Scram by Olga Gasch

scram #1 DISEﾃ前 Y ACTUALIDAD

Olga Ruiz Gasch María Serrano Guijarro Segundo Grado Diseño Gráfico 2

scram #1 DISEÑO Y ACTUALIDAD

4 Introducción

Crítica al mal diseño

Una nueva filosofía del diseño

A través de sus ojos

Nuevas formas de diseñar sin repercusiones en el medio ambiente.

La influencia que supone el diseño para personas de distintos ámbitos y formación.

10 Viktor Hertz Una pequeña dosis de la magia de los pictogramas con una pizca de creatividad e imaginación.

14 La mujer y la tipografía

26 Ilustración en tiempos de crisis Ventajas e inconvenientes de la ilustración durante la crisis económica española.

Un apartado para reconocer y valorar a la mujer en la historia de la tipografía.

34 Hablando de diseño

16 Masaki Mizuno Ilustrador de moda con tendendencias artísticas sensuales y elegantes.

28 La oficina viva La importáncia del confort y la comodidad en el trabajo diario y la repercusión que tiene en el rendimiento.

#INTRODUCTION Del italiano disegno, la palabra diseño se refiere a un boceto, bosquejo o esquema que se realiza, ya sea mentalmente o en un soporte material, antes de concretar la producción de algo. El concepto de diseño suele utilizarse en el contexto de las artes, la arquitectura, la ingeniería y otras disciplinas. El momento del diseño implica una representación mental y la posterior plasmación de dicha idea en algún formato gráfico (visual) para exhibir cómo será la obra que se planea realizar. El diseño, por lo tanto, puede incluir un dibujo o trazado que anticipe las características de la obra. “El diseño gráfico es una disciplina y profesión que tiene el fin de idear y proyectar mensajes a través de la imagen.”

#ALGUNAS PINCELADAS DE DISEÑO SOCIAL Como reconocía el célebre diseñador francés Pierre Bernard en su discurso de aceptación del Erasmus Prize, “el diseño gráfico no convertirá el mundo en un paraíso, pero puede contribuir a conseguir un mundo más humano”.

No se trata de que pontifiquemos aquí sobre lo que desde una perspectiva social sea un buen o mal diseño. Trataremos simplemente de recoger y subrayar algunas iniciativas (más o menos acertadas) que a nuestro entender pueden ilustrar enfoques en el mundo del diseño que no priorizan la comercialización o la intervención pragmática acrítica o tecnocrática, sino que persiguen el desarrollar una línea de diseño socialmente responsable, que no empobrezca ni autolimite la conciencia social y cultural de los profesionales. Buceando en el complejo mundo del diseño, hemos querido trasladar en estos párrafos finales algunas experiencias y ejemplos que nos han parecido significativos desde el punto de vista aquí expresado, sin que por ello pretendamos decir que son ejemplos a seguir forzosamente o casos de referencia en el debate por conseguir una sociedad más justa y sostenible. La selección, a modo de siete propuestas, no responde a criterios cronológicos o temáticos y abarca desde diseñadores individuales a iniciativas institucionales. Pretendemos dejar constancia de nombres, instituciones o iniciativas dignas de mención.

#CRITICA

AL MAL DISEÑO Dentro del diseño podemos encontrar objetos útiles con una estética ejemplar, pero no siempre se dará el caso en el que el diseño mantenga una buena estética sin perder su funcionalidad o simplemente cumpla con su objetivo, es decir transmita una sensación intencionada al cliente.

En el mundo de la moda muchos diseñadores abusan del diseño y se permiten crear prendas imposibles de llevar o tan incómodas que hacen que cuestionemos su utilidad, como es el caso de los famosos Manolos, en los que la forma evidente de la suela demuestran que son zapatos imposibles de llevar, ya la forma de nuestros pies no se adapta a la suela. Pueden ser estéticos, elegantes y sensacionales pero si pierden su verdadera utilidad dejan de ser un buen diseño.

