Living - Volume 14.2

Ulrich Krauer

General Manager Halekulani

As the world continues to evolve at a rapid pace, it’s important to take a step back and reflect on all that has taken place. This edition of Halekulani Living celebrates transformation, the past, and the process by which change occurs over time.

This issue, we delve into the history of boro , a traditional Japanese textile that’s seeing a contemporary resurgence in Hawai‘i and beyond, and visit the studio of artist Mary Mitsuda, whose paintings explore ideas of change and the passing of time, conveying these themes—light and dark, growth and erosion, order and chaos—through layered paint applications that have become a signature of her work.

We catch up with Islander Sake, Hawai‘i’s only sake brewery operation, at a transitional moment, and step inside the new headquarters of the Hawai‘i Hochi, the last remaining Japaneselanguage newspaper in the islands, to see how it continues to serve transplants from Japan as well as second-generation Japanese Americans looking for a lifeline to their native culture.

Our iconic poolside restaurant, House Without A Key, is well known as a gathering place for sunset cocktails, but few know the inspiration behind its unique name. Learn about the Earl Derr Biggers novel of the same name, written during the golden era of detective fashion and featuring the iconic fictional detective Charlie Chan.

We examine the oeuvre of the late architect Charles William Dickey, whose distinctive style of island-inspired architecture went on to influence other legendary local architects such as Hart Wood and Vladimir Ossipoff. Keep an eye out for his trademark “Dickey roofs” at Halekulani, restored in the image of the cottages he first designed for the hotel in 1926.

Lastly, meet sound therapist Michelle Pirret, whose practice involves guiding people on a journey of personal transformation through sound, employing soundwaves to promote relaxation, rejuvenation, and renewal. We hope that you enjoy this issue of Halekulani Living and are inspired to embark on your own journey of seeing the world around you, past and present, in new light.

世界が急速に進化を続ける中、一歩下がってこれまで起きたことを振り 返ってみることも大切です。今回のハレクラニ・リビングは「転換」、「過 去」、「時間の経過とともに変化する過程」をテーマにお届けします。

本誌は、ハワイを中心に現代に復活しつつある日本の伝統的な生 地、「ボロ」の歴史を掘り下げるとともに、光と闇、成長と侵食、秩序と混 沌といったテーマと、絵の具を何層にも重ねた独特の作風の絵画で変 化と時間の流れを表現するアーティスト、メアリー．ミツダさんのスタジ オを訪れます。

またハワイで唯一の酒蔵で、転換期にある「アイランダー酒」を再び 訪ねるとともに、ハワイに残る最後の日本語新聞「ハワイ報知」の編集 部には、母国の文化との接点を求める日本からの移住者や日系2世の ために彼らが果たす重要な役割について聞きました。

当ホテルの象徴的なプールサイドのレストラン「ハウス ウィズアウト ア キー」は、サンセットカクテルで有名ですが、そのユニークな名前の 由来を知る人は少ないのではないでしょうか。作家のアール・デア・ビ ガーズ氏によって探偵ファッションの流行した時代に書かれた小説で、 架空の探偵チャーリー・チャンが登場する同名の小説にまつわるストー リーをお楽しみください。

ハワイをモチーフにした独特の建築スタイルでハート・ウッド氏やウ ラジミール・オシポフ氏など、地元の伝説的な建築家に影響を与えた 建築家、故チャールズ・ウィリアム・ディッキー氏の作品についてもご紹 介します。象徴的な建築スタイルの「ディッキールーフ」は、1926年に 彼が当ホテルのために最初に設計したコテージをイメージして復元さ れたもので、ハレクラニに今も残っています。

最後に、音を通じて、リラクゼーション、若返り、再生を促進し、人々 を自己変革の旅へと導くサウンドセラピストのミッシェル・パレーさん と彼女のお気に入りの場所についてご紹介します。今号のハレクラニ・ リビングをお楽しみください。これらのストーリーが、過去と現在の皆 様を取り巻く世界に新しい光をもたらす、旅のインスピレーションとな れば幸いです。

HALEKULANI CORPORATION

CHIEF OPERATING OFFICER

PETER SHAINDLIN

CHIEF EXECUTIVE ADVISOR

PATRICIA TAM

GENERAL MANAGER, HALEKULANI

ULRICH KRAUER

DIRECTOR OF SALES & MARKETING

GEOFF PEARSON

HALEKULANI.COM

1-808-923-2311

2199 KALIA RD. HONOLULU, HI 96815

CHIEF EXECUTIVE OFFICER

JASON CUTINELLA

GENERAL MANAGER, HAWAI‘I

JOE V. BOCK

JOE@NMGNETWORK.COM

VICE PRESIDENT, BRAND DEVELOPMENT

ARA LAYLO

EDITORIAL DIRECTOR

LAUREN MCNALLY

PUBLISHED BY NMG NETWORK

36 N. HOTEL ST., SUITE A HONOLULU, HI 96817 NMGNETWORK.COM

© 2022 by Nella Media Group, LLC. All rights reserved. No part of this publication may be reprinted without the written consent of the publisher. Opinions are solely those of the contributors and are not necessarily endorsed by NMG Network.

The Hawai‘i Hochi is a lifeline connecting local Japanese to their native culture and community.

ハワイ報知はハワイに 暮らす日本人と母国の 文化やコミュニティを つなぐ生命線である。

Artist Mary Mitsuda revels in the juxtaposition of opposites.

アーティストのメアリー・ ミツダさんは、相反するも のを共存させることに喜び を感じている。

CULTURE 84

Reading the Air 96

Storied Past

WELLNESS 110 Of Sound Mind

ABOUT THE COVER:

Photographer Chris Rohrer frames a detail of a painting by Mary Mitsuda. Glimpse the artist’s freewheeling approach and see her in action on Living TV.

Halekulani Living

Practitioners of sound therapy employ gongs and other instruments to coax the mind into a state of wakeful relaxation.

サウンドセラピーでは 銅鑼や楽器を用いて心 を覚醒させ、リラックスし た状態へと導く。

TABLE OF CONTENTS

目次

ARTS 28

世界に一つだけの布 40

アーティスト・アット・プレイ 54

形を成す

CUISINE 74

健康に乾杯

The late architect C. W. Dickey’s signature “Dickey roofs” have come to be seen as a defining element of “Hawaiianstyle architecture.” 110 54 ABOUT

THE COVER:

CULTURE 84

空気を読む 96

物語に満ちた歴史 WELLNESS 110

オブ・サウンド・マインド

建築家の故C.W.ディッキー 氏の代表作「ディッキー・ル ーフ」は、ハワイアンスタイル 建築の代表格として知られる ようになった。

Halekulani Living 表紙について：

写真家クリス・ローラー氏の撮影したメアリー・ミツダさんの絵のディテール。アーティストの自由な発想が垣間見え る制作風景をリビングTVでご覧ください。

Living TV is designed to complement the understated elegance enjoyed by Halekulani guests, with programming focused on the art of living well. Featuring cinematic imagery and a luxurious look and feel, Living TV connects guests with the arts, style, and people of Hawai‘i. To watch all programs, tune in to channel 2 or online at halekulaniliving.tv.

客室内でご視聴いただけるリビング TVは、ハレクラニならではの上質な寛 ぎのひとときをお過ごしいただくため、 豊かで健康的なライフスタイルをテー マにしたオリジナル番組をお届けして います。臨場感溢れる映像で芸術や ファッション、食文化、ハワイの人々に ついてのストーリーをお楽しみくださ い。すべての番組は、２チャンネルまた はhalekulaniliving.tv からご視聴い ただけます。

UNCOMMON THREADS

watch online at: halekulaniliving.tv

世界に一つだけの布 現代のボロ愛好家たちは、パッチワークのように何 層にも重なった布と同じくらいしっかりとその伝統 を受け継いでいる。

Modern-day boro enthusiasts perpetuate a legacy as heavily layered as the patchwork textile itself.

ARTIST AT PLAY

アーティスト・アット・プレイ

Step inside the Mānoa studio of artist Mary Mitsuda, whose approach thrives in the juxtaposition of opposites.

相反するものを並列させることを得意とするアーテ ィスト、メアリー·ミツダさんのマノアのスタジオに 足を踏み入れる。

TO YOUR HEALTH

Recognizing Hawai‘i’s long sake tradition, Islander Sake is committed to reestablishing sake as a favorite local drink.

健康に乾杯 アイランダー酒はハワイの長い酒造りの伝統に注目し、 日本酒を地元で愛される酒として再び定着させること に力を注ぐ。

READING THE AIR

Visit the Hawai‘i Hochi, a Japanese-language newspaper founded in 1912 to be the voice of Japanese immigrants in the islands.

空気を読む 1912年、ハワイの日系移民の声を伝えるために創刊さ れた日本語新聞「ハワイ報知」を訪ねる。

OF SOUND MIND

For classically trained performer and jazz singer Michelle Pirret, sound is a natural way to communicate what can’t be said with words.

オブ·サウンド·マインド クラシック音楽の演奏家でありジャズシンガーでもあるミシェ ル・パレーさんにとって、音は言葉で伝えられないものを伝え るための自然な手段だ。

JOHN HOOK

BY

TEXT

NATALIE SHACK

IMAGES BY

LAURA LA MONACA

文＝ナタリー・シャック

写真＝ローラ・ラ・モナカ

UNCOMMON THREADS

世界に一つだけの布

In breathing new life into the traditional Japanese craft of boro, modern-day makers perpetuate a legacy as heavily layered as the patchwork textile itself.

パッチワークのように何枚もの布を縫い合わせた日本の「ボロ」に新たな命を吹き込み、伝統工芸を堅実に受け継ぐ現代の作り手たち

The term boroboro has become a part of Hawai‘i’s local vernacular, referring to something worn out, cheap, or grungy.

ボロボロという言葉は、「使 い古されたもの」「安っぽい もの」「不潔なもの」を指す言 葉としてハワイでも使用され るようになった。

Pitacus Chop Art is a treasure trove for fabric fanatics on an ordinary week—a sea of eccentric scraps of kantha, denim, and silk made into wearable works of art. But this is no ordinary week. This week, owner Lisa Wiemken is doing her once-a-year production of purses and bags, and the studio is even more inundated than usual. It’s a massive undertaking that leaves her mentally exhausted and the studio buried under all manner of textiles from Africa, India, Japan, and beyond, the majority of them upcycled vintage. Wiemken’s bags are highly sought after, completely unique, and mostly cut freehand to preserve the unique designs of every shred.

“I don’t wanna waste the original piece of fabric. If you use patterns, you cut away so much,” she says. “So every bag will be different in size and shape. Sometimes they’re similar shapes—but there’s no pattern.”

This philosophy of letting the fabrics guide her work, whether it’s patching a hole here or stitching a seam there, results in a distinctive patchwork aesthetic that’s become Wiemken’s signature, one heavily inspired by traditional Japanese boro , meaning “tattered” or “rags.” Locals may hear a ring of the familiar in the name: boroboro is part of the island vernacular, referring to something worn out, cheap, or grungy—not exactly something you’d associate with the highest echelons of the global fashion industry, where boro has made appearances

ピタカス・チョップ・アートには、カンタ（インドの屑布をつなぎ合わせ た布）やデニム、シルクといった一風変わった布の端切れを使った着 るアート作品が沢山あり、布マニアにとっては宝の山だ。だが今日の店 内には、いつもとは違う雰囲気が漂っている。今週、オーナーのリサ・ ヴィームケンさんが年一度の財布やバッグの製作を行うことになっ ていて、スタジオはいつもに増して混み合っている。それは彼女にとっ て、精神的に疲弊してしまうほどの大仕事で、スタジオはアフリカ、イ ンド、日本など世界各地から集められた沢山のアップサイクル・ヴィン テージの布で埋もれている。ヴィームケンさんのバッグは非常に人気 があり、一つとして同じものがない。一つ一つの作品をユニークなデザ インに仕上げるため、ほとんどの布が型紙なしのフリーハンドで裁断 されているのだ。

「もとの生地を無駄にしたくないの。型紙を使うと、たくさん無駄が 出てしまうのよ」と彼女は言う。「だからバッグのサイズや形は一つ一 つ違ってくる。似たような形に仕上がることもあるけど、型紙は使って いないわ」。

穴の修繕やかがり縫いを施して生地の持つ特徴を生かすことで、ヴ ィームケンさん独自のパッチワークスタイルが生まれる。彼女の作品 は日本に古来から伝わる、使い古しの布やぼろ切れを縫い合わせた 「ボロ」が大きなインスピレーションとなっている。日系人の多いハワ イのローカルにとっても、使い古された、安っぽい、不潔なものを指す 「ボロボロ」は、馴染みのある言葉だ。そのイメージからは、近年ボロ が世界の一流ファッション界にお目見えしていることは連想しがたい

Vintage fabric ready to be given new life by Lisa Wiemken, the designer behind Pitacus Chop Art in Kaimukī.

