OPEN18. 2015, Esposizione Internazionale di Sculture ed Installazioni by PDG Arte Communications

OPEN18

Dedicato a Lorenzo Buono

“Lascia che ti spieghi un paio di cose. Il tempo è poco. Questa è la prima cosa. Per l’astuto, il tempo è astuto. Per l’eroe, il tempo è eroico. Per la puttana, il tempo è solo un altro trucco. Se sei gentile, il tuo tempo è gentile. Sei hai fretta, il tempo vola. Il tempo è un servitore, se tu ne sei il padrone. Il tempo è il tuo dio, se tu sei il suo cane. Noi siamo i creatori del tempo, le vittime del tempo, e gli assassini del tempo. Il tempo è senza tempo. Questa è la seconda cosa. Tu sei l’orologio, Cassiel.” Così vicino, così lontano!, Wim Wenders. “Let me explain a couple of things. Time is short. That’s the first thing. For the weasel, Time is a weasel. For the hero, Time is heroic. For the whore, Time is just another trick. If you’re gentle, your Time is gentle. If you’re in a hurry, Time flies. Time is a servant, if you are its master. Time is your god, if you are its dog. We are the creators of Time, the victims of Time, and the killers of Time. Time is timeless. That’s the second thing. You are the clock, Cassiel.” Faraway, So Close!, Wim Wenders.

COMMUNICATIONS ARTE

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Organizzazione Organized by

ARTE

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MINISTERO DEGLI AFFARI ESTERI

COMMUNICATIONS ARTE

Con il patrocinio di Under the patronage of

In collaborazione con In collaboration with

Ideatore e Curatore Conceiver and Curator Paolo De Grandis Presidente President Co-Curatrice Co-Curator Coordinamento Organizzativo Organizational Coordination Carlotta Scarpa Direttore Director Coordinamento Redazionale Editorial Coordination Francesca Romana Greco Assistenza Artistica Artistic Assistant Sofia Arango Echeverri OPEN 18. Edizione 18th Edition In collaborazione con In collaboration with MunicipalitĂ Lido Pellestrina Catalogo Catalogue PDG Arte Communications C.F. 94073370275 Via P. Orseolo II 16, 30126 Venezia Lido - Italy Tel.+ 39 041 5264546 Fax +39 041 2769056 info@artecommunications.com www.artecommunications.com Ideazione Grafica Graphic Design Sofia Arango Echeverri Assistenza Editoriale Editorial Assistant Giulia Colletti Traduzioni Translations Rossella Bagnardi Sandra Speirs Stampa Printing Europrint - Treviso Edizioni Edited by ÂŠ PDG Arte Communications 2015

Sommario Summary

18 PAOLO DE GRANDIS Ideatore e Curatore Conceiver and Curator 20 CARLOTTA SCARPA Co-Curatrice Co-Curator 25 DANIELA PALAZZOLI Critico d’Arte Art Critic 27 SERENA MORMINO Critico d’Arte Art Critic 29 DANNY CARELLA Presidente Municipalitá di Lido Pellestrina Mayor of the Town of Lido Pellestrina 31 ILIO RODONI General Manager Hilton Molino Stucky 32 PREMIO OPEN OPEN PRIZE 34 ARTISTI ARTISTS 36 Andorra Agustí Roqué 40 Cina China Qin Feng 42 Colombia Jaime Arango Correa 46 Corea, USA Korea, USA Nam June Paik 48 Georgia Eteri & Gocha Chkadua 50 Italia Italy Lello Ardizzone alias Tony Wetfloor 52 Italia Italy Daniele Basso 54 Italia Italy Carlo Bernardini

56 Italia Italy Francesco De Molfeta 58 Italia Italy Piero Fogliati 60 Italia Italy Tancredi Mangano 62 Italia Italy Vincenzo Mascia 64 Italia Italy Lucio Micheletti 66 Italia Italy Michelangelo Pistoletto 70 Italia, Germania Italy, Germany Piero Pizzul & Ulrike Pusch-Holbinger 72 Italia Italy Gianmaria Potenza 74 Italia Italy Ri.Co. 76 Italia Italy Marco Nereo Rotelli 80 Italia Italy Arianna Spada 82 Italia Italy Aldo Spinelli 84 Italia Italy Giuliano Tomaino 86 Italia Italy Viti & Zampini 88 Svezia Sweden Mats Bergquist 90 Svizzera Switzerland Heinz Aeschlimann 92 Taiwan R.O.C. Yahon Chang 96 Taiwan R.O.C. Kuang-Yu Lee 100 Turchia Turkey Gönül Nuhoğlu 104 USA Daniel Rothbart 106 NATIONAL TAIWAN UNIVERSITY OF ARTS 118 ART-ST-URBAN 126 BIOGRAFIE BIOGRAPHIES 132 PDG ARTE COMMUNICATIONS 137 RINGRAZIAMENTI ACKNOWLEDGEMENTS

ÂŠ Sofia Arango Echeverri

Paolo De Grandis

Ideatore e Curatore • Conceiver and Curator Da 18 anni diffondiamo l’arte liberamente tra il Lido e Venezia, portiamo la cultura a quelli che, o per poco tempo o per abitudine, non frequentano i luoghi deputati ad ospitare l’arte.

For 18 years we have been spreading art freely between Lido and Venice, bringing culture to those who, through lack of time or habit, are not frequent visitors to art venues.

Diamo spazio e voce all’arte, l’arte dà spazio e voce alla nostra volontà di articolare un percorso espositivo originale per elevare gli spazi pubblici della nostra città a luogo presente e vivo nella sensibilità collettiva.

We give space and a voice to art, while art gives space and a voice to our desire to create an original exhibition itinerary to elevate the public areas of our city as a place that is present and alive in the collective awareness.

OPEN è nata come una mostra pionieristica, da qualcuno guardata con sospetto come accade ed è sempre accaduto a quelle iniziative che si pongono in uno spazio di avanguardia e si misurano con le difficoltà di esporre presso gli spazi all’aperto ed in contesti inediti.

OPEN began as a pioneering exhibition, viewed with suspicion by some as often happens, and has always happened, to activities that are forerunners in their field and come up against the difficulties of exhibiting in open-air spaces and unprecedented contexts. We move, we adapt and we grow together with the problems that we have come up against year after year, due to certain shameful choices that have changed Venice Lido in a negative sense and transformed the happy islands into spaces for rent. We have therefore had to face a new challenge: reinventing places. This very challenge has led the works to travel to unexplored areas of Venice. OPEN has thus become a cultural journey for the aesthetic enrichment of the spirit, offering a further contribution to the knowledge of contemporary art and some of its forms of expression. Territories to be explored and re-imagined like the hotels that offer huge possibilities of use. In a city like Venice, these hospitable facilities create synergies for exhibiting in historic locations. This year, for the first time, one of the locations is the Molino Stucky, the most important example of industrial archaeology in Venice, founded by Giovanni Stucky in 1895. It is certainly not a coincidence that its founder was chosen as one of the first Commissioners of the Venice Biennale, an ingenious man, often present at new cultural and economic events.

Ci spostiamo, ci adattiamo e cresciamo insieme alle problematiche che anno dopo anno siamo costretti a subire per alcune scelte scellerate che hanno cambiato negativamente il Lido di Venezia, hanno trasformato isole felici in spazi da affittare. Cosicché ci siamo trovati ad affrontare una nuova sfida: reinventare luoghi. Ed è proprio questa sfida che ha portato le opere a viaggiare in quegli spazi Veneziani inesplorati. OPEN è divenuto quindi un viaggio culturale per l’arricchimento estetico dello spirito e per un contributo ulteriore alla conoscenza dell’arte contemporanea e di alcuni dei suoi linguaggi. Territori da esplorare e re-immaginare come gli alberghi che offrono enormi possibilità di fruizione. E sono proprio questi luoghi di ospitalità che in una città come Venezia creano le sinergie per esporre in sedi storiche. Quest’anno per la prima volta il Molino Stucky, il più importante monumento di archeologia industriale di Venezia, creato da Giovanni Stucky nel 1895. E non è una casualità se il suo fondatore fu scelto come uno dei primi Commissari alla Biennale di Venezia, uomo di genio, spesso presente a nuove iniziative economiche culturali.

The idea came about thanks to my friend Marco Nereo Rotelli, with whom I have shared important projects abroad such as the Flag Art Festival in Seoul on the occasion of the FIFA World Cup Korea/Japan in 2002. He has also taken part in OPEN several times, appreciating the joint artistic research aimed at developing, in an urban context, new poetic coordinates in equilibrium between memory and project, where time and space reflect the positive sense of personal and collective progress in experience. I am always pleased to say that OPEN is an enormous machine that moves artists, critics, curators and institutions, and is thus, metaphorically

L’idea è nata grazie all’amico Marco Nereo Rotelli con il quale ho condiviso importanti progetti all’estero tra cui il Flag Art Festival di Seoul in occasione di FIFA World Cup Korea/Japan nel 2002 e che ha partecipato più volte ad OPEN proprio per la comune e condivisa ricerca artistica tesa a sviluppare su un contesto urbano nuove coordinate poetiche in bilico fra memoria e progetto, in cui tempo e spazio rispecchiano il senso positivo dell’incedere personale e collettivo nell’esperienza.

Sono sempre felice poi di riaffermare che OPEN è un enorme macchina che muove artisti, critici, curatori e istituzioni e così, metaforicamente, un mulino, che con i suoi ingranaggi sazia l’appetito d’arte. Sculture, installazioni, performance aperti a tutti, percorsi espressivi nei quali attimo per attimo pulsano le città e i loro territori inesplorati, fucine di significati e valori. Impegno che rilanciamo anno dopo anno mutando la configurazione teorica e pratica dell’Isola del Lido e di San Servolo poi fino alla Giudecca quest’anno.

speaking, a mill that satisfies the appetite for art with its gears. Sculptures, installations, performances open to everyone, expressive itineraries in which the cities and their unexplored territories pulsate moment by moment, breeding grounds of meanings and values. We relaunch our commitment year after year, varying the theoretical and practical configuration of the islands of Lido and San Servolo, and now Giudecca this year.

Utopia? No, finché chi produce creazioni artistiche, mostre o servizi, è consapevole che lo scopo è unico per tutti: una civiltà a misura d’uomo.

Utopia? No, as long as those who produce artistic creations, exhibitions or services are aware that they all have the same goal: civilisation on a human scale.

Prosegue la felice collaborazione con il Premio Arte Laguna e la Mostra d’Arte Cinematografica di Venezia con il Premio OPEN che quest’anno giunge alla sua quindicesima edizione.

We continue our successful collaboration with the Lagoon Art Prize and the Venice Film Festival, awarding the OPEN Prize, which this year celebrates its fifteenth edition.

OPEN semina e produce arte grazie alle collaborazioni che negli anni hanno portato questa mostra ad essere inserita tra le più conosciute e prestigiose del panorama culturale internazionale.

OPEN sows and produces art thanks to collaborations that, over the years, have led this exhibition to be one of the best known and most prestigious events on the international cultural scene.

Desidero ringraziare gli amici curatori Achille Bonito Oliva, Daniela Palazzoli, Bruno Grossetti, Serena Mormino, Nevia Pizzul, J.J. Shih, Bianca Laura Petretto, Amalia Nangeroni, Vittoria Broggini, Manon Comerio, Gertrud Kohler-Aeschlimann di art-st-urban e Wen-i Yang con la quale prosegue l’importante collaborazione con la National Taiwan University of Arts che propone insieme ai giovani artisti il progetto di didattica dedicato ai bambini proprio con la convinzione che l’arte debba essere fatta conoscere, come in molti paesi, fin da giovanissimi.

I wish to thank our friends and curators Achille Bonito Oliva, Daniela Palazzoli, Bruno Grossetti, Serena Mormino, Nevia Pizzul, J.J. Shih, Bianca Laura Petretto, Amalia Nangeroni, Vittoria Broggini, Manon, Comerio, Gertrud Kohler-Aeschlimann of art-st-urban and Wen-i Yang with whom we are engaged in an important collaboration with the National Taiwan University of Arts: with young artists, this proposes an educational project for children, based on the belief that, as in many countries, they must become aware of art from a very young age.

E poi ancora la Cittadellarte, Strada del Riso Vercellese di qualità, N.o.v.a. Civitas, Amarte e Serena Mormino per aver reso possibile la realizzazione del Terzo Paradiso di Michelangelo Pistoletto, un’opera importante che viaggia di città in città e che ci rende orgogliosi nel restituire in uno spazio veneziano denso di storia i contorni della ricerca espressiva del Maestro Pistoletto. Un ringraziamento particolare al nuovo Presidente della Municipalità di Lido Pellestrina, Danny Carella, che ha accolto con entusiasmo l’iniziativa e Ilio Rodoni, General Manager dell’Hilton Molino Stucky, per averci ospitati e sostenuti con viva curiosità e impegno nel rilanciare gli spazi storici del Molino Stucky a luoghi deputati all’arte.

Then I thank Cittadellarte, Strada del Riso Vercellese di qualità, N.o.v.a. Civitas, Amarte and Serena Mormino for having made it possible to present the Third Paradise by Michelangelo Pistoletto, an important work that travels from one town to another and makes us proud to host the outlines of the Maestro's expressive research in a Venetian venue laden with history. Particular thanks go to the new President of the Municipality of Lido Pellestrina, Danny Carella, who enthusiastically welcomed the event, and to Ilio Rodoni, General Manager of the Hilton Molino Stucky, for having received and supported us with great curiosity and commitment in launching the historic areas of the Molino Stucky as an art venue.

Carlotta Scarpa

Co-Curatrice • Co-Curator Scultura, materia, spazio ma anche paesaggio e architettura. Parlare oggi di scultura e installazioni significa parlare della realtà della materia, degli oggetti, della ricerca di nuove forme e figurazioni. Se poi il contesto è uno spazio pubblico non convenzionale la ricerca invita ancor più all’inter-azione tra arte e spettatore.

Sculpture, material, space, but also landscape and architecture. Talking about sculpture and installations today means talking about the reality of material, of objects, and the search for new forms and figurations. Then if the context is an unconventional public space, the search invites even more interaction between art and spectator.

La mostra OPEN prosegue in fieri il bisogno artistico di confrontare le differenze. Da qui l’importanza di far dialogare artisti provenienti da più paesi in un percorso espositivo che taglia l’intersezione di spazio e tempo: disgiunge e congiunge, distribuisce e riunisce.

While in progress, the OPEN exhibition pursues the artistic need to confront differences. Hence the importance of encouraging dialogue between artists from several countries in an exhibition itinerary that cuts through the intersection of space and time: it divides and joins, distributes and reunites.

Insieme agli spazi pubblici del Lido, laboratori permeabili alla fruizione fisico estetica, quest’anno OPEN si apre a nuovo contesto espositivo, quello del Molino Stucky, il più importante monumento di archeologia industriale conservato a Venezia. Eretto in stile neo gotico sull’isola della Giudecca nel 1895 per volontà dell’industriale Giovanni Stucky, è oggi sede dell’Hilton e centro culturale.

Along with the public spaces on Lido, workshops accessible for physical and aesthetic enjoyment, this year OPEN inaugurates a new exhibition venue at the Molino Stucky, the most important example of industrial archaeology preserved in Venice. Built in Neo-Gothic style on the island of Giudecca in 1895 by the industrialist Giovanni Stucky, it is now home to the Hilton and a culture centre.

Un mulino, uno spazio che ha memoria, è voluminoso, è gonfio di temporalità, sconfinate superfici di cotto a vista, pinnacoli e torri desunti da cattedrali e municipi medievali, vero esempio di eclettismo architettonico. E su questo eclettismo si innestano, si ingranano gli uni negli altri gli interventi artistici.

A mill, a space with a memory, is voluminous, swollen with temporality, vast exposed brick surfaces, pinnacles and towers inspired by mediaeval cathedrals and town halls, a true example of architectural eclecticism. The artists’ works are engaged and grafted onto this eclecticism.

L’opera di Michelangelo Pistoletto apre idealmente il percorso. Il segno-simbolo del Terzo Paradiso inscrive nella linea dell’infinito un cerchio, evocativo dei cicli della rigenerazione della materia e della circolarità del tempo. Nuovo mito contemporaneo in cui diviene essenziale ricercare l’unione tra il primo paradiso (naturale) ed il secondo (artificiale, creato dall’uomo). Un’azione collettiva, monito per una nuova responsabilità sociale sulle tematiche della sostenibilità ambientale. Le rotture del riso, le punte delle briccole, gli scarti del vetro e le cime ritrovano qui, oggi, nuova vita. Segue concettualmente il tema del recupero di materiali il progetto a quattro mani di Eteri e Gocha Chkadua, gli scarti di plastica “rifioriscono” così in una coloratissima distesa di neo formazioni vegetali.

The ideal opening of the itinerary is the work by Michelangelo Pistoletto. The sign-symbol of the Third Paradise inscribes a circle in the line of infinity, evoking the cycles of regeneration of material and the circular nature of time. A new contemporary myth in which it becomes essential to seek the union between the first paradise (the natural one) and the second (artificial, created by man). A collective action, a warning concerning a new social responsibility on the themes of environmental sustainability. The broken rice, the tips of the mooring posts, the waste glass and the ropes, find new life here today. The theme of the re-use of materials is continued in the four-handed project by Eteri and Gocha Chkadua, where plastic waste “flourishes” again in a brightly coloured expanse of plant-like formations.

Hello Elephant di Nam June Paik, il padre della video arte, è un’opera storica nella quale convivono simboli come il Buddha e l’elefante e dalla quale si riassume la poetica di Paik, laddove la video installazione è un

Hello Elephant by Nam June Paik, the father of video art, is a historic work featuring symbols such as Buddha and the elephant, from which one can summarise Paik’s poetics, where the video installation is a field

campo giocato sulla contaminazione, l’assemblaggio, il cortocircuito di diverse materie attorno al progetto di un percorso immaginario in grado di sovrapporsi alla realtà stessa.

that plays with contamination, assembly, the short-circuiting of different materials around the project of an imaginary itinerary that is able to overlap reality.

La materia si espande nella molteplicità delle forme come una danza. Molteplicità di sostanze e di corpi. Corpi, sublimati in una camicia contenitiva a formare i busti delle quindici figure di Gönül Nuhoğlu si rincorrono in un cerchio di memoria e durata dissipante.

Material expands in a multiplicity of forms as in a dance. A multiplicity of substances and bodies. Bodies sublimed in a body-shaping shirt to form the busts of the fifteen figures by Gönül Nuhoğlu pursue one another in a circle of memory and dissipating duration.

Forma e segno. Segno calligrafico che attraversa gli scrolls di Qin Feng, artista riconosciuto a livello internazionale che unisce liricamente al gesto dell’action painting l’antica tradizione calligrafica cinese. Poi il colore che diventa tratto distintivo come il rosso delle sculture di Giuliano Tomaino, supporto alla compresenza fra passato e presente. Oppure forme che si piegano e biforcano nelle sculture monumentali di Heinz Aeschlimann fino al contrasto tra pieno e vuoto dove la lamiera sottile segue i tratti somatici dei volti che hanno reso nota la cifra stilistica del Maestro Taiwanese Yahon Chang. Il vuoto invece frastaglia e attraversa la materia delle opere contemplative di Lee Kuang-Yu, bronzi piegati e dispiegati in eterno movimento.

Form and sign. The calligraphic sign that pervades the scrolls by Qin Feng, an internationally acclaimed artist who lyrically combines action painting with the old tradition of Chinese calligraphy. Then colour becomes a distinctive feature, like the red of the sculptures by Giuliano Tomaino, supporting the joint presence of past and present. Or forms that bend and bifurcate, as in the monumental sculptures by Heinz Aeschlimann. Then the contrast between solid and void, where thin sheet metal follows the somatic features of the faces that have made known the stylistic hallmark of the Taiwanese Master Yahon Chang. Just as the void indents and pervades the material of the contemplative works by Lee Kuang-Yu, bronzes bending and unbending in eternal movement.

La sostanza scultorea è un reticolo di forze, linee ed elementi immaginari che si intersecano. Così Vincenzo Mascia lascia spazio a contaminazioni architettoniche per un ritorno alla forma geometrica e la materia di acciaio specchiante conserva il passato immaginario prolungandolo nel presente come Achill di Daniele Basso, reminiscenza del rapace della mitologia celtica.

The sculptural substance is a network of forces, lines and imaginary elements that intersect. Vincenzo Mascia makes way for architectural contaminations for a return to geometrical form and mirror-like steel preserves the imaginary past, prolonging it into the present like Achill by Daniele Basso, reminiscent of the bird of prey of Celtic mythology.

La luce diviene poi elemento affettivo nel compenetrare la materia delle sculture monumentali di Agustí Roqué: le lastre di ferro e il vetro colorato si intersecano per esplorare volumi e strati in una composizione che è coalescenza di immaginario e reale, luce e materia. Luce che diventa essa stessa sostanza nelle fibre ottiche utilizzate da Carlo Bernardini, trama lucente, correlazione dinamica tra linea e spazio, e sistema luminoso sceno-grafico in Marco Nereo Rotelli dove la scrittura illuminata diviene verso poetico, visibile, poroso e aperto al piano su cui viene proiettato: la facciata del Molino Stucky. La stessa facciata è messa in moto dalle bandiere di Ri.Co., scampoli impressi da un particolare del muro del Molino. Il dettaglio dello scatto fotografico che suda la materia salina Veneziana così replicato e moltiplicato in sequenza diviene sovrimpressione di fatto.

Light then becomes an emotional element in permeating the material of the monumental sculptures by Agustí Roqué: the slabs of iron and coloured glass intersect to explore volumes and layers in a composition that is a coalescence of the imaginary and the real, of light and material. Light itself becomes a substance in the fibre optics used by Carlo Bernardini, a glossy weave, a dynamic correlation between line and space, and a scenic luminous system in Marco Nereo Rotelli where the illuminated writing becomes a verse of poetry, visible, porous and open on the plane on which it is projected: the façade of the Molino Stucky. The same façade is enlivened by the flags of Ri.Co, cloth remnants imprinted with a detail of the Molino’s wall. The detail in the photograph emanated from Venetian salt-imbued material, repeated and multiplied in sequence, becomes a real superimposition.

Le fotografie di Tancredi Mangano tagliano l’intersezione tra impressione e movimento in una purezza espressiva non riducibile al solo spostamento del mezzo sul quale il fotografo si trova (il treno), ma ad un’esplorazione dello spazio suddivisibile, trasporto di altra natura, racconto di un paesaggio che si sottrae.

Tancredi Mangano’s photographs cut the intersection between impression and movement in an expressive purity that cannot be ascribed only to the movement of the vehicle on which the photographer is travelling (a train), but to an exploration of space that can be subdivided, to another kind of transport, telling of a landscape that is disappearing.

Si sottraggono invece alla figurazione le opere dell’artista svedese Mats Bergquist per diventare forme primarie, archetipi che giocano sul dualismo tra bianco e nero laddove c’è co-appartenenza e co-esistenza di luce e ombra.

The works by the Swedish artist Mats Bergquist escape figuration and become primary forms, archetypes that play on the dualism between black and white, where there is a joint belonging and a joint existence of light and shade.

Per contrasto emergono dalla campitura spaziale i corpi e le immagini pittoriche dell’artista colombiano Jaime Arango Correa. Il tratto preciso isola il colore fino a renderlo tridimensionale cosicché le cromie dai toni caldi delle terre bruciate vengono delimitate nelle composizione fino a riaffiorare quasi fossero smalti cloisonné.

By contrast, the bodies and pictorial images of the Colombian artist Jaime Arango Correa emerge from background space. The precise outline isolates the colour until it becomes three-dimensional, so that the warm hues of burnt earth are marked off in the composition until they re-emerge as though they were cloisonné enamels.

La trasparenza del vetro e una singola pennellata di blu per la scultura di Lucio Micheletti, una finestra aperta sulla laguna, mediazione sensoriale, gioco fra apparenza e realtà e poi ancora la forza ed il vigore del bronzo di Gianmaria Potenza, forma in stallo sulla quale si inseriscono incisioni, moduli, riaffiorano paste vitree in un’unica cristallizzazione materica.

The transparency of glass and a single blue brush-stroke for the sculpture by Lucio Micheletti, a window opening onto the lagoon, sensory mediation, a game between appearance and reality; and then the force and vigour of the bronze by Gianmaria Potenza, a deadlocked form onto which engravings and modules are fitted, while glass paste emerges in a unique material crystallisation.

Flussi e riflussi, azioni e reazioni, opere che interagiscono con l’ambiente. L’elemento acqua per l’installazione di vetro e ferro di Daniel Rothbart, il terreno erboso sul quale si innesta il labirinto di Aldo Spinelli, il cielo per la caleidoscopica “stanza” di Arianna Spada fino all’elemento aria che mette in moto il Fleximofono di Piero Fogliati, dove i lunghi fasci di molle al contatto con il vento emettono suoni, un centro di irradiazione sonora che, romanticamente, invita all’interazione.

Ebbs and flows, actions and reactions, works that interact with the environment. The element water for the glass and iron installation by Daniel Rothbart, grassy earth on which Aldo Spinelli’s labyrinth is installed, the sky for the kaleidoscopic “room” by Arianna Spada, and the element air, which moves Piero Fogliati’s Fleximofono, a spiral of silicon steel developed in vertical strips that emit sounds when they come in contact with the wind, a centre of sound radiation that romantically invites interaction.