En los objetos también encontramos mal diseño, como por ejemplo en estas pilas de color azul de la marca mercadona. Las pilas azules transmiten al consumidor un concepto inadecuado de lo que el vendedor seguramente quiere transmitir. Da la impresión de que son poco eficaces o de corta duración, ya que el azul es un color que transmite calma, tranquilidad... en cambio las pilas con colores cobre, naranjas, amarillos o rojizos dan sensación de energía de durabilidad, en ese caso si hablaríamos de un buen diseño.

En esta imagen se muestra el logotipo de una empresa de construcción, cuyo nombre es salvador domenech. Como podemos ver esta estética no es la más adecuada, ya que utiliza una tipografía uncial, con trazos caligráficos y sueltos, a la vez que contrastados, y es una tipografía antigua utilizada para manuscritos eclesiásticos que nada tiene que ver con la construcción, que tiene que dar una impresión de solidez y estabilidad. En la imagen de la derecha se aprecia la imagen corporativa de Taller Gisbert. Podemos observar a primera vista que en ningún momento da la impresión de que la furgoneta esté publicitando un taller, ya que el color verde transmite valores naturales, siendo así más adecuado para una frutería, una floristería... etc.

es un cartel que Obiol y monllor, una 5 Este empresa de instalaciones y manteni-

Los colores que se aprecian en el cartel son adecuados, ya que el rojo recuerda al fuego, al peligro, y el blanco destaca sobre él y le da una buena visivilidad, pero en cambio la imagen que forma parte del logotipo no es muy adecuada, no se aprecia del todo el monograma y quizá un diseño algo más especifico (como un extintor), ayudase algo más al reconocimiento de la empresa.

En este otro ejemplo nos encontramos con una fábrica de mantas cuyo logotipo no es el más adecuado para reconocer su empresa. Es cierto que produce sensación reconfortable, pero en ningún momento transmite el concepto adecuado. A pesar de que la imagen no es la adecuada es también demasiado compleja (presenta demasiados detalles), y esto dificulta al posible comprador el reconocimiento o el recuerdo de la marca.

miento de sistemas de protección contra incendios.

VIKTOR

HERTZ “El artista sueco Viktor Hertz, amante de las líneas sencillas y los íconos pop, lanzó un decálogo de pósters con su interpretación del título de algunos clásicos del rock de todosww los tiempos”.

Cuenta el diseñador independiente Viktor Hertz que lleva unos años obsesionado con las películas y la música. Pero sobre todo con fusionarlos para crear unos curiosos pósters donde mezcla el diseño gráfico con los títulos de las canciones. ¿Y si Coffee & TV, de Blur, fuera un cartel? De esa obsesión ha surgido esta interesante colección, donde repasa otros temas, desde Frank Zappa a Mc Hammer, pasando por The Supremes, The Doors o Pixies.

Apasionado a la pictografía, Hertz ya había realizad representaciones de canciones, carteles hipotéticos de películasy una sarcástica colección de logos honestos, donde, con la misma tipografía corporativa de cada marca, convertía YouTube en CatVideo, Facebook en Procastination y Camel en Cáncer... Hace unos meses se marcó un reto más complejo.

Empezó con el trabajo en enero y ya tiene ocho pósters sobre David Bowie, Bob Dylan, los Rolling Stones, Iggy Pop, los Beatles, Bruce Springsteen, Johnny Cash y Elvis Presley. Ha utilizado un total de 234 pictogramas, tomados de la inmensa base de datos coletiva y gratuita The Noun Project, a la que diseñadores de todo el mundo envían constantemente nuevos signos..

“Es mi proyecto más ambicioso y quizá también el mejor, el más personal de todos. Decidí elegir unas cuantas bandas y artistas de rock y hacer pósters pictográficos sobre ellos. En vez de resumir cada artista con un sólo pictograma, como había optado en el caso de las canciones, decidí tratar de incluir el mayor número de canciones en cada cartel, para dar una idea de toda su carrera”, explica Hertz

de tipos se ha ido incrementando -Susanne Dechants, en una conferencia impartida en ATypI en 2008, hablaba de 50 tipógrafas en 50 años de existencia de la Asociación-.

