El Sur Contemporáneo
El Sur Contemporáneo es una exposición que reúne 13 obras de arte creadas en los últimos 20 años por artistas sureños y que fomenta una conversación dinámica entre la emoción de las adquisiciones recientes y la familiaridad de lo más destacado de la colección permanente Se incluyen expresiones artísticas emergentes en una variedad de medios y técnicas junto a obras de artistas veteranos y artistas a mitad de carrera.
Esta selección de obras de la colección permanente del Museo Ogden de Arte Sureño (algunas expuestas por primera vez) examina las múltiples formas en que los artistas de toda la región exploran el proceso, el lugar y la identidad a través de sus prácticas creativas Las experiencias contemporáneas de lugar e identidad e el Sur de Estados Unidos son múltiples, situacionales y decididamente cambiantes. Ya sea examinando el pasado, criticando el presente o mirando hacia el futuro, estos artistas del siglo XXI aportan enfoques únicos y objetivos contemporáneos al diálogo en torno al arte y la cultura del Sur.
Primera Exposición
Miles Cleveland Goodwin (n. 1980)
Lucifer 2022
Óleo sobre lienzo
Donación del artista, cortesía de Valley House Gallery y Jennifer & Cody Aufricht
2023.28.1
Primera Exposición
Wayne Gilbert (1946 - 2023)
Estrellasy barraspara siempre
2004
Cenizas humanas y medio gelatinoso
Donación del Redbud Arts Center
2023.19.1
Wayne Dale Gilbert fue un artista y galerista estadounidense residente en Houston (Texas). Nacido en 1946 en Denver (Colorado), Gilbert se trasladó de niño con su familia a Houston. Tras graduarse de la escuela superior Austin, Gilbert trabajó primero en la industria petrólera antes de fundar una empresa de retoque fotográfico con su esposa, Beverly, en la década de 1970. En 1977, Gilbert empezó a tomar clases de arte con Chester Snowden. Poco después, regresó a la escuela, obteniendo una licenciatura en Pintura con especialización en Historia del Arte de la Universidad de Houston en 1984 y, finalmente, un máster en Artes Liberales de la Universidad Rice en 2012.
Gilbert fue miembro fundador del Grupo Rubber en 1992, junto con Bill Hailey y Ramzy Telley. Juntos montaron atrevidas exposiciones clandestinas en espacios alternativos durante una década. En 2001, Gilbert fundó el 101 Space, una galería en el centro de Houston donde continuó con su provocadora práctica curatorial. En 2007, abrió G Gallery en Houston Heights.
En su propia práctica, Gilbert siempre se sintió un extraño en el mundo del arte y luchó por encontrar sentido y significado a su trabajo. En 1998, le surgió una idea que cambiaría el curso de su estudio. Empezó a utilizar los restos de
estadounidenses cremados como soporte para sus cuadros. "Sentí inmediatamente que había conectado con una idea que podía proporcionarme el medio místico que necesitaba para transmitir claramente mi relación personal con el arte", explicó. "Podía poner este material en un cuadro e introducir así 'la esencia de un ser humano' integral en la obra". La mayoría de las cenizas eran cenizas no reclamadas procedentes de funerarias locales. De vez en cuando, alguien le traía los restos de un familiar para que los plasmara en un cuadro. Mezclando las cenizas con un gel transparente, Gilbert utilizaba el material como medio pictórico y, ocasionalmente, como sustrato para pintar. La obra invita al espectador a reflexionar sobre la relación entre el arte y la humanidad, al tiempo que ofrece una forma de recordar a personas olvidadas y sin voz.
La obra de Wayne Gilbert se ha incluido en exposiciones individuales y colectivas nacionales e internacionales. Ha sido conferenciante invitado en el Colegio Bard, Annandale-on-Hudson, Nueva York; la Universidad Rutgers, Nueva Jersey; y Texas Tech, Lubbock, Texas. Ha comisariado exposiciones en Trujillo (Perú), Santiago (Cuba), Salzwedel (Alemania), Seattle (Washington), Marfa (Texas) y Arlington (Texas). Su obra ha aparecido en People Magazine, Houston Chronicle y en el documental Ash: The Art of Wayne Gilbert, de Wayne Slaten, de una hora de duración.
