a key factor to its questioning by contemporary art. Raúl Hevia is a passionate connoisseur of photography, both theoretically and technically. In his work he pays tribute to the photographic medium as the adequate medium to build and rebuild the world of emotions.

Los artistas tienen esa capacidad fantástica para poder contar o plantear las cosas de una manera distinta a la que habitualmente los demás probablemente elegiríamos. Espacios de narrativa tan sutiles como intensos y profundos, tan directos en ocasiones como abstractos, y sobre todo hacedores de los más variados umbrales por los que poder transitar.

Without turning my head, I watch the little African supermen run away, climbing up and down their imaginary concrete Kilimanjaro at breakneck speed. I used to do the same when I was a kid; every step could be a mountain. I get goose-pimples, maybe because of the air conditioning in Mamadou’s brand-new Logan (after waiting for many years) or maybe because I see myself in the mirror of memory. We have been trapped in the jam to access the megalopolis for two hours. On both sides of the road an economy of peddlers has flourished, triggered by the thousands of cars stopped right there. Impossibly persuasive, they sport a wide range of facial expressions. Of different ages, they appear and disappear like fleeting photograms or flashes on car windows, offering whatever you might need –or imagine. Ironically, this economy hinges on the impossibility of traffic regulation. Any space can generate new forms of subsistence economy –a reality that is far away from our world of welfare and subsidy. All this makes you think. At times I doze off, tired, but keep thinking of the text about Raúl and then the radio wakes me up. I open my window; sometimes you prefer heat and dust. The muezzin sings again against the beautiful skyline of minarets drawn at dusk at the entrance of Dakar.

Sin girar la cabeza veo por el retrovisor como se alejan mis cuatro pequeños superman africanos escalando y descendiendo a toda velocidad por ese Kilimanjaro imaginado de hormigón. Yo también lo hice de pequeño, cualquier escalón podía ser una montaña… Se me eriza ahora la piel en el coche, no sé ya si es del frío del aire acondicionado del flamante Logan de Mamadou (tras años de espera…), o si de verme reflejado en el espejo de la memoria. Llevamos ya dos horas perdidos en el atasco de entrada a esta megalópolis…A ambos lados de la carretera, y fruto de las posibilidades que les depara las interminables paradas de sus atascos de entrada y salida, ha surgido y subsiste toda una economía de miles de vendedores ambulantes. Insistentes hasta lo inimaginable las caras y rostros más variados, de todas las edades, aparecen y desaparecen como fugaces fotogramas o flashes en las cristaleras de los coches ofreciendo todo lo que uno pueda necesitar o pueda imaginar. Una economía que, paradójicamente, se sostiene desde la propia realidad de la imposibilidad de regulación de su tráfico. Cualquier espacio es posible para generar nuevas for-

Artists have the fabulous ability to tell things in ways different from those we would probably choose. Subtle yet intense, deep narrative spaces, as direct as they are abstract, and, above all, creating of so many thresholds to cross.

II – One week later Here I would include Raúl’s photo of the shadow of a miniature plane on his hands. Travel as a metaphor of the time that you seek to grasp or that slips through your hands. Right now, I would not be able to think about my life as dissociated from travel. Not just physical travel, as continuous displacement across places, spaces, and geographies, but also the inescapable travel through memory lane. Trips through multiple imaginaries, trips in the multiple worlds of emotions, through the memories turned realities in the world of evocations. The reality of travel forces me to tell my stories in fragments, disrupted, although they end up forming a continuous temporal sequence. Today we woke up really early in Santander, at dawn, excited to catch our plane to Barcelona and then a train to Girona, where we will stay for half a night and then fly off to La Valletta Airport in Malta, where my dear friend Norbert will be waiting for us at 8:00 a.m. He will show us his beloved islands, which used to belong to Spain and then to Britain and now is an independent country and a EU member. I think I am more excited than my son in sharing this trip with him, but soon I realise he is as excited as I am. I have planned it with enthusiasm, for I badly need it now that he is leaving home (Nunca volverás a casa) in this transition age we call adolescence. Not even the gastroenteritis we caught the night before arriving in Malta prevented us from enjoying our much-awaited, intense trip. From Malta, we took a boat ride to Island of Gozo, bypassing the mysterious Comino Island. Amidst business meetings and visits to wonderful sites on the island in the middle of the Mediterranean Sea, I keep trying to write my text on Raúl’s upcoming project. I talked about it with him before leaving. When he asked how I was getting along, I said it was fine and maybe I would continue on my trip to Island of Gozo, and I was right. Childhood is the backbone of this work by Raúl Hevia and also in the construction of personality, in our relationship with the world. It is the most effective tool –and an essential one, for that matter– to understand our present reality. Thinking of the text about Raúl made me think of childhood –my childhood, which I have never

mas de economía de subsistencia, algo que nos queda muy lejano a nuestro mundo de cobertura y subvención. Todo esto te obliga inevitablemente a pensar…A ratos cabeceo cansado, sigo pensando en el texto de Raúl y me despierta nuevamente el nivel de discusión de la radio. Abro ahora durante un tiempo la ventana, a veces prefieres algo de calor y polvo…El muecín canta de nuevo en el bello skyline de minaretes dibujado en la caída del atardecer a la entrada de Dakar… II – Una semana más tarde Aquí pondría la fotografía de Raúl de la sombra de una miniatura de avión sobre sus manos…El viaje como metáfora del tiempo que queremos asir o que transcurre por nuestras manos. Creo que ahora mismo no podría imaginar mi vida sin el hecho del viaje como una realidad indisociable de la misma. Un viaje no sólo físico, en los desplazamientos continuos por las geografías, espacios y lugares, sino también ese otro viaje irrenunciable de la memoria. Viaje a través de nuestros múltiples imaginarios, viajes en los mundos de las emociones, en los recuerdos convertidos nuevamente en realidad a través del mundo también de las evocaciones. Esta realidad del viaje hace que mis historias se tengan que narrar inevitablemente de una forma fragmentada, no continua, aunque van igualmente conformando una secuencia continua en el tiempo. Nos hemos levantado hoy muy temprano en Santander, de madrugada, vamos con todas las ilusiones renovadas en avión a Barcelona, de ahí en tren a Gerona, una noche a medias para volver a partir de nuevo en avión al aeropuerto de La Valetta en Malta. Allí, a las ocho de la mañana, nos espera mi buen amigo Norbert para llevarnos a visitar su querida isla de Malta, antaño española, más recientemente inglesa, hoy independiente y un país más de la Unión Europea. Creo que voy más entusiasmado que mi hijo por tener la oportunidad de compartir este viaje con él, aunque pronto descubro que es algo que compartimos por igual. Lo organicé con mucha ilusión pues necesito realmente de estos momentos ahora que este pequeño hombre abandona su casa (Nunca volverás a casa) en el también tránsito de la adolescencia…Ni siquiera la fuerte gastroenteritis, que pillamos la noche anterior a nuestra llegada a Malta, nos impidió dejar de disfrutar de este ansiado e intenso viaje. De Malta nos trasladamos en barco a la Isla de Gozo dejando a un lado la misteriosa Isla de Comino. Entre reuniones de trabajo y visitas a los maravilloso rincones de esta isla en medio del Mediterráneo intento continuar

este texto sobre el próximo proyecto de Raúl. Y así se lo había hecho saber a él antes de emprender este nuevo viaje. Me preguntó, ¿Cómo lo llevas? Le dije que iba bien, que quizás lo continuara en el viaje a la isla de Gozo y algo así ha sido. La infancia es el eje indiscutible de este trabajo de Raúl Hevia y también los es en la construcción de nuestra personalidad, de nuestra relación con el mundo, y la herramienta más eficaz e imprescindible para poder entender nuestra realidad presente. El hecho de pensar en el texto de Raúl me ha hecho pensar mucho en la infancia, en la mía también, por supuesto, a la que nunca he renunciado, y en la de mis hijos, y sobre todo en aquella que me encuentro constantemente en la calle ante mis ojos. De este viaje a Malta y Gozo se ha inundado mi memoria de increíbles, interesantes y evocadoras imágenes y experiencias vividas en el mismo. Su abrumadora presencia histórica y monumental, el sonido cercano al árabe de su lengua semítica, no latina, el amarillo de sus sillares de piedra que marca toda su geografía y urbanismo, su mar Mediterráneo de azul profundo…La presencia de los Caballeros de la Orden Malta o de Santiago (Saint James) inunda toda la geografía histórica y la industria del souvenir de este pequeño país, regalado por el emperador español a esta Orden tras su expulsión de la isla de Rodas a manos de los sarracenos. Las pequeñas figuras, miniaturas, de estos caballeros cruzados en las tiendas de souvenir me traslada al bote de plástico repleto de ellos que coleccionó en su día mi hijo…Se los señalo y nos sonreímos, y las imágenes de la memoria aparecen como fantasmas maravillosos dándole vida a todos esos caballeros de armadura que salen calle abajo en busca del hereje…!Qué cosas tiene la historia y cómo se parecen demasiado y desgraciadamente determinados contextos...¡ Nos hospedamos durante unos días en la casa-estudio de Norbert Attard en el tranquilo pueblito de Gharb… Si hay una huella indeleble que dejaron los Caballeros de la Orden de Santiago aquí en estas islas fue el culto por los caballos. Miles de ellos ocupan la geografía de estas islas y forman parte indisociable de su vida y de su imaginario. Escribo estas líneas mientras recuerdo la imagen de ayer en el anochecer de un niño llevando de las riendas a pasear su caballo, cuando el calor difícil de soportar nos comenzaba a abandonar para dar paso a la brisa de la noche. El niño caminaba feliz y orgulloso de acompañar a su bello y fuerte compañero. Por un instante fugaz no pude dejar de ver su sombra de caballero ataviado con armadura y al paso por las calles del pueblo de Gharb. De la misma manera me imagino a Raúl construyendo en su estudio sus escenografías de la memoria. Dando vida a sus personajes recortando en sus cartulinas negras, entre otras, la figu-

