ANÁLISIS VISUAL HISTORIA DEL ARTE

ANĂ LISIS VISUAL Historia del arte Oriana Fajardo 201729473

202010

Por qué el color?

El tema que elegí para el análisis visual es el color a través de la historia del arte, debido a que el color siempre fue un elemento en el arte que se utilizó a través de la historia para transmitir mensajes a sus observadores. Por ende, me parece un tema muy importante para investigar y lograr entender el por qué determinados colores que se escogieron para componer una obra.

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ARTE PARIETAL EN LA CUEVA DE LASCAUX 17.000 Ac. Autor desconocido Cueva de Lascaux, Francia

Hace miles de años, los pueblos nómadas, ya eran concientes del color para representar su arte parietal. Para ello, consegían los pigmentos de los elementos que hallaban la naturaleza. El blanco lo extraían de la cal; Los rojos provenian del óxido de hierro; los ocres venían de la tierra y el negro lo obtenían de objetos calcinados.

Casi siempre la técnica de aplicación era con las manos, aunque muchas veces los nómadas utilizaban rocas y demás elementos que encontraban como utensilios para la apliación de los pigmentos sobre las rocas.

Así mismo, aplicaban estos colores sobre rocas con relieve para darle volumen al dibujo a demás de mezclar los colores para que los dibujos fueran mas precisos y exactos a la realidad.

La pintura naturalista rupestre ya era bastante avanzada en cuanto a representación para la cuál fue fundamental el uso de 2 o más colores para generar un simbolismo. Por otro lado, podemos decir que las pinturas rupestres y sus represenaciones pictóricas no estaban hechas con un fin decorativo debido a que éstas se encuentran en lo más profundo de las cavernas, por esto, se puede decir que estos artistas trbajaban para personas de sus tribus, las cuales conocían perfectamente el significado que cada color le proporcionaba al dibujo en cuanto a representación visual.

REFERENCIAS

Reñones, J. (2017). EL COLOR EN EL ARTE RUPESTRE PALEOLÍTICO. ANÁLISIS DE LOS MATERIALES PICTÓRICOS EN LA REGIÓN CANTÁBRICA: ESTADO DE LA CUESTIÓN. Recuperado de https://repositorio.unican.es/xmlui/bitstream/handle/10902/11424/Re%C3%B1onesSantaolallaJose.pdf?sequence=1&isAllowed=y

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LA ESTELA DEL ARPISTA 1069-945 a.C Autor desconocido Museo del Louvre

Los colores en el arte Egipsio, fueron una herramienta fundamental para los artistas y escríbanaos en el antiguo imperio. Esto, se debe a que los colores a pesar de darle un sentido más naturalista y real a las pinturas , geroglíficos y papiros, también tenían un sentido simbólico, el cual permitía transmitir la importancia de dichas pinturas a las demás personas.

Los colores en el antiguo Egipto fueron utilizados no solo en representaciones realistas de escenas de cada vida, sino para ilustrar los reinos celestiales de los dioses, la vida futura y las historias de las deidades del panteón egipcio. Los colores tenían sus propios simbolismos particulares y fueron creados a partir de elementos encontrados en la naturaleza.

El rojo hecho de hierro oxidado y ocre rojo, usado para crear tonos de piel y simbolizar la vida pero también el mal y la destrucción. En cuanto a los geroglíficos, a veces se utilizaba este color para resaltar el nombre del dios o del difunto. El azul, hecho de cobre y óxidos de hierro con sílice y calcio, que simboliza la fertilidad, nacimiento, renacimiento, vida y generalmente se utiliza para representar el agua y el Cielos. El amarillo es el símbolo del oro, del sol en su cenit y de la inmortalidad (Es el color de los dioses).

