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unknown Techno Jazz Fusion POP Goth Rock TRAP y más...

Aphex Twin en MÉXICO en el Centro dinámico Pegaso

Fa rru ko

¿Total Must?

Tyler, the Creator y la paz de IGOR

el nuevo disco de Tyler

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LANZAMIENTOS DE HOY 3 Techno, Jazz FusionPOP, Goth Rock , TRAP y más... 4

ARTISTAS DE HOY FARRUKO 6 ARIANA GRANDE 10 APHEX TWIN 12 Rhye comparte la nueva canción “Needed” de Piano Project Spirit: Listen 14 Tyler, the Creator y la paz de IGOR 16

FESTIVALES Y CONCIERTOS 18 ARTISTAS MEXICANOS INVITADOS LO INVISIBLE DE NUEVO 24

RECOMENDACIONES DEL MES 30

ÍNDICE

H

LAZAMIENTOS

OY

UNKNOWN

THE

NATIONAL

El 3 de septiembre de 2017, el director Mike Mills le envió un correo electrónico a Matt Berninger para presentarse y, en muy poco tiempo, nació el proyecto más ambicioso de la carrera de casi 20 años del Nacional y los planes para unas vacaciones duramente ganadas murieron. El cineasta con sede en Los Ángeles estaba saliendo de su tercer largometraje, 20th Century Women, y estaba interesado en trabajar con la banda en ... algo. Un video tal vez. Berninger, que ya era fanático de las películas de Mills, no solo aceptó colaborar, sino que esencialmente entregó las claves del proceso creativo de la banda.

El resultado es I Am Easy to Find, una película de 24 minutos de Mills protagonizada por Alicia Vikander, y I Am Easy to Find, un álbum de 68 minutos de National. Lo primero no es el video para lo segundo; La última no es la banda sonora de la primera. Los dos proyectos son, como los llama Mills, “Hermanos juguetones hostiles a los que les encanta robarse el uno al otro”: comparten música, palabras, ADN e impulsos y una visión de lo que significa ser humano en 2019, pero no lo hacen. necesariamente se necesitan unos a otros La película fue compuesta como una pieza musical; La música fue ensamblada como una película, por un director de cine. El líder y el punto focal natural se desviaron deliberada y dramáticamente en favor de una variedad de voces femeninas, casi todas las cuales han estado en la órbita del grupo durante mucho tiempo. Es diferente a todo lo que cualquiera de los artistas haya intentado y también totalmente en línea con la forma en que se han creado para gran parte de sus carreras.

A medida que la canción de apertura del álbum, ‘You Had Your Soul With You’, se despliega, hasta el momento es tan nacional: una línea de guitarra manipulada digitalmente, baterías deslumbrantes, el familiar barítono de Berninger, la creciente tensión. Luego, alrededor de las 2:15, la verdadera naturaleza de I Am Easy to Find se anuncia: la raqueta se desploma, las cuerdas se hinchan y la voz de Gail Ann Dorsey, la antigua compañera de banda de David Bowie, se alardea, no como vocales de fondo, no como vocales. Un gancho, pero para hacerse cargo de la canción.

En otros lugares, se trata de la cantante y compositora irlandesa Lisa Hannigan, o Sharon Van Etten, o Mina Tindle o Kate Stables de This Is the Kit, o varias combinaciones de ellas. El Coro Juvenil de Brooklyn, con quien Bryce Dessner había trabajado antes. Hay arreglos corales y cuerdas en casi todas las pistas, en gran parte compuestas por Bryce en París, no una negación de las tendencias dramáticas de la banda, sino una redistribución de ellas.

“Sí, hay muchas mujeres cantando en esto, pero no fue porque ‘Oh, vamos a tener más voces de mujeres”, dice Berninger. “Era más, ‘Vamos a tener más de una trama de identidades de la gente’.

Hubiera sido mejor tener otros cantantes masculinos, pero mi ego no permitiría que eso suceda”.

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Techno Jazz Fusion POP Goth Rock TRAP y más...

