SOUTHLAND
Elemore Morgan, Sr., Mississippi River from the Bluffs (Near Port Hudson, LA.), 1962, Gelatin silver print, 16 x 20 inches, Gift of the Roger Houston Ogden Collection, 2003.1.385
SOUTHLAND
APRIL 20 – SEPTEMBER 22, 2024
TIERRA DEL SUR
Fotografías de paisajes de la colección permanente
Cuando pensamos en la fotografía de paisajes estadounidense, la primera región del país que nos viene a la mente suele ser el Oeste. Las icónicas fotografías realizadas a finales del siglo XIX por Timothy O’Sullivan y Carleton Watkins captaron majestuosas vistas de las interminables extensiones del Oeste y establecieron el lenguaje visual del destino manifiesto. En el siglo XX, el fotógrafo paisajista más famoso de Estados Unidos, Ansel Adams, definió visualmente el dramático escenario del paisaje occidental en el arte y la cultura popular, desde los acantilados de El Capitán en el valle californiano de Yosemite hasta la luna saliendo sobre Hernández, Nuevo México.
A diferencia del Oeste, el Sur de Estados Unidos no es un tema muy conocido para la fotografía de paisaje. Tal vez se deba a que el paisaje retratado en el arte sureño tiene más que ver con la visualización romántica del lugar que con la dramática topografía retratada en la fotografía paisajística occidental. Junto con el tiempo, el lugar es un componente central del arte, la música y la literatura del Sur. En el arte sureño, el lugar puede ser real o imaginario. Con el asentamiento de los europeos en el Sur llegaron las ideas europeas sobre el arte y la literatura. Los conceptos europeos del Romanticismo de principios del siglo XIX -con énfasis en la imaginación, la idealización y la emoción- se infundieron primero en la pintura de paisajes del Sur y más tarde en la fotografía.
Tierra del Sur examina el papel que ha desempeñado la fotografía en la visualización de los paisajes naturales y artificiales del Sur de Estados Unidos. Esta exposición resalta la obra de 27 fotógrafos cuyo trabajo abarca más de 100 años de fotografía de paisaje. Estos fotógrafos abordan el paisaje del Sur desde múltiples perspectivas, que van desde la pura documentación a las imágenes de base conceptual. Algunos capturan la belleza de la tierra y el agua con imágenes poéticas impregnadas de significantes alegóricos que se encuentran a lo largo de la historia de la pintura paisajista sureña, mientras que otros abordan recuerdos contenidos en el paisaje que resuenan de la complicada y controvertida historia de la región. La crisis climática mundial, en la que el Sur se encuentra en primera línea, es el tema principal de varios fotógrafos cuyo trabajo mezcla elementos de la tradición documental con el fotoperiodismo.
Aunque a menudo se pasa por alto la contribución del Sur al debate mundial sobre la fotografía de paisaje, Tierra del Sur explora las numerosas innovaciones técnicas, estéticas y conceptuales que los fotógrafos sureños han aportado al desarrollo del género. Tierra del Sur presenta fotografías realizadas en los pantanos de Luisiana, las playas de Florida, las llanuras del delta del Misisipi, los desiertos de Texas y los montes Apalaches de Carolina del Norte, poniendo de relieve que el paisaje del Sur es tan diverso como las gentes y la cultura de la región.
Richard McCabe Conservador de Fotografía Museo Ogden de Arte Sureño
Tierra del Sur:
Atrio en el 1er piso
Richard Sexton (n. 1954)
Capitulación
2006
Impresión en pigmento Donación prometida del artista
Biografía
Chuck Hemard (n. 1973)
El principio
2009
Impresiones cromogénicas
40 x 96 inches / pulgadas
Donación del artista
2009.14.1
Chuck Hemard ha vivido toda su vida en el sur de Estados Unidos. Sus fotografías recientes, tomadas principalmente con cámaras de película de formato grande, exploran las complejidades del paisaje contemporáneo.
En 2018, Hemard publicó una monografía con Daylight Books que explora los restos de antiguos bosques de pinos de hoja larga en todo el Sur. La obra ha sido publicada en Smithsonian Magazine (en línea), Hyperallergic y Garden and Gun Magazine (en línea). En 2014, el Consejo Estatal de las Artes de Alabama le concedió una beca para artistas y su obra figura en colecciones públicas de todo el sureste de Estados Unidos, como el Museo de Arte de Columbus (Georgia) y el Museo Ogden de Arte Sureño de Nueva Orleans. Recientes exposiciones individuales incluyen la Galería Leland en Georgia College en Milledgeville, GA y el Museo Sudeste de Fotografía en Daytona Beach, FL.
Hemard es profesor asociado en el Departamento de Arte e Historia del Arte de la Universidad de Auburn.
Declaración: Serie de salidas y cruces (2003 - 2009)
Tengo una fascinación infantil por el paisaje que ocurre cerca de las rampas de salida y los cruces de autopistas. De niño, me imaginaba conduciendo una moto de cross o una patineta en estos espacios esculpidos. Sigo sintiendo la importancia y el potencial de estos espacios públicos, pero prohibidos.
Empecé a tomar fotografías en estos lugares para ayudar a aclarar mi conexión personal con ellos y afinar cuál podría ser este sentido de importancia. A veces las imágenes parecen ofrecer una visión y otras veces plantean preguntas. Me interesan tanto las formas escultóricas como las posibilidades metafóricas que puedan existir en estos subproductos de la comodidad humana.
FL 71, Kinard, FL
3 de marzo de 2019
De la serie Bosques fracturados
Nueva Adquisición:
Doug Eng (n. 1954)
Bosque inclinado, carretera 71 Kinard, Florida 2019
Impresión en pigmento Adquisición del museo con fondos aportados por Melanie Johanson y Greer Prather 2024.9.1
La nueva normalidad. Lo que ahora se ve en las carreteras. Un inquietante recuerdo de un acontecimiento destructivo, una marca permanente en el paisaje hasta que la naturaleza recupere lo que se ha perdido. Hay una subdivisión más allá de los árboles con casas bonitas. Predigo que se despejará para aliviar los recuerdos de la tormenta.
Tierra del Sur:
Galerías del 3er piso
Louviere (n. 1971) + Vanessa (n. 1970)
“Folie á Deux”
El bosque y el árbol de la serie «Folie á Deux».
