#01 • 20 DE MAYO 2013 • VERACRUZ, VER, MéXICO
Recuerdos de mi ex En 1979, Jean-Michel Basquiat en el ápice de la voluntad, pintó murales en todas las paredes del apartamento de su novia, Alexis Adler, estudiante de Biología de Nueva York. La pareja se separó alrededor de 1980, pero Adler mantuvo el apartamento y lo finalmente compró. Además de los murales también guardó una serie de cuadernos de bocetos, fotografías y dibujos del artista. Adler se encuentra
Imagen tomada de internet
trabajando con un equipo de expertos para catalogar la colección caótica para un próximo libro, exposición, y por supuesto para vender. Gracie Mansion, director de la galería Rodney Sur, dice que varias de las obras de la época muestran varias fórmulas científicas, un reflejo que data de la época de Adler. Dijo que Basquiat fue fascinado por sus libros varias veces y los utilizó como inspiración para los elementos de su imaginario.
Graffiti y
metalenguaje Imágenes tomadas de Internet
El artista iraní Mehdi Ghadyanloo hizo más de 100 murales en Teherán. Él utiliza ilusiones, la profundidad y el surrealismo para hablar de la propia ciudad en sus paredes. Los murales de Ghadyanloo son divertidos, coloridos, y llenos de imaginación. Mehdi
De vez en cuando, el arte está en las formas y objetos más comunes y cotianos. Isaac Cordal parecía un colador, y vio más allá. Y llamó su serie de instalaciones urbanas Cemento Bleak. En ella, Cordal esculpe los rostros humanos en la malla tamices maleable. A continuación, se colocan en el suelo, y la acción de la luz solar o la luz artificial en ellos, diseñar una sombra en forma de retrato en la acera. La naturaleza de la malla permite un rostro extrañamente realista desde distintos ángulos de la luz.
descubrió su pasión por la pintura a la temprana edad de 5 años, y ha pintado más de 100 murales en Teherán, haciendo que la ciudad se vea más hermosa y alegre. Además, es dueño de su propia compañía Blue Sky Painters Company.
Cemento bleak Rostros en la calle
Entre Botero y el folklor mexicano Personajes ficticios para crear conciencia “Tu percepción del diseño depende de tu cultura”. Ugo Villegas radica en la ciudad de Tijuana como diseñador gráfico e ilustrador. Multifacético, en su producción ha intervenido en superficies tan diversas como el papel, lienzos, muros, tablas, hasta su evolución a lo digital. También ha creado juguetes, todos con un particular estilo, de personajes ficticios que se escurren de su imaginación: una válvula de escape entre su mente y lo que con tinta en mano crea a través de su arte. .La propuesta de Ugo tiende a una constante búsqueda y apertura de la conciencia que, a través de la gráfica, sana aquello que adolece; haciendo un ejercicio de interiorización, muestra que realizando un análisis profundo las respuestas emergerán desde lo más entrañable de uno mismo. Su obra muestra un estilo influenciado por las caricaturas antiguas en blanco y negro, el graffiti, la música y la cultura fronteriza, siempre en constante cambio, buscando, por medio de esta mezcla de estilos, exhibir su arte por todos los espacios posibles. Es el espectador quien resulta ser el intérprete sin límites al capturar con la mirada estos personajes como una opción para salir de lo cotidiano. La obra de Ugo se puede ver tanto en las calles como en interiores de galerías en Tijuana y San Diego.
El Norteño es un artista de Tijuana quien expone la mexicanidad de la franja fronteriza de México, narrando la peculiar forma de vida de esta zona del país en personajes y escenarios pintorescos, desde Estados Unidos hasta Argentina. Su obra cuenta con más de medio millar de murales. Aunque el arte urbano tiene una duración corta, su interés se encuentra en la interacción directa en las calles para descubrir la percepción y la mirada del espectador, provocando alguna reacción. Se ha especializado en el Diseño Gráfico Integral pero como profesionista ejerce un humanismo que se expresa a través del arte con el propósito de llevar mensajes propositivos en su pictórica. A lo largo de su carrera ha dado conferencias magistrales y expuesto tanto individual como colectivamente. Urbana o dentro de museos y galerías, el trabajo de este artista ha colaborando con diferentes creativos de la región, nacionales e internacionales. Desde 2010 practica la docencia como un modo de interactuar y accionar en el pensamiento formativo de los futuros artistas quienes tomarán la escena en algunos años. Un norteño es un personaje que, si bien puede vestir botas, pantalones de mezclilla, cintos gruesos, sombrero y bigote, también permite que un corte escolar, tenis, playera y gorra, encajen en la descripción de los habitantes fronterizos. Una complexión que recuerda un poco a Botero, pero adaptado a un folklor mexicano como distintivo del artista. Se puede encontrar a El Norteño y sus narraciones en diferentes muros de la ciudad, y se pueden apreciar desde la carretera Internacional, hasta las playas, el centro y las periferias del lugar que el colectivo Nortec asegura: los hace felices.
Tropical hungry Un elemento visual importante en un país donde hay personas que mueren de hambre cada hora.