BIG | BRAVE

Una mirada entre ellos

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Al igual que ISIS y Neurosis antes que ellos, el grupo de Montreal BIG | BRAVE define la música “pesada” en términos de peso, no de velocidad. Su cuarto álbum, A Gaze Among Them, extiende cinco canciones en 39 minutos, y cada uno de ellos usa sus tiempos de ejecución extendidos para descubrir cada vez más formas de llenar el sonido de cada bolsa de aire disponible. No escuchas a A Gaze Among Them tanto como a sumergirte en ella: las guitarras gemelas de Robin Wattie y Mathieu Ball inundan las canciones con riffs agrupados, parecidos a la lava, y el baterista Loel Campbell elige sus adornos con cuidado. "Esta Verdad ensordecedora" se prolonga durante cinco minutos completos antes de que finalmente suene un bombo, y cuando lo hace, el impacto es devastador. Rattie y Ball parecen más interesados​​ en la textura que en la forma, manteniendo la mayor parte de sus tonos de referencia bajos, expansivos y guturales mientras llenan la atmósfera sobre ellos con gritos de realimentación y trémolo vítreo. La música de este modo deliberadamente sin forma necesita un punto central para unirse, y el grupo tiene uno en la voz notablemente funesta de Wattie. Manda cada canción, a menudo extendiendo una sola nota a lo largo de varias palabras y versos completos, un enfoque que amplifica el efecto hipnótico de la música. En "Muted Shifting of Space", suena como si se estuviera arrastrando con grandes movimientos de un extremo de la canción a la otra, una zombie de ojos muertos condenada a caminar sobre una tierra ennegrecida. Esta es una música grande, sofocante, con un sentido de nihilismo que es casi palpable.

-J. Edward Keyes

Manos ociosas

UNKNOWN control estricto de calidad, su trabajo tiene la exu-

Mana

"Las manos ociosas son el taller del diablo". Así lo declaró mi maestra de escuela dominical en 1997, después de que me sorprendió haciendo garabatos en una de las muchas búsquedas de palabras relacionadas con la ortodoxia griega asignadas para pasar el tiempo más allá de nuestra educación teológica. Tomada literalmente, esta supuesta línea de escritura (que en realidad no está en la Biblia - Google) dice casi todo lo que necesitas saber sobre el nuevo álbum de Portland's Idle Hands: 11 canciones góticas de rock gótico abrasadoras apiladas como arcos del castillo ; lamentos melancólicos, abandono metálico y temas de fantasía oscura que zumban a lo largo de la línea de montaje que Baphomet construyó. Desde la penosa balada de "Dragón, ¿por qué lloras?"

(Grito a Rhaegal, se fue demasiado pronto) al bombeo de puños, el teatro mastodonio de "Hoja y la voluntad", cada pista lleva el signo de la excelencia moribunda . ¡Excelente escucha para tu próximo grupo de estudio de la Biblia!

-Zoe Camp

berancia y la consideración del jazz libre. Uno puede escuchar a los dos rebotando uno contra el otro, juntándose y girando, golpeando a su alrededor y a través de gurgles y espasmos electrónicos.

En este último lanzamiento, los dos agregan otro vector de la vanguardista música de DC: el jefe de la etiqueta de Future Times, Dolo Percussion (Max D, Beautiful Swimmers) con batería en vivo y efectos, trae la vanguardia de la escena de baile de la ciudad del Capitolio. A través de cinco pistas divertidas y juguetonas (sí, "Intro" es en realidad la pieza central), el trío hace su propio mapa, desde el reino espiritual ("Orbital") hasta los placeres terrenales ("Push Thru", que también incluye Boost y M Cherry). ) al espacio exterior ("Sin umbral"). 8 está lleno de la emoción crepitante de los artistas que trabajan juntos para encontrar un estilo creativo único, tan brillante como el relámpago durante una de las tormentas eléctricas diarias de la tarde de un verano de Washington DC. -Jes Skolnik

Kongo Dia Ntotila 360 °

El equipo de jazz con sede en Londres Kongo Dia Ntotila está de vuelta con su segundo álbum, 360 °. El conjunto está formado por músicos tanto del Reino Unido como de la República Democrática del Congo, entre ellos el vocalista Mulele Matondo, el baterista David Lessie, el guitarrista John Kelly, el trompetista Mike Soper y Will Scott en el saxofón. El abridor del álbum, "Kongo" es una pista alegre y alegre que establece el tono para la totalidad del álbum. La canción del título, "360 °", es pesada en la percusión y las trompetas y combina elementos de la música tradicional congoleña en su animado ritmo de jazz libre. Otro de los favoritos es "Faux Boss", que cuenta con voces de Matondo a través de un ritmo alegre y alegre que se burla de los posers del mundo. El 360 ° de Kongo Dia Ntotila es una experiencia musical inmersiva y exuberante que es una necesidad de escuchar.

