Performance 156 by Performance

de marzo dede 2012 22 de marzo 2012

No. 156 Segunda época, Año 7

Director General: José Homero Consejo de Edición: Rafael Antúnez, Nina Crangle, Juan Carlos García, Raciel D. Martínez, José Luis Martínez Suárez, Juan Javier Mora-Rivera Diseño: Logotipo: Carlos Torralba Portada: Jobanni Díaz Arenas a partir de una fotografía de Jorge Negroe Interiores: José Homero Formación: Jobanni Díaz Arenas Redacción: Jefa: Nina Crangle Secretario: Carlos Romero Asistente administrativo: Víctor Benítez Cartelera: Ezra José Hernández carteleraperformance@gmail.com Fotografía: Jorge Castillo, AVC Noticias Administración: Susan y Asociados Distribución: Jonathan Flores Lira

Correspondencia: Av. Murillo vidal 506, tercer piso C.P. 91060, Fracc. Ensueño, Xalapa, Ver. Tel. : (01228) 8 178535 Dir. elect.: editorialgraffiti@gmail.com Web: www.periodicoperformance.com Performance. Interpretaciones sobre interpretaciones, Año VII, No. 156, 1 de marzo de 2012, es una publicación quincenal editada por José Homero Hernández Alvarado. Av. Murillo Vidal 506, tercer piso, C.P. 91060, Fracc. Ensueño, Xalapa, Ver. Tel. 8 178535, editorialgraffiti@gmail.com. Editor responsable: José Homero Hernández Alvarado. Reservas de Derechos al Uso Exclusivo No. 04-2011-020410374900-101, ISSN 2007-2465; ambos otorgados por la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas de la Secretaría de Gobernación. Impreso por talleres de Diario AZ, 20 De Noviembre 621, Col. Badillo, CP 91190, Xalapa, Veracruz. Tel: (228) 8 121363, este número se terminó de imprimir el 1 de marzo de 2012 con un tiraje de 5,000 ejemplares. Las opiniones expresadas por los autores no necesariamente reflejan la postura del editor de la publicación. Queda estrictamente prohibida la reproducción total o parcial de los contenidos e imágenes de la publicación sin previa autorización de José Homero Hernández Alvarado. CUANDO ESTÁS LEYENDO SABROSAMENTE, INTERRUMPIR POR LA LLAMADA DE UNA NOTA Y BAJAR LAS ESCALERAS A VER DE QUÉ SE TRATA, ES COMO ATENDER EL TIMBRE QUE TE PIDE BAJAR LA PUERTA, CUANDO ESTÁS ARRIBA HACIENDO EL AMOR.

NOEL COWARD

BIENALdeARTES VISUALESdeVERACRUZ

MARYCARMEN LARA OROZCO

En el mes de abril el Instituto Veracruzano de la Cultura dará a conocer al ganador de la primera Bienal de Artes Visuales del estado de Veracruz. La finalidad es presentar una panorámica de la situación de las artes en la entidad. Sergio Rosete, coordinador general de la bienal, en entrevista con Makame Lara, aborda el perfil de los participantes, su ubicación, la honorabilidad de los miembros del jurado, las sedes y las propuestas de los nuevos lenguajes artísticos de las obras seleccionadas.

BADIR JÁCOME

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Sergio Rosete: Promover el arte de Veracruz

ergio Rosete Xotlanihua, jefe del Departamento de Artes Patrimonio de la Subdirección de Arte y Patrimonio del Ivec, funge como coordinador general de la Bienal de Artes Visuales de Veracruz. Debido a la gran participación y a la exigencia de los creadores, la convocatoria se extenderá hasta el 30 de marzo. En el marco de la difusión y promoción del arte veracruzano, el Ivec y su nuevo director, Alejandro Mariano, han afianzado el compromiso con la comunidad creadora, con estrategias de inclusión en la bienal para artistas veracruzanos que radiquen en el extranjero y para artistas del extranjero que han adoptado a la ciudad de Veracruz con una residencia mínima de tres años. Esta bienal impactará en todo el estado por sus objetivos cartográficos y por la rigurosa etapa de selección, la cual se propone consolidar obra artística que cuente con las cualidades estéticas y discursivas de lo que hoy en día se considera como arte contemporáneo. Acciones que traen a colación poner en los ámbitos nacional e internacional a nuestra entidad como promotora y creadora de arte con calidad. ¿Por qué una bienal de artes visuales en el estado de Veracruz? Una de las principales demandas de la sociedad artística a nuestras autoridades se relaciona con la creación de espacios para la difusión y estímulos que posibiliten el reconocimiento de su trabajo. Es muy difícil para el Ivec crear este tipo de espacios que permitan calificar de manera directa a cada uno de los artistas y por eso creamos una alternativa para visualizar qué está pasando con el arte contemporáneo en Veracruz, para después saber quién merece ese reconocimiento debido a la calidad en su trabajo. Esa calificación no la damos nosotros; se dará a través de un concurso. La Bienal de Artes Visuales permite cumplir con la difusión y calificación a partir de un jurado y crítica especializada. De esa forma el estado cumple con la función de estimular el trabajo artístico. Mencionó dos puntos importantes: qué está pasando con el arte contemporáneo en Veracruz y si éste compete y compite con los criterios estéticos y discursivos sobre el arte contemporáneo internacional. El arte veracruzano está en desarrollo y hay calidad. Definitivamente una bienal de arte es precisamente un mecanismo para ver, y para que los artistas vean, comparen y tengan un panorama muy claro para saber en qué estado están en el tema de la creación, porque muchas veces no sabemos qué está pasando fuera del territorio. Por tal motivo la bienal abarca dos puntos: Primero:Valorar el trabajo de los artistas veracruzanos. La convocatoria se centró para creadores del estado, pero eso iba a ser un círculo vicioso, por lo que pensamos en abrir la convocatoria a aquellos artistas extranjeros o nacionales que radican en el estado. Segundo:Valorar el trabajo de artistas veracruzanos que no están en el estado, que han salido y se han nutrido. A la respuesta de la convocatoria están participando artistas veracruzanos que radican en Nueva York y en Europa. Este tipo de evento tiene ese fin: vitalizar a los artistas para que retomen lo que se está haciendo en otros lugares, para que actualicen su quehacer.

A la fecha, los trabajos que hemos recibido nos ofrecen un panorama de lo que sabemos se hace en Veracruz: las técnicas tradicionales.A pesar de que la convocatoria marcaba dos tipos de formatos bidimensionales, esperamos recibir video, fotografía; en el formato tridimensional, pensamos recibir, además de escultura y cerámica, otras técnicas, como las instalaciones. El grueso de los creadores están enfocados en el formato bidimensional, óleo y técnicas mixtas. Lo cual

nos está dando un panorama de la situación de las artes en el estado de Veracruz. Quienes están entregando propuestas con nuevos lenguajes o alternativas son precisamente los artistas que están fuera. ¿Cuáles serán las sedes de esta bienal? Se cambiaron las dinámicas de recepción y exhibición de las obras ganadoras. El mecaA LA 4

4 nismo es el siguiente: del universo general de trabajos, el jurado calificador seleccionará 60 obras sobresalientes, que pasarán a la segunda fase. Se conformarán en una exposición en la que el jurado calificador tendrá que elegir dos primeros lugares, tanto en formato bidimensional como tridimensional. Se había elegido la sede del Museo de Arte de la ciudad de Orizaba para la primera exposición, pero de acuerdo con el maestro Mariano coincidimos que el lugar deberá ser el recinto sede del Ivec para el 27 de abril. En cuanto a las otras sedes sabemos que la creación artística está diseminada. Por lo tanto para poder cubrir el largo del estado habrán cinco sedes; las cuales funcionarán como centro de información y acopio: Casa de Cultura de Tuxpan, la sede (ubicada en el puerto de Veracruz), la Pinacoteca Diego Rivera de la ciudad de Xalapa, el Museo de Arte del Estado (en Orizaba) y la Unidad de Artes de Coatzacoalcos. Posterior al cierre de la convocatoria, ¿cuáles serán las acciones del jurador calificador... nos podría decir quiénes son? Cerramos ahora con el cambio de fecha de término de la convocatoria (30 de marzo). El jurado calificador, una vez cerrada la convocatoria, tendrá quince días para dar a conocer el resultado. Los creadores pueden acceder únicamente a ellos a través de pseudónimos. No se darán a conocer los nombres de los jurados al artista y viceversa para garantizar la transparencia en el certamen. El jurado calificador está integrado por tres prestigiados críticos y curadores de arte a nivel internacional y nacional: uno especializado en arte contemporáneo, una especializada en arte actual y otro especializado en medios alternativos. No se dirán los nombres porque luego los creadores están muy recelosos y tienen poca credibilidad, piensan que los beneficios que otorga el estado ya están todos amañados; definitivamente estamos haciendo todo con transparencia para cumplir con el objetivo. El jurado ya está trabajando, accediendo a nuestra plataforma de datos a través de una contraseña personal; pero no pueden saber el nombre del artista, sólo un pseudónimo y la ficha técnica de la obra. Después de los quince días para la selección de las 60 obras, el director del Instituto enviará un oficio a los centros receptores para dar a conocer quiénes son. La obra llega por el 24 o 25 de abril. La deliberación del jurado para los primeros lugares será el 27 de abril.