カイムキにあるピタカス・ チョップ・アートのデザイナ ー、リサ・ヴィームケンさん

によって新たな命を吹き込 まれるビンテージ布。

in recent years. (Issey Miyake and Louis Vuitton are among the high-end brands that have released boro-inspired designs.)

Japanese denim brand Kapital has amassed a cult following for its elaborately patched and stitched jeans and jackets, remarkable examples of the sophisticated craftsmanship that has defined boro for centuries. For other contemporary brands—like eco-forward clothing company World of Crow, whose breezy cotton shirts feature borostyle patchwork—the aesthetic represents an alternative to the throwaway culture of fast fashion. And for designers like Wiemken, who want their work to be wearable and lasting (Wiemken tells clients that, as long as she’s living, they can come back for repairs), they are perpetuating a legacy as heavily layered as boro itself.

To understand how, one must go back to Japan’s Edo period. Not to the lavish wardrobes of the aristocracy, but to the uniforms of peasant farmers in the frigid north. The introduction

が、実際、Issey Miyakeやルイ・ヴィトンといったハイエンドブランド もボロにインスピレーションを受けたデザインを発表している。

日本のデニムブランドのKapitalは、精巧なパッチワークや刺し子 刺繍を施したジーンズやジャケットで熱狂的な人気を集める。長い歴 史を持つボロの洗練された職人技を生かした成功例である。ボロ風の パッチワークがされた爽やかなコットンシャツなど、環境に配慮した衣 料品を扱うWorld of Crowのような現代ブランドにとっても、ボロの デザインはファストファッションの使い捨て文化に代わるものである。 自分が生きている限りは何度でも修理に持って来ていいと、購入する 人に言うヴィームケンさん。ボロの伝統は、長く着られ、大切にされる ものを作る彼女のようなデザイナーたちの手によって、その布の丈夫 さと同じくらいしっかりと受け継がれている。

ボロの歴史は、日本の江戸時代にまで遡る。その起源は、貴族の華 美な衣装ではなく、極寒の北国の農民の作業着である。植物繊維でで きた服を着ていた農民たちにとって、綿の登場は画期的な出来事であ った。暖かく、しなやかで、着心地がよく、弾力性のある綿花はすぐに需

of cotton was a watershed moment for these communities, who wore clothing commonly made of rudimentary plant fibers. Warm, pliable, comfortable, and resilient, cotton was immediately in high demand, but it was also prohibitively expensive and rare. The cotton demand spawned a thriving rag trade in which merchants peddled scraps to peasants, who would in turn use these bits to create and reinforce garments. The cotton clothing was so precious, it would be re-patched over and over, reinforced with an intricate stitching technique known as sashiko to help prolong the garment’s life for decades or even generations. After many life cycles, the garments were heavy, many layers thick, and entirely covered in rows of stitching. When the clothes were no longer usable, they were recycled into cleaning rags, mattress stuffing, or food coverings. And when even those pieces were no longer viable, the cloth would be stripped apart and rewoven once again, a practice called sakiori

“It’s incredible how not even the thread is wasted, even at the very end of the fabric’s life,” says Ann Asakura, co-founder of the Temari Center for Asian and Pacific Arts in Honolulu, as she walks me through the history of boro in Japan and weighs in on its modern-day resurgence. “‘Mottainai’ [is] basically the precept that you throw nothing away. You don’t waste anything: food, money, feelings, clothing.”

Boro, then, is about preservation and revivification, functionality and creativity, a reverence for the value of an object and an ability to see its potential as something other than what it is now. Like the concept of wabi-sabi , it’s about finding beauty in imperfection and ephemerality.

A week after our chat, Wiemken has finished this year’s bag production, and the results are striking. One bag was crafted from deep-blue denim overlaid with a square of striped, fire-engine red fabric, a length of metallic floral silk peeking out from the bottom. Like the boro traditions of old, Wiemken’s approach is always function first—she started sewing when she was young and low on funds, piecing together donated scraps when she couldn’t afford yardage—but the beauty of salvaged

要が高まったが、彼らには手が出ないほど高価で希少なものだった。

綿花の需要が増すに従い、商人から農民へのボロ布の売買が盛んに なり、農民はその端切れを使って衣服を作ったり、修繕や補強をする ようになった。

貴重な木綿の衣服は、何十年も何世代にもわたって長く着れるよ うに何度も縫い直され、刺し子という複雑な刺繍で補強された。こう やって寿命が延びた衣服は、何層にもなって重くなり、全体が刺し子 の列で覆われていた。着られなくなった衣服は、掃除用の雑巾や布団 の詰め物、食べ物の包みなどに再利用された。それすらも使えなくな ると、再び布を裂いて織り込む「裂き織り」という技術で布地はリユー スされた。

「傷んで使えなくなってしまった生地も、糸一本すら最後まで無駄に しないの」と日本におけるボロの歴史と現代の復活について語るのは、 ホノルルにある「てまりアジア太平洋アートセンター」の共同設立者で あるアン・アサクラさんだ。「もったいないという言葉は、基本的に何も 捨ててはいけないという教えです。食べ物も、お金も、気持ちも、服も、 何一つ無駄にしないということなの」。

ボロには、保存と再生、機能性と創造性、モノの価値への敬意、そし て今あるものに別の可能性を見出す力が詰まっている。侘び寂びの概 念と同じように、不完全で儚いものに美を見出すことなのだ。

私たちが話してから1週間が経ち、ヴィームケンさんは今年のバッ グの製作を終えた。その出来栄えは目を見張るものがあった。濃いブ ルーのデニム生地のバッグには、縞模様の入った真っ赤な布が重ね られ、底にはメタリックな花柄のシルクが覗く。伝統的なボロがそうで あったように、ヴィームケンさんの作品は常に機能を優先する。彼女は 十分な資金がなかった若いころに裁縫を始め、布地が買えないときに はもらった端切れをつなぎ合わせて作品を作っていたという。生地の

An antique garment collected by Linda Ryan of Over the Blue Horizon, a maker and boro enthusiast based in Kailua.

Historically a utilitarian textile worn by Japanese peasant farmers, boro is seeing a modern-day resurgence.

日本の農民が着ていた実用 的な服であったボロは、現 代に復活しつつある。

textiles is not lost on her. The people who dressed in those kimono or toiled in those cotton coats are long gone, but there are echoes of them still in the faded colors and worn edges of the garments they wore.

There are those who balk and think, “Cut up a kimono? Sacrilege!” But Asakura disagrees. “What is worse? Leaving it in a tansu (storage chest), where it rots, where nobody sees it? Isn’t it better, then, for this piece of history to be shared with all the family? Like a futon cover that Grandma made. Then everybody can have a part of it—or somebody can remake it.” Mottainai —waste nothing.

切れ端が持つ美しさを彼女は今も忘れてはいない。それらの着物を着 ていた人や木綿の上着を着て働いていた人はとうの昔に亡くなってい るが、彼らが着ていた衣服の色あせや擦り切れた端の部分に、彼らの 面影が残っている。

「着物を切るなんて、冒涜だ！」と言う人もいるかもしれない。だがア サクラさんはそうは思わない。「誰の目に触れることもなく、箪笥にしま い込んだままでおくほうがよっぽど冒涜的じゃないかしら？それより 家族で共有する方がいいでしょう？おばあちゃんが作った布団カバー みたいにね。そうすれば、誰もがその一部を手にすることができるし、 誰かがそれを何かに作り直すこともできるわ。大事にしまっておいては もったいないですからね」。

TEXT BY ERIC STINTON

IMAGES BY CHRIS ROHRER

文＝エリック・スティントン

写真＝クリス・ローラー

ARTIST AT PLAY

アーティスト・アット・プレイ

Mary Mitsuda’s intuitive and freewheeling approach thrives in the juxtaposition of opposites.

相反するものの対比を楽しむメアリー・ミツダさんの直感的で自由な表現

Halekulani

Tucked into the back of Pālolo Valley, Mary Mitsuda’s home studio feels like a part of the landscape. Sunlight falls through the studio’s skylights like sediment settling on a riverbed, and when winds whip through the valley, passing clouds interrupt the beams and change the lighting inside the studio from one moment to the next.

“I like to see how the paintings look in different lights,” Mitsuda says. A pair of unfinished paintings hang on the wall, and she goes over to tinker with them sporadically while she talks. Part of the studio space is devoted to displaying finished works by Mitsuda and her husband, fellow artist Jesse Christensen: totems constructed from discarded computer parts, paintings of ti leaves in various stages of decay, woodblock portraits of fishermen. But perhaps the most interesting piece in the studio is the shell of a xenophora, which Mitsuda presents with an earnest eagerness reminiscent of elementary school show and tell.

The xenophora is a deep-sea mollusk that moves across the seafloor, picking up small shells and stones and attaching them to its own shell as it grows. Atlas Obscura once declared the xenophora “the world’s most artistic mollusk,” a distinction that Mitsuda would likely appreciate—she keeps the xenophora shell around as a visual representation of her own artistic journey. “I didn’t plan to go into art,” Mitsuda says. “It wasn’t really a conscious decision. It sort of just emerged. This life absorbed me.”

Mitsuda didn’t take any art classes while attending ‘Aiea High School, and when she first enrolled at the University of Hawai‘i, she studied English. But her literature classmates displayed a self-seriousness that didn’t gel with Mitsuda’s playful personality and freewheeling approach. She moved into an apartment near the campus with a friend from high school who was studying ceramics, and she quickly fell into a group of friends who were “living in the lab,” Mitsuda recalls, “always

パロロ渓谷の奥に佇むメアリー・ミツダさんの自宅兼スタジオは、周り の景色に溶け込んでいる。太陽の光がスタジオの天窓から川底に沈殿 する土砂のように降り注ぎ、渓谷を風が通り抜けるたびに流れる雲によ って光が遮られ、スタジオ内の明るさは刻々と変化する。

「光によって絵の見え方がどう変わるかに興味があるわ」とミツダさ んは言う。壁には未完成の絵が2枚掛かっていて、彼女は話しながらそ の絵に向かい、時折手を加えている。スタジオの一角には、廃棄された コンピューターの部品で作られたトーテム、枯れていくティリーフの絵、 漁師の木版画といったミツダさんと彼女の夫であるアーティストのジェ シー・クリステンセンさんの作品が展示されている。その中でも一番興 味をそそるのはクマサカガイの貝殻ではないだろうか。ミツダさんは小 学校の発表会を思わせるような真剣な表情でそれを見せてくれた。 　クマサカガイは深海に住む軟体動物で、海底を移動しながら小さな 貝殻や石を拾って殻表に付着させ、成長していく。米国メディアのアトラ ス・オブスキュラはこの貝を「世界で最も芸術的な軟体動物」と評してい るが、ミツダさんはその言葉を高く評価するに違いない。「もともと芸術 の道に進むつもりはなかったの」とミツダさんは言う。「意識して決めた わけではなく、気がついたらこの世界に引き込まれていたの」 　ミツダさんはアイエア高校に通っていた頃は美術の授業を受けたこ とがなく、ハワイ大学に入学した当初は英語を専攻していた。ところが 文学部のクラスメートは真面目な性格で、遊び好きで自由奔放なミツ ダさんとは相容れなかった。陶芸を専攻していた高校時代からの友人 と一緒にキャンパス近くのアパートに引っ越した彼女は、すぐにスタジ オに住み込んでいるような友人たちのグループに溶け込んだ。「彼らは 常に何かの作業をしていて、常に楽しんでいた」と当時を振り返る。そし て美術の授業を片っ端から受け始めた。

「何もかも無意識だったわ」と彼女は言う。「だから私はクマサカガイ にとても共感するの。彼らの生き方には何か自由な選択肢があるよう にも見えて、でも実際にはほとんど直感的に動いているのではないかし ら？私がこの貝を大切にしているのは、私たちの人生、そして選ぶ道の 多くがある意味で無意識かつ本能的なものだということを思い出させ てくれるからなの」

Artist Mary Mitsuda initially studied English in college, but her literature classmates displayed a self-seriousness that didn’t gel with her playful personality and freewheeling approach.

ミツダさんはハワイ大学に入学した当初は英語を専攻していた。ところ が文学部のクラスメートは真面目な性格で、遊び好きで自由奔放なミ ツダさんとは相容れなかった。

or a wide brush, Mitsuda adds additional layers with plastic resin spreaders, a process she refers to as “simplifying” the painting.

