Introduccións A continuación nos adentraremos al tema de las artes decorativas, específicamente del arte de la orfebrería y el marfil. Conoceremos el arte desde sus principios, remontándonos a la prehistoria, siguiendo por las civilizaciones antiguas, el gótico hasta llegar al modernismo. Además, se presentan obras de cada una de las épocas antes mencionadas. Haremos énfasis en las técnicas utilizadas en las artes y como han evolucionado las técnicas primitivas hasta nuestros días.
OrfebreRíAs Es una manifestación artística encuadrada en artes decorativas. Consiste en el trabajo de metales preciosos para realizar objetos destinados al servicio de mesa, a la decoración o al servicio del culto. Este arte se practica desde las civilizaciones más antiguas. A partir del renacimiento la orfebrería italiana produjo auténticas obras maestras. El mayor orfebre del s. XVI fue Benvenuto Cellini. Un auténtico arte manual, sin lugar a dudas se trata de un arte y quien lo realiza es un auténtico artista ya que se trata de un trabajo manual en el cual el diseño fino y original son protagonistas de la pieza. Que consiste en labrar objetos o utensilios hechos en materiales como el oro, la plata, aleaciones y otros metales preciosos. A sido el arte más importante y antiguo en decoración de objetos. El arte de la orfebrería es uno de los más antiguos que ha desarrollado el ser humano y sigue siendo aún hoy uno de los más importantes a la hora de decorar objetos y elementos. Los primeros antecedentes se ubican en las postrimerías de la etapa neolítica y el material usado era el cobre, luego ganarían terreno el oro, la plata y el bronce; diademas, brazaletes, collares, anillos, aros, entre otros, eran los productos que adornaba la orfebrería de aquellos tiempos iniciáticos. La orfebrería se dio en varias épocas:
La prehistoria Los primeros hallazgos de orfebrería son sencillas piezas de cobre que datan del final del periodo neolítico seguidas muy pronto de las de oro, plata y bronce, al abrirse la edad que recibe el nombre de este último metal. Los objetos que se labraron con dichos materiales consistían en diademas lisas a modo de cinta, gruesos brazaletes y collares rígidos (o torques) de una pieza, terminada por bolas piriformes, otros collares formados por sartas de bolitas perforadas y, en fin, anillos y pendientes de forma circular sencilla. La ornamentación de tales preseas, cuando existe, es puramente geométrica y se limita a surquillos rectos y en zig-zag, dientes, circulillos, puntos hechos a martillo, etc. Se labraron también de cobre y de bronce agujas, cuchillos y armas diferentes en forma de flechas, espadas y hachas con alguna ornamentación geométrica en el puño y con un temple y corte bastante fino en la hoja.
Edad antigua Oriente Próximo Por las referencias de los primitivos historiadores, por los relatos de las inscripciones cuneiformes y por las escenas que los relieves antiguos de Asiria y Persia representan, sabemos que las obras de orfebrería y de broncería fueron muy abundantes y suntuosas en dichos imperios aunque no haya llegado hasta nosotros sino sencillos y escasos ejemplares de preciosos objetos abundando algo más los de bronce. Consta que usaban los reyes y magnates asirios y persas vajillas de oro y plata, dijes y adornos de inestimable precio, carruajes y aparejos de montura cuajados de oro y plata, sillas o tornos, mesas y lechos de preciosos metales o de bronce dorado, etc.
Egipto La orfebrería egipcia, datada desde la época predinástica, y empleó con profusión el oro en utensilios valiosos. También para recubrir o chapar otros de bronce, piedra o madera. Las vasijas de uso cotidiano en templos, palacios y casas de los nobles, eran normalmente de oro con relieves y grabados de figuras dispuestas alrededor de las mismas. En oro, bronce dorado y marfil(raramente en plata, muy escaso en Egipto) se labraron muchísimas estatuillas en honor a las divinidades y altos personajes. Asimismo fueron adornados de pedrería los tronos, muebles, brazaletes, collares, anillos, etc. Se revestían con planchas de oro o de electrum las puertas de los templos, los relieves de piedra y aun los zócalos y obeliscos más estimados. Se empleaba el bronce, como material ordinario en utensilios domésticos y en estatuas adornándolas a veces con incrustaciones de oro y plata.
