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EDAD CONTEMPORANEA 32
Dos características principales distinguen la arquitectura del siglo XIX: el uso de una variedad de estilos históricos y el desarrollo de nuevos materiales y métodos estructurales.
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La primera surgió de la percepción del arquitecto del siglo XIX de que debía continuar con los estilos tradicionales de sus predecesores. Se reunieron elementos de estos estilos anteriores para dar un aire de autoridad a los ayuntamientos (Birmingham), las estaciones de ferrocarril (Euston, Londres), los teatros de la ópera (Ópera de París) y las legislaturas (Cámaras del Parlamento, Londres). Las restricciones de gusto y la cuidadosa aplicación de las normas clásicas, que habían caracterizado al siglo XVIII, dieron paso a una variedad de estilos que podían ser pintorescos, rimbombantes o severos y, en general, a ojos modernos, de gran curiosidad.
SIGLO XIX Arquitectura del Hierro. Arquitectura del Hierro es el nombre genérico de un estilo de arquitectura y construcción del Siglo XIX, originado en la disponibilidad de nuevos materiales que se produjo durante la Revolución Industrial.
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La segunda característica surgió del desarrollo de nuevos materiales como resultado de las nuevas necesidades industriales. En la construcción se demandaron nuevas formas: fábricas, almacenes, terminales ferroviarias, centros administrativos, hospitales. A mediados de siglo, el hierro fundido se utilizó estructuralmente en grandes edificios como almacenes y bibliotecas. El Palacio de Cristal, diseñado por Joseph Paxton para la Exposición Internacional de Londres de 1851, fue un ejemplo espectacular de las posibilidades del hierro fundido y el vidrio que tuvo publicidad en todo el mundo. Los nuevos materiales de construcción de hierro se hicieron para satisfacer el gusto por el estilo clásico, medieval u otros estilos exóticos
La arquitectura del siglo XIX estuvo muy influenciada por los movimientos arquitectónicos anteriores y los estilos extranjeros y exóticos, que se adaptaron a las nuevas tecnologías de la temprana edad moderna. Los renacimientos de los diseños griegos, góticos y renacentistas se fusionaron con los métodos y materiales de ingeniería contemporáneos. En el mundo occidental, el Historicismo idealizó los imperios y culturas del pasado y utilizó motivos inspirados en ellos para estimular la nostalgia nacional. Los principales tipos de estilos arquitectónicos del siglo XIX incluían: Renacimiento griego (1800-1900); Renacimiento gótico (18101900) - véase Arquitectura gótica inglesa - Neorrenacimiento y románico Richardson (1840-1880); Segundo Imperio (1850-1880); Exotismo (18001900); Arquitectura industrial (1850-1900); Diseño de rascacielos (18851900). Ver: Diseño (1850-1970).
TORRE EIFFEL PUENTE TRANBORADOR DE VIZCAYA MERCADO CENTRAL DE BUDAPEST PUENTE DE DON LUIS I DE OPORTO ELEVADOR DE SANTA JUSTA DE LISBOA PALACIO DE CRISTAL DE MADRID PUENTE DE AVA, EN MYANMAR TORRE DEL FUNICULAR DE MONTJUIC GALERIA VITTORIO MANUEL DE MILAN ESTACIÓN DE ATOCHA
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ESCUELA DE CHICAGO La escuela de Chicago es una corriente del pensamiento económico cuyos orígenes se encuentran en el departamento de economía y en la escuela de negocios de la Universidad de Chicago a mediados del siglo XX. El enfoque de la escuela de Chicago se caracteriza por un enfoque pro-mercado con un análisis que incluye los siguientes componentes: Teoría del consumo: Se estudia cómo los individuos llevan a cabo sus decisiones de consumo. Para esto se relacionan las preferencias (reflejadas en las curvas de utilidad) con la restricción presupuestaria. Teoría de las expectativas racionales: Supone que los individuos forman sus expectativas de manera racional, esto es, utilizando de manera correcta la información disponible. Dado lo anterior, las expectativas racionales tienden a ser acertadas y los errores aleatorios. Crítica al Keynesianismo: Crítica a la intervención del Estado para intentar estabilizar la economía. Tradición Marshaliana: Estudio de mercados específicos, concretos. Teoría del capital humano: Considera que uno de los factores claves en explicar la productividad es el acervo de capital humano (las habilidades de los trabajadores, su capacitación y experiencia).