El marrón es el color de la piel de los egipcios. Pero los hombres y las mujeres se distinguen al hacer que la piel del hombre sea de color marrón rojizo y la de la mujer de color ocre pálido. El color blanco es el color de la pureza ritual requerida para la adoración. El blanco es también el color de la corona del Alto Egipto , el hedjet , que encaja en la corona roja del Bajo Egipto para formar el pschent. También El blanco era el color de la indumentaria egipcia y, por lo tanto, se asociaba con la vida cotidiana, pero se empleaba frecuentemente en piezas artísticas para simbolizar también la naturaleza trascendente de la vida.

El verde simboliza la bondad, el crecimiento, la vida, la vida futura y la resurrección.

REFERENCIAS

SIATOURS. (2019, 6 octubre). Colores en el antiguo Egipto - Arte de los antiguos egipcios. Recuperado 7 febrero, 2020, de https:// www.siatours.com/es/articulos/colores-en-el-antiguo-egipto/

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DAMA DE MICENAS Siglo XIII a.C artista micénico Museo Arqueológico Nacional de Atenas, Grecia.

Los Micénicos, cultura ancestral griega, utilizaban diversas técnicas de respresentación pictórica en las cuales relataban escenas cotidianas, imágenes bélicas y cacería de animales.

Los colores solían ser extraídos de minerales que se encontraban en la zona, y por ellos en los frescos se logra ver la utilización de colores como el azul, el blanco, el negro, el rojo y el amarillo. Una de las técnicas más usadas en la pintura era utilizar dichos colores, todavía húmedos, y aplicarlos directamente sobre las paredes de forma precisa. En cuanto a la piel de la mujer (la cara y las manos) se utilizaba un color claro blanco ya que este color era considerado el ideal de belleza femenina.

Los demás colores, eran utilizados para representar los ornamentos de las mujeres, las prendas y demás adornos utilizados durante la época, mientras que los fondos siempre se aplicaba un color plano que ayudara a resaltaar dichos colores y la piel de las mujeres.

REFERENCIAS

Tiposdearte. (2016, 28 julio). Arte micénico ¿Qué es? - obras funerarias, escultura y pintura. Recuperado 14 febrero, 2020, de https://tiposdearte.com/arte-micenico-que-es/

Algargos. (2014). LA PINTURA GRIEGA EN FRESCO Y SOBRE TABLA. PINTURA MICÉNICA Y PINTURA CLASICA GRIEGA. Principales pintores, características y obras.. Recuperado 14 febrero, 2020, de http://algargosarte.blogspot.com/2014/09/la-pintura-griega-en-fresco-y-sobre.html 4

CASA DE LOS CASTOS AMANTES s.f Pintor Romano Pompeya

En el antiguo imperio romano, así como en Grecia los pigmentos utilizaados para la piel de las mujeres era más claro, casi blanco a diferenia de los hombres. Los hombres eran representados en un tono más rojizo.

Por otro lado , el púrpura es un color que se destaca en las pinturas de las familias más adineradas debido a que es un pigmento que era muy difícil de conseguir, por lo que al representar las telas y vestimentas en sus frescos, querían simbolizar la exclusividad, su riqueza y el lujo.

Así como en lo ferscos de la antigua grecia, los romanos utilizaban colores como el amarillo o el verde en la prendas o ornamentos de las mujeres para resaltar el color de su piel.

Por otro lado, al estar influenciado por el arte griego, se puede ver que las repreesentacioness de las figuras humanas son más naaturales en cuanto a la possicion del cuerpo y sus poses, por lo que adquiere un caracter más naturalista en cuanto a su representación.