"Espero que quien se cruce con mis obras perciba que tienen un significado para ellos y que intento transmitirles un vínculo de parentesco con ellos, así como con todos los seres humanos a través de nuestra mortalidad compartida. Ninguno de nosotros comprende el misterio de la vida y la muerte, pero espero que el espectador vea mi arte como una confirmación de que todos pasamos por el mismo camino en nuestra breve pero fascinante experiencia, que la gratificación de vivir supera el sufrimiento de la desgracia y la inevitabilidad de la muerte. Las personas cuyos restos están en el centro de mi obra, aunque anónimas, alcanzan cierto grado de inmortalidad al simbolizar esta experiencia. Mi obra es un testamento para ellos".
- Wayne Gilbert
Jennifer Ling Datchuk (n. 1990)
Arre 2021
Porcelana, pelo humano
Adquisición del museo con fondos aportados por Stuart B.
Hurt
2023.1.1
Jennifer Ling Datchuk vive y trabaja en San Antonio (Texas), donde es profesora adjunta de Arte en la Universidad Estatal de Texas.
El padre de Datchuk es de ascendencia rusa e irlandesa, y su madre emigró de China en los años setenta. "Mis hermanos y yo éramos vistos como demasiado blancos para mi familia china y demasiado chinos para mi familia blanca, así que existíamos en una tercera cultura", explica. Esta identidad bifurcada condiciona gran parte de su trabajo.
El principal medio de Datchuk es la porcelana. Su elección del material es intencionada, una referencia a la cultura china y un comentario sobre la globalización. La porcelana china forma parte del mercado de exportación desde hace más de mil años. El material se percibe como extremadamente frágil, aunque en realidad la porcelana es bastante fuerte, una conexión que la artista considera un reflejo de la percepción que la sociedad tiene de la mujer.
Los primeros inmigrantes asiáticos que llegaron a Texas fueron obreros chinos empleados en 1870 para construir las vías de ferrocarril. A pesar de las leyes de exclusión china de 1882, se establecieron vibrantes comunidades de chinos primero en El Paso y después, sobre todo, en San Antonio.
Con "Arre, arre", Datchuk explora su complicada identidad como mujer mestiza chino-americana que vive en Texas, y también la historia de la porcelana como símbolo de la globalización y la mercantilización de la cultura china. Esta pieza también está profundamente implicada en la conversación en torno a las nociones percibidas de feminidad y derechos de la mujer. Se enfrenta a la descripción homogeneizada de la cultura vaquera como exclusivamente blanca y masculina, y ofrece un relato más inclusivo e históricamente preciso.
Datchuk posee un máster en Artesanía por la Universidad de Massachusetts Dartmouth y una licenciatura en Artesanía por la Universidad Estatal de Kent. Ha recibido becas de la Fundación de Artistas de San Antonio, una beca de viaje de Artpace y el Programa Internacional de Intercambio de Artistas Linda Lighton para investigar las migraciones mundiales de la porcelana y la decoración de motivos en azul y blanco. Obtuvo una residencia a través del Museo de Arte Contemporáneo Blue Star para llevar a cabo su práctica de estudio en el Künstlerhaus Bethanien en Berlín, Alemania, y ha participado en residencias en el Taller de Cerámica en Jingdezhen, China; el Centro de Estudio de Vermont; el Centro Europeo de Trabajo Cerámico en los Países Bajos y Artpace en San Antonio, Texas. En 2017 recibió el premio Voces Emergentes del Consejo Americano de Artesanía y en 2020 fue nombrada Artista Becaria de Artesanía de Estados Unidos.
