El papel no puede envolver la brasa
N. 80
LA FLORESTA • VENTURA MALL TUMBACO
ABRIL 2008
COCALERO
Evo Morales: de hijo de la guerra a presidente de Bolivia El director Alejandro Landes en “Lección de Cine”
Brasil a la hora del documental
Jacques Demy: el encantador
Los últimos diez años han sido de gran crecimiento para el documental brasileño. Héroes del género como Eduardo Coutinho y Joâo Moreira Salles se han afianzado. Este mes presentamos, gracias a la Embajada de Brasil ocho documentales, que constituyen nuevas miradas de la posmodernidad y de la micro-historia. Fotograma de Justicia de María Augusta Ramos, cortesía de Videofilmes.
Como realizador de la Nouvelle Vague francesa, Jacques Demy dirigió algunas de las películas más amadas por los cinéfilos, como Los paraguas de Cherburgo o Las señoritas de Rochefort (foto). Como hombre fue el amado esposo de Agnès Varda, y el gentil profesional que todos admiraban. Este mes, por primera vez, su cine en retrospectiva, gracias a la Alianza Francesa. Foto cortesía Cine Tamaris Films - MAE Francia.
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EDITORIAL
SUMARIO
Las economías de una muestra en 16 mm.
No menos de cincuenta largometrajes y ochenta y cinco cortometrajes presentamos en este mes. La apertura de la segunda sala en Tumbaco, la presencia del director Alejandro Landes, el festival Ambulart, la serie de artes escénicas, son todos eventos importantes reseñados en esta edición, la número ochenta de este periódico.
El mes pasado OCHOYMEDIO presentó, con la colaboración de la Embajada de Alemania en Ecuador, y de otras instituciones patrocinadoras, una muestra que contenía diez películas dirigidas por Rainer Werner Fassbinder. Siendo Fassbinder uno de nuestros directores favoritos, la muestra venía siendo buscada desde que nuestra primera sala de cine abrió sus puertas en 2001. Sin embargo, fue solamente con nuestra asistencia al Festival de cine de Berlín, en febrero de 2006, cuando empezamos a ver una posibilidad concreta de que esta y otras muestras se armen, con el apoyo del Instituto Goethe.
“La cultura es asunto estratégico”
Para compilar una serie de películas de esta naturaleza, –cintas exiliadas a archivos en lugares lejanos, imposibilidad de conseguir copias subtituladas al español, altos precios por cada exhibición pública por concepto de derechos de autor– un arduo trabajo debe ser realizado por todo el equipo de nuestras salas. La muestra que se presentó en febrero de 2008 costó exactamente dos años de trabajo hasta su presentación. Con la invalorable ayuda de la Embajada de Alemania, logramos ubicar en archivos mexicanos y alemanes copias en 16mm. subtituladas al español (el formato en 16mm. es un formato de proyección de cintas de archivos fílmicos, sobre todo europeos, que requieren de un proyector específico del formato). Pudimos ubicar también a los titulares de los derechos de cada película presentada, y negociar con ellos un precio que pueda ser accesible a las siempre escasas economías de nuestro proyecto. Además, en la valija diplomática de Alemania, las cintas pudieron llegar al Ecuador. El costo promedio de los derechos de cada película fue de 200 euros por cada una, aunque hubo tres cintas que costaron 400 euros por cada función. Había además que conseguir y adaptar el proyector de 16mm., con lentes incluidos para el formato en que las películas fueron filmadas, al tamaño de nuestras pantallas. Es decir, si se suman los costos de derechos, traslados, copias, tiempo de trabajo del personal, impresos, promoción y uso de las salas instaladas apropiadamente, una muestra como la de Fassbinder cuesta no menos de 20 mil dólares. La mayoría de funciones de la muestra fueron presentadas en la sala más pequeña de OCHOYMEDIO,
para 32 personas, pues técnicamente consideramos que el formato de 16mm. puede ser más apreciado en esta, sin duda la sala comercial más pequeña de todo el Ecuador. Haga usted los cálculos. Entre Quito y Tumbaco, a la muestra de Fassbinder, asistieron alrededor de mil quinientos espectadores. Algunas funciones estuvieron llenas, otras no. Es decir que la muestra costó casi catorce dólares por espectador, que pagó un promedio de 2.6 dólares por ver la película a la que asistió. En muchos casos, el espectáculo presentado, cuesta muchas veces más de lo que el público pagó por ver. Esas son las economías de organizar una muestra o festival de cine en el Ecuador y lo que nos diferencia de las exhibiciones piratas de supuestos espacios destinados para el cine arte, que creen que con adquirir películas en la tienda de la esquina, es suficiente para llamarse como tal.
ENTREVISTA 3
Compositor y cantante, Ministro de Cultura de Brasil desde 2002, Gilberto Gil habla sobre su gestión.
TODO ES VERDAD: DOCUMENTALES DE BRASIL Posmodernidad y micro-historia: la nueva mirada del documental brasileño
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Roberto Aguilar hace un recuento del documental brasileño de los últimos años.
Los entreactos del espectáculo
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Rafael Barriga mira el filme de Joâo Moreira Salles, Entreatos, sobre la campaña electoral de Lula.
Una mentira puede ser valiosa
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El director brasileño José Padilla, flamante ganador del Oso de oro de Berlín, comenta sobre la película Edificio Master, de Eduardo Coutinho.
Iracema se adapta a otra humillación
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Comentarios de David Canby sobre la clásica cinta brasileña Iracema.
Evocación de unas huelgas
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Peões de Eduardo Coutinho, sobre las uniones sindicales que catapultaron a Lula, es analizada por Andrés Barriga.
ESTRENOS
Cada año organizamos entre cuatro y seis muestras de esta envergadura, con costos similares. En la muestra de Fassbinder, por primera vez en nuestra historia, recibimos una ayuda directa estatal: la del CNCine (institución, que es hasta el momento la única que mantiene objetivos claros en cuanto a implementación de políticas culturales que el Estado desarrolla en el sector cine), con un aporte económico. El grueso de los costos fueron cubiertos por la Embajada de Alemania y por OCHOYMEDIO, que en este caso subvencionó la muestra, por el solo gusto de tener las cintas de Fassbinder en sus salas. En el Ecuador lo mismo ocurre en todas las disciplinas artísticas: son los trabajadores de la cultura los que subvencionan sus propias obras. Desde esta tribuna no vamos a pedir, ni esperar, nada del Estado, ya lo hemos dicho. En la empresa privada casi no hay acogida (a excepción de algunas que por sensibilidad de sus gerentes, valoran los proyectos culturales).
Cocalero: filme político y filme de aventura
Es por la capacidad además de organizar estas muestras, que OCHOYMEDIO desde este año, es parte de la Confederación Internacional de salas de Cine Arte y Ensayo (CICAE), y entrará a compartir programación con los circuitos internacionales ya consolidados.
MUESTRA
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Notas sobre un documental sincero y emocional. Escribe Manolo Sarmiento.
El país de cinco adolescentes
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Diego Araujo habla sobre su serie de capítulos para televisión que nunca salieron al aire y que hoy se pueden ver en OCHOYMEDIO.
CARTELERA Sinopsis y fichas técnicas de las películas de abril.
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EVENTOS La fiesta del documental se aproxima
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La directora artística de los EDOC hace un avance de lo que vendrá en mayo, en la séptima entrega del ya famoso festival.
La “escuela del espectador” abre la Sala 2 del Ventura Mall
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Una iniciativa de la revista “El Apuntador” y de OCHOYMEDIO para apreciar el cine y las artes escénicas. Escribe Genoveva Mora Toral.
Un viaje por el cortometraje: Ambulart
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El festival de cortometrajes Ambulart trae nada menos que 78 películas de muchos lugares del mundo.
El problema animal
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Sobre el primer festival de cine documental “Ser humano animal”, escriben Camila Dávila y Amanda Trujillo.
Jacques Demi: tan sencillo como una canción
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Seis películas de uno de los grandes directores de la Nueva Ola francesa estarán en cartelera este mes.
CINE ECUATORIANO La aventura de la vida
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En los Supercines de Guayaquil se estrena la película ecuatoriana Esas no son penas.
ARTES ESCÉNICAS Música ecuatoriana y teatro argentino en Tumbaco
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Una serie de artes escénicas empieza en Tumbaco con el cantante Leo Mass y el grupo de teatro La rueda de los deseos
“Nosotros militamos el teatro”
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Vuelve la obra “Juguete cerca de la violencia” de Muegano Teatro a la sala de La Floresta de OCHOYMEDIO. Delcaraciones de los autores.
FUERA DE CAMPO Fobia, filia y cine
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Christian León recuerda los primeros hallazgos de una pasión.
PROGRAMACIÓN DE ABRIL 2008 Días y horarios de todas las películas y eventos programados
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TRIVIA: ¿Qué película y de qué director? Si usted sabe la respuesta escriba a abeler@ochoymedio.net. La primera respuesta ganará dos entradas para cualquier película en cualquier sala de OCHOYMEDIO. Respuesta del mes anterior: Los muertos de Lisandro Alonso. Ganador: Enrique Boh.
OCHOYMEDIO ISSN: 1390-4109 DIRECCIÓN EJECUTIVA: Mariana Andrade CONSEJO EDITORIAL: Etienne Moine, Mariana Andrade, Rafael Barriga, Patricio Andrade, Analía Beler y Juan Lorenzo Barragán. EDITOR: Rafael Barriga COORDINACIÓN: Analía Beler DIAGRAMACIÓN: Azuca OCHOYMEDIO La Floresta Valladolid N24 353 y Vizcaya La Floresta Telefonos: 2904720/21
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Si quiere recibir esta publicación en su domicilio, tanto en Quito como en Guayaquil, suscríbase a: suscripciones@ochoymedio.net.
SOBRE LOS COLABORADORES DE ESTE NÚMERO Roberto Aguilar Andrade (Quito, 1964) es periodista. Actualmente es columnista del diario El Comercio de Quito.
Camila Dávila (Quito, 1982), estudiante, y Amanda Trujillo (Carchi, 1976), comunicadora, son organizadoras de la muestra “Ser humano animal”.
Diego Araujo (Quito, 1975) tiene un posgrado en realización de cine, en Estados Unidos. Actualmente es editor freelance en Nueva York.
Christian León (Quito, 1974) es crítico de cine y especialista en cultura visual. Es autor del libro El cine de la marginalidad: realismo sucio y violencia urbana.
Andrés Barriga (Quito, 1974) director de los documentales 25 años de democracia en Ecuador (2005) y Velasco: retrato de un monarca andino (2006). Es artista contemporáneo por la Escuela de artes de Cergy (Francia).
Genoveva Mora Toral (Cuenca, 1954) es directora de la revista “El Apuntador” y de la Librería – Galería Pomaire. Es además crítica de artes escénicas.
María Campaña Ramia (Quito, 1977) es directora artística del festival de cine documental Encuentros del otro cine. Es master en cine documental por la Universidad de Estrasburgo.
Manolo Sarmiento (Portoviejo, 1968) es director ejecutivo de la Corporación Cinememoria. Dirigió, junto a Lisandra Rivera, el documental Problemas personales (2002) y se encuentra en producción de un largometraje documental sobre la muerte de Jaime Roldós.
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ENTREVISTA
Gil: La cultura es asunto estratégico EL MINISTRO DE CULTURA DE BRASIL Y GRAN CREADOR MUSICAL, HABLA DE POLÍTICAS. El Ecuador inaugura Ministro de Cultura. En Brasil, el proceso de Gilberto Gil lleva seis años. Fue nombrado por Luiz Inacio Lula da Silva como Ministro de Cultura de Brasil en la posesión del gobierno del Partido de los Trabajadores en 2002. Desde ahí, y durante dos periodos, Gil se ha mantenido como Ministro. Fundador del movimiento del Tropicalismo, junto a Caetano Veloso, Tom Zé y otros músicos, Gil es uno de los más importantes creadores musicales de toda una potencia musical como es Brasil. En esta entrevista, dada a varios medios de comunicación durante el mes de enero de 2008, Gil habla sobre su paso por el Ministerio de Cultura, y sobre su concepto de políticas culturales. La publicamos a propósito, además, de la presentación de ocho documentales brasileños. Y, claro, para ver como se hacen las cosas en otros lugares que están en mejores condiciones que nosotros. ¿Por qué usted anunció, el año pasado, su renuncia al cargo de Ministro de Cultura de Brasil, y ahora ha anunciado que se quedará en el cargo? En la reelección del presidente Lula, ya pensé en dejar el Ministerio porque mi compromiso fue, en principio, por los cuatro años para los que había sido convocado. El Presidente y mucha otra gente pidió que me quedara en el segundo mandato. El año pasado se detectó un problema en mis cuerdas vocales, y el consejo médico decía que yo debía tomar los debidos cuidados. Primero pensé en retirarme, pero nuevamente el Presidente y muchas otras personas me han pedido que me quede.
La radiodifusión clásica tiene como objetivo hacer un programa para un millón de espectadores. La Internet ofrece un millón de programas para un espectador. Este cambio de lógica está presente cuando pensamos en la televisión pública en Brasil. ¿Qué fue lo que le llevó a entrar a la política, y cuáles son los principales problemas que enfrenta el Ministerio de Cultura? Pienso que todo proceso de relaciones en la sociedad envuelven a la política. Eso es prioritario y se debe traducir en la disposición para el servicio público. Ha sido una característica permanente en mi vida el estar disponible a participaciones de la vida pública, de la comunidad. Sobre mi presencia en el Ministerio de Cultura, estuve y estoy especialmente motivado en contribuir con el gobierno de Lula, que recibió el mandato del pueblo brasileño para hacer cambios hacia la democratización, la modernización y el desenvolvimiento del país, en donde la cultura tiene un papel fundamental. Ahora, los problemas que hemos enfrentado en el Ministerio han sido básicamente los de descifrar los enigmas burocráticos de instituciones que deben cohesionarse y estar permanentemente comunicadas. Después de seis años como Ministro de Cultura de Brasil, ¿podría decirnos si la cultura de Brasil mejoró? ¿Existen números oficiales que prueben una posible mejora? El desempeño de una institución pública, destinada a ayudar los procesos culturales que se deben desenvolver en múltiples direcciones dentro de la sociedad, puede ser traducido en números o en la evaluación subjetiva en la sociedad. Tanto los números como la evaluación del público muestran un relativo avance del Ministerio. Los números están a disposición del público. Ahora, la evaluación
subjetiva es más una cuestión de intereses individuales. Es sobre cómo percibimos a los demás. Entre 2003 y 2007, el Ministerio de Cultura amplió en 130% las inversiones en el área cultural, que pasaron de 706 millones de reales en 2003, a 1.6 billones de reales en 2007. Esos números incluyen inversiones directas con recursos provenientes del programa de renuncia fiscal. Hoy, finalmente, tenemos indicadores culturales, algo que antes no existía en Brasil. Esto nos permite hacer una tentativa de evaluación nacional de nuestro trabajo, y de otras instancias del gobierno. Esto va a permitir que las políticas de cultura se consoliden y se cualifiquen en Brasil. Para citar algunos ejemplos, estamos disminuyendo el número de municipios sin bibliotecas en el país. En el 2008 pretendemos instalar 631 nuevas bibliotecas. Ya tenemos recursos garantizados para 300. En 2007, más de 100 millones de reales fueron canalizados para cultura mediante un proceso de selección pública: un acceso democrático, sin decisiones unilaterales de empresas privadas, que antes excluían a una buena parte de la producción cultural brasileña. Conseguimos descentralizar la distribución de nuestros recursos, aumentando las inversiones para todas las regiones. Llegamos a ampliar en 10 veces las inversiones en el norte por ejemplo, sin perjudicar a la región del sudeste, que responde por gran parte de la producción cultural del país. Atendemos áreas históricamente desasistidas por el Estado, como las comunidades de la periferia, las acciones culturales del interior del país y las comunidades indígenas, han sido estimuladas. La producción independiente de artistas que trabajan con innovación de lenguaje artístico, con experimentación, han sido atendidos con fondos y con la creación de redes articuladoras entre ellos y la sociedad. En fin, estamos en construcción, y como todo lo que está en construcción, como todo lo que es nuevo, existen ajustes permanentes en nuestras propuestas, de acuerdo con la dinámica que observamos en el país y en el mundo cultural. En esta construcción, podemos decir, el Ministerio de Cultura ha ganado visibilidad y hoy es respetado. Tiene una política audiovisual consolidada, que ha dado gran posibilidad a la industria cinematográfica brasileña. En este sentido, se ha fortalecido el apoyo a la producción de cine experimental y se ha democratizado la producción de películas en todos los niveles, y también la circulación del conjunto de las obras audiovisuales del país. Tenemos una política de museos en Brasil con mucho éxito. Invertimos en museos en el 2007 ocho veces más de lo que se invertía en 2002. Hemos concretado una política fuerte de valoración del patrimonio cultural inmaterial del país…en fin. ¿Existe la necesidad, en Brasil, de una televisión pública cultural? Una televisión pública nacional, independiente del mercado y del gobierno, es algo que muchos países avanzados han instituido ya. Ahora que Brasil resuelve, finalmente, priorizar la educación y la cultura, llegó la hora de constituir una institución pública de esa naturaleza. La televisión en Brasil surge como un actor nacional, no para sustituir, sino para fortalecer una red pública, de la cual TV Cultura hace parte, así como las televisiones educativas, universitarias, legislativas judiciales y comunitarias. La TV Brasil viene para dialogar entre todos los polos, para hacer una televisión plural, definida y apropiada por el propio público. Eso significa más recursos económicos para más programas, para más calidad de esos programas, para más alcance de la señal de TV Brasil, para más diversidad dentro de la programación. El año pasado abrimos un proceso de consulta pública para poder saber, de las más diversas maneras, de qué manera quiere el pueblo brasileño su televisión pública. El Forum de Televisiones Públicas demostró que todas las regiones quieren participar en la producción de programas. Se niegan a ser solo consumidoras. Eso es legítimo. Por ello, el gobierno federal de Brasil está dispuesto a producir y poner a disposición del público las estructuras suficientes para que la población pueda producir documentales, programación
infanto-juvenil, cine, programas educativos y científicos, etcétera. Un último aspecto que me gustaría destacar es que la TV Brasil nace en un nuevo contexto, el de la revolución digital, y esto va a consolidar paralelamente el fortalecimiento de la inclusión digital en el país. Esto tiene implicaciones culturales, legales y estratégicas para Brasil. La radiodifusión clásica tiene como objetivo hacer un programa para un millón de espectadores. La Internet ofrece un millón de programas para un espectador. Este cambio de lógica está presente cuando pensamos en la televisión pública en Brasil.