さらに層を重ねていく作業を、ミツダさんは「絵を単純化するプロセス」 と呼んでいる。

working, but always having fun.” She started taking any and every art class available.

“Everything was pretty unconscious,” she says. “That’s why I relate so much to the xenophora mollusk. There’s something about the process of how they live that makes you think they have choices, but how much of it is intuitive? I keep the shell as a reminder of how much of our lives, and maybe even our choices, are biological on some level.”

But honing the same craft decade after decade also involves conscious deliberation. Mitsuda relishes in such contradictions, calling her approach oblique but also direct. She says she prefers a minimalistic aesthetic out of laziness and pragmatism, then concedes that she’s most moved by art that is vague, mysterious, and suggestive.

“Everything I say, I know the opposite is also true,” Mitsuda says. “When I say I’m a lazy painter, that’s as disingenuous as saying I’m driven. I’m just trying not to take myself so seriously because anything you do that you’re really interested in, you do take seriously. Maybe too seriously.”

Her oeuvre is an ongoing meditation on the coexistence of opposing concepts: transience and transition, light and dark, land and sea, life and death. But these tensions and dualities are not just themes in her work; they also extend to her process.

Mitsuda’s first act on a blank canvas is to create what she calls an “arbitrary background,” applying broad, sweeping washes of paint with her hands or wide brushes. From there, she adds layers on top of the initial strokes with plastic resin spreaders, a process she refers to as “simplifying” the painting.

“When I’m painting, I’m doing it section by section,” Mitsuda says. “I don’t want to look at it all at once. Giving something up is really a way of simplifying because you have to decide, is that gonna strengthen it? The whole subject becomes clearer because you don’t have too much to fiddle around with. Keeping it simple is complicated enough.”

しかし、長年かけて同じ技を磨くこと自体、意識しなければできない 行為である。ミツダさんはそんな矛盾を楽しむ自らの表現を、斜に構え つつも、直接的なアプローチだという。彼女は怠惰と実用主義から生ま れるミニマルな美学を好み、曖昧で神秘的で示唆に富むアートに最も 心を動かされるという。

「私が言うことはすべて、その逆もまた真なりだと思うの」とミツダさ ん。「自分が怠け者の画家だと言えば、努力家だと言うのと同じくらい偽 っていることになるわ。私はただ、自分のことをそれほど深刻に考えな いようにしているだけなの。なぜなら、本当に興味のあることをするとき は、何でも真剣に考えるものだから。おそらく真剣すぎるくらいにね」 　彼女の作品は、移ろいと移り変わり、光と闇、大地と海、生と死といっ た相反するものが共存することを示唆し、追求する作品だ。そこに生ま れる緊張感と二面性は、彼女の作品のテーマというだけでなく、彼女の 生き方におけるプロセスも象徴している。

ミツダさんが真っ白なキャンバスに向かって最初に行うのは、彼女が 「任意の背景」と呼ぶ、手や幅広の筆で絵の具を広範囲に塗りつける 作業だ。そこからプラスチック製の樹脂スプレッダーを使って、最初に塗 った絵の具の上にレイヤーを重ねていく。彼女はこの工程を「絵を単純 化するプロセス」と呼んでいる。

「絵を描くときは、セクションごとに作業しているわ」とミツダさんは言 う。「一度に全体を見たくないのよ。何かをあきらめるってことは、本当 は単純化する方法なの。それによってより良いものになるかを判断しな ければならないから。そうするといじれるものがなくなって全体がクリ アになる。シンプルにすることは意外と複雑なのよ」 　彼女は40年以上アーティストとして絵を描き続けているが、その集

スタジオの一角には、廃棄されたコンピューターの部品で作られたト ーテム、枯れていくティリーフの絵、漁師の木版画といったミツダさんと 彼女の夫であるアーティストのジェシー・クリステンセンさんの作品が 展示されている。

Part of Mitsuda’s studio space is devoted to displaying works by her and her husband, fellow artist Jesse Christensen: totems constructed from discarded computer parts, paintings of ti leaves in various stages of decay, woodblock portraits of fishermen.

“I didn’t plan to go into art,” Mitsuda says. “This life absorbed me.”

「もともと芸術の道に進む

つもりはなかったの」とミツ ダさんは言う。「気がついた

らこの世界に引き込まれて いたの」

After 40 years of painting, the artist continues to be as playful on the canvas as she is focused, increasingly inspired by whatever she comes across in life, still stretching and expanding and growing artistically. “It’s becoming clearer what my interests are, what little mysteries keep pulling at me,” Mitsuda says. “I’m just moving along the ocean floor, picking things up and gluing them to my head.”

中力に負けないくらいの遊び心をキャンバス上で持ち続けている。人生 で出会うあらゆるものからさらなるインスピレーションを受け、芸術家 として今もなお伸び伸びと成長し続けているミツダさんはこう語る。「自 分が何によって興味を喚起されるのか、どんな謎に惹かれるのかわかっ てきた気がするわ。海底を移動しながら、いろいろなものを拾って頭に 貼り付けているクマサカガイのようにね」

Introducing Ālia

All the possibilities of a private residence and social community.

A sustainably designed luxury high-rise, Alia is perfect for individuals and families seeking an exceptional home close to vibrant Ala Moana Center and Kaka‘ako. A diverse selection of one-, two-, and three-bedroom residences are equipped with floor-to-ceiling windows, private lanai, and incomparable views of the Pacific Ocean, Diamond Head, downtown Honolulu, and the Ko‘olau Mountains. Relaxed, natural interiors and gathering spaces are adorned with curated art and furnishings, and verdant landscaping, an expansive lawn, and communal open-air environments bring the outside in. An abundance of thoughtful amenities unmatched on O‘ahu make it effortless to lead a modern, active, and social lifestyle. When life happens where you live, you know you’re in the right place.

alia888alamoana.com/living

Exclusive Project Broker: Heyer & Associates, LLC RBO-17416, 1288 Ala Moana Boulevard, Suite 108, Honolulu, Hawaii 96814 Courtesy to qualifying brokers; see Project Broker for details.

DISCLAIMER: Alia (“Project”) is a proposed condominium project that does not yet exist, and the development concepts therefor continue to evolve and are subject to change without notice. All figures, facts, information, and prices are approximate and may change at any time. All renderings and other information depicted are illustrative only and are provided to assist the purchaser in visualizing the Project, and may not be accurately depicted, and are subject to change at any time. Visual depictions of the Project are artists’ renderings and should not be relied upon in deciding to purchase a unit, and the developer makes no guarantee, representation, or warranty whatsoever that the Project and units depicted will ultimately appear as shown. The developer does not own or control the land outside of the Project and does not guarantee the current or future use thereof. To the extent permitted by law, the developer disclaims all liability that may arise out of errors or omissions in the content of this ad, including claims for actual or consequential damages. This is not intended to be an offering or solicitation of sale in any jurisdiction where the Project is not registered in accordance with applicable law or where such offering or solicitation would otherwise be prohibited by law. Renderings by Steelblue.

BY

TEXT

JACK TRUESDALE

IMAGES BY JOHN HOOK & MARK KUSHIMI

文＝ジャック・トゥルースデー ル写真＝ジョン・フック、マー ク・クシミ

TAKING SHAPE

形を成す

Architect C. W. Dickey had only seen Hawai‘i as a kingdom and a territory, but he helped define how it would look as a state.

ハワイ王国と準州時代に生きた建築家のC.W.ディッキー氏は、ハワイの州としての姿を形作った。

The architect’s signature “Dickey roofs” combine wide, shallow-pitched eaves with a steep upper roof designed to suit Hawai‘i’s tropical climate.

この建築家の象徴的な「ディ ッキー・ルーフ」は広く浅い勾 配の軒と急勾配の上屋根を 組み合わせたデザインでハワ イの熱帯気候に適している。

Go outside, look up. The roofs above Halekulani slope almost horizontally into wide eaves before abruptly steepening to a ridge. Next, look around: These hipped roofs with their gentle then steep angles can be found on scores of other buildings in Hawai‘i. Known as a “Dickey roof,” the design is so ubiquitous that it has come to be seen as a defining element of “Hawaiianstyle architecture,” and the architect who popularized it, Charles William Dickey, is often exalted as a founding father of building design characterized by a “Hawaiian sense of place.” In Honolulu, Dickey shaped the trappings of authority—government buildings, churches, schools—attempting to blend “East and West” as he saw them meet in Hawai‘i. But the style that Dickey created was not so much Hawaiian as it

外に出て、屋根を見上げてほしい。ハレクラニホテルの屋根は、幅広い 庇に向かってほぼ水平に傾斜を描き、棟に近づくほど急勾配になって いる。そして、周囲を見渡せばハワイには傾斜が棟に向かって急になる このような寄棟屋根が数多く存在することに気づくだろう。

「ディッキー・ルーフ」と呼ばれるこのデザインはハワイアン建築の 代表格とされ、これを広めた建築家チャールズ・ウィリアム・ディッキ ー氏は、「ハワイらしさ」を特徴とする建築デザインの始祖として讃え られている。

ディッキー氏はホノルルの官公庁舎、教会、学校などの権威を象徴す る建造物を設計し、ハワイで彼が目の当たりにした「東洋」と「西洋」の 融合をデザインに反映しようと試みた。しかし、この頃にディッキー氏が

Dickey and his associate, Hart Wood, were among the architects selected to design Honolulu Hale, parts of which were modeled after the Bargello in Florence, Italy.

ディッキー氏と彼の仲間であるハート・ウッド氏は、イタリアのフィレンツ ェにあるバルジェロをモデルにした「ホノルル・ハレ」の設計に選ばれた 高名な建築家だ。

Honolulu Hale’s ornate inner courtyard is replete with loggias and cast-bronze sconces and chandeliers.

ホノルル・ハレの中庭には、ロッジアやブロンズの燭台、シャンデリアなど の華麗な装飾が施されている。

Dickey’s homecoming in 1926 cemented his influence on Hawai‘i’s architecture.

1926年に ハワイに戻って きたディッキー氏は、ハワ イの建築に大きな影響を 与えた。

was a byproduct of Hawai‘i’s history and changing society in the early 20th century, well before the territory became a state.

In 1926, Dickey designed a handful of buildings featuring some of the first of his signature roofs: a house for himself in Waikīkī and several bungalow cottages—since demolished—for Halekulani.

“I believe that I have achieved a distinctive Hawaiian type of architecture,” Dickey declared in the Honolulu Advertiser that year. “The cottages seem to fit the landscape. They are simply designed, gathering character from the roof.”

Reportedly his inspiration came from Hawaiian grass hale (houses), although, as an architectural competitor noted, such houses had convex roofs, while Dickey’s were concave. Others credit the design to Kamehameha V’s house in Waikīkī, or to the Waioli Mission Hall that Dickey’s missionary grandfather built on Kaua‘i. Either way, thanks to Dickey’s prolific output, the design became one of his trademarks, and onlookers

生み出したスタイルは“ハワイらしい”と呼べるものではなく、ハワイが州 となるかなり前、20世紀初頭にハワイが辿った歴史と変化しつつある 社会の産物にすぎなかった。

1926年、ディッキー氏はワイキキにある自宅やハレクラニホテルの バンガローコテージ（現在は取り壊されている）をはじめ、彼の象徴的 な屋根を初めて採用した建物を数棟設計した。「とてもハワイらしい建 築に仕上がっていると思う」と、その年のホノルル・アドバタイザー紙の 記事の中でディッキー氏は語っている。「コテージは景観によく溶け込 んでいて、シンプルなデザインなので、屋根の個性が際立って見える」 　ハワイの茅葺き屋根から着想を得たともいわれているが、ある建築 士は茅葺屋根は尖っているがディッキー氏のデザインする屋根はくぼ んでいると指摘する。また、ワイキキにあるカメハメハ5世の家やディッ キー氏の祖父がカウアイ島に建てたワイオリ・ミッション・ホールをモ デルにしたとする説もある。いずれにしても、ディッキー氏はこの屋根を 持つ建築を多く生み出したため、そのデザインは彼のトレードマークと なり、見る人はこのどこにでもある屋根をハワイ固有のものと見なすよ うになった。

One of Dickey’s most notable commissions was the corporate headquarters of Alexander & Baldwin, designed in partnership with architect Hart Wood.

ディッキー氏の最も有名な建築のひとつは、建築家ハート・ウッド氏と共 同で設計したアレキサンダー＆ボールドウィンの本社ビルだ。

Thanks to their prolific output during the islands’ territorial period, Dickey and Wood are among the architects most associated with Hawai‘i’s golden age of architecture.

