Matthias Bamert. Foto: Archivo del artista
Marzo-Abril 2019
La Orquesta Filarmónica es orgullo de la ciudad en esta Nueva Bogotá. Hoy, es más que una Orquesta reconocida por su alta calidad, pues su trabajo se ha extendido al ámbito pedagógico con su Proyecto Filarmónico Educativo en el que participan 25.000 niños y jóvenes de nuestros colegios distritales, 12 centros filarmónicos locales y 8 hospitalarios. La Orquesta que escuchamos en esta oportunidad es la gestora de una red de orquestas, bandas y coros infantiles y juveniles que están ampliando la oferta cultural en Bogotá. Aplausos sonoros para nuestra Filarmónica.
Enrique Peñalosa Londoño Alcalde Mayor de Bogotá
Orquesta Filarmónica de Bogotá Desde su creación en 1967 la OFB hace parte de la estructura administrativa de la ciudad. A su apreciada actividad de conciertos se suma el programa de formación de músicos jóvenes. Esto asegura la continuidad de la Orquesta, la búsqueda de la excelencia profesional, la elevación del nivel interpretativo y el acceso a nuevos públicos. Desde su inicio, la OFB buscó al público con conciertos estables en salas, como ha ocurrido con el auditorio León de Greiff de la Universidad Nacional de Colombia y con otros escenarios que son referentes en la ciudad. A la par, la Orquesta se ha presentado en escenarios de la comunidad como escuelas, colegios y universidades, iglesias, plazas públicas, centros comerciales, estaciones de Transmilenio, parques locales y metropolitanos. La OFB ofrece conciertos con repertorio en formato sinfónico, ha interpretado obras de compositores colombianos, especialmente, compuestas para la Orquesta, asi como también encarga arreglos sinfónicos de música de tradición popular que han sido grabados en soportes como vinilos, casetes, CD y DVD y desde 2018 circulan en diversas plataformas digitales. La OFB ha ganado premios Grammy Latinos en dos oportunidades: en 2008 por Mejor Album Instrumental 40 años y en 2018 como reconocimiento a la ingeniería de sonido de Rafa Sardina por el CD 50 Años Tocando Para Ti, con arreglos de música tradicional colombiana con el que conmemoró cincuenta años ininterrumpidos de labores. En cincuenta y un años la OFB ha contado con diecisiete directores titulares, un elevado número de importantes invitados, la presencia de solistas visitantes y las presentaciones de destacados solistas integrantes de sus propias filas.
Thomas Zehetmair
Cristian Guerrero
Director invitado • Austria
Flauta • Colombia
1
MAR 7: 30 P.M.
Fotografía archivo del artísta
Iglesia Nuestra Señora del Campo
2
MAR
4 P.M.
Auditorio León de Greiff
Calle 152 No. 8 - 70 Entrada libre
Universidad Nacional de Colombia Boletería en taquilla o en www.tuboleta.com
CP. GFL 826
CP. TBR 494
Programa Concierto para flauta No. 2 en Re mayor, K.314 (1778) Wolfang A. Mozart (1756 – 1791) Allegro aperto Adagio non troppo Rondo. Allegretto Intermedio SinfonĂa No. 6 en La Mayor, WAB 106 (1879-1881) Anton Bruckner (1824- 1896) Maestoso Adagio. Sehr feierlich Scherzo. Nicht schnell - Trio. Langsam FInale. Bewegt, doch nicht zu schnell
Notas al programa Carolina Conti En 1777 Wolfgang Amadeus Mozart era maestro de concierto de la orquesta del Arzobispo de Salzurgo. Ese año se unió a la orquesta el famoso oboísta Giuseppe Ferlendis. Para él compuso Mozart un concierto para oboe en abril de ese año. Al terminar la obra, el compositor dejó su trabajo en Salzburgo con el propósito de viajar y ampliar sus horizontes personales y profesionales. Llegó a la ciudad de Mannheim que tenía una de las mejores orquestas de Europa. Mozart pasó allí un tiempo tratando de vincularse al medio musical. Fue cuando conoció a Aloysia von Weber, de quien se enamoró, pero terminó casándose con Constanze, la hermana de esta. También en Mannheim, a través de su amigo J. B. Wendling, flautista de la corte, conoció a un rico cirujano y científico alemán llamado Ferdinand Dejean que era además flautista aficionado. Él le encargó a Mozart tres conciertos “pequeños, cortos y fáciles” para su instrumento y algunos cuartetos con flauta. Mozart tenía 22 años, varias distracciones y necesitaba dinero, pero no tenía mucho tiempo. Compuso algunos cuartetos, el concierto K. 313 y para otro de los conciertos comisionados decidió tomar el concierto para oboe que había escrito para Ferlendis. Hizo algunos cambios y lo convirtió así en el Concierto para flauta No. 2 en re mayor, K.314. En febrero de 1778 la obra estuvo lista. Dejean partió de Mannheim y como Mozart no pudo cumplir con todo el encargo, solo le pagó la mitad de lo acordado. La obra sigue los parámetros del concierto clásico. El diálogo entre el instrumento solista y la orquesta está lleno de gracia e ingenio desde el primer movimiento, que Mozart indicó como Allegro aperto, un alegro abierto y expansivo. El lirismo de la línea de la flauta domina el segundo movimiento. En el tercero la orquesta sigue los temas que la flauta ingeniosamente propone. El último movimiento es un alegre rondó que el compositor utilizó más adelante para un aria de su ópera El rapto en el serrallo. El nombre de Anton Bruckner se asocia con sus sinfonías y su repertorio sacro en el que plasmó su profunda fe religiosa. Nació en 1824 en Ansfelden, una pequeña villa cerca de Linz en Austria, donde su padre era maestro de escuela. El paisaje del campo donde creció marcó su sensibilidad y se puede percibir
en los enormes paisajes orquestales que creó. Hizo parte del coro y aprendió a tocar órgano en el monasterio de San Florian donde, tiempo después, llegó a ser organista principal en la abadía, puesto que también ocupó en la Catedral de Linz. A comienzos de su carrera logró reconocimiento por sus improvisaciones al órgano y algunas de sus obras religiosas nacieron en esa época. En 1855 empezó a estudiar con el Simon Sechter, famoso teórico musical de Viena. La formación la hizo en parte por correspondencia y en parte de forma presencial en la ciudad durante seis años durante los cuales, por orden de su maestro, no debía componer nada. Recibió su diploma de la Universidad de Viena, donde fue profesor años más tarde. Ávido de conocimientos continuó estudiando con Otto Kitzler quien le dió a conocer la música de Wagner que lo marcó definitivamente. A los 40 años empezaba a sentirse listo para la composición. Sus monumentales sinfonías se caracterizan por su belleza, dramatismo y profundidad, aunque en su tiempo no fueron apreciadas. A pesar de su talento y la admiración que despertó en sus maestros, Bruckner era muy inseguro y propenso a la depresión. Extremadamente sensible a las opiniones externas y a las críticas sobre su obra, hacía innumerables revisiones y cambios. Aunque su obra se cimenta en la tradición de Schubert y Beethoven, Bruckner llegó a ser un innovador. Supo encontrar una voz propia entre estilos tan diferentes como los de Wagner por un lado y Brahms por el otro. Después de unos años difíciles y grandes fracasos, como el de su tercera sinfonía, en diciembre de 1878 empezó Bruckner una etapa de composición de obras muy importantes, entre ellas la Sinfonía No. 6 en La mayor, WAB 106 compuesta entre septiembre de 1879 y septiembre de 1881. Además de su personal armonía, la maestría en la orquestación y el trasfondo espiritual que aparece en la obra es de resaltar la belleza en las melodías, así como los contrastes entre inquietud y éxtasis, entre luz y oscuridad. A diferencia de las demás sinfonías, la sexta no sufrió ninguna revisión y el compositor expresó al final de su vida que era una de sus obras más queridas. El Adagio y el Scherzo se presentaron en 1883. La obra completa, aunque con grandes cortes se presentó por primera vez en 1899 dirigida por Gustav Mahler, después de la muerte del compositor. La versión completa se presentó solo hasta 1901.