really relinquished, my children’s childhood, and the childhood before my eyes on the streets. The trip to Malta and Gozo flooded my memory with amazing, interesting, suggestive images and experiences. The overwhelming presence of historical sites and monuments, the sounds of Maltese –a Semitic language closer to Arabic than to Romanic languages–, the yellow stonework throughout the urban landscape, the deepblue Mediterranean… The knights of the Order of Malta are ever-present, in the historical geography of the place and the local souvenir industry. The Spanish king gave these lands to the knights when they were driven out of Rhodes by the Ottomans. The knight figurines in gift shops brought me back to the days when my son collected knights and soldiers and kept them in a plastic bin. I show him the toy knights and we both smile at them, images from memory parading like ghosts before our eyes and bringing those knights in armour back to life, so that can rush down the street after the heathen. History can be strangely amazing; some contexts look incredibly and unfortunately alike. We stay for a few days at Norbert Attard’s home and studio in the quiet village of Gharb. If there is trace of the knights of Malta here, it is the love of horses. There are thousands of them, and they are part of the life and the imaginary of the archipelago. As I write this, I remember an image of yesterday at dawn: a boy dragging his horse by the rein, when the unbearable heat was giving way to the evening breeze. The boy was happy and proud to be by the side of such as beautiful, strong companion. For a moment, I could not but see a knight in armour treading the streets of Gharb. Likewise, I can picture Raúl designing his sets of memory in his studio, bringing his characters to life by cutting out black card figures like my knight of Malta and placing them in strategic locations amidst his books –the streets of Gharb now winding round the book spines/buildings of his shelves/cities. As I jot down these ideas, the images of the photos of Raúl’s latest work glitter in my memory. His disturbing miniature chair against the stage and curtain made of book spines is waiting for the next poet, bard, cantaor. Meanwhile, the image of the shadow of a girl swings in my mind, swinging in the pages of the book of time that read, “Happy is he who has a pair of eyes waiting for him at home.” Honestly, I do not think Raúl will mind not being able to come back home. His home –his childhood, his life–

goes with him wherever he goes, evoked as it is in everyday objects, in memories. The boy sheltering from the waves and laughing with his friend behind the wall gives us a wonderful contemporary tale on life and childhood. Maybe the wall is our adult case, which should let emotions in more often. Thank you very much, dear Raúl, for giving me one of the greatest trips, during which I was able to recover memories of childhood and happiness. Somehow, I have been able to come back home in the dreamlike city of my memory. Orlando Britto Jinorio Dakar-Island of Gozo, June 2010

ra de este caballero maltés que sitúa estratégicamente entre sus libros recreando así, perfectamente, las calles de La Valetta ahora construidas por los lomos-edificios de los libros de sus estantes-ciudades. Escribo esta líneas y las imágenes de las fotografías de este trabajo último de Raúl destellan en mi memoria. Su inquietante silla en miniatura en medio del escenario-telón de los lomos de sus libros espera al próximo poeta, cantaor o rapsoda. Mientras tanto se columpia igualmente en mi memoria la imagen de la fotografía de la sombra de la niña que se mece en las páginas del libro del tiempo que subrayadas rezan: “Feliz pues aquél a quien en casa le esperan dos ojos”. No creo sinceramente que a Raúl le preocupe mucho el hecho de no poder volver a casa, porque su casa, su infancia, su vida, viaja con él, evocada en cada momento en sus objetos cotidianos, en sus recuerdos. El niño que se esconde de las olas con su amigo riéndose cómplice tras un muro nos regala hoy este relato tan maravilloso como contemporáneo sobre la infancia y la vida. Quizás ese muro sea nuestro estuche de hombre, de adultos, que debiera dejar traspasar con más frecuencia de lo habitual los territorios de las emociones. Muchas gracias querido Raúl…me has regalado uno de mis viajes más maravillosos, poder recuperar, revivir recuerdos y memorias de felicidad de la infancia…y de alguna forma sí he podido volver a mi casa en la ciudad soñada de mi memoria. Orlando Britto Jinorio En junio de 2010 entre Dakar y Gozo.

Actores principales de este relato: – Infancia – Traje de Superman – Fotografía “Tú” (juego de letras) – Libros de relatos infantiles: Djafar, Giuliano y Waki – Juego de formas de la culebra. – Series fotográficas: Ahora, África, Amigos, Avión, Bailarina, Barca, Columpio, Corona, Golondrina, Hombrecito, Ojos, Oso…

Main characters in this tale: – Childhood – Superman costume - “Tú” photograph (letter game) – Children’s storybooks: Djafar, Giuliano, Waki – Snake playshape – Photo series: Now, Africa, Friends, Plane, Dancer, Boat, Swing, Crown, Swallow, Little Man, Eyes, Bear.

Nunca volver谩s a casa. 2010. Inkjet con pigmentos minerales de larga duraci贸n en papel RC, adhesivada a f贸rex. 60 x 40 cm

Nunca volver谩s a casa. 2010. Inkjet con pigmentos minerales de larga duraci贸n en papel RC, adhesivada a f贸rex. 40 x 60 cm c.u.

Nunca volver谩s a casa. 2010. Inkjet con pigmentos minerales de larga duraci贸n en papel RC, adhesivada a f贸rex. 40 x 60 cm

Nunca volver谩s a casa. 2010. Inkjet con pigmentos minerales de larga duraci贸n en papel RC, adhesivada a f贸rex. 40 x 60 cm c.u.

Nunca volver谩s a casa. 2010. Lectura interrumpida. Inkjet con pigmentos minerales de larga duraci贸n en papel RC, adhesivada a f贸rex. 80 x 160 cm

Nunca volver谩s a casa. 2010. Inkjet con pigmentos minerales de larga duraci贸n en papel RC, adhesivada a f贸rex. 40 x 60 cm

Nunca volver谩s a casa. 2010. Inkjet con pigmentos minerales de larga duraci贸n en papel RC, adhesivada a f贸rex. 40 x 60 cm c.u.

Nunca volverás a casa. 2010. Inkjet con pigmentos minerales de larga duración en papel RC, adhesivada a fórex. 40 x 60 cm Nunca volverás a casa. 2010. Inkjet con pigmentos minerales de larga duración en papel RC, adhesivada a fórex. 31,5 x 75 cm

Nunca volver谩s a casa. 2010. Inkjet con pigmentos minerales de larga duraci贸n en papel RC, adhesivada a f贸rex. 40 x 60 cm

MOISÉS MAHIQUES

IMAGE IN MOVEMENT

LA IMAGEN EN MOVIMIENTO

Inés Obregón

“I find it difficult to talk about my work. The process finishes in the studio and I fear that it is limited by words; they become a greater truth than the images”

“Me resulta muy difícil hablar de mi obra. Su proceso termina en el estudio y tengo miedo de que las palabras la limiten; que se conviertan en más verdad que las imágenes”

Moisés Mahiques

What Mahiques works initially offer in an immediate view or simply in the memory of an absent-minded look is similar to the contemplation of an abstract work. A mass of lines paralyze just one part of the space, dissolving into orbit, until reaching total whiteness. Within this mass, there are blank spaces, marked by an agglomeration of lines which do not get tangled up. Clarity is not lost. Numerous compositions are created which work together and individually, as can be seen in the small studies for the work, in which the groups of figures also work individually.

Lo que la obra de Mahiques ofrece en una primera lectura, en una vista más inmediata o sencillamente en el recuerdo de una mirada distraída, se acerca a la contemplación de una obra abstracta. Una gran masa de líneas colapsa solamente una parte del espacio, disolviéndose hacia su órbita hasta llegar al blanco total. Dentro de la masa, nuevamente espacios en blanco, acotados por una aglomeración de líneas que no llegan a enmarañarse. No pierde la claridad. Se crean composiciones múltiples que funcionan tanto en su conjunto como de manera aislada, tal y como se puede comprobar en los pequeños estudios para la obra, en los que los conjuntos de figuras funcionan también de manera aislada.

Black and white fine and elegant lines, on which colours are used as perfect, expressive, anti-natural patches. They are used to highlight a certain object or to support the composition. In general, they are not applied organically, defining real lines, nor are they in harmony with the reality being painted, so we can not talk about naturalism. Visually, this supports the first abstract impression and boosts plastic arts. There are fields of lines and colour patches. A well studied and hard worked composition at all levels, which will become evident as the work is contemplated in greater depth. Once we stop and take a closer look, the lines begin to trace human figures. In some of his works, objects also appear as a unique reference to the surrounding space. The figures are repeated, varying slightly in their position. They are like superimposed clichés from a film. Representation, dealing with space, like narrating, has been a constant concern throughout the history of art and reaching the third dimension has been a challenge for artists working with metal, canvas or paper, like Mahiques. In this case, he introduces another dimension: time. His figures evolve, move and act within the frame. It is true that this research into the four dimensions has references in the history of art. Perhaps the

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Blancos y negros de líneas finas y elegantes, sobre ellos los colores actúan como manchas perfectas, expresivas, antinaturales. Sirven para subrayar un determinado objeto o como apoyo a la composición. Pero por lo general no los aplica de un modo orgánico, delimitando líneas reales, ni en sintonía con la verdad de lo que pinta, por lo que no se puede hablar de naturalismo. Visualmente esto apoya la primera impresión abstracta y potencia en gran modo la plasticidad. Campos de líneas y manchas de color. Una composición muy estudiada y muy bien trabajada a todos los niveles, como se verá al ir profundizando en la obra. Una vez que detenemos la mirada, las líneas comienzan a dibujar figuras humanas. En algunas de sus obras aparecen también objetos como única referencia al espacio circundante. Las figuras se repiten variando ligeramente su postura. Son como clichés superpuestos de una película. La representación, el tratamiento del espacio, cómo narrar, ha sido una preocupación constante a lo largo de la historia del arte y alcanzar la tercera dimensión todo un reto para los artistas que han trabajado la tabla, el lienzo o el papel como hace Mahiques. En este caso, él introduce una dimensión más, el tiempo. Sus figuras evolucionan dentro del recuadro, se mueven, actúan.

Es cierto que esta investigación de las cuatro dimensiones cuenta con referentes en la historia del arte. Tal vez las predecesoras que más se asemejan a la obra de Moisés sean el Desnudo bajando una escalera de Duchamp o las del futurismo italiano, ya citado por otros críticos que han abordado la obra de Mahiques1. También es cierto que el tratamiento es totalmente personal y nos permite olvidarnos de lo visto hasta el momento para movernos con los personajes. Todo un logro compositivo; hacer evolucionar a tantos personajes a la vez, dentro de un recuadro sin que choquen constantemente, sólo moviéndose. Esto es en gran medida gracias a su búsqueda de lo esencial en la representación. Ha eliminado detalles superfluos que pudiesen emborronar o restar comprensión. Los cuerpos son casi unas esenciales líneas anatómicas. Los rostros unas máscaras que parecen no subrayar la tensión de los movimientos. Mahiques cuenta que al comienzo de sus estudios tuvo a su disposición una gran variedad de medios creativos. Esto le permitió conocer la fotografía y la fotografía en movimiento. Una vez en su estudio, y con la cámara digital todavía lejana al día a día, tuvo que enfrentarse con la realidad a su alcance, lo que terminó desembocando en rotuladores y otras tintas sobre papel, sin renunciar al movimiento. Descubrió que esta técnica además ofrecía una gran inmediatez (no conviene olvidar que todavía estábamos en tiempos del positivado). Así experimentó y evolucionó siempre en busca de la acción de los personajes. Es más, la huella del movimiento queda impresa en la hoja, no desaparece como en otros soportes. Una referencia constante para él siempre ha sido el cine. En concreto autores que ofrecen una gran tensión o plasticidad. Por citar dos nombres, David Lynch o Michael Haneke, este último también por una cercanía en el modo de narrar las historias con frialdad, sin posicionamiento.

predecessors whose works are most similar to that of Moisés are Nude Descending a Staircase by Duchamp or those of Italian futurism, which have already been mentioned by other critics in their consideration of Mahiques’ work1. It is also true that its handling is totally personal and allows us to forget everything seen up to now, in order to move with the characters. This is a tremendous composition achievement: making so many characters develop at the same time, within a frame without crashing into each other, just moving. To a large extent, this is thanks to his quest for what is essential in the representation. He has eliminated superfluous details that could blur or detract from comprehension. The bodies are almost anatomical essential lines. The faces are masks that do not appear to highlight the tension of movement. Mahiques explains that he had access to a wide range of creative resources at the outset of his studies. This enabled him to discover photography and moving photography. Once in his studio, when the digital camera was still far from being an everyday object, he had to face his scope from reality, which culminated in felt-tip pens and other types of ink on paper, without renouncing movement. He discovered that this technique also offered a sense of immediacy (we must not forget that this was still in the times of printing). Therefore, he experimented and evolved in search of characters’ action. Furthermore, the mark of movement is printed on the sheet, and does not disappear, like in other formats. The film industry has always been a constant reference for him. More specifically, authors that offer tension or plasticity. To name two of them, David Lynch or Michael Haneke, the latter due to his proximity in the way of narrating stories without showing any signs of emotion or stance.