2009
Cinematografía 3.550 fotogramas de película super 8, con caja de luz hecha a mano y un interruptor de luz con bronce Donación de Jeff Louviere y Vanessa Brown 2021.3.1
En cuanto al cinematografía, hemos intentado abarcar, ampliar y desafiar la historia de la fotografía y el cine. Concebimos esta nueva técnica como una forma de cerrar el círculo -por así decirlo- desde nuestros comienzos fotográficos, que inspiraron nuestra creación cinematográfica, y de vuelta a estas películas/ fotografías experimentales, creando nuevas formas de ver a través de la destrucción del medio. Rodamos las fotografías con película de super 8 mm en 3.550 fotogramas individuales, las obras se convierten tanto en una película proyectada como en una imagen fija formada por las tiras de película deconstruidas.
Nuestro objetivo era crear un nuevo tipo de díptico basado en el emparejamiento de opuestos: movimiento y calma abstracción y representación lineal y repetitivo proverbial y misterioso
Planteamos preguntas sobre la experiencia que crea el arte en función de métodos espaciales y temporales. La integración surge de la desintegración del medio. La imagen fija representativa es la destrucción de la película, mientras que el movimiento abstracto es la construcción.
Representa cambios en la visión, una con la mente y otra con el cerebro.
Elemore Morgan, Sr. (19031966)
Río Mississippi desde los Acantilados (Cerca de Port Hudson, LA.)
1962
Impresión en gelatina de plata
16 x 20 inches / pulgadas
Donación de la Colección de Roger Houston Ogden 2003.1.385
Elemore Morgan Sr. nació en Baton Rouge, Luisiana, en 1903. En 1912, su familia se trasladó a una granja en lo que hoy es Essen Lane, al sur de Baton Rouge. Morgan compró su primera cámara mientras estudiaba en la Universidad Estatal de Luisiana y tomó fotografías esporádicamente hasta que empezó a trabajar con el estudio de arquitectura de A. Hays Town y N.W. Overstreet Architects en 1936. Trabajó como delineante de arquitectura en su oficina de Lafayette, donde también ejerció de supervisor de proyectos y fotógrafo de oficina para proyectos en construcción y obras terminadas. En 1937, entró a formar parte del círculo de fotógrafos en el que se reunían el Estudio y la Tienda de Cámaras de Chandler en Lafayette, un importante punto de encuentro para fotógrafos locales y visitantes. Ese año también conoció al importante fotógrafo de Luisiana Fonville Winans, con quien compartiría su afición por fotografiar la vida rural de la región.
En 1939 regresó a Baton Rouge y se asoció al estudio de arquitectura de A. Hays Town. En 1942 renunció a su asociación con Town y comenzó a labrar la tierra de su familia al sur de Baton Rouge. Ese año también
construyó un cuarto oscuro detrás de su casa y empezó a trabajar en proyectos fotográficos profesionales. Durante las dos décadas siguientes se dedicó a fotografiar el paisaje, la arquitectura y la vida popular de Luisiana, a la vez que documentaba el crecimiento constante de la industria en toda la región. Fotografió con regularidad para las industrias petrolera y maderera, y sus fotos de estos temas se publicaron ampliamente en diarios y revistas profesionales. Las fotografías de Morgan también aparecieron en varios libros, como Los Pantanos de Luisiana (1943), de Harnett Kane, Todo esto es Luisiana (1950), de Frances Parkenson Keyes, y John Law no estaba tan equivocado (1952), de Hodding Carter. Siguió publicando hasta los años sesenta con El Valle del Bajo Mississippi (con Ed Kerr), y su crítica de la arquitectura contemporánea Los Años Sesenta lo Acabaron. El Rostro de Luisiana, con texto de Charles East e imágenes seleccionadas por East y el hijo de Elemore Morgan Sr., Elemore Morgan Jr., se publicó póstumamente en 1969 y un catálogo de exposición Elemore Morgan: La Vida Rural y los Lugares de Interés en Luisiana 1937-1965 fue publicado por el Museo de Arte de Alexandria en 1992. Morgan colaboró regularmente con la industria cinematográfica, en películas como Durante un verano caluroso, Sonido y furia, Deseo en el polvo, Hush Hush Sweet Charlotte, Alvarez Kelly y Hurry Sundown. La obra de Morgan es inusual por su interés a lo largo de toda su vida por la vida popular y la arquitectura del viejo Sur, a la vez que documentaba el crecimiento de la industria y la modernización de la región. Elemore Morgan Sr. murió en 1966 y hoy es reconocido como uno de los fotógrafos de Luisiana más importantes del siglo XX.
Nueva adquisición:
Sonja Rieger (n. 1953)
Panorama tormentoso sobre Birmingham 1992
Impresión en pigmento Donación del artista 2022.23.6
Sonja Rieger tiene un Máster en Bellas Artes por la Universidad de Rutgers y un bachillerato en artes de la Universidad de Massachusetts, Amherst. Se convirtió en profesora de la Universidad de Alabama en Birmingham (UAB) en 1979 y fue presidenta del Departamento de Arte e Historia del Arte de 1991 a 1997. Se jubiló en 2019 tras 41 años de docencia en historia y arte en la UAB.
Para Sonja Rieger, la fotografía trata del examen del lugar a través del estudio de sus habitantes, los imperios que construyen y los monumentos de la vida cotidiana que celebran y perduran. También tiene mucho que ver con la poesía de la imagen, el collage que construyen el color, el movimiento y la forma, y con los acontecimientos y las personas que cambian la trayectoria de la historia.
Rieger afirma: “Cuando me trasladé del noreste a Birmingham, empecé a fotografiar el Sur, que tiene un aspecto definido por su peculiar crecimiento y desarrollo. Hay una proximidad entre lo urbano y lo rural que sólo puede ocurrir por la confluencia de ciertos acontecimientos. Lo que he fotografiado -relámpagos, casas “shotgun”, clubes sociales, niños en Halloween y la vista de la ciudad desde la base de los montes Apalaches- personifica el crecimiento y el desarrollo. La historia cultural y política del lugar ha dejado su huella en el aspecto de la ciudad”.
Rieger ha expuesto ampliamente en centros regionales y nacionales y su obra forma parte de las colecciones del Centro de Arte Alcobendes de Madrid, la Corporación Internacional Polaroid, el Museo Ogden de Arte Sureño, el Museo de Arte de Birmingham, el Museo de Arte de Huntsville y otras colecciones corporativas y privadas. Está representada por Maus Contemporary en Birmingham, Alabama.
