Parking - Revista Cultural by Parabólicos

SECCIÓN

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Jose Antonio Marina

Julio Cortázar

Imogen Cunningham

Jaume Plensa

Juan Muñoz

Wim Wenders

Mayo 2017

Margaret Bourke-White

Umberto Eco

Rafael Moneo

Philip Glass

Ellen Lupton

Lula Lukova

Sybilla

Sumario

¿Qué es Parking?

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Guía a la música de Philip Glass PHILIP GLASS’ MUSIC GUIDE

Algunas de sus últimas obras me hace encoger los dedos de los pies, pero no se puede negar la gran importancia de las composiciones de Glass con su única combinación de experimentalismo y cercanía al oyente. Lo intento, de verdad. Pero no puedo escuchar ninguna de las sinfonías de Philip Glass, y existen 10 poderosas sinfonías ahora mismo, además de la grandilocuente rimbombancia, los giros de notas que nublan la mente y el tempo casi matemático de sus composiciones. Muchos de vosotros, sin duda, no estarán de acuerdo conmigo, ya que para miles de usuarios para los que las sinfonías de Glass significan algo importante. Pero todo lo que encuentro en la Novena de Glass es una combinación insípida de Vamp Till Ready subyacente inflado mediante pseudo-sinfonías retóricas y orquestaciones mejoradas hasta que llega a algo realmente insatisfactorio. Una sinfonía artificialmente embolsada que suena como que ha sobredosis en implantes musicales sintéticos. Cuanto más grita la música, más grande y más fuerte se obtiene (intente el segundo movimiento de 20 minutos para escuchar un ejemplo de lo que estoy hablando), y cuanto más se repite su material armónico simple, más cringingly, redundante vació el Todo se convierte en algo. Desde luego, las sinfonías de Glass tienen campeones importantes, como los directores Dennis Russell Davies y Marin Alsop, así como John Adams, que dirigió la Novena a principios de este año. Pero lo que sí importa es cómo Glass y su música llegaron aquí porque, en su 76 aniversario, Glass es posiblemente el compositor más influyente en toda la gama del mundo musical, desde las partituras

Some of his later music makes my toes curl, but there’s no denying the huge importance of Glass’s compositions with their unique combination of experimentalism and listener-friendliness I’m trying, I really am. But I can’t hear anything in Philip Glass’s symphonies – and there are now a mighty 10 of them at the time of writing – apart from windily grandiose bombast, mind-numbing note-spinning, and time-filling composing-by-numbers. Many of you will no doubt violently disagree with me, since there are thousands of listeners out there for whom Glass’s symphonies mean something important. But all I can find in Glass’s Ninth (the whole piece is here) is a vapid combination of vamp-till-ready underscore inflated through the means of pseudo-symphonic rhetoric and souped-up orchestration until it blows up into something actually unpleasant, an artificially pumped-up symphony that sounds like it has overdosed on synthetic musical implants. The more the music shouts, the bigger and louder it gets (try the 20-minute second movement to hear an example of what I’m talking about), and the more its simple harmonic material is repeated, the more cringingly, emptily redundant the whole thing becomes. Now, it matters not a jot how much it makes my toes curl, of course, since Glass’s symphonies have important champions, such as conductors Dennis Russell Davies and Marin Alsop, as well as John Adams, who conducted the Ninth earlier this year. But what does matter is how Glass and his music got here because, in his 76th year, Glass is arguably the most influential composer across the whole range of the musical world, from film scores to music theatre, from

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cinematográficas hasta el teatro musical, desde el rock y el pop hasta la nueva música, De ninguno de los compositores de esta serie hasta ahora - aún más que Steve Reich. Y eso es porque la música que Glass hizo en Nueva York en los años 60 y 70 tuvo una combinación de experimentalismo, amistad con el oyente y potencial de explotación comercial que ninguno de sus contemporáneos jamás igualó. Así que para quitar el recuerdo de ese Noveno de tu sistema (al menos, si eres como yo), he aquí una dosis de limpieza de algo auténticamente importante, desde un momento en que Glass y su conjunto estaban haciendo los lofts de Manhattan uno de Los centros del mundo musical: la apertura de su música en 12 partes. Como la música de Steve Reich para 18 músicos, este es uno de los cambios de juego más significativos en la música de posguerra americana. La música en 12 partes es una enciclopedia de las técnicas de los ritmos aditivos y de la “música con la música”. Estructuras repetitivas “(el término preferido de Glass para su música en contraposición al” minimalismo “, y en la riqueza de la experiencia que ofrece, así como su esencia, no hay nada” mínimo “sobre la Música en 12 Partes) y cementos El mundo sonoro del Philip Glass Ensemble, un conjunto de voces, teclados eléctricos e instrumentos de viento, que aún sonaba de nuevo. Es también, como los 18 músicos de Reich, la pieza en la que Glass abre su mundo musical a una paleta armónica más rica de lo que sus anteriores obras habían intentado, sobre todo en las partes 11 y 12. Piezas anteriores como Música en partes cambiantes o especialmente música en quinto Y Music in Contrary Motion son los pioneros definitivos

rock and pop to new music, of any of the composers in this series so far – even more so than Steve Reich. And that’s because the music that Glass made in New York in the 60s and 70s had a combination of experimentalism, listenerfriendliness, and potential for commercial exploitation that none of his contemporaries have ever quite matched. So to flush the memory of that Ninth out of your system (at least, if you’re anything like me), here’s a cleansing dose of something authentically important, from a time when Glass and his ensemble were making the lofts of Manhattan one of the centres of the musical world: the opening of his Music in 12 Parts. Like Steve Reich’s Music for 18 Musicians, this is one of the most significant gamechangers in American postwar music. First performed in a now-legendary four-hour stint at New York’s Town Hall in 1974 (and therefore pre-dating 18 Musicians by a couple of years), Music in 12 Parts is an encyclopedia of the techniques of additive rhythms and “music with repetitive structures” (Glass’s preferred term for his music as opposed to “minimalism”, and in the richness of experience it offers, as well as its sheer length, there ain’t nothing “minimal” about Music in 12 Parts) and it cements the soundworld of the Philip Glass Ensemble, a still fresh-sounding combo of voices, electric keyboards, and wind instruments. It’s also, like Reich’s 18 Musicians, the piece in which Glass opens his musical world to a richer harmonic palette than his previous works had attempted, above all in Parts 11 and 12. Earlier pieces such as Music in Changing Parts or especially Music in Fifths and Music in Contrary Motion are the definitive trailblazers for Glass’s musical language, in its purest state

para el lenguaje musical de Glass, en su estado más puro de armonía, sutileza rítmica y austeridad textural. Hay otros puntos para unirse, sin embargo, entre la Música en 12 partes y las sinfonías de Glass; Lo que es más importante, su serie de óperas, comenzando con Einstein on the Beach, una pieza que hizo con Robert Wilson en 1976 que estaba en Londres a principios de este año, actuaciones que revelaron a Einstein como una fascinante e hipnótica experiencia teatral. El número de apertura de Einstein y su Knee Plays para un conjunto de voces que cuentan números una y otra vez por encima de un bajo de sonido electrónico adictivamente sonoro es uno de los más imitados de cualquiera de los sonidos de la música de posguerra. También tiene el último tributo de ser parodiado tanto como cualquier otra pieza, también (Chris Morris “compositor de la guerra” Michael Philip-Philip-Philip-Philip Annoyment en On the Hour es el más divertido, pero South Park “feliz, no ofensivo , Juego de Navidad no-denominacional “anotado por un vidrio enojado-mirando está arriba allí también). Luego está su música de cine: las decenas de partituras de Glass ahora incluyen tres nominaciones al Oscar, para Kundun, The Hours, y Notes on a Scandal, pero su música más importante para el cine es sin duda la trilogía de la nonarrativa de la música y la imagen Colaboró con el director Godfrey Reggio, comenzando con Koyaanisqatsi en 1982. Cualquiera que sea lo que piensen de lo que Glass hizo a continuación con su lenguaje musical - e incluso si son tan alérgicos a algunos de ellos como yo - no pueden dudar de su influencia en los músicos de Brian Eno a Nico Muhly, de David Bowie a Hans Zimmer. Sí, tengo un problema con la forma en que las mismas pequeñas progresiones inocentes que funcionan tan eficazmente en la escala del número de canciones de Glassworks o incluso la retórica relativamente contenida de su primera comisión orquestal, el Concierto de Violín, son empujadas a ridículo Extremos en sus sinfonías y piezas recientes de música y teatro. Pero, ¿podemos imaginar un mundo musical sin Philip Glass?

of plain harmony, rhythmic subtlety, and textural austerity. There are other dots to join, though, between Music in 12 Parts and Glass’s symphonies; most importantly, his series of operas, beginning with Einstein on the Beach, a piece he made with Robert Wilson in 1976 that was in London earlier this year, performances that revealed Einstein as a riveting and hypnotic music-theatrical experience. Einstein’s opening number and its Knee Plays for an ensemble of voices counting numbers over and over again above an addictively sonorous electronic ground bass is one of the most imitated of any of the sounds of postwar music. It’s also had the ultimate tribute of being parodied as much as any other piece, too (Chris Morris’s “war composer” Michael Philip-Philip-Philip-Philip Annoyment in On the Hour is the funniest, but South Park’s “happy, non-offensive, nondenominational Christmas play” scored by an angry-looking Glass is up there as well). Then there’s his film music: Glass’s dozens of scores now include three Oscar nominations, for Kundun, The Hours, and Notes on a Scandal, but his most important music for film is surely the trilogy of non-narrative music-and-image spectaculars he collaborated on with director Godfrey Reggio, starting with Koyaanisqatsi in 1982. Whatever you think of what Glass did next with his musical language – and even if you’re as allergic to some of it as I am – you can’t doubt his influence on musicians from Brian Eno to Nico Muhly, from David Bowie to Hans Zimmer. Yes, I do have a problem with the way the same innocent little progressions that work so effectively on the scale of the song-like numbers of Glassworks or even the comparatively restrained rhetoric of his first orchestral commission, the Violin Concerto, are pushed to ridiculous extremes in his symphonies and recent music-theatre pieces. But can any of us imagine a musical world without Philip Glass?