-Diamante Sharp

Casa modelo 8

Model Home, el dúo de NAPPYNAPPA y Pat Cain, son un equipo en los bordes vanguardistas de sus respectivas escenas; NAPPYNAPPA es un rapero inteligente de la próspera y joven clandestina de DC, mientras que Cain es un artista de video y productor electrónico experimental. Su colaboración ha dado resultados fértiles: este es su octavo lanzamiento en el último año, y si bien es de esperar que un grupo que lance tanto

Polinización Ígneo

En su álbum de debut, el productor y dúo holandés Polynation (Stijn Hosman y Hessel Stuut) intentan traducir las antiguas y no cuestionadas leyes de la naturaleza: evolución y extinción, nacimiento y muerte, regeneración y decadencia, en música electrónica exuberante y pulida que salta de percusión en vivo. con sintetizadores nebulosos a la Hot Chip o Yellow Magic Orchestra. Su misión puede parecer elevada sobre el papel, pero si se pone en práctica, produce resultados naturales y accesibles, especialmente en los cortes más largos; “Toba”, un destacado en particular, comienza sereno, pero se siente abrumado por el miedo a medida que la canción se acerca al horizonte del evento: una inundación de angustia primordial, disfrazada de fácil escucha. Piensa en Igneous como la versión musical de uno de esos dioramas en el museo de historia nacional que muestra cómo se habría visto la Tierra antes de que el meteoro acabara con todo: el crepúsculo que conduce al final inevitable (o al menos una versión de it), atrapada y puesta en escena para que todos la escuchen.

-Zoe Camp

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FARRUKO

Carlos Efren Reyes Rosado (Bayamón, Puerto Rico, 2 de mayo de 1991), mejor conocido por su nombre artístico Farruko, es un cantante puertorriqueño de reggaetón y trap latino.

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Farruko vivió su juventud en Bayamón con la idea de llegar a ser un artista de reggaeton, y se dio a conocer con su primera canción «Sexo fuera del planeta», logrando entrar en la escena, a su vez, llega un acercamiento con el productor puertorriqueño Alex Gargolas ubicandolo en el Intro del disco Los Brothers. Ha colaborado con artistas como José Feliciano, Daddy Yankee, Wisin, Yandel, Don Omar, Sean Paul y Ky-Mani Marley, entre otros mas.

Sus canciones se han filtrado a través de la red, logrando alcanzar altos niveles de popularidad.

Como consecuencia, las principales estaciones de radio de señal abierta no tardaron mucho en interpretar las estadísticas cibernéticas y en breve tiempo estas canciones lograron también ser éxitos de la radio comercial, en Puerto Rico y Latinoamérica.

Carrera Musical 2010-2014: El Talento del Bloque y consolidación como solista En 2010 debutó como solista con su álbum de estudio El talento del bloque, y se dio a conocer con canciones como “Webcam”, “Hola Beba”, “Nena Fichu”, “Pa Romper la Discoteca” junto a Daddy Yankee y Yomo, y “Su hija me gusta” junto a José Feliciano, y también por su participación en la canción Llegamos a la disco junto a Daddy Yankee, Arcangel y De la Ghetto. En 2012, su álbum The Most Powerful Rookie fue nominado como Mejor Álbum de Música Urbana por el Grammy Latino, y su carrera se consolida con canciones como 6 AM” junto a J Balvin (liberada el 15 de octubre de 2013) y “Passion Whine” junto a Sean Paul. El rendimiento de 6 AM fue tal que logró el primer puesto en las

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TOTAL MUST

listas “Latin Rhythm Airplay” y “Tropical Songs” de la revista Billboard. Passion Whine llevó 26 semanas consecutivas en el puesto #10 de la lista Hot Latin Songs, y también dentro del Top20 del Chart Urbano de Monitor Latino en República Dominicana.

En el 2014 realizó un concierto en el Choliseo de Puerto Rico promocionando su nuevo disco Los Menores. De este álbum se desprende el sencillo “Lejos de aquí”, que ha probado ser un éxito entre las audiencias que lo colocaron en el Top20 de Monitor Latino. También alcanzó el puesto #12 en el Hot Latin Songs de la revista Billboard.

