Fundamentos del diseño vol.1 by Neus

DISEร O VOL

DEL

FUNDAMENTOS

Neus Palmer - 1ยบ Grรกfico

Índice Introducción al lenguaje visual y diseño gráfico

Las formas y su clasificación

Formas y comunicación

Las escalas

Imagen y mensaje

Módulos y pictogramas

Gestalt: pautas de organización de la percepción

Gestalt: figura y fondo

Módulos y supermódulos

4 Foto de Georgie Cobbs en Unsplash

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¿Qué es el diseño? El diseño es un proceso de creación visual con un propósito. A diferencia de la pintura y de la escultura, que son el producto de las visiones personales y los sueños de un artista, el diseño cubre exigencias prácticas. Una unidad de diseño gráfico debe transportar un mensaje prefijado. Un buen diseño es la mejor expresión visual de la esencia de “algo”, ya sea esto un mensaje o un producto. Por tanto, la creación en el diseño no debe ser sólo estética sino también funcional.

El lenguaje visual Para que el diseño sea efectivo y cumpla con su propósito, el diseñador debe dominar el lenguaje visual. Hay numerosas formas de interpretar este lenguaje. A diferencia del lenguaje escrito o hablado, cuyas leyes gramaticales están establecidas, el lenguaje visual se fundamenta en una teoría que puede variar según el enfoque. Por tanto, las decisiones que toma un diseñador cuando está creando vienen determinadas por el propósito o finalidad del diseño así como también por los principios del lenguaje visual. Para ilustrar esto vamos a analizar las decisiones que se debieron de tomar a la hora de diseñar el logo de Orange.

En cuanto a la forma se optó por un cuadrado. Esta geometría transmite estabilidad y seriedad, así como también puede transmitir solvencia en el caso de una empresa. El color elegido fue el naranja, puede que por referencia al nombre de la marca pero además el naranja es un color que transmite frescura, y puesto que el target de la marca es un público joven, el naranja podía ser una buena opción. En relación a la ubicación de la tipografía esta se coloca en la parte inferior lo cual otorga un mayor peso a la marca potenciando la sensación de estabilidad. Finalmente, la tipografía escogida es sencilla y en minúscula lo cual genera una sensación de proximidad y cercanía.

Elementos del diseño 1. Elementos conceptuales

a) Punto: Un punto indica posición. No tiene largo ni ancho. No ocupa una zona del espacio. Es el principio y el fin de una línea, y es donde dos líneas se encuentran o se cruzan.

b) Línea: Cuando un punto se mueve, su recorrido se transforma en una línea. La línea tiene largo, pero no ancho. Tiene posición y dirección. Está limitada por puntos y forma los bordes de un plano.

c) Plano: El recorrido de una línea en movimiento se convierte en un plano. Un plano tiene largo y ancho, pero no grosor. Tiene posición y dirección. Está limitado por líneas y define los límites extremos de un volumen.

d) Volumen: El recorrido de un plano en movimiento se convierte en un volumen. Tiene una posición en el espacio y está limitado por planos.

2. Elementos visuales Cuando dibujamos un objeto en un papel, empleamos una línea visible para representar una línea conceptual. La línea visible tiene no solo largo sino también ancho. Su color y su textura quedan determinados por los materiales que usamos y por la forma en que los usamos. Así, cuando los elementos conceptuales se hacen visibles, tienen forma, medida, color y textura.

a) Forma. Todo lo que pueda ser visto posee una forma que aporta la identificación principal en nuestra percepción. En la foto de la izquierda apreciamos como todos los elementos conceptuales están organizados para crear la forma perfectamente reconocible de un gato. b) Medida. Todas las formas tienen un tamaño. El tamaño es relativo si lo describimos en términos de magnitud y de pequeñez, pero asimismo es físicamente mensurable. Por comparación con la mano que dibuja, podemos apreciar el tamaño concreto que tiene el gato. c) Color. Una forma se distingue de sus cercanas por medio del color. El color se utiliza en su sentido más amplio, comprendiendo no sólo los del espectro solar sino asimismo los neutros (blanco, negro y los grises intermedios) y también sus variaciones tonales y cromáticas. Los colores utilizados en el dibujo de la imagen son varias tonalidades de marrones y algunos azules, entre otros. d) Textura. La textura se refiere a las cercanías en la superficie de una forma. La textura puede ser táctil o visual. Mientras la primera se percibe principalmente mediante el tacto, la segunda es percibida de manera visual. Una textura puede determinar una superficie como suave o rugosa, rapada, transparente… El material que utilizamos para dibujar determina en gran medida la textura del resultado final que en este caso se trata de una textura visual creada por los lápices de colores. Este tipo de texturas se conocen también como texturas gráficas.

Y SU CLASIFICACIÃ&#x201C;N

LAS FORMAS

La forma Los elementos conceptuales, como el punto, la línea y el plano, cuando son visibles se convierten en forma. En las superficies bidimensionales, las formas que no son ni puntos ni líneas son planos. Las formas planas están constituidas por líneas conceptuales que delimitan los límites de la forma. Las características de estas líneas así como sus interrelaciones determinan la figura de la forma.