REFERENCIAS

León, D. (2019, 21 mayo). Pintura Romana: Características, estilos, técnicas, materiales y más.. Recuperado 23 febrero, 2020, de http://conoceitalia.com/c-roma/pintura-romana/

Madrid1962. (s.f.). Purpura, el color del lujo en la antigua Roma. Recuperado 23 febrero, 2020, de https://domus-romana.blogspot.com/2018/04/purpura-el-color-del-lujo-en-la-antigua.html 5

LA VIIRGEN Y EL NIÑO fines del siglo XIII

National Gallery of Art, Washington

El arte bizantino, se caracterizó por representar iconografías y escenas religiosas; en ellas, el dorado juega un rol muy importante a demás de la materialidad con la que se produjo. El dorado en los fondos del arte bizantino trata de expresar una experiencia de contacto con la divinidad. Este color junto con la luz crea una sensación de misticismo, generando un aura religiosa de respeto y una sensación multisensorial en donde la luz junto con el dorado y el mármol son las protagonistas.

El dorado predomina en este tipo de arte ya que representa la divinidad de Dios y su aproximación desde la tierra. Todo ello explica el juego de este color en las pinturas y la luz de los recintos en los que se ubicaban.

El fin de estas pinturaas era generar una atmósfera de conexión con la divinidad a traés de la luz y los colores a demás de las representaciones iconográficas y de las escenas representativas de la religión.

REFERENCIAS

Álamo, P. (s.f.). Iconografía Bizantina. Recuperado 2 marzo, 2020, de http://pincelyburil2.blogspot.com/2016/11/iconografia-bizantina.html

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CODEX AUREUS de SAN EMMERAM Siglo IX Anónimo Bayerische Staatsbibliothek

Los manuscritos en la época medieval contaban con una serie de gamas que eran primordiales para entender las obras creadas durante el imperio Carolingio.

La escuela de Tours tiene un rasgo particular en cuanto al color debido a que su ornamento es particularmente rico y utiliza colores discretos que son realzados con colores como el oro y el plata.

Por otro lado, se trata de jerarquizar las figuras divinas en cuanto a tamaño y la posición en la que se encuentra el ícono. A demás, el naturalismo pierde fuerza, por lo que las representaciones de los personajes son de caracter más idealistas. Con respecto a lo anteriormente dicho podemos entender que se le otorga una primacía a la parte gráfica en torno a la totalidad del mauscrito. A demás se logra evidenciar la perspectiva jerarquica que enaltece al rey y coloca en un menor tamaño los demás iconos que aparecen a su lado.

REFERENCIAS

ARTEGUIAS. (s.f.). Arte carolingio. Recuperado 9 marzo, 2020, de https://www.arteguias.com/artecarolingio.htm

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IGLESIA DE SAN MARTÍN DE TOURS (Fromista) Siglo XII Anónimo Palencia, España

La arquitectura romanica, se caracterizó principalmente por la pesadez de los muros con los que fueron constuídos. Por esto, las ventanas de los muros portantes de la estructura eran pequeños, debido a que la estructura era muy poco flexible en cuanto a la apertura de vanos exteriores con vidrios transparentes que apenas permiten el paso de la luz al recinto. A demás se evidencia las cupulas abovedadas que lograban una mejor resolución de cuebierta en cuanto a funcionamiento y portabiidad estructural debido a los refuerzos implementados en las bovedas. También predomina la verticalidad sobre la horizontales reflejada en las torres .

El material con el que se realizaban dichas construcciones (al ser pesados) era princopalmente de piedras, y gracias a la diversidad de lugares de donde se obtenían, se logra adquirir diferentes policromías en cuanto a las fachadas exteriores de cada uno de los edificios.

REFERENCIAS GUERRERO, M. (s.f.). ARQUITECTURA ROMÁNICA EN EUROPA. Recuperado 25 marzo, 2020, de https://es.slideshare.net/ manolo1952/4-21-arquitectura-romnica-en-europa-36842719

Gómez, E. (2011, 17 noviembre). Características generales de la arquitectura Románica – Sapientiae Lux. Recuperado 25 marzo, 2020, de http://www.edugoro.org/blog/caracteristicas-generales-de-la-arquitectura-romanica/ 8