que la cultura es un asunto estratégico para el gobierno, y una necesidad básica de la sociedad. ¿Cómo explica la cuestión ética de la que se habla en su gestión, cuando usted viaja al exterior como ministro, y sin embargo recibe dineros como músico? Cuando viajo como músico, estoy licenciado del Ministerio, y todos los gastos se cubren de la producción de mi trabajo artístico. Al contrario de lo que dicen las falsas acusaciones, que quede claro, nunca he recibido dineros públicos para hacer un trabajo artístico personal. Todas estas cuestiones son regula-
Gilberto Gil. Foto cortesía Agencia Brasil - Eliza Fiúza.
A pesar de la facilidad actual del acceso a la cultura, principalmente por el Internet, la mayoría de brasileños continúa sin acceso al cine, al teatro y a las otras actividades. ¿Cree usted que el Ministerio de Cultura puede revertir esa situación? La ampliación de la accesibilidad a los bienes y servicios culturales es hoy nuestra principal meta. Solo el 13% de los brasileños van al cine cada año. El 92% nunca han ido a un museo, y el 93% nunca han ido a una exposición de arte. Ese es el escenario. Hay una gran escasez en el acceso cultural en el país, pero estamos trabajando para cambiar esa realidad. A fines del 2007 lanzamos el programa Más Cultura, que va a permitir, en los próximos tres años, inversiones de más de 4.7 billones de reales al sector cultural brasileño. Esta iniciativa dará prioridad a las 11 regiones metropolitanas con mayores índices de violencia, y para las regiones con bajos indicadores de salud y educación, como las barriadas, las reservas indígenas y las comunidades artesanales, entre otras. El programa Más Cultura actuará en 1711 municipios, llegando a 41 millones de personas. El programa tiene como objetivo cualificar el ambiente social de las ciudades, generar oportunidades de empleo para los trabajadores de la cultura, viabilizar el micro y mediano emprendimiento cultural, y promover el consumo de bienes culturales y asegurar los medios necesarios para la expresión simbólica y artística del país. Además estamos discutiendo medidas complementarias, como la reducción de las tarifas del transporte público durante los fines de semana, para aumentar el acceso de las poblaciones periféricas a las actividades artísticas. Lo que más me interesa hacer por la cultura, como Ministro, es cumplir con la idea de
das por una comisión de ética de la administración superior. La iniciativa de “Creative Commons”, sobre los derechos de autor en el mundo, ha dejado satisfecho a solo una pequeña parcela de artistas. ¿Hay algún proyecto por parte del Ministerio de Cultura para la mejor definición de los derechos autorales? En el área de derechos de autor, hay poca gente satisfecha en Brasil y en el mundo. Las nuevas tecnologías implican mil desafíos y oportunidades. Desafíos que, en Brasil, por nuestra ley anticuada, aumenta nuestra responsabilidad. El modelo de “Creative Commons” no es una política de Estado, ni es una iniciativa del Ministerio de Cultura. Es un movimiento cultural mundial de relevancia, donde los autores, concientes de sus derechos, distinguen los usos con finalidades comerciales de los usos con finalidades no-comerciales. Es un movimiento cultural importantísimo, que recupera el derecho del artista a permitir los usos culturales, educacionales, sin dejar de vivir de la música, o de lo que fuere. El Ministerio de Cultura va a hacer un reconocimiento de este movimiento: estamos retomando el papel del Estado para articular una política cultural autoral, en busca del necesario equilibrio entre los derechos de los creadores y los derechos de los ciudadanos en tener acceso a la cultura. Un debate hace falta. ¿Cómo imagina usted su futuro en la política y en la música? No me imagino nada. O mejor: son demasiadas las imágenes de posibles emprendimientos y de discontinuidad. Observo a todas ellas, y no me atengo a nada. Como tendencia más fuerte, prefiero pensarme fuera de la política, y parcialmente, moderadamente, dentro de la música.
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DOCUMENTALES BRASILEÑOS: TODO ES VERDAD
Posmodernidad y microhistoria: la nueva mirada del documental brasileño
GRACIAS A LA EMBAJADA DE BRASIL SE PRESENTA ESTE MES UNA MUESTRA CON OCHO DOCUMENTALES BRASILEÑOS. LA EVIDENCIA SUGIERE QUE BRASIL ES YA UNA POTENCIA DEL GÉNERO. Por Roberto Aguilar (*) Los últimos diez años han sido testigos no sólo de un crecimiento sin antecedentes en la historia del documental brasileño, sino de su consagración definitiva. Si en la segunda mitad de los noventa (período conocido como el de la retomada del cine brasileño) el número de documentales producidos en el país oscilaba entre tres y cinco, hoy se sitúa en torno a veinte, cifra que equivale a un tercio de la producción cinematográfica nacional. Los últimos años han confirmado esta tendencia y el 2008 se perfila como el más fructífero, pues 60 documentales se encuentran actualmente en proceso de producción o pre estreno: una cifra récord. Los problemas sociales, las historias urbanas, los retratos de fabulas y periferias, la vocación etnográfica, la historia y la política, la cultura popular, la música, el cine, el fútbol… los temas del documentalismo brasileño se mantienen casi sin variación desde los años sesenta cuando el cinema veri-
té marcaba la tendencia aun en el cine de ficción. En Brasil se llamó Cinema Novo. Su gran figura: Glauber Rocha; su protagonista absoluto: el pueblo brasileño. Los documentalistas de hoy en día son herederos de esa tradición, pero si los problemas que reclaman su atención siguen siendo básicamente los mismos, el enfoque ha variado sensiblemente. La clave de esta transformación se encuentra en una palabra compuesta que, en el terreno de las ciencias sociales, ha sido objeto de acalorados debates: micro-historia. La generación de cineastas brasileños de los años 60 y 70 estuvo marcada por una elevada conciencia histórica, política y social. Fue sin duda una postura ideológica lo que los llevó a plantear una percepción totalizadora de la realidad por medio de la representación de aspectos generales y unificadores de la experiencia social. Así, los documentales de la época se centraban en grandes cuestiones colectivas. Aun cuando abordaban temas relacionados con perso-
Los temas Micro-historia e introspección son el común denominador de los novísimos estrenos del documentalismo brasileño, en los que se pueden identificar grandes intereses temáticos:
centran en el ascenso del PT al poder. Tempo de Resistencia de André Ristum mira al movimiento estudiantil de los años sesenta. O Brasil Precisa de Vocé de Sergio Sanz, sobre el fascismo en Brasil.
Cine sobre cine: El Brasil de los años sesenta es retratado a través de la historia particular de uno de sus grandes artistas: Glauber Rocha en Glauber, Laberinto do Brasil, sobre la madre del cineasta hay filmes como Um de Neville de Almeida y Abry de Joel Pizzini. Otros filmes sobre cine: Amplavisâo de Sâo Paulo sobre los cambios en la capital paulista entre los setentas y ochentas, Brilhante sobre el largo Diamante Bruto que Orlando Senna dirigió en 1971.
Periferias: Es el tema que más ha movilizado al documental brasileño de principios del milenio con películas como O Prisioneiro da Grade do Ferro, de Paulo Sacramento, los filmes de Everaldo Mocarzel (presente en los EDOC del año pasado), entre otros.
Política e historia: Peôes de Eduardo Coutinho y Entreatos de Joâo Moreira Salles se
Músicos, escritores, artistas populares: Nelson Freire de Joâo Moreira Salles, Cartola de Lirio Ferreira, Vinicius de Moraes por Miguel Faria Jr., O Engehno de Zé Lins, sobre el novelista parabaiano, Ruído de Passos, sobre Clarise Lispector.
En Carandirú: fotograma de Prisioneiro da Grade do Ferro. Foto cortesía Olhos de Cão Produçoes.
najes o comunidades concretas, el objetivo de la representación cinematográfica no era la multiplicidad de identidades o de experiencias individuales, sino los procesos de grupos, clases sociales, pueblos o regiones. A este periodo pertenecen algunos clásicos del documentalismo brasileño, como Arrabal do Cabo (Paulo César Sareceni, 1959), Aruanda (Linduarte Noronha, 1960), Garrincha, alegría do povo (Joaquín Pedro de Andrade, 1963), Viramundo (Geraldo Sarno,. 1965), y Opiniâo Pública (Arnaldo Jabor, 1967), Maioria absoluta (León Hirzman, 1964) y O País de Sâo Saruê (Vladimir Carvalho, 1971). Un rasgo común en todos ellos es lo que el critico Jean Claude Bernardet ha definido como “modelo sociológico”: las historias individuales (la de Garirincha, por ejemplo) solo tenían sentido en tanto representan un tipo social que guarda correspondencia con un proceso histórico de masas. En otras palabras: el interés del documental brasileño, hasta bien entrados los años ochenta, se centraba en la macro historia. El punto de quiebre de esta tradición se produjo en 1984 y estuvo ligado a un nombre que, a partir de entonces, se convertiría en el referente fundamental e ineludible de generaciones de documentalistas: Eduardo Coutinho. Su película Cabra marcado para morrer, estrenada ese año, marca el paso del tratamiento de lo general al espacio de lo particular. Esa película no solo revela aspectos del régimen militar instituido en Brasil en 1964 y de las consecuencias históricas de ese régimen, sino que narra, básicamente, la experiencia de una mujer brasileña, Elizabeth, viuda de Joâo Pedro y madre de Abrao, quien sufre con su familia los estragos de la dictadura. Cabra marcado para morrer es una película que plantea un abordaje particularizado de la historia. Esa particularización llega aún más lejos, pues se transforma, a lo largo del filme, en la historia del propio documentalista en busca de una familia dispersa como consecuencia del gobierno militar. De esta manera, la película emblema de Coutinho se convierte en el antecedente de una doble tendencia que, hasta el día de hoy, domina la mirada del documentalismo brasileño: de un lado, la microhistoria; de otro, el cine auto reflexivo, la auto introspección.
Si la mirada micro-histórica guarda relación con un momento social y político del mundo (la crisis de las ideologías y de un cierto optimismo histórico, basado en los modelos marxista o funcionalista de la sociedad que consideraban que la realidad sería radicalmente transformada), la introspección documental tuvo su espaldarazo en una trasformación tecnológica. En efecto, una de las consecuencias estéticas de la tecnología digital fue la de colocar al documentalista en el centro de la realidad retratada, como un actor más o acaso como un actor fundamental que, necesariamente ha de cuestionar su propio papel en la narración. Recientemente el documental Justicia, de María Agusta Ramos, se aleja de este modelo al reducir su participación en la historia y recalcar, tal como lo hizo el cinéma verité en su momento, el carácter no intervencionista del realizador. Entre los numerosos documentales producidos en Brasil a partir de Cabra marcado para morrer que hicieron uso del abordaje particularizado de la historia, se pueden mencionar, además del conjunto de la obra de Coutinho, películas como Socorro Nobre (Walter Salles, 1995), donde la experiencia de la libertad es relatada por dos personajes que un día la perdieron; Nós que aquí estamos por vós esperamos (Marcelo Masogâo, 1999), que reflexiona sobre la muerte a partir de una colección de percepciones individuales; Santa Cruz (Joâo Moreira Salles, 2000) , donde el universo parece reducirse a una comunidad evangélica de un barrio de Río de Janeiro; Barra 68 (Wladimir Carvalho, 2000), que reduce la escala de observación del período de la dictadura a la comunidad estudiantil de la Universidad de Brasilia. Vale destacar que en ninguno de estos documentales el contexto histórico y social desaparece. Al contrario, esta muy presente y condiciona las posturas políticas de sus realizadores, así como la presentación de aplicar grandes modelos unidireccionales para la comprensión de la realidad. En Santa Cruz, por ejemplo, es precisamente la pluralidad de interpretaciones posibles del mundo lo que parece cautivar al director. (*) Fragmento del documento “Brasil a la hora del documental”, publicado por la Embajada de Brasil en Ecuador.
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ESTRENO
Cocalero: filme político y filme de aventura EN COCALERO EL DIRECTOR ALEJANDRO LANDES CONSIGUE ELABORAR UN SINCERO RETRATO EMOCIONAL Y POLÍTICO DE BOLIVIA. Por Manolo Sarmiento Se puede definir a Cocalero como un documental político y a la vez como un documental de aventura. En una primera instancia parecería más lo segundo, pero es un error. El personaje central, un tipo sumamente simpático y seductor, nada menos que el presidente boliviano Evo Morales, es objeto de un retrato cordial por parte de un reportero que parecería creer que la dimensión de la verdad es directamente proporcional al grado de entrometimiento de su cámara. En ese lado de la historia ocupa un lugar central la aventura, es decir, el movimiento constante, la sorpresa de acciones y de lugares. Si a esto sumamos que una carrera electoral garantiza casi siempre una trama entretenida, dado que los giros que articulan el desenlace se ofrecen de modo natural, tenemos que Alejandro Landes apostó a una historia triunfadora desde el inicio. Pero decir que el éxito del filme radica en su fórmula sería desmerecerlo. Digo esto porque Evo no debe ser un tipo fácil y porque, según me contó Landes tiempo des-
pués, todo parece indicar que a Evo el filme no le pareció tan acertado. Políticamente acertado, es de suponer. Cuenta Landes que el presidente boliviano asistió al estreno del filme en el Chapare rodeado de otros miles de cocaleros. Alejandro se sentó a unos pasos del presidente y trató infructuosamente de descifrar su expresión a lo largo de la proyección. No lo consiguió tampoco después, cuando, acabada la función, Evo se levantó y se subió a toda prisa al helicóptero en que había llegado. Alejandro lo vio partir y solo tiempo después supo que Evo, si bien había disfrutado la aventura, había echado de menos la exposición de sus convicciones políticas. Recuerdo que cuando la vi en una sala vacía en Guadalajara, también me sentí extrañamente insatisfecho. Sin embargo, lo que echaba en falta como espectador de filmes de aventura era precisamente lo que la volvía interesante: el corte de la película seguía un patrón de clímax interruptus encaminado a que la emoción nunca resulte enteramente satisfecha. Me pasó lo mismo que a Evo, aunque de otro modo. Yo no aspiraba a usar el filme con fines proselitistas, claro está, sino a agotar las posibilidades de la distracción que el tono del filme prometía en sus primeras escenas en gran medida gracias al muy logrado trabajo de Leo Heiblum y Jacobo Lieberman en la banda sonora.