Clasificación a) Geométricas, construidas matemáticamente. b) Orgánicas, rodeadas por curvas libres que sugieren fluidez. Son las formas que más se encuentran en la naturaleza y su uso en diseño se suele relacionar con valores humanos. c) Rectilíneas, limitadas por líneas rectas que no están relacionadas matemáticamente entre sí. d) Irregulares, limitadas por líneas rectas y curvas que no están relacionadas matemáticamente entre sí. Tan-

to las rectilíneas como las irregulares son complejas de usar en composición porque el mensaje que envían es confuso. e) Manuscritas, creadas a mano alzada. En estas formas se nota el trazo o pincelada. Tienen una connotación artística o manual. f ) Accidentales, obtenidas accidentalmente. Dan la sensación de haberse producido sin ninguna premeditación, por ejemplo, el círculo que deja una copa de vino.

La elección de unas formas u otras vendrá determinada por el tipo de mensaje que queremos transmitir. En general, todo aquello relacionado con la naturaleza nos resulta más natural. Así, por ejemplo, las formas que se apoyen en la horizontal nos transmiten estabilidad porque nos movemos en un mundo con gravedad, donde los objetos se apoyan en la superficie. La forma que transmite en general una mayor estabilidad es el cuadrado porque se apoya en la horizontal y todos sus lados son iguales, de manera que si lo giramos seguimos viendo la misma figura. El triángulo por otro lado, también es estable pero al tener dos lados en diagonal transmite algo más de dinamismo que el cuadrado.

Ejercicio 1: reportaje fotográfico

A continuación, se presenta un reportaje fotográfico para ilustrar las diferentes formas que propone la clasificación que hemos explicado. En concreto, el reportaje está constituido por 5 fotografías realizadas en un entorno urbano. El elemento protagonista de la fotografía 1 es la puerta de un comercio, si nos fijamos en los barrotes blancos que la protegen veremos que estos están compuestos por formas geométricas, concretamente unos rectángulos dispuestos verticalmente. En la fotografía 2 se encuadra parte de una bicicleta. El encuadre está realizado para apreciar dos formas geométricas distintas. Por un lado, el círculo que compone las ruedas y por otro, el triángulo que forma parte de la estructura azul de la bicicleta. En el pilón de la fotografía 3 vemos unas formas accidentales que se corresponden con las marcas que genera el desprendimiento de la pintura. Fotografía 1

El detalle de la fotografía 4 se corresponde con el trazo de un grafiti y es un claro ejemplo de una forma manuscrita que podemos encontrar fácilmente en cualquier ciudad. Finalmente, en la fotografía 5 aparece una flor de geranio. Las flores son claros ejemplos de formas orgánicas que podemos encontrar en la naturaleza.

Fotografía 2

Fotografía 3

Fotografía 4

Fotografía 5

Formas positivas y negativas A la forma se le ve como ocupante de un espacio, pero también puede ser vista como un espacio en blanco, rodeado de un espacio ocupado. Forma Positiva: Cuando se la percibe como ocupante de un espacio. Forma Negativa: Cuando se la percibe como un espacio en blanco, rodeado por un espacio ocupado. En el diseño en blanco y negro, tendemos a considerar al negro como ocupado y al blanco como vacío. Así, una forma negra es reconocida como positiva y una forma blanca como negativa. Para poder percibir la figura será necesario que exista siempre un contraste entre la figura y el fondo. A continuación, se presentan todas las posibles combinaciones entre figura y fondo, así como una serie de ejemplos de figuras postivias y negativas.

1) Tanto el fondo como la figura son blancos, no existe contraste figura-fondo por lo que la figura desaparece. 2) Forma blanca sobre fondo negro. Se considera una forma negativa. 3) Forma negra sobre fondo blanco. Se considera una forma positiva. 4) Fondo y forma son negros, de nuevo no existe contraste figura-fondo por lo que la figura desaparece.

Ejemplos de formas negativas y positivas

18 Foto de rawpixel en Pexels

FORM

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COMUNI

CACIÃ&#x201C;N 19

¿Qué es un símbolo? Un símbolo es la representación de un concepto a través de una imagen o elemento visual. La asociación que se produce entre el concepto y el símbolo es fruto de una convención socialmente aceptada. Puesto que los conceptos representados por los símbolos suelen ser de naturaleza abstracta, la imagen utilizada no tiene por qué guardar una relación de semejanza física con su significado. De hecho, muchas veces conocemos y utilizamos símbolos de los cuales no sabemos su origen.