Osiris, Isis y Horus: colgante que lleva el nombre del rey Osorkon II Técnica: oro, lapislázuli y vidrio Dimensiones: 17,59 x 6,6 cm
Prehelenico La civilización micénica se distinguió entre las prehelénicas por sus labores industriales, sobre todo, en orfebrería, a juzgar por los descubrimientos realizados en la antigua Troya y ciudades de su época. Los objetos más interesantes son las copas de oro y plata que llevan repujadas labores y las joyas de indumentaria halladas en Troya y en Micenas. Estas joyas consisten sobre todo, en collares y diademas de oro repujado de las cuales pende una serie de medallones o plaquitas por medio de cadenillas también de oro. Con ellas, forman juego varias otras alhajas de oro como anillos, fíbulas, grandes alfileres, brazaletes en forma de espiral, placas con figuras de animalillos y dibujos en espiral, máscara mortuorias para cubrir el rostro de los difuntos, puñales de bronce con hermosas incrustaciones de oro y plata, cuyos dibujos representan escenas de cacería, etc.
Máscara funeraria también conocido como “Máscara de Agamenón”. Oro, que se encuentra en la Tumba V en Micenas por Heinrich Schliemann (1876), XVI siglo antes de Cristo. Museo Arqueológico Nacional de Atenas.
Clásico La orfebrería alcanzó en Grecia un estado al nivel de las Bellas Artes primarias. A los procedimientos fabriles del repujado, cincelado y filigranado ya conocidos en las civilizaciones precedentes, se añadió por los artistas griegos el granulado, sembrando de perlitas de oro la superficie de la pieza por un procedimiento desconocido. Pero mucho antes que los griegos ya lo practicaban los egipcios pues se han encontrado en joyas de la dinastía XII (unos veinte siglos a.C.) En sepulcros de Grecia se han encontrado plaquitas de oro o de plata con figuras repujadas que debieron ser ornamentos de vestido. Se agregan a dichas obras de orfebrería griega los numerosos bronces de igual estilo (desde el siglo VIII a. C.) coleccionadas por los museos principales ya sean estatuas, amuletos, placas de adorno con figuras repujadas, ya espejos bruñidos y con grabados en el reverso, ya fíbulas, etc.
Athena tazón de plata del tesoro de Hildesheim; 1r siglo AC Pátera de Minerva. Esta obra y la crátera de 30 libras romanas (ambas repujadas y cinceladas) forman parte del tesoro de Hildesheim, junto con otras 60 piezas igualmente de plata, fruto quizá de un botín.
Edad media Paleocristiano Pobre debió ser esta orfebrería en la época de las Catacumbas dada la situación precaria de los fieles. No obstante, se conservan de aquellos siglos y de los inmediatamente siguientes a la paz de Constantino multitud de anillos con piedras finas que llevan grabados símbolos cristianos, varias medallas devotas y los vasos de vidrio dorado que debieron servir para el altar y para la celebración de los ágapes.
Germánico Se trabajaba sobre todo con oro pero también con plata, esmeralda y otros metales a los que le daban forma y realizaban obras de arte. Estas las usaban para: decorar la cubierta de los libros, los relicarios y los frontales del altar; adornaban los relieves con piedras preciosas, esmaltes y marfil además de distintos tipos de esmeraldas.
Bizantino Puede afirmarse que desde el apogeo del arte bizantino en tiempo de Justiniano I (527-565) hasta el siglo XI, toda la orfebrería cristiana de Occidente fue bizantina propia o de imitación y que incluso durante los siglos de arte románico (del XI al XIII) tuvo el bizantinismo decidida influencia en las obras artísticas de metal que en tal época se realizaron como lo demuestran las que todavía existen y que se guardan en algunos museos y en los llamados tesoros de algunas iglesias.
Anillo de oro carolingio.
