MIRADAS CONTEMPORÁNEAS
ENTRE EL CENTRO Y LA RUTA
FORMACIÓN, ARTES VISUALES Y SIMBOLIZACIÓN DESDE EL CONFÍN CONTINENTAL
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Es mi intensión con éste escrito poder inscribir en el discurso “letrado” algunas ideas que me rondan respecto a las características que denotan el desarrollo de una muestra de estudiantes avanzados del Profesorado de Artes Visuales del IPSA. Por cuanto estamos atravesando una situación muy particular pues, los mencionados estudiantes iniciaron su profesorado en una institución y, por decisiones, luchas y revisiones críticas, han generado un espacio “otro” de formación que es en el que están egresando. Hablo del IPSA y de la nueva relación que el mismo tiene con los espacios museísticos de la ciudad de Río Gallegos y del MAEM como espacio privilegiado al respecto. Pues, ha solido ser el lugar “per se” de las muestras finales. Pero por otro lado debemos también dar cuenta del surgimiento como posibilidad de la SALA FUTURA para que los Artiprofesores asimismo puedan optar y presentar sus producciones en dicho espacio. El cual, al ser un espacio de la comunidad; presenta la potencia de lo novedoso, siendo un emergente a fortalecer como doble espacio, tanto físico como simbólico; en el que el que las Artes Visuales Pedagogizadas pueden y deben desplegarse. Haciendo del mismo no solo un espacio de muestra y reflexión de lo público, sino (y esto marca un cariz nuevo); un espacio para disfrutar e inquirir las producciones artísticas que desde el IPSA se aportan a la localidad y región. ¿Qué se motoriza en mi condición docente ante la convocatoria? Me interesa poner de manifiesto el impacto que me ha generado el hecho de que hayan sido los estudiantes cuasi-colegas lo que me hayan convidado a realizar el trabajo de “curador de la muestra” con lo que ello implica para un docente ajeno (al parecer) al campo del Lenguaje Visual. Sin embargo, implica para mí poder asirme de unos elementos que me permitan ser un interlocutor válido para aquellos que se van a dedicar a la docencia en el campo de las Artes Visuales. Según Jaques Adorno, para poder comprender las características de los objetos o procesos, un buen camino de acceso es la etimología. Por ello, es que me permito ahondar en los detalles que hacen de mi rol un espacio novedoso para mi propia percepción de la función de Formación en un Profesorado en Artes Visuales. ¿Qué significa el término curador? El término proviene del latín, según el diccionario Latín – Español de Segura Munguía (2006), producido en la Universidad de Deusto; remite a la palabra Cür: ¿por qué? ¿Por qué causa, razón o motivo? Además, implica la noción de cuidado, diligencia, atención o solicitud. Entonces, la función de curador se enlaza con el cuidado ¿de qué? ¿De quiénes? ¿De mis estudiantes que están finalizando su formación esencial? ¿Del espacio representacional que implican los territorios definidos para las muestras? ¿De su propia y apropiada visión de lo que les significa exponer y recibirse? Éstas preguntas son algunas de las que me habitan en éstos momentos pues, no resulta sencillo correrme de la posición de saber ligado a la autoridad profesoral que me inviste y me separa de los nóveles docentes que están, en un pequeño acto de creación; dando un salto cualitativo en la configuración identitaria de su rol en las instituciones educativas. Porque, vale recordar, que si bien en los museos se presentan como artistas, en la muestra final están revisitando su rol de profesores “fuera del