#MUJERES Y TIPOGRAFÍA Prácticamente desde la aparición de la imprenta, encontramos mujeres implicadas en la tipografía, sin embargo su presencia en la historia no ha sido suficientemente reconocida.

en ciertos foros las mujeres siguen estando en minoría. Uno de ellos es el de la tipografía, un terreno tradicionalmente masculino, en el que todavía -y comparativamente- encontramos pocos nombres femeninos.

En 1971 el artículo de Linda Nochlin (1989) titulado «¿Por qué no ha habido grandes artistas mujeres?», sirvió de desafío a los historiadores del arte poniendo de relieve que la construcción de la historia que éstos habían hecho era parcial y animó a las mujeres a enfrentarse a su propia realidad histórica.

Si contemplamos, por ejemplo, la lista de delegados de ATyPI (Asociación Tipográfica Internacional) a 2012, observaremos que hay 12 mujeres en un listado de cuarenta y dos miembros y que, en la Junta Directiva, constituida por dieciséis personas, hay cinco: Cynthia Batty (Estados Unidos), Clare Bell (Irlanda), Marina Chaccur (Brasil), Linda Kudrnovská (República Checa) y Petra Weitz (Alemania).

Desde entonces y hasta ahora, han surgido un buen número de investigaciones que han reivindicado la presencia de la mujer en todos los terrenos de la sociedad y de la cultura. En el campo del diseño, estas investigaciones han sido muy recientes y se encuentran, todavía, en pleno proceso de desarrollo. Precisamente, dentro de la historia del diseño hay que señalar que existen áreas que todavía presentan un gran vacío historiográfico en cuanto al lugar que han ocupado las mujeres. Este es el caso de la tipografía. Aunque recientemente, algunos investigadores como Marina Garone y Albert Corbeto, por ejemplo, han llevado a cabo trabajos sobre el papel de las mujeres en las imprentas de la Nueva España entre los siglos XVI a XIX, la pregunta que hacía Linda Nochlin para el arte podría aplicarse perfectamente al terreno que nos ocupa: ¿por qué no ha habido grandes tipógrafas mujeres?

Es cierto que si comparamos este listado con cualquiera de los correspondientes a décadas pasadas, la situación ha mejorado notablemente. Sin embargo, no deja de ser significativo que, por lo que se refiere a la presidencia de la organización, desde la fundación de la Asociación en 1957 y hasta la actualidad, no haya habido ninguna presidenta, pese a que en las tres últimas décadas el número de prestigiosas diseñadoras

Las últimas décadas del siglo XX, y como ha sucedido en todos los

ámbitos de la sociedad, han sido el escenario de la incorporación de la mujer a áreas laborales que anteriormente le habían estado vedadas. En el caso concreto del diseño gráfico, hemos sido testigos de la aparición de un buen número de diseñadoras pero, todo hay que decirlo, Marina Chaccur, lettering para cubierta de libro para la editorial Cosac Naify

Esa invisibilidad responde, sin duda, a razones históricas y, entre ellas, a la división del trabajo que agravó la Revolución Industrial pero es también el resultado de una concepción historiográfica que, hasta fechas muy recientes, ha minusvalorado la aportación femenina. Como dijo la diseñadora de tipos Linnea Lundquist, también en el congreso de ATyPI de 2008, las mujeres han trabajado siempre en tipografía, sobre todo tras el escenario... para hacer que los hombres parezcan buenos. Incluso en la historia más reciente, nos encontramos con algún que otro ejemplo de ello. Así, en el encuentro organizado por Fuse en Londres en 1994, a la hora de planificar quiénes serían los ponentes, no se contó con la presencia femenina aún sabiendo que algunas de las tipografías más interesantes del momento habían sido diseñadas por mujeres. Emily Faithfull, impresora y editora de The Victoria Regia: a Volume of Original Contributions in Poetry and Verse, Victoria Press, 1861.

