Movimientos Artisticos 3

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NEXT IMAGE Todos los movimientos artísticos y sus más grandes exponentes Corrientes artísticas y sus características

Desde el Arte conceptual hasta el Minimalismo Todo lo que necesitas saber de los movimientos artísticos

El Minimalismo y sus exponentes Mexicanos

Quinta Edición 2020

Arte Conceptual La idea principal que subyace en todas ellas es que la verdadera obra de arte no es el objeto físico producido por el artista, sino que consiste en conceptos e ideas.

Rectangle - open Sol LeWitt

En el arte conceptual, la idea o concepto prima sobre la realización material de la obra, y el mismo proceso notas, bocetos, maquetas, diálogosal tener a menudo más importancia que el objeto terminado, puede ser expuesto para mostrar el origen y desarrollo de la idea inicial.

Lo spazio della scultura Giuseppe Penone

Marcel Duchamp El arte conceptual tuvo lugar a mediados de los años sesenta como una forma de reivindicarse contra el formalismo.

Una idea que llevo a cabo el francés Marcel Duchamp entre los años 1910 – 1920.

Los orígenes se encuentran en la obra de Marcel Duchamp, artista de origen francés que ya afirmaba que el concepto era más importante que el objeto artístico.

Titulada ''La fuente'' por Marcel Duchamp fue el urinario más controversial en la historia del arte, y la ''obra'' que marcaría un antes y un después en lo que respecta al arte conceptual.

fue el primero en protestar quién demonios elije qué es arte y qué no.

Arte conceptual mexicano En México, el arte conceptual cobra importancia con Gabriel Orozco, quizá el artista plástico mexicano más reconocido en el circuito internacional; sus latencias artísticas van desde el dibujo hasta el arte objeto, pasando por la escultura, las instalaciones performáticas o el video.

Orozco es un artista con un agudísimo poder formal y un entendimiento disruptivo de aquello que puede ser escultórico.

Sus conceptos rompen las líneas canónicas del arte, establecen nuevas regiones artísticas de forma inusitada y desafían constantemente los conceptos prestablecidos conformando una línea artística rebelde.

La obra de Gabriel Orozco se caracteriza por su capacidad para reflexionar sobre aspectos como el movimiento del universo o el transcurso del tiempo a partir de la utilización de objetos cotidianos de lo más variado (algunos de ellos fabricados ex profeso y otros presentes en la naturaleza y extraídos directamente de ella). Para el artista lo relevante no es lo que el público puede ver en una galería o museo sino lo que ve tras contemplar dichos objetos.

Black Kites.

Gabriel Orozco.

Joseph Kosuth

Joseph Kosuth One and Three Chairs

Según Joseph Kosuth, uno de los máximos representantes del arte conceptual, las obras de arte son proposiciones analíticas: si son vistas dentro de su contexto como arte, no proporcionan información sobre ningún hecho. ... Implican, por tanto, una definición del mismo arte.

Joseph Kosuth One and three hammers

La querencia por el lenguaje de los artistas conceptuales, su énfasis sobre la actividad mental en detrimento de la realización material, los emparenta, en especial a Kosuth, con la tradición idealista que rebaja toda sensibilidad material en favor de una intuición o captación espiritual.

Hiperrealismo El hiperrealismo tiene un origen en la tradición pictórica estadounidense, favorable a la literalidad del trampantojo, como muestran los cuadros de finales del Siglo XIX de Wiliaml Harnett o John Haberle. En la década de los 1920, los pintores del Precisionismo ya trabajaron con la ayuda de fotografías fielmente reproducidas (como en el caso de Charles Sheeler, pintor y fotógrafo a la vez). Pero es innegable que el Arte pop sigue siendo el precursor inmediato Serie "Hombres Pintados": del hiperrealismo, pues toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene Oreja Mónica Castillo Fiel a la distancia de su enfoque y produce propone reproducir la las mismas imágenes neutras y realidad con más fidelidad estáticas. y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el fotorrealismo que es menos radical.

El término hiperrealismo es también aplicable a la Escultura y Serie "Hombres Pintados": Oreja la Historieta.

Mónica Castillo

Artistas Hiperrealistas Gottfried Helnwein es un artista visual que labora como pintor, diseñador, fotógrafo, muralista, escultor y artista de instalación y performance, empleando en su trabajo toda una gama de técnicas y medios de comunicación.

