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FLIPBOOK Un flipbook es un libro que contiene una serie de imágenes que varían gradualmente de una página a la siguiente, para que, cuando las páginas se pasen rápidamente, las imágenes parezcan animarse simulando un movimiento u otro cambio. Son ilustrados usualmente por niños, pero pueden estar también orientados a adultos y emplear una serie de animaciones.

Los Flipbooks son esencialmente una forma primitiva de animación. Como una película cinematográfica, se basan en lapersistencia retiniana para crear la ilusión de movimiento continuo en lugar de una serie de imágenes discontinuas sucesivas. En lugar de leer de izquierda a derecha, el espectador simplemente fija la vista en el mismo lugar de la imagen mientras se voltean las páginas. El libro debe también ser recorrido con suficiente velocidad para que se cree la ilusión, es por eso que la forma normal de verlo es teniendo el folioscopio con una mano y pasar las páginas con el pulgar de la otra mano es por ello que se ha acuñado el término cine de pulgar que refleja este proceso.

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Persistencia Retiniana La persistencia de la visión fue un supuesto fenómeno visual descubierto por Peter Mark Roget que demostraría como una imagen permanece en la retina humana una décima de segundo antes de desaparecer por completo. Según sus estudios, esto permitiría que veamos la realidad como una secuencia de imágenes ininterrumpidas y que podamos calcular fácilmente la velocidad y dirección de un objeto que se desplaza, si no existiese, veríamos pasar la realidad como sucesión de imágenes independientes y estáticas. Plateau creyó descubrir que nuestro ojo ve con una cadencia de 10 imágenes por segundo. En virtud de dicho fenómeno, las imágenes se superponen en la retina y el cerebro las "enlaza" como una sola imagen visual, móvil y continua. Se supuso que el cine aprovechaba este efecto y provoca ese "enlace" proyectando a más de 10 imágenes por segundo (generalmente 24), lo que genera en nuestro cerebro la ilusión de movimiento (en televisión se da 25 fotogramas por segundo).

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12 PRINCIPIOS DE ANIMACION

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Los 12 principios de la Animación Los 12 principios para la animación fueron creados en los años 30 por animadores en los Estudios de Disney. Se trata de una serie de reglas básicas de animación que se utilizaron como base creativa y de producción de dibujos animados en aquella época. Estos 12 principios ayudaron a que el oficio de la animación pasara de ser algo novedoso a ser una forma de arte. Fueron aplicados inicialmente a los clásicos animados de Disney, como Blancanieves, en 1937, Pinocho y Fantasía, en el 40, Dumbo, en el 41 y Bambi, en 1942.

Estos principios hoy siguen funcionando, ayudan a crear personajes y situaciones más creíbles, proporcionan sensación de realidad. Para 3D estos principios se han tenido que reinterpretar y expandir, incluso se han tenido que añadir algunos principios adicionales que den soporte a los nuevos estilos y técnicas utilizados en la animación. Esto es porque en los años 30, el estilo dominante era la animación narrativa cartoon pose a pose. Durante este tiempo, las técnicas y los estilos de la animación han cambiado enormemente.

Los 12 principios han evolucionado para adaptarse a la animación 3d: -ENCOGER Y ESTIRAR (Squash and Strech) La exageración, la deformación de los cuerpos flexibles. Sirve para lograr un efecto más cómico o bien más drámatico. El estiramiento muchas veces se relaciona con la velocidad y la inercia.

-ANTICIPACIÓN (Anticipation) Se anticipan los movimientos, esto guía la mirada del espectador. Anuncia sorpresa. Se verán tres pasos: Anticipación (nos prepara para la acción); la acción en sí misma y la reacción (recuperación, término de la acción).

-PUESTA EN ESCENA (Staging) Representación de una idea. Con este principio traducimos las intenciones y el ambiente de la escena a posiciones y acciones específicas de los personajes.

Poniendo en escena las posiciones claves de los personajes definiremos la naturaleza de la acción. Hay varias técnicas de puesta en escena para contar una historia visualmente, esconder o revelar el punto de interés, o las acciones en cadena, acción – reacción, son dos ejemplos.

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-ACCIÓN DIRECTA Y POSE A POSE (Straigh ahead action and pose-to-pose) Éstas son en realidad dos técnicas de animación diferentes. En la acción directa creamos una acción continua, paso a paso, hasta concluir una acción impredecible, y en la acción pose a pose desglosamos los movimientos en series estructuradas de poses clave.

La acción directa se distingue por la fluidez del movimiento, proporciona un look fresco, suelto y desenfadado. Influye la creatividad.

En la acción pose a pose se desarrolla un planteamiento inicial, es una animación más controlada que viene determinada por el número de poses y las poses intermedias.

Se pueden mezclar estas dos técnicas.

-ACCIÓN CONTINUADA Y SUPERPUESTA (Follow through and overlapping action) Estas dos técnicas ayudan a enriquecer y dar detalle a la acción. En ellas el movimiento continúa hasta finalizar su curso.

En la acción continuada, la reacción del personaje después de una acción nos dice cómo se siente el personaje.

En la acción superpuesta, movimientos múltiples se mezclan, se superponen, e influyen en la posición del personaje.

En la animación 3D se utiliza mucho la acción continuada, por ejemplo en las simulaciones dinámicas de la ropa o el pelo.

-FRENADAS Y ARRANCADAS (Ease in and out on slow in and out) Acelerar el centro de la acción mientras que se hacen más lentos el principio y el final de la misma.

-ARCOS (Arcs) Al utilizar los arcos para animar los movimientos del personaje le estaremos dando una apariencia natural, ya que la mayoría de las criaturas vivientes se mueven en trayectorias curvas, nunca en líneas perfectamente rectas.

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-ACCIÓN SECUNDARIA (Secondary action) Pequeños movimientos que complementan a la acción dominante. Son resultantes de la acción principal. La acción secundaria no debe estar más marcada que la acción principal.

-SENTIDO DEL TIEMPO (Timing) Da sentido al movimiento. El tiempo que tarda un personaje en realizar una acción. Las interrupciones en los movimientos. Aquí se define también el peso del modelo y la sensaciones de escalas y tamaños.

-EXAGERACIÓN (Exageration) Acentuar una acción. La hace más creíble.

-MODELADOS Y ESQUELETOS SÓLIDOS Un modelado y un sistema de esqueleto sólido, o un dibujo sólido como se decía en los años 30, ayudarán al personaje a cobrar vida. El peso, la profundidad y el balance simplificarán posibles complicaciones en la producción debidas a personajes pobremente modelados. Además, hay que poner atención a las siluetas al alinear los personajes con la cámara.

-PERSONALIDAD (Acting) Esto proporciona conexión emocional con el espectador. Se trata de la personalidad del personaje, que sea coherente con sus movimientos.

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Eadweard Muybridge Eadweard Muybridge (seudónimo de Edward James Muggeridge) fue un fotógrafo e investigador nacido en Kingston upon Thames (Gran Bretaña) el 9 de abril de 1830. Cambió su nombre cuando emigró a los Estados Unidos en 1851. Murió el 8 de mayo de 1904. Sus experimentos sobre la cronofotografía sirvieron de base para el posterior invento del cinematógrafo.

Eadweard Muybridge comenzó trabajando en la encuadernación y venta de libros.