Por ejemplo, los símbolos de hombre y mujer no guardan ninguna relación de semejanza física con los géneros que representan y además muchas personas ignoran cuál es el origen de esta simbología. El símbolo que representa la masculinidad es también el símbolo astrológico del planeta Marte. Según la mitología romana, Marte era el dios de la guerra y el símbolo representaría el escudo y la lanza de ese dios. Mientras que el símbolo de la mujer se utilizaba para representar al planeta Venus y la forma de este símbolo haría alusión al espejo de la diosa Venus, según la mitología griega, diosa del amor y la fecundidad.

Los símbolos se encuentran presentes en muchas áreas distintas de nuestras vidas, como por ejemplo, en la religión, en política, en las ciencias... El uso de símbolos constituye un recurso más con el que cuenta el diseñador gráfico para comunicar de manera efectiva los mensajes visuales que desee. Hacer un buen de los símbolos y evitar por tanto una interpretación errónea es muy importante.

Ejemplos de símbolos

Ejercicio 2: simbología familiar

En el siguiente ejercicio se ha elaborado la simbología de una secuencia familiar basándose en las formas geométricas de tres elementos dados: el hombre, la mujer y la procreación. Tomando de referencia los símbolos que aparecen a continuación, se debían de elaborar nuevos símbolos para representar: el embarazo, el parto, una unidad familiar con dos hijos, la viudedad y la orfandad.

Hombre

Mujer

Para la creación del símbolo del embarazo se introdujo una nueva forma geométrica: el círculo. Esta forma representa el feto o el hijo antes de su nacimiento. Se coloca la figura en el interior del símbolo de la mujer para que resulte más sencilla su interpretación dada su correspondencia con la realidad del embarazo. En el parto, observamos el símbolo de la mujer tumbada. De nuevo, una correspondencia con la realidad. Por otro lado, y dado el símbolo inicial de procreación, ladear las figuras puede estar asociado con acciones relacionadas con la vida. Motivo por el cual no se optará por ladear las figuras para representar la muerte.

Embarazo

Procreación

Para representar la unidad familiar, se dispondrán las figuras de hombre y mujer de manera contigua y a continuación los dos hijos. Estos ya no están representados por el círculo puesto que ya han nacido, pero tampoco se les asigna un sexo determinado por lo que se opta por una figura muy sencilla como es la línea. El resto de representaciones tienen en común que hay algún miembro de la familia que ha fallecido. Para representar la muerte de algún familiar se escogió el uso de la cruz, que suele estar asociado a algo negativo o a la falta de algo. Se coloca esta figura en el lugar correspondiente del miembro de la familia fallecido, respetando el lugar que le corresponde según la representación de la unidad familiar.

Parto

Unidad familiar con dos hijos

Viudo con dos hijos

Padres que han perdido un hijo

Viuda con dos hijos

HuĂŠrfanos

Padres que han perdido dos hijos

24 Foto de Zachary DeBottis en Pexels

La medida: Tamaño y proporciones Tamaño es un término que se refiere a la dimensión, el cuerpo, el grosor, la medida o el espesor de algo. El concepto se vincula a qué tan pequeño o grande resulta un objeto físico. Sin embargo, constituye una cuestión relativa. El tamaño se verá de una forma mayor o menor de lo que realmente es, dependiendo de sus relaciones y comparaciones. A continuación podemos ver ejemplos de los diferentes recursos utilizados por artistas en sus propuestas, en donde el “tamaño” es una cuestión relativa en función de la relación con otros elementos.

El objetivo de este cartel es transmitir la gigantez del crucero. Para ello el ilustrador utiliza una serie de recursos: 1. Sitúa el punto de vista desde abajo. 2. Coloca unos pájaros muy pequeños que generan un gran contraste con el barco que ahora parece más grande. 3. El barco ocupa todo el cartel, no deja espacio arriba para que el diseño respire. Con esto se consigue crear una sensación de que el gran tamaño del barco lo inunda todo. 4. Se ha trabajado en la vertical, para enfatizar el gran tamaño que tiene el barco a lo alto.

Ambos ejemplos son cuadros del artista Dalí. En la obra de la izquierda Dalí ha dispuesto en la misma composición elementos de tamaños muy diversos e invertidos. El contraste es lo que genera la sensación de surrealismo y de tamaños distorsionados. En la obra de la derecha, Dalí utiliza las nubes como elemento comparativo o de referencia para interpretar el tamaño de los animales. Como estos están caminando por encima te imaginas que son muy grandes.

En publicidad estas escalas imposibles son muy demandadas porque captan rápidamente la atención del público.

La figura humana como referencia de proporciones

Para mostrar las proporciones de un elemento con una referencia universal, se hace uso de la figura humana como elemento comparativo. De esta manera podemos entender, de una forma visual, si una propuesta es “grande” o “pequeña” por el simple hecho de hacer uso de la figura humana como comparación.

