Ongoing_Zine nº1 by On going

CRÉDITOS: Zine es un proyecto editorial ideado e impulsado por la Asociación Cultural y Universitaria OnGoing en colaboración con la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Granada. Edita: Facultad de Bellas Artes Universidad de Granada Diseño de proyecto y dirección editorial Eduardo Rodríguez Barranco José Manuel Ruíz Bermúdez Jara Doncel Malia Dirección de contenidos Regina Pérez Castillo Asesoramiento diseño y maquetación Joan Sanz Fotografías Jara Doncel Malia (Grado en Bellas Artes) Los artistas Diseño y maquetación Eduardo Rodríguez Barranco (Grado en Bellas Artes) José Manuel Ruiz Bermúdez (Grado en Bellas Artes) Equipo redacción Manuel José López Gutiérrez (Historia del Arte) Carlos Javier González Calero (Historia del Arte) María Teresa Ponce Santiago (Historia del Arte) Sarahy Guerrero Terrón (Historia del Arte) Con la participación especial de: Laura Árbol María Dávila Fernando G. Méndez Pablo Ruiz Antonio Collados Marisa Mancilla Sofía de Juan Para la realización de este proyecto editorial se llevaron a cabo los talleres Publicaciones Electrónicas y Revistas Digitales (febrero 2017) impartido por David Moreno Juste y Diseño y Edición de Revistas de Arte (marzo-junio 2017) impartido por Regina Pérez Castillo y Joan Sanz. Ambos talleres han sido financiados por el Vicerrectorado de Estudiantes y Empleabilidad de la Universidad de Granada.

06 ESCAPARATE_ 08 CIRCUITOS_ 20 FACBA_ 32 CONVERSACIONES EN_ 38

PRESENTACIÓN ZINE Nº1

por Regina Pérez Castillo

Adrián Robaina

por Manuel José López

Circuitos 2017

por Laura Árbol

por Mª Teresa Ponce y Sarahy Guerrero

Condes de Gabia

SALA DE REFERENTES_

Bigote Sucio Alicja Panasiewicz Cráneo Prisma Ana Rekalde Fabio Ramírez Tomás Justicia

48 54 60 66 72 78

por Mª Teresa Ponce

A LA CALLE 2017_

por Carlos Javier González

Melania Constantino Sergio García

94 CAMPAMENTOS_BBAA 106 AGRADECIMIENTOS Y CÓMO PARTICIPAR 114 A VS. B_

por Sofía de Juan

88 90 92

Ana isabel Sevillano

ZINE Nº01

Aproximadamente 4 kilómetros distancian la Facultad de Bellas Artes Alonso Cano de la Facultad de Filosofía y Letras, aunque yo diría que, tristemente, la distancia psicológica siempre ha sido mayor. A pesar de ser las dos grandes instituciones universitarias públicas dedicadas al estudio del arte en la ciudad de Granada, la relación entre los alumnos de una y otra orilla ha sido siempre irregular y escasa. Los barqueros, es decir, quienes trabajamos a medio camino entre un lugar y otro, percibimos las riquezas, deficiencias y potencialidades de cada ámbito. Cuando pienso en la primera, en la Facultad de Bellas Artes, vienen a mi mente palabras como “contemporaneidad”, “creatividad”, “proceso”, “taller”, “materiales”...; cuando pienso en la segunda, el grado de Historia del Arte, me asaltan otras como “teoría”, “pasado”, “análisis” o “crítica”. Como podemos observar, aunque hablamos del mismo ecosistema, la idiosincrasia de cada ambiente es diferente, aunque también complementaria. La pregunta “¿Por qué los de Bellas Artes y los de Historia del Arte no estudiamos en el mismo lugar?” es constante. Cada vez que mis alumnos formulan esta cuestión en voz alta me doy cuenta de que ellos también intuyen que formarse en el mismo lugar que sus compañeros enriquecería su experiencia universitaria y les ayudaría a entender mejor el mundo que les apasiona, al que quieren dedicar su vida: EL ARTE. Quizá el nº 1 de la revista ZINE sea uno de los primeros pasos que se den en este sentido. ZINE es una revista que nace de la iniciativa de unos cuantos alumnos de Bellas Artes, quienes a finales del año 2016 se ponen en

2016/2017 contacto con el Vicedecanato de Extensión Cultural y Transferencia de la Facultad de Bellas Artes y con el Vicedecanato de Estudiantes, Redes y Comunicación para recibir asesoramiento sobre el tema y a través de este organismo, encontrar a los profesionales adecuados que pudieran ayudarlos a llevar a cabo dicha publicación. Es entonces cuando ZINE llega a mí y me honra otorgándome un lugar privilegiado, la dirección de contenidos de la revista, brindándome también la oportunidad de trabajar con fantásticos compañeros como Joan Sánz. Aunque ésta fuera a hablar de los múltiples proyectos que se cocían en la Facultad de Bellas Artes, la oportunidad de integrar a los futuros historiadores del arte, a algunos de mis alumnos, era irrepetible. Ellos debían meter sus narices en el asunto de la mejor forma posible, aportando lo único que hasta ahora podían aportar: su formación como historiadores, sus conocimientos teóricos, su ilusión y sus ganas. Todo cuadraba: los chicos y chicas de Bellas Artes se encargarían de la parte visual del proyecto, el montaje y la maquetación de la revista, mientras que los estudiantes de Historia del Arte generarían los contenidos escritos de la misma, haciendo un importante esfuerzo por sumergirse en un ámbito que les era tremendamente desconocido: el de la creación contemporánea. Siempre recordaré las palabras que en una de las reuniones de trabajo pronunció Maite Ponce, antigua alumna y colaboradora de este número: “Es emocionante porque está pasando ahora. Hay arte que se está haciendo ya, en este mismo momento”. ZINE quiere ser algo más que una revista que resuma las actividades que se han llevado a cabo a lo largo del año lectivo en la Facultad de Bellas Artes Alonso Cano, en este caso el

curso 2016/2017. Pretende convertirse en un proyecto interdisciplinar de colaboración en el que participen alumnos, docentes y otros profesionales del mundo del arte, intentado generar músculo artístico en nuestra universidad, y por qué no, en nuestra ciudad. Desde la dirección de contenidos he podido hacer un seguimiento del trabajo en equipo que han llevado a cabo los alumnos de ambos grados, su implicación e interés. Realmente se ha generado una atmósfera de comunicación y aprendizaje en el que todos los colaboradores han valorado y elogiado activamente el trabajo de sus compañeros, y esto, desde mi punto de vista, supera todas las expectativas, objetivos o metas que pudiera tener la revista, porque la convierten en un proyecto con fundamentos humanos. Además, cabría destacar que el trabajo se ha llevado a cabo con el mayor rigor, profesionalidad, humildad e ilusión posibles. Sin duda, ésta es una buena simiente que debemos cuidar para que florezca con salud en los años venideros. LARGA VIDA A ZINE.

Regina Pérez Castillo.

Directora de contenidos de la revista ZINE. Profesora FPU del grado de Historia del Arte. Ugr.

ESCAPARATE_

Fotografías: Adrián Robaina Textos: Adrián Robaina

ADRIÁ ROBAINA Empecé hace algunos años a darme cuenta de que era posible crear “graffiti” sin que hubiera un muro, un spray, una boquilla; pero sí era totalmente necesario que los conceptos, vivencias y estéticas del graffiti fueran representados de la manera más fidedigna posible.

@adrianrobainaa

ÁN

9 16

CIRCUITOS_

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Fotografías: Los autores Textos: Los autores Textos: Manuel José López

CIRCUITOS

“Huyendo de la mentira de la vida cotidiana, busco la verdad en la calma y la belleza de las cosas sencillas a través de la naturaleza”. NATURALEZA Tal vez nuestra vida moderna y occidentalizada nos ha hecho olvidar que formamos parte de la naturaleza, ser consciente de esa ruptura es el primer paso hacia una vida menos desnaturalizada.

“La infancia es un patio blanco donde el niño juega y se pregunta sobre lo que le rodea, sin necesitar una respuesta lógica ni concreta”. PREGUNTA En la infancia la pregunta es una constante ante lo novedoso y cambiante, una percepción del mundo que con el paso del tiempo se va desvaneciendo, pues aumentan nuestras certezas. Es entonces cuando perdemos la capacidad de ver con una mirada nueva lo que acontece a nuestro alrededor.

ALICIA DONAIRE

ALICIA RAYA

“Cambalache está contenido por la idea de que el lenguaje y los valores como el estilo de vida en la sociedad occidental nos incapacita para ser nosotros, amar y conocer. Entendiéndose en la práctica y en la teoría como un intento de arrojar luz sobre algunos conceptos enmarañados a través del tanteo y la suposición”. TANTEO Tantear es adivinar a ciegas, conociendo solo algunos detalles circundantes, y a veces, ni siquiera eso.

ALDANA BUSCEMI

2016

“Una invitación a adoptar una postura desinteresada y contemplativa en nuestra relación con el entorno y dotar de valor a conceptos como el azar, la intuición y la futilidad”. AZAR Caminamos cargados de prejuicios e ideas preconcebidas, evitamos la improvisación en nuestras vidas para tener una falsa sensación de control, pero desde antes de nacer todo era ya azar.

ANA LÓPEZ “Esta instalación reflexiona acerca de aquellos aspectos etnográficos que tienen que ver con la tradición y que trazan la cartografía cultural de un determinado territorio. ETNOGRÁFICO En el arte, la etnografía siempre ha sido una fuente inagotable de inspiración. Mirar al otro y enfrentarlo a nuestras maneras, a nuestra historia y costumbres. Compendiar dos mundos (el de allí y el de aquí).

ANDREAS GANSOSO

ANA AGUILAR ANA VAREA

“Expresa la salida de la monotonía y el escape de un mundo gris donde están atrapadas las personas con la aparición de formas de colores”. MONOTONÍA La tremenda uniformidad que conduce al estupor, el aletargamiento, el adormecimiento, el aburrimiento, el cansancio... Monotonía es, efectivamente, el gris que nos apaga.

“Mi obra se caracteriza por un lenguaje heredero del código póvera; emplea materiales orgánicos para reflexionar sobre la energía de lo transformable y crear un discurso entre diversos materiales naturales y artificiales”. PÓVERA El arte povera es un movimiento artístico surgido en Italia en torno a 1960. Fue llamado así por Germano Celant, debido a que se utilizaban para su creación materiales humildes y pobres, generalmente no industriales.