Más tarde se interesó en la fotografía y, en una visita a los Estados Unidos en 1860, aprendió sobre el proceso del colodión húmedo (una especie de barniz que se aplicaba a las placas sobre el cual se extendía la emulsión química fotosensible). En 1867, con el nombre comercial de Helios, se dio a la tarea de registrar el escenario del lejano oeste con su habitación oscura móvil, The Flying Studio (El estudio volador). Produjo notables vistas estereoscópicas y más tarde panoramas, incluyendo series importantes sobre la ciudad de San Francisco. Luego comenzó a trabajar para el Coast and Geodetic Survey.

En 1872, una polémica enfrentaba a los aficionados a los caballos de California. Leland Stanford, ex gobernador del Estado y poderoso presidente de la Central Pacific Railway, y un grupo de amigos suyos sostenían que había un instante, durante el trote largo o el galope, en que el caballo no apoyaba ningún casco en el suelo. Otro grupo, del que formaba parte James Keene, presidente de la Bolsa de Valores de San Francisco, afirmaba lo contrario.

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Charles-Émile Reynaud Charles-Émile Reynaud (Montreuil, (Francia) 8 de diciembre de 1844 - Ivry-surSeine, 9 de enero de 1918) fue un inventor y pionero del cine de animaciónfrancés que perfeccionó el zoótropo e inventó el praxinoscopio en 1877. Patentó una mejora considerable de su invento en 1888 al que bautizó con el nombre deThéâtre Optique (Teatro óptico). Fue el primero, además, en perforar la película, como medio de arrastre mecánico. Sus proyecciones estaban sincronizadas con música compuesta por él mismo y efectos sonoros. Sus películas presentan breves escenas humorísticas con un tono naif y poético. Reynaud, en resumen, fue el primero en conseguir pasar del movimiento cíclico de figuras dibujadas a un discurso visual dotado de argumento.

Desde 1832 se venían creando toda una serie de juguetes ópticos destinados a ofrecer la ilusión del movimiento mediante secuencias de imágenes que pasaban ante tipos distintos de obturador. Reynaud se aplicó a conseguir un medio que evitara la obstrucción del noventa por cien de la luz que produce la obturación. Lo consiguió sustituyéndolo por un tambor poligonal giratorio de espejos pintados con imágenes que, iluminadas en todo momento, eran vistas a través de una ventanita. En diciembre de 1877 patentó este sistema con el nombre depraxinoscopio. El ingenio tuvo un gran éxito comercial como juguete y obtuvo una mención especial en la Exposición Universal de París de1878.

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Georges Méliès Georges Méliès (8 de diciembre de 1861 – 21 de enero de 1938) fue un ilusionista y cineasta francés famoso por liderar muchos desarrollos técnicos y narrativos en los albores de la cinematografía. Méliès, un prolífico innovador en el uso de efectos especiales, descubrió accidentalmente el stop trick en 1896 y fue uno de los primeros cineastas en utilizar múltiples exposiciones, la fotografía en lapso de tiempo, las disoluciones de imágenes y los fotogramas coloreados a mano. Gracias a su habilidad para manipular y transformar la realidad a través de la cinematografía, Méliès es recordado como un «mago del cine». Dos de sus películas más famosas, Viaje a la Luna (1902) y El viaje imposible (1904), narran viajes extraños, surreales y fantásticos inspirados por Julio Verne y están consideradas entre las películas más importantes e influyentes del cine de ciencia ficción. Méliès fue también un pionero del cine de terror con su temprana película Le Manoir du Diable (1896).

Nació el 8 de diciembre de 1861 en el boulevard Saint-Martin de París. Director de teatro y actor, su padre era un conocido empresario del calzado parisino. Desde pequeño mostró interés y habilidad en el dibujo. Durante su estancia en Inglaterra, y debido a que su falta de soltura con el lenguaje le impedía comprender las obras de teatro, entró en contacto con el mundo del ilusionismo al frecuentar la "Egyptian Hall", sala de variedades dirigida por el célebre mago Maskelyne.

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Émile Courtet Émile Courtet, más conocido como Émile Cohl, fue un dibujante francés, nacido en París el 4 de enero de 1857 y fallecido en Villejuif el 20 de enero de1938. Fue uno de los pioneros de los dibujos animados.

Desde 1908 hasta 1923, realizó unas 300 películas, en las que utilizaba diversas técnicas, como el dibujo, juegos con cerillas, papel recortado y marionetas.

También fue caricaturista, ilustrador, fotógrafo, autor dramático, actor, pintor, periodista e ilusionista.

Era uno de los clientes asiduos de los cabarets parisinos Le Chat Noir y el Lapin Agile. También fue miembro del club literario Les Hydropathes.

A lo largo de su carrera estrenó muchas películas de dibujos animados, con gran éxito, pero sin duda una de ellas es recordada especialmente. Fantasmagorie, la primera película de dibujos animados de la historia, estrenada el 17 de agosto de 1908 en París, fue todo un acontecimiento. No llega a los dos minutos de duración y, sin embargo, quienes asistieron por primera vez a su proyección, quedaron impresionados al ver los dibujos de Cohl moverse libremente en el espacio.

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James Start Blackton James Start Blackton (Sheffield, de Yorkshire, en Inglaterra, 5 de agosto de 1875 Hollywood, de California, 13 de agosto de 1941) fue un productor de películas mudas. Es considerado el padre de la animación estadounidense.

Cuando tenía 10 años, Blackton y su familia emigraron a Nueva York. En 1894, él y dos personas, Albert E. Smith y Ronald A. Reader, formaron una asociación para hacer vaudeville. Smith se llamaba a sí mismo un "Komikal Konjurer" y Blackton se llamaba a sí mismo el "Komikal Kartoonist", y Reader operaba una primera versión de un proyector llamado la linterna mágica. Blackton y Smith produjeron el campo del cine de animación, en la que aparece el propio Blackton en campo dibujando sobre un papel el rostro de un hombre de gesto cómico, junto a una botella y un vaso con el que el dibujante se sirve algunas copas mientras el hombre dibujando se va enfadando. El acto de Blackton consistía en "bosquejos de relámpago". El acto no juntó mucho dinero y el trío se separó para tener trabajos regulares.

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Winsor McCay Zenas Winsor McCay, conocido como Winsor McCay (Woodstock, Ontario, Canadá, 26 de septiembre de 1867 – Nueva York, 26 de julio de1934) fue un historietista estadounidense, uno de los más importantes de la historia del cómic, autor del clásico Little Nemo in Slumberland. Fue también un destacado pionero del cine de animación, muy influyente en autores como Walt Disney u Osamu Tezuka, con películas como la innovadora Gertie el dinosaurio.

La obra maestra de McCay, Little Nemo in Slumberland, inició su publicación en la edición dominical del New York Herald el 15 de octubre de 1905, y continuó apareciendo semanalmente en el mismo periódico hasta el 23 de abril de 1911.

El 30 de abril de 1911, Little Nemo pasó a publicarse en el New York American y otros periódicos propiedad de William Randolph Hearst, con el nuevo título de In the Land of Wonderful Dreams. Esta nueva etapa de la serie se prolongó hasta el 26 de julio de 1914. Años después, McCay haría reaparecer a Little Nemo en las páginas del New York Herald entre 1924 y 1926, sin alcanzar el éxito de la primera época del personaje.