Y es que lo que subyace en la obra de Moisés –que aunque no sea el leitmotiv de su obra, es inherente a la misma en cuanto a que, como ser humano, no se puede desprender de un modo de ver la vida (gajes de haber nacido)– es una puesta en evidencia de lo que él percibe como la realidad actual circundante, que agita la pulsiones de las personas. Sobre todo la superproducción actual. Como es el caso del bombardeo de información, de objetos, de residuos, a los que dedica obras a modo de bodegón.

This is what underlies Moisés work, whilst not the leitmotiv of his work, it is inherent in it, insofar as he cannot let go of a way of seeing life as a human being (part and parcel of being born) it shows what he perceives to be the actual surrounding reality, which raises people’s pulses. Particularly the current super-production, like in the case of the barrage of information, objects, waste, to which he dedicates still life works.

1 HEALTH HAPPENING LOCATION (after Sweet Illness). Ricardo Forriols.

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If it is difficult to describe or transcribe Mahiques’ concerns without seeing them subjectively, or in other words, without adding additional adjectives that unconsciously portray the writer’s stance, I suppose it will be no easier to represent them in plastic arts. In fact, I think it is impossible. Even so, Moisés applies his techniques to move closer to objectivity. His aim is not to moralize. In everyday dramas, his characters are represented with a kind of neutral mask. Somewhat inexpressive, as I have already indicated, his faces hardly reflect the tension of their bodies (which may be reminiscent of Greek classicism, but let’s not get side-tracked). He has also eliminated blood or other symbols of pain or passion.

Si ya resulta difícil describir o transcribir las preocupaciones de Mahiques sin subjetivarlas, es decir, sin aportar adjetivos accesorios que inconscientemente dejen ver la postura de quien escribe, supongo que no lo será menos a la hora de representarlas plásticamente. De hecho creo que es imposible. Aún así Moisés aplica sus técnicas para acercarse a la objetividad. Su fin no es moralizar. En los dramas cotidianos sus personajes están representados con una especie de máscara neutra. Bastante inexpresivos, como ya he comentado, sus rostros apenas reflejan las tensiones de su cuerpo (lo cual puede recordar al clasicismo griego, pero ahora es mejor no distraerse del tema). También ha suprimido la sangre u otros símbolos de dolor o pasiones.

His series such as Prelude to Violence, Parenthesis or Sex Happening, among others, have been developed in this way. Obviously, the titles of these series give us some clues. From his latest series, Standby Compass, I would also like to highlight a further contribution to Moisés’ enormous composition capacity: the retablo structure. A look at years gone by, to which he has devoted a great deal of study time, which has been useful when narrating. The upper part of the image of the “Saint” represents his life on the predella, telling the story with a classic narration.

De este modo se desarrollan sus series como Prelude to Violence, Parenthesis o Sex happening entre otras. Series que ya con sus títulos, como es obvio, nos aportan una pista. De la última de sus series, Standby compass, me gustaría también destacar una aportación más a la gran capacidad compositiva de Moisés. La estructura en retablo. Un guiño al pasado, al que ha dedicado mucho tiempo de estudio y del que se ha servido a la hora de narrar. En la parte superior la imagen del “santo” representado, su vida en la predela, y así hasta contar su historia con una clásica narración.

Here’s a small anecdote to end. A scriptwriter friend with whom we were joking (I would like to highlight the fact that we were joking) about which of the two arts, the film industry or plastic arts, was better. Of course, each party defended his own field. Before a painting, my friend asked “How long does this last? It’s short. I’ve seen it”. Yes, my friend, standing in front of a Moisés Mahiques, it is true that the viewing does not last as long as “Gone with the Wind”, but it is worth dedicating some time to it. Pay attention: it also moves.

Para terminar una pequeña anécdota. Un amigo guionista con el que bromeábamos (quisiera subrayar esta palabra, bromeábamos) sobre cual de las dos artes, si el cine o las artes plásticas era superior, cada uno defendiendo el suyo, faltaría más, me decía ante un cuadro “¿pero esto cuanto dura?, es corto, ya está, ya lo he visto”. Pues bien amigo mío, ante un Moisés Mahiques cierto es que el visionado no dura tanto como “Lo que el viento se llevó”, pero un ratito sí merece la pena dedicarle. Y fíjate, también se mueve.

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Violence happening location nยบ 11. 2009. Plumilla y papel vegetal sobre papel. 55 x 35 cm

Disaster happening location nยบ 2. 2008. Gouache, grafito, tinta china y rotring sobre papel. 75 x 150 cm

Parenthesis nยบ3. 2009. Lapiz, tinta, rotring y vegetal sobre papel. 45 x 100 cm

Disaster happening location nº 9. 2009. Acrílico-tinta china-rotring y lápiz sobre papel. 150 x 175 cm

Disaster happening location nº 11. 2009. Acrílico-tinta china-rotulador y lápiz sobre papel. 150 x 200 cm

Disaster happening location nº 13. 2009. Acrílico-tinta china-lápiz y rotring sobre papel. 150 x 150 cm

Sex happening location nยบ 27. 2009. Grafito y tinta china sobre papel. 70 x 100 cm

Standby compass. 2010. AcrĂlico, tinta, rotring, rotulador y lĂĄpiz sobre papel. 260 x 350 cm

Violence happening location nยบ 10. 2008. Tinta china y cera sobre papel. 30 x 20 cm Violence happening location nยบ 17. 2008. Tinta china y cera sobre papel. 30 x 20 cm

Violence happening location nยบ 16. 2009. Plumilla y papel vegetal sobre papel. 40 x 30 cm Violence happening location nยบ 15. 2009. Plumilla y papel vegetal sobre papel. 35 x 30 cm

Violence happening location nยบ 12. 2009. Plumilla y papel vegetal sobre papel. 55 x 55 cm

Violence happening location nยบ 28. 2009. Tinta china y rotring sobre papel. 40 x 105 cm

Parenthesis nº 8. 2009. Acrílico, lápiz y rotring sobre papel. 43 x 43 cm

Parenthesis nº 4. 2009. Acrílico, lápiz y rotring sobre lienzo. 68 x 68 cm

TILO SCHULZ

EMPTINESS AND FULLNESS IN TILO SCHULZ’S MOUNTAINS OF DESIRE Salvador Carretero Rebés

VACÍO Y PLENITUD EN LAS MONTAÑAS DEL DESEO DE TILO SCHULZ Salvador Carretero Rebés

Looking at the mountains of desire…, I admire, not without curiosity, an area of dry silence, of unreal reality, a physical and intellectual passage that I associate with the loneliness and silence of the desert –with the emptiness and fullness of reference, including its mysterious breath.

Mirando las Montañas del Deseo, admiro con mucha curiosidad un ámbito de silencio seco, de realidad irreal, un tránsito físico e intelectual que personalmente ubico en la soledad y silencio del desierto…, en el vacío y plenitud referenciales, incluidos sus alientos misteriosos.

I’ve been to several hot deserts. Or maybe they were just the same. The desire to see a desert and the fact of actually seeing it are not just relative but impossible, given its infiniteness and, above all, its ever-changing nature –always experimenting with shape, background, movement (windy unpredictability), time and light, without limits.

Conozco varios desiertos cálidos. O quizá es el mismo… El hecho y deseo de conocer un desierto es, no ya relativo, si no imposible, por su infinitud y, sobre todo, porque siempre es diferente, por cambiante, siempre experimental, en forma, fondo, movimiento –mutabilidad ventosa-, tiempo y luz, sin límites.

Magnificent partial moments in desert areas in Egypt, Jordan, Tunisia, Morocco, Mauritania, Mali, Arizona, where the sense of smallness, loneliness, seclusion, silence stands in sharp contrast to the sense of infiniteness, where the sense of identity emerges humbly after doing away with the notions of dimensionality, temporality, location, and identity.

Han sido majestuosos momentos parciales de ámbitos desérticos de Egipto, Jordania, Túnez, Marruecos, Mauritania, Malí, Arizona…, donde el sentido de pequeñez, soledad, recogimiento, silencio…, contrasta con el de infinitud; donde la sensación de identidad aflora con auténtica humildad, perdidas las nociones de dimensionalidad, temporalidad, ubicación e identidad.

Your eyes scan the imperfect, subtle line of the horizon, which ends in an infinite organic, sinuous, late-minimalist perfection. In any case, its an tangibly tangible reality that produces a changing sense of unreality, of another reality.

Los ojos tratan de escrutar en la línea imperfecta y sutil del horizonte, que termina en la infinita perfección, orgánica, sinuosa o quebradiza, tardominimalista. Se trata, en cualquiera de los casos, de una realidad intangiblemente tangible, que genera sensaciones cambiantes de irrealidad, de otra realidad.