espacio del aula”. Si bien las escuelas han nacido modernas y con vocación de aislamiento (Trilla; 1987), hacer una muestra para “recibirse” los pone nuevamente en una situación de “como sí” fueran artistas plástico-visuales ya que, aún están transitando el espacio de la formación docente con personas que emiten juicios sobre sus producciones, y éstas, al ser evaluadas; no pueden darse a conocer sin las miradas de otros que las evalúen. Vale la pena pensar que para ésta presentación les voy a pedir a los asistentes (colegas, estudiantes avanzados, estudiantes nóveles, personal de apoyo y público en general que tengamos una apertura al “miramiento” (Reinoso: 2018). Mirar con ojos de extranjero la obra y sus sentidos para así, significarla y reconstruirla teniendo una apertura a los impactos que nos generen su observación y/o intervención pues, son un producto que nace de una combinatoria muy compleja: •Las propias historias personales que se plasman en una obra que da cuenta del sentipensar de las personas que las produjeron. •Que hay una portación de las historias que llenan los espacios intermedios entre la obra y su artesano por donde se cuelan en el presente todos los personajes del pasado (amados, odiados o indiferentes) que se conjuran a decir “aquí estamos” a través de los productos que se ofrecen a los espacios expositivos. •Elementos que combinan colores, texturas, materiales y sobre todos significaciones diversas en pos de evidenciar lo aprendido a lo largo de la carrera. Así, con los tiempos que cada uno ha invertido para arribar a ésta instancia. •Evidenciar también aspectos de originalidad, que hagan notar destellos de “brillantes” en las obras expuestas y en su distribución espacial. Por nombrar solo algunas de las aristas que están en juego en la muestra, que por otro lado y con una importancia no menor, es también un espacio de aprendizaje, de visita y revisita de las técnicas aprendidas, de las combinatorias experienciadas, de advertir los alcances y límites de la propia y apropiada producción visual que se verán demandados de transmitir y recrear en instancias educativas próximas. También se suma a éste torbellino de eventos (que confiamos sean afortunados) el propio despliegue estético, que pone en tensión concepciones tan esquivas como las de belleza, utilidad, interpretación, proximidad, novedad, genialidad, repetición o cualquier otra que ponga en tensión el cobijo de la producción supervisada, donde intentamos como formadores advenirlos a un espacio amigable y de cobijo. Pero con el conocimiento de su transitividad (pasajeridad, si se me permite usar una palabra que infrecuente, un neologismo). Pasajeridad que los tiene como reales hacedores de sus historias y productores de lo nuevo, siempre recreado y en continuo movimiento. Quisiera que se miren en retrospectiva, y retransiten sus caminos con una perspectiva crítica, de sus producciones, de sus circuitos de creación, y de nosotros que nos cruzamos en sus historias. Confiando en que cuando realicen un balance, el mismo sea positivo. Pero no porque tienen más amigos, otras habilidades y conocimientos más o menos consolidados; sino porque se han atrevido a transitar un camino que les fuera impuesto y que ustedes, adultos; han puesto de sí la confianza en que lo que les brindábamos les puede servir para su vida, no solo su profesión. Muchos llegaron ya estando “letrados” en el lenguaje “visual”, sin embargo, se embarcaron en asirse de otro lenguaje que parecía ser muy distante (casi críptico) como es el “discurso pedagógico”. Y han demostrado que pueden y lo han hecho con altura. Miren si será raro lo que escribo, un Pedagogo que hace las veces de curador en la muestra final de sus estudiantes de profesorado. Ésta función me pone a pensar nuevamente en la cura, ¿de qué? De mis propios fantasmas respecto a los límites de mi profesión como enseñante. Ustedes me han llevado a transitar un espacio ajeno al de mi “círculo cálido”, me han sacado de lo escolar; para ser más exacto, han trastocado mi mundo escolar por el mundo de lenguaje Visual. Pero a decir de Elliot Eisner: ¿Qué es un profesor sino un creador que, a la manera de los artesanos; construye, sostiene, evalúa y modifica sus propuestas de cara a sus estudiantes y confiando que lo que les propone es bueno y necesario? Yo les agradezco el Honor de ser Curador de su Muestra, espero estar a la altura de sus expectativas.