Islámico La musulmana se distingue por su ornamentación especial de hojarasca y lacerías, finísimas filigranas y labores de hermoso damasquinado por las inscripciones en caracteres árabes que suelen ostentar tales objetos. Produjo este arte con preferencia cofrecillos o arquetas, joyas (brazaletes, collares y zarcillos), guarniciones y empuñaduras de armas y lámparas enormes. Las piezas más antiguas que del mismo se conservan en España son las arquetas de madera chapeadas de plata repujada y con esmaltes e inscripciones, siendo la cubierta de estos cofrecillos a modo de tumba, que les da el nombre de arquetas tumbadas aunque hay algunas deforma oval o cilíndrica.
Recipiente de marfil tallado.
Perfumero.
Románico
El cáliz de doña Urraca, en la basílica de San Isidoro, León.
La orfebrería cristiana de los siglos XI, XII y parte del XIII correspondiente a la época románica de las demás artes del dibujo se caracteriza por la preferencia que da al bronce dorado y esmaltado cuando se trata de obras en gran tamaño, por la reducción o menos abundante uso de la pedrería, sustituyéndola parcialmente por el esmalte, por el frecuente uso de la cinceladura e imaginería de relieve en casi todas las obras y por la riqueza o profusión de labores con que trata de embellecerlas. Se conservan de dicha época ricas tapas de libros litúrgicos, varios cálices, crucifijos y algunas otras imágenes, lampadarios y coronas luminosas, frontales de altar y, sobre todo, cofrecillos y arquetas-relicarios que suelen tener la forma de una casita con cubierta o techumbre a dos vertientes y con arcaturas en los frentes, en cuyos nichos se destacan relieves de imágenes.
Gótico La orfebrería gótica, ya entrado el siglo XII hasta los comienzos del XVI, se desarrollan la orfebrería y broncería góticas que se distinguen de las románicas procedentes en la mayor perfección de las figuras cinceladas, en los adornos y arcaturas de estilo gótico y especialmente en la forma decapillas góticas terminadas en crestería cuando se trata de arquetas-relicarios. Desde mediados del siglo XV se recargan excesivamente de minuciosos detalles decorativos todos los objetos.
orativas europeas. Entonces se desarrollaron unos movimientos que pretendían recuperar las técnicas artesanales tradicionales, tomando como ejemplo el mundo de la Edad Media. Una de las causas fue el auge de la industria que amenazaba con la desaparición de los oficios tradicionales. Entre los nuevos estilos que se desarrollaron a finales del XIX destacan los llamados historicismos, es decir, la vuelta a los estilos de épocas pasadas, neorrenacimiento, neomudéjar o neobarroco. El estilo más novedoso en el cambio de siglo fue el modernismo, que valoró fundamentalmente el diseño integral y la introducción de la artesanía. El primer tercio del siglo XX fue un periodo importante en la historia de las artes decorativas españolas, pues se desarrolló el regionalismo y el renacimiento de las tradiciones culturales, que estuvo muy ligado a la Institución Libre de Enseñanza, a las ideas de la Generación del 98, y a la creación de las escuelas de artes y oficios, escuelas del trabajo y las escuelas de cerámica. La orfebrería es el arte de trabajar sobre metales preciosos para hacer objetos o joyería a partir de estos, los materiales que se usan para hacer orfebrería son la plata y el oro y la mezcla de estos dos. También conocida como arte y técnica de hacer objetos artísticos”una de las manifestaciones más destacadas del arte de los visigodos es la orfebrería”
Técnicas de fabricación Las técnicas empleadas en el trabajo del oro fueron muy sencillas al inicio. El martillado en frío proporcionaba láminas e hilos que podían adoptar formas diferentes. Posteriormente, pero aún en una época temprana, se utilizaron el calentado y la fusión. Los avances técnicos supusieron una diversificación de las formas.
Fusión del material bruto:
• Obtenido el metal, se prepara en bruto fundiéndolo en un crisol a 1.063 °C para eliminar impurezas, posteriormente se vierte en un recipiente y se deja fundir.
Martillado y batido:
• Separado el metal del recipiente, se realiza el batido y/o martillado, para el batido se necesita interponer un material flexible (cuero, tela,…) entre el metal y la herramienta para obtener láminas finas y evitar huellas o roturas. El martillado supone golpear directamente el metal para darle forma de lámina, lingote.
