Neo2 #145

nº145

Canarias: 4,20€ / P: 5€ / FR: 6,50€ / IT: 4,90€ / UK: 5,99£

Marzo-Abril 2016

n www.neo2.es Marzo-Abril 2016 / 4€

creative culture

número 145

Llamémoslo amor.

Audi A1 desde 14.000 €* Sientes ese cosquilleo en el estómago. Ese irresistible deseo de tocarlo, de hacerlo tuyo. De controlar la potencia de sus eficientes motores. De disfrutar de su avanzada tecnología. De dejarte llevar por su seductor estilo.

Un impulso irrefrenable. Una sensación única e indescriptible que despierta tus emociones más inconfesables. www.audi.es/a1

Red de Concesionarios Oficiales Audi.

/audispain

Audi A1 de 90 a 192 CV (66-141 kW). Emisión CO₂ (g/km): de 94 a 134. Consumo medio (l/100 km): de 3,6 a 5,8. *PVP recomendado en Península y Baleares de 14.000 € para un Audi A1 Attraction 1.0 TFSI 95 CV (70 kW). (IVA, transporte, impuesto de matriculación, descuento de Marca, descuento mínimo del Concesionario Oficial adherido voluntariamente a esta promoción y bonificación de Volkswagen Finance incluidos), para clientes particulares, empresas y autónomos que financien un crédito mínimo de 13.500 € con una permanencia mínima de la financiación de 48 meses a través de Audi Financial Services (según condiciones contractuales). Modelo visualizado Audi A1 Adrenalin 1.0 TFSI ultra 5 vel, con equipamiento opcional. Oferta válida hasta el 30/05/2016.

Contacte con su Concesionario Oficinal Audi para que le informe de las condiciones específicas de la presente promoción así como de cualquier otra adicional que éste le pueda ofrecer. Audi Financial Services es una marca comercializada por VOLKSWAGEN FINANCE S.A. EFC. Información Audi: 902 45 45 75.

46373 NEO2 215x275 A1 NATA.indd 1

22/2/16 11:54

WWW.NEO2.ES Tel: 915 229 096

STAFF

Fotógrafo: JOSÉ MORRAJA Estilista: JAVIER DE JUANAS Maquillaje & Peluquería: LOLITA con productos Graftobian y Schwarzkopf Asistente Fotógrafo: ALEJANDRO ROD Postproducción Digital: LA RETOCADORA Asistente Estilista: CARMEN BENA

EDITA: IPSUM

PLANET RAMÓN FANO + JAVIER ABIO + RUBÉN MANRIQUE DIRECCIÓN DE ARTE: IPSUM PLANET REDACCIÓN: IPSUM PLANET DIRECCIÓN:

DEPARTAMENTO PUBLICIDAD Y MARKETING:

MARGARITA SÁNCHEZ <marga@neo2.es> + ELENA CIMARRO <elena@neo2.es> coordinación:

TERE VAQUERIZO ESTER RODRÍGUEZ + HELENA G. PIERA asistente diseño gráfico: ÁLVARO PEREÑA equipo moda: JAVIER DE JUANAS (Madrid) + RAMÓN ROS (Barcelona) equipo redacción: MANU ROMERO + ROBERTO JUANES + BEATRIZ LÓPEZ MIGUEL distribución y subscripción: VIRGINIA MEDINA 915 229 096 <subscribe@neo2.es> traducción inglés tablets: JESSICA JACOBSEN diseño gráfico:

CONTENIDOS

Arquitectura: <javier@neo2.es> Arte: <ruben@neo2.es> Cine: <tere@neo2.es> Cosmética: <ramon@neo2.es> Diseño: <javier@neo2.es> Gastronomía: <tere@neo2.es> Moda: <ramon@neo2.es> Música: <tere@neo2.es> Tecnología: <tere@neo2.es> BANDA SONORA

Modelos: MARÇAL TABERNER @ Uno Models + BRUNNA RIBEIRO @ Deva Models Ambos Total Look HILFIGER DENIM <es.tommy.com>

Pilooski: Bambou -Pilooski Reprise- (Le meilleur d’Alain Chamfort Versions revisitées) > Catz’n Dogz, Phat Kat: Killing with Kindness (Basic Colour Theory) > Letherette: Rayon (Rayon) > Animal Collective: Natural Selection (Painting With) > Higher Authorities: Colour (Neptune) > León Benavente: Tipo D (2) > Grises: Avestruz (Erlo) > WAS: Upside Down (Gau Ama) > Meilyr Jones: Don Juan (2013) > Wild Nothing: Life of Pause (Life of Pause) > Sunflower Bean: Human Ceremony (Human Ceremony) > Anna Meredith: Taken (Varmints) > Chorusgirl: This Town Kills (Chorusgirl) TOP 5 VIDEO by C. Pedrosa

Odesza, “It’s only (feat. Zyra)” (Dan Brown) > Triángulo de Amor Bizarro, “Baila Sumeria” (Jordi Cussó) > The Dead Weather, “Impossible Winner” (Sophie Muller y Ross McDowell) > Pekko, “Hunger” (Anton Tammi) > Run The Jewels feat. Lil Bub, Maceo, Delonte, “Meowpurrdy” (Cyriak)

Neo2 no tiene por qué pensar lo mismo que sus colaboradores, así que no se responsabiliza de sus opiniones. Está terminantemente prohibido reproducir el material que aparece en Neo2 sin autorización expresa de Ipsum Planet.

Imprime: MONTERREINA Depósito Legal: M- 31555-1995

ISSN: 1138-5626

Icono palmera seleccionado de la web Noun Project y diseñado Michael Gottscheck

REPA

SO MODA Chromosome Residence 6 A. Guery 8 Marie-Sophie Beinke 18 Isometric 20 44 22 Game Changers 28 Powerflex 31 Cabezas de cartel 33 Viva Detroit 35 Misceláneos 40 Juun J. 44 Feriantes 52 De Hollywood a Instagram 88 Editorial: Thirty Pages 108 ARTE Felipe Pantone 10 Bentu 26 Silvia B. 32 Das Institut 34 Project Spaces 96 MÚSICA Meilyr Jones 4 Cala Vento 14 Låpsley 16 Basia Bulat 24 Soledad Vélez 36 Extraperlo 38 Animal Collective 42 Aldo Comas 62 Fangoria by Fangoria 84

HOUSING Lines & Dots 12 Strap Watch 21 Nuevos Tiempos 30 Bolon By You 39 Esplendor Geométrico 78 VARIOS Cosmética: El Día del Hijo 48 Cosmética: 1000 MUAHS 56 People: (Re) Generación 68 Cine: Berto Romero 104 Gastronomía: Diccionario Gourmet 138 Opinión 142

texto: SERGIO DEL AMO foto: © MOSHI MOSHI

Meilyr Jones

4

Después de pasar unas semanas en Roma, el que fue líder de Race Horses, decidió embarcarse en un álbum debut titulado ‘2013’, en el que priman las grandes orquestaciones y el pop sobrado de clase.

Roma: “En 2013 fue la primera vez que visité la ciudad y que, además, viajaba solo siguiendo mi propio instinto. Siempre había estado interesado en la literatura, la pintura y las artes de Roma, y lo que me encontré ahí fue maravilloso. Porque no tenía dinero suficiente, pero si no imagino que hubiera aplazado mi vuelta a Londres. Al final me quedé como un mes y medio disfrutando de sus calles y sus gentes, a pesar de que cuando llegué no podía decir ni una sola palabra en italiano. Me fue muy útil para poder evadirme. Fueron algo así como unas vacaciones, sí, pero en todo momento me dejé llevar por aquello que quería ver y descubrir con mis propios ojos”. Orquesta: “Es una de las cosas más difíciles que he hecho en mi vida. Desde un principio tenía muy claro en mi cabeza cómo quería que sonasen estas canciones y, por mucho que no dispusiera de un presupuesto muy alto, quise armar una orquesta de treinta músicos. Cuando volví de Roma durante

meses estuve hablando con amigos, amigos de amigos y también yendo a muchos conciertos de música clásica para poder dar con todos esos músicos que al final me han acompañado en mi aventura. Ha sido de alguna manera como una banda de actitud punk porque, aunque no todos se dedican profesionalmente a esto, cada uno ha aportado lo que mejor sabe tocar. Gracias a esto he podido conocer a gente increíble que, a pesar de que no puedan acompañarme sobre el escenario en los conciertos, siempre guardaré en mi corazón”. Atemporalidad: “La verdad es que no quería seguir ninguna moda ni tendencia para este disco. Simplemente nos juntábamos todos en el estudio y tocábamos a la vez para ver qué salía de la forma más natural posible.

La clave ha sido no pensar demasiado, dejarse llevar libremente por lo que pedían las canciones. Más que dejarlo todo en manos de la post-producción, he preferido grabar estos temas de una forma muy artesanal”.

Humor: “El sentido del humor es algo muy importante. A mí, al menos, me permite hablar de temas que de otra manera quizás no me atrevería a hacerlo. Cuando uno se siente frustrado el humor es un buen aliado para superarlo, es una de las mejores herramientas de las que disponemos. Con una sonrisa se pueden conseguir muchas cosas, más de lo que algunos imaginan”.

“2013” está editado por Moshi Moshi y distribuido por [PIAS] Iberia & Latin America.

LCI

Barcelona

ESTUDIOS SUPERIORES OFICIALES EN DISEÑO TÍTULOS SUPERIORES OFICIALES + MÁSTERS OFICIALES MÁSTERS Y POSTGRADOS FORMACIÓN CONTINUA SUMMER SCHOOL

ESCUEL A SUPERIOR OFICIAL DE DISEÑO DISEÑO DE MODA www.lcibarcelona.com 93 237 27 40

NEO2.indd 2

DISEÑO DE PRODUCTO

DISEÑO DE INTERIORES

DISEÑO GR ÁFICO

Centre Autoritzat pel Departament d’Ensenyament de la Generalitat de Catalunya

02/02/2016 11:20:41

NEO

texto: MONGÓMERI fotos: NAPOLAFAR

Chromosome Residence

6

“Somos todo el rato uno como en el sexo”.

Son Rafa Bodgar y Esperanza Berrocal, creadores de una marca de moda única, conceptual y ambiciosa.

Marca: “La idea nace en 2014 con la inquietud de crear un concepto que nadie hubiera hecho, aportando a la industria diseños únicos, que te generen preguntas, atracción permanente, como si de una pieza fetiche

se tratara. Necesitábamos un nombre con un logo sencillo, recordable. La definición de lo que era un cromosoma daba en la clave y ofrecía respuestas al ‘porqué’ de todas las ideas que teníamos desde el principio. Y

‘Residence’ es el secreto que nos guardamos para dentro de unos años”. Target: “Un público de cualquier edad, con inquietudes, imaginación y sueños, ya sean posibles o imposibles”. Vejez: “No pretendemos ofender a nadie con nuestra imagen, ‘personas mayores’. Simplemente queremos trasladar la imagen de la gente joven en la actualidad a cómo podría ser dentro de 30 años”. Fotografía: “Nos gusta hacer fotos que verdaderamente transmitan la imagen de nuestra marca… algo no muy fácil”.

Pasarelas: “No dejan de ser algo increíblemente absurdo lleno de las inseguridades de los diseñadores hacia sus propios diseños, y del poco estilo de sus seguidores que necesitan ver a una modelo para comprender cómo luce la ropa falsamente. Es muy fácil tirarle a Kate Moss a la cara una mierda y crear un accesorio increíble”. Ego: “¿Ego? ¿El que tienen cada uno de los diseñadores que se presenta a esta pasarela sin saber que realmente es una plataforma del grupo Inditex para buscar nuevas ideas y diseñadores para su plantilla?”. Arte: “Intentamos en todo momento defender el concepto de moda como arte de verdad y no como una moda pasajera, cosa que la mayor parte de la gente que consume y vive en la industria no comprende o no sabe discernir con verdadera claridad”. Precios: “Los pantalones son mil euros… pero si en algún momento conocemos, ya sea de forma física o virtual, a alguien que nos gusta en todos los sentidos y le gusta lo que hacemos, el precio baja a lo que le apetezca darnos por la pieza”.

Producción: “Realmente el problema en nuestra marca no se encuentra en producir en España o fuera, sino en la dificultad que tienen algunos de nuestros diseños a la hora de presentarse, y que lo puedan hacer. Lo difícil es hacer posible todo, desde la búsqueda a la realización de cada ficha técnica”. Piezas: “Presentamos cada pieza por su nombre (GloryHolesleeves, Flufflyhump…). Es nuestra particular visión de la casita de muñecas de toda la vida… residencia de prendas”. Dogmas: “Patronaje, confección y materiales no tienen por qué ir de la mano. Pueden salir cosas maravillosas cargándote a cualquiera de los anteriores”.

3 Deseos: “Que desaparecieran los bloggers, Instagram y las escuelas de moda”. <chromosomeresidence.com>

mustang.es

NEO

A.Guery

texto: AGUSTÍN VELASCO

Tras Christian Dior, Balenciaga, Cacharel, París, Londres y Nueva York, la joven diseñadora francesa, Anaïs Guery, vuelve a París para crear su propia firma en 2014: Costura tradicional del siglo 21.

8

Orígenes: “Mi primer acercamiento a la moda fue a través de la historia del arte y los textiles antiguos. En mi familia coser era toda una tradición y me sentí muy atraída por la idea de dominar tanto la técnica como la parte creativa. De joven solía pasar mucho tiempo consultando libros en las bibliotecas públicas para reunir ideas de detalles, formas, tejidos, colores. Recuerdo el placer del proceso de inspiración.

Cuando estudiaba, solía experimentar mucho manipulando el tejido y el patronaje, que siempre ha sido mi pasión. No ‘decidí’ convertirme en diseñadora, fue algo que simplemente ocurrió de forma natural”.

Lecciones: “Cuando trabajé en Dior, Balenciaga y Cacharel aprendí lo que podríamos llamar una obsesión por la innovación y la inspiración, una búsqueda continua de algo que se comunique con tu sentimiento más profundo de belleza. Es algo muy personal, sin embargo, aprendes a hacerlo rodeado de un montón de gente en esa atmósfera zumbante tan típica del estudio de una firma de moda importante. También aprendí sobre manipulación de tejidos y la importancia de los detalles infinitesimales, como el peso de dos sedas que jurarías que son la misma, pero que no lo son”. Identidad: “Para mí era importante lanzar mi marca en el mismo escenario de las Maisons que me formaron. Me sentí tan francesa en Nueva York y Londres, que me hizo reflexionar sobre ese sentimiento. El estilo,

y yo diría que la feminidad, son singulares en Francia. Son a la vez algo muy natural y sofisticado, algo que yo realmente aprecio ahora, y que eché de menos en Nueva York y Londres”. Inspiración: “La mayoría de las veces me inspiro en todo menos en moda.

El tacto de una pared, la transparencia de una cortina a cierta hora de la tarde... Son impresiones y sentimientos. En cuanto a cortes y siluetas respeto una línea roja que siempre sigo, el crear colecciones como si fueran la continuación de lo que comenzó hace años y años en mi cabeza, cambiando ligeramente de una colección a otra. Es una mezcla constante entre las formas que me han fascinado desde el principio de mi ca-

rrera y mi actual gusto en cuanto a textiles y texturas”. Originalidad: “Algo esencial para un diseñador es cómo decides entretejer la parte de los códigos reconocibles y los totalmente originales que empleas. Para mí esto es una parte muy emocionante del trabajo: una gran cantidad de formas ya existen y significan algo para la gente. Códigos que mueven algo en cada persona y los llevan a espacios comunes. Es entonces cuando los tejidos, las proporciones y los detalles tienen que aportar algo completamente singular”. <www.aguery.com>

| www.tailsntalesofsea.com |

NEO

Felipe Pantone

texto: SOFÍA DOS SANTOS

10

La obra de Felipe Pantone (Buenos Aires, 1986) nos sumerge en un mundo de color y geometría donde el movimiento es también fundamental.

Felipe empezó a pintar en 1998, casi recién llegado a Valencia, donde reside desde entonces. Pronto adoptó el tag “pantone” para firmar sus obras. Esa guía de colores que sigue siendo indispensable para cualquier diseñador del mundo fue la que completó su nombre artístico.

Mucho ha llovido desde aquel primer graffiti que realizó con solo 12 años, porque su peculiar y reconocible trabajo ha ido evolucionando de forma meteórica y ya no son solo las calles el principal lienzo de este argentino, sino también las galerías de arte de muchas ciudades del mundo. Su obra, que ya no se centra solo en el graffiti y que incluye instalaciones y arte cinético, ha pasado ya por muchas de ellas: Taipei, Milán, Hong Kong, Melbourne o Tokio, por citar solo unas cuantas. A principios de este año se ha estrenado en su primera individual en Estados Unidos, en la galería Mirus de San Francisco, donde ha presentado “W3-Dimensional”, exposición a la que pertenecen estas imágenes. En ellas es patente la evolución de su trabajo,

donde la abstracción y el op art son ahora protagonistas, y donde la instalación y la escultura tienen cada vez más un papel predominante, lo que aporta a su obra mucho más dinamismo. También es habitual en su trabajo el uso de técnicas mixtas y esa peculiar mezcla de colores brillantes y degradados sobre gráficos en blanco y negro. No es tampoco raro que su trabajo se asocie incluso con el futurismo, aquella vanguardia de primeros del siglo 20 que tenía en la velocidad, la tecnología y el movimiento algunos de sus pilares. De hecho, en la obra de Pantone, podemos ver esa preocupación por el mundo digital y tecnológico en el que estamos inmersos, y es a través de esa preocupación con la que va construyendo un peculiar universo visual al que, estamos seguros, todavía le queda mucho por decir. <www.felipepantone.com>

PURE CYCLING

REDISCOVER YOUR CITY SU ESTILO MARCA LA DIFERENCIA. PARA VER LA CIUDAD CON UNA NUEVA PERSPECTIVA Y LLEGAR A CUALQUIER SITIO Fﾃ，ILMENTE, ESCOGE LA GAMA CANYON URBAN. CANYON.COM

urban_ny2_neo2_ES_215_275.indd 1

18.02.16 16:17

NEO

texto: JAVIER ABIO

Lines & Dots Home Adventures es una nueva marca de mobiliaro creada por el estudio GoulaFiguera y Lines & Dots es el primer producto con el que la estrenan.

12

Pablo Figuera (Madrid, 1988) y Álvaro Goula (Barcelona, 1989) fundaron en Barcelona el estudio GoulaFiguera hace ya casi cuatro años, muy pronto consiguieron uno de sus grandes hits que fue el diseño de la lámpara Folio y que actualmente la producen Estiluz y Boo in Barcelona. Una pieza con la que consiguieron un buen puñado de premios. Álvaro y Pablo se conocieron en la escuela Elisava y desde sus primeros trabajos tuvieron una obsesión que fue la búsqueda de la belleza en sus diseños. Ellos mismos destapan su intenciones aparentemente modestas: “Nunca hemos pretendido cambiar el mundo a través del diseño industrial, si no hacerlo, quizá, un poco más hermoso, más fácil de habitar”.

El espacio que les dedicamos en este número se debe a dos motivos, uno de ellos es por la reciente inauguración de su pro-

pia marca Home Adventures y el segundo es por el lanzamiento de su primer producto, Lines & Dots, bajo el paraguas de esta. La nueva marca tiene un claro objetivo según explican sus creadores: “Home Adventures surge de la necesidad que teníamos de hacer tangibles ciertas ideas, a veces descabelladas, que nunca le presentarías a una empresa. Cuando trabajamos para otros, la creatividad siempre está condicionada por factores de producción y mercado, y así debe ser. Por lo tanto, Home Adventures es el lujo que nos permitimos cuando queremos crear libremente y sin condiciones. El nombre que hemos elegido para la marca pretende representar nuestra faceta de exploradores: son diseños atrevidos y experimentales; son diseños que sencillamente hacemos para pasarlo bien; son diseños que nos sumer-

gen en territorios creativos desconocidos; son, simplemente, Home Adventures”. El producto con el que estrenan esta aventura, Lines & Dots, es una luminaria de suspensión con múltiples opciones respecto a tamaño y composición. Una estructura de varilla de acero decorativa que tiene como eje un cable en cuyo final se aloja una cápsula metálica donde va una bombilla led regulable. El resultado tiene un gran vigor visual espacial, una pieza que parece que hubiera nacido de la unión de los dibujos de Joan Miró con las esculturas cinéticas de Alexander Calder. <www.goulafi guera.com>

INTRODUCING THE ELEMENT MINERAL DPM COLLECTION SPRING 2016 ANTON JACKET - DRAPER FLEECE PHOTO BY ELEMENT ADVOCATE : BRIAN GABERMAN @ELEMENTBRAND

ELE_DPM_SP16_Neo2.indd 1

#

ELEMENTSPRING16

ELEMENTBRAND.COM

05/02/2016 10:45

NEO

Con su recién estrenado disco debut cruzarán el charco. Un formato inusual para defender que menos es más. Habitan entre el tornado y la melodía.

Cala Vento

14

Versos libres: “Las canciones que conforman el disco no han sido pensadas explícitamente para formar parte de un mismo pack, y gracias a los consejos de Eric Fuentes, nuestro productor, vimos que lo mejor era llamarlo de forma homónima.

Queríamos que fuera fiel a nuestro sonido y nuestra actitud en directo, sin dejar de ser un disco agradable de escuchar en otro contexto, por eso no es un disco que esté ‘muy producido’ en estudio. El trabajo que hicimos fue más de ‘limpiar’ las canciones

texto: SARA MORALES foto: DENISSE GARCÍA

para que su esencia fuera más explícita y su mensaje más directo”. Dúo: “Cuando empezamos no sabíamos si queríamos hacer rock, pop, punk o noise experimental, así que tampoco nos arriesgamos a algo que no encajara en los cánones musicales convencionales. Fue un reto y ahora es una virtud. Disfrutamos mucho tocando solo los dos porque conectamos y vibramos, hay menos gente que poner de acuerdo, menos instrumentos para los que componer su parte... Quizás lo único negativo es que la puesta en escena es más complicada y hay que trabajarla mucho más”.

Musa: “Nos inspira el día a día. Pocas canciones hablan exactamente de lo que nos pasa porque nos gusta partir de hechos reales y transformar esa realidad en algo distinto a lo que ha ocurrido; por ejemplo, la canción ‘Isabella Cantó’ habla sobre la vecina que nunca hemos tenido y nos gustaría tener algún día. La música te permite este juego. Al final esto nos sirve para desahogarnos y para encontrar posibles soluciones a nuestros problemas que, seguro que no son muy distintos de los del resto de los mortales”. Austin: “Recordaremos siempre el día que recibimos el email de invitación al festival SXSW como uno de los grandes días de la historia de Cala Vento y de nuestras vidas. Fue algo muy fuerte.

Cuando nos inscribimos estábamos 99,9% seguros de que estábamos perdiendo el tiempo y cuando nos contestaron fue como estar en el paraíso. Después fuimos bajando a la realidad más absoluta y empezamos a valorar si valía la pena la inversión que supone ir a tocar a Austin; pero decidimos subirnos al tren porque hay cosas que sólo pasan una vez en la vida. No tenemos ninguna pretensión de nada, vamos a ir allí a disfrutar y a intentar ofrecer nuestra mejor versión”.

“Cala Vento” está editado por BCore Disc.

BrixtonAd-SP-NEO2-0116.indd 1

1/18/16 4:56 PM

NEO

16

Låpsley

texto: NADIA LEAL

Holly Fletcher, alias Låpsley, es una joven productora y compositora de tan sólo 19 años cuyas primeras grabaciones caseras se hicieron rápidamente virales. Ahora publica su esperado primer álbum titulado “Long Way Home”.

Nombre: “En inglés se pronuncia Lapsley, tal y como se lee, pero en Escandinavia, que es de donde es, se diría algo así como Lopsley. Lo escogí porque es mi segundo nombre”. Comienzos: “Al principio tocaba el piano y la guitarra, pero no empecé a grabar y producir cosas hasta que tuve 17 años. Estaba en una banda de garage y así es como me lancé a grabar mis primeros temas”. Long Way Home: “Este título alude a dos cosas. Por un lado, a la distancia física que hubo entre mí y otra persona, mi pareja, porque me mudé a Londres y esto supuso mucha presión para la relación por la distancia. Y por otro, porque si vuelves a casa caminando desde cualquier sitio tienes más tiempo para pensar durante el camino. Por eso mi canción favorita es ‘Tell Me The Truth’. Estilo musical: “Diría que es chill electrónico, pero se ve influido por música como r&b, música experimental y electrónica. Me gusta la electrónica porque es el sonido que me sale al utilizar muchos sintetizadores. Son sonidos falsos, no son instrumentos reales, pero me gustan”. Coachella: “Estoy muy contenta de poder tocar ahí. Es uno de esos festivales, junto con Glastonbury, tan masivo y lleno de gente que va a ser increíble. También va a ser muy cálido, por el tiempo y por el público. Todavía no he pensado en nada especial para el show”. Fama y juventud: “No sé si soy famosa o no, la verdad (risas).

Quiero hacerme famosa con y por mi música, es decir, no porque sea una chica, o por ser joven, sino por mi trabajo. Porque quiero que la calidad de mi trabajo hable por sí sola. He crecido con las redes sociales así que la fama no es algo que me preocupe”. Letras: “Tan sólo tengo 19 años, no he vivido mucho más que esto, por eso hablo del amor y el desamor.” Futuro musical: “Espero que, con el tiempo, esto se convierta en mi profesión. He trabajado mucho este año y estoy muy orgullosa de ello. No sé dónde me va a llevar esto ni cómo va a ser el futuro, sólo sé que quiero seguir haciendo música y producir para mucha gente.”

“Long Way Home” está editado por XL Recordings y distribuido por Everlasting Records.

NEO

Marie-Sophie Beinke texto: CARMEN COCINA

18

Royal Academy of Arts, cosecha del 2015. Prácticas con Walter Van Beirendonck.

Libre, metódica, espontánea, combativa y entusiasta, un nido de deliciosas contradicciones.

Manualidades: “De pequeña me encantaba pintar y trabajar con las manos. Mi padre supo que lo mío era el arte cuando dibujé una trompeta a los cuatro años. A los 14 ya sabía que quería ser diseñadora de moda. Empecé a acudir a clases de pintura, iba a exposiciones y leía mucho sobre arte. La pintura y escultura es lo que más me inspira a día de hoy. Me admitieron en varias universidades, elegí Antwerp y es la mejor decisión que he tomado”. Colección: “Se llama ‘Der Klub der wilden Maler’ (El club de los pintores salvajes).

Me inspiré en una pintura forestal del expresionista Ernst Kirchner. Capturar una atmósfera y traducirla en líneas, formas, colores y prendas es lo que me apasiona de la moda. Exploré la pintura libre y el arte abstracto, recurriendo a las formas geométricas más básicas, el círculo y el triángulo, creando tensión al combinarlas con pintura orgánica. Me gusta la sastrería clásica masculina y los kimonos y experimentar con el color y con diferentes técnicas y tejidos, esa diversidad enriquece la silueta. Es una colección dedicada a aquellos artistas que tienen la valentía de pensar de forma diferente y de expresar-

lo. Es, también, un equilibrio contrastado entre el arte abstracto y el figurativo.

Son como dos partes de mí, la libre y la estructurada, y me gusta hacerlas converger”. Genuina: “Intenté eliminar todo tipo de influencia para trabajar de forma totalmente libre e intuitiva, sublimando las posibilidades del círculo y el triángulo sin referencia a ninguna obra artística. A grandes rasgos, sí que me siento inspirada por escuelas como Bauhaus. Adoro la organización, la precisión, la rotundidad de las formas, la creatividad aplicada a las artes plásticas como expresión de los tiempos. Kandinski, Josef Albers, Paul Klee o el propio Walter Gropious. No se trata sólo de manufacturar productos, sino de darles alma”. Antwerp: “Me siento totalmente identificada con la visión artística, estética y moderna de mi escuela. Ella hizo de mí lo que soy. Ese énfasis en la creatividad, la originalidad, la individualidad y el método, más que la parte empresarial. Veo la moda como una expresión individual y contextual, y allí te enseñan a contar tu propia versión”. Reglas: “Mi regla principal es ser fiel a mí misma. Quiero ser compacta, que todo tenga sentido. Cuestionar la sociedad y el mundo y nutrir mi trabajo con mis experiencias, mi entorno, el arte, la política, el género… Posicionarme en la industria de la moda. Quiero fundir la moda con otras disciplinas: teatro, ópera, cine, literatura, escultura, pintura… Experimentar y crecer, ir más allá. Seguir aprendiendo y hacer lo que pueda por lograr un mundo mejor, porque está en nuestras manos”.