Luis Cruz Azaceta (n. 1942)
Nopuedo respirar 2020
Acrílico sobre lienzo
Donación del artista
2022.16.1
Nacido en La Habana en 1942, Azaceta vivió la violencia y la inestabilidad que desembocaron en la Revolución Cubana de 1959
Cuando comenzaron las ejecuciones tras la Revolución, emigró de su hogar en 1960 a Estados Unidos a la edad de 18 años. En Nueva York comenzó a utilizar la pintura y el dibujo como forma de expresión, encontrando su voz y su identidad a través del arte. Tras graduarse de la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, comenzó su carrera profesional en 1975 con su primera exposición individual en la Galería Allan Frumkin del Midtown neoyorquino.
Azaceta se trasladó a Nueva Orleans en 1992. En los años siguientes, su obra se acercó gradualmente a la abstracción y se alejó de las obras imaginistas de sus años neoyorquinos. Estas obras maduras poseen una creciente libertad formal, aunque siguen incorporando un lenguaje personal de símbolos pictóricos: la bombilla, el ojo, la gota de sangre, la línea direccional.
George Perry Floyd Jr. (14 de octubre de 1973 - 25 de mayo de 2020) fue un hombre afroamericano desarmado asesinado por un policía en Minneapolis, Minnesota, el 25 de mayo de 2020. El policía Derek
Alexis McGrigg (n. 1989)
Negroy borroso: Niño de las profundidades
2021
Tinte procion y polvo de mica dorada sobre papel
Donación prometida de Michael Wilkinson
Alexis McGrigg es una artista contemporánea que examina temas como la negritud, el espacio, la espiritualidad, la identidad y la conciencia colectiva. Su obra utiliza la pintura, el dibujo y medios interdisciplinares para explorar la multiplicidad de la negritud a través de la abstracción figurativa y las narrativas conceptuales. Integra la poesía, el sonido y la performance en su práctica artística y su investigación. Se licenció en Bellas Artes en Pintura por la Universidad Estatal de Mississippi en 2012 y obtuvo un máster en Bellas Artes con especialización en Pintura y Transmedia por la Universidad Tecnológica de Texas en 2017.
Declaración de la artista:
En su obra actual, Alexis sigue exponiendo la narrativa de la negritud que es la base de sus ideas conceptuales. Para ella, la negritud se manifiesta de tres formas: la abstracción figurativa, la noción de espiritualidad y su relación con el Ser y el espacio celestial y metafísico. Su narrativa de la negritud afirma que para que los negros de toda ascendencia lleguen a ser, deben viajar hacia y desde un plano teórico mayor, el Más Allá o el espacio de Todo Ser. Su obra artística es un examen visual de su modo de viajar, de cómo se aventuran hacia y desde
el "Hogar" y de los planos por los que se mueven. Alexis utiliza el espacio celeste como metáfora de la autonomía de la negritud, redefiniendo su agencia como idea fija o forma de ser y apoyándose en su fluidez y capacidad para ser más compleja de lo que nos permitimos comprender. Teniendo esto en cuenta, a mayor escala, Esto - La Negritud, al tener su fundamento en el cuerpo y la experiencia negra, tiene la capacidad de manifestarse como un espacio intangible que libera su dependencia del cuerpo físico. A través de sus pinturas, busca permitir al espectador una perspectiva más amplia de la inmensidad de nuestra existencia.
Alexis emplea un enfoque interdisciplinario para examinar estos conceptos, utilizando la pintura, el dibujo, los transmedia y la instalación. Su elección de materiales influye enormemente en el lenguaje visual que consigue en una obra. Por ejemplo, sus pinturas utilizan capas de ricos tintes de tela empapados en papel de acuarela y lienzo. Las numerosas capas de tinte le permiten penetrar en la superficie de las imágenes, creando profundidad y lo que ella considera una abertura en el plano pictórico. Del mismo modo, el uso de capas en sus vídeos experimentales implica lo que puede interpretarse como un portal o una apertura expansiva a un mundo alternativo. Aunque el método de aplicación puede diferir, los conceptos y la exploración siguen siendo los mismos, enlazando un hilo visual a través de los medios elegidos.
