Jacqueline Rush Lee layers new meaning using old books.
古本に新たな命を吹き込むジャクリン・ラッシュ・リー
（上）「ローレム・イプサム I： フロム・ザ・サマー・リーディン グ・シリーズ」2010年製作。
加工した本、本の表紙や ページ。
（下）「ストラータ」： 変形した本、既存のインク、
塗布したインク。2016年製作。
ブラッド・ゴーダ氏撮影
In 2013, standing in her backyard at the misty base of the Ko‘olau mountain range, Jacqueline Rush Lee lowered a kiln-fired sculpture of screwed-together telephone books into the empty hollow of a tree. The mass of heat-warped pages sank into the gap of the tree stump like a perfectly fashioned puzzle piece.
A year later, Lee retrieved the whorl of deconstructed books from the tree. The sculpture, now black with mold, had stiffened into a new state of matter. Much like petrified wood, the pages Lee had so intricately fused and fashioned into coils and ribbonlike waves had become hard and sturdy. She rapped a finger against her cylindrical work, delighting in the hollow twang that sounded.
Ever the experimentalist, Lee was full of glee. Her probe to discover how insects and the elements might transform a sculpture of books was finally complete. “[That final moment] was like Christmas,” says Lee, 2013年、ジャクリン・ラッシュ・リーさんは霧に包まれたコオラウ山 脈麓の裏庭で作業していた。電話帳を組み合わせて窯で焼いたもの を切り株の洞の中に入れると、熱によって変形したページの塊がパ ズルのようにぴったりと収まった。
それから一年が経ち、リーさんは渦巻き状の本のアートを木の中か ら取り出した。カビに覆われて黒くなったその物体は全く新しい性 質を持った一つの塊になっている。複雑に組み合わさってコイルや 波打つリボンのような形をしたページは石化した木のように硬く頑 丈だ。その円筒状の作品を軽く指で叩くと響くビーンという鋭い音に 彼女は歓喜した。
かねてからの実験主義者であるリーさんはご機嫌である。昆虫や 自然の要素が本のオブジェに及ぼす変化を見る実験がついに終わ ったのだ。北アイルランド出身のリーさんはその瞬間を振り返り「そ れはもうクリスマスが来たみたいな嬉しさでした。その物体は完全に
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ジャクリン・ラッシュ・リーさんは、加工した本を素材とするアーティス トの草分け的存在だ。古い本のページから新しい意味を持つ芸術作品 を製作している。
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Jacqueline Rush Lee is a pioneer of the altered book medium, transforming old pages into sculptural works of art imbued with new meaning.
Jacqueline Rush Lee, Silenda (Black Sea Book), 2015, transformation of Ovid’s The Poems of Exile: Tristia and the Black Sea Letters, manipulated book, inks, and graphite. Image by Paul Kodama.
ジャクリン・ラッシュ・リーさん は、加工した本を素材とする アーティストの草分け的存在 だ。古い本のページから新しい 意味を持つ芸術作品を製作し ている。
who hails from Northern Ireland. “Here I had this totally transformed object. You could tap it, and it would knock at you. It almost became like the tree again, like these books were returning to their earlier form. I did some research, and apparently, this has to do with the termites encasing it and spitting on it.” In 2016, Lee replicated her experiment on the grounds of the University of Hawai‘i at Mānoa. Recording the effects that the passage of time have had on the books, she will retrieve the sculptures from the trees in September 2017.
A pioneer of the altered book medium, Lee’s art is expressive, abstract, and sometimes violent. Though her work includes books sanded into the comely shape of a flower, many of her pieces evoke more macabre subjects, such as open wounds, fossils, 変質していて叩くと響くような音がしました。まるで本が昔の形に戻 ろうとしているかのように、それはふたたび木のようになっていたん です。私が調べたところ、唾液で土を固めて巣を作るシロアリと関係 があるようです」。2016年、彼女はハワイ大学マノア校のキャンパス でこの実験を再び行うことにした。時間の経過が本に及ぼす影響を 記録するためだ。2017年9月、彼女はこの作品を木の中から回収 することになっている。
加工した本をアート素材に用いるアーティストの草分け的存在で あるリーさんの芸術は表現力豊かで抽象的であり、時として暴力的 である。中には美しい花のような形をしたものもあるが、彼女の作 品の多くは、生々しい傷口、化石、骨の残骸といった不気味なものを 連想させる。巻き寿司や赤い溶岩に似たものもある。本の芸術とい うコンセプトを奇異に感じるかもしれないが、リーさんの生み出す
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ッド・ゴーダ氏撮影
「渦巻き」(元素シリーズ)、変形した本のオブジェ。2014年製作。ブラ
Whorl (Elemental Series), 2014, transformed book sculpture. Image by Brad Goda.
Cube, 2001, soaked, dried, scraped, manipulated book components, in the Allan Chasanoff Book Under Pressure Collection, Yale. Image by Paul Kodama.
「キューブ」：水に浸してから 乾燥させ、表面をやすった本。
エールのアラン・シャサノフ・ブッ ク・アンダー・プレッシャー・コレ クションから。2001年製作。
ポール・コダマ氏の撮影
and even skeletal remains. Others bring to mind a sushi roll or red molten lava. The concept of book art might seem quaint, but Lee boasts a body of work that is fiercely aberrant and modern. Almost none of her work appears book-like.
“Right now I’m making something with The Art of War, and it’s very violent,” says Lee, who was spurred to create this work after a blog described a piece she had made, The First Cut—which employed Ovid’s Metamorphoses and resembled an anatomical slice of a woman’s ovary—as “lovely.” Lee recalls the moment, explaining, “That made me very angry because my work is far from lovely. … There’s this whole gendered response to my work that I find infuriating. I kind of want to start metaphorically smashing up the china a little bit this year in response to that.”
アートは、既成概念の枠から逸脱したモダンな作品で、どれも本に は見えない。
「『孫子』を使って製作中の作品はとても暴力的な作品です」。それ は彼女の作品への批評に対抗した作品だという。ラテン文学の名作 『変身物語』を用いた、女性の卵巣の解剖学的構造に似た前作品 「ザ・ファースト・カット」についての批評だ。この作品があるブログ で皮肉たっぷりに「素敵だ」と評されたことについて「これにはとても 腹が立ちました。私の作品は素敵とは程遠いものなのですから」と リーさんはその時のことを思い返しながら、「私の作品を性差的に 捉える人たちに憤りを感じます。それに対抗して今年はそんな既成 概念を叩きこわすような比喩的な作品を作りたいと思っています」 と意気込む。
本とその中に込められた言葉の持つ力に惹かれるという彼女は、
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Detail of Strata, 2016, transformed book, found and applied inks. Photo by Jacqueline Rush Lee.
「ディテール・オブ・ストラータ」
変形した本、既存のインク、塗布 したインク。2016年製作。
ジャクリン・ラッシュ・リーさん による撮影
Lee, who reveres books and the power in the words they contain, explains that her attraction to artmaking with volumes that range from Mao Tsetung’s Little Red Book to the Bible is rooted in the idea that the book, as a medium, offers opportunity for layered storytelling. Of course, every book contains the story conceived by its author, but embedded within its pages are also the stories of its previous owners, fascinating tales and origins that can be deciphered in the marginalia.
「古い本を素材として使うのが好きです。誰かの所有物だったこ とに魅力を感じます。これらの本には持ち主のマナ（エネルギー）が 宿っていて、それが私の作品にも表れるのです。そこには本の作者の メッセージ以外にも、ページの余白に個人的なメモやスケッチが残 されていたり、あるいはその本を手放した見知らぬ誰かの写真がペ ージの間に潜んでいたりします。そしてそれらのストーリーと歴史の 全てが注ぎ込まれたのが私の作品です」。
デザイナーがデザインを理解するために着物を解くのと同じで、リ
“I use old books because I really like that the books have belonged to someone else,” Lee says. “It’s sort of like their mana, or energy, is in the book, and it’s in my work. You have the author who writes the content of the book, and then you have this other very deeply personal content in the form of notes and 毛沢東の『毛主席語録』から聖書まで様々な本を素材に用いる。本 の芸術に魅せられる理由について「本という媒体には何層もの物語 が秘められています。全ての本には作家が書いたストーリーだけでな く、以前の所有者の物語やページの注釈のひとつひとつに素敵なス トーリーやルーツがあるのです」。
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「ペインチャーズ・シリーズ」ワイヤーフレームにアクリルと油絵具。エ リザベス・ライス・グロスマンのコレクションから。2007年製作。ポー ル・コダマ氏の撮影。
Paintures Series, 2007, acrylic and oil paint over armatures, in the collection of Elizabeth Rice Grossman. Image by Paul Kodama.
“I use old books because I really like that the books have belonged to someone else. It’s sort of like their mana, or energy, is in the book, and it’s in my work.”
「誰かの所有物だった古い本を使うのが好きです。これらの本には持ち主のマナあるいはエネルギーが宿っていて、それが私の作品に表われるのです」。
Lee’s attraction to books is rooted in the idea that the book, as a medium, offers an opportunity for layered storytelling.
アートの素材としての本に魅せ られる理由についてリーさん は、本には何層もの物語が秘め られているからだという。
sketches in the margins, or photographs hidden or saved in the pages from unknown people who maybe were given these books and discarded them. And then you have my work, which is informed by all of that content and history.”
Just as a dressmaker deconstructs a gown in order to understand its design, Lee bends, hammers, paints, burns, and submerges her books, transforming them into elemental building blocks that fit together to tell a new visual story.
“An old book is this amazing, poetic object that you can use unusual artistic processes to completely recreate,” she says. “And in doing that, you’re left with something that tells a whole different narrative.”
For more information, visit jacquelinerushlee.com.
ーさんは本を解体して曲げたり、金槌で叩いたり、ペンキを塗って燃 やしたり、液体に浸したりして、それらを新しい視覚的ストーリーを 持った芸術のもととなるブロックに変える。「古い本ほどロマンチッ クで素晴らしいものはないと思います。ユニークな芸術的プロセスを 使えば、全く違うストーリーを持つ新しい命を創造することができる のですから」と語る。
詳細は、jacquelinerushlee.comをご覧ください。
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TEXT BY KELLI MILLER
IMAGES BY
JOHN HOOK & COURTESY OF DEUXMERS
文＝ケリー・ミラー
BETWEEN TWO SEAS
２つの海の間
In an ever-evolving digital media landscape, independent book publisher Deuxmers remains relevant by staying small.
絶え間なく進化するデジタルメディアの世界で、小規模の利点を生かして時代のニーズに応える独立系出版社「Deuxmers」
Pluck each word off with your teeth like a plump sweet grape see how it feels in your mouth let it burst and flood your lips your tongue let its dark fragrant juice run down your chin stain your shirt your heart.
“how to eat a poem,” michael sanders, american crabgrass: two seas volume i
The image poet Michael Sanders paints is vivid. I can taste the fruit, feel the wetness of juice running down my chin—my pulse beats uptempo with excitement. I imagine Turkish photographer and publisher Omer Kursat felt similarly the first time he read Sanders’ “How to Eat a Poem.” It was writers like Sanders, Elsha Bohnert, and Peter Shaindlin who inspired Kursat to found his Waimānalo-based publishing company, Deuxmers Publishing, in 2011. A software developer by trade, Kursat dove into the book business idealistically, as a personal artistic endeavor and a way to preserve individual voices, including his own.
The first book he published under Deuxmers (French for “two seas”) sprung out of a photography exhibition he had at Thirtyninehotel, a den of creativity in Honolulu’s Chinatown district in the early 2000s. This show, a collection titled Over the Pali, 2:00 AM, No Pork, featured six candid photographs he had taken in Chinatown between 2006 and 2011. Next was Peggy & The Roadrunners, a collection of found images of the late Peggy Ferris, one of the first female journalists to arrive in Honolulu after World War II, followed by Young Turks, which features portraits
あなたの歯で言葉をひとつひとつ摘み取って 甘くふっくらとしたブドウのように どんな感触か口に入れてみて はじけさせて唇と舌の上にあふれる その濃い香りのジュースで顎を濡らして あなたのシャツと 心を汚して
『詩を食べる方法』 マイケル・サンダース、アメリカン・クラブグラス： 二つの海 第一巻 イメージ詩人のマイケル・サンダース氏の描写は鮮やかだ。私はそのフ ルーツを味わうことができ、甘い液体が私の喉を伝って降りるのを感じ る。期待に胸が膨らみ鼓動が早くなる。トルコ人の写真家で出版社のオ メル・クルシャットさんがサンダースの『詩を食べる方法』を初めて読ん だ時も同じような感覚を覚えたはずだ。彼がワイマナロにドゥメール・ パブリッシングという出版会社を設立したきっかけは、サンダース 氏や エルシャ・ボーナート氏、ピーター・シェインドリン氏といった作家との 出会いだった。ソフトウェア開発を本職とするクルシャットさんは、個人 的な芸術活動として自らの作品をはじめ個々の価値観を尊重するため に書籍ビジネスをスタートさせた。
ドゥメール（フランス語で２つの海の意味）が初めて出版した本 は、2000年代初めにホノルルのチャイナタウンにあったアーティスト たちの隠れ家「Thirtyninehotel」での写真展から生まれた。それは 2006年から2011年にかけて彼がチャイナタウンで撮影した「オーバ ー・ザ・パリ」、「2:00 AM」、「ノー・ポーク」といったタイトルの6枚のス
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Omer Kursat dove into the book business idealistically, as a personal artistic endeavor and a way to preserve individual voices.
オメール・クルシャットさんは個人的な芸術活動として、また個々の価 値観を尊重するために書籍ビジネスをスタートさせた。
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Young Turks features portraits Kursat took of friends in the Turkish cities of Ankara and Izmir in the mid-1970s.
『ヤング・タークス』は、1970 年代半ばにトルコの都市、 アンカラとイズミルでクルシャ ットさんが友人らの肖像を撮影 したもの
Kursat took of friends in the Turkish cities of Ankara and Izmir in the mid-1970s.
Kursat’s photography and publishing pursuits are the natural results of being the son of a journalist. Ege Ekspres (“Aegean Express” in English) was the name of Kursat’s father’s newspaper, which he started in a dangerous time. Originally from Crete, the Kursat family was forced to move to Turkey in the early 1920s as a result of the population exchange between Greece and Turkey during the Turkish War of Independence. The partitioning of the Ottoman Empire forced emigration between the two evolving nations via staggering violence. “My father was a very free-thinking, liberal person. It even landed him in jail for six months for writing a column that criticized the political party that was in power at the time,” Kursat reflects. “He is the reason I am the way I am. His influence shaped my perspective in life.”
Kursat’s father passed away in 1988, and it has been years since Kursat has returned to his hometown
ナップ写真の展示だった。続いて第２次世界大戦後、ホノルルにやって きた初の女性ジャーナリストの1人である故ペギー・フェリスさんの写 真集『ペギー・アンド・ザ・ロード・ランナーズ』や1970年代半ばにトル コの都市、アンカラとイズミルでクルシャットさんが友人らの肖像を撮 影した写真集『ヤング・タークス』が出版された。
ジャーナリストだった父を持つクルシャットさんが写真や出版に目覚 めたのはごく自然なことであった。『エーゲ・エクスプレス』は、彼の父が 激動の時代に始めた新聞の名前だ。クレタ島出身のクルシャットさん一 家は、トルコ独立戦争中のギリシャとトルコの住民交換により1920年 代初めトルコに強制移住させられた。オスマン帝国の分割は激しい暴 力を生み、二国間の移住を余儀なくした。「私の父は非常に自由な思考 を持つリベラルな人でした。当時政権を握っていた政党を批判するコラ ムを書いたために6ヶ月間拘留されたこともあります」とクルシャットさ ん。「父のおかげで今の私がいます。彼が私の人生観を形成したと言っ ても過言ではありません」と振り返る。
クルシャットさんの父は1988年に亡くなり、故郷のイズミルにはもう
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Deuxmers has published works of fiction, poetry, and photography and is set to release a second volume of found photographs taken by Peggy Ferris, one of the first female journalists to arrive in Honolulu after World War II.
これまでに小説や詩集、写真集などを出版しているドゥメールは、 第２次世界大戦後ホノルルにやってきた初の女性ジャーナリストの一 人、故ペギー・フェリスさんの写真集の第２弾をリリース予定だ。
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of Izmir, yet his father’s influence continues to fuel his interest in collaborating with authors and producing books. His relationships and chosen works have all been a result of coincidence encounters. “I really do not want to know or analyze why I do what I do—it’s sort of giving my consciousness a secondary role in awareness of the decisions that I make,” Kursat explains. “With this in mind, I have no explicit criteria in selecting what to publish, most of it is due to coincidences that come about in an organic manner in the course of social interactions. … Obviously, I have to like the content.”