Thomas Zehetmair Director invitado • Austria
Thomas Zehetmair se desempeña como director de orquesta y violinista. Ha dirigido agrupaciones como la Orchestre de Chambre de Paris, Royal Northern Sinfonia, Saint Paul Chamber Orchestra, Musikkolegium Winterthur y dirigirá desde este año la Stuttgarter Kammerorchester. Es un violinista con un repertorio vastísimo y numerosas grabaciones entre las que se destacan producciones premiadas por revistas y asociaciones especializadas en Francia, Alemania e Inglaterra, entre otras.
Fotografía: Kike Barona
Fotografía: Kike Barona Fotografía: Archivo del artista
Es frecuente encontrarlo presentándose en dúo con su esposa la violista Ruth Killius. Son los fundadores del Cuarteto Thomas Zehetmair, ofrecen sonatas para sus instrumentos o actúan frente a orquestas en programas de conciertos para doble instrumento solista de violín y viola.
Cristian Guerrero Flauta • Colombia
Flauta principal de la Orquesta Filarmónica de Bogotá. Culminó sus estudios superiores en el Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia con los maestros Kiril Grozdanov y Jaime Moreno. Ha sido primera flauta de las orquestas Sinfónica Nacional de Colombia, Juvenil de las Américas, Banda Sinfónica de Cundinamarca y en la temporada de Zarzuela Jaime Manzur.
Ha estado bajo la batuta de directores como G. Korsten, R. Milanov, L. Shambadal, O. Grangean, J. Gustafsson. Finalizó sus estudios de maestría con Stéphan Réty en la Escuela Superior de Música de Dresden. Actualmente estudia con Jean-Michel Tanguy en la Escuela Superior de Música de Mannheim y con Davide Formisano en la Escuela Superior de Música de Stuttgart.
Fotografía:Archivo Archivodel delartista artista Fotografía:
Como solista, ha actuado con las orquestas Sinfónica Juvenil de Colombia, Sinfónica del Conservatorio de la Universidad Nacional, Uniandes, Sinfónica Nacional de Colombia, Juvenil de Cámara de la OFB y Orquesta Filarmónica de Bogotá.
Walter Hilgers
Hsin Yun Huang
Director invitado • Alemania
Viola • Taiwan
Banda Filarmónica Juvenil OFB Agrupación invitada • Colombia
8
MAR
6 P.M.
9
MAR 4 P.M.
Iglesia Santa Lucía
Auditorio León de Greiff
Diagonal 44 sur No. 20 - 15 Entrada libre
Universidad Nacional de Colombia Boletería en taquilla o en www.tuboleta.com
CP. LJX 837
Fotografía Kike Barona
CP. TON 990
Programa Sinfonía Fúnebre y triunfal Op.15 (1840) Hector Berlioz (1803- 1869) Marche funébre. Moderato un poco lento Oraison funébre. Adagio non tanto. Andantino un poco lento e sostenuto Apothéose. Allegro non troppo e pomposo Intermedio Harold en Italia Op. 16 (1834) Hector Berlioz (1803- 1869) Harold en las montañas. Escenas de melancolía, felicidad y alegría Marcha de los peregrinos cantando la oración de la tarde Serenata de un montañero del Abruzzo y su compañera Orgía de los bandoleros. Recuerdos de las escenas precedentes
La Orquesta Filarmónica de Bogotá y la Secretaría de la Mujer ofrecen este concierto en el marco del Día Internacional de los derechos de la mujer.
Fotografía Kike Barona
Notas al programa Carolina Conti Este año se conmemoran los 150 años de la muerte de Hector Berlioz, uno de los compositores fundamentales del romanticismo en Francia. Por eso los principales escenarios y músicos alrededor del mundo dedican a él parte importante de su programación. Formado en la tradición clásica, fue un innovador en muchos aspectos, principalmente en el campo de la orquestación, lo que le supuso no pocos enfrentamientos y frustraciones en su tiempo. Sin embargo, la influencia que ha tenido en compositores posteriores ha sido fuerte y evidente. Muchas de sus obras musicales nacen de la literatura, por la cual tenía un marcado interés. Era de acuerdo a propósitos narrativos que construía sus formas musicales. Pero también él escribía. Entre sus textos se encuentran obras teóricas como un tratado de orquestación, varios volúmenes de crítica musical, así como relatos de su vida y sus viajes. El acercamiento a la obra de Beethoven motivó a Berlioz a crear sus propias sinfonías. Por supuesto las ideas de Beethoven fueron para el compositor francés el punto a partir del cual desarrolló su personalísima idea de sinfonía. Escribió cuatro sinfonías que evidencian su gran habilidad como orquestador y que muestran su interés por el uso de nuevos instrumentos. La primera es la Sinfonía fantástica terminada en 1830, una de sus obras más populares. La sinfonía nace de una historia personal de la vida del compositor: la obsesión del artista por una mujer. La obra sorprendió en su momento por sus novedosos recursos orquestales al servicio de la historia, lo que se convirtió en una marca de su estilo sinfónico. La Gran sinfonía fúnebre y triunfal Op. 15 de 1840 es la última sinfonía del compositor francés. Para celebrar el décimo aniversario de la Revolución del 28 de julio de 1830, el gobierno francés le pidió a Berlioz una obra. Si bien no estaba de acuerdo con el régimen, la comisión sería bien pagada, así que aceptó. El compositor pensó en la música que se hacía en las monumentales ceremonias públicas francesas del siglo XVII y concibió la obra para una banda militar de 200 integrantes que interpretaran principalmente instrumentos de viento al aire libre. Berlioz armó la sinfonía con algunos bocetos de otras obras que no había llegado a completar. La sinfonía inicia en un temperamento poderosa-
mente sobrecogedor que va cambiando poco a poco hacia un tono exaltado, patriótico, que desemboca en una marcha triunfal. La obra se estrenó en París en 1840 con gran éxito. En 1842 Berlioz revisó la obra y escribió una parte opcional para cuerdas y un coro final con un texto de Anthony Deschamps. Harold en Italia Op. 16 fue la segunda sinfonía que compuso Berlioz. La escribió en el verano de 1834 como resultado de una petición que el compositor y legendario violinista Nicoló Paganini le había hecho. El violinista le encargó una obra donde él pudiera desplegar su virtuosismo en una viola construida por Stradivarius. Berlioz optó por una sinfonía con elementos de concierto. Como se infiere por el título, también está basada en un programa, en este caso literario (al igual que la tercera sinfonía, Romeo y Julieta). Aquí Berlioz tomó como inspiración el Childe Harold un poema autobiográfico en cuatro cantos del controvertido escritor británico del romanticismo Lord Byron. El protagonista del poema es un joven noble que ha dedicado su vida al placer pero que se siente vacío y sin propósito. Decide entonces hacer un peregrinaje por tierras extranjeras. El último canto del poema está dedicado a Italia y a sus artistas y eventos históricos. Es en este canto que Berlioz se inspiró para la sinfonía, que además le permitía plasmar sus propias impresiones de su viaje a Italia. Aquí nuevamente Berlioz se toma libertades con la forma, pues estructura la obra de acuerdo al programa. Esto se hace claro con los títulos de las partes o movimientos. Esta obra tiene las características de un concierto con la presencia solista de la viola que representa a Harold, un activo y apasionado observador de algunos episodios de la vida italiana. A diferencia de la Sinfonía fantástica, no hay en esta una secuencia narrativa. Como es de esperarse, el tema de Harold es una especie de leitmotiv que aparece en las cuatro secciones de la obra y que sirve para dar coherencia a toda la obra. El compositor también se vale de melodías de carácter popular y efectos como campanas o cantos de peregrinos. Debido a la discreta participación de la viola, Paganini decidió no pagar el encargo. (Sin embargo, cuatro años más tarde, por su admiración por la obra le donó 20.000 francos que le permitieron componer Romeo y Julieta). Un aspecto importante de la obra de Berlioz es la concepción espacial del sonido. Para él la música tenía que encajar con el recinto donde se interpretaba. En Harold la marcha de los peregrinos se oye desde lejos y en la sinfonía fúnebre se vale de una clara separación de los grupos de la orquesta.