“La inquietud por la formación de la propia identidad a través del tiempo y la necesidad de confirmarnos frente a nuestro reflejo que a veces va acompañado de la perdida de conciencia de uno mismo frente a la imagen especular”. REFLEJO Ver mas allá de los reflejos, mas allá de las huellas, profundizar hasta el interior para tratar de hallar la verdad oculta.

CARMEN OLIVER “Materia natural pretende evidenciar la correspondencia entre el organismo humano y el vegetal, usando el cuerpo y la materia prima como materia de esta vinculación”. ORGANISMO Andamos sumamente preocupados por nuestra individualidad... aquello que nos hace únicos. Olvidamos que somos organismos, que actuamos en función de los demás, que nos necesitamos unos a otros y compartimos más de lo que creemos.

ZAHARA MEDINILLA

BEA SORO CARMEN PERABÁ

“Parto de la experiencia para recrear un mundo lleno de simbolismo que se conecta con la mitología. Creo un lenguaje onírico y siniestro, ayudándome de máscaras o escenarios para ello. Me interesa, sobre todo, lo artificial y grotesco, jugar con el cuerpo y la identidad”. SIMBOLISMO Multitud de significados permanecen escondidos tras símbolos e iconos, descubrirlos despierta en nuestra conciencia conexiones que estaban ahí pero que no sabíamos que existían.

“Tres conceptos fundamentales para el desarrollo de la obra. En primer lugar la memoria, ya que son los recuerdos que en ella se encuentran el hilo conductor del trabajo. La interacción y la participación como ruptura de una frontera que separa a la mayoría de la población del arte contemporáneo”. INTERACCIÓN Interactuar es conocer. Una acción que se ejerce recíprocamente entre dos o más objetos, personas o agentes y por lo tanto no es posible interactuar sin un segundo que intervenga.

“Uso lo absurdo y lo sagrado, en el sentido del respeto, dignidad y ocultación. Entrelazo sus conexiones para econtrar la raíz o el motivo de nuestras acciones mundanas, malignas”. SAGRADO Lo sagrado. Esa gran autoridad espiritual que procede de una creencia heredada, quizá sin sentido, pero que no pierde su carácter ancestral.

EDUARDO RODRÍGUEZ “Straigh from streets” STREET El street art o arte urbano nace en la calle. Es una de las manifestaciones artísticas en la que podemos encontrar mayor diversidad de estilos y búsquedas estéticas por parte de sus artistas.

ELENA MARÍN

CRISTINA SOLER REAL MOVES PROJECT

“Llegar a lo profundo de la memoria personal y establecer el grado de recuerdo de los momentos”. RECUERDO Los recuerdos nos construyen, nos dan forma, a veces tratamos de olvidarlos y nos persiguen, otras tratamos de conservarlos. De nada sirve retenerlos ya que siempre acaban diluyéndose.

“Cómo habitamos nuestro espacio vital de acuerdo con todas las dialécticas de la vida, cómo nos enraizamos, de día en día, en un <<rincón del mundo>>”. ESPACIO El espacio que hemos habitado nos ha ido configurando, podemos tratar de olvidar o recordar las experiencia asociadas a él, pero lo queramos o no, ese espacio nos ha “edificado” como personas.

“El tiempo es el factor más influyente en mi obra. Centro mi atención en su proceso transfigurador de los valores materiales”. TIEMPO La vejez se convierte en una virtud porque siempre está cargada de sabiduría y experiencia. Es la manera en la que el tiempo nos enseña.

FERNANDO CALDERÓN “Las piezas que realicé en Greatest Hits son aquellas que por algún motivo han formado parte de mi decisión de ser artista. Greatest Hits es un ritual de paso entre la vida como universitario y la vida sin serlo”. RITUAL El ritual prepara nuestro corazón. Nos introduce en una nueva etapa, un nuevo camino.

GERMÁN ZAYAS

EVA HERRERO FERNANDO G. MÉNDEZ

“Trato de que mis obras actúen a modo de disparadores; que estimulen el pensamiento crítico del portador/espectador; que éstos se vuelvan agentes activos, al sentirse implicados con cada una de las piezas”. DISPARADOR El disparador es una pieza que se encuentra tanto en las cámaras de fotos como en las armas. En ambos casos esta pieza activa algo, pone a funcionar un complejo mecanismo. Conseguirá estimular nuestro mecanismo interno.

“Retratos femeninos de la actualidad, de una generación en la que se ha convertido en fundamental la imagen personal”. IMAGEN Vivimos inmersos en la cultura de la imagen. Consumimos cientos de imágenes al día, las fagocitamos con voracidad, sin entenderlas, sin querer entenderlas. ¿Qué valor real tienen? ¿Cuánto pesan en nuestra vida?

“Autoconstruir, rememorar y fortalecer la unión entre identidad y paisaje”. AUTOCONSTRUIR Construimos con retazos de experiencias, de conversaciones, de lecturas, de visiones... para acabar por autoconstruir nuestra identidad, a nosotros mismos.

Ser consciente no significa estar al tanto de algo, significa interiorizar una realidad, y

ILUMINADA GONZÁLEZ

tener el poder de cambiarla.

“Aunando la pintura, la ilustración y la animación, animo a buscar un criterio propio fuera de manipulaciones y convencionalismos sociales.” CONVENCIONALISMOS Encontrar una forma de expresión propia o única, alejada de convencionalismos es una tarea ardua y extenuante, sin embargo, nos otorgará la conciencia de identidad individual frente al enjambre, el grupo.

IVÁN JIMÉNEZ

GUILLERMO FERÁNDEZ ISABEL GONZÁLEZ

“Mi pieza buscaba reivindicar el crecimiento, las fracturas, y la experiencia de los huesos del ser humano, ya que gracias a esa experiencia de ayer, hoy estamos aquí.” EXPERIENCIA Según Hegel todos llevamos en nuestros hombros la historia de la humanidad, y cada uno con nuestra experiencia damos forma a esa historia.

“Ser reflejo de todo lo que nos rodea, y que por su naturaleza desagradable no consideramos como parte de nuestro entorno. A pesar de nuestra convivencia diaria con ellos, y de que las personas son fundamentales, seguimos percibiéndolos como seres inertes sin ser conscientes de todo aquello que los hace únicos.” CONSCIENTES

“Patrimonio de la inhumanidad pretende dar voz a aquellos que quedan desapercibidos, sin recursos”. INHUMANIDAD Nos hacemos llamar seres humanos, pero obviamos el dolor de los que sufren y viven a nuestro lado. He aquí nuestra inhumanidad.

J.M ANEAS “La casa como símbolo de todo lo inamovible y lo perdurable, pero también la casa como reflejo de todo un proceso de cambio.” CASA Espacio compartido o espacio de aislamiento, espacio seguro o inseguro. La casa es un espacio en el que se condensan nuestras sensaciones vitales.

MARÍA PÉREZ

JARA DONCEL LAURA ÁRBOL

“Algunas personas no saben reconocer los limites que nos rodean y muchas veces tienen que traspasarlos para conocer su existencia”. TRASPASARLOS Para ser nosotros mismos, más libres e inteligentes, debemos traspasar las fronteras que nos mantienen atados a nuestras convicciones y dogmas.

“Descontextualizando espacios y estructuras, reúno una serie fotográfica donde resaltan las líneas, rectas, planos y curvas, buscando el detalle de lo geométrico” GEOMÉTRICO Observar no es mirar, observar es seleccionar con la mirada, seleccionar por ejemplo, los componentes geométricos del mundo que nos rodea, para descubrir que el universo tiene múltiples facetas.

“La técnica usada en este proyecto pictórico es la de pinturas al agua, a través de la estampación. Cada serie está formada, dependiendo de su gama cromática, donde cada pintura está realiza en un soporte diferente”. ESTAMPACIÓN El arte de imprimir estampas ya se llevaba a cabo en el siglo XV. El libro más antiguo en el que las estampas se entremezclan con el texto es el tratado de medicina de Pedro Albano (1472).

MARTA TORRES “Juega con Mels (las piezas escultóricas) mezclando lo salvaje de la naturaleza con lo artesanal. De esta forma podrás sumergirte en un mundo en el que tus sentidos te dominan, sacando el niño/a que llevas dentro”. JUEGA Conocer la realidad a través del juego, de la manipulación, dejando que los sentidos se embriaguen del espíritu lúdico. Nunca olvidamos lo que aprendemos jugando.

NOELIA RODRÍGUEZ

Mª CARMEN NEGRILLO MELISA CAMPUZANO

“Una muestra íntima y emocional que pretende hacer visible lo invisible a través de intervenciones en fotografías de moda”. INVISIBLE El mundo bien podría ser un escenario, y nuestro diario existir una representación teatral en la que obligadamente nos hacemos visibles ante un público, pero la verdad se encuentra detrás de las bambalinas, en el lado que no se ve, la parte invisible.

“Ocultar la esencia del individuo a través de la máscara dejando al descubierto, los sentimientos más íntimos”. MÁSCARA La máscara puede ocultar y definir a la vez. Oculta porque esconde nuestro rostro, define porque siempre es un elemento simbólico de lo que somos, un eco de nuestro interior.

SANDRA CARMONA

SYLVEIRA TOMÁS AGUILAR

“La idea surgió tras la lectura del ensayo de Tanazaki, el elogio de la sombra donde los japoneses encuentran la belleza en las sombras. Toda la colección se inspira en la arquitectura, el negro y el minimalismo”. SOMBRAS Las sombras en occidente están siempre vinculadas a lo oculto, lo que nos produce temor, mientras las sombras orientales representan la vida, a veces proyectan siluetas de la naturaleza, otras veces, símbolos atávicos.

“Me interesa el proceso, la materia, que el espectador perciba y conserve en sus retinas el camino que he recorrido hasta llegar a la obra final”. CAMINO La obra puede ocultar o mostrar el proceso creativo. En este caso el camino, las huellas, son visibles, son el resultado y desvelan el esfuerzo del creador.

“El hombre y la mujer se han sentado a entenderse, la luz y la sombra se funden en una substancia llamada luz-y-sombra”. LUZ Y SOMBRA La luz nos descubre a los demás, los desvela físicamente, y de un modo simbólico elimina las sombras de las relaciones humanas, nos invita a conocernos.