Prof. Pedro Ignacio Cornejo Texto Crítico
Ciudad de Río Gallegos, Noviembre/diciembre de 2018
(Pico Truncado 1976) Actualmente reside en la ciudad de Río Gallegos, donde inicia su carrera artística tras haber estudiado en el Centro Polivalente de Arte Nº1. En sus obras expresa el sentido y el misterio del mundo que nos rodea, por medio de la irracional yuxtaposición de objetos en una atmósfera silenciosa que fluye. Enuncia con agudeza e ironía generando un espíritu de debate sobre lo simple, investiga las relaciones ambiguas entre palabras e imágenes y los objetos que éstas denotan. El mundo de Victoria posee lo inesperado, con un definido realismo pero a veces chocante, intenta provocar una intelectualizada pero siempre lírica irrealidad.
CANDIDUS | DEL ALMA El tema elegido gira en torno a la elevación del alma y se desarrolla a partir de la palabra “candidus” que independientemente de su significado y etimología, el término pretende reflejar aspectos personales en la inmaterialidad del objeto. Es un renacer, una elevación del cuerpo en la búsqueda incesante de restaurar lo oculto y abandonado. El vidrio se entremezcla con la calidez de la madera para generar un vínculo amable y sutil: pretenden ser anclajes a la tierra y canales de comunicación que unen criterios entre elementos naturales y artificiales. Los materiales hablan, se comunican en el espacio concreto, sostienen la estructura transparente del plano, contienen una imagen que se alza al vacío para elevarse en la consistencia de un todo.
FACES RIGOR MORTIS Representa las tres fases en el proceso de rigidez cadavérica: Faces de instauración,Face de estado y Face de resolución. Cada proceso gesta un signo reconocible de la muerte, un cambio químico en un organismo rígido e inflexible que deja al descubierto lo corpóreo. Membranas segregadas desgarran cada molécula encarnando el rigor y la fuerza con la que se desprende la vida. El simplismo de la composición refuerza su mensaje en los elementos, no existen personajes humanos, sólo vestigios que personifican la ausencia del mismo. La poética devela el “post mortis” del hombre, bestia salvaje y destructora que el universo vomita cuando a la tierra vuelve.
OXÍMORON | SOCIEDAD-SUCIEDAD Es una obra que se proyecta desde los materiales y se percibe en la experiencia a través de la composición de las formas. En la producción, los objetos se exhiben como esencia vital para el desarrollo de cada imagen. Los elementos se presentan en el espacio atravesando límites y estructuras que rompen la composición de la obra. La materia se fortalece con su permeabilidad, al presentarse como parte esencial de nuestro entorno; espacio que es capaz de definirnos pronunciando un mensaje de subsistencia e incitar humano. Oxímoron relata la inconsistencia del mundo que habitamos, imaginando cómo se percibe la realidad en el inconsciente colectivo de una sociedad. La producción contiene fragmentos repletos de significados que conducen al signo. Cada unidad autónoma se potencia en un todo sublime.
Nací, en Rio Gallegos, Provincia de Santa Cruz, por motivos laborales de mis padres, viví en diferentes lugares de la Argentina, a primera edad nos trasladamos a Apóstoles-Misiones, donde asiduamente, observaba el arte Guaraní-Jesuita, con el correr de los años, nos mudamos a Comodoro Rivadavia, volviendo a Rio Gallegos, lugar donde , estudie en el Centro Polivalente de arte, allá a lo lejos en la década del 90 del siglo pasado, lo que me abrió la puerta para hacer entre otras cosas, dos escenografías para Hugo Giménez Agüero en Cosquín, luego en una búsqueda viví en Neuquén, La Plata, y Córdoba Lugar donde estudie la Licenciatura de Cine y TV, trabajando en muchas producciones Audio Visuales, participando en exposiciones fotográficas como de Cine, siendo premiado en varias de ellas, para luego volver a mi ciudad natal, lugar donde resido el día de hoy, buscando generar obras y seguir aprendiendo todo lo posible sobre el arte.
