los mejores

LO S M E JO R E S

LOS MEJORES En esta sección os presentamos a los10 artistas que para nuestro modo de ver, por una razón u otra, los consideramos los mejores de sus géneros. Seguramente deberiamos haber puesto muchos más, puede que no estés de acuerdo con nosotros, cada cual tiene sus gustos y criterio.

B.B KING

Riley B. King mejor conocido como B. B. King (por su antiguo apodo «The Beale Street Blues Boy »), nacido el 16 de septiembre de 1925 en Itta Bena, Misisipi, es un famoso guitarrista de blues, jazz blues y compositor.

Según la revista Rolling Stone, King es el guitarrista más grande en vida, y ocupa el tercer puesto entre los "100 guitarristas más grandes de todos los tiempos" (detrás de los ya fallecidos Jimi Hendrix y Duane Allman).

Es conocido por llamar a sus guitarras "Lucille", una tradición que inició en los 1950s, e incluso compuso una canción con ese título haciendo referencia a la manera en que su guitarra cambió su vida.

En 1947, B. B. King comenzó grabando canciones bajo contrato con RPM Records basada en Los Ángeles. Muchas de las primeras grabaciones de King fueron producidas por Sam Phillips, quien luego fundó Sun Records. King fue también disc jockey en Memphis, donde se ganó el apodo de "Beale Street Blues Boy", luego abreviado B. B.

En los 1950s, B. B. King se convirtió en uno de los nombres más importantes en la música R&B, con una impresionante lista de éxitos en su haber que incluía canciones como "You Know I Love You," "Woke Up This Morning," "Please Love Me," "When My Heart Beats like a Hammer," "You Upset Me Baby," "Every Day I Have the Blues," "Sneakin' Around," "Ten Long Years," "Bad Luck," "Sweet Little Angel," "On My Word of Honor," y "Please Accept My Love".

En noviembre de 1964, King grabó el legendario álbum Live at the Regal en el Regal Theater de Chicago, Illinois

Primero King tuvo éxito fuera del mercado del blues con la nueva versión de 1969 de la melodía de Roy Hawkins, "The Thrill Is Gone", la cual se convirtió en un éxito en las listas de éxitos de pop y R&B, lo cual fue raro para un artista R&B. También se elevó al puesto 183 en Las 500 Mejores Canciones de Todos los Tiempos de la revista Rolling Stone. Ganó visibilidad en la apertura del Tour

por América de 1969 de Los Rolling Stones. Los éxitos de King continuaron durante los 1970s con canciones como "To Know You Is to Love You" y "I Like to Live the Love." Entre 1951 y 1985, King apareció en la lista de éxitos de R&B de la revista Billboard 74 veces.

Los 1980s y 1990s vieron a King grabando menos, pero manteniendo una carrera muy visible y activa apareciendo en numerosos programas de televisión, fotos en las que se le ve con más movimiento y realizando 300 noches en un año. En 1988, alcanzó a una nueva generación de fans con el tema "When Love Comes To Town", junto a la banda irlandesa U2 en su álbum Rattle and Hum. En 1998 BB King y Albert King, el Big brother of blues como llamaba BB King cariñosamente a Albert en el Japan Blues Carnival de 1989. Unos años antes en 1988 BB King celebró un especial BB Kings and Friends junto a Albert King, Stevie Ray Vaughan, Eric Clapton, Phil Collins, Gladys Knight, Paul Butterfield, Chaka Khan y Billy Ocean, ese mismo año volvera a acudir con Albert King a otra celebración previa a los premios Grammy.

En 2000, King se unió con el guitarrista Eric Clapton para grabar Riding with the King.

En 2003, King compartió el escenario con la banda de rock Phish en Nueva Jersey, tocando tres de sus clásicos durante 30 minutos.

En junio de 2006, King estuvo presente en la conmemoración de su primer transmisión de radio en Three Deuces Building en Greenwood, Misisipi, donde una marca oficial del Misisipi Blues Trail fue construida.

B. B. King también hizo una aparición en el Crossroads Guitar Festival puesto en marcha por Eric Clapton. En el DVD él toca "Rock Me Baby" junto a Eric Clapton, Buddy Guy y Jimmie Vaughan.

Más de 100 conciertos de B. B. King han sido emitidos, al menos en parte, en radio y TV a muchos países.

A los 80 años, el 29 de marzo de 2006, King tocó en el Sheffield's Hallam Arena. Esta fue la primera parte de su gira por el Reino Unido y Europa. Realizó esta gira junto al ex-shredder/rockero convertido en blusero Gary Moore, con el cual King ha previamente realizado otras giras, incluyendo la canción "Since I Met You Baby".

Esta gira finalizó el 4 de abril con un concierto en el Wembley Arena.

En julio, B. B. volvió a Europa y en ese momento decidió realizar su despedida en Suiza, tocando dos veces (2 y 3 de julio) en la décimo cuarta edición del Festival de Jazz de Montreux y también en Zúrich en el "Blues at Sunset" el 14 de julio. Durante su último actuación en Montreux, en el Salón Stravinski, tocó junto a Joe Sample, Randy Crawford, David Sanborn, Gladys Knight, Lella James, Earl Thomas, Stanley Clarke, John McLaughlin, Barbara Hendricks y George Duke. La gira de despedida finalizó en Luxemburgo el 19 de septiembre de 2006 en el estadio D'Coque.

Durante una conferencia de prensa el 29 de noviembre en São Paulo, un periodista le preguntó a King si aquella sería la gira definitiva de despedida. King contestó: "Uno de mis actores favoritos es un hombre de Escocia llamado Sean Connery. La mayoría de ustedes le conocerán como James Bond, 007. Hizo una película llamada Nunca digas nunca jamás".

BOB DYLAN

Bob Dylan (n. Duluth, Minnesota, Estados Unidos; 24 de mayo de 1941), nacido como Robert Allen Zimmerman, es un músico, cantante y poeta estadounidense. Ha sido, durante cinco décadas, una de las mayores figuras en la música popular, siendo considerado uno de los compositores y músicos más influyentes y prolíficos del siglo XX. Muchos de los más célebres trabajos de Dylan datan de la década de 1960, en la cual se convirtió en un cronista informal de los conflictos estadounidenses. Aunque es bien conocido por revolucionar el concepto de los límites de la música popular en 1965 con el single "Like a Rolling Stone" de seis minutos de duración, algunas de sus primeras canciones, como "Blowin' in the Wind" y "The Times They Are a-Changin'", se convirtieron en himnos antibélicos y de los movimientos civiles de la época. Uno de los últimos álbumes de estudio de Dylan, Modern Times, publicado en 2006, entró directamente en el primer puesto de la lista Billboard 200 y fue nombrado álbum del año por la revista musical Rolling Stone.

Las primeras letras de Dylan abordaban temas sociales y filosóficos y delataban una

fuerte influencia literaria, desafiando la música pop convencional existente y apelando generalmente a la contracultura de aquel tiempo.

Mientras expandía y personalizaba estilos musicales, mostraba una firme devoción por muchas tradiciones de la música americana, desde el folk, el country, el blues, el gospel, el rock and roll y el rockabilly hasta la música folk inglesa, escocesa e irlandesa, pasando por el jazz y el swing.

Dylan interpreta mediante guitarra, teclado y armónica. Respaldado por una cambiante alineación de músicos, ha permanecido de gira de forma constante desde finales de la década de 1980, en lo que ha venido a conocerse como el Never Ending Tour (la gira interminable). Sus logros en el estudio de grabación y como artista han sido una de las señas de identidad de su carrera, aunque generalmente se considera que su mayor contribución consiste en la composición y escritura de canciones.

A lo largo de su carrera, Dylan ha sido reconocido y honrado por sus composiciones, interpretaciones y grabaciones. Sus discos le han valido varios Grammys, Globos de Oro y premios de la Academia, y su nombre se halla en el Salón de la Fama del Rock and Roll, el Salón de la Fama de Compositores de Nashville y el Salón de la Fama de los Compositores. En enero de 1990, fue investido Caballero de la Orden de las Artes y las Letras por el Ministro de Cultura de Francia Jack Lang. En 1999, fue incluido en la lista de las cien personas más influyentes del siglo XX elaborada por la revista Time. En el año 2000, ganó el Premio de Música Polar de la Real Academia Sueca de Música, y en 2004 alcanzó el segundo puesto en la lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos elaborada por la revista Rolling Stone, después de The Beatles. El 13 de junio de 2007 fue premiado con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, y en 2008 recibió un reconocimiento honorario del Premio Pulitzer por su "profundo impacto en la música popular y en la cultura americana, marcado por sus composiciones líricas de extraordinario poder poético". En este contexto, desde 1996 diversos autores y académicos han nominado a Dylan para la candidatura del Premio Nobel de Literatura.

BOB MARLEY

Robert Nesta Marley Booker (6 de febrero de 1945 – 11 de mayo de 1981), conocido como Bob Marley, fue un músico, guitarrista y compositor jamaicano. Durante su carrera musical fue el líder, compositor y guitarrista de las bandas de ska, rocksteady y reggae The Wailers (1964–1974) y Bob Marley & The Wailers (1974–1981).

Marley sigue siendo el más conocido y respetado intérprete de la música reggae y es acreditado por ayudar a difundir tanto la música de Jamaica como el movimiento rastafari (del que era un miembro comprometido) a una audiencia mundial. Entre sus mayores éxitos se encuentran los sencillos "I Shot the Sheriff", "No Woman, No Cry", "Jamming", "Redemption Song" y, junto a The Wailers, "Three Little Birds", así como el lanzamiento póstumo "Buffalo Soldier". El álbum recopilatorio Legend, lanzado en 1984, tres años después de su muerte, es el álbum de reggae más vendido de la historia con 10 discos de platino en los Estados Unidos y 20 millones de copias en todo el mundo.

Era hijo de Cedella Booker, una afro-jamaicana que tenía 18 años (cuando nació Bob) y de Norval Marley, un jamaicano blanco (fallecido a temprana edad) de ascendencia inglesa, capitán de los Marines Reales, quien se consideraba inglés, debido a que al

ingresar a las Fuerzas Armadas Británicas para la Primera Guerra Mundial, en el fomulario dijo ser inglés, para que no se le cuestionara mayor cosa.

Bob Marley tuvo que soportar burlas y desprecios por parte de negros jamaiquinos por su condición de mulato (mestizo producto de la mezcla de blanco y negro), sobre todo en su niñez, adolescencia y temprana juventud (se dice que el hermano de su primera novia le dijo que «no queremos blancos en esta casa»).

Pero después Bob se demostró indiferente a esos desaires y decía no avergonzarse de su mezcla racial; aunque él se identificaba simplemente como negro y esa fue la única parte de su herencia racial por la que demostró interés.

