Arteria - Periodico nacional

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Cultura en critica: Frida Khalo se revienta en el micro teatro

José Jesús González, dramaturgo y director venezolano, trae a escena su propuesta dramática, acerca del único cuadro que vendiese en vida Frida Kahlo: “Las dos Fridas”, logrando un resultado balanceado, enérgico y conmovedor

Día mundial del libro, una idea Animaciones en Stop Motion por la diseñadora promovida por el escritor Vicente Andrés venezolana Airam Zajor Clavel La celebración del día del libro a nivel mundial, se remonta a principios de siglo, para El Mundo en Pantone

Para aquellos que se desaniman porque no tienen un sofisticado equipo fotográfico, este es uno de los mejores ejemplos de que la cámara no hace al fotógrafo

rendir le homenaje a los creadores de las nobles letras

InstaMeet con Instagram y el MoMa

A mano alzada

Muchas veces nos ponemos una barrera a la hora de buscar hacer lo que nos gusta, barreras Si estás en Venezuela podrás participar en el encuentro como tiempo y dinero, pero que se llevara a cabo en la ciudad de Caracas junto con si hay alguien que demuestra que un proyecto tipo “bajo otros Instagramers presupuesto” se puede lograr con creatividad y talento, es Gabriela Chacín Estrada Hace un par de años les mostramos el proyecto de la venezolana Patricia Prestigia como donde mezclaba fotografía e ilustración, Capturador de en esta oportunidad su nombre vuelve a correr en esta Arteria instantes Eduardox pero con un nuevo proyecto, Snapit Studio

Un nuevo enfoque – Snapit

Nos metemos en el diseño de On The Wok

Captura momentos de belleza que posiblemente sólo él pudo ver y los inmortaliza con su cámara

Desnudas y sonrientes Mujeres bajo el lente de Matt Blum

Para comer en el camino; Max Guevara es de esos venezolanos, como muchos, que se encuentra fuera del país Arepa’ llevar

El mundo orgánico de Max Guevara haciendo cosas increíbles

MIRADAS 02

DOMINGO 03 DE ABRIL DEL 2016

EL MUNDO EN PANTONE

La fotografía llevada a un smartphone

Para aquellos que se desaniman porque no tienen un sofisticado equipo fotográfico, este es uno de los mejores ejemplos de que la cámara no hace al fotógrafo y Paul Octavious te lo demuestra con sus fotografías Paul Octavious nos muestra a través de un viaje de color e innovación que no hace falta el más moderno equipo de fotografía para llevar a cabo nuestros sueños.

Este joven fotógrafo que fue descubierto por medio de un proyecto fotográfico titulado “same hill, diferent days” el cual basaba en fotografiar la misma colina por el período de 3 años seguidos. Otro de sus proyectos fotográficos que le dieron a conocer en este mundo va por el nombre de PUFFIN CLOUDS. Su más reciente trabajo combina el minimalismo, el color y el contraste. A través de los pantones de color Paul muestra el tono predominante en la fotografía y genera un efecto muy placentero al ojo del espectador. No sólo es innovador lo que muestra en las fotografías sino también lo es el medio con las cual son tomadas, todas las fotografías fueron realizadas con un dispositivo móvil. Rompiendo así con las erradas creencias de que sin invertir en un equipo fotográfico profesional no se pueden tomar buenas fotografías.

Descubriendo fotógrafos Internet es esa gran herramienta que desafía a las fronteras del mundo y apuesta firme por aquel viejo concepto de la aldea global y fue así, gracias a La Red, como descubrí el trabajo de un joven fotógrafo al que no conocía. Paul Octavious es su nombre y aunque trabaja en Chicago está a pocos segundos de vosotros. SAME HILL, DIFFERENT DAY fue el proyecto con el que descubrí a Paul. Una colina, tres años y una cuidada selección de fotografías de entre las muchas realizas son los culpables de que me fijase en el trabajo.

En principio puede parecer un proyecto más, como el ya conocido de fotografiar el mismo árbol una vez durante las cuatro estaciones del año pero yo veo algo más. Paul, que dice haber fotografiado miles de veces Chicago, tan solo se detuvo frente a la colina y sintió la necesidad de fotografiarla para acabar tomándola por musa durante tres años

Nelson Garrido, su obra Siempre he considerado a Nelson Garrido como uno de los artistas venezolanos más importantes de la actualidad.

Su fotografía, visceral y seductora, me ha fascinado desde el primer momento en que la conocí y de igual manera me ha maravillado la diversidad y cantidad de propuestas novedosas que se han gestado en esa suerte de espacio, mezcla un poco entre taller del renacimiento y manicomio de arte contemporáneo que es la ONG. Hace tan sólo unos minutos me di cuenta de que alguien de nuestro equipo había retuiteado el enlace a este documental. Sin siquiera haberlo visto, sentí que me recorría una especie de timbrazo por la espalda e inmediatamente me dije “sea lo que sea, esto no podemos

matarlo con un simple tweet!” Y efectivamente, no es algo que haya que dejar pasar de una manera tan efímera: este es, señoras y señores, un testimonio invaluable que sorprende por su profundidad, honestidad y claridad.

No todos los días puede uno escuchar a un artista de una trayectoria tan importante como la de Garrido, echarnos el cuento de cada una de sus series y períodos con tanto detalle: desde las temáticas principales en su obra, pasando por sus procesos creativos, la conciencia social de sus trabajos y otras anécdotas interesantes, como el hecho de que sus fotografías se encuentra en el dominio público, tema por el que, deben saber algunos, tengo una debilidad especial. Todo esto, narrado

con esa tranquilidad y serenidad suya; “Los ejes fundamentales que mueven mi obra, son tres: la muerte, la religión y el sexo; y esa trilogía se mueve permanentemente. Uno lo que hace es que reactualiza temas tocados, permanentemente, por la humanidad.

Empecé a estudiar la vida de los santos y empecé a ver que había una cosa medio sadomasoquista. Cuando Santa Lucía se arranca los ojos para no caer en tentación y se los regala al novio…

Entonces comienza a ser toda una nueva iconografía de los santos cristianos bajo esa visión sadomasoquista que me parece a mí que hay… de goce.

Inicialmente yo tuve un gran choque con la fotografía digital porque había algo en ella que no tenía tanta carga de

realidad como la fotografía analógica, y quedaba como de mentira, generaba un lenguaje como uniformizado.

El tema de la violencia, ahora, es como fundamental en mi trabajo. El problema que a mí se me planteaba era, como no hacer arte panfletario de denuncia, sino que fuera una obra donde estuviera el tema de la violencia, pero de una manera más profunda. La cosa es sacar la fotografía de los museos, que circule. Yo creo que quitarle la potencialidad a la fotografía (el hecho de reproducirla) le quita en esencia el lenguaje subversivo del hecho fotográfico de denuncia. Y una cosa importante en las fotografías, es esto: el anti-copyright, que ahora se llama el copyleft. Yo en mi trabajo cedo todos los derechos de reproducción.

El discurso político que yo manejo, si no estuviera la ONG, no tendría sentido. Yo creo que a nivel generacional ahora le toca a los que vienen atrás, y yo viví eso generacionalmente con otra gente que realmente a uno lo trancaba. Creo que ahorita, casi el 50 ó 60 por ciento de mi energía está dedicada a la transmisión de pensamiento a mis alumnos, y que ellos sean los que vayan avanzando. Lo importante es el respeto a la diversidad de lenguaje.

El conocimiento y lo poquito que yo se, para mi lo importante es transmitirlo, dejando que la gente se equivoque, se pare, rectifique… me quiera o me odie, también eso es bueno.”

Andrea’s Ascanio andreasa@arteria.com

MIRADAS 03

DOMINGO 03 DE ABRIL DEL 2016

InstaMeet con Instagram y el MoMa Instagram como una plataforma de exhibición

Un nuevo enfoque ¡Snapit!

Es un desafío y requiere de un nivel de detalle y producción que no muchos entienden Hace un par de años les mostramos el proyecto de la venezolana Patricia Prestigia como donde mezclaba fotografía e ilustración, en esta oportunidad su nombre vuelve a correr por esta arteria pero con un nuevo proyecto, Snapit Studio.

Esta diseñadora web, directora de arte y fotógrafa emprende un viaje para especializarse en lo que más le gusta, la fotografía, así que llega a Santiago de Chile para realizar el curso de Fotografía Publicitaria y de Moda en Foto design, uno de los módulos estaba dedicado a la fotografía de producto y alimentos a cargo de Araceli Paz, allí es dónde hace match con Paula Zuvic, chilena, diseñadora de vestuario y fotógrafa, siendo ellas dos las que más se involucraban

“Comidas Interrumpidas”

Capturando el momento posterior a la interrupción de una comida Los fotógrafos (y esposos) Davide Luciano y Claudia Ficca han desarrollado este genial y colorido proyecto titulado Meals Interrupted, capturando el momento posterior a la interrupción de una comida, bien sea por eventos naturales o no naturales. Una serie fotográfica de comedores abruptamente interrumpidos por diversos eventos, es decir, un enjambre de abejas, un devastador incendio, una pelea de comida en la cafetería, un ataque mafioso y una fuerte lluvia. Cada fotografía captura vívida mente la decepción y el sentimiento de abandono que acompaña un encuentro cuyo final fue repentino e inesperado.

Brigitte Fattah gigifa@arteria.com

en esta clase, descubriendo que se complementaban y funcionaban muy bien como dupla. Al finalizar el curso deciden emprender este proyecto dedicado a la fotografía de producto, así nace Snapit que llega para incluirse en el mercado con una propuesta fresca, nueva, joven y de calidad, porque estas chicas son unas apasionadas de lo que hacen y cuidan todos los detalles, siempre con buen gusto y mucha creatividad. Han tenido la oportunidad de trabajar con muy buenos clientes como Bamboo & Organics, Ministry CBM y Buffalo Waffles, dejando claro que tienen talento de sobra y que se vendrán muchos nuevos proyectos. ¡Sin duda, este es un trabajo excelente!.

“

Definitivamente es un desafío y requiere de un nivel de detalle y producción que no muchos entienden. Pero que también ofrece la ventaja de poder manipular y experimentar con los objetos en formas que posiblemente no se podría con un modelo humano, definitivamente depende única y exclusivamente de la creatividad e ingenio del fotógrafo, porque los productos, al ser inanimados no ofrecen más de lo que el fotógrafo proponga. Nos encantan los retos, de eso no hay duda

”

A finales de este mes se llevará a cabo en el Museo de Arte Moderno de Nueva York – MoMa una muestra sobre la arquitectura latinoamericana que va desde el año 1955 hasta 1980 y que tendrá como protagonistas a unos arquitectos asombrosos de nuestra región como Oscar Niemeyer, Clorindo Testa, Luis Barragán, Vilanova Artigas, Eladio Dieste y Carlos Raul Villanueva. En esta ocasión la exposición no solo incluirá maquetas, dibujos arquitectónicos, fotografías clásicas y recientes, sino que también contará con la red social de fotografía Instagram como una plataforma de exhibición. Las fotografías seleccionadas que participen con el hashtag #ArquiMoMa serán colocadas tanto en el site del museo como acompañando la exposición en físico. Para participar en este proyecto puedes unirte a las Instameets que se estarán realizando el día 26 de Abril y que darán inicio a este proyecto. Si estás en Venezuela podrás participar en el encuentro que

se llevara a cabo en la ciudad de Caracas junto con otros Instagramers. El lugar elegido será la Universidad Central de Venezuela y contará con dos anfitriones geniales como guías, ambos seleccionados por Instagram y el MoMa para esta tarea. Una es Belinda Téllez (@belilabelle), fotógrafa, publicista y especialista en social media, y el otro Miguel Braceli (@miguelbraceli), artista visual, arquitecto y profesor de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la UCV, seleccionado por el comité curatorial del departamento de Arquitectura del MoMA. En esta ocasión la exposición no solo incluirá maquetas, dibujos arquitectónicos, fotografías clásicas y recientes.