En 2015 lanzó su disquera Carbon Fiber Music en la cual forman parte artistas como Alexio La Bestia, Lary Over, Benny Benny, Menor Menor, DM, Mr. Pérez, Milly y anteriormente Sixto

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Rein. Su álbum Visionary se estrenó en octubre de 2015 con un repertorio de nuevas canciones, entre ellas uno de sus éxitos, «Sunset», en el cual participa el cantante Nicky Jam y Shaggy, además de otros sencillos como «Obsesionado», que actualmente cuenta con más de 200 millones de reproducciones en YouTube, y «Chillax» junto a Ky-Mani Marley que alcanzó el puesto #1 en la lista Latin Airplay de la revista Billboard manteniéndose por dos semanas consecutivas.

En 2016 realizó un segundo concierto en el Choliseo de Puerto Rico, organizado por Raphy Pina, en el que hizo un recorrido de sus primeras canciones hasta las más recientes para la época, y figuraron invitados como Daddy Yankee, Yandel, Baby Rasta y Gringo, De la Ghetto, Bryant Myers, Zion y Lennox, J Balvin, Nicky Jam, Arcangel, Tempo, Bad Bunny, Ñengo Flow, Ky-Mani Marley entre otros.

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Ariana Grande-Butera es una actriz, cantante y modelo estadounidense. Nació el 26 de junio de 1993 en Boca Ratón, Florida, y es hija de Edward Butera y Joan Grande.

Ariana también cuenta con nacionalidad italiana y británica.

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Ariana Grande-Butera es una actriz, cantante y modelo estadounidense. Nació el 26 de junio de 1993 en Boca Ratón, Florida, y es hija de Edward Butera y Joan Grande. Ariana también cuenta con nacionalidad italiana y británica.

Para el año 2005, hizo audición para el musical 13 de Broadway con el personaje de Charlotte. Allí logró ganar el primer reconocimiento de su carrera, cuando la National Youth Theatre Association Awards le reconoció el premio a la mejor actriz de reparto, reconociendo su excelente desempeño en el musical.

Tiempo después, Ariana Grande presentó audición para la serie de Nickelodeon, “Victorious”, la cual se empezó a grabar en el año 2008 y fue estrenada el 27 de marzo de 2009, donde la joven interpretó a Cat Valentine.

El 17 de noviembre de 2012, Ariana Grande lanzó al mercado su primer álbum titulado “Yours Truly”, el cual debutó en la primera posición en Billboard 200, garcias a obtener ventas que sobrepasaban las 138 mil copias en su primera semana. Para el 26 de marzo del año 2013, publicó el primer sencillo de su álbum debut, titulado

“The Way”, esta vez con la colaboración del rapero Mac Miller.

La canción alcanzó la novena posición del conteo Billboard Hot 100.43, y también fue certificado con varios discos de platino en Estados Unidos, siendo el primer éxito de la artista.

La lista Billboard 21 Under 21: Music’s Hottest Minors 2013, ubicó a Ariana Grande en la cuarta posición, siendo una de las jóvenes menores de 21 años más atractivas. El 24 de noviembre de ese año, realizó una presentación en los American Music Awards 2014, donde interpretó la canción “Tattoed Heart”.

Publicó su segundo álbum titulado “My Everything” el 25 de agosto de 2014, el cual estuvo en la primera posición del Billboard 200. El álbum fue exitoso y muy bien criticado, siendo un escalón más en la carrera musical de la artista. Uno de los sencillos más exitosos del álbum fue “Problem”, el cual grabó con la

rapera Iggy Azalea y con el que ganó varios discos de platino por la RIAA, y recibió certificaciones de ARIA, IFPI, GLF y RMNZ, entre otros premios.

Un año después, se presentó en los Grammy Awards de 2015 interpretando “Just a Little Bit of Your Heart”, donde obtuvo dos nominaciones. Pasado un tiempo, hizo un homenaje a Stevie Wonder en un concierto especial organizado por los Grammy. También se confirmó que Ariana Grande formaría parte del elenco de la nueva serie de Fox, “Scream Queens”.