Walter Hilgers Director invitado • Alemania
Walter Hilgers nació cerca de Aquisgrán donde estudió tuba, piano y contrabajo. Se desempeñó como tubista con la sinfónica de Düsseldorf, con la del Festival de Bayreuth y las Filarmónicas de Viena y Hamburgo. Ha sido maestro en Düsseldorf, Aquisgrán, Lübeck, Hamburgo y Weimar en las especialidades de tuba y música de cámara y de manera creciente, dirección de orquesta. Ha sido director principal invitado, director invitado permanente y director artístico en orquestas rumanas desde 2007. Desde 2017 dirige la Sinfónica Provincial de Santa Fe en Argentina y se lo escucha como invitado en Montevideo al frente de la Sinfónica del SODRE.
Fotografía: Archivo del artista
Fotografía: Kike Barona
Walter Hilgers dirigió a la Orquesta Filarmónica de Bogotá a comienzos de 2017 en un concierto en el que se presentó como solista su alumno de tuba Fredy Romero, titular del instrumento en la Orquesta.
Hsin Yun Huang Viola • Taiwan
La violista Hsin-Yun Huang se presentó por primera vez con la OFB en 2017 cuando interpretó el concierto de Bartók. Se formó en la Menuhin School al igual que en el Curtis Institute y en Juilliard donde imparte clases. Fue miembro del Cuarteto Borromeo y ha tocado con los cuartetos Guarneri, Juilliard, Orion, St. Lawrence y Brentano con el que ha ofrecido los quintetos de Mozart. Sus presentaciones como solista han tenido lugar en Asia, Europa y América.
Fotografía:Archivo Archivodel delartista artista Fotografía:
Ha actuado con colegas como Yo-Yo Ma, Jaime Laredo, Joshua Bell o Menahem Pressler, entre otros. Su repertorio abarca obras desde el barroco hasta nuestros días y colabora con compositores contemporáneos como Shih-Hui Chen o Steven Mackey. Ha grabado para Bridge Records obras de Poul Ruders, George Benjamin, Elliott Carter y Bach.
Fotografía: Kike Barona
Banda Filarmónica Juvenil OFB Colombia La Banda Filarmónica Juvenil de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, conformada por 40 jóvenes interpreta un repertorio en el que sobresalen las manifestaciones instrumentales de la música colombiana y latinoamericana, con arreglos originales. En forma paulatina sus presentaciones han venido incorporando también repertorio clásico y convencional para banda y conciertos en los cuales actúan como solistas los músicos más destacados del grupo. Ha participado en el Festival Mono Núñez, el Festival de Bandas de Villa de Leyva y el Festival de Bandas de Paipa. Sus integrantes se destacan por su gran talento, pasión y compromiso. En esta ocasión, la Banda ha sido invitada a participar en la Sinfonía Fúnebre y Triunfal de Hector Berlioz.
Orquesta Filarmónica de Bogotá
17 Fotografía: Kike Barona
ABR 8:30 P.M.
18
Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo Boletería en taquilla o en www.primerafila.com.co
ABR 5 P.M.
19 11
ABR P.M.
20
Concierto de inauguración Orquesta Filarmónica de Bogotá Eckart Preu, director • Alemania Lise de la Salle, piano • Francia
Fusión Filarmónica Juvenil OFB Zoe Zeniodi, directora • Grecia Lise de la Salle, piano • Francia Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo Boletería en taquilla o en www.primerafila.com.co
Orquesta Sinfónica de Amberes, Bélgica Coro Filarmónico Juvenil OFB Robert Treviño, director • EE.UU Solistas: Cornelia Horak, Iris Vermillion, Christoph Prégardien, José Antonio López Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo Boletería en taquilla o en www.primerafila.com.co
ABR 3 P.M.
Fusión Filarmónica Juvenil OFB Josep Caballé- Domenech Director • España Christoph Prégardien, tenor • Alemania Teatro Colón • Calle 10 # 5-32 Boletería en taquilla o en www.tuboleta.com
5 P.M.
Orquesta Filarmónica de Bogotá Zoe Zeniodi, directora • Grecia Stephen Hough, piano • Reino Unido Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo Boletería en taquilla o en www.primerafila.com.co
8:30 P.M.
Orquesta del Festival de Dresden, Alemania Coro Filarmónico Juvenil OFB Johannes Klumpp, director • Alemania Solistas: Elena Copons, soprano José Antonio López, barítono Coro de la Ópera de Colombia Stephen Hough, piano • Reino Unido Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo Boletería en taquilla o en www.primerafila.com.co
Matthias Bamert
Ana Mora
Director invitado • Suiza
Mezzosoprano • Venezuela
Toby Spence
José Antonio López
Tenor • Reino Unido
Barítono • España
Coro Filarmónico Juvenil Sociedad Coral Santa Cecilia Coro Filarmónico Infantil
15
MAR
3 P.M.
16
MAR
4 P.M.
Boletería en taquilla o en www.tuboleta.com CP. GBZ 708
Auditorio León de Greiff Universidad Nacional de Colombia
Fotografía: Archivo del artista
Entrada libre
Programa La Condenación de Fausto Op. 24 (1845-1846) Hector Berlioz (1803- 1869) Primera parte: Llanuras de Hungría • Introducción. • Ronda de campesinos. • Marcha húngara.