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Sybilla, la reina sobre el tablero Sybilla camina sobre el suelo de damero. El rojo de su vestido liviano contrasta con las baldosas de ajedrez en la estancia más al fondo de su nueva tienda en Palma, la primera «de larga duración» tras su regreso a la moda. Se sienta y explica de dónde viene y adónde va su firma recuperada; que no es más que su propio camino, el de la mujer que se enfrenta a las entrevistas con miedo escénico. “Lo importante es la ropa”, reitera mientras se coloca el mechón de pelo tras la oreja. Sólo entonces retira la vista. La diseñadora atiende con ojos grandes y concentra las características del personaje mitológico al que le debe el nombre: huidiza y misteriosa, intenta que su manera de ver la moda no sea una profecía sino un asalto en firme. Los tiempos están cambiando y Sybilla intenta, de nuevo, adelantarse. Sólo que ahora no es peón en el tablero.

Sybilla, queen on the board Sybilla walks on the checkerboard floor. The red of her light dress contrasts with the chess tiles in the room at the bottom of her new shop in Palma, the first “long-lasting” after her return to fashion. She sits down and explains where his recovered signature is coming from; Which is nothing more than her own way, that of the woman who faces interviews with stage fright. “The important thing is the clothes,” he reiterates as he puts the lock of hair behind his ear. Only then does he withdraw his sight. The designer attends with big eyes and concentrates the characteristics of the mythological person to whom the name owes her: elusive and mysterious, she tries that her way of seeing the fashion is not a prophecy but a firm assault. Times are changing and Sybilla tries, again, to get ahead. Only now she’s not a pawn on the board.

Ya en 1984 decía que no quería vender en tiendas, sino crear piezas únicas. ¿Qué planteamiento tenía entonces sobre lo que quería hacer? Venía de París y había estado expuesta al lado más comercial de la moda, aunque nada parecido a lo que es ahora. Tenía una visión muy idealista, quería hacer algo muy distinto, cosas raras, piezas únicas y, sobre todo, quería que fuera divertido trabajar y hacerlo con mis amigos. Nos lo inventamos todo sobre la marcha. ¿Qué recuerda y qué le debe a aquella modista con la que empezó a crear en su casa? No estudié moda, de alguna manera soy discípula de las modistas de toda la vida que solía haber en España y se atrevían a hacer de todo. La que venía a casa se llamaba Milagros y con ella hice mis primeras cosas a los 10 años. En París trabajaba en el taller con españolas y fueron grandes maestras. Después, a los 20 años, monté mi primer taller en Madrid con modistas que recluté con un anuncio en el periódico. Con ellas aprendí todo, mientras intentaba darle forma a las cosas que imaginaba. En España había gran tradición de costura y es una pena que se esté perdiendo; hay muchos diseñadores pero poca gente que sepa coser o modelar la tela. Hace falta impulsar la formación de calidad en este sector. Habría muchas oportunidades de trabajo. En la Asociación de Creadores hemos puesto en marcha un proyecto en ese sentido. ¿Cree que la Movida está mitificada o fue tan fértil creativamente como se dice? Sí que lo era, o quizá era mi edad. En algún momento ese espíritu me impregnó. Tratábamos de reinventar el mundo, confiábamos en nosotros sin ser arrogantes y nos tirábamos sin red. A menudo me pregunto de dónde venía ese espíritu. Todos queríamos ser individualistas, originales y todo era un juego o un experimento. Ahora entiendo que fuimos valientes, construimos algo sin reglas ni referentes. Era una manera de expresarnos y de hacer amigos. ¿Cree que estaba preparada para todo lo que pasó en esos años, para la forma en que se desarrollaba todo a su alrededor? No sé qué habría sido estar preparada. Fui adolescente en el momento que se decía que Madrid era la ciudad más divertida del mundo, abierta y hospitalaria, que no dormía. Yo me lancé a la calle y a la vida salvaje, como muchos en esa época. Se trataba de celebrar, de descubrir, de contar cosas nuevas. Después aparecieron las drogas y el lado más oscuro. Por suerte de esto me salvé, pero hubo muchas bajas a mi alrededor. ¿Qué ventajas e inconvenientes ha tenido una visión tan personal de su creación y, en cierta forma, idealista atendiendo a cómo se desarrollaba el negocio de la moda? He sido apreciada y buscada por hacer las cosas

In 1984 you said you didn’t want to sell in stores, but to create unique pieces. How did you plan what you wanted to do back then? I came back from Paris and I had been inside the fashion’s most commercial side, even though it was not the same as today. I had a really idealistic vision, I wanted to create something different, weird things, singular pieces. I wanted to make work enjoyable and to do it with my friends. We made up everything on the way. What do you remember and what do you owe to that designer you started to work with? I didn’t study fashion design, so in some way I’m a student of the classic dressmakers in Spain, who dared to do everything. The one who came to my home was called Milagros, and I did my first works with her when I was 10. In Paris I worked in a workshop with Spanish women and they were great teachers. Later, when I was 20, I set up my first workshop in Madrid with some other designers I recruited with an ad in the newspaper. I learned everything from them while I tried to make real what I pictured in my mind. There was a great sewing tradition in Spain and it’s a pity that it’s fading now; there’s a lot of designers but little who know how to sew or to give shape to the fabric. We must push quality formation in this sector, there would be a lot more job opportunities. In the Creator’s Association we’ve started a project for this issue. Do you think Madrid’s ‘Movida’ is mythified or do you think it was as creatively rich as they say? Yes it was, or at least it was at my age. At some moment that spirit filled me. We tried to reinvent the world, we trusted ourselves without being arrogant and we plunged blindly into the unknown. I often wonder where that spirit came from. We all wanted to be individualistic, to think outside the box, and everything was a game, an experiment. Now I understand that we were brave, we built something without rules nor guides. It was a way of expressing ourselves and making new friends. Do you think you were prepared to everything that happened back then? The way everything took place around you. I don’t know what being prepared could have been. I was a teen when, as it was said, Madrid was the most fun city in the world, open-minded and hospitable, that it never slept. I jumped to the streets and the wild life, like many others did. It was all about celebrating, discovering, telling new things. Afterwards, drugs and the darker side appeared. Luckily I overcame that, but there were many losses around me. What pros and cons did such a personal, in some way, idealistic, point of view in your creation gave you? I have been valued and called for doing things in a personal and quite intuitive way. Doing things that have

de manera personal y bastante intuitiva. Siempre es un esfuerzo hacer algo que no se ha hecho o convencer para que las cosas sucedan de otra manera. Es más difícil andar caminos nuevos pero también puede ser más gratificante. El jurado del Premio Nacional de Moda le concedió el galardón, entre otros méritos, por “continuar siendo fiel a sus principios creativos”. ¿Cuáles son y qué precio ha pagado por mantenerlos? Mi único principio creativo es conseguir hacer algo que me guste, me emocione o sirva, y no es fácil

never been done it’s always an effort. It’s a harder walk through new paths, but it’s also highly gratifying. Nacional Fashion Awards judges awarded you for “still being loyal to your creative values”. What are those and what have you paid for sticking with them? My only creative value is to achieve something that I can enjoy, that excites me and what is usable, and that’s not easy because I’m a really demanding and perfectionist professional. It may be something really simple or really complex, I won’t know it until it’s done. Until that moment

“tenía una visión muy idealista, quería hacer algo muy distinto, cosas raras, piezas únicas” “I had a really idealistic vision, I wanted to create something different, weird things, singular pieces” porque soy muy exigente y perfeccionista. Puede ser algo simple o muy complejo, no lo reconozco hasta que está hecho. Hasta entonces voy buscando, transformando lo que hago hasta darlo por bueno. Es como cocinar lo que tienes ganas de comer, y esas ganas cambian constantemente. El precio son horas de trabajo, mucho esfuerzo y paciencia de mis colaboradores. ¿Qué siente al ver que no sólo no se habían olvidado de usted sino que reciben su regreso con reconocimientos y aplausos? Me sorprendió y me emocionó. No me lo esperaba. Volví porque sentí que podía hacer algo que no encontraba en el mercado y estaba lista a empezar desde cero otra vez haciendo que la ropa se defendiera sola. Es muy bonito que vuelva ahora gente contando las historias de las prendas que han llevado durante muchos años. ¿Cuándo tiene la certeza de que una prenda no necesita nada más? Me cuesta llegar a este punto, normalmente ocurre cuando se agota el tiempo y tienen que entrar en producción. Algunas prendas pueden pasar años dando vueltas. Últimamente reclamo el derecho de mantener piezas de una colección a otra, «prendas permanentes» las llamamos. Para seguir mejorándolas cada vez y que puedan llegar a ser clásicos que funcionen. ¿De qué se nutre para crear y qué influencia tiene la escultura? De mis necesidades de mujer, de mi hambre de belleza, de lo que ha aparecido jugando con la tela y mis

I keep looking, changing what I do until it’s good enough. It’s like cooking what you want to eat, but you don’t certainly know what you want. The price is lots of hours of work, lots of effort and patience from my co-workers. What do you feel when you see that they not only hadn’t forgot about you, but also they receive your comeback with cheers and applauses? It shocked me and also made me emotional. I wasn’t expecting it. I came back because I felt like I could do something that couldn’t be found in stores and I was ready to start over again, doing clothes that stand up for themselves. Hearing people’s stories about clothes they’ve been wearing for ages is beautiful. When are you sure if a piece doesn’t need any more? It’s hard for me to achieve that moment, it usually happens when time’s over and the production starts. Some pieces can be going around for several years. Lately I claim the right to keep some pieces from collection to collection. We call them “permanent pieces”. To keep improving them each season and making them wearable classics. What inspires you to create and what’s the importance of sculpture? My woman necessities and beauty hunger encourages me to create, as well as playing with my models, who are very inspiring. Often, I work giving shape and creating volumes rather than drawing. I usually send the piece to draw when it’s finished, not before. Have you ever felt misunderstood? I’ve got fame of being stubborn and perfectionist. Many

La obra de Sybilla destaca por su sensibilidad y uso de siluetas inusuales.

modelos, que son mujeres muy inspiradoras. Trabajo más modelando, creando volúmenes, que dibujando. A menudo dibujo la prenda cuando está acabada, no antes. ¿Se ha sentido en algún momento incomprendida? Tengo fama de tozuda, cabezota y perfeccionista. Muchas veces me lo han echado en cara o cuestionado la necesidad de tanto esfuerzo y puede que a veces tengan razón, pero también me han dicho que merecía la pena por los resultados. ¿Lo más difícil de su profesión es lidiar con el hecho de convertirse en un personaje público? No, lo más difícil es el ritmo de este trabajo, la falta de tiempo y los desafíos económicos que supone montar una empresa. Las cosas públicas no son mi fuerte y normalmente paso desapercibida. Mi mayor fortuna es que no me reconozcan por la calle. ¿Le costó tomar la decisión de retirarse y vender su marca? No fue fácil, pero estaba enferma y agotada y fue como tenía que ser. Esos años alejada me han servido para ver las cosas de otra perspectiva. Me hacía mucha falta. ¿Le supuso un alivio? Bajar de la rueda del hámster, aunque sea un ratito, siempre es un alivio, el ritmo de esta profesión es intenso. Quitarse el peso de la responsabilidad de la vida de otras personas de encima, también. Es lo que más me cuesta a la hora de volver. ¿Qué espera hoy de su marca y qué modelo de negocio se plantea?