Hay una escena que define muy bien lo que estoy tratando de decir. Evo viaja a bordo de un automóvil por las calles del centro de La Paz. De pronto se baja del carro y comienza a caminar apresuradamente por la calle. El director de fotografía, Jorge Manrique Behrens, lo sigue con destreza admirable y nos conduce por un laberinto urbano en que el candidato se ve rodeado por los saludos de sus simpatizantes y la notoria indiferencia de los transeúntes. Así llegamos a una plaza en la que se han congregado decenas de miles de personas y Evo se abre paso hacia una tarima. Como es natural, el espectador espera asistir a la ovación y al discurso que siguieron, sin sospechar que en su sala de montaje Alejandro Landes había elegido decepcionarlo. Esta elección es la que hace de Cocalero un filme político porque elige distanciarse de las motivaciones del sujeto retratado y de los imperativos de la actualidad. Es la elección de un director que nos dice: no es por allí, una vez más te dejaste llevar por la aventura… y sin embargo, no cesa de sumirnos en ella, estableciendo un perpetuo viaje de ida y vuelta entre la anécdota y el sentido de la anécdota. Mirar ese recorrido por el centro de La Paz como un preparativo para el “plato fuerte” – el mitin, la ovación – es mirarlo con los ojos de la comodidad del filme de aventura. Mirarlo como un hecho importante en sí mismo, como un
acontecimiento incluso más importante que el mitin y la ovación, es pasar al registro de una mirada más atenta al sentido que a la apariencia. Landes consigue de este modo elaborar un sincero retrato emocional y político de Bolivia. Un retrato marcado por el racismo, la fuerza militar, el sindicalismo cocalero y la sencillez de un líder. El rigor adusto de la plana mayor del ejército reunida en un coliseo de deportes en el que Evo habla de la subordinación de las Fuerzas Armadas al poder civil es un logro notable del filme. Los militares latinoamericanos, tema entre los temas, aparecen aquí retratados en toda su dudosa solemnidad. Que la decepción del Evo político fuese análoga a la del espectador de filmes de aventura confirmaría el parentesco del cine militante con el de entretenimiento. Aquí no se trata ni de lo uno ni de lo otro. Algo quizás de exotismo, algo de viaje a lo desconocido, puede ser. Ese sería el lado de "mirada blanco mestiza" del filme. Mirada que aporta, además de eficiencia narrativa, una dosis suficiente de admiración y de curiosidad por el sujeto retratado. El chapuzón que Evo se da en el río es uno de los logros de esa curiosidad. Un chapuzón que vuelve entrañable, casi familiar, la militancia que Evo hubiera querido retratar con consignas.
Habla Alejandro Landes: “Evo representa el mestizaje” ALEJANDRO LANDES ESTARÁ EN PERSONA EN LECCIÓN DE CINE EN OCHOYMEDIO, LA FLORESTA EL SÁBADO 5 DE ABRIL A LAS 16:00 P.M. AQUÍ ALGUNAS DE SUS OPINIONES SOBRE SU PELÍCULA. ¿Qué aspectos de Evo Morales buscó reflejar? Evo es el primer presidente indígena que llega al poder en Bolivia. Sin embargo, su forma política de ser reivindica una tradición más mestiza. O sea, Evo no se viste con plumas y poncho. Evo se viste con jeans y zapatillas, se pone la camiseta del Real Madrid. Reivindica, quizás, una tradición más mestiza. Lo interesante de eso es que, al fin y al cabo, Bolivia sólo tiene futuro en el mestizaje, como la mayoría de la región. Bolivia nunca va a ser totalmente indígena. Bolivia nunca va a ser totalmente blanca o europea. Bolivia sólo tiene futuro en el mestizaje y, de alguna manera, Evo representa eso. Te das cuenta en el documental de que él usa el español antes que cualquier cosa, no habla el aymara o el quechua fluidos. El llega al poder con un discurso más sindicalista nacionalista que indigenista. Y eso para mí fue la parte más interesante de la historia. Teniendo en cuenta que se trata de un personaje público muy importante, ¿cómo fue el rodaje y qué particularidades tuvo? Lo interesante es que cuando yo llegué a Bolivia, el 1º de octubre de 2005, Evo Morales era una figura importante pero tampoco era tan conocido. Y en ese momento sólo estaba viajando en un auto por su país con su chofer Javier (que es un personaje en el documental) y su secretaria Janet. Y el viaje era hasta tranquilo, digamos, y pequeño. Dos meses después, se volvió en un convoy de treinta autos, con prensa a todos lados del mundo. Empezó muy pequeño y creo que eso es lo interesante. Recuerdo que cuando yo estaba buscando financiación para comprar un equipo e ir a filmar, andaba en mis reuniones con una hoja impresa de la cara de Evo porque en ese momento nadie sabía quién era. Sólo tres meses después, el tipo estaba en la portada del New York Times, del L.A. Times, etcétera. ¿Coincide con la opinión de buena parte de la opinión pública de que el hecho de que Evo Morales haya vivido en la pobreza le permite tener mayor sensibilidad política? Cocaleros: leyendo propaganda, cosechando hojas, hablando ante la multitud. Fotos de Jorge Manrique Behrens.
Bolivia es el país más pobre de Sudamérica y Evo representa a esa mayoría. Sin dudas, romper los tabúes raciales, económicos y sociales que se tuvieron que romper para que Morales llegue al poder es un paso importante en el país y en la región. Y yo espero que, a través de los años, sea también importante que el discurso de un futuro presidente en la campaña ya no sea una discusión racial, de origen, de color de piel o de idiomas, sino más bien de ideas. Existe una disputa entre Washington, que históricamente buscó erradicar la hoja de coca, y los cocaleros, que defienden su derecho al cultivo de la planta. ¿Cómo está reflejada esta problemática en su documental? Más que nada de una manera muy humana. Una de las coprotagonistas de la historia es Leonilda Zurita. El documental entreteje dos historias. Por un lado, tiene la historia personal e íntima de Evo y, por otro lado, tiene a Leonilda, que sirve como guía al mundo sindical cocalero que es la base de poder de Evo. Lo que se ve en el documental es que Evo nace de la violencia estadounidense en la temática de las drogas en Bolivia. Evo es un hijo de la violencia norteamericana que se ha llevado a cabo en la lucha contra las drogas en Bolivia. Para decirlo rápidamente: hay indígenas aymaras y quechuas desparramados por el monte a principios de los ’80 buscando mejorar su calidad de vida plantando coca, que paga quizás un poquito más que una piña o una naranja en la selva del Chapare en Cochabamba. Los norteamericanos deciden resolver su problema de consumo local a través de erradicar la hoja de coca en un lugar remoto. Llevan a cabo una erradicación bastante violenta que causa que esta gente trascienda o se muera. O sea, se empiezan aglutinar, a formar, a educar, a preparar y a organizar. Eventualmente, veinte años después ponen a uno de ellos en la presidencia de la República. Entonces, yo no quiero caer en frases de cajón, pero lo que no te mata te hace más fuerte, que es un poco lo que pasó en este caso. Estas políticas antidrogas de erradicación forzosa en el Chapare llevaron a los cocaleros a organizarse en un sindicato que los ayudaba a sobrevivir y los protegía. Este sindicato quizá nunca hubiese llegado a organizarse si no fuese por la violenta represión norteamericana. (Entrevista originalmente publicada en Página 12).
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DOCUMENTALES BRASILEÑOS: TODO ES VERDAD
Los entreactos del espectáculo ENTREATOS DE JOÂO MOREIRA SALLES REVELA LAS INTIMIDADES DE LA CAMPAÑA DE 2002 DE LUIZ INACIO LULA DA SILVA. Por Rafael Barriga La idea de seguir a un candidato presidencial, con acceso total a las actividades de campaña y sus momentos íntimos, no es nueva en el cine. Dos ejemplos clave: Primary (1960) de Robert Drew, vio de cerca las campañas de John Kennedy y Hubert Humphrey en las primarias estadounidenses. La pieza se convirtió en filme seminal del “Direct Cinema” norteamericano. En 1974, une partie de campagne (1974) de Raymond Depardon. El cineasta anduvo en la campaña del gaullista Valery Giscard D’Estaing, en Francia. Giscard no permitió que el producto final de su película sea visto, y solo 28 años después tuvo su estreno comercial. En 2002, Joâo Moreira Salles, logró que Luiz Inacio Lula da Silva le permita estar entre los bastidores de sus actividades, en los entreactos –ergo el título del filme–, de la campaña que a la postre terminaría eligiéndolo presidente de Brasil, luego de tres intentos frustrados. En el documental, vemos a Lula en aquellos momentos relativamente íntimos: recortándose la barba en una peluquería paulista, pre-
parando discursos con sus asesores, hablando con ellos sobre experiencias políticas pasadas y, emotivamente, recibiendo los resultados de las elecciones triunfantes. En cada escena Lula va emitiendo partes de su ideario y de su experiencia. “Lulinha Paz e Amor” retratado entre los bastidores de su gran espectáculo. Foto cortesía Video Filmes.
Aquellas palabras, bastidores y entreactos, revelan mucho sobre este documental. Ambas se refieren a un ambiente de espectáculo, pero de aquella parte del show que no es visto por el público. Eso que se da detrás de las cortinas de un teatro, aquellos secretos de producción. Salles se limita a presentar solo eso. Ninguna imagen, ni gesto, ni discurso oficial. En esa lógica de espectáculo en la que el filme se desenvuelve, vemos entonces la dinámica de una producción real: el gran protagonista, el actor estrella es sin duda Lula; existen unos guionistas y directores que están encarnados en los asesores principales de Lula, sobre todo Duda Mendoça, el jefe estratega que sabe qué debe decir el personaje, en qué momento y de qué forma; un productor, en este caso José Dirceu, el otro fundador del Partido dos Trabalhadores, que cierra y abre las puertas, firma los contratos, busca el patrocinio, y hasta cuestiona la con-
fianza del equipo de Salles. Y están también los personajes secundarios, importantes en toda producción: la señora de Lula, los otros asesores y acompañantes, entre otros. Y como gran coro griego, que está allí, en alguna parte, como gran artífice del personaje, está la brava gente brasileña, el pueblo, el soberano que se manifiesta, lo vemos al final, masivamente a favor de su líder. Entreatos es, entonces, una especie de “making of” de una enorme producción, que bien puede titularse “Lulinha Paz e Amor”. Es que en Entreatos tenemos el documento de la construcción de un enorme personaje, uno que cambió el overol de obrero por el traje de diseñador; aquel que, en aras de ganar la presidencia del país más grande del continente, modificó su discurso combativo de izquierdas, su imagen de sindicalista enemigo
de la propiedad privada, para convertirse en el articulador del Brasil profundo, el gran conciliador que llevaría al Brasil a un nuevo día. Es verdad: vemos a un Lula de carne y hueso, contando las privaciones de su época de obrero metalúrgico. Sentimos el heroísmo del nordestino que venció la pena y el quebranto para convertirse en el líder más importante de la historia reciente de Brasil y tal vez del continente. Pero en el proceso de preproducción –ese que no podemos ver en Entreatos– el personaje fue modificándose, reinventándose, creciendo, sacándose una piel vieja y vistiéndose de una nueva. En estos bastidores que revela Salles, sin embargo, vemos que el fin justificó los medios, y vemos a un personaje multidimensional, demasiado inteligente para dejar de ser quien realmente es, brillantemente caracterizado, y bellamente fotografiado.
Una mentira puede ser valiosa EDIFICIO MASTER, DEL MAESTRO DEL DOCUMENTAL BRASILEÑO EDUARDO COUTINHO, ES UNA COLECCIÓN DE HISTORIAS SUBJETIVAS. Por José Padilha * Edificio Master es un excelente filme que debe ser visto por todos aquellos interesados en la capacidad que tiene el ser humano de hacer la vida soportable, aun cuando habita en un pequeño departamento de una sola estancia en un edificio de clase media baja en Copacabana. Al montarlo, Eduardo Coutinho optó por usar un buen número de entrevistas con personas extrañas y con dificultades emocionales; y por esto mismo hizo un filme capaz de hacer pensar al espectador sobre la naturaleza humana y a reír con las estrategias que las personas usan para lidiar con la tensión entre su realidad y la necesidad de hacerla aceptable.
ción de crear o no una representación cinematográfica verdadera de la realidad que documenta. ¿Porqué es que Albert Maysles busca la verdad en sus filmes y entrevistados y Coutinho no? La respuesta es simple: Porque Maysles hace documentales para contar historias objetivas. Así pues, lo que une a los personajes de Maysles es el hecho de haber vivido una única y misma cadena de eventos que existe más allá del filme, y que el documentalista pueda usar para intentar juzgar si sus personajes dicen o no la verdad. Coutinho por otro lado, no tiene este problema: sus filmes no cuentan historias objetivas, no intentan documentar hechos que existan más allá del encuentro del documentalista con sus entrevistados. Así, queda claro que los problemas que Coutinho y Maysles tienen al dirigir un docu-
mental son de órdenes muy diferentes. Edificio Master no cuenta una historia, pretende revelar aspectos de la naturaleza humana, y en este caso una mentira puede ser valiosa. Edificio Master revela también otro aspecto importante sobre los filmes recientes de Coutinho. Tome, por ejemplo, Os carvoeiros (dirigido por Nigel Noble) y proyéctela sin sonido. Al final de la proyección, aun no habiendo escuchado entrevista alguna, usted tendrá una buena idea sobre cómo viven los trabajadores del carbón. Esto porque el señor Noble entiende el cine como una forma de contar historias visualmente. Ahora proyecte Edificio Master sin sonido. Si usted no es especialista en lectura de labios, al final del filme habré entendido muy
Sin embargo no es ahí donde reside el valor de Edificio Master. Así como en los otros filmes de Coutinho, este también sirve como punto de partida para una reflexión sobre la naturaleza del cine documental. Durante un debate en el PUC de Río, en ocasión del Documenta 2002, Coutinho afirmó que no le interesa si sus personajes dicen o no la verdad, pues lo que cuenta es su encuentro con ellos. Al escuchar tal afirmación, Albert Maysles, uno de los documentalistas más grandes de Norteamérica protestó. Dijo que estaba en desacuerdo, y que para él era de extrema importancia saber si sus personajes decían o no la verdad. Se creó un clima de tensión que el moderador se apresuró a aliviar atribuyendo la discordancia a un error de traducción, mismo que no ocurrió. Al hacerlo, privó al público de un debate que podría esclarecer aún más la naturaleza de Edificio Master. Existen varias formas de clasificar los documentales. Una de ellas, según yo, la más importante, es respecto a la pretensión epistemológica del documentalista, es su inten-
Vista desde el Edificio Master, en la cinta de Eduardo Coutinho. Foto cortesía Video Filmes.
poco. Esto es porque en los filmes de Coutinho la información visual es secundaria y sólo tienen sentido en el contexto de lo que está siendo dicho. Una vez más, Nigel y Coutinho también lidian con problemas distintos al dirigir un filme. Ahora, al renunciar a la doble tarea de representar una verdad objetiva y de crear formas visuales capaces de transmitir informaciones, Coutinho basa sus filmes exclusivamente en su gran habilidad para realizar entrevistas, editándolos con pocos planos de cobertura y muchos cortes discontinuos. Si usted no cree que se puedan hacer buenos filmes así, ¡vale la pena apreciar Edificio Master en el cine! (*) Realizador brasileño. Director de Bus 174 y Tropa de élite, reciente ganadora del Oso de oro en la Berlinale. Reproducido con autorización del autor.