Straight lines? Occasionally, the line of the horizon, but not even so. A slightly curved or slightly broken infinite line. Either way, mountains and rocks of desire, where again there are no limits, as everything has been turned into a crossroads so that you let go or feel trapped in boundless immensity. The geographical contrasts have no end, and the fauna and flora are also infinite, extremely hard in an apparently absent, fragile environment. Life hides above and below the sand, where nothing is what it seems to be, with its own powerful fleshy, rough, thorny epidermis, which is part of a smooth, ever-changing general epidermis. Everything is perfect in imperfection, everything is imperfect in perfection. The curious particularisation and individuality of the landscape you are looking at, frame by frame, produces another contrast, like photograms in somebody’s memory. Man is here because he is not there, you can sense him and feel him, but not tolerate him. His usual verticality –his

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¿Líneas rectas?, parece que, ocasionalmente, la del horizonte, pero tampoco. Una línea infinita suavemente curva o suavemente quebrada. En cualquiera de los casos, montañas y roquedales de deseo, donde, nuevamente, los límites no existen, convertido todo en una pura encrucijada para dejarse llevar libremente o sentirse encarcelado en una inmensidad sin acotación. El contraste topográfico es infinito, como lo es su flora y fauna, dura hasta el extremo en un presunto ámbito frágil y ausente. La vida se esconde bajo y sobre la arena, donde nada es lo que parece, poseedora de una poderosa epidermis particular carnosa, ruda, espinosa…, integrada en una epidermis general suave e infinitamente cambiante. Todo es perfecto en lo imperfecto, como todo es imperfecto en lo perfecto. La curiosa particularización e individualidad del paisaje que miramos, encuadre a encuadre, consigue a su vez, otro contraste, como fotogramas de la memoria de alguien. El ser humano está aquí, porque ahí no está, se le siente y presiente, pero no

se le consiente. El verticalismo ordinario de él -su particular microcosmos, eje que se esfuma– contrasta con la horizontalidad total del desierto, y se vuelve a fundir con su particular horizontal creadora y con la discreta línea del horizonte montañosa.

particular microcosm, a vanishing axis– is in contrast to the total horizontality of the desert and then merges with his own creative horizontal line and with the modest mountainous line of the horizon.

La hondura del ser se nutre y revierte en el propio conocimiento, ante zonas ignotas. Es esfinge triturada, como vigilante del conocimiento descolonizador y permeable, de concepción idealista, contra lo anacrónico, contra la ausencia de diálogo de lo opuesto, en plena identidad de lo objetivo y el elementalismo conceptual y elemental, inteligentemente alejado de modismos fácilmente absorbentes e imitables.

The depth of being feeds on and back into your own knowledge in the face of unknown areas. It is a crushed sphinx, a guard of permeable, decolonising knowledge under an idealistic view against anachronism, against the lack of dialogue between opposites, in the identity of the objective and the elementary nature of concepts and elements, wisely away from easily absorbing and easy-toimitate idioms.

En este sentido, quiero pensar ahora en las antológicas bibliotecas mauritanas, en ese caudal de conocimiento mágico en pleno desierto, también imposible, pero real, puente mágico entre el cielo y la tierra, puente de visión de conocimiento. Puente de conocimiento donde, página a página, encuadre a encuadre, papel a papel, dibujo a dibujo, explora el pasado en el presente, funde lo real e irreal de forma absoluta, tornándolo atemporal, por refractario y transfigurado.

Let me now move to the memorable libraries of Mauritania –a wealth of magic knowledge in the heart of the desert, also impossible yet also real, a magical bridge between the earth and the sky, a vision bridge of knowledge. A bridge of knowledge exploring –page by page, frame by frame, paper by paper, drawing by drawing– the past in the present, fully blending the real and the unreal and, in their resistance and transmogrification, timeless.

Cada página, cada papel, cada dibujo, es un nuevo fotograma a través del cual su puede mirar la montaña del deseo con emoción en el silencio, sin principio ni fin –desparramado– , de pincelada única, construcción deconstruida, de desarrollo oriental, cadena, eslabón a eslabón, de sugestiones fragmentadas, intervalos sin solución de continuidad, donde principio y fin se identifican, y coexisten, donde un papel no existe sin el otro, sin el de más allá…, desarrollo de tiempo espacializado.

Every page, every paper, every drawing is a new photogram in which you can look at the mountains of desire, moved in silence, without beginning or end (just sprawling), with a single brushstroke, a deconstructed construction of eastern development, a chain, link by link, of fragmentary suggestions, discontinuous intervals, where the beginning and the end are the same and coexist, where a part cannot exist without its counterpart, without the part over there –development of time having the nature of space.

Nos convertimos así en curiosos ulemas, que miran y escrutan, se dejan llevar desde su jayma, con sus obras manuscritas o impresas de singular pasión eremita. Nos identificamos con el sentido poético nómada, con el nomadismo idealista del conocimiento, ante el despliegue ocre, dorado, amarillo y –en el anochecer– rojo, en inmensidad, infinita metáfora de una eternidad mutable, siempre cambiante, en su forma, en su luz y en su sombra, en absoluta y constante trans-formación, donde la nada y el todo se funden, siempre encadenado al espíritu nómada, de curiosa humildad. Infinito tálamo que nos rodea sin solución de continuidad, sagrado lecho identificado al cuerpo de mujer tendido, siempre presente en su origen de vida –flujo y abrazo universal– y presencia de la muerte, “et in arcadia lego”. Carácter insondable, inabarcable, donde la seguridad se evapora, abandonados a la

Thus we become curious ulemas scrutinising, being carried away in their Bedouin tents, with their manuscripts or printed pages oozing the passion of the hermit. We feel identified with the nomadic poetic sense, with the idealistic nomadism of knowledge before the display in ochre, golden shades, yellow, and, at sunset, red –an infinite metaphor of a changeable eternity, changing its shape, its light and shape, in an absolute and permanent transformation in which nothing and whole merge, linked to the nomad spirit, in humble curiosity. An infinite bed surrounding us with interruptions, the sacred bed associated with the body of a lying woman, everpresent in the origin of life –universal flow and embrace– and in the presence of death –Et in Arcadia lego. Endless,

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unfathomable character in which certainty vanishes, giving in to sweet uncertainty –suggestions of the vast infinite. The joy of childhood, from the origin of the world and human kind. A waist of dune, the origin of life, the magic and mystery of what cannot be understood by men. A warm embrace, a dive into an infinite bosom, feeling impossibly small. At night, everything turns into a giant starry vault, also infinite –an intuitive experience of one’s smallness, in contrast to that which seems to have no end. By day, it is luminous fulfilment, complete transfiguration, or transfigured passage. However, it is the absolute absence of the powerful sun that prevails, its fixing power in space. Blinding daylight; savage, blinding shadows; powerful, ambivalent, blinding mirror; exhausting, burning, blinding heat; icy, blinding cold, life and death. Light and knowledge are one and the same, like a sandy mantle. Absence of the whole, cleaning of the nothing, air and puff, the sound of silence, violent Eolus, where difficulties are erased, in an inexistent room, in a vanished individuality, in a space that projects without intimacy, a sphere of silent, lightweight flying –wings in your ankles–, far away from the value of time, or diluted immaterial time. The simplification and total abstraction of an eternal arabesque (an eternal breath), field of an endless ethereal labyrinth, without a target. Harmonia est discordia concors: full harmony in the stage of another infinite dance in which desire, enthusiasm, happiness, and uncertainty get intertwined –a cosmic communion. Looking at this individuated floating linearity, this spatial time in a single brushstroke, makes me think of Panta rei, an infinite dance, Sylvie Guillem’s Blue Yellow and Smoke: pure movement, light and volatile perfection of timeless twists and turns, or twists and turns living in a floating time, boundless emotion, dissolving, vanishing. Time is “only” marked by the transition from day to night, from heat to cold, in an endless wheel. In Mali I felt the desert can be the most terrific freedom and the most terrible jail, a ring, a perfect sphere conceived of from the inside, the whole, the magic realm of wisdom, countless points and perfections, torch and candle, cold at night, sand in a huge clock, endless, timeless time, until I reached Kidal, a legendary linear land and a magical landscape of black rocks.

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dulce inseguridad, sugestiones de lo abismal infinito. Es la alegría de la niñez, desde el origen del mundo y la humanidad. Es talle de duna, origen de vida, misterio y magia de lo no comprensible en el varón. Es abrazo cálido, inmersión en un infinito regazo, sintiéndose extremadamente pequeño. De noche, todo se torna como una gigantesca bóveda estrellada, también infinita, vivencia intuitiva de la propia pequeñez y su contraste con lo inabarcable. De día es plenitud lumínica, absoluta transfiguración o, mejor, traslación transfigurada. No obstante, aquí prevalece la ausencia total del poder sol, de su fijación en el espacio. Luz diurna, hasta la ceguera, sombra brutal y abismal hasta la ceguera; poderoso e imponente espejo, de total ambivalencia, hasta la ceguera; calor extenuante y abrasador, hasta la ceguera; frío gélido, vida y muerte, hasta la ceguera. Luz y conocimiento se identifican, manto arenoso. Ausencia del todo, limpieza de la nada, aire y soplo, sonido del silencio, Eolo violento, donde se pulen dificultades, de habitación inexistente, de individualidad evaporada; de proyección espacial sin posible intimidad, ámbito de necesario vuelo silente, ligero -con alas en los tobillos-, alejado del valor temporal, o precisamente de tiempo inmaterial diluido. Simplificación y abstracción total de eterno arabesco –eterno aliento-, ámbito de laberinto etéreo sin fin, sin posible búsqueda de objetivo. “Harmonía est discordia concors”: plena armonía, siendo escenario de otra danza infinita, donde se entremezclan el deseo, el entusiasmo, la felicidad, la inseguridad, una comunión cósmica. Mirando esta individualizada linealidad flotante, esta espacialidad de tiempo de pincelada única, pienso en el “panta rei”, danza infinita, Blue Yellow y Smoke, de Sylvie Guillem, su movimiento puro, su volátil y ligera perfección de infinitos vericuetos, sin tiempo o de tiempo flotante, emoción también sin límites, disolución y evaporación. El tiempo “sólo” lo marca el tránsito del día a la noche, del calor al frío, en rueda infinita. Y en el desierto de Malí sentimos que es la libertad y la cárcel más atroz, anillo, esfera perfecta pensada desde su interior, la totalidad, ámbito mágico de sabiduría, infinitud de puntos y de perfecciones, antorcha y candela, frío nocturno, arena de un inmenso reloj, tiempo atemporal inabarcable, hasta llegar a Kidal, legendario territorio lineal y mágico paisaje de rocas negras.

La emotiva y perfecta hilera montañosa es pespunte y ovillo sin fin de alientos que unen teoría y praxis, cielo y tierra, fino hilo de seda, frágil, de orgánica referencia esquemática oriental. Es línea infinita hacia la que deseas acercarte, sobre la que anhelas transitar y habitar, que separa ámbitos aparentemente diferentes, tierra y aire, realismo y abstracción, siempre livianos, ligeros, tan ligeros que parecen lo mismo, sólo lo parecen, como la realidad, que sólo parece, como la abstracción, que sólo lo parece, nomadismo absoluto –intelectual, físico, sensorial…– en paisaje perpetua y eternamente cambiante. A la continuidad horizontal, es necesario unir la vertical inmaterial, en bucle imaginario perpetuo –como la Guillem-, en donde encontraremos el día y la noche, el sol y la luna, el cielo azul y la bóveda estrellada… Y cada uno, de pie, mirando y admirando, en plena encrucijada –crossing-, en un puente nunca físico que une.

