Gallery SPB 17 by Ole Rain

02 / 17 / 2014

Â©Banksy Cheltenham, Hewlett Road Coutersy StreetArtNews

Wynwood district, Miami Courtesy Wally Gobetz

Gallery.spb лицензия Зарегистрирован Управлением Федеральной службы по надзору в сфере связи, информационных технологий и массовых коммуникаций по Санкт-Петербургу и Ленинградской области. Свидетельство о регистрации средства массовой информации ПИ № ТУ 78-00389 от 24 августа 2009 года учредитель ООО «Мойка, 24» издатели Елена Андреева, Анастасия Морозова тел./ факс: 315 02 51 стратегический партнер Артиндекс тел. 924 9241 главный редактор Ксения Ланда авторы Ксения Ланда Анастасия Морозова Питер Сибрайт Евгений Фатеев Марина Гончарова Вера Аристова Алекс Гомес Марк Ярсли Мария Анипченко Тристан Манко Джорджина Адам Николай Ильин дизайн Николай Федотов верстка Ольга Дождева Отпечатано в типографии перевод «Премиум пресс» Ольга Гилева Санкт-Петербург, ул. Оптиков, 4 юрист Тел.: (812) 324 18 15 Александр Шестопалов Тираж 5000 экз. корректор Цена свободная Елена Русанова реклама и распространение 8 (909) 588 13 78

адрес редакции и издателя 191186 Россия, Санкт-Петербург наб. р. Мойки, 24, лит. А, пом. 8Н тел.: (812) 315 02 51 galleryspb@gmail.com

Часть тиража распространяется бесплатно Приобрести журнал можно по адресу: наб. р. Мойки, 24 Подписано в печать 20.04.2014 Редакция не несет ответственности за содержание рекламных объявлений. Использование любых материалов из журнала возможно только после согласования с редакцией «Gallery.spb». Юридическую поддержку и защиту авторских прав осуществляет Приморская Коллегия Адвокатов Адвокатской Палаты Санкт-Петербурга

Yvon Lambert Paris |

галереи

Алфавитный указатель по галереям

5-10 12-18

rus eng

events

20-33 Stenograffia Cannes Lions Grafffest ArtProspect 34-43

Basics Основные принципы стрит-арта

44-61 Names/New names Shephard Fairey Banksy Interesni Kazki 62-65 Prize JR 66-71

Collector’s choice Wooster collective

72-75

Art Theory High and Low

76-81

Spotlight Casus Pacis

82-97 Biennale Art Capital Moscow 98-103 Art Fair FIAC

содержание 4

galleryspb (2/17) 2014

104-115 Conversations Art Basel Miami Beach

галереи

ГАЛЕРЕИ СПБ ALGallery

www.kgallery.ru gallery@kgallery.ru пн-пт: 11.00-20.00 Сб: 12:00-18:00

570-61-33, 570-47-37 www.savinagallery.com savinagallery.info@gmail.com вт-вс: 12:00-20:00

Asa Art Group

Lazarev Gallery

StArt

СПб, наб. реки Фонтанки 56 +7(981)894-14-11 www.asaartgallery.ru asaart@mail.ru пн-пт: 11:00-19:00

СПб, 6-я линия В.О., 5/5 328-22-22, 945-68-10 www.lazarevgallery.com info@lazarev.com вт-вс: 11:00-20:00

СПб, ул. Ломоносова, д. 1 956-46-32, 314-26-27 www.startacademy.ru art@startacademy.ru пн-пт: 12:00-21:00 сб, вс: 12:00-20:00

ArtMuza

Marina Gisich Gallery

СПб, 13 линия В.О, 70 313-47-03 www.artmuza.spb.ru artmuza.spb@gmail.com пн-вс: 11:00-20:00

СПб, наб. р. Фонтанки, 121 314-43-80, 570 78 73 http://www.gisich.com/ marina.gisich@gmail.com пн-пт: 11:00-19:00 сб: по договоренности

Tioindigo

Name Gallery

Frants Gallery

СПб, Большая Конюшенная, 15 314-72-46 www.namegallery.ru info@namegallery.ru вт-сб: 11:00-19:00

СПб, ул. Рубинштейна, 23 кв 39, 6 этаж, код 39 664-83-37, +79219705733 www.frantsgallery.com anna@frantsgallery.com пн-вс: по договоренности

+7(921)938-88-44 www.al-gallery.com info@al-gallery.com

Спб, Константиновский пр,1 947-84-02 www.tioindigo.ru 9478402@mail.ru пн-вс: 12:00-18:00

Art re Flex СПб, пр. Бакунина, 5 332-33-43 www.artreflex.ru info@artreflex.ru вт-сб: 12:00-19:00

Bulthaup СПб, Б.Конюшенная, 2 611-11-55, 315-72-74 www.design-gallery.ru designgallery.spb@gmail.com пн-пт 11:00-20:00 сб,вс 11:00-19:00

N-Prospect

Dvoika Gallery

Navicula Artis

СПб, ул. Миллионная, 4/1 702-73-74 www.2-gallery.com пн-вс: 15:00-21:00

СПб, Пушкинская ул., 10 офис 404 951-78-94 www.p-10.ru ср-вс: 16:00-20:00

СПб, Невский пр., 78 579-86-49 www.n-prospect.ru mail@n-prospect.ru пн-вс:11:00-20:00

KGALLERY СПб, наб. р. Фонтанки, 24 273-00-56

Savina Gallery

АННA 191011, СПб, Михайловская ул., 1/7 (Гранд Отель Европа Мезонин) 329-65-46 belage@mail.ru пн-вс: 11:00-20:00

Анна Нова СПб, Жуковского ул., 28 275-97-62; www.annanova-gallery.ru info@annanova-gallery.ru вт-сб: 11:00-19:00

СПб, Невский проспект, 60 (2/17) 2014 galleryspb

галереи Апрель

Арт-центр Пушкинская, 10

вт-вс: 12:00-19:00

Интернет-галерея. СПб +7 (921) 916-94-68 www.aprilgallery.ru spb-gallery@yandex.ru

СПб, Пушкинская ул., 10 764-53-71 www.p-10.ru info@p-10.ru

Галерея Академии художеств

Арка

А-Я

СПб, ул.Большая Морская, 6 +7(921)429-48-61 www.arkartgallery.ru arka-gallery-spb@mail.ru

Спб, Невский пр., 60 (вход во дворе) 570-47-37 www.a-ya.org office@ayaorg.ru вт-вс: 12.00-20.00

Арт.Объект СПб, Большая Пушкарская, 10 +7 931 250 87 11 www.artobject-gallery.ru ao@artobject-gallery.ru Ср,пт: 12.00-18.00

Борей Арт Центр СПб, Литейный пр., 58 275-38-37 www.borey.ru borey.info@gmail.com Вт-сб: 12:00-20:00

Арт-Вояж Интернет-галерея СПб, Лиговский пр., 43/45, офис 400 +7(921) 444-555-8 www.spbart.com artexpert@inbox.ru

Вадима Зверева

Арт-Лига

Вернисаж свободных художников СПб

СПб, Пушкинская ул., 10 764-53-71 www.p-10.ru ср-вс:16:00-20:00

Арт-Центр Грибоедова, 52 СПб, наб.кан. Грибоедова, 52 310-71-86, 310-29-95 centre@artacademy.ru Пн-сб:10:00-20:00, вс: 11:00-19:00

Арт-центр в Перинных рядах Спб, Думская ул,4 448-20-28 www.artcenter.su artcenter.spb@gmail.com Пн-вс: 10:00-21:00

galleryspb (2/17) 2014

СПб, Сикейроса ул., 1 +7 (905) 215-70-47 www.zverev-gallery.ru mail-us@zverev-gallery.ru пн-вс: по договоренности

СПб, Невский пр., д. 32-34 314-57-07 www.centrvernisazh.ru vernisag.s@mail.ru Пн-вс: 11:00-18:00

Вячеслава Чеботаря Спб,Апраксин двор, корп. 41, 3 этаж 310-16-54 Пн-вс: 10:00-19:00

Наличная ул., 21 355-12-74 +7(921) 942-40-04 www.akademart.com akademart21@gmail.com пн-вс: 11:00-19:00

Галерея кукол СПб, Б. Морская ул., д. 53/8 314-49-34 вт-пт: 12:00-19:00 сб: 12:00-18:00

Галерея современного искусства фарфора СПб, пр. Обуховской обороны, 151 (Ломоносовский фарфоровый завод, 1 этаж) 326-17-43 www.ipm.ru gallery@ipm.ru пн-сб: 10:00-19:00

Галерея Современной Скульптуры и Пластики СПб, ул, Профессора Попова, д 2 +7(911)004-31-26, www.sculptureinrussia.com askme@SculptureinRussia.com вт.-вс: 12:00-20:00

Гильдия мастеров СПб, Невский пр., 82 579-09-79, 922-99-14 www.guild-master.ru guild-master@mail.ru вт-сб: 12.00-20.00

Голубая гостиная Выставочный центр Союза Художников Спб, Большая Морская, 38 314-30-60 www.spb-uniart.ru fineart@yandex.ru

СПб, Большая Морская ул., 38 315-74-14, 997-07-38 www.lyssak.com lysak@mail.ru пн-вс:12:00-19:00

Гостиная искусств 191025, СПб, Невский пр., 47 (ресторан “Палкинъ”) 703-53-71, 312-11-80 pr@palkin.ru

ГЭЗ-21 Спб, Пушкинская ул., 10 764-52-58 www.gez21.ru пн-пт: 17:00-23:00 сб-вс: 15:00-23:00

Д-137 СПб, Рубинштейна ул., 15-17 +7(981)6876051 www.d137.ru info@d137.ru пн-вс: по договоренности

Ди Ди СПб, В.О., Большой пр., д. 62 320-73-57, www.didigallery.com admin@didigallery.com пн-пт: 12:00 – 20:00, сб: 12:00-19:00

Диса СПб, Большая Конюшенная ул., 1; наб. Обводного канала, 136 (для юр. лиц) 716-16-04 www.artdisa.ru 7161604@mail.ru пн-вс: 11:00-20:00,

art@ddsgallery.ru пн-пт: 12:00-19:00

Исачева СПб, наб.р. Мойки, 82 312-51-31 www.artneo.ru artneo-piter@mail.ru пн-вс: 11:00-19:00

Квадрат СПб, Куйбышева ул., 28 (бельэтаж) 232-12-38 info@russkialbum.ru, ср-сб: 14:00-19:00

Квартира Алексея Сергиенко СПб, Казанская ул., 12, кв. 35 572-15-51 www.sergienko.info 7550832@gmail.com пн-вс: 17:00-23:00

Контракт рисовальщика СПб, наб. р. Мойки, 24 315-02-51 www.cdspb.com info@cdspb.com пн-вс: 11:00-19:00

Кустоновича СПб, Б. Конюшенная ул., 11 лит. Б +7-911-770-76-41 www.dkust.com dkust@dkust.com пн-вс:12:00-20:00

До-галерея СПб, Чайковского ул., д.10, кв. 61 273-24-06, +7(921)932-35-32 www.dogallery.spb.ru tulen153@yandex.ru

Лавка художника СПб, Невский пр., 8 314-80-81 www.nevsky8.com пн-вс: 11:00-21:00

ДэДиС Спб, 9 линия, В.О., оф. 407 347-78-40 www.ddsgallery.ru

Либерти СПб, Пестеля ул., 17/25 579-44-10, 579-22-14

www.sovietart.ru www. libertyartgallery.ru art-liberty@mail.ru вт-вс: 11:00-19:00

Лофт Проект Этажи СПб, Лиговский пр., 74 458-50-05 http://www.loftprojectetagi.ru info@loftprojectetagi.ru пн-вс: 9:00-21:00

Лофт Rizzordi Art Foundation Спб, ул. Курляндская, 49 +7(921)402-53-30 www.rizzordi.org info@rizzordi.org ср-вс:12:00-20:00

Мансарда художников СПб, Б. Пушкарская ул., 10 988-77-88 www.art-mx.ru info@art-mx.ru пн-вс: 12:00-20:00

МАрт СПб, Марата ул., 35 710-88-35, +7 950 000-75-55 www.martgallery.ru martgallery@rambler.ru вт-пт: 12:00-19:00, сб: 12:00-18:00

Матисс Клуб СПб, Никольская пл., 6 572-56-70,+7921 904-35-84 www.matissclub.com gallery@matissclub.com пн-вс: 11:00-19:00

Меч и шлем СПб, Садовая ул., 111-113 572-57-32, +7(921)930-09-88 www.swordandhelmet.ru swordandhelmet@mail.ru пн-сб: 11:00-20:00

(2/17) 2014 galleryspb

галереи Митьки Арт Центр СПб, Марата ул., 36/38, кв. 120 (код 3842В) www.mitki-art.ru info@mitkiart.ru, сб: 16:00-20:00

Мольберт Спб, ул. Б. Конюшенная, 11 (Дворы Капеллы) 438-01-14 www.molbertgallery.ru info@molbertgallery.ru пн-вс: 12:00-20:00

448-15-93 доб. 415 www.streetartmuseum.ru

На Кустодиева 17 СПб, Кустодиева ул., 17 +7(921)941-34-40 www.gallerykustodieva17.ru kustodieva17@mail.ru пн-пт: 12:00-20:00

На Свечном СПб, Свечной пер., 5 710-89-59 www.svechnoy-gallery.com art-gallery-5@yandex.ru пн-сб: 11:00-19:00

Мост через стикс 191040, СПб, Пушкинская ул., 10 764-53-71 www.p-10.ru

Моховая-18 СПб, ул. Моховая, д. 18 275-33-83 www.gm18.ru galery-m18@mail.ru вт-сб: 11:30-19:30

Музей сновидений Фрейда 197198, СПб, Большой проспект П.С., 18а, Восточноевропейский институт психоанализа 456-22-90, +7(911)784-21-17 www.freud.ru katya@freud.ru вт, сб, вс: 12:00-17:00

Наследие СПб, наб. р. Мойки, 37 312-62-12, 312-77-12 www.souvenirboutique.com heritage@souvenirboutique.com пн-вс: 9:00-21:00

Новый музей СПб, 6-я линия В.О., 29 323-50-90 www.novymuseum.ru info@novymuseum.ru ср-вс: 12:00-19:00

Национальный центр СПб, Невский пр., 166 717-12-16 вт-сб: 11:00-19:00

Онегин Музей современного искусства им. С.П. Дягилева СпбГУ наб. Лейтенанта Шмидта, 11 СпбГУ +7(921)363-10-77 www.diaghilevmuseum.ru пн-пт:13:00-18:00

Музей уличного искусства Спб, ш. Революции, 84

galleryspb (2/17) 2014

СПб, Итальянская ул., 11 570-00-58 www.onegin-gallery.com onegin.spb@mail.ru пн-вс: 9:00-21:00

Отражение СПб, Подъездной пер., 5 +7(931)201-52-62 www.otragenie.spb.ru otragenie.spb@mail.ru

пн-вс: 9:00-21:00

Петербургский художник СПб, наб. р. Мойки, 100 314-06-09, 571-68-84 www.piter-art.com info@piter-art.com ср-вс: 11:00-20:00

Прошлый век СПб, Волынский пер., 4 312-43-25 www.pv-gallery.ru info@pv-gallery.ru пн-вс: 12.00-20.00

Пушкин СПб, Якубовича ул., 5 325-97-08 www.pushkin-art.com pushkin-art@yandex.ru пн-вс: 8:00-21:00

Рахманинов дворик 191186, г. СПб, Казанская ул., 5 (2-й двор) 312-95-58, www.fotorachmaninov.ru rachmaninov@list.ru вт-сб: 12:00-20:00

Ростра 191011, СПб, Думская ул., 4 (Перинные ряды) 449-56-45 www.artrostra.ru gambit2023@yandex.ru пн-вс: 10:00-21:00

РосФото Спб, Большая Морская,35 314-12-14 www.rosphoto.org office@rosphoto.org пн-вс: 11:00-19:00

23-26 october 2014

grand palais et hors les murs, paris Organised by

OfďŹ cial sponsor

галереи Русская живопись СПб, Кирочная ул., 22, офис 42 Ул. Думская, дом 4. ТК «Перинные ряды», 1 этаж 579-42-95; +7(921)565-93-88 www.art-painting.ru mail@art-painting.ru  пн-вс: 9:00-21:00

вт, чт-вс: 10:30-18:30, ср: 13:00-21:00

Север-7 Спб, Николавеский пер.,7 +7(951)678-47-57 www.sever-7.tumblr.com severdashseven@gmail.com

Русская икона

Сержио Бустаманте

СПб, Итальянская ул., 11 314-70-40 www.ruiсon.ru ruicon@mail.ru пн-сб: 11:00-20:00

СПб, Невский пр., 44 («Гранд Палас») 571-50-03 www.sergiobustamante.ru sales@bustamante.ru пн-вс:11:00-21:00

Русский портрет Сол-Арт

С.П.А.С.

Стекло-Росвуздизайн

СПб, наб. р. Мойки, 93 571-42-60,+7 952 236 4200 www.spasgal.ru spasgal@mail.wplus.net пн-пт: 12.00-19.00 сб: 12:00-18:00

СПб, Ломоносова ул., 1/28 312-22-14 ТК «Пассаж» Невский пр., 20 тел: 570 57 22 www.glassdesign.ru gl_galerea@mail.ru пн-вс: 11:00-21:00

СПб, Соляной пер., 15 327-30-82 www.solartgallery.com edward@solartgallery.com пн-вс: 10:00-18:00

СПб, Литейный пр., 55 273-51-84 www.naiv-art.ru tina@naiv-art.ru пн-вс: 10:00-19:00

Тайга

Сарай при музее А. Ахматовой в Фонтанном доме

Тонино Гуэрра, Арт-Проект

СПб, наб. р. Фонтанки, 34, вход в музей: Литейный пр., 53 272-20-04, 579-72-39 www.akhmatova.spb.ru aaa_museum@mail.ru

galleryspb (2/17) 2014

СПб, ул. Савушкина 126, тц Atlantic City, 961-961-9 www.tumanart.ru tumanart_g@mail.ru пн-вс: 11:00-22:00

Фонд художника Михаила Шемякина СПб, Садовая, 11 310 02 75, 310 25 14, www.mihfond.ru mail@mihfond.ru пн-вс: 10.00-19.00

Формула

СПб, Рылеева ул., д.16 272-14-88 www.rupo.ru salon@rupo.ru вт-сб: 10:00-20:00 пн: 12:00-20:00

Санкт-Петербургский центр книги и графики

Туман Арт

СПб, Дворцовая наб, 20 www.space-taiga.org info@sapce-taiga.org вт-вс:12:00-18:00

СПб, пр.Обуховской обороны, 105 (ДК им. Крупской) +7(911)2131453, www.guerragallery.ru petrograf@mail.ru

191040, СПб, Лиговский пр., 74 (лофт-проект «Этажи») 458-50-05 www.loftprojectagi.ru

Фото Департамент СПб, ул. Восстания 24 (второй двор, 1 этаж, пространство «Флигель») 8(901)301-79-74 www.fotodepartament.ru info@fotodepartament.ru пн-вс: 12:00-20:00

12 июля СПб, канал Грибоедова, 100 954-04-59 www.12-july.ru 12-july@mail.ru вт, ср, чт:15:00-20:00

2,04 СПб, Пушкинская, 10 764-53-71 www.p-10.ru ср-вс: 16:00-20:00

artbasel.comÂ | facebook.com /artbaselÂ | twitter.com /artbasel

галереи

GALLERY SPB AL Gallery

Lazarev Gallery

3, B. Morskaya St., SPb 938-88-44, 315-99-99 www.al-gallery.com info@al-gallery.com Tue-Sun: 12:00-20:00

5/5, 6 Liniya V.I., SPb 328-22-22, 945-68-10 www.lazarevgallery.com info@lazarevgallery.com Tue-Sun: 11:00-20:00

Art re Flex

Modernariat

5, Bakunina Pr., SPb 332-33-43 www.artreflex.ru info@artreflex.ru Tue-Sat: 12:00-19:00

22/24, Bolshoy Pr. P.S., SPb +7 (921) 994-43-59 www.modernariat.ru modernariat@mail.ru

Bulthaup

33, Griboedova Emb., SPb 571-55-17 www.namegallery.ru Tue-Sat: 11:00-19:00

2, B. Konushennaya St., SPb 336-30-03, факс: 315-01-13 www.design-gallery.ru pr@design-gallery.ru Mon-Sun: 11:00-20:00

Dmitriy Semenov Gallery 63-19, Ligovsky Pr., SPb +7 (911) 998-66-73 www.dsgallery.ru dimart69@yahoo.com

Gavriloffart 47, Bolshoy Pr. V.O., SPb 320-62-12 www.gavriloffart.ru ooodeks@mail.ru Mon-Fri: 10:00-20:00, Sat-Sun: 11:00-19:00.

