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Cubierta:

Elena Bandos Nacida a finales de los años 80 Elena Bandos un ejemplo de la fusión de las culturas española y ucraniana. Será en Valencia, donde cursará los estudios de la Licenciatura en Bellas Artes entre los años 2005 y 2010.

Su actividad artística no solo se limita a las técnicas tradicionales de ilustración y pintura, sino que también el diseño gráfico forma parte de sus aprendizajes adquiridos.

Realiza tanto las imágenes en soporte físico como en el digital siendo la ilustración su producción principal.

http://www.elenabandos.com

Director/Coordinador general: Pepito Pérez Redactor Jefe: H.P. Lovecraft Dirrección de arte y diseño: Director comercial: Isidore Ducasse Jefe de publicidad: Salvador Dalí Departamento comercial: Andy Warhol Director de producción: Baronesa Thyssen Fotografía: Man Ray Traducción: Elena Bandos Asesor de arte: Alfred Hitchcock Publicidad general: Cortesía del señor Google Han colaborado en este número: Raquel Martínez Bedoya Daniel Herraez Olcina Daniel Gr Eduardo Torres

Estudios pág. 4 Germinal pág. 6 Abel Cuevas pág. 8 Lola pág. 10 Astrid Stavro pág. 11 Óscar Mariné pág.12 Inocuo pág .14 Javier Royo pág. 16 Bernard Brechet pág. 17 Pablo Sánchez pág. 18 Eile Kozak pág.20 La boca pág. 22 Espluga + asociados pág. 24 Pati Nuñez pág.27 Emory Douglas

Elena Bandos

pág. 28 Reza Abedini

Estefanía Ruiz

pág.30 Richard Giralt Miracle

Gerónimo López Perea

pág.32 Granaina

Fernando

pág 34 Toormix

Jose Ángel Gomez Gomez

Entrevistas

Jose Carlos Merino José Antonio Postigo Mónica Gomez Martinez Lola

pág.36 METASTAZIS pág 40 KEN BARBER pág. 42 MATT W MOORE pág 46 STEFAN SAGMEISTER

Maria Jimenez Marina Arranz Maria Jose Robles Rey

Fotomatón pág. 50 Enríc Jardí

Paloma

pág.52 Laura Meseguer

Sabina García Luego Palomar

pág. 54 Veronika Burian

Paola Benito Fernandez Gabriel Sanchez de Benito Aurora Conde

pág. 56 Isidro Ferrer pág. 58 Alberto Corazón

En este recién estrenado año, 2013 los habitantes de Málaga han sido implicados sin que nadie pregunte su opinión como espectadores y algunos de éstos de otra forma bastante más directa como ejecutores de unas cuantas decisiones precipitadas acerca del aspecto de la imagen que se proyectará de algunos de los eventos más importantes de la capital provincial.

Los asuntos a los que me refiero son la decisión de convocar un concurso con bases dudosas para eligir el cartel para el Festival del Cine de Málaga 2013, y la posterior selección de su respectivo cartel ganador y también la elección del cartel que representará y “promocionará“ en este año 2013 una fiesta tan importante para la capital como lo es la Semana Santa.

Empecemos por el último de los eventos descritos.

Vamos a dejar al margen la razón del porqué fue elegida esa obra en concreto que el propio autor describe como autobiográfica, aunque habría que destacar el que muchos profesionales del sector del diseño gráfico no comprenden tan sabia decisión. Se trata de una imagen que ni es costumbrista lo cual estaría ligado a la tradición del cartel de la Semana Santa, ni tampoco transmite una imagen novedosa que busque atraer a las generaciones más jóvenes hacia este evento sacro-festivo. En cuanto a la resolución gráfica que a mí se me antoja insípida y falta de carácter, utiliza una composición estática, de gama más bien apagada y en definitiva poco atractiva. El detalle naiv, la rotulación digna de un ambiente escolar de hace décadas, puede ser un recuerdo agradable para el pintor Jaime Díaz Rittwagen pero no tiene ningún punto de cruce con el mundo visual contemporáneo, ni tampoco con las tendencias actuales.

En el caso del concurso para el Festival de Cine, ese evento tan poco apreciado por la gente que ha decidido dedicarse profesionalmente al diseño gráfico, éste crea una oportunidad a los aspirantes a entrar y hasta a vivir de ese mismo campo, se ha descubierto un caso de

plagio. Y no fue de la mano de los organismos oficiales que se juegan su imagen siendo permisivos, es más éstos se dedicaron a defender este caso y seguir llamando blanco a al color negro. El argumento de la inspiración mediante trabajos ajenos es tan recurrido por los que plagian que queda muy ridículo sobretodo en este particular caso. Eso se debe a que la pieza a calcar no supondría un problema a la hora de versionar incluso teniendo una técnica muy mala. En cualquier caso se trata de un cartel simple del cual el elemento calcado de la ilustración de Anna Kovecses es solamente una pequeña parte de la “gran obra” de Eva María Gómez López, como han insistido en los comunicados los responsables de la elección del cartel.

Este cartel tiene una composición en diagonal, lo cual sin duda es muy innovador en el mundo de la gráfica ya que transmite dinamismo “desconocido” hasta ese momento. La lección básica de gama de color esta aprendida según se ve a través del manejo de los colores que se han utilizado en la composición: gris, negro y rojo. Sin embargo el número de la edición del festival predomina sobre todos los demás elementos en la composición tipográfica. La silueta de las piernas negras bajando sobre la alfombra roja, da sensación de que quieran salir corriendo del cartel sea cual sea el precio ya que la jerarquización que se utiliza para ordenar los elementos del texto no es comprensible. Eso sí están dispuestos según la moda jugando con cuerpos y alineaciones diferentes pero sin un objetivo claro.

Sin duda este año ha empezado pisando fuerte y aplastando las ilusiones de personas que creían en la posibilidad de un trabajo serio y remunerado de alguna forma como diseñadores. Esperemos que a lo largo del resto de este año que solamente acaba de empezar esas esperanzas resurjan gracias al trabajo de la gente que es coherente y consecuente consigo misma como persona y con la profesión a la que se dedica.

Elena Bandos

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Germinal Se definen así mismos como una agencia de comunicación abiertamente declarada creativa y adicta a las buenas ideas, ésas capaces de tocar los corazones de la gente y de traducirse en mejores resultados y logros comerciales para las empresas que los contratan. “Nuestro objetivo es dar con mensajes relevantes y efectivos que no solo hablen de ti y de tu marca, sino de aquello que interese y motive a tu público, generando un vínculo emotivo entre ambas partes”. Crean intangibles imposibles de copiar por la competencia, que nada tienen que ver con el producto, ni con su función, ni con la notoriedad, ni mucho menos con los consumidores. Tienen que ver con las experiencias, con la emoción, con la presencia… y con las personas.

Los prestigiosos premios nacionales e internacionales recibidos en los últimos años les han ayudado a seguir trabajando de esa forma y a confirmar lo que ya pensaban: que las buenas ideas deben ser la semilla del trabajo diario de Germinal y del éxito de sus clientes.

Sus “Pastillas contra el dolor ajeno” ganan ‘The Grand Cup’La empresa murciana, creadora de la campaña publicitaria “Pastillas contra el dolor ajeno” de Médicos Sin Fronteras se ha alzado con el premio “The Grand Cup”, galardón que otorga el sector internacional a la mejor campaña publicitaria del año.

The Grand Cup, que se celebró del 24 al 27 de enero en Estambul y al que concurrieron las mejores empresas de publicidad de todo el mundo, ha reconocido este año 2012 la campaña elaborada por la agencia murciana, que ya cuenta con una veintena de premios, entre ellos, el Sol de Platino de San Sebastián o la Copa de Iberoamérica, y que han colocado a Germinal entre las diez mejores agencias del país.

El director de Germinal Comunicación, Jorge Martínez, nos ha explicado la importancia que ha tenido esta campaña, no sólo para la proyección de su agencia, sino como “herramienta de financiación para el tercer sector (ONGs), que está muy debilitado actualmente por la crisis, y necesita recaudar fondos”.

En este sentido, ha señalado que Germinal Comunicación se ha convertido en la agencia “preferida” por las ONGs para sus campañas, y prueba de ello es que preparan ahora nuevas

propuestas para asociaciones como PLAN o Secretariado Gitano, que, “aunque económicamente no son muy rentables, si proporcionan una gran satisfacción personal”.

Jorge Martínez también ha destacado la importancia que las redes sociales han tenido en la difusión de esta campaña, y ha afirmado que internet está cambiando los formatos tradicionales de publicidad, abriendo nuevas posibilidades a aquellos que tienen menos recursos pero una gran idea que mostrar, “porque la clave es eso, tener una gran idea”.

No obstante, la pequeña agencia murciana, compuesta por nueve creativos, ya se codea con las grandes multinacionales madrileñas y catalanas, y apuesta ahora por colocar a Murcia en el mapa creativo nacional, aunque “nunca trabajará para una empresa nociva”, ha afirmado Martínez, quien ha destacado la importancia del sentido de la ética en la publicidad. “Ese sentido de la ética cada vez está siendo más asumido por las grandes empresas, que debido al control que ejercen los potenciales compradores a través de internet, se preocupan en mayor medida de que sus artículos se relacionen con ideas positivas y reales de cuidado social y del medio ambiente”, ha dicho el fundador de Germinal.

“Pastillas contra el dolor ajeno” ya ha conseguido vender 5’4 millones de unidades y ha generado más de cuatro millones de euros para los diversos proyectos que Médicos Sin Fronteras tiene en distintos países de África, América y Asia.

Esta campaña trata de “hacer visible” seis de las catorce enfermedades “olvidadas”: la del sueño, la tuberculosis, el kala azar, el mal de Chagas, la malaria y el SIDA infantil, que entre todas se cobran la vida de 14 millones de personas, un 90 por ciento en países en vías de desarrollo.

La ONG, en colaboración con las distribuidoras farmacéuticas, los colegios oficiales de farmacéuticos y Farmamundi, ha puesto a disposición de los ciudadanos estas “pastillas contra el dolor ajeno”, que en realidad son envases con seis caramelos de menta con un formato que simula un medicamento y que se vende en las más de 22.000 farmacias españolas por un euro.

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Abel Cuevas Muchas veces las cosas suceden sin más. Te levantas por la mañana, desayunas Kellogg’s, te pones a escuchar música y decides grabar un casete para un amigo o una chica que te gusta, haciendo una portada totalmente surrealista. No es algo premeditado, simplemente es lo que te apetece hacer en ese momento. Con el paso del tiempo, esas cintas TDK repletas de grandes éxitos del rock se convierten en un fanzine llamado Recuerdos desde Sebastopol, la maquetación pasa a ser una forma de ganarse la vida y, de repente todos tus esfuerzos se centran en una revista titulada Dead City radio. Este podría ser el resumen frenético de los inicios artísticos de Abel Cuevas, unos de los ilustradores más cool de la escena alternativa de nuestro país. Aunque, un buen día, este universo creativo dio un giro inesperado: “Supongo que ya no me apetecía hacer más fotomontajes y se me ocurrió coger de nuevo los lápices”, explica el artista. “Llevaba años sin dibujar, pero llené un par de cuadernos, cogí cierta seguridad, y, en enero de 2008 decidí hacer mi cartel para el grupo MV & EE. Desde entonces llevo haciendo cosas ininterrumpidamente y aprendiendo algo nuevo a cada paso”.

A primera vista, la elección de diseñar pósteres para conciertos y bandas de rock podría considerarse una decisión muy arriesgada en los tiempos que corren, debido al naufragio de la industria musical y a que el público de la era ritual vive tan ajeno a los rituales que, tradicionalmente, han marcado esta escena tan inconformista. Pero muchas veces, la pasión por el arte y el poder de las canciones puede más que la razón.

“Desde pequeño la música ha sido una presencia constante en mi vida, puesto que mis padres trabajaban en la industria del disco y he crecido rodeado de vinilos”, comenta el ilustrador.

“Nunca se me dio bien tocar un instrumento, así que esta es mi manera de involucrarme en la escena y expresarme.

La música es una gran influencia y la razón por la que decidí volver a dibujar”. Desde que hizo su primer póster para MV & EE, Abel Cuevas ha tenido la oportunidad de diseñar carteles para grupos independientes de ámbito internacional a los que admira y no esconde su sonrisa cuando afirma que ha podido trabajar para alguna de sus bandas favoritas como Wooden Wand, Bill Callahan o Tom Carter. En ese sentido, su filosofía como ilustrador enlaza claramente con la tradición de los pósteres de rock de los 60 y 70, que se convierten en objetos de culto y definieron aquellos años de descubrimiento y rebeldía gracias a su estética vanguardista. Aunque, hoy en día, el concepto artístico vinculado a la música no sigue una expresión lógica: “No sé si me atrevo a definir el género del póster de rock. Esta expresión me recuerda a los carteles de

Grateful Dead, de Quicksilver Messenger Service y de Jimi Hendrix”, afirma el artista. “Pienso en hippies reinventando el art nouveau, pero también pienso en Black Flag, en los dibujos de Raymond Pettibon y en fotocopias o stencils. Es algo tan amplio que no sabría acotarlo”. Dentro de este caleidoscopio de formas sugerentes y de colores llamativos que pueblan el universo de la música, Abel Cuevas siente una especial predilección por los diseñadores e ilustradores que vivieron en la soleada California durante los días del apogeo psicodélico.

Nombres tan respetados e influyentes como los de Victor Moscoso, Jon Van Hamersveld y Rick Griffin, que contuvieron su adoración por la música, por el sur y por el pop art en un estilo de vida único.

“Mi afición por Rick Griffin va totalmente ligada a mi pasión por Grateful Dead. En su obra se unen las cosas que más me gustan: dibujos lisérgicos, calaveras, ojos, surf, cultura pop de consumo americana, y, sobre todo, unas tipografías increíbles”, explica Abel Cuevas. “La manera en que Rick Griffin dibujaba las letras es una gran inspiración, con curvas imposibles, sombreados muy detallistas y una legibilidad que requiere cierto esfuerzo por parte del espectador. Eso es algo que también me gusta del grafiti y de los logos de grupos de black metal”.

A pesar de las ilustres influencias y del peso de la tradición musical, Abel Cuevas ha logrado crear una iconografía propia que cobra vida en cada uno de sus pósteres. Se trata de un mundo de ensueño formado por personajes con barba y sombrero, bosques frondosos, cabañas de madera… Según Abel: “Esta iconografía se ha ido desarrollando poco a poco y casi sin querer. Las barbas son pequeños autorretratos que empezaron como una broma y ahora se han convertido en un elemento recurrente y bastante poderoso”.

