Palm III

Artful living—the pursuit of experiences and connections that feed the senses and fill the spirit—is embodied in the exceptional condominiums developed by The MacNaughton Group and Kobayashi Group. Both separately and together, the two Honolulu-based companies have a long history of developing beautiful living spaces for Honolulu’s most cosmopolitan individuals.

With that shared commitment in mind, PALM, the custom publication for those discerning residents, devotes its third issue to exploring the theme of artful living. Proceeding in a literal context, we visit with several artists who create functional works to learn about their lives and methods, and examine how stylized advertising played into the golden age of air travel to Hawai‘i in the mid-20th century.

Artful living in Hawai‘i also takes inspiration from the Hawaiian Islands’ astonishing natural beauty, the fusion of Pacific and Asian aesthetics, and the vibrant movement to revive Native Hawaiian language, arts, and traditions. This issue of PALM also reveals modern translations of cultural touchstones, as found in everything from fashion and food to landscaping and architectural design.

No matter how you define it, the possibilities for an artful and art-filled life are all around us.

Aloha,

PALM デベロッパーからのご挨拶

アートフルな暮らし。それは、感覚と心を満たす様々な体験とつ ながりを求め続けること。ザ・マクノートン・グループとコバヤシ・ グループの作るコンドミニアムには、そんな暮らし方が体現され ています。両社はどちらもホノルルに本拠を置き、合同で、またそ れぞれ独自に、ホノルルのもっともコスモポリタンな人々のため の美しい暮らしの空間を長期にわたって作り出してきました。

両社が共に抱くそうしたコミットメントを念頭に、コンドミニ アムにお住まいの洗練を知る皆様のための特別なマガジン 「PALM」の第3号は、アートフルな暮らしをテーマにお届けし ます。今号では、ビジュアルアーティストの方々にそれぞれの生 活と仕事についてお話を伺い、また、様式化されたエキゾチック な楽園の島のイメージが、20世紀半ばの航空機によるハワイ旅 行黄金時代にどのように火をつけたかを探っています。

ハワイでのアートフルな暮らしは、もちろん、この土地の圧倒的 な自然美、太平洋地域とアジアの影響が融合した美意識、そし て活発なネイティブハワイアンの言語、アート、伝統のリバイバ ル運動にもインスピレーションを受けています。今号のPALM マガジンでは、ファッション、食、ランドスケープ、そして建築デ ザインにみられる、そうした伝統の新しい解釈についても考察 します。

どのように定義するにしても、アートフルな暮らし、そしてアート に満ちた暮らしへの可能性は、意外なほど身近にあるのです。

CEO & PUBLISHER

Jason Cutinella

CHIEF CREATIVE OFFICER & EDITOR

Lisa Yamada-Son lisa@nellamediagroup.com

CREATIVE DIRECTOR

Ara Feducia

MANAGING EDITOR

Matthew Dekneef

ASSOCIATE EDITOR

Anna Harmon

PHOTOGRAPHY DIRECTOR

John Hook

TRANSLATIONS Japanese Yuzuwords Korean AT Marketing

COPY EDITOR

Andy Beth Miller

ADVERTISING

Mike Wiley Group Publisher mike@nellamediagroup.com

Chelsea Tsuchida Marketing & Advertising Executive

Ethan West Marketing & Advertising Executive

CHIEF REVENUE OFFICER

Joe V. Bock

VP BUSINESS DEVELOPMENT

Gary Payne

OPERATIONS ADMINISTRATOR Courtney Miyashiro

PUBLISHED BY:

Nella Media Group

36 N. Hotel St. Ste. A Honolulu, HI 96817

PALM is published exclusively for:

The MacNaughton Group & Kobayashi Group © 2017 by Nella Media Group, LLC. All rights reserved. No part of this publication may be reprinted without the written consent of the publisher. Opinions are solely those of the contributors and are not necessarily endorsed by Nella Media Group.

INTERIOR DESIGN

Interior Design by ODADA for Park Lane Ala Moana

Rendering by SteelBlue

The cover image by photographer Mark Kushimi features model Jyoti Mau at Park Lane. The residences’ open-air communal spaces and spacious interiors provide a calming respite from the energetic bustle of Honolulu.

アート 16

共に、創る ビジネス 34

はるかな空へ

文化 50

受け継ぐ力

表紙

表紙：フォトグラファーのマー ク・クシミがモデルのジョーテ ィ・マウをパークレーンで撮 影。オープンエアの共有スペー スと広々とした室内は、賑やか な活気にあふれたホノルルの 市街の上に静かな空間を作り 出しています。

デザイン 66

暮らしを彩る美 92

ファッション

エスケープ

114

アートフルなパリ 126

ラナイ島の伝説と現在 食

138

友と囲む食卓

Visual that amplify

notions

AR TS

the

soul

of the city

Living for Art

共に、創る

Text by Le‘a Gleason

文 = レア・グリーソン

Images courtesy of the artists & Honolulu Museum of Art

写真提供 = バターフィールド夫妻＆ホノルル美術館

Onsite at Park Lane, Deborah Butterfield’s bronze sculpture, Laurel , is named after a town in Montana and a tree.

Image by Mark Kushimi.

Married artists Deborah Butterfield and John Buck find emotional and intellectual connection in their works.

アーティスト夫妻、デボラ・バターフィールドさんとジョン・バックさんは、作品を通して知性と 感情の両面でのつながりを見出しています。

Deborah Butterfield arrived in the world in 1949, on the 75th anniversary of the Kentucky Derby. Fittingly, she developed a fascination with horses at an early age, and by the mid 1970s, she was sculpturing the creatures. For Butterfield, these artistic creations are self-portraits. To the world, these unique horse forms are her hallmark.

Butterfield creates her sculptures from fallen branches that she has carefully collected in nature, after which she assembles to represent another part of nature: the figure of a horse. “I gather wood from different locations of rivers and mountains,” she says. “I’m very moved by the history that’s in the wood … and this narrative that’s entombed in it.”

デボラ・バターフィールドさんが生まれたのは1949年、ケンタッキーダービー の75周年記念日でした。誕生日にふさわしく幼少時から馬に魅せられていた バターフィールドさんは、1970年代半ばには馬の彫刻を手がけるようになっ ていました。この馬たちは、彼女にとってはいわば自画像のようなものであり、 彼女のアートを代表する作品です。

バターフィールドさんは自然の中で丁寧に拾い集めた枝を使って、自然の 造形である馬の形を作り上げます。「川や山の様々な領域に出かけて、木材を 集めます。私は、枝々がその中に持っている歴史、木の中に埋め込まれている物 語に大きく心を動かされるのです」とバターフィールドさんは語ります。

集めた枝の形が、馬のフォルムを導き出していきます。重なりあった枝が首

The shapes of the found wood guide the equine forms Butterfield creates. They stack and overlap into the shape of a neck, a hindquarter, a tail, a life-size horse, but through the gaps, you can glimpse the interior of the creature, and gaze all the way through it. The form is then cast in bronze. Her process creates a natural patina on the metal, making it once again appear, amazingly, as wood. “I guess I’m trying, within my own intentional composition, to mimic those things we apprehend in nature,” she explains.

Kelly Sueda, Park Lane’s art curator, chose one of Butterfield’s sculptures for the development’s collection of 500 hand-selected, original art works from around the world. Reflecting on Butterfield’s sculptures, Sueda says, “A horse, being an iconic figure, can say so much. Is it calm, ready to charge, ready to race? When people see them for the first time, they think it’s wood, and then they feel or touch it and find out it’s bronze. There’s now this visual and emotional interest, in addition to the power or serenity that looking at the work evokes.”

Butterfield cultivated her talents at the University of California, Davis, from which she earned a bachelor’s and master’s of fine arts degree. This school is also where the sculptor found her partner, in love and art—John Buck. From the beginning, she remembers finding it easy to relate to Buck. They would spend long hours in the studio, watching and learning from resident artists, and found an intimate connection through their work.

“I think for both of us, it’s the same life. We don’t know anything else,” Butterfield says. “You have this work ethic, and this is the most important thing there is. It makes us not good at social stuff, vacationing,

や脚、尾の形を作り出し、実物大の馬になっていき、同時に枝のすきまから馬 の内側を覗き込んだり、馬を通して向こう側を見ることもできるのです。出来上 がった木製のフォルムをもとにブロンズを鋳造しますが、この過程で枝は燃え てしまいます。この技法で作られた作品には自然な緑青が生じ、再び木材そっ くりの外見になります。「自然の中に私たちが見るものを意図的な構成の中に 再現しようという、私なりの試みなのだと思います」とバターフィールドさんは 説明します。

バターフィールドさんの作品は、アートキュレーターのケリー・スエダさん がパークレーンのために世界各地から選んだ500点のアートコレクションの中 の1つ。彼女の作品についてスエダさんはこう語っています。「馬というアイコニ ックな形状は、実に様々な事柄を物語ることができます。落ち着いた心持ちも あれば、今にもレースに出て行こうとする、はやる気持ちもあります。彼女の馬 たちは一見するとまるで木で出来ているようですが、触ってみるとブロンズ製 だと分かります。この作品は力強さや安らぎを感じさせるだけでなく、そうした 視覚や感情面での関心も呼び起こします」。

バターフィールドさんはカリフォルニア大学デイビス校で才能を伸ばし、美 術の学士号と修士号を取得しました。私生活だけでなく芸術上のパートナー でもあるジョン・バックさんと出会ったのも同校でした。バックさんとは出会っ た時から息が合ったのを良く覚えているそうです。2人はスタジオでレジデント アーティストたちの制作過程を見て学びながら何時間も過ごし、お互いの作品 を通してつながりを深めていきました。

「私たちは同じ生き方をしているのだと思います。ほかには何も知らない のです」とバターフィールドさん。「仕事に打ち込むことが、何よりも大切なので す。おかげで、社交的なことやバケーションや、そのほかのビジネスやネットワ

예술과 함께하는 삶

화가이기도 하면서 파트너인 Deborah

Butterfield 씨와 John Buck 씨는 함께

영감을 받아 작업이나 형태를 잡습니다.

Butterfield 의 대표작품인 말 작품과

Buck씨의 여인형상은 500명의 추천을

받은 작품입니다. 이 작품들은 레인파크에

있습니다.

Buck’s sculptures express an interest in social and political issues by questioning traditional art forms.

For the art collection at Park Lane, Buck created Down Stares , a female figure with an abstract centerpiece that interacts with light and shadow. Image by Mark Kushimi.

アートキュレーターのケリー・スエダさ んがパークレーンのために選んだデボ ラ・バターフィールドさんとジョン・バッ クさんの作品が敷地を飾っています。

Hi‘iaka , by Deborah Butterfield made from cast bronze. Collection of Sharon and Thurston Twigg-Smith. Image courtesy of Honolulu Museum of Art.

In the studio, Butterfield employs a unique layering process to sculpt her recognizable bronze horses.

business, and connections, because we just want to be in our studios,” she adds with a laugh.

During his long studio hours, Buck creates carved wood and bronze sculptures, woodblock prints, and complex mechanical-kinetic sculptures. At Park Lane, Buck’s piece depicts the figure of a woman with a head like a square gate. “As a form, it’s really incredible,”

Sueda says. “At night, it’s silhouetted with this beautiful limestone wall behind it. During the day, when the sun hits it, it casts this wonderful shadow on the wall.”

For the artist, creating is about more than just aesthetics. “I experiment with the conventions of the traditional art form, which is the ‘figure,’ and from that point, I go to political issues, social issues,” says Buck. “They’re not hidden behind the mask of a face, but they’re the face of an idea.”

Butterfield sees similarities in her creations and those of her husband. “The horse shape is my canvas, and then the composition is the internalization of emotions in the shape of this horse,” she explains. “With John’s work, there’s a figure, and instead of a head, there’s an abstract construction from the shoulders up, which for me, I read as a diagram of his thoughts.”

ーキングには疎くなります。いつも自分たちのスタジオにこもっていたいんです から」と笑ってつけ加えました。

バックさんはスタジオで、木彫とブロンズの彫刻作品、木版画、そして複雑 な機械仕掛けの動く彫刻を制作しています。パークレーンに設置されているバ ックさんの作品は、四角い門のような形の頭部を持つ女性像です。「実に卓越 したフォルムです」とスエダさんは賞賛しています。「夜になると、美しい石灰岩 の壁を背景にシルエットとして浮かび上がります。そして昼間、陽の光に照らさ れると、その壁に素晴らしい影ができるのです」。

アーティストにとって、創作には美意識だけではない、より大きな意味があ ります。「従来のアートの形式が持つ『かたち』という考え方に実験を加えて、そ こから政治的な課題や社会問題に踏み込んでいきます」とバックさん。「それら は仮面の後ろに隠れているのではなく、ある考え方を代表する顔として現れる のです」。

バターフィールドさんは、自身の作品と夫のバックさんの作品に類似性を 見出しています。「馬の形は、私にとってキャンバスと同じです。作品の構成によ って、その馬の形の中に感情を内面化させるのです。ジョンの作品は、人の形を していて、肩の上には頭の代わりに抽象的な構造物があります。私には、これは

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Hi‘iaka by Deborah Butterfield, made from cast bronze. Collection of Sharon and Thurston Twigg-Smith. Image courtesy of Honolulu Museum of Art.

John Buck, Hapu‘u , 2015, courtesy of the artist.

In 1986, an opportunity to create works for a show for the Honolulu Advertiser brought the pair from Montana to Hōlualoa on Hawai‘i Island’s west side, where Thurston Twigg-Smith, a longtime art collector and art supporter, provided them a home and studio space in which to work. They loved the climate, the concentration of artists living in the area, and the slower pace of island living, so in 1987, they built a home there. Today, the couple resides part-time in Montana and roughly three months of the year in Hōlualoa. Butterfield also has a foundry in Walla Walla, Washington, where she does her large-scale metal work.

At Park Lane, Butterfield’s majestic grazing horse is at home in the entryway to the lobby. Nearby, along Park Lane’s strolling path, stands Buck’s sculpture Down Stares. Those who pass by often stop to admire the patina on Butterfield’s horse, and to touch it, only to find that it isn’t wood. Others pause, dazzled by the sunlit bronze of Buck’s piece, or its unexpected composition.

“I think great art is one that evokes emotion from everybody,” Sueda says. “You can’t just walk by it.”

彼の思考を形に表したものに見えます」とバターフィールドさんは語ります。

1986年、『ホノルル・アドバタイザー』紙主催の展覧会のために作品を制 作する機会を得た夫妻は、モンタナ州からハワイ島西部のホルアロアにやって 来ました。アートコレクターであり支援者でもあるザーストン・トウィグ=スミス さんが、夫妻が制作に使えるように住居とスタジオを提供したのです。ハワイ の気候、近隣にアーティストがたくさん住んでいること、そして島ならではのゆ ったりとした生活ペースがすっかり気に入った2人は、翌年、そこに自宅を建て ました。現在、夫妻はモンタナ州にも家を構え、ホルアロアで1年のうちおよそ 3か月ほどを過ごしています。バターフィールドさんはワシントン州のワラワラに も鋳造所を持ち、大掛かりな金属加工を伴う制作をそこで行なっています。

バターフィールドさんの手になる、草を食む威風堂々とした馬の像は、パー クレーンのロビー入り口に設置されています。バックさんの作品「ダウン・ステ アズ」は、そのすぐ近くの小道にあります。バターフィールドさんの馬の作品を 見る人の多くは、緑青の色合いに見とれ、触ってみて、それが木製ではなく金属 であることに驚きます。小道を歩く人は、バックさんの作品の陽の光にきらめく ブロンズの表面と意表をつく構成に足を止めています。

「偉大なアート作品は、あらゆる人の感情をかき立てるものです。その前を ただ通り過ぎることはできないのです」とスエダさんは語りました。

Trends that drive

BU SIN ESS

the economy

Off and Away

はるかな空へ

Text by Martha Cheng

文 = マーサ・チェン

Images by Lila Lee

写真 = リラ・リー

Airlines and their artistic advertising campaigns have made Hawai‘i a global destination.