KGALLERY 24, Fontanka Emb., SPb 273-00-56 www.kgallery.ru gallery@kgallery.ru Mon-Sun: 11.00-19.00

galleryspb (2/17) 2014

NAMEGALLERY

Navicula Artis 10, Pushkinskaya St., SPb 764-53-71 www.p-10.ru

N-Prospect 78, Nevsky Pr., SPb 719-67-60, 579-86-49 www.n-prospect.ru nevskiy78@mail.ru Wed-Sun: 11:00-20:00

SolArt gallery 15, Solyanoy pereulok, SPb 327-30-82 www.solartgallery.com edward@solartgallery.com Mon-Sun: 10:00-18:00

St.ART 1, Lomonosova St., SPb 314-97-87, 314-26-27

www.startacademy.ru art@startacademy.ru Mon-Sun: 12:00-20:00

Academy of Arts gallery 21, Nalichnaya St., SPb 355-12-74 Mon-Sun:11:00-19:00

Ambassador 5-7, Rimskogo-Korsakova, SPb +7 (906) 256-21-17 www.galleryambassador.com gallery@rbcmail.ru Mon-Sun: 9:00-20:00

ANNA 1/7, Mikhailovskaya St., SPb (The Grand Hotel Europe Mezzanine) 329-65-46 belage@mail.ru Mon-Sun: 9:00-21:00

Аnnа Nova 28, Zhukovskogo St., SPb 275-97-62; факс: 272-89-51 www.annanova-gallery.ru info@annanova-gallery.ru Tue-Sat: 12:00-19:00

Аpril +7 (921) 916-94-68 www.aprilgallery.ru, as@aprilgallery.ru

Аrka 6, B. Morskaya St., SPb 312-40-12 www.arkartgallery.ru arkartgallery@rambler.ru Mon-Sun: 12:00-20:00

галереи

Art.Оbject 6A, Shamshieva St., SPb 490-62-15 www.artobject-gallery.ru ao@artobject-gallery.ru Tue-Sat: 11:00-19:00

Art-Voyage

+7(921) 444-55-58 www.spbart.com artexpert@inbox.ru

Аrt-gallery on Kustodiev St. 17, Kustodieva St., SPb +7 (921) 941-34-40 www.gallerykustodieva17.ru info@gallerykustodieva17.ru, kustodieva17@mail.ru Mon-Sat: 12:00-20:00

Аrtist 49, Dekabristov St., SPb 313-10-21, 313-10-23 www.artistgallery.ru

Аrt-League

vb@artacademy.ru, marina.artacademy@yandex.ru Mon-Sat: 10:00-20:00, Sun: 11:00-19:00

Pushkinskaya, 10 Art Center 10, Pushkinskaya St., SPb 764-53-71 www.p-10.ru info@p-10.ru

А-Я 60, Nevsky Pr., SPb 570-47-37 office@ayaorg.ru Tue, Fri: 15:00-18:00

Borey 58, Liteyny Pr., Spb 275-38-37 www.borey.ru borey.info@gmail.com, Tue-Sat: 12:00-20:00

Vadim Zverev’s gallery

10, Pushkinskaya St., SPb 764-53-71 www.p-10.ru info@p-10.ru Wed-Sun: 11:00-19:00

1, Sikeroysa St., SPb 915-43-28 www.zverev-gallery.ru mary@zverev-gallery.ru, zubakha@gmail.com Mon-Sat:12:00-20:00

Art-Project. Tonino Guerra’s gallery

Independent Artist’s Vernisage, SPb

105, Obukhovskoy Oborony Pr. SPb +7 (911) 213-14-53, +7 (911) 213-14-54 www.guerragallery.ru petrograf@mail.ru Mon-Sun: 11:00-19:00

58, Nevsky Pr., SPb 314-57-07 www.centrevernisazh.ru vernisag.s@mail.ru Mon-Sun: 11:00-18:00

Griboedova, 52 Art Center

Vyacheslav’s Chebotar Galleryworkshop

52, Griboedova Emb., SPb 310-71-86, 310-29-95 centre@artacademy.ru,

3 fl., 41 bld., Apraksin dvor, SPb 310-16-54 martivevski@mail.ru

galleryspb (2/17) 2014

Mon-Fri: 10:00-20:00

Dolls Gallery 53/8, B. Morskaya St., SPb 314-49-34 vavaskripkina@mail.ru Tue-Fri: 12:00-19:00, Sat: 12:00-18:00

Marina’s Gisich Gallery 13/121, Fontanka Emb., SPb 314-43-80, www.gisich.com marina.gisich@gmail.com Mon-Fri: 11:00-19:00

On Svechnoy Lane 5, Svechnoy Ln., SPb 710-89-59 Mon-Sat: 11:00-19:00

Gallery of contemporary porcelain art 151, Obukhovskoy oborony Pr., SPb 326-17-43 www.ipm.ru gallery@ipm.ru Mon-Sat: 10:00-19:00

Contemporary Sculpture And Plastic Arts Gallery Bussiness Hotel Karelia (II floor) 27/2, M. Tukhachevskogo St., SPb +7 (911) 004-31-26, +7 (921) 426-17-23 www.sculptureinrussia.com askme@SculptureinRussia.com Tue-Sun: 12:00-20:00

Master’s Guild 82, Nevsky Pr., SPb 579-09-79 guild_of_masters@mail.ru Tue-Sun: 12:00-20:00

галереи Blue Hall 38, B. Morskaya St., SPb 315-74-14, 944 22 04 www.lyssak.com

Art Siting-room 47, Nevsky Pr., SPb www.palkin.ru gudkov@club-premier.ru pr@palkin.ru

D-137 12, Zvenigorodskaya St., SPb +7 (981) 687-60-51, +7 (921) 359-51-37 www.d137.ru info@d137.ru, d137@mail.ru Thu-Sat: 15:00-20:00

Di Di 62, Bolshoy Pr. V.I., SPb 320-73-57, 912-14-21 www.didigallery.com admin@didigallery.com Mon-Fri: 12:00-20:00, Sat-Sun: 12:00-19:00

Disa 1, B. Konjushennaya St., SPb 716-16-04 www.artdisa.ru masterform@mail.ru Mon-Sun:11:00-20:00

Do-gallery 10/61, Chaikovskogo St., SPb 273-24-06, +7 (921) 932-35-32 www.dogallery.spb.ru tulen153@yandex.ru, artpod@dogallery.spb.ru

Issachew 82, Moyka Emb., SPb 312-51-31

www.artneo.ru artneo-piter@mail.ru Mon-Sun: 11:00-19:00

Kvadrat 28, Kujbysheva St., SPb 232-12-38, +7 (963) 315-69-37 www.kvadrat.russkialbum.ru info@russkialbum.ru, 4tgallery@mail.ru Wed-Sat: 14:00-19:00

Gallery of Kustanovich 11, B. Konjushennaya St., SPb +7 (911) 770-76-41, 570-10-13 www.dkust.com kust-broad@yandex.ru Mon-Sun: 12:00-20:00

Lavka Hudozhnika 8, Nevsky Pr., SPb 314-80-81, 312-61-53 www.nevsky8.com Mon-Sun: 11:00-21:00

Kvartal 5/7, Kazanskaya St., SPb 941-73-84 www.kvartal.in Info@kvartal.in Sun-Mon: 11:00-23:00, Fri-Sat: 11:00-18:00

Alexander’s Sergienko Apartment 12, Kazanskaya St., SPb +7 (911) 755-08-32 www.sergienkogallery.ru 7550832@gmail.com Mon-Fri: 11:00-19:00

Collection.Leningrad School 4, Dumskaya St., SPb 1-nd floor, section A-9 952-01-28 www.petroart.ru petroart@inbox.ru Mon-Sun: 11:00-20:00

Draughtsman’s Contract 24, Moyka Emb., SPb 315-02-51 www.cdspb.com galleryspb@gmail.com Mon-Sun: 11:00-19:00

Liberty 17/25, Pestelya St., SPb 579-44-10, 579-22-14 www.sovietart.ru, www.libertyartgallery.ru art-liberty@mail.ru Tue-Sun: 12.00-19.00

Loft Project Etagi 74, Ligovsky Pr., SPb 458-50-05 www.loftprojectagi.ru

Artist’s Attic 7, B. Pushkarskaya St., SPb 988-77-88 www.art-mx.ru mansarda@sneg.su Mon-Sun: 12:00-20:00

MArt 35, Marata St., SPb 710-88-35 www.martgallery.ru 7108835@gmail.com Tue-Fri: 12:00-19:00, Sat: 14:00-18:00

(2/17) 2014 galleryspb

галереи

Matiss Club

Mon-Sun: 9:00-20:00

6, Nikolskaya Sq., SPb 572-56-70, 904-35-84 www.matissclub.com gallery@matissclub.com Mon-Sun: 11:00-19:00

National Center 166, Nevsky Pr., Spb 717-12-16 Tue-Sat: 11:00-19:00

Sword and helmet

New

5, Dmitrovsky Ln, SPb 571-64-79, +7 (921) 930-09-88 www.swordandhelmet.ru swordandhelmet@mail.ru Mon-Sat: 11:00-20:00

65, 4 Liniya V.I., SPb 716-26-73 www.spbmdf.ru 716-26-73@yandex.ru Mon-Fri: 9:30-18:00

Molbert

Onegin

11, B. Konjushennaya St., SPb 439-01-14 www.artmolbert.ru artmolbert@gmail.com Tue-Sun: 12:00-20:00

11, Italjyankaya St., SPb 570-00-58 www.onegin-gallery.com onegin.spb@mail.ru Mon-Sun: 9:00-21:00

The Bridge under Styx

Otragenie

10, Pushkinskaya St., SPb 764-53-71 www.p-10.ru Sat: 15:00-19:00.

5, Podyezdnoy Ln., SPb 570-12-13, +7 (931) 201-52-62 www.otragenie.spb.ru otragenie.spb@mail.ru Mon-Fri: 10:00-18:00

Mokhovaya-18 18, Mokhovaya St., SPb 275-33-83 www.gm18.ru galery-m18@mail.ru Tue-Sat: 11:00-20:00

Freud’s Dream Museum 18а, Bolshoy Pr. ,P.S., SPb 456-22-90, +7 (911) 784-21-17 www.freud.ru Tue, Sun: 12:00-17:00

Heritage 37, Moyka Emb., SPb 312-62-12, 312-77-12 www.souvenirboutique.com heritage@souvenirboutique.com

galleryspb (2/17) 2014

St. Petersburg’s Artist 100, Moyka Emb., SPb 314-06-09 www.piter-art.com info@piter-art.com Wed-Sun: 11:00-20:00

PROTVOR 14/16, Italjyankaya St., SPb +7 (905) 230-12-06 www.protvor.com protvor@me.com Thu-Sat: 16:00-20:00

Proshly Vek 4, Volynsky Ln., SPb 312-43-25

www.pv-gallery.ru info@ov-gallery.ru Mon-Sun: 12:00-20:00

Pushkin 5, Yakubovicha St., SPb 325-97-08 www.pushkin-art.com pushkin-art@yandex.ru Mon-Sun: 9:00-19:00.

Rachmaninov 5, Kazanskaya St., SPb 327-74-66 www.hotelrachmaninov.com office@hotelrachmaniniov.com Mon-Sun: 11:00-21:00

Rakhmaninov’s Garden 5, Kazanskaya St., SPb 312-95-58 www.fotorachmaninov.ru rachmaninov@list.ru Mon-Sun: 12:00-20:00

Rostra 4, Dumskaya St., SPb 449-56-45 www.rostra-arts.spb.ru gambit2023@yandex.ru Mon-Sun: 10:00-21:00

Russian painting 4, Dumskaya St., SPb; 14, Bogatyrskiy Pr., SPb 579-42-95; +7 (921) 589-98-65 www.art-painting.ru mail@art-painting.ru Mon-Sun: 11:00-21:00

Russian Icon 11, Italjyankaya St., SPb 314-70-40 www.ruiсon.com russian_iсon@hotmail.com,

(2/17) 2014 galleryspb

Â©DALeast, London mural Courtesy StreetArtNews

галереи

ruicon@mail.ru Mon-Sat: 11:00-20:00

Russkaya usadba 7, Stremyannaya St., SPb 315-22-69 www.russian-usadba.ru rus_usadba@mail.ru Mon-Sun: 11:00-20:00

Russian Portret 16, Ryleeva St.,SPb, 600-33-00, 272-14-88, fax: 272-59-31 www.rupo.ru rp2001@mail.ru, salon@rupo.ru Mon-Sun: 10:00-21:00

S.P.A.S 93, Moyka Emb., SPb 571-42-60 www.spasgal.ru spasgal@mail.wplus.net Mon-Fri: 12.00-19.00

S.-Petesburg Center for Books and Graphics 55, Liteynyy Pr., SPb 273-51-84, +7 (921) 796-40-90 www.naiv-art.ru, www.pp3.ru tina@naiv-art.ru, sol-tina@mail.ru Mon-Sun: 10:00-19:00

Barn next to Akhmatova Museum 34, Fontanka Emb., SPb 272-58-95, 579-72-39 www.akhmatova.spb.ru

galleryspb (2/17) 2014

aaa_museum@mail.ru Tue, Thu-Sun:10:30-18:30, Wed: 13:00-21:00

mail@mihfond.ru Mon-Fri: 11:00-18:00

Sergio Bustamante’s gallery

74, Ligovsky Pr., SPb 458-50-05 www.loftprojectagi.ru

44, Nevsky Pr., SPb; 114-116 Nevsky Pr., SPb 571-50-03 www.sergiobustamante.ru sbustamante@rambler.ru Mon-Sun: 11:00-21:00 Mon-Sun: 10:00-23:00

Formula

Forum

17, 6 Liniya V.I., SPb 323-67-87 Mon-Thu: 13:00-20:00, Sun: 11:00-18:00

Steklo-Rosvuzdesign

Amber House

1/28, Lomonosovskaya St., SPb 312-22-14 www.glassdesign.spb.ru gl_galerea@mail.ru Mon-Sun: 11:00-21:00

24, Nevsky Pr., Spb 571-88-10 www.amberhouse.spb.ru info@amberhouse.spb.ru Mon-Fri: 10:00-18:00

Tretiakov’s gallery

Japanese Art

2, Pionerskaya, SPb 722-22-87 www.artgarden.spb.ru tvp@vestcall.net Mon-Sun: 13:00-21:00

Komarovo, Tsetochnaya St., SPb 908-81-18 www.gallery-g77.com andrei@gol.com andreigallery@yahoo.com

Tuman Art 3 fl, Decor center, 9, Lva Tolstogo, SPb 961-961-9 www.tumanart.ru tumann@mail.ru Mon-Sun: 11:00-21:00

Michael Shemyakin’s Fond 11, Sadovaya St., SPb 310-02-75, 310-25-14 www.mihfond.ru

Vernissage | Wednesday, May 14, 2014 | By invitation only artbasel.com | facebook.com/artbasel | twitter.com/artbasel

ABHK14_Ad_170x220_Gallery_Spb.indd 1

10.01.14 11:41

галереи

Д ля н прин ас стрит-а в гор ципиальн рт – это н само оде». Некио. Это «не е арт городвыражени й способ что очень а. Это оче я людей в сегод «сейчасн нь конкр рамках искус няшнее и ое», очен етное, п р ех ь с тв о . од я щ ее

galleryspb (2/17) 2014

галереи

Стрит-арт– это искусство про нас!

10, Lenin street Courtesy STENOGRAFFIA

(2/17) 2014 galleryspb

events

Интервью с Евгением Фатеевым, основателем фестиваля стрит-арта «Стенограффия» в Екатеринбурге

«Стенограффии» была мэрия Екатеринбурга. У всех нас есть стереотип на тему, какие ужасные, косные городские чиновники. Наверное, есть несовершенство системы, а люди-то ничего. Напротив, мы получили в ответ на нашу идею такой креатив и поддержку! И даже в каком-то смысле до них не дотянули, не все из предложенного сумели реализовать в этом году.

– Что подвигло вас на создание этого проекта? Какой-то европейский опыт или ваши личные впечатления?

– Что для вас фестиваль «Стенограффия»? Вы связаны с этим профессионально или, что называется, по зову души? – По профессии я историк и даже успел попреподавать немного, а сегодня я начальник отдела продаж в одной фирме. А в таком фестивале, прежде всего, вижу один из способов для тридцатилетних выйти из кризиса среднего возраста.

– Неожиданно. То есть здесь вы действуете как психолог? – Скорее как нормальный человек, житель своего города. Я понял, что в городской среде Екатеринбурга нет того, что мне нравится. Но я бы очень хотел, чтобы было, поэтому мы взяли инициативу в свои руки. Уличное искусство как современное явление – это типичный пример того, что гражданское общество выплескивает какие-то эмоции, потому что ему в действительности чего-то не хватает. Вот почему все, что связано со «Стенограффией», вообще как арт-дело, как все артовское воспринимать нельзя. Это вообще не арт. Арт – это слишком… искусственно, что ли. Стрит-арт, как мы с единомышленниками его понимаем, это не арт принципиально. Скорее off-art, назовите как угодно, но это «нечто в городе». Некий способ самовыражения людей в рамках города. Это очень конкретное, очень «сейчасное», очень сегодняшнее и преходящее искусство.

– Городские объекты – это не личная спальня, где можно нарисовать на стене все что угодно и никого туда не пускать. Как власти города восприняли все это? С какими трудностями вы столкнулись? – Никаких трудностей одолевать не пришлось, и я говорю это сейчас не потому, что нашим партнером по

galleryspb (2/17) 2014

– Нет, ничего подобного я нигде не видел. Это моя позиция и идея. Я сам со студенческих лет увлекаюсь… не артом, а чем-то очень спонтанным, настоящим. Знаете, когда влюбленный в девочку мальчишка что-то рисует на стене – это одновременно и его собственное самовыражение, и знак для девочки. Мне интересно, что это о нас что-то говорит. Стритарт – это исключительно искусство про нас! Не галерейное, не концептуальное, это «документ про нас». В самом названии «Стенограффия» двойной смысл: и про стены, и про то, что имеет место фиксация – дословная, авторская.

– Заявить о своей позиции можно поразному, деструктивно в том числе, и в истории искусств были прецеденты. Стрит-арт – явление юное, чем оно ценно в этом смысле? Стрит-арт – это позитивное искусство, и самое главное, оно не забывает о своей функции. Это очень важно. Великое искусство не бывает без функции, оно должно решать очень конкретные задачи. Вот Мона Лиза, например, заказной портрет. Леонардо написал, денег заработал. Это очень понятно. Или «малые» голландцы. Их картины были по сути открытки, изображения конкретных вещей и мест. Их моряки в плавание брали, горожане на память дарили. Стрит-арт рождается из функции, когда серая стена перестает быть серой – и это уже хорошо. Для меня бесфункциональное искусство – это извращение, декаданс и безобразие.

Â©Pavel Znag Courtesy STENOGRAFFIA

events

(2/17) 2014 galleryspb

events

27, Popova Street Courtesy STENOGRAFFIA

galleryspb (2/17) 2014

events

– Фестиваль проходил в несколько этапов, что еще впереди? – Мы надеемся, что у нас еще получится хорошая выставка, в октябре издаем путеводитель по объектам стрит-арта, а затем книгу в 300 страниц. Мы хотим увековечить то преходящее, что создавали художники в городе, то, что расползлось по интернету и растворилось. Книга – это акцент, выдергивание из спама чего-то важного, это рассмотрение наших объектов с увеличением. Затем у нас будет мероприятие в Красноярске, о нем я пока не могу много сказать. И, наконец, зимний стрит-арт, когда можно использовать снег и лед. Это будет интересно и в тему, ведь на Урале большее время года – зима. Начавшись в мае, фестиваль превратился в какойто долгоиграющий процесс, постоянно что-то происходит. Так мы плавно перейдем к «Стенограффии –2011», с которой у нас связаны большие замыслы.

– Что вам больше всего понравилось в реализации «Стенограффии», какие объекты считаете лучшими?

– Ваш проект не коммерческий, но оченьочень материальный. На какие все же средства жил и работал фестиваль? – Проект принципиально некоммерческий. Нам просто помогали с проживанием гостей, питанием, материалами. Часть расходов взяла на себя мэрия, спонсором выступил «Билайн», помогали энтузиасты, мои друзья, приятели, фонд фестиваля. Вы знаете, сейчас во власть приходит поколение тридцатилетних, и кто-то из них сам когда-то «баловался» баллончиком. Наш дебют удался, и наша задача теперь – превратить Екатеринбург в столицу российского стрит-арта, сделать его музеем настоящего уличного искусства. Я понял, что это случится скоро, потому что мы что-то такое открыли для общества, приподняли некий важный пласт, сами того не ожидая.