times they’ve thrown me that in my face, questioning if all that effort is necessary, and maybe they’re right, but they’ve told me that it was all worth for the results of it as well. Is to deal with becoming a public figure the hardest part of your profession? No. The hardest part of my job is the lack of time and the economic challenge that setting up a business means. Public appearances aren’t my thing and I usually pass unnoticed. My greatest fortune is not being recognized in public. Was it hard to retire and to sell your brand? It wasn’t easy but I was sick and tired and it was what it was. These years away have taken me to see things from a new perspective. I really needed it. So it was a relief? Going off the hamster’s cartwheel, even for a moment, is always a relief, the profession’s rhythm is strong. Lifting a weight off your shoulders is relieving too. For me, it’s the hardest part now that I’m back. What do you expect today from your brand and what business model do you plan? I hope to be able to make clothes that give strength and joy to women. And I would like to find new production processes that have a positive impact in different places. The store in Palma, which will be our new base, is a joy, a space open to the city, and we want it to be part of the community, where things happen. We sell in many places of the world and the idea is to expand little by little. What interests me most is to create alliances with people in different

Espero ser capaz de hacer ropa que dé fuerza y alegría a las mujeres. Y quisiera encontrar nuevos procesos de producción de ropa que tengan un impacto positivo en distintos lugares. La tienda en Palma, que será nuestra nueva base, es una alegría, un espacio abierto a la ciudad, y queremos que forme parte de la comunidad, donde pasen cosas. Vendemos en muchos lugares del mundo y la idea es expandirnos poco a poco. Lo que más me interesa es crear alianzas con gente en distintas ciudades. También abrimos tiendas efímeras en sitios de todo el mundo. Las próximas serán en Taiwán, Nueva York y Miami. ¿Qué sintió al saber que volvía a disponer de su marca, con su nombre? Si no hubiera sido capaz de recuperar mi nombre seguramente habría vuelto con otra marca que tenía preparada, puede que ahora se convierta en mi segunda línea. Es raro perder tu nombre, más cuando es tu firma. Estoy feliz de haberlo recuperado. La moda está marcada por las llamadas tendencias, usted en cambio crea siempre desde un corpus propio, sin atender lo que dicte la moda. ¿Le interesa lo que ocurre en las pasarelas? Me interesa todo, pero no tengo tiempo para seguir lo que se hace, prefiero buscar dentro de mí, más que fuera. ¿Quiere seguir con el formato de las tiendas efímeras? ¿Qué planes empresariales tiene? Me encantan las tiendas efímeras y quisiera seguir con ellas. Creo que son una de las mejores maneras de enseñar mi trabajo, conocer gente y conectar con

cities. We also open ephemeral stores on sites around the world. The next will be in Taiwan, New York and Miami. What did you feel when you knew you were back to your signature brand? If I hadn’t had the chance to get back my name, I would have come back with other brand I had prepared, which may become my second line now. It’s weird to lose your name, even more when it’s your signature brand. I’m happy to have it back. Fashion’s marked by trends. You, however, always create from an own point of view, not looking at what fashion disseminates. Are you aware of what happens inside the catwalk? I’m interested in everything, I just don’t have the time to follow it. I’d rather look for inspirations inside me. Do you want to carry on with the ephemeral stores format? What are your business plans? I love ephemeral stores and I’d like to keep working with them. I think it’s a better way to showcase my work, get to know people and connect with a place, I learn to do my job better. I like the idea of going on tour, just like a musician, like a circus going from city to city. The USA is the market that’s growing the most and we have very special associates there who are founding projects they consider visionary and different. What’s for you curves in a female body? Something quite powerful and mysterious. Imagine the amount of emotions they trigger, in ourselves and the ones who touch them. Curves

un lugar, así aprendo a hacer mi trabajo mejor. Me gusta la idea de ir de gira como los músicos, como un circo ambulante de ciudad en ciudad. Estados Unidos es el mercado que más crece y tenemos unos socios muy especiales allí que están financiando proyectos que consideran visionarios y diferentes. ¿Qué es para usted la curva en el cuerpo femenino? Algo bien poderoso y misterioso. Imagínate las cantidades de emociones que provocan, en nosotras y en quien las ve o las toca. Son algo que resaltar y tratar con mucho cariño. En un mundo que consume recursos sin freno y la moda se plantea de usar y tirar, propone prendas artesanales, respetuosas con el medio ambiente y atemporales. No me siento cómoda con lo que ocurre. Todos debemos reinventarnos en nuestras profesiones para adaptarnos al momento tan desafiante que vivimos. Me muevo entre la fascinación por la belleza, las texturas, los colores, lo nuevo, y la gran inquietud que me produce el saber el impacto sobre el medio ambiente que tienen muchos de los productos más comunes que utilizamos. No nos podemos permitir seguir envenenando la tierra y destruyendo para ponernos guapos. Buscar alternativas no es fácil. De alguna manera me retiré también porque buscaba respuestas. Durante los años que estuve fuera creamos otra empresa para desarrollar proyectos que ayudaran a descender las emisiones de CO2 o absorberlas, y que busca proponer soluciones a muchos de los problemas actuales a través de proyectos de educación, de conservación, producción de comida o arquitectura. El que esté hoy funcionando me da esperanza. Ahora me toca encontrar maneras en la moda de ser coherente. ¿Recuperará Jocomomola? En algún momento resucitará, seguramente con un proyecto de niños. Por ahora está descansando. ¿Qué le hace hoy feliz? El amor, mis hijos, bailar, cocinar, el mar, mi casa en el pueblo, mis amigos y varios proyectos utópicos donde ando metida, sentir que puedo ser útil. La tienda de Palma tiene algo de todo esto y en este momento me hace muy feliz.

are something to remark and treat carefully. In a world that consumes resources without restraint, fashion arises of use and throw, proposes artisan clothes, respectful with the environment and timeless. I do not feel comfortable with what happens. We must all reinvent ourselves in our professions to adapt to the challenging moment we live in. I move between the fascination for beauty, textures, colours, new, and the great restlessness that I get from knowing the impact on the environment that have many of the most common products that we use. We cannot afford to continue poisoning the Earth and destroying to get handsome. Finding alternatives is not easy. Somehow I withdrew also because I was looking for answers. During the years that I was away, we created another company to develop projects that will help reduce CO2 emissions or absorb them, and that seeks to propose solutions to many of the current problems through education, conservation, food production or architecture projects. The one that is working today gives me hope. Now it’s my turn to find fashionable ways to be consistent. Will you get back Jocomola? At some point it will resurrect, probably on a children’s project. At the moment it is resting. What makes you happy? Love, my children, dancing, cooking, the sea, my town’s home, my friends and some unusual projects I’m in, feeling that I’m useful. Palma store has a bit of everything and in that moment it makes me very happy.

ARQUITECTURA SECCIÓN

Rafael Moneo Representando la arquitectura española contemporánea TEXTO: YANIR LÓPEZ // FOTOGRAFÍA: GEMMA VÁZQUEZ

El Palacio de Congresos y Auditorio Kursaal es un complejo arquitectónico constituido de un gran auditorio, una gran sala de cámara, salas polivalentes y salas de exposiciones proyectado por Rafael Moneo y situado en San Sebastián (País Vasco, España). Se inauguró en 1999, y es, desde entonces, la sede principal del Festival de Cine de San Sebastián. The Palacio de Congresos and Kursaal Auditorium is an architectural complex consisting of a large auditorium, a large chamber chamber, multipurpose rooms and exhibition halls designed by Rafael Moneo and located in San Sebastián (Basque Country, Spain). It was inaugurated in 1999, and has since been the main venue of the San Sebastián Film Festival.

KURSAAL; Donostia, País Vasco España (1999)

SECCIÃ&#x201C;N

ARAGONIA; Zaragoza, España (2010)

SECCIÓN

Edificio Moneo Murcia, España (1998)

Polémico edificio que es la ampliación del Ayuntamiento de Murcia y que tiene tantos admiradores como detractores, pero desde luego a nadie deja indiferente.

A controversial building that is the extension of the City of Murcia and has as many fans as detractors, but of course nobody leaves indifferent.

Está justo en frente de la fachada de la catedral que se refleja en sus ventanas y se podría decir que es el contrapunto.

It is right in front of the facade of the cathedral which is reflected in its windows and you could say that it is the counterpoint.

La plaza barroca quizás no sea el mejor entorno para su ubicación y tal vez en otro sitio esta obra hubiera sido más valorada.

The baroque square may not be the best setting for its location and perhaps elsewhere this work would have been more valued.

DISEÑO

Luba Lukova

Luba Lukova es una artista excepcional con reconocimiento internacional de sus potentes y provocadores posters. Usa la metáfora, los símbolos, con unos gráficos limpios y fuertes con colores vivos para hacer converger sus ideas y emociones con problemas sociales y políticos. Sus posters se muestran alrededor de todo el mundo y han sido galardonados en muchas ocasiones. Luba no es solo una artista excepcional, sino también una personalidad increíble con un corazón noble e interesado en causas humanas, algo que podemos contemplar en su arte. Luba Lukova is an exceptional artist with an international recognition based on her very powerful and provoking posters. She uses metaphors, symbols, bold, clean graphics on strong colors to convey her ideas and emotions on social and political issues. Her posters are exhibited around the world and have won many awards. Luba is not only an exceptional artist but an amazing personality as well, with a noble heart and love in humanity, something you can see in her art also.

Luba Lukova. 2015.

Primero, nos gustaría agradecerte esta entrevista con . Por favor, háblanos de tu estilo artístico. ¿Cómo lo describirías? Bueno, siempre he pensado que el estilo es algo superficial y nunca he querido hacer un trabajo estilo. Creo que lo que hace al arte reconocible y digno de recordar no es su estilo sino las ideas y sentimientos que contiene. Si hay algo que une todo lo que hago es, supongo, mi interés en la humanidad y mi intento de expresar ideas complejas de forma accesible.