航空会社のアートフルな広告が、ハワイをグローバルなデ スティネーションに変えていきました。

Model airplanes, neon clocks, and binders of posters gathered by Hawaiian Airlines’ archivist Rick Rogers preserve the airline’s colorful history.

航空機の模型、ネオン時計、ポスタ ーなど、リック・ロジャースさんが管 理する資料はハワイアン航空のカ ラフルな歴史を物語っています。

Captain Rick Rogers serves as Hawaiian Airlines’ archivist in a room that looks like it should belong to Indiana Jones, stuffed from floor to ceiling with paraphernalia accumulated over the decades—flight attendant outfits, model airplanes, posters, advertisements, even handwritten navigation logs dating as far back as 1933. A retired pilot, Rogers flew for Hawaiian Airlines for 23 years, and is now paid to collect and protect the tangible remnants of Hawaiian Airlines’ history.

“See all of Hawaii by plane or steamer,” reads one advertisement preserved by Rogers. It is for InterIsland Steam Navigation Co., Ltd. and its subsidiary, Inter-Island Airways, which would be renamed Hawaiian Airlines in 1941. The company’s initial flight took place in 1929, when two Sikorsky S-38 amphibian propeller planes carried eight passengers each from Honolulu to Hilo, with a stop on Maui. This trip lasted three and a half hours, but in comparison to the overnight passage by steamship that was usually required, the journey was a breeze. “Our focus as an airline was to get people comfortable with the concept of flight, especially over water,” Rogers says. In the beginning, most passengers were businesspeople in the sugar industry, and politicians.

Then Pan American Airways arrived. In 1935, it completed its first flight from San Francisco to Hawai‘i en route to China, the longest flight ever planned completely over water. It took 21 hours. A Pan Am ad from around that time reads: “San Francisco-Hawaii Overnight! Via Pan American-to the Orient,”

リック・ロジャース機長は、ハワイアン航空の文書 保管人の役割を務めています。彼のオフィスは、さ ながらインディ・ジョーンズの部屋のよう。床から 天井までぎっしりと詰まった棚に、何十年分もの資 料が保管されているのです。フライトアテンダント の制服あり、飛行機のモデルあり、ポスター、広告、 さらには1933年にまでさかのぼる手書きの飛行 日誌までが並んでいます。ロジャースさんはハワイ アン航空のパイロットを23年間務めた後引退し、 現在は同航空の歴史を物語る有形資料を収集し て保管する仕事を請け負っています。

「飛行機または汽船で、ハワイのすべてを見よ う」というキャッチフレーズの広告は、インターアイ ランド・スチームナビゲーション株式会社のもの。 この会社の子会社、インターアイランド・エアウェ イズが、1941年に改名してハワイアン航空となり ました。インターアイランド・エアウェイズの就航は 1929年。8人乗りのシコルスキーS-38型水陸両 用プロペラ機2機で、ホノルルからマウイ経由でヒ ロへ旅客を運んでいました。当時の飛行時間は片 道3時間半でしたが、まる1晩かかる蒸気船に比べ ればあっという間でした。「航空会社としての当時 の狙いは、飛ぶということに対して、人々に安心を 感じてもらうことでした。特に海の上を飛ぶことに です」とロジャースさん。開業当初の乗客は、主に 砂糖業界の事業家や政治家たちでした。

その後、パンアメリカン航空がハワイに就航し ます。1935年、パンアメリカンはサンフランシスコ からハワイへの路線を開きました。ハワイは中国行 き路線の中継地でした。これは洋上のみを飛行す る路線としては当時の最長で、飛行時間は21時間 でした。当時のパンアメリカンの広告には、「サンフ ランシスコ―ハワイ間を一晩で！パンアメリカンの オリエントへの旅」というキャッチフレーズが、スー ツとドレスに身を包んだ白人のカップルが「ホノル

먼곳으로 떠나기

1950년대에 하와이로 가는 항공사의 경쟁이

증가하면서, 인상깊은 마케팅 캠페인 광고로 사람들의 관심을 이끌곤 했습니다. 시간이 지난 지금은

오래전에 사용했던 이미지나 슬로건에서 탈피해 진정한 하와이의 가치나 디자인을 홍보하고 있습니다.

Scenic illustrations paved the way for a long history of how the islands are portrayed to the visitor market. Above: a multicolor illustrated print by by Al Moore, circa 1957, advertising air travel via Pan Am to Hawai‘i.

ハワイ観光時代の初期には、風景のイラストが島 々の美しさを伝えました。上：アル・ムーアの描く イラストがハワイ旅行に誘うパンアメリカン航空 の広告（1957年頃）。

along with a watercolor of white couples in suits and dresses disembarking from the Honolulu Clipper plane with Diamond Head in view. In the foreground, a brownskinned female hula dancer greets the passengers with lei, while in the background dancers sway under palm trees.

United Airlines followed in 1947 with its first scheduled flights to Hawai‘i, creating its own ads in the same genre, but it wasn’t until 1959 that tourism to Hawai‘i really picked up. (In 1951, the visitor count was 50,000—eight years later, it had increased fivefold, to 250,000.) This was the year Hawai‘i became a U.S. state. It was also the era when jets replaced prop planes, cutting travel time in half, and an American middle class emerged with enough disposable income to vacation or honeymoon in Hawai‘i.

While Hawaiian Airlines still only flew scheduled flights between O‘ahu, Hawai‘i Island, Kaua‘i, Maui, and Moloka‘i until the 1980s, Stanley Kennedy Sr., its founder, went ahead and set up a sales office in Los Angeles. Quoted in Robert C. Allen’s memoir, Creating Hawai‘i Tourism, Kennedy said, “Our first job was to sell Hawaii as a destination in competition with Mexico and the Caribbean, then push the neighbor islands via Hawaiian Airlines to see the real Hawai‘i .” The company’s motto was, “Hawaii—nearer than you think, lovelier than you dreamed.”

To emphasize its loveliness, Hawaiian Airlines commissioned scenic photography by Robert Wenkam, an environmentalist who helped preserve O‘ahu’s open spaces. But according to Allen, live entertainment shows staged on the U.S. mainland dominated the promotional efforts. “The beauty of the people, the sounds of Hawaiian music, and the dances and warmth of the Islands were factors that worked again and again to sell Hawai‘i as a destination,” Allen wrote. The iconic hula girl figured prominently into the advertising of the other airlines

ル・クリッパー」機から降りる場面を描いた水彩画に添えられていました。手前 には褐色の肌のフラダンサーが2人をレイで迎え、少し離れたヤシの木の下で ほかのダンサーが舞い、背景にはダイヤモンドヘッドが描かれています。

1947年にはユナイテッド航空がハワイ路線に参入し、同じ傾向の広告を 展開しますが、ハワイの観光が本格化したのは1959年になってからでした。 （1951年の観光客数は5万人でしたが、その8年後には5倍の25万人に急増 しました）。1959年はハワイが米国の州になった年です。また同時に、ジェット 機がプロペラ機に取って代わり、飛行時間が半分になった時代でもあり、ハワ イへの休暇やハネムーンが可能になるだけの可処分所得を持つ中流階級が 米国社会に現れた時期でもありました。

1980年代まで、ハワイアン航空の定期路線はオアフ島、ハワイ島、カウ アイ島、マウイ島、モロカイ島の間だけでしたが、創業者のスタンレー・ケネデ ィーSr.は、一足先にロサンゼルスにセールスオフィスを開設しました。ロバー ト・C.アレン著『Creating Hawai‘i Tourism（ハワイ観光業の創出）』に、ケネ ディーの言葉が紹介されています。「私たちの最初の仕事は、ハワイをメキシコ やカリブ海に匹敵する旅の目的地として売り込むことでした。そして、本当のハ ワイを見るならハワイアン航空でネイバーアイランドへ、と誘ったのです」ハワ イアン航空のスローガンは「ハワイ―あなたが思うよりも近く、夢よりもさらに 美しい」でした。

その美しさを強調するため、同航空では環境活動家であり、オアフ島の環 境保全にも尽力したロバート・ウェンカムの撮った風景写真を起用しました。 とはいえ、アレンの著書によると、プロモーションの主力は米国本土でのライブ ショウだったそうです。「ハワイの人々の美しさ、ハワイアンミュージック、ダン ス、そして島々の温かさが、ハワイを旅行の目的地として印象づけるのに役立っ た」とアレンは書いています。象徴的な存在になったフラガールの姿は、ほかの 航空会社もこぞって広告に使っていました。1950年頃のユナイテッド航空の ポスターには、後にホノルル・アカデミー・オブ・アーツのディレクターとなった

as well, as seen in a circa-1950 United Airlines poster illustrated by Joseph Fehrer (who later became the director of the art school at the Honolulu Academy of Arts) and in a 1957 Pan American Airways poster by Al Moore, in which a woman draped with a lei, starkly drawn against a background of green brushstrokes, cocks her hip to one side and reaches out her hands, palms up, as if to say, “come.”

In the ’60s and ’70s, Hawaiian Airlines shifted much of its marketing angle from the traditions and tropics of its home turf to its employees and services. In the ads from this period, which still clearly targeted men, flight attendants are featured prominently, and they wear fabulous uniforms, ranging from bohemian-print shifts paired with go-go boots to floor-length green dresses blooming with pink lotus flowers. This was, across the board, the era of the most stylish and flamboyant uniforms, from Pan Am’s mod dresses to Braniff International Airways’ psychedelic Pucci-designed outfits.

The crews of Hawaiian Airlines finally began scheduled service to the mainland in 1985, thanks to federal deregulation of the airline industry. Later advertisements for this expansion drew on the Hawaiian Renaissance, a cultural movement that began in the ’70s, depicting Hawaiians paddling outrigger canoes and practicing hula in garb that tended to look more authentic than the kitsch of early ads from other airlines. The tagline became, “We are Hawaiian.”

As airline competition grew globally, and additional marketing campaigns helped lure visitors to the islands, Hawai‘i’s tourist industry mushroomed, reaching nearly 9 million visitors in 2016. Now, with a multitude of domestic and international airlines flying to Hawai‘i, including Alaska Airlines, Delta, Japan Airlines, and China Airlines, fares have dropped. In 1939, a one-way

ジョセフ・フェーラーによるイラストが使われています。そして1957年のパンア メリカン航空のポスターには、アル・ムーアの描くフラガールが、レイを首にか け、絵筆でさっと描いた緑の背景の前で腰をひねって、「いらっしゃい」というか のように両手をこちらに向けて伸ばしています。

しかし、60年代、そして70年代のハワイアン航空のマーケティングは、伝 統やトロピカルな風物から従業員とサービス中心にシフトしました。この時期 の広告は明らかに男性客をターゲットとしたもので、ボヘミアンなプリントとゴ ーゴーブーツ、緑色の地にピンクの蓮の花をあしらった床まで届くドレスなど、 華麗なユニフォームをまとったフライトアテンダントが主役です。この時代は、 パンアメリカン航空のモダンなドレスから、ブラニフ航空が導入したエミリオ・ プッチによるデザインのサイケデリックな制服まで、各社が華やかなユニフォ ームを競っていました。

1985年、政府による航空業界の自由化を受け、ハワイアン航空もようやく 米国本土に就航しました。その後、同航空の広告は1970年代のハワイ文化 再興運動「ハワイアン・ルネッサンス」の影響を受け、アウトリガーカヌーを漕ぐ ハワイアンや、より本物らしい衣装をつけたフラダンサー（少し前の時代にほか の航空会社で使われていたキッチュなダンサーとは趣きが違うもの）を描いた ものになりました。キャッチフレーズは、「We are Hawaiian（私たちはハワイ アン）」でした。

航空会社の競争はグローバル化し、マーケティングのキャンペーンも手伝 って観光客数は増え続け、2016年には年間900万人に達しました。現在で は、アラスカ航空、デルタ航空、日本航空、中華航空などがハワイへ国内線や国 際線を乗り入れ、航空運賃も大幅に下がりました。1939年のサンフランシス コからハワイへの片道料金は278ドル。今の価値に換算すると4,794ドルにも なります。（当時の座席はファーストクラスしかなく、ラウンジやソファー、さらに は後方にブライダルスイートまで用意されていました）。

Following the introduction of new routes to the continental United States by Hawaiian Airlines in the 1980s, the company drew inspiration from the Hawaiian Renaissance a decade prior to create campaigns with authenticity at its heart.

1980年代、米国本土への就航を実現したハワイ アン航空は、70年代のハワイアン・ルネッサンス にインスピレーションを受けて、本物のハワイを 伝える広告キャンペーンを展開しました。

Hawaiian Airlines travel poster, circa 1973–75, courtesy of Smithsonian Institution’s National Air and Space Museum.

Pan Am poster designed by Edward McKnight Kauffer, 1953, courtesy of Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum / Art Resource NY.

ticket from San Francisco to Honolulu cost $278, the equivalent of $4,794 today. (Back then, only first class existed, with a main lounge, couches, and even a bridal suite in the rear.)

This proliferation of flight paths has shrunk the globe, meaning there are now more destinations than ever that also have sun and sand. While most airlines still advertise Hawai‘i’s beaches and surf, others try to differentiate their locales and their brands by highlighting the islands’ culture, old and new, native and urban. For Hawaiian Airlines, which is still based in Hawai‘i, and is intertwined with the island community, this includes working with designers such as Sig Zane— whose prints tell stories of hula and Native Hawaiian culture—to decorate its planes and design its uniforms. For an industry whose aesthetic has tended to rely on clichés, perhaps this is a look at what is to come.

これほど航空機での旅行が普及し、地球が小さく感じられるようになったとい うことは、太陽とビーチが楽しめる目的地がかつてないほど増えたことを意味 します。多くの航空会社が今でもハワイのビーチや波をアピールする一方で、 伝統から都会の生活まで多彩な新旧のハワイのカルチャーを強調して、自社ブ ランドと目的地を差別化しようとする会社もあります。今もハワイに本拠を置 き、地域のコミュニティと密接な関わりを持つハワイアン航空では、そうした試 みの一つとして、ハワイのデザイナー、シグ・ゼーンさんに機体とユニフォームの デザインを依頼しました。ゼーンさんはプリントでフラの物語やネイティブハワ イアンの文化を表現しています。見慣れたパターンに陥りがちな航空業界のデ ザインに、新風を吹き込むことでしょう。

A sense

CU LT URE

of place that

that

fosters the human spirit

Safe Haven

Text by Timothy A. Schuler

文 = ティモシー・A・シュラー

写真 = ジョン・フック

受け継ぐ力

Images by John Hook

Twenty years after it was built, the Kamakakūokalani Center for Hawaiian Studies is still a place of refuge and political action.

建設から20年。カマカクオカラ二・ハワイアンスタディーズ・センターは、今も 伝統文化の保護と活動の場でありつづけています。

Abuilding can be many things: a monument, a metaphor, a worldview rendered in copper and stone. The Kamakakūokalani Center for Hawaiian Studies is all these things. When it opened at the University of Hawai‘i at Mānoa in 1997, it was one of the first modern buildings to embody Native Hawaiian culture, rather than the tropical escapism of Waikīkī or the colonial aesthetics of the islands’ sugar plantations. Carved into a hillside at the edge of a restored taro field, its monolithic lava rock walls and pitched copper roofs were a striking departure from the modernist features of the existing campus, instead immediately evoking the traditional Hawaiian hale, its doors of koa wood a nod to the material’s value in early Hawaiian society.