Lisa Elmaleh (n. 1984)
Palmas de Paurotis 2010
Impresión en gelatina de plata usando un negativo de colodión Donación del artista 2014.11.1
Nacida en Miami (Florida), Lisa se graduó en Bellas Artes en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York en 2007, época en la que obtuvo la beca Silas Rhodes. Al graduarse, recibió la prestigiosa beca Tierney para trabajar en un proyecto que se convirtió en una minuciosa documentación visual del impacto del cambio climático en los Pantanos Everglades. La culminación de este proyecto se plasmó en un libro titulado Everglades, publicado en 2016 por Zatara Press.
En 2017, Lisa comenzó a viajar desde las Montañas Apalaches, a través de la costa oeste de los Estados Unidos, hasta la frontera entre México y los Estados Unidos para documentar el paisaje, la cultura, la gente y el medio ambiente en un momento de gran división política. Lisa viaja en un camión con su cama y un cuarto oscuro portátil de placas húmedas. Este proyecto que sigue en marcha combina el retrato, el paisaje y la fotografía documental.
Lisa ganó en 2022 el Premio Arnold Newman por Nuevas Direcciones en el Retrato Fotográfico con su serie Tierra Prometida. En 2024, Lisa recibió una beca de fotografía de la Fundación John Simon Guggenheim Memorial.
Frank Relle (n. 1976)
Soileau
2014
Impresión en pigmento
Donación prometida de Roger Houston
Ogden y Ken Barnes
Para la serie fotográfica «Hasta el agua», perseguí mi deseo infantil de explorar los pantanos y bayous de Luisiana. Estudié mapas, recorrí carreteras secundarias y aguas, buscando lugares donde observar la encrucijada del hombre, la tierra y el agua. La región proporciona una rica fuente de inspiración poética, pero también muchas preguntas sin respuesta.
Entre estas aguas pantanosas llegaron nuestros primeros colonizadores. Los mosquitos propagaron la fiebre amarilla. Los esclavos buscaron la libertad. La industria del ciprés creció. El puerto se abrió para recibir gente y mercancías, intercambiando cultura y comercio. La industria del petróleo y el gas aportó recursos y riqueza sin precedentes. La caza y la pesca recreativas hicieron de este lugar un «paraíso del deportista».
Por otro lado, esas mismas aguas erosionan la costa. Las inundaciones del Huracán Katrina nos recordaron nuestra vulnerabilidad humana y estructural. Los restos del derrame de petróleo de BP siguen llegando a la costa. Científicos y ecologistas demuestran la necesidad de limitar las excavaciones en alta mar, proteger la costa y restaurar los humedales. Los economistas y los jefes de la industria demuestran la necesidad de estimular el crecimiento económico, perseguir la independencia energética y reducir las regulaciones del mercado.
Con mis fotografías, exploro técnicas y temas que detienen nuestra mirada en lo sublime. Los signos de la vida humana se mezclan con la tierra, el agua y los árboles bajo el cielo celeste. Las largas exposiciones y la iluminación teatral captan la belleza, el misterio, el paso del tiempo y la evidencia de nuestra interconexión.
Colectivamente, mis imágenes plantean preguntas que no tienen respuestas claras. Pretenden proporcionar a los espectadores -incluido yo mismo- un momento de alivio de nuestros conocimientos, creencias y temores. Un punto de vista en el que descansar para apreciar la complicada maravilla de la tierra en la que nuestra historia, nuestras vidas y nuestras muertes están poéticamente entrelazadas.
Primera Exposición
Debbie Fleming Caffery (n. 1948)
Caña ardiendo
1999
Impresión en gelatina de plata
Donación de la Galería
Arthur Roger
2015.28.1
Debbie Fleming Caffery creció a orillas del Bayou Teche, en el suroeste de Luisiana, y aún vive en la zona. Al principio de su carrera, se inspiró en la obra de Dorothea Lange y de muchos de los artistas que trabajaban en el FSA y en el Proyecto Federal de Artes de la WPA durante la Depresión. Al igual que sus antepasados, le interesa contar historias con sus imágenes, pero a diferencia de esos fotógrafos, su trabajo es tan artístico como documental. Sus ricas y dramáticas impresiones son el resultado de la profunda relación que mantiene con las personas y los lugares que fotografía, un corolario visual de la reverencia que siente por sus temas.
Caffery ha fotografiado la industria de la caña de azúcar y su comunidad en Luisiana desde finales de la década de 1970. También ha fotografiado pueblos rurales de México durante muchos años, creando obras que establecen conexiones entre esas comunidades y las de Luisiana, tan familiares para ella por su propia educación. En 2005, Caffery recibió una beca Guggenheim por su trabajo sobre las mujeres que trabajan en burdeles en México. En 2006, recibió la beca «Medios del Katrina» de la Fundación Open Society para seguir fotografiando las secuelas del huracán Katrina.
En 2015, Caffery recibió un encargo del Museo de Arte High de Atlanta para su iniciativa fotográfica Fotografiando el Sur. Sus monografías incluyen: Llévame a casa (Smithsonian, 1990), Las sombras (Twin Palms Press, 2002), Polly (Twin Palms Press, 2004), El espíritu y la carne (Radius Books, 2009) y Alfabeto (Fall Line Press, 2015). En 2023-24, Caffery expuso en solitario en el Museo de Arte de Nueva OrleansDebbie Fleming Caffery: A la luz de todo.
Primera Exposición
David Freese (n. 1946)
La luz de la luna sobre la Refinería ExxonMobile I-110, Baton Rouge, LA 2018
Impresión en pigmento
Donación de Bill Press y Elana Auerbach 2023.35.7
Primera Exposición
David Freese (n. 1946)
Cabeza de arena en la isla 34, al sur de Osceola, AR 2018
Pigment print / Impresión en pigmento Promised gift of Bill Press and Elana Auerbach / Donación prometida de Bill Press y Elana Auerbach 2023.35.1
David Freese trabajó durante 30 años como fotógrafo autónomo de lugares de interés y, al mismo tiempo, persiguió su pasión por la creación de imágenes como artista y educador. Ahora dedica toda su atención a la fotografía artística, que incluye proyectos y libros.
Freese es fotógrafo y autor de cuatro libros fotográficos: Costa Oeste: De Bering a Baja, 2012; Costa Este: Del Ártico al Trópico, 2016; y Río Misisipi: De la cabecera y el corazón al delta y el golfo, 2020, que componen la Trilogía sobre las aguas de Norteamérica en una época de rápido cambio climático. Islandia marea invernal, 2021, un libro de tamaño más pequeño y tapa blanda, es una adecuada coda a la trilogía. Su obra se ha publicado en A Photo Editor, Communication Arts, Hyperallergic, Il Post (Italia), Lenscratch, MIT Technology Review, Monthly Photography (Corea del Sur), Photo District News, Polaroid International, Popular Photography, el blog fotográfico de Slate, Behold, Smithsonian Air and Space, Time-Life Books y View Camera.