Viviendo en Nine Miles, Bob conoció a quien llegaria a ser su más frecuente amigo Bunny Wailer. Cedella y el padre de Bunny empezaron a tener una relación, y es esta razón por la cual Bob y Bunny compartian una hermana. Siendo una familia de 5, buscando prosperidad, se mudan a Kingston, la capital de Jamaica. Fue con Bunny, con quien Bob comenzó a interesarse por la música, llegando a componer y tocar algunas canciones. Bob Marley alternó el trabajo en una empresa de fundición (donde se quemó en un ojo) con la música. Bob y Bunny recibieron formación musical de Joe Higgs, un cantante venido a menos que había gozado de cierta fama en Jamaica y que se ganaba la vida impartiendo clases de canto para principiantes. En una de esas clases conocieron a otro joven músico llamado Winston Hubert McIntosh. Al año siguiente Bob decidió que el mejor camino para alcanzar su sueño, lo tenía planteado acaso, no lo sabremos, mediante un grupo. Compartió su idea con Bunny y Peter y los tres formaron los Wailing Wailers

(literalmente, ‘gritos de protesta’). Los Wailing Wailers lanzaron su primer single, Simmer Down, con la discográfica Coxsone a finales de 1963. La formación original estaba compuesta por Bob, Bunny, Peter, Junior Braithwaite y dos coristas, Beverly Kelso y Cherry Smith.

El acercamiento de Bob con la creencia Rastafari comienza a reflejarse en su música. Bob, entretanto, llamó a Peter y Bunny para formar una nueva banda, los míticos The Wailers.

En la primavera de 1972 los Wailers aterrizaron en Inglaterra para promocionar el single Reggae on Broadway, pero no cosecharon demasiados éxitos. A la desesperada, Bob visitó los estudios de grabación de Island Records, que había sido la primera discográfica en interesarse por la música jamaicana, y pidió hablar con su fundador, Chris Blackwell. El primer álbum fue Catch a Fire, fuertemente promovido por Island. El disco no fue un éxito inminente, y es que la música y las letras comprometidas socialmente de Bob contrastaban bastante con lo que se estaba haciendo hasta entonces en Europa. Los Wailers tocaron en Londres en abril de 1973 y tres meses más tarde el grupo volvió a Jamaica. Bunny, desengañado de la vida musical, abandonó la banda antes de la gira estadounidense. En su lugar entró Joe Higgs, el viejo profesor de música de los Wailers.

En 1973 el grupo lanzó su segundo álbum con el sello Island, Burnin', un disco que incluía nuevas versiones de algunas de sus canciones más importantes, como: "Duppy Conqueror", "Small Axe" y "Put It On", junto con "Get Up, Stand Up" y "I Shot The Sheriff".

Fue justamente este último tema el que consagró internacionalmente a Bob Marley de la mano de la voz de Eric

Clapton, alcanzando el primer lugar en la lista de los sencillos más vendidos en los Estados Unidos. En 1974, Bob Marley pasó gran parte de su tiempo en el estudio trabajando en Natty Dread, un álbum que incluía canciones como "Talkin’ Blues", "No Woman No Cry", "So Jah Seh", "Revolution", "Them Belly Full (But We Hungry)" o "Rebel Music (3 o’clock Roadblock)". Al año siguiente, Bunny y Peter dejarían el grupo lo que provocó que la banda comenzase a ser conocida como Bob Marley & The Wailers. Natty Dread fue lanzado en febrero de 1975. Rastaman Vibrations, el siguiente álbum de estudio, fue lanzado en 1976.

En los años 70 Jamaica vivía un empeoramiento de su ya típica violencia política; la situación degeneró en una guerra civil callejera entre pandillas de pistoleros militantes de los dos grandes partidos políticos tradicionales, el Partido Nacional del Pueblo (socialista democrático) y el Partido Laborista de Jamaica (centro-derecha conservador). El Ejército y la Policía de Jamaica tomaron las calles, pero no pudieron contener la violencia entre los dos bandos enfrentados.

Bob Marley era entonces un pacifista apolítico en Jamaica, un músico ya consagrado y un auténtico propulsor de la fe rastafari.

Bob Marley decidió participar en un concierto gratuito en el Parque de los Héroes Nacionales de Kingston, el 5 de diciembre de 1976 para promover la paz y la reconciliación nacional, y así ayudar a frenar la violencia. Pero sectores del entonces opositor Partido Laborista de Jamaica criticaron el concierto porque pensaban que estaba parcializado y en realidad era un acto de apoyo al Primer Ministro y líder del Partido Nacional del Pueblo, Michael Manley

(señalado como amigo de Bob Marley); de hecho Michael Manley era el organizador detrás del evento. El 3 de diciembre de 1976, dos días antes de “Smile Jamaica”, Bob, su esposa Rita, Lewis Griffith y el mánager Don Taylor fueron heridos en un atentado por pistoleros desconocidos en su casa.

Lanzado en el verano de aquel año, Exodus consolidó el estatus internacional de la banda, permaneciendo en las listas de Inglaterra durante 56 semanas. En 1978 la banda consiguió un nuevo éxito con Kaya, que alcanzó el cuarto lugar en Inglaterra a la semana siguiente a su lanzamiento. En abril de 1978 volvió a Jamaica para el One Love Peace Concert, cuando consiguió que el Primer Ministro Michael Manley y el líder de la oposición Edward Seaga se diesen la mano en el escenario, en un esfuerzo para frenar la violencia política y promover la reconciliación nacional. Fue entonces invitado para ir a la sede de las Naciones Unidas, en Nueva York, para recibir la Medalla de la Paz. Y, a finales de año, Bob viajó a África por primera vez, visitando inicialmente Kenia y después Etiopía, hogar espiritual rastafari.

En julio de 1977 se descubrió que se le había formado un melanoma acral lentiginoso, una forma maligna de melanoma, en el dedo gordo de su pie derecho. A pesar de su enfermedad, Bob deseó seguir adelante con las actuaciones programadas y ni se extirpó el cáncer ni se puso en tratamiento.

El siguiente disco de la banda, Uprising, fue lanzado en mayo de 1980 y tuvo un éxito inmediato con "Could You Be Loved?". El álbum también incluía "Coming In From The Cold", "Work" y la famosa "Redemption Song". Con su Redemption Song, Bob Marley parecía estar aceptando su condición mortal. La banda concluyó una importante gira por Europa, dentro de la cual dieron su concierto más multitudinario, en Milán, al que acudieron unos cien mil espectadores. Tras la gira, Marley regresó a los Estados Unidos, en donde ofreció dos conciertos en el Madison Square Garden como parte del Uprising Tour. Poco después de eso su salud empeoró considerablemente. El cáncer se le había extendido por todo el cuerpo.

En abril de 1981 le fue otorgada la Orden del Mérito de Jamaica, la tercera mayor honra de la nación, en reconocimiento a su inestimable contribución a la cultura del país. Bob no pudo estar presente.

Después de ocho meses luchando sin éxito contra el cáncer, Marley tomó un avión de regreso a Jamaica. Durante el vuelo desde Alemania, sus funciones vitales comenzaron a fallar. Cuando el avión aterrizó, tuvo que ser trasladado de urgencia al hospital pues necesitaba atención médica inmediata. Murió en el Cedars of Lebanon Hospital, ahora Hospital Universitario de Miami, en la mañana del 11 de mayo de 1981, a la edad de 36 años. La expansión del cáncer que comenzara como un melanoma en su pie y la metástasis producida en sus pulmones y cerebro fueron la causa de su temprana muerte.

Marley recibió un funeral de estado el 21 de mayo de 1981 que combinaba elementos de la iglesia ortodoxa etíope con los de la tradición rastafari. Fue enterrado con su guitarra Gibson Les Paul roja (algunos dicen que en realidad se trataba de una Fender Stratocaster) en una capilla próxima al lugar en donde nació.

BRUCE SPRINGSTEEN

Bruce Frederick Joseph Springsteen (n. Long Branch, Nueva Jersey, 23 de septiembre de 1949), apodado The Boss (en español: "el Jefe"), es un cantante, compositor y guitarrista estadounidense ampliamente conocido por su música rock vinculada a letras poéticas y a sentimientos tradicionales estadounidenses y relacionados particularmente con su Estado de origen, Nueva Jersey, uno de los más industriales de Estados Unidos.

Las grabaciones de Springsteen han tendido a alternar, a lo largo de cuatro décadas, entre el rock y otros trabajos orientados hacia el folk, así como el llamado heartland rock. Gran parte de su éxito deriva de su vinculación a la E Street Band, presente en una gran parte de sus grabaciones, y especialmente relevante por su particular sonido y su profesionalidad en el escenario, llegando a ofrecer conciertos de más de tres horas de duración.

En su extensa trayectoria musical, Bruce Springsteen ha sido galardonado con numerosos premios, incluyendo veinte premios Grammy, dos Globos de Oro y un Premio de la Academia. Ha

vendido 65 millones de álbumes en Estados Unidos y 120 en todo el mundo.

Bruce Frederick Joseph Springsteen nació en Long Branch, Nueva Jersey, el 23 de septiembre de 1949 y pasó su infancia y sus años escolares en Freehold Borough, Nueva Jersey. Su padre, Douglas Frederick Springsteen, fue un conductor de autobús de ascendencia neerlandés e irlandesa. Su madre, Adele Ann Zirilli, era una secretaria con antepasados italianos.

La inspiración para dedicarse a la música le vino cuando vio actuar a Elvis Presley en el programa televisivo The Ed Sullivan Show. A la edad de 13 años, compró su primera guitarra por 18 dólares, y a los 16 su madre consiguió un préstamo para comprarle una guitarra Kent que costaba 60 dólares, evento que rememoraría años más tarde en su canción "The Wish". En 1965, se convirtió en guitarrista del grupo The Castiles, en el que posteriormente asumiría también el papel de vocalista principal. The Castiles grabó dos canciones en un estudio de grabación público en Brick Township, Nueva Jersey, y llevó a cabo varios conciertos, incluyendo el local Cafe Wha? de Greenwich Village.

A finales de los años 60, Springsteen participó brevemente en un trío musical conocido como Earth, tocando en clubes de Nueva Jersey. Durante este periodo, Springsteen adquirió el sobrenombre de "The Boss" debido a su trabajo a la hora de percibir el pago en los conciertos y de distribuirlo entre sus compañeros. Entre 1969 y 1971, Springsteen llevó a cabo conciertos en el entorno de Nueva

Jersey acompañado del guitarrista Steve Van Zandt, el organista Danny Federici, el batería Vini López y el bajista Vinnie Roslin en una banda conocida como Child, aunque posteriormente renombrada como Steel Mill.

Springsteen firmó un contrato discográfico con Columbia Records en 1972 gracias a la ayuda de John H. Hammond, quien había contratado a Bob Dylan para el mismo sello una década antes. Su álbum debut, Greetings from Asbury Park, N.J., publicado en enero de 1973, estableció a Springsteen como un favorito de la crítica musical, a pesar de que las ventas fueron escasas. Debido a su influencia lírica y a la música orientada hacia el folk rock en temas como "Blinded by the Light" y "For You", la crítica comenzó a comparar a Springsteen con Bob Dylan.

