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Editorial
2014
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Hola! en esta edicion como en cada mes, 8 mm te trae lo mejor del 7º arte para que disfrutes de la lectura de los mejores eventos y las mejores peliculas que esta bellaindustria nos ofrese. En esta edición te traemos sin duda una de las mejores eventos de cineamtografia del año la edicion numero 86 de los oscar. quenos sorprendio con grandes reconocimientos a lo mejor del cine y a sus protagonistas asi como la simpatia en laconduccion de Hellen DeGeneres quien nos mantubo con una sonrisa en la boca con cada ocurrencia suya, desde burlanrce del look de Lisa Minelly hasta compartir pizza con todos los invitados a la ceremonia. En este nuevo numero traemos cada detalle de las peliculas nominadas, los ganaderes, las predicciones del publico y por supuesto las recomendaciones y lo nuevo en cartelera para este mes. Sin mas dejo que tu lector entres por la alfonbra roja y disfrutes de los detalles de la 86 entrega del oscar en 8mm. !Buena suerte y felices Oscar¡
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INDICE
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LOS MAS TWITTEADOS
(INFOGRAFÍA)
6 OSCAR
LA HISTORIA DE LOS
13OSCAR
LAS NOMINADAS AL
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LOS GANADORES DE
LA ESTATUILLA
-PIDE AL TIEMPO QUE VUELVA -VIOLINES EN EL CIELO
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LA CARTELERA
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LA HISTORIA
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E
l 4 de mayo de 1927 unos 36 profesionales de la industria cinematográfica convocaron una reunión para crear la “Academy of Motion Picture Arts and Sciences” con el objetivo de “mejorar la calidad artística del cine, crear una plataforma común para las distintas ramas y oficios de la industria, fomentar la investigación técnica y el progreso cultural”. La acade-
mia posee ahora unos 6.500 miembros procedentes de áreas dramáticas, técnicas y administrativas de la industria cinematográfica. Sus miembros son escogidos entre los que satisfacen ciertos requisitos definidos por cada departamento correspondiente de la academia. Aunque los profesionales de otros países también pueden asociarse a ella, la academia siempre ha estado muy vinculada a la industria cinematográfica de los Estados Unidos. Anualmente la academia otorga premios al mérito: los Pre-
ceremonia todas las cintas seleccionadas eran mudas. Al año siguiente, el sonido inunda la entrega de los Oscar, por eso no es extraño que triunfara un musical como “Melodías de Broadway” de Harry Beaumont. La primera entrega de los Premios Oscar de la Academina se celebró el 16 de mayo de 1929 con un banquete en el salón Blossom del Hotel Hollywood Roosevelt de Los Angeles. A este acto acudieron 250 personas y fue la única ceremonia de la historia en la que no había medios de comunicación. Durante las 15 siguientes entregas los premios se entregaron en el transcurso de cenas organizadas en los hoteles más importantes de Los Angeles. En 1942 el escenario de la entrega se trasladó a salas de teatro debido al aumento de asistencia. Cedric Gibbons fue quien eligió el diseño de la estatuilla: un hombre desnudo posando con una espada y erguido sobre la bobina de una película con cinco pequeñas cavidades, cada una de ellas representando las secciones de las que se componía la Academia: ac-
“En 1930, el sonido inunda la entrega de los Oscar, donde triunfara un musical, “Melodías de Broadway” de Harry Beaumont” mios de la Academia. Una de las circunstancias que contribuyeron a que estos premios adquirieran más popularidad fue que nacieron en el transcurso del cine mudo al sonoro. Por ello, en la primera
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LA HISTORIA
tores, directores, escritores, técnicos y productores. El origen del sobrenombre “Oscar” no está claro, pero se dice que todo comenzó cuando Walt Disney, en la entrega de 1932-1933, lo bautizó así al recibirlo por “Los tres cerditos”. Hasta ese momento no era más que un apodo cariñoso atribuido a la bibliotecaria de la academia quien comentó “Se parece a mi tío Oscar”. Inicialmente, el material elegido para realizar la estatuilla era el bronce, sin embargo, se tuvo que sustituir por yeso durante la Segunda Guerra Mundial debido a la falta de materiales. Hoy en día está bañada en oro de 14 kilates que hace que la figura tenga un acabado más pulido. El famoso “Oscar” mide unas trece pulgadas y media (34,3 cm) y pesa cerca de nueve libras (4 kg). Su diseño no ha cambiado desde 1945, cuando se le realizó una modificación en el grosor del pedestal. A partir de 1949 estos galardones contienen un número de serie. Toda la academia participa en la votación de los premios. En la mayoría de las categorías de premios al “mejor”, los socios involucrados en ese campo concreto nominan un máximo de cinco candidatos. La academia al completo vota en secreto cuál será el ganador y los resultados se hacen públi-
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cos en una ceremonia formal cada primavera. Desde 1928 a 1929 se retransmitió una hora de la ceremonia por radio, de 1944 a 1969 se radió la ceremonia completa. Las transmisiones por televisión de la entrega de premios, que comenzaron en 1953, se han convertido en un acontecimiento popular con una audiencia mundial. La academia también apoya la investigación tecnológica, gestiona una biblioteca de material relacionado con la cinematografía y publica boletines con fichas de productores, actores, guionistas, directores y otros para su uso en oficinas de producción. La sede de la academia se encuentra en Beverly Hills, California, USA.
“Hoy en día está bañada en oro de 14 kilates que hace que la figura tenga un acabado más pulido”
Los mayores ganadores del premios Oscar de la historia
otros no tanto y en algunos casos quedan muchas personas disconformes. A lo largo de la historia de los premios de la Academia, muchos son los actores, actrices y directores que son recordados por ser los más ganadores gracias a su desempeño en las producciones en las que participaron. También existen películas que pasarán a la historia por la cantidad de estatuillas que recibieron.
Katharine Hepburn
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a actriz obtuvo la preciada estatuilla dorada en cuatro oportunidades. La primera de ellas fue como “Mejor actriz” en el año 1933 por la película “Gloria de un día”. El segundo premio Oscar como “Mejor actriz” lo recibió en el año 1967 por su actuación en “Adivina quién viene a cenar”. La tercera película por la cual se hizo acreedora al premio fue “El león de invierno” de 1968 y el último premio Oscar lo recibió por “En el estanque dorado” en 1981.
Por: María Lorena Peralta
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os premios Oscar siempre dejan mucho de qué hablar cada vez que concluye la ceremonia de premiación de cada año. Muchos están de acuerdo con los galardones entregados,
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LA HISTORIA
IngridL Bergman
-a actriz, oriunda de Nueva Jersey al igual que Ingrid Bergman, obtuvo 3 premios Oscar a lo largo de su carrera. El primero de ellos fue por “Actriz de reparto” en el año 1979 por su participación en “Kramer contra Kramer”. La segunda estatuilla la obtuvo como “Mejor actriz” en el año 1982 por “La decisión de Sophie”. El tercer galardón lo recibió por “La dama de hierro” en el año 2011.
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anó su primer premio Oscar como “Mejor actriz” en el año 1944 por su actuación en “La luz que agoniza”. Doce años después, volvería a ser premiada por su participación en el film “Anastasia”. En 1974, recibió su tercer y último premio Oscar como “Actriz de reparto” por “Asesinato en el Oriente Express”.
M e r y l Streep 10
después por “Kentucky”. El tercer y último Oscar lo ganó en el año 1940 por su participación en el film “Forastero”.