Principales exponentes de la escuela de Chicago La escuela de Chicago fue liderada por dos economistas que recibieron el premio Nobel por sus aportaciones al campo de la Economía: Milton Friedman (Premio Nobel de Economía en 1976) y George Stigler (Premio Nobel de Economía en 1982). Otros nombres relevantes que también obtuvieron premios Nobel son: Theodore Schultz (1979) Merton Miller (1990) Ronald Coase (1991) Gary Becker (1992)
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ROMANTICISMO Romanticismo /historicista Contexto histórico El romanticismo fue un movimiento cultural, artístico y literario que tuvo lugar en Europa durante el paso del siglo XVIII al siglo XIX. Precedido por el movimiento alemán Sturm und Drang (tormenta e ímpetu), su impacto fue de tal orden que modificó el concepto y el papel del arte en la modernidad Caracteristicas Rechazo al neoclasicismo y a la Ilustración Exaltación de los sentimientos y la subjetividad Rebeldía ante las reglas del arte y la literatura Culto del yo y del individualismo Valoración de la originalidad Sublimidad Exaltación de la fantasía Nostalgia por el pasado Interés en la Edad Media y el Barroco . Interés en lo exótico . Interés en los temas y culturas populares . Nacionalismo Valoración de las lenguas vernáculas
Temas del romanticismo Entre los temas más frecuentes, se abocaron a los siguientes: El amor, la pasión y la emoción. La nación, la historia y el pueblo. La religión, las mitologías nórdicas y la espiritualidad. El imaginario fantástico medieval. El orientalismo y el mundo aborigen. La muerte, con énfasis en el suicidio. El paisaje como metáfora del mundo interior del sujeto. Fuerte idealismo – Intensificó el deseo de libertad, no sólo del individuo como tal sino también de la expresión de sus sentimientos, enfrentándose así al pensamiento racionalista y crítico de la Ilustración. – Chocó y por tanto rechazó las normas clásicas que hasta ese momento habían prevalecido con la imposición del neoclasicismo reclamando la vuelta a un modelo más parecido al de la Edad Media. Por otra parte, defendió el espíritu nacionalista y la libertad creativa y artística personal. – La exaltación de la libertad vino acompañada de un espíritu rebelde que, al mismo tiempo, buscaba la soledad y el sufrimiento como elementos de inspiración. – La Naturaleza adquiere una gran importancia como aliada en la creación artística. – El liberalismo, en el campo de la política, se abrió paso al amparo de los nuevos ideales y cobró fuerza como alternativa necesaria al absolutismo. Las ideas de «Libertad, Igualdad y Fraternidad» de la Revolución Francesa fueron un importante detonante. TEMPORALIDAD
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XIII-XIX
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REALISMO El realismo es una forma de expresión en que se retienen las impresiones básicas de la realidad, además de relatar e interpretar la realidad que se esconde debajo de la apariencia de las cosas. Al arte realista se le considera aquel estilo de arte que intenta representar y exponer temas que estén conformes con las reglas empíricas y seculares, es decir, este estilo de arte representan obras en las cuales sus contenidos pueden explicarse por causas naturales y que no haya ningún tipo de participación divina o sobre natural
Características del arte realista • Fue un movimiento histórico que aspira a ofrecer una representación verdadera y objetivo del mundo sensible. • Se opone a todo lo artificioso e indeterminado y traduce la realidad como única verdad del hombre y del mundo, sin falsas representaciones. • Los temas preferidos son los retratos, en su actitud natural, sin poses estudiadas, la gente en su trabajo, al aire libre. • Los artistas se basan fundamentalmente en la observación y plasman no sólo lo bello, sino también lo feo y revulsivo. • Se describe las cosas con precisión y objetividad, los artistas representan las cosas tal como son, tal como se ven y tal como se conocen. • Es un estilo que refleja la realidad histórica y que no copia objetos mitológicos, religiosos o alegóricos, dejando a un lado los temas sobrenaturales, mágicos y se centraron en temas mas corrientes. • Son fieles al detalle, característica que lo diferencia de la glorificación idealizadora romántica. • Su concentración en los rasgos esenciales y típicos de los caracteres, situaciones y acciones lo distingue del reflejo de la realidad en sentido naturalista o fotográfico. • La meta del realismo no es la belleza, sino la verdad, y por tanto, el conocimiento de la realidad. • El Realismo abre nuevos y diversos caminos de expresión, que terminarán desembocando en otros movimientos, como el Naturalismo, que no es otra cosa que un Realismo exagerado o llevado a su último extremo.
