Arte Cinético - Paola y Marisol

Universidad Veritas

Diseño II

Trabajo de Investigación: “Arte cinético”

Paola Rivera Marisol Tinoco

2010

Arte cinético

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Índice Introducción……………………………………………………………………….……...3 Arte cinético……………………………………………………………………….……..4 Arte óptico………………………………………………………………………….…….4 Julie Le Parc……………………………………………………………………….……..5 Jesús Rafael Soto………………………………………………………………….……5-7 Jean Tinguely…………………………………………………………………………...7-8 Yaacov Agam…………………………………………………………………………..8-9 Carlos Cruz-Díez………………………………………………………………………….9 Vasarely…………………………………………………………………………..…...10-11 Alexander Calder (móviles)...………………………………………………………….11-12 Conclusión………………………………………………………………………………..13 Bibliografía……………………………………………………………………………….14 Mapa conceptual………………………………………………………………………….15

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En este trabajo vamos a ver en que consiste el arte cinético y el óptico, entender mediante explicaciones y ejemplos, asimismo de como ha ido evolucionando a través del paso de los años.

Hablaremos acerca de sus principales representantes y analizarlos; es decir su vida, obra, estudios, de cómo realizaron sus trabajos más importantes y como se inspiraron o que los influenció.

También diremos de porqué hoy en día son elementales para nuestro conocimiento en general y sobre todo para los diseñadores y los futuros diseñadores, y por supuesto para los conocedores del arte.

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Arte cinético El arte cinético es una corriente de arte en el cual las obras tienen movimiento o parecen que lo tienen.

El arte cinético y el arte óptico están basadas en la estética del movimiento y están representados en el campo de la escultura donde los recursos son móviles de la obras.

El arte cinético se fundamenta en las ilusiones ópticas, vibraciones de retina y en la imposibilidad o dificultad de nuetro ojo de mirar simultáneamente dos superficies coloreadas violentamente contrastadas.

Las primeras manifestaciones de arte cinético se dan en el año 1910 con las obras de Marcel Duchamp.

Alexander Calder es el inventor del móvil, tipo de escultura formada por alambre y pequeñas puezas de metal suspendidas que son movidas por el aire.

La expresión arte cinético es adoptada hacia 1954, para designar las obras de arte puestas en movimiento por el viento, los espectadores o un mecanismo motorizado.

El arte cinético fue una corriente muy popular desde la mitad de los años 60 hasta mediados de los 70 Epoca en donde las pinturas y las esculturas contemporáneas creadas para producir una impresión de movimiento.

Arte Óptico Es un movimiento pictórico nacido en Estados Unidos en 1958, y es conocido en ingles como Op Art. El arte óptico es una corriente artística abstracta, compuesta de fenómenos pictóricos ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo del humano mediante ilusiones ópticas.

Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro, arte óptico se vasa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales.

Surge como una derivación de la abstracción geométrica.

Las obras del Arte Óptico se relacionan con el espectador provocando un efecto de movimiento virtual mediante interactúan con el espectador provocando una sensación de movimiento virtual mediante los resultados de ilusión óptica, y eso le da una respuesta dinámica del ojo y una reacción psicológica derivada de sus apariencia

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Julie Le Parc Escultor y pintor argentino nació en Mendoza en 1928.

En 1942 se mudo a Buenos Aires y en 1943 ingreso a la Escuela Nacional de Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón .

En 1958 es becado por el gobierno francés y se va a Paris.

En 1960 funda el GRAV( Grupo de Investigación de Arte Visual) En 1966 realizó su primera exposición privada en la galería de arte Sage de Howard (Nueva York) pocos meses luego, en el mismo año, obtuvo el primer premio de la Bienal de Venecia; En 1967 expuso una de sus principales obras (Desplazamientos) en el Instituto Di Tella de la ciudad de Buenos Aires Julio Le Parc se inscribe en el denominado arte cinético que se iniciara en los años veinte, el espectador encuentra en ella mucho más que artificiosos juegos visuales, mucho más que formas técnicamente impecables, caleidoscópicas, cuya única intención sería la de provocarnos una sensación de maravilla o de asombro.

Julio Le Parc indaga en los múltiples, casi infinitos, aspectos de una realidad determinada.

Cualquier objeto (una soga, un lazo, por ejemplo) está constituido por millares de hilos o filamentos, y es resaltado por la óptica del artista creador en cada una de sus hebras que se contraponen de manera intrincada para formar y descomponer visualmente el objeto.

