OPEN 12. 2009, Esposizione Internazionale di Sculture ed Installazioni

7

Esposizione Internazionale di Sculture ed Installazioni 02.09 > 04.10 2009 Venezia Lido, Isola di San Servolo a cura di curated by Paolo De Grandis

International Exhibition of Sculptures and Installations

ORGANIZZAZIONE ORGANIZATION Ideatore e Curatore Conceiver and Curator Paolo De Grandis, Presidente President Arte Communications Organizzazione Generale General Organization Päivi Tirkkonen De Grandis, Direttore Director Arte Communications Co-Curatrice Co-Curator Coordinamento Organizzativo e Redazionale Organizational and Editorial Coordination Carlotta Scarpa, Arte Communications Ufficio Stampa Press Office Francesca Romana Greco Arte Communications pressoffice@artecommunications.com OPEN XII Edizione 12th Edition Supporto Tecnico per l'Allestimento Technical Support for the Installation Arch. Giulio Zannier Supporto Tecnico Technical Support Leonardo De Grandis Assistente Assistant Martina Zanghì Arte Communications Co-organizzazione Co-organization Comune di Venezia - Assessorato alla Produzione Culturale: Assessora Luana Zanella Direzione Attività e Produzioni Culturali, Spettacolo: Direttore Roberto Ellero Coordinamento Settore Eventi: Dirigente Angela Fiorella Massimo Macaluso Ufficio Organizzazione Eventi: Mauro Galasso Giovanni Porpora Emanuela Ferrazzoni

Catalogo Catalogue Arte Communications Via P. Orseolo II, 16 - 30126 Venezia Lido - Italy Tel.+ 39 041 5264546 Fax +39 041 2769056 info@artecommunications.com www.artecommunications.com Ideazione Grafica Graphic Design OnLabArchitects Traduzioni Translations Rossella Bagnardi Sandra Speirs Daniela Bellati Rossella Stropeni Impaginazione e supervisione stampa Graphic Design and Printing Supervisor Carmen Jacopetta Stampa Printing Grafiche Effegiemme Edizioni Edited By © Arte Communications © Bellati Editore Sito Internet Web Site Arte Communications www.artecommunications.com Daniela Bellati www.bellatieditore.com

SOmmARIO cONTENTS Paolo De Grandis, Ideatore e Curatore Conceiver and Curator Luana Zanella, Assessora alla Produzione Culturale, Comune di Venezia Councillor for Cultural Production, Venice City Council Giovanni Gusso, Presidente Municipalità di Lido Pellestrina President of Town of Lido Pellestrina Luigino Busatto, Presidente President San Servolo Servizi Carlotta Scarpa, Co-curatrice Co-curator Anna Caterina Bellati, Curatrice Curator Massimo Pulini, Curatore Curator Christos Savvidis, Curatore Curator

13 15 16 17 18 20 21 22

Venezia Venice Lido Argentina Cina China Cipro Cyprus Finlandia Finland Francia France Georgia Germania Germany Grecia Greece India Italia Italy

Svizzera Switzerland Uruguay-USA USA

Isola di San Servolo Island Accademia di Belle Arti di Bologna Curatori Curators Anna Caterina Bellati Massimo Pulini Carlotta Scarpa

Biografie biographies Appendice appendix Arte Communications Ringraziamenti acknowledgements

28 30 32 34 38 40 42 44 48 50 52 56 58 60 62 64 66 68 70 72 74 76 78 82 84 88 90 92 94 96 98 100

León Ferrari Lee Sun-Don Zhao Guanghui Andreas Savva Kiba Lumberg Hannu Palosuo Bernard Pourrière Eteri Chkadua Gabriele Pöhlmann Bertamaria Reetz and Rainer Bonk Venia Bechrakis Aristotelis Deligiannidis Under Construction Nataraj Sharma Cosimo Andrisano B.Zarro Enrico Benetta Cristian Biasci Stefano Bombardieri Marilù Cattaneo Andrea Ciampini Girolamo Ciulla Marco Cornini Margherita Michelazzo Ercole Pignatelli Ugo Riva Federica Silvi Heinz Aeschlimann Christian Bolt Daniel Glaser/Magdalena Kunz Jorge Misium Fulvia Zambon

104 106 108 110 112 114 116 118 120 122 124 126 128 131 151 158 160

Angelarosa Benevento (Italia Italy) Francesco Cossu (Italia Italy) Luca Freschi (Italia Italy) Laura Guerinoni (Italia Italy) Giacomo Lion (Italia Italy) Matteo Lucca (Italia Italy) Angelo Massaro (Italia Italy) Lara Mezzapelle (Italia Italy) Fabio Romano (Italia Italy) Lucio Terenzi (Italia Italy) Linda Vigiani (Italia Italy) Davive Vivaldi (Italia Italy) Diego Zuelli (Italia Italy)

Daniele Crippa Carol Chou Chang Tsong-zung Marita Muukkonen Christian Maretti Enrico Pedrini The artist Gertrud Kohler-Aeschlimann Nevia Pizzul-Capello Thalea Stefanidou Christos Savvidis The artist Anna Caterina Bellati The artist Angelo Bucarelli Anna Caterina Bellati Anna Caterina Bellati Anna Caterina Bellati Anna Caterina Bellati Anna Caterina Bellati Anna Caterina Bellati Alberto Mattia Martini Anna Caterina Bellati Anna Caterina Bellati The artist Gertrud Kohler-Aeschlimann Gertrud Kohler-Aeschlimann Luigi Franchin, Viola Romoli The artist Anna Caterina Bellati

PAOLO DE GRANDIS Ideatore e curatore conceiver and curator

Ho sempre pensato che la buona riuscita di una mostra fosse legata ad un’intuizione dalla quale scaturiscono idee e progetti.

Intuizione che mi ha portato negli anni a conoscere molte persone, incontri che si sono rivelati poi forieri di vitali collaborazioni.

Nel fervore di queste giornate che precedono l’apertura, nel turbinio di incontri, telefonate e riflessioni, nel cuore della fase organizzativa in cui si muove una squadra di animi, di pensieri, di mani, mi fermo a pensare alla storia di OPEN. Dodici anni di una formula che evidentemente ha funzionato e continua a funzionare, che ha stupito e stupisce, che ha fatto parlare di sé e fa ancora parlare di sé. Un successo costante di pubblico e di critica. Quella di OPEN è stata una intuizione il cui linguaggio è chiaro, semplice, riconoscibile, uguale a se stesso eppure sempre nuovo, rinnovato, poliedrico, multiforme.

Dodici anni fa OPEN è scaturito, si è generato dai concetti di interazione, contaminazione, scambio, collaborazione. E sono proprio le collaborazioni che hanno determinato le direttrici di questo lungo cammino.

Primo tra tutti è stato l’incontro con il caro amico Pierre Restany. Il ricordo oggi è vivo come ieri, lui con la sua barba lunga e l’immancabile sigaro in mano che annebbiava il suo studio parigino dove eravamo soliti chiacchierare della vita.

Programmavamo OPEN anno dopo anno.

Parallelamente nasceva l’amicizia con Johnson Chang, creatasi grazie al mio continuo peregrinare in terra d’Asia alla scoperta dell’arte di questo meraviglioso paese. La nostra collaborazione ha assicurato la partecipazione costante degli artisti asiatici ad OPEN così da vederne negli anni la crescita e la continua evoluzione e il suo imporsi a livello internazionale in tutte le kermesse dell’arte. Sono quasi 60 gli artisti orientali che in questi anni sono passati per i viali aperti di OPEN. Hanno preso parte a questo tavolo dell’arte poi Enrico Pedrini e Nevia Pizzul–Capello, presenze importanti per la promozione di artisti internazionali che hanno saputo combinare con successo gli elementi tradizionali con quelli moderni, senza perdere l'identità di origine.

Prolifica e costante è stata la collaborazione con Efi Strousa e Lina Tsikouta per la Grecia e Cipro. Con loro si sono susseguite proposte artistiche in continua evoluzione che hanno trovato consacrazione nella recenti biennali. Tale eredità è passata quest’anno a Christos Savvidis, già direttore di Artbox, direttore artistico di Art Athina e curatore di Poets Machine alla 53.

Biennale di Venezia, con il quale si è instaurato da subito un vitale scambio culturale che ha portato presenze artistiche di rilievo che, con modi e linguaggi diversi, ci parlano di etica ed estetica, di individuo e società. Sono fiducioso che tale collaborazione continuerà nelle prossime edizioni.

Altre due collaborazioni estremamente preziose testimoniano ad OPEN 12 una della continuità delle relazioni, della stima e della fiducia che si consolidano e maturano negli anni, e l’altra di un incontro nuovo che porta con sé la freschezza del cambiamento.

Mi riferisco all’ormai consolidata partecipazion e di Anna Caterina Bellati che per il secondo anno consecutivo tiene le fila di un percorso tutto italiano e alla nuova collaborazione con Gertrud Kohler-Aeschlimann, direttrice di Art-St-Urban, prestigioso museo di sculture all’aperto a Lucerna, che porta la sua esperienza e la sua sensibilità in perfetta sintonia con lo spirito

I have always believed that the success of an exhibition is linked with the intuition from which ideas and projects spring.

Over the years, intuition has helped me get to know many people, in meetings that have then led to important collaborations.

In these hectic days just before opening, in the whirlwind of meetings, phone calls and reflections, in the heart of the organisation stage involving a whole team of souls, thoughts and hands, I pause for a moment to think back on the history of OPEN. Twelve years of a formula that has obviously worked and continues to work, which has amazed and continues to amaze, always providing something to talk about. A constant success with both public and critics. OPEN has been an intuition with a language that is clear, simple, recognisable, always the same yet always new, renewed, multifaceted and versatile.

OPEN came into being twelve years ago, generated from concepts of interaction, contamination, exchange and collaboration. And collaboration was what proved to be decisive in its long life.

First of all there was the meeting with my dear friend, Pierre Restany. The memory is just as vivid today, in my mind’s eye I can still see him with his long beard and the ever-present cigar in his hand, filling with its smoke the air of his studio in Paris where we used to chat about life. We would plan OPEN year after year.

My friendship with Johnson Chang dates back to the same time, it began thanks to my continuous wandering through Asia in search of the art of that wonderful continent. Our collaboration ensured the constant participation of Asian artists in OPEN, so that their number has been growing every year, evolving continuously and achieving success at an international level in all art fairs. Over the years, nearly 60 Asian artists have passed along the OPEN avenues.

Enrico Pedrini and Nevia Pizzul-Capello also made a valuable contribution, promoting international artists who succeeded in combining traditional and modern elements, without losing their original identity.

Collaboration with Efi Strousa and Lina Tsikouta for Greece and Cyprus has been constant and prolific. With them we have worked on continuously evolving artistic proposals which were confirmed in recent editions of the Biennale. This year the baton has been taken up by Christos Savvidis, previously director of Art Athina and curator of Poets Machine at the 53rd Venice Biennale.

We immediately began a lively cultural exchange with him which brought the presence of important artists who, using different means of expression, spoke to us of ethics and aesthetics, the individual and society. I am sure that this collaboration will continue in the coming editions.

OPEN 12 benefits from two other extremely precious collaborations, one of which ensures the continuity of the relations, esteem and trust that have grown up over the years whereas the other is a new encounter that brings with it the freshness of change. I refer to the well-established participation of Anna Caterina Bellati, who for the second year running is pulling the strings of an all-Italian section, and to the new collaboration with Gertrud Kohler-Aeschlimann, director of Art-St-Urban, the prestigious open-air museum of sculpture in Lucerne, who brings her experience and sensitivity in perfect harmony with the OPEN spirit. We have continued in our intention to give space to young 13

di OPEN. Continua la volontà di dare spazio ai giovani artisti delle Accademie e quest’anno ho avuto il piacere di collaborare con Massimo Pulini, curatore del progetto dell’Accademia di Belle Arti di Bologna che si appropria dell’isola di San Servolo, i cui incantevoli spazi ospitano OPEN per la seconda volta.

Dodici anni di formazioni, visioni, lingue e culture diverse che si sono mosse all’unisono per costruire un evento sempre unico.

Questo ha permesso ad OPEN di essere aperto sul mondo, di oltrepassare i confini seducenti e surreali della laguna per esplorare oltre 70 paesi, dalle Americhe, all’Europa, all’Estremo Oriente al bacino del Mediterraneo, da cui rubare le eccellenze, le novità, le sperimentazioni, i più grandi nomi dell’arte come le più giovani promesse. Questo ha permesso ad OPEN di vivere nel tempo, oltrepassando i limiti atrofizzanti della ripetizione, con un’attenzione alle piccole trasformazioni come ai sussulti della scena artistica italiana e internazionale.

Desidero ringraziare l’Assessora Luana Zanella per il continuo sostegno dato alla manifestazione, il Presidente Giovanni Gusso per il vitale supporto organizzativo che ha permesso negli anni di realizzare la manifestazione al Lido di Venezia con l’aiuto della autorità pubbliche locali.

Un ringraziamento inoltre a Leone Jannuzzi per la gentile concessione degli spazi dell’Hotel Excelsior e dell’Hotel Des Bains, a Luigino Busatto che ancora una volta ha creduto nella manifestazione offrendomi gentilmente la possibilità di allargare lo spettro espositivo presso l’Isola di San Servolo, a Paolo Ballarin per la concessione degli spazi del Blue Moon. Un grazie poi ad Antonio Vianello, Giovanni Roncan, Luca Caruti, Pio Fiorenzo Marson e Luca Ballarin per il loro prezioso supporto tecnico.

Grazie quindi alle preziose partecipazioni di curatori, storici dell’arte, amici, alla loro intelligenza e alla loro attenzione. E grazie anche a tutti gli artisti, perché ogni opera, ogni performance, ogni installazione ha di OPEN il senso e il respiro.

14

artists from Academies and this year I have had the pleasure of working with Massimo Pulini, curator of the project of the Academy of Fine Arts of Bologna that has taken over the island of San Servolo, an enchanting location that is hosting OPEN for the second time.

Twelve years of different training, viewpoints, languages and cultures that have joined forces to construct an event that is always unique.

This has enabled OPEN to be open to the world, to go beyond the tempting and surreal boundaries of the lagoon to explore more than 70 countries, from America to Europe, the Far East and the Mediterranean area, from which to steal the excellence, innovations, experimentations, the biggest names in art and the most talented young artists. This has allowed OPEN to live in its time, going beyond the paralysing limits of repetition, paying attention both to small transformation and to the upheavals of the Italian and international artistic scene.

I would like to thank the Councillor Luana Zanella for her continuous support of the event and President Giovanni Gusso for his vital help in organisation which has enabled us over the years to hold the event at Venice Lido with the aid of the local public authorities.

Thanks also go to Leone Jannuzzi for kindly making available the areas of the Hotel Excelsior and the Hotel Des Bains, to Luigino Busatto who once again showed his faith in the event, kindly offering me the possibility to extend the exhibition space to the island of San Servolo, and to Paolo Ballarin for the Blue Moon spaces. Sincere thanks also to Antonio Vianello, Giovanni Roncan, Luca Caruti, Pio Fiorenzo Marson and Luca Ballarin for their precious technical support.

Thanks to the precious participation of curators, art historians and friends for their intelligence and attention. And thanks also to all the artists, because every work, every performance, every installation, contributes to the meaning and scope of OPEN.

LuANA ZANELLA

Assessora alla Produzione culturale, comune di Venezia councillor for cultural Production, Venice city council OPEN, Esposizione Internazionale di Sculture ed Installazioni, da ormai dodici anni si svolge nell’incantevole isola del Lido di Venezia (e per la seconda volta coinvolge anche l’isoletta di San Servolo), nel periodo più intensamente vissuto e atteso dell’intera stagione, poiché, com’è noto, sono i giorni in cui ha luogo la Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica, quest’anno alla sua sessantaseiesima edizione. Non a caso, è stato istituito, nove anni orsono, il Premio OPEN, premio speciale collaterale alla mostra cinematografica, da attribuire al regista partecipante la cui opera riveli un legame significativo con le arti figurative.

Nel corso del tempo l’evento ha acquisito rilevanza e interesse sempre più intense, tanto da meritare il Patrocinio delle Istituzioni Locali, Municipalità di Lido Pellestrina, Provincia e Comune di Venezia, del Ministero per i Beni e le Attività Culturali, del Ministero degli Affari Esteri, nonché la targa del Presidente della Repubblica.

OPEN rappresenta sicuramente uno degli appuntamenti culturali più stimolanti e avvincenti, cresciuto felicemente, in sintonia con l’ambiente, il clima e l’atmosfera lidensi, grazie alla cura competente e amorevole dell’Associazione Arte Communications, del suo Presidente, Paolo De Grandis e delle sue collaboratrici e collaboratori.

Open, perché l’esposizione delle opere, sculture, installazioni, fotografie, tele, si dipana quasi totalmente negli spazi esterni del Lido, lungo i viali, nelle terrazze e nei giardini dei prestigiosi alberghi storici, nell’isola di San Servolo, che un tempo ospitò l’istituto manicomiale.

Open, perché il progetto artistico e creativo si apre, ogni anno, al nuovo, attraversando frontiere ignote, misurandosi con ardite sperimentazioni e ospitando artisti giovani e, talvolta, poco conosciuti, che possono così incontrare maestri affermati (è il caso, questa volta, di Léon Ferrari, già Leone d’oro alla Biennale di Venezia), critici, collezionisti e intellettuali attivi nell’ambito dell’arte contemporanea.

Open, infine, perché si tratta di un percorso culturale ricco e fecondo, grazie alle relazioni, scambi e contaminazioni tra differenti linguaggi, approcci artistici, ideazioni figurative, forme espressive, proprie di artisti provenienti da tutto il mondo, che anelano a farsi interpreti della propria cultura, in autentico, seppur talvolta faticoso, dialogo con quella degli altri.

Grazie, quindi, a OPEN e a tutti coloro che, anche quest’anno, ne hanno garantito lo svolgimento.

OPEN, International Exhibition of Sculptures and Installations, has been held for twelve years now on the enchanting island of Venice Lido (and for the second time also involving the small island of San Servolo), in the most intensely enjoyed and awaited period of the whole season, as those are the days of the Venice International Film Festival, which this year reaches its sixty-sixth edition. Nine years ago, the OPEN Prize was launched, which is a special prize coinciding with the Film Festival, to be awarded to a director taking part whose work shows a significant link with the figurative arts.

Over the years, the event has acquired increasing importance and interest, earning the Patronage of the Local Authorities, the Municipality of Lido Pellestrina, the Province and Municipality of Venice, the Ministry of Cultural Heritage and Activities, the Ministry for Foreign Affairs, and the Silver Shield of the President of the Republic.

OPEN is certainly one of the most stimulating and captivating cultural events. It has grown happily, in harmony with the environment, the climate and the atmosphere of Lido, thanks to the competent and loving care of the Association Arte Communications, its President, Paolo De Grandis and his many collaborators.

Open, because the display of works, sculptures, installations, photographs and canvases is located almost completely in the outdoor spaces of Lido, along the avenues, terraces and gardens of the prestigious historic hotels, and on the island of San Servolo which once housed the lunatic asylum.

Open, because each year the artistic and creative project opens its doors to the new, crossing unknown frontiers, trying out daring experimentations and hosting young and even little known artists, who can thus meet successful masters (as is the case, this year, of Léon Ferrari, past winner of the Golden Lion at the Venice Biennale), critics, collectors and intellectuals who are active in the field of contemporary art.

Open, lastly, because it is a rich and fertile cultural path, thanks to the relations, exchanges and contaminations between different languages, artistic approaches, figurative conceptions, forms of expression, typical of artists from all over the world, who aspire to interpret their own culture in an authentic, albeit sometimes exhausting, dialogue with other cultures.

So we thank OPEN and all those who, this year too, have worked to ensure its success.

15

GIOVANNI GuSSO

Presidente municipalità di Lido Pellestrina President of Town of Lido Pellestrina Il Lido è un’isola, che, per secoli, da quando nell’811 la sede del Dogato fu trasferita da Malamocco a Rialto, fu abitata solo da ortolani e pescatori. Poi la straordinaria invenzione del turismo legato alla balneazione la fece diventare sinonimo di spiaggia per le vacanze. Nacquero i Grandi Alberghi e una borghesia ricca, in un territorio ancora non urbanizzato, diede vita ad un fenomeno artistico unico al mondo: sorsero in pochi anni centinaia di ville Liberty, un patrimonio che la Municipalità di Lido e Pellestrina ha recentemente catalogato e messo in rete.

Ecco perché l’arte è di casa al Lido! OPEN, giunto felicemente alla sua dodicesima edizione, consolida questo legame e ha il merito di far diventare l’isola, che Byron tanto amava, una galleria all’aperto. L’arte contemporanea, grazie ad OPEN, può interagire con il territorio, non solo offrendo spettacolo di sé ma rendendo il cittadino protagonista, sensibilizzandone la percezione nei confronti del territorio in relazione al lavoro degli artisti. Tutto questo però con molta discrezione e nessuna volontà impositiva.

L’arte contemporanea diventa così più facilmente accessibile e fruibile.

In questo periodo il Lido sta vivendo un momento di grande rinascita: la Nuova porta d’Acqua, il Nuovo Palazzo del Cinema e dei Congressi (un gigantesco sasso dorato, omaggio alle città metafisiche di Sironi e De Chirico), il rinato Borgo di Malamocco, sono solo le opere più importanti di un grande progetto di rilancio.

OPEN, con l’arte contemporanea, si inserisce perfettamente in questo fermento culturale. Paolo De Grandis e i suoi collaboratori con un lavoro attento, aperto al mondo d’oggi, sottolineano la vocazione internazionale di quest’isola e ci spiegano che il linguaggio dell’arte non ama le barriere e i confini ed è pronto ad includere, mai ad escludere. OPEN è aperta ai giovani e sa cogliere ed interpretare il linguaggio delle nuove generazioni artistiche.

Concludo con un acronimo spero benaugurante: OPEN significa Opere Piene d’Energia Nuova… anche e soprattutto, spero, per la nostra bella isola, il Lido di Venezia.

16

Lido is an island which for centuries, ever since the seat of the Doges was transferred from Malamocco to Rialto in 811, was inhabited only by market gardeners and fishermen. Then the extraordinary invention of tourism linked with sea bathing made it synonymous with holiday beaches. The Grand Hotels were founded and, in a territory that was still not urbanised, a rich bourgeoisie laid the foundation of an artistic phenomenon that was unique in the world: in the space of just a few years, hundreds of Liberty villas were built. The Municipality of Lido and Pellestrina has recently catalogued all this heritage and put it on the web. That is why art is at home at Lido! Having now happily reached its twelfth edition, OPEN consolidates this bond and has the merit of making this island, once so dear to Byron, an openair gallery. Thanks to OPEN, contemporary art can interact with the territory, not only offering something spectacular in itself, but making people the protagonists, enhancing their perception of the territory through the artists’ work. Yet all this is done very discreetly, without any imposition. In this way contemporary art becomes more easily accessible and enjoyable.

In this period is experiencing a period of great rebirth: the new Water Harbour, the New Cinema and Congress Palace (a gigantic golden stone, tribute to the metaphysical cities of Sironi and De Chirico), the revamped district of Malomocco, are only some of the most important works in a great project that aims to boost the area. With contemporary art, OPEN is perfectly integrated in this cultural ferment. In their attentive work, open to the world of today, Paolo De Grandis and his collaborators highlight this island’s international vocation and explain to us that the language of art does not like barriers and boundaries, and is always ready to include, but never to exclude. OPEN is open to young people and knows how to grasp and interpret the language of new artistic generations. I conclude with an acronym that I hope bodes well: OPEN in Italian stands for Opere Piene d’Energia Nuova… Works Filled with New Energy… and I hope, above all, also for our beautiful island of Lido di Venezia.

LuIGINO buSATTO Presidente di San Servolo Servizi President of San Servolo Servizi

Per il secondo anno il percorso espositivo di OPEN comprende una sezione a San Servolo. L’esperienza dell’anno scorso è stata per noi positiva e volentieri abbiamo rinnovato l’ospitalità a questa importante esperienza artistica internazionale.

San Servolo è oramai riconosciuto quale luogo ideale per mostre e performance artistiche. Infatti sono sempre più numerosi e prestigiosi gli appuntamenti culturali che si susseguono in isola confermando che questo luogo della città, un tempo isolato e ricolmo di sofferenza, è oggi definitivamente aperto al territorio.

Passeggiando per il bellissimo parco dell’isola si comprende appieno quale felice risultato la Provincia di Venezia, proprietaria dell’isola, abbia ottenuto recuperando gli spazi e dedicandoli alla città: cultura, internazionalità e innovazione sono oggi a San Servolo a disposizione di tutti i cittadini.

Benvenuta quindi OPEN a San Servolo e un benvenuto a San Servolo ai visitatori di questa bella iniziativa d'arte.

For the second year running, the OPEN exhibition itinerary includes a section at San Servolo. Last year’s experience was a positive one for us, and we gladly hosted this important international artistic event again.

San Servolo is now acknowledged as an ideal place for exhibitions and artistic performances. Indeed, more and more prestigious cultural meetings are being held on the island, confirming that this part of the city, once isolated and a place of suffering, is now open to the whole territory. As visitors walk through the beautiful park on the island, they can fully understand the successful result achieved by the Province of Venice, which owns the island, by restoring the spaces and devoting them to the city: today culture, international activities and innovation are at the disposal of all citizens at San Servolo.

So we welcome OPEN to San Servolo and we welcome visitors to this fine art venture to San Servolo.

17

cARLOTTA ScARPA co-curatrice co-curator

Giunta alla sua dodicesima tappa, OPEN offre ancora una volta un nuovo percorso in divenire, un laboratorio dell’arte all’aperto, nel quale le opere sono esse stesse possibili percorsi per lo sguardo e per l’interazione. Create, quasi tutte, per la mostra, le sculture, le installazioni, le fotografie, le tele che abitano questo ideale streams of consciousness sono spazi di riflessione nei quali l’arte rinnova la tensione verso l’indefinito, sottraendosi alla forma e alla finitezza, per dare al visitatore la possibilità di pensare ad un’arte libera da schemi o da imposizioni tematiche. La mostra è un gioco continuo di contrappunti: ora nelle sculture, ora nelle installazioni, per proporre l’uscita dall’ambito circoscritto delle sale museali o delle gallerie, attraverso nuove espressioni estetiche, capaci di coinvolgere l’individuo secondo i principi d’integrazione totale delle arti con la realtà. I viali alberati, il lungomare assolato, le terrazze e gli storici alberghi che hanno ospitato negli anni la fervida vita culturale del Lido, gli splendidi giardini dell’Isola di San Servolo, carichi delle suggestioni della loro storia passata, sono assieme lo sfondo su cui si muovono le opere d’arte, sono spettatori di dinamiche artistiche e interculturali e sono in qualche maniera essi stessi protagonisti: la collocazione delle opere modifica la percezione dell’osservatore, filtra la lettura dello spettatore, rendendo OPEN un evento unico ed irripetibile.

Destreggiandosi tra le innumerevoli sorprese offerte dalle installazioni dal forte potere seduttivo, come quella degli artisti svizzeri Daniel Glaser e Magdalena Kunz, passando per Le lune di Galileo di Margherita Michelazzo e il cantastorie tridimensionale Enrico Benetta fino alle innumerevoli pecore blue di Bertamaria Reetz e Rainer Bonk, il visitatore potrà trovare poi compiacimento nella contestualizzazione successiva, ove lo attende un grande laboratorio del fare scultura. Qui i grandi maestri León Ferrari, Ugo Riva, Ercole Pignatelli e Girolamo Giulla dialogano con artisti riconosciuti a livello internazionale come Andreas Savva, Lee Sun-Don, Christian Bolt e Heinz Aeschlimann per regalare allo spettatore un ampio grado di interazione e riflessione insieme.

Altre sequenze sono offerte dalle grandi tele dell’artista georgiana Eteri Chkadua e quelle del finlandese Hannu Palosuo, fino alle fotografie performative di Venia Bechrakis, alla pittura ad olio di Fulvia Zambon e all’installazione sonora di Bernard Pourrière. Il segreto di OPEN è quello di infrangere le barriere comunicative tradizionali dell’arte, a partire dalla scelta di artisti che sperimentano tecniche diverse, si vedano i progetti di Jorge Misium e Aristotelis Deligiannidis, a coloro che utilizzano materiali inconsueti come i rilievi fatti di pane croccante di Gabriele Pöhlmann, le ossa di Zhao Guanghui o le scarpe da donna utilizzate dall’artista finlandese Kiba Lumberg. Happening e progetti inediti rinsaldano le fila di questo lungo percorso nell’arte contemporanea: B.Zarro, con il suo omaggio a Mario Schifano, utilizza la performance come j'accuse all’attuale sistema economico mondiale; di pari passo il gruppo greco Under Construction ammonisce la società a ripensare il valore della politica nell’ironia sottesa dei cartelloni pseudo-propagandistici realizzati per questa occasione. Forte è inoltre la presenza italiana che alterna progetti site specific come quelli di Marilù Cattaneo, Cosimo Andrisano e Federica Silvi a quelli in cui la scultura si impone con forza rispetto al contesto espositivo come il grande busto di donna di Marco Cornini, il rinoceronte da viaggio di Stefano Bombardieri o il Pinocchio di 18

OPEN reaches its twelfth edition with a new developing course, an open-air art workshop, where the works themselves are paths that may be followed with the eye or by interaction. Nearly all created specially for the exhibition, the sculptures, installations, photographs and canvases that make up this ideal stream of consciousness are spaces for reflection in which art renews its tension towards the indefinite, eluding form and finiteness, to offer the visitor the possibility of thinking of art free from schemes or thematic set-ups.

The exhibition is a continuous interplay of counterpoint: now in the sculptures, now in the installations, to propose an escape from the limited space of museum halls or galleries, to integrate them with new aesthetic expressions that are able to involve the individual according to the principles of the total integration of the arts with reality.

The tree-lined avenues, the sunny promenade, the terraces and the historic hotels that have hosted Lido’s busy cultural life over the years, and the splendid gardens of the Island of San Servolo, filled with memories of their past history, form the background for the works of art and are at the same time spectators of artistic and intercultural movements in which they too are protagonists to a certain extent: the location of the works modifies the observer’s perception, filtering the way the spectator interprets them and making OPEN a unique and unrepeatable event.

Weaving his way through the countless surprises offered by installations with a strong captivating power, such as the one by the Swiss artists Daniel Glaser and Magdalena Kunz, passing Le lune di Galileo by Margherita Michelazzo and the threedimensional story-teller Enrico Benetta, as well as the countless blue sheep by Bertamaria Reetz and Rainer Bonk, the visitor can find plenty to appreciate in the next sector, where a huge sculpture workshop awaits him. Here the great masters, León Ferrari, Ugo Riva, Ercole Pignatelli and Girolamo Giulla dialogue with internationally acclaimed artists such as Andreas Savva, Lee Sun-Don, Christian Bolt and Heinz Aeschlimann, to offer the spectator a wide range of interaction and reflection at the same time. Other sequences are provided by large canvas paintings by the artist Eteri Chkadua from Georgia and by Hannu Palosuo from Finland, the performing photographs by Venia Bechrakis and the oil painting by Fulvia Zambon. OPEN’s secret is its ability to break down art’s traditional communicative barriers, starting from the choice of artists who experiment in different techniques, such as the project by Jorge Misium and Aristotelis Deligiannidis, or those who opt for unusual materials: just think of the works in relief made of crusty bread by Gabriele Pöhlmann, the bones used by Zhao Guanghui or the women’s shoes favoured by the Finnish artist Kiba Lumberg. Happenings and new projects strengthen the ranks of this long journey through contemporary art: with his tribute to Mario Schifano, B.Zarro uses performance as j'accuse the present world economic system; this message is reinforced by the Greek group Under Construction, which warns present-day society to reconsider the value of politics in the subtle irony of the pseudo-propaganda posters that they have produced for this occasion. There is a strong Italian participation that alternates site-specific projects, such as the ones by Marilù Cattaneo, Cosimo Andrisamo and Federica Silvi, with projects where the sculpture imposes itself forcefully on the context of the

Andrea Ciampini fino ai liberi esperimenti compositivi di Cristian Biasci. Prosegue poi l’iniziativa di dare spazio ai giovani talenti con il progetto curato da Massimo Pulini che presenta 13 artisti dell’Accademia di Belle Arti di Bologna all’Isola di San Servolo.

Un percorso espositivo ricco di fascino nel quale ogni artista ha fatto suo il binomio arte-natura, tra ordine e disordine, armonia e dismisura. Così le installazioni sono indifferentemente linguaggio silenzioso, evocazione di quotidianità, dislocatrici di sensazioni ed elemento di disturbo.

Ad OPEN dunque l’indifferenza è bandita; la partecipazione è d’obbligo!

Tra le tante interpretazioni possibili di questa mostra c’è l’alternarsi continuo della sensibilità nell'immaginare l’arte contemporanea e c’è il fil rouge delle collaborazioni tra artisti, curatori ed enti promotori complici in emozionanti sinergie artistiche. Una piattaforma di confronto e collaborazione dunque come quella con Anna Caterina Bellati che nuovamente si rende promotrice dinamica dell’arte italiana nelle sue molteplici sfaccettature, foriere di grandi progetti ad opera di maestri storici fino alle più recenti proposte di giovani artisti promettenti: un impegno teso a delineare contesti, modi di vivere e proposte interattive, così da facilitare la partecipazione dei visitatori nell’esprimere opinioni.

Tra le novità di quest’anno la presenza di Christos Savvidis per i paesi del Mediterraneo e Gertrud Kohler-Aeschlimann, direttrice di Art-St-Urban, prestigioso museo di sculture a Lucerna.

Continua inoltre il felice sodalizio con Chang Tsong-Zung, Enrico Pedrini e Nevia Pizzul Capello.

Al centro del Piazzale Santa Maria Elisabetta, un imponente pappagallo, Popat dell'artista indiano Nataraj Sharma, che dall’alto delle sue piume colorate sfida i passanti è un chiaro segnale d’avvio: OPEN 12 sta per iniziare.

exhibition, such as the huge bust of a woman by Marco Cornini, the travelling rhinoceros by Stefano Bombardieri, the Pinocchio

by Andrea Ciampini, or even the free expressions composed by Cristian Biasci. Once again space is devoted to young artists with the project followed up by Massimo Pulini who presents 13 artists from the Academy of Fine Arts in Bologna on the island of San Servolo. The itinerary of the exhibition is fascinating, for each artist has combined his or her art with nature, amidst order and disorder, harmony and excess. So the installations may equally well be a form of silent language, an evocation of everyday life, ways of transferring feelings or an element of disturbance.

So at OPEN indifference is banished, everyone must participate!

Among the many possible interpretations at this exhibition there is the continuous alternation of sensitivity in imagining contemporary art and the fil rouge of collaboration between artists, curators and promoting bodies that share exciting artistic synergies. A platform for comparison and collaboration, such as that proposed by Anna Caterina Bellati who returns with her dynamic view of Italian art in its many aspects. She has introduced great projects, from works by historic masters to the most recent proposals by promising young artists: the aim is to outline contexts, ways of life and interactive proposals, thus enabling visitors to express their opinions. This year’s new features include the presence of Christos Savvidis for the Mediterranean countries, Gertrud Kohler-Aeschlimann, director of Art-St-Urban, the prestigious museum of sculpture in Lucerne.

The successful collaboration with Chang Tsong-Zung, Enrico Pedrini, Nevia Pizzul Capello is continuing.

In the centre of Piazzale Santa Maria Elisabetta, an impressive parrot, Popat by the Indian artist Nataraj Sharma, challenges passers-by with its brightly coloured plumage, announcing clearly that OPEN 12 is about to begin.

19

ANNA cATERINA bELLATI curatrice curator

La scorsa estate realizzare con Paolo De Grandis l’undicesima edizione di OPEN è stata una sorpresa faticosa ma esaltante.

Così il gioco è continuato quest’anno per il numero 12. E poiché giocando si impara, nella kermesse 2009 ho avuto il coraggio e la fortuna di poter invitare alcuni dei nomi più importanti della scultura italiana contemporanea. Le opere meravigliose di questi artisti s’inseriscono a vario titolo negli spazi di Venezia Lido con prepotenza e naturalezza. Quasi tutti i lavori sono stati pensati e costruiti proprio per l’occasione, segno di quanto ciascuno abbia apprezzato l’invito. L’infaticabile ragazzo-rondine, come lo chiamava il poeta Raffaele Carrieri, Ercole Pignatelli, ha recuperato un’idea degli anni Settanta fabbricando un animale primitivo e un albero avveniristico che, nel rispetto della sua poetica, sposano arte povera e landart. Con Ugo Riva ci si conosce da tanto e sapevo che una delle sue creature divine avrebbe dato alla manifestazione qualcosa di sospeso tra classicità e segno del presente. Marco Cornini ha invece modellato una delle ragazze provocanti che l'hanno reso famoso, ma in forma gigantesca, sostituendo all'avvenenza ammiccante abituale, una sacralità profana che ripropone il tema della dea Madre. C'è poi la colonnaobelisco di Girolamo Ciulla, con il suo Tempio della Concordia in cima, il meglio conservato della Valle dei Templi di Agrigento, che testimonia a OPEN le radici mediterranee della nostra cultura.

Sempre qualcosa di sacro, ma legato al pensiero orientale, è il tema dell'installazione di Marilù Cattaneo. Un tempio zen collocato sull'erba del Lido. Io e Marilù abbiamo trascorso insieme, nello stesso paesino fra gli abeti, tutte le estati dell'adolescenza. E questa esperienza ha significato per noi due la continuazione di quell'incanto e di quella freschezza. Volentieri ha raccolto la sfida anche una grande pittrice di Torino che da anni vive negli USA, Fulvia Zambon. La sua Carrozzina collocata in un bosco di fiaba impone una riflessione senza scampo sulla necessità della pace.

Ancora di fiabe parla Andrea Ciampini con un Pinocchio gigante che in metafora allunga le braccia verso gli uccellini che hanno nidificato fra i rami degli alberi, sul lungomare Marconi. Con i piedi ancora inchiodati nel legno, visto che non può camminare, cerca di prendere il volo. C'è un altro mio artista che racconta storie, ma le sue sono leggende (legende=da leggere) metropolitane.

Si tratta di Cosimo Andrisano che ha ricostruito per l'occasione uno scorcio di città. I suoi Muri hanno addosso tante esistenze di persone diverse per cultura, classe sociale, sogni. Con in comune la vita camaleontica imposta da un luogo sovraffollato. E sempre di questioni sociali dice Stefano Bombardieri, ma dal punto di vista degli animali. Il suo Bagaglio, un rinoceronte catturato e schiacciato come un'auto da rottamare, urla contro la violenza della razza umana, la specie più arrogante della terra. E della terra, dei suoi segreti, del suo magmatico divenire scrive nel bronzo Cristian Biasci. Con lui al Lido torna l'antica querelle se la scultura debba essere una conquista dello spazio, o se la forma ne faccia già parte e la luce la renda visibile. Questo impegno enorme, che dedico a Patrizia Boldrini Barlettani, ha rappresentato per me e la mia casa editrice una nuova strabiliante occasione, al punto da decidere di trasferirmi in laguna, almeno per qualche tempo.

Così se a Venezia, passando per via Garibaldi vicino alla barca della frutta e verdura, alzando gli occhi vi capitasse di vedere un piccolo balcone con fiori di montagna, sappiate che sono le mie stelle alpine. Colpa di OPEN. 20

Organizing the eleventh OPEN exhibition with Paolo De Grandis last summer was a tiring, but exciting experience. So the play has gone on this year for the 12th exhibition. And since you learn by playing, in the kermesse 2009 I have been brave and lucky enough to invite some of the most important names of the contemporary Italian sculpture. These artists' wonderful works of art arrogantly and naturally get into the spaces of Venice Lido each with its own right. Nearly all the works have been designed and built just for the occasion, and this is a sign that everybody has really appreciate the invitation. The tireless swallow-boy Ercole Pignatelli - so the poet Raffaele Carrieri used to call him – recovered an idea of the seventies and manufactured a primitive animal and a futurist tree which, according to his poetics, combine Arte Povera with Landart. Ugo Riva is one of my old acquaintances, and I knew that one of his divine creatures would give to the event something hovering between the classical antiquity and the present. Marco Cornini, for his part, modelled one of the sensual girls who made him famous. But this is an extra-large-sized one, where the usual winking charm has been replaced with a profane sacredness which arises the theme of the Mother Goddess again. Then you will find Girolamo Ciulla's obelisk-column, with the Temple of Concord on top of it, the best-preserved temple of the Valley of the Temples in Agrigento, which proves at OPEN the Mediterranean roots of our culture. Something sacred again, but linked to Eastern philosophies, is the theme of Marilù Cattaneo's installation. A zen temple placed on Lido green grass. Marilù and I spent together all the summers in our youth in the same little village among the firs.

And this experience meant for both of us the continuation of that magic and that freshness. Also a great painter from Turin, who has been living in the USA for years, Fulvia Zambon, was happy to accept the challenge. Her Baby carriage placed in a fairy-tale wood makes us hopelessly think about the need of peace. Fairy tales are also the subject of Andrea Ciampini's work of art: a huge Pinocchio metaphorically stretching his arms towards the little birds which built their nest among the tree branches on the Marconi sea-front. With his feet still nailed to the wood, since he cannot walk, he is trying to fly off. Another artist of mine tells stories, but his are metropolitan legends (legende=to be read).

This is Cosimo Andrisano, who rebuilt a foreshortened city. His Muri have many existences of persons with different culture, different social class, different dreams on. With the chameleonlife imposed by an overcrowded place in common. Also Stefano Bombardieri deals with social matters, but from the animals' point of view. His Luggage, a rhinoceros caught and squashed like an old car to be scrapped, is howling against the violence of the human race, which is the most arrogant race on earth. And the earth, its secrets, its magmatic becoming take shape in Cristian Biasci's bronzes. With him the old querelle on sculpture's role reopens in Lido. Is sculpture a space conquest, or form is already a part of the space and the light makes it visible? This mammoth engagement , which I dedicate to Patrizia Boldrini Barlettani, has been for me and my publishers such a new marvellous occasion that I decided to move to the lagoon, at least for some time. So, if you are strolling around Venice and happen to walk down Via Garibaldi, near the greengrocer's boat just look up at the little balcony with mountain flowers. Those are my edelweisses. Just OPEN's fault.

mASSImO PuLINI curatore curator

Una ristretta selezione di giovani artisti che, oltre a restituire gli entusiasmi individuali e a far scorgere qualche prospettiva di una prossima ricerca, renda la fertilità e il clima di un ambiente formativo, è stato il proposito di questa esposizione.

OPEN incontra l’Accademia di Belle Arti di Bologna. Io che in quella scuola insegno da molti anni Pittura ho avuto il compito, come dire, di commissario tecnico e l’incarico di mettere insieme una squadra di dodici ragazzi che invece lavorassero nel campo della scultura, dato che gli splendidi spazi offerti sono all’aperto. A quel gruppo, che credo rappresentativo, ho aggiunto un video che parla di un mare circolare, quasi fosse un manifesto dell’esposizione.

Spero di interpretare un principio condiviso quando con i miei studenti parlo di mente, di mano e di cuore.

La mente, la mano e il cuore convergono a costruire un’opera e ogni artista li fa giungere a quest’appuntamento in proporzioni differenti da chiunque altro, ma ognuna di quelle parti del corpo, per dare le migliori gemme di sé, ha bisogno di uno sguardo bifronte.

Una mente che archivi la memoria del mondo, dell’arte, e ne oracoli il proprio futuro.

Una mano che si alleni da atleta ma sappia sospendersi al pari di un eremita.

Un cuore da potersi frugare come una soffitta e da offrire su un piatto, quasi fosse un frutto.

Sono certo che questo, in qualche misura, emerga dalle opere esposte e che, dietro a quel mare circolare: una spina dorsale di marmo; una crisalide di corda; un funambolo di fili; un bambino di colla; un’anima di scarti lignei; una mente di stracci; un corpo di vetro frantumato; un alveare di silicone; un carrarmato di pane; una città di carbone; una sfera di paglia e una bambola di terracotta, possano far intuire la vita, le idee e il fermento di un cantiere italiano dell’arte.

This aim of this part of the exhibition is to present a small selection of young artists. By capturing the enthusiasm of the individuals, it indicates some prospects for future research, showing the fertility and climate of their learning environment.

OPEN meets the Bologna Academy of Fine Arts. As I had taught Painting in that school for many years, I was assigned the role of technical commissioner and given the job of putting together a team of twelve young people who, instead, work in the field of sculpture, since the splendid exhibition spaces are outdoors. In addition to the group, which I believe is quite representative, I included a video that talks about a circular sea, almost a kind of manifesto of the exhibition.

I hope in this way to interpret a principle that I share when I talk with my students about mind, hand and heart.

The mind, the hand and the heart come together to construct a work and every artist causes them to meet in different proportions, but each of these parts of the body has to be able to look in two directions in order to give the best of itself.

A mind that stores the memory of the world and of art, and that foresees its future.

A hand that trains like an athlete, but that can pause and meditate like a hermit.

A heart that can be searched like an attic and that can be offered on a plate, like a fruit.

I am sure that this emerges to some extent from the works on show - a spinal column made of marble; a chrysalis made of rope; a tightrope-walker made of wire; a child made of glue; a soul made of wood scraps; a mind made of rags; a body made of shattered glass; a beehive made of silicone; a tank made of bread; a city made of coal; a sphere made of straw and a doll made of terracotta - and that, behind that circular sea, they can give some idea of the life, ideas and ferment of a building yard of Italian art.

21

chRISTOS SAVVIDIS curatore curator

ACTION FIELD all’italiana!

ACTION FIELD Italian Style!

Ho conosciuto Paolo De Grandis, direttore di OPEN, nel 2001 e da allora ho avuto modo di collaborare con lui e i suoi straordinari colleghi in molte occasioni nel quadro di OPEN o della Biennale di Venezia.

Quest’anno, durante un viaggio di lavoro, l’ho incontrato a marzo a Venezia nel mio albergo per un Bellini, dove mi ha aggiornato sulle ultime novità, e di fronte alla spettacolare Santa Maria della Salute mi ha onorato dell’offerta di fungere da commissario per la Grecia e Cipro per l’edizione OPEN 2009.

Ho iniziato subito a pensare ai progetti da proporre. OPEN vanta una lunga storia e la fama dei nomi che sinora ha ospitato rendeva la scelta complessa e impegnativa.

Per fortuna sono stato sostenuto dagli artisti e dai curatori greci e ciprioti che conosco meglio!

Ho deciso pertanto di optare per artisti giovanissimi o particolarmente singolari per il loro rapporto con lo spazio pubblico, rivolgendomi anche a quelli che non avevano mai avuto a che fare con l’arte pubblica, ma che si erano occupati di politica dell’arte negli spazi pubblici e dell’idea di promulgazione della sfera privata. Ho chiesto loro di creare nuove opere o adeguare lavori già realizzati per esporli in pubblico, lanciando dunque una sfida che ha prodotto una serie di opere molto interessanti.

Ho quindi selezionato Under Construction, gruppo neocostituito di 11 giovani artisti comparso per la prima volta sulla scena artistica contemporanea greca al festival di arti visive Action Field nel 2008 [1]. L’impatto delle dimensioni dell’installazione creata dal gruppo nel campo abbandonato è stato veramente notevole.

Maria Marangou – che ha scritto una breve nota sull’opera per il catalogo di OPEN – ne ha parlato espressamente, tra centinaia di altri artisti partecipanti, nel suo articolo pubblicato sulla pagina dedicata alle critiche d’arte di un diffuso quotidiano greco.

Il gruppo sarà affiancato dall’artista cipriota Andreas Savva, che ha partecipato all’Action Field 2008 con un’installazione lunga 350 metri creata nell’ambito del programma di residenza del progetto, curatrice Ruth Noack.

La sua partecipazione è stata selezionata e supportata dal Ministero dell'Istruzione e della Cultura di Cipro. La nostra collaborazione con Andreas Savva, ormai di lunga data, vanta mostre importanti come Europe Exists, a cura di Harald Szeemann e Rosa Martinez, e Sketching out Today, Tomorrow, Yesterday, a cura di Lina Tsikouta.

Ma all’Action Field 2008 ha preso parte anche Aristotelis Deligiannidis, il più giovane di tutti i partecipanti da me scelti.

Fattosi inizialmente notare in mostre internazionali di graffiti e festival di arti visive, l’artista, pieno di energia e passione, cattura l’attenzione dello spettatore con le sue pennellate spontanee e multiformi.

Una prima assoluta è invece la nostra collaborazione con Venia Bechrakis, della quale tuttavia conosco bene le opere, per cui sono lieto della possibilità di lavorare con lei. Venia Bechrakis parteciperà a OPEN nella hall dell’Hotel Des Bains, a dimostrazione del fatto che l’arte pubblica non è pubblica perché si manifesta in uno spazio pubblico definito in termini urbani [2]. Sono certo che le sue opere, configurate come un’installazione, ci offriranno nuove immagini in uno spazio in cui ancora aleggia l’immaginario

I met Paolo De Grandis, the director of the OPEN exhibition, in 2001. Since then, I have collaborated with him and his outstanding colleagues on many occasions in the framework of the Venice Biennale or OPEN. This year, it was on the occasion of a business trip. I met him in March in Venice at my hotel for a Bellini and to chat about his news. There, with a view of the Santa Maria de la Salute, Paolo offered me the honor of being the commissioner for Greece and Cyprus for the OPEN exhibition of 2009.

I immediately began to think about the project's participations.

OPEN has a long history and the importance of the names that had taken part until now made the selection process difficult and demanding.

The Greek and Cypriot participation of artists and curators which were more familiar to me was especially wonderful!

Having all of this in mind, I decided to select the artists who were either very young, or their relationship with public space was particularly interesting. My selection also focused on artists who had no previous engagement with public art, but who dealt with issues regarding the politics of art in public spaces as well as with the promulgation of the private sphere. I asked them to create new works or to accommodate older works for public display, thus providing the artists with a challenge and the exhibition with a series of very interesting works.

Therefore I chose: Under Construction, a newly formed group of 11 young artists who appeared in the Greek contemporary art scene for the first time in the framework of the visual arts festival Action Field in 2008 [1].

The large proportions of this installation which they created in the deserted camp caused a sensation. As a matter of fact, Maria Marangou – who wrote a short note on their work in OPEN's catalogue – had singled them out – in the most prominent art critique column of a large Greek newspaper – from among hundreds of other participating artists.

Cypriot artist Andreas Savva also participated in the same exhibition with an installation 350 m long which he created in the framework of the residency program of Action Field and was curated by Ruth Noack.

He was proposed for the OPEN exhibition by a committee of the Cypriot Ministry of Education and Culture which also supports his participation. Our collaboration is a long standing one and includes important exhibitions such as Europe Exists, curated by Harald Szeemann and Rosa Martinez, as well as Sketching out Today, Tomorrow, Yesterday, curated by Lina Tsikouta.

Aristotelis Deligiannidis also participated in Action Field 2008.

He is the youngest of all the artists that I selected. He first appeared in international graffiti art exhibitions and participated in visual arts festivals. He is an artist full of energy and passion and enraptures the viewer with his manifold and spontaneous brush strokes.

This is our first collaboration with Venia Bechrakis. I am familiar with her work and rather excited with the opportunity to work with her. Venia Bechrakis participates in the OPEN exhibition at the lobby of the Hotel Des Bains, proving that public art is not public because it takes place in a public space defined in urban

22

del leggendario film di Visconti.

Nello scrivere queste poche considerazioni, mi sono reso conto che tre delle mie quattro scelte riguardano il progetto Action Field e trasformeranno il Lido – attraverso OPEN – in un Action Field all’italiana!

Vorrei esprimere la mia più profonda gratitudine agli artisti e ai curatori per la loro collaborazione, come anche agli storici dell’arte che hanno redatto i testi per il catalogo, agli sponsor e ai sostenitori che hanno consentito agli artisti di realizzare i progetti e, soprattutto, al Ministero dell’Istruzione e della Cultura di Cipro. Uno speciale ringraziamento ad Arte Communications ed in particolare a Carlotta Scarpa per l’estrema professionalità e la capacità di intrattenere una collaborazione al tempo stesso sincera e calorosa. Infine, i miei più sinceri ringraziamenti a Paolo, anima di OPEN, al quale auguro di poter proseguire l’attività per molti anni a venire.

terms [2]. I am certain that her works, which will be set up as an installation, will provide us with new images in this space which is still haunted by the imagery of Visconti's legendary film.

While writing this note, I have come to realize that three of my four selections are related to Action Field project and transform the Lido - through OPEN - into an Action Field Italian Style!

I would like to offer my sincere gratitude to the artists and curators for their collaboration. Also, the art historians who provided us with their texts for the catalog. The sponsors and the supporters who provided the artists with the ability to realize their projects and especially the Ministry of Education and Culture of Cyprus. A special thanks to Arte Communications and especially to Carlotta Scarpa for her outstanding professionalism and her ability to maintain a sincere and warm collaboration at the same time. Finally, my greatest thanks go to Paolo who is the soul of OPEN. and I wish him to continue for many years to come.

[1] Festival di arti visive organizzato dal mio studio negli ultimi cinque anni a Salonicco, in Grecia, in un campo militare abbandonato con opere esposte principalmente all’aperto!

[2] Oliver Marchart, “Public Art”, in Sculpture project Munster 07, (catalogo della mostra), ed. Brigitte Franzen, Kasper König, Carina Plath, Verlag der Buchhandlung Walther König, Colonia, pag. 426.

[1] A visual arts festival organized by my office for the past five years in Thessaloniki (Greece) and held in a deserted military camp with works displayed -mainly- in OPEN space!

[2] Oliver Marchart, “Public Art”, in Sculpture project Munster 07, (exhibition catalogue), ed. Brigitte Franzen, Kasper König, Carina Plath, Verlag der Buchhandlung Walther König, Köln, p. 426

23

PREMIO OPEN 9.Edizione Edition Premio Speciale Collaterale alla 66. Mostra Internazionale d'Arte Cinematografica Special Prize to the 66th Venice International Film Festival Patrocinio Patronised by Associazione Culturale Arte Communications In collaborazione con In collaboration with Bellati Editore MercoledĂŹ 9 settembre 2009 Wednesday 9 nd september 2009 Aeroporto Nicelli, Venezia Lido Arte Communications in collaborazione con Bellati Editore istituisce la 9.

Edizione del Premio OPEN, in occasione di OPEN 12. Esposizione Internazionale di Sculture ed Installazioni. L'evento prevede la premiazione di un regista presente alla 66. Mostra Internazionale d'Arte Cinematografica di Venezia che con la sua opera riveli, in maniera inedita, un fertile interesse verso la seducente tematica della mutua interazione tra arte e cinema, due forme artistiche che vivono d'immagine e si nutrono del desiderio di tradurre emozioni.

Arte Communications, in collaboration with the Bellati Editore launches the 9th Edition of the OPEN Prize, on the occasion of OPEN 12. International Exhibition of Sculptures and Installations. The prize will be awarded to a director taking part in the 66th Venice International Film Festival whose work reveals, in an unprecedented way, a fruitful interest in the fascinating theme of the mutual interaction between art and cinema, two art forms which live on image and are nourished by the desire to express emotions.

Premio realizzato dall'artista Prize created by the artist Ugo Riva Angelo, 2009, bronzo, bronze 9 x 10 x 55 cm (photo credit: Caleidostudio - Bergamo) Riva per questa 9. Edizione del Premio OPEN ha realizzato una figura sospesa tra classicità e presente. Pensato per sottolineare la contaminazione tra materia e spirito caratterizzante l’arte di tutti i tempi, questo Angelo poggia su una base che significa la terra e ha ali spalancate per raggiungere il cielo.

For this 9th Edition of the OPEN prize Riva has created a figure hovering between classical antiquity and present. Intended to point out the contamination between matter and spirit, which is peculiar to art in every age, this Angel is standing on a base which symbolizes the earth and has got wide open wings to reach the heaven.

Anna Caterina Bellati

ARTISTI ARTISTS Venezia Venice Lido

LEóN FERRARI Argentina

Il musico 2008 bronzo bronze 163 x 60 x 60 cm a sinistra on the left: dettaglio detail

L’ultimo sciamano dell’Arte Fin dall’antichità il segno è stato ancor prima della parola un mezzo, il mezzo per interloquire con il divino, per raffrontarsi tra gli uomini e per trasmettere e tramandare ai posteri il proprio credo, il vissuto o le proprie speranze future.

Per millenni è stata un’indagine conscia o inconscia che ci ha lasciato immagini stupefacenti, nei secoli e per i secoli futuri.

Molti artisti hanno usato il segno per esprimere le loro emozioni, le proprie certezze, le gioie o i drammi da mostrare al mondo.

Nell’arte moderna molti hanno indagato attraverso un’analisi autoinconscia la strada del segno, ci basti ricordare Jackson Pollock o Mark Tobey, giganti del segno novecentesco, o le Parole in Libertà dei Futuristi (Balla, Carrà, Cangiullo, Boccioni, Marinetti), segni a noi più vicini, per poi giungere a Tancredi o a Capogrossi, fino alla Poesia Visiva (Pignotti, Sarenco, Miccini) o ai Fluxus (Yoko Ono, Beuys, Ben Vautier, Spoerri, Maciunas).

Un outsider, un grande fuori dalle righe, che sa usare il segno da anni con un atteggiamento profondamente e costruttivamente provocatorio è l’argentino León Ferrari.

Da sempre, fin dalle sue prime opere, quando cominciò con la creazione in ceramica di forme al di fuori dell’usuale, sparpagliando le consuetudini attraverso linee inusuali, dichiarando così quale sarebbe stata la sua arte: ha osato.

Nel 1964 iniziava un’indagine che sfocia in un lavoro dal titolo Quadro escrito, opera considerata internazionalmente una delle prime pietre su cui nasce la casa dell’Arte Concettuale.

Paga di persona e pesantemente le atrocità della dittatura militare argentina, esperienza che segna tutto il suo lavoro futuro.

Altra pietra miliare è una sua opera del 1976, Nosotros no sabiamos, frase che è intrisa profondamente di tutta la tragedia di una dittatura scellerata. Il suo segno, la sua mano, la sua intelligenza e la sua arte contestano ogni forma di potere e di sopraffazione sull’uomo inteso come individuo con i propri diritti e la propria cultura. Non è il suo un lavoro, una ricerca ideologizzata ma un inno alla libertà: regina su tutti e sul tutto.

Indubbiamente è uno dei grandi surrealisti viventi (non dimentichiamo che il maggiore critico di questa corrente Arturo Schwarz lo volle, in tempi non sospetti, ad esporre a Milano), ha dialogato, contesta e discute costantemente ancora oggi con il potere costituito. Chi non ricorda lo scandalo di quella sua opera che già nel lontano 1965 presentava un Gesù crocifisso su di un bombardiere nordamericano? L’immagine fece il giro del mondo pag. 151 più volte.

28

The last shaman of Art Ever since antiquity, well before the word, the sign was a means for communication with the divinity, for relating to men and transmitting and handing down one’s beliefs, experience or hopes for the future to later generations.

For thousands of years it has been a conscious or unconscious investigation that has left behind amazing images, over the centuries and for those that are still to come.

Many artists have used the sign to express their emotions, their certainties, joys, or the dramas that they wished to show to the world.