Pero más allá de ser un elemento decorativo, no debemos olvidar que los pósteres de rock tienen un objetivo muy claro: Promocionar los conciertos y las giras de las bandas. Por ese motivo, la tipografía cobra un papel destacado en la obra de Abel Cuevas: “Intento que mis tipografías sean siempre a mano y tengan una apariencia muy orgánica”. Este detallismo por la creación de letras y títulos le ha llevado a aparecer en el libro Lettering. Post diseño digital. “Confío en la fuerza del arte, pero no sé si este puede cambiar las cosas”, afirma Abel Cuevas.

“Una imagen poderosa puede hacer mucho. Aunque la verdad, lo que yo hago tiene una voluntad escapista para intentar que el mundo sea un poco más bonito”:

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LOLA Lola y SHANDY Cruzcampo SHANDY CRUZCAMPO, la marca líder en el mercado de cervezas con sabor en nuestro país, es la última incorporación a la cartera de clientes de LOLA. LOLA ha sido seleccionada para llevar a cabo el reposicionamiento de la marca, tras presentar en concurso su estrategia y creatividad del nuevo enfoque que SHANDY CRUZCAMPO pondrá ahora en marcha.

San Publicito canta por Mónica Limón Bien y mal. Blanco y negro. Noche y día. Norte y Sur. Naranjo y Limón. La vida, en general, suele ser una lucha constante entre dos polos opuestos.

Siempre hay réplica. El verano pasado nos descubrió que la sombra de Mónica Naranjo es Mónica Limón.

Una creación de la agencia Lola donde los límites no existen. Sí es una invención, pero se desconoce su desarrollo y destino. Ellos la han lanzado como cantante, la moneda está en el aire. Cara o cruz, ya se sabe, la dualidad de la vida.

Visionlab. El secreto del éxito.

Visionlab pidió hace un mes a la agencia Lola una campaña para una nueva promoción, cuya idea central es que regalaba unos cristales. “Pidieron algo sencillo y directo para comunicarlo”, explican a ELMUNDO.es Néstor, Sito y Nacho. Al día siguiente este fue el artículo más leído del día en elmundo.es.

11 Nueva campaña Rexona Formula 1 Lola firma la campaña mundial que anuncia el patrocinio de Rexona al equipo Lotus de Fórmula 1. La marca será una de las patrocinadoras del equipo en la competición de este año, y Lola ha contado con su capitán, Kimi Räikkönen, para el desarrollo de las distintas piezas de la campaña.

Kimi Räikkönen, ganador del mundial de Fórmula 1 en 2007, ha sorprendido a todos comunicando su vuelta a la competición después de haber anunciado su retirada en 2009.

Por este motivo, además de por ser el capitán del equipo Lotus F1, Lola ha centrado el spot y la campaña gráfica en su figura.

“No quit” es el nombre de esta nueva campaña de Lola para Rexona, un lema que alude a la necesidad de formar parte de un equipo y cumplir tus funciones, sin excusas. Algo que también promete la gama de antitranspirantes Rexona.

La campaña -que se ha estrenado en Australia el 11 de marzoincluye una gráfica y un spot de televisión, protagonizados por el reconocido piloto.

Very old school by LOLA y NOMAD LOLA se asocia con NOMAD skateboards para crear conjuntamente Very Old School, un nuevo sello de productos con un estilo particularmente retro. El producto de lanzamiento es un cruiser o tabla de skate que, por su estética, debería haber existido en 1900.

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Astrid Stavro Astrid Stavro, (1972) de origen italiano y directora creativa del estudio que lleva su mismo nombre, con sede en Barcelona y Mallorca. Astrid estudió diseño gráfico en el Central Saint Martins College of Art & Design (BA Hons) y en The Royal College of Art (MA). En 2004 se mudó de Londres a Barcelona, donde fundó el Estudio Astrid Stavro.

Su trabajo destaca por su diseño claramente conceptual y el uso de la tipografía. Su idea de diseño nace a partir de ideas inteligentes que marcan la diferencia. El diseño que soluciona problemas con eficacia. El diseño gráfico es un lenguaje visual y las ideas son su núcleo. Las opciones son arbitrarias si no se basan en conceptos. Nuestros principios básicos son la claridad, sencillez y compromiso para encontrar soluciones únicas a medida para cada proyecto en un esfuerzo consciente para evitar la repetición y las respuestas formuladas. Nuestro enfoque es riguroso, partimos de una extensa investigación y análisis del contenido. artesanía y contenido deben trabajar juntos como un todo. La clave está en el proceso. El diálogo.

Hacer las preguntas correctas y la comprensión de los objetivos. “Para complicar es fácil. Para simplificar es difícil”. Es responsable del diseño de las Guías de la Colección Permanente del Museo Reina Sofía, las guías de Turismo de Barcelona, algunas publicaciones para el Grupo Planeta y Phaidon Press, además de realizar diversos proyectos de diseño y exposiciones para la ADG-FAD y the Art Directors Club of Europe, entre otros. Trabaja muchos campos, pero se especializa en diseño editorial y gráfica efímera. Hablamos de buen diseño nacional.

Tres premios Laus de Oro, Select Europa, publicaciones en revistas como la Visual, Étapes…Astrid es editor colaborador de la revista Elefante, y escribe para revistas especializadas como Elefante, Grafik, Creative Review y Étapes. Ha sido profesora

visitante en el diseño editorial en la Escuela Superior de Diseño IDEP (Barcelona) y conferenciante a nivel internacional. Su obra ha sido ampliamente publicada y exhibida y ha recibido más de cien premios a la creatividad. Astrid ha sido miembro del jurado en varios concursos de diseño nacionales e internacionales, incluyendo Laus y D & AD. Es cofundadora de la editorial Infolio, especializada en libros sobre diseño gráfico y la cultura visual.

Astrid es miembro de ISTD (Sociedad Internacional de Diseñadores tipográficos) y fue elegido miembro de la Alianza Gráfica Internacional (AGI) en 2010.

Según Astrid, encontrar la idea es el verdadero reto para afrontar un trabajo y la única garantia para que éste sea sólido y perdurable en el tiempo.

“Ahora sin una idea no hago absolutamente nada. Los briefings suelen ser muy sencillos; lo complicado es buscar algo diferente, no algo que te choque pero si que se te quede.

Por eso, siempre que me encargan un trabajo intento darle la vuelta para llevarlo más allá. Por ejemplo, conseguir que una pieza de merchandising sea al mismo tiempo educativa “. Eso es justamente lo que hizo con un trabajo para el Museo Reina Sofía y un briefing que podía resumirse en “hacer cuadernos monográficos sobre artistas”. ”Lo normal, lo que hubiera hecho todo el mundo, hubiera sido poner una imagen de sus cuadros en la portada-explica Astrid-.Sin embargo pensé que mucha gente compraba libros sobre artistas sin tener ni idea de quiénes eran, y que sería buena idea poner un breve texto sobre el artista y su obra en la portada, pero sin imágenes de la misma”.

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Óscar Mariné

Óscar Mariné Brandi (Madrid, 1951) estudió varios cursos de Derecho y de Bellas Artes; después estudió Fotografía y marchó a Bélgica, donde estudió varios años de Cine; viaja a Holanda y se encuentra con el mundo de la comunicación y el diseño gráfico. Óscar Mariné es conocido internacionalmente como diseñador gráfico por sus trabajos. La campaña del Vodka Absolut y el cartel de cine de “Todo sobre mi madre” de Almodóvar le han hecho popular a todos los niveles de la imagen. En esa “chica Almodóvar”, que es uno de los signos creados en España más vistos en el mundo, está también sintetizado el trabajo de un creador que ha llegado a expresar muchas ideas con pocos trazos.

La historia de Óscar Mariné discurre paralela a la “movida” madrileña de los años 80, estilo y experiencia urbanos que trasladó a Nueva York, donde fue seleccionado para desarrollar una de las campañas para Vodka Absolut o “Absolut Mariné”, que sigue siendo una de las mejores creaciones de la marca y puede verse en prestigiosas revistas como Times, Art in America, Vibe, Metropolis, Artforum o Communications Arts.

En España, Mariné ha conseguido un gran prestigio con su toque original dentro del cartel cinematográfico y el mundo de la música con algunas selectas películas, como El día de la Bestia de Alex de la Iglesia, Tierra de Julio Medem, La Buena Vida de David Trueba, o la famosa y ya citada Todo sobre mi madre de Pedro Almodóva. En el mundo de la música ha realizado portadas de discos para Andrés Calamaro, Los Rodríguez, Brian Eno, Kevin Ayers, Siniestro Total, entre otras.

Entre sus prestigiosos premios hay que mencionar los Hispanic Creative Awards de 1995 y 1997, los premios de la Asociación Española de Profesionales del Diseño (AEPD) en 1997, 1998 y

2000. Una de sus obras fue seleccionada por AIGA (American Institut of Graphic Arts) para formar parte de su exposición en Nueva York y que recorrió los Estados Unidos; también ha recibido el The Creativity Award of Distinction por un trabajo que formó parte de una exposición internacional y , junto al Grupo Kettal, ha sido galardonados con el Premio Nacional de Diseño 2010 del Ministerio de Ciencia e Innovación en España.

Revistas del sector como Affiche, Graphis, On Diseño, Tempus, Abitare, Design Week o Baseline le han dedicado páginas especiales; también le han dedicado programas de televisión como Metrópolis o Canal Entre sus trabajos hay que destacar los editoriales para Madrid me mata, El Europeo, Cambio 16, Surfito (revista de Swatch); la campaña para Hugo Boss en Alemania, Albert Plá, Exposición de Diseño Industrial en el Reina Sofía, Amnistía Internacional, multitud de carteles para grupos de teatro, cine y músicos, Campaña Absolut Mariné, carteles para Huelva (capital, playas, Doñana, gastronomía, El Rocío, la Semana Santa, pueblos…), Camper, y para directores de cine como Pablo Berger, Alex de la Iglesia, David Trueba, Julio Medem, Daniel Calparsoro, Albacete y Menkes, Gerardo Chijona, López Linares, Javier Rioyo o Pedro Almodóvar.

Para El Matadero en Madrid, amplio espacio expositivo y centro cultural, del cual ha realizado su imagen. Para El País reforma todos sus suplementos especiales. Óscar Mariné trabaja con un equipo de tipógrafos de Boston, que están considerados entre los mejores del mundo, especialistas en tipografías modernas.

“El diseño ha de ser transparente; si se percibe el estilo del artista, mala señal. Sin la implicación de los directivos de una empresa, el diseño no funciona. Los españoles deben tomar nota”. Óscar Mariné.

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Inocuo Inocuo, es el alias de Javier Gutiérrez, fundador junto con David Fernandez y Txema Alguacil, con Miriam Romero al mando de la producción.

Javier y Txema, se formaron académicamente en la Massana (Escuela de diseño catalana), donde aprendieron que la frontera entre pintura, ilustración, escultura, vídeo, o cualquiera de las especialidades de diseño, parten de una misma raíz. Han trabajado para El Sindicato, y han expuesto en sitios como el Hall del Tate Modern, quedándose como freelance, hasta la creación de su estudio.

“Inocuo, como semilla original, surge de una actitud, una necesidad imperiosa de explorar nuevos formatos” David, diseñador gráfico occidental, procedente de la escuela Bau, buscaba una salida para la ilustración que no fueran los comics, enamorándose perdidamente del diseño gráfico.Sus ilustraciones, se han publicado en sitios como el dominical de El periódico de Cataluña, La Vanguardia, Tiempo, Ab… y ha trabajado en una pequeña empresa de marketing, antes de fundar con dos compañeros: “Stereotype Comunicación Gráfica” donde conoció a Mireia, su pareja, con la que se lanzó a la aventura con “WipeoutGraphix”, pero que finalmente abandono por Inocuo, que le propuso hacer algo más grande.

Conjuntamente, como “Inocuo The sign”, han trabajado para empresas como Nike, Budweiser, Volkswagen, Ikea; Discográficas como Ghostly International, Ninja Tunes y Satélite K; festivales musicales como Urban Funke-Cultura Urbana y Revistas como Go-mag o Serie B. Su filosofía, parte de que el movimiento “clubbing” y el “graffiti”, no solo sirven para el tiempo de ocio, sino que abre una nueva plataforma donde expresarse, es decir, introduciéndolos así, en el mercado del diseño gráfico.

Su estilo, se caracteriza por una estética contundente contemporánea, con querencia por lo barroco y por el trazo manual que bebe por igual del arte urbano, del influjo tecnológico, de la música negra y de cientos de referencias culturales escondidas en los rincones de la vida cotidiana; marcado fuertemente por un carácter cambiante con una marca imborrable muy personal. También se caracterizan, por trabajar en formatos muy grandes (fachadas, paredes…) donde apenas cabe margen para el error, que después aplican a formatos más reducidos.

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Javier Royo Javier Royo, más conocido como Javirroyo nació en Zaragoza en 1972, conoció el diseño de la mano de Mariscal, cuando este edito unos coleccionables de cómo aprender a diseñar, lo que le hizo estudiar diseño. Primero en la Escuela de Artes de Zaragoza y luego en la Facultad de Bellas Artes en Bilbao.

Es un Ilustrador y diseñador que actualmente desempeña sus funciones en Barcelona y a través de El Estafador, un blog semanal de ilustración cómica y de crítica social y política.

Se define como “Diseñador e ilustrador, y lo que más me gusta en el mundo es montar proyectos que están abocados al fracaso” El estafador nace en 2009 como una cooperación entre amigos, pero que actualmente sirve como plataforma para otros dibujantes imaginativos que quieran darse a conocer.

Define el humor como “aquello que no te esperas y te hace reír”, el invitado imprevisible, y explica que su humor en particular es irreverente y anti sistema, la sensación de poder decir lo que quieras cuando quieras, y que no pase nada. El bufón al que se le permite todo, menos mentar al rey.

Pero su trabajo no termina ahí. También es creador de la marca de vinilos Chispum, en la que colabora como autor junto a Idoia García, sus diseños e ilustraciones se distribuyen en Europa, USA, Canadá. En una entrevista a la revista digital Monográfica.org ha explicado que “Cuando un niño llegue a un hospital, por ejemplo, se encuentra un lugar que se relaciona con él, cuentos, personajes… etc, en lugar de paredes frías y aburridas” se refiere al hospital Sant Joan de Deu, en el que ha

desarrollado una historia que continua por todas las pareces de las habitaciones, salas de espera y consultas.

Javirroyo También colabora para editoriales como Edelvives o Santillana y para publicaciones como Interviú, El país, El semanal, Visual o Go! Barcelona.