ディッキー氏とウッド氏はハワイ諸島の準州時代に多くの作品を残した

ため、ハワイ建築の黄金期を代表する建築家として知られている。

began to regard the omnipresent roof as inherently Hawaiian. Perhaps it’s more accurate to say that Dickey—a balding man with a cleft chin and circular spectacles—was simply designing buildings amenable to newcomers to Hawai‘i’s environment: Wide eaves protect open windows from rain, a high peak insulates against the heat.

Some of his buildings—the Harkness Building at Queen’s Medical Center on O‘ahu, for example— appear distinctly not Hawaiian, instead drawing apparently from California’s Spanish Mission style with its arched loggias, pale stucco walls, and terracotta roofing. This injection of a California aesthetic into Honolulu’s built environment could be one example of what architectural historian Kelema Lee Moses argued was an effort by architects and their patrons to make the city “legible to the American public as a conceptual extension of California.”

Charles William Dickey was born in 1871 in Alameda, California, across the bay from San Francisco. His father, Charles Henry Dickey, fought in the Civil War, and his father before him was a friend of Abraham Lincoln. His mother, Ann Elizabeth Alexander, was the daughter of the American missionary William P. Alexander, and her siblings formed Hawai‘i’s plantation elite: Her brother, Samuel, co-founded the Alexander & Baldwin sugar company, and sister Emily married his business partner, Henry Baldwin. (Dickey’s sister, Belle, would later marry James Drummond Dole, of pineapple notoriety.)

Trips across the Pacific, from America to a Hawai‘i in flux, punctuated Dickey’s life. When Dickey was two years old and Hawai‘i was still a kingdom, his family moved to Maui. His father ran a plantation store and prospered over the next two decades: He brought the telegraph and telephone to Hawai‘i; led telegraph, railroad, pineapple, and sugar companies; and served in the Hawai‘i legislature. Meanwhile, the younger Dickey went away for high school in Oakland, California, then studied architecture at the Massachusetts Institute

禿げかかった頭に割れ顎と丸眼鏡のディッキー氏は単に、ハワイに 来たばかりの人が住みやすい建物を設計していただけなのかもしれな い。広い庇は雨から窓を守り、高い棟は蓄熱を防いでくれるからだ。 　例えば、彼が設計したオアフ島のクイーンズ・メディカル・センターの ハークネスビルなどは、アーチ型のロッジアや淡い漆喰の壁、テラコッ タの屋根といったカリフォルニアのスパニッシュ・ミッション様式を採用 したもので、ハワイらしからぬ外観の建物である。このようにホノルルの 建築環境にカリフォルニアの美学を取り入れたことは、建築史家のケレ マ・リー・モーゼス氏が指摘するように、建築家とそのパトロンが「アメ リカの人々にとってカリフォルニアの延長として捉えることのできる都 市」にするために行った取り組みの一例と言えるかもしれない。 　チャールズ・ウィリアム・ディッキー氏は1871年、サンフランシスコの 対岸にあるカリフォルニア州アラメダで生まれた。父のチャールズ・ヘ ンリー・ディッキーは南北戦争で戦い、祖父はエイブラハム・リンカーン の友人でもあった。母のアン・エリザベス・アレクサンダーはアメリカ人 宣教師ウィリアム・P・アレクサンダーの娘で、彼女の兄弟たちはハワイ のプランテーション実業家であった。兄サミュエルはアレクサンダー＆ ボールドウィン砂糖会社を共同設立し、妹エミリーは彼のビジネスパー トナーのヘンリー・ボールドウィンと結婚した。(ディッキー氏の姉のベ ルは、後にパイナップルの実業家として有名なジェームス・ドラモンド・ ドールと結婚）

アメリカからハワイまで太平洋を横断する旅をディッキー氏は人生 で数多く経験した。ディッキー氏が2歳の時、ハワイがまだ王国だった 頃、一家はマウイ島に移った。父親はプランテーションストアを経営 し、その後20年間にわたって成功を収めた。彼はハワイに電信と電話 をもたらし、電信、鉄道、パイナップル、砂糖の会社を経営し、ハワイ州 議会議員も務めた。一方、若き日のディッキー氏は、カリフォルニア州 オークランドの高校を卒業した後、マサチューセッツ工科大学で建築 を学び、1894年に卒業した。その翌年、ディッキー氏一家と同じ社会 的地位にある実業家グループがクーデターでリリウオカラニ女王を 失脚させた。

このクーデターにより、白人実業家が支配する新しい共和制が誕生 した。新しい支配者たちの未熟な国家には建物が必要であり、ディッキ

of Technology. He graduated in 1894, a year after a group of businessmen from his family’s social milieu overthrew Queen Lili‘uokalani in a coup d’état.

The overthrow led to a new republic dominated by white businessmen. The new rulers’ embryonic proto-state needed building—and so did Dickey’s sense of style. Despite later becoming known for airy lanais and courtyards, his early works, like Pauahi Hall at Punahou School and the Bishop Estate Building, look none too breezy. Instead, they are hewn from knobby slabs of rock, hefty as a hall from an East Coast university. Dickey then changed directions, introducing elements from the Italian Renaissance—Tuscan columns, floral panels on the façade—into designs such as the Stangenwald Building, which still stands in downtown Honolulu.

After a decade in Hawai‘i, Dickey moved back to Oakland, where he ran an architecture firm for the next 20 years. He continued to design projects in Hawai‘i, and as the First World War drew to an end, he grew anxious to return. As he found more work in Honolulu, he made the lengthy commute more often and partnered with the architect Hart Wood to run the Honolulu office. The pair won the commission for the corporate headquarters of Alexander & Baldwin—his uncle and uncle-in-law were, after all, the company’s founders. Attracted by the new opportunity and repulsed by a dispute with Oakland school authorities, Dickey returned to Honolulu for good.

It was Dickey’s homecoming in 1926 that ultimately cemented his influence on Hawai‘i’s architecture. He employed a young Vladimir Ossipoff, who was new to the city and who would go on to become a local legend renowned for bringing tropical modernism to the islands. Dickey’s associate, Hart Wood, would also rise to prominence in his own right.

Dickey and Wood ultimately parted ways due to design disagreements over the Alexander & Baldwin project. Still, it was among the duo’s most notable designs, lauded for its take on a regional style of architecture. When it was constructed in 1929, Dickey reported that they had sought “to produce a building suitable to the climate, environment, history, and geographical position of Hawai‘i.”

ー氏の建築スタイルも同様に未熟であった。彼のデザインは後に風通 しの良いラナイや中庭で知られるようになったが、プナホウ・スクールの パウアヒ・ホールやビショップ・エステート・ビルのような初期の建築は 決して風通しが良いとは言えない、岩板から切り出された東海岸の大 学の講堂のような重厚な建物だ。その後、ディッキー氏はイタリアルネ ッサンスの要素を取り入れ、トスカーナ式柱や花柄のファサードなど、 現在もホノルルのダウンタウンに建つスタンゲンワルドビルのようなデ ザインに方向転換していった。

ハワイで10年間を過ごした後、ディッキー氏はオークランドに戻り、 その後20年間、建築事務所を経営した。その後もハワイで設計を続け、 第一次世界大戦が終わると、ハワイに戻りたいという気持ちが強まっ た。ホノルルでの仕事が増えるにつれてハワイ出張が増え、やがて建築 家のハート・ウッド氏と組んでホノルル事務所を開設。そして、二人は彼 の叔父と義理の叔父が創業者であるアレキサンダー＆ボールドウィン 社の本社ビルの設計を手掛けることになった。この新しいチャンスに惹 かれたディッキー氏は、オークランドの学校当局との争いに反発し、再 びホノルルに戻ってきた。

ディッキー氏がハワイの建築に大きな影響を与えたのは1926年の 帰郷のときだった。彼はその頃ハワイに来たばかりで、のちにハワイにト ロピカル・モダニズムをもたらした伝説的な建築家、ウラジミール・オシ ポフ氏を雇うことになったのだ。また、ディッキー氏のアソシエートであ ったハート・ウッド氏もその後、頭角を現すことになる。

ディッキー氏とウッド氏は、アレキサンダー＆ボールドウィンのプロジ ェクトをめぐるデザインの不一致により、結果的に袂を分かつこととな るが、このプロジェクトはディッキー氏とウッド氏の代表作のひとつで あり、地方都市の建築様式を取り入れたものとして高く評価されてい る。1929年の竣工時、ディッキー氏は「ハワイの気候、環境、歴史、地理 的な場所にふさわしい建物を作るよう努めた」と話している。

Dickey designed the Stangenwald Building with Tuscan columns and floral panels in the Renaissance Revival style.

Shortly after relocating to Hawai‘i, Dickey designed an expansion for the Hawai‘i State Library, adding two new wings to form an open-air courtyard in the center.

ハワイに移って間もなく、

ディッキー氏はハワイ州立

図書館の拡張工事を手が け、2つの新しい棟を設計 し、中央にオープンエアの 中庭を作った。

The imposing structure features subtle ornamentation inspired by the sugar company’s Chinese laborers but builds on an essentially Western form, standing as a paragon of “Hawaiianstyle architecture” through the same inexplicable alchemy that imbued Dickey’s famed roofs with their distinctive sense of place. Though the architect had only seen Hawai‘i as a kingdom and a territory, he shaped how it would look as a state: a place where winds of change that swept through the islands a century ago still linger in its colonial forms and Mediterranean façades, in its wide eaves and high peaks.

この堂々とした建物は、製糖会社の中国人労働者をイメージした繊 細な装飾が施されているが、基本的には西洋の建築様式が採用され、 ディッキー氏の有名な屋根に独特のハワイらしさを与えたのと同じ不 思議な魔力によって「ハワイアン建築」の代表格としての存在感を示し ている。ディッキー氏は王国や準州としてのハワイしか見ていないが、 州としてのハワイの姿を形作ったともいえる。そこには100年前に島々 に吹き荒れた変化の風が、コロニアル様式や地中海スタイルのファサー ド、広い軒や高い梁として今も残っている。

アレキサンダー＆ボールドウィンの建物のタイルは、かつて砂糖会社だ ったこの島の環境と、初期の中国人労働者にちなんだものだ。

Tile work on the Alexander & Baldwin building is a subtle homage to the former sugar company’s island setting and early Chinese laborers.

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The Park Ward Village Residence 03 Living Room

TEXT BY RAE SOJOT

IMAGES BY

LAURA LA MONACA

文＝レイ・ソジョット

写真＝ローラ・ラ・モナカ

TO YOUR HEALTH

健康に乾杯

Behind master brewer Chiaki Takahashi’s desire to spark a sake revival in Hawai ‘ i is another, more personal intention—to bring people together.

ハワイで日本酒リバイバルを起こしたいという杜氏の高橋千秋さんの思いの裏には、「人と人をつなげたい」という願いがある

Halekulani

While enjoying a nightcap, Islander

master Chiaki

realized she could parlay her expertise in science into an entirely new discipline: sake brewing.

アイランダー酒の杜氏の高 橋千秋さんは晩酌をしなが ら、彼女の持つ科学の専門 知識をまったく新しい分野 である日本酒の醸造に生か そうと思いついた。

Chiaki Takahashi grew up in the quiet alcoves of a temple in Tokyo, where her father, a Buddhist priest, attended to those who gathered there. On some occasions, Takahashi’s father would shoo her away, but still she would peer out of the back room with curious eyes. Watching her father provide comfort and guidance to the distressed stirred something within.

Now in her 50s, Takahashi still thinks of those childhood moments that shaped her. She realizes she is like her father—instilled with an innate desire to help others find paths to well-being.

Initially, Takahashi fulfilled this desire as a medical researcher for stress-induced disease. It was undoubtedly important work, but over time, Takahashi began to feel increasingly less invested in it. After a particularly long, arduous day, a moment of clarity arrived. While enjoying a nightcap, Takahashi realized she could parlay her expertise in science—honed from years of experiments, data crunching, and clinical trials—into an entirely new discipline: sake brewing.

高橋千秋さんは、父親が住職を務める東京都内の閑静な寺で育った。 好奇心旺盛だった彼女は、時折追い払われながらも奥の部屋から父親 の仕事ぶりを覗き込んだものだった。苦しんでいる人を慰め、導く父親 の姿を見て、子供ながらに心が揺さぶられたという。50代になった今 でも、千秋さんは自分を形成した幼少期の体験を思い出す。そして彼女 は、自分が親と同じように、人々が健康で幸せになるための手助けをし たいという思いを抱いていることに気づいた。

千秋さんは当初、ストレス性疾患の医学研究者としてこの思いを実 現した。重要な仕事ではあったものの、時間が経つにつれて、この仕事 への思い入れは薄れていったという。そんなある日、とりわけ長く大変 な一日の終わりに晩酌をしていた千秋さんは閃いた。彼女が長年にわ たる実験、データ解析、臨床試験で培った科学の専門性を、酒造りとい うまったく新しい分野で生かせるのではないかと思いついたのだ。

オアフ島で最後の酒造会社だったホノルル酒造が80年近い歴史に 幕を下ろしてから30年以上が過ぎた2020年の春、千秋さんはハワイ 唯一の酒蔵「アイランダー酒」をオープンした。長きにわたるハワイの酒 の伝統と、ハワイと日本の文化的な深いつながりに注目した彼女は、日

Sake brew

Takahashi

Come discover everything at your fingertips in one dynamic neighborhood.