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Quirino Cristiani Quirino Cristiani (Santa Giuletta, 2 de julio de 1896 − Bernal, 2 de agosto de 1984) fue un caricaturista y director de animación italiano radicado en Argentina responsable de los dos primeros largometrajes de animación y del primer largometraje de animación sonoro del mundo.

En 1916, a los 19 años de edad, fue contratado por el italiano Federico Valle (que poseía un estudio cinematográfico en Buenos Aires) para dibujar caricaturas e incluirlas en sus películas informativas de cortometraje.1 Ante la indicación por parte de Valle que no admitiría imágenes fijas en sus filmaciones, Cristiani debió idear una manera de darle movimiento a sus dibujos.

Con estas influencias fue que desarrolló las técnicas de la animación, que le permitieron realizar en 1917 el primer largometraje de dibujos animados de la historia, El apóstol. El largometraje fue producido por el propio Valle y financiado por el dueño de la cadena de cines (de apellido Franchini), donde se proyectaría la película. Para el film se utilizaron 58 mil dibujos2 en 35 mm (a razón de 14 cuadros por segundo),3además de varias maquetas que representaban edificios públicos como el Congreso de la Nación Argentina, la Aduana de Buenos Aires y el edificio deObras Sanitarias de la Nación, además de anegar las calles de la ciudad.

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Frederick Bean Avery Frederick Bean Avery (conocido como Tex Avery o Fred Avery) (26 de febrero de 1908 - 26 de agosto de 1980) fue un animador, dibujante, y director estadounidense, famoso por producir dibujos animados durante la edad de oro de Hollywood. Hizo su trabajo más significativo para laWarner Bros. y los estudios de Metro Goldwyn Mayer, creando o desarrollando plenamente los personajes del Pato Lucas, Bugs Bunny, Droopy,Lobo McLobo, Screwball Squirrel, Porky y a Chilly Willy. Su influencia se extiende a casi todos los estudios desde los años 40 y 50 hasta la actualidad.

El estilo de Avery rompió el molde del realismo establecido por Walt Disney, y alentó a los animadores a llegar al límite del medio para hacer cosas en animación que no se podían hacer en las películas con actores. Avery solía decir: “en animación puedes hacer cualquier cosa”, y sus trabajos hicieron eso muy a menudo.

Avery, con la ayuda de Clampett, de Jones, y del nuevo director asociado Frank Tashlin, puso los cimientos para la fundación de un estilo de animación que destronó al estudio de Walt Disney como el rey de películas cortas animadas, creando una legión de estrellas de caricaturas cuyos nombres todavía brillan en el mundo de hoy. Avery estuvo profundamente implicado: de carácter perfeccionista, Avery tramó constantemente chistes para las caricaturas, proporcionó su voz periódicamente para los personajes (incluyendo su risa de vientre, una marca registrada), y ejerció tal control sobre la realización de los cortos que él mismo quitaría fotogramas del negativo final si consideraba que el tiempo de algún chiste visual no era absolutamente correcto.

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Joseph Roland Joseph Roland "Joe" Barbera (24 de marzo de 1911 - 18 de diciembre de 2006) fue un animador, creador de storyboards, director y productorestadounidense.

Cofundó junto a William Hanna el estudio de animación Hanna-Barbera (luego absorbido por Warner Bros. Animation y convertido en Cartoon Network Studios tras la muerte de Hanna en 2001). El estudio creó dibujos animados los cuales obtuvieron mucha popularidad, tales como Tom y Jerry, The Huckleberry Hound Show, Los Picapiedra, Los Supersónicos y Scooby-Doo. Hanna y Barbera ganaron siete premios Óscar y ocho premios Emmy. Sus personajes se han convertido en íconos de la cultura popular y han aparecido en otros medios como películas, libros y juguetes. Las series de televisión creadas por el estudio han sido traducidas a más de 20 idiomas.

Mientras estaba en la escuela secundaria, Barbera trabajó como repartidor en una sastrería.8 Durante la Gran Depresión, trató de convertirse en el caricaturista de una revista llamada The NY Hits Magazine, pero sin éxito. Tras esto comenzó a trabajar en un banco, mientras promocionaba sus dibujos en distintos medios.

Estos consistían en caricaturas de una sola viñeta, y fueron posteriormente publicados en Redbook, The Saturday Evening Post y Collier's Weekly-revista donde tuvo el mayor éxito.9 Barbera incluso escribió al director Walt Disney para que le diera algunos consejos acerca de la industria de la animación.10 Disney respondió a su carta diciendo que lo llamaría cuando estuviera en Nueva York, pero esto no sucedió.

Barbera estudió en las escuelas de arte Art Students League of New York y Pratt Institute, siendo posteriormente contratado por Fleischer Studios para trabajar en el departamento de pintura. En 1932 se incorporó a Van Beuren Studios, donde fue guionista y animador.11 Allí trabajó en dibujos animados como Cubby Bear y Rainbow Parades, y produjo además los cortometrajes de los personajes Tom y Jerry-estos no presentaban similitud alguna con el gato y el ratón del mismo nombre. Cuando el estudio fue cerrado en 1936, Barbera se trasladó al estudio de Paul Terry,Terrytoons.

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Ray Harryhausen Ray Harryhausen (Raymond Frederick Harryhausen: Los Ángeles, 29 de junio de 1920 - Londres, 7 de mayo de 2013)1 fue un técnico enefectos especiales y productor cinematográfico estadounidense.

Era especialmente conocido por su estilo en la técnica de animación stop motion.

Algunos de sus más notables trabajos son El gran gorila en 1949 (junto a Willis O'Brien, película que obtuvo un Óscar a los mejores efectos visuales), Simbad y la princesa en 1958 (su primera película en color), Jasón y los argonautas en 1963 y Furia de titanes en 1981.

Falleció el 7 de mayo de 2013 en Londres, a los 92 años.

Después de la II Guerra Mundial, Harryhausen adquirió más de 1.000 metros de película militar no utilizado y realizó una serie de cortos de cuento de hadas con sabor a Puppetoon, que lo ayudó a conseguir un trabajo con Willis H. O'Brien y Marcel Delgado en El gran gorila (1949) .Aunque O'Brien recibió crédito por ello, el 85% de la animación actual hecho por Harryhausen. Verdadero avance de Harryhausen, sin embargo, se produjo cuando fue contratado por la Warner Brothers para hacer los efectos especiales de El monstruo del mar (1953). El presupuesto de la película de 200.000 dólares significaba que Harryhausen se vería obligado a improvisar para obtener los tipos de efectos de calidad que quería, y con ese fin se enteró de una técnica llamada "pantalla dividida" (proyección trasera en la superposición de pantallas en miniatura) para insertar los dinosaurios y otra fantástica bestias en fondos del mundo real. El resultado fue una de las películas de ciencia ficción más influyentes de la década de 1950.

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Ralph Bakshi Ralph Bakshi (Haifa, Mandato Británico de Palestina; 29 de octubre de 1938) es un cineasta y animador estadounidense. A medida que la industria de la animación estadounidense declinaba durante las décadas de 1960 y 1970, Bakshi intentó innovar y fue pionero de la animación para adultos con El gato Fritz, película basada en el personaje de Robert Crumb. En 1978 dirigió la primera adaptación cinematográfica de El Señor de los Anillos, la novela de fantasía heroica de J. R. R. Tolkien. Su última película se remonta a 1992 con Cool World, que mezcla imagen real condibujos animados, aunque actualmente trabaja en Last Days of Coney Island, un largometraje de animación financiado en masa mediante el sitio web Kickstarter. El estreno está previsto para 2014.