El 20 de mayo de 2016, Ariana Grande lanzó al mercado su tercer disco titulado “Dangerous Woman”.

En el año 2017 Ariana saco su 4to disco de estudio titulado “Sweetener” teniendo un gran éxito y alcanzando estar en top 100 durante semanas con sus exitos titulados “Breathin” “The light is coming” y “God is a woman”.

A principios de este año en Febrero Ariana saco su 5to disco y con este mismo anuncio su gira mundial que comenzo a principios de Abril.

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APHEX TWIN EN MÉXICO 12

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No te pierdas la primera vez de Aphex Twin en México el próximo 6 de abril en el Centro Dinámico Pegaso, en Toluca. El dj forma parte del cartel del Ceremonia, en el que también Rosalía hace su debut en el país, Massive Attack, Modeselektor y Kaytranada.

Aquí puedes ver todos los detalles del cartel de este año.

Este es el gran regreso de Aphex Twin a América Latina, pues solo ha tocado una vez en esta parte del continente, cuando dio un concierto en Brasil en 2001. La presentación de Aphex Twin en México es imperdible, pues parecía una lejana posibilidad además de que es reconocido como uno de los representante más importantes de la música electrónica del siglo XXI.

Recientemente el dj lanzó el EP Collapse, que tiene cinco canciones.

Aunque seguramente estará tocando temas de sus trabajos anteriores y que fueron bastante aclamados por la crítica musical, Cheetah y Syro.

Los boletos para el Ceremonia están a la venta en este enlace o en taquillas de Sala Puebla y del auditorio Blackberry. Por el momento, ya se encuentran en fase 3, así que corre por los tuyos; los boletos generales cuestan $1,399 y los VIP, $2,099.

Dónde: Centro Dinámico Pegaso, km 52.5, Toluca Cuándo: 6 de mayo de 2019

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Rhye comparte la nueva canción “Needed” de Piano Project Spirit: Listen El proyecto de ocho pistas presenta a Ólafur Arnalds, Doveman y Dan Wilson de Semisonic

Rhye ha anunciado un proyecto para piano llamado Spirit. Siguiendo a Blood del año pasado, saldrá el 10 de mayo a través de Loma Vista.

“Estas son canciones sobre el amor en mi vida, pero también sobre el amor por el piano traído de vuelta a mi vida”, dijo Mike Milosh de Rhye

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en un comunicado de prensa. Antes de su lanzamiento, él compartió el single “Needed”, que fue co-escrito por Dan Wilson de Semisonic (hicieron “Closing Time”). Escuchar la pista de abajo.

Junto con Wilson, el LP de ocho pistas presenta colaboraciones con

Ólafur Arnalds y Thomas Bartlett de Doveman.

Tras su último lanzamiento, Rhye compartió Blood Remixed. Presentaba trabajos de Little Dragon, Jacques Greene, Moon Boots y más.

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Tyler, the Creator y la paz de IGOR

En medio de la ira y la angustia de una ruptura, el nuevo álbum del rapero encuentra la paz.

Ya sean los Rumours de Fleetwood Mac o el Tapiz de Carole King, algunos de los mejores álbumes de todos los tiempos se han desatado, y el intento de lograr la catarsis en lugar de ahogarse en la oscuridad. Otros clásicos que se ocupan de la angustia romántica, como Hear My Dear de Marvin Gaye o 808s y Heartbreak de Kanye West, están más preocupados por liberar la amargura hacia un ex que por alcanzar cualquier tipo de paz interior, utilizando la ira como una especie de auto terapia. Tyler, el nuevo álbum del Creador, IGOR, se encuentra en algún lugar en el medio.

IGOR es un álbum lleno de texturas densas y florece de belleza trascendente (la transición del caos a la serenidad en "Whats GOOD", por ejemplo, es básicamente para lo que se inventó el botón de rebobinado).

Sónicamente, se siente como Tyler, el Creador ha alcanzado otro nivel como compositor, como Brian Wilson cuando siguió a Pet Sounds with Smile. Temáticamente, se trata de amar a alguien que no puede amarte, y por qué es una respuesta válida a ambos por mucho tiempo para ellos (en "Running Out of Time", un desesperado Tyler croar sobre "Runnin 'out of time para hacerte amame ”) y desearía que murieran (el amor se convierte a pesar de" A Boy Is A Gun ", que recupera la exuberante ternura del álbum anterior Flower Boy resalta" See You Again "y lo lleva a un lugar mucho más amargo con el cortando letras, "La ironía es que no quiero verte otra vez / Mantente lejos de mí").