NEO

Isometric

texto: MONGÓMERI foto: ILLA BONANY

Joan Ros Garrofé y Jessica Montes Bonito. Ambos 23 años. Se conocen trabajando en Martin Lamothe. En 2014 crean su propia marca. En 2015 ganan el premio a la firma emergente en 080 Barcelona Fashion.

20

Isométric: “La verdad es que la marca nació un poco de rebote. Teníamos muy claro que queríamos hacer un proyecto juntos. Así que decidimos hacer una colección. Queríamos llevarla a cabo simplemente para tener portafolio y pasarlo bien”. Nombre: “En dibujo técnico, la proyección isométrica es la representación gráfica bidimensional de un objeto tridimensional. En química, la isometría es una propiedad de todos aquellos compuestos que tienen una misma fórmula molecular pero con distintas estructuras químicas. Así pues, la palabra Isometric no solo tiene connotaciones científicas, habla también de 2 elementos que se relacionan entre sí”. 080: “El premio a la mejor colección emergente en 080 Barcelona Fashion supuso sobre todo un empujón a nivel emocional. Tenemos muy claro que somos muy jóvenes y que no tenemos ni la experiencia ni los recursos para lanzar una marca de calidad al mercado. El premio nos dio confianza en nuestro trabajo y ganas de hacer cosas”. Estudios: (Jessica) “Estoy muy contenta con IDEP, es una escuela que ayuda a proyectarte en el futuro. Te abre muchas puertas”; (Joan) “Podría hablar maravillas de los profesores y profesionales de Bau… Pero sobre todo es mi casa en Barcelona.

Siempre decimos que Bau es una familia”.

Martin Lamothe: (Joan) “Yo empecé a trabajar en Martin Lamothe con 18 años, como diseñador gráfico y mano derecha durante 2 años y medio. Jessica llegó medio año después. Los 2 aprendimos allí el com-

Colección Primavera Verano 2016.

Modelo: Marthin Mujal @ Marlene Agency.

Make Up & Hair: Xavi Valverde.

promiso con el trabajo. Elena, directora creativa de Martin Lamothe, confió en los 2 a ciegas. Es como una hermana mayor para nosotros. Siempre está ahí dando consejos para que mejoremos”. Producción: “Catalunya tiene una fuerte tradición textil y hay bastantes talleres. Muchos talleres locales se ven ahogados porque intentan competir con precios de otros países, y es una locura.

A nuestro parecer los talleres nacionales no tendrían que bajar el precio de sus productos para ser competitivos, el consumidor tendría que entender en qué circunstancias trabaja la gente para que a otros les salga el

producto a ese precio. Todos tenemos que cobrar lo que nos merecemos por el servicio que ofrecemos. No decimos que haya que pagar más porque sí, pero muchas veces se abusa de la producción local”. Sexos: “Las prendas de nuestras colecciones están patronadas para que sienten igual de bien a una mujer o a un hombre. En pasarela las presentamos en modelos masculinos porque a nivel de venta es más fácil que una mujer se atreva a llevar prendas aparentemente masculinas que al revés”. <facebook.com/isometricpress>

NEO

Strap Watch texto: JAVIER ABIO

Así se llama el reloj que ha diseñado el estudio Big Game para la joven marca Praxis ubicada en Hong Kong. Este es ya el segundo diseño de relojes que afronta el estudio suizo. Un reloj con aire retro de correa de nylon y con cierre de corchete. Disponible en 8 colores básicos, resistente al agua y fabricado con cuarzo japonés. Un reloj de aspecto casual, ligero, robusto, divertido y con un precio más que ajustado de solo 35 dólares. <www.big-game.ch> <www.praxis-design.com.hk>

PUBLICIDAD CAMPO VIEJO

texto: MONGÓMERI fotos: JAVIER LÓPEZ

44

Primero, Xavi García monta en la calle Valverde 44 de Madrid su peluquería Salon44. Después, junto a Franx de Cristal, crea la boutique 44Store.

Y finalmente, 44, su propia marca de moda, la expresión del universo estético de ambos.

22

44: (Xavi) “En la numerología, el 44 es uno de los números con más fuerza, y la suma da 8, que es mi número y el infinito. Siempre me gustó la idea de que el nombre estuviese compuesto con algún número.

Cuando decidimos abrir 44Store queríamos que fuese la continuidad de Salon44, como crear nuestro mundo estético. Y al crear la marca nos gustaba mucho como funcionaba en gráficos y decidimos que nos podía dar juego el 44”. Marca: (Franx) “Cuando decidimos abrir la tienda empezamos a plantear la idea de crear una marca propia. En febrero de 2015 debutamos con una colección cápsula de 8 piezas llamada Nuit. En ningún momento nos planteamos desfilar ni hacer una colección muy grande, pero nos animaron y presentamos una nueva a la pasarela Ego Samsung donde fue seleccionada”. Xavi: “Salon44 lo abrí yo, en aquel momento no estaba con Franx, aunque ya nos conocíamos. Siempre me ha atraído la moda, de algún modo siempre he estado vinculado a ella, y cuando el salón de peluquería ya estaba posicionado vi que necesitaba otro proyecto, algo nuevo que no estuviese totalmente vinculado a la peluquería. Y justo en ese momento apareció Franx para emprender este proyecto juntos”. Franx: “Mis inicios fueron como peluquero, hasta que decidí ir a Londres

y desarrollar mi parte creativa realizando performances en clubes, ahí empecé a crear mis propios estilismos. Cuando comencé con las performances en clubes madrileños, y luego en Londres, necesitaba separar los 2 personajes, y por eso creé el nombre de Franx de Cristal, con la X al final del nombre y Cristal por darle un punto más disco”. París: “Ausencia, la colección primavera verano 2016 es un tributo silencioso a París. Utilizamos techno-satén impermeable, un tejido que evoca el clima húmedo y frío de la ciudad y los paraguas que inundan sus calles en invierno. Las formas geométricas, así como los rostros diseñados por Jaime Mesa y bordados, son un guiño al Museo de Louvre y a la pirámide de cristal de su entrada. Los colores también hacen referencia a sus cielos plomizos y

su arquitectura regia: azul prusia, gris taupe y negro acrílico. Todas las prendas son unisex y oversize, una sobrexposición de volúmenes y tejidos. En los complementos hemos contado con Comme des Machines y sus piezas biodegradables impresas en 3D y los zapatos de Petrucha”. 44Store: “En la tienda encontraréis: 44, Juun-j, siendo el primer punto de venta en España, KTZ, DRKSHDW de Rick Owens, Jaime Mesa, Joe Chia, Petrucha, Khourianbeer y Davidelfin”. New Religión 44: “Es el título de la próxima colección. Respecto a la anterior, está mucho más trabajada y es más visual. Tiene una imagen mucho más fuerte. Nuestro mundo estético se ve más definido”. <www.44store.es>

NEO

Modelo: Laura Ponte Maquillaje: Vincent Guijarro Peluquer铆a: Salon44 Zapatos: Petrucha x 44 Localizaci贸n: Estudio DayLight Asistente Fot贸grafo: Pablo Mingo

BASIA BULAT 24 texto NADIA LEAL foto GEORGE FOK

LA COMPOSITORA Y CANTAUTORA CANADIENSE ACABA DE PUBLICAR SU CUARTO DISCO DE ESTUDIO, “GOOD ADVICE”, PRODUCIDO POR JIM JAMES DE MY MORNING JACKET.

Comienzos: “Empecé a tocar el piano cuando tenía 3 años. Mi madre lo tocaba, y también la guitarra”. 10 años de carrera: “Sí ¿tanto tiempo? No soy consciente de cuanto llevo tocando. Lo que sí tengo claro es que esta es mi profesión, creo que lo supe desde el momento en el que empecé a tocar.” Canadá: “Creo que el hecho de haber nacido y crecido allí me han marcado mucho, tanto a mi música como a mis letras. Todos mis discos han sido grabados en Montreal, aunque yo haya nacido en Toronto, porque allí todo el mundo se mueve y colaboran unos con otros. Todos mis discos, menos ‘Good Advice’, han sido grabados ahí.” Folk/pop: “Este nuevo disco es más pop que folk, pero creo que siempre han sido distintos entre sí. Mis mayores intereses son las letras y la voz, sin importar el estilo. Quizá mi próximo disco sea electrónico, pero ahora mismo no me importan las etiquetas musicales, no me he fijado en eso.” Nuevo Folk: “En general creo que el hip hop es el nuevo folk, porque es la música popular de la gente. Creo que las mujeres tienen todavía mucho que aportar en este género, o

en cualquiera. Todavía tenemos que abrir la mente hacia las nuevas voces que están por venir.” Autoarpa: “Comencé a utilizar la autoarpa de una forma muy casual, mi vecino vendía la suya y mi madre la compró, y así comencé a tocarla. Mujeres muy interesantes en la música folk han tocado este instrumento, así que me encantó la idea de usarlo.” Good Advice: “El título en realidad interconecta los títulos de trabajos anteriores. He tocado música toda mi vida, pero nunca tuve la sensación de que nadie me iba a escuchar. Es como un consejo que me he dado a mí misma, siguiendo mi intuición. Sigue tu propia intuición, no necesitas a nadie.” The Garden: “Esta es ahora mismo mi canción favorita porque aporta cariño al mundo”. Jim James: “Es un gran artista, me encanta su trabajo y creo que es un gran productor. Él reunió a la banda para grabar el disco. Cada músico estaba con sus proyectos pero él consiguió que nos juntáramos todos para hacer este disco”.

“Good Advice” está editado por Secret City Records y distribuido por Music As Usual .

BENTU

A

texto SOFÍA DOS SANTOS

LA FUNDACIÓN LOUIS VUITTON HA EMPEZADO LA TEMPORADA EXPOSITIVA CON UNA INTERESANTE MUESTRA DE ARTE CHINO CONTEMPORÁNEO QUE PODRÁ VERSE HASTA FINALES DE ABRIL.

26

B

C A/ Cao Fei. RMB City secondlife planning, 2007.Video. © Cao Fei, 2015. Cortesía del artista y Vitamin Creative Space, Canton.

B/ Xu Zhen. New, 2014. Colección Fondation Louis Vuitton. © Xu Zhen, 2016. Foto: Xu Zhen.

C/ Xu Qu. Currency Wars, 2015. Cortesía Almine Rech Gallery.

“Bentu, artistas chinos en un tiempo turbulento y en transformación” es el acertado título con el que la Fundación Louis Vuitton da el pistolezo de salida, no solo a esta exposición, sino también a una serie de eventos dedicados al panorama artístico contemporáneo del país asiático. Bentu hace referencia a “la madre patria”, pero sin ningún tipo de connotación nacionalista, sino más bien como concepto del que partir para explorar las nuevas realidades a las que se enfrenta la sociedad china, transformada por su apertura global, pero también inmersa en una complicada crisis de identidad. La obra de muchos artistas y comisarios chinos gira precisamente en torno a este conflicto. En esta exposición se han seleccionado 12 artistas de diferentes generaciones que utilizan también distintas técnicas, que van desde las más tradicionales hasta las más vanguardistas.

En sus obras está presente ese incesante cambio que vive el país a todos los niveles, económico, pero también social, con la transformación de la relación entre la ciudad y el campo. También se hace hincapié en problemas de carácter más global, a los que se tienen que enfrentar todos los países del mundo, como los relacionados

con la ecología. Entre los artistas más interesantes se encuentran Cao Fei, con base en Beijing, desde donde investiga cómo los cambios que sufre el país afectan a las nuevas generaciones a través de proyectos multimedia; Liu Chuang, conocido por sus peculiares performances e intervenciones artísticas en el espacio púbico; Tao Hui, uno de los más jóvenes, cuyo trabajo gira en torno a la cultura y la identidad; o Liu Wei, un artista que utiliza todo tipo de soportes, video, instalación, dibujo, escultura, y que imprime en su obra mucha ironía y sentido del humor. Ellos son solo una pequeña muestra de esta estupenda selección que ha hecho la Fundación Louis Vuitton con la idea de acercarnos un poco más a la producción artística de un país que no para de enfrentarse a nuevos retos, y que ha pasado de crecer desorbitadamente a una ralentización de este crecimiento debido, entre otras cosas, al aumento de los salarios y al envejecimiento de la población. Un país que tiene mucho que contar, y en ello el arte puede ser una herramienta fundamental. <www.fondationlouisvuitton.fr>

Donde las fotos se hacen realidad

Llevamos 146 números y miles de posts mostrándote fotos de cosas que nos gustan. Lo hacemos porque pensamos que a ti también te gustarán. Pero ahora damos un paso más.

Queremos que esos objetos se hagan realidad, que dejen de existir solo en fotos y que se materialicen cómodamente en tu casa. Ese es nuestro deseo, pensamos que también el tuyo, por eso abrimos nuestra propia boutique online: Neo2 Shop.

En Neo2 Shop encontrarás una variada selección de productos, algunos son piezas únicas. Hay desde zapatillas o ropa, hasta mobiliario. Incluso hay aspiradoras vanguardistas. Y lo mejor de todo es que esta oferta te la podemos ofrecer con buenos descuentos sobre el precio original.

Deseamos que la idea te guste tanto como a nosotros.

Silla Mava diseñada por Stephanie Jasny para Punt Zapatilla colección Node de Muro.exe Vestido Crêpe diseñado por María Barros

www.neo2.es/shop/

GAME CHANGERS

LA EXPOSICIÓN “GAME CHANGERS – REINVENTING THE 20TH CENTURY SILHOUETTE” EN EL MOMU DE AMBERES EXAMINA LA LABOR PIONERA DEL DISEÑADOR CRISTÓBAL BALENCIAGA, CUYAS INNOVACIONES EN LA MITAD DEL SIGLO 20 DIERON PASO A UNA NUEVA SILUETA. ENTREVISTAMOS A KAREN VAN GODTSENHOVEN, COMISARIA DE LA EXPOSICIÓN. texto COVADONGA GARCÍA

28 B

A y B/ Comme des Garçons, A/W 2012-13, Foto: Mark Segal, Model: Monika Sawicka.

C/ Issey Miyake, 1990-2015, Foto: Francis Giacobetti.

A

Exposición: “Es un homenaje a los diseñadores que transformaron radicalmente la silueta femenina en el siglo 20. Mostramos 100 trabajos de alta costura y prêt-à-porter de Balenciaga, Poiret, Vionnet, Chanel, y también de Miyake, Ann Demeulemeester, Comme des Garçons, Yamamoto y Martin Margiela. Todos ellos cambiaron las reglas del juego, propusieron una alternativa a la clásica silueta de reloj de arena”. Silueta: “Cada tema gira en torno a las innovaciones que se han hecho de la silueta creada por Balenciaga, por ejemplo: la línea barril, la importancia de los hombros, la espalda, el escote, la forma de capullo, la túnica y el vestido saco. Estas piezas extraordinarias y geniales son confrontadas con otras obras maestras de otros diseñadores que han cambiado las reglas. Hay muchas piezas icónicas que transformaron la silueta en el siglo 20: el vestido de línea A de Courrèges que erradicó la cintura en los años 60, los vestidos de corte sesgo de los años 20 y 30 de Vionnet, los vestidos camiseros rectos de Chanel, las creaciones Pleats Please de Miyake, las piezas innovadoras de Comme des Garçons y Yohji y, por supuesto, las siluetas de gran tamaño de Martin Margiela.

Las prendas más contemporáneas son los esculturales vestidos en 3D de Iris Van Her-

pen”. Favoritos: “Tengo varios y cambio todos los días de opinión. ‘Body Meets Dress, Dress Meets Body’ de la colección SS 1997 de Comme des Garçons es para mí una silueta muy bonita y poética que representa el punto culminante de la revolución de la moda de los años 80 y 90, con los diseñadores japoneses y belgas que actualizaron radicalmente la moda occidental y la silueta. Ellos revolucionaron el concepto del vestido y del cuerpo convirtiéndolo en uno, mediante el uso de acolchados y formas orgánicas que utilizaron como una extensión del cuerpo para establecer un puente entre el individuo y el mundo”. Balenciaga: “Nos encanta la cita de Christian Dior, que también se utiliza en la exposición: ‘La alta costura es como una orquesta, cuyo conductor es Balenciaga. Los otros modistos somos músicos y seguimos la dirección que él da’. Balenciaga es realmente la figura central entre los dos períodos 1920 y 1930 y el punto final del siglo 20; le vemos como el arquitecto de la innovación”. MoMu: “En nuestras exposiciones, siempre tratamos de poner a los diseñadores o a los temas relacionados con la moda en un contexto. Así la gente puede entrar en la mente de un diseñador o entender sobre un determinado tema de moda. Aparte del hecho de que les guste o no una cierta silueta, es más importante que entiendan la historia que hay detrás”.

Hasta el 14 de agosto de 2016. <www.momu.be>

C

Creamos publicaciones digitales Si tienes una marca y quieres tener una fuerte presencia en internet, necesitas crear contenidos digitales. Te ayudamos a crear desde sofisticadas revistas digitales hasta blogs con una temรกtica nicho.

www.ipsumplanet.com

NUEVOS TIEMPOS texto JAVIER ABIO

30

JAIME HAYON NOS DEMUESTRA QUE ESTÁ EN PLENA FORMA CON SU ÚLTIMO TRABAJO PARA LA FIRMA DANESA &TRADITION. EL MINIMALISMO ESTÁ EN HIBERNACIÓN Y EL DISEÑADOR MADRILEÑO MÁS ACTIVO QUE NUNCA. Estamos en un buen momento para diseñadores como Jaime Hayon que es el gran maestro en el arte decorativo. Jaime empezó a abrirse camino con su Barroco Digital en el mundo del diseño industrial cuando el minimalismo era la tónica general. Quizá por eso sus trabajos pronto empezaron a destacar. Aquellos primeros diseños en cerámica para cuartos de baño producidos por la empresa catalana ArtQuitect fueron toda una revolución en el mundo del interiorismo. Recuerdo que en 2002 el Injuve le dio un premio de 3.000 euros como joven promesa del diseño, por cierto, Neo2 formaba parte de ese jurado.

En aquel momento lo único que tenía era un cuaderno lleno de ideas y bocetos. Han pasado 13 años y el trabajo que tiene tras de sí es prolífico y coherente. Esto último es casi lo más complicado para un diseñador. Este es un buen momento para él

porque el minimalismo está hibernando y el New Memphis arrasa. Las nuevas mesas de Jaime para la empresa &Tradition demuestran que está en plena forma y sabe interpretar los signos de los nuevos tiempos, véase el artículo Esplendor Geométrico unas páginas más adelante.

Aunque para esta empresa danesa acaba de presentar varias piezas, hemos seleccionado sus mesas auxiliares Palette. Mesas multinivel en las que mezcla diferentes materiales y en las que hay una clara inspiración: “He estado fascinado por Alexander Calder desde siempre”, admite Hayon. “Él fue el creador del móvil. Mientras todo el mundo estaba dibujando sobre el papel, Calder transformó dibujos abstractos en esculturas lineales 3D. Con Palette se consigue una sensación similar de equilibrio desde cualquier ángulo. Un efecto de movimiento en un objeto estático”. Con estas mesas lounge la empresa danesa &Tradition consigue otra importante referencia en su catálogo. Un catálogo que mezcla, por cierto, diseños de principios del siglo pasado con diseños actuales, y eso con solo 5 años de vida. <www.andtradition.com> <www.hayonstudio.com>

POWERFLEX

texto JOE MADRAZO

Pepe Jeans London sigue revolucionando el mundo denim. Su último invento es el Powerflex: un innovador tejido con tecnología de doble núcleo, donde lycra y poliéster se hilan conjuntamente para conseguir hasta un 60% más de elasticidad y flexibilidad sin deformar para nada la prenda. El resultado son unos jeans súper cómodos, siempre perfectos. A este paso, en las próximas Olimpiadas veremos competir a los atletas vestidos de Pepe Jeans. <www.pepejeans.com> #MyPepeJeans

SILVIA B.

A

32

SE PODRÍA DECIR QUE LA DUALIDAD Y LA CONTRADICCIÓN ES LO QUE DEFINE EL TRABAJO DE ESTA ARTISTA HOLANDESA A LA QUE SEGUIMOS EL RASTRO DESDE HACE TIEMPO. B

texto SOFÍA DOS SANTOS

Hace ya muchos años Silvia B. nos llamó la atención por sus guantes Skinover, que funcionaban a modo de segunda piel, como todos los guantes sí, pero estos tenían aspecto de piel real, con pelillos, pecas y demás, incluidos. En 2008 volvimos a hablar de ella en el blog de Neo2 porque exponía en el museo Gem de La Haya y nos llamaron la atención esas esculturas hiperrealistas que, sin embargo, esconden muchos matices una vez que te detienes en ellas. Y es que, al contrario que en la obra de otros artistas hiperrealistas como Ron Mueck o Sam Jinks, en las esculturas de Silvia B. es habitual encontrar figuras híbridas: a medio camino entre humanos y animales, o entre hombre y mujer, o entre niño y juguete. Una inquietante combinación con la que atrapa inevitablemente al espectador y con la que crea sensaciones contradictorias que van de la atracción a la

repulsión. Hace muy poco Silvia B. nos escribió para contarnos que estaba a punto de inaugurar una nueva exposición, esta vez en la galería Ron Mandos de Ámsterdam. En ese email, nos explicaba también el significado de esta nueva serie y de algunas de sus esculturas: “Creo que mi trabajo lidia con los deseos humanos, con nuestros instintos. La bailarina, por ejemplo, es para mí el símbolo de la civilización extrema; ella solo existe para la belleza.

Tiene un enorme sentido de la disciplina, y su dolor y esfuerzo es totalmente irrelevante. En el caso de la rata, es el ser complementario al hombre civilizado, que vive de la basura y existe en todas partes en un número similar o mayor que el nuestro, aunque permanece en un mundo subterráneo. Los individuos, en esta serie, están desnudos, aparecen vulnerables, están fragmentados en su proceso de crecimiento. Tienen partes de esqueleto, partes de madera, son medio hombre, medio muñeco, y están atados unos a otros o colgando de cuerdas, anillos o cintas. Cada persona está también atada de algún modo a su país, su familia, su educación o su cultura.

Los artistas tampoco somos libres, pero debemos, al igual que hace la bailarina, superarnos en cada representación. Por supuesto, el componente autobiográfico en mi obra es innegable. Mis ideales éticos y estéticos están involucrados en una batalla interna permanente. Esa lucha de contradicciones es la que siempre trato de representar”.

Ron Mandos Gallery. Amsterdam.

Hasta el 2 de abril. <www.ronmandos.nl>

A/ Lina. ©SilviaB. 2016.

Cortesía Ron Mandos Gallery.

B/ Mimo. ©SilviaB. 2015.

Cortesía Ron Mandos Gallery.

CABEZAS DE CARTEL

texto JOE MADRAZO

Llega la primavera y con ella los festivales de música.

En cabeza de cartel este año va Brixton con su Festival Collection, una línea de sombrerería inspirada en Woodstock del 69, mítica primera edición por la que pasaron desde Jimi Hendrix a Janis Joplin. Años en los que un sombrero era, y es, el complemento perfecto para un look chic, bohemio y con aire hippy. Ese mismo rollo, muy Marianne Faithfull, que tanto se lleva ahora mismo y que puedes encontrar en Brixton Festival Collection 2016. El de la foto, con punto cordobés, me recuerda al que lucía David Bowie en una portada alternativa de Diamond Dogs. <www.brixton.com>

DAS INSTITUT

A

texto COVADONGA GARCÍA

B

34

C

A y B/ Am Sonntag (from “When You See Me Again It Wont Be Me” Series); Das Institut con Kathrin Sonntag, 2015.

Proyección. Foto: Kathrin Sonntag.

C/ Adele Röder, O L Y M P I A, or: Message from the Dark Room, Vista instalación, Haus der Kunst, Munich, 2015. Cortesía de la artista. Foto: Uli Holz. .

LAS ARTISTAS KERSTIN BRÄTSCH Y ADELE RÖDER COLABORAN JUNTAS DESDE EL AÑO 2007. UNA EXPOSICIÓN EN LONDRES EXAMINA SU OBRA CONJUNTA E INDIVIDUAL Y TAMBIÉN SUS OBRAS CON OTROS ARTISTAS. La Serpentine Gallery Sackler presenta por primera vez una gran exposición de la obra de Kerstin Brätsch (Hamburgo, 1979) y Adele Röder (Dresde, 1980) en una institución pública del Reino Unido. Brätsch y Röder viven en Nueva York y Londres y aunque trabajan por separado, desde el año 2007 las artistas hacen colaboraciones juntas bajo el nombre de DAS INSTITUT. La muestra que se puede visitar en Londres hasta el mes de mayo, incluye un grupo de obras que son fruto de esta colaboración, así como también otras piezas pertenecientes a su obra individual.

Brätsch utiliza la pintura como un modo para cuestionar las formas en las que el cuerpo se puede expresar psicológica, física y socialmente. Röder, por su parte, busca en las formas simbólicas básicas un medio para elaborar un lenguaje no verbal utilizando ropa, la postura del cuerpo y la luz. En sus colaboraciones como DAS INSTITUT las artistas intentan comunicar lo inexpresable, el elemento intuitivo e irracional de la experiencia y de las relaciones humanas. DAS INSTITUT centra su trabajo en los tipos de comunicación que se producen entre individuos y en co-

laboraciones con otros artistas, algunas de las cuales se presentan en esta exhibición, como una película realizada con el historiador y cineasta Alexander Kluge; un trabajo de sonido de Sergei Tcherepnin; una serie de bailes Hula, tradicionales de Hawai, y organizados por Ei Arakawa; y un retrato fragmentado de Brätsch y Röder de Allison Katz. DAS INSTITUT examina en la Serpentine, las propiedades de transformación y los efectos de la luz sobre los cuerpos y espacios. Las claraboyas de la galería están cubiertas con geles de colores y las principales fuentes de luz son las obras de arte en sí mismas, apareciendo como imágenes proyectadas en vidrieras y en siluetas de neón. Las huellas de la propia presencia física de Brätsch y de Röder también están visibles mediante siluetas y fotografías de sus cuerpos que aparecen en una serie de obras, tales como Am Sonntag Series (2014), mientras que sus caras y figuras emergen en las superficies de algunas piezas, como en Dark Codex (2015).

Hasta el 15 de mayo de 2016. <www.serpentinegalleries.org/>

VIVA DETROIT

texto MONGÓMERI

Después de declararse en quiebra en 2013, a punto de convertirse en una ciudad fantasma, Detroit renace de sus cenizas. Fue capital de la automoción y cuna del sonido Motown. Hoy es el nuevo Berlín, el sitio donde más cosas pasan.

La ciudad ha vivido mucho y nadie mejor que Carhartt WIP para contarlo. Descendiente directa de Carhartt, la marca europea cuenta la historia de la compañía norteamericana siempre ligada a Detroit y a la cultura del trabajo desde 1889. Y lo hace a través de la gráfica de su colección primavera verano 2016, donde cada detalle es un homenaje a la historia de Detroit y Carhartt madre: desde el código de la ciudad, 313, a mensajes como 8 Hour Work Day en referencia a la crisis del 29 y cómo Hamilton Carhartt, fundador de la compañía, preserva los derechos de sus trabajadores… Un sinfín de detalles en una colección histórica. <www.carhatt-wip.com>

SOLEDAD VÉLEZ

36

texto TEREVISIÓN RUIZ foto PAU MON

LA ARTISTA CHILENA NO RENIEGA DEL FOLK, PERO SE ALEJA DE ÉL PARA ADENTRARSE EN TERRITORIOS MÁS ELECTRÓNICOS CON SU ÚLTIMO TRABAJO “DANCE AND HUNT”. UN DISCO DE NUEVE CANCIONES DONDE DESCUBRIMOS UNA NUEVA SOLEDAD. De Chile a España: “Lo más difícil fue enfrentarme a otro tipo de sociedad, con otra cultura, estaba lejos de los míos.. fue complicado al principio, hasta que no hice amigos fue difícil. Por otro lado era toda una aventura, y si no fuera por todos aquellos matices, dejaría de serlo. Llegué con 19 años a España, ahora tengo 27 y más amigos que nunca. Después de 8 años viviendo en Valencia, me siento ya parte de este mambo”. Evolución: “Poco a poco he ido transformando mi trabajo, amo el folk, pero también amo otros muchos estilos, y supongo que lo que hago ahora es lo que me entra como un guante, es un fiel reflejo de mí misma”. Dance and Hunt: “Con el título hago referencia a un estado de trance, el bailar, y cazar, palabra que para mí sig-

nifica búsqueda, persecución y encuentro, esto constantemente es un círculo vicioso que se retroalimenta con el movimiento”.