In modern art, many have investigated the sign through an unconscious analysis of their own; we need only think of Jackson Pollock or Mark Tobey, great names in twentieth-century sign, or of the Parole in Libertà dei Futuristi (Balla, Carrà, Cangiullo, Boccioni, Marinetti), signs that are closer to us, arriving then at Tancredi or Capogrossi, at Visual Poetry (Pignotti, Sarenco, Miccini) or at the Fluxus (Yoko Ono, Beuys, Ben Vautier, Spoerri, Maciunas).

The Argentine artist, León Ferrari, is an outsider, defying classification in any group, who for years has been using the sign with a profoundly and constructively provocative attitude.

He has always dared: ever since his first works, when he started creating unusual ceramic shapes, scattering conventionality with curious lines and thus declaring what his art was to be.

In 1964 he began an investigation which resulted in a work entitled Quadro escrito, which is internationally acknowledged as one of the cornerstones of Conceptual Art. He personally paid a dear price during the atrocities of the military dictatorship in Argentina, an experience that left its mark on all his future work.

Another milestone is a work of 1976, Nosotros no sabiamos, a sentence that is steeped in all the tragedy of an evil regime. His sign, his hand, his intelligence and his art protest against all forms of power and abuse of man, who is viewed as an individual with his own rights and his own culture.

His work is not an ideologized search, but a hymn to freedom: a queen that reigns over everyone and everything.

He is without a doubt one of the great living surrealists (let us not forget that the major critic of this movement, Arturo Schwarz, wanted him to show his work in Milan, in no uncertain times); he has dialogued, and today still disputes with the established power. Who can forget the scandal that surrounded his work back in 1965 that showed Christ crucified on an American bomber? p. 151 The image went round the world several times.

curator / text by Daniele Crippa courtesy of / supported by

Museo del Parco Centro Internazionale di Scultura all'aperto Portofino

29

LEE SuN-DON cina china

Perfectly Free 2009 acciaio inossidabile stainless steel 220 x 214 x 103 cm

L’arte: il campo del togliere Lee Sun-Don non è soltanto un pittore nato a Taiwan, ma anche scrittore, compositore di musica classica, pianista autodidatta e giocatore di scacchi professionista. Dunque è un uomo ed un artista totale, che pratica l’estetica del risveglio attraverso un’arte capace di sviluppare l’illuminazione spirituale dello spettatore e massaggiare il muscolo atrofizzato della contemplazione collettiva, riscattando la società da un’idea di bellezza puramente spettacolare. La sua arte tende ad allargare le proprie matrici e a includere Balla, Kandinskij, Klee, Arp, Mirò, Matisse.

II dato fondamentale e costante della pittura di Lee Sun-Don è la conformazione bidimensionale dello spazio, lo sbarramento di ogni profondità prospettica e nello stesso tempo una mancanza di spessore materico. Lo spazio bidimensionale porta la pittura in uno stato di pura visibilità, in una condizione lampante e specifica, regolata da norme tutte poggianti sul dato ottico percettivo, senza sprofondamenti illusivi o anche rimandi esterni all'immagine.

Lee Sun-Don asseconda dunque la mobile nozione di campo, azzerando la profondità spaziale e portando il linguaggio adoperato nella condizione proliferante di uno stato organico, dove il segno si attorciglia, si snoda, si sposta fuori da ogni paralizzante geometria.

Ora non esiste il vicino e il lontano, il fondo e il primo piano ma una compenetrazione simultanea dell'insieme. L'azzeramento avviene attraverso l'introduzione di un colore, il nero, che permette allo spazio di presentarsi secondo i caratteri dell'uniformità.

Togliere significa anche memorizzare e accumulare l'idea di uno spessore sottratto alla superficie. Perché la pittura ha necessariamente il carattere di uno splendente superficialismo, che non significa superficialità, bensì accettare il carattere specifico e strutturale della pittura che, per definizione storica e spirito laico, tende a superare l'illusionismo prospettico.

La cultura orientale che abita il segno di Lee Sun-Don permette all'immagine di trasmettere un senso vitale e nello stesso tempo l'idea di una sua misura concreta. Una sorta di sostanza astrattoconcreta regge l'intera composizione che non è mai metaforica ma sempre sostenuta da una interna autonomia. In definitiva l'opera di Lee Sun-Don è all'incrocio di molte poetiche e trova la propria cifra originale in un linguaggio che non si lascia catturare dal suo assetto formale. La forma è la soglia attraverso cui l'immaginario declina le proprie attitudini. Nel suo caso la pittura è lo strumento che regola un universo linguistico non secondo un progetto raggelante ma secondo un'inclinazione tutta giocata sulla tensione del togliere, sulla disciplina inferiore di una sottrazione di certezza a favore di una rigorosa struttura del probabile.

30

Art: the field of subtraction Lee Sun-Don is a talented painter born in Taiwan, a creative writer, a classical music composer, a self-taught pianist and an advanced chess player. He is a man and an all-round artist, who practices mind-awakening aesthetics through an artistic approach that aims to develop the viewer’s spiritual enlightenment and massage the atrophied muscle of collective contemplation, thus delivering society from a merely spectacular concept of beauty.

His art reminds us of the inspirations revealed in the works of Balla, Kandinskij, Klee, Arp, Mirò and Matisse.

The main constant of Lee Sun-Don’s painting is his twodimensional space arrangement that inhibits prospective depth while subtracting material thickness. His two-dimensional space transfers painting to a state of pure visibility, a specific and selfevident condition governed by rules based on optical perception alone, without any illusive depth or reference outside the image.

Lee Sun-Don reproduces this mobile concept of field by abolishing spatial depth and pushing his language to the proliferating condition of an organic state where signs are tied, untied and freed from any form of paralysing geometry. Nearness and distance, foreground and background no longer exist: there is only total simultaneous interpenetration.

The goal is achieved by introducing a colour, black, that enables the space to appear according to the characters of uniformity.

Subtracting also means memorising and accumulating the idea of a thickness subtracted from the surface. Painting necessarily has the character of a resplendent superficial nature, which does not mean superficiality, but rather the acceptance of the specific and structural nature of painting that, historically and laically, tends to overcome prospective illusionism.

The Eastern culture that animates Sun-Don’s sign enables the image to convey a sense of life and, at the same time, the idea of a concrete measure. The whole composition is supported by a sort of abstract-concrete substance that is never metaphoric, but is always sustained by its inherent autonomy. In conclusion, the work of Lee Sun-Don creates its own original and distinctive style through the combination of several philosophies in a language that escapes its formal order. Form is the threshold through which imagination declines its attitudes. In his case, painting is the tool that directs a linguistic universe not according a freezing project, but rather according to a bias for taking away, a subtle discipline based on the subtraction of certainty to the benefit of a rigorously structured probability.

curator Carol Chou text by Achille Bonito Oliva courtesy of GP DEVA supported by

31

ZhAO GuANGhuI cina china

Zhao Jai Tomb No.1 2009 tecnica mista mixed media 50 x 100 x 30 cm a sinistra on the left: dettaglio detail

L’evoluzione delle macchine viventi Zhao Guanghui (nato nel 1972 nella provincia cinese dello Yunnan) si ispira a un opuscolo pubblicitario di una linea di autovetture per presentare il proprio opuscolo di vetture assurde.

Un’auto dalle dimensioni di una Mini Cooper e la forma di un pesce rosso prossimo a raggiungere la terraferma è chiamata Nimi-Z; l’opuscolo la descrive come una macchina da corsa a sospensione magnetica priva di ruote, un prodotto miracoloso nato dal connubio tra biotecnologia e ingegneria. Un’altra vettura chiamata Subaro - Imprezo, simile all’incrocio tra una razza e uno squalo, figura nell’opuscolo corredata da una costellazione di accessori meccanici e un motore. Questi sono i veicoli immaginari di domani, il prossimo passo nell’evoluzione delle macchine che un giorno acquisiranno la capacità biologica di trasformarsi in creature ancora più stupefacenti.

La tendenza biomorfica delle innovazioni tecnologiche è fortemente radicata nella storia della civiltà. Le macchine che hanno sostituito gli animali domestici in diverse mansioni ne hanno assunto anche le caratteristiche specifiche di prestanza fisica che più colpiscono l’immaginazione umana.

A partire dall’avvento dell’era industriale con il controllo di nuove fonti di energia, la tecnologia è cresciuta a ritmo accelerato e senza mai voltarsi indietro. Adesso conosciamo soltanto il potere e l’efficacia potenzialmente infiniti dei manufatti industriali; abbiamo dimenticato i limiti imposti dalla natura sulle capacità degli organismi viventi. Abbiamo dimenticato anche la funzione primaria di queste capacità, sviluppate innanzi tutto per soddisfare bisogni biologici ben precisi.

Nella nuova generazione urbana che conosce in prima persona solo gli animali domestici, lo stupore per le abilità speciali del regno animale continua ad essere alimentato e sorretto dai documentari naturalistici alla televisione e dai cartoni animati Digimon. Per questa generazione, le vetture fantastiche di Zhao non sono realizzazioni impossibili, anzi paiono dei prodotti perfettamente legittimi in attesa del loro turno alla catena di montaggio. Anche le soluzioni tecnologiche più improbabili non riescono talvolta a scoraggiare il possibilismo dei giovani di oggi.

Zhao scruta l’orizzonte per individuare il prossimo grado evolutivo delle macchine, ma il suo stile di pensiero lo induce anche a voltarsi indietro. Nel 2005 ha dato il via a una serie di opere intitolate Excavated Future (Reperti dal futuro). In questa serie Zhao presenta frammenti fossili pseudo-ossei ricoperti da cumuli di sabbia. I fossili che emergono hanno la forma di parti di pag. 151 un’autovettura o di un computer.

32

Evolution of creature-machines Zhao Guanghui (born 1972 in Yunnan Province, China) takes the prospectus of commercial car promotion as the model of his own prospectus for his mock vehicle designs. A vehicle the size of a Mini Cooper in the shape of a goldfish rumbling on shore is titled the Nimi-Z, and its prospectus claims it is a wheel-less magnetic suspension racing car, the miraculous product of bio-technology and engineering. Another vehicle that looks like a cross between a sting-ray and a shark is called Subaro - Imprezo; it is illustrated in its prospectus together with an array of engineering tools and an engine. They are the imaginary vehicles of tomorrow, the next step in the evolution of machines, when machines acquire a biological capacity to develop into more spectacular creatures.

The biomorphic tendency of engineering products has long been the trend in the history of civilisation. When machines take over the tasks of domestic animals they also take over the animals’ special features of physical capacity that first fired human imagination.

Ever since the advent of the industrial age, when new sources of energy were harnessed, engineering development has accelerated without looking back. We now know only the potentially boundless power and capacity of industrial products, and have lost sight of the limits set by nature on the powers of living creatures. We have also lost sight of the purpose of these powers, which were first there to serve specific biological ends.

For the new urban generation that only knows animals first hand through pet cats and dogs, the sense of wonder at the special abilities of the animal kingdom continues to be sustained by wildlife programmes on TV and Digimon cartoons. For this generation Zhao’s wonder vehicles are not impossible engines, instead they would appear to be perfectly legitimate products waiting their turn in the production line. Even the impossible leap in technological solution does not always deter the expectation of the modern youngsters.

Zhao looks forward to the next evolutionary step of machines, but his mode of thinking also prompts him to look backwards as well. He has created a series of works since 2005 titled Excavated Future. In this series he presents bone-like fossil fragments covered in heaps of sand; the fossils turn out to be parts of a car, or parts of a computer. With this series Zhao takes us forward to the age when humans may look back at the pre-historic present to excavate the p. 151 fossilised bones of our machines as modern dinosaurs.

curator / text by Chang Tsong-zung supported by

33

ANDREAS SAVVA cipro cyprus

pagine seguenti following pages Martyrology 2009 struttura di metallo, corde, tessuti metal structure, ropes, cloths 150 x 750 x 450 cm

Creazione di un sistema Andreas Savva crea impressioni complesse su temi ancora più complessi senza trascurare l’importanza delle idee rappresentate, proponendo il suo temperamento artistico e sollecitando critiche a tali impressioni. Il valore delle sue idee si basa sempre sull’osservazione e la sperimentazione. Egli attinge da valori e contesti diversi per esplorare nuovi orizzonti.

La necessità incessante di scegliere e decidere resta la sfida più difficile da raccogliere. Alla fine, l’artista concretizza le sue idee con sicurezza rispecchiando la stessa vita. Non si tratta di un esercizio matematico freddo e intellettuale. I calcoli e le misurazioni servono per definire una posizione o un valore.

Il suo atteggiamento nei confronti dell’arte contemporanea stravolge le forme consolidate e afferma impressioni di un sistema funzionale, eppure astratto: come la natura, è un sistema materiale che aspira alla spiritualità. Il sistema si esprime dunque attraverso le condizioni della materia. Il linguaggio delle corde di Savva gestisce ogni spazio e tema con straordinaria facilità.

Una rete di corde sembra divorare lo spazio catturandone ogni punto di cui può appropriarsi e consumando ogni cosa che attraversa il suo percorso come una cellula impazzita.

Corde e oggetti sono disposti geometricamente costruendo scrupolosamente opere che segnalano una figura nello spazio come immagine, impressione dell’elusione della gravità, idea di una descrizione allegorica del destino umano. Andreas Savva da tempo si adopera per definire questo complesso rapporto come impressione, che ci presenta con l’installazione di un meccanismo dietro l’azione. Il pubblico ha già vissuto una trasformazione attraverso tutto ciò che gli è stato presentato.

La storia dell’artista e le opere da lui create, i luoghi in cui le ha installate e tutto ciò che sinora è avvenuto definiscono una ricerca incessante del punto di osservazione. La storia delle opere non è vincolante poiché sono aperte a più interpretazioni. È un processo di identificazione della teoria che esprimerà il contenuto del lavoro artistico di Andreas Savva.

Contrariamente ai kterismata (doni funerari) offerti ai defunti come oggetti tanto amati che essi avrebbero voluto serbare, gli anti-kterismata contengono indumenti ed effetti personali usati in vita. Le sculture si estendono ovunque come giganteschi serpenti multicolore che incidono il cammino, l’avventura della vita.

I percorsi in corda delle complesse sculture dell’artista evolvono in anti-kterismata. Gli oggetti acquisiscono una forma particolare potenzialmente in grado di contenere qualunque cosa ciascuno pag. 151 desiderasse elaborare in un’altra configurazione.

34

Putting up a system Andreas Savva creates complex impressions for even more complex affairs without omitting the importance of the ideas represented. He addresses his artistic temperament, demanding critique from the impressions. The value of those ideas is always based on observance and experiment. He draws from different values and contexts in order to arrive at new horizons.

The unending need for selection and the necessity for decisions remain the greatest challenge. In the end, he brings ideas into effect with certainty while mirroring life itself. These aren’t just unemotional, intellectual mathematics. He employs calculations and measurements in order to locate the position or value.

His attitude towards contemporary art upsets well-established forms and asserts impressions of a functional, yet abstract system which, like nature, is a material system striving to be transformed into spirit. This system is therefore expressed through the conditions of matter. Savva’s language of ropes handles every theme and space with incredible ease.

A web made of ropes seems to devour space as it seizes every point to which it can be tied and consumes everything that crosses its path like a crazed cell.

Ropes and items are geometrically arranged, scrupulously constructing works which indicate a figure in space as an image, as an impression of the avoidance of gravity, and as an idea of an allegorical description of human fate. Andreas Savva has long been engaged in an effort to define this complicated relationship as an impression which he presents to us with this installation of a mechanism behind the action. The audience has already undergone a transformation through everything presented.

The artist’s story and the works he has created, the places where he has installed them and everything that has occurred until now, define an invariable quest for the point of observance. The works’ history is not permanent, as they allow multiple interpretations.

It is a procedure of identifying the theory which will express the content of Andreas Savva’s artistic work.

In contrast to kterismata (burial gifts) offered to the dead as the beloved items they would always want to keep, the anti-kterismata include clothes and personal items that someone uses while alive.

The sculptures extend everywhere like a giant multicoloured snake that winds along the path, representing the adventure of life.

The rope-made routes of the artist’s comprehensive sculptures evolved into the anti-kterismata. The object acquired a special form that has the potential to contain anything that might be p. 152 desired in another arrangement.

Digestive tract 2000 corde e oggetti ropes and objects 2000 x 800 x 600 cm a sinistra on the left Anti-funeral gifts 2007 corde e oggetti ropes and objects 600 x 700 x 40 cm

text by Olga Daniylopoulou Art critic, curator Director of Jannis Spyropoulos Museum translated into English by Menelaos Stamatelos coordination

patronised by Ambasciata della Repubblica di Cipro supported by

REPUBLIC OF CYPRUS MInISTRY OF EDUCATIOn AnD CULTURE CULTURAL SERVICES

35

36

37

KIbA LumbERG Finlandia Finland

a sinistra on the left A Tower and Ladies Shoes 2009 acrilico su carta acrylic on paper illustrazione dell'installazione struttura di alluminio su base in cemento, scarpe illustration of the installation aluminium pipe structure on a concrete base, hundreds of real shoes 500 x 300 x 300 cm photo credit: Alexis Breuer

Un’ode per volare Shoe Tower (2009) di Kiba Lumberg (nata nel 1956) è un’ode che innalza quasi al cielo, rendendo omaggio a tutte le donne del mondo, a quelle donne che portano tra le braccia il mondo, l’intero pianeta da una generazione all’altra. “Mi accorgo che serbo mia madre dentro di me, la vedrò nei miei sogni finché vivo”, scrive l’artista nel suo ultimo libro Samettiyö (Velvet Night, 2008).

In cima all’opera, la scarpa consunta di un bambino. Il percorso della vita dall’infanzia alla vecchiaia è ricostruito attraverso scarpe femminili che raccontano storie di identità, professioni, quotidianità, celebrazioni, vita umana in tutte le sue manifestazioni.

Ma l’opera rende contestualmente omaggio ai piedi delle donne, a volte oggetto di disprezzo. Negli ultimi anni Lumberg ha dipinto piedi femminili anche in intensi disegni grafici in bianco e nero e penetranti dipinti. I piedi sono inoltre associati al nomadismo, al viaggio, alla casa e all’indisponibilità di una casa.

Il volume Velvet Night è dedicato a tutta la gente, sia viva che morta, ai suoni e al silenzio, ai vedenti e ai non vedenti, a coloro che camminano e a chi non si muove. La dedica è un’immagine appropriata del pensiero dell’artista, semplice eppure così difficile: tutti hanno diritto alla vita, alla dignità umana. Sebbene nell’opera di Lumberg riecheggino sia la vita dell’individuo sia le battaglie sul campo della lotta sociale e politica mondiale, essa evita ogni conflitto ideologico.

La musa dell’artista è l’anima di Venezia, in bianco e nero, come i suoi vividi disegni. Lumberg ha partecipato al primo Padiglione Rom della Biennale di Venezia nel 2007 con l’opera Black Butterfly (2007). Quest’anno invece il padiglione non è previsto, sebbene le violazioni dei diritti umani nei confronti dei rom in Italia e altrove in Europa stiano diventando ogni giorno più gravi. “Devo prendere atto con grande rammarico del fatto che nella storia le vicende si ripetono e non vedo miglioramenti nella situazione degli zingari a livello di diritti umani. Gli zingari sono fuorilegge, vagabondi, irriducibili, inadeguati… Come può esistere ancora un popolo praticamente abbandonato da tutti?”, si chiede l’artista.

“Gli zingari fanno parte della storia del mondo. In tutti i popoli del mondo vi sono persone che si comportano bene e altre meno, e la mancanza di informazione inevitabilmente genera scontri, anche fisici, tra comunità culturali diverse.” La storia si ripete crudelmente a Venezia, in Italia, a Belgrado, in Serbia, a Budapest, in Ungheria… in tutt’Europa. Il modo in cui la dignità umana dei rom viene degradata in questo momento dovrebbe indurre cuori e coscienze di tutti noi a riflettere. Nascondersi dietro una pretesa mancanza di conoscenza non basta per giustificare la mancanza pag. 152 di responsabilità.

38

Ode that gives us wings Kiba Lumberg’s (b. 1956) Shoe Tower (2009) is an ode that rises up almost to the heavens. It pays homage to all women in the world. To women, who carry the world and the planet in their arms from one generation to the next. “I realise that I carry my mother within me, and I will see her in my dreams for as long as I live,” the artist writes in her latest book Samettiyö (Velvet Night, 2008).

At the top of the Shoe Tower is a child’s worn-out shoe. The trajectory of life from childhood to old age is constructed through women’s shoes that tell stories of identities, professions, everyday life, celebrations, human life in all its manifestations.

Simultaneously the work pays homage to women’s feet that can also be an object of contempt. Lumberg has in recent years depicted women’s feet also in vivid black-and-white graphic drawings and powerful paintings. Feet are also associated with nomadism, travelling, homelessness as well as the home.

The book Velvet Night is dedicated to all people, both living and dead, to sounds and silence, to the sighted and the non-sighted, to those who walk and those who don’t. The dedication is an apt image of the artist’s thinking. Simple, yet so difficult: all people have the right to life, to human dignity. Although Lumberg’s work has resonances both to the life of the individual and to the battlefields of social and world political struggle, it avoids all ideological contention. The soul of Venice is the artist’s muse, both black and white, just like her powerful drawings. Lumberg participated in the first Roma Pavilion at the 2007 Venice Biennale with the work Black Butterfly (2007). This year the Roma Pavilion will not be presented, although human rights violations against the Roma in Italy and elsewhere in Europe are getting worse day by day. “To my great regret I must note that history repeats things, and I am unable to see the Gypsies’ situation good in terms of human rights. Gypsies are outlaws, vagrants, they do not fit in, they are not good enough… How can there still be a people who are forsaken by almost everyone?” the artists wonders. “The Gypsy people are part of world history. All ethnic groups have people who behave well and those who don’t, and conflicts will arise between different cultural communities, even physical conflicts, when people don’t have enough information.” History repeats itself in cruel ways in Venice, Italy, Belgrade, Serbia, Budapest, Hungary… throughout Europe. The way the human dignity of the Roma is being degraded at this very moment should give pause to the hearts and consciences of each and everyone of us. Hiding behind protestations of lack of knowledge is not enough of an excuse for the lack of responsibility. If we lose human dignity and p. 152 humanity, what is left?

Kiba and Ladies Shoes photo credit: Mikko Rintala

curator / text by Marita Muukkonen (Näyttelyvaihtokeskus FRAME) patronised by Ambasciata di Finlandia

39

hANNu PALOSuO Finlandia Finland

In silence dreams are hidden 2007 olio su tela oil on canvas 220 x 120 cm (cad. each) a sinistra on the left: dettaglio detail photo credit: Giorgio Benni

Nei primi paesaggi di Palosuo non ci sono ampie vedute né scorci di cielo aperto. Palosuo interpreta il paesaggio come unità ben ordinata, porzione saldamente sigillata di una foresta curata, non selvaggia. Composizione equilibrata, visione ravvicinata, molto teatrale. Tronchi sistemati con cura e il fitto fogliame che li ricopre ci accompagnano sulla scena, vicino alle quinte. I cromatismi ridotti ai toni del blu e blu scuro alludono ai notturni.

Il contrasto con il bianco accennato restituisce ariosità, una foschia quasi irreale, o forse le sensazioni tipiche delle fotografie sbiadite. Il senso di familiarità accostato all’inconoscibile. Come le foreste, che offrono rifugio ma incutono timore. Non si riesce a distoglierne lo sguardo. I quadri sembrano scaturire da un contesto più ampio, seguendo di volta in volta una compiuta concettualità. Questo tratto organico si scorge anche nella scelta dei titoli, senza dubbio molto importante per l’artista: titoli che incorporano le opere sotto un segno comune.

L’introduzione della tela come strato pittorico delinea chiaramente la direzione del percorso. La semplice bicromia implica tre possibilità: il marrone (della tela), i toni del blu e il bianco deciso.

Lo stesso motivo, eseguito tre volte seguendo ciascuna di queste opzioni, consente a Palosuo di rappresentare un’ampia, cangiante varietà di modi espressivi e sentimenti. Non si può non avvertire la potenza dell’idea del ripetere. Un approccio esemplificato dalla serie When the Truth Lies (2006); lo stesso motivo applicato in tre declinazioni diverse.

Un paio d’anni più tardi, tuttavia, Hannu introduce temi diversi, accorpandoli in serie raccolte sotto un titolo comune. Uno degli ultimi lavori, cui tuttora si aggiungono nuovi pezzi è My Life was a Burning Illusion (2008); ad oggi, comprende un paio di dozzine di dipinti. I temi variano da alberi in pieno rigoglio a tronchi spogli, fino a teneri virgulti e un bimbo che fa l’altalena. L’installazione che ho visto era composta di dodici pezzi; mi sono resa conto di come combinazioni e collocazioni fossero infinite; a ciascuno la propria scelta. Un’altra rivelazione: ora che l’artista combina motivi diversi, non può più accostare schemi cromatici diversi; tutti questi dipinti declinano i toni del blu, contrapposti al marrone della nuda tela.

All’inizio del 2008, emerge un elemento inedito a far da contrappunto alle linee forti dei tronchi: piante delicate, teneri virgulti ed erbaglie qualsiasi. Queste piante in fiore oscillano su steli sottili, in balia del vento. La loro bellezza e romanticismo sono senza riserve, eppure ci raccontano con forza la loro esigenza di emergere dal suolo, sopravvivere, svilupparsi, fiorire – magari pag. 152 raggiungendo le medesime sommità degli alberi.

40

When Palosuo started painting landscapes there were no wide vistas or open skies. Palosuo’s take on the landscape is a well arranged, closely sealed part of one rather cultivated than wild forest. The composition is balanced, close-up and very theatrical.

The carefully arranged tree trunks and the dark foliage covering them lead us to the theatre stage itself, to its decors. The narrow palette, mostly being blue and dark blue suggests us nocturnal scenes. The alternative, pale white, gives them an airy, foggy quality, almost unreal – or the feeling of old, paled photographs.

There is at the same time something familiar and something uncanny about them. Like the forest they are at the same time sheltering and intimidating. You cannot take your eyes out of them. His paintings seem to be born under a bigger idea, a whole concept at the time. This is also something that is seen in his naming of works, which clearly is important for him, they often come in groups under a bigger theme.

Once he started involving the canvas the road was clear. With just two colours there were three possibilities: the brown canvas itself, all the blue tones and the light white. In combining these three, painting the very same motif three times and placing them next to one another, he accomplishes a wide and changing variety of modes and feelings. The idea of repetition and the impact it has, as we know, is very strong. This concept is well seen in the series When the Truth Lies from 2006, where the same motif is seen in three different renderings.

However, a couple of years later he already places together a series of different motifs under the same title and groups them interestingly together as a whole. One of his latest works, and one that he actually still keeps adding pieces to, My Life was a Burning Illusion from 2008, is by now made up of a couple of dozens of paintings and the motifs vary from a tree in full bloom to bare tree trunks to tiny plants and a young boy swinging. The combination I saw was made up of twelve pieces and I realized the endless possibilities in combining and arranging the canvases in a way one chooses for oneself. Also another thing hit me, now that he combined different motifs he could no longer combine various colour schemes, these are all painted in different tones of blue against the brown canvas itself. A completely new element emerged at the beginning of 2008 juxtaposing the strong, thick tree trunks: tiny, delicate wild plants and ordinary weeds. These flowering plants sway on thin stems and seem to be blowing with the wind. They are outspokenly beautiful and romantic, but at the same time they tell of their strong will to break out of the earth, to survive, develop and bloom while reaching up towards the heaven p. 152 like the trees themselves.

curator Christian Maretti text by Pia Maria Montonen courtesy of Maretti Arte Monaco patronised by Ambasciata di Finlandia

41

bERNARD POuRRIèRE Francia France

Untitled 2007 installazione sonora sound installation dimensioni variabili variable dimensions a sinistra on the left: dettaglio detail

Intervista di Bernard Pourrière con Enrico Pedrini Enrico Pedrini: Se vogliamo vivere, bisogna accettare di cambiare, dunque dobbiamo basarci sulle nostre forze al fine di risolvere i nostri problemi. Questa esigenza di una attività incrociata pone l’individuo a incoraggiare il cambiamento della natura nel senso favorevole alla sopravvivenza, allo sviluppo, al miglioramento della specie e si manifesta nel cuore del sistema dell’arte attraverso l'allargarsi dell’orizzonte dei linguaggi, come se l’arte fosse in attesa di una dimensione nuova che, per estensione, chiamiamo un’arte del tutto. Si può dunque affermare che il sistema dell’arte vuole presentarsi come un luogo senza confini. In fisica, a parte la Teoria del Caos, un’altra conoscenza si afferma ogni giorno di più: la teoria del multiuniverso. L’esistenza dei mondi paralleli favorisce una visione paradigmatica nuova, in quanto si suppone una possibilità di esistenza di altri universi. La categoria del possibilismo è diffusa nel mondo intero, in quanto le costanti non sono necessariamente parallele nel mondo e prendono dei valori differenti negli universi contigui. La pratica che tu Bernard metti in atto, cioè un mixage e un incrocio tra la robotica e la genetica, che ti permette di realizzare degli animaux-objet e degli oggetti biologici, mi sembra legata a queste possibilità nuove che permettono all’artista di ricercare un ambito differente tra i due campi. Pensi che questo si realizza nella tua opera?

Bernard Pourrière: Effettivamente anch’io penso in qualche modo all’esistenza dei mondi paralleli, ma anche che il nostro modo di pensare, la nostra logica, il nostro modo di agire, la nostra cultura ci trattengono dall’acquisirli. Restringono il nostro modo di vedere le cose. La scienza, nonostante i suoi progressi costanti, sviluppa le proprie teorie basandosi su un pensiero logico, sul ragionamento e solo molto di recente comincia a prendere in considerazione altri dati quali l’aleatorio e l’indeterminato. Anche a proposito del modo in cui il pensiero si è sviluppato nel tempo, questo mi sembra molto limitato e molto simile ad un pensiero unico; preferirei credere nella possibilità di un multipensiero.

Precisamente riferendomi a diversi campi del sapere quali le nuove tecnologie, la robotica, la genetica, trovo interessante che questi possano incontrarsi, intrecciarsi, mischiarsi. È inevitabile e necessario un confronto dei progressi e dei diversi punti di vista.

In quanto artista e creatore di forme plastiche non trovo niente in contrario nel lavorare su di un progetto a fianco di un biologo, un operatore della robotica, un informatico, né che questi personaggi possano rivendicare la stessa creazione da dividersi in parti uguali pag. 152 con l’artista.

42

Bernard Pourrière interviewed by Enrico Pedrini Enrico Pedrini: In order to live, we have to accept change, so we have to rely only on our own strength to solve our problems.

This need for overlapping activity leads the individual to encourage change in nature in a sense that favours the survival, development and improvement of the species, and is expressed in the heart of the system of art by the extension of the horizon of languages, as though art had achieved a new dimension, which we shall refer to as an art of everything. The art system therefore appears as a place with no boundaries. In physics, apart from the Chaos Theory, another notion is gaining ground every day: the multiuniverse theory. The existence of parallel worlds allows a new paradigmatic vision, where one considers the possibility of existence of other universes. The category of possibilism concerns the whole universe, as the constants are not necessarily parallel all worlds and assume different values in the neighbouring universes. Your way of mixing and combining robotics and genetics, which allows you to create animaux-objets and biological objects, strikes me as being linked to these new possibilities that enable the artist to seek different environments. Do you think this is possible?

Bernard Pourrière: I too believe to some extent in the existence of parallel worlds, but I also believe that our way of thinking, our logic, our way of acting, and our culture keep us from realising them. They restrict our way of seeing things. Despite the constant progress of science, its theories are developed based on logical thought, on reasoning, and it is only very recently that other values have begun to be considered such as the random and the indeterminate. As regards the way in which thought has developed over time, I feel this is very limited and very similar to a single thought; I would prefer to believe in the possibility of multithought.

Referring precisely to different fields of knowledge such as the new technologies, robotics, genetics, I find it interesting that these may be able to meet, interweave and mix. A comparison of progress and of the different points of view is inevitable and necessary.

As an artist and creator of plastic forms I have nothing against working on a project alongside a biologist, an operator in robotics, a specialist in information science, nor against these people claiming the same creation, to be divided in equal parts with the p. 153 artist.

curator / text by Enrico Pedrini

43

ETERI chKADuA Georgia

pagine seguenti following pages Sniper 2008 olio su lino oil on linen 165,1 x 266,7 cm photo credit: Tom Powell

Madonna, collezionista di autoritratti di Frida Kahlo, una volta ha confessato che un dipinto di Kahlo nel suo foyer, in cui l’artista partorisce se stessa, era in realtà la sua cartina tornasole: se i visitatori non apprezzavano il quadro, Madonna, tra il serio e il faceto, replicava che non avrebbero mai potuto essere veramente suoi amici.

L’osservazione più ovvia in merito all’opera di Eteri Chkadua è che rappresenta la naturale successione di Frida Kahlo. O la naturale successione di Madonna. O entrambe. A ogni modo, Eteri non ha nulla da invidiare né a Frida né a Madonna in termini di arte dello strip-tease psicologico, ossia l’arte di rivelarsi attraverso la cornice della propria arte: dipinti come palcoscenico e proscenio in cui l’artista rivela se stessa a se stessa e, di conseguenza, a noi.

Ciò che sorprende immediatamente nei quadri di Eteri è la sua straordinaria maestria tecnica, maturata presso l’Accademia di Belle Arti georgiana ancora sotto l’occupazione sovietica, quando Eteri studiava, che le ha impartito un’educazione rigorosamente formale, apparentemente ritenuta superflua nella formazione artistica da molte scuole d’arte occidentali.

Nondimeno da questo contesto severamente formale, Eteri, come i più abili truffatori di strada, ha sequestrato la sua formazione classica asservendo l’antica perizia dei maestri fiamminghi ai capricci della sua esplorazione sfacciatamente personale. Con la mano ferma di un macellaio, Eteri rivolta la sua psiche eccezionalmente indomita e assolutamente moderna esponendo le sue interiora con quell’oggettività e attrattiva con la quale si esporrebbero salumi da Harrods. I quadri di Eteri sono una sintesi viscerale dei paradossi psichici dell’essere donna moderna sfrontata. Sono un brioso rifiuto di qualunque paesaggio sociopolitico le cui mitologie disapprovano dimostrazioni esuberanti di chiassosa arguzia, stile colorito e impudente saggezza sessuale. “Perché gli americani si fanno di questi problemi?”, mi ha chiesto retoricamente una volta. “Oh! i miei genitori me le hanno date, buh. E allora!?!”, ha esclamato in tono beffardamente oltraggiato. “Tutti le abbiamo prese.” Inutile dire che ha ragione, ma sebbene questa possa sembrare una posizione scandalosamente insensibile da una prospettiva occidentale ammorbidita da Oprah, l’atteggiamento di Eteri cela in realtà un grande segreto: l’opera di Eteri ci dice che non sfuggiamo al passato smettendo di piangerci sopra, bensì lo trascendiamo vivendo la vita nella maniera più esuberante possibile ed esprimendoci attraverso un atteggiamento di gaia sfida nei confronti di tutti gli ostacoli frapposti e le obiezioni mosse pag. 155 da famiglia, stato o religione.

44

Madonna, a collector of Frida Kahlo’s self-portraits, once remarked that a painting of Kahlo’s in her foyer - one of the artist giving birth to herself - was, in effect, her litmus test: if visitors didn’t like the painting, Madonna quipped, only half-joking, then they couldn’t really be her friend.

The most obvious thing to say about the work of Eteri Chkadua is that she is the natural successor to Frida Kahlo. Or the natural successor to Madonna. Or both. In any case, neither Frida nor Madonna has anything over Eteri when it comes to the art of the psychological strip-tease - the artist revealing herself through the frame of her art; the paintings as the stage and proscenium in which the artist reveals herself to herself - and us to ourselves.

What is immediately arresting in Eteri’s paintings is her vast technical skill - The Georgian Academy of Fine Arts, still under Soviet occupation when Eteri was a student, gave her the kind of rigorously formal training that many Western art schools seem to think is superfluous to an art education.

But from this astringently formal background, Eteri, like the best of street hustlers, kidnapped her own classical education and enslaved these old Dutch Master skills to the whims of her own unabashedly personal exploration. With the unflinching hands of a butcher, Eteri turns her exceptionally wild and utterly modern psyche inside-out, and exposes her own entrails as objectively and attractively as one might for the charcuterie display at Harrods.

Eteri’s paintings are a visceral summary of the psychic paradoxes of being a brazen, contemporary female. They are a gleeful rejection of any socio-political landscape whose mythologies frown on exuberant displays of rowdy wit, flamboyant style, and unapologetic sexual wisdom.

“Why is it American people have such problems?” she once rhetorically asked me. “Oh, I was beaten by my parents, boo hoo.

So what!?” she cried in mock-outrage. “Everybody was beaten.”

She’s right, of course -- but while this may seem like a shockingly unsympathetic standpoint from an Oprah-softened, Western perspective, there is actually a great secret in Eteri’s attitude: Eteri work tells us is that we do not escape our pasts by stopping to cry about them, we transcend our pasts by living life as exuberantly as possible, and expressing ourselves in cheerful defiance of all p. 155 obstacles and objections from family, state or religion.

Black sea 2008 olio su lino oil on linen 228,6 x 198 cm photo credit: Tom Powell

curator the artist text by Cintra Wilson courtesy of the artist, Gian Enzo Sperone supported by

Ministry of Culture, Monument Protection and Sports of Georgia acknowledgements Sperone Westwater Gallery, Gian Enzo Sperone, Walter Biggs, The PoolnYC, Kristin Gary, Anatina Miescher

45

46

47

GAbRIELE PöhLmANN Germania Germany

Holon Couple 2006 tecnica mista, pane croccante, acrilico, poliestere mixed media, crispbread, acryl, polyester 200 x 100 cm (cad. each) a sinistra on the left: dettaglio detail photo credit: Joseph Loderer K. Krinner

…il knäckebrot visibile nei quadri è esclusivamente materiale, non contenuto: si tratta di moduli che hanno il medesimo rapporto proporzionale dell’intero formato. Se li si appendesse in aggregazioni di quattro, nove o sedici elementi, si tornerebbe sempre ad ottenere la stessa relazione che risulta da un singolo modulo. E si potrebbe continuare così all’infinito…

Si tratta solo di una metafora volta a simboleggiare il tentativo di avvicinarsi all’infinitezza…

“Perché ogni singola parte è elemento costitutivo di un tutto più grande, e per quel che ne sappiamo si continua così all’infinito…”

(K. Wilber) Gabriele Pöhlmann Agli holons è sottesa la filosofia dell’olismo, della complessità.

Holon deriva dal greco e significa tutto, intero. Punto di partenza è l’idea che il tutto sia già presente nelle sue parti e viceversa che ogni parte contenga il tutto. Il formato di questi quadri presenta una relazione di due a uno: le opere misurano due metri per uno.

Si tratta di una proporzione derivante dal materiale usato per le composizioni. Sì, è davvero knäckebrot (pane croccante in sottili cialde rettangolari, N.d.T) il materiale da cui prendono forma gli screpolati nudi maschili e femminili. E qui l’artista procede in maniera molto sistematica: dopo aver ricoperto con una mano di fondo nero i robusti pannelli di particelle di legno (MDF), in una fase successiva si pressano i singoli moduli, il knäckebrot, sullo sfondo umido (in plastica), ricoprendo completamente ogni pannello. Con questo materiale mobile e fragile, tramite la distruzione della sua superficie, l’artista dà forma ai monumentali nudi. Per far ciò è necessario lavorare rapidamente, perché il pane si gonfia assorbendo in fretta l’umidità e assume una consistenza poltigliosa. È così che nascono crepe affilate ma anche la plasticità delle forme, dall’aspetto arcaicamente screpolato. Dopo l’essicazione, il rilievo viene lavorato con colore acrilico e infine conservato con poliestere. Elevando alla potenza il formato di questi quadri risultano sempre le stesse proporzioni.

Vale a dire: un blocco di due quadri per due corrisponde nella sua relazione proporzionale esattamente a un quadro. E con queste elevazioni alla potenza si può proseguire all’infinito.

48

…the knäckebrot that can be seen in the images is merely material not content – they are modules that have the same relativity as the entire format. If one would hang these in four, nine or sixteen bonding, the result would be the same relation as from an individual module. This could be continued into infinity…

It is merely a metaphor – standing for the attempt to become closer to infinity…

“For each individual part is a component of a greater whole and as far as we know this continues into infinity…”

(K. Wilber) Gabriele Pöhlmann The holon is at the root of the philosophy of holism, comprehensiveness. Holon is a greek word and means entire.

The starting point is the idea that the whole already exists in its parts and conversely each part contains the whole. The formats of these images have a relation of two to one and measure two times one meter. This proportion is derived from the material used for compositions. Yes, it actually is knäckebrot from which the fissured male and female acts are formed. In this case the female artist proceeds entirely systematically: the stable MDF plates are coated with black primer and the individual module, the knäckebrot, is then pressed into the moist undercoat (synthetic).

Whereby each plate is fully covered. Out of this mobile and fragile material, the female artist destroys the surface and forms the monumental acts. In doing so, quick work is required because the bread rapidly draws itself completely in and becomes slushy.

Thus, sharp tears and even the archaic-fissured plasticity of the forms are created. After drying, the relief is treated with acrylic color and thereafter preserved with polyester. The format of these images in multiplicities always results in the same proportions.

This means that a block of two times two images corresponds in its relationship exactly to one image. These multiplicities can be continued into infinity.

curator art-st-urban - Gertrud KohlerAeschlimann text by Gudrun Szczepanek supported by Modern Art Advising • Pavillon E • CH-4915 St. Urban • Lucerne • Switzerland artpavillon-st-urban • skulpturenpark-klosterareal-st-urban • modern-art-advising info@art-st-urban.com • www.art-st-urban.com

49

bERTAmARIA REETZ AND RAINER bONK Germania Germany

Blaue Schafe: Friedensherde / Pecore blu: un gregge di pace 2009 resina dipinta painted resin dimensioni variabili variable dimensions a sinistra on the left: dettaglio detail

Pecore blu: un gregge di pace Arte come mite provocazione, arte come azione sono i pedali di un basso continuo che accompagna da anni il lavoro di Rainer Bonk, affiancato nella sua campagna per il sociale da una fervida sodale, l’artista tedesca Bertamaria Reetz, che dalla pittura, cui ha dedicato parte della sua vita, ha assunto ora l’impegno di diffondere il messaggio di Bonk.

L’artista tedesco, partito come designer, ha raggiunto notorietà in Germania con le sue pecore blu. La pecora blu è un animale mite, che ha bisogno di uno spazio verde per far risaltare il suo brillante mantello; di poliestere, non teme le intemperie, inoltre non pretende nutrimento. Si alimenta alla curiosità, all’interesse, allo sguardo divertito di osservatori grandi e piccini, che la vedono brucare (si fa per dire!) sui loro prati.

Ma quale messaggio parte da questo animale-oggetto, serialmente riprodotto in centinaia di esemplari, riuniti in gregge sulle rive del Reno, nei giardini residenziali, all’entrata dei Musei? Esso, come intende l’autore, ama richiamare la nostra attenzione sull’ambiente.

E non è da poco il contributo dato dall’azione artistica di Rainer Bonk e di Bertamaria Reetz a temi ambientali, sostenuti di norma da una serie di iniziative che coinvolgono istituzioni, uomini di scienza e di diritto, associazioni e cittadini che hanno a cuore le sorti del pianeta, che seguono con apprensione il deterioramento degli ecosistemi a livello globale che sta accentuando la disparità tra i popoli ed evidenziando aspetti fondamentali su biodiversità e cambiamenti climatici.

Per i due artisti tedeschi, la responsabilità degli impellenti fenomeni di desertificazione, che tra l’altro minaccia il 51% del suolo dell’Italia meridionale, non va attribuita soltanto alle mutazioni del clima, alle invasioni biologiche, ma anche al sistema politico e all’egoismo insito in ciascuno di noi.

Le pecore blu - da gregge - si fanno esercito di pace, ci invitano, con temperante tenacia, a riflettere e a cooperare alla salvaguardia dell’ambiente.

Noi tutti possiamo e dobbiamo agire per arrestare una morte annunziata. Il Blauschäfer Rainer Bonk - coadiuvato da Bertamaria Reetz - sta lanciando un appello che ha la forza del blu.

Il blu è il colore dei laghi, dei mari, dei bacini profondi. L’acqua appare blu non perché riflette il cielo: quanto più lungo è il percorso di un raggio di luce che attraversa l’acqua, tanto più il rosso e il verde dello spettro solare sono assorbiti; il blu, invece, viene riflesso. E, di converso, quanto più intenso è il blu, tanto più profonda ci appare l’acqua, che simboleggia l’inconscio e sembra pag. 155 voler penetrare i segreti anfratti dell’anima.

50

Blue sheep: a flock of peace Art as mild provocation, art as action, these are the pedals of a basso continuo that has accompanied Rainer Bonk’s work for years. In his campaign for social questions he is joined by a keen associate, the German artist Bertamaria Reetz who, from painting, to which she has dedicated a large part of her life, has now undertaken to spread Bonk’s message.

The German artist, who started off as a designer, has become famous in Germany for his blue sheep. The blue sheep is a mild animal, which needs a green space to show off its bright coat to advantage; made of polyester, it does not fear inclement weather, nor even require feeding. It is nourished by curiosity, by interest, by the amused gaze of onlookers of all ages, when they see it grazing (in its own particular way!) in their meadows.

But what is the message of this animal-object, of which hundreds of examples have been produced, gathered in flocks along the banks of the Rhine, in residential gardens and at the entrance of Museums? According to its creator, it aims to draw our attention to the environment. The artistic action of Rainer Bonk and Bertamaria Reetz has made a considerable contribution to environmental themes, usually backed up by a series of ventures involving institutions, scientists and lawmakers, citizens’ associations that care about the fate of the planet and that anxiously observe the deterioration of ecosystems on a global level which is accentuating the inequality among peoples and highlighting fundamental aspects concerning biodiversity and climate changes.

For the two German artists, the responsibility for the impellent phenomena of desertification, which also threatens 51% of the soil in Southern Italy, does not lie only in the changes in climate and biological invasions, but also in the political system and in the egoism instilled in each one of us.

From a flock, the blue sheep become a peaceful army, persistently inviting us to reflect and cooperate in the safeguarding of the environment. We all can and must act to halt this imminent death.

The Blauschäfer Rainer Bonk - assisted by Bertamaria Reetz launches an appeal that has all the strength of blue.

Blue is the colour of lakes, seas and deep ponds. The water looks blue, but not because it reflects the sky: the longer the path of a beam of light passing through the water, the more the red and green of the solar spectrum are absorbed; instead the blue is reflected. Conversely, the more intense the blue, the deeper the water appears; so it symbolises our unconscious and seems to p. 155 want to penetrate the deepest secrets of the soul.

curator / text by nevia Pizzul-Capello presented by

ASSOCIAZIOnE CULTURALE ITALO-TEDESCA onlus Venezia Centro Esami del Goethe PALAZZO ALBRIZZI www.acitve.it

patronised by

51

VENIA bEchRAKIS Grecia Greece

pagine seguenti following pages Eggfrying 2005 stampa cromogenica c-print (tiratura 5) digital C-Print (edition of 5) 50 x 175 cm

Dov’è la mia casa?

Negli ultimi anni, una giovane generazione di artisti ha dimostrato un rinnovato interesse per la città e la casa. E, sebbene sia risaputo che l’avanguardia artistica degli inizi del XX secolo si è tuffata a capofitto nell’intossicazione religiosa della metropoli, ai giorni nostri questi riferimenti tendono ad assumere una qualità più personale, sono meno stridenti e le metafore sofisticate e paradossali. Oggi la nuova arte sta seguendo e forse portando a compimento una svolta intrapresa negli anni Venti e, successivamente, negli anni Sessanta, eppure differisce in termini di umore e spirito: al nichilismo e al formalismo autoriflessivo è subentrata una nuova sensibilità che predilige piccoli atti significativi, un’attrazione verso la città come mediatrice nei rapporti interpersonali, un’incarnazione dell’antropogeografia della dimora. Questa è la tendenza in cui vanno inquadrate le fotografie di Venia Bechrakis.

Innanzi tutto è bene soffermarsi sulle tre qualità immediatamente identificabili che caratterizzano la sua opera. In primo luogo, la qualità femminile dei suoi autoritratti fotografici, che sfocia in un commento ironico su alcuni modelli di comportamento consumistici e domestici. In secondo luogo, un atto di capovolgimento che porta l’interno all’esterno: “La strada diventa qui un appartamento per un flâneur”, scrive Walter Benjamin, “il nottambulo che tra le facciate degli immobili è a casa propria come un buon borghese tra le sue quattro mura”. E, in terzo luogo, il fatto che queste estimità* non sono sempre il risultato di una manipolazione digitale dell’immagine, bensì anche della specifica azione fisica svolta in uno spazio pubblico o domestico.

Come osserva Edward Soja, “nello spazio socialmente prodotto, la spazialità può essere definita dallo spazio fisico del mondo materiale e dallo spazio mentale dell’intelletto e della rappresentazione, ciascuno dei quali viene usato e integrato nella costruzione della spazialità, ma non può essere concepito come suo equivalente” (Postmodern Geographies).

In ogni caso, sia la documentazione di un’azione fisica diretta nello spazio sia la manipolazione con un editor di immagini di una serie di derive e paradossi qui assume la forma di collage per collocare il corpo autodocumentato in un diverso contesto, osservazione che ci porta a dedurre quanto segue: ciò che di fatto contraddistingue gli autoritratti è la qualità dell’eterogeneità, di un tipo non organico di rappresentazione. Rosalind Krauss ha affermato che lo scopo del collage è porre l’accento “sulla distanza tra un frammento della realtà e un altro” (Amour Fou. Photography pag. 156 and Surrealism).

52

Where is my home?

Over the past years, a younger generation of artists has demonstrated a rekindled interest in the city and the home.

And though it is a known fact that art’s early twentieth century avant-garde plunged head on into the religious intoxication of the big city, in our days such references tend to take on a more personal quality; they are less strident; and the metaphors are sophisticated and paradoxical. Today’s new art may be following and perhaps completing a turn signaled by the decade of the 20s, and, later on, the 60s, yet it differs in terms of mood and spirit: nihilism and a self-reflexive formalism have been replaced by a new sensibility favoring subtle acts of signification, by an attraction to the city as mediator in interpersonal relations and by the embodied anthropogeography of dwelling. It is in terms of this trend that we may define Venia Bechrakis’ photographs.

To start with, I shall focus on three qualities that seem specific to her work and are readily identifiable. First, the female quality of her photographic self-portraits, which is the result of an ironic commentary of certain consumer and domestic patterns of behavior. Second, an act of reversal that turns the inside into the outside: “The road becomes a home for the wanderer (flâneur)”, wrote Walter Benjamin, “who feels at home amidst the façades of buildings, as the bourgeois does inside his four walls”. And, third, the fact that these extimacies* are not always the result of digital manipulation of the image, but also the result of specific physical action carried out in either public or domestic space.

As Edward Soja observes, “in socially produced space, spatiality may be defined by the physical space of the material world and by the mental space of the intellect and of representation, each of which is used and integrated in the construction of spatiality, but cannot be thought as its equivalent” (Postmodern Geographies).

In any case, both the documentation of a direct physical action in space and the manipulation by means of photoshop of a series of displacements and paradoxes, take here the place of collage in order to place the self-documented body in a different context.

This observation leads us to infer the following: what actually marks these self-portraits is the quality of heterogeneity and of a non-organic type of representation. Rosalind Krauss maintained that the aim of collage was to place emphasis “on the gap between one fragment of reality and another” (Amour Fou. Photography and p. 156 Surrealism).

Bouncing Balls 2009 stampa cromogenica c-print (tiratura 5) digital C-Print (edition of 5) 100 x 120 cm

text by Yorgos Tzirtzilakis coordination

supported by the j. F. Costopoulos Foundation sponsored by

patronised by Ambasciata di Grecia

53

54

55

ARISTOTELIS DELIGIANNIDIS Grecia Greece

Layers II 2009 modello 3D dell’installazione 3D model of the installation plexiglass, ferro, pittura acrilica plexiglass, iron, acrylic paint 200 x 400 cm a sinistra on the left: dettaglio detail

L’atto pittorico di Aristotelis Deligiannidis sembra innestarsi, seppur lontanamente, nella tradizione dell’Espressionismo astratto, benché la sua manifestazione artistica, dai gesti forti, si richiami anche alla figuration libre e ai graffiti.

Su substrati trasparenti e non, con laboriosi gesti febbricitanti, l’artista riproduce un processo di impressione del suo segno, quasi un gioco di sequenze di disegni liberi o un meccanismo che sfrutta l’energia per la conquista e l’organizzazione dello spazio.

Utilizzando una grafica curva o netta, al tempo stesso narrativa e astratta, egli concentra lo sguardo (il suo e il nostro) sui ritmi in una pratica artistica che febbrilmente confessa il continuo bisogno di espandere il processo creativo enunciando nel contempo, attraverso la ripetizione infinita, la sfida ironica alla natura mai totalmente completa o definitiva dell’opera d’arte.

Il risultato si presenta senza forma, non figurativo, una sorta di mappatura dei paesaggi della mente in cui si sviluppa un verbo labirintico che rappresenta il non visibile.

Aristotelis Deligiannidis’ painting act seems to abut on the tradition of Abstract Expressionism, even from afar. However, his painterly expression, using strong gestures, also refers to figuration libre, as well as graffiti.

On transparent or non-transparent under layer, with feverish laborious gestures, the artist repeats a process of imprinting his mark, similar to a game of free drawing patterns or to a mechanism using energy towards the conquest and organization of space.

Using sharp or curved graphics, narrative and abstract at the same time, he focuses the look (his, ours) to rhythms.

This is an artistic practice that feverishly admits the ongoing need for expanding the creative process, at the same time enouncing –through infinite repetition– an ironic challenge against the never definitely complete or final character of the work of art.

The result appears shapeless, non-figurative, a mapping of landscapes of the mind, that develops a labyrinth-like script which represents the non-visible.

Una pittura dell’azione.

Un’azione pittorica.

Un’attività compiuta fulmineamente.

Un’esternazione fisica.

A painting of action.

A painting action.

A swiftly executed activity.

A bodily achievement.

Ma

But

anche una dispersione, un continuo zigzagare di manovre e reciprocazioni che fanno emergere un atteggiamento etico ed estetico nei confronti del permanente e dell’effimero, del ricordo e dell’oblio, dell’affermazione di fronte alla vita e del bisogno imperioso di trovare un manuale di istruzioni per comprenderla.

also, a dispersion, a continuous zigzag of maneuvers and reciprocations that bring forward an ethic and aesthetic attitude towards the permanent and the ephemeral, remembrance and oblivion, affirmation to life and the compelling need to find an instructions manual to go with it.

56

curator / text by Thalea Stefanidou coordination

architectural design Giannis Epaminondas supported by

www.fashion-planet.gr patronised by Ambasciata di Grecia

57

uNDER cONSTRucTION Grecia Greece

Beautiful world, heavenly creation materiale di ricerca per il progetto realizzato per OPEN 12 research material for the work created for OPEN 12 a sinistra on the left: dettaglio detail

“Esperimento di arti visive improntato alla filosofia del convivere, lavorare insieme, incontrare gli altri per discussioni pubbliche o lezioni private. (...) Oserei dire che questo genere di opera collettiva esprime in maniera eloquente, sebbene concisa e generale, lo stato attuale dell’arte contemporanea.” (Estratti di articoli pubblicati dal critico d'arte Maria Marangou, commenti su Under Construction)

“A visual arts experiment following the rational of cohabitation, working in common and meeting with others for public discussions or private lectures. (...) I dare say that this kind of collective work eloquently expresses the current state of contemporary art, however concisely and comprehensively.” (Excerpts of articles by Art Critic Maria Marangou, comments on Under Construction)

Vediamo la società umana come un insieme dinamico di singole personalità che convivono per il bene comune. Affinché questa coesistenza sia armoniosa, occorrono regole chiare con obblighi e diritti ben delimitati. Per servire le masse e i deboli, anziché le élite e i potenti, servono un buon governo e una corretta amministrazione. È necessario un regime realmente democratico. Un regime che liberi la forza umana anziché imbrigliarla. Un regime che rispetti la diversità umana e ripaghi i valori che difendiamo, l’impegno e gli sforzi da noi profusi. Un regime che realmente si preoccupi dei bisognosi. Un regime che si concentri sulle esigenze della gente anziché alimentare il potere.

Un regime che sia antropocentrico anziché plutocratico. Immaginiamo che ci godremo il resto della vita e che i nostri figli vivranno la loro in un mondo diverso, un mondo migliore. Un mondo che aspiri alla rinascita intellettuale, economica, sociale e politica. Un mondo moderno libero dalle influenze e dalle dipendenze dell’oligarchia degli odierni partiti economici e politici, senza il favoreggiamento dei mezzi di comunicazione. Un mondo in cui l’occupazione e la residenza saranno salvaguardate. Un mondo che sostenga la maternità, i bambini e gli anziani. Un mondo che realmente protegga l’istituzione della famiglia.

Un mondo in cui la gente viva in sicurezza e armonia. Un mondo in cui i principali problemi della vita siano risolti e più nessuno viva in estrema povertà. Un mondo la cui principale regola di base sia il rispetto per ogni dimensione della dignità umana. Un mondo in cui chi denuncia e persegue le illegalità e gli illeciti sia sostenuto e gratificato anziché perseguitato. Un mondo in cui non ci si debba negare, perché ogni giorno viviamo un’esperienza unica e speciale. Un mondo in cui ricerchiamo la conoscenza e la verità accostandoci alla natura. Un mondo in cui non esistano cattivi o brutti pensieri nei confronti dei nostri vicini e familiari. Un mondo in cui si trascorra più tempo con la famiglia e gli amici godendo di una conversazione serena e costruttiva.

Un mondo in cui le nostre vite siano vissute come un concatenamento di avvenimenti e momenti belli. Un mondo in cui vivere ci renda felici.

Il passato è ormai trascorso. Il futuro non è ancora arrivato. Il presente è nelle nostre mani. Diamoci da fare…

Ispirato ad Adonis Georgiadis (politico greco), Jassmine (blogger) e Madre Teresa

We see human society as a dynamic whole of individual personalities, coming together for the common good. This harmonious living together needs a clear set of rules, a clear set of rights and obligations. Government and administration should be at the service of the weak masses, rather than the powerful few. We need a truly democratic regime; one that unleashes human potential, instead of imprisoning it; one that respects diversity and rewards morality and effort; one that truly cares for those in need; one that focuses on satisfying people, rather than feeding power. A regime that revolves around men and not wealth. We share the vision that we, for the rest of our lives and the lives of our children, will enjoy a different world, a better world; a world that will aspire towards intellectual, financial, social and political rebirth; a modern world, free from the influences and dependencies of today’s political minorities and the interference of the media; a world where employment and housing will be secured for all; a world that will support maternity, children and the elderly; a world that truly defends the institution of family. We envision a safe and harmonious world; a world where the basic human needs will be met and there will be no poverty; a world where respect for human dignity will be common sense; a world where he, who reports the illegalities and wrong doings of others, will be rewarded and protected; a world where we won’t have to worry about anything because every day will be a glorious occasion. We envision a world where we will be seeking knowledge and truth while gazing at nature; a world where we won’t have any bad or ugly thoughts towards our neighbours and relatives; a world where we will spend more time with our friends and family, while enjoying a beautiful and constructive conversation; a world where life will be a garland made of blissful moments; a world we will be happy to live in. Yesterday has passed. Tomorrow is yet to come. Today is in our hands. Let us begin…

Inspired by Adonis Georgiadis (Greek politician), Jassmine (blogger) and Mother Teresa

58

curator Christos Savvidis text by Under Construction coordination

supported by

The Athens School of Fine Arts

patronised by Ambasciata di Grecia acknowledgements Tasos Christakis

59

NATARAj ShARmA India

Popat 2006 vetroresina dipinta painted fiberglass 519 x 366 x 214 cm a sinistra on the left: dettaglio detail photo credit: © DR

In gujarati popat significa pappagallo. L’immagine si ispira a un piccolo giocattolo di plastica che avevo trovato a un mercatino di strada settimanale del venerdì, un oggetto carico di buon umore, di energia positiva, tipico delle immagini semplici, deshi, straordinariamente originali, eppure straordinariamente kitsch, che si vedono nelle strade dei nostri villaggi. L’arte di strada mi ha sempre rapito, sin dai tempi in cui studiavo. Mi ha attratto a sé irresistibilmente. Il suo humour e la sua vitalità, la sua presenza spazio-temporale, la sua capacità di appropriarsi di qualunque fonte da ogni luogo e tempo, la sua spudoratezza e il fatto che sgorgava lontano dalle istituzioni artistiche preconfezionate con le loro pareti di vetro, lontano dalle teorizzazioni complesse e dalle riviste d’arte straniere patinate, e più vicino all’esperienza della vita che vedevo caleidoscopicamente ruotare attorno a me.