Shop one-of-a-kind finds, indulge in globally inspired cuisine, relax with a picnic in the park — it’s all here, waiting for you. Only in Honolulu, only at Ward Village.

心踊らせるショッピング体験、多彩なグローバルな料理、木漏れ日溢れるグリーンスペースで過ごすくつろぎの時間。 そのすべてが叶うホノルルのダイナミックなコミュニティ、ワードビレッジ。限りない驚きと発見があなたを待っています。

A Howard Hughes Master Planned Community

Future planned Victoria Ward Park

Today, Takahashi runs Islander Sake, Hawai‘i’s only sake brewery, which officially opened in the spring of 2020—more than 30 years since O‘ahu’s last sake brewing company, Honolulu Sake Brewery, closed its doors after nearly 80 years in business. Recognizing Hawai‘i’s long sake tradition and the deep cultural ties Hawai‘i and Japan share, Takahashi is committed to reestablishing sake as a favorite local drink.

Sake brewing is relatively simple, she explains through an interpreter. Its formulation requires only a handful of ingredients: rice, koji, yeast, and water. And while many consider sake’s fermentation process akin to laboratory work with its strict emphasis on temperatures, measurements, and monitoring, Takahashi and her business partner, Tama Hirose, are quick to bring up more abstract factors like the local culture.

Sake making involves living organisms—koji and yeast—and like all living things, they are susceptible to influence from their environment. “People here in Hawai‘i are relaxed,” Hirose says. “So maybe microorganisms are relaxed.” Takahashi nods in agreement. She fell in love with Hawai‘i when she first visited in her early 20s, drawn to the beauty, people, and easy pace of life in the islands.

Whether due to Takahashi’s scientific precision or the aloha spirit that invariably works its way into each bottle, Islander Sake’s growing fanbase is testimony that something is working. The company’s portfolio of junmai ginjo, junmai daiginjo, and islandinspired sakes flavored with tropical fruits, such as pineapple and lilikoi, have proven to be crowd pleasers. But behind Takahashi’s desire to spark a sake revival in Hawai‘i and beyond is another, more personal intention—to bring people together.

Despite recently moving its brewery operations from Kaka‘ako to Hawai‘i Island to meet the company’s growing production needs, Hirose and Takahashi have no plans to abandon their community on O‘ahu. In the brewery’s stead, the partners debuted Hanale, an omakase-style restaurant, in February 2022. “Hanale means ‘annex’ in Japanese,” Hirose explains, referencing an informal gathering area for guests outside one’s home. “Like a small space to relax with friends.”

At a recent dinner seating, the air is convivial as Hirose warmly welcomes guests entering Hanale from the streets of Honolulu’s Chinatown. Behind

本酒を地元で愛される酒として再び定着させることに力を注ぐ。

日本酒の醸造は比較的シンプルなのだと、通訳を介して彼女は教え てくれた。日本酒は、米、麹、酵母、水というわずかな材料で造られる。 その発酵工程は、温度や測定、監視が重要となるため、実験室での作 業のように考える人も多いが、千秋さんとビジネスパートナーの弘瀬 タマさんは、地元の文化のような目には見えない要素が味に影響を与 えるという。

日本酒造りには麹や酵母といった生きた菌が使われているため、他 の生き物と同様、環境の影響を受けやすい。「ハワイの人たちはリラック スしていますね。だから微生物もリラックスするのかもしれませんね」と いうタマさんの言葉に千秋さんはうなずく。彼女は、20代前半に初めて 訪れて以来、その美しさと人々、のんびりとした暮らしに魅了され、ハワ イを好きになった。

千秋さんの緻密で科学的な手法によってなのか、あるいは一本一本 に込められたアロハスピリットによるものなのか、アイランダー酒のフ ァンが着実に増えているのは、何かがうまくいっている証拠だ。純米吟 醸、純米大吟醸、パイナップルやリリコイなどのトロピカルフルーツの 風味が楽しめるハワイアンテイストの日本酒はどれも多くの人に喜ば れている。だがそれだけではない。千秋さんがハワイで日本酒リバイバ ルを起こしたいという思いの裏には、「人と人をつなげたい」という願 いがある。

生産量の増加に伴い、最近、醸造所をカカアコからハワイ島に移すこ とになったが、タマさんと千秋さんは、オアフ島のコミュニティを離れる つもりはなかった。ビジネスパートナーの二人は、2022年2月、おまか せスタイルのレストラン「Hanale」をオープンした。この店名には、「友人 とくつろげるこじんまりとした居心地の良い場所」をイメージした小粋 な離れという意味が込められている。

ディナーの時間帯になると、ホノルルのチャイナタウンの通りから入 ってくるゲストを弘瀬さんが温かく迎え、店内は和やかな雰囲気に包ま れる。L字型のカウンターでは、シェフの大亀裕一さんが念入りに仕込 みをしている。この店では、一品一品が次の料理への序曲となり、見た 目にも美しいシンフォニーを奏でる。リボン状の胡瓜の上に光る新鮮な

Recognizing Hawai‘i’s long sake tradition and the deep cultural ties Hawai‘i and Japan share, Takahashi is committed to reestablishing sake as a favorite local drink.

ハワイの長い酒造りの伝統と、ハワイと日本の文化的な深い結びつき に注目した高橋さんは、日本酒を地元で愛される酒として再定着させる ために尽力している。

The menu at Hanale by Islander Sake is a nod to Japanese minimalism, allowing flavors to shine in their most pared-back form.

ハナレ・バイ・アイランダー 酒のメニューは日本のミニ マリズムに倣ったもので、 最もシンプルな形で味を 輝かせる。

the L-shaped counter, chef Hirokazu Ogame is deeply immersed in preparations for the night’s service. A visual symphony of courses soon follows, each dish an overture to the next. The food is exquisite in its simplicity: sheer slices of saba nestled upon paper-thin ribbons of cucumber, bloom-shaped portions of hamo on shiso leaf, intricately carved ika, richly marbled otoru. All are a nod to Japanese minimalism, Takahashi explains, allowing flavors to shine in their most pared-back form. Paired with the sake, each dish soars anew.

The evening progresses. Peeking through a noren curtain, Takahashi observes her guests. Some are laughing and clinking their glasses together, extending their conversations to the tables around them. Others sit in silent contentment, bellies full. Thousands of miles away from her homeland, and worlds away from her previous work in medical research, Takahashi smiles at the group gathered before her. Here, medicine is no match for the healing powers of happiness.

鯖の刺身、花形に大葉と盛り付けられた鱧、丹念な仕事が施されたイ カ、霜降りの大トロといった料理は、どれもシンプルでありながら深い 味わいだ。日本のミニマリズムを意識したシンプルさが素材の味を際立 たせるのだと千秋さんは教えてくれた。日本酒と組み合わせれば、どの 料理も一段とおいしさを増す。

次第に夜は更けていく。千秋さんは、暖簾の隙間から客たちの様子を 観察する。楽しそうに笑ったり、グラスを鳴らし、周りのテーブルとの会 話に興じている人たちもいれば、胃も心も満たされ静かに座っている人 たちもいる。彼女は、以前携わっていた医学研究の世界から遠く離れ、 母国から何千マイルもの距離にあるここハワイで、目の前に集まる人た ちに微笑みかける。そこには、医学では到底かなわない、幸せがもたら す癒しの力が満ちている。

SINGLE ORIGIN, 55% DARK CHOCOLATE

100% PURE HAWAIIAN CACAO

The subtle scent of tropical fruit transports you to O‘ahu’s North Shore. Timeless hints of banana, pineapple, and liliko‘i crafted with 100% pure cacao create a rich treat

PURE

BY JOHN HOOK

ウル（ブレッドフルーツ）は、

初期のハワイアンキルトの パターンの一つだ。

TEXT BY SONNY GANADEN

IMAGES BY JOHN HOOK & COURTESY OF THE HAWAI‘I HOCHI

文＝ソニー・ガナデン

写真＝ジョン・フック、

ハワイ報知提供

READING THE AIR

空気を読む

Founded in 1912 to be the voice of Japanese immigrants in the islands, the Hawai‘i Hochi continues to be a lifeline connecting local Japanese readers to their native culture and community.

1912年、日系移民の声を伝えるために創刊されたハワイ報知は、今もなお、ハワイに暮らす日本人と母国の文化やコミュニティ をつなぐ生命線である。

Halekulani

The new headquarters of the Hawai‘i Hochi strikes me as distinctly Japanese: the acute angles of the exterior, the spotless glass doors and floors inside, everything in its right place. It’s as if a Tokyo newsroom was airdropped into an industrial part of Kalihi near the airport, under the shadow of the freeway and the Honolulu rail. All of the staff at Hawai‘i’s only Japanese-language weekday newspaper are hard at work, and it’s quiet enough to hear the hum of the central air conditioning.

On the day of my visit, the Hawai‘i Hochi is covering the summer’s local bon dance celebrations, Tokyo’s Covid-19 numbers, and primary elections across the state. Politics, both in Hawai‘i and in Japan, are the paper’s forte. The Hawai‘i Hochi’s editor, Noriyoshi Kanaizumi, is in the middle of his workday, which begins at 4 a.m. and ends around 4 p.m. He works until midday on a shared document, converts it to a PDF, and walks a thumb drive down the hall to a desktop computer that sits between two steel rows of printers. The paper is printed in 15 minutes and then sent off to a distribution center on the west side of the island in time for the next day’s delivery.

The Hawai‘i Hochi is distributed to some 2,500 recipients, mostly on O‘ahu, and draws about as many readers online. “We’re a link between an older generation and a younger one,” says Grant Murata, the paper’s advertising and promotions manager, who explains that many of the Hawai‘i Hochi’s older readers grew up with the paper. Newer readers tend to be recent immigrants from Japan.

But like many newspapers, subscriptions are dwindling. “Our readership is declining in part because people pass away,” says president Taro Yoshida, who has the unenviable task of keeping the evolving business model of the daily paper profitable in the 21st century. “But for now, we have no plan to wrap up our paper copies. Our die-hard readers … have to get a hard copy in the mail.”

ハワイ報知の新社屋は角ばったデザインの建物に汚れひとつないガラ ス製のドアと床、すべてがあるべき場所に配置されていて、とても日本 的な印象だ。それはまるで東京のニュース報道局が空港近くにある工 業地帯のカリヒの高速道路とホノルルのモノレールの高架下にエアド ロップされたかのようだ。ハワイで発行されている唯一の日本語日刊紙 であるこの新聞社では、スタッフ全員が熱心に仕事に励んでいて、セン トラルエアコンの音が聞こえるほど静かだ。

この日、ハワイ報知は夏の盆踊り、東京のコロナウイルス感染者数、 そしてハワイ州内の予備選挙について取材していた。ハワイと日本の 政治は、この新聞が得意とする分野でもある。午前4時から午後4時ま で働くハワイ報知の編集局長の金泉典義さんは、仕事の真っ最中だ。 彼は昼過ぎまで共有フォルダに入った記事の編集作業を行い、それを PDFに変換すると、廊下の先にある2列に並ぶ巨大な印刷機の間に置 かれたコンピューターにサムドライブを差し込む。新聞はたった15分 で印刷され、翌日の配達に間に合うようにオアフ島西部にある配送セ ンターへと送り出される。

ハワイ報知はオアフ島を中心に約2,500人に配布されていて、電子 版にもほぼ同数の購読者がいる。「ハワイ報知は、ハワイの年配層と若 い世代をつなぐ役割を担っています」と同紙の広告・プロモーションマ ネージャーのグラント・ムラタさんが説明してくれた。ハワイ報知の年配 の読者の多くは同紙を読んで育ち、新規購読者は日本から移住してき たばかりの人たちが多いという。

だが多くの新聞と同じく、ハワイ報知の購読者数も減少の一途をた どっている。「読者数が減っているのは、人が亡くなっていることも影響 しています」と語るのは、21世紀においてビジネスモデルの進化が迫ら れる日刊新聞の採算性を維持するという困難な任務を託されているハ ワイ報知社の吉田太郎社長だ。「それでも今のところ、紙媒体の廃刊は 考えていません。熱心な読者の方々は、自宅に配達される紙媒体を好 まれるのです」

“We have ‘fake news’ in Japan too,” says Grant Murata, the Hawai‘i Hochi’s advertising and promotions manager. “It’s our job to dig a little.”