建物には様々な顔があります。モニュメントやメタファーであることもあれば、 金属と石で表現した世界観である場合もあります。

カマカクオカラニ・ハワイアンスタディーズ・センターは、そのすべてだといえる でしょう。1997年にハワイ大学マノア校にオープンしたこのセンターは、ワイ キキに見られるトロピカルなエスケーピズムとも、プランテーション時代のコ ロニアル様式とも違う、ネイティブハワイアンの文化を体現する初めての近代 建築の一つになりました。丘のふもと、再現されたタロ畑の隣りに建つセンタ ーは、モノリスのような溶岩の壁と、傾斜の急な銅板葺きの屋根を持ち、見る 人に伝統的なハワイアンのハレ（家）を思い起こさせるデザインで、大学キャン パスにあるほかのモダニズム建築からは明らかに一線を画しています。ドアの 素材は古代ハワイ社会で珍重されていたコア材です。

안식처

타로농장의 끝에서 모퉁이를 돌면, 하와이의

교육, 쉼터, 정치관련 활동을 하기 위해

자리잡은 마노아 대학교의 카마카쿠오칼라니

센터가 견고하게 자리잡고 있습니다. 이

센터는 하와이 문화와 현대적 감성을 같이

결합한 최초의 건물 중 하나입니다.

The architecture of the Kamakakūokalani Center for Hawaiian Studies is defined through its juxtaposition of traditional and modern materials.

カマカクオカラニ・ハワイアンスタディーズ・センター の建築は、ハワイの伝統と近代的な素材の組み合わ せに特徴があります。

At its most basic level, the Kamakakūokalani Center for Hawaiian Studies was the new home of a still-young degree program, with classrooms, offices, and a library. For Native Hawaiians, however, the building was a refuge, a standard, a stake in the ground. Haunani-Kay Trask, the activist and educator who served as the center’s first director, called the center “a symbolic and an actual victory in the more than a century-long struggle of Hawaiians to reclaim the education of our own people in our own culture.”

In the late 1960s and early 1970s, Hawaiians had fought hard to breathe life back into their traditions, knowledge, and cultural practices, which had nearly been lost after intense colonization. At the university, the Hawaiian Studies department grew from a single class to a permanent degree program. And yet there remained little, if any, acknowledgement of Hawaiian architecture on the campus.

That changed with the Center for Hawaiian Studies. The building, designed by Kauahikaua and Chun Architects, is at once traditional and modern, with stacked fieldstone walls next to delicate columns and reflective glass. The architecture is open, porous, and packed with symbolism. A massive, concrete-rimmed oculus at the center of the building creates a connection between the earth and the sky. For the architects, this represented the quest for knowledge and referenced Gladys Kamakakūokalani ‘Ainoa Brandt, the building’s namesake, who spent her career championing education, and whose Hawaiian name means “upright eye of heaven.” Sculptures and murals throughout the building interpret Hawaiian mo‘olelo, or stories. Each wing is named for a different Hawaiian akua, or god.

But none of the building’s gestures is as profound as its stone burial vault. When, during its construction, crews working on a separate project along Dole Street discovered the remains of close to 20 bodies—presumed to be pre-contact Hawaiians—faculty members like Lilikalā Kame‘eleihiwa felt it was their responsibility to give these kūpuna, or ancestors, a resting place. The architects added the vault in the central courtyard, and the bones were wrapped in kapa cloth and reinterred

カマカクオカラニ・ハワイアンスタディーズ・センターは、まず第一に、ハワイ アンスタディーズというまだ比較的若い学位プログラムのための学びの場であ り、教室、オフィス、図書館を備えています。しかしネイティブハワイアンの人々 にとっては、この建物は保護区であり、ベンチマークであり、そして新しい時代 の始まりを示すものでもありました。活動家であり教育者でもあり、同センター の最初のディレクターを務めたハウナ二 =ケイ・トラスクさんは、このセンター を「ハワイアンが自らの後継者たちを自らの文化で教育する方法を取り戻そう と1世紀以上にわたって戦った末の、象徴と実質両面での勝利」だったと語っ ています。

1960年代後半から1970年代前半にかけて、ネイティブハワイアンの人々 は、過去の同化政策の末にほとんど失われかけていた伝統、知識、文化、慣習 を取り戻すべく苦闘してきました。ハワイ大学では、たった一つのクラスから始 まったハワイアンスタディーズの学部が恒久的な学位プログラムへと発展して いきました。しかしながら、キャンパスにはハワイの伝統建築を反映した建物は ほとんどありませんでした。

それを変えたのがハワイアンスタディーズ・センターです。センターの建物 はカウアヒカウア&チャン建築事務所の設計で、自然石を積み上げた壁と繊 細な柱やガラスを隣り合わせに置いた、伝統とモダンを合わせ持つデザインで す。開放的で「多孔的」で風通しが良く、ハワイ文化の象徴がそこここに散りば められています。建物の中心にはコンクリートでふち取られた巨大な円形の開 口部があり、大地と空をつなげています。天を見上げるこの窓は、知識の追求 を表現すると同時に、センターがその名を冠する教育者、グラディス・カマカク オカラニ・アイノア・ブラントを表現したものでもあります。カマカクオカラニと はハワイ語で「天のまっすぐな眼差し」を意味します。センターに配されている 彫刻や壁画は、それぞれにハワイのモオレロ（物語）を語り、各棟にはハワイの アクア（神々）の名がつけられています。

しかし、どの建物にも増して深い意義を持つのは、石造りの廟でしょう。ち ょうどこの建物の建設工事中、キャンパス内のほかの建築プロジェクトで西欧 人渡来前のハワイアンのものとみられる遺体20体が見つかり、リリカラ・カメ エレイヒワさんを始めとする教職員たちはこの「クプナ」（祖先）たちに安らかに 眠る場所を提供しなければという責任を感じたのです。そこで建築家は中央の 中庭に廟をつけ加えました。遺骨はカパの布で包まれ、「マラマ・ナ・イヴィ・ク

Grouped around a central courtyard, individual spaces feature distinct, steeply pitched roofs, giving occupants the sense that the building is actually a series of smaller volumes, as in a traditional Hawaiian village.

急傾斜の屋根を乗せたスペース が中庭を中心に集 まる構成で、小さな建物の集合のような趣き を作り 出し、古代ハワイの村落 を思わせます。

in a traditional nighttime mālama nā iwi kūpuna ceremony. For Kame‘eleihiwa, the center’s director since 2014, the presence of these kūpuna added a spiritual dimension to the building. It created a profound link to the past.

Writing in Pacific Art: Persistence, Change, and Meaning, Joshua Bell invoked Black feminist scholar bell hooks when he described the Center for Hawaiian Studies building as being a “space of radical openness.” It’s true that such openness is expressed in the architecture, through multiple entrances and wide lānai. In fact, it can be difficult to discern where the building ends and the landscape begins. And yet, to hooks, “radical openness” is more than porosity. It is possibility, resistance, envisioning new futures, even while marginalized.

Today, the Kamakakūokalani Center for Hawaiian Studies is a locus of power and a place of refuge, a modern-day pu‘uhonua, where Hawaiian cultural traditions and modes of thought can be practiced and investigated without interference or need for justification. In 2007, it merged with the Kawaihuelani Center for Hawaiian Language and the adjacent Ka Papa Lo‘i O Kānewai Cultural Garden to become the Hawai‘inuiākea School of Hawaiian Knowledge, the only college of indigenous knowledge at a Research I university in the United States, and the largest indigenous academic program in the world.

Twenty years later, the center has outgrown its home. Kame‘eleihiwa

プナ」と呼ばれる夜間のセレモニーによってここに 再び埋葬されました。2014年からハワイアンスタ ディーズ・センターのディレクターを務めるカメエ レイヒワさんは、このクプナたちの存在がセンター の建物にスピリチュアルな陰影を加えている、と語 ります。廟は、過去と現在をつなぐ重要なリンクと なりました。

『Pacific Art: Persistence, Change, and Meaning（太平洋のアート：永続性、変化、そして 意義）』で、著者のジョシュア・ベルはセンターの建 物を、黒人フェミニストのベル・フックスの理論を 引用して「急進的な開放性の空間」と説明していま す。確かに、そうした開放性は、この建物の複数の エントランスや広々としたラナイに表現されていま す。あまりにも開放的なので、どこから建物が始ま るのかはっきり見分けるのが難しいほどです。「急 進的な開放性」は、ただ開けているということでは ありません。そこには、可能性、抵抗、そしてたとえ 疎外されている状況でも新しい未来を思い描くこ と、が含まれています。

今日、カマカクオカラニ・ハワイアンスタディー ズ・センターは、ハワイの文化伝統や考え方を、妨 げを受けたりことさらに正当化する必要なしに実 践し、探究していくことができる力の溢れる場であ り、現代の「プウホヌア（逃れの場、保護区）」でもあ ります。2007年、同センターはカワイフエラ二・ハ ワイ語センター、そして隣接するカ・パパ・ロイ・オ・ カネワイ文化ガーデンと合併して、「ハワイヌイアケ ア・スクール・オブ・ハワイアンナレッジ」という学部 になりました。米国の研究大学の中でも先住民文 化の知に特化した唯一の学部であり、先住民文化 についての学術プログラムとして世界最大です。

建造から20年、センターの建物は手狭になっ

recently tapped Māori architect Mike Barnes to design a 16-story tower wrapped in a photovoltaic skin to stand next to the existing building. (The 16 floors represent the 16 time periods of the Kumulipo, a Hawaiian creation chant.) It is a new building for a new era—an era in which Hawaiian knowledge is not relegated to the margins, but is integral to the islands’ future.

In her office at the Kamakakūokalani Center for Hawaiian Studies, Kame‘eleihiwa shows me a drawing of the gleaming, glass-skinned tower. Its tapering form echoes the existing building’s copper roofs, but also dwarfs them, rising above the trees and the dormitories, and becoming a landmark visible from throughout the city, an omnipresent reminder of Hawai‘i’s past, and a monument to its future.

てきました。カメエレイヒワさんは、マオリの建築家マイク・バーンズさんに16 階建てのビルの設計を打診したばかりです。既存のセンターの隣に建設し、外 壁は太陽光発電パネルで覆う予定です。（16という階数は、ハワイの天地創造 伝説のチャント「クムリポ」で語られている16の時節を表します）。ハワイアンの 知がもはや片隅に追いやられたものではなくなり、ハワイの未来の一部として 調和していく新時代の、新しいビルです。

カマカクオカラニ・ハワイアンスタディーズ・センターの自分のオフィスで、 カメエレイヒワさんはこのガラスで覆われた新しいビルの予想図を見せてくれ ました。先細りになった形状は既存の銅版葺き屋根と響き合いながら、樹々よ りもはるかに高く聳えます。町のどこからでも見えるランドマークとして、ハワイ の過去を思い出させると同時に未来へのモニュメントでもある存在になること でしょう。

Ka ‘ike a ka mākua he hei na ke

The knowledge of the parent is absorbed by the child.

keiki.

‘Olelo No‘eau: Hawaiian Proverbs & Poetical Sayings by Mary Kawena Pukui

The flourishing of creative facilities

65 DE SI GN

Form Follows Function

Four Hawai‘i artists—a textile designer, glassblower, ceramist, and jeweler—create with purpose.

THE TEXTILE DESIGNER

Text by Eunica Escalante

Images by Meagan Suzuki

Iテキスタイルデザイナー、ガラス作家、陶芸家、 ジュエリー作家。目的を持った美しいものを創 造し続けるハワイの4人のアーティストたちを ご紹介します。

t began in a gritty garage in Nu‘uanu Valley in 2010. There, Jana Lam, bent over a custom-made printing table, would individually silk screen her handdrawn designs onto cotton fabric until the sun set. Afterward, she hauled the prints to a cramped apartment, where she would devote entire days to cutting up the yards of fabric and stitching the pieces together into soft, bright clutches. Lam learned how to screen print in an applied textiles class, which she took on a whim to fulfill her credit requirements at the Academy of Art University in San Francisco. “For some reason it just clicked,” Lam says. “It was a medium that I loved and I excelled at.” When the artist moved home to Hawai‘i with her husband, her love affair with textiles continued. For Lam, a textile design is more than a pretty print. It is functional: an art form that you can surround yourself with, and live within.

The opportunity to turn her hobby into a career arose when a local boutique agreed to sell Lam’s creations. She made handbags at first, then pillowcases, hats, and pareos. All Jana Lam products feature her distinct prints. “I want to

テキスタイルデザイナー

文 =ユニカ・エスカランテ

写真 = メーガン・スズキ

始まりは2010年、ヌウアヌバレーのガレージでし た。ヤナ・ラムさんは特製の印刷用の台の上にかが みこみ、日が暮れるまで、手描きのデザインをシル クスクリーンでコットンの布の上に印刷し続けてい ました。刷り上がった布をラムさんは自分の小さな アパートの部屋に持ち帰り、裁断して柔らかなクラ ッチバッグを縫い上げる作業に何日も没頭し続け ました。

ラムさんは、サンフランシスコのアカデミー・オ ブ・アート大学に在学中、必要な単位を満たすため にふと思い立って取った応用テキスタイルのクラス でシルクスクリーンを学びました。「なぜだか、それ がとてもしっくりきたのです。私が本当に好きにな れて、上手く扱える表現媒体でした」とラムさん。夫 と共にハワイに戻った後も、テキスタイルへの情熱 は持ち続けていました。ラムさんにとって、テキスタ イルデザインは単にきれいなプリントというだけで はありません。実用的で、身の回りを取り囲み、その 中で暮らすことができるアートの形なのです。

地元のブティックがラムさんの作品を扱うこと に同意した時に、趣味をキャリアに変える機会が 訪れました。ラムさんは、最初はハンドバッグ、そし てピロケース、帽子、パレオを作るようになりまし た。すべて独自のテキスタイルを使ったものです。 「人々の考え方を変えたいのです」とラムさんは言

“형태는 기능을 따른다”

Jana Lam, Meghan Gould, Jason Dow, 그리고 Scott Fitzel 씨는

다른 미디어에서 일하지만, 그들의 관심은 비슷합니다. 하와이의

것들로 물품들을 조금 더 세련되게, 공간을 더 아름답게 표현하는

네 예술가를 만나보세요. – 텍스타일 디자이너, 유리공예가, 도자공예가, 그리고 금속공예가까지. 목적을 두고 예술을 하는 네

예술가들입니다.

Designer Jana Lam didn’t always plan on devoting her talents to textiles. Once she discovered the medium, she was drawn to its utilitarian qualities.

デザイナー、ヤナ・ラムさんは、ふとしたことから テキスタイルに関心を持ち始めました。実用性を 備えた表現媒体に、ラムさんは大きな魅力を感 じています。

Jana Lam Designs accessories are silkscreened by hand from the designer’s home in Niu Valley.

ヤナ・ラム・デザインのア クセサリーは、ラムさんが

ニウバレーの自宅でシル クスクリーンを使って制作 しています。

open people’s eyes,” Lam says. “You don’t have to have a couch that’s just beige. You can have great art and great design everywhere.”

Today, Lam has traded her Nu‘uanu workspace for a home in dreamy Niu Valley on O‘ahu’s south coast. As her business grows, so does her vision for the Jana Lam brand. She dreams of having a room that is completely decorated in her designs. “Just decked out in textiles: the wallpaper, bedspread, pillows— the floor tiles even!” Lam says. “I want to see it everywhere. That’s what excites me.”

います。「ソファがベージュである必要はありませ ん。素晴らしいアートや素晴らしいデザインは、ど んな場所でにも持つことができるのです」

ラムさんは仕事場をヌウアヌから移し、現在は オアフ島のサウスコーストに面したニウバレーの家 で作業をしています。事業の成長につれ、自分のブ ランド「ヤナ・ラム」についてのラムさんのビジョン も広がっています。今の夢は、自分のデザインで埋 めつくした部屋を作ること。「壁紙、ベッドカバー、 枕、それに床のタイルもすべて、テキスタイルでいっ ぱいの部屋にしたいのです」とラムさんは語ります。 「あらゆるものにテキスタイルをのせてみたい、そ う考えるとワクワクします」

Seeds and Stone artisan Meghan Gould’s handmade ceramics are inspired by the organic shapes of Hawai‘i’s landscape. Next spread: The artist in her Kula, Maui workspace.