En septiembre de 1973, su segundo álbum, The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle, fue publicado y elogiado nuevamente por la crítica musical, aunque su recibimiento comercial fue tibio. Las canciones de Springsteen comenzaron a adaptarse en forma y alcance, con la E Street Band proveyendo un sonido más cercano al R&B en detrimento del folk.

El 13 de agosto de 1975, Springsteen y la E Street Band dieron comienzo a diez conciertos en cinco noches en el club Bottom Line de Nueva York. Los conciertos atrajeron a los medios de comunicación, siendo retransmitidos por WNEW-FM y sirviendo a muchos escépticos como prueba de las críticas musicales favorables. (Décadas después, la revista musical Rolling Stone definió los conciertos como uno de los 50 momentos que cambiaron el rock and roll. ) Con la publicación de Born to Run el 25 de agosto de 1975, Springsteen obtuvo finalmente éxito. A pesar de no producir sencillos de especial éxito, las canciones "Born to Run", "Thunder Road", "Tenth Avenue Freeze-Out" y "Jungleland" fueron promocionadas de forma masiva en cadenas de radio norteamericanas.

1977, Darkness on the Edge of Town. Musicalmente, el álbum supone un punto de inflexión en la carrera de Springsteen, dando cabida a canciones más ligeras y mejor preparadas en las que se reflejaba la creciente toma de conciencia política y moral de Springsteen y en las que el músico describía historias de lucha y supervivencia protagonizadas por individuos que vivían al margen del sueño americano.

A finales de los 70, Springsteen había ganado la suficiente reputación como compositor para brindar canciones a otros grupos.

En este sentido, Manfred Mann's Earth Band alcanzó el número 1 en las listas estadounidensas con una versión de "Blinded by the Light". Por su parte, Patti Smith alcanzó el puesto 13 con una versión de la canción inédita "Because the Night", mientras que The Pointer Sisters lograron un éxito con la también inédita "Fire".

Cuando se esperaba una continuidad en su música, Springsteen publicó Nebraska en 1982, un disco intimista, acústico y grabado por el propio Springsteen con una máquina de cuatro pistas en un cuarto de su casa y donde nuevamente el lado más amargo de la América profunda salía a relucir en una obra de fuerte denuncia social.

A mediados de los años ochenta, Bruce Springsteen alcanzó el estatus de estrella internacional y de ídolo de la cultura popular de Estados Unidos gracias a su disco Born in the U.S.A. de 1984, que vendió más de 15 millones de copias en todo el mundo. La canción que da título al álbum supuso un amargo comentario sobre el trato al que eran sometidos los veteranos de Vietnam, algunos de los cuales compartían amistad con Springsteen; sin embargo, la canción fue interpretada de forma errónea y usada en la campaña presidencial de 1984. Por otra parte, "Dancing in the Dark" obtuvo un gran éxito como sencillo, alcanzando el puesto 2 en la lista de singles de Billboard, mientras que "Cover Me", inicialmente compuesta para Donna Summer, fue incluida en el álbum a petición del propio sello discográfico. En sustitución de "Cover Me", y debido a la afición de Springsteen por la música de Summer, compuso para la artista la canción "Protection".

La etapa posterior a la publicación de Born in the U.S.A. representó uno de los periodos de máxima popularidad de Springsteen, en los que alcanzó su máxima visibilidad en la cultura popular americana.

En este contexto, Live/1975-85, una caja de cinco discos (posteriormente reducida a tres discos compactos), fue publicado a finales de 1986, con un éxito sin precedentes al vender 13 millones de copias en los Estados Unidos y convertirse en el primer box set en debutar en el primer puesto en la lista Billboard 200. Live/197585 resume la trayectoria musical de Springsteen hasta esa fecha y muestra algunos de los elementos más atractivos y poderosos para sus seguidores, como las largas introducciones habladas de las canciones o la destreza instrumental de la E Street Band.

Tras su pico comercial, Springsteen publicó Tunnel of Love, un álbum más contemplativo en el que el músico se muestra interesado en explorar los recovecos de las relaciones de pareja y los miedos y carencias personales, y en el que por primera vez prescinde de a E Street Band, llamando esporádicamente a algunos componentes del grupo para que participasen individualmente en las canciones. La subsecuente gira de promoción de Tunnel of Love aportó modificaciones a los habituales conciertos de Springsteen, con cambios en el diseño, ausencia de algunos temas clásicos y arreglos basados en una sección de vientos.

En 1991, Springsteen contrajo matrimonio con Scialfa, con quien tuvo tres hijos: Evan James (nacido en 1990), Jessica Rae (en 1991) y Sam Ryan (en 1994). En un intento por reflejar la estabilidad y la felicidad alcanzada con su nuevo matrimonio y su reciente paternidad, y acompañado por músicos de sesión, Springsteen publicó dos álbumes conjuntos: Human Touch y Lucky Town. Ambos fueron criticados por los seguidores del estilo de la E Street Band, confabulándose para ignorar la gira de promoción llevada a cabo a continuación por Springsteen con la bautizada como The "Other" Band. Un año después, Springsteen obtuvo un Premio de la Academia por la canción "Streets of Philadelphia", incluida en la de la película de Jonathan Demme Philadelphia.

En 1995, después de reorganizar temporalmente la E Street Band para grabar varias canciones incluidas en Greatest Hits, Bruce publicó su segundo trabajo en formato acústico, The Ghost of Tom Joad, inspirado en la novela de John Steinbeck Las uvas de la ira y

premiado con un Grammy al mejor álbum de folk contemporáneo. El álbum fue en general peor recibido en comparación con Nebraska, debido en gran medida a su mínima melodía y a la naturaleza política de las canciones.

La gira de reunión de Bruce Springsteen con la E Street Band finalizó con diez conciertos en el Madison Square Garden de Nueva York con las entradas agotadas y con la controversia en torno a la canción "American Skin (41 Shots)", compuesta tras la muerte de Amadou Diallo a manos de la policía neoyorkina en un caso de brutalidad policial y racismo a ojos de la opinión pública. Los últimos conciertos en el Madison Square Garden fueron grabados y publicados en CD y DVD bajo el título de Bruce Springsteen & the E Street Band: Live In New York City y emitidos como documental de televisión por la cadena HBO. En 2002, Springsteen publicó The Rising, su primer álbum de estudio con la E Street Band en 18 años. El álbum, en gran medida un reflejo de los atentados del 11-S, obtuvo un éxito de crítica y ventas. Al respecto, The Rising se convirtió en el álbum mejor vendido de su carrera en 15 años. Algunas de las canciones fueron influidas por conversaciones telefónicas que Springsteen tuvo con familiares de fallecidos en los ataques terroristas, en los que mencionaban la importancia de su música en sus vidas.

Devils & Dust, publicado el 26 de abril de 2005 y grabado sin la E Street Band, vuelve al formato acústico con un estilo muy parecido a Nebraska y The Ghost of Tom Joad, aunque con más instrumentación. La canción que da nombre al disco refleja los sentimientos y los miedos de un soldado durante la invasión de Iraq de 2003.

El primer trabajo de Bruce con la E Street Band en cinco años, Magic, fue publicado el 2 de octubre de 2007. El primer sencillo, "Radio Nowhere", fue publicado como descarga gratuita el 28 de agosto. El 7 de octubre, Magic debutó en el primer puesto en Irlanda y Reino Unido, al tiempo que Greatest Hits reentró en la lista de álbumes irlandesa en el puesto 57. Asimismo, Sirius Satellite Radio volvió a emitir desde el 27 de septiembre la E Street Radio en el canal 10.

El 11 de enero de 2009, Springsteen ganó un Globo de Oro por su canción "The Wrestler", incluida en la película homónima de Mickey Rourke.38 El 1 de febrero, actuó en el intermedio de la Superbowl XLIII interpretando "Tenth Avenue Freeze-Out", "Born to Run", "Working on a Dream" y "Glory Days".

El 1 de abril de 2009 comenzó la gira de promoción de Working on a Dream en San José, California.

Tras la muerte del saxofonista de la E Street Band, Clarence Clemons, el 18 de junio de 2011, Springsteen comenzó a grabar un nuevo álbum de estudio bajo la producción de Ron Aniello.

Wrecking Ball, el resultado de esas grabaciones, fue publicado el 6 de marzo de 2012 y dedicado por Bruce a la memoria de Clarence Clemons.

ELVIS PRESLEY

Elvis Aaron Presley (Tupelo, Estados Unidos, 8 de enero de 1935 – Memphis, Estados Unidos, 16 de agosto de 1977), conocido también por el sobrenombre de Rey del Rock, fue un artista que se convirtió en el icono de la música popular del siglo XX.3 La singularidad de su nombre, permite que usualmente se le llame Elvis, aunque sus simpatizantes lo denominan simplemente como El Rey. Durante su carrera, protagonizó 31 películas, muchas de las cuales estuvieron consagradas a sus canciones.5 Grabó un total de 150 álbumes y obtuvo 14 nombramientos a los Grammy de la academia nacional de las artes y de las ciencias.

A pesar de su muerte, su legado continúa produciendo beneficios, vendiendo discos y todo tipo de artículos ornamentales. Debido a su estatus, sirve de inspiración de muchos otros músicos y cantantes, tanto dentro como fuera del género Rock. John Lennon, de The Beatles, fue en sus comienzos uno de sus principales devotos.

Discográficas como Rca y BMG, comentan que ha superado la cifra de los 1.000 millones de discos vendidos desde 1980.

La revista Rolling Stone lo presenta como el tercer intérprete de toda la historia en su lista "The Immortals" (superado solo por The Beatles y Bob Dylan).

Hijo de Vernon Elvis Presley y Gladys Presley, fue fruto de un embarazo de mellizos, aunquesu hermano, Jesse Aaron Presley, murió al nacer.

Como hijo único, creció muy cercano a sus padres, formando un gran vínculo con su madre. La familia solía asistir a la iglesia Assembly of God, donde encontró su inspiración musical inicial.

Tuvo una infancia dura y difícil en su pueblo natal, Tupelo, ya que su padre cambiaba continuamente de trabajo, a menudo, la familia dependía de la ayuda de los vecinos y la asistencia alimentaria del gobierno. En 1938, perdieron su casa después de ser Vernon declarado culpable de alterar un cheque. Fue encarcelado durante ocho meses, y Gladys y Elvis fueron a vivir con parientes cercanos.

En septiembre de 1941, Presley entró en el primer grado en East Tupelo, donde sus profesores lo consideraban como "promedio". Se le alentó a entrar en un concurso de canto después de impresionar a su maestra con una interpretación de la canción country "Old Shep" (de Red Foley) durante las oraciones matutinas.

En el concurso, celebrado en el Mississippi-Alabama Fair and Dairy Show, el 3 de octubre de 1945, se vio su primera actuación en público: vestido de cowboy, a sus diez años de edad, apenas alcanzaba el micrófono sentado y cantó nuevamente "Old Shep".

Meses después, su padre le compró su primera guitarra como regalo de cumpleaños. Él deseaba una bicicleta considerablemente más cara. Durante el año siguiente, recibió clases de guitarra básica de dos de sus tíos y el nuevo párroco de la iglesia de la familia.