Jack Nicholson
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Walter Brennan
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anó el premio Oscar en tres oportunidades y en todas fue como “Mejor actor de reparto”. La primera estatuilla de la Academia la obtuvo en el año 1936 por la película “Rivales”. El segundo galardón lo recibió dos años
lo largo de su extensa carrera, el actor obtuvo tres premios Oscar. El primero de ellos fue en el año 1975 por la película “Alguien voló sobre el nido del cuco”. Como “Mejor actor de reparto” obtuvo un premio también en el año 1983 por su participación en el film “La fuerza del cariño”. Finalmente, en 1997, obtuvo otro Oscar como “Mejor actor” por la película “Mejor... imposible”.
John Ford
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s el más ganador entre los directores de cine, ya que tiene en su haber 4 estatuillas de la Academia. La primera de ellas la ganó en el año 1935 por la película “El delator”. En 1940 volvió a ganar un Oscar por “Las uvas de la ira”. Un año después fue distinguido nuevamente por “¡Qué verde era mi valle!”. El último premio Oscar lo recibió en 1952 por la película “The quiet man”.
Daniel Day-Lewis
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l igual que Walter Brennan y Jack Nicholson, ganó el premio Oscar en tres oportunidades. El primero de los galardones lo obtuvo en el año 1989 por “Mi pie izquierdo”. La segunda estatuilla la recibió en el 2007 por el film “Pozos de ambición”. El tercer y último premio hasta el momento lo obtuvo en 2012 por la película “Lincoln”.
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ยกy los nominados son...!
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LAS NOMINADAS
LAS MEJORES DEL AÑO Películas nominadas al oscar
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3 Oscar, entre ellas la de mejor película sin duda la gran ganadora, 9 nom, Mejor película, mejor director, mejor actor, mejor actor de reparto, mejor actriz de reparto, mejor guión adaptado, mejor montaje, mejor dirección artística y mejor diseño de vestuario.
¿De qué trata ‘12 años de esclavitud’? ¿De la situación legal y real de los esclavos en el sur de Estados Unidos en el siglo XIX? ¿Del racismo profundo en que se asentaba el sistema? ¿De los condicionantes económicos que demandaban mano de obra gratuita para las grandes plantaciones de caña de azúcar, madera o algodón para nutrir la gran revolución industrial que vivía el norte de un país que estaba a punto de convertirse en primera potencia mundial? Las interrogantes que deja la tercera película del británico Steve McQueen, tras ‘Shame’ y ‘Hunger’, ni son pocas ni se responden con sencillez. El director afirma que habla de la dignidad humana y del respeto. Es cierto, aunque parcialmente. Podría decirse también que su película es un tratado sobre la injusticia social, sus orígenes y consecuencias, con todos los prismas que se derivan. De la fe en el hombre en general y en uno mismo que decide defender hasta el último momento. Solomon Northup (Chiwetel Ejiofor) con su “sobreviviré y no caeré en la desesperación”. De la brutalidad que puede albergar la mente humana, como la del repulsivo Edwin Epps (Michael Fassbender), dueño de una plantación y que representa todas las contradicciones freudianas que rodearon el gran Holocausto de negros. De la asquerosa misericordia que destilan las dueñas de las plantaciones. Del derecho a la desespe-
ración más absoluta que padece la pobre Patsey (Lupita Nyong’ o, favoritísima en casi todas las quinielas a hacerse con el Oscar como actriz de reparto)... Con independencia de las interpretaciones que se puedan hacer de la película, el propio McQueen reconoce que el hecho de que un hombre negro ocupe la Casa Blanca ha disparado las opciones de dirigir películas relacionadas
con la época esclavista en los últimos años. Lo paradójico, a primera vista, es que un británico haya hecho el que puede considerarse como el gran filme de referencia en este asunto, por encima de ‘Amistad’, de Steven Spielberg. Aunque McQueen no ve contradicciones, ya que se observa a sí mismo como víctima de la diáspora africana que provocó el esclavismo, por encima de las actuales nacionalidades. ‘12 años de esclavitud’ cuenta con diferentes argumentos para perdurar, por encima de la temática. Quizá su principal virtud es recuperar una historia muy poco conocida (la de los negros secuestrados por esclavistas) y en la que el cine no había posado los ojos hasta ahora. Su reparto acierta en
los rostros más conocidos (Fassbender, Brad Pitt, Paul Giamatti...) y sorprende en los menos habituales de la gran pantalla, como el protagonista, Chiwetel Ejiofor, más centrado en su carrera en la televisión y el teatro, y Lupita Nyong’, mexicana de origen keniano, a pesar de que los Globos de Oro no fueron propicios para el reparto. Cada escena destila preciosismo e intensidad, es el resultado de un trabajo clásico y bien preparado, sin ahorrarse muestras naturalistas de violencia y tortura, como la feroz escena de los latigazos a una de las esclavas. Técnicamente es impecable, tal vez demasiado, en opinión de parte de la crítica, que la tilda de fría por momentos. Y la banda sonora, seleccionada por John Legend y compuesta por Hans Zimmer (Oscar por la banda sonora de ‘El Rey León’ en 1995 y habitual de las nominaciones en este apartado) traslada al espectador al pie de las plantaciones con ‘My Lord Sunshine’ y ‘Roll Jordan Roll’ y deja fluir los sentimientos en el tema principal, ‘Salomon’.
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LAS NOMINADAS
‘Gravity’: 7 Oscar, 10 nom. Mejor película, mejor dirección, mejor actriz, mejor dirección de fotografía, mejor montaje, mejor banda sonora original, mejor dirección artística, mejor mezcla de sonido, mejor dirección de sonido y mejores efectos especiales.
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‘Gravity’ es un deslumbrante viaje virtual a la órbita terrestre, una odisea en el espacio que -como 2001 en su día- recrea la experiencia de levitar en gravedad cero y permite contemplar la hipnótica belleza de la Tierra, vista desde ahí fuera, como nunca antes se había logrado en el cine. La película dirigida por Alfonso Cuarón zambulle al espectador en la vida cósmica con un hiperrealismo tan apabullante que hasta Buzz Aldrin, el segundo hombre que pisó la Luna tras Neil Armstrong, y Chris Hadfield, uno de los últimos comandantes de la Estación Espacial Internacional, han confesado su admiración por el filme. Aunque es verdad que sus guionistas -Cuarón y su hijo Jonásse tomaron ciertas licencias que restan verosimilitud a algunas escenas, la película muestra con toda su crudeza las consecuencias de un dramático accidente desencadenado por el exceso de basura espacial, una amenaza muy real para los astronautas que viven ahora mismo en órbita. La espeluznante lluvia de chatarra letal que padecen los personajes interpretados por Sandra Bullock y George Clooney produce un vértigo que muchos espectadores no olvidaremos jamás. Y toda esta aventura se
narra con un prodigioso diseño artístico que reproduce hasta el último detalle vehículos míticos que existen o existieron en realidad, como un ‘space shuttle’ de la NASA, el telescopio Hubble, una nave rusa Soyuz y la Estación Espacial Internacional. ‘Gravity’, por tanto, no es una película de ciencia ficción, sino un impactante ‘thriller’ realista que dramatiza los riesgos a los que se enfrentan los exploradores actuales del espacio. Incluso sus (pocos) detractores reconocen que Cuarón y su equipo técnico han alcanzado un nuevo hito en la generación de imágenes por ordenador en 3D, ya que prácticamente todo lo que se ve en la película (salvo los rostros y movimientos corporales de los actores) se fabricó con la magia digital de la informática. Sin embargo, toda esta parafernalia tecnológica serviría de poco si no estuviera al servicio de una gran historia humana con personajes creíbles de carne y hueso. En ‘Gravity’ esto se consigue con creces no sólo por la calidad del guión, sino por las magníficas interpretaciones tanto de Clooney, como sobre todo de Bullock, que a lo largo de toda la película conquistan la empatía del público durante su tempestuosa travesía cósmica.
pio Cuarón, el drama de los astronautas en la película puede interpretarse como una metáfora de las adversidades que afrontamos todos sobre la Tierra. Desde esta óptica, la escena más inolvidable del filme es sin duda el momento en el que la doctora Stone se queda desenganchada de su nave y flota sin remedio en el vacío del Cosmos, mientras se escuchan sus angustiosos jadeos de pánico en el interior de su casco. ‘Gravity’ retrata con admirable elocuencia la sed exploradora del ser humano y su eterna ambición de conquistar nuevas fronteras. Pero también nuestra inmensa capacidad para resistir ante los agujeros negros de la vida y no caer devorados por la fría oscuridad de la soledad, la desesperación y la muerte.