También, le conocemos por su serie de libros de comic “La Cebolla Asesina”. Este personaje surgió en 1994 cuando él estudiaba Bellas Artes en Bilbao gracias a su amigo Borja Crespo que editaba un fanzine que se llamaba “Burp!”, de temática gore, Borja le ofreció colaborar con dos páginas, y se le ocurrió mezclar esa idea de personajes vegetales, físicamente infantiles, pero con mucha mala leche, un cuchillo, sangre y venganzas. La idea era hablar de las cosas que veía alrededor, o de lo que me apeteciera, pero desde el mundo de los vegetales, un mundo imaginario, pero muy cercano a las cosas reales y cotidianas. Reconoce que es su personaje favorito, que le hace sentir libre ya que no tiene límites, todo el mundo es alguna vez una cebolla asesina.

Su próximo proyecto es realizar una publicación en papel titulada El benefactor, que sería una continuación de El estafador.

Una característica que define a Javirroyo es que sus carteles tienen ese aspecto improvisado, tipografías “caseras” que se entrelazan con dibujos, texto informativo que se entrelaza con chistes o frases hechas, dado que su punto fuerte es el humor.

“A veces dibujo lo que veo y a veces cosas que me invento.

Siempre, lo que me apetece.”

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Bernard Brechet Bernard Brechet, diseñador, realizador, experto en motion graphics, socio de Gedeón en París, dirige la imagen de televisiones de todo el mundo y desarrolla vídeos para Louis Vuitton, el Museo del Prado, la Copa América, Zadig & Voltaire y Canal +, entre otros. Su trabajo le obliga a estar al día de los avances tecnológicos y de las tendencias creativas más transgresoras. Sus elecciones nos llevan al canal Saint-Martin para visitar Artazart, donde sorprende el color naranja de su fachada, en contraste con el agua verdosa del canal. En su interior predominan varias áreas muy definidas, desde una sección con 215 títulos de libros sobre el color o la dedicada al diseño gráfico y audiovisual, con 1.900 títulos. En Le Marais nos lleva hasta OFR.Libros de moda, tendencias, arte y diseño que puedes sacar de la tienda y leer en unas mesas y bancos colocados en su coqueta entrada.

Este primer trabajo, llamado “Plus I E D. Laboratorio Experimental de Comunicación”, se enmarca dentro del encargo global que Canal Plus ha otorgado a Milmilks para revitalizar la marca. El proceso creativo durará 10 días y el equipo está formado por 16 jóvenes de todo el mundo pertenecientes al IED, con formación en diseño y comunicación en diferentes ámbitos: moda, diseño industrial, diseño digital, diseño virtual, diseño gráfico, comunicación. Todos ellos cuentan con una formación cultural y creativa transversal, con autonomía y capacidad para defender ideas que afectan a la sociedad actual. Según fuentes de Milmilks y de IED se trata de “un proyecto que fusiona, por un lado, el talento de jóvenes creativos con perfiles misceláneos, exentos del mundo de la publicidad y procedentes de las distintas sedes internacionales del IED; y por otro, la experiencia e intuición de los miembros más reconocidos de la agencia SCPF como Toni Segarra y Julio Wallovits”. Los alumnos, a los que se exigirá un resultado profesional, contarán también con el estímulo de agentes externos vinculados al ámbito creativo como el reconocido cocinero Ferrán Adrià, Bernard Brechet (experto en comunicación audiovisual) o Francisco Jarauta (catedrático de Filosofía y director del Comité Científico del IED).

En esta nueva etapa Milmilks se sirve de la experiencia acumulada a lo largo de más de siete años en la construcción de amplias y fructíferas redes formadas por diferentes agentes del ámbito de la creación. Este viaje cierra un ciclo de experimentación creativa en un contexto exclusivamente interno a la agencia SCPF, para dar paso a una nueva forma de desarrollar grandes ideas entorno a una marca.

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Pablo Sánchez Pablo desarrolló su trayectoria formativa en la escuela de comic Joso y en la prestigiosa BAU de Barcelona para, posteriormente, realizar un postgrado de ilustración en Eina y unas más que provechosas prácticas de la mano de Rosa Llop, de quién pudo impregnarse de la necesidad de una constante investigación para avanzar y empatizarse con el grupo social objetivo

“Crecimos entre cómics, tablas de skate y la explosión del hardcore” Actualmente, forma parte de uno de los equipos más imaginativos y versátiles de ámbito global. Guiados por el entusiasmo y por la convicción de su potencial, él y sus dos compañeros se lanzaron al vacío montando su propio negocio.

Hamo estudio, es la creación. Aquí su trabajo de diseño gráfico e ilustración brilla; complementado con el de Borja Fusté, para video y animación, y el de Ivan Caño, experto en multimedia.

Manejar ese amplio campo de disciplinas, les permite desarrollar proyectos de muy diferente índole con diversos soportes. Sus diseños frescos se empapan del eclecticismo más contemporáneo y un sello de personalidad y racionalismo que sorprende. Él mismo, define sus diseños como una caja llena de trazo libre, gags, tipografía mimada, sentido del humor, atrevimiento gráfico y sentido común.

Un portfolio repleto de extremos que abarca desde proyectos para instituciones de renombre como es el Hospital Vall d’Hebron o grandes empresas como Grupo Planeta, hasta sellos musicales independientes como BCore o Discos Liliput, incluyendo agencias de publicidad y pequeñas empresas.

“Crecimos entre cómics, tablas de skate y la explosión del hardcore”, dicen Hamo, explicando el por qué de su atracción por encargos implicados con música independiente y ambientes alternativos. En definitiva, eclecticismo a raudales.

Su manera de abarcar cada proyecto desde un punto de partida diferente, sin juicios a priori les permite estirar y adentrarse en la esencia de cada uno de ellos.

A este grupo barcelonés, les sorprenden peticiones de sus clientes como es “quiero un diseño Hamo”, pero lo cierto es que se deben sentirse orgullosos por dejar, sin querer, su pequeña huella en los trabajos que realizan.

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Emile Kozak Es un joven ilustrador, fotógrafo y diseñador gráfico afincado en Barcelona que nació en una pequeña isla del sur de Dinamarca, una ciudad llamada Maribo. Se mudó a España hace 5 años, su novia es de Valencia y se mudaron a vivir en un punto intermedio, Barcelona era adecuada por razones prácticas.

El diseñador no entiende la vida sin el skate. Desde los 7 años la tabla ha marcado su vida que le inspiró para dedicarse al diseño gráfico, ambos caminos los empezó a la vez. Customizar la tabla es algo común entre los skaters, él ve del skate algo muy creativo que te permite crear algo de la nada. Al crecer durante su adolescencia rodeado de garabatos, tablas, y punk rock, le ha nutrido de una cultura visual que hoy emplea en su trabajo comercial y artístico, su estilo ha resultado fresco, directo e impactante. Sus obras ilustran prestigiosos libros, camisetas, arte urbano y revistas de moda de todo el mundo. Sus clientes, incluyen marcas como Nike, Microsoft, Channel Island, Loreak Mendian, Graniph, Braun, Levis, Vans, Eastpack o Element.

El desenfado que caracteriza a sus trabajos suele ocultar un mensaje más profundo que combina el cuidado de la composición con la delicadeza de los detalles. Continuando con la tradición en el diseño escandinavo, Kozak se centra en las líneas nítidas, la sencillez en el color y la experimentación con la tipografía. Sin embargo, hallamos inesperadas sorpresas inherentes a juegos de palabras, códigos o señales que provocan ambiguas referencias. El uso que hace con el color es siempre plano al ser un diseñador daltónico, es una forma de no equivocarse, según dice él.

Su obra ha sido expuesta a lo largo de Europa y Estados Unidos, y se ha publicado en numerosos libros y revistas.

Además de diseñar, tiene su propia web dedicada a la fotografía, disciplina en la que vuelve a destacar haciendo gala de una maestría intachable y, por si fuera poco, vende al público muchas de sus creaciones a través de su tienda online “Espero que mi trabajo nos recuerde que la imaginación puede desafiar la gravedad y modificar el tiempo. Es nuestra responsabilidad disfrutar de cada segundo del día. Nadie más puede hacerlo por nosotros. Diviértete, haz lo que amas, ama lo que haces…”

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La Boca es un estudio de diseño ubicado en Portobello, al Oeste de Londres, que se especializa en ilustración e identidad de imagen. La Boca ha conseguido una presencia importante en la industria del diseño gracias a los tantos premios que ha ganado entre ellos algunos son: Winner, Merit (Illustration) por Vivid Live, Selected (Book) por Ray Ban Rare Prints, Winner Silver Award Poster Series así como Winner, Best Film Poster, ambos por Black Swan.

Estos diseñadores ingleses formaron en 2002, La Boca, un estudio de diseño independiente que se especializa en el arte y el diseño para el cine, la música y la moda.

Fueron los que diseñaron la tapa del último álbum de Muse…

Este pequeño estudio londinense hace homenaje al pasado una forma de búsqueda de un futuro idealizado. Manejan referencias estéticas en las que el argumento fundamental casi siempre contiene una reflexión sobre lo que ha de venir, desde “Metrópolis de Fritz Lang o Tron de Steven Lisberger, hasta la Avant Garde de Herb Lubalin, los carteles de Jan Lenica o los logos de Paul Rand, pasando por Jodorowsky o Terry Gilliam.

En la heterogénea constelación del diseño gráfico contemporáneo captar la atención resulta labor complicada.

El refulgente y continuo brillo de las estrellas fugaces deja poco espacio para la apreciación reposada del trabajo que intenta

transcender más allá del destello puntual. Los cinco minutos de gloria de Warhol hoy se antojan inalcanzables y el tiempo conquistado entre click y click resulta un logro de considerables dimensiones. Así están las cosas. Nuestra pareja protagonista juega esta liga pero lo hace con una práctica tan personal como características. Entre la vorágine de estilos y nombres imperante, el trabajo de este estudio, con sede en el glamuroso, barrio de Portobello de la capital británica, resulta un soplo de aire fresco. Y eso que no inventa nada; es más, construyen su discurso sobre piezas reconocibles, manejando pistas de un pasado relativamente reciente y de un futuro tan idealizado como improbable. Además-o sobre todo- lo hacen con un admirable estilo plenamente reconocible.

Los artífices del invento son dos jóvenes diseñadores –curiosamente ambos vegetarianos- que en un día de 2002, después de tres años colaborando, decidieron unir sus esfuerzos de forma sólida y formalizar su relación, pasando a dedicarse a tiempo completo a trabajar para la industria cultural desde su pequeña oficina frente a uno de los mercadillos mas turísticos de la capital de Reino Unido. El cinéfilo Alain de la Mata, nacido en Burdeos, se ocupa de la dirección económica y Scot Bendall, amante tanto del vinilo como de coleccionar esas pequeñas etiquetas que llevan algunas frutas, es el responsable de la dirección creativa. Este último se encarga de contarnos algunas cosas sobre su forma de trabajar y sobre su trayectoria.

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RECONOCIMIENTOS: Selected - In Book Le Club des AD Awards 2012 Ray Ban Rare Prints Winner Silver Award Poster Series European Design Awards 2011 Black Swan Winner Bronze Award Best Print Campaign Key Art Awards 2011 Black Swan Winner, Best Jacket / Cover Design British Book Awards 2011 Super Sad True Love Story Winner, Best Movie Poster Design Annual Design Awards 2011 Black Swan Winner, Best Poster / Billboard Design Annual Design Awards 2011 It Was On Earth That I Knew Joy

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ESPLUGA + ASOCIADOS Afirman no ser sólo un estudio de diseño y no querer ser una agencia de publicidad. Viendo sus trabajos y, sobretodo, hablando con ellos, uno entiende perfectamente el alcance de esta afirmación. La entrevista con David Espluga y dos de sus colaboradores, Dani Esteve y Max Tuja (el equipo lo forman siete personas), tiene lugar casi en su totalidad en la cafetería, un lugar propicio para la conversación informal, que es quizá el único modo de conversación razonable. Salta a la vista que la relación laboralprescinde de las jerarquías y está basada en una gran confianza mutua, aquello que en un lenguaje directo llamaríamos “buen rollo”.

La primera impresión que recibe el visitante en el estudio de David Espluga y equipo es que se trata de un espacio amplio, sobrio y agradable. Está situado en un primer piso de la zona alta de Barcelona y se nota enseguida que es un espacio de trabajo, lo cual, cuando hablamos de estudios de diseño no es necesariamente lo más habitual, ya que muchos de ellos están planteados como una grandilocuente puesta en escena destinada a avasallar a cualquier posible cliente. En el estudio de David y su equipo, lo primero que te encuentras es un guiño generacional en forma de un Playmóbil de aproximadamente un metro de altura. Lo segundo, un buen puñado de trofeos Laus amontonados por el suelo en un rincón (parte de los 67 premios nacionales e internacionales con los que cuenta el estudio). En la sala de reuniones veo que una de las paredes está totalmente pintada de negro, haciendo las funciones de una gran pizarra donde se han dibujado, borrado y superpuesto infinidad de gráficos, frases y dibujos con tiza de varios colores.

Imagino que sobre esa pared han estallado muchas tormentas de ideas.

Para empezar, David confiesa no sentirse muy a gusto con el término “diseñador gráfico”: “Si después de veinte años de profesión tu madre o tus amigos no acaban de saber muy bien a qué te dedicas, es que algo está fallando en la definición de nuestra profesión”.

Texto: Carlos Díaz

David pertenece a esa generación de diseñadores que, apenas pisando los cuarenta, tienen la veteranía suficiente como para haber conocido un antes y un después en nuestra profesión.

Lo cierto es que David y su equipo desarrollan un tipo de trabajo poco habitual entre lo que podríamos denominar estudios de diseño gráfico convencionales. Pero lo que singulariza con másfuerza a Espluga y Asociados es su método de trabajo. Un ejemplo simpático y clarificador a un tiempo es el diseño del envoltorio de Bollycao, quizá el producto más conocido de la bollería industrial para unsector de público infantil.

“En el terreno de este tipo de productos, tanto el mercado como los diseñadores, nos estuvimos equivocando durante

mucho tiempo, porque se insistió en establecer un discurso destinado a las madres,ensalzando los valores nutritivos de este tipo de productos. Pero la realidad es que el cliente real es el niño y es en su criterio en el que nos deberíamos haber fijado”.

Coherentes con esta premisa, el proceso de trabajo para realizar este proyecto se basó, desde un principio, en el más estricto sentido común.

“Puesto que son los niños los que deciden, lo que hicimos fue reunir en torno a una mesa a un buen grupo de niños dentro de una franja de edad delimitada. Les dimos a probar varios productos y les enseñamos diferentes envoltorios que había en el mercado. Los resultados eran enormemente ilustrativos y sorprendentes. Por ejemplo, todos coincidían en que no les gustaban nada los packs de cereales para el desayuno, porque los encontraban demasiado infantiles, es decir, para niños muy pequeños”.