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CONCIERTOS Y FESTIVALES

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Domination México

Frank Iero -

2 de mayo El ex guitarrista de My Chemical Romance, Frank Iero, regresará a la Ciudad de México con su nueva banda, The Future Violents para interpretar canciones de sus álbumes Stomachaches y Parachutes. El concierto será en SALA Puebla el 2 de mayo. ¡No te pierdas la oportunidad de ver a Iero en un escenario íntimo!

3 y 4 de mayo Un nuevo festival de metal y punk está por llegar a la CDMX: Domination México. En su primera edición lanzarán la casa por la ventana con un cartel que incluye a Kiss (en su gira de despedida), Alice Cooper, Limp Bizkit, Dream Theater, Apocalyptica, Lamb of God, Dead Kennedys, Here Comes The Kraken, Dolor de Huevso y mucho talento más. La cita es el próximo 3 y 4 de mayo en el Autódromo Hermanos Rodríguez.

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Phoenix

6, 7 y 9 de mayo La banda francesa sigue promocionando su más reciente álbum, Ti Amo, con residencias especiales en los lugares que consideran un segundo hogar. México no podía ser la excepción y estarán el 6,7 y 9 de mayo en el escenario del Plaza Condesa para hacernos bailar y llorar.

Kimbra

Twenty One Pilots 3 y 6 de mayo El dúo norteamericano se presentará en México como parte de la segunda etapa de su Bandito Tour, con la que ya agotaron fechas en EUA y piensan repetir el éxito en Europa, Oceanía y por supesuto, América Latina. Los dos conciertos que ofrecerán en México son:

9 de mayo Además de su presentación en la segunda edición del Corona Capital Guadalajara, la cantante neozelandeza ganadora del GRAMMY, Kibra, se presentará en solitario en la CDMX el 9 de mayo, con un íntimo concierto en SALA.

3 de mayo - Palacio de los Deportes, CDMX. 6 de mayo - Arena VFG, Guadalajara, Jalisco

CONCIERTOS Y FESTIVALES

Graveyard 10, 11 y 12 de mayo La banda sueca de rock pesado y stoner, Graveyard, hará tres presnetaciones en México antes de lanzarse a una gira por Sudamérica. En esta ocasión, además de interpretar clásicos de su discografía, presentarán temas de su más reciente álbum, Peace. Los conciertos de Graveyard en Méxcio 2019 son: 10 de mayo - Foro Independencia, Guadalajara 11 de mayo - Café Iguana, Monterrey 12 de mayo - Foro Indie Rocks!, CDMX

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CONCIERTOS Y FESTIVALES

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UNKNOWN Chromeo - 13 de mayo

Corona Capital Guadalajara

11 de mayo Por segundo año consectutivo se llevará a cabo el Corona Capital en la capital de Jalisco. Este año el cartel integra a esperadas bandas por el público mexicano, como Tame Imapala, Yeah Yeah Yeahs, Of Montreal, Chromeo y Goo Goo Dolls. También estarán The Chemical Brothers, OMD, Rhye y Of Montreal, entre otros. La cita es el 11 de mayo en la explanada del Estadio Akron, en Guadalajara, Jalisco.

13 de mayo El dúo canadiende se electro-funk, visitará la capital del país después de su presentación en el Corona Capital Guadalajara 2019.

La banda llegará con temas de Head Over Heels, su más reciente álbum. El concierto se llevará a cabo el lunes 13 de mayo en El Plaza Condesa en CDMX.

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Goo Goo Dolls

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13 de mayo Además de su presentación en el Corona Capital Guadalajara 2019, la banda estadounidense conocida por su balada rock Iris, se presentará en solitario en el Pepsi Center de la Ciudad de México el próximo 13 de mayo. No te pierdas de corear todos los temas de su álbum Dizzy Up The Girl.

White Lies 15 y 16 de mayo El trío británico de post punk regresa una vez más a México para complacer a sus seguidores.

Esta vez llegan para promocionar su quinto álbum de estudio, FIVE. Los conciertos serán en el Plaza Condesa de la CDMX el 15 y 16 de mayo. En este escenario, la banda ya ha dado muestra de su energía, así que es un evento que no te puedes perder.