Para participar en esta reunión debes enviar un correo a instameetMoMAccs@gmail.com con tu nombre y número de CI. Arturo Pirillo apirillo@arteria.com

Stalkeando al sol Fotografía Estenopeica

El pasado domingo 27 de Marzo se celebró el Día Mundial de la Fotografía Estenopeica y a propósito de la celebración, traemos a colación un tema afín. Hace algunos días escribimos sobre un proyecto basado en la fotografía estenopeica o cámara oscura, pero para refrescar les la memoria, esta técnica consiste en hacer pasar la luz por el pequeño agujero o estenopo de una caja completamente cerrada, de forma que la imagen del exterior se forme en su interior y quede registrada por un material fotosensible, el principio básico de la fotografía.

En esta oportunidad les mostramos una técnica llamada solarigrafía, que consiste en realizar una larga exposición –de entre 3 y 6 meses- de material fotosensible en blanco y negro por medio de una cámara estenopeica lo suficientemente resistente a la intemperie para capturar el recorrido aparente del sol a lo largo del cielo. El resultado es una fotografía impactante, que más bien pareciera mostrar un arcoíris en la noche. El revelado no se produce por el uso de químicos reveladores, puesto que por la misma acción prolongada del sol sobre el papel fotosensible se genera un ennegrecimiento directo, en palabras simples el sol va “quemando” el papel. Para obtener la fotografía sólo es cuestión de escanearla e invertir sus colores en el programa de edición deseado.

Una imagen llena de misticismo que nos hace volcar la mirada al movimiento de la tierra y su exactitud, un elogio a la paciencia y a dejar actuar al tiempo, que siempre hace su trabajo.

Lonchera venezolana en USA ¡Cuentos de venezolanos que salen de país y logran abrirse campo fuera de nuestras fronteras!

Cuentos de venezolanos que salen de país y logran conseguir abrirse campo fuera de nuestras fronteras hay muchísimos, como es el caso de Elaine Minionis y Rodolfo Vanmarcke, una pareja de venezolanos, quienes justamente hoy están inaugurando “The Lunch Box Gallery”, una galería y estudio de arte ubicada en 310 NW. 24th St. Miami, FL 33127, que se dedicará al arte contemporáneo y mayormente en la fotografía La apertura será a las 7:00 p.m. con la expo de “Inverses” de Rodolfo Vanmarcke, donde se reunirán dos de sus series más afamadas: “Inverso-símil” e “Inverso-símil en Clave Cóncava”. Ya hay dos artistas venezolanos confirmados que expondrán sus piezas allí, al culminar

la muestra de Rodolfo iniciará la expo “Arrived” de M-ION y más adelante estará Winibey López.

Definitivamente esta galería está iniciando con muy buen pie. La apertura será a las 7:00 p.m. con la expo de “Inverses” de Rodolfo Vanmarcke, donde se reunirán dos de sus series más afamadas: “Inverso-símil” e “Inverso-símil en Clave Cóncava”. Ya hay dos artistas venezolanos confirmados que expondrán sus piezas allí, al culminar la muestra de Rodolfo iniciará la expo “Arrived” de M-ION y más adelante estará Winibey López.

Definitivamente esta galería está iniciando con buen pie y es un buen plan si estar cerca para ir y disfrutar la expo.

DOMINGO 03 DE ABRIL DEL 2016

MIRADAS 04

Animaciones en Stop Motion por Airam Zajor Entrevistas en la Arteria Desde hace varios meses he estado siguiendo el trabajo de la diseñadora Airam Zajor. Pasé un tiempo buscando y al no conseguir información adicional, le comencé a escribir.

Después de algunos intercambios de correo, este es el resultado de nuestra entrevista: Airam Zajor es diseñadora gráfica de 24 años de edad nacida en Puerto la Cruz y actualmente residenciada en Caracas. Desde niña, en sus juegos desarmaba juguetes y les intercambiaba partes para crear juguetes nuevos.

Pronto comenzó a interesarse por el motion graphics y la creación de marionetas para sus cortometrajes, lo que ha venido practicando de manera formal desde hace dos años y medio. ¿Que te inspiró a dedicarte al Motion Graphics?

Lo que me llevó a dedicarme a hacer stop motion fue mi necesidad de ver cosas distintas bajo un criterio creativo. Finalmente me atreví a dar el primer paso con mi cortometraje EXPRESSION en el 2012, que ha sabido llamar la atención y recibido excelentes críticas por parte de eminencias del cine que lo llaman mi opera prima.

Cuando me dicen eso solo puedo reírme por dentro, y no por nada malo, sino porque fue mi humilde trabajo hecho con bajo presupuesto, llevando a la práctica toda aquella teoría que ya me sabía de principio a fin. ¿Cómo inició el corto EXPRESSION? Cuando comencé con la idea loca de hacer mi cortometraje contaba con personas que estaban dispuestas a ayudarme y colaborar en él, pero por cosas de la vida me quedé absolutamente sola en la realización del corto y me tocó desde fabricar las marionetas hasta grabar todo.

Recuerdo que había tomas en las cuales debía mover las marionetas con las manos y dándole click a la computadora con los pies. Suena a que es bastante trabajo, pero la satisfacción de verlo cobrar vida le ganó al cansancio y a todo el trabajo de realización.

¿Cómo elaboras tus escenarios y marionetas?

Los escenarios los fabrico de madera y cartón. Reciclo todos los materiales puesto que es muy posible que los pueda usar en el futuro y también tengo conciencia de cuidar al medio ambiente, es una manera muy diferente de reciclar porque los reutilizo para hacer mi arte.

“

Cuando tus recursos son pocos y se te limita de alguna manera, Debes aprender por tu cuenta

”

Las marionetas las fabrico a base de esqueletos de alambres para las más básicas y esqueletos de piezas de aluminio talladas a mano soldadas para las más profesionales.

Tallo láminas de aluminios con mi dremel para tener las pequeñas piezas necesarias para la fabricación de los personajes. Hoy por hoy estoy trabajando en un nuevo prototipo de marioneta a bajo presupuesto pero 100% funcional con movimiento maxilofacial en vez de expresiones intercambiables.

Artistas que te influencian Entre mis influencias -desde muy temprana edad hasta hoy- está Tim Burton, Adam Jones (director de varios videos de la banda Tool) Michel Gondry, Chris Butler, entre otros. Pero en principio esos 4 directores influenciaron mucho lo que a mí me gustaría hacer con el stop motion.

Actualmente, Airam se encuentra preparando una propuesta de talleres de stop motion que partan desde la historia y evolución del mismo, hasta los trucos y atajos necesarios para hacerlo a bajo presupuesto. Si deseas saber mas informacion de los cursos que van a ser dictados, ingresa en sus redes sociales @Airamz en Twitter y en facebook como Airam Zajor Stop Motion; No pierdas el chance de aprender a realizar STOP MOTIOON.

Desnudas y sonrientes Mujeres bajo el lente de Matt Blum Para aquellas miradas que celebran y respetan la diversidad de nuestros cuerpos, les presentamos a The Nu Project, una oda a la desnudez y a la naturalidad, bajo el lente del fotógrafo estadounidense Matt Blum y la ayuda de su esposa Katy, quién en sus viajes captura luminosas imágenes de mujeres habitantes de cada uno de los destinos visitados.

Fotografías de mujeres inmersas en su propio espacio, que al mismo tiempo desnudan no sólo su corporalidad, sino también develan detalles privados de su vida y de su personalidad con los significantes del contexto que les rodea.

Miradas radiantes, distraídas, espontáneas, que ríen, algunas casi ocultas, quien sabe si por los nervios de desinhibirse y despojarse en una sociedad

que en su mayoría ha apostado por cuerpos femeninos estereotipados. Lo interesante es que el fotógrafo no ha visto a la chica que posará sino hasta el momento en el que se acerca a su casa para fotografiarlas.

El proyecto radicado en Minneapolis, EEUU, que comenzó en el año 2005, se encuentra a la espera de la publicación del primer volumen de un libro que ofrece un compilado de fotografías a lo largo de estos años de trabajo.

Las mujeres mayores de 21 años que deseen participar en el proyecto, independientemente de su apariencia física y de su origen, sólo deben llenar un formulario disponible en la página y podrán ser convocadas vía mail cuando Matt Blum se encuentre en tu país, así que pendiente porque te puede tocar.

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Para empezar la semana inspirándose ¡Eleazar Briceño un fotógrafo, diseñador, arquitecto, director de cuentas, creativo, entre otras cosas!

Aquí les traemos el trabajo de CAPS, también conocido como Eleazar Briceño un fotógrafo, diseñador, arquitecto, director de cuentas, creativo, entre otras cosas. Pero la faceta de la cual les hablaremos hoy es la de fotógrafo, mezclando su creatividad con diseño.

Cuando vemos su historia con la fotografía encontramos que esa pasión siempre tuvo vigencia, pero se agudizo al conocer el portal flickr en donde fue publicando sus creaciones y compartiendo con otros este gusto por el arte.

Ganándose como premio exposiciones en la Galería Niu de Barcelona-España y la colectiva 40×40 de Fotógrafos de Venezuela en Caracas y publicaciones en revistas como Razor Monkey y la Revista Dominical del diario Últimas Noticias, en donde está ejerciendo como fotógrafo editorial. Les dejamos con dos links donde podrán ver más del trabajo de Caps y si siguen leyendo la reseña verán toda la biografía de este venezolano. Eleazar Briceño, nacido en Caracas – Venezuela, posee una corta historia como fotógrafo sin embargo la creación de imágenes siempre lo ha acompañado, ya que desde muy joven ha dibujado, pintado y ha sido un diseñador gráfico empírico.

A nivel formal, culminó sus estudios como Arquitecto pero decidió especializarse como publicista. Su vida laboral lo llevó a ser desde Director de Publicidad y Promociones en CAVEGUÍAS y CANTV, hasta Director de Cuentas en BBDO sin embargo desde hace 4 años dirige LA CÁPSULA, su propia agencia de publicidad.

En 1995 se interesa por primera vez en la fotografía y la curiosidad lo llevó a tomar algunos cursos en el Taller de Roberto Mata, sin embargo todos esos conocimientos quedaron estacionados por un tiempo hasta hace dos años cuando despertó nuevamente su

interés por pura casualidad, gracias a Flickr.com, donde comenzó a relacionarse con otros aficionados y retomar su aprendizaje y crecimiento. Su trabajo ha sido reconocido en La Individual de los Lunes del diario El Nacional, ha expuesto en la Galería Niu de Barcelona-España y la colectiva 40×40 de Fotógrafos de Venezuela en Caracas, además ha publicado su trabajo en la revista digital Razor Monkey y la Revista Dominical del diario Últimas Noticias. En esta última comenzó a colaborar como Fotógrafo Editorial.