Pat Phillips (n. 1987)
EXCAVADORES/La Procesión
2018
Acrílico, lápiz, pastel al óleo, aerógrafo, pintura en aerosol sobre lienzo
Donación de Michael Wilkinson
2023.22.1
Pat Phillips nació en 1987 en Lakenheath, Inglaterra. Su familia se trasladó al sur poco después, y Phillips creció en los suburbios de Pineville, Luisiana. Formado en la Escuela de Pintura y Escultura de Skowhegan (Maine), Phillips vive y trabaja actualmente en Filadelfia (Pensilvania).
Su primera práctica artística fue pintar y fotografiar vagones de mercancías en Luisiana. A medida que desarrollaba su estilo -un expresionismo figurativo totalmente individual- Phillips nunca abandonó la estética y las técnicas del graffiti. Utilizando imágenes personales e históricas, la obra de Phillips es una profunda exploración de la raza, la clase, el trabajo y una cultura contemporánea militarizada.
Phillips creció siendo hijo de un funcionario de prisiones de Luisiana. La tensión de ser mantenido por una institución que él veía como un bastión de la supremacía blanca y la desigualdad es un tema que ha explorado profundamente en su obra. En "Excavadores / La procesión,"
Phillips utiliza figuras vernáculas citadas de Clementine Hunter en dura yuxtaposición con los cuerpos deconstruidos de los trabajadores de la prisión Esta obra habla del legado continuado de la esclavitud en los
programas de trabajos forzados de las prisiones estadounidenses. Al citar a Clementine Hunter, este cuadro no sólo hace referencia a la historia del arte negro en Luisiana, sino que también explora cuestiones relacionadas con la devaluación histórica (y continua) y la mercantilización del trabajo negro.
En 2019, Pat Phillips presentó su obra en el Bienal Whitney del Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York. Las exposiciones individuales incluyen Consumer Reports, Jeffrey Deitch, Nueva York; Te dije que no trajeras esa pelota (Masur Museum of Art, Monroe, LA) y Locura de verano (M+B, Los Ángeles). Entre sus exposiciones colectivas recientes se incluyen Luchamos por construir un mundo libre, en el Museo Judío de Nueva York, y ESTO ES AMÉRICA, en el Kunstraum Potsdam de Alemania. En 2017, recibió la beca de Pintores y Escultores Joan Mitchell. Phillips también ha participado en residencias en el Estudio Centro de Vermont y en la Escuela de Pintura y Escultura de Skowhegan. Su obra se encuentra en las colecciones del Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York, NY; la Galería de Arte Albright-Knox, Búfalo, NY; el Museo de Arte Block, Evanston, IL; el Museo de Arte de Nueva Orleans, Nueva Orleans, LA; y el Museo Ogden de Arte Sureño, entre otros. Actualmente es becario del Centro Pew para las Artes y el Patrimonio de la Universidad Temple de Filadelfia.
Ruth Owens (n. 1959)
Leccionesperdidas
2020
Acrílico, carboncillo y purpurina sobre papel
Donación de Gregory Holt y Michael Wilkinson
2022.22.1
Ruth Owens es una pintora figurativa y videoartista que vive y trabaja en Nueva Orleans. Nacida en 1959, hija de una joven alemana y de un militar negro de Georgia, los primeros años de Owens transcurrieron entre Alemania y el sur de los Estados Unidos. Su infancia se complicó por la dificultad de pertenecer a una familia mestiza en el Sur de Jim Crow, y gran parte de esa historia se explora en su obra. De regreso a Estados Unidos, Owens se licenció en Carleton College (Minnesota) y en Medicina por la Facultad de Medicina de la Universidad Northwestern. Tras 25 años de carrera médica, Owens se dedicó por completo al arte y obtuvo un máster en Bellas Artes por la Universidad de Nueva Orleans.