The perfect, moving row of mountains is the endless ball and backstitch linking breaths and, with them, theory and practice, heaven and earth –a fragile, thin silk thread sketchily making organic reference to the East. It is an infinite line you want to come closer to, walk along and live in, separating apparently different spheres: earth and air, realism and abstraction, so light that they seem to be the same, but just seem to be, like reality, which just seems to be, or abstraction, which just seems to be –absolute nomadism (intellectual, physical, sensory) in an everchanging landscape. To the horizontal continuity you have to add the immaterial verticality, a perpetual imaginary loop (just like Guillem’s) where you can find night and day, the sun and the moon, the bright blue sky and the starry vault. And each of us, looking and looking up, in a crossing, a bridge that is not material and yet connects.

Es la perpetua aurora, una nueva y diferente realidad; el perpetuo crepúsculo, de quietud, sombra y nostalgia; vida y muerte identificadas. Es ausencia de “axis mundi”, sólo encontrada en la tienda del nómada, de lo no estático, del movimiento eterno, siempre cambiante. Es la ausencia de caminos finitos, encrucijada no marcada, ámbito de silencio, de enterramiento mimetizado, donde nunca es lo mismo, no puede ser lo mismo, donde menos es más, donde lo infinitesimal es la infinitud.

In the eternal dawn, a new, different reality: the eternal dusk, still, sombre, melancholy –life and death as one and the same. The lack of an axis mundi except in the tent of the nomads; the un-static, continuous movement, eternal change. The lack of finite paths, unmarked crossroads, a sphere of silence, of mimetic burial, where it is never the same, it can never be the same, where less is more, where infinitesimal means infinite.

Identidad y alteridad orientalista como referencia (Cheng), puente de la visión que trasciende la materia (Delacroix), donde vacío y la plenitud son uno, duende de la dinámica de la ausencia en su plena continuidad narrativa lineal, misteriosa espiritualidad de ermitaño comprometido de la montaña del deseo, donde se impone la curiosidad, interiorizada y transformada hacia la totalidad.

Orientalist identity and otherness as a reference (Cheng), bridge of vision that goes beyond matter (Delacroix), where emptiness and fullness are one and the same, spirit of the dynamics of absence in its full linear narrative continuity, mysterious spirituality of the self-committed hermit in the mountain of desire, where internalised curiosity, turned towards the whole, rules.

SCR, 6 de agosto de 2010

SCR, August 6, 2010

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Looking at the mountains of desire... 2009/2010. Tinta sobre papel. Dimensiones variables

EL PUENTE DE LA VISIÓN 2

ALEXANDRA AGUIAR (Funchal, Portugal, 1977)

Vive y trabaja en Nueva York FORMACIÓN 2002 -04:Curso Avanzado de Artes Visuales en Ar.Co – Centro de Arte y Comunicación Visual, Lisboa 1999-02: Curso de escultura en Ar.Co - Centro de Arte y Comunicación Visual, Lisboa 1996-97: Curso de teatro en la Escuela Profesional Balleteatro EXPERIENCIA LABORAL 2008-09: asistente de producción para el vídeo-artista alemán Julian Rosefeldt, de DGArtes, Ministerio de Cultura de Portugal, Berlín 2005-07: asistente de edición en Fim de Século Edições (casa de publicaciones portuguesa), Lisboa EXPOSICIONES INDIVIDUALES 2010 2009 2001

El Puente de la Visión 2010. Museo de Bellas Artes de Santander / Casas del Águila y la Parra de Santillana del Mar Some Drawings - MCO Contemporary Art Gallery, Oporto Sculpture and Drawings - Quarto da Maria Gallery (Artes em Partes Building), Oporto

COLECTIVAS 2010 2009 2004 2002

Galeria Sete, Coimbra. "Yes but...", comisariada por Claudia Calirman – Location One Gallery, New York. Drawing - Sete Gallery, Coimbra/Portugal Lisbon Art Fair, Lisboa 2005: Anteciparte, 2ª Edición; Estufa Fria, Parque Eduardo VII, Lisboa Finalistas y Becarios de Ar.Co; Torreão Nascente da Cordoaria Nacional, Lisboa Exposición de Finalistas y Becarios de Ar.Co; Quinta de S. Miguel, Almada

BECAS – Ha sido artista residente del programa Location One's International Residency, New York, hasta finales de marzo de 2010, con una beca creada por la Fundación Calouste Gulbenkian y la Fundación Luso - Americana, Portugal. – Ha recibido una beca de FIPAP - Fire Island Pines Arts Project, para ser artista residente en la Comunidad de Fire Island Pines en el mes de junio de 2010

RUTH GÓMEZ (Valladolid, 1976)

2000

Licenciada en Bellas Artes. Universidad de Salamanca Especialidad: Diseño y Audiovisuales

EXPOSICIONES INDIVIDUALES 2010 2009 2008 2007 2006 2005

El Puente de la Visión 2010. Museo de Bellas Artes de Santander / Casas del Águila y la Parra de Santillana del Mar Las Ilusiones Fantásticas. Galería Oliva Arauna - Madrid Trio. The Black Pillar - Madrid Efectos Especiales. Galería Mario Sequeira - Braga (Portugal) Animales de Compañía. Sala CAI Luzán - Zaragoza Ruth, made in Musac. CAC Málaga, Espacio 5 Animales de Compañía. Galería Oliva Arauna - Madrid

EXPOSICIONES COLECTIVAS 2010

ARCO. Galería Oliva Arauna – Madrid The Armory Show. Galería Oliva Arauna – NY (USA)

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2009

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2004

Merrie Melodies. DA2 Domus Artium - Salamanca Estancias, Residencias, Presencias. TEA – Tenerife Archivo Documental de Artistas de Castilla y León. MUSAC - León Centros españoles para el Arte Contemporáneo: continente y contenido. Sección cultural del Consulado General de España en Shanghai / Biblioteca Miguel de Cervantes - Shanghai (China) Huésped. Colección del MUSAC en el MNBA - Buenos Aires (Argentina) Colección del MUSAC en Rosario MACRO - Rosario (Argentina) SP ARTE. Galería Mario Sequeira - Sao Paulo (Brasil) ARCO. Galería Mario Sequeira - Madrid Modern Starts. Arte Contemporáneo en la colección Circa XX de Pilar Citoler - Córdoba Pretecnologías. Foro Internacional Art Tech Media - Córdoba Animated Painting. Grinnell Collage – Iowa (USA), CECUT Centro Cultural Tijuana (México) Celluloid Dreams. The Eagle Theater – NY (USA) Uno + Uno, Multitud. Doméstico - Madrid SH SHANGHAI (China) ART FIERA. Bologna (Italia) ART DUBAI (Emiratos Árabes Unidos) SP ARTE. Sao Paulo (Brasil) Galería Mario Sequeira ARCO. Galería Oliva Arauna, Galería Mario Sequeira - Madrid EXPO ZARAGOZA. Espacio Musac Ver la Pintura. DA2 - Salamanca 8 vídeos para Marzo. CAB - Burgos No Future. Artbus (Videoproyecciones en autobuses entre el Armony Show, Chelsea, Williamsburg y Queens) - NY (USA) Festival Parallax - Belgrado (Serbia) Outsourcing.Artbus (Videoproyecciones en Williamsburg) - NY (USA) Planes Futuros. Arte Español de los 2000. Baluarte - Pamplona Animated Painting. San Diego Museum of Art (USA) Existencias. MUSAC - León Geopolíticas de la Animación. CAAC - Sevilla FIBart - Benicássim Play & Stay + Stop & Go - Ibiza ART COLOGNE. Galería Mario Sequeira - Palma de Mallorca Contos Dixitais. CGAC - Santiago de Compostela La movida, nuevos creadores. Círculo de Bellas Artes - Madrid ARCO. Galería Oliva Arauna, Galería Mario Sequeira - Madrid Historias Animadas. Fundación La Caixa - Palma de Mallorca Historias animadas. Caixa Forum - Barcelona, Sala Rekalde - Bilbao Le Fresnoy - Francia Peekskill Proyect. HVCCA Hudson Valley Center for Contemporary Art - NY (USA) ARTE LISBOA. Galería Mario Sequeira - Portugal Videomix Dibujos en Vídeo. La casa Encendida - Madrid Pasarela Cibeles. Stand revista Glamour - Madrid ARCO. Galería Oliva Arauna – Madrid ARCO. Artbus - Madrid Cápsulas. Festival de Cine - Málaga Landscape of Current Latin - American Art. Colección CAC Málaga Instituto Cervantes - Milán (Italia) FIBart - Benicássim ARCO. Galería Oliva Arauna - Madrid Emergencias. MUSAC - León Cápsulas - Málaga Otros Mundos Pop. MUSAC - León Animation Adventure. MUSAC - León Galería Oliva Arauna - Madrid Arquitectura Efímera. Fangoria

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BECAS Y CONCURSOS 2006 2004 2003

Felicitación navideña Guggenheim Bilbao *vídeo Beca de creación Artística ILC Beca de creación Artística MUSAC

COLECCIONES MUSAC, ILC, Fundación Coca-Cola, CAC (Málaga), CAI (Zaragoza) Ayuntamiento de Navarra, Colección Pilar Citoler PUBLICACIONES

Animales de compañía (2006). Sala Cai. Zaragoza 10 Arte sobre Papel. Ruth Gómez (2006) Arte Emergente en España (2007). Junta de Andalucía. Vaivén

FERNANDO GUTIÉRREZ Oviedo, 1973

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca [1996] EXPOSICIONES INDIVIDUALES 2010 2009

2008 2006 2005 2002 2000 1999

El Puente de la Visión 2010. Museo de Bellas Artes de Santander / Casas del Águila y la Parra de Santillana del Mar Galería Espacio Líquido, Gijón Galería Isabel Hurley, Málaga LABoral Centro de Arte y Creación Industrial, Gijón El Hervidero, Gijón CCAI. Sala1, Gijón Sala Astragal. Gijón Galería Serial Artist, Barcelona Galería Benito Esteban, Salamanca Galería Paloma Pájaro, Salamanca La Voz de Mi Madre, Salamanca Casa de Cultura, Avilés