La propuesta actual de CAPS, a la que él llama “experimentos”, incluye dos vías distintas en las cuales puede verse una clara influencia del diseño gráfico, la publicidad y la arquitectura.

Por un lado, la creación y producción de imágenes artísticas, tal vez más editoriales o publicitarias llenas de humor, fantasía y hasta de crítica social que se apoyan en el retoque digital, y en el otro extremo se pueden apreciar capturas de momentos espontáneos y espacios cotidianos en el ambiente que nos rodea.

“

Dejar capturado un momento real es algo de gran valor pero lo que más disfruto es la posibilidad de materializar visualmente conceptos creativos, por más increíbles que sean. Poder asombrar y hacer reír es clave

”

Mientras continua especializándose, complementa su cotidianidad como publicista con su afición por la fotografía como un arte, un anti-stress, una excusa para abrir más los ojos y otra vía para ejercitar la creatividad.

“Sonrisas 366” es un proyecto que se planteo Eleazar Briceño en su blog personal, en el muestra una serie de vivencias que van desde 0 a 366. Cada día en cada momento se toma el tiempo para sacar una historia de donde pueda y como pueda; es un trabajo muy interesante por ello es digno de merecer una columna en nuestra arteria. Acá uno de esos relatos: “Sonrisa 39 de 366: Siempre, siempre, siempre Esta sonrisa se la lleva una mini historia que presencié el sábado pasado cuando estaba caminando por Altamira y delante de mi iba un niño (como de 4 años) con su papá. El paso de ellos era lento por los pasos cortos que daba el chamo.

El niño con su voz de comiquita iba hablando de todo lo que veía y al pasar al lado de un señor sin piernas que se ayudaba con unas muletas, le comentó espontáneamente al papá: Oh no...Si yo no tuviera piernas, me tendrías que cargar siempre, siempre, siempre.

El papá se quedó callado por unos segundos mientras seguía caminando hasta que pudo contestarle con voz entrecortada: ¿Sabes qué? A mi no me importaría cargarte siempre, siempre, siempre.

Aquí es donde tragué grueso, sonreí, llegué a mi carro y allí pensé en que este pequeño detalle lo compartiría.”

La fotografía de una Pequeña Comeflor Soy una persona de esas que confía en ese instinto que te hace determinar si alguien tiene buena vibra o no, que cuando se topa con alguien que de verdad tiene lo que llamamos sangre liviana se sorprende. Pues es así como puedo decir que fue mi primer encuentro con Arianna Arteaga, comunicadora social conocida en los bajos fondos como La Pequeña Comeflor, una chica que a mi parecer tiene una naturaleza auténtica, alguien que es tan cual y como la ves.

Una persona que ha sabido aprovechar las oportunidades de recorrer cada rincón de nuestro país y de esas experiencias darle vida a proyectos fantásticos, como la Guía Extrema donde nos invita a disfrutar de los paisajes más increíbles de Venezuela de una manera aventurera, además de los artículos de prensa que ha aportado para diferentes revistas del país y su blog la pequeña comeflor un pequeño diario donde nos cuenta sus aventuras y experiencias desde una perspectiva más personal.

Pero lo que me lleva a escribir sobre ella en Arteria es su visión detrás del lente, esa mirada que ha logrado capturar momentos y paisajes increíbles en cada uno de sus viajes. Apasionada por la naturaleza comienza su recorrido por el mundo de la fotografía a temprana edad, a los 12 años realizando un curso que nunca terminó, para luego a los 17 aprovechando que viajó a estudiar inglés cursó algunas materias de fotografía en la universidad del Museum

of Fine Arts de Boston, y aunque como ella nos cuenta lo académico no es su fuerte, entre una foto y otra ha logrado madurar su ojo fotográfico. “Mi verdadera pasión empieza con los viajes. Durante mis 5 años de carrera en Comunicación Social en la Monteávila, jamás quise que si trabajar los veranos ni nada de eso, el mismo día en que salía de vacaciones me arrancaba bien lejos de viaje y regresaba una semana después de comenzar clases. Así, de viaje y a punta de ensayo y error le fui agarrando el gusto. Ya en mi vida profesional, como periodista de viajes, supe que era un gran fuerte escribir los artículos y hacerles buenas fotos, les ahorras el costo de mandar a un fotógrafo o comprar fotografía de archivo. Además le ahorro costos a mi madrecita a la hora de hacer la Guía Valentina Quintero y a nosotras como empresa cuando hacemos cualquier producto.

La verdad es que jamás me presento como fotógrafa, creo que mi zanganismo académico en la materia me impide psicológicamente, pero lo disfruto tanto que no dejo de hacerlo jamás y tengo a mis amigos del alma que insisten en que y que soy buena.

Me apasionan los paisajes y me siento desvalida si no tengo mi cámara para atesorarlos. Es como que me falta un pedazo de mi si viajo sin ella. Esa es la esencia verdadera de mi pasión por la fotografía”.

Capturador de instantes ¡EDUARDOX!

¡Eduardox es Eduardo Sánchez, conócelo!

Conocimos a Francisco en el SWITCH que se realizó en el C.C. Tolón, allí este Sr. nos dijo unas palabras a todos los presentes que seguramente en muchas mentes quedó dando tumbos de reflexión. Yo creo que fui uno de esos, al que le quedó el mensaje: “uno debe buscar la belleza en las cosas sencillas, un chicle en un charco puede ser algo visualmente hermoso o por lo menos para una persona así lo será”. Esa manera de pensar se refleja en el trabajo de este fotógrafo, quien captura momentos de belleza que posiblemente sólo él pudo ver y los inmortaliza con su cámara. “Desde pequeño pertenecí al mundo de la publicidad y el cine, primero como espectador, después como creativo, diseñador gráfico, y actualmente como productor y director de audiovisuales, hecho que sin duda me influenció. El mirar tras el lente de la cámara de vídeo me despertó el interés por lo que hoy reconozco como mi gran vocación artística, la fotografía.

Me gusta tener la sensibilidad de captar lo extraño en lo obvio. Atrapar la imagen curiosa en las cosas más sencillas.

Mi trabajo ha sido reconocido en varias oportunidades, y he obtenido triunfos en diferentes concursos fotográficos, tanto nacionales como internacionales.

Quiero a través de mi mirada, que mis fotos sean el marco donde atrapar la belleza, la espontaneidad, la ingenuidad, la curiosidad, la personalidad y entornos en una sola comunión de luz y de color.”

DOMINGO 03 DE ABRIL DEL 2016

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M A X

G U E VA R A

Caraqueño en Texas dando de que hablar

Max Guevara es de esos venezolanos, como muchos, que se encuentra fuera del país haciendo cosas increíbles.

Este caraqueño, en Texas desde hace un par de años, toma como lienzo cualquier objeto, donde su estilo orgánico pueda fusionarse con fluidez. Sus líneas arman patrones libres basados en figuras nacientes del arte aborigen y totems que adapta a sus composiciones donde lo marítimo y los fósiles son casi obligatorios. Max es comunicador visual, diseñador gráfico, artista e ilustrador, que encontró su estilo propio de forma muy intuitiva, un estilo que él mimo llama Organic Native. Actualmente es director creativo , Actualmente vive y trabaja en Houston TX . Después de graduarse en el Instituto de Diseño Digital en Caracas Venezuela , ha estado trabajando con una gran cantidad de clientes, la construcción de un montón de increíbles proyectos y se divierte con miles de nuevos proyectos. También le encanta ser parte de todo el proceso creativo, desde el principio hasta el final, asegurándose de que la calidad visual final es el mejor de todos, tratando constantemente de hacerlo mejor . Es un diseñador que se ha especializado en el diseño y la ilustración a través de la publicidad, diseño editorial, moda, diseño web y diseño de productos, entre otros. Este caraqueño, en Texas desde hace un par de años, toma como lienzo cualquier objeto, donde su estilo orgánico pueda fusionarse con fluidez. Max es comunicador visual, diseñador gráfico, artista e ilustrador, que encontró su estilo propio de forma muy intuitiva, un estilo que él mismo llama Organic Native.

El “Organic Native” es un enfoque holístico y humanizador del diseño. Su método de trabajo consiste en el desarrollo de soluciones integradas, de modo que la totalidad de un esquema arquitectónico se unifica, generando un efecto general mayor que la suma de las partes, toma parte en la geometría de la naturaleza, sacando la esencia en sus distintos diseños naturales y ambientales. Muchas personas apoyan la idea del cambio y, la que se destaca en particular, es la arquitectura orgánica que promete un gran cambio ecológico.

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DOMINGO 03 DE ABRIL DEL 2016

Geometría masculina

El año pasado tuve la oportunidad de ver el nacimiento de una nueva marca, la verdad no estoy muy segura de cómo llegué a ellos, simplemente los encontré justo cuando estaban publicando sus primeros posts en Facebook y allí comencé a seguirles la pista, hasta que finalmente hoy puedo mostrarles su trabajo. Barbo Estudio es una marca argentina que nace hace un año de la mano de Natalia Queirolo y Agustina Troyer, quienes buscando expresar su identidad y todo lo que las apasiona diseñando accesorios e indumentaria masculina, utilizando imágenes orgánicas, geometría sagrada, yuxtaposición de estructuras equilibradas y simétricas. Esta chicas cuidan cada detalle de sus piezas, que permite que aunque cuenten con una producción seriada mantiene detalles artesanales como el bordado de etiquetas y el teñido manual de los pañuelos y empaques, logrando que más y más personas queden enganchadas con lo que ellas hacen, porque aunque Barbo es una marca para hombres hay más de una mujer que se ha apoderado de este estilo. “Más allá de todo, BE trasciende una estética, es un “MOOD” en sí mismo”.

Pronto podrás comprar sus productos en su página web, pero por los momentos puedes hacerlo en su fan page donde también te enterarás de todo lo nuevo, además hacen envíos a todo el mundo.

Peter Mendelsund El Arte del Diseño de Cubiertas de Libros

Hace unos meses comencé a seguir el trabajo de Ro, desde ese momento he admirado cada uno de sus nuevos trabajos, por eso me pareció increíble cuando me enteré que la gente detrás de la aplicación de mensajería Line se había contactado con ella para hacerle un set de stickers con sus ilustraciones para ser usadas en la aplicación. Luego de ver la primera tanda de stickers realizada por Ro, me parece estupendo lo que logró. Les agregó características nacionales a sus personajes pero sin dejar de un lado su estilo.

“La gente de Line me encontró en Instagram, no sé como llegaron a mi, lo que demuestra que debes postear tu trabajo en todas las redes que puedas.

Me enviaron un correo y lo primero que pensé es que era Spam, pero el mail era sobre una propuesta para ser desarrolladora de stickers ¡Mencionaban un contrato y todo! Fue algo muy emocionante, luego comencé hablar con el Gerente de Line Argentina, porque mi inglés es muy muy malo, y fueron

Tal vez se debe simplemente a una impresión muy personal acerca de la calidad del diseño creativo en la actualidad, o tal vez tiene que ver con la inmaterialidad de los cada vez más comunes ebooks o libros electrónicos, pero lo cierto es que siento que hoy día el arte del diseño de cubiertas de libros se encuentra en franco declive… por no llamarlo en “período de extinción”.