FACBA_

FACBA 2017 por:

http://facba.info/

@lauraarbol_

Clickea sobre el icono y descarga el pรณster de Laura ร rbol

CONVERSACIONES_E

EN:

Fotografía: Jara Doncel Redacción y entrevista: Mª Teresa Ponce y Sarahy Guerrero

CONDES_ DE GABIA P

Marisa Mancilla (Vicedecana de extensión cultural y transferencia), Antonio Collados (Vicedecano de estudiantes, redes y comunicación) y Pablo Ruíz (Difusión y coordinador de exposiciones del Palacio de los Condes de Gabia) dialogan sobre el papel que ha desempeñado y desempeña este espacio expositivo en el ámbito cultural granadino.

http://www.dipgra.es/contenidos/palacio-condes-gabia/

ANTONIO COLLADOS MARISA MANCILLA PABLO RUIZ

1. Desde su punto de vista ¿qué papel desempeña la plataforma de Condes de Gabia dentro del panorama artístico granadino?

Un papel fundamental por historia y por presencia en la cuidad. El área de cultura de la Diputación de Granada y el Palacio de los Condes de Gabia ha sido una sala histórica para el arte contemporáneo en la ciudad y en la provincia. Ha jugado un papel muy importante en la promoción de los jóvenes artistas. En un momento como los años 80, donde se estaban construyendo todas las redes de apoyo cultural a las artes contemporáneas, jugó un papel fundamental. Esta sala ha albergado a las nuevas promociones de artistas que van saliendo de la Facultad de Bellas Artes y no sólo eso... ha tenido un papel de altavoz de lo que se iba haciendo en la facultad... ¿no? En este sentido, ha ayudado a muchos estudiantes y a la propia facultad a salir de la burbuja académica. La plataforma de los Condes de Gabia ha sido siempre una referencia, el lugar donde se quería llegar, no sólo por la exposición de la promoción, sino también por los proyectos de la sala antes Baja (ahora Ático), o las becas Manuel Rivera que también eran muy importantes.

Además, es una sala que siempre ha gozado de mucho prestigio en el tejido cultural de la ciudad, sobre todo en el artístico. Es decir, por aquí han pasado artistas que ahora ya están situados y son relevantes. Siempre ha sido una buena plataforma, un trampolín para ayudar, en un entorno muy complicado, porque Granada siempre ha tenido una importante cantera de artistas pero realmente muy pocos cauces para apoyar las trayectorias de esos artistas. Por eso pienso que es una institución absolutamente necesaria en este paronama.

A P

Antonio Collados: ¿Cómo lo ves tú, Pablo? Sí, es cierto. Además, era un momento en el que había pocos espacios... . Ahora, gracias a vosotros (se refiere al vicedecanato de cultura), se empieza a tener nuevas salas, donde alumnos y nuevos artistas pueden encontrar el lugar donde mostrar su trabajo, en su mayor

parte por primera vez. Condes de Gabia suma o forma parte de ese entorno en el que los artistas pueden empezar. También hay que entender que son los alumnos que salen de la última promoción de la facultad que puede que cuajen como artistas o puede que no... en cualquier caso Condes de Gabia estuvo ahí en sus orígenes abriendo camino y seguirá estando, esperemos que por mucho tiempo, formando parte de esa red.

2. Desde su óptica y teniendo en cuenta las obras expuestas ¿hacia dónde cree que están evolucionando las propuestas de los jóvenes artistas granadinos? ¿Cree necesaria la incorporación a esta exposición de más obras pictóricas, escultóricas... o mayor presencia de los nuevos sistemas de representación artística como el video arte, por ejemplo?

Bueno, realmente si hay algo característico de la producción que se da en nuestra facultad es que realmente no responde a un único lenguaje o sigue una única tendencia. Hay gente, en esta exposición hay buenos ejemplos, que esta centrada en las artes plásticas, pero luego hay otros discursos muy distintos cercanos a ámbitos como la literatura, la música... va a depender un poco del tipo de proyecto que se presenta. No hay una única lectura en cada una de las obras. Pienso que la exposición representa “este momento”, como también describe las circunstancias o las pretensiones de estos artistas o sus inquietudes. Es como una especie de foto difusa todavía. Pero no, no creo que haya que puntualizar tanto añadiendo o quitando pintura o performance.

A P

Antonio Collados: ¿Vosotros cómo lo veis en comparación con la exposición de otros años? Bueno, es cierto que también vosotros desde la facultad conocéis las líneas de trabajo de cada momento. Desde nuestra perspectiva es distinto, nosotros estamos condicionados por la propuestas que se presentan. Por otro lado se ha cambiado el formato de selección de alumnos . Hemos empezado a plantear una nueva fórmula, es el primer año y estamos en rodaje, a ver cómo lo vamos puliendo. Pero es cierto que hay que tener en cuenta que hay alumnos que tienen interés en presentarse, y hay alumnos que pueden que sean extraordinarios como estudiantes y creadores pero por desidia, desconocimiento o cualquier otra circunstancia, no se presentan. Nosotros no podemos, en este caso, ir detrás de ellos diciéndoles “¡oye preséntate!”, todo forma parte del mundo al que van a pertenecer. Revisando el histórico de las ediciones realizadas, hay promociones en las que existe

una abundancia de pintura y eso se ve en la sala, otras como este caso en el que hay más presencia de instalaciones o escultura. Pero, en cualquier caso, es algo coyuntural. Los alumnos que han presentado a esta edición sus proyectos, se movían más en este formato. Eso lo sabéis mejor vosotros, Marisa y Antonio, porque lo vivís día a dia. Nosotros no. Nosotros recibimos sus propuestas. Se podría entender que es lo representativo de esa promoción, aunque tampoco necesariamente, podría ser solo el resultado de los alumnos interesados en mostrar su obra, en estar dispuesto a venir aquí y dar un paso adelante.

Sí, en ese sentido esta exposición puede servir de mapa que cartografía lo que sucede en la facultad, pero cualquier mapa es incompleto... ¿no? Entonces, supongo que esta exposición podría cambiar o podría ser múltiple en función de los intereses de la gente que se presenta, como decía Pablo.

3. ¿Piensa que los proyectos artísticos que integran la presente exposición tienen la capacidad o potencialidad de atraer al público granadino? ¿Desde Condes de Gabia o desde la propia facultad se podría hacer algo más para motivar al público a visitar dicha exposición?

Lo de atraer al publico es complicado. ¿Nos tenemos que mover en función de lo que sabemos que va a atraer al público? No sé...a mi se me plantean muchas cuestiones al respecto.

Bueno, yo creo que, por supuesto, hay que hacer un esfuerzo de difusión o de mediación, pensando también que las salas de exposiciones no son, desafortunada o afortunadamente, como una biblioteca o un estadio de fútbol. Es decir, que nuestra liga no es el Real Madrid o el Granada, o un concierto de Lady GaGa o ¡yo que sé!... un concierto de Lori Meyers. Es decir, estamos jugando en otras coordenadas. Eso, obviamente, no quita que desde luego esto sea una experiencia de comunicación y que interese conectar con más gente. Obviamente hay que hacer ese esfuerzo. Pero vamos a pensar también que es arte contemporáneo, esto no es una cuestión de masas ya que es un ejercicio complejo y que requiere de un esfuerzo.

P M

Claro, efectivamente. Por nuestra parte, en la facultad la convocatoria se divulga, se apoya, estamos implicados con el tema y contribuimos a su la difusión con todos los medios y herramientas que tenemos a nuestro alcance. Eso está claro y desde Condes de Gabia me consta que también. Quizá el esfuerzo deba hacerse también desde otros sitios, no se trata tanto de que los Condes o la facultad muevan al público, sino de que también se tengan mecanismos dentro de esta ciudad como para que esos públicos, de repente, demanden esta información, tengan interés o por lo menos curiosidad. Es decir...

A M

Escuelas, colegios... Sí desde pequeños no empezamos a familiarizar o incentivar, de alguna manera… a acercar

a los niños/as a lo artístico, los esfuerzos no serán eficaces. Yo estoyde acuerdo con lo que acaba de decir Antonio, no se trata de atraer al público masivamente, se trata de “conectarlo”, de que esto sea una experiencia profunda yauténtica.

Que sea una experiencia significativa. Seguro que Pablo con el tema de las visitas ve pasar a mucho público “cautivo”, gente que estaba allí porque alguien lo llevó de la mano y dijo “¡¡tú tienes que estar aquí durante dos horas!!” Entonces creo que, trabajamos con eso pero no es el objetivo... si de ahí rescatas a alguien pues bien.

Claro, claro, esa es la experiencia, que haya gente que se sorprenda, para bien o para mal y en cualquier caso, es lo que se mueve en la facultad. Por otro lado están los paracaidistas… “pasaba por aquí y me he colado porque era gratis”. Pero bueno... así también se conquista público y despiertan intereses . De repente puede ser el inicio de una relación que quizá termine bien.

4. ¿Cómo afronta la elección de las obras que integrarán la exposición anual de estudiantes de Bellas Artes en el palacio de los Condes de Gabia?

Como es una convocatoria pública, en las bases aparece todo detallado. Hay un equipo de trabajo que va a visionar todos esos dosieres que presenta la gente y en función de ciertos parámetros que están definidos en las bases se van eligiendo, es decir, no es una elección simple de tú si y tú no, es algo absolutamente consensuado desde un equipo de trabajo.

Y bueno, en este caso tampoco se tienen que elegir un número determinado de artistas. Nos regimos, de alguna manera, por las líneas de trabajo que se presentan. Queremos darles más espacio, trabajar también con las ideas que puedan plantear su obra o proyecto expositivo pensando en la sala.

M P

Pero ahora hay un cambio en la convocatoria... Sí. Antes, se hacía una convocatoria, los alumnos presentaban sus piezas en la sala de exposición de la Facultad de Bellas Artes y un día determinado se desplazaba el equipo de Artes Plásticas de Diputación para hacer la selección. Entonces, vimos más interesante cambiar el formato y hacer un proyecto donde viéramos un poco más el trabajo de los artistas y a su vez poder decicarle más espacio a cada uno.

Un poco más la trayectoria de los artistas. Se selecciona un proyecto (puede que la obra no esté totalmente terminada) sino que se selecciona un proyecto con posibilidades que luego tendrá una adaptación para el espacio de los Condes de Gabia. Lo interesante de esta nueva convocatoria es que participan también los estudiantes de Historia del Arte. Ahora contamos con un espacio de trabajo relativo a la historia, al comisariado... Pensamos que es muy interesante que las generaciones vayan de la mano, no descuidarlas; para que las relaciones entre los futuros artistas y futuros comisarios, galeristas,

programadores, historiadores... se produzcan lo más tempranamente posible.