Provocatori gli interventi site specific di Lello Ardizzone alias Tony Wetfloor, installazioni che intelaiano le prospettive ed i ricordi, un viaggio fra reale e immaginario, un campo virtuale che cambia la propria natura. Irriverenza per Francesco De Molfetta che mette in gioco icone e personaggi e li trasforma in sculture di resina che strappate al contesto originario pongono una distanza che ne pietrifica il soggetto. E poi l’autoscatto di Umberto Zampini e Piero Viti, un balzo, una padella, un calzino turchese, elementi che tendono sempre all’improbabile, al

The site-specific works by Lello Ardizzone alias Tony Wetfloor, are provocative: installations that frame prospects and memories, a journey between the real and the imaginary, a virtual field that changes its own nature. Irreverence is the theme of Francesco De Molfetta, who takes icons and characters and transforms them into resin sculptures which, when removed from their original context, impose a distance that petrifies the subject. Then the self portrait by Umberto Zampini and

mutevole dove il contemporaneo si configura come un immenso tutto senza più nessun fuori.

Piero Viti, a leap, a frying pan, a blue sock, elements that always tend towards the improbable, the changeable, where the contemporary is configured as an immense everything with no one left outside.

Rovescia il timbro il video Orthogenesis del duo Piero Pizzul e Ulrike Pusch-Holbinger, un viaggio onirico sensoriale per rifuggire la triste realtà di quegli eventi che lacerano la nostra esistenza.

An opposite impression is provided by the video Orthogenesis by Piero Pizzul and Ulrike Pusch-Holbinger, a sensory dream-like journey to escape the sad reality of the events that injure our existence.

Chiudono il percorso espositivo i due progetti speciali presentati dalla National Taiwan University of Arts e ar-st-urban con, rispettivamente, i giovani studenti e gli artisti del programma di residenza che si sono misurati con nuove sostanze materiche - la canfora e l’asfalto fuso - materiali inediti plasmati per dar vita a singolari forme espressive.

The exhibition ends with the two special projects presented by the National Taiwan University of Arts and ar-st-urban with, respectively, the young students and artists of the residence programme who have tested their skills with new materials - camphor and molten asphalt - unprecedented materials moulded to produce unusual impressive forms.

OPEN, un connubio di forza e materia che spinge fino in fondo la tendenza a legarsi e riunirsi nel dispositivo sociale che mette in scena il reale trasformandolo in un percorso espositivo che ancora oggi, interpellandoci, ci conquista facendoci soggetti-spettatori. La curiosità inciampa nel piacere, nell’interrogazione mentale, fra metaforiche sovrimpressioni e flashback, miseria del presente e magnificenza del passato, accendendo cortocircuiti espressivi che convergono nell’ingranaggio di questo grande mulino.

OPEN, a combination of force and material that drives to the limit the tendency to join together in the social device that presents reality, transforming it into an exhibition itinerary that still today, by addressing us, conquers us and turns us into subjects as well as spectators. Curiosity encounters pleasure, mental interrogation, amidst metaphoric superimpositions and flashbacks, the misery of the present and the magnificence of the past, triggering expressive short circuits that converge in the gears of this great mill.

Daniela Palazzoli

Critico d’Arte • Art Critic La prima cosa che mi ha fatto apprezzare OPEN è l’idea chiave che sta alla base del bel progetto di Paolo De Grandis, e cioè la creazione di una mostra - collocata anche in spazi aperti e quindi accessibili a tutti - in cui cinema ed arte contemporanea avessero la possibilità di convergere e dialogare assieme in vari modi, con grande libertà e ricchezza di forme e manifestazioni, da quelle minimaliste a quelle spettacolari, e di tipo sia sociale e mondano oltre che culturale ed espressivo.

The first thing that made me appreciate OPEN is the key idea that lies behind the fine project conceived by Paolo De Grandis, namely the creation of an exhibition - set up in outdoor locations and therefore accessible to everyone - in which cinema and contemporary art could come together and dialogue in various ways, with great freedom and richness of forms and events, from the minimalist to the spectacular, both social and worldly, as well as cultural and expressive.

Trovandoci a Venezia, la vicinanza territoriale e di tempi fra le importanti attività artistiche che vi si svolgono ha un senso.

As we are in Venice, the territorial and temporal nearness of the important artistic activities that take place has a meaning.

Per me è certamente più rilevante il fatto che - per quanto le diversità tecniche e quelle di produzione e di consumo di questi beni possano evidenziare la distanza fra i due linguaggi - le affinità creative e spirituali tornino sempre a riproporsi e ad affermarsi come fonti di valore, di significato e di crescita umana e psicologica disponibili a tutti.

What is certainly most relevant for me is the fact that - no matter how much the differences in technique and in the production and consumption of these assets show the distances between the two languages - the creative and spiritual affinities are always reproposed and asserted as sources of value, of meaning, and of human and psychological growth, within everyone’s reach.

I due grandi artisti che ho scelto per partecipare alla manifestazione di OPEN 18, Nam June Paik e Piero Fogliati, sono entrambi - ognuno secondo la propria straordinaria ed immaginifica personalità - artisti visivi con profonde connessioni ed interazioni con una larga gamma di potenzialità espressive dal momento che, come molti, sono convinti che oramai l’esistenza di barriere in grado di separare arti visive, fotografia, cinema e video arte non sia nemmeno più proponibile.

The two great artists I chose to take part in OPEN 18, Nam June Paik and Piero Fogliati, are both visual artists - each with his own extraordinary and imaginative personality - with profound connections and interactions with a large expressive potential since, like many, they are convinced that it is no longer possible to consider the existence of any kind of barrier separating the visual arts, photography, cinema and video art.

Nam June Paik, definito da molti “Il Padre della Video Arte”, ha riconosciuto da subito la grande accessibilità del video come estensione della tecnologia cinematografica in grado di sviluppare una piattaforma espressiva ed estetica sempre più aperta all’utilizzo e alla comunicazione da parte di sempre più persone.

Nam June Paik, whom many have defined “The Father of Video Art”, immediately recognised the accessibility of video as an extension of cinema technology, able to develop an expressive and aesthetic platform that is more and more open to the use by and communication with an increasing number of people.

Per quanto riguarda Piero Fogliati, man mano che egli aderisce e sviluppa nuove situazioni tecnologiche, fa avanzare la sua attività artistica verso la creazione non tanto di prodotti materiali quanto di immagini fittizie, straordinariamente belle e dai cambi di colore sorprendenti. Immagini fittizie però. Vale a dire che, come tutte le illusioni, alla fine scompaiono: proprio come il cinema il quale è giustamente definito, anche nel bene, “un’arte performativa dello spettacolo basato sull’illusione ottica di un’immagine in movimento”.

As regards Piero Fogliati, as he adopts and develops new technological situations, he pushes his artistic activity towards the creation, not so much of material products as of fictitious images that are extraordinarily beautiful, with surprising changes of colour. But they are fictitious images. This means that, like all illusions, they eventually disappear: just like the cinema which has been justly defined, even positively, as “a performing art based on the optical illusion of a moving picture”.

Serena Mormino

Critico d’Arte • Art Critic Gli anni passano, le Biennali cambiano tematiche, curatori, artisti… in pochi anni si modificano equilibri economico-politici internazionali; il mondo evolve, talvolta involve, ma fortunatamente alcuni legami artistici, professionali e di grande amicizia rimangono intatti, anzi si fortificano sempre più nel tempo e nell’interagire per sostenere insieme, ognuno con le proprie competenze, ciò che ci accomuna e che spesso “ci salva” dalla quotidianità… l’amore indiscusso per l’Arte e la fiducia incondizionata nella cultura e nell’identità di un Paese che è stato per secoli culla della cultura nel mondo e che ora, più che mai, deve continuare a far sentire il peso della sua presenza e scrivere nuove pagine di storia.

The years pass, the themes, curators and artists of the Biennale change… in just a few years there have been changes in the international economic and political equilibrium; the world evolves, and sometimes involves, but fortunately some artistic bonds remain intact, regarding both professional aspects and friendship; indeed, they become stronger as time passes and as we interact, each within our own sphere, to support the ideals we share and which often “save” us from the everyday world… the undisputed love of Art and an unconditioned trust in the culture and identity of a country that has for centuries been the cradle of culture in the world and which now, more than ever, must continue to make the weight of its presence felt and write new pages in history.

Collaboro con Paolo De Grandis e Carlotta Scarpa da anni ormai e sono orgogliosa di affermare che ogni edizione di questa importante Esposizione Internazionale di Sculture ed Installazioni, nata diciotto anni fa da un’idea dell’amico De Grandis e fortemente voluta dal compianto Pierre Restany, cresce con forza e determinazione, coinvolgendo artisti internazionali, curatori affermati e luoghi di indiscussa importanza e bellezza della Laguna.

I have been collaborating with Paolo De Grandis and Carlotta Scarpa for years and am now proud to say that each edition of this important International Exhibition of Sculptures and Installations launched eighteen years ago from an idea of my friend De Grandis and strongly encouraged by the late Pierre Restany, grows with strength and determination, involving international artists, acclaimed curators and locations of undeniable importance and beauty in the Lagoon.

Ed è bello percepire a pelle, e constatare coi in fatti, come l’amore per l’Arte unisca gli spiriti, creando amicizie prof.onde e con basi forti, auspico decennali come quelle delle fondamenta di Venezia, oserei dire secolari, sperando che gli sforzi comuni per realizzare ogni nuova edizione possano lasciare un segno indelebile nella storia di quella che è la nostra contemporaneità artistica.

It is wonderful to participate in person, and to see how the love of Art brings spirits together, creating great friendships with strong bases, which I hope will last as many decades as those since the foundation of Venice, I would even say centuries, in the hope that the joint efforts to produce each new edition may leave an indelible mark on the history of our contemporary art.

Un complimento a Paolo e Carlotta e a tutto lo staff… grazie di coinvolgermi… è bello far parte di questa Famiglia.

My compliments to Paolo and Carlotta and to all the staff… thanks for involving me... it is great to be a member of this Family.

Danny Carella Presidente Municipalitá di Lido Pellestrina • Mayor of the Town of Lido Pellestrina The OPEN exhibition has now reached its eighteenth edition, to be held as usual at the same time as the Venice Film Festival. Once again the Lido has the honour to host Sculptures and Installations, on a route that goes from Piazzale Santa Maria Elisabetta to Lungomare Marconi, passing along the Gran Viale. In the months of September and October, the main road leading to the beaches and the Festival is transformed into an open-air museum, where art, environment, urban space and the social structure dialogue together, forming something unique and unrepeatable.

La mostra OPEN è ormai giunta alla sua diciottesima edizione che si svolge, come da consuetudine, in concomitanza con la Mostra del Cinema di Venezia. Il Lido ha ancora una volta l’onore di ospitare Sculture e Installazioni, in un percorso che da Piazzale Santa Maria Elisabetta arriva sino a Lungomare Marconi, passando per il Gran Viale. In questi mesi di settembre e ottobre, dunque, l’itinerario privilegiato che conduce verso le spiagge e la Mostra si trasforma in una galleria a cielo aperto nella quale arte, ambiente, spazio urbano e tessuto sociale dialogano tra di loro, andando a costituire qualcosa di unico e irripetibile.

The Municipality of Lido and Pellestrina confirms its support for an event that has improved over the years, one edition after another, reaching a highly respectable position on the panorama of international events devoted to contemporary artistic production, particularly in the city of Venice. Thanks to the skilful and patient work of its organisers, OPEN has brought more than 80 countries, more than 500 artists and 150 curators to Lido, demonstrating that the continuity of its success is indubitably based on the quality and artistic value of the works selected, as well as on the competence of its expert curators.

La Municipalità del Lido e Pellestrina conferma il suo sostegno a una manifestazione che in questi anni ha saputo migliorarsi, edizione dopo edizione, raggiungendo una posizione di tutto rispetto nel panorama delle iniziative di respiro internazionale dedicate alla produzione artistica contemporanea, in particolare nel contesto nella città di Venezia. Grazie al sapiente e paziente lavoro dei suoi organizzatori, OPEN ha portato al Lido oltre 80 paesi, più di 500 artisti e 150 curatori, dimostrando che la continuità del proprio successo si fonda senza alcun dubbio sulla qualità e il valore artistico delle opere selezionate, nonché sulla competenza degli esperti che ne curano la presentazione.

We must once again recognise that OPEN plays a leading role in the cultural offer of our territory; never before has Lido needed such far-reaching events to boost its image. This year, 2015, there will be an additional exhibition area on the island of Giudecca. This decision can only enhance the value of the events, not only in promotional terms, but especially because it forms a relationship between two areas of the city with many similarities, but with contrasting characteristics of their own, thus assigning art a fundamental role as a bridge for connecting worlds or islands.

Ancora una volta dobbiamo riconoscere a OPEN un ruolo di primo piano in relazione all’offerta culturale del nostro territorio; mai come oggi il Lido ha bisogno di iniziative di tale portata per rilanciare la propria immagine. Va infine ricordato come l’edizione 2015 si arricchisca di un secondo contesto espositivo nell’isola della Giudecca. Tale scelta non fa che accrescere il valore della manifestazione, non solo in termini promozionali, ma soprattutto perché mette in connessione due aree della città per molti versi affini ma con caratteristiche peculiari che, per forza di cose, si confrontano, riconoscendo così all’arte un ruolo fondamentale, quello di ponte capace di connettere mondi, isole.

Ilio Rodoni

General Manager Hilton Molino Stucky Sto scoprendo Venezia piano piano, giorno dopo giorno, e ho abbracciato un nuovo stile di vita, che scorre più lentamente rispetto a tante realtà cittadine odierne.

I am slowly, day by day, discovering Venice and I have embraced the tranquil and quiet lifestyle it offers, an uncommon reality in many of today’s cities.

L’arte si respira ad ogni passo ed ho quotidianamente l’impressione di vivere in un sogno, sospeso tra la magia legata ad un passato sfarzoso ed una bellezza ostentata ma allo stesso tempo misteriosa.

Art is omnipresent, making me feel like I am living in a dream, suspended between the magic of an opulent past and the flamboyant beauty, which is at the same time mysterious.

Questo stupore si respira anche al Molino Stucky sull’isola della Giudecca, uno dei più alti esempi di architettura industriale dell’Ottocento, il sogno di Giovanni Stucky, diventato realtà nel 1885 e che dopo mezzo secolo di splendore venne abbandonato nel 1955. Grazie all’intuizione della proprietà, parte il progetto di restauro per il recupero di una costruzione maestosa che coinvolgerà per diversi anni centinaia di professionisti.

This sensation also radiates from the Molino Stucky. One of the finest examples of industrial architecture of the nineteenth century, the dream of Giovanni Stucky that became a reality in 1885 and after half a century of splendor was abandoned in 1955. Due to the intuition of the owning company, the project of restoring this majestic building got underway early in 2000, involving hundreds of professionals for several years.

Un’architettura concepita quale macchina industriale per lavoratori veneziani ottocenteschi, sopravvissuta nei secoli e così flessibile da poter divenire nel XXI secolo dimora per ospiti provenienti da tutto il mondo. Questo moderno capolavoro veneziano riacquisisce così nel 2007, con Hilton Worldwide, una nuova dignità, confermando che Venezia è in continuo movimento come l’acqua che scorre intorno a lei e capace di trasformare le sue risorse. Ed io non posso che essere fiero di farne parte oggi.

The architecture of the Venetian flourmill, initially conceived as an industrial machine for local workers of the old days, survived the centuries and in the twenty-first century proved itself flexible enough to become a haven for travelers from all corners of the world. This modern Venetian masterpiece, full of new dignity, reopened in 2007 under the flag of Hilton, confirming that Venice like the water around “her” is in constant motion and able to transform its resources, something that I am very proud to be part of today.

Grazie all’intuizione di Paolo De Grandis e Carlotta Scarpa di PDG Arte Communications è nata l’idea di utilizzare gli ampi spazi del Molino che verrà arricchito e impreziosito dalle installazioni di artisti riconosciuti a livello internazionale.

From the intuition of Paolo De Grandis and Carlotta Scarpa, PDG Arte Communications, began the idea of using the large spaces of the Molino Stucky that will be enriched by the art installations of important international artists.

Per questo sono onorato di ospitare OPEN 18. Il legame con l’arte è fondamentale per una realtà come l’Hilton Molino Stucky, caratterizzato da un’operatività complessa ma che riesce perfettamente ad integrarsi con le esigenze e le aspettative di un pubblico culturale.

As such I am proud to host OPEN 18. The relationship with art is fundamental for a hotel like the Hilton Molino Stucky, distinguished by a complex structure but that perfectly matches the needs and expectations of a cultural audience.

L’atmosfera dell’hotel è stata resa ancora più magica dalle opere dell’artista Marco Nereo Rotelli, ed è per questo motivo che sono entusiasta del fatto che verrà presentato, durante l’apertura, il suo progetto speciale che illuminerà la facciata dell’Hilton Molino Stucky, creando uno spettacolo unico e irripetibile per Venezia. Questo noto ed ecclettico artista è riuscito a creare con le sue opere un ponte virtuale tra passato e presente, tra poesia e luce, tra fascino delle cose passate e mistero contemporaneo. In perfetta linea con ciò che ogni visitatore percepisce quando arriva a Venezia.

The atmosphere of the hotel has become even more magic with the artworks of Marco Nereo Rotelli; and I am enthusiastic about the fact that he we will present his special project that will light the Hilton Molino Stucky on the opening night, giving the city a unique and unforgettable show. This well-known and eclectic artist has managed to create a virtual bridge between the past and present, between poetry and light, between fascination of the past and contemporary mystery. Perfectly in line with what visitors perceive when arriving in Venice.

Premio OPEN Premio Speciale Collaterale alla 72. Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica

Special Prize to the 72nd International Film Festival of Venice

Patrocinio Associazione Culturale PDG Arte Communications

Patronised by Associazione Culturale PDG Arte Communications

Settembre 2015 Venezia Lido

September 2015 Venezia Lido

PDG Arte Communications istituisce la XV Edizione del Premio OPEN, in occasione di OPEN 18, Esposizione Internazionale di Sculture ed Installazioni. L’evento prevede la premiazione di un regista presente alla 72. Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia che con la sua opera riveli, in maniera inedita, un fertile interesse verso la seducente tematica della mutua interazione tra arte e cinema, due forme artistiche che vivono d’immagine e si nutrono del desiderio di tradurre emozioni.

PDG Arte Communications launches the XV Edition of the OPEN Prize, on the occasion of OPEN 18, International Exhibition of Sculptures and Installations. The prize will be awarded to a Director taking part in the 72nd Venice International Film Festival whose work reveals, in an unprecedented way, afruitful interest in the fascinating theme of the mutual interaction between art and cinema, two art forms wchich live on image and are nourished by the desire to express emotions.

Premio realizzato dall’Artista Agustí Roqué www.agustiroque.com

Prize created by the artist Agustí Roqué www.agustiroque.com

Coval, 2015. Alluminio e metacrilato Aluminium and methacrylate, 37 x 15 x 16 cm

ÂŠ Sofia Arango Echeverri

Agustí Roqué Andorra

Nella linea europea della scultura, confermata dall’opera di Agustí Roqué, che corre da Michelangelo a oggi, la scultura non opera sulla semplice compressione del vuoto ma nella continuità tra i due versanti - pieno e vuoto - senza alcuna interruzione. La teoria del non-finito affonda le sue radici nella filosofia neoplatonica. Non un’arte come rappresentazione mimetica del mondo, ma come luogo di condensazione formale di una illuminazione che la trascende.

In the line of European sculpture, reaffirmed by the work of Agustí Roqué, which runs from Michelangelo to the present day, sculpture does not operate on the simple compression of the void but in the continuity between the two facets - solid and void - without any interruption. The theory of the non-finite is rooted in neo-Platonic philosophy; not an art as mimetic representation of the world, but as site of the formal condensation of an illumination that transcends it.

La scultura diventa il teatro di conflitto tra la materia inerte e l’uomo che vorrebbe infondervi un’impronta divina, e tale impossibilità costringe a considerare la finitezza della forma e l’incapacità di approdare a un risultato corrispondente alla sostanza dell’ispirazione.

Sculpture becomes the theatre of conflict between the inert matter and the man who seeks to infuse it with the divine imprint, and this impossibility requires us to consider the finite nature of the form and the inability to arrive at a result that corresponds to the essence of the inspiration.

Ecco il furor neoplatonico di Agustí Roqué che attraversa gli elementi positivi e negativi dello spazio, pieno e vuoto, andando oltre il puro e semplice valore plastico che sembra dare specificità all’opera, e supera lo statuto puramente celebrativo, l’aspetto clamorosamente monumentale che ha contraddistinto molta scultura occidentale ed ha portato Arturo Martini a parlare di “lingua morta della scultura”.

Hence the neo-Platonic furor of Agustí Roqué, who traverses the positive and negative elements of space, solid and void, going beyond the pure and simple plastic value that seems to endow the work with specificity, and transcends the condition of the merely celebratory, the spectacularly monumental aspect that has characterized much Western sculpture and prompted Arturo Martini to speak of the “dead language of sculpture”.

Agustí Roqué, infatti non insegue l’utopia positiva dell’arte, ovvero la possibilità di costruire un modello capace di trasformare il mondo, ma piuttosto di realizzare un piccolo ordine collegato all’opera realizzata, e capace dunque di essere semplicemente un modello di se stesso. L’umiltà dell’oggetto sta proprio in questo, in una poetica che non si serve di materiali colti o di generi artistici accademici, ma piuttosto è capace di attraversare il quotidiano, di prelevare l’inerte quotidiano per collocarlo in una sorta d’assemblaggio, di cortocircuito che eleva l’elemento e il dettaglio a frammento, a tassello di costruzione mentale.

In fact, Agustí Roqué does not pursue the positive utopia of art, or the possibility of constructing a model capable of transforming the world, but aims instead to engender a small order linked to the work produced and as such capable of being simply a model of itself. The humility of the object consists in precisely that, in a poetry that does not use cultured materials or academic artistic genres and instead is capable of traversing the everyday, of taking the inert everyday and placing it in a kind of assemblage, of a short circuit that elevates the element and the detail to a fragment, to a batten of mental construction.

L’opera finale di Agustí Roqué in definitiva è l’approdo del soggetto creativo dell’artista ad una dimensione separata della propria biografia, proprio perché con grande umiltà egli individua nell’arte la propria possibilità espressiva. Inoltre è anche un ancoraggio per lo sguardo dello spettatore verso una costruzione capace di sollecitare in lui un nuovo senso delle cose. Ma questo senso non capovolge il senso del quotidiano, non lo combatte ma semmai individua un interstizio, un luogo, quello di una utopia negativa, ovvero direttamente collegata allo spazio fisico abitato dall’opera da cui l’artista parla e lo spettatore può riflettere.

Agustí Roqué’s latest work is, in the last analysis, the arrival of the artist’s creative subject at a separate dimension of his own biography, precisely because, with great humility, he identifies the expressive possibility inherent in art. It is at the same time an anchor for our gaze as viewers contemplating a construction capable of instilling in us a new sense of things. But this sense does not overthrow the sense of the everyday, it does not fight with it but rather identifies an interstice, a place which is that of a negative utopia, which is directly linked to the physical space inhabited by the work through which the artist speaks and the viewer can reflect.

Achille Bonito Oliva, Curatore

Achille Bonito Oliva, Curator

Supported by

Works made in the workshops of Pere Casanovas, Mataró, Barcellona

Digital technique Adrià Llarch

Photo credit Pedro Catena

Inside, 2014 - 2015. Alluminio e vetro Aluminium and glass, 194 x 330 x 315 cm

Embracing, 2015. Acciaio corten e vetro Corten steel and glass, 170 x 95 x 65 cm

Blue Window, 2015. Acciaio corten e vetro Corten steel and glass, 250 x 190 x 100 cm

Between, 2015. Alluminio e vetro Aluminium and glass, 119 x 318 x 81 cm

Qin Feng

Cina • China

Nato nel 1961 nella provincia di Xinjiang, Qin Feng è un artista iconoclastico coinvolto attivamente nel movimento avanguardistico. Dopo aver studiato pittura murale presso la Shandong University of Art and Design nei primi anni Ottanta, è stato uno degli unici due artisti della provincia di Shandong ad aver sperimentato all’epoca stili importati di arte contemporanea.

Born in 1961 in Xinjiang Province, Qin Feng is an iconoclastic artist who is actively involved in China’s avant-garde art movement. He studied mural painting at the Shandong University of Art and Design in the early 1980s, and was one of only two people in Shandong Province who radically experimented with imported styles of contemporary art during that period.

Proprio per la sua partecipazione al movimento avanguardista cinese, il governo tedesco lo ha invitato a curare una mostra volta alla promozione dello scambio culturale tra Cina e Germania. Nel 1996, Qin si è trasferito a Berlino dove ha iniziato a sintetizzare il modernismo occidentale e la tradizione della pittura a inchiostro cinese. Attraverso Qin, il lascito della pittura a inchiostro si è manifestato nelle sue opere esplosive e intensamente emozionali, il cui intento è fare arte senza dimenticare il legame con la pittura a pennello cinese.

Because of his involvement in the Chinese avant-garde movement, the German government invited Qin to curate an exhibit promoting cultural exchange between China and Germany. In 1996, Qin moved to Berlin where he began to synthesize Western modernism and the Chinese ink painting tradition. Through Qin, the legacy of ink-painting is manifested in his intensely emotional and explosive works - whose intention is to make art without jettisoning his link with Chinese brush-painting. Upon moving to the United States, Qin Feng thought at Harvard University Boston and earned a fellowship and residency with the prestigious MacDowell Colony in New Hampshire and has exhibited and performed among others at the Asia Pacific Museum in California, the Asia Society the Metropolitan Museum of Art in New York. Current he exhibits at the Venice Biennial, with a Solo Exhibition at MOCA art-st-urban, Switzerland, at Christies Hong Kong, MOCA Beijing and more.

Trasferitosi negli Stati Uniti, Qin Feng ha insegnato all’Harvard University di Boston e ha collaborato come artista residente con la prestigiosa MacDowell Colony nel New Hampshire. Ha esposto e rappresentato le sue opere, tra l’altro, all’Asia Pacific Museum in California, all’Asia Society e al Metropolitan Museum of Art di New York. Attualmente è presente alla Biennale di Venezia, al MOCA art-st-urban in Svizzera con una personale, al Christies Hong Kong, al MOCA di Pechino, ecc.