Kursat’s recent releases include The Evil That Men Do , a collection of contemporary fairy tales for adults by Michael Sanders, and The Swans of Pergusa , a reinterpretation by Peter Shaindlin of Ted Hughes’ Tales From Ovid . Deuxmers’ works in progress include a second volume of Peggy Ferris photographs, and a collaboration with Shaindlin to translate a collection of poems by The Second New, an avant-garde Turkish literature collective from the 1950s. Shaindlin, who is Halekulani’s chief operating officer, has grown to be one of Deuxmers’ premier literary talents, authoring three works of poetry and fiction. “Peter’s immense knowledge of literature is amazing,” Kursat says. “He can quote from Proust, or John Clare, or Baudelaire—in French!—on a whim, so his own work becomes so important to me, knowing that it carries with it the knowledge of hundreds of years of literature, compounded by contemporary works.”
Even with the rise of e-books and blogs, Deuxmers has managed to remain relevant and in demand. For Kursat, its driving force is that wonderful human experience of browsing stacks of books at a college or city library for the perfect read. “I think poetry and books were meant to trigger thought processes,” he says, “for us to reflect on our understanding and comprehension of the world.”
For more information, visit deuxmers.com.
何年も帰っていないというが、父の影響は今も作家とのコラボレーショ ンや書籍制作の情熱へと彼を駆り立て続けている。交際関係や出版物 はすべて偶然の出会いから生まれているというクルシャットさんは、「自 分がしようとしていることを分析したり、その意味について考えることは 敢えてしません。意思決定のプロセスからなるべく意識を排除したいか らです。何を出版するか選ぶ際にも特定の基準は設けず、人々との出会 いを通して自然に起こる偶然から直感的に選ぶようにしています。もち ろん気に入るかどうかが大前提です」とクルシャットさん。 ドゥメールから最近リリースされた作品には、マイケル・サンダース氏 による大人のための現代版おとぎ話集『The Evil That Men Do』や ピーター・シェインドリン氏によるテッド・ヒューズの詩集『Tales From Ovid』の再解釈『Pergusa of Swans』などがある。ペギー・フェリス写 真集の第2巻のほか、1950年代のアヴァンギャルドなトルコ文学集 『ザ・セカンド・ニュー』をシェインドリン氏とのコラボレーションで翻訳 した詩集を現在製作中である。ハレクラニの最高執行責任者のシェイ ンドリン氏はドゥメールを代表する才能ある作家の一人で、これまでに 詩集と小説3作品を執筆している。「文学に精通しているピーターは、プ ルーストやジョン・クレア、ボードレールといった巨匠の作品から難なく 引用したりします。それもフランス語で！私が素晴らしいと思うのは、彼 の作品には何百年分もの文学知識と現代的なセンスが混じり合ってい るからなのです」とクルシャットさんは語る。
電子書籍やブログが台頭する時代にあっても、トレンドとニーズをし っかり掴んでいるドゥメール。大学や公立図書館の書籍の山から拾い 読みする。そんな人生の素晴らしい体験が彼の原動力になっていると いう。彼は「詩や本は思考プロセスに働きかけるものだと思います。私 たちが世界についての考えや理解を深めることができるように」と語っ ている。
詳しくは、deuxmers.comをご覧ください。
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“I think poetry and books were meant to trigger thought processes,” Kursat says, “for us to reflect on our understanding and comprehension of the world.”
「詩や本は思考プロセスに働きかけるものだと思います。私たちが 世界についての考えや理解を深めることができるように」と語る クルシャットさん。
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Whispered
Sotto voce
Good morning love eyes eiderdowned and skin still night-scented. Linger while I watch the coda of your shallow breath, feathered its melody as singular to me as your fingerprint.
Linger.
The world soon enough will be yours like a shopkeeper opening his store.
Proserpina
Torched isle
Mouth of lava
Scorched heavens
Skin of Sicily
Dry and shattered — Turned to dust
Typlon rising
Rains upon the warming seas
Catanians, Siracusans
Washed away; Pluto vanquished
Swans of Pergusa
— They knew only spring
from the swans of pergusa by peter shaindlin
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from american crabgrass by michael sanders
KAPA BY ROEN
HUFFORD
CULTURE
CULTURE
BY
TEXT
RAE SOJOT
IMAGES BY
JOHN HOOK & COURTESY OF ADRIENNE
LIVA SWEENEY
文＝レイ・ソジョット
Don Ho, center, and his backing group, The Aliis, comprised of Joe Mundo, Benny Chong, Manny Lagodlagod, Rudy Aquino, and Al Akana, in 1966.
Image courtesy of Adrienne Liva Sweeney.
1966年に撮影されたドン・ホ ーさん（中央）と彼のバンド「ザ・ アリイズ」。当時のメンバーは、 ジョー・ムンド氏、ベニー・チョ
ン氏、マニー・ラゴッドラゴッド 氏、ルディー・アキノ氏、アル・ア カナ氏で構成されていた。エイ ドリアン・リヴァ・スウィーニー さん提供。
A TALE OF TWO DONS
2つのドンの物語
How late musician Don Ho and contemporary musical group Don Tiki have created and perpetuated the sounds of the islands.
ハワイのサウンドを生んだ故ドン・ホーとコンテンポラリー音楽グループのドンティキ
PART I, DON HO
Among the many glittering constellations that make up Hawai‘i’s musical legacy, one star shines the brightest.
In 1965, San Francisco radio host Jim Lang played a soundtrack from a Hawaiian singer relatively unknown beyond Hawai‘i’s shores. As Don Ho’s voice crooned over the airwaves, the station’s switchboards lit up in a flurry of flashing lights. Calls flooded in. “Who was that singer?” listeners wanted to know. With this broadcast, Don Ho’s star blazed its bright trail across the Pacific, heralding the beginnings of an incredible 50-year musical career in the islands and worldwide.
第１章：ドン・ホー ハワイの音楽史に名を残すスターたちの中でもひときわ明るく輝く星 サンフランシスコのラジオ番組の司会ジム・ラングさんは、1965年の当 時、ハワイ以外ではあまり知られていないハワイのある歌手のサウンド トラックの一曲を流した。ドン・ホーの声がラジオで流れるなり、放送局 の交換台ではランプがひっきりなしに点滅し、「今の歌手は誰ですか？ 」という視聴者からの問い合わせが殺到した。この放送によってドン・ ホーさんは、一気に太平洋中に旋風を巻き起こすスターとなり、この後 50年にわたるハワイをはじめ世界中での驚異的な音楽キャリアをスタ ートさせた。
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Born in 1930, Donald Tai Loy Ho was the second of six children in a Hawaiian-Chinese-Portuguese family. Growing up on O‘ahu’s windward side, Ho was proud of his country roots. Upon graduating from Kamehameha Schools, Ho headed to Springfield College on a football scholarship, returning a year later to complete his studies at University of Hawai‘i at Mānoa and to marry his high school sweetheart, Melva May. Soon after, he enlisted in the military and served as an Air Force pilot, flying jets in Texas and California. However, Ho was an island boy at heart, and Hawai‘i ultimately called its son home.
Ho’s nascent path into the entertainment industry began at his parents’ small restaurant and bar, Honey’s. His father, who hoped to rejuvenate the business, encouraged the young Ho to form a makeshift band with friends. Magic ensued. Ho soon found himself the charismatic fulcrum of a lively, kanikapila brand of entertainment. Crowds were regaled with his stories and adored his ain’t-nobig-thing attitude. Audience members were cajoled into letting loose, singing, and dancing, often on the stage itself. Word spread of the rollicking good times had at the little country bar, and people streamed in from across the island to take part in the revelry. In 1964, Duke Kahanamoku, Hawai‘i’s Ambassador of Aloha, asked Ho to play at his namesake supper club. Kahanamoku and Ho had fostered a warm friendship since their beach-boy days, and Ho considered the invitation a great honor. Packing up their Kāne‘ohe show, Ho and his band headed for the big lights: O‘ahu’s nightclub hotspot, Waikīkī.
ホーさんのエンターテインメントの才能は、彼の両親が経営する小 さなレストランバー「ハニーズ(Honey's)」で開花した。彼の父親が商売 を活気づけようと、若いホーさんに友人と即席でバンドを組むよう勧め たのがきっかけだった。ここでふたたびマジックが起きる。ホーさんはあ っという間に“カニカピラ”と呼ばれるライブ感に満ちた即興スタイルの エンターテインメントのカリスマ的存在となった。人々は彼独特の語り を面白がり、その悠然とした態度に惹かれた。観客たちもステージに呼 ばれ、羽目を外して一緒に歌ったり、踊ったりした。その大盛況ぶりが評 判となり、ホーさんのショーを一目観ようと、この小さな田舎のバーに はハワイ中から多くの人たちが押しかけた。1964年、ハワイのアロハ親 善大使のデューク・カハナモクさんから、彼の名を冠したナイトクラブ への出演を依頼されたホーさんは、ビーチボーイ時代からの旧友であ ったカハナモクさんからの誘いを光栄に思い、受け入れた。カネオヘで のショーで成功を収めたホーさんと彼のバンドを待っていたのは、流行 りのナイトクラブの集まるワイキキの大舞台だった。
あらゆるポリネシア文化を体験しようとワイキキを訪れる旅行者が急 増した1960年代初頭。航空輸送が拡大し、ハワイが米国の一州となっ たニュースが流れると、オアフは瞬く間に夢のデスティネーションとなっ た。昼間のワイキキはポストカードのままの揺れるヤシと白い砂浜の景 色が広がり、夜になるとライブ音楽で賑わう数多くのラウンジで輝いて いた。ホーさんの「ハパハオレ」音楽は、ワイキキの観客を大いに楽しませ た。ハワイ語と英語の歌詞を交互に交え、ウクレレやスチールギターなど のハワイの楽器を使った多様なカルチャーと活気に満ちたトロピカルサ ウンドとして一躍ヒットした。彼の音楽を通して誰もがハワイを身近に感 じることができた。「ハワイアンであることは彼の誇りでした。ショーにハ ワイアナを取り入れ、観客と一緒にハワイ語の歌を歌い、発音まで教えて いました」と語るのは、ドン・ホー・トラスト理事であり1968年から1975 年までホーさんの秘書を務めたエイドリアン・スウィーニーさん。 ホーさんの成功の秘訣は、何よりも彼持ち前の人懐っこさであった。
It was the early 1960s, and Waikīkī was welcoming a robust influx of tourists eager to experience all things Polynesia. Burgeoning air travel and widespread coverage of Hawai‘i’s recent statehood secured O‘ahu’s status as a dream destination. By day, Waikīkī offered postcard-perfect swaying palms and white sand beaches. By night, it glittered with a bevy of lounges brimming with musical acts. Ho’s “hapa haole” music struck a golden chord with Waikīkī crowds—its blend of Hawaiian and English verse, accompanied by Hawaiian instrumentation like ‘ukulele and steel guitar, served as a tropical soundtrack for the island’s vibrant and diverse culture. Ho made Hawai‘i accessible to everyone. “Don was proud to be Hawaiian,” says Adrienne Liva Sweeney, Ho’s personal secretary from 1968 to 1975 and a trustee of the Don Ho Trust. “He incorporated Hawaiiana into his shows and 1930年、ハワイアン、中国、ポルトガル系一家の6人兄弟の2番目に 生まれ、オアフのウィンドワードで育ったドナルド・タイ・ロイ・ホーさん は、田舎育ちのルーツを誇りに思っていた。カメハメハ・スクールズを 卒業した彼は、フットボール奨学金でスプリングフィールド・カレッジに 入学。その後、ハワイ大学マノア校を卒業し、高校時代からの恋人、メ ルバ・メイさんと結婚するため1年後にハワイに戻った。まもなく彼は軍 隊に入隊し、テキサスとカリフォルニアでジェット機の空軍パイロットと なった。元来のアイランドボーイであった彼は、やがて愛しい故郷のハ ワイへ戻った。
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would have people singing Hawaiian songs, teaching the words phonetically.”
But it was Ho’s penchant for people that was his lodestar. With his insouciant charm and ease of rapport, Ho calibrated his shows with the same loose approach he had cultivated at Honey’s. Rather than a formal set of musical numbers, the show flowed unscripted—attendees would scribble song requests and messages, sending them to the stage via cocktail napkins. A master at connecting with the audience, Ho knew how to tease, humor, and inspire his guests. From his seat behind his Hammond chord organ, with a Chivas Regal scotch in hand, he’d serenade grandmothers, recognize military servicemen, and, a perennial favorite of the crowd, slyly promise honeymooners to end the show on time so they could return to their hotel rooms.
Just as he did at Honey’s, Ho called upon audience members to join him onstage in song and dance, and his gift for comic enterprise could work the crowd into fits of laughter. Big wave surf pioneer Peter Cole fondly recalls his first brush with the inimitable entertainer. At the inaugural Duke Kahanamoku International Surfing Championship held at Sunset Beach, Kahanamoku invited Cole and his pals to join him in Waikīkī later that evening for Ho’s show. There, Ho beckoned the tall, lanky surfer to the front with a wily grin. “Can you imagine?” Cole says, chuckling at the memory. “He had us up there, a bunch of North Shore surfers, trying to do the hula on stage.” At Ho’s shows, such larks were expected: You didn’t just watch the show, you became part of it.
The Don Ho Show was a wildly popular Waikīkī feature, its success marked by a consistently packed 300-seat house, three shows a night, seven nights a week. “No two shows were ever the same,” says Shep Gordon, a talent manager for many of the last century’s well-known musicians, who estimates that he and his friends went to the show dozens of times. “Don was the consummate performer.” Over the next five decades, the show flourished, and Ho cemented his position as Waikīkī’s top entertainer.
The musician went on to achieve international acclaim (his 1967 hit song “Tiny Bubbles” became an eponymous anthem) through guest appearances on television, his own on-air variety show, records, and engagements at large mainland venues. After each performance, he greeted his fans, signed autographs, and listened to their stories. “Don’s mission every
気さくで飾らない性格のホーさんは、ハニーズ時代と変わらず、その場 のノリにまかせたフリースタイルなショーを続けた。決まった曲の演奏 はせず、台本なしで進行する彼のショーでは、観客が歌のリクエストや メッセージをカクテルナプキンに書いてステージに届けた。観客の心の 掴み方を心得ているホーさんは、冗談を言ったり、ユーモラスな話をし て彼らを楽しませた。シーヴァス・リーガルのスコッチを片手に、ハモン ドオルガンの前に座って年配者たちに優しく歌いかけ、軍隊の兵士たち を讃え、観客のお気に入りの一曲を演奏するホーさん。時には新婚旅 行中のカップルをからかってホテルの部屋へ早く戻れるよう時間通りに ショーを終える約束をしてショーを盛り上げた。
ハニーズでのライブと同じように、ホーさんはステージで一緒に歌っ て踊るよう観客に呼びかけ、ユーモアあふれるジョーク交じりのパフォ ーマンスで客席を笑いの渦に包み込んだ。この唯一無二のエンターテ イナーとの最初の出会いについてビッグウェーブサーフィンのパイオニ アのピーター・コールさんはこう語る。サンセットビーチで開かれた初の デューク・カハナモク・インターナショナル・サーフィン選手権で、コール さんと彼の仲間はカハナモクさんから、その夜ホーさんが出演するワイ キキのショーに誘われたという。ヒョロっとした背の高いサーファーに 向かって、したたかな笑みでステージに手招きするホーさん。コールさ んは思い出し笑いをしながら「想像できるかい？ノースショアのサーフ ァーの僕らにステージでフラを踊らせたんだ」と話す。見るだけのショー でなく、観客がショーの一部になってしまうそんなショーだった。 「ザ・ドン・ホー・ショー」はワイキキで最も人気のあるショーとな り、300席のショールームは常に満席で、一晩に3回、週7日でショーを するほどの盛況ぶりだった。２0世紀の多くの著名ミュージシャンのマ ネージャーだったシェップ・ゴードンさんは「一つとして同じショーはな かった。ドンは究極のパフォーマーだったよ」という。彼は友人と連れ立 ってこのショーを何十回も見に行ったという。その後50年にわたって、 ザ・ドン・ホー・ショーは成功を収め、ホーさんはワイキキのトップエンタ ーテイナーの座を確固たるものにした。
ホーさんは、テレビのゲスト出演やラジオのバラエティ番組ホスト、 レコード発売や米国本土でのショーなどを通じて世界的に有名になっ た。1967年のヒットソング『タイニー・バブルス』は彼の代表作である。 ショーの後は決まってファンに挨拶し、サインをしながら彼らの話に耳 を傾けた。「ドンは毎晩、ショーを通して人々を幸せで楽しい気分にさ せ、心に残る思い出を作るために一生懸命でした」と語るのはこのショ ーの長年のプロデューサーでソロダンサーのハウメア・ホーさん。ホー さんは2006年に彼女と結婚している（前妻のメルバ・メイさんは1999
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ドン・ホーさんの名を冠したショーは、フランク・シナトラさんの長女ナ ンシーさんをはじめ、ハワイを訪れる旅行者にとって見逃すことのでき ない大人気のショーであった。1972年の写真。エイドリアン・リヴァ・ス ウィーニーさん提供。
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Don Ho’s wildly popular namesake show was a must-see for any visitor to the islands, including Frank Sinatra’s eldest daughter, Nancy, shown here in 1972. Image courtesy of Adrienne Liva Sweeney.