Además, como ha dicho el pro-
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LAS NOMINADAS
‘Her’: 1 Oscar, 5 nominaciones Mejor película, mejor guión original, mejor banda sonora original, mejor canción original y mejor dirección artística. “Siri, ¿quieres casarte conmigo?”. Esa voz paciente y reconfortante que responde a nuestras preguntas, tengan sentido o no, con programada calma, es el germen del nuevo sueño -húmedo y emotivo- de Spike Jonze. ‘Her’ es, ni más ni menos, que la bella historia de amor entre un hombre y un sistema operativo. Como en los trabajos anteriores firmados junto a Charlie Kauf-
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man -’Cómo ser John Malkovich’ (1999) y ‘Adaptation’ (2002)-, Jonze vuelve a centrar su mirada en un personaje con problemas relacionales y dispuesto a dejarse llevar por el devenir de los acontecimientos. De ‘Donde vienen los monstruos’, aquel entrañable cuento para adultos basado en el libro de Maurice Sendak, es reconocible su cálida atmósfera y el tacto con el
que dibuja a los personajes. Por último, la intensa carga emocional de la cinta se ve interrumpida por momentos de humor en el que aparece el Jonze más gamberro (el de ‘Jackass’ y los videoclips de raperos). Sin embargo, esta es la primera vez que Jonze se atreve con el guión de un largometraje en solitario, un trabajo que le ha
supuesto el Oscar, un Globo de Oro y un Critics’ Choice. El gran logro de Jonze consiste en hacer creíble y liberar de prejuicios una posibilidad no tan remota para una civilización que camina hacia la alienación definitiva, ‘smartphone’ en mano. El Romeo de esta improbable historia de amor está interpretado por Joaquin Phoenix. El director ha reconocido que no escribió el guión pensando en nadie en particular, pero que tras su primera entrevista con Phoenix tuvo claro que debía ser él quien interpretase a Theodore, una especie de escritor de aires ‘nerd’ que se siente desconectado del mundo.
Jonze se dio cuenta de que aquello no funcionaba durante las tareas de posproducción. “Cuando empezamos a editar, nos dimos cuenta de que lo que el personaje y la película necesitaban era diferente de lo que Samantha y yo habíamos creado juntos”, ha repetido Jonze.
Una tarea nada sencilla teniendo en cuenta que, durante los 126 minutos que dura la película, Phoenix tiene que aguantar la mirada persistente de la cámara ya que, en la mayoría de ocasiones, su interlocutor carece de representación física. La entereza y empatía transmitida por Phoenix -uno de los grandes olvidados en esta edición- le valió la nominación a la mejor interpretación masculina en los Globos de Oro.
La banda sonora, que optaba a la estatuilla, ha sido compuesta ‘ex profeso’ por el grupo canadiense Arcade Fire. De esta forma se cierra el círculo: en 2011 Jonze dirigió ‘Scenes from the suburbs’, un corto basado en el disco que la banda había sacado el año anterior. Para esta nueva colaboración, el director quería que la música “no fuera electrónica pero sí que tuviera electricidad en ella”. El resultado son
Así fue cómo Johansson entró en escena, un trabajo que ha sido reconocido con el premio a la Mejor Actriz en el Festival de Cine de Roma y que avala que sus ‘dotes’ interpretativas van más allá de su físico. Roonie Mara y Amy Adams completan el plantel femenino de la película.
13 ‘tracks’ en los que se mezclan sonidos modernos con otros más clásicos y que dan el empaque perfecto a la acción que se desarrolla en un futuro añejo. Estos no incluyen ‘The Moon Song’, nominada como mejor canción original, entonada por Samantha y escrita por el propio Jonze en colaboración con Karen O, vocalista de los Yeah Yeah Yeahs. Juntando todos estos elementos, Jonze consigue que lo que al principio de la película resulta incómodo para el espectador vaya evolucionando hasta convertirse en una gran “¿y por qué no?”. Al fin y al cabo, ¿no hemos sido todos programados de alguna manera para sentirnos de la forma en que lo hacemos?
Su Julieta conjuga las dudas existenciales del androide Roy Batty, las aspiraciones de HAL y el sentimentalismo del hombre bicentenario. Samantha, Siri para los amigos, toma prestada la voz ligeramente afónica y rotundamente sensual de Scarlett Johansson. En este caso, el director no lo tuvo tan claro. La actriz Samantha Morton (‘In America’, 2002) fue su primera opción, de hecho, fue ella quien le que dio la réplica a Phoenix durante todo el rodaje. Pero
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LAS NOMINADAS
‘Dallas Buyers Club’: 3 Oscar, 6 nom. Mejor película, mejor actor, mejor actor de reparto, mejor guión original, mejor montaje y mejor maquillaje.
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De salida, no saldrá colocada entre las favoritas para acaparar titulares como obra en su conjunto, pero puede que sea una de esas que el público retenga de forma permanente en la memoria entre las nominadas. Cada año se cuela entre las candidaturas un filme que sujeta casi en su totalidad la actuación de uno o dos individuos, en ésta es el caso Matthew McConaughey y Jared Leto, claros favoritos para llevarse los Oscar como mejor actor y mejor secundario por su trabajo en 'Dallas Buyers Club'. Y eso pesa mucho. Durante meses se habló de los numerosos kilos que se tuvo que sacudir de encima el actor texano para encarnar a un enfermo de sida, y ahora, en la recta final hacia la ceremonia del 2 de marzo en el Dolby Theater, la conversación sigue más viva que nunca. McConaughey ha generado más reportajes que ningún otro colega de profesión en los últimos meses por su conversión en el medio, pasando de papeles endebles y comerciales a sólidas actuaciones como la que ha firmado a las órdenes de Jean Marc-Vallée. McConaughey se mete en la piel de Ron Woodroof, un vaquero homófobo y drogadicto que es diagnosticado con sida por tener relaciones sexuales sin protección. Para salir adelante, comienza a introducir medicamentos de contrabando en Texas bajo el radar de la Administración de Alimentos
y Medicamentos de Estados Un dos, lo que crea un efecto en cadena entre otros pacientes de sida, interesados en probar esas sustancias y creando el llamado Dallas Buyers Club, un club de compradores apoyado en la doctora Eve Saks (interpretada por
Jennifer Garner) y en un paciente transgénero, el papel que le ha abierto las opciones de Oscar a Leto. Tiene además el aliciente de ser una cinta basada en una historia real, la de un Ron Woodroof que fue el centro de un extenso reportaje por parte del ‘The Dallas Morning News’ y que un mes antes de su muerte supo que se haría una película basada en sus vivencias. Aquello sucedió en octubre de 1992, con Craig Borten ya trabajando en el guión. Curioso resulta el hecho de que antes de McConaughey se le hubiera ofrecido el papel a Brad Pitt primero, y a Ryan Gosling des-
pués. Finalmente fue el texano el seleccionado, dispuesto a bajar 23 kilos de peso para el papel y a rodar en muy poco tiempo. El actor explicó que fue una película diferente por haberla sacado adelante en 25 días, frente a una sola cámara y con tomas mucho más largas de lo habitual. Le ha valido un Oscar.