El estudio de Ruth Owens se dedica a ampliar la narrativa en torno a la identidad, especialmente la identidad racial y de género. Sus figuras proceden de su historia personal y familiar, a menudo extrayendo imágenes del archivo familiar de "Super 8" y películas fijas. Una de las principales preocupaciones de su obra reciente es la figura, especialmente la negra, en la naturaleza. Este trabajo explora la historia de exclusión y discriminación de los cuerpos negros en la naturaleza de Estados Unidos, especialmente en los espacios públicos de los parques nacionales, estatales y municipales. Su representación de cuerpos negros en el paisaje es un acto de resistencia a esa discriminación. También es un acto de
esperanza, ya que cada vez son más los estadounidenses negros que se nutren espiritual y psicológicamente al aire libre.
"Lecciones perdidas" se basa en un retrato tomado en 1964 de su graduación en el jardín de infancia de la Escuela Terrace Manor, una escuela sólo para negros en Augusta, Georgia Las figuras están representadas en un paisaje alpino y adornadas con una nevada de flores de edelweiss. La flor de edelweiss se utiliza a menudo como símbolo de la superioridad aria. También participa en los rituales de cortejo de la cultura alpina, en los que un joven recorre los Alpes para recoger un edelweiss como muestra de su amor para una propuesta de matrimonio. Así lo hizo el abuelo alemán de Owens cuando se declaró a su abuela. Cuando alcanzó la mayoría de edad, su abuela le transmitió a Owens esa flor seca, que pasó a formar parte de su identidad. Con esta obra, Owens explora la tensión de su propia identidad racial y cultural bifurcada, planteando el concepto de que la identidad es fluida y abierta, más amplia que las construcciones sociales estáticas.
Katrina Andry (n. 1981)
Nadie más dignoque túa los ojos de un hombre roto
2019
Xilografía en reducción de color sobre papel
Donación de Michael Wilkinson
2022.20.1
Katrina Andry, natural de Nueva Orleans, se licenció en grabado por la Universidad Estatal de Luisiana en 2010. Actualmente vive y tiene un estudio en Nueva Orleans.
“Nadie más digno que tú a los ojos de un hombre roto,” 2019, es una xilografía en reducción de color de la serie “Influencias del colorismo colonial en la comunidad negra - Pasado y presente.” Con esta serie, Andry aborda el tema del colorismo y cómo ha moldeado (y sigue moldeando) la vida de las comunidades negras de Nueva Orleans. Utilizando símbolos alegóricos como porcelana fina, perlas, flores y velas de iglesia, esta composición explora cómo los sistemas jerárquicos de privilegio relacionados con la blancura impregnan la vida de los negros en Nueva Orleans, llegando incluso a las comunidades eclesiásticas. Como gran parte de la obra de Andry, esta composición pide al espectador que se enfrente a sus propios prejuicios sobre la raza y el género, y que se cuestione los efectos persistentes del colonialismo en su comunidad.
La xilografía de reducción es la forma más antigua de grabado. Utiliza un bloque de madera para todos los colores, superponiendo las tintas de claro a oscuro, un color cada vez. Entre cada color, se corta la superficie de
la madera, reduciendo aún más el bloque. La superficie restante lleva la tinta. Este proceso es laborioso e implacable. Katrina Andry es una maestra reconocida de esta antigua técnica.
La serie de Andry "Influencias del colorismo colonial en la comunidad negra - Pasado y presente" se expuso por primera vez en Prospect 5, en el Museo Ogden. Ha expuesto en el Museo Hammonds House, Atlanta, GA; el Museo Katonah, Katonah, NY; el Museo de Arte Wingate del Hendrix College, Conway, AR; el Museo de Arte de la Universidad Estatal de Luisiana, Baton Rouge, LA; el Instituto Halsey, Charleston, SC; el Museo de Arte de Pensacola, Pensacola, FL; entre otros. La edición de septiembre de 2012 de la revista "Art in Print" incluyó a Andry entre los 50 mejores grabadores. Su obra se encuentra en las colecciones permanentes de la Universidad Estatal de Luisiana, el Union College, el Museo 21C, la Fundación de la Familia Petrucci, el Museo de Arte de Nueva Orleans, el Museo de Arte de Pensacola y el Museo Ogden de Arte Sureño.