“No two shows were ever the same,” says Shep Gordon, a talent manager for many of the last century’s well-known musicians. “Don was the consummate performer.”
２0世紀の多くの著名ミュージ シャンのマネージャーだったシ ェップ・ゴードンさんは「一つとし て同じショーはなかった。
ドンは究極のパフォーマーだっ たよ」という。
night was to make people happy, feel good, and to create memories they’d never forget,” says Haumea Ho, the show’s longtime executive producer and dance soloist, whom Ho married in 2006 (Melva May passed away in 1999). “Everyone would leave the show feeling like he was their best friend. … Don was their Hawai‘i brother.” Ho remained a dedicated performer, continuing his trademark show at various Waikīkī venues up until two days before his death in 2007.
In the decade since his passing, Ho’s legacy continues to shine bright, stretching beyond music and into the realm of something deeper and more pure: a celebration of human connection. “Everyone who met him has a ‘Don Ho’ story,” says Sweeney of Ho’s love for people. This year, the Don Ho Trust gifted nearly 75 boxes of photos, recordings, and film footage to the University of Hawai‘i West O‘ahu to be preserved and digitized. Future generations will now have access to a man who reached millions through his extraordinary generosity of spirit.
For those who dreamed of Hawai‘i, or visited the islands and attended his show, Ho made paradise personal. “When you think of Hawai‘i, you think of Diamond Head, you think of Pearl Harbor,” Haumea says, then pauses. “And you think of Don Ho.”
PART II, DON TIKI
This exotica music group is like the sound it creates— strange and sensuous, with a zany sense of self-awareness.
Lloyd Kandell’s baptism in exotica’s eternal font took place when he was 10 years old. It was the early ’60s, and tiki fever was sweeping the United States, enticing middle-class Americans to let their hair down and “go native.” Embracing the craze, Kandell’s parents paid homage the way most of its disciples did: by throwing backyard tiki parties. The faux tropical fetes made for an intoxicating mise en scene. Men eschewed starched shirts for their best Waltah Clarke alohawear, and women slipped into colorful mini mu‘umu‘u. Donning fake flower lei, guests passed trays of rumaki—suburbia’s attempt at Polynesian fare—and sipped tropical libations adorned with paper umbrellas. All the while, a background of the jungle jazzy sounds of musician Martin Denny wafted through the air.
Nearly five decades later, the tiki torch still burns bright. Today, Kandell and Kit Ebersbach are the creative forces behind Don Tiki, a neo-exotica
年に他界）。「ショーが終わって帰る頃には、誰もが彼と親友になったよ うな気分がしたものよ。ドンは彼らのハワイの兄弟だったの」。生涯を 通して真のパフォーマーであり続けたホーさんは、2007年に亡くなる 2日前までワイキキの様々な会場で彼のトレードマークとなっているシ ョーを続けた。
ホーさんが亡くなって10年たった今も彼のレガシーは一層その輝 きを増し、その影響は音楽の枠を越えてより深く純粋な人と人の繋が りに及んでいる。人懐っこいホーさんの性格について「彼に会ったこと のある人は、誰もがそれぞれの『ドン・ホー・ストーリー』を持っている の」とスウィーニーさん。今年、ドン・ホー・トラストはデジタル化して保 存するため、75箱におよぶ写真と録音、フィルム映像をハワイ大学西 オアフ校に寄付した。それは将来の世代に、大きな心で何百万人もの 人々を魅了したドン・ホーという人物について知る機会を与えてくれる ことだろう。
ハワイを夢見る人や島を訪れて彼のショーを見た人たちにとって、 「パラダイス」を身近なものにしたホーさん。「ハワイについて思い浮か べるとき、ダイアモンドヘッドやパールハーバーと並んでドン・ホーの名 前が頭に浮かぶの」とハウメアさんは語る。
第２章、ドンティキ
一風変わった感覚的で独特のユーモアに満ちたエキゾチカ音楽の グループ
ロイド・カンデルさんがエキゾチカという音楽ジャンルの洗礼を受けた のは10歳の時だった。60年代初頭、アメリカでティキが一世を風靡し ていた時代だ。中流階級のアメリカ人たちはこぞって髪を下ろし、誰も が“ネイティブ”になることに憧れていた時代だ。カンデルさんの両親も また、当時流行していたティキパーティーを裏庭で開いた。それは偽物 のトロピカルムードに酔いしれるような演出のパーティだった。男性は 糊付けされたシャツを脱ぎ捨て、一張羅のウォルター・クラークのアロ ハウェアに着替え、女性はカラフルなミニのムームーに身を包んだ。ゲ ストたちは、造花のレイを身につけ、精一杯ポリネシア料理に見立てた アペタイザーの“ルマーキ”を食べ、紙製の傘が飾られたトロピカルカク テルを飲んだ。その間もずっと背景には巨匠ミュージシャンのマーティ ン・デニーさんの野性的なジャズサウンドが流れていた。
あれから50年ほどたった今も、ティキの灯はまだ明るく燃えている。 今日、カンデルさんとキット・エバースバッハさんは、ハワイの神秘的な 音楽を21世紀のサウンドとして再現するネオ・エキゾチカ音楽のグルー
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Lloyd Kandell and Kit Ebersbach, who moonlight as “Fluid Floyd” and “Perry Coma” respectively, are the creative forces behind Don Tiki, a neo-exotica music group summoning the mysterious sounds of the islands into the 21st century.
「フルイド・フロイド」と「ペリー・コマ」というアーティスト名で活動するロイド・カンデルさん とキット・エバースバッハさんは、ハワイの神秘的な音楽を21世紀のサウンドとして再現する ネオ・エキゾチカ音楽グループ「ドンティキ 」のクリエーターである。
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music group summoning the mysterious sounds of the islands into the 21st century. With Kandell and Ebersbach at its core, Don Tiki consists of a wide assemblage of talents, such as bassist and vocalist Hae Jung, vocalists and dancers Sherry Shaoling and Violetta Beretta, and percussionist Lopaka Colon. (Lopaka is the son of Augie Colon, the percussionist and birdcall extraordinaire who played with Denny.) The group’s signature live shows are found on stages both low and highbrow, with venues ranging from La Mariana and the Honolulu Symphony to Las Vegas showrooms, a Berlin music festival, and Walt Disney Concert Hall. With five albums produced, and a foray into the Japan market currently in the works, Don Tiki’s zany, subculture allure attracts an everchanging roster of guest musicians, vocalists, and dancers eager to join the Don Tiki tribe. “A cast of thousands,” Kandell quips.
America’s fascination with Polynesia first emerged after World War II, as servicemen returned from their South Seas outposts with heady tales of paradise found. It was the perfect antidote for a warweary nation, and Americans became besotted with escapist visions of a tropical Garden of Eden. Savvy proprietors like Don the Beachcomber and Trader Vic capitalized on this intrigue, debuting restaurants and lounges replete with carved tikis, shell lamps, and signature drinks. Soon, faux island motifs surfaced in everything from architecture and art to food and fashion. Exotica music became the consummate soundtrack and a barefoot ethos supplanted bobby sox, as Americans gleefully granted themselves permission to tap into their primal sides.
Though the tiki craze reached its zenith 50 years ago, it never quite disappeared. Its over-thetop aesthetic avoids extinction thanks to pockets of die-hard tikiphiles worldwide, while exotica music’s amaranthine appeal sates curious music heads seeking fringe genres. Kandell, influenced by the trifecta of exotica greats—Martin Denny, Les Baxter, and Arthur Lyman—met the big kahuna himself, Denny, at a Steinway piano performance. The serendipitous encounter convinced Kandell, then 44, that a career in music, albeit begun late, could be a career nonetheless. After all, Denny had been in his 40s when “Quiet Village” became a hit in 1959. Meanwhile, Ebersbach was looking for something new to round out his musicianship, having already recorded, composed, and played music all
プ「ドンティキ (Don Tiki)」のクリエーターである。ドンティキはこの二 人を核に、ベースでボーカルのヘジュンさんやボーカル兼ダンサーのシ ェリー・シャオリンさんとバイオレッタ・ベレッタさん、パーカッションの ロパカ・コロンさんといった幅広い才能を持つアーティストで構成され ている。（ロパカさんは、著名パーカッショニストのオーギー・コロンさん の息子でデニーさんと共演したこともあるパーカッショニスト。鳥のさ えずりをまねる“バードコール”の非凡な才能を持つ。）このグループが 行うライブショーは、ラ・マリアナやホノルルシンフォニー、ラスベガスの ショールームやベルリン音楽祭、ウォルト・ディズニー・コンサートホー ルなど、その会場も様々だ。これまでに5枚のアルバムが制作され、今後 は日本市場へも進出を予定している。ドンティキ特有のユーモアのある サブカルチャーに惹かれ、メンバ一になりたいと願うゲストミュージシ ャンやボーカリストやダンサーは後を絶たない。「出演キャストは数千 人だよ」とカンデルさんはおどけてみせる。
アメリカ本土でのポリネシアブームの火付け役となったのは、第二 次世界大戦後に南太平洋の駐屯地から帰還した兵士たちだった。彼ら が広めた魅惑の楽園物語は、戦争に疲弊していた国にとってこれ以上 ない特効薬であり、アメリカ人は熱帯のエデンの園といったイメージの 理想郷への逃避を夢見るようになった。賢明な経営者のドン・ザ・ビー チコマー氏やトレーダー・ヴィック氏はこれをビジネスに活かし、ティキ の彫刻や貝殻のランプが飾られ、トロピカルなドリンクを提供するレス トランやラウンジをオープンさせた。まもなくして建築や芸術、料理から ファッションに至るまで、あらゆるものに見せかけのハワイアンモチー フが取り入れられるようになった。自らの新たな野生的な一面を楽し むようになったアメリカ人たちにとって、エキゾチカ音楽はこの上ない サウンドトラックとなり、ボビーソックスに取って代わって裸足がトレン ドとなった。
50年前に流行のピークに達したティキは、その後も完全に姿を消す ことはなく、その特徴的なスタイルと世界中にいる一部のハードコア なティキファンのおかげで絶滅を免れている。その間、衰えを知らない エキゾチカ音楽は、ニッチな音楽ジャンルを求める好奇心旺盛な音楽 愛好家の欲求を満たした。マーティン・デニーさん、レス・バクスターさ ん、アーサー・ライマンさんという３名の偉大なエキゾチカ奏者に影響 を受けたカンデルさんは、スタインウェイのピアノ演奏会で巨匠のデニ ーさんに出会った。この偶然の出会いにより、当時44歳だったカンデル さんは遅いスタートながらも音楽のキャリアを追求することにしたとい う。1959年に「静かな村(Quiet Village)」がヒットした頃のデニーさん もまた40年代だったのだ。同じ頃、すでにレコーディングや作曲も手が
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his life. His professionally trained ear appreciated exotica’s sumptuous composition—tribal percussion punctuating the resplendent tones of a vibraphone, sultry vocals backed by birdcalls. A particular favorite of Ebersbach was the sweet chrome undulations of the kyi waing, a Burmese gong circle he arranged to have smuggled to Hawai‘i (allegedly, of course). With Denny’s blessing and mentorship, Don Tiki became a 21st century offering to the exotica gods of yore.
Kandell and Ebersbach conceived the group as a studio project, planning to merely produce good music and then dispense it. They weren’t even certain who would listen. “We never wanted to be a retro or tribute band, we were just genuinely inspired by the music,” Kandell says. “We were two older guys, not interested in doing a tour or live show thing.” But exotica music, like an exotic animal, is best let loose. After the success of their first album, The Forbidden Sounds of Don Tiki , released in 1997, Don Tiki went live.
Pooling their day-job talents (Kandell runs an advertising agency and Ebersbach heads a music studio), the pair enlisted a 12-member corps of musicians and vocalists for the band’s first gig in, of all places, Ohio. “We had no idea what to expect,” says Kandell. As it turned out, the venue, the Kahiki, was a massive, canoe-shaped restaurant, a Polynesian palace of kitsch, and a veritable tiki mecca. Staged in front of a gigantic stone tiki with glowing red eyes and a roaring fireplace mouth, the music set commenced with a pre-taped welcome from Denny. Seated at the helm of his grand piano, Denny played the first notes of “Quiet Village” before Don Tiki joined in live. “It was legendary,” says Kandell, marveling at the memory.
Buoyed by this debut, Kandell and Ebersbach (who moonlight as “Fluid Floyd” and “Perry Coma” respectively) maintained Don Tiki’s upward trajectory with small local gigs and a second album. Ebersbach recalls the first inkling of the band’s burgeoning impact in 2001. While writing a track for Magic of Polynesia, a popular Waikīkī stage show, Ebersbach was approached by renowned choreographer Tunui Tully. Tully was intrigued by this new music he had come across. “Do you know Don Tiki?” he asked Ebersbach, who laughed before replying, “You’re looking at him.” Tully became an integral part of the Don Tiki team, increasing the live show’s wow factor with dazzling displays of costumes and choreography.
け、常に音楽に携わっていたエバースバッハさんは、楽才を磨くための 新しいインスピレーションを探していた。プロの音楽家である彼は、ビブ ラフォンの奏でる華麗なトーン、リズミカルな種族のパーカッション、鳥 の鳴き声が引き立てる官能的なヴォーカルといったエキゾチカの壮麗 な構成の音楽に魅了された。エバースバッハさんが特に気に入ったの は、彼がハワイに隠し持ち込んだ（とされる）ミャンマー伝統の真鍮のゴ ング、「チーワイン」の美しい響きだ。デニーさんの指導と導きにより、ド ンティキはエキゾチカの21世紀サウンドとなった。
カンデルさんとエバースバッハさんは、このバンドをスタジオプロジェ クトと捉え、単に良い音楽を作って販売するつもりだった。彼らの音楽 を誰が聞くのかすら分からなかった。ケンデルさんは「レトロやトリビュ ートバンドになりたいとは思ってなかった。心から音楽にインスパイア されただけのことさ。僕たちは2人とも年をとっていたし、ツアーやライ ブショーには興味がなかったんだ」という。エキゾチカ音楽はエキゾチ ックな動物のように自由であることが最も大切だ。1997年にリリース された1stアルバム『The Forbidden Sounds of Don Tiki』がヒット すると、ドンティキはライブショーを始めることにした。
広告代理店を経営するカンデルさんと音楽スタジオ代表のエバース バッハさんは、昼間の仕事を活かし、オハイオでの初ギグのために12名 のミュージシャンとボーカルを募集した。「どんなショーになるのか想像 もつかなかったよ」とケンデルさん。会場となった「カヒキ」は巨大なカヌ ー型のレストランで、ゴテゴテしたポリネシア宮殿のようなまぎれもな いティキのメッカだった。赤い目が光る巨大な石製のティキと大きく開 かれた暖炉の口の前のステージで、デニーさんからの歓迎の挨拶の録 音とともに演奏は始まった。グランドピアノの前に座ったデニーさんが「 静かな村」の最初の音符を演奏すると、そこにドンティキがライブで加 わる。その時の感動を思い出して「それは伝説に残るほど素晴らしいシ ョーだったよ」とカンデルさん。
このデビューで勢いに乗ったカンデルさんとエバースバッハさんは（そ れぞれアーティスト名は「フルイド・フロイド」と「ペリー・コマ」）、地元での 小さなギグと2枚目のアルバムを通して、ドンティキの人気を持続させた。 エバースバッハさんは、2001年にバンドがヒットし始めた頃のことを覚 えている。エバースバッハさんが人気のあるワイキキのステージショー『 マジック・オブ・ポリネシア』の曲を書いていると、著名な振付師のトゥヌ イ・タリーさんが彼に尋ねた。「最近耳にして関心を持った新しい音楽が あるんだ。ドンティキってバンドを知っているかい？」と聞く彼に、「君の目 の前にいるよ」と答えるエバースバッハさん。以来、タリーさんはドンティ キに欠かせない存在となり、彼の華やかな衣装や振り付けは、このショー
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Exotica music became the consummate soundtrack of Hawai‘i, as Americans gleefully granted themselves permission to tap into their primal sides.
自らの野生的な一面を楽しむようになったアメリカ人たちにとって、エキゾチカ音楽はこの上ないハワイのサウンドトラックとなった。
“It was unlike any Polynesian show,” says Alaana Seno, a professional dancer and veteran Don Tiki performer. “It was euphoric.”