Emanuele Dascanio Los tradicionales lápices de grafito en las manos de cualquier mortal generalmente no terminan más que en garabatos.

Pero entre los dedos de Emanuele Dascanio pueden producir obras alucinantes, casi increíbles. Los retratos realistas de Dascanio vibran con emoción, energía y espiritualidad.

Exponentes Mexicanos del Hiperrealismo Víctor Rodríguez Actualmente vive y trabaja en Brooklyn, N.Y. Este artista hace de su obra una expresión libre de límites y tecnicismos, utilizando herramientas como lápices, navajas, pistolas de aire, lijas, entre otras, para obtener el resultado deseado.

Hugo Laurencena (Buenos Aires, Argentina, 1950.

Nacionalizado en México) Gracias a la búsqueda de la estética por su investigación en artes plásticas, principalmente en la pintura y la incisión de la luz, este artista ha creado un lenguaje artístico con el que ha ganado un círculo de coleccionistas internacionales interesados en su obra.

Dadaísmo Movimiento artístico y literario que nació en Zúrich en 1916 y en el que participaron grupos independientes desde Nueva York, Berlín, París y otros países. Los dadaístas canalizaron su repulsión hacia la Primera Guerra Mundial en forma de críticas a los valores materialistas y nacionalistas que la habían producido. Su nexo de unión no era un estilo común, sino el rechazo de las convenciones artísticas e ideológicas. A través de sus provocaciones, representaciones y técnicas poco Archer ortodoxas, buscaban causar Theo van Doesburg impacto en la sociedad para generar un sentimiento de autoconsciencia. Incluso el nombre del movimiento hace referencia al antirracionalismo que lo caracteriza.

Plate (folio 24) from "5 Constructionen + 5 Compositionen" Sophie Taeuber-Arp

Tristan Tzara y el Dadaísmo Tristan Tzara o Izara es el seudónimo del poeta y ensayist a Samuel Rosenstock, que nació en Moineşti, Bacău, Rumanía, el 16 de abril de 1896 y falleció en París, Francia, el 25 de diciembre de 1963.

Vivió casi toda su vida en Francia y fue uno de los autores más importantes del movimiento Dadá, que fundó junto con Jean Arp yHugo Ball, una corriente artística de vanguardia, totalmente revolucionaria en el sentido de que buscó romper con todos los parámetros establecidos a lo El máximo exponente y la largo de la extensión de la Figura mas Importante del Dadaísmo historia del arte occidental.

El Dadaísmo se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior.

Kurt Schwitters Pintor y escritor alemán que se destacó en la corrientes del dadaísmo por sus collages realizados con papeles usados y otros materiales similares.

Santa Claus Homenaje dadaista a la navidad

Kurt Schwitters fue uno de los principales agitadores dadaístas.

Sus collages ensamblados, que él denominó Merz fueron una de las aportaciones más influyentes, al utilizar material de deshecho. Como él muy bien explica: «La Gran Guerra ha terminado, en cierto modo el mundo está en ruinas, así pues, recojo sus fragmentos, construyo una nueva realidad».

Schwitters iba a ser arquitecto, pero pronto descubrió la pintura y posteriormente la pintura de vanguardia, que en esos años en Dresde derivaría en el delirante movimiento dadaísta

Museo de Arte del DadaĂ­smo

Installation view of "Dada," The Museum of Modern Art, New York

Installation view of "Dada," The Museum of Modern Art, New York

Surrealismo El movimiento artístico surrealista comenzó en la década de 1920, cuando artistas visuales como Salvador Dalí, Max Ernst, Man Ray, Joan Miró e Yves Tanguy adoptaron el automatismo, una técnica literaria que dependía completamente del subconsciente para la creatividad. Esta herramienta había sido iniciada y popularizada recientemente por André Breton y otros escritores surrealistas en París, quienes allanaron el camino para esta forma de arte con sus textos oníricos y un interés en la experimentación basado en el dadaísmo.

El genio del surrealismo Salvador Dalí Este pintor español es uno de los más reconocidos por sus obras irónicas y provocadoras. Admirador del estilo impresionista y de artistas como Pablo Picasso, saltó a la fama al exponer en la Galería Goemans sus cuadros que mostraban profundidades de la mente y el inconsciente como un lugar desértico y cruel.

Entre sus obras más famosas están La persistencia de la memoria y Jirafa en llamas.

