European Master of Fine Art Photography 2011/12: final projects by Photography IED

proyectos/projects

2011-2012 Nikita Pirogov Wawi Navarroza Euf谩lia Cristina Paz de Almeida Joachim Hildebrand Juan de Marcos Paula Ospina Lluis Mir贸 Martina Hemm Miguel Soler-Roig Eduardo Cervera Retamar

European Master of Fine Art Photography IED Madrid Calle Larra, 14. 28004 Madrid, España iedmadrid.com

Este libro ha sido impreso con la colaboración y el patrocinio de Antalis y Boconcept. Cubierta impresa en Olin Smooth High White 300g distribuido por Antalis.

Editor Moritz Neumüller

Interior impreso en Olin Regular High White 120g distribuido por Antalis.

Coordinación Editorial Marta Orozco y Yago Bolívar

Anexo impreso en Olin Regular Ivory 80g distribuido por Antalis.

Dirección de Arte Álvaro del Rey

Olin es la primera gama de papeles Premium offset que ofrece impresiones a todo color en tonos radiantes.

Traducción Eduardo Cervera Diseño y maquetación Daniela Bekerman, Yago Bolívar y Álvaro del Rey Créditos fotográficos Alumnos del European Master of Fine Art Photography iedmadrid.com europeanmasterphotography.iednetwork.com All rights reserved. No part of this publication may be reproduced or transmitted in any way, electronic or mechanical, including photocopy, recording or any information storage and retrieval system, without permission in writting from the copyright owner(s). © de los textos sus autores e Istituto Europeo di Design © de las imágenes sus autores e Istituto Europeo di Design ISBN 978-84-940177-6-6 Depósito legal M-4590-2013 Impreso en España por Grafilur www.grafilur.com

proyectos/projects

2011-2012

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17/10/2012 14:35:28

Nikita Pirogov

DIPTYCHS Cuando llamo a estas obras dípticos, quiero decir que dos cosas son confrontadas y empiezan a co-existir y co-habitar entre ellas. En la Antigua Grecia se utilizaban dípticos formados por dos placas unidas por una bisagra para mostrar textos o imágenes. Pero un díptico es sobre todo una relación entre nosotros y lo que vemos. Este proyecto inicia un diálogo: a veces entre los colores de dos imágenes que de lo contrario no se relacionarían, a veces un amigo representado a un lado conseguirá un talismán representado en el otro, o será una metáfora poética, una especie de haiku fotográfico, o todas estas cosas a la vez. Un díptico es dos en uno. Al igual que el pasado trasciende hacia el futuro, el futuro se adentra en el presente a través de su vínculo con el pasado. Un díptico es un intento de conectar las señales que se me dieron como estrellas-guía. La idea de la síntesis se complementa con una realidad construida sobre la androginia: habiendo sido criado sin un padre, trato de encontrarle en mí mismo, uniendo lo pasivo con lo activo. Un díptico es fundamentalmente una unidad, o su añoranza.

BIO 1989 Nace en San Petersburgo, Rusia EDUCACIÓN 2011 - 2012 IED Madrid. Máster Europeo de Fotografía de Autor Madrid, España 2008 - 2010 Academia Teatral de San Petersburgo San Petersburgo, Rusia EXPOSICIONES INDIVIDUALES 2012 Vevey, Suiza. Espacio Quai1, Festival Images, marzo-abril 2011 Bratislava, Eslovaquia. XXI Mes de la Fotografía, noviembrediciembre Aarhus, Dinamarca. Galleri Image, agosto-octubre EXPOSICIONES COLECTIVAS 2012 Houston, TX, EEUU. FotoFest International, Young Russian Photography 2011 Trieste, Italia. IT’S #TEN, International Talent Support. Krasnoyarsk, Rusia. Young Russian Photography, Krasnoyarsk Museum Center 2010 Yekaterinburg, Rusi. Advantage, Museo de la fotografía “Metenkov House” San Petersburgo, Rusia. Something Strange, FotoDepartament

PREMIOS 2011 Madrid, España. Beca para cursar el Máster Europeo de Fotografía de Autor 2010 Viena, Austria. Eyes On, Mes de la Fotografía de Viena, ganador del visionado de porfolios Bratislava, Eslovaquia. Mes de la Fotografía XX, ganador del visionado de porfolios PUBLICACIONES DESTACADAS 2011 d[x]i magazine, España Catálogo de la exposición The Other Shore en Gallery Image, Dinamarca Revista Dazed and Confused, Reino Unido

Eikon Magazine. Número 74, artículo de Andreas Spiegl, Austria Fraction Magazine. Número 25, EEUU The Telegraph, artículo de Louise Clements, Reino Unido 1000 words Magazine. Número 10, artículo de Louise Clements, Reino Unido ZOOM Magazine Russia, Rusia 2010 Photography Monthly Magazine, Corea del Sur STATEMENT Para mí, la fotografía es una exploración de cosas tangibles, las cuales tomo de su lugar en la naturaleza y convierto en imágenes con sus propias asociaciones, del mismo modo que el habla funcional es adyacente a la música lírica en la paleta del sonido. Este proceso es una manifestación de todos los factores de la experiencia práctica que afectan a nuestra percepción: el clima, la raza, el temperamento, la educación y muchos otros. Este proceso es asistido por una estructura y una composición, así como por elementos formales arraigados en nuestra experiencia biológica. El mundo existe en armonía. Es estructurado y por lo tanto lógico. Intento examinar los principios causales de mi propia visión del mundo y toda la información que desborda. Trato de observarlo detenidamente y escuchar atentamente todo lo que hago, ya sea en fotografía o video, o en las otras cosas que he estado haciendo desde la infancia:teatro, música, pintura. Estoy interesado en la búsqueda de paralelos en los distintos elementos de varias formas de arte. Al hacer esto, estoy tratando de sentir mi camino hacia algún tipo de “poesía” visual. Selecciono detalles (metáforas) desde el inmenso volumen de información en el mundo exterior, que pueden ser capaces de crear una narrativa coherente y explorar algunos conceptos, en el que cada imagen es autosuficiente y armoniosa en sí misma. Para mí, una secuencia visual es la conclusión de una expresión poética. CONTACTO Sitio web: nikitapirogov.org e-mail: nikitapirogov@yahoo.com

Nikita Pirogov

DIPTYCHS For me, diptychs mean that two things are confronted and begin to co-exist and to co-inhabit each other. In Ancient Greece a diptych was made of two plates attached at a hinge and used for texts or images. But above all a diptych is a relation between us and what we see. This project initiates a dialogue: sometimes between the colors on two otherwise unrelated images, sometimes a friend depicted on one side will get a talisman depicted on the other side, or it will be a poetic metaphor like a photographic haiku, or all these things together. A diptych is two in one. Just like the past transcends into the future, the future opens up the present through its link with the past. A diptych is an attempt to connect the signs that were given to me as guiding stars. The idea of synthesis is complemented by a reality built on androgyny: being brought up without a father, I try to find him in myself, by uniting the passive with the active. A diptych is fundamentally a unity, or a longing for it.