©Vanya Yagoda Courtesy STENOGRAFFIA

– Из самых удачных объектов назову три: это переход к ЦПКиО, объект Smash137 и, конечно же, «Банка сгущенки». Благодаря Smash город обзавелся потрясающим граффити-объектом, а сгущенка стала ностальгическим символом нескольких поколений горожан и имела огромный успех.

Для нас важным результатом стало то, что люди откликнулись, выступили здесь и уехали с позитивным настроем и готовностью сотрудничать дальше. Отсутствие конкурса и конкуренции создало на фестивале особую атмосферу доброжелательности и позитива. Позитивность – наша главная установка. Для меня большая честь, что нас будет курировать сам Smash. Фестиваль для нас – это еще и опыт мирного сосуществования друг с другом, обществом, властями города. Все так замечательно сложилось, все прошло в позитиве, и эту линию мы продолжим. Тема следующего года у нас про счастье.

(2/17) 2014 galleryspb

events

автор Вера Аристова

Сразу семь К аннских Львов! З а что? За социальную рекламу по ремонту дорог. Такого не случалось за всю историю участия России в самом престижном в мире фестивале рекламы. Проект «Заставь чиновников работать!» получил два золота в номинации PR, два в Promo & Activation, золото, серебро и бронзу в Media и Outdoor.

Дело было прошлым летом. На разбитых екатеринбургских дорогах нарисовали карикатурные портреты уральских чиновников, органично вписав в их лица дорожные дефекты. У каждого портрета установили скрытую камеру. Камеры фиксировали беспомощные попытки замять скандал. Сначала портреты пытались замазать краской. Потом проблемные участки в срочном порядке стали асфальтировать. За день новость о карикатурах опубликовали десятки СМИ, блогеры перепостили картинки тысячи раз. Творческий проект сработал мгновенно и вызвал настоящий переполох в верхах. Вот как комментировал эту историю креативный директор РА «Восход» Андрей Губайдуллин – Социальных проектов у нашего агентства в принципе мало… Но к нам обратилось информационное агентство URA.ru с предложением сделать рекламу, которая бы акцентировала внимание на плохое качество дорог в городе. В городе, да и области дороги сильно хуже, чем в других, соседних, областях. Это должен был быть своего рода призыв: «Сделайте нам хорошие дороги!». Мы придумали, что можно показать ямы, которые увидят. Рисовали художники – это наемные люди, которым мы сказали, чтобы вокруг человека была яма. Подобрали человека, который работает в карикатурном жанре. С ним и работали. В итоге громко и хорошо получилось. Не то слово! и понравилось всем, даже тем, кто по этим дорогам никогда не ездил и о Екатериненбурге и его чиновниках не слышал. Получился собирательный международный образ некоего чиновника, не любящего работать. Нечиновники всех стран обьединяйтесь!чтобы заставить чиновников работать. Преподнесли его на международном языке стрит-арта , этого нового хобо белых воротничков, работиков по свободному найму, чья любовь к свободе не зависит от дохода, а жажда справедливости переходит любые границы. В январе две рекламные кампании того же «Восхода» отмечены жюри международного маркетингового конкурса Всемирной ассоциации маркетинговых агентств (MAAW) «The Globes»: кампания «Заставь чиновника работать» получила золотую, серебряную и бронзовую награды, а «Рыба-комик» награждена серебром. Ну и скажите после этого, что стрит-арт – это не реклама. Или, может быть, реклама – это стрит-арт?

galleryspb (2/17) 2014

events

(2/17) 2014 galleryspb

events

mural on the pipe, ÂŠSveta Petrova, Lastplak Dedicated to MK Esher photo Elena Markitantova

galleryspb (2/17) 2014

автор Мария Анипченко

events

gr aFFFest

С 9 по 20 июля Международный street and public арт-форум Grafffest 2013 уже в третий раз прошел в Санкт–Петербурге. На данный момент это самое крупное мероприятие, связанное с искусством стрит-арта, которым может похвастаться Северная столица. За это время в самом что ни на есть историческом центре города, Петроградской стороне, одно из самых современных видов искусства бесконфликтно оживил пространство бывшей фабрики, а теперь Центра Культуры «Красное Знамя». Доступность, масштабность и интерактивность – основные характеристики форума, включившего в себя цифровое искусство и стрит-арт. Форум явился официальным участником «перекрестного» года Россия – Нидерланды, поэтому основные события были связаны с голландской культурой. Центральным мероприятием стал показ анимационных фильмов и видео-арта, который одновременно проходил на двух огромных экранах – разведенном Троицком мосту в центре Петербурга и знаменитом Magere Brug в Амстердаме, между которыми был установлен телемост, позволивший зрителям стать непосредственными участниками действа и пообщаться между собой в реальном времени. Короткометражные анимационные фильмы со всего мира были собраны фестивалем «Мультивидение» и его партнером – фестивалем KLIK! Amsterdam. Не менее значимой частью арт-форума стал проект «Посвящение М. К. Эшеру». Мауриц Корнелис

2013

Эшер – нидерландский график и знаковая фигура искусства XX века. Эшер исследовал пластические аспекты понятий бесконечности и симметрии, а также особенности психологического восприятия сложных трехмерных объектов. Искусство Эшера оказало влияние на современный дизайн и анимацию, поэтому выбор подобного сюжета кажется более чем оправданным. Замысел был реализован в Культурном Центре «Красное Знамя», где русские и голландские граффитисты расписали промышленную трубу, создав графическую иллюзию, основой которой стал пиксель – базовый элемент современных графических изображений, и одновременно квадрат – форма исследований Эшера и авангардистов. Спускаясь к стене, пиксели преобразуются в яркие и полнокровные граффити голландской команды Lastplak и русских стрит-арт художников. В рамках форума была проведена акция «Их поменяли местами», когда на рекламных щитах в городе разместили принты работ современных художников, а в Al Gallery были выставлены произведения стрит-арта. А также десять участников уже упомянутой команды Lastplak провели свои бесплатные мастер-классы.

(2/17) 2014 galleryspb

events

galleryspb (2/17) 2014

mural ÂŠRobot, OX ALien, Lastplak photo Elena Markitantova

events

(2/17) 2014 galleryspb

events

Photo: Kendal Henry Courtesy Foundation CEC ArtsLink

автор Николай Ильин

арт

©Peter Shvetzov Canons and roses, 2013 Paint on ceramic tiles. Photo: Kendal Henry Courtesy Foundation CEC ArtsLink

Проспект Благотворительный Фонд CEC Artslink при поддержке Генерального Консульства Королевства Нидерландов в Санкт-Петербурге, фонда Mondriaan, фонда Wilhelmina E. Jansen, Северо-Западного филиала Государственного центра современного искусства, галереи «Анна Нова» и фонда Trust for Mutual Understanding представляет II Международный паблик-арт фестиваль «Арт Проспект». Второй питерский международный фестиваль паблик арта под названием «АртПроспект» традиционно проходит в сентябре. В 2013 году он состоялcя во второй раз. На четыре дня Литейный проспект и его окрестности стали пространством, где пятнадцать художников и творческих объединений из России, Голландии и США представили зрителям свои проекты, объединенные темой «Художник как садовник в городском пространстве». Используя самые разные художественные формы – от аппликаций, проекций и инсталляций до перформансов, участники фестиваля превратили привычные урбанистические «каменные джунгли» Литейного проспекта в интерактивную площадку для творческого взаимодействия художников и местных жителей в ландшафте города. Главная цель фестиваля – дать возможность художникам и жителям создавать произведения искусства на улицах своего города, переосмыслить роль искусства в повседневной жизни. Основным зарубежным участником фестиваля стала голландская организация «Cascoland», представившая и свой собственный эко-проект «Мобильный санаторий для растений». На фестивале свои проекты также представили известные петербургские художники: Людмила Белова, Петр Белый, Виталий Пушницкий, Александра Гарт, Мария Годованная, Александр Шишкин-Хокусай, международный театральный центр «Легкие люди», Стас Багс, Александр Морозов, группа Professors, группа «У»,

galleryspb (2/17) 2014

events

Петр Швецов, Джейсон Эппинк, Pink Pony Expres. Все произведения искусства фестиваля Арт Проспект были предварительно согласованы с муниципалитетом, выступившим в роли владельца выставочного пространства. Тем не менее, инсталляции питерских художников Александра Шишкина-Хокусая («Угловые касания») и Александры Гарт («После дождя») были демонтированы в связи с жалобами жителя дома № 30 по Литейному проспекту на «cлишком эротическую» и потенциально «травмоопасную» композиции. По мнению жильца, инсталляция могла нанести вред детям. Организаторы фестиваля, отыскав впоследствии арт-объект в дворницкой, установили его в соседнем дворе. ©Shishkin-Hokusai Angled touches, 2013 mural, Photo: Kendal Henry Courtesy Foundation CEC ArtsLink

Неожиданно высказался Александр Боровский, заведующий отделом новейших течений Русского музея: «Некоторые хранители целомудрия так запудрили голову ленинградцам, что теперь отдельным людям везде мерещится эротизм. В зеркало посмотрят – и там померещится. Что сказать про таких людей? Они должны осторожнее обращаться со своей психикой. Ее легко нарушить. Почему такая быстрая реакция мелких чиновников? Они боятся скандала, боятся за свою шкуру. Данная история – неуважение к известному художнику. Если у нас цензура, тогда так и говорите! Если мнение любого жителя будет законом, тогда творческий процесс станет невозможным. У нас же все знают, как лечить, как руководить государством, какое хорошее искусство, а какое – плохое. Я не знаю, как теперь приглашать художников участвовать в подобных проектах. Идея прекрасная, а получилось как всегда. Вечные дурость и трусость. Город стал чудовищно провинциальным. Кстати, я могу для администрации Петербурга составить список городской скульптуры и интерьерной классической живописи, расположенной в общественных местах, где кое-что без фиговых листочков. Чтобы план работы был».

(2/17) 2014 galleryspb

главное

Основные

Впервые опубликовано в журнале HUCK

принципы уличного искусства

galleryspb (2/17) 2014

автор Тристан Манко

главное

Возможно, уличное искусство незаметно проникло в мир галерей, но оно никогда не сможет снять с себя статус аутсайдера. В этой статье один из лидеров британского стрит-арта расскажет нам об основных правилах этого мира “сделай сам”.

За последние 10 лет из когда-то почти подпольного движения выросло целое поколение инновационных художников, с любовью создающих качественные работы, несущие глубокий смысл. Большое внимание публики и одобрение критиков выросли вместе с ними, увеличив освещение в СМИ и коммерческий интерес. В то время как массовая притягательность стала частью успеха уличного искусства, она же бросила ему вызов. Для субкультуры, которая существует за пределами общепринятого искусства и системы правил, может показаться, что она противоречит самой себе, с одной стороны, представляя свободу самовыражения, а с другой – становясь частью моды и рекламы, как это происходило с другими молодежными течениями. В то время как популярность уличного искусства возрастает, сможет ли оно справиться с окружающим его пиаром? Сможет ли оно играть в полную силу, оставаясь верным своим истокам? В то время как стрит-арт продолжает развиваться под пристальным вниманием критиков, становится все проще потерять из виду то, что делает это искусство прежде всего интересным и значимым. К счастью, существует ряд компонентов, которые, по-моему, помогут сохранить неповторимость уличного искусства.

«Сделай сам»

В основе стрит-арта лежит принцип «сделай сам» – вместо того чтобы ждать и искать одобрение публики или спонсоров, художники могут выражать себя, исправляя и трансформируя небольшое пространство городской среды. Когда этот процесс становится слишком организованным, профинансированным и санкционированным, он обычно теряет свою оригинальную свободу и энергетику. В рамках такого вида искусства обычно используются материалы и методы невысокого качества: трафареты, наклейки, постеры, маркеры, мел и краска. Эстетически эти бюджетные методы обеспечивают грубую и необработанную непосредственность экспрессии, особенно учитывая то, что большая часть работ создаются спонтанно и на месте. Вещи, сделанные своими рука(2/17) 2014 galleryspb

главное ми из переработанных материалов, также часто используются, сохраняя низкую стоимость и снижая до минимума ущерб наносимый окружающей среде. С представителями других направлений «сделай сам», например движением «недалеких» (lowbrow movement), уличных художников связывает то, что они могут быть самоучками, или они способны создать свою собственную визуальную вселенную, свободную от традиционных и академических ограничений.

↔ ©Borondo Arcidosso, 2013, mural Courtesy "Blind eye factory”

Уважение Важный аспект культуры граффити, входящий в рамки уличного искусства, – это способность научиться побеждать и в то же время сохранять уважение к другим художникам, с которыми они делят город. Те, кто ищет славы любой ценой, вытесняя других художников, нарушают равновесие уличной экосистемы, в то время как другие художники, которые чтят своих коллег, в свою очередь, зарабатываю уважение в сообществе на долгое время. Культивирование понимания и осознания других вместо простого продвижения собственной картеры – важный жизненный урок, который напоминает о социальной значимости уличного искусства. Действия художника также важны, как и их мотивы, таким образом искусство, которое щедро создается в общественном пространстве, непременно будет иметь продолжительную и важную связь со своей аудиторией.

Послание в пространстве Уличное искусство от других форм современного искусства отличает присвоение пространства – среда и замысел неразделимо связаны, и для художника главную роль играет стратегическое расположение работы. Найденные текстуры, география, архитектура и вся композиция вместе добавляют смысл и визуальные характеристики объекту уличного искусства. Размещая такое искусство в местах, не вписывающихся в культурный контекст, художники бросают вызов статусу кво как мира искусств, так и функционирования городского пространства. Уличное искусство может напрямую общаться с публикой на социальные и политические темы, используя новые эстетические языки, за пределами традиционного контекста мира искусств.

galleryspb (2/17) 2014

главное

→ ©Borondo Memorie Urbane, Courtesy "Blind eye factory” (2/17) 2014 galleryspb

главное

©Eduardo Kobra Oscar Niemeyer, mural Courtesy Michel Biedermann

galleryspb (2/17) 2014

главное

©Connor Harrington Courtesy Julie Zimina

©Liquen Labyrinth of Wall Street Wynwood district, Miami Courtesy Wally Gobertz ©C215 Street in Zurich, Courtesy Starkart

(2/17) 2014 galleryspb

главное ©Meggs Lion of Venice, LA Courtesy BIRDMANPHOTOS ©2501 Never, 2013, LA Courtesy BIRDMANPHOTOS → ©Eduardo Kobra Remix of Alfred Eisenstaedt photo from the Times Square V-J celebrations. Chelsea, NY Courtesy Wally Gobetz ©Balthear Courtesy Balthear George Town, Penang, Malaysia ©Borondo Marqués de Viana in Tetuan, Madrid Courtesy "Blind eye factory” Wynwood District, Miami Courtesy Wally Gobetz

galleryspb (2/17) 2014

главное

То, что работает на улице, возможно, не станет работать в галерее. Например, яркие цвета, простые логотипы и жирные контуры производят огромное впечатление на стене так, как это никогда не получится на холсте. Юмористические тексты и визуальные шутки также впечатляют на улице, взаимодействуя с линиями ландшафта – показательным примером может послужить работа британского художника Бэнкси. Точно так же бразильские близнецы Os Gemeos используют некоторые районы как декорации к фильму или спектаклю, где их герои могут делать все, что захотят. Следовательно, то, какие послания уличное искусство может передавать, напрямую связано с выбором художниками пространства – как и где они оставят свои знаки.

Сообщество Самовыражение – это ключевая часть уличного искусства, но для того, чтобы максимально использовать средства выражения, необходимо активно взаимодействовать с публикой и сообществом. Работа уличного художника, которая отражает район, где изображена, и его жителей, получает естественное уважение и таким образом принимается сообществом и становится его частью. Прекрасным примером такого взаимодействия может послужить работа парижского фотографа Джей Ара (JR), который делает из улицы свою собственную галерею и размещает на городских стенах свои снимки, увеличенные до огромных размеров. В случае Women project, который в 2008 году обратил свое внимание к маргинальным трущобам на (2/17) 2014 galleryspb

главное

холме Morro da Providencia недалеко от Рио-де-Жанейро, Джей Ар поместил на фасады домов во всем поселении фотографии женщин, которые при встрече произвели на него большое впечатление. Результат получился захватывающим – по всему склону холма огромные женские глаза, покровительственно смотрящие вниз на свое поселение. В 2011 году Джей Ар получил приз TED за признание значимости его работы (список предыдущих призеров включает Билла Клинтона). Стрит-арт может отражать местные и мировые проблемы на уровне улицы, но так как рисунки часто распространяются в интернте, эти послания могут успешно попадать в глобальные СМИ. Но не все городское искусство обязательно должно обладать социальной моралью. Оно может быть столь же полезно и социально мотивированно, для того чтобы просто украсить фасад здания или район, который иначе может быть забыт. Хотя это можно достичь с помощью государственных программ, уличные художники более осведомлены в таких вопросах благодаря личному опыту, лучше понимают местные сообщества и в отличие от крупных организаций не нуждаются в бюрократической волоките.

Творческая свобода

©DALeast Dare #1, London Courtesy StreetArtNews

galleryspb (2/17) 2014

Уличное искусство охватывает многие жанры, стили и техники: от живописи до коллажа, создавая антирекламу скульптуре. Общая черта этого широкого спектра заключается в свободе выбора места самовыражения вне зависимости от цензуры или коммерческих ограничений. Ничем не связанные художники могут свободно экспериментировать с различными материалами в такой мере, которую никогда бы не позволило искусство, запертое в студии. Еще одной особенностью этого жанра является открытость к совместному творчеству. Художники, работающие в студии, редко сотрудничают, хотя это может привести к невероятно креативным и благотворным результатам. Создание совместного объекта искусства может создать новое творческое партнерство и визуальные языки, которые художник никогда не смог бы воспроизвести один. Создатели граффити особенно поощряют спонтанный творческий процесс, то и дело провоцируют друг друга на стилистические инновации и создание новых богатых форм. В духе урбанистического подхода «все дозволено», творческое сотрудничество иногда происходит ретроспективно. Художник добавляет детали и новые слои на уже существующие работы, создавая незапланированную, многослойную композицию. По своей сути, уличное искусство остается верным простому человеческому стремлению к свободному творчеству и индивидуальной креативности.

главное

(2/17) 2014 galleryspb

имена

Марк Ярсли/ Gothamist

Фейри снова Художник Шепард ё в DUMBO: «Я хороший парень»

galleryspb (2/17) 2014

Шепард Фейри (Shepard Fairy) знаменитый графический художник, иллюстратор, дизайнер уличной одежды и автор культового постера с Бараком Обамой «Надежда» (“Hope”) вновь в Нью-Йорке. Мы заметили его разрисовывающим стену рядом со станцией метро York Street F в районе DUMBO, и он сделал перерыв, чтобы дать нам интервью.