Segunda parte: Norte de Alemania • Fausto solo en su cuarto de trabajo. Canto de la Fiesta de Pascua. • Fausto. Mefistófeles. La taverna Auerbach en Leipzig. • Coro de bebedores. Canción de Brander. Fuga sobre la Canción de Brander. Canción de Mefistófeles. Bosques y praderas al borde del Elba • Aire de Mefistófeles. Coro de gnomos y silfos. Ballet de los silfos. • Coro de soldados. Canción de estudiantes
Intermedio Tercera parte: En la habitación de Margarita • Tambores y trompetas tocan la retirada. Aire de Fausto • Fausto. Mefistófeles • Margarita. El rey de Thulé • Evocación. Minuet de los espíritus. Serenata de Mefistófeles con el coro de los espíritus. • Dúo • Trío y coro
Cuarta parte • Romance de Margarita • Invocación a la naturaleza • Recitativo y cacería • Camino al abismo • Pandemonium • En el cielo
Notas al programa Carolina Conti Durante el siglo XVI vivió en Alemania Johann Faust, un estudiante que, al parecer practicaba la astrología, la magia y la alquimia, y que a cambio de conocimiento y poder, vendió su alma al diablo. La historia de Fausto ha sido recogida en diferentes versiones literarias. Las más conocidas son las de Christopher Marlowe y Johann Wolfgang von Goethe. A su vez el texto de Goethe ha dado origen a obras musicales de compositores como Wagner, Gounod, Liszt, Schumann y, la que hoy nos ocupa, de Berlioz. Hector Berlioz fue uno de los más importantes compositores en Francia en el siglo XIX. La literatura fue fundamental en su vida y también en su obra. Textos de Byron, Scott, Chateaubriand, Hoffmann, Hugo, Balzac, Flaubert, Gautier, entre otros, fueron origen de sus composiciones. Alguna vez expresó en una carta que Shakespeare y Goethe eran ‘los silenciosos confidentes de mi sufrimiento. Ellos tienen la clave de mi vida’ El compositor francés conoció el Fausto de Goethe en la traducción de Gérard de Nerval publicada en diciembre de 1827. La figura del hombre que busca el conocimiento a cualquier precio lo impresionó y lo inspiró. Al año siguiente 1828 publicó Ocho escenas de Fausto. Op. 1 pero luego consideró que la obra estaba mal escrita y destruyó todas las copias que pudo encontrar. Pero la figura de Fausto siguió rondando en su cabeza por largo tiempo. Concibió entonces una gran obra sobre el tema: La condenación de Fausto. Gran parte de la obra la compuso durante los viajes de una temporada de exhaustivas giras de conciertos por toda Europa durante 1845, que le dieron enorme reconocimiento, como quedó consignado en sus Memorias. Almire Gandonniere escribió parte del libreto y el propio Berlioz el resto. Desde entonces escribió todos sus libretos. En 1846 terminó la obra que inicialmente la llamó Ópera de concierto, luego Leyenda dramática. Hoy en día se presenta en ocasiones como una ópera. Y de hecho Berlioz consignó en la partitura movimientos escénicos para aclarar el curso de la acción. La primera función tuvo lugar el 6 de diciembre de 1846 en la Opéra-Comique de París y no tuvo el resultado que el compositor esperaba. Berlioz escribió: “Fausto se presentó dos veces en un teatro medio vacío. La elegante audiencia parisina, la que va a conciertos y
supuestamente se interesa por la música, se quedó cómodamente en su casa, tan poco interesada en mi trabajo como si fuese yo el más anónimo estudiante de conservatorio… Nada en mi carrera como artista me ha herido más profundamente que esta inesperada indiferencia”. Pero dos meses después hizo una gira por Rusia donde presentó dos partes de la obra y de regreso la presentó completa en Berlín por invitación del rey de Prusia, con un éxito absoluto que se mantendría en adelante. La obra se publicó en 1854 y está dedicada a Franz Liszt. El compositor húngaro, por su parte, dedicó a Berlioz su Sinfonía Fausto. A grandes rasgos el argumento es el siguiente: Fausto, ya mayor, contempla la belleza de la naturaleza en primavera, las danzas de los campesinos y los soldados que marchan con la esperanza de la victoria y la fama. En la segunda parte, consciente de que ya no podrá disfrutar de esas simples alegrías, Fausto vuelve a su estudio e intenta suicidarse, pero un himno de pascua sobre la resurrección de Cristo que suena a lo lejos le recuerda su juventud y cambia de idea. Aparece entonces el diablo en la figura de Mefistófeles y le ofrece a Fausto juventud, poder, conocimiento a cambio de su alma. Lo traslada a la taberna Auerbach y luego le muestra a la joven e inocente Margarita de la que Fausto se enamora. En la tercera parte con las artimañas de Mefistófeles, Fausto seduce a Margarita. Para estar con ella la convence de dar a su madre un somnífero, pero es en realidad un veneno. Mefistófeles acusa a Margarita ante el pueblo que la condena por su pecado y por el asesinato de su madre. En la última parte Fausto firma un documento que cree que es para liberar a su amada, pero es en realidad su propia condena. Fausto es devorado por el infierno mientras Margarita es recibida en el cielo. La figura de Fausto para Berlioz es la de un hombre anhelante, sensible a la inmensidad de la naturaleza y a las emociones, pero al mismo tiempo débil, lo que aprovecha Mefistófeles. Esto le permite hacer una reflexión filosófica de la naturaleza humana que no pierde vigencia. Por otro lado, toda la música está concebida en virtud de la acción dramática, lo que se puede percibir en el uso de los timbres de los instrumentos, la ubicación espacial de los mismos y la orquestación. El compositor presta especial atención al papel del coro que es de gran diversidad: campesinos, soldados, estudiantes, penitentes, silfos, etc., diversidad que se aprecia igualmente en las tonadas escogidas y su efecto dramático.
Matthias Bamert Director invitado • Suiza
Matthias Bamert ha grabado más de ochenta CD. Fue alumno de George Szell y director residente de la Orquesta de Cleveland colaborando con Lorin Maazel. Dirigió los London Mozart Players con quienes grabó numerosas sinfonías de contemporáneos de Mozart y los llevó a los Proms de la BBC en Londres, Viena, el Festival de Lucerna y Japón.
Fotografía: Archivo del artísta
Dirigió el Festival Musica Nova de Glasgow donde ofreció estrenos mundiales de compositores contemporáneos. Al frente de la dirección del Festival de Lucerna expandió su programación y actividades. Desde el año pasado asumió como director principal de la Sinfónica de Sapporo. En 2017 fue escogido como director invitado principal de la Filarmónica de Daejon en Corea del Sur. Bamert ha sido el director musical de las orquestas de la Radio suiza, Sinfónica del Este de Australia y la Filarmónica malaya, director invitado principal ante la Real Nacional escocesa y director asistente invitado de la Real Filarmónica de Londres.
Ana Mora Mezzosoprano • Venezuela
Mientras estudiaba canto lírico en la Universidad Javeriana de Bogotá, Ana Mora participó en el Judas Macabeo de Handel, el Gloria de Vivaldi y el Oratorio de Navidad de Bach. Estrenó obras de los compositores colombianos Sergio Cote y Felipe Hoyos en un programa que incluyó la ópera de cámara Nadja’s song de la británica Lucy Armstrong. Se ha presentado en los conciertos estudiantiles del auditorio Fabio Lozano y en el ciclo de Jóvenes intérpretes del Banco de la República. Ana Mora se ha presentado en Ópera al Parque en Signor Deluso en 2014, Sueño de una noche de verano en 2016 y Otra vuelta de tuerca en 2018. Cantó papeles en las producciones del Teatro Mayor de Rigoletto de 2015 y de Salomé de 2016.
Fotografía: Archivo del artísta
Actualmente adelanta una maestría en el New England Conservatory de Boston.
Toby Spence Tenor • Reino Unido
Fotografía: Archivo del artísta
Ha actuado en óperas que van desde Mozart a Glass, se presenta en el escenario de concierto como solista vocal en obras desde Bach a Britten, ofrece recitales en destacadas salas de concierto y festivales del Reino Unido y Europa además de grabaciones para sellos como Deutsche Gramophon, Decca, Hyperion y otros. En la temporada 2018-19 participa en el Stabat Mater de Dvořák, el Réquiem de guerra de Britten, la Tercera sinfonía de Szymanowski o el papel de Florestan en la ópera Fidelio de Beethoven. Para el aniversario de Berlioz protagoniza la ópera Beatriz y Benedicto en Manchester. Su agenda incluye la ópera Billy Budd de Britten en Londres y presentaciones en concierto con las filarmónicas de Berlín, Bergen, Los Ángeles y el Teatro Real de Madrid.
José Antonio López Barítono • España
La reciente actividad de José Antonio López muestra lo ascendente de su carrera. Se desempeñó en la versión del Réquiem de Verdi con la OFB en 2017, cantó en la Pasión de Mateo de Bach y la Novena Sinfonía de Beethoven en Viena, el Réquiem alemán de Brahms en Bruselas y se estrenó en el Palacio de Bellas Artes de México. Su repertorio incluye a Mahler, Britten, la Sinfonía Lírica de Zemlinsky, los Gurrelieder de Schönberg y el repertorio contemporáneo.
Fotografía: Archivo del artísta
En ópera, se estrenó como Germont en La Traviata, Jokanaan en Salomé, Amonasro en Aida, Iago en Otello y en el papel principal de El holandés errante. Ha cantado óperas de Handel, participado en Fígaro y Don Giovanni y debutó en el papel de Ford en Falstaff en Sevilla.