En 1981 lanzó American Pop, donde aborda la evolución de un grupo de música americano donde incluye como banda sonora músicas de George Gershwin, Dave Brubeck, Herbie Hancock, Bob Dylan, The Doors, Velvet Underground y Jimi Hendrix, entre otros. Seguidamente Hey Good Lookin (1981) y Fire and Ice (1983), colaborando con Frank Frazetta, renombrado ilustrador de cómics fantásticos, que cuenta la historia de un héroe que salva a una princesa de las garras de un tirano que tiene el poder de dominar el hielo.

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PAT SULLIVAN Patrick Sullivan (1887 – 15 de febrero de 1933) fue un productor australiano, conocido por la producción de los primeros cortos mudos de el gato Félix. Es un tema de disputa quien creó al personaje, él o el animador Otto Messmer. Félix fue el personaje animado más popular hasta los años 1930, cuando los distribuidores de Sullivan cancelaron su contrato ya que se negó a trabajar en el cine sonoro. Sullivan lo pensó nuevamente y en 1933 anunció que el personaje regresaría con sonido, pero murió un año después del inicio de la producción.

En 1917, Sullivan pasó 9 meses en prisión por ser encontrado culpable de la violación de una niña de 14 años de edad.1 2 Su esposa, Marjorie, murió en marzo de 1932.

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Otto Messmer Otto Messmer (16 de agosto de 1892 - 28 de octubre de 1983) fue un animador estadounidense, conocido por su trabajo en los dibujos animados y tiras cómicas de el gato Félix, producidos por el estudio de Pat Sullivan. El grado de participación de Messmer en la creación y popularidad de Félix es motivo de disputa, debido particularmente a que demandó su importancia luego de la muerte de Sullivan, quién había recibido hasta entonces el crédito.

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Lotte Reiniger Charlotte Reiniger (2 de junio de 1899 Berlín-Charlottenburg, Imperio Alemán - † 19 de junio de 1981 Dettenhausen, RFA) fue una cineastaalemana (posteriormente nacionalizada británica), famosa por sus películas de animación con siluetas, especialmente Las aventuras del príncipe Achmed (1926).

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Tony Sarg Anthony Frederick Sarg (21 abril 1880 a 17 febrero 1942), conocida profesionalmente como Tony Sarg, era un alemán Americana titiritero e ilustrador.Fue descrito como "Puppet Master de Estados Unidos", y en su biografía como el padre de la marioneta moderna en América del Norte.

Sarg nació en Cobán , Guatemala , a Francis Charles Sarg y su esposa, Mary Elizabeth Parker. El anciano Sarg fue un cónsul que representaAlemania , Parker era Inglés .

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Max Fleischer Max Fleischer (Cracovia, 19 de julio de 1883 – Los Ángeles, 11 de septiembre de 1972) fue uno de los pioneros en la creación de dibujos animados. Es el creador de Betty Boop y Koko el payaso, y quien llevara al cine a Popeye y al Superman animado. También se encargó de realizar unas cuantas innovaciones tecnológicas.

Fleischer tuvo la idea de usar fotogramas de cine capturados de la realidad para usarlos como referencia al dibujar animación, y así patentó larotoscopia en 1917. Usó esta técnica junto a su hermano Dave en su primer cartoon en 1915.

En 1919 estableció los 'Fleischer Studios' para producir dibujos animados y cortometrajes.

Inventó el rotógrafo para agregar dibujos animados en películas reales. En uno de sus films de Koko el payaso incorpora a un gatito real.

Hizo los primeros dibujos animados con sonido de la historia en 1924 usando un proceso de sincronización de Lee De Forest. Aunque lacompañía Disney se lo adjudica a su corto Steamboat Willie, que fue realizado años más tarde.

Su hijo Richard Fleischer se dedicó al mundo de la dirección de cine.

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Walter Lantz Walter Benjamin Lantz (Nueva Rochelle, EE. UU., 27 de abril de 1899 – Burbank, EE. UU., 22 de marzo de 1994) fue un caricaturista yanimador estadounidense, conocido por fundar Walter Lantz Productions y crear al Påjaro Loco.

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Walt Disney Walter Elias Disney (Chicago, Illinois, 5 de diciembre de 1901 — Burbank, California, 15 de diciembre de 1966) fue un productor, director, guionista y animador estadounidense. Figura capital del cine de animación en los Estados Unidos y en todo el mundo, es considerado un icono internacional gracias a su influencia y sus importantes contribuciones a la industria del entretenimiento estadounidense durante gran parte del siglo XX. Fundó junto a su hermano Roy O. Disney la compañía Walt Disney Productions,1 que años después se convirtió en la más célebre productora del campo de la animación y en la actualidad es la mayor compañía de medios de comunicación y entretenimiento del mundo. Esta corporación, que se conoce hoy con el nombre de The Walt Disney Company, obtuvo solo en el año 2010 unos beneficios de 36.000 millones de dólares.

En su faceta de animador y empresario, Disney adquirió renombre como productor de cine, como innovador en el campo de la animación y como diseñador de parques de atracciones. Junto a su equipo creó algunos de los personajes de animación más famosos, en especial Mickey Mouse, una caricatura de ratón a la que el propio Disney prestó su voz originalmente. Durante su extensa y exitosa carrera en el cine de animación fue galardonado con 22 premios Óscar de un total de 59 nominaciones y recibió cuatro premios de la Academia honoríficos, lo que lo convierte en la persona que más premios de este tipo ha ganado en toda la historia.3 También ganó siete premios Emmy. Walt Disney murió el 15 de diciembre de 1966 a causa de un cáncer de pulmón.

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Berthold Bartosch Se trasladó a Berlín en 1920 y colaboró con Lotte Reiniger en su papel silueta animaciones: • El ornamento del Corazón cariñoso • La batalla de Skagerrak • Las aventuras del príncipe Achmed Doctor Dolittle En 1930 Bartosch trasladó a París y creó la película de 30 minutos titulado L'idee ( La Idea ) a la que tiene más recordado por. La película es descrita como la primera poesía, trabajo serio y trágico en la animación. Caracteres y telones de fondo de la película fueron compuestas de varias capas de diferentes tipos de papel de semi-transparente a grueso de cartón . Efectos especiales como halos , el humo y la niebla se hicieron con espuma propagación en placas de vidrio y iluminado desde atrás. Bartosch basa la película en una novela sin palabras de grabados en madera por Frans Masereel , La Idea (1920).

L'idee, cuando se lanzó en 1933, contó con una puntuación por el compositor Arthur Honegger , incluyendo un ondes Martenot , que se cree que es el primer uso de un instrumento musical electrónico de la historia del cine. Al año siguiente, Franz Waxman puntuación 's para Liliom (1934) utilizó un theremin .

De 1935 a 1939, Bartosch trabajó en una película contra la guerra, St. Francis o pesadilla y los sueños. Cuando los nazis invadieron París, él depositó la película en la Cinémathèque Française . La película fue destruida durante la ocupación nazi, y existen pocas imágenes fijas.

En 1948, pasó un año trabajando para la UNESCO en París tutoría George Dunning , un animador londinense conocida por su relación con los Beatles película de animación 's, Yellow Submarine (1968).