El golpe vino cuando David y su equipo enseñaron a su grupo de “expertos” las diferentes propuestas que habían realizado.

La que para ellos era claramente la favorita, quedó rechazada en los primeros treinta segundos por aplastante unanimidad.

“No hubo manera de defender la propuesta que nosotros considerábamos como la mejor. Así que nos pusimos a trabajar con los niños. Ellos diseñaron junto con nosotros el pack, en el que finalmente se destacó la idea de que cada mordisco del Bollycao era como una explosión de chocolate. Esto se reflejó, no sólo en la gráfica, sino en la frase que la acompaña”.

Finalmente, el punto fuerte de la presentación del proyecto al cliente, consistió en un vídeo que resumía toda esta jornada de trabajo con los niños.

“No nos gusta hacer la típica presentación con muchos prolegómenos de justificación del proyecto. Si consideramos que un proyecto puede explicarse mejor y más ágilmente con un vídeo, lo hacemos”.

Espluga y Asociados forma parte desde hace tres años de AAD (All around design), junto a tres partners en Londres (Danziel + Pow), Paris (Saguez & Partoers) y Amsterdam (QuA).

Este contacto profesional con estudios de otros países, además de subrayar la vocación internacional del estudio, reafirma a David y su equipo en la idea de que hay otras formas de concebir y practicar la comunicación visual, que exceden los límites de lo que normalmente entendemos por diseño gráfico.

“Aquí todavía hay gente que piensa que un trabajo de identidad corporativa consiste en diseñar un logo y hacer un manual, cuando la identidad de un cliente es algo mucho más complejo y, a la vez, más interesante”.

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Precisamente, uno de los últimos grandes trabajos que han realizado en el estudio es un proyecto global para un centro comercial, que ha abarcado tanto arquitectura, como interiorismo y diseño.

Un proyecto que han culminado con éxito pero que llegó en circunstancias complicadas. Algo de lo que están especialmente contentos es de su relación con los clientes, sobre todo cuando tienen la oportunidad de trabajar directamente con el dueño del negocio, ya que el trato con los intermediarios siempre complica las cosas. Se da la aparente paradoja de que los clientes pequeños pueden resultar mucho más interesantes que los grandes: “Cuando trabajamos para nuestro cliente más conocido, lo disfrutamos, pero el radio de acción es más reducido.

En cambio, a clientes más pequeños puedes involucrarlos desde el principio.

Estableces el briefing mano a mano con ellos y los haces partícipes del proceso”.

Finalmente, las dos cosas que destacan por encima de todo, durante el curso de esta conversación es, por una parte, la idea de que la comunicación es el objetivo primordial de David y su equipo y, por otra, la importancia del ‘’buen rollo” para hacer un trabajo de calidad y pasárselo bien desempeñando este oficio, que es de lo que se trata.

Ahora bien, si después de leer este artículo hay algún joven diseñador interesado en enviar su currículum a Espluga y Asociados, quizá le resulte útil saber que entre las actividades que realizan fuera del estudio está la de lanzarse en paracaídas todos juntos y otros deportes de riesgo. Queda avisado.

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Pati Nuñez Nace en Girona, en 1959. Comienza a estudiar en la escuela EINA a raíz de su hermana, y con apenas 18 años, nada más terminar su formación, se incorpora en el cuerpo docente.

Pocos años después ya se conocen algunos de sus trabajos más emblemáticos, como la imagen corporativa del puerto de Barcelona.

En 1983 gana el premio Laus por la imagen de “Vinçon”, realizada junto a Javier Mariscal, América Sánchez y Fernando Amat. Es ganadora también del Premio Nacional de Diseño en reconocimiento a su larga trayectoria.

En 1985 abre su propio estudio que, a principios de los 90 se fusiona con AD, Associate Dessigner, naciendo así “Pati Nuñez Associats”, especializado en imagen corporativa y de producto, así como campañas de comunicación gráfica. Su diseño es cuidadoso con todos los aspectos, clásico pero acorde a los tiempos, generando una visión y estudio único sobre los productos realizados. Entre sus clientes se encuentran Cacao Sampaka o System Action, y también ha diseñado la imagen de perfumes de marcas famosas tales como Loewe o Armand Basi, u otros proyectos actuales como parte la línea de perfumes que podemos encontrar en Mercadona.

Algo importante de esta diseñadora es que, según sus palabras, su trabajo no está guiado por las modas, esto con la intención de ofrecer resultados duraderos. “Todo lo que está de moda, pasa de moda, sobre todo en imagen corporativa.

Estamos conscientes de la dificultad de consolidar la identidad de una empresa o producto por lo que queremos darle un estilo perdurable, no añadiendo ningún elemento más que los absolutamente necesarios y diseñando de un modo muy simple, lo que le da longevidad a los trabajos”.

Respecto a la pregunta de qué referencias (personas o países) que utiliza para su enriquecimiento, ella asegura: “Referentes no, porque a mí no me gusta copiar, y la gente cuando habla de referentes es porque sigue a alguien. Yo he intentado siempre trabajar a partir de la información que tengo de cada proyecto, y precisamente no quiero ver libros de diseño a la hora de diseñar porque eso es ruido que no sé de donde viene y yo quiero centrarme en mi propia idea. Pero por supuesto admiro a muchos diseñadores y luego pues hay países que aventajan a España en diseño, como Reino Unido, Holanda, Alemania, tienen más carrera, más historia de diseño gráfico que nosotros.”

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Emory Douglas Grafica para una revolución negra: Entre el final de los setenta y principio de los ochenta Emory Douglas ejerció como ministro de Cultura del Black Panter Party. En la práctica, su principal cometido fue la comunicación gráfica de este fenómeno público. Mediante su semanario y su ingente producción de carteles, pasquines y todo tipo de material gráfico, trazó un discurso comprometido política y estéticamente, vigente hoy en día.

Acción directa: El trabajo de Douglas se puede enmarcar en la gráfica de movimientos de carácter político-militar que tanta repercusión tuvieron en la frontera de los sesenta y setenta.

Reminiscencia de las vanguardias soviéticas, del arte pop, de la propaganda política asiática –fundamentalmente del Vietnam comunista- y, sobre todo, del cartelismo cubano de autores como Alfredo Rostgaard, Lazaro Abreu o Mario Sandoval se ven reflejadas en su obra. Porque hablamos de diseño gráfico dirigido a agitar conciencias, a reivindicar mediante actos, no solo con palabras, la posibilidad de ver el mundo desde una perspectiva diferente.

Lo social por encima de lo estético: Las imágenes que empelo Douglas conservan, más de cuarenta años después, toda la fuerza de la sinceridad. Su mensaje, hoy en día, puede sonar anacrónico para algunos, incluso ingenuo para otros, pero la gráfica que lo empuja es perfectamente válida. La función por encima de la forma, sin coartadas teóricas, por la pura necesidad de comunicación. No obstante, la propia urgencia del estilo lo hace espectacular. La brutalidad policial, la incitación de la toma de conciencia a la incitación de color, la apología de la autodefensa o la denuncia de la injusticia son temas recurrentes en su producción. Sus figuras son la representación de la ambición del hombre negro que se enorgullece de su condición y aspira a reinventar un espacio de igualdad, sin tutelas y sin ataduras, a la vez que muestra a opresores y poderosos con evidente desprecio.

Los conocimientos que adquiere, ligados a su vocación son vitales para su participación destacada en la combativa iniciativa de Seale y Newton. En enero de 1967, tras quedar impresionado al asistir a un mitin de la organización se incorpora a sus filas y casi inmediatamente es nombrado ministro de cultura y, por consiguiente, responsable de la imagen del partido.

Entre 1967 y 1974 la actividad de la organización es vertiginosa y es el periódico donde se concentra la mejor colección de Douglas. El partido prolonga su vida hasta el comienzo de la década de los ochenta pero su actividad languidece debida fundamentalmente a la fuerte represión que sufre por parte de los distintos gobiernos norteamericanos. Es a mediados de la década pasada cuando su trabajo es rescatado del injusto olvido. En 2007 una exposición monográfica promovida por el artista multimedia y docente Sam Durant en el Museo de Arte Contemporáneo de los Ángeles reivindica su trabajo, contextualizando su obra y reconociendo el valor de su producción. La muestra Black Panther: The Revolutionaty Art of Emory Douglas y su correspondiente catalogo reponen la figura del grafista de color. El pasado año supuso el espaldarazo definitivo para colocar la figura de Duglas en el lugar que le corresponde gracias a una extensa y minuciosa retrospectiva en el New Museum de Nueva York en la que, además del material expositivo, se realizó una serie de actividades paralelas que giraron en torno a la obra del diseñador –ahora ya considerado artista-.

Nació en Michigan (1943), adquirió una fuerte conciencia del problema racial que le rodeaba a temprana edad. En octubre de 2008, en un artículo publicado con motivo de su exposición en Manchester, confesaba al Sunday Times que la visita a un familiar de Oklahoma le dejo profunda huella y despertó en él un compromiso con la justicia, “fuimos a una cafetería y nos prohibieron sentarnos en el mostrador. Aquello me impresiono mucho”.

Como resultado de una adolescencia conflictiva, ingresa a los quince años en un reformatorio (California), donde toma contacto con las artes gráficas al estar destinado en la imprenta de la institución. Tras salir de reclusión, los servicios sociales le brindan la oportunidad de estudiar Arte publicitario en el San Francisco.

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Reza Abedini Diseñador gráfico iraní (nacido en 1967). Es un diseñador de prestigio internacional iraní y profesor de diseño gráfico y cultura visual en la Universidad de Teherán. Abedini es uno de los diseñadores gráficos más famosos en Irán debido a su famosa tipografía persa. Combina los temas tradicionales y modernos en su estilo único.

La rabiosa actualidad del trabajo de Reza Abedini está puesta al servicio de una profunda investigación respecto a la tipografía persa, a cuyo legado desea contribuir explotando y actualizando el esplendor del que gozó en el pasado. Sus carteles, premiados en múltiples ocasiones, constituyen la quintaesencia de un arte milenario que tiene en él al más joven de sus maestros.

Con Reza Abedini, no pueden omitirse dos premisas. La primera tiene un carácter estrictamente profesional, ya que, si bien es cierto que su producción de pósters es amplia y de enorme calidad, sería una injusticia hacia el autor que se olvidara su trabajo en otros sectores del diseño gráfico, empezando, por ejemplo, por la edición de libros y revistas, y terminando con los magníficos logotipos (y sus imágenes coordinadas), en los que la escritura árabe recupera todo su coeficiente visual. Ese coeficiente que le pertenece por tradición y que trasforma en imagen, decoración o motivo ornamental destinado a representar la palabra de Alá en una religión iconoclasta, que (como otras religiones, por otra parte) no permite la representación de la deidad.

La segunda premisa, en cambio, es la obvia consideración de que la campaña antiárabe organizada tras los atentados de las Torres Gemelas amenaza con encerrar en un gueto una cultura a la que no sólo debemos mucho históricamente, sino que también nos ofrece un espejo de las mismas antinomias de la sociedad occidental. Abedini es un embajador de la cultura iraní contemporánea, al haber alcanzado un nivel de visibilidad importante.

En su obra es la composición la que lleva el significado: el sintagma prevalece sobre el paradigma, la metonimia sobre la metáfora. Esto explica el carácter fuertemente temporal de las imágenes de Abedini, que retienen nuestra mirada durante largo tiempo. Tenemos la razonable certeza de que esta capacidad de privilegiar el signo gráfico es hija de un hábito de escritura: la escritura árabe, cuya caligrafía es un ejemplo de armonía y de interpretación emotiva (pero también semántica)

RECONOCIMIENTOS Persian Type and Typography, conferencia de Reza Abedini sobre tipografía persa, 2002.

Al principio… Reza Abedini, 2001 Le voyage de Maryam, cartel de cine, 2002 Moharam, cartel para conferencia sobre ceremonias religiosas, 2000 Mil alas voladoras, mil títulos, exposición, 2000.

Siah Mashq, exposición de carteles de Rez Abedini, 2004

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del signo. “Gráfico”, al fin y al cabo, deriva etimológicamente del griego graphein, es decir, escribir.

Reza Abedini ha ganado docenas de premios de diseños nacionales e internacionales. En 2006 recibió el Abedini Principal Prince Claus Award en reconocimiento a su creatividad personal en la producción de diseños gráficos especiales, así como por la manera personal en la que se aplica y redefine el conocimiento y los logros del patrimonio artístico de Irán, lo que los hace altamente interesantes. El premio también centra la atención en la diversidad tanto de la historia y la cultura iraní moderna, reconociendo el impacto del diseño gráfico como un medio influyente internacional de la comunicación. Es miembro de la sociedad de diseñadores de Iran (IGDS) desde 1997, y del prestigioso Allienace Graphique Internationale (AGI) desde 2001. Además, Abedini fue miembro del jurado en varias bienales de todo el mundo

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Ricard Giralt Miracle Este diseñador gráfico es uno de los más importantes del siglo XX en nuestro país, pero su reconocimiento ha sido tardío ante la indiferencia del público en general y de los medios de comunicación en particular. Sólo muy recientemente el alcalde de Barcelona Joan Clos le dedicó una placa conmemorativa en la casa natal del diseñador en la calle Penedés, en el año 2001.Miracle es un diseñador de estilo renacentista, lo que hace que su trabajo posea una gran variedad visual y sea difícil de clasificar dentro de una tendencia concreta.

Destaca especialmente por un sentido ético y fuertemente comprometido con la cultura de la capital condal. Ha trabajado para distintas editoriales como Pen y estampas para escritores, poetas y artistas como Juan Eduardo Cirlot, Joan Brossa, Antoni Tàpies o Joan Miró.

Ricard Giralt Miracle (Barcelona, 1911-1994), era hijo de Francesc Giralt III, compañero de Seix i Barral, fue el pionero del diseño gráfico español. Fue también tipógrafo e impresor.

Ricard aprendió con su padre, que era un prestigioso grabador litógrafo. Se inició en el mundo de las artes gráficas en el estudio de Seix i Barral; artísticamente se formó en la Escuela de la “Llotja” (Escuela de Artes y Oficios de Barcelona), en el Cercle Artístic de Sant Lluc, y en el Ateneu Enciclopédic Popular, donde tuvo como maestro al arquitecto Josep Lluis Sert, quien le relacionó con el racionalismo del GATCPAC, y le hizo entrar en contacto con la Bauhaus y las corrientes centroeuropeas de diseño.

Ricard Giralt Miracle fue en un principio de formación plenamente noucentista y posteriormente racionalista, pero vio truncada su carrera por la Guerra Civil; pasó al exilio y estuvo encerrado en campos de concentración. Reanudó el trabajo a su vuelta a España.