Ejercicio 3: diseño de un cartel de cine En el cartel que aparece en la página contigua se hace uso de diferentes técnicas para jugar con la escala del personaje central y hacer que éste parezca un gigante. El planteamiento del ejercicio requería de la realización de un cartel de cine con inspiración en la ciencia ficción de los años 50 norteamericana o bien en la japonesa. Para el cartel “The Giant” se escogió la inspiración norteamericana pero con algún que otro guiño a la cultura japonesa (aviones de guerra japoneses, la torre SkyTree de Tokyo y de fondo el símbolo del sol naciente). El primero de los recursos utilizados para representar la escala del personaje son los aviones. Al disponer los aviones cerca del gigante estamos transmitiendo la idea de que la altura del personaje llega hasta el cielo, donde los aviones vuelan. Por otra parte, el ta-

Algunas referencias para elaborar el cartel

maño de los aviones también se ha empequeñecido para enfatizar todavía más el tamaño del gigante. Se puede observar claramente este hecho contrastando el tamaño de la mano del personaje con el tamaño del avión. Otro recurso utilizado han sido los edificios de la ciudad. Como la persona sobrepasa estos edificios, entendemos que su altura es por lo menos mayor que la de los rascacielos que pueden observarse en cualquier ciudad grande. Finalmente, se ha colocado una silueta que recuerda a la torre SkyTree de Tokyio, por lo que aquellos que conozcan su gran envergadura contarán con una referencia más para definir la altura del gigante.

32 Foto de Daniel Frank en Pexels

IMAG EN Y M E N SA J E

Significado de las imágenes El uso de la fotografía en el diseño gráfico sirve para transmitir un mensaje y provocar una repuesta emocional determinada. Toda fotografía contiene en sí misma dos tipos de mensajes: un mensaje denotativo y otro connotativo. El mensaje denotativo hace referencia a los elementos explícitos que aparecen en la imagen y es, por tanto, una interpretación objetiva de la fotografía. Por ejemplo, para realizar el análisis denotativo de la fotografía que aparece a continuación podríamos decir que aparece una persona caminando sola por la playa, que vemos también el mar y una ola rompiendo en la orilla y en cuanto al color, diríamos que la imagen está en blanco y negro.

Mientras que el mensaje connotativo surge de una lectura más profunda de la fotografía en la que también se tienen en cuenta los elementos no explícitos. Es decir, el mensaje connotativo es fruto de la interpretación del espectador y por tanto, está sujeto a interpretaciones distintas. La interpretación connotativa que podríamos hacer de la imagen que hemos usado como ejemplo, es que es una persona que está dando una vuelta por la playa porque está triste y necesita reflexionar sobre sus problemas. Pero como hemos dicho, existen muchas interpretaciones para una misma imagen. Por lo que otra persona podría decir que la misma imagen a ella le transmite tranquilidad, paz y silencio.

Realizando el mismo ejercicio que en la fotografía anterior, en este caso podríamos decir que el mensaje denotativo de esta imagen es un anciano mirando directamente al espectador con la boca semiabierta. La fotografía está en blanco y negro y el fondo aparece ligeramente desenfocado. Mientras que algunos posibles mensajes connotativos interpretados podrían ser la representación de la vejez y el paso del tiempo. La soledad de haber perdido a algunos seres queridos con el paso de los años o incluso la ternura que despiertan los abuelos.

Debido a la intervención de la interpretación subjetiva, siempre van a existir elementos que no vamos a poder controlar y que afectarán al mensaje que queremos transmitir. De todas formas, también existen toda una serie de factores que podemos tener en cuenta a la hora de elegir nuestras fotografías y que van a ayudarnos a determinar cuál es la mejor imagen para transmitir el mensaje que nos interesa. Para empezar, hay que definir cuál es el concepto o idea que queremos transmitir. Por ejemplo, podríamos escoger la idea del matrimonio. Después habrá que concretar con qué mensaje vamos a transmitir nuestro concepto. Cada concepto o idea puede expresarse a través de muchos mensajes distintos. Siguiendo con el ejemplo del matrimonio, podríamos escoger transmitir el mensaje de fidelidad y compromiso o bien un mensaje enfocado en el amor y el bienestar de estar en pareja. En las imágenes que aparecen para ejemplificar el ejemplo, vemos como las alianzas representarían mejor el primer mensaje mientras que la imagen de los novios riendo sería una mejor elección para el segundo mensaje. El siguiente paso consistiría en delimitar el público objetivo de nuestro mensaje. No es lo mismo diri-

girse a niños o a personas adultas. Por ejemplo, en el caso de los niños optaremos por imágenes llamativas y de colores vivos. Posteriormente, tendremos en cuenta los factores emocionales más importantes para transmitir el mensaje que queremos y al público que nos interesa. Es decir, los elementos que causan un mayor impacto a nivel emocional varían en función del mensaje y el público al que nos dirigimos por lo que es necesario hacer una pequeña investigación centrada en nuestro caso particular. En el ejemplo del matrimonio, vemos como para transmitir la idea de amor y bienestar en pareja, es mejor escoger una imagen donde aparezcan emociones, en este caso, la mujer sonriendo capta nuestra atención. Mientras que para transmitir el mensaje de fidelidad y compromiso, se puede optar por una imagen más “seria” o fría, donde lo importante no son los elementos explícitos, en este caso las alianzas, sino el significado que culturalmente se les asocia. Además, las alianzas se presentan juntas, la una tocando a la otra, para enfatizar todavía más el mensaje de unión. Finalmente, decidiremos qué elementos queremos que formen parte de la imagen y con qué composición habrá que presentarlos.