André Breton el máximo exponente André Breton surrealismo En palabras de Breton en su manifiesto de 1924, el Surrealismo es un puro automatismo psíquico por el cual se intenta expresar, verbalmente o de cualquier otra manera, el funcionamiento real del pensamiento en ausencia de cualquier control ejercido por la razón al margen de toda preocupación estética o moral

Cadavre Exquis with André Breton, Max Morise, Jeannette Ducrocq Tanguy, Pierre Naville, Benjamin Péret, Yves Tanguy, Jacques Prévert

SURREALISTAS EN MÉXICO

Rufino Tamayo. Uno de los más importantes artistas plásticos mexicanos de todas las épocas, Tamayo es considerado por expertos un precursor del surrealismo en México.

David Alfaro Siqueiros. A pesar de ser conocido como uno de los grandes muralistas de nuestro país, Siqueiros supo combinar, de una manera profunda y acertada, el arte del muralismo mexicano con vanguardias como el surrealismo y el cubismo.

Minimalismo El minimalismo surge a finales de la década del 60 en Nueva York, pero sus orígenes están anclados en Europa, en las primeras ideas del arquitecto alemán Ludwig Mies Van Der Rohe, uno de los arquitectos más importantes de este siglo.

El minimalismo se caracteriza por la extrema simplicidad de sus formas, líneas puras, espacios despejados y colores neutros, en un ambiente con equilibrio y armonía. Ante todo se privilegian los espacios amplios, preferentemente altos, y libres.

Exponentes del Minimalismo Frank Stella es uno de los grandes pintores y grabadores norteamericanos del siglo XX, al que le interesa tambiĂŠn expresarse en escultura. Le interesaba la pintura misma. tomĂł como referencia para estas primeras pinturas minimalistas a los pintores expresionistas Newman.

Kazimir SeverĂ­novich MalĂŠvich fue un pintor ruso,1 2 creador del suprematismo, uno de los movimientos de la vanguardia rusa del siglo XX. Sus artes visuales son las formas mas antiguas de minimalismo o de reductivismo.

Exponentes Mexicanos Considerado como precursor del este movimiento en el país, Mathias Goeritz fue un importante arquitecto, pintor y escultor de origen alemán. De su trabajo destaca el Museo El Eco –que albergaba su conocida escultura ‘La serpiente’– y las Torres de Satélite que hizo junto con Barragán.

Uno de los nombre más reconocido en esta lista es el del arquitecto e ingeniero mexicano Luis Barragán, el único del país en obtener el Premio Pritzker en 1980. Los hermosos jardines de las villas italianas y de la costa del Mediterráneo, formaron su interés por la arquitectura de paisaje. Un ejemplo de su minimalismo son las Torres de Satélite

Fauvismo El fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración.

Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente.

El movimiento se fraguó en torno a Henri Matisse y sus integrantes fueron André Derain, Maurice de Vlaminick, Henri Manguin, Albert Marquet, Jean Puy y Emile Otón Friesz.

Armonía en rojo (1908), Henri Matisse

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Puente de Londres (1906), de Andre Derain

Vista nocturna del Parlamento (1906), de Andre Derain

El Fauvismo no fue un movimiento conscientemente definido, careció de un manifiesto Les unió la actitud violenta con la que se enfrentaron a los convencionalismos de la época rechazando las reglas y los métodos racionales establecidos. Reaccionan contra el Impresionismo y contra la importancia que éstos habían dado a la luz a costa de la pérdida del color.

Autores importantes Henri Matisse Intenta expresar sentimientos a través del uso del color y de la forma.

Realizó numerosas copias de los cuadros de los maestros clásicos a la vez que estudió el arte contemporáneo, sobre todo el de los impresionistas, comenzando su propia experimentación.

Lujo, calma y voluptuosidad (1904), Henri Matisse

André Derain La mayor parte de su producción de época fauvista son personajes campestres y urbanos, y muestran colores puros, a menudo aplicados sobre el lienzo directamente con el tubo, pinceladas irregulares y despreocupación por la perspectiva o por la representación realista. La influencia de Cézanne le lleva a un colorido más sosegado y a un mayor control en sus composiciones.