Electrónica: “No he dejado nada atrás, me gusta mucho el folk, sencillamente he tenido la necesidad de explorar uno de mis otros ‘yo’, y desarrollarlo, porque simplemente así lo he sentido”. Subterfuge: “Cuando con mi anterior sello decidimos separar nuestros caminos, también me echaron un cable en encontrar otro, fue así como con un disco recién grabado bajo el brazo empezaron las conversaciones con Subterfuge, y era algo que me hacía mucha ilusión, al parecer fue un sentimiento mutuo, hubo como un flechazo”. Idioma: “Quizás algún día me plantee cantar en español, pero ahora mismo no, mis corrientes fonéticas musicales aún me arrastran en otra dirección y me dejo llevar”. Directos: “Ya estamos preparando la gira, y con este disco en el directo tendré dos sets, uno con banda, y otro yo sola donde lanzaré bases, y transformaré un poco la envoltura”. Comparaciones: “Tanto Anna Calvi como PJ Harvey son un gran referente de mujer, de músico, de actitud, de artistas… y aunque siempre sentiré que exageran mucho en esas comparaciones, es todo un halago”. 2016: “Pues de momento le pido salud, ando un poco mala, a ver si me recupero. Y también le pido, que, sea con el Gobierno que sea, que bajen el puñetero IVA… entre otras cosas”.

“Dance and Hunt” está editado por Subterfuge.

free

typography

Tipografía gratuita del mes: ZWODREI Tipografía diseñada por Lukas Bischoff <www.artill.de> Puedes descargártela gratis desde nuestra web: <www.neo2.es/magazine> Una vez allí entra en tipografía de regalo e introduce el CÓDIGO DE DESCARGA: 0601-0901-16b

EXTRAPERLO

38

texto TEREVISIÓN RUIZ Foto CHUS ANTÓN

EN CHILL AQUÍ LOS BARCELONESES SIGUEN LA LÍNEA DE POP ELEGANTE DE SUS DOS ANTERIORES TRABAJOS, HACIENDO HINCAPIÉ EN UN SONIDO MÁS ORGÁNICO ARROPADO POR GRANDES ESTRIBILLOS. BORJA ROSAL, VOZ Y GUITARRA, NOS LO CUENTA. Chill Aquí: “Hicimos el disco pensando en crear loops de los que no quisieras salir. Queríamos que la gente encontrara en el disco una vía de escape a la vorágine. De ahí el nombre, Chill Aquí (tranquilo aquí) dentro del disco”. Portada: “El frame de Jolly Boy Friday viene de que somos fans de Weston desde hace tiempo. Esa imagen construía una paradoja divertida, un tío huyendo en una moto a toda velocidad como ejemplo de Chill, la búsqueda del factor Chill en hacer lo que te da la gana”. Single: “’Algo Distinto’ nos parecía una canción que te hacía entrar muy bien en el disco. Un buen tema para el video conceptual que queríamos hacer sobre la idea de la ciudad en la que no pasa nada”. Letras: “La mayoría de letras presentan un conflicto profundo o estructural que se resuelve con un estribillo. Las estrofas son la ciudad, el contexto que te oprime de algún

modo, y en los estribillos siempre hay un oasis de tranquilidad”. Idioma: “Cantar en inglés sería una impostura imperdonable por nuestra parte. No dominamos el idioma y aunque lo domináramos perderíamos nuestra razón de ser, nos gusta hacer música de aquí de la misma manera que los americanos y los ingleses cantan en su idioma”. Composición: “Es curioso que nuestro disco más orgánico sea el que más se ha construido como un disco de música electrónica. Primero hacíamos todas las partes instrumentales y cuando el groove funcionaba y las partes tenían ganchos, probábamos melodías con las letras ya escritas”. Producción: “Teníamos clarísimo que se encargaría Aleix. Tiene madera de productor, visión, conocimientos técnicos y es un músico brillante. Habíamos aprendido mucho de la producción de Delirio Específico con El Guincho, sabíamos que Aleix era el mejor para producir este disco”. Críticas: “Recuerdo una buena y una mala. En la crítica de Delirio Específico en El Mundo, nos citaban como ‘el futuro de la música hecha aquí’. La mala era de un tipo que definió un concierto nuestro en twitter como ‘valiente mierda’”. Proyectos paralelos: “Ahora mismo, Aleix, Pau y yo estamos girando con El Guincho, Aleix va a sacar un disco nuevo de Ulldeter y Cacho de Capitán”.

Volver atrás: “Si algún día alguien encuentra la manera de volver atrás que me la enseñe, tenemos diversas cosas que arreglar en nuestros discos anteriores”.

“Chill Aquí” está editado por Canada Editorial.

BOLON BY YOU

texto JAVIER ABIO

En el año 2003 las hermanas Annica y Marie Eklund retomaron y modernizaron el negocio familiar, fundado en 1949, dedicado al recubrimiento de pavimentos. En estos doce años han conseguido que la marca sueca Bolon sea imprescindible y respetada en el mundo del diseño y la arquitectura. En la pasada feria de Estocolmo Bolon presentó en primicia su nueva colección Bolon by You, creada por el estudio londinense Doshi Levien. Son 6 nuevos modelos de superficies que hacen referencia al mundo del arte, la moda y la cultura en general. Un nuevo punto de vista en cuanto a estética y personalidad. <www.bolon.com >

MISCELÁNEOS

40

texto JOE MADRAZO

ANIVERSARIO CARRERA Este año la mítica marca de gafas Carrera cumple 60 años y lo celebra con una reedición de las Boeing del 86, un histórico modelo de aviador con su inconfundible puente sobre las lentes.

Las memorables gafas Boeing de 1986 renacen en 2016 como las Maverick de Carrera. Esta nueva generación hereda la emblemática montura pilot con puente curvo invertido. Eso sí, una interpretación que incorpora detalles técnicos propios del siglo 21 como, por ejemplo, la montura ultraligera de acero inoxidable cortado al láser. Y puedes elegir combinación cromática en montura con tratamiento mate y lentes monocromas. Destacamos el modelo favorito del actor y músico Jared Leto, las Carrera 113/S. <carreraworld.com>

HILFIGER DENIM La nueva colección de Hilfiger Denim da un repaso a la estética de la cultura norteamericana desde los años 50 hasta hoy.

A modo de road trip conceptual, Hilfiger Denim nos propone para esta primavera verano una revisión con giro contemporáneo de los iconos de la historia de la moda joven estadounidense: Campanas, pitillos, camisas hawaianas, bombers extra largas y toreras, vestidos de lentejuelas con la gráfica del rugby, patchwork, kimonos en denim, jeans desgarrados, maxi vestidos, cazadoras universitarias, army, rollo motero… Precisamente este último tema es el que hemos llevado a las portadas de este número, con Bruna y Marçal posando con la arrogancia que solo da una buena cazadora de cuero. <es.tommy.com>

TABLET NEO 2 Ahora mismo la Energy Tablet 9” Neo 2 es nuestra tableta favorita. Y no solo por el nombre. Descubre el porqué.

Se trata del dispositivo perfecto para sacar el máximo partido a Android 5.0. Un producto de Energy Sistem, empresa internacional con sede en España especializada en productos tecnológicos para un público joven. La Energy Tablet 9” Neo 2

tiene Android Lollipop, pantalla panorámica de 9 pulgadas y procesador de 4 núcleos. 1 Gb Ram y 8Gb de memoria interna ampliables hasta 64Gb. Incluye Dual Camera y función USB-Host para conectarse a otros dispositivos. Una máquina súper rápida y potente que te permite acceder al instante a todos tus archivos y tener varias aplicaciones abiertas al mismo tiempo. <www.energysistem.com>

41

HAVAIANAS GLAMUROSAS La marca británica de calzado Charlotte Olympia pone su glamuroso granito de arena en una nueva colección cápsula de Havaianas.

Inspirada en el glamour de la época dorada de Hollywood, las pin-ups y el life style brasileño, Charlotte Olympia Dellal diseña un colección cápsula para Havaianas. La propuesta consta de una toalla de playa con un estampado estilo vintage de 3 chicas, más 3 flip-flops absolutamente glamurosas con todos los códigos arácnidos de la joven y célebre marca británica de calzado y accesorios femeninos. Cada uno de los modelos está representado en la toalla por una chica. Destacamos en esta página el diseño Kitty en negro y dorado con el rostro de un felino (60 euros). <www.havaianas-store.com>

LOS G-STAR ELWOOD G-Star Raw celebra el 20 cumpleaños de sus vaqueros más legendarios, los populares Elwood 5620, con nuevas interpretaciones, ediciones especiales en dénim super premium y ediciones limitadas cada mes.

Los G-Star Elwood 5620 nacen en 1996, hace justo 20 años. Su creador fue Pierre Morisset, diseñador jefe de G-Star. Le inspiró un motorista cuando estaba un buen día en el sur de Francia. Desde entonces, el modelo original ha evolucionado con los tiempos y las tendencias, pero sigue conservando los 5 elementos esenciales de la estética de motero: Las rodilleras, las pinzas en las rodillas para darle forma tridimensional, el parche en el trasero, las protecciones en los talones y las costuras

inclinadas en los muslos. 20 años más tarde, el modelo sigue más vivo que nunca y G-Star Raw lo celebra a lo grande, como se merece este hito de la cultura jean. Los días 20 de cada mes lanzará un modelo especial, edición limitada, firmada por artistas y colaboradores de la casa. Además, dentro de la línea súper premium, Raw Essentials, G-Star presenta esta temporada 2 interpretaciones del Elwood 5620 en un denim excepcional, el Red Listín Madison, tanto en versión masculina como femenina, con acabados inspirados en la ropa de trabajo muy desgastada (son los modelos de la foto). Y también para esta primavera verano, G-Star ha realizado un ejercicio de creatividad interpretando los Elwood con manchas de pintura, remiendos, desgarros, denim blanqueado… incluso una versión ultra-high fit acampanada de mujer. Y es que los Elwood 5620 de G-Star han creado muchas páginas en la historia de la moda denim. Felicidades. <www.g-star.com>

42

FOTO HISHAM AKIRA BHAROOCHA

David Portner (Avey Tare), Noah Lennox (Panda Bear) y Brian Weitz (Geologist) –ahora con Josh Dibb (Deakin) descolgado- vuelven a la carga. “Painting With” es el décimo álbum de la banda de Baltimore, y en él sacrifican sus sonidos más experimentales o ensimismados por canciones más rítmicas y directas. Hablamos con Panda Bear.

TEXTO DAVID SAAVEDRA

Animal Collective

43

44

Pitti: “En octubre, la agencia de relaciones públicas me dio la noticia de que había sido elegido como diseñador invitado para la próxima edición de Pitti Uomo. El equipo de Pitti Immagine llevaba varias temporadas interesado en la firma, y finalmente decidió invitarme después de ver el desfile de la colección primavera verano 2016.

Yo ya había estado unas cuantas veces en Pitti durante los últimos 10 años.

Siempre es una experiencia refrescante estar en una ciudad tan hermosa como Florencia y experimentar la magnitud de los eventos de Pitti, impresiona toda la pasión que rodea la feria. Presentar mi colección otoño-invierno 2016-17 en Pitti Uomo ha sido un gran honor y el colmo de la felicidad. Para mí, Pitti

La firma coreana que está revolucionando la silueta masculina acaba de presentar su nueva colección en Pitti Uomo 89. Hablamos con Juun.J de la feria, de Florencia y del grupo de moda más importante de Corea, Samsung. Sí, Samsung, la marca de móviles y wearables.

serían: el Ponte Vecchio, Florencia es preciosa la veas desde donde la veas, pero el paisaje del río Arno es sumamente teatral; la Galería de los Uffizi, el templo de la pintura renacentista; los artesanos de cuero, como diseñador que ama y utiliza este material tengo que decir que los artesanos de Florencia son lo más”. Colección: “Me gusta siempre destacar la silueta Junn.J como resultado de un juego de contrastes radicales. Hay abrigos maxi-largos, y también chaquetas bombers de grandes volúmenes. El concepto de la colección es ‘-less’, quería hacer una propuesta sin límites de géneros, fronteras, épocas o puntos de vista. Las piezas clave serían las cazadoras y pantalones inspirados en el look de los pilotos de carreras, las prendas de punto con textos, y las cazadoras bombers extra largas. Estas piezas acentúan los contrastes en todos los looks”. Online: “Juun.J vende online, sus productos pueden comprarse en grandes minoristas de internet como Ssense o Thecorner.com, y también en tiendas online de grandes almacenes como Saks. Gran parte de los ingresos viene de las tiendas físicas en los mercados globales, pero los ingresos online no pueden pasarse por alto”.

Redes: “Todos en Juun.J las usamos a diario. Utilizamos varias. Instagram lo usamos para publicar noticias más personales o privadas, mientras que Facebook lo usamos para dirigirnos a

TEXTO MONGÓMERI

Uomo es el centro de la moda masculina, y la sensación al terminar el desfile fue mucho más que de alegría. Fue más como la certeza de haber dado un paso más como diseñador”. Stazione Leopolda: “Había unas cuantas localizaciones recomendadas por Pitti Immagine para celebrar el desfile y las exploramos todas. Cada uno de esos espacios eran parte importante de Florencia, espacios históricos muy hermosos. Finalmente seleccionamos la Stazione Leopolda”, la primera estación de ferrocarril de la ciudad, hoy reconvertida en un centro de eventos gestionado por Pitti Immagine. Pitti vs París: “Pitti Uomo es la feria de moda masculina más grande. Es una oportunidad para presentar Juun.J a los compradores y periodistas que no acuden a París, ciudad en la que regularmente presento mis colecciones durante la semana de la moda. En Pitti hay alrededor de 30.000 compradores cada temporada, y ese dato la hace muy atractiva.

Además tiene la ventaja de celebrarse en Florencia, una bella ciudad histórica. Es el único lugar donde puedes ver decenas de miles de personas increíblemente vestidas en pleno centro del Renacimiento”. Florencia: “He estado varias veces en Florencia. La simple idea de planear la visita ya me excita, y eso hace que disfrute mucho más la estancia. Si tuviera que decir las 3 cosas que más me gustan de la ciudad,

Juun.J

45

<www.juunj.com>

todo el público con noticias e imágenes más formales”. Samsung: “Entré en contacto con Samsung en 2008, fue a través de SFDF, una fundación que esponsoriza a jóvenes diseñadores con potencial. En 2010 colaboré con Beanpole, una marca de Samsung C&T Fashion Group, la más grande y mejor compañía de moda en Corea, y tuvimos mucho éxito. Y desde septiembre de 2011 trabajo en Samsung ya que compartimos objetivos y valores similares, el grupo siente gran pasión por la globalización.

Lo mejor de trabajar con Samsung son los recursos humanos. Hay recursos humanos para el diseño, la gráfica, la producción, la comercialización, el marketing… lo que necesites, eso permite que me centre más en el diseño. Samsung pone mucho esfuerzo en la moda. Está Juun.J con presencia en el mercado global, y también el lanzamiento de numerosas marcas en China. Además, tiene muchas relaciones con diversas asociaciones de la moda en el mundo. También apoya a diseñadores emergentes.

Los diseñadores coreanos reciben pocas ayudas, y el apoyo de Samsung puede significar mucho para estas firmas que crean colecciones y venden, desde la posibilidad de utilizar mejores materiales a contar con mayores recursos humanos o la oportunidad de conocer a gente fantástica en el sector”.

46 Fotogramas Cien A帽os de Perd贸n

TEXTO ASIER ITURRATE FOTO DANIEL ALEJANDRO ROD

Daniel Calparsoro echa mano del refranero español para presentar su nuevo thriller, “Cien años de perdón”. Quien fuera el descubridor de Najwa Nimri con su ópera prima “Salto al vacío” y uno de los realizadores más inquietos y adrenalínicos de la ficción patria, ha fichado a una banda de profesionales como Luis Tosar, Rodrigo de la Serna, Patricia Vico y Raúl Arévalo para asaltar las salas de cine con su noveno largo: una de polis y cacos en un banco de Valencia, precisamente…, en la que ni el Gobierno se salva del chaparrón más grande jamás contado.

La trama: “Es una película de robos… con algo más, tiene muchas capas. La trama no está dictada por el guionista o el director, sino que son los personajes los que hacen girar los acontecimientos. El ambiente es frío pero los rostros de los protagonistas son cálidos. No hay blanco o negro, todos tienen algo que esconder y acaban traicionando al que tienen enfrente.

Se mueven en una escala de grises, los ‘buenos’ son ‘malos’ y viceversa”.

Actualidad: “No solo intenta entretener, también retrata a la sociedad española. Este país está corrupto porque somos cómplices y, de alguna manera, en mayor o menor medida, todos participamos de esta situación. ‘Cien años de perdón’ mete el dedo en la llaga con ironía”. Política-ficción: “No es una crónica de la realidad. Aunque tomamos como referencia la actualidad, partimos de la ficción para ser más libres a la hora de hablar sobre la corrupción. Es un tema que nos resulta cercano porque lo estamos viendo todos los días, y además, es el marco idóneo para retratar las relaciones opacas entre los personajes: se engañan continuamente, esa es su manera de relacionarse”. Cine social-denuncia: “No tenemos una tradición tan fuerte como en Estados Unidos, ni contamos con un Costa-Gavras español… El problema es que en este país nunca aceptamos la autocrítica. En ‘Invasor’

incluí la imagen de un soldado español matando a una niña iraquí y a mucha gente le sentó fatal… Dificultaron el estreno y nos hicieron mucho daño.

No tenemos la concepción sajona de que uno puede ser patriota y al mismo tiempo criticar a su propio país.

Cuando uno no acepta sus fallos se estanca… Aunque la industria española es más conservadora, siempre ha existido el cine social-denuncia, a través de realizadores como Fernando León de Aranoa y Eloy de la Iglesia, o con películas como ‘Los santos inocentes’, ‘El crimen de Cuenca’ o, aunque más amarillista, ‘El caso Almería’. Es muy sano que exista y que se siga haciendo”. Salto al vacío: “Empecé a hacer cine por una necesidad de existir como cineasta. Mis primeras películas estaban más cerca del cine de autor, fueron trabajos más íntimos. He ido evolucionando al concepto de director más amplio, pero intento no repetirme ni en la forma ni en el contenido”. Personajes femeninos: “Hay algunos elementos fijos a lo largo de mi filmografía, como los personajes femeninos fuertes.

Hablan de tú a tú a los hombres, son sexis y atrevidas”. Made in USA: “Me ofrecieron hacer el remake de ‘Ausentes’, pero lo rechacé... También estuve dos años trabajando con Sam Raimi y Ghost House Pictures en ‘Burst’, un proyecto que finalmente se cayó por motivos financieros. Era una especie

“Cien años de perdón” se estrena el 4 de marzo

de ‘Diez negritos’ en una zona militar donde a los protagonistas les iba explotando la cabeza… Una ida de olla que tenía mucho punto y para la que ya teníamos los decorados construidos”.

Director’s Cut: “En general, mis películas han envejecido bastante bien.

‘Salto al vacío’ se podría haber hecho hace poco… La recomendaría, junto con ‘Asfalto’ y ‘Combustión’. También las miniseries ‘La ira’ y ‘El castigo’”.

Esta España nuestra: “Aunque el mundo pueda ser una mierda, de vez en cuando, hay alguien que se sale con la suya. ¿Quién no ha soñado alguna vez con atracar un banco? ‘Cien años de perdón’ tiene humor canalla, aunque no es una comedia, y un punto muy popular, en el buen sentido de la palabra. Es una película que se disfruta y se celebra: provoca satisfacción y un subidón. Ahora vamos a meternos con aquellos que nos hacen tanto daño…

Hay muchas ganas de revancha”.

Daniel Calparsoro

47

TEXTO MONGÓMERI

BODEGONES ANDONI BERISTAIN

El día del hijo Celebramos el Día del Padre.

Pero, ¿por qué no el del hijo?

48

El 19 de marzo se celebra en España, y pocos países más, el Día del Padre. En la mayor parte del mundo esta celebración tiene lugar el tercer domingo de junio. Según la Wikipedia, el primer Día del Padre tuvo lugar en Washington el 19 de junio de 1910. En España esta tradición es mucho más reciente, se remonta a 1948. Fue una maestra madrileña quien la instaura: Manuela Vicente Ferrero aka Nely. Todo surgió por culpa de los padres de los alumnos de su escuela. Se quejaron de que en el colegio se potenciara el cariño de los hijos hacia las madres, pero no hacia los padres. Ellas recibían manualidades escolares el Día de la Madre; y los padres, nada. Ellos también querían su propio Día. En 2012, las Naciones Unidas proclaman el 1 de junio como Día Mundial de las Madres y los Padres. Pero en aquella época, eran otros tiempos, a Manuela quizás no se le ocurrió unificar ambos sexos en un solo día. Su única opción fue aprobar la sugerencia paterna, y fijar para su escuela el 19 de marzo, San José, como el Día del Padre. La maestra, al año siguiente, promovió la idea entre otras escuelas a través de Radio Nacional y varios medios impresos. Hasta que la idea llegó a Galería Preciados, la primera empresa que hizo una interpretación comercial

de esta celebración escolar allá por 1953. Pero, hoy, más de medio siglo después, lo que queremos reivindicar es el Día del Hijo. No existe, hay Día del Niño, de la Niña… pero no del hijo adulto, post-adolescente. Hay por ahí algún intento particular de fijar el 1 de enero como Día del Hijo, pero con poco éxito ya que a nadie le quedan fuerzas para celebraciones después de la de Nochevieja. Desde Neo2 nuestra propuesta sería unificar el Día del Padre con el del Hijo. Es decir, el 19 de marzo reciben regalos los padres e hijos varones (y el 1 de mayo los reciben la madres y las hijas). Sinceramente pienso que es una buena idea para incentivar el consumo. Por un lado duplicamos como mínimo la cantidad de regalos, y por otro la cantidad invertida, ya que se presupone que el padre tiene mayor poder adquisitivo que el hijo.

Es una idea que queremos poner en marcha desde ya. Por eso en este número proponemos 3 fragancias para que los padres regalen a sus hijos el 19 de marzo: 3 fragancias que son más que una muestra de cariño, son la prueba de que realmente conoces a tu hijo (te recomiendo que uses una de las corbatas de tu padre como marca-páginas de este artículo para que lo lea).

49

Only the Brave de Diesel ¿Tu hijo tiene un look duro, fuerte, con connotaciones rockeras y una actitud reivindicativa? Entonces Only The Brave es su fragancia. Nadie mejor que sus creadores, Aliénor Massenet y Pierre Wargnye, perfumistas de IFF, para describirla: “La originalidad de la fragancia reside en su sello olfativo de cuero cítrico, moderno y actual. Un cuero poderoso y masculino vivificado e iluminado por energéticas notas de corteza de limón. Un vigoroso dúo de ingredientes que aportan a Only the Brave una personalidad fuerte y singular”. <www.diesel.com> Foto: Andrew Spencer @ unsplash.com

50

Foto : Alejandro Escamilla @ unsplash.com

Code Profumo de Armani

Si tu hijo ha nacido con el dress code genético de la elegancia, le va la sastrería tradicional con algún toque de contemporaneidad, y encima es un poco galán, entonces le encantará la nueva fragancia masculina de Armani. Code Profumo se inspira en la excelencia impecable de un smoking Giorgio Armani. Una fragancia con una presencia impresionante, perfecta para seductores. Fresca de salida pero muy sensual en el fondo. <www.armanibeauty.com>

51

Polo Blue de Ralph Lauren A tu hijo le encanta moverse y deslizarse, en bici o en cualquier tipo de tabla, ya sea de skate, snow o surf. El caso es no parar. Parece que Carlos Benaim, perfumista de IFF, pensó en él cuando creó Polo Blue de Ralph Lauren. Una fragancia que personifica la masculinidad y la energía del deportista moderno: Fresca, acuática y vigorizante.

Melón, pepino fresco, bergamota, albahaca, salvia sclarea, geranio, ante, madera ámbar, pachuli y almizcle blanco son sus ingredientes. <ralphlauren.com> Foto: Christopher Campbell @ unsplash.com

TEXTO MONGÓMERI

Feriantes

52

A

El pasado mes de enero se celebró en Florencia la edición 89 de Pitti Uomo, la feria más importante de la moda masculina.

Una superficie de 60.000 metros cuadrados que en esta ocasión ha alojado a 1.205 marcas y 35.000 feriantes, entre compradores, prensa y visitantes. Aprovechamos la cita para hablar de ferias, moda, hombres y comercio con algunos de los protagonistas de la feria: Raffaelo Napoleone, CEO Pitti Immagine; Julien Duval, Element - VP Global Marketing; Adam Weir, Vicepresidente de Diseño de Original Penguin; Natalie Suessmann, Chief Marketing Officer de Bench; Lello Caldarelli, Director Creativo de Antony Morato.

A. Pitti people. Foto: Enrico Labriola —

B. Pitti Social People: Ernesto D’Argenio Foto: Enrico Labriola

C. Especial adidas Originals by White Mountaineering. Foto: Vanni Bassetti

¿Crees que la industria de la moda masculina algún día será igual de potente que la femenina?

Raffaello Napoleone (Pitti)

En mi opinión ya lo es. En términos de facturación y teniendo en cuenta los datos básicos relacionados con la fabricación en Italia, la moda femenina probablemente en el futuro tenga una pequeña ventaja. Sobre todo porque los accesorios de mujer son más populares y hay muchos más estilos. Y recordemos también que en el mundo hay más mujeres que hombres. En términos de diseño, ambos sectores son muy creativos. Los hombres han roto fronteras y no están obligados a llevar una especie de uniforme en forma de traje.

Julien Duval (Element)

No tengo los últimos datos, pero las ventas de moda masculina están creciendo a un ritmo más alto que las de la moda femenina y calzado. Es un efecto orgánico, los hombres son cada vez más conscientes de la moda a través de medios de comunicación especializados y blogs. Ahora los hombres tienen acceso a una gama mas amplia de marcas y productos, desde minoristas de moda rápida a marcas de lujo.

B

Adam Weir (Original Penguin)

La disponibilidad de información para hombres sobre estilo y formas de vestir se ha alejado de las publicaciones tradicionales en beneficio de blogs y plataformas sociales. Esto ha despertado en el hombre un interés por cómo combinar la ropa, y los minoristas están aprovechando esto. Sin embargo, hay un largo camino hasta que se pueda equiparar con la industria de la moda femenina.

C

Natalie Suessmann (Bench)

Lello Caldarelli (Antony Morato)

La ropa femenina es lo más en moda, y esto nunca va a cambiar. Pero los hombres se están poniendo al día, piensan en su personalidad, su estilo… y saben más de tendencias que nunca. Y una de las razones por las que lo hacen es que a las mujeres les gusta.

Tenemos la certeza de que “hay un hombre nuevo en la ciudad”, más consciente de su estilo y cómo expresarse a través de la moda. Este es el hombre que describimos en nuestra nueva campaña publicitaria “#I Am Who I Am”. A este hombre no le preocupa lo que piensen de él, se representa a sí mismo con orgullo a través de su estilo de vida y su forma de vestir. Es el comienzo de un nuevo hombre, por lo que las marcas tienen que apoyarle y orientarle. Y esto no es una tendencia temporal, es un cambio real.

53

D. Pitti Uomo 89: The Latest Fashion Buzz Foto: Vanni Bassetti

E. Pitti Uomo 89: la manifestazione Foto: AKAstudio-collective

—

Dicen que estamos en el año cero de la realidad virtual, ¿puede que en un futuro una feria como Pitti se celebre virtualmente?

Raffaello Napoleone (Pitti)

No creo para nada que vivamos en una realidad E virtual. En realidad lo que necesitamos son relaciones más físicas y fuertes para enriquecer la era digital que vivimos. Nuestros ‘mundos digitales’ son una herramienta para vivir nuestra vida física. Pitti Immagine lleva invirtiendo en tecnología digital desde hace mucho. Hemos creado junto a FieraDigitale la plataforma digital e-Pitti.com dedicada a la industria de la moda. Alberga las colecciones, los productos y las tendencias durante 9 semanas después de que la feria física haya terminado. Por ejemplo, la última edición de Pitti Uomo muestra 920 marcas representadas por más de 30.500 imágenes y vídeos. Esto quiere decir que creemos firmemente en el futuro digital de la industria de la moda. Pero por otra parte también estamos convencidos de que todo esto solo puede existir si está acompañado de una feria física. E-Pitti.com no existiría sin las exposiciones y eventos en Florencia. Y esta es la primera y más básica suposición.