BIO 1989 Born in Saint-Petersburg, Russia EDUCATION 2011 - 2012 IED Madrid. Mastersof Fine Art Photography, Madrid, Spain 2008 - 2010 Saint-Petersburg State Theatre Arts Academy, Petersburg, Russia SOLO EXHIBITIONS 2012 Vevey, Switzerland. Quai1 space, Festival Images, march-april 2011 Bratislava, Slovakia. XXI Month of Photography, novemberdecember Aarhus, Denmark. Galleri Image, august-october SELECTED GROUP EXHIBITIONS 2012 Houston, TX, USA,FotoFest International, Young Russian Photography 2011 Trieste, Italy. IT’S #TEN-International Talent Support, Krasnoyarsk, Russia. Young Russian Photography, Krasnoyarsk Museum Center 2010 Yekaterinburg, Russia. Advantage, Metenkov House photography museum Saint-Petersburg, Russia. Something Strange, FotoDepartament

AWARDS 2011 Scholarship for European Master of Fine Art Photography, Madrid, Spain 2010 Eyes On, Vienna Month of Photography, portfolio review winner, Vienna, Austria. Bratislava, Slovakia,XX Month of Photography-portfolio review winner. SELECTED PUBLICATIONS AND PRESS 2011 d[x]i magazine, Spain The Other Shore exhibition catalogue at Gallery Image, Denmark

Dazed and Confused magazine, UK Eikon magazine. Issue 74, article by Andreas Spiegl, Austria Fraction magazine. Issue 25, USA The Telegraph, essay by Louise Clements, UK 1000 words magazine. Issue 10, essay by Louise Clements Russian ZOOM magazine, Russia 2010 Photography Monthly magazine, South Korea STATEMENT For me photography is an exploration of tangible things, which I take from their place in nature and make into images with their own associations, just as functional speech lies adjacent to lyrical music in the palette of sound. This process is a manifestation of all the factors of practical experience that affect our perception: climate, race, temperament, education, and many others. This process is aided by structure and composition, as well as by formal elements rooted in our biological experience. The world exists in harmony. It is structured and therefore logical. I try to examine the causal principles of my own view of the world and all the information pouring out of it. I try to peer into it, and listen carefully to everything I do, be it in photography or video, or in the other things I have been doing since childhood:drama, music, painting. I am interested in looking for parallels in separate elements of various art forms. In effect, by doing this I am trying to feel my way towards some kind of visual “poetry”. I select details (metaphors) from the immense volume of information in the outside world, that might be able to create a cohesive narrative and explore some concept, where every image is self-sufficient and harmonious in itself. For me a visual sequence is a finished poetic expression. CONTACT Web site: nikitapirogov.org e-mail: nikitapirogov@yahoo.com

Wawi Navarroza

ULTRAMAR País o lugar que está al otro lado del mar, tomando como punto de referencia el de la persona que habla. Históricamente, en España, ultramar se refiere principalmente a todas las posesiones del Imperio español en América, Filipinas, Guam y otras islas del Pacífico que una vez formaron parte de la Corona española. Creo que hoy en día el uso común de esta palabra significa simplemente Extranjero. En este proyecto fotográfico estoy interesada en mostrar realidades y ficciones tomadas de lo que nace de nuestra imaginación y percepción de exterior exótico. Cada persona, cada lugar es ultramar de algo. Sólo depende de dónde se esté ubicando. Parte de esta curiosidad surgió a partir de la exhibición de especies exóticas de plantas tropicales en invernaderos y jardines botánicos. El transplante de lo endémico me resulta fascinante. Para mí, son utopías temporales, casi paradisíacas, donde la historia y el lugar quedan difusos, o futuristas, la materia de la ciencia ficción (la tierra en peligro de extinción y la resurrección artificialmente asistida por la especie humana de la naturaleza contra la desaparición del último reducto salvaje…). Está todo ahí. Fuera de este jardín fabricado, nuestros recuerdos rellenan los huecos con una lánguida nostalgia infinita. A lo largo de la serie, las palmeras son omnipresentes. Veo las palmeras como apariciones recurrentes de la idea habitual del Paraíso a-ser-todavía-alcanzado, un lugar de ocio, el emblema de los paquetes turísticos y vacaciones soleadas; o el símbolo de la vuelta a casa del trabajador migrante. Ultra Mar. Siempre más allá. Siempre la frontera deseada. Donde la hierba es más verde. El lugar que está ahí fuera.

BIO Fotógrafa/artista multi-media de Manila, Filipinas. Se graduó con una licenciatura en Artes de la Universidad De La Salle, Manila y asistió a la formación continua del International Center of Photography, Nueva York. Recientemente, Navarroza completó su beca en el Istituto Europeo di Design de Madrid en el marco del programa Máster Europeo de Fotografía de Autor. Su trabajo con la fotografía contemporánea se ha concretado en simbólicas puestas en escena altamente estilizadas y tableaux vivants, y en su más reciente interés en el paisaje, la naturaleza muerta construida y las instalaciones. Sus fotografías de paisajes proponen un “otro lugar” familiar que se despliega en un espacio emocional fabricado que parece estar tallado tanto por la memoria personal y colectiva como por la amnesia. Navarroza ha expuesto su trabajo extensamente en Filipinas e internacionalmente. Ha participado en el Mes de la Fotografía de Tokio 2012 presentada por el Tokyo Metropolitan Museum of Photography, la Bienal de Arte Asiático en Taichung, Taiwán (2011), la exposición itinerante anual “CUT: New Photography from South East Asia” por VWFA Kuala Lumpur, la Exposición de Fotografía Contemporánea de Asia ASEAN-Corea “Emerging Wave”, Seúl, Corea (2010) y “Verso Manila: arte contemporáneo de las Filipinas” en Turín, Italia (2009). Su trabajo también ha sido mostrado en el festival de fotografía de Angkor, y el festival de fotografía Noorderlicht, entre otros. Sus recientes exposiciones individuales incluyen: “Dominion” (2011), “Perhaps it was possibly because” (2009) en la Silverlens

Gallery, Manila y un espectáculo de dos personas “It Was Always About Forever” (2010) en Kuala Lumpur, Malasia. Ha recibido varios premios, como el Thirteen Artists Awards Triennial del Centro Cultural de las Filipinas (2012), el premio Lumi Photographic Art, Helsinki (2011) y fue finalista del premio Sovereign Asian Art (2011) y del Signature Art Prize del museo de Singapur (2011). Otros premios incluyen: Premios Internacionales de Fotografía (2010), Portfolio Preis (2010, Alemania), Prix de la Photographie de París (2009) y dos exposiciones individuales galardonadas: “POLYSACCHARIDE: The Dollhouse Drama” (2005) y “SATURNINE: A Collection of Portraits, Creatures, Glass, and Shadow” (2007) que fue ganadora del Ateneo Art Awards 2007, Filipinas. En 2009, Navarroza fue galardonada con la primera beca Silverlens Fellowship del Consejo Cultural Asiático para continuar su investigación y su práctica en la ciudad de Nueva York. Su obra ha sido expuesta en instituciones como el Museo Nacional de Filipinas, el Museo Metropolitano de Manila, la Galería de Arte Nacional de Mongolia, el Hangaram Museum, Corea, el Museo Nacional de Bellas Artes, Taichung, Taiwán y el Fries Museum de Arte Contemporáneo, Países Bajos. Navarroza también ha trabajado como profesora de fotografía en la Universidad de La Salle y como comisaria independiente. También canta en una banda de rock post-punk llamada The Late Isabel . El año pasado basó su práctica en Madrid, Cadaqués y Barcelona. Actualmente vive en Manila (Filipinas),

Wawi Navarroza

ULTRAMAR Country or place that is across the sea, taking as a reference point that from the speaker.Historically, for Spain, ultramar refers to mostly all the possessions of the Spanish Empire in America, the Philippines, Guam and other Pacific islands that once formed part of the Spanish Crown. I think these days common usage of this word can simply mean Overseas. In this photographic project I’m interested to show realities and borrowed fictions of what is borne out of our imaginings and perception of the exotic outside. Everyone, everywhere is ultramar of something. It just depends where you’re standing. Part of this curiosity stemmed out from the exhibition of exotic tropical plant species in greenhouses and botanical gardens. The trans-planting of the endemic is very fascinating for me. To me, they are temporary utopias, almost Eden-like, where history and place is diffused, or futuristic, the stuff of science fiction (the endangered earth and the artificial human-aided resuscitation of nature against the disappearance of the last Wilderness…). It’s all there. Outside of this fabricated garden, our memories fill in the gaps with languid endless longing. Throughout the series, the Palms are ubiquitous. I see the palm trees as recurring apparitions of our very common idea of a yet-to-be-reached Paradise, a place of leisure, the emblem of package tours and sunny holidays; or the symbol of the the migrant worker’s return home. Ultra Mar. Always beyond. Always the desired Frontier. Where The Grass Is Greener. The place out there.