LA BESTIA Autonomía, surge del griego: auto, "uno mismo", y nomos, "norma". El libre uso de la técnica sobe el material estético, por parte del artista, implica que este debe poner atención a los aspectos sensoriales del material, así como este es parte de la obra, en el momento en el que el artista la significa, “Autonomo Drip”, logra lo que el humano no, pero solo mediante la presencia física de público. Esto implica que la obra, es el público, más allá del material o del artista. Memoria Descriptiva LA BESTIA, es una instalación, que será realizada mediante el ensamblaje de varias partes electrónicas, como objetos referentes a la salud, las medidas de esta obra son variables ya que se puede adaptar a casi todos los lugares donde sea ensamblada. Se pretende lograr el movimiento automático de la obra, mediante motores, así como detectores de movimiento, los cuales permitirán la activación de estos.
ÚNETE Es una referencia a la propaganda de la Segunda Guerra Mundial. “Únete” transcurre en un futuro en el cual las guerras ganaron todo lo conocido. en donde solo hay héroes y villanos, y las situaciones cataclísmicas. Los invasores alienígenas, son los protagonistas, y son ellos quienes nos invitan a unirnos a sus luchas, y somos nosotros quienes debemos decidir quién ganará. La obra toma forma, en Afiches de 2 metros, los cuales serán realizados por repeticiones de matriz, surgiendo de dibujos hechos a Lápiz para luego ser digitalizados, y entintados mediante tecnología digital. Estos afiches, serán pegados en diferentes lugares de la ciudad, los cuales serán elegidos por sus ubicaciones estratégicas, para poder llegar visualmente a la mayor cantidad de espectadores. Sugerencia: Su montaje en sala, se resuelve colocado cada uno en un M.D.F. de 100mm de espesor, y colgados mediante tanzas metálicas.
Nació en Rio Gallegos, Provincia de Santa Cruz, Argentina, en 1995, donde continua residiendo. Terminó sus estudios secundarios en el Centro Polivalente de Arte. Realiza Arte Textil desde hace cuatro años. Actualmente, se encuentra cursando el Profesorado de Artes Visuales en IPSA - Instituto Provincial Superior en Arte -, eligiendo la especialidad de pintura, pero dispuesta a continuar aprendiendo y experimentando todo aquello que el arte pueda ofrecerle.
NATURAL Como resultado de estereotipos, de tener que ser parte de la sociedad, aceptado por la gente que nos rodea, que espera cosas de nosotros, nos olvidamos o dejamos de pensar en lo que nosotros realmente deseamos. Sería ideal tener un tiempo para nosotros mismos, poder detenernos y pensar en lo que queremos. Creo que tener una conexión con la naturaleza es importante porque es en ella donde se puede ver el desarrollo y la belleza sin intervención de nada ni nadie. Trabajo en mi proyecto, la figura humana como parte de la naturaleza porque ésta es producto de ella. Para sentir y encontrar paz debemos empezar por conocernos, encarar lo que nos apasiona, es la mejor manera en la que podamos ser nosotros mismos, aprovechar de nuestros errores y comprenderlos como oportunidades de aprendizajes. Esta intensión se concretara en varias pinturas en la cual presentaré esta relación entre el cuerpo y la naturaleza, los materiales que utilizaré serán acrílicos y telas. Mi intensión como artista es tener un intercambio con el espectador, que mi obra sea un canal para las conexiones, que él se sienta reflejado.
Nací en abril de 1979 en Capital Federal, Buenos Aires. Me crié en Misiones, Leandro Alem y San Javier, por los años 90 vine a vivir a Río Gallegos. Aquí estudié Profesorado de Música. Actualmente me encuentro cursando el cuarto año del Profesorado de Artes Visuales, con especialidad en pintura y me interesa principalmente trabajar con el arte povera.
ISA En la realización de mi proyecto de cátedra trabajaré con la imagen que represente la naturaleza, tratando de llevarla a cabo con una mirada aguda de diferentes elementos que constituyen el cuerpo. Para lo cual trabajaré con una paleta inusual que reflejen hechos relacionados tanto con la vida, como con la muerte.