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LAS NOMINADAS
‘EL LOBO DE WALL STREET’: CINCO NOM. A LOS OSCAR MEJOR PELÍCULA, MEJOR DIRECCIÓN, MEJOR ACTOR, MEJOR ACTOR DE REPARTO Y MEJOR GUIÓN ORIGINAL.
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Adicción a las drogas. Adicción a las putas. Y sobre todo, adicción al dinero. Scorsese y DiCaprio se cuelan en el Wall Street de los 90 y muestran una bacanal diaria protagonizada por delincuentes de cuello blanco. Con poco margen para la sutilidad y menos para la imaginación, la historia real del insaciable ‘broker’ Jordan Belfort es un reflejo de la miseria humana vestida de Armani. Eso sí, debates éticos y morales, tras los créditos. Excesiva y muy directa. Así es la quinta cinta de esta pareja de hecho -’Gangs of New York’ (2002) los unió gracias al buen ojo de Robert de Niro y no hay manera de separarles-. Como prueba, he aquí la presentación del protagonista: “Me llamo Jordan Belfort. El año que cumplí los 26 gané 49 millones de dólares y eso me cabreó porque sólo por tres no llegué al millón a la semana”. Sólo han pasado unos minutos desde el inicio del filme y al espectador le quedan pocas dudas de a qué se enfrenta. Basada en la autobiografía de Belfort, son casi tres horas sin lugar para principios ni remordimientos. Relata sus inicios, su aprendizaje y la caída de su primer día como corredor de bolsa, el llamado Lunes Negro. Sin sobresaltos, tenía la clave: “Aquí de lo que se trata es de mover el dinero del bolsillo del cliente al tuyo”, consejo de un enorme Matthew McConaughey -a pesar de sus apenas cinco minutos de actuación-. Porque en este filme todo es dinero, mucho dinero. Cuanto más, mejor. Fortuna en mano, el nivel de excesos sólo fue ‘in crescendo’. Desde su dieta diaria a base de drogas hasta sus salvajes fies-
tas, incluidas las celebradas en su empresa, Stratton Oakmont, donde llegó a prohibir el sexo en los baños. De hecho, estas habituales ‘celebraciones’ provocaron la censura de varias escenas en algunos países, entre ellos Emiratos Árabes, India, Malasia y Nepal. Como apunte: es la película de la Historia donde más se repite la palabra “fuck”: 569. Reclamaciones a Terence Winter (‘Los Soprano’), guionista del filme. A destacar, el trabajo de Jonah Hill (Danny Porush), junto a DiCaprio durante todo el filme. La admiración de este actor hacia Scorsese era tal que aceptó reducir al mínimo su salario -unos 47.700 euros- para poder trabajar con él. Y la recompensa no sólo ha sido estar bajo su batuta, ahora opta al Oscar por esta actuación.
Pero después del ‘colocón’, llega el bajón. Aparece en escena el FBI, de la mano de Kyle Chandler -con quien Dicaprio comparte una de las mejores escenas- y acaba con la suerte del exitoso
Sólo han pasado unos minutos desde el inicio del filme y al espectador le quedan pocas dudas de a qué se enfrenta. corredor de bolsa. La cinta, que pasa muy por encima de su estancia en prisión (22 meses), no cede espacio alguna a las víctimas, a las que tuvo que compensar económicamente. Belfort, quien ha ayudado a un
sublime DiCaprio a preparar un personaje que por fin puede otorgarle la preciada estatuilla, aparece en la última escena del filme presentándose a sí mismo antes de dar una conferencia.
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LAS NOMINADAS
‘Nebraska’: Seis nominaciones a los Oscar Mejor película, mejor director, mejor actor, mejor actriz de reparto, mejor dirección de fotografía y mejor guión original. 24
“Hacer un filme es un acto insconciente”. Son las palabras del director Alexander Payne, creador de ‘Nebraska’. Una frase escurridiza... como su nominada obra (candidata a seis premios Oscar y a cinco Globos de Oro) en la que juega con una constante y graciosa amargura. Rodada en blanco y negro y sin grandes estrellas hollywoodienses, ‘Nebraska’ se ha colado entre las favoritas a los Oscar y no le faltan razones. Un viaje por la Norteamérica profunda entre dos aguas, una mezcla de comedia y drama familiar, donde Payne -’Los descencientes’ (2011) o ‘Entre copas’ (2004)vuelve a introducir al espectador en la historia y los sentimientos de los personajes desde el primer fotograma. Woody Grant (Bruce Dern), un hombre ya mayor, de apariencia senil (sólo de apariencia) y alcohólico recibe una carta en la que se le hace valedor de un premio de un millón de dólares que debe recoger en la ciudad de Licoln, Nebraska. Pese a la oposición de casi toda la familia, su mujer le quiere ingresar en un asilo y su hijo ma-
yor sabe que es todo un engaño, encontrará en el menor de sus hijos, David (Will Forte), el escudero que le acompañara por los 1.100 kilómetros que le separan de su presunto sueño: una huida de su monotonía y su realidad. Un viaje donde quedan bien reflejadas las miserias y recuerdos de una familia y, en especial, la mala relación de un padre con su hijo. Un viaje donde Payne y el gran elenco de actores convierten sus frustraciones, conversaciones, sensaciones y miedos en una parte del espectador, como si dijeras ‘eso lo he vivido yo’. Pero Nebraska no es sólo un reflejo de las filias y fobias en las relaciones paternofiliales. ‘Nebraska’ es una especie de ‘road movie’, como ya hiciera Payne con ‘Entre Copas’, donde además de las miserias de Woody y David también se puede ver las de una sociedad decadente y de un capitalismo dañino y cancerígeno que pudre todo lo que toca.
desencadenado’ 2012), nominado al Oscar como mejor actor -es la segunda nominación después de 36 años y tampoco se ha llevado el Oscar-. Bruce o Woody llevan todo el peso de la que probablemente sea la obra más personal de Payne. “No había hecho nada como Nebraska desde que trabajé con Hitchcock. Cada día estaba emocionado cuando iba a trabajar. Pensaba que podíamos estar haciendo algo que nadie había hecho antes”, aseguraba Dern en una entrevista. Era uno de los favoritos. Como fue el favorito de Payne en el año 2002 cuando leyó por primera vez el guión y el que, pese a las presiones (la productora quería a una estrella más conocida), se quedó con el papel, que probablemente confirme el ‘actorazo’ que es. Y no tendrá que recorrer 1.000 kilómetros.