「日本にも "フェイクニュース "はありますよ」と、ハワイ報知の広告・宣 伝マネージャーのグラント・ムラタさんは言う。「それを少し掘り下げる のが私たちの仕事です」

When the Hawai‘i Hochi’s founder, Fred Makino, passed away in 1953, the Japanese community he reported on had become a powerful ethnic group in the islands.

創業者のフレッド牧野氏が 亡くなった1953年、彼が 取材した日本人コミュニテ ィはハワイで有力な民族グ ループになっていた。

The paper is divided into three sections: Hawai‘i news reported in Japanese, Japanese news reported in Japanese, and Japanese news reported in English. “Local news always first,” Kanaizumi says.

A recent event at the Japanese Cultural Center of Hawai‘i honored the paper’s first editor, Fred Kinzaburo Makino, who helped build a community around the local Japanese experience at the turn of the last century. Born the son of a Japanese mother and English trader in 1877 in Yokohama, Japan, he was fluent in both Japanese and English. He emigrated in 1899 and, after working in the plantations, opened Makino Drug Store in 1901. He founded the Zokyu Kisei Kai, or the Higher Wage Association, with his brother and other community members, including Yasutaro Soga, editor of the Nippu Jiji, then the largest Japanese-language newspaper in the islands. They were imprisoned in 1909 for their activities in labor organizing.

Founded to be the voice of Japanese workers in Hawai‘i, the Hawai‘i Hochi began publication in 1912,

新聞は3つのセクションに分かれている。ハワイのニュースの日本語 記事、日本のニュースの日本語記事、そして日本のニュースの英語記事 だ。「地元のニュースを常に優先しています」と金泉さんは言う。

先日、ハワイ日本文化センターでは、同紙の初代編集長であり、20世 紀初頭にハワイの日系移民のコミュニティ作りに貢献したフレッド牧野 金三郎氏の功績を称えるイベントが行われた。1877年に横浜で日本 人の母と英国人貿易商の父の間に生まれた牧野氏は、日本語と英語と もに堪能であった。1899年にハワイに移住し、プランテーションで働い た後、1901年に牧野薬局を開業した。彼は兄や当時オアフ島で最大の 邦字紙であった「日報時事」の編集長であった相賀安太郎氏らと「増給 期成会」を設立。1909年にはプランテーションで働く日本人労働者の 組合を結成したために投獄された。

1912年に創刊された「ハワイ報知」は、ハワイの日本人労働者の声 を反映する媒体として、学校での日本語教育や市民権獲得の戦い、労 働争議をはじめ、1932年のマシイ裁判のような衝撃的な事件記事を 取り上げるようになった。第二次世界大戦中、軍部が多くの日本語新聞 社を閉鎖する中、ハワイ報知は厳しい検閲を受けながらも存続し続け

The paper is divided into three sections: Hawai‘i news reported in Japanese, Japanese news reported in Japanese, and Japanese news reported in English. “Local news always first,” editor Noriyoshi Kanaizumi says.

新聞は3つのセクションに分かれている。ハワイのニュースの日本語記 事、日本のニュースの日本語記事、そして日本のニュースの英語記事だ。 「地元のニュースを常に優先しています」とハワイ報知の編集局長の金 泉典義さんは言う。

The paper’s former headquarters was designed by Pritzker Prize winner Kenzo Tange, his only completed building in the U.S.

旧本社はプリツカー賞受

賞の建築家、丹下健三氏

による設計で、彼が米国

で唯一完成させた建物 である。

covering Japanese language in schools, the fight for citizenship, labor disputes, and sensational stories like the Massie case of 1932. During World War II, when the military government shuttered many local Japanese-language newspapers, the Hawai‘i Hochi persevered despite heavy censorship. It was a pivotal era for Japanese in Hawai‘i, who organized around racial discrimination, formed labor movements on sugar plantations, fought valiantly in the war, and entered professional life. The paper reported on it all. When Makino passed away in 1953, the community he reported on had become a powerful ethnic group in the islands.

The editors open a steel file cabinet and pull out a book containing news articles published by the Hawai‘i Hochi in the summer of 1978. The average annual income of a local resident was a little over $10,000. The conversion of the yen to the dollar was 201 to 1. Gas prices were high. A primary election campaign was underway across the islands. July 5 saw the beginning of the Hawai‘i State Constitutional Convention, which enshrined in law many of the fiery issues of Indigenous advocacy, multi-ethnic democracy, and environmental protection advocated by the local Japanese community and the Hawaiian Renaissance.

Despite many Japanese Americans attaining success in the islands, however, the community still dealt with the legal discrimination of the past. Throughout the 1980s, the paper covered the oral histories of aging Japanese Americans who were interred during the war, which helped to fuel reparation efforts by the U.S. government as well as the establishment of a national monument at Honouliuli, where Japanese were imprisoned from 1943 to 1946.

Through it all, the paper is careful to maintain journalistic objectivity. “Japanese Americans and Japanese nationals often don’t see eye to eye on issues,” Kanaizumi says. Whereas Japanese American readers might interpret a Japanese official’s vague remarks—or refusal to answer a question—as obfuscation, Japanese nationals are more likely to perceive them as an attempt to avoid incendiary comments or offense. Murata attributes

た。それはハワイに住む日本人にとって極めて重要な時代であった。人

種差別撤廃や砂糖プランテーションの労働組合の運動が盛んになり、 日系二世兵士たちが戦場で勇敢な戦いぶりを見せ、日系人がより収入 の高い専門職に就くようになっていた。ハワイ報知はそのすべてを報道 した。牧野氏が亡くなる1953年頃には、彼が取材した日系人コミュニ ティはハワイの有力な民族グループになっていた。

編集者たちはスチール製のファイルキャビネットの中から1978年 の夏にハワイ報知に掲載されたニュース記事が収められた本を取り出 して見せてくれた。当時のハワイの住民の平均年収は1万ドル強。1ドル ＝201円の時代で、ガソリン代も高かった。各島では、小選挙区制が敷 かれていた。7月5日に開かれたハワイ州憲法制定議会では、先住民擁 護、多民族民主主義、環境保護といった日系人コミュニティやハワイア ンルネッサンスによる主張の多くが法律に盛り込まれた。

多くの日系人が成功を収めるようになっていった一方で、日系社会 は依然として過去の法的差別と向き合っていた。1980年代、ハワイ報 知は戦時中に抑留された高齢化が進む日系人による口述史を記事化 し、アメリカ政府による賠償金の支払いや1943年から1946年まで日 本人が抑留されていたホノウリウリ日系人収容所跡地の国定史跡指定 にも一役買った。

同紙はこれまで一貫して、ジャーナリズムの客観性を保つことを心が けてきた。「日系人と日本人の意見は一致しないことが多いんです」と金 泉さんは言う。日系アメリカ人の読者は日本の政治家の曖昧な発言や 回答の拒否を意味深長と解釈しがちだが、日本人の読者は煽るような 発言や不快感を避ける手段と受け止める人が多い。これは日本人の曖 昧さによるものだとムラタさんは言う。「記事は中立的な立場で書かな ければならないのです。それには時間がかかります」

Hawai‘i’s only Japaneselanguage weekday newspaper also serves as a printing facility for other local periodicals, including the Filipino Chronicle, China Daily, and Hawaii Fishing News.

ハワイで唯一の日本語日刊

紙の出版社は、「フィリピン・ クロニクル」、「チャイナ・デ イリー」、「ハワイ・フィッシ

ング・ニュース」などの定期

刊行物の印刷所としての役 割も担っている。

this to the Japanese tendency toward aimai, or ambiguity. “We have to be neutral in our reporting,” he says, “and that takes time.”

A single day’s news takes approximately 60 hours to edit, and there’s as much to do in the translation of a paper as there is in the original reporting. The editors stress the importance of ba no kuuki wo yomu, or “reading the air,” a custom prevalent in Japanese culture that involves being attentive to the feelings and needs of those around you. “For our readers, this paper is a lifeline to their community, both here and in Japan,” Yoshida says. “There are many Japanese tourists who come to visit and want to know more about Hawai‘i by reading the paper. But most of our readers are living here, making Hawai‘i home while staying Japanese. That sense of pride—it’s the language that keeps people together.”

1日分の記事を編集するのには約60時間かかり、翻訳作業にも取材 と同じくらいの手間がかかる。同紙の編集部は「場の空気を読む」こと の大切さを強調する。それは周囲の人の気持ちやニーズに気を配ると いう日本文化に根ざした習慣である。「ハワイ報知の読者にとってこの 新聞は日本と海外のコミュニティを結ぶ生命線なのです」と吉田社長 は語る。「ハワイについてもっと知りたいと読んでくれる日本人観光客 の方も多いのですが、ハワイ報知の読者のほとんどはハワイに住み、日 本人でありながらハワイを生活の拠点としている人たちです。日本人で あることを誇りに思わせてくれる日本語こそが人々の心を繋いでいるの だと思います」

TEXT BY EMILY CHANG

IMAGES BY JOHN HOOK & LILA LEE

文＝エミリー・チャン

写真＝写真=ジョン·フック、

ライラ·リー

STORIED PAST

物語に満ちた歴史

At House Without A Key, inspired by Earl Derr Biggers’ novel of the same name, a writer basks in nostalgia for what once was.

アール・デア・ビガーズの殺人ミステリー小説にちなんで名付けられた「ハウス ウィズアウト ア キー」のノスタルジーに浸る

The title of Earl Derr Biggers’ mystery novel was inspired by the hotel he stayed in, Gray’s-ByThe-Sea, where guests weren’t given keys because, apparently, no one locked their doors in Waikīkī.

アール・デア・ビガーズ氏の

推理小説のタイトルは、彼

が宿泊したホテル「グレイ

ズ・バイ・ザ・シー」から着想

を得たものである。

“That’s how the murder happens,” says Hi‘inani Blakesley, cultural advisor at Halekulani, as we stand in front of the hotel, facing Kawehewehe channel. It is the same channel that Kamehameha the Great sailed through in 1795 to land his troops on O‘ahu in his mission to unite the islands, Blakesley tells me. It is a clear, wide channel of sand through Waikīkī’s reef, stretching all the way to the breakpoint, where today we can see surfers waiting for waves at Pops. This is the channel that (spoiler alert) enables the murder in Earl Derr Biggers’ The House Without a Key.

In 1919, Biggers stayed at the hotel Gray’s-ByThe-Sea, which stood near where we are now, and where the idea of the novel came to him. Many

ハレクラニのカルチャーアドバイザーを務めるヒイナニ・ブレイクスリー さんはホテルの前に立ち、カヴェヘヴェヘ水路のほうを向いて「そうや って殺人は起こるんですよ」と話す。1795年、ハワイ諸島の統一を目指 したカメハメハ大王が軍隊をオアフに上陸させるために使った水路だ と彼女は教えてくれた。ワイキキの岩礁の間を通る幅広の砂の水路は、 波待ちをするサーファーたちの姿が見える “ポップス”と呼ばれるサー フブレイクまでまっすぐに伸びている。これがアール・デア・ビガーズ氏 著の小説『ハウス ウィズアウト ア キー（鍵のない家）』で殺人を可能に した水路である。

Not long after Biggers’ visit to Hawai‘i, Halekulani acquired Sheriff Arthur Brown’s home, the present-day site of House Without A Key.

ビガーズ氏のハワイ滞在後間も なく、ハレクラニは現在のハウス ウィズアウト ア キーがある場 所に建っていたアーサー・ブラ ウン保安官の家を買い取った。

people know that Halekulani’s bar and restaurant House Without A Key was named after the novel, but few realize the story’s title itself was inspired by the hotel he stayed in, previously J.A. Gilman’s home, an actual house without a key—and so the name comes full circle.