Coro Filarmónico Juvenil Directora: Diana Carolina Cifuentes • Colombia Conformado por 40 jóvenes, el Coro Filarmónico Juvenil (CFJ) interpreta obras de la polifonía antigua, pasando por el Barroco y el Romanticismo, hasta música tradicional latinoamericana y colombiana. Sus voces han acompañado a la Orquesta Filarmónica de Bogotá en montajes de gran formato, como el Réquiem de Guerra de Britten y el Réquiem de Verdi, entre otros. Fue uno de los coros invitados a participar en la misa campal del Papa Francisco I, en 2017.
Sociedad Coral Santa Cecilia Directora: Barbara De Martiis • Colombia Fundada por Alejandro Zuleta en 1992, el Ministerio de Cultura le otorgó en 2001 el premio Excelencia coral, confirmación de su destacado sonido, musicalidad, claridad de articulación y capacidad para abordar un amplio repertorio de diferentes épocas y estilos. Barbara De Martiis, maestra en música de la Universidad Javeriana de Bogotá con énfasis en dirección coral, es la directora de la Sociedad Coral Santa Cecilia.
Coro Filarmónico Infantil Directora: Sandra Patricia Rodríguez • Colombia El Coro Filarmónico Infantil fue creado en mayo del 2014, como una de las nuevas agrupaciones musicales de la Orquesta Filarmónica de Bogotá. Conformado por 120 niños y adolescentes de participantes del Proyecto Educativo de la Orquesta Filarmónica de Bogotá en el marco del proyecto La Filarmónica en la Escuela y la Ciudad.
Will Humburg Director invitado • Alemania
María José de Bustos
Sergei Sichkov
Piano • España
Piano • Rusia
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MAR
8 P.M.
Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo Entrada en taquilla o en www.primerafila.com.co CP. TPE 845
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MAR
4 P.M.
Auditorio León de Greiff Universidad Nacional de Colombia Entrada en taquilla o en www.tuboleta.com
Fotografía: Archivo del artista
CP. HGL 977
Programa Variaciones a un tema de Brahms, Op. 21 (2001) Amparo Ángel (1944) Variaciones sobre un tema de Haydn en Si Bemol Mayor Op.56ª (1873) Johannes Brahms (1833- 1897)
Intermedio Concierto para 2 pianos, percusión y orquesta BB 121 Béla Bartók (1881-1945) Assai lento - Allegro molto Lento, ma non troppo Allegro non troppo
Tema: Andante Variación I: Poco piú animato Variación II: Piú vivace Variación III: Con moto Variación IV: Andante con moto Variación V: Vivace Variación VI: Vivace Variación VII: Grazioso Variación VIII: Presto non troppo Finale: Andante
Créditos editoriales: Amparo Ángel. Variaciones a un tema de Brahms, Op. 21 Béla Bartók. Concerto for 2 Pianos, Percussion & Orchestra. Representación Piles Latinoamérica S.A.S.
Notas al programa Carolina Conti La compositora payanesa Amparo Ángel ha tenido un papel fundamental en el ámbito musical colombiano. Se graduó como Pianista Concertista del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia. Se formó en composición y orquestación con Blas Emilio Atehortúa y Luis Antonio Escobar. Se ha desempeñado como solista con las principales orquestas del país, recitalista, docente y divulgadora de la música y su historia en programas de televisión y a partir de conferencias. Ha grabado la obra pianística de Luis Antonio Escobar, con quien además colaboró en investigaciones sobre la música precolombina y la música colonial en América Latina. Sus Variaciones a un tema de Brahms, Op. 21 nacen de la admiración que la maestra Ángel ha tenido por la obra pianística del compositor alemán, su lenguaje romántico y su expresividad. Uno de los temas de la Rapsodia n.1 Op. 79 de Brahms fue el origen de la obra. La idea era crear unas variaciones en el estilo contemporáneo que no son estrictamente en el acompañamiento, el ritmo o la armonía, sino más libres. La obra inicia con la una introducción y la exposición del tema muy expresivo y pausado. La primera variación, Rítmica, como su nombre lo indica hace un contraste con la exposición del tema con un ritmo muy marcado que podría recordar los ballets de Prokofiev. El tema se presenta de manera abstracta al cambiar la dirección de las melodías y la invertir los intervalos del mismo. La segunda, Cantabile, hace uso del contrapunto, alternando los diferentes grupos instrumentales. Intermezzo es la tercera variación en la que está muy presente el tema, en la melodía y la armonía, y cita brevemente otro tema de la rapsodia de Brahms. Es de gran riqueza rítmica y en ella aparecen largos arpegios que se inician en los registros más bajos y van pasando gradualmente a los instrumentos más agudos para luego retornar, aprovechando así todas las posibilidades de la orquesta. La última variación, Finale, se caracteriza por el manejo del ritmo que evoca la música latinoamericana y utiliza la técnica de composición denominada ‘métrica variable’ creada por el compositor alemán Boris Blacher, quien fuera maestro de Luis Antonio Escobar, esposo de la compositora y de quien ella la aprendió. A partir de esta técnica se crea el aspecto rítmico que caracteriza el movimiento que cierra la obra.
Brahms fue un maestro de las formas musicales breves, así como de la improvisación. Su inventiva era inagotable y eso se percibe también en sus partituras en la forma de tema y variaciones, que básicamente consiste en tomar un tema y a partir crear otras piezas variando el ritmo, la tonalidad, el carácter, etc. Su maestro de piano Karl Marxsen conocía muy bien el arte de las variaciones y Brahms lo aprendió muy joven. En su repertorio encontramos numerosos ejemplos de variaciones sobre temas de Paganini, Schumann, Haendel y Haydn, así como sobre temas originales y tonadas populares. Una de las obras más interpretadas de Brahms son las Variaciones sobre un tema de Haydn en si bemol mayor Op. 56ª. Las escribió en 1873 a partir de un tema inicialmente atribuido a Haydn, pero que hoy sabemos que no era de su autoría, sino que era un Coral de San Antonio sobre el que Haydn había compuesto un divertimento. Brahms escribió ocho variaciones que van precedidas, por supuesto, del tema principal, al que vuelve al final de la obra para presentarlo de una manera triunfal. Las compuso para dos pianos y más adelante hizo la versión orquestal. Pianista, compositor y etnomusicólogo, Béla Bartók se inspiró en la obra para piano de Beethoven la que influyó en la composición de su Sonata para dos pianos y percusión de 1937. Ya en los sus dos primeros conciertos para piano se había evidenciado su interés por combinar piano y percusión. En la sonata el compositor exigía una coordinación perfecta entre los dos percusionistas que debían interpretar siete instrumentos con virtuosismo prestando especial atención a las sutiles diferencias de timbres producidos por las baquetas según fueran de madera o metal. La construcción de la sonata es tan precisa que el musicólogo Ernö Lendvai dijo haber descubierto que Bartók la había partido de los conceptos de Proporción áurea y de la Secuencia Fibonacci, lo que Bartók negó en su momento. La sonata se estrenó en enero de 1938 con Bartók y su esposa Ditta Pásztory en los pianos. Dos años más tarde emigró a Estados Unidos huyendo del fascismo en Hungría. Fue cuando recibió la comisión de convertir la sonata en un concierto. El compositor mantuvo las partes de piano y percusión iguales y añadió la parte de orquesta. El estreno del concierto tuvo lugar en enero de 1943 con la Filarmónica de Nueva York dirigida por Fritz Reiner, y el compositor y su esposa en los pianos. Esas serían las últimas actuaciones de Bartók en público.