↓ ©Shephard Fairey in collaboration with RISK PEACE AND JUSTICE, mural Courtesy

имена

Photo portrait of Shephard Fairey Courtesy

Новая, теперь уже законченная, работа Шепарда Фейри посвящена десятилетию the Wooster Collective – веб-сайта, который был создан в 2003 годе и с тех пор оказывает большое влияние на освещения всемирного бума уличного искусства. Фейри живет в Лос-Анджелесе, но уже 20 лет регулярно посещает Нью-Йорк. Почему именно DUMBO? «Это очень оживленное место, так как находится рядом с метро, и, вообще, мне всегда нравился сам район – он идеально подходит для моего творчества, потому что не является чьей-то собственностью и теоретически принадлежит людям», – рассказал нам Фейри. «Так что, мне кажется, это и есть то самое пространство, где стоит создавать искусство, не согласовывая это с частными владельцами или городскими властями. Прямо ирония судьбы – сперва меня несколько раз арестовывали в Нью-Йорке, а теперь я разрисовываю здесь стену. Рисовать там, где необходимо получить одобрение жителей города, имеет лишь один недостаток – смысл, который ты вкладываешь, не должен быть слишком противоречивым. За время интервью стало понятно, что Фейри живет в мире поиска компромиссов и выбора средств, которые приведут их в жизнь. И все же, как насчет законности его творчества? Может, ему кажется, что его работа теряет свой подлинный смысл, если ее одобрит государство? Возможно, его критики предположили бы, что одобренный стритарт – это неправильно употребленный термин, если во-

обще не искажение самой формы творчества. «Законное против незаконного? Для меня уличное искусство всегда было связано с поиском демократичных и доступных форм», – говорит Фейри. «Речь не идет о законности или незаконности. Большинство моих работ несет мысль о том, что, если ты хочешь сделать чего-нибудь, что считаешь правильным и для этого тебе необходимо нарушить социальные нормы или общественные правила, то нужно набраться храбрости. Но я не имею в виду, просто сказать: «Идите к черту, я выступаю против всех! Это звучит по-идиотски». За 24 года, что я занимаюсь стрит-артом, меня арестовывали 16 раз. И не то чтобы я пытался доказать, что я готов рисковать ради того, чем занимаюсь. По большей части мысль о том, что я способен сделать что-то вечное – вот то, что действительно бросает мне вызов как художнику, и я думаю, в итоге придает мне больше сил – мне кажется, я нашел то, что действительно доставляет мне удовольствие. «Я продолжаю заниматься и другими вещами. Организовываю арт-фестивали, рисую на стенах, занимаюсь стрит-артом, разрабатываю обложки альбомов, делаю дизайн футболок. Я просто пытаюсь делать свое дело. Многие из этих вещей ставят людей в тупик, но я не собираюсь отказываться от всего, сказав, – «Да, я просто уличный художник. Однако стрит-арт по правде занимает важную нишу в моем творчестве, ведь это искусство так демократично». Очевидно, что с тех пор как Фейри стал приезжать в DUMBO в 1990 году, его творчество претерпело изменения. «В конце 90-х я приезжал сюда рисовать баллончиком, и тут гулял ветер. Вообще ничего не было. Но все всегда повторяют «Я люблю SoHo 90-х. Мне очень нравился район Bowery, когда там был клуб CBGB. Всегда есть такой момент, когда какойто район превращается из абсолютно убогого в место, где собираются какие-нибудь художники и появляются крутые бары и галереи искусств, а затем он становится супердорогим и его захватывает золотая молодежь». (2/17) 2014 galleryspb

«Я думаю, DUMBO сейчас как раз находится на этой переходной стадии. Но мне тут нравится, это отличное место. Нет смысла испытывать что-то вроде романтической привязанности к какому-то району в определенное время, ведь все меняется. К лучшему или к худшему, перемены всегда происходят – если тебе это не по душе, можно открыть для себя новый район». Шепард Фейри определенно является противоречивой фигурой – андерграундный уличный художник, ставший дизайнером одежды, сторонник движения «Occupy», активист доктрины «Добросовестное использование», ярый противник политики Буша, автор рекламы, скейтбордист, звезда галерей искусств и просто знаменитость. Некоторые называют его предателем, но Фейри никогда не называл себя пуристом стрит-арта. «Я просто подхожу к системе, в который мы все живем, – к капитализму – с моральной стороны и пытаюсь сделать что-то конструктивное. Мысль о том, что твое творчество теряет смысл, если ты можешь с его помощью заработать на жизнь, кажется мне избитой. Я охарактеризую это так – я прекрасно понимаю, что с тех пор как почти все в этом мире подверглось коррупции, мысль о том, что искусство ради правильных целей должно быть непорочным, кажется очень важной. Но я всегда буду работать так, как я считаю нужным». Что касается Obey, парадоксальной линии одежды в стиле творческого беспорядка, Фейри говорит, что он всегда создавал одежду. «Я делал футболки с самого начала, с тех пор как я начал кататься на скейтборде и слушать панк-рок. Это была моя рабочая одежда». Постер «Надежда» с Бараком Обамой можно считать наследием Фейри по многим причинам. Он был расклеен по всей стране. Он помог подтолкнуть электорат и вдохновить голосующих. Он как нельзя лучше повлиял на образ Барака Обамы. Это была запатентованная пропаганда. Но теперь Фейри не так однозначно относится к политике Обамы, в частности к откровениям, связанным с антитеррористической программой разведки PRISM. «В моей книге есть целый раздел, посвященный разведке», – объясняет он. «С тех пор как еще в школе я прочитал «1984», я был противником Большого Брата. Я очень разочаровался в Обаме из-за поддержки программы, которую, как мне кажется, начал Буш, хотя, возможно, он сам был одним из зачинщиков. Я разочаровал-

galleryspb (2/17) 2014

ся в нем из-за беспилотников. Многие делали пародии на мой постер «Надежда», ссылаясь на программу PRISM, и я могу их только поддержать. Политики должны быть в ответе за свои обещания и все должно быть прозрачно». Насколько прозрачно и как это должно быть устроено – уже другой вопрос. Существует некий популизм в поддержку творчества Фейри, который одновременно активизирует и объединяет критиков, и в то же время делает его работы и послание обществу столь доступными. Работа, которую он делает, в которую верит, определенно принимает участие в политическом диалоге. «Я ожидал от Буша прослушивание телефонных разговоров и Патриотический акт», – говорит Фейри. – По поводу многого я согласен с Обамой – однополые браки, попытка закрыть Гуантанамо, экологически чистая энергетика как часть государственной инвестиционной программы – я одобряю все это. Но Обама разочаровал меня по многим другим причинам». «Даже когда я создал «Надежду», это не я считал, что Обама станет чудотворцем или совершенством. По сути я опроверг свой собственный постер «Надежда» в поддержку «Occupy», потому что основные политические программы и то, как они сейчас приводятся в действие, вряд ли создадут великое благо для великого множества людей». После того как «Occupy» отошло в СМИ на задний план, а на передний вышли «левые» политические движения, мы столкнулись с обычной отговоркой: «Ну вы же понимаете, все слишком сложно устроено». И правда сложно, а в политике вообще бывает чтонибудь очень простое и незапутанное? Обама тянет резину с нефтепроводом Keystone XL и Гуантанамо. «Большой брат» стал заезженным ораторским приемом – всевидящее око, которое не понимает, как работает разведка в современном государстве, поэтому, чтобы свести все к терминологии Оруэлла, необходимо представить имеющуюся на данный момент сложную ситуацию в лучшем свете. Новая работа Фейри – это крупная настенная роспись со словами «Мир» («Peace») слева и «Справедливость» («Justice») справа, поэтому мы не могли не вспомнить Трейвона Мартина (Trayvon Martin). Эти два слова особенно выделялись на митингах в Нью-Йорке и по всей стране («Нет справедливости, нет мира», «Справедливость ради Трейвона»).

©Shephard Fairey Inspector, print Courtesy Dr Case

имена

(2/17) 2014 galleryspb

имена

©Shephard Fairey Revolution Girl, print Courtesy Dr Case ©Shephard Fairey Hope, print Courtesy Ewan O'Sullivan

galleryspb (2/17) 2014

имена его легкой добычей. Спросите у Фейри, есть ли ему до этого дело. «Лучше я буду тем, кто создает вещи, заставляющие людей реагировать, чем тем, кто отсиживается и способен лишь на реакцию, слишком напуганный сделать что-то самостоятельно». Уличное искусство предназначено для улиц и принадлежит только им. Оно всегда открыто говорило о политике, так как находилось за пределами культурно одобренного и защищенного пространства галереи. Оно незаконно, нежеланно (для некоторых), подразумевает любительский подход и считается безрассудным в культурном сообществе, которое всегда превыше всего ставило обучение, дисциплину, историю, мастерство, точность и ценность. Строго говоря, граффити по сути своей радикальное искусство, потому что его трудно превратить в товар. Довольно сложно выломать кусок стены (но не невозможно), и это выводит из строя экономический баланс рынка искусств, который держится за счет оригинальных работ. Фейри не называет себя исключительно уличным художником, и явно вырос из этой стадии своей жизни и карьеры. Теперь он просто художник, хорошо это или плохо, и с этой позиции ему необходимо найти новый подход к политике. Тогда уже его творчеству нужно будет дать соответствующую оценку.

©Shephard Fairey Hope Courtesy Julie Zimina

«Я использовал мир и справедливость в нескольких образах, созданных мною за последнее время», – говорит Фейри. – «Необходимость создать новую работу, которую город поддержит, и украсить ее цветочными орнаментами, при этом вписав Мир и Справедливость, была способом ненавязчиво задеть сознание и понимание людей. Справедливость – понятие, ничем не ограниченное, но если подумать о ней и о деле Трейвона, и покажется, что она не восторжествовала, а именно так я и считаю, то становится еще сложнее просто замести ее под коврик и забыть». Фейри серьезно настроен и очень активен. Он знает себя, свои сильные и слабые стороны, и поэтому он знает о критике, направленной против него. «Критика действительно задевает мои чувства», – признается он. – «И еще сильнее, когда я обращаю внимание на происходящее по ту сторону занавеса – тайные сделки с бесконечным количеством крупных корпораций, люди вроде братьев Кох, владеющие нефтяными компаниями и пытающиеся повлиять на законодательство так, чтобы их бизнес стал более выгодным за счет ущерба, наносимого окружающей среде и здоровью людей… Все, что я делаю, порождается моей верой в искусство и его демократизацию. Мои работы требуют немалых затрат. Я не стану извиняться за то, что печатаю свои рисунки на футболках и продаю их, чтобы потом вложить эти деньги в свое уличное творчество или в благотворительность. Очень жаль, что люди обвиняют меня в чем-то и не уделяют достаточно внимания настоящим злодеям. Ведь я хороший парень». Фейри прав. Но критику в его адрес нельзя сравнить с той, которую недополучили братья Кох. Это отвратительно богатые консерваторы, возглавляющие одну из самых крупных многоотраслевых частных корпораций в мире, а Фейри – человек искусства. Стандарты, которых следует придерживаться ему и его искусству, должны быть другими. Тогда что мы понимаем под искусством? Необходимо ли ему иметь определенную репутацию в высоких инстанциях (музеях) или быть конкурентоспособным на рынке? Каким образом мы оцениваем успех? Его мировосприятие «Мы против них» не ужасно и определенно имеет связь с привязанностью к своим истокам и искусству – но может принести вред, если станет попыткой изолироваться от более серьезной критики. Таким образом, эти вездесущие истоки делают

(2/17) 2014 galleryspb

имена

по т у с т ор о н у

galleryspb (2/17) 2014

©Banksy Bristol mural Courtesy Arthur Willmer

Бэнкси

автор Питер Сибрайт

имена

Когда в 2010 году журнал Тайм включил британского художника Бэнкси – граффитиста, режиссер, активиста и провокатора во всех смыслах этого слова – в свой список сотни самых влиятельных людей мира, он оказался в компании Барака Обамы, Стива Джобса и Леди Гаги. Бэнкси предоставил журналу свое фото с бумажным мешком на голове (естественно, изготовленном из перерабатываемых материалов). Большая часть его фанатов вовсе и не хотят знать, кто он (и громко протестовали против попыток Флит-стрит снять с него маску). Но они пристально следят за траекторией развития Бэнкси с начала 90-х, когда он стал незаконно раскрашивать стены английского Бристоля баллончиком, или, как это называют на улицах, «бомбить», до того момента когда его признали художником, чьи работы уходят за сотни тысяч долларов на аукционах в Британии и США. На сегодняшний день граффити Бэнкси можно встретить от Венеции до Сан-Франциско, от Барселоны и Парижа до Детройта. Начав с граффити на пыльных городских стенах, Бэнкси стал рисовать на холсте, создавать концептуальную скульптуру и даже кино, включая вероломный документальный фильм «Выход через сувенирную лавку» (Exit Through the Gift Shop), который был номинирован на премию Оскар. Иронически названная «Организация по борьбе с вредителями» (Pest Control), основанная Бэнкси с целью подтверждения его авторства, кроме того защищает художника от любопытных взглядов аутсайдеров. Прячась под бумажным пакетам или, как он обычно делает, общаясь только по электронной почте, Бэнкси строго контролирует все свои высказывания. Его последнее интервью с глазу на глаз состоялось в 2003 году. Бэнкси может прятаться от публики, но в то же время он является сторонником прямого общения между художником и поклонниками его творче-

ства. «На сегодняшний день существует совершенно новая аудитория, и еще никогда не было так просто продать [чье-то искусство» – считает Бэнкси. «Вам не нужно заканчивать колледж, таскать с собой портфолио, рассылать слайды по снобистским галереям или переспать с кем-то влиятельным, все, что сейчас необходимо, – это пара-тройка интересных идей и доступ к интернету. Впервые, по сути буржуазный мир искусства стал принадлежать людям. Нужно сделать так, чтобы с этим считались». В 1980-е район Бристоля Бартон Хилл был страшным местом. Очень белый – возможно, не больше трех темнокожих семей какимто образом очутились там – запущенный район рабочего класса, где чужакам не были рады. Поэтому Бэнкси, который жил в куда более «зеленой» части города, сильно нервничал, решив совершить свой первый художественный налет именно тут. «Моего отца здесь сильно избили, когда он был ребенком», – однажды рассказал Бэнкси своему другу и коллеге Феликсу Брауну (Felix Braun). В то время он примерял разные псевдонимы, иногда называя себя Робином Бэнксом (Robin Banx от англ. robbing banks – грабящий банки), но вскоре превратился просто в Бэнкси. Возможно, сокращенное прозвище не носило столь яркого гангстерского отпечатка, но зато его было гораздо проще запомнить и быстрее написать на стене. Примерно в это же время Бэнкси положил начало ставшей столь узнаваемой технике трафаретов. Однажды он написал про случай, произошедший, когда ему было 18. Они с друзьями разрисовывали поезд, и вдруг, откуда ни возьмись, появилась (2/17) 2014 galleryspb

имена

©Banksy Hammer Boy Better out than in, NY Courtesy StreetArtNews

galleryspb (2/17) 2014

имена

©Banksy Tagging Robot on Coney Island Better out than in, NY Courtesy StreetArtNews ©Banksy Yankee Stadium/Bronx Zoo Leopard Better Out Than In, NY Courtesy StreetArtNews

(2/17) 2014 galleryspb

имена британская транспортная полиция. Все убежали. «Мои друзья побежали к машине, – вспоминает Бэнкси, – и исчезли. А я провел больше часа под грузовиком, весь перепачкался протекающим машинным маслом. Пока я лежал там, прислушиваясь к копам, я понял, что должен тратить вдвое меньше времени на свои рисунки, или вообще бросить эту затею. У меня перед носом был заводской номер, переведенный на дно бензобака с помощью трафарета. Тогда я понял, что могу использовать такую же технику и делать каждую букву высотой около метра». А еще Бэнкси сказал своему другу писателю Тристану Манко (Tristan Manco): «Как только я вырезал первый трафарет, я почувствовал свою силу. Мне нравится политическая сторона. Все граффити выражают некий протест, но у трафаретов своя история. С них начинались революции, и ими заканчивались войны». Люди и обезьяны с крысами, которых он рисовал в то время, вызывали странные примитивные чувства. Мое любимое граффити встречает вас на входе в бристольский татусалон Pierced Up. На стене изображены огромные осы (с телевизорами в лапках вместо оружия), которые бомбят с воздуха милый букет цветов в вазе. Менеджер салона Марианн Кемп (Maryanne Kemp) вспоминает марафонский забег Бэнкси: «Он рисовал их всю ночь напролет». К 1999 году Бэнкси отправился в Лондон. В это же время он стал прибегать к анонимности. Некоторые объясняли это тем, что Бэнкси скрывается от полиции – «у него проблемы с копами». Но помимо этого Бэнкси открыл для себя, что неизвестность создает свой собственный неповторимый кайф. Когда его работы стали появляться в разных городах по всей Британии, сразу в оборот вошли сравнения с Жаном-Мишелем Баския (Jean-Michel Basquiat) и Китом Харингом (Keith Haring). Первая выставка Бэнкси, если ее можно так назвать, прошла в Лондоне на Ривингтон Стрит в 2001 году, когда они вместе с другими уличными художниками собрались в туннеле рядом с па-

galleryspb (2/17) 2014

бом. «Мы повесили несколько знаков с просьбой покинуть стройплощадку», – позже писал Бэнкси, и, надев спецодежду, покрасили стены в белый цвет. На все творчество ушло минут 25, а через несколько дней мы устроили вечеринку в честь открытия с пивом и хип-хопом, раздающимся из багажника автофургона. На открытие, устроить которое получилось практически бесплатно, пришли около 500 человек». В июле 2003 Бэнкси организовал выставку «Война за территорию» (Turf War), которая стала прорывом. Расположенная на заброшенном складе в Хакни, экспозиция поразила культурное сообщество Лондона атмосферой карнавального шоу, с участием живой коровы, на шкуре которой был изображен портрет Энди Уорхола, а также Елизаветы II в маске шимпанзе. Позднее в этом же году высокий бородатый мужчина в темном пальто и широкой шляпе вошел в британскую галерею Тейт с огромным бумажным пакетом. Он поднялся на третий этаж в зал 7. Затем этот человек вытащил свою картину – неизвестный сельский пейзаж маслом, который он нашел на уличном рынке в Лондоне. На холст, который он назвал «Британская полиция уничтожила нашу с вами сельскую местность» (Crimewatch UK Has Ruined the Countryside for All of Us), он нанес с помощью трафарета сине-белую ленту, которой полиция обычно огораживает место преступления. В течение следующих полутора лет, всегда под прикрытием, Бэнкси приносил свои авторские работы в самые известные музеи мира включая Лувр. Там ему удалось установить изображение Моны Лизы с веселым смайликом вместо лица. В НьюЙорке он тайно прикрепил небольшой портрет женщины (который заранее нашел и дорисовал на нем противогаз) к стене в музее Метрополитен. Музей с радостью принял эту работу: «Я думаю, будет справедливо сказать, – отметила пресс-секретарь Нью-Йорк Таймс Элиз Топалян (Elyse Topalian) что нужно чуть больше, чем кусок скотча, чтобы произведение искусства попало в музей Метрополитен».