With an ever-increasing following of showgoersturned-converts, Don Tiki’s fanbase carries the tiki torch high into 2017. Cheeky self-awareness also helps the group skirt any cultural appropriation controversy. Kandell notes the very different tiki paradigms at play: one, the authentic tiki, or ki‘i, the reverent god forms of Polynesian culture; and the other, Don Tiki’s tiki, the highly stylized mascots of exotica’s glib pop culture. Recognizing the “art” in artificial, Don Tiki then gleefully elevates it.
This is not to say that Don Tiki isn’t blithe about critical perceptions. Moments before its debut at Hawaiian Hut 15 years ago, Kandell, Don Tiki’s congenial host, peeked out at the audience from behind the curtain, and panicked upon seeing esteemed cultural practitioner Manu Boyd among the crowd. Would Boyd condemn the show as yet another lewd perpetuation of Hawaiian stereotypes—the hula maidens, grass huts, and tribal beats? When asked about that night, Boyd laughs. Obviously, the show was not an authentic portrayal of Polynesian culture, he explains. It was pure romanticism, fantastical stuff. “Don Tiki is what it is,” Boyd says. “Just a lot of fun.”
Fun indeed. More camp than kitsch, Don Tiki’s tongue-in-cheek manner is apparent even in its own name. When asked its origin, Kandell chuckles. Don Tiki is a play on Kon-Tiki, the 1947 Norwegian ocean raft expedition that attempted to prove that South Americans populated Polynesia. Explorer Thor Heyerdahl’s theory was decried by Polynesian scholars who pointed to Polynesian cultures’ highly sophisticated, star-based navigation system. “So we decided to set the story straight,” Kandell says, deadpan. “It wasn’t the Kon-Tiki. It was Don Tiki, as in Don Ho, navigating via mai tais.”
It’s not too hard to imagine the great Don Ho, fellow Hawai‘i entertainer, raising a toast to such a tale, with one minor correction: He would have navigated with a Chivas Regal, not a mai tai. Suck ’em up, suck ’em up!
に観客をあっと言わせる多くの要素を加えた。「それはどんなポリネシア のショーとも違う、観客をうっとりさせるショーだったわ」とプロダンサー でドンティキのベテランパフォーマーのアラアナ・セノさんは言う。 彼らのショーを見てファンとなる人たちは着実に増え続け、人気絶頂 のドンティキの勢いは2017年に入ってもとどまるところを知らない。自 らの特異な性質を自覚しているこのグループは、文化的に正しい描写 であるかといった論争に巻き込まれることもない。カンデルさんはショ ーに登場するまったく異なる２つのティキについて説明する。一つはポ リネシア文化の精神的な神「キイ」を模した本物のティキ。もう1つは、 エキゾチカの軽薄なポップカルチャーの高度に様式化されたマスコッ ト、ドンティキのティキだ。ドンティキは作り物の世界を独特にアレンジ して、アートとして楽しませてくれる。
ドンティキは批判的な評価に対して無関心というわけでもない。15 年前、ハワイアン・ハットでショーをデビューさせた際、袖幕から客席を 覗き込んだドンティキのホストのカンデルさんは、ハワイ文化の伝道者 として尊敬されているマヌ・ボイド氏の姿を見つけてパニックした。ボイ ド氏はフラを踊る女性たちや茅葺の小屋、部族ビートのこのショーを、 ハワイのステレオタイプで品のないパフォーマンスだと非難するだろう か？ショーについて尋ねられたボイドさんは笑いながら「このショーが 本物のポリネシア文化の描写でないことは言うまでもない。純粋なロマ ン主義で幻想的な作品さ。それはドンティキでしかない。とにかく楽し いショーだったよ」と語った。
それは実に楽しいショーである。ドンティキの遊び心あふれるスタイ ルは、その名前にも象徴される。ドンティキという名前の由来を尋ねら れたカンデルさんは笑いながら、1947年に太平洋を航海したノルウェ ーの筏「コンティキ号」をもじってつけた名前だという。ポリネシア人の 先祖が南米から海を渡って渡来したという説を証明しようとしたこのノ ルウェーの探検家トール・ヘイエルダールの理論は、ポリネシア文化の 星を利用した高度な航海術を例に挙げるポリネシアの学者たちに非難 された。カンデルさんは真面目な顔で「僕らはこの謎を明かすことにし たんだ。コンティキではなく、ドンティキのマイタイを頼りにした航海さ。 ドン・ホーのようにね」と言う。
もしハワイのエンターテイナーの巨匠ドン・ホーさんがこの話を聞い ていたら、彼らに乾杯していたことだろう。おそらくそれはマイタイでは なく、シーヴァス・リーガルであったはずだ。乾杯！
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TEXT BY MATTHEW DEKNEEF
IMAGES BY ROGER & LEIMOMI BONG
文＝マット・デニーフ
SOUL SEARCHING
自分探し
Since
2010, Roger Bong has been sharing the soulful side of Hawai‘i’s musical landscape with his label, Aloha Got Soul, which features rare and relatively obscure tunes from the 1970s and ’80s.
2010年以来、ソウルに満ちたハワイの音楽シーンを紹介するロジャー・ボンと 70年代と80年代のレアな曲を フィーチャーしたレーベル「Aloha Got Soul」
“My intention is to record my art so that when I pass on, my children and my grandchildren will know, ‘She was a musician, she had a message,’” says Hilo musician Alice Wise, a kanikapila artist with only one recorded song to her name and who is featured in the Aloha Got Soul documentary.
ヒロのカニカピラ・ミュージシャ ンのアリス・ワイズさんは、「私 の音楽を録音することで、自分 がいなくなった後も子供や孫た
ちに『ミュージシャンとしてメッ セージを伝えていた』ことを知っ てもらえる」という。
彼女の名前で録音された唯 一の曲は、アロハ・ガット・ソウ ルのドキュメンタリーにも登 場する。
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“The Lord keeps you ticking, he gives you a lot of material and energy. He gives you purpose and meaning, and the songs just come,” says Kirk Thompson, the founding keyboardist of Kalapana and creator of legendary band Lemuria.
「神様は我々に限られた時間と多くの物とエネルギーを与え、生きる 意味や目的を授けてくれる。そして歌は自然に湧いてくるものだ」と 「カラパナ」の結成メンバーのキーボード奏者で、のちに伝説的なバンド 「レムリア」を立ち上げたカーク・トンプソンさんは語る。
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shown clockwise from top
left: Kit Ebersbach, owner of Pacific Music Productions studio; Ward Yamashita, owner of Hungry Ear Records; Robin Kimura, leader of the 1970s band Greenwood and organizer of the 1970s Nightclub Reunion concert series that began in the early 2000s; and Edie Bilke, friend of the late Frank Tavares, a Mauibased musician who recorded an obscure experimental LP in the mid-1970s entitled Na Mele A Ka Haku
左上から時計周り：ヌウアヌ通 りにあるスタジオ、パシフィック・ ミュージック・プロダクションズ のオーナーのキット・エバースバ ッハさん、ハングリー・イヤー・ レコードのオーナーのワード・ ヤマシタさん、70年代のバンド、 「グリーンウッド」のリーダーで 2000年代初めから開催されて いるセブンティーズ・ナイトクラ ブ・リユニオン・コンサートシリー ズ主催者のロビン・キムラさん、 故フランク・タヴァレス氏の友人 で、1970年代半ばに「ナ・メレ・ ア・カ・ハク」というタイトルのあ まり知られていない実験的LPを 製作したマウイのミュージシャ ン、エディー・ビルクさん。
Seven years ago, deejay and vinyl-record collector
Roger Bong started a blog to chronicle his cratedigging finds of albums and artists who fashioned the signature soul, funk, disco, jazz, Hawaiian, world-fusion sound synonymous with the 1970s and ’80s in Hawai‘i. In the years that followed, Aloha Got Soul, as Bong named his blog, blossomed into a digitized archive of music otherwise destined to be forgotten in dust-covered bins across the islands; his mix tapes on Soundcloud featuring these discoveries have been listened to and shared thousands of times. Navigating the meticulous maze of music copyrights and licensing, Bong created a label to re-issue 17 vinyl records of rediscovered albums and singles. And monthly, the deejay hosts vinyl-centric dance parties, spinning Hawai‘i funk and disco in cities from Honolulu to Chicago to London. Bong is getting the world back into the groove, one unearthed record at a time.
Now, Aloha Got Soul is making a film.
Pedro Rämos, a Brazilian film producer and avid record collector, read of Bong’s label in 2013 in Wax Poetics, a cult music magazine for crate-diggers. The article praised his Soul Time in Hawaii mix tape, which featured some of Aloha Got Soul’s most notable finds, like the feel-good song “Lahaina” by Al Nobriga, foot-stomping disco gems by Aura, and Mackey Feary’s lesser-known Mackey Feary Band.
“My mind was blow away,” Rämos says. “I didn’t know Hawai‘i was doing this kind of music back in the ’70s and ’80s. My perception of Hawai‘i is hula dancers and only that, not this funk and soul sound. I thought, man, this is a whole universe.”
Six months later, Rämos reached out to Bong to see if he was interested in exchanging vinyls: Brazilian bossa nova from Rämos’s country for Hawaiian soul from Bong’s home islands. The pair happily swapped records. Then, in 2016, Rämos approached Bong about making a film documenting this genre of Hawaiian music. The two had never met in person, had no funds and no formal script, and only had a three-week window for filming. Reluctant
7年前、DJでレコードコレクターのロジャー・ボンさんは、あるブログを 始めた。1970年代と80年代を代表するソウル、ファンク、ディスコ、ジャ ズ、ハワイアン、ワールドフュージョンの影響を受けたハワイのアルバム やアーティストの中から、彼が見つけたレアな曲について綴ったものだ。
『Aloha Got Soul(アロハ・ガット・ソウル)』と名付けられたこのブロ グはそれから数年の間に、ハワイの至るところで箱に入ったまま埃をか ぶってい忘れられていた音楽の立派なデジタルアーカイブとなった。こ れらの曲をまとめた彼のミックステープは、サウンドクラウド上で何千 回も再生され、共有されている。ボンさんは音楽の著作権とライセンス という難関を乗り越え、掘り出しもののアルバムやシングルから17枚の レコードを再リリースするためにレーベルを立ち上げた。またDJとして、 ハワイのファンクやディスコ音楽のダンスパーティを毎月開催し、ホノル ルやシカゴ、ロンドンなどでレコードを回している。ボンさんが掘り出し た一枚一枚のレコードが、世界中にグルーヴを巻き起こしている。
現在、アロハ・ガット・ソウルは映画を製作中である。
ブラジルの映画プロデューサーであり熱心なレコードコレクターのペ ドロ・ラモスさんは、2013年にレコード収集家のためのカルト音楽誌『 ワックス・ポエティクス』を読んでボンさんのレーベルについて知った。
その記事は、心地よいアル・ノブリガの「ラハイナ」やオーラの足踏みデ ィスコ曲、そしてマッキー・フェアリーの知る人ぞ知る「マッキー・フェア リー・バンド」など、アロハ・ガット・ソウルの発掘した最も注目すべき曲 がフィーチャーされているミックステープ「ソウルタイム・イン・ハワイ」 を絶賛していた。
「衝撃的で言葉も出なかったよ。70年代と80年代のハワイにこんな 音楽があったなんて。フラダンサーの印象しかないハワイに、ファンク やソウルなサウンドがあるとは思いもよらなかった。それは全く別の宇 宙を発見したようだったよ」と語るラモスさん。
その6ヵ月後、ラモスさんはボンさんと連絡をとり、レコードを交換し ないかと誘った。それ以来、二人はブラジルのボサノバとハワイアンソウ ルのレコード交換を通して友好を深めた。2016年にラモスさんは、この ユニークなジャンルのハワイ音楽についてのドキュメンタリー映画を制 作してはどうかとボンさんに持ちかけた。2人は一度も会ったことがな く、資金も脚本もなく、撮影に費やせる時間は3週間しかなかった。渋り
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“ Hawaiian music, a lot of it was recorded for tourists and it was just distributed here. The only way we were heard is if someone happened to be here and heard it, and then made it known somewhere else,” says longtime Honolulu entertainment writer John Berger.
「ハワイアンミュージックの多く は観光客のために作られたもの で、ハワイでしか普及していなか った。ハワイを訪れた人が偶然 耳にした音楽を気に入って持ち 帰った場合を除き、ハワイ以外 でその音楽が聞かれることはな かった」と長年にわたるホノルル のエンターテイメント作家の ジョン・ベルガー氏はいう。
but intrigued, Bong agreed, taking what he saw as a leap of faith.
Rämos enlisted filmmaker Filipe Zapelini and assistant producer Pedru Carvalho for the production. The trio traveled to Honolulu, where they met Bong, and then together, they island-hopped to Hilo on Hawai‘i Island to shoot the documentary. The process unfolded organically, with the crew shooting interviews with 15 musicians, backed by the raw and awesome sights of Hawai‘i Island. Volcanoes and waterfalls are paired with a booming soundtrack featuring songs like Robert “Aeolus” Myers’s “Jungle Love,” a powerful ambient track with indigenous influences not typically associated with the islands. Combined, the filmmakers aim to complete a harmonious 25-minute experience that delves into the work of notable artists featured on Aloha Got Soul.
“It will make the world aware of the diversity of music made and still being made in Hawai‘i, and
ながらも興味をそそられたボンさんは、ひとまず何とかなると信じてや ってみることにした。
ラモスさんは、映画制作者のフィリペ・ザペリーニさんとアシスタント プロデューサーのペドル・カルバホさんに撮影の協力を依頼した。 ３人はホノルルへ飛んでボンさんと合流し、撮影のため共にハワイ島の ヒロへと渡った。全ては順調に進み、クルーはハワイ島の素晴らしい景 観を背景に、15名のミュージシャンとのインタビューを撮影した。パワ フルで民族色の強いロバート・"エオロス"・マイヤーズの『ジャングル・ ラブ』のような低音の効いたサウンドトラックと火山と滝の映像が見事 に合わさっている。彼らは、アロハ・ガット・ソウルのアーティスト作品を 紹介するハーモニーに満ちた25分間のドキュメンタリー映画を目下 製作中だ。
各時代の独創性に富んだアーティストに焦点を当てたこの映画につ いて、「この作品を通して、ブログや言葉では表現しきれない現代と過去 のハワイ音楽の多彩な魅力を世界にアピールできればと思っています」
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“Aloha is not just a Waikīkī greeting line, it really is a mindset. The acceptance, the gentleness—it should be taught in class. It’s the only survival skill that we should learn,” says Pierre Grill, owner of Rendez-vous Recording, which welcomes aspiring artists looking to cut their first recording.
「『アロハ』は、ワイキキで使われる挨拶だけではなく、考え方そのものです。アロハの 根底にある受容と優しさを授業で教えるべきです。それは生き残るために必要な唯 一のスキルなのですから」と語るのは、レコードデビューを目指すアーティストを育成 するランデブー・レコーディングのオーナーのピエール・グリルさん。
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“Music can be taught in a public school no matter how rural it is, and it can be successful. That would be the legacy I’d like to leave behind. I’ve taken this small community and made the very best of it, for the community and the state, setting an example,” says Gary Washburn, who has led Honoka‘a High School’s jazz band for nearly four decades and has recorded three jazz fusion albums.
「音楽はどんな田舎の公立学校でも教えることが でき、立派なミュージシャンを育てることができる。 そんな伝統を残したいと思っています。私はこの小 さなコミュニティで最大限の成果を挙げ、地域社 会と州のために素晴らしい前例を作りました」と話 すのは、40年近くにわたりホノカア・ハイスクール・ ジャズ・バンドを指揮し、これまでに３枚のジャズフ ュージョンアルバムを製作したゲリー・ウォッシュ バーン氏。
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“There’s so many terrible things happening. If we interact with each other as loving human beings, then there’s peace. It radiates out. That’s what my music has been about over the years,” says Howard Shapiro (shown with his wife, Marsha Hee), a Hawai‘i Island-based musician whose band ‘Āina has addressed social and cultural issues.
ハワイ島のミュージシャンのハワード・シャピロ氏 （写真は妻のマーシャ・ヒーさんと）は「世界には多 くの悲惨な出来事が起きています。互いに愛情深い 人間同士として接すれば、平和がもたらされ、それ は広がっていきます。それがこの何年間にもわたっ て私が音楽で伝えようとしてきたことです」という。 「アイナ」という彼のバンドは社会問題や文化をテ ーマにした音楽活動に取り組んでいる。
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“ In Hawai‘i, not as many of the subgenres get as much appeal … There’s a lot of amazing jazz cats, amazing blues cats, hip-hop heads. [But] they end up performing for themselves or their friends in a small group, and yet these musicians are super talented,” says Nicholas Kaleikini, the grandson of legendary entertainer Danny Kaleikini.