La verdadera liberación artística de Matisse, referida al uso del color como configurador de las formas y planos espaciales, se produjo bajo la influencia de Van Gogh y Gaugain. También adoptó la técnica puntillista de Signac, pero la modificó aplicando pinceladas más amplias

La danza (1906), Andre Derain

Marguerite Thompson Viajó a París por invitación de su tía, Harriet para asistir a L’ École des Beaux-Arts, pero fue rechazada porque nunca había dibujado un desnudo. Por lo tanto, acudió a la escuela postimpresionistaLa Palette.

Nada más llegar visitó el Salon d’Automne y allí vio las obras de Henri Matisse y André Derain, lo que influyó mucho en su pintura. Expuso en la Société des Artistes Indépendants de 1910 y el Salon d’Automne en 1911.

Siguió pintando y empezó a trabajar con textiles, usando bordado y batik. En 1964 Zorach recibió un D. F. A. del Bates College.

Alice Bailly Considerada como una artista de planteamientos radicales, es especialmente conocida por su particular visión tanto del cubismo como del fauvismo, sus cuadros de lana y sus aportaciones al dadaísmo.

En la pintura, practicó todo tipo de temáticas, siendo especialmente notables sus retratos, sus paisajes, tanto urbanos como campestres, las naturalezas muertas y sus escenas con figuras.​ Entre sus obras la más conocida es un autorretrato de 1927.

El picnic, Marguerite Thompson

Los arqueros (1911), Alice Bailly

CARACTERISTICAS 1. Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos 2. Buscan realzar el valor del color en sí mismo, rechazando la paleta de tonos naturalistas empleando en cambio colores violentos para crear un mayor énfasis expresivo 3. Emplearon una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas, evitando matizar los colores 4. Las figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de contorno 5. Renuncian a la perspectiva clásica, al modelado de los volúmenes, la luz y la profundidad desaparecen 6. Sus temas son retratos, naturalezas muertas, personajes en interiores, paisajes hermosos.

At Leisure (1922), Alice Bailly

Figura decorativa sobre un fondo ornamental (1926), Henri Matisse

El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.

Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación.

El grito (1893), Edvard Munch)

Edvard Munch

Amor y odio (1895), Edvard Munch

La vaca amarilla (1911), Frank Marc

El estímulo más importante lo encuentra Munch en las imágenes simplificadas de las obras de Gaugain, que le servirán para transmitir la angustia y la soledad.

Vivió angustiado, tuvo problemas psíquicos y esos sentimientos son los que volcará en su pintura.

En él la expresión surge como resultado de su vida atormentada.

Siente predilección por la figura humana y las relaciones personales.

Le obsesiona la impotencia del ser humano ante la muerte y la identifica con la mujer. Tiene una visión negativa de la vida, de la indefensión, de la soledad humana y del sexo.

Franz Marc Conoció a Macke y Kandinsky en 1909, quienes tuvieron una gran influencia sobre su trabajo. Comenzó a pintar de manera expresiva y colorida.

El tema principal de las obras de Marc es el mundo animal. Los animales le parecían más bellos y más puros que los humanos.

Los colores fueron un elemento principal de su expresión. Franz Marc se convirtió en uno de los representantes más significativos del movimiento expresionista.

Gabriele Münter Fue una pintora alemana del expresionismo, fotógrafa y salvadora de las pinturas del movimiento Der Blaue Reiter durante la Segunda Guerra Mundial.

Artísticamente, Münter comenzó a desarrollar un estilo abstracto propio, con brillantes colores sin mezclar, formas fuertes, todo delineado por oscuras líneas de separación. Se convirtió en miembro fundadora de la Neue Künstlervereinigung München iniciada por Kandinsky.

Autoretrato, Gabriele Münter

Paula Modersohn-Becker Fue una pintora alemana, pionera del movimiento expresionista en la Alemania de fines del siglo xix.

Originaria de Dresde, Becker se dedicó al estudio de la pintura y se unió en el pueblo de Worpswede, cerca de Bremen, a un grupo de artistas independientes que buscaban el retorno a la naturaleza y a los valores de la gente sencilla del campo. Allí se casó con el paisajista Otto Modersohn. La escasa audacia de los pintores de Worpswede, sin embargo, la llevó a buscar también la inspiración fuera del grupo, viajando y residiendo por temporadas en París.

Self portrait (1906), Paula Modersohn

La casa amarilla (1908), Gabriele Münter

Ansiedad (1894), Edvard Munch

1. El fin es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y exagerando los temas.

2. Representan las emociones sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna y de las impresiones que despierta en el observador.