Recuperar y revalorizar el trabajo de las mujeres:

En las tres últimas décadas, uno de los ámbitos en los que más se ha centrado la perspectiva feminista ha sido la recuperación y revalorización del trabajo de diseñadoras hasta ahora poco apreciadas o, directamente, silenciadas, una recuperación que han llevado a cabo historiadoras como Pat Kirkham, Judy Attfield, Cheryl Buckley, Anthea Callen, Suzette Worden, Lee Wright, Angela Partington y Penny Sparke, entre otras. Todas ellas han insistido en que las intervenciones de las mujeres, en general y en el campo del diseño en particular, tanto en el pasado como en el presente, se ignoran de manera constante, de ahí que se hayan propuesto poner de relieve que este silencio no es accidental, sino la consecuencia de unos métodos historiográficos determinados. Dicha concepción ha afectado, sin duda, a la apreciación de un buen número de alfabetos diseñados por mujeres, casi siempre formadas en la caligrafía y muchas de ellas destacadas representantes de este campo, como es, por ejemplo, Gudrun Zapf, recientemente reivindicada y reconocida y cuyo nombre, como el de otras muchas féminas ha quedado, en numerosas ocasiones, subsumido en el de sus maridos, amantes, padres o hermanos. Tal y como ha sucedido en otros campos del diseño, las tipógrafas se han definido profesionalmente en la literatura del diseño por su condición sexual y en relación a ella.

Eragny Press (Lucien Pissarro y Esther Bensusan), Deux Contes de Ma Mere Loye: La Belle Au Bois Dormant & Le Petit Chaperon Rouge, 1899. Xilografías de Esther Bensusan. (Fuente:The Kelmscott Bookshop).

Prácticamente desde la aparición de la imprenta, encontramos mujeres implicadas en la producción de todo tipo de material impreso. En el caso de España, no podemos olvidarnos de las viudas de Ibarra y de Pradell, entre otros ejemplos. Sin embargo, será también en el siglo XIX, y como consecuencia del nacimiento de los primeros movimientos feministas, cuando volvamos a ver reaparecer a las mujeres en los territorios de la imprenta, especialmente en Estados Unidos y en Gran Bretaña, cunas principales de estos movimientos. Por eso tenemos que valorar también el importante papel que han desarrollado las mujeres en la tipografía a lo largo de la historia, así como reconocer su trabajo por igual en la actualidad.

Masaki

Mizuno

Masaki Mizuno.........................

â&#x20AC;&#x153;Sensualidad y belleza plasmadas en la ilustraciĂłnâ&#x20AC;?.

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Masaki Mizuno es un ilustrador nacido en la provincia de Ishikawa, Japón, en 1971. Graduado en el Bunka Fashion College, Mizunoalterna sus ilustraciones para el mundo de la moda con un trabajo más personal donde la sensualidad y fragilidad de sus desnudos toman un protagonismo directo en su trabajo el cual es puramente tradicional y se basa en el empleo de acrílicos, aerógrafo, lápices y gouche. El mismo nos desvela algunas de las claves de su historia y obra. “Mi trabajo consiste en la expresión de la psicología interior, una reflexión propia reflejada a través del arte. Para expresar la visión y el objeto de mi trabajo, me parece que es importante para extraer ideas desde mi propia perspectiva y los sentidos. Mi madre, que era pintora, me ha influido mucho en mi infancia. Estaba sumergido en mi mismo dibujando ilustraciones de forma independiente mientras asistía a un colegio de la moda. Después de graduarme, pasé siete años en la exploración del arte puro, un período de mi vida que había hecho tenido una tremenda influencia en mi manera de ilustrar a día de hoy.”

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“A fin de relacionarlo con la dinámica y los cámbios de nuestra sociedad actual, trato de evolucionar mi trabajo a través de diferentes elementos e ideas que le den un mayor enfoque a mi trabajo. Mi interés por las técnicas tradicionales del arte, de forma perezosa, trasladan la idea abstracta dentro de algo concreto y real. Veor mi trabajo como una manera de descubrir la quintaesencia del concepto.”