Rhye 17 de mayo Después de una exitosa presentación en México a principios de 2018 y por demanda popular, la banda liderada por Michael Milosh regresa a los escenarios mexas para presentarse el 17 de mayo en el Plaza Condesa.

Pulso GNP 2019

18 de mayo La segunda edición del festival queretense, Pulso GNP, incluye en su line up a talento nacional e internacional que pondrá a vibrar al bajío con bandas como Interpol, Caifanes, Wolfmother, White Lies, Los Auténticos Decadentes, Mi Banda El Mexicano, LNG SHT, Los Blenders y muchos más. El festival es el próximo sábado 18 de mayo de 2019 en el Antiguo Aeropuerto de Querétaro, Querétaro.

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LO INVISIBLE, DE NUEVO. Como parte del ciclo Atonal, el próximo 2 de mayo se presentará ‘Lo invisible’, la obra más reciente de Federico Sánchez; “quería la producciòn algo muy primitivo, muy crudo”, dice el compositor sobre la pieza coral, que debutó el año pasado en el Ex Teresa

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“Lo había pensado pero no de forma tan clara. La obra se llama- Lo invisible porque creo que la voz es lo primero que te transporta hacia aspectos intangibles.”

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El próximo 2 de mayo, a las 19 horas, vuelve a presentarse Lo invisible, la obra más reciente de Federico Sánchez, como parte del ciclo Atonal, organizado por la Ibero y el Centro de Exploración y Pensamiento Crítico (la dirección: Av. Revolución 1291, Col. Los Alpes). La pieza coral se estrenó hace un año en el museo Ex Teresa; esta crónica se publicó originalmente en el número 134 de la edición impresa de La Tempestad (mayo de 2018).

El 28 de marzo de 2018, Federico Sánchez estrenó su EP más reciente: Lo invisible, en el museo Ex Teresa del Centro Histórico de la Ciudad de México, como parte del ciclo Conciertos Arquitectónicos XT. La fecha (un miércoles de Semana Santa) y el proyecto de un músico joven, con una obra interesante pero aún en desarrollo, hacían difícil prever la cantidad de gente que terminó por asistir al museo, al punto de que muchas personas debieron escuchar el recital desde afuera.

Más allá del éxito de asistencia se respiraba en el aire la sensación de estar acudiendo a una especie de evento histórico: no por su escala, mucho menos por su resonancia mediática, sino por sus virtudes estéticas.

Primero, por el viraje estilístico de Federico Sánchez: desde los terrenos del jazz y el rock a los de la experimentación vocal y el noise (si bien una obra como The Damaged Love the Damaged, de finales de 2017, anticipaba algo de esa transformación, no alcanza las cimas de Lo invisible), lo que representaba un salto poco común en el escenario musical mexicano. Después, por la peculiar estructura de la obra,

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construida en esta ocasión con once cantantes: Iraida Noriega, Jenny Beaujean, Ingrid Beaujean, Eugénie Jobin, Roxana Solano, Luz Varela, Laura Velasco, Thea Zmijewska, Leika Mochán, Georgina Equihua y Gabrielle Harnois Blouin –un abanico de varias generaciones y estilos, con exponentes de una trayectoria de largo aliento, otras nóveles, pero todas en tejido común. Por último, por el diálogo entre obra y lugar, con connotaciones, casi por inercia, religiosas. Como si en la resonancia física de las paredes altas del convento, amplificando las voces y ocupando hasta el último metro del recinto, cupiera también una resonancia conceptual: si hay un grupo de mujeres cantando al unísono, debe tratarse de una pieza con intenciones, al menos, espirituales.