Despite loving Raymond Chandler’s detective novels of the same era, I had never read The House Without a Key until now. Part of it might have been the idea of a Chinese detective written by a white person in the ’20s—I pictured something like the ridiculous bucktoothed Mickey Rooney playing Mr. Yunioshi in the movie Breakfast at Tiffany’s. But when I picked it up recently, I was captivated. Sure, there are cringe-inducing moments, particularly in detective Charlie Chan’s stilted speech, but Chan is also often depicted as the most observant and smartest person in the room—particularly astonishing in the time of the Chinese Exclusion Act. It turns out, Biggers was inspired by a real-life Chinese police detective in Honolulu at the time,

1919年、ビガーズ氏は今私たちがいる場所の近くにあったホテル、 グレイズ・バイ・ザ・シーに滞在して小説の構想を練った。ハレクラニの バー＆レストランのハウス ウィズアウト ア キーがこの小説にちなんで 名づけられたことはよく知られているが、小説のタイトルそのものが、以 前はJ・A・ギルマン氏の家だった彼の滞在したホテルが「鍵のない家」だ ったことに由来していることを知る人は少ないだろう。

私は、同時代のレイモンド・チャンドラー氏の探偵小説は好きだった が、『ハウス ウィズアウト ア キー』は読んだことがなかった。1920年 代に白人が書いた中国人探偵という設定から、映画『ティファニーで朝 食を』でミッキー・ルーニーが演じた出っ歯のミスターユニオシのよう なキャラクターを想像していたからかもしれない。ところがこの本を初 めて手に取った私は、すっかり夢中になってしまった。探偵チャーリー・ チャンのたどたどしい話し方には多少の不快感を覚えるが、そのキャラ クターは多くの場面で最も観察力に溢れる賢い人物として描かれてい る。中国人排斥法の時代にあって、それは驚くべきことだ。ビガーズ氏 は、当時ホノルルに実在した中国系アメリカ人の刑事、チャン・アパナを モデルにしていた。身長160センチで牛刀のみを持ち歩いていた彼に

A character in The House Without a Key smokes under Halekulani’s iconic kiawe tree every night.

CULTURE

Biggers’ Charlie Chan was inspired by a reallife detective living in Honolulu at the time, Chang Apana.

ビガーズ氏の描くチャーリ ー・チャンは、当時ホノルル に実在した探偵、チャン・ア パナから着想を得ている。

Chang Apana, who stood at 5 foot 3 and carried only a bullwhip. The stories about him are legendary: the time he rounded up 40 gamblers single-handedly, the time he was thrown from a second-story window and landed on his feet, the time he had been run over by a horse and buggy.

Charlie Chan launched Biggers’ fame, spawning six books and more than four dozen movies centered on the detective, but it’s the quieter moments of the book that really draw me in, the snapshot of Hawai‘i in the 1920s. Among many depictions of the era, Biggers describes a trolley that “swept over the low swampy land between Waikiki and Honolulu, past rice fields where bent figures toiled patiently in water to their knees, past taro patches, and finally turned on to King Street … [past] a Japanese theater flaunting weird posters not far from a Ford service station, then a building he recognized as the palace of the monarchy.” To read the book is to see what Biggers saw almost a century ago in Honolulu, to realize what is gone, and recognize what remains.

は、たった一人で40人の賭博師を捕えたり、2階の窓から投げ出され て両足で着地したり、馬と馬車に轢かれたりといった伝説的なエピソ ードが尽きない。

チャーリー・チャンによってビガーズ氏は名声を高め、この探偵を題 材にした6冊の本と48本以上の映画が生まれた。だがこの本を読んで 私が一番の魅力と感じるのは、1920年代のハワイを描いた静かな情 景である。ビガーズ氏による当時の風景の描写の中に、路面電車につい ての以下のようなものがある。「ワイキキとホノルルの間の低い湿地の 上を走り、膝まで水に浸かって辛抱強く屈んで働く人たちのいる水田 やタロイモ畑を過ぎ、やがてキングストリートに入った。フォードのサー ビスステーションの近くにある怪しいポスターを掲げる日本の劇場を 過ぎると、王国の宮殿とわかる建物の前を通る」。この本を読むと、およ そ100年前にビガーズ氏がホノルルで目にしたものを想像できると同 時に、何がなくなり、何が今も残っているかを知ることができる。そこに は毎晩、登場人物が下でタバコを吸うキアヴェの木も登場する。1887 年からハウス ウィズアウト ア キーのバーとレストランの前に立ってい るこの木は、2016年に倒れてからも変わらぬ強い生命力を見せ、今も

To read The House Without a Key is to see what Biggers saw almost a century ago in Honolulu, to realize what is gone, and to recognize what remains.

「ハウス ウィズアウト ア キー」を読むと、およそ100

年前にビガーズ氏がホノル ルで目にしたものを想像で きると同時に、何がなくな り、何が今も残っているか を知ることができる。

There’s the kiawe tree under which a character smokes every night, the tree which fell in 2016, but still stands—and grows—in front of House Without A Key with the same resiliency that has enabled it to live since 1887. There is also, by the small, sandy beach fronting the hotel, Halekulani’s oldest hau tree, which even a hundred years ago was “seemingly as old as time itself,” wrote Biggers in The House Without a Key

But what is really as old as time itself: nostalgia. Even in the 1920s in Hawai‘i, Biggers’ characters long for what once was. “‘The ‘eighties,’ [Winterslip] sighed. “Hawaii was Hawaii then. Unspoiled a land of opera bouffe, with old Kalakaua sitting on his golden throne.’ … ‘It’s been ruined,’ he complained sadly. ‘Too much aping of the mainland. Too much of your damned mechanical civilization—automobiles, phonographs, radios—bah! And yet—and yet, Minerva—away down underneath there are deep dark waters flowing still.’”

成長し続けている。ホテル前の小さな砂浜にあるハレクラニ最古のハ ウの木についてもビガーズ氏は、100年前の当時すでに「時間そのも のと同じくらい古いようだ」と『ハウス ウィズアウト ア キー』の中で書 いている。

時間そのものと同じくらい古いものとは一体何か。それはノスタルジ ーである。1920年代のハワイを舞台にしたビガーズ氏の描いた登場人 物も、その昔を懐かしんでいる。「80年代、あの頃のハワイはハワイだっ た。老いたカラカウア王が黄金の玉座に座していた手つかずの喜劇オ ペラのような国。それが台無しになってしまった」とウィンタースリップ は悲嘆のため息をつく。「本土の真似をしすぎた。自動車や蓄音機やラ ジオのような忌まわしい文明の利器が多すぎなんだ。それなのに、ミネ ルバ。この地下深くにはまだ水が流れているんだ」。

ビガーズ氏がハワイを訪れてから間もなく、ハレクラニは現在のハウ ス ウィズアウト ア キーの場所にあったアーサー・ブラウン保安官の家 を買収し、ビガーズ氏が滞在したホテルのグレイズ・バイ・ザ・シーも、

The character Charlie Chan launched Biggers’ fame, spawning six books and more than four dozen movies centered on the fictional detective.

チャーリー・チャンによって ビガーズ氏は名声を高め、

この架空の探偵を題材にし た6冊の本と48本以上の 映画が生まれた。

Not long after Biggers’ visit to Hawai‘i, Halekulani acquired Sheriff Arthur Brown’s home, the present-day site of House Without A Key. The hotel where Biggers stayed, Grays-By-The-Sea, closed, and Halekulani bought that too. Waikīkī was already rapidly changing in the ’20s, and as I idle at House Without A Key at sunset—the time that Biggers likely loved best in Waikīkī, based on his descriptions—I see more people, more buildings, more “mechanical civilization” than Biggers did during his stay. And yet, just as the deep, dark waters still flow in the springs under Halekulani, it is hard not to be swept into the age-old spell of Waikīkī while facing the ocean and listening to the De Lima ‘Ohana sing Queen Lili‘uokalani’s “Aloha ‘Oe”—“the most melancholy song of good-by,” Biggers declares in The House Without a Key —and to know that someday, despite grumbling about how much life has changed, we will remember these days by the kiawe tree, right now, with fondness.

閉鎖後に買収した。1920年代のワイキキは急速に変化していた。滞在 中のビガーズ氏が最も愛したであろう夕暮れ時、私がハウス ウィズア ウト ア キーでぼんやりしていると、当時に比べてはるかに多くの人や 建物、そして機械文明が目に飛び込んでくる。それでも海の方を向いて、 デ・リマ・オハナが歌うリリウオカラニ女王の「アロハ・オエ」を聞いてい ると、ハレクラニの地下深くの泉から今も水が流れ出てくるように、いに しえのワイキキの魔力にのまれずにはいられない。それはビガーズ氏が 『ハウス ウィズアウト ア キー』の中で、これほど哀しい別れの歌はない と言っていた曲だ。いつの日か、世の中がどれほど変わってしまったこと かと憂いながら、私たちは今のように、キアヴェの木のそばで過ごした 日々を懐かしく思い出すことだろう。

TEXT BY KATHLEEN WONG

IMAGES BY JOHN HOOK, LILA LEE, & BRAD GODA

COURTESY OF THE HAWAI‘I SYMPHONY

ORCHESTRA

文＝キャスリーン・ウォン

写真＝ジョン・フック、ライラ・リ

ー、ブラッド・ゴーダ、ハワイ州

交響楽団提供

Sound therapy has origins in the East, but it has become increasingly popular in the West as a means for grounding oneself in an increasingly fast-paced world.

サウンドセラピーは東洋に起 源を持つが、目まぐるしく変 化する世の中で自分を見つ め直すための手段として西洋 でも人気が高まりつつある。

OF SOUND MIND

オブ・サウンド・マインド

For classically trained performer and jazz singer Michelle Pirret, sound is a natural way to communicate what can’t be said with words.

クラシック音楽の演奏家でありジャズシンガーでもあるミシェル・パレーさんにとって、音は言葉で伝えられないものを伝えるための自然な手段だ。 長椅子に横たわり、目を閉じていると、銅鑼の音が耳に響く。その断続 的な振動に最初は圧倒されるが、それは次第にリズミカルになってい く。ミュージシャンのミシェル・パレーさんは、ハレクラニのガーデンテ ラスで長椅子の間を軽やかに歩きながら、クリスタルのシンギングボ ウルやユーカリの葉、水の入った器といった彼女が「バンド」と呼ぶ楽 器を使って音を奏でる。パレーさんは、これから2時間にわたって、私を ソニックリープさせてくれる。

I’m lying on a chaise lounge with my eyes closed, and the sound of a gong is echoing in my ears. The intermittent vibrations are startling at first, then they become more and more rhythmic. Over the next two hours, musician Michelle Pirret walks lightly between the chaises on the Garden Terrace of Halekulani, creating sounds using an array of items that she refers to as her “band”—singing bowls made of quartz, eucalyptus leaves, a bowl of water. Pirret is taking me on a “sonic leap.”

This is the name Pirret has given to her method of sound therapy, a type of meditation designed to lead people into deep relaxation and expand their consciousness. Sound therapy has origins in the East, but it has become increasingly popular in the West as a means for grounding oneself in an increasingly fast-paced world. The different instruments wrap you in a “cocoon of sound,” Pirret says, so that you “lose your feeling of time and space.” Each session is different, as is each person’s experience.

The theory behind sound therapy is that sound waves within a certain range of hertz, like the vibrations of a gong, can coax your brain into a state of wakeful relaxation known as the alpha state. A small study from 2017 found that people who experienced Tibetan singing bowl meditation reported feeling less tension, depression, and anger. “Utilizing vibration and frequency allows sound to move through the body and move stagnant energy,” Pirret says. “You will find that you will be able to leap over what is impairing you in life.”

Pirret stumbled upon sound therapy about 20 years ago, when her mother developed early-onset Alzheimer’s at age 50. Seeking ways to cope with the

ソニックリープとは、パレーさんが自ら提唱するサウンドセラピーに つけた名前で、人を深いリラクゼーションへと導き、意識を拡張するた めに考案された瞑想法の一種だ。サウンドセラピーは東洋に起源を持 つが、目まぐるしく変化する世の中で自分を見つめ直すための手段と して西洋でも人気が高まりつつある。さまざまな楽器が作り出す「音の 繭」で包み込まれると「時間と空間の感覚を失う」とパレーさんは表現 する。セッションは毎回異なり、その体験も人それぞれだ。

サウンドセラピーの背景にある考え方は、銅鑼の振動のような、ある 一定の周波数の音波が脳をアルファ状態と呼ばれる覚醒したリラック ス状態に誘導してくれるというものだ。2017年に行われたある研究 では、チベットのシンギングボウル瞑想を体験した人たちが、緊張やう つ、怒りを感じにくくなったと報告されている。「振動と周波数を活用す ることで音が体内を移動し、停滞したエネルギーを動かすことができ るのです」とパレーさんは言う。「あなたの人生を邪魔しているものを 跳躍することができると感じるはずです」。

パレーさんがサウンドセラピーに出会ったのは20年ほど前、彼女の 母親が50歳で早期のアルツハイマー病を発症したときであった。親の 健康状態が悪化するのを目の当たりにし、その苦痛への対処法を求 めていたパレーさんは、ニューヨークでサウンドセラピーのセッション に申し込み、その体験に感動を覚えた。「それは私にとっての転機でし

After discovering sound therapy 20 years ago, musician Michelle Pirret dedicated herself to studying the practice.