Basta pasearse por una librería u hojear cualquier catálogo digital para darnos cuenta de que en el mercado no abundan trabajos de alto valor conceptual que logren transmitir de manera fiel el propio contenido del libro al mismo tiempo que aprovechen la tridimensionalidad propia de la obra impresa. Con esto no quiero decir que las portadas de los libros contemporáneos sean “malas”, sino que en general me parece que carecen de “chispa”.

No hace falta que la cubierta esté creada con materiales fantásticos ni troqueles complejos para ser un trabajo genial. Prueba de esto es el impresionante portafolio del diseñador Peter Mendelsund (diseñador senior de Knopf y director de arte de la editorial independiente Vertical Press, entre otros), quien logra sintetizar conceptos sumamente abstractos a través de piezas con un alto valor visual, simples, claras e inteligentes.

muy atentos al tener esta consideración. Siendo una empresa tan grande es interesante que tengan un espacio en Latinoamérica. El paso siguiente fue crear 7 bocetos de muestra, para luego pasar a revisión por el departamento de Arte en Japón. Aquí llegó el momento de los nervios, y me aprobaron. En ese momento mi felicidad fue infinita. Me hicieron el contrato, lo firmé y lo mandé para Argentina, de allí lo pasaron a Japón y me lo devolvieron firmado por el Presidente. Desde ese momento empecé con el desarrollo del primer set de 40 stickers. En total son 120 los que estoy desarrollando, y me dieron completa libertad, incluso me permitieron que usara expresiones Venezolanas sin ningún problema. Me divertí muchísimo, aprendí mucho también. Ahora ya terminé el segundo set de stickers, andan haciendo las correcciones para luego empezar a trabajar con el tercer set. Al mismo tiempo estoy empezando varios proyectos y estoy colaborando con la marca Wizz.”

Tipográficamente correcto ¡QUE NADIE DUERMA EN LA CALLE!

La Nueva Comic Sans

Comic Neue, versión mejorada de la popular fuente Comic Sans, más estilizada y con mayor cantidad de variaciones y pesos tipográficos

Comic Sans es probablemente junto a Helvética, Arial y Times New Roman, una de las fuentes tipográficas más conocidas y utilizadas. Diseñada para Microsoft por Vincent Connare, ha formado parte de todos los productos Microsoft desde Windows 95.

En mi opinión personal, no es una mala fuente. Es una tipografía con un aire infantil que funciona bastante bien en diseños para niños o simplemente para los bocadillos de un cómic, el problema es cuando comenzamos a verla en memos, emails de trabajo, flyers corporativos, menús de restaurantes italianos… y pare de contar.

Mi punto es que existe un universo gigantesco de tipografías horribles en

Una colaboración de Ro para la aplicación Line

la web, de las que nadie habla, pero gracias a su popularidad y al hecho de que está de alguna manera asociada a la idea del “mal diseño”, Comic Sans es la que definitivamente se lleva el premio a la más vilipendiada.

Sin embargo, como podrán ver a continuación, es impresionante lo que un par de retoques pueden hacer. Comic Neue es una nueva versión de Comic Sans, más estilizada y con un rango mucho más amplio de pesos y variaciones, creada por el diseñador australiano y radicado en Japón, Craig Rozynski.

Comic Neue ha sido liberada bajo Dominio Público, así que puedes descargarla gratis y hacer que “tu puesto de Venta de Limonada se vea como una

empresa de Fortune 500.”

El tipo de letra fue lanzado originalmente en dos variantes: Comic Neue y Comic Neue Angular. En este último, las redondeadas terminales que terminan cada trazo se hacen angular. Rozynski afirma que la versión angular era “un feliz accidente”. Ambas variantes incluyen pesos bold, regular, light, y cada peso está disponible en Roman y Oblique.

Poco después del lanzamiento inicial, se anunciaron planes para desarrollar personajes para soportar otros idiomas europeos. En términos de diseño, Comic Neue se ve más delgada que su antecesora, adaptándose bien al nuevo contexto de diseño minimalista y moderno que inunda la web hoy en día.

Generalmente dedico mucho tiempo viendo piezas publicitarias de todas partes de mundo, comerciales, acciones, virales, gráficas, de todo; pero obviamente no muestro acá todo lo que llama mi atención, pero me topé con esto que merecía un espacio.

Para los que siempre está pensando en ideas que pueden de alguna manera cambiar el mundo o simplemente que puedan lograr un impacto positivo en la sociedad, Homelessfonts es una de esas referencias que marca un antes y un después de verla, de cómo tomar algo que está a la vista, con el que convives a diario y convertirlo en algo genial. Y como el nombre lo dice, la idea es ayudar a la gente sin hogar haciendo de su escritura una fuente tipográfica que puedas descargar en tu computador, obviamente comprándola.

Así que si estás buscando una tipografía perfecta para alguno de tus trabajos, este es un buen lugar para comenzar.

“Para crear las tipografías hicimos un taller. Los autores de las letras y un grupo de tipógrafos colaboradores

escribían los abecedarios. Sus autores completaron una plantilla para obtener todas las letras, los números y signos.

Las letras manuscritas pasaron por un proceso de digitalizacion hasta convertirse en tipografías. Los tipógrafos se encargaron de convertir las letras al formato digital sin perder la personalidad de sus autores. Un proceso bonito como resultado, una colección de tipografías únicas y personales que reflejaban el carácter de cada una de esas personas.”

La fundación arrels tiene como filosofía “nadie durmiendo en la calle”, este es su objetivo, sacar de la calle a las personas sin hogar y ofrecerles unas condiciones dignas como personas.

Desde 1987, la fundación les ofrece un techo, atención social y sanitaria; les acompañan en su camino hacia la autonomía.

La fundación arrels se compone de 50 empleados, 250 personas voluntarias y casi 4.000 personas que ayudan mediante donaciones. Su esfuerzo les hace estar cada día mas cerca del objetivo: ¡Que nadie duerma en la calle!.

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DOMINGO 03 DE ABRIL DEL 2016

eBooks de Diseño Gráfico Hotel de Papel Colección de Libros de Diseño Gráfico para descargar gratis Ilustraciones que representasen el espíritu fresco

Colección de Libros de Diseño Gráfico, en español e inglés, para descargar Gratis en formato PDF, incluyendo tópicos como Fundamentos e Historia del Diseño, Teoría del Color, Tipografía, Identidad Visual, Diseño para dispositivos móviles, Recomendaciones para Freelancers y más.

Toda mi vida he sido un fiel seguidor de la formación autodidacta. Aunque no desprecio –para nada– la educación formal o académica, considero que en estos tiempos la Red pone a nuestra disposición un universo casi ilimitado de recursos en cualquier área del aprendizaje, a través de herramientas tan diversas que van desde los foros, pasando por los tutoriales y vídeo-tutoriales, hasta los eBooks y plataformas de aprendizaje virtual, muchas de las cuales puedes utilizar de manera gratuita bien

sea para formar una base introductoria como también para ampliar tus propios conocimientos avanzados.

Sin embargo, en el caso del Diseño Gráfico, aunque abundan los sitios web y blogs dedicados a enseñar técnicas para lograr efectos en programas de Diseño (de Gimp a Photoshop, búscalo y lo encontrarás), siento que no existen tantos recursos cono desearíamos en lo que a Historia y Fundamentos del Diseño se refiere, los cuales son un elemento necesario en la formación de todo diseñador.

En este artículo quiero compartirles una colección de Libros de Diseño Gráfico para descargar gratis (algunos en español, algunos en inglés) en los que podrán encontrar información sumamente completa acerca de temas como Historia del Diseño, Teoría del Color,

Principios de Gestalt, Significados del Diseño, conceptualización y creación de Identidad Visual, reglas en el uso y la creación de Tipografías, técnicas para la creación y conceptualización de Diseño orientado a Dispositivos Móviles, recomendaciones para el Diseñador Freelance, entre muchos otros. Dictadura del Diseño. Notas para estudiantes molestos” por Carlos Carpintero es el libro ideal para el profesional o estudiante de diseño interesado en conocer el pensamiento de un diseñador latinoamericano contemporáneo que dedica su inteligencia a hacer preguntas incómodas, a poner en duda lo establecido; y no por pura rebeldía sino con la intención de encontrar respuestas que ayuden al crecimiento de la profesión.

La cadena de hoteles ibis Styles organizó un concurso para crear una serie de ilustraciones que representasen el espíritu fresco, divertido y con alta calidad de diseño, que caracterizan los más de 1700 establecimientos que posee en todo el mundo. La propuesta ganadora, que pueden ver a continuación, viene de la mano de la joven artista sueca Fideli Sundqvist, quien elaboró estas hermosas y coloridas ilustraciones a partir de piezas de papel, recortadas y ensambladas a mano.

Podrán ver parte del proceso creativo en un vídeo de YouTube. No deja de parecer súper entretenido escuchar la voz de la artista, sin ningún tipo de traducción y apreciar la belleza fonética del idioma.

“Psico Typo: Psicología Tipográfica” por Jessica Aharonov Un completo manual que explica la importancia de la tipografía desde el punto de vista de su impacto psicológico y en como una pieza de diseño puede ser malinterpretada por el mal uso de una fuente tipográfica. Incluye una completa cronología de la evolución de la tipografía, desde la escritura cuneiforme hasta nuestros tiempos. Por la diseñadora venezolana Jessica Aharonov (Revista Estampas y diario EL Universal).

Siéntate y estaciona tu bicicleta en oYo

Diseño y Ciudades de Borja Bonaque Los trabajos del diseñador español Borja Bonaque tienen un estilo que me recuerda a las ilustraciones arquitectónicas de principios del siglo pasado (con un grano de constructivismo, otro de futurismo y una buena dosis de publicidad editorial norteamericana de los años 30), en el que las formas geométricas se entremezclan de una manera sólida y compacta, para mostrarnos escenas urbanas en donde las estructuras aparecen como personajes principales de la composición, símbolo del progreso y la construcción de obras magnánimas que trascendían al individuo.

Dejando de lado todo este gamelote lleno de ismos, Borja nació en Valencia en 1985 y se licenció en la Facultad de Bellas Artes en la Universidad Politécnica de Valencia. Mientras cursaba sus estudios, comenzó a trabajar como freelance para diversas agencias de publicidad en España y el extranjero, especializándose en diseño publicitario e ilustración editorial.

Dentro de sus clientes se encuentran grandes publicaciones tales como Wired Magazine, Wallpaper, Shop Magazine, Financial Times, entre otros.

La sangre en el ojo de Marco Villar Caracas debe, y puede, moverse diferente Desde hace varios meses le he agarrado muchísimo cariño a las bicicletas.

Empecé esta relación con una que estaba por allí que era de mi padre, así fue como comencé a recorrer Caracas a pedal. La experiencia resultado de esto fue encontrarme con una manera distinta de ver la ciudad que te genera la tentación de convertir la bicicleta en el medio de transporte de todos los días y a toda hora. Pero mientras más manejas bicicleta, te encuentras muchas deficiencias a nivel de planificación para el tráfico. Si utilizamos a la capital como ejemplo, encontraremos una ciudad que tiene que recorrer un gran camino para ser un espacio más amable para el ciclista, pero también creo que se puede ser bastante optimista ya que hay varios

grupos como Masa Crítica y BiciMamis que no solo están en Caracas, sino que también se encuentran en otras ciudades del interior del país, discutiendo, reflexionando …y sobre todo, movilizando a las personas a que se suban a pedalear. Entre todas estas iniciativas que están naciendo para impulsar el movimiento por los pedales, me encontré una que cabe perfectamente en Arteria puesto que tiene varios elementos que la hacen un proyecto genial.