3. La fuerza psicológica y expresiva se plasma a través de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva.

4. No importa ni la luz ni la perspectiva, que se altera intencionadamente.

5. La obra de arte expresionista presenta una escena dramática, una tragedia interior.

6. La angustia existencial es el principal motor de su estética.

La ciudad se levanta (1910), Umberto Boccioni

FUTURISMO El Futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del S. XX, Gira en torno a la figura de Marinetti, quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista.

Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.

El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado, especialmente en Italia, donde la tradición artística lo impregnaba todo.

Umberto Boccioni Cultivó el puntillismo en algunas ocasiones, en otras empleó la línea curva, y más tarde, las rectas.

Finalmente se apartará del futurismo, de la velocidad y del dinamismo y se irá acercando al análisis de los volúmenes redondeados y más estáticos influidos por Cézanne.

Dinamismo de un ciclista (1913), Umberto Boccioni

AUTORES IMPORTANTES

Aeropittura (1926),Benedetta Cappa

Benedetta Cappa Benedetta Cappa fue una artista futurista italiana que ha tenido retrospectivas en el Walker Art Center y el Museo Solomon R. Guggenheim.

Su trabajo encaja en la segunda fase del futurismo italiano.

Comenzó su formación como pintora en el estudio de Giacomo Balla y comenzó a conocer artistas, poetas y escritores de vanguardia que se reunían en el estudio. En 1918, conoció a Filippo Tommaso Marinetti en Casa Balla y se casaron tres años después.

Materia (1912), Umberto Boccioni

1. Quieren crear un arte nuevo, acorde con la mentalidad moderna, los nuevos tiempos y las nuevas necesidades.

2. Toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la deshumanización.

CARACTERISTICAS Materia Pintura de Umberto Boccioni 1. Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación, la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas metas.

2. La estética futurista difunde también una ética de raíz machista y provocadora, amante del deporte y de la guerra, de la violencia y del peligro.

Meeting on the Island (1934), Benedetta Cappa

NEOPLASTICISMO El Neoplasticismo es una de las formas que toma la abstracción en las primeras décadas del siglo XX. Es una doctrina estética propuesta por Mondrian en 1920, se basa en una concepción analítica de la pintura, en la búsqueda de un arte que trascienda la realidad externa, material, reduciéndola a formas geométricas y colores puros para hacerla universal.

Composition A (1923), Piet Mondrian

AUTORES IMPORTANTES Piet Mondrian Por educación y trayectoria vital, sus primeras obras participaron de la tradición paisajista holandesa y de su interés por los efectos lumínicos. En 1907, el conocimiento de la obra de los pintores postimpresionistas cambió por completo sus antiguas nociones sobre el color, cuyo tratamiento abordó a partir de entonces de manera mucho más audaz.

Aunque plásticamente su obra respetaba los principios cubistas, desde 1913 experimentó un claro avance hacia la abstracción que culminó en 1917 con el abandono definitivo del referente externo. Pretendía alcanzar la objetividad real liberando a la obra de arte de su dependencia de la percepción individual momentánea y del temperamento del artista.

Broadway BoogieWoogie (1943), Piet Mondrian

Composition (1918), Bart van der Leck

Bart Van der Leck (Utrech, 1876 Blaricum, 1958) Pintor neerlandés.

Trabajó en vidrieras de Utrecht y posteriormente asistió a la Academia de Amsterdam. De estilo inicialmente figurativo, redujo luego la imagen a formas geométricas. A partir de 1917, tras unirse al grupo De Stijl, se introdujo en el neoplasticismo y se orientó hacia la abstracción; sus cuadros, realizados a partir de rayas, cuadros y líneas coloreadas, influyeron en Piet Mondrian.

CARACTERISTICAS 1. En neoplasticismo se da una preferencia por el uso de la línea recta, los planos, cubos y el ángulo recto, siendo el rectángulo una forma básica, que aparece en la mayoría de los cuadros.

2. Presenta un planteamiento absolutamente racionalista, en donde prevalece lo elemental, eliminando lo accesorio.

3. Empleo de colores primarios o neutros que reduce la complejidad del objeto representado en un número limitado de tonalidades disonantes entre sí.