60

Popat means parrot in Gujarati. This image is based on a small plastic toy I found at the weekly Friday market, an object which was so full of good spirit and good humour. It’s typical of the cheap, desi, utterly original, utterly kitsch images that can be found in the streets of our small towns. Street art has blown me away, right from my student days. It was something I was irresistibly drawn to. Its humour and vitality, its here and nowness, its ability to appropriate any source from any place and time, its shamelessness and the fact that its wellspring was far from boxed-in art institutions with their high glass-tipped walls – far from dense theory and glossy foreign art magazines and closer to the experience of life that I saw revolve like a kaleidoscope around me.

curator / text by the artist courtesy of

acknowledgements Enrico navarra

61

cOSImO ANDRISANO Italia Italy

Totem “I muri” 2009 legno, resine, carta, vetro, ferro wood, resins, paper, glass, iron 270 x 400 x 400 cm a sinistra on the left: dettaglio detail photo credit: Valter Ricci

Dagli anni Sessanta e sino alla fine del Novecento, si susseguono molti movimenti e tendenze artistiche, talvolta in forte contrasto tra loro. Si sperimentano nuovi linguaggi, alcuni con chiari intenti sociali, altri completamente estranei a ogni forma di comunicazione. L'opera di Cosimo Andrisano parla in genere dei raid notturni di giovani armati di bombolette spray, i writers le cui origini affondano nella cultura underground americana. Nel panorama artistico nazionale d'inizio millennio il suo lavoro rappresenta una prosecuzione e una sintesi di quelle istanze poetiche e sociologiche, tra disincanto e speranza. I dipinti stratificati di quest'artista attento agli umori delle nostre metropoli raccontano una realtà multiforme. Con le sue costruzioni dirompenti che mescolano tecniche diverse, dal collage alla pittura, dall'inserimento di scritte alla stratificazione dei supporti, Andrisano codifica i sogni di fuga e celebrità dell'ultima generazione mescolandoli con slogan pubblicitari, fotografie, graffi, lampi di rosso e geroglifici postmoderni. Un atteggiamento in linea con il tradizionale ruolo di critica di gran parte del collage e del décollage quale tecnica artistica di denuncia. Quella di Andrisano è una complessa indagine su identità, identificazione e scarto tra generazioni. Per mettere in campo le valenze sulle quali impianta la propria poetica recupera il muro non come cosa ma come idea, costruendo dei simulacri di muri quasi totemici che possono essere appoggiati a una parete o all'occorrenza sostenersi da sé. A OPEN 12 l'artista di Mesagne porta una installazione di grande impatto che riassume le fatiche degli ultimi anni. Nella sua interezza l'opera si sviluppa su una superficie di quattro metri quadrati per quasi tre di altezza; i materiali impiegati, legno, ceramica, resine, manifesti di recupero, vetro e ferro forniscono molte notizie sul nostro mondo.

“La scelta dei materiali”, dichiara l'artista, “vuole esprimere un legame fra scultura, architettura e design”. Un muro è uno schermo bianco su cui proiettare un logo, un sogno, una protesta. E se di solito nei quadri di Andrisano spiccano lettere simboleggianti il passaggio furtivo, talvolta amaro, dei ragazzi qualunque che vivono nelle megalopoli, la costruzione realizzata per Venezia Lido contiene qualcosa di più. Riproduce tracce della vita di tutti, simboli che trascorrono nei nostri occhi attraverso la televisione, i giornali, i cartelloni pubblicitari. Andrisano suggerisce una città in miniatura che attraverso il tempo si è arricchita di segni e interrogata sul proprio ruolo. Cosa sono i muri nel nostro mondo teso a omologarci in un futuro edulcorato e privo di obiezioni? Luoghi di separazione, steccati mentali o recinti di protezione? Andrisano dice “sono i segni del nostro passato-presente-futuro”. E si innalzano verso il cielo per testimoniare un antico bisogno di eternità oggi ridotto a misero sogno di possesso.

62

From the sixties until the end of the twentieth century, many artistic movements and groups followed one another, sometimes in striking contrast. New languages were tried out. Some of them had clear social intentions, others avoided any form of communication.

Cosimo Andrisano`s works usually suggest the night raids of young people equipped with sprays - the writers, whose origins are rooted in American underground culture. On the national artistic scene of the beginning of the millennium his work is a continuation and a synthesis of those poetic and sociological needs, which express both disenchantment and hope. The stratified paintings by this artist, who is so interested in the mood of our metropolis, depict a multiform reality. With his sensational constructions, which mix different techniques, from collage to painting, from inscription to support stratification, Andrisano codifies the dreams of escape and celebrity of the latest generation and mixes them with advertising slogans, pictures, scratches, red flashes and postmodern hieroglyphics.

A position which reflects the traditional critical role of most collage and décollage as an artistic denunciation technique.

Andrisano conducts a complex investigation into identity, identification and the generation gap. To put forward the qualities with which he sets out his poetics the artist recovers the wall not as a thing but as an idea, and builds nearly totemic wall effigies which can be leant against a wall or even stand alone. The artist from Mesagne takes to OPEN 12 an installation of great impact, which sums up his recent years’ labours. The whole work of art develops on a surface of four square metres and a height of nearly three metres; the materials used, that is wood, ceramic, resins, recycled posters, glass and iron, supply lots of information about our world.

“The choice of materials”, says the artist , “intends to express a link among sculpture, architecture and design”. A wall is a white screen where you can project a logo, a dream, a protest. And if usually in Andrisano’s pictures letters stand for the stealthy, sometimes painful, passing by of ordinary boys who live in a megalopolis, the masonry created for Venice Lido contains something more. It reproduces traces of everybody’s life, symbols which pass before our eyes through television, newspapers and advertising posters.

Andrisano suggests a miniature town which in time has grown richer in signs and has wondered about its own role. What are walls in our world, which aims at standardizing us in a sweetened future with no objections? Are they separating places, mental fences or protective enclosures? Andrisano says: “They are signs of our past-present-future”. And they reach towards the sky to prove an ancient need of eternity which today has been reduced to a poor dream of possession.

curator / text by Anna Caterina Bellati supported by

acknowledgements Patrizia Boldrini Barlettani

63

b.ZARRO Italia Italy

Capitalismo rivisitato 1985 Dubai - 2009 Venezia smalti su alluminio enamels on aluminium a sinistra on the left: dettaglio detail photo credit: Lara Elisa Grandinetti

Capitalismo rivisitato Omaggio a Mario Schifano “Bèh, è come se io lavorassi su dei reperti. Il passato per me è appunto questo, reperti, però non da buttar via, recuperabili, tant’è vero che ci lavoro attorno.” (Mario Schifano, 1974)

Capitalism revisited Tribute to Mario Schifano “Well, it’s as if I worked on finds. The past for me is just that, finds, but things that can be reused, not thrown away, so I work around them.” (Mario Schifano, 1974)

A metà degli anni ‘60, in Italia, prendeva corpo una corrente artistica, diretta emanazione degli sviluppi della Pop Art americana.

Fulcro di tale frangia della Pop Art internazionale divenne la cosiddetta Scuola di Piazza del Popolo, con i vari Schifano, Festa, Angeli, Kounellis, Lo Savio, eccetera. Schifano ne diventa la punta di diamante, la punta di sfondamento internazionale, per usare un termine calcistico. Il Puma di Piazza del Popolo, era il soprannome con cui era individuato tra gli artisti partecipanti al gruppo e che la sera erano soliti incontrarsi da Rosati nella barocca piazza romana. Alessandro Masi, nel suo Di tutto un Pop, così scriveva: “Manifestando quell’interesse per temi iconografici proposti da un sistema di comunicazione commerciale già all’epoca asfissiante... e non sottoponendosi ad uno sfruttamento commerciale indiscriminato, né a una ragione mercantilistica, gli artisti cessano di concepire il manufatto come merce di scambio e di tesaurizzazione capitalistica, relegandolo al concettualismo raffinato ed aristocratico”.

In un panorama socio-economico aggravato da quell’eccesso consumistico, di cui gli artisti ne videro per primi l’invadenza, e con un sistema dell’Arte mercificato alla pari di qualunque altro segmento commerciale, B.ZARRO rende omaggio al suo illustre predecessore a 45 anni dalla prima apparizione di Mario Schifano alla Biennale di Venezia. Lo fa con la Jaguar bianca appartenuta all’artista, che lo ha accompagnato in tanti viaggi a Sabaudia ed in tanti altrove e che forse proprio per la sua passione verso questa macchina gli valse il soprannome del Puma di Piazza del Popolo, che userà come fosse una tela bianca in attesa di ricevere il suo efficace imprinting concettuale e trasformandola, in una rivisitazione capitalistica per un messaggio di salvezza, una sorta di blog metropolitano su cui scrivere un appello per un nuovo modello di società, avanguardistico e solidale. Forse non a caso Schifano le Jaguar le sceglieva bianche, immaginando fosse questa la futura funzione, in uno dei suoi sprazzi di lucida follia.

Come qualcuno ha scritto della mia.

“Il decadente capitalismo internazionale, eppure individualistico, nelle cui mani siamo finiti, non è un successo. Non è intelligente, non è bello, non è giusto, non è virtuoso e non fornisce nessun bene.”

(J.M. Keynes, The New Statesman and The Nation, Luglio 1933)

In the mid-60s, in Italy, an artistic current originated that was a direct expression of the development of American Pop Art. The fulcrum of that fringe of Pop Art became internationally known as the School of Piazza del Popolo with Schifano, Festa, Angeli, Kounellis, Lo Savio and so on.

Schifano became the high point, the point of International breakthrough, to use a football term. The Puma di Piazza del Popolo, to use a term with which he was identified among the artists in the group, who used to meet in the evening at Rosati’s in the baroque square in Rome.

Alessandro Masi, in his Di tutto un Pop, wrote: “expressing an interest in iconographic themes proposed by a system of communication already suffocating at that time... and refusing to submit to indiscriminate commercial exploitation or to mercantilist reasoning, artists give up perceiving the object as a means for commercial trading and accumulating capital, relegating it to a refined and aristocratic concept”.

On a socio-economic scene aggravated by an excess of consumerism, of which artists were the first to be aware, and with a system of Art that was commercialized to the same extent as any other sector of the market, B.ZARRO pays tribute to his illustrious predecessor, 45 years after the first appearance of Mario Schifano at the Venice Biennale.

He does so with the white Jaguar that belonged to the artist, which accompanied him on many trips to Sabaudia and many other elsewhere; indeed it was perhaps his love of this car that earned him the nickname Puma di Piazza del Popolo. He will use it like a white canvas waiting to receive its effective conceptual imprint and transform it, in a capitalist revisitation as a message of salvation, a sort of metropolitan blog on which to write an appeal for a new model of society, avant-gardiste and supportive.

Perhaps it is not a coincidence that Schifano chose to have a white Jaguar, imagining this as the future role, in one of his flashes of lucid madness. As someone has written about mine.

“The decadent international but individualistic capitalism in the hands of which we found ourselves after the war is not a success.

It is not intelligent. It is not beautiful. It is not just. It is not virtuous.

And it doesn't deliver the goods.”

(J.M. Keynes, The New Statesman and The Nation, July 1933)

64

curator / text by the artist courtesy of 155 Art of this Century Gallery supported by

acknowledgements Lino Fratta, Marta Sara Crescimanno, Michela Parapetto

65

ENRIcO bENETTA Italia Italy

Reale Esistenza 2007 (remise en forme 2009) cor-ten 240 x 560 cm a sinistra on the left: dettaglio detail

L’ironia è uno spazio complesso, sfuggente eppure graffiante, è come una carezza seguita da uno schiaffo. La sua caratteristica è quella attraente della leggerezza, del sorriso che fa allargare il viso. Ma poi, disarmato l’interlocutore, fa entrare in gioco spessori e profondità, anche dolenti, che erano e sono insospettabili.

Temi che colpiscono nel segno ed agitano la mente sino a farne cambiare direzione. Enrico Benetta è artista maturo che usa l’ironia come materia della sua arte, insieme al ferro, all’acqua e alla pittura. Non si può infatti non sorridere alle sue proposte e non essere sorpresi che il primo gioco da lui inscenato, sia un fuori scala, sia una citazione, sia un’affabulazione fantastica di oggetti surreali, non si fermi a quella seduzione ma che immediatamente dopo introduca a delle considerazioni sempre di sostanza. Enrico Benetta è un cantastorie tridimensionale che non può prescindere dalla spazio in cui raccoglie le sue emozioni e la scrittura che, come la parola, sono il mezzo del racconto.

Allegria e poesia sono le due tracce da cui non si discosta mai e con esse si diverte a creare dei veri e propri allestimenti fatti di calligrafie e oggetti, sempre fuori misura, che sembrano pescati, novello Alice, da un suo Paese delle meraviglie o suggeriti da una scrittura acuta e favolistica come quella di Italo Calvino. Ma ad ogni allestimento corrisponde sempre una morale, un’esperienza, un apprendimento ed un monito di chi sa apprezzare la gioia e la ricchezza della vita, ma che anche può vederne le difficoltà.

Più recentemente ogni tanto si rabbuia e nuovi temi turbano la fresca superficie dell’acqua, un elemento che ci avvolge ma che anche ci separa. Le sedie da tondeggianti tonet sovra misura, si fanno rigidi troni silenziosi che si guardano l’uno l’altro senza proferir parola. La materia importante e antica come il ferro diventa rugginosa e spigolosa. Tiene la distanza. Un filo torto che impedisce la seduta cerca l’ironia dell’impossibile, ma arretra di fronte alla chiara negazione. L’acqua si fa specchio e riflette la natura circostante, sembra voler superare il buio. Benetta si è dunque fatto più riflessivo e senza, con correttezza, rinunciare alla sua caratteristica favolistica sperimenta ambienti dal chiaro scuro più accentuato. È vero, la scena si fa più composta ed i rumori che erano chiassosi si organizzano, con ritmi più misurati, ma è anche vero che il racconto non rinuncia mai alle piccole citazioni e ai freschi rimandi di un mondo che non è nostro, ma che è dell’artista che lo crea. A noi il divertimento e la suggestione di visitarlo.

66

Irony is a complex, elusive yet abrasive thing, like a caress followed by a slap in the face. Its characteristic is the attraction of lightness, of the ear-to-ear smile which lights up one’s face. But then, the disarmed interlocutor must face heaviness and depths, sometimes painful, which were and continue to be beyond suspicion. These are themes which strike deeply and agitate the mind without making it change direction. Enrico Benetta is a mature artist who uses irony as material for his art, together with iron, water and painting. Indeed, it is impossible not to smile at his proposals, not to be surprised that the first game which he places on the scene, whether this be something disproportionate, a citation, a fantastic fairy tale of surreal objects, does not stop at that seduction but immediately afterward introduces certain considerations which are always substantial. Enrico Benetta is a three-dimensional bard who cannot do without space in which to gather his emotions and the writing which, like the words, is the means of telling the tale. Joy and poetry are the two traces from which he never separates himself. With these, he has fun in creating genuine scenes made of calligraphy and objects, always disproportionate, which seem to come from a new Wonderland, Alice and all, or suggested by a keen, fable-like tale as Italo Calvino wrote. But for every scene there is a corresponding moral, an experience, a lesson and a piece of advice from one who knows how to enjoy the happiness and richness of life, but also sees the difficulties. More recently, every now and then we perceive shadows over the scenes; new themes disturb the fresh surface of the water, an element which enfolds but also separates us. The chairs with their disproportionate rounded tonet become rigid silent thrones which observe each other without uttering a word. The important material, as ancient as iron, becomes rusty and prickly. Distance is to be maintained. A wrong direction which impedes sitting down seeks the irony of the impossible, but draws back when faced with the clear negation. The water becomes a mirror, reflecting the surrounding nature; apparently it desires to overcome the darkness. Benetta, therefore, has become more reflective; in his correctness, he does not abandon his fablelike characteristic, but experiments with the most accentuated environments of chiaroscuro. It is true that the scene becomes more composed; the noises which were so rowdy organize themselves with more measured rhythms. But it is also true that the telling of the tale never abandons the small citations and the fresh references to a world which is not ours, but has been created by the artist. Ours is the pleasure and the evocation in visiting it.

curator / text by Angelo Bucarelli acknowledgements Mariachiara Marzari

67

cRISTIAN bIAScI Italia Italy

Alide 2005 - 2009 bronzo, acciaio bronze, steel 200 x 100 x 86 cm a sinistra on the left: dettaglio detail photo credit: Francesco Fadda Suleima Scarpelli

La libertà compositiva di Cristian Biasci e la sua indagine sulla materia che accoglie le vibrazioni della luce ricomponendo i valori volumetrici, vengono da molto lontano. Medardo Rosso (Torino, 1858 - Milano, 1928), assieme al contemporaneo Auguste Rodin (Parigi, 1840 - Meudon, 1917), sono i padri di una scultura rivoluzionaria cui guarda anche il lavoro dell'artista pisano. Il superamento della forma, grazie alla libera disposizione degli oggetti nello spazio e a una ricerca sulla materia che si serve della luce come valore aggiunto, rappresentano gli strumenti di cui i due amici, che lavorarono insieme a Parigi, si servirono anticipando le avanguardie. Con loro nasceva la scultura moderna. L'arte di Biasci è fatta di sporgenze e rientranze, come Rodin amava dire del proprio lavoro. Ma se l'inventore del non finito sperimentò nuove forme di rappresentazione curiosando intorno al motivo del torso, mentre Rosso tradusse ciò che è visibile percependolo come un mondo di vibrazioni, Biasci, che è figlio del ventesimo secolo, trasforma il concetto del torso nello studio del torso della terra e anziché descrivere le vibrazioni dell'esistente, le registra.

Bergson sostiene che la sostanza della scultura moderna consiste nello stato di tensione al divenire in cui la realtà trova una forma provvisoria nella congiuntura tra materia e memoria. Le opere di Biasci si collocano in questa dimensione, la materia magmatica si apre e contorce risucchiando il tempo e, mentre occupa lo spazio, rivela i corrugamenti della storia. Per sentire la forza immane nascosta nelle ferite di una sua scultura bisogna camminarle intorno. E questo non ha a che fare con le dimensioni. Che sia un piccolo lavoro scavato nel bianco di Carrara o un mastodonte di bronzo, per cogliere lo scivolare dell'ombra e il guizzare della luce, metafora dell'avvicendarsi degli anni, occorre seguire il ritmo che l'artista gli ha imposto. E questo introduce un altro elemento fondamentale nel lavoro di Biasci, il campo della misura.

L'avventura della materia nella produzione di Biasci ha a che fare con le grandi tensioni dell'uomo, la curiosità, la paura, il senso dell'ignoto e quello della scoperta. Cosa celano quelle fenditure, e inoltre sono prodotte dalla natura o rappresentano il frutto di un calcolo? L'una e l'altra cosa. Biasci dice qualcosa di magnifico e antimonumentale sul nostro essere nel mondo qui e ora, ma non lo fa in modo casuale, non lascia che l'istinto lo guidi, ogni scelta, ogni cuspide di una sua creazione, come ogni diaframma aperto sull'interno, è costruito secondo un ritmo preciso. Lo sviluppo dell'opera, il suo svelarsi è il risultato di un progetto minuzioso dove a un vuoto corrisponde un pieno, a un'assenza una presenza.

Perché l'arte è innanzitutto la rappresentazione, benché parziale, dell'armonia dell'universo.

68

Cristian Biasci’s freedom of composition and his investigation of matter collecting the shimmering of light and reassembling volumetric values come from afar. Medardo Rosso (Turin, 1858 - Milan, 1928), together with his contemporary Auguste Rodin (Paris, 1840 - Meudon, 1917), are the fathers of a revolutionary sculpture which is also a point of reference for the Pisan artist`s work. Overcoming form thanks to the free arrangement of objects in space and a research into matter which uses light as an added value is the tool used by the two friends, who worked together in Paris, anticipating the avant-gardes. Modern sculpture was born with them. Biasci's art is made of projections and recesses, as Rodin liked to say of his own work. But if the inventor of unfinishedness tried out new forms of representation using the motif of the torso, while Rosso translated what is visible by perceiving it as a world of vibrations, Biasci, who is son of the twentieth century, changes the concept of the torso into the study of the torso of the earth and instead of describing the vibrations of the existing reality, records them. Bergson maintains that the substance of modern sculpture consists of the tension in becoming, where reality finds a temporary form in the union of matter and memory. Biasci’s works are placed in this dimension, magmatic matter opens and twists, swallowing up time, and while occupying space it discloses the ridges of history. To feel the huge force hidden in the wounds of one of his sculptures you have to walk around it. And this has nothing to do with the dimensions.

Whether it be a little work carved out of white Carrara marble or a bronze mastodon, to grasp the sliding of shadow and the darting of light – a metaphor of the alternation of the years – you have to follow the rhythm the artist has imposed on it. And this introduces another fundamental element in Biasci's work: the field of measure. In his work the adventure of matter concerns the great tensions of man, such as curiosity, fear, the sense of the unknown and the sense of discovery.

What are those cracks hiding? And are they produced by nature or are they the fruits of calculation? They are both. Biasci tells us something magnificent and anti-monumental about our being in the world, here and now. But he does not do it by chance. He does not let instinct drive him. Each choice, each spire of one of his creations as well as each screen opened towards the inside is built with an exact rhythm. The development of the work of art, its disclosure, is the result of an extremely detailed project, in which an empty space corresponds to a full space, an absence to a presence.

Because art is first of all the representation, albeit partial, of the harmony that reigns in the universe.

curator / text by Anna Caterina Bellati supported by

acknowledgements Dino Spreafico

69

STEFANO bOmbARDIERI Italia Italy

Bagaglio black 2008 vetroresina, ferro, corda fiberglass, iron, rope 350 x 160 x 230 cm a sinistra on the left: dettaglio detail photo credit: Maria Tegoletti

Dall'Iliade all'Odissea, da Esopo a Fedro, da La Fontaine al Collodi di Pinocchio, gli animali e la descrizione dei loro comportamenti sono sempre utilizzati per spiegare in termini simbolici e metaforici il senso della morale e il suo ruolo negli accadimenti della storia umana. Tutti gli autori di fiabe e racconti in cui gli animali ricoprono un ruolo principale si rifanno in sostanza al Phisiologus, antica enciclopedia composta da ignoto nel II secolo d.C. ad Alessandria d'Egitto, che contiene notizie sul regno animale ordinate secondo un sistema binario. Da un lato si espongono la natura e le caratteristiche fisiche di ogni esemplare citato, reale o immaginario che sia, dall'altro si interpreta il loro essere nel mondo, in pratica lo scopo per cui la divinità lo avrebbe messo sulla terra. Questa seconda natura dell'animale lo colloca di fatto tra la vita reale e quella spirituale. Nel Medioevo nasce una vera e propria iconografia del bestiario, rappresentazione fantastica e artistica di paure ancestrali esorcizzate attraverso il mestiere dell'artista che le reinventa scolpendole nella pietra, come avviene per esempio con le balene dalla bocca spalancata immortalate nei doccioni delle cattedrali. Questo recupero dell'animale tra creatura mostruosa e divina affonda la sua origine nel mondo classico ricco di personaggi antropomorfi in cui si mescolano caratteristiche derivanti da diversi animali.

Le balene, i rinoceronti, gli elefanti, gli ippopotami e i gorilla di montagna che popolano il bestiario contemporaneo di Stefano Bombardieri si inseriscono in questo quadro storico che da secoli approfitta degli animali per raccontare gli aspetti più vari del comportamento umano. Si tratta di sculture enormi per lo più in vetroresina. Cariche di significati, rappresentano non solo la meraviglia ma incarnano anche paure, magie e colpe del mondo occidentale. Così è del gigantesco Bagaglio black che l'artista bresciano porta a OPEN 12. Nell'antichità il rinoceronte veniva identificato con l'unicorno, persino Marco Polo commette questo errore nei suoi racconti di viaggio. In seguito fu confuso con il drago. Causa del malinteso è il suo corno, collocato nel bel mezzo del naso, una caratteristica bizzarra che accende fantasie di forza e potenza. Ma il corno rappresenta per il rinoceronte una vera e propria maledizione. Per appropriarsi delle virtù e dei poteri taumaturgici che gli ha nei secoli attribuito, l'uomo da sempre stermina queste creature in una caccia crudele e altrettanto pag. 156 inutile.

70

From the Iliad to the Odyssey, from Aesop to Phaedrus, from La Fontaine to Collodi in Pinocchio, animals and the description of their behaviour have always been used to explain symbolically and metaphorically the sense of morals and its role in the happenings of human history. All authors of fairy-tales and stories where animals play a main role essentially hark back to the Phisiologus, an ancient encyclopaedia which was written in the II century A.D. in Alexandria by an unknown author and comprises information about the animal kingdom arranged in a binary system. On one hand this work describes the nature and the physical features of each example mentioned, both real and imaginary, and on the other it interprets their being in the world, that is, in practice, the purpose for which the divinity put it on the earth. This hidden nature of the animal places it in fact between the real and the spiritual life. In the Middle Ages an out and out iconography of beasts was devised to fancifully and artistically represent ancestral fears that were exorcized through the work of the artist, who invented them again by sculpting them in stone, as we can see, for example, in the whales with wide open mouths which have been immortalized in the gargoyles of cathedrals. This recovery of the meaning of the animal as a monstrous and at the same time divine creature originates from the classical world, which was full of anthropomorphic characters with a mix of features derived from different animals.

The whales, rhinoceros, elephants, hippopotamus and mountain gorillas which populate Stefano Bombardieri’s contemporary bestiary are a part of this historic framework, which has been taking advantage of animals for centuries to tell the most various aspects of human behaviour. They are huge sculptures, mostly made of fibreglass. Loaded with meanings, they not only represent the wonder of the Western world, but they also embody its fears, magic and faults. This is the gigantic Bagaglio black (Black Luggage) which the Brescian artist is bringing to OPEN 12. In ancient times the rhinoceros was identified with the unicorn. Even Marco Polo made this mistake in the accounts of his journey. Later it was confused with the dragon. The reason of this misunderstanding is its horn placed right in the middle of its nose: a bizarre feature which gave rise to fantasies of strength and power. But for the rhinoceros the horn turned out to be a real curse. To take possession of the virtues and thaumaturgic powers that it was credited with during the centuries, man has been constantly exterminating these creatures in a hunt which is p. 156 as cruel as it is useless.

curator / text by Anna Caterina Bellati supported by

BELLATI E D I T O R E

acknowledgements Christian Maretti

71

mARILù cATTANEO Italia Italy

Rifugi 2008 smalto, acciaio enamel, stainless dimensioni variabili variable dimensions photo credit: Franco Vertovez

Il lavoro di Marilù Cattaneo è in apparenza molto distante dall’universo tecnologico, ma non riferito a una dimensione meramente icastica semmai al rapporto con la cultura materiale che è inevitabile per l’arte pena la sua staticità linguistica. Le opere della Cattaneo si muovano a partire da una matrice sicuramente personale, da una analisi interiore e da forti richiami alla propria biografia ed esperienza di vissuto. Il tutto però si muove in una processualità che non è assolutamente autoreferenziale ma denuncia la volontà di dispiegarsi con una apertura autenticamente mondana. L’ascendente elettivo dell’artista, inevitabile all’interno di una contemporaneità avanzata come la nostra, è da rinvenirsi in quel prevalere del linguaggio aniconico collante dell’avanguardia normalizzata del secondo dopoguerra, lungo un cammino che dall’Informale passa al post cubismo del New Dada e approda alla fuoriuscita dell’alveo bidimensionale con le esperienze dell’arte ambientale. Come ogni progetto artistico che si rispetti, quello di Marilù Cattaneo sa evocare questa importante memoria storica convertendola in una poetica originale e calata all’interno del suo e del nostro qui e ora. L’artista si esprime in una dimensione che, pur coerente con l’intento originario che la muove, si allarga a comprendere una gamma eclettica di soluzioni formali.

Le più recenti creazioni di Marilù Cattaneo aggiungono un altro importante tassello alla raffinata poetica dell’artista. Siamo sempre nel territorio dell’astrazione e dell’aniconicità, quello prediletto dalla Cattaneo. Questi lavori, realizzati su tele di dimensioni medio grandi virano verso una traiettoria in parte riconducibile al sito del minimalismo e della pittura analitica, correnti importanti dell’arte italiana del secondo dopoguerra che stanno conoscendo attualmente una meritata rivalutazione, ma vanno oltre l’ambito primario di riflessione sui materiali per dirigersi verso un approdo di lirica poesia che riecheggia la tradizione dell’arte giapponese e orientale in genere. Queste opere sono in grado di testimoniare come l’artista, con un percorso dove è evidente la positiva auto imposizione di un controllo e di una padronanza delle emozioni dal sapore zen si opponga alla condizione attuale caratterizzata dalla prevalenza di una identità dispersa e frammentata, puro significante incapace di intrattenere rapporti con l’altro da sé al di là di effimeri contatti. A questo bisogna sforzarsi di sostituire il contenuto capace di dare significato all’esistenza, per approdare alla completezza di un essere pacificato in grado di fondersi con l’ambiente esterno, di dare vita a una materia inanimata e inerte e dare corpo al dispiegarsi del libero arbitrio concretizzandolo nella pienezza dei sentimenti e delle passioni. Elementi che possono farci approdare ad una liberazione dai limiti di una società liquida confinata nel limbo di un eterno presente e incapace di progettare il futuro.

72

Marilù Cattaneo’s work is apparently very far from the technological universe. It should be understood not in a simply representative dimension, but rather in relation to material culture, which is unavoidable for art in order to avoid falling into linguistic stagnancy.

Cattaneo’s works of art move from a surely personal matrix, from an interior analysis and from strong references to her biography and her own experiences. Yet all this is involved in a process which is not self-referential, but which shows the will to unfold with a genuinely social manner. The artist’s chosen ascendant, which is unavoidable in our advanced contemporary world, is to be found in that prevailing iconless language which is the glue of the second post-war normalized avant-garde, along a path starting from the Informal, passing through New Dada’s post-cubism and finally coming to the discharge of the two-dimensional bed with the experiences of modern art. Like any respectable artistic project, Marilù Cattaneo’s artistic project is able to evoke this important historical memory and turns it into an original poetic art which is steeped in her and our here and now. The artist expresses herself in a dimension which is consistent with the original intention that moves it, but which also widens to include an eclectic range of formal solutions.

Marilù Cattaneo’s most recent creations add another important detail to the artist’s refined poetic art. We are still in the field of abstraction and iconlessness, which is Cattaneo’s favourite field.

These works of art on medium-large sized canvas change their direction to a path partly ascribable to minimal art and analytic painting, two important currents of thought of the second post-war which are deservedly being re-evaluated, but overcome the primary limits of the reflection on materials and head for a landing place of lyrical poetry which echoes the tradition of Japanese art and oriental art in general. These works of art are able to show how the artist, following a path of positive self-imposition of control and a zen-like mastery of emotions, opposes the present condition, which is characterized by a prevailing broken identity, a mere signifier unable to have relationships with others except for short-lived contacts. This should be substituted for the content, which can give a meaning to existence, to arrive at the completeness of a pacified being that is able to merge with the external environment, to give birth to an inanimate and motionless matter and to give substance to the unfolding of free will by making it tangible in the fullness of feelings and passions. Elements which can lead us to freedom from the limits of a liquid society penned in the Limbo of an endless present and unable to plan the future.

curator Anna Caterina Bellati text by Edoardo Di Mauro acknowledgements nadia Mosca

73

ANDREA cIAmPINI Italia Italy

La coscienza dell'Io 2009 legno di olivo, foglie, metacrilato olive wood, leaves, methacrylate 300 x 200 x 48 cm a sinistra on the left: dettaglio detail photo credit: Costanzo D'Angelo

Se c'è un artista il cui sguardo corrisponde alle opere che escono dalle sue mani, questi è Andrea Ciampini. Lo scultore toscano ha un'aria da ragazzo pensoso che con ogni probabilità gli resterà attaccata tutta la vita, ma nel fondo degli occhi conserva qualcosa di monellesco. Benché abbia a lungo vissuto a Volterra, madre dell'alabastro, scolpisce il legno, anzi per la precisione usa il legno per dare vita a personaggi di favole senza tempo. La figura che ricorre più di frequente nella produzione dell'ultimo periodo è quella di Pinocchio. Il giocattolo più famoso del mondo torna nei lavori di Ciampini nella versione di burattino-bambino alle prese con le regole degli adulti che lui non capisce e non vuole accettare. Perciò Pinocchio incarna la libertà della natura contro le coercizioni del mondo dei grandi. Ma non va dimenticato che la creatura inventata da Collodi è duplice. Come in tutte le narrazioni a sfondo morale il ragazzo di legno incarna un lato positivo, quello della fantasia e dei buoni propositi; e uno negativo, quello della spavalderia e della menzogna. Aspetti che Ciampini ha analizzato registrandoli in una serie di opere che di volta in volta rappresentano un dato del carattere, a partire dal Pinocchio del 2005, passando alla Prima bugia del 2007, fino al Monello del 2009. In Coscienza dell'Io, presente a OPEN 12, l'artista indaga un nuovo elemento, il tema della volontà, che può diventare cocciutaggine, all'interno della assoluta libertà di cui si nutre la fanciullezza. Alle prese con la scoperta del mondo esteriore Pinocchio, quando il Grillo Parlante gli intima di studiare e dedicarsi alle cose serie, risponde, "... mi diverto di più a correre dietro alle farfalle e a salire su per gli alberi a prendere gli uccellini di nido..." (da: Le avventure di Pinocchio, Collodi, 1881). Nella scultura realizzata per OPEN 12 il burattino non ha gambe per arrampicarsi sugli alberi, i piedi sono da sbozzare perché il padre-falegname non ha ancora deciso di permettergli pieno movimento. Ma le braccia si spalancano nell'aria per afferrare qualunque cosa capiti a tiro. Questo lavoro rappresenta l'uomo allo stato embrionale, con la speranza della conquista intatta, fermo in attesa di poter iniziare a camminare con le proprie gambe. Quando questo accadrà la scelta diventerà immediata e imprescindibile, c'è una direzione da prendere e bisogna decidere cosa fare di se stessi. Ma una volta intrapreso il cammino non si potrà tornare indietro. Il gigantesco albero di ulivo nel quale Ciampini ha scolpito questo passaggio da crisalide a insetto che caratterizza in metafora qualunque essere vivente, gli era stato promesso tempo fa da un amico che aveva dovuto abbatterlo. Per mesi e mesi è rimasto ad asciugare, coricato, al limite del bosco dov'era cresciuto. Poi, come in ogni fiaba degna del nome, è rinato con addosso un'altra storia.

74

If there is an artist, whose look corresponds to the works produced by his hands, that is Andrea Ciampini. The Tuscan sculptor has the appearance of a thoughtful boy, which will probably stick with him for ever, but in the depth of his eyes he still has a mischievous air. Even though he has been living in Volterra, the homeland of alabaster, for a long time, he carves wood, and more precisely he uses wood to give create timeless fairytale characters. The figure most frequently encountered in his recent production is Pinocchio. In Ciampini’s works of art the world’s most famous toy comes back as a puppet-child struggling with the rules of adults, which he does not understand and does not want to accept.

Therefore Pinocchio embodies the freedom of nature against the coercions of the adult world. But we cannot forget that the creature invented by Collodi is double-sided.

As in all stories with a moral background, the wooden boy has a positive side, which consists of imagination and good intentions, and a negative side, which consists of arrogance and lying.

These are all aspects which Ciampini has analysed and included in a number of works of art, each showing a different side of Pinocchio’s nature, starting from Pinocchio (2005), to Prima bugia (2007), up to Monello (2009). In Coscienza dell'Io, which is exhibited at OPEN 12, the artist investigates a new element: the theme of will, which may turn to stubbornness, within the absolute freedom that childhood thrives on. Struggling with the discovery of the external world, when the Talking Cricket orders Pinocchio to study and take up serious things, he answers, “...It’s much more fun, I think, to chase after butterflies, climb trees, and steal birds’ nests...”. (from: Le avventure di Pinocchio, Collodi, 1881).

In the sculpture created for OPEN 12 the puppet has got no legs to climb trees, and his feet still need to be rough-hewn, because his carpenter-father has not yet decided to allow him to move at will. Yet his arms are wide-open in the air to catch everything within reach. This work symbolizes man in his embryonic state, with an intact hope of discovery, waiting motionless until he can begin to walk with his own legs. When this happens, the choice will be immediate and inevitable. A direction must be followed. A decision about what to do with oneself must be taken. And after setting out, it will not be possible to turn back. This huge olive tree, out of which Ciampini has carved this change from chrysalis into insect, which is a metaphor suitable for any living being, was promised him some time ago by a friend who had to fell it. It was left to dry on the edge of the wood where it grew for many months. Then, as in every respectable fairy tale, it came back to life clothed in another story.

curator / text by Anna Caterina Bellati supported by

BELLATI E D I T O R E

75

GIROLAmO cIuLLA Italia Italy

Stele con tempio 2005 granito rosso red granite 340 x 40 x 50 cm a sinistra on the left: dettaglio detail photo credit: Fabio Sciortino

“Qualunque cosa si generi in Sicilia, siano i prodotti della terra o il frutto dell'ingegno umano, è assai vicino a ciò che potremmo chiamare perfetto”. Questo scriveva un grammatico romano dell'età imperiale ribadendo lo stupore che l'isola destava per la bontà del clima, la bellezza dei suoi paesaggi e la maestosità dei suoi monumenti. Di questa terra benedetta dagli dei Omero, basandosi sui racconti favolosi dei primi naviganti che si erano avventurati verso Occidente, scriveva, "Ma senza seme e senza fatica ogni cosa germoglia, il grano e l'orzo e le viti, le quali portano, dai pingui grappoli, il vino e la pioggia di Zeus le fa crescere”. (Odissea, libro IX, vv.109-111).

Girolamo Ciulla, scultore, è nato in Sicilia e il suo lavoro riecheggia in profondità l'amore per i luoghi e la passione per un'architettura che affonda le sue radici ai tempi della Magna Grecia. Uno dei motivi ricorrenti nelle opere di Ciulla è il tempio di Agrigento. La colonia fondata dagli abitanti di Gela verso il 580 a.C. a pochi chilometri dal mare, era organizzata su due alture fiancheggiate da corsi d'acqua, il torrente Akràgas, da cui il nome di Agrigento e l'Hypsas. La grande cinta muraria che la conteneva partiva dalle colline, di cui una era chiamata rupe Atenea e arrivava fino alla valle dove sorgevano i templi. L'eccezionalità dell'insieme stupiva già gli antichi che sulla città di Agrigento inventavano storie circa un'opulenza mai vista. Ricchezza che in realtà derivava dal commercio delle olive e del vino con la città di Cartagine. E i nove templi, di cui otto edificati in una manciata d'anni tra il 480 e il 406 a.C., dicono proprio quanto Agrigento fosse prospera.

Il tempio rappresenta una delle idee più folgoranti dell'architettura sacra. A cominciare dai suoi componenti, il basamento orizzontale, i muri, le colonne, la trabeazione, il tetto e il frontone, questa costruzione si inserisce in un paesaggio quasi fosse una grande scultura. Lo spazio interno rivestiva, a differenza di altri luoghi di culto, un ruolo di secondaria importanza. Nell'antichità il tempio era un posto quasi proibito alle persone comuni. Essendo la casa della divinità, i fedeli rimanevano all'esterno e la comunità si raccoglieva per il sacrificio intorno all'altare collocato al di fuori del recinto sacro. I santuari più grandi sorgevano di solito in un'area extraurbana, spesso erano circondati da boschi e se possibile eretti in modo da guardare il Mediterraneo. Ciulla riproduce in scala con le pietre più pregiate il maestoso Tempio della Concordia, uno degli esempi più riusciti dell'ordine dorico. L'originale ha sei colonne sulla fronte e dodici sui lati lunghi, e la rivisitazione dell'artista siciliano restituisce intero il senso di magica sacralità.

Ciulla rispetta ogni elemento, l'architrave poggiata sul peristilio, la fascia con i fregi, i quattro scalini dell'entrata. Il risultato è un pag. 157 tempio in miniatura che mantiene la propria maestà.

76

"Whatever is produced in Sicily, from farm produce to the fruits of human creative capacity, is very close to what we could call perfect”. This is what a Roman grammarian of the imperial age wrote, thus confirming the wonder the island aroused in visitors because of the excellent weather, the beauty of the landscape and the grandeur of its monuments. About this land blessed by the Gods, Homer, basing his remarks on the tales told by the first sailors who had ventured west, wrote, "All these things spring for them in plenty, unsown and untilled, wheat, and barley, and vines, which bear great clusters of the juice of the grape, and the rain of Zeus gives them increase”. (Odyssey, book IX, verses 109-111).

Girolamo Ciulla, a sculptor, was born in Sicily, and his work deeply echoes his love for the places and his passion for an architecture which sinks its roots in the age of the ancient Greek settlements in Southern Italy. One of the most repeated motives in Ciulla’s works of art is the temple in Agrigento. The colony founded by the inhabitants of Gela approx. in 580 B.C. a few kilometres from the sea was set on two rises which bordered two watercourses, the Akràgas stream, after which the town of Agrigento is named, and the Hypsas. The long walls which surrounded the town began at the hills, one of which was called Atenea rock, and extended down to the valley where the temples stood. The exceptional nature of the complex already amazed the ancients, who invented stories about the town of Agrigento which told of a rare opulence.

A wealth which actually came from the olives and wine trade with the town of Carthage. And the nine temples, eight of which were built in few years between 480 and 406 B.C., just tell how prosperous Agrigento was. The temple is one of the most striking ideas of sacred architecture. Starting from its components, the horizontal base, the walls, the columns, the trabeation, the roof and the pediment, this building becomes part of a landscape as if it were a huge sculpture. Unlike other places of worship, here the inner room had a secondary role. In ancient times the temple was a place which was nearly forbidden to common people. Since it was the divinity’s home, the congregation stayed outside and the community gathered for the sacrifice around the altar outside the sacred enclosure. The largest shrines usually rose in an area outside the town. They were often surrounded by forests and, if possible, they were built so as to face the Mediterranean Sea. Using the finest stones, Ciulla reproduces in scale the Tempio della Concordia, one of the most successful examples of the Doric order. The original has six columns on the front side and twelve columns on the long sides, and the revisiting by the Sicilian artist p. 157 restores the whole sense of magic sacredness.

curator / text by Anna Caterina Bellati supported by

BELLATI E D I T O R E

77

mARcO cORNINI Italia Italy

Sguardi oltre (Grande busto di donna) 2009 terrecotte terracottas 220 x 115 x 100 cm pagine seguenti following pages dettaglio detail photo credit: Ivo Balderi

Una fanciulla con i seni gonfi, la mano sinistra appoggiata sul ventre, lo sguardo rivolto al domani. Al Lido arriva la scultura monumentale di Marco Cornini, una delle sue feminae contemporanee con tanto di mascara sulle ciglia e rouge à lèvres.

Gli ho lanciato la sfida qualche mese fa, mentre girellavo nel suo studio ingombro di pezzi ultimati, bronzi, ma soprattutto terrecotte ormai storicizzate da tante mostre. Per partecipare a OPEN 12 ci voleva un’opera di grandi dimensioni, qualcosa che riassumesse la sua poetica incentrata sull’eterno femminino. Questo enorme busto di donna perfetto nelle proporzioni e costruito rispettando le regole della grande scultura classica, mutua dal passato l’idea della bellezza e il tema sacro della maternità. La prima dea Mater della storia risale al Neolitico, se si considerano le numerose Veneri ritrovate in tutta Europa. Nei secoli, con le migrazioni dei popoli e lo sviluppo di diverse culture, i ruoli della Mater si miniaturizzarono in diverse divinità femminili. Di qui Gea assumerà personificazioni distinte, per esempio, per sovrintendere all’amore sensuale (Ishtar-Astarte-Afrodite pandemia-Venere), alla fertilità delle donne (Ecate triforme, come tre sono le fasi della vita), alla fertilità dei campi (Persefone/Proserpina), alla caccia (Artemide/Diana). Ma da dove viene questa figura protettrice?

Nella Teogonia Esiodo spiega come dopo il Caos, venne a regnare Gaia degli ampi seni, progenitrice degli dei dell’Olimpo. Da sola e senza congiungersi con nessuno generò Urano (il cielo stellato), Ponto (le sterili profondità del mare) e le montagne. In seguito, si unì ad Urano dando alla luce Oceano, Ceo, Crio e i Titani. Dopo di loro nacque Crono (il tempo), il più furbo e terribile dei suoi figli, che prese a odiare il suo potente padre spezzandone il potere.

Ma Crono, divenuto il più grande degli dei, cominciò a nutrire il timore di essere spodestato dai propri figli, così prese a divorarli appena partoriti dalla moglie Rea. La donna, disperata, si rivolse dunque a Gea nel tentativo di salvare la sua ultima creatura, Zeus.

Con lui prende forma la prima religione panteista organizzata in una rigida gerarchia. Gea, la Madre di tutti i viventi resisterà solo nei poemi epici e nelle leggende, ma il suo segreto onnipotente, la capacità di trasmettere la vita, è giunto intatto sino a noi. Dalla Dea dei serpenti realizzata a Creta all’inizio del secondo millennio a.C., alle statuette sarde recuperate vicino a Cagliari in Sardegna, collocabili nel Neolitico recente; dall’arte fittile degli antichi greci, ai mosaici bizantini; dalle statue dedicate a Venere durante l’epoca classica, fino alle Madonne di tutta la pittura cristiana, la dea Madre ha mantenuto la sua forza protettrice capace di controllare gli eccessi del genere umano. E Cornini ne colloca una contemporanea al Lido, di fronte al mare, con quegli occhi distanti che come recita il titolo sono capaci di guardare oltre.

78

A young girl with swollen breasts, her left hand on the stomach, her eyes turned towards tomorrow. Marco Cornini’s monumental sculpture arrives at Lido. It is one of his contemporary feminae, even with mascara on her eyelashes and rouge à lèvres. I challenged him some months ago while looking round his studio cluttered with finished pieces – bronzes, but mainly terracottas, which are by now consigned to history, having been presented at so many exhibitions. To take part in OPEN 12 he needed a large-sized work of art, something which could sum up his poetics concentrated on the eternal feminine. This huge bust of a woman, with perfect proportions and built according to the rules of great classical sculpture, borrows the idea of beauty and the sacred theme of motherhood from the past. The first dea Mater in history dates back to the Neolithic Age, if you consider the many Venuses found all over Europe. During the centuries, with the migrations of people and the development of different cultures, the Mater’s roles miniaturized into various female deities. So Gaia took on distinct personifications, for example, to oversee sensual love (Ishtar-Astarte-Aphrodite Pandemos-Venus), fertility of women (Triple Hecate, like the three stages of life), fertility of the land (Persephone/Proserpine), hunting (Artemis/Diana).

But where does this protective figure come from? In the Theogony Hesiod explains how broad-breasted Gaia, the protectress of the gods of Olympus, reigned after Chaos. She brought forth Uranus (the starry sky), Pontus (the fruitless depths of the sea) and the mountains by herself, without sweet union of love. Then she lay with Uranus and bore Oceanus, Coeus, Crius and the Titans. After them Cronus (time), the wiliest and most terrible of her children, was born.

He hated his powerful father and overthrew him. But Cronus, who became meanwhile the most powerful god, began to fear he could be overthrown by his own sons and so he devoured them as soon as his wife Rhea bore them. The desperate woman turned to Gaia to try to save her last child, Zeus. With him the first pantheistic religion, organized in a rigorous hierarchy, took shape. Gaia, the Mother of all living beings, would survive only in epic poems and legends, but her almighty secret, the ability to give birth, has come down to us intact. From the Snake Goddess created in Crete at the beginning of the second millennium B.C., to the Sardinian figurines which were found near Cagliari, in Sardinia, and may date back to the recent Neolithic Age; from the clay works of art of ancient Greek, to Byzantine mosaics; from the Venus statues of the classical age, up to the Madonnas of all Christian painting, the Mother Goddess has kept her protective strength which is able to control the excesses of the human race. And Cornini places a contemporary one at Lido, in front of the sea, with those distant eyes which, as stated in the title, can look beyond.

curator / text by Anna Caterina Bellati supported by

BELLATI E D I T O R E

79

80

81

mARGhERITA mIchELAZZO Italia Italy

Le lune di Galileo 2009 struttura ad arco, dischi in cor-ten, acciaio, giunti mobili, ossidazioni arched structure, cor-ten disc plates, steel, knuckle joints, oxidization 200 x 1000 x 100 cm (dettaglio detail) a sinistra on the left veduta dell'installazione view of the installation photo credit:

... paradosso di 4 archi uniti alle estremità e leggermente rotanti, pensiero divergente... raggi di telescopio a rifrazione per le orbite delle Lune di Giove... eccentricità ed inclinazione dei piani... struttura fissa portante ma elastica, in tensione, movimentata da sovrapposizione di segmenti di arco a significare la relatività dei moti sidereo e sinodico, del disegno dell’universo e forse delle nostre prospettive. Caos o armonia, risposta agli umori variabili del vento... attesa di suoni... gioco di luci ed ombre su dimensioni apparenti. Colore che affiora dal cor-ten come regolite lunare.

Librazioni di una stessa faccia tra Terra e Sole, lungo l’epicicloide che rimane fedele alla concavità verso la luce. 38 dischi, le fasi della Luna per nascere.

... 4 arc paradox, joined at the ends and rotating slightly, diverging thought... telescopic rays refracting due to the orbits of the Moons of Jupiter... eccentricity and inclination of the planes... fixed but flexible carrying structure, under strain, moved by the overlapping of arc segments signifying the relativity of sidereal and synodic motions, of universe design and perhaps our perspectives. Chaos or harmony, a response to the changeable moods of the wind... a wait for sounds...a play of light and shadow on outward dimensions.

Colour which emerges from the cor-ten like lunar regolith.

Libration of the same face between the Earth and the Sun, along the epicycloid which remains faithful to the concavity towards light.

38 discs, the phases of the Moon to be born.

Margherita Michelazzo

Margherita Michelazzo

La Luna va oltre, lambisce il mito, supera i limiti imposti e insegue l’infinito della creatività; luce, fonte che ammalia e che da sempre tiene salde le redini della fantasia umana.

Senza fine sono i nomi di coloro che si sono lasciati avvolgere ed incantare dal suo chiarore, abbandonati tra il dolce cullare e il libero sognare. Il potere evocativo del satellite terrestre ha illuminato anche la fantasia di Margherita Michelazzo che, attraverso le applicazioni e i disegni utilizzati da Galileo per i suoi studi sulla selenografia, giunge ad elaborare l’installazione: Le lune di Galileo. Lo scienziato toscano quindi oltre ad averci spalancato gli occhi e la mente con le sue scoperte ed intuizioni, tramite i disegni dimostra di essere un provetto illustratore e pittore.

Il lavoro di Margherita Michelazzo parte dallo studio del Sidereus Nuncius di Galileo e dalle prime raffigurazioni realistiche della Luna della Storia, per poi creare un’opera ambientale composta da quattro archi di eguali dimensioni, ad anamnesi delle quattro Lune di Giove scoperte da Galileo e da trentotto dischi in corten, residui di lavorazioni industriali, martellati ed ossidati naturalmente e non, per conquistare una superficie scabra ed ineguale. I dischi lunari sono trentotto come le settimane, le Lune necessarie all’uomo per immergersi nella vita e trasformarsi in crescita esistenziale.

Astro dei ritmi vitali, per il suo ritorno alle armonie iniziali, la Luna è simbolo del tempo che scorre, come la ruggine che avanza e come il movimento e il suono, che i tondi metallici raccontano. Un eterno oscillare tra soffio primordiale e fine perenne, che investe la Luna, grazie alle sue fasi successive e regolari, simultaneamente come simbolo del reale e del sogno.

The Moon goes forward, laps the myth, overcomes the limits imposed and pursues the infinite of creativity; light, it is charming source that holds the stead reins of human imagination since ever.

With no end is the list of the names of people wrapped and enchanted by its light, carried away by a sweet cradle and free to dream. The evocative power of the earth satellite has illuminated the imagination of Margherita Michelazzo who analysing the works and drawings elaborated by Galileo during his studies on the selenography, comes to create the installation: Le lune di Galileo. The Tuscan scientist, who has opened our eyes and minds wide with his discoveries and intuitions, shows us a great ability as illustrator and painter with his drawings.

The work of Margherita Michelazzo finds its roots in the study of the Sidereus Nuncius and in the first realistic representations of the Moon of the History, then it grows becoming an environmental installation composed by four arches of same dimensions (as anamnesis of the four Moons of Jupiter discovered by Galileo) and by thirty-eight discs in cor-ten (found in some industrial waste), hammered and both naturally and artificially oxidised in order to get rugged and uneven surfaces. The moon discs are thirty-eight like the weeks, like the Moons the man must go through before he can deep in life and transform himself in an existential growth.

Star of vital rhythms, for its return to the original harmonies, the Moon is symbol of the flying time, like the rust going on, like the movement and the sound, narrated by the metallic tondi. An eternal swing between primordial whiff and perpetual end, that run over the Moon, thanks to its following and regular phases, simultaneously as symbol of the real and of the dream.

82

curator / text by Alberto Mattia Martini supported by

acknowledgements

edilizia stradale - impianti carburanti DUEVILLE –VI- tel. 0444 360362 e-mail info@costruzionibasso.it

83

ERcOLE PIGNATELLI Italia Italy

Arca 2009 materiali naturali natural materials h. 300 cm, dimensioni variabili h. 300 cm, variable dimensions a sinistra on the left: dettaglio detail photo credit: Daniele Franzi by KUBO

Quando aveva diciannove anni e Raffaele Carrieri lo aveva soprannominato ragazzo-rondine, dipingeva grandi tazze, lampade, bucrani, tovaglie caravaggesche, sedie, cardi spinosi, frutti profumati del sud. I maestri erano Guttuso, Pignon e Fourgeron. Più in là avrebbe recuperato la costruzione spaziale del cubismo e ne sarebbero venute Nature morte dall'impaginazione sicura e graffiata a carbone.

Negli anni Cinquanta arrivano nella sua pittura donne carnose dalla sensualità segreta. La composizione diventa plastica, giocando alla ricerca di una tridimensionalità quasi scultorea. Nei lavori di questo periodo entra qualcosa di barocco e mielato, l'odore di una terra affacciata sullo Ionio. La natura è prepotente, protagonista assoluta.

Le luci, i colori, persino l'odore dei dipinti di Pignatelli raccontano di mare, sale, tavole imbandite, amori dissipati, notti stellate. Negli anni Settanta cominciano i paesaggi-presepe, la Puglia respira nelle notti estive dopo la calura avvampante del giorno. Talvolta le sue costruzioni tra l'onirico e il fiabesco ricordano qualcosa di De Chirico, ma mantengono l'impostazione rigorosa picassiana degli esordi. Alla fine di questo decennio rigoglioso spuntano ogni tanto degli animali, perlopiú nelle Siccità trapassate da serpenti che resteranno per sempre nella simbologia dell'artista di Lecce, sia nella pittura che nelle rare sculture. E proprio una scultura arriva a OPEN 12. Una delle sue bestie fabbricate con materiali di riciclo, presenza fuori dall'ordinario che riassume il senso dell'abitare la terra. Queste meraviglie d'intelligenza nascono per gioco. Pignatelli pensa sempre al suo lavoro, mentre mangia, mentre parla, mentre guarda un paesaggio, mentre fotografa; quando si arrabbia, quando risponde spazientito al telefono, quando impaziente cerca qualcuno per telefono. Con l'energia e l'arroganza di un ragazzo, con lo stupore e la vigliacca libertà di un ragazzo. Così, mentre il giardiniere della casa al mare ammonticchiava fronde morte di palma che il troppo sole dell'estate aveva disseccato, lui dice, "non buttarle via. Possono servire". Sono servite a dare vita a questo animale primitivo che grufola accanto a una colonna-albero sulla cui sommità un rapace da cartone animato ha fatto il nido. Il volatile è un po' confuso perché la paglia con cui ha costruito la propria casa è vecchio filo di ferro avvoltolato, a mettere insieme una parrucca incredibile tra il metalmeccanico e l'arte povera che richiama il periodo dei Basamenti-Oasi. La fantasia di Pignatelli è inesauribile e alla sua macchina che contiene la scrittura del genoma universale ha aggiunto persiane dismesse prese chissà dove. Inglobate nel resto della costruzione si sono trasformate in una impalcatura rigida con fessure aperte sull'interno. Se si spia dentro l'opera si vedrà che il ferro del nido è sceso fin lì. Nel ventre della scultura si attorciglia il futuro della terra. Arca.

84

When he was nineteen years old, and Raffaele Carrieri had nicknamed him swallow-boy, he painted large cups, lamps, bucrania, tablecloths inspired by Caravaggio, chairs, thorny thistles, southern sweetsmelling fruits. His masters were Guttuso, Pignon and Fourgeron.

Later he recovered the Cubist space construction to create skilfully constructed Still-lifes which he completed by charcoaling and scratching them. In the fifties he began to portray fleshy women with a secret sensuality. The composition becomes plastic and plays by seeking a nearly sculptural three-dimensionality. His works of this period are penetrated by something baroque and mellifluous, by the smell of a land facing the Ionian Sea. Nature is overbearing, and plays a self-evident leading role. The lights, the colours and even the smell of Pignatelli’s paintings tell of the sea, sumptuously laid tables, frivolous loves, starry nights. In the Seventies it was the turn of the nativity landscapes. Apulia breathes in the summer nights after the daily glowing heat. Sometimes his oneiric, fairy- tale constructions somehow remind us of De Chirico, but they keep the rigorous Picassian setting of the beginning. At the end of this exuberant decade some animals appear every now and then, mainly in the Dry lands crossed by snakes, which will remain in the artist’s symbology for ever, both in the paintings and in the rare sculptures.