Desde los años 30 se dedicó a la creación de carteles, folletos, cubiertas de libros y ediciones de bibliófilo; colaboró en numerosas creaciones publicitarias y en el campo de las sobrecubiertas para libros y en el cartel publicitario.

La relación de Ricard con la letra se remonta a su infancia.

Se padre, Francesc, notable grabador litógrafo, le inició en el dibujo de todas las familias tipográficas, particularmente las de tradición romana, inglesa y egipcia, a las que incorporó después las de palo seco. El dominio que llegó a tener de la anatomía y arquitectura de la letra le permitió no sólo aplicar con rigor los alfabetos clásicos, sino dibujar otros nuevos que, estructural o estéticamente, tuvieran personalidad propia. Para él, la letra tenía vida propia. Estudiaba el grosor de las astas, los remates, las partes llenas o vacías, los espacios y las interlíneas, con el

objetivo de dar una fisonomía característica a cada alfabeto.

En 1947 funda el Instituto de Arte Gráfico Filograf (Filograf, Institut d’Art Gràfic). Desde entonces editó unas comunicaciones muy particulares, por ejemplo son famosas las tarjetas para notificar en las empresas y comercios el cierre por vacaciones o las felicitaciones de Navidad, que han constituido la selección de grabados xilográficos y tipográficos de mayor envergadura de toda nuestra historia contemporánea.

Trabajó para editoriales tan relevantes como las de Josep Janés, Lluis Miracle, Aymá, Argos, Omega, Noguer, Destino, Herder, Gaya Ciencia, etcétera. Estampó algunos ejemplares de la revista “Dau al Set” e imprimió libros y catálogos para Miró, Tápies, Millares, Sempere, Zóbel, Tharrats, Cuixart, etcétera, o para escritores como Foix, Espriu, Sagarra, Teixidor, Manent, Brossa, Perucho y Cirlot, entre otros.

En 1951 realizó el logotipo para el Grupo R de arquitectos racionalistas (Coderch, Bohigas, Martorell, Gili, Pratmarsó). Fue además autor de numerosos alfabetos, como el Gaudí, Xenius, Helios, Maryland, Gaya Ciencia, Pompeya, Augusta, Biblos; pero su indiscutible talento gráfico raya a gran altura en el personal toque que da al collage tipográfico.

En 1953 funda y dirige la Editorial PEN, dedicada a libros de tema artístico. Anualmente publica unas “plaquettes” en las que combina los grabados antiguos con una amplia gama de superposiciones gráficas y armónicas tonalidades de color.

Realiza asociaciones inéditas a través de la reutilización de vulgares viñetas y de tipografías marginadas en los catálogos al uso. Una innovación en su tiempo fueron las audaces composiciones asimétricas y calidoscópicas, y sobre todo el tratamiento del color, que ejercieron gran influencia en las jóvenes generaciones posteriores de diseñadores, apreciable todavía hoy.

Se considera a Ricard Giralt Miracle como “el primero de la nueva vanguardia, en la oscura posguerra”, decía Alexandre Cirici Pellicer, de quien se consideraba discípulo.

Es también o se dice de él que es el arquetipo del diseñador gráfico independiente, que no nace, como pudiera creerse, con la fundación del FAD (Fomento de Artes Decorativas) en 1961, sino de la honesta y humilde práctica de este paciente trabajador de la cultura.

Los alfabetos diseñados por Giralt Miracle, de los que hay que destacar el Gaudí (que combina el espíritu constructivo de la romana lapidaria y el de los palos secos modernos), nunca llegaron a fundirse; sólo fueron utilizados por él en sus diseños.

Los alfabetos tipográficos, en concreto el Gaudí, le valieron el Premio Delta de Oro del ADI-FAD en 1962. Realizó numerosos

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carteles, portadas de libros, marcas, logotipos y la creación de libros de bibliófilo. Su aportación más importante fueron las obras que denominaba “caleidoscopios”.

Su obra ha sido objeto de importantes publicaciones en revistas extranjeras (Gebrauchsgraphik, Who’s Who), así como de destacados premios y menciones, entre los que destacan el Premio Saulo, otorgado por la Escola Massana de Barcelona; varias menciones de la Agrupación Tipográfica Internacional durante los años 60; Medalla de Oro del FAD en 1980; en 1983 recibió el Premio Ciutat de Barcelona a las Artes Plásticas; la Creu de Sant Jordi concedida por la Generalitat de Catalunya en 1986; en 1989 el Graphic Design Excellence Award del ICOGRADA (International Council of Graphic Design Association). Fue galardonado con el Premio Nacional de Diseño en 1990, otorgado por el Ministerio de Industria y Energía y el Centro de Diseño de Barcelona (BCD), y el Premi Nacional d’Arts Plástiques del Departamento de Cultura de la Generalitat de Catalunya.

En 1982 la Fundación Miró acogió una exposición antológica suya de sus primeros cincuenta años de trabajo. En 1993 la Calcografía Nacional de Madrid presentó una exposición antológica de su obra con el título “Amor por la letra. Ricard Giralt Miracle, diseñador gráfico”, que también pudo contemplarse en el Palacio de Revillagigedo de Gijón. También el IVAM de Valencia le dedicó una exposición en 1996 (Ricard Giralt Miracle y la Tipografía).

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granaina el espíritu tipográfico de granada

Desde las señales cerámicas del barrio del Albaicín de Granada nos llega Granaina, una tipografía que se enmarca en el proyecto Granada Tierra Soñada de Sergio Arredondo y Vanesa Aguilera.

Estos dos diseñadores han querido capturar la esencia de su ciudad, sus gentes y sus costumbres y no se les ocurrió otra cosa que diseñar un maravilloso cartel.

Pronto quisieron más y se atrevieron con los rótulos cerámicos de la ciudad, dando lugar a una tipografía que desprende «granadismo» por cada serifa. La iniciativa es simpática y la fuente está muy bien acabada.

Aunque parezca una tarea sencilla, crear una letra es un trabajo complejo, lento e increíblemente artesano: la caja alta, la caja baja, las florituras, el espacio entre letras, el grosor... Decir que el resultado de varios años de trabajo queda condensado en un conjunto de caracteres es poco habitual, pero lo cierto es que el éxito de ‘La Granaína’ ha sido, según dicen sus creadores, inesperado.

«Estudiamos Bellas Artes en Granada -explica Sergio- y éramos de los pocos a los que nos interesaba la faceta del diseño. Desde que terminamos la carrera no hemos dejado la formación, ni siquiera cuando empezamos a trabajar». Tras realizar numerosos cursos especializados en el campo de la tipografía, fue en 2009, tras asistir a ciclo de conferencias sobre Urbanismo de Granada en el museo José Guerrero, cuando pensaron que Granada, como marca, merecía una tipografía propia. «Nos decíamos una y otra vez que queríamos hacer algo juntos, algo que recopilara todo lo que nos gusta: arte, diseño, pictogramas, edición... Y, claro, después de la charla añadimos un elemento más. Teníamos que hablar de lo nuestro, de Granada. Nos fijamos en referentes mundiales, como Nueva York, Londres o Barcelona, que tienen una imagen muy definida. Y nos pusimos manos a la obra».

Un tipo ‘mu granaíno’ El elemento estético que unificó el proyecto fue la cerámica de loza y Fajalauza.

«Verdaderamente era lo más parecido a una marca local», apunta Vanesa. Decidieron hacer un safari fotográfico por la ciudad, «para capturar la imagen de la calle» y digitalizar, vectorizar y seleccionar las claves de la tipografía. ¿Tenéis algún carácter favorito? «La ‘g’ minúscula. Algunos tipógrafos la calificarían de atrevida, pero nos gusta. Claro, que también nos gusta porque nos ha costado mucho trabajo. También la ‘s’». ¿Y qué es lo peor, lo más complicado a la hora de componer una tipografía? «Lo peor de hacer tipografía es trabajar el espacio entre las letras. ¡Es un follón! Una tipografía ‘cutre’ es relativamente fácil de hacer, hay programas que las hacen rápidamente. El problema es el espacio que hay entre dibujos, es el gran drama de la tipografía».

La web granadatierrasoñada.es (diseñada por nanotorres.com)es el lugar virtual desde el que cualquier internauta puede hacerse con la tipografía ‘la granaína’. Puede descargarse gratuitamente a cambio de un simple tuit o una publicación en Facebook y dispone de dos versiones: la limpia —normal, idónea para su uso a cuerpos generosos— y la sucia —aspecto usado y manual, ligera inclinación y un juego de caracteres mucho más limitado—.

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ToorMIX Toormix es un estudio de diseño ubicado en Barcelona y especializado en branding, dirección de arte, creatividad y diseño gráfico creado en el año 2000 por Ferran Mitjans y Oriol Armengou. Desarrollan proyectos de identidad corporativa, dirección de arte, diseño editorial y de comunicación bajo el lema ‘Jugando con marcas desde el año 2000’, ya que ellos opinan que “Jugar significa no tener miedo, ir siempre más allá, asumir nuevos retos, cuestionar planteamientos y crear nuevos caminos”. Por ello, en su metodología de trabajo la colaboración estratégica con el cliente es fundamental para alcanzar el objetivo principal: elaborar un discurso creativo claro y coherente para llegar a las personas mediante propuestas de diseño innovadoras y visualmente atractivas.

Entre sus clientes encontramos organizaciones y empresas de todo tipo, como L’Auditori, encargándose Toormix de su nueva campaña gráfica. Dicha campaña está basada en una imagen, basada en una retícula gráfica que nace de la propia estructura del edificio y que parte de un concepto creativo basado en la idea del edificio como caja de sorpresas. También se han hecho cargo de la imagen corporativa de Betlem, un novedoso gastrobar barcelonés en el que confluye el aspecto decimonónico del antiguo colmado que ocupaba el local con la vanguardista imagen gráfica propuesta por el estudio.

Además de los trabajos comerciales, Toormix ha inaugurado recientemente ‘Toormix taller’, un nuevo espacio de investigación ubicado fuera del estudio, en la calle, diseñado específicamente como laboratorio de ideas en el que aprender, crecer profesionalmente y enriquecer los futuros proyectos.

Los viernes se convierten en un día dedicado exclusivamente para buscar nuevos procesos creativos y en el que probar trabajo experimental, interdisciplinar y de innovación, así como organizar workshops, reuniones creativas con los clientes, autoproyectos, talleres creativos, exposiciones... Fruto de estas jornadas han surgido proyectos como ‘Vins Catalans’, una completa labor de branding-ficción para el sector vinícola catalán que nace como propuesta de la revista creativa Icon, o las tipografias ‘Optilus’ y ‘Mar i Muntanya’, empleadas en algunos de sus más recientes proyectos y disponibles para su compra próximamente.

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los toormix consejos 1.

No somos artistas.

2.

Busca siempre un concepto.

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Conoce bien a tu cliente. Conoce bien a tu público.

4.

Para destacar hay que innovar y sorprender.

5.

No limites tu estilo.

6.

Mejora siempre, no te conformes.

7.

No te acomodes, sé autocrítico.

8.

Sé coherente y honesto.

9.

Trabaja con los mejores especialistas.

10. Tómatelo con humor.

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Su nombre es Valnoir y es el fundador de Metastazis uno de los estudios de diseño de los que más se habla en la escena musical metalera. Si usted no reconoce su nombre de inmediato... todo lo que tengo que decir es que él es el hombre que imprimió carteles para Waitain con su propia sangre. Recientemente hizo el diseño adornado para el trabajo nuevo de Black Dahlia Murder. A menudo, los artistas que se dedican a la ilustración tienen miedo de decir lo que piensan temiendo asustar a un cliente potencial y, en ese sentido, son a menudo muy diferentes de sus hermanos del campo del arte. Pero no es el caso de Valnoir. Más adelante se puede encontrar una entrevista muy entretenida...

CAJAalta

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¿Cómo conseguiste tu primer trabajo remunerado en el mundo del arte? Hará 10 años, cuando yo tenía alrededor de 20 años, se puso en contacto conmigo con un grupo bastante malo llamado Fornication, para hacer su web completo, incluyendo el código etc. Pasaron meses, un montón de modificaciones diarias, para un resultado que era un mutante gráfico monstruoso. Es muy divertido de ver ahora lo malo que es. Le pedí a 100 € por el encargo al final. Y el tipo me trataba como a un estafador, porque su amigo le dijo que un sitio web no valía más de 50 €. Así que él me envió 50 €. Yo le insulte tanto que obtuve mi extra de 50 €.

Por una razón que se puede imaginar, rápidamente decidí cambiar algunas cosas en la manera de manejar mi estudio. ¿Quiénes son tus influencias artísticas? Namedropping chaos : NSK/New Collectivism, Secesión vienesa/Koloman Moser, Hermann Nitsch/Actinismo vienes, Calaveras mexicanas, art-deco, art nouveau, constructivismo soviético, arte Nazi, Chris Ware, arte Bizantino, Steichen, Helwein, Mirko Ilic, diseño psicodélico, Gustave Doré, Philippe Druillet, arte mortuorio, el sol y todo lo relacionado con la interpretación de la muerte ¿Qué palabras describen mejor tu estilo artístico?Trato de no quedar atrapado en un “estilo”, es algo que quiero evitar en la medida de lo posible. Intentó adaptar el aspecto formal de una obra de arte al mensaje del grupo. No voy a usar un estilo totalitarista que supondría llevar un mensaje violento para un álbum de Alcest, ni los elementos psicodélicos y coloridos para Anteo, ni animales con ropa para Watain. Soy un mercenario y así es mi estilo. Puedo adoptar cualquier bandera como mía propia, si esta vale la pena.

Háblanos del espacio de tu estudio. Yo comparto un espacio en el centro de París, distrito 10, en un edificio burgués antiguo. Hay un patio con árboles para barbacoas, borracheras, orgías de vino tinto, y masificaciones. Comparto ese espacio con un montón de hippies que llevaban una marca de diseño de camisetas orgánicas que se llama Monsieur Poulet, y un arquitecto-jardinero que nunca está allí porque está durmiendo en la playa. Son casi tan estúpidos como yo, así que el ambiente es bastante auto-destructivo y yo lo disfruto.

Texto: Vertebrae33

Llévanos a través de un día típico de Valnoir.Me levanto a las 8:00 am en mi casa, en el distrito 15 de París, a las 8:30, me visto, cojo un croissant por el camino, llego a mi taller, en el distrito 10, a las 09:30-10:00. . De 10:00 a 13:00, me centro más en mis clientes corporativos, ya que son un grano en el culo, yo prefiero resolverlo en primer lugar, con rapidez, mientras mi mente está todavía fresca. Después almuerzo según el día es: ensalada casera, costillas compradas en la carnicería de la esquina o una barbacoa en el patio, kebab, sushi, sándwich parisino, carne molida cruda, o simplemente una botella de vino tinto. Dedico la tarde a Metastazis. Hasta las 17:00, 18:00, 19:00, 20:00 dependiendo del trabajo, la motivación, del hambre. Meriendo con los hippies de Monsieur Poulet en el patio, y luego ceno con unos amigos del centro, sigo con cualquier tipo de libertinaje, o con una noche tranquila con una chica después de la cual sigue cualquier tipo de libertinaje.