имена

(2/17) 2014 galleryspb

авторы Владимир Манжос Алексей Бордусов

новые имена

«Iнтереснi казки»

«Iнтереснi казки» (укр. «интересные сказки») – украинский дуэт уличных художников Владимира Манжоса (1981 г. р.), также известного как Waone, и Алексея Бордусова (1980 г. р.), также известного как Aec. Их псевдонимы произносятся как «Вавáн» и «Áек», и в среде украинских граффити-райтеров их в шутку называют «Вованами».

galleryspb (2/17) 2014

новые имена

©Interesni kazki, 2013 Mural, Wyndwood House, Miami Courtesy Interesni Kazki

← ©Waone Perfect man, 2011 Mixed technique on canvas Courtesy Interesni Kazki

Оба рисуют с детства: Владимир – самоучка, Алексей закончил факультет архитектуры Академии искусств. Они познакомились в конце девяностых годов в школе граффити в Киеве. В начале творческой карьеры художники занимались классическим стайлрайтингом и входили в команду Ingenious Kids (англ. «искусные, изобретательные, гениальные ребята», сокращенно IK), в составе которой было около десяти человек. В 2004-м Владимиру и Алексею наскучили шрифты, и они решили попробовать рисовать персонажей, которых на своем сленге они называют «штрихами». «Нам интересно было рисовать сказочных персонажей. Не иллюстрации к сказкам, а придуманных нами персонажей, в таком сказочно-параноидальном стиле. Однажды Леша придумал новую расшфровку аббревиатуры IK – «інтересні казки». Это было в самую точку!» Как многие граффити-райтеры, Владимир и Алексей зарабатывали на краску, оформляя интерьеры. Первую большую работу с персонажами «Интересны казки» нарисовали на бетонной стене вдоль реки Лыбидь в Киеве: это одно из основных мест полулегального рисования в городе. По словам участников «Интересны казок», в какой-то момент на их творчество сильно повлияло бразильское граффити, такие уличные художники, как Ос Джемеос (Os Gemeos), Нунка (Nunca), Нина (Nina), Зезан (Zezao), Витче (Vitche), Сиру (Ciro) и другие. Именно поэтому некоторые украинские и российские райтеры до сих пор считают, что Владимир и Алексей подражают Ос Джемеос, хотя это не так. Бесспорно, у «Интересны казок» оригинальный и узнаваемый стиль: в нем сочетаются мотивы украинского народного творчества, сюрреализма и (2/17) 2014 galleryspb

новые имена символизма. Каждый человек может толковать их работы по-своему. «Некоторые люди говорят, что мы больные, раз такое рисуем. Говорят так, потому что это заставляет их думать и разрушает их стереотипное приземленное мышление». Алексей говорит, что его вдохновляют социальные темы, наука и религия. Владимира же вдохновляет рабочий процесс: «Чем болше я рисую, тем больше у меня появляется новых идей. Для меня вдохновение – это что-то запредельное, не из этого мира. Оно приходит внезапно. Это – необычное состояние возвышенности, сверхчувствительности, озарения, когда видишь на несколько шагов вперед что, как и почему надо нарисовать. И улавливаешь тонкие смысловые взаимосвязи между образами или даже видишь целые цепочки мыслеформ». «Наши работы написаны на языке символов, и мне хочется, чтобы он заставлял людей размышлять о смысле жизни, об устройстве Вселенной, о Боге, добре и зле. Язык символов – это язык первопричин. Именно поэтому мы хотим донести его до зрителей» – говорит Алексей. Продолжая тему вдохновения, в одном из интервью Владимир говорит, что любит научно-популярные романы Герберта Уэллса (Herbert Wells), Клиффорда Симака (Clifford Simak), Гарри Гаррисона (Harry

galleryspb (2/17) 2014

Harrison) и Рэя Бредбери (Ray Bradbury). Waone читает много духовной литературы: она помогает ему в жизни, и любит работы Владимира Антонова – автора книг о духовном развитии «інтересні казки» называют свое творчество уличным искусством или мурализмом с граффити-корнями. «Мировой опыт показывает, что большинство уличных художников и муралистов – в прошлом граффити-райтеры, а не академические монументальные художники. И я считаю, что современный мурализм должен иметь граффити-корни. Потому что граффити – это, по ряду причин, необходимая стадия развития художника-муралиста», – говорит один из участников дуэта. Waone и Aec всегда заранее обсуждают идеи и делают эскизы, хотя иногда сюжет меняется в процессе рисования. Чаще всего на создание работы уходит от трех дней до двух недель: все зависит от сложности композиции и размера стены. В процессе рисования каждый создает свою часть общей работы. Помимо стен участиники «інтересні казки» рисуют на холстах и бумаге. Очень часто в таком небольшом по сравнению с фасадами формате

новые имена

← ©Interesni kazki, 2011 Mural 5, Ekaterinburg, Russia Courtesy Interesni Kazki ©Waone Labyrinth, 2012 Ink drawing Courtesy Interesni Kazki

↓ ©Interesni kazki Centripetal force, Azores 2011 Courtesy Interesni Kazki

у них получаются более детализированные и замысловатые работы, части которых иногда позднее появляются на улице. «інтересні казки» считают, что их работы на стенах – это, в первую очередь, обустройство города, гармонизация энергетики пространства. По их словам, самый низкий уровень восприятия, когда прохожие говорят: «О! Красиво как! Лучше, чем просто страшная серая стена…». «Те, кто может думать и анализировать, кроме декоративной функции, видят в работах еще и смысл. Смысл каждый видит свой в зависимости от широты своего мировосприятия. Интересно бывает выслушать их видение работы. Порой говорят довольно глубокие вещи. Каждый из нас, кстати, тоже может понимать смысл работы по-своему. Есть работы, где смысл настолько прост и доступен, что не требует пояснений. Но есть работы, которые мы и сами не понимаем. Проходит время, и, например, я узнаю о мироздании что-то новое, затем вижу это в своих старых работах… Как я мог нарисовать то, что узнал лишь спустя какое-то время?! Выходит, бывают работы с посланием и самим авторам», – говорит Владимир. По мнению художников, миссия стрит-арта, как и любого другого вида искусства, – повышать культурный уровень людей, способствовать пробуждению в них лучших качеств. Они считают, что уличное искусство – хороший пример для обывателя, который часто живет одними лишь материальными заботами.

(2/17) 2014 galleryspb

новые имена

galleryspb (2/17) 2014

новые имена ← ©Waone Fort Kochi Kerala India 2012 Courtesy Interesni Kazki ©Waone Journey through Sade Sati, 2012 Kairalinagar, Kerala, India Courtesy Interesni Kazki c. 63 ©Interesni Kazki Paranoya& Shtrihi

↓ ©Interesni Kazki Paranoya& Shtrihi

«Интересны казки» живут за счет своего творчества, которое тепло принимают и обычные люди, и ценители искусства, и уличные художники. Владимир никогда не устраивался на работу, а Алексей однажды очень недолго работал архитектором. Waone как-то сказал, что художник не должен думать о зарабатывании денег, хотя иногда обстоятельства вынуждают: например, когда человек заводит семью. По его мнению, когда деньги становятся важнее творчества, художник превращается в ремесленника и торговца. «Другое дело, когда художник знает себе цену, а его творчество пользуется успехом. Я считаю, что художник, впрочем, как и любой другой человек, должен стоять выше материальных ценностей потому, что обладание ими не приносит счастья», – говорит Владимир. Творчество «Интересны казок» получило широкую известность за пределами родной Украины в период 2010–2012 годов. Художников стали все чаще приглашать за границу расписывать фасады и участвовать в персональных и групповых выставках. «Интересны казки» уже побывали в США, Мексике, Испании, Италии, Португалии, Голландии, Индии, Словакии и России. Их продолжают приглашать в разные страны и все больше ценят на Украине. «Забавно наблюдать, как меняется отношение к нам – конечно, больше всего это заметно на родине», – говорит Владимир.

c 62-63 © JR INSIDE OUT New York, Times Square, 2013 Courtesy Museum Frieder Burda (2/17) 2014 galleryspb

главное

galleryspb (2/17) 2014

главное

Вместе мы вывернем этот мир

НАИЗНАНКУ/ INSIDE OUT

(2/17) 2014 galleryspb

премии

UNFRAMED Baden-Baden, 2014 © photo Klaus Schultes Courtesy Museum Frieder Burda

JR называет себя городским артивистом. После того как в 17 лет JR нашел фотокамеру в парижском метро, он путешествовал по Европе, отслеживания людей, общавшихся посредством сообщений оставляемых на стенах городов. Затем художник увлекся идеей расширения привычных границ вертикальных поверхностей стен и фасадов. В 2006 году он создает проект «Портрет поколения», где он фиксирует истории людей в их портретах, документируя потерянное поколение пригородных «бандитов», которые он разместил в огромных форматах в буржуазных кварталах Парижа. Этот не санкционированный, фактически незаконный проект стал «официальным» и соответственно «разрешенным», когда Парижская мэрия украсила свое здание фотографиями JR. Проект 2007 года «Face 2 Face» был самым провокационным и вместе с тем истинно миротворческим. Совместно с Марко (Marc Berrebi) JR выставил огромные фотографии израильтян и палестинцев, лицом к лицу, в восьми палестинских и израильских городах, и по обе стороны Израильского разделительного барьера. По возвращении в Париж, он выставил эти портреты в столице. Для JR это было не острым художественным приемом, а глубоко человеческим актом: «Героями проекта являются все те, кто, по обе стороны стены, позволил мне выставить портреты на стенах своих до-

мов». В 2008 году JR отправился в международный тур, чтобы сделать снимки для нового проекта «Женщины – Герои», в котором он подчеркивает достоинство женщин, вынужденных жить в конфликтной среде. Документальный фильм этого проекта был номинирован на Каннском фестивале и участвовал в конкурсе золотой камеры. В 2011 году JR получил приз в 1 000 000 долларов США, чтобы изменить мир, сделав его немного лучше. В основе приза ТЕД находится горячее желание, способное изменить мир к лучшему, которое могло бы вдохновить мыслителей и деятелей со всего земного шара принять участие в проекте. Идея проекта JR заключается в том, что люди становятся реальны друг для друга. Вместо безликих слов, участники и прохожие сталкиваются лицом к лицу и перестают быть чужими, становясь более терпимыми. Любой человек может сделать свою фотографию в фотобудке и его распечатанное в большом формате изображение будет одним из десятков тысяч портретов расклеенных по всему миру. Каждый со своей историей. JR создает произведения искусства, которые врываются в сознание людей, будучи всего лишь раз увиденными. Люди принимают участие в процессе флайпостинга, и расстояние между художником и зрителем сокращается до тех пор, пока их уже ничто не разделяет. JR никогда не ограничивает поле своих работ, делая их частью среды и оставляя пространство для встречи между героем и прохожим, провоцируя неизбежный диалог. Произведения французского стрит художника, известного как JR, знакомы людям по всему миру, хотя коммерческой жизни и не ведут. Его имя узнают в Тунисе, Израиле, Китае, Бразилии, Германии, Гаване, Франции, США, Ливии, Кении, Камбодже, Палестине, Швейцарии, Италии и многих других странах. JR до сих пор не раскрыл своего истинного имени и продолжает работать под псевдонимом из двух букв, своих инициалов. Художник идентифицирует себя как photograffeur, нечто среднее между фотографом и граффити-художником и свободно появляется на улицах мира, привлекая к себе внимание людей самых разных профессий, многие из которых не являются типичными посетителями музеев.

galleryspb (2/17) 2014

главное

JR WOMEN ARE HEROES, Rio de Janeiro, Brazil, 2008-2009 © JR, 2013

©JR Courtesy NewYork City Ballet

(2/17) 2014 galleryspb

рынок

©All Photo Kristy Leibowitz Courtesy Jonathan LeVine Gallery

galleryspb (2/17) 2014

слово коллекционера

r& Sara Schille ith rw Marc Schille y ire Fa rd ha ep Sh в беседе Алекс Гомес арком с Сарой и Шиллер

10 летster Collective Woo

Сара (Sara) и Марк Шиллер (Marc Schiller) основали Wooster Collective, чтобы запечатлеть прекрасное и быстро исчезающее уличное искусство, окружавшее их по всему району Нью-Йорка, в котором они жили. То, что однажды появилось как способ поделится своими фотографиями с друзьями, в результате превратилось в интернет-центр мирового стрит-арта. С тех пор как Сара и Марк создали свой веб-сайт, они помогают курировать выставки, входят в состав жюри фестивалей и печатают книги. В этом году WoosterCollective.com празднует свое десятилетие, и чтобы отметить это событие, они организовали выставку совместно с галереей Джонатана Левина (Jonathan Levine Gallery) «10 лет Wooster Collective: 2003–2013», которая проходила в popup галерее в Челси. Там были представлены работы таких художников, как Шепард Фейри (Shepard Fairy), Swoon, Space Invader, Paul Insect, The Flower Guy и FAILE. Мы встретились с основателями Wooster Collective Сарой и Марком Шиллер, чтобы поговорить об истории сайта, о выставках в pop-up галереях, об их привязанности к Нью-Йорку и о важности уличного искусства.

Что вдохновило вас на создание Wooster Collective? Марк: Я думаю, это был наш район, то, что нас окружало. Мы всегда любили Нью-Йорк, мы живем здесь уже много лет, и когда переехали в ВестВиллидж (West Village), тоже стали исследовать его окрестности. Однажды я остановился и понял, что передо мной на стене располагается прекрасное произведение искусства (тогда я еще не знал, что это за техника). Оно было изысканным и совершенно особенным, я был поражен. Меня поразило то, что кто-то вновь вернул городу искусство. Это случилось еще до появления Flickr и обмена фотографиями с помощью мобильных телефонов, поэтому теперь это кажется очевидным, но тогда создалось впечатление, будто мы подняли крышку люка, и там под ней был спрятан совершенно другой город. Мы с Сарой поняли, что город просто переполнен искусством, что оно повсюду. Мы начали документировать его и делать то, что, мне кажется, делают многие. Мы вроде как создаем небольшие реликвии, понимая, что все эти предметы искусства недолговечны. Спустя год мы сняли так много объектов стрит-арта в нашем районе, что мой компьютер начал виснуть, потому что на нем (2/17) 2014 galleryspb

слово коллекционера

было слишком много фотографий. Я собирался удалить их, но Сара предложила загрузить их в интернет. Я так и поступил. Мы начали с маленьких картинок в плохом качестве, которые разослали по мейлу примерно десятерым друзьям, как вдруг десятки тысяч людей начали просматривать эти изображения. Вскоре появились блоги, и мы начали делиться своими снимками, что-то вроде того, чем мы занимаемся сейчас. Этот период оказался очень интересным, потому что масс-медиа не давала уличному искусству положительных оценок, о нем говорили только как о вандализме, а мы получали от него удовольствие, оно нам нравилось, и мы показывали его другим. Мне кажется, это был тот период, когда люди во всем мире осознали, что есть и другие, разделяющие их точку зрения на общественное пространство и творчество, и уличное искусство начало развиваться. Почему вы считаете, что так важно запечатлеть уличное искусство? Сара: Я думаю, Марк согласится со мной, что стритарт облагораживает город. Все дело в том, что оно не долговечно. В некотором смысле, если ты не сфотографировал какую-то работу, то ее там и не было. Мы действительно хотим сохранить эти работы, в этом заключается самая важная часть. Мы все время говорим людям выходите на улицы, гуляйте по своему городу и сами находите искусство, а не просто разглядывайте

galleryspb (2/17) 2014

DALeast Judith Supine Shephard Fairey DALeast

слово коллекционера его на страницах интернета, ведь его так много. Нас особенно мотивируют работы, место для которых было выбрано не случайно. Работы, создавая которые, автор задумывался о районе, о том, кто будет ходить мимо, какие там магазины, какая архитектура, и как его творчество будет взаимодействовать с тем, что находится вокруг. Марк: Мне кажется, спонтанность – это невероятно сильный и человечный фактор. Можно купить кого-то, заставив их столкнуться с вашими идеями на улице, можно купить билборд или рекламное место, все это можно сделать, но у художников обычно нет такой возможности, при этом они хотят обладать той же силой, что и рекламщики, и тоже хотят иметь возможность оказывать воздействие на окружающих. Для этого нужно выбрать место. Невозможно все время спрашивать разрешения, потому что ты его не получишь. Представьте, вы

идете по улице, опускаете глаза и видите трафарет с Ганди, или по дороге не работу вы бежите к метро, и тут вдруг у себя над головой замечаете прекрасный постер Swoon, или рисунок Faile, или еще кого-то, кого вы не знаете, совершенно анонимный и никем не подписанный. Его совершенно невозможно ни с чем связать, и это чудесный способ жить, когда каждый день город становится игровой площадкой, и каждый день можно искать сокровища, не имея ни малейшего представления, что именно ты можешь найти. Какие самые яркие работы вы представляли на своем сайте за прошедшие 10 лет? Марк: Я бы отметил многие работы Бэнкси (Banksy). Нам повезло сотрудничать с ним в течение долгих лет, и я думаю, когда он попал в музеи Нью-Йорка и поднял свое искусство на новый уровень, никто об этом не знал, а в семь часов утра он приехал к нам, чтобы выложить фотографии в сеть, и музеи буквально не знали, что эти работы все еще висят у них. Мне кажется, это был чудесный день. Другие тоже так делали, он не первый, кто сотрудничал с музеями, но он первым сделал это в таком масштабе. Если честно, каждый день совершенно особенный. Десять лет мы работаем над сайтом каждый день, конечно, бывают дни, когда кажется, что наша работа никого не вдохновляет, но таких действительно мало. Сара: Еще бывают такие интимные моменты, когда люди на нашем сайте делятся со всем миром очень личными вещами, например, Swoon заявила о том, что она женщина, когда никто об этом даже не догадывался. Мы публиковали работы совсем молодых художников, которые еще только ставили творческие эксперименты, дарили им уверенность и признание, а потом они поступали в известные школы искусств. То, на что ты совершенно не рассчитываешь, происходит так же неожиданно, как искусство. Мы с Марком всегда говорили, что искусство чудесно, но еще удивительнее люди, стоящие за ним. Это такие умные, сложные, вдумчивые и глубокие люди. Редкая птица выбирает для себя искусство. (2/17) 2014 galleryspb

слово коллекционера Марк: Любое неавторизованное действие может быть встречено агрессивно, но в конце концов мы отмечаем акт преображения некрасивого никому не нужного пространства. Почему считается нормальным жить рядом с огромной уродливой серой стеной, вместо того чтобы воспользоваться возможностью украсить ее, создать из нее что-то интересное? Для нас сайт и фотографии – это способ встретиться с сообществом людей, думающих так же, как мы, и считающих, что художники – особенные люди. Часто это люди, у которых немного денег, возможно, вообще ничего нет, но они готовы к тому, что их могут арестовать, и придется провести 3 дня в тюрьме (что вовсе не весело и ни для кого не является знаком отличия), за то, что они хотят разместить свою работу в заколоченном досками и заваленном мусором дверном проеме, и они хотят использовать его как холст, чтобы сказать что-то о городе, где вы живете. Люди, готовые на такое, действительно удивительные. Это то, что мы с Сарой поняли благодаря нашему проекту. Вы создали проект «11 Spring» всего за семь недель до того, как в здании началась реконструкция, чтобы превратить его из узнаваемого объекта стрит-арта в жилой дом. Как у вас получилось все организовать? Марк: Все сложилось воедино. Наше сообщество набрало силу, подходящее время и возможность организовать эту выставку, сами стали причиной тому, что она так хорошо прошла. Люди стали присоединяться к нам, некоторые пришли только на следующий день, и даже несмотря на то, что застройщики нас совсем не знали, они дали нам ключи от здания. Каждый день на протяжении семи недель художники рисовали там свои шедевры, о чем люди даже не догадывались. Все они располагались на стенах, которые вскоре должны были быть разрушены, поэтому ничего нельзя было продать, вход был свободный, и у проекта не было никакой коммерческой стороны. Сара: Я думаю, эта выставка произошла в Нью-Йорке в свое время, многие знали об уличном искусстве, но оно по-прежнему было андерграундным, было совершенно ясно, что с реконструкцией всего здания облагородится весь район. Когда Нью-Йорк, его жители могли приходить туда, трогать рисунки и фотографировать стены, что нельзя делать в MoMa, музее Metropolitan или других галереях, мы и художники создали атмосферу, где жители Нью-Йорка говорили: «Вот почему мы любим наш город, Мы живем здесь,

galleryspb (2/17) 2014

потому что тут происходят такие события». В тот момент это событие было невероятно важным для жителей города, и, мне кажется, поэтому, когда ты читаешь про «11 Spring» или разговариваешь об этом с людьми, которые, чтобы попасть внутрь, простояли в очереди пять часов, им не хватает слов, чтобы выразить свои эмоции. Почему при создании выставки, посвященной десятилетию Wooster Collective, вы решили сотрудничать с галереей Джонатана Левина? Марк: Мы дружим с Джонатаном много лет и сотрудничали с ним раньше в рамках других проектов, начиная с «Улиц Европы» (Streets of Europe). Это было сразу после «11 Spring», мы подключили нескольких европейских художников, чтобы показать их работы. Когда нам исполнилось 10 лет, нам захотелось сделать что-то масштабное. Но нам не хотелось возвращаться назад и повторяться, вроде как «давайте снова сделаем «11 Spring». Звучит заманчиво, но, как Сара уже сказала, всему свое время. Многие художники, с которыми мы работали за эти годы, выставлялись в галереях и занимались изобразительным искусством, и нам нравится их зрелость, нам нравится, когда люди открывают что-то новое, поэтому нам захотелось сделать большую ретроспективную выставку. Мы поговорили с Джонатаном и решили заняться этим вместе. Теперь, достигнув этой круглой даты, какими вам видятся следующие 10 лет? Сара (смеется): Мы еще это не обсуждали. Вообще, у Wooster Collective никогда не было плана, поэтому и сейчас у нас его нет. Мы всегда исследовали новые горизонты и пользовались открывшимися возможностями. Если вспомнить историю нашего сайта, мы делали подкасты, снимали прогулки по объектам стрит-арта, публиковали книги и организовывали встречи в городах по всему миру, так что мы просто будем продолжать делать то, что актуально в данный момент. Марк: Да, мы всегда ставим перед собой новые задачи и «10 лет Wooster Collective: 2003–2013» – одна из них. Какая задача вдохновит нас в следующий раз? Не знаю, но будет интересно узнать.