Aunque un año después empezó a llevar su guitarra a todas partes y dar hasta un recital al aire libre.

Desde niño ya le apasionaba por igual la música blues, el gospel, el Doo wop y la música country, incluyendo los temas musicales favoritos de su madre, que entre ellos se encontraba música de mariachis y de ópera. Su cantante favorito era el tenor Mario Lanza, pero tenía gran predilección por Dean Martin, por Arthur Crudup y también por grupos de lo que llamaban música blues rural. Debido a su ascendencia cheroqui por parte materna, se interesó también por las raíces musicales indias.

En 1954, cuando tenía diecinueve años, grabó un disco con dos temas para regalárselo a su madre por su cumpleaños. En los estudios Sun Records grabó un sencillo con el tema My Happiness y con That's When Your Heartaches Begin. El propietario de la compañía, Sam Phillips, no llegó a oírlo hasta que regresó dos veces más, grabando dos canciones en cada oportunidad, tras lo cual, quedó gratamente sorprendido. Tres meses después, le contrató para grabar un disco que llegó a tener gran éxito en Memphis.

Muchos consideran que Presley fue el creador del estilo musical rockabilly, una fusión del country y del blues, aunque a la hora de

encontrar a la persona responsable por su mayor auge y desarrollo, la mayoría se inclina por Carl Perkins, autor del hit Blue Suede Shoes. Con la edición de su primer tema de este género, That's All Right, de Arthur Crudup, (género que por cierto dejaría en menos de 17 meses para lanzarse sobre otros ritmos cada vez más sofisticados) creó una de las imágenes más clásicas del rock and roll.

Con su primer tema para la RCA, Heartbreak Hotel, consiguió su primer número uno, de los 18 que consiguió en su carrera en Estados Unidos. Su modo de bailar, con sus movimientos pélvicos, resultó escandaloso, aunque entusiasmó a los jóvenes. En algunos programas de televisión, como en su tercera aparición en el Show de Ed Sullivan, sólo se le enfocó de cintura para arriba. Antes de su ingreso al servicio militar, rompió todos los récords de venta, alcanzando once números uno seguidos, en la lista de sencillos, y cuatro números uno en la de los discos de larga duración.

Interpretó, asimismo, cuatro películas, todas enormes éxitos de taquilla.

Entre 1958 y 1960 se ausentó de los escenarios por tener que realizar el servicio militar. Fue destinado a Bad Nauheim, una base militar que Estados Unidos poseía en Alemania, en calidad de conductor de tanques.13 Allí conoció a la que después sería su mujer, Priscilla Ann-Beaulieu (Priscila Presley). Su regreso al escenario fue espectacular, al aparecer como estrella invitada en el programa de Frank Sinatra, con quien interpretó a dúo los temas Love me Tender.

Como la cadena televisiva ABC consideró el precio demandado por Parker (manager de Elvis) demasiado elevado, fue el propio Frank Sinatra quien la financió. Para éste último y a pesar del elevado monto, la inversión dio resultado, especialmente al final de la semana cuando se anunció que los ratings televisivos del show de Sinatra en que había aparecido Presley, habían roto todos los récords de audiencia televisiva del referido show, que fue visto por 40 millones de personas. Presley recibió 125.000 dólares por su actuación, que duró unos diez minutos.

Presley sentía admiración por los Beatles, pero cuando éstos cambiaron su imagen a finales de los años sesenta, los acusó de inducir a la juventud a consumir drogas.

En 1964 comenzó el descenso en la hegemonía que ostentaba en el mundo del rock, tanto a nivel de ventas como de popularidad.

El 1 de mayo de 1967 Presley se casó con Priscilla Ann-Beaulieau (conocida como Priscila Presley), con la que tuvo un año después a su hija Lisa Marie Presley. En 1968, volvió al top de los hits parades estadounidenses después de su exitoso 1968 Comeback Special para la televisión. Al año siguiente reafirmó su vuelta a los conciertos en directo en el Hotel Internacional de Las Vegas, Nevada. En ese mismo año, nace su única hija, Lisa Marie Presley.

Los años 70 serían los años en los que Elvis se convertiría de gran ídolo a leyenda musical. En julio de 1972 se separa de Priscilla, para llevar a cabo el divorcio definitivo en octubre de 1973, dejándolo en un profundo estado de depresión del que nunca se recobraría.

En 1973 realizaría el primer concierto televisado vía satélite de la historia, desde el paradisíaco Hawái conocido como Aloha From Hawaii, y visto por un número estimado de 1.500 millones de personas.

También es en esta década en donde los excesos en sus hábitos alimenticios y su dependencia a las drogas, deterioran drásticamente su salud, tanto física como mental. En repetidas ocasiones es ingresado en el hospital. En 1973, Priscila Presley presenta la demanda de divorcio y consigue la tutela de su hija. Su ex mujer declaró que no podía seguir en el ambiente de soledad, insatisfacción, infidelidades que dejaba la estela de fama que rodeaba a su marido y culpó directamente al "coronel" Tom Parker por sus ansias de dinero y de llevar a Elvis por rumbos de decadencia.

Para 1976-1977 Elvis dista mucho del muchacho vigoroso y lleno de energía que conquistó al mundo, convirtiéndose en una imagen burda, sobrepasado en peso y con dificultades para cantar y memorizar la letra de las canciones. Su último concierto lo daría el 26 de junio de 1977 en Indianápolis, en el Idiana’s Market Square Arena.

En la madrugada del 16 de agosto, Elvis regresa a su mansión de Graceland después de una consulta dental, durante la mañana se encarga de revisar detalles de su próxima gira y descansa con su familia y amigos. Debe tomar un vuelo para Portland esa misma noche para seguir con la gira, y alrededor de las 7 am, se retira a su habitación para dormir. Alrededor del medio día, Elvis es encontrado inconsciente en el baño de su habitación, es trasladado urgentemente al hospital Baptist Memorial en Memphis, y poco tiempo después es declarado muerto.

JIMMI HENDRIX

James Marshall «Jimi» Hendrix (nacido como Johnny Allen Hendrix; Seattle, Estados Unidos, 27 de noviembre de 1942 – Londres, Reino Unido, 18 de septiembre de 1970) fue un guitarrista, cantante y compositor estadounidense. Es considerado y citado frecuentemente por varios artistas, por diversas revistas especializadas en música, por varios críticos y la prensa en general y por la admiración y el cariño de la gente como el más grande guitarrista de la historia del rock and roll, además de ser uno de los mayores innovadores y más influyentes artistas en una gran cantidad de géneros.

Hendrix fue introducido en el Rock and Roll Hall of Fame en 1992.

En el año 2003, la revista Rolling Stone lo eligió como el mejor guitarrista de todos los tiempos y en 2004 lo incluyó en su lista de los mejores artistas de toda la historia (n.º 6). En 2009, la revista estadounidense Time lo situó como el mejor guitarrista de guitarra eléctrica de la historia.

Igualmente, en 2003 la revista especializada británica Total Guitar, con el voto de más de 4000 lectores, eligió a Jimi Hendrix como el mejor guitarrista de la historia del rock. Además posee el mejor riff en la historia de la música por su canción "Voodoo Child".

Nació en el King County Hospital de Seattle en el estado de Washington, Estados Unidos, de madre de orígenes nativo americana y padre afroamericano, con el nombre de Johny Allen Hendrix. Le cambiaron el nombre por el de James Marshall Hendrix en memoria del hermano fallecido de su padre Leon Marshall Hendrix.

El pequeño Jimi pasó sus primeros años en un barrio muy humilde y tuvo una infancia marcada por el divorcio de sus padres avenido cuando éste tenía apenas 9 años; como consecuencia, fue otorgado en tutela a su abuela paterna Nora Rose Moore, en ese entonces la única persona en grado de garantizarle un mínimo de estabilidad.

Su primer instrumento fue una armónica a los 4 años. Obtuvo su primera guitarra acústica a los 14 años por cinco dólares a un conocido de su padre, reemplazando el ukelele de una sola cuerda que su padre había encontrado limpiando un garaje. Aprendió practicando constantemente, mirando cómo tocaban otros músicos más experimentados como B.B. King; entre otros. En 1958, el año en que muere su madre, su padre le compró su primera guitarra eléctrica, una Supro Ozark blanca, aunque sin amplificador, con la que tocó en varias bandas locales. Ese mismo año su única calificación baja en la escuela fue una F en clase de música.

En los inicios de la década de 1960, a causa de algunos problemas con la ley, se vio obligado a elegir entre un periodo de reclusión o el alistamiento militar; elegida la segunda opción, Hendrix es alistado el 31 de mayo de 1961 en la 101st Airborne Division y enviado a Fort Campbell, en Kentucky. Su aventura en los rangos militares duró muy poco; frustrado por la rigidez del ambiente e intencionado a dedicarse a la música, Jimi Hendrix decide poner punto final a su periodo bajo las armas, visitando varias veces al psicólogo del ejército declarando ser homosexual.

Una vez obtenida la baja, "Buster" (como le conocían muchos amigos y familiares) fijó su residencia en las cercanías de Clarksville, en Tennessee. Comenzó a actuar en público en 1962 con el grupo formado junto a su amigo Billy Cox, los King Casuals.

Durante los tres años siguientes Jimi llevó una vida errática, formando parte en la gira del llamado Chitlin' Circuit y convirtiéndose en una presencia fija mediante una interminable serie de exhibiciones, tanto de guitarrista de los King Casuals como en grupos de soporte para un gran número de músicos blues, rhythm and blues y soul como Chuck Jackson, Slim Harpo, Tommy Tucker, Sam Cooke y Jackie Wilson.

Una vez terminado con lo que más tarde se reveló ser su periodo de aprendizaje, en un intento de dejar atrás el contexto de racismo y

degradación que había encontrado en el sur del país norteamericano, Hendrix decide trasladarse a Nueva York. En enero de 1964, el guitarrista se muda al barrio de Harlem, donde consolidó una estrecha amistad con los gemelos Arthur y Albert Allen (hoy día más conocidos como Taharqa y Tunde-Ra Aleem).

La amistad con los gemelos Allen pronto resultó ser fundamental y destinada a durar en el tiempo, como demuestran algunas colaboraciones en la última parte de la carrera de Hendrix.

La llegada al éxito se produjo en 1964, cuando Hendrix fue reclutado como guitarrista de la banda de los Isley Brothers para una gira a través de todo Estados Unidos, incluidos los locales del Chitlin' Circuit. Fue justamente durante aquel periodo cuando tuvo la ocasión de tocar en grabaciones de estudio el tema Testify, sencillo que poco después se convertiría en un éxito radiofónico. De todos modos, la aventura con la banda a la espalda de Little Richard concluiría a los pocos meses, cuando Hendrix fue despedido por haber perdido el tour bus a Washington D. C..