BIO Photographer/multi-media artist from Manila, Philippines. She graduated with a Bachelor of Arts degree from De La Salle University, Manila and attended continuing education at the International Center of Photography, New York. Recently, Navarroza completed her scholarship at the Istituto Europeo di Design, Madrid under the program European Master of Fine Art Photography. Her work with contemporary photography has taken shape in highly-stylized symbolic mise-en-scène and tableau vivants to her more recent interest in landscape, constructed still life, and installation. Her landscape photographs propose a familiar “other place” that opens up to fabricated emotional space that seem to be carved out by both personal and collective memory and amnesia. Navarroza has widely exhibited in the Philippines and internationally. She has participated at the 2012 Tokyo Month of Photography presented by Tokyo Metropolitan Museum of Photography, the Asian Art Biennale in Taichung, Taiwan (2011), the annual touring exhibition “CUT: New Photography from South East Asia” by VWFA Kuala Lumpur, ASEAN-Korea “Emerging Wave” Asian Contemporary Photography Exhibition in Seoul, Korea (2010) and “Verso Manila: contemporary art from the Philippines” in Turin, Italy (2009). She has also been shown at Angkor Photography Festival, and Noorderlicht Photography Festival, among others. Recent solo exhibits include: “Dominion” (2011), “Perhaps it was possibly because” (2009) at Silverlens Gallery, Manila and a

two-person show “It Was Always About Forever” (2010) in Kuala Lumpur, Malaysia. She has received a number of awards such as the Cultural Center of the Philippines’ Thirteen Artists Awards Triennial (2012), Lumi Photographic Art Awards, Helsinki (2011), and was finalist for the Sovereign Asian Art Prize (2011) and Singapore Museum Signature Art Prize (2011). Other awards include: International Photography Awards (2010), Portfolio Preis (2010, Germany), Prix de la Photographie Paris (2009) and two award-winning solo exhibitions: “POLYSACCHARIDE: The Dollhouse Drama” (2005) and “SATURNINE: A Collection of Portraits, Creatures, Glass, and Shadow” (2007) which was cited Winner at the Ateneo Art Awards 2007, Philippines. In 2009, Navarroza was awarded the first Asian Cultural Council-Silverlens Fellowship Grant to further her research and practice in New York City. Her work has been shown in institutions such as the National Museum of the Philippines, Metropolitan Museum of Manila, Mongolian National Modern Art Gallery, Hangaram Museum, Korea, National Museum of Fine Arts, Taichung, Taiwan, and Fries Museum of Contemporary Art, Netherlands. Navarroza has also worked as a lecturer of photography at De La Salle University and as an independent curator. She also sings for a post-punk rock band called The Late Isabel . In the past year, she has based her practice in Madrid, Cadaqués and Barcelona. She currently lives in Manila (Philippines).

Eufรกlia Cristina Paz de Almeida

The Destiny of a Heart

The Destiny of a Heart (El destino de un corazón) es un espectáculo: una historia basada en hechos

reales, catalizada por una fotografía de mi padre en un carnaval de 1957—el mismo año en que nacieron mi madre y mi madrastra. Yo hago de mi padre, que se casó y se divorció de mi madre, y luego se casó con otra mujer con el mismo nombre y de la misma edad, las dos treinta y tres años más jovenes que él. Inspirado en la literatura brasileña y la telenovela latinoamericana, The Destiny of a Heart es una narración no lineal basada en la memoria y un melodrama familiar que sigue en curso. La historia se desarrolla en un pequeño pueblo del sur de Brasil, Campos Novos, el mayor productor agrícola de la región. La obra representa una serie de giros vitales— aquellas decisiones y elecciones que pueden alterar el curso de nuestro futuro. En el caso de mi familia, el destino produjo una cadena de acontecimientos que dio lugar a una serie de coincidencias y sorpresas que continuaron hasta que el gran corazón dejó de servir su función vital. Lo que queda son los recuerdos de una vida más feliz y otra giro vital: un nuevo comienzo.

BIO Nació el 9 de septiembre de 1980 en Campos Novos, SC, Brasil y es conocida por su forma de vida itinerante. Posee una Licenciatura y Postgrado en Fisioterapia (2002). Antes de terminar un Máster en Salud Pública, abandonó Brasil para vivir en Australia (2005), donde cursó el primer año de la Licenciatura de Arquitectura en la Universidad de Queensland, Brisbane (2008) y cambió a la Diplomatura de Artes Visuales en el Southbank Institute of Technology, Brisbane (2010). Eufália realizó allí una obra de arte público “Music Box” en un proyecto auspiciado por el Ayuntamiento de Brisbane, Australia (2009), la cual fue elegida para ser la portada del libro “ Hide and Seek Brisbane . Descubre lugares ocultos e intrigantes de la ciudad” de la editorial australiana Explore (2010). Su trabajo ha sido publicado en QUTE mag, la revista de la Queensland University of Technology y la revista del Southbank Institute of Technology, Australia (2010) y recibió el premio Artist in Focus del Southbank Institute of Technology, Australia (2010). Expuso una serie de técnica mixta, incluyendo montajes fotográficos en la exposición Beyond (2010), la exposición colectiva White Tiger de St GeorgeBank, Australia (2010) y la exposición Kaleidoscope del Southbank Institute of Technology, Australia(2009) y ha expuesto en el certamen artístico Brookfield Show, Australia (2010). En busca de inspiración, y para alimentar su hambre de viaje, dejó Australia con una mochila a la espalda para emprender por su cuenta un viaje de 5 meses por el sudeste asiático. A pesar de las innumerables notas, bocetos, dibujos y varias acuarelas,

se le despertó la pasión por la fotografía. Fue entonces cuando decidió abandonar su carrera como fisioterapeuta y trasladarse a Madrid para cursar el Máster Europeo de Fotografía de Autor en el Istituto Europeo di Design. STATEMENT Un artista es el mago que tiene la capacidad de elevar lo insulso a niveles ampliados de respuesta emocional. Hace que los sueños se hagan realidad y nos lleva a cualquier parte del mundo real y del mundo imaginario donde se suman o se restan características. Las formas se encuentran impolutas, distorsionadas, restauradas para complacer al que esté conectado. Desencadena recuerdos y hace que la creatividad florezca. Es nostálgico y poético. No hay bien ni mal. Nada es imposible. El arte es actuar, es teatro, y el artista es el escritor, el actor y el director del momento congelado. A través del arte es posible revivir una experiencia. Posee la magia de aparecer espléndido en la improvisación con o sin luces, sombras, zooms o filtros. Es un poema que desempeña la emotiva responsabilidad de mantener vivos el pasado y el presente. Llama la atención y despierta emociones. La gente pasa, el tiempo pasa, el arte sigue funcionando como íntimo diario de experiencias. No importa el aspecto que tenga, siempre hay una historia que contar.

Eufália Cristina Paz de Almeida

The Destiny of a Heart

The Destiny of a Heart is a performance: a story based on actual events, catalyzed by a photograph

of my father at a carnival in 1957 —the same year my mother and stepmother were born. I play my father, who married and divorced my mother and who then married another woman with the same name and of the same age, both thirty-three years younger than he.Inspired by Brazilian literature and the Latin-American telenovela, The Destiny of a Heart is a non-linear narrative based on memory and a family melodrama that remains ongoing. The story takes place in a small town in Southern Brazil, Campos Novos, the largest agricultural producer in the region. The work depicts a series of right-angles— those decisions and choices that can alter the course of one’s future. In my family’s case, destiny produced a chain of events that resulted in a series of coincidences and surprises that continued until the big heart stopped serving its vital role. What remains are memories of a happier life and still another right-angle: a brand new start!