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#UNA NUEVA FILOSOFÍA DEL DISEÑO Aun cuando muchas personas lo confunden y creen que es lo mismo, es muy diferente el ecodiseño y diseño sostenible, los conceptos, aunque se pueden cruzar en muchos puntos y pueden muchas veces coexistir en un ambiente, no siempre hacen referencia a temas concordantes. ECODISEÑO: Es el concepto por medio del cual se intenta ser mucho más amigable con el medio ambiente, reciclando papel (para bocetos, por ejemplo), utilización de tintas ecológicas, implementación de materiales y recursos que no produzcan gran impacto ecológico. En este caso las publicaciones virtuales ayudan mucho al poder llegar a miles de personas. Al no ser impresas, no contaminan en su proceso, más que el gasto de electricidad de su gestación.

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DISEÑO SOSTENIBLE: El concepto aquí es mucho más amplio pues involucra también implicaciones sociales y económicas en el proceso de diseño y producción. Por poner un ejemplo, un proyecto puede ser 100% ecológico porque dentro de su proceso de producción se han empleado sólo materiales ecológicos (papel, tintas y demás); pero el mismo podría no ser “sostenible”, ya que no se tuvo en cuenta menor emisión de gases y desechos. El producto o composición visual no se planeó con un ciclo de vida y las condiciones de vida y bienestar de los trabajadores no se vieron mejoradas de ninguna forma o no estuvo contemplada desde un comienzo. Ese proyecto será entonces ecológico, pero jamás será sostenible.

La sostenibilidad implica atender a las necesidades actuales sin comprometer la capacidad de las generaciones futuras de satisfacer las suyas, garantizando el equilibrio entre crecimiento económico, cuidado del medio ambiente y bienestar social.

Decora tu casa con un elegante jarrón hecho con unas botellas de vidrio recicladas, una idea sencilla y creativa.

Una manera divertida de crear una lámpara mediante vasos de plástico, sólo necesitas un poco de paciencia y listo.

Nuestra sociedad necesita aspirar a la integración de sus elementos materiales, espirituales y medioambientales. Las tecnologías actuales, procesos y los medios tienden a separar estas facetas en lugar de conectarlas. La Naturaleza usa la energía del Sol para crear sistemas interdependientes en los cuales complejidad y diversidad implican sostenibilidad. Por el contrario, nuestra sociedad industrializada extrae energía para sistemas empeñados en reducir la complejidad de la Naturaleza. El desafío para la Humanidad es desarrollar procesos de diseño que nos permitan permanecer dentro del contexto de la Naturaleza. Casi todas las fases de los procesos de diseño, la fabricación y construcción necesitan un replanteamiento. Debemos emplear tanto el conocimiento actual como la sabiduría de antaño en nuestros esfuerzos para concebir y llevar a cado la transformación física, cuidado y mantenimiento de la Tierra. Tú mismo puedes crear grandes diseños con materiales reciclados que ya no utilices y crear nuevos objétos útiles y originales. En este apartado te damos algunas ideas que pueden ayudarte e inspirarte en tus creaciones, no olvides ser creativo y probar distintos materiales y usos.

Diseñar muebles también es una buena opión, aquí te mostramos como diseñar una mesita a partir de una rueda y cuerda de mimbre.

Huerto vertical con botellas, las primeras riegan gota a gota las que le preceden y el agua sobrante queda en la parte inferior esperando a ser usada de nuevo.

Todo un mobiliario creado a partir de palés junto con un toque personal.

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Muebles de jardín diseñados y creados a partir de elementos naturales, como piedras, mármol y madera.

Reutiliza botes alargados para crear jarrones añadiendole piedrecitas con un poco de cola blanca.

Reciclando los cilindros del papel higiénico puedes hacer un pequeño huerto.

Un precioso diseño de anillo hecho con un libro viejo.