And one of these sculptures has arrived at OPEN 12: a beast which the artist from Lecce manufactures with recyclable materials. An extraordinary presence, which sums up the sense of living on the earth. These wonders of intelligence were born for fun. Pignatelli is always thinking of his work. While he is eating, while he is talking, while he is staring at a landscape, while he is taking photos. When he gets angry, when he answers the phone brusquely, when he impatiently looks for someone by phone. With the energy and the arrogance of a boy. With the amazement and the cowardly freedom of a boy. So, while the gardener was sweeping up dead palm leaves dried by the burning sun in his house at the seaside, he said, “Do not throw them away. They might be useful”. They were used to create this primitive animal poking about at the foot of a column-tree, on top of which a cartoon-like bird of prey has built its nest. The bird is a little confused, because the straw used to build its house is an old hank of wire which forms an incredible wig halfway between engineering and Arte Povera, recalling the period of the BasementsOases. Pignatelli’s imagination is inexhaustible. To its machine, which contains the writing of the universal genoma, he added dismantled shutters – goodness only knows where he got them from. Included in the rest of the construction, they formed a stiff framework with cracks on the inside. By peeping inside the work you can see that the nest wire has come all the way down. In the bowels of the sculpture there is the entangled future of the earth. Arca.

curator / text by Anna Caterina Bellati acknowledgements Daniele Franzi by KUBO

85

86

87

uGO RIVA Italia Italy

Come imperturbabili dei 2000 - 2006 bronzo, ferro bronze, iron 240 x 186 x 90 cm a sinistra on the left: dettaglio detail photo credit: Caleidostudio - Bergamo

La scultura è una delle forme più arcaiche dell'espressione artistica. Quando non sapevano nulla di come l'universo funzioni e guardando verso l'alto non s'interrogavano su eventuali vite al di là del sistema solare, gli uomini avevano comunque ben chiaro il senso e il significato di determinate parole. Il cielo era il luogo degli dei, la terra il luogo degli esseri viventi che la abitano in forme diverse. La ricerca di Ugo Riva è cominciata, anni fa, da questo limite sospeso tra ciò che è immortale e ciò che non lo è.

Partito da un'indagine solenne e calligrafica sul mondo epico degli eroi consolidati dalla cultura mediterranea, ha rivisitato le figure della classicità più care all'immaginario, come la coppia di Ettore e Andromaca, scavando fino all'osso la storia dei primi abitatori della Grecia e dell'Asia Minore, per arrivare all'idea primigenia di una scultura che è insieme presenza e simulacro, forza e ripetizione di leggende e racconti depositati nella memoria. Siamo figli di un destino antico che si è sviluppato nel corso di molti millenni intorno alla pozza del Mare Nostrum. Riva attinge a ogni poema, a ogni elegia, a ogni narrazione accreditata dagli studiosi che hanno scritto quel che è avvenuto fin dal tempo degli Assiri, all'epoca in cui i primi artifex fabbricavano rudimentali divinità femminili in pietra, simbolo di fecondità. Il viaggio di Riva nella scultura lo ha condotto a rileggere in filigrana i temi fondamentali dell'esistenza, la vita, la morte, l'amore, la pace, la guerra, l'amicizia, la famiglia.

Senza retorica l'artista bergamasco ha accompagnato le sue figure in terracotta o bronzo da un passato lontanissimo appena fuori le mura di Troia al tempo presente. Oggi le fanciulle che escono dalle sue mani sapienti hanno grazia e atteggiamento del tutto contemporanei, ma conservano la raffinatezza e l'eleganza irripetibile delle prime divinità. L'opera imponente che Riva presenta a OPEN 12, Come imperturbabili dei, rappresenta bene la contaminazione di epoche diverse e insieme la continuità di matrici tecnico-formali che hanno caratterizzato la statuaria da Fidia e Prassitele in poi. I due personaggi seduti, entrambi acefali benché uno conservi la parte inferiore del viso, posseggono la calma serafica di Giove e Giunone. La loro postura è quella di chi dalla propria posizione può guardare, giudicare, sentenziare. Ma si tratta di imperturbabili dei. Chi sono dunque? Sono due immagini fuori dal tempo la cui forza deriva dalla bellezza e perfezione delle proporzioni, dalla raffinata conduzione dei drappeggi, dalla fierezza delle schiene diritte. Eppure, nonostante la dimestichezza pag. 157 con il divino restano imperturbabili, cioè distanti.

88

Sculpture is one of the most archaic forms of artistic expression.

When men still did not know anything about the rules of the universe and, on looking upwards, they did not wonder whether other forms of life existed beyond the solar system, nevertheless they had clear ideas about the sense and the meaning of certain words. Heaven was the home of the gods. Earth was the home of living creatures. Living creatures inhabited it in different forms. Ugo Riva’s research began some years ago from this limit suspended between what is immortal and what is not Starting from a solemn, meticulous investigation into the epic world of the heroes established by Mediterranean culture, he revisited the figures of classical antiquity which were among the dearest to the collective imagination, such as the couple Hector and Andromache, by digging deeply into the history of the first inhabitants of Greece and Asia Minor until he finally came to the primigenial idea of a sculpture which is a presence and a ghost at the same time, strength and repetition of legends and tales which are stored in the memory. We are sons of an ancient destiny which developed during many millennia around the pool of the Mare Nostrum.

Riva draws on each poem, each elegy, each narrative made credible by the scholars who wrote what had happened since the Assyrian age, when the first artifex created rudimentary stone female divinities which symbolized fertility. Riva’s journey through sculpture led him to read over the main aspects of our existence – life, death, love, peace, war, friendship, family. Without any rhetoric, the artist from Bergamo has accompanied his terracotta or bronze sculptures from a very distant past just outside the walls of Troy up to present time. Today the young girls produced by his skilful hands have absolutely contemporary gracefulness and manners, but maintain the unique refinement and elegance of the first divinities. The imposing work of art which Riva exhibits at OPEN 12, Come imperturbabili dei, is a good representation of the contamination of different ages as well as of the continuity of formal technical matrices which had characterized statuary from Phidias and Praxiteles onwards. The two seated characters, both headless, even though one still has the lower part of her face, have the seraphic calm which is typical of Jupiter and Juno. Their posture is the posture adopted by persons who, from their position, can look, judge, decide. But they are imperturbable Gods. Who are they then? They are two images beyond time, whose strength comes from their beauty and perfection of proportions, from the refined arrangement of the draping, from the haughtiness of their straight backs. Yet, despite the familiarity with the Divine, they p. 157 remain imperturbable, distant.

curator / text by Anna Caterina Bellati

89

FEDERIcA SILVI Italia Italy

Bozzoli 2009 filo di ferro usato second-hand wire dimensioni varie variable dimensions a sinistra on the left: dettaglio detail

Il mio lavoro interroga l’energia racchiusa nella materia, un’energia che non si risolve interamente nella materia stessa, ma è legata alla memoria di un trascorso.

La ricerca del materiale costituisce un aspetto fondamentale del processo di creazione artistica. Nel caso dei bozzoli si tratta di filo di ferro, proveniente da vigne dismesse e balle di fieno usate. È un materiale che serba la memoria di un luogo, di attività ripetitive e metodiche, di una millenaria, lenta laboriosità. Mentre il lavoro dell’intrecciare il filo, già nella fase di realizzazione dell’opera, evoca e narra la storia del materiale.

Come un condensatore di energia, l’opera richiama nella sua trama la complessità del passato, che rimane custodita nella sua forma di bozzolo, incubatrice e promessa di vita.

La fessura testimonia una positiva apertura al futuro, uno spiraglio di ottimismo. È un invito a servirsi della forza di una memoria che non rimanga intrappolata nell’intrigo dei fili, ma possa fuoriuscirne, ed essere rimessa in gioco come un’eccentrica eccedenza generatrice di senso.

90

My work questions the energy contained within the material, an energy that is not limited entirely therein, but that is intrinsically connected to memories of its own past.

The search for the material itself is a fundamental aspect of the process of artistic creation. In the case of the bozzoli (cocoons) this is represented by iron wire from discarded vineyards and used bales of hay. It contains the memories of a setting, and also of a methodical and repetitive activity, of an ancient, laborious craft.

The work of weaving the wire, right from the moment of creating the work of art, calls to mind the history of the material.

As a condenser of energy the work of art recalls in its plot the complexity of its past that is preserved in the shape of a cocoon, incubator and promise of life. The slot is a sign of a positive opening towards the future, an optimistic opportunity. It is an invitation to use the force of a memory so that it does not stay trapped within the maze of the wires, but can be released and be put into play as an eccentric redundancy that generates meanings.

curator / text by the artist

91

hEINZ AESchLImANN Svizzera Switzerland

Twinn 4 2007 acciaio inossidabile, sabbiato, saldato, fissato su una lastra d'acciaio high-grade steel, sandblasted, welded, fixed on steelplate 200 x 320 x 180 cm a sinistra on the left: dettaglio detail photo credit: art-st-urban

Come ingegnere, ho un rapporto molto stretto con l’ambiente che vivo in uno stato di continua conflittualità e tensione tra resistenza ed armonia, natura, tecnologia e umanità. L’espressione artistica di queste componenti ed emozioni è la mia vera passione e la loro trasformazione in energia creativa è il mezzo con cui riesco a sfuggire al peso della vita quotidiana.

Heinz Aeschlimann

As an engineer, I communicate closely with the environment, observing the perpetual confrontation and tension between resistance and harmony, nature, technology and humanity. The artistic expression of these constant influences and emotions and their conversion into creative energy is my passion which allows me to escape from the pressures of day to day life.

Heinz Aeschlimann

Heinz Aeschlimann abbozza e realizza le proprie opere in tempi rapidissimi. L’esperienza concreta, l’azione e il fascino del materiale sono gli elementi ispiratori di ogni scultura da cui derivano anche la stessa molteplicità delle sue forme espressive e le sue sperimentazioni con i più svariati materiali, sempre al limite del possibile e alla ricerca di straordinarie armonie tra i materiali più diversi.

Le sue precedenti sculture di acciaio, frutto di una eccezionale simbiosi tra forma e profonda conoscenza dei materiali, si muovono all’interno di un vibrante rapporto estetico tra monumentalità e soluzioni giocose. Come un temporale futuristico, si pongono in contrasto fulminante con l’architettura della nostra corte.

Dal 1970 Heinz Aeschlimann ha creato una vasta gamma di produzioni a partire da piccoli oggetti fino a grosse sculture di svariate tonnellate di peso, ideali per l’arredo di parchi e collezioni. L’artista è stato ripetutamente ospite di mostre negli USA, in Europa e in Asia con il patrocinio di enti molto noti ed importanti.

Quale fondatore del centro artistico art-st-urban, museo e parco di sculture all’aperto, incoraggia intensamente i giovani artisti, e offre chance agli artisti internazionali e una speciale piattaforma per le mostre.

Attualmente Heinz Aeschlimann lavora a Zofingen e St. Urban e vive a Stansstad in Svizzera.

Heinz Aeschlimann designs and works with a breathtaking speed. A concrete experience where the process of creation and a fascination with the material are the catalyst which shapes a sculpture. His varied forms of expression are attributable to these factors, as is his experimentation with the most diverse materials, always testing the limits, and above all searching for a harmonious match between two different materials.

The steel sculptures, which are the result of a fortunate symbiosis of a zest for creation and a profound knowledge of materials, move in an aesthetic balancing act between monumentality and playful form disintegration; as futuristic storms of steel, they present a stunning contrast to the architecture of our inner courtyard.

Since 1970 Heinz Aeschlimann has created numerous steel sculptures, Gussasphalt sculptures, Sculptures in combinations of these materials, ranging in size from small to monumental. The latter weigh in at several tonnes and are snapped up by sculpture parks and collections. He has been invited by distinguished curators to participate in exhibitions in the USA, Europe and Asia.

As founder of the unique art centre art-st-urban, a museum and sculpture park with a very special concept and platform for international artists, he also invites and supports young artists for the art-st-urban artist in residence program.

He works in Switzerland, in the towns of Zofingen and St. Urban, and lives in Stansstad.

92

curator / text by art-st-urban - Gertrud Kohler Aeschlimann courtesy of art-st-urban supported by Modern Art Advising • Pavillon E • CH-4915 St. Urban • Lucerne • Switzerland artpavillon-st-urban • skulpturenpark-klosterareal-st-urban • modern-art-advising info@art-st-urban.com • www.art-st-urban.com

patronised by Ambasciata della Confederazione Svizzera

93

chRISTIAN bOLT Svizzera Switzerland

Visitor 2009 marmo statuario statuary marble 230 x 84 x 91 cm a sinistra on the left: dettaglio detail photo credit: Jakob Schmelz

Visitor, la scultura in marmo dell’artista Christian Bolt, si confronta con diversi aspetti della ricerca. Da un lato con la ricerca come visitatore di OPEN 12, dall’altro come ricercatore di se stesso e dell’altro. La suddivisione dei ruoli tra visitatore e visitato viene relativizzata. Tutti sono alla ricerca, per cui sia il visitatore, sia il visitato sono ricercatori. Visitor identifica la ricerca come il principale compito degli uomini. L’uomo, però, non trova nulla né in se stesso, né al di fuori. Trova qualcosa solo in chi gli sta di fronte.

Visitor, the marble sculpture by artist Christian Bolt, deals with various aspects of searching. On the one hand, with searching as done by visitors to the OPEN 12, on the other as searching for himself and others. The distribution of the roles between visitors and those visited is put into perspective. Everybody is searching, therefore both the visitors and those visited are searching. Visitor identifies searching as a basic human task. However, man neither discovers what he is looking for in himself nor by himself. He only finds what he is searching for in a counterpart.

curator art-st-urban - Gertrud Kohler – Aeschlimann text by the artist courtesy of www.boltradzik.com supported by Modern Art Advising • Pavillon E • CH-4915 St. Urban • Lucerne • Switzerland artpavillon-st-urban • skulpturenpark-klosterareal-st-urban • modern-art-advising info@art-st-urban.com • www.art-st-urban.com

Advokatur, Mattli & Hew, Davos Werbeagentur, Hochdrei GmbH, Davos Procamed, Elgg LRM Risikomanagement AG, Roggwil Foto Schmelz, Klosters Malerfachgeschäft Winzer, Klosters Swisscom, Bern Steintechnologie GmbH, Oberkirch Wilfried Keller, Zumikon Sonia Marmi, Carrara Bauunternehmen Vetsch, Klosters Kunstschlosserei Hobby, Klosters patronised by Regionalverband Pro Prättigau, Gemeinde Klosters Ambasciata della Confederazione Svizzera acknowledgements Silvretta Garage, Schiers Johannes Haltiner, Klosterser Zeitung

94

95

DANIEL GLASER / mAGDALENA KuNZ Svizzera Switzerland

Voices III 2008 tecnica mista, scultura cinematografica con 6 teste parlanti, audio: 6 Channel mixed media, cinematographic sculpture with 6 talking heads, sound: 6 Channel 95 x 400 x 400 cm a sinistra on the left: dettaglio detail

Voices III, creata nel 2008 durante la permanenza degli artisti a Cape Town è formata da sei figure, avvolte in coperte di lana nera che parlano tra loro della vita nei villaggi, formulando domande legate a questioni sociali e politiche del Sud Africa.

Daniel Glaser e Magdalena Kunz sono interessati al video statuario, inteso non come schermo piatto su cui si proiettano figure a più dimensioni, bensì come immagine in movimento che prende corpo e che diventa una sagoma parlante. I due artisti, proiettando volti umani su teste di alluminio, creano colloqui su questioni sociali e conversazioni poetiche tra le figure proposte che meccanicamente ripetono versi d’autore, mentre siedono in una macchina o stanno accovacciate per terra. I progetti dei due artisti svizzeri sono vere e proprie installazioni: sculture cinematografiche che sembrano figure umane e teste parlanti, create mediante l’uso di video proiezioni. Glaser e Kunz combinano scultura, video e proiezioni e sperimentano materiali diversi.

96

Voices III was created during an artist-in-residence stay of the artist duo in South Africa in 2008: six poets, wrapped in wool blankets, talk about life in the townships, formulating questions about the social and political situation in- South Africa.

Daniel Glaser and Magdalena Kunz have been working together in the fine arts since the beginning of the year 2000. Their projects are installations: cinematographic sculptures and Talking Heads, large-format photographic and kinematic pictures, drawings and objects in space. Cinematographic sculptures are created by means of video projections and resemble human figures (Talking Heads). Glaser/Kunz combine sculpture, video, projections and experiment with a variety of materials. The kinematic picture is a digital image projected onto a panel; it unfolds in time, changing imperceptibly. Viewers note the changes though the transition is elusive. Glaser/Kunz explore social and individual issues, in particular philosophical questions, social conditions, visions and dreams.

curator / text by Luigi Franchin, Viola Romoli courtesy of The Pool nYC Gagliardi Art System patronised by Ambasciata della Confederazione Svizzera

97

jORGE mISIum uruguay-uSA

disegno dell'installazione realizzata per OPEN 12 drawing for the site-specific installation realised for OPEN 12 Cima 2009 poster, lenzuola, gomma silicica, sale e dispositivi elettronici posters, sheets, silicon rubber, salt and electronics devices 500 x 1000 x 1000 cm a sinistra on the left: dettaglio detail

Jorge Misium descrive le sue opere come specchi, “terreni di gioco in cui i visitatori sono coinvolti come antagonisti”.

Il principale interesse di Jorge Misium è adattare materiali non convenzionali agli spazi. Le sue installazioni interattive spesso coinvolgono i visitatori in vari stati di rappresentazione e sperimentazione, in cui significato e scopo emergono dalla scoperta. Gli elementi che sceglie più frequentemente - cavi di acciaio, catene, cartone, cristalli di sale, gomma siliconica, rilevatori di movimento, suoni e luci - servono per creare complessi sistemi di connettività e comunicazione. Come modo per stabilire un’esperienza partecipativa, i visitatori dei suoi siti generalmente vedono la loro attività fisica riflessa in qualche modo nell’opera. I sensori possono indurre cambiamenti nell’ambiente e nei materiali a seguito del movimento o del suono prodotto dal visitatore. Le luci lampeggiano, varie immagini documentano il movimento e il coinvolgimento è registrato man mano che l’opera risponde a piccoli gesti naturali.

Nelle sculture e nelle installazioni di Misium, ai visitatori vengono fornite soltanto istruzioni molto scarne sul modo per accostarsi all’opera, che possono essere riportate su disegni appesi alle pareti, affidate alla tattilità delle superfici lavorate dell’artista o disposte del tutto casualmente. La scoperta e il riconoscimento scatenano una riflessione che porta alla rivelazione personale.

Così accade nel suo progetto realizzato all’inizio del 2009, Skunk Works, installazione con luci, suoni e sensori, in cui i visitatori sono risucchiati in una rete di linee e luci che sembrano documentare il loro viaggio attraverso l’ambiente. Le luci tremolano e lampeggiano in base ai suoni - sia dal vivo che preregistrati - e il movimento viene catturato e proiettato nello spazio al di sopra del soffitto, visibile soltanto attraverso aperture ottenute eliminando alcune tegole. In queste scoperte, spesso i visitatori si ritrovano a dover affrontare una serie complessa di emozioni e descrivono l’esperienza come sconvolgente, divertente o confortante. L’opera cessa di esistere non appena il viaggio è concluso. A Misium non interessa infatti il discorso della permanenza. Per lui l’arte è nella memoria dell’esperienza.

David Willburn è un artista e un blogger che vive e lavora a Fort Worth.

98

Jorge Misium refers to his works as mirrors, “playgrounds antagonizing visitors.”

Adapting unconventional materials to spaces is a principal interest of Jorge Misium. His interactive installations often engage visitors in various states of play and experimentation where meaning and purpose are found through discovery. The elements he often chooses - steel cable, chain, cardboard, salt crystals, silicone rubber, motion detectors, sound and light - are used to create complex systems of connectivity and communication. As a way of establishing a participatory experience, visitors to his sites often find their physical activity somehow reflected in the work. Sensors may cause changes to the environment and materials based on one’s movement or sound. Lights flash, images document movement, and engagement is recorded as the work responds to slight and obvious behaviors.

In Misium’s sculptures and installations visitors are given only minimal instructions for how they are to experience the work.

This may be found in related drawings posted on the wall, the tactility of the artist’s manufactured surfaces, or entirely by chance. Discovery and recognition trigger reflection which leads to personal revelation. This is true in his early 2009 project, Skunk Works, an installation involving light, sound, and sensors, where visitors find themselves drawn into a web of lines and lights that appear to document their journey through the environment. Lights flicker and flash based on sound - both live and prerecorded - and movement is captured and projected in the space above the ceiling, only visible through openings made by the removal of tiles. Upon making these discoveries, visitors often find themselves dealing with a complex array of emotions, describing the experience as unsettling, playful, or comforting.

The work ceases to exist once the journey is complete. Misium does not concern himself with the conversation of permanence.

The art is in the memory of experience.

David Willburn is an artist and blogger working and living in Fort Worth.

curator the artist text by David Willburn acknowledgements Fondazione Claudio Buziol

99

FuLVIA ZAmbON uSA

Peace 2009 olio su lino oil on linen 157,5 x 203,2 cm a sinistra on the left: dettaglio detail photo credit: Adam Reich

La storia di Fulvia Zambon con la pittura figurativa è vecchia di decenni. L'artista torinese che da tempo ha scelto gli USA come luogo di vita e d'arte, ha iniziato giovanissima a esprimere sentimenti e passioni attraverso il gesto della mano che dipinge e il supporto della tela che assorbe. A OPEN 12 porta una delle dolcissime deliranti Carrozzine che l'hanno resa famosa, dipinti collocati in alcune tra le più prestigiose collezioni del mondo.

Peace è una carrozzina con bandiera a stelle e strisce, simbolo del Paese dove Fulvia ha scelto di abitare, ma simbolo anche di una potenza che in maniera controversa lavora al servizio della pace nel mondo. Questa baby carriage è vuota, un lungo drappo nero, quasi senza fine, esce dall'interno dove dovrebbe trovarsi il corpicino del bimbo. Qualcosa di irreparabile è accaduto. La carrozzina è fuggita da sola, ha abbandonato la città ed è arrivata infine in una radura in un bosco d'autunno. I simboli dell'abbandono, della morte, della colpa, sono evidentissimi. Fra questi alberi cedui che raffigurano la temperanza e la saggezza, si trova una casupola che ricorda la casetta di un qualche boscaiolo delle fiabe, buono e gentile. Sul ceppo che abitualmente si usa per spaccare la legna è posata una tazza del latte. Una di quelle ciotole che da tempo memorabile in pittura rimandano all'idea dell'infanzia. La tazza rappresenta il cibo, dunque la possibilità di sopravvivere. Un altro elemento fondamentale mostra la sua discreta presenza, si tratta di un quadretto ovale appeso all'interno della baracca. Potrebbe essere un piccolo angelo, un genio dei boschi, o la trasfigurazione di un topolino che ha accompagnato la fantasia dell'artista quando, piccolissima, inventava delle storie su un topino che le stava accanto. Non c'è dubbio che il dipinto rimandi alla tragedia dell'11 settembre 2001, quando le torri gemelle furono squarciate da due boeing guidati da kamikaze arabi. "La percezione che si aveva", spiega Fulvia, "era che l'America fosse invincibile.

Quell'incursione ha lasciato tutti esterrefatti". La seconda Guerra del Golfo inzia il 20 marzo 2003, tutti sappiamo cosa ne è seguito.

Fulvia Zambon non si occupa di politica, i suoi quadri sono piuttosto delle storie reali che trasportano fatti quotidiani in un mondo di fiaba, tuttavia serissimo. "Ma", aggiunge, "in questi otto anni abbiamo visto qualche feretro coperto dalla bandiera, poche immagini trasmesse dalla televisione, perché accuratamente nascoste, i propri morti spaventano. Eppure abbiamo capito che le cose andavano storte". A OPEN 12 arriva un dipinto di grandi dimensioni che dice il pensiero di una pittrice di talento capace di interpretare den zeitgeist. La gente qualunque non ne può più delle guerre. Pace, per una volta, diventa una parola scevra da siginificati simbolici e retorici, vuol dire in modo semplice e diretto, Piantatela.

100

Fulvia Zambon’s figurative painting career began some ten years ago. The artist from Turin, who has chosen to live and work in the USA, started to express her feelings and passions through the gesture of the painting hand and the support of the absorbing canvas when she was very young. Her contribution to OPEN 12 is one of her sweet but horrifying Baby Carriages which have made her famous – paintings to be found in some of the most valuable collections in the world. Peace is a baby carriage with the Stars and Stripes, which is the symbol of the country Fulvia has chosen to live in, but also the symbol of a Power which is controversially engaged in many peace-keeping missions all over the world. This baby carriage is empty. A long, black, almost endless cloth hangs out, from the place where the baby’s little body should be lying.

Something irreparable has happened. The baby carriage ran away by itself. It abandoned the town and finally came to a clearing in an autumn wood. The symbols of abandonment, of death, of guilt are very clear. In this coppice, which stands for temperance and wisdom, there is a little house reminding us of a kind woodman’s fairy-tale cottage. A cup of milk was put down on the stump which is usually used to chop wood. This is one of those bowls which in so many paintings has always reminded us of our early childhood The cup is a symbol of food, and therefore of the possibility of survival.

But another important element makes its discreet presence felt: a little oval picture hanging inside the hut. Its subject could be a little angel, a spirit of the wood or the transfiguration of a little mouse which accompanied the artist’s fancies when she, as a child, invented stories about a mouse that accompanied her everywhere. The painting undoubtedly reminds us of the terrible events that happened in America on 11th September 2001, when two Boeings piloted by Arabian kamikazes crashed into the Twin Towers. “We all felt America was invincible”, Fulvia explains, “That attack left everybody flabbergasted”. The Second Gulf War began on 20th March 2003. Everybody knows what followed. Fulvia Zambon is not engaged in politics. Actually her pictures are real stories which transfer everyday happenings into a fairy-tale, but very serious world. “But”, she adds, “in these eight years we have seen just some coffins covered by the flag, few images on TV. The rest has been carefully hidden. We become frightened of our own dead. Yet we realized that things were going wrong”.

The work of art exhibited at OPEN 12 is a large picture which reveals the thinking of a talented painter who is able to give voice to den zeitgeist. Ordinary people cannot stand wars any longer.

Peace becomes for once a word free of symbolical and rhetorical meanings. It simply and straightforwardly means: Stop it.

curator / text by Anna Caterina Bellati supported by

BELLATI E D I T O R E

101

Isola di San Servolo San Servolo Island Accademia di belle Arti di bologna installazioni di giovani artisti installations by young artists curatori curators Anna caterina bellati massimo Pulini carlotta Scarpa presentato da presented by

in collaborazione con in collaboration with

ANGELAROSA bENEVENTO Italia Italy

Omogeneo 2008 stampo in colla siliconica silicone rubber mold 50 x 25 x 17 cm Ø 48 cm (cad. each) installazione: misure variabili installation: variable dimensions a sinistra on the left: dettaglio detail

Storicamente – e si potrebbe dire fin dalle origini – la scultura interagisce con l'architettura, dato che fonda la propria prima ragione nel suo essere dimorata nello spazio, spazio umano e vissuto in quanto costruito, e in quanto umana modifica dello spazio naturale. Solo un malinteso idealistico, derivato da un'ansia tassonomica che impone la separatezza delle arti, ha potuto consentire il prelievo delle metope dai templi e la loro esposizione, come perfettamente autonome, in musei archeologici il cui scopo è occultarne la verità architettonica. E ciò ugualmente vale per le statue che arricchivano gli ingressi delle cattedrali d'Occidente, sovente ammirabili in altri musei come trofei di caccia grossa dell'equivoco estetico moderno. Ma, nel suo connubio con l'architettura, la scultura non soffre affatto di subalternità: poiché tende invece essa stessa a decidere lo spazio: che aggredisce, svelandolo e rendendolo linguistico. Cosí ritengo perfettamente congruo e interessante che operazioni scultoree attuali (e non dico: installazioni, dato che installazioni non vuol dire molto piú di nulla) come quelle che ci propone Angelarosa Benevento muovano dall'idea che l'opera deve insistere sul suo rifiutarsi di essere oggetto, entità a sé stante e staccata dal mondo, per venire a proporsi piuttosto quale istanza di attivazione del rapporto tra soggetto (fruitore) e luogo (vissuto), aggiunta dialettica o invasione, capace dunque di instaurare la facoltà di una coscienza piena che allo spazio (preesistente) proponga la sfida di un gesto che lo rivitalizzi e lo renda diversamente percepibile. Facoltà che, nel caso specifico del lavoro presentato dalla giovane scultrice a San Servolo, si basa sulla scelta per cui le pareti, i soffitti, gli anfratti di un campanile antico sono investiti da un vero e proprio assalto di forme plastiche in colla siliconica: a simulare api, eserciti di insetti, proposti in una chiave (anche) metaforica che li assimila a membri di un'organizzazione sociale vagamente delirante. Una moltitudine i cui individui non hanno alcuna cupidigia di farsi stilisticamente apprezzare: e infatti sono prodotti pressoché in serie e senza alcuna pretesa di abilità manuale, nella certezza – che è a mio avviso segno di maturità dell'artista – che il valore dell'opera non potrà mai piú imperniarsi su requisiti di mero pregio formale. Ciò che conta è l'effetto complessivo, l'impatto emozionale, se si vuole, che la presenza inopinata di decine e decine di api viene a determinare sull'immaginazione del fruitore, grazie a un utilizzo del tutto strumentale della mimesi scultorea.

Dove cioè l'adesione mimetica non è affatto intesa come scopo, e dove infatti non conta per nulla il dato tecnico-esecutivo, ma solo la possibilità – grazie all'applicazione di un preciso sapere linguistico – di generare l'urto emotivo che si diceva.

104

Historically - and it could be said, since its beginning – sculpture interacts with architecture, as it bases its primary significance in its location in space: a space which is a human space, experienced as constructed, and as a human modification of natural space.

Only an idealistic misunderstanding, derived from a taxonomic anxiety imposing the separation of the arts, could allow the removal of metopes from temples, and their display, as separate items, in archaeological museums, the aim of which is to conceal their architectonic truth. This applies likewise to the statues that adorned the entrances of the cathedrals of the Western world, often admired in museums as hunting trophies of the big game of modern aesthetic equivocation. But in its union with architecture, sculpture does not suffer at all from subordination, as it tends to decide space, attacking it, revealing it, making it a linguistic entity. So I consider it perfectly reasonable and interesting that current sculptural performances (I wouldn’t say installations, since installation means little more than nothing) like the ones proposed by Angelarosa Benevento, start from the idea that the work of art must insist on its refusal to be an object, an entity apart and detached from the world, to assert itself as a way of activating the relationship between subject (the observer) and place (the environment), a dialectic addition or invasion, capable of establishing the power of a full consciousness to propose to the (pre-existing) space the challenge of a gesture that can revitalise it and make it otherwise perceptible. Power which, in the case presented by the young sculptor at San Servolo, is based on the choice according to which the walls, ceilings, narrow cavities of an ancient bell tower, are affected by a real assault of plastic shapes in silicone glue: simulating bees, insect armies, proposed (also) in a metaphorical key that likens them to members of a vaguely delirious social organization. It is a crowd whose individuals have no ambition to be stylistically appreciated: in fact they are produced in series and almost without any claim to manual dexterity, in the certainty – which is, in my opinion, a sign of maturity of the artist – that the value of a work will no longer be judged according to the requirements of purely formal merit.

What matters is the overall effect, or - if you want – the emotional impact that the unexpected presence of dozens and dozens of bees is to produce on the observer’s imagination, through a thoroughly instrumental use of sculptural mimesis. That is, a use in which mimetic adhesion is not intended as a purpose, and in which, consequently, the important thing is not the technicalexecutive aspect (which counts for nothing), but the possibility of generating the aforesaid emotional impact, thanks to a precise linguistic knowledge.

text by Sandro Sproccati

105

FRANcEScO cOSSu Italia Italy

Architettura I 2008 legno, compensato, chiodi, viti, raccordi metallici, aggiunte variabili wood, plywood, nails, screws, metal fittings, variable additions 198 x 107 x 90 cm

Architettura II 2008 legno, compensato, chiodi, viti, raccordi metallici, aggiunte variabili wood, plywood, nails, screws, metal fittings, variable additions 172 x 120 x 90 cm a sinistra on the left: dettaglio detail

L'opera di Francesco Cossu comincia con la raccolta, perlopiù, di materiale ligneo di scarto. Ne segue il suo approssimativo stoccaggio, poi il suo assemblaggio. Il costruito viene messo in relazione con lo spazio e solo in seguito rapportato con il suo abitante, con l'osservatore. È il materiale a determinare l'organizzazione costruttiva dell'oggetto quindi la sua forma.

Ogni pezzo è scelto per una specifica funzione, portante, di collegamento, per rivelare e definire una forma, aprire lo spazio oppure chiuderlo. Il colore dell'opera è quello chiaro del legno compensato, o quello più scuro di listelli e di travetti in legno massiccio, con una gamma limitata di variazioni. Tracce di pittura appaiono raramente e rivelano il passato del materiale, che rivendica la propria identità, eterogeneità, autonomia. È presente anche il ferro, seppur in piccole quantità, in forma di viti, chiodi, spiaggette, angolari, rivetti: sono il legante, parzialmente reversibile, che permette a Cossu un accumulo di soluzioni, ma anche di correzioni e adattamenti quotidiani.

La costruzione appare chiusa e difensiva, ma lo sguardo attento di chi si insinua e la percorre verso l'interno ne svela il processo costitutivo. Ci si accorge, quindi, che queste architetture di legno si lasciano compenetrare e analizzare, offrendo una ridefinizione dell'ambiente in cui sorgono e dello spazio a loro interno ed esterno. Francesco insegue il filo conduttore della stabilità che rende la struttura in apparenza solida, ma in realtà precaria e fragile: al contatto fisico con il fruitore l'apparente monumentalità scompare, rimane presenza e ingombro.

Le Architetture sono quindi abitate da rari oggetti trovati o costruiti, per lo più appoggiati, figure primitive che emergono dalla mente di Cossu, che ci sorprendono, che ci accompagnano.

106

The work of Francesco Cossu starts with the collection, mostly of wood waste. This is followed by its approximate storage, then by its assembly. The set is constructed in connection with the area, and only afterwards is a relation formed with its inhabitant, the observer. It is the material that determines the organization of the construction, and consequently its shape.

Every piece is chosen for a specific function, to support, to reveal and define a form, to open or close space. The colour is the light hue of plywood, or the darker one of blockboard and solid wood joists, with a limited range of variations. Traces of paint rarely appear and reveal the past of the material, claiming its own identity, diversity, autonomy.

Also iron can be found in the work, even if in small quantities, in the form of screws, nails, angle bars and rivets: they are the bond, partially reversible, which allows Cossu to accumulate solutions, but also to correct and adjust them day by day. The construction appears closed and defensive, but the watchful eyes of those who probe its inside reveal its creative process. We realise, then, that these wooden architectures can be permeated and analysed, offering a redefinition of the environment in which they stand, and of their internal and external space. Francesco pursues the theme of stability, which makes the structure apparently solid, but actually precarious and fragile. On physical contact with the observer, the apparent monumentality disappears, whereas presence and bulk remain.

The Architectures are inhabited by rare objects, found or constructed, mostly leaning: primitive figures emerging from Cossu’s mind, that surprise us and accompany us.

text by Davide Rivalta

107

LucA FRESchI Italia Italy

da sinistra on the left: Bambola 2008 terracotta policroma e tessuti polychrome terracotta, fabrics 150 x 80 x 90 cm photo credit: Stefano nanni

Muñeca 2008 terracotta policroma e tessuti polychrome terracotta, fabrics 144 x 77 x 85 cm photo credit: Fausto Fontana

Nena 2008 terracotta policroma e tessuti polychrome terracotta, fabrics 150 x 47 x 20 cm photo credit: Stefano nanni

Luca Freschi è un costruttore di bambole, di simulacri femminili a cui manca la parola magica, infilata tra i denti, come nella tradizione ebraica, per potersi muovere ed essere comandate, oppure nel caso di Olimpia, la figlia-automa del professor Spallanzani, nel racconto di Hoffmann, per far innamorare col solo battere delle ciglia e l'espressione imperturbabile, sfoggiata a ogni discorso.

Si potrebbe pensare alla magnifica e conturbante ricostruzione in stoffa di Alma Mahler, commissionata da Kokoschka, a una artigiana di giocattoli dopo il tradimento e l'abbandono da parte di lei, ma in realtà le bambole di Luca hanno la modestia e la castità propria dei manichini metafisici, o delle marionette di legno, con le loro cuffie pudiche e vagamente nordiche che coprono i capelli e la rigidità delle membra, nelle articolazioni da burattini.

I suoi calchi in terracotta colorata sono cocci di corpi ricomposti con la pazienza affettuosa delle porcellane spaccate, involucri di donne a grandezza naturale ma senza il calore e la morbidezza della pelle, che conservano la posa e il volume di persone amate, di amici e parenti che si sono lasciati fasciare e bloccare nel gesso, come fossili di una memoria personale. A volte queste pupe giganti, come le madonne e le sante degli altari antichi, hanno un corredo privato, cucito a mano con la cura di una sposa, oppure nel loro busto nudo e intonacato di bianco come le case mediterranee ospitano i disegni aerei e festanti dei bambini, segni che a loro volta riproducono nella grammatica fantastica degli esordi, l'immagine di una persona, la visione giocosa, e insieme fondante, dell'altro da sé.

108

Luca Freschi is makes dolls, feminine simulacra that seem to be waiting for the magic word to be placed between their teeth – just like in Jewish tradition – to start moving and obeying orders. Or as in Hoffman’s tale of Olympia, Professor Spalanzani’s automaton daughter, who makes a man fall hopelessly in love just by the blink of her eyelashes and her unperturbed expression, whenever she is spoken to. Another analogy that might spring to mind is the exquisite but alarming fabric doll reproducing Alma Mahler that Kokoschka ordered from a woman toymaker, after Alma betrayed and abandoned the painter. But no. Luca’s dolls have the modesty and chastity of metaphysical mannequins or wooden marionettes.

They are stiff-limbed and hard-jointed puppets wearing decorous, vaguely Nordic looking bonnets that hide their hair.

His painted terracotta casts are fragments of bodies recomposed with the affectionate patience that broken china deserves. They are life-size women, cocoons without the warmth and softness of skin, but they preserve the pose and form of the beloved ones – friends and relatives - who let themselves be wrapped and cast in plaster like fossils in a personal memory. Sometimes these giant chrysalises, similar to Madonnas and saints on old altars, have a private dowry hand-sewn with the care of a bride, and in their naked busts, whitewashed like Mediterranean houses, they host the joyful and airy drawings of children, signs which reproduce, in the fantastic grammar of beginners, the image of a person, a playful, founding vision of the Other than Self.

text by Sabrina Foschini

109

LAuRA GuERINONI Italia Italy

Conchiglia 2009 filo di corda intrecciato braided ropes dimensioni variabili variable dimensions a sinistra on the left: dettaglio detail

Le opere di Laura Guerinoni sono tracce, indici di un mutamento che nei lavori dell'artista si risolve e si manifesta in una perenne sensazione di assenza. La stessa impressione è tuttavia mitigata dalla memoria, individuale e collettiva, che colma il vuoto e restituisce corpo alla forma.

Osservando la produzione recente dell'artista il richiamo al mondo naturale - indubbiamente familiare - è immediato: un bozzolo, concrezioni calcaree marine, esoscheletri protettivi e involucri abbandonati una volta completata la gestazione. L'artista esibisce simulacri privi di vita, immobili e disabitati, ma allo stesso tempo fortemente legati all'idea di nascita, di nutrimento, ancora una volta di vita.

L'installazione concepita per l'Isola di San Servolo, ultima in ordine di tempo, ribadisce ulteriormente la sensibilità di Laura Guerinoni per i processi che regolano la natura, in seguito elaborati e interiorizzati nella pratica artistica.

All'osservazione si unisce una meditata riflessione sui materiali, differenti ed evocativi, sempre poveri e grezzi. Stoffe, corda, ma anche gesso, legno e carta vengono di volta in volta preferiti, assecondando l'intuizione creativa. Ogni materiale è accarezzato e annusato, studiato e interpretato fino a comprenderne la migliore manipolazione possibile rispetto al progetto. Tempo e manualità sono le variabili che integrano l'opera: mutuando quanto avviene in natura, l'artista trasforma la materia attraverso un ripetitivo e paziente procedimento artigianale. Nell'installazione lagunare protagonista è la corda grezza, lavorata faticosamente all'uncinetto fino a domarne la scarsa elasticità.

Esito del meticoloso processo è un'opera non finita di cui l'artista può espandere i margini nello spazio, moltiplicando all'infinito il modulo originario.

110

Notwithstanding the everlasting feeling of absence which characterises the works of Laura Guerinoni, this sensation is mitigated by memory. An individual and collective memory which overcomes the emptiness conveyed by Guerinoni’s work, overwhelming the mere shape while giving it a body.

The reference to a natural world - undoubtedly familiar - is clear in the artist’s recent works: cocoons, chalky marine sediments, protective exoskeleton frames and layers of abandoned sheaths.

The artist displays inanimate, motionless and unmanned images.

However, these are strongly bound to the idea of nourishment and birth, hence relating to life once again.

The installation created for the island of San Servolo, the most recent one, witnesses the artist’s insight and interest in nature and its processes, eventually analysed and internalized in her artistic work. Observation is combined with a careful consideration regarding the different and evocative raw materials used by the artist. Following her creative instinct, Laura Guerinoni chooses fabrics, ropes but also plaster, wood and paper. In order to grasp its use in relation to the project, every different material is touched, smelled, analysed and interpreted. The flowing of time and manual art characterize Laura Guerinoni’s work: her manipulation of materials , through continuous and patient hand labour, recalls the way nature itself operates. In the installation for San Servolo, raw rope is the main material, patiently crafted and crocheted to tame its poor elasticity.

This patient work forges an unfinished piece of art whose limits and borders can be further expanded by the artist, thus endlessly multiplying the original unit.

text by Stefania Marconi e Marta Papini translated by Arianna Zandonati

111

GIAcOmO LION Italia Italy

Untitled 2009 installazione installation misure variabili variable dimensions a sinistra on the left: dettaglio detail

Premesso che la parola Plancton significa vagante, l'installazione di Giacomo Lion sembra riprendere l'effetto di fluttuazione degli organismi che vivono nel ventre del mare, eccetto che per un'inversione di ruoli e di contesti.

Lo spostamento lieve, lento, costante prodotto dalle onde e dal vento fa vibrare delle assi in ferro alle cui estremità sono fissate delle sacche piene d'acqua. Le assi, che possiedono una capacità natante, aggettano dalla laguna direttamente sul litorale dell'isola, come a voler traslare l'elemento liquido (qui trasfuso dalla laguna all'interno delle sacche) affinché possa volteggiare in caduta libera o proiettarsi verso l'alto, dando così origine a un moto perpetuo che è anche uno stillicidio senza fine.

Gli equilibri dell'opera – in continuo, tenace mutamento – assecondano gli umori e l'aspetto di un organismo vivente: il mare, che si muove, freme, si solleva e si abbassa. L'informazione/ suggestione di questo movimento fluido e armonico viene sublimata dall'artista, il quale invita lo spettatore a seguire il dondolio ipnotico delle sacche per farsi dolcemente cullare dalle leggi del moto, e lasciando altresì che i principi gravitazionali concilino in chi guarda un senso di leggerezza, ossia di una serena distensione mentale.

Anziché imporre la propria forza creativa (di controllo, di dominio) sulla natura, Lion ne asseconda la vitalità; tacita collaborazione da cui prende forma un'immagine alla deriva… vagante sul pelo dell'acqua, e sospesa sulla terraferma.

112

Given that the word Plancton means wandering, Giacomo Lion’s installation appears to recapture the fluctuating effect of those organisms living in the depths of the sea, apart from an inversion of roles and contexts.

The slight, slow but constant shift produced by waves and wind causes the vibration of some iron bars to the ends of which are fixed sacks filled with water. The bars, which possess a floating capacity, extend from the lagoon directly to the coast of the island, as if to translate the liquid element (here transferred from the lagoon into the sacks) in order for it to twirl and spin upwards, thus creating a perpetual motion which is also an endless dripping.

The equilibrium of the work – changing continuously and persistently – goes along with the humours and the features of a living organism: the sea, which moves, quivers, rises and falls. The information/suggestion of this fluid and harmonious movement is sublimated by the artist, who invites the spectators to follow the hypnotic swaying of the pouches, letting themselves be gently rocked by the laws of motion, and also letting the gravitational pull induce in the beholder a sense of lightness; a serene relaxation of the mind.

Instead of imposing his own creative force (of control, of dominance) over nature, Lion indulges its vitality; silent collaboration from which a drifting image takes shape... floating on the surface of the water, and suspended over the land.

text by Alberto Zanchetta translated by Francesca Megna

113

mATTEO LuccA Italia Italy

Il nido di Lula 2009 piombo, tessuti lead, fabrics dimensioni variabili variable dimensions a sinistra on the left: dettaglio detail

Se si potessero vedere concretamente, toccare con mano tutte le polluzioni che il nostro cervello fa fiorire, vedremmo uno spettacolo diverso. Non avremmo gli inquinamenti più tradizionali del corpo, quelli atti prevalentemente a spurgare, disintossicare, lubrificare e che di norma non godono di bell'aspetto. Sono scarti, necessari ma scarti.

Andiamo anche noi per il mondo a disperdere nell'ambiente sostanze vittime di un processo chimico e di una trasformazione.

La nobile centrale del pensiero, della ragione, del dolore e della gioia: la nostra testa, non può che rilasciare ogni istante centinaia di migliaia di inquinamenti gentili. E noi non li vediamo.

Nell'opera di Matteo Lucca, è stato possibile cristallizzare un frame di questa alchimia, dove il pensiero nobile esce di scena in un continuo riciclo con forme eleganti. Ma di un'eleganza convulsa, oramai pasticciata e chiassosa: stoffe.

Stoffe colorate e bellissime, arabeschi e decori luccicanti che come un neonato all'improvviso si trovano private del loro habitat. Sfrattate in malo modo dalla loro placenta possono vivere solo pochi secondi e dunque si aggrovigliano, cercano appigli impazzite. Paiono enfiarsi come bolle per dover poi deflagrare, salvo poi, giunte al parossismo, sciogliersi rassegnate in un patetico e dignitosissimo abbraccio di morte.

E la testa di tutto questo processo, ne sa qualcosa? Proprio no, lei è lì, impegnata a macinare e distruggere ed espellere nuovi pensieri-stoffe senza soluzione di continuità. Con tutta la pesantezza, melanconia e malattia del piombo. Il piombo non sa mai niente. Eppure tutto si alza, fino al soffitto come un totem dai sapori esotici, come un idolo di terre lontane che declina la morte nel modo più composto, salvo poi vivificarsi. Altrove.

114

If we could see with our own eyes all the pollutants that blossom in our mind, we would behold a different view. We wouldn’t have the traditional pollutants of the body, those suited to discharge, detoxify, lubricate and that don’t usually look good. It is waste – necessary, but waste.

We too wander the world scattering in the environment substances that are victims of a chemical process and a transformation.

The noble centre for thought, reason, sorrow and joy: our mind, cannot but release hundreds of gentle pollutants every instant.

And we can’t see them.

In Matteo Lucca’s work the crystallization of a frame of this alchemy has been made possible; here the noble mind leaves the scene in a continuous recycling of elegant forms – an elegance that is, by now, convulsive, messy and loud: fabrics. Colourful and beautiful fabrics, flourishes and glittering ornaments that, like a newborn, suddenly find themselves deprived of their habitat. Curtly evicted from their placenta they can live for only a few seconds, and so they get entangled, frantically looking for something to cling to.

They seem to swell out like bubbles bound to burst; in the end, though, having reached a paroxysm, they resign themselves and melt in a pathetic and highly dignified embrace of death.

And does the mind know anything about all this process? Not at all, it is there, busy grinding and destroying and expelling new thoughts-fabrics uninterruptedly. With all the heaviness, melancholy and malady of lead. Lead never knows anything. Yet everything rises towards the ceiling like a totem with an exotic relish, like an idol from faraway lands that declines death in the most composed manner, but ends up by gaining life. Elsewhere.

text by Jacopo Flamigni translated by nicola Jane Altera

115

ANGELO mASSARO Italia Italy

Necessità primaria 2009 pane, ferro, cemento bread, iron, cement 150 x 120 x 400 cm a sinistra on the left: dettaglio detail

Angelo Massaro preleva i materiali naturali; lo ha già dimostrato con la spettacolare installazione tenutasi nei pressi della Basilica di Santo Stefano a Bologna, in occasione di Arte Fiera 2009, in cui adottò come sostanza primaria il mosto d'uva, dislocando una sorta di meteorite che prepotentemente solcava in orizzontale lo spazio verticale del luogo.

Per questo evento propone, con sottile crudeltà, un cingolato interamente costruito con l'elemento nutritivo di base, comune a tutti i popoli e a tutta la storia geografica dell'umanità: il pane.

Ben sappiamo che negli anni recenti, i cereali e le sostanze nutritive di base sono state quotate in borsa tramite le holding internazionali; da qui la speculazione, nonché il plusvalore e infine la sopravvivenza dell'intero pianeta; che nel suo effetto pratico coincide con l'avvento ognun per sé, tutti contro tutti.

Alimenti più economia, più guerra economica; non è una semplicistica cronaca storica, bensì uno sguardo raziocinante verso il presente. La scultura non è pertanto pacifica, in essa c'è una turbolenza di piani sconnessi, poiché la scultura non è una contemplazione. Questa scultura morde il piano d'appoggio nella sua impossibilità di movimento. Con acuta strategia l'opera accomuna una duplice valenza, quella della incursione violenta e quella di difesa di un caposaldo in stato di assedio. In conclusione Angelo Massaro mediante l'utilizzo di materie materiali pone un ulteriore slittamento nel confronto delle precedenti neoavanguardie. Nel suo caso il prelievo della natura non è mai inerte, non vuol essere altro che la costruzione mimetica di oggetti o di accadimenti nel segno metaforico di una contemporaneità sociale.

116

Angelo Massaro utilizes natural materials; he has already shown this with the spectacular installation held at the Basilica of Santo Stefano in Bologna, during Art Fair 2009, in which he adopted grape must as a primary substance, positioning a sort of meteorite that forcefully ploughed horizontally up through the vertical space of the building.

For this event he proposes, with subtle cruelty, a caterpillar type vehicle entirely constructed of the basic nutritive element, common to all peoples and to the whole geographical history of humanity: bread. We know well that in recent years, cereals and basic nutritive substances have been quoted on the stock market through international holdings; from this comes speculation, not to mention also the surplus value and finally the survival of the entire planet, its practical effect coincides with the advent of each one for himself, everyone against everyone else.

Food plus economy plus economic war; this is not just a simplistic historical account, but rather a rational glance towards the present. The sculpture, therefore, is not peaceful, in it there is a turbulence of disconnected surfaces, since sculpture is not contemplation. This sculpture bites the base in its impossibility of movement. The work, with acute strategy, unites a double valence; that of violent incursion and that of the defence of a cornerstone which is under siege.

In conclusion, through the use of concrete materials, Angelo Massaro sets a further shift forward in comparison with previous neo-avant-garde concepts. In his case, the perception of nature is never inert; it only wants to be the mimetic construction of objects and happenings in the metaphoric sign of a social contemporaneity.

text by Giovanni Mundula

117

LARA mEZZAPELLE Italia Italy

Exuvia n° 6 2006 vetro e resina trasparente glass of crashed car and epoxy resin 20 x 50 x 94 cm a sinistra on the left: dettaglio detail photo credit: Luigi Russo

Si sbriciola la morte e si ricompone nella preziosa fragilità del vetro, una volta indossata la corona brillante di quanto esiste nell'attesa del suo contrario. Si tengono insieme con gli occhi i frammenti, i rimasugli di vita che Lara Mezzapelle riunisce in frantumi di forme congelate, cristallizzate nel frastaglio dell'oltreforma disciolta e assoluta. L'artista recupera ciò che resta del perduto, costringendolo a una palingenesi che risarcisca la materia con una nuova struttura e il pensiero con rinnovata idea, incrociando filosofia, estetica e sostanza dell'eterno ritorno. Sono costruzioni di decostruzioni, frammenti che compongono frammenti di spazio luccicante nella vetrificazione di armonie successive, in cui totale e parziale si fondono nella perfetta incompletezza delle incongrue proprie consonanze. Le sculture divengono, allora, autentiche fanerografie visive in cui, seguendo i contorni dell'incrociata ellissi dell'infinito, vita e morte si scambiano il braccio cedendo, di volta in volta, vicendevolmente il passo, porgendo il fianco, scegliendo – infine – il movimento di danza. I resti dispersi e in rovina si fanno preziosi gli uni gli altri nell'istante esatto in cui il vuoto diventa uno e tutto con il pieno, la forma riprende, fratturata, il suo respiro rotto e discontinuo, l'affanno di una sofferenza che conservi il dolore disperdendo l'abbandono, rinascita che smentisce il proprio azzeramento negando il principio attraverso il rifiuto della fine.

118

Death is shattered and recomposed in the exquisite fragility of glass. The glittering crown of existence is donned, and waits for its counterpart. It is almost as if our gaze alone held together these fragments, these cast-off leftovers of life that Lara Mezzapelle recombines into fragments of forms, solidified, crystallized for a moment in time. They are embellishments on a yet even more remote form, which, deep in the liquid profundities of existence, evades definition, and yet remains total and absolute. The artist salvages the wreckage of the lost, coaxing it into palingenesis, a rebirth of old material in new structures, thought in renewed ideas, joining together philosophy, aesthetics and the very substance of eternal return. These are constructions of deconstructions.

Fragments made up of fragments. Compositions of glittering empty space. A freezing in time of fluid harmonies. A dissolution of total and partial into perfect incompleteness. Consonance incongruent. The sculptures become, therefore, authentic visual phanerographs in which life and death pursue the ellipsis of the infinite, where they intersect. They move together, exchange places, each in turn giving way, now leading, now following, one extending the limbs in delicate arabesques under the firm grip of the other. They assume, in other words, the movements of dance. Scattered remains of the ruin are rendered priceless in the exact moment in which the void becomes one and the same as its opposite. Form, although fractured, reassumes its broken, halting breath. The laboured gasp of a suffering that preserves its pain by dispelling renunciation, a rebirth that disproves its own obliteration, a negating of the beginning by refusing the end.

text by Alberto Gross translated by Z.D.R. Mackin

119

FAbIO ROmANO Italia Italy

Grado zero 2009 materiali vari, pigmenti various materials, pigments 360 x 30 x 260 cm a sinistra on the left: dettaglio detail

1) Di una veduta che diventa visione. O viceversa. E di un oggetto organico che diviene reperto.

2) Se trattasi di paesaggi lo decide chi osserva, se trattasi di archeologie, chi lo sente. ... sta il fatto che l'ambivalenza nei lavori di Fabio Romano e l'uso indifferenziato dei media che utilizza, genera una serie di possibili sguardi dell'occhio e della mente, aventi lo stesso soggetto, come in un gioco orientale.

3) Alzate. E piante planimetriche. Piani orizzontali e piani verticali.

Immagini statiche, immagini in movimento.

4) Inizialmente alcune sue note plastiche, frammenti, sembrano cercare un possibile rapporto con la scultura classica, certamente di veduta, verticale ed eretta, quella alla quale bisogna girare intorno, come insisteva sui manuali Giulio Carlo, ma è solo illusione, perché non possiedono quella gravità necessaria (visto i materiali d'uso, le schiume poliuretaniche) che ti costringe a compiere il rito arganiano.

5) I plastici, invece, che ancora non hanno assegnata una precisa modalità di visione e paiono più oggetti osservanti che da osservare, silenti conducono lo sguardo ad archeologie industriali e inducono, attraverso le cromie e i depositi sedimentati - polveri e pigmenti - a ritrovamenti dove si percepisce la catastrofe dovuta alla natura o, in eguale maniera e misura, alla mano dell'uomo.

6) Con intenti successivi e indipendenti alla loro costruzione, che forse hanno origine ludica e considerando i plastici come veri e propri teatri di scena, Romano agisce poi di sovente simulando eventi atmosferici e geologici, per scala incerta e mai definita, filmando l'evento con microcamere digitali e producendo short video... ...oppure con dinamiche più contemplative e riflessive, riformatta l'intera ricerca all'idea del paesaggio, cercando la possibilità di tradurre in immagine vedutistica, quasi da panorama, le infinite possibilità all'interno di queste grandi maquettes che furono sculture per intenzione e genesi, lasciando che l'occhio proceda e scansioni lentamente mediante l'obiettivo macro, restituendo nuove vedute o visioni di una fissità quasi sconcertante.

120

1) A view that becomes a vision. Or vice versa. And an organic object that becomes a find.

2) In the case of landscapes the decision is taken by the observer, in the case of archaeologies, by someone who feels. ... there remains the fact that the ambivalence in the works of Fabio Romano and his indiscriminate use of the media generate a series of possible views of the eye and the mind, focussed on the same subject, as in an oriental game.

3) Elevations. And plans. Horizontal and vertical planes. Static images, moving images.

4) Initially some of his plastic notes and fragments seem to seek a possible relationship with classical sculpture, certainly the viewpoint, vertical and erect, where you have to walk around it, as Giulio Carlo Argan insisted in his manuals; but it is only an illusion, because they do not possess that necessary gravity (considering the materials used, polyurethane foam) that requires you to perform the Argan ritual.

5) Instead his plastic models, which do not yet have to be looked at in a precise way and seem more like observing objects that ones to be observed, silently draw our gaze towards industrial archaeological features and lead us - through colours and accumulated sediments of powder and pigments - to discoveries in which we can appreciate the catastrophe wrought by nature or, to the same extent, by the hand of man.

6) With intents that developed after and independently of their construction, which perhaps started just as a game, and considering the plastic models as real stage sets, Romano often simulates atmospheric and geological events, on an uncertain scale that is never defined, filming the event with digital micro cameras and producing short videos… ...or with more contemplative and reflective dynamics he reformats the entire research according to the idea of the landscape, seeking the possibility of translating into a view-painter’s image, almost a panorama, the infinite opportunities offered by these huge maquettes which were sculptures by intent and origin, allowing the eye to scan them slowly through the macro lens, returning with new views or visions of an almost disconcerting immobility.

text by Luca Caccioni

121

LucIO TERENZI Italia Italy

Realizzazione di un motivo (Lettera a Bernard) 2009 ferro, poliuretano, paglia iron, polyurethane, straw cilindro cylinder: 190 x 170 cm cono cone: 210 x 165 cm sfera sphere: Ø 170 cm a sinistra on the left: dettaglio detail photo credit: Luca Consolini

Uno dei racconti sul nostro tempo inizia quando la forma e la materia hanno smesso di essere entità misurabili, la scienza ha ampliato i propri confini e l'arte ha accolto la possibilità di una visione multipla e stratificata. Tutto è avvenuto come in un moto circolare e necessario, in cui la semplicità diveniva il suo contrario, la sovrapposizione uno sguardo scomposto, e il tempo un'entità sciolta nell'alternarsi di rallentamento e accelerazione.

Lucio Terenzi queste tensioni le ha accolte nel suo lavoro quasi fossero una grammatica necessaria su cui impostare il proprio linguaggio, che in Realizzazione di un motivo (Lettera a Bernard) libera la forma da ogni costrizione e lascia che l'atto della visione diventi un campo di accadimenti e di possibili relazioni.