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Bill Nolan William "Bill" Nolan (junio 10, 1894-diciembre 06, 1954) fue un estadounidense de origen irlandés Animación escritor , animador , director y artista . Él es mejor conocido por la creación y el perfeccionamiento de la manguera de goma estilo de animación y para racionalizar el Gato Félix . De 1925 a 1927, trabajó en una adaptación animada suelta de George Herriman 's Krazy Kat de Margaret J. Winkler y de 1929 a 1934, trabajó como animador, storyman y director en el Walter Lantz Studio en el Oswald el conejo afortunado serie.

Bill era importante que él era un pionero del estilo del arte rubberhose que definió clásica de animación-el origen de la misma se inició en 1924, cuando se trabaja en Felix el Gato con Otto Messmer , que decidió rediseñar Felix en un diseño más suave, más curvas que antes, no sólo para hacer más fácil para que la animación se superponga y ser más suave, pero también hacer la animación una carga menor para los trabajadores. Por lo tanto, él es el padre de las extremidades Rubberhose .

Nolan también descubrió que si una pintura de fondo de largo se deslizó bajo un personaje correr en su lugar, le dio la ilusión de una cámara pan , por lo tanto él el inventor de la toma de fondo del cruzado .

El Sr. Nolan también hizo un libro de instrucción rara sobre cómo dibujar personajes de cómic de prensa, que se puede encontrar aquí , Cortesía de Recursos de Animación .

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Chuck Jones Charles Martin "Chuck" Jones (21 septiembre 1912 a 22 febrero 2002) fue un animador , caricaturista , guionista , productor y director de animación películas, la más memorable de Looney Tunes y Merrie Melodies shorts para la Warner Bros. Cartoons estudio . Dirigió muchos de los cortos clásicos dibujos animados protagonizada por Bugs Bunny , el Pato Lucas , el Correcaminos y Wile E. Coyote , Pepe Le Pew , Porky Pig y un montón de otros personajes de Warner. Tres de estos cortos ( Duck Amuck , una noche Froggy y ¿Qué es Opera, Doc? ) más tarde fueron incluidos en el Registro Nacional de Cine . El principal de otras obras de Jones fue la famosa "caza Trilogy" de conejo fuego , conejo Condimento y Pato! Conejo, pato! (1951-1953).

Después de su extraordinaria carrera en Warner Bros. terminó en 1962, Jones comenzó Sib Tower 12 producciones , y comenzó a producir historietas memorables de Metro-Goldwyn-Mayer , que incluye una nueva serie de Tom y Jerry cortos y la adaptación televisiva del Dr. Seuss ' How the Grinch Stole Christmas! Más tarde comenzó su propio estudio, Chuck Jones Productions, que creó varios especiales de un solo uso, y ha trabajado periódicamente en Looney Tunes trabajos relacionados.

Historiador de cine Leonard Maltin , ha elogiado el trabajo de Jones en Warner Bros., MGM y Chuck Jones Productions. También señaló que la "pelea" que puede haber habido entre Jones y su colega Bob Clampett fue principalmente porque eran muy diferentes entre sí. Estilos de carácter Chuck Jones eran más controlados y se calmaron, mientras que Bob Clampett estuviera loco, loco y loco.

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Friz Freleng Isadore "Friz" Freleng (21 de agosto de 19061 –26 de mayo de 1995) fue un animador, caricaturista, director y productor estadounidense conocido por su trabajo en las series animadas de Warner Bros. como Looney Tunes y Merrie Melodies. Introdujo varias de las estrellas más importantes del estudio, como Porky Pig, Piolín, El gato Silvestre, Sam Bigotes y Speedy Gonzales. Fue el director del estudio Termite Terrace de Warner, incluso se convirtió en el más premiado de los directores, ganando cuatro premios Oscar. Luego que Warner cerrara su estudio de animación en 1963, Freleng y su compañero David DePatie fundaron DePatie-Freleng Enterprises, que producía dibujos animados, créditos de películas, y series animadas en los años 1980.Luego que el estudio Warner cerrara en 1964, Freleng rentó el lugar para crear dibujos animados con el productor David DePatie. DePatie-Freleng Enterprises estuvo encargado de crear la secuencia al comienzo de la película La pantera rosa, Freleng hizo un felino de personalidad relajada para esta secuencia. El personaje se volvió tan popular que Freleng lo trajo de vuelta en 1964 con un cortometraje para United Artists, el cual ganó un premio Oscar.

Jack Warner estaba molesto ya que su edificio era usado para crear cortometrajes para sus antiguos competidores, así que DePatie y Freleng se mudaron al Valle de San Fernando. Freleng hizo una serie de la Pantera Rosa, y en 1969 el personaje fue transmitido por televisión.

Cuando Warner Bros. decidió abrir nuevamente su estudio de animación en 1964, lo hicieron solo en nombre; DePatie y Freleng produjeron los dibujos animados hasta 1967. Estos cortos carecían del antiguo espíritu, sin embargo, y con la excepción de la Pantera Rosa, los trabajos posteriores de Freleng no igualaron a los clásicos.

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Oskar Fischinger Oskar Fischinger , fue un pintor, animador y realizador de cine alemán. Sus obras se caracterizan por ser abstractas, donde combina la geometría con la música. En la Alemania de Hitler se lo consideró a su arte degenerado, y así se exilió a Estados Unidos, llegando a Hollywood en febrero de 1936.

Todo intento de Fischinger de filmar en Estados Unidos fue dificultoso. Compuso un Poema óptico para "La segunda rapsodia húngara" de Liszt(de MGM) pero no recibió beneficio alguno. Realizó una escena para la película de Disney Fantasía, pero fue eliminada del montaje final. Frustradas sus intenciones como animador (a pesar de que hizo más de 50 cortos) Fischinger se volvió cada vez más un pintor al óleo.

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Bob Clampett

Clampett mostró un interés por la animación y los títeres cuando era joven, mientras vivía en Los Ángeles.

Clampett diseñó los primeros muñecos de Mickey Mouse para Walt Disney. Como afirmaría Clampett en algunas entrevistas posteriores, Disney quedó impresionado con el talento del artista, y le ofreció un trabajo. Sin embargo, la falta de cupos en la pequeña empresa de Disney no permitieron esto. Aun así, consiguió trabajo en el estudio de Hugh Harman y Rudolf Ising en 1931 donde trabajó en las series Looney Tunes y Merrie Melodies. En su primer año en el estudio, Clampett trabajó para Friz Freleng la mayoría de las veces, bajo sus enseñanzas Clampett aprendió lo necesario sobre animación. En 1935, diseñó la principal estrella del estudio, Porky, quien apareció en el cortometraje de Freleng I Haven't Got a Hat.

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Shamus Culhane Trabajó para numerosos estudios de animación, incluyendo Fleischer Studios, el de Ub Iwerks, Walt Disney Productions y Walter Lantz Studio. Mientras estaba en Disney, fue uno de los principales animadores de Blancanieves y los siete enanitos, trabajando en una de las escenas más famosas de la película: la animación de los enanos marchando al ritmo de la canción "Heigh-Ho". Culhane completó la escena tras seis meses de trabajo junto a sus asistentes.Tiempo después, Culhane trabajó como director para Lantz, donde hizo el clásico de 1994 del Pájaro Loco, The Barber of Seville. A finales de los años 40, fundó Shamus Culhane Productions, una de las primeras compañías que creaban comerciales animados para televisión.