Uno de los problemas más graves que los países en desa-
rrollo y las economías emergentes es el hambre, que con el tiempo ha matado a miles de personas en países como Brasil y la razón principal no es la falta de comida, también es el desperdicio de esta. El brasileño Narcélio Grud encontró una manera muy creativa y única de expresar, desde su particular punto de vista este problema. Grud utilizando frutas y verduras desechadas en el mercado de Gentilandia, en Fortaleza, a unas calles del mercado realizó con la pulpa de los frutos una increíble intervención urbana llamada Tropical Hungry.
Imágen tomada de Internet
La fotograf i a y
el arte callejero La importancia de la fotografía como registro de la existencia del arte de la calle.
En torno al día internacional del graffiti celebrado el pasado 27 de abril en Sao Paulo, Brazil, se realizó un foro de discusión donde el tema central fue el papel de la fotografía como parte del arte de la calle. ¿El trabajo sólo existe si tiene un disco?
Imágen tomada de Internet
En la mediación participó Janara López Fundadora de IdeaFixa, como invitados participaron Fernando Sato , Tony de Marco: Artista callejero, artista, ilustrador, tipógrafo y fotógrafo; Arte Perdido: Formado por Louise Chin e Ignacio Aronovich, creadores de la
escena de arte de la calle de Brasil desde los años 90. El foro se mantuvo abierto al publico en Google, las personas respondieron a la convocatoria, se contaron más de un millón de comentarios durante la discusión en vivo con los expertos.
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La Universidad Tec Milenio campus Puebla organiza el Primer Simposium de Diseño, Arte y Tecnología que pretende acercar a los estudiantes al manejo de diversas disciplinas del diseño, experimentando las en talleres diversos. Las conferencias complementan las actividades de los talleres pues nos acercan a problemas del diseño actual. También se dieron cita personalidades tan destacadas como René Azcuy quien impartirá la conferencia Magistral “El diseñador y su laberinto creativo”, así como el “Master Class Animation” de Ugo Conti en el taller “Como
El Día Internacional de los Museos es un evento coordinado por el Consejo Internacional de Museos (ICOM) que tiene lugar cada año alrededor del 18 de mayo. Este evento pone de relieve un tema diferente cada año y que está en el centro de las preocupaciones de la comunidad de los museos.
animar en 8 horas y no morir en el intento”.
Los temas que se llevaron a cabo en este congreso fueron los de Anatomía Artística, Identidad Corporativa, Los primeros carteles, Identidad Gráfica aplicada en una empresa, entre otros. Este Congreso realizado y llevado a cabo en la ciudad de puebla fue un total éxito, ya que tuvo asistencia de variedad de alumnos de la respectiva universidad, así como empresarios y diseñadores independientes y amantes del arte.
El Día Internacional de los Museos ofrece a los profesionales de los museos la oportunidad de ir al encuentro del público y sensibilizarlo sobre los desafíos que enfrentan los museos. De hecho, el ICOM define el museo como una organización sin fines de lucro, una institución permanente al servicio de la sociedad y su desarrollo, abierta al público, que adquiere, conserva, investiga,
exhibe y transmite el patrimonio material e inmaterial de la humanidad y su medio ambiente con fines educativos, de estudio y placer. Por lo tanto, el DIM sirve de plataforma para concienciar al público sobre los retos actuales de los museos en el desarrollo de la sociedad a nivel internacional.
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Entre arte & resistencia La coleccionista falleció la noche del miércoles, a los 80 años de edad, producto de un cáncer al pulmón. Fue por ello que la Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de Chile, liderada por María Elena Comandari, no quiso
quedar fuera de la despedida, por lo que desde un encuentro de arte en Perú señalaron a la emisora que el mayor legado de Carmen fue creer en el arte y los artistas. “Yo estimo que ella dejó una fuerza y un esfuerzo y un profesionalismo muy grande. Ella se preocupó
mucho del arte contemporáneo. Creó una cofradía de artistas internacionales y por eso el museo de la Solidaridad tiene una colección maravillosa. Lo importante es que nunca perdió la fuerza y siempre creyó en el arte y los artistas”.
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La Feria Internacional de Arte y Antigüedades Olympia de Londres celebra su 36a edición.
260 galerías internacionales se darán cita en la capital británica del 5 al 14 de junio. Considerada como la principal feria de arte y antigüedades de entre las que se celebran en Londres por los cerca de 30.000 coleccionistas privados y públicos, comisarios, diseñadores y aficionados que acuden a ella cada año, la Olympia International Art & Antiques Fair celebrará este año su 36º edición en el Olympia Exhibition contará con la presencia de 260 galerías británicas e internacionales que presentarán piezas de todas las épocas, desde cerámicas chinas a joyería Art Decó, pasando por muebles diseñados
en el siglo XX y pintura clásica de la Europa continental. Durante los sietedías en los que se desarrollará el evento tendrá lugar un programa de actividades paralelo a la feria, que incluirá charlas a cargo de coleccionistas, diseñadores y profesionales, cursos organizados por el Sotheby´s Institute of Art y visitas guiadas Se llevara a cabo en el centro de exposiciones Olympia, Londres, del 6 hasta 16 junio de 2013. Alrededor de 200 distribuidores estará presentes, la venta de la más amplia selección de arte y
antigüedades de alta calidad en Londres este verano. En 2012, tuvimos 70 especialistas en muebles , 18 desde el extranjero , 40 nuevos distibuidores y 30 que regresaron después de un descanso. Una mezcla rica y ecléctica que abarca 34 disciplinas estarán disponibles para comprar, como el diseño del siglo 20, contemporáneo, alta epoque, muebles de Inglés 18 y 19 del siglo, el arte moderno británico, arte tribal, cerámica, alfombras art deco, plata y joyas y antiguo reclamo por nombrar sólo algunos..