BIO Eufália Cristina Paz de Almeida was born on September 9, 1980 in Campos Novos, SC, Brazil and is well known by her itinerant way of living. Holds a Bachelor degree and Post-Graduation in Physiotherapy (2002). Before finishing a Master’ s degree in Public Health, she left Brazil to Australia (2005), where she took the first year of the Bachelor in Architecture at The University of Queensland, Brisbane (2008) and switched to the Diploma of Visual Arts in the Southbank Institute of Technology, Brisbane (2010). Eufália has a public artwork “Music Box”, a Project by Brisbane city council, Australia (2009) that was chosen to be the Cover page of the book “ Hide and Seek Brisbane . Discover the city’ s hidden and intriguing places” Ed. Explore, Australia (2010). She has been published in QUTE mag Queensland University of Technology magazine, Southbank Institute of technology magazine, Australia (2010) and Awarded as artist in Focus to the Southbank Institute of Technology, Australia (2010). Exhibited a serie of Mixed Media including Photography montage in Beyond exhibition (2010), group exhibition White Tiger by St George Bank, Australia (2010) and Kaleidoscope exhibition by Southbank Institute of technology, Australia (2009) and exhibited in Brookfield Show art competition , Australia (2010). Searching for inspiration, and to feed her hunger for travelling, she left Australia to backpack on her own through Southeast Asia during 5 months. Despite the countless notes, sketches, drawings and a couple of

watercolour paintings, she was trigged by a passion for photography. She decided then to abandon her career as a Physiotherapist and moved to Madrid to take the European Master of Fine Arts Photography in the IED Istituto Europeo di Design. STATEMENT An artist is the magician who has the capacity to take the average to intensified levels of emotional responsiveness. Makes dreams come true and takes people anywhere in the real and imaginative world where features are added or subtracted. Forms are unspoiled, distorted, restored to please the one it’ s connected to. It triggers memories and makes creativity to blossom. It is nostalgic and poetic. There is no right and no wrong. Nothing is impossible. Art is acting, it is theatre, and the artist is the writer, actor and director of the frozen moment. Through art it’ s possible to revive an experience. It has the magic to look great in improvisation with or without lights, shadows, zooms or filters. It is a poem that plays the thrilling responsibility in the role of keeping the past and the present alive. It catches the attention and sparks emotions. People go, time passes and art remains functioning as intimated diaries of experiences. It doesn’ t matter how it looks, there is always a story to tell.

Joachim Hildebrand

MÜLLER-YILMAZ

Cuando era niño solía cruzar una zona de viviendas con bloques de apartamentos en mi camino a la escuela. Los nuevos edificios se parecían mucho entre sí despertaron mi interés y curiosidad. Hoy no puedo definir exactamente el porqué. Por supuesto, algunos compañeros de la escuela vivían allí, pero había algo más. Creo que la similitud de los edificios jugaba un papel importante. A finales de los años cincuenta y durante los sesenta muchas áreas residenciales como la que cruzaba a diario brotaron como hongos por todo Alemania. Había una gran necesidad de vivienda en ese momento en que el impacto de la guerra seguía siendo notable y visible. Uno también podría decir que había una gran necesidad de una nueva patria.Los primeros habitantes de estos bloques de apartamentos eran familias alemanas o familias de refugiados con raíces alemanas. Vinieron en su mayoría de Europa del Este. Pero durante las últimas décadas eso ha cambiado. Hoy en día muchos inmigrantes también viven aquí. El mayor grupo de ellos, con mucho, tiene raíces turcas. Muchos han nacido en Alemania y tienen pasaporte alemán. El apellido más común en Alemania es Müller. Müller es también una palabra muy alemana, ya que contiene la letra Ü. Es lo que se denomina umlaut, que en la mayoría de los idiomas no existe. El apellido turco más común en Alemania es Yilmaz. Ambos apellidos son arquetípicos y alegorizan a las personas y familias que viven aquí. Esa es la razón del título MÜLLER-YILMAZ. Cada apellido contiene seis letras. Si tomamos esto como símbolo, se sugiere una relación de igualdad. Dos apellidos con seis letras hacen un total de doce letras. Por consiguiente, esta obra consiste en doce fotografías. Las sombras en las fotografías nos hacen pensar en árboles genealógicos. Las sombras se entrelazan entre sí y con la arquitectura. Esto sirve como metáfora acerca de la fusión de familias y culturas, al igual que apellido Müller-Yilmaz. Este proceso es típico de las mencionadas zonas residenciales con bloques de apartamentos en las que fotografié los edificios. Desde el exterior, es imposible asignar ventanas a las familias. ¿Quién vive aquí? ¿Una familia Müller o una familia Yilmaz? ¿O incluso una familia Müller-Yilmaz? Esta intercambiabilidad también se refleja en la arquitectura uniforme de los edificios genéricos. Las diferencias se agotan en las diferentes tipografías.

BIO Joachim Hildebrand nació en Frankfurt am Main (Alemania). Fascinado por la fotografía desde que era un adolescente, en 1987 comenzó a trabajar como fotógrafo freelance para un periódico y una agencia de fotografía en Frankfurt am Main. Desde 2006 dirige allí su propio estudio. En los últimos años la fotografía de Hildebrand ha pasado de tener un enfoque

comercial a uno artístico. Ahora se centra en la fotografía de autor. En mayo de 2011 una serie de Joachim Hildebrand fue reconocida como Altamente Recomendada en el concurso European Architectural Photography Prize 2011 . Joachim Hildebrand vive y trabaja en Frankfurt am Main y Ellmau (Austria).

Joachim Hildebrand

MÜLLER-YILMAZ

When I was a boy I used to cross a housing area with apartment blocks on my way to school. The quite new buildings wich looked like one another awakened my interest and curiosity. Today I cannot define exactly why. Of course, some school mates of mine lived there, but there was something more. I think the similarity of the buildings played an important role. In the late nineteen fifties and in the sixties many housing areas like the one I passed daily sprang up like mushrooms all over Germany. There was a great housing need at that time when the impact of war was still present and visible. One could also say: There was a great need for a new homeland. The first inhabitants of these apartment blocks were German families or families of refugees with German roots. They came mostly from eastern Europe. Over the last decades that changed. Today many immigrants also live here. The biggest group of them by far has Turkish roots. Many are born in Germany and hold a German passport. The most common family name in Germany is Müller. Müller is also a very German word because it contains the letter Ü. That is a so called umlaut, which in most other languages doesn’t exist. The most common Turkish family name in Germany is Yilmaz. Both family names are archetypal and allegorize the people and families that live here. This is the reason for the title MÜLLER-YILMAZ. Each family name consists of six letters. If you take this as a symbol it suggests an equal relationship. Two family names with six letters make a total of twelve letters. Consequently this work consists of twelve photographs. The shadows in the photographs make us think of family trees. The shadows interlace with themselves and with the architecture. This serves as a metaphor for the melting of families and cultures; just as the family name Müller-Yilmaz does. This process is typical for the above mentioned housing areas with apartment blocks where I photographed the buildings. From the outside it is impossible to assign windows to families. Who lives here? A Müller or a Yilmaz family? Or even a Müller-Yilmaz family? This exchangeability is also reflected in the uniform architecture of the generic buildings. The dissimilarities exhaust themselves in the different typographies.

BIO Joachim Hildebrand was born in Frankfurt am Main (Germany). Fascinated by photography since he was a teenager he started in 1987 to work as a freelance photographer for a Newspaper and a stock photo agency in Frankfurt am Main (Germany). Since 2006 he runs his own studio there. Over the last years the focus of Joachim Hildebrand’ s photography shifted from commercial to artistic

work. Now he concentrates on fine art photography. In May 2011 a series of Joachim Hildebrand’ s work was recognized as Highly Recommended in the award/competition European Architectural Photography Prize 2011 . Joachim Hildebrand lives and works in Frankfurt am Main and Ellmau (Austria).

Juan de Marcos

TAXIDERMIA

Este proyecto es fruto de una patología adquirida que me hizo plantearme la relación que tengo con mi entorno laboral. Todas mis fotografías son retoques digitales donde el modelo, en este caso el animal disecado, es fotografiado por separado del fondo. Me gusta la atmósfera que desprende el hecho de trabajar de ese modo ya que el personaje parece estar en otra realidad, otro plano diferente que lo aísla del resto. Esta manera de trabajar da como resultado imágenes reales pero con un cierto aire onírico o ficticio. El hecho de que sean retoques y el resultado sea tan cuidado que no parezca en sí un retoque es algo que confunde.