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nismos: la exhibición en el recinto sede con una muestra del arte contemporáneo en el estado, posteriormente en Xalapa la Galería de Arte Contemporáneo, luego, Orizaba y Coatzacoalcos.A través de la oficina de representación del gobierno del estado en Madrid buscaremos formas para que no sólo queden a nivel local o nacional, sino también internacionalmente. Por otra parte, en el marco de difusión también vamos a editar un catálogo; el resultado de los 60 trabajos participantes, por supuesto que acompañados de su descripción según las características y temáticas.

* El Gobierno de Veracruz se compromete a apoyar, impulsar y promover las locaciones veracruzanas a través de filmes

¿ Te n d r á c o n t i n u i d a d l a B i e n a l Veracruzana? Sí. La bienal es un ejercicio que se hace cada dos años. En el 2013 trabajaremos con la segunda edición. Estará abierta a nivel nacional para que el impacto sea más fuerte, dejará de llamarse Bienal de Arte Veracruz, para recibir el nombre de Bienal del Golfo, debido a que en la zona del golfo no tenemos un evento con estas características. La tercera emisión en 2016 estaremos pensando en un proyecto internacional para abrirla a los artistas del mundo entero. Queremos que con estos tres ejercicios se institucionalice y consolide para que en las próximas administraciones se le dé continuidad. Hemos notado que la bienal sólo convoca a artistas con trayectoria, ¿habrá posteriormente estímulos para los jóvenes creadores o para artistas más consolidados?

Sí. El estado de Veracruz tiene que cumplir con los tres niveles de creación: jóvenes creadores, artistas con trayectoria y artistas consolidados. Iniciamos con los artistas con trayectoria, por eso estamos pidiendo como candado demuestren su trabajo a través de tres exposiciones individuales, con eso estamos dejando afuera a los jóvenes creadores, y a los artistas emergentes. Sin embargo, para los jóvenes tenemos otro proyecto que lanzaremos este año: AVE (Arte Veracruzano Emergente), no tendrá el candado anterior, será para todos los jóvenes menores de 35 años, estamos convencidos de la calidad del trabajo de los jóvenes artistas emergentes. Para los artistas con trayectoria sobresaliente que piensen que participar en la bienal ya no es de su nivel, maestros que han puesto el nombre de Veracruz en materia de artes plásticas en alto, tenemos el Premio Estatal de las Artes, que tendrá otros mecanismos de evaluación. De esa manera cumplimos con Como parte de la difusión y promoción el panorama de forma completa, todo en made la obra de los artistas ganadores, ¿qué otros teria de artes visuales. ✦ mecanismos han contemplado al término de la bienal?, ¿la obra ganadora tendrá itinerancia en es- MAKAME: ESTUDIÓ HISTORIA DEL ARTE, PROSIGUIÓ MAESTRÍA EN ARTES ESCÉNICAS. SU HORIZONTE ES CONQUISTAR EL MUNDO pacios galerísticos nacionales e internacionales? –CON UNA SONRISA DE BOB ESPONJA, NO DE PINKY. Así es. En el cumplimiento de la difusión y promoción de las obras de los creadores, la bienal no sólo cumple con el estímulo, sino también con la difusión a partir de dos meca-

Filman en Costa Esmeralda Las horas muertas

Leticia Perlasca Núñez, a nombre del gobernador Javier Duarte de Ochoa, dio el claquetazo del largometraje Las Horas Muertas

omo parte de los programas que en materia de promoción cinematográfica se llevan a cabo en la entidad, la secretaria de Turismo, Cultura y Cinematografía (Secturc), Leticia Perlasca Núñez, a nombre del gobernador Javier Duarte de Ochoa, dio el tradicional claquetazo del largometraje Las horas muertas. Las horas muertas es el segundo largometraje de Aarón Fernández, quien fue seleccionado para participar en el programa Résidence de la Cinéfondation del Festival de Cannes de octubre del 2008 a febrero del 2009, para escribir y desarrollar el proyecto. Leticia Perlasca Núñez aseguró que con un largometraje más filmado en Veracruz se da continuidad a la consolidación del estado como destino favorito por su riqueza natural que hace de sus locaciones un lugar perfecto para grabar producciones audiovisuales. Reiteró el compromiso del mandatario estatal para apoyar, impulsar y promover el séptimo arte y con ello promover el turismo en cada región de la entidad; destacó que la dependencia a su cargo trabajará para colocar a Veracruz en la mira de productores y directores que buscan bellos paisajes y calidez de la gente para concretar sus proyectos cinematográficos. Para la filmación de Las horas muertas el Gobierno del estado de Veracruz ha coordinado la participación y apoyo de los municipios de Tecolutla, San Rafael, Gutiérrez Zamora y Martínez de la Torre que participan con locaciones, insumos y realización de casting, entre otras actividades. La principal locación de dicha producción es el Motel Palma Real, ubicado en la carretera de La Vigueta, en Costa Esmeralda. Previo al claquetazo, la secretaria fue invitada a presenciar la grabación de una de las escenas de la película, cuyo rodaje dio inicio el pasado 6 de febrero y está previsto que concluya el próximo día 3 de marzo. Sebastián, un joven de 18 años que empieza a administrar el aislado motel de su tío en Costa Esmeralda, quien debe ausentarse unas semanas por motivos de salud. El joven ocupa parte de su tiempo lidiando con los pocos empleados irresponsables del negocio, pero en realidad no tiene gran cosa que hacer más que esperar a los clientes. Entre la poca clientela está Miranda, una mujer citadina de 35 años quien se encuentra periódicamente con su amante, un rico empresario de la zona. Miranda y Sebastián empiezan a conocerse, surge un juego de atracción entre ellos y compartirán su soledad a pesar de las diferencias. Aarón Fernández nació en Chihuahua, tiene una maestría en Estudios Cinematográficos y Audiovisuales en París, Francia; además de su experiencia en cine, ha dirigido programas para televisión y comerciales, y ha impartido talleres de guionismo. Ha escrito y dirigido el largometraje Partes usadas en el 2007 y los cortometrajes Corrido callejero en el 2005, Circuito interior en el 2000, Argent Liquide (Dinero fácil) en 1997 y Le Partage Des Eaux (El reparto de las aguas) de 1995. Premios: Mejor Ópera Prima en Festival de Guadalajara en 2007, Premio Glauber Rocha a la Mejor Película Latinoamericana, Festival de Montreal en Canadá en el año 2007, el 2º Premio Mejor Ópera Prima en el Festival de La Habana, Cuba, en el 2007, Premio CICAE / Cinéma Art & Essai, Festival Cine Junior, Paris, Francia en el 2008 y Mejor Película en el Festival Cinesul en Río de Janeiro, Brasil en el 2008.

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Siempre he pensado que la literatura, en su esencia, es un relato oral y anónimo. CLAUDIO MAGRIS

l narcisismo y la vanidad, está bien documentado, suelen ser polos constitutivos del ser humano en general e instancias muy caras a los escritores en lo particular (personajes mayormente célebres en el imaginario colectivo por cultos, arrogantes y cretinos –a veces también por misántropos). Tales características resultan indisociables del trabajo literario, porque uno de los principales materiales con que se trabaja –la plasticidad, opacidad y el abismo del yo– suele ser un escaparate para la afirmación tácita de la personalidad, imponiendo, bajo las letras que rubrican una obra, un método de lectura, una orientación simbólica (no pocas veces política) y una mirada de la realidad. En alguna ocasión, Javier Marías sostuvo que “escribir novelas es la asunción de una anomalía. Publicarlas es el intento de imponer a otros esa anomalía”. Estoy de acuerdo. En el vasto mundo de la literatura moderna y el arte contemporáneo, el autor funciona –pese a las lúcidas embestidas del postestructuralismo francés encabezadas por Roland Barthes y Michel Foucault– como una figura plenipotenciaria que baña con un sentido prístino y cabal las obras ahijadas a su ingenio. De alguna manera o de otra, el autor es el representante de la ley. Sin embargo, las cosas no siempre fueron así. La invención del autor como la conocemos puede datarse precisamente con el Renacimiento, subvirtiendo un orden hasta entonces canónico en el que, como quería Foucault en su célebre lección inaugural del Collège de France, el autor podía insertarse a la mitad de un diálogo puesto en marcha con anterioridad, asumiendo la “llegada tarde” a una plática como un valor en sí mismo, dejando en segundo plano la necesidad de estreno o el molesto hábito de la notabilidad. Uno de los principales rasgos de la elegancia, desconocida a partes iguales por actrices, dramaturgos y público en general, es el de pasar inadvertido. Para Foucault, y para mí también, los textos son entramados de citas provenientes de todos los focos de la cultura; parte de un habla anterior que contiene muchísimas voces y perspectivas, como tan bien lo resumiera T. S. Eliot en ese instante de Occidente que constituye La tierra baldía. Y con dicha precisión, entramos en el nervio de este ensayo, que es intentar develar cómo, toda literatura digna de tal nombre, del anonimato viene y hacia el anonimato va.

RAFAEL TORIZ

A Sealtiel no le amarraron las manos de chirrín...