Roy Oppenheim

Curated by Gertrud Kohler-Aeschlimann

Photo credits art-st-urban

Desire Seenery Series, 2015. Tecnica mista su carta di riso e cotone Mixed media on rice-cotton-paper, 84 x 260 cm

Jaime Arango Correa Colombia

Quando si entra in contatto con un artista attraverso la sua opera, accade spesso che il rapporto diviene unico con l’oggetto e si dimentica l’uomo, talvolta anche l’artista, a cui sono riservati concetti e “luoghi comuni” che parlano di tecnica, di critica, di speculazioni intellettuali, distanti dal rapporto intimo tra il creatore, la sua opera e l’osservatore.

When one comes into contact with an artist through his work, one often establishes a direct rapport with the object and forgets the man, and sometimes even the artist, to whom are reserved the concepts of “commonplaces” devoted to technique, critique, intellectual speculation, so distant from the intimate relationship among the creator, his work and the observer.

Jaime Arango Correa è un grande maestro che nasce e vive in Colombia, ma ha partecipato ai movimenti artistici e culturali degli anni ’60 che hanno infuocato l’Europa e in particolare la Spagna. L’art autre di Antoni Tàpies, riferimento importante dell’informale internazionale, lo avvicina alla cultura catalana di Joan Prats sino a Joan Brossa, e al milieu surrealista francese di Bataille e Caillois, per approdare al surrealismo di Mirò e Klee. Chi si pone di fronte alle opere del maestro Arango percepisce un luogo-non luogo, compiuto e presente. La sua arte arriva a compenetrare spazi visibili con “invisibili” lontani e palpitanti.

Jaime Arango Correa is a great maestro who was born and lives in Colombia but who participated in the cultural and artistic movements of the 60’s that Europe, and especially Spain, on fire. Anthony Tapies’ art autre, a universal reference point of informal art, introduced Arango to the Catalan culture from Joan Prats to Joan Brossa, and to the French surrealist milieu of Bataille and Caillois, which then led him to the surrealism of Miro and Klee. Anyone who faces maestro Arango’s work will enter a non-locus locus, nebulous yet tangible. His art permeates visible spaces with distant, vibrant, yet invisible elements.

Antoni Tàpies parla di “materia interiore come unica e vera realtà” e questo principio è stato ampiamente indagato nella pittura di Jaime Arango come intuizione profonda della materia. La stessa che in Picasso prende il nome di sostanza oscura. La materia è quindi un divenire e l’artista agevola questo processo con il fare, l’agire. L’opera non rappresenta nulla, ma è, una cosa, una realtà.

Antoni Tàpies spoke of “matter as the only true reality”, a principle that Jaime Arango has amply explored in his paintings as the profound intuition of matter. It is this same matter that, in Picasso’s work, takes the name of “dark matter”. A work of art does not represent anything; it is a thing, a reality in and of itself. Matter is thus in a state of becoming (in the Aristotelian sense) and the artist facilitates this process with his actions.

Esiste, nel colore terrigno, nelle sovrapposizioni di materiali, nella grafica delineata e spezzata, una resistenza allo spazio, una sorta di pieno che richiama alla “poetica del muro”, fenomeno innovativo in Tàpies e ancor di più in Arango. La materia è un dialogo a distanza, eppure guizzo, fiato, pulsione, odore. La vera innovazione dell’artista è nel lasciare il passo all’opera. Si potrebbero fare infinite combinazioni con le suggestioni che emanano dalle sue opere, dall’elemento della sessualità descritta e avvolgente delle figure erotiche, alle rigorose e taglienti sedie del potere, alle sfacciate forme di donne e uomini abbandonati alla loro assenza. E i riferimenti all’arte povera, all’informale, al surrealismo, al dada si moltiplicano come le esperienze che vanno da Burri a Kline sino alle teorie Lacaniane. Come in Tàpies, anche in Arango, la pittura è pagina, dove i segni raccontano il corpo che non è schiavo della storia.

In earthy colors, overlapping materials, delineated and broken graphics, there is a certain resistance to space, a sort of completeness that evokes “wall poetry”, an innovative phenomenon in Tapies that Arango further elevates. Matter is a long-distance dialogue that wriggles, breathes, urges, and smells. This artist’s real innovation is to give way to his work. One could make endless combinations with the suggestions that emanate from his paintings, from the element of overt and enveloping sexuality of his erotic figures, to the rigorous and sharp chairs of power, through the shameless shapes of women and men released to their absence. And the references to Arte Povera, Informal Art, Surrealism, and Dada multiply like the experiences ranging from Burri to Kline, through the Lacanian theories. As in Tapies, in Arango a painting is a page where the symbols tell the story of a body that is not slave to its story.

Il libro di Jaime Arango Correa è un libro aperto che rimarrà aperto, pronto al segno. Un libro bianco, distante e intimo.

Jaime Arango’s book is an open book that will remain open, ready for a brushstroke. It’s a white book, distant and intimate.

Bianca Laura Petretto, Curatrice

Bianca Laura Petretto, Curator

Supported by B&BArt Museo di Arte Contemporanea and Casa D’Aste Arte in Net

Coppia, 2012. Tecnica mista Mixed media, 110 x 150 cm

Serie Erotica n. 1, 2012. Olio su carta Oil on paper, 34 x 48 cm

Serie Erotica Grafica n.1, 2012. Olio su carta, grafica Oil on paper, graphic, 34 x 48 cm

Nam June Paik

Corea, USA • Korea, USA Ho fatto questa intervista a Nam June Paik a Milano nel 1988, mentre stavamo realizzando una performance per la trasmissione televisiva Publimania, lui come regista ed io come performer. Essa dimostra la continuità del suo pensiero e del suo stile, e della sua devozione al buddhismo ed alla video arte, per cui fu spesso definito “Il Padre della Video Arte”. Nell’opera Hello Elephant compaiono alcuni fra i simboli a lui più cari: il Buddha che guarda il video e l’elefante che nel buddhismo è un simbolo della calma maestà di colui che è sul sentiero dell’Illuminazione.

I interviewed Nam June Paik in Milan in 1988 when we were working on the television programme Publimania, he as director and I as a performer. It shows the continuity of his thought and his style, his devotion to Buddhism and to video art, for which he has often been called “The Father of Video Art”. Some of his favourite symbols appear in the work Hello Elephant: the Buddha watching the video and the elephant which in Buddhism is the symbol of the calm majesty of one who is on the way to Enlightenment.

Mio caro Buddha sono felice di incontrarti in Italia. Cosa ti ha portato qui? Stiamo organizzando la più grande trasmissione televisiva su scala mondiale, che collegherà dodici paesi in una rete di comunicazione orizzontale. La televisione è da sempre ontologicamente strutturata a piramide in maniera dittatoriale: uno parla, gli altri ascoltano. Io ho scritto per una televisione underground dove tutti possono parlare come al telefono.

My dear Buddha, I am pleased to meet you in Italy. What brought you here? We are organising the biggest television programme in the world, which will unite twelve countries in a network of horizontal communication. Television has always been ontologically structured like a pyramid in a dictatorial fashion: one speaks and the other listen. I have written for an underground television where everyone can speak like on the telephone. Among the pieces you produced for Publimania I particularly remember one with Buddha arriving on television. Hence the combination between the western and the eastern mentality. Yes, that concerns Italy. I was preparing an exhibition and I remember that there was empty wall I had to fill. […] So I thought I would put Buddha near the TV camera. In short, Buddha watching television became a very popular symbol that is renewed in even more Asiatic terms in Hello Elephant.

Fra i pezzi che hai fatto per Publimania ne ricordo in particolare uno con Buddha che arriva alla televisione. Da qui il connubio fra mentalità occidentale e orientale. Sì questo ha a che vedere con l’Italia. Facevo una mostra e ricordo che c’era un muro vuoto da riempire.[…] E così pensai di mettere il Buddha vicino alla telecamera. In breve il Buddha che guarda la televisione è diventato un simbolo molto popolare che si rinnova in termini anche più asiatici in Hello Elephant.

Do you think that the individual, customised use of technological mediums like television, the TV camera, the video, stimulates individual creativity? Certainly. […] I think that people who are creative and artistic are happy too.

Tu credi che l’uso individuale, personalizzato di mezzi tecnologici come la televisione, la telecamera, il video stimolino la creatività individuale? Certamente.[...] Io penso che coloro che sono creativi e artistici sono anche felici.

What is your relationship with Fluxus? Fluxus is a group of creative people who have got together and have always avoided any form of internal conflict. Fundamentally, it is a harmonious association.

E qual è il tuo rapporto con Fluxus? Fluxus è un gruppo di personaggi creativi che si è riunito e ha evitato sempre ogni forma di lotta intestina. Fondamentalmente è un’associazione armoniosa. Non è stato dunque un fenomeno esclusivo. No, assolutamente molto aperto al contrario. […] L’armonia ha sempre regnato come l’amicizia, fra tutti gli artisti. Fluxus è un’associazione armonica. Questo è molto importante, più importante delle opere stesse.

So it was not an exclusive phenomenon. Not at all, on the contrary it is very open. […] Harmony has always reigned, as has friendship among all the artists. Fluxus is a harmonious association. This is very important, more important than the works themselves.

Daniela Palazzoli, Curatrice

Daniela Palazzoli, Curator

Hello Elephant, 2000. Monitor TV, fusione in bronzo, legno intagliato, acciaio, ombrello in plastica, materiale elettrico Monitor TV, bronze-casting, carved wood, steel, plastic umbrella, electric material, 130,8 x 88,9 x 88,9 cm

Eteri & Gocha Chkadua Georgia

Alien Bloom raffigura l’epoca postindustriale attraverso un paesaggio costruito con i contenitori in plastica reperibili nei rifiuti di qualsiasi quartiere urbano, in cui la spazzatura ironicamente rappresenta ciò che viene scartato e abbandonato.

Alien Bloom offers the post-industrial as landscape, constructed from tossed-out plastic containers collected from around a typical neighborhood. This representation of garbage is an ironic representation of the discarded.

Nell’installazione Lost Paradise, tutte le risorse sono riunite e modellate per essere riutilizzate al fine di illustrare la trasformazione degli oggetti a perdere, generalmente negletti, in un’esplorazione estetica infinita.

In this installation Lost Paradise all resources are marshalled, modelled, and put to use to illustrate the transformation of disposable objects, objects otherwise unnoticed crafted into an endless aesthetic exploration.

Alien Bloom è uno spazio di celebrazione ontologica senza limiti, un “giardino di malinconia” privato, un terreno di prova esistenziale per prendersi cura degli “altri”, reietti dell’umanità, crudo escremento della società trasformato.

Alien Bloom is a space of endless ontological celebration. It is a private “Garden of Melancholy” and an existential testing-ground for caring for “others” - cast away from humanity - the crude excrement of society transformed.

David Andiadze

Alien Bloom, 2014 - 2015. Plastica intagliata a mano Handcarved plastic, 150 x 250 cm

Lello Ardizzone alias Tony Wetfloor Italia • Italy

Le opere di Wetfloor comunicano grande cultura e tradizione, riportata sapientemente in chiave contemporanea e tecnologica; ma di lui si sa veramente poco. Inglese, nato intorno al 1960 (troviamo una sua foto da bambino sui social), nulla di più se non che ama viaggiare per lavoro e per passione. Qualcuno afferma che non abbia nemmeno una fissa dimora, ma sempre una suite prenotata negli alberghi più fashion delle capitali, ovviamente sotto pseudonimo.

Wetfloor’s works communicate great culture and tradition, skilfully expressed in a contemporary and technological key; but very little is known about the man himself. We know he is English, born around 1960 (we found his photo as a child on the social networks), but nothing more, only that he likes to travel for work and pleasure. Some say he does not even have a permanent address, but just a suite booked in the most fashionable hotels in capital cities, of course under a pseudonym.

Le sue opere, seppur molto eterogenee, sono immediatamente riconoscibili per la forza e la cultura che sprigionano. Mandala tibetani della cultura Veda quasi tatuati sulla tela, piccole figure mitologiche e di guerrieri annegate negli intrecci di colore che rimandano immediatamente alla street art e ad una cultura diametralmente opposta.

Although they are heterogeneous, his works are immediately recognisable for the strength and culture that they emanate. Tibetan mandala from Vedic culture almost tattooed on the canvas, little mythological figures of warriors drowned in an interweave of colours that immediately point to street art and to a diametrically opposite culture.

Tele raramente povere di cromaticità, se non qualche pregiato bianco e nero alla Vedova, o blu marini sfumati e ricchi di luce alla Sturla. Più spesso i colori si mescolano. I primi lavori presentano sfumature di pantone tenui, pennellate con rigore come amava fare il grande Dorazio.

Canvases that are rarely poor in colour, apart from some fine black and white work in the style of Vedova, or shaded navy blues rich in light in the style of Sturla. More often, the colours are mixed. The first works present pale shaded Pantones, rigorous brush-strokes like those of the great Dorazio.

Tele disseminate di pois colorati, interrotti da altri più grandi neri, come se per un attimo fosse mancata corrente o connessione al suo Ipad; mosaici posati tessera per tessera sul tablet, con grande precisione tecnica e la sapienza della simbologia antica e più contemporanea.

Canvases scattered with coloured spots, with larger black ones here and there, as though for a moment your Ipad had lost its power or its connection; mosaics laid tile by tile on the tablet, with great technical precision and the knowledge of ancient and more contemporary symbolism.

Tappeti persiani del XXI secolo, tessuti e annodati a mano su Ipad; ogni singolo dettaglio, non esiste “copia e incolla”. Perché nulla è “banalmente” ripreso e copiato dalla storia dell’Arte. Ogni file prima di diventare tela è frutto di rielaborazioni grafiche e mentali, culture che si mescolano con sapienza ed esperienza vissuta in prima persona. Ma anche di emozioni del momento.

Twenty-first century Persian rugs, woven and knotted by hand on the Ipad; every single detail is made, without “copy and paste”. Because nothing is “trivially” borrowed and copied from art history. Before becoming a canvas, each file is the result of graphic and mental reworking, cultures that are blended skilfully and first-person experience. But also of the emotions of the moment.

I suoi pezzi più interessanti nascono nelle lounge o negli spazi comuni di attesa degli aeroporti, tra un viaggio e l’altro. Ed ecco che infatti cambia l’intensità del colore e la violenza con cui viene gettato sulla tela “virtuale” del video del suo Ipad. Un tablet usato come un vecchio quaderno degli appunti o come una tela di grande formato. Un tablet privo di connessione internet, perché Wetfloor non vuole essere rintracciato e distratto dai social... forse perché quel pc da cui si estrapola qualsiasi cosa invece per la sua Arte è il foglio, la tela bianca. Quella tela dove non si può copiare, ma reinterpretare… What is not Art? Serena Mormino, Curatrice

His most interesting pieces are produced in airport lounges or waiting areas, between one trip and another. And in fact the intensity of the colour changes, as well as the violence with which he throws the images down on the video of his Ipad. A tablet used like an old notebook or like a largeformat canvas. A tablet without an Internet connection, because Wetfloor does not want to be traced and distracted by the social networks… perhaps because that PC from which something is extrapolated by his Art is like a sheet of paper, a blank canvas. The canvas where you must not copy, but reinterpret… What is not Art? Serena Mormino, Curator

Supported and Patronised by

Acknowledgements Guido Tassini

Men and pigeons, at work, 2015. Olio su Ipad, stampa digitale su ferro, plastica, ceramica, resine epossidiche, piccioni Oil on Ipad, digital print on iron, plastic, ceramic, epoxy resins, pigeons, dimensioni variabili variable dimensions

Daniele Basso Italia • Italy

Acciao specchiante, dal sicuro e forte impatto visivo, contrapposto ad una poesia e concettualità profonda ed interiore… ed ecco che la forza della materia diventa un’esaltazione dello spirito delle opere di Basso, riflettendo il mondo che le circoda e l’io degli spettatori che, inconsapevolmente, diventano parte dell’opera stessa.

Mirror-like steel, with a sure and strong visual impact, juxtaposed to poetry and profound interior conceptuality… and the force of the material becomes an exaltation of the spirit of Basso’s works, reflecting the world that surrounds them and the ego of the spectators, who unwittingly become a part of the work itself.

Qui in Achill il poeta scultore, racconta la vita di questo rapace della mitologia celtica che “nobile e potente, scivola leggero nell’aria: Possiede il Cielo. Alto sopra la realtà… guida all’amore per l’uomo e la sua natura. Si fa tramite col mondo spirituale e ne diventa simbolo d’illuminiazione, creatività, verità ed esperienza…”.

Here in Achill the poet sculptor tells the life of this bird of prey of Celtic mythology which, “noble and powerful, soars lightly in the air. It possesses the sky. High above reality... a guide to love for man and his nature. It acts as a means of communication with the spiritual world and becomes a symbol of its illumination, creativity, truth and experience...’’.

Basso abbraccia questa forma di vita aprezzandone anche la capacità di visionare la vastità del paesaggio che sovrasta, la vastità del mondo e, al contempo, la capacità di osservare ed apprezzare ogni dettaglio, ogni particolare.

Basso embraces this form of life, appreciating also its ability to view the vastness of the landscape that it looks down on, the vastness of the world and, at the same time, the ability to observe and appreciate every detail, every particular.

I suoi soggetti ritratti, come qui Achill, hanno una doppia anima, non intesa come dualità interiore e caratteriale nei confronti dell’esterno, bensì come capacità di vivere della propria spiritulità ed essere e, sapientemente, fare proprie anche le sfumature del “resto”… La Natura Sovrana e il genere umano diventano co-protagonisti delle sue espressioni artistiche, capaci di rinnovarsi ogni istante, mantendone però memoria.

The subjects he depicts, like Achill here, have a dual soul, not understood as an interior and psychologically disturbed duality with respect to the outside world, but as the ability to live on its own spirituality and to exist, and wisely to adopt also the nuances of the “rest”... Sovereign Nature and the human race become joint protagonists of his artistic expressions, able to be renewed at any moment, yet maintaining their memory.

Achill leggiadro sovrasta l’ambiente e approda in Laguna come simbolo della violenza costruttiva dell’Arte, capace di trasformare la natura della Laguna delicata, rafforzandola con forza e sicurezza, vigilando su di essa…

Lightly Achill soars over the environment and lands in the Lagoon as a symbol of Art’s constructive violence, able to transform the nature of the delicate Lagoon, strengthening it with force and sureness, watching over it…

Serena Mormino, Curatrice

Serena Mormino, Curator

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Achill, 2015. Acciaio specchiante lucidato a mano Stainless steel mirror finished by hands, 150 x 120 x 93 cm

Carlo Bernardini Italia • Italy

L’artista parte da considerazioni teoriche e metodologiche piuttosto complesse e, orientandosi nell’ambito della scultura, pone da subito la questione della luce e dell’ombra e della loro capacità di abitare lo spazio. Non parla del corpo dell’opera, del suo pondus, parla di luce e ombra come dei due estremi di una dialettica dove il termine medio non è considerato. Se si osservano le sue sculture in effetti si può constatare il punto di arrivo di un linguaggio riduzionista fino al limite estremo delle consistenza plastica: strutture filiformi in acciaio, schermi luminescenti, lastre di plexiglas trasparente. Il minimo che si possa dire è che i vuoti prevalgono sui pieni fin quasi ad annientarli…

The artist starts out from fairly complex theoretical and methodological considerations and, taking his position in the field of sculpture, immediately raises the question of light and shade and their ability to occupy space. I am not referring to the body of the work, its pondus, but rather to light and shade as the two extremes of a dialectic where the middle term is not considered. Observing his sculptures we can in fact register the point of arrival of a language that reduces to the very limit of sculptural presence: filiform structures in steel, glowing screens, transparent slabs of Plexiglas - the least that can be said is that empty spaces predominate over solids to the point of virtually annihilating them...

Nella maggior parte dei casi, le fibre ottiche, da sole, si impossessano dello spazio: l’opera vive interamente del rapporto fra la linea luminosa, il disegno di luce, perfettamente geometrico e perciò auto-evidente nei suoi nessi costruttivi, e lo spazio che lo ospita. Nel rapporto, reciproco, lo spazio diventa condizione di visibilità della luce e viceversa, il disegno di luce si articola in base alle caratteristiche strutturali dello spazio (che a volte contiene oggetti con cui i raggi luminosi interagiscono) e quest’ultimo viene dinamizzato dalle linee rette, altamente energetiche, che lo attraversano sempre disegnando volumi virtuali. Tutto ciò, abbiamo detto, “smaterializza”: luce e ombra, spazio vuoto, pochi materiali capaci di assottigliarsi fin quasi ad annullarsi alla percezione. Eppure, Bernardini non è mai troppo hegeliano: la vista come soglia verso il pensiero puro non celebra qui il suo assiomatico trionfo.

In most cases, the optic fibres alone take over the space: the work lives entirely on the relationship between the luminous line, design in light, perfectly geometrical and so self–evident in its constructive links, and the space housing it. In this reciprocal relationship, space becomes a condition for the visibility of light and vice versa, the design in light is configured according to the structural characteristics of the space (which may contain objects that interact with the rays of light), space being charged with straight, powerfully energetic lines crossing it ceaselessly to trace out virtual volumes. All this, as we have seen, is “dematerialised”: light and shade, empty space, scant materials able to thin out almost to the point of eluding perception. Yet Bernardini is never too Hegelian: sight as a threshold opening on pure thought falls short of axiomatic triumph.

Il corpo è altrettanto fortemente tematizzato nell’opera di Bernardini, solo che all’opera non appartiene. L’istanza della fisicità è delegata allo spettatore, è il suo corpo che l’opera chiama in causa come elemento che la compie, anzi che la fonda nelle relazioni di senso che attua con lo spazio. Questo spazio infatti non è pensato come astratto, è pensato in termini fenomenologici, è ambiente, spazio vissuto. Il corpo dello spettatore non solo è previsto muoversi e percepire, ma anche, col suo movimento, trasformare l’opera, che varia nel suo aspetto a seconda dei punti di vista. Come Paul Klee, Bernardini può dire che il suo lavoro postula un punto di vista vagante, agito da un osservatore che, osservando e muovendosi per osservare, modifica l’opera stessa in ciò che ha di più fondante, i suoi rapporti significanti con l’ambiente.

The body is topicalised with the same force in Bernardini’s work, yet it does not belong to the work. The role of physicality is delegated to the spectator, it is his/her body the work calls upon as the element that completes it, or rather founds it upon the sense relations it activates with space - space that is not conceived as abstract but in phenomenological terms, it is environment, lived space. The spectator’s body has not only the role of moving and perceiving, but also, with its movements, of transforming the work which changes appearance according to the point of observation. Like Paul Klee, Bernardini can say that his work postulates a drifting viewpoint, moved by the observer who, by moving to observe, modifies the work in its most essential aspect, its significant relationships with the environment.

Giorgio Verzotti

Curated by Bruno Grossetti

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Suspended Crystallization, 2010. Fibre ottiche Optical fibers, 2.500 x 2.100 x 1.800 cm City Quartier DomAquarée, Berlin

La Rivincita dell’Angolo, 2011. Fibre ottiche, acciaio inox Optical fibers, stainless steel, 1.800 x 300 x 400 cm MACRO – Museo d’arte contemporanea, Roma

Francesco De Molfetta Italia • Italy

Nome: Demo Cognome: deve ancora deciderlo Professione: artificiere specializzato Età: pare sia giovane abbastanza da essere considerato un talento promettente, ma forse è più anziano considerato quanto si è già parlato di lui in giro per il mondo Residenza: in quel meraviglioso paese di Alice Sogno nel cassetto: vendere giocattoli

Name: Demo Surname: still to be decided Profession: bomb disposal expert Age: apparently young enough to be considered a promising talent, but perhaps older since he is already being talked about all over the world Residence: in Alice’s Wonderland Pipe dream: selling toys Short and irreverent curriculum: he began his studies with the masters of the Eighties and, like a mischievous student, though with an aboveaverage IQ, he mocked his teachers and headmasters. He reworked the lessons taught in that period, distorting myths, status symbols, truthful heroes and comic strips, politicians, and all that is venerated by rest of the herd. As often happens in the best classes, his “nerdy” classmates were lost by the wayside; he has a satchel full of black marks on the class register, but also notes from the best art critics in Italy and the world.

Breve e irriverente curriculum: inizia il suo percorso di studio con i maestri degli anni ’80 e da studente monello, seppur con quoziente intellettivo sopra la media, deride docenti e presidi. Rielabora gli insegnamenti di quel periodo, stravolgendo miti, status simbol, eroi veritieri e dei fumetti, politici, tutto ciò che il resto della mandria enfatizza. I suoi compagni “secchioni”, come spesso accade nelle migliori classi, si perdono per strada; lui ha uno zaino pieno di note di richiamo sul registro, ma anche annotazioni dei migliori critici italiani e del mondo. I suoi lavori di pongo diventano sculture di resina e materiali vari e girano il mondo. La sua determinazione è tale da sconfiggere Batman, che si ritira in una clinica dimagrante consolandosi di nascosto con un gelato alla nutella (o era surrogato…); deposita assegni cabriolet con tanti zeri tratti sulla banca dei giocattoli, congela indubbie torte nuziali, comprende che la vera vocazione di Michelangelo era aprire un’officina meccanica. I paparazzi hanno scritto che di recente frequenta Pinocchio…

His works in Plasticine become sculptures in resin and various materials, and go all over the world. He was so determined that he defeated Batman, who retired to a slimmers’ clinic, secretly consoling himself with a Nutella ice cream (or maybe some kind of surrogate...); he deposits dud cheques with lots of zeroes at the end, drawn on the Bank of Toyland, he freezes wedding cakes and understands that Michelangelo’s true vocation was to open a mechanic’s workshop. The paparazzi say that he has been seen around recently with Pinocchio…

Abbiamo indagato per comprendere meglio… continuano a pervenirci solo ottime critiche, inviti per mostre in grandi e acclamate gallerie, persino al Museo della Permanente di Milano… e ora ad OPEN 18 a Venezia… Sarà davvero bravo allora questo Francesco De Molfetta… non abbiamo paura di chiamarlo con il suo vero nome, perché sappiamo che è un Vero Artista di questo secolo, dove le certezze sono purtroppo molto poche.