EL ARRESTO DE CRISTO 1304 - 1306 Giotto Capilla de los Scrovegni

Esta obra es de la época del renacimiento italiano, más específicamente del trecento (periodo de infancia). En esta obra podemos notar el juego de planos que existe, dándole una cracterística de profundidad. A demás se individualizan los personajes que en el medioevo se estereotipaban y se idealizban. A esta individualización corresponde una mayor expresividad de los rostros y los gestos de los personajes, lo cual marca la separación de los estereotipos bizantinos practicados el siglo anterior, hieráticos e inmóviles. A demás se carcteriza por tener un fondo y por la variedad de posiciones de los personajes, que en la antiguedad no se veía. A demás, el icono religioso ( que en este caso es Cristo) ya no se representa de una manera idealizda, como en el arte antiguo, sino que lo humano se convierte en el centro del universo y de la representación, por lo que la divinidd se representa de una manera humanizda.

REFERENCIAS 1. The Arrest of Christ (Kiss of Judas), c.1304 - c.1306 - Giotto - WikiArt.org. (s.f.-c). Recuperado 1 abril, 2020, de https://www. wikiart.org/es/giotto/the-arrest-of-christ-kiss-of-judas-1306-1 2. Trecento | artehistoria.com. (s.f.-c). Recuperado 1 abril, 2020, de https://www.artehistoria.com/es/escuela/trecento

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AUTORRETRATO 1506 Rafael Sanzio Galeria degli Uffizi

Esta obra es del renacimiento, italiano, más especificamente del cinquecento.

Este periodo retoma el retrato de la época romana, pero se da algo que no se daba en èpocas anteriores: el autorretrato del artista. Esta nueva tendencia, permitió legitimizar al artista por medio de imágenes retóricas (como el retrato de su perfil). Se percibe casi como si el artista se volteara a mirarnos como espectadores, por lo que así es como podemos identificar que él es el artista.

Por otro lado, un elemento fuerte de a obra son las vestimentas con las que se representa Rafael, que por sus colores sobrios hacen alusión a un estatus social alto; las tonalidades oscuras de la ropa, la blancura de la camisaque tiene por debajo. La ropa oscura es propia de la moda borgoñona. Finalmente, podemos notar la conexión que el artista trata de tener en términos de empatía con el espectador, ya que no es una mirada fría, simo suave y maás humana en comparación a los retrartos antiguos.

REFERENCIAS 1. Cultura, A. (2017). RAFAEL SANZIO. Recuperado 16 de abril de 2020, de http://wikicultura-ahp.blogspot.com/2017/02/rafael-sanzio.html

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LA FAMILIA DE CARLOS IV 1800 Francisco de Goya Museo del Prado

En compración con la obra de ls meminas de Velasquez, esta obra tiene en común 4 aspectos compositivos de la obra que caracteriza a las meninas. Primero, los cuadros simétricos dentro del cuadro mismo, que aunque no se sabe con certeza cuales cuadros son, se representan en el fondo de la obra. Por otro lado, podemos ver en el fondo el autorretrato de Goya mismo, que hace alusión a Velasquez en el cuadro de las meninas. Asi mismo, la luz proviene de la zona izquierda proyectando las sombras sobre el suelo. Dicha luz permite crear el efecto de claroscuro que pretende llevar la mirada del espectador hacia el centro del cuadro donde se encuentra el rey, la reina y el infante Francisco de Paula, que al llevar el traje rojo vivo también pretende llamar la atención del espectador hacia ese punto. Otro aspecto que podemos notar en esta composición es el naturalismo extremo con el que fueron representados cada uno de los integraantes de la familia. Por último, podemos evidenciar las miradas que se dirigen haacia el espectador, pero más importantes las miradas que se salen del cuadro.