Jammie Holmes (n. 1984)
Mensajero 2022
Acrílico y pastel sobre lienzo
Donación de Michael Wilkinson 2023.22.2
Michael Meads (n. 1966)
La Intercesión
2010
Grafito sobre papel
Donación de Charles Michael
Canada
2013.4.1
Michael Wayne Meads nació en 1966 en Anniston, Alabama, al sur de las montañas Blue Ridge. Se graduó en Bellas Artes de la Universidad de Auburn en 1987 y obtuvo un máster en Bellas Artes de la Universidad Estatal de Nueva York en Albany en 1990. Tras una breve estancia en Brooklyn, Meads regresó a su Alabama natal, donde mantiene un estudio en la comunidad rural de Eastaboga.
Como muchos jóvenes nacidos en el "cinturón bíblico", Nueva Orleans atrajo a Meads desde muy joven. "Recuerdo que de niño mi padre escuchaba las emisiones de radio de un ministro baptista que predicaba desde la Calle Bourbon. Incluso a esa temprana edad sabía que había algo en Nueva Orleans que me tentaba, ya que mi padre me advertía una y otra vez que nunca fuera a esa malvada ciudad", recuerda. En 1998 se trasladó con su pareja, Charles Canada, a la Ciudad Creciente, cumpliendo un sueño y profundizando en su relación con un lugar que desde entonces le ha servido de escenario, personaje y musa para la mayor parte de su obra. En Nueva Orleans, Meads siguió desarrollando su arte tanto en el tema como en el medio. Se inspiró en la cultura y las personas que le rodeaban, desde los bares del Barrio Francés hasta el
ritual y la historia del carnaval. Se convirtió en un neoorleaniano.
También se convirtió en un maestro del grafito.
“La Intercesión II” es un dibujo narrativo a gran escala, realizado a lápiz y presentado como el crescendo visual de una ópera dramática. El escenario está decorado con un arco de proscenio, cortinajes y columnas corintias. El escenario es el día de Mardi Gras frente al Café de Lafitte en el Exilio, un bar gay del Barrio Francés de Nueva Orleans.
La escena muestra al artista y a su marido vestidos de médicos de la peste, suplicando a la Muerte que interceda por un joven al que acaban de diagnosticar el virus HIV. El joven está desplomado en el suelo con una máscara y una chaqueta de la banda del instituto Mandeville, y una bolsa rota de collares se desparrama por la calle. Le sostiene una "travesti" ferozmente protectora, un tema habitual en la obra del artista. Esta obra sobre papel a gran escala es a la vez un dibujo histórico y un cuento con moraleja, una obra formalmente magistral basada en una narración personal que aborda los devastadores efectos de la epidemia en una comunidad.