• Gustave Courbet: • Camille Corot: Jean-François Millet: • Honoré Daumier: • Jules Breton:
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IMPRESIONISMO El impresionismo ha sido un movimiento artístico modernista que se originó en la Francia del siglo XIX como una reacción contra las rígidas reglas de la “pintura académica” de aquella época. Las técnicas utilizadas en el impresionismo lo distinguen de la forma tradicional de representar escenas en un papel. El movimiento creía en pintar una escena con colores y luces reales. Las principales características del impresionismo Pinceladas Las pinceladas distintivas son una de las principales características del arte impresionista. Los pintores impresionistas utilizaron pinceladas rápidas, espontáneas, flojas, grandes. Esta técnica les separaba de la pintura de estilo tradicional, que exigía pinceladas invisibles para hacer la pintura de gran realismo. Sin embargo, las pinceladas visibles del impresionismo dan una textura a la pintura que atrapa o representa la esencia del tema. Líneas líneas del arte impresionista son a menudo borrosas, que no definen claramente un objeto de otro en un lienzo. Tales líneas crean un efecto de niebla, añadiendo una atmósfera de somnolencia y humor abstracto en la pintura. Los pintores impresionistas a menudo combinan diferentes técnicas como visible, fuerte, suave, juntas como para dar una luz y efecto de sombra a las pinturas.
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Iluminación La iluminación era uno de los puntos centrales del movimiento impresionista. Pintores impresionistas como Monet mostraron la luz siempre cambiante sobre un tema a través de su obra. En cierto modo, los artistas impresionistas jugaron con luz en sus cuadros. Colores Pinturas impresionistas se hicieron en general en colores separados, lo que permite a la percepción de los espectadores mezclarlos. Los colores en las pinturas reflejan diferentes tonos que se encuentran en el tema. Los colores utilizados por los pintores impresionistas se ven más vibrantes debido a la técnica de pintura rápida para coger una cualidad efímera del sujeto. Temas Pintores impresionistas rompen la norma de la pintura tradicional, introduciendo temas cotidianos en sus pinturas. En lugar de temas históricos, religiosos y clásicos, estos pintores pintaron obreros, mujeres paseando en el parque, picnics, etc. Estos temas son considerados como muy mundanos, y fueron inmortalizados en las pinturas impresionistas. Los principales representantes del Impresionismo fueron: • Édouard Manet (1832-1883). Aunque nunca perteneció formalmente al grupo. • Edgar Degas (1834-1917). Miembro fundador del grupo. • Claude Monet (1840-1926). Miembro fundador del grupo. • Pierre-Auguste Renoir (1841-1919). Miembro fundador del grupo. • Berthe Morisot (1841-1895). También fundadora del grupo. • Francesco Filippini (1841-1870). Fundador del impresionismo italiano. TEMPORALIDAD XIX
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NEOIMPRESIONISMO Se denomina Neoimpresionismo al movimiento artístico que surge en Francia a finales del siglo XIX, englobando el conjunto de tendencias pictóricas que profundizan en algunos rasgos de los pintores impresionistas como son los Divisionistas (que utilizan la pincelada dividida en trazos muy pequeños) y los Puntillistas (que emplean una pincelada en forma de puntos para descomponer totalmente la imagen). Bajo el nombre de Neoimpresionismo o Postimpresionismo se engloban múltiples tendencias y estilos. Viene a ser un crisol de diferentes técnicas y objetivos que responden a las inquietudes de los diferentes artistas.