Il volume si sfalda, lo spazio si apre e il tempo subisce quella stessa disgregazione che ha attraversato la forma originaria (quella della balla di fieno) e che l'ha lacerata rompendola, squarciandola e lasciandole delle ferite (i vuoti), che l'hanno agitata dall'interno e creato una trasformazione. Quasi come se questo lavoro raccontasse la nascita di una prole che mantiene con il genitore una parentela formale (materiale e di contesto), il carattere, la spinta al cambiamento (la rivelazione dell'anima interna e della tensione al cambiamento che è nei vuoti), e un'aderenza storica che unisce la peculiarità del territorio e del genius loci a una consapevolezza storica ed estetica che si nutre di presente e di passato.

122

One of the accounts of our time begins when form and matter are no longer measurable, science has extended its limits and art has assumed the possibility of a multiple and layered vision. All of this is realized in an essential and spiral motion where simplicity becomes complex, an overlaying, a disembodied glance and time transforms into a being freed as it switches from slowing down to speeding up.

Lucio Terenzi has woven these tensions into his work, a veritable grammar to define his own language which in Realizzazione di un motivo (Lettera a Bernard) frees form from every constriction letting the act of vision become a field of happenings and possible relationships. Volume gradually peels away, space opens up and time undergoes that same disassociation that the original has undergone (like that of a bale of hay) which has cut through it, broken it apart, squashing it and leaving it wounded (the empty spaces) and which has acted from within, transforming itself. It is as if this work is retelling the birth of a child that maintains a formal relationship with the parent (material and context), the character, the impetus to change (elevation of the soul and tension to change as evidenced in the empty spaces) and a faithfulness to history that unites the singularity of territory and the genius loci to a historical understanding and an aesthetic filled with the present and the past.

text by Elena Forin

123

LINDA VIGIANI Italia Italy

Kundalini 2008 marmo statuario statuary marble 39 x 29 x 42 cm a sinistra on the left: dettaglio detail photo credit: Susanna Stigler

Una tecnica accurata e nel contempo spontanea, quella di Linda Vigiani, perché funzionale alla sua sensibilità, qui il marmo diventa duttile, necessario alla materializzazione di un'idea di sintesi; il serpente, simbolo di trasformazione, si identifica con la colonna vertebrale, sede dell'energia kundalini, le due immagini si manifestano osmoticamente in una spiraliforme. La testa del serpente assume la forma dell'osso sacro del bacino, e il corpo ha elementi che ricordano le vertebre, le costole e lo sterno di un essere vertebrato.

La forma non invade lo spazio ma permette la sua continuazione attraverso l'andamento curvilineo del corpo della scultura e nell'alternanza di vuoti e pieni. Attorno alla scultura tutto diviene vuoto, per via della sua forza, il tempo è eterno in funzione del dinamismo che la caratterizza, essa abita la realtà rendendola mobile e corporea. Il movimento serpentinato e i particolari della scultura, raccolgono la luce che modella e calibra la forma eletta a simbolo, definendo nel contempo lo scheletro e l'energia spirituale vivificante.

La scultura rianima i valori plastici della tradizione, quale il movimento, ma li spoglia da accenti suadenti come la forma della carne, risalendo così alla struttura originaria di ogni essere.

Linda afferma la sua percezione attraverso simboli e segni che in apparenza formale sanno anche di arcaico, di fossile in movimento, poiché scosso da inattesi movimenti tellurici, coincidenti con esigenze e impulsi profondi che risvegliano lo spirito e conducono a vita nuova. Le sculture a tratti rievocano forme geometriche, per cui il sinusoide è topologico, assumendo anche uno sviluppo nel tempo come continuo divenire, in funzione della luce che ne determina il moto.

La percezione è più rapida della parola che commenta, le forme espresse hanno riferimenti solo residui della realtà conosciuta, colonna vertebrale, in quanto espressione dell'immateriale, lo spirito.

124

With her accurate yet spontaneous technique, Linda Vigiani’s approach to art is functional to her sensitivity. In doing so, marble becomes a malleable means which gives birth to her idea of synthesis. The snake, symbol of perpetual change, can be identified with the spinal column, the place where Kundalini energy resides. The two images are osmotically spiral-shaped: on one hand, the head of the snake turns into the shape of the sacrum; on the other hand, its body shows elements that call to mind the vertebrae, ribs, and sternum of a vertebrate being.

Shape does not invade space; it rather allows its expansion through the winding movement of the sculpture’s body and the succession of full and void. The power of this work makes everything empty around it, and its preponderant dynamism makes time eternal.

The piece is alive in space and makes it movable and physical. The serpentine-like movement and the details gather the light, which adjusts and grades the shape into a symbol, defining the skeleton and the life-giving spiritual energy.

This work brings the traditional plastic canons to new life, but it deprives them of some alluring details such as the shape of the flesh, aiming to go straight to the original structure of every being. Linda asserts her perception through symbols and shapes that might recall ancient fossils. However, nothing is static: unexpected telluric movements shake everything, acting as primitive thrusts and needs that reawaken the spirit and lead to a new life. Geometrical shapes can sometimes be recalled, making sinusoid topological and assuming a perpetual development in time, depending on the light that determines their motion.

Perception is faster than Word. The references of the shapes are only residue of commonly known reality, and the spinal column is the expression of immateriality, of spirit.

text by Filargino Frusciante

125

DAVIDE VIVALDI Italia Italy

Borderline 2008 colla siliconica, cemento, ferro silicone glue, cement, iron 46 x 136 x 31 cm a sinistra on the left: dettaglio detail

Una scultura (definizione convenzionale che appare qui impertinente) volta a individuare l'aspetto altro di iconologie, forme e modelli apparentemente noti e riconoscibili è quella che si rivela nell'opera e nelle installazioni di Davide Vivaldi.

Una scultura dialettica con la tradizione eppur con essa segretamente colloquiante; evocativa, nostalgica e ironica insieme; una scultura decentrata, antimonumentale, precaria, concettualmente non-finita; opposta alla concezione antropocentrica d'antica memoria e votata alla lateralità d'una riflessione personale che rivisita i soggetti come cose fra le cose, come umanità residuale, d'identità difficile (ricorre emblematico il titolo Borderline), in un contesto di gerarchie sdefinite.

Là dove anche i materiali nobili e canonici della scultura, per coerenza semantica fra sostanza e forma si potrebbe dire, cedono il ruolo ad altri: poveri ed elementari (gesso, terracotta, cemento), o relitti riciclati. Sono materie prime di una diversa arché che rivendica il proprio spazio, con l'insistenza insostenibile del balbettio d'un bimbo (iroso talora, e inquietante come il neo-baby), o la muta eloquenza d'un frammento, d'un detrito ricomposto, d'una scoria rinobilitata, che impongono tenaci la loro presenza. Aprendo così, ogni opera o installazione, un racconto ostico e intransitivo che tale resta, se non ci si azzarda a condividerlo.

126

A sculpture (conventional definition that here appears as impertinent) aimed at identifying the other aspect of iconologies, shapes and patterns that are apparently known and recognizable: that is what is revealed in the works and installations by Davide Vivaldi.

A sculpture which is dialectic towards tradition yet secretly dialogues with it, evocative, nostalgic and ironic at the same time; a decentralized, anti-monumental, precarious sculpture, conceptually non-finished, opposed to the anthropocentric conception of ancient memory and dedicated to the laterality of a personal thought which revisits the subjects as being things among things, as a residual humanity that is difficult to identify (the title Borderline is frequently used), in a context of nondefined hierarchies.

Where even the noble and canonical materials of sculpture - we could say for a semantic consistency between substance and form - resign their role to others: poor and primary materials (chalk, clay and concrete), or recycled wrecks. They are raw materials of a different arché, claiming its space, with the unbearable insistence of the stuttering of a child (sometimes angry, and disturbing as the new baby), or with the silent eloquence of a fragment, of a recomposed detritus, of re-ennobled slag, which impose their persistent presence. Any work or installation thus opens a confusing and intransitive story that remains so, unless you dare to share it.

text by Adriano Baccilieri

127

DIEGO ZuELLI Italia Italy

Rotazione n.1 2008 computergrafica tridimensionale three-dimensional computer graphic high-definition video - HD720p, 16:9, Blu-Ray, stereo audio 2 min. (loop) a sinistra on the left: dettaglio detail

Stupisce constatare come l'utilizzo della computergrafica tridimensionale in arte contemporanea presenti suggestioni visive ed emozionali che si credevano superate nell'epoca dei cosiddetti new media. Questo dimostra come lo sviluppo tecnologico non abbatta completamente i ponti con il passato, anzi, ne sia una naturale evoluzione.

L'opera di Diego Zuelli avvalora questo ragionamento; l'artista utilizza le più sofisticate tecniche di ricostruzione informatica dello spazio, senza mai dimenticare di strizzare l'occhio alla storia dell'arte, sia in termini cromatici sia compositivi. Tutto questo viene fatto tenendo conto dell'epoca in cui vive, senza cadere nell'inutile ripetizione o passatismo, semmai proponendo una differente visione del mondo aggiornata alle moderne logiche.

Ciò che colpisce maggiormente nel lavoro di Zuelli è la semplicità dei suoi video, puliti nella forma e abbondanti nei rimandi simbolici. Le azioni sono contenute e ripetute ciclicamente, l'assenza o la presenza minima del sonoro spostano l'attenzione sulla forma quasi ipnotica del soggetto, rigorosamente ricostruito al computer.

In Rotazione n.1 l'artista instaura un forte legame con lo spazio circostante, l'opera e l'ambiente diventano un tutt'uno e l'effetto di sfondamento prospettico la principale componente visiva. La mancanza di un'azione chiara e dirompente, sottolinea lo scarso interesse per la narrazione, accentuando invece l'inquietudine suggerita dal vortice d'acqua, che può rievocare Una discesa nel Maelström di Edgar A. Poe oppure il mare cilindrico descritto nel romanzo fantascientifico Incontro con Rama di Arthur C. Clarke.

Abbiamo detto come l'arte del passato faccia ogni tanto capolino nell'epoca dello spazio simulato, non può mancare quindi una citazione a due opere tanto lontane fra loro quanto vicine all'artista: L'Assunzione della Vergine del Correggio e i Rotoreliefs di Marcel Duchamp.

128

It's amazing to see how 3d computer graphics in contemporary art show visual and emotional influences that were believed to be out-dated in the so-called new media era. This demonstrates how technological development doesn't break the bonds with the past, but is rather a natural evolution.

Diego Zuelli's work enhances this way of thinking; he utilizes the most advanced techniques for digital reconstructions, never forgetting art history in chromatic and arrangement terms.

Everything is made keeping an eye on the present age, without falling into sterile repetitions and traditionalism, in fact proposing a different world vision, updated to modern logic. What strikes most in Zuelli's work is the simplicity of his videos, formally flawless and copious in symbolic meanings. Actions are simple and cyclically repeated, almost hypnotically, with a minimal presence or lack of sound. Rigorously computer-generated.

In Rotazione n.1 the artist creates a strong tie with the environment.

The video and the surroundings become one, the main visual component is the perspective break-through effect. The lack of a clear and disruptive action highlights the little interest the artist has for narration, emphasizing instead the uneasiness hinted by the water vortex. Recalling A Descent into the Maelström by Edgar A. Poe, or the cylindrical sea described by Arthur C. Clarke in the sci-fi novel Rendezvous with Rama. We stated how the art of the past centuries pops up every now and then in the digital era of simulated space. There are citations of two major masterworks, very distant from each other but very close to the artist: Correggio's Assumption of the Virgin, and Marcel Duchamp's Rotoreliefs.

text by Luca Panaro

129

bIOGRAFIE bIOGRAPhIES

Leön Ferrari (on the right) and Daniele Crippa (on the left)

Argentina León Ferrari

Born in 1920.

Lives and works in Buenos Aires, Argentina.

SOLO EXHIBITIOnS (SELECTIOn) 2008 - Arcimboldo Galería de Arte, Buenos Aires, Argentina - Galleria Michela Rizzo, Venice, Italy - Museo Carrillo Gil, Ciudad de México, México - Museo Castagnino+macro, Rosario, Argentina - Galería Braga Menéndez 2008, Buenos Aires, Argentina - Teatro Auditorium, Mar del Plata, Argentina 2007 - Galería Ruth Benzacar 2007, Buenos Aires, Argentina 2006 - Retrospectiva, Pinocateca, Sao Paolo, Brazil - Pan American Art Projects, Miami 2004 - Leon Ferrari: Politiscripts, The Drawing Center, New York, USA - Retrospectiva. Obras 1954-2004, Recoleta Cultural Center, Buenos Aires, Argentina 2003 - Planos y papeles 1979-1986, Museum of Modern Art, Buenos Aires, Argentina - IV Bienal of the Mercosur, Porto Alegre, Brazil 2002 - The Architecture of Madness, University of Essex, UK 2000 - Infiernos e idolatries, Cultural Center of Spain, Buenos Aires, Argentina 1999 - Leon Ferrari, Museum of Contemporary Art, Bahia Blanca, Buenos Aires, Argentina 1998 - Escrituras 1962-1998, Galeria Filo, Buenos Aires, Argentina 1997 - Tormentos y amores, Galeria Arcimboldo, Buenos Aires, Argentina 1994 - Cristos y manequíens, Galeria Filo, Buenos Aires, Argentina 1991 - Quinto centenario de la Inquisición, Recoleta Cultural Center, Buenos Aires, Argentina 1989 - Retrospectiva, Municipal Museum of Fine Art, Buenos Aires, Argentina 1987 - Heretic Chapel, Franklin Furnace, New York, USA 1986

132

- Parahereges, II Bienal of Havana, Cuba GROUP EXHIBITIOnS (SELECTIOn) 2009 - MoMA, Museum of Modern Art, New York, USA 2008 - Bétonsalon, Centre d’art et de recherche, París, France - Centro Cultural de España en Buenos Aires, Argentina - Arlington Arts Center, Washington D.C., USA - Volumen 3, Buenos Aires, Argentina - Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina - Fundación La Capital, Rosario, Argentina - Biennial of Sydney, Australia - Imago, Fundación OSDE, Buenos Aires, Argentina 2007 - 52. International Art Exhibition – La Biennale di Venezia, Venice, Italy - Documenta, Kassel, Germany 2006 - Sao Paolo Bienal, Invited artist, Brazil 2004 - MOMA at El Museo, Latin American and Caribbean Art from the collection of Museum of Modern Art, Museo del Barrio, New York, USA - Inverted Utopias, Museum of Fine Arts, Houston, USA 2003 - Between Silence and Violence, Sotheby’s, New York, USA 2002 - Arte y politica en los 60’, Palais de Glace, Buenos Aires, Argentina 2001 - Arte en América Latina, MALBA, Buenos Aires, Argentina 2000 - Constantini Award, Museum of Fine Arts, Buenos Aires, Argentina 1999 - Cantos Paralelos, Blanton Museum of Art, Austin, TX, USA 1997 - Re-Aligning Visions, Alternative Currents in South American Drawing, El Museo del Barrio, New York, USA 1994 - 5th Biennial of Havana, Cuba 1992 - One World Art, Museum für Völkerkunde, Hamburgh, Germany 1989 - Arte en Iberoamérica, 1920-1980, National and Modern Museum of Art, Madrid, Spain 1986 - 2nd Biennial of Havana, Cuba

Cina China Lee Sun-Don

Being the Third Patriarch of Buddhist Forshang, I consider my calling to bring awakening to the true essence of life – the power of glory, perfectibility, and kindness intrinsic to all sentient beings, the so-called innate nature or in Buddhist terminology, Buddhahood. To share my understandings and reflections of the true reality, I create Totemic Energy Oil Painting to capture the ineffable transformative energies and harmony of the universe and to spark a sense of enlightenment and transcendence in the viewer. I feel truly privileged to be dubbed the pioneer of mind-awakening aesthetics that transcends the horizon of contemporary art. I am also very grateful that my totemic creations have been widely appreciated: in 2008, I had received more than ten invitations to hold exhibitions in highly-celebrated museums worldwide and won forty or so honorable recognitions in international juried expositions, including a Grand Prize awarded by World and Universal Academy in Netherlands.

This year my itinerary includes the solo exhibition curated by Achille Bonito Oliva, a world-renowned Italian art critic, as part of the Collateral Events of the 53rd International Art Exhibition of Venice Biennale, and exhibition at Zurab Tsereteli Art Gallery in Moscow arranged by the Russian Academy of Arts.

THE IMPORTAnT EXHIBITIOnS 2009 Jul. The Russian Academy of Arts (former Imperial Academy of Arts), Moscow, Russia 2009 Jun. 53rd International Art Exhibition – La Biennale di Venezia, Palazzo Pisani S. Marina, Venice, Italy 2009 Apr. Europ’art 2009, Geneva Palexpo, Geneva, Switzerland 2009 Apr. Chongqing Art Museum, Sichuan, China 2009 Mar. Tokyo Metropolitan Art Museum, Tokyo, Japan 2009 Feb. Art Innsbruck 2009, Austria 2008 Nov. Gallery Gabrichidze, Brussels, Belgium 2008 Oct. The International Autumn Salon 2008 of La Grande Motte, Palais de Congrés, La Grande Motte, France 2008 Oct. XXIX Gredos Prize For Painting, Sala de Exposiciones de Caja de Avila, San Pedro Arenas, Avila, Spain 2008 Sep.

The Museum of Kyoto, Kyoto, Japan 2008 Sep. The 55th Stockton Art League Juried Exhibition, The Haggin Museum, CA, USA 2008 Jul. Tabernacle Art Competition, Museum of Modern Art, Wales, UK 2008 Apr. Artropolis, Chicago, USA 2008 Mar. Shanghai Art Museum, Shanghai, China 2007 Nov. The Artrium@MICA, Singapore 2007 Jul. Culture Gallery at the National Concert Hall, Taipei, Taiwan Cina China Zhao Guanghui

Born in 1972 in Xishuangbanna, Yunnan, China.

Lives and works in Kunning and Beijing, China 1996 Graduated from Academy of Art SOLO AnD GROUP EXHIBITIOnS (SELECTIOn) 2008 - OPEN 11. International Exhibition of Sculptures and Installations, Lido, Venice, Italy 2006 - Exhibition in Gallery Adler - Evolution of Creature-Machines: The Art of Zhao Guanghui, Hanart T Z Gallery, Hong Kong, China - OPEN2OO6 9. International Exhibition of Sculptures and Installations, Lido, Venice, Italy - Excavated Future: Sculptures by Zhao Guanghui and Chen Changwei, Hanart T Z Gallery, Hong Kong, China - Sharing the Same Land, Sifang Contemporary Art Museum, Nanjing, China - New Interface, Red Bridge Gallery, Shanghai, China 2005 - Beijing International Art Exhibition, Beijing, China - The 1st 798 Art Space Biennial, Beijing, China - Young Artists Exhibition, Shenzhen, China - The 3rd Guizhou Biennial, Guizhou, China

Cipro Cyprus Andreas Savva

Born in 1970 in Kerynia, Cyprus.

He lives and works in Athens.

1991 – 1996 Athens School of Fine Arts (Painting) 2002–2004 Postgraduate Programme in Digital Arts SOLO EXHIBITIOnS 2009 - Kapsel, Gallery Françoise Heitsch, Munich, Germany 2005 - Kosmos, Cork Vision Centre, Cork, Ireland 2004 - The view that I love, Siakolas Tower, Nicosia, Cyprus - Smoking seriously damages the country, Diaspro Art Center, Nicosia, Cyprus 2002 - ¥€$, gallery a.antonopoulou, Athens, Greece - Occupied, gallery Mylos, Thessaloniki, Greece 2001-2002 - x365, (currency change), 365art project, Athens, Greece 1999 - Space-Eater, Diaspro Art Centre, Nicosia, Cyprus 1996 - Graduate Show, National School of Fine Arts, Athens, Greece 1994-95 - Opportunist III, Installation in an abandoned neoclassical building at the National School of Fine Arts, Athens, Greece 1994 - Opportunist II, Installation in abandoned fields, Nicosia, Cyprus SELECTED GROUP EXHIBITIOnS 2009 - The roads after, European Cultural Centre of Delphi, Delphi (cur.: Maria Marangou) Fairs Athens, gallery Françoise Heitsch, Athens, Greece - The Creation of the Image – The Consumption of Emotions/ The Consumption of the Image - The Creation of Emotions, 10 years after, House of Cyprus, Athens, Greece (cur.: Lina Tsikouta) 2008 - Artist in Residency programme of Forum European Cultural Exchanges, Action Field Kodra, Thessaloniki, Greece (cur.: Ruth Noack) - Paris/Cyprus, European Cultural Month, gallery Nikki Diana Marquardt, Paris, France (cur.: Andri Michael) - Looking forward to hearing from you, Action Field Kodra, Thessaloniki & Gounaropoulos Museum, Athens, Greece (cur.: Andri

Michael) - No place – no space, gallery zeon, Athens, & gallery Diatopos, Cyprus (cur.: Marilena Koskina) - Waiting news from you, Gounaropoulos museum, Athens, Greece (cur.: Andri Michael) 2007 - Grey (I had a dream Cyprus was a superpower), House of Cyprus, Athens & Rethymnon Centre for Contemporary Art, Crete, Greece (cur.: Maria Marangou) - Crossings: A Contemporary View, Nicosia Municipal Art Centre, Nicosia, Cyprus (cur.: Yiannis Toumazis, Andri Michael) - Meeting Europe – Cyprus, La Chataigneraie – Centre Wallon d’ Art Contemporain, Liege, Belgium (cur.: Dimitri Konstantinidis) 2006 - The Scarecrow, E. Averoff Museum, Metsovo, Greece (cur.: Olga Daniylopoulou) - Meeting Europe – Cyprus, Palais du Rhin, Strasbourg, France (cur.: Dimitri Konstantinidis) 2005 - Treason of Sculpture, Gallery Mario Sequeira, Braga, Portugal (cur.: Davvid Baro, Agar Ledo) - Accidental Meetings, Nicosia Municipal Art Centre, Nicosia, Cyprus (cur.: Yiannis Toumazis) - Seducidos polo Accidente, Luis Seoane Foundation, Corunna, Spain (cur.: David Baro, Agar Ledo) 2004 - Instant Europe, Villa Manin, Centre for Contemporary Art, Passariano, Italy (cur.: Francesco Bonami and Sarah Cosulich Canarutto) - The joy of my dreams, BIACS 1st international Biennale of Contemporary Art of Seville, Spain (cur.: Harald Szeeman) - Athena by art, Athens, Greece (cur.: Christina Petrinou) - Fair ARCO, Gallery a.antonopoulou, Madrid, Spain - Twelve Positions in Contemporary Greek Art, European Patent Office Munich, Germany (cur.: Françoise Heitsch) - ausderferne, ausdernähe, ausdermitte, Galerie Françoise Heitsch, Munich, Germany (cur.: Françoise Heitsch) 2003 - EUROPE EXIST, Macedonian Museum of Contemporary Art, Thessalonica, Greece (cur.: Rosa Martinez & Harald Szeeman) - Sketching out Tomorrow and Yesterday, Young Greek artists, tribute to the region of Yiannena, Macedonian museum of Contemporary art, Thessaloniki & Gazi, Athens, Greece (cur.: Lina Tsikouta) 2002 - La Belle et la Bete, Centre d’Art Contemporain, Bruxelles, Belgium - Sketching out Tomorrow and Yesterday, Young Greek artists, tribute to the region of Yiannena, E. Averoff museum, Metsovo, Greece (cur.: Lina Tsikouta) 2001 - DestePrize 2001, Deste Foundation Center for Contemporary Art, Athens, Greece - La Belle et Bete, Palais du Rhin, DRAC Alsace, Strasbourg, FRAC Corse, Corde, Cor-

sica, Casteliotissa, Nicosia & Macedonian museum of Contemporary art, Thessaloniki, Greece (cur.: Dimitri Konstantinidis) 2000 - From Chisel to Amber – 100 Years of Contemporary Sculpture in Cyprus, National Gallery of Contemporary Cypriot Art & Casteliotissa, Nicosia, Cyprus - Artists of the Spyropoulos Museum, The Foundation of the Hellenic World, Athens, Greece (cur.: Olga Daniylopoulou) 1999 - Biennial of Young Artists, Rome, Italy (cur.: Jannis Kounellis) - 1998 Spyropoulos Foundation Awards, Yiannis Spyropoulos Museum, Athens, Greece (cur.: Olga Daniylopoulou) 1998 -Young Cypriot Artists, Palais des Nations, Geneva, Switzerland - Time, House of Cyprus, Athens, Greece - The Berlin Wall, Nicosia Municipal Arts Centre, Nicosia, Cyprus - The Creation of the Image – The Consumption of Emotions/ The Consumption of the Image -- The Creation of Emotions, House of Cyprus, Athens, Greece (cur.: Lina Tsikouta) 1997 - Class of ’96, the National Gallery, Athens, Greece - A Century of Visual Artistic Creation – Works from the National Collection of Contemporary Art, HELEXPO – Thessaloniki, 1997 Cultural Capital of Europe, Thessaloniki, Greece - advARTising – 50 Years of ADEL Saatchi & Saatchi, Pierides Gallery, Athens, Greece (cur.: Olga Daniylopoulou) Finlandia Finland Kiba Lumberg

Born in Lappeenranta, Finland in 1956.

1979 -81 Conservatory of Helsinki 1983-85 Artistic handicraft course for Gypsy entrepreneurs (University of Art and Design Helsinki UlAH) 1985-87 Extra student at UlAH SOLO EXHIBITIOnS 2008 - Woman’s Way, Katariina Gallery, Helsinki, Finland - The Best of Beyond, The Finnish-Norwegian Institute, Oslo, Norway 2007 - My Time is Indefinite, Rovaniemi Art Museum, Finland 2006 - 50th anniversary exhibition, Galleria Uusi-

talo, Helsinki, Finland - Julmuus on jokapäiväistä [Cruelty is Daily], Kiban Aurinkogalleria [the gallery of Kiba Lumberg], Helsinki, Finland 2005 - Take Me Away, Pori Art Museum, Pori, Finland - Take Me Away, Kiban Aurinkogalleria, Helsinki, Finland 2004-2005 - Gallerie Art Adeleine 2004 - Oluthuone William K, Helsinki, Finland - Varkaus Theater, Varkaus, Finland 2003 - Gallerie Nasledie, St. Petersburg 300th Anniversary (Finland Week), Russia Lappeenranta Art Museum, Finland - Galleri Cupido, Stockholm (together with Finnish National Museum), Sweden - Galleria Bronda, Helsinki, Finland - Finnish National Museum, Helsinki, Finland - Gallerie Pelin, Helsinki, Finland - Galleri Marius Projekt, Copenhagen, Denmark - South Carelian Art Museum, Lappeenranta, Finland - Oluthuone William K, Helsinki, Finland - Kiban Aurinkogalleria, Helsinki, Finland 2002 - Kiban Aurinkogalleria, Helsinki, Finland 1998 - 2001 - Kiba’s studio [work room exhibition], Helsinki, Finland - Nordea Bank, Helsinki, Finland - Bar Klaus Kurki, Helsinki, Finland - Solana Fitness, Helsinki, Finland 1997 - Kallio Library, Helsinki, Finland 1996 - Lappia House, Rovaniemi, Finland - Merita Bank, Porvoo, Finland - The League of Finnish Feminists, Helsinki - Lepakko Bar & Club, Helsinki, Finland - HSP Bank, Helsinki, Finland - Kuopio tanssii ja soi music festival, Kuopio, Finland - The Finnish-Swedish Cultural Centre of Hanasaari, Espoo, Finland 1984 - Valkoinen sali, The Old Student House, Helsinki, Finland GROUP EXHIBITIOnS ABROAD 2009 - Happy Together, Tallinn Art Hall, Estonia 2008 - Roma Art Pavilion group exhibition (selection), Paris, France - Roma Art Pavilion group exhibition, Prague, Czech Republic - Roma Art Pavilion group exhibition, Brussels, Belgium 2007 - Roma Art Pavilion, Venice Biennale, Italy GROUP EXHIBITIOnS In FInLAnD 2009 - Mänttä Art Festival, Mänttä - Interfaces and Sectors, Angelo Gallery, Pori 2008 - Fight and Reconciliation, Hall Gallery 10th anniversary, Cable Factory, Helsinki - Fight and Reconciliation, Gjutars Gallery,

133

Vantaa 2007 - Self-Portrait, Katariina Gallery & Rantakasarmi Gallery, Helsinki 2005 - Sovintola Galleria, Kesälahti, Finland - Finnish Painters’ Union exhibition at Cable Factory, Helsinki 2004 - Maila Talvio Salonki, Hartola - Kallio kukkii ja kipinöi, annual Kallio district festival, Helsinki 2001 - Finnish Painters’ Union exhibition at Cable Factory, Helsinki - Art Paimensaari, Savitaipale - Samaa maata, Pori Art Museum - The 98th Annual Exhibition of Finnish Artists, Karkkila 1993 - Suvi-Pinx, summer exhibition, Sysmä 1992 - Suur-Helsingin ja Uudenmaan aluenäyttely, Helsinki - Finnish Painters’ Union exhibition at Cable Factory, Helsinki - Helsinki Cathedral Crypt - University of Art and Design UlAH, Helsinki WORKS In PUBLIC COLLECTIOnS Helsinki City Museum, Finnish National Museum, Helsinki City Art Museum, Pori Art Museum, Porvoo Art Museum (Porvoo, Finland), Yrjö A. Jäntti Collection, South Carelian Art Museum (Lappeenranta, Finland), University of Art and Design UlAH (Helsinki), Thominvest Oy AWARDS AnD RECOGnITIOnS 2008 - Stina Krook Foundation - The Finnish Cultural Foundation, Association Member GRAnTS 2009 - State Grant for Artists 2008 - The Arts Council of Finland 2007 - Public Display Grant for Visual Artists STUDIES AnD CULTURAL EXPERIEnCES ABROAD 2008 Hamburg, Germany 2007 Budapest, Hungary 2007 Venice, Italy OTHER ARTISTIC ACTIVITIES 2008 - The Night of Velvet, novel, published by Sammakko Kustantamo Oy 2007 - Roma artists’ workshop, Venice, Italy - Lecturer and novel writer, three week artist residency, Roma Pavilion, Palazzo Pisani S. Marina, Venice, Italy - Artspace and cultural interactions, Venice, Italy, guest lecture at conference - Writers’ work, Pirkkala Municipal Library, guest lecture at conference 2006 - Repaleiset siivet [Ragged Wings], novel, Sammakko Publishers - Helsinki kehyksissä [ln Frames], book. Art from the collections of Helsinki City Museum, collection of paintings from different

134

decades 2005 - First book event, Literature seminar, Pentinkulma, Urjala, Finland 2004 - Musta perhonen [Black Butterfly], novel, Sammakko Publishers - Oluthuone William K, planning and realisation of a performance (Night of the Arts) Transforming the manuscript Tumma ja Hehkuva Veri [Dark and gleaming Blood] into a theater version, premiere in Varkaus Theater 2004 - Gypsy Comix, cartoon exhibition 2003 - Planning of Kallio Kipinöi performance (music, scriptwriting, set, performing) 2002 - Night of the Arts (performance planning and realisation) - Planning of Kallio Kipinöi performance (music, scriptwriting, set, performing) - Planning of Kallio Kipinöi performance (music, scriptwriting, set, performing) - A story in the book Elämäni Opettaja [Teacher of my Life] 1999 - Mustalaiskuvia [Gypsy Pictures], Kiasma Museum of Modern Art - Cover painting Muisto Suomesta for the book based on the exhibition Samaa maata - Viisi Helsinki, Finlandläistä, video, script and direction, Mustalaiskuvia, video, script 1997 - Tumma ja hehkuva veri, television series manuscript, viewed on TV2 Finland 1997-98 as a 4-episode series (directed by Eija- Elina Bergholm), chosen to represent Finland in the 1998 Prix Italia drama series 1993 - Kettupäivät (documentary video); GräiHevonen, performance - Gypsy-comix, Manuscript for the Cartoon of the Month in Finnish magazine lltaSanomat 1990 - Script for documentary video Gräi-Hevonen UPCOMInG GROUP EXHIBITIOnS 2009 - Roma Art Pavilion group exhibition (selection), Great Britain BIBLIOGRAPHY Laura Selin - Esko Nummelin: Kiba Lumberg, Vie minut pois / Musta Perhonen – Take me away / Black Butterfly, Pori Art Museum Publications 75, 2005 Finlandia Finland Hannu Palosuo

Born in 1966 in Helsinki, Finland.

EDUCATIOn

1991-1993 University La Sapienza in Rome - History of Art 1993 - 1997 Fine Arts Academy in Rome - Painting SOLO EXHIBITIOnS 2009 – Omaggio al sublime di Turner, MLB Home Gallery, Ferrara, Italy 2008 – My life was a burning illusion, Galleria De Crescenzo & Viesti, Rome, Italy – Denying one’s destiny, Galleria Uusitalo, Helsinki, Finland – When the truth lies, Willa Mac Museum of Finnish Contemporary Art, Tampere, Finland – Time will tell, Maretti Arte Monaco, Monte Carlo, Principality of Monaco 2007 – The rest of nothing, Istituto Iberoamericano de Finlandia, Madrid, Spain – Given the change would I return, Galleria Nuovo, Lahti, Finland – The rest of nothing, Museo Zorrilla, Montevideo, Uruguay 2006 – The dream that dares not to tell its name, Heinola Art Museum, Heinola, Finland – The rest of nothing, Focal Point, Buenos Aires, Argentina – In silence dreams are hidden, Alex Gallery, Washington d.c., USA – Harmonische Rhythmen, Herbergenmuseum, München, Germany 2005 – Hannu Palosuo, Sojoh University Gallery, Kumamoto, Japan – In Silence Dreams are Hidden, Galleria De Crescenzo & Viesti, Roma, Italy – Hannu Palosuo, Gallery Takechi, Kumamoto, Japan GROUP EXHIBITIOnS (SELECTIOn) 2009 – 53.International Art Exhibition - Biennale di Venezia, Venice, Italy – Tabù, Giffoni, Salerno, Italy 2008 – Camino al Bicentenario, Precidencia de Nacion, Buenos Aires, Argentina – Sconfinamenti, Museo Nazionale di Castel Sant’Angelo, Rome, Italy 2007 – Erwartung – Attesa, Fondazione Valerio Riva, Venice, Italy – Baltico – Mediterraneo, Museo Nazionale di Castel Sant’Angelo, Rome, Italy 2006 – Museo de Casilda, Casilda, Argentina – Europa aperta, Trentino, Italy; Bad Gandersheim, Germany; Arezzo, Italy; Sarajevo, Bosnia – Aida Cherfan Fine Arts, Beirut, Lebanon 2005 – Plot@art, Art Gallery Hart, Diest, Belgium – Windows on Italian painting, Embassy of Italy, London, United Kingdom WORKS In PUBLIC COLLECTIOnS Fundacion CABA, Buenos Aires, Argentina Fundacion Mundo Nuevo, Buenos Aires, Argentina Università di Bologna Representación en Buenos Aires, Buenos Aires, Argentina

Università 3 de Fevero, Buenos Aires, Argentina Istituto Italiano di Cultura, Buenos Aires, Argentina Helsinki City Art Museum, Helsinki, Finland Heinola Art Museum, Heinola, Finland Paulo Foundation, Helsinki, Finland Willa Mac – Museum of Finnish Contemporary Art, Tampere, Finland OKO Bank Collection, Helsinki, Finland Nordic Investment Bank Collection, Helsinki, Finland Voipaalan Taidekeskus, Sääksmäki, Finland Hospital of Päijät-Häme, Lahti, Finland Herbergenmuseum, München, Germany Fondazione Valerio Riva, Venice, Italy Fondazione la Sartirana Arte, Sartirana, Italy d’AC Collection, Ciampino, Italy Museo della mattonella, Messina, Italy Fendi Collection, Rome, Italy Museo Marco Scacchi, Gallese, Italy Province of Florence, Italy Sojo University, Kumamoto, Japan National Gallery, Amman, Jordan Royal Cultural Center, Amman, Jordan Instituto Iberoamericano, Madrid, Spain Apotekets Konst Forening, Stockholm, Sveden Istituto Italiano di Cultura, Ankara, Turkey Consolato di Italia, Izmir, Turkey Museo Zorrilla, Montevideo, Uruguay Francia France Bernard Pourrière

Born in Sidi-Bel-Abbès (Algérie) in 1961.

Lives and works in Gardanne.

SOLO EXHIBITIOnS 2009 - Galerie Depardieu, Nice, France 2008 - Art Museum Carre Bonnat, Bayonne, France 2008 - Arteko Gallery, San Sebastian, Spain - Galerie Depardieu, Nice, France 2006 - Espece Composite, Center For Contemporary Art Cairn, Digne, France 2006 - ECM, Martigues, France 2003 - The Month of Photography, Bratislava, Slovak Republic 2003 - Hybride 2, Art-Position, Marseille, France 2002 - Proximite 0-1, Center For Contemporary Art - Una Volta, Bastia, France 2002 School Art, Tempe Arizona, Usa

2001 - Eden 3, Performance, Prague, Czech Republic 2001 - Images Hybrides, Cultural Center - Marcel Pagnol, Fos-Sur-Mer, France 2000 - Scientific Center, Cemagref, Aix En Provence, France 2000 - Les Jardins, Center for Contemporary Art, La Valette sur Var, France 1995 - Terre et Transformation, Geology Center, Digne Les Bains, France 1992 - Interieur, Chateau de Servieres, Marseille, France GROUP EXHIBITIOnS 2005 - Videoformes Festival, Video Art, ClermontFerrand, France - Center For Contemporary Art, 200rd10, Vauvenargues, France 2004 - Multimedia Biennal of Liege, Center For Contemporary Art - Les Chiroux, Belgium 2004 - 15 Ans, Chateau de Servieres, Marseille, France 2000 - Promenade au Chateau, Chateau De Servieres, Marseille, France - Galerie du Bosphore, La Seyne-Sur-Mer, France 1999 - Credit Photo, Maison Des Comoni, RevestLesñeaux, France 1998 - 10 Espaces 10 Artistes, Chateau de Servieres, Marseille, France - Galerie du Tableau, Marseille, France 1997 - Galerie Manu Timoneda and atelier Cezanne, Aix en Provence, France 1996 - 118 m2, Galerie Manu Timoneda, Aix en Provence, France 1995 - Des Artistes sur le Port, Chateau de Servieres, Marseille, France 1995 - Memoires de La Terre, Geology Center, Digne, France 1994 - Exposel, School of Art, Aix en Provence, Venelles, France - Culture et Entreprise, Aix en Provence, France 1991 - Salon de La Jeune Peinture, Grand Palais, Paris, France

Georgia Eteri Chkadua

Lives in New York city and Kingston, Jamaica.

EDUCATIOn 1988 MFA, Tbilisi Academy of Arts, Tbilisi, Georgian Republic 1987-1988 Department of Mural Painting, Tbilisi Academy of Arts 1981-1983 Department of Fashion Design, Tbilisi Academy of Arts TEACHInG EXPERIEnCE 1996-1997 Instructor of Painting and Composition, Graduate Program, New York Academy of Arts, New York, NY, USA 1990 Artist in Residence and Visiting Professor, University of California, Department of Fine Arts and College of Creative Studies, Santa Barbara, CA, USA SOLO EXHIBITIOnS 2009 - The PooL NYC, first Venice, Italy 2008 - Luna Kulturhus, Sweden 2007 - 52nd International Art Exhibition – La Biennale di Venezia, Georgian Pavilion, Venice, Italy 2005 - Corridor gallery, Brooklyn NY, USA 2004 - Casas Reigner gallery, Miami, Fl, USA 2004 - Sperone-Westwater, New York, NY, USA 1995 - Navy Pier, Chicago, IL, USA 1990 - Maya Polsky Gallery, Chicago, IL, USA GROUP EXHIBITIOnS 2001 - Art and Politics, Tribe, New York, NY, USA - Dumbo Double Deuce, Brooklyn, NY, USA 1999 - Nude, Aldredge Museum, Connecticut, USA 1997 - Upton gallery, Buffalo State college Museum of Art and Archaeology, University of Missouri, Missouri, USA - Kitchen , New York, NY, USA - Reversing the Gaze, Indiana University (Northwest) Museum, Indiana, USA - From Georgia to Georgia, International Art Exhibition, Atlanta, GA, USA 1995 - Vrej Baghoomian Gallery, New York, NY, USA

1990 - Maya Polsky Gallery, Chicago, IL, USA 1988 - Travelling exhibition in USSR of best diploma works SELECTED AWARDS 1998 - Creative time 1997 - New York Foundation for the Arts 1994 - Pollock-Krasner F Contact: echkadua @yahoo.com Germania Germany Gabriele Pöhlmann

Born in 1957 in Nürnberg.

1975–1979 Studied at the Academy of Fine Arts in Nürnberg under Prof. Günther Vogelsamer SOLO EXHIBITIOnS 1992 - Commerzbank, Fürth, Germany 1993 - Galerie Leu, Rottach - Egern/München, Germany - Beim Winzerer, Bad Tölz, Germany GROUP EXHIBITIOnS 1987 – 1988 - Haus der Kunst, Munich, Germany 1991 - ART 6 in Nürnberg, Nürnberg, Germany 1994 - Bürgerhaus in Garching, Perspektiven 94, International graphic arts and small sculptures, including the Pro Art Graphic Art Prize, 3. prize, Germany - Art Automobil, Autohaus Becker in Düsseldorf, Germany 1995 - 100 works - 100 artists, Nürnberg Turm, Germany - Dialogues 95, Savar, Hungary - Art Automobil, Autohaus Becker in Düsseldorf, Germany 1996 - Fürth artists for peace, Auferstehungskirche in Fürth/Bavaria, Germany - Art Automobil Autohaus Becker in Düsseldorf, Germany 1997 - Galerie Thamm, Zurich, Switzerland Tutz Bank, Zurich, Switzerland - Bürgerhaus Gersthofen, Gersthofen, Germany 1998 - Credit Suisse Bank, Munich, Germany 1999 - Kloster Benediktbeuern, Benediktbeuern, Germany - Insight – Outlook, Arbeitskreis 68, Wasser-

burg, Germany 2000 - Dresdner Bank, Nürnberg, Germany 2001 - Kunstsalon, Haus der Kunst, Munich, Germany - Haus der Kunst, Munich FMdK (Freie Münchner und Deutsche Künstlerschaft e.V.), Germany 2002 - Galerie Leupi/Elke Ohly, Bad Homburg, Germany - Galerie Rahmenkunst Nuremberg, Nuremberg, Germany - Galerie Leupi, Zofingen, Switzerland 2003 - Galerie Leupi, Ascona, Switzerland - Leupi Art Vienna, Austria - Vernissage at Netz/Elke Vogt-Ohly, Bad Homburg, Germany 2004 - FmdK Budapest, Hungary - FmdK Bekes, Hungary - Mercedes Benz Showroom, Munich, Germany 2005 - Haus der Kunst, Munich FMdK (Freie Münchner und Deutsche Künstlerschaft e.V.), Germany 2006 - art-st-urban, Switzerland - Art Karlsruhe, Galerie Fritz Winter Atelier, Germany - FMdK at 24. Juni in Jenadorf and Güssing, Austria 2007 - art-st-urban, Switzerland 2008 - art-st-urban, Switzerland Germania Germany Bertamaria Reetz and Rainer Bonk

Bertamaria Reetz Born in 1952 at Ripsdorf/ Eifel 1986–1991 She studied Art and Painting with Antonin Málek and Rainer Aring in Cologne and with Ulf Meyer at Campo dell'Altissimo, Italy 1991–1994 She studied at the Academy of Fine Arts in Düsseldorf with Prof. Siegfried Cremer SOLO EXHIBITIOnS 1994 - Château de Pont-l'Abbé, France in the Town Hall of Frechen 1995 - Miserere-Zyklus, in the Basilica of the Convent of Knechtsteden, Dormagen - Sterbenswort und Totentanz, multimedia artistic performance at St. Peter, Zülpich 1996

135

- Fluchtwege, multimedia artistic performance in the Basilica of the Holy Apostles, Cologne - Fluchtwege, multimedia artistic performance in the San Gregorius House, Aachen - Dem Leben auf der Spur, in the Catholic Centre, Euskirchen - Basilica of the Convent of Knechtsteden, Dormagen 1997 - Courthouse in Cologne and in Burg Langendorf, Zülpich 1999 - Oppenhoff & Rädler, Cologne - Kunstverein Erftstadt e.V. in the Alten Stadthaus Erftstadt - Annäherungen an Afrika in the Town Hall of Pulheim 2000 - Diocesan Museum of Kattowitz, Cracovia, Oppeln and Brelasvia Poland - Menschenbilder, exhibition and multimedia performance in the Deaconate at Zülpich Civic Museum of Chorzów, Poland and in the Richter Gallery at Überlingen 2001 - Belebung – Figuren und Akte, in the Mother House in Cologne and in the Propstein Museum at Zülpich - Mönter Gallery, Düsseldorf 2002 - Menschenbilder, exhibition in the Catholic Centre in Meckenheim and in five Churches in Meckenheim 2003 - Set designs for Seven scenes from Faust I

by J.W. Goethe, University of Cologne, (July) 2004 - Der Mensch im Schatten, churches of Pulheim and Stommeln - Mensch und Begegnungen, in the Civic Museum of Euskirchen - Set designs for Urfaust by J.W. Goethe, University of Cologne, (July) 2005 - Die Troerinnen des Euripides, Dramatic Theatre of the University of Cologne (June) - Special performance on 6 September at the Culture Festival Casinale 05 in Euskirchener - Exhibition with faces in black and white in the Theatre in Wuppertal 2006 - Momente, Exhibition in the Käthe Kollwitz House at Moritzburg / Dresden - Das Wesentliche, in the Regional Museum of Upper Hesse, Ratingen – Hösel in the Kollwitz Museum Moritzburg / Dresden - Founding of the company CREATIV HELP 2007 - Civic Museum of Siegburg - Virtual Exhibition in the Saatchi Gallery Rainer Bonk Born in 1945 at Lemgo (Lippe). He lives and works at Rheinberg and in Cologne.

He began his career as a designer and creator of jewellery. Since 1999 he has been engaged in conceptual art, with installations in public spaces.

For him, art means action and social commitment. Large-scale projects, always in an effective relationship with nature, have suc-

136

ceeded in bringing his work to the attention of the State authorities.

His name is linked with important ventures in favour of childhood. Alongside his humanitarian activities, Bonk also works in advertising campaigns, though these too are dominated by social questions: the inhabitants of Brühl were surprised by a curious installation representing a huge field of asparagus: blue asparagus, of course artistically located in the town’s pedestrian precincts.

The Region, which is renowned for its vegetable crops, was going through a difficult moment in asparagus production for political and economic reasons.

Bonk’s blue asparagus was more effective than a trades union protest.

Grecia Greece Venia Bechrakis

Born in Athens. She has studied painting in the Fine Arts School of Athens and received a scholarship from the Alexander Onassis Public Benefit Foundation for MFA studies in New York University.

Along with the Alexander Onassis Foundation Scholarship in 2000, Bechrakis has received the Jack Goodman Award for art and technology in 2002 and the Gerondelis Foundation Grant in 2001. Also, Bechrakis received in 2003 a grant from the National Endowment for the Arts for a one-person show in Real Art Ways, Connecticut. Bechrakis has exhibited her work internationally.

SOLO EXHIBITIOnS 2009 - Strange Weathers, Melenia Art Gallery, Bucharest, Romania 2008 - Urban Dwellings, Zina Athanassiadou Gallery, Thessaloniki, Greece 2006 - Within-Without, Zoumboulakis Galleries, Athens, Greece 2003 - Within-Without, Real Art Ways, Hartford Connecticut, USA SELECTED GROUP EXHIBITIOnS 2009 - Face to Faces, curated by Isabelle de Montfumat and Aggeliki Grammatikopoulou, 2nd Biennial of Thessaloniki, Thessaloniki Museum of Photography, Greece - ART ATHINA 2009, Zina Athanassiadi Gallery, Gallerie Basia Embiricos, Athens, Greeced - Kostas Tsoklis, Afrodite Liti, Michalis Manoussakis, Venia Bechrakis, Melenia Art Gallery, Bucharest, Romania - Material Links, Center of Contemporary

Art, State Museum of Contemporary Art, Thessaloniki, Greece - The Water, Thessaloniki Museum of Photography, Thessaloniki, Greece 2008 - Material Links, Technopolis, Athens, Greece - Environment-Action ‘08, Villa Kazouli, Athens, Greece - Art Photo Expo Miami 2008, Zone D and Gallerie Basia Embiricos, Miami Art Basel, Miami, USA - Material Links, Museum of Contemporary Art (MOCA), Shanghai, China - ART ATHINA 2008, Zina Athanassiadi Gallery, HELEXPO, Athens, Greece - Art Beats II- 37 Scholars of the Onassis Foundation, Onasseio Hospital, Athens, Greece 2007 - Heterotopias, Public Screen, curated by Syrago Tsiara, 1st Biennial of Thessaloniki, Thessaloniki, Greece - Echelon-Who is watching you?, Polvo Gallery Chicago, USA - Bodyconnections, La Maison de la Photographie, Tashkent, Uzbekistan - The Chronicle of the Absurd curated by Bia Papadopoulou, Museum of Photography, Thessaloniki, Greece 2006 - FROM TO, Melina Merkouri Foundation, Athens, Greece 2005 - The human figure in a manipulated environment, curated by Lisa Williams, ARTISTS SPACE, New York, USA 2004 - ART ATHINA 2004, AD Gallery, Hellinikon Airport, Athens, Greece 2003 - 18 Wheeler, curated by Juan Puntes, The Annex-White Box, New York, Greece - Cosmos, 11th Biennial of Young Artists from Europe and the Mediterranean, Athens, Greece - MFA Show, 80 Washington Square East Galleries, New York, Greece 2002 - The Jack Goodman Award For Art and Technology, Rosenberg Gallery, New York, USA 2001 - 1000 Drawings Night, Artists Space, New York, USA 2000 - Deconstruction, Angel Orensanz Foundation for the Arts, New York, USA COLLECTIOnS 2008 Thessaloniki Museum of Photography, Greece 2001 Eleytherios Venizelos - New Airport of Athens, Greece

Grecia Greece Aristotelis Deligiannidis

Born in 1984, in Kavala, Greece, where he lives and works. In 2008 he participated at the annual visual arts festival Action Field 2008 in Thessaloniki, Greece.

Grecia Greece Under Construction

Under Construction is a collective visual experiment based on the idea of re-construction. As an artists’ group, Under Construction was formed during the summer of 2008. The group first presented work at Action Field Kodra 2008 – annual visual arts festival, in Thessaloniki, Greece, with the installation “άντερ κονστράξιον”. At the fall of the same year the group was invited at My Living Room art space in Athens, Greece, to create a monthly project titled “Our Living Room” that focused on the idea of artistic cohabitation while realizing works, events and discussions around that subject.

In April 2009 the group participated in the exhibition Design ’09 at the House of Cyprus, Athens, with the work entitled “To spiti tis…”. In June 2009, Under Construction presented the installation EXIT at Zoumboulakis Galleries, Athens.

Group members are: Kostas Christopoulos, Panos Famelis, Maro Fasouli, Giorgos Giannakopoulos, Iasonas Kontovrakis, Xanthi Kostorrizou, Alexandros Laios, Spyros Nakas, Nikos Papadopoulos, Krisanthi Papaxenou, Christina Sgouromiti and Georgia Tourmouzi.

India nataraj Sharma

Born in Mysore in 1958.

1982 Graduated in Applied Arts, Faculty of Fine Arts, Maharaja Sayajirao University of Baroda Honours and Awards 2006 Residency at Singapore Tyler Print Institute (STPI), Singapore 1993 Sotheby’s Award for Best Emerging Artist SELECTIOn OF EXHIBITIOnS 2008 - Frontline: Notations from the Contemporary Indian Urban, Bodhiberlin, Berlin, Germany 2008 - India Crossing, Studio La Città, Verona, Italy - Represented by Bodhi Art at abc Art Berlin Contemporary, Berlin, Germany 2007 - Edge of Desire, National Gallery of Modern Art (NGMA), Mumbai, India - Graduated in Applied Arts, Faculty of Fine Arts, Maharaja Sayajirao University of Baroda at Singapore, - Mumbai and New York (solo) - Flight, Art and Public, Geneva and Bodhi Art, Mumbai (solo) 2006 - Edge of Desire: Recent Art in India, Berkeley Art Museum, CA, USA - Edge of Desire: Recent Art in India, Montalvo Arts Center, Saratoga, CA, USA - Edge of Desire: Recent Art in India, MARCO Monterrey, Mexico - Indian Summer, Ecole Nationale des Beaux Arts, Paris, France - Hungry God: Contemporary Art from India, Aario, Beijing and Museum of Modern Art, Busan, China - El Filo del Deseo - Arte Reciente en India, Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey MARCO, Mexico 2005 - Edge of Desire: Recent Art in India, Museo Tamayo, Mexico City, Mexico - Edge of Desire: Recent Art in India, Asia Society and Museum, New York, USA - Edge of Desire: Recent Art in India, Queens Museum of Art, New York, USA - Edge of Desire: Recent Art in India, Art Gallery of Western Australia, Perth, Australia - The Artist Lives and Works, Haus der Kulturen der Welt, Berlin , Germany - Bose Pacia, New York, USA (solo) - Nataraj Sharma • Vapi Horse and Other Stories, Nature Morte, New Delhi, India (solo) - iCon: India Contemporary, 51st Venice Biennale, Italy 2003 - Ways of Resistance, Sahmat, Rabindra Bhavan, New Delhi and Mumbai, India 2001 - Kitsch Kitsch Hota Hai, presented by Gallery Espace at India Habitat Centre, New Delhi, India 2000 - Recent Works, Sakshi Gallery, Mumbai, India (solo) - Nature Morte, New Delhi, India (solo)

Italia Italy Cosimo Andrisano

Born in Mesagne (Brindisi) in 1971.

He lives and works in Salvaterra, Reggio Emilia.

He attended the State Art School of Lecce, and he graduated at the Academy of Fine Arts in Lecce.

SOLO EXHIBITIOnS 2007 – Muri Parlanti (Speaking Walls), Casa d’Arte San Lorenzo, curator Anna Caterina Bellati, Milan, Italy – Le tracce della storia • I colori della materia (Outlines of History - Material’s colours), Galleria d’Arte Spazio Design, organized

by Casa d’Arte San Lorenzo, Bellinzona, Switzerland 2006 – Codice d’Accesso (Access code), – Cont@ iner Art Gallery, Sassuolo, Modena with Casa d’Arte San Lorenzo, Italy – La Storia tra le Mani (History in your Hands), Musei di Porta Romana, Milan, Italy – Icone (Icons), Galleria Carlo Livi, Prato, Italy GROUP EXHIBITIOnS 2008 – Week of Art, IGV Club Santa Giusta, Casa d’Arte San Lorenzo, Castiadas, Sardegna, Italy – Weekend of Art, Poggio dei Medici Golf Resort, Casa d’Arte San Lorenzo, Italy 2007 – Week of Art, IGV Club Santa Giusta, Casa d’Arte San Lorenzo, Castiadas, Sardegna, Italy – Weekend of Art, Grand Hotel San Marco, Casa d’Arte San Lorenzo, Casciana Terme, Pisa, Italy 2006 – Week of Art, IGV Club Le Castella, Calabria, Casa d’Arte San Lorenzo, Italy – Weekend of Art, Green Park Resort Hotel, Casa d’Arte San Lorenzo, Italy 2005 – Icone (Icons), Musei di Porta Romana, The Art of Reversi, Milan, Italy 2004 – The object in the Art; Carlo Livi 115 Art Gallery, Prato, Italy – (Group Exhibition), Montecampione, Brescia Italy – Il Guardiano dei Sogni (The Dreams Keeper), Villa Demidoff, Florence, Italy – Art and Shoes, Container Art Gallery, Sassuolo, Modena, Italy 2003 – ExpòArte Bari, Casa d’Arte San Lorenzo, Bari, Italy – Arte Padova, Casa d’Arte San Lorenzo, Padova, Italy

2002 – Artefiera Montichiari, Casa d’Arte San Lorenzo, Montichiari, Brescia, Italy; – Arte Padova, Casa d’Arte San Lorenzo, Padova, Italy 2001 – ExpòArte Bari, Il Collezionista Art Gallery, Rome, Italy 1998 – Una finestra sull’Arte (A window overlooking the Art), Doria Valmontone Palace, Rome, Italy 1997 – Limite secolo (Border Century), LS Arte Contemporanea, Brindisi, Italy – Collettiva Artisti Romani Metamorfismo, Rospigliosi Fegarolo Palace, Rome, Italy 1996 – Spoletoarte, Art Gallery, Spoleto, Perugia, Italy – Artefiera Pordenone, Pordenone, Italy; – 39° Festival dei Due Mondi (The Spoleto Festival - 39th Edition), Spoleto, Perugia, Italy – Arte in Arte (Art in Art), Rocca Paolina; Perugia, Italy – Immediato (Immediate) - Teatro senza Spettacolo “Performance”, Assisi, Perugia, Italy – Microinstallazioni (Microinstallations), Contact Art Gallery, Vienna, Austria – Scultura = Architettura (Sculpture = Architecture), Vita Art Gallery, Berna, Switzerland 1994 – Puliamo il Mondo (Clean the World), LegaAmbiente, Italy – Diritti e Rovesci (Rights and Backs), International Art Exhibition of Mailart, Bagno a Ripoli, Florence, Italy – Profumi di Pace (Scents of Peace), Pinacoteca Civica Emilio Notte, Ceglie M.ca, Brindisi, Italy 1993 – Disperdere l’Arte nell’Ambiente (To disperse the Art in the Environment), A.A.A. Azione Artistica Ambientalista, curator Massimo Guastalla, Lega Ambiente, Brindisi, Italy – Prossimità Etniche (Ethnic Proximities), Collettivo di ricerca culturale, Latiano, Brindisi, Italy 1992 – Principia, Aragonese Castle, Taranto, Italy Principia, Teatro Nuovo Art Gallery, Brindisi, Italy – Cerniera (Zipper), Artistic Research Laboratory, Ceglie M.ca, Brindisi, Italy – Omaggio alla Rifondazione (Tribute to Refoundation), Sala Mostre Sezione Provinciale di Rifondazione Comunista, Collettivo di ricerca culturale, Latiano, Brindisi, Italy 1990 – Progetto Spazio (Space Design), C.R.S.E.C., Lecce, Italy

Italia Italy B.Zarro

1955. Neo Expressionist.

He comes from the Mediterranean school.

After his diploma at the School of Design he studied Architecture at University. In the second half of the Eighties he travelled repeatedly in the Far East, where he visited several times Japan, South Korea, Republican China and Hong Kong; he was fascinated by the minimalism of oriental art and by the spirituality of the holy places. In the Nineties his presence was “reported” in Spain where he lived frequently between 1992 and 1998. He was a regular visitor to the famous Café Shillin”, in the barrio gotico of old Barcelona, a traditional meeting place for international and Catalan artists. In 1999 he had considerable success with a personal exhibition at the Vittoriano, one of the most important modern art centres in Rome, where he was included in a calendar of great twentieth-century artists along with Renoir, Chagall and Mirò. In 2000 one of his works, Mattress Countries, was chosen by the UN food agency (W.F.P.) as testimonial for the World Food Programme as part of a fund-raising campaign in the most important edutainment space ever created in Italy: The Village. In the same year his exhibition Hands off the game, at the gallery Le Cirque in the Parco De’ Medici, was visited by over 100,000 people. In 2002 his works, along with those of Picasso, Mirò and Matisse, were included in the commemoration for the tragedy of the Twin Towers in New York, at the event broadcast live to the world entitled Rome meets New York, music and art for Peace. In 2003 he was invited by the Susanne Shoa gallery in Chelsea to show his work at International Art Expo of New York the most important art fair on the American market. From 27 May to 28 July 2004 he had a great success with the exhibition Fragments of ethical nomadism which filled the whole area of the Stazione Termini in Rome with large installations. The Exhibition was visited by over 10,000,000 people. A versatile artist, he chooses a modern language, preferring “the charm of the unfinished” of which Picasso spoke and which he himself defines “the real cultural revolution of modern painting”. His works are to be found in villas on Capri and in Los Angeles, in the advertising spaces in London and New York, and in the most important hotels in the world. The artwork His thought is at the Guggenheim in Bilbao. At OPEN 2005 in Venice, International Exhibition of Sculptures and Installations with the participation of 44 famous artists, he received the prize 137

for the best work for his installation Trojan Horse. In 2005 he participated in Florence in the Cow Parade, the largest Art exhibition in the World, travelling to over 100 cities.