En 1965 Hendrix se unió a la banda neoyorquina Curtis Knight and the Squires, después de haber conocido a Knight en el hall de un hotel —clase media— en el cual ambos habían encontrado hospedaje. Siguió un tour de dos meses con Joey Dee and the Starliters antes de regresar nuevamente con los Squires en Nueva York. Durante una breve estadía en Vancouver, al parecer Hendrix tocó con Bobby Taylor & the Vancouvers, bajo contrato con Motown y con Taylor y Tommy Chong (de los Cheech and Chong fame).

Chong, de todos modos, afirma que tal episodio nunca existió y sostiene que el hecho viene atribuido a la tendencia de Taylor a agrandar las cosas.

No obstante la inestabilidad del periodo, todas las errabundas experiencias que le vieron protagonista le sirvieron de aprendizaje, permitiéndole enriquecer ulteriormente su considerable bagaje guitarrístico.

En 1966 Hendrix formó su primer grupo bajo el nombre de Jimmy James and the Blue Flames, con una variada formación, incluidos diversos conocidos suyos reclutados en el Manny's Music Shop.

Durante esas épocas comenzó a consumir marihuana y LSD, como la gran mayoría de músicos y artistas del momento.

El 1966 fue el año del giro definitivo para Hendrix: una noche en el Cheetah Club, el guitarrista conoció a la novia de Keith Richards, Linda Keith. Los dos se hicieron amigos y Linda se esforzó para presentarle a Andrew Loog Oldham, mánager de The Rolling Stones, y al productor Seymour Stein. Ninguno de los dos recogió una impresión positiva del encuentro y toda prospectiva de inserción se esfumó. Lejos de perder los ánimos, Linda insistió en presentarlo a Chas Chandler, en la época bajista del grupo The Animals.

Hendrix se esforzó en buen grado para elaborar una versión propia de «Hey Joe»; el resultado entusiasmó a Chandler hasta el punto de inducirlo a llevar al guitarrista a Londres para firmar un contrato con el soporte del mánager saliente de The Animals, Michael Jeffrey. El paso sucesivo tenía que ser el de acercarle algunos músicos adecuados al nuevo sonido que tenían en mente. Después de algunas audiciones se decidió en estructurar la formación sobre un modelo power-trio (en la época muy de moda, visto también el éxito de los entonces recién nacidos Cream) y los personajes elegidos para ese fin, ambos ingleses, fueron el guitarrista Noel Redding, relegado al bajo y el pirotécnico batería Mitch Mitchell.

Había nacido la Jimi Hendrix Experience.

El sonido del trío se reveló como una novedad absoluta;

desde las primeras exhibiciones en Europa, las visionarias escaladas sonoras de Hendrix sostenidas por la furiosa batería de Mitchell y de las líneas esenciales del bajo de Redding, crearon enorme impresión en el mundo de la música londinense, dando vida a un pasaje de voz sin precedente entre los artistas y grupos que animaban la escena del Swinging London en aquel entonces.

En mayo de 1967, Are You Experienced? obtuvo una excelente respuesta de ventas en el viejo continente, interrumpiendo su propio ascenso al segundo lugar en la lista de éxitos británica por detrás

de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de The Beatles. De todos modos, la Experience estaba en busca de la ocasión perfecta para desembarcar en Estados Unidos, donde aún era desconocida.

La ocasión se presentó en junio de 1967, cuando el grupo fue invitado —por medio de Paul McCartney a la histórica edición del Monterey International Pop Festival considerado el evento de arranque del llamado Verano del amor que popularizó al movimiento hippie en el mundo. La Experience no dejó escapar la ocasión y realizo una de las exhibiciones más aclamadas del evento, además de una entre las mejores de sus actuaciones en directo. En 40 minutos de concierto, Hendrix utilizó su Stratocaster en un modo hasta ese momento jamás visto, llegando a hacer mímica de actos sexuales, hacerla sonar con los dientes, por detrás de la espalda, contra el soporte del micrófono y hasta contra su amplificador causando un acople ensordecedor. Al término de la exhibición, para remarcar su furiosa necesidad de extraer nuevos sonidos al instrumento, le dio fuego con gas líquido para encendedores y la destruyó contra el palco y amplificadores en un éxtasis de feedbacks alucinantes.

Los restos de la guitarra que Hendrix destruyó aquella noche fueron recuperados y actualmente están expuestos en el Experience Music Project di Seattle.

El año 1967 vio la salida del sucesor de Are You Experienced?, titulado Axis: Bold as Love, igualmente marcado por la poderosa vena ácida y experimental de su antecesor, pero caracterizado por sonidos menos ásperos y más cercanos al funk de James Brown, Blues y Rhythm and Blues. Con Bold as Love Hendrix proseguiría con su búsqueda sonora, experimentando con variaciones sobre los dos canales de salida estéreo, obteniendo resultados sonoros absolutamente innovadores. El disco fue además íntegramente grabado con la afinación de la guitarra disminuida medio tono, característica destinada a convertirse en estándar en la producción del guitarrista.

El disco es además para recordar por los traspiés que lo acompañaron en las fases previas a su salida.

La gestación del último LP de estudio de Hendrix, el álbum doble Electric Ladyland, no fue menos problemática que la de Bold as Love. Ya durante las primeras fases de las sesiones Hendrix tuvo que aceptar el abandono por parte de su histórico productor Chas Chandler, literalmente irritado a causa de los numerosos desencuentros con el guitarrista. La influencia de Chandler es evidente en los dos primeros LP de la Jimi Hendrix Experience, donde raramente un tema supera los cuatro o cinco minutos, siguiendo la tradición pop. Al contrario, Electric Ladyland presenta arquitecturas perfectamente en sintonía con el estilo ácido y visionario de Hendrix, compaginando partes breves con larguísimas jam sessions caracterizadas por enormes espacios instrumentales, modalidades notablemente psicodélicas.

Otro aspecto que pudo provocar también el fin del equilibrio fue el exagerado perfeccionismo de Hendrix.

Chas Chandler no fue la única víctima de los ya conocidos "arranques" del guitarrista. En caída libre estaban también las relaciones con el bajista Noel Redding, él también desesperado por las modalidades de trabajo impuestas por Hendrix.

El festival de Woodstock de 1969 fue seguramente uno de los eventos más representativos por el ingenio colectivo acarreado a la música de los años 1960 y al movimiento flower power. En éste contexto, la actuación de Jimi Hendrix se convirtió en un verdadero y propio símbolo del festival. La exhibición del guitarrista estaba programada para el cierre del evento, la noche del 18 de agosto de 1969, tercero y último de aquellos "tres días de paz, amor y música". A causa de problemas técnicos y logísticos que se verificaron, su presentación debió ser re-programada para la mañana siguiente. La inmensa cantidad de fans de los tres días anteriores (más de 500.000 espectadores) se había reducido

considerablemente y Hendrix terminó cerrando el recital delante de una audiencia (respetable pero decididamente inferior a las expectativas) de aproximadamente 180.000 espectadores, exhaustos y en muchos casos incluso distraídos y desganados.

El guitarrista se presentó sobre el palco con una formación inédita, anunciada por el presentador como Jimi Hendrix Experience, pero rápidamente vuelta a presentar por el mismo Hendrix como Gipsy Sun and Rainbows: prosiguió una exhibición de dos horas (en absoluto entre las más largas de su carrera). El hecho que más sobresalió en aquella histórica exhibición, fue la celebérrima transfiguración guitarrística operada sobre el tema "The StarSpangled Banner", himno de los Estados Unidos; Hendrix interpretó el tema en una manera salvaje mezclándolo con feroces simulaciones sonoras de bombardeos y ametrallamientos sobre los barrios de Vietnam, sirenas anti-aéreas y otros ruidos de batalla, todo únicamente usando su guitarra.

Algunas teorías de que Hendrix fuese de hecho favorable a la intervención bélica en Vietnam quedan totalmente de lado no solo al tomar en cuenta la transfiguración del himno efectuado en Woodstock, sino más bien al escuchar el tema "Machine Gun", contenido en su último LP Band Of Gypsys, una explícita canción de protesta en contra de la guerra.

El 18 de septiembre de 1970, en Londres (Inglaterra), a los 27 años, James Marshall Hendrix falleció debido a una mezcla de somníferos y alcohol y, al parecer, murió por aspiración de vómito. Esa noche estuvo hasta tarde en una fiesta, y su novia, Monika Dannemann, fue a recogerlo y lo dejó en su apartamento en el Hotel Samarkand.

Monika Dannemann asegura en el testimonio original que Hendrix cogió nueve pastillas que le recetaba su médico para dormir, y los

médicos atestiguan que el vómito fue provocado por la ingesta excesiva de alcohol.

Años después, luego de investigaciones, se supo que, en realidad, Jimi no había muerto en ese momento, sino que cuando lo llevaban en la camilla necesitó girar la cabeza para poder vomitar en el suelo y el camillero colocó su cabeza sobre la camilla causando así su atragantamiento y fallecimiento.

También se considera a Jimi Hendrix miembro del llamado "Club de los 27" ya que murió, al igual que otros músicos, a la edad de veintisiete.

LOUIS ARMSTRONG

Louis Armstrong (Nueva Orleans, 4 de agosto de 1901 – Nueva York, 6 de julio de 1971), también conocido como Satchmo y Pops, fue un trompetista y cantante estadounidense de jazz.

Se trata de una de las figuras más carismáticas e innovadoras de la historia del jazz y, probablemente, su músico más popular. Gracias a sus habilidades musicales y a su brillante personalidad, transformó el jazz desde su condición inicial de música de baile con raíces folclóricas en una forma de arte popular. Aunque en el arranque de su carrera cimentó su fama sobre todo como cornetista y trompetista, más adelante sería su condición de vocalista la que le consagraría como una figura internacionalmente reconocida y de enorme influencia para el canto jazzístico.

Louis Armstrong nació en el seno de una familia muy pobre y en uno de los barrios marginales de Nueva Orleans. La miseria se agudizó cuando su padre, William Armstrong, los abandonó. Louis era entonces un niño y pasaría su juventud en un difícil vecindario de las afueras de la ciudad. Su madre, Mary «Mayann» Albert (1886–1942), dejaba a Louis y a su hermana menor Beatrice Armstrong Collins (1903–1987) bajo el cuidado de su abuela, Josephine Armstrong y a veces, de su tío Isaac.

Aprendió, en primer lugar, a tocar la corneta en la banda de la Nueva Orleans Home for Colored Waifs, un reformatorio para niños negros abandonados a donde había sido enviado en varias ocasiones por delitos menores, como por ejemplo el haber disparado al aire durante una Nochevieja. Allí, aconsejado por el director del reformatorio, Joseph Jones, y el profesor Peter Davis, optó por la trompeta entre otros instrumentos.

En 1914, tras su salida del reformatorio, trabajó como vendedor de carbón, repartidor de leche, estibador de barcos bananeros y otros empleos del mismo tipo. Empezó también a trabajar en los cabarets de Storyville, donde estaban concentrados todos los locales nocturnos de la ciudad; allí conoce al cornetista Joe King Oliver, quien fue su mentor y casi una figura paternal para él.