SOMOS Habitualmente, al levantarnos, o durante distintos momentos del día, acostumbramos observarnos reiteradas veces en el espejo esperando ver nuestra imagen, como nos vemos, si estamos acicalados, bien peinados o simplemente observarnos. Ver que nos devuelve el espejo… Queremos ponernos frente al espejo, observarnos, pero éste, en esta oportunidad no nos da la imagen que esperamos, nos vemos a medias, con dificultad, quizás podremos ver una parcialidad de nuestro rostro, pero esa pequeña fracción está condicionada por una mancha grasosa que no deja vernos como acostumbramos, lo que nos produce rechazo de nosotros mismos. La obra busca generar cierta incomodidad.
Nací en el año 1983, en la provincia de San Salvador de Jujuy. En la actualidad resido en la provincia de Santa Cruz, en la ciudad de RÍo Gallegos. Estoy cursando el cuarto año del Profesorado de Artes Visuales, en el IPSA. He realizado cursos como “El juego es cosa seria: una mirada sobre la Educación Artística”, a cargo del profesor Juan José Mosca, dictado por el Museo de Arte Eduardo Minnicelli.
LA LUZ DE MIS OJOS Se encuentra inspirado en la mirada del niño, esto se debe a que mi maternidad a influido mucho en esta obra, ya que mis modelos favoritos son mis hijos, mi gran fuente de inspiración. Cada imagen de mi obra llegará a transmitir un clima familiar cotidiano, que cautivará al espectador, desde la simplicidad de cada una de las escenas. La estructura de este proyecto será una instalación colgante, con soportes en láminas de MDF de 100 x 80 cm, que se montarán colgados, formando un círculo. En el exterior del soporte de la estructura estará escrita una frase referida al tema de la obra presentada. Para poder apreciarla en su totalidad, el espectador deberá ingresar al interior de la estructura circular, desde donde podrá ver una secuencia de imágenes de niños, de distintas edades que se irán complementando unas con otras.
“…La Patagonia lo está viendo crecer, desde infante a joven artista con mucho para decir. Las Artes Visuales han sido su elección por vocación. En su andar Juan se detiene en la contemplación de la naturaleza, el pensamiento, el paisaje y la fauna, la ciudad y sus cielos, esos cielos patagónicos que conoce pero que aún le impactan. Su ruta se va abriendo más y más, como el cielo en primavera, a cada paso que da; y va creciendo en la madurez su obra, la que Juan esta horneando con la paciencia del que quiere convidar lo mejor de su arte…” Fragmento: Hojas de Ruta, por Azúcar(AR) Revista Viento a Favor N°3. Ed. Orquestador
QUILOMBO Imposible dejar de pensar Todo el tiempo conjeturas sobre la nada. Segundo a segundo. miles de palabras e imágenes sin sentido. Lleno de preguntas, la duda rascándote la cabeza. Sintiendo. Tenés todas las respuestas, y las obvias, preferís quedarte en la comodidad. Y la inestabilidad de no saber nada.
Coordinación: Bettina Muruzábal Área Patrimonial: Mariela González Área Educativa: Maira Márquez Susana Torres Mauricio García Ana Copto Comunicación y diseño: Natalia Andrea Bravo Administración y registro: Cristian Bahamonde Asistencia y mantenimiento: Carmen Arbe Susana Ces Mantenimiento eléctrico y montaje: Luis Barrionuevo Fotografías: Enrique Paleari Maria Marta Illuminati Pablo Cesar Godoy Alejandro Bonin - salas Musicalización: Creiciu Verdun Dj | Productor Absolut House Taller de producción en Artes Visuales Especialización en grabado y arte impreso a cargo de la Prof. Luisa Godoy Taller de producción en Artes Visuales Especialización en pintura a cargo de la Prof. Patricia Viel Taller de producción contemporánea A cargo de la Prof. Patricia Viel MUSEO DE ARTE EDUARDO MINNICELLI Maipú 13 - Río Gallegos - Santa Cruz - Argentina +54 2966 436323 | +54 2966 15573782 museominnicelli@gmail.com http://museominnicelli.santacruz.gov.ar/ https://www.facebook.com/MuseoMinnicelli/ https://www.instagram.com/museominnicelli/