Cortado y acabado:
• El cortado se realiza a través del simple doblado, marcando la línea de corte con una incisión. El acabado generalmente se practica por la cara externa o visible de la pieza y consiste en una limpieza o pulido por fricción o abrasión, valiéndose por ejemplo de arena.
Técnicas decorativas •
Remetido y embutido:
El repujado se fundamenta en la realización de motivos con un cincel de punta roma para evitar que se corte la lámina, o bien con punzones que permitan curvar el metal sobre sí mismo y definir grietas profundas desde el reverso, para que salgan en el anverso. Si la pieza se trabaja por el anverso sobre un cuerpo ya en relieve, se trata de un «embutido», técnica que requiere trabajar sobre un soporte blando aunque consistente para que la lámina se mantenga fija.
Puntillado:
• Esta técnica decorativa se realiza con un cincel desde el reverso de la pieza, obteniendo motivos a base de puntos en relieve por el anverso. • Decoración incisa: Se consigue mediante la incisión con un buril sobre la pieza y bajo un soporte firme que sujete el objeto.
Estampado:
• Consiste en presionar a golpe de martillo con un punzón metálico sobre el reverso de una lámina; en el extremo del punzón se halla el dibujo que se quiere reproducir en relieve. Cuando el punzón deja su marca sólo por una cara del metal se llama «estampación por impresión», mientras que cuando deja un relieve por una cara y un hueco por otra se denomina “estampación repujada”.
Filigrana:
• Es un esquema decorativo diseñado mediante hilos que se sueldan a una lámina de base. Para fabricar los hilos hay dos métodos: en un caso, se parte de una lámina cortada en tiras estrechas que se enrollan sobre sí mismas sujetándolas por un extremo, lo que les deja marcas helicoidales de retorcimiento; y en el otro, se realiza un fundido previo en molde para obtener la forma de hilo y después se martillea hasta obtener la sección deseada. Se llama «filigrana sentada» cuando los hilos se sueldan sobre una base, y «filigrana al aire o calada» cuando los hilos se unen entre sí, sin base.
Granulado:
• Se basa en el mismo principio, y en él los hilos se sustituyen por pequeñas esferas de oro. Consiste en soldar pequeños gránulos o esferitas de oro a una superficie formando diversos motivos. Generalmente «filigrana» y «granulado» se combinan entre sí, y a veces también con otras técnicas, alcanzando una gran complejidad compositiva.
“Copa de los monos” La llamada Copa de los Monos es un lujoso vaso esmaltado con numerosas figuras de simios, que se conserva en The Cloisters, una de las secciones del Metropolitan Museum de Nueva York. Su llegada a esta colección neoyorquina es bastante azarosa. Fabricada con toda seguridad en la corte borgoñona de Felipe el Bueno, hacia 1425, pasó a Florencia, a manos de Piero de Medici hacia 1464.
Usos en la religión y la política En la actualidad, son los ámbitos de la religión y la política los que más demandan los servicios de la orfebrería. En el caso religioso se demandan artículos que luego se usarán para ambientar iglesias (faroles, candelabros, cruces), para adornar las imágenes o figuras de santos y también algunos ya emblemáticos como son las copas donde se contiene el cáliz y las hostias, casi siempre se encuentran finamente labradas por el trabajo de un orfebre. Y en el caso de la política, aquellos elementos que se emplean a instancias de la asunción de un mando, tal es el caso del bastón presidencial, y asimismo otros tantos objetos que los presidentes obsequian a visitantes de otros países se encuentran realizados por notables y tradicionales orfebres. Es común que cuando un mandatario viaja a visitar una nación amiga, o cuando otro colega viene a su país, intercambien objetos autóctonos, y entonces muchas veces, los mismos se encuentran hechos por orfebres.