Yo creo que también la voluntad del proceso de selección es dar cabida al mayor número de personas. Todos debemos entender (la gente de Condes de Gabia, los representantes de la facultad y los compañeros de Historia del arte que se incorporaban a hacer la práctica comisarial) que Condes de Gabia es un espacio que reúne unos criterios de calidad, que existen unos mínimos para presentarse en esta sala y que también se intenta organizar un posible discurso que ya se va hilando o trazando desde el conocimiento de esos primeros dossiers. Es verdad que no es definitivo, pero en este cambio en la convocatoria que se ha hecho a través de dossiers de proyectos resulta fundamental entender no solamente que hay una calidad en los trabajos de quienes se presentan, sino que también hay un buen espacio para el aprendizaje, es decir, que los dossiers también enseñan mucho de la capacidad que puede tener un artista de desarrollar y desenvolverse en una sala ¿no? Creo que es como un espacio editorial. También una sala de exposiciones puede ser un espacio editorial. Creo que un dossier también demuestra mucho la capacidad que tiene un artista de vincular su trabajo, de mostrarlo al otro. Evidentemente lo fundamental es centrarse en conocer la obra y valorarla, pero a mi me parece que también debemos tener en cuenta otros criterios que te hablan de la manera de hacer de un artista, de la capacidad que puede tener luego de ejecutar el trabajo.... son elementos que hoy día también tienen interés para observar esa progresión.

SALA DE REFERENT

TES_

Fotografías: Jara Doncel / (*) Textos: Mª Teresa Ponce Lugar: Sala de Exposiciones Facultad BBAA

BIGOTE _SUCIO

SinTítulo.jpg Del 5-28 octubre de 2016

Desde su juventud, Bigote Sucio se ha sentido atraído por el mundo del arte, siendo el graffiti el que despertó su interés hacia la expresión artística a la temprana edad de los 12 años. A partir de aquí, comienza su formación como artista multidisciplinar especialmente interesado en diseño gráfico, lo audiovisual, el dibujo, el grabado e incluso la artesanía cerámica. En 2010 comienza una nueva etapa en la que amplía las distintas vertientes de su producción, trabajando con nuevos soportes y materiales: moda, diseño, publicidad, serigrafía y hasta música son estos nuevos campos a los que infiere una estética muy llamativa, espontánea, ligera, de ejecución simplificada y con http://bigotesucio.com/

cierto aire minimalista, en el que las formas se rinden a su faceta más geométrica. Una expresión desenfadada que utiliza un lenguaje naif. La forma deja de ser importante, Bigote Sucio las lleva a su mínima expresión pero sin abandonar su significado. Estas son las pautas de lo que sería un minimalismo propio, un estilo reinventado que no acaba de desvincularse de las pautas establecidas por este movimiento. En su exposición “ Sin “título”-jpg” ” apenas podemos apreciar esa normativa propia de las obras de Carl André, por ejemplo, tampoco hemos visto obras en las que prime el ángulo recto, las composiciones modulares, las formas geométricas simétricas, o el uso de un sólo color o material.

@bigotesucio

E O

Una muestra de elementos reducidos a su mínima expresión es su obra “NATURALEZA_ MUERTA_01.jpg”, pintura en la que apreciamos la abstracción absoluta de lo que sería un bodegón. De esta pieza cabría destacar que en la misma exposición se encuentra materializada la imagen, es decir, el artista se inspira en su propia obra para hacer las dos versiones, la bidimensional y la tridimensional.

*Fotografías: Bigote Sucio*

En esta exposición sí vamos a percibir formas que se repiten pero sin responder a ningún orden, aquí el azar parece ser quien determina la disposición de los elementos. La curva será un elemento primordial que se irá repitiendo en todos los diseños de manera constante, dando como resultado unas obras vibrantes, llenas de movimiento, color, dinamismo y ritmo.

La colección está formada por 60 piezas inéditas, todas ellas siguen una misma línea estética, el artista bebe de tendencias actuales como son el diseño industrial, el “animal print”, el punk o el graffiti, todo ello elaborado en diferentes técnicas: la pintura acrílica, el spray, la tinta o las cerámicas, a las cuales el artista imprime ese aire “ochentero” predominante. Qué duda cabe, que existe en la obra de Bigote cierta influencia del artista Ángel Mateo Charris. Hablamos de corrientes actuales, y es que toda la colección están vínculada al mundo digital, al Net.Art, el arte de la red. Con estas influencias, Bigote Sucio pretente construir un mensaje irónico sobre la cultura digital en la que vivimos inmersos, sobre la cantidad de imágenes que fagocitamos diariamente y las diferentes reacciones que este fenómeno provoca en nosotros, algo a lo que el artista llama “Estímulos 2.0”. Para aludir a esta tendencia, el artista usa recursos como rótulos que se asemejan a las ventanas o “interfaces” de los sistemas informáticos.

ALICJA _PANASIEWICZ Skiagraphia Del 7-14 de Noviembre de 2016

Geometría, luces y sombas son los tres pilares fundamentales con los que la artistas polaca, Alicja Panasiewicz, juega y experimenta en su exposicón “SKIAGRAPHIA”. La artista explora el mundo de las formas y analiza cómo la luz incide sobre éstas y proyectan sombras, las cuales tienen mucha importancia a la hora de reflexionar sobre el mensaje de la exposición. La sombra cobra real importancia, la sombra es esa forma difusa que sólo se hace visible cuando el nivel de oscuridad y luz están

equilibrados, esa forma que no es más que una mera apariencia, una imitación de la realidad, y por lo tanto, es una realidad fragmentada. La luz también es crucial para esta exposición, ya que sin luz no existe la sombra. La artista sostiene que en nuestra sociedad existe una conexión muy fuerte entre lo negativo y la materia oscura, una relación que es fundamentalmente peyorativa. Uno de los objetivos de Alicja es redefinir esta idea tan asumida. Encontramos cierta reflexión entre ese ying-yang entre la luz y la oscuridad.

Alicja Panasiewicz tiene muy claras sus fuentes de inspiración, la artista nos habla de un único referente que procede del mundo filosófico. Alicja hace referencia a Platón, filósofo griego del 427-347 a.C. La artista se centra de manera muy concreta en el libro VII de la República, especialmente en el famoso “Mito de la caverna”. De este fragmento va a rescatar la idea de incomprensión ante la sombra captada por los sentidos, posiblemente engañosa, no real, la percepción desordenada de la vida...el mundo sensible. Siendo el objeto lo real, la idea. Mediante una serie de formas geométricas, los llamados “sólidos platónicos” el tetraedro, el cubo, el octaedro, dodecaedro y el icosaedro, la artista pretende reflejar el mundo haciendo referencia a los “elementos de la naturaleza”, tierra, agua, fuego, viento y éter.

“El arte puede ser la herramienta para aprender sobre el mundo” Con las formas geométricas que dominan la exposición, Alicja Panasiewicz lo que pretende representar es el orden del mundo, así como las apariencias de éstas, las sombas son lo que nosotros obtenemos de ellas, nuestra percepción incierta de la vida, como aquel hombre de la caverna de Platón. La idea de Alicja es solidificar esa sombra, para que así logre una semi-existencia, convertir de repente la sombra en algo tangible, que a su vez arroja otra sombra, y ésta otra.

CRÁNEO _PRISMA

Arte hoy, miseria mañana Del 17 de noviembre al 12 de enero de 2017

Mente inquieta, relación obsesiva, inspiración fuera y dentro del arte, inmediatez, “brainstorming”... Estas son algunas de las palabras con las que Cráneo Prisma se define. “Siento que la inspiración es como un autobús de línea, nunca para de hacer su recorrido”. Craneo Prisma habla de una producción constante que da lugar a una ejecución artística muy rápida. Una gran cantidad de ideas vienen a su cabeza: ideas de dibujo, la música, la escultura, la pintura, el dibujo digital e incluso el vídeo. Aunque aclara que dentro de sus intereses se encuentran la ilustración y, en especial, el Fanzine. De la mezcla y condensación de estas tendencias nace “Arte hoy, miseria mañana”, una exposición multidisciplinar que no deja indiferente a nadie. Como ya he indicado anteriormente, la principal fuente de inspiración de Cráneo Prisma se ecuentra en la vida, en la cotidianidad, pero también nos habla de influencias dentro del mundo artístico: la ilustración, el dibujo digital y el Fanzine, y apunta el artista ciertos @craneoprisma

nombres como los de Alexis Beauclair, Conxita Herrero o David Shrigley. De este último, podemos apreciar una enorme influencia estética a la que sumamos ese componente humorístico e irónico que ambos artistas demuestran. Señala el minimalismo y la abstracción como una carácteristica bastante repetida en su producción artistica. Cráneo Prisma hace una obra simple y rápida, no le interesa la perfección en los acabados, de hecho está influenciado por el mundo del garabatismo o el cómic “Underground” americano. Eclecticismo es otra de las cualidades que podemos encontrar en esta exposición, no se decanta por ningún estilo concreto, no se relaciona directamente con una sóla corriente. Cráneo Prisma se define a sí mismo como un “artista mutante”, que va cambiando su manera de producir según los intereses que vaya teniendo. En este sentido habla de la influencia recibida de Gary Panter, dibujante totalmente ecléctico y perfecto ejemplo de “dibujante mutante”.

O A

En “Arte hoy, miseria mañana” Cráneo Prisma juega con la ironía, el pesimismo y el humor. Trata el fracaso con un ingenio de tintes oscuros, lanzando al viento una pregunta: ¿Y ahora, qué? Esta es la incertidumbre del mañana. Su línea más irónica está influenciada por Miguel Noguera y Berto Romero. La exposición versa sobre la inmediatez, la rápidez de nuestro mundo. Inmediatez en la ejecución, la vemos reflejada en prácticamente toda su producción, destacando la sección de “Objetos con ojos”, en la que Cráneo Prisma critica abiertamente los lentos o eternos procesos de producción de obra en los talleres. En esta exposición la rápidez tiene una doble lectura, no sólo está relacionada con el tiempo de elaboración artística, va más allá y hace referencia al hecho de consumir rápidamente nuestras ideas, utilizarlas un día y al día siguiente no tener nada nuevo que decir, sin importar ésto último. Esto se traduce en el

sección de “Bocetos de esculturas horripilantes”, esquemas visuales de estética fea y naif, muy simples y minimalistas. “De esta serie resaltaría la representación física de algunos de esos bocetos de escultura, que al fin y al cabo los hice con el propósito de que alguien los pudiera realizar, pero como nadie los hace, finalmente los hice yo”. Una de la secciones que sin duda llama más nuestra atención es “Grabadora que habla”, en la que el artista deja clara su intención: quiere que el espectador entre en la obra, pueda formar parte de ella, estableciendo una conexión, y dejando finalmente la conclusión de la pieza en las manos del espectador. El público debe seguir unas instrucciones sencillas, graba lo que quiere en la grabadora aportando algo suyo, ya sea fruto de la experiencia artística o no.