メーガン・グールドさんの陶 芸作品シリーズ「シーズ・アン ド・ストーン」は、ハワイの風 景にみられる有機的な形に ヒントを得ています。

次ページ見開き：マウイ島クラの アトリエで制作中のグール ドさん。

THE CERAMIST

Text by Anna Harmon

Images by IJfke Ridgley

Meghan Gould spends nearly all her time with her hands in clay. A steward of the land at the Baldwin Estate in Ha‘ikū, Maui, along with her partner, she tends plants rooted in deep red and brown earth. This soil is young, as is her quarter-acre farm. Before, the land was used to grow sugarcane. Then it stood fallow. Now, Gould is nurturing the dense soil with compost and mulch. She grows eggplant, taro, tomatoes, lettuce. She raises them strong.

When she heads indoors, removing her straw hat, she enters a three-bedroom house that has been nibbled away at by termites, which she has converted into a ceramic studio. Here, she creates vessels for her line, Seeds and Stone. Two throwing wheels rest within. Shelves are lined with her work in various stages of completion: Some await trimming, others firing. The latter she does onsite in an electric kiln, or a Japanese kerosene kiln that has been converted to run on biodiesel.

陶芸家

文= アンナ・ハーモン

写真= アイフク・リッジリー

メーガン・グールドさんは、一日のほとんどを土を 触って過ごしています。パートナーと共にマウイ島 ハイクのボールドウィン・エステートの管理人を務 めるグールドさんは、赤土や黒土に生える植物の 世話をしています。ここの土は、0.1ヘクタールのグ ールドさんの農園と同じく、まだ出来たばかりの若 い土です。この土地には以前は砂糖きびが栽培さ れており、その後は休耕地となっていました。現在 ではグールドさんがコンポストと堆肥を鋤き込ん で土を育てています。グールドさんがこの土で育て る茄子、タロ、トマト、レタスなどの作物は、力強く 育っています。

仕事を終えると麦わら帽子を脱いで家に向か います。シロアリにところどころ喰われている3寝室 の家を、グールドさんは陶芸スタジオとして使って います。グールドさんの「シーズ・アンド・ストーン」 ラインの作品は、ここで生み出されるのです。ろく ろが2つ置かれ、棚には様々な段階の作品が並ん でいます。削り出されるのを待っているものもあれ ば、窯入れを待つものもあります。スタジオは、電気 窯と日本製の灯油窯をバイオディーゼル燃料用に 改造したものを備えています。グールドさんは釉薬 もすべて自分で作ります。最近のお気に入りは光沢

Gould creates all her own glazes. Her most recent favorite is a Shino that results in a textured sheen of orange and white, creating a charactered contrast against black clay. She finds inspiration for her colors and silhouettes in farming and the land—the shapes of seeds, the tones of black sand beaches, the hues at the highest heights of Haleakalā. In the first room, finished creations in an array of muted blues, whites, reds, and blacks line a wall and overflow onto the floor.

Part of what makes Gould’s works so beautiful are their simplicity. There are stacks of thin white plates in organic shapes; tall, narrow coffee mugs, half glazed and half bare, the colors of daytime and nighttime skies. Her favorite recent project is a nesting bowl set featuring a large, wide porcelain bowl, with smaller ones that fit snuggly inside. It took time to make the bowls, especially the largest—coiling the clay, pinching it, smoothing everything together. The aesthetic is plainly soothing, the result of the sort of ritual Gould hopes her pieces inspire: time spent gathered with friends around a table to enjoy locally sourced meals, or meditating on the green hues of palm leaves, cup of tea in hand.

のある質感を持つオレンジと白の志野釉。黒い陶土との間に独特のコントラス トを作り出します。グールドさんは、作品の色やシルエットについて農園の自然 と大地から多くのヒントを得るそうです。種の形、黒砂の海岸のトーン、ハレア カラ山の頂きに輝く色などがインスピレーションの源になります。一つの部屋 には完成した作品が並び、落ち着いた青、白、赤、黒の作品が壁の棚だけでな く、床の上にもあふれています。

グールドさんの作品の美の一端は、そのシンプルさにあります。有機的な形 の薄い白い皿や、昼の空と夜の空の色を表すように半分だけ釉薬をかけた細 身のコーヒーマグなどもその例。最近の作品では、大きなボウルの中に小さな ボウルが収まる器のセットが気に入っているそうです。このボウルは作るのに 時間がかかり、特に一番大きなものは成形するのも滑らかにするのもひときわ 手間がかかります。静かな美を持つ作品は、彼女の生活の中の特別な時間か ら生まれます。グールドさんは、自分の器がそんな時間―友人たちと食卓を囲 んで新鮮な食事を楽しんだり、ヤシの葉の緑の中でお茶を飲みながら瞑想す るひとときなど―を持つために役立ってほしい、と望んでいます。

THE JEWELER

Text by Rae Sojot

Photos by AJ Feducia

As a child, Jason Dow would happily sequester himself in a dim corner of his family’s basement, tinkering for hours at a makeshift table beneath water pipes. The glow of a small lamp cast light on his creations—art and airplane models, science experiments and crossbows. “I was a boy,” Dow explains with a chuckle. “I liked making weapons.”

Some 30 years later, Dow’s creative spirit endures. Though he has exchanged the dingy basement space in his Colorado childhood home for a sunlit atelier in Honolulu’s Kaimukī neighborhood, Dow can still be found deep in the creative process at a workbench. Amid polishers, torches, burrs, and bits in Dow’s studio, art emerges in the form of intricately wrought precious metals and delicately set gems.

But such glittering materials are merely a medium for Dow. More than the interplay of craftsmanship and jewels, Dow values the inherent artistic process and potential that each project provides. His twin passions for science and art manifest in accessories that draw on ancient aesthetics, a result of Dow’s ineluctable attraction to the recursive beauty of Arabic and Eastern Asian motifs. For example, his mandala ring, which won a Saul Bell Design Award, is an elegant and airy balance of positive and negative space, meant to nurture the sense of peaceful calm found in meditation.

“When someone buys a piece, it holds personal meaning—maybe they recognize the design, or it makes them feel a certain way when they wear it,” Dow says.

“That brings power to the piece.”

William Morris, a 19th century artist, poet, and designer, once wrote: “Have nothing in your house that you do not know to be useful, or believe to be beautiful.” As art destined to be adorned, Dow’s creations are sweet forgings of both.

ジュエリー作家

文 =レイ・ソジョット

写真 = AJ・フェデュシャ

ジェイソン・ダウさんは子どもの頃、よく家の地下室の薄暗い隅にこもって、水 道管の下に作った即席のテーブルで何時間も作業をしていたそうです。小さな ランプが光を投げかける下で作ったのは、アートや飛行機のモデル、理科の実 験、弓などでした。「男の子でしたからね。武器を作るのが好きだったんです」と ダウさんは笑います。

それから30年ほどたった今も、ダウさんはクリエイティブな精神を持ち続 けています。場所はコロラド州の家の暗い地下室から、ホノルルのカイムキにあ る陽光あふれるアトリエに変わりましたが、創作のプロセスに深く集中して作 業台に向かう姿勢は変わりません。研磨機、バーナー、ドリルなどの工具に囲 まれたスタジオで、精緻な貴金属の細工と慎重に配置された宝石からなるア ートが生まれます。

ダウさんにとって、そうした華やかな材料は表現媒体に過ぎません。クラフ ツマンシップと宝石の出会いというだけではなく、ダウさんはアートを作り出す プロセスと、一つ一つのプロジェクトが持つ可能性に大きな意味を見出してい ます。科学と芸術という2つの対象への情熱が、アラビアや東アジアの繰り返し の多いモチーフへの強い興味と相まって、古代美術をヒントにしたダウさんの アクセサリーに結実しているのです。たとえば、サウル・ベル・デザイン賞を受賞 した「マンダラ・リング」。陰と陽のスペースが軽やかで優美なバランスの上に 表現され、瞑想の中に見いだされるような心の平安を育むようにデザインされ ています。

「誰かがジュエリーを買う時、それはその人にとって何らかの意味を持っ ているのです。デザインに惹かれるのかもしれないし、それを身に着けていると 特別な感じがするのかもしれません。それが、ジュエリーに力を与えるのです」 とダウさん。

19世紀のアーティストで詩人でありデザイナーでもあったウィリアム・モリス はかつてこう言いました。「家の中に、役に立つと分かっているもの、または美し いと信じられるもののほかには、何一つ置いてはいけません」。身に着けるアート として、ダウさんの作り出すジュエリーはその両方を美しく重ね合わせています。

Self-taught goldsmith Jason Dow integrates ethically sourced and conflict-free gemstones into wearable art. Fine craftsmanship and functionality are at the forefront of his aesthetic that strikes a balance between Asian, American, and local design influences.

独学でジュエリー製作をマスターしたジェイソン・ダウ さんの作品は、紛争に関連していない倫理的な方法で 採掘された宝石を使用。アジア、アメリカ、ハワイのデザ インの影響を絶妙なバランスで組み合わせた美学は、精 緻なクラフツマンシップにもとづいています。

ガラス作家

THE GLASSBLOWER

Text by Lisa Yamada-Son

Images by John Hook

Avisit to Scott Fitzel’s studio requires some patience. It involves heading to the windward side of O‘ahu and following old-fashioned directions (“turn left before the Hygienic Store and look for the white mailbox”), which, if not carefully followed, can leave you driving aimlessly through the backwaters of Kahalu‘u.

The hard-to-find nature of the studio, which Fitzel built with his business partner and fellow artist K.C. Grennan, makes sense given that their work requires some patience, too. Fitzel is a glass artist and a metalsmith whose creations—which range from small drinking glasses and candelabras to massive bronzewrought gates and intricate light fixtures shaped like kāhili (feather standards used to mark royal lineage)— can swallow huge swaths of time. There’s the four days it takes for Fitzel’s industrial-sized furnace to reach the 2,300 degrees Fahrenheit required to change 600 pounds of glass from a solid state into a molten, honey-like consistency. There’s time spent slowly fashioning each piece into its perfect form. Finally, there’s the gradual cooling period needed for each piece to reach room temperature, because, if the piece is cooled too quickly, it will shatter. An 80-pound glass orb Fitzel is creating for an installation at Hapuna Beach Prince Hotel on Hawai‘i

文=リサ・ヤマダ 写真 = ジョン・フック

スコット・フィッツェルさんのスタジオを訪ねるには、少々忍耐が必要です。オ アフ島のウィンドワードを目指し、「ハイジェニック・ストアの手前を左に曲がっ て、白い郵便箱を探して」といった古風な道順に従っていかねばなりません。慎 重に道順に従わないと、カハルウの水辺をあてもなくウロウロとさまようことに なってしまいます。

フィッツェルさんがビジネスパートナーでアーティストのK.C.グレナンさん と建てたこのスタジオが見つけにくい場所にあるのも、このアーティストたちの 作業が忍耐を要するものであることを考えれば納得できます。フィッツェルさ んはガラス作家であり、金属細工師でもあります。彼の作品は、小さなコップや 燭台、巨大なブロンズ製の門扉、そして精緻なカヒリ（ハワイの王族のしるしと して使われた鳥の羽根飾りつきのポール）型の照明器具など、どれも長時間を 要するものばかりです。スタジオにある工業用の炉の温度を摂氏1260度に上 げるにも時間がかかります。この温度に達すると約270キロのガラスの塊が溶 け、蜂蜜のような一定の粘度になるのです。さらに、一つ一つの作品を完璧な 形に仕上げていくにも時間がかかります。そして最後に、それぞれの作品を室 温に達するまでゆっくりと冷却する過程にも時間がかかります。あまり急に冷 やすとガラスは割れてしまいます。フィッツェルさんがハワイ島のハプナ・ビー チ・ホテルのために制作した重量約36キロのガラスの球は、灼熱の炉から取り

Island will take two weeks to cool to room temperature once it emerges from the fiery furnace.

Growing up, Fitzel split his time between Huntington Beach, California and Hawai‘i, where his mother is from. His first exposure to glass came when he visited the community college in California where his father worked, and stumbled into the glass-blowing studio. “Glass is one of those things that draws you in,” Fitzel says. “I got hooked the first time I picked it up. I saw the fire and the furnace glowing. At 2,000 degrees, it’s like you’re looking into the sun.” At 18 years old, drawn by the warmth of Hawai‘i’s waters and the size of its waves, Fitzel moved to O‘ahu and enrolled in University of Hawai‘i at Mānoa’s glass program. He has worked on projects both large and small, but it’s the combination of the two—which requires the most patience—that interests him most. For a piece installed in the lobby of a Hilton hotel in Stamford, Connecticut, Fitzel fashioned a cloud formation composed of 1,000 solid glass orbs that dangled on strings ranging in length from one foot to 16 feet. The most difficult part about the process, Fitzel says, was keeping the strings from tangling.

Inevitably, though, there are mishaps, like when Fitzel spilled molten glass onto a piece of wood. The resulting mess of lines was electric, and painting with glass became one of his new art forms. “The mistakes that happen,” Fitzel says, “are always a starting point for a whole new direction.”

出した後、室温になるまで冷却するのに2週間を要しました。

フィッツェルさんは、子ども時代、カリフォルニア州のハンティントンビーチ と母の故郷であるハワイを行き来していました。彼がガラス工芸に初めて出会 ったのは、父が勤めていたカリフォルニアのコミュニティカレッジを訪ね、たま たまそこの吹きガラススタジオを見かけた時だそうです。「ガラスには、人を惹 きつけるものがあります。一度試してみて、すっかり夢中になってしまいました。 火と炉の輝きに目が引き寄せられたのです。1,000度を超える炉は、まるで太 陽の中を覗き込んでいるようです」とフィッツェルさん。18歳の時、フィッツェル さんはハワイの海の温かさと波の大きさに惹かれてオアフ島に移住し、ハワイ 大学マノア校のガラス工芸プログラムに入学しました。これまでに大小様々な プロジェクトを手がけてきましたが、最も関心を持っているのは大小どちらの 要素も兼ね備えた作品だそうです。これらは特に忍耐が必要な作品でもありま す。ホテルのロビーに設置した作品は、1000個のガラスの球体が30センチか ら5メートル以上まで様々な長さの糸で吊るされて、雲の形を作り上げるもの。 制作過程で最も苦労したのは、糸がからまらないようにすることだったとフィッ ツェルさんは語ります。

時には失敗もつきものです。たとえば、ある時フィッツェルさんは溶けたガ ラスを木材の上にこぼしてしまったことがありました。その結果現れたランダム な線が素晴らしかったため、ガラスを使ったペインティングが彼の新しいアー トの表現形態となりました。「間違いは起こりますが、それはいつも、まったく新 しい方向性を示してくれるのです」とフィッツェルさんは語りました。

Scott Fitzel’s glass-blowing studio is outfitted into the natural splendor of O‘ahu’s windward beauty. The glass artist and metalsmith creates everything from small drinking glasses to complex installations for resorts and homes. Previous spread: The artist’s tools and creations.

スコット・フィッツェルさんのガラス工房は、オアフ島ウインドワ ードの豊かな自然に囲まれた環境にあります。ガラス作家であり 金属細工師でもあるフィッツェルさんは、コップのような小品か らリゾートホテルや邸宅の大掛かりな内装まで、様々な規模の作 品を手がけています。

Castle in the Sky

Photographed on location at Park Lane

Modeled by Jyoti Mau

Images by Mark Kushimi

Styled by Ara Feducia

Hair and makeup by Bailee Nakaahiki, Holly Tomita & Jarrod Shinn, HMB Studios

Cedric Charlier ruffle dress, Saks Fifth Avenue.