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NOTAS SOBRE PEÕES, DOCUMENTAL DE EDUARDO COUTINHO. Por Andrés Barriga
Evocación de unas huelgas
Comienza con rastros de una época que se presenta como distante. Los protagonistas todavía están (tratando de recordar). ¿Quiénes están en esas fotos de huelgas, en esas películas de masas inconformes? Lula aparece desde el inicio, es el líder de las manifestaciones, de las reuniones sindicalistas. Pero lo apresaron y mientras estuvo en la cárcel su madre murió. Lo dejaron salir para el entierro. Lloró y luego se lo llevaron de vuelta. El relato está hecho de recuerdos. Los personajes, antiguos obreros de las fábricas metalúrgicas, se emocionan frente a Eduardo Coutinho. El rodaje de Peões se lo realizó en los 30 días que precedieron la elección de Lula a la presidencia de Brasil. “Yo le dije a Lula que ya había perdido tres veces las elecciones. También le dije que Allende había perdido tres elecciones, y me dijo, ¿entonces también puedo ganar? Sí, pero a Allende lo mataron”, cuenta un obrero riéndose. La familia de los obreros, la que queda, comenta también sobre aquellas huelgas del 79 y 80. Hablan del miedo que tenían, de la importancia que representaba en sus vidas la política y del orgullo o desconfianza que les procuraba. Finalmente la política no es un oficio, es una pasión cooperativa sobre el compartir. La política es independiente del trabajo o profesión, mejor, forma parte de todo ello. Para ellos la política era el cotidiano, era su propio espacio. Salía de la factoría, mi mujer hubiera querido que regrese a la casa pero yo me iba a las reuniones del sindicato y regresaba tarde. ¿Apoyas a tu esposo? Lo apoyo. Deben luchar para cambiar todo esto. Coutinho halla su filme en la efectuación de los procesos políticos de los obreros metalúrgicos de fines de los 70 y comienzos de los 80 en Sao Paulo. Pero a toda esta indagación de memoria en el recuerdo y en los rastros visi-
IRACEMA ES UNA PELÍCULA FURIOSA, Y MEZCLA CON GRAN NATURALIDAD EL DOCUMENTAL Y LA FICCIÓN. Por David Canby * La sistemática devastación de la selva tropical brasileña, en aras del progreso y del desarrollo, que podría cambiar la ecología del hemisferio, es el tema de Iracema, un semidocumental dirigido por Jorge Bodanzky y Orlando Senna, realizado en 1975. Iracema se ha estrenado en Nueva York en 1982. En Brasil apenas pudo ser visto en 1985, luego de años de una dictadura que censuró la película. El trillado sueño brasileño de una gran autopista trans-amazónica, y de su construcción, es el antecedente de la historia contada por Bodanzky y Senna. Iracema, una pequeña niña indígena, que parece un poco mayor de los catorce años que dice tener y tiene una cara de un delicado ángel marrón, deja su casa ubicada en medio de la selva adentro, para llegar a la ciudad de Belem. Allí, en la tierra de la abundancia –radios a pilas, amuletos plásticos, festivales callejeros, moteles y comidas– decide vestirse con poca ropa y se convierte en prostituta. Belem es, de todas maneras, un mercado de compra y venta. Pronto, decepcionada por la vida en la ciudad, Iracema conoce a Tiao, un camionero pragmático e independiente, que se gana la vida con el comercio de ida y vuelta entre la civilización y lo salvaje. “Creo en un futuro de riqueza y progreso en Brasil” dice Tiao con sarcasmo. El paisaje brasileño que recorren Tiao e Iracema, mientras tanto, está siendo destruido por inversionistas oportunistas, tierras abandonadas y burócratas corruptos. Las selvas se destruyen, la vida animal es asesinada, y la población indígena dejada a su suerte, entre la miseria y la desesperación. Aquello se constituye en el destino de Iracema. Bodanzky y Senna (quien ejerció por varios años, durante el presente gobierno brasileño de Luiz Inacio Lula da Silva, el cargo de Secre-
Trabajadores en pie de lucha, en Peões de Eduardo Coutinho. Foto cortesía Video Filmes.
bles de esa época la ubica en la voluntad de un mejor futuro, esperanza depositada simultáneamente al rodaje, en las urnas del 2002. El recuerdo no es nostalgia cuando se inscribe en un devenir. El recuerdo puede ser un motor o ser un elemento de lucha. Recordar no se opone a olvidar, sino a regalar la memoria al enemigo. Una elección presidencial casi nunca representa el portal de un devenir, pero Peões funciona desde allí. Desde la cresta de esa ola que pretende arrasar con el ultraje y la humillación. Es la irrupción en el presente de esa voluntad de ser otros, de tomar al destino antes que su corriente nos lleve.
Lo sorprendente de Peões es que se sirve del pasado como agente propulsor, y no como elemento nostálgico. Los testimonios de los obreros hablan simbólicamente más del contexto con el que Lula llega al poder que del tiempo que le precede. La facultad del arte es justamente, como decía Deleuze, poder embarcarse en el devenir de un proceso, en el transcurso de la irrupción de un evento, y no limitarse a la efectuación de los acontecimientos consumados. Para eso está la historia, y el cine no es historia. Una vez más cabe decir que la evocación del pasado bajo ninguna forma incluye un
desplazamiento hacia atrás o viaje temporal, aquello implicaría olvidarnos: nuestro recorrido, nuestro lugar y nuestra afirmación en ellos. El recuerdo solo encuentra su cabida en el presente y en las interferencias que a este destina. Finalmente, el carácter épico de los eventos vividos por los obreros de Brasil siempre han estado allí, cualquiera podía escarbar en ese recuerdo grande de la lucha proletaria. La característica de Peões es que la evocación cobra importancia cuando los momentos son de cambio.
Iracema se adapta a otra humillación
Un clásico del cine brasileño. El semi documental Iracema. Foto cortesía Video Filmes. tario Nacional del Audiovisual), otorgan a sus dos personajes principales una suerte de fresca compasión, como si desarrollarlos más pudiera trivializarlos. Tiao, muy bien interpretado por Paulo Cesar Pereio es cruel, pero no infunde malicia. Es un realista. Ha visto demasiadas niñas indígenas como Iracema, de modo que no se conmueve con su situación. Cuando se cansa de su compañía, él simplemente la saca del camión, en la mitad de la selva, y continúa su periplo. Luego de varios meses en la carre-
tera, la que una vez fue la hermosa y festiva Iracema, ha perdido ya algunos dientes y es ahora una muchacha flemática, con una gran habilidad para adaptarse a cada nueva humillación. No tiene idea de que el mundo puede ser diferente a eso. Edna de Cassia, brinda una excepcional interpretación: es una víctima que no sabe que es víctima. Iracema es una película furiosa. Jorge Bodanzky y Orlando Senna (que contaron con
la colaboración de Wolf Gauer en la dirección) expresan gran frustración y pesismismo. Para ellos el presente y el futuro de Brasil están dominados por la pobreza y la explotación. La cámara, sin embargo, mira todo desde cierta distancia, tal como Iracema ve el mundo. No es hasta el último fotograma, en que nos damos cuenta de toda la rabia y la congoja de los realizadores. (*) Originalmente publicado en NY Times, en septiembre de 1986.
CARTELERA 8
JACQUES DEMY: EL ENCANTADOR LOS PARAGUAS DE CHERBURGO (Les Parapluies de Chebourg) (Francia, 1964, 91 minutos) Dirigida y escrita por Jacques Demy. Protagonizada por Catherine Deneuve, Nino Castelnuovo, Anne Vernon, Marc Michel. Presentada gracias a la Alianza Francesa. Formato video digital. Recomendada para mayores de 12 años.
LA BAHÍA DE LOS ÁNGELES (La Baie des Anges) (Francia, 1962,89 minutos) Dirigida y escrita por Jacques Demy. Protagonizada por Jeanne Moreau, Claude Mann, Paul Guers, Henri Nassiet, Henri Certes, Nicole Chollet. Presentada gracias a la Alianza Francesa. Formato video digital. Recomendada para mayores de 12 años.
LAS SEÑORITAS DE ROCHEFORT (Les Demoiselles de Rochefort) (Francia, 1966, 120 minutos) Dirigida y escrita por Jacques Demy. Protagonizada por Catherine Deneuve, Françoise Dorléac, Danielle Darrieux, Jacques Perrin. Presentada gracias a la Alianza Francesa. Formato video digital. Recomendada para mayores de 12 años.
PIEL DE ASNO (Peau d’Ane) (Francia, 1970, 89 minutos) Dirigida y escrita por Jacques Demy. Protagonizada por Catherine Deneuve, Jean Marais, Jacques Perrin, Micheline Presle. Presentada gracias a la Alianza Francesa. Formato video digital. Recomendada para mayores de 12 años.
LOLA (Francia, 1960, 85 minutos) Dirigida y escrita por Jacques Demy. Protagonizada por Anouk Aimée, Marc Michel, Elina Labourdette. Presentada gracias a la Alianza Francesa. Formato video digital. Recomendada para mayores de 12 años.
JACQUOT DE NANTES (Francia, 1991, 118 minutos) Dirigida y escrita por Agnès Varda. Protagonizada por Philippe Maron, Edouard Joubeaud, Laurent Monnier, Brigitte de Villepoix, Daniel Dublet. Presentada gracias a la Alianza Francesa. Formato video digital. Recomendada para mayores de 12 años.
Geneviève Emery, cuya madre tiene una tienda de paraguas, ama a Guy Foucher. La Sra. Emery se opone al idilio de su hija con el joven mecánico. El Ejército llama a Guy a prestar servicio militar en la guerra de Argelia. Geneviève se entrega a él antes de su partida y queda embarazada. Guy da noticias rara vez.
COCALERO
Jean llega a Niza. En el casino, descubre el juego y a una jugadora, Jackie. Surge entre ellos la fascinación y la pasión. ¿Del uno por el otro o por el juego? Jean, un poco novato aún, lleva a cabo su educación sentimental. Jackie juega.
PETRÓLEO SANGRIENTO
Delphine y Solange son dos hermanas mellizas de 25 años, preciosas y espirituales. Delphine, la rubia, da clases de baile y Solange, la pelirroja, da clases de solfeo. Las hermanas viven inmersas en la música como otros viven en la luna y sueñan con encontrar el gran amor a la vuelta de la esquina.
(Ecuador, 2006, 87 minutos) Dirigida por Anahí Hoeneisen y Daniel Andrade. Escrita por Anahí Hoeneisen. Protagonizada por Anahí Hoeneisen, Amaia Merino, Francisca Romeo, Paquita Troya, Carolina Valencia. Distribuida por La Maquinita. Formato 35mm.
ACROSS THE UNIVERSE (Estados Unidos, 2007, 133 minutos) Dirigida por Julie Taymor. Escrita por Dick Clement, Ian Le Frenais. Protagonizada por Evan Rachel Word, Jim Sturgess, Joe Anderson, Bono, Joe Cocker. Distribuida por Sony Pictures Corp. (Emprocinema). Formato 35mm. Recomendada para mayores de 10 años.
NOLA DARLING (She’s Gotta Have It) (Estados Unidos, 1986, 100 minutos) Dirigida y escrita por Spike Lee. Protagonizada por Tracey Camila Jones, Tommy Redmond Hicks, John Canada Terell, Spile Lee, Joie Lee. Presentada gracias al AFI. Formato video digital. Recomendada para mayores de 12 años.
HAMLET (Kenneth Branagh’s Hamlet) (Reino Unido, 1996, 246 minutos) Dirigida y escrita por Kenneth Branagh. Protagonizada por Kenneth Branagh, Julie Christie, Derek Jacobi, Jack Lemmon, Charlton Heston, Richard Attenborough, Gerard Depardieu, Sir John Gielgud. Presentada gracias al AFI. Formato video digital. Recomendada para mayores de 15 años.
(Bolivia, 2007, 86 minutos) Dirigida por Alejandro Landes. Distribuida por Cabeza Hueca. Formato: 35mm y video digital HD. Recomendada para mayores de 12 años.
(There Will Be Blood) (Estados Unidos, 2007, 158 minutos) Dirigida y escrita por Paul Thomas Anderson. Protagonizada por Daniel Day-Lewis, Paul Dano. Distribuida por Buena Vista International (Importadora El Rosado). Formato 35mm. Recomendada para mayores de 15 años.
PAÍS DE CINCO (Ecuador, 5 capítulos de 45 minutos cada uno, 2001) Creado y realizado por Gustavo Pareja, Diego Araujo, Hanne-Lovise Skartveit. Protagonizada por Cristina Almeida, Pamela Bravo, Mariela Condo, Santiago Sierra, Fabia?n Siguencia. Presentada gracias a Luna-Media Films.
Una princesa, aconsejada por su Hada, rechaza el amor de su padre huyendo oculta bajo una piel de asno, de la que se despoja algunas veces cuando se encuentra sola en su cabaña. Un Príncipe la descubre y se enamora de ella.
Documental sobre Evo Morales. Hijo de la guerra norteamericana contra las drogas, un indio aymara llamado Evo, acompañado por una tropa de cocaleros, atraviesa los Andes y el Amazonas en jeans y zapatillas encabezando una contienda histórica para convertirse en el primer presidente indígena de Bolivia. Una historia sobre la familia, la avaricia, la religión y el petróleo, que gira en torno a un magnate de Texas de comienzos del siglo XX, en los primeros años del negocio del petróleo. El magnate intentará adueñarse de un yacimiento enfrentándose al predicador Eli Sunday. Basada en la novela de Upton Sinclair “Petróleo”, escrita en 1927. Cinco chicos ecuatorianos están a punto de graduarse del colegio. ¿Cómo son sus vidas? ¿Cuáles son sus objetivos? ¿Qué les preocupa? ¿Qué les alegra? País de cinco documenta las actividades diarias de estos cinco adolescentes, de orígenes muy diversos, para dar a conocer su manera de pensar, su forma de ver la vida, de relacionarse con sus amigos y con su familia.
DOCUMENTAL BRASILEÑO Lola, bailarina de cabaret, educa a su hijo, cuyo padre, Michel, se marchó siete años atrás. Lola le espera, canta baila y eventualmente ama a los marinos de paso. Roland Cassard, un amigo de infancia con quien se encuentra de nuevo por casualidad, se enamora perdidamente de ella. Pero Lola espera a Michel. Érase una vez un niño que creció en un taller en el que a todo el mundo le gustaba cantar. Corría el año 1939, el niño tenía entonces 8 años y le encantaban las marionetas y la opereta. Más tarde quiso hacer cine, pero su padre lo obligó a estudiar mecánica ... Un film sobre Jacques Demy y sus recuerdos.
ESPECIALES ESAS NO SON PENAS
ESTRENOS
Cinco mujeres quiteñas, amigas de la adolescencia, deciden volverse a ver al cabo de 14 años. En ese encuentro, tejerán un tapiz de emotividades que estallan en la mitad de la rutina.
EDIFICIO MASTER (Brasil, 2002, 110 minutos) Dirigida y escrita por Eduardo Coutinho. Presentada por la Embajada de Brasil en Ecuador. Formato video digital. Recomendada para mayores de 12 años.
RAICES DO BRASIL (Brasil, 2004, 146 minutos) Dirigida por Nelson Pereira dos Santos. Escrita por Ana de Hollanda, Miucha y Nelson Pereira dos Santos. Presentada por la Embajada de Brasil en Ecuador.Formato video digital. Recomendada para mayores de 12 años.
IRACEMA, UMA TRANSA AMAZÔNICA (Brasil, 1974, 45 minutos) Dirigida por Jorge Bodansky y Orlando Senna. Escrita por Jorge Bodansky y Hermano Penna. Presentada por la Embajada de Brasil en Ecuador. Formato video digital. Recomendada para mayores de 12 años.
O PRISIONEIRO DA GRADE DE FERRO (Brasil, 2004, 124 minutos) Dirigida y escrita por Paulo Sacramento. Presentada por la Embajada de Brasil en Ecuador. Formato video digital. Recomendada para mayores de 12 años.