Es esa visión de la compleja realidad circundante lo que atrae el ojo del observador y lo que lo hace alejarse y acercarse a la obra.

Mader, metal, acero cromado, cuerdas de poliamida, fuentes de luz.

Jesus Rafael Soto  Nombre real

Jesús Rafael Soto

 Nacimiento

5 de junio de 1923 Ciudad Bolívar

 Fallecimiento

14 de febrero de 2005 (81 años) París

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 Nacionalidad

Venezolana

 Área

Op Art, Artes plásticas, Arte cinético

 Educación

Escuela de Artes en Caracas donde conoce a Carlos Cruz-Díez

 Obras destacadas

La Perla del Caribe, La Esfera Soto

 Premios

Museo Jesús Soto

En sus primeras obras se acusa la influencia de Paul Cézanne y el gusto por la geometrización de las formas en los paisajes (Paisaje de Maracaibo, 1949) naturalezas muertas, retratos (La dama griega, 1949), pero con su traslado a París, donde toma contacto con las vanguardias y estudia a Malevitch y Mondrian, evoluciona hacia una abstracción geométrica.

Las primeras obras parisinas resultan de su preocupación por crear superficies de dinamismo visual en base al color, la forma geométrica y la ambigüedad forma-fondo. A partir de 1953 realiza los primeros trabajos de cinetismo virtual, efecto obtenido tras separar el fondo y la forma: la primera sobre una placa transparente de plexiglás y la segunda sobre una placa de madera colocada a 10cm y ambas fijadas con varillas metálicas.

De esos años son: La cajita de Villanueva (1955) y Espiral con plexiglás (1955). En 1955 junto a Agam, Tinguely y Pol Bury, formula en sus trabajos los principios del cinetismo.

En principio trata el espacio como materia plástica y más tarde incorpora a sus piezas elementos de desecho que combina con tramas geométricas (Cubos ambiguos, 1958).

A finales de la década de 1950 crea las primeras obras vibrantes y la serie Esculturas, a base de varillas que cuelgan de hilos de nylon frente a un fondo trama, con un movimiento natural que, combinado con la percepción del espectador al moverse frente a la obra, producen el efecto cinético. Profundizando en esta línea consigue incorporar totalmente al espectador en la obra a través de los Penetrables.

Realizó también algunas obras públicas como los murales del edificio de la UNESCO en París, 1970. A partir de esta fecha realizó distintas estructuras cinéticas integradas en la arquitectura: Hall de la fábrica Renault de BoulogneBillancourt (1975), Volumen suspendido en el Centro Banaven de Caracas (1979), Volumen virtual en el Centro Pompidou de París (1987). En la década de 1980 vuelve a estudiar la ambivalencia del color sobre el plano, según los Arte cinético

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principios de Wassily Kandinsky y de la última etapa de Mondrian, a través de cuadros de diferentes formatos sobre una trama blanca y negra (Rojo central, 1980). Un trabajo de Soto adorna el techo del salón principal del Teatro Teresa Carreño, en Caracas, y otro, una parte del interior de la estación Chacaito del Metro de Caracas. Este último se extiende hasta el exterior de la estación y se puede ver desde la superficie, en la Plaza Brión de Chacaíto.

“La Esfera Soto”, se encuentra en la Autopista Francisco Fajardo, la cual fue recientemente reconstruida.

Uno de los grandes logros de Soto fue convertir al espectador de la obra en sujeto activo, debido a la movilidad de la imagen envuelta en la materia creada por el artista. La visualización del movimiento y la luz constituyeron las principales motivaciones de su obra.

En su honor, el gobierno de Venezuela inauguró el Museo Jesús Soto en Ciudad Bolívar en 1973.

Jean Tinguely  Nacimiento

22 de mayo de 1925 en Friburgo

 Fallecimiento

30 de agosto de 1991 en Berna

 Nacionalidad

Suiza

 Área

Pintura, escultura

Es conocido por sus máquinas escultura o arte cinético, entroncado en la tradición Dada; conocido oficialmente como metamecánica. Por medio de su arte Tinguely se burló de la sobreproducción sin sentido de bienes materiales por parte de la sociedad industrial avanzada.

Tinguely creció en Basilea, pero se fue a Francia muy joven para desarrollar su carrera artística. Perteneció al movimiento de “Avantgarde parisino” de mediados del siglo 20 y fue uno de los artistas que firmó el manifiesto Neorealista en 1960.