Will Humburg Director invitado • Alemania
En Hamburgo fue discípulo de Horst Stein y Christoph von Dohnányi. Dirigió el Laboratorio Lirico de Alessandria en el Piamonte italiano. Actuó como director titular de la ópera de Münster. A partir de 2008 ha dirigido varios estrenos en la ópera de Bonn y desde 2009 es invitado regular a dirigir la ópera de Colonia. Entre 2009-11 fue el director artístico y musical en el Teatro Massimo Bellini de Catania en Sicilia. En la temporada 2014 llegó a la dirección del Teatro Municipal de Darmstadt, del que es su actual director musical y fue escogido como director invitado principal de la ópera de Bonn.
Fotografía: Archivo del artísta
Su repertorio supera las ciento veinte obras entre conciertos y óperas, es un promotor de la música contemporánea, uno de los directores más solicitados y desde 1990 graba para el sello Naxos.
María José de Bustos Piano • España
Estudió piano y música de cámara en San Sebastián y luego en Bayonne, Francia. Colaboró con la Sinfónica de Euskadi de 19842000, enseñó piano en el Conservatorio Pablo Sarasate de Pamplona de 1995-2000 y fue maestra privada del instrumento durante dieciocho años. En 2000 fundó el duo de piano BdBduo con Maria José Barandarián, formato activo hasta 2015 y con el que grabaron las Siete visiones del amén de Messian de la que se hicieron una película y una coreografía en colaboración con El colegio del cuerpo.
Fotografía: Archivo del artísta
María José reside en Colombia desde 2010 lo que le ha permitido divulgar música de cámara de compositores colombianos, hacer programas de radio y ser jurado en concursos de piano y de interpretación de la Orquesta Filarmónica de Bogotá y la Universidad Jorge Tadeo Lozano.
Sergei Sichkov Piano • Rusia
Sergei Sichkov es pianista de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, solista, recitalista y participa en conformaciones de cámara. Ha acompañado a los cantantes más reconocidos en Colombia, muchos de ellos desde sus años formativos. Nació en Moscú donde se graduó y obtuvo su doctorado en el Conservatorio Tchaikovsky. Ha interpretado música de cámara con colegas como Benjamin Schmid, Pascal Marsault, Ara Malician, Thierry Escaich, Ricardo Gallardo y el cuarteto de percusiones Tambuco, entre otros.
Fotografía: Archivo del artísta
En 2016 fue el solista frente a la Orquesta Filarmónica de Bogotá dirigida por el armenio Karen Durgaryan para las coreografías del Ballet de Leipzig con los conciertos 2 y 3 de Rachmaninov. También se ha presentado en cada edición del Festival Internacional de Música Clásica de Bogotá.
Alvaro Albiach
Luis Martín Niño
Director invitado • España
Violín • Colombia
30
MAR
4 P.M.
Auditorio León de Greiff Universidad Nacional de Colombia Entrada en taquilla o en www.tuboleta.com
Fotografía: Ricardo Rios
CP. AOK 514
Fotografía: Ricardo Rios
Programa Ceremonias de la tierra (obra ganadora Premio de Composición OFB 2016) Edgar Rivera Bambucosa Verde cumbión El galeoro Travesía por un mundo imaginado
Intermedio Sinfonía No.3 en Do Menor, Op. 44 (1928) Serguéi Prokófiev (1891 – 1953) Moderato Andante Allegro agitato Andante mosso - Allegro agitato
Concierto para violín Op. 15 (1938-1939) Benjamin Britten (1913 – 1976) Moderato con moto - Agitato Tempo primo. Vivace -Animando - Largamente Cadenza. Passacaglia: andante lento (un poco meno mosso)
Créditos editoriales: Sergey Prokofiev. Symphony No.3 in C minor. Representación Piles Latinoamérica S.A.S. Benjamin Britten. Violin Concerto No. 1, Op. 15. Representación Piles Latinoamérica S.A.S.
Notas al programa Carolina Conti El compositor y maestro en Bellas Artes Edgar Rivera Laverde ha sido violonchelista en varias orquestas y agrupaciones de su ciudad. En el campo de la composición se formó con Blas Emilio Atehortúa y Jesús Pinzón. Su obra se inscribe en un contexto contemporáneo, pero con raíces en la tradición de la música occidental. El aspecto tímbrico es fundamental en sus composiciones por eso la combinación de colores instrumentales hace parte fundamental de su exploración musical. Es a partir de su interés en la expresividad que estructura las formas de sus obras. Ceremonias de la tierra, que escuchamos hoy en estreno absoluto, fue la obra ganadora Premio de Composición 2016 de la Orquesta Filarmónica de Bogotá en el formato sinfónico con elementos de música colombiana (un formato atípico en su obra, más cercana al lenguaje de la música culta contemporánea). En ella Rivera integra ritmos característicos e instrumentos típicos de diferentes regiones colombianas, a la vez que incorpora técnicas y sonoridades de la música contemporánea. La obra Integra elementos, a primera vista dispares, pero que crean un conjunto homogéneo de gran diversidad en la expresión. Ceremonias de la tierra, para gran orquesta, está estructurada en cuatro movimientos: Bambucosa crea a partir del tradicional ritmo de bambuco un universo abstracto de gran riqueza instrumental. Ritmos sostenidos y armonías disonantes dominan el segundo movimiento, Verde cumbión, en el que el clarinete y la percusión, que sugieren los ritmos tradicionales, cumplen un papel fundamental. A partir del galerón llanero y el joropo surge el tercer movimiento, El galeoro, el más tradicional de los cuatro. El oboe y el corno inglés se funden con el arpa y los capachos en un tempo exaltado. Se percibe también un homenaje a Carmentea, una de las tonadas más famosas del folclor llanero. El último movimiento, Travesía por un mundo imaginado, recoge todo el material de los movimientos anteriores. En un tempo reposado que se mantiene a lo largo del movimiento, evoca de manera abstracta la selva y el cosmos amazónico, tanto su entorno natural como sus habitantes.
Una de las figuras dominantes en la cultura británica del siglo XX, Benjamin Britten fue un hombre comprometido con la divulgación y la enseñanza de la música en su país. Con títulos como Peter Grimes, Billy Bud o The turn of the Screw revivió la ópera inglesa, que prácticamente había desaparecido en el siglo XVII. Su obra en general nace de los temas que le preocupaban. En 1938 empezó a escribir su Concierto para violín Op. 15. Por ese entonces la amenaza del fascismo se acrecentaba y Britten, que tenía entonces 25 años, emigró a Nueva York en abril de 1939 con su amigo, el tenor Peter Pears, con quien poco después estableció una relación amorosa que duró toda su vida. Britten terminó de componer el concierto el 29 de septiembre de 1939, pocos días después de la invasión alemana a Polonia. “Los hombres deben pensar en algo diferente a perseguirse por los aires”, escribió a un amigo por esos días. Si bien el compositor no hizo ningún comentario sobre el origen de la obra, en ella se percibe el desasosiego del momento. El violín se mueve entre lo virtuosístico y un lirismo angustiante. Melancolía, incertidumbre, pero también danza y marchas militares se perciben en la obra a través de melodías y ritmos inesperados. Pianista y compositor ruso, Sergei Prokofiev supo crear un estilo singular que sorprendió desde sus primeras composiciones. Conocedor de la tradición, también cultivó una faceta neoclásica, es decir, un regreso a las formas y los estilos tradicionales. Esto le permitió destacarse en el ámbito cultural soviético que exigía a los artistas compromiso político en sus obras, así como sencillez y utilidad. Sin embargo fue cuestionado por su estética en varias ocasiones. Entre 1919 y 1927 Prokofiev trabajó en la ópera El ángel de fuego basada en una novela de Valery Bryusov, una historia de amor en medio de una posesión demoniaca en el siglo XVI. La obra era muy compleja y suponía demasiadas dificultades, de manera que los intentos de presentarla fueron infructuosos. El compositor decidió aprovechar el material para su Sinfonía No.3 en Do menor, Op. 44. La música, como es de esperarse, contiene grandes efectos y un carácter narrativo. La obra inicia con dramatismo y violencia. El segundo movimiento contrasta por su lirismo. Le sigue el scherzo deslumbrante del tercero, que prepara el cuarto movimiento que se desarrolla de manera frenética a partir de una marcha siniestra. Al final de su vida, Prokofiev consideró la tercera sinfonía como una de sus composiciones más significativas. La ópera se estrenó después de la muerte de Prokofiev.