→ © Doze Green

слово коллекционера

(2/17) 2014 galleryspb

spot-light

galleryspb (2/17) 2014

стрит-арт :

автор Дж. Дейчендт

теория искусства

высокое или низкое искусство? автор Джеймс Дейчендт, профессор университета Азуса Пасифик, директор выставочного центра университета Азус Пасифик

Как преподаватель истории искусств и критик, работающий в академической системе высокого искусства, я прекрасно знаю, что мы продолжаем относиться к определенным продуктам, созданным человеком, с особым уважением. Как в университетской, так и в музейной системе мы упрощаем академический дискурс для более глубокого понимания из-за его культурной важности. Из-за такого большого интереса к коллекционированию, сохранению и изучению высокое искусство стало частью словарного запаса культурной элиты, богатых и образованных людей. В более академических и исторических терминах это искусство аристократов и интеллигенции, прослойки общества, которую определяет социальный класс и экономический статус. Низкое искусство, наоборот, представляет собой понятие, обычно связанное с поп-культурой и развлечениями. Такое название используется в уничижительном смысле из-за массовой притягательности, которую эти продукты вызывают у широкой аудитории. Доступность таких объектов означает, что они всем понятны и существуют в большом количестве. Люди, попавшие под влияние таких объектов искусства, считаются антиинтеллектуалами, а чтобы описать их узкие и необразованные взгляды, используется термин «обывательский». Однако вновь возникший интерес галерей и музеев к граффити и уличному искусству сделал спор о высоком и низком искусстве гораздо интереснее. Исторически граффити и стритарт не были удостоены чести называться высоким искусством из-за своей доступности, всем знакомого набора образов и отстраненности от ученых институтов. Давняя дискуссия, ведь даже Леонардо да Винчи считал, что живопись является более высокой формой искусства по сравнению с другими. Безусловно, попав под крыши галерей и учебных заведений, граффити и другие виды стритарта меняют наше восприятие и заставляют задумываться об их более глубоком содержании. Однако это не должно стать единственным критерием присвоения им звания высокого искусства, и уж точно это не мой собственный аргумент. В 19 веке провести границу между высоким и низким искусством было гораздо проще. К высокому искусству относились только живопись и скульптура. Оно было продуктом академического образования и предполагало длительное обучение, опыт, традиции и тяжелую работу. К низкому искусству относилось все созданное для практических целей. Обои, мебель и фарфор имели большое значение и определенно требовали специального навыка, усердной работы и разработки дизайна, но их не поднимали на уровень изящного или высокого искусства. (2/17) 2014 galleryspb

теория искусства

История модернизма в период с середины 19-го века до середины 20-го заставила нас иначе взглянуть на то, что мы подразумеваем под произведением искусства. Искусство перестало подчиняться сжатому набору правил и методов. Вместе с тем как модернизм продолжал свое развитие в 20-м веке, стало еще труднее дать определение произведению искусства. Brillo Boxes Энди Уорхола (1970), выглядевшие в точности как коробки этого моющего средства в магазине, еще больше усложнили ситуацию. Необходимо было обладать специальными знаниями, чтобы воспринимать эти коробки как предмет высокого искусства. Стрит-арт, как отдельное движение, еще больше затрудняет разделение искусства на низкое и высокое. Существуя за пределами договоренности о том, где искусство создается и выставляется, стрит-арт моментально исключает себя из высоконравственных академических понятий. Уличное искусство не преподают в колледжах, и оно непременно перестало бы быть тем, чем является, попав в университетскую систему. И все же, культурная коннотация низкого искусства претерпевает изменения. Постепенно уничижительные ассоциации ставятся под вопрос. Этот процесс очень похож на то, как английский термин geek, обозначавший ботаника-изгоя, развил свое значение и стал обозначать специалиста, обладающего глубокими знаниями по изучаемому предмету. Граффити и стрит-арт больше не являются простейшими остротами, предназначенными для необразованных. Теперь заново изучают их историю, техники, опыт, концепцию и замыслы. С моей точки зрения, граффити и стрит-арт по-прежнему являются формами низкого искусства, но мы, как представители культуры, теперь уделяем им гораздо больше внимания и ценим их специальные знания. Ярлык низкого искусства больше не является суждением о качестве, теперь это скорее точка зрения культуры, и низкое искусство не означает хорошее или плохое. Также высокое искусство не является непременно важнее низкого. На самом деле, говоря о стрит-арте и граффити, мы не можем сказать, что между высоким и низким определенно существует формальная или продуктивная разница. Такая разница – это скорее искусственное разделение, придуманное людьми и институтами. Если рассматривать граффити и стрит-арт как низкое искусство, то они бросают вызов нынешнему положению дел в мире искусств, включая все его институты. Это разграничение дает повод для дебатов между представителями этого мира и теми, кто остался за его пределами. В последнее время граффити и стрит-арт стали наиболее значимыми формами искусства, что вновь придает смысл дискуссии по поводу их принадлежности к высокому или низкому искусству. Такое заявление должно привлечь внимание ответственных за образование в сфере искусств, стипендии и профессиональную практику. Новое поколение художников, выступающих против модернизма, выходит из-под контроля, закрывая глаза на культурную политику и выражая свое искусство тем способом, который они считают подходящим. Благодаря этой истории, аутсайдеры стали «своими», ставя под вопрос характеристики высокого и низкого искусства. В то время как мы можем сказать, что граница между высоким и низким искусством размывается, возможно, более верным будет отметить, что низкое искусство пригласили в высоконравственные институты, и оно там бурно развивается.

galleryspb (2/17) 2014

spot-light

(2/17) 2014 galleryspb

spot-light

ÂŠ All photo Nic Fedotov Casus Pacis, 2014 Saint-Petersburg, Russia Courtesy Nic Fedotov

galleryspb (2/17) 2014

spot-light

В рамках параллельнрй программы «Манифесты 10»

Кураторы: Анна Нистратова (Москва) Вова Воротнев (Киев) Михаил Астахов (Петербург)

Музей уличного искусства в индустриальном петербургском районе Охта в рамках параллельной программы биеннале «Манифеста» открывает первую выставку, в которой примут участие около 60 молодых художников из России, Украины и других стран.

CasusPacis

Повод к миру / Motiveforpeace / Привiд для миру

Сегодня, на пороге трагической даты, — столетия с начала Первой мировой войны, мир все еще не готов гарантировать невозможность повторения конфликтов, решаемых с помощью оружия и ведущих к необратимым катастрофическим последствиям. В России тема Первой мировой войны почти полностью вытеснена из общественного сознания Октябрьской революцией. Мало кто осознает, что тогда была полностью перекроена карта Европы, России, да и всего мира. Развал великих империй дал шанс новым независимым национальным государствам, но также стал ядром многих конфликтов (включая и Вторую мировую войну), развитие которых мы наблюдаем последнее столетие. Именно тогда впервые и Украина, пусть ненадолго, но создала автономное государство, а теперь, спустя 100 лет после Великой войны и 23 года признанной государственности, история совершила полный, почти мистический цикл и именно здесь создала для нового поколения драматическую точку глобального напряжения. Мы видим, как отживший, казалось бы, в XXI веке милитаристский инструментарий продолжает применяться теперь и у нас под боком. Политики, власть имущие вновь находят способы использовать маленького человека, готового

сложить голову на алтарь бога Марса ради мнимых абстракций. Последствия Первой мировой известны: 10 миллионов убитых, десятки миллионов познавших физические и нравственные страдания. Первая мировая начала новую главу и в развитии искусства. Творческие биографии великих художников начала XX века имеют пробел с 1914 по 1918 год, потому что все они были втянуты в войну, а многие участвовали в военных действиях как простые солдаты. Фернан Леже говорил, что дни, проведенные им у 75-миллиметрового артиллерийского орудия в Вердене, сделали больше для его прогресса как живописца, чем все посещения музеев. Оскар Кокошка и Эгон Шиле выработали свой знаменитый скептический взгляд, прежде всего вследствие пережитого на войне. Многие радикально порвали с прошлым — и с искусством, которое носило следы реальности. Война еще только началась, а Малевич уже писал свой «Черный квадрат», в Цюрихе зародилось движение дадаистов. В конечном итоге, и сюрреализм возник как художественная реакция на войну. Символическим примером разрушительной мощи войны может быть судьба главного творческого объединения экспрессионистов на(2/17) 2014 galleryspb

spot-light

ÂŠ All photo Nic Fedotov Casus Pacis, 2014 Saint-Petersburg, Russia Courtesy Nic Fedotov

galleryspb (2/17) 2014

spot-light

(2/17) 2014 galleryspb

spot-light

ниц. В такой ситуации прогрессивные силы, в частности – художественные, должны осознанно брать на себя бремя ответственности и обозначать свою позицию. Антивоенная повестка – одна из самых важных сегодня, ведь процессы, которые продолжают с легкостью запускаться в лощеных кабинетах, не могут быть остановлены нажатием клавишей Ctrl+Z. Не считаясь с государственными границами, невзирая на разные языки, социальные условия и непохожесть стилей, и сто лет назад, и сейчас художники вместе искали новые пути — в то время как политические элиты держали курс на конфронтацию.

чала XX века «Синий всадник», которое базировалось в Мюнхене и в которое входили несколько русских художников. Но когда началась война, российским художникам пришлось покинуть Мюнхен как подданным вражеской страны. Группа распалась. А потом на фронте погибли Август Маке и Франц Марк. Участник группы Моисей Коган пережил Первую мировую, но погиб в газовой камере Освенцима во время следующей войны. Сейчас, в 2014 году, художников пока не призывают на фронт. Линией современного фронта стали СМИ и социальные сети, а самым сокрушающим орудием — телевизионные каналы всех без исключения стран. Вместо образования, просвещения, беспрепятственной коммуникации нам навязывают или поощряют взаимную ненависть и ограниченность взглядов. Так же, как сто лет назад, практически все общество, включая художников, втянуто если не в боевые действия, то в информационную войну. Мы наблюдаем мобилизацию одних против других, дележ общих и частных культурных ценностей, возведение и разрушение новых географических и моральных гра-

galleryspb (2/17) 2014

Разрушенная индустриальная территория Музея стрит-арта станет площадкой для общего художественного высказывания молодых авторов разных жанров, объединив улицу и музей в одном пространстве. Проект CasusPacis объединяет художников из России, Украины и других стран и представляет угол рефлексии на современность как независимых уличных и медиахудожников, так и институционализированных художников, экспериментирующих с уличными практиками или же имеющими потенциал для работы на улице. Используя девиз «Повод к миру», кураторы выставки пытались вызвать художников на диалог не только на актуальные социальные и политические темы, но и пригласить их обратиться к традициям художественной рефлексии на тему войны и мира. Стритарт и медиа-арт не являются ни в России, ни на Украине частью рынка или какого-либо серьезного институционального процесса. Таким об© All photo Nic Fedotov Casus Pacis, 2014 Saint-Petersburg, Russia Courtesy Nic Fedotov c. 82-83 Art Basel Miami Beach 2013 Courtesy MCH Messe Schweiz (Basel) AG

spot-light

разом уличный художник близок к народной стихии и часто является самым непосредственным носителем как некой позитивной низовой энергии, так и тех негативных стереотипов и предрассудков, которыми оперирует общественное сознание. Коммуникация, опыт и преодоление являются равно важными составными частями проекта. Заводская непарадная территория становится форумом «Повода к миру» и обретает также функцию ресайклинга, актуальную в пору экономии ресурсов, создает альтернативу расточительным жестам в искусстве и включает в зону интенсивной коммуникации все вытесненное на задворки. Проработка, выравнивание иерархичности общественного пространства является одной из главных задач публичного искусства в целом.

(2/17) 2014 galleryspb

artfair

galleryspb (2/17) 2014

artfair

Moscow FIAC Art Basel

(2/17) 2014 galleryspb

рынок

art capital

galleryspb (2/17) 2014

biennale Как Дубай, Стамбул или Гонконг отличаются от «традиционных» центров Лондона и Нью-Йорка? Как поощрять художественную деятельность и ее экономические последствия? Эти вопросы, были поставлены перед участниками дискуссии под председательством неутомимого эксперта арт-рынка Джорджины Адам Christie’s в Лондоне. Директор Арт Дубай Савита Aпте, искусствовед Луиза Бак, художник Майкл Крейг-Мартин и директор Галереи Хейвард Ральф Ругофф обсудили «ингредиенты», необходимые, чтобы превратить город в мировой художественный центр, который одновременно питает и обогащает местную среду, привлекает обычное кочевое стадо профессиональных поклонников современного искусства.

Вот то, что вам нужно знать

Courtesy Nic Fedotov

Яркое художественное сообщество (в конце концов, это то, что составляет мир искусства) Это кажется очевидным, но, как отметили Ругофф и Крейг-Мартин, художники часто остаются вне обсуждения организации художественного мира. Любая дискуссия о том, как способствовать созданию арт-центра, должна начинаться с того, как привлечь художников. Они должны хотеть быть там, прийти туда и там остаться. Как только процесс будет запущен, он может начать быстро набирать обороты, т.к. хорошие художники имеют тенденцию привлекать других хороших художников. Достаточно взглянуть на то, что происходит в Лос-Анджелесе сейчас. По мнению Ругоффа, для художника дружелюбный город означает хорошую ночную жизнь, хорошие рестораны и доступные арт пространства. В настоящее время, Лондон и Нью-Йорк проводят свою собственную ценовую политику, но останутся ли они бесспорными художественные центрам Запада надолго, если стремительно растущая арендная плата будет по-прежнему выталкивать оттуда безденежных молодых художников?

Большие школы искусства Это, естественно, следует из пункта № 1, потому что художественные школы служат колыбелью любого художественного сообщества. В Европе Школа искусств Глазго (GSA) стала хрестоматийным примером. Мало того, что она выпустила три победителя премии Тернера за последнее десятилетие, но GSA находится в центре художественной жизни города. Многие выпускники решают там остаться и готовы вернуть накопленный потенциал (Дуглас Гордон лихо превратил свой таунхаус в то, что в настоящее время называется критиками Некоммерческим пространством Общиая Гильдия). Города, стремящиеся развить свою художественную репутацию, такие как Сингапур, берут подсказку, выдирая страничку из учебника Глазго. Сингапур в настоящее время в партнерстве с престижными западными организациями такими как Йельский университет в США и Голдсмит в (2/17) 2014 galleryspb

Лондоне, создает художественные курсы. Между тем в Великобритании художественное образование постоянно ослабляется недальновидной государственной политикой и невероятно высокими ценами. Как бывший преподаватель Голдсмит КрейгМартин отметил, что это может занять поколение, но в конечном итоге будет иметь негативное влияние на город в целом.

Сильный коммерческий сектор Искусство привязано к правящему классу пуповиной золота, – сказал Ругофф, цитируя Клемент Гринберг. Хотя об этом, как правило, забывают (даже те учреждения, которые должны заботиться об этом наибольшим образом), но художникам должны платить за то, что они делают. Нужны арт-дилеры, агенты, которые осуществляют связь между художником и внешним миром. Хорошие галеристы, работающие с местными художниками, могут иметь очень ощутимое влияние на арт-сообщества. Аукционные дома и арт-ярмарки также (и все более) становятся ключом. Процветающие в стратегических географических точках (часто с благоприятными налоговыми ставками), они могут выступать в качестве катализаторов, привлекая покупателей из всей области и за ее пределами. Что касается арт-ярмарок, то Гонконг является здесь примером. Роль, которую он сыграл как чемпион в мире искусства, не может быть недооценена для города в целом.

Местные и международные коллекционеры и меценаты От Медичи до Гуггенхаймов коллекционеры и меценаты играли ключевую роль в поддержке художественного творчества. Они

делали заказы, коллекционировали, поддерживали государственные учреждения. По мнению Крейг-Мартина, именно появление культуры коллекционирования в 1980-х превратило Лондон из тихой арт-заводи в международный центр. Циркуляция становится все более обязательной в глобальной реальности мирового искусства, регулярные визиты зарубежных коллекционеров также имеют решающее значение, так как они распространяют престижность города и его художников далеко и широко. Здесь следует особо отметить бесчисленные частные фонды, растущие как грибы от Турции до Китая. Их можно легко сбросить со счетов как «проекты тщеславия» (и многие из них именно таковы), но, как сказала Савита Aпте многие государственные музеи на Западе начали либо так, либо с частных коллекций. В некоторых странах, таких как Индия, частные музеи являются единственными доступными учреждениями. Вы должны с чего-то начинать, – сказала она.

galleryspb (2/17) 2014

biennale 5.

Широкий спектр государственных учреждений В то время как коммерческие галереи имеют решающее значение для извлечения нового искусства из мастерских на обозрение общественности, задача написания истории падает в основном на некоммерческие организации. Первая персональная выставка в большом музее остается ориентиром в карьере любого художника, и институциональные выставки делают для родословной художника больше, чем любое галерейное шоу, как бы ни было оно престижно. Музеи также являются хранителями памяти, пересматривающими историю искусства: они придают ему новую актуальность, которая, в свою очередь, питает современную культуру.

Заинтересованная аудитория (в противном случае какой смысл?) Наличие художественных выставок и художественных ярмарок очень хорошо, но от этого мало пользы, если в них никто не заинтересован. Вопрос об аудитории находится в самом сердце любой дискуссии на тему художественных столиц. Это часто означает художественное образование: в школе, в рамках учебной программы (хотя ведущие британские политики не согласились бы), а в более общем смысле как часть работы средств массовой информации. Искусство должно существовать в дискуссионной среде, в противном случае оно остается маргинальным элементом, живущим в разреженной атмосфере самозваной культурной элиты.

Стратегическое место (вам нужно место, чтобы сушествовать!) Нет смысла пытаться завести культурную столицу за полчаса езды от существующего культурного центра. Существующие художественные центры имеют тенденцию привлекать всех за сотни миль вокруг и так эгоистичны, что они игнорируют все, что происходит в другом месте. Расстояние порождает разницу, которая, в свою очередь, может быть весьма выгодна. Для художника обосноваться в Лос-Анджелесе, а не в Нью-Йорке означает почти декларацию о намерениях. Глазго в полной мере воспользовался отличием себя от Лондона. Арт-центры не растут в тени больших арт-центров.

ZED1. Julbi Sell Nimo. 2013 San Benedetto Courtesy StreetArtNews

Courtesy Nic Fedotov Courtesy StreetArtNews (2/17) 2014 galleryspb

All photo MAMM

biennale

Ольга Свиблова, директор МультиМедиаАрт Музея Москвы, одна из самых влиятельных личностей не только в русском, но и в мировом современном искусстве, дала интервью Gallery.spb об истории и лингвистике, этике и риске, диалоге с художником и роли искусства в жизни.

galleryspb (2/17) 2014

корреспондент Gspb Марина Гончарова берет интервью у Ольги Свибловой

biennale

Об языке искусства Искусство вообще и современное искусство, в частности, это, прежде всего, язык. Если человек, который не знает китайского языка, приехал в Китай, не надо злиться на китайцев, что он их не понимает. Надо выучить язык, даже если это потребует усилий. Зато, выучив язык, он обнаружит, что в Китае, как в любой большой стране, есть люди, которые ему нравятся, а есть, которые не нравятся, есть часть культуры, которая его захватывает и может обогатить, а есть что-то, что проходит мимо.

О мировых тенденциях и мировых чудесах Тенденции не могут нравиться или не нравиться, они же не девушки. В искусстве надо обсуждать конкретные вещи, потому что искусство тем и отличается от всего остального бла-бла-бла, например, оно отличается от философии, от политэкономии, от социологии. У искусства свой язык, и искусство очень конкретная вещь, при том, что я даже творчество художников стараюсь не обсуждать или обсуждаю с большими допущениями. Я понимаю, что мое личное суждение о конкретном произведении – мое восприятие, а не проблема художника. Но и мое высказывание, не дворника и не президента, все равно не может быть истиной в последней инстанции. Искусство вынуждает нас делать суждения, вынуждает на реакцию, толкает на провокацию. Искусство для того и нужно, чтобы о нем говорили, и это становилось поводом нашей коммуникации. Искусство – это всего лишь символический ответ, но оно нас провоцирует на разговор. В этом его огромная роль.

бес конечный диа лог с

х удож ником

Об основном проекте 5-й биеннале Поскольку мне присущи этические нормы, я не могу обсуждать основной проект 5-й Московской международной биенналле. Но могу сказать, что мне это не близко, допуская, что в построении основного проекта есть внутренняя логика, которая мне не близка. Катрин де Зегер привлекла много молодых модных художников, в экспозиции основного проекта много работ художников, творчество которых она открывает для зрителя. Я же в своей экспозиции работаю только с двумя художниками, создаю возможность диалога начала века XX и века XXI на примере двух гениальных художников. Перед нами два мировых чуда, два великих человека, один жив еще и ему 80 лет, другого уже нет. Такие люди Ренессанса приходят в мир не часто. Катрин де Зегер, напротив, показала очень много и очень разного, и есть что-то, что очень мне нравится, есть чтото, что совсем не нравится. Но у нее была другая задача, и, соответственно, мы имеем другой результат. Но я все же не понимаю, про что биенналле, хотя у него есть название – «Больше света». Зато я хорошо понимаю, про что выставка «Утопия и реальность»: это не только диалог двух гениев, но и двух музеев – музея Ван Аббе и МАММ.