Ejercicio 4: composición texto e imagen En muchas ocasiones, cuando usamos una fotografía para un trabajo de diseño gráfico, esta suele aparecer junto a otra estructura con la que se relaciona: el texto. En estos casos, el mensaje que se transmite es el resultado de la interacción de ambos elementos. Al ser de naturaleza distinta (visual y lingüística), dichas estructuras no pueden mezclarse sino que deben de convivir en el espacio constituyendo una composición de imagen y texto. Para llevar a cabo una buena combinación de imagen y texto existen una serie de pautas o recomendaciones que pueden resultar de gran ayuda y cuyo uso o no va a depender del objetivo y mensaje de nuestra composición. A continuación, se exponen tres combinaciones distintas de fotografía y texto. Para cada una de ellas se explicará cuál era el objetivo del diseño así como los recursos utilizados para conseguir la combinación de imagen y texto adecuada.

Composición 1 El objetivo de esta composición era transmitir un mensaje emocional y connotativo. El proceso de creación debía de ser primero la elección de la imagen y posteriormente, la selección del texto. Una vez seleccionada la imagen, realicé el ejercicio de interpretación del mensaje connotativo que me transmitía. En concreto, la imagen me inspiraba libertad y soltura. Por eso, escogí el mensaje de “let it go” cuya traducción más próxima en castellano sería la de dejarlo ir. Para componer el texto dentro de la imagen decidí integrar el texto en la fotografía, es decir, que el texto forme parte o se integre con alguno de los elementos de la imagen. Entonces opté por incorporar el texto en los elementos donde más interpretaba el significado connotativo: las cipselas que se desprenden del diente de león. Para potenciar la integración de imagen y texto, escogí una tipografía delgada y sencilla, que recordase a las formas de las cipselas. Finalmente, escogí el negro como color de la tipografía para que se integrase todavía más con la estructura del diente de león.

Composición 2 El proceso de creación de esta composición es el inverso al anterior. En esta ocasión, escogemos una frase célebre y posteriormente buscamos una imagen para representarla. La frase escogida para este ejercicio fue “Se puede vivir sin un perro, pero no merece la pena” de Heinz Rühmann por lo que la imagen que tenía que buscar debería tener un perro en ella. Para la combinación de texto e imagen de este ejercicio se debía de realizar una jerarquía tipográfica. La jerarquía tipográfica es una forma de jerarquía visual en la que las palabras o letras más importantes se destacan de alguna manera para que causen un mayor impacto. La finalidad principal de este tipo de jerarquía es que el espectador pueda realizar ua lectura rápida del texto y encontrar fácilmente la información importante que contiene. Existen muchas maneras de crear una jerarquía tipográfica como por ejemplo variando el tamaño de las palabras clave, usando negritas o cursivas, cambiando el color o la orientación de las letras… Como puede observarse a simple vista, la palabra que se destacó en la composición fue “Perro”. Para que esta palabra generara un mayor impacto que las demás se realizaron las siguientes modificaciones: - Tamaño: es la palabra que tiene mayor dimensión. - Color: es la única palabra que tiene un color distinto al resto de la frase. - Mayúscula: también es la única palabra que no está en minúscula.

Composición 3 Para esta composición se debía de incorporar a la fotografía un texto que representara el pensamiento de la persona retratada. Todas las decisiones tomadas para realizar esta composición giran en torno al concepto de pensamiento y por tanto, intimidad. Por eso, se escogió un plano bastante próximo al personaje para enfatizar la sensación de cercanía emocional. El texto se coloca en el punto de mira del personaje, en el café. El pensamiento por tanto, se proyecta en un elemento externo.

Fotografía e ilustración La combinación de la ilustración con la fotografía es un recurso bastante frecuente en diseño. Consiste en añadir una ilustración a una fotografía realizada previamente. Las ilustraciones suelen ser de estilo cartoon o de tintas planas, aunque cada artista o diseñador puede aplicarlo a su manera. Fusionando estas dos disciplinas se consiguen composiciones muy llamativas e imaginativas. La introducción de la ilustración a la fotografía le aporta calidez, incluso cercanía con el autor de la obra. Un autor muy conocido por aplicar estas técnicas combinadas es el artista sueco Johan Thörnqvist. Johan utiliza fotos de su día a día realizadas con su móbil para posteriormente realizar un trabajo de retoque fotográfico en el que agrega la ilustración correspondiente. A continuación pueden apreciarse algunos ejemplos.