BIO Nacido en 1976, Juan de Marcos ha participado en diversas muestras colectivas: See you soon, Colectiva en Galerie Miniarure, París; Swab, International Contemporary Art Fair, Barcelona; Colectiva de Galerie Miniarure en “Collectifs et Web Magazines”, Arles; Estampa 2010, Madrid;Colectiva, Galería Plano B, Granada; Feria de Fotografía Madridfoto, Madrid; 20+20, Presente y futuro de la fotografía española. Igualmente ha mostrado su trabajo en exposiciones individuales: Individual en MAG Mustang Art Gallery, Alicante; GESTUS, Galería La Zua, Madrid; PAPERWORKS, La Eriza, Madrid. Individual Sala EFTI. Madrid; Individual en la Galería Multiplicidad, Madrid. Su obra se encuentra en diversas colecciones públicas y privadas. Igualmente le han sido otorgadas las becas Explum y Beca XI Ayuda a la Creación Visual de la Fundación Arte y Derecho, Seleccionado para Emergencias 2.0 de La Casa Encendida, Finalista Premios Caja Madrid Generación 2008 y Finalista Descubrimientos PHE07. Así mismo, como agitador cultural es co-creador de la revista S/GNAL Review, co-fundador del Colectivo Bravo Paradies, GoGo Gallery Gibson-Showroom Madrid y ha comisariado para la Red Itiner de la Comunidad de Madrid la muestra “Los tres elementos. Una exposición para entender el hip hop.”

Ha cursado estudios de Diseño Gráfico en la Escuela Tracor, Máster de fotografía de autor en EFTI y European Master of Fine Art Photography en IED Madrid. STATEMENT Las películas clásicas donde casi siempre un galán conduce un coche, pudiendo verse por la ventanilla trasera un croma del camino recorrido, y con el sentimiento de un mal sueño que no llega a ser pesadilla se tratara. Así intento mostrar la realidad, dispuesta en un escenario donde a veces las luces y las sombras no concuerdan, y todo ello con un fondo con los sonidos más oscuros de los Beach Boys como banda sonora.

Juan de Marcos

TAXIDERMIA

This project is the result of an acquired disease that made me think about the relationship I have with my work environment. All my pictures are digitally retouched, where the model, in this case the stuffed animal, is photographed separately from the background. I like the atmosphere that appears when working this way because the character seems to be in another reality, another plane, which isolates it from the rest. This work process results in real images but with a certain dreamy or fictitious air. The fact that they are retouched and the result being so smooth that they do not seem to be so is somewhat disturbing.

BIO Born in 1976, Juan de Marcos has participated in several group exhibitions: See you soon, Galerie Miniarure, Paris; Swab, International Contemporary Art Fair, Barcelona; Galerie Miniarure’s show in “COLLECTIFS et Web Magazines”, Arles; Estampa 2010, Madrid; Gallery Plan B, Granada; MADRIDFOTO Photography Fair. Madrid; 20+20, Present and Future of Spanish photography. He has also shown his work in solo exhibitions: MAG Mustang Art Gallery. Alicante; GESTUS in Galeria La Zua, Madrid PAPERWORKS in La Eriza, Madrid; Sala EFTI, Madrid; Galería Multiplicidad, Madrid. His work is in many public and private collections and he has also been awarded with the Explum Grant and the XI Ayuda a la Creación Visual grant from the Arte y Derecho Foundation, selected in Emergencias 2.0 in La Casa Encendida, and finalist in 2008 Caja Madrid Generación Awards and Descubrimientos PhotoEspaña 2007. As cultural agitator he is co-creator of the S/GNAL Review magazine, co-founder of the Bravo Paradies collective, GoGo Gibson Showroom Madrid Gallery and has curated the exhibition “The three elements. An exhibition to understand hip-hop.” for Red Itiner Madrid.

He studied graphic design at the Tracor school, the Fine Art Photography Master at EFTI Madrid and the European Master of Fine Art Photography at IED Madrid. STATEMENT Classic films, where almost always a gentleman drives a car and through the rear window we can see a bluescreen of the path with the feeling of a bad dream that doesn’ t reach the nightmare status. That’s how I try to show reality, arranged in a scenario where sometimes lights and shadows do not match, and all with the darkest sounds of the Beach Boys as a background soundtrack.

Paula Ospina

MUJER CASA

El punto de partida de este trabajo es la casa y la forma en que yo, como mujer, me relaciono con ese espacio. La casa esta considerada como el principio de integración de nuestros pensamientos, de los recuerdos, las obsesiones, los deseos y los sueños. En este espacio me enfrento a una identidad que se busca así misma como mujer, madre, esposa y ama de casa, también la presión que conlleva esa identidad de encajar en un estereotipo físico como psicológico. La relación que tenemos hoy en día las mujeres con nosotras mismas, y por lo tanto con la casa, esta cambiando. Este trabajo es una reflexión que utiliza la casa y los elementos que ahí existen para hablar sobre la búsqueda de identidad enfrentada a connotaciones históricas, contemporáneas, sociológicas y psicológicas que a menudo están en conflicto entre ellas y crean tensión en nosotras mismas y en esa búsqueda de saber quién somos.

BIO 1977 Bogotá, Colombia Vive y trabaja en Barcelona, España EXPOSICIONES INDIVIDUALES 2010 De lo Efímero y el Cambio, Galería Tagomago. Barcelona, España 2009 STILL LIFE, Jens Fehring Gallery. Frankfurt, Alemania 2007 Cielo y Tierra, Galería Badiu 92. Badalona, España EXPOSICIONES COLECTIVAS 2012 Proyecte Dones Invisibles, 12 fotógrafes contra la violencia de genero CACIS, Centro de Arte y Sostenibilidad. Calders, España 2011 Culte a la Personnalite, Galería Tagomago. Paris, Francia 2011 WIP, Work in Progress, Galería Tagomago. Barcelona, España 2010 Exposición Primer Aniversario, Galería Valid Photo. Barcelona, España 2010 Nómada Festival Emergent. Lleida, España 2010 La Verdad Desnuda, Museo J. Torrents Lladó, Colectiva de Fotografía. Palma de Mallorca, España 2010 Fernelmont Contemporary Art Festival. Fernelmont-Noville les Bois, Belgica 2009 Nómada serie fotográfica, Insight y Kiss proyección de video, Hot Art, Balelatina, comisariado por Santiago Espinosa y Verónica Weinstein. Basilea, Suiza 2008 Laberynth & Mix Video Resonance, UNA Artist Lounge, Balelatina. Basilea, Suiza 2008 Fish and Foto, Galería H20. Barcelona, España 2007 Desbordando la Objetividad, Fotográfica Bogotá. Bogotá, Colombia 2006 37 Primaveras y Una… Sala Noa. Barcelona, España 2005 La Violencia BAC, Barcelona Arte Contemporáneo en el centro de Cultura Contemporánea de Barcelona ( CCCB). Barcelona, España 2005 Silencios, Sala NOA. Barcelona, España 2002 Sonicontinuum Artists Collective Group Show Remote Space. Nueva York, EEUU 2001 Reactions, Exit Art. Nueva York, EEUU 2000 Surface 2 Air (www.surface2air.com) Artists. Nueva York, EEUU

PUBLICACIONES & OTROS PROYECTOS 2008 4997 Kilómetros, Beijing-Lhasa, publicado por el Grupo Tragaluz con la colaboración de Run Design. Barcelona, España Premio Laus al mejor libro 2008, Premio de Oro en el Art Directors Club of Europe, RU 2008 Living Bridge, cubierta para Rare Book Room Records. Nueva York, EEUU 2007 Documentación y seguimiento fotográfico del edificio de Jean Nouvelle Life Marina. Ibiza, España 2001 Pour La Victoire “An Exercise in Editorial Curation”, publicado por Surface 2 Air (www.surface2air.com) y Spoon UK. Nueva York, EEUU PROYECTOS HUMANITARIOS 2010 - 2013 Fundación Niños del Mundo Coordinadora de la fundación del Grupo Tragaluz 2002 Foundation for a New Dawn Co-fundadora de esta ONG que apoyaba a fundaciones Colombianas por medio de fondos adquiridos en el exterior, trabajo extensamente con los niños de Mi Familia en Bogotá 2001 Consulado de Colombia Departamento legal responsable de los presos Colombianos en el sector este de EEUU 1994 - 2001 Modelo profesional de la agencia Ford ( NY, Paris, Londres, Milan y Tokyo) ESTUDIOS 2010 Taller de fotografía en Es Baluard, Palma de Mallorca, con Graciela Iturbide 2008 Taller de fotografía en CCCB, Barcelona, con Antoine d’Agata, Magnum Photos 2005 Escuela de Cine y Audiovisual de Cataluña, Barcelona, España 2003 Vivekananda Yoga Anusandhana Samsthana, Bangalore, India 2002 International Center of Photography, New York, EEUU 2000 Ayurvedic Institute, Albuquerque, New Mexico, EEUU

Paula Ospina

MUJER CASA

The starting point of this project is the house and the way I, as a woman, relate to this space. The house integrates our thoughts, memories, obsessions, desires and dreams. In this space I am faced with an identity that is sought as a woman, mother, wife, housekeeper and the pressure within this identity to fit into a physical and psychological stereotype. The relationship that we, as women, have with ourselves is changing today and therefore the relationship that we have with the house. This work tries to create a dialogue that uses the house and the elements that are found there to express a search for identity confronted with historical, contemporary, sociological and psychological connotations, which are often in conflict with each other and create tension within ourselves as we search to know who we are.