Cristobal Toral en Van Dyck La sala gijonesa expone desde el 10 de mayo trabajos que resumen tres décadas de la producción del artista gaditano La Galería madrileña Juan Gris exhibe desde hoy una selección de acuarelas realizadas en los últimos cuatro años por Cristóbal Toral, veterano artista malagueño que en la última década se ha volcado en la producción de trabajos sobre papel y que desde 2009 ha tratado de explorar al máximo los logros plásticos alcanzables a través del medio acuoso alejándose de los paisajes costumbristas tan habituales entre los creadores que han optado por cultivar esta técnica. Las obras que podremos contemplar hasta junio en Madrid viajarán posteriormente a Nueva York y comprenden temáticas variadas: paisajes, maletas, bodegones de frutas o interiores inquietantes en los que Toral deja patente su maestría en el empleo de este medio y su estilo realista y evocador. El propio autor reconoce que afrontar el uso de la acuarela desde una perspectiva moderna no resulta fácil, aunque artistas como Nonell o Hockney hayan salvado esas dificultades. Se trata de una técnica que requiere habilidad, virtuosismo y alto nivel de concentración, pero la finalización
con éxito de una obra de estas características prueba el talento de su creador y le proporciona especial satisfacción, según el malagueño. Tras muestras dedicadas a Feito, Amadeo Gabino, Guinovart o Farreras, la Sala de Arte Van Dyck de Gijón abre el próximo 10 de mayo una muestra dedicada a otra de las grandes figuras de la pintura española contemporánea, Cristóbal Toral. La muestra, la primera individual del andaluz en una galería asturiana, se ha planteado como una antológica y reúne piezas fechadas entre 1982 y 2012 procedentes en su mayoría de la reciente exposición de Toral en el Palacio zaragozano de Sástago, “La huella de un recorrido”, que cerró sus puertas el 29 de abril. Podremos ver en Gijón pinturas representativas de las temáticas más cultivadas por el artista: bodegones, maletas y embalajes (reflejo de su visión de la vida como tránsito y viaje) y desnudos femeninos en interiores que destacan por su atmósfera onírica y por la belleza que reside en su sencillez. Serán treinta y seis piezas, en su mayoría óleos pero
también alguna acuarela y dos esculturas de bronce de pequeño formato. No faltará uno de sus trabajos más icónicos, La nueva inquilina. Obsesionado por la representación del espacio, Toral confiesa que ha buscado acercarse al arte de Velázquez, Goya o Zurbarán, vanguardistas en su tiempo, para entender la modernidad. Durante la inauguración de la exposición, Toral participó en una charla-coloquio.
El artista ha tratado de abordar esta técnica desde una visión contemporánea
Las sombras de Yoon Bohyun “Vivo entre formas luminosas y vagas que no son aún la tiniebla”Jorge Luis Borges ¿Cómo pudiera entenderse la existencia de la sombra? Para poder articular una definición “clara” de sombra primero habría que observar desde qué perspectiva se piensa conceptualizar. Podría entenderse como la imagen oscura que logra proyectarse sobre una superficie cualquiera con la ayuda de los rayos directos de luz. Pero en el ámbito artístico, ¿cómo podría definirse sin perder el sentido de lo abstracto? Simplemente resultaría imposible; se está destinado sólo a contemplar su perfección.
Unity es como se titula la instalación suspendida del artista coreano Yoon Bohyun, quien utiliza piezas de muñecas fragmentadas para transformarlas en largas filas de personas en poses sugerentes. Cientos de piezas de caucho como: torsos, manos, senos, cabezas desmembradas, entre otras, se sostienen de hilos que sirven como péndulos para que los rayos de la luz logren filtrase en superficies puras (blancas) y así se genere la proyección de originales figuras humanas en diversas posiciones, las que adquieren movimiento con el vaivén del aire.
Por medio de la metódica ubicación de varios reflectores es como el artista logra concebir el arte desde la perspectiva de la sombra. Expone la articulación de todo un lenguaje corporal humano y, además, resalta las posiciones más “comprometedoras” señaladas por la sociedad.
“Corto, extiendo, distorsiono, reconstruyo y fragmento el cuerpo para crear una imagen caótica de un ser humano”. Pedazos que, a
El aire se transforma en una sombra etérea. Se camina entre un viento que refresca los pies y eleva con un soplo los sentidos. Uno se desprende de su cuerpo y es el aire el mensajero de los ojos y los oídos; le muestra a la entidad su poder sobre las cosas: una eternidad exógena; da peso sin formar materia y sin embargo es visible sobre ella. Nike y Cultura Colectiva presentan: Aireación, una muestra compuesta por piezas de instalación que representan el concepto de la acción del aire sobre ellas, convirtiéndolas en obras vivas animadas por la fuerza del elemento.
través de la proyección a distancia, recrean la concepción de la unidad.