Julien Duval (Element)

Lo virtual será parte del futuro. Creo que se mantendrá el formato tradicional de feria por unos años. En función del posicionamiento y el ciclo de desarrollo de cada marca, una feria puede servir para impulsar el crecimiento de la marca.

Una feria como Pitti es una gran plataforma para mostrar la progresión orgánica de la marca Element. Aquí podemos exponer la marca y su cultura a una audiencia amplia y cualitativa, tanto medios como clientes.

Adam Weir (Original Penguin)

En la moda disponemos de tecnología de vanguardia desde hace muchos años.

Los diseños virtuales en 3D se lanzan continuamente como el futuro sustituto del proceso tradicional de muestras y prototipos. Aunque creo que nada puede reemplazar el tacto de un tejido o la visión de un color sobre la tela. Aunque a juzgar por el aumento de ventas online de ropa puede que el consumidor final esté más preparado que los que escogen las diseños para ellos.

Natalie Suessmann (Bench)

Nunca jamás. La gente de la moda adora quedar, conocer, hablar, mirar y sentir el espíritu de su tiempo.

Lello Caldarelli (Antony Morato)

La realidad y la virtualidad vivirán juntas, añadiendo medios de expresión para estar en contacto con las figuras clave de las marcas. Las ferias tradicionales serán relevantes en el futuro, la realidad virtual creará oportunidades que generen puntos de contacto a lo largo del año. También servirá para contar historias adicionales sobre las marcas.

D

54

F. L’Altro Uomo @ Pitti Uomo 89 Foto: AKA studio-collective

G. Pitti 89 People. Foto: Enrico Labriola

Con el incremento de la moda online y fórmulas de negocio como Amazon, el mega gran almacén de moda online global, ¿qué sentido puede tener la feria como punto de encuentro entre marcas y compradores de tiendas?

Raffaello Napoleone (Pitti)

Sin duda, las compras online están aumentando y continuarán haciéndolo. Las marcas tendrán acceso a una cantidad potencial de compradores que hace unos años ni esperaría alcanzar. Pero las ferias como Pitti seguirán existiendo, siendo fundamentales para los profesionales y compradores como punto de encuentro físico para conocerse, ver las colecciones, interactuar, tomar decisiones y trabajar en equipo sus estrategias. Después de eso pueden continuar vía online para definir todas las opciones. Pero siempre será parte de la interacción física, no al revés. Y el resto de tiendas sobrevivirán también, por supuesto, por la misma razón: cuanto más miremos a la tecnología, más necesitaremos la interacción física.

Julien Duval (Element)

No hay duda de que la tendencia online irá en aumento en la mayoría de los bienes de consumo. Pero creo también que aun habrá oportunidades para las tiendas físicas dentro de una estrategia de integración de canales omni-direccional. Las flagship store y las boutiques independientes, de fuertes ladrillos y conceptos, que ofrezcan experiencias elevadas y genuinas al consumidor, también prevalecerán. La generación del milenio ha crecido en la era digital, pero creo que ya está buscando experimentar las cosas de primera mano, y volver a descubrir el valor y la satisfacción de las compras físicas.

F

Adam Weir (Original Penguin)

Las ferias se han convertido en grandes plataformas para las marcas, para promocionarse en la industria y de alguna forma entre sus colegas. Pitti Uomo, por ejemplo, se ha convertido en un evento que va más allá de lo que es una feria tradicional donde la gente solo hace pedidos para las próximas temporadas. Pitti es más un festival de moda, donde se celebra abiertamente la ropa masculina.

Natalie Suessmann (Bench)

Las ferias y las tiendas son el crisol de la moda, expresan todas sus facetas pertinentes: creatividad, innovación, gente fascinante, locura, sensaciones, tacto.

Si se hace de la manera correcta, la realidad siempre ganará a la ficción.

Lello Caldarelli (Antony Morato)

La diferencia entre el cine y la televisión no es el contenido, sino la experiencia que ofrecen: la pantalla grande, cada vez más grande, el audio… incluso las palomitas. Lo mismo ocurre con las tiendas, sobrevivirán y prosperarán si son capaces de garantizar experiencias al cliente: grandes visuales de merchandising, buen equipo de ventas, buena localización, buen mobiliario, y así, todo.

G

55

El acrónimo de Make Up & Hair, suena como un beso. Pues mil muahs les doy desde aquí a los equipos de Redken y M·A·C Cosmetics por descubrirme desde el backstage de la pasarela 080 Barcelona Fashion cómo hacer realidad las propuestas de peluquería y maquillaje de 3 de nuestras firmas favoritas: Miriam Ponsa, Sita Murt y Menchén Tomàs. En este artículo os transcribo los secretos de las profesionales.

Fotógrafo MANU CUARTERO & KIKE MIRANDA

Peluquería TEEN & TRENDS by Raffel Pagés para REDKEN <www.redken.com.es>

Maquillaje M·A·C Cosmetics <www.maccosmetics.es>

56

Texto LILU DIAZ DE QUIJANO

MIRI A M P ONS A LOOK CONTROLADO

THE FACE

Redken y el equipo de Teen & Trends

by Raffel Pagés: “El coraje de un sueño es la inspiración de Miriam Ponsa para crear esta colección. Mujeres pioneras, aviadoras, que volaban en la pasarela con gorros craneales realizados en distintos materiales. Un look limpio y controlado, con todo el cabello peinado en la misma dirección. Peinamos la melena hacia atrás, con ayuda de la laca Control Addict 28, para fijar el cabello, uniéndolo en el punto de la nuca, sin sujetar con clip.

Para terminar el look, dejamos que la melena en bloque caiga por la espalda de forma natural. Para potenciar el brillo, pulverizamos Shine Flash 02 sobre todo el cabello, para un look sobrio y controlado”.

Maite Tuset, M·A·C Senior Artist, España y Portugal: “Sobriedad, serenidad y templanza con un toque de modernidad.

Inspirado en las mujeres aviadoras, no hay un mínimo signo de género en el look. Una piel casi desnuda, sin rastros visibles de productos cosméticos.

La piel completamente mate es la clave.

La información está en los diseños de Miriam Ponsa, el rostro se muestra tal cual. Cubrir pequeñas imperfecciones con Studio Fix Fluid SPF 15 en aplicaciones mínimas, Blot Powder para borrar cualquier muestra de sensación orgánica en la piel, cejas perfectamente peinadas y pestañas rizadas. Labios limpios, vírgenes y desprovistos de cualquier brillo natural”.

A

B

C

D

A. Control Addict 28 Redken: 19 euros B. Shine Flash 02 Redken: 22,80 euros C. Studio Fix Fluid SPF 15 M·A·C: 31 euros D. Clear Brow Set M·A·C: 17,50 euros

57

58

SITA MURT MELENA CON MOVIMIENTO

BRONZE EYES

Xesca Forné, Directora Creativa Raffel Pagés: “Para Sita Murt representamos a una mujer muy femenina pero urbana, que quiere sentirse cómoda, guapa y segura.

Preparamos el cabello con Full Ellect 04, que sirve de base para dar forma al pelo y aportar grosor en la melena. Con ayuda de una tenacilla gruesa realizamos una onda no muy marcada para conseguir un gesto en el cabello. La raya la realizamos donde caiga naturalmente, ni ladeada, ni en medio. Un look elegante con una melena llena de movimiento gracias al último toque de Fashion Waves 07, que evoca esa onda sutil y sofisticada”.

Maite Tuset, M·A·C Senior Artist, España y Portugal: “El lujo y la sofisticación como punto de partida a través de una piel impecable y una mirada con reflejos cobrizos. Trabajar la piel exclusivamente en las zonas en las que sea necesario con Studio Waterweight Foundation SPF30. Dar textura e iluminar el rostro con Strobe Cream en el arco de cupido, la parte alta del pómulo y en el tabique de la nariz. Delinear la parte externa del ojo con Fluidline Blacktrack difuminándolo hacia la sien para rasgar y alargar el ojo. Aplicar el pigmento Cooper Sparkle o una sombra bronce en el párpado.

Múltiples capas de máscara de pestañas In Extreme Dimension Lash para abrir al máximo la mirada”.

59

A

B

C

D

A. Full Ellect 04 Redken: 22,80 euros B. Fashion Waves 07 Redken: 22,80 euros C. Studio Waterweight Foundation SPF30 M·A·C: 33 euros D. In Extreme Dimension Lash M·A·C: 24 euros

A

B

C

D

A. Wax Blast 10 Redken: 22,80 euros B. Quick Tease 15 Redken: 19 euros C. Eye Shadow x 9 Amber Times Nine Eye Palette M·A·C: 41,50 euros D. Diva Lipstick M·A·C: 19,50 euros

MENCHÉN TOMÀ S

60

COLETA BAJA

BURGUNDY LIPS

Soledad Rebollar, Redken Stylist Manager: “Sofisticación como máximo exponente de la nueva colección de Menchén Tomàs, que acompañamos con una imagen limpia y sencilla para resaltar la belleza de la mujer. Realizamos una raya central limpia, después con ayuda de un peine, crepamos ligeramente las raíces y utilizamos Wax Blast 10 para transformar la superficie del cabello y aportar un volumen increíble. Por último unimos los mechones y realizamos una coleta baja, dejando el cabello de la nuca sin coger. Aplicamos el spray de fijación Quick Tease 15 sobre todo el cabello y envolvemos en la zona de la goma los mechones sueltos con la ayuda de unas horquillas. Un look limpio y pulido”.

Maite Tuset, M·A·C Senior Artist, España y Portugal: “Diseños frescos, juveniles y urbanos con dosis de feminidad y elegancia extremas. Resultados clásicos en cuanto a la estructura final del look con técnicas que le aportan modernidad. Piel perfecta con Studio Waterweight Foundation. Mineralize Powder para controlar los brillos en la zona central del rostro. Los ojos ligeramente ahumados con sombras naturales en tonos marrones de la paleta Eye Shadow x 9 Amber Times Nine, acompañados de un elemento estrella de la temporada, la máscara de pestañas sin control. Los labios embalsamados en un borgoña intenso como Diva Lipstick. Un look elegante y contemporáneo.”

61

Gafas Michael Kors <michaelkors.com> + Camisa & Americana DSQUARED2 <dsquared2.com> + Jeans ELEMENT <elementbrand.com>

62

FOTÓGRAFO VINCENT URBANI

ESTILISTA JAVIER DE JUANAS

RETOQUE DIGITAL DAVID LORENZO

TEXTO MANU ROMERO

MUAH CARMEN BENA

PLATÓ LUBECK99 MADRID

Aldo Comas 63

Nada tiene que ver Aldo Comas con la imagen de extravagante it boy que algunos medios han tratado de vendernos.

Un artista hecho a sí mismo, de sangre renacentista, y que lo mismo compone una canción para su grupo San Leon, como salta a miles de metros del suelo, dada su pasión por volar. Un tipo de diálogo aplastante, buenas maneras, y un punto canalla que no defrauda, gana en el frente a frente y vibra en pop sintético.

‘Revolution’ (Subterfuge) es su segundo y último disco y nosotros no podemos por más que gritar: ¡Larga vida San Leon!

Dicho queda.

ALDO COMAS: “Es un hombre del Renacimiento en la posmodernidad, porque como hace de todo, no puede encasillarse o definirse en un solo rol”.

MÚSICA: “A los 5 años bailaba sobre las mesas de mi cuarto con los discos de Michael Jackson. Mi primer casete fue su Dangerous y aunque suene raro soñaba con ir a Neverland, aunque luego con los años me lo replanteé. En los festivales del colegio siempre me ponían como lead singer. Hice ABBA, El fantasma de la Ópera, Jesucristo Superstar, incluso hice de Rumpelstiltskin. Empecé a tocar la guitarra con 7 años, aunque creo que la toco igual de mal que entonces y así hasta que llegué a la universidad donde creé mi primer grupo, Los Guisantes Mágicos, me junté con los Extraperlo y sacamos disco. Mientras tanto también pinchaba y me fichó Sinnamon Records. De ahí pasé a otro sello y actualmente estoy en Subterfurge, que llevan 30 años, no han cerrado y forman parte de nuestra historia musical ibérica”.

REVOLUTION: “Es una revolución a nivel personal que me ha permitido pasar de hacer pop y música más orgánica a música electrónica. Es un trabajo con la voz mucho más contenido, tirando hacia Michael Jackson y a Drake y no tanto al crooner estilo Brian Ferry. Estos cambios se notan mucho en directo. Cada canción tiene su pequeña historia detrás. Queremos seguir explorando”.

ESENCIA: “Siempre te guardas algo. El arte son tópicos, no es una operación a corazón abierto. El que escuche mis letras se dará cuenta que no soy solo el de los zorros. Hablo de la belleza,

“Escucho todo tipo de música, desde Cat Power a flamenco, pasando por una chanson francesa, música africana, rumba congolesa, hip hop, rock and roll o la lista de súper éxitos con Beyoncé, Rihanna, Christina Aguilera o Kanye West. Si hablamos de cine, me gusta cualquier género aunque prefiero el cine bélico (también suelo disparar) o el épico, donde no se escatime en gastos. En series, clásicos como The Wire, Los Soprano,

64

REVOLUTION: “Es una revolución a nivel personal que me ha permitido pasar de hacer pop y música más orgánica a música electrónica. Es un trabajo con la voz mucho más contenido, tirando hacia Michael Jackson y a Drake y no tanto al crooner estilo Brian Ferry. Estos cambios se notan mucho en directo. Cada canción tiene su pequeña historia detrás. Queremos seguir explorando”. ESENCIA: “Siempre te guardas algo. El arte son tópicos, no es una operación a corazón abierto. El que escuche mis letras se dará cuenta que no soy solo el de los zorros. Hablo de la belleza, la vida, la muerte, los vicios, las virtudes. Algunas son más explícitas y otras no tanto pero se me puede llegar a conocer mucho más leyendo una canción mía que en cualquier otro formato”.

INSPIRACIÓN: “A grandes rasgos he escrito un poco sobre todo.

Nunca he escrito una canción sobre los berberechos en escabeche, por ejemplo. Ni tampoco sobre la resurrección en vida que tiene que ver con la corriente agnóstica del cristianismo. Todos debemos volver a nacer para ser hombres justos y perfectos”.

HOBBIES: “Llevo 12 años siendo paracaidista, es mi gran pasión.

Tengo algo más de 4.000 saltos, soy instructor, vuelo con el equipo Babylon Freefly, equipo histórico, y organizo eventos temáticos de paracaidismo. Podría perder casi todo, pero si tengo un avión para subir y volar… Es la conexión con la naturaleza más grande que existe”. MODA: “Me gusta lo trasgresor y lo nuevo, pero también me fijo en Hemingway, Belmondo o Gaingsbourg.

La moda es un complemento del ser humano, no al revés. Si tuviera que hablar de la moda, hablaría de la persona que está detrás, los valores que representa”. TRIBUS URBANAS: “Me hubiera gustado ser mod. Ese punto rocker, anfetaminas y alcohol. También me gusta la gente que suele ir al Burning Man en Nevada.

He pasado por muchas”. LOS FAVORITOS: “Escucho todo tipo de músicdesde Cat Power a flamenco, pasando por una chanson francesa, música africana, rumba congolesa, hip hop, rock and roll o la lista de súper éxitos con Beyoncé, Rihanna, Christina Aguilera o Kanye West. Si hablamos de cine, me gusta cualquier género aunque prefiero el cine bélico (también suelo disparar) o el épico, donde no se escatime en gastos. En series, clásicos como The Wire, Los Soprano, The Shiled, House of Cards, Southpark, Padre de Familia son mis recurrentes. La que se avecina también la veo de vez en cuando. Netflix conectado a la Apple TV es gloria pura. Si me dejas recomendarte un libro, ‘000’ de Roberto Saviano es espectacular”. BORNE CENTRE CULTURAL: “Criticaron mucho mi opinión al respecto, pero es que es una vergüenza que

Gafas CARRERA <carreraworld.com> + Americana & Jersey DIOR HOMME <dior.com> + Camisa HOMINEM <elcorteingles.es> + Pantalón & Botines SANDRO <sandro-paris.com>

la vida, la muerte, los vicios, las virtudes. Algunas son más explícitas y otras no tanto pero se me puede llegar a conocer mucho más leyendo una canción mía que en cualquier otro formato”.

INSPIRACIÓN: “A grandes rasgos he escrito un poco sobre todo.

Nunca he escrito una canción sobre los berberechos en escabeche, por ejemplo. Ni tampoco sobre la resurrección en vida que tiene que ver con la corriente agnóstica del cristianismo. Todos debemos volver a nacer para ser hombres justos y perfectos”.

HOBBIES: “Llevo 12 años siendo paracaidista, es mi gran pasión.

Tengo algo más de 4.000 saltos, soy instructor, vuelo con el equipo Babylon Freefly, equipo histórico, y organizo eventos temáticos de paracaidismo. Podría perder casi todo, pero si tengo un avión para subir y volar… Es la conexión con la naturaleza más grande que existe”.

MODA: “Me gusta lo trasgresor y lo nuevo, pero también me fijo en Hemingway, Belmondo o Gaingsbourg. La moda es un complemento del ser humano, no al revés. Si tuviera que hablar de la moda, hablaría de la persona que está detrás, los valores que representa”.

TRIBUS URBANAS: “Me hubiera gustado ser mod. Ese punto rocker, anfetaminas y alcohol. También me gusta la gente que suele ir al Burning Man en Nevada. He pasado por muchas”.

LOS FAVORITOS: “Escucho todo tipo de música, desde Cat Power a flamenco, pasando por una chanson francesa, música africana, rumba congolesa, hip hop, rock and roll o la lista de súper éxitos con Beyoncé, Rihanna, Christina Aguilera o Kanye West. Si hablamos de cine, me gusta cualquier género aunque prefiero el cine bélico (también suelo disparar) o el épico, donde no se escatime en gastos. En series, clásicos como The Wire, Los Soprano, The Shiled, House of Cards, Southpark, Padre de Familia son mis recurrentes. La que se avecina también la veo de vez en cuando. Netflix conectado a la Apple TV es gloria pura.

Si me dejas recomendarte un libro, ‘000’ de Roberto Saviano es espectacular”.

BORNE CENTRE CULTURAL: “Criticaron mucho mi opinión al respecto, pero es que es una vergüenza que se gasten millones en hacer esa chorrada monotemática para que entres dentro y te encuentres un espacio desaprovechado con carteles que ponen a los Borbones con cuernos, un bar de Moritz con empanadas de mayonesa, una librería con libros de independentismo… Me parece muy bien que se dé cabida a cualquier ideología pero que hagan este vuelco económico en un edificio tan bonito con ruinas de 1714 y hagan eso, lo encuentro patético. ¿Centro cultural? ¡Qué incultura!”.

INDEPENDENCIA: “En un principio lo pasé muy mal porque hay mucho fanatismo. Ahora veo que ha sido una moda que está cayendo porque no tiene sentido, ni apoyos. La idea que nos venden no es un discurso ni romántico ni bonito”.

CRÍTICAS: “Cuando lo hacen por los zorros que suelo llevar, me río. Lo mejor es ignorarlas. Siempre decimos que no nos afectan

65

“Me gusta lo trasgresor y lo nuevo, pero también me fijo en Hemingway, Belmondo o Gaingsbourg. La moda es un complemento del ser humano, no al revés.

Si tuviera que hablar de la moda, hablaría de la persona que está detrás, los valores que representa”.

Total Look AVELLANEDA <avellaneda.eu>

Camisa & Chaqueta AVELLANEDA <avellaneda.eu> + Gafas RAY-BAN <ray-ban.com>

—

hasta que se meten con nuestra madre. Lo que me gusta es la gente consecuente”.

CONSEJO: “La boca callada. Peco de hablar demasiado y de involucrarme en las cosas de otros. Soy muy expansivo. Para evitar eso, intento ser discreto. La discreción tiene que ver con la educación y no tanto por cómo vistas” FUTURO: “Quiero ser feliz, disfrutar de mi familia y seguir haciendo las cosas que me ponen cachondo como volar, crear túneles de viento con mi empresa Skydream Factory, diseñar monos de paracaidismo (Giconi.es) o hacer música. Pendiente tengo hacer el Salto Ángel en Venezuela, pasarme 8 días en el Six Senses de Maldivas y hacerme toda la ruta de restaurantes con estrella Michelin del mundo que pueda”.

MACARENA GÓMEZ: “Nos conocimos en Argentina y me encantó lo guapa que era. Le dije: ‘Ostras, te pareces a Miércoles Adams’. Nos sentamos, hablamos y nos dimos los números. No tenía ni idea de quién era. Así empezó todo”.

El 2 de Abril San Leon presentan ‘Revolution’ en Madrid, en El Sótano

66

Gafas DOLCE&GABBANA <dolcegabbana.com> + Camisa, Americana & Pantalón AVELLANEDA <avellaneda.eu> + Zapatos JIMMY CHOO <jimmychoo.com>

INSPIRACIÓN: “A grandes rasgos he escrito un poco sobre todo.

Nunca he escrito una canción sobre los berberechos en escabeche, por ejemplo. Ni tampoco sobre la resurrección en vida que tiene que ver con la corriente agnóstica del cristianismo. Todos debemos volver a nacer para ser hombres justos y perfectos”.

HOBBIES: “Llevo 12 años siendo paracaidista, es mi gran pasión.

Tengo algo más de 4.000 saltos, soy instructor, vuelo con el equipo Babylon Freefly, equipo histórico, y organizo eventos temáticos de paracaidismo. Podría perder casi todo, pero si tengo un avión para subir y volar… Es la conexión con la naturaleza más grande que existe”.

MODA: “Me gusta lo trasgresor y lo nuevo, pero también me fijo en Hemingway, Belmondo o Gaingsbourg. La moda es un complemento del ser humano, no al revés. Si tuviera que hablar de la moda, hablaría de la persona que está detrás, los valores que representa”.

TRIBUS URBANAS: “Me hubiera gustado ser mod. Ese punto rocker, anfetaminas y alcohol. También me gusta la gente que suele ir al Burning Man en Nevada. He pasado por muchas”.

LOS FAVORITOS: “Escucho todo tipo de música, desde Cat Power a flamenco, pasando por una chanson francesa, música africana, rumba congolesa, hip hop, rock and roll o la lista de súper éxitos con Beyoncé, Rihanna, Christina Aguilera o Kanye West. Si hablamos de cine, me gusta cualquier género aunque prefiero el cine bélico (también suelo disparar) o el épico, donde no se escatime en gastos. En series, clásicos como The Wire, Los Soprano, The Shiled, House of Cards, Southpark, Padre de Familia son mis recurrentes. La que se avecina también la veo de vez en cuando. Netflix conectado a la Apple TV es gloria pura.

Si me dejas recomendarte un libro, ‘000’ de Roberto Saviano es espectacular”.

BORNE CENTRE CULTURAL: “Criticaron mucho mi opinión al respecto, pero es que es una vergüenza que se gasten millones en hacer esa chorrada monotemática para que entres dentro y te encuentres un espacio desaprovechado con carteles que ponen a los Borbones con cuernos, un bar de Moritz con empanadas de mayonesa, una librería con libros de independentismo…

Me parece muy bien que se dé cabida a cualquier ideología pero que hagan este vuelco económico en un edificio tan bonito con ruinas de 1714 y hagan eso, lo encuentro patético. ¿Centro cultural? ¡Qué incultura!”. INDEPENDENCIA: “En un principio lo pasé muy mal porque hay mucho fanatismo. Ahora veo que ha sido una moda que está cayendo porque no tiene sentido, ni apoyos.

“Quiero ser feliz, disfrutar de mi familia y seguir haciendo las cosas que me ponen cachondo como volar, crear túneles de viento con mi empresa Skydream Factory, diseñar monos de paracaidismo (Giconi. es) o hacer música. Pendiente tengo hacer el Salto Ángel en Venezuela, pasarme 8 días en el Six Senses de Maldivas y hacerme toda la ruta de restaurantes con estrella Michelin del mundo que pueda”.

67

TEXTO POPY BLASCO

La (Re)generación

68

De izquierda a derecha y de abajo a arriba: Lolita (maquilladora), Angela Huete (it-girl, musa de nuevos realizadores), Soraya aka AaliyaahRosales (artista, estilista, performer), María Forqué (actriz, artista, performer), Denys Pivtorak (modelo e it-boy), Edrien Guillermo (modelo, it-boy, club-kid), Victor Nouman (arquitecto y diseñador), Sansano (artista, club-kid, performer), Filip Custic (fotógrafo, artista, modelo, estilista), Brianda Fitz James Stuart (diseñadora de estampados, artista, it-girl), Victor y María Ke Fisherman (diseñadores).

FOTOS JUAN ACHIAGA

Se respiran nuevos aires en las calles. De repente, después de mucho tiempo, parece que de nuevo todo es posible. Entre los millennials y la generación Z, apoyados en el colectivo pero sin renunciar a su propia personalidad individual, sin esperar nada de nadie y más conectados que nunca. Ha llegado su momento.

Son la (Re)Generación.

69

De izquierda a derecha y de abajo a arriba: Laura Vandall (estilista, it-girl, promotora de clubs), Violeta Dai (It-girl), Paco Bezerra (dramaturgo), Tábata Pardo (Fuckaine), Serge Gonzalez (realizador, guionista, creativo publicitario), Alvaro Poch (modelo e it-boy), Jorge Penadés (diseñador de producto), Israel Cascón (diseñador y dj), Laura Put (actriz, dj, it-girl), Oscar Espirita (poeta), Andrés Borque (cantante, promotor de clubs), Fran Meneses (Fuckaine), Dalila Virgolini (artista, cantante de Calor Humano), Popy Blasco (cronista), Andrés Sierra (ilustrador, diseñador).

De izquierda a derecha y de abajo a arriba: Soraya aka AaliyaahRosales, Victor Nouman, María Forqué, Laura Vandall, Lolita, Filip Custic, Jorge Penadés, Victor y María Ke Fisherman, Fran Meneses y Tábata Pardo.

—

70

Abrigadísimos, van llegando con cuentagotas los protagonistas de nuestro reportaje. La mayoría nos conocemos.

De salir y de Instagram. Instagram ha sustituido al club. Pero en Instagram no te puedes emborrachar… “Las redes sociales son la nueva plaza del pueblo donde los niños se conocen – nos cuenta Filip Custic, artista, fotógrafo y estilista, que siempre hace equipo con Kito Muñoz.

Juntos han llegado a hacer campañas online para Lacoste, todo gracias a la obra que muestran a través de iG- Ahora puedo tener amigos virtuales a los que elijo en base a las vibraciones que me dé su perfil”. Todos llegan a la sesión de fotos con buena cara. Trasnochan, pero si hay que levantarse pronto madrugan. Todos, además de hacer cosas, generan mucho movimiento a su alrededor. Algunos telediarios hablan de recuperación, de que se ha acabado la crisis, pero da igual: los más jóvenes de la pandilla, como Ángela Huete o Edrién Guillermo, no han conocido otra cosa. Ya no piden becas ni subvenciones: emprenden, montan cosas, se organizan su movida. Israel Cascón y Andrés Sierra montaron su marca de camisas, Hosoi, sin pedir ayudas gubernamentales.

María y Victor, los María Ke Fisherman, traductores del movimiento net-art en prendas, tres cuartas partes de lo mismo.

Serge no esperó a que un canal comprase su formato: El Piso es la webserie más generacional de manera espontánea.

Internet les hace grandes. Laura Put, una de las actrices protagonistas de El Piso, conoce bien la escena off teatral, alejada de lo institucional. Andrés Borque es cantante y también ha aprendido a ser promotor nocturno mientras se lo pasaba bien saliendo. Laura Vandall, además de trabajar de estilista, también se convierte en empresaria nocturna gracias a su experiencia en la incombustible noche de Madrid. ¿Una generación como todas las demás anteriores? Ni lo más mínimo. “Ahora la tecnología nos hace poder alcanzar nuestros sueños”, nos cuenta Sansano, artista y club kid que

haría palidecer al mismísimo Michael Alig. Hoy ha venido vestido como una estrepitosa mezcla de María Antonieta y Marge Simpson rapera extraterrestre.

“Eso es cierto –añade Serge Gonzálezpero precisamente por eso cada vez es más complicado destacar entre tanta expresión creativa y tanto ruido”.

“Es que hay que trabajar mucho más para poder destacar y aportar algo realmente nuevo en un mundo en el que parece que ya está todo inventado”, apostilla Laura. Para los integrantes del grupo Fuckaine “hace años podías creerte que eras súper original y que eras la única

“Creemos que hay una necesidad de construir narraciones complejas reeditando lo que ya existe.

Lo que nos diferencia de otras generaciones es precisamente esa visión múltiple e interescalar” (Victor Nouman) persona del mundo haciendo lo que hacías y ahora te das cuenta de que NO”.