「サブジャンルはハワイではそれ ほど人気がありません。ジャズや ブルース、ヒップホップの素晴ら しいアーティストは大勢いて、ま たその多くが素晴らしい才能を 持ってるのに、友人同士や小さ な観客の前で演奏する機会し かないのが現実です」と伝説の エンターテイナー、ダニー・カレ イキニさんの孫のニコラス・カレ イキニさんは語る。
in ways that can’t be expressed through the blog or in words,” Bong says. The documentary spends time with the era’s seminal artists, like Kalapana member Kirk Thompson, who went on to form the jazzy, boundary-pushing Lemuria; engineer Pierre Grill, the man behind the longest-running recording studio in Hawai‘i; and dynamite musician Mike Lundy, whose 1979 LP The Rhythm of Life is considered a “holy grail” by Aloha Got Soul standards for its rarity and Hawaiian funkiness. It also features contemporary musicians like Maryanne Ito and Nick Kaleikini, who draw on the influences of the ’70s-era legends.
In the film’s most enduring moments, artists perform their original songs in the presence of a new generation, showcasing what Aloha Got Soul is best at: making the old new again. The musicians light up at the thought of how far-reaching their songs have become in the age of the Internet—a means of distribution unfathomable when they first recorded them.
と語るボンさん。フィーチャーされているのは、「カラパナ」を脱退後、グ ルーヴィーかつフリーソウルな「レムリア」を立ち上げたカーク・トンプ ソンさんやハワイで最も長い歴史を持つレコーディングスタジオを支え るエンジニアのピエール・グリルさん、1979年に録音されたハワイアン ファンクの超レアなLP盤「リズム・オブ・ライフ」がアロハ・ガット・ソウル の金字塔となっているマイク・ランディさんなどだ。また70年代のレジェ ンドの影響を受けているマリアン・イトーさんやニック・カレイキニさんと いった現代のミュージシャンたちも登場する。
この映画の中で最も印象的なのは、アーティストが新しい世代の観客 の前でオリジナルの曲を披露する場面だ。それはアロハ・ガット・ソウル が最も得意とする、昔の音楽の良さを新たに再発見すること。ミュージ シャンたちはインターネットによって、彼らの音楽が想像以上に多くの人 々に知られるようになったことを喜んでいる。彼らが録音した当初には 想像もつかなかった流通手段だ。映画の出演について「まだ夢を見てる みたいだよ。今も波に乗っているような気分さ」と語るランディさん。
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“The generation that’s coming up, they’re introducing new sounds and new ideas. On top of that, within the past few years, I’ve seen a lot of new faces coming into the islands. Our strength lies here in the music scene,” says Maryanne Ito, an up-and-coming jazz and soul singer who frequently performs in Honolulu’s Chinatown scene.
「これからの新しい世代は、新しいサウンドと新し いアイディアを取り入れています。この数年間で多く の新しいアーティストがハワイにやってくるのを目に しました。ハワイの強みは音楽シーンにあるのだと 確信しています」とホノルルのチャイナタウンで 活躍する注目のジャズ＆ソウル歌手のマリアン・イト ーさんは語る。
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The upcoming Aloha Got Soul documentary “will make the world aware of the diversity of music made and still being made in Hawai‘i, and in ways that can’t be expressed … in words,” says Roger Bong, who founded Aloha Got Soul to serve as a digitized archive of music synonymous with Hawai‘i in the 1970s and ’80s.
ハワイの70年代と80年代の音楽のデジタルアーカ イブ「アロハ・ガット・ソウル」創始者のロジャー・ボ ンさんは、近日公開されるアロハ・ガット・ソウルの ドキュメンタリー映画について、「ブログや言葉では 表現しきれない現代と過去のハワイ音楽の多彩な 魅力を世界にアピールする作品」だという。
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Brazilian film producer Pedro Rämos (shown top right), who approached Bong to create the Aloha Got Soul documentary, enlisted the help of filmmaker Filipe Zapelini (shown bottom), and assistant producer Pedru Carvalho (shown top left) for the production. “My perception of Hawai‘i is hula dancers, not this funk and soul sound,” Rämos says. “I thought, man, this is a whole universe.”
ブラジルの映画プロデューサーのペドロ・ラモスさん（右 上）は、ボンさんにアロハ・ガット・ソウルのドキュメン タリ ーの製作を持ちかけ、映画製作者のフィリペ・ ザペリーニ さん（下）とアシスタントプロデューサーのペ ドル・カルバ ホさん（左上）に撮影の協力を依頼した。「フラ ダンサーの 印象しかないハワイに、こんなにファン キーでソウルフル なサウンドがあったなんて。それは 全く別の宇宙を発見し たようだったよ」
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“Musicians and artists and comedians become light gatherers because we walk through dark times, but to be able to express it is to let everyone know that you are not alone in this, we are all walking through some darkness,” says Hawaiian harpist Momi Riley.
「多くの苦難を経験する音楽家 や芸術家やコメディアンは、希 望を求めて集まります。それを 表現することは、それを経験し ているのがあなただけではない ことをみんなに知らせということ。
アーティストの誰もが何かしら の苦悩を抱えているのです」と ハワイアンハーピストのモミ・ラ
イリーさんは語る。
The heart of the narrative centers on these scenes, and a theme emerges as the camera follows the musicians in and out of recording studios and as they go about their daily lives. The documentary, now in post-production and set to be finished in summer 2017, easily represents the most time a film has spent covering these artists, many of whom are now in their 60s and 70s, who shaped this Hawaiian soundscape. “A lot of the story is going to revolve around the musicians, their experiences, and ultimately, their life’s purpose,” Bong says. “It talks about life, spirit, aloha, and it talks about the music, too.”
これらのシーンを中心に構成され、レコーディングスタジオに出入り するミュージシャンたちの日常を追うドキュメンタリー映画は、レアでソ ウルに満ちたハワイのサウンドシーンを形成した現在60代や70代のア ーティストたちの話を深く掘り下げた初の作品となる。ボンさんによれ ば「ミュージシャンと彼らの経験や人生観を軸に、人生、精神、アロハ、 そして音楽について語る作品」だという。このドキュメンタリー映画は無 事撮影を終え、2017年夏には完成する予定だ。
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IMAGE BY JONAS MAON
CUISINE
TEXT BY RAY SOJOT
IMAGES
BY
JONAS MAON & GABE ESTEVEZ
文＝レイ・ソジョット
写真＝ジョナス・マオン、ゲーブ・ エステヴェス、ハレクラニ提供
A STORIED CULINARY HISTORY
奥深い料理の歴史
At Halekulani’s exquisite culinary destinations, discover links to history, literature, and art.
歴史、音楽、文学、芸術に縁のあるハレクラニのレストラン。
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An experience is a collection of a thousand details. Such is the case at Halekulani, where lovely, intimate, and sometimes unexpected details add rich dimension to the premier dining experiences found at La Mer, Orchids, and House Without a Key. With storied links to history, music, literature, and art, each restaurant offers an assortment of anecdotal amuse-bouches to be enjoyed.
A Source of Inspiration
Evoking the casual charm of Waikīkī’s yesteryear, reservations are never needed at the House Without a Key, Halekulani’s storied seaside restaurant. Guests are invited to stop in and step back in time to enjoy the hotel’s proud tradition of Hawaiian music, hula, and cocktails—best taken in during the sunset hour, when all is gilded in gold.
In the 1920s, novelist Earl Derr Biggers stayed in a cozy, low-slung bungalow on the property, then known as Gray’s by the Beach. As the story goes, when Biggers checked in, he asked the proprietress, Mrs. Gray, for a key. “What key?” She replied. “No one locks their doors in Waikīkī.”
Biggers found grand inspiration under the property’s majestic kiawe tree during afternoon drinks with Halekulani hotel owner Clifford Kimball and Honolulu sheriff Arthur Morgan. Biggers was captivated by Morgan’s riveting tales of the crimefighting exploits of Detective Chang Apana, a Chinese police officer renowned for his fearlessness and talented employ of a bullwhip. In 1925, Biggers published The House Without a Key, a mystery set in Honolulu featuring a Chinese detective named Charlie Chan. The novel became a sensational hit, spurring a series of books and films.
Named after the novel, House Without a Key evokes the simpler times of Hawai‘i that Biggers delighted in, and brings the romance and ease of Waikīkī’s past into the present.
Flowing Faculties
As Waikīkī’s only AAA Five Diamond and Forbes Five Star restaurant, La Mer is an exquisite exercise in fine dining, gracious service, and elegant ambiance. Situated on the second floor of the hotel’s historic main building, guests are treated to unfettered views of Waikīkī’s fabled shoreline. An attentive wait staff elevates hospitality to an art, while the award-
数え切れないディテールが作り上げる体験。ハレクラニの「ラ メー ル」、「オーキッズ」、「ハウス ウィズアウト ア キー」では、きめ細やか なおもてなしと時として思いがけないディテールがダイニングに豊 かな彩りを添えます。歴史、音楽、文学、芸術と関わりの深いハレク ラニのレストランでは、様々な逸話にちなんだアミューズブーシュを 提供しています。
創造の源
古き良きワイキキのカジュアルなエレガンスをたたえるハレクラニの 海辺のレストラン「ハウス ウィズアウト ア キー」は、予約なしでいつ でも気軽にご利用いただけます。ハレクラニ伝統のハワイアン音楽と フラ、カクテルを楽しみながら、昔のワイキキへタイムスリップしたよ うな優雅なひとときをお過ごしください。あたり一面が金色に染まる 夕暮れ時は心を奪われる美しさです。
1920年代、小説家のアール・デア・ビガーズ氏が、当時、敷地内に あった「グレイズ バイ ザ ビーチ」という平屋のバンガローに滞在し た時の話。チェックインの際、鍵はあるかと聞くビガーズ氏に経営者 のミセスグレイは「鍵？ワイキキでは誰もドアに鍵をかけたりしない わ」と返事をしたといいます。
ビガーズ氏は、ハレクラニホテルのオーナーのクリフォード・キン バル氏とホノルル保安官のアーサー・モーガン氏とアフタヌーンドリ ンクを交わしながら、ハレクラニのキアヴェの大樹の下で多くのイン スピレーションを得たといいます。ビガーズ氏は、恐れを知らない有 能な鞭使いとして知られた中国人警察官、チャン・アパナ刑事の犯罪 捜査の功績について話すモーガンさんの興味深いストーリーに魅了 されました。1925年にビガーズ氏はチャーリー・チャンという中国 人探偵が主人公のホノルルを舞台にしたミステリー小説『ザ ハウス ウィズアウト ア キー』を出版。この小説は爆発的なヒットとなり、こ れをもとに一連の本や映画が誕生しました。
小説にちなんで名付けられた「ハウス ウィズアウト ア キー」は、 ビガーズ氏が愛したハワイが質素な魅力にあふれた時代を彷彿と させる、ロマンティックで居心地の良い昔のワイキキを今に再現し ています。
ドラマチックなダイニング体験 ワイキキで唯一、フォーブスの5つ星と５ダイアモンドを獲得してい る「ラ メール」は、ハレクラニの気品に満ちたエレガンスをもっとも 讃えるファインダイニング。歴史薫る本館2階に位置し、有名なワ
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The cuisine at Orchids, prepared by chef de cuisine Christian Testa, celebrates the sophisticated flavors of the coastal Mediterranean regions. Shown here is the homemade lasagnette featuring freshly made pasta, local Kahuku prawns, scallops, and avocado.
シェフ・ド・キュイジーヌのクリスチャン・テスタが手がけるオーキッズの料理は、 イタリア沿岸部独自の洗練された味が特徴です。写真は、地元産カフク海老 と帆立、アボカドを使った新鮮な自家製パスタのラザニエッテ。
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In the 1920s, Earl Derr Biggers found inspiration under the property’s majestic kiawe tree for his novel The House Without a Key
1920年代、小説家のアール・デ ア・ビガーズ氏は、ハレクラニの キアヴェの大樹の下で、彼のミ ステリー小説『ザ ハウス ウィズ アウト ア キー』のインスピレー ションを得たといいます。
winning neo-French haute cuisine features local tropical ingredients. As a result, La Mer emerges as Hawai‘i’s ultimate romantic dining experience.
Ensconced like a jewel within elegantly carved wooden screens, La Mer’s signature cocktail lounge, L’Aperitif, glitters as an extension of the restaurant’s l’esprit français. Capturing the glamour and allure of La Belle Époque, or “the beautiful era,” of Western European history between 1871 to 1914, the cocktails, like the posh interior, are sophisticated.
Colin Peter Field of the esteemed Bar Hemingway at the Ritz Paris, who has twice been named “Best Barman in the World” by Forbes magazine, guided the lounge’s reinvention of French cocktail classics. Accordingly, absinthe—the bohemian drink of choice for many artists and writers who flourished during the decadent era—is offered the traditional way, la louche, employing a ritual that dilutes the absinthe by cold-water drip to an opalescent green.
And like La Mer, L’Aperitif does romance especially well: For women, each cocktail is accompanied by a rose.
An Artful Experience
Harmony meets hospitality at Orchids, where light tradewinds, white-on-white décor, and open seaside
イキキの海岸線が望めるオーシャンフロントのレストランでは、地 元の食材を活かし、数々の賞に輝く洗練されたフランス料理と細部 まで行き届いた心からのおもてなしでお客様をお迎えいたします。
ラ メールはハワイ屈指のロマンティックなレストランとしても知ら れています。
フレンチレストラン「ラ メール」内にあるカクテルラウンジ「ラペリ ティフ」は、繊細な彫刻が施された木製スクリーンの奥に隠れた宝石 のような輝きを放ちます。1871年から1914年にかけて西ヨーロッ パがもっとも華やかだったラ・ベル・エポック時代の煌びやかさを再 現した官能的なカクテルを大人の夜にふさわしい上質な空間でお楽 しみいただけます。フォーブス誌によって世界のベストバーマンと２ 回も称賛された有名なホテル リッツ パリの「ヘミングウェイ バー」 のコリン・ピーター・フィールド氏の監修によるクラシックなフレンチ カクテルのラウンジには、退廃的な時代に活躍した多くの芸術家や 作家が好んだボヘミアンドリンク「アブサン」の伝統的な飲み方で、 冷水を注いだ乳白緑色の「ラ・ルーシュ」を再現したメニューもあり ます。ラ メールと同様、ロマンティックな夜をお過ごしいただけるラ ペリティフでは、女性のお客様のカクテルに一輪のバラを添えてお 出ししています。
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写真左のカクテル「チャン・アパナ」は、この小説に登場する主人公のチャーリ ー・チャンのもととなったホノルルの中国人警察官、チャン・アパナ刑事の名前に ちなんでつけられました。新鮮なスイカと小さじ一杯のオリーブオイルを使った オリジナルカクテルです。「ヘミングウェイ・オールド・ファッションド」は、1940 年代、ハレクラニに滞在した有名な作家ヘミングウェイに由来しています。
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The Chang Apana cocktail, shown left, is named after the real life Honolulu detective who inspired the fictional character, Charlie Chan, and is made with fresh watermelon and a teaspoon of olive oil. The Hemingway Old Fashioned, shown right, is named after the famed author who stayed at the Halekulani in the 1940s.
The cuisine at Orchids is artfully prepared, including the lobster salad, which is made with succulent Kona Maine lobster.
オーキッズでは、コナ産のメイン ロブスターを使用したロブスタ ーサラダをはじめ、ハワイの旬 の食材を活かした芸術的で繊 細な料理の数々をお楽しみいた だけます。
spaces give the restaurant a bright and airy feel. Breakfast, lunch, and dinner (as well as the famous Sunday brunch) are served in chic areas that seamlessly transition from indoors to outdoors. Complementing Orchid’s oceanfront aesthetic is chef de cuisine Christian Testa’s culinary vision: fresh interplays of local island flavors and Mediterranean-inspired, coastal Italian cuisine. The dishes are elegant, lighter fare, complementing the island’s balmy climate. Although decadent, even Orchid’s signature coconut cake seems to float.
As suggested by its name, sprays of orchids are placed throughout the restaurant. Looking beyond Orchid’s dining room, guests can also see the restaurant’s signature flower at a grander scale, as a shimmering 82-foot mosaic at the bottom of the hotel’s pool. Created during Halekulani’s renovation in the 1980s, the mosaic was an intricate artistic endeavor, and no easy feat. More than one million South African glass tiles were imported—each tile numbered—and then painstakingly installed piece by piece. Showcasing a white cattleya orchid in an ever-changing prism of blues, the mosaic mirrors the restaurant’s aesthetic, a tableau of beauty and light.