A últimas fechas, cuando los límites de la propiedad autoral están a debate en los círculos intelectuales, más de una teoría en torno a la obra y su creador pasa por una suerte de revisionismo. Rafael Toriz, con esta reflexión, pone sobre la mesa varias de ellas, a propósito de uno de los ganadores del Premio Xavier Villaurrutia. Su intención, se deja leer, no es la de “exonerar a los delincuentes de la calaña de Sealtiel Alatriste

tantos

otros como él”.

Navegando en un mundo de piratas ENARBOLAR A ESTAS alturas del partido valores dignos del siglo XIX, como la inspiración y la originalidad, implica una inocencia no exenta de ignorancia; y no sólo me refiero al refrán popular que sostiene que los buenos artistas copian y los excelentes roban (frase reactualizada por Octavio Paz cuando respondió con aplomo, ante una acusación semejante, que los leones suelen alimentarse de los corderos), sino a la idea misma de la originalidad como un atributo fundamental e indispensable para la creación. Desde tiempos del Eclesiastés sabemos, o deberíamos saberlo, que no hay nada nuevo bajo el sol y que la importancia de las creaciones humanas radica en su acontecimiento, en el hecho de continuar y contrarrestar tradiciones, subvertir o reforzar ciertos valores y, esencialmente, en dialogar con el presente. Todas nuestras creaciones son una reinterpretación y una apropiación del pasado, como bien demostró el sociólogo Robert K. Merton en su libro alucinado On the Shoulders of Giants en el que, parodiando el Tristam Shandy, trazó la cartografía de la creatividad, la originalidad y el contexto social de los descubrimientos humanos al rastrear el origen del famoso aforismo atribuido a Newton (“If I have seen farther, it is by standing on the shoulders of giants”). Merton nos recordó que las palabras, como la totalidad de las ideas, son siempre un préstamo y una amplificación colectiva, cosa que los científicos duros saben muy bien y no una exclusividad autónoma, como sostienen los deudores del copyright y buena parte de las comunidades artísticas. La cultura es un remix en la que lo importante no es quien la firma ni la cobra, sino quien la debate, la ensancha y se la apropia. Al respecto T. S. Eliot, cuya obra referida es un poema monumental plagado de citas de otros autores, escribió en su ensayo “Tradition and the Individual Talent” que la pertinencia de los antiguos en el presente

Unaamenaza elegante

radica en el hecho de que ellos son lo que sabemos del pasado, de tal suerte que estamos condenados a vivir inmiscuidos en un coro de voces sin principio ni final. En ese sentido, y en el de la parodia, es que inscribe el ejercicio creativo de Jorge Maronna y Luis María Pescetti titulado Copyright, un libro construido a partir de lugares comunes de la literatura: “En un lugar de la Mancha, de cuyo nombre no quiero acordarme, frente al pelotón de fusilamiento el coronel Aureliano Buendía había de recordar aquella tarde en que, al despertar de un sueño agitado, Gregorio Samsa se encontró en su cama transformado en un terrible insecto”. A LA 14

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a teoría psicoanalítica freudiana sostiene que aquello que se dice con ingenio es más fácilmente aceptado en la vida psíquica, aunque se trate de ideas rechazadas por la conciencia. Esta es la base del chiste, mecanismo esencialmente liberador que surge del ahorro de gasto psíquico de una represión: antes de reprimir una idea, un pensamiento, hacemos un chiste, que libera y produce placer. El placer en el chiste o desde el chiste involucra dos conceptos: la técnica y la tendencia. Por una parte, los mecanismos o componentes con los cuales se construye el chiste, a partir a su vez de principios o “lógicas” como la condensación y el desplazamiento y, por otra, algo que gravita en la intención y que puede dividirse en inocente y hostil. El chiste es una formación del inconsciente. Un enunciado que utiliza los recursos propios del lenguaje para crear una estructura que modifica lo real a efecto de crear satisfacción, pero es también un reflejo de la visión que se tiene del mundo o, más precisamente, de un hecho de la realidad. En ese sentido, se trata además de una construcción social subjetiva, que responde a las debilidades, carencias, fantasías, miedos y demás que forman parte de las acciones y percepciones de la vida cotidiana y que son asiento de las complicidades a que da lugar el chiste, es decir, gracias a lo que comporta y comparte. A los mexicanos nos encanta decir que nos reímos de todo, que de todo hacemos un chiste, inclusive de la peor de las tragedias, y ahí está De panzazo, el documental de Juan Carlos Rulfo y Carlos Loret de Mola para probarlo. Mueve a risa, efectivamente, pero porque se les fue el tono, se les desvió la línea discursiva. Para empezar, no revela nada que no sepa cualquiera que lea un diario al mes, que conozca la redacción promedio de nuestros profesionistas, que escuche a los conductores de televisión, que converse con diez alumnos de cualquier nivel o con cinco egresados de cualquier licenciatura. Más los indicadores, que están por todos lados a la mano: ocho de cada diez profesores no son aptos para la enseñanza, siete de cada diez niños mexicanos no saben leer ni multiplicar al terminar la secundaria, etcétera… Ya lo sabemos, ya lo sabíamos. Lo que extrañamos fue un big close up a los entrevistados Lujambio y Gordillo a la hora de responder que ignoran el número de maestros que hay en el país. Extrañamos allí una imagen congelada y unos segundos de silencio, por ejemplo. Extrañamos un oficio más documental de la cámara y nos sobraron muchos acelerados pannings. Pero, también, nos faltaron referencias, preguntas, declaraciones sobre las cuotas; sobre, por ejemplo, qué califica al secretario de Educación para estar allí, o a la presidenta del sindicato para permanecer tanto tiempo en ese puesto. Por supuesto (para rimar), nada sobre la actualización, sobre los libros de texto, acerca de la pertinencia de lo que se enseña –si acaso– hoy, y tampoco sobre esos algunos pocos muy pocos (sic) profesores que sí la hacen y mucho y bien, y sobre esos algunos pocos muy pocos (otro sic) alumnos de excelencia. Frente y en torno a la dramática situación de la educación en México, involuntariamente (hay que creer) se privilegió el chiste, la broma, porque quizá se pensó en esas formas ligeras, fáciles, que interpretan al público como deficitario de atención para los modos más graves; o tal vez porque no se supo cómo acentuar, cómo crear intermitencias entre tragedia y comedia, cómo sobrecoger pero, sobre todo, cómo exhibir con claridad y contundencia no sólo el estado de las cosas sino la causa del estado de las mismas. O es que sin querer impregnó el trabajo la lógica neoliberal de la televisión y su respectiva cuota de entretenimiento siempre asociado con risa, aunque sea falsa. ¿Por qué no aparece Calderón, el presidente que, entendemos (¿supondríamos?), es el responsable actual de lo que hacen y no hacen sus secretarios, entre otros el encargado de la Secretaría de Educación Pública? ¿Un especialista en educación, de los que tenemos muchos y de primer orden? ¿Una leidita, antes, a La catástrofe silenciosa, el libro de Guevara Niebla que da cuenta del estado de la educación en México y anticipa los desafíos del sistema escolar en el futuro inmediato? ¿Uno de esos niños que no pueden ir a la escuela y que a pesar de los pesares daría brincos por ir a echar desmadre en ella? Lo que se espera de un documental de esta índole es que sea sorpresivo, insólito. Como Presunto culpable, que se ocupa también de lo que ya sabemos, pero lo hace mediante un seguimiento, una estrategia, una estructura y un manejo de cámara (sin tanto currículo) que desnuda, exhibe, establece la cuestión al punto en que alarma, espanta, impresiona, aterroriza, mientras De panzazo hace reír.

OMAR GASCA

Depanzazo: apenasdepanzazo

DE PANZAZO

La mirada petrificante: Gordillo o el basilisco.

El sistema educativo en México está reprobado. La peor de las tragedias, la que mostró hace poco De panzazo, documental dirigido por Juan Carlos Rulfo y conducido por Carlos Loret de Mola, “mueve a risa porque se les fue el tono, se les desvió la línea discursiva”. Se abusó del chiste, observa Omar Gasca, esa antigua fórmula para desplazar una realidad incómoda.

Este último hecho no resta todos los méritos al trabajo de Rulfo y Loret que, como sea, hay que celebrar, pero reduce su impacto, diluye la crisis. Una vez más terminamos riendo, ora con el chiquillo que no distingue izquierda de derecha, ora con algunas declaraciones o con la recitación de los jóvenes y luego o antes con la tomas del periodista esperando que lo reciban en alguna oficina de la SEP. Como también sabemos, la risa es buena pero no por todo y para todo, menos si deviene dispositivo para contrarrestar la queja, el enojo, la indignación y el reclamo. Menos

si con ella y con el chiste o los chistes que la provocan hacemos esa otra cosa que equivale a conjuro y a exorcismo, esto es, a desembarazarnos del problema por la cómoda vía de reírnos, de burlarnos de él. Lo peor es esa idea de desplazamiento: como frente al problema no podemos hacer nada, mejor lo dejamos en ja ja ja. ✦ GASCA: ARTISTA, CRÍTICO, POETA. GRAN ESCUCHA DE ROCK, BLUES, FOLK Y OTROS GÉNEROS.