REFERENCIAS

1. Guerrero., M. G. (s. f.). ** GOYA. La familia de Carlos IV. Recuperado 23 de abril de 2020, de https://temasycomentariosartepaeg.blogspot.com/p/blog-page_836.html 2. Fundación Goya en Aragón. (s. f.). La familia de Carlos IV. Recuperado 23 de abril de 2020, de https://fundaciongoyaenaragon. es/obra/la-familia-de-carlos-iv/355 3. Museo del Prado. (2016, mayo 16). Ficha. Recuperado 23 de abril de 2020, de https://www.goyaenelprado.es/obras/ficha/goya/ la-familia-de-carlos-iv/

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RETRARTO DE MADAME RECAMIER 1805 François Gérard Museo del Louvre

La pintura neoclásica, buscaba retomar los elementos y representaciones de la época clásica que ya se habrían estudiado en el pasado. Uno de dichos elementos es el retrato que se puede ver representando a la mujer de cuerpo completo. Detrás de la mujer, las columnas de tipo dórico que forman un arco son también un elemento que repreentan lo clásico dentro de la obra. Por otro lado, se puede evidenciar la técnica del clarosocuro, que pretende que el observador fije la mirada en la mujer que es lo más importante del cuadro.

Así mismo, el cuerpo hace alusión al idealismo de la perfección del cuerpo que tenían los artistas de la época clásica a demás de las telas de la mujer que hablan acerca de recuperar la manera como se vestían los griegos y los romanos. Finalmnte, a diferencia del rococó, se puede ver que la pintura neoclásica carece de colores pastel y se enfoca principalmente en colores más ácidos y fuertes.

REFERENCIAS

1. Ibarra, M. (2018, octubre 29). Pintura neoclásica: origen, características, autores y obras. Recuperado 30 de abril de 2020, de https://www.lifeder.com/pintura-neoclasica/ 2. Algargos. (s. f.). LA PINTURA NEOCLÁSICA. CARACTERÍSTICAS ARTÍSTICA Y TEMÁTICAS. SUS ORÍGENES. Esquema de pintores. Recuperado 30 de abril de 2020, de http://algargosarte.blogspot.com/2014/10/la-pintura-neoclasica-caracteristicas. html

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LA BALSA DE MEDUSA 1819 Théodore Géricault Museo del Louvre

El cuadro de la balsa de las medusas, es un cuadro de origen romantico. Esto lo podemos evidenciaar principalmente por su orden asimétrico, un desorden intencionado acorde con el tema representado. A demás podemos notar en su estructura, una composición piramidal doble en donde queda claro la escena dramática en donde se resaltan las expresiones y los gestos de dolor. El sentido ascendente de la línea marca la sucesión de sentimientos experimentados por los náufragos, desde la desesperación a la esperanza. También la luz refuerza esta idea de final de la tragedia con las nubes más negras a la izquierda, y el cielo más luminoso en la lejanía. También podemos evidenciar el mayor énfasis que le da el autor al color que a la línea (lo que recuperan del Barroco), por esto podemos ver que la linea no está tan definida en cuanto a sus bordes y el color se ve un poco menos contenido dentro de sus límites, una pincelada suelta y unos contornos imprecisos. Finlamente, el claroscuro que usa el artista para iluminar la escena de tragedia a demás de la paleta de colores que utiliza tonos bastante reducidos que son cálidos y que permiten una mejor lectura de la escena.

REFERENCIAS

1. StuDocu. (s. f.). LA Balsa DE Medusa - Analisis de obra de arte de Gericaux. Recuperado 1 de mayo de 2020, de https://www. studocu.com/es/document/universidad-de-la-republica/historia-del-arte/otros/la-balsa-de-medusa-analisis-de-obra-de-arte-degericaux/3697726/view

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UN ENTIERRO EN ORNANS 1850 Gustave Courbet Museo De Orsay