巧みな技で感動を添えて 白を基調にしたインテリアとそよ風が心地よいオーシャンサイドの レストラン「オーキッズ」は、屋内と屋外席のある明るく開放的な空 間でブレックファスト、ランチ、ディナーと1日を通してご利用いただ けます。日曜のサンデーブランチも有名です。総料理長クリスチャ ン・テスタによる地元の新鮮な食材を存分に生かした地中海風イタ リア料理を見事なオーシャンフロントの眺めとともにお楽しみくだ さい。ハワイの穏やかな気候に合うエレガントで上品な料理の数々 と、ふんわりと軽いおいしさのオーキッズ特製ココナッツケーキをご 賞味ください。
オーキッズの店内にはその名にちなんで美しい蘭の花が一面に飾 られています。蘭のモチーフは、オーキッズのダイニングルームのほ か、ハレクラニのプールの底に光り輝く25mのモザイクにも採用され ています。1980年代の改築工事で施されたこの繊細なモザイク芸 術の製作は容易ではありませんでした。南アフリカから輸入された 100万枚以上のガラスタイルには一枚ずつ番号が付けられ、ひとつ ひとつ手作業で丁寧に施工されました。絶え間なく変化する青いプ リズムに浮かび上がる白いカトレアの蘭のモザイクは、ハレクラニの シンボルであり、光と美の織りなす芸術作品です。
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IMAGE BY JOHN
HOOK
EXPLORE
TEXT BY ERIC CORDEIRO
IMAGES BY JOHN HOOK, JONAS MAON, ROGER BONG & LEIMOMI BONG
文＝エリック・コルデイロ
愛しのレコード
The public experience of buying music from record stores, many of which are now long gone, informed how listeners related to the music they purchased.
今や数少ないレコード店で 音楽を買うという行為は、
購入する音楽についてリスナ ーがどう感じているかを教え てくれた。
Music stores, here and gone, are sacred shared spaces for exploring, listening to, and loving music in its physical forms.
消えゆく音楽店、それは人々が交流しながら音楽を楽しむことのできる神聖な空間 FOR THE LOVE OF IT
Listening to music is often a private affair. Headphones tune out the din of the world, providing a transcendent, solitary space. But in decades past, the act of buying music was a public one, a sign of your commitment to the tunes you love. Kevin Koga, a local deejay and record enthusiast, reminisces about going to the local music shop in Wahiawā, which, at the time, specialized in early urban and hip hop records. “I would ditch school on Tuesdays and head down to Choice Cuts, because I knew what time the mail would drop off the new records,” he says. Music from tinny overhead speakers was punctuated by the clacking of upright plastic security cases holding CDs. “What year did this album drop? Who played on that?” strangers would ask, as they passed each other
音楽を聴くことは個人的な行為である。ヘッドフォンを使えば、周りの喧 騒は排除され自分だけの世界に浸ることができる。だが数十年前まで 音楽を買うという行為は、好きな音楽へのコミットメントを公にアピール するものだった。ローカルのDJでレコード愛好家のケイン・コガさんは、 ワヒアワのレコード店に通った日々を思い返す。この店では当時、初期の アーバンサウンドやヒップホップのレコードを専門に扱っていた。「火曜 日になると学校をさぼっては『チョイス・カッツ』へ行ったものだよ。新入 荷レコードが配達される時間を知っていたんだ」と言う。頭上の小さな スピーカーから流れる音楽。CDの入ったプラスチックケースがぶつかる カチャカチャという音。アルファベット順に棚の並ぶ通路を行き交う、見 ず知らずの他人同士の「このアルバムは何年に出たんだっけ？どのアー ティストかな？」という会話。そんな交流のある音楽店では、購入する音 楽についてリスナーがどう感じているかを知ることができた。
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For many record seekers on O‘ahu, Jelly’s was the destination for delving into music, along with collectibles, comics, and books. Today, Jelly’s, now operating as Idea’s Music and Books, remains the largest record store on the island.
オアフの多くのレコード収集家にとって、「ジェリーズ」は音楽をはじめ、 コレクターアイテム、漫画や書籍の掘出し物が見つかる場所だった。
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in alphabetized aisles in search of that same rush of discovery. This public retail experience informed how listeners related to the music they purchased.
Many would argue that the shift of music to its present state—that of existing online as a series of ones and zeros—served as the death blow for the record store. This shift destabilized not only the items that such stores sold, but also the very foundation on which the establishments were built: connecting to music—and others—in a real and meaningful way. Music retail today is completely integrated into the listening experience. Anyone with the right technology can now hear something new, give it a thumbs up, click to buy, and have it in their workout mix in a matter of seconds. Because of this, the physical location of music has become nearly obsolete.
Music stores in Hawai‘i are unique and fragile. The state’s population size has always been a limiting factor for any market, and O‘ahu record shops and music stores have faced the challenge of enduring in a changing marketplace, one that forces them to adapt, or face the inevitable.
Hungry Ear Music opened in Kailua more than three decades ago. Selling new and used music in all formats, and releasing local music by a variety of bands, it was an oasis for record lovers on the windward side. In the last decade, however, Kailua has developed into a sprawling tourist mecca, forcing Hungry Ear to relocate to Honolulu in 2014 in order to survive. After only two years at its University Avenue location, the property that housed the store was demolished to make way for University of Hawai‘i at Mānoa student dorms. Space in Hawai‘i, retail or otherwise, is costly; Hungry Ear is still searching for an affordable place to call home.
For many record seekers on O‘ahu, Jelly’s, with its locations in ‘Aiea and Kaka‘ako, was the destination for delving into the island’s largest
CDに焼かれた音楽から現在のデジタルな音楽に移行したことで、 レコード店は存続意義を失ったと言う人は多い。それは取り扱う商 品だけでなく、本来の音楽とのつながりや音楽を通じた人同士の交 流場というレコード店の根本を揺るがす変化であった。今日の音楽 の販売方法は、完全に視聴体験の一部となっている。ある程度のテク ノロジーを持っている人なら誰でも簡単に新曲を試聴して評価した り、クリック一つで購入したり、ワークアウトのプレイリストにも瞬時 に追加できる。こうして音楽を物理的に楽しめる場所はほとんど姿を 消してしまった。
ハワイの音楽店はユニークで脆弱だ。どの業界のビジネスにとって も人口の少なさが制約となるハワイ。オアフのレコードショップや音 楽店は、変化し続ける市場で生き残るために適応するか、撤退するか を迫られる困難な局面に直面している。
「ハングリー・イヤー・ミュージック(Hungry Ear Music)」は30 年以上前にカイルアにオープンした。新品と中古のあらゆる形態の音 楽を扱い、様々なローカルバンドの音楽をリリースしたこの店は、ウィ ンドワードに住むレコード愛好者にとってオアシスであった。だがこ の10年間で人気の観光地となったカイルアの街は開発が進み、移転 を強いられたハングリー・イヤーは2014年にホノルルへ移った。ユ ニバーシティ・アベニューに店を構えてからわずか2年後、今度は入 居していた建物がハワイ大学マノア校の学生寮建設のために取り壊 されることとなり閉店。賃料の高いハワイで、ハングリー・イヤーは今 も手頃な小売スペースを探している。
オアフの多くのレコード収集家にとって、アイエアとカカアコに店を持 つ「ジェリーズ(Jelly's)」は、ハワイ最大の音楽コレクションをはじめ、コ レクターアイテム、漫画や書籍の掘出し物が見つかる場所だった。90年 代には、他局では放送されることのない地元アーティストの最新の曲を 流す「ラジオフリー」の視聴者が集まる場所でもあった。2015年、ジェ リーズはアイエア店を閉店してカカアコ店と統合。その後一時的に閉店 し、1年後カカアコに「アイディアズ・ミュージック＆ブックス」としてリオ ープンした。この店は今もハワイ最大のレコードストアであるが、変わり ゆく消費者の嗜好や時代の変化への適応は遅い。
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Although the shift to digital may have rendered the pilgrimage to record stores obsolete, it didn’t sate the desire for music. Music consumption today is as unbridled as ever. Image by Roger Bong.
デジタルへの移行は、レコード店への巡礼という消費者行動を変えたも のの、音楽への欲求自体を満たしてはくれなかった。今日、音楽の消費量 の増加傾向はとどまるところを知らない。ロジャー・ボン氏による撮影
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Record stores gave people a public square to explore their beloved music. They were meeting places where fans championed the music they loved. レコード店は、人々に大好きな音楽を楽しめる共有スペースを提供してきた それはファン同士で集まり、音楽への情熱を分かち合える場所であった。
To address changing consumer tastes, John Friend and Kevin Cruze debuted the transient pop-up Secret Record Store in 2013, transporting crates of music to various locations so that generations of music fans could continue the hunt.
ジョン・フレンドさんとケビン・ クルーズさんは変化する消費者 の嗜好に応えるため、あらゆる 世代の音楽ファンが従来のよう にお気に入りの一枚を探せるよ うに、箱に入ったレコードを様 々な場所で販売する移動式の ポップアップ「シークレット・レコ ード・ストア」を2013年にオー プンした。
collection of music, along with collectibles, comics, and books. In the ’90s, it was the meeting place for anyone who listened to Radio Free, which played new music by local artists who might not have received airtime otherwise. In 2015, Jelly’s closed its ‘Aiea location, consolidating its supply into the Kaka‘ako shop, which closed briefly before opening a year later as Idea’s Music and Books. Idea’s remains the largest record store on the island, but it is slow to adapt to changing tastes and consumption methods.
Although the shift to digital may have rendered the pilgrimage to record stores obsolete, it didn’t sate the desire for music. Music consumption today is as unbridled as ever. According to a 2016 Nielsen music report, music-streaming apps, like Pandora and Spotify, now comprise the main method for listening to and interacting with music. In October 2016, Pandora had 77.9 million monthly active listeners. As this shift to music streaming platforms occurs, digital sales have decreased, giving physical album sales back market share. This has revealed an unexpected trend: In 2016, vinyl sales marked their 11th straight year of growth.
デジタルへの移行は、レコード店への巡礼という消費者行動を変 えたものの、音楽への欲求自体を満たしてはくれなかった。今日、音 楽の消費量の増加傾向はとどまるところを知らない。2016年のニー ルセン音楽調査によれば現在、消費者による音楽の視聴やインタラ クションの主な手段はPandoraやSpotifyなどの音楽ストリーミン グアプリだ。Pandoraは、2016年10月、月間7,790万人のアクティ ブリスナーを記録した。ストリーミングというプラットフォームへの移 行に伴い、今ではデジタル音楽の売上が減少し、物理的なアルバムの 売上の市場シェアが回復してきているという。2016年のレコード売 上は11年連続の増加という予期せぬトレンドが生まれている。
ジョン・フレンドさんとケヴィン・クルーズさんは、あらゆる世代の音 楽ファンが従来のようにお気に入りの一枚を探せるように、いくつも の箱に入ったレコードを様々な場所で販売する移動式のポップアップ 「シークレット・レコード・ストア」を2013年にオープンした。「レコー ドを選びに来る人たちは他のどんな店とも違う独特の打ち解け方を するんだ」と語るのは1985年、15歳の時にジェリーズで働きだした フレンドさん。現在も彼とクルーズさんは、カカアコの「ベヴィー」やチ ャイナタウンの「ダウンビート・ダイナー」などで、一枚一枚カバーをめ
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Hungry Ear Music opened in Kailua more than three decades ago, but was forced to move to Honolulu in 2014. After only two years at its University Avenue location, shown here, the property that housed the store was demolished to make way for student dorms. Image by Leimomi Bong.
「ハングリー・イヤー・ミュージ
ック」は30年以上前にカイルア にオープンしたが、2014年にホ ノルルへの移転を強いられた。
ユニバーシティ・アベニューに店
を構えてから（写真）わずか2年 後、今度は入居していた建物が 学生寮建設のために取り壊され
ることとなった。レイモミ・ボン さんによる撮影
John Friend and Kevin Cruze debuted the transient pop-up Secret Record Store in 2013, transporting crates of music to various locations so that generations of music fans could continue the hunt. “People [browsing through records] open up in a way different than any other retail space,” says Friend, who started working at Jelly’s in 1985, when he was 15. Today, he and Cruze continue to haul records for their ephemeral shop to places like Bevy in Kaka‘ako and Downbeat Diner in Chinatown, where posters announce the dates to stop in and thumb through vinyl covers.
As technology allows for greater convenience and access to music, the amalgam of physical place, people, and art is becoming a rarefied thing. Hungry Ear, Jelly’s, The Beat, Stylus Hawaii, and many other record stores gave people a public square to explore their beloved music. They were meeting places where fans championed the music they loved. Today, this resource is stewarded by a small but passionate group determined to provide listeners a place to fall in love with music all over again.
くってレコードを探し当てることのできるポップアップのレコード店を 開催している。開催日は店頭のポスターで告知されている。
テクノロジーによって音楽の利便性が向上し、アクセスが容易にな るにつれ、場所と人とアートが交わって作り上げるノスタルジアは希 薄になった。ハングリー・イヤー、ジェリーズ、ザ・ビート、スタイラス・ ハワイなどの多くのレコード店は、人々に大好きな音楽を楽しめる共 有スペースを提供してきた。それはファン同士で集まり、音楽への情 熱を分かち合える場所であった。昔のように音楽に恋することができ る場所を提供したい、そんな熱い思いを抱く少数のグループによって それは今も支えられている。
Halekulani Living 96 EXPLORE
IMAGE BY MARK KUSHIMI
CITY GUIDES
EXPLORE QUIET SPACES
IMAGES BY MARK
KUSHIMI
STYLED BY ARA
FEDUCIA
HAIR AND MAKEUP BY HMB SALON
MODELED BY MUDRA
JOSEPHSON
写真＝マーク・クシミ
EXPLORE: QUIET SPACES
探索：静かな場所
Pick up a good read, and escape from the bustle of the city at these serene places.
都会の喧騒を逃れ、静かな場所で読書を楽しむ CITY GUIDES
SPOTLIGHT
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HEAR HAWAI‘I MUSIC
CHANEL
スタイリスト＝アラ・フェデュシア
ヘア＆メイクアップ＝HMBサロン モデル＝ムドラ・ジョセフソン
Foster Botanical Garden This 14-acre respite in the middle of urban Honolulu is the perfect spot for getting into a good read. Relax under the shade of sprawling trees, check out the outdoor butterfly garden, or learn about an impressive collection of tropical plants in the conservatory.
フォスター植物園 ホノルルの真ん中にある14エ ーカーの植物園庭園は読書を 楽しむのに最適なスポットだ。 そびえ立つ木々の木陰でくつろ ぎ、屋外の蝶ガーデンを散策し たり、温室内の豊富な熱帯植 物のコレクションについて学ぶ のもいい。
Derek Lam 10 Crosby embroidery shirt and Loeffler Randall tassel sneakers, Intermix; ’S Max Mara quilted jacket and Weekend Max Mara geometric trousers, Bloomingdale’s.
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Foster Botanical Garden traces its beginning to 1853, when Queen Kalama leased a small area of land to William Hillebrand, a young German doctor. A botanist as well as a physician, Hillebrand built his home in the upper terrace area of property and began planting trees.
フォスター植物園は、 カラマ女王が1853年、彼女の 所有する土地の一画を若い ドイツ人医師のウィリアム・ヒル ブランド氏に貸したことから始 まる。熱心な園芸家だったヒル ブランド氏は、その敷地内の丘 の上に家を建てると周りに木を 植え始めた。
108 CITY GUIDES
The conservatory at Foster Botanical Garden houses a world-class collection of orchids. It even holds one of the world’s largest and most rare flowering plants, the corpse flower, which can take up to seven years to bloom.
フォスター植物園の温室内に は、世界有数の蘭のコレクショ ンが栽培されている。ここでは 開花するのに７年かかることも ある世界最大の花「死体の花」 を目にすることができる。
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Faithfull shirtdress, Echo and Atlas.
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Living CITY GUIDES
Halekulani
Foster Botanical Garden
180 N. Vineyard Blvd. Chinatown
Faithfull sunkissed playsuit, Echo and Atlas.
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Faithfull shirtdress, Echo and Atlas.
ALOHA, LADY
BLUE
『アロハ、レディー・ブルー』
A riveting crime novel with a good cause.
動物愛護に寄与する
傑作ミステリー小説
A buried family secret, a mysterious death, a damsel in distress (or so it would seem)—Aloha, Lady Blue has all the trappings of a good crime novel. Based, in part, on author Charley Memminger’s experiences as a former crime and investigative reporter at a Honolulu newspaper, Aloha, Lady Blue follows the story of Stryker McBride, a washed-up journalist seeking to uncover the mystery of what happened on Kahala Road—a road that doesn’t exist on any map.
McBride, who feels responsible for the death of one of his sources years ago, would be content to spend the rest of his days with “the gods,” as he calls them, two German shepherds named Kane and Lono, sipping Budweisers for breakfast while dry-docked on his boat, the Travis McGee. But he has little time to wallow after his help is enlisted by the beautiful Amber Kalanianaole Kam, a former Punahou classmate, who asks McBride to look into the mysterious death of her uncle Wai Lo Fat—a name that conjures up ties to the Chinese syndicate if there ever was one. What follows is an action-packed storyline that will leave you hanging on until the truth behind Kahala Road and what took place there is revealed.