Paradise Lost Tragic Idol

2012

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Al bautizar a su perro con un nombre difícil como Himmler o Camello, todavía se puede usar un apodo. Pero el nombre de una entidad “pública” como mi estudio o un grupo se pegará a tu culo hasta que el proyecto se muera. ¿De qué va Metastazis entonces? De follar con tantas estudiantes de diseño de 19 años de edad cuantas sea posible.

Y junto a esto, es bastante secundario, pero: El objetivo de Metastazis es ofrecer algo inesperado, nuevo, contemporáneo, un diseño inteligente, realmente provocativo a la escena de música extrema. El diseño en esas escenas es liderado por el amateurismo conservador.

Photoshop mal utilizado a punto pala y diseñadores mediocres que copian torpemente cosas que han visto antes. Por cierto, no es difícil ver la analogía con la propia escena: las guitarras mal utilizadas y músicos mediocres copiando riffs torpemente que han escuchado antes. Me gustaría que mi trabajo sea instructivo y abra los ojos y la mente de las ovejas a las ideas con mayor calidad y mejor diseño.

The Black Dahlia

Ritual

2011

Ultraviolence über alles

2009

As I lay dying Awakened

2012

Secrets of the moon Privilegium

2009

The CNK

¿De dónde viene el nombre?Al bautizar a su perro con un nombre difícil como Himmler o Camello, todavía se puede usar un apodo. Pero el nombre de una entidad “pública” como mi estudio o un grupo se pegará a tu culo hasta que el proyecto se muera. Elegí este nombre porque quería demostrar que este estudio es pluridisciplinar. Como un cáncer en el cuerpo creativo transmite la metástasis a cada uno de los órganos de la creación. Y un puse Z en lugar de la S, ya que quedaba bastante mejor.

La juventud es cruel después de todo.

Estoy pensando en volver rebautizar algún día, pero es bastante delicado. Pero al fin, y al cabo eso es secundario.

Ascension

Consolamentum

2010

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42 Especialista contemporaneo Se graduó en Diseño Gráfico en la Temple University Tyler School of Art en Filadelfia en 1994. Sus años de juventud los pasó copiando los cómics de Don Martin. Al salir conoció a House Industries y empezó a trabajar para ellos como Freelance. Después de trabajar en distintos estudios de diseño de Nueva York y convertirse en una celebridad en el mundo del diseño y la tipografía ganando prestigiosos premios, Ken volvió a Delaware en 1996 para trabajar como diseñador, ilustrador, “ letterer” y diseñador de tipografías. Su trabajo ha sido reconocido internacionalmente.

En estos momentos es el director de desarrollo tipográfico de la compañía y a su vez imparte talleres, conferencias y clases en distintas universidades internacionales. ¿Qué nos puede explicar de House Industries? House Industries con base en Delaware es uno de los grandes fabricantes de tipografía del mundo.

Es un estudio de diseño especializado en ilustraciones y lettering. Ofrece fuentes únicas a agencias de publicidad y estudios de diseño.

Provocó un impacto considerable en el mundo del diseño cuando se creó.

Funcionan como diseñadores gráficos, tipógrafos, calígrafos y creadores de fuentes gracias a su amplia formación en todos los campos y a su interés por innovar y modernizar todo lo diseñado hasta ahora.

Esta empresa americana, se fundó en 1993 por Andy Cruz y Rich Roat como Brand Design Co. en el apartamento de Rich, supo canalizar su pasión e influencia hacia la estética gráfica de mediados de siglo XX. Todos convivimos en una sola habitación, de forma que en todo momento podemos ver los proyectos en los que los demás trabajan. De hecho muy a menudo nos acercamos todos a una mesa con las sillas de ruedas para comentar. Rich, bromenando, a eso le llama el “coeficiente de rodamiento”.

Generalmente, cada uno de los diseñadores tiene dos o tres proyectos entre manos y siempre estamos pidiendo –y ofreciendo- opiniones de los demás. Se puede decir que, desde el principio, House Industries ha tenido un espíritu colaborativo y autosuficiente, porque nunca tenemos trabajadoresexternos; nuestros diseños los hacemos el equipo interno.

Ken Barber

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de House Industries

uno de los tipógrafos más relevantes a nivel internacional

Hablame brevemente de sus inicios en el diseño gráfico. ¿Cuándo se dio cuenta de que le gustaría ganarse la vida como diseñador? Aunque suene sorprendente, siempre me inspiró la revista Mad Magazine, especialmente el lettering y la ilustración. También, durante mi adolescencia, me cautivaron las ilustraciones que Jim Phillips hacía para la marca de skateboards SantaCruz: representaban la integración perfecta entre la ilustración y la tipografía. Por lo tanto, se podría decir que mi intentés por el diseño empezó en una edad temprana, aunque no supe lo que era el diseño gráfico hasta más tarde.

Asimismo, se podría decir que desde sus inicios se encaminó en la dirección más adecuada para su perfil. ¿Qué cosas cree que hizo bien para poder dedicarse a lo que le gustaba? En cierta medida, creo que mi carrera profesional ha sido fruto de un cúmulo de coincidencias fortuitas. Estudié en la Tyler School of Art, parte de la Temple University, en Philadelphia. Allí conocí a Allen Mercer, uno de los fundadores de Brand Design Company Inc. Y nos hicimos amigos. En un momento dado, su estudio tenía más trabajo ddel que podían cubrir así que me empezaron a asignar algunos de los proyectos freelance. Los fundadores de esa empresa-Allen, Andy y Rich- me propusieron convertir en tipografías algunos de los letterings que yo había hecho en mis proyectos universitarios para una nueva fundición tipográfica que ya entonces planeaban: House Industries. Creo que tuve mucha suerte: conocí a la gente adecuada en el momento adecuado.

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Matt En lamono queríamos color, algo fresco, dinámico. Cuando buscas estos elementos, no hay duda: Matt W. Moore es tu hombre. Una de las mentes más creativas que hemos tenido el placer de conocer, es diseñador gráfico y además de llevar su propio blog de arte (que actualiza a diario), tiene una firma de objetos de diseño y una marca de ropa. Sus piezas forman ya parte de la historia de peces gordos de la talla de Ray-Ban, Gravis Footwear, K2 Snowboarding, Nike SB, Burton y hasta el mismísimo Google, por citar algunos. Abierto, intuitivo y curioso, no cierra la puerta a ninguna disciplina artística que le pueda servir para innovar en lo que hace. Un ejemplo de cómo cuando la creatividad está libre de prejuicios, no tiene límites. Su estilo es lo más parecido a mirar a través de un caleidoscopio. Una explosión de color y formas geométricas que parecen estar en constante cambio. Una vitalidad que cuanto más la miras, más se contagia. Por ello durante este mes pone cara a nuestros canales online. T. Xavi Ocaña Preséntanos el pattern que has diseñado para lamono. Diseñé este pattern como una celebración de diferentes tipos de gráficos repetidos compilados todos en uno. Es un ‘Mega Mosaico’ formado por docenas de tejas más pequeñas que si se repitieran podrían ser un pattern interesante.

Texto: Xavi Ocaña

¿Qué hace a tus diseños distintos? ¿Cuáles son tus señas de identidad como artista?

Siempre intento dar un nuevo giro y ver las cosas desde una nueva perspectiva. Las señas de identidad de mi estilo están muy vinculadas a abstracciones asimétricas, la geometría y combinaciones de colores únicos y vibrantes.

A menudo utilizo patterns y op-art en lugar de gradientes y sombras para dar profundidad a mis composiciones. ¿Qué artistas han influido en tu estilo? Wow. Hay muchos artistas que me inspiran. Algunos de mis héroes del pasado son Picasso, MC Escher, Herb Lubalin, Sol Lewitt, Frank Stella, Dondi White, Charles Harper, Kandinsky, Miro… la lista sigue y sigue. Algunos artistas y diseñadores contemporáneos que admiro son Alex Trochut, Roids, Greg Lamarche, Haze, Jurne, Horfe, Augustine Kofie, Poesia, Geso, Aerosyn Lex, Doze Green, The ROJO & Graffuturism & Depthcore Crews. También mis amigos en la ciudad donde me crié me han inspirado: Tim Clorius, Eric Michalovic, Lerk, Mike Rich, Turdl, Learn, Lack, Esko, Naste, Past Europa, ¡y muchos más!

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W Moore Tu creatividad es contagiosa y se manifiesta a través de diferentes disciplinas artísticas, ¿Cuál te permite más libertad a la hora de crear? En realidad no tengo una disciplina preferida. Para mí lo más importante es hacer cosas diferentes y explorar ideas nuevas por un lado para luego aplicar los descubrimientos a otro proyecto. Disfruto la libertad de las bellas artes, los proyectos personales y pintar grandes murales. También me siento muy satisfecho solventando los problemas de comunicación y funcionalidad en iniciativas de diseño. La variedad es propicia para el crecimiento, la mezcla de ideas es una manera efectiva para crear resultados imprevistos.

Matt W. Moore es un diseñador y graffitero fundador de MWM Graphics, un estudio de diseño e ilustración con sede en Portland, Maine. Matt trabaja en todas las disciplinas, desde coloridas ilustraciones digitales, a formas libres realizadas con acuarelas y murales con sprays. Presenta su obra en galerías de todo el mundo, y colabora con sus clientes en todos los sectores.

Eres el fundador de Core Deco, creando objetos de diseños únicos, y co-fundador y diseñador de Glyph Clue Clothing, ¿qué nos puedes contar acerca de estos proyectos? Glyph Cue es la empresa de ropa que fundé con mi viejo amigo Kris hace 4 años. Ambos estamos inmersos en el mundo de la moda urbana y decidimos lanzar nuestra propia marca para tener una libertad creativa total. Yo soy el diseñador y él es el empresario. ¡Somos un bueno equipo! El verano pasado lancé Core Deco. Una marca dedicada al diseño funcional y la creación de productos para casa únicos. Es muy divertido diseñar muebles usando las ideas del arte gráfico que se me ocurren. ¿Hasta dónde puede llegar la funcionalidad del arte? ¿Lo más útil que has hecho con tus creaciones?

Siempre tuve una predilección especial por el diseño que tiene una función más allá de la estética o comunicación. El diseño de muebles o ambientes es algo con lo que vivimos e interactuamos cada día.

Mi objetivo a largo plazo es continuar trabajando y usando mi mente de forma creativa. Viendo si las nuevas ideas que surgen de un trabajo pueden ser actualizadas en otro.

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Eres un internauta muy activo: tienes tu propio blog que actualizas a diario, twitter, facebook… ¿Qué opinas acerca de un mundo 24/7 conectado? ¿Tanta interconexión y exposición ha influenciado tu estilo y manera de trabajar? En efecto, estamos en un momento en que es muy excitante estar vivo y formar parte de un trabajo creativo. Disfruto mucho pudiendo estar en contacto con mis amigos de todo el mundo y ver sus últimos trabajos tan pronto como ellos cargan la foto. Es una locura pensar que somos la última generación que conoce un mundo que no está conectado 24 horas al día, 7 días a la semana. Recuerdo que como adolescentes coleccionábamos fanzines fotocopiados de artistas y graffiteros de las ciudades vecinas. Esta era nuestra manera de saber lo que estaba pasando fuera de nuestro entorno. Ahora, podemos sintonizar cualquier subcultura en cualquier parte del mundo con sólo unos pocos clics del ratón. ¡Es increíble… pero preocupante también! El futuro es ahora.

Hay más oportunidades, no hay barreras. Si un artista, músico, escritor es bueno en lo que hace y escogen compartirlo con el mundo, la gente lo conocerá y lo celebrará.

Recientemente has sido el artista escogido por Vincci Hotels para llenar de arte y color los más de 50m de la 4ª planta de su nuevo hotel en Barcelona. El resultado es espectacular. ¿Qué nos puedes contar acerca de la experiencia y el mural que pintaste? Pintar ese pasillo fue muy divertido y me dio mucho trabajo. Desde el principio supe que usaría ese

estilo de op-art triangular. He pintado algunos murales como este en los últimos años y quería estar seguro de introducir nuevos aspectos, por eso escogí una gama de colores secundarios (naranja, verde, y lila) y creé una narrativa sombría de color y capas en los detalles. Tienes que estar allí en persona para apreciarlo porque las fotos y los videos no le hacen justicia. Así que a todos los que estéis en Barcelona o vayáis de visita, os invito a que vayáis a verlo. Las otras seis plantas son completamente increíbles también.

The Vincci Bit abrirá en abril de 2012.

Has diseñado para grandes firmas, ¿cuál ha sido el proyecto qué más te ha entusiasmó en su momento y el que recuerdas con más emoción? Una vez más, es imposible elegir un favorito. Cada uno me gusta por motivos distintos. A menudo son los proyectos más recientes los que más me excitan, y aún no han sido lanzados, así que siguen siendo un secreto por el momento. Dicho esto, trabajar en el mundo del skate/snow/surf es siempre súper divertido. Esa es mi historia. Me recuerdo de niño pensando lo guay que sería llegar a diseñar gráficos para tablas de skate y snow. Es un sueño hecho realidad poder colaborar con grandes marcas de este sector.

Un sueño profesional… Sólo quiero continuar divirtiéndome y creando cosas nuevas con las que la gente disfrute.

Un lema que nadie debería olvidar… ¡Sé curioso!

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Stefan Sagmeister De Stefan Sagmeister prácticamente sobran las palabras. El diseñador gráfico, tipógrafo y pensador austriaco ha sido quien ha puesto el broche de oro que cierra el MAD 2012. Ahora llega la entrevista. ¿Cómo empezaste en el mundo del diseño? Empecé a escribir para una joven revista cultural cuando tenía 15 años y descubrí muy rápido que me gustaba más diseñar que escribir para ella. ¿Con qué proyecto te diste cuenta de que podías vivir de esto? Cuando era estudiante en Viena, conseguí trabajar para la que probablemente era entonces la mejor compañía de teatro vanguardia de la ciudad. Empecé a diseñar todos sus pósters y programas. Fue increíblemente emocionante el poder ver tus pósters colgados por toda la ciudad. Me encantó, y así empezó todo.