ENTREATOS Musical romántico ambientado en los años 60 del siglo XX en la época de los años turbulentos de las protestas contra la guerra, la exploración mental y el rock’n roll, con 33 canciones de Los Beatles. La historia gira en torno a institutos y universidades en Massachusetts, Princeton y Ohio, y se traslada desde los muelles de Liverpool hasta la psicodelia creativa de Greenwich Village en Nueva York. Una joven afroamericana no acaba de decidirse entre sus tres pretendientes, pero se niega a renunciar a ellos. El primer film de Spike Lee –escrito, dirigido y editado por él–, es una brillante comedia de tono semidocumental, filmado en blanco y negro y con algunas escenas en color. Hamlet, el príncipe de Dinamarca, regresa a su hogar para encontrarse con que su padre, el rey, ha sido asesinado, y que su madre se va a casar con su tío. En una revelación descubre que su tío, al que siempre ha odiado, asesinó a su padre. A partir de entonces urdirá una trama bañada en sangre y violencia cuyo objetivo último será la venganza.
(Brasil, 2004, 117 minutos) Dirigida y escrita por Joâo Moreira Salles. Presentada por la Embajada de Brasil en Ecuador. Formato video digital. Recomendada para mayores de 12 años.
JUSTICIA (Brasil, 2004, 107 minutos) Dirigida y escrita por María Augusta Ramos. Presentada por la Embajada de Brasil en Ecuador. Formato video digital. Recomendada para mayores de 12 años.
NELSON FREIRE (Brasil, 2003, 102 minutos) Dirigida por Joâo Moreira Salles. Escrita por Felipe Lacerda y Joâo Moreira Salles. Presentada por la Embajada de Brasil en Ecuador. Formato video digital. Recomendada para mayores de 12 años.
PEÔES (Brasil, 2004, 85 minutos) Dirigida por Eduardo Coutinho. Presentada por la Embajada de Brasil en Ecuador. Formato video digital. Recomendada para mayores de 12 años.
Un edificio en Copacabana, a una cuadra de la playa. Doscientos setenta y seis apartamentos. Quinientos moradores. Eduardo Coutinho se adentran en varios apartamentos, filmará la vida de la gente. El historiador Sergio Buarque de Hollanda es retratado por el lente de Nelson Pereira dos Santos. El historiador vivía inmerso en el universo de sus libros, y dejaba su ventana siempre abierta para escuchar los ruidos de la calle y las ideas de los otros.
Iracema, una muchacha salida de un pueblo amazónico, luego de ser prostituta en Belem, se conoce con el camionero Tiao Brasil Grande. Su relación va a ser conflictiva. Los alrededores hablan de la miseria de Brasil.
Un año antes de la desactivación de la Casa de detención de Carandiru, los presos aprenden a utilizar cámaras de video y documentan la vida cotidiana de la cárcel más grande de América Latina.
Del 25 de septiembre al 28 de octubre de 2002, el pequeño equipo realizador de esta película siguió a Luiz Ignacio Lula da Silva, candidato a la presidencia de Brasil, para filmar los bastidores de la campaña política de Lula. Un tribunal de justicia en Río de Janeiro. Los defensores públicos, los jueces, los acusados y acusadores, y aquellos que están solo de paso. Es el teatro social de las estructuras de poder en Brasil. Un “filme de tribunal”. Uno de los más grandes pianistas vivos, Nelson Freire, es retratado por la cámara de Salles. Detrás y delante de los escenarios, en casa, estudiando música: Freire es un gran trabajador.
Una mirada a los trabajadores que en 1979 fueron parte de una gran huelga general metalúrgica, que fue liderada por Lula. Las entrevistas fueron realizadas durante la campaña electoral que finalmente fue ganada por Lula.
Venga y tómese un café acompañado de suculentos bocadillos en las cafeterías de OCHOYMEDIO.
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La Floresta
CARTELERA 9
ÉXITOS DE LOS EDOC EL CORAZÓN
(Colombia, 2006, 80 minutos) Dirigida por Diego García Moreno. Presentada gracias a la Corporación Cinememoria. Formato: video digital. Recomendada para mayores de 12 años.
MI PADRE EL TURCO
(Alemania, 2006, 90 minutos) Dirigida por Marcus Vetter. Presentada gracias a la Corporación Cinememoria. Formato: video digital. Recomendada para mayores de 12 años.
TODO BUEN MATRIMONIO EMPIEZA CON LÁGRIMAS (Reino Unido, 2006, 61 minutos) Dirigida por Simon Chambers. Presentada gracias a la Corporación Cinememoria. Formato: video digital. Recomendada para mayores de 12 años.
TÚ SANGRE
(Ecuador, 2005, 71 minutos) Dirigida por Julián Larrea. Presentada gracias a la Corporación Cinememoria. Formato: video digital. Recomendada para mayores de 12 años.
MR. CORTISONE HAPPY DAYS
(Los días felices del Sr. Cortisone) (Israel, 2004, 85 minutos) Dirigida por Yamin Alizim. Presentada gracias a la Corporación Cinememoria. Formato: video digital. Recomendada para mayores de 12 años.
RAMONA / INFANTIL Un diagnóstico sobre la sociedad colombiana, valiéndose de las reflexiones de un cirujano, un filósofo, un artista plástico irreverente, de sus propios recuerdos y especulaciones y de algunas estadísticas impactantes. Un viaje muy personal hacia el reencuentro del director con su padre en Turquía y hacia la reconciliación con su pasado. Imágenes del pasado y del presente van fundiéndose mientras los personajes de esta historia van descubriéndose. Muchas veces el otro es aquel que mejor puede retratarnos. El director de este filme acompaña a dos amigas bengalíes a quienes frecuenta en Inglaterra, en la resolución de un dilema cultural y generacional: ¿quieren o no casarse con los maridos que sus padres han elegido para ellas? En la selva amazónica, miembros de la comunidad Shuar y colonos mestizos se disputan la alcaldía. En estas elecciones, no solo está en juego la ideología sino también el territorio, la autonomía y la identidad. Shlomi Shir tiene 30 anos y padece cáncer a la tiroides. El área de aislamiento del hospital donde recibe un tratamiento de yodo radioactivo se ha convertido en su locación cinematográfica. Pasando constantemente detrás y delante de la cámara, él está convencido del poder del cine para traer un final feliz a su historia.
SER HUMANO ANIMAL
MOMO, UNA AVENTURA CONTRARELOJ (TUM) (Italia, 2001, 80 minuto) Dirigida por Enzo D’Aló. Presentada por la Societá Dante Alighieri. Formato video digital. Recomendada para todos los públicos. HABLADA EN ESPAÑOL.
KIKI, APRENDIZ DE BRUJAS (Japón, 1989, 101 minutos) Dirigida por Hayao Miyazaki. Presentada gracias a Unijapan. Formato video digital. Recomendada para todo público. HABLADA EN ESPAÑOL.
EL CIRCO (Estados Unidos, 1928, 72 minutos) Dirigida y escrita por Charles Chaplin. Protagonizada por Charles Chaplin, Merna Kennedy. Presentada gracias al AFI. Formato video digital. Formato video digital. Recomendada para todo público.
MI VECINO TOTORO (Japón, 1988, 86 minutos) Dirigida por Hayao Miyazaki. Presentada gracias a Unijapan. Formato video digital. Recomendada para todo público. HABLADA EN ESPAÑOL
El trayecto de la carne antes de llegar a nuestro plato; los impactos que ese acto de comer carne representa para la salud.
NO MATARÁS
Productos de limpieza, cosméticos, drogas. Una mirada sobre un sistema que mata más de lo que salva.
(Brasil, 65 minutos) Producido por el Instituto Nina Rosa. Presentado gracias a Protección Animal Ecuatoriana. Formato video digital. Recomendada para mayores de 16 años.
TERRAQUEOS (Earthlings) (Estados Unidos, 2003, 95 minutos) Dirigida por Shaun Monson. Presentado gracias a Protección Animal Ecuatoriana. Formato video digital. Recomendada para mayores de 16 años.
LOLITA (Estados Unidos, 1962, 152 minutos) Dirigida por Stanley Kubrick. Escrita por Vladimir Nabokov. Protagonizada por James Mason, Sue Lyon, Shelley Winters. Presentada gracias al AFI. Formato video digital. Recomendada para mayores de 15 años.
I AM AN ANIMAL (Estados Unidos, 2007, 72 minutos) Dirigido por Matthew Galkin y PETA. Presentado gracias a Protección Animal Ecuatoriana. Formato video digital. Recomendada para mayores de 16 años.
HOMBRE ANIMAL (Ecuador, 45 minutos, 2003) Dirigida por Wendy Castro y María José Arosemena. Presentado gracias a Protección Animal Ecuatoriana. Formato video digital. Recomendada para mayores de 16 años.
LA NARANJA MECÁNICA (A Clockwork Orange) (Reino Unido, 1971, 137 minutos) Dirigida y escrita por Stanley Kubrick. Protagonizada por Malcolm McDowell. Presentada gracias al BFI. Formato video digital. Recomendada para mayores de 15 años.
2001: UNA ODISEA DEL ESPACIO La absoluta dependencia de los humanos en los animales, como mascotas, fuente de alimentación, ropa, entretenimiento e investigación científica.
(2001: A Space Odyssey) Reino Unido, 1968, 139 minutos) Dirigida y escrita por Stanley Kubrick. Protagonizada por Keir Dullea. Presentada gracias al BFI. Formato video digital. Recomendada para mayores de 15 años.
EL RESPLANDOR Ingrid Newkirk se despierta cada día con una sola idea en su mente y corazón: que los animales sean respetados por su cualidad de seres vivos.
El enunciado de Hombre-Animal trata sobre una ilusoria relación que los humanos deberían mantener con su entorno, sobretodo con la especie animal.
(The Shining) (Estados Unidos, 1980, 146 minutos) Dirigida y escrita por por Stanley Kubrick. Protagonizada por Jack Nicholson, Shelley Duvall. Presentada gracias al AFI. Formato video digital. Recomendada para mayores de 15 años.
BARRY LYNDON (Reino Unido, 1975, 183 minutos) Dirigida y escrita por Stanley Kubrick. Protagonizada por Ryan O’Neal, Marisa Berenson Shelley Duvall. Presentada gracias al BFI. Formato video digital. Recomendada para mayores de 15 años.
60-60 CLÁSICOS DEL CINE EL GRAN DICTADOR (The Great Dictator) (Estados Unidos, 1940, 128 minutos) Dirigida y escrita por Charles Chaplin. Protagonizada por Charles Chaplin, Paulette Godard. Presentada gracias al AFI. Formato video digital. Recomendada para mayores de 12 años.
LA DOLCE VITA (Italia, 1960, 175 minutos) Dirigida y escrita por Federico Fellini Protagonizada por Marcello Mastroianni, Anita Ekberg, Anouk Aimée. Presentada gracias al Cinema Rimini. Formato video digital. Recomendada para mayores de 12 años.
EL BEBÉ DE ROSEMARY (Estados Unidos, 1968, 139 minutos) Dirigida y escrita por Roman Polanski. Protagonizada por John Cassavetes, Mia Farrow. Presentada gracias al AFI. Formato video digital. Recomendada para mayores de 12 años.
DO THE RIGHT THING (Estados Unidos, 1989, 120 minutos) Dirigida ye scrita por Spike Lee. Protagonizada por Danny Aiello, Ossie Davis, Ruby Dee, Spike Lee. Presentada gracias al AFI. Formato video digital. Recomendada para mayores de 12 años.
Un humilde barbero judío tiene un parecido asombroso con el dictador de la nación Tomania. El dictador ataca al país fronterizo, pero es confundido con el barbero por sus propios guardias, siendo ingresado en un campo de concentración.
Marcello Rubini busca celebridades que se mueven con insatisfacción en las fiestas nocturnas. Un día es informado de que Sylvia, una célebre diva del mundo del cine, llega a Roma. Marcello decide que ésta es su oportunidad de conseguir una noticia. Rosemary y su marido Guy se mudan a un departamento de Nueva York. Cuando una mujer del edificio muere, Rosemary empieza a tener sueños perturbadores. En medio de la tensa situación queda embarazada y comienza a sospechar que hay algo extraño con el hijo que espera. En uno de los barrios más humildes de Brooklyn, conviven atropelladamente varias familias de raza negra, algunos hispanos, una pareja de comerciantes vietnamitas y una familia de italoamericanos que tienen una pizzeria. Se crea tensión racial.
Kiki es una joven bruja de 13 años, en periodo de entrenamiento, que se divierte volando en su escoba junto a Jiji, un sabio gato negro. Según la tradición, todas las brujas de esa edad deben abandonar su hogar durante un año para saber valerse por sí mismas. Último filme mudo de Chaplin, en la que el vagabundo Charlot deambula por un circo ambulante y se enamora de un mujer jinete que está enamorada de un musculoso trapecista. Mientras tanto, le suceden mil y una peripecias. La historia de una familia japonesa que se traslada al campo, en los años 50. Las dos hijas, Satsuki y Mei, tropiezan con un espíritu del bosque: Totoro, con el que entablan amistad.
KUBRICK
LA CARNE ES DÉBIL (Brasil, 54 minutos) Producido por el Instituto Nina Rosa. Presentado gracias a Protección Animal Ecuatoriana. Formato video digital. Recomendada para mayores de 16 años.
Momo es una niña tímida que ha encontrado una casa en medio de las ruinas de un antiguo anfiteatro. Pero un día los Hombres Grises irrumpen en la ciudad, con el objetivo de robar el tiempo a la gente. Momo desearía impedírselo, pero no sabe como.
LA CHAQUETA METÁLICA (Full Metal Jacket) (Reino Unido, 1975, 120 minutos) Dirigida y escrita por Stanley Kubrick. Protagonizada por Matthew Modine, Vincent D’Onofrio. Presentada gracias al BFI. Formato video digital. Recomendada para mayores de 15 años.
DR. STRANGELOVE (Dr. Strangelove, or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb) (Reino Unido, 1963, 93 minutos) Dirigida y escrita por Stanley Kubrick. Protagonizada por Peter Sellers, George C. Scott Presentada gracias al BFI. Formato video digital. Recomendada para mayores de 15 años.
Disfrute Wi-Fi gratis en las cafeterías del OCHOYMEDIO.
Un profesor cuarentón, acaba de instalarse en Ramsdale, New Hampshire. Allí se enamora perdidamente de una niña de once años, tanto que concibe un plan maestro: se casará con su madre, para poder estar siempre cerca del objeto de sus afectos: la irresistible nínfula de nombre encantador, lírico y melodioso: Lolita. Gran Bretaña, el futuro. Alex es un joven hiperagresivo con dos pasiones: la ultraviolencia y Beethoven. Al frente de su banda, Los Drugos, los jóvenes descargan sus instintos más violentos pegando, violando y aterrorizando a la población.
La historia de la humanidad, en diversos estadios del pasado y del futuro, es narrada en la película de ciencia-ficción de culto por excelencia de la historia del cine.
Jack Torrance se traslada, junto a su mujer y a su hijo, al impresionante hotel Overlook, en Colorado, para encargarse del mantenimiento del mismo durante la temporada invernal, en la que permanece cerrado y aislado por la nieve. Jack comienza a padecer trastornos de personalidad. Redmond Barry, huérfano de padre, se ha enamorado de su prima, a la que también pretende el Capitán John Quin. Enfrentados en un duelo amañado, Redmond cree haber matado a Quin y huye a Dublin. Decide alistarse en el ejército inglés, donde empieza a desarrollar su enorme habilidad para sobrevivir. Un grupo de reclutas se prepara en un centro de entrenamiento de la marina norteamericana. Allí está el sargento Hartmann, duro e implacable, cuya única misión en la vida es endurecer el cuerpo y el alma de los novatos, para que puedan defenderse del enemigo. No todos los jóvenes soportan igual sus métodos. Convencido de que los comunistas están contaminando a la nación americana, un general ordena, en un acceso de locura, un ataque nuclear sobre la Unión Soviética. Mientras tanto, un antiguo científico nazi, el Dr. Strangelove, confirma la existencia de la “Máquina del Juicio Final”, un dispositivo de represalia soviético capaz de acabar con la humanidad para siempre.