“En cualquier caso –nos dice Lolita, maquilladora profesional, ganadora de un Goya a Mejor Maquillaje por Las Brujas de Zugarramurdi, de Álex de la Iglesia - hemos perdido el miedo a equivocarnos”. Denys Pivtorak, modelo, it-boy instagramer, y representante de la nueva androginia, y el dramaturgo Paco Bezerra (Premio Nacional de Literatura Dramática, él sí ha almorzado con los Reyes) coinciden en que vivimos en la era de “la revisitación”. Pero Soraya, AaliyaahRosales en Instragam, artista performer, estilista e icono del momento, nos explica que aunque parezca que ya está todo inventado “lo que sí que es nuevo es el lenguaje con el que trasmitimos nuestros códigos visuales.

Hoy todo va mucho más rápido que antes. En una semana puede ocurrir en las redes sociales lo que antes ocurría

en un año”. Mil canciones, mil gifs, mil fotos, youtubes, vines… Sobredosis de información. Ya no tenemos tiempo de leer el artículo entero, ahora leemos solo el titular. No puedo ver un tráiler de dos minutos, mejor que sea un microvideo de 6 segundos y si es un snapchat mejor. “Creemos que hay una necesidad de construir narraciones complejas reeditando lo que ya existe. Lo que nos diferencia de otras generaciones es precisamente esa visión múltiple e interescalar”, nos cuenta Victor Nouman, arquitecto y diseñador de moda en AtelierTeratoma y en su firma Victornouman, respectivamente. Por su parte, Jorge Penadés, diseñador de producto, asegura que “las generaciones anteriores, aunque pueda parecer lo contrario, estaban mucho más centradas en la forma que en el contenido.

Cualquier idea era realizable pues los recursos económicos eran infinitos. En el contexto actual eso es impensable, vivimos en una realidad darwiniana en la que sólo las mejores ideas sobreviven.

Somos mas responsables. Hay una consciencia colectiva de que el fin ya no es económico” Brianda Fitz James Stuart, diseñadora de estampados, representante de la nueva aristocracia española y todo un icono para los scuppies, encuentra otra lectura en el reverso de esta: “Precisamente al haber menos recursos económicos ahora los creativos tenemos grabado a fuego que nuestras creaciones deben de ser comerciales, antes no se tenía tan en cuenta y había más libertad en ese terreno. Pero por otro lado, siempre he creído que la imaginación y creatividad puede con todos los condicionantes”.

Para Violeta Dai, otro de los iconos femeninos del Madrid de ahora, “hay un renacimiento artístico como una forma de huir del presente, como un modo de demandar un cambio”. “Internet nos ha abierto el espectro y nos ha educado visualmente”, dice la artista Dalila Virgolini, pero Violeta tiene un temor: “Viviendo en internet buscamos

71

De izquierda a derecha y de abajo a arriba: Dalila Virgolini, María Forqué, Sansano, Israel Cascón, Filip Custic, Alvaro Poch, Serge González, Andrés Sierra, Paco Bezerra y Oscar Espirita.

De izquierda a derecha y de abajo a arriba: Andrés Sierra, Laura Put, Israel Cascón, Alvaro Poch y Lolita.

—

mundos fantásticos donde empaparnos abstrayéndonos de los problemas. Pero, al mismo tiempo, no podemos ignorar el clima de tensión y dolor que nos llega desde la calle, no podemos obviar lo que siente el mundo, y todo esto también nos afecta y nos condiciona a la hora de expresarnos”. Para María Forqué, actriz y artista performer, “ahora todos unificamos disciplinas y no solo usamos las redes sociales para difundirlas: la red social se convierte en la obra misma”.

Cómo será el futuro… Brianda cree que una cosa o la otra: “Mi lado pesimista me dice que en muy poco viviremos en un

“En el futuro las etiquetas perderán importancia y las líneas de género se harán invisibles. La ciencia nos hará más perfectos pero más aburridos, y los hombres podremos quedarnos embarazados con úteros creados por impresoras 3D” (Oscar Espirita) mundo apocalíptico, me entran ganas de construirme un búnker y empezar a almacenar garrafas de agua y latas de fabada Litoral… En cambio mi lado optimista me dice, que llegaremos a un nivel de consciencia más evolucionado, donde viviremos en armonía con la naturaleza…”. Sansano se imagina “una mezcla de todo: raza, religión ,culturas… al fin y al cabo eso es lo que hacemos para evolucionar, ¿no?”. “Más simple que el presente – dice Serge- haremos una vida más local. Lo digital pasará de moda y lo analógico, lo tangible, será el nuevo MUST”.

“Perderemos cierta formalidad en las formas, el arte se expandirá en vez de encorsetarse”, nos cuenta Dalila. “El arte además será útil –añade Violeta- pero más allá de lo tangible y lo material, conectando lo real con lo emocional.

73

El arte será esa puerta que conecte esos dos lados”. Para el poeta Oscar Espirita “las etiquetas perderán importancia y las líneas de género se harán invisibles.

La ciencia nos hará más perfectos pero más aburridos, y los hombres podremos quedarnos embarazados con úteros creados por impresoras 3D”.

Alvaro Poch, modelo y nightshaker de la capital, no se puede imaginar el futuro porque “siempre aparecen cosas nuevas increíbles que te rompen todos los esquemas”. “Moda y videojuegos: ¡pero al menos que alguien invente la máquina de lluvia de albóndigas!”,

desean los Fuckaine. Andrés Borque también pide un deseo: “ojalá en el futuro en vez de metro haya montañas rusas subterráneas”. Soraya apunta: “Todos conectados haciendo realidad nuestras ideas, colaborando y creando la nueva ola que es la nueva generación de la crisis económica y el auge de las redes sociales donde no hay nada imposible y la unión de las ideas hace la fuerza de los proyectos”. Y Laura Put da con la clave: “Pero es que ya estamos ahí. El futuro ya está aquí”.

De izquierda a derecha y de abajo a arriba: Tรกbata Pardo, Paco Bezerra, Laura Vandall, Fran Meneses y Violeta Dai.

74

75

De izquierda a derecha y de abajo a arriba: Angela Huete, Violeta Dai, Brianda Fitz James Stuart , Laura Put, Denys Pivtorak, Andrés Borque, Víctor Nouman, Jorge Penadés y Popy Blasco.

76

De izquierda a derecha y de abajo a arriba: Andrés Borque, Angela Huete, Edrién Guillermo, María y Víctor Ke Fisherman.

De izquierda a derecha y de abajo a arriba: Brianda Fitz James Stuart, Sansano, Dalila Virgolini, Oscar Espirita y Denys Pivtorak

77

A. Junits lamps de Schneid

B. Ankh Hand Mirror Air de Material Lust C. Contrepoids dining table de Pool

—

—

A

78

¿Por qué el New Memphis tiene tan buena acogida entre los jóvenes diseñadores y pequeñas editoras? Creo que principalmente porque los resultados pueden ser muy potentes visualmente y no se necesita una gran inversión de producción. Si algo hemos aprendido de la crisis es que no merece la pena la inversión en moldes caros o en producir en China, mejor tirar por un camino más artesanal y local que se pueda producir a pequeña escala. Si aparte de esto sabes manejar una serie y blogs punteros, que tus imágenes corran por Instagram, Twitter, Pinterest y Tumblr. Sí, el camino es ese, primero revistas o blogs y luego las redes sociales. Lo más importante para conseguir un best seller es que el propio producto ya tenga una fuerte personalidad en su forma. Esto es algo que el New Memphis lo hace más que bien.

Hablar de la estética en el diseño de producto entre los puristas está muy mal, generalmente se dice: busca la funcionalidad y la estética llegará sola, seguro que llegará sola, pero puede ser bien fea. No señores, la forma no solo llega de la función. La función es lo primero que se tiene que resolver, y muy bien, pero luego hay que entrar en terrenos más intangibles como son los códigos visuales entendidos solo por nichos y que luego serán aceptados por las masas. ¿Una moda que se filtra en el mundo del mobiliario afecta a todos los diseñadores, productores o marcas? Pues aunque parezca que no, sí puede afectar a todos en mayor o menor medida.El New Memphis es una tendencia, sí, esa palabra de la que muchos no quieren ni oír hablar pero que en el fondo saben que es importantísima para su negocio o su carrera.

La fortuna de Inditex se ha basado en saber interpretar las tendencias de una forma rápida y asequible. Eso sí, hay muchos ritmos para seguir una tendencia, puedes ser uno de los primeros, o quizá por estrategia, o por volumen de ventas, te interese ser uno de los últimos en seguirla, todo depende de tu posicionamiento en el mercado o de tus capacidades.

esplendor geométrico TEXTO JAVIER ABIO

A principios de los años ochenta apareció en España el grupo de música industrial Esplendor Geométrico. Este artículo no va de música, pero sí de los años ochenta, de diseño industrial, y, por supuesto, del esplendor de la geometría.

B

El 22 de mayo de 2012 publicamos un post en el blog de Neo2 en el que recopilamos una serie de imágenes de objetos que nos gustaban, y todos ellos tenían algo refrescante en su look, o por lo menos eso nos parecía. Asociando ideas, estas piezas nos recordaban de alguna manera a los diseños post-punk de los ochenta, concretamente al movimiento Memphis. No llegaba a ser exactamente lo mismo, porque los objetos que teníamos entre manos no eran tan kitsch como los del movimiento de Ettore Sottsass, pero había elementos en común, así que lo titulamos New Memphis. En el breve contenido de ese post incluíamos una definición: “Recoge lo mejor del racionalismo pero le aporta C

un toque extra en la forma. Aporta elementos decorativos pero solo los necesarios. Juega con formas geométricas o con toques de colores. Texturas antagónicas o guiños de humor son también algunos de sus recursos”. El post pasó sin pena ni gloria, seguramente porque en aquella época no teníamos ni idea de las nociones básicas de SEO que hay que aplicar a un post. Ese mismo año, unos meses después, invitamos a Jeremy Scott como Guest Creative y nos confesó que su diseño industrial favorito es la mítica lámpara Tahiti, un icono del movimiento Memphis. Así que esto nos dio pie para publicar otro artículo sobre el New Memphis en el que hacíamos referencia a una relación causa-efecto entre la crisis en la que estábamos sumergidos totalmente

79

A. Cherry Light, Mish Mash Chair y otros diseños de Daniel Emma

B. Ring lamp de Atelier Areti C. Mesa Sorry all gone de PLDO

—

—

A

80

¿Por qué el New Memphis tiene tan buena acogida entre los jóvenes diseñadores y pequeñas editoras? Creo que principalmente porque los resultados pueden ser muy potentes visualmente y no se necesita una gran inversión de producción. Si algo hemos aprendido de la crisis es que no merece la pena la inversión en moldes caros o en producir en China, mejor tirar por un camino más artesanal y local que se pueda producir a pequeña escala. Si aparte de esto sabes manejar una serie de códigos visuales actuales se puede hacer que esos diseños/productos los publiquen en magazines y blogs punteros, que tus imágenes corran por Instagram, Twitter, Pinterest y Tumblr. Sí, el camino es ese, primero revistas o blogs y luego las redes sociales. Lo más importante para conseguir un best seller es que el propio producto ya tenga una fuerte personalidad en su forma. Esto es algo que el New Memphis lo hace más que bien.

Hablar de la estética en el diseño de producto entre los puristas está muy mal, generalmente se dice: busca la funcionalidad y la estética llegará sola, seguro que llegará sola,

B

en ese momento y una estética que rompía con el minimalismo escandinavo tan de moda en la primera década del siglo 21. En el reportaje volvíamos a mostrar nuevos ejemplos relacionados con este estilo.

Ahora estamos ya en el año 2016 y el New Memphis va a más y se merece un “permítame que insista…”.

Lucca Nichetto me comentaba en una reciente entrevista que a los periodistas nos encanta etiquetar los trabajos de otros en tendencias y no le voy a quitar la razón. También él reconocía que sí había en su nuevo trabajo una mirada al movimiento Memphis. Diseñadores como él ya lo han aplicado a productos para empresas ágiles y nuevas como Hem. En estas páginas te mostramos el trabajo de algunos estudios que respiran esa evolución formal.

ATELIER ARETI Un pequeño estudio y a la vez marca de iluminación ubicado en Londres, compuesto por dos hermanas, Gwendolyn y Guillane Kerschbaumer. Diseñadoras y empresarias todo en uno. Destacaron a principios de esta década con luminarias con un estilo diferente a lo que había en el mercado. | atelierareti.com |

DANIEL EMMA Estudio australiano fundado en 2008 por Daniel To y Emma Aiston, que colaboran con editoras tan cool como Petit Friture o Wrong for Hay. “Buscamos crear lo inesperado de objetos sencillos utilizando formas simples”, así definen su filosofía. | daniel-emma.com |

MATERIAL LUST Dúo compuesto por Christian Lopez Swafford y Lauren Larson, ubicados en Nueva York. Estudiaron en la Parsons y se definen a sí mismos como artistas disfrazados de diseñadores. Es el New Memphis llevado al blanco y negro con iconografía de misas negras y templarios pop. | material-lust.com |

Si algo hemos aprendido de la crisis es que no merece la pena la inversión en moldes caros o en producir en China, mejor tirar por un camino más artesanal y local que se pueda producir a pequeña escala.

SCHNEID Estudio alemán fundado en 2012 y compuesto por Niklas Jessen y Julia Mülling. Muy preocupados por la sostenibilidad. Se autoproducen sus piezas ya que Niklas estudió carpintería y arquitectura.| schneid.org |

KLEMENS SCHILLINGER Diseñador austriaco con sede en Londres. En 2011 acabó el master Innovation Design Engineering en el Royal College of Art. Su trabajo tiene vínculos con el arte, el diseño, la artesanía, la cocreación y el DIY. Busca productos simples pero poéticos a la vez. | klemensschillinger.com |

AMANDA KARSBERG Y DENNIS GRABEN los dos forman parte del grupo Cray Collective, un colectivo ubicado en Estocolmo integrado por artistas, diseñadores de mobiliario, interioristas y diseñadores de moda. | www.craycollective.com |

PLDO En 2013 el diseñador madrileño Pablo Limón abre estudio junto a Miguel Lasso. Se mueve entre Nueva York, Madrid y México. Seguimos sus pasos en Neo2 desde sus comienzos. En su trabajo mezcla con igual maestría interiorismo con diseño de producto. | pablolimon.com |

C

POOL Estudio creado en 2010 y compuesto por Léa Padovani y Sébastien Kieffer. Son los más conocidos, de los estudios aquí seleccionados, por su silla monoblock con forma de calavera. Desde sus comienzos en Neo2 hemos sido grandes admiradores de sus diseños de gran potencia gráfica. | work.poolhouse.eu |

KOSMOS PROJECT Ewa Bochen y Maciej Jelski son los componentes de este estudio polaco. La pieza seleccionada para este artículo forma parte del proyecto Irrational Times en el que también ha participado Petra Lilja.

Se pudo ver en el espacio Greenhouse de la pasada feria de Estocolmo. | kosmosproject.com |

81

A. Pac tables de Klemens Schillinger. Foto: L. Hilzensauer B. Annedal housing. Diseño de Amanda Karsberg y Dennis Graben —

A

¿Por qué el New Memphis tiene tan buena acogida entre los jóvenes diseñadores y pequeñas editoras? Creo que principalmente porque los resultados pueden ser muy potentes visualmente y no se necesita una gran inversión de producción. Si algo hemos aprendido de la crisis es que no merece la pena la inversión en moldes caros o en producir en China, mejor tirar por un camino más artesanal y local que se pueda producir a pequeña escala. Si aparte de esto sabes manejar una serie de códigos visuales actuales se puede hacer que esos diseños/productos los publiquen en magazines y blogs punteros, que tus imágenes corran por Instagram, Twitter, Pinterest y Tumblr. Sí, el camino es ese, primero revistas o blogs y luego las redes sociales. Lo más importante para conseguir un best seller es que el propio producto ya tenga una fuerte personalidad en su forma.

Esto es algo que el New Memphis lo hace más que bien.

El New Memphis es una tendencia, sí, esa palabra de la que muchos no quieren ni oír hablar pero que en el fondo saben que es importantísima para su negocio o su carrera. La fortuna de Inditex se ha basado en saber interpretar las tendencias de una forma rápida y asequible.

82

B

Hablar de la estética en el diseño de producto entre los puristas está muy mal, generalmente se dice: busca la funcionalidad y la estética llegará sola, seguro que llegará sola, pero puede ser bien fea. No señores, la forma no solo llega de la función. La función es lo primero que se tiene que resolver, y muy bien, pero luego hay que entrar en terrenos más intangibles como son los códigos visuales entendidos solo por nichos y que luego serán aceptados por las masas. ¿Una moda que se filtra en el mundo del mobiliario afecta a todos los diseñadores, productores o marcas? Pues aunque parezca que no, sí puede afectar a todos en mayor o menor medida.

El New Memphis es una tendencia, sí, esa palabra de la que muchos no quieren ni oír hablar pero que en el fondo saben que es importantísima para su negocio o su carrera.

La fortuna de Inditex se ha basado en saber interpretar las tendencias de una forma rápida y asequible. Eso sí, hay muchos ritmos para seguir una tendencia, puedes ser uno de los primeros, o quizá por estrategia, o por volumen de ventas, te interese ser uno de los últimos en seguirla, todo depende de tu posicionamiento en el mercado o de tus capacidades.

C. Irrational Times de Kosmos Project D. Pick and Mix de Daniel Emma —

C

C

Las similitudes de lo que está pasando ahora con lo que pasó en los ochenta son bastantes. El movimiento duró casi 10 años. El de ahora tiene pinta que vaya a durar un periodo parecido. Memphis se creó en Milán, el New Memphis también tiene de alguna forma su semilla en Milán, ya que es donde se presentan los trabajos de nuevos diseñadores cada temporada. El movimiento se expandió internacionalmente porque ahora los movimientos o tendencias son todas internacionales, ya que Internet es una red promiscua y global por definición.

Los trabajos de estos estudios junto con los de muchos otros están creando una tendencia. Son ejemplos del tipo de estética que el mundo del mobiliario e iluminación va a seguir.

Muchos me podéis decir que esto es solo una moda, pero… ¿qué es la historia del arte o de la cultura si no una serie de modas que cambian adaptándose a las circunstancias sociológicas?

D

Los trabajos de estos estudios junto con los de muchos otros están creando una tendencia.

Son ejemplos del tipo de estética que el mundo del mobiliario e iluminación va a seguir. Muchos me podéis decir que esto es solo una moda, pero… ¿qué es la historia del arte o de la cultura si no una serie de modas que cambian adaptándose a las circunstancias sociológicas?

83

“Yo es que hace mucho que me desconecté del mundo. Me he planteado incluso dejar de votar.

O resucita Lazarus Bowie al tercer día o yo de estos señores tan ordinarios no quiero saber nada. Quiero un mundo más Bowie. Un mundo en el que el arte tenga más presencia” (Nacho Canut)

84

Alaska: En el momento en que murió Bowie me replanteé lo poco que me interesaba el futuro de Cataluña. Me importa la vida que Bowie me ha enseñado y que nada tiene que ver con esta realidad. ¡Que no se me olvide lo que descubrí con él a los 12 años! ¿Importaba el colegio o la Transición? Importaba que a mi abuela le cogía propaganda de Suárez porque le encantaba.

Punto. Vivo en paralelo porque lo he decidido. ¿Qué piensa el 90% de la gente del Bowie del 72? Que es una mamarracha pintada, un maricón que pervierte el rock. Vivimos en un mundo en el que Bowie del 72 es Dios y así queremos seguir.

Nacho: Bueno yo es que hace mucho que me desconecté del mundo. Me he planteado incluso dejar de votar. O resucita Lazarus Bowie al tercer día o yo de estos señores tan ordinarios no quiero saber nada. Quiero un mundo más Bowie. Un mundo en el que el arte tenga más presencia, unido al sentido del humor. ¿Qué tal algo más robótico, como en el nuevo álbum?

A: Es una paradoja que nos define mucho. Un robot, en principio, no puede ser romántico. Ya estás incurriendo en algo que es imposible.

N: Claro, pero es que si alguna vez llega a haber robots, su presencia acabará cuando intenten ser románticos. Serán perfectos mientras sean lo que son pero cuando metan sentimientos de por medio, todo se va a ir a la mierda. Hablamos de canciones, por tanto, para aquellos robots que están en ese proceso de querer ser románticos, de camino a la destrucción. Recuerda que somos Géminis y no podemos amar sin que al final sea todo un poco caótico.

Por eso hemos vuelto a escoger dos polos opuestos como son Jon

FOTÓGRAFO GORKA POSTIGO

MODERADOR MANU ROMERO

85

Fangoria

by Fangoria Él es la música y cerebro en la sombra. Ella es la voz y mente catódica.

Se entienden y completan de la misma manera que la inteligencia combina con lo artificial. Estrenan último trabajo, ‘Canciones para robots románticos’, coproducido junto a Guille Milkyway y Jon Klein.

Centrifugado geométrico para robots polisentimentales que ayuda a combatir la desidia natural de aquellos que, hastiados, huyan al mundo en composición en el que habitan y donde Bowie es el astro rey.

Dejamos que hablen y esto es lo que ocurre.

86

“Yo es que hace mucho que me desconecté del mundo. Me he planteado incluso dejar de votar. O resucita Lazarus Bowie al tercer día o yo de estos señores tan ordinarios no quiero saber nada. Quiero un mundo más Bowie. Un mundo en el que el arte tenga más presencia” (Nacho Canut)

Alaska: En el momento en que murió Bowie me replanteé lo poco que me interesaba el futuro de Cataluña. Me importa la vida que Bowie me ha enseñado y que nada tiene que ver con esta realidad. ¡Que no se me olvide lo que descubrí con él a los 12 años! ¿Importaba el colegio o la Transición? Importaba que a mi abuela le cogía propaganda de Suárez porque le encantaba. Punto. Vivo en paralelo porque lo he decidido. ¿Qué piensa el 90% de la gente del Bowie del 72? Que es una mamarracha pintada, un maricón que pervierte el rock. Nosotros vivimos en un mundo en el que Bowie del 72 es Dios y así queremos seguir.

Nacho: Bueno yo es que hace mucho que me desconecté del mundo. Me he planteado incluso dejar de votar. O resucita Lazarus Bowie al tercer día o yo de estos señores tan ordinarios no quiero saber nada. Quiero un mundo más Bowie. Un mundo en el que el arte tenga más presencia, unido al sentido del humor. ¿Qué tal algo más robótico, como en el nuevo álbum?

A: Es una paradoja que nos define mucho. Un robot, en principio, no puede ser romántico. Ya estás incurriendo en algo que es imposible.

N: Claro, pero es que si alguna vez llega a haber robots, su presencia acabará cuando intenten ser románticos. Serán perfectos mientras sean lo que son pero cuando metan sentimientos de por medio, todo se va a ir a la mierda. Hablamos de canciones, por tanto, para aquellos robots que están en ese proceso de querer ser románticos, de camino a la destrucción. Recuerda que somos Géminis y no podemos amar sin que al final sea todo un poco caótico.

Por eso hemos vuelto a escoger dos polos opuestos como son Jon Klein y Guille Milkyway. Lo gótico y techno duro frente al sonido Philadelphia más discotequero.

A: Ya, pero recuerda la norma de no hacer un cuarto trabajo con alguien. Una ley absurda que nos obliga a cambiar. Aunque vayan bien las cosas, necesitamos estímulo. Con ellos es la segunda vez que trabajamos. Por cierto, ¿te has dado cuenta, lo mucho que se parece Guille a Carlos (Berlanga)? Hay mucha biografía músical común entre ellos. Carlos era un diletante. Nosotros hubiéramos hecho el papel de intermediarios. Si hay un natural born producer para Carlos, ese es Guille Milkyway.

N: ¡Ya! (risas). Hubieran acabado trabajando juntos, lo que no tengo tan claro es si se hubieran llevado bien. Carlos era un viva la vida que quería hacerlo todo sin saber de nada y Guille lo quiere hacer todo porque sabe hacerlo. Carlos era una petarda.

A: Bueno, ¡volvamos a la geometría polisentimental!

N: Es una canción entre robots. Si quieres ligar con un robot pues lo que haces es mandarle un mapa de circuitos y ya se verá si le viene bien. Es la única canción real para robots románticos. Habla de una persona muy pragmática que está intentando declararse a otra persona, pero somos seres imperfectos. Al final, acaba saliendo la andaluzona que hay dentro de cada robot.

A: Ni siquiera sería romántico, creo, porque estaría actuando de manera racional. Lo dice la letra. Nuestras canciones ya sabes que son como de ranchera y de bolero.

N: ¡Totalmente! Aunque jamás hubiera pensado en ella como single. Una canción con un estribillo que diga: “un cuadrado, una esfera, un triángulo”.

A: Nacho, ya sabes que nunca hemos tenido esa capacidad de elección ni entendemos lo que es el circuito comercial. Pensa-

mos que el single sería ‘Fiesta en el infierno’ pero delegamos esa decisión. Si se equivocan que sean otros, que el pop es muy complicado”.

N: Bueno, es que no tiene límites ni reglas. Conseguido, puedes hacer todo lo que te propongas.

A: Oye, pero esa falta de reglas o límites no lo convierten en un género simplista que es lo que nos quieren hacer ver los heterosexuales que hacen rock. Hacer pop bien es un don, o lo tienes o no. El tuyo es natural. Yo no lo tengo. No te lo digo ahora que estamos en 2016, te lo hubiera dicho también en el 78. Yo escribo por imposición.

N: Es que tú eres más seria. Siempre que oigo o veo algo tengo que escribir para estar listo para cuando me pidan letras. Aún sigo teniendo de referente a Bowie. Es una manera de verlo todo. No es una manera de ser músico sino de ser.

A: Piensa también que el que nos reinventemos es culpa suya.

Crecimos viendo a una persona que hablaba de viajes espaciales y luego grababa un disco con negros en Estados Unidos.

N: ¡Menos mal que ahora nos entendemos!

A: ¿Recuerdas cuando nos conocimos?

N: No me acuerdo mucho, solo que ibas muy bien vestida (con tu camiseta de Kiss) y unas gafas.

A: Bueno Nacho, tú fuiste ultra antipático y me trataste fatal, como tratabas a todo el mundo. Como vendedor eras un desastre. Te lo recuerdo. Teníais Carlos y tú aquel puesto en el Rastro al que yo me acerqué para comprar un disco de Los Sweet, que ya tenía, pero era para conoceros. En el Madrid del 77, con la Transición en pleno auge, acuérdate lo que era ver a alguien vestido de negro y con una camiseta de Kiss. ¡Si era un erial!

N: ¡Totalmente! (risas) Éramos singulares y nos organizábamos según vestíamos. Ahora no puedes juzgar un libro por sus tapas, antes sí.

A: Bueno, el otro día escuché en una tienda cómo preguntaban por la marca Ramones. El pop es así pero con eso, te lo digo todo. ¡Una vuelta a nuestra época clubbing es lo que haría falta!

N: Sí, Stella y Morocco volverían a tener sentido como club ahora.

Debería haber en Madrid un antro a lo David Lynch. Versés y Ultrapop están muy bien pero estaría bien algo más de otro estilo.

A: Ya pero que lo hagan otros, yo ya estoy cansada. Hubo un momento al final de Dinarama, con la irrupción del acid y el house que enlaza con el techno de finales de los 70 y la música disco, que no solo eran referencias para nosotros sino que nos llevó a gestionar y programar esas salas donde éramos los disc jockeys. ¿Comenzamos en el 87/88, no?

N: Sí.

A: ¿Recuerdas como nuestros conciertos tenían dos partes y en medio pinchábamos a los Ramones junto a Abba? Era un revulsivo. Hay gente que no ha salido de Nacha Pop o Rick Astley.

N: Deberían cambiar eso...

A: Bueno, nosotros a lo nuestro, que estamos en un momento muy estable y veo nuestro futuro hoy, igual que hace 10 años.

N: ¿Unidos, no?, ¡pues muy bien!

‘Canciones para robots románticos’ está editado por Warner Music

“En el momento en que murió Bowie me replanteé lo poco que me interesaba el futuro de Cataluña.