Esta unión de esfuerzos nace por una necesidad artística de visualizar la acción del aire sobre piezas escultóricas, kinéticas y escenográficas que, en su conjunto, conforman una instalación en la que el elemento se cuela para ventilar los sentidos de los asistentes a esta celebración.
Si la sombra de cada uno pudiera hablar, seguramente contaría los secretos más íntimos y, aún así, por naturaleza, seguiríamos atados a ella emitiendo incomprensibles lenguajes corporales entre oscuridades.
Aireación estará dividida en dos momentos: el art sneak peek y la celebración organizada por Nike y Cultura Colectiva. La noche se despejará al ritmo de la música de BABY KATE (NÓMADA/ Babydisco), LEMON MINT(Live Act) y AVANTI (Live Act).
Ser
Humano El trabajo del fotógrafo Rubén Brulat , aquí ilustrada por los Senderos series y Inmaculada, se ocupa de la relación entre los seres humanos y el medio ambiente en el que vive, la educación de las preguntas existenciales. Brulat explica que “quieren entender por qué el comportamiento de los individuos, los grupos y las sociedades.” Brulat centra en la cuestión de sus imágenes “, la vulnerabilidad y la pequeñez de nuestra especie”, mostrando pequeñas figuras desnudas en ambientes hostiles, ya sea en la ciudad o en la naturaleza. Según el artista, que no cree que la gente tiene miedo a la desnudez:. “No creo que en mi obra hay una desnudez evidente un cuerpo desnudo expuesto en la nieve, un lago helado o una zona urbana, crea Para mí, un ser humano asexual, demostrar y expresar nuestra vulnerabilidad, la pequeñez, la simbiosis y la belleza “. En Inmaculada, el fotógrafo explora las contradicciones de la vida en la ciudad, para investigar elvaciado de un distrito comercial. Brulat explica: “Lo que me sorprende más es que con el barrio Inmaculada vivió sólo para un sistema, y por la noche cuando el sistema termina cuando no hay necesidad de activarlo,simplemente muere, un sistema creado por Human con el apoyo de Derechos Humanos y de las hojas totalmente sin amor, sin felicidad, sin tristeza. Un lugar para cualquier forma de vida. Estoy fascinado por los lugares donde se ha ido la belleza del ser humano “. Caminos en el proyecto, Brulat pasó un año viajando a paisajes exóticos en Irak, Irán, Afganistán, Tíbet y en Indonesia, donde la gente invitando a unirse al trabajo y posarem desnudo. Una serie de visuales Brulat recordar la obra de John Crawford, Desnudos aéreas , pero lo que está en juego en las fotografías de Brulat son cuestiones más profundas que provocan reflexiones sobre el existencialismo y la convivencia del hombre con la naturaleza y el mundo que él creó para sí mismo.
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La visi贸n de
Bridges
Jeff Bridges nos da una visión única del mundo en el que creció, y desde una perspectiva que rara vez llega a ser vista: la de un actor en el set.
Desde 1984, Jeff ha documentado los grupos de la Mientras asistía a la escuela secundaria en Los Anmayoría de sus películas, la compilación de una gran co- geles a finales de 1960, se construyó una cámara osculección de imágenes amplias que dan un ambiente íntimo, ra en un cuarto de baño y se enamoró de la impresión detrás de las escenas, un vistazo a la creación de películas. en negro y blanco. A medida que su carrera como actor fue despegando, se fue la fotografía - hasta que apareció
“Mi fotografía se centra principalmente en mi trabajo en el 1976 remake de “King Kong”, en la que interpretó haciendo películas que he hecho toda mi vida”, dijo en una a un paleontólogo que siempre llevaba una cámara. Eso entrevista telefónica. “Creo que tengo una perspectiva que reavivó su interés, y después de que su esposa le compró no muchas personas tienen. Y tengo la oportunidad de tomar una Widelux, que lo llevó a la serie de “Starman” en 1984. ventaja de todas las extrañas fuentes de luz sobre un conjunto “.
Su colección adquirible, “Imágenes”, fue publica-
En la introducción a su libro “Imágenes”, escribió acer- do por PowerHouse Libros y dona el productor - incluca de su cámara favorita: “La Widelux es una amante incons- yendo la venta de impresiones individuales - a la imatante, su visor no es exacto, y no hay ningún foco manual, por gen y Television Fund Motion y varias organizaciones lo que tiene una arbitrariedad a la misma, una calidad ca- que luchan contra el hambre en los Estados Unidos. prichosa. Eso me gusta. Es algo que aspiro en todo mi trabajo - una falta de valor inapreciable que hace las cosas más Sus fotografías forman un álbum de familia que humanas y sinceras, una voluntad de recibir lo que hay en el incluye a su padre, su hermano, el actor Beau Bridmomento y dejar de lado el resultado. Salir de la forma pare- ges, y sus compañeros de reparto. Proporcionan una ce ser una de las principales tareas para mí como un artista.” vista detrás de las escenas de la creación de películas y, a veces se asemejan a los primeros cortos slaps
Bridges hace un trabajo diferente de la creación de pe- tick mudo más de lo que lo hacen las películas de arte. lículas, ya que es más bien un esfuerzo solitario, incluso cuando es la fotografía de un montón de gente . Sin embargo, en ambas Él quiere publicar un libro de sus imágenes más recientes disciplinas, el producto no siempre resultan como se esperaba. y se propone seguir fotografiando los juegos de sus películas.