Утопия или реальность? Выставка Эля Лисицкого и Ильи и Эмилии Кабаковых важна для огромного количества людей. Павел Флоренский (кого в Италии называют русским Леонардо да Винчи и выставка о творчестве которого открыва(2/17) 2014 galleryspb

biennale

ла проект нашего музея «Знаковые люди России») писал, что человек без кода, без знания истории как бы исчезает. И те, кто еще не видел выставку, не очень понимают, что теряют. Это подлинная история нашей страны. Например, «Проуны» Лисицкого в городе Витебске в рамках наглядной агитации города, – гениальная композиция. Небольшие работы, на которых стоят штампы «Утверждено»: советской власти всего 4 года, а она уже утверждает монументальную пропаганду. Невероятный драйв, космический город будущего, Витебск, очень маленький город, известный только тем, что там родился великий Шагал и работал великий Малевич. Такой культурный event, играющий огромную роль, когда мы говорим вообще о брэнде страны. Спросить кого во Франции, Англии, Испании, Италии прямо на улице, какие русские города знают, ответят «Москва, Петербург и Витебск». И при этом Илье Кабакову исполняется 80 лет, и его выставка тоже запланирована в МАММ. Его 70-летие мы праздновали в нашем музее, и только, может быть, 50 человек, понимали, кто он и каков его вклад не только в русское, но и мировое искусство. 30 лет назад я пришла к нему в мастерскую, даже не зная, что он художник. Вышла от него в 6 утра взрослым человеком, он мне открыл глаза на многие вещи, которые я не понимала. Не пойти на эту выставку – значит, остаться без собственной истории. Это огромный диапазон трагического размаха и трагикомедии жизни, пронзительные альбомы Кабакова, которые надо и смотреть, и читать. Он умеет сохранить голоса своих персонажей, вот, например, альбом «С краю», где речь идет об украшателе Малыгине. Рассматривается проблема маленького человека, который боится выйти в центр, тончайшие нюансы отношений, чувств, вечные темы. Кабаков учит нас тому, что на многие вопросы, которые мы себе задаем, нет одного ответа. Кабаков дает нам понимание и жизни и искусства одновременно. Выставкой «Утопия и реальность» мы задаем вопрос – что есть утопия и что реальность? Для голландцев утопия – Лисицкий, а для нас – Кабаков, но граница эта условная, что мы и хотели показать. Знание исто-

galleryspb (2/17) 2014

рии связано с пониманием страны, как она менялась, и эта выставка передает атмосферу, в ней заложен вектор движения. В подготовке важна предварительная работа, поиск, общение с художником, что часто дает рискованное решение, неожиданное, как и получилось у нас в выставке «Утопия и реальность», совместившей в себе столь разные проекты. Бесконечный диалог с художником и есть самое большое счастье в моей работе.

Планы МультиМедиаАртМузея Москвы В начале ноября в МАММ откроется выставка «Гиперболоид инженера Шухова», гениального русского инженера и архитектора, автора знаменитой телебашни на Шаболовке и ее копий по всей стране, знаменитого гаража со стеклянной крышей, в котором не так давно открылся чудесный Центр современной культуры «Гараж». Шухов везде, Шухов спроектировал первый газопровод из Россиии в Баку, придумал специальные цистерны для транспортировки нефти, которые до сих пор используются. Этой выстакой мы продолжаем цикл «Знаковые люди России», потому это смешно, позорно и ужасно, когда россия выбирает знаковым человоком страны Сталина. Затем в конце ноября мы привезем в Москву коллекцию Дэмиена Херста, одного из крупнейших обсуждаемых художников мира. В ней – замечательные произведения Фрэнсиса Бэкона, скульптуры Джиакометти, работы Мураками и многих других великих художников современности. Так он показывает художников и декларирует свои художнические вкусы одновременно, чем, собственно, занимается любой куратор или директор музея – каждая выставка – это коллекция. И затем, буквально в первые дни 2014 года, открывается выставка, посвященная первой мировой войне, о России накануне этого события, о ее высоких достижениях.

biennale

El Lissitzky Cosmos, guache on paper Ilya and Emilia Kabakov Bit pobedil Oil on canvas, textile

(2/17) 2014 galleryspb

biennale Icebreaker Lenin photo Yuri Palmin

galleryspb (2/17) 2014

Icebreaker Lenin photo Vladimir Kondratiev

biennale

contemporary art

автор проекта Симон Мрац, Стелла Роллинг автор статьи Анна Линц

на ледоколе

Выставки современного искусства даже в самых необычных городских пространствах уже стали привычными атрибутами жизни во всем мире. Другое дело – Крайний Север, Мурманск, Россия. Сюда еще не добрались ни сеть Государственного центра современного искусства, ни проекты Марата Гельмана. Открывшийся здесь международный проект «Ленин: ледокол» в пространстве легендарного и первого в мире судна с ядерным реактором на борту выглядит едва ли не воплощением идей научных фантастов советского времени. «Ленин» – не просто бывший военный корабль, – говорит атташе по культуре посольства Австрии в России и один из кураторов выставки Симон Мраз. – Он изначально строился как объект советского величия и мощи, демонстрирующий достижения науки, техники и промышленности. Мы дали художникам полную свободу, но с одним условием: обыграть пространство так, чтобы работы отражали идею ледокола, который должен стать для них красивым антуражем». Впрочем, этот антураж сыграл с произведениями современных художников злую шутку: историческая мощь и парадный сталинский декор с обшивкой из натуральных сортов дерева, барельефами, ковровыми дорожка-

ми и неоклассическими светильниками попросту задвинули минималистские произведения современников на дальний план. Если бы не анонсирующий выставку баннер на трапе и огромная мигающая огнями при приближении человека сфера на причале (отстраненная и скорее дизайнерская работа Александра Лысова), догадаться о том, что на ледоколе присутствует contemporary art, затруднительно. К участию в выставке пригласили двадцать художников из России и Австрии, большинство из которых сделали новые работы для проекта. Одни из старейшин концептуального искусства Игорь Макаревич и Елена Елагина в офицерской кают-компании соорудили инсталляцию «Алхимия атома» в духе диалектического материализма с панно с изображением ледокола и стеклянных емкостей, наполненных шариками-атомами, расписанными цитатами Ленина. Михаэль Штрассер заархивировал перформанс на палубе «Ленина» с танцующими и рассказывающими истории о Мурманске статистами. Но, пожалуй, самыми осмысленными и соответствующими месту произведениями стали работы Катрин Шеррер, Марии Кошенковой и Светланы Габовой. Первая построила у питьевого фонтана для матросов инсталляцию в виде миниатюрного многоэтажного дома с вариативно заполненными комнатами («Когда люди подходят попить воды, они всегда думают или мечтают о чемто»). Габова по всему кораблю развесила своеобразные фотографические памятки с фрагментами интерьера – рифмы к корабельным схемам. А Мария Кошенкова создала скульптуру «Замороженный лидер». Бронзовый бюст Ленина, распиленный пополам, «оплывает» в луже застывшего стекла: вождь пролетариата тает, как льдина, под натиском времени и былого величия. (2/17) 2014 galleryspb

biennale

Искусс тво,

которого никто толком не видел

galleryspb (2/17) 2014

biennale

В течении полугода в Фонде культуры «ЕКАТЕРИНА» в Москве была открыта выставка «Реконструкция 1990–2000». Выставка была организована Фондом культуры «ЕКАТЕРИНА», Центром современной культуры «Гараж» и XL Projects.

интервью Gspb Иосиф Бакштейн

В каталоге выставки основатель «Гараж» Д. А. Жукова определила 90 е годы 20в как время становления русского современного искусства, выразив надежду, что «материалы выставки помогут понять специфику развития российского арт рынка и поэтапно проследить эволюцию современного искусства России в период его формирования.» Два непосредственных участника событий того времени рассказали Gallery.spb о том, что по их мнению получилось.

G.: Иосиф Маркович, скажите, Вы видели выставку «Реконструкция 1990–2000» в фонде культуры Екатерина? Что скажете о ней? Б.: Видел. Выставка хорошая. Селина поработала хорошо.

← Courtesy Ekaterina Cultural Foundation Garage center of Contemporary Art XL Projects Oleg Kulik Missionary. Dedicated to Saint Fransisco of Assisi 1995

До этого были выставки, повторяющие отдельные проекты того времени, но ничего плохого в этой выставке нет. Тем более, Елена Селина компетентный человек в этом вопросе. Композиция выставки немного наивная, – «ну вот давайте включим все что поместится», но в целом, хорошо. К сожалению, не включили самую интересную часть – с 1987 по 1990 год, самое время, когда все начиналось, когда только начали разрешать что – то делать, и вдруг разрешили все. Делали выставки везде, от Бутырок до Гонолулу. В буквальном смысле. Русское искусство, которого никто толком еще не видел, на Гаваях. Это само по себе уже концепция. У меня до сих пор хранится паспорт с немецкоцй визой, выданной для поездки в Берлин, в Берлине. Арт обьект.

(2/17) 2014 galleryspb

biennale

G.: Что скажете о вашей статье в каталоге? Б.: А там есть моя статья? G.: Да. 1993 года. Б.: Хорошая статья? Вам понравилась? G.: Да, очень. Особенно, часть о создании институций современного искусства. Б.: Надо будет почитать. «В мире существует международная система искусства. И хотя, казалось бы, везде все разное, есть нечто общее, что позволяет объединиться в единую систему. Важно было понять эту общую часть и ее воспроизвести. Есть два прототипа некоммерческой организации: европейский, немецкий вариант – Kunsthalle, и американский ICA (Institute of Contemporary Art), их целая сеть во всем мире. Это выставочная деятельность, исследовательские программы, каталоги, какие-то образовательные программы. В немецком варианте они финансируются из муниципальных или

федеральных бюджетов, в американском это, по сути дела, частные организации. Существует совет попечителей, который должен искать деньги. Эти институты выполняют важную общественную миссию. Дальше нужно было буквально воспроизвести эту структуру здесь, с учетом специфики российского законодательства. Но выяснилось, что это как сантиметры и дюймы, вроде меры длины, но не сочетается, и всё. Самое ужасное, когда даже мои коллеги ссылались на то, что у нас «своя» ситуация, свои собственные российские тараканы, так нельзя и прочее, хотя они отчасти правы». (Текст из каталога. 1993)

Alexander Brenner, Oleg Kulik The last Taboo Guarded by Lonely Cerberus 1994

galleryspb (2/17) 2014

biennale

интервью Gspb Виктор Мизиано

G.: Виктор, что Вы можете сказать о выставке «Реконструкция», как очевидец и как куратор? С чем связан интерес к ретроспективе 90-x? VM: С отсутствием осмысленного материала, критических и аналитических исследований, музеев или музейных экспозиций и некоторыми опасениями, что этот период искусства может уйти в прошлое, исчезнуть, не будучи задокументирован в какой-либо форме. Вторая составляющая интереса – это желание некоторых реальных участников пересмотреть свое место в тогдашнем художественном процессе, придать ему новое значение. С другой стороны, новые участники хотят подчеркнуть свою преемственность старым арт-институциям, а, иногда, и подменить их новыми, не имеющими к старым никакого отношения. Яркий пример тому ГЦСИ. Огорчительным оказался недостаток кураторской методологии, при котором экспозиция не имеет достаточтой полноты и систематичности, для того чтобы представлять хронологически-исторический подход к демонстрации объектов искусства, при этом начинает преобладать начетнический подход, по принципу «ну вот давайте вот это добавим, у нас здесь есть еще немного места, и вот еще один нашелся». При этом полностью отсутствует желание осмыслить происходившее, дать ему некую экспертную оценку как периода искусства, определить ценность и значимость отдельных явлений. С другой стороны зритель не получает почти ничего от атмосферы того времени, в чем, возможно, виноваты сами участники, многие из которых не любят вспоминать то голодное время, боясь навредить своему сегодняшнему имиджу.

↑ Gia Rigvava I Hate the State-I, 1994

G.: Скажите, насколько можно сравить русских художников с YBA, выставка которых проходит параллельно в центре Екатерина? VM: Сравнение, которое я не раз приводил, хромает, но пока я не нашел лучшего. YBA имели свои корни в английском дендизме, а русские художники в русском бродяжничестве. G.: Как можно сравнить выставку с венецианской выставкой фонда Prada? Это что – тенденция? VM: Никак. Выставка “When Attitudes Become Form: Bern 1969/Venice 2013”* куратор Герман Челант по выставке Harald Szeemann воссоздает знаковое изменение подхода к художественной экспозиции и не имеет отношения к простому собирательству случайных артобьектов. G.: Плюсы? VM: Начало положено. Хочется надеяться на появление осмысленной музейной развернутой экспозиции искусства периода, затронутого в Реконструкции. * Фонд Prada представил на 55 Венецианской Бьеннале выставку «Когда отношения становятся формой: Берн 1969/ Венеция 2013» в Ca’ Corner della Regina, куратором выступил Германо Челант в диалоге с Томасом Демандом и Ремом Кулхаасом. В удивительном и новаторском ремейке проект реконструирует выставку куратора Харальда Зееманна1969 года в Кунстхалле Берна «Живи в совей голове. Когда отношения становятся формой», которая вошла в историю благодаря радикально новому подходу к выставочной практике, задуманной как лингвистический медиум.

(2/17) 2014 galleryspb

artfair

artprice

cообщает

galleryspb (2/17) 2014

artfair

Рынок искусства 2013

+15

Цена Глобального индекса

Как и предсказывал основатель Artprice Тьерри Эрманн в течение года, 2013 стал действительно лучшим годом за всю историю аукционов (более $ 12 млрд) и лучшим по продажам для аукциона Кристи в за всю его 247-летнюю историю. При этом послевоенное и современное искусство достигло абсолютного рекорда по цене продажи с молотка: $ 127 млн за работу британского художника Фрэнсиса Бэкона. 2013 был отмечен почти 15 тысячью новых рекордов цен для художников и более 23 000, если включать первые ставки. Этот великолепный год был обеспечен глобализацией спроса, особенно покупателями из Азии, Ближнего Востока и России, сыгравших решающую роль в производительности рынка. Они обнаружили поистине ненасытный аппетит в отношении ведущих художников 20-го века, который сделал последних абсолютными рекордсменами продаж.

Введение В 2010 году несколько сотен тысяч результатов, собранные Artprice, показали, что мир искусства резко изменился в связи с появлением силы, которую ни один игрок на рынке с тех пор не может игнорировать: Китай. Его годовые результаты продаж тогда, впервые в истории, превзошли результаты такой сверхдержавы, как США. Уже четвертый год подряд, Китай опережает США: результаты за 2013 год поставили его под номером один еще раз.

В Китае, как и в США, продажи произведений искусства никогда не были столь активны. Общая сумма международных годовых продаж выросла на 13 %, увеличившись с $ 10,6 млрд до $ 12 млрд, глобальный индекс цен получил 15 очков в прошлом году, что составляет общий прирост на 80% за 10 лет. Являются ли рост цен и «продажи престижа», возбуждающие бешеную конкуренцию, при которой прибыль может увеличиться на несколько миллионов в течение нескольких минут, симптомом нового спекулятивного пузыря? Ответ: нет, по мнению игроков рынка, имели место глубокие изменения в положении дел. В настоящее время рынок искусства больше не зависит от горстки богатых покупателей, чей выход из игры мог вызвать всеобщий крах. В настоящее время он питается растущим числом богатейших покупателей, которые пробились в высокие сферы арт-рынка по различным причинам. Мы видим появление новых музеев, призванных повысить национальный престиж; частных коллекционеров, подтверждающих подлинность своих работ штампом качества своих коллекций в целом; инвестиционные фонды, которые иногда пересматривают свой выбор после подпитывания микропузырьков рынка и продуктивной игры на повышение/понижение в отношении новых имен, и новых покупателей-миллиардеров, для которых приобретение крупной работы одновре-

(2/17) 2014 galleryspb

artfair ©Benoît Maire Mathias, 2012 tirage lambda Courtesy Cortex Athletico, Bordeaux - Paris ↓ ©Hayal Pozanti Unhosted, 2014 Acrylic on canvas Courtesy of the artist and Jessica Silverman Gallery

менно личное приключение, форма социального самоутверждения и премиум инвестиция. Кроме того, восемь из пятидесяти лучших заявок в 2013 были сделаны в отношении ныне живущих художников, они даже включают работу 21го века: Тайная вечеря (2001) китайского художника Цзэн Fanzhi.

Основные финансовые показатели за 2013 Доходы Китая выросли еще раз в 2013 году (+21 %), несмотря на отличный год для американцев (рост около 20 %). Двойной полюс Китая и США контролировал почти 70 % рынка искусства с точки зрения объемов продаж, причем две сверхдержавы пришли к финишу голова к голове. Китай, № 1 на мировом рынке, получил в общей сложности $ 4,1 млрд. США достигли цифры более $ 4 млрд, благодаря глобализации спроса на имена, рассматриваемые в качестве трофеев. Учитывая этот устойчивый рост преимущества основных игроков, остальные участники остались далеко позади. С объемом в $ 2,1 млрд, Великобритания генерирует половину доходов вторых лидеров, однако ее 3-е место оспаривала не кто иной как Франция, 4-я в рейтинге, с результатом млн $ 549 (4,5 % рынка), за ней следуют Германия ($ 207 млн; 1,7 % рынка), Швейцария ($ 159 млн; 1,3 % рынка) и Италия ($ 110 млн; 0,9 % рынка), единственные, кто сумел преодолеть доходный порог в $ 100 миллионов.

100

galleryspb (2/17) 2014

Несмотря на непроданные 34 % лотов, при переполненном предложении, рынок еще никогда не был таким жадным в своей истории, переваривая в два раза больше работ, чем это было десять лет назад. Это показывает, насколько шире он стал за последнее десятилетие. Продажи составили 12,005 миллиардов долларов, что является абсолютным рекордом в истории аукционов – на 13 % больше по сравнению с урожаем 2012 года* и на 2,3 % по сравнению с предыдущим рекордным 2011 годом, с доходами $ 11,78 миллиарда... * Artprice анализирует результаты торгов от 4500 аукционных домов. Годовой отчет 2013 состоит из макро-экономических и микроэкономических анализов, обновленных в соответствии с новыми продажами и изменений в цене произведения искусства.

artfair

ÂŠHans Bellmer La PoupĂŠe, 1935 Vintage gelatin silver print Hans Bellmer Estate

(2/17) 2014 galleryspb

101

artfair

©Alighiero Boetti Oggi diciassettesimo giorno…, 1988 Embroidery on cloth Courtesy Tornabuoni Art ©Mika Ninagawa Tokyo Innocence, 2013 C-print, TBD Mika Ninagawa

102

galleryspb (2/17) 2014

artfair

©Cally Spooner Performance of Damning Evidence Illicit Behaviour Seemingly Insurmountable Great Sadness Terminated In Any Manner, 2014 Opera singer and surtitles, 6 min performance Courtesy the artist and MOTINTERNATIONAL London & Brussels ©Thomas Zipp A.B.: Big Unit, 2013 Acrylic, oil and lacquer on canvas, artist frame Courtesy Galerie Guido W. Baudach / Photo Roman März

(2/17) 2014 galleryspb

103

conversations

Art Basel Miami Beach 2013 MCH Messe Schweiz (Basel) AG

104

galleryspb (2/17) 2014

conversations

Архитект ура artbasel miami beach 2013

идей и ис торий

Мишель Куо, главный редактор журнала Artforum International и американский художник Даг Эйткин о «новых передвижниках» и специфике места художественного творчества.

Мишель Куо (Michelle Kuo): Итак, первый вопрос, который я хотела бы задать, и который, возможно, подведет к более подробному описанию проекта, касается того, насколько все было спланировано, сколько было подготовлено заранее по сравнению с тем, что было предоставлено случаю, простому стечению обстоятельств? Даг Эйткен (Doug Aitken): Возможно, стоит рассказать немного о самом проекте «Station to Station». Мне кажется, его появление было неизбежно. Мы работали над ним на протяжении трех-четырех лет, и мне показалось, что культуре нужны новые возможности. Я вот сейчас смотрю на столик перед нами, и тут несколько пустых предметов, которые стоят отдельно друг от друга – вот это современное искусство, это кино, это литература, а вот тут архитектура (указывает на отдельно стоящие чашки и стаканы), и получается, что между ними иногда оказывается очень много свободного пространства. Я понял, что существует необходимость создать что-то вроде платформы для экспериментов, чтобы эксперименты находились за пределами традиционной капиталистической структуры, чтобы у ху-

дожников появилась возможность создать уникальные предметы в ситуации, которая не привязана к конкретному месту, в дороге или просто за пределами устоявшейся структуры. Поэтому для меня проект действительно был связан с возможностью подарить художникам и аудитории новые возможности.