Existen varias maneras de integrar una ilustración en una fotografía. La primera de ellas, y quizás de las más resultonas, es que la ilustración que añadimos interactúe con los objetos reales que aparecen en la fotografía.

Autor: @rogermatas

Autor: @vicka_maria

Otra manera sería convertir en ilustraciones algunos de los objetos que ya se encuentran en la fotografía.

Finalmente, podemos añadir mediante la ilustración nuevos elementos ornamentales.

Autor: @vicka_maria

Ejercicio 5: ilustración y fotografía Para el siguiente ejercicio, se tenía que introducir en la fotografía con el mensaje introspectivo algún elemento ilustrado. Se optó por introducir símbolos de interrogación que enfatizaran el mensaje de duda que pretende transmitir la composición. Estos símbolos se componen en un serpenteo que recuerda la trayectoria volátil del humo del café.

44 Foto de Tim Mossholder en Pexels

MÃ&#x201C; D ULO S Y P I C TO G RA M AS

Módulos y pictogramas Los pictogramas son representaciones figurativas de un objeto o concepto a través de elementos visuales. Es por tanto un tipo de comunicación no alfabética basada en imágenes con significado. En la actualidad, sus aplicaciones más frecuentes son las de informar y/o señalizar. Los pictogramas que aparecen a continuación son ejemplos de ambas funciones. Mientras el primero nos informa de que un producto es inflamable, el segundo nos señaliza donde se encuentra la salida.

Para el diseño de un pictograma es necesario tener en cuenta toda una serie de pautas: - La importancia de la función comunicativa. El objetivo fundamental del pictograma es que pueda ser interpretado sin necesidad del uso de las palabras. Para ello, es necesario enfatizar la función comunicativa del pictograma por encima de la función estética, y por tanto, se han de eliminar todos aquellos detalles o elementos superfluos. Para cada uno de los elementos que componen nuestro pictograma nos preguntaremos si son necesarios para la comprensión del significado, o si por el contrario podemos prescindir de ellos. - Mínimo tiempo de interpretación. Se dice que un buen pictograma debe poder interpretarse en unos tres segundos. Es por esto que el diseño no puede estar muy cargado y solo deben de aparecer los elementos esenciales para su interpretación. - Adaptables. Los pictogramas deben de funcionar tanto en su versión positiva y negativa, como a diferentes escalas. Esto es debido a que los pictogramas se utilizan en soportes muy distintos, y cada uno de ellos necesita unas características determinadas. - Ser comprendidos en cualquier contexto cultural. Un buen pictograma debería de ser entendido sin importar el idioma o el contexto cultural de la persona que lo interpreta. Es por esto que los pictogramas de las olimpiadas constituyen un muy buen ejemplo de pictogramas universales, ya que deben de interpretarse en muchos países distintos. - Creación de series. Todos los pictogramas que se utilizan en un mismo contexto, como por ejemplo el de las olimpiadas, tienen que tener un aspecto gráfico similar y por tanto, un estilo que les dé coherencia visual. Para conseguirlo es necesario crear los distintos pictogramas siguiendo las mismas reglas. Otl Aicher creó un antes y un después en el diseño de pictogramas usando el sistema modular con retícula para crear la imagen corporativa de los Juegos Olímpicos de Múnich del 72.

Ejercicio 6: Módulos y pictogramas En el siguiente ejercicio, y siguiendo el mismo patrón del módulo de Otl Aicher, se realizó el diseño de un pictograma para el deporte paralímpico de tiro con arco. Se determina que hay dos elementos importantes para la representación de este pictograma. Por una parte, el arco que es el elemento que define el deporte que se está representando. Y por otra parte, la silla de ruedas que nos informa de que el deporte se encuentra dentro de la categoría paralímpica. Una vez creado el diseño se realizan las pruebas de adaptabilidad y se comprueba que el diseño funciona tanto en diferentes escalas como en la versión en positivo y negativo.

Para la segunda parte del ejercicio se tenían que diseñar los pictogramas de dos profesiones creados a partir de un módulo que permita la recreación de una colección completa. Las profesiones escogidas fueron dentista y veterinario. Los elementos que se escogieron para representar las profesiones fueron el uniforme y los objetos de trabajo más representativos, así como el objeto o sujeto con el que trabajan.

52 Foto de Micah Boerma en Pexels

O E D S A T U N A Ó I P C : P T L E C A T R S E E P G LA DE

A G R

A Z I N

N Ó CI

La Gestalt y la percepción La Psicología Gestalt fue iniciada por Max Wertheimer en la Universidad de Frankfurt en 1912. La Teoría Gestalt desafió la creencia de que la organización en la percepción no es una habilidad aprendida, sino que el cerebro organiza espontáneamente el sentido de los datos según pautas simples, el “ver” es un proceso de ordenación. Según la Gestalt, el todo es más que la suma de las partes. Según la Gestalt la percepción siempre está organizada como una totalidad, por tanto lo que percibimos no son elementos independientes los unos de los otros, sino elementos interrelacionados. La Gestalt definió entonces una serie de leyes de la organización perceptiva, es decir, los principios que rigen nuestra percepción visual.