David ha expuesto internacionalmente, y sus fotografías se encuentran en las colecciones del Centro de Fotografía Creativa, el Museo de Arte de Cleveland, el Museo de Arte Crocker, el Museo de Arte de Denver,
el Museo de Arte Haggerty, el Haverford College, la Biblioteca del Congreso, el Museo de Arte James A. Michener, el Museo Ogden de Arte Sureño, el Museo de Arte Peabody Essex, la Colección Polaroid y el Museo de Arte Sheldon, entre otras muchas colecciones de museos y empresas.
Ha recibido una Beca Polaroid de Asistencia al Artista y tanto una Beca en Artes Visuales como un Estipendio para Oportunidades Especiales del Consejo de las Artes de Pensilvania, así como becas para fotografos de la Fundación Ruth y Harold Chenven, la Fundación Puffin y la Fundación Aegon Transamerica.
Primera Exposición
Doug Eng (n. 1954) Altar de Luz 2014 Impresión en pigmento Adquisición del museo con fondos aportados por Eve Masinter y Monica Frois en memoria de Shirley Rabe Masinter 2024.10.1
Arroyo Profundo - Hastings, FL
June 22, 2014
De la serie “Streaming South”
Rara vez se experimenta un acontecimiento natural único. El aire estaba cargado de humedad y vi que el sol empezaba a asomar por el bosque. El doble reflejo en el agua fue una sorpresa, y en la zona donde chocaban los dos haces de luz bailaban hadas de polvo.
Primera Exposición
Christa Blackwood (n. 1968)
Saucido
2013
Fotograbado de triple impresión
2024.8.1
Adquisición del museo
Saucido de la serie La Dama Desnuda: Un Punto Rojo es el comentario visual posmodernista de Christa Blackwood sobre los géneros tradicionales del paisaje y la fotografía de desnudos reimaginados desde una perspectiva femenina con una mirada feminista. En esta serie, el punto rojo representa un desnudo en el paisaje. Blackwood coloca estos puntos para simbolizar la colocación de un desnudo femenino, basándose en la “mirada masculina» que ha dominado la dinámica de la estructura de poder hombre/mujer, desnudo/ paisaje dentro de la fotografía del siglo XX.
Blackwood escribe en la serie La Dama Desnuda: Un Punto Rojo, “La imagen vernácula de la “figura” en un paisaje se modifica para examinar la mercantilización y el uso ubicuo de la forma femenina en el arte y la cultura”.
La Dama Desnuda: Un Punto Rojo de Blackwood es metafórica y poética. Su fotografía equilibra de forma sublime el mito del Oeste americano a la vez que potencia el papel femenino en la formulación de la narrativa en la fotografía del siglo XXI.
Primera Exposición
Raymond Thompson (n. 1978)
Portal #78.412 Algodón Azul, Snow Hill, NC 2022
Impresión en pigmento
Adquisición por el museo con fondos aportados por Monique y Warren Gardner
2024.13.1
“Es difícil detener a los rebeldes que viajan a través del tiempo” es un proyecto fotográfico que utiliza fragmentos de archivos, efímeros históricos y mis propias imágenes para centrarse en historias individuales de esclavos, cimarrones y fugitivos cuya existencia sólo se revela ahora a través de rastros en el archivo colectivo. Este proyecto pretende ampliar los relatos sobre la experiencia negra y nuestra conexión con el paisaje «americano». Este trabajo se ha basado en archivos históricos locales de avisos sobre esclavos fugitivos, noticias sobre linchamientos, folclore negro y otros acontecimientos históricos específicos de cada lugar.
Los cimarrones eran esclavos que escaparon de sus captores, pero no huyeron al Norte. En su lugar, optaron por crear una vida en los pantanos de difícil acceso o en los espacios salvajes entre plantaciones. Las estrategias y técnicas de supervivencia que utilizaban los cimarrones para sobrevivir en el espacio salvaje entre plantaciones pueden considerarse «prácticas de libertad». A través de estos hilos de historias recientemente recuperados, podemos empezar a replantearnos radicalmente la conexión de los afroamericanos con el paisaje estadounidense.
Este proyecto comienza en el mundo oculto de la frontera sur de EE.UU. y da voz a los cimarrones que vivían en los márgenes de las plantaciones en el siglo XVIII, y llega a través del tiempo hasta los condados actuales que rodean New Bern, NC, fundada en 1710. Históricamente, la ubicación de la ciudad portuaria de New Bern en la costa la convirtió en un centro neurálgico para el tráfico histórico de seres humanos. Esta región, rica en importantes momentos históricos, es sumamente relevante por ser uno de los primeros espacios colonizados de Estados Unidos.
Kael Alford (n. 1970)
Tierra indígena con auge petrolero
Tras el derrame de petróleo de BP, al sur de Pointe-aux-Chene, Luisiana
2010
Impresión en pigmento
Donación de Edwin Robinson
2018.11.5
Luisiana se está encogiendo. El estado pierde una superficie de tierra del tamaño de un campo de fútbol cada 30 minutos debido a la erosión costera provocada tanto por la intervención humana como por los desastres naturales. Años de mala gestión de la tierra por parte de las industrias de energía culminaron en el derrame de petróleo de BP en 2010. La construcción de diques, el dragado de canales a través de humedales, la subida del nivel del mar y el aumento constante de huracanes en los últimos años han resultado catastróficos para las comunidades costeras de Luisiana. La obra de Kael Alford Inferior de La Bota: La costa que desaparece de Luisiana documenta las comunidades del sur de Luisiana más afectadas por la pérdida de tierras: Pointe-aux-Chenes e Isle de Jean Charles.
Más de 1500 habitantes de Point-aux-Chenes y la isla de Jean Charles son una mezcla de tribus autóctonas y colonos franceses y estadounidenses. La mayoría vive del Golfo de México y trabaja en las industrias del marisco y el petróleo. En el proceso de documentación del sur de Luisiana, Alford pudo recopilar un álbum personal de fotos de su familia; su ascendencia se puede trazar hasta las tribus nativas de la región a través de su abuela materna. Esta conexión personal con la zona le sirvió de base para su trabajo.