BIO 1977 Bogotá, Colombia Lives and works in Barcelona, Spain SOLO EXHIBITIONS 2010 De lo Efímero y el Cambio, Galería Tagomago. Barcelona, Spain 2009 STILL LIFE, Jens Fehring Gallery. Frankfurt, Germany 2007 Cielo y Tierra, Galería Badiu 92. Badalona, Spain GROUP SHOWS 2012 2011 2011 2010 2010 2010 2010 2009 2008 2008 2007 2006 2005 2005 2002 2001 2000

Projecte Dones Invisibles, 12 fotógrafas contra la violencia de género CACIS, Centro de Arte y Sostenibilidad. Calders,

Spain

Culte a la Personnalite, Galería Tagomago in Paris, France WIP, Work in Progress, Galería Tagomago. Barcelona,

Spain

First anniversary exhibition, Galería Valid Photo. Barcelona,

Spain

Nómada Festival Emergent. Lleida, Spain La Verdad Desnuda, J. Torrents Lladó museum. Palma de

Mallorca, Spain Fernelmont Contemporary Art Festival. Fernelmont-Noville les Bois, Belgium Nómada photographic series, Insight and Kiss video projection, Hot Art, Balelatina, curated by Santiago Espinosa and Verónica Weinstein. Basel, Switzerland Laberynth & Mix Video Resonance, UNA Artist Lounge, Balelatina. Basel, Switzerland Fish and Foto, Galería H20. Barcelona, Spain Desbordando la Objetividad, Fotográfica Bogotá. Bogotá, Colombia 37 Primaveras y Una… Sala Noa. Barcelona, Spain La Violencia, BAC, Barcelona Arte Contemporáneo in the Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB). Barcelona, Spain Silencios, Sala NOA. Barcelona, Spain Sonicontinuum Artists Collective Group Show, Remote Space. New York, USA Reactions, Exit Art. New York, USA Surface 2 Air Artists. New York, USA

PUBLICATIONS & OTHER PROJECTS 2008 4997 Kilómetros, Beijing-Lhasa, published by Grupo Tragaluz with the support of Run Design. Barcelona, Spain Laus prize, best book 2008, Golden prize at the Art Directors Club of Europe, UK 2008 Living Bridge, cover for Rare Book Room Records. New York, USA 2007 Documentation and photographic monitoring of the Jean Nouvelle Life Marina building. Ibiza, Spain 2001 Pour La Victoire “An Exercise in Editorial Curation”, published by Surface 2 Air and Spoon. UK HUMANITARIAN PROYECTS 2010 - 2013 Fundación Niños del Mundo Coordinator of the Grupo Tragaluz Foundation 2002 Foundation for a New Dawn Co-founder of this NGO, whose mission was to support Colombian foundations through funds acquired abroad, working extensively with the children from Mi Familia in Bogotá 2001 Colombian consulate Legal Department responsible for Colombian prisoners in the eastern US sector 1994 - 2001 Professional model in Agency Ford (NY, Paris, London, Milan and Tokyo) EDUCATION 2010 Photography workshop at Es Baluard, Palma de Mallorca, with Graciela Iturbide 2008 Photography workshop at the CCCB, Barcelona, with Antoine d’Agata, Magnum Photos 2005 Film and Audiovisual School of Catalonia (ESCAC), Barcelona, Spain 2003 Vivekananda Yoga Anusandhana Samsthana, Bangalore, India 2002 International Center of Photography, New York, USA 2000 Ayurvedic Institute, Albuquerque, New Mexico, USA

Lluis Mir贸

QUIEBRE

Hasta ese momento parecía tan fuerte, seguro, decidido, convincente e infalible que era casi prepotente. No había obstáculos ni puntos débiles, nada que agradecer ni nada que pedir. El mundo estaba ahí para disfrutar de su presencia, lejana y admirable, todo un referente de autoexigencia y frialdad. De repente todo cambió, las barreras crecieron, la confusión apareció, la desorientación emergió. Cada paso era un muro infranqueable, cada decisión un mar de alternativas imposibles, cada calle un universo de amenazas, cada día una eternidad por solventar. Fue una época larga, dura, costosa, con desesperación, dolor, inseguridad, incertidumbre, duda y frustración. Sólo la ayuda de los demás, el reconocimiento de la propia vulnerabilidad, el esfuerzo, el optimismo, el vivir jugando, la superación y la autenticidad hicieron que apareciera la luz. Sólo aprendemos cuando reconocemos lo que nos falta, cuando reconocemos en los demás la posibilidad que son, cuando nos observamos con suficiente liviandad.

BIO Badalona, 1958

Llegó al mundo del arte después de haber desarrollado una amplia carrera en la industria. Con una formación en tecnología y liderazgo, ha profundizado en el proceso de transformación y cambio del ser humano a través de su formación en coaching y psicología positiva. En materia de arte, ha estudiado fotografía y creatividad en varios talleres, Fotografía Profesional en la Escuela Superior de Imagen y Sonido CEV y el Máster Europeo de Fotografía de Autor en el IED Istituto Europeo di Design.

STATEMENT Para mí, el arte es un medio para buscar y desafiar el mundo psicológico interno. La apertura y la integración de mi aprendizaje como coach y autor son mi búsqueda principal. Uso la fotografía como pretexto para trazar las experiencias de la práctica artística y ofrecérselas al espectador. Soy un artista que explora la relación de la imagen con otras percepciones y experiencias. lluis@lluismiro.com / + 34 656 60 02 58

Lluis MirĂł

BREAKDOWN

Until that moment he seemed so strong, safe, decisive, convincing and infallible that he was almost arrogant. There were no obstacles or weaknesses, nothing to be thankful for and nothing to need. The world was there to enjoy his presence, far and admirable, a benchmark of self-imposed and coldness. Suddenly everything changed, barriers grew, confusion appeared, disorientation emerged. Every step was an impenetrable wall, every decision a sea of impossible choices, each street a universe of threats, every day an eternity to afford. It was a long, hard, costly time; in despair, pain, insecurity, uncertainty, doubt and frustration. Only the help of others, recognizing their own vulnerability, effort, optimism, playing live, overcoming and authenticity made light appear. We only learn when we recognize what we need, when we recognize in others the chance they are, when we observe ourselves with sufficient lightness.

BIO Badalona, 1958

Lluis got to the art world after developing a wide career in industry. With a technological and leadership background, he has deepened in the process of transformation and change of human beings through his training in coaching and positive psychology. In art matters, he has studied photography and creativity in various workshops, Professional Photography at the Escuela Superior de Imagen y Sonido CEV and the European Master of Fine Art Photography at IED Istituto Europeo di Design.