Alvaro Albiach Director invitado • España
El maestro Álvaro Albiach obtuvo su diploma en dirección orquestal en la academia de música de Pescara en Italia. En 1999 ganó los premios del público y del jurado en el concurso de dirección de Besançon y de allí pasó a debutar con la orquesta del Capitolio de Toulouse. Ha dirigido en Alemania, Austria, Bélgica, Francia y a varias de las principales orquestas españolas. El maestro Albiach dirigió ópera italiana antes de asumir la dirección artística y titular de la orquesta de Extremadura desde 2012. Desde entonces, la agrupación superó su crisis económica y se presenta como una de las más destacadas de España.
Fotografía: Ricardo Rios
Fotografía: Archivo del artísta
Álvaro Albiach regresa a dirigir la OFB luego del montaje del oratorio La creación de Haydn en 2018.
Luis Martín Niño Violín • Colombia
Concertino Principal de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, fue alumno destacado de los maestros Marjoelin de Sterke, Andreij Kurkowski y Valentin Stefanov. Fue Concertino de la Orquesta Sinfónica Juvenil de Colombia y en 1983 de la Orquesta de Juventudes de América en Puerto Rico, en 1985 representó a Colombia en Estocolmo, Suecia, con la Orquesta Filarmónica del Mundo dirigida por el Maestro Carlo María Giuliuni. En 1992 ingresó a la Escuela de Música de Viena donde fue alumno del Maestro Günther Pichler, primer violín del cuarteto Albang Berg. Por su destacado desempeño fue escogido para integrar la Wienes Kammerorchester.
Fotografía: Kike Barona
Ha estado bajo la dirección de grandes maestros, entre los cuales se destaca el maestro Shlomo Mintz, con el concierto para violín de Richard Strauss. Actualmente es considerado uno de los grandes violinistas de Colombia.
Ching-Po (Paul) Chiang Director invitado • Taiwan
Edwin Rodríguez Clarinete • Colombia
6
ABR
4 P.M.
Auditorio León de Greiff Universidad Nacional de Colombia Entrada en taquilla o en www.tuboleta.com
Fotografía: Archivo del artísta
CP. XWS 557
Programa Serenade No. 2 Opus 16 (1857 - 1860) Johannes Brahms (1833- 1897) Allegro moderato - Scherzo. Vivace - Adagio non troppo - Quasi menuetto - Rondo. Allegro
Intermedio Chamber Symphony OP. 83a (1949) Dmitri Shostakóvich (1906 – 1975) Allegretto Andantino Allegretto. Attacca Allegretto
Introducción, tema y variaciones para clarinete y orquesta en Do Menor (1918) Gioachino Rossini (1792 -1868)
Créditos editoriales: Dmitri Shostakovich. Chamber Symphony Op. 83a. Representación Piles Latinoamérica S.A.S.
Notas al programa Carolina Conti Johannes Brahms conocía muy bien la historia de la música. De hecho llegó a hacer ediciones de las obras de compositores que van desde Couperin hasta Dvořák. Fue a través de los grandes maestros que se formó en el arte de la música orquestal. Antes de asumir la compleja forma de la sinfonía compuso varias obras que lo prepararon en ese campo. Entre esas encontramos las dos serenatas op. 11 y op. 16. Con ellas el compositor buscaba recuperar la forma de la serenata clásica cultivada por Haydn y Mozart. En el Clasicismo la serenata era una obra instrumental para ensambles de vientos y de cuerdas que se interpretaba en la noche, al aire libre, para el entretenimiento de la audiencia. Brahms compuso sus dos serenatas entre 1857 y 1859. Para la primera dispuso una gran orquesta. La segunda, en contraste, la escribió para una pequeña orquesta. Omite los violines, de manera que la melodía está en los vientos y las violas. Con esto logra un timbre más oscuro que parece evocar precisamente la atmósfera nocturna. A lo largo de los cinco movimientos, predomina el carácter gracioso y tranquilo, propio de las serenatas y los divertimentos del Clasicismo. Sin embargo, se percibe un tratamiento más atrevido de la armonía. Cuando Brahms terminó la serenata, se la mostró a Clara Schumann, viuda de Robert Schumann y gran amiga a lo largo de toda su vida. Ella misma pianista y compositora, la consideró “una pieza extraordinariamente poética” y sintió especial afecto por el Adagio. Gioachino Rossini fue el compositor de ópera italiano más importante antes de Verdi. Compuso unos 40 títulos. A los 37 años se retiró para vivir del éxito de sus óperas y la fortuna que le generaban. Vivió hasta los 76 dedicado a la buena vida y a su pasión por la comida. Su padre era cornista y su madre cantante. Cuando Gioachino tenía entonces 12 años, en 1804, la familia se trasladó a Bolonia y allí empezó a hacerse un nombre como cantante profesional. Tomó lecciones privadas con el Padre Angelo Tesei y en 1806 ingresó al Liceo Musicale de la ciudad donde además de continuar su formación en canto, estudió violonchelo, piano y contrapunto. Lo más importante de su tiempo en el Liceo fue el conocimiento que obtuvo de la obra de Haydn y Mozart. En esos años
de estudio también compuso la cantata Il pianto d’armonia sulla morte d’Orfeo que ganó el premio de composición de la institución, una misa para la catedral de Rímini y la Introducción, tema y variaciones para clarinete y orquesta que escuchamos hoy. La obra, llena de ingenio y encanto propios del compositor, exige un alto nivel técnico y de interpretación, pues aprovecha todo el registro del instrumento con cambios de ritmo que suponen una gran dificultad. Las líneas melódicas nos recuerdas las demandantes partes vocales de sus óperas. La obra de Dimitri Shostakovich está estrechamente ligada al momento político, social y cultural que vivió. A diferencia de Prokofiev o Stravinsky, que buscaron nuevos horizontes en América y Europa occidental, Shostakovich nunca dejó Rusia y tuvo un papel fundamental en la vida musical de la Unión Soviética. Estuvo siempre controlado por el régimen que marcaba parámetros muy claros para el arte en todas sus manifestaciones. La mayoría de sus obras dan cuenta de eventos ocurridos en su patria. Por ejemplo su Segunda sinfonía fue escrita para conmemorar el décimo aniversario de la Revolución de octubre. Pero a pesar del control y de la situación de amenaza constante a sus compatriotas y a él mismo, logró crear un lenguaje musical innovador y poderosamente emocional. En cuanto a la música de cámara, Shostakovich compuso, entre muchas otras obras, 15 cuartetos de cuerda que al lado de sus sinfonías, constituyen lo más importante de su producción. Los escribió entre 1938 y 1974, es decir, coinciden con su etapa de madurez casi hasta su muerte y dan cuenta de su evolución artística. La forma del cuarteto le permitía concentrar lo más depurado de su pensamiento musical y por eso en ellos encontramos una enorme diversidad en la construcción musical. Shostakovich sostuvo una cercana amistad con Rudolf Barshai, uno de los fundadores del Cuarteto Borodin quien, con la aprobación del compositor, hizo orquestaciones de sus cuartetos 3, 4, 8 y 10. La que hizo del Cuarteto Nº. 4 es la que se conoce como Sinfonía de cámara Op. 83ª. Si en la orquestación del tercer cuarteto Barshay mantuvo la estructura de la obra y añadió algunos vientos para hacer énfasis en algunos pasajes, para la del Cuarteto Nº. 4 el violista y director optó por un ensamble más grande con percusión y una participación más activa de los vientos. El cuarteto, que mantiene la estructura clásica, había sido compuesto en 1949, pero se estrenó en 1953 después de la muerte de Stalin, dada la referencia a la música judía que aparece en el último movimiento.