We investigated to learn more about him… we kept receiving only excellent criticism, invitations to exhibitions in big famous galleries, even to the Permanente Museum in Milan… and now to OPEN 18 in Venice… So this Francesco De Molfetta must be really good… we are not afraid to call him by his real name, because we know he is a True Artist of this century, a time when there are unfortunately very few certainties.

George Braque affermava che “l’Arte è fatta per turbare. È la scienza che rassicura”. Io preferisco convincermi del contrario e confidare nell’Arte per un po’ di spensieratezza e per ricordare che nella vita bisogna essere capaci di ridere. Credo che Demo la pensi nello stesso modo.

Georges Braque said that “Art is made to disturb, science reassures”. I prefer to believe the opposite and I trust in art for a little carefreeness and to remember that in life we have to be able to laugh. I believe Demo thinks the same way.

Serena Mormino, Curatrice

Serena Mormino, Curator

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HELL-icopter, 2014. Vetroresina, alluminio, perspex, vernici da carrozzeria Fiberglass, aluminium, perspex, bodywork varnishes, 160 x 50 x 60 cm

Piero Fogliati Italia • Italy

Piero Fogliati esordisce con una pittura molto scenografica per poi rivolgersi ad una scultura innovativa ricca di suoni e rumori inattesi. Al centro del suo lavoro vi è l’ideale dinamico della Città Fantastica: egli pensa di trasformare l’urbanistica ripetitiva, caotica, stereotipata e farraginosa delle nostre città, arricchendole delle sue opere plastiche, a fini non solo estetici ma spirituali. Dialogando con esse attraverso immagini e suoni, gli abitanti sensibili possono riscoprire il proprio autentico essere interiore, in sintonia col proprio sé più segreto.

Piero Fogliati begins with scenographic painting, then turns to innovative sculpture, rich in unexpected sounds and noises. In the centre of his work there is the dynamic ideal of the Fantastic City: he thinks of transforming the repetitive, chaotic town planning of our cities, stereotyped and cumbersome, enriching them with his art works which have not only aesthetic, but also spiritual purposes. By dialoguing with them through images and sounds, sensitive inhabitants can rediscover their own authentic interior being, in harmony with their most secret self.

Qui a Venezia - lungo i percorsi della mostra-evento OPEN 18 - possiamo noi stessi mettere alla prova l’idea con il Fleximofono (1967), una scultura in acciaio al silicio (acciaio armonico). Essa dialoga con noi visivamente attraverso le molle da cui è costituita, ma anche attraverso suoni e rumori. I suoi “ricci metallici”, toccati dal vento, cominciano a muoversi producendo imprevedibili e affascinanti effetti sonori.

Here in Venice - along the itineraries of the exhibition-event OPEN 18 - we can try out the idea ourselves with the Fleximofono (1967), a sculpture in silicon steel (spring steel). It dialogues visually with us through the springs of which it is made, but also through sounds and noises. Its “metal curls”, touched by the wind, begin to move and produce unexpected and fascinating sound effects.

In seguito la Città Fantastica comincia ad utilizzare come “materiali nobili” anche i fenomeni atmosferici. L’acqua, il vento, la luce solare, il colore ed il suono diventano gli elementi primari che contribuiscono a suggerire una vita spirituale alle Città rinnovate dall’Arte. Fogliati adotta tecnologie complesse e laghi e fiumi si dotano di rumori sonori; le gocce della pioggia si animano di colori, mentre Fogliati prepara anche macchine per decorare i cieli. Col tempo il suo rapporto coi fenomeni naturali della Luce, dei suoi vari modi di riflettersi, nonché del Suono e dei colori, si arricchisce di nuove scoperte legate all’uso sempre più approfondito delle nuove tecnologie. Fogliati è estasiato dal fatto che i colori - che erano stati il leitmotif dei suoi inizi pittorici, sotto forma di pigmenti materici - ora con l’uso dell’elettricità possano dotarsi di varietà luminose ben più straordinarie. Ora, queste apparizioni dai colori splendidi sono non solo fittizie perché possono scomparire quando spegni l’interruttore, ma possono anche allietarci ripresentandosi. Ed è così che deve essere, sembra suggerirci l’artista, perché la vita è un gioco che ognuno di noi può reinventarsi a propria immagine e somiglianza psichica, specie se lo facciamo collegati l’uno all’altro, dialogando e riscoprendoci attraverso l’Arte.

Then the Fantastic City begins to use atmospheric phenomena too as “noble materials”. Water, wind, sunlight, colour and sound become the primary elements that suggest a spiritual life to the Cities renewed by Art. Fogliati adopts complex technologies and lakes and rivers are provided with sounds; raindrops are animated with colours, while Fogliati also prepares machines for decorating the skies. With time his relationship with the natural phenomena of Light and its various ways of being reflected, as well as with Sound and colours, is enriched with new discoveries linked to the increasingly more profound use of new technologies. Fogliati is entranced by the fact that colours - which had been the leitmotif of his early days as a painter, in the form of pigments - can now assume much more extraordinary luminous variety, thanks to the use of electricity. Now, these apparitions with their splendid colours are not only fictitious because they can disappear when you switch off the light, but they can also gladden us when they reappear. And that is the way they are supposed to be, or so the artist seems to suggest, because life is a game that each one of us can reinvent to suit our own image and likeness, especially if we do it one connected to the other, dialoguing and rediscovering ourselves through Art.

Daniela Palazzoli, Curatrice

Daniela Palazzoli, Curator

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Fleximofono, 2002 (1967). Molle in acciaio, piastra in ferro Springs steel, iron plate, 237 x 34 x 34 cm

Tancredi Mangano Italia • Italy

La procedura che Tancredi Mangano ha scelto per costruire queste sequenze è una sfida ai canoni della fotografia tradizionale: inquadratura, punto di vista (e la “composizione” che ne consegue), profondità prospettica, esattezza dei contrasti tonali, nitidezza oppure, per converso, mosso o sfocatura creati volutamente come interventi estetici sull’immagine, sono tutti elementi che qui non vengono neppure presi in considerazione, vengono anzi respinti, azzerati.

The procedure Tancredi Mangano chose for constructing these sequences challenges the traditional canons of photography: framing, viewpoint (and ensuing “composition”), depth of field, precision of colour contrasts, clarity or, by contrast, blurring or fuzziness deliberately contrived to add aesthetic touches to the image, all aspects which are not even taken into account here, indeed they are rejected and cancelled out.

Le immagini accolgono semplicemente ciò che in esse è capitato. L’artista lavora dall’interno di un treno, ciò che viene inquadrato è semplicemente ciò che in quel momento è visibile dal finestrino e la macchina registra. Talvolta solo un campo monocromatico […] Grazie a una conduzione minimalista Tancredi Mangano trova senza cercare, rende omaggio al caso e quel qualcosa di anonimo e indeterminato che sta dentro il paesaggio, dentro tutti i paesaggi.

The images simply embrace what they capture. The artist works from inside a train, what appears in the frame is simply what happened to be visible from the window at that moment and was recorded by the camera. Sometimes just a single colour background […] By adopting a minimalist approach, Tancredi Mangano finds without looking for, pays tribute to chance and that something anonymous and indeterminate that lies within the landscape, within all landscapes.

La macchina fotografica, aiutata dal movimento di un’altra macchina, il treno, registra dei frammenti, che sono solo impronte del paesaggio che fugge. […] È questo dunque un viaggio, ma un viaggio che si svolge non solo nel paesaggio ma anche e soprattutto nel pensiero, nella profondità e nel mistero della percezione fotografica, in quell’inconscio che Walter Benjamin definì ottico e Franco Vaccari tecnologico. Il mondo esterno, al di là della macchina e del finestrino del treno, è, in fondo, una selva di segni provvisori e mutevoli in cerca di significato.

The camera, helped by the motion of another machine, the train, records fragments which are just imprints of the fleeting landscape. […] So this is a journey, but a journey which takes place not only in the landscape, but also and above all in thought, in the profundity and mystery of photographic perception, in that subconscious which Walter Benjamin defined as optical and Franco Vaccari as technological. Leaving aside the camera and train window, the outside world is basically a forest of transient and changing signs in search of meaning.

Roberta Valtorta

Curated by Bruno Grossetti

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Da Una Certa Distanza B69 n. 305, 2009 - 2014. Stampa inkject Inkject printing, 117 x 82 cm

Da Una Certa Distanza B69 n. 1456, 2009 - 2014. Stampa inkject Inkject printing, 117 x 82 cm

Vincenzo Mascia Italia • Italy

Le cose nascono dalla necessità e dal caso, Alighiero Boetti, arazzo.

Things are born of necessity and of chance, Alighiero Boetti, tapestry.

Immediata l’elaborazione di tale concetto ben noto all’artista Madì italiano per eccellenza, Vincenzo Mascia: “Caso è anagramma di caos, per cui le cose sono anche generate dal caos, dall’esplosione primordiale che ha generato l’universo. L’attività dell’uomo poi, non è altro che un continuo ordinare il caos.

Vincenzo Mascia, the Italian Madì par excellence, is well aware of this concept which he interprets in this way: “The Italian word for chance, caso, is the anagram of caos, or chaos: so things are also generated from chaos, from the primordial big bang that gave rise to the universe. Man’s activity is nothing more than a continuous reorganisation of chaos.

Coltivare significava selezionare piante utili e mettere ordine al caos delle forme naturali. Abitare significava catalogare e mettere in ordine i bisogni e dedicare spazi specifici ad ogni attività umana… l’Urbanistica organizza e tenta di mettere in ordine le nostre città… Anche le altre scienze umane sono ordinatrici del caos. La psicologia e la psicanalisi, addirittura, tentano di ordinare i nostri pensieri e le nostre pulsioni. Per cui, in fondo, l’uomo vive sempre in questo perenne contrasto, in questa dialettica tra l’impulso irrazionale e l’ordine razionale”.

Cultivating meant selecting useful plants and making order in the chaos of natural forms. Living meant cataloguing and making order in one’s needs and dedicating specific spaces to each human activity… town planning organises and seeks to create order in our cities… Other human sciences also create order in chaos. Psychology and psychoanalysis even try to create order in our thoughts and impulses. So, deep down, man always lives in this perennial contrast, in this dialogue between irrational impulse and rational order”.

Le cose nascono dal caso e il caso, in quanto tale, è non programmabile, anzi, spesso, generato proprio dal caos delle cose. La sensibilità artistica conosce bene queste connessioni, a volte limiti, ma sovente invece fonte di turbamento e di ricerca interiore che sfocia in Arte o che vive grazie ad essa; altre volte ancora generatrici di disciplina, stile e tecnica di assoluta precisione dettata dalla volontà di dare ordine ai tratti, alle forme, agli oggetti e alla vita. La ricerca dell’equilibrio anche di quanto è inconsapevolmente generato dal caos-caso.

Things are born of chance, and chance, as such, cannot be programmed; indeed, it is often generated from the chaos of things. Artistic sensitivity is well aware of these connections, sometimes limits, but often a source of upset and interior searching that results in Art, or that lives thanks to Art; other times they may generate discipline, style and technique of absolute precision, dictated by the desire to give order to features, forms, objects and life. Also the search for equilibrium of all that is unconsciously generated form chaos or chance.

Esiste un limite tra natura ed artificio, tra natura e cultura, ma non tra arte e architettura o design se queste forme di espressione hanno la stessa matrice.

There is a limit between nature and artifice, between nature and culture, but not between art and architecture or design, if these forms of expression have the same matrix.

Mascia è la dimostrazione di come movimenti artistici si avvicinano per volontà o per caso, all’architettura edilizia, urbanistica e di oggetti fruibili nel quotidiano, in un rapporto biunivoco e di interrelazione e contaminazione continua. Mascia artista di forme e scomposizioni geometriche ben definite anche quando scomposte. Mascia designer, perché l’arte ludica e giocosa tipicamente Madì può avere una funzione anche nel quotidiano.

Mascia is the demonstration of how artistic movements, either intentionally or by chance, approach architecture, town planning and the objects we use in everyday life, in a two-way relationship of continuous contamination. Mascia as an artist of well-defined geometrical shapes and decompositions, even when they are decomposed. Mascia as a designer, because the typically playful Madì art can have a function even in daily life. Serena Mormino, Curator

Serena Mormino, Curatrice

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Struttura Caotica, 2015. Tubi quadri in alluminio, lastra in acciaio Aluminium square tubes, steel plate, 230 x 230 cm

Lucio Micheletti Italia • Italy

“Una semplice pennellata nel vuoto. Un gioco di colore che fluttua nell’aria oltre lo spazio, un’idea di limite da superare.”

“A simple brush-stroke in the void. A game of colour that floats in the air beyond space, an idea of a limit to be overcome.”

La Pennellata Blu sospesa nel vuoto sopra Venezia diventa nuovamente simbolo distintivo di Micheletti, artista che fa dell’architettura strumento per alleggerire l’arte, generando volumi sospesi, creando nuove prospettive. Le sue installazioni di land art che ormai hanno “coverizzato” volumi e ambienti in tutti in continenti, come monito a conservare ciò che non si può rigenerare, qui si sintetizzano in modo quasi aureo. Il blu della natura, dei cieli, delle acque; il blu del manto della Madonna e della purezza…

The Blue Brush-stroke suspended in the void over Venice again becomes a distinctive symbol of an artist who makes architecture a tool for lightening art, generating suspended volumes, creating new perspectives. His land art installations that have now covered volumes and environments in all continents as a warning to preserve all that cannot be regenerated, are synthesised here in an almost sublime way. The blue of nature, of the skies, of the waters; the blue of the Madonna’s cloak and of purity…

“La realtà non è mai come la si vede: la verità è soprattutto immaginazione”, cita con sapienza Renè Magritte.

“The reality is never as seen: the truth is above all imagination”, commented René Magritte wisely.

Micheletti ancora una volta ci ricorda come l’Arte sia il vero linguaggio per oltrepassare ogni limite. Ridurre all’essenza di un tratto che lascia un segno indelebile nella memoria di colui che osserva.

Micheletti once again reminds us how Art is the true language for going beyond every limit. Reducing to its essence a line that leaves an indelible mark in the memory of the observer.

La semplice pennellata blu di Micheletti è simbolo di come ogni essere umano viva la stessa natura perché, seppur diversa all’apparenza che percepisce la nostra vista, in realtà l’aria che respiriamo, la luce che illumina le giornate non conosce differenze.

Micheletti’s simple blue brush-stroke is a symbol of how every human being experiences the same nature because, no matter how differently we may see it, in reality the air that we breathe and the light that illuminates our days do not know any differences.

Serena Mormino, Curatrice

Serena Mormino, Curator

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Blue Glass, 2015. Vetro extra-bianco, basamento in lamiera nera Ultra-white glass, black metal plate, 180 x 90 x 90 cm

Michelangelo Pistoletto Italia • Italy

L’importanza delle materie prime, delle tradizioni è fondamentale per continuare a scrivere pagine di storia dell’Universo, nella nostra Terra, delle nostre attività quotidiane, della Natura Madre Sovrana, e in quanto tale anche dell’Arte, così come di ognuno di Noi.

The importance of raw materials, of traditions is fundamental for continuing to write pages of the history of the Universe, of our planet Earth, of our daily activities, of Mother Nature and, as such also of Art, and of each one of us.

Il primo Paradiso, quello dell’immaginario collettivo, rappresenta l’inizio, la natura e qui anche la storia di Venezia, esempio d’eccellenza di come l’Uomo sia strettamente legato alle leggi sovrane dell’Universo. La laguna si fonda da secoli su palafitte realizzate dall’ingegno umano, utilizzando legni secolari, come la natura stessa con cui l’uomo ha creato un rapporto simbiotico. Ecco allora che il nostro primo paradiso è qui realizzato con le punte delle briccole esauste recuperate nella laguna, un recupero che porta con sé anche una parte di storia di un luogo incantato e fragile.

The first Paradise, that of the collective imagination to which so many people aspire, is the beginning, the nature and here also the history of Venice, an excellent example of how Man is closely linked to the sovereign laws of the Universe. For centuries, the lagoon has relied on pilings created by human ingenuity, using wood centuries old, like nature itself, with which man has created a symbiotic relationship. Here our first Paradise is made of the tips of old mooring posts salvaged in the lagoon, a recovery that brings with it a part of the history of an enchanted and fragile place. According to Pistoletto, the other first Paradise, the one needed to compose the symbol of infinity, is the “artificial” one created by man and his eagerness as homo faber (Man the Maker). Something that does not exist in nature, something modified…But the root of the term Artifice is the word ART… and so the outermost circle, the extension of Paradise, is depicted as coloured, many-shaped, like a precious glass mosaic in different Pantones, like a canvas painted by instinct, without a precise project or drawing. Glass, another symbol of Venice and its craftsmen, but also of natural elements, which come together to create a new material. But is this Paradise, this dream of infinity, really complete? Or, now that we are gradually acquiring awareness of the limit between nature and artifice, must we create a more perfect imaginary place, where everything exists and where everything can find the equilibrium for survival? Just as men and women have been given the gift of procreation, so too nature and art, if skilfully combined, can create a Third Paradise made of logic, laws, equilibriums that allow us to follow the path of Mother Nature and that of the evolution of the human race.

Secondo Pistoletto l’altro Paradiso, quello per arrivare a comporre il simbolo dell’infinito è quello “artificiale”, creato dall’uomo e dalla sua smania di homo faber. Qualcosa che non esiste in natura, qualcosa di modificato… Ma la radice del termine Artificio è la parola ARTE… ecco allora che il cerchio più esterno, il prolungamento del paradiso viene ritratto colorato, multiforme, come un pregiato mosaico di vetri di diversi pantoni, come una tela dipinta d’istinto, senza un progetto preciso. Il vetro, altro simbolo di Venezia e delle sue maestranze, ma anche di elementi naturali che, incontrandosi, creano nuova materia. Ma è davvero completo questo Paradiso, questo sogno di infinito? Oppure ora che poco per volta assumiamo coscienza e consapevolezza, dobbiamo creare un luogo immaginario più perfetto, ove esista tutto e ove tutto possa trovare l’equilibrio per la sopravvivenza? Come all’uomo e la donna è dato dono di procreare, così anche natura e artificio, se sapientemente uniti, posso creare un terzo Paradiso fatto di logiche, leggi, equilibri che permettano di proseguire il cammino di madre natura e quello dell’evoluzione del genere umano.

The Third and True Paradise is thus born inside the two circles, as though kept between them: the Paradise of the reality in which we live and where, with human help and planning, Nature is able to create other natural forms and goods that are indispensable for survival, foods that are able to nourish man and animals, but even the plant kingdom. And food is generated from water, just as emotion and communication are generated from Art… The whole closely linked together, tied with sailor’s ropes from the lagoon, as though to confirm an indestructible bond between the three paradises, reinforcing their equilibrium and drawing a new boundary and bond between two cities, that only seem to be so different.

Nasce così all’interno dei due cerchi, come custodito tra essi, il Terzo e Vero Paradiso, quello della realtà che viviamo, dove la Natura sa creare, con l’intervento geniale e programmatico umano, altre forme di natura e di beni indispensabili per la sopravvivenza, alimenti che sappiano nutrire l’uomo e la fauna, ma anche la stessa flora. E da acqua si genera cibo, così come dall’Arte si genera emozione e comunicazione… Il tutto fortemente unito, stretto, annodato dalle cime natiche lagunari, come a sancire un legame indistruttibile tra i tre paradisi, a rinforzarne gli equilibri e a disegnare un nuovo confine e legame tra due città, solo apparentemente così diverse.

Venice and Vercelli are linked in this installation with recovered materials typical of two territories tied to Water and Art and to the desire to be regenerated through these two forms of life.

Venezia e Vercelli si incontrano in questa installazione con materiali di recupero tipici di due territori legati all’Acqua e all’Arte e alla volontà di rigenerarsi attraverso queste due forme di vita. Serena Mormino, Curatrice

Serena Mormino, Curator

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Terzo Paradiso, Michelangelo Pistoletto

Michelangelo Pistoletto Il Terzo Paradiso 2003 - 2012

Michelangelo Pistoletto The Third Paradise 2003 - 2012

Che cos’è il Terzo Paradiso?

What is the Third Paradise?

È la fusione tra il primo e il secondo paradiso. Il primo è il paradiso in cui gli esseri umani erano totalmente integrati nella natura. Il secondo è il paradiso artificiale, sviluppato dall’intelligenza umana attraverso un processo che ha raggiunto oggi proporzioni globalizzanti. Questo paradiso è fatto di bisogni artificiali, di prodotti artificiali, di comodità artificiali, di piaceri artificiali e di ogni altra forma di artificio. Si è formato un vero e proprio mondo artificiale che, con progressione esponenziale, ingenera, parallelamente agli effetti benefici, processi irreversibili di degrado a dimensione planetaria. Il pericolo di una tragica collisione tra la sfera naturale e quella artificiale è ormai annunciato in ogni modo1.

It is the fusion between the first and second paradise. The first is the paradise in which humans were fully integrated into nature. The second is the artificial paradise, developed by humans through a process that has now reached globalizing proportions. This paradise is made of artificial needs, artificial products, artificial comforts, artificial pleasures, and every other form of artifice. Humankind has formed a real artificial world that gives rise, in an exponential manner and in parallel with its beneficial effects, to irreversible processes of decline on a planetary scale. The danger of a tragic collision between the natural sphere and artificial has been announced in every way1.

Il progetto del Terzo Paradiso consiste nel condurre l’artificio, cioè la scienza, la tecnologia, l’arte, la cultura e la politica a restituire vita alla Terra, congiuntamente all’impegno di rifondare i comuni principi e comportamenti etici, in quanto da questi dipende l’effettiva riuscita di tale obiettivo.

The idea of the Third Paradise is to lead artifice - that is, science, technology, art, culture and political life - back to the Earth, while engaging in the reestablishment of common principles and ethical behavior, for on these the actual success of the project depends. The Third Paradise is the passage to a new level of planetary civilization, essential to ensure the human race’s survival.

Terzo Paradiso significa il passaggio ad un nuovo livello di civiltà planetaria, indispensabile per assicurare al genere umano la propria sopravvivenza.

The Third Paradise is the new myth that leads everyone to take personal responsibility at this momentous juncture.

Il Terzo Paradiso è il nuovo mito che porta ognuno ad assumere una personale responsabilità in questo frangente epocale.

The Third Paradise is symbolically represented by a reconfiguration of the mathematical infinity sign. In the “New Infinity Sign” three circles are drawn: the two opposite circles signify nature and artifice; the middle one is the conjunction of the two and represents the generative womb of the Third Paradise.

Il Terzo Paradiso è raffigurato simbolicamente da una riconfigurazione del segno matematico dell’infinito. Con il “Nuovo Segno d’Infinito” si disegnano tre cerchi: i due cerchi opposti significano natura e artificio, quello centrale è la congiunzione dei due e rappresenta il grembo generativo del Terzo Paradiso.

Michelangelo Pistoletto

Michelangelo Pistoletto 1.

Il termine artificio ha come radice la parola arte, perciò l’arte assume oggi essenziali responsabilità riguardo all’intero mondo artificiale.

The term artifice is rooted in the word art, so art today takes on core responsibilities with regard to the whole artificial world.

Terzo Paradiso, 2015. Installazione con riso coltivato a risaia di diverse qualitĂ del territorio Vercellese Installation with different qualities of rice grown in paddy-fields in the territory around Vercelli, dimensioni variabili variable dimensions. Terrazza SUPERSTUDIO, Milano

Piero Pizzul & Ulrike Pusch-Holbinger Italia, Germania • Italy, Germany

Ammettiamolo a priori: il video di Piero Pizzul e di Ulrike PuschHolbinger vuol essere una provocazione, chiaramente enunciata già nel titolo Orthogenesis, che etimologicamente rappresenterebbe l’evoluzione progressiva o autogenesi assunta nell’ipotesi che la vita tenda ad evolversi in modo lineare, sollecitata da una forza propellente interna o esterna.

Let’s admit it right from the start: the video by Piero Pizzul and Ulrike Pusch-Holbinger aims to be a provocation, as is clearly stated in the title Orthogenesis, which etymologically represents the progressive evolution or autogenesis assumed in the hypothesis that life tends to evolve in a linear direction, urged by an internal or external driving force.

Un’attenta lettura delle immagini, che si susseguono con ritmo serrato, cadenzato dalla musica, ci trascina in un’esperienza involutiva che conduce all’annientamento. Anziché espressione di una driving force, questo compositum manifesta la patologia psicologica strisciante di una crisi economica che non lascia più spazio ai sogni né alle speranze di una gioventù in preda ad una sindrome di assenza di futuro.

A careful reading of the images, which follow one another at a fast pace, following the rhythm of the music, carries us away in an involutionary experience that leads to annihilation. Rather than the expression of a driving force, this compositum manifests the creeping psychological pathology of an economic crisis that leaves no more room for the dreams or hopes of young people affected by a syndrome of absence of the future.

L’esperienza personale è connotata dalla delusione per il fallimento del sogno europeo, esasperata dagli eventi che hanno travolto la Grecia. Brevi flash della memoria illuminano scene pregnanti: scontri di piazza con le forze dell’ordine, un’automobile adibita a spazio abitativo da chi non ha più una casa, l’agorà con sullo sfondo il Parlamento di Atene e - non per caso - una Volkswagen.