Me importa la vida que Bowie me ha enseñado y que nada tiene que ver con esta realidad. ¡Que no se me olvide lo que descubrí con él a los 12 años!” (Alaska)

87

De Hollywood a Instagram TEXTO MONGÓMERI

La Tecnología y la Moda en la Democratización de las Celebrities

88

La tecnología ha sido clave en la propagación de tendencias relacionadas con la moda. También en la creación de sus máximos embajadores: los famosos. Primero fue la imprenta moderna, invento de mediados del siglo 15 atribuido a Johannes Gutenberg, sin cuyo ingenio no se hubieran podido difundir los estilismos de las damas de la alta sociedad en las primeras revistas de moda de la historia, allá hacia 1670 en París, eterna capital de la moda. Casi 2 siglos más tarde, como resultado de otros muchos descubrimientos, y con el francés Louis Daguerré como primer divulgador, llega a A

mediados del siglo 19 la fotografía, aportando realismo a los medios impresos. Una realidad en ocasiones coloreada a mano, hasta que en 1903 los también franceses hermanos Lumière patentan la placa fotográfica en color, 8 años antes habían ya inventado el cinematógrafo y rodado su primera película.

Aunque ambos manifiestan que “el cine es una invención sin ningún futuro”, sin pretenderlo descubren la gran industria de la celebrity. Pocos años después, hacia 1930, comienza la revolución televisiva liderada por el ingeniero y físico británico John Logie Bird. La televisión nos mete en los 50 a las celebrities en casa: actrices, actores, presentadores, músicos… todos como si fueran un miembro más de la familia, potenciando así su capacidad de influencia en nuestros hábitos y gustos. Se llega a pensar que la televisión acabaría con el cine, pero no fue así, tampoco este acabó con el teatro. Por último, de momen-

to, a finales de los 80 del siglo 20 se implanta el concepto de internet en nuestras vidas, una red internacional de ordenadores conectados entre sí donde, en principio, la información, es accesible a todo el mundo, y todo el mundo puede generar información. Es decir, tal como predijo Andy Warhol, la posibilidad de que en el futuro -ya presente- todo el mundo pudiera ser famoso durante al menos 15 minutos. Es más, dijo que

Algún día la fama será un derecho constitucional para todos los españoles. todo el mundo debería tener derecho a esos 15 minutos.

Quizás algún día ese derecho se recoja en la Constitución al igual que el del derecho a un trabajo o una vivienda digna. Quizás, un día la fama sea una necesidad vital. Quizás la fama termine

por hacernos definitivamente a todos iguales, sin distinciones entre ricos y pobres, feos y guapos… todos igualmente famosos. Cuando lleguemos a ese nivel de saturación, y queda poco, volveremos a… ¿dónde?

Hollywood

La Edad de Oro Desde que el cine es cine, a finales del siglo 19, las estrellas de la pantalla han sido las principales portadoras de tendencias.

Durante esos años dorados, de 1915 a 1960, prácticamente toda la producción cinematográfica estadounidense sale de Hollywood, y está controlada por un puñado de estudios: Paramount, Twentieth Century Fox, Warner Bros, Metro Goldwyn Mayer… Grandes empresas con un sistema de funcionamiento similar al de los clubes de fútbol de ahora, salvo que en lugar de fichar a futbolistas y entrenadores, tenían en

A. Diseñado por Felix Westphal, de la web Noun Project.

B. Diseñado por Simon Child, de la web Noun Project.

C. Diseñado por Phu Tran, de la web Noun Project.

—

B

nómina a directores, productores, guionistas… y, por supuesto, actores y actrices, la cara visible de Hollywood. Dentro y fuera de la pantalla, las estrellas de la época, por lo general, solo lucen diseños hechos en exclusiva para ellas por sastres y modistos contratados a sueldo por los estudios. Grandes creadores que, al contrario de lo que ocurre con los diseñadores de hoy, con cientos de miles de seguidores en Instagram, eran totalmente anónimos para el gran público. Nombres como Orry Kelly, ganador de 3 Oscars, comparte anonimato con una larga lista de creadores de moda cinematográfica: Travis Banton de Paramount, maestro de los drapeados y el corte al bies; también Adrian, sastre de la Metro-Goldwyn Mayer; y, por supuesto, Edith Head, ganadora de 8 Oscars. Es tal la relevancia de estos profesionales en la vida de los famosos, que incluso el vestido para la boda de Grace Kelly con el príncipe Raniero III

lleva Joan Crawford en Letty Lynton, una creación de Adrian.

Joan Crawford y la niña prodigio de Hollywood, Shirley Temple, van más allá. Posan para el catálogo de Sears and Roebuck y ceden su nombre para etiquetar vestidos. Son pioneras en convertirse en marca. Se dice que solo en derechos de licencia de ropa y muñecas, Shirley Temple gana 300.000 dólares entre 1935 y 1936. El negocio estaba claro para los estudios y representantes. Hollywood es una fábrica de prescriptores que hay que rentabilizar. Así vemos como las actrices prestan su imagen como estrellas de, por ejemplo, la Metro Goldwyn Mayer, para anunciar todo tipo de producen 1956 es diseñado por una de estas creadoras de la industria cinematográfica, Helen Rose, ganadora de 2 Oscars.

Los referentes de estos diseñadores de vestuario son las famosas firmas parisinas de la época, pero son ellos los que visten al Star System. Sus creaciones cinematográficas son fusiladas por modistas, diseñadores y tiendas. Y los estudios también hacen negocio. En 1932, Macy’s vende bajo licencia medio millón de unidades del vestido que C

Quizás la fama termine por hacernos definitivamente a todos iguales, sin distinciones entre ricos y pobres, feos y guapos… todos igualmente famosos. tos, principalmente cosmética, tabaco y refrescos. Muy rara vez se asocian comercialmente a marcas de ropa, probablemente porque el principal suministrador de su vestuario es su propio estudio. En realidad, cuando aparecen retratadas en revistas, como en las páginas que edita Peggy Hamilton, diseñadora y cronista social, para Los Angeles Time entre 1921 y 1934, las fotos que vemos han sido disparadas por fotógrafos del estudio durante los rodajes, y todo lo que llevan puesto ha

sido creado por los diseñadores en plantilla. Es como si los estudios quisieran dominar la moda a través del cine, como si quisieran que Hollywood fuera el nuevo París. De hecho, en 1931, Samuel Goldwyn, productor y co-fundador de MGM, ficha a Chanel por un millón de dólares para que firme el vestuario de 3 películas: Palmy Days, Tonight or Never y The Greeks Had a Word for Them. La idea es convertir a Hollywood en capital de la moda. Pero el invento no funciona, ni entre el público, ni entre la crítica. Quizás hubiera sido un éxito si el photocall se hubiese ya inventado, y si los estudios de cine se hubiesen organizado como grandes grupos de moda como lo son hoy LVMH o Gucci, con a su vez muchas marcas y una red propia de distribución. En ese caso, hubiese tenido sentido que en los estrenos los periodistas preguntasen a las actrices “¿de quién es tu vestido?”.

Porque claro, contestar siempre que es de Warner, Paramount o de la Metro hubiera sido un tanto monótono. Hubo más intentos de incorporar diseñadores franceses a la industria cinematográfica de Hollywood.

En 1953, la Paramount contacta con Givenchy para que vista a Audrey Hepburn. La actriz fascina a la casa y se establece lo que po-demos decir una de las primeras alianzas serias entre cine y la alta moda. Givenchy no solo viste a la actriz en alguna de sus películas más míticas (Desayuno con Diamantes, Sabrina o Charada), también la ficha como imagen de la firma, tanto para la campaña textil como para la publicidad de su perfume L’Interdit.

89

D. Diseñado por Factor[e] Design Initiative, de la web Noun Project.

—

Diseñadores & Estilistas Nuevas estrellas

90

La Edad de Oro del cine comienza a ser de bronce. Un fallo judicial de 1948 obliga a los estudios de Hollywood a deshacerse de las salas de exhibición por violar la ley federal antimonopolio (recordemos que estos grupos cinematográficos controlan absolutamente todo: producción, distribución y exhibición).

A partir de ahora los estudios tienen más dificultades a la hora de distribuir sus películas, ya que deben competir con otras productoras nacionales y con la industria cinematográfica europea que se promociona a través de los cada vez más numerosos festivales internacionales. Esto, junto al florecimiento de la televisión, hace que el imperio del cine se replantee el negocio.

Para empezar, suprime gastos fijos. Es decir, ya nadie está en nómina. Actrices, actores, direc-

tores, guionistas… todos pasan a ser freelances. Por supuesto, también los diseñadores de vestuario. Esta liberalización permite que ambas industrias, cine y moda, inicien una relación más formal. Por ejemplo, en 1950 Dior viste a Marlene Dietrich en una producción inglesa de Alfred Hitchcock, Pánico en la escena. Y 6 años más tarde viste a Olivia de Havilland y Mirna Loy en La hija del embajador, una producción estadounidense dirigida por Norman Krasna.

las marcas de lujo comienzan a invertir en publicidad, algo considerado de mal gusto hasta ese momento. En los 80, alguno va más allá. Consciente del impacto de los Oscars, Giorgio Armani toma por asalto la ceremonia de los premios de la Academia y viste a un gran porcentaje de ganadores y nominados en el 89: Jessica Tandy, Lena Olin, Dan Aykrod, Tom Crusie, Denzel Washington, Jeff Goldblum, Steve Martin, Dennis Hopper… y también al maestro de cere-

En los 70, las marcas de lujo comienzan a invertir en publicidad, algo considerado de mal gusto hasta entonces. En los 80, alguno va más allá. Giorgio Armani viste a muchos de los nominados a los Oscar.

Pero ese fallo judicial tiene más consecuencias. Las estrellas de cine, hasta ese momento arropadas por los diseñadores de los estudios y socialmente inaccesibles para las marcas, comienzan a sentirse desnudas para acudir a las galas y eventos. No tienen, ni saben, qué ponerse para un estreno. No les queda otra que empezar a ir de tiendas. La favorita es Giorgio Beverly Hills en Rodeo Drive, donde, desde 1961, ofrece una mezcla de la mejor moda francesa y norteamericana. La moda comienza a vivir su propia época dorada gracias a la promoción de las estrellas de cine. Pocos años después, en los 70, firmas como Gucci, Yves Saint Laurent, Céline o Polo Ralph Lauren también inauguran en Rodeo Drive.

Todos quieren vestir a las estrellas, cinematográficas o televisivas. La competitividad es tal que

monias Billy Cristal. La prensa rebautiza el evento como los “premios Armani”.

La artífice de este éxito social y comercial es Wanda McDaniel, contratada por Armani en 1988 como Directora de Comunicaciones para la industria del espectáculo en la costa oeste. En la siguiente edición, todas las grandes marcas quieren estar en la alfombra roja. Alfombras de todos los colores y photocalls repletos de logotipos comienzan a proliferar en todo tipo de eventos. También se multiplican las revistas dedicadas a mostrar los estilismos de las estrellas, no solo en eventos, también en su vida cotidiana. Los famosos comienzan a desplazar a las modelos de las portadas de las revistas, e incluso de las campañas publicitarias. Aunque la industria del modelaje reacciona rápidamente convirtien-

D

do en celebrities a muchas de sus modelos. En pleno ataque de ansiedad promocional, las técnicas para conseguir que un famoso lleve tu ropa se sofistican con todo tipo de artimañas.

Se organizan eventos exclusivos para Vips donde se ofrecen descuentos, regalos… o también invitaciones al front row de sus desfiles con todos los gastos pagados. Cualquier cosa con tal de que lleven tu ropa.

En la búsqueda de la estrella perfecta, muchas firmas de lujo optan por mirarse el ombligo.

Crean la figura del Director Creativo o, lo que es lo mismo, el Diseñador Estrella: Tom Ford para Gucci en 1994, John Galliano para Dior en 1996, Alexander McQueen para Givenchy en 1996, Marc Jacobs para Louis Vuitton en 1997… Y por encima de todos, Karl Lagerfeld. El asesinato de Gianni Versace en 1997 también es clave, contribuye a mitificar la figura de estos profesionales finalmente convertidos en personajes mediáticos con obligación de vender.

En medio de esta vorágine de famosos, eventos, marcas y paparazzis de los 90, surge una oportunidad laboral para muchos estilistas. Pasan de hacer editoriales de moda y catálogos a vestir a las celebrities las 24 horas del día, ocupando así el papel de los diseñadores de ves-

E. Diseñado por Leonardo Schneider, de la web Noun Project.

F. Diseñado por Christian Wad, de la web Noun Project.

tuario de los grandes estudios en la era dorada del cine. Pero en esta ocasión, los profesionales del estilismo también se hacen hueco en el papel couché que consagra y populariza nombres como el de Rachel Zoe o Phillip Bloch. Están en medio de las marcas y las celebrities, y eso es muy estresante y tentador. Al igual que en la política, hay casos de tráfico de influencias, y mucha picaresca donde algunos estilistas cobran a 2 bandas, del cliente y de la marca, o venden en beneficio propio los regalos que van dirigidos a la famosa de turno. Ese chollo se terminó. Ahora lo normal es que las marcas negocien directamente con las celebrities, o mejor dicho, con sus representantes, el número mínimo de veces que el famoso tiene que nombrar la marca en un evento y el grado de visibilidad que tiene que tener la prenda a vender. Y todo bajo contrato.

ye en la tele, aunque de forma anacrónica en ocasiones.

Un caso mítico es el de Nolan Miller, responsable de vestuario de Los Ángeles de Charlie (1976-81), quien se inspira en unos pantalones presentados por Yves Saint Laurent en su debut del 68 para vestir, 8 años más tarde, a Farrah FawcettMayors en el tercer capítulo de la serie. Posteriormente, en la misma serie y en pleno auge de las licencias de moda, ya vemos episodios donde Cheryl Ladd aparece con prendas de Givenchy Sports acreditadas.

Sin duda, Givenchy es una de las marcas pioneras en tomarse en serio esto de las celebrities de la gran y pequeña pantalla.

La Televisión

Estamos en plena revolución del product placement, técnica publicitaria, en desuso desde la postguerra, que consiste en la inserción de un producto o marca en la narrativa del programa. En los 70 comienza a

Celebrities en Casa La relación que mantiene la moda con la televisión es muy parecida a la que tiene con el cine. En ambos sectores, todo se complica a partir de los 70.

Hasta ese momento, los estilismos de los personajes que aparecen en las series de televisión marcan tendencia en las calles, pero lo hacen inocentemente, sin interés comercial. Como, por ejemplo, la cazadora estilo Harrington popularizada en 1967 por el actor Ryan O’Neill en su papel de Rodney Harrington para la serie Peyton Place. Las series influyen en las calles, y la moda parisina también influ-

E

tado por su directora de vestuario, Rachel Sage Kunin: Donna Karan, Michael Kors, Canali, Hugo Boss, Ralph Lauren… La moda masculina también vive su primer gran momento gracias a otra serie de televisión: Corrupción en Miami (1984-90),

La moda masculina también vive su primer gran momento gracias a una serie de televisión: Corrupción en Miami, donde los protagonistas lucen una media de 8 trajes por episodio.

F

aplicarse tanto en cine como en tele. Lo volvemos a ver en Starsky & Hutch (1975-79), donde uno de los famosos detectives luce sin parar unas maravillosas Adidas azules, las Super Light 76. Dallas (1978-91) parece un desfile de moda orques-

donde los detectives Crockett y Tubbs lucen una media de 8 trajes por episodio: Gianni Versace, Armani, Hugo Boss, Kenneth Cole, Adolfo Dominguez…

El éxito de la serie es tal que algunas de las marcas vinculadas a la serie crean su propia línea Miami Vice, o le ponen, previo acuerdo, los nombres de los detectives a sus zapatos.

Todo esto se traduce en ventas. Por ejemplo, Ray-Ban llega a incrementar las ventas de las Wayfarer L2052 en 720.000 unidades, justo el modelo que lleva Don Johnson en la serie.

Este fenómeno tiene su antecedente cinematográfico en 1980, con la película American Gigoló, co-protagonizada a partes igua-

les por Richard Gere y los trajes de Armani. Pero no todo son trajes, con los 90 llega también el street style con series juveniles como El Príncipe de Bel-Air (1990-96) donde Nike impera a sus anchas, o Beverly Hills, 90201 (1990-2000), serie que expande por el mundo el rollo californiano. Un poco en la misma onda, pero más adulta y con acidez neoyorquina tenemos Friends (1994-2004), con la diseñadora de vestuario Debra McGuire quien catapulta al estrellato las camisetas de Custo Barcelona allá por 1997 al incluirlas en los estilismos de Phoebe Buffay. En algunos episodios, las marcas incluso comienzan a ser parte del guión. Constantemente se habla del trabajo de Rachel en Ralph Lauren, de su etapa en Bloomingdale’s, o de las entrevistas laborales para entrar en Gucci o Louis Vuitton. Pero es sin duda Sex and The City (19982004) la que se lleva la palma en cuanto a product placement, oral y físico. En ninguna otra serie se han visto y oído tantas marcas de moda: Manolo Blahnik, Dolce & Gabbana, Prada, Chanel, Gucci, Fendi, Ralph Lauren, Versace…

Patricia Field, su estilista, ha llegado a convertirse ella misma en celebrity. Algo similar, pero con menos trascendencia,

91

G. Diseñado por Simon Child, de la web Noun Project.

H. Diseñado por Leonardo Schneider, de la web Noun Project.

I. Diseñado por Nicolas Vicent, de la web Noun Project.

—

G

harán series de televisión con el único propósito de vender ropa?

Músicos

Del garaje a la fashion week

92

sucede con Gossip Girl (20072012), estilizada por el que fuera asistente de Patricia en Sexo en Nueva York, Eric Daman. En esta serie la moda también es protagonista con marcas como Oscar de la Renta, Blumarine, Balmain, Moschino, Marc Jacobs, Stella McCartney, Christian Louboutin, McQ by Alexander McQueen, Jimmy Choo… Y no hay que preocuparse, si tú no sabes de quién es alguno de los modelitos que aparecen en la serie, siempre habrá alguna revista o blog especializado que te informe previa nota de prensa de la agencia de comunicación correspondiente. No es de extrañar que después de tanta saturación de moda y marcas, surgiera otra serie generacional donde triunfa el vintage y la segunda mano, Girls (desde 2012). Aunque es solo un espejismo, en realidad lo que vemos es ropa de marca y de temporada, eso sí, mucho más asequible que la que aparece en las series predecesoras. Lo puedes com-

probar en <wornontv.net>, una plataforma de venta online con toda la ropa que aparece en la televisión norteamericana. La

En el siglo 21 todo está ya dirigido a la venta. Se harán series de televisión y se sacarán discos con el único propósito de vender ropa?

Los actores y actrices no tienen excesivos problemas éticos a la hora de vestir una u otra marca. idea es transformar cualquier actividad de ocio en una posible experiencia de compra. En el siglo 21 todo está ya dirigido a la venta. Da qué pensar. ¿Se

Los actores y actrices, acostumbrados a interpretar constantemente nuevos personajes, no tienen excesivos problemas éticos a la hora de vestir una u otra marca para acudir a eventos o posar para revistas. Sobre todo si la marca es premium.

Con los músicos no ha sido tan fácil. Eso sí, cuando han entrado en la industria de la moda, lo han hecho a saco.

El vínculo comercial entre moda y música comienza inocentemente en los años 50, con el nacimiento del rock. A partir de ahí, cada movimiento ha ido asociado a una estética o uniforme que sus representantes han acatado. Curiosamente, es el cine el que populariza el estereotipo del rockero a través de Marlon Brando en Salvaje (1953): Levi’s 501, botas de motero y cazadora Perfecto, original de Schott Bros desde 1928, una prenda icónica a través de todas las corrientes musicales. Sin olvidar la moto, I

una Triumph que ni el propio James Dean se resiste a copiar.

2 años más tarde, en Rebelde sin Causa, es James quien populariza los vaqueros Lee entre los jóvenes. Su legado en este film va más allá con la cazadora que posteriormente triunfaría como modelo Harrington de H

la casa Baracuta entre mods y skinheads británicos de los años 60, lo mismo que Ben Sherman, Dr. Marten’s o Fred Perry. Son marcas que han estado unidas al pop británico desde los 60 vistiendo a The Who, The Jam, The Specials, The Clash, Oasis, Blur, Pete Doherty. Los Beatles, mucho más moda, se desmarcan del rollo street optando en su primer periodo por trajes de inspiración Pierre Cardin aunque firmados, eso sí, por un sastre británico: Dougie Millings.

J. Diseñado por Luis Prado, de la web Noun Project.

K. Diseñado por TONI, de la web Noun Project.

J

El fenómeno más relevante de los últimos años es el de las estrellas del pop re-convertidas en firmas de moda. Ya no les basta ser la imagen de una marca, también quieren diseñar su ropa. Les habrá entrado esta pasión por la moda al ver lo que están dispuestas a pagar las marcas por usar su nombre?

Tras ese periodo marquista del pop, llega el glam, la psicodelia, los hippies… y los músicos ya no lucen logotipos.

Por lo general, visten ropa de diseñadores de su entorno.

Jimi Hendrix, opta en 1968 por los desconocidos Michael Braun & Ackerman, que desde ese momento firman como Michael & Toni Design y empiezan a diseñar para Aerosmith, The Allman Brothers, Bon Jovi, Chicago, Bod Dylan, Sonny and Cher. En 1971, David Bowie, fascinado por la cultura oriental, descubre a Kansai Yamamoto, el primer diseñador oriental en presentar sus colecciones en Europa. Poco después le pide que diseñe el vestuario de su tour Aladdin Sane (1973).

Aunque sin duda es su colega Freddie Burretti quien más trajes diseña para Bowie en esa época. Antony Price, reconocido sobre todo por vestir a Roxy Music, el elegante Bryan Ferry incluido, también diseña circunstancialmente para Bowie y Mick Jagger. Otro diseñador de los 70 aclamado en la escena musical por sus trajes de terciopelo, satén, seda y brocados es el inglés Malcolm Hall, al igual que Ossie Clark. En estos años, el único gran negocio que

firma la moda y la música es el merchandising de los conciertos, las camisetas conmemorativas.

Y de repente llega el punk a mediados de los 70. En términos de imagen es la diseñadora Vivienne Westwood, en aquellos tiempos pareja del representante de los Sex Pistols, Malcolm McLaren, quien se beneficia de esta nueva estética, aunque no se puede decir que haya ninguna relación de explotación comercial. Tampoco en la New Wave, ni en las estéticas derivadas en los 80, que apuestan al igual que hicieron sus mayores por nuevos valores de la moda como Jean Paul Gaultier o los japoneses Yohji Yamamoto y Comme des Garçons. Pero todo cambia en los 90. Por un lado tenemos a Madonna que en 1990 elige a

Jean Paul Gaultier para diseñar el vestuario del tour Blonde Ambition. Sus icónicos corsés convierten al diseñador en una auténtica celebrity internacional. A partir de ese momento, todas las casas de moda codician tener un hueco en el vestuario de la artista: Givenchy, Gucci, Louis Vuitton, Versace, Dolce&Gabbana, Moschino, Prada, Miu Miu… Por otro lado, tenemos el hip hop, que arranca en los 70 asociado de forma natural a marcas deportivas como Adidas, aunque es en los 90 cuando se convierte en un movimiento de masas y sus músicos descubren la posibilidad de recibir ingresos extras de la moda, una industria que ve en ellos auténticas armas de venta. Entre medias, tenemos de todo. Desde las Spice Girls con Victoria Beckham reconvertida en diseñadora de prestigio, a Lady Gaga como descubridora de nuevos talentos o Rihanna como imagen de Dior. Aunque el fenómeno más relevante de los últimos años es el de las K

estrellas del pop reconvertidas en las nuevas firmas de moda.

Ya no les basta ser la imagen de una marca, también quieren diseñar su ropa. Tenemos a Madonna y Kylie Minogue en su colaboración con H&M en 2007; Amy Winehouse y Paul Weller para Fred Perry en 2011 y 2009 respectivamente; Pharrell Williams, el que más se prodiga, para G-Star, Adidas, Louis Vuitton…; Rihanna para Puma; Kendrick Lamar para Reebok; Kanye West para Adidas… Algunos han ido más lejos creando sus propias marcas: Vic toria Beckham con Victoria, Pharrell Williams con Billionaire Boys Club, Jay-Z con Rocawear , Liam Gallagher con Pretty Green, Paul Weller con Real Stars Are Rare… ¿Les habrá entrado esta pasión por la moda al ver lo que están dispuestas a pagar las marcas por usar su nombre? Lo que no ocurre es al revés, que diseñadores de moda se conviertan en músicos, como mucho en dj’s, o mejor dicho: pinchadiscos.

93

M. Diseñado por Simon Child, de la web Noun Project.

N. Diseñado por Chameleon Design, de la web Noun Project.

—

Blogosfera & Instagram Famosos enredados

94

La década de los 90 ha sido clave en la evolución de las celebrities, y no solo por lo visto anteriormente. Sobre todo por la creación de un ecosistema virtual formado por páginas web interconectadas: los famosos blogs, populares por ofrecer a cualquier persona software y alojamiento gratuito en internet para crear su propio canal de comunicación low cost. La profecía de Andy Warhol se hace realidad.

En un mundo convulso, los blogs surgen sobre todo con vocación política. Pero poco a poco se abren a todos los sectores intelectuales e industriales, incluido la moda. Sus autores, los bloggers, se convierten en importantes prescriptores aka influencers. Al instante, la industria de la moda los utiliza como nueva herramienta de ventas. Los

M

más valorados son aquellos que actúan como conejillos de indias de posibles tendencias y colecciones. Son las nuevas estrellas, en un principio, mucho más económicas y asequibles que las celebrities tradicionales. Les invitan a los front row de los desfiles, les regalan ropa para que luzcan en sus posts… e incluso les pagan para que lo hagan (aspiración solo alcanzable por una élite). Es decir, toda la experiencia adquirida por la industria de la moda a lo largo de más de 100 años de relación con famosos y medios de comu-

N

Y si antes los bloggers eran acusados de intrusismo profesional, ahora son los bloggers los que podrían acusar a los profesionales del sector, y sobre todo a las celebrities, de exactamente lo mismo. Hoy todo el mundo se hace pasar por blogger. nicación es aplicada de forma concentrada sobre bloggers, incipientes famosos, a los que obviamente no tardan en salirles managers y representantes para velar por sus intereses. El concepto blog ha tenido tal éxito en los últimos años que como todo lo que triunfa estrepitosamente termina desvirtuándose. Lo que antes eran proyectos personales independientes, ahora están alojados dentro de los dominios de grandes grupos editoriales en muchos casos. Y si antes los bloggers eran acusados de intrusismo profesional, ahora son los propios bloggers los que podrían acusar a los profesionales del sector, y sobre todo a las celebrities, de exactamente lo mismo. Todo el mundo se hace pasar por blogger: Actrices, actores, presentadores, presen-

tadoras, cantantes, periodistas, estilistas, editores, modelos…

Todo el mundo quiere un trocito del pastel que se mueve en los blogs. Y la cosa se enreda aún mucho más con la aparición de las redes sociales. Porque aunque fuera fácil tener un blog, no todo el mundo tiene uno. En cambio, ¿quién no tiene un perfil en alguna red social?

Desde la irrupción de las redes sociales a mediados de la primera década del siglo 21, hace apenas 10 años, las posibilidades de hacerse famoso están al alcance de cualquiera que tenga carisma, voluntad, estilo y criterio. Sobre todo Instagram. Con solo 6 años de vida, la red que comienza como una aplicación para fotógrafos amateurs, actualmente cuenta con 400 millones de usuarios en el mundo (la octava parte son seguidores de Kim Kardashian). ¿Su éxito comercial? Lo fácil que resulta compartir fotos y lo sencillo que es mencionar y etiquetar a las marcas con efectividad, sin límites de caracteres. Una herramienta perfecta de promoción, tanto para los usuarios como para las marcas que son

Ñ. Diseñado por Andrey Vasiliev, de la web Noun Project.

O. Diseñado por Blaise Sewell, de la web Noun Project.

Ñ

Aunque no es oro todo lo que reluce.

En la red se puede comprar de todo, incluso seguidores, likes y hasta comentarios. Hasta 100 comentarios por solo 18 euros. mencionadas y etiquetadas, las cuales pueden ver su clipping minuto a minuto. Aunque no es oro todo lo que reluce. En la red se puede comprar de todo, incluso seguidores, likes y hasta comentarios. Hasta 100 comentarios por solo 18 euros.

Hay muchas empresas que ofrecen estos servicios, y dicen tener cientos de miles de clientes satisfechos. ¿Será verdad o también compran clientes? ¿Vivimos una burbuja de fama? ¿Hay tantos influencers? ¿Y si son tan influencers por qué los niveles de consumo siguen siendo bajos? Ante este mar de dudas quisimos averiguar quiénes eran los bloggers más relevantes para la moda en nuestro país. Para ello consultamos a 10 agencias de comunicación que

trabajan con marcas de moda afines a Neo2 (otras muchas se negaron alegando secreto profesional, y todas coincidieron en que las respuestas fueran anónimas para no provocar mosqueos). A cada agencia le preguntamos los nombres de sus 6 influencers favoritos, 3 en términos de ventas, y 3 en términos de imagen. Aunque hubo alguna coincidencia, tampoco la unanimidad fue absoluta, cada agencia tiene sus favoritos dentro del atomizado mundo de la blogosfera.