Entre 1918 y 1919, ya con una bien ganada reputación como cornetista, fue contratado por el director de orquesta Kid Ory, gracias a una recomendación de Joe King Oliver, que había dejado el puesto de cornetista. Louis llegó por este camino a tocar en algunas de esas orquestas de Nueva Orleans, incluyendo aquellas que viajaban por los ríos, como por ejemplo la renombrada orquesta de Fate Marable, que realizó una gira en un buque de vapor a lo largo de todo el Misisipi. El propio Armstrong describiría esta época con Marable como «su estancia en la universidad», ya que le proporcionó una enorme experiencia en el trabajo con arreglos escritos. Cuando Joe Oliver abandonó la ciudad en 1919, Armstrong ocupó el lugar de Oliver en la banda de Kid Ory, por entonces el grupo de swing más importante de la ciudad.

En 1922, Armstrong se unió al éxodo generalizado de músicos que se produjo hacia Chicago, a donde había sido invitado por Joe King Oliver para incorporarse a su Creole Jazz Band como segundo cornetista. La orquesta de Oliver era, a comienzos de los años veinte, la mejor y la más influyente agrupación de swing de Chicago, en una época en que la ciudad era el centro del jazz; fue en este momento cuando la popularidad de Armstrong empezó a incrementarse de forma exponencial.

En 1923, Armstrong hizo su debut con la orquesta de Oliver para el sello discográfico Okeh Records. En sus primeras grabaciones se incluyeron algunos solos y apartes como segunda corneta de la banda; en 1924, sin embargo, ya era el solista más importante y más creativo del grupo. En febrero de 1924 se casó con Lillian Hardin, pianista de Oliver, quien lo animó a abandonar a este para alcanzar mayores metas artísticas. Así, se separó amistosamente de Oliver y, tras trabajar brevemente con Ollie Powers, se marchó a Nueva York.

Durante este periodo, hizo también muchas grabaciones de forma independiente con los arreglos de un viejo amigo de Nueva Orleans, el pianista Clarence Williams, como por ejemplo unos dúos con su «rival» musical Sidney Bechet y una serie de acompañamientos con los Blues Singers.

En 1925 regresó a Chicago para unirse a la orquesta de Lil en el Dreamland Ballroom; empezó a grabar bajo su propio nombre para el sello OKeh acompañando a dos formaciones creadas por él llamadas Hot Five y Hot Seven, produciendo éxitos como «Potato Head Blues», «Muggles» (una referencia a la marihuana, la cual tendía a consumir desde siempre) y «West End Blues».

Armstrong regresó a Nueva York en 1929, luego se trasladó a Los Ángeles en 1930 y después realizó una gira por Europa a partir de 1932 (regresaría dos años después, en 1934), consiguiendo un espectacular éxito en París. La aparición de Joe Glaser en 1935 como su representante y la contratación de la orquesta de Louis Russell como formación de apoyo de Armstrong, establecieron el curso de los acontecimientos durante el resto de la década, en la que Armstrong pasó de ser una simple figura del jazz a un destacado miembro de la industria del entretenimiento en general.

En 1940, Glaser rompió su relación comercial con la big band de Russell y contrató a nuevos músicos: esta unidad fue el principal apoyo con el que contó Armstrong hasta 1947. El cambio de aquel año fue presagiado por la grabación de la banda sonora de la película Nueva Orleans, en la que aparecía Louis, y en la que se interpretaban obras del repertorio clásico del jazz a cargo de un pequeño grupo.

Tras pasar muchos años de gira, se asentó permanentemente en Queens, Nueva York, en 1943. Aunque no ajeno a las vicisitudes del Tin Pan Alley y del negocio musical controlado por gánsteres, Louis continuó desarrollando su técnica y su carrera musical.

Hacia 1947, Armstrong redujo su banda a seis instrumentos, volviendo así al estilo Dixieland que lo había hecho famoso al principio de su carrera. Este grupo fue llamado All Stars y estaba formado por Armstrong (voz y trompeta), Jack Teagarden (trombón), Barney Bigard (clarinete), Earl Hines (piano), Big Sid Catlett (batería) y Arvell Shaw (contrabajo). Con ellos, Louis Armstrong se presentó el 13 de agosto de 1947 en el club Billy Berg's de Los Ángeles. Por la agrupación pasaron otros músicos en diferentes etapas: Trummy Young (quien tocó con Dizzy Gillespie desde 1944), Marty Napoleon, Billy Kille, Edmond Hall, Danny Barcelona, Tyree Glenn y Barrett Deems. Durante este periodo, realizó muchas grabaciones y apareció en alrededor de treinta películas.

En 1964, Armstrong grabó el que sería su tema más vendido: «Hello, Dolly». La canción obtuvo el puesto número uno en las listas de Estados Unidos, superando al grupo inglés The Beatles.

Armstrong también obtuvo por el disco un premio Grammy al Mejor Cantante masculino y fue nominado a Mejor Disco del año. En este álbum se encuentra, también, otro tema clásico de Armstrong: «Jeepers Creepers».

Armstrong tuvo trabajo hasta pocos años antes de su muerte y, aunque en ocasiones en sus últimos años se inclinase hacia algunas interpretaciones triviales, en otras era capaz de demostrar un todavía asombroso dominio de la técnica y de la intuición musical que dejaba perpleja a su propia banda.

Entre sus numerosos destinos artísticos, estuvieron lugares de África, Europa y Asia, bajo el patrocinio del Departamento de Estado de los Estados Unidos; el éxito fue tan grande que terminó por ser conocido como «Ambassador Satch» (embajador Satch).

Debido a problemas de salud, restringió sus actuaciones a lo mínimo hacia el final de su vida, aunque seguiría tocando hasta el día de su muerte.

Louis Armstrong sufrió un ataque al corazón en 1959, del cual se pudo recuperar para seguir tocando. Pero un segundo ataque al corazón en 1971, le obligó a guardar reposo durante dos meses. Se reunió nuevamente a tocar con su grupo el 5 de julio de ese mismo año y, al día siguiente, en Corona, Queens (Nueva York) murió mientras dormía por complicaciones de su corazón, justo un mes antes de cumplir 70 años.

El apodo Satchmo, o Satch, es una abreviación de Satchelmouth («boca de bolsa»). En 1932, el entonces editor de la revista Melody Maker, Percy Brooks, saludó a Armstrong en Londres diciendo «Hello, Satchmo!», abreviando Satchelmouth (probablemente, sin intención), y tal apodo tuvo éxito. A comienzos de su carrera también era conocido como Dippermouth («boca de cucharón»).

Armstrong logró a lo largo de su carrera un gran número de grandes éxitos con sus interpretaciones; entre ellos se cuentan «Stardust», «What a Wonderful World», «When The Saints Go Marching In», «Dream a Little Dream of Me», «Ain't Misbehavin'», «Stompin' at the Savoy», «We Have All the Time in the World» (parte de la banda sonora de la película de James Bond On Her Majesty's Secret Service y parte también de una anuncio de 1994 de Guinness), etc.

Como trompetista virtuoso, Armstrong tenía un toque único y un extraordinario talento para la improvisación melódica. A través de su toque, la trompeta emergió como un instrumento solista en el jazz.

Fue un magnífico acompañante y músico de grupo, aparte de sus extraordinarias cualidades como solista. Con sus innovaciones, elevó el listón musical para todos los que vinieron detrás de él.

A Armstrong se le considera el inventor de la esencia del canto jazzístico. Tenía una voz extraordinariamente peculiar, grave y rota, que desplegaba con gran destreza en sus improvisaciones, reforzando la letra y la melodía de una canción con propósitos expresivos. Fue también un gran experto en el scat, e incluso de acuerdo con algunas leyendas lo había llegado a inventar él durante

su grabación de «Heebie Jeebies» al verse obligado a improvisar sílabas sin sentido al caérsele las partituras al suelo. Billie Holiday, Bing Crosby y Frank Sinatra son ejemplos de cantantes influenciados por él.

El principal aeropuerto de Nueva Orleans lleva como nombre Aeropuerto Internacional Louis Armstrong.

MICHAEL JACKSON

Michael Joseph Jackson (Gary, Indiana, 29 de agosto de 1958 – Los Ángeles, California, 25 de junio de 2009), conocido en el mundo artístico como Michael Jackson, fue un cantante, compositor y bailarín estadounidense de música pop y sus variantes. Conocido como el «Rey del Pop», logró cerca de 80 récords por diferentes motivos y fue incluido en el Libro Guinness de los récords en numerosas ocasiones, por motivos entre los que destacan, entre otros, ser el artista musical más exitoso de todos los tiempos, con cerca de 750 millones de discos vendidos; el artista musical más premiado de la historia, con cientos de galardones, entre ellos 15 premios Grammy; el vocalista más joven en liderar la lista de sencillos en los Estados Unidos, con 11 años de edad; el primer vocalista en entrar en la lista de sencillos directamente en el número 1, con «You are not alone»; mayor número de semanas en el número 1 de la lista de álbumes (no bandas sonoras) en Estados Unidos, con Thriller, durante 37 semanas; videoclip más exitoso, Michael Jackson's Thriller, con alrededor de 1 millón de unidades vendidas; primer animador en ganar más de 100 millones de dólares en un año; animador mejor pagado de todos los tiempos (125 millones de dólares en la lista Forbes de 1989); y animador

más exitoso de todos los tiempos. Además ha sido el primer y único artista que ha logrado empezar y terminar el año con un álbum en el número 1 (Thriller) y el primer y único artista de la historia en lograr números 1 en las décadas de 1960, 1970, 1980 y 1990.

Su contribución a la música, al baile y a la moda, además de su publicitada vida personal le convirtieron en una figura de la cultura popular.

Comenzó su carrera artística con sus hermanos en la banda The Jackson 5 a mediados de los años 1960, en el cual publicó junto a ellos diez álbumes hasta 1975. En 1971 inició su carrera en solitario, aunque siguió perteneciendo a la banda de sus hermanos.

Debido al extraordinario impacto de su álbum Thriller (1982), el disco más vendido de la historia de la música, se convirtió en la mayor estrella de la música pop en ese momento. Algunos de sus álbumes publicados, como Off the Wall (1979), Bad (1987), Dangerous (1991) o HIStory: Past, Present and Future, Book I (1995), figuran entre los álbumes más vendidos de todos los tiempos, lo que le sirvió para entrar en el Rock and Roll Hall of Fame. Por otra parte, trece de los 98 sencillos de Jackson alcanzaron el primer lugar de la lista Billboard 100 y vendió entre 300 y 350 millones e incluso se consideran las ventas de más de 750 millones de discos.

Fue reconocido durante su carrera con el apodo del «Rey del Pop», siendo la superestrella de la música pop más exitosa a nivel mundial, sin embargo también su música incluyó una amplia acepción de subgéneros como el rhythm & blues (soul y funk), disco y dance. También durante su vida sirvió de influencia musical para decenas de artistas. Michael Jackson a lo largo de su trayectoria ha cosechado múltiples premios, ha sido incluido dos veces en el Salón de la Fama del Rock, ha batido múltiples récords en el Guinness World Records y ha recibido veintiséis American Music Awards y quince premios Grammy en diversas categorías musicales, de los cuales dos son póstumos. Posee el récord del artista más galardonado de la historia de la música, con más de 400 premios. Además, ha sido reconocido por sus actos de filantropía, ostentando el récord al artista que más dinero ha donado a obras benéficas, con cientos de millones de dólares donados a 39 instituciones de este tipo.