Con su obra Inferior de la Bota, Alford creó imágenes dignas y compasivas de una región que lucha contra un futuro incierto. Como fotógrafa comprometida con un enfoque humanista del tema, su práctica fusiona la sensibilidad de las bellas artes con la tradición documental y narra con compasión la historia de la gente y el entorno del sur de Luisiana, en primera línea de la lucha de Estados Unidos contra la pérdida de tierras costeras y el cambio climático.
Will Jacks (n. 1972)
Árbol en Batture, Bollivar Condado, Mississippi
2021
100 impresiones Fuji Instax Donación del artista
2024.4.1
Will Jacks es un artista de procesos conocido sobre todo por su obra fotográfica. También incorpora a su práctica exploraciones con tierra, objetos, sonido, vídeo y compromiso con la comunidad. Su investigación examina las zonas difusas entre arte y periodismo, individuo y colectivo, y el impacto de cada uno en el otro.
La primera monografía de Will documenta el local de música Po’ Monkey’s Lounge, que sirve como prisma para examinar el turismo cultural y la preservación y las complejidades que prevalecen en ambos. Fue publicado por University Press of Mississippi en octubre de 2019, y por este trabajo Jacks fue reconocido por el Instituto de Artes y Letras de Mississippi por logros sobresalientes en fotografía. En 2020 completó un máster en Arte de Estudio en el Colegio de Arte de Maine, y en 2021 completó su máster en Periodismo en la Universidad de Mississippi.
En la actualidad, Will es profesor adjunto de Arte y Fotografía en la Universidad de Troy. A menudo se le puede encontrar en las carreteras rurales de algún lugar del Sur explorando la gente, la cultura, la historia, la geografía, el patrón y el enredo de donde esos mundos chocan.
Biografía
Primera Exposición
John Folsom (n. 1967)
Pantano de Maurepas VI
2022
Impresión en pigmento
48 x 40 inches Donación de Courtney
Bombeck
2022.5.1
Nacido y criado en Paducah, Kentucky, el artista multimedia John Folsom se graduó en Bellas Artes en Cine y Fotografía de la Universidad del Sur de Illinois. Su obra explora el potencial de las imágenes fotográficas a través de la intersección de los medios digitales y la pintura. Conocido principalmente por crear obras relacionadas con el género del gran paisaje, Folsom también ha producido piezas sonoras utilizando grabaciones de campo y discos de vinilo. Su obra forma parte de la colección permanente del Museo Estatal de Tennessee en Nashville, el Museo Gibbes de Charleston (Carolina del Sur), los Museos Telfair de Savannah (Georgia) y el Museo Ogden de Arte Sureño de Nueva Orleans, así como de numerosas colecciones privadas y públicas.
Declaración
Mi práctica demuestra el potencial narrativo de los paisajes a través de la intersección de la pintura y la fotografía. Me interesa el espacio de la tierra como construcción cultural y el modo en que el ser humano confiere significado a la naturaleza creando entornos simbólicos. Mi proceso se compone de fotografía digital manipulada en combinación con diversos medios. La imagen se ve además alterada por una enigmática cuadrícula que da lugar a la noción de un territorio cartografiado. Los paisajes pueden tener un poder simbólico que refleja la identidad cultural del observador. Siempre me he esforzado por situar mis obras en un contexto histórico, reflejando escuelas pictóricas anteriores asociadas a lo sagrado y lo sublime, al tiempo que utilizaba materiales relacionados con la fotografía digital. En contraste con la Escuela del Río Hudson, caracterizada por el descubrimiento y la exploración, este nuevo conjunto de obras trata de descubrir un paisaje en transformación, un documento de una costa en transición.
Victor Balaban (n. 1965)
Museo Público de Milwaukee, Milwaukee, WI
2010
Impresión en pigmento 16 x 16 inches Donación del artista
2012.5.1
Victor Balaban estudió psicología en la Universidad Emory de Atlanta. A finales de la década de 1990, mientras estudiaba en Emory, Balaban se interesó por el uso de la fotografía como parte de su investigación sobre las experiencias de los «peregrinos» que viajan a Conyers Georgia el día 13 de cada mes para lo que ellos creen que son visitas y comunicaciones de la Virgen María a Nancy Fowler, residente de Conyers.
Captar la espiritualidad dentro de la sociedad contemporánea, así como el paisaje, ha guiado la práctica fotográfica de Balaban. En su fotografía, Museo Público de Milwaukee, Milwaukee, WI, Balaban documenta un diorama de paisaje pintado dentro del Museo. Esta obra difumina las ideas de autoría y rinde homenaje a la estética pictórica del movimiento fotográfico de principios del siglo XX: el pictorialismo.
Primera Exposición
Lynne Buchanan (n. 1959)
La única opción es seguir la luz 2020
Impresión en paladio
Donación de Peter David Halstead
Lynne Buchanan es fotógrafa climática y autora de la obra Aguas cambiantes de Florida: Un hermoso mundo en peligro y Poesía del ser.
Su obra poética se centra en temas relacionados con el agua, tanto en la importancia de las vías fluviales de todo el mundo como en las amenazas a las que se enfrentan. Su trabajo sobre el clima registra la belleza natural que se está dañando y perdiendo en todo el planeta. La obra de Lynne también se centra en la biodiversidad y los ecosistemas forestales, y en cómo su contribución a la salud del planeta se está viendo perjudicada por el ser humano.
Sus reconocidas fotografías han aparecido en numerosas exposiciones individuales y colectivas, tanto nacionales como internacionales, y se coleccionan en todo el mundo.