Este cuadro es de origen realista, debido a que primero, dentro de la composición, los gestos de los personajes no son dramáticos ni tampoco idealizados, son de caracter más neutral dejando de lado la teatrización de las expresiones. Por otro lado, el pintor no establece una referencia, más allá de la cruz como evidencia de la importancia de la religión. Por esto, podemos ver que el cuadro es un cuadro contaminado de géneros ya que no solamente tiene la religión como tema de composición sino que también hay un retrtato colectivo y un paisaje. Así mismo presenta la realidad de un entierro en el que muchas de las personas son indiferentes , es más un acto social que algo emocional. Por esto, podemos ver una de las características fundamentales del realismo que es la representación objetiva de la realidad basándose en la observación de los aspectos cotidianos, como en este caso lo es un funeral. Finalmente, Los colores son bastante sombríos gracias al uso de el negro a excepción de los personajes de trajes rojizos que llevan la atención del observador al centro del cuadro donde se encuentra el obispo realizando una escena muy importante para la ceremonia.

REFERENCIAS

1. Guerrero., M. G. (s. f.-a). ** COURBET. Entierro en Ornans. Recuperado 8 de mayo de 2020, de https://temasycomentariosartepaeg.blogspot.com/p/blog-page_675.html

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MUJER LEYENDO EN LA PLAYA 1937 Pablo Picasso Museo Picasso, París

Este cuadro pintado por Picasso es de caracter cubista, debido a que primero , a diferencia de movimientos anteriores, este logra distancirse de la representación naturalista como fin mismo de la obra. Por el contrario, este propone representar la realidad de la manera en la que se percibe desde la vista o desde las emociones, por lo que la imagen es deconstruída plásticamente. Por otro lado, y también en comparación a los movimientos que precediron al cubismo, este ya no se interesa por hacer énfasis en el clarosocuro ni tampoco por la perspectiva que le da profundidad al cuadro, por lo que la yuxtaposición de varios planos se simplifica en uno sólo, permitiendo que se sintetizen las figuras. Así mismo, los artistas cubistas no se sienten obligados a representar temas trascendentes, sino que la cotidianidad se vuelve la causa de inspiración para poder desarrollar un concepto. Finalmente, se puede notar que los colores que se utilizan son en unas gamas más amplias, los colores son más intensos y más vivos debido a que a diferencia de los movimientos pictóricos anteriores (donde los pigmentos eran naturales), los artistas utilizan pigmentos sintéticos, por lo que tiene la posibilidad de obtener colores más diversos.

REFERENCIAS

1. Imaginario, A. (2020, abril 21). Cubismo: características, autores y obras. Recuperado 16 de mayo de 2020, de https://www.culturagenial.com/es/cubismo/

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CONVERGENCIA 1952 Jackson Pollock Museo Albright-Knox

Esta obra de Pollock pertenece al periodo de arte contemporáneo. En ella podemos evidenciar en comparación a periodos anteriores en la historia del arte, cómo el artista utiliza una composición libre donde prescinde de la perspectiva, y donde no existe un centro de atención, ni una jerarquía. A demás se ve la violencia, la energía con la que Pollock recrea su método de trabajo conocida como dripping, la cuál se caracteriza por los trazos enérgicos y rápidos, y las formas de grumos, siluetas, y gotas. Por otro lado, en esta obra los colores y las formas son distribuídas de manera epontánea, por lo que los colores utilizados no interactúan entre ellos como era característico en la pintura.

Así podemos notar como el color y las formas pasan a un egundo plano, y predomina las ideas, los conceptos y sentimientos que el artista quiere experesar, siendo la técnica la que permite expresar esto y no los colores o las formas, como era acostumbrado anteriormente.

REFERENCIAS

1. Ramé, G. (s. f.). Jackson Pollock. Análisis de una obra. Recuperado 21 de mayo de 2020, de http://arteaula23.blogspot. com/2012/06/jackson-pollock-analisis-de-una-obra.html 2. Calvo, M. (s. f.). Convergence - Jackson Pollock. Recuperado 21 de mayo de 2020, de https://historia-arte.com/obras/pollock-convergence

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