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#ILUSTRACÍON EN TIEMPOS DE CRISIS Aleix Gordo Hostau

En este momento el panorama económico de España no es el mejor de todos. Tenemos una de las peores crisis de las últimas décadas, y que afecta el sector de la ilustración. A pesar de esta situación complicada,la crisis nos puede afectar de manera positiva ... Me explico. En todos los tipos de mercados en los que está implicada nuestra profesión estamos ante un momento de cambio profundo y más que un “cambio”, me atrevo a decir que “la revolución”. Por un lado, el sector editorial ha estado profundamente invertido (a pesar de que en otros países es algo más general) en el mundo digital. Niños, adolescentes y editoriales de historietas, periódicos y revistas y otros medios impresos están creando una gran cantidad de contenido digital. En cuanto a los ilustradores este cambio mejora la exposición sin tener que lidiar con distribución limitada. También aumenta el porcentaje de derechos de autor de lo que antes era una situación muy mala para el autor. De la misma manera que hay otro sector que empuja. Las nuevas empresas están apostando para crear videojuegos para iPad, iPhone y otras plataformas. Un lugar donde un ilustrador tiene mucha libertad para dibujar y crear hermosos fondos y personajes. En el sector de la publicidad, el modelo preexistente es sumergirse en un nuevo cambio. Por un lado, hay menos intermediarios, los clientes no quieren pagar por algunos servicios que ofrecen las agencias de publicidad. Ahora conctactan con el ilustrador directamente, lo que significa que él / ella gana más por el mismo trabajo. También apareció un nuevo tipo de producto intermedio: las empresas de producción.

Una gran cantidad de agencias de publicidad no quiero tener una gran infraestructura con una gran cantidad de empleados como en los años 90, así que muchos de estos trabajadores decidió continuar su trabajo de las empresas de marca nuevos fuera de las propias agencias. Algunos ilustradores están comenzando a trabajar para las empresas de producción y no tienen más relación con las agencias. Se está fragmentado el mercado, especializada y el tratamiento que dan las empresas de producción parece ser más amable. No sólo eso, sino que parecen tener un mejor conocimiento centrado en nuestra profesión y no el director de arte típica de una agencia. Desafortunadamente todos los presupuestos han disminuido o congelado recientemente. Aparte de que algunas empresas de producción representan a artistas que es un hecho muy, muy raras (pero esenciales), en España. Hay mucho talento en nuestro país en las artes visuales en una amplia variedad de campos como la ilustración, cómic, pintura, diseño gráfico o animación. Es una buena oportunidad para arriesgarse y buscar nuevos talentos en España y para apoyar las propuestas de nuevos formatos y plataformas. Los ilustradores, debido a un mercado en constante cambio, han ido mejorando, algunos de nosotros hemos estado buscando nuevas plataformas que nos ayudan a implementar nuestros diseños en los productos de otros países como EE.UU., Alemania, Francia, Reino Unido o Japón. Es cierto que el cambio siempre es complicado, pero también obliga a agudizar nuestro ingenio. Nadie dijo que era fácil, pero estamos ante una revolución donde todo es posible ... La fortuna es sólo para los aventureros.

OFICINAS FREEHAND ARQUITECTURA Autor LOURDES TREVIÑO Presupuesto 40.000 (obra) 30.000 (mobiliario) Fotografía SILVIA PAREDES Realizacion 2011

#LA OFICINA VIVA ESPACIO DE TRABAJO, PERO TAMBIÉN GALERÍA DE ARTE, SHOWROOM Y SALA DE FIESTAS. LOURDES TREVIÑO, FUNDADORA DE FREEHAND ARQUITECTURA, ES LA AUTORA DEL PROYECTO DE SU PROPIA OFICINA: UN ESPACIO INTERACTIVO, VERSATIL Y VIVO.