JUEGO 6 CUCHARAS BAÑO DE PLATA MARCAS ORFEBRE KK.8 60 SIGLO XIX GRAN TRABAJO ORFEBRERÍA
Orfebrería Andaluza concluye el nuevo juego de coronas para la Virgen de Valvanera. Las piezas están realizadas en plata de ley y bañadas en oro, enriquecidas con piedras preciosas. Siguen diseño barroco, de mayor tamaño a las previas, estando realizadas sobre cuerpo hexagonal, seis imperiales y rematadas con bola del mundo realizadas en marfil y representación de la Cruz.
Cáliz de plata del siglo xlx Marcas de contrastes y punzones de autor. Con una preciosa decoración repujada a base de pámpanas, rosetas y roleos desde el pie hasta la mitad de la tulipa. Presenta un precioso agarre muy desarrollado y la base en forma polilobulada con esmaltes incrustados que representan los símbolos de la pasión y un calvario. Tiene sellos de la cabecita de minerva y marcas de contraste de autoría. MEDIDAS: 26 cm
Modernismo La Metalistería alcanzó un nuevo esplendor, dentro de los estilos historicistas que buscaron en el pasado la inspiración para sus obras, así como inspiraciones eclécticas habituales en esta disciplina artística. En ella destaca Plácido Zuloaga, un orfebre que llegó a ser el artista español más premiado de su época (llegó a ganar 36 medallas de oro con sus piezas y recibió las máximas condecoraciones de seis países). Plácido creó obras como el altar de San Ignacio en el Santuario de Loyola, aplicando una nueva técnica de inserción de metales que denominaron damasquinado en sus armas y objetos artísticos. Con la aparición del modernismo el arte la forja se desarrolló de manera espectacular en Cataluña. Los arquitectos aplican nuevos diseños de rejas en sus edificios, sobre todo Gaudí.
El arte de la joyería a finales del s. XIX se caracteriza por la inspiración en modelos antiguos, caso de los encargos que hizo la Casa Real a los talleres madrileños de Marzo y la creación de nuevos modelos con abundancia de perlas y brillantes Con la aparición del modernismo, la fuente de inspiración es Oriente y la naturaleza, destacando en Barcelona Luís Masriera i Roses que se caracterizó por la aplicación de esmaltes translúcidos. También hay que remarcar el importante papel que dentro de la orfebrería modernista jugó el polifacético artista Paco Durrio, que realizó joyas en plata y oro en las que se advierten influencias del simbolismo. A principios del s. XX el modernismo comienza a ser interpretado en Cataluña de forma singular, dando lugar al noucentisme, que desde los postulados modernistas trataba de reencontrarse con la tradición catalana; a él pertenecieron ceramistas como Xavier Nogués y Josep Aragay.
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Capilla “Nuestra señora de los Ángeles”, única obra de Gaudí fuera de España.
Plácido Zuloaga Tiende a imitar el estilo romántico. Figuras geométricas. Uso de la línea curva y la asimetría Tendencia a la estilización de los motivos, siendo menos frecuente su representación estrictamente realista. Libertad en el uso de motivos de tipo exótico, sean éstos de pura fantasía o con inspiración en distintas culturas, como por ejemplo El uso de estampas japonesas.
Espejo de Claude Espejos utilizados en el siglo XlX con características propias de la época. Es un pequeño espejo ligeramente cóncavo que tiene su superficie tintada. Estos espejos, guardados en pequeñas cajas o en pequeños estuches plegados, eran usados por artistas, pintores de paisajes, viajeros y aficionados al paisajismo. Su curvatura producía el efecto de abstraer la porción del paisaje que interesaba ver de todo lo que le rodeaba, reduciendo la escala de la vista, y el tinte (que generalmente era sepia o marrón) simplificaba el color y el rango tonal de la escena para darle una cualidad más pictórica.