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Tirar todo por la borda La comida de Instagram es a menudo repetitiva, con todos los platos de comida y las fotos poco interesantes, pero de vez en cuando un loco parece dar una patada en el lugar común. El fotógrafo y diseñador belga Manon Wethly publicadas en su cuenta de Instagram , una serie de fotografías de todo tipo de líquido que es lanzado al aire. El resultado es aún más interesante cuando se agrupan.
Eclipse explosivo El fotógrafo checo Miloslav Druckmüller capturado impresionantes imágenes compuestas de la Luna durante un eclipse solar, revelando la corona solar increíble La imagen de alta resolución es el resultado de la edición de más de 40 imágenes tomadas con dos lentes diferentes. La luz captada en la fotografía se debe a la ubicación en la que Druckmüller fotografió el eclipse, un embarcadero cerca de la Vigilancia Radiológica de distancia Enewetak en las Islas Marshall, en el medio del Océano Pacífico.
Humanizar el mito en el arte El fotografo Genevieve Blais se inspira en imágenes de pinturas del arte clásico para descomprimir la política sexual, en relación con la sexualidad contemporánea. Las obras de Blais expresan una disonancia estética con un tópico que pretende ser provocativo, busca la típica mirada incómoda de la tía conservadora que todos, en determinado momento, llevamos dentro. Las imágenes buscan la subversión; perpetuar la autoridad implícita y la santidad de los iconos del arte clásico. La importancia del trabajo de Bleis radica en su idea de enfrentar y criticar la cultura del arte, además de poner en tela de juicio los medios clásicos y contemporáneos, como las cámaras y los pinceles. Nos obliga a ver el arte con una mirada determinante y potente, casi como una puesta en escena que ha estado con nosotros desde las obras de Caravaggio.
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Mi mala memoria Enrique Medina
La fotografía es un lenguaje que muchas personas aprenden para poder expresarse en este mundo, Enrique Medina, incorporó la foto en su vida como una memoria extra.
¿Qué es la fotografía para ti? Cada vez es más la gente que habla de su fotografía como un recurso para no olvidar o como un sustituto de su memoria (la mía es muy mala). Quisiera no caer en esa misma definición, pero supongo que por ahí va. La fotografía para mí es mi mala memoria, cuidada y mejorada. Fotografiar es plasmar para no olvidar. ¿Cómo describirías la escena de la fotografía en México? La escena de la fotografía va creciendo, en México y en el
mundo, por razones tan burdas como las cámaras cada vez más accesibles y las redes sociales que hacen que las imágenes y las fotos sean cada vez más necesarias en el día a día. ¿Qué tiene un buen fotógrafo en tu opinión? Para mí un buen fotógrafo debe tener un ojo único y envidiable. Debe provocarme ese sentimiento, al ver su foto, de querer haber sido yo quien la tomó ya sea por lo que capturó, el lugar en donde
estuvo, o la situación en que lo hizo. Para mí va más allá de la técnica, que es algo que cualquiera puede aprender; se debe conmover y transmitir en una foto ¿Que buscas con la fotografía? Lo que busco cuando tomo fotos es encoger corazones. Sé que no es algo que voy a lograr con cada foto que tomo pero, afortunadamente, mientras lo intento me voy guardando una colección de memorias de la gente con la que estoy y los lugares a los que voy.
Arte & Clima Se trata del sistema “Sunflower”, creado por un investigador argentino, que permite a través de una flor mecánica de gran escala monitorear las condiciones ambientales. Lo quieren varios países. La ciudad fueguina de Ushuaia será la primera en instalar a “Sunflower”, el Centinela del Cambio Climático, un proyecto del investigador argentino Joaquín Fargas, que permite a través de una flor metálica de gran escala monitorear las condiciones ambientales, y ya despertó el interés de varios países del mundo.
captura. mágenes del paisaje circundante, del sol y de la escultura misma en su movimiento de inclinación diario
Un simulacro de eso puede observarse en el sitio de Internet www.suflowerweb.com. ar. Básicamente se trata de una flor metálica de gran escala que, abriendo sus pétalos al amanecer, sigue el movimiento del sol.
Sobre el interés que el proyecto despertó en otras partes, anticipó que “la segunda flor se instalaría en Canadá, y va a permitir conectar los dos polos de manera continental”.
“Sunflower” se implanta en un espacio exterior para permitir compartir la vista del amanecer o el atardecer, verlo más de una vez por día en diferentes lu“Sunflower” es una escultura en la que la cien- gares del globo, y tomar conciencia de cia y la tecnología se combinan para propo- la radiación del sol en distintas latitudes. ner un mensaje ambiental y social a través del arte, y se instalará en marzo próximo en En el sitio web se mantienen online las imála capital de Tierra del Fuego, con motivo de genes que la flor captura, al igual que los la realización de la Bienal del Fin del Mundo. datos relativos al clima. A su vez, se encuentran las mismas referencias de flores ubica“La idea es hacer un monitoreo del cambio das en otros territorios, y el sitio puede ser climático”, explicó a DyN Fargas, quien pre- consultado desde cualquier parte del mundo. cisó que “las flores son como estaciones meteorológicas pero no con sentido científico “El objetivo es crear una conexión enpuro, sino con las idea de popularizarlas”. tre los pueblos y las ideas ambientales”, señaló Fargas, quien insistió con que la El experto subrayó que “la gente cree que idea es “quitar el concepto de que el Esmonitorear cómo se modifica el mundo es tado o el científico se tienen que hacer tarea de los gobiernos y de los científicos, cargo, sino que todos seamos responsapero en realidad es de todos”. “Sunflower bles de que haya una menor polución”. propone que la gente tome conciencia que algo está pasando y que hay que seguir Destacó la importancia de la primera de este cambio”, indicó Fargas, quien señaló las flores, al precisar que “Ushuaia es uno que “como estas flores tienen sistemas de de los cinco puntos en el mundo dontransmisiones, uno puede entrar a Inter- de se mide la radiación de manera espenet y ver la situación en todo el mundo”. cial para monitorear la capa de ozono”.