Su obra más famosa es una escultura que se autodestruye, llamada Homenaje a Nueva York (1960), se autodestruyó en forma parcial en el Museo de Arte Moderno de esta ciudad, aunque su obra posterior, Estudio No.2 para un fin del mundo (1962), detonó en forma exitosa enfrente Arte cinético

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de una audiencia que se reunió en el desierto en cercanías de Las Vegas.

Obras:  

El cíclope en el exterior de Milly-la-Forêt.

Fuente Stravinsky (o Fuente de los autómatas) cerca del Centre Pompidou, París (1982), en colaboración con Niki de Saint Phalle  Fuente Tinguely (1977) en Basilea  Fuente Salvavidas en Königstrasse en Duisburg, Alemania, en colaboración con Niki de Saint Phalle Fuente Jo Siffert (comunmente llamada Fuente Tinguely), Friburgo, Suiza Yaacov Agam Su obra se caracteriza por la interactividad que existe entre artista y espectador ya que su obra se destaca por la interactividad que existe entre artista y espectador ya que las obras de  Nacimiento

Rishon LeZion, Israel, 11 de mayo de 1928

 Educación

Escuela de Artes y Oficios de Bezalel y Academia de Arte Abstracto de París.

Arte cinético, plástico y escultor israelí.

 Área

Agam acostumbran a tener una pantalla y pequeñas perforaciones por las cuales la obra se ve de diferentes maneras de acuerdo al enfoque de quien mira su arte. Por otro lado, sus esculturas son generalmente de acero inoxidable y poseen grandes dimensiones.

En 1950 hizo su primera obra cinética, 3 años más tarde expuso por primera vez y en 1955 fue uno de los partícipes de la primera muestra inter nacional del arte en París.

La sorpresa que generó en el mundo del arte hizo que reparticiones públicas y asociaciones de bien le solicitaran su trabajo para sus instalaciones como el Centro de Congresos de Jerusalén y la escultura que se encuentra en la Juilliard School of Music de Nueva York.

Dentro de la asombrosa variedad de su producción pueden mencionarse trabajos como Signes pour un langage (1953) vendida al pintor Max Ernst , Double Metamorphosis II, adquirida por el MOMA de Nueva York, o Visual Music Orchestration , que mereció el Gran Premio de la Artech Bienal en Nagoya, Japon (1989).

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Exposiciones individuales 1972: Museo de Arte Moderno 1980: Guggenheim Museum de 1997: Fundacion Arte y Tecnologia de Telefonica en España.

de Nueva

seleccionadas Paris.

York.

Carlos Cruz-Díez Carlos Cruz-Diez es uno de los máximos representantes del arte óptico a nivel mundial.

Nació en Venezuela en 1923. Junto con Jesús Soto, Alejandro Otero y Juvenal Ravelo, conforma el movimiento cinético de Venezuela.

Estudio en la escuela de Bellas Artes de Caracas, donde también fue el prfoser de Historia de Artes, y profesor de de pintura.

Enseñó técnicas cinéticas en la Escuela Superior de Bellas Artes, en París.

Es presidente de la Fundación del Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Díez, en Caracas.

Carlos Cruz Diez ejerció como profesor en la Escuela Superior de Bellas Artes y Técnicas Cinéticas, de París.

De 1986 a 1993 es profesor titular del Instituto Internacional de Estudios Avanzados, en Caracas.

Obra de Arte en el Salón Simón Bolívar del Centro de Acción Social por la Música, Caracas.

El Aeropuerto de Maiquetía- Pisos obra de Cruz Diez

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Vasarely  Nacimiento

Pécs, Hungría, 9 de abril de 1908

 Fallecimiento

15 de marzo de 1997

Comenzó a estudiar medicina en Hungría, luego se interesó por el arte abstracto pero también por la astronomía.

Se ha considerado a menudo como el padre del Op Art. Se muda a París a principios de 1930 y ahí trabajó como grafista. En esta ciudad desarrolla su primer trabajo mayor “Zebra”, que se considera actualmente como la primera obra de Op art. Durante las 2 décadas siguientes, Vasarely desarrolló un modelo propio de arte abstracto geométrico, con efectos ópticos de movimiento, ambigüedad de formas y perspectivas e imágenes inestables. Empleó diversos materiales pero usando una cantidad mínima de formas y de colores. Tenía consideración por la pintura mesurada, reposada, racional y serena (redes, tramas).

A pesar de esta aparente monotonía, tiene una evolución y diversas etapas en su producción artística:     

Darle a sus experiencias artísticas una base exacta, científica y teórica.