Un filme en el que merecemención aparte Bruce Dern (‘Django
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LAS NOMINADAS
‘philomena’: cuatro nominaciones a los oscar mejor película, mejor actriz, mejor guión adaptado y mejor banda sonora original. 26
Web del ‘Guardian’ y una historia de las que llegan dentro. El actor Steve Coogam, un intérprete cómico muy conocido en Reino Unido por su papel televisivo y radiofónico de Alan Gordon Partridge, se topó con un reportaje escrito por el periodista Martin Sixmith. El relato le dio la película que protagoniza, de la que ha coescrito el guión y que produce, a las órdenes del director Stephen Frears. Y con la buena compañía de Judi Dench: nada de Isabel I ni la M de James Bond. Dench es una enfermera jubilada, irlandesa y adicta a las novelas románticas de quiosco. Sixmith, antiguo corresponsal de la BBC en Washington y Moscú y ex ‘spin doctor’ de Tony Blair, relataba en aquel artículo la búsqueda durante 50 años de Philomena Lee para encontrar a su hijo Anthony. Philomena se quedó embarazada soltera, con 18 años, y su familia la ingresó en un convento para que las monjas se hicieran cargo de ella y de la criatura. El niño fue vendido por 1.000 libras a una pareja adinerada de Misuri (EEUU) cuando tenía tres
años y Philomena nunca supo de él, ni habló a los suyos de su existencia. Había firmado un documento en el que, aseguraba, jamás trataría de acercarse al pequeño ni de saber su destino. La hija de Philomena Lee se encontró por casualidad con Sixmith, le dijeron que era periodista y le contó lo que hacía sólo unos días su madre le había revelado: que tenía un hermano y que, cada día, había pensado en él. Sixmith, acostumbrado a la alta política y a los hornos gubernamentales, mira el asunto con condescencencia. Él, antigua estrella de la BBC, investigando una historia de interés humano de las que nutren de lágrimas los programas televisivos, que nunca alguien de su prestigio confesaría ver. Madre soltera, búsqueda infructuosa del pasado, Iglesia Católica, pecados inconfesables que hacen que una familia diga que su hija está muerta, trabajos forzados en la Irlanda de los años 50... El periodista, que no tenía nada mejor que hacer, se desquitó de prejuicios y se vistió con el traje
de reportero y, tirando del hilo, descubrió un caso contrastado del comercio de niños que se llevó a cabo en Irlanda desde el fin de la Segunda Guerra Mundial hasta los primeros 70. Y que Anthony, el hijo de Philomena, era Michael Hess, uno de los abogados del Partido Republicano, que había estado a las órdenes de Reagan y de los dos Bush, y que había ocultado durante años a sus superiores su condición de homosexual. Hess falleció de sida en 1995 y había buscado a su verdadera madre. La película, que ha servido a Steve Coogam para desquitarse de su eterna condición de tipo gracioso, provocó la polémica cuando fue tachada de anticatólica en una crítica del diario estadounidense ‘New York Post’. La verdadera Philomena se sintió ofendida porque ella perdonó y se considera una ferviente cristiana. Precisamente, el actor y Philomena tuvieron este febrero una audiencia con el papa Francisco que fue para ella toda una catarsis. Tras el encuentro, Philomena aseguró: “Como la película retrata, siempre he mantenido mi fe en la Iglesia. Ahora espero que el Papa se una a mi lucha para ayudar a las miles de madres e hijos que necesitan saber la verdad de sus historias”. No pudo conocer a su hijo, pero esa es su nueva misión, a la que ha llamado ‘The Philomena project’: ayudar a reencontrarse a otras familias que pasaron por lo mismo.
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LAS NOMINADAS
SEIS NOMINACIONES A LOS OSCAR MEJOR PELÍCULA, MEJOR ACTOR DE REPARTO, MEJOR GUIÓN ADAPTADO, MEJOR MONTAJE, MEJOR MEZCLA DE SONIDO Y MEJOR EDICIÓN DE SONIDO.
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“Mírame a los ojos. Ahora yo soy el Capitán”. Cuando Paul Greengrass escuchó esta frase, lo supo: Iba a salir bien. Hablaba Barkhad Abdi (Muse, en el filme) y acababa de secuestrar el Maersk Alabama. El cineasta pone la mirada en la piratería del siglo XX -que poco tiene que ver con Johnny Depp- y se adentra en el mar para grabar el primer secuestro de un barco norteamericano en doscientos años. ‘Capitán Phillips’ refleja el choque entre dos mundos, entre ‘ellos’ y ‘nosotros’, donde no queda claro quiénes son los buenos y quiénes los malos. El director de ‘United 93’ recae en otro secuestro y en otra historia real, esta vez bajo el mando de un formidable Tom Hanks, al que los académicos se han resistido. Distinto ha sido el caso del otro capitán de la cinta: el somalí Barkhad Abdi opta a la estatuilla a mejor actor secundario. Tiene 28 años y con 14 emigró a Estados Unidos huyendo de la guerra civil de su país. Aficionado al cine, tuvo que pasar un casting de 700 personas antes de que el director llamara a su puerta. Mientras espera el Oscar, presume de un Bafta que arrebató a Bradley Cooper, Matt Damon y Michael Fassbender. Con un guión de Billy Ray, la primera escena de ‘Capitán Phillips’ -donde aparece Tom Hanks junto Catherine Ann Keen, su mujer en la película-, humaniza la historia, pero poco tiene que ver con la tensión claustrofóbica que se apodera del espectador una vez sube al barco. Fueron 60 días en mar abierto, imprescindible para el filme aunque “tortuoso”, en palabras de Greengrass. Había que acercarse lo máximo posible a la
realidad de aquellos días y para ello, hubo que rodar el 75% de la cinta en un navío en funcionamiento. Esto no sólo supone estar pendiente del tiempo y del estado del mar, la coordinación del equipo de producción: actores, maquilladores, cámaras, encargados de vestuario... en innumerables embarcaciones convirtió el rodaje en un dolor de cabeza constante. Inestimable la ayuda del capitán del Maersk Alexander -carguero en el que grabaron- y de los 22 miembros de su equipo que les guiaron en este viaje.
A pesar de la dureza, no hubo tiempo para lamentos. EEUU, Malta y Marruecos fueron los escenarios donde se grabó este relato de supervivencia sobre aquellos tres días de cautiverio y el dramático rescate frente a las costas de Somalia. Entre los ‘trucos’ del director para dotar de realismo a la película estuvo el evitar que tripulación y asaltantes se conocieran antes de su primera escena juntos. Hanks confesó que vio
a Abdi frente a frente por primera vez -antes le había divisado a través de sus prismáticos cuando éste les perseguía- en el momento que grabaron el asalto al puente de mando. “Y funcionó”, ha reconocido el actor. Minutos después, Barkhad le confesaba que no podía creer haber rodado “con el tío de ‘Forrest Gump’”.
Greengrass no entra en los porqués de los piratas, tampoco contextualiza la situación, pero los gestos, miradas, incluso algunas frases, acercan a los secuestradores al espectador haciéndole pensar. “Tiene que haber otra salida que no sea secuestrar personas”, cuestiona Hanks a su secuestrador. “Puede que en América, puede que en América”, responde.