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EVENTOS
La fiesta documental se aproxima EL FESTIVAL DE DOCUMENTAL ENCUENTROS DEL OTRO CINE SE INICIA EN OCHOYMEDIO EL 8 DE MAYO. ESTE MES DE ABRIL PRESENTAMOS UNA PEQUEÑA MUESTRA CON ALGUNOS DE LOS ÉXITOS DE EDICIONES PASADAS. Por María Campaña Ramia Los Encuentros del Otro Cine (EDOC) se llevarán a cabo del 8 al 25 de mayo en Quito y Guayaquil. La programación está compuesta por más de 60 películas documentales provenientes de todo el mundo, con énfasis en el cine documental de América Latina y Ecuador. El África de habla portuguesa, la búsqueda de los orígenes y el documental mexicano contemporáneo, son algunas de las líneas maestras que cruzarán la programación del festival. Una de las joyas confirmadas para los EDOC es El papel no puede envolver la brasa, ganadora al premio al Mejor Documental Europeo 2007, tercera obra sobresaliente del camboyano Rithy Panh, de quien los EDOC ya presentaron El país de las almas vivientes y S-21, La máquina de la muerte Khmer roja en ediciones pasadas. Contaremos también con la producción francesa Stranded, del uruguayo Gonzalo Arijón. La película, ganadora del premio Joris Ivens en la pasada edición del IDFA relata la odisea de 16 jóvenes uruguayos que sobrevivieron a un accidente aéreo en 1972 en la Cordillera de los Andes durante 72 días, en un hecho que dejó una profunda huella en la sociedad uruguaya. Otros de los filmes muy esperados son Septiembres, de Carles Bosch, Premio Especial del Jurado en el Miami International Film Festival 2007; Durakovo, Village of Fools, de Nino Kirtadze (invitada a los quintos EDOC), ganadora del premio a la mejor dirección documental en el pasado festival de Sundance.
Fotograma de El papel no puede envolver la brasa de Rithy Panh, cortesía de Catherine Dussert Productions.
Contaremos con la presencia de varios directores invitados. Han confirmado su asistencia Everardo González, quien llega con Ladrones viejos y Petra Lataster-Czisch y Peter Lataster que presentarán If We Knew, un bellísimo documental que acompaña a bebés prematuros, sus padres y sus médicos en un hospital pediátrico en Holanda. Este año los EDOC rompieron un récord al recibir más de 200 películas para el proceso de selección. Más de 30 documentales ecuatorianos de corto, medio y largometraje llegaron a nuestra oficina, lo cual da muestra del crecimiento de la producción documental en nuestro país.
Haciendo memoria: éxitos de ediciones pasadas Como cada año, OCHOYMEDIO y la Corporación Cinememoria presentan una pequeña muestra con algunas de las películas más exitosas exhibidas en anteriores
ediciones de los EDOC. La selección de este año podrá ser vista en las salas de La Floresta y Ventura Mall Tumbaco. Las películas son las siguientes: El corazón (Colombia, 2006) de Diego García Moreno; Mi padre el turco (Alemania, 2006) de Marcus Vetter; Todo buen matrimonio empieza con lágrimas (Reino Unido, 2006) de Simon Chambers; Tú sangre (Ecuador, 2005) de Julián Larrea; y Los días felices del Sr. Cortisona (Israel, 2004). Ver horarios en la página 13.
“La escuela del espectador” abre la sala 2 en Ventura Mall LA REVISTA “EL APUNTADOR” Y OCHOYMEDIO INICIAN UN PROYECTO ADICIONAL DE REFLEXIÓN SOBRE EL CINE Y LAS ARTES ESCÉNICAS. LA PRIMERA PROYECCIÓN, DE MARAT / SADE DE PETER BROOK, INAUGURA LA SALA 2 DE OCHOYMEDIO EN VENTURA MALL TUMBACO. Por Genoveva Mora Toral Quienes hacemos “El Apuntador” hemos propuesto a OCHOYMEDIO construir la “Escuela del Espectador”, un proyecto que da forma concreta a una inquietud que rondaba desde hace tiempo y que en Buenos Aires, la había vuelto realidad Jorge Dubatti, crítico e investigador teatral. Acá, gracias a la apertura e interés de la gente de OCHOYMEDIO, lo hacemos extensivo al cine. De hecho, esta idea del foro, cuyo origen se remonta al pueblo romano, no es nada nueva, constantemente escuchamos de foros de distintas disciplinas. Lo que sí queremos es instituirlo oficialmente e invitar a la colectividad a ser parte de él. Esta preocupación tiene que ver también con una necesidad de recuperar el espacio público donde podamos intercambiar puntos de vista e ir encontrando interlocutores para hablar de aquello que nos afecta. Nuestra tradición cultural se ha centrado en la palabra, la herencia ancestral de aprendizaje estuvo sostenida en la palabra; “dar la palabra” era asunto serio e inquebrantable. Luego pasamos a otra etapa, la escritura, todo el empeño se centró en enseñarnos a leer, a escribir. En este siglo XXI, parece que el
desafío está en aprender a mirar. Nosotros proponemos eso, una mirada atenta capaz de traducirse en palabra, en discurso, en opinión crítica.
Con la proyección de Marat / Sade de Peter Brook, la “Escuela del espectador” oficiará la inauguración de la Sala 2 de OCHOYMEDIO
Nada de lo que vemos en la pantalla o en la escena es gratuito, está conectado a una realidad, tiene que ver con este devenir histórico y social, por eso es vital ocuparnos de ello, como es vital crecer el grupo de espectadores críticos y ampliar el campo de la recepción. Me parece primordial la necesidad de profundizar en la opinión de los espectadores y que se vuelva verdaderamente pública. Compartir con los creadores, desde la pantalla, y en vivo desde la escena, proporcionará diversidad de criterios. Si algo nos ha faltado en nuestro quehacer artístico es la mirada crítica desposeída de compromiso personal con los creadores, ser críticos nos hará crecer a quienes estamos en la butaca como a aquellos que se encuentran en la escena. Finalmente, el nombre de “escuela” no implica que vamos a enseñar, es tan solo un modo de convocar, es la oportunidad de aprender del “otro”. Esta es una invitación abierta para crear un grupo de opinión. La cita será bimensual a partir del artículo publicado en “El Apuntador”, en la sección de cine y teatro. Se exhibirá la película comentada por Christian León, quien dirigirá el foro de cine. Para las artes escénicas el punto de partida será la propuesta de ochoymedio en su programación y el foro contará con distintos moderadores, de acuerdo con la obra. El costo simbólico de $2,00 incluye la entrada y la adquisición del ejemplar en circulación de la revista “El Apuntador”.
Ilustración cortesía del Royal Shakespeare Company.
Ventura Mall en Tumbaco, el jueves 3 de abril a las 20h00, y a semana seguida en la Floresta, el jueves 10 a las 20h15.
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MUESTRA
Jacques Demy: tan sencillo como una canción SEIS PELÍCULAS DE DEMY, UNA DE SU VIUDA, AGNÈS VARDA, LLEGAN A OCHOYMEDIO GRACIAS A LA ALIANZA FRANCESA. “Con el cine de Jacques Demy –escribió Jean-Luc Godard– ocurre como con Italia: cuando se ha ido una vez siempre se sienten deseos de volver”. En eso pensó también Agnès Varda, su viuda, cuando fue convocada para curar la muestra retrospectiva del director de la Nouvelle Vague, que este mes llega a Ecuador. Varda hizo, a modo de homenaje en 1991, una cinta sobre la infancia de su marido, cinta que también se incluye en la muestra. Varda escribió estas notas el 15 de febrero de 2007: “Gracias a este ciclo que hará viajar por el mundo cinco películas de Jacques Demy, un hombre de Singapur perderá en el casino pensando en la Jeanne Moreau de La bahía de los ángeles; dos señoritas de Samarcanda se identificarán con Catherine Deneuve y Françoise Dorléac; un barman de Reykiavik creará un cóctel llamado Lola; una muchacha de Acapulco preparará un pastel de amor en el que, según la receta de Piel de asno, introducirá su anillo; un mecánico de Dakar, enamorado de una vendedora de paraguas le cantará Los paraguas de Cherburgo, y un niño de Phnom Penh sentirá despertarse en él una vocación de cineasta mirando Jacquot de Nantes. Sí, porque en medio de esta colección viajera de las hermosas películas de Demy, se deslizará mi filme sobre la infancia de Jacques. En él aparecen las fuentes de su imaginación, de sus emociones, su descubrimiento del color, de las músicas que le inspiraron películas cantadas y de gran colorido. Es para mí un inmenso placer pensar que las películas de Jacques Demy van a hacer las delicias de espectadores lejanos que se convertirán con toda naturalidad en cinéfilos.” Las películas Lola: “Me gustaba mucho la idea de hacer algo sobre la fidelidad: la fidelidad a un recuerdo, y entreverar allí mis remembranzas de Nantes”, dijo Jacques Demy de su primer largometraje. En él Lola, una bailarina de cabaret, educa sola a su hijo. Michel, su ex amante y padre del niño, se marchó siete años atrás, pero Lola lo espera, cantando, bailando y amando a los marinos de paso. Roland, un amigo de su infancia con quien se reencuentra por casualidad, se enamora perdidamente de ella. Pero Lola seguirá esperando a Michel. Rodado en la ciudad natal del realizador, Nantes, el filme fue definido en el momento de su estreno como un “musical sin música”. En plena explosión de la Nouvelle vague, Lola marcaba distancias con el cine de sus jóvenes coterráneos y preparaba el terreno para una filmografía ciertamente personal. La bahía de los ángeles: Jean, un joven algo ingenuo, llega a Niza y descubre a la vez el juego y a Jackie: entre ellos surgirá rápidamente la pasión y la fascinación. Para el novato Jean se trata de su educación sentimental, pero para Jackie quizás se trate simplemente de otro juego. El desencanto y el pesimismo que suele acompañar a las mejores obras románticas vuelve a hacerse presente en la segunda película de Demy, crónica detallada de la decadencia amorosa de una pareja, en donde una extraordinaria Jeanne Moureau da vida a Jackie, una mujer consumida por la obsesión del juego. “Quise desmontar y mostrar el mecanismo de una pasión. Lo mismo habría podido tratarse, por ejemplo, del alcohol o de la droga y no del juego” (Jacques Demy). Los paraguas de Cherburgo: Geneviève, una joven que trabaja en la tienda de paraguas de su madre en la ciudad de Cherbourg, está enamorada de Guy, un joven me-
cánico de un garaje. La pareja planea casarse a pesar de la oposición de la madre, quien considera a Geneviève demasiado joven y a Guy demasiado pobre. Para pagar una deuda, la dueña del local se ve obligada a venderle un collar a un rico joyero, el cual se enamora de Geneviève a primera vista. Pero la joven sólo piensa en Guy, quien súbitamente le anuncia que debe abandonar el pueblo durante dos años para hacer su servicio militar en Argelia. Quizás el filme más innovador en la filmografía de Demy, Los paraguas de Cherburgo es una obra cuyos diálogos, como en la ópera, están íntegramente cantados. Indudablemente uno de los musicales más tristes y fatalistas de la historia del cine, su realizador declaró que se trata de “una película contra la guerra, contra la ausencia, contra todo aquello que odiamos y que destruye la felicidad.” Las señoritas de Rochefort: Las señoritas de Rochefort son Delphine y Solange, dos bellísimas hermanas mellizas de 25 años. Delphine, la rubia, da clases de baile y Solange, la pelirroja, clases de solfeo. Las hermanas viven inmersas en la música como otros viven en la luna y sueñan con encontrar el gran amor a la vuelta de la esquina. Unos feriantes llegan a la ciudad, frecuentando el bar de la madre de las mellizas. La ciudad prepara una gran feria y un marino soñador anda en busca de su ideal femenino. Aunque de tono y concepción definitivamente galos, Las señoritas de Rochefort constituye un sincero homenaje al musical de Hollywood, hasta el extremo de tener a Gene Kelly como una de sus figuras centrales. “Quería hacer una película que despertara un sentimiento de felicidad, lograr que después de la proyección el espectador saliera menos triste que cuando entró en la sala” (Jacques Demy). Piel de asno: Una princesa, aconsejada por su hada madrina, rechaza el amor de su padre huyendo oculta bajo una piel de asno, de la que se despoja algunas veces cuando se encuentra sola en su cabaña. Un príncipe la descubre y se enamora de ella. El famoso cuento de Charles Perrault fue adaptado por Jacques Demy “partiendo desde lo que pasó por mis ojos de niño cuando tenía siete u ocho años”. “La época de las hadas y del cine mágico está de regreso. La película de Jacques Demy nos transporta, siguiendo los pasos de Perrault, a ese mundo de nuestra infancia en donde lo maravilloso constituía el nutriente de nuestros mejores momentos. El embrujo opera desde las primeras imágenes” (René Chazal en France-Soir, diciembre de 1970). Jacquot de Nantes (de Agnès Varda): Los créditos iniciales de Jacquot de Nantes anuncian que esta es una dramatización de la infancia y la adolescencia del autor francés Jacques Demy. “Une évocation écrite et réalisée par Agnès Varda” o en otras palabras un trabajo de evocación, filmado y escrito por la esposa del sujeto del filme, y ella misma una extraordinaria y exitosa realizadora cinematográfica, la reputada “abuela de la nueva ola francesa”. Filmada justo antes de la muerte de Demy en 1990 (falleció cuando la cinta estaba en proceso de post-producción), este es un tributo cuidadosamente observado. No es tanto un registro y un recuento de un momento en particular de la vida de Demy, sino sobretodo una reflexión poética sobre el amor y el recuerdo. Empezando con el poema de Baudelaire “El balcón”, que ella lee cuando la memoria arranca, Varda utiliza viejas armas del afecto y la emoción para capturar el espíritu esencial del mundo de Jacques Demy. “Aquellos que conocieron a Jacques Demy recuerdan su afabilidad y su tranquilidad. Pero detrás de las apariencias pronto se sentía la obsesión inquieta, casi la idea fija. Agnès Varda ha contado formidablemente, como en un cuento, el nacimiento de una idea obstina-
Arriba: Demy filmando Las señoritas de Rochefort. Abajo: Catherine Deneuve (derecha) en una escena de Los paraguas de Cherburgo. Fotos cortesía de Cine Tamaris Films - MAE Francia.
da del cine, inscrita desde la infancia. La fuerza de carácter de Demy le permitió permanecer fiel a ese pacto secreto que firmó consigo mismo. ¿Cuál era el pacto? Que si el cine es una forma encantada, colorida y ca-
denciosa, las historias que narra puedan llegar hasta lo más negro, lo más profundo de los seres, para que entreguen las más íntimas pasiones”. (Serge Toubiana, Director de la Cinemateca Francesa).
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CINE ECUATORIANO
Esas no son penas: al fin en GYE ESAS NO SON PENAS SE ESTRENA ESTE MES EN LAS SALAS DE SUPERCINES DE GUAYAQUIL. LA CINTA PARTICIPÓ EN EL FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN. Al igual que las protagonistas de la película, Anahí Hoeneisen –la co-directora de la película– también es treintañera. Eso significa que a la hora de escribir esta historia reflejó pequeñas “cosas comunes que me habían pasado”. Daniel Andrade –el otro co-realizador– opinaba sobre lo que su compañera de dirección escribía, “a veces cosas inconexas, y lo de decía si me parecía válido o no”. Esas no son penas refleja situaciones cotidianas que a veces resultan cómicas, “nos interesaba la relación entre la madre y la hija, los distintos niveles entre los personajes, lo que está por debajo, esos pequeños momentos que no parecen importantes, lo que no se dicen…” explica el realizador ecuatoriano. Anahí define su primer largometraje como una “aventura de la vida, con situaciones donde aparentemente no pasa nada, pero sí pasa”. La película gira en torno a un universo de mujeres, pero no se trata de ningún alegato feminista: “Quizás mucha gente se pueda sentir identificada, pero porque refleja situaciones habituales que le sucede a un tipo de mujer, y de una cierta edad”. Este filme se presentó por primera vez en Cine en Contrucción del Festival de San Sebastián en 2005, pero en forma de cortometraje. Su presencia en Donosita “nos ayudó a escuchar distintas opiniones y a empezar a pensar en el proyecto como una película. A raíz de su paso por San Sebastián, Anahí y Daniel lograron un préstamo del Fondo de Cultura de Ecuador y pudieron realizar Esas no son
penas, que acude al Festival de San Sebastián, esta vez como largometraje, tras haberla finalizado hace poco. Su película es una producción pequeña, de bajo presupuesto. Lejos de lamentarse, estos dos directores se muestran contentos por “haber filmado con un equipo reducido, con gente cercana. Nos gusta trabajar de esta forma y además somos libres de hacer lo que queremos”. El rodaje tuvo lugar en Quito y para elegir los protagonistas organizaron un casting. Finalmente decidieron que algunos papeles los interpretarían mujeres que no eran actrices. “Nos gustaba como hablaban, nos parecían creíbles, mujeres de verdad”. En Esas no son penas, los personajes femeninos son de clase media y representan un estrato de la sociedad “que no importa, porque no es suficientemente pobre ni rica”. El binomio Hoeneisen – Andrade se declara satisfecho de trabajar conjuntamente, en un proyecto “en el que cada uno nos hemos adentrado en el trabajo del otro”, señala Da-
Nos interesaba la relación entre la madre y la hija, los distintos niveles entre los personajes, lo que está por debajo, esos pequeños momentos que no parecen importantes, lo que no se dicen… niel, que es cámara, mientras Anahí es guionista y actriz. Como el resultado ha sido tan bueno, ya están preparando una próxima película en la que los hombre serán los protagonistas. Publicado originalmente en el “Diario del Festival” de San Sebastián, el 30 de septiembre de 2006.