Richard Sexton (n. 1954) Helechos Fénix
1992
Quadtone pigment print / Impresión en pigmentos de cuatro tonos Regalo prometido del artista
Primera Exposición
Jim Zietz (n. 1957)
Tormenta del Golfo IV
Pensacola Beach, FL, junio de 1989 1989
Impresión en pigmento
Donación del artista 2023.7.3
Tormenta del Golfo II
Pensacola Beach, FL, junio de 1989 1989
Impresión en pigmento
Donación del artista 2024.2.3
Playa de Panama City nº 1, FL, noviembre de 2002 2002
Impresión en pigmento
Donación del artista 2024.2.4
Playa de Panama City nº 4, FL, noviembre de 2003 2003
Impresión en pigmento
Donación del artista 2024.2.6
Jim Zietz visita regularmente el extremo noroeste de Florida y la costa del Golfo de Alabama desde su infancia. La playa es un lugar ideal para relajarse y olvidarse del resto del mundo, y sirve como elemento compositivo constante de estas fotografías en el horizonte siempre presente en el Golfo. Con esta serie de fotografías, Zeitz rinde homenaje al gran fotógrafo japonés Hiroshi Sugimoto, cuyas elegantes fotografías de paisajes marinos cautivaron la imaginación del mundo del arte mundial durante la década de 1980-90. La pasión de Jim Zietz por la fotografía comenzó a una edad temprana. Fue estudiante de fotografía en la Universidad Estatal de Luisiana (LSU) y fotógrafo universitario en la Oficina de Comunicación Estratégica de la LSU durante 35 años, hasta su jubilación. Ha trabajado mucho como fotógrafo independiente y ha participado en varios proyectos de larga duración basados en las humanidades, como libros sobre arquitectura de Luisiana y muebles antiguos. Fue profesor adjunto en la Escuela de Arte de la LSU, donde impartió las primeras clases de fotografía digital y creó el primer laboratorio fotográfico digital.
Las fotografías de Jim Zietz se han utilizado en numerosas publicaciones y sitios web internacionales y ha expuesto su obra personal en galerías y exposiciones colectivas de todo el país. Su obra fue elegida para su instalación permanente en el Edificio Claiborne de Baton Rouge a través del proyecto Porcentaje de Arte de Luisiana y la Colección Histórica de Nueva Orleans adquirió recientemente un número considerable de sus fotografías. Su obra también forma parte de la colección permanente del Museo Ogden de Arte Sureño.
Eugene A. Delcroix (1891 - 1967)
Primavera en el pantano
1925
Impresión en plata gelatina
Colección de Roger Houston Ogden
El legado artístico de Delcroix es el de un pictorialista de última generación. Este tipo de fotografía, en la que el tema real tiene menos importancia que la visión artística del fotógrafo, fue cayendo en desuso en las décadas de 1920 y 1930 al verse desafiada por diversos aspectos del modernismo en la fotografía, entre ellos el Grupo f/64, un grupo de siete fotógrafos de San Francisco del siglo XX que compartían un estilo fotográfico común caracterizado por un enfoque nítido y una estructura compositiva rigurosa.
Las fotografías de Delcroix sobre temas de Nueva Orleans y Luisiana, normalmente impresas y enmarcadas en un tamaño lo bastante pequeño como para meterlas en una maleta, eran recuerdos inmensamente populares entre quienes visitaban la Ciudad de la Media Luna. En 1938 publicó Patios, escaleras y balcones de encaje de hierro de la vieja Nueva Orleans, reimpreso varias veces en la década siguiente. Delcroix dio conferencias en público y dirigió talleres sobre aspectos de la práctica fotográfica y la creación de imágenes. Murió en Nueva Orleans en 1967.
John H. Lawrence
Colección Histórica de Nueva Orleans
Sandra Russell Clark (n. 1949) Sin título de Paisaje de ensueño de Luisiana 1985
Fotografía infrarroja coloreada a mano Donación de la Colección Roger Houston Ogden 2003.1.94
Sandra Russell Clark nació en 1949 y vive y trabaja en Nueva Orleans. Comenzó su carrera fotográfica en 1978 y fue Directora de Fotografía en el Centro de Arte Contemporáneo de Nueva Orleans de 1980 a 1985. Clark impartió clases de fotografía en la Universidad Loyola de Nueva Orleans en 1993-94, así como talleres privados en Venecia (Italia). Sus obras se han expuesto ampliamente en Estados Unidos y el extranjero y sus fotografías han aparecido en Vogue, Elle, The Traveler y la revista American Artist, así como en numerosas publicaciones sobre fotografía.
Durante las décadas de 1980 y 1990, Clark trabajó en proyectos como Paisajes de ensueño de Luisiana, El toque sensual, Diarios de una mujer americana, Jardines de reflexión, Venecia, Una luz que desaparece y Elysium. En otoño de 1997, la Editorial de la Universidad Estatal de Luisiana publicó el libro de fotografías de Clark, Elysium: A Reencuentro de Almas - Cementerios de Nueva Orleans.
En agosto de 2005, Sandra y su marido Evert, también artista, perdieron su casa, sus estudios y la mayor parte de su contenido en el huracán Katrina. 30 años de trabajo desaparecieron en cuestión de horas. Sandra y Evert pasaron los dos años siguientes en Amagansett, Nueva York, con frecuentes viajes a la costa del Golfo para trabajar en la restauración de su casa y sus estudios.
Las fotografías de Clark figuran en colecciones de museos, empresas y privadas en Estados Unidos y el extranjero, como el Museo de Arte de Nueva Orleans, el Museo Ogden de Arte Sureño, la Colección Histórica de Nueva Orleans, el Museo de Bellas Artes de Hoston, el Museo de Arte de Mississippi, el Museo de Arte William Benton, el Museo Memphis Brooks, el Museo Guild Hall, el Conservatorio de Arte de Pensilvania y el Museo de Arte de la Universidad de Princeton, entre otros.
Primera Exposición
Charles Muir Lovell (n. 1952) Árboles en el pantano, Greenville, Carolina del Norte 1993
Impresión en gelatina de plata Donación del artista 2021.5.20
Nacido en Chicago, Charles Muir Lovell vive y trabaja en Nueva Orleans. Tiene un máster y una licenciatura en fotografía por la Central Washington University y la East Texas State University. Lovell empezó a fotografiar de joven, viajando por Europa y Sudamérica. Continuó su práctica fotográfica durante sus más de veinte años como director y conservador de museos, una carrera que le llevó desde el noroeste del Pacífico hasta el suroeste y el sur profundo, encontrando en todas partes culturas y temas fotográficos distintivos.
A Lovell le apasiona desde hace tiempo fotografiar a las personas dentro de sus culturas. Tras mudarse a Nueva Orleans en 2008, empezó a documentar los desfiles de segunda línea de la ciudad, los clubes de ayuda social y placer y los funerales de jazz, capturando y preservando para la posteridad una parte única y vibrante del rico patrimonio cultural de Luisiana. Una serie anterior basada en procesiones religiosas en México, El Favor de los Santos, fue una exposición itinerante internacional apoyada por la Fundación Rockefeller. El resultado fue un libro publicado por la editorial de la Universidad de Nuevo México, Arte y fe en México, en 1999.