First of all I would like to thank you for taking the time to provide graphicart-news.com with this interview. Please tell us about your art style. How would you describe it? Well, I’ve always thought that style is a superficial thing and I’ve never wanted to do stylish work. I think what makes art recognizable and memorable is not the style but the ideas and emotions it conveys. If there is something that unites everything I do, this is, I guess, my interest in humanity and my pursuit of expressing complex ideas in an accessible way.

“sería muy feliz si la gente reconociera mi trabajo sin leer mi nombre” “I’d be happy if people can recognize my work without reading my name”

“Lukova, pese a tener diferentes estilos en sus obras, finalmente llega a un estilo único que la diferencia”. ¿Es eso cierto? Oh, me siento muy halagada si eso es cierto. Sería muy feliz si la gente reconociera mi trabajo sin leer mi nombre. Es lo que me pasa a mí con los artistas que amo. Me gusta el arte con carácter. Puedes escuchar solamente unas notas cantadas por tu artista favorito y sabrás que es él o ella. Creo que esto es una cualidad que no muchos artistas poseen. Y de nuevo, no tiene nada que ver con el estilo. Esto es una característica que es únicamente tuya, de la que no puedes escapar, como el clor de tus ojos. Y no te enseñan nada de esto en las escuelas de arte. De hecho, a menudo la educación puede acabar con la individualidad. En tu opinión, ¿cómo puede la educación influenciar a un diseñador con talento? La educación es muy importante. Creo que es casi imposible adentrarse en esta profesión solo por intuición, sin ninguna enseñanza. Especialmente en el diseño, hay cosas que necesitas aprender de otros profesionales. Es necesario conocer un par de buenos profesores al principio de tu carrera, y después continuar aprendiendo por ti mismo cada día. No obstante, es crucial aprender de buenos artistas. De otra forma una persona joven puede sentirse muy perdida en una escuela de arte. Es por ello que la demasiada educación puede ser malo a veces. ¿Qué artistas contemporáneos admiras? ¿Quiénes o cuáles son tus influencias?

Luba Lukova, although has different styles at her artworks, finally she comes up with one unique style that distinguishes her. Is this true? I’m really flattered if that’s true. I’d be happy if people can recognize my work without reading my name. That happens to me with the artists I love. I like art that has character. You can hear just one note sung by your favorite musician and you know it’s him or her. I think that’s a quality that not many artists posses. And again, this has nothing to do with style. This is a feature that’s uniquely yours, like the color of your eyes, you can’t escape from it. And they don’t teach you about it in art school. In fact, too much education can stifle it. In your opinion, education how could influence a talented designer? Education is very important. I think it’s almost impossible to make it in this profession just by intuition, without any schooling. Especially in design, there are things you need to learn from other practitioners. It’s necessary to meet a couple of good teachers in the beginning of your carrier, and then continue to learn on your own every day. It’s crucial to learn from good artists though. Otherwise, a young person can be quite confused in art school. That’s why too much education can be wrong sometimes. What contemporary artists do you admire? Who or what are some of your influences? I admire artists who search for the answers to the difficult questions in life and dig deeply into the human soul.

DISEÑO

Admiro a artistas que busquen respuestas a las difíciles preguntas de la vida y que hurguen hondo en el alma humana. Me han influido mucho Shakespeare, Chekhov, Kollwitz, Picasso, Goya, Chaplin, por nombrar algunos. ¿Cuál fue tu primer póster? Mi primer poster fue para una producción teatral basada en la poesía de Federico García Lorca. Se llamaba “No hay muerte para las canciones”. Me acababa de graduar y conseguí trabajo en una compañía de teatro en un pequeño pueblo de Bulgaria, de donde vengo. Fue el primer espectáculo para el que diseñé. Me siento feliz y honorada porque ese poster sea ahora parte de la colección permanente del MoMA. Tu arte es un medio de expresar la problemática social de la gente. ¿Cómo ocurrió? ¿Qué te hizo empezar a diseñar estos temas? Como seres humanos tenemos ansia de justicia. Siendo artista, intento expresar eso a través de mi arte. En cierto modo, intento satisfacer esa necesidad creando imágenes. Creo que si soy capaz de hablar con mi arte, debería utilizar esa capacidad para contar la verdad y que mucha gente pueda comprenderla. Porque cuando las personas nos identificamos con una causa, con suerte podremos actuar para cambiarla a poitivo. ¿Hay algo que la mayoría de gente no sepa sobre ti? ¡Ja, eso es gracioso! No quiero ocultar nada sobre mi. En mi trabajo intento exponer todo lo que me importa. ¿Cuál fue tu mejor y peor momento en tu carrera? Nunca ha habido un mal momento. Amo lo que hago y lucho por todo. La mejor parte es siempre la reacción de la gente. Soy la persona más feliz cuando veo que responden a mi trabajo. Dinos 5 lecciones que un nuevo artista debería seguir para convertiste en un diseñador con éxito. Estas son cinco cosas que, creo, son igual de importantes: trabaja duro, aprende cada día, ten coraje, escucha a tu corazón y ama lo que haces. ¿Cuáles son tus planes de futuro? En el futuro más cercano tengo dos exposiciones backto-back. La primera abre el 2 de febrero en Cleveland. Es el corazón del delta del Misisipi, el lugar de nacimiento del blues. Estoy muy emocionada por enseñar una gran colección de mi trabajo ahí, en la Wright Gallery en la Universidad Delta State. Estaré enseñando una colección de mi trabajo incluída en mi próximo libro “Tripas Gráficas”

I’ve been greatly influenced by Shakespeare, Chekhov, Kollwitz, Picasso, Goya, Chaplin, to name a few. What was your first poster? My first poster was for a theatre production based on Federico Garcia Lorca’s poetry. It was called There Is No Death for the Songs. I had just graduated and got a job as a designer in a theatre company in a small town in Bulgaria, where I’m originally from. This was the first show I had to design. I’m happy and honored that this poster is now in the permanent collection of the Museum of Modern Art in New York. Your art is the mean that expresses people’s social issues. How did that happened? What made you start designing these themes? We all as people have that longing for justice. Being an artist, I try to express that through my work. In a way, I try to satisfy that need by creating my images. I think that if I’m able to speak with my art, I should use that skill to tell the truth so that many people can understand it. Because when people are able to relate to an issue, hopefully they can act and make a positive change. What is one thing most people don’t know about you? Ha, that’s funny! I don’t want to hide anything about me. In my work I try to put out everything that matters to me. What was your best moment in your career and what was your worst. There has never been a bad moment. I love what I do and I embrace everything. The best part is always the reaction of the people. I’m the happiest person when I see that they respond to my work. Tell us your top 5 lessons that a new artist should learn and follow to become a successful designer Here are 5 things that, I think, are equally important: work hard, learn every day, have courage, listen to your heart, and love what you do. What are your future plans? In the very near future I have two back-to-back exhibitions. The first one opens on February 2nd in Cleveland, MS. This is the heart of the Mississippi Delta, the birthplace of Blues. I’m so excited about showing a big collection of my work there, at the Wright Gallery in Delta State University. The second show opens on February 19th at La MaMa Gallery in New York City. I will show there a collection of work included in my upcoming book, “Graphic Guts”

SECCIÃ&#x201C;N

Jose Antonio Marina

¿Es tan peligrosa la ideología de género?

Periódicamente, intervenciones de la jerarquía católica, del mismo Papa, o de asociaciones como HazteOir, vuelven a presentar la ‘ideología de género’ como una amenaza a la familia y a la moral. Como ya sucedió con motivo de Educación para la ciudadanía, hay de nuevo protestas sobre su presunta inclusión en los programas educativos. ¿Cuál es la causa de tanta alarma? ¿Qué es la ideología de género? ¿Es tan destructiva como dicen? Los debates de ideas suelen tener una historia larga y a veces enrevesada, y sin conocerla resultan incomprensibles. Por eso son incompatibles con Twitter y otras jibarizaciones del pensamiento. Desde los años cincuenta, intelectuales feministas comenzaron a defender la noción de ‘género’ frente a la noción de ‘sexo’, posición que se popularizó a partir de la IV Conferencia Mundial de las Naciones Unidas sobre la Mujer, celebrada en septiembre de 1995, en Beijing. La tesis central es muy sencilla: biológicamente somos ‘machos’ y ‘hembras’, pero culturalmente somos ‘hombres’ y ‘mujeres’. Esto quiere decir que cada cultura ha fijado los roles atribuibles a cada sexo. Es un hecho innegable que a lo largo de la historia ha habido una estructura patriarcal en la familia, que sometía a la mujer a situaciones de inferioridad, con injustas consecuencias sociales, políticas y económicas. Todavía hace unos días, un eurodiputado polaco afirmó la “inferioridad femenina”. Lo más grave de esta situación —y es lo que está en el centro del debate— es que esa discriminación se justificaba apelando a la ‘naturaleza’ y a sus secuelas conceptuales, la ‘ley natural’ y el ‘derecho natural’, que, a su vez, para la teología católica, son la voz misma de Dios. Este ha creado la naturaleza humana y ha puesto en ella su ley. Solo toca obedecer. Daré un ejemplo cercano de esta utilización injusta de la idea de ‘naturaleza’. Hasta 1975, el Código Civil español equiparaba la mujer casada a los niños, a los locos o dementes y a los sordomudos que no supieran leer

FILOSOFÍA SECCIÓN

y escribir, por lo que se le prohibía contratar (art.1263). Además, la mujer tenía la obligación legalmente impuesta de obedecer al marido. El articulo 57 del Código Civil decía textualmente: “El marido debe proteger a la mujer, y esta obedecer al marido”. Se trataba de un mero trasunto legal de la estructura patriarcal de la sociedad española. Lo perverso era la justificación que se daba. La teología católica ha fundado su moral sexual en la idea de ‘naturaleza’, y no puede prescindir de ella sin que se venga abajo su teoríaEl preámbulo de la ley 24 de abril de 1958 lo explica, en un párrafo que no tiene desperdicio: “Existe una potestad de dirección, que la naturaleza, la Religión y la Historia atribuyen al marido, dentro de un régimen en el que se recoge fielmente la tradición católica que ha inspirado siempre y debe inspirar en lo sucesivo las relaciones entre los cónyuges”. Esta mezcla de las tres como fuentes normativas del Código Civil es lo que subleva a cualquier inteligencia rigurosa y crítica. Y no es culpa de las defensoras del concepto de ‘género’, sino de los defensores de un inaceptable concepto de naturaleza. El torpe afán de justificar prejuicios culturales apelando a ella devaluó la idea de esta como fuente de derechos y deberes. Por cierto, siglos después de que Hume mostrara que no se puede pasar racionalmente de lo que hay a lo que debe ser.