Pautas de organización de la percepción - Proximidad. En igualdad de condiciones, aquellos elementos más próximos en espacio y tiempo, se perciben formando un todo perceptual o grupo. En el ejemplo proporcionado, de forma espontánea, se crean grupos cada dos líneas. El segundo es un ejemplo aplicado al mundo de la imagen corporativa. Se presenta el logo de una empresa en la que podemos apreciar la silueta de un coche debido a la proximidad con la que se colocan los diferentes productos que lo conforman.

Otro ejemplo de la aplicación de este principio de la Gestalt son las obras del artista Craig Alan. Jugando con la proximidad de las personas que constituyen la imagen, Alan crea espectaculares retratos de personajes famosos.

- Semejanza. La percepción agrupa las figuras por similitud (tanto de forma como de color). El color suele predominar a la semejanza en la forma a la hora de organizar. En el ejemplo de las figuras geométricas, de forma espontánea, se crean grupos en vertical. Se agrupan por tanto las formas que son iguales. En el ejemplo aplicado al mundo publicitario, vemos como agrupamos en una fila las bolsas con los peces. Volkswagen aprovecha este principio de organización percepcitva para representar los coches aparcados en filas. En este anuncio también se hace uso de otro ley de organización perceptiva que es la ley de contraste, según la cual un objeto va a resaltar por encima de los demás cuando sea singular en alguna de sus características ya sea en color, forma...

- Fenómeno de cierre. Si una figura está incompleta, el perceptor la completa en su mente. En el ejemplo geométrico, cerramos mentalmente el pentágono. El ejemplo publicitario apreciamos la figura de la botella que se está anunciando a pesar de que esta no tenga los contornos cerrados. El último ejemplo nos muestra el logo de WWF donde mentalmente cerramos la figura del panda a pesar de que esta realmente se encuentra abierta.

Ejercicio 7: anuncio publicitario Gestalt Para la realización del siguiente ejercicio se escogió un producto y una empresa real, en este caso Lego. Se investigó las características principales de sus campañas publicitarias para seguir con la estética pertinente. Las características delimitados fueron: uso de un fondo de color plano con degradado a los lados, slogan referenciando la creatividad y la muestra de su producto, los juguetes de Lego.

El objetivo del ejercicio consistía en crear un anuncio publicitario haciendo uso de alguno de los principios de la Gestalt. En el anuncio creado, y que se muestra a continuación, se hizo uso del principio de proximidad y de contraste. En cuanto al primer principio, se colocan los elementos en fila y próximos entre ellos de manera que los percibimos agrupados. En cuanto al segundo principio, se resaltó el juguete de Lego a través de un cambio de color y escogiendo unos juguetes de forma muy redondeada, lo contrario a la forma de los juguetes de Lego.

58 Foto de Noma Bar

G E STALT: F I GURA Y F OND O

Figura y fondo

La percepción puede tener dos niveles visuales: figura y fondo. Los elementos que son percibidos con gran claridad forman “la figura”, mientras que el resto del campo visual constituye el “fondo”. El fondo no suele ser percibido en un primer momento, pero cuando lo descubrimos visualmente somos capaces de alternar “figura” y “fondo” y por tanto descubrimos los dos niveles visuales. Aunque nunca podremos observar la figura y el fondo a la vez.

Para que puedan detectarse por separado, la figura y el fondo deben de presentar un contraste. Por eso, en determinadas situaciones no resulta sencillo separar y distinguir la figura del fondo. Se trata de situaciones en las que no existen bordes y la figura y el fondo tienen una textura similar. Una imagen muy significativa para representar este fenómeno es el dálmata de Marr.

En esta imagen nos cuesta apreciar la figura del dálmata pues la figura y el fondo apenas están contrastadas. Las texturas son iguales, no hay distinción de colores ni contornos aparentes.

Mientras que en esta otra imagen no tenemos problemas en visualizar perfectamente al dálmata. La figura en este caso se resalta delimitándola con contornos gruesos.

Figura y fondo e identidad corporativa Existen numerosos ejemplos de marcas que utilizan el recurso de la figura-fondo en sus logos. Algunos ejemplos serían la “C” que aparece si no fijamos en el logo de Carrefour, el “1” en el de Fórmula 1 o la doble interpretación del logo Spartan.