Sus creadores son AGA Estudio Creativo y su apuesta nace con un diseño diferente que responde a la necesidad que tienen las ciudades para adaptarse a las bicicletas, a través de un mobiliario urbano multiuso, que funciona como estacionamiento de bicicletas y a la vez

también es un asiento-baranda. Sí, todo esto resumido en un diseño que utiliza materiales que lo convierten en una pieza que, espero, se multiplique por todas las esquinas. Pensado para adaptarse a cada espacio, oYo se convierte en uno de los engranajes que debe ser parte de los planes para impulsar el ciclismo en nuestras ciudades.

En estos momentos la gente de AGA está en conversaciones con entes municipales, empresas privadas y personas en general, para tratar de que podamos ver este proyecto en las esquinas de nuestras ciudad, y sobre todo para que podamos estacionarnos o sentarnos en ellos, lo más pronto posible.

Cada tanto me pongo a darle un ojo a las revistas que tengo en casa, siempre que las abro estoy buscando algo en particular, es así como me encontré con el trabajo del ilustrador chileno Marco Villar A.K.A SangreEnElOjo, entonces corrí a contactarlo para que me contara un poco sobre su trabajo.

Como casi todos nosotros comenzó a pintar desde niño, pero para él esto se convirtió en una pasión y desde chico ya sabía que quería dedicarse a esto. En su juventud cursó algunos años de Licenciatura en Artes Visuales, donde aprendió las herramientas que necesitaba, y aunque no pudo continuar sus estudios, siguió en la búsqueda de su propio es-

tilo; En este momento está cursando el último año de Diseño Gráfico sin dejar de trabajar en proyectos como freelance, que lo han llevado a realizar piezas para agencias de publicidad, productoras, además de colaborar en proyectos de corte educativo y cultural.

“Mi inspiración es variada. Me gusta diseñar personajes, hacer lettering y fan art de vez en cuando. A veces me inclino por los temas políticos y sociales, otras veces de la nada surgen ideas más raras… siempre debatiéndome entre los vectores y la tableta digitalizadora o bien mezclando ambos lenguajes.”

Oriana Suarez oris@arteria.com

Pajarito de Mimbre Los libros toman vida Pajarito de Mimbre, un proyecto chileno que nace de la mano de las diseñadoras Fita Frattini y Alejandra Oviedo, quienes desde el nido se encargan de hacer textos e ilustraciones y de estas historias nacen muchos objetos pensados para niños, siempre con temas que enseñen cosas a grandes y chicos, como el medio ambiente, el entorno, la cultura, de todo lo que puede nutrir nuestra mentes. Todo elaborado de forma artesanal y con mucho cariño.

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On The Wook: Identidad Gráfica A través de las casualidades del internet y esos momentos de procrastinación, hace unos meses me topé con el restaurante de comida rápida asiática On The Wok. Cuando me puse a escudriñar a fondo, lo que encontré fue un lugar con un branding realmente impecable: todas las piezas se veían increíbles, impregnadas al máximo con iconos de la cultura asiática y hacía que quisiera salir de una a visitar este local ubicado en Caracas, específicamente en Los Palos Grandes. Luego de ese primer encuentro con los colores del local, en donde te sirven en cajitas como las de los típicos restaurantes de cómida rápida asiática, nos llegó a través de nuestra sección Participa, un correo de Oscar Bastidas, mostrándonos todas las piezas que había generado para el restaurante.

Ya una vez habíamos chocado con el trabajo de este venezolano y habíamos publicado una reseña de sus ilustraciones, y ahora lo encontramos una vez más aquí, solo que esta vez enfocado en estas piezas gráfica con una paleta de colores que no sale del amarillo, rojo y marrón, y que como él mismo explica, mezcla la iconografía asiática y occidental, como mood preponderante del concepto gráfico de este peculiar lugar.

Una Baraja para Diseñadores The Design Deck es un juego de naipes creado por el diseñador Ben Barrett-Forrest, que te permite mezclar el placer de una buena partida de Póquer (Blackjack o tu juego de naipes preferido) mientras aprendes acerca de Diseño Gráfico.

El set completo incluye 52 cartas, cada una de las cuales presenta información de tópicos tales como estrategias para el buen diseño, principios y conceptos fundamentales del diseño, cómo clasificar fuentes tipográficas, citas de diseñadores famosos, entre otros.

Lanzado inicialmente como una campaña Kickstarter, la idea logró recaudar rápidamente casi 30 mil dólares, aunque solo necesitaba 600.

Hoy en día ya puedes adquirirla por el módico precio de $22 CAD, así que si conoces a un diseñador que esté próximo a celebrar su cumpleaños, este es definitivamente un tremendo regalo.

Patrones Vertigográficos Como podrán notar, llevo algún tiempo pegado con los diseños basados en patrones de formas geométricas y colores brillantes, tales como los trabajos de Sir Eduardo Paolozzi, las ilustraciones digitales de Andy Gilmore y recientemente, los diseños del venezolano José A. Ortiz, entre tantas otras de las recomendaciones que han estado rodando a través de nuestro Twitter, Facebook, Google+ y Pinterest. Si comparten esta pasión, no pueden dejar de ver la extensa galería con más de 700 patrones que realizó el diseñador checo Zdenek Hojsak, también conocido como VertigoGrphx.

Aquellos que estén interesados en descargarlos en formato vectorial, pueden Hace un poco más de 6 años, hemos conseguirlos todos en su tienda. visto nacer muchas marcas y proyectos de nuestro país, algunos han logrado acompañarnos todo este camino y otros lamentablemente no sobrevivieron en el tiempo. Pero lo importante para nosotros es que todos los días vemos cómo Una marca que viene de la mano de siguen naciendo nuevas marcas, y que Alejandra Lloret y Ricardo Jimenez, más y nuevos emprendedores logran quienes en la búsqueda de ofrecer procumplir sus sueños de hacer lo que les ductos para el hogar y accesorios de digusta y compartirlo con nosotros, como seño realizados en Venezuela, se unen es el caso del trabajo de la diseñado- e el 2011 para crear todo tipo de piezas ra gráfica multimedia Marieli Chacón, muy originales. Encontrarás relojes de quien tiene varios años trabajando en pared, servilleteros, candelabros, sujeagencias de publicidad manejando mar- talibros, vineros y sujeta copas, todos en cas como DIRECTV, Ama de Casa, Wye- acrílicos de colores.

Este año además vienen con una th, Subway y Master Card entre otros, y que actualmente dedica su tiempo entre colección de accesorios llamada “Geosu trabajo habitual en Térmica Estudio metría Infinita”, donde las formas toman el protagonismo, convirtiéndose en el Creativo y su marca Souffle. complemento perfecto para cualquier “Este es un proyecto que ella tenía mujer con actitud y mucha personalien mente desde hace varios años, bus- dad, porque definitivamente captará la cando un lugar donde poder expresar mirada de muchos versátiles. su creatividad libremente, usando como lienzo sudaderas y franelas (poleras, remeras, playeras) para chicos y chicas con diseños únicos, siempre bajo la lupa de su creadora, quien se encarga de que cada detalle salga a la perfección. En esta primera colección me inspiré en las formas más básica que conforman todo lo que nos rodea (en este caso a los animales), figuras geométricas y también me encanta toda esta tendencia de bajos polígonos. Comencé a desarrollar síntesis gráficas basándo- Si eres amante de la animación, la ilusme en esa estructura visual. Así nació tración, la creatividad y estabas espeAnimalpoly, una colección de franelas rando un evento de carácter internaciopara damas y caballeros, una prenda nal pero en Venezuela, entonces no te cómoda, con detalles de corte muy ori- puedes perder OFFF Caracas 2013. ginales.” Más adelante nos sorprenderá Este festival ya tiene más de una décon el protagonismo de colores cítricos cada rodando por ciudades como Lisy otras texturas, simultáneamente será boa, Nueva York y París, pero en esta lanzada junto a Agua Salada, dedicada oportunidad visita nuestro país con a los más chicos de la casa. muestras, charlas y workshops con invitados nacionales e internacionales, como Sara Blake, The Mill, Hydro74, Field, Pablo Iranzo, Sergio Moreno, Totuma, Ghostlab, Joshua Davis, Freakstore, Threz, Revista Now, Madkick, Datapunk, Devoner, Los Burundanga, tarjetas con diversas tipografías hechas Super Cartel y Memorabilia (Reseñas de totalmente a mano utilizando lápices, la Nona).Así que prepara tu permiso en el trabajo, en la universidad o invéntate bolígrafos, tinta negra y pinceles. una enfermedad para que puedas estar “El reto consistía en no usar la compu- el 5 y 6 de noviembre en el Teatro Chatadora, no tenía permitido hacer reto- cao, las entradas las puedes adquirir en Ticketmundo y entradas del Teatro. ques digitales.”

Souffle al estilo venezolano

algunos han logrado acompañarnos en todo este camino y otros lamentablemente no sobrevivieron en el tiempo

Acrílico y color en todo - Zoet Design

Festival OFFF Caracas Este festival ya tiene más de una década rodando por ciudades

Una experiencia tipográfica hecha a mano BOB DYLAN “SUBTERRANEAN HOMESICK BLUES” El diseñador gráfico Leandro Senna estuvo pensando en desarrollar un proyecto personal que le permitiera permanecer lejos de la computadora por un tiempo y volver a las raíces del Diseño.

Aprovechando sus conocimientos y ha-

bilidades en el Diseño Tipográfico, se inspiró en el video oficial de Bob Dylan “Subterranean Homesick Blues” en el que mientras la canción transcurre, Dylan pasa cartas con fragmentos de la letra.Eso lo llevó a realizar tarjetas con

tipografías hechas a mano que narran la canción, y sin darse cuenta terminó escribiendo toda la letra en lugar de solo pequeños fragmentos como hizo Dylan.

La realización del proyecto le tomó un mes completo; está compuesto por 66

ESCENA 10

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Cultura en Crítica: Frida Kahlo se reinventa en el Microteatro José Jesús González, dramaturgo y director venezolano, trae a escena su propuesta dramática, acerca del único cuadro que vendiese en vida Frida Kahlo: “Las dos Fridas”, logrando un resultado balanceado, enérgico y conmovedor José Jesús González, dramaturgo y director venezolano, trae a escena su propuesta dramática, acerca del único cuadro que vendiese en vida Frida Kahlo: “Las dos Fridas”, logrando un resultado balanceado, enérgico y conmovedor.

En esta entrega mis valoraciones críticas a profundidad, reposan en un texto fraguado a partir de lo escrito por un servidor en plena función, contrastado con las opiniones del dramaturgo y director José Jesús Gonzáles y las actrices Anabel Lobo y Yarmila Guaramato, quienes encarnan el ego y el alter-ego de Frida Kahlo. Se logra en tan sólo quince minutos sintetizar los aspectos mas relevantes de la vida y obra de Frida Kahlo, despertando en el público, el deseo de indagar acerca de este vital personaje latinoamericano.