Personal experience is marked by disappointment for the failure of the European dream, exasperated by the events that overwhelmed Greece. Brief flashes of memory light up meaningful scenes: street protests with the police, a car inhabited by homeless persons, the agora with the Athens Parliament in the background and - not by chance - a Volkswagen.

Si può eludere la realtà solo rifugiandosi nel sogno, che qui si trasforma in un incubo popolato da allucinazioni, che sembrano portare alla follia. È un tunnel senza via d’uscita.

One can escape reality only by taking refuge in a dream, which is transformed here into a nightmare filled with hallucinations that seem to lead to madness. It is a tunnel with no way out.

Eppure molte voci di artisti, di intellettuali, di scrittori e di politici, di gente comune hanno esaltato il rinnovamento sperato con la costituzione di una Nuova Europa, soprattutto alla caduta del Muro di Berlino.

Yet many voices of artists, intellectuals, writers and politicians, and ordinary people have praised the renewal that was hoped for with the creation of a New Europe, especially after the fall of the Berlin Wall. Others, including the minimalist poet Inge Elsa Laird, intuitively expressed a certain reserve fraught with negative forecasts with regard to the state policies, as in her lyrical composition The State where she declares: “They made a business to pull out weeds, never in their own garden, but in the language of law and order. They have sown grass and planted trees, … but the grass did not grow there is no life for the earth…”.

Altre, tra cui la poetessa minimalista Inge Elsa Laird, hanno espresso intuitivamente nei confronti delle politiche statali una certa riserva, gravida di preannunci negativi, come nella sua lirica The State in cui denuncia: “Hanno fatto un business per estirpare le erbacce, mai nel proprio giardino, ma nel linguaggio della legge e dell’ordine. Hanno seminato l’erba e piantato alberi, …ma l’erba non è cresciuta non c’era vita per la terra…”. Nevia Capello, Curatrice

Nevia Capello, Curator

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Compositum Orthogenesis, 2015. Multimedia

Gianmaria Potenza Italia • Italy

Per la varietà dei suoi moduli/corpi/geometrie Potenza ha individuato in scultura le forme della sfera e soprattutto dell’ovale per noi ribadibile come origine e contenitore concluso, primigenia scultura ideale che riconduce al concetto della nascita. Nel suo ricercare linguistico, nell’idioma della geometrico/fisica Potenza ha reso mobili questi corpi levigati o politi, concorrendo ora lo spazio luminoso al gioco dei riflessi e delle ombre ma soprattutto della mobilità. Modificando le staticità della scultura l’artista ha compiuto una variazione al peso del corpo bronzeo permettendone un vero e colto dinamismo.

For the variation of the bodies and geometry he uses, Potenza has understood the importance and meaning of the sphere and especially of the oval in sculpting: that which for us is perceived as a source, an origin, a conclusive container - the ideal, primigenial form which induces the concept of birth. In his linguistic research, in the syntax of his geometric and physical language, Potenza has made these smooth, clean bodies mobile, now travelling through the illuminated space of dancing reflections and shades and, above all, celebrating their mobility. By modifying the static aspect of sculpture, the artist has accomplished a variation of the weight of the bronze body, and has allowed it to constitute a true and cultivated dynamism.

Pullulano “nella” superficie questi moduli, quelle parti organiche tipiche del suo lavoro, tanto da poterne quasi costituire l’intera materia, ma ora, lontano da ogni riferimento alle sfere tutte solcate, ferite percorse dal segno di Pomodoro (come un occhio distratto potrebbe cogliere) le sculture di Potenza interrogano la luce e lo spazio. I meandri regolari (cui altri critici hanno dedicato storiche e complesse derivazioni formali dall’oriente musivo sino a Vienna) scorrono fendendo la luce e permettendole di interagire, sprofondare, costruire una “pelle” del bronzo che ne riveli la tattilità divenendo narrazione plastica. È penetrare visivamente come sospiro di luce nel corpo in moto della scultura che svela la complessità del “luogo plastico” di Potenza: costruire l’oggetto e contemporaneamente negarne l’essenza per entrare, quasi il suo segno si ripetesse ineluttabilmente nella “spirale” dell’aria, in un’atmosfera che da pesante si fa leggera. Così, in questo suo “esperire” il bronzo, divenuto anche intenso riflesso d’oro, permette al suo alchemico hortus conclusus un ennesimo viaggio. Sculture in bronzo, dalle acque veneziane alle terre dove troveranno un nuovo sole.

The typically organic parts of his works swarm over the surface of these modules in such an intense way that they could almost make up the entire subject, but now, a far cry from the scored and wounded spheres of Pomodoro (which a distracted eye could easily believe to recognize), Potenza’s sculptures interrogate light and space. The regular meandering (to which various other critics have attributed historical and complex formal derivations, ranging from the muses of the Orient to Viennese artistic decor) flow and reflect light, creating the interactivity and depth of its bronze “skin”, which reveals tactility and becomes plastic narration. It is visual penetration, like the breath of life in the body and in the motion of his sculpture, which reveals the complexity Potenza’s “plastic happening”. Potenza builds an object and, at the same time, denies its basic essence, almost having his sign be ineluctably repeated in a spiral of air, in an atmosphere which transforms weight into lightness. In this way, in his transformation of bronze, giving it even the intense shine of gold, he allows his alchemist’s hortus conclusus to undertake its nth voyage. Sculptures made of bronze: from Venetian waters to new lands they will find the shining sun.

Luca Massimo Barbero

Courtesy of

Luca Massimo Barbero

Photo credit Enrico Fiorese

Cavallo in Corten, 2015. Acciaio corten Corten steel, 125 x 190 x 100 cm

Ri.Co.

Italia • Italy Stucky 9 si qualifica come una tappa di un “viaggio” cominciato a Firenze nell’agosto del 2011, quando i muri della città diventano i soggetti di partenza di questo mio lungo e articolato percorso dai perimetri sfaccettati.

Stucky 9 may be considered a stage of a “journey” that began in Florence in August 2011, when the walls of the city became the starting point of this long and articulated tour with multifaceted outlines.

Ad ogni stagione il viaggio raggiunge una nuova città e i suoi muri, dopo Firenze Venezia, Burano, Roma e poi Londra ...Lille… per giungere nell’ultimo viaggio a Pechino e l’enigmatica Città Proibita custodita al suo centro, dove i misteri di una città isolata da sempre al resto del mondo rivela le sue emozionanti storie materiche e cromatiche.

In each season the journey reaches a new town and its walls, after Florence came Venice, Burano, Rome and then London… Lille… until the latest journey to Beijing and the enigmatic Forbidden City in the centre, where the mysteries of a city that has always been isolated from the rest of the world reveals exciting stories in materials and colours.

Nei miei scatti - che costituiscono una collezione di opere su tela di grande formato e in edizioni limitate - il codice 9 contiene tutte le geometrie compositive e simboliche.

In my shots - which form a collection of works on canvas in a large format, in limited editions – the code 9 contains all the compositional and symbolic geometries.

Il mio lavoro racconta storie, catturate da un obiettivo e restituite in uno scatto. I “macro” di muri esaltano le texture di intonaci, colori, raccontando le stratificazioni del vissuto delle città. La loro trasformazione, il deterioramento, il cedimento, le ricostruzioni che registrano i passaggi del tempo. Sono “pelli urbane” che, mutevoli nei loro cromatismi e crepe, sovrappongono colori e materiali raccontando le tappe della loro storia. Sono il tessuto urbano che tesse gli spazi e le architetture proprio come nella pelle di un essere umano che vibra, vive, assorbe e respira ciò che lo circonda.

My work tells histories, captured by the lens and presented in a snapshot. The “macro” shots of the walls enhance the textures of plaster and colours, narrating the stratifications of life in the towns. Their transformation, deterioration, crumbling and reconstruction mark the passing of time. They are “urban skins” which, with their changing colours and cracks, superimpose colours and materials, telling the stages of their history. They are the urban fabric that weaves spaces and architectures, just like in the skin of a human being that vibrates, lives, absorbs and breathes all that surrounds it.

2015 - Siamo a Venezia dove le architetture sono, più che altrove, scrigno di memorie, interpretazione di secoli, restituzione di viaggi, custodi di storia e storie. Qui nasce l’intervento site specific Stucky 9. Fotografia del Molino Stucky, uno degli esempi più interessanti di architettura industriale; in particolare lo scatto dell’unica porzione nascosta di muro che non ha subito restauri, testimone illeso dei passaggi dell’uomo. E il mulino diventa uno spazio emozionale tattile e visivo, dove i cromatismi della parete, carica di specificità, traslano dalla pura materia architettonica a tessuto fluttuante, drappi, involucro della quotidianità, come una nuova pelle che dalle architetture immacolate create dall’uomo torna all’uomo con le spontanee cicatrici che i sali, il vento e le acque lasciano nel mattone. La texture si moltiplica in frattali avvolgendo la torre del Molino Stucky per dare vita ad un nuovo equilibrio materico. Drappi come “muri” a tutti gli effetti che si mimetizzano nel contesto architettonico ma allo tesso tempo rivelano, al vento, la loro identità naturale se e quando la natura stessa viene lasciata agire in armonia col tempo che l’accompagna.

2015 - We are in Venice where, more than elsewhere, architectures are a treasure chest of memories, the interpretation of centuries, celebrations of journeys, guardians of history and stories. This is the background of the site-specific event Stucky 9. Photographs of the Stucky Molino, one of the most interesting examples of industrial architecture; in particular the shot of the only hidden portion of the wall that has not been restored, an untouched witness of human passing. The mill becomes an emotional tactile and visual space, where the colours of the wall, laden with specific features, produce the effect of flags from the pure architectural material with its fluctuating fabric, enveloping everyday events, like a new skin that, from the immaculate architectural material created by man, returns to man with the spontaneous scars that the salt, wind and waters leave in the brick. The texture is multiplied in fractal effects, enfolding the tower of the Stucky Mill to form a new material equilibrium. Flags like “walls” to all effects, which blend with the architectural context but which, when caught by the wind, reveal their natural identity if and when nature itself is allowed to act in harmony with the time that accompanies it.

Ri.Co.

Stucky 9, 2015. Foto su telo nautico Photo on nautical cloth, 162 x 99 cm

Marco Nereo Rotelli Italia • Italy

“OPEN ha scandito gli ultimi anni della mia ricerca.” Così Marco Nereo Rotelli, vincitore del Premio Speciale alla carriera nell’ambito di OPEN presenta la sua prossima installazione luminosa che, per l’appunto, inaugurerà la diciottesima edizione di questa importante manifestazione veneziana che ha avuto il pregio di portare la scultura in una città che ci appare essa stessa come una magica scultura.

“OPEN has marked the last years of my research.” With these words Marco Nereo Rotelli, winner of the Special Award for a lifetime career, within OPEN, presents his next light installation that, in fact, will inaugurate the eighteenth edition of this important Venetian event that had the merit of bringing sculpture in a city that looks exactly like a magical sculpture.

Rotelli, che è artista veneziano, prende alla lettera questa asserzione ed illuminerà l’edificio più rappresentativo della Venezia moderna, il Molino Stucky, oggi Hotel Hilton. Chiamando a sé le arti che gli sono più vicine, la poesia e la musica, darà luce, durante il Festival del Cinema, al suo personale “film” delle arti, componendo e scomponendo differenti saperi.

Rotelli, who is a Venetian artist, takes this statement literally when he decides to illuminate the most representative building of modern Venice, the Molino Stucky, today the Hilton Hotel, with the support of the arts he loves the most, poetry and music. That is how, during the Film Festival, he will film his personal “movie” about arts, by composing and decomposing different languages. Harald Szeemann said that, with his work, Rotelli is “broadening the artistic context”, which becomes, in this case, an “illumination of the mind”, because its light turns night into a magical day, not governed by the laws of power and reason, but dominated by amazement, magic, emotions.

Harald Szeemann definì l’opera di Rotelli un “ampliamento del contesto artistico”, che nel caso specifico declinerei in “illuminazione della mente”, perché la sua luce trasforma la notte in un giorno magico, non governato dalle leggi del potere e della ragione, ma dallo stupore, dalla magia, dall’emozione.

When Illuminating the Molino Stucky, he will project a wonderful verse written by Ezra Pound, since 2015 marks also the 130th anniversary of Ezra Pound’s birth.

Illuminando il Molino Stucky egli proietterà un meraviglioso verso di Ezra Pound, del quale tra l’altro ricorre quest’anno il 130° anniversario.

“Will I ever see the Giudecca again? or the light against it, […]” CANTO LXXXIII, The Pisan Cantos

“Will I ever see the Giudecca again? or the light against it, […]” CANTO LXXXIII, Canti Pisani

This reverb is a reversal of tautology that often isolates art within the artistic context: Rotelli aims at an open and evolving concept of art (OPEN!!), and this reverb expands to embrace poets and musicians and to become a celebration.

Rotelli fa di questo riverbero un rovesciamento della tautologia che spesso chiude l’arte nell’arte: crea dall’architettura un concetto aperto (OPEN!!), in espansione, e coglie nel riverbero un irraggiarsi verso l’altrove. Nel far ciò invita poeti e musicisti e ricrea una festa.

Hurrah for Venice, the city where everything seems fictional but is definitely true!

Viva Venezia, la città non città dove tutto sembra finzione ed invece è tutto verissimo!

Manon Comerio, Curator

Manon Comerio, Curatrice

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Divina Natura, 2013. Installazione luminosa sulla facciata del Field Museum, Chicago - Anno della Cultura Italiana in USA Light installation on the facade of Field Museum, Chicago - Year of the Italian Culture in USA

Luce di Venezia, 2015. Installazione luminosa sulla facciata del Molino Stucky Hilton, Venezia Light installation on the facade of Molino Stucky Hilton, Venice - Rendering by Margherita Zambelli

Arianna Spada Italia • Italy

L’opera di Arianna Spada è un invito alla trascendenza. L’artista ha creato uno spazio dove la tensione dialettica tra conoscente e conosciuto drammatizza la concezione dell’Essere. Il visitatore è portato ad abbandonare per un momento la propria quotidianità estraniandosi dal mondo per indagare l’autenticità della propria esistenza.

Arianna Spada’s work is an invitation to transcend. The artist presents a space where the dialectic tension between the subject and the known dramatizes the concept of Being. The visitor is persuaded to abandon his everyday life for a moment, to draw oneself apart from the world to investigate the authenticity of his/her existence.

Entrando nella cabina creata dall’artista, la persona si libera dalla dimensione spazio-temporale in cui si trova normalmente: l’Essere si svincola così dalla sua condizione di “essere gettato nel mondo”, aprendosi alla possibilità di auto-progettarsi e quindi, esponendosi alla possibilità di realizzarsi o di perdersi. L’opera è in aperto confronto con l’indagine che Heidegger inizia sul senso dell’Essere in Essere e tempo.

The person who enters the cabin created by the artist is released from spatial and temporal dimensions where he/she usually stays: the Being is finally free from its condition of “being thrown into the world”, it is open to design its future, to expose itself to be fulfilled or to lose its way. The work is in an open dialogue with the Heidegger’s study about the sense of Being that he illuminates in his seminal work Being and Time.

Spostando la dissertazione sul piano dell’installazione artistica, Spada cerca una risoluzione al problema della verità dell’Essere. Modifica il linguaggio - risultato limitante per il filosofo, tanto da preferirgli l’incompiutezza del suo saggio - e parte dal suo traguardo provvisorio, ossia l’interpretazione del tempo come orizzonte possibile di ogni comprensione dell’essere in generale. Il tempo viene inteso così come la modalità dell’Esserci nell’Essere, è il modo attraverso cui l’Esserci conosce il mondo e sceglie di esistere nel mondo.

Spada moves the dissertation to the level of the artistic installation to find a resolution to the Being’s truth question. In doing so, she changes the language - Heidegger found it limiting and he preferred not to complete the book - and starts from his tentative conclusion: time as a possible horizon of any comprehension of Being. She invites the visitor to experience being-in-the-world to understand what he/she is and what he/she would be, this is the Care, the entirety of Being’s structures. The circular reflection about past, present and future reflects the upper break of the cabin, it is the unique light source in the installation, symbol of lumen naturale that permits to experience the Lichtung, the improvement, to light up the Being’s revelation to the visitor.

L’invito dunque che Spada rivolge al visitatore è quello di prendersi il proprio tempo per capire chi si è e chi si vorrebbe essere, questa è la Cura, la totalità delle strutture dell’Esserci. La riflessione circolare che viaggia tra passato, presente e futuro si riflette nell’apertura della cabina, unica fonte di luce, simbolo del lumen naturale che permette alla persona di esperire la Lichtung, la schiarita, illuminando la rivelazione dell’Essere.

Amalia Nangeroni, Curator

Amalia Nangeroni, Curatrice

Acknowledgements Silvia Frassin

Photo credit Giulia Agostini

Prende(te) Tempo, 2015. Legno, feltro, acetato trasparente Wood, felt, transparent acetate, 250 x 100 x 100 cm

Aldo Spinelli Italia • Italy

La mitologia e la storia hanno, sin dai tempi antichi, affrontato il tema del Labirinto. Il mito di Dedalo e del Labirinto di Creta per il re Minosse; testimonianze religiose nelle cattedrali gotiche ove nei “Cammini di Gerusalemme” era impossibile perdersi, esistendo un’unica via percorribile per arrivare al centro, perché la vita iniziatica è una sola, ma sufficiente per arrivare al centro del nostro essere, per trovare equilibrio e dare un significato alla nostra esistenza.

Ever since antiquity, mythology and history have been fascinated by the theme of the labyrinth. The myth of Daedalus and the Labyrinth he created for King Minos of Crete; religious traces in Gothic cathedrals where it was impossible to get lost in the “Paths of Jerusalem” as there was only one way to reach the centre, because there is only one initiatory life, but sufficient to arrive at the centre of our being, to find equilibrium and give a meaning to our existence.

Esistono molteplici forme labirintiche, lineari o ramificate; percorsi centrifughi e centripeti, unicursali e multicursali… ogni percorso non è fine a se stesso, non è un banale districarsi tra rami e bivi, ma una vera ricerca di sé; non importa quanto tempo impieghiamo a camminare, quanto sforzo fisico dedichiamo, l’unico vero obiettivo è quello di effettuare un percorso di crescita, di scelta, di comprensione delle opportunità che vogliamo cogliere per arrivare a comprendere chi realmente siamo e dove vogliamo condurre il nostro Io.

There are many labyrinthine forms, linear or branched, with centrifugal and centripetal routes, unicursal or multicursal patterns… each path is not an end unto itself, it is not a banal disentanglement of branches and crossroads, but a real search for oneself; it does not matter how long we take to walk through it, so much as the physical effort that we devote to it, the only true objective is to follow a path of growth, of choice, of understanding the opportunities we want to grasp in order to understand who we really are and where we want to take our Ego.

Spinelli nel 1972 dedica la sua Arte a tale percorso iniziatico, circoscrivendo le lettere della stessa parola Labirinto per crearne una nuova forma, come a trovare la vera chiave di lettura di questo mito; come se il labirinto fosse alla ricerca di se stesso, ancora prima di sottoporsi agli altri. Spinelli fa suo questo concetto e lo dedica al genere umano, ma anche ad ogni singolo individuo… perché la vita di ognuno di noi, se osservata dall’alto, in fondo non è altro che un percorso iniziatico strettamente personale, tanto che ogni individuo ha un “suo” labirinto, artisticamente sintetizzato con la circoscrizione delle lettere che formano il nostro nome, perché ognuno ha un destino, la differenza sta nell’avere il coraggio di compiere delle scelte, talvolta di tornare indietro, per poi proseguire con maggiore consapevolezza, fino a centrare la vita e scoprire la propria essenza.

In 1972, Spinelli dedicated his Art to this initiatory path, circumscribing the letters of the word Labyrinth to create a new shape, like finding the true key to the reading of this myth; as though the labyrinth were searching for itself, even before letting anyone else enter it. Spinelli adopts this concept and dedicates it to the human race, but also to every single individual… because the life of each one of us, if viewed from above, is, deep down, nothing more than a strictly personal initiatory path, to the extent that each individual has his or her “own” labyrinth, artistically synthesised by circumscribing the letters of our name, because we each have our destiny; the difference lies in having the courage to make choices, sometimes to go back and start again with greater awareness, until we focus on our life and discover our essence.

La tecnologia moderna, definirebbe il Labirinto edito con nome e cognome come un QR code che virtualmente conduce lo spettatore alla biografia del soggetto “sintetizzato”… ma la differenza è che non esiste App per leggere a priori la nostra vita e quale sia il percorso ottimale…

Modern technology would describe the Labyrinth created using our name and surname as a QR code that virtually leads the spectator to the biography of the “synthesised” subject… but the difference is that there is no App able to read our life a priori and tell us the best route to take…

Serena Mormino, Curatrice

Serena Mormino, Curator

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Labirinto, 2015. Lastra in acciaio, fili di tessuto rosso, picchetti in acciaio Steel plate, red threads, steel pickets, 18 x 560 x 520 cm

Giuliano Tomaino Italia • Italy

Io sono qui… Sì perché l’Arte è come il cavaliere inesistente che, con la forza della volontà, con determinazione, consapevolezza e desiderio di contribuire a scrivere nuove pagine di storia, combatte anche contro coloro che non credono, anche contro coloro che non vogliono vedere, perché sanno leggere solo ciò che è comune, normale, dai chiari tratti e confini.

I am here… Yes, because Art is like the Non-existent Knight who, with the force of his will, with determination, awareness and the desire to help write new pages of history, fights also against those who do not believe, even against those who do not want to see, because they are able to read only that which is ordinary, normal, with clear lines and boundaries.

Tomaino si ispira a Calvino per dimostrare che invece ‘‘Io sono qui… l’ARTE è qui’’; è facile, forte, è per tutti, è “amica” di colui che la crea, ma diventa figura amata e riconosciuta dall’essere umano, comunicando emozioni e semplicità, ricordi di altri tempi, ricordi semplici, puliti dell’infanzia.

Tomaino is inspired by Calvino to demonstrate that instead ‘‘I am here… ART is here’’, it is easy, strong, it is for everyone, it is the “friend” of whoever creates it, but becomes a figure loved and recognised by human beings, communicating emotions and simplicity, memories of other times, simple, pure memories of childhood.

L’arte è fonte di comunicazione e la manina di Tomaino sembra salutare quasi sorridendo e riempiendo il cuore.

Art is a source of communication and Tomaino’s hand seems to greet us, almost smiling and filling our hearts.

“L’Arte è un regalo che la vita ci dona”, nulla di più vero e in questo caso più che mai l’Artista è l’amico di sempre, quello di cui fidarsi, quello sempre pronto a sorriderci, a tenderci la mano, a farci alleviare tensioni, dolori, preoccupazioni… perché la vita è un sogno, un gioco per grandi e piccini che va condotto con gioia e capacità di trarre insegnamento dagli accadimenti di ogni attimo.

“Art is the gift that life gives us”, nothing could be more true, and in this case more than ever the Artist is the friend we have always had, the one we can trust, the one who is always ready to smile at us, to reach out his hand, to lighten our stress, pains, worries… because life is a dream, a game for grown-ups and for children that must be played with joy and the ability to learn something from the events of very moment.

Tomaino ha l’enorme dono di saper dialogare con le persone, di qualunque età, cultura; sa entrare nelle loro menti ed anime in modo semplice ed immediato, anche se talvolta inconsapevole… perché le sue opere forti, vivaci, monumentali sono talmente “leggere” di spirito e di impatto visivo da sembrare giochi. Nel suo comunicare emozioni, il suo dono di poeta e scrittore, talvolta più che di artista contemporaneo inteso da critici e immaginario collettivo come soggetto di un mondo a sé, Tomaino invece utilizza un linguaggio semplice, quasi infantile per i soggetti e i tratti che la sua mano scrive.

Tomaino has the great gift of being able to dialogue with people of all ages and cultures; he knows how to enter their minds and souls in a simple and immediate way, though sometimes unwittingly… because his strong, lively and monumental works are so “light” in spirit and visual impact that they seem like games. In communicating emotions, his gift as a poet and writer, sometimes more than as a contemporary artist seen by critics and the collective imagination as the subject of a separate world, Tomaino uses a simple, almost childish language for the subjects and features created by his hand.

Serena Mormino, Curatrice

Serena Mormino, Curator

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Photo credit Stefano Lanzardo

Sono qui, 2015. Ferro dipinto Painted iron, 250 x 260 x 30 cm

Viti & Zampini Italia • Italy

…indignazione e padellate, come ogni giorno accade: gente comune diventa censore, giudice ed esecutore di pene.

…indignation and pan shots, as happens every day: ordinary people become censor, judge and executor of punishment.

Questi nuovi Catone “fatelo da soli” travolti dalla foga moralista, dal tinello di casa, dalle vie della città, dai loro uffici invadono ogni media a disposizione con i loro patetici, ma pericolosi, colpi di padella. Chi naviga Facebook deve fare molta attenzione…

These new “do it yourself ” Catos, overwhelmed by moralistic fury, from their dining room, from the streets of the city, from their offices invade every available medium with their pathetic but dangerous pan shots. Facebook surfers should be very careful…

Viti & Zampini

Curated by Bruno Grossetti Acknowledgements

Un calzino turchese non rasserena lâ&#x20AC;&#x2122;animo (il censore), 2015. Lambdaprint su Dibond Lambdaprint on Dibond, 129 x 73 x 7,5 cm

Mats Bergquist Svezia • Sweden

Non tutto è spiegabile a parole […]. Esiste un punto in cui dire una parola equivale a sottrarre infinite possibilità espressive […].

Words cannot explain everything […]. But there is a point when uttering a word equals to removing infinite expressive possibilities […].

Scrivere dei lavori di Bergquist è come pronunciare una parola, un’unica parola che racchiude il tutto […].

To write about Bergquist’s works is like uttering a word, a unique word embracing everything […].