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EXPOSICIONES Para mayor información sobre direcciones y vigencia de las exposiciones, consulte el directorio de sitios en la p. 14

SEBASTIÁN FUND

MUSEOS Y GALERÍAS

Losgrabadosde

SebastiánFund

DÍAS DE TINTA Pintura de Sebastián Fund Hasta abril Sala de Exposiciones de la Galería de Arte Contemporáneo

TOMÁS GÓMEZ ROBLEDO

NO TIRE LA TOALLA Colectiva de grabado Hasta abril La Ceiba Gráfica

LLAMADAS PERDIDAS Pintura de Tomás Gómez Robledo Hasta abril Galería Fernando Vilchis Instituto AP y Mezanine del MAX

LORENA MARRERO

AVISTAMIENTO Gráfica de Jesús Miranda Hasta abril Galería Fernando Vilchis Instituto AP

RETRATO DE MUJERES Pintura de Lorena Marrero Hasta abril Centro Recreativo Xalapeño

MANUEL VELÁZQUEZ

ebastián Fund es uno de los artistas jóvenes radicados en Xalapa que forma parte activa del movimiento artístico y cultural que se desarrolla en esta región, ejerciendo un oficio caracterizado por la gráfica. A lo largo de los últimos años el trabajo de este creador gira en torno a dos líneas generales. La primera, de orden estrictamente técnico, tiene como principal propósito la experimentación en la representación gráfica. En este campo Sebastián Fund trabaja con los procedimientos de impresión en huecograbado y colografía que le permiten obtener resultados acordes a sus propósitos plásticos. Con la colografía estampa en relieve, sacando ventaja de la maleabilidad del papel, de sus texturas y cualidades. Ejemplo de lo anterior es su muestra en la Galería de Arte Contemporáneo del IVEC intitulada Días de tinta, donde muestra su espíritu explorador, que lo ha llevado a aventurarse por diversos caminos; búsqueda y experimentación que se traducen en diferentes series. La segunda línea de trabajo está tocada profundamente por hechos relacionados con su vida, por eso, opta por un tratamiento iconográfico figurativo, narrativo y eminentemente plástico. La obra de este artista es la expresión íntima de sus deseos, obsesiones y anhelos más profundos; responde al conocimiento de los complejos mecanismos de la memoria y la identidad. De ahí que su producción gráfica habla en un tono intimista. Su obra complementa y consolida el quehacer mediante sus indagaciones formales y técnicas. En lo general se caracteriza por composiciones libres y abiertas, esgrafía sus dibujos mediante trazos ágiles y sueltos. Su trabajo es profuso. A través de los años, se pueden constatar cambios que en conjunto se aprecian como diferentes etapas de su creación, pero conservando siempre la unidad y la homogeneidad. Sebastián Fund asume su condición de artista mediante el grabado y reafirma su convicción de que los recursos del oficio poseen la capacidad para hacer llegar

Días de tinta de Sebastián Fund, en la Galería de Arte Contemporáneo del IVEC, “traza una fina línea a través de distintos momentos de la obra”. En las piezas de esta exposición, continúa Manuel Velázquez, el artista nos permite intuir el valor como medium que le otorga a la gráfica.

El maromero

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su mensaje. Desde esta plataforma, su labor es más de seducción estética que de convencimiento argumentativo; es por ello que sus obras nos ofrecen sobre todo propiedades plásticas de un repertorio iconográfico propio. El manejo del color, e incluso la renuncia a su uso, le confieren a sus estampas una apariencia franca. Días de tinta traza una fina línea a través de distintos momentos de la obra de Sebastián Fund. En las piezas de esta exposición el artista nos permite intuir el valor como medium que le otorga a la gráfica; un horizonte que separa la realidad de la representación, la naturaleza de la interpretación. Mediante su obra, nos conduce por su universo, donde las personas se convierten en personajes y los paisajes en escenarios de un relato que discurre en toda la exposición. Sebastián Fund ha emprendido hace tiempo la tarea de formarse como artista a partir de la confluencia de la identidad y de los recuerdos recuperados; los acontecimientos evocados, los sonidos conjeturados, los hechos sabidos. De esta manera, encuentra en la producción gráfica un ámbito de reflexión propia.

EXPOSICIONES

SAMANTA FLORES

Para mayor información sobre direcciones y vigencia de las exposiciones, consulte el directorio de sitios en la p. 14

En esta exposición se podrán apreciar obras como Introversión, resultado de un taller tomado en San Agustín, Etla, Oaxaca, en el Centro Cultural Casa, impartido por Carla Rippey. Este taller le ofreció los medios para combinar y experimentar con matrices y soportes, a través de técnicas tradicionales de grabado, abriendo alternativas para la impresión. Por su parte, la técnica de la xilografía a la placa perdida le abrió un nuevo campo de expresión que involucra al color como punto principal. Los grabados en colografía constituyen su trabajo más reciente, se distingue del anterior por ser de mayores dimensiones, aunado a que ofrecen un recorrido que va de la figuración a la abstracción, al tiempo que se sintetiza en blancos y negros, así como en líneas gruesas y ritmos. Día dificil

MANUEL:ARTISTA, ENSAYISTA DE ARTE.ANDA EN JAPÓN VOLVIÉNDOSE JAPONÉS.

SIEMPRE PRIMAVERA Gráfica de Cristóbal Tavera Galería de Artes Plásticas UV

GERARDO VARGAS

Balbuceo

CRISTÓBAL TAVERA

ESPEJOS DE EXISTENCIALIDAD Pintura de Samanta Flores Hasta abril Centro Recreativo Xalapeño

DEL BURRITO A LA GARNACHA Cartel de Gerardo Vargas Galería de Artes Plásticas UV

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RACIEL D. MARTÍNEZ GÓMEZ

TEATRO

EN CARTELERA

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EL MUNDO ILUSTRADO Pintura de Heriberto Quesnel Hasta marzo

TRAVESÍAS Pintura de Tomás Gómez Robledo Galería de Fernando Vilchis del IAP de UV EL ARTE SE COMPARTE. COLECCIÓN FERRARI 1995-2012 Colectiva de arte Galería Marie Louise-Ferrari

ÁRBOLES, PLANTAS Y PÁJAROS Escultura y pintura de Maribel Portela, Patricia Hernández y Yolanda Paulsen Jardín de las Esculturas (Ivec) AVISTAMIENTO Gráfica de Jesús Miranda Hasta marzo Galería Fernando Vilchis 30 MANERAS DE VER EL ALMA A TRAVÉS DE LA ABSTRACCIÓN Pintura de Hugo Curiel Arjona Tonatiuh Café y Artesanías, Callejón del Diamante 22 MODERNOS Y CONTEMPORÁNEOS Colectiva de grabado con obras de José Luis Cuevas, Sebastián, Manuel Felguérez y otros. Hasta marzo Realia, Xalapeños Ilustres 66 Pinacoteca Diego Rivera

JORGE NEGROE

Galería Universitaria Ramón Alva de la Canal

elotropesa-nervios Quieres un baño de asiento?

ontroladamente demencial, Existencia es la última obra de Abraham Oceransky que intenta cubrir asuntos pendientes: que van desde el sentido vitalista del teatro hasta la trascendencia más esencialista del arte como revelación del individuo. Existencia es, sin duda, una deliberada búsqueda del tuétano. Un viaje insólito por la locura situada en un estilizado manicomio que más bien resume –de ahí el concepto– los horrores del hombre en un diseño escenográfico que simula una fortaleza, un castillo medieval, un horno crematorio, la fábrica abandonada de Hostal y hasta la torre del Doctor Frankenstein. Gótica, como la cataloga el propio Oceransky, porque asimismo se palpa un vestuario e iluminación tipo del cine de Tim Burton, sobre todo de El cadáver de la novia y Sweeney Todd. Todo ello, insisto, en un espacio atemporal donde es evidente que flotan los espíritus del mal –el nazismo, la psiquiatría, el nacionalismo y la propaganda–, en una rara sensación de estar en la atmósfera de Dark City de Alex Proyas (aunque la mitad del siglo pasado siga prevaleciendo como el fin de la modernidad). Pero, habrá que insistir, esta atmósfera enajenada la desvela Abraham como un relojero con finísimas composiciones plásticas y con un sincopado ritmo que nos obliga a mirar más reflexivamente. Es como si la tormenta existencialista fuera narrada a contracorriente, como frenada a pro-

pósito para observarla en estampas darketas. Sobre esto ya he dicho que el teatro de Abraham, específicamente en la obra El hotel de los corazones rotos, tiene mucho del contrapunto que utiliza Peter Greenaway en cintas como La panza del arquitecto, lo que evidencia la paradoja entre forma y contenido. La obra de Oceransky se encuentra a medio camino entre la biografía y una especie de confesión de fantasmas. Mantiene el pensamiento de Antonin Artaud como vértebra con toda y su LE CACA, para integrar una pieza teatral que puede identificarse como conceptual. De hecho, lo que subyace como noción en Existencia es la idea de Artaud en torno a un equilibrista de los sentimientos. Ahora bien, Oceransky se deslinda del dramaturgo francés como historia biográfica. A cambio, lo que sentimos en Existencia es un conjunto de pedazos que pueden armarse, dependiendo del punto de vista del espectador; provienen de diferentes épocas y de distintos ámbitos artísticos. En efecto, Abraham desciende de una tradición teatral donde el arte tenía una misión contestataria, y en algunos casos incendiaria –a la sazón ideologizada. Vio y vivió el teatro pánico, el teatro del absurdo y, por supuesto, el teatro de la crueldad. Sin embargo, no se trata Existencia de una obra que reproduzca ese discurso, ni siquiera en sus matices más obvios; no cae en provocaciones gratuitas. Existencia lo que manifiesta es un amplia madurez narrativa y esti-