STATEMENT For me, art is a means for searching and challenging the inner psychological world. The opening and integration of my learning as coach and author are my main pursuit. I use photography as a pretext to trace the experiences of artistic practice and offer them to the spectator. Iâ&#x20AC;&#x2122; m an artist who explores the connection of images with other perceptions and experiences. lluis@lluismiro.com / + 34 656 60 02 58

Martina Hemm

HYPNAGOGIA

Al quedarnos dormidos, sobre el subconsciente de nuestra mente, el alcance de nuestra percepción varía. Al acercarnos a un estado de sueño se ralentizan nuestros pensamientos y se amplían nuestras asociaciones semánticas. Este cambio en el alcance de nuestra percepción disminuye lentamente nuestra conciencia física del sonido y de las sensaciones corporales, mientras que al mismo tiempo conduce nuestra percepción a un registro más bajo, por lo general desapercibido en nuestro estado de vigilia cotidiana. Para muchos de nosotros, esta transición se produce tan rapidamente que no nos damos cuenta de los cambios producidos en nuestra percepción. Sin embargo, cuando flotamos lentamente hacia el sueño, nuestra conciencia se llena de asociaciones inusuales y extrañas. Esta lenta transición desde el mundo consciente hacia el sueño se llama hipnagogia. Las imágenes en Hypnagogia son un mosaico aleatorio de sensaciones que pueden ser percibidas bien una a una, agrupadas o en conjunto como un todo. Sin un principio ni final establecido, son mi percepción de hypnagogia.

BIO 1988 Nace en Vermont, EEUU. Vive en Munich, Alemania Máster Europeo de Fotografía de Autor (2012), Istituto Europeo di Design (IED), Madrid,España Licenciatura en Relaciones Internacionales (2011), Boston University, Boston, MA PROYECTOS 2012 Homo Implumis (en curso) 2011 - 2012 Hypnagogia, proyecto para el máster en el IED Madrid Co-creadora de la revista S/GNAL, publicación sobre artistas de fotografía/arte contemporáneo y co-fundadora del colectivo artístico BRAVO PARADIES: collective@bravoparadies.com sgnalreview.com bravoparadies.com http://martinahemm.tumblr.com/ http://martinahemm-hypnagogia.tumblr.com/ STATEMENT Este proyecto surgió del alma; una necesidad física más que un proceso intelectual. Estaba obsesionada por una imagen que había tomado. Era grotesca y familiar al mismo tiempo. A un nivel intuitivo profundo me atrajo, generándome sensaciones de angustia y familiaridad completamente inexplicables.

Me encontré sumergiéndome en este proyecto de forma inconsciente, fotografiando imágenes y reduciéndolas a los detalles que evocaban la misma sensación de incomodidad que la imagen original. No me puse limitaciones ni reglas a seguir. Cuando creé un cuerpo de trabajo que me satisfacía a nivel intuitivo, no encontré palabras para describir lo que estas imágenes representaban. Recuerdo desde la infancia la sensación consciente de quedarme dormida, de verme desde arriba y sentir mi cuerpo desde abajo mientras poco a poco me sumía en mis sueños. Para mí, estas imágenes representaban el sentimiento de flotar a la deriva en ese mundo imaginario entre el dormir y el sueño, donde la mente se filtra a través de una ficción de la realidad. Donde vivimos lo improbable, al borde del terror, donde la belleza se funde con el miedo. Cuanto más indagaba en el tema, más me sorprendía la similitud espeluznante que estas imágenes tenían con lo que era descrito como alucinaciones hipnagógicas. ¿Alguna vez tuve visiones hipnagógicas cuando era niña? ¿Estaba siendo guiada por una memoria subconsciente? No lo sé. Me gusta pensar que la hipnagogia va más allá de nuestro ciclo de sueño y que es una manifestación de una conciencia subyacente, tal vez incluso común; “un atisbo de mundo exterior del espíritu”.

Martina Hemm

HYPNAGOGIA

As we drift off to sleep, to the subconscious of our mind, the range of our awareness changes. Approaching a dream state our thoughts become slowed, our semantic associations extended. This change in the range of our awareness slowly diminishes our physical awareness of sound and bodily sensations, while at the same time it opens our perception to a lower register, typically unperceived in our everyday waking state. For many of us, this transition takes place so quickly we do not notice the changes occurring in our perception. However, when we drift slowly into sleep, uncommon and strange associations occupy our awareness. This slow transition from the conscious world to sleep is called hypnagogia. The images in Hypnagogia are a random mosaic of sensations that can be perceived either individually, grouped, or in conjunction as one whole. Without a set beginning or end, they are my perception of hypnagogia.

BIO 1988 Vermont, USA. Living in Munich, Germany. European Master of Fine Art Photography (2012), Europeo di Design (IED), Madrid, Spain. BA of International Relations (2011), Boston University, Boston, MA PROYECTOS 2012 Homo Implumis (ongoing) 2011 - 2012 Hypnagogia, Master’ s Project at IED Madrid Co-creator of S/GNAL review, artists’ publication on contemporary art/photography, co-founder of art collective BRAVO PARADIES: collective@bravoparadies.com sgnalreview.com bravoparadies.com http://martinahemm.tumblr.com/ http://martinahemm-w.tumblr.com/ STATEMENT This project arose from the soul, a physical need rather than an intellectual process. I had been haunted by a certain image I had taken. It was as grotesque as it was beautiful. On a deep intuitive level it drew me in, giving me sensations of angst and familiarity; utterly inexplicable.

I found myself falling into this project unconciously, photographing images and reducing them to details that evoked the same sense of unease as that original image. I gave myself no limitations, no rules to follow. When I had compiled a body of work that satisfied me on an intuitive level, I was at loss of words to describe what these images represented. From my childhood I remembered the sensation of conciously falling asleep, of seeing myself from above and feeling my body from below as I slowly spiraled into my dreams. For me my images represented this feeling of drifting into that imaginary world between slumber and sleep, where the mind passes into a fiction of reality. Where we live the improbable, on the verge of dread, where beauty merges with fear. The further I looked into the subject the more I was surprised by the eerie similarity these images had to what was described as hypnagogic hallucinations. Did I ever have hypnagogic visions as a child? Was I guided by a subconscious memory? I cannot say. I like to think that hypnagogia goes beyond our sleep cycle that it is a manifestation of an underlying, maybe even common consciousness; “a glimpse of the spirit’s outer world”.

Miguel Soler-Roig

DEJA DE SUFRIR

Deja de sufrir. Este mensaje en un sencillo papel blanco, escrito en la despersonalizada escritura de

un ordenador, secuestra mi atención sobre la acera mojada de un asfalto y me conduce a colocar las palabras en imágenes, a captar lo intangible de un sentimiento profundo que puede llegar a convertirse en el mayor catalizador y creador: el sufrimiento. Deja de sufrir se convierte en un mensaje dirigido a quien lo lee, a quien lo siente, a quien lo necesita. Un mensaje universal porque, al fin de al cabo, cualquiera de las fotos de esta serie habla de un aparte nuestro, inherente al ser humano, cuando su hermana la alegría se ha ido a dar un paseo… El sufrimiento ni se crea ni desaparece. Al igual que la energía, se transforma. Cuando observamos el sufrimiento de frente en sus distintas manifestaciones o leyendo el mensaje una y otra vez, el sentimiento de dolor se difumina a favor de la catarsis creativa. (Y aun tengo que llamar al teléfono que me ofrece la posibilidad de dejar de sufrir).