Return to Tiffany mini heart tag in 18k rose gold on a bead bracelet and Tiffany CT60 34mm women’s watch in 18k rose gold with diamonds, Tiffany & Co.; turquoise ring and necklace, Maison Tjoeng; Etro maxi dress, Saks Fifth Avenue.

Tiffany HardWear bypass bracelet in 18k gold, Tiffany HardWear ball wire bracelet in 18k rose gold, Tiffany T wire ring in 18k rose gold with diamonds, and Return to Tiffany mini heart tag in 18k rose gold on bead bracelet, Tiffany & Co.; Issey Miyake pleated pant, Saks Fifth Avenue.

Out of Retirement Pyramid Ring in 18k gold, Tiffany HardWear ball dangle ring in 18k gold, and Tiffany HardWear ball pendant in 18k rose gold, Tiffany & Co.; Issey Miyake pleated jumpsuit and Chloé half moon bag, Saks Fifth Avenue.

Silver Springs neck piece, Maison Tjoeng; T by Alexander Wang black dress, Saks Fifth Avenue.

Tiffany HardWear bead stud earrings in 18k rose gold, Tiffany & Co.; Palm Springs neck piece, Maison Tjoeng; Dries Van Noten floral shirt and wrap skirt, Saks Fifth Avenue.

Tiffany T Wire Ring in 18k white gold with diamonds, Tiffany HardWear bypass bracelet in 18k gold, Tiffany HardWear link bracelet in 18k rose gold, and Tiffany & Co. Schlumberger rope tworow hoop earrings with diamonds, Tiffany & Co.; Proenza Schouler dress, Saks Fifth Avenue.

Tiffany HardWear bead stud earrings in 18k rose gold, Return to Tiffany Love wide hinged cuff in 18k rose gold, Tiffany HardWear ball dangle ring in 18k gold, and Tiffany T wire ring in 18k rose gold with diamonds, Tiffany & Co.; Gucci color block sunglasses and Marni cinched dress, Saks Fifth Avenue.

Tiffany HardWear ball hook earrings and bypass bracelet in 18k gold and Return to Tiffany mini heart tag in 18k rose gold on bead bracelet, Tiffany & Co.; Issey Miyake printed tiered top and pleated pant, Saks Fifth Avenue; Bardot sandals, Trina Turk.

Out of Retirement pyramid ring in 18k gold and Tiffany HardWear ball dangle ring in 18k gold, Tiffany & Co.; Issey Miyake pleated jumpsuit and Chloé half moon bag, Saks Fifth Avenue.

Roella sunglasses, Oliver Peoples; tassel earrings, Trina Turk; Cedric Charlier ruffle dress, Saks Fifth Avenue.

Dress, Trina Turk.

Fifth Avenue

International Market Place Kuhio Ave. Entrance

Oliver Peoples

International Market Place Level 1 Banyan Court

Tiffany & Co.

Ala Moana Center

Mall Level 2

Trina Turk

International Market Place

Level 1 Queen’s Court

Maison Tjoeng

maisontjoeng.com

Tiffany HardWear link bracelet and bead stud earrings in 18k rose gold, Tiffany & Co.; Palm Springs neck piece, Maison Tjoeng; disc cuff, Trina Turk; Dries Van Noten floral shirt and wrap skirt, Saks Fifth Avenue.

Saks

Return to

Tiffany HardWear ball dangle ring and bypass bracelet in 18k gold, Tiffany & Co.; Silver Springs neck piece, Maison Tjoeng; T by Alexander Wang black dress, Saks Fifth Avenue.

Tiffany mini heart tag in 18k rose gold on a bead bracelet and Tiffany CT60 34mm women’s watch in 18k rose gold with diamonds, Tiffany & Co.; turquoise ring, Maison Tjoeng.

Design

Cedric Charlier ruffle dress, Saks Fifth Avenue.

Travel

113 ES CA PES

experiences

both faraway and familiar

Artful Paris

Text and images by Meagan Suzuki

Water lilies outside Monet’s house in Giverny.

Around the streets of Paris, art can be found in the most unexpected places.

パリの街では、アートとの幸せな出会いが 思わぬ場所に待ち受けています。

Wandering is my favorite mode of travel. I ended up in Paris on a whim, and through some stroke of luck, I had five weeks free to roam. Early on, I made my way to Palais de Tokyo, an ever-changing large-scale exhibition site, only to find it flooded with water. As it turned out, the artist Céleste Boursier-Mougenot had installed an interactive piece, Acquaalta, inspired by the annual flood of the Venetian lagoon. I paddled a creaky wooden boat through a large, dark waterway echoing with audio recordings, past outlines of people projected onto the walls. Around the corner, a large tree sculpture seemed to emerge from the rafters in order to shade a children’s art workshop. In another part of the building, an installation featured bright lights and gradients of color, which reminded me of the art of James Turrell, desaturated.

ふらりと歩き回る旅が、私は一番気に入っていま す。ある時、ふと思い立ってパリに行き、ちょっとし た幸運が重なって、5週間にわたって街歩きができ ました。滞在の初めの頃、常に新しい大規模な現 代美術の展示が行われているパレ・ド・トーキョー に行くと、中が洪水になっているではありませんか。 これは実は、現代アーティスト、セレスト・ブルシエ = ムジュノのインタラクティブなインスタレーション 『アクアアルタ』でした。毎年冠水するヴェネツィア にヒントを得た作品です。私はギイギイときしむ木 製のボートに乗って、広く暗い水路を進みました。 水路には録音された音声が響き、人々の姿が壁に プロジェクターで映し出されていました。角を曲が ると、大きな樹の彫刻がありました。屋根から突き 出して、子どもたちのためのアートワークショップに 木陰を作っているかのようです。別の場所には明る い光と色のグラデーションを配したインスタレーシ ョンがあり、ジェームズ・タレルの作品を少し穏や かな色にしたような印象を受けました。

Opposite: Muse é d’Orsay, a railway station turned museum.

右：鉄道駅を改造したオルセー美術館。

The surprising beauty of Palais de Tokyo led me off the beaten path in pursuit of other unexpected art encounters. In doing so, I came across Underground Paris, a group that organizes walking tours of the city’s street art. We wandered through various arrondissements, which I never would have otherwise explored, and learned about their street-art histories, like how the French artist Invader created his first tiled mosaic in Paris in the mid 1990s. (Since then, his Space Invader mosaics, based on the popular 1978 video game, have invaded 60 cities in 30 countries around the world.) In the 13th arrondissement, I found

パレ・ド・トーキョーで出会った目をみはるよう な美に触発されて、私はさらに思いがけないアート と出会えそうな場所を歩いてみることにしました。 そして見つけたのが、ストリートアートのウォーキ ングツアーを企画しているグループ「アンダーグラ ウンド・パリ」です。一人では絶対に行くことのなか った地区を巡り、ストリートアートの歴史も知るこ とができました。たとえば、フランス人アーティスト 「インベーダー」が1990年代半ばに初めてモザイ クのタイルアートを制作した時の話なども聞けま した。（1978年のビデオゲーム『スペースインベー ダー』にヒントを得た彼の作品は、その後、世界30 か国60都市を「侵略」しています。）このツアー中で

my favorite mural of the tour, created by Portuguese artist Alexandre Farto, also known as Vhils, who used tools and explosives to chisel a portrait of a man from a large concrete wall. In a way, the street art tour took me home, reminding me of Pow! Wow! Hawai‘i, though less publicized and less approved by building owners. Later, I learned that Vhils had created a portrait of King Kalākaua in the same style in Kaka‘ako in 2014.

In the middle of my trip, I had to return to O‘ahu to photograph a wedding, and when I returned to Paris, the jet lag that ensued had me awake before sunrise. But I loved being motivated to rise with the sun—as a photographer, I know early morning is the best time

一番お気に入りの壁画は、13区で見たポルトガルのアーティスト「Vhils（ヴィ ールス）」ことアレキサンドル・ファルトの作品。彼はドリルや火薬を使って広い コンクリートの壁にポートレートを出現させます。このストリートアート・ツアー は、私にハワイの「Pow! Wow! Hawai i」を思い起こさせました。もっとも、パリ の壁画はあまり宣伝されておらず、ビルの持ち主たちにも歓迎されていないよ うですが。後になってから、ヴィールスが2014年にカカアコの壁に同じ手法で カラカウア王の肖像を描いていたことを知りました。

旅の途中で、私は結婚式の撮影のため一旦オアフ島に戻らなければなら ず、時差ボケのために日の出前に目が覚めてしまいました。でも、これは嬉しい ことでした。フォトグラファーとして、早朝は混雑を避けられる絶好の時間だと

to roam, free of crowds. The day I had first arrived in Paris, I had walked past the NotreDame Cathedral later in the day, and was overwhelmed by the hordes of tourists. When I went exploring early in the morning, I found the previously packed square completely empty, and far more photo-friendly.

Two miles from this famous landmark is the Musée de l’Orangerie, where I headed to see Claude Monet’s famous Impressionist paintings Water Lilies, or in French, Nymphéas. I had no expectations of the quaint museum located in a corner of the Tuileries Garden, or of Monet’s work, so I was blown away by the magnificence and magnitude of Nymphéas. Eight sweeping, wall-sized paintings occupied two large oval rooms with natural skylights that illuminated the work just as Monet had envisioned.

Intrigued, I decided to visit Monet’s home in Giverny. It was well worth the day trip outside of the city. Upon entering his garden— which spilled over with brilliant colors, pollencovered bees buzzing about, and sweet floral scents—Monet’s famous quote, “I perhaps owe having become a painter to flowers,” made complete sense to me. Arching through the lush lily pond was the Japanese bridge found in many of Monet’s paintings. Inside his home, walls were adorned not with his own paintings, but rather with Japanese woodblock prints that he had collected over decades.

Unexpected art encounters came in the form of these woodblock prints in Monet’s home, in the museums of Paris, and in the city’s cobblestone streets. Toward the end of my time in the French capital, when I was jogging along the river Seine, I came across a Spanish photographer who had lived in Paris for many

知っているからです。パリに着いた最初の日、ノートルダム聖堂の 前を通った私は、あまりの観光客の多さに圧倒されてしまいまし た。早朝に再び行ってみると、大混雑していた広場がすっかり空 っぽで、はるかに良い写真を撮ることができました。

そこから3キロほど先にある有名なオランジュリー美術館に、 私はモネの『睡蓮』―フランス語で「Les Nymphéas」―を見に 出かけました。テュイルリー公園の隅にあるこの古色豊かな美術 館にも、モネの作品にも格別の期待をしていなかったのですが、 『睡蓮』のスケールと素晴らしさに圧倒されてしまいました。楕円形 をした2つの大きな部屋の壁いっぱいに巨大な作品が8点飾ら れ、天窓から注ぐ自然光が、モネの意図した通りに作品を照らし ていたのです。

感動した私は、ジヴェルニーのモネの家も訪ねることにしまし た。パリからは1日がかりの旅ですが、それだけの価値は充分にあ りました。ここの庭に足を踏み入れると、「私が画家になれたのは 花々のおかげだろう」というモネの有名な言葉が納得できます。

庭は鮮やかな色彩でいっぱいで、花粉をつけた蜂が飛び交い、甘 い花の香りに満ちてました。緑に囲まれた睡蓮池も同じく目のさ めるような美しさで、モネの絵にしばしば登場する日本風の橋が かかっています。家の中にはモネ自身の絵ではなく、彼が収集して いた日本の浮世絵が飾られていました。

アートとの思いがけない出会いは、モネの家の浮世絵、パリの 美術館、石畳の道など、様々な形で実現しました。パリでの滞在 も残りわずかとなった頃、セーヌ川の岸辺をジョギングしていて、 もう長くパリに住んでいるというスペイン人のフォトグラファーと 出会いました。彼のかたわらには木製の箱を載せた三脚があり、 これはビンテージのカメラで、この箱はミニチュアの暗室を兼ね ているんだ、と彼は説明してくれました。まず大型ピンホールカメ ラで印画紙に露光させ、カメラ内で現像と停止浴を行ってネガを

Le Penseur in the Musée Rodin in Paris.

years. Next to him was a large wooden box on tripod legs. This was a vintage camera, he explained, and it doubled as a miniature darkroom: He would expose an image on light-sensitive paper with the large pinhole camera, then generate a negative image within the box using developer and a stop bath. This negative was then placed on a stand in front of the camera, and a new photograph taken of it, to create the positive image. A couple days later, I returned with money for a portrait, and found him under the same bridge. As I watched my negative soak atop a stack of prints in a water-bath bucket, my mind wandered to the myriad artists who had surely strolled these historic streets. When it comes to art, it seems, Paris is forever timely, and timeless.

OTHER RECOMMENDATIONS:

Sainte-Chapelle is a royal Gothic chapel located in the heart of Paris on Île de la Cité, the same island in the Seine that is home to Notre-Dame. Sainte-Chapelle was

作ります。そしてそのネガをカメラの前に置いて新しい写真を撮り、ポジを作る という手法です。2日後にポートレートの代金を持って戻ると、彼は同じ橋の下 にいました。自分の写っているネガが現像用のバケツの上に重ねてあるのを見 ると、この歴史ある通りをそぞろ歩いたことがあるに違いない無数のアーティ ストたちのことが心に浮かびました。パリのアートは常に新しく、同時に時を超 えているのです。

この他のおすすめ：

サント・シャペルは見事なゴシック様式の礼拝堂で、ノートルダム聖堂と同じパ リ中心部のシテ島にあります。フランス王ルイ9世が建設を命じたこの礼拝堂 には、世界でも有数の見事さを誇る13世紀のステンドグラスがあります。日中 の行列を避け、少し料金は高くなりますが、このステンドグラスを張りめぐらせ た礼拝堂内で開かれるオーケストラのコンサートに行くのがおすすめです。

commissioned by King Louis IX of France and has one of the most extensive 13th century stained glass collections in the world. Skip the daytime lines and pay only slightly more to enjoy an orchestra concert in this intimate cathedral made almost entirely of brilliant stained glass.

Musée d’Orsay is a must-see when in Paris. An old railway station turned museum, its architecture is stunning, and it boasts the largest collection of Impressionist and Post-Impressionist masterpieces in the world. Its floor plan is easy to navigate, which makes it less intimidating than the Louvre.

Musée Rodin and its surrounding gardens offer a nice respite from the city. You can buy a ticket for the gardens alone and still see an array of sculptures by Auguste Rodin, including his famous works The Thinker and The Gates of Hell

パリに行くなら、オルセー美術館は必見です。壮麗

な建物は、かつての鉄道駅を改造したもの。印象派 と後期印象派の巨匠たちの名作を世界で最も多く 所蔵しています。フロアプランは分かりやすく、ルー ブル美術館のように入り組んではいません。

庭園に囲まれたロダン美術館は、パリ中心から ほどよく離れた場所にあります。庭園だけを選んで 入場して、『考える人』や『地獄の門』などの名作を 屋外で鑑賞することもできます。

Lāna‘i, Then and Now

ラナイ島の伝説と現在

Text by Ellie Crowe & Lisa Yamada-Son

文 = エリー・クロウ＆リサ・ヤマダ・サン

Images by John Hook

写真 = ジョン・フック ジョン・フック

Learn the ancient history of Lāna‘i, and discover how to best experience it today.

ラナイ島に伝わる物語と、滞在を楽しむ小さなヒント。

The 140-square-mile island of Lāna‘i has gone through numerous iterations since its volcanic birth roughly one million years ago. It has been home to malevolent spirits and sorcerers, which were expelled by a Hawaiian prince. It became, briefly, the pineapple-growing capital of the world. Today, this island, which is now owned by Oracle founder Larry Ellison, offers a balance of quiet beach time and adventurous excursions.