Precisó que “el costo de Sunflower es de 20 mil dólares”, y afirmó que “hay interés por instalarla en Singapur, donde harán una de Titanio inoxidable, con un costo de 50 mil dólares; también en Luxemburgo, Sudáfrica, Malasia, y en los estados norteamericanos de Miami y Boston”.
Esos pétalos son paneles solares que generan la electricidad necesaria durante el día para las operaciones que la flor realiza y para su iluminación por la noche. La flor es una estación meteorológica que monitorea las condiciones ambientales de su entorno: la polución del aire, la radiación UV, y distintos tipos de temperaturas. “La idea es generar un proyecto local en cada lugar, donde se involucren los artistas Además, a través de tres cámaras, la flor y los científicos, de acuerdo a la necesidad y el interés de cada región”, sostuvo Fargas.
Arte con Ciencia
A単o Klimt
Hace 150 años, en 1862, nacía en Viena, el llamado a convertirse en figura clave
El primero se vendió en Nueva York en 2006
del Modernismo vienés, mentor de genios como Oskar Kokoschka o Egon Schiele.
por 135 millones de dólares, convirtiéndose en la obra de arte más cotizada del momento.
La Viena de la Belle Époque que conoció Klimt era la cuarta ciudad euro-
Con motivo de ese 150 aniversario del nacimien-
pea de su tiempo y una de las más fascinantes a nivel artístico en la segunda
to de uno de sus creadores más reconocidos in-
mitad del s XIX gracias a la efervescente actividad generada, entre otros, por
ternacionalmente, Austria ha acogido este año
Sigmund Freud, Mahler, Arnold Schönberg u Otto Wagner. El arte de Klimt
más de una decena de muestras temporales a
está inundado por este mismo espíritu creador y sus voluptuosos dibujos, su
él dedicadas. Abrió fuego, ya en 2011, el Belve-
cuidado del ornamento y su peculiar plasmación de la belleza femenina y
dere, con una exposición que revelaba las inquie-
de su erotismo anuncian, como los textos de Loos, abrieron una nueva etapa.
tudes que tuvo en común con el diseñador Josef Hoffmann y que finalizó el pasado marzo. La Alber-
Ingresó en la Escuela de Artes y Oficios vienesa cuando sólo tenía catorce años y
tina también acogió hasta junio 170 de sus dibujos.
allí se formó en técnicas variadas: desde el mosaico hasta el fresco. Sus primeros trabajos oficiales los efectúo en 1880 para el balneario de Carlsbad y ya desde
Hasta el 27 de agosto, puede visitarse en el Leopold
entonces se impuso como reto superar los límites del decoro de la burguesía viene-
Museum un repaso por los fondos que este centro
sa. No hay más que recordar las palabras de Hermann Parr, padre de la funda-
acoge del pintor junto a otras piezas cedidas por di-
ción de la Secesión de la que Klimt era presidente: Queremos declarar la guerra
versas instituciones austriacas que nos acercarán a su
a la rutina estéril, al rígido bizantinismo, a todas las formas del mal gusto…Nuestra
vertiente más íntima y personal. Se exhibirán junto a
Secesión no es un enfrentamiento de los artistas modernos con los viejos, sino una
cerca de 400 documentos escritos que revelan deta-
lucha por la revalorización de los artistas frente a los buhoneros que se las dan
lles personales de su relación con Emilie Flöge, así como
de artistas y que tienen interés comercial en evitar que el arte pueda florecer.
retratos fotográficos del artista y vistas de su estudio. El Kunsthistorisches Museum, por su parte, abre
El programa de la Secesión es claro: trabajan por la internacionalización
al público hasta enero de 2013 su escalera princi-
de Viena como capital cultural y la ruptura de su aislamiento, por el reco-
pal, decorada con trece pinturas tempranas de Klimt
nocimiento del derecho a la creación estética y por la no diferenciación
datadas en 1890-1891. Estas obras ofrecen personifi-
entre gran arte y géneros artísticos de segunda categoría. La diosa griega
caciones femeninas y masculinas de diferentes periodos
de la sabiduría, Palas Atenea, fue su símbolo y la polémica, su fiel com-
históricos, regiones o centros artísticos y el genio las lle-
pañera: políticos, público y universo artístico protestaron ante las tres pin-
vó a cabo junto a la llamada Compañía de Artistas.