Texto: gràffica

¿Cómo es tu relación con otras áreas de creatividad como el baile, el cine o la pintura, entre otras actividades artísticas? Mi relación con la mayoría de estas disciplinas es de mero espectador. Veo mucha pintura, pero no pinto; voy a muchos conciertos, pero no hago nada de música; y nunca he mantenido ningún contacto con la danza, una de las pocas áreas que no conozco lo suficiente como para encontrarla atractiva. Desde que estoy involucrado en la grabación de documentales, mi concepto sobre las películas, incluso las malas, ha crecido increíblemente. Es difícil hacer incluso una obra mediocre. ¿Cuál es la persona a la más admiras?

Hay tantas: James Turrell, Ann Hamilton, Adolf Woelfli, David Byrne, Brian Eno…. y esos son sólo los primeros que se me han ocurrido.

Mi único héroe del diseño es Tibor Kalman

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¿Cuál es la persona que más te ha marcado en tu vida? Tibor Kalman es la persona que más me ha influido en mi vida como diseñador y mi único héroe del diseño. Hace 25 años, cuando era estudiante en Nueva York, le llamé cada semana durante seis meses y llegué a conocer muy bien a la recepcionista de M&Co. Cuando al fin accedió a recibirme, resultó que tenía un boceto en mi portfolio que se parecía a un concepto y un trabajo en el que M&Co estaba justo trabajando. Corrió a enseñarme el prototipo muerto de miedo de que luego dijera que me lo había robado del portfolio. ¡Me sentí tan halagado!

Cinco años después de empezar a trabajar allí descubrí que era su talento como vendedor el que diferenciaba su estudio del resto. Había a su alrededor varias personas que eran tan inteligentes como Tibor (y también había muchos que eran mejores diseñadores), pero nadie podía vender esos conceptos sin cambios, conseguir transmitir esas ideas al público sin que prácticamente nada las alterase.

Nadie más era tan apasionado. Como jefe no tenía reparos en disgustar a sus clientes o empleados —recuerdo su reacción sobre un logo en el que había trabajado durante semanas y del que estaba muy orgulloso: «Stefan, esto es terrible, estoy tan decepcionado»—. No obstante, se podía ver su gran corazón. Tuvo las agallas de arriesgarlo todo, yo fui testigo de un proyecto de arquitectura en el que él y M&Co habían colaborado con un arquitecto famoso y habían pasado un año trabajando. Estaba deseando pasar de largo la cuestión de quién lo presentaría al cliente. Tibor tenía una forma peculiar de dar consejos, de compartir trozos de sabiduría, presentados en un lenguaje rudo, que luego fue conocido como el tiborismo: «Lo más difícil cuando se dirige una empresa de diseño es no crecer», me dijo cuando abrí mi propio pequeño estudio.

«No vayas a gastarte el dinero que te paguen o te vas a convertir en la puta de las agencias de publicidad el resto de tu vida» fue su frase de despedida cuando me mudé a Hong Kong para abrir un estudio de diseño para Leo Burnett.

Esta perspicacia era también la razón por la que M&Co tenía tanta prensa, los periodistas podían llamarle y podía proveer toda la estructura para una historia y algunas citas fantásticas. Siempre estaba dispuesto y preparado para saltar de un área a otra, diseño corporativo, productos, urbanismo, vídeos de música, películas documentales, libros para niños, edición de revistas…. Todo estaba incluido bajo el mantra: «debes hacer todo dos veces: la primera vez no sabes lo que estás haciendo; la segunda vez lo haces; la tercera vez es aburrido». Hizo un buen trabajo consiguiendo buenas ideas para buenas personas. ¿Qué te inspira para crear tus diseños? Una de las fuentes más frecuentes de inspiración es una habitación de hotel recién ocupada. Me resulta fácil trabajar en un lugar alejado del estudio, donde los pensamientos sobre la implementación de una idea no me vienen a la cabeza de forma inmediata, pero puedo soñar un poco más libremente. ¿Sigues algún proceso en concreto cuando empiezas un nuevo proyecto? ¿Puedes contarnos un poco cómo es? El proceso que sigo más a menudo ha sido descrito por el filósofo maltés Edward DeBono, que sugiere empezar a pensar en una idea para un proyecto en particular eligiendo un objeto al azar como punto de partida. Por ejemplo, tengo que diseñar un bolígrafo, en lugar de mirar otros bolígrafos y pensar en cómo se usan los bolígrafos y cuál es mi público objetivo, etc. empiezo a pensar sobre usos del bolígrafo (aquí estoy yo mirando a mi alrededor en una habitación de hotel buscando un objeto al azar)… y veo, por ejemplo, la colcha de la cama. De acuerdo, las colchas de las camas CAJAalta

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51 de los hoteles son pegajosas, tienen bacterias… ¿Dónde está el límite entre la inspiración y Ah, sería posible diseñar un bolígrafo que sea el plagio? Uno siempre siente la profunda sensible a la temperatura, así que cambiaría de diferencia en el estómago. color con el tacto, sí, eso podría ser simpático: Un bolígrafo que sea entero negro y que se ¿Qué representa la excelencia en el diseño? Me convierte en amarillo en los puntos en los que los llama mucho la atención quien puede tener hemos tocado con los dedos o las manos… No un concepto original, formas excelentes, está mal, teniendo en cuenta que me ha llevado un gran oficio y luego tiene la capacidad de 30 segundos. Por supuesto, la razón por la que combinarlo todo en una verdadera belleza. esto funciona es porque el método de DeBono obliga a nuestro cerebro a empezar de nuevo con ¿Hacia dónde crees que va el diseño actual? un punto de vista totalmente diferente, evitando Terrones de azúcar. Piel grasa. Huevos. repetir las mismas ideas que ya existen. ¿Cómo influye el soporte/medio a la hora de ¿Cuál es el proyecto más complejo/controvertido diseñar? Influye mucho. al que te has enfrentado? Hace mucho tiempo, cuando diseñamos un póster para Call For ¿Cómo de importantes son los proyectos Entries en Hong Kong, cogí los nombres de personales en la carrera de un diseñador? los organizadores de los Premios de Publicidad Mucho. Hay una serie de libros de tipografía de Hong Kong de forma literal: Las cuatro que surgió de una lista que encontré en «aes» (acrónimo de Association of Accredited mi diario bajo el título “Las cosas que he Advertising Agencies – Asociación de Agencias aprendido en mi vida hasta ahora”. Todas esas de Publicidad Acreditadas) y enseñé desnudas piezas fueron publicadas, hasta ahora han las 4 «aes». Trillado, casi. Y sí, las cuatro «aes» aparecido en vallas francesas y portuguesas, desnudas crearon un buen escándalo en Asia. en un informe anual en Japón, en la televisión Fue debatido durante meses en el gremio de la alemana, en revistas australianas, en folletos prensa y salió en la portada del sur de China del en Nueva York y en una campaña de pósters Morning Post. en América. Es uno de los proyectos que siento más cercano, y todo empezó como un ¿De qué proyecto estás más orgulloso? proyecto personal.

Seguramente de toda la serie de Things I have learned (cosas que he aprendido). Esta serie ¿Qué recomendarías a la gente que se inicia en de libros de tipografía surgió de una lista que el mundo del diseño? Cúrratelo todo lo que encontré en mi diario bajo el título Las cosas puedas. Es importante hacer tanto como te sea que he aprendido en mi vida hasta ahora. Todas posible. Debes averiguar lo que realmente te esas piezas fueron publicadas, hasta ahora han gusta y ser bueno en ello. aparecido en vallas francesas y portuguesas, en un informe anual en Japón, en la televisión ¿Cuál es tu opinión sobre el diseño español? alemana, en revistas australianas, en folletos Por desgracia no soy para nada un experto. en Nueva York y en una campaña de pósters Espero saber mucho más después de mi visita en América. Esta serie tiene influencia de mi a Madrid. abuelo (que fue educado en pinturas de signos y crecí con muchas obras de ciegos en la casa), de ¿Tienes algún diseñador español favorito? la artista Jenny Holzer, así como de los rústicos He conocido en profundidad los trabajos de signos de madera disponibles en las tiendas de Martin Guixé, Javier Mariscal y Álex Trochut. turismo en mi ciudad natal en Bregenz, Austria. ¿Por qué te tomas un año sabático cada siete ¿En qué estás trabajando ahora? ¿Puedes años? Cuando abrí el estudio, contemplé este adelantarnos algunos detalles? Empezamos trabajo como una vocación. Esta vocación una película documental sobre la felicidad disminuyó con el tiempo, cuando el trabajo llamada Happy Film. Es una mirada a todas las se convirtió en una rutina. La portada del estrategias que los psicólogos serios recomiendan CD 22 resultó ser menos emocionante que para mejorar el bienestar, incluyendo la la primera. Mis años sabáticos —libres del meditación, terapia cognitiva y drogas cliente cada 7 años— se han convertido en psicológicas. Las probaré todas y explicaré los una forma de retomar mi vocación de nuevo. resultados. La película será muy visual y se estrenará en los cines otoño de 2013. ¿Cómo seleccionas los proyectos piloto en los que vas a trabajar? Cualquier cosa ¿En qué proyectos te ves a ti mismo trabajando que parezca jugosa puede ser mi próximo en 5-10 años? Posiblemente en más películas proyecto. documentales. También puedo verme a mí mismo viviendo una vida mucho más pequeña e independiente en 10 años.

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Enric Jardí cambiaría el star system de los diseñadores Enric no es un diseñador gráfico, es un comunicador gráfico. Parece un hombre tranquilo pero su actividad en el mundo del diseño es hiperactiva. A parte de diseñar y hacerlo bien, es presidente del ADG-FAD, escribe libros, artículos, da conferencias, hace tipografías, dirige un Master, da clases… se puede pedir más?. Aprovechando la publicación de su último libro “Veintidós consejos sobre tipografía (que algunos diseñadores jamás revelarán)+Veintidós cosas que nunca debes hacer con las letras (que algunos tipógrafos nunca te dirán)” le hacemos una foto rápida para saber más de él. Si tenéis que comprar vuestro primer libro sobre tipografía, este es el indicado, no busquéis más.

Nombre completo, fecha y lugar de nacimiento.

Enric Jardí Soler, Barcelona 30/01/1964 ¿Qué diseños recuerdas en tu casa cuando eras niño?

En casa de mis padres había muchos libros. Creo que debe haber más de 5.000. Lo curioso es que habiendo muchos libros de arte, recuerdo especialmente las ediciones en rústica de algunos libros de literatura inglesa. Concretamente, un ejemplar de la edición de bolsillo de Hamlet de Penguin que ahora mismo tengo en mi mesa. Entonces no sabía qué era ni qué significaba pero ya me atraía.

Si no te hubieras dedicado al diseño, ¿qué te gustaría haber hecho en tu vida?

Cartografía.

Un consejo para quienes aspiren a vivir del diseño.

Que vivan de él o sin él. Pero que vivan.

Diseño es…

En su sentido más amplio, planificar

antes de fabricar, construir o imprimir. En nuestro momento histórico, un oficio y también un modo de ver la conducta humana. ¿Cuál fue el primer trabajo que hiciste?

Un logotipo para una asociación musical. ¿Y el último?

Una colección de libros gratuitos Selecciona tres trabajos esenciales en tu carrera.

Mi primera colección de libros, una serie de libros de bolsillo para Edicions 62, el periódico Chicago Reader y el último trabajo que he hecho Un diseñador con el que te gustaría trabajar.

Otl Aicher.

Una empresa a la que le cambiarías la imagen.

Leche Pascual. ¿Que le dices a alguien cuando te dice que no le gusta lo que has hecho?

Que gracias por opinar.

La última tipografía que has redescubierto y que tenias olvidada Helvética, en serio.

Un número del Pantonero con el que te harías un traje.

Orange 021.

Elige y razona tu elección: Neville Brody/David Carson Brody, aportó mucho más que Carson, es menos pretencioso y lo que hace se puede leer.

Milton Glaser/Paul Rand Paul Rand, tiene menos estilo.

Freehand/Ilustrator Illustrator, es de Adobe y sus actualizaciones son más lógicas.

Quark/Indesign InDesign. Tiene casi todo lo que tiene Quark más muchas otras cosas más, es más intuitivo y te dan soporte técnico. Y además es más barato.

Garamond/Helvetica Depende para qué. No escojo.

Estudio/Agencia Tampoco escojo. Las dos formas son necesarias.

Papel/Digital Digital, aunque para leer sigue siendo mejor el papel.

Lápiz/Ordenador Depende para qué. No son opuestos.

Mac/PC Mac. De verdad necesitas una respuesta?

Un equipo de fútbol, un político, una ciudad para vivir.

Barcelona y Barcelona.

(Sí, ya sé que falta el político).

Un homenaje a un diseñador que todavía no se le ha reconocido.

Jordi Fornas.

Una marca que detestas y que despierta alabanzas en el mundo del diseño.

Porsche.

La película que nunca te cansas de volver a ver. El libro que nunca te cansas de releer.

Lawrence de Arabia. El espía que surgió del frío.

Si estuviera en tus manos ¿qué cambiarías del mundo del diseño?

Cambiaría dos cosas que creo que están relacionadas: el star system de

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Échale imaginación y proponle a los políticos algo para mejorar el mundo del diseño.

Que dejen de considerar el diseño como algo relacionado con el talento, el mérito o la genialidad y por lo tanto: • dejen de convocar concursos abiertos.

los diseñadores, es decir, la compra de diseño para, en realidad, adquirir un estilo concreto tal como pasa desde hace tiempo en arquitectura.

La otra es la acepción de “diseño” como algo de forma extravagante, notoria o artificial, opuesto a “normal”. Pero creo que ambas batallas están perdidas. ¿Qué se debería enseñar en las escuelas de diseño y no se enseña?

A responder todos los mensajes de correo electrónico. ¿Eres de los que opinan que tú lo hubieras hecho mejor?

Lamento decirlo, pero sí.

• cambien las imágenes de las entidades cada vez que entra un nuevo director general • hagan buenos encargos, es decir, que piensen y se asesoren antes de hacer comprar diseño.

• que entiendan que el diseño es una inversión y no un gasto y fiscalmente sea tratado como tal.

• que no compren diseño y arquitectura para exhibirse.

Tu foto a toda página en la portada de una revista: ¿qué revista y por qué razón?

No me veo en una portada. Mejor en el póster central.

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Laura Meseguer en las escuelas deberían enseñar a trabajar en equipo Laura es una de nuestras mejores referencias dentro del universo tipográfico. Con esa modestia que caracteriza a las grandes personas, nos traslada sus pensamientos y sus experiencias vitales. Nos deja intrigados por un nuevo proyecto que marcará un antes y un después en su carrera… ¿que será? Pronto lo sabremos, de momento vamos con la batería de preguntas del Fotomatón.

Cita un diseñador con el que te gustaría trabajar.