lística de Oceransky. Sabíamos de sus destrezas para contarnos cosas como Doble suicidio.Y gusta también cuando Abraham se desprende de la linealidad y apuesta por presentarnos obras con más pulso personal y que apuesten por el concepto. En este sentido, todo este asunto pendiente –el teatro como la vida misma: con sus ilimitadas dimensiones–, subrayo que lo canaliza a través de un fino control de la puesta en escena y una mesurada intervención actoral. El camello de Abraham –el pánico, lo absurdo y la crueldad–, pasa entonces por el ojo de una aguja. Ese ojo está tamizado por el cómic y el cine. Es importante subrayar que esta vuelta de timón es muy sutil. Recordemos que la tradición de ese teatro citado apelaba por un impacto violento en el espectador: por una estética shocking que combinaba acciones altisonantes y palabras estridentes, intentando sacudir la conciencia y tambalear la razón y la lógica. Existencia es teatro de autor. Oceransky muestra una vez más esa sabiduría que le ha generado abrazar el arte. Por ello, sus lágrimas en la lluvia nos enseñan una vez más que la vida se compone de esos pedazos que de manera azarosa se montan a nuestra existencia. ✦ R AC : C RÍTICO DE CINE Y AC ADÉMICO PANDÉMICO. LAS UNIVERSIDADES DE VERACRUZ Y XALAPA SE DISPUTAN SU CONOCIMIENTO. C RUAZULINO VERGONZANTE , CAMBIA DE EQUIPO DE FUTBOL COMO DE CAMISETA.

ANATOMÍA DE LA MELANCOLÍA Pintura de Carlos Apango Hasta marzo Dirección General de Área Académica de Artes, Rectoría, Zona UV RAMÓN VALDIOSERA: 75 AÑOS DE CREACIÓN Pintura de Ramón Valdiosera Berman Hasta marzo El Ágora de la Ciudad

A LA RAÍZ Pintura, escultura, técnicas mixtas Colectivo Múcar (Veracruz) Hasta marzo Sala de Exposiciones Temporales del MAX EXPRESIÓN PURA Pintura de Hugo Curiel Hasta marzo Restaurante Maggi's Callejón del Diamante

CINE LA PIEL QUE HABITO Dir. Pedro Almodóvar Con Antonio Banderas, Elena Anaya y Marisa Paredes Dur: 120 min. Clasificación: B15 Exhibiéndose en Cinépolis Plaza Américas. TAN FUERTE Y TAN CERCA (EXTREMELY LOUD AND INCREDIBLY CLOSE) Dir. Stephen Daldry Con Tom Hanks, Sandra Bullock y John Goodman Dur: 129 min. Clasificación: B Exhibiéndose en Cinépolis Plaza Américas.

TEATRO EN CARTELERA

EL ARTISTA (THE ARTIST) Dir. Michel Hazanavicius Con John Goodman, Jean Dujardin y Bérenice Bejo Dur: 100 min. Clasificación: A Exhibiéndose en Cinépolis Plaza Américas y Cinépolis Plaza Museo LOS DESCENDIENTES (THE DESCENDANTS) Dir. Alexander Payne Con George Clooney, Robert Forster y Shailene Woodley Dur: 115 min. Clasificación: B Exhibiéndose en Cinépolis Plaza Américas. LA INVENCIÓN DE HUGO CABRET (HUGO) Dir. Martin Scorsese Con Ray Winstone, Emily Mortimer y Ben Kingsley Dur: 126 min. Clasificación: A Exhibiéndose en Cinépolis Plaza Américas y Cinépolis Plaza Museo

FESTIVALES Ambulante Del 9 al 17 de marzo Sedes: Cinépolis Plaza Américas y Plaza Museo Auditorio del Ágora de la Ciudad Auditorio de la Galería de Arte Contemporáneo Auditorio del Jardín de las Esculturas Colegio de Veracruz Plazoleta Xallitic La Fábrica TV

impulsossiniestros

a puesta en escena El siniestro plan de Vintila Radulezcu de Martín Zapata (dramaturgia y dirección) es, por cualquier lado que se le vea, un trabajo magnífico. Hemos asistido a la cuarta (domingo 12 de febrero) de una serie de doce funciones que, entre el 9 y el 26 de febrero del año en curso, se presentaron en el Foro Torre Lapham de la Facultad de Teatro de la Universidad Veracruzana. En las siguientes líneas explicamos, punto por punto, el porqué de que este montaje nos haya parecido tan extraordinario. El texto (del 2011) ofrece, en primer lugar, un tejido perfecto. Toda su gran fuerza radica en su bien ensamblada estructura dialógica, construida mediante un ritmo y un cuidado del lenguaje muy cercano a los de la poesía; a través de ella, se van configurando ante nosotros no únicamente dos personajes redondísimos –Peter O’Brian y Vintila Radulezcu–, particularmente complejos, sino, ante todo, un elaborado mecanismo de simulación que va mezclando distintos niveles de la realidad hasta tal grado que, conforme discurre la obra, cada vez nos vemos más imposibilitados a discernir entre la verdad y la mentira, aun en los rubros más simples como el nombre auténtico de los personajes –todos los velos caen, uno a uno, y al final no parece haber nada donde se esperaba encontrarlo todo–, “confusión” deliberada que estimula nuestra sensibilidad y nuestra razón de una forma espléndida; hay que decir igualmente que, a pesar de su “envoltura” de historia de ciencia ficción y de acontecimientos que rayan en lo imposible, lo que fundamentalmente palpita en esta pieza –y esto es lo que la torna memorable– son los impulsos primigenios del hombre: amor, abandono, venganza, violencia, salpimentados aquí por un leve tono humorístico y presentados estética(sensible)mente, para decirlo en unas cuantas palabras, de un modo magistral. La dirección tiene una gran cantidad de virtudes; la utilización del área escénica, por ejemplo, resulta equilibrada y llena de ritmo, pues, en la hora y media o poco más que dura el montaje, los actores llegan a ocupar, de manera

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CINE CLUB Ciclo: El edredón de mármol Jueves y sábados de marzo, 18:00 hrs. Auditorio del Jardín de las Esculturas Jueves 1

MADAME SATA Dir. Karim Ainouz Con Lázaro Ramos, Sacha Amback y Marcélia Cartax

Que lisita tienes la barbilla, ¿qué crema usas?

cadenciosa y completamente orgánica, todos los rincones de la escena, lo que le da a la representación un tempo suave y fluido, variado. La interconexión actoral ha sido también muy cuidada, hecho que queda en especial evidencia en los momentos en que uno de los dos personajes –o, incluso, ambos– debe escuchar al otro –o a la música del gramófono portátil, o simplemente al silencio, como en el cuadro inicial– durante largos minutos: la compenetración con el texto, el diálogo, ocurre allí incluso cuando no hay que decir nada. Finalmente, el trabajo con los gestos y expresiones faciales, absolutamente verosímiles, resulta de igual forma espléndido. Las actuaciones acusan un gran profesionalismo. Manuel Domínguez (Peter O’Brian), de quien habíamos visto el año pasado una grotesca interpretación de Edi en Edi y Rudy, de Legom, hace que olvidemos aquí enteramente esa actuación desfavorable, ya que le da vida a un carácter que se nos aparece bien cohesionado, natural, ostensiblemente entrañable; Adriana Duch (Vintila Radulezcu), a su vez, de quien ya habíamos visto con gran entusiasmo El ruido del agua dice lo que pienso, en 2008, y su dirección de Adiós mundo gris de Abril Barragán, el año anterior, confirma en esta obra su poderoso talento como actriz encarnando a una mujer dura, un tanto hermética, provocativa y, sin embargo, capaz de conmoverse ante

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2 de marzo de 2012

LUIS MARÍN

CABALLO DE GUERRA (WAR HORSE) Dir. Steven Spielberg Con Emily Watson, Eddie Marsan y Tom Hiddleston Dur: 146 min. Clasificación: B Exhibiéndose en Cinépolis Plaza Américas.