“No me gusta el formalismo del arte. A veces pienso que para sentir el arte hay que tocarlo”. Por último hacer mención a otra de las secciones de esta exposición, “Domingo todos los días”, una instalación que es una alegoría

de esos domingos de depresión y resaca resumidos en un sofá y un ordenador, desde donde podemos visualizar un capítulo de los Simpsons al revés. Esta instalación me conduce a otro posible referente: la obra “My bed” de Tracey Emin.

Layout

ANA _REKALDE

Del 2-17 de febrero de 2017

“Layout” es el anglicismo que da nombre a la exposición de la artista Ana Rekalde. “Layout” significa diseño, plan, disposición o bien croquis, boceto, instrucciones o esquema. Palabras que definen a la perfección y nos permiten comprender la exposición de la artista. Partiendo del concepto y el procedimiento, Ana Rekalde da importancia al proceso, la antesala de la obra final. Tan importantes son las pautas seguidas como el fin, la obra en sí. Podemos decir que la exposición es el camino que la artista recorre para llegar al destino artístico deseado, las instrucciones en las que se hace latente el proceso experimental, los fallos, errores...todo lo acontecido en ese proceso introduciendo cierta connotación humorística sobre ello. @ana.rekalde

En la serie 5, la cual recibe el nombre “Roces” vemos esas marcas de dedos, improntas digitales de grafito, posibles fallos, huellas que son fruto del proceso de ejecución. Debemos destacar algunas de las figuras influyentes para la artista como son John Peter Berger, crítico y pintor británico, así como Richard Sennett, sociólogo estadounidense. Berger sostiene que existe un momento a la hora de la producción artística en el que el creador abandona su estrategia primera o idea originaria, cambiando por completo el rumbo de lo preconcebido, dejándose llevar por las exigencias y las nuevas necesidades del dibujo. Ese momento J. Berger lo llama “Momento Crítico”. Esto lo podemos relacionar con las obras de las series de Rekalde en las que usando el grafito logra unas formas

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fluidas, totalmente abstractas abriendo el camino a la duda y a la suposición sobre qué es lo que la artista quiere representar ahí y qué acabará representando.

“El Tiempo del artesano”, es el título de un libro de Richard Sennett, el cual tiene algunas premisas que la artista destaca y que hace letentes en su exposición.

Sennet sitúa la perfección contra la practicidad. Habla de experimentación, de la práctica repetitiva para lograr los mejores acabados, y sostiene que la larga experiencia sobre algo puede acabar dando resultados contrarios. También habla de que la mejor manera para lograr un buen trabajo es la existecia de libertad entre los medios y los fines, así el artista o el artesano logra una mejor expresión material de la idea. Aunque esta idea sea totalmente libre y por ende mutable en cualquier momento.

“La gente puede aprender de sí misma a través de las cosas que produce...” R. Sennet.

Ante estas dos figuras y sus teorías sacamos algo en común con respecto a la obra de Ana

“Para el artista dibujar es descubrir...” J. Berger.

Rekalde, y es que en ella existe cierta inspiración o tendencia hacia el Pragmatismo, celebérrima corriente filosófica estadounidense de finales del Siglo XIX. El pragmatismo sostiene que sólo es cierto aquello que funciona, por ello se centra en el mundo real y objetivo. Rechaza toda verdad absoluta, ya que las ideas son provisionales y como tal sujetas al cambio provocado por investigaciones futuras. Esta teoría la podemos ver representada en la serie 6 de la exposición, “Ikea lo hizo mal II”. En ésta vemos cierta burla o humor sobre lo que serían las instrucciones de la gran multinacional Ikea, esto es, la idea pragmática de ir contra la pauta.

La artista lleva a cabo un proceso de creación simplificado, lento, el cual gana en refinamiento. Un proceso constituido por niveles y subniveles que a medida que abandonan el sentido práctico se van haciendo cada vez más ricos, por ello la artista desvela incluso los errores.

FABIO _RAMÍREZ Figura decorativa sobre fondo ornamental Del 21 de abril al 12 de mayo del 2017

Objetos encontrados que configuran obras creadas casi sin pretensión artística, que no enmascaran lo que en realidad son, no buscan falsear su apariencia real, pero que en la exposición de Fabio Ramírez abandonan lo común para convertirse en algo más. Evidentemente, estos objetos están dispuestos de manera intencionada, una voluntad que recae de manera absoluta en el artista. Esto último quizá nos recuerde a la filosofía que Marcel Duchamp plasmó en sus “Ready made”. Fabio Ramírez genera sus obras a partir de materiales ordinarios (plástico, maderas…) @fabioramirezenrique

que todos tenemos por casa, elementos de deshecho en gran medida. Qué duda cabe que este aspecto conecta directamente su creación con el “Arte Povera”, término italiano creado por el historiador del arte, crítico y comisario Germano Celant en 1967, con el cual definía al arte que nacía del montaje o que estaba realizado con materiales pobres, en este caso encontrados, materiales que incluso debido a su naturaleza podían ir degradándose y por ende cambiando y evolucionando el aspecto de la obra de arte.

O Z

Para la ejecución de las obras, el artista opta por la técnica del ensamblaje, la cual popularizó Picasso a principios del siglo XX, y que se basa en ir colocando distintos objetos muy próximos unos a otros y así lograr un efecto óptico tridimensional o distintos planos de visión. Fabio utiliza la técnica del ensamblaje dentro del ámbito del “mix-media”,

esto es, la combinación de distintas técnicas para lograr una estética decorativa, tendencia que está muy ligada al trabajo manual. El artista en la exposición mezcla el ensamblaje con recursos propios de la pintura, jugando así con la textura y el color.

Animalarium

TOMÁS _JUSTICIA

Del 15-31 de mayo de 2017

Más de una veintena de obras sustentadas en cuatro pilares fundamentales: Historia, Ciencia, Diseño y la propia visión del autor dan forma a un proyecto iniciado en 2008 que aún continúa su evolución. “La idea surgió de mi pasión por el mundo animal desde niño....”. Con esta frase Tomás Justicia reconoce que desde niño siente cierta pasión por el mundo animal y que de ahí nace su idea, una idea que va tomando forma y desarrollo de manera multidisplinar, adoptando diferentes técnicas y estéticas. La exposición está compuesta por una gran variedad de objetos que siguen líneas muy dispares, como el arte chino, el grabado renacentista, la fotografía, la pinura, el dibujo o el cine. Aunque si algo tienen en común es que nunca abandonan su relación con el mundo animal. Para llevar a cabo esta diversidad de ejecuciones, Tomás Justicia nos habla de diferentes influencias para su producción. El artista evoca una serie de dibujos de Leonardo Da Vinci o los grabados de Alberto Durero, ambos maestros del Renacimiento Italiano. Al mencionar a estas dos grandes figuras, inevitablemente pensamos en el carácter investigador y la intención científica de la obra @tomasjusticia

de Tomás Justicia. De manera muy clara podemos apreciar la influencia de los grabados de Alberto Durero o de los dibujos de Walton Ford, quien también toma como referencia al maestro Italiano en algunos de sus dibujos. Rinoceronte de Alberto Durero. 1515. Grabado Xilográfico. Museo Británico de Londres. En un primer momento la idea original parte de la pasión por el mundo animal que desarrolla el artista en su infancia, evolucionando hacia nuevas formas, el híbrido entre máquina y animal. He aquí la crítica social contra el maltrato animal, dando lugar el artista a ese animal que se trasforma en un ser mecánico capaz de defenderse ante el ataque del hombre. Aquí podemos ver incluso cierta tendencia futurista, algo muy evidente en “El poder de lo racional”. Las obras están vinculadas al género científico tanto que acaban siendo radiografías que muestran el interior, aquello que la historia no puede demostrar. El artista también nos habla de la tendencia fotográfica en su obra, inspirándose en figuras como Joan Fontcuberta, quién también se decanta por temas relativos a la fauna y la flora en su producción artística.

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Más tarde la idea va tomando otros caminos. Tomás Justicia nos habla del contacto que mantiene con el mundo del diseño y la publicidad, y por ello, aparece en su cabeza la idea de mezclar este mundo zoológico con elementos de consumo, deshechos, basura

con la que el ser humano contamina y destruye el hábitat natural. De nuevo tenemos aquí una crítica ecologista en apoyo al mundo animal.

El animal ahora adopta nuevas actitudes que provienen de un estado de confusión, se asimila como deshecho y se hibrida con él, adaptando sus funciones. En esta parte de la exposición predomina la escultura tratada de manera muy expresiva y sugerente, usando el reciclaje para dar cuerpo y forma a estos animales. En la evolución de las piezas de Tomás Justicia observamos una clara predilección por el dibujo y la pintura. Trabaja diferentes líneas estéticas y tiene distintas influencias como pueden ser el arte chino del anime de Katsuhiro Otomo, el cine de Peter Greenway o el dibujo de Katsushika Hokusai, pasando por el grabado de los grandes maestros renacentistas.

Le interesa y trabaja la transparencia de los cuerpos a través del método de dibujo de la escuela de Basilea. Con toda esta amalgama de influencias logra una estética nueva y actual donde mediante el color, la rápidez de las líneas o la monumentalidad de las figuras intenta expresar sentimientos como compasión, melancolía y agresividad, dando sentido y sustentando la carga crítica.