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LAS NOMINADAS
10 nom. a los oscar mejor película, mejor director, mejor actor, mejor actriz, mejor actor de reparto, mejor actriz de reparto, mejor guión original, mejor montaje, mejor dirección artística y mejor diseño de vestuario. 30
E
n los primeros minutos de ‘La gran estafa americana’, Irving Rosenfeld, el personaje interpretado por Christian Bale, se esculpe literalmente el peinado para ocultar una calvicie imposible de esconder. Irving agarra un mechón largo, lo coloca al lado opuesto, lo une a un postizo, lo embadurna de laca y se mira al espejo completamente convencido de acaba de hacer un gran trabajo. Su vida es tan falsa como el peinado, tan desastrosa como el resultado de sus esfuerzos y tan sucia como lo es su aspecto. Rosenfeld es un estafador de poca monta, cómplice y amante de la bella Sydney (Amy Adams) y esposo de la lunática Rosalyn (Jennifer Lawrence) con el gran problema de verse embarcado por un ambicioso agente del FBI (Bradley Cooper) en un caso de investigación de corrupción generalizada, ocurrido a finales de la década de los 70, que fue bautizado como Abscam y en el que estuvieron envueltos un gran número de políticos, locales y nacionales, con estrechas relaciones con la Mafia. La película firmada por David O. Russell se inspira levemente en aquellos acontecimientos (lo de levemente lo advierte el director ya en los créditos iniciales) y
está llena de peligros, esbirros con el dedo fijo en el gatillo y un ambiente denso que huele a dosis estratosféricas de naftalina, ese aroma rancio que desprende un armario que lleva décadas cerrado con llave. Russell, como ya hiciera en ‘El lado bueno de las cosas’ o en ‘El luchador’, se apoya en la estupenda interpretación de sus actores. Basta ver las candidaturas a las que aspiraba el equipo que, por cierto, ha coincidido
ya varias veces con el director y en los que éste pensó mientras escribía el guión. En esta ocasión se mete con ellos de lleno en un filme que recuerda el cine más clásico de Scorsese. Es ese ambiente, son ese tipo de personajes, pero los individuos que llenan ‘La gran estafa americana’ están dotados de los desequilibrios emocionales que marcan el último cine del director de ‘Tres reyes’.
de su encanto, a pesar de su desagradable presencia, que se aleja mucho de su atormentado y elegante Batman. Amy Adams deja las princesas de cabellera larga para convertirse en el colmo de lo sexy, de la inteligencia y de los escotes; de luchadora que no tiene lo que se merece ni a quien debería tener. Cooper, el agente Richie DiMaso, en un presumido y aspirante galán con más ínfulas que virtudes; y Lawrence es la supuestamente ingenua y realmente manipuladora mujer, que termina desencadenando los acontecimientos. La película son ellos y ellos son los que consiguen que la historia no se haga tan larga y lenta como amenaza por momentos. Ellos y la música que acompaña el metraje. Como a la protagonista pelirroja, Duke Ellington y su ‘Jeep’s Blues’ (súmese Bee Gees, Ella Fiztgerald o Paul McCartney y el ‘Live and let die’ de los Wings) también nos salva en varias ocasiones.
Bale se traviste (nunca mejor dicho) en un hombre incapaz de cerrar puertas y convencido
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and
goes to!
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¡Y EL OSCAR ES PARA...!
LOS GANADORES
La 86ª entrega de los Premios Oscar tuvo lugar en la noche del domingo, en el Dolby Theater de Hollywood. El premio a Mejor película fue para 12 Years a Slave, protagonizada por Chiwetel Ejiofor. La gran perdedora de la noche fue American Hustle; aunque recibió 10 nominaciones, no se llevó ninguna estatuilla. La ceremonia contó con la conducción de Ellen DeGeneres, quien a lo largo de la noche batió el récord de la foto más retuiteada, repartió pizza, se disfrazó de la bruja Glinda de The Wizard of Oz y deleitó a los invitados con chistes y comentarios muy a su estilo.
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MEJOR DIRECCIÓN
El cineasta capitalino de 52 años se impuso a sus contrincantes en ese rubro, tales como Martin Scorsese (The Wolf Of Wall Street), David O. Russell (American Hustle), Alexander Payne (Nebraska) y el que fuera su mayor oponente, segundo favorito de los nominados, el británico Steve McQueen (12 Years A Slave).
MEJOR ACTOR El actor Matthew McConaughey se quedó con el Oscar a Mejor Actor luego de dar un giro de 180 grados a su carrera con la sorprendente transformación que hizo para su papel en Dallas Buyers Club. Con su intepretación de Ron Woodroof, un “cowboy” drogadicto y mujeriego que lucha en la década de 1980 por sobrevivir a la muerte tras contraer el sida, el estadounidense demostró ser más que un galán de comedias románticas.
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LOS GANADORES
MEJOR ACTRIZ La actriz australiana Cate Blanchett ganó la estatuilla dorada a mejor actriz por su actuación en la película “Blue Jasmine” tras ser la favorita indiscutible en esta categoría de la edición número 86 de los Premios Oscar. Y es que la actriz australiana ha seducido a los académicos con su papel de una mujer de la alta sociedad neoyorquina venida a menos por los malas inversiones de su esposo en “Blue Jasmine”, escrita y dirigida por Woody Allen.
ACTOR DE REPARTO El líder del grupo 30 Seconds to Mars, Jared Leto, ganó el Oscar al mejor actor de reparto por su interpretación de un transexual drogadicto enfermo de sida en “Dallas Buyers Club”. “Estoy aquí por ustedes y para ustedes”, dijo Leto tras recibir el reconocimiento de la Academia de Hollywood que llega a sus manos despúes que en el 2009 se alejo de la actuación para dedicarse más a la música.
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ACTRIZ DE REPARTO La keniana nacida en México, Lupita Nyong’o ganó la estatuilla dorada a la mejor actriz de reparto por su sobrecogedora actuación en “12 años de esclavitud” tras conseguir su primera nominación a los Oscar. La actriz, de 31 años, se hizo del galardón gracias a su papel de una mujer esclava que sufre el maltrato y la obsesión por un tirano terrateniente en el Sur de Estados Unidos en el siglo XIX. “No dejo de pensar que tanta alegría en mi vida se deba a tanto dolor en las vidas de otros”, expresó Nyong’o al recibir el premio de la Academia.
PELÍCULA EXTRANGERA El filme ‘La grande bellezza’ (La gran belleza) del italiano Paolo Sorrentino, un viaje mágico y a la vez cínico por una Roma de ensueño, obtuvo el Óscar al mejor filme extranjero. La película, galardonada con numerosos premios internacionales, entre ellos un Globo de Oro, resulta un homenaje al gran maestro Federico Fellini, a sus personajes memorables y sobre todo a su musa Roma, la Ciudad Eterna.
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LOS GANADORES
DOCUMENTAL El documental “20 feet from Stardom” recibió el Óscar 2014 por resaltar dentro de su género. La cinta estadounidense dirigida por Morgan Neville y producida por Gil Friesen, un ejecutivo de la industria musical, cuya curiosidad de saber más a fondo la vida de los cantantes ha inspirado la realización de 20 Feet from Stardom. La película sigue los detrás de escenas de coristas y estrellas Darlene Love, Judith Hill, Merry Clayton, Lisa Fischer, Tata Vega, y Jo Lawry, entre otras.
PELÍCULA DE ANIMACIÓN La aclamada Frozen, que reescribe el clásico cuento de Hans Christian Andersen La reina de las nieves, le dio a los estudios Disney su primer Oscar a la mejor película animada desde la creación de la categoría en 2001. La cinta, que ha recaudado casi US$1,000 millones en todo el mundo, es la culminación del llamado “segundo renacimiento” de los estudios Disney, dinamizados por una competencia feroz y gracias a la incorporación del estudio Pixar y de su director John Lasseter al imperio del ratón Mickey.
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LA RESEÑA
Reseña 40
por: Martín Morales Santiago
en el paraíso a través de una visión del supuesto cruce a la luz después de la muerte.
Tras hacer una pausa en su ascendente carrera interpretando al épico súper héroe de comics, Super Man, Christopher Reeve interpreta en esta historia un papel distinto no solo dejando atrás los mayones azules y encarnando a un simple mortal que viaja en el tiempo movido por el amor también nos muestra que no solo sabe mostrar los musculos si no que también puede interpretar a un dramaturgo obsecionado con una mujer a quien conoce en una foto y que murioera 8 años atrás y le abría regalado un reloj el mismo día de su muerte con un mensaje, “regresa a mi”.