La Gestalt inconsciente: percepción subliminal Los conceptos de figura y fondo, en situaciones reales, no son tan simples. A una de las figuras se le presta la mayor atención y es percibida de forma consciente. Pero el fondo se compone de un número indefinido de figuras secundarias, de las cuales no estamos conscientemente al tanto, pero que penetran en nuestro sistema a través de los llamados “canales colaterales”. A estos estímulos se les denomina subliminales. Los mensajes subliminales, son aquellos que penetran en nuestro cerebro sin que nos percatemos conscientemente de que ésto sucede. Una aplicación de estos mensajes se encuentra en la identidad corporativa de las empresas. Encontramos en el mercado numerosos ejemplos de logos que hacen uso de mensajes subliminares para transmitir la cultura o filosofía de la empresa. Un ejemplo, sería el logo de la marca Toblerone. La figura que destaca nos recuerda a los Alpes, origen del chocolate de la marca. Pero si nos fijamos bien observaremos también la figura de un oso. Este es el símbolo oficial de Berna, ciudad suiza donde se fundó la marca Toblerone. Otro ejemplo sería el logo de amazon. Existe una teoría que señala que el mensaje que nos quiere transmitir la compañía es que en amazon puedes encontrar todo tipo de productos, desde la A a la Z. Por eso, aparece la flecha naranja vinculando ambas letras de la palabra amazon. Además, esta flecha también hace alusión a la sonrisa satisfactoria de los clientes.

Noma Bar Noma Bar es un ilustrador y diseñador gráfico israelí que vive en Londres desde 2001. Sus diseños son un claro ejemplo del juego que puede establecerse entre figura y fondo. Sus obras se caracterizan por ser imágenes simples, de pocos colores y tintas planas. Gracias a la gestión que hace Noma Bar con el espacio negativo, sus imágenes contienen varios significados y esconden una o más figuras en el fondo. Estas figuras son las que consolidan el significado de la ilustración final. El estilo de Noma Bar se caracteriza también por hacer uso de los distintos niveles visuales para añadir un sutil sentido del humor a sus creaciones. Podemos encontrar las ilustraciones de Noma Bar en portadas de libros, como los del escritor norteamericano Don DeLillo o el escritor japonés Murakami; en portadas de revistas como Time Out London o Wallpaper; en carteles… También es el autor de los libros “Guess Who” (2008), “Negative Space” (2009) y “Bittersweet” (2017)

Ejercicio 8: Gestalt. Figura y fondo El siguiente ejercicio consistía en realizar el retrato de un personaje famoso siguiendo el estilo del diseñador Noma Bar. Por eso, se respetaron toda una serie de características. Para empezar, la ilustración debía de contener solo tintas planas. La paleta de colores a utilizar se limitó a tres. Finalmente, y para mantener el estilo simple que caracteriza a Noma Bar, se intentó definir los personajes a través de unos dos o tres elementos como máximo. El primer personaje representado es Dalí. Tras realizar una investigación acerca de su obra, se definieron los colores de la ilustración basándose en colores frecuentes de la paleta del artista. Para elegir los elementos que constituirían el segundo nivel visual de la ilustración se examinó la simbología presente en las obras de Dalí. Finalmente, se optó por escoger las manecillas de los relojes y los huevos. De estos últimos se seleccionó el modelo del huevo que protagoniza la obra de Metamorfosis de Narciso. El segundo personaje escogido fue Steve Jobs. Uno de los iconos relacionados con este personaje era innegociable: el logo de Apple. El otro elemento escogido fue un producto de esta compañía, los auriculares. Estos dan forma a las características gafas circulares de Steve Jobs.

Mร DULOS Y Supermรณdulos

Módulos y supermódulos

En diseño entendemos que un módulo es una unidad de medida definida para determinar las proporciones y relaciones entre las distintas partes de una composición. El módulo se repite sistemáticamente en el espacio de dicha composición. Por tanto, un módulo es una forma o conjunto de formas parecidas o incluso idénticas que se repiten dentro de un diseño. Un módulo puede estar formado por elementos más pequeños que son los submódulos. Además, para obtener diseños más grandes, los módulos se repiten y organizan en formas mayores que se denominan supermódulos. Al igual que un mismo diseño puede estar compuesto por varios módulos, también puede contener varios supermódulos. La creación de supermódulos se basa por tanto en la repetición y ordenación de módulos. La organización de los distintos módulos puede seguir varias disposiciones: lineal, cuadrada, en rombo, triangular, circular… Mientras que para su repetición pueden utilizarse varios recursos: variación de tamaño, cambio de rotación, uso de la reflexión…

Ejercicio 9: Pattern Para el siguiente ejercicio había que inspirarse en la obra del artista Matisse para crear un módulo a partir del cual se realizara un supermódulo y posteriormente dos modificaciones del mismo: una de color y otra de composición. A continuación se presentan algunas de las obras que sirvieron de inspiración para realizar el diseño posterior. Concretamente, se prestó atención a la paleta de colores predominantes, a los limones y a las representaciones orgánicas que se aprecian en las paredes y suelos.

Pattern 1 Mรณdulo

Supermรณdulo

Mockups diseĂąo aplicado

Pattern 2: modificaciรณn de color Mรณdulo

Supermรณdulo

Mockups diseĂąo aplicado

Pattern 3: modificaci贸n de composici贸n M贸dulo

Superm贸dulo

Mockups diseĂąo aplicado

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