Primera Exposición
Andrew Lamar Hopkins (n 1977)
Elbarrio francés, hogar de dos solteros confirmados
2014
Acrílico sobre lienzo
Donación de Jeremy Corkern
2024.6.1
Primera Exposición
Benry Fauna (n. 1996)
Dejahno. 1 2023
Impresión sobre satén Adquisición del museo con fondos aportados por Brian Sands
2023.34.1
Benry Fauna es un fotógrafo retratista y artista del collage que vive actualmente en Nueva Orleans. Se graduó en Artes Aplicadas a los Medios de Comunicación: Fotografía con especialización en Historia del Arte de la Universidad Occidental de Pensilvania, Edinboro. Su trabajo personal y editorial ha sido publicado en la revista ANTIGRAVITY, la revista Mob Journal y la revista Paper, entre otras
Desde Nueva Orleans, Benry Fauna combina a la perfección su pasión por la creación de imágenes impactantes y la música. Tras años de trabajo como estudiante universitario, la fotografía se ha convertido en una labor de amor para este joven. Al principio del proceso, se sintió intrigado por el retrato, descubriendo nuevas formas de articular sentimientos e ilustrar ideas relacionadas con personas de su vida
Benry cree que el arte puede ayudar a procesar traumas y sanar Le gusta crear un espacio en el que pueda colaborar con sus sujetos, permitiéndoles aportar sus propias emociones e informar de forma única y honesta. A veces, no se trata tanto de las imágenes como del proceso, tal es el amor de Benry por la creación de imágenes. Ha aprendido que
la creatividad es una puerta abierta y una oportunidad para conectar con uno mismo y con los demás. El artista describe su trabajo como glamour en la cuneta, etiquetándose a sí mismo como "Un desastre que se limpia bien". Muestra una gama de estilos, desde el homenaje al retrato tradicional hasta el uso del collage como método pragmático y surrealista de abordar temas como el dolor, la confianza, la vulnerabilidad y cómo las experiencias emocionales conforman la identidad. Benry cree que un retrato debe acercarte a ti mismo. En general, su objetivo es nutrir el tema, descubriendo una mejor comprensión de cómo expresamos nuestra humanidad.
"Empecé a hacer collage, remodelar y esculpir retratos como forma de reflexionar sobre la relación que mantenemos con nuestra propia imagen. Cada pliegue de tela cambia nuestra perspectiva como una emoción exacerbada que oscurece nuestra realidad. La punzada de la relacionabilidad nos abre a reflexionar sobre nuestra propia humanidad.
Alimentar la creencia de que un retrato debe acercarte a ti mismo".Benry Fauna
Primera Exposición
Shabez Jamal (n. 1992)
En memoria nuestra 2022
Película instantánea de tipo I y cemento
Donación de Storm y Katherine Ainsley 2023.18.1
Nacido en San Luis (Misuri) en 1992, Shabez Jamal es un artista interdisciplinar residente en Nueva Orleans (Luisiana) Su obra, basada en el retrato, el vídeo experimental y la actuación, cuestiona el espacio físico, político y socioeconómico utilizando la homosexualidad no como medio para hablar de sexualidad, sino como catalizador para cuestionar las distintas relaciones de poder. Jamal, que a menudo se enfoca a sí mismo, utiliza el autorretrato como medio para redefinir radicalmente los parámetros de la identidad racial y sexual.
Jamal recibió su BIS de la Universidad de Missouri - St. Louis en 2019 y recibió su Maestría en Bellas Artes de la Universidad de Tulane en la primavera de 2022, donde también recibió una Beca Mellon de Investigación Comprometida con la Comunidad. En 2020, Jamal también fue miembro inaugural de la Comunidad de la Universidad de Harvard: En la Ciudad Fraternidad.
La obra de Jamal desafía y amplía los conceptos tradicionales de la fotografía. Mezclando imágenes de archivo de los álbumes de fotos de su familia con las imágenes más formales de su estudio, Jamal presenta el registro fotográfico como la manifestación física de la memoria. Al plegar
la imagen fotográfica en formas escultóricas, Jamal subraya aún más la fotografía como objeto físico.
“En memoria nuestra” es una instalación de 16 impresiones Polaroid instantáneas incrustadas en moldes de cemento vertido. Algunas impresiones están completamente sumergidas, mientras que otras están apenas ocultas. Aunque el cemento suele considerarse permanente, Jamal subraya la impermanencia del medio. El desmoronamiento gradual del cemento y el desvanecimiento de las imágenes expuestas son inherentes a la propia obra, que ilustra conceptualmente el paso del tiempo. Las narraciones que una vez estuvieron ocultas se revelarán gradualmente, mientras que otras se desvanecerán poco a poco.
MaPo Kinnord (b. 1960) and Lin Emery (1926 - 2021)
Sin Titulo
2021
Gres, acrilico y aluminio
Coleccion de Suzie y Ted Bloch III, M.D.