Sus fotografías se han expuesto a nivel nacional e internacional y se encuentran en varias colecciones permanentes, como el Museo de Arte de Nueva Orleans, la Colección Histórica de Nueva Orleans y el Museo Ogden de Arte Sureño. En 2020 recibió el premio Michael P. Smith al Fotógrafo Documental del Año, concedido por el Fondo de Humanidades de Luisiana.
George Yerger (n. 1941)
Árbol Solitario, Delta del Mississippi
2002
Impresión digital de un negativo de cámara de juguete
Donación de George Yerger y Leslie Addison
2006.10.1
George Havard Yerger es natural de Mound, Luisiana. Está orgulloso de sus raíces ancestrales en el delta del Misisipi y Luisiana. Con un enfoque a menudo fotoperiodístico, Yerger se siente atraído por los símbolos, los signos y el folclore local representativos del modo de vida sureño. La obra de Yerger forma parte de las colecciones permanentes del Museo de Bellas Artes de Houston; el Museo de Arte de Mississippi, Jackson, MS; el Museo Ogden de Arte Sureño, Nueva Orleans; el Museo de Artes y Ciencias de Luisiana, Baton Rouge; el High Museum of Art de Atlanta; y el Museo de Arte de Nueva Orleans.
La obra de Yerger se ha presentado en el Centro de Arte Contemporáneo de Nueva Orleans y en exposiciones del Museo de Arte de Mississippi, el Museo de Arte de la Universidad del Sur de Mississippi, el Museo Ogden de Arte Sureño y el Museo de Artes y Ciencias de Luisiana, entre otros. Entre sus galardones destacan una beca de la Fundación Pollock/Krasner, una beca para artistas de la División de Artes del Estado de Luisiana y dos becas de la Fundación de Economía Cultural de Luisiana. Yerger se licenció en la Universidad del Sureste de Luisiana.
Refugio nacional de vida salvaje de Okefenokee 27 de marzo de 2014
De la serie Mi verdadera Florida S: Escena fija, Pantano del Sur
Quizá especialmente con este un pantano en toda su musgosa quietud, captado en una fotografía de Douglas Engla mente debe imprimir alguna frase,
debe hacer un orden de la metáfora, porque tal es el camino de la reflexión, y así: el mundo, parece, se vuelve sobre sí mismo en la línea de flotación: cipreses y tupelos como narcisistas, solipsistas, como si nada existiera en el mundo excepto ellos mismos, especialmente el sonido: ni batir de alas, ni el golpe de cola, ni el chapoteo, ni la sibilancia
de la boca de algodón, sólo este silencio, y, porque no son arrasados (no todavía al menos), la mente cree que los árboles son orgullosos, y le dice al oído que escuche un grito, lleno de alabanza. Hastings Hensel, 2016
Primera Exposición
Doug Eng (n. 1954)
Cypress on Suwannee Sill / Ciprés en el umbral del Suwannee 2014
Archival pigment print / Impresión con pigmentos de archivo Museum purchase with funds provided by Carlos Carmona and David Pine / Adquisición del museo con fondos aportados por Carlos Carmona y David Pine 2024.11.1
Biografía
Nueva adquisición
Ben Depp (n. 1983)
Pelícanos en la bahía de Scofield 2018
Impresión en pigmento
Donación de Zeph, Cayla y Harry Hardy en memoria de Jeannette Gottlieb Hardy 2024.14.1
Ben Depp es un artista residente de Nueva Orleans, Luisiana. Gran parte de su trabajo se ha centrado en temas medioambientales y su fotografía medioambiental ha sido financiada por el Centro Pulitzer de Reportajes de Crisis, el Centro del Medio Oeste de Reportajes de Investigación, la Fundación Ford y la National Geographic Society.
En 2014, Depp empezó a hacer imágenes aéreas en un parapente motorizado, que permite horas de exploración, una trayectoria de vuelo baja y la búsqueda intensiva de composiciones sorprendentes. Aprendió a pilotar un parapente a motor para su trabajo en curso de documentación de la pérdida de humedales y la erosión costera en Luisiana y la costa del Golfo. Este trabajo se ha expuesto en la Galería A de Fotografía Fina, en el Museo Estatal de Luisiana y en el Museo Ogden de Arte Sureño. El proyecto fue ganador del premio Communication Arts Annual 2017 y ha sido publicado por la revista Smithsonian, el Sierra Club, Audubon, Scientific American y Photography Forum, entre otros.
Declaración del artista
Esta obra forma parte de mi proyecto en curso para documentar el paisaje en rápida evolución del sur de Luisiana. Llevo siete años sobrevolando los bayous y humedales del sur de Luisiana en un parapente a motor, fotografiando pistas visuales que cuentan la historia de este lugar y su desaparición.
Escanee el código para ver “Última llamada para el Bayou 101: En un ala y una plegaria”
Franz Jantzen (n. 1964)
Vista panorámica de las curvas Paw Paw I, II y III
1996
Impresión en gelatina de plata
Donación de Hemphill Bellas Artes, Washington, DC
2005.22.2
Franz Jantzen es un artista-fotógrafo que vive y trabaja en Washington D.C. Es el último en el área de Washington D.C. en ofrecer impresión fotográfica personalizada en blanco y negro y es también el gestor de colecciones de artes gráficas en la oficina del conservador del Tribunal Supremo de los Estados Unidos. Con el ojo puesto en captar cómo nos desplazamos por espacios estructurados, Franz Jantzen llama nuestra atención sobre nuestro propio impacto en la arquitectura y el medio ambiente. La fotografía de Jantzen - Vista panorámica de las Curvas Paw Paw I, II y III capta el río Potomac a su paso por el dramático paisaje de Virginia Occidental.
Jantzen ha documentado maravillas naturales, reliquias de la industria, espacios arquitectónicos y lugares históricos, todo ello con el fin de crear un diálogo envolvente con el sujeto u objeto de la cámara. Jantzen empezó a experimentar con la fotografía digital en 2004, desarrollando un método para cartografiar y catalogar el espacio, combinando después muchos cientos o miles de imágenes en un todo. Las obras resultantes cruzan la línea entre la pintura y la fotografía. Su obra se ha expuesto en todo el país y forma parte de numerosas colecciones públicas y privadas, como las del Museo de Bellas Artes de Houston (Texas), el Museo Ogden de Arte Sureño de Nueva Orleans ( Luisiana), la Biblioteca Folger Shakespeare de Washington DC y la Corporación del Washington Post.