turas de Klimt representativas de la Filosofía, la Medicina y la Jurispru-
El Wien Museum, el Museo Austríaco de Artes Aplicadas
dencia que diseñó para decorar el techo de la Universidad de Viena
(MAK) y la Biblioteca Nacional también se han puesto
por considerarlas casi pornográficas y por sus matices sexualmente pro-
en órbita con correspondientes exposiciones que incluyen
vocativos. Fueron rechazadas y el pintor no volvió a aceptar encargos.
algunas obras desconocidas para el gran público. También el edificio que sirvió como último estudio del pintor (la
Se considera que Klimt alcanzó su etapa de madurez tras via-
Klimt-Villa), utilizado por el creador desde 1911 hasta su muer-
jar,
hacia
te, se ha abierto al público tras una completa restauración.
cia,
Venecia,
1897,
por
diversas
Rávena…Enérgico
ciudades y
pasional,
italianas: huye
Florende
los.
Falleció Klimt en 1918, recién finalizada la I Guerra Mundial,
autorretratos al no interesarle su personalidad como objeto artístico: más
por un ataque de apoplejía, dejando inacabadas, entre obras,
bien me interesan otras personas, en especial mujeres, otras apariencias…
el Retrato de Johanna Staude y La novia, ejemplos de desnu-
estoy convencido de que como persona no soy especialmente interesante.
dos que el austriaco dibujó primero en toda su intimidad para después vestir de un rico cromatismo que los llenó de magia.
Sus trabajos de aquella época se caracterizan por su elegante diseño
Su contemporáneo Loos decía que “todo arte es erótico, pero el or-
ornamentaly por el uso repetitivo de motivos compositivos y de un espa-
namento no está en relación con la civilización”; la primera premisa
cio pictórico de apariencia aplanada. En ocasiones incorpora pan de
se cumple en Klimt, no así la segunda: el decorativismo forma parte
oro. En esa etapa dorada en la que también logró el favor del público,
de su lenguaje y le sirve para introducirse en la vida inconsciente.
Klimt participó en la decoración del palacio Stoclet y llevó a cabo el célebre Retrato de Adele Bloch-Bauer I (1907) y El beso(1907-1908).
El encuentro del arte, la ciencia y la tecnología Reflexcionar sobre la interrelación entre el arte, la ciencia y la tecnología, a travéz de la historia de la humanidad, han sido actividades que se entrelazaron y fueron evolucionando en forma conjunta en una duerte de efecto entre simbiótico y sinérgetico. Durante esta investigación, algunas obras del autor fueron mencionadas a modo de ejemplo. Asimismo, a medida que la ciencia fue La ciencia y la tecnología siempre han evolucionado en for- evolucionando, el arte utilizó recursos ma conjunta. El desarrollo de una conlleva o potencia el desa- como la física y la astronomía. De esta rrollo de la otra. Es por ello que siempre las hallamos juntas, en manera, con el tiempo, se fue desarrollanuna suerte de evolución constante entre sinérgica y simbiótica. do el automatismo y la cibernética, sienLa instinto de supervivencia nos ha llevado como ani- do algunos de los predecesores de los males que somos a obedecer primero nuestra par- robots verdaderas expresiones artísticas. te instintiva y luego a actuar como seres racionales. El arte ha estado siempre asociado a la técnica y a la tecnología. Acudiendo a la historia del La técnica o habilidad adquirida responde a esta parte insarte, es cierto que hacia principios de los años tintiva. Por ensayo y error vamos desarrollando habilidasesenta del siglo XX, la desmaterialización del des y aprendiendo a partir de esa relación causa-efecto. arte nos enfrenta con un tipo de práctica artístiLa ciencia es más reflexiva. Cuando ya, a partir de la observación, ca desprovista de toda herramienta tecnológica: generamos hipótesis, teorizamos y realizamos comprobaciones, el arte conceptual. Puramente reflexivo, pone el estamos comportándonos científicamente. De la aplicación acento en la “idea” o “concepto”, sin necesidad de práctica de estos conocimientos científicos surge la tecnología. una expresión material concreta. Sin embargo, inclusive el arte conceptual, hace uso de la tecnología (la Arte, ciencia y tecnología, ayer… fotografía, por ejemplo) para registrar sus acciones y performances, siendo ésta, en muchas oportunidaEn algunas de nuestras culturas ancestrales, existía un sólo des, la única fuente de documentación que nos pervocablo para expresar los conceptos de tecnología, cienmite acceder a la “obra” e, incluso, su único soporte. cia o arte. En nuestra lengua arte proviene del latín “ars” y técnica del griego “tekne”; palabras que se refieren a Las serpientes de Chichen Itza la habilidad para realizar alguna tarea u objetivo. De Numerosos son los ejemplos a través de la histohecho, la cultura es un todo, donde el arte se mezcla ria donde se conjugan el arte, la ciencia y la tecnocon la ciencia y la tecnología. A lo largo de histología. El que presentamos aquí corresponde a la piria, el hombre ha utilizado todas las herramientas rámide de Kukulcán en Chichén-Itza, ciudad Maya, disponibles para la creación de sus obras artístial norte de la península de Yucatán en México. cas. Desde las eras más primitivas ha desarrollado Los mayas reunieron avanzados conocimientos de astintas y pinturas con un grado de sofisticación que tronomía y refinadas tecnologías de construcción para aun hoy asombra. Se ha expresado y ha dejado producir el magnifico evento solar en el que una sersu legado sobre piedra usando técnicas aeropiente parece descender de la pirámide. Parte de la gráficas similares a las que se utilizan hoy en día. construcción, se ilumina en forma determinada en un moAquello que denominamos “arte”, y que en épomento específico de la conjunción del Sol con la Tierra. cas remotas se encontraba más ligado a la reliDurante los equinoccios, el sol se proyecta en las escalinagión o la magia que a lo puramente artístico, se tas y forma, sobre los laterales, la figura de una serpiente, ha desarrollado a medida que el hombre fue en un asombroso juego de luces y sombras que genera la dominando y manejando diferentes materiales, sensación óptica de movimiento descendente de la serpiente. tales como la madera, la piedra o el metal.