Ching-Po (Paul) Chiang Director invitado • Taiwan
Paul Chiang comenzó a estudiar violín a los cuatro años. Se inclinó por la dirección orquestal porque, a pesar de los retos de las partes de violín, la complejidad de la dirección le brinda un atractivo mayor. Es por eso que combina su carrera de violinista con la de director y productor.
Fotografía: Archivo del artísta
Estuvo encargado de la Orquesta del Festival de Teton de Wyoming en la gira de 1993 por los Estados Unidos, fundó en Taiwán la Philharmonia Moments Musicaux integrada por estudiantes graduados de su país que han salido a perfeccionar sus estudios. En 2002 llamó la atención del público danés con un programa con obras de compositores de ese país en Taiwán y obtuvo un premio en el primer concurso de dirección Antal Dorati de Frankfurt. En 2007 y 2008 estuvo de gira en Europa y desde 2009 es el director asistente de la Orquesta Estatal de Tesalónica. Ha dirigido en México en varias oportunidades.
Edwin Rodríguez Clarinete • Colombia
Integrante de la Orquesta Filarmónica de Bogotá y maestro en las universidades de los Andes y Javeriana. Egresado de las universidades del Tolima y Nacional de Colombia. Estudió en Alemania en la Escuela Superior de Música de Detmold. Ha sido solista frente a la OFB, las sinfónicas Nacional de Colombia, Juvenil, de la Universidad Nacional de Córdoba en Argentina y la Banda Sinfónica Nacional. Como solista ha actuado al lado de los directores Conrad van Alphen, Robin O’Neill, Andrés Orozco-Estrada, Francesco Belli y Eduardo Diazmuñoz.
Fotografía: Kike Barona
Se ha presentado en la Sala Luis Ángel Arango y en los auditorios Fabio Lozano y del Gimnasio Moderno. Ha sido invitado como recitalista y tallerista de Clarisax EAFIT, del Congreso Latinoamericano de Clarinete en Clariperú y es fundador del festival ClariBogotá.
Orquesta Filarmónica de Bogotá Director asistente: Andrés Felipe Jaime • Colombia Violines I Luis Martín Niño Rodríguez (Concertino principal) Mauricio González Velásquez (Concertino alterno) Todor Ivanov Harizanov (Concertino alterno) Marilyn Louise Prasil Blanca Viviana Niño Rodríguez Luz Stella Rojas Robayo Liliana Parra Puerto Martha Romero Sánchez Jorge A. Valencia Casasbuenas Rodrigo Cottier Arce Ángela A. Sierra Ramírez Giuseppe Tejeiro Castiblanco Pablo Hurtado Taborda Douglas Isasis Boada Luis Enrique Barazarte Bastidas Violines II Tzanko Vesselinov Dotchev Olga C. Medina Vergara Mari Luz Monsalve Ospina Lenin L. Lozano Oviedo Víctor M. González Calcetero Daniel Luciano Herrera G. Beatriz Arroyo Sanabria Óscar F. Avendaño Ramírez Carlos A. Benavides Salcedo Julio César Guevara Díaz Juliana María Bello Bautista Luis Antonio Rojas Granada Herminson García Soto Luisa Elena Barroso Cabeza
Violas Aníbal Dos Santos Pestana Esperanza Mosquera Escobar Sandra Arango Calderón Johanna Gutiérrez Páez Guillermo Isaza Fisco Ricardo Hernández Mayorga Robinson J. Ávila Cardona Ligeia Ospina Linero Julián D. Linares Chaves Luz Helena Salazar Amézquita Olga Lucía Hernández Madrigal Violonchelos Camilo Benavides Rey Juan G. Monsalve Ospina Victoria E. Delgado Montoya Andrea Fajardo Moreno Olga L. Ospina Serrano Cecilia Palma Román José Marco Giraldo Mesa Ana Isabel Zorro Leyva Juan Pablo Martínez Sierra Jonathan Paul Lusher Contrabajos Alexandr Sanko Julio C. Rojas Cubillos Mónica Suárez Quiceno Juan Miguel Celis Fajardo Jorge S. Cadena Díaz Julián Gil Cuartas Andrés A. Sánchez Angarita
Flautas Cristian M. Guerrero Rojas Fabio Londoño Ramírez Martha J. Rodas Blanco Luis Pulido Hurtado Oboes Orlín Petrov Petrov Amílkar Villanueva Romero Edna Barreto Soler
Trompetas Georgi Nikolaev Penchev Guillermo Samper Salazar Leonardo Parra Ríos Trombones Néstor Gueorguiev Slavov Luz A. Mosquera Varón Nelson A. Rubio Herrera Virgilio González Barinas
Oboe/Corno inglés Tuba Luz del Pilar Salazar Echeverry Fredy Romero Nieto Clarinetes Guillermo Marín Rodríguez Alcides Jauregui Urbina Ricardo Cañón García Edwin Rodríguez Sarmiento Clarinete/Clarinete bajo Ricardo Cañón García Fagotes Pedro A. Salcedo Rodríguez Eber J. Barbosa Castro Rossemarie Mosquera Escobar
Percusión William León Rodríguez Diana Alexandra Melo Reyes Rossitza Serafimova Petrova Víctor Hugo López Aguirre Santiago Esteban Suárez Rodríguez Arpa Martha Liliana Bonilla Zabala
Fagot/Contrafagot Sandra Duque Hurtado Cornos Jorge A. Mejía Fernández Jhon Kevin López Morales Carlos F. Rubio Rodríguez Gerney Díaz Gómez Miguel Á. Enríquez Burbano Deicy Johana Restrepo Valencia
Jefe de grupo Asistente jefe de grupo
ez
Musicos invitados Violín I Tatiana Bohórquez Ingrid Cardozo Alejandro Luengas
JUNTA DIRECTIVA
Viola Carolina Sánchez Juan Pablo Arango Andreina Cadenas
Enrique Peñalosa Londoño
Violoncello Guadalupe Varela Contrabajo Ricardo Puche Flauta Juan David Gutiérrez Toquica Trombón Carlos Velosa Tuba David Cristancho Trompeta Edgar Calvachi Juan Felipe Lince Percusión Juan Sebastián Sánchez Karen Bravo
Alcalde Mayor de Bogotá D.C.
María Claudia López Sorzano Secretaria de Cultura, Recreación y Deporte
Darío Montenegro Trujillo Gerente Canal Capital
Bruce Mac Master Presidente ANDI
Leo Katz
Empresario
Diego Quintero Múnera
Vicepresidente de Desarrollo Internacional Organización Sanitas Internacional
Sandra Meluk
Directora General
Arpa Emmanuel Rivera Piano Juan Carlos de la Pava
Nadia Campos Ávila - Diseño gráfico Oficina Asesora de Relacionamiento y Comunicaciones OFB Secretaría General - Imprenta Distrital Impresión
Próximamente podrás descargar la app de la Orquesta Filarmónica de Bogotá ¡La OFB contigo y conmigo! ¡Espérala!
Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura
Designada Ciudad Creativa de la UNESCO en 2012
atencionalciudadano@ofb.gov.co info@ofb.gov.co Orquesta Filarmónica de Bogotá Calle 39 bis no. 14-57 PBX. 288 34 66 ext. 163 y ext. 158
filarmonibogota
Las sinfonías y conciertos están conformados por varios segmentos musicales dentro de una misma obra, llamados movimientos que, generalmente, se indican en el programa de mano. Lo adecuado es aplaudir únicamente al finalizar la obra completa y no entre los movimientos. Programación sujeta a cambios
www.ofb.gov.co