In 2006 his installation Michael Angel’s placed in Venice, S. Lucia station, during the Biennale of Architecture, was photographed by over 500,000 people and ended in newspapers worldwide and on the front page of the Washington Times. In 2007 he won the gold disc, with the album cover of the singer Fabrizio Moro, who also won the Festival of Sanremo. In the same year he designed the cover of the new album by Junior Marvin, legendary guitarist of Bob Marley. In September 2007 OPEN 10 he presented the Post-communist manifesto, a red Rolls Royce, with hammer and sickle, the first self-itinerant work in art history that has had considerable international success in the world; its tour will end in October 2009 on the 20th anniversary of the fall of the Berlin Wall. In 2008, he was founder and co-author of the MuraLex, a review of the prison walls of Rebibbia (covering 1600 metres) the greatest work of land-art produced in Italy.

Italia Italy Enrico Benetta

Born on 15 July 1977 at Montebelluna (Treviso), where he lives and works.

After having taken his degree in Decoration at the Academy of Fine Arts in Venice in 2001, he began his artistic career in contemporary art. In 2002 he took a master course in communication at INAREA, the international identity and design network in Rome; this experience led to professional artistic collaboration from 2002 onwards.

The work of Enrico Benetta is distinguished by a language made up of various styles, admirably blended by the artist’s personality, original and bursting with the desire to communicate. He blends together cultural sources which are quite distant from one another. This enables his work to reach a vast and varied audience, in which each person, depending on his or her artistic or literary sensitivity and affinities, can enjoy the result. A distinctive feature of his works, whether they be on canvas or installations, is the use of the excellent Bodoni typeface which has become a key factor in his style, creating an original random visual “pattern”.

It is as though, for Benetta, the letter were not the primary element in the word, but something that should be contemplated in its own right, as a thought that constitutes the work itself. The letters fall from the pages creating new stories, new adventures

138

which the spectator’s imagination can rework and conclude, each time giving the work a different meaning. The natural material used for the sculptures - cor-ten - gives the works that patina of the past that calls to mind all the charm of big storybooks.

Works produced in collaboration with the company De Castelli di Albino Celato at Cornuda, acknowledged worldwide as an expert in the design sector.

EXHIBITIOnS (SELECTIOn) 1998 – M. Marchesi Prize, La cuba d’oro, Rome, Italy 1999 – Percorsi d’arte, Galleria d’Arte Moderna – Bologna Carattere (Installation), Villa Barbaro, Maser (TV), Italy 2000 – Ultrasegno, Fondazione Villa Benzi Zecchini, Caerano di San Marco (TV), Italy 2001 – FigurAzione, Galleria d’Arte Contemporanea Vero Stoppioni – Santa Sofia (FC), Italy 2002 – Usi e Riabusi, Fornace di Asolo, Asolo (TV), Italy 2003 – Chi è la più bella del reame?, Palazzo Velasquez, Solarino (SR), Italy 2004 – Sogni nei cassetti, Palazzo delle Esposizioni, Rimini, Italy 2005 – La grolla d’oro Prize, Fondazione Villa Benzi Zecchini, Caerano di San Marco (TV), Italy 2007 - Incanto, Centro Storico, Asolo (TV), Italy - Incanto, Casa dei Carraresi, Treviso (TV), Italy - Acqua, Group show, Palazzo Ducale – Pavullo (MO), Italy - Reflection on art, Exhibition Hall, Frau Showroom – Dubai (U.A.E.) 2008 - Ferri in Concerto, Fuori Salone/Zona Tortona, Spazio Galvanotecnica Bugatti, Milan, Italy - Vernissage Fondazione Claudio Buziol, Palazzo Mangilli, Valmarana, Venice, Italy - Poiesis: poesia e arte nella città del fare, Old Town Centre, Fabriano (AN), Italy - Convivio 2008, Piazza del Liberty, Fiera City, Milan, Italy - Ad Alto Volume, Corso Italia, Cortina D’Ampezzo (BL), Italy - Circo, stanze d’Artista, Alexander Girardi Hall, Cortina D’Ampezzo (BL), Italy 2009 – Calendari 2009 by Enel and Alenia Aeronautica.

Exhibitions in the Showroom of Abu Dhabi and Paris by Gruppo Montezemolo.

His artworks are on permanent display in the following galleries: Galleria d’arte Martinazzo in Montebelluna (TV), Galleria d’arte Glauco Cavaciuti in Milan, Galleria d’arte Dimora Arte in Bologna.

Enrico Benetta artworks are also collected by the following private collectors: Veneto Banca, Paola Dametto Buziol, Paul G. Allen, Maria Buccellati, Marta Marzotto, Dan-

iela Santanchè, Prince Carlo Giovannelli, Philippe Daverio, Matteo Montezemolo, Luca Missoni, Omar Ronda, Emir Hamad bin Khalifa Al Thani, Emir of Qatar, Angelo Bucarelli, Giulio Cappellini, Lucio Dalla, Adriano Sartor, Aldo Zanin, Carlo Conti, Diego della Valle.

Italia Italy Cristian Biasci

Born in Cascina (Pisa) in 1970, he attended the State Art School of Pisa, where he specialised in glass and crystal making, and the Academy of Fine Arts in Florence, where he graduated from the Sculpting School.

From 1994 to 1996 he studied at the Arts Faculty of Pisa University. During his academic education he attended Antonio Alberti’s atelier as an assistant, where he acquired some experience in monumental sculpture and in portraiture. He began his professional activity in 1993. In 1997 he executed replicas of some bronze sculptures, from original designs for the restoration of Alexandrovsky Hall in the Kremlin in Moscow.

Between the end of 1998 and the beginning of 1999 he realized all the sculptures and a lot of the decorations of the Museo del Rinascimento - Museo delle Cere (Renaissance Museum and Waxworks) in Florence (58 wax portraits). From 1999 to 2001 he collaborated with Folon in different works such as L’albero dai frutti d’oro (The golden fruit tree) for the Gori Collection at Fattoria di Celle in Santomato, Pistoia.

Between 2000 and 2001 he was the curator of the planning and realization of the Museo Biografico di Padre Pio (Padre Pio Biographical Museum) in San Giovanni Rotondo, Foggia; he realized thirty wax sculptures and the setting. Since 2001 he has been working as a scene-designer producing sculptures, theatre sets and stage designs in Italy and abroad, working with such important directors as Armand Delcampe, Mario Monicelli, Giorgio Albertazzi, Beppe Menegatti, Antonio Calenda, Quirino Conti.

Every year he produces about two new stage designs for theatres and opera companies. In 2002 he designed and set up the exhibition Fatti e persone, presenze artistiche straniere in Toscana dal 1945 al 2000 (Facts and people, foreign artists in Tuscany from 1945 to 2000) by Angela Vettese at Fattoria di Celle, Santomato (Pistoia) in association with the Contemporary Art Centre “Luigi Pecci”, Prato. In 2002 he designed and set up the exhibition Chi legge cresce (Growing

by Reading) for the twentieth anniversary of Pisa Children’s Library, at Palazzo Lanfranchi, Pisa. In 2003 he designed and set up the

exhibition L’artigiano a scuola (A craftsman at school), Palazzo Lanfranchi, Pisa. In 2003 he worked on the execution of some sculptures at the Ferrari Museum in Maranello. Since 1994 he has been working for several Tuscan art foundries in order to realize his own works but also to create and take care of the moulds and different phases of casting on behalf of world-famous artists (such as Folon, and Kabacov). In 2004 he executed Net.Soul in stainless steel and recycled marble, permanently located in Centro Forum, Pisa. Since 2003 together with Gianni Lucchesi he has been restoring artistic stained glass, collaborating with different Superintendencies for the Artistic Heritage and the CVMA (ed. Corpus Vitrearum Medii Aevi - Italy). In 2006 he gave a course in Restoration of the fifteenth-century stained glasses of Lucca Cathedral at the Scuola di Specializzazione in Storia dell’Arte (Fine Art High School of the University of Siena) at the Carthusian monastery, Pontignano. Since 2006 he has been a member of the Elenco degli artisti professionisti per l’affidamento di incarichi di realizzazione di opere d’arte di Roma (List of professional artists for assigning appointments in the creation of works of art in Rome) (Del. G.C. n.150 on April 5th 2006), Department VI Territorial Programming and Planning Policies– Rome Since 2008 he has been teaching at the Chair of Ornamental Plastic Art at the Academy of Fine Arts in Florence.

SOLO EXHIBITIOnS 2003 – Il fiore della pratica (Practice’s flower), Piazza Chiara Gambacorti, Pisa, Italy 1998 – Tra arte e conoscenza (Between Art and Knowledge), Villa Sestini Bertolli, Lucca, Italy 1995 – Ritratti (Portrait exhibition), Chateau de Limal, Brussels, Belgium 1993 – Biasci scultore • Calvani pittore (Sculpting and painting exhibition), Centro Mirò, Montecatini Terme, Italy GROUP EXHIBITIOnS 2008 – Gli scultori dello Studio d’Arte Corsanini (The Studio d’Arte Corsanini’s Sculptors), Stavanger, Norway – XIII Biennale Internazionale di Scultura in Carrara (The 13th Carrara International Scupture Biennial), Carrara, Italy 2005 – La forma oltre l’infinito (The Style over Infinity), Famedio del Monumentale, Milan, Italy – Forme a Venire (Styles to Come), Academy’s Gallery, Florence, Italy 2003 – Terza Rassegna Biennale Arti Visive (Third Biennial Visual Arts Exhibition), Palazzo Lanfranchi, Pisa, Italy – La fontana di Piazza L. da Vinci (Piazza L. da Vinci’s Fountain), Conservatorio di S. Michele, Pistoia, Italy 1998 – Premio Città di Riparbella (Città di Riparbella Awards), Palazzo Comunale, Riparbella,

Pisa, Italy 1995 – Esposizione Internazionale Idearte (International Exhibition Idearte), Expopisa Space, Pisa, Italy 1994 – Disegni (Drawings), Artemisia Art Gallery, Pisa, Italy 1993 – Lo spazio delle cose (The Space of Things), “Vialarga” Art Gallery, Florence, Italy 1991 – Collettiva Premio G. Pescetti, Palazzo Pretorio, S. Fiorentino, Florence, Italy 1990 – Oltre il muro (On the other side of the wall), Napoleon’s Hall at the Academy of Fine Arts of Brera, Milan, Italy COLLECTIOnS 2006 – Cappella Votiva fam. Chiarato Lari (The votiv Chapel of Chirato Lari’s Family), Cimitero Monumentale della Misericordia, Pistoia, Italy 2004 – Net.Soul, Centro Forum, Pisa, Italy 1999 – Monumento a F. Gelmetti (F. Gelmetti’s Monument), Sede Nazionale di Confartigianato, Rome, Italy 1996 – Fontana (Fountain), Villa Tacchini, Cortona (Arezzo), Italy 1995 – Dossale di S. Michele Arcangelo, Military School of Paratrooper’s Church, Pisa, Italy – Monumento ad Alberto II (Alberto II Monument), Chateau de Limal, Brussels, Belgium AWARDS 1998 – International Award “Città di Riparbella”, Special Prize, Riparbella (Pisa), Italy 1993 – Award scholarship “A. Berti”, 1st Prize, Florence, Italy 1992 – Festa della Primavera Award, Special Prize, Florence, Italy 1991 – International Sculpting Award “G. Pescetti”, 1st Prize, Florence, Italy THEATRE PERFORMAnCES 2008 – Tosca, directed by B. Menegatti (theatre set), Teatro dei Rassicurati, Montecarlo di Lucca, Italy – Tosca, directed by B. Menegatti (theatre set), Villa Oliva, Lucca, Italy 2007 – La Traviata, directed by B. Menegatti (theatre set), Teatro dei Rassicurati, Montecarlo di Lucca, Italy – Pagliacci / Romeo e Giulietta (The Clowns / Romeo and Juliet), directed by B. Menegatti, (theatre set), Terme di Caracalla, Rome, Italy – Peer Gynt, directed by B. Menegatti, (theatre set), Teatro dell’Opera, Rome, Italy – La Maschera di Punkitititi (The Mask of Punkitititi), directed by Q. Conti (stage design), Teatro Nazionale, Rome, Italy 2006

– La Vestale (The Vestal), directed by B. Menegatti, (theatre set), Terme di Caracalla, Rome, Italy – Requiem, directed by B. Menegatti, (theatre set), Villa Oliva, Lucca, Italy – Don Giovanni (Don Juan), directed by B. Menegatti, (theatre set), Villa Oliva, Lucca, Italy 2003 – Dio Salvi la Regina (God save the Queen), directed by B. Menegatti, (with E. Mannini), Teatro Nazionale, Rome, Italy 2002 – Giulio Cesare di Shakespeare per Giorgio Albertazzi (Shakespeare’s Julius Caesar for Giorgio Albertazzi), directed by A. Calenda (collaboration and stage design, with E. Mannini), Teatro Argentina, Rome, Italy – Le Eumenidi (The Eumenides), directed by A. Calenda, (stage design), Teatro Greco, Siracusa, Italy 2001 – Amici miei (My Dear Friends) by Mario Monicelli, directed by C. Insegno, (theatre set), Teatro Comunale di Agrigento (Municipal Theatre of Agrigento), Italy – Conversazione in Vallonia (Conversation en Wallonie), directed by Armand Delcampe, (a collaboration), Teatro Jean Vilard, Louvaine, Brussels, Belgium 2000 – ...e mi ritorni in mente (... and I think of you), directed by R. Giordano (theatre set), Teatro dell’Unione, Viterbo, Italy Italia Italy Stefano Bombardieri

Born in Brescia in 1968.

InTERnATIOnAL EXHIBITIOnS 2009 - The Animals' Countdown, (curated byi Anna Caterina Bellati), Della Pina Arte Contemporanea, Pietrasanta, Lucca,- Italy – Expo-Terra, Tour & Taxis, Brussels, Belgium 2008 – Solo exhibition, Bordeaux, France – Gaia e la Balena (Gaia and the Whale), Cittadelle Saint-Tropez, France – Stefano Bombardieri a solo exhibition, Linz, Austria – Regards, Monaco Modern Art Gallery, Monte Carlo, Monaco – Le temps au temps, Riff Art Projects Gallery, Strasbourg, France 2007 – Bombardieri • Pastor, Saint-Tropez, France – Découvertes 2007, 52ème Salon d’Art Contemporain de Montrouge, Paris, France – Group exhibition, Saint Jean Cap Ferrat, France 2005

– Arte e Vita (Art and Life), Sculpture at Potsdam/Berlin, (2nd Prize), Germany – Frammenti (Fragments), Alain Couturier Gallery, Nice, France 2004 – Flash, group exhibition, Maretti Arte Monaco, Monte Carlo, Principality of Monaco nATIOnAL EXHIBITIOnS 2009 – The Animals’ Countdown, Della Pina Arte Contemporanea, Pietrasanta, Lucca, Italy 2009/2008 – Emergenze Creative (Creative Emergencies), group exhibition, Museum MAR, Ravenna, Italy – Pietra & Co. (Stone & Co.), group exhibition, Giardini Catullo, Sirmione, Brescia, Italy – Icaro Transport, solo exhibition, Marchina Arte Contemporanea, Brescia, Italy – Il settimo Splendore. La modernità della Malinconia (The seventh Splendour. Melancholy’s modernity), a permanent installation at the Museum of Portofino’s Park, Portofino, Genoa, Italy 2007 – Man Ray e Stefano Bombardieri. Omaggio al Surrealismo del Tura (Man Ray and Stefano Bombardieri. A tribute to Tura’s Surrealism), MLB home Gallery, Ferrara, Italy – 52 nd Biennale di Venezia, Pavilion of the Syrian Arab Republic, Venice, Italy – Palazzo Forti/Palazzo della Ragione, Verona, Italy 2006 – Una Balena in Darsena (A Whale in the Dock), a temporary installation at the Dock of Milan, Italy – Stefano Bombardieri, solo exhibition, Galleria Cà d’oro, Rome, Italy – Bombardieriland, solo exhibition, G.A.M, Faenza, Ravenna, Italy – Freestyle, solo exhibition, Marchina Arte Contemporanea, Brescia, Italy 2005 – Bombardieriland, MuMi Museo Michetti, Francavilla al Mare, Chieti, Italy 2004 – Sub Anime (Sub-Souls), group exhibition, Area Imprinting, Roè Volciano, Brescia, Italy 2002 – In-Stallo (In-Stall), group exhibition, Sala San Filippo e Giacomo, Brescia, Italy – Agorà. Opere Grandi Formati (Agora. Big Size Works), Bordighera, Imperia, Italy 2001 – Agorà. Opere Grandi Formati (Agora. Big Size Works), Bordighera, Imperia, Italy – Meta Fine. Design (Meta-Aim. Design), group exhibition, Associazione Culturale Verbo Essere, Brescia, Italy – Stefano Bombardieri, solo exhibition, Associazione Culturale Verbo Essere, Brescia, Italy 1999 – Sogno e Realtà nell’Immaginario Collettivo di Fine Millenio (Dream and Reality in the Collective Imaginary at the End of the Millennium ), group exhibition, Arsenale, Iseo, Brescia, Italy

Italia Italy Marilù Cattaneo

Born in Monza (Milan) in 1959.

Graduated in Graphic Design.

EXHIBITIOnS 2009 – Rifugi (Refuges), Solo Exhibition, Galleria Scoglio di Quarto, Milan, Italy – Round table, Casa dell’Energia, Milan, Italy – Energia a tutto tondo (Free-standing Energy), Casa dell’Energia, Milan, Italy – Mille artisti a Palazzo (A thousand Artists in the Palace), Palazzo Borromeo, Cesano Maderno, Milan, Italy – Artour-O, Grand Hotel Minerva by Galleria Scoglio di Quarto, Florence, Italy – Arte Cremona (Cremona Art), Cremona Fiere stand Galleria Scoglio di Quarto, Cremona, Italy – Arteplastica (Plasticart), Galleria Lo Scoglio, Milan, Italy 2008 – Shanghai/Maestri di Brera (Shanghai/Brera’s Masters), National Museum LIU HAI SU - Museum of Modern Art, Shanghai, China – Art4 Mi, Urban Centre Galleria Vittorio Emanuele II, Palazzo Marino, Milan, Italy – Energia=Creatività. L’Energia della Parola (Energy=Creativity. The Word’s Energy), Studio D’Ars, Milan, Italy – Energia=Creatività. L’Energia della Parola (Energy=Creativity. The Word’s Energy), Galleria 9 Colonne/SPE, Bologna, Italy – Energia=Creatività. L’Energia della Parola (Energy=Creativity. The Word’s Energy), Biblioteca Provinciale, Matera, Italy – XIV Biennial Poetry and Arts Network Alessandria Poesia, Alessandria, Italy – Landart. La Via del Fieno (Landart. The Hay’s Way), Milan, Italy – MaDonne (MaDonnas), Group Exhibition, SpazioTadini, Milan, Italy – In Marcia per il Clima (Setting off for Climate), Giardini di Palestro, Milan, Italy – Eccomi (Here I am), solo exhibition, Bazart, Milan, Italy – Poesiarte (Poetryart), Quintocortile, Milan, Italy – BrianzaTop Lusso ed Eccellenza (BrianzaTop Luxury and Excellence), by DOT COM Edizioni, Autodromo di Monza, Milan, Italy – À travers l’Immatériel. Omaggio a Yves Klein (À travers l’Immatériel. A Tribute to Yves Klein), Mia Lurgo Gallery, Milan, Italy – Il Vuoto e la Creatività (The Empty Space and Creativity), Studio D’Ars, Milan, Italy – ALTilcorpoèmio (HALTthebodyismine), Quintocortile, Milan, Italy 2007 – Christmas City Park, Galleria San Lorenzo, Milan, Italy – Per amore (For Love), Humanitaria,

139

Milan, Italy – Per Eugenio (To Eugenio), Galleria Scoglio di Quarto, Milan, Italy – Group Exhibition, Spazio Tadini, Milan, Italy – Siamo Vasi Comunicanti (We are Communicating Vessels), Mia Lurgo Gallery, Lugano, Switzerland – Camera 312 promemoria per Pierre (Room 312 Memorandum for Pierre) 52° Biennale di Venezia, Milan Art Center, Milan, Italy – Chiusura Controbiennale 13x17 (Closure Againstbiennial 13x17), Venice, Italy – II Premio di Pittura e Scultura “Rocco Addamiano” (II Picture and Sculture Prize “Rocco Addamiano”), Libera Accademia di Pittura, Nova Milanese, Milan, Italy – Art is Now, Castello di Arena Po, Milan Art Center, Milan, Italy – Carosello italiano. Energia dell’Arte (Italian Carousel. The Art’s Energy) a Contemporary Art Exhibition by the Galleria Scoglio di Quarto, Palazzo Boglietti, Biella, Italy – Artour-O, V Edition, Museo Shop Temporaneo d’Arte Contemporanea, Grand Hotel Minerva, Florence, Italy 2006 – Arte da mangiare mangiare Arte. Panettone Party (Art to eat eating Art – Panettone Party), Museum of the Permanente, Milan, Italy – Il peso dell’Arte. 64 Opere e 40 pensieri sull’Arte (The Art’s Weight. 64 Works and 40 Thoughts on Art), Mondadori Multicenter, Milan, Italy – XIII Biennial Poetry and Arts Network Alessandria Poesia, Alessandria, Italy – Camera 312 promemoria per Pierre (Room 312 Memorandum for Pierre), Kunstart 2006, Bolzano, Italy – I colori del Dolore (The Pain’s Colours), Circolo Società dei Giardini, Milan, Italy – Passeggiata Effimera (Ephemeral Walk), Museo Internazionale del Vetro d’Arte, Montegrotto Terme, Padova, Italy Italia Italy Andrea Ciampini

Born in Pontedera (Pisa) in 1969.

He lives and works in Monteodorisio (Chieti). Graduated at Academy of Fine Arts in Florence (Sculpture).

He has been teaching at the Chair in Ornamental Plastic Art at the State Art School in Crema, at the State Art School G. Ferrari in Florence, at the Art Institute of Chieti, Vasto and Lanciano. He has been working as a founder of the Artistic and cultural lab Itineraria.

SOLO EXHIBITIOnS 2008 – Galleria ArtLab, Volterra, Pisa, Italy

140

2007 – Monumento alla donna Partigiana. La Tavola del Pane ( War memorial to the Partisan woman). Permanent exhibition in P.ta Fiorentina of Volterra, Pisa, Italy 2006 – Galleria ArtLab, Volterra, Pisa, Italy 2005 – Generazioni in arte, Palazzo delle Spighe, Volterra, Pisa, Italy 2004 – Fiera dell’Arte Lanciano, Chieti, Italy 2001 – Proposte 1(Proposals), Galleria Mentana, Florence, Italy 2000 – Individuazioni 5 (Locations), Galleria Mentana, Florence, Italy GROUP EXHIBITIOnS 2009 – Pinocchio ed il peccato originale (Pinocchio and the original sin), Mya Lurgo Gallery, Lugano, Switzerland 2008 – Il vuoto e le forme (The empty space and the shapes), Chiavenna, Sondrio, Italy 2007 – Luoghi d’Incontro (Meeting Places), Pisa, Italy – Premio Italia XXII edition, Palazzo Castello Certaldo, Florence, Italy – Palazzo Comune Noale, Venice, Italy 2005 – Premio Vasto (Vasto Prize), Vasto, Chieti, Italy 2004 – Generazioni in Arte (In Art Generations), Volterra, Pisa, Italy 2001 – Itineraria 2001, Ponsacco, Pisa, Italy – Itineraria 2001, Montecatini Val di Cecina, Pisa, Italy 1999 – International Group Exhibition, Centro Espositivo Castelnuovo V.C, Pisa, Italy 1998 – La poetica delle differenze (The poetics of differences), Vasto, Chieti, Italy 1996 – Con gli Angeli a Montescudaio (At Montescudaio with the Angels), Montescudaio, Pisa, Italy 1995 – Castigliarte, Painting and Sculpture performance, Castiglion M.M, Chieti, Italy 1991 – Circolo Culturale Antella, Florence, Italy 1990 – Bramante Art Gallery, Rome, Italy AWARDS 2006 – Premio Firenze “Sala dei 500”, 3rd Prize (Fiorino di Bronzo), Palazzo Vecchio, Florence, Italy 1998 – National Competition of Painting and Sculpture, 1st Prize, Riparbella, Pisa, Italy 1990 – Seconda Biennale in honour to Salvatore Quasimodo, 2nd Prize, Rome, Italy 1987 – Premio Giulio Gremigni, 3rd Prize, Volterra,

Pisa, Italy SCULPTURE SYMPOSIUMS 2005 – Sculpture Performance, Volterra, Pisa, Italy 2004 – Itineraria 3, Sculpture Symposium on stone, Montecatini Val di Cecina, Pisa, Italy International Sculture Symposium on Alabaster, in Volterra, Pisa, Italy 2001 – Itineraria, First Sculpture Symposium in Ponsacco, Pisa, Italy – Itineraria “Sculpere”, VIII International Sculture Symposium, Rapino, Chieti, Italy – Itineraria, Second Sculpture Symposium in Val di Cecina Montecatini V.C, Pisa, Italy 2000 – Itineraria “Sculpere”, IV International Sculture Symposium, Castiglione M.M, Chieti, Italy – Itineraria “Morphé”, First Sculpture Symposium, Crema, Cremona, Italy 1999 – Itineraria, First Sculpture Symposium, Castelnuovo V.C, Pisa, Italy 1998 – Itineraria “Castigliarte”, Castiglione M.M, Chieti, Italy 1991 – European Sculpture Campus “La montagna della pace”(The Peace Mountain), Cervara di Roma, Rome, Italy Italia Italy Girolamo Ciulla

Born in 1953 in Caltanissetta, Sicily. He lives and works in Pietrasanta (Lucca), Italy.

SOLO EXHIBITIOnS 2009 – Polvere di stele, (curated by Anna Caterina Bellati), Della Pina Arte Contemporanea, Pietrasanta, Lucca, Italy 2008 – Galleria Forni, Bologna, Italy – Dal segno alla pietra (From the Symbol to the Stone), Galleria Dietro Le Quinte Arte Contemporanea, Catania, Italy 2007 – Albemarle Gallery, London, United Kingdom 2006 – Galleria Il Tempietto, Brindisi, Italy – Del mito, dell’arcano, del tempo (About Myth, Arcane, Time), Chiesa S. Agostino, Pietrasanta, Lucca, Italy 2005 – Museo Diocesano di Venezia, Venice, Italy – Galleria Forni, Milan, Italy 2004 – Disegni (Drawings), Della Pina Arte Contemporanea, Massa,

2003 – Prom. Gallery, Algarve - Portugal 2002 – Galleria Forni, Bologna, Italy 2001 – Galleria “La Subbia”, Pietrasanta, Lucca, Italy – Castello della Contessa Adelaide, Susa, Torino, Italy 1999 – Arte Fiera (Art Fair), Sculpture Art Show, Bologna, Italy – Detwee Paliwen Gallery, La Haya, Holland – Prom Gallery, Munich, Germany 1998 – Museo Omero, Ancona, Italy 1997 – Contemporary Art Collection Ca’ la Ghironda, Ponte Ronca di Zola Predosa, Bologna, Italy – Chiesa di Marignana, Camaiore, Lucca, Italy – Galleria Forni, Bologna, Italy 1996 – Galleria Antonia Jannone, Milan, Italy 1995 – Galleria L’Acquario, Caltanissetta, Italy – Studio d’Arte La Subbia, Pietrasanta, Lucca, Italy – Galleria Forni, Bologna, Italy – Galleria Davigo, Torino, Italy 1994 – Galleria Forni, Bologna, Italy 1993 – Galleria Arte Segno, Udine, Italy – Galleria Davico, Torino, Italy – Galleria Il Sale, Catania, Italy 1992 – Galleria Forni, Bologna, Italy – Salone di Settembre, Zitelle, Venice, Italy 1991 – Galleria Forni, Bologna, Italy – Scolpire in prima persona. Ciulla-Guadagnucci (Carving for oneself. Ciulla-Guadagnucci), Chiostro S. Agostino, Pietrasanta, Lucca, Italy – Galleria d’Arte Moderna, Palazzo Sarcinelli, Conegliano, Treviso, Italy 1990 – Galleria Davico, Torino, Italy 1989 – Galleria Gian Ferrari, Milan, Italy – Steltman Gallery, Amsterdam, Holland 1987 – Galleria Davico, Torino, Italy – Galleria Forni, Bologna, Italy 1986 – Galleria Astrolabio, Messina, Italy – Galleria Il Sale, Catania, Italy 1983 – Galleria Il Sale, Catania, Italy 1982 – Centro Il Grifone, Caltanissetta, Italy – Studio 3A, Enna, Italy 1980 – Studio 3A, Enna, Italy 1976 – Centro d’Arte Il Peplo, Palermo, Italy GROUP EXHIBITIOnS 2009 – Arte Fiera Bologna (Art Fair Bologna), Galleria Forni, Bologna, Italy

– Museum of fine arts di Montgomery, Alabama, USA 2008 – Arte Fiera Bologna (Art Fair Bologna), Galleria Forni, Bologna, Italy – VAI! Vespa arte italiana (GO! Vespa Italian Art), Piaggio Museum, Pontedera, Pisa, Italy – XXX Biennale d’Arte “Aldo Roncaglia” (XXX Art Biennial “Aldo Roncaglia”), San Felice sul Panaro, Modena, Italy – Dal 1967 una storia per l’arte figurativa (From 1976 a History to the Figurative Art), MAMbo – Museo d’arte Moderna, Bologna – Figure nella materia (Shapes in the Materia), Unicredit Banca, Galleria Forni, Bologna, Italy – X Studio Forni Milano, Studio Forni, Milan, Italy – Foemina, il seno nell’arte e nella medicina (Foemina, the Breast in Art and Medicine), IEO Istituto Europeo di Oncologia, Milan, Italy 2007 – Arte Fiera Bologna (Art Fair Bologna), Galleria Forni, Bologna, Italy – Acqua. L’acqua nell’arte contemporanea (Water. The Water in the Contemporary Art), Galleria Forni, Bologna, Italy – Vinces Agata o della Santità (Vinces Agata or about Sainthood), Chiesa San Giuseppe, Catania, Italy – Oltre l’oggetto. Morandi e la natura morta oggi in Italia (Beyond the Object. Morandi and the Still Life’s Developments in Italy Today), Museo Michetti, Francavilla a Mare, Chieti, Italy – Acqua. L’acqua nell’arte contemporanea (Water. The Water in the Contemporary Art), Palazzo Ducale, Pavullo nel Frignano, Modena, Italy – Nuova Biennale del muro dipinto (A new Biennial of Painted Wall), Piazza della Rocca, Dozza, Bologna, Italy – L’alibi dell’oggetto. Morandi e gli sviluppi della natura morta in Italia (The Object’s Alibi. Morandi and the Still Life’s Developments in Italy), Fondazione Ragghianti, Lucca, Italy – Salon d’Angers Triptyque, Abbaye du Ronceray, Villa d’Angers, France 2006 – Bussan, Korea – Fuori del Labirinto. Atti e Storie del Mediterraneo (Out of the Labyrinth. Actions and Histories of the Mediterranean), Palazzo Ducale, Massa, Italy – VAI! Vespa Arte Italiana (GO! Vespa Italian Art), Chiostro Sant’Agostino, Pierasanta, Lucca, Italy – Galleria il Tempietto, Brindisi, Italy 2005 – Arte Fiera Bologna (Art Fair Bologna), Galleria Forni, Bologna, Italy – Vetro e Sculture. Venti artisti interpretano Venini (Glass and Sculptures. Twenty Artists perceive Venini), Chiesa S. Agostino, Pietrasanta, Lucca, Italy – Il Campo dei Miracoli. Prima rassegna della scultura mediterranea (The Miracles’ Field.

First Festival of Mediterranean Sculpture), Parco del Magliano, Marina di Massa, Massa Carrara, Italy

– Lo spirito della Pietra (The Stone’s Spirit), Accademia di S. Luca, Rome, Italy – XXXII Premio Sulmona (XXXII Sulmona Prize), International Exhibition of Contemporary Art, Sulmona, L’Aquila, Italy – Pinacoteca Graziosi, Peschi, Ancona, Italy – Quindici Scultori nella prepositurale dei Santi Apostoli Pietro e Paolo in Luino (Fifteen Sculptors in the Parish Church of Saint Peter and Saint Paul in Luino), Luino, Varese, Italy 2004 – Arte Fiera Bologna (Art Fair Bologna), Galleria Forni, Bologna, Italy – Il Nudo (The Nude), Galleria Forni, Bologna, Italy – Sui Generi. Nature in posa (On genres. Nature posing), Centro di Promozione Culturale “Le Muse”, Andria, Bari, Italy – Il Monumento Contemporaneo. Dal bozzetto all’opera, il seme della scultura (The Contemporary Monument. From the Sketch to the Work, the Sculpture’s Seed), Rapolano Terme, Siena, Italy – Salon d’Angers Triptyque, Abbaye du Ronceray, Villa d’Angers, France – Lo sguardo italiano. Ventidue artisti per Bufalino (The Italian Look. Twenty-two Artists for Bufalino), Teatro Naselli, Comiso, Ragusa, Italy – Sedile in pietra (Stoneseat), Pontedera, Pisa, Italy 2003 – Mito Contemporaneo (Contemporary Mith), Basilica Palladiana, Vicenza, Italy – Sedici scultori a Malcesine (Sixteen Sculptors in Malcesine), Castello Scaligero, Malcesine, Verona, Italy – Artisti per l’Epicentro (Artists for the Epicentre), Museo Epicentro, Gala di Barcellona, Messina, Italy – Arte Fiera Bologna (Art Fair Bologna), Galleria Forni, Bologna, Italy – Museo Omero, Ancona, Italy 2002 – Boulevard des Sculptures 2002, Galerie De Twee Pauwen, Kijkduin, Den Haag, Netherlands – Made in PIETRASANTA. Scultori, Laboratori, Fonderie (Made in PIETRASANTA. Sculptors, Artistic Workshops, Foundries), Pietrasanta, Lucca, Italy – Per amore... Quindici anni di scelte a Palazzo Sarcinelli (For Love... Fifteen Years of Selections at Sarcinelli Palace), Palazzo Sarcinelli, Conegliano, Treviso, Italy – Ottant’anni. 40 di mostre (Eighty Years Old. Forty exhibiting), Galleria Forni, Bologna, Italy – Arte Fiera Bologna (Art Fair Bologna), Galleria Forni, Bologna, Italy – St’Art, Strasbourg, France – Art Paris, Paris, France 2001 – XXVII Biennale d’Arte “Aldo Roncaglia” (XXVII Art Biennial “Aldo Roncaglia”), Rocca Estense, S. Felice sul Panaro, Modena, Italy – Groupshow, Hilton Head Island, SC, U.S.A. – Arte Fiera Bologna (Art Fair Bologna), Galleria Forni, Bologna, Italy – St’Art 2001, Strasbourg, France – Salon de Mars 2001, Geneva Fair, Geneva, Switzerland

2000 – Incontro Catanese (Meeting in Catania), Museo Emilio Greco, Catania, Italy – Da Boccioni a Bacon, alla Contemporaneità (From Boccioni to Bacon, to the State of Being Contemporary), Galleria Forni, Bologna, Italy – Triennale di Scultura (Three-yearly Sculpture Exhibition), Bad Ragartz, Switzerland – Le avventure della forma “Arte e Scienza” (The Adventures of the Form “Art and Science”), S. Giovanni in Persiceto, Bologna, Italy – Arte nella città. Sculture in un percorso urbano (Art in the City. Sculptures in one Urban Course), La Spezia, Italy – Dalla Versilia 2000 a Lugano. Sculture in Via Nassa (From Versilia 2000 to Lugano.

Sculptures in Nassa Street), Lugano, Switzerland 1999 – Accade in Toscana 3 (It happens in Toscany 3), Palazzo Ducale, Massa, Italy – Pietrasanta a Praga (Pietrasanta in Prague), Galleria Novy Svet, Prague, Czech Republic – Del porcello e delle sue delizie (About Piglet and its Delights), Galleria La Subbia, Pietrasanta, Lucca, Italy – Emergenti (Emergings), Galleria Forni, Bologna, Italy 1998 – Palazzo Sarcinelli 1988-1998. Una donazione per un nuovo Museo (Sarcinelli Palace 1988-1998. A Donation for a New Museum), Conegliano, Treviso, Italy – Omaggio a Nivola 1988-1998 (A Tribute to Nivola 1988-1998), Nuoro, Italy – Contemporary Art Centre, Schalkwuk, Utrecht, Netherlands – Il corpo sognato (The Dreamt Body), S. Giovanni in Persiceto, Bologna, Italy 1997 – Di Borgo in Borgo. Viaggio attraverso le sculture nei Borghi di Camaiore (From Village to Village. A Voyage through the Sculptures in Camaiore’s Villages), Camaiore, Lucca, Italy – Continuità dell’Immagine. Aspetti della Pittura e della Scultura (The Image’s Continuity. Aspects of the Picture and the Sculpture), Mole Vanvitelli, Ancona, Italy – Triennale di Milano. L’Arte nella Città: il Sedile in pietra (Three-yearly Exhibition of Milan. Art in the City: the Stoneseat), Milan, Italy 1996 – Situazione Scultura (Situation Sculpture), Palazzo Ducale, Lucca, Italy – Le sembianze del Mito. Scultori a S. Giovanni in Persiceto (The Myth’s Appearance.

Sculptors in S. Giovanni in Persiceto), S. Giovanni in Persiceto, Bologna, Italy – Luce d’Inverno. Omaggio alla Terra Scolpita (Light in Winter. Homage to the Carved Earth), Centro Culturale Cà la Ghironda, Zola Predosa, Bologna, Italy 1995 – Continuità del Talento (The Talent’s Continuity), Galleria Forni, Bologna, Italy – Progetto Scultura (Project Sculpture), Galleria del Leone, Venice, Italy – Il Po del ‘900 (The Po of the Twentieth Century), Castello Estense, Mesola, Ferrara,

Italy – XXXV Premio Suzzara (XXXV Suzzara Prize), Suzzara, Mantua, Italy – La Galleria Forni (The Forni Gallery), Galleria Merisi, Monza, Italy – Triennale del Realismo (The Three-yearly Exhibition of Realism), Berlin, Germany – XVI Biennale Internazionale dei Bronzetto (XVI International Three-yearly Exhibition of Sketches), Padua, Italy 1994 – Scultura Italiana del Novecento (Italian Sculpture of the Twentieth Century), Galleria La Vite, Rome, Italy – Scultura Italiana del Novecento (Italian Sculpture of the Twentieth Century), Galleria La Vite, Catania, Italy – Arte Fiera Bologna (Art Fair Bologna), Galleria Forni, Bologna, Italy – Rinaldo Rotta, Galleria D’Arte Moderna, Genova, Italy – Travel Gallery, Bruxelles, Belgium – Per un Amico. 27 Scultori ricordano Pier Carlo Santini (Just for a Friend. 27 Sculptors remember Pier Carlo Santini), Fondazione Ragghianti, Lucca, Italy – La luce della Pietra (The Stone’s Light), Pietrasanta, Lucca, Italy – La luce della Pietra (The Stone’s Light), Lucca, Italy – Le forme del Visibile. XXXIV Premio Suzzara (The Visible’s Forms. XXXIV Suzzara Prize), Galleria d’Arte Berman 2, Torino, Italy – Biennale d’Arte “Aldo Roncaglia” (Art Biennial “Aldo Roncaglia”), Rocca Estense, S. Felice sul Panaro, Modena, Italy – Artissima (VeryArt), Galleria Forni, Torino, Italy – Mediterranea. Aspetti d’arte in Sicilia (Mediterranean. Art’s Forms in Sicily), Sciacca, Agrigento, Italy – Incontri d’Arte (Meetings of Art), Studio d’Arte La Subbia, Pietrasanta, Lucca, Italy 1993 – Arte Fiera Bologna (Art Fair Bologna), Galleria Forni, Bologna, Italy – La Veste dei Vuoto. Artisti e fonderie (The Void’s Form. Artists and Foundries), Pietrasanta, Lucca, Italy – Linea Art Gent, Belgium 1992 – Trent’anni di libere scelte (Thirty Years of Free Selections), Galleria Forni, Bologna, Italy – Facce di Bronzo (Brass Necks), Galleria Benassati Arti Visive, Modena, Italy – Marmo Eventi. Scultori ospiti del gruppo RED GRANITI (Marble Happenings. Sculptors Guests of the RED GRANITI Group), Massa, Italy – Museum Der Skulpterenmodelle, Partnerstadte Pietrasanta, Grenzach-Wyhlen, Germany 1991 – Internazionale d’Arte Contemporanea (International Contemporary Art Exhibition), Galleria Forni, Milan, Italy – Scultori a Pietrasanta (Sculptors in Pietrasanta), Studio d’Arte La Subbia, Lido di Camaiore, Lucca, Italy 1990 – Forme nel verde (Forms in the Plein Air),

141

San Quirico D’Orcia, Siena, Italy – Museo di Bernay, Normandy, France – Arte Fiera Bologna (Art Fair Bologna), Galleria Forni, Bologna, Italy – Breve viaggio nella Scultura (A Trip down the Sculpture), Galleria Botti, Villa La Versiliana, Marina di Pietrasanta, Lucca, Italy 1989 – Aspetti della scultura contemporanea 1900-1989 (Aspects of the Contemporary Sculpture 1900-1989), Galleria Forni, Bologna, Italy – Arte Fiera Bologna (Art Fair Bologna), Galleria Forni, Bologna, Italy – Scolpire tra Carrara e Pietrasanta (Carving between Carrara and Pietrasanta), Carrara, Italy – Idiomi della scultura contemporanea (Idioms of Contemporary Sculpture), III International Festival, Sommacampagna, Verona, Italy – XXXI Biennale nazionale d’Arte “Città di Milano” (XXXI National Art Biennial “City of Milan”), Milan, Italy 1988 – Yorkshire Sculpture Park Londra, La Versiliana, Marina di Pietrasanta, Lucca, Italy 1987 – Arte Segreta (Sacred Art), Galleria Forni, Bologna, Italy – Arte Fiera Bologna (Art Fair Bologna), Galleria Forni, Bologna, Italy – Proposte d’arte contemporanea (Contemporary Art’s Suggestions), EXPO C.T., Milan, Italy – Galleria Davico, Torino, Italy 1986 – Siciliana. Momenti d’arte contemporanea (Sicilian. Moments of Contemporary Art), Niscemi, Caltanissetta, Italy 1985 – Associazione Marcel Duchamp, Magazzino Immagini e Parole, Caltanissetta, Italy 1980 – Palermo. Territorio Città (Palermo. Territory Town), Accademia Belle Arti, Palermo, Italy 1978 – Arte ‘78 (Art ‘78), Acquarios, Castello Ursino, Catania, Italy 1974 – Verifiche e Contraddizioni (Checks and Contradictions), Sperlinca, Enna, Italy 1970 – VII Rassegna d’Arte Contemporanea (VII Contemporary Art Festival), Palazzo del Carmine, Caltanissetta, Italy WORKS In PUBLIC COLLECTIOnS Seoul, Korea Assuan, Egypt Saint Peter’s Church, Caltanissetta, Italy Castagnola Placa, Massa, Italy Tonfano, Lcca, Italy Malindi, Kenya Oya Museum, Utsonomiya, Japan Stoneseats, Pontedera, Italy Museo Omero, Ancona, Italy Bagheria, Palermo, Italy Montignoso (Massa), Italy

142

Italia Italy Marco Cornini

Born in Milan in 1966. He lives and works between Milan, Pietrasanta (Lucca) and Bussero (Milan). He attended the State Art School and the Academy of Fine Arts of Brera where he specialised in Sculpture in 1988.

SOLO EXHIBITIOnS 2009 – Palazzo Mediceo ed Ex Scuderie Granducali, Seravezza, Lucca, Italy 2007 – Villa La Versiliana, Marina di Pietrasanta, Lucca, Italy 2006 – Casa del Pane, Casello Ovest di Porta Venezia, Milan, Italy – Chiesa di San Michele, Serra de’ Conti, Ancona, Italy 2005 – Il Polittico, Rome, Italy – Della Pina Arte Contemporanea, Pietrasanta, Lucca, Italy 2004 – Palazzo Frisacco, Tolmezzo, Udine, Italy 2003 – Sala delle Grasce, ex chiesa di Sant’Agostino, Pietrasanta, Lucca, Italy – Nuova Artesegno, Udine, Italy 2002 – Della Pina Arte Contemporanea, Massa, Massa-Carrara, Italy 1998 – Galleria Marieschi, Monza, Milan, Italy 1997 – Chiostro Minore del Complesso Monumentale San Domenico, Museo della Carta e della Filigrana, Fabriano, Ancona, Italy – Serrone di Villa Reale Musei Civici, Monza, Milan, Italy 1995 – Spazio Ergy, Milan, Italy 1993 – Galleria Ada Zunino, Milan, Italy 1992 – Galleria Il Triangolo, Cremona, Italy – Disegni (Drawings), Libreria Il Tarlo, Cremona, Italy 1990 – Sale Espositive Comunali, Venezia-Mestre, Venice, Italy 1989 – Terrazza Cortina, Comune di Cortina d’Ampezzo, Belluno, Italy – Galleria Ada Zunino, Milan, Italy – Galleria San Francesco, Forlì, Italy 1988 – Galleria Spada Arte, Varese, Italy GROUP EXHIBITIOnS 2009 – Furia Animae. Cornini, Durini, Giurato,

Papetti, Galleria Libra, Catania, Italy – Il mistero del corpo. Cornini, Durini, Ferri, Giurato, Orquin, Ventroni (The body’s Mystery. Cornini, Durini, Ferri, Giurato, Orquin, Ventroni), Galleria Santa Marta, Milan, Italy 2008 – Estetica, Forma & Segno. Da Renoir a De Chirico (Aesthetics, Form & Symbol. From Renoir to De Chirico), Villa Ponti, Fondazione Art Museo, Arona, Italy – Per Amore. La Raccolta Caggiano (For Love. The Caggiano Collection), Palazzo Incontro, Rome, Italy – Realisme 2008, Galerie Mark Peet Visser, Amsterdam, Holland – ArtVerona 2008, Galleria Della Pina. Il Polittico, Verona, Italy 2007 – Nuovi Pittori della Realtà (New Painters of Reality), PAC, Milan, Italy – VAI! Vespa Arte Italiana (GO! Vespa Italian Art), Museo Piaggio, Pontedera, Italy – La nuova figurazione italiana – to be continued… (The new Italian Representation – to be continued…), Fabbrica Borroni, Bollate, Milan, Italy – 58° Premio Michetti. Nuovi Realismi (58th Michetti Prize. New Realisms), Palazzo San Domenico, Museo Michetti, Francavilla al Mare, Chieti, Italy – Scultura Neofigurativa in Italia (Neofigurative Sculpture in Italy), Garage Bulgari, Rome, Italy – Amore e Psiche. Arte e Seduzione (Love and Psyche. Art and Seduction), Villa Ponti, Arona, Italy – MiArt, Milan, Italy – Cornini, Piovaccari, KunStart, Bolzano, Italy – Realisme 2007, Galerie Mark Peet Visser, Amsterdam, Holland 2006 – Carnera, Palazzo della Ragione, Milan, Italy – Scultura da viaggio (Travelling Sculpture), Galleria del Tasso, Bergamo, Italy – Quindici Anni de il Polittico (Fifteen Years of the Polittico), Scuderie Aldobrandini, Frascati, Rome, Italy – Omaggio a Primo Carnera (A Tribute to Primo Carnera), Villa Carnera, Sequals, Pordenone, Italy – VAI! Vespa Arte Italiana (GO! Vespa Italian Art), Chiesa e Chiostro di Sant’Agostino, Pietrasanta, Lucca, Italy – Material girls (and boys), Della Pina arte contemporanea, Pietrasanta, Lucca, Italy – MiArt, Milan, Italy – KunStart, Bolzano, Italy – ArtVerona, Verona, Italy 2005 – Miracolo a Milano (Miracle in Milan), Palazzo della Ragione, Milan, Italy – Seven… everything goes to hell, Palazzo Pretorio, Certaldo, Florence, Italy – Notte bianca della Cultura di Sabbioneta (The White Night of Culture in Sabbioneta), Italian Factory, Sabbioneta, Mantua, Italy – XXXII Premio Sulmona (XXXII Sulmona Prize), Polo Museale Civico – Diocesano ex Convento di Santa Chiara, Sulmona, L’Aquila, Italy – Compagni di strada (Street Fellows), Palazzo Isimbardi, Milan, Italy

– MiArt, Milan, Italy – ArtVerona, Verona, Italy – KunStart, Bolzano, Italy – Albertina incontra (The Albertina meets), Galleria Postart, Milan, Italy 2004 – Kunst Wien, Mak Wien, Vienna, Austria – Otium, prego si accomodi (Otium, take a seat please), Contemporanea Forlì, ForlìCesena, Italy – Terre formate (Shaped Lands), Galleria Sergio & Tao Mandelli, Seregno, Milan, Italy – Il corpo e lo sguardo (The Body and the Look), Galleria Arsmedia, Bergamo, Italy – Arte Fiera (Art Fair), Bologna, Italy – MiArt, Milan, Italy – Expoarte, Montichiari, Brescia, Italy – Vernice Art-Fair (Vernissage Art-Fair), Forlì, Forlì-Cesena, Italy – Contemporanea ForlìFiera (Contemporary ForlìFair), Forlì, Forlì-Cesena, Italy 2003 – Italian Factory. La Nuova scena artistica italiana (Italian Factory. The New Italian Artistic Scene), Promotrice delle Arti, Torino, Italy – Italian Factory. La Nuova scena artistica italiana (Italian Factory. The New Italian Artistic Scene), Istituto di Santa Maria della Pietà, Extra 50 Biennale di Venezia, Venice, Italy – Italian Factory La Nuova scena artistica italiana (Italian Factory. The New Italian Artistic Scene), an official exhibition of the Ministry for the six Months of the Italian Chairmanship of the European Union, The European Parliament, Strasbourg, France – … non è vero che tutto fa brodo... La generazione Carosello (… it is not true that it’s all grist to the mill… The Carousel Generation), Galleria Spazia, Bologna, Italy – Mito contemporaneo (Contemporary Myth), Basilica Palladiana, Vicenza, Italy – Young Art, Porro & C. Cartiere Vannucci, Milan, Italy – Tetralogia della natura: acqua (Nature’s Tetralogy: Water), Galleria Marieschi, Milan; Italy – Fiera di Vicenza (Vicenza Fair), Vicenza, Italy – MiArt, Milan, Italy – Arte Fiera 2003 (Art Fair 2003), Bologna, Italy – Expoarte, Montichiari, Brescia, Italy – Contemporanea ForlìFiera (Contemporary ForlìFair), Forlì, Forlì-Cesena, Italy 2002 – Nuova Scultura Italiana (New Italian Sculpture), Galleria Il Polittico, Rome, Italy – Sculturama, Galleria Annovi, Sassuolo, Modena, Italy – Nature Morte (Still Lives), Galleria del Tasso, Bergamo, Italy – Europe art languages, Villach, Austria – A tutto tondo (All-accomplished), Museo della Permanente, Milan, Italy – Museum Fiera di Parma (Museum Parma Fair), Parma, Italy – MiArt, Milan, Italy – Dettato d’arte (Art Dictation), Villa Borromeo, Solaro, Milan, Italy – Cornini Giovagnoli Lombardo Vescovi Zampetti, Della Pina Arte Contemporanea,

Pietrasanta, Lucca, Italy 2001 – (Ultra)Corpi (Ultra-Bodies), ex Chiesa di Sant’Agostino, Pietrasanta, Lucca, Italy – La linea dolce della nuova figurazione (The Mild Line of the New Representation), Galleria Annovi, Sassuolo, Modena, Italy – Naturarte (NatureArt), Arsenale, Bertonico, Pavia, Italy – La giovane figurazione in Italia - Premio Cairo Communication 2001 (The Young Representation in Italy – Cairo Prize Communication 2001), La Posteria, Milan, Italy – Young Art, Finarte Casa d’Aste, Cartiere Vannucci, Milan, Italy – Museum Fiera di Parma (Museum Parma Fair), Parma, Italy – Contemporanea ForlìFiera (Contemporary ForlìFair), Forlì, Forlì-Cesena, Italy 2000 – Sui generis, Padiglione d’Arte Contemporanea, Milan, Italy – Omaggio alla natura morta (Homage to the still life), Arte Fiera 2000, Bologna, Italy – Corpo libero (Free Body), Antico Palazzo della Pretura, Castell’Arquato, Piacenza, Italy – Figurazione a Milano (Representation in Milan), La Posteria, Milan, Italy 1999 – Cornini, Gilardi, Muñoz Vera, Arte Fiera 1999, Bologna, Italy – II Premio Casoli (II Casoli Prize), Serra San Quirico, Ancona, Italy 1998 – Il nuovo ritratto in Italia (The New Portrait in Italy), Spazio Consolo, Milan, Italy – Cornini, Velasco, Arte Fiera 1998, Bologna, Italy – Venature 10 (Veins 10), La Posteria, Milan, Italy – Naturarte (NatureArt), Arsenale, Bertonico, Pavia, Italy 1997 – Piccola Scultura a Milano (Small Sculpture in Milan), Spazio Hajech, Milan, Italy – XXXVII Premio Suzzara (XXXVII Suzzara Prize), Suzzara, Mantua, Italy – Lo sguardo poetico (The Poetic Look), University of Trento, Italy 1996 – Venature (Veins), Ex Ospedale Soave, Codogno, Lodi, Italy – Arona ‘96. Concorso di Scultura (Arona ‘96. A Sculputure Competition), Ente Fiera del Lago Maggiore, Arona, Novara, Italy – L’Albero dell’Amicizia (The Friendship’s Tree), a project for a monument, C.T.S. Ponte delle Gabelle, Banca Popolare Commercio e Industria head office, Milan, Italy – Metropoli. Quaranta artisti delle aree metropolitane di Milano e Berlino (Metropolis.

Forty Artists of the metropolitan areas on Milan and Berlin), different seats of the province of Milan, Italy – Segni-Sogni (Symbols-Dreams), Villa del Castello Visconteo, Trezzo sull’Adda, Milan, Italy 1995 – Difesa dell’Immagine (A Defence of Image), Museo delle Arti Castello di Nocciano, (Pescara)

– Venature (Veins), Meus Kunst Quartier Berlin Ehemalingen AEG Gelahde, Berlin, Germany – La Persistenza della Memoria (Memory’s Persistence), Studio degli Angioli, Milano – Arte come Luce (Art as Light), Basilica di Sant’Ambrogio, Milano – Venature (Veins), Villa del Castello Visconteo, Trezzo sull’Adda (Milano) – Premio Cesare Pavese (Cesare Pavese Prize), IX edition devoted to Sculpture, Ex Chiesa di San Rocco Carnago, Varese, Italy 1994 – Reale e immaginario. Convergenze e fratture nell’attuale arte lombarda (Real and Imaginary. Convergences and Shifts in the actual Lombardy Art), Santa Maria della Pietà, Cremona, Italy – Linee della ricerca plastica nella ceramica contemporanea (Lines of the plastic Research in the contemporary Ceramics), Fortezza del Priàmar, Italy – Venature (Veins), Circolo Artistico Bergamasco, Bergamo, Italy – Venature (Veins), Sala Ligari Palazzo del Governo, Sondrio, Italy – Venature (Veins), Museo dell’Alto Mantovano , Gazoldo degli Ippoliti, Mantua, Italy – Venature (Veins), Palazzo dell’Ex Banca d’Italia, Voghera, Pavia, Italy 1993 – Premio San Carlo Borromeo - Regione Lombardia (San Carlo Borromeo Prize – Lombardy Region), Palazzo della Permanente, Milan, Italy – Arte Sacra in San Simpliciano (Sacred Art in San Simpliciano), Milan, Italy – Premio Cesare Pavese (Cesare Pavese Prize), devoted to Sculpture, Ex Chiesa di San Rocco, Carnago, Varese, Italy – XX Premio Sulmona (XX Sulmona Prize), Palazzo dell’Annunziata, Sulmona, L’Aquila, Italy 1992 – Scultura Contemporanea Lombarda (Contemporary Lombardy Sculpture), Palazzo Municipale, Ospitaletto, Brescia, Italy 1991 – Arte Giovane in Lombardia. Ricerca e presenze nell’arte (Young Art in Lombardy.

Research and Presences in the Art), Santa Maria della Pietà, Cremona, Italy – Arte Sacra in San Simpliciano (Sacred Art in San Simpliciano), Milan, Italy 1989 – Gioco delle Arti (The Arts’ Play), Palazzo della Triennale, Milan, Italy – Nove scultori nuove sculture (Nine Sculptors new Sculptures), Galleria Ada Zunino, Milan, Italy – Antologia italiana (Italian Anthology), Studio F.22, Palazzolo sull’Oglio, Brescia, Italy – Biennale d’Arte Sacra (Biennial of Sacred Art), Cesate, Varese, Italy – Alberi di Natale e non (Christmas Trees and not only), Galleria Ada Zunino, Milan, Italy 1988 – Premio internazionale giovani scultori (Young Sculptors International Prize), Palazzo Venezia, Rome, Italy – Proposta giovani artisti (Young Artists Proposal), Villa Camilla, Olgiate Comasco,

Como, Italy 1986 – XI Premio arti plastiche e figurative (XI Plastic and Figurative Prize), Villa Reale, Monza, Italy AWARDS 1993 – Premio San Carlo Borromeo - Regione Lombardia (San Carlo Borromeo Prize – Lombardy Region), 1st Prize for Sculpture, Permanente di Milano, Milan, Italy 1995 – IX Premio Cesare Pavese (IX Cesare Pavese Prize), devoted to Sculpture, 1st Prize ex-aequo, Chiesa di San Rocco, Carnago, Varese, Italy 2005 – XXXII Premio Sulmona (XXXII Sulomna Prize), 2nd Prize ex-aequo, polo Museale Civico – Diocesano ex Convento di Santa Chiara, Sulmona, L’Aquila, Italy Italia Italy Margherita Michelazzo

Born in Dueville on 16 February 1952.

Earned degree magna cum laude in the Economics of Geography at the University of Padua.

1st prize, Industrialists’ Ass. of Vicenza, for Degree Thesis (originality, scope and scientific rigorousness).

Teacher of the Economics of Geography, at Secondary Schools and the University for Adults and Elderly.