Appena entrato nel luogo dove erano esposti alcuni lavori di Bergquist ho percepito un profumo di tavole di legno e colore, un profumo antico […]. Era il profumo delle icone, di cui percepivo il senso, come se, sottratto ogni elemento figurativo e allegorico ne rimanesse solo il dialogo eterno con l’aldilà, con uno spazio altro.

As I entered the location where some of Bergquist’s works were exhibited, I felt a scent of wooden boards and color, an antique scent […]. It was the scent of icons, of which I perceived the sense, as if, once every figurative and allegoric element was removed, only the endless dialogue with the beyond, with other space, was left.

Sottratto tutto, rimane solo una esile forma di dialogo, di affetto, verso un qualcosa di cui non conosciamo il nome. E in questo dialogo vedo riaffiorare una presenza inaspettata che non trova spazio nelle icone classiche […]. È l’ombra, l’elemento che più di ogni altro rappresenta la solidità della materia, la manifestazione umana in contrasto con la manifestazione divina, che ora riaffiora […].

Once everything is removed, only a flimsy veneer of dialogue, of affection, towards something anonymous is left. It is in this dialogue that I see emerging an unexpected presence that can’t find space in classic icons […]. The shadow is the element better representing the solidity of the matter, the human manifestation contrasting with the divine presence, now emerging […].

È un dialogo che rimanda al raccordo nelle basiliche bizantine tra la cupola rotonda e il basamento quadrato, un problema architettonico e dunque teologico da cui nasce una figura di raccordo. In quell’angolo, ha sede nella iconografia bizantina e cristiana l’angelo, la figura di mezzo tra il cielo, il cerchio, e la terra, il quadrato.

It is a dialogue venturing in a land between the here and there, as the connection in the Byzantine basilicas between the round cupola and the square base, an architectural therefore theological problem. In the resulting space a connection figure is born. In that angle, in the Byzantine and Christian iconography, we find the angel, a figure set among sky, circle, earth and square.

[…] È questo lo spazio iconografico sacro, che implica una dualità tra cielo e terra, un punto di vista antico, su cui Mats Bergquist si muove con rispetto, silenzio e delicatezza, uno spazio in cui anche le parole si fermano, in cui […] ogni istante di dialogo con esso è sacro e ci narra di un altrove eterno, profondo, assoluto.

[…] This is the sacred iconographic space, implying a duality between sky and earth, an antique perspective, on which Mats Bergquist moves with respect, silence and subtlety - a space in which also words stop, in which every instant of dialogue with it is sacred and tells us of another eternal, deep and absolute beyond.

Marco Mioli

Curated by Bruno Grossetti

Supported by

Shadow of a Smile, 2014. Encausto su legno Encaustic on wood, 70 x 280 cm

Architrave, 2010-2011. Encausto su legno Encaustic on wood, 150 x 101 x 50 cm

Heinz Aeschlimann

Svizzera • Switzerland

Heinz Aeschlimann, artista, ingegnere e imprenditore, è orientato sia nelle attività commerciali sia in quelle artistiche verso i leitmotiv del successo e della qualità. Dal 1970 l’ingegnere civile ha creato tutta una serie di sculture di vari formati e forme, da piccoli rilievi e sculture a numerose opere monumentali, di cui alcune ora esposte in diversi parchi o parte di prestigiose collezioni in tutto il mondo. Heinz Aeschlimann è regolarmente invitato a importanti mostre negli Stati Uniti, in Europa e in Asia. Su iniziativa dell’Istituto di Scultura Cinese di Wuhu, Cina, nel 2014 gli è stato conferito il più importante riconoscimento cinese alla scultura, il “4° Premio Liu Kaiqu” per la sua opera monumentale Composer XXI.

Heinz Aeschlimann is an artist, engineer and entrepreneur. Both in the field of business and artistic activities, Heinz Aeschlimann is oriented to the leitmotifs of success and quality. Since 1970 the civil engineer has been creating a large number of sculptures in various formats and forms. In addition to small sculptures and reliefs, he has created many monumental works. Some sculptures weighing tonnes are now found in various sculpture parks or are part of prestigious art collections throughout the world. Heinz Aeschlimann is regularly invited to important exhibitions in the US, Europe and Asia. On the invitation of the Chinese Sculpture Institute in Wuhu, China, in 2014, he was awarded the major Chinese Sculpture Award, the “4th Liu Kaiqu Award” for his monumental sculpture Composer XXI.

Nel 2005, Heinz Aeschlimann e sua moglie hanno fondato il centro artistico e culturale art-st-urban presso il complesso monasteriale di St Urban a Lucerna, Svizzera, che ospita un museo, un parco di sculture e un programma Artist in Residence ispirato a un concetto molto particolare, dedicato a giovani scultori e musicisti, che l’artista segue personalmente in veste di mentore e supervisore. Grazie all’istituto artistico indipendente e privato di art-sturban, Heinz Aeschlimann si è conquistato un notevole apprezzamento in patria e all’estero per l’impronta innovativa della sua struttura, che accoglie anche mostre di noti artisti orientali e occidentali, spesso inserite nel contesto di festival transnazionali, eventi artistici o incontri musicali.

In 2005, Heinz Aeschlimann and his wife founded the art and cultural centre art-st-urban at the monastery complex of St Urban in Lucerne, Switzerland. The centre features a museum, a sculpture park and a very personally run Artist in Residence programme for young artists in sculpture and music, which he closely attends both as mentor and supervisor. With the independent, privately funded art institution of art-st-urban, he has succeeded in gaining significant recognition at home and abroad for this extraordinary concept. There are also exhibitions shown by renowned artists from East to West, often embedded in transnational festivals or Music Meets Art events.

Con la scultura Trilogie dedicata ai compositori Franz Liszt, Richard Wagner e Cosima Wagner-Liszt, Heinz Aeschlimann rappresenta vividamente la simbiosi tra musica e scultura. L’artista ha dedicato un intero ciclo di sculture a Franz Liszt, intitolato Composer, visibili a Chicago, Vancouver, New York, Pechino, ecc.

With the sculpture Trilogie dedicated to the composers Franz Liszt, Richard Wager and Cosima Wagner-Liszt, Heinz Aeschlimann vividly illustrates the symbiosis of music and sculpture. He devoted an entire sculpture cycle to Franz Liszt; these “Composer” works can be seen in Chicago, Vancouver, New York, Beijing and beyond.

Attraverso decenni di intensa esperienza, ricerca e sperimentazione nel campo del conglomerato bituminoso, Heinz Aeschlimann è riuscito a sviluppare una formulazione di “oro nero” che consente di realizzare forme e creazioni verticali e organiche stabili e durevoli. È nata così L’Arte dell’Asfalto di Aeschlimann - la strada per il paradiso! - con opere in conglomerato bituminoso assolutamente uniche nel loro genere, create in collaborazione con i giovani artisti residenti.

Through his decades of intensive experience, research and experimentation in the area of mastic asphalt, he has managed to develop a formulation of “black gold” that makes it possible to create stable, durable vertical and organic shapes and creations, Aeschlimann Asphal Art was born - street runs heaven! Internationally unique mastic asphalt sculptures are created in collaboration with the Young Artist in Residence.

L’artista vive e lavora in Svizzera nei suoi studi di Roggliswil - St Urban (Lucerna) e Monte Ceneri (Ticino).

The artist lives and works in his studio in Switzerland - alternately in his studios in Roggliswil - St Urban (Lucerne) and Monte Ceneri (Ticino).

art-st -urban

art-st-urban

Curated by Gertrud Kohler-Aeschlimann

Supported by art-st-urban, Aeschlimann Asphalt Engineering AG

Photo credits art-st-urban

Triologie (Franz Liszt-Cosima Wagner Liszt â&#x20AC;&#x201C;Richard Wagner), 2012. Acciaio, vernice nero metallico smaltato Steel, enameled painted metallic black, 200 x 200 x 230 cm

Yahon Chang Taiwan R.O.C.

Nato nel 1948, Yahon Chang vive e lavora a Taipei, Taiwan. Ha esposto in occasione di numerose mostre personali e collettive internazionali. L’ultima personale, The Question of Beings, è stata allestita quale Evento Collaterale in occasione della 56. Esposizione Internazionale d’Arte-la Biennale di Venezia. La sua opera, che utilizza tecniche di pittura a inchiostro cinesi, sfrutta un’ampia serie di supporti ed è imbevuta di elementi della tradizione colta e zen. Cresciuto nella Taiwan coloniale post-giapponese, ritrae nei suoi lavori un particolare linguaggio visivo che dà voce all’agonia, ai dinieghi, alle lotte, all’avversità, all’accettazione e all’amore in questo mondo, nonché alla sua ricerca della pace e di una spiritualità superiore. Per OPEN, Chang trasforma le pennellate di inchiostro espressive dei dipinti delle serie Arhat, Vital e Faces in forma tridimensionale integrandole con due nuove sculture inedite.

Born in 1948, Yahon Chang lives and works in Taipei, Taiwan. He has shown in numerous international solo and group exhibitions, with his most recent solo show, The Question of Beings, held at the Collateral Event of this year’s 56th International Art Exhibition-la Biennale di Venezia. Employing Chinese ink painting techniques, his artwork encompasses a wide variety of media and is imbued with elements of the Literati and Zen traditions. With his upbringing in post-Japanese-colonial Taiwan, his works portray a particular visual language that voices the agony, rejections, struggles, adversity, acceptance and love in this world as well as his quest to find higher spirituality and peace. For the OPEN exhibition, Chang has incorporates and transform the expressive ink brushwork of his Arhat, Vital and Faces series paintings into three-dimension form, with two new sculptures to be shown for the very first time.

Yahon Chang, nato in un’epoca di colonizzazione post-giapponese, è cresciuto nella zona centrale di Taiwan nella provincia di Nantou, dove il sistema di istruzione, i valori e l’ambiente di lavoro erano ancora profondamente legati all’eredità dell’occupazione giapponese. Come molti altri della sua generazione, Chang non solo ha superato notevoli difficoltà per giungere al successo e affermarsi all’interno della società, ma è anche sempre stato alla ricerca dell’illuminazione per una crescita spirituale attraverso la religione, il buddhismo zen per i primi sessanta anni della sua vita e, successivamente, il cristianesimo, nel quale ha trovato la riconciliazione spirituale che aveva ricercato per tutta la vita. Nelle opere di Chang, il tema dell’identità, gli interrogativi sulla propria esistenza all’interno della società e la meditazione trascendentale su tali contenuti sono pertanto palpabili, soprattutto nelle sue serie di ritratti che, nei volti, esplorano lo spazio tra lo stato dell’essere e il subconscio che interroga l’esistenza di tutti gli esseri, suggerendo altresì il fenomeno della discriminazione sociale nella Taiwan postcoloniale e la ricerca della spiritualità.

Yahon Chang was born in an era of post-Japanese colonisation, grew up in Central Taiwan in the Nantou Provence, where the education system, values and living environment were still closely knitted to the legacy of the Japanese occupancy. Like many others of his generation, Chang has not only gone through hardships to achieve success and gain self-worth in society, he also seeks enlightenment for spiritual growth through religion - for the first 60 years of his life this was Zen Buddhism and later, Christianity, where he has found the spiritual reconciliation that he has been seeking all his life. Consequently, throughout Chang’s body of work, the subject on identity, the questioning of one’s existence in society and the transcendental mediation on his subject matter are palpable in his series of portraitures. In his portraits of different beings, the various countenances explore the space between the state of being and the subconscious that questions the existence of all beings, which also suggests the phenomenon of social discrimination in post-colonial Taiwan and the quest of spirituality. Chang’s artwork has been included in private, corporate and museum collections worldwide, such as Shanghai Art Museum and Busan Museum of Art.

Le opere di Chang fanno parte di collezioni private, pubbliche e museali in tutto il mondo, come quella del Museo d’Arte di Shanghai e quella del Museo d’Arte di Busan.

J. J. Shih and Francise Chang

Curated by J. J. Shih

Courtesy of Yahon Chang

Acknowledgements Museum of Contemporay Art, Taipei and Contemporary Art Foundation, Taipei

Arhat, 2011. Ferro Iron, 300 x 150 x 50 cm Museum of Contemporary Art, Taipei (MOCA Taipei)

Arhat, 2011. Ferro Iron, 300 x 150 x 50 cm Vital, 2011. Ferro Iron, 220,2 x 150 x 50 cm Museum of Contemporary Art, Taipei (MOCA Taipei)

Kuang -Yu Lee Taiwan R.O.C.

Lee Kuang-Yu è nato nel 1954 a Taiwan. Nei primi anni ’70 ha frequentato il Dipartimento di Scultura del National College of Arts (predecessore della National Taiwan University of Arts).

Lee Kuang-Yu was born in 1954 in Taiwan. In the early 1970, he entered the Department of Sculpture of the National College of Arts (predecessor of the National Taiwan University of Arts).

Diplomatosi nel 1975, si è recato in Spagna per studiare tecnica e teoria scultorea occidentale rispettivamente presso la Real Academia de Bellas Artes di San Fernando e l’Universidad Complutense di Madrid con il celebre scultore Toledo. Rientrato a Taiwan, ha insegnato presso la Taipei National University of the Arts e la National Taiwan University of Arts, ritirandosi poi nel 2006 per dedicarsi al lavoro creativo.

Following graduation in 1975, he went to Spain to study western sculptural technique and theory in Real Academia de Bellas Artes de San Fernando and Universidad Complutense de Madrid respectively and studied with celebrated sculptor Toledo. On returning to Taiwan, he taught at the Taipei National University of the Arts and the National Taiwan University of Arts, retiring in 2006 to devote himself to his work.

Le opere di Lee Kuang-Yu attraversano frontiere culturali e storiche rappresentando un simbolo culturale di interazione tra il pensiero buddhista e taoista tradizionale e il modernismo.

Lee Kuang-Yu’s creations cross cultural and historical boundaries, representing a cultural marker in which traditional Buddhist and Daoist thought intertwines with modernism.

Le sue creazioni non sono ascrivibili ad alcuna categoria stilistica canonica perché costituiscono un linguaggio unico grazie alla sua maestria incomparabile, al suo stile e ai materiali che, a loro volta, incarnano la complessa natura dell’arte taiwanese sintetizzando l’essenza della sua cultura. Le sue opere, esposte in passato in Spagna, Austria, Giappone e Singapore, ora sono visibili in spazi pubblici, presso l’Università Statale di Taiwan, la stazione metropolitana dell’Ospedale, lungo il Civic Boulevard o presso l’Università Statale di Kaohsiung. A Taiwan, tre importanti gallerie collezionano molte sue creazioni.

His work cannot be assigned to any usual stylistic category. Instead, his works create a unique language with his incomparable skill, style and materials which in turn embodies the complex nature of Taiwanese art while representing the essence of Taiwanese culture. His work has previously been exhibited in Spain, Austria, Japan and Singapore. His works can be seen in the public spaces or National Taiwan University Hospital MRT station, on Civic Boulevard, and at National University of Kaohsiung. Within Taiwan, three major galleries have collected many of his works.

J.J. Shih, Curatore

J.J. Shih, Curator

Acknowledgements Contemporary Art Foundation, Taipei

Meditation among the Mountains, 2006. Bronzo Bronze, 215 x 125 x 95 cm

Thinker, 2014. Bronzo Bronze, 227 x 127 x 130 cm

Empty procession, 2014. Bronzo Bronze, 187 x 87 x 83 cm

Gönül Nuhoğlu Turchia • Turkey

“In cielo sono risalite la Giustizia e la Ragione, al loro posto, ahimè, regna il brigantaggio, l’odio, il rancore, il sangue e la carneficina.” Discours des misères de ce temps, Pierre de Ronsard

“And Justice and Reason flew back to the heavens Alas, now in their place, brigandage Hatred, resentment, blood and carnage reigns.” Discours des misères de ce temps, Pierre de Ronsard

Al fine di sostenere l’ordine attribuito all’universo, il padrone dell’ordine costituito deve assumere una posizione “equilibrata”, mentre il suo interlocutore di “follia”. Poiché coloro che immaginano il mondo, l’universo in altro modo, sono causa di pericolo per l’ordine stesso. Con il ruotare della terra ed i cambiamenti di potere, il folle sostituisce il saggio. Coloro che sono al potere assumono il diritto di essere equilibrati. Diversamente, quelli impossibilitati a comandare diventano dei folli.

To be able to maintain the harmony he attributes to the world, the ruler of the established order must deem himself “reasonable” and his opposition “insane”. Since anyone envisaging the world, the universe some other way would pose a threat to his order. As long as the world is spinning and the powers are changing, the insane and the sane also change seats with one another. He who holds the power holds the right to be reasonable, while he who is frail is considered insane.

Secondo gli attivisti per la protezione della natura, i governanti di oggi si dirigono, follemente, verso la loro fine. Tuttavia, i sogni di questi pionieri, che tracciano la strada del nostro futuro, sono considerati, dai dirigenti del mondo industriale, un mucchio di vetuste amenità. Al fine di dimostrare il contrario, questa opposizione dovrà innalzare al potere i propri sogni. Successivamente, la durata di tutto ciò che è considerato equilibrato da parte loro sarà terminata con l’insediamento di un nuovo potere dominante.

According to the environmental activists the rulers of the world, like madmen, rush towards their devastation. Yet if you ask the executives of the industrial world, the dreams of these vanguards who are possibly designing our path into the future are nothing but utter nonsense. In order to prove the contrary, the dissidents have to carry their dreams into power. And thus will begin the life of what they deem reasonable, a life that will only last until the establishment of another order.

Questo ciclo continuo rimane invariato attraverso i differenti periodi storici. Il folle sostituisce il saggio; il saggio sostituisce il folle. I nostri poteri personali ci spingono alla negazione dell’altrui saggezza e del modo in cui essi vedono il mondo. Ci assicuriamo che si faccia indossare loro una camicia di forza affinché non possano più fare pazzie. Sfiliamo loro il tappeto da sotto i piedi così che non possano raggiungere il nostro ordine stabilito. Quindi, inconsapevolmente creiamo una massa di folli, cui apparteniamo anche noi, “impossibilitati a muoverci” all’interno dei nostri piccoli imperi dove il ciclo di coronazione e abdicazione si racchiude in pochi minuti.

Throughout history, this cycle remains unchanged. The insane swap places with the sane; and the sane with the insane. Our personal ambitions also lead us to reject other ways of reasoning and seeing. We straitjacket others lest they act foolishly. We cut the ground from under their feet lest they force themselves on our established order. And in our small kingdoms, where there are only moments between enthronement and dethronement, we create an army of fools, ourselves included, who can “go nowhere”. Arda Yalkin

Arda Yalkin

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The ship of fools, 2015. Cemento, ferro Cement, iron, 200 x 65 x 65

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The ship of fools (detail), 2015. Cemento, ferro Cement, iron, 200 x 65 x 65

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The ship of fools (detail), 2015. Cemento, ferro Cement, iron, 200 x 65 x 65

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Daniel Rothbart USA

Una scultura di vetro e alluminio che sembra spontaneamente scaturire dalle acque del Canale della Giudecca. Così si presenta Air de Venise di Daniel Rothbart, il cui titolo richiama la celebre ampolla d’aria di Parigi che Marcel Duchamp portò a New York come souvenir.

A glass and aluminum sculpture seems to have surfaced spontaneously from beneath waters of the Giudecca Canal. This is Daniel Rothbart’s Air de Venise, which alludes to the celebrated ampoule of Parisian air that Marcel Duchamp carried to New York as a souvenir.

Vero e proprio paesaggio simbolico germinato da quello naturale e architettonico, l’installazione ha come elemento fondante e centrale una bolla di vetro ricavata dalla fusione delle bottiglie di sake usate dai pescatori giapponesi come strumento galleggiante per la pesca; oggetto che, nel riecheggiare la tradizione veneziana della soffiatura del vetro, riassume visivamente tutto ciò che rappresenta Venezia: una “frontiera liquida”, aperta passerella a cerniera fra civiltà.

Between nature and architecture, Air de Venise reveals itself as a landscape of symbols. The basic, central elements of the installation are glass bubbles, blown from recycled sake bottles for Japanese fishermen as buoys for their nets. These objects echo the Venetian tradition of glass blowing and visually encapsulate all that is Venice: a liquid frontier, passageway and link between civilizations.

Le bolle di vetro galleggianti non solo richiamano alla mente la “coppa” come potente simbolo della “scienza sacra” nelle tradizioni più antiche, nella religione ebraica, in quella cristiana e nel pensiero buddhista ma ricordano anche la struttura geometrica astratta dell’albero delle Sephirot, che nella Cabala indica le modalità con cui l’infinito si rivela e continuativamente crea sia il reame fisico sia la catena dei reami metafisici superiori. Le Sephirot vengono rappresentate con forma circolare e collocate lungo tre assi verticali e si collegano tra loro; ciascuna include tutte le altre mediante 22 canali che corrispondono alle 22 lettere dell’alfabeto ebraico.

The floating glass spheres not only recall the vessel as a powerful symbol of holy science in Jewish and Christian religion (as well as Buddhist thought), but also the geometric abstract structure of the tree of the Sephiroth. In the Jewish Kabbalah, divine emanations or Sephiroth in Hebrew, reveal both the physical and spiritual dimensions of the universe. Individual Sephiroth are often represented as circles along three vertical axes, which like Rothbart’s sculpture, suggest the shape of a tree. The constellation of Sephiroth also surrounds twentytwo letters of the Hebrew alphabet and all the elements interact with one another.

Lo stesso diagramma sembra all’origine della scultura di Rothbart. Ogni “nodo” nella catena che costituisce Air de Venise rappresenta dunque il punto in cui agiscono le forze che determinano la condensazione e coesione di un “aggregato”, di un legame tra la dimensione immateriale e materiale e tra quest’ultima e le forme. L’opera condensa insomma la visione penetrante che l’artista ha della stratificazione e dell’addensamento della Storia, delle Tradizioni dei luoghi e del simbolismo che è all’origine della forma, del pensiero e del sistema della conoscenza.

Therefore, every link of the Air de Venise chain represents a point of interaction between forces that determine condensation and cohesion of an aggregate. They are links between earthly and immaterial dimensions and forms. The work embodies Daniel Rothbart’s penetrating vision of historical stratification, convergent geographies, inter-cultural traditions, symbolic forms, and ideas. Vittoria Broggini, Curator

Vittoria Broggini, Curatrice

Supported by

KUNSTWECHSEL

Acknowledgements Wolfgang Becker, Vittoria Broggini, Christian Depardieu, Victoria Manganiello, Francine Hunter McGivern, Xiaokun Qiu

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Air de Venise, 2015. Alluminio, vetro Aluminium, glass, 914 x 165 x 99 cm

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National Taiwan University of Arts Taiwan R.O.C.

Non esistono sostanze equiparabili alla canfora se si pensa alla versatilità degli usi che una sostanza è capace di offrire, dalla mummificazione alle applicazioni militari, culinarie e religiose passando per la medicina; la canfora, essenziale per la produzione cinematografica, è ancora largamente impiegata per realizzare lenti, pettini, dentiere, bottoni e giocattoli. La canfora è ottenuta dalla Cinnamomumcamphora, albero tropicale sempreverde centenario che può superare i 40 metri di altezza. La canfora in sé, distillata e raffinata, ha tuttavia dimensioni modeste; bianca cristallina di colore, è estremamente volatile, leggermente solubile in acqua, ma prontamente solubile in solventi organici.

There is hardly a substance like camphor when it comes to the wide range of uses a substance is able to provide, from mummification and medicine, to military, culinary, and religious uses; it also has been essential for filmmaking and still is commonly used for the production of glasses, combs, dentures, buttons, and toys. Camphor is obtained from the Cinnamomum camphora, a large evergreen tropical tree which may eventually grow over 40 meters in height, and has a life-span of over a thousand years. Camphor itself, distilled and refined, is however moderate in scale; it is crystal white in color, highly volatile, slightly soluble in water but readily soluble in organic solvents.

Due delle principali caratteristiche dei componenti chimici della canfora sono state particolarmente importanti nel mondo moderno, ossia la sua plasticità e la sua capacità di stabilizzazione. Alfred Nobel ha sfruttato quest’ultima per controllare e indurire i grani di polvere da sparo aggiungendovi una miscela di canfora, nitroglicerina e nitrocellulosa, ottenendo così una polvere non fumogena, brevettata nel 1887 con il nome di Balistite. Un inventore americano, John Wesley Hyatt, ha invece sfruttato la plasticità naturale della canfora per creare una palla da biliardo che suo fratello, Isaiah Hyatt, ha utilizzato come base per creare nel 1872 la celluloide, prima plastica artificiale.

Two major characteristics of camphor’s chemical components have become especially important to the modern world: its plasticity and stabilization capabilities. Alfred Nobel made use of the latter for checking and hardening gunpowder grains by adding a mixture of camphor, nitroglycerine, and nitrocellulose. The result was a smokeless powder, patented in 1887 under the name Ballistite. An American inventor, John Wesley Hyatt, used camphor’s natural plasticity to form it into a billiard ball, which was used by his brother, Isaiah Hyatt, as the basis for creating celluloid in 1872, the first artificial plastic.

Poco dopo, un imprenditore italiano di origine svizzera, Giovanni Stucky, ha rimodellato le linee della Giudecca veneziana erigendo un “molino” in stile industriale di dimensioni senza precedenti, presso il quale talvolta lavoravano più di 5.000 dipendenti e che presto ha soddisfatto il fabbisogno dell’intera Europa. Realizzato a partire dal 1884, dove si ergeva l’antica Chiesa dei Santi Biagio e Cataldo, questo straordinario complesso neogotico progettato dall’architetto tedesco Ernst Wullekopf, fu infine inaugurato nel 1890. Successivamente, il “Molino Stucky” sarebbe stato testimone dell’ascesa e del crollo di una dinastia, del suo abbandono, ma anche del Cemetery for the ashes of thought, progetto di John Hejduk, presentato nell’ambito della mostra A proposito del Mulino Stucky, curata da Vittorio Gregotti, direttore artistico della Biennale di Venezia nel 1975.