Posteriormente, en los años 1990 se vio envuelto en dos capítulos polémicos: el primero en 1993 y más tarde en 2003. En ambos casos el cantante fue acusado de pederastia, a través de acusaciones de abuso sexual hacia dos niños de trece años en cada caso. Sin embargo, las acusaciones fueron revocadas tras abonar una suma de más de veinte millones de dólares a fin de evitar un juicio en el primer caso y, en el segundo, al ser absuelto en el juicio por falta de pruebas. Estos sucesos tuvieron repercusión mundial y afectaron los últimos años de su vida y carrera artística.

Casi una década después, fue publicado Invincible (2001), cuyo lanzamiento fue reconocido como un total fracaso, puesto que las ventas fueron inferiores a los gastos y el artista se vio implicado en una disputa con su discográfica. Tras más de diez años desde su última gira, Michael Jackson anunció su regreso a los escenarios con una gira que se titularía This Is It, sin embargo, casi veinte días antes del comienzo de la gira, el 25 de junio de 2009, el cantante falleció por una parada cardiorrespiratoria. El Departamento Forense del Condado de Los Ángeles declaró que su muerte había sido un homicidio, y su médico personal se declaró «no culpable» de los cargos de homicidio involuntario ante un tribunal y pagó una fianza para no ingresar a prisión, su juicio se pospuso para enero de 2011. La repentina muerte del artista dio lugar a una avalancha de pena mundial, y hasta más de dos mil millones de personas vieron su funeral público en la televisión en vivo. En 2010, Sony Music Entertainment firmó un contrato con su familia por 250 millones de dólares para retener los derechos de distribución de sus discos y publicar hasta siete álbumes póstumos hasta 2017.

THE ROLLING STONES

The Rolling Stones es una banda británica de rock originaria de Londres. Desde su gira por los Estados Unidos en 1969 se autodenominaron «La banda de rock and roll más grande del mundo».

La banda se fundó en abril de 1962 por Brian Jones, Mick Jagger, Keith Richards, Ian Stewart, Geoff Bradford y Dick Taylor. Tony Chapman (otros citan a Mick Avory) los apoyó en la batería durante sus primeras presentaciones. Tras la salida de Bradford, Taylor y Chapman, ingresaron en su lugar el bajista Bill Wyman y el baterista Charlie Watts. A petición de su mánager, Stewart fue retirado de la alineación en 1963, aunque siguió colaborando en las sesiones de grabación y como road mánager. Brian Jones fue despedido en 1969, falleciendo al poco tiempo, siendo reemplazado por el guitarrista Mick Taylor, que dejaría el grupo en 1975 y sería a su vez reemplazado por Ron Wood. Con el retiro de Bill Wyman en 1993 se incluyó al bajista Darryl Jones que, aunque toca con la

banda desde la grabación del álbum Voodoo Lounge en 1994, no es un miembro oficial.

Son considerados una de las más grandes e influyentes agrupaciones de la historia del rock, siendo la agrupación que sentó las bases del rock contemporáneo. Contando desde sus inicios con el favor de la crítica, algunos de sus materiales están considerados entre los mejores de todos los tiempos; entre ellos destacan Beggars Banquet (1968), Let It Bleed (1969), Sticky Fingers (1971) y quizá su mejor obra, Exile on Main St. (1972). En 1989 fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll, y en 2004 la revista estadounidense Rolling Stone los colocó en el puesto No. 4 en su lista de Los 100 Mejores Artistas de todos los Tiempos.

Ningún grupo de rock hasta la fecha ha sostenido tan duradera y todavía mundialmente reconocida trayectoria como The Rolling Stones; con Jagger, Richards y Watts como miembros fundadores en activo, continúan siendo la banda más longeva de la historia del rock. Las ventas totales de The Rolling Stones se estiman entre 200 y 250 millones de discos, convirtiéndolos en uno de los artistas más exitosos de todos los tiempos.

La historia musical de los Rolling Stones comienza en 1960, cuando Mick Jagger y Keith Richards, dos viejos compañeros de estudios, comienzan a compartir su pasión por la música y el rythm & blues.

En 1962 conocen a Brian Jones. Este se une al grupo de Richards, Jagger y compañía y deciden renombrar el grupo. El nuevo nombre elegido: 'The Rolling Stones', estaba inspirado en un viejo tema de

Muddy Waters, 'Rolling Stones Blues'. Pronto se incorporó Charlie Watts, junto al pianista Ian Stewart.

Ese mismo año Bill Wyman sustituye a Taylor y en 1963 lanzan su primer sencillo, 'Come On', una versión de una canción de Chuck Berry. Por aquél entonces sólo se dedicaban a realizar versiones de temas conocidos. Ese año realizan su primera gira por Gran Bretaña.

En 1964 publican el primer álbum, 'The Rolling Stones', el cual sólo disponía de una canción creada íntegramente por los Rolling Stones. El resto eran versiones de otros artistas. Pero no se limitaban a versionear. El fuerte ritmo que imprimen a los temas y la agresividad que adoptan en sus intrumentos les confiere un aire propiamente suyo. Realizan dos giras por Estados Unidos y aparecen en el show de Ed Sullivan.

Fuera del escenario los expertos de marketing querían darles a conocer como los chicos malos del pop/rock, en contraposición con los Beatles, que podrían ser considerados los chicos buenos.

Así, eran constantes los escándalos en que se veían salpicados.

Unas veces eran detenidos por orinar en público, otras por posesión de drogas y así uno tras otro.

En enero de 1965 salió su segundo disco, 'Rolling Stones 2', para el que tomaron influencias de la música negra americana, principalmente de soul.

Por aquel entonces comenzaron a plantearse que, si querían mantenerse en la cima en el mundo de la música tendrían que aportar su granito de arena y demostrar su capacidad creativa. Por ello, su manager les encerró varios días en un hotel para que trabajaran en la elaboración de temas nuevos e inéditos. De allí salieron algunos de sus mayores éxitos. A pesar de ello, su nuevo álbum 'Out Of Our Heads', seguía manteniendo un buen número de versiones, reservándose los nuevos temas para discos posteriores.

En 1966 lanzan al mercado 'Aftermath', compuesto completamente por temas suyos, abandonando las versiones de la música soul americana y los sonidos negros, y siendo considerado como uno de sus mejores discos.

En 1967 sacaron 'Between The Buttoms', que se vio salpicado por el escándalo en torno a la detención de Jagger y Richards por posesión de droga. Los temas del disco coincidían con el de la detención, al tratar en asunto de las drogas en varias canciones.

Con el Lp 'Their Satanic Magesties Request' se llevaron uno de sus grandes fracasos. Intentaron imitar el 'Sgt. Peppers' de los Beatles, pero la crítica les acusó de seguir la estela del otro grupo británico.

En 1968 aparece un nuevo disco de los Rolling Stones, titulado 'Beggars Banquet', que supuso la vuelta a la esencia de los Rolling.

Una portada provocativa que fue censurada por su propia compañía y que al final apareció totalmente en blanco fue el principio. La continuación, unos temas provocativos que hablaban de luchas, de sensualidad y un recordatorio de la música negra.

En 1969 Brian Jones fue encontrado muerto en su casa, víctima de las drogas. Al grupo se unió Mick Taylor. Este hecho fue seguido por la publicación de un nuevo disco, 'Let It Bleed', una réplica irónica al 'Let it Be' de los Beatles, en un momento en que el grupo de Liverpool rumiaba su disolución. Este disco les encarama en la cima del rock mundial.

discográfico y 'Sticky Fingers', el primero en que utilizan un diseño de Andy Warhol de unos labios como sello del grupo. Este último disco está considerado como uno de los grandes de los Rolling por su calidad instrumental.

En 1971 editan 'Brown Sugar', el primero con su propio sello En 1972 publican un doble disco, 'Exile On Main Street', un disco de gran calidad y muy ambicioso. Pretendía ser el portal de entrada para una gran gira por Estados Unidos y había que cautivar al público. Fue número uno en Inglaterra y en USA. La década de los setenta avanzaba y los Rolling Stones continuaban sacando discos, alternando calidades. Así, en 1973 publicaban 'Goats Head Soup' y en 1974 'It's Only Rock'n Roll', para cuya promoción llenaron las calles de Londres de pintadas que decían 'Es sólo rock and roll'. Fue el último disco de Mick Taylor en la banda, que fue sustituído por Ron Wood. Tambien editaron un álbum en directo, 'Love You Live'.

Hasta 1978 no sacaron su siguiente disco de estudio, 'Some Girls', considerado por la crítica como uno de sus mejores discos.

La década de los ochenta comenzó con la firma de un supermillonario contrato de los Rolling Stones con la CBS, el mayor hasta ese momento. Por él, los Stones recibirían varios millones de dólares por cada disco publicado. Fruto del acuerdo fueron discos como 'Emotional Rescue', seguido de 'Tattoo You' en 1981, 'Stiff Life' en 1982, 'Undercover' en 1983 y 'Dirty Work' en 1986.

El disco que elevó la calidad media de la década fue 'Steel Wheels', de 1989, en el que basaron una nueva macrogira mundial y un nuevo álbum en vivo basado en dicha gira, 'Flashpoint'.

En 1994 publican un nuevo disco, 'Voodoo Lounge' y un año después sacan a la luz 'Rock And Roll Circus', grabado en 1968 y que nunca había sido publicado.

En 1995 editan 'Stripped' y en 1997 'Bridges To Babylon'. Por fin, en 2005, aparece un nuevo álbum de los Rolling Stones, titulado 'A bigger bang'. Se trata de una ambiciosa y muy diversa colección de canciones de rock y blues con mucha fuerza y contundencia. Con una relación de 16 temas, es el álbum con temas nuevos más largo de la banda desde el 'Exile on Main Street' de 1972. El título refleja su fascinación por la teoría científica sobre el origen del Universo.

En enero de 1999 regresan a Estados Unidos con la gira No Security Tour, con la idea de realizar presentaciones en lugares cerrados, para no más de 20,000 personas. Reanudan el Bridges to Babylon Tour el 29 de mayo en Stuttgart, Alemania y concluyen la gira el 20 de junio en Colonia.

Con su presentación el 3 de septiembre de 2002 en el FleetCenter de Boston iniciaron su gira de aniversario denominada Licks Tour.

Posteriormente la Virgin Records, en asociación con ABKCO y Rolling Stones Records, publicó el compilatorio Forty Licks el 30 de septiembre, para conmemorar el 40ª aniversario de la fundación de The Rolling Stones. Éste disco doble contaba con cuarenta pistas, treinta y seis de los temas más conocidos de la banda y cuatro nuevas composiciones grabadas en París a mediados de año. El mismo día sale «Don't Stop» para promocionarlo, con un éxito discreto en las listas de todo el mundo, aunque se ubicó dentro del top 10 de los listados de Japón, Taiwán y Argentina. Forty Licks se convirtió en un éxito inmediato, vendió en su primera semana 310,000 unidades y al final del año se posicionó entre los discos más vendidos del año, acreditándose triple disco de platino en Estados Unidos y superando la barrera de las seis millones de unidades alrededor del mundo.