HÉCTOR MIGUEL SÁNCHEZ

Nuevo número de teléfono:

8-17-85-35

un recuerdo o una canción. En conjunto, una pareja muy bien acoplada. La escenografía, consistente sólo en un piso-tabloide emulador del mármol, es, por ello mismo, sumamente preciso: el “gran vacío” del escenario, así como el efecto visual producido por el color blanco de la superficie inferior, le da al montaje un sentido de especial “amplitud” que se ve potenciado aún más por el tipo de dirección dramática que ya hemos descrito más arriba. El vestuario, “de época”, es hermoso, muy bien elaborado y, además, se le ve bastante bien a ambos actores. La utilería, que no es excesiva, se encuentra conformada por curiosos artilugios que desempeñan un papel fundamental en la economía de la puesta en escena: un gramófono portátil, una antigua cámara fotográfica, un par de encendedores, “cocaína”, “opio” …. La música, que sólo aparece en dos ocasiones –tocada por el gramófono–, está muy bien seleccionada y, por añadidura, le da un toque levemente nostálgico a la obra. Iluminación y efectos visuales –presencia de hielo seco para simular un viaje entre dos dimensiones– cumplen una función muy reducida, pero igualmente se insertan a cabalidad en el desarrollo de este magnífico montaje. ✦ HÉCTOR MIGUEL: ES CRÍTICO DE TEATRO.

El siniestro plan de Vintila Radulezcu de Martín Zapata. Dirección: Martín Zapata. Con las actuaciones de Manuel Domínguez (Peter O’Brian) y Adriana Duch (Vintila Radulezcu). Producción: área de Artes de la Universidad Veracruzana/Conaculta. Foro Torre Lapham de la Facultad de Teatro de la Universidad Veracruzana. Xalapa, febrero de 2012.

Ciclo: Exploitation Jueves de marzo, 18:00 hrs. Escuela Veracruzana de Cine Luis Buñuel Jueves 1

LOS RENEGADOS DEL DIABLO Dir. Rob Zombie Con Sid Haig, Bill Moseley y Sheri Moon

CINE CLUB INFANTIL Ciclo: Exploradores Sábados de febrero, 12:00 hrs. Auditorio de la Galería de Arte Contemporáneo de Xalapa Sábado 3

LOS TIERRA (EARTH) Dir. Alastair Fothergill Dur: 97 min.

TEATRO EN MEDIO DEL MAR SALADO De Conchi León Dir. Clarissa Malheiros Viernes de marzo, 20:30 hrs. Sábados y domingos de marzo, 19:30 hrs. Coop. $60.00 Sala Chica Dagoberto GuillaumÌn del Teatro del Estado EXISTENCIA De Abraham Oceransky Dir. Abraham Oceransky Del 17 de febrero al 26 de marzo Coop. $60.00 Teatro La libertad

2 de marzo de 2012

CINE

RACIEL D. MARTÍNEZ GÓMEZ

EN CARTELERA

Scorseseíntimo

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LAS UBÁRRY De Oscar Liera Dir. Jorge Castillo Viernes 2 y sábado 3 de marzo, 20:00 hrs. Coop. $80.00 Foro de la Rueca de Gandhi EL DRAMA DE UNA MADRE Foro-X Alternativo De Oscar Liera Dir. Jorge Castillo Jueves 8, viernes 9 y sábado 10 de marzo, 20:30 hrs. Coop. $40.00 Foro La Rueca de Gandhi EL QUIJOTE DE LA MANCHA, VERSIÓN INTERACTIVA Domingo 11 de marzo, 12:00 hrs. Mercado Los Sauces

TÍTERES LA MEDIA FLOR Dir. Carlos Converso Sábado 3 de marzo, 17:00 hrs. Domingo 4 de marzo, 12:30 hrs. Casa del Lago UV

MÚSICA CLÁSICA CONCIERTO DE PIANO

Por Citlali Guevara Domingo 4 de marzo, 13:00 hrs. Auditorio del MAX TRÍO CHOPIN

Domingo 4 de marzo, 13:00 hrs. Auditorio del MAX

POPULAR JUEVES DE XALLITIC Jueves de marzo, 18:00 hrs. Barrio de Xallitic SON DE MADERA Viernes 9 de marzo, 22:00 hrs. Coop. $100.00 La Tasca del Cantor BALLET MI LINDA COSTA RICA Y PAUTA NUEVA Viernes 9 de marzo, 19:00 hrs. Patio de Palacio Municipal

ichard Corliss, crítico de Time, simplemente ha dicho de la aclamada película La invención de Hugo: “es el poema amoroso de Martin Scorsese, es una mirada fantástica al origen del cinematógrafo a través de la más moderna tecnología aplicando de forma magistral el 3D para rendirle homenaje a George Meliés, el mago de los espejos”. Para entender más acerca de este poema amoroso narrado en 3D, cabe a la perfección una entrevista de hace 16 años a Thelma Schoonmaker, la editora de cabecera de Scorsese: la pasión, del también director de Toro salvaje, es el montaje. Dice Thelma que Scorsese ha estudiado mucho al cineasta soviético Serguei Eisenstein, del que le interesa sobre todo el efecto que genera la yuxtaposición de imágenes para lograr un impacto de sentido –Alexander Nevski es el filme preferido de Scorsese. El rodaje para Martin es como una cantera –define Thelma–; y donde en realidad se hace una película es en la sala de edición; sitio que da vida a la cinta. En La invención de Hugo se aprecia el cenit de la pasión de Scorsese como montador narrativo en varios niveles: planos secuencia aún mejores que los de Buenos muchachos; una densidad secuencial muy empatada con Pandillas de Nueva York; e, incluso, se ajusta al argot genérico para imprimir tensión a sus acciones mostrando la autoridad de Scorsese en el montaje. Se trata de un filme sorprendente, para empezar, porque está fuera del contexto de Scorsese, pues no cuenta una historia de gánsteres ni se recrea en Nueva York (el nido de la mayoría de su discurso). Pensábamos que Martin seguiría al infinito con la obsesión de plasmar a los monstruos de las calles neoyorkinas –desde que empezó con ¿Quién toca a mi puerta? allá en 1967, salvo algunas historias ubicadas en Boston. Con La invención de Hugo, Martin deja la sangre a un lado y aborda un género que desconocíamos podría dominar, como lo es una historia infantil de aventuras, que si bien contiene aspectos agridulces –como la misma orfandad del protagonista principal y el episodio de la quema de la obra de Meliés–, todo se inclina hacia el lado más positivo. En La invención de Hugo no hay sangre ni taquicardia en los

personajes –lo que encontrábamos a En fin, hay tanto que decir de pasto en Casino y Los infiltrados. este poema amoroso de Scorsese. A diferencia nos topamos con Con Hugo Scorsese se fue a París, y otras claves: París como estrella (la es- continuando el horizonte de Schlesintación, la postal de sus azoteas, sus te- ger y Ferrara –fondo y gracia–, cruzó rrazas y las minucias de sus interiores) el Atlántico como Lindbergh, pero y unos niños con un filón dickensiano acompañado de un copiloto: el alquique enaltece a su vez a la literatura. Es mista Meliés.✦ interesante saber que el género que RACO: SUS EDITORES SON TAN VIEJOS QUE aborda Scorsese se relaciona con su SE ACUERDAN CUANDO RACIEL AÚN TENÍA hija –como Francis Ford Coppola en CABELLO –UNA MELENA A LA JOHNNY DEPP DE INDIO. Historias de Nueva York. Pero más interesante es que el filme de Hugo le permite abrir un aspecto derivado de esa pasión cinéfila. Un Scorsese íntimo entonces rinde homenaje al cine con la historia oculta de Meliés, uno de los La invención de Hugo. Director: Martin Scorsese. Con: Ben Kingsley, directores que impulsaron el encanto Sacha Baron Cohen, Christopher Lee del cine más allá de la solemnidad de y Jude Law. Duración: 128 minutos. los hermanos Lumiere, que apostaban Estados Unidos, 2011. porque el nuevo invento tendría sólo utilización para fines científicos. Se conocía el aprecio confesado de Scorsese CAFÉ TEATRO por un cine de la mitad del Tierra Luna siglo pasado. Scorsese ha reconocido como expeel son del corazón riencias cinematográficas Cartelera marzo Senso y El gatopardo de Luchino Visconti, El tercer hombre de Carol Reed y el propio Ciudadano Kane de Viernes 2 Orson Welles. No podían JMQ faltar dentro de su cinefi21:00 hrs. Coop. $40.00 lia Bernardo Bertolucci y Sábado 3 Stanley Kubrick. Y tampoGabriel Puentes co olvida a Raoul Walsh, 21:00 hrs. Coop. $50.00 Don Siegel, Sidney Lumet o a John Cassavetes. De Martes 6 igual manera, John SchleIntimidad Decimal singer y Abel Ferrara le 19:30 hrs. Entrada Libre han influido para ver a la ciudad como un escenario Miércoles 7 paradójico donde se toca Estudiantes JAZZUV fondo y todavía se alcan21:00 hrs. Coop. $30.00 Est. $15.00 za la gracia. Sin embargo, Jueves 8 faltaba el origen mismo: Tributo a Julián Maraboto Meliés. 19:00 hrs. Coop. $10.00 Mujeres y Con La invención de $20.00 Hombres Hugo, que es una puesta en escena a la manera Viernes 9 de una muñeca rusa, nos Ramses enseña otra capa virtuosa 21:00 hrs. Coop. $30.00 de Scorsese: es la faceSábado 10 ta como documentalista, Gecko pues la historia de Meliés 21:00 hrs. Coop. $80.00 exhibe esos ribetes documentales que ya le advertimos en George Harrison: RESERVACIONES: 812-13-01 Living in the material world, Rayón 18 Centro, por los Berros Shine a light y en No direccafetierraluna@gmail.com tion home: Bob Dylan.