EXPOSICIONES COLECTIVAS 2010

2009

2008 2006 2004 2003 2002 2001

Merrie Melodies. DA2 Domus Artium, Salamanca Encuentros digitales. UCM, Madrid En proceso. Disculpen las molestias. Galería Raquel Ponce, Madrid Polimorfo(s) perverso(s). Galería Fernando Pradilla, Madrid ARCO 2010. Galería Espacio Líquido. Madrid VOLTA Lightbox 2010. Galería Espacio Líquido. Basel Expanded Drawing. Galería DNA, Berlín [Alterarte 09] Centro Párraga, Murcia Arenas Movedizas. Laboral Ciudad de la Cultura, Gijón ST. Calle Génova, 7, Madrid Proyecto Cabina. CMX-LABoral Centro de Arte, Gijón Arte Santander. Galería Benito Esteban, Salamanca Galería Benito Esteban, Salamanca Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias 25º Aniversario de la Constitución Española. Casa de la Moneda, Madrid Generación 2002. Premios y becas de arte Caja Madrid Galería Paloma Pájaro, Salamanca

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2000 1999

1998

1997 1996

XXII Salón de Otoño de Pintura de Plasencia Espacio F, Madrid 1999P. Sala Convento, Badajoz Certamen de Artes Plásticas de la Junta de Castilla y León Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias Las Distintas Naturalezas del Viaje. Contemporánea, Granada Certamen de Artes Plásticas de la Junta de Castilla y León Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias Los Limites de la Pintura. La Voz de Mi Madre, Salamanca El Alma y el Viaje. La Voz de Mi Madre, Salamanca

PREMIOS, BECAS Y SUBVENCIONES 2009 2008 2007 2001 2000 1999 1997 1995 1994

Subvención para producciones artísticas. FMC, Ayuntamiento de Gijón Premio LABjoven_Experimenta. LABoral Centro de Arte y Creación Industrial Premio Astragal. Instituto Asturiano de la Juventud Subvención para producciones artísticas. FMC, Ayuntamiento de Gijón Fondo de Adquisición. XIX Premio Internacional de Pintura Eugenio Hermoso 1º premio. Premio Nacional de Pintura Ciudad de Castellón Fondo de Adquisición de la Junta de Castilla y León Fondo de Adquisición LX Certamen Nacional de Pintura de Valdepeñas Beca de Investigación. Universidad de Salamanca. Junta de Castilla y León. [1997-2000] 2º premio. XXVI Certamen Nacional de Pintura de Luarca. Asturias Beca de Pintura. Cursos Nacionales de Arte, Ayuntamiento de Valdepeñas de Jaén

OBRA EN Chancillería de España en Japón. Embajada de España en Qatar. Embajada de España en Senegal. Junta de Castilla y León. Cajastur. Ayuntamiento de Castellón. Ayuntamiento de Fregenal de la Sierra. Badajoz.

RAÚL HEVIA (Oviedo, 1965)

FORMACIÓN Máster - Experto Iberoamericano en Cooperación al Desarrollo, Universidad de Cantabria, 2007 D.E.A. Diploma de Estudios Avanzados y Suficiencia Investigadora, Universidad de Oviedo, 2004 Licenciado en Historia del Arte, Universidad de Oviedo, 2003 Técnico Superior en Artes Plásticas y diseño en Fotografía, Escuela de Arte, Oviedo, 1995 Ciencias de la Información, Universidad Complutense, Madrid, 1987 TALLERES CON

Joan Fontcuberta, Juan Hidalgo, Ángel Fuentes de Cía, Eduardo Momeñe, Oscar Molina, José Ramón Alcalá, Javier Bauluz, Gonzalo Puch, Vincent + Feria, Juliao Sarmento, Javier Pérez, Dayna Smith, Juana Arias Lutzky, Bernard Plossu. PROYECTOS 2009

Exposición itinerante Revelando la inmigración. Méjico. Exposición Concienciarte. Exposición itinerante Cantabria-España. Arquitectura. Colaboración proyecto arquitectura de exterior. El Verdoso. Madrid.

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EXPOSICIONES INDVIDUALES 2010 2009 2007

2005

2002-01 1999 1994

Nunca volverás a casa, El Puente de la Visión 2010, Museo de Bellas Artes de Santander / Casas del Águila y la Parra de Santillana del Mar Treinta y seis años sin tristeza, Galería Nuble, Santander La vista, instrucciones de uso, Castillo del Rey, San Vicente de la Barquera, II Festival de Fotografía y Vídeo Foconorte, Cantabria Ópera póstuma, Espacio C, Camargo, Cantabria La Ausencia, Galería Roales, Santander Intimidarte, vídeo-acción, Espacio C, Camargo, Cantabria Espacios Publíricos, acción textual adhesiva por varias ciudades, en colaboración con Antonio Díaz Grande Palabras calladas, intervención, Casa de les pieces, Gijón, VII Jornadas Internacionales Las Huellas de Atenea Travesías, instalación fotográfica en 16 autobuses urbanos de Gijón Viático, Centro Cultural Cajastur, Palacio Revillagigedo, Gijón Del Circo, Escuela de Arte, Oviedo En las líneas de la mano. Sala Borrón, Casa de Cultura de Siero y Casa de Cultura de Llanera

EXPOSICIONES COLECTIVAS 2010

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2000

1999

El libro objeto de arte, La Vidriera, Maliaño Colección Norte, Biblioteca Central de Cantabria, Santander Madrid-Foto, Feria Internacional de Fotografía, Palacio de Deportes de la Comunidad de Madrid Intuiciones, Colección Caja Cantabria 2007-2010, CASYC, Santander Hot-Art, Basel, Suiza (Galería Nuble) Kaldarte XII, Caldas de Reis, Pontevedra ForoSur, Cáceres (Galería Nuble) Encapsulados (Proyecto de arte portátil Español), Berlín, Alemania Artes Plásticas 2008, Casas del Águila y la Parra, Santillana del Mar, Cantabria Photolatente, Centro Cultural Las Claras, Murcia Arte Santander 08, Galería Nuble, Santander Al-Harafish, nº 28 (Comisario), Ca Revolta, Valencia Consumidor@s, Parlamento de Cantabria, Santander La pintura y el cine, Cines Groucho, Santander III Muestra de Artes Plásticas “Artistas en la enseñanza”, Sala Universidad, Universidad de Cantabria, Santander La fiesta de los dobles de los Dobles, Arpasol, Santander Cuerpo a cuerpo, Centro de Arte La Regenta, Las Palmas de Gran Canaria Con billete de ida y vuelta, Arte Público Barrio del Carmen, Museo del Ferrocarril de Asturias, Gijón O.O.H. Observatorio Orbital de lo Humano, Jornadas Internacionales de Arte Electrónico y Prácticas Artísticas Contemporáneas, CCAI, Gijón Always Chapas, SIGN, Madrid On My Own, Arte Santander 2006, Cantabria Photolatente, Centro Nacional de Fotografía, Torrelavega, Cantabria Con billete de ida y vuelta, Arte Público Barrio del Carmen, Museo del Ferrocarril de Asturias, Gijón La Verbena de los Sentidos, Espacio C, Camargo, Cantabria Dieciséis Museos de Asturias, Dieciséis Miradas, Museo de Bellas Artes de Asturias, Oviedo Colección C, UIMP, Campus de Las Llamas, Santander Tiempo público, Espacio C, Camargo, Cantabria Inexteriores, “Entre la utopía y lo imposible” Arte Público Barrio del Carmen, Gijón, en colaboración con Antonio Díaz Grande XXXVI Certamen Nacional de Arte de Luarca, Ayuntamiento de Valdés e itinerancia Desde otro enfoque, AMUCCAM, Centro cultural Caja Cantabria, Santander e itinerancia Expressa-T, Paraninfo de la Universidad de Cantabria, Santander Concierto de acciones, Espacio C, Camargo, Santander Table, Southville Centre, Bristol, United Kingdom People by our side, Mail-Art-Photo-Projekt, Annaberg, Alemania A: Rastro, Muestra de Arte Público, Gijón Generación 2000, Cajamadrid, Madrid, Barcelona, Valencia A: Campar, Muestra de Arte público, Parque de San Lorenzo, Gijón Un oasien el desert blau, Espai 13, Fundació Joan Miró, Barcelona Cruces de la Tierra, Museo de Arte Contemporáneo, Santiago de Chile Fotomatón Internacional de Performances AIRE, Barcelona ARCO 99, Consejería de Educación, Cultura y Deportes del Principado de Asturias Utopías, Sala de Exposiciones del Canal de Isabel II, Madrid Fotonoviembre, V Bienal Internacional de Fotografía, Centro de Fotografía Isla de Tenerife

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10 x 10: Diez años de arte emergente en Asturias, Seleccionado con motivo de la conmemoración del décimo aniversario de la Sala Borrón, Consejería de Cultura, Oviedo Muestra Internacional de Libros de Artista, Contemporánea Centro de Arte, Granada La Vía de la Plata, «A: Península», Gijón ARTE + SUR, Galería La Cámara Oscura, Feria Internacional de Arte Contemporáneo, Granada Suche Arbeit - Brauche Zukunft, Museum der Arbeit, Hamburgo - Alemania e itinerante ¿Por qué no llegó el tren a Huéscar? UFCA, Algeciras Nous sommes tous des citoyens du Monde, La Maison du Grand Nord, Lompret, Francia Childhood Memory, Childrens Workshop, Hong Kong La sabiduría de la naturaleza, Muestra de Arte Postal, Burgos Café Español, Oviedo Artists self portraits, Krimpen aan den ljssel, Holanda Les Doigts de la main, College Jean Jaures, Lomme, Francia Playas, Museo Barjola, Gijón Progetto SIRENS. Centro Nazionale per le ricerche e la documentacione dell`anntropologia visiva, Briatico, Italia Outono Fotográfico, Orense El placer de leer, Biblioteca de Salamanca Caminos de Hierro, Fundación de los Ferrocarriles Españoles, Madrid e itinerancia Real Sociedad Fotográfica, Madrid Imágenes Jóvenes, salas de exposiciones del Ministerio de Cultura (MEAC), Madrid Tarazona foto a foto Festival internacional de la fotografía Tarazona, Zaragoza Travaux en cours Exterieurs, XXV Recontres Internacionales de la Photographie Arlés, Francia

PREMIOS, BECAS Y SUBVENCIONES 2003 2002 2000 1997 1995 1994 1993 1989

Motiva 03, Premio fotografía de reportaje Primer Premio IX Certamen Fotográfico El Placer de Leer, Salamanca Primer Premio “Concurso de Proyectos de Arte en los barrios de Gijón” Accésit IV Certamen Fotográfico El placer de leer, Salamanca Accésit en el III Certamen Internacional de Fotografía Ciudad de Oviedo Imágenes Jóvenes, Instituto de la Juventud, Madrid Beca para ampliación de estudios en el extranjero, Consejería de Educación, Cultura,Deportes y Juventud del Principado de Asturias Ayuda a la creación plástica. Consejería de Educación, Cultura, Deportes y Juventud del Principado de Asturias Primer Premio “Salón del Cómic Ciudad de Oviedo”, en colaboración con Antonio Acebal