A riveting whodunit for those familiar with Hawai‘i, as well as those who aren’t, Aloha, Lady Blue delivers visual soliloquies that take readers past sweeping taro fields and heart-stopping mountain ranges, while incorporating factual elements with panache. Readers get a quick lesson in Hawaiian history, from Captain Cook—“whacked” after Hawaiians realized he wasn’t the manifestation of the god Lono—to Chinese plantation workers, for whom McBride tries to imagine “how bad life in your own country would have to suck before it seemed like a good idea to sail ten thousand miles to work in a strange foreign land under the hot tropical sun.”
The book was originally published by St. Martin’s Press in 2013 and was released in paperback form in 2015. In a tribute to the book’s canine characters, Memminger has pledged to donate all author royalties from its book sales to the Hawaiian Humane Society. “I realized what an important job the Hawaiian Humane Society has, not just putting dogs and cats up for adoption, but taking care of all the animals in its care,” writes Memminger, who first became interested in helping the Humane Society after adopting his family’s first pet, Boomer, a poi dog with a strong hint of border collie, in 1995.—lisa yamada-son
Aloha, Lady Blue is available in bookstores around Hawai‘i, as well as on Amazon and bookshawaii.net.
葬られた一家の秘密、謎の死、悲嘆にくれる乙女（のように見える）。『ア ロハ、レディー・ブルー』には優れた犯罪小説に欠かせない要素が詰ま っている。ホノルルの新聞社の犯罪捜査記者だった著者、チャーリー・ メミンジャー氏の実体験に一部基づくこの作品は、地図上に存在しない 「カハラロード」で起こった謎の事件を解明しようとする元新聞記者の ストライカー・マクブライドを追うストーリーだ。
何年も前の彼の情報源の一人の死に責任を感じていたマクブライド は、朝食にバドワイザーを飲みながら、彼が「神様」と呼ぶ２匹のジャー マンシェパードのカネとロノと「トラヴィス・マクギー」という彼のボート の甲板で過ごす穏やかな生活に満足していた。ところがある日、プナホ ウ高校の同級生だった美女のアンバー・カラニアナオレ・キャムから、彼 女の叔父のワイ・ロー・ファットの謎の死について調べてほしいと助け を求められ、感傷に浸ってもいられなくなる。それは中国のシンジケー トとのつながりを喚起する名前だったからだ。それが存在するとすれば の話だが。こうしてカハラロードに隠された真実とそこで起きた事件の 真相が明らかにされるまで読者の心を掴んで離さないアクション満載 のストーリーが始まる。
『アロハ、レディー・ブルー』はハワイに詳しい人もそうでない人も楽 しめる面白いミステリー小説だ。ありのままの事実を交えながら、どこ までも広がるタロ畑や息を呑むほど美しい山脈といった主観的かつ豊 かな描写で物語の舞台となるハワイへと読者を誘ってくれる。本の中で 著者は、「平和と豊饒の神、ロノの再来でないと知ったハワイアンによっ て殺されたキャプテン・クック」や「熱帯の炎天下で働くため異国への1 万マイルの航海を決意した中国系プランテーション労働者たちの母国 での生活がどれだけ荒んだものであったかと思いを巡らすマクブライ ド」といったハワイの興味深い歴史にも触れている。
本書はもともとセントマーティンズ・プレスから2013年に出版され たもので、2015年にはペーパーバックが発売された。著者は登場キャ ラクターの犬たちにちなんで、本書の印税を全額ハワイアン・ヒューマ ン・ソサエティに寄付するとしている。1995年に一家にとって初のペッ トでボーダーコリーの雑種犬「ブーマー」の里親になって以来、同団体 のサポートに関心を持つようになったというメミンジャー氏は「犬や猫 の里親探しや保護された様々な動物のケアを行なっているハワイアン・ ヒューマン・ソサエティの仕事がいかに大切かということに気づきまし た」と語っている。
『アロハ、レディー・ブルー』はハワイの書店や書籍取扱い店、 Amazon、bookshawaii.netなどで販売されています。
CITY GUIDES Halekulani Living 112
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Halekulani Living 114 CITY GUIDES
left : Lacausa vintage tee and trouser, Echo and Atlas.
top right : Mark D. Sikes maxi dress and Eugenia Kim straw hat, Intermix.
Citizen Steele
In this novella by Peter Shaindlin, published by Deuxmers (read more on page 32), reclusive attorney Richard Jason Steele probes questions of his existence after committing a violent crime and facing execution. In his growing anguish, Steele examines the work of French author Michel Houellebecq:
“Not everything can be explained. There is thought and so there is reason, and so there is hope but inevitably, despair. An inanimate idea would be the perfect expression of infinity as a conscious state of mind ... a parallax portal by which one could stop living momentarily in organic terms, perhaps long enough to exchange ideas with God.”
シティズン・スチール ドゥメールから出版された ピーター・シェインドリン氏の 小説（詳細は32ページ）は、 凶悪犯罪を犯し、処刑を前に隠 遁生活を送る弁護士のリチャ ード・ジェイソン・スティールが 自らの存在意義について問うス トーリー。
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Queen Emma Summer Palace
From 1857 to 1885, the Queen Emma Summer Palace served as the summer retreat of Hawai‘i’s royal family, Queen Emma Kaleleonālani Rooke, her husband, Kamehameha IV, and their son, Prince Albert Edward.
クイーン・エマ・サマー・パレス 1857年から1885年まで、
クイーン・エマ・サマー・パレス
はハワイ王室のエマ・カレレオ ナラニ・ルーク女王と夫のカメ
ハメハ４世とその息子のアルバ ート・エドワード王子の夏の 別荘であった。
Queen Emma Summer Palace 2913 Pali Hwy. Honolulu
Living 116 CITY GUIDES
Halekulani
Mark D. Sikes maxi dress and Eugenia Kim straw hat, Intermix.
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THE VALUE OF HAWAI‘I 2
『バリュー・オブ・ハワイ２』
A series of essays encourages dialogue issues in Hawai‘i that will affect future generations.
ハワイの環境と社会問題につ いての対話を促す『バリュー・オ ブ・ハワイ２』。
Though it was published in 2014, The Value of Hawai‘i 2: Ancestral Roots, Oceanic Visions, co-edited by Aiko Yamashiro and Noelani Goodyear-Ka‘ōpua, remains relevant in prompting dialogue on some of Hawai‘i’s most pressing ecological and social issues.
The follow-up to The Value of Hawai‘i: Knowing the Past, Shaping the Future (which was published by University of Hawai‘i Press in 2010), the book is compiled of a series of essays written by 40 different authors. Canoe captain and educator Bonnie Kahape‘a Tanner tells sea tales about the voyaging canoe Kānehūnāmoku and the lessons it imparts to keiki. Jeffrey Tangonan Acido discusses the capacity of faith as a tool of equality in the Philippines and urban Honolulu.
“We know that our children and grandchildren will carry the full weight of ecological and social problems, such as climate change, growing economic inequality, and erosion of public safety net services, which have been left to us to address,” write Yamashiro and GoodyearKa‘ōpua. The way they address those issues is through stories of hope, work, and joy.—sonny ganaden
The Value of Hawai‘i 2: Ancestral Roots, Oceanic Visions is available at uhpress.hawaii.edu.
アイコ・ヤマシロさんとノエラニ・グッドイヤー・カオプアさんの共同編 集で2014年に出版された『バリュー・オブ・ハワイ２：先祖のルーツ、海 洋のビジョン』は、ハワイの深刻な環境と社会問題への早急な取り組み を呼びかけるものである。
『バリュー・オブ・ハワイ：過去を知り、未来を作る』（2010年にユニバ ーシティ・オブ・ハワイ・プレスより発行）の続編にあたる本書は、40名 の著者によるエッセー集だ。航海カヌー「カネフナモク」の航海物語とそ れが子供たちに与える学びの機会について語るカヌーキャプテンで教 育者のボニー・カハペア・タナーさんのストーリーやジェフリー・タンゴ ナン・アシードさんによるフィリピンやホノルルを平等な社会にするため の“信じること”の力についての話など、ハワイの人々のために今すべきこ とについて考えさせられる一冊である。
「このままでは地球の温暖化や経済の不均衡、公的セーフティネット の崩壊といった環境や社会問題の負担を私たちの子供や孫たちに強い ることになります。これは私たちの世代が解決しなくてはならない問題 です」と語るヤマシロさんとグッドイヤー・カオプアさんは、希望や仕事、 人生の喜びについて綴ったストーリーを通してこれらの問題解決のヒ ントを探っている。（評者：ソニー・ガナデン）
『バリュー・オブ・ハワイ２：先祖のルーツ、海洋のビジョン』は、 uhpress.hawaii.eduで購入できる。
opposite : Alexis mini flare skirt, Marissa Webb organza blouse, and Castañer denim wedge, all from Intermix.
CITY GUIDES
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Halekulani Living
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Mānoa Valley
Although the lush neighborhood of Mānoa is most commonly known as being home to the University of Hawai‘i, it is also filled with a high concentration of historic homes listed on the National Register of Historic Places. Once a year, Mālama Mānoa holds walking tours of some of the area’s historic homes. The tour includes at least eight interior visits along a 2-mile route of more than 60 homes built in the 1920s and ’30s. For more information, visit malamaomanoa.org.
マノアヴァレー 主にハワイ大学の拠点として 知られる緑豊かなマノアは、 国立歴史登録材に指定され ている歴史的な住宅が集中し ている場所でもある。マラマ・ マノアは年1回、このエリア歴 史的家屋を巡るウォーキング ツアーを開催している。このツ アーでは、3.2キロのルートに 沿って建つ1920年代と30年 代に建設された 60軒以上の 住宅のうち、少なくとも8軒の 内部を見学することができる。 詳しくは、malamaomanoa. orgまで。
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BARBARIAN DAYS
『バーバリアン・デイズ』
A Pulitzer Prize-winning autobiography.
ピューリッツァー賞受賞作品。
opposite : Self-Portrait flounced sleeve top, Rag and Bone denim pants, and Loeffler Randall tassel sneaker, all from Intermix.
It seems odd at first that William Finnegan, when writing his memoir, chose to center it upon surfing. Finnegan’s work as a war correspondent flung him to fascinating and perilous corners of the world. Yet, Barbarian Days: A Surfing Life, which won a Pulitzer Prize in 2016, is about his experience in—and connection to—water.
For Finnegan, the dedicated study of one simple thing—the way a body and a board move across the face of a wave—lends itself to the study of much more complicated, even maddening, things: wars, apartheid, uprisings, human nature, and above all else, change.
Born in California, Finnegan’s story begins with his family’s relocation to Hawai‘i in 1966. At age 13, beneath the shadow of O‘ahu’s Diamond Head Crater, he began a lifelong surfing practice. In the mornings, before catching the bus to school, he would walk down the path fronting his house to surf Cliffs, where he’d hone his skills while studying the older, better, cooler local guys in the line-up. His recollection is enough to trigger a lingering nostalgia even in those born in an entirely different era of Hawai‘i’s history.
Finnegan left Hawai‘i with his family and traveled the world, first as a young man in search of undiscovered waves, then as a reporter, and later, as a seasoned surfer on holiday from his stable, professional life. Over the course of this time, surfing became an industry; breaks were commercialized, empty lineups filled, and quiet towns and villages developed into tourist destinations. A pattern emerged. As much as anyone else, Finnegan was altering the very landscape he longed for.
In one particularly moving passage, Finnegan mourns the death of a beautiful break in Madeira, off the coast of Portugal, ruined by the construction of a seaside roadway along the town of Jardim do Mar. “Beyond the loss or gain,” Finnegan writes, “I found these sudden changes to established surf spots profoundly unsettling.” As he ages, the author accedes that even his body has begun to change without his permission. Still, there is solace in an expertly ridden wave, a hollow barrel, and the constant movement of the sea. For all its painstakingly detailed accounts of encountering surf breaks in Fiji, South Africa, or Honolua Bay on Maui, Barbarian Days is about much more than just surfing. It’s about a life molded by time, physics, and the force of deep-water energy crashing into land.—tina grandinetti
Available online and wherever books are sold.
ウィリアム・フィネガンさんの書いた回想録が、サーフィンに関するもの であることを不思議に思うかもしれない。2016年にピューリッツァー 賞を受賞した『バーバリアン・デイズ：一つのサーフィンライフ』は、世界 中の魅惑的で危険な地域を旅していた戦争特派員のフィネガンさん自 身の海での体験や海との絆について書かれたものだ。
ボード一つで波に乗るサーフィンというシンプルな行為を追求するこ とが、はるかに複雑で悲惨な戦争やアパルトヘイト、暴動、人間の本質、 そして何よりも“変化”といったものを理解する上で重要な鍵を握ってい るとフィネガンさんはいう。
カリフォルニア州で生まれたフィネガンさんは、1966年に家族とと もにハワイへ移住する。オアフのダイアモンドヘッドの麓で13歳の時に サーフィンを始めた。毎朝スクールバスの時間まで家から歩いてすぐの 「クリフス」で波に乗り、波のラインナップに並ぶ年上の地元サーファー たちを見ながら腕を上げていった。彼の回想録は全く違う時代のハワ イに生まれた私たちをもノスタルジックな気持ちにさせてくれる。
フィネガンさんは家族とともにハワイを離れると、最初は未開の波を 追い求める若者として、また記者として、後には安定した仕事の合間に 休暇を楽しむ熟練サーファーとして世界中を旅した。その間、サーフィ ンは産業として成長し、サーフブレイクは商業化されていった。がら空 きだったラインナップが混み合うようになり、静かな町や村は開発され て観光地となった。そこにはあるパターンがあった。未開の地を求めて 旅していたフィネガンさん自身、その場所のあるべき姿を変えてしまっ ていたのだ。
ある一節でフィネガンさんは、ポルトガル沖にあるマデイラ諸島の美 しいブレイクがジャルディン・ド・マールという町沿いの海岸道路の建設 により台無しになってしまったことを嘆いている。「何が失われ、何を得 られたかが問題なのではなく、昔からあるサーフスポットがこのように 急変してしまうことは深刻な問題だと思います」とフィネガンさん。環境 の変化どころか、歳をとるとともに自分の体に起こる変化すら止めるこ とができないことは十分承知している。それでも最高のライドができた 波、空洞なバレルの波、絶え間ない海の動きには癒しがあるという。フィ ジーや南アフリカ、マウイ島のホノルア湾で出会ったサーフブレイクに ついても詳細に記録している『バーバリアン・デイズ』は単なるサーフィ ン本ではない。それは時間や物理学、そして深い海の底からのエネルギ ーが陸にぶつかる力によって形作られたサーフィンライフの物語だ。 （評者：ティナ・グランディネッティ） 本書はオンラインや書店で購入できます。
CITY GUIDES
Living 122
Halekulani
123 Editor’sPick
KILOMETER 99
『キロメートル99』
Find escape in the waves of El Salvador.
エルサルバドルの波への逃避
opposite : Lacausa dress and Nightcap seashell gown, Echo and Atlas.
It starts with a near perfect barrel ride at a Salvadoran surf break, closed out in a heap of whitewash and a heavy dose of foreshadowing. With short chapters that pile on quickly and often end with a cliffhanger, Kilometer 99 is a fast-paced read about a young Peace Corps engineer from Honolulu. The no-fuss writing suggests a charming beach read; however, it is no delightful traveler’s escape to El Salvador, no feel-good Eat, Pray, Love. Local writer Tyler McMahon’s prose instead swiftly builds the setup for an adventure that tragically devolves shortly after the scene is set.
The plot centers on Malia, nicknamed “Chinita,” a Peace Corps volunteer who headed to El Salvador for a chance to see the world. Instead, she finds herself faced with widespread destruction after an earthquake racks the country, her nearly completed water project destroyed. She and her boyfriend decide to cash out and take a surf trip around South America, only to get waylaid by a mysterious bumbling foreigner who pulls them into increasingly shady deals.
It’s in McMahon’s descriptions of the surf sessions, the vividness of El Salvador, and the intense moments when things get progressively worse that McMahon’s writing shines. When a second earthquake hits El Salvador after Malia’s passport and money have been stolen, she picks up a surfboard and heads for the ocean. “I realize then, or remember perhaps, that the surfer’s idea of perfection is different from everyone else’s,” Malia narrates. “It isn’t abstract or inscrutable, some shadow on the wall of a cave. We know what it feels like—perfection—how it looks and the sound it makes.”
McMahon, a professor of English at Hawai‘i Pacific University who was a Peace Corps volunteer in El Salvador, creates an engaging narrative spiced with convincing details, from local Salvadoran food and architecture to the types of characters found in a seaside town awash in cocaine. In this quick read, El Salvador flashes by the window. Kilometer 99 is more destination than escape—it’s a novel, after all—and one worth visiting.—anna harmon
Kilometer 99 is available online and wherever books are sold.