ORQUESTA MUNICIPAL DE XALAPA Miércoles 14 de marzo, 18:00 hrs. Cancha de la calle Obreras, Colonia Unión

ROCK TRIBUTO A RADIOHEAD Sábado 3 de marzo, 21:00 hrs. La Dosis TRIBUTO A JULIÁN MARABOTO Jueves 8 de marzo, 19:00 hrs Coop. $20.00 Hombres y $10.00 Mujeres. Café Teatro Tierra Luna THE PIPPER Viernes 9 de marzo, 21:00 hrs. La Dosis JULIÁN MARABOTO Y LOS GRANDIOSOS Sábado 10 de marzo, 21:00 hrs. La Dosis

JAZZ CONCIERTO DE JAZZ CON GABRIEL PUENTES E INVITADOS Sábado 3 de marzo, 21:00 hrs. Coop. $50.00 Café Teatro Tierra Luna

DANZA BALKANZA Sábado 3 de marzo, 20:00 hrs. Coop. $80.00 Salón del seguro social sección IX del SNTSS

PRESENTACIÓN !QUIERO VER SANGRE! De Raúl Criollo, José Xavier Navar y Rafael Aviña Presenta: Raciel D. Martínez Sábado 3 de marzo, 12:00 hrs. El Ágora de la Ciudad

TALLERES TALLER DE ESTENCIL Por Jasibe Melgarejo Sábados 11 y 18 de febrero, de 17:00 a 20:00 hrs. Coop. $650.00 I. Zaragoza #2, frente a esc. sec. Ramírez Nocturna (Maderitas Coatepec), más información a melcruja@hotmail.com

2 de marzo de 2012

Con la puesta en escena Desolados, de Calafia Piña

UV conmemoró 12 años de Énfasis Teatro Develaron placa por las 25 representaciones del montaje realizado por estudiantes de la Facultad de Idiomas

l grupo Énfasis Teatro de la Facultad de Idiomas de la Universidad Veracruzana (UV), celebró 12 años de existencia con la puesta en escena Desolados. La presentación del viernes 17 de febrero, en el auditorio de Humanidades, enmarcó la develación de una placa conmemorativa por las 25 representaciones de la obra escrita por Calafia Piña. En el evento, el rector Raúl Arias Lovillo opinó que la obra de teatro “logra crear un ambiente que atrapa completamente al espectador y permite una lectura muy diversa de lo que se muestra en escena, hechos que, indudablemente, nos invitan a la reflexión”. Durante la develación de la placa, Arias Lovillo agregó: “Se dice que el teatro es un camino a la vida y la vida misma es una puesta en escena, un acto que forma parte de la existencia humana; me quedo gratamente impresionado de las actuaciones de los jóvenes universitarios y de la dirección de Víctor Hugo Vázquez Rentería.” Además del Rector, en la develación participó el dramaturgo y docente Jorge Castillo; ambos entregaron

reconocimientos a todos los integrantes de la compañía, por su labor y trayectoria. En su oportunidad, Castillo valoró el esfuerzo de los jóvenes teatreros y expresó: “Hace 30 años surgieron al interior de la Veracruzana los Talleres Libres de Teatro con la iniciativa ‘La Caja’, promovidos por Francisco Beverido y yo; esta instancia la trabajamos y la pensamos en función de enriquecer el teatro universitario de escuelas y facultades de la UV”. En ese sentido, añadió que “lo importante era que hubiera festivales de teatro hechos por estudiantes de la UV, y es precisamente en estos talleres que Víctor Hugo Vázquez Rentería se acerca a la dramaturgia, por lo que Énfasis Teatro es la muestra fehaciente de este trabajo iniciado hace tres décadas y que hoy permanece a través de iniciativas como ésta que hoy cumple 12 años”. Desolados, de Calafia Piña (premio a mejor obra en el X Festival de Teatro UNAM), es una obra que ofrece de manera intimista un acercamiento al clima de violencia y desencanto en el que crecen muchos jóvenes mexicanos

Adriana Vivanco que se involucran en el tráfico de drogas. De este modo es que los protagonistas encarnados por los estudiantes Cinthia Campomanes y Enrique Quijano cuentan su historia de amor y desamor en un escenario con escasos elementos, destacando su capacidad histriónica. Énfasis Teatro surge en el año 2000, promovido por Víctor Hugo Vázquez, académico de la Facultad de Idiomas; desde entonces a la fecha ha realizado 12 montajes en los que han intervenido varias generaciones de estudiantes tanto de la Facultad como de otras entidades de la UV, quienes fueron reconocidos con diversos premios nacionales por su labor en todos los niveles que implica el arte escénico (actuación, dirección, vestuario, etcétera). Tren nocturno a Georgia, de María Luisa de la Medina, fue el montaje con el que dio inicio la trayectoria del grupo actoral; además, destacan en sus montajes Pelo de zanahoria, de Jules Renard; Crack o de las cosas sin nombre, de Edgar Chías, y La otra orilla, de Gao Xingjian. ❚

De la Facultad de Artes

Universitarios realizan curaduría para muestra de Miguel Fematt La experiencia da cuenta de los beneficios del MEIF que permite a los estudiantes aprender temas específicos a sus intereses profesionales, aseguró el artista

lumnos de la licenciatura en Artes Visuales de la Universidad Veracruzana (UV) realizarán la curaduría (proceso de análisis, selección, presentación y cuidado de las piezas que conforman una exposición) para una muestra de trabajos recientes del fotógrafo y académico Miguel Fematt, que se presentará en fecha por definir en la Unidad de Servicios Bibliotecarios y de Información (USBI) Xalapa. Estudiantes que cursan la experiencia educativa Curaduría, coordinada por María Guadalupe Buzo, serán los responsables de analizar y dar un orden y sentido a la lectura que se presentará con cerca de 30 retratos de jóvenes con piercings y tatuajes que Miguel Fematt ha realizado en los últimos dos años. “La maestra Buzo dividió su clase en dos grupos, uno se abocó a hacer el ejercicio curatorio con la obra de Manuel Velázquez y la otra mitad conmigo, de esto salió que tuviéramos entrevistas, que vieran mi trabajo. De ahí, el grupo tomó sus decisiones sobre los criterios a seguir para la selección y finalmente eligieron algo que a mí me

interesaba: la experiencia curatorial aplicada a mi trabajo reciente”, explicó Fematt. El fotógrafo y académico agregó que las imágenes base del trabajo fueron realizadas para el ensayo con el que adquirió la equivalencia de maestría por parte de la UV. Por ello, señaló, la obra había tenido una selección previa, realizada por él mismo. Ahora, le interesa ver una visión externa, precisamente con este grupo de estudiantes. “Estoy gozando mucho esta experiencia. Me parece que éste es un avance del Modelo Educativo Integral y Flexible (MEIF) que hace al alumno más responsable de su propia formación, porque ya no puede escudarse en el desempeño de un grupo, sino que tiene que exponerse y encontrar sus propios intereses, como ser curador de la obra de otro artista”, dijo. Fematt, quien ha destacado con su trabajo de desnudo masculino, afirmó que esta experiencia le ha permitido un acercamiento con los estudiantes desde una perspectiva diferente, alejada de criterios académicos y más vinculada con su discurso creativo.

Marcelo Sánchez Cruz “Hemos tenido buena comunicación con los estudiantes, ninguno es mi alumno, lo que está muy interesante porque ya no me ven con los ojos del rencor o del amor que como maestro te puedan tener; el trato es como un artista con quien van a trabajar en la curaduría de una exposición, el resultado se verá el día de la inauguración, pero de entrada el ejercicio me parece muy enriquecedor”, sostuvo. Además, afirmó que aprender los criterios para la selección, análisis y presentación de obra es una enseñanza necesaria para los artistas en formación, pues el papel del curador actualmente está siendo sujeto de análisis en el mundo del arte y puede cambiar la visión del trabajo del artista. “En este momento, el concepto de curador se ha asentado. A nivel general entendemos cuando decimos que una exposición está curada por determinada persona, lo que ahora hace que se analice mucho la figura del curador, razón por la que es valioso que los jóvenes conozcan, aprendan y manejen estos criterios”, aseguró. ❚

2 de marzo de 2012

Una amenaza elegante...

l autor no es, nunca lo fue, un mago creacionista; por el contrario, su proceder es similar al de un DJ que mezcla de distintas maneras los elementos preexistentes, tejiendo atmósferas, decorando interiores.