Las características principales del neoimpresionismo son: • Preocupación por el volumen. • Formas concebidas dentro de una geometría de masas puras, bien definidas (pero sin perfiles). • Preocupación por el orden y la claridad. • Retorno a la ordenación meditada del cuadro, aplicando los principios clásicos de la composición. • Aplicación firme del principio de la mezcla óptica: los tonos se dividen o desconocen en los colores básicos puros para que el ojo los restituya en la visión lejana normal. • Utilización de la técnica del puntillismo: los cuadros se pintan mediante pequeñas pinceladas o puntos de colores puros para así lograr la mezcla óptica. • Predilección por asuntos como puertos, orillas de ríos y escenas circenses (Signac). Las influencias del neoimpresionismo son las mismas que los impresionistas pero con mayor peso de las teorías ópticas de Chevreul sobre el contraste simultáneo de los colores.
La obra que se considera fundante del neoimpresionismo es Una tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte, presentada en la última exposición de los artistas impresionistas, en 1886. Otras obras importantes son: • Georges Seurat, Un baño en Asnières, óleo sobre tela, 200 x 300 cm, National Gallery de Londres. 1884. • Paul Signac, Un domingo, óleo sobre tela, 150 x 150 cm, Colección privada. 1888-1889. • Paul Signac, Retrato de M. Félix Fénéon en 1890, óleo sobre tela, 73,5 x 92,5 cm, Museo de Arte Moderno de Nueva York. 1890. Artistas del neoimpresionismo Algunos de los artistas neoimpresionistas fueron: • George Seurat (1859-1891): pintor francés, estudió en la École des Beaux-Arts, fue el fundador del neoimpresionismo. • Paul Signac (1863–1935): pintor francés, se inició junto a Seurat, pero trató de incorporar en las obras tonos disonantes que brindaran una experiencia sensorial diferente en el espectador. • Maximilien Luce (1858-1941): pintor e ilustrador francés, se inició en el impresionismo y luego pasó al puntillismo. • Henri Edmond Cross (1856-1910): pintor francés. TEMPORALIDAD FINALES DEL SIGLO XIX
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POSTIMPRESIONISMO El postimpresionismo surgió en los últimos años del siglo XIX ÁNGELA LÓPEZ y comienzos del siglo XX, como un conjunto de estilos, técnicas y tendencias artísticas basadas a partir del modelo impresionista. La idea central de los postimpresionistas no era renegar, repudiar u olvidar el impresionismo, sino perfeccionarlo.
Características del postimpresionismo Entre las principales características del Postimpresionismo, tenemos, el nuevo espíritu que surgía se alejaba del impresionismo, en la medida en que admitía la importancia del lado subjetivo, humano, emocional y sentimental expresado en las artes, y no sólo de su aspecto » superficial», de reproducción de la realidad, como lo hicieron los autores del Impresionismo.
Otras Características: • Superó las tendencias artísticas del impresionismo. • Utilización de colores vivos. • Retratación de temas de la vida real. • Visión subjetiva del mundo. • Uso de la técnica del puntillismo por algunos pintores posimpresionistas, entre ellos Paul Signac y Georges Seurat. • Tendencia de experimentación de la fuerza de la imagen, el contorno de seguridad y la libertad de color. Obras arquitector Artistas Postimpresionistas Los principales representantes de esta corriente artística fueron: • Paul Cézanne (1839-1906): pintor francés. • Paul Gauguin (1848-1903): pintor francés. • Georges-Pierre Seurat (1859-1891): pintor francés. • Vincent van Gogh (1853-1890): pintor holandés. • Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901): pintor francés. • Bertrand-Jean Redon «Odilon Redon» (1840-1916): pintor francés.