William Christenberry (19362016)
Paisaje de invierno de Kudzu, cerca de Akron, Alabama, 1981
1981
Impresión por transferencia de tinta
Gift of Dr. Richard Flax and Dr. Donación del Dr. Richard Flax y la Dra. Katherine Alley
2019.12.10
William Christenberry (19362016)
Paisaje de invierno de Kudzu, cerca de Akron, Alabama, 1981
1981
Impresión por transferencia de tinta
Gift of Dr. Richard Flax and Dr. Donación del Dr. Richard Flax y la Dra. Katherine Alley 2019.12.10
“La obra de William Christenberry es una evocación poética de una tierra embrujada”. - Walker Percy La sombra que William Christenberry proyecta en el género de la fotografía sureña es profunda. Christenberry fue pionero en el uso y la aceptación del color en la fotografía artística. Sus composiciones sencillas, elocuentes y formales reconocen lo extraordinario dentro de lo ordinario. Sus proyectos a largo plazo, basados en el tiempo, documentan un lugar singular pero cambiante. Estos conceptos, defendidos por Christenberry, se han convertido en la norma de la fotografía contemporánea. Sobre todo, su innovador uso de la cámara como herramienta para contar historias ha inspirado a una nueva generación de fotógrafos que trabajan en el sur de Estados Unidos.
Aunque las técnicas fotográficas empleadas por el artista han evolucionado y cambiado a lo largo de su carrera, su obra se ha centrado siempre en el paisaje y la arquitectura vernácula del condado de Hale, Alabama. En 1977, motivado por el fotógrafo Lee Friedlander, Christenberry empezó a fotografiar con una cámara de gran formato Deardorff de 8 x 10 pulgadas.
El formato de película más grande, combinado con la óptica precisa de la cámara Deardorff, permitió a Christenberry realizar impresiones de mayor calidad y a mayor escala, con mayor detalle. El tema característico de Christenberry -la cambiante arquitectura vernácula y el paisaje rural sureño- siguió siendo el mismo que el de sus fotografías con la cámara Brownie. Las pequeñas fotografías manuales con Brownie de Christenberry tenían el aspecto de una instantánea o, como las describiría Walker Evans, de «pequeños poemas». Sus fotografías Deardorff, por la naturaleza de la complicada cámara voluminosa, eran más mediadas, estudios concentrados y reflexionados.
Richard Sexton (n. 1954)
Prevalente, Paisaje
2001
Impresión en pigmento
Regalo prometido por el artista
«Siguiendo un camino y una visión del Sur costero establecidos por pintores como Regis Gignoux, Joseph Rusling Meeker, George Herbert McCord y Martin Johnson Heade, y ampliados por fotógrafos como William Henry Jackson, Walker Evans y Clarence John Laughlin, Terra Incognita de Richard Sexton es una aportación significativa a la historia visual del Sur de la Costa del Golfo».
- Rick Gruber, Director Emérito del Museo Ogden de Arte Sureño
Richard Sexton es un autor y fotógrafo cuya obra ha sido publicada y expuesta en todo el mundo. Las fotografías de Sexton forman parte de las colecciones de La Colección Histórica de Nueva Orleans, el Museo de Arte de Nueva Orleans, el Museo Ogden de Arte Sureño, el Museo de Arte Frost, el Museo Sureste de Fotografía, el Museo de Arte de la Universidad de Princeton y el High Museum of Art, entre otros. Sexton recibió el Premio Michael P. Smith de Fotografía Documental de la Fundación de Humanidades de Luisiana en 2014.
A principios de los 90, poco después de mudarse de San Francisco a Nueva Orleans, Sexton empezó a hacer fotografías en blanco y negro de paisajes de la costa del Golfo. Con el paso de los años, fue ampliando poco a poco su obra, que comenzó en las regiones costeras del condado de Walton (Florida) y acabó abarcando paisajes de Nueva Orleans y sus alrededores, otras zonas del ‘Panhandle’ de Florida, el suroeste de Georgia y la costa del golfo de Misisipi.
Después de 15 años, surgió la posibilidad de publicar un libro y Sexton se puso en contacto con la editorial Chronicle Books, con la que tenía una larga y exitosa trayectoria en la creación de libros dedicados a la arquitectura, el diseño, el estilo de vida y el urbanismo. Terra Incognita fue publicado en 2007 por Chronicle Books, y ese mismo año el Museo Ogden de Arte del Sur acogió la exposición Richard Sexton: Terra Incognita.
C.C. Lockwood (n. 1949)
Atardecer en el lago Flat 1980
Impresión fotográfica en cibachrome
Donación de la Colección Roger Houston Ogden
2003.1.326
Robles y jacintos 1989
Impresión fotográfica en cibachrome
Donación de la Colección Roger Houston Ogden
2003.1.330
Desde la década de 1970, el fotógrafo C.C. Lockwood ha vivido y trabajado en ecosistemas frágiles cuya conservación da forma a su arte. A través de palabras e imágenes, ha captado el sentido único del espacio en lugares salvajes tan diversos como las tierras pantanosas de Luisiana y las zonas montañosas del Oeste americano. Su trabajo ha recibido el reconocimiento internacional como artista medioambiental, incluido el Premio Ansel Adams del Sierra Club a la fotografía de conservación. La obra de Lockwood sigue reflejando los cambios y peligros del mundo natural. En 2011, la Oficina de Correos de EE.UU. eligió la fotografía de Lockwood, Atardecer en el Lago Flat, como sello conmemorativo del bicentenario del estado de Luisiana.
Primera Exposición
Trenity Thomas (b. 1999)
Tierra de Sevierville 2021
Impresión en pigmento de archivo
Adquisición del museo con fondos aportados por Jessie y Beau Haynes y su familia 2024.12.1
Trenity Thomas es un fotógrafo y pintor autodidacta que vive en Nueva Orleans. Como fotógrafo, ha trabajado en infinidad de géneros: moda, estilo de vida, editorial, conceptual, deportes, retratos y fotografía nocturna. Thomas ha participado en varias exposiciones con jurado, la más reciente de las cuales ha sido la 24ª Exposición Internacional con Jurado de Arte Contemporáneo NO ARTISTAS MUERTOS, organizada por la Galería FERRARA SHOWMAN, y la exposición con jurado Louisiana Contemporary, presentada por la Fundación Helis en el Museo Ogden de Arte Sureño de Nueva Orleans (Luisiana). Sus fotografías también han recibido atención internacional al ser elegidas para su exposición en PhotoVogue, una prestigiosa colección de fotografías comisariada por los editores de fotografía de Vogue Italia.