Hasta 1975, el Código Civil español equiparaba la mujer casada a los niños, a los locos y a los dementes Esta postura feminista hizo que otros colectivos, que habían sido atacados, perseguidos y castigados apelando a la ‘naturaleza’, se unieran en el mismo rechazo. En primer lugar, los homosexuales, acusados siempre de ir contra natura. El asunto es extremadamente grave para la teología católica, porque ha fundado toda su moral sexual en la idea de ‘naturaleza’, y no puede prescindir de ella sin que se venga abajo una parte importante de su construcción teórica. En la defensa de la naturaleza como fuente normativa se unieron también las corrientes iusnaturalistas del derecho. Aquí nos encontramos metidos en otro debate que solo puedo apuntar. El iusnaturalismo jurídico (es decir, la afirmación de que hay un ‘derecho natural’ previo a la acción del legislador) se opone al positivismo jurídico, que sostiene que solo es ley lo que el legislador determina. Confiemos, pues, en la razón para organizar nuestra convivencia. Es verdad que necesitamos admitir unas

instancias normativas que nos sirvan para legitimar las legislaciones, para distinguir lo justo de lo injusto, pero no hay que buscarlas en la ‘naturaleza’, sino en la inteligencia humana. En el ‘Tratado de filosofía zoom’, he mostrado que el descrédito de los derechos naturales y, al mismo tiempo, su necesidad como fundamento de la arquitectura jurídica y ética, han dado lugar a una visión nueva de ellos, menos ambiciosa, pero más autocrítica y comprometida, que los considera una salvadora creación humana. No se centra en la idea de naturaleza, sino en la afirmación de la ‘dignidad’ del ser humano. ‘Dignidad’ no es un concepto científico, no es un concepto natural. Somos, sin duda, más inteligentes que los chimpancés, pero ¿somos por ello más dignos?

Is it ideology of genre that dangerous? Periodically, interventions by the Catholic hierarchy, by the Pope himself, or by associations such as HazteOir, re-present the ‘gender ideology’ as a threat to family and morality. As already happened with reason of Education for the citizenship, there are again protests about its presumed inclusion in the educational programs. What is the cause of such alarm? What is gender ideology? Is it as destructive as they say? The debates of ideas usually have a long and sometimes convoluted history, and without knowing it they are incomprehensible. That is why they are incompatible with Twitter and other jibarizations of thought. Since the 1950s, feminist intellectuals have begun to defend the notion of ‘gender’ in the face of the notion of ‘sex’, a position that became popular after the Fourth United Nations World Conference on Women held in September 1995, In Beijing. The central thesis is very simple: biologically we are ‘male’ and ‘female’, but culturally we are ‘men’ and ‘women’. This means that each culture has fixed the roles attributable to each sex. It is an undeniable fact that throughout history there has been a patriarchal structure in the family, which subjected women to situations of inferiority, with unjust social, political and economic consequences. Just a few days ago, a Polish MEP said “female inferiority”. What is most serious about this situation - and what is at the center of the debate - is that such discrimination was justified by appealing to ‘nature’ and its conceptual sequels, ‘natural law’ and ‘natural law’. In turn, for Catholic theology, they are the very voice of God. He has created human nature and has laid down his law. It only has to obey. I will give a close example of this unjust use of the idea of ‘nature’. Until 1975, the Spanish Civil Code equated

married women with children, the insane or the demented, and the deaf and dumb who could not read and write, and were therefore barred from hiring (art.1263). In addition, the woman had a legally imposed obligation to obey her husband. Article 57 of the Civil Code said: “The husband must protect the woman, and this obedience to the husband.” It was a mere legal copy of the patriarchal structure of Spanish society. The perverse was the justification that was given. “Catholic theology has founded its sexual morality on the idea of ‘nature’, and can not do

been attacked, persecuted and punished by appealing to ‘nature’, to join in the same rejection. In the first place, homosexuals, always accused of going against nature. The subject is extremely serious for Catholic theology, because it has founded all its sexual morality on the idea of ‘nature’, and can not do without it without an important part of its theoretical construction. In the defense of nature as a normative source, the natural law currents of law were also united. Here we are in another debate that I can only point to. Legal natural law (that is, the claim that there is a ‘natural right’ prior to the action of the

Until 1975, the Spanish Civil Code equated married women with children, the insane and the demented

without it without its theory falling down The preamble of the law of April 24, 1958 explains it in a paragraph that has no waste: “There is a power of direction, which Nature, Religion and History attribute to the husband, within a regime in which is collected Faithfully the Catholic tradition that has always inspired and must inspire in the future the relations between the spouses. “ This mixture of the three as normative sources of the Civil Code is what revolts to any rigorous and critical intelligence. And it is not the fault of the defenders of the concept of ‘gender’, but of the defenders of an unacceptable concept of nature. The clumsy desire to justify cultural prejudices by appealing to her devalued the idea of this as a source of rights and duties. Indeed, centuries after Hume showed that we can not rationally pass from what there is to what it should be. This feminist stance caused other groups, who had

IDEOLOGÍA DE GÉNERO

legislator) is opposed to legal positivism, which maintains that it is only law that the legislature determines. Let us therefore trust in the reason for organizing our coexistence. It is true that we need to admit normative instances that serve to legitimize legislations, to distinguish right from unjust, but not to look for in ‘nature’, but in human intelligence. In the ‘Treatise on Philosophy zoom’, I have shown that the discrediting of natural rights and, at the same time, their necessity as the foundation of legal and ethical architecture, have given rise to a new vision of them, less ambitious but more Self-critical and committed, which considers them a saving human creation. It does not focus on the idea of nature, but on the affirmation of the ‘dignity’ of the human being. ‘Dignity’ is not a scientific concept, it is not a natural concept. We are, no doubt, smarter than chimpanzees, but are we therefore more worthy?

FOTOGRAFÍA SECCIÓN

Siria, 1940 Margaret Bourke-White

Familia siria caminando más allá de las casas amuralladas de esta antigua ciudad fenicia, Siria, 1940

1940, siete meses antes de que Estados Unidos entrara en la Segunda Guerra Mundial, la revista LIFE envió a la joven Margaret BourkeWhite a la república de Siria para documentar el papel -centro-cultural, geográfico y militar de la región de Siria. La exposición original contiene más de 15 fotografías tomadas por Bourke-White, consiguiendo así un ensayo fotográfico muy destacable. El trabajo de Bourke-White es esclarecedor, muestra el contexto de la guerra civil de Siria y su posición principal tanto en Oriente Medio como en la escena mundial. Las fotografíasque a continuación vas a ver son las impresiones usadas para la producción de la revista.

In 1940, seven months before the United States entered World War II, LIFE magazine sent photographer Margaret Bourke-White, the first female photojournalist, to the young republic of Syria in order to document its pivotal role — culturally, geographically, militarily — in the region. The exhibition will survey more than 15 photographs taken by Bourke-White, which landed her a featured photographic essay. The Syrian assignment for Bourke-White is illuminating in the context of today’s civil war and Syria’s major position both in the Middle East and on the global stage. The photographs on view are the vintage prints used for the production of the magazine.

SECCIĂ&#x201C;N

Soldados senegaleses, comandados por los oficiales de la fuerza expedicionaria francesa, Siria, 1940

Soldados de la legiรณn Pioneer, comandados por los oficiales de la fuerza expedicionaria francesa, Siria, 1940

SECCIĂ&#x201C;N

Vista aĂŠrea del cementerio del siglo XI en Bab Zgher - zona suroriental de la ciudad de Damasco- Siria, 1940

Soldados de la Legiรณn Extranjera en su puesto de avanzada, Siria, 1940

SECCIร N

Tropas coloniales britรกnicas e irlandesas junto a tropas indias marchando por las Grandes Pirรกmides, 1940

SECCIÓN CINE

Wim Wenders Amor Terrenal - Terrestial Love

Un viaje de vuelta a la filmografía del director alemán. Parking te lleva de viaje a Cuba pasando por París y por Texas, claro.

Paris Texas (1984) Por: Robfger Ebert El nuevo pionero del cine alemán Wim Wenders (Wings of Desire) lleva su mirada hacia el sudoeste americano en París, Texas, un estudio de carácter profundamente conmovedor escrito por el dramaturgo ganador del Premio Pulitzer Sam Shepard. París, Texas, sigue al misterioso y casi muerto vagabundo Travis (un magnífico Harry Dean Stanton, cuyo rostro es un paisaje propio) mientras trata de reconectarse con su joven hijo, viviendo con su hermano (Dean Stockwell) en Los Ángeles y Su esposa desaparecida (Nastassja

Kinski). A partir de esta sencilla configuración, Wenders y Shepard producen una poderosa declaración sobre los códigos de masculinidad y el mito de la familia americana, así como una exquisita exploración visual de un vasto y desmoronado mundo de cañones y neón. Un hombre camina solo en el desierto. No tiene memoria, ni pasado, ni futuro. Encuentra un asentamiento aislado donde el médico, otro exiliado, un alemán, hace algunas llamadas. Eventualmente, el hermano del hombre lo lleva de vuelta a casa. Antes de pensar en esto como el comienzo de una historia, vamos a pensar muy específicamente como los primeros veinte minutos de una película. Cuando estaba viendo “París, Texas” por primera vez, mi reacción inmediata a las escenas de apertura

de la película fue una de intriga: no tenía buenas conjeturas sobre dónde se dirigía esta película, y eso, en sí mismo, era emocionante, porque en Este más pragmático de los tiempos, incluso las mejores películas parecen ser destinados como productos de consumo previsible. Si usted ve un montón de películas, puede sentarse allí viendo la pantalla y adivinar lo que sucederá a continuación, y estar a la derecha la mayor parte del tiempo. Ese no es el caso de “París, Texas”. Se trata de una película desafiante individual, sobre la pérdida y la soledad y la excentricidad. No hemos conocido a los personajes antes en una docena de otras películas. Para algunas personas, eso puede ser desconcertante; En realidad he leído críticas de “París, Texas” quejándose porque el hombre en el desierto es alemán, y que otro personaje es francés. ¿Está escrito que la gente en las películas tiene que ser los medios americanos, como los refugiados de una comedia de enredo? RECOMENDABLE FILM QUE TE LLEVARÁ AL DESIERTO New German Cinema pioneer Wim Wenders (Wings of Desire) brings his keen eye for landscape to the American Southwest in Paris, Texas, a profoundly moving character study written by Pulitzer Prize–winning playwright Sam Shepard. Paris, Texas follows the mysterious, nearly mute drifter Travis (a magnificent Harry Dean Stanton, whose face is a landscape all its own) as he tries to reconnect with his young son, living with his brother (Dean Stockwell) in Los Angeles, and his missing wife (Nastassja Kinski). From this simple setup, Wenders and Shepard produce a powerful statement on codes of masculinity and the myth of the American family, as well as an exquisite visual exploration of a vast,

crumbling world of canyons and neon. A man walks alone in the desert. He has no memory, no past, no future. He finds an isolated settlement where the doctor, another exile, a German, makes some calls. Eventually the man’s brother comes to take him back home again. Before we think about this as

the beginning of a story, let’s think about it very specifically as the first twenty minutes of a movie. When I was watching “Paris, Texas” for the first time, my immediate reaction to the film’s opening scenes was one of intrigue: I had no good guesses about where this movie was headed, and that, in itself, was exciting, because in this most pragmatic of times, even the best movies seem to be intended as predictable consumer products. If you see a lot of movies, you can sit there watching the screen and guessing what will happen next, and be right most of the time. That’s not the case with “Paris, Texas.” This is a defiantly individual film, about loss and loneliness and eccentricity. We haven’t met the characters before in a dozen other films. To some people, that can be disconcerting; I’ve actually read reviews of “Paris, Texas” complaining because the man in the desert is German, and that another character is French. Is it written that the people in movies have to be Middle Americans, like refugees from a sitcom?