A LA CALLE_

FotografĂas: Los autores Textos: Carlos Javier Gonzalez

A LA CALLE 2017 “A la calle” ha sido una propuesta artística que ha conectado las creaciones escultóricas de los alumnos de la Facultad de Bellas Artes de Granada con la ciudad en el mes de enero de 2017. El Auditorio Manuel de Falla, el Espacio Puerta Real, el Cuarto Real de Santo Domingo, el Ayuntamiento, la Casa de San Matías, la Casa de las Chirimías, la Casa de Ágreda, la Casa de Zafra y en el Centro Federico García Lorca han sido los espacios elegidos para llevar a cabo las distintas exhibiciones, y las personas que han puesto en marcha esta interesante propuesta han sido Antonio Martínez Villa, Elisaberta López Pérez y Aixa Portero, profesores de escultura de la Facultad, quienes han permitido al público granadino conocer las obras y experiencias escultóricas de los alumnos y artistas emergentes del grado de Bellas Artes. Hace ya algún tiempo, los profesores de la Facultad de Bellas Artes Alonso Cano han ido rescatando e incidiendo en la importancia que tiene el proceso en toda creación artística, cuestión poco baladí, ya que a través de éste uno puede aproximarse a los aspectos, maneras y formas del trabajo del arte, y por lo tanto, entender mejor el mismo. Aunque el proceso ha estado siempre presente en la creación artística, estuvo oculto hasta aproximadamente 1960, momento en el que aparece una tendencia dedicada al proceso creativo de la obra, al “quehacer” del objeto. Con el nacimiento del Arte Procesual, indica Giulio Carlo Argan “El arte se convierte en el lugar en que el artista (a través de su quehacer) obtiene un conocimiento del mundo gracias a una identidad entre pensamiento y acción” . El arte y los movimientos que surgen en torno a esta tendencia giran su mirada hacia el hombre y sus circunstancias, su entorno, su modo de producción, evidenciando la unión entre el arte y la vida. A través del proceso, el

autor usa su pensamiento, plantea reflexiones, expone sentimientos, conocimientos y los elementos culturales que ha adquirido a lo largo de su vida para generar una obra. Su punto de vista personal, en ocasiones inconsciente, permite reflejar en su producción percepciones, experiencias, vivencias, recuerdos, conflictos emocionales, deseos insatisfechos, fobias, tabúes, preferencias, complejos y tendencias ideológicas. Esta carga emocional acabará volcándose en el hecho artístico, generando obras que seguirán una tradición, o bien, posturas radicales o de ruptura con la sociedad y los paradigmas del arte , generando de este modo, nuevos horizontes. En todos ellos, el proceso seguirá siendo una parte fundamental, pues sin él la obra de arte no sería más que un mero trámite, cuando lo que verdaderamente esconde es la esencia de la creación, el vasto haz de realidades que confluyen en el artista y a través del cual podemos conocer mejor la realidad que nos circunda. Aunque los artistas que observaremos a continuación no son específicamente procesuales, resulta muy interesante y revelador observar el proceso creativo de tres de los proyectos que formaron parte de A la Calle 2017.

ARGÁN, Giulio Carlo., El arte moderno, Akal. Madrid 1992. Pp 77 – 80 SANTISO, Gonzalo., El proceso artístico; en Experimentación, Innovación, Creación. Aportes en la enseñanza del Diseño y la Comunicación, XIV Jornadas de Reflexión Académica en Diseño y Comunicación, Buenos Aires 2006

EL PROCESO EN LA REALIDAD ARTÍSTICA_

ANA ISABEL SEVILLANO La obra artística de Ana Isabel Sevillano Zulu Uzima, refleja perfectamente la importancia del proceso artístico. Explica la artista: “atiende a una necesidad intrínseca de mi propio ser de responder a preguntas referentes a quién soy y cómo me configuro en relación con el medio de la naturaleza”. El contenido simbólico de su obra forma parte del proceso que sigue Ana Isabel para concretar su obra, afirmando lo siguiente: “La vida y la muerte pertenecen a un ciclo interminable, a este bucle continuo que hasta ahora nunca termina. ¿Pero dentro de la vida encontramos muerte? ¿o solo se encuentra en el fin? Yo planteo la naturaleza como el ser más puro, el comienzo de todo; y mi cuerpo como algo lleno de impurezas, donde encontramos partes muertas que deben ser limpiadas. Desde los inicios de la historia, los seres humanos han utilizado diferentes tipos de rituales ya sea para la fertilidad o para otras necesidades, teniendo en común todos ellos un fin concreto. Este tipo de creencias nos han acompañado a lo largo de los tiempos

hasta llegar a mí, llenándome de dudas y necesidades. Mi vida ha transcurrido por un camino empedrado donde era inevitable tropezar, estos son los motivos que me llevan a la llamada “necesidad”. Necesitaba empezar, volver a nacer dentro de una misma vida, quitando todo aquello que me obstaculiza, que me paraliza. La unificación del cuerpo y la naturaleza son el punto de partida para el proyecto denominado “Zulu Uzima”. Mi cuerpo es lo insano que a través de la naturaleza (la tierra), que es pura, se regenera. Mi renacer comienza con un ritual de purificación, donde al enterrar mi cuerpo siento que vuelvo a los principios de todo. En el hueco que deja mi silueta desnuda queda arraigada toda mi impureza, naciendo un nuevo yo. Pero entonces, ¿queda contaminada esa tierra? Si esto es así, llegaría un momento en que esta naturaleza quedaría impura y no podría seguir con mi ciclo. Es por esto que ese hueco que queda lo relleno de escayola y lo extraigo, quedando todo lo insano consolidado en una sola pieza

ZULU UZIMA_

y arrastrando el rastro de tierra contaminada. Las piezas obtenidas con este ritual son variables según la decisión de la propia naturaleza, encontraremos zonas que calcan a la perfección el recorrido de mi cuerpo, pero otras, sin embargo, serán desprendidas. Podríamos ver estas últimas partes como zonas salvadas, momentos de mi vida que sí están sanos y puros. El resultado artístico que proporciona todo este proceso lo revierto hacia otro extremo con otro método de trabajo, y es a partir de la proyección, en una tela, de mi cuerpo cubierto de la tierra resultante de realizar el anterior proceso. Finalmente, guiada por una reflexión personal y una meditación intrínseca a mi propio ser, he cosido esta tela dotándola de este modo de un motivo. Para mí solo existe un final, siendo éste cuando el cuerpo no puede volver a ser purificado. Sé que en algún momento llegará, pero hasta entonces seguiré renaciendo día tras día”.

MELANIA CONSTANTINO El proceso en la obra de Melania Costantino es complejo. Para generar su pieza primero realizó una investigación científico-anatómica del corazón, órgano que refleja en su obra. Tras esto, indagó sobre la poética y mitología del corazón, encontrando referencias en “El Secreto de la Flor de Oro”, una obra anónima taoísta del siglo VII, y del mitólogo norteamericano Joseph Campbell. También consultó referencias hinduistas y grecolatinas a través de la figura de Eros o Cupido, e historiográficas. De esta manera, quiso reflejar el corazón como centro de energía, como “el saltador, emocionador”, el corazón abarcador, la dureza del corazón, la espiritualidad del corazón,

el amor del corazón. Todas estas simbologías pretenden reflejarse en su pieza. El núcleo de la obra es el corazón, suspendido en un bastidor de hilos que representan las venas. En la parte superior hay un soporte auxiliar donde empieza el entramado de hilos que crean una red, que poco a poco se va estrechando para abrirse de nuevo en el suelo, creando una forma que parece un reloj de arena. “He pensado esta forma porque el corazón es el reloj biológico que marca el tiempo de nuestra vida, así mismo el pálpito del corazón recuerda al tic-tac de un reloj”. Cuando los hilos tocan el suelo se crean

EL CAMINO DE LOS SENTIMIENTOS_ dibujos y desde allí empieza una sombra que se extiende por toda la pared, siendo también la sombra un elemento compositivo de la obra, que representaría el miedo y los sentimientos de la gente. La idea original de Melania fue cambiando como parte del proceso creativo. En una primera propuesta el elemento central seguía siendo el corazón, que se extendía por la pared a través de hilos rojos de diversos tamaños, grosores y tonalidades, sujetados con clavos, que representaban las venas, de manera que la obra nos recordaba a una telaraña. La obra fue pensada para un pasillo subterráneo de la Facultad de Bellas Artes “Alonso Cano”, llamado por muchos alumnos el “pasillo oscuro”, un lugar con poca luz, donde hay muchas tuberías que están siempre en funcionamiento y que producen un sinfín de ruidos diferentes:“Cuando caminaba por este pasillo sentía con el corazón y con los oídos todo lo que acontecía en ese espacio”. Como referencias artísticas en la obra de Melania, encontramos a artistas que también emplean el hilo como material para sus producciones como, por ejemplo Armelle Blary, Chiaru Shiota, Janet Echelman o Ernesto Neto. Pero Melania también se siente identificada con Aude-Marie Franjou y Louise Bourgeois.

SERGIO GARCÍA El proceso artístico que sigue Sergio García es de suma importancia porque estudia muy bien el material que va a emplear antes de empezar a crear la pieza. Para él, el material le ayuda a “contar su historia”. Recordemos que los artistas por medio del material que manejan, plasmarán sus vivencias y experiencias a través de una relación con la realidad más cercana. El interés de Sergio por el material proviene de su admiración por la obra de Zoe Paul, de la que comenta “la importancia del material en una obra es inmensa, pero no por la nobleza o coste de este, sino por lo que el propio material nos cuenta”. El proceso de la obra: Sergio quiso trabajar su obra, “La ola”, como un elemento destacado del mar, pretendiendo exponer una nostalgia personal. Para representar la ola, quiso reflejar también otro elemento que forma parte del choque de la ola con el propio agua de mar: la espuma. Para lograr esto, pensó en un material distinto al agua, y optó por emplear la espuma de poliuretano. El tamaño y la estaticidad del material no reflejaban la esencia de la ola. El artista continuó experimentando, incluso le dio color a la espuma, pero seguía sin conseguir el efecto que quería, por ello pensó en unir la espuma con un alambre, consiguiendo aumentar el tamaño de la pieza, originando “un lugar por el que pasar, o mejor, en el que poder refugiarse, como si estuvieses dentro del tubo de una ola; la idea de poder representar esa mágica sensación me fascinaba, y así empecé a trabajar en mi pequeño tubo artificial”. La unión del alambre de hierro con la espuma dio como resultado una forma parecida a una ola, pero Sergio notaba que faltaba algo más, por ello optó por reducir el tamaño de la pieza para generar sobre

THE IRREAL WAVE_ el espectador una sensación de abrazo, de contacto íntimo. Para ello decidió emplear un trozo de polietileno de alta densidad, que envolviese el alambre, generando de esta forma una ola rompiente. Con ello consiguió que la pieza ofreciese “una transparencia sublime, daba la sensación de estar en un mundo en el que nada puede molestarte, esa sensación de paz y sosiego, y a la vez de emoción, como si estuviese dentro de la propia ola”. Tras incorporar el plástico a la pieza comprobó que el hierro y la espuma funcionaban, sin embargo el plástico con el hierro no funcionaban bien porque el movimiento del plástico por el viento era impedido por el agarre del hierro. Tras esto, Sergio decidió incorporar un gran trozo de polietileno de alta densidad de 4x5 metros a dos árboles, uniéndolos, para de esta forma, conseguir el movimiento de la ola. El problema era que ahora no podía trasladar este material como pieza museística, así que finalmente se quedó únicamente con un pequeño trozo de plástico sustentado por dos puntillas que también lograba el efecto deseado de ola cuando el espectador se acercaba a la pieza. La investigación que desembocó en su obra final refleja la importancia del proceso en cualquier creación artística. En este caso, la simplificación de su idea original generó una pieza envolvente que no deja indiferente al espectador.