1968 – 1st prize for painting reserved for Vicenza High School Students 2002-2004 – Study of nude. Courses with, Ivo Mosele, Master P. De Pellegrini, M. Beghini, ass. E. Vedova 2004–2005 – Painting course at the Sommer Akademie of Salzburg, with Master Jacobo Borges, the most important living Venezuelan painter.

The friendship with so versatile artist and his wife, Diana Carvallo, drove her to different artistic expressions. Participation at Contemporary Art Show Padua, in group painting shows at the Basilica Palladiana, villa Fabris Thiene, Bonaguro Palace Bassano, Fortress of Salzburg.

2006 - Sojo Park, Covolo/Lusiana (VI): websites: www.montagnaveneta.it (ethnography.), (the anguanas of Michelazzo M.) www.parcodelsojo.it (works.): 10 Jun. - installation of three “light sculptures” in metal mesh, on the theme Aquanae/Anguane”. Presentation by Mario Guderzo - Anguana: seeking the myth, installation of a

sculpture in cor-ten (70x218 cm.). Presentation by Maria Lucia Ferraguti 2006-2007 Volunteer in the work of maintenance and restoration of the “murales di Cibiana”, under the guidance of the painter engraver and fresco artist, Vico Calabrò.

Since 2006 Chalcographic and engraving activity in the historical printing shop of Busato in Vicenza, where there are the art works of the most significant artists of twentieth century.

2007 - Take an Apple, solo show on occasion of Pomaria, an event sponsored by the Consortium of Apples of Val di Non e di Sole (TN).

Presentation by A. M. Martini 2008 - Art is feminine. Engraving between the XVI and XVIII centuries, Chamber of Commerce of Vicenza, Conference held for BPW FIDAPA 2008 - Engravings in permanent show at the Busato Printing House, Vicenza - Historical Apples, between myth and art, solo show, Alt. Asiago(VI) 2008 - Sonorous Apples, installation in cor-ten at the Holding of an important Vicenza industry 2009 - Sonorous apples from earth of the eternal young, Artist book - Paths, Solo exhibition near communal library of Dueville(VI) Italia Italy Ercole Pignatelli

Born in Lecce in 1935. He lives and works in Milan.

SOLO EXHIBITIOnS 2005 – Castello di Carlo V, Lecce, Italy – Capricorno Contemporary Art Gallery, Washington, U.S.A. – Ercole Pignatelli. Nudi (Ercole Pignatelli.

Nudes), Centro d’Arte Mercurio, Rapallo, Genoa, Italy 2004 – Museu de Ãgua-Mâe d’Ãgua da Amoreiras, Lisbon, Portogul – Fondação das Casas de Fronteira e Alorna, Lisbon, Portugal – Galleria L’Osanna, Nardò, Lecce, Italy – Centro Culturale l’Approdo, Avellino, Italy 2003 – Ercole Pignatelli • Le Foreste Incantate, Barbara Behan Gallery, London, Great Britain – Capricorno Contemporary Art Gallery, Capri, Naples, Italy

143

– Capricorno Contemporary Art Gallery, Washington, U.S.A. – Pinacoteca Civica-Palazzo Gavotti, Foundation Museum of Contemporary Art Milena Milani to the Memory of Carlo Cardazzo, Savona, Italy 2001 – Controra, Centro d’Arte Mercurio, Palermo, Italy – Nocturna Lucent, Palazzo delle Stelline, Milan, Italy – Miraggi Italiani (Italian Mirages), Santa Ficara Arte Moderna e Contemporanea, Florence, Italy 2000 – Fondação Biblarte – Centro Antiquario do Alecrim, Lisbon, Portugal – European Parliament, Brussels, Belgium – Irving Galleries, Palm Beach, USA, – Italian Cultural Institute, Brussels, Belgium – Sfinge & Fato (Sphinx & Fate), Palazzo Baronale, Monteroni di Lecce, Italy 1999 – Capricorno Contemporary Art Gallery, Capri, Naples, Italy 1998 – Apulia Imprinting, Memmo Foundation, Lecce, Italy – Capricorno Contemporary Art Gallery, Capri, Naples, Italy – Galleria Il Mappamondo, Milan, Italy 1997 – Castello dei Principi Gallone, Tricase, Lecce, Italy – Centro Umanistico di Incontri Internazionali Aika e Antonio Sapone, Bellona, Caserta, Italy – Galleria Il Mappamondo, Milan, Italy 1996 – Castello Aragonese, Taranto, Italy – Laboratorio Pignatelli, Lecce, Italy – Galleria Telamone, Lecce, Italy 1995 – Musée du Bastion Saint-André, Antibes, France – Blumen, Galerie Fahlbusch, Mannheim, Germany – Galleria Il Mappamondo, Milan, Italy 1994 – Castello di Carlo V, Lecce, Italy – Omaggio a Raffaele Carrieri (A Tribute to Raffaele Carrieri), Museo Sigismondo Castromediano, Lecce, Italy – Viaggio nell’immagine (A Voyage through the Image), Assessorato alla Cultura, Cortina d’Ampezzo, Belluno, Italy 1993 – Galleria Corchia, Forte dei Marmi, Lucca, Italy – Museo della Permanente, Milan, Italy 1992 – Centro d’Arte Mercurio, Rapallo, Genoa, Italy 1991 – Centro Internazionale di Incontri Internazionali Aika e Antonio Sapone, Bellona, Caserta, Italy – Italian Embassy and Galleria Marconi, New York, U.S.A. – Galleria Telamone, Lecce, Italy 1990 – Galleria Il Mappamondo, Milan, Italy

144

– Palazzo della Permanente, Milan, Italy – Galleria del Cenacolo, Piacenza, Italy – Sirena (Siren), Museo di Scultura, Portofino, Genoa, Italy 1989 – Palazzo del Comune, Corsico, Milan, Italy – Ercole Pignatelli. Dipingere la vita (Ercole Pignatelli. Painting Life), Galleria Sant’Erasmo, Milan, Italy 1988 – Chiostro di Sant’Agostino, Pietrasanta, Lucca, Italy – Ercole Pignatell. Realtà metafisica (Ercole Pignatelli. Metaphysical Reality),Galleria Tega, Milan, Italy – Congress Centre, Salice Terme, Pavia, Italy – Galleria Gallé, Milan, Italy 1987 – Neorom periferico (Peripheral Neorom), Biblioteca Gallaratese, Milan, Italy 1986 – Il sogno dipinto (The painted Dream), Castello di Carlo V, Lecce, Italy – Palazzo Scaglione, Sciacca, Agrigento, Italy – Galleria Il Tempietto, Brindisi, Italy – Ercole Pignatelli. Scultore (Ercole Pignatelli. Sculptor), Galleria Zunino, Milan, Italy 1985 – Musée Municipal, Saint-Paul de Vence, – Richiami della memoria (Memory’s Recalls), Galleria Tega, Milan, Italy – Italian Cultural Institute and The Museum Italo-Americano, San Francisco, USA 1984 – Rotonda della Besana, Milan, Italy – Galleria del Naviglio, Milan, Italy – Galleria Documenta, Torino, Italy – Galleria Cernaia, Milan, Italy 1983 – Quattro immagini del Salento (Four Images of Salento), Studio d’Ars, Milan, Italy 1982 – Donna. Natura (Woman. Nature), Palazzo dei Diamanti, Ferrara, Italy 1981 – Bucranio. Oasi (Bucranium. Oasis), Galleria Bon à Tirer, Milan, Italy 1980 – Bucranio. Oasi (Bucranium. Oasis), Galleria del Naviglio, Milan, Italy – Galleria L’Osanna, Nardò, Lecce, Italy – Galleria Documenta, Torino, Italy 1979 – Banca Popolare di Milano, Milan, Italy – Masserie e Bucrani (Manor Farms and Bucrania), Galleria La Bussola, Torino, Italy 1978 – XXXVIII Esposizione Internazionale d’Arte (XXXVIII International Art Exhibition), Venice, Italy – Gallerita, Milan, Italy 1976 – Galleria d’Arte Moderna, Prato, Italy – Galleria d’Arte Contemporanea, Seregno, Milan, Italy – Galleria Cernaia, Milan, Italy – Galleria Dotta, Savona, Italy 1975 – Rotonda della Besana, Milan, Italy – Galleria del Naviglio, Milan, Italy 1974

– Gallerita, Milan, Italy – Galleria S. Benedetto, Brescia, Italy – Galleria Michelangelo, Bergamo, Italy – Galleria Il Traghetto, Venice, Italy 1973 – Galleria Documenta, Torino, Italy – Galleria Il Sedile, Lecce, Italy – Galleria L’Osanna, Nardò, Lecce, Italy – Studio Arte 3, Lecce, Italy – Galleria Tonolli, Rovereto, Trento, Italy – Galleria Dotta, Savona, Italy – Galleria Il Pendolo, Messina, Italy 1972 – Galleria Bon à Tirer, Milan, Italy – Galleria Documenta, Torino, Italy – Galleria Cernaia, Milan, Italy – Galleria Bambaia, Busto Arsizio, Varese, Italy – Galleria Arte-Spazio, Bari, Italy – Galleria Sigismondo, Cattolica, Rimini, Italy 1971 – Galleria del Naviglio, Milan, Italy – Galleria Tonolli, Rovereto, Trento, Italy 1970 – Galleria San Francesco, Este, Padova, Italy – Galleria Caiulo, Lecce, Italy – Galleria Chironi 88, Nuoro, Italy 1969 – Galleria L’Ammolita, Genoa, Italy – Galleria Forti, Modena, Italy – Studio d’Arte Velasca, Milan, Italy 1968 – Galleria La Bussola, Bari, Italy – Galleria Levi, Rome, Italy 1967 – Galleria Gissi, Torino, Italy – Galleria Il Punto, Palermo, Italy – Galleria L’Elicona, Lecce, Italy 1966 – Galleria Stefanoni, Lecco, Italy – Galleria del Naviglio, Milan, Italy – Galleria Schettini, Milan, Italy 1965 – Galleria del Naviglio, Milan, Italy – Galleria Galatea, Torino, Italy 1964 – Galleria La Riviera, Treviso, Italy – Galleria d’Arte Jolly 2, Pistoia, Italy – Galleria Jonica, S. Caterina di Nardò, Lecce, Italy 1963 – Galleria Michaud, Florence, Italy – Galleria Il Canale, Venice, Italy – Galleria Brera, Milan, Italy 1962 – Galleria Il Punto, Palermo, Italy – Galleria Il Fondaco, Messina, Italy – Galleria Verrocchio, Pescara, Italy 1961 – Galleria del Naviglio, Milan, Italy – Galleria Il Traghetto, Venice, Italy – Galleria Selecta, Rome, Italy 1960 – Condon Riley, New York, U.S.A. – Galleria Galatea, Torino, Italy 1959 – Centro Culturale San Fedele, Milan, Italy – Galleria del Cavallino, Venice, Italy – Galleria Galatea, Torino, Italy 1958 – Catholic University, Philadelphia, USA

1957 – Galleria Selecta, Rome, Italy – Galleria La Bussola, Torino, Italy 1956 – Unione Culturale di Palazzo Carignano, Torino, Italy 1955 – Galleria Spotorno, Milan, Italy – Galleria del Cavallino, Venice, Italy 1953 – Galleria del Circolo Cittadino, Lecce, Italy GROUP EXHIBITIOnS AnD AWARDS 2004 – Acquisizioni 1994-2004 (Acquisitions 1994-2004), Galleria d’Arte Contemporanea Cascina Roma, San Donato Milanese (Milan), Italy – Caputo, Gigante, Inella, Massari, Pignatelli, Centro d’Arte e Cultura Palazzo Marini, Lecce, Italy 2001 – Pittura in Lombardia nel XX secolo (The Painting in Lombardy in the XX Century), Castello Sforzesco, Vigevano, Pavia, Italy – Utopia e Libertà (Utopia and Liberty), Palazzo dell’Annunziata, Matera, Italy – Aria di Primavera 2001. Diversità: Essere&malessere (Spring Air 2001. Diversity: Existence&Uneasiness), Sacile, Pordenone, Italy 1998 – Pro Arte Pro Deo, Monteroni, Lecce, Italy – Premio Vrani (Vrani Prize), Borgagne, Lecce, Italy 1997 – Costellazioni (Constellations), Triennale, Milan, Italy – Arte in Puglia (Puglia Art), Arena della Vittoria, Bari, Italy – Picasso e le Avanguardie Russe (Picasso and the Russian Vanguards), Petersburg Museum, Otaru, Japan 1996 – Italia nostra (Italy of Ours), Three-yearly Exhibition, Milan, Italy 1993 – Trenta pagine sul paesaggio italiano (Thirty Pages on Italian Landscape), Galleria Corchia, Forte dei Marmi, Lucca, Italy 1992 – Undici maestri d’oggi (Eleven Masters of Today), Galleria il Mappamondo, Milan, Italy 1987 – Campigli, De Pisis, Pignatelli, Galleria Tega, Milan, Italy – Castello Don Jeronimo Callego, Sant’Agata di Militello, Messina, Italy – L’uomo e il Mare (The Man and the Sea), First National Biennial, Castello Angioino, Gallipoli (Lecce), Italy – Premio Biennale d’Arte Contemporanea Città di Palermo (Biennial Contemporary Art Prize Town of Palermo), Palermo, Italy 1986 – Rotonda della Besana, Atelier Upiglio, Milan, Italy – Arte sul Tavo. Pittura ed ecologia (Art on the Tavo. Painting and Ecology), Spoltore, Pescara, Italy – Un punto nel Mediterraneo. Qualità di segni e colore (A Point in the Mediterranean.

Forms’ and Colour’s Quality), Palazzo Scagli-

one, Sciacca, Agrigento, Italy 1984 – Artisti e Scrittori (Artists and Writers), Rotonda della Besana, Milan, Italy 1980 – Il libro figurativo d’Autore (The Figurative Art Book), Rotonda della Besana, Milan, Italy 1978 – Il Sacro nell’Arte Contemporanea (The Sacred in Contemporary Art), Palermo, Italy 1977 – Premio Internazionale Seregno Brianza (International Prize Seregno Brianza), Seregno, Milan, Italy 1976 – 150 opere di maestri contemporanei (150 Works of Contemporary Masters), Galleria Brera, Milan, Italy – Premio Nazionale Città di Prato (National Prize Town of Prato), Prato, Italy 1975 – Rotonda della Besana, Milan, Italy 1972 – Società per le Belle Arti ed Esposizione Permanente, Milan, Italy – II Rassegna Caserta Club (II Caserta Club Festival), Caserta, Italy – XXVII Biennale Nazionale d’Arte Città di Milano (XXVII National Art Biennial City of Milan), Milan, Italy – IX Premio di Pittura Città di Gallarate (IX Painting Prize Town of Gallarate), Gallarate, Varese, Italy 1971 – D’Après, Museo Civico d’arte Moderna, Villa Ciani, Lugano, Switzerland 1970 – Union Gallery Contemporary Art, San Francisco, U.S.A. – Premio Michetti (Michetti Prize), Francavilla al Mare, Chieti, Italy – Premio Villa San Giovanni (Villa San Giovanni Prize), Bari, Italy – Premio Città di Asti (Town of Asti Prize), Asti, Italy – Premio Ramazzotti (Ramazzotti Prize), Milan, Italy 1969 – Galleria Il Fiorino, Florence, Italy – Biennale di Bolzano, Bolzano, Italy – Società per le Belle Arti ed Esposizione Permanente, Milan, Italy 1968 – Salon M.E.E.B.A.A. del Disegno Internazionale, Buenos Aires, Argentina – Graphics Biennial, Cracow, Poland – Premio Spoleto (Spoleto Prize), Spoleto, Perugia, Italy – Premio Simca (Simca Prize), Torino, Italy 1967 – Accademia di Stato, Mostra Internazionale di Grafica, Salzburg, Austria – Artisti Italiani d’oggi (Italian Artists of Today), Bucharest, Romania – L’Italia a tavola (Italy at the Table), First International Exhibition, Varazze, Savona, Italy – Premio Ramazzotti (Ramazzotti Prize), Milan, Italy 1966 – III Mostra d’Arte Contemporanea (III Contemporary Art Exhibition), Palazzo Reale, Milan, Italy

– Resistenza (Resistance), Padiglione d’Arte Contemporanea, Milan, Italy – Studio Marconi, Milan, Italy – Il gioco degli artisti (The Artists’ Play), Galleria del Naviglio, Milan, Italy – Premio Ramazzotti (Ramazzotti Prize), Milan, Italy – V Premio Internazionale per il Disegno Joan Miró (V International Drawing Prize Joan Miró), Barcelona, Spain 1965 – Premio San Fedele (San Fedele Prize), Milan, Italy 1962 – Drawings and Pictures, Institute of Contemporary Art, Philadelphia, U.S.A. – Galleria d’Arte Moderna, Taipei, Taiwan 1961 – Giorgione-Poussin, I Mostra Internazionale, Castelfranco Veneto, Treviso, Italy – Premio Biennale Repubblica di San Marino, San Marino 1960 – International Exposition The Cat in Art, The Luella Henkel Foundation, New York, U.S.A. – Bagutta Torre del Mare, International Exhibition, Torre del Mare, Savona, Italy 1955 – Premio Diomira (Diorima Prize), Milan, Italy 1954 – Premio San Fedele (San Fedele Prize), Milan, Italy PUBLIC COLLECTIOnS TranPotomac Canal Center, Alexandria, USA Collezione Wolfgang Hainricy, Hamburg, Germany Galleria di Arte Moderna e Contemporanea, Accademia Carrara, Bergamo, Italy Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina Museum of Contemporary Art, Cleveland, U.S.A. Detroit Institute of Art, Detroit, U.S.A. Fukuyama Art Museum, Fukuyama, Japan Comune di Lecce, Lecce, Italy La Caja Pensiones, Madrid, Spain Castello Sforzesco, Milan, Italy Petersburg Museum, Otaru, Japan Sezon Museum of Art, Tokyo, Japan Tnn, Tokyo, Japan Italia Italy Ugo Riva

Born in Bergamo in 1951.

SOLO EXHIBITIOnS 2009 – De Twee Pauwen, Den Haag, Holland 2008 – Palazzo della Provincia, Spazio Viterbi, Bergamo, Italy – Salamon & C, Milan, Italy – Next-Art Gallery, Arezzo, Italy

2007 – Donne • Renato Guttuso e Ugo Riva (Women • Renato Guttuso and Ugo Riva), Grand Hotel, Rimini, Italy (è segnalata anche nelle mostre collettive) 2006 – Via Christi (a polychrome terracotta), Santa Lucia Church, Votive temple, Bergamo, Italy 2005 – Galerie Vallois, Paris, France 2004 – Capricorno Gallery, Washington D.C., USA 2002 – Park Ryu Sook Gallery, Seoul, Korea 2000 – Ugo Riva, Galleria Bonaparte, Milan, Italy – Ugo Riva. Il Viaggio (Ugo Riva. The Voyage), Palazzo dei Notai, Bologna, Italy 1999 – Piero e dintorni (Around Piero), Palazzo Pretorio, San Sepolcro, Arezzo, Italy – Galleria Franceschini, Rimini, Italy 1997 – Fortezza di San Leo, Pesaro and Urbino, Italy – Palazzo Lazzarini, Pesaro, Italy – Galerie Zur Krone, Batterkinden, Switzerland 1995 – Museo Bandiera, Busto Arsizio, Varese, Italy 1994 – Teatro sociale, Bergamo, Italy 1993 – Galerie Zur Krone, Batterkinden, Switzerland 1992 – Galleria Proposte d’Arte, Acqui Terme, Alessandria, Italy 1990 – Galleria Gastaldelli, Milan, Italy 1989 – Galleria Ada Zunino, Milan, Italy 1987 – Galleria Fumagalli, Bergamo, Italy GROUP EXHIBITIOnS 2008 – Aspetti della figurazione contemporanea.

Italia: le ultime generazioni (Aspects of the contemporary representation. Italy: the last generations), Villa Genoese Zerbi, Reggio Calabria, Italy – L’arte e i suoi doppi (The Art and its doubles), San Giovanni in Persiceto, Bologna, Italy – Foemina, Fondazione IEO, Milan, Italy – Il Neroazzurro è Arte (The Black and blue is Art), Galleria Bellinzona, Milan, Italy – MINT (Milan International Antiques and Modern Art Fair), Salamon & C, Milan, Italy 2007 – De Italiaanse routé, De Twee Pauwen, Den Haag, Holland – Realisme 07, Passenger terminal, Amsterdam, Netherlands – Arte fiera Bologna, Galleria Bonaparte, Milan, Italy – Quadri per un’esposizione. Guardare le opere, incontrare l’artista (Pictures for an exhibition. Looking at the works, meeting the artist), CMC Centro Culturale di Milano, Milan, Italy – Spazio Arte Legnano, Chiesa di San Do-

menico, Legnano, Milan, Italy – MINT (Milan International Antiques and Modern Art Fair), Salamon & C, Milan, Italy 2006 – Ciò che è infinitamente piccolo (What is awfully small), Galleria Civica, Palazzo Loffredo, Potenza, Italy – Sui Generi. Nature in posa (On genres. Nature posing), Centro di Promozione Culturale “Le Muse”, Andria, Bari, Italy – Er zij licht…II, De Twee Pauwen, Den Haag, Holland – 12th International Biennial Print and Drawing Exhibition, ROC, Taiwan – XII Biennale D’Arte Sacra (XII Biennial of Sacred Art), Museo Stauros, San Gabriele del Gran Sasso, L’Aquila, Italy – MiArt, Galleria Bonaparte, Milan, Italy – Antologia della figurazione italiana (An Anthology of Italian representation), Galleria Formae, Milan, Italy – Figurae, Galleria Factory, Modena, Italy – Amore e Psiche. Arte e Seduzione (Cupid and Psyche. Art and Seduction), Villa Ponti, Arona, Novara, Italy 2005 – Altre figurazioni (Further representations), Agorarte, Milan, Italy – Grands Antiquaires, fSalon international de Bruxelles, Galerie Vallois, Paris, France 2004 – Arte contemporanea in Lombardia (Contemporary Art in Lombardy), Museo di Gazoldo degli Ippoliti, Mantova, Italy – Museo Floriano Bodini, Gemonio, Varese, Italy – Terza Triennale d’arte sacra contemporanea (Third Three-year Exhibition of Contemporary Sacred Art), Lecce, Italy – Nature in posa (Nature posing), Centro di Promozione Culturale “Le Muse”, Andria, Bari, Italy – Strategie del corpo (The body’s strategies), Galleria Tamatete, Rome, Italy – Poetiche del ‘900: affinità e percorsi attraverso pittura e scultura (Poetics of the XX Century: affinities and ways through picture and sculputure), Castel Ivano, Ivano Fracena, Trento, Italy – IV International Biennial of Drawing, Pilsen, Czech Republic – Oltre. Indagini della dimensione metafisica nell’arte del XXI secolo (Over. Inquiries about the metaphysical dimension in the XXI Century Art), Galleria Tondinelli, Rome, Italy – Natura Morta (Still Life), Centro di Promozione Culturale “Le Muse”, Andria, Bari, Italy – In Rosarium Virginis Mariae via pulchritudinis, Pontificio seminario regionale della Basilicata, Italy – I Misteri del Rosario (The Rosary’s Mysteries) a contemporary sacred exhibition, Palazzo Apostolico, Museo Pinacoteca, Loreto, Ancona, Italy 2003 – Arte in salotto. 4 scultori in galleria (Art in the living room. 4 sculptors in a gallery), Galleria Vittorio Emanuele II, Milan, Italy – Giovanni Testori, un ritratto (Giovanni Testori, a portrait), Palazzo Leone da Perego, Legnano, Milan, Italy

145

2002 – Art Köln, Park Ryu Sook Gallery, Cologne, Germany 2001 –2000 volte 2000. La figurazione in Europa (2000 times 2000. The representation in Europe), Villa Ponti, Arona, Novara, Italy 2000 – Figurazione a Milano dal secondo dopoguerra ad oggi (The representation in Milan from the second postwar period till now), La Posteria, Milan, Italy – IX Biennale d’arte sacra (IX Biennial of Sacred Art), San Gabriele del Gran Sasso, L’Aquila, Italy 1998 – Expositive XVI+1, Contemporary Art Centre Schalkwijk, Holland 1996 – Situazioni della scultura (Sculpture’s situations), Palazzo Ducale, Lucca, Italy 1995 – Le ragioni della libertà (Freedom’s reasons), Palazzo della Triennale, Milan, Italy – XVI Biennale Internazionale del Bronzetto (XVI International Biennial of the Bronze work), Palazzo della Ragione, Padua, Italy 1994 – VI Biennale della ceramica d’arte (VI Biennial of the artistic ceramics), Fortezza del Priamar, Savona, Italy – Ipotesi sulla figura. Bergomi, Borghi, Pietrantoni, Riva (Hypothesis on the Image.

Bergomi, Borghi, Pietrantoni, Riva), A.A.B. Brescia, Italy – La scultura contemporanea. I disegni degli scultori (The contemporary sculpture. The sculptors’ drawings), Villa Comunale di Crevenna, Erba, Como, Italy 1993 – XXXII Biennale d’arte Città di Milano (XXXII Biennial of Art City of Milan), Palazzo della Permanente, Milan, Italy 1992 – V Biennale Ceramica (V Biennial of Ceramics), Fortezza del Priamar, Savona, Italy 1991 – Mostra Internazionale di Scultura (International Exhibition of Sculpture), Legnano, Milan, Italy 1988 – Nove scultori nuove sculture (Nine sculptors new sculptures), Galleria Ada Zunino, Milan, Italy 1987 – Otto scultori per un ospedale (Eight sculptors for an hospital), Gift to the Ospedali Riuniti, Bergamo, Italy – II Mostra Internazionale della Piccola Scultura (II International Exhibition of Little Sculpture), Castellanza, Varese, Italy 1986 – I Biennale di Scultura (I Biennial of Sculpture) Asti, Italy 1985 – Galerie Unterburg, Regensberg, Switzerland 1980 – Arte Basel 11, Basel, Switzerland 1978 – III Biennale della Scultura (III Biannial of Sculpture), R.A.S.E., Palazzo della Ragione,

146

Bergamo, Italy AWARDS 2008 – Premio Sulmona (Sulmona Prize), Sulmona, L’Aquila, Italy 2007 – Premio Sulmona (Sulmona Prize), noncompeting, Sulmona, L’Aquila, Italy 2006 – Premio Sulmona (Sulmona Prize), 1st Prize, Sulmona, L’Aquila, Italy 2005 – Rassegna Internazionale città di Bozzolo. II Biennale “Don Primo Mazzolari” (International Festival of Bozzolo. II Biennial “Don Primo Mazzolari”), 1st Prize, Bozzolo, Mantua, Italy 1997 – Premio Suzzara (Suzzara Prize), commendation, Suzzara, Mantua, Italy 1989 – IX Biennale Internazionale Dantesca (IX International Dantean Biennial), golden medal, Ravenna, Italy 1988 – Concorso per un monumento a Giovanni XXIII (Competitive examination for a monument to Pope John XXIII), finalist, Cathedral of Bergamo, Italy Italia Italy Federica Silvi

She lives and works in Rome where she graduated in Architecture.

For years she has been dividing her work commitments with a passion for photography and sculpture. She constantly exhibits her works in her father’s antique restoration workshop in the centre of Rome.

Svizzera Switzerland Heinz Aeschlimann

Born in 1947 in Switzerland.

Working and living in Stansstad, Zofingen and St. Urban EDUCATIOn 1963 Upon leaving school, apprenticeship as draughtsman for reinforced concrete & underground engineering, with further training in welding, locksmithery, and design

1966-1967 Extension education stay in USA, Ohio and Illinois, where he acquired, in diverse art classes and workshops Cleveland and Chicago for the working of iron and steel a solid basic knowledge as an iron sculptor 1967-1971 Return to Switzerland Engineering studies From 1971 First exhibitions in Switzerland of small-tomedium sculptures and reliefs Until 1976 Technical Manager on large construction sites 1976 Joined the family business Aeschlimann AG, Strassen und Asphaltunternehmung 1981 up to the present CEO and President of the board of directors of Aeschlimann AG 1972-2003 Parallel to his vocational training and work, military officer training with the engineer corps up to the rank of regimental commander and colonel 2004 Award Winner Entrepreneur of the Year for Switzerland by Ernst & Young 2005 Nominated for the World Entrepreneur Award in Monte Carlo 2006 World Entrepreneur of the Year, Ernst &Young, Judge President of the European Gussasphalt Association Since 1965 Working as a sculptor in own studios 1973 – today, Many exhibitions in Switzerland and international Membership in various commissions, associations and organizations.

Board member in various art & cultural organizations Initiator and sponsor of the private support project Art Exchange and Artist in Residence for emerging artists Initiator, founder and owner of art-st-urban, a contemporary Art museum and Sculpture park.

SOLO AnD GROUP EXHIBITIOnS SInCE 2000 (SELECTIOn) - Artexpo, New York, NY USA - Downtown Sculpture Show, City of Orlando, Florida, USA, - Pierwalk Sculpture Show, Navy Pier Chicago, USA - Stahlgewitter, Künstlerhaus München, Germany - Swissart Miami, Miami Beach, Florida, USA - Switzerland meets Dubei, Dubai, Arab Emirates - Giants of Sculptures, PLG Art, Naples, Florida, USA - Sculptureshow Lake Nona, Orlando, Florida - Season of Sculptures, Sarasota, Florida, USA - Grounds for Sculpture, Hamilton, New Jersey, USA - Vancouver Biennale, Vancouver, Canada

- Skulptur Urschweiz, Lake Lucerne, Switzerland - Skulpturenausstellung, Monte Ceneri, Lugano, Switzerland - Season of sculptures 4th, Sarasota, Florida, USA - Artquest, Marco Island, Florida, USA - OPEN10, Lido di Venezia, Italy - Skulpturenpark-st-urban, Lucerne, Switzerland - art-st-urban, St. Urban, Lucerne, Switzerland - Wicki-Aeschlimann Paintings and sculptures, Wynwood, Miami, Florida USA - Aeschlimann Asphalt Art, St. Urban, Switzerland - Heinz Aeschlimann and young artists, St. Urban, Switzerland - Arteperarte, Giubiasco, Switzerland - A wide range of small to monumental sculptures on permanent exhibition in the Museum artpavillon-st-urban and skulpturenpark-sturban, Switzerland.

Already in the 60’s, during my school and college days, I began to create iron sculptures. Experimenting with diverse techniques and permanently developing of these new techniques, formed my further career as an artist over many years.

In a decades-long creative period I am processing/working out new techniques for all sorts of steel, as well as a special surface treatment technique, finding so my own unmistakable style.

Owing to my temperament, there is for me no standing still or dwelling with what I have already tried out, and, on no account, any concession to the Zeitgeist, in form, material or design.

The ever renewed approach to diverse metals, surface treatment, experimenting with further materials, such as mastic asphalt, granite, steel cable, installations with iron, light and water, or, in recent times, dynamiting of steel and iron slabs, gives rise, time and again, to completely new sculptures: from small table & standing sculptures and wall reliefs, to outdoor sculptures of several meters’ height and up to 6 tonnes’ weight.

Very important for me is to work out my sculptures with a according to present-day technology and highest Swiss precision standard.

These 4 decades produced a comprehensive life’s work of more than 800 sculptures, with exhibitions in Europe, USA, Canada and Asia.

Beneath I created and built up an own sculpture garden of my sculptures at Monte Ceneri, which is constantly expanded. An installation of 120 tonnes’ worth of granite blocks represents my hitherto life cycle on a length of over 50 meters.

Another big liftimeproject I founded and worked out is art-st-urban, a very unique location and concept Skulpturenpark, in the surrounding of Abbey St.Urban, and an Art museum, installed in a former men’s mental clinic, with over 700 installed artworks of over 50 international highly repudiated artists. art-st-urban also gives platform in addition for the specific artist in residence program, full sponsored by art-st-urban, I

teach and work with selected young emerging artists in an individual, intensive sculpture program.

As an inveterate active person, I am not an entrepreneur during the week and an artist over the weekend. I cannot divide the one from the other. I am both 100%, round the clock – both make up my persona. My entrepreneurial side shapes the artistic side, and the artistic vein is incorporated in my entrepreneurial thinking. Uniting material structures and relations in one form, representing the uniqueness of the movement, means for me entrepreneur and art in chime – perfect harmony.”

Svizzera Switzerland Christian Bolt

Born in 1972 in Uster, Zuerich, Switzerland EDUCATIOn 1988–1992 College for wood carving in Brienz BE, Switzerland 1994–1996 Stays abroad in USA and Germany 1997-1999 Accademia di Belle Arti in Carrara (Italy), under Prof. Ballochi 1999-2001 Accademia di Belle Arti in Florence (Italy), Diploma, under Prof. Antonio di Tommaso PROFESSIOnAL EXPERIEnCE 2000–2003 Free-lance artist in Zuerich, Switzerland Since 2001 Guest lecturer of the Swiss Association for Sculptors Since Dec. 2003 Free-lance artist in Klosters, Switzerland 2004 Founder of the BoltRadzik GmBA SOLO EXHIBITIOnS 2009 - Gallery Claudine Hohl, Zuerich, Switzerland 2007 - Gallery Claudine Hohl, Zuerich, Switzerland 2005 - Gallery Claudine Hohl, Zuerich, Switzerland - Exhibition at Zingg-Lamprecht furniture store, Zuerich, Switzerland - Exhibition in ABB, Mannheim, Germany 2004 - Gallery Zur Muenz, Zug, Switzerland 2003 - Gallery Claudine Hohl, Zuerich, Switzerland - Exhibition at the Design Center Langenthal, Langenthal, Switzerland 2002 - Gallery 63, Klosters, Switzerland 2001 - Exhibition at the Designer Center DCS,

Schindellegi, Switzerland GROUP EXHIBITIOnS 2008 - Exhibition in art-st-urban and Museum artpavillon-st-urban, St.Urban, Switzerland 2006 - Sculpturart 06, Zuerich, Switzerland 2000 - Exhibition of the Gruppo Donatello, Florence, Italy 1999 - Exhibition in the Art Gallery Scheidegger, Richterswil, Switzerland 1998 - Exhibition in the Art Academy of Carrara, Pisa, Italy PUBLIC PROJECTS 2001 - Signalization of road works for the Bord of Civil Engineering Zuerich, Switzerland 2004 - Art for the building of the Nursery Home Zuerich, Oerlikon, Zuerich, Switzerland - Project SteinhART in cooperation with Klosters Tourism, Klosters, Switzerland 2005 - Action Let the sheep grase, St. Antoenien / Praettigau, Switzerland 2006 - Action Let the sheep grase, Davos, Switzerland 2007 - Action Let the sheep grase, St. Moritz, Switzerland 2008 - Action Let the sheep grase, Trogen, Switzerland 2009 - Action Let the sheep grase, Trogen, Switzerland SYMPOSIUMS 2001 International Sculptors Symposium , Rome, Italy 2001 National Sculptors Symposium on the Alp Flix, Kanton Graubuenden, Switzerland 2002 International Sculptors Symposium in Oberkirch, Germany 2005 International Sculptors Symposium in Davos, Kanton Graubuenden, Switzerland Svizzera Switzerland Daniel Glaser/Magdalena Kunz

They live and work in Zurich, Switzerland.

SOLO EXHIBITIOnS 2009 - The Pool NYC, Venice, Italy, June 30 - July 11

- Museum für zeitgenössische Kunst/Neue Sächsische Galerie, Chemnitz, Germany 2008 - Blank Projects, Cape Town, South Africa - Galerie GAS (Gagliardi Art System), Turin, Italy 2006 - White Space, Zürich, Switzerland www.whitespace.ch - Kunstverein Leipzig, Germany www.kunstvereinleipzig.de - Galerie GAS (Gagliardi Art System), Turin, Italy, www.gasart.it GROUP EXHIBITIOnS 2008 - Nuit Blanche, Paris, France - Steirischer Herbst, Graz, Austria - Galerie GAS (Gagliardi Art System), Turin, Italy - Kunsthalle Arbon, Kulturtage, Switzerland - Fabian & Claude Walter Galerie, Zürich, Switzerland - Biennale Internazionale di Scultura, Carrara, Italy - Steirischer Herbst, Graz, Austria - HIFA, Harare International Festival of the Arts, Zimbabwe - Kunstszene Zürich, Zürich, Switzerland - Aktion Kunstpanorama, Kunsthalle, Luzern, Switzerland 2007-2008 Jahresausstellung Solothurner Kunstschaffender, Kunstmuseum Olten/Solothurn, Switzerland 2007 - Kunst- und Kulturzentrum Nairs/Scuol, Switzerland - White Space, Zürich, Switzerland www.whitespace.ch 2006 Allarmi, Como, Italy, www.allarmicomo.com ART FAIRS 2008 - Scope, International Contemporary Art, Miami Beach, USA - Scope, International Contemporary Art, London, UK - Scope, International Contemporary Art, Basel, Switzerland - Scope, International Contemporary Art, New York, USA - Fiera d’arte contemporanea, Rome, Italy 2006 - Artissima, Turin, Italy / www.artissima.it - 3. Berliner Kunstsalon, Germany www.berlinerkunstsalon.de VIDEO AnD FILM FESTIVALS 1989-1999 (Selection) - Schweizer Fernsehen TV DRS - Solothurner Filmtage - Filmfestival Talinn - Short Film Festival Toronto - European Filmfestival Hannover - Schweizerische Jugendfilmtage Zürich - Viper Luzern und Basel GRAnTS - Kulturstiftung Winterthur - Kulturförderung Kanton Graubünden - Residency in Cape Town (Pro Helvetia) - Artists-in-Residence, Nairs/Scuol - Artists-in-Residence, Leipzig - Sitemapping, BAK

- Förderpreis der Hochschule für Gestaltung und Kunst, Zürich - Talente 2000, München - Contemporary Toy of the Year, Okayama - Auszeichnung Viper, Luzern - Springender Panther - Goldene Schere - Nachwuchsförderpreis der UNICA Uruguay-USA Jorge Misium

Jorge Misium’s work conceptually revolves around how we see and consider ourselves through interactive, un-monumental and fugitive work. Misium has shown locally in the US in multiple venues, his work has also being visited internationally, last in China in the summer of 2008 at the National Art Museum and Mozen Art Museum in Beijing as well as the Shanghai Zendai Museum of Modern Art. Dr. Misium holds a Master of Fine Arts in Sculpture and a PhD in Electrical Engineering.

USA Fulvia Zambon

She lives in Brooklyn, NY. EDUCATIOn 2005-2009 – The Art Students League, New York, NY, USA Certification in Fine Art Paintings 2001-2004 – The Art Students League, New York, NY, USA She studied portrait painting with Roland Sherr 1984-1989 – Academy of Fine Arts of Brera, Milan, Italy, she studied life drawing and sculpture SOLO EXHIBITIOnS 2008 – Baby Carriages, Merge Gallery, New York, NY, USA 2006 – Sidecar, TAG, Opening of 18 Gallery during the Winter Olympic Games, Turin, Italy, USA – Chicken Pox, Figureworks Gallery, Williamsburg, Brooklyn, New York, NY, USA 2003 – Wrapping, East, Williamsburg, Brooklyn,

147

New York, NY, USA 2000 – Self Portraits, Headquarters, Hollywood, CA, USA 1996 – Bimbi e Madonne, Totem Gallery, Venice, Italy 1995 – Logos y Mythos, Spazioltre Art Gallery, Rome, Italy 1994 – La voce muta, Dissemination, Milan, Italy 1993 – Interni, Spazio Leti, Milan, Italy 1991 – Paintings, José Martos Gallery, St. Barth, French West Indies, USA 1990 – Yugodok, Drvenik, Croatia – Paintings, Fullscale Gallery, New York, NY, USA 1989 – Paintings, Diocleziano Palace, Split, Croatia GROUP EXHIBITIOnS 2009 – It’s a wonderful life, Sideshow Gallery, Williamsburg, Brooklyn, New York, NY, USA 2008 – Il Vuoto e le Forme (a cura di Anna Caterina Bellati), Chiavenna, Sondrio, Italy – “À travers l’Immatériel, Omaggio a Ives Klein” (a cura di Anna Caterina Bellati), Mya Lurgo Art Gallery, Lugano, Switzerland Affordable Art Fair, Metropolitan Pavilion, New York, NY, USA – Red Dot Fair, Merge Gallery New York – Peace, Sideshow Gallery, Williamsburg, Brooklyn, New York, NY, USA 2007 – Somewhere Under the Marylebone Flyover, Subway Gallery, London, UK – Focus on the Figure, Hopper House Art Center, Nyack, New York, NY, USA – The Quest to Define Ourselves and Our Culture, St. Joseph College, Brooklyn, New York, NY, USA – War is Over “Again”, Sideshow Gallery, Williamsburg, Brooklyn, New York, NY, USA 2006 – War is Over, Sideshow Gallery, Williamsburg, Brooklyn, New York, NY, USA The 9th Annual Mermaid Show, Sideshow Gallery, Williamsburg, Brooklyn, New York, NY, USA 2005 – Project Diversity, Random – Occurrences: Deconstructing Images, Icons, and Identity, Skylight Gallery, Brooklyn, New York, NY, USA 2004 – 10 Ragazze per me (10 Girls for me), (a cura di Anna Caterina Bellati), Palazzo Pretorio, Chiavenna, Sondrio, Italy.

– Premio Arte 2004, Museum of the Permanente, Milan, Italy – Williamsburg in Lenox, Borea Gallery, Lenox, MA – Water Show, Red Hook, Art at The Pier, Brooklyn, New York, USA 2003 – Small Immensities, The Painting Center,

148

Winter Show, New York, NY, USA – 100th Birthday Williamsburg Bridge, Holland Tunnel, Brooklyn, New York, NY, USA 2001 – I Love NY, World Trade Center, Egizio’s Projects, New York, NY, USA – Master Pieces, Art Museum of South Texas, Texas, TX 2000, USA – Nursery Crime, Egizio’s Project, New York, NY, USA AWARDS 2009 – The Art Student League of New York, Jean Gates Award Grant 2008 – The Art Student League of New York, Scholarship 2007-2008 – The Art Student League of New York, Scholarship 2007 – The Art Student League of New York, Summer Scholarship 2004 – Premio Arte Giorgio Mondadori Publisher, Milan, Italy. Diploma d’Onore (Honour certificate) 1998 – The Bay and Beyond, Bayside Historical Society, Albany, NY. 2nd Prize 1995 – Vetrerie Italiane, New forms in glass and future applications, 1st Prize

ISOLA DI SAn SERVOLO Italia Italy Angelarosa Benevento

Born in Trento in 1983 but she grew up at Calciano (Matera).

She attended the State Art School of Potenza, specializing in Textile Art, she later took an interest in sculpture. Now she is studying at the Academy of Fine Arts of Bologna.

GROUP EXHIBITIOnS 2008 – During the Notte Bianca (Sleepless Night) at Calciano, Matera, Italy 2005 – Church of Sant’Apollinare, San Giovanni in Persiceto, Bologna, Italy

Italia Italy Francesco Cossu

Born in Carbonia, a small town in Sardinia, in 1985. After graduation at the State Art School, he is now studying Sculpture at the Academy of Fine Arts of Bologna.

EXHIBITIOnS 2008 - Premio Internazionale Scultura E. Mannucci, Ancona, Italy - Public sculpture a performance during Ecole del Rusco, Galleria La Pillola, Bologna, Italy - Casa del Pane Museum, Milan, Italy Italia Italy Luca Freschi

Born in Forlimpopoli, Forlì (Cesena), in 1982. He graduated at the State Art School of Forlì, specializing in Pictorial Decoration and Restoration. He graduated at the Academy of Fine Arts of Bologna, Painting Section (2007). In those years he took part in several group and solo exhibitions in Italy and Spain. In 2006 he obtained an Erasmus Scholarship in Barcelona. In 2008 he was in Seville with the Leonardo project. He lives and works in Meldola, Forlì-Cesena.

SOLO EXHIBITIOnS 2009 - La Memoria della Pelle, Caffè Letterario Assenzio, Rimini, Italy 2008 - Sulla Soglia, Centro Culturale Cortemanlio, Cormano, Milan, Italy 2007 - Ingresso in Società, Chiesina dell’ex Ospedale, Meldola, Forlì-Cesena, Italy 2004 - Sottoesposizioni, Bertinoro/Meldola, ForlìCesena, Italy 2002 - Area Sismica, Circolo Arci Ravaldino in Monte, Forlì, Italy GROUP EXHIBITIOnS AnD AWARDS 2008 - Passiones 4, Seville, Spain - Vernice, Art Fair Forlì, Italy - Iosoppalco, Accademia di Belle Arti, Bologna, Italy - Salernoinvita 2008, Meeting Nazionale

della Creatività Giovanile, Complesso Monumentale di S.Sofia, Salerno, Italy - Panificarte, Chiostri di San Nicolò, Ravenna, Italy - Nello sguardo immaginabile, Contemporanea, Art Fair Forlì, Italy - Nuove Argille, Linguaggi della Giovane Ceramica D’Arte Italiana, FRAK, Fondo Regionale d’Arte Contemporanea, Baronissi, Salerno, Italy 2007 - Accademie Incontro, Art Fair Reggio Emilia/Galleria d’arte comunale di Piombino, Livorno, Italy 2006 - Grabat, Manresa, Barcelona, Spain 2005 - La Precarietà, Chiostro di S.Cristina, Bologna, Italy - Accademie Incontro, Palazzo del Podestà, Rimini, Italy - Il valore del tempo, Accademia di Belle Arti, Bologna, Italy 2004 - La collezione degli Sconosciuti, Bertinoro, Forlì-Cesena, Italy 2003 - Echi sinistri da nature lontane, Istituzione ai servizi sociali Davide Drudi, Meldola, ForlìCesena, Italy - Spazio espositivo per giovani artisti, Velvet, Rimini, Italy - Vernice, Art Fair Forlì, Italy 2002 - Amico Fragile, a Theatrical representation and painting performance as a tribute to Fabrizio De Andrè, Teatro Comunale, Cesenatico, Forlì-Cesena, Italy - Omaggio a Giulietta Simionato, a Painting performance, Sala S.Caterina, Forlì, Italy - Tributo a Fabrizio De Andrè, a Painting performance, Circolo Valverde, Forlì, Italy 2001 - Ricordando Guerriero Cortini, Chiostro di San Mercuriale, Forlì, Italy - Da grande voglio fare, Extemporaneous painting competition, Forlì, Italy (2nd prize).

2000 - Sport e colori nel parco, Extemporary painting competition, Forlì, Italy(2nd prize).

- Scultura da Vivere, 4th International competition, Fondazione Peano, Cuneo, Italy 1999 - Arte insieme, ANLA sala XC Pacifici, Forlì, Italy Italia Italy Laura Guerinoni

Born in Bergamo in 1985. After graduating in painting with professor Massimo Pulini at the Academy of Fine Arts of Bologna in

2008, she is now specializing in painting at the Chair of professor Luca Caccioni. She attended the three-year course of advanced training Il mestiere delle arti (Arts’ Craft), promoted by the Ministry of Youth Policy of Emilia Romagna. She has taken part in several group exhibitions such as the Giorgio Morandi Prize at Palazzo d’Accursio in Bologna (2008); at the Galleria Comunale d’Arte Moderna e Contemporanea in Piombino, Leghorn (2008); at the exhibition of environmental art Montesole Arte, Sentieri della memoria, in the historical Park Montesole, Bologna (2007) and in Reggio Emilia at Immagina Arte in Fiera 2007. She has participated in two editions of the Biennial Engraving Prize Sandro e Marialuisa Angelini, organized by the Galleria di Arte Moderna e Contemporanea (GAMeC) in Bergamo. Her solo exhibition Wunderkammer took place at Il Posto in Bologna in December 2008. The artist is also a member of the artistic group Mentelocale that works in public art.

Italia Italy Giacomo Lion

Born at Zevio, Verona, in 1985. After having attended the junior high school with average results, he chose to follow a set path by enrolling in the Technical College “G. Belzoni” in Padua. Having failed the third year because of his innate tendency to defy the rules and his craving for drawing, he enrolled at the Modigliani State Art School in Padua, with good results. There he attended lessons with great interest, although the marking system reflected it only when creativity and personal initiative were taken into account. He was also appointed Student Representative even though he hadn’t stood as a candidate. His relationship with the Head Teacher and teachers was based on mutual trust. He failed to win a place at the ISIA of Urbino by just a few points, so he decided to enrol in the Painting Course at the Academy of Fine Arts of Bologna, where he found his inspiration. He is now immersed in a quest for himself and his present, unravelling his lack of a past through geometric compositions.

Italia Italy Matteo Lucca

- Enigma a Tre Dimensioni with Giovanni Mundula by Achille Bonito Oliva, unscheduled in the Artefiera, Basilica of Santo Stefano, Bologna (a collaboration in making and installing the works) 2007 - Visionaria 2, a Student Workshop at the Academy of Fine Arts of Bologna, under Prof.

Nicola Cucchiaro, Museo Renzi, San Giovanni in Galilea, Forlì-Cesena.

Matteo Lucca was born in Forlì in 1980. He Born in Forlì in 1980. He graduated in 1999 at the State Art School of Forlì and in 2007 he graduated in Sculpture at the Academy of Fine Arts of Bologna. Since 2003 he has taken part in Forlì’s Art Fairs Vernice and Contemporanea.

In 2004 he was selected to attend the 47th edition of the Campigna Prize Overture Number 0 held in Santa Sofia, Forlì-Cesena.

That same year, he won the 1st prize in the competition Life as a Rebirth for A.U.S.L. of Ferrara and created a monumental work entitled Autoforia, located in the park of the Hospital Bondeno, Ferrara.

In 2005, he was selected to attend 56, sponsored by the G.A.I. (Young Italian Artists) at Palazzo Albertini, Forlì.

In 2006, he created a group of sculptures called Testimoni dell’impronta (Print Witnesses) which was located at the Pierantoni Hospital in Forlì and dedicated to blood donors of Avis.

From 2007 to 2008, he took part in Art- Verona and Bologna Arte-fiera with the Galleria Forni.

In 2008 he exhibited in the Biennale di Roncaglia in San Felice sul Panaro, Modena, with the Galleria Forni.

Now he is taking a degree in Drama and Performing Arts, a two-year postgraduate Course at the Academy of Fine Arts of Bologna.

Italia Italy Lara Mezzapelle

Italia Italy Angelo Massaro

Born in Manduria, Taranto, in 1985. He lives in Bologna and is attending the Painting course at the Academy of Fine Arts of Bologna, under Prof. Giovanni Mundula.

ARTISTIC EXPERIEnCES 2009 - Iconoclastie Tesi e Antitesi dell’Arte by Edoardo Di Mauro, unscheduled in the Artefiera, Bolgna, Italy - Suriezione (Surjection) and Papavero da Oppio (Opium Poppy), Basilica di Santo Stefano, Bologna, Italy 2008

Born in the province of Rimini in 1972. She currently lives and works in Bologna.

In 1998, she graduated with top grades from the Department of Psychology at the University of Bologna. Later on she pursued her research, investigating interactions between art and emotions.

In 2004, she completed a second degree at the Academy of Fine Arts of Bologna, specializing in Sculpture.

In 2005, she organized and managed the art space Arteteca in Modena, supported by the City of Modena; meanwhile she founded, in collaboration with the Cultural Association QFWFQ, an organization that she still presides. Since 2008 her artistic research has focussed on the new potentialities of digital language, cooperating with Giacomo Deriu.

In the same year, with the interactive installation Presente del Verbo Essere (The Simple Present of the Verb to Be), she won the Premio Celeste (Celeste Prize) a prestigious competition that promotes Contemporary Art in Italy.

She is now developing a solo exhibition in Rome and an interactive installation realized for an exhibition in the Yerebatan Sarnici during the Istanbul Biennial.

EXHIBITIOnS AnD AWARDS 2009 - Vught Biennial, Vught, Holland - For them, Cuadro Fine Art Gallery, Dubai, United Arabs Emirates - Solo exhibition, Gallery Van Loon & Simons, Vught, Holland 2008 - Premio Celeste (Celeste Prize), Fabbrica Borroni, Bollate, Milan, Italy, First prize.

- Clicking the territory. Window of light and darkness, Micaela Mander and Olivia Spatola, Castello Sforzesco, Vigevano, Pavia, Italy - Robot 01 – digital paths into music and art, an interactive video installation Idrofonie, Palazzo Re Enzo, Bologna, Italy 2007 - Exuviae, solo exhibition, Private Gallery, Monte Carlo, Monaco 2006

- Fitomorfo, (white sandstone, 270 X 70 X 70 cm), Venerato, Greece 2005 - Work in progress, Palazzo Santa Chiara, Modena, Italy 2004 - International Competition: Il mito di Icaro.

Simposio di scultura, 6th Edition, Cavaion Veronese, Verona, Italy. Official selection.

- Ala (white travertine, 210 x 110 x 40 cm), Affi, Verona, Italy 2003 - Tratti da sé, Galleria Guidi, Academy of Fine Arts, Bologna, Italy 2003-1996 - Mainposa, member of the award-winning video group in Cesena, Italy.

2002 - Sculpture competition Monumento al fiocinino, Academy of Fine Arts, Bologna, Italy, First prize.

- International Competition: Scultura da vivere, 4th Edition, Fondazione Peano, Milan, Italy, Official selection.

- Notte e Giorno, 4th Edition, curated by Silvio Santini, Torano, Carrara, Italy.

PUBLIC SCULPTURES 2004 - 2002 - Monumento al fiocinino, (bronze, travertine, steel, copper; 8x6x7 m.), Lagosanto, Ferrara, Italy Italia Italy Fabio Romano

Born in Gela, Sicily, in 1978. He always felt the need to escape from Sicily, perceiving it as crushing; so after spending some years studying Psychology, he decided to leave everything and move to London. There he came closer to art, he was able to meet a great number of young British artists and he started his first research on recycled materials. Then, after a summer in Sicily he went to Bologna where he was fascinated by the city and he decided to attend the Academy of Fine Arts of Bologna.

In January 2008 he began working as an assistant at the Otto Gallery in Bologna and in October as an assistant of the artist Luca Caccioni holder of the Chair of Painting at the Academy of Fine Arts of Bologna.

His research is concentrated on testing and sculpting plastic material, which in some cases he develops through the use of photography and video. In this exhibition he presents a plastic model that in some aspects may be inspired by the image of Pompei, an archaeological landscape where everything remains frozen under a coating of dust. In 2007, on the occasion of the group exhibition Sinestesie, he exhibited

149

images and sounds for the first time at the Fair of Faenza. Then the collective exhibition entitled Landscapes was held in Gela in the Palazzo Ducale (2007). He participated in the Samp Prize – Industry meets Art in 2008, and took part to the group exhibition Dedicated to Enzo Biagi, at the Academy of Fine Arts of Bologna (Pianaccio, Bologna, 2009).

Italia Italy Lucio Terenzi

Born in 1976 in Parma. His natural and academic training led him to enrol at the Academy of Fine Arts of Bologna in 2004.

His previous studies, although very different, were indispensable for his personal formation and necessary for understanding his identity and the pursuit of his personal artistic expression. After graduating from the State School for Agriculturalists in Reggio Emilia in 1994, Lucio attended a course in haute cuisine followed by training in Igles Corelli’s well-known restaurant in Ferrara.

During this period he began studying Architecture as a non matriculated student, gradually working his way into the world of art and photography. In 2001 Lucio was employed as a junior chef in the lively city of Barcelona and the following year set off for London. It was this experience as Chef de partie (line cook) at the Royal Academy of Arts that rekindled his artistic ambitions.

On offer was a daily diet of artistic and other cultural activities that only a city like London can provide. It was during his stay in London that Lucio decided to resume his artistic studies seriously and on a more formal level.

At the Academy of Fine Arts of Bologna he took courses in Sculpture where he met Professor Mauro Mazzali who encouraged him to undertake formal research that connects Goethe’s thought and the Aesthetics of Will.

In 2006 he studied for several months at the Avans Hogeschool in Breda, Holland, where he produced a photographic diptych, Personalmente Reale / Realmente Personale (Personally Real/ Really Personal).

He ended his stay in Holland with a one-man show entitled Open Room. In 2007 he took part in the Kinkaleri Workshop at the Neon Gallery in Bologna. In the same year he exhibited his art work Metro Quadro Lunare at the Festival della Creatività in the Fortezza da Basso, in Florence. He also exhibited two works, La Grande Onda and Senza Titolo at the Immagina, Arte in Fiera, in Reggio Emilia.

The latter was a study in ceramic, on the interface of craftsmanship and industrial production.

In 2008 Lucio received his diploma with honours from the Academy of Fine Arts in

150

Bologna. His talk was entitled Del Sofismo dell’Arte e del Divino dell’Idea (About the Art’s Sophism and the Divine of Idea), and exhibited Omaggio a Cézanne and Sospeso a tilting structure composed of parking meter tickets representing time and space. In 2009, taking his inspiration from his Dutch show Open Room, he put on another oneman show A Room in the Open, presented in Reggio Emilia at the Corte Spaletti di Bagno.

His artistic expression revolves around the search for a sense of value that is both “other” and new in material and space, replacing collective imagination and the shared concept of things. His path, which has been formally nourished by material things, is intellectually driven by the search for the non material of the idea.

Italia Italy Linda Vigiani

Born in Florence in 1986. She attended Michelangelo’s project in sculpture at the Leon Battista Alberti High School of Art, where she was taught by Bruno Benelli. She graduated in Sculpture and Plastic Decoration in 2005. At present she is attending the Degree Course in Sculpture, directed by Davide Rivalta, at the Academy of Fine Arts of Bologna.

EXHIBITIOnS 2009 - April/May, Document the Young Art, Sculpture, a group exhibition organized by the Academy of Fine Arts and the artistic promotion group of Crespellano, named Torre Colombaia, in Palazzo Garagnani, Crespellano, Bologna, Italy 2008 - November, a group exhibition for the opening party of the bank FarBanca, in its new head office, via Irnerio, Bologna.

- April, No Frontiers Art a group exhibition, at the Complesso Arcivescovile Dame Inglesi and LIA located in Rovereto, Trento, curated by professor Anna Mattedi and professor Guglielmo Vecchietti Massacci.

2007 – July, Visionary, a group exhibition at the Luigi Renzi’s Museum, loceted in Borghi, Forlì e Cesena.

Italia Italy Davide Vivaldi

Italia Italy Diego Zuelli

Born in Rovereto, Trento, and lives at Trambileno, Trento. He graduated at the State Art School Fortunato Depero in Rovereto (Trento) in 2003, specializing in Applied Art. He attended the Sculpture Section at the Academy of Fine Arts of Bologna.