De la literatura de ciencia ficción y terror de Richard Mathenson quien representa un icono en su genero con títulos como “SOY LEYENDA”, “DUELO”, “ECOS MORTALES”, Y “LA LEYENDA DE LA CASA INFERNAL” , también supo combinar su genero con el romance, y de su sagas pluma nace “BID TIME RETURN” que mas tarde seria llevada ala
De viajes en el tiempo que a la época actual nos lleva a recordar títulos como volver al futuro de Robert Someckis o click de Franck Coraci sin dejar a tras los romances trajicos con esta temática como “el efecto mariposa” o “La mujer del viajero en el tiempo”, títulos con un trama que actualmente es cada ves mas recurrente pero que pide al tiempo que vuelva fue pionera. A 33 años de su estreno en 1980 esta cinta sigue considerándose de culto donde el director logro plasmar una relato lo bastante apegado al escrito original y que nos trasporto a principios del siglo XX con su excelente reconstrucción de la época a pesar de su limitado presupuesto y que le valiera un Oscar por mejor vestuario en ese mismo año.
Un giro inesperado, un pequeño detalle olvidado separa a la pareja para reencontrarse después en el mas haya.
Con esta frase se abre la trama de pide al tiempo que vuelva y que nos lleva a través de un viaje romántico en el tiempo, y nos cuenta la historia de Richard y Elise, amor que trasciende tiempo y espacio dándonos cátedra de cómo un sentimiento puede lograr cosas extraordinaria y mover montañas si es necesario a la vez que un trágico final nos muestra la trascendencia de este mismo
pantalla con el nombre de “somewhere in time“ de la mano del director Jeannot Szwarc película que también se denomina de culto y que actualmente sigue capturando fanáticos que antes no la conocían. Con una trama simple pero atractivo para la época, y un historia de amor sin complicaciones donde el triangulo amoroso entre, Reeve, Jane Seimour y christpher Plummer a quien recordamos actualmente como Dombledore en la saga de Harry Potter, es aquel trágico amor que tras creer haberse logrado, un giro inesperado, un pequeño detalle olvidado separa a la pareja para reencontrarse después en el mas haya.
Pocas son las cintas que se podría decir mesclan a la perfección la ciencia ficción y el romance en una película mostrándonos un film simple fácil de entender y que nos lleva de la mano a la ves que nos enamoramos de la actriz de teatro Elise Mackenna o del apuesto escritor Richard Collier y odiar por siempre al representante de Mackenna, o simplemente de la exquisita banda sonora que crea John Berry interpretada por el pianista Roger Williams o las imágenes en la fotografía de Isidore Mankofsky.
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LA RESEÑA
Violines EN EL CIELO
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En estos días he visto una película muy interesante y recomendable, una película japonesa llamada “Violines en el cielo” (en inglés Departures, o partidas, despedidas), ganadora Oscar a la Mejor Película Extranjera en el año de 2008 y donde el protagonista principal, Daigo Kobayashi, violonchelista profesional de una orquesta en Tokio, pierde el trabajo ante la disolución de la orquesta y se ve obligado a regresar a su pueblo, Hirano, donde termina trabajando para una empresa dedicada al Nokanshi o arte de preparar a los muertos para su entierro, para el mas allá. La ceremonia del amortajamiento, en la que se lava, viste, maquilla y coloca al difunto en el ataúd ante la presencia de los allegados, depende de los amortajadores, un oficio poco solicitado. El la película, Daigo Kobayashi (Masahiro Motoki), descubre la muerte en todas sus facetas, lo que le permitirá emprender una nueva vida. Importante es la figura de su esposa Mika (Ryoko Hirosue), cuya actuación permite que la cultura japonesa nos sea transmitida con mucha fidelidad. Mujer abnegada, dispuesta a luchar y acompañar a su esposo en las dificultades. Sobria y amorosa, e incluso en su sencillo pudor, nos trasmite una femineidad muy propia de las culturas orientales, y que en nuestras culturas occidentales se ha retrocedido mucho por lamentables ejemplos de vulgaridad de todos conocidos. La joven esposa aporta naturalidad al papel de una mujer que inicialmente está en contra de la profesión escogida por su marido, pero que acaba por entenderla y respetarla. El tercer personaje importante es el dueño de la empresa de amortajamiento, es el Señor Sasaki (Tsutomu Yamazaki), quien con paciencia va educando a su nue-
vo discípulo en el arte de preparar a los muertos, trasmitiéndole el arte de buscar reconciliar a las personas con sus parientes, amigos o esposos muertos. El trasfondo de la película trasmite una enorme reverencia a los muertos y hacia la muerte, hacia el duelo en silencio, a asumir con reconciliación el drama de los problemas y las rupturas no resueltas entre la persona que muere y sus deudos. La hondura del drama, que incluye la reconciliación del protagonista mismo con la muerte de su padre, realmente eleva el espíritu. La película tiene diversos matices de humor, como parte de la naturalidad de la vida ante la aceptación del drama de la muerte. Por ser una película japonesa, acusamos la falta de una visión cristiana de la esperanza y del encuentro con Dios, pero esto no le quita los grandes méritos de la belleza con que son tratados los temas de la amistad, la reverencia, la fidelidad, la muerte y otros. El contraste con la forma con que nuestra cultura actual occidental trata estos temas es cuestionante. Nuestros velorios son en mucho, patéticos. Velorios donde no faltan las bebidas alcohólicas, donde los chistes y los chismes son los temas mas hablados. Donde muchos se sienten incómodos frente a los deudos, sin nada que decir, más allá de un tímido y rápido saludo o abrazo. Se invita a “asumir el duelo” buscando olvidar a los muertos y seguir “viviendo la vida”. A cuantos se les niega la visita del sa-
cerdote llevándoles los Santos Óleos, para no “asustar” al moribundo, como si mantenerlo tranquilo fuese mas importante que salvar su alma. “De la muerte súbita, líbrame Señor” dice una de las mas hermosas letanías. Es decir, le pedimos Dios que nos podamos preparar para la muerte, aceptando la vejez y la enfermedad. Sin embargo, nuestros tiempos de búsqueda desenfrenada de placer, de bienestar, de fama y riqueza, sin cuestionamientos morales, se ha convertido en un ideal “morirse sin darse cuenta”, morirse sin sufrir. León Bloy decía en su crítica al espíritu burgués: “Quiere a toda costa reventar sin sufrir, y es muy natural. ¿Por qué salir con dolor de una vida que, en re-
sumen, ha sido hecha para que se goce con ella hasta el último suspiro?” De ahí a la defensa de la eutanasia, hay un paso. En fin, quedémonos con la recomendación de ver esta estupenda película japonesa “Violines en el cielo”
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CARTELERA
En Pantalla 46
Noé
Noah (E.U.A., 2014) Género:
Accion y Aventura
Clasificación: B Duración: 138 min Director:
Darren Aronofsky
Actores: Anthony Hopkins,Emma Watson,Ray Winstone,Jennifer Connelly,Russell Crowe. Russell Crowe interpreta a Noé en la cinta inspirada por una historia épica de valentía, sacrificio y esperanza. Dirigida por el visionario cineasta Darren Aronofsky.