SECCIÓN CINE

Buena vista Social Club (1996) Por: Josh Jackson Tal vez el mayor beneficio de vivir en una cultura de consumo absurdamente material-enloquecida es que es muy difícil perder la pista de la música y las películas que te gusta. Mientras que los años pasan y usted está fuera de la recolección de nuevos favoritos, alguien, en algún lugar está trabajando en una manera de reempaquetar, volver a lanzar, y, en última instancia, revender todo. En este espíritu, la gente buena en Lionsgate han llegado con una “línea de música con temas de DVD” que están llamando Music Makers, y Buena Vista Social Club, afortunadamente, está de vuelta. Si no todos los cuatro DVDs de la línea son clásicos amados (Beyond the Sea, miramos en su

informe de lo contrario inexpresable de lo que esta música ha significado para estas personas y esta cultura. El mejor ejemplo muestra a Omara

Portuondo recordando cantar las mismas canciones que canta con el Buena Vista Social Club cuando era niña. Wenders corta a Portuondo caminando por una calle secundaria de La Habana, llena de gente boquiabierta, ya sea porque es Omara Portuondo o porque está siendo seguida por un equipo de cámara.

movie and, as importantly, the music, gets exposure to new audiences. The film is as radiantly charismatic and endearing upon re-viewing as it was immediately following its initial release, and although many of the stars—notably, Compay Segundo, Ibrahim Ferrer, and Rubén González—didn’t survive the ‘00s, their screen presence feels like a joyous toast to life. By first presenting the performer’s backstory, Wenders offers an otherwise inexpressible account of what this music has meant to these people and this culture. The best example features Omara Portuondo recalling singing the same songs she sings with the Buena Vista Social Club when she was a little girl. Wenders cuts to Portuondo walking down a Havana sidestreet, crowded with people gawking either because she’s Omara Portuondo or because she’s being followed by a camera crew.

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dirección), los fans del documental nominado al Oscar de Wim Wenders 1999 pueden alegrarse, y la película y, lo que es más importante, la música , Se expone a nuevos públicos. La película es tan radiantemente carismática y entrañable al volver a verla como inmediatamente después de su lanzamiento inicial, y aunque muchas de las estrellas -principalmente Compay Segundo, Ibrahim Ferrer y Rubén González- no sobrevivieron a los 00, su pantalla Presencia se siente como un brindis alegre a la vida. Al presentar por primera vez la historia del actor, Wenders ofrece un

Perhaps the greatest perk of living in an absurdly material-crazed consumer culture is that it’s very hard to lose track of music and movies you like. While years tick away and you’re off collecting new favorites, somebody, somewhere is working on a way to repackage, re-release, and ultimately, resell everything. In this spirit, the good people at Lionsgate have come up with a “music-themed DVD line” they’re calling Music Makers, and Buena Vista Social Club, thankfully, is back. If not all of the four DVDs in the line are beloved classics (Beyond the Sea, we’re looking in your direction), fans of Wim Wenders’ 1999 Oscar-nominated documentary can rejoice, and the

SECCIÓN

Aparca en nuestro parking cultural porque este mes te traemos lo mejor del arte de moldear, cincelar, abultar, achatar, vaciar, fundir, forjar, troquelar, adaptar, acuñar y golpear. Bienvenidos a nuestra sección más cooltureta, para nuestro número 0 dos pesos pesados: Jaume Plesa y Juan Muñoz. ................................................

Escultura

Jaume Plensa

Esculpiendo la ciudad Texto: Alberto Cortés Nació en Barcelona en 1955, donde estudió en la Escuela de Arte y Diseño de Llotja y en la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi. Desde 1980, año de su primera exposición en Barcelona, ha vivido y trabajado en Berlín, Bruselas, Inglaterra, Francia y Estados Unidos, así como en la capital catalana.

Ha sido profesor en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París y coopera regularmente con la Escuela del Instituto de Arte de Chicago como profesor invitado. También ha impartido muchas conferencias y cursos en otras universidades, museos e instituciones culturales de todo el mundo. Born in 1955 in Barcelona, where he studied at the Llotja School of Art and Design and at the Sant Jordi School of Fine Art. Since 1980, the year of his first exhibition in Barcelona, he has lived and worked in Berlin, Brussels, England, France and the United States, as well as the Catalan capital. He has been a teacher at the École nationale supérieure des Beaux-Arts in Paris and regularly cooperates with the School of the Art Institute of Chicago as a guest professor. He has also given many lectures and courses at other universities, museums and cultural institutions around the world.

ESCULTURA SECCIÓN

El artista español Jaume Plensa fue creado una nueva escultura compuesta de malla de alambre, en la base del edificio más alto de Calgary. En la base de este hito, The Bow, se alza una enorme cabeza humana, sí, si lees a Alice en la forma, no creo que nadie se ofenda. Con más de 10 metros de altura, en realidad está inspirada en una chica de la vida real en España. Pero entonces, una vez, modelé para un escultor haciendo una obra con Barack Obama haciendo una pose de yoga, así que creo que el modelo original es sólo marginalmente importante.

The Spanish artist Jaume Plensa was created a new sculpture composed of wire mesh, at the base of Calgary’s tallest building. At the base of this landmark, The Bow, stands a massive human head- yes, if you read Alice into the form, I don’t think anyone will be offended. At over 10 meters in height, it is actually inspired by a real- life girl in Spain. But then, once, I modeled for a sculptor doing a work featuring Barack Obama doing a yoga pose, so I think the original model is only marginally important.

CROWN FOUNTAIN; Chicago, EEUU (2004)

SECCIÃ&#x201C;N

7 poetas

Estas esculturas comprenden 7 figuras masculinas en posición sentada y mirando hacia las montañas. Durante el día, parecen figuras de porcelana de dos metros de altura sobre postes de acero de hasta diez metros de altura. Creado en resina, las figuras se iluminan en diferentes colores por la noche, brillando suavemente de un tono a otro. Instalado en 2014, las figuras se llaman “poetas” (poetas) y el número siete representa el número de parroquias en Andorra.

These sculptures comprise 7 male figures in sitting position and looking towards the mountains. At daytime, they look like two metre high porcelain figures on steelposts up to ten metres high. Created out of resin, the figures light up in different colours at night, glowing gently from one tone to another. Installed in 2014, the figures are called “Poetas” (poets) and the number seven represents the number of parishes in Andorra.

Jaume Plensa es un artista y escultor español. Nacido en Barcelona, Cataluña, en 1955, estudió arte en la Escuela “Llotja” y en la Escola Superior de Bellas Artes de Sant Jordi. Plensa ha recibido varios premios internacionales por su trabajo a lo largo de los años.

Jaume Plensa is a Spanish artist and sculptor. Born in Barcelona, Catalonia in 1955, he studied art in the “Llotja” School and in the Escola Superior de Belles Arts de Sant Jordi. Plensa has received several international awards for his work throughout the years.

ESCULTURA SECCIÃ&#x201C;N

7 Poetas Armengol Vila, Andorra la Vella (2014)

SECCIร N

WONDERLAND Calgary, Alberta, Canadรก (2012)

Juan Muñoz

De sueño: Escultor Texto: Sonia Sánchez

Ximpel mo in nam, solore explacius ius, sit, iuntistiori opta volorem hitassi ncimagn imporeratur auteculla consequ idissitat vid quaspere, serferit omnis inim res ape eos atquod quaeribea iliqui susapic iderumquate reicimaxim et quisto vercia cus, eatende lendiat incit, sereicipsam que nobisquid magnate sit, conserior aut utem laborporit officius ea susamus adis sollaboria que veribus dicatur as dolor sitat aut lit plaboreri dolupta inima dolupicid que perum venimol uptatincius aliquia doloreperest et atatur ant et et velluptas si atquis alicidus erspid utem ut id et officiis maximus niti verciliciis ipsumquam intiani enimaximi, qui officiat et quossim perferum

ESCULTURA SECCIĂ&#x201C;N

Milan Aximus mo eat doluptae vellorum sam cus renderum ab ipitatios et voles nulpa dis rendit preriat laborat urecuptiur autam ad et voluptiamus re, simint doluptae nisquas pelest, videnis citatib earunt et eum fuga. Am et lis am endae pa nobit dolestemquae nienducillor reium iuntiorit volupta tibusam, con et aut liquassunt everspid qui rectet quis acessimendit pliquo beaquib usandit de pre, quibus, odit aut omnis il et mintium ea voluptiorem ipsa quiducid qui custem ulpa ipsant, idusdant ellaccum ressunt eostem litas et laut endis etum fugiantur?

Aximus mo eat doluptae vellorum sam cus renderum ab ipitatios et voles nulpa dis rendit preriat laborat urecuptiur autam ad et voluptiamus re, simint doluptae nisquas pelest, videnis citatib earunt et eum fuga. Am et lis am endae pa nobit dolestemquae nienducillor reium iuntiorit volupta tibusam, con et aut liquassunt everspid qui rectet quis acessimendit pliquo beaquib usandit de pre, quibus, odit aut omnis il et mintium ea voluptiorem ipsa quiducid qui custem ulpa ipsant, idusdant ellaccum ressunt eostem litas et laut endis etum fugiantur?