GROUP EXHIBITIOnS AnD AWARDS 2009 - Pianacci group exhibition, Enzo Biagi Award, Bologna, Italy - Sculpture Group Exhibition at Palazzo Garagnani, Crespellano, Bologna, Italy 2008 – Art competition, Loggia della Fornace,Rastignano, Bologna, Italy, 1st prize - Comparing Academies, Art Fair of Reggio Emilia, Italy - Sculpture Group Exhibition, the House of Bread, Milan, Italy - Installation: a demonstrative video-work of The Artistic Residence of Lago Film Festival, Revine Lago, Treviso, Italy - Edgardo Mannucci Prize, 15th Edition, by the Rotary Club Altavallesina Grottefrasassi, Chiostro di San Francesco, Arcevia, Ancona, Italy, 1st Prize 2007 - Group Exhibition, Renzo Mezzacapo Gallery, Piombino, Livorno, Italy - Comparing Academies, Art Fair of Reggio Emilia, Italy - Installation, Festival of Creativity, Fortezza d’Abasso, Florence, Italy - A temporary Exhibition, 11th edition of Concorso Internationale Sculptura da vivere on the theme The Mother - Fondazione Peano, Cuneo, Italy. 3rd Prize - The Artistic Residence of Lago Film Festival: installation. Revine Lago, Treviso, Italy - A Show/Performance > Play <? Project Pigreco, in Itinerario Stabile, a Festival of Theatre, Music and Entertainment, Cesena, Italy - InstallorkFestival 5.0, Culture and Digital Self-production Festival at the International Museum and Music Library of Bologna, Italy - Symposium of Art in Groznjan, Croatia 2006 - Art & Work, a Group Exhibition and Competition at the Circolo Culturale Vicolo Bolognetti in Bologna, Italy. 1st Prize held by CGIL Bologna, Italy 2005 - Sculpture Solo Exhibition, Arco, Trento, Italy - Art under the arcades, Bologna, Italy - Group Exhibition, San Giovanni in Persiceto, Bologna, Italy 2004 - Group Exhibition, Castel Franco, Bologna

Born in Reggio Emilia in 1979.

SOLO EXHIBITIOnS 2009 - Ai confini della realtà: Silvia Camporesi, Cristian Chironi, Marco Scozzaro, Diego Zuelli, Castelvetro, Modena, Italy 2008 - One Photo One Video #2, Betta Frigieri Arte Contemporanea, Modena, Italy Videoart Yearbook 2008, Bologna, Italy - Drawings in action, Museo Pecci, curated

by Lorenzo Giusti, Prato, Italy 2007 - Prospettive Temporali, Betta Frigieri, Sassuolo, Modena, Italy - Premio Campigna (Campigna Prize), visiting professors: Anne & Patrick Poirier, Santa Sofia, Forlì e Cesena, Italy - Videoart Yearbook 2007, Bologna and Trento, Italy 2006 - Confini. Lo spazio del corpo, il corpo dello spazio, Ferrara, Italy - Neverending Cinema/Cinema Infinito, a workshop by Zimmerfrei, Trento, Italy - Le Cinématographe Festival, Section Contrechamp 3: Spécial animation, Nantes, France 2005 - Esposizioni Ultrarapide, Milan, Italy GROUP SHOWS (a selection) - Mulhouse 005 - la création contemporaine issue des écoles d’art, Mulhouse, France - Ouverture, Ex Eggs, Enviroments.Art.Space, New York, U.S.A. 2004 - Empowerment. Cantiere Italia, Genoa, Italy - Keep in Touch, Aeroporto Marconi, curated

by Spazio Aperto (GAM), Bologna, Italy - Chance, Galleria T293, Naples, Italy 2003 - Ad’a. Area d’azione, Rocca Sforzesca, Imola, Bologna, Italy.

- XI Biennial of Young Artists in the Mediterranean, Athens, Greece - Play, Fabbrica del Vapore, curated by Lelio Aiello, Milan, Italy

APPENDIcE APPENDIx Argentina LEóN FERRARI

cina china ZhAO GuANGhuI

Da tempo ha affiancato alla sua ricerca attraverso il segno un altro mezzo primario per dialogare: la musica.

Crea grandi gabbie entro le quali donne nude con i corpi coperti di scritte interloquiscono con lo spettatore attraverso la musica, che si crea colpendo le canne delle sculture di León con la loro pelle coperta di segni.

Un lavoro iniziatico.

Indubbiamente nel lavoro di uno sciamano vi è più surrealismo che in... tanta altra arte.

León è uno dei pochi sciamani dell’arte rimasti.

Beuys, altro grande sciamano, nel famoso lavoro con il Lupo, performance eseguita al Guggenheim Museum affermò pure lui in quell’occasione l’importanza dei simboli nel mondo dell’arte contemporanea.

Per l’artista i simboli sui quali il suo nuovo lavoro è imperniato sono in quella che è la ultima sua indagine: le gabbie ed i musici.

Musici, personaggi impertinenti ed irriverenti che popolano il suo studio di Buenos Aires ed ora il mondo e che stanno ad affermare con la loro immagine quanto importante sia il messaggio che può raggiungere i cuori attraverso la musica.

Musica che da sempre ha trasmesso simboli, messaggi, credo e speranze in un mondo migliore.

Speranze che il cuore giovane di un grande vecchio, di un grande artista quale è León Ferrari sa trasmettere al mondo.

Grazie León.

Con questa serie l’artista ci proietta in avanti, in un’epoca in cui gli umani possono osservare il nostro presente preistorico, recuperando i reperti fossilizzati delle nostre macchine come se si trattasse di dinosauri moderni. Questa prospettiva evolutiva delle macchine viventi non pretende necessariamente di porsi come modello rappresentativo per l’evoluzione del mondo animale. La premessa evolutiva della legge del più forte sottintende che nel mondo naturale sopravvivono soltanto gli organismi più forti. Eppure tale premessa non può essere accolta in maniera aprioristica.

Forse la visione tradizionale e ottimistica sull’evoluzione delle specie è nata dall’osservazione dell’evoluzione delle macchine, che diventano obsolete in seguito a variazioni nella tecnologia e nelle esigenze umane. Forse la nostra lettura del mondo biologico è stata influenzata inopportunamente dalla nozione di progresso scientifico. In questo caso, le macchine viventi di Zhao assurgono a simbolo beffardo della nostra epoca e a caricatura perfetta del nostro immaginario collettivo.

For some time now, he has added another primary means of communication to his research on the sign: music.

He constructs huge cages in which naked women, their bodies covered in writing, interact with the spectator through music, which is created by striking the bars of León’s sculpture with their skin covered in signs.

An initiatory work.

In the work of a shaman there is certainly more surrealism than in lots of other art.

León is one of the few shamans left in the art world.

Beuys, another great shaman, in his famous work with the Wolf, a performance held at the Guggenheim Museum, also stressed the importance of symbols in the contemporary art world.

For the artist the symbols on which his new work is hinged are to be found in his latest study: cages and musicians.

Musicians, impertinent and irreverent characters that people his studio in Buenos Aires and now all over the world, and who, with their image, confirm how important it is for the message to reach hearts through music.

Music which has always expressed symbols, messages, beliefs and hopes in a better world.

Hopes that the young heart of a great old man, a great artist like León Ferrari, knows how to transmit to the world.

Thank you, León.

Testo a cura di text by Daniele Crippa

If this is the prospect of the evolutionary future of creature-machines, it does not necessarily mean this mode of evolutionary change is also a correct picture of the history of the animal world. The evolutionary premise of survival of the fittest implies that the biological world leaves us with the most fitting creatures; but this is an assumption that may not go unchallenged. Perhaps the traditional optimistic view of evolution of species is prompted by the observation of the evolution of machines, which become obsolete with changes in technology and human needs. Perhaps our reading of the world of living creatures has been unduly coloured by the idea of scientific progress, in which case Zhao’s creature-machines may serve as an amusing symbol of our age, and represent a fitting caricature of our collective imagination.

Testo a cura di text by Chang Tsong-zung

cipro cyprus ANDREAS SAVVA Sono oggetti che serbiamo con noi per un po’ e poi si uniscono per acquisire proporzioni colossali descrivendo, come un diario, la nostra ordinaria quotidianità. I significati che si celano dietro gli anti-kterismata vanno al di là di uno spirito utilitaristico per valutare tutto ciò che caparbiamente serbiamo con noi per una vita, consentendo in tal senso una valutazione profonda dell’istinto del possesso, fondamentale della natura umana, con tutto ciò che ne consegue. È evidente che l’opera Martyrology porta con sé il simbolo della croce. Tale simbolo assieme al titolo dell’opera non lascia spazio a domande. Si ha a che fare con un simbolo e una forma con una grande quantità di implicazioni sulla fede, la paura, la tortura e l’esaurimento dell’individuo. La croce, simbolo religioso e per estensione simbolo del corpo, qui contiene vecchi tessuti usati. Questa volta kterismata and antikterismata sono in una relazione ipotetica. Ogni interpretazione è reale. Il viaggio della corda attraversa un simbolo globale, universale in termini matematici, ma anche un simbolo multiculturale che esiste in 151

ogni sistema sociale e filosofico. Al Lido di Venezia Martyrology ha molto da dire sul destino umano.

They are objects which we have kept with us for a while, and which now join together to acquire gigantic proportions and to describe our everyday events like a diary. The meanings behind Anti-kterismata surpass opportunism and succeed in giving value to all the things we stubbornly keep close to us for a lifetime. They concern a comprehensible evaluation of the instinct of possession which is fundamental in human nature. Along with everything that may entail. It is evident that his work, Martyrology, carries a type of cross symbol. The cross symbol combined with the work’s title leaves no room for questioning. Here, it is dealt with as a symbol and form with a multitude of implications about faith, fear, torture and the exhaustion of the individual. The cross, a religious symbol and a human body in dimension contains rugs again. This time, kterismata and antikterismata are selected in a hypothetical relationship. Every interpretation is real. The rope journey sweeps through a global symbol, a universal one in mathematical terms but also a multicultural symbol which exists in every social and philosophical system. Set in Lido, Venice, Martyrology has much to say about human fate.

Testo a cura di text by Olga Daniylopoulou

Finlandia Finland KIbA LumbERG Se perdiamo la dignità umana e l’umanità, che cosa ci rimane?

“Mi rifiuto di sottostare alle regole della massa”, scrive Lumberg.

In un’epoca di paura collettiva e individuale dovremmo invece mostrare il cuore umano, essere capaci di ergerci contro il totalitarismo, anche quando le singole voci sono messe a tacere, i singoli passi sono osteggiati. È nostra la responsabilità. Non possiamo nasconderci dietro le strutture. Opere e parole non sono atti, ma possono diventarlo se vengono esposte e pronunciate nel posto giusto al momento giusto. Così possiamo muovere le montagne e cambiare il mondo.

Shoe Tower si innalza da una base rossa per raggiungere le sfere cosmiche. Il rosso, colore del sangue, è simbolo di energia e vita.

Siamo nati in qualche luogo e da qualche luogo proveniamo per ricongiungerci alle cose. L’auspicio dell’artista è che la torre di acciaio, che si erge per ben quattro metri e mezzo, ci ricongiunga alla convinzione che tutti abbiamo una nostra dignità umana, altrimenti il mondo risuonerà vuoto e vacuo. È evidente che la politica della finanza neoliberale non si è assunta la sua responsabilità. Oggi paghiamo le conseguenze di ieri. Il mondo era diviso in un bipolarismo tra vincitori e vinti. “Se libertà significa occuparci soltanto di noi stessi, perché abbiamo una società? Quanto oltre dobbiamo spingerci prima di renderci conto che, in luogo dell’avidità, della disuguaglianza, della crudeltà, ci servono altre soluzioni? La natura non ha bisogno di noi. Siamo noi ad aver bisogno della natura”, sostiene l’artista. Il mondo è però nostro e può essere cambiato, malgrado la sua imprevedibilità. Se oggi non abbiamo certezze, domani tutto può essere diverso. La gestazione dell’opera Shoe Tower nell’intimo dell’artista è stata lunghissima e non è stata creata in solitudine, bensì concepita e costruita insieme a colleghi e amici. Un ringraziamento va inoltre a tutte le donne che hanno donato le proprie scarpe.

“I refuse to submit to the rules of the horde”, Lumberg writes.

152

The priority should be to bring out the human heart in a time of collective and individual fear. We must be able to rise against totalitarianism, even when individual voices, individual steps are being silenced. The responsibility is ours, we cannot hide behind structures. Pictures and words are not deeds, but they can become deeds provided they are shown and said in the right place at the right time, they can move mountains and change the world.

Shoe Tower rises up from a red base, reaching up to cosmic spheres. Red, the colour of blood, is a symbol of energy and life. We are born in some place and we come from some place, we reach out to things. The artist’s wish is that the steel-frame tower that stands full four and a half metres tall would connect us to thinking which tells us that we all have our human dignity. Otherwise the world will become an empty, echoing, hollow place.

It is obvious that the politics of the neo-liberal finance gave has not carried its responsibility. We are today paying for its yesterday’s consequences. The world was polarised into winners and losers.

“If freedom means that you only care for yourself, why do we have society? How far do we have to go before we realise that, instead of greed, inequality and cruelty, we need other solutions?

Nature does not need us, we need nature,” the artist claims. The world is ours, nevertheless, and it can be changed, despite its unpredictability. Although we may not be certain of anything today, tomorrow everything can be different. The Shoe Tower gestated for a long time in the artist’s innermost soul. It was not created in isolation, it was thought about and constructed together with colleagues and friends. Thanks are also due to all women who donated their shoes.

Testo a cura di text by Marita Muukkonen

Finlandia Finland hANNu PALOSuO Dal minuscolo all’estremamente grande, l’occhio dell’artista cattura tutto, e con lo stesso interesse. In quadri come questi, il vero elemento d’interesse risiede non nel dipinto, ma oltre, in un mondo che possiamo solo tentare di afferrare.

Big or small, the artist sees and captures it all with the same interest. In these paintings the real interest lies not on the surface of the painting, so to say, but beyond, in a world we can only try reaching for.

Testo a cura di text by Pia Maria Montonen

Francia France bERNARD POuRRIèRE Certe mie installazioni che propongo restano aperte, non sono né fissate, né determinate, esse possono essere arricchite in ogni momento da dati che vengono ad influenzare l’evoluzione del pezzo. Questi multiuniversi, da te evocati nella tua domanda, mi fanno pensare inevitabilmente a dei multitempi, a tempi che si sovrappongono, che si penetrano a vicenda. Circa una decina di anni fa’, un cineasta aveva manifestato l’intenzione di utilizzare le nuove tecnologie per far rivivere Marilyn Monroe come attrice in un suo film. Avevo trovato in questo aneddoto un parallelo con il mio lavoro per quanto riguarda la temporalità (nei decoupages e nelle permutazioni delle sequenze sonore), in cui piazzavo quanto si trovava prima dopo et vice-versa, dove le sequenze ritagliate

si trovavano disposte sullo stesso piano. Sulla rete tale fluidità spazio-temporale mi interroga.

E.P.: Puoi parlarmi della tua idea di choséification e di marchandisation della vita? Nel tuo lavoro fai spesso uso della categoria di decostruzione; che valore dai a questo tipo di linguaggio e di operatività?

B.P.: Con la manipolazione genetica l’uomo ha ormai acquisito il potere di accelerare l’evoluzione naturale delle specie, compresa la sua. Su certe specie vegetali ed animali egli crea ormai delle mutazioni più resistenti, più produttive. Il prossimo in lista potrebbe essere lo stesso essere umano. I mutanti rappresenteranno forse il prossimo stadio dell’evoluzione umana? Solamente il futuro potrà rispondere a tali domande che possono sembrare surreali (solo qualche anno fa’ tutto sembrava pura fanta-scienza). La trasformazione dell’essere vivente nel mondo della clonazione, dell’intelligenza artificiale e della robotica, ci mette di fronte ad un universo di mutanti ibridi, di artefatti, dove il corpo diviene oggetto.

Potremo domani manipolare ed assemblare dei pezzi di un corpo senza preoccuparci della sua funzionalità, presentando il corpo fisico come mutante e clonabile. Questo apre delle possibilità di trasformazione delle membra in elementi modulari che faranno del corpo un oggetto che si possa riconfigurare a volontà e che sottolineerà il trionfo del corpo. Direi che il termine decostruzione mi imbarazza; per quanto mi riguarda userei piuttosto il termine frammentazione. Nelle mie colonne sonore si ritrova questo decoupage in frammenti. Questi frammenti sono isolati, possono funzionare indipendentemente, ma si associano ad altri per dei copia-incolla, oppure duplicandoli. Il frammento può diventare multiplo, accoppiarsi con altre specie. Può scindersi lui stesso come multiplo. Smontare in questo lavoro non può essere altro che la messa in piano di elementi che cercano di incastrarsi, che sono modulabili, che non sono fissi, che si trovano in estensione, che possono o meno raggrupparsi, che possono diluirsi, che possono cancellarsi, che non sono determinati. Queste operazioni mi permettono di manipolare a mio piacimento degli elementi che diventano materiali eterogenei.

E.P.: Nel 2005 nell’installazione Pensieri estetici tu esegui delle operazioni in cui crei un dispositivo che evidenzia la decostruzione delle immagini e dei suoni. Vorrei tanto sapere in che modo tu sviluppi questo gioco di interferenze, di combinazioni e di permutazioni che chiami sovrapposizioni.

B.P.: Parlando di sovrapposizioni, alludo principalmente al mezzo impiegato, cioè ad un software sonoro multipiste o un logicien di montaggio video elettronico, dove sia possibile sovrapporre diversi suoni ed immagini, che si possano lavorare in trasparenza, lasciando apparire uno o più sotto-strati. Utilizzo questo sistema di sovrapposizioni per trovare nuovi mixages ibridi. Per quanto riguarda il mio modo di procedere, questo si basa sul metodo e sulla constatazione dei dati scientifici che le sequenze dei canti di uccelli potevano ricordare della sintassi, essendo gli uccelli sensibili all’ordine delle sequenze nei canti. Per esempio, ritaglio un canto di uccello in diverse sequenza sonore, le mie sequenze vengono numerate, cerco per cominciare di assemblarle molto semplicemente mettendo insieme per esempio due cifre pari e una dispari, o due dispari, una pari e due dispari, e così via; ma molte cose verranno a perturbare queste combinazioni logiche. La materia sonora telecaricata sulla rete lascia spesso apparire delle imperfezioni sonore (rumori parassiti). Sono imperfezioni situate a caso sul canto che farò riapparire nelle mie sovrapposizioni, e ciò resterà completamente aleatorio. In Pensées esthétiques in parallelo a tutte queste operazioni, facevo un copia-incolla di diverse voci umane, in cui lasciavo rivelarsi delle briciole di

frasi che mi fanno delle domande e che giocano con il ritmo del frasato. In uno dei pezzi presentati alla galleria Depardieu uso un altro procedimento, sempre a partire dalle sequenza dei canti di uccelli, ma questa volta diretti dal computer. Nella sala si ascolta una colonna sonora di canto di uccelli. La presenza di una persona su di un tappeto di sensori collegati al computer fa variare in maniera casuale il posizionamento delle sequenze del canto, creando altri frasati inattesi. La presenza di altre persone nella sala accelera il lavoro del computer rispetto a queste sequenze.

Lo spostamento delle persone nella sala fa variare la frequenza e la tonalità del suono.

E.P.: In alcune esposizioni hai sostenuto la tesi della ricerca del corpo che ha perduto la sua materialità, che si è dissolta e dispersa nello spazio infinito della rete. Spiegaci come hai espresso questa idea all’interno di queste mostre.

B.P.: Contraddittoriamente al mio discorso sulla dissoluzione del corpo sulla rete, nel mio procedere mi fa piacere credere a un’altra presenza del corpo, un’altra lettura del corpo. Per curiosità ho voluto sapere se la rete mi avrebbe presentato una nuova definizione del corpo, ciò che l’elettronica nell’essere vivente lasciava apparire sotto forma di tracce (erano principalmente dei suoni che raccoglievo). Cercavo di capire se la presenza di un’entità qualunque si svelava. Ho lanciato dunque una ricerca su diversi server per più giorni e archiviavo in un dossier sul computer questa materia sonora, che si raccoglieva nel corso dei giorni, a mano a mano che gli incontri si susseguivano. Ciò creava delle entità sonore inattese. I suoni venivano appena ritoccati (velocità, durata, ripetizioni), mentre accentuavo la presenza di qualche imperfezione esistente. L’idea di un’assenza di materialità si svilupperà in questo accumulo di materie sonore, che posso considerare come degli organi intercambiabili. Questo corpo non ha più carne, non ha più sofferenza, non ha più difetti, al di fuori da ogni temporalità in una totale disincarnazione, proveniente da un non luogo, senza territorio, senza limiti da espandere.

L’utilizzazione di molti walkman in questo lavoro (che diffondono dei suoni di respirazione, di battito del cuore, tutti provenienti da internet) va in questo senso, gli spettatori possono spostarsi nella sala con dei caschi, e ciò propone una seconda lettura che va ad interferire con una prima installazione sonora. Questi suoni, che ci raggiungono in maniera aleatoria, propongono altri punti di vista acustici sull’installazione, e ciò dipende dall'andirivieni dei visitatori che usano i walkman. Le persone possono prendere in prestito i walkman al di fuori dello spazio espositivo. La mostra non si limita alla sola galleria e propone l’idea di un’opera in espansione. Ciò non solo suggerisce lo spazio illimitato di internet, ma anche la nozione della mobilità, e ancora il cambiamento di percezione dell’opera in rapporto al corpo. Quest’assenza ci rinvia a noi stessi, proponendoci una nuova lettura di un corpo i cui i limiti restano da definire in quanto respinge le frontiere di ciò che è esteriore ed interiore. L’attesa di un corpo altro, perché non chiamarlo un secondo corpo, ci lascia nell’incertezza del nostro corpo, nella sua presenza al mondo, nel suo confronto con l’altro. Tutto ciò ci riporta a ripensare e a riconsiderare la funzione del corpo rispetto all’opera e vice-versa, a riformare i nostri riferimenti, nei termini di azione, di concentrazione, di postura, di spostamento, d’investimento. Il tempo abita ormai lo spazio dell’opera interna.

Some of the installations I propose remain open, they are neither fixed nor determined, and may be enriched at any time by values that then influence the evolution of the piece.

These multiuniverses that you mentioned in your question 153

inevitably make me think of multitimes, that is of times that overlap, penetrating one another. Ten years or so ago, a film director expressed the intention of using the new technologies to bring Marilyn Monroe back to life as an actress in one of his films.

In this anecdote I found a parallel with my work as regards time (in the cutting and in the permutations of the sound sequences), where I placed the things that came first afterwards and, viceversa, where the cut sequences were arranged on the same plane. The space-time fluidity of the network is a constant source of questioning for me.

E.P.: Can you tell me about your idea of the chosĂŠification and marchandisation of life? In your work you often use the category of deconstruction; what value do you give to this type of language and procedure?

B.P.: With genetic manipulation, man has now acquired the power to accelerate the natural evolution of the species, including his own. He can now create more resistant, more productive mutations in some plant and animal species. The next species on the list might by the human one. Are mutants perhaps the next stage in human evolution? Only the future can answer these questions which may seem surreal (only a few years ago it all seemed pure science fiction). The transformation of a living creature in the world of cloning, of artificial intelligence and of robotics, brings us face to face with a universe of hybrid mutants, of artefacts, where the body becomes an object. Tomorrow we may manipulate and assemble body parts without worrying about their functionality, seeing the physical body as something mutant and clonable. This opens up the possibilities of transforming the limbs into modular elements that will turn the body into an object that can be reconfigured at will, underlining the triumph of the body.

I must say that the term deconstruction embarrasses me; I prefer to use the term fragmentation. This cutting into fragments can be found in my sound tracks. These fragments are isolated, they can work independently, but they are associated with others in a cutand-paste sequence, or by duplication.

The fragment can become multiple, coupling with other species.

Or it may split itself as a multiple.

In this job, dismantling may be nothing more than taking down elements that try to stick together, that can be modulated, that are not fixed, that are extended, that may or may not be formed into groups, that may be diluted or deleted, that are not determined.

These operations allow me to manipulate at will elements which become heterogeneous materials.

E.P.: In 2005, in the installation Aesthetic thoughts, you performed operations in which you created a device that shows the deconstruction of images and sounds. I would really like to know how you develop this interplay of interference, combinations and permutations that you call superimpositions.

B.P.: When I speak of superimpositions, I allude mainly to the means used, that is to a multitrack sound software and an electronic video mounting software, where it is possible to overlap different sounds and images, that can work by transparency, letting one or more substrata appear. I use this system of superimpositions to find new hybrid mixes.

The way I proceed is based on scientific discoveries that have shown how birdsong is comparable to syntactic structures, as birds are aware of the order of sequences in song. I divide this birdsong into several numbered sequences and try to assemble them very simply, for example putting together two even numbers and one odd, or two odd numbers, an even one and two odd ones, and so on; but fortunately many imperfections always disturb these 154

logical combinations. The sound material uploaded onto the net often shows imperfections (parasite noises). These imperfections appear at random in the song and reappear in my superimpositions, completely unintentionally. In PensĂŠes esthĂŠtiques, alongside all these operations, I included a cut-and-paste of different human voices, revealing scraps of sentences that asked me questions and played with the rhythm of the phrasing.

In one of the works presented in the Depardieu Gallery I use another procedure, always based on birdsong sequences, but this time computer-generated.

A sound track of birdsong can be heard in the room. When a visitor steps onto a mat containing sensors connected to the computer, the positioning of the song sequences is varied at random, creating unexpected phrases. The presence of other persons accelerates the work of the computer, varying the frequency and tone of the sound sequences as they move about the room.

E.P.: In some exhibitions you supported the thesis of the search of the body which has lost its materiality, which has dissolved and been lost in the infinite space of the network. Can you explain how you expressed this idea in these exhibitions?

B.P.: Contrary to what I said about the dissolution of the body in the network, as I work I like to think of another presence of the body, another reading of the body.

Out of curiosity, I wanted to see whether the network would present me with a new definition of the body, whatever traces electronics might reveal in the living creature (I mainly collected sounds). I wanted to understand whether the presence of any being was revealed. So I launched a search on different servers for several days and saved this sound material in a folder on the computer, collecting it and putting together what I found. Unexpected sound identities were created. The sounds were only slightly touched up (speed, duration, repetitions), while I accentuated the presence of a few imperfections. The idea of an absence of materiality seems to develop in this build-up of sound material, which may be considered as interchangeable organs. This body has no flesh, no suffering, no more faults, it is beyond all time, totally disincarnate, it comes from a non-place; it has no territory and is free to expand without limits. For this reason I chose to use many walkmans in this work (reproducing the sounds of breathing or of heartbeats, all taken from the Internet); visitors can move about the room wearing headphones, and this proposes a second reading which interferes with the original sound installation.

These sounds, which reach us at random, propose other acoustic viewpoints of the installation, and this depends on the coming and going of the visitors using the walkmans. People can even borrow the walkmans to take them out of the exhibition area.

The exhibition is not limited to the gallery alone, and proposes the idea of a work that is continuously expanding. This not only suggests the infinite space of the Internet, but also the idea of mobility, and the changing perception of the work with relation to the body. This absence makes us think of ourselves, proposing a new interpretation of a body whose limits are still to be defined, as it rejects the frontiers between interior and exterior. This wait for another body - indeed, why not call it a second body -leaves us in uncertainty about our own body, about its presence in the world and its confrontation with the other. All this leads us to rethink and reconsider the function of the body with respect to the work and vice versa, to reshape our references, in terms of action, concentration, moisture, movement and investment. Another time now inhabits the interior space of the work.

Testo a cura di text by Enrico Pedrini

Georgia ETERI chKADuA Il mio quadro preferito è il demone blu (che è al tempo stesso Eteri e non Eteri, per cui è chiunque si sia sentito in questo modo), in cui l’artista scompiglia vari preziosi artefatti di origine georgiana. È un quadro di terrore personale, quella paura solitaria, empia del criminale noto, l’artista che sa di violare e tradire i preziosi modelli della sua cultura nel momento in cui dipinge.

Eppure continua a dipingere, alla sua maniera robusta, indistruttibile.

Ciò che mi commuove è l’instancabile dedizione di Eteri nell’esprimere verità su se stessa, poco importa quanto spaventose o alienanti siano. La sua eroina non è forse convenzionalmente bella, ma è assolutamente splendida, come una commedia di Tennessee Williams, nella poesia dei suoi sentimenti impuri, sentimenti che si traducono in un permesso per lo spettatore, quello stesso permesso espansivo, che Eteri si è concessa, di essere amante e combattente, trionfante e miserabile, sexy e disperata, istericamente sciocca e… inequivocabilmente geniale.

My particular favourite painting-- the blue demon (who is Eteri, yet not Eteri, and therefore anyone who has ever felt this way) upsetting various precious artefacts of Georgian origin. This is a painting of personal terror -- the ungodly, solitary fright of the known criminal -- the artist who knows she is violating and betraying the precious designs of her culture, right as she paints.

And she keeps painting, in this robust, indestructible fashion.

This is what moves me - Eteri’s relentless dedication to expressing these truths about herself, no matter how scary or alienating. Her heroine may not be conventionally beautiful, but she is utterly exquisite, like a Tennessee Williams play, in the poetry of her impure feelings.

These feelings translate into permission for the viewer -- the same expansive permission that Eteri has given herself to be a lover and a fighter, triumphant and miserable, sexy and desperate, hysterically goofy… and an un unequivocal genius.

Testo a cura di text by Cintra Wilson

Germania Germany bERTAmARIA REETZ AND RAINER bONK L’antica dottrina degli elementi poneva l’acqua in connessione con un principio femminile, contrapposto all’aria, elemento maschile.

Virile per eccellenza era il fuoco; la terra, il più femminile degli elementi, ai quali si facevano corrispondere i temperamenti umani.

All’acqua si ricollegava il temperamento flemmatico, le cui connotazioni erano calma e passività, rappresentanti il carattere femminile del blu.

La psicologa Eva Heller, che inizialmente aveva associato al blu il silenzio, la passività, l’introversione, si stacca ora da questi stereotipi per riaffermarne l’immanente virilità. Questa nuova scelta ci riporta alla tradizione introdotta agli inizi del secolo scorso di abbinare l’azzurro e il rosa al sesso dei neonati. È un nuovo stereotipo che alimenta il business.

Abbandoniamo queste disquisizioni per tornare al valore simbolico del blu, riconfermato dal padre della psicanalisi, Sigmund Freud, secondo il quale questo colore ci riconduce alla fonte della

religiosità, essendo permeato di un senso di unione universale, di appartenenza al tutto. Freud riprende la “percezione d’eternità, la sensazione di un qualcosa di sconfinato, illimitato, di oceanico” trasmessagli dall’amico Romain Rolland. Questo sentimento oceanico indica forse quell’unione prematerna, indagata dallo psicologo svizzero Max Lüscher, secondo la cui esperienza il blu intenso sta per un atteggiamento meditativo filosofico-religioso, volto alla ricerca di un’unità ideale.

Anche per Ingrid Riedel il blu richiama l’azzurro del mare, il volto cupo della notte: è il colore del misticismo, del sogno, dell’inconscio. Il blu, associato in queste osservazione ad una gamma di valori positivi, può celare anche una componente inquietante, la peur bleue dei Francesi, esprimente la paura di fronte alle profondità equoree.

Dobbiamo forse a questo accostamento di concetti contrapposti intorno al blu quel senso di inquietudine che ci pervade di fronte al gregge di pace schierato sui prati del Des Bains, che ci fa ritornare alla memoria il motto dei Latini si vis pacem para bellum? La pecora blu ci invita all’azione, ad un’azione energica che ci liberi dall’angoscia di un futuro incerto per le generazioni a venire.

Essa attende fermamente una risposta dal nostro personale coinvolgimento.

The old theory of elements linked water to a female principle, as opposed to the air, a male element. The virile element par excellence was fire, whereas earth was the most feminine of the elements, corresponding to all human humours.

The phlegmatic humour was associated with water, its connotations were calm and passiveness, representing the female character of blue.

The psychologist Eva Heller, who had initially associated blue with silence, passiveness and introversion, now breaks away from these stereotypes to confirm its inherent virility. This new choice takes us back to the tradition, introduced at the beginning of the twentieth century, of pairing blue and pink with the sex of newborn babies. That was a new stereotype that nourished business.

But let us leave these discussions aside and return to the symbolic value of blue, confirmed by the father of psychoanalysis, Sigmund Freud, according to whom this colour takes us back to the source of religiosity, as it is permeated by a sense of universal union, of belonging to everything., Freud revisits the “perception of eternity, the sensation of something boundless, unlimited, oceanic” that he learnt from his friend Romain Rolland. Perhaps this oceanic feeling indicates the primal maternal attachment investigated by the Swiss psychologist Max Lüscher, in whose experience intense blue represents a philosophical-religious attitude of meditation, in search of an ideal unity.

For Ingrid Riedel too, blue recalls the colour of the sea, the dark face of night: it is the colour of mysticism, of dreams, of the unconscious. Blue, which in these observations is associated with a range of positive values, may also conceal a perturbing component that the French call peur bleue, meaning the fear experienced when faced with the depths of the sea.

Perhaps it is on account of this combination of opposing concepts with blue that we feel a sense of anxiety when we see that flock of peace arrayed on the lawns of the Hotel Des Bains, bringing to mind the Latin motto si vis pacem para bellum? The blue sheep invites us to action, an energetic action that frees us from the distress of an uncertain future for the generations to come.

It stubbornly awaits a reply from our personal involvement.

Testo a cura di text by nevia Pizzul-Capello 155

Grecia Greece VENIA bEchRAKIS Se l’opera d’arte organica realistica ha tentato di riconciliare il mondo naturale con la cultura, la qualità non organica del collage semplicemente gioca con l’eterogeneità affascinante della realtà.

Non sono per nulla convinto che dobbiamo essere necessariamente scettici in merito al fatto che i metodi dell’avanguardia abbiano perso il loro precedente carattere eroico per diventare appannaggio della cultura di massa. Inoltre, la città stessa, proprio come la dimora contemporanea, non è più un elemento armonioso, soggetto a un controllo assoluto. Le nuove tecnologie dell’immagine concorrono a una realtà di reciproca sovrapposizione: l’architettura pare acquisire un carattere sempre più artistico man mano che le pratiche artistiche sembrano appropriarsi con un ritmo incalzante di elementi dell’architettura, l’epicentro restando sempre null’altro che l’avventura della percezione, la vertigine dello sguardo fisso.

Oggi la qualità della città, esattamente come quella della casa, non dipende soltanto dalle esigenze alle quali necessariamente risponde, ma anche dal potere dell’immaginazione, elemento colto dall’architetto tedesco Karl Friedrich Schinkel già nel 1834 con la progettazione del palazzo faraonico di Otto ispirandosi all’acropoli di Atene senza di fatto aver mai messo piede in Grecia. Assistiamo dunque a un primo caso di apoteosi del non lieu, nozione alla quale tutto oggi pare riferito. E possiamo, volendo, spingerci ancora oltre per giungere al magnifico travisamento di Toledo da parte di El Greco (1595-1600), in cui l’artista arbitrariamente sposta il fiume e il campanile modificando l’ubicazione degli edifici. Ciò che più conta adesso, però, è la capacità dell’arte contemporanea di trasformare il luogo più comune, l’aspetto più banale in qualcosa di speciale. Tutte le letture della città e della dimora sono giocoforza un equivoco.

L’unica interpretazione possibile è un’errata interpretazione. La nuova alleanza tra pratiche artistiche e percezioni dello spazio ha innanzi tutto a che vedere con la funzione dell’immagine. “Quella ricerca della mia casa (…) mi divora”, scrive Nietzsche in Così parlò Zarathustra: “Dov’è la mia casa? Questo chiedo e cerco e cercavo: questo non ho trovato”. È una domanda tutt’oggi pertinente, una domanda che in qualche modo pare riecheggiare nelle fotografie di Venia Bechrakis... *Estimità: traduzione italiana del neologismo coniato dallo psicanalista Jacques Lacan extimité [dal prefisso ex (exterieur) e intimité (intimità)].

If the realist organic work of art attempted to reconcile the natural world with culture, then the non-organic quality of collage simply plays with reality’s fascinating heterogeneity. I am not at all sure that we have to be skeptical of the fact that the methods of the avant-garde have lost their former, heroic character to become the property of mass culture. Besides, the city itself, much like the contemporary dwelling, is no longer a harmonious thing, subject to complete control. New technologies of the image contribute to a reality of reciprocal overlapping: architecture seems to be enhancing its artistic character, as art practices increasingly seem to be borrowing elements from architecture; the epicenter being always none other that the adventure of perception, the vertigo of the gaze. Today, the quality of the city, as much as that of the home, does not only depend on the needs they necessarily serve, but also on the power of the imagination. And that was already sensed by German architect Karl Friedrich Schinkel as early as in 1834, when he designed Otto’s pharaonic palace on the Acropolis of Athens without in fact ever having stepped foot in Greece. Here then is an early instance of non lieu apotheosis, a notion to which 156

all seem to refer today. But we can go ever further back, if you will, to El Greco’s magnificent misrepresentation of Toledo (15951600), in which he arbitrarily shifted the location of the river and the belfry, changing the place of buildings. What is more important today, though, is the ability of contemporary art to transform the most commonplace, mundane thing into something special. All readings of the city and the dwelling are by necessity a misreading.

The only possible interpretation is a misinterpretation. The new alliance between art practices and perceptions of space has first and foremost to do with the function of the image. “This seeking for my home (…) it eateth me up”, Nietzsche writes in Thus Spake Zarathustra: “Where is my home? For it do I ask and seek, and have sought, but have not found it.” It is a question still relevant today; a question that somehow seems to resound through Venia Bechrakis’ photographs… *Extimacy: English rendition of a neologism coined by psychoanalyst Jacques Lacan, namely extimité [from the prefix ex (exterieur) and the French word intimite (intimacy)].

Testo a cura di text by Yorgos Tzirtzilakis

Italia Italy STEFANO bOmbARDIERI Bombardieri, artista concettuale agguerrito nella difesa degli animali, ai quali attribuisce nel proprio lavoro tutte le valenze magiche e fantastiche di cui la storia li ha rivestiti, il loro sacrosanto diritto alla vita e alla libertà, espone a Venezia Lido un Bagaglio straordinario che contiene molti elementi. Oltre ai rimandi letterari di cui si diceva, la bestia enorme schiacciata e resa inabile ricorda le grandi Compressioni di César, scultore cui Bombardieri guarda con interesse, ma rimanda anche ai numerosi viaggi in Africa compiuti dall'artista negli ultimi anni. Non è un caso che il suo rinoceronte sia così realistico e partecipato. Plinio il Vecchio lo raccontava così, “Il rhinoceros con un solo corno sul naso è il secondo nemico naturale dell'elefante. Affilato il suo corno su un sasso, si prepara al combattimento e nella lotta mira soprattutto a colpire il ventre dell'avversario". Tutt'altro che pronta al combattimento, la bestia enorme di Bombardieri con il suo sguardo triste, catturata e legata, privata della propria dignità, ricorda agli uomini la loro assoluta mancanza di umanità.

Bombardieri, an artist of concept and a great champion of animals’ rights, who in his work credits animals with all the magic and fanciful qualities which history has conferred on them, without forgetting their inviolable right to life, is exhibiting at Venice Lido an extraordinary luggage which contains a lot of elements. In addition to the above mentioned literary references, the huge squashed and disabled beast reminds us of César’s big Compressions. As a matter of fact Bombardieri looks at this sculptor with interest, but here the beast also reminds us of the artist’s many trips to Africa in recent years. It is not a coincidence that his rhinoceros is so realistic and made with such great sympathy. Pliny the Elder said of it: “The Rhinoceros, with that single horn on its nose, is the second natural enemy of the elephant. After sharpening its horn on a stone it gets ready to fight and while fighting its main aim is to stab its enemy in the belly”. Not at all ready to fight, Bombardieri’s huge beast, with its sad look, captured and tied up, deprived of its dignity, reminds men of their absolute lack of humanity.

Testo a cura di text by Anna Caterina Bellati

Italia Italy GIROLAmO cIuLLA L'opera monumentale che Ciulla porta a OPEN 12 consiste in una stele mastodontica che s'innalza nel cielo. Sulla cima a base quadrata troneggia il tempio della Concordia. Posto così in alto questo luogo di culto in miniatura impone allo spettatore un'attenzione non banale per diversi motivi. Di per sé il guardare verso l'alto parla della predisposizione teoretica degli uomini da sempre alla ricerca di un senso. In secondo luogo, per la posizione in cui è collocato il tempio di Ciulla è posto di fronte al mare, quello stesso Mediterraneo cui si rivolge anche l'originale, un migliaio di chilometri più a sud. Proprio all'ingresso di OPEN 12 la Stele con tempio offre così al visitatore la benedizione degli dei antichi.

Ciulla respects each element: the architrave laid on the peristyle, the fascia with the friezes, the four steps at the entrance. The result is a miniature temple which preserves its majesty. The monumental work of art Ciulla takes to OPEN 12 consists of a colossal stele which reaches towards the sky. On its square top stands the Temple of Concordia. Placed so high, this miniature place of worship comes to the attention of the audience in a way which is not in the least trite for different reasons. Looking up reveals man’s ancestral theoretic inclination to search for a meaning. In addition, Ciulla’s temple, placed in this way, faces the sea, the same Mediterranean Sea also faced by the original some thousand kilometres to the south. Placed just at the entrance of OPEN 12 the Stele con tempio therefore offers visitors the blessing of the ancient gods.

Testo a cura di text by Anna Caterina Bellati

Italia Italy uGO RIVA Trasmigrati da un mondo in bilico tra essere e non essere sono arrivati fino a noi con la magnificenza della loro forma e con l'inquietante segretezza delle loro generalità. A dire che da qualche parte vegliano sulla razza umana.

They transmigrated from a world hanging in the balance between to be and not to be and have come to us with the splendour of their form and with the disquieting secrecy of their names and addresses. To tell us that somewhere they are watching over the human race.

Testo a cura di text by Anna Caterina Bellati

157

ARTE cOmmuNIcATIONS 2009 OPEN 12. International Exhibitions of Sculptures and Installations, 02/09 – 04/10 53. International Art Exhibition – La Biennale di Venezia: Official participation of Georgia, Spiazzi, Castello 3865, Arsenale; Official participation of Portugal, Fondaco dell’Arte, San Marco 3415; 6th Official participation of Latvia, Spazio Ferrari, Calle Castelli, Cannaregio 6096/A; 2nd Official participation of Morocco, Chiesa Santa Maria della Pietà, Riva degli Schiavoni; 1st Official participation of Principality of Monaco, Presidio Militare Caserma Cornoldi, Riva degli Schiavoni; 1st Official participation of Republic of Gabon, Telecom Italia Future Centre, San Marco 4826; 2nd Official participation of Syrian Arab Republic, Palazzo Zenobio, Dorsoduro 2596; 2nd Official participation of Macao, (collateral event), Scoletta di San Giovanni Battista e del SS Sacramento; 5th Official participation of Hong Kong (collateral event), Arsenale, Campo della Tana; 8th Official participation of Taiwan (collateral event), Palazzo delle Prigioni, San Marco; Create & Change: Internal = External, 1=∞ (collateral event), Palazzo Pisani (S. Marina), Cannaregio 6104; AttaKim: ON-AIR (collateral event), Palazzo Zenobio, Dorsoduro 2596; Alessandro Verdi: Floating in Uncertainty (collateral event), Arsenale, Campo della Tana; La Punta dell’Iceberg. I Disegni di Francis Bacon, Palazzo Zenobio, Dorsoduro 2596, 07/06 – 22/11 Craxi punti di vista, Riva San Biagio, Castello 2145, 07/06 - 30/09 SPEAK THAT I CAN SEE YOU, Interactive Performance by Andrea Pagnes/ Verena Stenke, Fondaco dell’Arte, San Marco 3415, 02/04 – 3/04 2008 OPEN, 11. International Exhibition of Sculptures and Installations, 27/08 – 28/09 11. International Architecture Exhibition – La Biennale di Venezia: Official participation of Latvia, Riva San Biagio; Official participation of Portugal, Fondaco dell'Arte, San Marco; 5th Official participation of Taiwan (collateral event), Palazzo delle Prigioni, San Marco; 2th Official participation of Hong Kong (collateral event), Calle della Tana, Arsenale; Next Gene 20 (collateral event), Calle della Tana, Arsenale; 2007 VISION FÉMININE. Sei Artiste Cinesi a Venezia, Fondaco dell'Arte, 20/04 13/05 30 DISEGNI DAL DESERTO DEI SOGNI DI OMAR GALLIANI, Hassan Museum, Rabat, 27/04 - 27/05 52. International Art Exhibition - La Biennale di Venezia: Official participation of Georgia, Campo della Tana 2126/A, Arsenale Official participation of Portugal, Fondaco Marcello, San Marco 3415 5 th Official participation of Latvia, Scoletta di San Giovanni Battista e del SS. Sacramento 1st Official participation of MACAO, Riva San Biagio, Castello 2145; 1st The First Roma Pavilion, PARADISE LOST, Palazzo Pisani (S. Marina) Cannaregio 6103; 4 th Official participation of Hong Kong, Campo della Tana, Arsenale; 7 th Official participation of Taiwan, Palazzo delle Prigioni, San Marco; CAOS PROJECT by Alba Amoruson Stefano Fioresi, Massimo Franchi e Giuseppe Linardi; Sala Badoer - Scuola Grande di San Giovanni Evangelista, San Polo 2454; ENERGY OF EMPTINESS. LI CHEN, Telecom Italia Future Centre, San Marco 158

4826; RESONANCE by LEE UFAN, Palazzo Palumbo Fossati, San Marco 2597; TRANSCENDENTAL REALISM. THE ART OF ADI DA SAMRAJ, Palazzo Bollani, Castello.

OPEN2OO7 10. International Exhibition of Sculptures and Installations, Outdoor spaces in Venice Lido, 30/08 - 14/10 2006 FEZ FEZ by Fabrizio Plessi, Hassan Museum, Rabat, 30/05 - 02/07 Paolo De Grandis appointed International Director of the new Museum of Contemporary Art in Rabat, Hassan Museum, Morocco 10. International Architecture Exhibition - La Biennale di Venezia: Official participation of Cyprus, Libreria Mondadori, San 1345; Official participation of Greece, Giardini della Biennale; 3rd Official participation of Latvia, Riva San Biagio, Venezia; Official participation of Luxembourg, Campo della Tana, Arsenale; Official participation of Portugal, Giardini della Biennale; 4th Official participation of Taiwan (collateral event), Palazzo delle Prigioni, San Marco; 1st Official participation of Hong Kong (collateral event), Calle della Tana, Arsenale; PROJECT BELGRADE, Scoletta di S. Giovanni Battista e del SS. Sacramento; HABITAR PORTUGAL, Fondaco Marcello, San Marco 3415.

OPEN2OO6 9.International Exhibition of Sculptures and Installations, Venice Lido, 30/08 - 01/10 6th edition, OPENPRIZE at 63. Venice International Film Festival FLOWERS FROM THE EAST. Xiao Feng and his family, Hassan Museum, Rabat, 07/12 - 28/01/2007 2005 51. International Art Exhibition - La Biennale di Venezia: 5th Official participation of Estonia, Palazzo Malipiero, San Samuele 3rd Official participation of Hong Kong (collateral event), Fondaco Marcello, San Marco 3rd Official participation of Indonesia, Telecom Italia future Centre, San Marco 7th Official participation of Iran, Fondazione Levi, Accademia 4th Official participation of Latvia, Palazzo Malipiero, San Samuele 1st Official participation of Morocco, Chiesa della Pietà, Castello 3rd Official participation of Singapore, Calle della Tana, Arsenale 6th Official participation of Taiwan (collateral event), Palazzo delle Prigioni, San Marco PLAY THE GLASS, Masuda Hiromi (collateral event), Scoletta di San Giovanni Battista e del SS. Sacramento,San Marco US Virgin Islands Council on the Arts (collateral event) - The Shape of Time, Cornelia Kubler Kavanagh, Riva degli Schiavoni, Arsenale -Personal Living Space, Marya Kazoun (collateral event), Palazzo Pesaro Papafava OPEN2OO5 8th International Exhibition of Sculptures and Installations, Venice Lido, 31/08 - 02/10 5th edition, OPENPRIZE at 62.Venice International Film Festival ATELIER APERTI/WORK IN PROGRESS, 10 Artists at Fondaco Marcello, Venice, 09 - 20 Dicember 2004 9. International Architecture Exhibition - La Biennale di Venezia: 3rd participation of Taiwan, Palazzo delle Prigioni, San Marco 2nd participation of Latvia, Arsenale 1st participation of Singapore, Calle della Tana, Arsenale Venice Village, 1st Art project for international artists resident in Venice, Palazzo delle Prigioni, 05-20 June 2004 OPENASIA 7th International Exhibition of Sculptures and Installations, Venice-Lido, 01/09 – 10/10 4th edition OPENPRIZE at 61. Venice International Film Festival, Hotel Des Bains

2003 Taiwan painting exhibition - La peinture a travers les epoques - Taiwan Venice, Palazzo delle Prigioni 3/1- 4/3 OPEN2OO3 ARTE & CINEMA 6thInternational Exhibition of Sculptures and Installations – Venice Lido 27/08 - 05/10 3rd edition OPENPRIZE at 60.Venice International Film Festival, Palazzo Benzon, Venice 50. International Art Exhibition - La Biennale di Venezia: 6th Official Participation of Iran, Palazzo Malipiero, S. Samuele 5th Official Participation of Taiwan (Extra 50), Palazzo delle Prigioni, S. Marco 4th Official Participation of Estonia, Palazzo Malipiero S. Samuele 3rd Official Participation of Latvia, Palazzo Malipiero, S. Samuele 2nd Official Participation of Hong Kong (Extra 50), Ramo della Tana, Arsenale 2nd Official Participation of Singapore, Fondazione Levi, Accademia 2nd Official Participation of Indonesia, Palazzo Malipiero, S. Samuele Kuma “La Luce Circolante”, Cloister S. Francesco della Vigna, Arsenale Masuda Hiromi “PLAY THE GLASS con tenerezza”, Cloister S. Francesco della Vigna, Arsenale Angel Orensanz “Burning Universe”, Palazzo Malipiero, S. Samuele 2002 Korea-Seoul International Flag Art Festival - The official opening ceremony of 2002 FIFA World Cup Korea/Japan - 29 May-25 June OPEN2OO2 L'Imaginaire Féminin 5th International Exhibition of Sculptures and Installations – Venice Lido 29/08 - 06/10 2nd edition, OPENPRIZE at 59. Venice International Film Festival, The Guggenheim Collection 8. International Architecture Exhibition - La Biennale di Venezia: 2nd participation of Taiwan, Palazzo delle Prigioni 1st participation of Ukraine, Pavilion Italia Biennale Gardens 1st participation of Latvia, Pavilion Italia Biennale Gardens Taiwan painting exhibition - La peinture a travers les epoques- Taiwan Montecatini Terme 07/12, 2002 - 01/01 2003 2001 49. International Art Exhibition - La Biennale di Venezia: 4th Official Participation of Taiwan – Venice, Palazzo delle Prigioni, San Marco 1st Official Participation of Hong Kong – Venice, Ex Musicanti, S. Apollonia – 1st Official Participation of Singapore– Venice, Schola S. Apollonia 2nd Official Participation of Republic of Latvia – Venice, Church S. Lio 1st Official Participation of Jamaica – Venice, Ex Oratorio S. Filippo Neri 1st Official Participation of Ukraine – Biennale Gardens 29th Official Participation of Greece – Biennale Gardens OPEN2OO1 Globalization of Culture – 4th International Exhibition of Sculptures and Installations Venice Lido - 29/08 - 07/10 1st edition, OPENPRIZE at 58.Venice International Film Festival, The Guggenheim Collection, Venice 2000 OPEN2OOO 3rd International Exhibition of Sculptures and Installations, Venice Lido 30/8 - 30/10 Apocalisse Maria Luisa De Romans, Venice, S. Stae Church, May - July Auguste Rodin Plasters&Bronzes, Venice – Palazzo delle Prigioni, JuneNovember 1999 48. International Art Exhibition - La Biennale di Venezia: 3rd Official Participation of Taiwan – Venice, Palazzo delle Prigioni, San Marco

1st Official Participation of the Republic of Latvia V.O.C. China Taiwan,Venezia Ateneo Basso, collateral exhibition The End of the Great Utopia, Turovski August Rodin Gessi e Bronzi, Venice S. Stae Church, August/November Auguste Rodin Plasters&Bronzes, Bologna, Palazzo Pisani, December/ January SEZIONE GIOVANI- 1° Exhibition of young artists, Venice, Palazzo delle Prigioni OPEN1999 2nd International Exhibition of Sculptures and Installations, Venice- Lido Sept. - Oct. 1998 OPEN1998 1st International Exhibition of Sculptures and Installations, Venice Lido – Sept-Oct. Icaro nel cielo di Venezia, Venice, Palazzo delle Prigioni 1997 47. International Art Exhibition - La Biennale di Venezia: 2nd Official Participation of Taiwan – Venice, Palazzo delle Prigioni, San Marco 1st Official Participation of the Republic of Estonia – Venice, open space Biennale Gardens 2nd Official Participation of the Republic of Macedonia – Venice, S. Giovanni Novo Church 1995 46. International Art Exhibition - La Biennale di Venezia: 1st Official Participation of Taiwan - Venice, Palazzo delle Prigioni, San Marco 1992 Pablo Picasso, Salvador Dalì, Marc Chagall 1989 Trittico della pace, Ireland, Dublin - Museum of Modern Art, Belfast Museum of Modern Art, Kilkenny Museum of Modern Art; Work: George Dokoupil 1988 Birds in spirit, Venice - Biennale, Museo di Sant' Apollonia; Works: Marcia Grostein, Hunt Slonem 1987 Calligraffiti of Fire, Paris, Sami Kinge Gallery - Curator: William S. Burroughs, Work: Brion Gysin 1986 The Knot Arte Povera at P.S.1. New York - Curators: Germano Celant and Alanna Heiss - Works: Anselmo, Alighiero Boetti, Pier Paolo Calzolari, Luciano Fabro, Jannis Kounellis, Mario Merz, Giulio Paolini, Pino Pascali, Giuseppe Penone and Gilberto Zorio – First Presentation of Arte Povera 1985 Arte Santa, Ravenna, Loggetta Lombardesca - Curator: Achille Bonito Oliva - Works: Julian Schnabel, Joseph Beuys, Enzo Cucchi, Andy Warhol, Gino De Dominicis, etc.

1984 Quartetto, Venice - Commitee of Critics: Achille Bonito Oliva, Alanna Heiss, Kaspar Koenig.

Artists: Joseph Beuys, Bruce Nauman, Enzo Cucchi, Luciano Fabro.

PREMIO ACADEMIA FOUNDATION ALLA XLI BIENNALE DI VENEZIA XLI Biennale Award to the artist Lothar Baumgarten by an international committee of critics

159

RINGRAZIAmENTI AcKNOwLEDGEmENTS Presidenza della Repubblica Ministero degli Affari Esteri Ministero per i Beni e le Attività Culturali Regione del Veneto Provincia di Venezia Comune di Venezia Municipalità di Lido Pellestrina Sezione Polizia Municipale Polizia di Stato Regione Carabinieri Veneto - Stazione di Venezia Lido I Governi e le Ambasciate dei paesi partecipanti La Biennale di Venezia Soprintendenza Speciale per il Polo Museale Veneziano Ministry of Education and Culture, Cyprus Ambasciata della Confederazione Svizzera Ambasciata di Finlandia Ambasciata di Germania Ambasciata di Grecia Ambasciata della Repubblica di Cipro Consolato Generale della Repubblica Federale di Germania Morasco Pierluigi - Broker di Assicurazioni Sergio Martucci Venezia News Guestinvenice.com / Il Portale di Venezia

Alessandra Artale, Alessandra e Alessandro Zoppi, Alessia Rossi, Andrea Mattei, Andrew Hsu, Angela Fiorella, Anna Caterina Bellati, Anna Grandi, Antonio Gatto, Antonio Vianello, Beatrice e Andrea Buono, Carlo Castiglioni, Carlo Giovannelli, Chang Tsong-zung, Chiara Ballarin, Christian Maretti, Christos Savvidis, Cristina Cioppa, Cristina e Daniele Crippa, Maresciallo Damiano Carli, Daniela Bellati, Deborah Giustini, Diego Superiori, Emanuela Ferrazzoni, Emma Chapoulie, Enrico Navarra, Enrico Pedrini, Federica Repetto, Federico Fedele, Ferruccio Filippello, Francesca Forni, Francesca Zaccariotto, Fulvio Landillo, G. Massimo Calì, Gabri e Lorenzo, Ged e Sandra, Gertrud Kohler – Aeschlimann, Giancarlo Galan, Giancarlo Iannotta, Gianfranco Mossetto, Giannis Epaminondas, Giorgio Saleri, Giovanni Gusso, Giovanni Porpora, Giovanni Roncan, Chanel e Serena, Giulio Polegato, Giulio Zannier, Laika, Leonardo De Grandis, Masina e Filippo, Leone Jannuzzi, Loretta Lo, Louli Michaelidou, Luana Zanella, Luca Ballarin, Luca Pradel, Luca Caruti, Luciano Basana, Luigi Franchin, Luigino Busatto, Lydia Chatziiakovou, Manuela Balint, Mara Andranno, Mara Rumiz, Marcello Kwan, Mariachiara Marzari, Mario Giada, Marino Bressan, Massimo Bran, Massimo Cacciari, Massimo Federici, Massimo Macaluso, Massimo Pulini, Isp. Massimo Querci, Massimo Rosada, Massimo, Katrin e Benjamin Vianello, Marta Marzotto, Mattia Szabados, Maurizio Allegretto, Maurizio Cesana, Mauro Galasso, Mauro Pizzigati, Michele Casarin, Mirco Lucchetta, Miria Vicini, Nevia Pizzul-Capello, Oddo e Flavia, Paolo Ballarin, Paolo Lughi, Paolo Seno, Patrizio Baroni, Paula Van Boeijen, Pierluigi Casolari, Pierluigi Morasco, Piero Serlenga, Pio Fiorenzo Marson, Ricardo, Rita Tainola, Roberto Ellero, Roberto Ranieri, Roberto Rosolen, Roberto Süssberg, Roberto Tesser, Roberto Viola, Rossella Bagnardi, Sandra e Giacomo, Sandra Speirs, Sergio Longo, Sergio Martucci, Silvia Lovison, Stefano Stipitivich, Umberto e Mara, Viola Romoli, Vittorio Marchiori.

BELLATI E D I T O R E

Jolly P ubblicità

REPUBLIC OF CYPRUS MInISTRY OF EDUCATIOn AnD CULTURE CULTURAL SERVICES

160

161

COMPAGNIA VENEZIANA DI ILLUMINAZIONE La tua Città sotto una nuova luce CO.VE.DI. Srl, Compagnia Veneziana di Illuminazione gestisce gli impianti di illuminazione pubblica dell'intero Comune di Venezia e del Cavallino.

La nostra società offre un servizio su oltre 2000 km di rete con più di 41.000 lampade.

Dal 1999, la CO.VE.DI. ha instaurato un contatto più vicino al cittadino con il suo n° verde che permette di rispondere con tempestività a tutti gli interventi per guasti o incidenti.

La CO.VE.DI., sempre attenta alla conservazione dei patrimoni umani ed artistici, vuole, ancora quest'anno, essere presente partecipando in maniera costruttiva ad OPEN 12, prestando la sua luce alle opere d'arte internazionali esposte all'aperto lungo i viali del Lido di Venezia.

Nei punti vendita Hellovenezia trovate: At the Hellovenezia ticket points, you will find:

ETERI CHKADUA DAnIEL GLASER/MAGDALEnA KUnZ TAnIA PISTOnE AnDREA SALVATORI FABIO VIALE +39 335 62 51 723 +39 333 78 91 947

viola@thepoolnyc.com luigi@thepoolnyc.com

WWW.THEPOOLnYC.COM

Finito di stampare nel mese di agosto 2009 da Grafiche Effegiemme Bosisio Parini (LC) Italia

Esposizione Internazionale di Sculture ed Installazioni 02.09 > 04.10 2009 Venezia Lido, Isola di San Servolo a cura di curated by Paolo De Grandis

International Exhibition of Sculptures and Installations