Culhane escribió dos libros sobre animación: el texto de guía Animation from Script to Screen, y su autobiografía Talking Animals and Other People. Debido a que Culhane trabajó para un gran número de estudios de animación, su autobiografía entrega una amplia descripción sobre la industria de la animación estadounidense.

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Willian Hanna Tras desempeñarse en varios trabajos esporádicos durante la crisis económica, se integró al estudio de animación Harman-Ising en 1930.1 Su participación en dibujos animados como Captain and the Kids le permitió obtener una mayor experiencia y notabilidad en la industria.2 En 1937, mientras trabajaba en MetroGoldwyn-Mayer (MGM), conoció a Joseph Barbera. Ambos comenzaron a colaborar conjuntamente, de lo que resultaron producciones como Tom y Jerry o algunas películas en imagen real. En 1957 fundaron Hanna-Barbera,3 4 que se convertiría en el estudio de animación televisiva más exitoso en esa época, 5 6 al producir series como Los Picapiedra, The Huckleberry Hound Show, Los Supersónicos, Scooby-Doo, Los Pitufos, Don gato, Leoncio y Triston, Pepepotamo y Show del Oso Yogi. En 1967 Taft Broadcasting adquirió Hanna-Barbera por 12 millones USD, aunque sus creadores siguieron al frente de la compañía hasta 1991.7 En ese año Turner Broadcasting System compró la empresa, que se fusionó en 1996 con Time Warner, propietaria de Warner Bros.; Hanna y Barbera continuaron como asesores.

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Ubbe Ert Iwwerks El Iwerks Studio abrió sus puertas en 1930. El primer personaje creado por él fue la rana Flip ("Flip the Frog"), personaje muy semejante a Mickey Mouse (aunque, por supuesto, tratándose de una rana, carecía de orejas y hocico). Flip protagonizó 36 cortometrajes, pero no consiguió el éxito previsto por Iwerks y por su patrocinador. Uno de los cortometrajes, Fiddlesticks, utilizó por primera vez la técnica de Technicolor. En 1933, Iwerks dio a luz a un nuevo personaje, "Willie Whopper", un niño travieso cuya vida cinematográfica no pasó del año. El estudio realizó también la serie "ComiColor Cartoons", al estilo de las "Silly Symphonies" de Disney, en la que se utilizaba la nueva técnica de CineColor. En 1936, sin embargo, ante el fracaso del estudio, incapaz de competir con Disney y con los hermanos Fleischer, Powers le privó de su respaldo económico y el estudio tuvo que cerrar.Entre 1936 y 1940, Iwerks trabajó para otros estudios de animación, como el Charles Mintz Screen Gems, de Charles A. Mintz, antiguo socio comercial de Disney. En 1937 dirigió para ésteMerry Mannequins, que algunos consideran su mejor trabajo.

En 1940, sin embargo, volvió a trabajar para Disney. Se dedicó a investigar nuevas técnicas de animación (participó en los efectos especiales usados en Canción del sur) e incluso en la tecnología de los parques de atracciones de Disney, durante los años 60. Por sus inventos obtuvo dos premios Oscar, en 1959 y 1964.

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Jules Engel Fue un dibujante y animador estadounidense de origen húngaro. Sus obras son en general abstractas, coreografías de figuras geométricas en movimiento.

Diseñó la coreografía de danzas de hongos chinas y rusas en la película de Disney FANTASÍA, donde fue reprochado por usar el fondo negro, algo inadmisible en dicha compañía. En Disney conoció al animador Oskar Fischinger, quien adoraba sus pinturas.

Engel fue uno de los animadores que abandonaron las grandes compañías y se unieron para formar la United Productions of America (UPA). Allí trabajó en cartoons como Gerald McBoing Boing. Luego de la UPA fundó Format Films. A finales de los años sesenta comienzó a realizar su propia animación experimental.

Además hizo varios documentales sobre otros artistas.

En paralelo a su obra de animación, Engel fue un pintor prolífico. Pintaba al óleo, hacía litografías, y además utilizaba otros medios. Vivió un tiempo en París, donde se llevaba bien con artistas como Man Ray. Fue el fundador del programa de animación experimental en el instituto de Arte de California Cal Arts. Allí tuvo como alumnos a importantes animadores de la actualidad.

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Norman Mclaren Estudió diseño en la escuela de arte de Glasgow, donde comenzó a experimentar con el cine y la animación. Luego de terminar sus estudios realizó algunas películas en Londres. McLaren se mudó a Nueva York en 1939, al tiempo que comenzaba la Segunda Guerra Mundial. En 1941 fue invitado aCanadá a trabajar para el National Film Board, abrir un estudio de animación y enseñar a animadores canadienses. Fue allí donde McLaren creó su film más famoso, Neighbours (1952), el cual ganó innumerables premios en todo el mundo incluidos el Canadian Film Award y el Academy Award.

Además de la brillante combinación de imágenes y sonidos, el film tiene un fuerte mensaje social y de crítica contra la violencia y la guerra. McLaren es famoso por sus experimentos con la imagen y el sonido, al dibujar directamente sobre la película, incluso la banda sonora.

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Peter Engel Una visión corta se convirtió en una de las películas de animación británicos más influyentes que se han hecho, cuando se proyectó en la televisión de EE.UU. como parte del popular show de Ed Sullivan . Aunque se recomienda a los niños a salir de la habitación mientras jugaba, todavía causó indignación y alarma con la representación gráfica de los horrores de la guerra nuclear. En la película, las criaturas salvajes huyen despavoridos como un extraño misil vuela por encima. A su paso por la ciudad dormida, los líderes del mundo y los hombres sabios miran hacia arriba. El misil explota, destruyendo seres humanos, los animales salvajes y de la propia Tierra. Me llamó el estado de ánimo de los tiempos, desde mediados de la década de 1950 fue la altura tanto de la Guerra Fría y la paranoia nuclear.

Foldes más tarde se trasladó a París, donde se convirtió en uno de los pioneros de la animación por ordenador.

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Heinz Edelman Heinz Edelman (20 junio 1934 hasta 21 julio 2009) fue un alemán ilustrador y diseñador . Nació en Ústí nad Labem , Checoslovaquia , en la familia checo-alemana de Wilhelm y Josefa Edelman. Él era bien conocido como un ilustrador en Europa , pero es probablemente más famoso por su dirección de arte y personajes diseños para el 1968 película de animación Yellow Submarine .

Edelmann estudió grabado en la Academia de Arte de Düsseldorf (Düsseldorf Arts Academy) 1953-1958. Comenzó su carrera como ilustrador freelance y diseñador de carteles de cine y publicidad en Alemania. Entre 1961-1969 fue un ilustrador regular y diseñador de la portada de la revista de renombre internacional Twen juventud. Durante 1967-1968, trabajó en el Submarino Amarillo . Entre 1968-1970 fue socio en una pequeña empresa de animación en Londres , pero su deseo a la hora de trabajar en más películas no se realizó. En 1970 Edelmann se trasladó a Amsterdam y diseñado cubiertas de libros y carteles para obras de teatro y películas. Su último uso del estilo de Yellow Submarine era para ilustrar un libro, Andromedar SR1 (1970), acerca de un viaje a Marte . También diseñó la portada de la edición alemana de Tolkien 's El Señor de los Anillos , e ilustró las Kenneth Grahame libro infantil El viento en los sauces .