Muppets 2: Los Más Buscados Género:
Accion y Aventura
Clasificación: A
Duración:
108 min
Los Muppets van en una gira internacional que agota todas las localidades en grandes teatros de los destinos más fascinantes de Europa, como Berlín, Madrid, Dublín y Londres. Pero el caos sigue a los Muppets a donde quiera que vayan, ya que acaban involuntariamente enredados con un grupo criminal internacional encabezado por Constantine —el delincuente Número Uno del mundo y el vivo retrato de Kermit, la Rana— y su ruin compañero Dominic, alias Número Dos, interpretado por Ricky Gervais.
El Crimen del Cácaro Gumaro
El Crimen del Cácaro Gumaro (México, 2014) Género:
Comedia
Clasificación: B
Duración:
101 min
Actores: Ana de la Reguera,Jesús Corona,Andrés Bustamante,Alejandro Ochoa
Ochoa,Carlos
A la muerte de don Toribio, el cácaro del pueblo, Gumaro y Archimboldo, sus dos hijos, regresan a Güépez para escuchar el testamento de su padre en voz del presidente municipal don Cuino. A partir de esto, los hermanos Mújica entablarán una guerra sin cuartel que llevará al pueblo hasta el borde del apocalipsis.
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CARTELERA 300: El Nacimiento de Un Imperio 300: Rise of an Empire (E.U.A., 2014) Género:
Accion y Aventura
Clasificación: B15 Duración: Director:
102 min
Noam Murro
Actores: Lena Headey,Eva Santoro,Sullivan Stapleton
Green,Rodrigo
Basado en la novela ‘Xerxes’ de Frank Miller y narrado en el impresionante estilo visual de la exitosa “300”, este nuevo capítulo de la épica saga lleva la acción a un nuevo campo de batalla: el océano, cuando el general Temístocles pretende unir a toda Grecia liderando el movimiento que cambiará el curso de la guerra.300: El Nacimiento de un Imperio, enfrentará a Temístocles contra las enormes fuerzas invasivas persas, lideradas por el dios convertido Xerxes y por Artemisa, la vengativa comandante de la marina persa.
Need For Speed: La Película Need For Speed (E.U.A.,2014) Género: Accion Clasificación: B Director:
Duración:
131 min
Scott Waugh
Actores: Dominic Cooper,Ramon Rodriguez,Imogen Poots,Aaron Paul,Dakota Johnson,Rami Malek. La película gira en torno a Tobey Marshall, un mecánico que compite con automóviles de gran potencia en un circuito no autorizado de carreras callejeras. En su lucha por mantener el taller de su familia a flote, Tobey se asocia con el adinerado y arrogante ex piloto de NASCAR Dino Brewster, pero justo cuando Tobey está por concretar una gran venta con la bróker de automóviles Julia Bonet, una desastrosa carrera permite a Dino tenderle una trampa y Tobey es enviado a prisión mientras Dino continúa expandiendo su negocio hacia el oeste.
Todo Está Perdido
All is Lost (E.U.A., 2013) Género:
Drama
Clasificación: B
Duración:
Director:
J.C. Chandor
Actores:
Robert Redford
106 min
Durante un solitario viaje por el océano Índico, un hombre despierta y descubre que su yate se esta hundiendo. Con el equipo de navegación y el radio desactivados, avanza sin saberlo hacia una tormenta a la que apenas sobrevive. A merced de que las corrientes marinas lo lleven a una ruta marítima donde algún barco pueda encontrarlo, el sol implacable, los tiburones y las provisiones que disminuyen pronto lo enfrentarán a su propia mortalidad.
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Canon Fidelidad al Límite
Canon: Fidelidad al límite (México, 2014) Género:
Drama
Clasificación: B15 Duración:
108 min
Director: Guion Federico Reyes Heroles, Mauricio Walerstein Actores: Humberto Haza,Mónica Dionne
Zurita,Mariana
Seoane,Plutarco
Mariana de 35 y Julián de 40, enamorados, felices, con relación sexual cotidiana, padres de dos hijos de 17 y 14. En el juego sexual, Julián menciona que no le imputaría la infidelidad, a condición de estar enterado. Se crean circunstancias y Mariana tiene una aventura con un cliente de su compañía y aunque el engaño no se consuma, Julián cae víctima de su supuesta fortaleza, sufre depresión, empiezan acusaciones, el domicilio familiar se vuelve infernal.
Narco Cultura Narco Cultura (E.U.A. / México, 2013) Género:
Documental
Clasificación: B15 Duración: Director:
103 min
Shaul Schwarz
Con la proliferación de las guerras civiles por causa del tráfico de drogas en México, se ha generado también una nueva cultura. Visitando tanto Ciudad Juárez en México y, su vecino próximo, El Paso, Texas, el periodista Shaul Schwarz pinta un retrato increíble de una cultura naciente, que glorifica la violencia y a los que la perpetran.
Tarzan
Tarzán (Alemania, 2013) Género:
Infantil
Clasificación: A Director:
Duración:
94 min
Reinhard Klooss
Mientras exploran una misteriosa cueva en África, una pareja de millonarios muere tras un accidente aéreo dejando a su pequeño hijo desamparado. Después de varios días, es rescatado y criado por una manada de gorilas quienes lo adoptan y educan como a uno de ellos, haciéndolo fuerte e independiente.
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CARTELERA Línea de Fuego
Homefront (E.U.A, 2014) Género:Accion y Aventura Clasificación: B15 Duración:
100 min
Director:
Gary Fleder
Actores:
Winona Ryder,James Franco,Jason Statham
Escrita y producida por Sylvester Stallone. Phill Broker es un ex agente del gobierno norteamericano que acaba de mudarse, junto con su familia, a un pequeño poblado con la esperanza de dejar atrás su oscuro pasado, pero la tranquilidad no durará mucho, pues ha escogido el pueblo equivocado, Phill se encontrará con una banda de narcotraficantes, encabezados por Gator y Sheryl, quienes lo amenazan a él y a su familia. Será inevitable una lucha sin piedad para lograr la paz.
Las Aventuras de Peabody y Sherman Mr. Peabody & Sherman (E.U.A., 2014) Género:
Infantil
Clasificación: AA Director:
Duración:
93 min
Rob Minkoff
El Sr. Peabody es un inventor, científico, ganador del Premio Nobel, gourmet, medallista olímpico en dos ocasiones, y genio ... quien resulta ser un perro. Usando su más ingeniosa invención, la máquina VAPATRAS, el Sr. Peabody y su hijo adoptado Sherman se lanzan en el tiempo para experimentar los eventos que han cambiado al mundo de primera mano e interactuar con algunos de los más grandes personajes de todos los tiempos. Pero cuando Sherman rompe las reglas del viaje en el tiempo, nuestros dos héroes se encuentran en una carrera para reparar la historia y salvar el futuro.
Aires de Esperanza
Labor Day (E.U.A., 2013) Género: Drama Clasificación: B Duración: 111 min Director: Jason Reitman Actores: Tobey Maguire,Gattlin Griffith,Maika Monroe,Josh Brolin,James Van Der Beek,Kate Winslet,Clark Greg “Aires de Esperanza” trata de un chico de 13 años, Henry Wheeler, que se esfuerza por ser el hombre de su casa y cuidar a su solitaria madre Adele, al tiempo que debe lidiar con todas las inquietudes de la adolescencia. Cuando van de compras al regreso de la escuela, Henry y su madre encuentran a Frank Chambers, un hombre intimidante que claramente necesita ayuda y los convence de llevarlo a su casa, donde descubren que es un convicto fugitivo. Los eventos de este largo fin de semana del Día del Trabajo afectarán el resto de sus vidas.
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