Though Lāna‘i is now known as a place of refuge and relaxation, this idyllic island was once uninhabitable, according to legend. Until the 15th century, the island was kapu, or forbidden, to visit because it was home to dangerous spirits. Fortunately, they are gone now, having been exorcised by Kaululā‘au, a 12-year-old boy.

The son of the king of Maui, Kaululā‘au was a rascal. In fact, it was Kaululā‘au who led boys on the island to paint the prized pigs, imitated the death-bird’s hoot in the

約3600平方キロメートルの面積を持つラナイ島は、約100万年前の火山活 動で誕生して以来、様々な変化を経てきました。この島にはかつて悪霊と魔 術師が住んでいて、ハワイアンの若い王子に退治されたという伝説を持ちま す。一時は、短い間でしたが、世界を代表するパイナップルの産地であった時 代もありました。現在はオラクル社の創業者ラリー・エリソンさんが所有して おり、静かなビーチと冒険心を刺激するアクティビティをバランスよく提供し ています。

今では休息とリラクゼーションの地となったのどかなラナイ島ですが、ハワ イのモオレロ（伝説）によれば、その昔は人喰いの悪霊や魔術師のすみかだっ たといいます。15世紀になるまでハワイの人々はこの島を避け、上陸は「カプ」 （タブー）とされ、禁じられていました。幸いなことに、そんな霊はもういませ ん。悪霊たちを追い払ったのは、カウルラアウという12歳の少年です。

カウルラアウはマウイの王の息子で、わんぱくな子どもでした。カウルラア

On Lāna‘i, an island without a single stoplight, country adventures await.

信号機が一つもない島、ラナイ 島では、カントリーならではの冒 険が楽しめます。

village at night, and pushed fishing canoes out to sea. Then, one dark night, Kaululā‘au went too far and uprooted a grove of young breadfruit trees planted by the king. Destroying even one of these precious trees was punishable by death, but instead of being executed, Kaululā‘au was banished to Lāna‘i—a fate considered to be a certain death sentence. War canoes took the young boy across the windswept channel to the dark island, and landed at Kahalepalaoa, where the spirits attempted to kill the exiled prince. Ever cunning, Kaululā‘au built a hut at the top of peaked Lāna‘ihale, invited them over, and served intoxicating ‘awa. When the spirits fell asleep, he gummed their eyelids with bird lime and set fire to the hut. After defeating the former residents, Kaululā‘au lit a huge bonfire at Naha on the eastern coast, the closest point to Maui. At the sight of the glowing flames, the king guessed of his son’s courageous acts. The king sailed to Lāna‘i and nominated his brave son the ruling chief of the island. Translating to “day of conquest,” the island’s name, Lāna‘i, harkens back to the clever Kaululā‘au, who tricked the spirits and sorcerer of this small isle.

Today, travelers to Lāna‘i can visit the same sites that Kaululā‘au encountered. Kahalepalaoa, the beach where he first landed, has historical sites to explore and great snorkeling, and is reachable by 4x4 Jeep. Heading inland, the Munro Trail at the center of the island ascends 12 scenic miles to the 3,370foot high peak of Lāna‘ihale (House of Lāna‘i).

ウが率いる島の少年たちは、大切にされていた豚 に色を塗ったり、不吉な「死の鳥」の鳴き声を真似 して夜中に村で啼きたてたり、漁に使うカヌーを海 に押し出したりと、いたずらの限りをつくしました。 そしてある晩、カウルラアウのいたずらは度を越し てしまいました。王が植えたブレッドフルーツの若 木を、すべて引き抜いてしまったのです。この大切 な木を1本でも損じた者は死罪となる決まりでし たが、カウルラアウはその代わりにラナイ島へ流刑 となりました。これは死罪とまったく同等の刑でし た。

カウルラアウを乗せた戦闘用のカヌーは風の 強い海峡をわたり、暗黒の島の浜、カハレパラオア に到着します。そこでは、悪霊たちが少年を殺そう と待ち構えていました。頭の切れるわんぱく少年だ ったカウルラアウは、ラナイハレ山のてっぺんに小 屋を建て、そこで悪霊たちに酔いやすいアヴァをふ るまいました。霊たちが眠ってしまうと、カウルラア ウは彼らの目に鳥もちを塗って、小屋に火をつけま した。

霊たちをやっつけたカウルラアウは、マウイ島 に一番近い東海岸のナハの海辺に大きな焚き火を 起こしました。大きな焚き火が燃え上がっていくの を見た王は、息子が悪霊たちに勝ったのを知りま した。王はラナイへ渡り、勇敢な息子を島の酋長に 任命したのでした。「ラナイ」はハワイ語で「征服の 日」という意味で、この小さな島から悪霊を追い払 った賢いカウルラアウを記念しています。 今日ラナイ島を訪れる旅人たちも、カウルラアウ がいた場所を見ることができます。彼が最初に上 陸したカハレパラオアは、史跡であると共にスノー ケリングスポットとしても最高で、四輪駆動のジー プでアクセスできます。また、島の中央部にある約 19キロの眺めの良いハイキングコース、マンロー・

라나이, 그때와 지금

역사적으로 한때 라나이는 거주하기가 힘든 곳으로 알려져 있었습니다.

하지만 오늘날에는 조용한 휴식과 다이나믹한 삶을 균형지어주는

휴식처로 자기매김했습니다.

Of course, much has changed on Lāna‘i since Kaululā‘au became its ruling chief. Horses and their natural counterparts, paniolo, or cowboys, have taken up residence, as have mouflon sheep and axis deer. This gives the island a pastoral feel, which is matched by country adventures, such as horseback riding and hunting excursions. The island now has a town, aptly named Lāna‘i City, though not enough residents to warrant even a single stoplight.

For those who want to embrace this small-town charm for their visit, Hotel Lāna‘i offers a welcoming nod to the past, complete with wood-framed walls and whitewashed plank ceilings, hand-sewn quilts, and occasionally creaky floorboards in the classic Hawaiian plantation style. Located at the heart of Lāna‘i City, the hotel offers proximity to the only semblance of metropolitan life, as well as cooler mornings among Cook Pines. Within walking distance is the Lāna‘i Culture and Heritage Center, where the history of the island is laid out on the walls and embodied within the cultural artifacts on display.

If it’s sunny skies and luxurious relaxation that you are looking for, make Four Seasons Resort Lāna‘i, perched above Hulopo‘e Bay, your home base. Under Ellison’s ownership, this resort received a major

トレイルをたどると、標高1027メートルのラナイハレ（「ラナイの家」）の頂上 に登れます。

もちろん、カウルラアウの時代からラナイ島は大きく変わりました。馬たち とその相棒であるパニオロ（カウボーイ）がやってきて、ムフロン種の羊やアク シス鹿も導入されました。羊や鹿は島の風景に田園らしいのどかさを加え、乗 馬や狩猟などカントリーならではのアドベンチャーも楽しむことができます。ラ ナイは信号機が一つもないほど人口が少ない島ですが、それでも「シティ」があ ります。

スモールタウンの魅力をしみじみと味わいたい方は、ホテル・ラナイのレト ロな佇まいに心惹かれることでしょう。木造の壁に、白い木の板を張り渡した 天井、手縫いのキルト、時々きしむ床板までも、クラシックなハワイのプランテ ーション様式を忠実に再現するこのホテルは、ラナイ・シティの中心に位置して おり、「シティライフ」とはかけ離れた穏やかな静けさと、クックパインの木立ち に囲まれた涼しく爽やな朝を楽しむことができます。道の向かい側にはラナイ・ カルチャー＆ヘリテージセンターがあり、館内の壁いっぱいに文化財などが展 示されています。

晴れた空の下、ラグジュアリーな環境でくつろぎたい方は、フロポエ湾を見 晴らすフォーシーズンズ・リゾート・ラナイへどうぞ。このホテルはエリソンさん の所有になってから大規模な改装を経て、新しいプール、アップグレードした

Corridor at Four Seasons Resort Lāna‘i. Opposite: The grounds of Four Seasons are an oasis of secluded gardens and pathways besides waterfalls and pools.

makeover, including a new pool, upgraded interiors, sprawling suites, and high-tech accoutrements befitting an island hotel that is owned by a tech magnate. While it is some distance from the main town, this secluded nature is part of its allure—the resort truly feels like an escape from reality.

Built atop the low-slung cliffs of Hulopo‘e Bay, Four Seasons overlooks a white sand beach fronting the crystal clear water of a marine sanctuary. Walk over for some snorkeling, or take a quick 15-minute hike further to Pu‘u Pehe, also known as Sweetheart Rock, where dramatic cliffs accent the aquamarine tide pools below. After a hot day spent in the sun, lounge by the resort’s sparkling blue pool with a refreshing cocktail from the pool bar and tapas from onsite restaurant, Nobu Lāna‘i.

Four Seasons Resort Lāna‘i also offers ways to experience the island’s wilder side, like an archery range, a shooting range, and off-road excursions. Or, rent a Jeep and travel the lengths of the island on your own. About 45 minutes from the resort, on the island’s northeast coast, is Shipwreck Beach, which was named for an abandoned barge that rests on the reef offshore. If you would rather head inland, Keahiakawelo, commonly called Garden of the Gods, lies six miles west of Lāna‘i City. This rocky desertscape at the end of Polihua Road makes apparent, once again, just how timeless the island of Lāna‘i truly is.

内装、大型のスイート・ルームが追加されたほか、IT界の有力者 のホテルにふさわしいテクノロジー機器も備えています。ラナイ の中心部からは少し離れていますが、そこが魅力でもあります。 このリゾートは、まさに日常をはるかに離れたエスケープを提供 してくれるのです。

フロポエ湾の低い崖の上に位置するフォーシーズンズ・リゾ ートからは、白砂のビーチと、海洋生物のサンクチュアリでもあ る澄み切った海が一望できます。ビーチでのスノーケリングや、 アクアマリンの波が打ち寄せるドラマチックな岩の風景が眺め られるプウ・ペへ（別名スイートハート・ロック）への15分ほどの ハイキングもおすすめです。1日中陽を浴びて過ごしたら、リゾー トのプールでリフレッシュ。プールバーのカクテルとノブ・ラナイ のタパスも注文できます。

フォーシーズンズ・リゾート・ラナイでは、このほか、アーチェ リー、射撃、オフロードなどの野性味あるアクティビティも提供 しています。ジープを借りて、ラナイ島を自分で探検することもで きます。リゾートから車で45分ほどの北東側の海岸にあるシッ プレック・ビーチの沖合いには、座礁した大型船が打ち捨てられ ています。島の内陸を目指すなら、ラナイ・シティから約10キロ ほど西に「神々の庭園」と呼ばれる場所があります。ポリフア・ロ ードの終点にあるこの「庭園」には砂漠のような岩の風景が広が り、ラナイ島が時を超えた場所であることを改めてまざまざと感 じさせてくれます。

Culinary delights and delectable

FA RE

hidden

gems

A Meal Among Friends

友と囲む食卓

Text by Martha Cheng

文 = マーサ・チェン

Images by Meagan Suzuki

写真 =メーガン・スズキ

If I were unemployed, I would be here every day eating dim sum,” I overhear a guy say at Fook Lam in Chinatown, where friends and I are about to start a dim sum crawl. One of these friends, who is employed, still manages to come here so often that the servers of Fook Lam, usually slightly surly, call him shuai ge, or “handsome fellow,” and know his order better than he does. This includes: shrimp dumplings; shrimp and pork hash; chive dumplings, both steamed and pan-fried; pork spare ribs; sticky rice wrapped in lotus leaves; stewed beef tendon; shrimp look fun; Chinese broccoli with oyster sauce; and squares of turnip cake stir-fried with XO (a spicy, preserved seafood condiment). Already, this is too much food for three. But armed with chopsticks and tea, which helps refresh the palate, we begin. The food at Fook Lam, like the décor, is not fancy. It is Dim Sum 101 here, all the standard items, solidly executed. But dim sum, even at its most basic, reveals a panoply of textures and flavors, in the slippery sheets of rice noodles studded with shrimp; curry spiked tendon braised to the

A food writer feeds her soul at three dim sum restaurants in Honolulu.

フードライターのマーサ・チェンが、ホノルルの飲茶レスト ラン3軒を巡りました。

「もし仕事がなかったら、ここに毎日来て食べるんだがなあ」。チャイナタウンの 「フック・ラム・レストラン」のテーブルに着き、飲茶巡りの旅のスタートを切ろ うとしていた私と友人たちの耳に、近くの席からそんな言葉が聞こえてきまし た。一緒にテーブルについた友人の1人は（失業中ではありませんが）この店に 頻繁に通っているので、いつもは愛想のないサーバーたちは彼を覚え、 「シュアイ・ガー（ハンサムさん）」と呼びかけて、注文もすっかり把握しています。 彼がいつも頼むのは、海老餃子、海老とポークの焼売、ニラ饅頭（蒸したもの と焼いたものと両方）、スペアリブ、蓮の葉に包まれたちまき、牛すじ肉の煮込 み、海老のルックファン、カイランのオイスターソース炒め、大根餅のXO醤(干 し海老や貝柱を使ったスパイシーなペースト）炒め、など。これだけで、もう3人 の食卓には多すぎるほどの分量です。箸を取り、お茶を片手に、私たちは点心 に挑みました。

フック・ラムの料理は、店の内装同様、格別に洗練されてはいません。メニュ ーはいわば「飲茶入門」といったところで、王道のアイテムをスタンダードに提供 しています。とはいえ、ごく基本的なメニューであっても、飲茶に並ぶ点心には

친구들과 함께하는 식사

한 음식평론가는 호놀룰루 딤섬을 통해

그녀만의 여행을 즐깁니다. 도시의 3개의

레스토랑이 전통적인 분위기부터 힙한

분위기까지. 3개의 레스토랑이 다양한

음식을 선보이며, 모두가 함께 어우러지는

분위기로 사람들을 끌어당깁니다.

There’s an art to the way dim sum is enjoyed, especially with friends and family. At Fook Lam in Honolulu’s Chinatown, diners dig into an assortment of the cuisine’s conventional classics.

飲茶の一番美味しい食べ方は、家族や友人とテ ーブルを囲むこと。ホノルルのチャイナタウンに位 置するフック・ラム・レストランの伝統的な飲茶。

Step into the Ala Moana Hotel, where Royal Garden resides. Here, dim sum sets the scene with a little of something for everyone on the menu.

アラモアナホテル内にあるロイヤ ル・ガーデン。みんなで少しずつ分 け合うのが楽しい飲茶メニュー。

point between solid and jelly; chewy sticky rice delicately scented with lotus leaves. The experience is like a conversation among good friends— familiar and comforting, engaging and lively.

In dim sum, most items come in threes; dim sum for two means uncertainty when it comes to that last piece. My parents hate uncertainty so much that when I visit them in San Francisco, I suspect my mom is primarily excited because it means she can eat dim sum. Sometimes I wonder if they had just one child to make the meal a more peaceful experience. If that’s the reason, it worked: I have only fond memories of it. Dim sum continues to be one of my favorite ways to eat with friends. The food arrives almost aggressively quickly, dumplings and buns are daintily packaged and portioned, and there’s little commitment—if you like it, we’ll order more, if you don’t, it’s just one bite, maybe two. Would that life were so simple.