“Loft 20 es nuestra oficina, pero también un showroom, vivienda, sala de fiestas y galería de arte”, cuenta la arquitect Lourdes Treviño de su propio estudio: Freehand Arquitectura. Que los espacios de trabajo tal y como hoy los conocemos tienen los días contados no ofrece ninguna duda. Con la crisis desbocada el trabajo en auge y demostrado (por fin) que el lugar en el que uno pasa alrededor de un tercio del día afecta a su bienestar, las oficinas del siglo XXI tienden a ser más abiertas e interactivas. Fuera tabiques. Amplitud, versatilidad y espacios comunes son las claves de los nuevos espacios de trabajo, en los que usos y fun-ciones se diluyen. Autora del proyecto de su propio estudio, sito en Alcobendas y que cuenta con 96 metros cuadrados distribuidos en una planta baja y una entre planta suspendida del forjado superior, Treviño explica que su idea era “ crear un interior diáfano e interactivo”, teniendo en cuenta que todos los componentes del estudio llegan a horas distintas y tienen una metodología de trabajo diferente. “ Tenemos una gran mesa de reuniones donde ponemos ideas en común y luego cada una desarrolla el proyecto por su cuenta. Por eso he proyectado un espacio versátil. 30

“ Tenemos una gran mesa de reuniones donde ponemos ideas en común y luego cada una desarrolla el proyecto por su cuenta. Por eso he proyectado un espacio versátil, que también usamos como showroom y que está lleno de maquetas y muestras para los clientes. Diría que es más bien un laboratorio de trabajo que una oficina “: Treviño tenía también claro que debía ser un lugar relajado: “ un mundo de experiencias donde se puede comer, sentirse a gusto con el cliente y poder enseñarle algunas ideas de lo que somos capaces de hacer en su propia casa”. Con una altura superior a cinco metros en la zona de los puestos de trabajo, seis en total, de planta baja, Loft 20 es sobre todo luminoso y amplio. Todo el interior está domotizado con sistemas de Lutron. En la entreplanta una gran sala de reuniones para 12 personas equipada con instalaciones multimedia de última tecnología que se puede ocultar tras unos paneles correderos de vidrio blanco, le sirve a los componentes de Freehand para la presentación de proyectos. Tanto la cocina como los baños son de Gunni & Trentino. La cocina, en la planta baja al igual que el equipo multimedia, puede ocultarse tras puertas paneladas que simulan un armario. La iluminación es de Años Luz y el mobiliario fue realizado a medida por el propio estudio.

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#El DISEÑO

A TRAVÉS DE SUS OJOS No todo el mundo ve el diseño de la misma manera. Existen distintas perspectivas y opiniones sobre un buen diseño e incluso la mayoría de gente no sabe diferenciar un buen diseño de un mal diseño, por ello hemos querido realizar una serie de encuectas a un público objetivo concreto para contrastar diferentes opiniones. SONIA RAMA VALERO (Estudiante 1º Diseño Gráfico): 1. ¿Qué es para ti el diseño? La manera de expresar lo que se te ocurre en ese momento y que tenga una intención concreta. 2. ¿Qué consideras un buen diseño? Cualquier cosa que tenga un buen uso. 3. ¿Crees que el diseño afecta a tu vida cotidiana? Si, en la manera en la que tengo que estudiar ya que me dedicaré a ello y en mi vida cotidiana también ya que cada objeto que uso tiene un diseño y una utilidad. 4. ¿Crees que el diseño influye a la hora de adquirir un producto u otro? Si porque muchas personas eligen algo por su diseño y no por su utilidad porque hay cosas mal diseñadas que se consideran arte. 5. ¿ A la hora de adquirir un producto, si has dudado entre dos similares, te has decantado alguna vez por el más atractivo visualmente? Si, porque me ha llamado más la atención. Un ejemplo: Camiseta por un color que está de moda. DAYANA FUSTER CALATAYUD (Estudiante Ingeniería Química): 1. ¿Qué es para ti el diseño? Una manera de expresarse buscando la sencillez, atracción y utilidad. 2. ¿Qué consideras un buen diseño? Algo que consiga captar mi atención. 3. ¿Crees que el diseño afecta a tu vida cotidiana? Si, en el día a día, como los utensilios que utilizamos, en como está estructurado el espacio por el que nos movemos. 4. ¿Crees que el diseño influye a la hora de adquirir un producto u otro? Si, siempre tiendo a elegir un producto que me llame más la atención. 5. ¿ A la hora de adquirir un producto, si has dudado entre dos similares, te has decantado alguna vez por el más atractivo visualmente? Si, sobre todo por los colores, a mi me llama más la atención los colores vivos.