El acertado valor de la propuesta escénica radica no precisamente en ser en extremo profundo en cuanto a la biografía de Frida, sino adentrar al espectador a una lectura plástica , un paseo memo-técnico a través del hilo conductor del trabajo de actor. En el cual el espíritu de Frida Kahlo toma la escena, llenándola de recuerdos, anécdotas y el reconocimiento de los pasajes de su vida.

Con la observancia de una puesta rica en contenidos semióticos, que nos envuelve en una percepción pictórica sin precedentes, concebida para un formato de teatro breve, en 15 minutos.

Generando la sensación en el espectador que conozca o ame a Frida, que se le rinde un homenaje y aquel que no la conozca aún, desea profundizar en su historia. En este testimonio escénico, el ego y el alter ego se nos presentan como catapulta del arsenal interpretati-

vo de las actrices, que crecen en la escena con el signo de una avalancha de gestos, transiciones, desplazamientos escénicos e ímpetu que se traduce en vértigo. Anabel Lobo y Yarmila Guaramato, comprometen al espectador con su nivel energético, por momentos en alternancia, lo cual puede acercarle a concluir al público, que estamos en presencia de un desnivel interpretativo, sin embargo pronto comprendemos que al profundizar en el trabajo de Yarmila Guaramato, identificamos que representa a la Frida Kahlo histórica, costumbrista, portadora de una personalidad mexicana reservada, de herencia indígena.

La cual se contrapone a la otra Frida, la llevada a cabo por Anabel Lobo, quien representa a la muerte, al arrojo, su personalidad helénica, la que se alzó con la revolución como memoria, la altanera, controversial, bisexual y visionaria. Es allí cuando el público comprueba que el trabajo de dirección fue meticuloso, una filigrana de demarcaciones interpretativas, manejo de la libertad del talento de las intérpretes. Alcanzando equilibrio en el exponer cada actriz sus aportes interpretativos, según el temperamento escénico y entrega en esta función. Si alguna fisura es observada, al ser captada por el ojo del espectador acucioso, se comprende, porque la entrega emotiva y orgánica es eco en cada uno de los roles interpretados. Lo observado en el texto dramatúrgico El texto es portavoz del ingenio, al acercarse a ser un denunciador de los acontecimientos históricos del personaje Frida Kahlo, el cual entre el discurso poético y costumbrista contemporáneo, se nos permite desnudarlo, despejarlo de su reserva. Los pasajes literarios o

dramatúrgicos, se anuncian a través de los límites de la tragedia, la comedia, el drama, intentando en su visión acercar al público a la identidad de este personaje latinoamericano y al mismo tiempo en el calor de las palabras, el texto evoluciona, con las inserciones interpretativas de las actrices. Lo destacable en el gesto.

Las máscaras teatrales son fácilmente diferenciadas resultando un trabajo elocuente, vertiginoso de cada intérprete, aunque mayormente visible en la actriz Anabel Lobo. Ambas, más allá del compromiso de teatralidad, el espectador se llena de su naturalidad, verosimilitud, de un vértigo expresivo propio del trabajo de actor estudiado, pulso a pulso. La certeza se apodera de la escena a través de una explosión interpretativa, que invita al espectador a ser cómplice de las acciones y a la vez un instrumento, para ser manejado con la historia planteada. Cada escena permite que el público reconozca un cuadro pictórico que cobra vida a través del hecho dramático. No pudiendo escapar de discernir entre la riqueza expuesta como obra plástica o montaje y el valor interpretativo que lo impacta. O tal vez el deseo que estos quince minutos se conviertan en más de una hora de espectáculo, para seguir indagando en la propuesta de José Jesús González, y disfrutando des espectáculo interpretativo de Anabel Lobo y Yarmila Guaramato, que nos hacen contemplar la vida de Frida Kahlo.

En una próxima entrega, las entrevistas con José Jesús González, Anabel Lobo y Yarmiula Guaramato.

Venezuela disfruta por primera vez de la adaptación de “Como agua para chocolate”

La historia que envuelve esta propuesta teatral, sin duda alguna de gran arrojo, basada en la obra de la Novelista, guionista y autora, Laura Esquivel Por primera vez en Venezuela este clásico es adaptado de la novela de la célebre mexicana Laura Esquivel, llevada a las tablas del teatro venezolano, dentro del marco del II Festival de Jóvenes Directores. Esta obra se estará presentando desde el 17 de abril al 25 de mayo, en el Espacio Plural del Trasnocho Cultural, ubicado en el CC. Paseo Las Mercedes, en Caracas.

La historia de Tita, una joven de belleza resguardada, que vive un amor prohibido dentro del contexto familiar que la oprime, es la fuente de inspiración para Julián Izquierdo. La sensibilidad humana, los efectos de la represión, la fuerza del amor y las recetas culinarias, atrapan al espectador dentro de su intensión, aunque le dejan hambriento de actuaciones trascendentes. Quizás el haberla visto en ensayo general, justifique en parte el débil brillo de las interpretaciones, considerando que es una obra para festival, esta justificación adolece de fuerza, imponiéndose el valor por el dominio de lo escénico y el anhelado recurso interpretativo, concebido para ofrecer una función más resuelta.

Para sustentar las primeras valoraciones en esta primera entrega, nos permitimos adentrar a nuestros lectores y televidentes, en la historia que envuelve esta propuesta teatral. ¿A partir de qué se desarrolla la historia?

Laura Esquivel nació en Ciudad de México en 1950 y comenzó su carrera como maestra y guionista de cine, actividad en la que obtuvo amplia trascendencia, por la que fue premiada en diversas ocasiones. A raíz de la publicación en 1989 de “Como agua para chocolate”, su primera novela, se convirtió en una de las escritoras mexicanas más importantes de su generación.

En esta novela “Tita” una apasionada cocinera, está condenada a permanecer soltera, cuidando de su autoritaria madre hasta que ésta muera. Pero se enamora de Pedro quien, para estar cerca de ella, se casa con su hermana Rosaura. Las recetas de Tita determinan el paso de las estaciones de su vida, siempre coronados por la ausencia de Pedro, la carencia del amor y la comprensión. En ésta obra, Tita deja sus re-

cetas para la posteridad y permite que el lector se conecte o sea parte de los días en los que habían sido preparadas, expresando diferentes situaciones y estados. Surge así grandes represiones ideológicas, Tita no escapa de los cuestionamientos sobre la vida misma, la libertad, las injusticias y sobre todo lo que le está prohibido. Su país, México, atraviesa por una Revolución y ella decide con su verbo culinario, intentar filosofar hallando el camino de la libertad, la misma libertad que buscan los revolucionarios, pero ella la comienza desde su rancho, intentando cambiar esas ordenanzas e imposiciones que le han sido impuestas y soportando para ello los constantes abusos de su Mamá Elena. Tita es además de una excelente cocinera, un personaje en extremo sensible y en profundo contacto con su espiritualidad. Ya que la cocina era para ella una actividad que la desvinculaba del mundo represor y le permite el acceso a su propio mundo, siendo capaz de reflejar en sus platos sus estados de ánimo y contagiarlos a todos los comensales, al público en esta propuesta.

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Teatro de la Ópera de Maracay ahora cuenta con 380 luces que iluminan su exterior Un aproximado de 380 luces forman parte de la iluminación monumental con el que ahora cuenta el exterior del Teatro de la Ópera de Maracay (TOM), espacio cultural restaurado por el Gobierno Bolivariano del estado Aragua, cuya reinauguración ha sido anunciada para el próximo 30 de octubre. Giancarlo Merlotti, representante Altrom C.A, empresa encargada de instalar este sistema, explicó que luego de realizar la iluminación de la plaza Bolívar de Maracay, el gobernador Tareck El Aissami les solicitó integrarse en las obras de restauración de este Patrimonio Cultural de la Ciudad Jardín.

“Hay aproximadamente unos 15 mil metros de cable de potencia, en un voltaje de 220 voltios. Hay 5 mil metros de cables de computación, que es un cable especial verde y hay aproximadamente 380 luminarias en el exterior del teatro”, detalló el ingeniero y puntualizó que solo en el piso de la entrada hay 168 luces, similares a la estrella que se ilumina en la plaza Bolívar.

Destacó que la empresa a la que representa trabajó de la mano del Grupo MCI, prestigiosa firma española, considerada como unas de las mejores fabricantes del mundo, en relación a las piezas de iluminación.

En este sentido, el especialista comentó que se empleó un dispositivo novedoso, creado por la referida empresa española asesora. “Es una goma

flexible iluminada, un producto autóctono de esta empresa que es Grupo MCI, que sirve para hacer contornos, porque nada más se ilumina ella sola, es para darle profundidad real”, dijo. Uno de los objetivos de la iluminación monumental es resaltar los aspectos arquitectónicos de las infraestructuras, en horas nocturnas, para que las personas tengan la posibilidad de apreciar detalles que son apreciados con la luz del día. En los últimos días, los maracayeros que se han transitado en horas de la tarde por el centro de la capital del estado, han sido testigos de las pruebas de la iluminación monumental del TOM, proceso que se efectúa para elegir colores, formas y evaluar el funcionamiento de este sistema. “El teatro va a gozar de una iluminación arquitectónica majestuosa, sin palabras y sin precedentes.

De verdad creo que no hay monumento en el país que le llegue y de Venezuela te puedo garantizar que va a ser el más moderno”, destacó Merlotti.

La empresa representada por Merlotti se encargó además de la iluminación del sistema de seguridad de la sala, que consta de perfiles que iluminan cada escalón y las numeraciones de las filas, pensados para no encandilar al público.

“Cuenta con un sistema de respaldo de batería a la hora de que se va la luz ellos permanecen encendidos tres horas, entonces la gente tiene la posibilidad de la sala organizadamente.

Teatro Nacional: recinto cultural para el pueblo “Hacía falta para que actores venezolanos tuvieran el medio adecuado para exhibir sus habilidades y expresar el fruto de su inteligencia” Durante el gobierno del general Cipriano Castro, se decretó la construcción de un nuevo recinto para el entretenimiento y eventos culturales de Caracas, en virtud de que “hacía falta para que actores venezolanos tuvieran el medio adecuado para exhibir sus habilidades y expresar el fruto de su inteligencia”, según reza el Decreto del Ejecutivo que lleva fecha 23 de junio de 1904.

Este nuevo coliseo se denominó Teatro Nacional. Es así como se inicia el proceso de modernización de la ciudad en cuanto a edificaciones, tomaron parte en la construcción del edificio el arquitecto Alejandro Chataing, autor de los planos y a quien se le encomendó la ejecución y dirección de la obra, el afamado pintor Antonio Herrera Toro, el escultor español Ángel Cabré y el maestro ebanista venezolano Jesús María Jiménez. El edificio fue construido bajo un estilo correspondiente a la arquitectura francesa, con una superficie total de un mil 300 metros cuadrados.