Este es el ranking de influencers que surgió con capacidad para incentivar las ventas de un producto: Dulceida, Lovely Pepa, Mypeetoes, C o l l a g e V in t a g e y G ala G o n z ál ez .

Un listado de influencers que

no tiene nada que ver con las preferencias de las agencias para crear imagen de marca, salvo Gala González que lidera esta segunda lista, seguida de la instagramer Blanca Miró, Miguel Carrizo, Berta Bernat, Cup of Couple, Misshedwig, Miranda Makaroff, Pelayo, Natalia Ferviú,Stellawants2die, Trendy Taste y Nacho Uve. Algunas agencias afinan aún mucho más y destacan influencers de moda, no tan mainstream, “más pequeños pero con estilo, interesantes, muy profesionales y buenos trabajando”: The Petticoat, Dans Vogue, Views by Laura, Sergi Pedrero, Gerard Estadella o Marc Forné. Las actrices y actores también están representados en el ranking de influencers online con nombres como Miguel Ángel Silvestre, Quim Gutiérrez, Blanca Suárez, Macarena Gómez, Maxi Iglesias… y, principalmente, Paula Echevarría que “dicen que prenda con la que sale en sus RRSS se agota, pero claro no funciona con todas las marcas”. Lo mismo ocurre con la periodista Sara Carbonero.

En ambos casos, dicen obte-

O

ner efectos inmediatos en las respuestas de sus seguidores llegando a colapsar las webs de las marcas. Vamos, que las 2 juntas tienen más peligro que Anonymous. Lo cierto es que cada vez son más los famosos del mundo del espectáculo que abren cuentas en Instagram.

Finalmente, las redes sociales se están convirtiendo en una réplica del mundo real, donde cada uno volverá a ocupar su lugar en el Olimpo de la fama.

Porque lo que Dios les dio, no se lo va a quitar la tecnología.

95

PROJECT SPACES

Gimnasios del arte TEXTO MIT BORRÁS

96

Berlín es un gimnasio. Un sitio donde ponerse en forma, acertar, cagarla, afilarse la cabeza y ajustar la mirilla. Los project spaces, estas iniciativas creativas y galerías de arte creadas por artistas, comisarios y personas de pelaje similar, generalmente jóvenes y generalmente sin un chavo y con buenas ideas, son el tríceps musculado de la ciudad. Estos sitios son su campo de pruebas. Los soldados de la trinchera con el barro en las botas.

Lugares posicionados con frecuencia fuera del circuito comercial al que pertenecen algunas de las mas influyentes galerías de arte de Europa, con las que comparten ciudad y, sin embargo, espacios emblemáticos, exigentes con el trabajo, divertidos y sagaces con sus propuestas, muy por delante de las galerías en términos de riesgo e innovación.

Si, son heterogéneos. Y sí, ok, los hay oscuros y marcianos, montados en lugares bizarros y también espacios expositivos con un alto nivel de exigencia y profesionalidad.

Muchos tienen el empaque por derecho de una galería rigurosa, brillantes y nuevos como los dientes de un famoso.

Benditos sean todos por ofrecerte lo inesperado, porque ellos son, por delante del status quo del mercado del arte, quienes crean la tendencia y apartan la broza marcando el camino. Son espacios en su mayoría autónomos, y, por lo tanto, libres.

Vamos a ver una selección de estos Projecträume (en alemán), algunos de los que para mí están de medalla, en forma de recorrido por Berlín. Un paseo por encima del tablero, y si hace sol y cogemos algo de tono lo mismo follamos.

Supongamos que es cualquier día de la semana, y por lo tanto hay exposiciones conciertos, performances, charlas, meetings y hasta cosas que aún no tienen nombre. Como todo el mundo sabe, Berlín está turgente y todo ese asunto. Es fácil escribir sobre ese lugar esplendoroso y salvaje con exposiciones llenas de gente donde los artistas, ellos y ellas, son insultantemente atractivos. Gente bella como no verás en otro sitio. A todos les va de fábula y todos agarran una Berliner Pilsner con fruición y se preguntan sin cesar por sus proyectos. En qué andas, con quien expones, alles Super, el lunes nos vemos en la cola del Job Center (INEM español pero que funciona).

Pero esto solo es la mitad de la historia. Pasear por las inauguraciones mas chispeantes y saltar de fiesta en fiesta,

Frankfurt am Main. Obra de Tore Wallert. Exposición The Germ of All Potencial, 2014. Foto: Cortesía de Frankfurt am Main

Podemos construir esta figura de un Berlín sexy en que los artistas solo están de escándalo, guapos como galgos nuevos que coinciden por galerías una y otra vez lanzándose éxitos a la cara, pero que levante la mano quien no esté tomando comandas el resto de la semana. La gente es mas natural y tiene mas miedo de lo que intenta aparentar. El champán es como mucho solo la mitad de la historia y aunque la producción de talento cultural en Berlín es grande y se crean project spaces a ritmo de rosquillas, también desaparecen muchos otros por el desgaste y la falta de dinero, sitios peregrinos y necesarios. El capital es feroz y se lo come todo.

Por eso vamos a darnos un paseo por lugares cerrados y lugares abiertos. Vamos a visitar a los vivos y llevaremos flores a los muertos.

Empecemos por MMX justo detrás de KW [un potente centro de arte contemporáneo, su anverso luminoso]. MMX era un edificio ocupado convertido en sala de exposiciones, conciertos y espacio de discusión llevado por artistas y un lugar macarra y divertido. Hoy está ya cerrado.

NUN, sin embargo, está bien abierto y plantado en pleno Neukölln, un distrito de tradición turca con una buena tajada de artistas, locales de apuestas, bares y Trödel-laden.

Es un espacio en la primera planta de un edificio, así que hay que acceder por la ventana desde la calle a través de una escalera estrecha plegable hasta la sala de exposiciones. Un único espacio, blanco, diáfano y con exposiciones excepcionalmente buenas. Ahí encontramos la obra de Reijido Wada, uno de sus grandes vidrios con frutas muy prietas dentro. No sé por donde le sopla el aire exactamente a éste, pero me gusta. Como en casi todos lados hay mucha gente y te puedes tomar una cerveza así que salimos fuera donde Jesüs y su Last supper ofrece durums de halumi.

Los project spaces, estas iniciativas creativas y galerías de arte creadas por artistas, comisarios y personas de pelaje similar, generalmente jóvenes y generalmente sin un chavo y con buenas ideas, son el tríceps musculado de la ciudad. Estos sitios son su campo de pruebas. Los soldados de la trinchera con el barro en las botas.

Lugares posicionados con frecuencia fuera del circuito comercial al que pertenecen algunas de las mas influyentes galerías de arte de Europa, con las que comparten ciudad y, sin embargo, espacios emblemáticos, exigentes con el trabajo, divertidos y sagaces con sus propuestas, muy por delante de las galerías en términos de riesgo e innovación.

97

Nun A. Obra de Irwin, 2014.

B. Obra de Federico Maddalozzo, 2014.

C. Obra de Reijiro Wada, 2014.

Fotos: Cortesía de Nun —

de moño en moño, o de barba en barba sin tocar suelo, como una ardilla española, sería factible, pero es injusto barnizarlo todo con este tono achampanado porque sí. Justo será reconocer que también en Berlín el arte es una forma de vida a veces áspera, de la que muchos se bajan desencantados aún jóvenes. Un negocio difícil donde con frecuencia se fi ngen piruetas de glamour y éxito poco ajustadas a la realidad. Contorsiones grotescas.

A

Podemos construir esta figura de un Berlín sexy en que los artistas solo están de escándalo, guapos como galgos nuevos que coinciden por galerías una y otra vez lanzándose éxitos a la cara, pero que levante la mano quien no esté tomando comandas el resto de la semana. La gente es mas natural y tiene mas miedo de lo que intenta aparentar. El champán es como mucho solo la mitad de la historia y aunque la producción de talento cultural en Berlín es grande y se crean project spaces a ritmo de rosquillas, también desaparecen muchos otros por el desgaste y la falta de dinero, sitios peregrinos y necesarios. El capital es feroz y se lo come todo.

B

98

Por eso vamos a darnos un paseo por lugares cerrados y lugares abiertos. Vamos a visitar a los vivos y llevaremos flores a los muertos.

Empecemos por MMX justo detrás de KW (un potente centro de arte contemporáneo, su anverso luminoso). MMX era un edificio ocupado convertido en sala de exposiciones, conciertos y espacio de discusión llevado por artistas y un lugar macarra y divertido. Hoy está ya cerrado.

C

NUN, sin embargo, está bien abierto y plantado en pleno Neukölln, un distrito de tradición turca con una buena tajada de artistas, locales de apuestas, bares y Trödel-laden.

Es un espacio en la primera planta de un edificio, así que hay que acceder por la ventana desde la calle a través de una escalera estrecha plegable hasta la sala de exposiciones. Un único espacio, blanco, diáfano y con exposiciones excepcionalmente buenas. Ahí encontramos la obra de Reijido Wada, uno de sus grandes vidrios con frutas muy prietas dentro. No sé por donde le sopla el aire exactamente a éste, pero me gusta. Como en casi todos lados hay mucha gente y te puedes tomar una cerveza así que salimos fuera donde Jesüs y su Last Supper ofrece Durums de halumi.

Muy cerca está la ANTIGUA FÁBRICA DE KINDL donde se ha trasladado Agora, un colectivo cultural, residencia de artistas (AFFECT) y plataforma de otros colectivos e iniciativas sociales entre otras cosas. La fábrica es in-

Kreuzberg Pavillon D y E. Obra de Caroline Corleone.

Exposición Heavy Petting Gallery - Anger Issues, 2015.

Fotos: Cortesía de Kreuzberg Pavillon

mensa y le cabe un avión entero de Roman Signer colgado al revés como un chiste bien pagado. Búsqueda en Google: Roman Signer Kindl Berlin.

Paramos en BARTLEBY & CO., la librería española que llevan Ana y Don The Tiger en Kreuzberg, cerca de la desaparecida Invaliden 1, montada por un grupo de artistas españoles. Vermut, vinilos de esplendor geométrico, buenos libros nuevos y libros viejos baratos.

Aunque la producción de talento cultural en Berlín es grande y se crean project spaces a ritmo de rosquillas, también desaparecen muchos otros por el desgaste y la falta de dinero, sitios peregrinos y necesarios. El capital es feroz y se lo come todo.

KREUZBERG PAVILLON es un interesante project space. Ahora lo llevan Heiko Preunt y Lisa Schorm, apasionados por lo suyo a cambio de la misma moneda. Sus exposiciones son heterogéneas y singulares, siempre un group show por semana como marca de la casa. Heiko se entrenó bien exponiendo a un ritmo alto cuando trabajó en el difunto Forgoten bar donde se hacía un show al día. R.I.P. R.I.P.

99 D

E

H

Junefirst Gallery F. Obra de Alby Álamo. Exposición A corrective system of exercising, 2015.

H. Vista de la instalación Upbeat Heights, 2015.

Fotos: Cortesía de Junefirst Gallery

Frankfurt am Main G. Obra de Anthony Salvador. Exposición Work Performance / Performance Word, 2014.

I. Obra de Sandra Vaka Olsen. Exposición Through Air, 2015.

Fotos: Cortesía de Frankfurt am Main

—

F

100

G

JUNEFIRST GALLERY tiene el porte bueno de una galería de categoría, y el perfecto estilo berlinés: modelo de caja blanca, suelo gris de cemento pulido, neones y fachada discreta. Sencillez espartana, putos monjes de la sorpresa.

Exponen artistas con frescura, hay riesgo, diversión y nivel.

Hoy están las alfombras ninja de Josep Maynou que se fue a confeccionar a Marruecos.

De ahí nos vamos a poner unas flores. Una corona en la puerta de LEAPKNECHT, un project space dedicado al new media art que se ha llevado dios a algún cielo donde haga menos frio y después, un ramo de gladiolos para la difunta Kusntraum Avus. La antigua pista de carreras convertida por un grupo de artistas retorcidos en espacio de exposición de arte público. Gente sin profesión, desgraciados y librepensantes.

Mi apuesta mas fuerte, FRANKFURT AM MAIN. Un ejercicio de libertad de Anthony Salvador y de verdadero buen mal gusto, desde su nombre [bautizar tu espacio con nombre de provincia es querer cavar algo tu tumba] hasta sus exposiciones, todas inmensas. Ahí tememos las estructuras del propio Salvador o los kebabs de cristal de Deniz Eroglu. Afinadas, incomibles, acertadísimas. Un mach was du willst, haz ya lo que quieres.

H

I

Si, son heterogéneos. Y sí, ok, los hay oscuros y marcianos, montados en lugares bizarros y también espacios expositivos con un alto nivel de exigencia y profesionalidad.

Muchos tienen el empaque por derecho de una galería rigurosa, brillantes y nuevos como los dientes de un famoso.

Benditos sean todos por ofrecerte lo inesperado, porque ellos son, por delante del status quo del mercado del arte, quienes crean la tendencia y apartan la broza marcando el camino. Son espacios en su mayoría autónomos, y, por lo tanto, libres. Vamos a ver una selección de estos Projecträume [en alemán], algunos de los que para mí están de medalla, en forma de recorrido por Berlín.

Vesselroom Project J. Obra de Maycec y Laure Catugier.

Exposición Underdog, 2015. © Aleks Slota K. Obra de Marco Montiel-Soto y Cristina Moreno.

Exposición Point of No Return, 2015. © Marco Montiel-Soto y Cristina Moreno

Front Views L . Apparently, cemeteries are full of napping cops, de Frank Eickhoff. Exposición Forth Under, Skip Down, 2015.

Foto: Cortesía de Front Views

—

FRONT VIEWS está en todas partes, como los coches. Es un non profit formado por artistas y teóricos del arte. No necesitan un espacio fijo porque van itinerando sus proyectos en galerías con las que colaboran. Uno de sus fuertes es conocer bien las nuevas tendencias contemporáneas, un ojo siempre pendiente de lo que se dice y otro en cómo se comunica. El otro son su puesta en escena y su comisariado. Los paisaje digitales de Frank Eickoff o la exposición Idiopolis, comisariada por Stephan Koehler, dos ejemplos.

J

Y antes de morir, VESSELROOM PROJECT. Está en la plaza de Kottbusser Tor, la verdadera puerta del Sol de Berlín. Simpática y siniestra, un puñetero jaleo espacial.

Subimos por las escaleras del edificio de hormigón de estilo ciberpunk y nos metemos en una galería atractiva y bien diseñada, llevada por un grupo entre las que están Francesca La Vigna, Maycet y Cristina Moreno, videoartista y gestora cultural. Trabajan muy bien, gente buena, gente con la que estás dispuesto a jugártela. Cuenta con un catálogo de libros de artista, revistas singulares y ediciones únicas.

Su última exposición, Underdog, es un acierto, sobre todo combinada con la actuación malababa de Aleks Slota.

102

Flores para Fünf Galerie y una recomendación, revisitar a Fernado Sánchez Castillo, que no es berlinés ni tiene nada que cortar en este asunto, pero es una bala de artista y acabar arriba es acabar dignamente.

K

L

Front Views M . Obra de Astali Peirce. Exposición Riss (Disruption), 2013.

Foto: Cortesía de Front Views

Berlín

M

Nun

Junefirst Gallery

Agora y Affect Mittelweg 50 <agoracollective.org> <agoracollective.org/affect> Bartleby & Co. Boppstraße 2 <bartlebyandcoberlin.wordpress.com>

Agora y Affect

Frankfurt Am Main Wildenbruchstraße 15 <frankfurt-am.com>

Kreuzberg Pavillon Vesselroom Project

Front Views (fuera del plano) Essenerstr. 23 <frontviews.de> Junefirst Gallery Scharnweberstraße 35 <www.junefirstgallery.com>

Bartleby & Co.

Frankfurt am Main

Kreuzberg Pavillon Naunynstraße 53 <kreuzbergpavillon.tumblr.com> Nun Isarstrasse 4 <www.nun-berlin.com> Vesselroom Project Adalbertstraße 4D <www.vesselroomproject.com>

103

Humor tópico: “Hemos querido que no fuera una comedia tosca. Este guión se podía haber enseñado de muchas maneras, y el pueblo podía haber sido el típico de garrulos, cejijuntos y bestias, pero no queríamos hacer eso. La historia de la película al final trata de dos hermanos que buscan reencontrarse con lo que realmente importa en la vida, reconectar el uno con el otro; es una historia de amor fraternal. Luego de fondo está lo rural, pero no queríamos hacer sangre con eso ni jugar al campo-ciudad de una manera descarnada. Está todo en la película, pero de una manera muy cariñosa, porque creo que todo el mundo se va a ver identificado en ese pueblo”.

104

Traje ANTONY MORATO <www.morato.it> + Camiseta PEPE JEANS <www.pepejeans.com> + Zapas CONVERSE <www.converse.com> + Silla Mava de PUNT <www.puntmobles.com>

El Pregón: “Queríamos hacer una comedia pequeñita, honesta y sin pretensiones. Algo que fuera un buen vehículo de comedia para Andreu y para mí, donde pudiéramos construir y desarrollar los personajes. Eran muchos retos para nosotros, pero tenían que verse reflejados en una cosita muy pequeña y muy querida, sin mucha ambición”. El origen: “Desde que Andreu y yo entablamos una cierta amistad, siempre me hablaba de que tenía el proyecto de hacer una película. Él la llamaba ‘la película del Terrat’.

Entonces ocurrió que yo empecé a hacer mi camino en el cine, siempre muy progresivamente: un cameo, un par de papeles pequeños, luego ya un par de papeles medios y ahora me tocaba acometer un protagonista. Ahí volvió a aparecer la posibilidad de hacer la película y me dije: igual es el momento, ya he aprendido cuatro cosas. Nos pusimos a buscar un guión, a movernos y hasta ahora”. Papel protagonista: “Creo que prefiero los papeles pequeños, porque trabajas menos y luego parece que luces más.

Apareces ahí de repente y te llevas tres o cuatro chistes buenos y para casa. En realidad sí que me guasta ser el protagonista, pero es muy cansado porque estás todo el rato en la película.

FOTÓGRAFO VINCENT URBANI

ESTILISMO MARÍA PINTO

TEXTO ROBERTO JUANES

MAQUILLAJE Y PELO CRISTINA ASENJO

Lo suyo es hacer reír. Tras su paso por televisión y sus exitosas incursiones en la gran pantalla, ahora ha llegado su momento.

Protagoniza, junto con Andreu Buenafuente, “El Pregón”, una comedia donde da vida a un músico de éxito venido a menos que regresa a su pueblo natal. Preparen las carcajadas.

105 El Pregón: “Queríamos hacer una comedia pequeñita, honesta y sin pretensiones. Algo que fuera un buen vehículo de comedia para Andreu y para mí, donde pudiéramos construir y desarrollar los personajes. Eran muchos retos para nosotros, pero tenían que verse reflejados en una cosita muy pequeña y muy querida, sin mucha ambición”.

El origen: “Desde que Andreu y yo entablamos una cierta amistad, siempre me hablaba de que tenía el proyecto de hacer una película. Él la llamaba ‘la película del Terrat’. Entonces ocurrió que yo empecé a hacer mi camino en el cine, siempre muy progresivamente: un cameo, un par de papeles pequeños, luego ya un par de papeles medios y ahora me tocaba acometer un protagonista. Ahí volvió a aparecer la posibilidad de hacer la película y me dije: igual es el momento, ya he aprendido cuatro cosas. Nos pusimos a buscar un guión, a movernos y hasta ahora”.

Papel protagonista: “Creo que prefiero los papeles pequeños, porque trabajas menos y luego parece que luces más. Apareces ahí de repente y te llevas tres o cuatro chistes buenos y para casa.

En realidad sí que me gusta ser el protagonista, pero es muy cansado porque estás todo el rato en la película. De hecho en ‘El Pregón’ nosotros salimos continuamente, está hecha a la medida de dos. Me gusta pensar que es algo como lo que hacían Dean Martin y Jerry Lewis, que salían todo el rato porque ibas a verlos a ellos. Es más pesado pero más rico, porque el personaje es más complejo, tiene más arco. A mayor complejidad, mayor disfrute, porque de un mismo personaje ves muchas más facetas que si es más esporádico”.

Camisa DESIGUAL <www.desigual.com> —

Humor tópico: “Hemos querido que no fuera una comedia tosca. Este guión se podía haber enseñado de muchas maneras, y el pueblo podía haber sido el típico de garrulos, cejijuntos y bestias, pero no queríamos hacer eso. La historia de la película al final trata de dos hermanos que buscan reencontrarse con lo que realmente importa en la vida, reconectar el uno con el otro; es una historia de amor fraternal. Luego de fondo está lo rural, pero no queríamos hacer sangre con eso ni jugar al campo-ciudad de una manera descarnada. Está todo en la película, pero de una manera muy cariñosa, porque creo que todo el mundo se va a ver identificado en ese pueblo”.

106

The Pinker Tones: “La parte musical de la película es suya. Hicieron un trabajo importante de investigación de la música de la época, e incluso compusieron las letras con los ojos puestos en cómo se hacían en el año 95. Tienen ese toque naif que a veces da un poco de cosa. Puedes escuchar, por ejemplo, canciones de Amistades Peligrosas de aquella época para saber a qué me refiero”.

Carrera musical: “He desarrollado mucho una potencialidad muy pequeña, porque yo no soy buen cantante, ni tengo una buena tesitura vocal ni muchos registros. Lo que sí tengo es un oído más o menos bueno y soy bastante intuitivo, normalmente parece que estoy a tono. Además es una herramienta que se puede trampear un poco y puede parecer que funciona. Nunca he tenido la sensación de ser un cantante frustrado, sino todo lo contrario: no soy un cantante y a veces hasta lo parezco. Si haces de actor tienes que intentar sacar de donde no hay”.

“Nunca he dado un paso en mi carrera televisiva o cinematográfica orientado a conseguir un premio. De hecho a mí la nominación al Goya me pilló muy de sorpresa.”

Nominado al Goya: “Nunca he dado un paso en mi carrera televisiva o cinematográfica orientado a conseguir un premio. De hecho a mí la nominación al Goya me pilló muy de sorpresa: estaba en la guardería de mis hijos, en una reunión con la tutora cuando me llamaron. Me gustó muchísimo que se reconociera, pero no he notado ningún cambio, de repente no hay 600 guiones en mi mesa. Yo estoy abierto a cualquier propuesta y creo que el camino se demuestra andando, la clave es no parar nunca”.

“El Pregón” se estrena en cines el 18 de marzo.

Papel protagonista: “Creo que prefiero los papeles pequeños, porque trabajas menos y luego parece que luces más. Apareces ahí de repente y te llevas tres o cuatro chistes buenos y para casa.

En realidad sí que me gusta ser el protagonista, pero es muy cansado porque estás todo el rato en la película. De hecho en ‘El Pregón’ nosotros salimos continuamente, está hecha a la medida de dos. Me gusta pensar que es algo como lo que hacían Dean Martin y Jerry Lewis, que salían todo el rato porque ibas a verlos a ellos. Es más pesado pero más rico, porque el personaje es más complejo, tiene más arco. A mayor complejidad, mayor disfrute, porque de un mismo personaje ves muchas más facetas que si es más esporádico”.

Humor tópico: “Hemos querido que no fuera una comedia tosca. Este guión se podía haber enseñado de muchas maneras, y el pueblo podía haber sido el típico de garrulos, cejijuntos y bestias, pero no queríamos hacer eso. La historia de la película al final trata de dos hermanos que buscan reencontrarse con lo que realmente importa en la vida, reconectar el uno con el otro; es una historia de amor fraternal. Luego de fondo está lo rural, pero no queríamos hacer sangre con eso ni jugar al campo-ciudad de una

107

El Pregón: “Queríamos hacer una comedia pequeñita, honesta y sin pretensiones. Algo que fuera un buen vehículo de comedia para Andreu y para mí, donde pudiéramos construir y desarrollar los personajes. Eran muchos retos para nosotros, pero tenían que verse reflejados en una cosita muy pequeña y muy querida, sin mucha ambición”.

El origen: “Desde que Andreu y yo entablamos una cierta amistad, siempre me hablaba de que tenía el proyecto de hacer una película. Él la llamaba ‘la película del Terrat’. Entonces ocurrió que yo empecé a hacer mi camino en el cine, siempre muy progresivamente: un cameo, un par de papeles pequeños, luego ya un par de papeles medios y ahora me tocaba acometer un protagonista. Ahí volvió a aparecer la posibilidad de hacer la película y me dije: igual es el momento, ya he aprendido cuatro cosas. Nos pusimos a buscar un guión, a movernos y hasta ahora”.

Papel protagonista: “Creo que prefiero los papeles pequeños, porque trabajas menos y luego parece que luces más. Apareces ahí de repente y te llevas tres o cuatro chistes buenos y para casa.

En realidad sí que me gusta ser el protagonista, pero es muy cansado porque estás todo el rato en la película. De hecho en ‘El Pregón’ nosotros salimos continuamente, está hecha a la medida de dos. Me gusta pensar que es algo como lo que hacían Dean Martin y Jerry Lewis, que salían todo el rato porque ibas a verlos a ellos. Es más pesado pero más rico, porque el personaje es más

JOSÉ MORRAJA JAVIER DE JUANAS maquillaje y peluquería LOLITA con productos Graftobian + Schwarzkopf peluquería alicia borrás PACO RODRÍGUEZ para Schwarzkopf fotógrafo

estilista

ALEJANDRO ROD LA RETOCADORA asistente de estilismo CARMEN BENA

asistente fotógrafo

postproducción digital

108

T IRTY TH RTY PA E S PA GES modelos

MARÇAL TABERNER & ALICIA BORRÁS @ Uno Models + BRUNNA RIBEIRO @ Deva Models + JAIME FERRANDIS @ Trend Models + TANYA REUTT & MARCOS SORIA @ View Management + MANUELA MARTÍNEZ CALVO agradecimientos

ROCK PALACE (calle vara del rey 6. 28045 madrid) + DAVID CATALÁN + JAVIER LÓPEZ-BUENO + DAVID COLLAZO + DAVID NAVEIRA + PABLO PELEGRÍN + PEDROL

109

Pantal贸n ELEMENT <www.elementbrand.com>

110

Top & Chaqueta MANEMANE <manemane.es> + Collar CLAIREâ&#x20AC;&#x2122;S <www.claires.com>

Vestido MARIA KE FISHERMAN <www.mariakefisherman.com> + Collar CLAIRE’S <www.claires.com> + Pantalón LIU.JO <www.liujo.com> + Zapatillas ADIDAS Tubular <www.adidas.es> + Reloj 1 en bote SWATCH <www.swatch.com> + Reloj 2 en bote VICEROY <www.viceroy.es>

111

112

Reloj arriba SWATCH <www.swatch.com> + Reloj abajo VICEROY <www.viceroy.es>

113

Total Look YVES SAINT LAURENT Paris <www.ysl.com>

114

Camiseta ANTONY MORATO <www.morato.it> + Americana EMIDIO TUCCI <www.elcorteingles.com/emidio-tucci>

115

Top & Bomber SANDRO <us.sandro-paris.com> + Pendientes THOMAS SABO <www.thomassabo.com> + Pantalón TETÉ by ODETTE <www.tetebyodette.com> + Bolso SKULLS by Raquel Giménez + Zapatos MUSTANG <www.mustang.es>

116

Bomber CONVERSE <www.converse.com> + Gafas GIVENCHY <www.givenchy.com> + Falda INTROPIA <www.hossintropia.com>

Top & Falda LOEWE <www.loewe.com> + Zapatos AQUAZZURA <www.aquazzura.com>

117

Ambos Total Look GUCCI <www.gucci.com>

118

119

Vestido CHRISTIAN DIOR <www.dior.com> + Collar CLAIRE’S <www.claires.com>

120

121

Izquierda: Camisa & Zapatillas LOUIS VUITTON <www.louisvuitton.com> + Pantal贸n ELEVEN PARIS <www.elevenparis.com> + Calcetines STANCE <www.stance.com> Derecha: Blazer, Camisa & Vaqueros SAINT LAURENT Paris <www.ysl.com> + Zapatillas VANS <www.vans.es>

122

ARMANI SĂ&#x152; Eau de Parfum <www.armanibeauty.es> + MIU MIU Eau de Parfum <www.miumiu.com>

123

Mujer: Top BERSHKA <www.bershka.com> + Bomber CARHARTT WIP <www.carhartt-wip.com> + Pantal贸n BRUNELLO CUCCINELLI <www.brunellocucinelli.com> + Calcetines STANCE <www.stance.com> + Zapatos CAMPER <www.camper.com> Ni帽a: Vestido & Cazadora PEPE JEANS LONDON <www.pepejeans.com> + Cardigan NICE THINGS <www.nicethingspalomas.com>

124

Sombrero HERSCHEL <www.herschelsupply.com> + Camisa & Sobrecamisa BRIXTON <www.brixton.com> + Pantal贸n BERSHKA <www.bershka.com>

125

Vestido OSCAR DE LA RENTA <www.oscardelarenta.com> + Pendientes MARQUISE (914 357 906)

126

Top L.K. BENNETT <www.lkbennet.com> + Chaqueta DESIGUAL <www.desigual.com>

Camisa ORIGINAL PENGUIN <www.originalpenguin.co.uk> + Traje DIOR Homme <www.dior.com> + Zapatillas REEBOK <www.reebok.es>

127

128

Sombrero BRIXTON <www.brixton.com> + Gafas GUCCI <www.gucci.com>

Vestido & Clutch LOUIS VUITTON <www.louisvuitton.com> + Pendientes THOMAS SABO <www.thomassabo.com>

129

130

Camisa U ADOLFO DOMINGUEZ <www.adolfodominguez.com>

Top COS <www.cosstores.com> + Pantal贸n NICE THINGS <www.nicethingspalomas.com> + Zapatillas ASICS TIGER <www.asicstiger.com>

131

132

Gafas CARRERA <carreraworld.com> + Camisa TIWEL <tiwel.es> + Bomber BENCH <es.bench.co.uk> + Mochila EASTPAK <www.eastpak.com> + Zapatillas ADIDAS ORIGINALS Superstar <www.adidas.es>

Camisa U ADOLFO DOMINGUEZ <www.adolfodominguez.com> + Pantal贸n G-STAR <www.g-star.com>

133

134

Reloj Izquierda DIESEL <www.diesel.com> + Reloj Derecha NIXON <www.nixon.com> + Retrato Ni単a Camisa TOMMY HILFIGER <es.tommy.com> + Frasco Fragancia con Vela BOTTEGA VENETA Pour Homme <www.bottegaveneta.com>

Total Look HERMĂ&#x2C6;S <www.hermes.com> + Pendientes MARQUISE (914 357 906)

135

Total Look LOEWE <www.loewe.com> + Gafas RAY-BAN <www.ray-ban.com>

137

Total Look LOEWE <www.loewe.com>

Diccionario Gourmet (Actualizado) TEXTO MIGUEL Á. PALOMO

Nos sentamos a la mesa y nos miramos los unos a los otros con ojos azorados.