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Jiri trnka

Jiří Trnka (Pilsen, 24 de febrero de 1912 - Praga, 30 de diciembre de 1969) fue un ilustrador, escenógrafo y director de películas de animación checo. Además de por su extensa carrera como ilustrador, especialmente de libros infantiles, es conocido sobre todo por su trabajo en la animación con marionetas, que inició en 1946: a lo largo de su carrera, dirigió más de 20 películas, entre ellas 6 largometrajes, que consagraron lo que luego se denominó “estilo checo” de animación. Su obra en este campo ejerció una innegable influencia sobre otros cineastas. La mayoría de sus películas estaban dirigidas al público adulto, y muchas de ellas eran adaptaciones de obras literarias, de autores checos o extranjeros. Por su singular relevancia dentro de la historia del cine de animación, fue llamado “el Walt Disney de la Europa del Este”, a pesar de las grandes diferencias existentes entre su trabajo y el del célebre animador estadounidense.

Aunque antes de Trnka ya se habían realizado películas de animación con muñecos, a él corresponde el principal impulso a esta técnica, que luego sería utilizada en muchos lugares del mundo. A diferencia de lo que se había hecho anteriormente, Trnka prefirió no alterar la fisonomía de los muñecos con elementos postizos para denotar sus emociones, sino mantenerla inmutable, consiguiendo su expresividad mediante los cambios de encuadre y la iluminación.

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Manuel García Ferre Manuel García Ferré (Almería, 8 de octubre de 1929 - Buenos Aires, 28 de marzo de 2013) fue un artista gráfico, historietista y animador hispano argentino, radicado en Buenos Aires desde los 17 años. Su arte ha sido orientado plenamente a los niños, siendo el creador de famosos personajes infantiles, como Anteojito, Hijitus, Larguirucho, Profesor Neurus, Oaky, Petete y Calculín, entre muchos otros, así como de tiras animadas televisivas, largometrajes animados y la Revista Anteojito.

Durante más de 30 años editó la revista infantil Anteojito, tomando como imagen central al personaje de Anteojito, el que se había hecho popular con anterioridad, protagonizando una serie de dibujos animados publicitarios para la televisión.

Durante varias décadas (1970-2000) las revistasBilliken y Anteojito fueron las publicaciones dirigidas al público infantil con mayor circulación en Argentina.

En 1967 estrenó en televisión la serie de dibujos animados Hijitus, que se transmitió diariamente por Canal 13 hasta 1974. Fue la primera serie televisiva de dibujos animados de la Argentina, y la más exitosa de América Latina en toda su historia.

Durante más de 30 años editó la revista infantil Anteojito, tomando como imagen central al personaje de Anteojito, el que se había hecho popular con anterioridad, protagonizando una serie de dibujos animados publicitarios para la televisión.

Durante varias décadas (1970-2000) las revistasBilliken y Anteojito fueron las publicaciones dirigidas al público infantil con mayor circulación en Argentina.

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Osamo Tezuka

Osamu Tezuka , Osaka 3 de noviembre de 1928 - 9 de febrero de 1989, fue un dibujante de historietas y animador japonés, al que a menudo se le llama el "padre del manga" o incluso el dios del manga (漫画の神様 manga no kamisama?), debido a la calidad de su prolífica producción y a la influencia de sus técnicas, con el abandono de las historietas que apenas ocupaban unas viñetas por los story manga (o mangas de larga duración con una trama mucho más elaborada) y el desarrollo del formato tankoubon, que actualmente triunfa en todo el mundo para la edición de manga.

Tal fue el impacto de sus creaciones y de sus obras que a día de hoy la base de su estilo perdura en los nuevos autores japoneses y los personajes que él dio a luz con su pluma siguen viviendo en la cultura popular de Japón, donde se puede encontrar en las librerías la gran mayoría de sus obras. Además, sus historietas han sido traducidas a decenas de lenguas, entre ellas el español. La ternura y el profundo y sincero humanismo que imprimió a sus personajes han dejado una huella indeleble, haciendo de él un autor universal capaz de traspasar culturas.

Incluso los ojos desproporcionadamente grandes que son tan característicos de la animación y la historieta japonesa (sobre todo en el shoujo) constituyen un legado de Tezuka.

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Richard Williams Richard Williams (19 de marzo de 1933 en Toronto, Ontario) es un animador, director y productor canadiense. Es conocido por haber trabajado como director de animación en la película¿Quién engañó a Roger Rabbit? y El ladrón de Bagdad, la cual no fue terminada. Además animó algunos créditos de películas; sus trabajos más importantes son los créditos de What's New, Pussycat? (1965), The Charge of the Light Brigade (1968). También animó al personaje La pantera rosa para los créditos de dos de sus películas.

Comenzó su trabajo como animador en Walt Disney Productions y luego en United Productions of America durante los años 40, donde aprendió de varios animadores como Chuck Jones, Ken Harris, Milt Kahl y Art Babbitt. Emigró a España y luego a Inglaterra en 1955. En 1958 produjo el trabajo que fomentó su carrera, The Little Island, el cual fue nominada a un BAFTA. Tras trabajar durante los años 60, dirigió el ganador del premio Oscar A Christmas Carol (1971), la película Raggedy Ann & Andy: A Musical Adventure (1977) y el ganador del Emmy Ziggy's Gift (1982).

Además trabajó como director de animación en ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988) donde ganó dos premios Oscar por su trabajo. Escribió el libro, "The Animator's Survival Kit", publicado en 2000.

Williams fue uno de los tantos miembros de la industria del cine que estudió en la Northern Secondary School en Toronto. Williams vive en Wales con su cuarta esposa y dos hijos. Williams además tiene cuatro hijos de dos de sus antiguos matrimonios, incluyendo el animador Alexander Williams y el pintor Holly WilliamsBrock.}

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Carlos Cabrera Es un director, guionista y animador mexicano, cuatro veces galardonado con el Premio Ariel.

En el mes de febrero de 1991 se estrena en privado la copia 0 de su primer largometraje, La mujer de Benjamín, ganadora de la segunda edición del programa de óperas primas del CCC, escuela donde cursó sus estudios de cine tras haber estudiado la carrera de ciencias de la comunicación en la UIA. Su estreno mundial fue en el Festival Internacional de Cine de Berlín, en Alemania, en 1991, junto a otras cintas mexicanas para un ciclo nombrado "Panorámica del Cine Mexicano", mientras que el 29 de agosto se estrena en el circuito comercial mexicano, en salas de la capital del país.

En 1998 filma Un embrujo, a invitación de Bertha Navarro, coproductora de la película junto con Guillermo del Toro, una historia de época estelarizada por Blanca Guerra que obtiene reconocimiento de la crítica, haciéndolo acreedor a su segundo Ariel como mejor director y que fue su primer filme seleccionado como representante mexicano para los premios Óscar, aunque no logró ser nominado.

Después de este filme, el director participó con un par de segmentos en largometrajes colectivos: Cero y van cuatro (el episodio Barbacoa de chivo) y Sexo, amor y otras perversiones (episodio María en el elevador) y realizó otro cortometraje de animación titulado De raíz, por el que obtuvo el Ariel en el año 2004.

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Don Bluth Dibujante, animador y director de cine estadounidense, dueño de un estudio de animación independiente y conocido sobre todo por ser el creador de numerosas películas de dibujos animados, destacando entre ellas títulos como NIMH, el mundo secreto de la señora Brisby (1982), En busca del valle encantado (1988) o Anastasia (1997).