Not much later, an Italian entrepreneur of Swiss descent, Giovanni Stucky, remodeled the skyline of Venice’s Giudecca by erecting a factory-style wheat mill of unprecedented scale, employing over 5,000 workers at times and soon to meet the demands of Europe. Beginning in 1884, at the location where the old Church of Santi Biagio e Cataldo used to be, a magnificent neo-gothic complex designed by the German architect Ernst Wullekopf arose, finally seeing its inauguration in 1890. Subsequently, the “Molino Stucky” was to witness the rise and fall of a dynasty, its own abandonment, but also the Cemetery for the ashes of thought, a project by John Hejduk, submitted to the exhibit A proposito del Mulino Stucky, curated by Vittorio Gregotti, artistic director of the Venice Biennale in 1975.

La proposta di John Hejduk, rettore della Scuola di Architettura della Cooper Union, è stata di natura più artistica che architettonica,

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The proposal by John Hejduk, the dean of the School of Architecture at Cooper Union, was less architectural than artistic in nature; it did not touch upon political decision making, nor the building’s

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evitando accuratamente di occuparsi del processo decisionale politico o del ruolo della costruzione nella storia industriale. Ciò che, infatti, sembrava aver catturato l’attenzione dell’artista erano interrogativi più profondi circa lo sviluppo dell’industrializzazione, le sue conseguenze e i suoi effetti sul destino umano come la guerra, la crisi economica, il cambiamento climatico, il terrore e gli sfollati di tutto il mondo. Secondo il progetto di Hejduk, il Molino Stucky avrebbe dovuto essere dipinto di nero esternamente e di bianco internamente, con targhe indicanti i titoli di opere letterarie come Alla ricerca del tempo perduto, Counterfeits, Inferno e Paradiso perduto, assieme ai nomi dei rispettivi autori, spronando in tal modo a contemplare e riconsiderare la nostra civiltà in un tempio di ceneri del pensiero. Può nascere ancora qualcosa da queste ceneri, da questi pensieri materializzati così come sono? Perlomeno gli alberi della canfora di Taiwan hanno avuto nuova vita dopo aver subito quasi un secolo di sfruttamento. Grazie all’invenzione di una plastica sintetica estremamente avanzata che ha sostituito la canfora naturale come materiale prima, questi giganti verdi delle montagne ora possono vivere pienamente la loro esistenza senza alcun intervento umano.

role in industrial history. Rather, what seemed to have caught the artist’s attention were deeper questions about the development of industrialization, its consequences and impacts on human fate, such as war, economic crisis, climate change, terror, and displaced people from all over the world. According to Hejduk’s project, the Molino Stucky was to be painted black on the exterior and white on the interior, with plaques displaying titles of works of literature such as Remembrance of Things Past, Counterfeits, Inferno and Paradise Lost, together with the names of respective authors, thus triggering the contemplation and reconsideration of our civilization in a temple of ashes of thought. Is there anything that may yet rise from these ashes, materialized thoughts as they are? At least Taiwan’s camphor trees have been given a new lease on life after suffering almost a century of exploitation. Thanks to the invention of highly advanced synthetic plastics which have replaced natural camphor as a raw material, these green giants of the mountains are now allowed to live their lives to the fullest without any humans intervention.

Il contributo della NTUA (National Taiwan University of Arts) per la diciottesima edizione di OPEN è frutto di un pensiero associativo, come un’imbarcazione che circumnaviga il mondo da un porto all’altro per poi rientrare, infine, al porto di partenza, ossia il tema della canfora, in qualche modo l’equivalente taiwanese della farina di Stucky, nella speranza di aprire uno spazio di comunicazione, comprensione e interattività. Circa dieci opere d’arte, tra cui installazioni, dipinti, positivi fotografici, oggetti, sculture e un workshop creativo, saranno presentate da dieci laureati in arte della NTUA.

The contribution of National Taiwan University of Arts (NTUA) for the 18th edition of OPEN is the result of associative thinking, like a boat drifting from one port to another around the globe, eventually returning to its own port of call - that is, the subject matter of camphor, somehow being Taiwan’s equivalent of Stucky’s flour, in the hope to open a space for communication, understanding, and interactivity. Approximately ten works of art including installation, paintings, photographic positives, objects, sculpture, as well as one creative workshop will be presented by ten graduate art students from NTUA.

Sia Wei-Ya TSENG che Hung-Hao HUANG hanno scelto come tema la produzione della canfora a Taiwan e come materiali il positivo fotografico e le scaglie di canfora. Il loro approccio, tuttavia, così come l’accento posto nelle loro opere, sono completamente diversi e individualistici. Mentre Tseng si interessa dalla specificità esplorando una fabbrica di canfora a conduzione familiare di Miaoli, Taiwan, in

Both Wei-Ya TSENG and Hung-Hao HUANG choose the subject matter of camphor production in Taiwan as well as the materials of photographic positive and camphor chips. However, their approaches and emphasis are totally different and individualistic. While Tseng is interested in specificity, by investigating a single family-owned camphor factory in Miaoli, Taiwan, that has been in operation since

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attività dall’inizio del XX secolo, Huang si concentra sugli anni Trenta e, soprattutto, sul fenomeno dell’abbattimento degli alberi della canfora. Sebbene ambedue si accostino al tema in maniera realistica, le due opere proiettano, in ultima analisi, un senso di assenza reminiscente del passato, anziché assumere una natura documentaristica. Ciò vale specialmente per MIT 1930 di Huang, dove le scaglie di canfora sono conservate in una sorta di scatola della memoria, opera che affronta anche problemi ambientali e l’antagonismo tra uomo e natura.

the beginning of the 20th century, Huang focuses on the 1930s, and the cutting down of camphor trees at the time, in particular. Even though they both approach the theme in a realistic manner, the two artworks ultimately project a feeling of absence, being reminiscent of the past rather than of documentary nature. This is especially true of Huang’s MIT 1930, where camphor chips are kept in a kind of memory box, a piece of work that also touches upon environmental issues as well as the antagonism between man and nature.

Packages di Shang-Ye WU passa in rassegna i diversi obiettivi della commercializzazione della canfora giustapponendo tre pacchetti di olio di canfora dagli anni Trenta al 1967. Interessante notare un graduale adeguamento dalla domanda internazionale a quella locale, che rispecchia lo sviluppo di una produzione della canfora a Taiwan prima e dopo la seconda guerra mondiale. L’aggressione, considerata una costante della natura umana, è il fulcro di Bang! Bang! Bang!, opera meno preoccupata del tempo, che assembla due tipi di proiettili simulati, il balistite di Nobel e la cartuccia Springfield 30-06 americana, entrambi posti da Jing-Ying CHEN in una sacca militare. La sua intenzione, tuttavia, è anche quella di sondare l’interazione tra la vista e l’udito.

Packages by Shang-Ye WU explores the changing targets of camphor marketing by juxtaposing three packages of camphor oil from the 1930s through 1967. Interestingly, a gradual adjustment from international toward local demand can be observed, reflecting the development of camphor production in Taiwan before and after WWII. Less concerned about time, but rather with a constant in human nature, aggression, is the focus of Bang! Bang! Bang!, a piece of artwork which assembles two kinds of simulated gun cartridges: Nobel Ballistite and the American 30-06 Springfield ammunition, both placed in a military bag by Jing-Ying CHEN. Her intention, however, lies not least in the interplay of the visual and the auditory sense.

La modernizzazione della produzione della canfora è avvenuta a opera del potere coloniale giapponese negli anni Dieci, quando in tutta l’isola è stato creato un monopolio. Si è però continuato a utilizzare metodi tradizionali. Una delle opere più importanti della partecipazione della NTUA a questa edizione di OPEN è una scultura collettiva di due metri intitolata Camphor stove realizzata da Sheng-Tsang CHO, HsiaoLi HSU e Yen-An PAN. Nello scegliere di riprodurre un tradizionale distillatore della canfora, largamente in uso durante la prima epoca d’oro della produzione taiwanese durante gli ultimi decenni del XIX secolo, gli artisti intendono riallacciarsi a un passato tutt’altro che dimenticato, che, al contrario, è in grado di intessere un dialogo con un luogo parimenti glorioso e distinto durante quello stesso periodo su un’isola remota. Esperienza di comunicazione più solida, eppure interattiva e comunicativa, il Creative workshop for Chinese Calligraphy and ink painting sarà tenuto da Yu-Fan HSIAO. I riscontri positivi ottenuti lo scorso

The modernization of camphor production was initiated by the Japanese colonial power during the 1910s, when a monopoly was implemented island-wide. Traditional methods, however, remained in use. One major work of NTUA’s participation in this edition of OPEN is a collective piece, a 2-meter-sculpture entitled Camphor stove by Sheng-Tsang CHO, Hsiao-Li HSU and Yen-An PAN. In choosing to reproduce a traditional camphor distillation stove, which was widely used during the first golden age of Taiwanese camphor production during the last decades of the ninetieth century, they intend to recall a past far from being forgotten. On the contrary, it is capable of beginning a dialogue with a place that was equally glorious and distinct during the same period of time on a distant island. A more solid, yet interactive and communicative experience, the Creative workshop for Chinese Calligraphy and ink painting will be held by Yu-Fan HSIAO. Last year’s positive responses with Venetian children

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anno con bambini veneziani dai sei ai dieci anni ci hanno incoraggiato a proseguire questa impresa interculturale anche nel 2015. Le ultime due opere appartengono a due pittrici, Chun LIU e Ru-An JHANG. Incentrate su giocattoli indigeni dagli anni Cinquanta agli anni Settanta, tutti realizzati con un derivato della canfora, le opere ci immergono in un mondo luccicante e colorato di minuscole statuette tratte dalla cultura popolare tradizionale in contrasto con l’attuale mondo della rete e dei social media. Celluloid figures di Chun Liu descrive un gioco tipicamente giocato dai bambini vicino alle bancarelle degli ambulanti prima dell’avvento del miracolo economico del paese. Flat pleasure, invece, presenta un mondo immaginario in cui statuette contemporanee e antiche sono giustapposte in tre parti. Al centro della parte superiore, due bambini giocano insieme mentre divinità e generali, per quanto minuti, vigilano solennemente quasi a osservare e proteggere l’umanità in un’epoca di grande bisogno.

aged between 6 to 10 have encouraged us to continue with this intercultural venture in 2015. The last two pieces of artwork belong to two female painters: Chun LIU and Ru-An JHANG. Focusing on indigenous toys from the fifties through the seventies, all made of a derivative camphor product, they immerse in the shining and brightly colored world of tiny figurines taken from traditional popular culture in contrast to the present world of the WWW and social media. Celluloid figures by Chun Liu, is about a children’s game played at street vendor’s booths before the advent of the country’s economic miracle. Flat pleasure, on the other hand, presents an imaginary world where contemporary and earlier figurines are juxtaposed into three parts. In the center of the upper part, two children are playing together, while the gods and generals, small as they may be, are solemnly standing by as if observing and protecting humanity in time of great need.

Wen-I YANG, Curatrice

Wen-I YANG, Curator

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Jing-Ying Chen

Bang! Bang! Bang! (sketch), 2015. Resina epossidica, lino, canfora Epoxy resin, linen, camphor, 70 x 40 x 20 cm

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Yu-Fan Hsiao

Workshop poster, 2015. Inchiostro su carta Ink on paper, 26 x 19 cm

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Chun Liu

Celluloid figures, 2015. Colori minerali, plastica Mineral colors, plastic, 70 x 30 x 2 cm

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Ru-An Jhang

Flat pleasure (detail), 2015. Acrilico su tela Acrylic on canvas, 120 x 45 x 5 cm

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Shang-Ye Wu

Packages, 2015. Gouache su carta di riso Gouache on rice paper, 70 x 30 cm

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Wei-Ya Tseng

Timeline, 2015. Trucioli di canfora, pellicola diapositiva Camphor, positive film, dimensioni variabili variable dimensions

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Sheng-Tsang Cho, Hsiao-li Hsu, Yen-An Pan

Camphor stove, 2015. PVC, acciaio, legno PVC, steel, wood, 200 x 100 x 100 cm

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Hung-Hao Huang

MIT 1930 (detail), 2015. Canfora, plexiglas, pellicola diapositiva Camphor, plexiglas, film positive, dimensioni variabili variable dimensions

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art-st-urban

Svizzera • Switzerland Ogni anno, l’art-st-urban recluta 2-4 artisti tra i vincitori dell’Outstanding Student Achievement Award conferito dall’International Sculpture Center (ISC) dell’Università Tsinghua di Pechino e altri artisti provenienti da concorsi con giuria organizzati da istituti d’arte cinesi e internazionali. Il principale obiettivo del programma di lavoro è liberare i giovani artisti da idee preesistenti, spesso preconcette, per elaborare nuovi approcci creativi e giungere a un’espressione artistica superiore, collaborando in un nuovo ambiente e sperimentando tecniche e materiali completamente nuovi. I giovani artisti, sotto la guida esperta del loro mentore Heinz Aeschlimann, apprendono soprattutto come manipolare in maniera tecnicamente corretta materiali quali bitume, asfalto colato, conglomerato bituminoso, PVC, PE e altri prodotti plastici per realizzare creazioni artistiche, anche abbinati a legno, vetro, cemento e pietra. In tale ambito vengono anche sperimentate particolari tecniche di saldatura, fondamentali per l’uso di diversi sistemi ed elettrodi, nuovi metodi di trattamento delle saldature, modi innovativi per lavorare le superfici in acciaio, diverse qualità di acciaio e speciali metodi di taglio laser di lastre metalliche e in acciaio. Per tutte le opere è necessario creare un progetto/disegno strutturato con una specifica dettagliata dei materiali e un programma di esecuzione. Per tutto il periodo di residenza, gli artisti sono a stretto contatto con il responsabile del programma Heinz Aeschlimann. È disponibile gratuitamente un’ampia gamma di materiali e attrezzature. Oltre all’educazione artistica, durante la permanenza i giovani artisti approfondiscono inoltre gli usi, l’economia, la vita sociopolitica, la storia e la storia dell’arte della Svizzera attraverso visite a musei, mostre, incontri e scambi con altri artisti, visitatori, ospiti, ecc. In tal modo, i giovani imparano a partecipare attivamente alla preparazione di eventi artistici su invito di piccole e grandi dimensioni, da visite guidate ai musei locali a ricevimenti di gala o con cocktail e cene per ospiti VIP dell’art-st-urban, anche in straordinarie cornici private. Il programma prevede infine visite turistiche guidate per conoscere Supported by art-st-urban

Every year, art-st-urban also recruits 2-4 fellows from the winners of the Outstanding Student Achievement Award from the International Sculpture Center (ISC), Tsinghua University Beijing and others of juried programs of Chinese and international art institutions. The primary objective of the work program is to free the young artists from their pre-existing, often entrenched ideas, in order attain new creative approaches and greater artistic expression through working in a new environment and experimenting with completely new materials and techniques. Under the expert guidance of their mentor Heinz Aeschlimann, the young artists especially learn the technically correct handling of materials such as bitumen, poured asphalt, mastic asphalt, the use of PVC, PE and other plastic products for artistic work, also in conjunction with wood, glass, cement and stone materials. Special welding techniques also hold an important place here, critical for using different systems, electrodes, new welding processing methods, new ways of working steel surfaces, the use of different grades of steel, laser cutting from sheet metal and steel plates. An acceptable design/drawing must be created for all the works, with a detailed material(s), work and time schedule list. Throughout their entire time they are in close contact with the head of the artist-inresidence program, Heinz Aeschlimann. All material and tools are amply available and free of cost. In addition to the artistic education, the fellows will also receive a comprehensive insight into the everyday life, economy, society and socio-political life, history and art history of Switzerland during their stay. Visits to museums, exhibitions, get-togethers and exchanges with other artists, visitors, guests, etc. are strongly maintained. They gain active insight into the preparations for art events with invitations from smaller to larger scale, from site museum tours with cocktailsto gala receptions and dinners for VIP guests of art-st-urban and in private premium setting. Tourist sightseeing to get to know the country and people of Switzerland is also on the program. For

Acknowledgements Donatoren, Verein “art-st-urban Förderprogramm Young Artists” Photo credits art-st-urban

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la Svizzera e il suo popolo. Durante il soggiorno, tutte le attività di trasporto, montaggio, smontaggio, allestimento delle mostre, ecc., sono effettuate in collaborazione con i giovani artisti che così, attraverso un “apprendimento pratico”, approfondiscono i processi, le infrastrutture e la logistica necessari in loco. Per raggiungere l’efficienza e la sostenibilità ricercate, il programma è gestito in maniera estremamente rigorosa e richiede ai giovani grande determinazione affinché possano trarne il massimo beneficio in un breve lasso di tempo. Le brevi relazioni scritte e illustrate preparate quotidianamente sono volte a documentare nel concreto ciò che è stato appreso, garantendo in tal modo la sostenibilità del programma. Sponsor del costo dell’intero soggiorno, comprese spese di viaggio, vitto e alloggio, autovettura, telefono cellulare, materiali di lavoro, taglio laser di alta precisione e studi con moderne attrezzature, è il progetto di sviluppo “Young Artists” dell’art-st-urban.

any sculpture transporting, installation, de-installations, exhibition hangings, etc. during their stay, the young artists are involved and are thus able to learn respectively needed processes, infrastructure and logistics on site: i.e. “learning by doing”. To achieve a corresponding efficiency and sustainability, the artist-inresidence program is run very tightly and demands a determination to achieve from the young artists for them to benefit so much in such a short time. The daily written and illustrated short reports, are designed to help record the implementation process of what’s been learned and thereby to achieve its sustainability. The cost of the entire residence stay, including travel, accommodation and meals, car, mobile phone, working materials, high precision laser cutting and studios with modern facilities has been sponsored by the art-st-urban “Young Artists” development project.

art-st-urban

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art-st-urban

Wei Kun

Cina â&#x20AC;˘ China

Dilemma, 2014. Asfalto fuso, alluminio Molten asphalt, aluminium, 102 x 18 x 44 cm

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Ali Della Bitta USA

Inssieme, 2013. Asfalto fuso, bitume, acciaio Molten asphalt, bitumen, steel, 60 x 40 x 40 cm

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Crystal Schenk USA

Being Calm III, 2007. Asfalto fuso Molten asphalt, 80 x 35 x 25 cm

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Angie Seykora USA

Asphalt Obelisk (with knot), 2015. Asfalto fuso, gomma Molten asphalt, rubber, 45 x 30 x 25 cm

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ÂŠ Sofia Arango Echeverri

Biografie Biographies

Heinz Aeschlimann Switzerland

Carlo Bernardini Italy

Born in Swizterland, 1947. Lives and works in Swizterland. www.art-st-urban.com

Born in Viterbo, Italy, 1966. Lives and works in Milan, Italy. www.carlobernardini.it

Jaime Arango Correa Colombia

Yahon Chang Taiwan R.O.C.

Born in Armenia, Colombia, 1953. Lives and works in Bogotรก, Colombia. www.bbartcontemporanea.com

Born in Shui - Li of Nantou Country, Taiwan, 1948. Lives and works in Taipei, Taiwan. www.yahonchang.com

Lello Ardizzone Italy

Jing - Ying Chen Taiwan R.O.C.

Born in Italy, 1960. Lives and works in Italy.

Born in Chiayi, Taiwan, 1991. Lives and works in Taipei, Taiwan.

Daniele Basso Italy

Sheng - Tsang Cho Taiwan R.O.C.

Born in Moncalieri, Turin, Italy, 1975. Lives and works in Biella, Italy. www.danielebasso.it

Born in Taipei, Taiwan, 1981. Lives and works in Taipei, Taiwan.

Mats Bergquist Sweden

Francesco De Molfetta Italy

Born in Stockholm, Sweden, 1960. Lives and works in Bassano del Grappa, Italy. www.matsbergquist.com

Born in Milan, Italy, 1979. Lives and works in Milan, Italy. www.francescodemolfetta.it

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Ali Della Bitta USA

Yu - Fan Hsiao Taiwan R.O.C.

Born in USA, 1981. Lives and works in New York, USA. www.alidellabitta.com

Born in Kaohsiung, Taiwan, 1992. Lives and works in Taipei, Taiwan.

Qin Feng China

Hsiao - Li Hsu Taiwan R.O.C.

Born in China, 1964. Lives and works in Beijing, Shanghai, China and New York, USA. www.qinfeng-art.com

Born in Tainan, Taiwan, 1985. Lives and works in Taipei, Taiwan. http://ppt.cc/iJUCT

Piero Fogliati Italy

Hung - Hao Huang Taiwan R.O.C.

Born in Canelli, Italy, 1930. Lives and works in Turin, Italy.

Born in Takao, Taiwan, 1990. Lives and works in Taipei, Taiwan.

Gocha Chkadua Georgia

Ru - An Jhang Taiwan R.O.C.

Born in Tbilisi, Georgia, 1964. Lives and works in New York, USA. www.gochachkadua.com www.luvbomb.net

Born in Taoyuan, Taiwan, 1992. Lives and works in New Taipei City, Taiwan. http://realartemis.wix.com/ruan-jhang

Eteri Chkadua Georgia

Nam June Paik Korea, USA

Born in Tbilisi, Georgia, 1965. Lives and works in New York, USA and Kingston, Jamaica. www.eterichkadua.com www.luvbomb.net

Seoul, South Korea, 20 July 1932 - Miami, Florida, USA, 29 January 2006. www.paikstudios.com

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Wei Kun China

Lucio Micheletti Italy

Born in Inner Mongolia, China, 1984. Lives and works in Beijing, China.

Born in Milan, Italy, 1961. Lives and works in Milan, Italy.

Kuang - Yu Lee Taiwan R.O.C.

Gönül Nuhoğlu Turkey

Born in Nei-Wei, Kaohsiung, Taiwan, 1954. Lives and works in Taipei, Taiwan. www.chinigallery.com

Born in Instanbul, Turkey, 1961. Lives and works in Instanbul, Turkey. www.gonulnuhoglu.com

Chun Liu Taiwan R.O.C.

Yen - An Pan Taiwan R.O.C.

Born in Taipei, Taiwan, 1990. Lives and works in Taoyuan, Taiwan. https://www.facebook.com/rainbow791205

Born in Taichung, Taiwan, 1990. Lives and works in New Taipei City, Taiwan. http://panyenan.blogspot.tw

Tancredi Mangano France

Michelangelo Pistoletto Italy

Born in Lisieux, France, 1969. Lives and works in Milan, Italy. www.tancredimangano.com

Born in Biella, Italy, 1933. Lives and works in Biella, Italy. www.pistoletto.it www.terzoparadiso.org

Vincenzo Mascia Italy

Piero Pizzul Italy

Born in Santa Croce di Magliano, Molise, Italy, 1957. Lives and works in Santa Croce di Magliano, Molise, Italy. www.vincenzomascia.it

Born in Gorizia, Italy, 1963. Lives and works in Venice, Italy. pieropizzul.wix.com/pieropizzulmusic

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Gianmaria Potenza Italy

Daniel Rothbart USA

Born in Venice, Italy, 1936. Lives and works in Venice, Italy. www.gianmariapotenza.com

Born in Stanford, California, USA, 1966. Lives and works in Brooklyn, New York, USA. www.semioticstreet.com

Ulrike Pusch-Holbinger Germany

Crystal Schnek USA

Born in Lüdenscheid, Germany, 1961. Lives and works in Kröning, Bayern, Germany. ulrike-holbinger.de

Born in USA, 1982. Lives and works in Portland, USA. www.crystalschnek.com

Ri.Co. Italy

Angie Seykora USA

Born in Florence, Italy, 1969. Lives and works in Venice, Italy. www.immuro.com

Born in USA, 1987. Lives and works in Omaha, Nebraska, USA.

Agustí Roqué Andorra

Arianna Spada Italy

Born in Barcelona, Spain, 1941. Lives and works in Andorra La Vella, Principat d’Andorra. www.agustiroque.com

Born in Padua, Italy, 1993. Lives and works in Padua and Venice, Italy.

Marco Nereo Rotelli Italy

Aldo Spinelli Italy

Born in Venice, Italy, 1955. Lives and works in Milan, Italy, and Paris, France. www.marconereorotelli.it

Born in Milan, Italy, 1948. Lives and works in Milan, Italy. www.aldospinelli.com

Photo credit Giulia Agostini

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Giuliano Tomaino Italy Born in La Spezia, Italy, 1945. Lives and works in Sarzana, La Spezia, Italy. www.giulianotomaino.com Wei - Ya Tseng Taiwan R.O.C. Born in Taipei, Taiwan. 1979. Lives and works in Hsinchu, Taiwan.

Piero Viti Italy Born in Venice, Italy, 1965. Lives and works in Venice, Italy.

Shang - Ye Wu Taiwan R.O.C. Born in Taipei, Taiwan, 1991 Lives and works in Taipei, Taiwan.

Umberto Zampini Italy Born in Venice, Italy, Lives and works in Bologna and Modena, Italy.

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PDG Arte Communications 2015 OPEN 18. International Exhibition of Sculptures and Installations, 03/09 - 23/09 15th edition, OPENPRIZE at 72. Venice International Film Festival 56. International Art Exhibition - la Biennale di Venezia, 09/05 - 22/11: 3rd Official Participation of Andorra, Inner Landscapes | Confrontations, Spiazzi, Arsenale; Official Participation of Azerbaijan, Beyond the Line, Palazzo Lezze, Campo S. Stefano, Vita Vitale, Ca’ Garzoni, Calle del Traghetto o Garzoni; Official Participation of Ecuador, Gold Water: Apocalyptic Black Mirrors, Istituto S. Maria della Pietà; Official Participation of Georgia, Arsenale, Sale d’Armi; 8th Official Participation of the Hong Kong Arts Development Council, Tsang Kin-Wah: The Infinite Nothing (collateral event), Arsenale, Campo della Tana; 5th Official Participation of the Macao Museum of Art, Path and Adventure - Mio Pang Fei (collateral event), Arsenale, Campo della Tana; The Question of Beings | Yahon Chang (collateral event), Istituto S. Maria della Pietà; The Union of Fire and Water (collateral event), Palazzo Barbaro, Campo S. Stefano; Xanadu | Nikunja (collateral event), Istituto S. Maria della Pietà. Pang Jiun, Orient Civilization, Istituto S. Maria della Pietà, 09/05 - 05/08 Beyond Art with Love • SIMON MA, MACRO Testaccio, Rome, 24/06 - 23/08

The Space that Remains: Yao Jui-Chung’s “Ruins” Series (collateral event), Istituto della Pietà.