JOSE LUIS MAS GARCÍA (Graduado en ingeniería mecánica): 1. Define la palabra diseño (general) Realización de bocetos, para crear cosas que mejoran la calidad de vida. 2. Define Diseño Gráfico Arte utilizado para la realización de productos y publicidad. 3. ¿Qué finalidad crees que tiene el diseño? Vender una marca, 4. ¿Solo una marca? Una filosofía, una forma de realizar las cosas 5.¿Cuantos ámbitos crees que cubre el diseño? No tengo ni idea 6. ¿ Qué cosas que observas en tu rutina consideras diseño? Desde las cajas de cereales y recipientes de comida hasta los carteles de empresas, autobuses etc. . Alguna farolas que son º diseño, farolas, bancos etc.. 7. Un ejemplo de buen diseño Cualquier marca conocida como McDonals, Kellogs. 8. ¿Algún ejemplo de mal diseño? No se dar una respuesta exacta, todo lo que conozco me parece buen diseño, sino no estaría ahí. 9. ¿Qué te parece el diseño de la imagen? La sensación que provoca la imagen es de una tienda hortera, que es una tienda de bisutería barata, nada elegante, incluso se llega a decir que es “macarra”. 10. ¿Que te parece el diseño de la imagen? La segunda imagen da la sensación de un cartel más elaborado, resulta más atractivo. Lo compara con la tienda de “Zara Home”. ( Su estética no tiene nada que ver) 11.¿ Crees que el arte y el diseño mantienen alguna relación?¿Por qué?¿Que es para ti una obra de arte? ¿Entonces.. un anuncio de la televisión es arte? ¿Entonces todo lo que está bien hecho es arte? Por lo tanto.. si yo me ato bien los cordones acabo de hacer una obra de arte? Sí, porque hay algún diseño y logotipos que parecen obras de arte, pensados con mucho ingenio. Un diseño agradable a la vista que despierte emociones. Si está bien hecho si, en su mediada sí. No, porque es algo que sabe hacer todo el mundo, y el arte solo unos pocos después de un aprendizaje.

#HABLANDO DE DISEÑO No muy distante de lo que es el diseño centrado en el usuario está lo que llamamos “diseño para todos”16. Como el primero, éste, más que un conjunto de técnicas, es toda una filosofía de trabajo. Es un proceso de diseño de productos y entornos de fácil uso, utilizables por el mayor número de personas y que abarcan el mayor abanico de situaciones posibles –siempre que se los pueda comercializar– sin la necesidad de adaptarlos o rediseñarlos de una forma especial. Y, por supuesto, es fundamental la participación de los usuarios.

El diseñador es una persona visualmente culta, tal como esperan que un redactor este formado y tenga interés en lengua y literatura, pero llamar al primero artista es tan absurdo como referirse al último como poeta. — Douglas Martin

Un diseñador es un planificador con sentido del buen gusto.— Bruno Munari

Un diseñador sabe que ha logrado la perfección no cuando no hay nada que añadir, sino cuando no hay nada que quitar. — Antoine de Saint Exupéry “Un buen diseño es todo sobre hacer que otros diseñadores se sientan como idiotas porque esa idea no era suya.” —

Frank Chimero

“El mal diseño es humo, mientras que el buen diseño es un espejo. “ — Juan-Carlos Fernàndez “El diseño es el esfuerzo cos-nciente de imponer un orden significativo”. — Victor Papanek “Diseño es donde la ciencia y el arte llegan a un punto de equilibrio”. — Robin Mathew