@OnGoing_Zine

A vs. B_

RedacciĂłn: Los artistas Entrevista: Jara Doncel Regina PĂŠrez

@OnGoing_Zine

OnGoing_Zine Bienvenidos, usuarios A y B. A lo largo de la entrevista podéis desvelar aspectos de vuestra biografía, pero nunca vuestro nombre, ¿de acuerdo?

Usuario A buenos dias cuenta B, encantado de hacer la entrevista A Usuario B le gusta esto

OnGoing_Zine Queridos A y B, habladnos sobre vuestros mentores/as artísticos, espirituales, grandes maestros que os han influido en vuestra carrera...

Usuario A Lo que me llevó a hacer Bellas Artes fue el Graffiti, forma de expresión reivindicativa, ilegal y libre en la que estaba totalmente dentro en aquel entonces. Una vez en la carrera, mis compañeros tuvieron gran importancia en mi desarrollo como son Pedro Caballero y Murdo Ortiz entre otros y tuve la suerte de tener en los primeros años de carrera a mi compañero de piso Pablo que me abrió las puertas de lo que pasaba más allá del “Graffiti real”. Hasta 2011 no encontré la necesidad de mirar hacia dentro y buscar preguntas y respuestas así una detrás de otra. Los profesores que han influido en mi trabajo han sido Antonio Collados, Jose Luis Vicario, Victor Borrego y Miroslav Balka. A todos ellos les doy las gracias por estar cerca y poder beber de lo que son.

Por otro lado he tenido la mente abierta para leer todo tipo de lectura y cine mucho cine mucho cisnefino.

Usuario B En la actualidad, ¿en qué campo desarrollas tu trabajo artístico? ¿sigues en el mundo del Graffiti, o en su expansión?

Usuario A ahora mismo estoy pintando una discoteca en mi pueblo. Con lo que me quedo del graffiti son con las intenciones y las vias de pensar que proporciona para llevarlo a otro tipo de practica artistica hasta llegar a la escultura.

Usuario B Lo genial del graffiti es que, según la intención y la consideración, se trata de arte público, y por tanto de una vía privilegiada para llegar a la gente, para cuestionar a la sociedad desde un ámbito donde predomina la publicidad y su mensaje consumista. A Usuario A le gusta esto

@OnGoing_Zine

Usuario A Por mi parte, en mi breve trayectoria, es indudable la influencia de ciertos profesores que han marcado una tendencia en mi forma de pensar y entender la creación. Después o simultáneamente, la lectura de ciertos libros y películas que han sido tanto o más relevantes que el descubrimiento de artistas de mi propio medio: la pintura. Por citar algunos títulos: “Filosofía y poesía”, de María Zambrano, “Lo posible”, de Luis Puelles, “El ojo y el espíritu” de Merleau-Ponty o “La razón estética” de Chantal Maillard. Dentro del cine, todas aquellas obras y autores que me han hecho pensar visualmente de otra forma: Godard, Chris Marker y nuevo(s) cine(s) que sigo descubriendo, a nivel formal, o Bergman, Kieslowski, o Malick, más recientemente, en un sentido más simbólico. Las fotografías de Paul Nougé, la pintura de Léon Spilliaert, de Hopper, de Manet o Degas, pero también la de Rothko y sin duda Gerhard Richter son algunas de mis referencias pictóricas esenciales. En el contexto contemporáneo, me ha influido indudablemente parte del trabajo de Chema Cobo, Luc Tuymans o el perturbador extrañamiento de Michaël Borremans, si bien esta corriente belga es en gran medida deudora del simbolismo y surrealismo anteriores.

Usuario A me gusta el cine que te gusta. creo que te conozco. por lo que veo pintas no??

Usuario B Sí, mi campo de trabajo es la pintura pero mis referencias son más filosóficas y cinematográficas que pictóricas. En cierto sentido considero que hago cine con pintura, que es mi medio “natural”, que llevo incorporado desde siempre.

Usuario A hola Maria Davila

OnGoing_Zine En tu carrera artística, ¿cuál ha sido el logro más importante?

Usuario B Depende de qué se entienda por “logro”. En la sociedad del mérito en que nos encontramos, basada en la competitividad y la visibilización, los logros se miden normalmente según el éxito dentro del sistema. Por mi parte el mayor logro es poder pintar, dedicando mi tiempo a la exploración artística y personal, y poder exponer, pudiendo compartir y hacer llegar esos “logros” personales a otras personas, y enriqueciéndome de los intercambios que esa oportunidad me permite.

Usuario A JAJAJAJ, a lo que yo llamo logro es cuando la magia funciona cuando estas en algo y la vida te lleva a sitios que no has podido definir con anterioridad, al final los logros se consiguen cuando uno conecta con personas que están por algo mas que esos logros “Meritocraticos como dice B” Aunque si que para mi es un logro haber cantado en polaco y haberme sacado este año el carnet del coche

@OnGoing_Zine

OnGoing_Zine Ambos habéis pasado por las aulas de la Facultad de Bellas Artes Alonso Cano. ¿Cuál es el papel de esta facultad respecto al arte emergente?

Usuario B Personalmente, creo que en la Facultad de Bellas Artes de Granada hay una mirada incuestionable hacia al arte contemporáneo en general y un impulso admirable del emergente -si entendemos esto como el apoyo a los artistas egresados y jóvenes de la ciudad-, si bien a lo largo del plan de estudios se dan conjuntamente todo tipo de enfoques y perspectivas: unas más tradicionales, o más técnicas, otras más políticas o filosóficas. Cabe destacar el papel desarrollado en el apoyo a los artistas emergentes más allá de las aulas, con los proyectos para la producción e investigación en colaboración con salas de toda la ciudad. Por otro lado, creo que según el profesorado, la asignatura y el propio alumno, la perspectiva del arte en la actualidad cobrará mayor o menor peso. Un peso quizá más afianzado en los estudios de posgrado.

Usuario A Considero que va en aumento el soporte y la visibilidad que proporciona la facultad de lo que sucede dentro de ella y los artistas que allí se forman. Facba, Circuitos, La madraza , proporcionan visibilidad y puesta en valor de los artistas granadinos. Por otro lado veo que se necesita más espacios de autonomia y autogestion por parte del alumnado y o artistas donde se produzca espacios de reflexion, espacios de visivilizacion de encuentro de compartir de vida.

Usuario B Sucede también que las posibilidades y circunstancias de la ciudad de Granada son limitadas en cuanto a sistema y mercado del arte... por lo que la acción de la Facultad es indudablemente de cierto alcance, y pese a ello gran parte de la presencia de arte contemporáneo en la ciudad actualmente se debe a ella. Sin embargo esto favorece, desde mi punto de vista, que lo que se produce se haga desde una voluntad investigadora y creadora más que desde una perspectiva de éxito (o) de venta.

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Usuario a Usuario B totalmente de acuerdo, aquí se hace arte desde una necesidad vital, los efectos y tendencias se reproducen y son faciles de hacer pero para que repercuta en cada uno de nosotros de los artistas a los espectadores, es necesario algo más que el hacer y creo que esa chispa está en la mayoria de los creadores granadinos

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@OnGoing_Zine

OnGoing_Zine ¿Qué está pasando en Granada? ¿Creéis que se ha producido un cambio en la escena artística de la ciudad?

Usuario B Como he comentado en respuesta al compañero en la pregunta anterior, creo que la escena artística de la ciudad está cambiando considerablemente y gracias en gran parte a las propuestas de la facultad -de la mano de Antonio, Marisa y Belén-, si bien este cambio tiene una limitación dada por un contexto aún incapaz de asimilar lo que se está produciendo: por parte del público, y por parte sobre todo de la falta de un sistema contundente que lo respalde.

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Usuario A Veo que hay muchos artistas que estan haciendo cosas importantes y desarrollando un trabajo de interes internacional fuera de la ciudad, si, tienen el sello granada en esencia pero para ello tienen que estar fuera de la ciudad, granada al fin y al cabo es una ciudad lanzadera donde da lugar con capacidades increibles y luego les echa por las pocas posibilidades economicas que proporciona

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Usuario B Sí, exactamente, pero más que ciudad lanzadera diría que es un centro o núcleo de creación, un espacio casi privilegiado para profundizar e intercambiar con otros

artistas y personas de inquietudes extraordinarias, aunque antes o después haya que irse o expandirse desde aquí a otros territorios más fértiles en sentido económico. También dependerá de las aspiraciones de cada uno, de si el arte va acompañado de otra fuente de ingresos paralela o no, etc. Como motor de creación creo que es un espacio de gran potencialidad. A Usuario A le gusta esto

OnGoing_Zine ¿Qué le falta al escenario artístico de nuestra ciudad? A Usuario A le encanta esto

Usuario A Parte de esta pregunta la he contestado antes, espacios autónomos y libres donde poder tener talleres, ensayar, hacer programación sin necesidad de la rigidez de las instituciones aunque si colaborando con ellas. Siempre desde una honestidad y una coherencia con la ciudad (periferica y pequeña y andaluza). Y sobre todo una apuesta por un espacio internacional, como una residencia para artistas donde podamos estar en contacto con lo que sucede aqui. todo el mundo estaría encantado de ver la alhambra, si le damos la oportunidad encima de poder estar un mes o dos de investigacion y creacion, seria la caña A Usuario B le gusta esto

Usuario B Lo cierto es que es asombrosa la presencia cultural en Granada: cine, música, danza, exposiciones que llenan la calle y las salas casi toda la temporada... sin embargo, muchas de las iniciativas son poco visibles, y quedan relegadas a un contexto

@OnGoing_Zine

siempre pequeño, o son gratuitas, lo que supone mayor alcance pero menor beneficio para los artistas, que sólo pueden trabajar gracias al apoyo institucional. La cuestión del mercado del arte es otro tema... problemático y paradójico, por lo que prefiero pensar que lo que falta, si falta algo, es actitud y motivación por parte de más instituciones o artistas que, de manera independiente, sigan desarrollando iniciativas que favorezcan, en esencia, el intercambio y la reflexión crítica desde el arte.