2014 OPEN 17. International Exhibition of Sculptures and Installations, 28/08 - 28/09 14th edition, OPENPRIZE at 71. Venice International Film Festival 14. International Architecture Exhibition - La Biennale di Venezia: 1st Official Participation of the Instituto Cultural do Governo da R.A.E. de Macau, Happiness Forecourt = Largo da Felicidade (collateral event), Arsenale, Campo della Tana; 5th Official Participation of the Hong Kong Arts Development Council and Hong Hong Institute of Architects, Fundamentally Hong Kong? DELTA FOUR 1984-2044 (collateral event), Arsenale, Campo della Tana;

2012 OPEN 15. International Exhibition of Sculptures and Installations, 30/08 - 30/09 12th edition, OPENPRIZE at 69. Venice International Film Festival 13. International Architecture Exhibition - La Biennale di Venezia: 4th Official Participation of the Hong Kong Arts Development Council and Hong Hong Institute of Architects, Inter Cities / Intra Cities: Ghostwriting the Future (collateral event), Arsenale, Campo della Tana. Dragon Horse Bond by Simon Ma, travelling exhibition in Hong Kong, Shanghai, Beijing and Miami to celebrate the 20th anniversary of Ferrari in China

2013 OPEN 16. International Exhibition of Sculptures and Installations, 29/08 - 29/09 13th edition, OPENPRIZE at 70. Venice International Film Festival 55. International Art Exhibition - la Biennale di Venezia, 01/06 - 24/11: 2nd Official Participation of Andorra, Tempus Fugit, Arsenale, Nappa 90; Official Participation of Azerbaijan, Ornamentation, Palazzo Lezze, Campo S. Stefano; 1st Official Participation of Côte d’Ivoire, Traces and Signs, Spiazzi, Arsenale; 7th Official Participation of the Hong Kong Arts Development Council, ‘You (you).’- Lee Kit (collateral event), Arsenale, Campo della Tana; 4th Official Participation of the Macao Museum of Art, PATO.MEN PAlace Theatre Of Memory ENcyclopedic, an exercise by Carlos Marreiros (collateral event), Arsenale, Campo della Tana; The Grand Canal (collateral event), Museo Diocesano, Sale Espositive; Ink Brush Heart - Xishuangbanna (collateral event), Conservatorio di Musica Benedetto Marcello, Palazzo Pisani; Passage to History: 20 Years of La Biennale di Venezia and Chinese Contemporary Art (collateral event), Arsenale, Nappa 89; Raphsody in Green (collateral event), Istituto della Pietà.

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2011 OPEN 14. International Exhibition of Sculptures and Installations, 01/09 - 02/10 11th edition, OPENPRIZE at 68. Venice International Film Festival 54. International Art Exhibition - la Biennale di Venezia, 04/06 - 27/11: 1st Official Participation of Andorra, Beyond vision, Chiesa di San Samuele, Campo San Samuele; 6th Official Participation of the Hong Kong Arts Development Council, Frogtopia - Hongkornucopia (collateral event), Arsenale, Campo della Tana; 3rd Official Participation of the Macao Museum of Art, Mobility & Memory (collateral event), Arsenale, Campo della Tana; Days of Yi (collateral event), presented by MOCA Shanghai, Museum of Contemporary Art in Shanghai, Spiazzi, Arsenale; Neoludica. Art is a Game | 2011 - 1966 (collateral event) organised by E-Ludo Lab, Sala Dei Laneri, Centro Culturale Candiani; Pino Pascali. Return to Venice / Apulia Contemporary Art (collateral event), organised by Fondazione Museo Pino Pascali, Palazzo Michiel dal Brusà. Destiny of Drums di Mykola Zhuravel e Vitaliy Ocheretyanyy, Chiesa di San Stae 2010 OPEN 13. International Exhibition of Sculptures and Installations, 01/09 - 03/10 10th edition, OPENPRIZE at 67. Venice International Film Festival 12. International Architecture Exhibition - La Biennale di Venezia: 3rd Official Participation of the Hong Kong Arts Development Council, Quotidian Architectures: Hong Kong in Venice (collateral event), Calle della Tana, Arsenale; Immaterial Spaces (collateral event), Isola di San Servolo. LA PERSPECTIVE DU VENTRE, André Villers photographe et artiste_photographer and artist, Fondaco dell’Arte, San Marco 3415, 30/07 - 17/10 2009 OPEN 12. International Exhibition of Sculptures and Installations, 02/09 - 04/10 9th edition, OPENPRIZE at 66. Venice International Film Festival 53. International Art Exhibition - La Biennale di Venezia:

Official Participation of Georgia, Spiazzi, Castello 3865, Arsenale; Official Participation of Portugal, Fondaco dell’Arte, San Marco 3415; 6th Official Participation of Latvia, Spazio Ferrari, Calle Castelli, Cannaregio 6096/A; 2nd Official Participation of Morocco, Chiesa Santa Maria della Pietà, Riva degli Schiavoni; 1st Official Participation of Principality of Monaco, Presidio Militare Caserma Cornoldi, Riva degli Schiavoni; 1st Official Participation of Gabon, Telecom Italia Future Centre, San Marco 4826; 2nd Official Participation of Syrian Arab Republic, Palazzo Zenobio, Dorsoduro 2596; 2nd Official Participation of Macao, Scoletta di San Giovanni Battista e del SS. Sacramento; 5th Official Participation of Hong Kong, Arsenale, Campo della Tana; 8th Official Participation of Taiwan, Palazzo delle Prigioni, San Marco; Create & Change: Internal = External, 1=∞ (collateral event), Palazzo Pisani (S. Marina), Cannaregio 6104; AttaKim: ON-AIR , Palazzo Zenobio, Dorsoduro 2596; Alessandro Verdi: Floating in Uncertainty (collateral event), Arsenale, Campo della Tana. La Punta dell’Iceberg. I Disegni di Francis Bacon, Palazzo Zenobio, Dorsoduro 2596, 07/06 - 22/11 Craxi punti di vista, Riva San Biagio, Castello 2145, 07/06 - 30/09 SPEAK THAT I CAN SEE YOU, Interactive Performance by Andrea Pagnes/Verena Stenke, Fondaco dell’Arte, San Marco 3415, 02/04 3/04 2008 OPEN, 11. International Exhibition of Sculptures and Installations, 27/08 - 28/09 8th edition, OPENPRIZE at 65. Venice International Film Festival 11. International Architecture Exhibition - La Biennale di Venezia: Official Participation of Latvia, Riva San Biagio; Official Participation of Portugal, Fondaco dell’Arte, San Marco; 5th Official Participation of Taiwan (collateral event), Palazzo delle Prigioni, San Marco; 2th Official Participation of Hong Kong (collateral event), Calle della Tana, Arsenale; Next Gene 20 (collateral event), Calle della Tana, Arsenale.

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2007 VISION FÈMININE. Sei Artiste Cinesi a Venezia, Fondaco dell’Arte, 20/04 - 13/05 30 DISEGNI DAL DESERTO DEI SOGNI DI OMAR GALLIANI, Hassan Museum, Rabat, 27/04 - 27/05 52. International Art Exhibition - La Biennale di Venezia: Official Participation of Georgia, Campo della Tana 2126/A, Arsenale; Official Participation of Portugal, Fondaco Marcello, San Marco 3415; 5th Official Participation of Latvia, Scoletta di San Giovanni Battista e del SS. Sacramento; 1st Official Participation of Macao, Riva San Biagio, Castello 2145; 1st The First Roma Pavilion, PARADISE LOST, Palazzo Pisani (S. Marina) Cannaregio 6103; 4th Official Participation of Hong Kong, Campo della Tana, Arsenale; 7th Official Participation of Taiwan, Palazzo delle Prigioni, San Marco; CAOS PROJECT by ALBA AMORUSON STEFANO FIORESI, MASSIMO FRANCHI E GIUSEPPE LINARDI, Sala Badoer - Scuola Grande di San Giovanni Evangelista, San Polo 2454; ENERGY OF EMPTINESS. LI CHEN, Telecom Italia Future Centre, San Marco 4826; RESONANCE by LEE UFAN, Palazzo Palumbo Fossati, San Marco 2597; TRANSCENDENTAL REALISM. THE ART OF ADI DA SAMRAJ, Palazzo Bollani, Castello. OPEN2OO7 10. International Exhibition of Sculptures and Installations, Outdoor spaces in Venice Lido, 30/08 - 14/10 7th edition, OPENPRIZE at 64. Venice International Film Festival 2006 FEZ FEZ by Fabrizio Plessi, Hassan Museum, Rabat, 30/05 - 02/07 Paolo De Grandis appointed International Director of the new Museum of Contemporary Art in Rabat, Hassan Museum, Morocco 10. International Architecture Exhibition - La Biennale di Venezia: Official Participation of Cyprus, Libreria Mondadori, San 1345; Official Participation of Greece, Giardini della Biennale; 3rd Official Participation of Latvia, Riva San Biagio, Venezia; Official Participation of Luxembourg, Campo della Tana, Arsenale; Official Participation of Portugal, Giardini della Biennale; 4th Official Participation of Taiwan (collateral event), Palazzo delle

Prigioni, San Marco; 1st Official Participation of Hong Kong (collateral event), Calle della Tana, Arsenale; PROJECT BELGRADE, Scoletta di S. Giovanni Battista e del SS. Sacramento; HABITAR PORTUGAL, Fondaco Marcello, San Marco 3415. OPEN2OO6 9.International Exhibition of Sculptures and Installations, Venice Lido, 30/08 - 01/10 6th edition, OPENPRIZE at 63. Venice International Film Festival FLOWERS FROM THE EAST. Xiao Feng and his family, Hassan Museum, Rabat, 07/12 - 28/01/2007 2005 51st International Art Exhibition - La Biennale di Venezia: 5th Official Participation of Estonia, Palazzo Malipiero, San Samuele; 3rd Official Participation of Hong Kong (collateral event), Fondaco Marcello, San Marco; 3rd Official Participation of Indonesia, Telecom Italia future Centre, San Marco; 7th Official Participation of Iran, Fondazione Levi, Accademia; 4th Official Participation of Latvia, Palazzo Malipiero, San Samuele; 1st Official Participation of Morocco, Chiesa della Pietà, Castello; 3rd Official Participation of Singapore, Calle della Tana, Arsenale; 6th Official Participation of Taiwan (collateral event), Palazzo delle Prigioni, San Marco; PLAY THE GLASS, Masuda Hiromi (collateral event), Scoletta di San Giovanni Battista e del SS. Sacramento, San Marco; US Virgin Islands Council on the Arts (collateral event) - The Shape of Time, Cornelia Kubler Kavanagh, Riva degli Schiavoni, Arsenale; Personal Living Space, Marya Kazoun (collateral event), Palazzo Pesaro Papafava. OPEN2OO5 8th International Exhibition of Sculptures and Installations, Venice Lido, 31/08 - 02/10 5th edition, OPENPRIZE at 62.Venice International Film Festival ATELIER APERTI/WORK IN PROGRESS, 10 Artists at Fondaco Marcello, Venice, 09 - 20 Dicember 2004 9th International Architecture Exhibition - La Biennale di Venezia:

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3rd participation of Taiwan, Palazzo delle Prigioni, San Marco; 2nd participation of Latvia, Arsenale; 1st participation of Singapore, Calle della Tana, Arsenale. Venice Village, 1st Art project for international artists resident in Venice, Palazzo delle Prigioni, 05-20 June 2004 OPENASIA 7th International Exhibition of Sculptures and Installations, Venice-Lido, 01/09 - 10/10 4th edition OPENPRIZE at 61. Venice International Film Festival, Hotel Des Bains 2003 Taiwan painting exhibition - La peinture a travers les epoques - Taiwan Venice, Palazzo delle Prigioni, 3/1- 4/3 OPEN2OO3 ARTE & CINEMA 6thInternational Exhibition of Sculptures and Installations - Venice Lido 27/08 - 05/10 3rd edition OPENPRIZE at 60.Venice International Film Festival, Palazzo Benzon, Venice 50th International Art Exhibition - La Biennale di Venezia: 6th Official Participation of Iran, Palazzo Malipiero, S. Samuele; 5th Official Participation of Taiwan (Extra 50), Palazzo delle Prigioni, S. Marco; 4th Official Participation of Estonia, Palazzo Malipiero S. Samuele; 3rd Official Participation of Latvia, Palazzo Malipiero, S. Samuele; 2nd Official Participation of Hong Kong (Extra 50), Ramo della Tana, Arsenale; 2nd Official Participation of Singapore, Fondazione Levi, Accademia; 2nd Official Participation of Indonesia, Palazzo Malipiero, S. Samuele. Kuma, La Luce Circolante, Cloister S. Francesco della Vigna, Arsenale Masuda Hiromi, PLAY THE GLASS con tenerezza, Cloister S. Francesco della Vigna, Arsenale Angel Orensanz, Burning Universe, Palazzo Malipiero, S. Samuele 2002 Korea-Seoul International Flag Art Festival - The official opening ceremony of 2002 FIFA World Cup Korea/Japan - 29 May-25 June OPEN2OO2 L’Imaginaire Féminin 5th International Exhibition of Sculptures and Installations - Venice Lido 29/08 - 06/10 2nd edition, OPENPRIZE at 59. Venice International Film Festival, The Guggenheim Collection 8th International Architecture Exhibition - La Biennale di Venezia:

2nd participation of Taiwan, Palazzo delle Prigioni; 1st participation of Ukraine, Pavilion Italia Biennale Gardens; 1st participation of Latvia, Pavilion Italia Biennale Gardens. Taiwan painting exhibition - La peinture a travers les epoques - Taiwan Montecatini Terme 07/12, 2002 - 01/01 2003 2001 49th International Art Exhibition - La Biennale di Venezia: 4th Official Participation of Taiwan, Palazzo delle Prigioni, San Marco; 1st Official Participation of Hong Kong, Ex Musicanti, S. Apollonia; 1st Official Participation of Singapore, Schola S. Apollonia; 2nd Official Participation of Republic of Latvia, Church S. Lio; 1st Official Participation of Jamaica, Ex Oratorio S. Filippo Neri; 1st Official Participation of Ukraine, Biennale Gardens; 29th Official Participation of Greece, Biennale Gardens. OPEN2OO1 Globalization of Culture - 4th International Exhibition of Sculptures and Installations Venice Lido - 29/08 - 07/10 1st edition, OPENPRIZE at 58.Venice International Film Festival, The Guggenheim Collection, Venice 2000 OPEN2OOO 3rd International Exhibition of Sculptures and Installations, Venice Lido 30/8 - 30/10 Apocalisse Maria Luisa De Romans, S. Stae Church, May - July Auguste Rodin Plasters&Bronzes, Palazzo delle Prigioni, June-November 1999 48th International Art Exhibition - La Biennale di Venezia: 3rd Official Participation of Taiwan, Palazzo delle Prigioni, San Marco; 1st Official Participation of the Republic of Latvia; V.O.C. China Taiwan (collateral event),Venezia Ateneo Basso. The End of the Great Utopia, Turovski August Rodin Gessi e Bronzi, Venice S. Stae Church, August/November Auguste Rodin Plasters&Bronzes, Bologna, Palazzo Pisani, December/ January SEZIONE GIOVANI - 1° Exhibition of young artists, Palazzo delle Prigioni OPEN1999 2nd International Exhibition of Sculptures and Installations, Venice Lido, Sept. - Oct.

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1998 OPEN1998 1st International Exhibition of Sculptures and Installations, Venice Lido, Sept-Oct. Icaro nel cielo di Venezia, Venice, Palazzo delle Prigioni

1985 Arte Santa, Ravenna, Loggetta Lombardesca - Curator: Achille Bonito Oliva - Works: Julian Schnabel, Joseph Beuys, Enzo Cucchi, Andy Warhol, Gino De Dominicis, etc.

1997 47th International Art Exhibition - La Biennale di Venezia: 2nd Official Participation of Taiwan, Palazzo delle Prigioni, San Marco; 1st Official Participation of the Republic of Estonia, open space Biennale Gardens; 2nd Official Participation of the Republic of Macedonia, S. Giovanni Novo Church.

1984 Quartetto, Venice - Commitee of Critics: Achille Bonito Oliva, Alanna Heiss, Kaspar Koenig. Artists: Joseph Beuys, Bruce Nauman, Enzo Cucchi, Luciano Fabro. PREMIO ACADEMIA FOUNDATION ALLA XLI BIENNALE DI VENEZIA XLI Biennale Award to the artist Lothar Baumgarten by an international committee of critics.

1995 46th International Art Exhibition - La Biennale di Venezia: 1st Official Participation of Taiwan, Palazzo delle Prigioni, San Marco 1992 Pablo Picasso, Salvador DalĂŹ, Marc Chagall 1989 Trittico della pace, Ireland, Dublin - Museum of Modern Art, Belfast Museum of Modern Art, Kilkenny Museum of Modern Art; Work: George Dokoupil 1988 Birds in spirit, Venice - Biennale, Museo di Santâ&#x20AC;&#x2122; Apollonia; Works: Marcia Grostein, Hunt Slonem 1987 Calligraffiti of Fire, Paris, Sami Kinge Gallery - Curator: William S. Burroughs, Work: Brion Gysin 1986 The Knot Arte Povera at P.S.1. New York - Curators: Germano Celant and Alanna Heiss - Works: Anselmo, Alighiero Boetti, Pier Paolo Calzolari, Luciano Fabro, Jannis Kounellis, Mario Merz, Giulio Paolini, Pino Pascali, Giuseppe Penone and Gilberto Zorio - First Presentation of Arte Povera

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Ringraziamenti

Acknowledgements

Marco Agostini, Maurizio Bartoli, Rossella Bagnardi, Erika Bello, Ugo Bergamo, Massimo Bran, Andrea Buono, Beatrice Buono, Renzo Busetto, Luca Caruti, Massimiliano Caldart, Danny Carella, Giulia Cozzolino, Daniele e Cristina Crippa, Leonardo De Grandis, Barbara De Zorzi, Anna Grandi, Mariachiara Marzari, Pierluigi Morasco, Claudio Perissinotto, Ilio Rodoni, Giovanni Roncan, Giovanni Rossi, Antonio Ruano, Ana Rusiniuc, Sandra Speirs, Constance Stancanelli, Roberto Viola, Claudio Zambon, Riccardo Zennaro

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Amadori Gabriele . Aricò Rodolfo . Armando . Balla Giacomo . Battaglia Carlo . Bellandi Giorgio . Bellusci Rossella . Bergquist Mats . Bernardini Carlo . Bram Bogart . Calderara Antonio . Cantoni Davide . Caracciolo Roberto . Carrino Nicola . Cascio Walter . Cassanelli Giulio . Castagno Enzo . Castellani Enrico . Ceretti Mino . Colombo Gianni . Consagra Pietro . Dadamaino Dangelo Sergio . De Chirico Giorgio . De Dominicis Gino . De Luca Michele Depero Fortunato . Dova Gianni . Fontana Lucio . Gabriel Raul . Garutti Alberto . Garau Salvatore . Garghetti Fabrizio Gastini Marco . Girke Raimund . Glajacar Angela . Harris Mark . Hermann Hans . Hsiao Chin . Junior Palma Kolibal . Manfredini Giovanni . Mangano Tancredi . Mangold Robert . Manzoni Piero . Marini Marino . Marzot Livio . Matta Sebastian . Melotti Fausto . Milani Umberto . Mondino Aldo . Morales Carmengloria . Morganti Maria . Mulas Ugo . Munari Bruno . Nannucci . Nigro Mario . Nitti Sotres Daniele . Nöger Udo . Olivieri Claudio . Paolo Icaro . Pomodoro Arnaldo Pomodoro Giò . Ponti Giò . Pozzi Lucio . Puglisi Lorenzo . Radogna Michele Giovanni . Ragalzi Sergio . Ramosa Edil . Rizzi Federico . Romagnoli Edoardo . Sampaio Dim . Sassolino Arcangelo . Schapira Dado . Schoonhoven . Shanahan Sean Sironi Mario . Spagnulo Giuseppe . Staccioli Mauro . Steven Scott . Tancredi . Tozzi Mario . Turi Simeti . Uecker . Uncini .Vago Valentino . Wesely Michael . Zazzera Antonella Grossetti Arte Contemporanea

Director Bruno Grossetti Piazza XXV Aprile 11/b, 20124 Milan, Italy Tel: (+39) 344 2046825 | galleria@grossettiart.it www.grossettiart.it

COMPAGNIA VENEZIANA DI ILLUMINAZIONE

La tua Città sotto una nuova luce CO.VE.DI. Srl, Compagnia Veneziana di Illuminazione gestisce gli impianti di illuminazione pubblica dell’intero Comune di Venezia e del Cavallino. La nostra società offre un servizio su oltre 2000 km di rete con più di 41.000 lampade. Da 1999, la COVEDI ha instaurato un contatto più vicino al cittadino con il suo n° verde che permette di rispondere con tempestività a tutti gli interventi per guasti o incidenti. La CO.VE.DI., sempre attenta alla conservazione dei patrimoni umani ed artistici, vuole, ancora quest’anno, essere presente partecipando in maniera costruttiva alla diciottesima edizione di OPEN, prestando la sua luce alle opere d’arte internazionali esposte all’aperto lungo i viali del Lido di Venezia.

La Strada del Riso Vercellese di Qualità Immagina una Strada che aiuti ad ampliare gli orizzonti. Percorrendo il territorio vercellese è possibile vedere l’orizzonte nella sua ampiezza, fino alle montagne. Oltre a questa meraviglia, la Strada del Riso vuole offrire nuove esperienze che coinvolgano il visitatore con inconsueti punti di vista. …una Strada che riesca a trasformare gli abitanti di un territorio in custodi e narratori di un sistema di vita unico al mondo: agricoltori, ristoratori, albergatori, associazioni, musei, pro loco ed enti pubblici e privati, sono uniti in un impegno quotidiano per fare in modo che la Strada porti ad un lungo e bellissimo racconto. La genuinità del “lavoro del riso” è cultura, animata dalle stagionalità della campagna e dagli eventi organizzati dalle molteplici realtà della Strada. Una mappa di esperienze e proposte turistiche per chi vuole scoprire spazi, visioni e suggestioni di un paesaggio unico. Al centro della Strada troviamo l’alta qualità del riso vercellese, dei suoi vini e l’inimitabile ambiente che crea sapori unici. Immagina il piacere di scoprire che il riso vercellese è fatto di terra, acqua e paesaggi che il tempo e il lavoro dell’uomo hanno trasformato in un prezioso e coinvolgente patrimonio da condividere. Immagina un paesaggio e una coltura che si sono evoluti grazie ad importanti investimenti nell’ingegneria idraulica, nell’architettura, nella meccanizzazione e nella ricerca. La Strada diventa uno spazio di incontro tra diverse eccellenze storiche del territorio: musei, biblioteche e archivi, opere d’arte, architetture civili e religiose, una sinagoga, percorsi di pellegrinaggio e luoghi di valenza culturale. Vercelli, prima diocesi del Piemonte, è una città d’Arte ed annovera una straordinaria tradizione di eventi e appuntamenti culturali di musica, arte e devozione lungo tutto l’anno. ...una Strada ricca di cultura da condividere. Muoversi oggi verso la Strada e per Strada significa entrare dalle sue “Porte”, calpestare gli antichi percorsi della Via Francigena, percorrere chilometri di itinerari ciclabili tra città, campagna e corsi d’acqua, afferrare manubri e redini per vivere esperienze uniche.

Imagine a Route that helps widen horizons. Passing through the Vercelli territory you can glance at the horizon in its width, as far as the mountains. Beyond this wonder the Rice Route wants to offer new experiences involving its visitants with unusual points of view. ...a Route that turns the people of its territory together into guardians and storytellers of a unique and breathless life system: farmers, restaurateurs, chefs, hoteliers, associations, museums, Pro Loco, public and private agencies, together allow the Route to tell a long and wonderful story thanks to their daily commitment. The authenticity of the “labour of rice” is culture lighten up by the seasons of the countryside and the events organized by the people and actors of the Route. A plan of experiences and tourist proposals for whom wants to discover new spaces, have visions and feelings of a unique landscape. The high quality of its rice and wines is the heart of the Route, along with its inimitable environment and unique flavours. Imagine the pleasure of discovering that Vercelli’s rice is made of soil, water and landscapes that time and human strain have transformed into a precious and captivating heritage to share. Imagine a landscape and a cultivation that have developed thanks to massive investments in hydraulic engineering, in architecture, in research. The Route becomes a meeting space of various historic excellences of the Vercelli territory: museums, libraries, archives, masterpieces, civil and religious architectures, a synagogue, pilgrimage paths and cultural places. Vercelli, first diocese of Piedmont, is a City of Art offering an extraordinary range of dates and events on music, art and devotion that take place throughout the year. ...a Route rich of culture to share. Approaching and living the Route nowadays means entering from its ”Gateways”, stepping on the ancient pilgrimage path of the Via Francigena, bike riding in and between towns, in the countryside, along waterways, grabbing handle- bars and horse reins, having unique experiences.

Finito di stampare nel mese di agosto del 2015 da Europrint, Treviso

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