PUBLICACIONES

Treinta y seis años sin tristeza, Galería Nuble, Santander, 2009 Al-Harafish, nº 24, 26, Las Palmas de Gran Canaria Clarín., nº 5, nº 12, nº 14, nº 16, nº 20, nº 35, nº 42, Oviedo Cuadernos de Oliver, Nº 17, Oviedo La Cámara Oscura, Edición Especial, Obra Gráfica nº 2, Granada La Cámara Oscura, nº 8 y 11, Granada La Media Vaca, nº 166, Valencia Los Cuadernos del Norte, nº 34, Oviedo Lúnula, nº 12, Gijón Obras, Colegio Oficial de Aparejadores y Arquitectos Técnicos del Principado de Asturias, Oviedo, 2003 Viático, Centro Cultural Cajastur, Gijón 1999 Always Chapas, Blur Ediciones, Madrid, 2006 Fotografías, nº 4, 6 y 12, Madrid OBRA EN Colección Norte, Gobierno de Cantabria Cajastur, Asturias Caja Cantabria, Santander Instituto de la Juventud (INJUVE), Madrid Consejería de Cultura, Gobierno del Principado de Asturias, Oviedo Ayuntamiento de Oviedo

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Ayuntamiento de Salamanca Museo del Pueblo de Asturias, Gijón Colección Espacio C, Camargo, Cantabria Colecciones particulares

MOISÉS MAHIQUES (Quatretonda, Valencia, 1976)

Licenciado en Bellas Artes, Facultad de Bellas Artes de San Carlos, Universidad Politécnica de Valencia EXPOSICIONES INDIVIDUALES 2010 2009 2006 2005

2004 2003 2002 2000

El Puente de la Visión 2010. Museo de Bellas Artes de Santander / Casas del Águila y la Parra de Santillana del Mar Sweet Illness, Sala Parpalló, Valencia y Galería Fernando Pradilla, Madrid Parenth sis, Sala CuidART, Hospital de Dénia, Alicante Tras-cabeza, Galería Luis Adelantado, Valencia Homoplastia, Espacio Cultural Engloba, Valencia Disaster Happening Location, Centre Municipal de Cultura La Mercè, Burriana, Castellón -plejía (intervención), Galeria Llucià Homs, Barcelona Papiroplejía, Galeria L’Algepsar, Castellón Representaciones de la parálisis, Casa de Cultura, Mislata, Valencia Confortables horizontales, Art Aldaia 2003, Sala Antiguo Ayuntamiento, Aldaia, Valencia Metamorphosis (performance-instalación), Suzuka International University, Suzuka, Mie (Japón) Individu col·lectiu, Centro de Cultura Manuel Sanchis Guarner, Ontinyent, Valencia

EXPOSICIONES COLECTIVAS 2010

2009

2008

2007

MACO, México DF (Stand Galería Fernando Pradilla) SP Art, São Paulo (Stand Galería Fernando Pradilla) Arte BA, Buenos Aires (Stand Galería Fernando Pradilla) Scope, Basel (Galería Fernando Pradilla) Lenguajes de papel, Galería El Museo, Bogotá (Colombia) Arte y Salud. Artistas de la colección DKV, MACUF, A Coruña Diez +: Arte contemporáneo español en los Premios ABC, Instituto Cervantes, Nueva York (itinerancia: Instituto Cervantes, Moscú; Instituto Cervantes, Varsovia) Arte Fiera, Bolonia (Stand Galería Luis Adelantado) Antes y ahora, Premio de Pintura Gestores 00-08, Centre del Carme, Valencia Fondo artístico CCM: dibujo, pintura y escultura, Museo López Villaseñor, Ciudad Real KIAF, Seul (Stand Galería Fernando Pradilla) Arco, Madrid (Stand Galería Luis Adelantado) ROMA, The Road to Contemporary Art, Roma (Stand Galería Luis Adelantado) FEMACO, México DF (Stand Galería Luis Adelantado) Uno más uno, multitud, Doméstico 08, Madrid Inventio. Becarios 2007/2008. Roma, Sala de exposiciones Real Academia de España, Roma (itinerancia: Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid) Spazi Aperti, 60 international artists, Accademia di Romania, Roma (Italia) Artificios sobre papel, El dibujo en el arte contemporáneo, Sala de exposiciones de la Parroquia de Ejea de los Caballeros, Zaragoza XXXV Premio Bancaja de Pintura, Escultura y Arte Digital, Sala de la Muralla, IVAM, Valencia La Colección de Artes Visuales del Magnífic Ajuntament de Burriana, Sala Palacio de Congresos, Peníscola, Castellón Arco, Madrid (Stand ABC y stand Galería Luis Adelantado) MACO, México DF (Stand Galería Luis Adelantado) SP Art, São Paulo (Stand Galería Luis Adelantado) ARTBO, Bogotá (Stand Galería Luis Adelantado) Generación 2007, Premios y Becas Caja Madrid, La Casa Encendida, Madrid Las fisuras del tiempo, Centro de las Artes, Sevilla Premis Ciutat de Palma Antoni Gelabert, Casal Solleric, Palma de Mallorca

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2006

2005

2004

2003 2000

Fantasías republicanas, Museo Etnolóxico, Ribadavia, Ourense 20 anys, 20 erasmus, Sala de exposiciones Universidad Politécnica, Valencia Premio Adaja, Espacio Cultural de Caja de Ávila, Palacio Los Serrano, Ávila Muestra de Arte Injuve 2005, Sala Amadís, Madrid Bienal Ciudad de Albacete, Museo Municipal, Albacete Certamen de Dibujo Gregorio Prieto, Museo de la Ciudad, Madrid (previa itinerancia durante 2005: Museo Fundación Gregorio Prieto, Valdepeñas, Ciudad Real) Arco, Madrid (Stand Galeria Llucià Homs) Premios Bancaja, Sala de la Muralla, IVAM, Centre Julio González, Valencia Valencia... in movimento, Villa Serena, Bolonia (Italia) Cupido o la ceguera del amor, Festival Visible, Espacio Guides, Madrid Premio Colegio Oficial de Gestores Administrativos de Valencia, Galería La Nave, Valencia Biennal de Valls, Premi Guasch-Coranty, Museu de Valls, Tarragona Premio Joven Universidad Complutense de Madrid, Centro Cultural Moncloa-Aravaca, Madrid Certamen Coll Alas, Sala municipal de exposiciones Coll Alas, Gandia, Valencia Convocatoria Internacional Jóvenes Artistas, Galería Luis Adelantado, Valencia Mostra Unión Fenosa, MACUF, A Coruña Certamen de Artes Plásticas Deputación de Ourense, Centro Cultural Deputación, Ourense Biennal d’Art, Premi Tapiró de Pintura, Museu d’Art Modern, Tarragona Biennal d’Escultura Vila de Mislata, Casa de Cultura, Mislata, Valencia Principis i propostes, onze formes de fer art, Fundació Caixa Carlet, Carlet, Valencia Otras miradas, otras propuestas, Sala Parpalló, Valencia Come Back III, Sala Parpalló, Valencia

BECAS Y PREMIOS 2008 2007

2006 2005

2004

Beca MAEC-AECID. Real Academia de España, Roma Beca Alfons Roig de la Diputación de Valencia Primer Premio de Dibujo Gregorio Prieto Mención de honor, Generación 2007, Premios y Becas de Arte Caja Madrid Tercer accésit, Premio ABC de Pintura y Fotografía Beca Colección CAM de Artes Plásticas Premio Engloba de Artes Plásticas Primer Premio, Certamen Nacional de Pintura Ciudad de Castellón Primer Premio, Certamen de Artes Plásticas Deputación de Ourense Mención de honor, Premio Joven de Artes Plásticas 2005, Universidad Complutense de Madrid Primer Premio, Certamen de Pintura Ciudad de Burriana

TILO SCHULZ (Leipzig, Alemania, 1972)

Vive y trabaja en Berlin, DE 2011 2009 2006 2003 2001

Stipendium der Villa Aurora, Los Angeles, US Kunstpreis der Stadt Nordhorn, DE Arbeitsstipendium der Kulturstiftung des Freistaates Sachsen, Leipzig, DE Forschungsstipendium des Friedrich-Kiesler-Zentrum und q21, Wien, AT Max-Pechstein-Preis, DE Reisestipendium des Ministeriums für Wissenschaft und Kultur Sachsen, Columbus, US 1999 IASPIS, Stockholm, SE 1996 Stipendium des ‘Pépinières européennes pour jeunes artistes’, Norwich, GB Projektstipendium des Kunstfonds e.V., Bonn, DE 1995 Stipendium der Leipziger Künstlerförderung, Leipzig, DE 1993 Deutscher Künstlerbund Preis, DE 2007+2005Gastdozent Zeppelin University, Friedrichshafen, DE 2003/04 Gastdozent Universität Witten/Herdecke, DE 2002/03 Gastdozent an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig, DE 2000-2004 Mitherausgeber und -gründer der Kulturzeitschrift <spector cut+paste>

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EXPOSICIONES INDIVIDUALES 2010 2009 2008

2007

2005 2004

2003

2002 2001

2000 1999 1998

1996 1995 1994 1992 1991

El Puente de la Visión 2010. Museo de Bellas Artes de Santander / Casas del Águila y la Parra de Santillana del Mar Steinle Contemporary, München, DE Tilo Schulz. Kunstpreis der Stadt Nordhorn, Städtische Galerie Nordhorn, DE Ghost Rider, ICA – Dunaújváros, HU Wiener Secession, Wien, AT I was shot in the back, Blackwood Gallery Toronto/Mississauga, CA Dogenhaus Galerie (mit Dimitrios Antonitsis), Leipzig, DE Schwarzbuch des Formalismus, Steinle Contemporary, München, DE CLASH-IFIED (mit Dimitrios Antonitsis), Remap, Ileana Tounta Project Space, Athens, GR FENSTERFETT (mit Sven Neygenfind), Galerie Hafen+Rand, Hamburg, DE Sweet Dreams, Magazin4/Bregenzer Kunstverein, Bregenz, AT Back Stage (In Memory of Julius and Ethel Rosenberg), Jan Winkelmann / Berlin, DE FORMSCHÖN, Galerie für Zeitgenössische Kunst Leipzig, DE (don‘t) look back in anger, Dogenhaus Galerie, Leipzig, DE a short film about..., Jan Winkelmann / Berlin, DE Kunstverein Ahlen (mit Roland Heinrich), KV Ahlen, DE Sondo in Berlin, Vertretung des Landes Niedersachsen, Berlin, DE Sondo, Ausstellung und permanentes Projekt, Springhornhof, Neuenkirchen, DE Niemandsland_Grenzgeschichten: chuck wagon_stage version, Blind Date, Kunstverein, Hannover, DE truckstop. extended version, Jan Winkelmann / Berlin, DE rebel inside (displaying Friedrich Kiesler), Kiesler-Display, q21, Wien, AT body of work: the ideal exhibition, category: advertising, Witten/Herdecke, DE recycling the surface, mini salon, München, DE The Return of Display, D.A.E., San Sebastian, ES Gefährliche Liebschaften, Kunstverein Langenhagen, DE wie macht man eine Gruppenausstellung, ohne jemanden einzuladen, Dogenhaus Galerie, Leipzig, DE wanted, Paula Böttcher Galerie, Berlin, DE reopening of Sture Johannesson, Y1, Stockholm, SE body of work: the ideal exhibition, category: poster, painting, announcement, Dogenhaus Galerie, Leipzig, DE body of work: the ideal exhibition, Refusalon, San Francisco, US Formenmalerei, Dogenhaus Galerie, Leipzig, DE Formenmalerei, Dogenhaus Galerie, Berlin, DE Formenmalerei, Dogenhaus Galerie, Berlin, DE Formenmalerei, Dogenhaus Galerie, Leipzig, DE Galerie Quadriga, Leipzig, DE Das Boot, Leipzig, DE