Así lo explica Federico Sánchez: “Lo había pensado pero no de forma tan clara. La obra se llama Lo invisible porque

creo que la voz es lo primero que te transporta hacia aspectos intangibles. Quería que se produjera algo muy primitivo, muy crudo. De alguna forma ahí cabe una concepción de lo religioso, al religarte con cuestiones existenciales, por ejemplo”. Las reacciones de las audiencias también apuntaban hacia ese terreno: los escuchas involuntarios de los ensayos –es decir, los turistas que visitaban el Ex Teresa a mediodía y terminaban por encontrarse con un coro– pasaban, se detenían un momento, se tomaban una selfie y se iban: como esto era una iglesia, parecían pensar, este coro es hasta cierto punto normal, no una extravagancia. En otro ensayo incluso irrumpió una monja. “¿Qué habrá pensado?”, me pregunta Federico, “¿que esto era música sacra o que era una herejía? Hay pasajes disonantes, que remiten a aquello del diabolus in musica”. Sucedía lo mismo con los escuchas voluntarios, es decir, los asistentes al concierto: sentados y con los ojos cerrados, parecían meditar, buscar con la ayuda del sonido un pasaje hacia su interioridad más íntima. Las propias cantantes, como

Thea Zmijewska, me describían la experiencia como mística.

Todos estos factores juntos terminaban por trazar la singularidad del evento. Si la obra grabada ya era de por sí destacada, su traslado a un espacio físico, a ese espacio físico, podía convertirla en una ocasión irrepetible. “Pienso el disco como una especie de statement, pero no me gustaría que se quedara ahí. Mi ideal es que cada concierto sea especial por las condiciones acústicas del lugar donde se desarrolle”. Esa sensación, en resumen, se respiraba en el aire.

Realicé las siguientes preguntas tras el segundo ensayo en el Ex Teresa.

Un ensayo al que sólo acudieron cuatro cantantes, muestra de la dificultad para gestionar una pieza de estas características sin mayores apoyos materiales. El siguiente ensayo, realizado un domingo en casa de una de las participantes, contó con el ensamble completo pero a pocos días del estreno. Todas las intérpretes conocían y practicaban la pieza por su cuenta desde hacía tiempo, pero el proceso entero de

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ensayos debió desarrollarse de este modo: en medio de un terreno un tanto inestable pero también con una latencia especial, con la frescura de lo que no está perfectamente ensamblado. Y es que Lo invisible contiene pasajes que requieren de una sincronización puntual, y otros de mayor libertad interpretativa, donde cada cantante desarrolla técnicas vocales propias en recorridos autónomos por el espacio. A Sánchez, de cualquier forma, lo veía muy tranquilo, comprensivo con la dificultad de una u otra intérprete para acudir a tal o cual ensayo pero, al mismo tiempo, con la expectativa de lo que aquella latencia terminaría por otorgar.

“Estoy en una posición muy privilegiada”, apuntó cuando le comenté que gran parte de su tarea en el desarrollo de la pieza parece limitarse a la del escucha. “Hay una pieza en específico [el segundo corte del EP] que emula un delay, una especie de delay humano; hacerlo implica un reto técnico: lograr generar un desfase natural. Mientras ellas buscan la manera de lograrlo, yo simplemente estoy en medio, gozando de la multifonía”.

La primera presentación en vivo de Lo invisible, de cualquier forma, entrega momentos únicos: el difícil balance entre la visión compositiva de un músico y la libertad interpretativa de un gran ensamble –aunque también podría decirse: el difícil balance de la singularidad (no sólo la de Federico Sánchez, sino la de cada una de las cantantes) y lo colectivo (aquí no sólo representado por el ensamble, sino por una audiencia que terminaría por reconfigurar las características mismas del concierto).

La confirmación, pero al mismo tiempo la complejización, de aquellos conceptos de lo espiritual y de lo religioso: y es que no sólo habría que preguntarse por lo que pasaba por la cabeza y la psique de una monja, un extremo casi caricaturesco del problema, sino por lo que sucedía en cada individuo presente en el convento. Y la pregunta por la propia invisibilidad –en un concierto que además se desarrolló casi en penumbras–, representada por un par de ciegos que a mitad del concierto se pararon, caminaron entre los asistentes y dieron un difícil rodeo por el lugar, como tratando de asir esa sustancia material que a todos se nos escapaba entre las manos.

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RECOMENDACIONES

DEL MES

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WICKED DREAMS - RHYE MONOPOLY - ARIANA GRANDE PA JAMAICA - FARRUKO BORDERLINE - TAME IMPALA NERVOUS - BADBADNOTGOOD ViiBEs II - CHELSEA REJECT THE OCEAN - LED ZEPELLIN ETERNAL- HOLY HERNDON HP - MALUMA CAÍ - FEDERICO SANCHEZ UH- FUJIYA & MIYAGI

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