4. La pintura en el neoplasticismo se vale de una gama pequeña de contrastes y tonalidades que expresan formas equilibradas, sin simetría, separadas de los objetos reales.

5. Búsqueda de la perfección y la armonía plástica, con una visualidad proporcionada y moderada 6. Los pintores se alejaron del arte clásico en donde se plasmaba la realidad, para en su lugar dibujar cualquier cosa sin tener que hacerlo con lujo de detalles; únicamente con las formas y los colores básicos.

7. En el neoplasticismo se enfatiza la indagatoria de la renovación estética, Se da una ausencia de trazos diagonales y curvilíneos, en donde la belleza se percibía reduciendo las formas a una geometría simple.

PINTURA METAFISICA La pintura metafísica (en italiano: Pittura metafísica) es un movimiento artístico genuinamente italiano que quiere mostrar pictóricamente una atmósfera onírica (que viene de los sueños) ubicada en plazas italianas desiertas, mezcladas con casuales yuxtaposiciones de objetos, enlazando todo con la mente inconsciente, más allá de la realidad física, de ahí el nombre metafísica.

La melancolía de la partida (1914). =Giorgio Chirico L'ovale delle apparizioni (1918), Carlo Carrà

AUTORES IMPORTANTES Carlo Carrà Fue un pintor italiano de vanguardia que ayudó a crear el futurismo y después se integró en la pintura Metafísica.

En un hospital militar conoció a Giorgio de Chirico, el creador pintura metafísica, y decidió unirse al movimiento. Carrà decidió ahora «reintegrar la historia, y precisamente la historia de la pintura italiana». A partir de este momento desarrolla una idea de realidad mágica y clásica al mismo tiempo. Su radicalismo decreció y Carrà empezó una etapa mucho más “moderada”, tomando cosas de los clásicos a los que había rechazado años antes.

La canción de amor (1915),Giorgio de Chirico

Giorgio de Chirico Es uno de los pintores que pretenden plasmar el mundo de lo irracional con objetos cotidianos en contextos poco habituales, consiguiendo una realidad ilógica, pero a la vez verosímil.

Esta Pittura metafísica muestra sueños de plazas típicas de ciudades italianas muy idealizadas y todo tipo de objetos en ellas.

The Engineer's Lover (1921), Carlo Carrà

CARACTERISTICAS

The Metaphysical Muse (1917), Carlo Carrà

1. Pretendían explorar la vida interior del subconsciente mezclada con objetos cotidianos representados fuera de los contextos habituales.

2. Sus cuadros se podrían considerar como sueños pintados, por ser el resultado de lo que se encuentra al dormir.

3. Se muestra una realidad ilógica pero verosímil.

4. Es una época donde ya no se trata de representar fielmente el mundo que rodea al artista, sino que el objeto es mostrar otras realidades.

5. Es muy subjetiva al manifestar la realidad del autor.

6. Encontramos plazas desiertas, edificios solitarios de arquitectura clásica, estatuas, trenes, maniquíes.

Objetos reconocibles, comunes, que se vuelven inquietantes, enigmáticos, como si guardaran un secreto terrible.

Las musas inquietantes (1918), Giorgio de Chirico

ARTISTAS MEXICANOS EN ESTAS ULTIMAS 5 CORRIENTES Rufino Tamayo Artista que se caracterizó por mezclar en sus obras la herencia precolombina, la experimentación y las innovadoras tendencias que sucedían en Europa, Rufino Tamayo destacó como uno de los máximos exponentes de la pintura en el mundo.

Desde sus primeros estudios, Tamayo se inclinó por las formas novedosas europeas de finales del siglo XIX y principios del XX, como el impresionismo, cubismo, futurismo y fauvismo, a las que mezcló con las prehispánicas mexicanas.

Fue en la década de los años 40 cuando desarrolló la técnica que le caracterizaría, emanada de sus intereses primarios: una nueva manera de figuración sintética, con personajes solemnes, a veces lacónicos, simbólicos y monumentales.

Ello tendría cierta relación con la escultura prehispánica, y sin embargo, entablaron un diálogo fluido, colorido y armónico con el arte de las vanguardias que le tocaron vivir.

Niños jugando con fuego (1947), Rufino Tamayo

Niños (1924), Rufino Tamayo

Te verde(1942), Leonora Carrington

LEONORA CARRINGTON Aunque nació en el Reino Unido en 1917, Leonora Carrington es considerada una mexicana honoraria.