OnGoing_Zine Querida María Dávila, querido Fernando G. Méndez, muchas gracias por vuestra intervención. Podéis seguir conversando en esta plataforma si lo deseáis... Gracias, nuevamente.

Usuario A Muchas gracias, OnGoing_Zine. Ha sido un placer poder hablar con Maria. Besos y abrazo A Usuario B le gusta esto

Usuario B Lo mismo digo, Fernando, yo no te descubrí... pero ha sido igualmente un placer. Un abrazo a los dos, y gracias por contar conmigo. A Usuario A le gusta esto

A: María Dávila

http://www.mariadavilaguerra.com/

B: Fernando G. Méndez

https://gmendezfernando.wordpress.com/

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CAMPAMENTOS_BB

BAA

Redacción: Sofía de Juan Fotografías: Sofía de Juan

LABORATORIOS_ DE ARTEDUCACIÓN + CAMPAMENTOS La experiencia de Campamentos BBAA, como compendio de múltiples acciones desarrolladas a lo largo del curso escolar 2016-2017 en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Granada, con la colaboración de Plataforma Indómita, la Asociación Ongoing y del Vicedecanato de Estudiantes Redes y Comunicación de la Facultad de Bellas Artes, ha sido un formato pionero de acercamiento al mundo de la creación-educación; Por un lado, la propuesta ha creado un espacio de exploración horizontal y promoción de la apertura del proceso creativo de un grupo de jóvenes artistas y estudiantes de la Facultad a la participación, la educación y la co-creación con otros, mediante una serie de laboratorios formativos que han facilitado las herramientas educativas y metodológicas para el desarrollo de sus propuestas. Por otro, ha permitido a 36 niños y niñas de la ciudad y a sus familias vivenciar de primera mano los procesos creativos del arte contemporáneo de la mano de estos artistas jóvenes, mediante una experiencia en formato de

Campamento urbano que les invitó a ejercitar una nueva mirada crítica y artística como creadores reales de cultura y parte activa de esta institución cultural y educativa. Durante los meses de marzo a julio de 2017, los participantes han recibido la formación y el asesoramiento de Plataforma Indómita para diseñar y gestionar todo un programa educativo íntimamente vinculado a su propio proceso creativo, mediante un proceso de investigación colaborativa basado en la práctica y la acción, en el que activamos herramientas y estrategias experimentales convirtiéndonos en comunidades artísticas de aprendizaje que se abren a la comunidad. Estos laboratorios se completaron con el desarrollo real de las propuestas de los jóvenes artistas con niños y niñas interesados, en la propia facultad, durante las dos primeras semanas de vacaciones escolares.

La institución se reafirma así como un espacio activo de aprendizaje no sólo para sus estudiantes, sino también para otros públicos diferentes a los habituales, ampliando su vocación de laboratorio de experimentación creativa a la participación infantil y el proceso creativo de los estudiantes de la facultad al ámbito participativo, educativo y social. Ante la tarea titánica de resumir lo vivido en estos meses, convertimos este espacio en un caleidoscopio que refleja las voces de todos los implicados en el proceso, con la esperanza de que el lector pueda encontrar, entre todas ellas la suya propia.

Sofía de Juan. Directora de Plataforma Indómita. Formación, mentorización y Coordinación María Matas. Participante. Master en Arte y Educación. Arteducadora. Pilar Aumesquet. Participante. Master en Arte y Educación. Arteducadora María Jesús Romano. Participante. Master en Arte y Educación. Arteducadora Catalina Medarde. Participante. Estudiante de Grado BBAA. Arteducadora

EMOCIONARIO “Sorpresa. Durante los campamentos no han parado de sorprenderme, las soluciones y reacciones (tanto por parte de los niños como por nuestra parte) a los retos que se planteaban”. “Inspiración y reconocimiento. (Encontrarme a mi misma en los otros)”. “Me he sentido un poco madre por un lado y niña por otro”. “Me he sentido ¡creadora!, tanto en el proceso de preparación como durante los campamentos. Con muchas ideas en ebullición, dándoles forma y adaptándolas poco a poco, así como en conjunto con todo el equipo de arteducadoras, formando un proyecto común”. “Agradecida por el gran equipo de arteducadoras que hemos formado, a la inestimable ayuda y guía de Sofía, y a los niños”.

“Conforme se ha ido consolidando el grupo de trabajo me he ido sintiendo más valorada, también gracias a nuestra tutora que nos ha sabido comprender y acompañar durante todo el proceso”. “Complicidad en las miradas con las compañeras y, a final de la semana, con los peques”. “He sentido de todo. Cada día, no, ¡cada minuto eran situaciones nuevas! Aprendimos mucho de esa experiencia y me quedo con un buen sabor de boca, Ha sido muy reconfortante”.

TERRITORIO CONQUISTADO “Se ha conseguido generar un lugar de creación y cooperación muy interesante”. “Creo que hemos logrado acercar un poco la facultad de Bellas artes a los niños e introducir una alternativa a la educación que se encuentra en los colegios. También nos ha permitido trabajar con niños reales y pasar de todas esas ideas que en un principio surgieron en el papel a un plano físico con todos los inconvenientes y ventajas que eso suponía”. “El mundo del arte en las escuelas no se precia mucho, con iniciativas como estas comenzamos a valorar y a cuestionarnos ciertas prácticas. Tanto los niños como sus familias se han dado cuenta de que lo que hacemos dista mucho de lo que conocen en sus escuelas”. “Es muy emocionante el ver cómo los niños responden a las propuestas y participan activamente de ellas”.

“Conseguir despertar el interés de un grupo de artistas jóvenes de acercarse al abismo de ese extraño trabajo que es la arteducación, a esta tierra incógnita del trabajo artístico compartido con otros, y ver como, poco a poco trascienden su propia práctica artística para hacer realidad el deseo común que todos albergamos de convivir en una sociedad más sensible, más justa, más auténtica, con la reflexión crítica y la creatividad como única luz guía, es un regalo”. “Que niños con intereses y personalidades tan diversas se hayan interesado y emocionado con nuestras ideas, e incluso aportaran ideas nuevas”. “Gracias a esta experiencia me siento más convencida de mi papel como educadora artística pues he podido llevar a cabo un proyecto que planteaba preguntas complejas a niños de 7 a 10 años proponiendo prácticas artísticas como medio para investigar y desarrollar sus ideas”.

JE ME SOUVIENS “Fue muy especial el momento del final de la semana en la que todos los niños recopilaron juntos sus creaciones, significados y aprendizajes montando entre todos una exposición. Estaban muy contentos, orgullosos y emocionados de poder contar y compartir lo que habían creado y aprendido”. “Recuerdo especialmente la última asamblea en la segunda semana, fue donde verdaderamente tuvimos tiempo de compartir opiniones con los niños y que ellos expresaran su punto de vista respecto a lo que habían vivido en esas dos semanas”. “Recuerdo una asamblea que hicimos uno de los días en el recreo, en un momento de desmadre. Allí todos hablamos sobre cosas que no estábamos haciendo bien y cosas que sí. Entre todos decidimos cómo podíamos actuar para mejorar las cosas que no estábamos haciendo correctamente”.

“Uno de los momentos más significativos durante toda la experiencia fue, en el período de formación, cuando mi compañera y yo nos decidimos en la definición de la idea de nuestro proyecto y nos dimos cuenta de que coincidíamos en la forma de entender la educación artística y que se nos estaba dando la oportunidad de ponerlo en práctica. Me sentí más segura de mis ideas y vi posible la iniciativa de los Campamentos de Bellas Artes”. “Me quedo con el recuerdo de todos los niños y niñas que participaron. Cada uno nos sorprendía y cada día era una nueva aventura”. “Me quedo con una nena a la que comenzó a sangrarle la nariz de repente. Al principio me alarmé un poco, pero viendo la actitud y templanza con la que la cría se lo tomó me tranquilizó. Tuvo mucha valentía aquella personita, y fue un ejemplo para todos sus compañeros”.

CUESTIONAMIENTOS “¿Más allá de la idea lúdica de campamentos… Podría funcionar este tipo de propuesta como un proyecto más que aborde un área de conocimiento en las propias escuelas?“. “Me pregunto qué aporta la introducción de otros públicos / tipos de estudiantes a la institución. Más que cómo transformó esta experiencia en la Facultad a los niños me pregunto…¿Cómo transforman los niños a la Facultad?”. “¿Más allá de la idea lúdica de campamentos… Podría funcionar este tipo de propuesta como un proyecto más que aborde un área de conocimiento en las propias escuelas?“. “Me cuestiono si, hablando de arteducar con niños, no deberíamos intentar transportar esta herramienta a todos los campos posibles en los que los niños aprenden. Supondría un aprendizaje muy activo, participativo y sobretodo grupal y de cooperación y crecimiento”.

EXPERIENCIAS DE APRENDIZAJE “Me ha sorprendido el poder de la Arteducación. Proporciona ilimitadas herramientas con las que manejar las situaciones de incertidumbre que conlleva, ya que al crear con otros siempre será una incógnita cómo se desarrollarán las actividades”. “A nivel personal me ha ayudado a ver la enseñanza desde otro punto de vista y no sólo como información unidireccional”. “He aprendido acerca de la importancia del orden y de la coherencia de cualquier actividad que se proponga”. “A improvisar y estar abierta a que el trascurso de las actividades y sus conclusiones me sorprendan. A adaptar las actividades a lo que fuera pasando y a aquello que les interesaba al grupo que teníamos. Trabajar con la arteducación en este sentido es maravilloso, permite llegar a los objetivos a través de muchos caminos”.

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AGRADECIMIENTOS: La Asoc. OnGoing quiere dar las gracias al equipo decanal de la Facultad de Bellas Artes de Granada por su apoyo en este y otros proyectos que impulsamos. Un agradecimiento especial a Regina Pérez Castillo y Joan Sanz por aportar su experiencia y asesoramiento en la puesta en marcha de este proyecto. Y a todos los compañeros/as que han participado en este número sin cuya desinteresada colaboración hubiera sido imposible.

¿QUIERES PARTICIPAR ESCRIBIENDO O DISEÑANDO LA REVISTA ZINE Nº2? Solo tienes que mandarnos a la dirección de correo: ongoingugr@gmail.com, una pequeña carta de motivación en la que expliques cuál sería tu aportación a la revista y cómo puedes mejorarla. Si lo que te apetece es participar como redactor de ZINE debes enviarnos un pequeño texto crítico-reflexivo sobre alguna de las obras o exposiciones que formarán parte de FACBA 2018. El equipo de ZINE se pondrá en contacto contigo en seguida si tu perfil encaja en la revista.