Ciencia y tecnología:
las funciones que la tecnología y el diseño adquieren en la actualidad. La preocupación recae en el plano de lo significativo. Las prendas diseñadas configuran una proposición del tipo discursiva, invitan a una reflexión.
Biología y arte
Arte, ciencia y tecnología hoy... Siempre hubo y habrá una nueva tecnología útil para el arte, ya sea un nuevo soporte, o una nueva interfase, tanto para el artista como para el espectador. Incluso, algunas de las categorías artísticas más difundidas actualmente, como el net.art; el video-arte; etc., han surgido como consecuencia de la aparición de una nueva tecnología. La revolución informática fue -y sigue siendo- la que acarreó grandes cambios y multiplicó las modalidades en los formatos artísticos de los últimos años. Hoy, apenas saliendo de la era del video como nueva tecnología, la informática ha brindado un sinnúmero de nuevas herramientas y posibilidades a los artistas visuales y sonoros. Sin embargo, es indudable que estamos viviendo los albores de una nueva revolución: la genética. Esta, sin olvidar su inherente dimensión ética, nos ofrece la posibilidad de esculpir la propia naturaleza orgánica, creando obras “vivientes”, modeladas según nuestro propio deseo. Todo lo expresado usa la tecnología como medio, como herramienta. No obstante, en algunas ocasiones es la propia tecnología la que se convierte en objeto artístico. Sucede que la aparición de un nuevo medio suele ser tan relevante que el sólo hecho de mostrarlo implica el impacto de lo inédito, creyendo que así funciona como obra. Este fenómeno nos impele a re-preguntarnos por el hecho artístico en así, ya que esta etapa inaugural o de “descubrimiento” de un nuevo medio debe conllevar una carga de sentido y poeticidad para que exista una “obra de arte”, que luego puede (o no) adquirir relevancia y trascendencia
En muchas oportunidades, la práctica artística requiere del desarrollo e investigación científica para poder plasmar cierto tipo de obras, que -sin este apoyo- permanecerían sólo en la imaginación y fantasía de los artistas. Esos desarrollos pueden o no tener aplicaciones prácticas concretas y convertirse en una tecnología pasible de ser utilizada en forma más amplia. La ciencia en estos casos se ve beneficiada por la creatividad del arte, abriéndose nuevos caminos tal vez menos evidentes pero llevando la imaginación un paso más adelante. Resulta imposible enumerar todas las alternativas y variaciones de las diversas expresiones artísticas relacionadas con la ciencia y la tecnología. Incluso, una clasificación taxativa daría como resultado un cuerpo de información imperfecto y que entorpecería la inherente deslimitación en la que éstas prácticas se desarrollan. Por este motivo, a continuación, daremos sólo algunos ejemplos y comentaremos algunas obras.
La investigación y el arte Analizaremos un proyecto que propone, desde su origen, un trabajo conjunto entre el desarrollo científico y el arte. El proyecto I-Wear (Ropa Interactiva) tiene un doble objetivo, por un lado la investigación y por otro lado un objetivo artístico. Navegando en la difusa interfase entre la realidad y la ficción, Ropa Interactiva, propone encarar la investigación tecnológica sobre textiles, mecanismos y prendas desde una perspectiva artístico-creativa. Se utiliza el arte como marco para extralimitar
La naturaleza ha sido objeto de innumerables expresiones artísticas, pero en general, ha sido tomada como modelo, como “naturaleza muerta” plasmada en una escultura o lienzo. Hoy, la “naturaleza viva” puede ser parte de la obra misma, puede interaccionar con el medio, estar sujeta a conceptos científicos y hasta puede ser modelada por el público. Las producciones artísticas pueden estar basadas en elementos orgánicos que pueden involucrarse en la obra de diferentes modos. Pueden ser complementos tan solo estéticos, formar parte de un mensaje o bien ser parte de la obra como elemento fundamental constitutivo de la misma. El Proyecto Biosfera es una obra de contenido ambiental. La misión del proyecto es alertar sobre la fragilidad del planeta. La obra esta formada por un ecosistema natural herméticamente sellado en una esfera transparente y esta basada en el concepto de que el mundo esta en nuestras manos. Algunas biosferas se constituyen en esculturas vivientes expuestas en espacios públicos, y otras mas pequeñas se entregan a formadores de opinión para transmitir el concepto de que el mundo esta, verdaderamente, en sus manos. En otros casos, son objeto de estudios científicos sobre la evolución de las especies en su interior y del ecosistema en general.
“Tu percepción del diseño depende de tu cultura”