La artista llegó a México en 1942 a causa de la Segunda Guerra Mundial y se enamoró inmediatamente de la escena artística mexicana, lo que la llevó a desarrollar la mayor parte de su carrera ahí. Sus pinturas se caracterizan por pequeñas pinceladas en capas con las que construyó ricas composiciones oníricas. El imaginario de Carrington ha sido comparado al de los surrealistas; sin embargo, a Carrington le interesaba más el la pintura metafísica. realismo mágico, así como el proceso creativo y la sexualidad femenina.

Autoretrato (1937), Leonora Carrington

David Alfaro Siqueiros Pintor mexicano, figura máxima, junto a Diego Rivera y José Clemente Orozco, del muralismo mexicano. Tributaria de la estética expresionista y la retórica declamatoria que le exigía su radicalismo político, su pintura aunó la tradición popular mexicana con las preocupaciones del surrealismo y el expresionismo europeos.

Para Siqueiros socialismo revolucionario y modernidad tecnológica eran conceptos íntimamente relacionados. Estaba convencido de que la naturaleza revolucionaria del arte no dependía tan sólo del contenido de sus imágenes, sino de la creación de un equivalente estético y tecnológico en consonancia con los contenidos. Toda su vida artística estuvo presidida por la voluntad de crear una pintura mural experimental e innovadora.

Cain en los Estados Unidos (1947), David Alfaro Siqueiros

El nacimiento del fascismo (1936), David Alfaro Siqueiros

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Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907, fecha en la que Picasso concluye Las Señoritas de Avignon, que será el punto de partida.

George Braque junto con Picasso son los inspiradores del movimiento y algunos de los principales maestros son Juan Gris, Fernando Leger, Jean Metzinger y Albert Gleizes, pero con anterioridad, Cézanne ha habría marcado el camino

El termino cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves; en el caso de Braque y sus pinturas de L’Estaque Vauxcelles dijo, despectivamente, que era una pintura compuesta por pequeños cubos y figuras geométricas.

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La pintura es casi monocroma en gris y ocre, los colores en este momento no interesaban pues lo importante eran los diferentes puntos de vista y la feometrización, no el cromatismo.

Fueron elaborando un nuevo lenguaje que analiza la realidad y la descompone en múltiples elementos geométricos, Los puntos de vista se multiplicaron, abandonando definitivamente la unidad del punto de vista de perspectiva renacentista. Se introduce en la pintura pasos definidos como ligeras interrupciones de la línea del contorno A este periodo también se le conoce como CUBISMO HERMÉTICO, pues por la cantidad de puntos de vista representados, algunas obras aparecen casi abstractas.

Es un movimiento artístico surgido en Reino Unido y Estado Unidos a mediados del siglo XX, inspirado en la estética de la vida cotidiana y los bienes de consumo de la época, tales como anuncios publicitarios, objetos culturales mundanos y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, presenta una forma de ver y tratar el arte, más global y social, no para pocos, sino para todos, al utilizar imágenes populares en oposición a la cultura elitista existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otra, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía El arte pop se encuentra presente en algunos países como: Reino Unido, Estado Unidos, España, Italia, Japón y en algunos países bajos.

El movimiento urbano que constituye el arte pop, al contrario que el Expresionismo abstracto pretende unir arte y vida mediante el enfrentamiento de las emociones. Tienen el propósito de reflejar la superficialidad de los elementos de la cultura de masas en sus obras, es decir, toma productos de consumo accesibles para todos y los representa.

Por otro lado, la repetición es una característica que abunda en este movimiento ya que los medios de comunicación se usan como método tanto como para crear anestesiar a la sociedad sobre problema graves. Por lo tanto, en este punto de la historia del arte, el arte ya no imita la vida, sino que es la vida que imita el arte o la imagen.

El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen

ARTE ABSTRACTO El arte abstracto es el contrario del figurativo (es decir, la representación de objetos identificables mediante imágenes reconocibles). Por tanto la abstracción no representa alguna cosa u objeto concretos de la naturaleza sino que propone una nueva realidad. Propone un arte puro mirando más allá de nuestra realidad.

Si bien desde el primer arte elaborado por el ser humano ya tenemos ejemplo de abstracción (desde las cuevas prehistóricas hasta las decoraciones en iglesias románicas), es oficialmente Kandinsky el primero en teorizar sobre esto (aparte tenemos a los neoplasticistas o a los suprematistas, y un poco antes figuras aisladas como la de Hilma af Klint).