HANGARBICOCCA: Milรกn. 2015.

SECCIÃ&#x201C;N

“No importa el tamaño, las esculturas de Juan Muñoz, incluso las pequeñas, se apropian del espacio y lo cargan de contenido. Las obras habitan el espacio, son invitadas pero no inquilinas”. Lo afirma Vicente Todolí, director artístico de HangarBicocca de

Milán, el gigantesco centro de arte para el cual ha comisariado Double Bind & Around, la primera exposición que reúne los grupos escultóricos en resinas creados por Muñoz desde finales de los ochenta hasta su fallecimiento en agosto de 2001.

SECCIÃ&#x201C;N

CROWN FOUNTAIN; Chicago, EEUU (2004)

Umberto Eco nació en la ciudad de Alejandría en la región Italiana de Piedmont, justo en el medio de Genova, Milan, en en triángulo Turin. Antes de que fuera arrastrado a combatir en 3 guerras, su padre, Gliulio Eco era contable. El pequeño Umberto y su madre, Giovanna, se movieron a una pequeña villa en el lado montañoso Piedmontese durante la segunda guerra Mundial. Eco recibió entonces una educación salesiana, y a la que ha hecho referencias en sus trabajos y entrevistas. Su apellido familiar es supuestamente un acrónimo de ex caelis oblatus (en la tín, un regalo de los cielos), que fue dado a su abuelo (expósito) por un guardia de la ciudad. Su padre venía de una familia de trece niños e insistió en que Umberto leyera sobre leyes, pero sin embargo entró en la Universidad de Turin para estudiar filosofía medieval y literatura. La tesis doctoral de Umberto trata sobre Thomas Aquinas y le llevó a un doctorado en filosofía en 1954. En este periodo, Eco abandonó la iglesia católica romana tras una cirisis de fe. Tras esto, Eco trabajó como editor cultural para la RAI (Radiotelevisión Italiana), la emisora del estado, así como a impartir clases en la Universidad de Turin (1956-64). Un grupo de artistas vanguardistas-pintores, músicos, escritores-de los que se había hecho amigo en la RAI (Gruppo 63) se convirtió en un influyente e importante componente de la futura carrera de escritor de Eco. Esto fue especialmente cierto tras la pubicación de su primer libro en 1956, Il problema estético di San Tommaso, el cual era una extensión de su tesi doctoral. Fue el comienzo también de su carrera como ponente alma mater. En Septiembre de 1962 se casó con Renate Ramge, una profesora de arte alemana con la que tiene un hijo y una hija. Eco divide su tiempo entre su apartamento de Milan y su casa vacacional próxima a Rimini. Tiene una librería con 30 000 ejemplares.

UMBERTO ECO Umberto Eco was born in the city of Alessandria in the Italian region of Piedmont, right in the middle of the Genova, Milan, Turin triangle. Before he was drafted to fight in 3 wars, his father, Giulio Eco, was an accountant. Young Umberto and his mother, Giovanna, moved to a small village in the Piedmontese mountainside during the Second World War. Eco received a Salesian education, and he has made references to the order and its founder in his works and interviews. His family name is supposedly an acronym of ex caelis oblatus (Latin: a gift from the heavens), which was given to his grandfather (a foundling) by a city official. His father came from a family of thirteen children, and was very keen fo Umberto to read Law, but instead he entered the University of Turin in order to take up medieval philosophy and literature. Umberto’s thesis was on the topic of Thomas Aquinas and this earned him a BA in philosophy in 1954. In that period, Eco abandoned the Roman Catholic Church after a crisis of faith. Following this, Eco worked as a cultural editor for RAI, Radiotelevisione Italiana, the state broadcasting station, he also became a lecturer at the University of Turin (1956–64). A group of avant-garde artists—painters, musicians, writers—whom he had befriended at RAI (Gruppo 63) became an important and influential component in Eco’s future writing career. This was especially true after the publication of his first book in 1956, Il problema estetico di San Tommaso, which was an extension of his doctoral thesis. This also marked the beginning of his lecturing career at his alma mater. In September 1962, he married Renate Ramge, a German art teacher with whom he has a son and a daughter. He divides his time between an apartment in Milan and a vacation house near Rimini. He has a 30,000 volume library in the former.

Julio Cortázar. (Bruselas –Bélgica–, 26 de agosto de 1914 - París –Francia–, 12 de febrero de 1984). Escritor, profesor y guionista. Hijo de padres argentinos. Su padre fue destinado a la Embajada de Argentina en Bélgica. Su familia se refugia en Suiza durante la Primera Guerra Mundial hasta 1918, que regresan a Buenos Aires (Argentina). Obtiene el título de maestro en 1932. Se identifica con el Surrealismo a través del estudio de autores franceses. Sus obras se reconocen por su alto nivel intelectual y por su forma de tratar los sentimientos y las emociones. Fue un gran seguidor de Jorge Luis Borges. En 1935 comienza la carrera de Filosofía y Letras, da clases y publica estudios de crítica literaria. De esta época es conocida su colección de sonetos Presencia (1938), que publica bajo el seudónimo de Julio Denis. En los años cuarenta, por problemas políticos, tiene que abandonar su puesto de profesor en la universidad, y comienza la publicación de artículos y relatos en revistas literarias. Tras conseguir el título de traductor oficial de inglés y francés se traslada a París, donde trabaja como traductor de la UNESCO. En 1951 comienza su exilio. Dedica su vida a viajar, pero reside principalmente en París. Las traducciones que realiza de Edgar Allan Poe (entre otros) influyen en su obra, como por ejemplo en su colección de relatos Bestiario (1951). A pesar de haber realizado distintas publicaciones durante todos estos años, no se hace famoso hasta la publicación de Rayuela (1963), su obra maestra que refunda el género. Cortázar destaca por sus misceláneas o del género “almanaque”, donde mezcla narrativa, crónica, poesía y ensayo, como por ejemplo en La vuelta al día en ochenta mundos (1967) y 62, modelo para armar (1968). Poco antes de fallecer, publica su libro de poemas Salvo el crepúsculo (1984) y los artículos Argentina, años de alambradas culturales (1984). En 1996, se publica póstumamente su ensayo Imagen de John Keats y en el 2009 aparece Papeles inesperados, una obra miscelánea encontrada por su primera esposa, Aurora Bernárdez.

JULIO CORTAZAR Julio Cortázar was born in Brussels –Belgium-, on the 26th of August in 1914. He was a writer, professor and script writer who died in Paris –France- on the 12th of February in 1984His parents were argentine and his father was sent to Argentina’s Embassy in Belgium. His family took shelter in Sweden during World War First until 1918 when they came back to Buenos Aires. He has his teacher degree in 1932. He felt identified with surrealism thanks to study French authors. His work is known by their high intellectual level and by his way of treating feelings and emotions. He was a huge Jorge Luis Borges fan. In 1935 he starts Philosophy Degree, starts to give class and edits literature critic studies. His well-known sonnet series Presencia was published this time as well under the pen-name Julio Denis. In the forties decade, due to politic issues, he has to leave his professor job and starts to publish in literature magazines. After obtaining the title of official translator of English and French, he moved to Paris, where he works as a translator for UNESCO. In 1951 begins his exile. He dedicates his life to travel, but resides mainly in Paris. His translations of Edgar Allan Poe (among others) influence his work, as for example in his collection of stories Bestiario (1951). In spite of having made several publications during all these years, it does not become famous until the publication of Rayuela (1963), its masterpiece that refounds the sort. Cortázar stands out for his miscellany of the genre “almanac”, where he mixes narrative, chronicle, poetry and essay, as for example in The Return to the Day in eighty worlds (1967) and 62, model to armar (1968). In the following years the poems Pameos and meopas (1971), the stories of Octahedron (1974) and We want both to Glenda (1980) or Un so Lucas (1979) and The autonautas of the cosmopolitan (1983) of his miscellaneous work . The latter was written in collaboration with his third and last wife, Carol Dunlop. In 1984, he received the Konex Honor Award in Argentina. Shortly before his death, he publishes his book of poems Salvo el dusk (1984) and articles Argentina, years of cultural fencing (1984). In 1996, his essay is published posthumously his image of John Keats and in 2009 appears Papeles unexpected, a miscellaneous work found by its first wife, Aurora Bernárdez.

Ellen Lupton y la nueva escena de publicación La diseñadora habla sobre la nueva escena de publicación y edición de libros. Su experiencia en el mundo independiente, su papel como una de las diseñadoras más publicadas, las dificultades de ser mujer en un panorama dominado por hombres. Todo esto pasado por su ojo crítico y experto y su determinación de afrontarlo todo con esfuerzo y positividad.

Ellen Lupton in new editorial scene Designer Ellen Lupton discusses new editorial scene. With her critic eye and ther willing to fight with hard work and pisitivity, she shows her pint of view in her indie world experience, role as one of the most published designers, the cons of being a woman in a world ruled by men.

¿Cómo describirías la publicación independiente? Las publicaciones indie están dirigidas por el autor. La industria de la publicación tradicional está controlada por las editoriales, editores, personal de marketing, equipo de promoción y los encargados de publicación. Son gente con muchas aptitudes. En nuestro libro, usamos el termino ampliamente, para acompasar todo desde las revistas hechas a mano a los libros más demandados, pasando por pequeñas publicaciones distribuidas por los autores a pequeñas imprentas creadas

How would you define ‘indie publishing’? Indie publishing is author-driven. The traditional publishing industry is controlled by publishing professionals — editors, marketing people, promotional staff, and the publishers in charge. These are all skilled people. In our book, we use the term broadly, to encompass everything from handmade zines to printon-demand books to offset publications distributed by the authors to small imprints created by design firms who wanted to get into the content business.