El arte es un sampleo de la experiencia, el eterno retorno de lo mismo, pero diferente ENTRONIZAR LA ORIGINALIDAD del autor, negando de esta manera la honorable cuota de colectivo anonimato que posee cada obra verdadera, además de desplazar la atención de la obra al personaje, ha sido una de las prácticas recurrentes para una crítica literaria burguesa, practicando formas cerradas de creatividad a través de pedagogías ociosas y en cierta medida estériles. La figura del autor debería estar más cercana –aunque no solamente– a la del reformador de la técnica, siendo consciente de su lugar como productor e incluso como producto, como tan encendidamente recomendara Walter Benjamin, quien en abril de 1943 dictaría su célebre conferencia “El autor como productor” (germen de su libro fundamental La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica) en la que describirá con vigente acierto dos puntos esenciales: 1) “Un artista que no enseña nada a sus colegas, no enseña nada a nadie”. El sentido de la frase es muy claro. Una obra que no cuestiona, que no problematiza sus fundamentos y aun su propia ontología, no es una obra revolucionaria y en ese sentido puede tratarse de una obra homologada, reactiva, y en el peor de los casos insulsa (queda claro que Moenia nunca sonará como Depeche Mode y que los piratas de Álvaro Mutis resultan marineros de agua dulce en comparación con los de Joseph Conrad). Es célebre el aforismo de Barthes acerca de que la burguesía lo tolera todo menos la alteración de la sintaxis.

2) Este estado de cosas, en opinión de Benjamin, “le presentan al artista sólo una exigencia: la de reflexionar, preguntarse por su posición en el proceso de producción”. Toda creación, para asumirse como tal, deberá desmontarse de continuo; ser una obra abierta, en permanente proceso (de)construcción. Una obra revolucionaria, más que cumplir con una deontología política o una orientación ideológica, deberá, además de contraponer, denostar y embellecer las experiencias, analizar el ambiente de su aparición, sopesar su pertinencia simbólica pero sobre todo deberá pensar-se. Alvin Kernan, en su delicioso libro La muerte de la literatura, examina los problemas centrales de la producción literaria. Revisa con cautela, pero de manera sistemática, los derechos morales del artista, la ideología como estética, el crítico como revolucionario y las sutiles diferencias entre plagio y poética: los escabrosos límites de la propiedad literaria. Los análisis de Kernan, si bien se centran en la literatura, son aplicables a todos los artistas. ¿Dónde entonces queda la obra del creador?, ¿es dueño de algo, el estilo es su nombre?, ¿cuáles son sus derechos, cuál el fruto de su trabajo? A estas alturas es imposible seguir soslayando el peso y la relevancia del copyright, menos ahora, en las plásticas y escurridizas temporalidades electrónicas. Toda obra creada desde el ahora será un remix o no será. Kernan, a través de una brevísima genealogía del término, señala que los derechos de reproducción sólo podrían haberse gestado en la sociedad de la imprenta, en la galaxia Gutenberg. Los derechos de autor como estatuto legal para instaurar –y con ello desarrollar la lógica del capitalismo tardío al interior de la creación– la propiedad intelectual. El derecho de posesión de las ideas y la posibilidad de patentar los delirios de la fiebre y los arrebatos de la fantasía mucho asemejan una cacería de fantasmas. La antigua valoración de la “originalidad” unida a la mitología romántica, al pensamiento reproduccionista y a la figura del autor como pequeño reyezuelo, contribuyeron a forjar la estatua hueca y enorme que circunda a los creadores. La propiedad intelectual, en medio del estado de disipación en

que se encuentra, debería, si no abolida, ser redimensionada en un contexto democrático e incluyente con una orientación crítica y responsable. Las cosas, en el fondo, son sencillas. En un mundo de piratas el hecho de tomar prestado de otros no tiene nada de extraordinario (siempre y cuando se consigne), por el contrario es allí precisamente donde radica el arte y la voluntad de los creadores: en transformar lo preexistente. Con esta reflexión, faltaba más, no es ni de lejos mi intención exonerar a los delincuentes de la calaña de Sealtiel Alatriste y tantos otros como él, personajes tramposos y corruptos que amparados por una distorsión de esta poética (poco es lo que se puede esperar de un lector gandaya) y confundiendo mañosamente la apropiación con el plagio, hacen pasar como suyas las reflexiones y los esfuerzos de otros. Hay que ser muy caradura pero sobre todo infeliz y temerario para intentar dar gato por liebre cuando a ojos vistas, diría mi abuela, están robando. Por otra parte, si bien obras insignes han navegado los procelosos mares del arte sin autores reconocibles –piénsese en la Biblia, el Corán o el Lazarilllo de Tormes– es un hecho que el “Sr. Anónimo”, con la sutil levedad que le concede su ausencia, despliega una corporeidad encantadora, mística, cuasi material. Las obras anónimas, sobre todo las buenas, bien podrían ir firmadas por Fantomas: una amenaza elegante. En alguna ocasión, no recuerdo si fue Borges o Neruda, en cualquier caso un verdadero poeta, sostuvo que el mayor reconocimiento al que podría aspirar un autor es que sus versos se confundieran con las palabras de la muchedumbre: que mi rostro se borre, pero no su canto. En literatura, sobre todo la que verdaderamente vale la pena, el autor es lo de menos, y el ideal, si no es posible desaparecer del todo, sí lo es conseguir el anonimato: ser sólo una voz en un escenario vacío y saber, como supo Kierkegaard, que “quizás no hay poeta, aunque haya poema: como si se oyera la flauta y no hubiera flautista”. ✦

DIRECTORIO DE SITIOS Y ESPACIOS CULTURALES* ÁGORA DE LA CIUDAD Bajos del Parque Juárez ALKIMIA González Ortega 20 AMARILLO ESPACIO Franceschy 17, Centro ASTILLA TEATRO Alamos y Magnolia AUDITORIO DE LA NORMAL VERACRUZANA Av. Xalapa s/n

CASA DEL LAGO Paseo de los Lagos s/n Tel. 812 1299 CENTRO DE ESTUDIOS EN EL ARTE DE LOS TÍTERES Calle 13 de septiembre 37 Tel. 818 8735 CENTRO RECREATIVO XALAPEÑO Xalapeños Ilustres 31, Centro Tel. 818 8735

AUDITORIO DEL INSTITUTO SUPERIOR DE MÚSICA DEL ESTADO DE VERACRUZ Arco Sur 1, Reserva Territorial Tel. 819 3648. 819 3649

CINEPOLIS Plaza Las Américas Av. Lázaro Cárdenas s/n Tel. 812 7358 y 812 5214 Plaza Museo Lucio Blanco 45 Tel. 814 9901 y 814 2721

CAFÉ TIERRA LUNA Rayón 18 Tel. 812 1301

EL REFUGIO, FORO ALTERNATIVO Miguel Palacios 27, Centro

CASA DE LA CULTURA DE COATEPEC Pedro Jiménez del Campillo 4, esq. Cuauhtémoc, Centro, Coatepec, Veracruz

EL SITIO DE LOS MILAGROS Plaza Milagros 5 de mayo 7 Coatepec, Ver Tel. 841 0190

ESCUELA VERACRUZANA DE CINE LUIS BUÑUEL Belisario Domínguez 31 Tel. 8 18 68 62

GALERÍA FERNANDO VILCHIS, INSTITUTO DE AP Av 1o de mayo No 21, Col. Obrero-Campesina, Tel. 840 3244

FACULTAD DE DANZA UV Belisario Domínguez 25 Tel. 818 7038

GALERÍA MARIE LOUISE FERRARI Alfaro 10, Centro Tel. 818 1158

FORO LA RUECA DE GANDHI Úrsulo Galván 65, Centro Tel. 818 1920

GALERÍA RAMÓN ALVA DE LA CANAL Zamora 27, Centro Tel. 817 7579

FRIDARTE CENTRO CULTURAL Francisco Vázquez Gómez 13, Valle Rubí-Ánimas Tel.812 5584

JARDÍN DE LAS ESCULTURAS IVEC Murillo Vidal s/n Tel. 812 7369

GALERÍA DE ARTE CONTEMPORÁNEO IVEC Xalapeños Ilustres 135, Centro Tel. 818 0412 GALERÍA CURIEL Av. 1 de Mayo 95, Col. Obrero Campesina Tel. 167 0529

LA CEIBA GRÁFICA Ex Hacienda La Orduña Coatepec, Veracruz LA DOSIS Azueta 125 esq. Melchor Ocampo LA FÁBRICA TV Ávila Camacho 23 piso 2 . Centro Tel. (228) 8121995

GALERÍA DE LA LA MALTA FACULTAD DE AP UV Belisario Dominguez 25, Centro Callejón González Aparicio 12 Tel. 817 3120

TEATRO DEL ESTADO Av. Avila Camacho s/n

LA TASCA Xicoténcatl 76 bis Tel. 814 1162

TEATRO LA CAJA Calle Pérgola s/n

MUSEO DE ANTROPOLOGÍA DE XALAPA Av. Xalapa s/n Centro Tel. 818 7562

TEMPESDANZA 20 de Noviembre Nte. 51 Tel. 890 1189

PATIO MUÑOZ Pino Suárez 38, Centro

ZONA CENTRO Juárez 123

PINACOTECA DIEGO RIVERA IVEC J.J. Herrera 5, Centro Tel. 818 1819

*Consignados en la cartelera de Performance

REALIA, INSTITUTO CULTURAL DE XALAPA Xalapeños ilustres 66, Centro

sta cartelera es un servicio gratuito que PERFORMANCE brinda a la comunidad. Para verificar horarios y cualquier asunto relacionado con la información –que nos las proporcionan los organizadores– le sugerimos llamar a los teléfonos que aparecen en el Directorio. Si desea que su información se incluya en este espacio, remita su correspondencia a:

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