1929-1939: trabajos publicitario con efectos ópticos 1939-1948: Período menstrual:, investigaciones previas al Op Art. 1948: Abstracción cinética 1948- 1958: Período blanco y negro, los considera los mejores colores para trascender a través de la fotografía, y porque son los mejores para conseguir el efecto post- retiniano.

Hay 3 tipos de obras: 1. Fotografismos: fotografías y dibujos que amplía 2. Profundas cinéticas: sobre plástico (plexiglás) en planchas pintadas y yuxtapuestas dejando una pequeña distancia.

3. Unidades plásticas blancas y negras: cuadrado, rombo, círculo y elipse.  

1959-1964: Folklore planetario 1964: Homenaje al Hexágono

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Último período: Período de las series, C.T.A: nombre de las ondas que producen los planetas y estrellas, círculos y colores plata, oro y sombreados.

En 1976 crea un centro de investigación arquitectónica en Aix-en-Provence y 2 museos "didácticos" Vasarely, en Gordes adonde fue llevado por Jean Deyrolle (1970) y en Hungría en Pécs (1976).

El museo Vasarely en Hungría contiene una importante colección de sus obras, así como de otros muchos artistas de origen húngaro que han trabajado en el extranjero. Es el padre del artista Yvaral, autor de obras de ese mismo estilo.

Alexander Calder (móviles)  Nacimiento

22 de julio de 1898 en Lawnton, Pensilvania

 Fallecimiento

11 de noviembre de 1976, Nueva York

 Nacionalidad

Estadounidense

 Área

Escultura

Estudió ingeniería mecánica y en el año 1872, asistió a la Liga de Estudiantes de Arte de Los Ángeles, donde fue influenciado por artistas de la escuela Harry P. En 1885, contribuyó con ilustraciones para la revista National Police Gazette.

En 1919 obtuvo el título de ingeniero en el Instituto Stevens de Tecnología.

En 1923 ingresó en la Asociación de Estudiantes de Arte de Nueva York y en el otoño de 1926 se instaló en París.

En 1926, se marchó a París y comenzó a crear figuras de animales de madera y alambre; de aquí fue que desarrolló sus famosas miniaturas circenses.

En 1930 se hizo célebre en París y los Estados Unidos por sus esculturas de alambre, al igual que por sus retratos, sus bosquejos de línea continua y sus abstractas construcciones motorizadas.

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Es mejor conocido como el inventor del móvil o “chupin”. También elaboró obras esculturales inmóviles, conocidas como “stabiles”. Aunque los primeros chupines y stabiles de Calder fueron relativamente pequeños, poco a poco fue dirigiéndose hacia la monumentalidad en sus trabajos posteriores. Este gran hombre del arte contemporáneo tuvo mucho éxito y ganó dinero con sus esculturas.

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Al haber realizado esta investigación acerca del arte cinético, aprendimos bastante porque gracias a ello en el presente y en un futuro, esas personas tan brillantes posiblemente nos podrán servir de influencia para nosotros a la hora de realizar un trabajo, al igual que otras personas les sirvieron a ellos de inspiración.

Bueno en realidad no sólo eso, sino también nos gustó mucho absolutamente todas las obras que estos hombres realizaron, ya sea sus inventos, dibujos, máquinas, los móviles de Calder, etc., debido a como explotaron esa gran creatividad que tenían en todo el sentido de la palabra, inclusivo de los colores que utilizaron.

Lo que más nos llamó la atención es que el arte cinético y el óptico están relacionados porque ambos están basados en el movimiento y en la ilusión óptica pero se diferencian en los materiales con los que se crean. Pero sea como sea, es decir si es dibujo o alguna estructura, lo importante es ese abstraccionismo y ese efecto que produce a nuestra vista y sobre todo tenerle esa admiración porque esto realmente es un buen arte.

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Bibliografía

 http://www.masdearte.com/index.php?option=com_content&view=article&id=7847&It emid=8  http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_cin%C3%A9tico  http://www.epdlp.com/pintor.php?id=2991  http://es.wikipedia.org/wiki/Julio_Le_Parc  http://es.wikipedia.org/wiki/Jean_Tinguely  http://www.cruz-diez.com/espanol/index.htm  http://www.epdlp.com/pintor.php?id=203  http://es.wikipedia.org/wiki/Yaacov_Agam  http://www.epdlp.com/pintor.php?id=2793

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Mapa conceptual

Arte

Cinético

Óptico

Bidimensional

Tridimensional

Movimiento e ilusión óptica.

Representantes

-Julie Le Parc -Jesus Rafael Soto -Jean Tinguely -Yaacov Agam -Carlos Cruz-Díez Vasarely -Alexander Calder

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