“la publicación independiente es una liberación” “going independent is liberating”

por firmas de diseño que quieren entrar en el negocio. ¿De qué forma es diferente de la industria tradicional? Porque la inicia el propio autor, las publicaciones indie dejan de lado las barreras de las publicaciones tradicionales. Va más allá de los porteros. Ahora esos porteros actúan de guardianes de la calidad en algún modo, pero también contribuyen a una industria homogénea e interesada en el dinero, que muchos autores encuentran hostil y difícilmente accesible. Las publicaciones indies suelen servir de nicho local para mercados que no se enfocan al público general. ¿Cuáles son los beneficios de la autopublicación? Si tienes has tenido la dificultad de entrar en el mundo principal de la publicación, pasar al independiente es una liberación. Si acabas produciendo un libro de éxito, los beneficios pueden ser suculentos, pero este no debería ser el motivo principal para empezar a publicar. Pocos autores hacen una gran caja con sus libros, independientemente de quién les publique. Para muchos de nosotros, la publicación es un trabajo de amor. ¿Cuáles son los riesgos? La mayoría de las publicaciones independientes cuestan dinero, y ese es un riesgo. Cuando trabajas con una editorial comercial, ellos se encargan de la factura de imprimir. Las editoriales también ofrecen servicios básicos como edición, corrección, diseño, distribución y marketing. El editor independiente tiene que encargarse de todas esas tareas solo (o buscar un amigo que ayude). No es fácil, especialmente la parte de distribución. Los libros autopublicados todavía se ven como algo menos válido que los libros comerciales, aunque esto está empezando a cambiar. ¿Ves las publicaciones independientes como parte de un movimiento D.I.Y. (Do It Yourself,

How is it different from the traditional publishing industry? Because it’s author-initiated, indie publishing sidesteps the traditional barriers of the publishing industry. It gets beyond the gatekeepers. Now, those gatekeepers act as guardians of quality to some degree, but they also contribute to a homogeneous and profit-driven publishing industry that many authors find hostile and hard to penetrate. Indie publishing often serves niche or local markets that can’t be addressed by mainstream publishing. What are the benefits of publishing yourself? If you have had difficulty breaking into the mainstream publishing world, going independent is liberating. If you end up producing a successful book, the profits can be substantial, but this shouldn’t be the main motive to get into publishing. Few authors make substantial bucks on their books — regardless of who publishes them. For most of us, writing and producing books is a labor of love. What are the risks? Most forms of indie publishing cost money, and that’s a risk. When you work with a commercial publisher, they foot the printing bill. Publishers also provide essential services like editing, proofreading, design, distribution, and marketing. The indie publisher has to take on all these tasks alone (or find friends to help out). It’s not easy, especially the distribution part. Self-published books are still viewed as less legitimate than commercially published books, although this is starting to change. Do you see indie publishing as part of a wider D.I.Y. movement? We are seeing more independent production in all creative fields — music, art, theater, design, etc. Younger creative people are interested in creating

DISEÑO

del inglés, hazlo tú mismo) ampliado? Estamos viendo más y más producciones independientes en los campos creativos, música, arte, teatro, diseño, etc. Los creativos más jóvenes son personas interesadas en crear instituciones y redes fuera del mundo del arte oficial o la música y literatura establecida. Están cómodos usando la tecnología para esparcir sus ideas. ¿Cómo ha afectado el internet a las publicaciones independientes? Internet nos permite a los productores indi alcanzar lectores potenciales fueras del sistema de librerías. Hoy cualquiera puede empezar su cuenta de Amazon Marketplace o vender publicaciones desde sus páginas web. Las imprentas por encargo como Lulu o Blurb producen libros cuando alguien los compra, mandando el libro acabado directamente a los clientes. Estas tecnologías están creando nuevas posibilidades para los autores, especialmente esos cuyo trabajo está destinado a audiencias más pequeñas. ¿Qué consejo darías a alguien que está publicando su primer libro? Ama tu libro. Acepta consejos de otros para tener el mejor contenido posible. Considera las diferentes maneras que existen para publicar tu trabajo, incluidas la manera tradicional así como la independiente. Piensa en tu audiencia y la mejor forma de llegar a ella. Y piensa en tus propios motivos principales a publicar un libro. Por ejemplo, un artista que tiene una exposición en una galería puede usar una imprenta por encargo como herramienta para construir su propia carrera via grandes aplicaciones, contactos con galerías y comisarios de exposición, oportunidades de dar charlas, etc. Un libro bien diseñado y creado con cuidado tiene muchas utilidades. Vender copias a muchas personas es solo una de ellas. Puedes usar un libro como un portfolio profesional para conseguir un trabajo o adquirir clientes, quizá solo necesites unas cuantas copias. ¿Cuáles son algunos de los errores comunes que la gente hace al diseñar libros? Es importante utilizar un buen software. El estándar de la industria actual es Adobe InDesign, que está disponible para Mac y PC y se puede aprender fácilmente a través de manuales de software o talleres técnicos. Programas como Microsoft Word o Publisher son extremadamente engorroso y al final será frustrante para una persona que intenta diseñar un libro refinado y elegante. La elección de una buena tipografía también es importante. Evite Times New Roman, que fue diseñado originalmente para los periódicos y es tan ampliamente utilizada que es banal. Tipos hermosas y de alta calidad como Garamond a menudo vienen con software de diseño y sistemas

new institutions and networks outside the official art world or music/literature establishments. They are comfortable using technology to disseminate their ideas. How has the internet affected the development of indie publishing? The internet allows indie publishers to reach potential readers outside the bookstore system. Today, anyone can set up an Amazon Marketplace account or sell publications directly from their web sites. Print-ondemand publishers like Lulu and Blurb produce books when someone buys them, sending the finished book directly to the customer. These technologies are creating new possibilities for authors, especially those whose work is directed at narrower, smaller audiences. What advice would you give someone publishing their first book? Love your book. Get advice from lots of people in order to have the best possible content. Consider the different avenues that exist for publishing your work, including mainstream publishing as well as independent ventures. Think about your audience and the best way to reach them. And think about your own primary goals for publishing a book. For example, an artist having a gallery exhibition might use a print-on-demand book as a tool for building his or her career via grant applications, networking with galleries and curators, securing lecturing and teaching opportunities, and more. A well-designed, carefully authored book has many functions. Selling copies to lots of people is just one of them. You might use a book as professional portfolio for landing a job or attracting clients — maybe all you need is a few copies. What are some of the common mistakes people make designing books? It’s important to use good software. The industry standard today is Adobe InDesign, which is available for both Mac and PC and can be easily learned via software manuals or technical workshops. Programs like Microsoft Word or

operativos de computadora. Mantener tu diseño simple y consistente de página a página es una regla general para cualquier diseño de libro. También es necesario “desaprender” algunos hábitos de la escuela secundaria, como dejar dos espacios entre frases - esto no se hace en la tipografía formal, y hará que tu libro parezca de aficionado. ¿Qué buscas en el buen diseño de libros? Tipografía bonita, márgenes elegantes, páginas constantes. ¿Alguna vez has comprado un libro sólo por su cubierta? ¡Por supuesto! El diseño de la cubierta es extremadamente importante. Una cubierta no es sólo una valla publicitaria de su libro en un estante, sino que es también un logotipo en línea para tu libro, que tiene que verse muy bien a 100 píxeles de alto. Conseguir ayuda de un buen diseñador gráfico en la portada del libro es una inversión que vale la pena. ¿Estamos finalmente viendo el final de la impresión? Creo que hay un cambio de mar en curso. Después de décadas de intentos infructuosos de crear lectores de libros electrónicos, de repente el tiempo parece el correcto. No creo que la impresión desaparezca, pero creo que veremos menos de ella. Sigue siendo un medio táctil, permanente, estable al que los usuarios pueden sentir un apego personal. ¿Qué papel crees que tendrá la impresión a la carta en el futuro? La impresión por encargo es donde se encuentran los medios digitales y la impresión. Creo que veremos mucho más de esto como los precios bajar en el futuro. En última instancia, es una forma más sostenible de publicar e implica menos riesgo financiero, pero en este momento, es demasiado cara para los esfuerzos a gran escala. ¿Cómo co-existirán los e-books y la impresión? Los e-books son geniales para la lectura desechable, revistas, ficción casual, periódicos. Tal vez cada libro físico en el futuro vendrá con un suplemento digital. A menudo quiero referirme rápidamente a un libro que leí, y los libros electrónicos serían perfectos para eso. Personalmente, recojo libros, pero no necesito guardar el último libro de Richard Price en mi estante para siempre. Como diseñador, ¿se siente un apego a la impresión? Estoy muy apegado a la impresión. No quiero verla desaparecer en mi propia vida, eso seguro. Me encanta la tactilidad, la permanencia y la escala. Pero me veo leyendo cada vez más en digital.

Publisher are extremely cumbersome and will ultimately be frustrating to a person trying to design a refined and elegant book. Choosing a good typeface is also important. Avoid Times Roman, which was originally designed for newspapers and is so widely used as to be banal. Beautiful, high-quality typefaces such as Garamond often come bundled with layout software and computer operating systems. Keeping your design simple and consistent from page to page is a rule of thumb for any book design. You also need to “unlearn” some habits from high school, such as leaving two spaces between sentences — this is not done in formal typesetting, and it will make your book look amateurish. What do you look for in good book design? Beautiful type, elegant margins, consistent pages. Have you ever bought a book just for its cover? Of course! Cover design is extremely important. A cover is not only a billboard advertising your book on a shelf, it’s also an online logo for your book that needs to look great at 100 pixels high. Getting help from a good graphic designer on your book cover is a worthwhile investment. Are we finally seeing the ‘End of Print’? I do believe there is a sea change going on. After decades of unsuccessful attempts at creating electronic book readers, suddenly the time seems right. I don’t think print will disappear, but I think we will see less of it. It remains a tactile, permanent, stable medium that users can feel a personal attachment to. What role do you think print-ondemand will play in the future? Print-on-demand is where digital media and print meet. I think we will see a lot more of this as prices go down in the future. Ultimately, it is a more sustainable way to publish and involves less financial risk, but right now, it is too expensive for large-scale endeavors. How will e-books and print co-exist? E-books are great for disposable reading — magazines, casual fiction, newspapers. Perhaps every physical book in the future will come with an e-book supplement. I often want to quickly reference a book I read, and e-books would be great for that. Personally, I collect books, but I don’t need to keep the latest Richard Price book on my shelf forever. As a designer, do you feel an attachment to print? I am very attached to print. I don’t want to see it disappear in my own lifetime, that’s for sure. I love the tactility, permanence, and scale. But I do find myself reading more and more online.

El surrealismo realista de Imogen Cuningham Sus imĂĄgenes nos transportan a escenas onĂricas muy feministas

FOTOGRAFÍA

DIRECCIÓN Lourdes Expósito

SUBDIRECCIÓN Ximo Cremades

STAFF TEXTOS Ximo Cremades Yanir López Alberto Cortés

FOTOGRAFÍA Bene Ripoll Eric García Gemma Vázquez

DISEÑO Bene Ripoll Eric García

EDICIÓN SpainMedia S.L.

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