Temporalidad finales XIX
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SIMBOLISMO El simbolismo fue uno de los movimientos literarios y artísticos más importantes que se originó en Francia en 1886. Se valía del uso de símbolos (signos que se relacionaban con lo abstracto) para representar las emociones y una imaginación desbordada. El movimiento consideraba al mundo como un misterio y al arte como un sueño. CARACTERÍSTICAS DEL SIMBOLISMO PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS Oposición al racionalismo, materialismo y cientificismo. Negación de los valores del realismo y el naturalismo. Misticismo, religiosidad y sublimación. Misterio, fantasía y sensualismo. Subjetivismo e individualismo Lenguaje fluido y musical Enfoque de poesía y música. Sueño y universo trascendental Apreciación de la espiritualidad humana. Exploración de lo consciente y lo inconsciente. Combinaciones sonoras y sensoriales. Uso de imágenes del lenguaje.
Entre los representantes artísticos del simbolismo que influenciaron movimientos posteriores como el art nouveau o el surrealismo, se destacan: • El escultor Auguste Rodín (Francia) • El pintor Aristide Maillol (Francia) • El escultor Émile Antoine Bourdelle (Francia) • El pintor Juan Delville (Bélgica) • El pintor Gustav Klimt (Austria) • El escultor Adolf von Hildebrand (Alemania) • El escultor Medardo Rosso (Italia) • El pintor Gaetano Previati (Italia) • El pintor Félix Vallotton (Suiza)
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Ejemplos de símbolos El movimiento emplea un contenido simbólico para comunicar emociones y realidades abstractas, además del empleo de representaciones irracionales, fantásticas y subjetivas. Algunos ejemplos de los símbolos y su significado son: • La figura de la mujer. Representaba lo abstracto, complejo y tabú. • Lirios. Representaban lo delicado o melancólico. • Cisnes. Representaban la pureza. • Pavos reales. Representaban la belleza y la vanidad. • Paisajes. Representaban la soledad. MEDIADOS XIX
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FAUVISMO
Se conoce como fauvismo o fovismo a un movimiento pictórico surgido en Francia a principios del siglo XX y extendido luego a otros países, caracterizado por un uso provocativo de los colores y de pinceladas rápidas, furiosas o, como las bautizaran y de allí surgiría el nombre del movimiento, “feroces”. Se supone que el nombre de este movimiento habría surgido en 1905, en el marco de la exposición de algunas obras de los principales autores fauvistas en la sala VII del Salón de Otoño, en donde habrían generado un contraste intenso con las demás, lo cual motivó al crítico Louis Vaxcelles a referirse a ellas como les fauves, es decir, “las fieras”. Características del Fauvismo El color fue lo que condicionó la forma de pintar, los artistas expresaban que mediante los colores podían expresar sus sentimientos. Pero no usaban los tonos naturalistas, sino que empleaban el color para tener más expresión. Las líneas gruesas, pinceladas vigorosas, sin mezclas ni matices de colores también caracterizan a este tipo de arte. Este estilo nuevamente lo que busca es una gran intensidad emocional con una simplificación de elementos. Los temas más cotidianos en este tipo de arte son personajes en interiores, retratos, naturaleza muerta y paisajes muy hermosos, las máscaras africanas y las estatuas. Principales Exponentes del Fauvismo Henri Matisse Líder y máximo expositor de este movimiento artístico, sus obras fueron planas donde el color prima incluso con un uso exagerado. El artista francés recibió reconocimiento internacional logrando la aprobación de coleccionistas y críticos de arte. André Derain Su estilo fue más enfocado a personajes urbanos y campestres, no se preocupaba por la perspectiva ni la representación realista. Los colores que se usaban eran puros y con frecuencia se aplicaban directamente del tubo al lienzo; luego tuvo influencias en su arte por el cubismo. Maurice de Vlaminck Se caracteriza por sus obras con paisajes dramáticos inspirados por Van Gogh, sus representaciones artísticas se centran en la naturaleza, el campo y eventualmente producía retratos.
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TEMPORALIDAD1905-1908
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