En el arte abstracto o abstraccionismo prevalecen las ideas y conceptos en detrimento de una representación figurativa de la realidad visible.

ARTE ABSTRACTO El arte abstracto es un estilo moderno que se opone al realismo y a la fotografía, de esta manera, es necesaria la utilización de la imaginación y la comprensión más allá de lo que la lógica nos entrega para admirar una pintura u obra abstracta.

Dentro de las artes visuales, el arte abstracto es más conocido por sus expresiones en el campo de la plástica (pintura, escultura), pero existen otras vertientes del arte que han desarrollado también tendencias abstraccionistas como, por ejemplo, en la arquitectura, en las artes escénicas (danza, música) y en la literatura.

El arte abstracto, como tal, ya existía desde la prehistoria si tomamos las formas de arte de civilizaciones perdidas como el arte rupestre.

Fue un movimiento artístico ruso que se desarrolló paralelamente al Constructivismo.

Formado en Rusia en 1915-1916. Término utilizado por Kasimir Malevich como referente a su teoría y producción artística desarrollada a manera de manifiesto y cuyo fundamento se establece en la “pura no-objetualidad”.

Como estilo artístico el suprematismo es un intento por dogmatizar en “principios formales puros” la estética geométricoconstructiva que había nacido en el círculo artístico del Vanguardismo ruso y que trabajaban artistas como Tatlin, Rodchenko y los hermanos Pevsner.

El suprematismo promueve el gusto por la abstracción geométrica y el arte no figurativo.

La pintura suprematista “Cuadrado negro sobre fondo blanco”, a la que el propio Malevich calificara como “icono desnudo enmarcado”, supuso la ruptura total y definitiva con lo anecdótico y narrativo que en múltiples referentes del arte abstracto se encubría; propiciando así un discurso netamente plástico y formal. El suprematismo marcó el punto cero de la reducción objetiva, conciliando junto al uso del cuadrado, las formas geométricas del triángulo, el círculo, el rectángulo y la cruz; formas estas a las que dotó con carácter estructural, elemental y reduccionista.

El manifiesto suprematista propuso la liberación de determinación sensorial, es decir, de la experiencia objetiva.

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Expresionismo https://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/mondrian.htm https://www.arteespana.com https://es.wikipedia.org/wiki/Expresionismo https://www.arteespana.com/edvardmunch.htm https://historia-arte.com/movimientos/pinturametafisica#:~:text=La%20pintura%20metaf%C3%ADsica%20(en%20italiano,m %C3%A1s%20all%C3%A1%20de%20la%20realidad https://historia-arte.com/artistas/giorgio-de-chirico http://ntrzacatecas.com/2015/08/23/rufino-tamayo-innovador-de-la-pinturamexicana-del-siglo-xx/ https://mymodernmet.com/es/pintores-mexicanos/ http://conchamayordomo.com/2020/07/13/benedettacappa/#:~:text=Siendo%20ni%C3%B1a%20escribi%C3%B3%20poes%C3%A Da%20y%20tom%C3%B3%20clases%20de%20pintura%20y%20piano.&text =Comenz%C3%B3%20su%20formaci%C3%B3n%20como%20pintora,se%20c asaron%20tres%20a%C3%B1os%20despu%C3%A9s.

Suprematismo y Arte Abstracto

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Apoyo Visual https://artsandculture.google.com/ https://www.moma.org/collection/

Dadaismo https://www.todamateria.com/da daismo/ Minimalismo minimalmau.blogspot.com calleveinte.com.mx

Arte Conceptual masdearte.com Surrealismo Una pizca de Cine, Música, Historia y Arte: André Breton.Manifiesto del surrealismo (fragmentos)unapizcadecmha.blogspot.com Hiperrealismo 5 artistas hiperrealistas mexicanos que te harán dudar con sus lienzos | | Territorio Informativo territorioinformativo.com https://www.ecured.cu/Hiperrealismo#:~:text=Es %20una%20tendencia%20radical%20de,fotorreali smo%20que%20es%20menos%20radical.

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KARINA MONTSERRAT FAVELA SAUCEDO JESUS DANIEL JAQUEZ VALDEZ SAUL ACOSTA MARQUEZ

12/11/2020