The next stop in our dim sum crawl is Royal Garden at the Ala Moana Hotel. It is the sort of place you’d take your grandparents for a special occasion, when you want a better setting than that of fluorescent lights and a view of men gambling along River Street. The “royal” is conveyed in a foyer of marble, a vast dining room with a carpet of jade and gold, and tables covered in white linen. The food itself, wheeled around in carts, is presented with a touch more panache than at Fook Lam, but is equivalent in execution, with the highlights being taro puffs fried in a lacy batter as delicate as a bride’s veil; seafood hash cradled in eggplant and

素晴らしく豊富な食感と風味が揃っています。つる りとしたライスヌードルに海老をまぶした1品。カレ ーで風味をつけ、ゼリー状になる一歩手前まで煮 込んだたすじ肉。そして、蓮の葉のほのかな香りに 包まれたもち米など。飲茶の楽しみは、良い友人た ちとの会話に似ています。いつもおなじみで、気取ら ず、それでいていきいきと心をとらえる体験です。

点心のメニューの多くは3つずつ出されるの で、2人で囲む飲茶には、最後の1つをどちらが食 べるかという不確定要素がつきものです。私の両 親は不確定要素をひどく嫌うので、私がサンフラン シスコの実家に帰ると母が喜ぶのは、第一には3人 で飲茶に行けるからではないか、と私は常々疑い を持っています。もしかしたら、両親が1人しか子ど もを持たなかったのは食事の時間を心安らかに過 ごすためだったのでは、と思うこともあります。だと したら、それは大成功でした。食卓での思い出は、 素晴らしいものばかりですから。飲茶は、友人たち と囲むのに最高の食事の1つです。料理は攻撃的 といってもいいほど素早く出されるし、餃子や饅頭 は見た目も美しく、量もほどよいので、大したコミッ トメントも必要ありません。美味しければもっと注 文すれば良いし、気に入らなくても、一口かふた口 で終わりなのですから。人生もこのくらいシンプル だと良いのですが。

飲茶巡りの次なる目的地は、アラモアナホテル の「ロイヤル・ガーデン」でした。この店は、たとえ ば、特別な日に祖父母を招待するのにぴったりの 場所といえます。通りに座り込んで賭博に興じてい る人々の姿も見えるチャイナタウンのリバーストリ ートの蛍光灯に照らされた料理店よりも、少し改 まった席です。店名の「ロイヤル（王家）」にふさわし く、入り口には大理石があしらわれ、広いダイニン グの床は翡翠色とゴールドのカーペットが敷かれ

The refined desserts at Yauatcha in Waikīkī’s International Market Place.

Previous spread: The restaurant takes a ritzier approach to dim sum.

上：インターナショナル・マ ーケットプレイス内にあるヤ ウアチャ・ワイキキの美しい デザート。前ページ見開き： ヤウアチャの点心はどれも スタイリッシュ。

mushrooms and griddled tableside; thin, curried rice noodles; and flaky custard tarts as warm and soothing as a hug.

If Royal Garden is the scene of family gatherings, then our next stop, Yauatcha, is the spot for bachelorette parties and date nights, with its lounge vibe and DJ in the evening. Its parent company, the Hakkasan Group, is known globally for its upscale restaurants and nightclubs, and aims to do for dim sum what Nobu did for Japanese food—refresh the genre with a hip, modern aesthetic in both plating and atmosphere.

ロイヤル・ガーデンが家族の集まり向けだとす ると、次に訪ねた店「ヤウアチャ」は、独身最後のパ ーティーやデート向け。ラウンジ風の雰囲気で、夜 はDJも入っています。世界各地にアップスケールな レストランやナイトクラブを展開するハッカサン・ グループを親会社とするこの店の狙いは、「ノブ」が 日本料理で行ったことを点心で実現すること。つま り、料理と店の環境をヒップでモダンな美意識で 刷新し、ジャンルに新風を吹き込むことです。

アメリカでの飲茶は各都市のチャイナタウンの 奥にある目立たない存在ですが、香港や台北を訪 ねたことのある方なら、飲茶はもっとステイタスの

Anyone who has been to Hong Kong or Taipei knows that dim sum deserves to be elevated, not merely relegated to nondescript spots in Chinatowns around America. At Yauatcha, located in Waikīkī at the International Market Place, dim sum flaunts its beauty. Chive dumplings preen in green and white translucent pleats, and fried duck puffs sit like ていて、テーブルには白いリネンがかかっています。 カートで運ばれてくる点心もフック・ラムより若干 きらびやかな趣きですが、基本は同じです。注目メ ニューは、花嫁のベールに使うレースのように繊細 な衣で包んだタロ餅、目の前で鉄板焼きにしてくれ る茄子ときのこのシーフード詰め、カレー風味のラ イスヌードル、ふんわりと優しく温かなカスタード タルト、などです。

Plating and presentation at Yauatcha makes its offerings a feast for the eyes.

繊細な美しさで 目も楽しませてくれる ヤウアチャのメニュー。

Cinderella in their snug, pumpkinshaped casings. There’s a delicateness to the venison pastries, the salty sweet package almost dissolving on the tongue. The highlight at Yauatcha is a delight in textures: a thin, crisp cruller stuffed with shrimp and swaddled in a thin sheet of rice noodle. Some items border on unnecessarily extravagant, like the morel dumplings, the fleeting taste of those precious mushrooms utterly lost, and the Peking duck with caviar ($238 for the whole duck). The bill here will be at least twice that of other dim sum spots in Honolulu, but there’s nowhere else in town you can get dumplings with cocktails that range from the fruity and playful Nashi Momo, featuring pear and peach, to the spirit-forward Buddha’s Palm, made with whiskey and yuzu. Nor is there any other dim sum restaurant with a dessert menu as exquisite as that of Yauatcha, where a palm-sized macaron hides a jammy cassis center enrobed in pastry cream. Nothing about it reminds me of dim sum, except the utter joy with which we consume it all.

高い存在になっても良いはず、とご存じでしょう。ワ イキキのインターナショナル・マーケットプレイス に開店したヤウアチャの点心は、美しい盛り付けを 誇ります。ニラ饅頭は緑と白の半透明のプリーツに 包まれて、鴨の揚げ団子はカボチャの形に仕立て られ、シンデレラのようにつつましく登場します。塩 味と甘味をあわせ持つ鹿肉のパイは、舌の上で溶 けるような味わい。ヤウアチャの注目メニューは、パ リパリの衣とやわらかな米粉の皮に二重に包まれ た海老のチョンファン巻き。メニューの中には、せっ かくの貴重なきのこの繊細な味わいが完全に失わ れているアミガサタケの餃子や、北京ダックのキャ ビア添え（1羽まるごとで$238）など、少々不必要 なまでに豪華な品もあります。お値段も、ホノルル の他の飲茶レストランの少なくとも2倍です。とは いえ、点心と一緒に、梨と桃のジュースを使った「ナ シモモ」や、ウィスキーと柚子を使った「ブッダズ・ パーム」などの遊び心溢れるカクテルが楽しめる店 は、ここの他にはありません。それに、ヤウアチャほ ど洗練されたデザートメニューを持つ飲茶レストラ ンはどこにもないでしょう。たとえば、たっぷりのク リームとカシスをはさんだ手のひらサイズのマカロ ンなど。マカロンには点心らしいところはありませ んが、口に入れた時の幸福感は、まったく同じです。

The Art of Landscaping

ランドスケープのアート

Text by Kiliki Leon

文 = キリキ・レオン

To know the plants of Hawai‘i is to know the history and culture of its people.

ハワイの植物を知ることは、こ の土地の人々の歴史と文化を 知ることにつながります。

The ‘uki‘uki, a type of lily, has bluish-purple berries that were used to dye bark cloth (kapa), and its leathery leaves were tightly woven into cords. The tī plant had a myriad of roles around the home and in religious ceremonies. Considered a charm against evil, it was often planted around temples (heiau), and priests wore its leaves around their necks to signify divine power. The hapu‘u tree fern is clothed in a fawn-colored wool (pulu) that was used as stuffing for bedding, and for embalming the dead.

In truth, only the hapu‘u is a genuine native, originating in the Hawaiian rainforest. But the term “native” has come to also encompass many naturally occurring indigenous plants known here and elsewhere, as well as the “canoe plants” brought aboard canoes by Polynesian adventurers who voyaged 2,000 miles north from the Marquesas to settle these islands as early as the fifth century.

Canoe plants were essential to the settlers’ survival, providing food, medicine, clothing, and more. They include: taro (kalo), breadfruit (‘ulu), banana (mai‘a), sweet potato (‘uala) and candlenut (kukui), which is the official state tree of Hawai‘i.

In more modern times, Western influences brought changes in Hawaiian fashion, diet, religion, and even landscaping. Horticulturalists introduced non-native ornamental plants, such as the spiky bird of paradise, brightly colored bougainvillea, red and pink ginger, and the waxy, heartshaped anthuriums that have become synonymous with tropical landscaping.

While these exotic blooms continue to be a mainstay of commercial and residential projects in Hawai‘i, native plants have slowly been regaining favor. One reason for this is that many of these species are drought-tolerant and don’t require much water or maintenance.

But the go-native trend is rooted in deeper principles than just water conservation, according to Don Vita, president and founder of Vita Planning and Landscape Architecture, Inc. of San Rafael, California, whose clients include Park Lane and other high-end resort and residential properties in Hawai‘i.

たとえば、ユリの一種の「ウキウキ」。紫色の実がカパ （木の皮を原料とする布）の染色に使われたほか、丈夫な 葉は固く編んで紐を作る材料になりました。また、家庭 の中でも宗教的な儀式にも、数え切れないほどの役割 を果たす植物といえば「ティー」。ティーは魔除けになる と考えられ、寺院（ヘイアウ）に植えられたほか、神官た ちは神秘的な力のしるしとして首の周りにティーの葉 を飾っていました。

樹木のように大きく成長するシダ「ハプウ」は、寝具 のクッションにしたり、死者の埋葬に使われた淡褐色の 柔らかな繊維「プル」の原料です。

実はこの中で、ハワイの熱帯雨林にもとからあった 植物はハプウのみです。ハワイでは、自生していた在来種 だけでなく、3000キロを超える距離を航海して南太平 洋のマルケサス諸島からハワイへやって来たポリネシア 人たち（もっとも古くは5世紀頃渡来したと推測されて います）が持ち込んだ「カヌー植物」も含めて「在来（ネイ ティブ）植物」と呼ばれることがあります。

カヌー植物は、古代ポリネシアの入植者たちにとっ て生活に必須の食料、薬、衣料となりました。主なカヌ ー植物には、タロ（カロ）、ブレッドフルーツ（ウル）、さつ まいも（ウアラ）、そして、ハワイ州の木に指定されている キャンドルナッツ（ククイ）などがあります。

近代になると、西洋からもたらされた文化がハワイ アンの生活や食、宗教、そしてランドスケープにも影響 を及ぼすようになりました。園芸家たちは、流線型の花 を咲かせるバードオブパラダイス、鮮やかな色のブーゲ ンビリア、赤やピンクのジンジャーフラワー、つやつやと したハート型のアンセリウムといった外来種の観賞用 植物を持ち込み、これらがトロピカルなランドスケープ の代名詞のような存在となりました。

こうしたエキゾチックな花は引き続きハワイの住宅 や商業施設の植栽に使われていますが、ハワイの在来 植物も少しずつ注目を集めています。理由の一つには、 こうした在来植物の多くは干ばつに強く、あまり多くの 水を必要としないということが挙げられます。

しかし、在来植物をランドスケープに使う動きには、 単に節水だけではなくもっと深い意味があると、ヴィー タ・プランニング・アンド・ランドスケープ・アーキテクチ ャー・インクのドン・ヴィータさんは語ります。カリフォル ニア州サンラファエルにある同社のクライアントには、 パークレーンを始め、ハワイにあるハイエンドのリゾート や住宅も名を連ねています。

「ランドスケープだけの問題ではなく、ものごとをどのよ

풍경이 만들어내는 예술

부겐벨리아나 생강같은 이국적인 식물들이

상업과 지역프로젝트의 중심인 반면에

하와이 토종 식물들의 풍경이 크고 작은 규모로 사람들의 관심을 이끌고 있습니다.

Dwarf anthurium, a non-native exotic, adds color to the grounds.

Native

hala tree at Park Lane.

‘Uki‘uki, one of the most durable natives for landscaping.

“It’s not just landscaping,” Vita says. “It’s really part of a philosophical approach to how we go about designing things in a sustainable way, and using native plants is just one aspect of all of that.”

Michael Motoda, president of Honolulu landscape architecture firm Walters, Kimura, Motoda, Inc., who collaborated with Vita in designing the Park Lane grounds, connects the interest in native plants to the Hawaiian Renaissance movement that took place in the 1970s, as Native Hawaiians sought to reclaim their culture and revive traditional practices, music, arts, and lifestyles that relied on natural materials. “The Hawaiians always planted things they could use, whether it was for their housing, their food, their fishing—it was all part of that,” Motoda says.

At Park Lane, the most obvious example of native landscaping is the towering hala, or pandanus, tree centered in the porte cochère. A mass of cylindrical aerial roots angle down from its trunks, giving the tree the appearance of standing on stilts, hence, its nickname “the walking tree.”

Hawaiians dried and bleached the hala’s prickly leaves (lau hala) in seawater and scraped them to soften the fibers, which were then woven into floor and sleeping mats, fans, and baskets. The traditional practice still thrives today, with artfully woven lau hala jewelry, handbags, and hats commanding a handsome price.

“We always use the hala, because it’s so iconic,” Motoda says. “It has so much cultural value: the lau hala you make from the leaves, and the fruit that sort of looks like pineapple, the Native Hawaiians used that as paintbrushes. And it’s striking. You see that and you know you’re in Hawai‘i.”

Also noticeable throughout the property is ‘ōhi‘a lehua, a woody shrub distinguished by its tufts of red and yellow stamen. It is most closely identified with the raw, volcanic terrain of Hawai‘i Island, and is prized in lei making and admired in Hawaiian song and legend.

Park Lane’s ‘ōhi‘a lehua are a point of pride for Motoda, as the truly native plant is not often seen in

うにサステナブルな方法で設計していくかという、哲学的なアプローチの一環 なのです。在来植物を使うというのは、その一つの要素にすぎません」。

ヴィータ・プランニングと協働してパークレーンの植栽を設計したホノルル のランドスケープアーキテクト事務所、ウォルターズ、キムラ、モトダ・インクのプ レジデント、マイケル・モトダさんは、在来植物への志向は1970年代に起こっ たハワイアン・ルネッサンス運動につながると考えています。これは、ネイティブ ハワイアンの人々が自らの「カナカ・マオリ」文化を取り戻し、伝統文化、音楽、ア ート、そして自然の恵みにもとづくライフスタイルを復権させた運動でした。

「ハワイアンたちは常に、実用に役立つ植物を栽培していました。家の建 材、食料、漁の道具などはみな、その一部です」とモトダさんは語ります。

パークレーンの在来植物を使ったランドスケープでもっとも目を惹くのは、 車寄せの中央に植えられているパンダナスの木。ハワイ語で「ハラ」と呼ばれる この木は、幹から密集した円筒状の気根がいくつも伸び、まるで竹馬に乗って いるように見えるので「歩く木」というニックネームもあります。

古代ハワイの人々は、丈夫なハラの葉（「ラウ・ハラ」）を乾燥させ、海水で漂 白し、繊維を柔らかくしてから、床材、寝具、扇、バスケットなどを編む材料に用 いました。この技術は今日にも伝えられ、ラウ・ハラを編んだ美しいジュエリー、 ハンドバッグ、帽子などには高価な値がついています。

「ハラはアイコニックな樹木ですから、いつもランドスケープに取り入れま す。文化的な価値がとても高い木でもあります。葉はラウ・ハラとして細工に使 い、パイナップルのような実はかつては絵筆として使われていました。それに外 見も印象的で、この木を見るとハワイにいることを実感できます」とモトダさん は説明します。

パークレーンの植栽では、赤と黄色の雄しべが華やかな灌木、オヒア・レフ アも目を惹きます。ハワイ島の溶岩原のただ中に生えることで有名で、レイの材 料としても珍重され、数々の歌や伝説にも登場するオヒア・レフアをパークレー ンの植栽に使えたことを、モトダさんは誇りにしているそうです。真のハワイ固 有種であるこの樹木が大規模なランドスケープ・プロジェクトで使われること は稀で、入手が難しい木でもあります。（パークレーンのオヒア・レフアはマウイ 島からやって来ました）。

パークレーンの植栽に見られるこのほかの在来植物には、ウキウキ、クプク

Native plants establish a sense of place with ornamentals incorporated into the landscape as accents.

large-scale landscaping projects, and finding them can be a challenge. (The Park Lane plantings came from Maui.)