Al batería Charlie Watts le fue detectado cáncer en la garganta a mediados de 2004, por lo que The Rolling Stones suspendió todas sus actividades hasta su recuperación. Se integró hasta enero de 2005 a las grabaciones del A Bigger Bang.

El 10 de mayo de 2005 realizaron una pequeña presentación en la Juilliard School de Nueva York, anunciando una nueva gira mundial y una nueva producción de estudio. Para agosto dieron inicio al A Bigger Bang Tour en el Fenway Park de Boston y publicaron el sencillo doble «Streets of Love»/«Rough Justice», que se colocó dentro de las cuarenta principales de las carteleras europeas -

alcanzando la cima en España argentinas y canadienses; sin embargo tuvo una pobre repercusión en Estados Unidos y el resto del mundo.

Aunque prosiguieron con la gira por Europa, las fechas destinadas a Madrid y Barcelona se aplazaron por cerca de un año A principios de junio de 2007 se presentaron en el Festival de la Isla de Wight, y casi simultáneamente publicaron el box set-DVD The Biggest Bang, el cual se comercializó únicamente en las tiendas Best Buy. De la gira se derivó el documental Shine a Light, dirigido por ganador del Óscar Martin Scorsese, el cual fue grabado durante sus presentaciones en el Beacon Theater de Nueva York los días 29 de octubre y 1 de noviembre de 2006 como parte del A Bigger Bang Tour.

A finales de junio firmaron un contrato con Universal Music, con el que habían firmado un acuerdo para la publicación de Shine a Light, sumándose a la gran lista de artistas que dejó EMI. Se les ligó anteriormente con la promotora de conciertos Live Nation, no obstante lo desmintieron. La disquera lanzaría sus nuevas grabaciones bajo la subsidiaria británica Polydor Records, además adquirió los derechos para la distribución en EE. UU. del material anterior a 1994, mientras que el material posterior sería distribuido por Interscope Records.

En abril de 2009 se anunció la remasterización de toda la discografía de los Stones desde 1971, dejando de lado a Exile On Main St para su lanzamiento en una edición de lujo a finales de 2009 o principios de 2010. El 28 de julio Universal puso a la venta un box set con los 14 álbumes de estudio remasterizados.

En marzo de 2010 Keith Richards dijo que el grupo podría empezar a grabar un nuevo disco a fin de año. Según Richards, todavía no está delineado el perfil del nuevo material; sin embargó, deslizó que la banda estaría evaluando entrar a los estudios de grabación antes de fin de año. «No hay planes definidos, pero no puedo ver al resto de los miembros del grupo detenerse. No me sorprendería si grabamos algo nuevo cerca de fin de año», señaló.

En julio de 2010 corrieron rumores de su separación oficial en el 2012 (para cumplir los 50 años) en el cual el año próximo harían una gira mundial para presentar el nuevo disco y para despedirse, rumores que fueron desmentidos en octubre de ese mismo año por el guitarrista de la banda, Ronnie Wood: «Vamos a seguir tocando, seguro. Somos como los viejos monjes, esos que nunca abandonan. Vamos a tocar hasta que nos caigamos del escenario...

Los Rolling Stones no se separarán hasta que todos los miembros no hayan fallecido».

En el 2012 editan su nuevo disco "Grrr!"

THE BEATLES

The Beatles fue una banda de rock inglesa activa durante la década de 1960, y reconocida como la más exitosa comercialmente y críticamente aclamada en la historia de la música popular. Formada en Liverpool, estuvo constituida desde 1962 por John Lennon (guitarra rítmica, vocalista), Paul McCartney (bajo, vocalista), George Harrison (guitarra solista, vocalista) y Ringo Starr (batería, vocalista). Enraizada en el skiffle y el rock and roll de los años cincuenta, la banda trabajó más tarde con distintos géneros musicales, que iban desde las baladas pop hasta el rock psicodélico, incorporando a menudo elementos clásicos, entre otros, de forma innovadora en sus canciones. La naturaleza de su enorme popularidad, que había emergido primeramente con la moda de la «Beatlemanía», se transformó al tiempo que sus composiciones se volvieron más sofisticadas. Llegaron a ser percibidos como la encarnación de los ideales progresistas, extendiendo su influencia en las revoluciones sociales y culturales de la década de 1960.

Con una formación inicial de cinco componentes que incluía a Lennon, McCartney, Harrison, Stuart Sutcliffe (bajo) y Pete Best (batería), la banda construyó su reputación en los clubes de Liverpool y Hamburgo sobre un período de tres años a partir de 1960. Sutcliffe abandonó la formación en 1961, y Best fue reemplazado por Starr al año siguiente. Establecidos como grupo profesional después de que Brian Epstein les ofreciera ser su representante, y con su potencial musical mejorado por la creatividad del productor George Martin, lograron éxito comercial en el Reino Unido a finales de 1962 con su primer sencillo, «Love Me Do». A partir de ahí, fueron adquiriendo popularidad internacional a lo largo de los siguientes años, en los cuales hicieron un extenso número de giras hasta 1966, año en que cesaron la actividad en vivo para dedicarse únicamente a la grabación en el estudio hasta su disolución en 1970. Después, todos sus integrantes se embarcaron en exitosas carreras independientes. Lennon sería asesinado a las afueras de su casa de Nueva York en 1980, y Harrison fallecería de cáncer en 2001. McCartney y Starr aún permanecen activos.

Durante sus años de estudio crearon algunos de sus mejores materiales, incluyendo el álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967), considerado por muchos como una obra maestra.

Cuatro décadas después de su separación, la música que crearon continúa siendo popular. Se mantienen como el grupo con más números uno en las listas británicas, situando más álbumes en esta posición que cualquier otra agrupación musical. De acuerdo con las certificaciones de la RIAA, han vendido más discos en los Estados

Unidos que cualquier otro artista. En el 2006 la Federación Internacional de la Industria Fonográfica (IFPI) publicó la lista de los 150 artistas más vendedores de todos los tiempos, colocando a The Beatles en el puesto número uno. En 2008, la revista Billboard publicó una lista de los artistas más exitosos de todos los tiempos en el Hot 100 con motivo del 50º aniversario de la lista de éxitos, y The Beatles fueron colocados en el número uno. Fueron galardonados con siete premios Grammy, y recibieron un total de quince premios Ivor Novello de parte de la British Academy of Songwriters, Composers and Authors. En 2004, la revista Rolling Stone los clasificó en el número uno en su lista de los «100 artistas más grandes de todos los tiempos». De acuerdo con la misma publicación, la música innovadora de The Beatles y su impacto cultural ayudaron a definir los años sesenta. También fueron colocados en el puesto No. 1 por el sitio de Internet Acclaimed Music en su lista «The Top 1000 Artists of All Time» y por Digital Dream Door en su lista «100 Greatest Rock Artists».

John Lennon, Paul McCartney y George Harrison, junto con Pete Best (batería) y Stuart Sutcliffe (bajo), formaron una banda.

Cambiaron de nombre en numerosas ocasiones. Comenzaron como "Silver Beetles", posteriormente lo cambian por "Silver Beatles", y con ese nombre viajaron a Hamburgo (Alemania), con un pobre contrato. Allí, debieron tocar durante ocho horas diarias en unas condiciones deplorables. También allí conocieron a Astrid Kirchner, una fotógrafa que se enamoró de Stuart Sutcliffe, la cual les diseña un nuevo peinado: el flequillo, que tantas personas trataron posteriormente de imitar. Para entonces ya se llamaban "The Beatles".

Con Tony Sheridan grabaron un par de singles. Por lo visto, el grupo tuvo hace algunos años, una pelea callejera en Liverpool, y mientras todos lograron escapar, Tony no pudo, y John regresó para salvarle la vida. Pero esa pelea dejó una secuela importante, y es que unos años después, Tony tuvo un derrame cerebral, y murió.

Esto sumió al grupo en una profunda tristeza. De este modo, Paul se encarga del bajo, y el grupo deja Hamburgo para regresar a Liverpool.

Sin darse cuenta, en Hamburgo habían mejorado mucho en su música, y después de un tiempo sin tocar, lo volvieron a hacer en un pequeño y sucio local, The Cavern (en Liverpool), donde se dan cuenta de los increibles progresos que habían hecho en Hamburgo.

Brian Epstein, dueño de una casa discográfica, quedó impresionado durante una actuación del grupo, e inmediatamente les propone ser su manager. Los muchachos aceptan, ya que les urge el poder grabar, pero pronto descubren que eso no sería una tarea fácil.

Después de muchos rechazos de compañías discográficas, Brian les consigue unas pruebas en Parlophone, una sucursal de la EMI. George Martin, el productor de la EMI que tenía que evaluarlos, tuvo una buena impresión, aunque comunicó al grupo que si no cambiaban de batería no podrían grabar nunca, ya que para él, no resultaba de una gran calidad, y podía hacer que la banda no tuviera éxito. Dicho esto, los componentes de los Beatles tomaron una decisión: Pete Best fue echado del grupo, y en su lugar se colocó Ringo Starr, quien era miembro de la banda de Roy Storm, y que había tocado con ellos en Hamburgo. De este modo, obtienen el contrato para grabar, y realizan el sencillo "Love Me Do", con el

que lograron situarse en las listas de éxitos del Reino Unido. En 1963, "Please, please me", "From me to you" y "She loves you" también acceden a las listas de éxito en puestos preferentes. Nace de esta manera la beatlemanía, la adoración de sus incondicionales, principalmente adolescentes, que muestran su fanatismo por la banda de manera desbordada.

Un año más tarde los Beatles asaltan el mercado norteamericano, donde sus temas alcanzan los primeros puestos en las listas de éxito. Paralelamente a su trabajo musical y aprovechando su enorme popularidad, los Beatles ruedan algunas películas, entre las que destacan "¡Qué noche la de aquel día!", en 1964, y "El submarino amarillo", de 1968.

Mientras tanto, los Beatles siguen aumentando su discografía y el éxito y popularidad de la banda crecen de manera imparable. En 1967 aparece uno de sus trabajos más destacados, "Sgt. Pepper’s lonely hearts club band", un LP que marcaría el nacimiento de la música psicodélica y supuso un rotundo éxito mundial para el grupo británico, que alcanzó el número uno simultáneamente en las listas británicas y estadounidenses.

En 1970 publican "Let it be", probablemente uno de sus mejores temas, pero las desavenencias entre los miembros del grupo hacen que los Beatles se separen, comenzando cada uno su propia carrera en solitario. En 1980 John Lennon es asesinado por un

perturbado, un hecho que caus贸 una gran conmoci贸n en todo el mundo e impidi贸, definitivamente, cualquier reencuentro de la banda.