La fachada principal del área cultural se compone de dos grandes pilones formados como elementos, adornados de grandes grupos que representan la comedia y la tragedia, ornamentación que realizó el escultor Cabré. Las fachadas laterales son del mismo estilo: los cimientos se hicieron de concreto; los muros de mampostería, ladrillos, morteros de cal, cemento, el armazón interior de hierro; el techo de hierro doble galvanizado y el pavimento de madera y mosaico. Cabe resaltar que todo el edificio está encadenado, razón por la cual el Teatro no sufrió con el terremoto de 1967. La sala principal en forma de

herradura, tiene 15 metros de diámetro y está compuesta por tres pisos, donde se distribuyeron las localidades aptas para recibir cientos de asistentes.

El plafón central del techo de la sala está compuesto por cuatro grandes cuadros, pintados por Antonio Herrera Toro, que representan: la danza, la música, la comedia y la tragedia. Además de la sala principal, Herrera Toro decoró también la sala de espera y el foyer; el maestro ebanista Jiménez trabajó en lo que es el vestíbulo y otros espacios.

La inauguración del Teatro Nacional se efectuó la noche del 11 de junio de 1905, a un año de la fecha en que fue decretada su construcción. Todavía queda el eco de los aplausos, risas y alegrías de las personas que han pisado el lugar con la intención de vivir una experiencia llena de emoción y regocijo, así como también los que van a llorar y formar parte del drama que ofrece en cada función. El recinto cultural, ha sido escenario de diversas muestras artísticas, óperas, zarzuelas, musicales, festivales, obras para adultos y niños, demás puestas en escena de diversos temas. Con la llegada de la Revolución Bolivariana empezó un proceso de recuperación de espacios históricos que a través de la Alcaldía de Caracas, es necesario mencionar la diferencia extrema que sufre el Teatro en nuestros días, comparándolo con los tiempos de la Cuarta República en donde las artes escénicas eran exclusivas para el disfrute de la clase alta, dejando de lado al pueblo humilde, bloqueando así su proceso de aprendizaje cultural y frenando el alcance de las artes.

ESCENA 11

Bertolt Brecht revolucionó las artes escénicas El teatro épico en alemán: Episches Theater, es también conocido como el teatro de la alienación o teatro de política. El mismo surge a principios del siglo XX, intrínsecamente ligado al director alemán Bertolt Brecht que promulgaba el compromiso político y abogaba por el teatro de tipo social, comprometido con los problemas de la época. Aunque muchos de los conceptos relacionados con el teatro épico habían existido durante años o incluso siglos, Brecht los unificó, desarrollando y popularizando el estilo. Más tarde, Brecht preferiría el término «teatro dialéctico» para enfatizar el elemento de la argumentación y la discusión. En sus planteamientos se asume que el propósito de la obra, más que el entretenimiento o el mimetizar la realidad, era presentar ideas e invitar al público a hacer juicios acerca de ellas.

Los personajes no deben imitar a las personas reales, sino representar los lados opuestos de un argumento, de arquetipos o estereotipos. El público debería siempre ser consciente de que está viendo una obra de teatro, y debería permanecer a una distancia emocional de la acción; Brecht describió este ideal como Verfremdungseffekt o efecto de extrañamiento o alienación. Es lo contrario de la suspensión de la incredulidad del teatro. El público debería siempre ser consciente de que está viendo una obra de teatro, y debería permanecer a una distancia emocional de la acción, Es lo contrario de la incredulidad del teatro.

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EMPAQUE 12

Arepa’ llevar

Para comer en el camino Este proyecto lo vimos hace muchos meses y, típico, ninguno de nosotros podía encontrar el tiempo para armar la reseña. Pero como “mejor es tarde que nunca”, les mostramos Arepa pa’ llevar, donde Diego Frayle y Duriana Rodríguez siendo estudiantes de la escuela Elisava de Barcelona realizaron el diseño ideal de marca y empaque para una cadena de arepas para llevar. La arepa es una de las comidas típicas de Venezuela y Colombia, info importante si nos estás leyendo de cualquier otro lugar del mundo. Cada uno de los empaques está diseñado en cartón plegado que no necesita pegamento para su armado, con formas especiales para llevar y comer cómodamente en cualquier lugar, con gráficos divertidos y simples que representan los nombres típicos de los rellenos de las arepas.

Una manera de darle un toque actual y más juvenil a este alimento tan tradicional. El objetivo consistía en crear un sistema de empaques take away para “arepas” (un alimento tradicional y emblemático de la gastronomía de Venezuela y Colombia). Arepa’ apunta a un público joven que no tiene tiempo y quiere alimentarse bien. La propuesta consiste en una serie de empaques de cartón plegado sin adhesivo, ensamblados manualmente que facilitan su transporte y forma de consumo del producto. La identidad gráfica representa a través de divertidos personajes los nombres típicos que a lo largo de los años han denominado a los distintos tipos de arepa resaltando su origen y su variedad de ingredientes.

Reinventando la Caja de Cartón Henry Wang y Chris Curro, dos estudiantes de ingeniería de la Escuela de Ingeniería Albert Nerkeen, han tenido la genial idea de reinventar la caja de cartón. Puede sonar como una cosa trivial, pero lo cierto es que el método moderno de producción de cajas para embalaje y envío de productos de consumo masivo tiene grandes fallas en su diseño: utilizan más material del necesario, son difíciles de ensamblar y requieren de cinta adhesiva (no reciclable) para su sellado, que además dificulta su posterior desempaquetado.

Bautizado como el Rapid Packing Container (Contenedor de Empacado Rápido), este prototipo de caja ofrece un diseño que permite ensamblar la caja en pocos segundos, utilizando entre 15% y 20% menos de cartón que las cajas normales (lo cual significa que se salvan millones de árboles y tiene un importante impacto ecológico), contando además con una cinta de cera adhesiva para cerrarla de una manera sencilla.

Desde el punto de vista del consumidor, es mucho más fácil de abrir que las cajas normales, pues no requiere que manipulemos una cuchilla para cortar la cinta. Adicionalmente, son reversibles y reensamblables, de manera que podemos darles una segunda vida, libre de etiquetas y logotipos de fabricantes, como mencioné anteriormente, es solo un prototipo y se encuentra aún en proceso de desarrollo y registro de patente, pero me llena de emoción poder presenciar el nacimiento de lo que tal vez se convertirá en el estándar de algo que manipularemos día a día en el futuro.

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DOMINGO 03 DE ABRIL DEL 2016

McDonald’s cambió el diseño de sus empaques ¿Año nuevo, imagen nueva? Eso es lo que cree la multinacional de comida rápida McDonald’s que hoy presentó sus nuevos empaques, como parte de la estrategia de la compañía de dejar atrás el horrible 2015 que vivió. Te mostramos los nuevos diseños para que tengas una opinión.

La cadena de restaurantes de comida rápida McDonald’s tiene alrededor de 36 mil 258 establecimientos en el mundo, la mayoría funcionan bajo el esquema de franquicias y la compañía genera 27 mil 440 dólares en ingresos cada año, según datos de Statista.

Se estima que la marca McDonald’s tiene un valor de 81 mil 162 millones de dólares. Pero eso no significa que la empresa la tenga fácil en el sector de los alimentos.

Durante los primeros meses de 2015 McDonald’s comenzó a resentir el descenso en las ventas en sus tiendas de Estados Unidos y eso afecto el valor de las acciones de la compañía, que según Google Finance eran de 88 dólares por acción en enero, pero la recuperación llegó en el último trimestre y hoy tienen un valor de 115 dólares. En el inter, la

multinacional despidió a su CEO. Parte de los esfuerzos de McDonald’s para recuperar la confianza de los consumidores, que comenzaron a buscar alternativas “más saludables” como Chipotle, fue el hacer cambios en el menú, dar ciertos giros a sus campañas de marketing, como darle una nueva imagen al Hamburglar, y ahora presentó un nuevo diseño de empaques que será global.

De acuerdo con un comunicado de la compañía de hamburguesas, a partir de este mes los restaurantes localizados en Estados Unidos tendrán nuevos empaques para las bolsas, vasos de papel y cajas de los productos. Durante el año los nuevos diseños llegarán a los establecimientos de todo el mundo. Según McDonalds, además de que los empaques son “divertidos y modernos”, que podríamos resumir como tipográficos y con una nueva paleta de colores, tiene un compromiso con usar materiales 100 por ciento reciclados para 2020.

Uno de los competidores de McDonald’s, Burger King, también realizó un rediseño de empaques en julio pasado pero la nueva imagen no ha llegado aún a todos sus restaurantes.

Elegir entre Capitán América o Iron Man Pizza Hut se ha aliado con Marvel para la promoción de su película “Captain America: Civil War” Pizza Hut se ha aliado con Marvel para la promoción de su película “Captain America: Civil War” y poder así ofrecer a los fans de estos personajes, la posibilidad de asumir en que bando desean estar, tal como sucederá en la nueva producción cinematográfica por estrenarse.

Para ello han creado una promoción en la que además de permitirles expresar su apoyaran a Iron Man o al Capitán América y verlo reflejado en las cajas, donde aparecen cada uno de los personajes, podrán tener acceso exclusivo a contenido nunca visto, a través de la web de la marca en Estados Unidos,

además de concursos sobre los personajes, para divertirse mientras se espera por la pizza. Otra marca que recientemente ha cambiado, pero de forma más permanente sus empaques, ha sido Domino’s Pizza en Reino Unido, con un excelente diseño que representa a la perfección su logo. Y en el caso de darle un uso adicional a las cajas de pizza, antes de reciclarlas, destaca la idea de la cadena Pizza Hut pero en Hong Kong, donde han creado esta caja que luego se convierte en proyector, para poder compartir una película desde el móvil, si no se tiene una pantalla de mayor tamaño.

Domino’s Pizza

Un empaque que refleja a la perfección el nombre de la marca

Domino’s Pizza es un nombre más que establecido en el imaginario del público, sin embargo, en esta ocasión en vez de enfocarse en el su producto estrella, las pizzas, han decidido prestar atención a su packaging para llevar al máximo la expresión de su logotipo. De allí, estas nuevas cajas, que cual fichas de dominó, que se están ofreciendo en Reino Unido para marcar la diferencia.

Las explicaciones brindadas por el representante de la empresa encargada del diseño en Reino Unido, Jones Knowles Ritchie, y publicadas en The Dieline, señalan que esta nueva estrategia está relacionada con el hecho de que el empaque “había sido sobrecargado con mensajes genéricos que han tenido poco impacto en los consumidores. La marca había quedado relegada a un pequeño respaldo en la caja. Nuestra

tarea era hacer de Domino’s el artículo definitivo, rediseñando sus cajas en Reino Unido”. Uno de los factores determinantes de esta decisión ha sido el que en Reino Unido, un 96 por ciento de las pizzas de esta cadena se venden en pares, lo que ha permitido la ejecución de la idea, de que las cajas sean cada una, la mitad de una pieza del juego de mesa, en los colores de la marca.

Según la agencia de diseño lo que se buscaba era “celebrar el carácter único y distintivo de marca de Domino’s, al hacer este diseño simple y carismático. Y comenzamos removiendo toda comunicación genérica de las cajas, para enfocarnos solo en lo que tiene Domino’s: su logo icónico rojo y azul. Una ingeniosa propuesta que no puede ser más representativa de su nombre…

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DOMINGO 03 DE ABRIL DEL 2016

LA VERDAD SOBRE CÓMO PENSAMOS LAS MUJERES Yolanda Morales y la ilustradora Andrea Chavarín son las creadoras de la “Señorita Lechuga” La periodista Yolanda Morales y la ilustradora Andrea Chavarín son las creadoras de la “Señorita Lechuga”: una chica de amplias caderas que habla del amor, del desamor que le encanta leer y decir lo que pasa a su alrededor.