音楽家のミシェル・パレー さんは、20年前にサウンド セラピーに出会ってから、

その研究に没頭するよう になった。

distress of witnessing a parent’s health decline, Pirret signed up for a sound therapy session in New York and felt moved by the experience.

“That was a turning point for me,” she says. She dedicated herself to studying the practice, traveling to study under influential practitioners in Switzerland and Poland.

Sound therapy became a way for her to communicate with her mother, who lost the ability to speak. She has since facilitated sessions all over the world, from New Mexico to New York to Hawai‘i.

By a twist of fate, Pirret has been a part-time resident of Hawai‘i since February 2020. She had flown to Hawai‘i Island for a musical collaboration with jazz artist Bobby McFerrin and was planning to leave for an artist residency in the West Indies when the pandemic hit and shut down travel. She stayed for nine months before moving to O‘ahu and now splits her time between Hawai‘i and New York. Ahead, she shares some of her go-to destinations for creative inspiration on the south shore of O‘ahu.

た」と彼女は言う。その後、スイスやポーランドのその道で有名なセラ ピストに師事し、サウンドセラピーの研究に専念するようになった。そ れは言葉を失った母親とのコミュニケーションの手段にもなり、以来、 彼女はニューメキシコ、ニューヨーク、ハワイなど、世界各地でサウンド セラピーのセッションを行っている。

パレーさんは運命的にも、2020年2月からハワイにパートタイムで 住むことになった。ジャズアーティストのボビー・マクファーリンさんと の共演のためにハワイ島へ飛び、その後、西インド諸島でのアーティ ストレジデンスのために出発する予定だったが、パンデミックが発生 したために渡航が禁止され、ハワイ島を離れることができなくなった のだった。

９ヶ月間ハワイ島に滞在した後、オアフ島に移り住んだパレーさん は、現在、ハワイとニューヨークを行き来している。ここでクリエイティ ブなインスピレーションを得るために彼女が訪れるオアフ島サウスシ ョアのおすすめスポットをいくつか紹介する。

The different instruments wrap you in a “cocoon of sound,” Pirret says, so that you “lose your feeling of time and space.”

さまざまな楽器が作り出す「音の繭」で包み込まれると「時間と空間の 感覚を失う」とパレーさんは表現する。

Pirret is enamored with Shangri La, the former estate of philanthropist and tobacco heiress Doris Duke.

パレーさんは、慈善家でタ バコ王のドリス・デュークの 旧邸宅、シャングリ・ラに魅 了されている。

Shangri La Museum of Islamic Art, Culture & Design

With its stunning Islamic artworks and equally stunning views of the ocean, Shangri La has enchanted Pirret since her first visit in 2021, when local artist Kamran Samimi was exhibiting Sanctuaries, a series of sculptures he created during his artist residency at the museum the year prior. His work alluded to elements of nature and a spiritual journey in a way that resonated with Pirret’s work in sound therapy. Since then, it’s been “my secret dream to do a concert there,” she says.

シ ャングリ・ラ・イスラム芸術文化デザイン博物館

オアフ島サウスショアでパレーさんが想像的な刺激を求めて訪れるの は、慈善家でタバコ王のドリス・デュークの旧邸宅であるシャングリ・ラ だ。2021年に初めて訪れて以来、シャングリ・ラの壮麗なイスラム芸 術作品と同じくらい美しい海の景色に、パレーさんは魅了され続けて いる。ちょうどその頃、地元アーティストのカムラン・サミミ氏が美術館 でのアーティストレジデンスで制作した一連の彫刻作品「サンクチュア リ」が展示されていた。彼の作品は、自然やスピリチュアルな旅を連想 させ、サウンドセラピーのパレーさんの仕事と共鳴するものがあったと いう。「以来、この場所でいつかコンサートをするのが私の抱いている 密かな夢です」と彼女は言う。

The only museum in the U.S. dedicated exclusively to Islamic art, Shangri

is filled with treasures from Doris Duke’s travels through North Africa and Western, Central, South, and Southeast Asia.

アメリカで唯一のイスラム美術専門の美術館であるシャングリ・ラは、 ドリス・デューク氏が北アフリカや西、中央、南、東南アジアを旅して得 た宝物で埋め尽くされている。

La

The seaside amphitheater has hosted high-profile performers such as Frank Sinatra and Jimi Hendrix.

海辺の円形劇場では、フラ ンク・シナトラやジミ・ヘン ドリックスなど、これまでに 著名なパフォーマーによる

公演が行われている。

Waikīkī Shell

Oriented around a seashell-shaped dome designed by the late American architect Lewis P. Hobart, the Waikīkī Shell at Kapi‘olani Park has been Honolulu’s premier outdoor music venue since 1956. It was on the Shell’s sprawling lawn amid views of nearby Diamond Head that Pirret saw the Honolulu Symphony Orchestra perform, and it’s where she returns for “pure, live music outdoors.”

ワイキキ・シェル

アメリカ人建築家の故ルイス・P・ホバート氏によって貝殻型の円 形劇場を囲むように設計されたカピオラニ公園のワイキキ・シェル は、1956年以来、ホノルル屈指の野外音楽堂となっている。パレーさ んがホノルル交響楽団の演奏を見たのも、ダイヤモンドヘッドを望む このワイキキ・シェルの広い芝生広場であった。ここは彼女が純粋な 屋外ライブを求めてやってくる場所だ。

More Chefs. More Flavors.

Delight in globally-inspired culinary flavors at International Market Place, home to Waikīkī’s largest collection of restaurants. With extraordinary eateries from award-winning chefs like Michael Mina and Roy Yamaguchi, the next chapter in your culinary journey is just around the corner. Find the finest poke, indulge in sizzling cuts of premium steak, enjoy line-caught seafood, savor down home barbecue, pick the perfect pizza and do it all in the heart of Waikīkī. Bring your appetite and let your culinary story unfold.

Eating HousE 1849 by Chef Roy Yamaguchi stripstEak by Chef Michael Mina HErringbonE

kona CoffEE purvEyors

Mitsuwa a JapanEsE MarkEtplaCE

Moani waikiki

liliHa bakEry

sHorEfyrE

skybox tapHousE

Kala¯kaua Avenue

Lewers Lounge was named after Halekulani’s original owner, Robert Lewers, who opened the hotel in 1907 as a beachfront home with five guest bungalows.

ルワーズ ラウンジは、ハレ クラニの初代オーナー、ロ バート・ルワーズが1907

年にビーチフロントに5つ のゲスト用バンガローを備

えたホテルとしてオープン させたことにちなんで名づ けられた。

Lewers Lounge

A cozy cocktail lounge tucked inside Halekulani, Lewers Lounge is a tribute to all things jazz. “It’s my taste of New York in Hawai‘i—I feel so at home there listening to Tommy James play. I feel like I’m at Carlyle,” Pirret says, referencing the opulent cabaret at New York City’s famed Carlyle Hotel, known for serving as a hideaway for royalty, celebrities, and politicians and for drawing legendary performers such as Bobby Short, Judy Collins, and Eartha Kitt. With its low-lighting and intimate, upscale aesthetic, the room bursts with a sophisticated energy that Pirret can’t get enough of.

ルワーズ ラウンジ

ハレクラニホテル内にある居心地のよいカクテルラウンジ「ルワーズ ラウンジ」には、ジャズにまつわるあらゆるものへの賛辞が込められて いる。「トミー・ジェームスの演奏を聴くと、ハワイにいながらニューヨ ークの雰囲気を味わえます。まるでカーライルにいるような気分です」 とパレーさんが話すのは、王族やセレブリティ、政治家の隠れ家として 知られ、ボビー・ショート、ジュディ・コリンズ、アーサー・キットといった 伝説的なパフォーマーを惹きつけたニューヨークの有名なカーライル ホテルの豪華なキャバレーのことだ。ほの暗く重厚な落ち着きと高級 感を感じさせるラウンジは、パレーさんが愛してやまない洗練された エネルギーに満ちた空間だ。

Cultivating creativity, wonder, and deeper connections to the world we share.

EXTENDED EVENING HOURS FRI & SAT 4-9PM

Halekulani, the most internationally acclaimed of all Hawai‘i hotels, blends serenity and understated elegance with exceptional service to create an oasis of tranquility.

ハワイを代表するホテル、

ハレクラニは、オアシスのような 安らぎと上質なエレガンス、

一流のサービスでお客様を お迎えしています。

LEGACY

レガシー

Halekulani’s beachfront location has welcomed people since 1883, when the original owner, Robert Lewers, built a two-story house on the site of what is now the main building.

ハレクラニの建つワイキキのビーチフロントは、1883年にロバート・ルワーズ氏が現在のメインビルディングのある場所に2階建ての家を建てて以来、多くの人々を迎えてきました。

The fishermen of the area would bring their canoes onto the beach in front of the property to rest. So welcomed were they by the Lewers family that the locals named the location “house befitting heaven,” or Halekulani.

In 1917, Juliet and Clifford Kimball purchased the hotel, expanded it, and established it as a stylish resort for vacationers, giving it the name the locals originally bestowed on it, Halekulani. The hotel was sold following the passing of the Kimballs in 1962. Almost 20 years later, it was purchased by what is now the Honolulu-based Halekulani Corporation. The hotel was closed and rebuilt as the existing 453-room property.

Today, Halekulani’s staff, location, and hospitality reflect the original Hawaiian welcome that defined the property.

ルワーズ一家が、邸宅前のビーチにカヌーを引き揚げて休憩するワイキキの漁師たちを歓迎 したことから、地元の人たちはこの場所を「天国にふさわしい館」という意味のハレクラニと呼 ぶようになりました。

1917年にジュリエット＆クリフォード・キンバル夫妻によって購入、拡張されたこのホテルは、 バカンス旅行者のための洗練されたリゾートとして生まれ変わり、地元の人たちによってつけ られた「ハレクラニ」と命名されました。1962年、キンバル夫妻の死去を機に売却されたホテ ルは、ほぼ20年後、現在ホノルルに拠点のあるハレクラニ・コーポレーションによって購入さ れ、一時閉館すると、改築工事を経て、現在の453室あるハレクラニに生まれ変わりました。

ハレクラニでは、歴史あるワイキキのビーチフロントで、現在も昔と変わらないハワイ ならではのおもてなしの心で、スタッフ一同お客様をお迎えいたします。

DINING

ダイニング

At Halekulani’s Waikīkī restaurants, award-winning chefs create signature dishes from Hawai‘i’s freshest ingredients.

ハレクラニのレストランでは、数々の受賞歴を誇るシェフによる、ハワイの新鮮な素材を使ったオリジナル料理をご用意しています。

Each of Halekulani’s restaurants celebrates its own distinct style of cuisine, and all offer stunning views of the sea.

Select from La Mer for fine dining, Orchids for more casual elegance, and House Without A Key for a relaxed ambience.

ハレクラニのレストランでは、美しいオーシャンビューとともに、それぞれに特徴のある多彩な 料理の数々をお楽しみいただけます。

ファインダイニングのラ メール、カジュアルでエレガントなオーキッズ、そしてリラックスした雰 囲気のハウス ウィズアウト ア キーでのお食事をお楽しみください。

THE ART OF WELLBEING アート・オブ・ウェルビーイング

The Art of Wellbeing is Halekulani’s new wellness concept representing an evolution of our acclaimed spa program, designed to expand intellect, incite wonder, and tap into emotions necessary for wellbeing.

「アート・オブ・ウェルビーイング」は、知性を広げ、驚きと感動を与え、健やかな心と体へと導く感情を引き出すためにハレクラニが掲げる幸せの新しいコンセプトです。

Encompassing our dedication to and deep respect for tradition, legacy, and the culture of Hawai‘i, this program is a collection of curated experiences that offer an integrated and refreshed approach to an elevated lifestyle, combining six key pillars: nourish, move, explore, renew, rest, and discover.

伝統、レガシー、ハワイ文化へのこだわりと深い敬意を込めたこのプログラムは、より上質で 彩り豊かなライフスタイルを実現するための総合的で新しいアプローチです。栄養、運動、探 検、再生、休息、発見という6つのキーワードをもとにキュレートされたウェルビーングを向上 する体験の数々を提供しています。

HALEKULANI FINE ARTS COLLECTION

ハレクラニ・ファイン・アート・コレクション

For an elevated art experience, explore a curated selection of works from local art legends and rising contemporary artists throughout the hotel.

ホテル内の随所にて、ハワイの巨匠アーティストや新進気鋭のコンテンポラリーアーティストによる選りすぐりのアート作品の数々をご鑑賞ください。