Don Bluth fundó su estudio de animación, Don Bluth Productions, en 1979, pero anteriormente ya había trabajado para The Walt Disney Company. La primera película en la que había trabajado para esa compañía fue La bella durmiente (1959), como asistente de animación, aunque en ella no figura en los títulos de crédito. Después de ésta no volvió a trabajar en Disney hasta los años 1970, período en el que hizo parte de los equipos de animación de Robin Hood (1973), Los rescatadores (1977), y Pedro y el dragón Elliot (1977).

Bluth trabajó también en el ámbito de los videojuegos de arcade con el lanzamiento de Dragon's Lair en 1983, un videojuego con animaciones innovadoras para su época, que utilizaba vídeo pregrabado en un disco óptico Laserdisc, y en 1984 con Space Ace, un videojuego de ciencia ficción basado en la misma tecnología que Dragon's Lair.

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ANIMACION EN MEXICO

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Anual Badin Fue el creador del segundo largometraje mexicano animado, Los supersabios (1977), realizado por Kinemma, estudio mexicano, dirigido por los hermanos Cantón, que maquiló series para productoras como la Hanna-Barbera, y cuyo trabajo se puede ver en las caricaturas Scooby-Doo, Batman, Superman y Los Picapiedra. Incluso largometrajes como Los Tres reyes magos no duraron más de tres semanas en las salas, igual que Los supersabios. Badín perdió mucho dinero con esta película y no pudo darle continuidad a su esfuerzo. Desde los años ochenta no se ha intentado producir un largometraje de animación en México. En la década de los años setenta se produjeron los tres primeros largometrajes del cine mexicano: Los tres reyes magos (1974), Los supersabios (1977) y Roy del espacio (1979-1982).

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Alfonso Vergara Andrade Otorrinolaringólogo de profesión, en cuya clínica se asentó el primer estudio de animación mexicano, que generó seis cortometrajes entre 1935 y 1938. Creó a Paco Perico, el primer personaje animado hecho en el país, y realizó dos comerciales para Sal de Uvas Picot, protagonizados por Chema y Juana –quienes también aparecen en uno de los cortometrajes de este programa. Estos cortos no se volvieron a exhibir en México, fuera de los programas de Cinemateca, después de los años treinta.

En 1934 aparece la escena uno de la primera empresa de animación “AVA” de Alfonso Vergara Andrade donde se hicieron cortos como “Paco perico”, “El tesoro de Moctezuma” ,“La cucaracha” , “Tesoro de Chema y Juana”, “La vida de las abejas” “Los cinco cabritos y el lobo” entre otros con influencia extranjera pero se reflejaba la cultura mexicana. En donde para formar parte del equipo sólo se requería ser buenos dibujantes y con el paso del tiempo y basándose en caricaturas estadounidenses fueron aprendiendo el arte de animar.

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Ricardo Adrian Lozoya Negas es el personaje principal de las animaciones del Negas. El “Negas” principalmente es la versión animada de Ricardo Adrian Lozoya (Creador del Negas) y a aparecido en varios de sus videos como en sus series Don Makila y DFme le cuento .

Su primera aparición fue en el capitulo “Intro Negastudios” del apartado de la pagina Raltoon en “Ral Negas Studios” El Negas casi siempre lleva una chamarra negra, unos pantalones cafes y zapatos negros

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Rulo Barrera Diseñador y animador a creado diferentes series en “Youtube “ tales como “El velociraptor de Harvard,nuevo super smash bros, Nintendos y la mas famora Dr Goku basándose en la serie dragon ball, el crea una especie de remake doblando las voces parecidas a la serie original pero tratando temas contemporáneos

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Roberto “Darkar” Alatriz Bachelor of Creative Media in Animation and Visual Effects. Egresado del Insituto de Media Creativa de la Universidad de Nuevo México en Estados Unidos.

Apasionado por la animación, músico de microbus y holgazán crónico. Culpable de haber creado Vete a la Versh, la insana obra animada que entretiene y ofende.

Fundador de Darkar Company Studios.

Dentro de su hobby, Roberto Alatriz (mejor conocido como Darkar), comenzó el proyecto de "Vete a la Versh" como el intento de crear un proyecto lo suficientemente llamativo para poder ser mostrado a distintas universidades con el fin de recibir apoyo para estudiar la carrera de Animación. Con diseños raquíticos y animación muy sencilla, usó su tiempo libre fuera de la escuela y el trabajo para desarrollar la primera temporada de la ya mencionada serie. Siempre apoyado por aquellos a quienes denomina "mentes estupidamente creativas" (sus mejores amigos), logró dar vida a personajes y situaciones que caen en lo insensato y lo absurdo, solo para engendrar uno de los proyectos animados más importantes en México y latinoamérica. Hoy, con un equipo formado por sus viejos amigos y talentosos artistas, nace Darkar Company Studios LLC para continuar con el proyecto de manera profesional.

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PERSONAJE

“SNAV MAGUEY”

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1. Inicios .

Snav nacio en una situación un poco extraña (nacio en una piscina mientras se festejaba la boda del primo del hermano de su padre y toda su infancia estuvo llena de dudas que sus padres siempre contestaban diferente ya que ellos sufrían de memoria a corto plazo.

A una tierna edad (4 años), los padres de Snav lo olvidaron en una bonita y coqueta pulquería llamada “La hija de los Magueyes” ubicada en una esquina de un obscuro callejón de una ciudad llamada sin nombre donde mas tarde Snav se encontraría con un señor muy amable al que sus amigos llaman “Don Pifas” “Don Pifas” es el dueño de la pulquería donde olvidaron a Snav, es un hombre muy sabio, el cual narro historias impresionantes a Snav durante toda su niñes marcándolo por siempre, pero también decidio darle un techo donde vivir y enseñarle la tradición del pulque.

Alcrecer en el ambiente de la pulquería Snav se hace muy sociable por lo que muchos lo consideran como un personaje jovial, feliz, risueño y con mucho sentido para verle el lado bueno a todo aun que la situación no sea la mas favorable A Snav le apasiona el escribir sobre las muchas historias contadas en la “Hija de los Magueyes” y decide interpretar a su manera todas estas historias Pero aveces son tan reales sus historias que se combinan con su realidad, esto lo confunde mucho pero recordemos que a pesar de gran confucion el encuentra la manera para sobre llevar esta situación siempre viéndole el lado positivo a todo y pasarla BOMBA!

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2. Características psicológicas -Se le puede ver que es muy sonriente al punto que fastidia su felicidad -Es sarcástico -Es muy espontaneo -Le encanta la comida dulce

3. Características fiscas -Nunca repite su vestuario, pero viste muy cómodo al ambiente en el que se encuentre.

-Usa muchos accesorios. Desde sombreros hasta grandes botargas dependiendo la historia que narre

4. Características de la historia -A Don Pifas jamas se le puede ver el rostro, se le podrá ver desde atrás o de tomas picadas pero jamas se le vera el rostro -Solo existen estos 2 personajes (Snav y Don Pifas) las historias contadas pertenecen a gente que entra a la pulquería y sobre esas mismas giran las aventuras de Snav - En las historias contadas se revelan recuerdos vagos de la vida de “Snav”.

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SNAV MAGUEY

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