EXPOSICIONES COLECTIVAS 2010

2009

2008

2007

Museo de Bellas Artes de Santander, Santander, ES Celebration, Museum für Zeitgenössische Kunst Mazedonien, Athen, GR Einen Ort herstellen, Neuer Sächsischer Kunstverein, Dresden, DE Zeigen. Eine Audiotour durch Berlin, Temporäre Kunsthalle Berlin, DE Antirepresentationalism I+II, KOW, Berlin, DE New Omega Workshop, September, Berlin, DE 10 years Hydra School Project, Hydra, GR ConceptIOUS, Galerie Jette Rudolph, Berlin, DE Bewohnte Orte / Obydlená Místa, Bezirksgalerie Zlín, CZ The Leipzig Phenomenon, Mucsarnok I Kunsthalle, Budapest, HU KW–Hommage à Klaus Werner, Galerie für Zeitgenössische Kunst Leipzig, DE Bewohnte Orte / Obydlená Místa, Kunstverein Springhornhof, Neuenkirchen, DE “What a great space you have…(L.A.)”, Claremont Gallery, Los Angeles, US Overtake, Glucksman Gallery, Cork, IE die Präsenzproduzenten, Columbus Art Foundation, Ravensburg, DE KOPF ODER ZAHL, Kunstraum Noe, Wien, AT Made in Leipzig, Torgau, DE 50 Jahre documenta, Zendai MoMA Museum of Modern Art, Shanghai, CN Come-In, Viet Art Center, Hanoi, VN

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1998

1997 1996 1995 1994

ASPEN 11 (Part 1), Neue Alte Brücke, Frankfurt, DE POSTER, Hydra School Project, Hydra, GR Pferdeausstellung, ASPN, Leipzig, DE Ballkünstler, Museum der Bildenden Künste Leipzig, DE Made in Leipzig, Sammlung Essl, Klosterneuburg/Wien, AT 50 Jahre documenta, Tour & Taxis, Brüssel; DA2, Salamanca, E; Chongqing Art Museum, Chongqing, CN KLF part I, I-20 gallery, New York, US Come-In, Korea Institute for Design Promotion, Seoul, KR 51,3°/13,1°, Landesgartenschau Oschatz, DE 50 Jahre documenta, Fridericianum Kassel, DE Kunstverein Oschatz, DE Nur hier? III, Hochschule für Grafik und Buchkunst, Leipzig, DE Come-In, Museu Paco das Artes, Sao Paulo, BR Nur hier? II, Hochschule für Grafik und Buchkunst, Leipzig, DE Public Notice, Laumeier sculpture park, St.Louis, US o.T. (city IV), Galerie für Zeitgenössische Kunst, Leipzig, DE 21, Dogenhaus Galerie, Leipzig, DE We love amerika, Jan Winkelmann / Berlin, DE Museum der Bildenden Künste, Leipzig, DE Konsum, Zeppelin Universität und Kunstverein Friedrichshafen, DE Infra thin Projects, Book Works, Ikon Gallery, Birmingham, GB Der zweite Blick, Galerie für Zeitgenössische Kunst, Leipzig, DE Art Share Los Angeles and Atelier Zero, Los Angeles, US TARFEST, Los Angeles, US Repeat Performance, Artist Space, New York, US Come-In, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile, CL Public Notice, Art Omi International Arts Center, Ghent, NY, US Buckaroo Ballads-Männlichkeitsmythos und Cowboy-Alltag (mit Roland Heinrich), BodyBilder, Ut Connewitz, Leipzig, DE deutschemalereizweitausenddrei, Frankfurter Kunstverein, DE Keep on looking, Kunsthaus Dresden, DE Come-In, Chiang Mai University Museum, Chiang Mai, TH; Govett Brewster Art Gallery, New Plymouth, NZ Präsentation, Halle 14, Leipzig, DE Exotica, Kunstverein, Wolfsburg, DE Museutopia, Karl-Ernst-Osthaus-Museum, Hagen, DE Am Anfang der Bewegung stand ein Skandal, Lenbachhaus, München, DE Come-in, Zentrum für Zeitgenössische Kunst, Kiew, UA Tirana Biennale, Tirana, AL Max-Pechstein-Award, Museum, Zwickau, DE Frame of Reference, Satellite Space, University of Texas, San Antonio, US Bildwechsel, Freunde Aktueller Kunst, Zwickau/Gera, DE after the wall, Ludwig Museum Budapest- Museum of Contemporary Art, Budapest, HU; Hamburger Bahnhof, Berlin, DE [working title], Stanley Picker Gallery, Kingston, GB at your service, Klemens Gasser & Tanja Grunert, inc. New York, US at your service, Kunsthalle Exnergasse, Wien, AT inside out, Westfälischer Kunstverein, Münster, DE German open, Kunstmuseum Wolfsburg, Wolfsburg, DE after the wall, Moderna Museet, Stockholm, SE Collection 99, Galerie für Zeitgenössische Kunst, Leipzig, DE Kunstpreis der Böttcherstraße in Bremen, Bremen, DE Manifesta 2, Luxembourg, LU Junge Szene, Wiener Secession, Wien, AT ontom, Galerie für Zeitgenössische Kunst, Leipzig, DE Kunst in der Leipziger Messe, Leipzig, DE Dogenhaus Galerie, Leipzig, DE nach Weimar, Kunstsammlungen, Weimar, DE erworben, Dresdner Schloss, Dresden, DE Kum-River-Symposium, KR point of view, Leipzig, DE Raum, BWA, Wroclaw, PL Medienbiennale Leipzig, Leipzig, DE

147

1993 1992

abstrakt, Dresdner Schloss, Dresden, DE Farbtafelinstallation I, Leipzig, DE Farbtafelinstallation II, Köln, DE Farbtafelinstallation III, Leipzig, DE

KURATIERTE AUSSTELLUNGSPROJEKTE / CURATED EXHIBTIONS 2010

squatting – erinnern, vergessen, besetzen; mit Heike Kati Barath, Annika Eriksson, Carsten Fock, Franka Hörnschemeyer, Sven Johne, Šejla Kamerić, On Kawara, Thomas Locher, Antje Majewski, Olaf Nicolai, Anna Oppermann, Manfred Pernice, Bojan Šarčević, Michael Schmidt, Gitte Villesen, Simon Wachsmuth, Haegue Yang, Temporäre Kunsthalle Berlin, DE 2009 Raum.inhalt (I) – The big exploration; mit Frank Berger, Schirin Kretschmann, Antje Majewski, Fabian Marcaccio, Richard Allen Morris, Manfred Pernice, Platino, Freya Richter, Nikola Röthemeyer, Andreas Schulze, Albert Weis, im Tal – Stiftung Erwin und Ulla Wortelkamp, Hasselbach, DE Reduction&Suspense, Magazin 4, Bregenz, AT Allesdurchdringung – Hommage für Heinz Breloh, im Tal – Stiftung Erwin und Ulla Wortelkamp, Hasselbach, DE 2008 WOLLUST – the presence of absence, Columbus Art Foundation, Leipzig, DE ROSEBUD – eine Suche zwischen Leere und Opulenz, Kunstverein Langenhagen, Langenhagen/Hannover, DE 2005 Schöne Grüße aus Leipzig, Meisterhäuser des Bauhaus, Dessau, DE 2001 LocalMotion (mit Stefanie Sembill und Alexander Koch), eine Ausstellung über den Begriff des Lokalen, mit Frank Berger, Nathan Coley, Gitte Villesen, Galerie für Zeitgenössische Kunst, Leipzig, DE 1999 the real and the fake, ein Ausstellungsprojekt mit Nathan Coley, Dominique Gonzales-Foerster, Pierre Huyghe, Philippe Parreno, Kristof Kintera, Antonia Simmons, Moderna Museet Stockholm, SE 1997-2000 e.w.e. – exhibition without exhibition, ein Ausstellungsprojekt mit Jens Haaning, Sandra Hastenteufel, Nathan Coley, Plamen Dejanov & Swetlana Heger, Olaf Nicolai, u.a. in Dresden, Venedig, Luxembourg, Stockholm, Kopenhagen, Utrecht, London, Edinburgh, Ljubljana, ... 1996 Strukturen der Malerei, Leipzig, DE; eine Ausstellung mit Gunda Förster, Klaus Merkel, Adrian Schiess, Bernd Vossmerbäumer und ein Kolloquium u.a. Gunda Förster, Johannes Meinhardt, Jackson Pollock Bar Freiburg, Remy Zaugg PERMANENTE ARBEITEN / PERMANENT INSTALLATIONS 2009 2008 2006 2003 1998

Besucherzentrum, Bibliothek, Lounge, Halle14, Leipzig, D Super Chunk, Lounge+Multifunktionsdisplay, ZU Friedrichshafen, D VIP-Lounge, AOL-Arens/HSV-Stadion, Hamburg, D look back into the future, im Tal, Hasselbach/Westerwald, D public light_öffentliches licht (zusammen mit Kim Wortelkamp, quartier vier), Nikolaikirchhof (permanente Lichtinstallation), Leipzig, D Umbau und Neugestaltung des Restaurantes Palermo (zusammen mit Kim Wortelkamp quartier vier), Leipzig, D Gestaltung der Fachbuchhandlung für Kunst, Photographie, Architektur und Design „Flipper“, Leipzig, D

TV-PRODUKTION / TV PRODUCTION 2002

Kurzfilm Magazin „Fußball und Kunst“, Kurzschluß, arte

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Este catálogo se terminó de imprimir el día 29 de septiembre de 2010, festividad de San Miguel Arcángel, en los talleres de Gráficas Calima, S.A., de Santander