Un fugaz vistazo a la carta y desearíamos que estuviera escrita en sánscrito. Al menos tendríamos excusa. Sentimos necesidad de educar nuestro paladar en las últimas tendencias, pero aunque queremos probarlo todo no sabemos qué es casi nada. Para tranquilidad del comensal, este modesto traductor gourmetcristiano, cristiano-gourmet servirá de chuleta –escasamente comestible- a la que poder recurrir en momentos de pánico en el restaurante de moda.

138

Aprendimos lo que era el sashimi, el showcooking, las bento-boxes, las cupcakes o la cocina nikkei. Hoy todos entendemos que esa pasta verde que acompaña al nigiri se llama wasabi. Lo hemos incorporado a nuestro glosario culinario pero nunca es suficiente.

Nuevos productos, técnicas y pseudorevoluciones parecen impepinables, como lo fue el dichoso umami y por lo que todo fue aderezado con ajo negro. Aún hay demasiado anglicismo y la invasión asiática pone todo perdido de soja.

Los gastrónomos hablan y hablan y no les entendemos. ¿Qué idioma es ese? El del tripero a la última, el del enterao, el del que todo lo sabe y todo lo zampa, el vuestro a partir de ahora. Puede que, en el fondo, os importe un coulis. O peor, ¡un chutney! Vamos, que os la “sude”, si es que todavía no sabéis que dicha acción consiste realmente en saltear vegetales a baja temperatura. Mejor descifrar el código que da acceso a levitar en el etéreo vuelo de la pompa foodie.

B

1. Açaí

2. Bánh mì

Cuidado, igual creemos estar comiendo un racimo de uvas cuando en realidad introducimos en el organismo uno de los superalimentos que pueden cambiar el destino de la civilización.

Estas bayas brasileñas están cargadas de propiedades casi milagrosas: efecto antioxidante y aminoácidos para exportar. Saben algo a chocolate y algo a vino pero no sacian el apetito si no se toman en bol. El nuevo desayuno de los campeones nació predestinado a manchar la barba del hipster definitivo.

Fácil traducción: bocadillo vietnamita.

Los más viajados contaban historias de un delicioso bocata de pan blanco de baguette al que se rellenaba con encurtidos y carnes marinadas. Tras su origen en el Vietnam ocupado, su emigración a Francia y su expansión cosmopolita, ya está aquí. Para deleite de los aficionados a la fusión –ya empezamos-, a los vegetales exóticos como el daikon –el rábano japonésy a los bocadillos en general. Sí, los vegetarianos y los veganos tienen los suyos.

A

A. Açaí (Flax&Kale) B. Bánh mì (The Big Bahn) C. Bao bun (Chuka Ramen Bar) D. (Zumos) cold-pressed (Teresa’s Juicery) E. Craft brewing (Cervezas Monkey) F. Dashi (Restaurante Pakta)

C

E

3. Bao bun

D

También llamado baozí o bun (a secas).

O mollete chino, y acabamos antes.

Otro bocado callejero que ha viajado lo suyo y del que, aunque pringa y se devora con las manos, ya no podemos prescindir sin que nuestra vida deje de tener sentido. A la espera de que las multinacionales de fast food lo añadan a sus menús, no hay local de fusión –seguimos- que no lo meta en carta aunque sea en versión libérrima.

Mínimos: que la masa haya sido cocida al vapor y esté reciente. Ya, si pica y es de pork belly –perdón, de panceta de cerdo- el bun puede ser consagrado.

Todos hablan (comparten foto) de los de Chuka Ramen Bar y de los de Buns and Bones. Pero hay para hartarse: Hattori Hanzō, Kulto, Pajarita, Canalla Bistro, La Chuskery…

F

6. Craft brewing

4. Brookie Repostería fusión –y dale- cocinada en laboratorio neoyorquino. No hay tendencia sin contracciones ni tendencia sin creaciones del chef Frankenstein. La bollería híbrida alumbró antes al cronut –mezcla de dónut y croasán- y ya es una celebridad del museo de los engendros pasteleros. Menos pomposa, la mezcla de brownie y cookie amenaza su reinado. Le siguen el crogel –cruasán más bagel-, el wonut –waffel y dónut- y el duffin –dónut y muffin-. ¿El siguiente trabalenguas glaseado? Mejor no imaginar.

5. (Zumos) cold-pressed Qué lejos quedan los tiempos de los zumos de tetrabrick con sabor a aluminio de multifrutas. Ahora, el grito materno-universal, aunque científicamente erróneo, del “¡bébete el zumo que se van las vitaminas” adquiere nueva dimensión con esta técnica de triturado a bajas rpm y prensado en frío.

No perece ni una propiedad beneficiosa, ni una mísera enzima.

Piedra angular de la palabrería cervecera pero en su producción artesanal –por tanto, hipsterizada y con sub-burbuja propia- que requiere de al menos una stout (ale bien oscura) favorita y amplio conocimiento en IPAs (Indian Pale Ale). La microcervecería no es ya una cuestión de tamaño, es un estado de ánimo, una manera de estar en el mundo. Incontables microbreweries, brewpubs y brewshops salpican de malta y lúpulo este fenómeno retro que ha dignificado el consumo de una bebida que ya no define a los Homer Simpson del planeta sino a barbudos catadores de espíritu emprendedor. Tomarse unas cañas ya nunca será lo mismo.

7. Dashi Hay quien no toleraba ni una triste sopa de letras y, de repente, no sabe ponerse a tono sin sorber sopa de miso o sin prepararse su propio dashi instantáneo. Del alga kombu o de pescados secos se extraen estos caldos base, fundamentales del recetario tradicional japonés.

139

G. Espirulina (Flax&Kale) H. Izakaya (Chuka Ramen Bar) I. Kimchi (Pakta) J. Matcha (Panda Patisserie por Hatori Hanzo)

8. Espirulina Si se hace alta cocina con plancton, cómo extrañarse de añadir un alga a la ensalada. Unicelular de agua dulce y en forma de espiral, para más datos.

Más cuando es otro superalimento superproteínico, supervitaminado y supermineralizado, a lo Super Ratón.

Vamos, que los obsesos de la dieta ven la vida de color verde clorofila.

G

140 9. (Cocina) flexiteriana Raw, cúrcuma, chía, goji, bok choy, pickling, chlorella… Y açaí, espirulina y kale. ¿Mande? Son los ingredientes que manejan en el día a día los flexiterianos.

No hay peligro, no es una secta de costumbres antisociales sino un grupo cada vez más numeroso, y con amplia oferta en Barcelona, que apuesta por una alimentación flexible mientras prime el origen vegetal y la moderación en la ingesta de carnes. Vamos, que igual cae un chuletón de vez en cuando.

Más radicales son los de la cruzada anti-gluten sin ser celíacos.

10. Izakaya Más allá del formato tradicional de restaurante, lo penúltimo es importar el concepto de taberna japonesa. Algo así como un bar de tapas castizo pero nipón.

El traslado de dicha fórmula popular de locales donde se come y se bebe de manera informal se resume en: “me voy de izakayas = me voy de bares”.

H

11. Kale Otro paladín de los alimentos súper para mascar y sentirse flex dentro de la manada. Mucho mérito para una inocente –por no escribir insulsa- col rizada. Llamarla berza no es tan fino. Ahí dentro se agolpan vitaminas A, C y K, más calcio y más hierro que en una vaca lechera y fibra para que el tránsito se convierta en un paseo triunfal.

12. Kimchi Corea en el mapa y de nuevo la col como elemento estrella de un plato, aunque esta vez sea la col china y, para más inri, fermentada. Nos visitó en la edición de Madrid Fusión 2012 y ahí se quedó para dar cuerpo a un mejunje rojo o blanco al que se ha añadido también pasta de soja, sal, guindillas y lo que se tenga a mano. Un pelotazo más healthy de lo esperado que los coreanos engullen hasta para desayunar.

También en sopas, cócteles, bollos y mascarillas faciales. Y si se combina con reishi, el “hongo de la longevidad”, igual la esperanza de vida se incrementa un cuarto de hora. ¡Ommm!

14. Meatballs Tu nivel de inglés no es tan limitado pero, ¿por qué en las cartas y pizarras de los bares no se escribe la palabra albóndiga? ¿Por aquello de la almóndiga? Mucho postureo para un plato que, aunque regresa con algunas recetas importadas y en bocadillo, ya fue inventado por la abuela de la abuela de tu abuela.

Pero ya se sabe, lo antiguo lo peta.

I

13. Matcha La tiranía del té japonés, liderada por famosas tan pijo-saludables como Gwyneth Paltrow y terminada de instaurar devotamente en Instagram por blogueras e influencers con tipazo.

No hay cosa más sanota que este polvillo verde de intenso sabor, un cáliz premium de la eterna juventud a base de catequinas, vitaminas, minerales, fibra y el compuesto relajante L-teanina.

J

K. Ramen (Hattori Hanzo y Chuka Ramen) L. Sunnics (Spoonik) M. Tiradito (Tiradito & Pisco Sour)

L

K

15. Ramen Los fashionistas dirán que es muy 2014, una tendencia casi out.

Pero si uno todavía está llegando podrá meter la cuchara en este tazón sin apenas apreturas ni listas de espera. Un plato callejero debe ser accesible, no exhibido en una urna. Desde que triunfara en el Momofuku de Manhattan, y una vez en España se nos ha pasado algo la tontería, apetece reposar el humillo de estas reconfortantes sopas de fideos japonesas procedentes de la migración china. Hay mil versiones y no pocos locales en donde probarlas.

16. Raw food Cocina que no se cocina. Alimentos bendecidos por la santa madre tierra y directamente trasplantados a la mesa.

Pero no al tuntún, que tanto colorido en crudo es aprovechado para fotogénicos emplatados con el fin de sumar acólitos a la causa. La dieta crudivegana es más vieja que los cuatro hippies que la practicaban, pero desde que fuera apadrinada por el famoseo es cosa

seria y extendida. No confundir con la paleodieta, que admite mamuts no procesados. Dicen que el raw food cura el cuerpo. Y el alma.

17. Sunnics El auge del trampantojo gastronómico afecta también a un sector colateral imparable: la coctelería. Si sofisticamos su arte malabar y hasta molecular, hablaríamos de mixología, y si lo que se sofistica es el cóctel sin alcohol de siempre la tendencia abstemia se hace más sibarita. Con más colores que una guía pantone y más frutas exóticas que el sombrero de Carmen Miranda. También llamados mocktails, algo así como cócteles simulados.

18. Tiradito Junto con el cebiche, el sanctasanctórum de la cocina nikkei, corriente de gran aprecio desde que se destapara en Lima como resultado mestizo de la cocina japonesa en Perú. Los cortes irregulares de pescado crudo se “tiran” al plato para aliñarlos con ají y zumo de limón, aunque ahora se corta más fino. Hemos acabado fusionando, cómo no.

M

141

me pica la espalda CARLOS YUSTE (PS) Director Creativo en diferentes agencias de publicidad. Autor del primer libro escrito en cartones de bingo, y de la primera exposición en un contenedor de obra. Secundariamente, escritor, guionista y artista; primariamente, fan de Paolo Futre, Isi y Jeff Koons.

142

Permitidme que empiece iluminando este texto con la luz de una hoguera. Una descomunal pira donde ardan todas las batas de peluquería. Esas que no ajustan bien en el cuello, esas que no impiden que los pelos cortados entren en la espalda y piquen como un demonio. Esas que nos regalan una repulsiva sensación de incomodidad desde que salimos de la peluquería y acaban jodiéndonos el resto del día.

Este artículo es un homenaje al arte más cercano a una espalda repleta de pelitos cortados, bajo una camiseta ajustada de felpa de Damart Thermolactyl. Un tributo al arte incómodo, al irritante, al molesto. Para ello quiero recordar, poner foco, redescubrir o simplemente descubrir a los que me estéis leyendo, la figura de uno de los artistas que más me han marcado: Isidoro Valcárcel (Murcia 1937), pionero del arte conceptual en España y reconocido por el Ministerio de Cultura con el premio Velázquez a las Artes Plásticas 2015. Por señalar la importancia de este galardón, comentar que Antoni Tápies o Antonio López también lo han recibido.

Un artista coherente y comprometido con el incordio, con su determinación de ser incoleccionable, con su forma de importunar al espectador haciéndole trabajar. Alguien con un arte cabronazo. Difícil. Como las integrales y los logaritmos neperianos, para un estudiante de filología. En 1973 llevó a cabo un proyecto artístico consistente en grabaciones de llamadas de teléfono a números seleccionados al azar de la guía telefónica, donde de manera seria y sincera, se presentaba a su interlocutor y le pedía amablemente que anotase su nuevo número de teléfono. Random. Incoleccionable.

Su obra para el MACBA (Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona) consistió en pintar de blanco… un muro blanco.

Hasta aquí bien, pero lo interesante es que lo perpetró durante 9 días, usando únicamente un pincelito de acuarela del número 8.

Irritantemente sutil. No sé… un poco como Juan Pardo, o quizás Dyango, en un concierto de Hardcore Punk alemán, rollo Six Reasons to Kill. Pero si tengo que destacar algo de esta pieza es lo que no está en la obra, pero que sin duda, forma parte de ella: Sus emolumentos. Cobró lo mismo que hubiera cobrado un pintor-escayolista de “Reformas y Alicatados Hnos. Conejo”, 900 euros y un menú. (Lo del menú me lo he inventado, lo de los 900 euros, es real). Permítame, Sr. Valcárcel, que me postre ante usted.

Asegura que nunca ha vendido una obra, y que fue rechazado por una importante fundación cuando esta le pidió pre-

supuesto para exponer y Valcárcel le pasó la estremecedora cantidad de…6 euros. Baja temeraria, performance y obra en sí misma, capaz de proporcionar sensaciones tan extrañas, como el sonido del ojo suelto de una Nancy golpeando en el tambor de la lavadora.

Conferencias en Código Morse con un traductor simultáneo, o el episodio que empezó con una propuesta para exponer en el Reina Sofía y acabó con una denuncia ante el Defensor del Pueblo, son piezas que merecen mi subjetiva calificación de obras maestras.

Admiro a Jeff Koons. Por poner un ejemplo, por bajarlo al barro de lo concreto, su “Play Doh” (obra que recrea un burruño de plastilina) es algo sublime, impresionante. De acuerdo.

Pero que te inviten a exponer en el Reina Sofía, aceptar y proponer que las obras van a ser los presupuestos, catálogos, documentos y seguros de las exposiciones anteriores, es brutal. Como brutal, inevitablemente, fue el final de este capítulo. Una vez solicitado dicho material al órgano competente del Reina Sofía, este se negó a facilitarlo, y Valcárcel llevó la causa al Ministerio, al Congreso de los Diputados y al Defensor del Pueblo. Le dieron la razón.

Y yo, mi enhorabuena. Mi profunda admiración. Para siempre.

Por todo esto, quiero convertir este espacio en mi humilde homenaje al artista Isidoro Valcárcel, reproduciendo aleatoriamente la palabra “PISTILO” y la matrícula de mi ciclomotor.

Incómodo ¿verdad?

C7559BVS PISTILO C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS PISTILO C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS PISTILO C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS PISTILO C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS PISTILO C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS C7559BVS

generación w JAVIER MIGUEL LÓPEZ Cofundador de EXITo (exitospain.es) donde desarrolla su actividad como Director Creativo, creando un servicio online de análisis de la innovación y adelanto de las tendencias para profesionales del Diseño.

La revista que organizaba la fiesta de ayer puso una condición a los asistentes: había que llevar una máscara que fuera fiel a nuestra imagen digital, esa que nos creamos cada uno de nosotros en internet. La gente ya casi está más familiarizada con los personajes que nos construimos en el mundo digital, que con la imagen de la persona de carne y hueso.

El Yo digital está más presente que nunca y en la redacción piensan que con dicha máscara los invitados nos reconoceremos más fácilmente.

Antes de salir de casa, reviso: máscara, lentillas para que me controle el nivel de azúcar por mi diabetes, crema puesta – después de que mi espejo pusiera el grito en el cielo por la falta de vitaminas en la piel – ropa cómoda, después de hacer caso a mi smartmirror que me propuso la mejor combinación.

Utilizo una aplicación en busca de un coche autónomo de alquiler para no conducir y aprovechar el tiempo. La verdad es que le he cogido gusto a esto de los coches sin conductor, puedo leer, mirar mails, hablar por teléfono, dormir....

Llegué a la puerta de la fiesta. Se abrió cuando el lector de huella digital comprobó que estaba en lista. En el hall, una gran pantalla curva decía: “Noche Wellness”. Y explicaban las tres zonas de la fiesta: En la primera planta proponían una experiencia de realidad virtual 360 grados, donde podías relajarte sumergiéndote en mundos alternativos, como una selva, un desierto, el fondo del mar o el espacio. La persona vive un momento de relajación gracias a la hiperrealidad de las imágenes, junto a olores y sonidos de esos entornos tan oníricos como reales.

En la segunda planta, el DJ pincha música suave, ofreciendo una experiencia de desconexión, meditando en compañía de los allí asistentes. Y por último, en la azotea, la propuesta más activa: clase de yoga sin monitor en la que pruebas ropa deportiva de última generación. Aquí, quien te guía en cómo hacer los ejercicios, es la propia ropa, gracias a estímulos táctiles que te indican - con vibraciones en la piel - cómo debes realizar la postura correcta.

Yo, para comenzar, me voy a la barra a por una cerveza, tras mi desconcierto sobre lo que creía que iba a ser una fiesta de lo más “normal”. Cuál fue mi sorpresa cuando, a falta de camareros, es la propia barra la que me dice que en esa fiesta no sirven alcohol. Lo único que tienen son sanos smoothies que me muestra en pantalla. Saco mi smartwallet y esta me informa que la manera más económica de pagar sería con mi tarjeta de débito, así que, doy a Aceptar a la cantidad que ya

me aparece en mi cartera y ¡listo! También ofrecían canapés impresos en 3D, elaborados con proteínas sintéticas de manera ecológica, sin matar una sola vaca. ¿Y de dónde sacan esos nutrientes? Pues de insectos. ¡Rico, eh!

Entablé conversaciones con máscaras que me resultaban familiares. Uno de los colaboradores habituales de la revista - al que abordé después de ver cómo hacía un vídeo vertical me confesó que la verdadera razón de montar esta fiesta era para poder verse todos los que trabajan para la revista. La mayoría de ellos practican el workation y viven en Bali, la Patagonia, el Congo... “Una buena conexión a internet para trabajar, ¡y a disfrutar de la vida!”, me decía mientras me enseñaba sus fotos haciendo surf.

Llegó la hora de irme a casa. Esta vez, quise volver andando, ya que mi smartwatch me increpaba que ese día no había movido las piernas lo suficiente. Entre vibración y vibración en las suelas de mis deportivas, que me guiaban izquierda y derecha para hacer el camino más corto, recordaba cómo era mi generación hace muy poquitos años… Nos metíamos en locales oscuros - aún con el humo de tabaco - a bailar, sudar y beber cuanto más alcohol mejor. Ahora veo que llega una generación en busca de alternativas más saludables, tanto de día como de noche. Es una generación que busca la mejor versión de sí misma. La tendencia que llega es buscar experiencias que hagan crecer el espíritu y no tanta posesión material. Hacen deporte porque lo identifican con salud y no tanto para que los demás les vean cachas y guapos. Desean vivir momentos que llenen sus sentidos: oler, tocar, comer sano, vivir más y tener menos… Utilizan la tecnología como herramienta para conseguir sus fines de ocio, salud y conocimiento.

No piensan en la ecología como un deber del individuo, sino como algo integrado en la vida del ser humano. Calle tras calle, sigo reflexionando que no es una moda pasajera, es el resultado de un cambio social ya establecido de las nuevas generaciones. Las generaciones Wellness.

Ya en la cama, mi smartwatch me dice el tiempo que me convendría dormir para tener las horas de sueño necesarias.

Ahora sé que cuando mi hija sea adolescente y salga por las noches, podré dormir plácidamente todas esas horas que me diga mi smartwatch, sin desvelarme ni una sola.

143

emergentes en la radio JULIO RUIZ Se puso al frente del micrófono en 1971 y ahí sigue, con su Disco Grande, desde hace ya años en Radio 3. Una de las voces imprescindibles de la radio de nuestro país, cuyo nombre va unido a la historia de la música independiente nacional.

144

Sí, claro que es resultón decir “éste es el último disco de Bob Dylan”. O “he aquí la nueva entrega de Björk”. Los grandes estrenos, las flamantes novedades… Pero nada comparable a abrir un sobre o pinchar un enlace y encontrarte con la que, a oídos preparados, promete ser la nueva esperanza blanca del pop independiente o alternativo o…(pongan el adjetivo calificativo que mejor les parezca). A eso se ha dedicado uno casi toda la vida delante del micrófono y al encenderse la lucecita roja. No descuidar la actualidad musical (ya sea “setentera” en aquellos tiempos o del momento) pero con un ojo puesto a las nuevas propuestas que llegasen del underground (ahora me gusta esa etiqueta de “territorio indie”). Y esas maquetas he tenido el gusto de pincharlas en la radio (radios, utilicemos el plural, de Popular FM a Radiocadena para rematar la jugada en Radio 3) en todos los formatos.

Aún recuerdo (pongamos que hablo de finales de los 70´s y comienzos de los 80´s) ese maletín tamaño LP en el que no iba a veces, en programas especiales, ni un solo vinilo, y sólo guardaba bobinas de núcleo, con las cintas magnetofónicas de toda la vida, ésas que se ponían mustias y se descascarillaban con el paso de los tiempos y por las cabezas reproductoras del aparato pertinente. Por todo lo que implica la ascensión a los cielos de todo lo que fue “la movida” y sus ramificaciones por distintos rincones de nuestra geografía se supone que soy poseedor (a algunos compañeros coetáneos seguro que les ocurre lo mismo) de un buen montón de incunables de aquella era en el susodicho formato de cinta o en cassette, que ya empezaban a proliferar como envase de una maqueta y que era un tanto más liosa su reproducción en antena. Pero, vamos, que la lista es interminable: Nacha Pop en un Rock-Ola vacío, ejerciendo de local de ensayo, grabando “El sueño” y “Atrás” (sin bautizar aún la primera de esas dos canciones); Radio Futura y sus grandes temas de inicio de una segunda época (“En Portugal”, “Adalí”, “Rompeolas”…) antes de que llegara ese nuevo contrato discográfico; Los Dinarama de Carlos Berlanga antes de que Alaska se incorporara y se pusiera por delante de la denominación primitiva…. Por cierto, que a uno le gustaba más la bobina porque el sonido era mucho más fiel.

Saltamos de década y nos plantamos en los 90´s. El kilómetro cero de lo indie arranca en aquel principio en que Los Planetas se aprestan a encabezar (sin saberlo) una hornada de bandas que rompen con lo anterior y que ofrecen una propuesta diferente, aunque el molde a seguir, como casi siempre, haya sido una mirada interesada e interesante a lo

que se hacía fuera. Se le da al click y se escucha “Mi hermana pequeña” y no había duda de que era algo nuevo, diferente.

La banda granadina gana la “liga maquetera” del programa ese año y también el siguiente con aquella “Brigitte” y “Rey sombra”. Y a su lado y compañeros de pupitre: Flow, Penelope Trip, Los Hermanos Dalton, Iluminados, Long Spiral Dreamin, Strange Fruit, Australian Blonde…

Había explotado una nueva generación. Desde ese año 92 me voy a permitir dar los nombres de todos aquellos que se han quedado grabados en el palmarés desde entonces para acá: 92 - Los Planetas 93 - Los Planetas 94 Amphetamine Discharge 95 – Mercromina 96 - Cecilia Ann 97 – Monotone 98 – Humanoid 99 - Ozone Babies 00 - Dar Ful Ful 01 - Universal Circus 02 – Breat 03 – Pumuky 04 - Facto Delafé y las Flores Azules 05 - Underwater Tea Party 06 – Layabouts 07 - Gentle Music Men 08 - Aline & The Splendids 09 - Yolanda Camino 10 - Bright Baby Blues 11 - Doble Pletina 12 – Solletico 13 – Sangre 14 - Helena Goch 15 - Apartamentos Acapulco. Un vistazo a vuelapluma descubre nombres ilustres que han pasado a la posteridad, algunos que aún siguen en activo tantos años después, y otros cuyo fogonazo fue flor de un día. Incluso sin entrar en letras grandes en esa relación, pero sí entre los cinco primeros, tengo frescos los nombres de Hinds (qué arrollador el seguimiento en Facebok tras su visita del otro día al programa), Belize, Belako o Fuckaine.

Y para seguir con ese deber en nuestra Radio 3, aunque uno no ha dimitido de la satisfacción de la sorpresa por lo nuevo, hace ya unas temporadas que mi compañera Paula Quintana escarba debajo de las piedras, en el subsuelo, para ofrecer a los oyentes una vez a la semana lo mejor y más interesante de las propuestas que le llegan en su programa “Capitán Demo” (ésa es otra anécdota: el momento en que la maqueta empezó a perder ese nombre y se canjeó por el de demo).

Maqueteros, principiantes, emergentes… Impagable la labor que siguen haciendo en los últimos años radios pequeñas, fanzines o letra impresa, las webs…o ese hábitat natural que es Radio 3. No hay labor que más nos complazca.

16150080 Neo2 ES 215 x 275 Men A.indd 1

29/01/16 10:23

ADIDAS.COM/NMD

EXPLORE_DISCOVER_EXPERIENCE

ICONIC ADIDAS ORIGINALS DNA FUSED WITH BOOST AND PRIMEKNIT TECHNOLOGY. MADE FOR THE URBAN NOMADIC LIFESTYLE. THE PAST EMPOWERS THE FUTURE.

revista neo2 215x2751mm + 4mm sangre.indd 1

16/02/2016 13:24:25