MaRfils El Arte Oriental ha ejercido una fascinación sobre Occidente desde hace varios siglos atrás, convirtiéndose en símbolo de lujo y exotismo, debido a su riqueza técnica, simbólica y material. China, debido a su antigüedad y fortaleza cultural, tuvo una innegable influencia sobre algunas zonas contiguas como Japón y Corea, lugares en que se asentó el universo simbólico chino el cual fue releído a la luz de las particularidades de cada uno de estos pueblos. De este modo, el arte japonés, comenzó su desarrollo en base a la readaptación y resignificación de modelos y estéticas provenientes de su vecino continental. Entre los múltiples soportes utilizados, el marfil ocupó un lugar fundamental, posibilitando la realización de diversos objetos en los que se pone de manifiesto el alto dominio técnico alcanzado por los artífices nipones, tal como se aprecia en cajas, pipas, esculturas, etc. Algunas de las piezas más interesantes son los inrô que corresponden a pequeños contenedores hechos para portar medicinas y monedas. Junto con estos, destacan los ojime, pequeñas cuentas deslizantes que se utilizaban para suspender inrô, petacas y bolsos de dinero prendidos al cinturón. Así también, los netsuke son pequeños objetos tallados, generalmente sobre marfil, los cuales eran usados como tensores para kimonos japoneses o bolsas. El museo de Artes Decorativas atesora el único conjunto de inrô, ojime y netsuke existente en la red de colecciones públicas DIBAM, el cual se exhibe de manera permanente en la sala introductoria del MAD, te invitamos a conocer un poco más de estos objetos en el artículo que aquí presentamos. Dos exposiciones que evidencian el arte y el preciosismo en la talla sobre el marfil se exhiben en el Museo Nacional de Artes Decorativas de La Habana.
El uso de este material en salas, muebles y templos es antiquísimo y diversos pueblos lo utilizaron, entre ellos los griegos, los hebreos y los egipcios. Varios pueden ser los ejemplos de su empleo en la historia del arte decorativo: en Jerusalén el trono de Salomón, en Grecia la mítica estatua de Atenea o en Constantinopla las puertas del templo de Santa Sofía, por solo citar los más eximios. Es innegable que para los pueblos asiáticos y europeos constituyó un material esencial en la elaboración de sus piezas; “Marfiles chinos”, una de las exposiciones que se exhibe en el Museo Nacional de Artes Decorativas, permite adentrarnos en la historia de ese arte en el gigante asiático. La muestra despliega dos núcleos temáticos fundamentales: uno que reúne las piezas como objetos decorativos y de uso cotidiano, y otro en el cual se aprecian la influencia de las corrientes religiosas, principalmente la procedente del budismo hindú. Como resultado de este arraigo espiritual se muestran, entre otras, esculturas que representan a la diosa de la Misericordia Kuan Yin a quien se le atribuyen innumerables poderes. Todas las piezas poseen un delicado trazado y un minucioso trabajo en los detalles del vestuario así como intrincadas filigranas. Ejemplo de los máximos exponentes de la talla del marfil en China fueron las escuelas de Pekín, que enfatizaban en el pulido del material y el uso de pigmentos para resaltar texturas
Museo de artes modernas de la Habana
Inro Algunas de las piezas mĂĄs interesantes son los inrĂ´ que corresponden a pequeĂąos contenedores hechos para portar medicinas y monedas.
Ojime Pequeñas cuentas deslizantes que se utilizaban para suspender inrô, petacas y bolsos de dinero prendidos al cinturón.
Conclusións Las artes decorativas han sido una parte muy importante en la historia de la humanidad, pues las habilidades y destrezas evolucionan haciendo al observador más exigente, por lo tanto siempre hay nuevas técnicas y nuevas tendencias artísticas. Los movimientos a través de la historia marcan periodos de tiempo determinados que afectan a más de una generación, la cultura se transforma y con ella las tendencias artísticas y sociales; como el cine, la arquitectura, la ilustración y por lo tanto las artes decorativas. Los artistas han evolucionado desde el arte figurativo hasta el arte totalmente abstracto, en donde los sentimientos afloran subjetivamente.
E-grafĂa http://www.modernismo98y14.com/letras-y-artes/artes-decorativas.html https://es.wikipedia.org/wiki/Espejo_de_ Claude https://es.wikipedia.org/wiki/Historia_de_ la_orfebrer%C3%ADa http://www.ecured.cu/Orfebrer%C3%ADa https://www.pinterest.com/ pin/420101471467110715/ https://www.pinterest.com/ pin/171559067030512676/