この物語はエルサルバドルのサーフブレイクでの完璧に近いバレルライ ドから始まる。そこから白波となって一気に崩れ落ちクローズアウトす る波は不吉な予兆を感じさせる。ハラハラさせられるスピード感のある 展開と短い章でさくっと読むことのできる『キロメートル99』は、ホノル ル出身の若い平和部隊エンジニアが主人公の小説だ。読みやすい文章 なのでビーチでの読書向きだが、その内容はエルサルバドルへの旅のす すめでも『食べて、祈って、恋をして』のような自分探しの旅物語でもな い。ハワイ在住の作家、タイラー・マクマホンさんの作品は、次々と悲劇 的な展開をみせる冒険の世界へ読者をあっという間に引き込んでいく。 この本は、世界を見るため平和部隊ボランティアとしてエルサルバド ルへ向かう「チニータ」という愛称のマリアを取り巻くストーリーだ。意 に反して彼女を待ち受けていた多くの試練。大規模な地震によって国 は大打撃を受け、彼女の水資源プロジェクトも完成間近で崩壊してし まう。マリアと彼女のボーイフレンドはすべてを忘れ、南米を巡るサーフ トリップに出ようとするがその矢先、突如として現れた謎の外国人に引 き止められ、次々と不可解で危険な出来事に巻き込まれていく。 サーフセッションの描写や生き生きとしたエルサルバドルの情景、二 人が次第に窮地に追い込まれていく緊迫した場面では、マクマホンさ んの卓越した文章が一際光っている。パスポートと所持金を盗まれ、エ ルサルバドルが2度目の地震に襲われると、マリアはサーフボードを拾 い上げて海に向かい「 その時、サーファーにとっての“完璧”という概念 が普通の人とはまるで違うことに気づいたの。それか忘れていただけか もしれない」と語る。「それは抽象的でも正体不明な何かでもない。“完 璧”というものがどんな感覚でどんな音がするものかをサーファーは知 っているの」。
ハワイパシフィック大学の教授で自らエルサルバドルの平和部隊ボラ ンティアだった経験を持つ著者は、エルサルバドルの地元料理や建築 物から、コカインが蔓延した海辺の町に住む登場キャラクターに至るま で説得力のあるディテールで描き、魅力的なストーリーを作り上げてい る。エルサルバドルの景色が車窓を流れるような感覚の『キロメートル 99』は、現実離れした夢の世界ではなくデスティネーションへと誘って くれる小説であり、一読に値する一冊だ。（評者アナ・ハーモン）
『キロメートル99』は、オンラインや書店で購入できます。
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ITINERARY QUIET SPACES
TEXT BY ANNA HARMON & SONNY GANADEN
IMAGES
BY
JOHN HOOK
文＝アナ・ハーモン＆ソニー・ ガナデン
HEAR HAWAI‘I MUSIC
HEAR: SOUNDS OF HAWAI‘I
ハワイの音楽を楽しむ
Three contemporary Hawai‘i musicians worth a listen. おすすめのコンテンポラリーハワイアン・アーティスト
SPOTLIGHT CHANEL
For more information, visit kalanipeamusic.com.
詳しくは、kalanipeamusic. comをご覧ください。
Kalani Pe‘a
Kalani Pe‘a has a lot of reasons to smile these days. At this year’s 59th annual Grammy Awards, Pe‘a’s debut album, E Walea (which means to be exuberant), took home the award for best regional roots album. This win marked the first time a Native Hawaiian artist has received the award for this category. Pe‘a, who is an educator at Kamehameha Schools on Maui, learned Hawaiian at a young age and began singing at 4 years old. His style reflects his love for the islands, and is influenced by Hawaiian, contemporary, soul, and rhythm and blues music. “It is through Hawaiian music and poetry that we share our mo‘olelo (stories),” Pe‘a says. “I want to leave ho‘oilina (legacies) for my family, my students, and the communities we serve through higher education, and through creating Hawaiian music.”
カラニ・ペア
カラニ・ペアさんは、ハワイの音楽界でもっとも注目されているアーティ ストの一人だ。ペアさんのデビューアルバム「E Walea」は、今年59回 目の開催となったグラミー賞でネイティブハワイアンのアーティストと しては初めて、最優秀リージョナル・ルーツ・アルバム賞を受賞した。マ ウイ島のカメハメハ・スクールズの教師でもあるペアさんは、幼い頃か らハワイ語を習得し、4歳の頃から歌い始めた。ハワイへの愛情が込め られた彼の音楽は、ハワイアン、コンテンポラリー、ソウル、R＆Bといっ た幅広いジャンルをカバーしている。ペアさんは、「私たちはハワイアン ミュージックと詩でモオレロ（ストーリー）を伝えています。教育とハワイ アンミュージックを通して、家族や生徒たち、そして地域社会のための ホオイリナ（遺産）を残したいと考えています」と語っている。
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CITY GUIDES
For more information, visit kamakakehau.com.
詳しくは、kamakakehau.com
をご覧ください。
Ryan Kamakakehau Fernandez
At six weeks old, Ryan Kamakakehau Fernandez, who was born in Little Rock, Arkansas, was adopted by Robyn Nae‘ole. Raised on Maui, Fernandez attended Ke Kula Kaiapuni ‘o Kekaulike, the Hawaiian language immersion program at King Kekaulike High School, and spent his spare time learning to be a professional singer. While he is not Native Hawaiian, Fernandez’s talent in leo ki‘eki‘e, or Hawaiian falsetto singing, preclude any questions of his authenticity. Though people who sing in this style usually begin at a young age, Fernandez started in 2003, when he was 18 years old. But he was a natural, and within the first year, he won the Ho‘opi‘i Falsetto Contest. In 2013, the singer won a Nā Hōkū Hanohano Award for his EP, Wahi Mahalo. Though his falsetto is hauntingly pristine, Fernandez also enjoys performing neo-soul and gospel styles. “There are so many places I’d like to take my music,” he says. “This is just the beginning.”
ライアン・カマカケハウ・フェルナンデス アーカンソー州リトルロックで生まれたライアン・カマカケハウ・フェ ルナンデスさんは生後６週間の時、ロビン・ナエオレさんの養子とな りマウイ島で育った。キング・ケカウリケ高校でハワイ語集中プログ ラム「ケ・クラ・カイアプニ・オ・ケカウリケ」を修了し、プロの歌手を目 指して空き時間を音楽の勉強に費やしていたというフェルナンデスさ んは、ハワイ語も堪能でネイティブハワイアンも顔負けのレオキエキエ （ハワイアン独特のファルセット歌唱法）の才能を持つ。習得するの に幼い頃からの訓練が必要とされるこの歌唱スタイルをフェルナン デスさんは18歳の時、2003年から歌い始めた。天性の才能を持つ 彼は、その1年以内に栄誉ある「ホオピイ・ファルセット・コンテスト」 で優勝、2013年には「Wahi Mahalo」というレコードで、ナ・ホク・ ハノハノ賞を受賞している。聴く者の心を虜にする美しいファルセッ トボイスを持ちながら、ネオソウルやゴスペルスタイルの歌も得意と するフェルナンデスさんは、「色々なスタイルに挑戦したり、音楽を通 してやりたいことが沢山あります。これは僕にとってほんの始まりに過 ぎません」と意気込みを語る。
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For more information, visit kimieminer.com.
詳しくは、kimieminer.comを ご覧ください。
Kimié Miner
In 2016, Kimié Miner won a Nā Hōkū Hanohano Award for best contemporary album for her self-titled album. “Since I could talk, I could sing,” Miner says. “I always loved anything music.” At 14 years old, as a boarder at Kamehameha Schools on O‘ahu, Miner began her musical journey by singing from her diary and playing along with her new guitar. Last year, she was also chosen to participate in the Creative Lab Hawaii Music Immersive, a mentorship initiative founded by the State of Hawai‘i Department of Business, Economic Development, and Tourism that offers select musicians the rare opportunity to work directly with top industry professionals and music executives. “As a Hawaiian, it makes me so proud to have this opportunity to share our culture through music on a much bigger scale,” Miner says. “To me, we’re creating a new legacy for Hawaiian music.”
キミエ・マイナー
2016年、自らの名を冠したアルバムでナ・ホク・ハノハノ・アワードの 最優秀コンテンポラリーアルバム賞を受賞したキミエ・マイナーさん。 「言葉を話せるようになった頃から歌を歌っていました。常に音楽が 大好きでした」という彼女の音楽活動は、14歳の時、オアフ島にある カメハメハ・スクールズの学生寮で、買ったばかりの新しいギターを 弾きながら日記を歌にして歌ったことから始まった。昨年、彼女はハ ワイ州経産業経済発展観光局の指導プログラム「クリエイティブ・ラ ブ・ハワイ・ミュージック・イマーシブ」の参加者にも選ばれた。このプ ログラムは、優秀なミュージシャンをプロの音楽業界関係者やプロデ ューサーとアーティスト活動を行う機会を提供するもの。マイナーさ んは、「音楽を通じて私たちの文化をこれまでにない多くの人たちと 共有できることを一人のハワイアンとして心から誇りに思います。そ れはハワイアンミュージックの新しいレガシーを創り上げることを意 味しているのですから」という。
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ITINERARY QUIET SPACES
IMAGES COURTESY OF CHANEL
Designed by renowned
New York-based architect
Peter Marino, Chanel’s two boutiques at Ala Moana Center evoke a vibrant sense of luxury inspired by local Hawaiian culture.
著名なニューヨークの建築家 ピーター・マリノ氏によって設計 されたアラモアナにある2つの
シャネル ブティックは、ハワイ 文化のエッセンスを取り入れた 高級感あふれるデザインだ。
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SPOTLIGHT: CHANEL ALA MOANA CENTER
SPOTLIGHT CHANEL
“Give a girl the right shoes, and she can conquer the world,” Marilyn Monroe has been quoted. The iconic star, who famously wore only Chanel No. 5 to bed, would certainly have reveled in the unveiling of Chanel’s redesigned boutiques at Ala Moana Center, including its first freestanding boutique in the United States devoted exclusively to shoes.
Designed by preeminent New York-based architect Peter Marino, the two boutiques marry signature elements inspired by Mademoiselle Coco Chanel— including visual nods to her legendary Paris apartment on Rue Cambon—with hints of Hawai‘i. Electric hues of pinks and purples, inspired by the breathtaking sunsets found in the isles, are set against a backdrop of minimalist black, white, and gold accents. Marino
「ふさわしい靴を与えれば女の子は世界を征服することだってでき る」という有名な言葉を残し、寝る時にシャネルのNo.5のみを身につ けていたことで知られるマリリン・モンロー。彼女のことなら、全米初 のシューズ専門のブティックが加わり、リニューアルしたアラモアナセ ンターのシャネルブティックのオープンを大いに喜んだことだろう。 著名なニューヨークの建築家ピーター・マリノ氏によって設計され た2つのブティックは、パリのカンボン通りにあるマドモアゼル・ココ・ シャネルの有名なアパルトマンの視覚的要素にハワイらしさを取り入 れたデザイン。息を呑むようなハワイの夕焼けをイメージしたピンク とパープルの刺激的な色合いが、金をアクセントにしたミニマリスト な黒と白の背景に映えている。マリノ氏は両ブティックの設計に、地 元の職人によって手作業で塗られたベネチア製の漆喰など、アラモア
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スポットライト： アラモアナセンターのシャネルブティック
CITY GUIDES
Chanel’s two-story shoe boutique, a sophisticated black and white space illuminated by bright, textural decor, is accented by a custom 24-karat gold leaf display wall.
2階建のシャネル シューズ ブテ ィックは、洗練された黒と白の 空間に明るい豊かな質感のイン テリアが映え、カスタムデザイン された24Kゴールドのリーフデ ィスプレイが美しいアクセントと なっている。
designed both spaces using materials and finishes exclusive to the boutiques at Ala Moana Center, including Venetian plasters that were hand-applied by local artisans.
The boutiques, which opened in November 2016, represent Chanel’s longstanding ties to Hawai‘i, and the vitality of the state’s market. The company’s foray into the United States began with the opening of the Waikīkī location in 1983. In addition to the shoe boutique—which houses a dizzying collection of spectator and saddle shoes, pearl-trimmed sandals, ballet flats, and iconic two-tone Chanel pumps— the main two-story boutique offers ready-to-wear collections, and a selection of handbags, watches, and fine jewelry.
For more information, visit chanel.com.
ナセンターブティックだけの特徴的な素材と質感を取り入れている。 2016年11月にオープンしたこれらのブティックは、シャネルと ハワイの長年にわたる結びつきとハワイ市場の活力を象徴してい る。1983年にオープンしたワイキキ店は同社の米国進出一号店でも ある。シャネル シューズ ブティックには、スペクテイターやサドルシュ ーズの豪華コレクションをはじめ、パールトリムサンダル、バレエフラ ット、象徴的なツートーンのシャネルパンプスなどが豊富に揃う。 また2階建てのメインブティックでは、レディトゥウェア コレクション、 ハンドバッグ、腕時計、高級ジュエリーを扱っている。
詳細は、chanel.comをご覧ください。
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Halekulani, the most internationally acclaimed of all Hawai‘i hotels, blends serenity and understated elegance with exceptional service to create an oasis of tranquility.
ハワイを代表するホテルとして、 世界的に有名なハレクラニは、 オアシスのような安らぎ と上質なエレガンス、一流の サービスでお客様をお迎えし ています。
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HALEKULANI GUIDE
LEGACY
レガシー
Halekulani’s beachfront location has welcomed people since 1883, when the original owner, Robert Lewers, built a two-story house on the site of what is now the main building.
ハレクラニの建つワイキキのビーチフロントは、1883年にロバート・ルワーズ氏が現在のメインビルディングのある場所に2階建ての家を建てて以来、多くの人々を迎えてきました。
The fishermen of the area would bring their canoes onto the beach in front of the property to rest. So welcomed were they by the Lewers family that the locals named the location “house befitting heaven,” or Halekulani.
In 1917, Juliet and Clifford Kimball purchased the hotel, expanded it, and established it as a stylish resort for vacationers, giving it the name the locals originally bestowed on it, Halekulani. The hotel was sold following the passing of the Kimballs in 1962. Almost 20 years later, it was purchased by what is now the Honolulu-based Halekulani Corporation. The hotel was closed and rebuilt as the existing 453-room property.
Today, Halekulani’s staff, location, and hospitality reflect the original Hawaiian welcome that defined the property.
ルワーズ一家が、邸宅前のビーチにカヌーを引き揚げて休憩するワイキキの漁師たちを歓迎 したことから、地元の人たちはこの場所を「天国にふさわしい館」という意味の ハレクラニと呼ぶようになりました。
1917年にジュリエット＆クリフォード・キンバル夫妻によって購入、拡張されたこのホテル は、バカンス旅行者のための洗練されたリゾートとして生まれ変わり、地元の人たちによって つけられた「ハレクラニ」と命名されました。1962年、キンバル夫妻の死去を機に売却 されたホテルは、ほぼ20年後、現在ホノルルに拠点のあるハレクラニ・コーポレーションに よって購入され、一時閉館すると、改築工事を経て、現在の453室あるハレクラニに生まれ 変わりました。
ハレクラニでは、歴史あるワイキキのビーチフロントで、現在も昔と変わらないハワイ ならではのおもてなしの心で、スタッフ一同お客様をお迎えいたします。
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DINING
ダイニング
At
Halekulani’s Waikīkī restaurants, awardwinning chefs create signature dishes from Hawai‘i’s freshest ingredients.
ハレクラニのレストランでは、数々の受賞歴を誇るシェフによる、ハワイの新鮮な素材を使ったオリジナル料理をご用意しています。
Each of Halekulani’s restaurants celebrates its own distinct style of cuisine, and all offer stunning views of the sea.
Select from La Mer for fine dining, Orchids for more casual elegance, or House Without A Key for a relaxed ambience.
ハレクラニのレストランでは、美しいオーシャンビューとともに、それぞれに特徴のある 多彩な料理の数々をお楽しみいただけます。
ファインダイニングの「ラ メール」、カジュアルでエレガントなレストラン「オーキッズ」、
くつろぎの時間をご提供する「ハウス ウィズアウト ア キー」など、その日のご気分や オケージョンに合わせてお選びいただけます。
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SPAHALEKULANI
スパ ハレクラニ
SpaHalekulani intertwines authentically crafted Polynesian therapeutic rituals with today’s purest products and proven techniques, elevating the spa experience to be both immersive and rejuvenating.
数々の賞を受賞しているスパハレクラニでは、オーガニックなプロダクトと施術師の確かな技術に、本格的なポリネシアの治療法を取り入れた、 心身に活力を与える深い癒しのスパトリートメントをご提供しています。
The award-winning spa is renowned for a commitment to harmoniously restore the mind, body, and spirit of guests with a respite that is spiritual, cultural, and emotional.
心と身体の調和バランスを取り戻し、豊かなポリネシア文化の香るスピリチュアルな 安らぎのひとときをお楽しみください。
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A HUI HOU 144 IMAGE COURTESY OF HALEKULANI
Ulrich Krauer
General Manager Halekulani