Anahí Hoeneisen dirige una escena de Esas no son penas. Foto cortesía La Maquinita.
El Ecuador de cinco adolescentes PAÍS DE CINCO ES UNA SERIE DE CINCO CAPÍTULOS PARA TELEVISIÓN QUE NUNCA SALIERON AL AIRE. ESTE MES SE PRESENTAN EN OCHOYMEDIO. Por Diego Araujo A finales del 2000, Gus Pareja , Hanne-Lovise Skartveit y yo decidimos producir algo para la televisión ecuatoriana. Empezamos por preguntarnos qué es lo que quisiéramos ver como audiencia. Las vidas que veíamos en televisión no tenían mucho que ver con la realidad de un adolescente en el Ecuador. La diversidad del país tampoco estaba reflejada en la pantalla. Así nació la idea de País de cinco: contar la vida de cinco adolescentes de lugares distintos del Ecuador, durante los últimos tres meses de colegio, con el día del grado como el punto culminante de sus historias. Decidimos usar el formato del docusoap o documental serializado, que combina la forma del soap o telenovela con el género documental. Como la telenovela, tiene varios protagonistas, tramas entrecruzadas y un cliffhanger al final del episodio. Como en el documental, los protagonistas no son actores sino personas reales y las tramas no son ficticias. También quisimos distanciarnos del reality, que en 2000 era un género emergente. El reality pone a personas reales en situaciones arregladas con el fin de crear rivalidad e intriga. Nosotros simplemente queríamos crear una ventana a los eventos –grandes y pequeños– en la vida de cinco chicas y chicos.
Pamela, Santiago y Mariela, protagonistas de País de cinco. Fotos cortesía de Diego Araujo.
Sin presupuesto, decidimos empezar en Quito. Entrevistamos a cientos de alumnos de varios colegios de distintos sectores de la ciudad. En este casting conocimos a los primeros dos de los cinco protagonistas: Santiago y Mariela. Santiago estaba en sexto curso del Arturo Borja y vivía con su padre al
sur de Quito. Mariela estudiaba canto por el día e iba al colegio por la noche. Nacida en Cacha, una parroquia indígena en Chimborazo, vivía desde hace unos años en Itchimbía con su mamá y sus hermanos. Teleamazonas se interesó por el piloto y la producción de País de cinco empezó a comienzos del 2001. Con un mínimo presupuesto no podíamos viajar a cinco rincones distintos del país. Por eso decidimos tener otro protagonista en Quito y los dos restantes en Cuenca y Guayaquil. En esta segunda fase de casting encontramos a Pamela, del Colegio la Inmaculada de Quito, que sonaba con cantar en una banda de pop; Fabián, cuencano, estudiante ejemplar del Manuel J. Calle en Cuenca y Cristina, guayaquileña, del Colegio la Moderna. La producción de País de cinco terminó un año más tarde. Al ver el resultado, a Teleamazonas le pareció que la audiencia ecuatoriana no estaba preparada para ver una serie como esta. País de cinco nunca salió al aire. Siete años más tarde, estamos contentos de poder cumplir parte de nuestro objetivo inicial de mostrar a una audiencia historias en las que nos podamos ver reflejados. Los cinco protagonistas de la serie nos invitaron generosamente a compartir una época de sus vidas llena de cambios, preguntas, emociones y expectativas. Esto fue lo más especial de producir País de cinco. Les invitamos ahora a ustedes a compartir esos momentos y conocer el Ecuador a través de estos cinco chicos. País de cinco se presentará en dos programaciones. La programación 1 consta de los capítulos 1, 2 y 3 y la programación 2 consta de los capítulos 4 y 5.
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EVENTOS
Un viaje por el cortometraje: Ambulart AMBULART ES UN FESTIVAL DE CORTOMETRAJES QUE LLEGA, ESTE AÑO, A SU QUINTA EDICIÓN. SETENTA Y OCHO CORTOMETRAJES DE ALEMANIA, MÉXICO Y OTRAS PARTES DEL MUNDO FORMAN PARTE DE LA SELECCIÓN. Darío Aguirre, ecuatoriano residente en Alemania, está fascinado con la idea de viaje, encuentro e intercambio. Por eso, en 2003, creó el Ambulart, un festival de cortometrajes que en su primera edición, en las salas de OCHOYMEDIO, presentó una innovadora forma de programar cortometrajes de diferentes antecedentes. El festival ha ido creciendo, año a año encontrando públicos diferentes. Es que el corto es, por naturaleza, independiente y alternativo. Ambulart se realiza además, en salas de cine de Hamburgo y Guadalajara, haciendo una triangulación de contenidos y experiencias. Así es como las producciones de estos tres países tienen espacio en la selección del Ambulart. El 2008 marca un momento de gran evolución en la programación del festival. Las secciones que la muestra tendrá en la edición que arranca el 15 de abril, son las siguientes: 1) Selección oficial Ambulart: con 25 cortometrajes de diferentes experiencias de España, Alemania, Suecia, Ecuador, Suiza, Austria y Brasil. 2) Festival mexicano invitado: Chroma; con la selección “Miscelaneas Homos – arte audiovisual de Oaxaca”, con 13 cortometrajes. 3) Selección de cortos del TEA (Taller de experimentación audiovisual de Veracruz), de la Facultad de Ar-
tes plásticas de la Universidad Veracruzana, con 4 cortometrajes. 4) XNOGRAFIKZ: Retrospectiva de Arturo Gil Olvera, artista de video mexicano. 5) Selección de cortos de la Asociación alemana de cortometraje (AG Kurzfilm) con 9 nuevos trabajos. 6) Muestra “Todos los seres humanos son libres e iguales”; una selección de 6 cortometrajes internacionales que enfocan el estado actual de los derechos humanos. Producido por el Instituto Goethe de Alemania. 7) Muestra “Has lo que quieras”; once películas que son el resultado de un concurso de películas cortas en relación a la transformación del trabajo en el futuro. Este concurso fue lanzado en la primavera del 2006 por la Kulturstiftung des Bundes en colaboración con Shortfilm AG Hamburg. 8) Selección del 23. Festival de documentales de Kassel: Exploración de lugares; cinco trabajos que se dedican a la observación de lugares públicos y su transformación. De Ecuador estarán presentes un puñado de cortometrajes, a ser exhibidos dentro de la “Selección oficial Ambulart”: Corte al rás (2008), una animación de Eduardo Donoso; Gurú (2008) un corto experimental de Xavier Aspiazu y Ricardo Martínez, y Abdón y la fragua (2007) un documental de Edgar León Crespo. Además se exhibirán cortos de Bernardo Borgeson (Suecia – Ecuador) y del propio Darío Aguirre (Alemania – Ecuador). La lista completa de los cortometrajes, así como las sinópisis y fichas técnicas de cada uno de ellos, y la programación dividida en días y horas puede ser consultada en las páginas www.ambulart.com y www.ochoymedio.net.
CARTAS Queridos amigos de OCHOYMEDIO, El espíritu abierto al debate de su periódico me hace enviar estas reflexiones, más que respuestas, a las preguntas formuladas en sus últimos editoriales al Consejo de Cine y al Estado mismo. Escribo desde adentro de ese Estado en búsqueda de elementos de juicio que aporten ideas a quien sigue mes a mes las reflexiones y artículos de esta publicación. Creo que el debate abierto con argumentos construidos y meditados es un camino efectivo para montar nuevas realidades, a su vez creo en los procesos. Siento por ello que si bien en principio se ha reaccionado frente a la destrucción de un proceso sostenido, como lo era la constitución de la primera red de distribución y exhibición de cine arte e independiente en el Ecuador, esta reacción, expresada en artículos y editoriales, no deja de ser visceral y por lo tanto irreflexiva, amén de varias imprecisiones en las que han incurrido sus autores. Hay que precisar el origen de la situación. La pregunta que me hago es por qué el contrato original con el Banco Central del Ecuador no ayudó a consolidar una política pública para el sector. Lo que ha pasado demuestra que el germen de este desenlace siempre estuvo presente. Quizás hubiese sido oportuno abrir el debate mucho antes de que todo sucediese, porque era previsible un horizonte negativo. No ha sido suficiente, entonces, la excelencia de la administración y la calidad de la programación, porque todo estaba asentado sobre arenas movedizas. Mientras estas permanecieron calmas no se dijo nada. Hoy pagamos las consecuencias de ello. No se puede negar bajo ningún argumento, (y eso es lo importante) la necesidad de que el Estado regule de manera abierta y transparente los fondos y espacios públicos destinados para el fomento de la cultura. Esto resulta más evidente que nunca. Por ello los escepticismos están de más. Ha sido la ausencia de políticas claras lo que ha permitido que el Banco Central del Ecuador desarrolle el proceso que es de
Fotograma de No Routine Mr Henrikas cortesía de Ambulart.
ADEMÁS EN OCHOYMEDIO dominio público. El Consejo Nacional de Cine ha objetado la manera en la que el mismo se dio. Hace algo más de un año el Presidente Alfredo Palacio reglamentó la primera Ley de Cine del Ecuador. Fue un hecho histórico pero simbólico porque la Ley nacía desfinanciada. Eso también debe ser objeto de reflexión. El año pasado el Presidente Rafael Correa tras asistir, en efecto, a funciones de dos películas ecuatorianas, algo nunca visto –quiero decir que no era costumbre que un Presidente del Ecuador vaya dos veces al cine a ver películas nacionales–, comprometió su total apoyo al fomento del cine nacional. Ese apoyo se tradujo en la dotación de recursos al Fondo de Fomento Cinematográfico y el consiguiente empoderamiento del Consejo, algo que no había sucedido en cien años, literalmente, de presencia del cine en el país. Ese fondo ha sido administrado por el Estado, a través del Consejo Nacional de Cine, con participación de una veeduría de los propios cineastas, con absoluta transparencia y calidad. Llama la atención que se invisibilice esta realidad en el editorial anterior. Aquello fue un primer paso. Diría un primer gran paso. Pero obviamente por ser el primero de ninguna manera es suficiente. El debate apenas empieza y creo que hay que ser parte del mismo. No es suficiente con respirar por la herida y subrayar un discurso negativo. Ochoymedio es un proyecto único en el país. Quizás sea demasiado pedir que, además de lo que ya hace, participe de ese debate. Pero estoy convencido que es indispensable que todos lo hagamos en cualquier circunstancia, mucho más hoy cuando verdaderamente tenemos la posibilidad de contribuir a cambiar las reglas de juego en todos los órdenes. Los resultados de mañana dependen de nuestra participación.
Jorge Luis Serrano Director Ejecutivo CNC
KUBRICK Una muestra con películas del director norteamericano Stanley Kubrick se presenta este mes, en vista de que varias personas, sobretodo de Tumbaco, han manifestado su interés en volver a visitar el cine de este grande. Por motivos de espacio, no podemos publicar, en la última página de este periódico, la programación en detalle, pero en este espacio la inclumos. Es como sigue: En La Floresta (Sala 2): La naranja mecánica: Martes 1, 17:00 - 2001, una
HORARIOS Y DÍAS DE LOS “ÉXITOS DE LOS EDOC” Por motivos de espacio, el detalle de esta programación no ha sido incluida en la última página de este periódico: En La Floresta: El corazón: Viernes 4, 19:00 y Domingo 6, 20:45 - Mi padre el turco: Viernes 4, 21:00 y Lunes 7: 18:30 - Todo buen matrimonio comienza con lágrimas: Sábado 5, 19:00 y Martes 8, 18:30 - Tu sangre: Sábado 5, 20:45 y Miércoles 9, 18:30 - Los días felices del Sr. Cortisona: Domingo 6, 19:00 y Jueves 10, 18:30. En Tumbaco: El corazón: Viernes 18, 20:45 y Domingo 20, 18:45 - Mi padre el turco: Viernes 18, 18:45 y Lunes 21: 20:30 - Todo buen matrimonio comienza con lágrimas: Sábado 19, 18:45 y Lunes 21, 19:00 - Tu sangre: Sábado 19, 20:45 y Martes 22, 20:30 - Los días felices del Sr. Cortisona: Domingo 20, 20:45 y Martes 22, 19:00. CINE CLÁSICO
odisea del espacio: Martes 1, 20:00 y Domingo 6, 16:30 - Barry Lyndon: Miércoles 2, 17:00 - El resplandor: Miércoles 2, 20:30 - Lolita: Jueves 3, 17:00 - La chaqueta metálica: Jueves 3, 20:30 y Sábado 5, 16:30 - Dr. Strangelove: Viernes 4, 16:30. En Tumbaco Ventura Mall (Sala 2) : La naranja mecánica: Sábado 12, 18:15, Viernes 18, 15:30 - El resplandor: Domingo 13, 18:45, Miércoles 16, 19:15, Sábado 19, 15:30, Domingo 20, 15:30 - La chaqueta metálica: Lunes 14, 16:30 y Lunes 21, 16:30 - Dr. Strangelove: Lunes 14, 19:00 y Martes 22, 21:00 - Barry Lyndon: Jueves 17, 19:00; Miércoles 23, 17:00 y Martes 15, 19:00 - 2001, una odisea del espacio: Viernes 11, 17:00 y Jueves 24 17:00 - Lolita: Sabado 12, 21:00 y Lunes 14, 21:00.
Dentro de la serie “60 películas, 60 semanas”, un ciclo programado para la apreciación de la historia del cine, este mes presentamos cuatro notables cintas: La Dolce Vita, inolvidable cinta de 1960 del director italiano Federico Fellini; El gran dictador (1940) de Charles Chaplin; El bebé de Rosemary (1968) de Roman Polanski, y un nuevo clásico: Do the Right Thing, el gran alegato anti-racismo de Spike Lee, dirigida en 1989. SALSA, SABOR Y CONTROL Este mes continúa la gran extravaganza de películas y actividades salseras. A la presentación de El cantante, cinta de dudosa calidad, se suman los documentales Our Latin Thing y Fania All Stars en vivo en África, en donde un Héctor Lavoe de carne y hueso pone a todos a gozar. Junto a él están otras leyendas de la Salsa, los mismos amigos de Lavoe que hoy protestan el tono de El cantante del ya inefable Leon Ichaso. Además, en las salas de OCHOYMEDIO de Tumbaco Ventura Mall habrán algunas sorpresas salseras que serán anunciadas con anticipación.
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EVENTO EL PRIMER FESTIVAL DE CINE DOCUMENTAL “SER HUMANO ANIMAL” ES UN ESFUERZO PARA CONCIENCIAR LA IMPORTANCIA DE LOS ANIMALES EN LA VIDA.
El problema animal
Por Amanda Trujillo y Camila Dávila Películas para ver y actuar. Esa es la misión del primer festival de cine documental “Ser humano animal” presentado en OCHOYMEDIO gracias a Protección Animal Ecuador. El festival comprende la proyección de una serie de películas que ponen al descubierto los diversos mecanismos de tortura y muerte a los que son sometidos los animales ya sea para el consumo humano, entretenimiento, compañía o para ensayos de la factibilidad de productos que saldrán al mercado para satisfacer la vanidad humana como productos de limpieza, drogas, ropa, cosméticos y fines “educativos”.