Other native plants at Park Lane include: ‘uki‘uki, kupukupu (sword fern), ‘ekaha (bird’s nest fern), aloalo (white hibiscus), loulu (fan palm), ‘ākia and pōhinahina (used as ground cover), and nā‘ū, an endangered species of gardenia.

Non-native exotics, such as heliconia, plumeria, Tahitian gardenia, dwarf anthurium, Queen Emma spider lily, and sweet-smelling pua kenikeni—a cherished lei flower—serve as color and fragrance accents throughout the grounds and around the perimeter of the Great Lawn.

“The native Hawaiian garden is green, and actually, in the event lawn, it’s basically green; we don’t have a riot of color,” Motoda says. “We kind of like that. It’s calming.”

Vita says many clients and homeowners have yet to embrace the benefits of native landscaping and the unique beauty of these plants that have adapted to survive in fragile ecosystems. “There needs to be more of a change in market perception of what a Hawaiian landscape really is, and, unfortunately, that perception is still pretty much the big-leaf tropical stuff people are expecting to see,” he says.

Motoda holds hope that astute developers are beginning to recognize the value of native landscaping in establishing a sense of place for sophisticated visitors and residents who are seeking more authentic surroundings and experiences. “Actually, a lot of tourists today are more informed and want to see something that represents Hawai‘i. They want to see native plants in the landscape,” Motoda says. “And the experience becomes more meaningful once they find out the plants were used for food, clothing, cordage, spears, medicine, and other purposes.”

Vita describes Park Lane’s commitment to native landscaping as “groundbreaking.” He continues, saying, “Personally, I think it’s going to set this apart in the marketplace forever. People will begin to emulate it, and hopefully, as a result of that, we’ll see Honolulu becoming a little more green—native green.”

プ（タマシダ）、エカハ（アスプレニウム）、アロアロ（ホワイトハイビスカス）、ロウ ル（扇状のパームツリー）、アキアとポヒナヒナ（グランドカバーとして使用）、ナ ウ（絶滅危惧種でもあるハワイのガーデニア）などがあります。

外来種のトロピカル植物には、ヘリコニア、プルメリア、タヒチアンガーデニ ア、アンスリウム、クイーンエマ・リリー、レイの材料として愛されている甘い香り のプアケニケニなどがあり、敷地内の各所とグレートローン周辺に鮮やかな色 と香りを添えています。

「ハワイ在来植物のガーデンは緑が基調ですし、イベント広場の芝生も緑 なので、派手な色彩はありません。落ち着いた感覚が気に入っています」とモト ダさん。

ヴィータさんは、在来の植物を使ったランドスケープのメリットと、繊細な エコシステムに適応した植物の独自の美しさをクライアントやホームオーナー の多くに理解してもらうにはまだ時間がかかると語ります。

「本当にハワイらしいランドスケープとは何かという考え方をマーケット全 体で変えていかねばなりません。残念ながら現在のところは、一般の期待に沿 うような、よくある大きな葉の熱帯植物がまだ主流なのです」とヴィータさんは 説明します。

在来植物を使ったランドスケープは、本物を志向する洗練された旅行者や住 人に、その土地に根ざした感覚を提供します。変化に鋭敏なデベロッパーたちが そうしたメリットに気づき始めていることに、モトダさんは希望を抱いています。

「今日の観光客は昔よりもずっと多くを知っていて、ハワイを代表するも のを見たいと感じています。ランドスケープにも在来植物を見たいと思う人が 多いのです。それらの植物が、かつて食料や衣料、縄や銛や薬などの材料とし て使われていたことを知れば、ハワイでの体験がさらに意義深いものになるで しょう」とモトダさん。

ヴィータさんは、在来種をランドスケープに使うパークレーンのコミットメ ントを画期的だと考えています。

「個人的には、この試みは新しいトレンドを作っていくものになると感じていま す。ほかの人々もこれに続くようになるでしょうし、その結果、ホノルルがさらに 環境に優しく、在来植物の多い、より『ネイティブグリーン』な場所になっていく と良いと思います」。

Calling Hawai‘i Home

ハワイをホームベースに

Text by Lynette Lo Tom

文 = リネット・ロートム

Images by AJ Feducia & Jonas Maon

AJ・フェデュシャ＆ジョナス・マオン

Noe Tanigawa

The state’s most well-known arts reporter enjoys continuing to discover the wonders of Hawai‘i, including its neighborhoods. “I am still learning about Pāwa‘a, about Kona, and about Waikīkī,” says Noe Tanigawa.

Raised in Wailupe Valley in East O‘ahu, and living in the home she grew up in, Tanigawa has been the arts and culture reporter for Hawai‘i Public Radio since 2002. Her melodious voice and thoughtful commentary have won her numerous awards and many fans.

She also is a serious artist who paints with oils and caustics. “It’s a wonderful time to live in Hawai‘i,” she exclaims. “I love the Merrie Monarch Festival, the recent Honolulu Biennial, bike sharing is starting soon, and the exciting discussions about transit-oriented development neighborhoods.”

하와이를 고향으로 삼는 것

다양한 문화에서부터 만나기 쉬운 예술까지, 3명의 아티스트들과

미술을 사랑하는 사람들이 왜 하와이를 마음의 고향으로 삼았는지

설명하는 시간을 갖습니다.

To stay vibrant, do we need to find wonder around us? If so, Noe Tanigawa, Shintaro Akatsu, and John Koga are living exciting, colorful lives. These three artists and art appreciators choose to have Hawai‘i as a home base.

生き生きと暮らすには、身の回りにいつも驚きを見出す必要があるのかもしれ ません。ノエ・タニガワさん、赤津慎太郎さん、ジョン・コガさんという3人のア ーティストは、まさに驚きと新しい色彩に満ちた生活を送っています。ハワイを 本拠として活動する3人にお話を伺いました。

ノエ・タニガワさん

ハワイでもっとも良く知られているアート専門レポーター、タニガワさんは、ハ ワイの素晴らしさを常に再発見し続けているそうです。「パワアにもコナにも、 ワイキキにも、まだまだ新しく知ることがたくさんあります」とタニガワさん。

オアフ島東部のワイルペに育ち、今もその育った家に住むタニガワさん は、2002年からハワイ・パブリック・ラジオのアート＆カルチャー部門でレポー ターを務め、受賞歴もあるほか、歌うような声と思慮深いコメントで多くのファ ンを獲得しています。

タニガワさんは自身も油彩とエンカウスティーク（蜜蝋を用いた技法）によ る作品を作り続けるアーティストでもあります。「今のハワイは住むのに最高の 場所です。（フラの）メリー・モナーク・フェスティバルや（アートの）ホノルル・ビ エンナーレもあるし、自転車のシェアリングももうすぐ始まります。それに、公共 交通機関を念頭に入れた地域開発に関する話し合いも始まっています」と、タ ニガワさんは目を輝かせます。

Noe Tanigawa is an awardwinning journalist for Hawai‘i Public Radio, for which she covers art, culture, and hot topics here in the islands and beyond.

受賞歴も持つノエ・タニガワさん は、ハワイ・パブリック・ラジオで ハワイや米国本土のアートや文 化その他のホットな話題をレポ ートしています。

“Art is becoming more accessible,” she adds, noting the annual Pow! Wow! street art festival, the sign-language paintings on the construction walls surrounding Thomas Square, and the collaboration at the University of Hawai‘i at Mānoa’s School of Architecture as exciting examples.

From 1990 to 1994, Tanigawa worked at WQXR, the New York classical station. She holds an MFA in painting from UH Mānoa, and her favorite artists include the late French painter Francis Picabia and Italian contemporary artist Francesco Clemente. She is also inspired by many others that she views online, on Instagram, and in art magazines.

During the month of August, Tanigawa’s paintings will be on exhibit at Saks Fifth Avenue in Waikīkī.

Shintaro Akatsu

Art appreciator and entrepreneur Shintaro Akatsu loves the spirit of aloha. In the last seven years, he has spent a third of his time at Kūki‘o Beach and Golf Club on Hawai‘i Island, another third of the time in Milan, Italy, and the remainder in Tokyo, Japan.

“I love everything about Hawai‘i—the blue sky, dolphins, the beach, the waves, rainbows, and the culture,” Akatsu says. He lists his favorite foods of Hawai‘i: shave ice, garlic Kahuku shrimp, mochiko chicken, Spam musubi, and poke.

This global citizen has just opened Sorbillo Fried Pizza in New York City’s Little Italy with the Naples legend Gino Sorbillo, and Niko Niko Ramen and Sake restaurant in Milan.

A graduate of the University of Bridgeport in Connecticut, Akatsu is honored that the design program is now called the Shintaro Akatsu School of Design and is ranked among the nation’s top 20 design schools.

His recent design project is Ciaoloha, an Italian aloha shirt line. It is a collaboration with Hawai‘i aloha shirt icon Dale Hope and the team behind Olive and Oliver, which has beach-culture shops in Kailua and Waikīkī.

His mother, Minako, is a glass artist. In this vein, Akatsu is helping with the Berengo Studio of Murano, which will stage the contemporary glass art exhibition Glasstress, a collateral event of the famous Venice Biennale, this year.

“Don’t be afraid of failure. Challenge is the only way to open your future,” is one of Akatsu’s favorite sayings. So what challenge is next for this worldly adventurer? Says Akatsu, “I want to try fishing with Kobayashi Group’s CEO Patrick Kobayashi.”

「アートも、以前よりも身近になりました」と語り、その例として、毎年恒例とな ったストリートアートのフェスティバル「POW! WOW!」や、トーマス・スクエア を囲む塀に描かれている手話をモチーフにした壁画、ハワイ大学建築学科のコ ラボレーションなどを挙げます。

1990年から1994年にかけてはニューヨークのクラシック音楽専門局 WQXRで仕事をしたこともあり、ハワイ大学マノア校で絵画を専攻したタニガ ワさんのお気に入りアーティストは、フランシス・ピカビアや、イタリアの現代ア ーティスト、フランチェスコ・クレメンテなど。そのほかにもオンラインやインス タグラム、美術雑誌で見る様々な作品にインスピレーションを受けるそうです。

8月には、タニガワさんの作品がワイキキのサックス・フィフス・アベニューで展 示されます。

赤津慎太郎さん

美術愛好家で企業家の赤津さんは、アロハ精神を愛しています。この7年間、 赤津さんはハワイ島のクキオ・ゴルフ＆ビーチクラブ、イタリアのミラノ、そして 東京という3つの拠点でそれぞれ同じくらいの時間を過ごしています。

「ハワイのすべてが気に入っています。青い空、イルカたち、ビーチ、波、虹、 そして文化もです」。シェイブアイス、カフクのガーリックシュリンプ、モチコチキ ン、スパムむすび、ポケなど、ハワイの食べ物もお気に入りだそうです。

世界を駆け回る赤津さんは、先頃、ニューヨークのリトル・イタリーに伝説 的なナポリのシェフ、ジーノ・ソルビッロと共に「ソルビッロ・フライドピッツア」 を、ミラノに「ニコニコラーメン＆サケ」レストランを開店したばかり。

赤津さんはコネチカット州のブリッジポート大学卒業生で、同校のデザイ ンプログラム（全米でもトップ20にランクされています）は彼を記念してシンタ ロウ・アカツ・スクール・オブ・デザイン（SASD）という名称になりました。

赤津さんが最近手がけたデザインプロジェクトは、イタリアのアロハシャツ ブランド「チャオロハ」です。これは、ハワイのアロハシャツ界で有名なデール・ ホープさんと、オアフ島カイルアのビーチカルチャーショップ「オリーブ＆オリバ ー」のチームのコラボレーションによるもの。

赤津さんの母、ミナコさんはガラス作家であり、赤津さんはイタリアのムラ ーノにある工房「ベレンゴ・スタジオ」も支援しています。同スタジオはヴェネツ ィア・ビエンナーレの一環である展覧会「Glasstress」を主催しています。

「失敗を恐れてはならない。未来を拓く唯一の方法は挑戦すること」という のが、赤津さんの信条の一つ。

グローバルな冒険者にとって、次の挑戦は何でしょうか？と尋ねると、「コバ ヤシ・グループのCEO、パトリック・コバヤシさんと釣りをしてみたいですね」と 答えてくれました。

Entrepreneur Shintaro Akatsu’s global lifestyle is anchored in the islands.

企業家、赤津慎太郎さんのグロ ーバルなライフスタイルは、ハワ イに軸足を置いています。

John Koga

One of our most famous artists lives in Hawai‘i because he enjoys coastal living. Says sculptor and painter John Koga, “The ocean is my love— surfing, the beach. I could spend all of my time there.”

His artwork decorates offices and homes around the globe, including six oil paintings on display at Park Lane Ala Moana. While studying at University of Hawai‘i’s art program, Koga says he was lucky to be inspired by artists Satoru Abe and Tadashi Sato. They, like Koga, were local boys who grew to receive worldwide fame.

“Our job as artists is to capture the beauty in the world and convey that to the viewer. And there is so much beauty here in Hawai‘i,” Koga says. “Look at Satoru, who is in his 90s. He is still in wonderment about our environment.”

Nowadays, the Mānoa artist is collaborating with many others, as he feels that food, fashion, and art bring people together. He is one of the instigators of Hawai‘i’s Fashion Week and supports underground music.

“We need more art in our schools, and instead of calling it art, [we] should call it ‘problem solving,’ so then it would be mandatory in schools,” the selfproclaimed arts advocate says.

“We in Hawai‘i can truly teach the rest of the world how we have the tools to laugh at each other, ourselves, and get along with our different religions and cultures.”

ジョン・コガさん

ハワイでもっとも名高いアーティストの一人、コガさんがここに住む理由は、 海のそばの暮らしが気に入っているからだそうです。彫刻家であり画家でもあ るコガさんは、「海が本当に大好きなんです。サーフィンも、ただビーチに行くの も。ずっと海にいたいくらいです」と語ります。

コガさんの作品は世界各地のオフィスや住宅を飾っています。パークレー ン・アラモアナにも、彼の油彩画が6点展示されています。ハワイ大学の絵画 プログラムで学び、その間にサトル・アベやタダシ・サトウといった地元アーテ ィストからインスピレーションを受けられたのは幸運だった、とコガさんは振 り返ります。この2人は、どちらもコガさんと同じくハワイ出身で世界的な名声 を得たアーティストです。

「私たちの仕事は、アーティストとして世界の美しさを捕らえ、観る人にそ れを伝えることです。ハワイには本当に溢れるほどの美があります」とコガさん。 「サトルさんを見てください。彼は（90歳を過ぎた）今も、私たちを取り巻 く環境に新鮮な驚きを持ち続けています」

マノア在住のコガさんは、食やファッションとアートが人々を結びつけるこ とに注目し、近年、様々な人と多くのコラボレーションを行っています。コガさ んはハワイファッションウィークの提唱者の一人でもあり、アンダーグラウン ドミュージックの支援も行っています。

「学校にも、もっとアートが必要です。アートと呼ぶ代わりに『問題へのソ リューション』と呼ぶべきだと思います。そうすればどの学校にも必須の要素 になるでしょうから。ハワイにいる私たちは、自分たちやお互いを笑い合って、 宗教や文化の違いを乗り越えて共に生きる方法を、世界のほかの人たちに見 せてあげられると思うのです」とコガさんは語ります。