“Lo que he estudiado más es el retrato humano. Empezamos a hacer muchos bocetos y salió este personaje que es como una joven que yo quise que tuviera el pelo negro, los ojos grandes, que fuera muy representativa de muchas mujeres mexicanas y latinoamericanas, alguien con quien nos pudiéramos identificar”, dice Andrea.

A través de una serie de divertidas ilustraciones, el personaje enfoca las relaciones interpersonales y la forma en la que las mujeres vemos la vida.

“Sabemos que Señorita Lechuga es una chica que le gusta leer, que le pre-

ocupa el mundo y vemos cómo ella se enfrenta a la vida y cómo a pesar de que suceden cosas que no son tan buenas o que quizá son contrariedades, ella es súper resilente. Eso es lo bonito: buscar siempre el lado positivo [sin sonar como un libro de autoayuda], el lado real de las cosas y hacer mucha introspección”, dice Yolanda.

Además, la Señorita Lechuga está promoviendo la lectura. “En San Diego vamos a tener una exposición con los carteles que se promueven la lectura y nos pidieron unos carteles en especial; y el 17 de junio vamos a hacer una exposición en la Biblioteca de Tijuana con carteles y vamos a tener lecturas de texto y vamos a decir quién es la Señorita Lechuga. Está genial que quieran verle la cara como promotora de la lectura ¿no?”, agrega Yolanda.

UN CUENTO CON MUCHOS ILUSTRADORES El Principito invisible a los ojos

¿Quién no ha leído el principito? Esa historia que nos hizo ver de otra manera un sombrero, justo ahora este cuento ha dado mucho de qué hablar desde que el trailer de su película animada se estrenó , pero en esta oportunidad no hablaremos de la película sino del colectivo “Invisible a los ojos”, que le hace tributo a esta historia de forma digital.

Juan Manuel Garrido, Tamara Méndez, Tatiana Pollero y Micaela Sánchez Malcom son quienes están detrás de este proyecto que logra reunir a 150 ilustradores de Argentina y América Latina que lograr recrear 27 capítulos que puedes leer en su página.

Así que si ya leíste este cuento es momento de reencontrarte con él y si no (que cuesta creerlo) entonces es el momento de hacerlo.

ILUSTRACIÓN EN VENEZUELA

L as sens u ales il u s t raciones de L a z ygirl

Hace unos días paseando por Behance me encontré con unas ilustraciones increíbles de una chica que lleva por nombre Lazygirl. Esta joven venezolana comenzó sus pasos en la ciudad de Puerto Ordaz para luego mudarse a Caracas, donde inició sus estudios en esa área en la que llevaba tiempo queriéndose adentrar: la ilustración. Así fue como entró en el Instituto de Diseño de Caracas para experimentar con sus trazos, pasando de la ilustración tradicional de lápiz y papel al formato digital.

Una de las cosas que más resaltan de su trabajo, más allá de sus geniales trazos, es el tema sensual que hay en cada unas de sus personajes, una característica que se repite en cada una de sus proyectos haciendo de esto parte de su firma. Esta joven venezolana comenzó sus pasos en la ciudad de Puerto Ordaz para luego mudarse a Caracas, en esa área en la que llevaba tiempo queriéndose adentrar: la ilustración.

Chicas a toda línea Mónica Carrero Hace ya algunos años les hablamos de Mónica Carrero y su marca Cosas de Hule, y como con todos nuestros amigos camioneteros, siempre les seguimos la pista, por eso hoy queremos mostrarles el otro lado de esta diseñadora, quien tiene meses sorprendiéndonos con las ilustraciones que ha publicado en su instagram.

Desde muy chica le ha gustado pintar, recuerda que a los 7 años dibujó a Maléfica para impresionar a su tía, se esforzó tanto para lograr la perfección que todos pensaron que lo había calcado. Este gusto se fue aumentando con el tiempo lo que la llevó a graduarse en Publicidad y Mercadeo, para luego irse a Mérida a estudiar Artes Visuales en la Universidad de Los Andes y en paralelo con Diseño Gráfico, consiguió realizar sus pasantías en JWT de Caracas donde también se desarrolló como profesional por mucho tiempo, logrando trabajar para marcas como Ford Motor de Venezuela, Halls, Amnistía Internacional, Fudena y Novartis.

Hace 5 meses empecé a trabajar por Skype con un estudio en Colombia que se llama 2-BE, y con ellos lo que más hago es ilustrar, estoy súper contenta con este trabajo, mi primer proyecto fue ilustrar 20 monstruos.

Como les comentamos este lado de Mónica no lo conocíamos y definitivamente fue un placer toparnos con sus ilustraciones llenas de colores pastel, un poco de bosque, muchas líneas y chicas lindas y aguerridas. Su inspiración viene de todos lados, de sus experiencias, de lo que ve, lo que piensa, lo que siente, cada detalle es un botón que activa su imaginación y corre a tomar el lápiz, rapidógrafo y la Wacom para comenzar a crear.

Hace poco sólo pensaba en el bosque, los árboles (le tomaba fotos a todo chamito que me encontraba en la calle), animales, me enamoré de los zorros, los ciervos, siento que todavía me queda camino por allí. Ahora me encuentro dibujando chicas, son dibujos más adultos, pensaba: quiero dibujar algo que quiera tener en mi pared o en una franela. Me fui del bosque y llegué a la ciudad. Seguro regreso pronto.

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DOMINGO 03 DE ABRIL DEL 2016

Animalízate con Lauren Marx

Entrevistas en la Arteria Lauren Marx es una dibujante proveniente de St. Louis, Missouri (USA) cuya pasión, como habrán deducido por el título, son los animales y la naturaleza.

Desde niña estuvo fascinada con el mundo de las plantas, animales e insectos, y los ha hecho parte principal de sus obras desde que logró combinar los concepto de cosmología, zoología y mitología en una pieza llamada Galactic Colission, de 2012.

Tuve la oportunidad de ponerme en contacto con ella para conocer un poco más de su obra: ¿Tienes aprendizaje formal?

En efecto, justo acabo de completar mi licenciatura en Fine Arts en la Universidad Webster en St. Louis. ¿Cuáles artistas influyeron o motivaron a comenzar a dibujar y pintar?

Los artistas que más me han influenciado están en mi familia: mi madre es una ilustradora muy talentosa, así como mi padre, mi padrasto, mi abuela y mi abuelo. Estar rodeada por tantos artistas mientras crecía me inspiró a querer ser artista. ¿Por qué la naturaleza como tu motivación a la hora de dibujar?

Siempre he estado obsesionada con todo lo relacionado con la naturaleza.

Mientras crecía en St. Louis estuve expuesta a animales exóticos y hermosos en el zoológico. De niña incluso quise ser guardiana de allí. De igual modo, a las afueras de la ciudad hay muchos bosques y reservas natuales y los frecuentaba mientras crecía. Así que po-

dría decir que he estado en contacto con los animales y la naturaleza desde siempre. Fue muy natural para mi utilizarlos como elementos dominantes en mis obras. ¿Algún consejo para aqullos que quieran empezar en el mundo artístico?

Mi consejo para cualquier principiante es que se hagan autopromoción cada vez que puedan, que nunca dejen de crear y que elaboren trabajos de los cuales se sientan confiados en mostrar. ¿Algún tip técnico que quieras compartir?

Tiendo a usar materiales baratos, así que no creo ser la más indicada para opinar. No obstante, solamente utilizo papel Stathmore Mixed Media 140lbs, porque es muy suave y aguanta bien la acuarela y la tinta sin que se corra. También estoy enamorada de los lápices Derwent Inktense, por ser muy fáciles de usar y controlar.

Un consejo que puedo dar es que primero coloreen y luego hacer los detalles con tinta, es el doble de rápido que entintar todo el dibujo primero y luego colorear. En cuanto a pinceles, suelo utilizar los baratos que vienen en paquetes de varios tamaños, ya que como únicamente aplico agua me siento más confiada. Si por ejemplo necesito un pincel delgado, corto uno de los baratos.

Por ahora eso es lo que se me viene a la mente.

Como ven, una artista sencilla y amable.

Los dibujos de Caridibuja

Caribay Marquina y un proyecto de indumentaria que estaba llevando a cabo, pero en esta oportunidad les mostraré otra faceta de esta Merideña.

A esta chica de 24 años desde pequeña le gustó pintar y su mamá, para impulsar esa vena artística, la inscribió en algunos talleres. Tiempo después, en la universidad se colaba en las clases de artes visuales y cursó varias optativas de dibujo. Actualmente está terminando la carrera de diseño gráfico en la Universidad de los Andes.

Su pasantía en la ciudad de Buenos Aires fue el punto de inicio para mostrar sus dibujos, los que tenía guardados que por algo de pena no mostraba, a soltar la mano y darle rienda suelta a cada trazo.

La ciudad de Buenos Aires también ayudó a darme ánimos de mostrar mis

cosas, ver tanto apoyo para los ilustradores independientes me llenó de valor y empecé a publicar mis ilustraciones, primero en Instagram y recientemente en Facebook. Gracias a esto he conocido gente muy buena en lo que hace, he re-descubierto el talento que hay en Venezuela y lo amable y receptiva que son todos.

Caridibuja es el nombre de este proyecto ilustrado, donde esta chica se inspira en la cotidianidad y cómo ella percibe y siente todo lo que pasa a su alrededor, sus personajes de narices respingadas, grandes dientes y mucho color ya tienen un grupo de seguidores que esperan verse reflejados como un personaje, por eso en este momento Caribay tiene un concurso en Instagram y el ganador será ilustrado por ella.

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La ciudad de Buenos Aires también ayudó a darme ánimos de mostrar mis cosas, ver tanto apoyo para los ilustradores independientes me llenó de valor y empecé a publicar mis ilustraciones, primero en Instagram y recientemente en Facebook.

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Animalízate con Lauren Marx Elegir entre Capitán América o Iron Man Desnudas y “Como Pizza Hut se ha aliado con Marvel para la promoción de sonrientes agua para su película “Captain America: Civil War” chocolate” Mujeres bajo el lente de Matt Blum

Siéntate y estaciona tu bicicleta en oYo

Caracas debe, y puede, moverse diferente

Si utilizamos a la capital como ejemplo, encontraremos una ciudad que tiene que recorrer un gran camino para ser un espacio más amable para el ciclista, pero también creo que se puede ser bastante optimista ya que hay varios grupos como Masa Crítica y BiciMamis que no solo están en Caracas, sino que también se encuentran en otras ciudades del interior del país, discutiendo, reflexionando y sobre todo, movilizando a las personas a que se suban a pedalear

“Comidas Interrumpidas”

La historia que envuelve esta propuesta teatral, Capturando el momento sin duda alguna de gran arrojo, basada en la obra posterior a la de la Novelista, guionista interrupción de una y autora, Laura Esquivel comida

Tipográficamente correcto

La fundación arrels se compone de 50 empleados, 250 personas voluntarias y casi 4.000 personas que ayudan mediante donaciones

Bertolt Brecht revolucionó las artes escénicas