МК: То есть в некотором смысле проект связан с динамикой, которая также присутствовала на импровизированных шоу, которые можно считать историческим прецедентом. Некоторые действия были заранее внесены в сценарий, но помимо них случайность, очевидно, всегда имела место быть. ДЭ: Да, и я думаю, этот аспект случайности, также как отказ от создания точного плана и решение просто действовать, сыграли невероятно важную роль в творческом процессе. Знаете, например, Хичкок – выдающийся режиссер, но в то же время он всегда детально прописывал сценарий, и, я помню, как-то читал его высказывание, где он говорит: «На самом деле, мне очень скучно делать кино», понимаете, именно когда его уже снимают. Поэтому, я думаю, наш проект (2/17) 2014 galleryspb

105

conversations развивается в совершенно противоположенном направлении, он рассматривает идею внедрения в сам процесс, в активный поиск, и тем самым позволяет этому ощущению открытия чего-то нового воплотиться в работах, которые часто создавались в режиме реального времени.

МК: Я знаю, что вы можете рассказать несколько забавных историй о людях, которые приходили к вам на каждой остановке, о том, насколько разной была аудитория. Очевидно, что каждый раз это было совершенно новое место. ДЭ: Да, я думаю, это еще один аспект, который делает проект интересным. «Station to Station» не был запланированным туром, мы не просто взяли и отправили этот поезд в дорогу. Вместе с тем как проект путешествовал, на каждой остановке к нему присоединялись новые люди, новые музыканты, в пути создавались разные арт-объекты специально для определенной остановки. С одной стороны, это просто путешествие на 5000–6000 км за три с половиной недели, но с другой – мы все время создавали новые языки, вариации на тему путешествия. Я думаю, этот замысел воплотился и в другом аспекте. Еще больший эксперимент заключался в следующем: кто-то может проехать от пункта А до пункта Б, а затем сойти с поезда, но при этом в дороге постоянно что-то создается. Это не непрерывный процесс, но в результате получается что-то вроде симфонии голосов.

МК: И, как я понимаю, вы считаете, что проект продолжается и сейчас, принимая во внимание архивные документы или работы, которые связанны с проектом, например, ваша скульптура, посвященная слоям земли. Это очень интересно. ДЭ: Да, вот, например, на слайде я вижу флаги, которые сделал Лоренс Вайнер (Lawrence Weiner). И мне так нравится идея, связанная с тем, что в проекте принимали участие совершенно разные люди. Например, Лоренс, которому где-то за семьдесят. Он сказал мне: «Я хочу сделать флаг для каждой остановки», и когда вы приезжаете туда, его просто нужно показать в Санта Фе или в Барстоу… Или такой художник, как Эд Руша (Ed Ruscha), говорит примерно так: «Дуг, я не хочу создавать какую-то живопись или гра-

106

galleryspb (2/17) 2014

фику, я хочу сделать что-нибудь съедобное». И в итоге, мы делаем для Эда 300 омлетов с кактусом, которые подают в пустыне Аризоны. То есть, с одной стороны – это художники, которые уже имеют огромное наследие, а с другой – это люди, которые молоды, неопытны, делают первые шаги, еще только как бы начинают создавать свой собственный словарь. Они подходят к проекту совершенно иначе, например, Лиз Глинн (Liz Glynn) или Сэм Фоллс (Sam Falls). Они собирают этот проект по кусочкам, прямо в поезде, во время движения.

МК: Да, это интересно, потому что это наследие физического движения или мимолетный процесс развития, столь тесно связаны с историей живописи. Я имею в виду, что Капроу (Allan Kaprow) многим обязан Поллоку (Jackson Pollock), и очень интересно видеть, как история искусства многим касается и вашего проекта. ДЭ: Да, и речь идет о культурном наследии… Знаете, даже если обратиться к таким жанрам, как живопись и рисунок – один из выдающихся объектов проекта, который я сам просто обожаю – это работа Олафура Элиассона (Olafur Eliasson). Олафур позвонил мне в середине лета и сказал: «Дуг, у меня тут такая идея, я бы хотел сделать чертежную машину, которая сможет рисовать на протяжении всего пути от Атлантики до Тихого океана за счет кинетического движения поезда». И в итоге он создал эту штуковину, мне кажется, он все лето тестировал ее в берлинском метро. В итоге, у нас появился арт-объект, который, тут мне снова вспоминается Поллок, мог рисовать различные черные линии на белой бумаге в зависимости от скорости поезда и его кинетического движения, и картинка изменялась от остановки к остановке. В итоге эта машина стала чем-то вроде устройства отображения перемещений поезда. То же самое, в некоторой степени, касается и скульптуры со слоями земли, которую вы упомянули. В какой-то момент мы поняли, что набрали примерно 250 кг земли на местах, где делали остановки. Мы просто выкапывали ее и складывали в контейнеры в одном из вагонов. Вернувшись, мы решил создать эти скульптуры, которые стали буквально воплощением хронологии событий, этакой полутораметровой шкалой времени, которая представляет собой все наше путешествие от одного побережья до другого.

conversations

(2/17) 2014 galleryspb

107

conversations

108

galleryspb (2/17) 2014

conversations МК: Мне кажется, в этом смысле у «Station to Station» есть еще один интересный замысел – вы смотрите на распространение своих работ не как на распространение эстетического искусства, а как на записки о путешествии на поезде – сильно устаревшем, архаичном виде транспорта.

ДЭ: Да, именно так. Мне кажется, для проекта очень важна метафора светящихся параллельных линий, которые вы видите снаружи поезда. Эта идея, вы как раз упомянули хэппенинги Аллана Капроу в 60-е, и указали на то, что железнодорожная система Америки существует чуть ли не с доисторических времен… Получается, у нас есть эта своего рода архаичная система, которой в основном пользуются пасторы, но которая при этом увеличивает количество главных артерий, идущих через всю страну по местам, мало кому известным. Поэтому, мне кажется, что работа в такой системе, ржавой, аналоговой, естественной, когда ты являешься ее частью, можешь трогать, вдыхать запахи, имеет некоторую двойственность. И тогда я придумал эту параллельную линию, как линию света, которая движется одновременно с проектом и воплощает идею создания моментов во времени, которыми можно делиться. А затем, рассматривая поезд с точки зрения XXI века, мы можем представить его как нечто вроде радиовышки, сигнального огня, распространяющего все эти истории и события. Можно быть в Гонконге или в Берлине и при этом отслеживать наши короткие видеоклипы, которыми мы ежедневно делимся со всеми. Для меня это было способом попытаться донести идеи, которые рождались в рамках проекта, которые возникали в творческом процессе, его философию. Мы использовали «Station to Station» как очень не материальный способ распространения наших идей.

МК: А вы можете поподробнее рассказать о поезде? Как вы его получили? Как это происходило? Ведь это особенный поезд, абсолютно уникальный. ДЭ: О да, это был очень напряженный процесс. В самом начале, когда мы пытались привлечь внимание Амтрак (американская железнодорожная компания) и получить маршрут, мне посчастливилось работать с невероятными людьми, которые стали мне почти семьей. Мне кажется, мы вместе верили в то, что эта груда железа сможет встать на рельсы. Вообще все,

что связано с поездом, просто невероятно. Мы нашли этого чудо-парня, которому всего около 25 лет, но он просто помешан на поездах, и я сказал, что он должен стать куратором и курировать поезд. Он собрал вместе все эти вагоны из разных частей Америки, и у нас получился поезд. Перед нами стояло две задачи. Первая – организовать передвижную студию, где можно создавать объекты искусства и писать музыку, а вторая – выделить вагоны для разных художников. Например, одному из первых я позвонил Хорхе Пардо. Я сказал: «Хорхе, у меня есть вот такой поезд, что бы ты хотел сделать? Ты можешь что-нибудь?» Он сказал: «Поезда – это ритмы, а ритмы – это узоры, поэтому придумай какой-нибудь узор, который может появиться на ткани обивки, которая будет использоваться в интерьере поезда». Решать поставленные задачи было очень интересно. И потом, ты сидишь в поезде, движущемся по пустыне со скоростью 90 км/ч, окруженный странными психоделическими узорами, которые придумал Хорхе, и за окном ты видишь те же самые цвета кустов и травы, которые Хорхе использовал в своей работе. В связи с этим очень интересна идея специфики места. В проекте были некоторые компоненты, которые нам хотелось выразить с помощью вещей, характерных тем местам, где мы останавливались. На все площадки, принимавшие участие в «Station to Station», мы ездили заранее и пытались вникнуть в их атмосферу, понять их андерграундную культуру. Например, в Канзас-Сити мы нашли группу Kansas City Marching Cobras. Это что-то вроде университетской группы танцоров, которая существует с 1969 года. Изначально она появилась, чтобы университетская молодежь, вместо того чтобы слоняться без дела по улицам, занималась этими странными мэшап танцами. Но когда я увидел их, я просто потерял дар речи, это было похоже на невероятный гипнотический танец, вводящий в транс, я даже не знаю, как это описать. В результате мы поговорили с ребятами и спросили их, могут ли они приехать в НьюЙорк. Они приехали в Нью-Йорк, а затем в Питтсбург, из Канзас-Сити на школьных автобусах. Когда они танцуют, я испытываю какое-то невероятное чувство первозданной радости, мурашки бегут по коже от этого напоминающего транс галлюциногенного танца, от этой хореографии, как извержение вулкана, который извергается прямо у скульптуры Карстена Хёллера (Carsten Hoeller). В общем, получается такого рода трение и напряжение (трет ладонями друг (2/17) 2014 galleryspb

109

conversations

об друга).

МК: Еще очень интересно, думали ли вы об этой связи между мимолетностью посещения всех этих мест и тем, что вы оставляете после себя, в чем заключается социальная функция проекта? Я думаю, в последнее время этот вопрос возникает и когда речь идет о других проектах тоже.

ДЭ: Мне кажется, этот вопрос возвращает нас к мысли о том, что сегодня, говоря о современном искусстве, мы не должны обращаться к материальному. Возможно, основной смысл заключается в новом опыте, в идее или концепте, в чем-то опирающемся на время, в чем-то, что находится внутри нас, а не расположено в каком-то музее или какой-то галерее в нашем городе. Поэтому для меня проект в большей степени был связан именно вот с такими смыслами. Возможно, в процессе работы над проектом я провел для себя такое сравнение – он был абсолютно мысленным образом, как если бы я мог открыть эту дверь и войти внутрь какого-то пространства, и я знал бы, что в этом пространстве есть интересующие меня предметы, но при этом я бы открыл для себя еще множество вещей, о которых я не имел ни малейшего представления, и смог бы увидеть, как они сложились в единый язык. Понимаете, я хотел создать ситуацию, в которой никто в полной мере не имеет представления о происходящем.

МК: То есть ни продюсеры, ни художники, ни местная аудитория, кем бы они ни были – интересно. Я знаю, что вы отсняли огромное количество видеоматериалов о проекте на всех его этапах. Возможно, вы расскажете что-нибудь об этом. ДЭ: Да, я думаю, что «Station to Station» можно назвать чем-то вроде отрезка времени, но при этом я вспоминаю эти мгновения, встречи, всех этих людей. Я действительно очень хочу постараться записать все на видео, осветить и сделать сотни копий короткометражек, которые мы будем просто раздавать, чтобы эти голоса были услышаны. Будь это Трей из Роден Кратера, рассказывающий о процессе покупки земли в 1976–1978, или Билл, путешествующий автостопом, которого мы встретили в Мохаве, и который бесподобно описывает жизнь без багажа. Это своего

110

galleryspb (2/17) 2014

рода архитектура идей и историй, которая и создает проект. Возможно, из нее получится построить трансляционную башню и с ее помощью поделиться всеми этими историями.

МК: А вы не могли бы немного рассказать о масштабах, потому что так много в вашей работе заключалось в комбинирование, например, спроектированного образа и архитектурной схемы. И сам размер поезда, и масштабы отснятого материала. Вообще, масштаб всей работы, ваша амбициозность, связанная с ним. ДЭ: Видимо, это должно было случиться.

МК: Да-да, но почему? Почему? ДЭ: Я думаю, все дело в движении. Создание этого проекта заключалось в воплощении идеи движения. Она напоминает мне о проекте, который мы назвали «Black Mirror». Это было года три назад. Мы делали его в Греции. Идея той работы заключалась в номадизме, в создании современных условий, где отдельные личности находятся в постоянном движении, где в какой-то степени прошлое и воспоминания почти полностью стерты. Сперва этот проект задумывался как постановка для театра или оперы, мы собирались делать его в Афинах, а потом мне пришла в голову идея о том, что если основной замысел проекта – это движение, то и сцена должна двигаться. Тогда мы нашли списанную баржу и расположили сцену прямо на ней. Получилось, что зрители движутся сквозь сумерки в темную ночь по Средиземному морю, в то время как на сцене разворачиваются события разных частей проекта. Тогда это заставило меня задуматься о статичности. Действительно ли мы должны все время использовать застывшие, прикрепленные к какому-то месту объекты, возможно, стоит задуматься о местоположении в целом. Я думаю, именно это наполнило «Station to Station» смыслом и дало мне силы пойти на больший риск, создавая что-то, что охватывает концепты движения и постоянного изменения. Сейчас на слайде фотография интерьера юрты Урса Фишера (Urs Fischer). И, конечно же, как это обычно делает Урс, он сообщил мне, что собирается делать передвижную юрту всего за неделю до начала проекта. Эта юрта воплощает идею некоего райского места, где может происходить все, что угодно. Внутри есть

conversations

(2/17) 2014 galleryspb

111

conversations

112

galleryspb (2/17) 2014

conversations зеркальная стена, дискобол, курительная машина, огромная мягкая кровать, и никто не может разобрать, что там происходит, потому что все в дыму. Урс приглашал туда случайных людей с улицы, мы останавливались в разных городах, и зрители интерпретировали это как хотят. Возвращаясь к идее передвижных шоу, некоторые воспринимали ее так: «Можем ли мы создать передвигающуюся сцену и дать зрителям возможность принимать в ней участие, делая при этом, что им хочется?»

МК: Это очень интерактивная работа! ДЭ: Да, именно интерактивная.

МК: Еще, мне кажется, большой интерес вызывает медийный компонент, не так ли? Вы пробуете эту открытую интерактивную работу, но при этом вы сочетаете ее со всевозможными фильмами, видео или веб-сайтом. Я слышала, вы говорили о том, что веб-сайт тоже играл очень важную роль в проекте, почти настолько же важную, как и маршрут. ДЭ: Да, это так. Вы сейчас говорите о такой своего рода зоне действия проекта, его системе, о том, как он функционировал, как общался с аудиторией. Нашей целью было создать что-то мимолетное, не материальное, что-то, что может общаться с людьми, контактировать с ними. Первое, что мы сделали – мы избавились от привязанности к определенному месту, в поисках более легкой модели. Мы искали что-то, что сможет практически передаваться по воздуху. И мы создали веб-сайт. Возможно, это прозвучит несколько глупо, но для нас он действительно имел огромное значение. Сайт стал чем-то вроде платформы для всех этих голосов, всего контента, который мы выкладывали. Он стал чем-то вроде живого организма, и в какой-то степени сайт позволял сделать наш опыт доступным для любого человека, где бы он ни находился, в Южной Америке или в Финляндии. Каждый мог с помощью интернета подключиться к тому, что происходит в данный момент.

МК: Как вы выбирали тех, с кем будете работать на проекте? Конечно, я знаю, что многие из них – это ваши друзья и коллеги, но помимо них вы уделяли огромное количество времени тому, чтобы найти людей

в каждом городе, где остановится поезд. Может быть, вы расскажете об этом? ДЭ: Я не хотел, чтобы в проекте принимали участие только художники и музыканты. Я хотел, чтобы одновременно взаимодействовало настолько много разных систем, насколько это возможно. Меня особенно вдохновляли те, кто предлагал какую-то действительно новую идею, кто не хотел перегружать проект какими-то своими соображениями, а хотел использовать замысел проекта в качестве основы для создания чего-то абсолютно нового, с чем можно поэкспериментировать. Размах мог быть просто невероятным и очень динамичным. Например, музыкант Тёрстон Мур (Thurston Moore) из группы Sonic Youth говорит: «Я хочу написать музыкальное произведение, используя шум поезда, записать живой звук, а затем играть в такт, в зависимости от скорости движения». Или Джорджо Мородер (Giorgio Moroder), который, можно сказать, создал ДНК электронной и танцевальной музыки, говорит, что тоже хочет создать свой трек. Это должен быть цикл песен, но он будет проигрываться только от одного пункта назначения до другого. И произведение заканчивается именно в тот момент, когда мы приезжаем на вокзал, ни секундой больше, ни секундой меньше. Еще мы работали с музыкантом по имени Дэн Дикон (Dan Deakon). Вообще, я никак не могу понять, почему Дэна не считают выдающимся артистом.

МК: Да нет, просто у него пока еще не так много фанатов, он действительно очень талантлив. ДЭ: Я тоже так думаю. Просто, если бы Дэн сейчас был здесь, он бы не сидел в кресле с чашкой кофе и бутылкой воды, как я, как какой-то скучный человек. Он бы стоял с микрофоном, просил бы всех тоже встать, сделать что-то вроде живого туннеля, пройти по нему на выставку, посмотреть, что там за сценой, таким образом, он бы активизировал зрителей очень оригинальным способом. Я считаю его шоу лучшим примером современного искусства. В общем, мне нравится, что мы могли наблюдать за тем, как вещи играют разными гранями в зависимости от контекста.

МК: Еще интересно, что вы ездили в такие места, железнодорожные пути куда

(2/17) 2014 galleryspb

113

conversations

приходилось откапывать, потому что ими так давно никто не пользовался. Это правда? ДЭ: Вообще, не происходило ничего такого экстремального, (смеется) у нас не было могильщиков с лопатами, которые работали в полночь, но все равно всякое случалось …

МК: А расскажите про некоторые из тех мест, что вы посетили. ДЭ: Мы хотели, чтобы получился такой функциональный ряд, в который входят города, хорошо всем известные, где мы бывали миллион раз, вроде Нью-Йорка Лос-Анджелеса или Чикаго, а также малоизвестные места, такие как Барстоу, или Винслоу, штат Аризона, а вместо Сан-Франциско я очень хочу попасть в Окленд. Еще интересно, что у нас получилось задействовать и архитектуру. Многие вокзалы представляют собой заброшенные архитектурные памятники. Некоторые из них – это строения эпохи Рузвельта и его борьбы с безработицей. Знаете, эти бетонные полы, трехъярусные конструкции, но при этом по залу летает перекати-поле, они совсем забыты. Если бы я был кунстхалле в Германии, мне бы просто снесло голову. Я вижу все это и задаюсь вопросом «почему?». Эти вокзалы должны быть задействованы, хотя бы на одну ночь, хотя бы для чего-нибудь. Получилось интересно, что такой органический процесс, как выбор поезда, в качестве средства передвижения нашего проекта, в итоге позволил нам открыть эти удивительные архитектурные места, которые часто были заброшены.

МК: Да, такая вот разрушающаяся индустриальная инфраструктура, о которой во многих отношениях забыли. Еще мне кажется, что, проезжая через все эти города, наверняка вы привлекали к себе необычную публику. Я знаю, что было несколько интересных случаев. ДЭ: Да, бывали такие моменты. Иногда мне было

114

galleryspb (2/17) 2014

сложно запомнить столько, сколько мне бы хотелось, потому что мы были полностью поглощены работой. Но я хорошо помню один эпизод в Винслоу, Аризона. Был вечер, поезд только что пришел, и я вышел, чтобы сходить в супермаркет. Я иду по темной улице, и тут появляется непонятная фигура, которая подходит ко мне, и когда я смотрю на него, первое, что он произносит, это: «Слушай, я только что приехал из резервации, ты что-нибудь знаешь про «Stations»? Я еще даже не успел ничего ответить, а он продолжил: «Я вернулся из резервации и слышал, что вроде как больше нет билетов. Я хочу пойти на радио Винслоу, у них должен быть розыгрыш билетов». Я ответил ему: «Ты что шутишь? Просто дай мне список всех, кого ты знаешь, и приходите завтра». На следующий день где-то за час до начала шоу я увидел этого парня со всей его семьей в полном антураже резервации Навахо. Спустя несколько часов, я занимался чем-то своим и вдруг посмотрел на места официально приглашенных. Знаете, вокруг все кипит, все в работе, горят свечи, каждый что-то делает, я смотрю вдаль на тени и снова вижу того парня, которого встретил накануне, и вижу, как внимательно он смотрит фильм. Что-то такое было в выражении его лица, оно как будто говорило: «Тут у меня ко всему есть доступ, я мог бы сделать это, я мог бы сделать что-то подобное…». Для меня это стало очень провокационным моментом, я увидел проект в другом свете, я понял, что для кого-то он может быть совсем не таким, как для тех, у кого есть постоянный доступ к культуре…

слово художника

(2/17) 2014 galleryspb

115

желание осмыслить происходяшее?

коллекция изобразительного опыта http://vk.com/practicum