Karel Martens.

Nombre completo, fecha y lugar de nacimiento.

Laura Meseguer Lafuente, 28 de Marzo de 1968. Barcelona.

Un número del pantonero con el que te harías un traje.

272.

¿Qué diseños recuerdas en tu casa cuando eras niño?

Las galletas María ¡y el ColaCao! Si no te hubieras dedicado al diseño gráfico, ¿qué te gustaría haber hecho en tu vida?

Viajar y hacer de eso un modo de vida.

Un consejo para quienes aspiren a vivir del diseño.

Que sean pacientes.

Diseño Gráfico es…

Comunicación. ¿Cuál fue el primer trabajo que hiciste?

Un logotipo para un taller mecánico. ¿Y el último?

Una portada para un libro de filosofía y estética.

Selecciona tres trabajos esenciales en tu carrera.

El libro de los postres de el Bulli, que lo hice con Pati Núñez en 1998, mi tipografía Rumba, ambos porque marcaron momentos y la tercera algo que está por venir.

¿Que le dices a alguien cuando te dice que no le gusta lo que has hecho?

No se, ¿por qué?

La última tipografía que has redescubierto y que tenias olvidada.

Antique Olive.

Elige y razona tu elección: Neville Brody/David Carson Ambos son admirables pero creo que me quedo Neville Brody, por su variedad de registros y la capacidad de crear lenguajes.

Milton Glaser/Paul Rand Muy difícil, los dos.

Freehand/Ilustrator No uso ninguno de los dos.

Quark/Indesign De momento Indesign, pero no dejo de usar Quark si es necesario.

Garamond/Helvetica No son comparables, ambas.

Estudio/Agencia Estudio.

Papel/Digital Papel.

Lápiz/Ordenador Ambos.

Mac/PC Mac.

Un equipo de fútbol, un político, una ciudad para vivir.

No me gusta el fútbol, ¿un político? ninguno me motiva especialmente, una mezcla entre Barcelona y Amsterdam.

La película que nunca te cansas de volver a ver.

Blade Runner.

Si estuviera en tus manos ¿que cambiarias del mundo del diseño gráfico?

Que los timmings dejen de ser de risa, hacer realidad el trabajo en equipos multidisciplinares y que los presupuestos sean más razonables. ¿Qué se debería enseñar en las escuelas de diseño y no se enseña?

A trabajar en equipo. ¿Eres de los que opinan que tu lo hubieras hecho mejor?

Soy de las que opina que todo se puede mejorar. Échale imaginación y propónle a los políticos algo para mejorar el mundo del diseño.

Que se valore más nuestra profesión y que alcance su debido y merecido reconocimiento.

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Veronika Burian si quieres dedicarte al diseño, ¡levanta el culo de la silla!, esto hará que tu creatividad fluya y te sentirás más feliz Natural de Praga, Veronika Burian ha vivido y se ha formado en ciudades tan dispares como Munich, Viena y Milán.

Recientemente el nombre de esta entusiasta del diseño de tipos y caracteres ha entrado a formar parte del grupo selecto de los 53 tipógrafos elegidos por la Association Typographique Internationale (ATypI) dentro del segundo concurso internacional de diseño tipográficoLetter 2.

La tipografía Maiola, que Burian empezó a diseñar en 2003 y que publicaba en 2005 en TypeTogether, es la responsable de su entrada en este club en el que solo cabe la excelencia del diseño tipográfico. Actualmente sigue con TypeTogether, junto a su socio José Scaglione, donde Paz Martínez le entrevistó para nuestro Fotomatón.

Nombre completo, fecha y lugar de nacimiento.

Veronika Burian, 18 de diciembre de 1973, Praga. ¿Qué diseños recuerdas en tu casa cuando eras niña?

Setzkasten, un set de letras de papel con los que componía palabras. La vaca Milka. Y la leche en cajas triangulares.

culo de la silla, esto hará que tu creatividad fluya y te sentirás más feliz.

¿Quark o Indesign?

InDesign, más barato y con mejor soporte OT.

La tipografía es…

Pasión.

¿Garamond o Helvetica?

Garamond, ¡siempre clásica!

¿Cuál fue el primer trabajo que hiciste?

Mi primer trabajo tipográfico fue Mila, una extraña combinación entre una sans geométrica y una sans humanista. Mi primer trabajo como diseñadora de producto fue un teléfono móvil.

¿Estudio o agencia?

Estudio, hay menos publicidad relacionada.

¿Y el último?

La tipografía Abril y Birdy.

Selecciona tres trabajos esenciales en tu carrera.

Las tipografías Maiola, Bree y Abril.

¿Papel o digital?

Papel, cuando lo lees es más agradecido. ¿Lápiz u ordenador?

Ordenador, me siento más cómoda. ¿Mac o PC? Mac, por dentro y por fuera.

Cita un diseñador con el que te gustaría trabajar.

Matthew Carter.

Un equipo de fútbol, un político, una ciudad para vivir.

Odio el fútbol, no me importa ningún político en particular y me encantaría vivir en el mar.

Una empresa a la que le cambiarías la imagen.

Easyjet.

Un homenaje a un tipógrafo que todavía no se le ha reconocido.

Oldřich Hlavsa.

¿Qué le dices a alguien cuando te dice que no le gusta lo que has hecho?

Es justo, es una cuestión de gustos.

Una marca que detestas y que despierta alabanzas en el mundo del diseño.

No me siento tan fuerte como para eso.

Si no te hubieras dedicado a la tipografía, ¿qué te gustaría haber hecho en la vida?

Ser bailarina.

Un número del pantonero con el que te harías un traje.

192 C.

Un consejo para quienes aspiren a vivir del diseño.

Sé entusiasta con tu trabajo, honesto y estate preparado para confiar en la gente. Ellos lo apreciarán. ¡Mantente fiel a tus promesas! Sé modesto pero date a conocer. No temas enseñar tu trabajo. ¡Haz ejercicio! Levanta el

¿Neville Brody o David Carson?

Brody, es más sustancioso.

Elige y razona tu elección:

¿Milton Glaser o Paul Rand?

Rand, su estilo es mucho mejor. ¿Freehand o Illustrator?

Illustrator, es más fácil de manejar.

La película que nunca te cansas de volver a ver. El libro que nunca te cansas de releer.

2001 Odisea en el espacio; los libros de Milan Kundera.

Si estuviera en tus manos, ¿qué cambiarías del mundo del diseño gráfico?

Cambiaría el enfoque sobre la función y el usuario antes que promover la autoobsesión del diseño como tal.

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¿Qué se debería enseñar en las escuelas de diseño y no se enseña?

Sostenibilidad, respeto y que no se hace todo por dinero. ¿Eres de las que opinan que tú lo hubieras hecho mejor?

Sí, y también siempre encuentro algo que se podría mejorar en mis tipografías.

Échale imaginación y propón a los políticos algo para mejorar el mundo del diseño.

Liberar al mundo del patrocinio de las empresas y ampliar la financiación cultural.

Mis tipografías en una portada. ¡Yo, no!

Tu foto a toda página en la portada de una revista: ¿qué revista y por qué razón?

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Isidro Ferrer se debería enseñar a pensar Su presentación en el pasado MAD MMX nos dejó a todos boquiabiertos. Tanta belleza embarga. El Fotomatón nos sirve para hacer una foto rápida de cada entrevistado, y os aseguramos que al igual que su trabajo, Isidro Ferrer es certero, exacto, comedido, tranquilo y muy sensato. Mientras tomaba un café después de su presentación nos concedió unos minutos. Aquí el resultado.

Nombre completo, fecha y lugar de nacimiento.

Isidro Ferrer. 1963. Madrid. ¿Qué diseños recuerdas en tu casa cuando eras niño?

Norit y Polil de Artigas.

Si no te hubieras dedicado al diseño gráfico, ¿qué te gustaría haber hecho en tu vida?

Clown.

Un consejo para quienes aspiren a vivir del diseño.

Perseverancia.

Diseño Gráfico es…

COMUNICAR. ¿Cuál fue el primer trabajo que hiciste?

Un folleto de mano para la Objeción de Conciencia del Servicio de Juventud del Ayuntamiento de Zaragoza. ¿Y el último?

Un cartel para la promoción del diseño español en una feria de Londres.

Selecciona tres trabajos esenciales en tu carrera.

Centro Dramático Nacional.

El libro de las preguntas de Neruda.

‘En la frontera’ un cartel que hice en 1991.

Cita un diseñador con el que te gustaría trabajar.

Paul Cox o Saul Steimer.

Un equipo de fútbol, un político, una ciudad para vivir.

El Huesca, Tierno Galván, Gerona.

Una empresa a la que le cambiarías la imagen.

El PP.

Un homenaje a un diseñador que todavía no se le ha reconocido.

Daniel Gil, que ha tenido reconocimientos parciales, pero Pla Narbona, me emociona mucho.

¿Qué le dices a alguien cuando te dice que no le gusta lo que has hecho?

Para gustos colores, es algo tan personal el gusto.

La última tipografía que has redescubierto y que tenías olvidada.

Didot.

Un número del pantonero con el que te harías un traje.

El 186, que es mi número fetiche.

Elige y razona tu elección: Neville Brody/David Carson Brody. Me parece infinitamente más serio.

Una marca que detestas y que despierta albanzas en el mundo del diseño.

Es que no detesto ninguna marca.

La película que nunca te cansas de volver a ver. El libro que nunca te cansas de releer.

‘El submarino amarillo’, de Hedelman, y el libro es ‘Rayuela’ de Cortázar.

Si estuviera en tus manos, ¿que cambiarías del mundo del diseño gráfico?

La superficialidad.

Milton Glaser/Paul Rand Paul Rand. La ingenuidad.

¿Qué se debería enseñar en las escuelas de diseño y no se enseña?

A pensar, en vez de a realizar.

Freehand/Illustrator Ninguno de los dos. No sé manejar ninguno de los dos.

¿Eres de los que opinan que tú lo hubieras hecho mejor?

No.

Quark/Indesign Indesign.

Échale imaginación y propónle a los políticos algo para mejorar el mundo del diseño.

Que no se convierta el diseño en una herramienta política.

Las subvenciones, en lugar de fomentar, encarcelan. Se tienen que realizar políticas de apoyo, no de subvención.

Garamond/Helvetica Helvetica, pese a que es un coñazo la Helvetica.

Estudio/Agencia Estudio, por la libertad.

Papel/Digital Papel Lápiz/Ordenador Lápiz Mac/PC Mac, lógicamente.

Tu foto a toda página en la portada de una revista: ¿qué revista y por qué razón?

El ‘Hola!’, por haber tenido un rollo con Letizia… ja, ja… esto es absolutamente de broma!

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Isidro es un creador de poesía visual. Formado como actor y escenógrafo pertenece, sin embargo, a la generación que sigue a Carlos Rolando, América Sánchez, Mariscal o Peret como representante destacado de la escuela de Barcelona. Hay un homenaje a todos ellos en su trabajo, que se nutre del espacio de libertad profesional que conectó el maestro Daniel Gil, en su día, con las vanguardias de los años 20. En su laboratorio cultiva imágenes cargadas de surrealismo, metáforas rotundas, poesía pura para el ojo del sibarita. De su cocina emanan una leve ironía y un humor inteligente, aromas que no admiten más filtro que el del propio inconsciente.

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Alberto Corazón habría que nombrar a un buen diseñador ministro de industria y comercio

Alberto Corazón es para el gran público uno de los grandes desconocidos del diseño, pero del que todo el mundo ha visto su trabajo. Quién no conoce marcas tan conocidas como Maphre, Once, Anaya, Junta de Andalucía, RenfeCercanías, Casa América, UNED, SGAE, Paradores… incluso el Domo de Telefónica.

Es el único diseñador europeo que ha recibido la Medalla de Oro del American Institute of Graphic Arts, el premio internacional más importante en el área de la Comunicación Visual. De él decía Otl Aicher «…difícilmente encontraremos en este fin de siglo, un diseñador más completo, complejo y auténticamente creador».

Ahora centrado en su obra artística y en el Comité de Asesores del Parlamento Europeo para la regularización de la Comunicación Gráfica, ha tenido un momento (se nota que no tiene tiempo para muchas explicaciones) para sentarse delante de nuestro Fotomatón.

Nombre completo, fecha y lugar de nacimiento.

Alberto Corazón. Madrid 1942. ¿Qué diseños recuerdas en tu casa cuando eras niño?

Los calendarios de la Unión Española de Explosivos.

Si no te hubieras dedicado al diseño gráfico, ¿qué te gustaría haber hecho en tu vida?

Jugar de 9 en el Real Madrid.

Un consejo para quienes aspiren a vivir del diseño.

Que han tomado una estupenda decisión.

Diseño Gráfico es… [sin respuesta]

Garamond/Helvetica.

HELVETICA. Por razones obvias.

¿Cuál fue el primer trabajo que hiciste?

Maquetar el semanario de sucesos El Caso.

Estudio/Agencia.

ESTUDIO.

¿Y el último?

La Identidad Corporativa de la multinacional MAPFRE. Selecciona tres trabajos esenciales en tu carrera.

ANAYA, ONCE, CERCANÍAS RENFE. Cita un diseñador con el que te gustaría trabajar.

Massimo Vignelli.

Una empresa a la que le cambiarías la imagen.

Ayuntamiento de Madrid. ¿Qué le dices a alguien cuando te dice que no le gusta lo que has hecho?

Explícame por qué.

La última tipografía que has redescubierto y que tenías olvidada.

Las grandes siguen siendo las grandes.

Un número del pantonero con el que te harías un traje.

Blanco.

Elige y razona tu elección: Neville Brody/David Carson.

BRODY. Milton Glaser/Paul Rand.

GLASER. Freehand/Illustrator.

FREEHAND. Quark/Indesign.

INDESIGN.

Papel/Digital.

PAPEL. Lápiz/Ordenador.

LÁPIZ. Mac/PC. MAC. Un equipo de fútbol, un político, una ciudad para vivir.

Real Madrid, Obama, Madrid.

Un homenaje a un diseñador que todavía no se le ha reconocido.

Enric Satué.

Una marca que detestas y que despierta alabanzas en el mundo del diseño.

Correos.

La película que nunca te cansas de volver a ver. El libro que nunca te cansas de releer.

Blade Runner y Ulises de Joyce.

Si estuviera en tus manos ¿qué cambiarías del mundo del diseño gráfico?

Los concursos. ¿Qué se debería enseñar en las escuelas de diseño y no se enseña?

Antropología. ¿Eres de los que opinan que tú lo hubieras hecho mejor?

Sí. Échale imaginación y propónle a los políticos algo para mejorar el mundo del diseño.

Nombrar a un buen diseñador ministro de Industria y Comercio.

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