Los animales de consumo son amontonados de por vida en espacios mínimos, en los que ni siquiera pueden moverse para obtener el máximo engorde en el menor tiempo. Para nadie es gratificante ver a cientos de animales resistir la agonía por ser utilizados como “objetos” de experimentación científica. Los animales de consumo son amontonados de por vida en espacios mínimos, en los que ni siquiera pueden moverse para obtener el máximo engorde en el menor tiempo. Su alimento son forrajes artificiales hechos a base de cereales y hormonas. Por las condiciones de estrés en las que viven las gallinas tienden a mutilarse, por eso se les corta su sensible pico, o a los chanchos su rabo, las vacas lecheras son sobre preñadas para que rindan más litros de leche, llenándolas de antibióticos para que puedan sobrevivir. Los problemas ambientales que
Flora, fauna y hombre. En su comunión, la receta de la vida, según Earthlings, cinta narrada por Joaquim Phoenix. Foto cortesía de Nation Earth.
afronta el planeta están relacionados con la cría de animales en explotaciones ganaderas. En los últimos años se han destruido millones de hectáreas de bosque virgen para aumentar el área de pastizales, lo que ha provocando la desaparición de especies enteras de plantas y animales, así como la pér-
dida de la capa fértil del suelo y la contaminación de los recursos hídricos. Más allá de las imágenes que cuentan historias conmovedoras, el festival busca sensibilizar y concienciar a la ciudadanía de la importancia de sumarnos a una campaña en
defensa de la vida, pero a la vez cuestionarnos también hasta dónde es posible seguir con esta locura mercantil que pone en riesgo no solo la vida de los animales que son sus mayores víctimas sino la continuidad de la existencia de todos los seres que habitamos este planeta.
ARTES ESCÉNICAS
Leo Mass y El beso más antiguo de la Tierra EL CONCIERTO DE LEO MASS QUIEN LANZA SU DISCO, Y EL GRUPO DE TEATRO ARGENTINO LA RUEDA DE LOS DESEOS, ESTE MES EN VENTURA MALL TUMBACO. 1. Lo mejor de dos culturas Han pasado cuatro años desde que el cantante y guitarrista Leonardo Macías, más conocido como Leo Mass, conoció la cultura quichua sarayacu. Sus experiencias son parte del disco Amazonas, con canciones escritas entre 2002 y 2006. Leo Mass fusiona líneas de blues, country, rock y pop. A esa base agrega elementos musicales ancestrales sarayacus. Mezcla entonces, lo que él llama “lo mejor de los dos mundos”. En el álbum han participado músicos como Ivis Flies, Nelson García, Héctor Napolitano, entre otros. Mass se presenta por primera vez en OCHOYMEDIO del Ventura Mall de Tumbaco, el viernes 11 de abril a las 20:00. 2. Teatro argentino Una mujer evoca historias escuchadas cuando niña frente al fuego de la cocina. Mientras prepara la comida a sus invitados entra en contacto con diversos recuerdos y ante-pasados, recuperando la magia, el misterio y el humor de esas antiguas narraciones sobre mujeres y comidas. “El más
antiguo beso de la tierra” es un espectáculo que está conformado por diversas historias que van desde el humor al misterio y la poesía. Está basado en textos de Laura Esquivel, Juan Draghi Lucero, Armando Tejada Gómez, Italo Calvino y Pablo Neruda. Es interpretado por el grupo argentino La rueda de los deseos. El espectáculo pretende ser un alimento para el espíritu y el estómago del espectador. Quiere retomar la antigua y aún vigente narrativa oral y a través de esta recordar, reflexionar y disfrutar de historias que giran en torno al ser humano, a sus antepasados y su presente. El espectáculo incluye un plato de locro (vegetariano), con vino y pan. Se presenta el viernes 4 de abril a las 20:00, en OCHOYMEDIO del Ventura Mall en Tumbaco en el marco del festival “Tiempo de mujer”, que además presentará en esas salas, un taller conferencia titulado “De la memoria oral a la literatura” con Amalalú Posso de Colombia (el viernes 4 a las 16:00 en el espacio de cafetería Deseo Negro), y una serie de documentales cinematográficos (el viernes 4 a las 16:00 en la Sala 2 de La Floresta).
Arriba: Leo Mass. Abajo: “El beso más antiguo de la tierra” (Fotos cortesía de los artistas).
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FUERA DE CAMPO
Fobia, filia y cine “LA LECTURA ATENTA DE LAS IMÁGENES ME LLEVÓ A PRIMEROS HALLAZGOS. EL FONDO OSCURO Y LOS RUIDOS SORDOS ME REMITÍAN AL UNIVERSO DE LO DESCONOCIDO, LO INARTICULADO CARENTE DE SENTIDO”.
ruidos sordos me remitían al universo de lo desconocido, lo inarticulado carente de sentido. Eran la manera como la presencia de la muerte se había grabado en mi memoria. Sobre ese angustiante telón de fondo, los dibujos luminosos y sus movimientos repetitivos contaban unas historias en la cuales no importaban tanto las anécdotas y los detalles.
Por Christian León
Era necesario inyectar una dosis de movimiento a esas imágenes detenidas para volverlas más cinematográficas y menos siniestras.
Hay dos imágenes que me persiguen. En la primera, sobre un fondo negro, una cadena de eslabones luminosos gira sobre un punto central. Con cada rotación se escucha un sonido grave, un rugido ralentizado. En un comienzo los ciclos de giro son lentos, paulatinamente se produce una aceleración del movimiento y de la intermitencia de los ruidos. Tengo miedo. Conforme todo se acelera, me aterro. Despierto sobresaltado, a veces lloró. En la segunda, otra vez sobre el fondo negro. Animados con trazos toscos e infantiles, dos garabatos redondos, uno más grande que el otro, se disponen a pelear en un ring de box. Un ruido inarticulado, como un escape constante de gas, cubre todo con su rumor y evoca una multitud enardecida que está fuera del campo visual. El ruido es siniestro. Algo va a suceder, tengo miedo.
La lectura atenta de las imágenes me llevó a primeros hallazgos. El fondo oscuro y los ruidos sordos me remitían al universo de lo desconocido, lo inarticulado carente de sentido. Estas dos imágenes me han acompañado siempre. Fueron sueños recurrentes en mi infancia, recuerdos olvidados en la adolescencia, preguntas necesarias más tarde. Algo importante y constitutivo de mi mismo, está cifrado en esas imágenes. Lo sé. Aun así, no he querido ir al diván del doctor Freud. Preferí hacer la interpretación a mi manera. Durante años, me dediqué a recordarlas, reconstruirlas y leerlas como si fuesen un hermético filme. La lectura atenta de las imágenes me llevó a primeros hallazgos. El fondo oscuro y los
En la primera escena, el eje sobre el que gravitaba la cadena era un centro, era un punto de subjetivación, debía ser el lugar de mi propio yo. Un yo aterrorizado por una fuerza que crecía amenazante. En la segunda escena, las toscas representaciones de los boxeadores estaban sexualizadas. El garabato grande era masculino, el pequeño femenino. Por su contextura podían ser mi padre y mi madre, eran mi padre y mi madre. Era mi padre a punto de golpear a mi madre. En el ring, la violencia paterna, la fuerza de la autoridad, era arengada por el siniestro ruido de una multitud. La autoridad, la violencia y la muerte confluían en un cuadro terrorífico. Segundo hallazgo. Cuando uno mira una bombilla eléctrica y cierra los ojos repentinamente los filamentos luminosos se quedan gravados en la memoria. Ambos sueños se parecían a esa post-imagen producida por la persistencia de la luz en la retina. Las dos eran imágenes fijadas en la memoria que habían perdido la capacidad de relacionarse con otras tal y como sucede con el filamento luminoso.
Hablar, escribir, producir sentido para transformar el desconcierto y el miedo. Esa fue mi estrategia. También mi camino a la crítica de cine. Efectivamente, lo que volvía siniestras a las imágenes era la fijeza, la incapacidad de ser trastocadas por otras imágenes. El efecto traumático que estas tenían en mis sueños
“Una cadena de eslabones luminosos gira sobre un punto central” Foto: Les Films du Losange.
estaba relacionado con la ausencia de flujo y de movimiento. En contraste, las imágenes cinematográficas no son sino una sucesión vertiginosa de cuadros. Una imagen sepulta a la otra impidiendo que ninguna se fije y transformando el conjunto en un flujo constante que produce la impresión de movimiento. Si el cine es flujo constante de imágenes, impresión de movimiento, tiempo en estado puro. La imagen traumática era una escena detenida que volvía como un loop e impedía el flujo de la vida. Era necesario inyectar una dosis de movimiento a esas imágenes detenidas para volverlas más cinematográficas y menos sinies-
tras. Sin ser consciente del asunto, eso es lo que había hecho. Hablar, escribir, producir sentido para transformar el desconcierto y el miedo. Esa fue mi estrategia. También mi camino a la crítica de cine. Hoy sigo pensando en esas dos escenas sobre el fondo oscuro, ya no me producen miedo. Siempre encuentro nuevos sentimientos, interpretaciones y preguntas para ellas. Estoy fascinado con las imágenes, no puedo evitarlo, no quiero evitarlo. Son mi fetiche, lo sé. Ahí estoy frente a la imagen, frente a la pantalla, intentando pensar que el mundo puede sostenerse desde la pura pasión.
ARTES ESCÉNICAS
“Nosotros militamos el teatro” SANTIAGO ROLDÓS Y PILAR ARANDA DIRIGEN “JUGUETE CERCA DE LA VIOLENCIA”. UN EXTRAÑO CABARET POLÍTICO QUE BUCEA EN EL BRECHT MÁS INQUIETO, Y QUE VUELVE A OCHOYMEDIO DE LA FLORESTA. Hace dos años empezamos un proceso de investigación, en busca de un teatro de la no representación, de lenguajes diferentes a las convenciones del personaje. Descubrimos a Bertold Brecht, sus textos radiofónicos y musicales como “Vuelo sobre el océano” y “Pieza didáctica de Baden Baden”. Esto declaraba en Madrid el co-director de Juguete cerca de la violencia, el dramaturgo y actor guayaquileño Santiago Roldós. La obra, que se presentó ante entusiasmados espectadores en mayo de 2006 en OCHOYMEDIO, y que vuelve este mes a la sala de La Floresta, ha recorrido en estos años un buen número de escenarios del mundo. La crítica ha sido casi unánime: la obra es un éxito. Y reflexiona: “Juguete…funciona como un engranaje de relojería, y mucho de precisión tiene que ver con la disciplina, la búsqueda constante…” se escribe en la re-
vista española “Gatos en escena”. “No deja títere con cabeza. A través de ella, pretende poner de manifiesto el pequeño hilo que separa la utopía de la barbarie” publica Mondo Sonoro de Madrid. “Quizás el estreno más arriesgado e inquietante del ciclo iberoamericano de las artes” según la “Guía del Ocio” madrileña. Muégano Teatro, el grupo liderado por Aranda y Roldós y conformado por Itzel Cuevas, Lucía Modad y Bárbara Aranda, han vuelto al Ecuador a presentar la obra. Se espera, nuevamente, gran entusiasmo. Muégano Teatro nació en 1995. En el Centro Cultural Helénico de México montaron “Las brujas de Salem” de Miller. En 1997 estrenaron el monólogo “Ofelia, o el juego” en el Museo Artes de Quito. Luego de contactar con Malayerba, una influencia determinante en el devenir de Muégano, Aranda realiza un primer montaje de “La edad de la ciruela” de Arístides Várgas. En 1998 van a España, allí replantean su trabajo, orientándolo hacia una poética de grupo. Estrenan, ya instalados en Madrid, “El pozo de los mil demonios” de Maribel Carrasco. De vuelta al Ecuador el grupo se instala en Guayaquil, en donde ha creado el laboratorio de teatro independiente del ITAE. “Con “Juguete cerca de la violencia” queríamos expresar nuestra indignación política,
Escena de “Juguete cerca de la violencia”. Foto cortesía de Muegano teatro.
pero no en términos realistas. En los debates de Cultura contra la Guerra no se hablaba de qué está haciendo el teatro sobre la violencia permanente del sistema. Nosotros
somos gente que milita el teatro, con el lenguaje teatral; Brecht, Pessoa, Müller nos han ayudado a expresar esta indignación” concluye Roldós.
De Lunes a Miércoles: General $3.00; Estudiantes y Discapacitados: $2.00; Tercera edad: $1.50
PROGRAMACIÓN DE ABRIL OCHOYMEDIO
PRECIOS:
De Jueves a Domingo: General $4.00; Estudiantes y Discapacitados: $3.00; Tercera edad: $2.00
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QUITO35mm y Video Digital QUITOVideo Digital TUMBACO 35mm y Video Digital TUMBACO Video Digital
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Esta programación podría sufrir cambios de última hora
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País de cinco (1)
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País de cinco (2)
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Petróleo sangriento Edificio Master
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Prisionero da grade do ferro
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DOC BRASILEÑOS
Raices do Brasil
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Iracema, uma transa amazônica
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Entreatos
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Justicia
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Peôes
Esas no son penas
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La habitación del hijo 20:30 16:00 20:30 Paraíso ahora
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El beso más antiguo de la tierra (teatro)
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Leo Mass en vivo (Música) Juguete cerca de la violencia (teatro)
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La bahía de los ángeles
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Los paraguas de Cherburgo Las señoritas de Rochefort Piel de asno
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Lola
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Jacquot de Nantes
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Mi vecino Totoro El circo
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Momo Kiki, aprendiz de brujas El gran dictador La Dolce Vita
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11:00 11:00 16:30
16:15 16:15
17:00
20:00 20:00 21:00 21:00 20:15 15:00 15:30
SALA 1 SALA 2
16
17
18
19
20 21
22
23
24
25
26
27
28 29
30
MARTES
MIÉRCOLES
JUEVES
VIERNES
SÁBADO
DOMINGO
LUNES
MARTES
MIÉRCOLES
JUEVES
15
SALA 1 SALA 2
Tumbaco 35mm y Video Digital Tumbaco Video Digital
LUNES
MIÉRCOLES
14
DOMINGO
MARTES
La Floresta 35mm y Video Digital La Floresta Video Digital
11 12 13
SÁBADO
10
VIERNES
9
JUEVES
8
MIÉRCOLES
7
MARTES
6
LUNES
5
16:30 21:00
DOMINGO
4
20:45
SÁBADO
3
LUNES
2 MIÉRCOLES
MARTES
1
DOMINGO
15:30 20:45 20:45 15:30
SÁBADO
El bébe de Rosemary VIERNES
17:00 18:45 18:45
JUEVES
Do the Right Thing
VIERNES
MUERTE
Intervención divina 16:00
ARTES ESCÉNICAS
20:00
19:00 16:00 16:00 16:00 16:00 16:00
Muestra de Salsa**
JACQUES DEMI
18:35 18:35 20:00
21:15 16:00
18:45
Marat / Sadé
RAMONA – INFANTIL
18:35
16:00 16:00 16:00 18:30 18:30
Hamlet
CLÁSICOS
17:00 16:15
18:30 16:00 16:00 18:30 18:30 18:30 18:30 18:30 18:30 16:00 18:30 18:30 18:30 21:15 21:00 21:00 21:30 21:00 21:00 21:00 21:00 21:00 21:00 21:00 21:00 21:00 20:45 16:30 18:30 18:30 16:30
Elling, mi amigo y yo
* Programación gratuita. ** Ver programación completa en página 13. *** Ver programación completa en www.ochoymedio.net
20:00 18:30
16:00 20:30 16:30 18:30 16:15 16:15 20:45
Festival Ambulart***
: 35 mm. : Formatos digitales
19:00
18:30 19:00
20:15
19:00
ESPECIALES
19:00 19:00 19:00 19:00
16:00 16:00 20:30
Ser humano animal (muestra)***
Clásicos de los EDOC**
20:00
16:30
16:00
Nola Darling
Muestra de S. Kubrick**
18:35
17:00 21:00 17:00
16:00 20:30 18:30 18:30
20:45
16:30
Nelson Freire
Across the Universe
20:00