BIO Miguel Soler-Roig (Barcelona, 1961) es una mirada en movimiento. En sus distintos viajes ha podido conocer y capturar diferentes culturas. La carrera fotográfica de Miguel es una continua aventura de vida. La sociedad en su constante evolución, lo exquisito, lo humano… aparece reflejado en cada una de sus imágenes. Es un artista innato, de mirada atenta y personalidad creativa. Su educación se ha visto influida por la escuela de la Bauhaus y el nuevo estilo tipográfico suizo. Estudia en la Schule für Gestaltung Basel (Escuela de diseño de Basel). Completa sus estudios con un Master en Bellas Artes en la escuela de diseño de Rhode Island, en Providence (USA). Esta etapa de aprendizaje en América le confiere una mayor expresividad a la hora de crear y una libertad compositiva en sus fotografías. Durante varios años vive y trabaja en el Nueva York de la gran década del arte contemporáneo americano. Movimientos como el Pop, Arte Post Moderno, o el New Media, quedarán reflejados de alguna manera en sus trabajos posteriores. Tras su regreso a España realiza el Máster Europeo de Fotografía de Autor en IED Madrid. Miguel vive el instante en cada una de sus fotografías. Captura momentos que quiere vivir. Y busca vivir lo que desea fotografiar. Hay una incesante indagación en situaciones robadas o perdidas, en los tiempos pasados, o en los sueños que pueden convertirse en realidad. Retratos de rostros conocidos, amigos, personajes influyentes, escenas casi cinematográficas, o gente de la calle que habla del mundo actual. La luz es protagonista en la mayoría de sus fotos. Miguel busca una luz tardía, casi subliminal e indirecta sobre los cuerpos,

las calles, los objetos… Ese efecto lo consigue en su máxima expresión con luz polarizada, suavemente reflejada, nunca incidente, como si se tratara de luz de luna. Cualquier elemento que sirva de reflector, lo utiliza para lograr ese semblante que respira sobre la superficie que ve cuando siente el momento de capturar la imagen. Algunas de sus exposiciones incluyen el Museo de Arte RISD, en Providence, Rhode Island; el AIGA, Nueva York; Schule für Gestaltung, Basel; el festival de PhotoEspaña en el Centro de El Águila, Madrid; E8 Galería, Madrid; o 1650 Gallery, Los Angeles. Durante 2011 ha expuesto en: Madrid Foto, Galería Blanca Berlin; Copenhague Photo Festival, Rohde Contemporary Gallery; Galeria Eva Ruiz, Madrid; Missoni Madrid, durante la Vogue Fashion's Night Out; 1650 Gallery, Los Angeles; Fundación Antono Saura, Cuenca; Arte Lisboa, Galeria Blanca Berlin y Galeria Alejandro Sales, Barcelona. Ha participado recientemente en la tercera edición de JustMad y en la Feria de Libros Mutantes en La Casa Encendida, Madrid. En septiembre-diciembre 2012 expone Mirar, sentir, coleccionar en la Galería Blanca Berlín, junto a los artistas Joaquim Paiva y Toni Catany, donde también presenta parte de su colección particular de arte contemporáneo. STATEMENT Mi curiosidad me ha beneficiado en muchas ocasiones. Continuo descubriendo cosas nuevas día a día… Veo la belleza en los momentos y lugares más insospechados. También, en los ojos de la persona más inesperada.

Miguel Soler-Roig

DEJA DE SUFRIR

Stop Suffering , a message written on a simple white paper, in impersonal computer type, pulls

my attention on a wet asphalt sidewalk and makes me interprete these words into images, to capture the intangible of a deep feeling that can become the biggest catalyst and creative source: suffering. Stop Suffering is addressed to those who read it, to those who feel it, to those in need of it. It is a universal message where every photo in the series speaks of our inherent as human beings when the joy has gone away. As energy, it transforms itself. When confronting suffering in its different forms and ways or reading the message again and again, the feeling of pain fades away as a creative catharsis takes place. (And I still had to call the number that gave me the chance to stop suffering.)

BIO Miguel Soler-Roig (Barcelona, 1961) is a gaze in motion. In his multiple journeys through different countries, he has been in contact with different cultures, adding to his cosmopolitan and adventurous career a worldly knowledge and refined lifestyle, transmitting such qualities in all his works. He studied at the Schule für Gestaltung Basel (Basel School of Design). Subsequently, he completed a BFA and a MFA GD at the Rhode Island School of Design in Providence (USA) and decided to explore the spirit and expressive feeling of free and natural composition. On his return to Spain he continued studies in photography, having completed the European Master of Fine Art Photography at IED Madrid and several professional photography worshops organized by PhotoEspaña. Miguel lives the moment while taking the photographs, but as he himself confirms, sometimes he photographs what he wants to live. Stolen moments from a past era or dreamed situations that might come out of a novel or film. Portraits, landscapes and perspectives on the everyday life of today’ s modern society and the prevailing attitude of life. Light is the main theme in most of Miguel’ s photographs. He looks for a late, almost subliminal and indirect light on bodies, streets, objects, etc. He takes this effect to its highest level with polarized, gently reflected, never incident light, as if it were the moonlight. Miguel uses anything that serves as a reflector to achieve an expression that breathes on the surface he sees at the moment of the photographic capture.

His shows at the RISD Museum of Art, Providende, Rhode Island, at the Basel School of Design and at the American Institute of Graphic Arts, New York, must be highlighted. Among his recent shows, the collective exhibitions at PhotoEspaña Festival, El Aguila Centre; E8 Gallery, Madrid, and 1650 Gallery, Los Angeles. His exhibitions in 2011 include: Madrid Foto, Galería Blanca Berlin, Madrid; Copenhague Photo Festival, Rohde Contemporary Gallery, Copenhague; Galeria Eva Ruiz, Madrid; Missoni Madrid, during Vogue Fashion’ s Night Out; 1650 Gallery, Los Angeles; Fundación Antono Saura, Cuenca; Arte Lisboa, Galeria Blanca Berlin and Galeria Alejandro Sales, Barcelona. Has recently participaped in JustMad3 Art Fair and the Publishing Book Fair at La Casa Encendida Libros Mutantes . In September-December 2012 the shows at Galeria Blanca Berlin with artists Joaquim Paiva and Toni Catany, in an exhibition titled Look, Feel, Collect, were he also talks about his private art collection. STATEMENT My curiosity has benefited me in many occasions. I continuously discover new things every day... I see beauty in the most unpredictable moments and places. Also, in the eyes of the most unexpected person.

Eduardo Cervera Retamar

SUPERMERCADO NEGRO

Hemos aprendido a aprovechar todos los recursos que están a nuestro alcance para desarrollar nuestra parcial realidad del bienestar. Al mismo tiempo, hemos aprendido a derrochar todos los recursos que tenemos entre manos en el proceso de acomodarnos a esa realidad. Si los alimentos fueran la base de nuestro desarrollo material, ¿haríamos una excepción en su caso? Supermercado Negro es una celebración y un homenaje inspirado en mis experiencias con el reciclaje

de alimentos. Empezaron en el mercado de frutas y verduras de Belleville, en París, y me demostraron que, aunque no tengamos medios económicos para hacer la compra, es casi imposible morirse de hambre en el mundo occidental. En la oscuridad de los cubos de basura de las urbes abundan inocentes piezas de fruta y verdura, ignorantes de su destino y víctimas de la especulación. He querido rendirles homenaje mediante sus retratos de estudio. Por otro lado, en los grandes mercados se generan constelaciones de tomates y mapas de melones, patatas, mangos y pimientos provenientes de todos los rincones del planeta, que se unen en un inaudito mestizaje culinario.

BIO Eduardo Cervera Retamar (Guareña, Badajoz, España, 1979) comienza su incursión en el arte a través de la danza, la interpretación y la música. Sus estudios de traducción en la Universidad Complutense de Madrid (2000-2004) le acercan a la facultad de Bellas Artes, donde cursa por libre la especialidad de fotografía y asiste como becado y traductor a varias ediciones de Campus PhotoEspaña, donde recibe clases de Nicos Economopoulos, Donna Ferrato, Luis González Palma y Alberto García Alix, entre otros. Es seleccionado en Descubrimientos PhotoEspaña 2007 y expone en el Festival Rhubarb Rhubarb, Birmingham, Inglaterra y en el Lianzhou Photo Festival 07, China. Se traslada a Ibiza, donde co-crea el proyecto comunitario Candela, estudia teatro en la Escuela Internacional Eric de Bont y crea varios proyectos musicales y exposiciones individuales. Tres años después, vuelve a Madrid para cursar el Máster Europeo de Fotografía de Autor en el Istituto Europeo di Design IED. En la actualidad reside en Madrid, donde colabora con

el Máster Europeo de Fotografía de Autor, trabaja como traductor e investiga sobre fotografía, música y danza. STATEMENT Buscando constantemente mi lugar en el mundo, el arte se convierte en un medio que me ayuda en el empeño vital de encontrar mi punto de partida y mi camino. Aunque a veces se muestra escurridizo, se resiste y se camufla cuando puede, igual que yo. Sin embargo, la constancia nos permite seguir intentándolo; gracias a esa insistencia llegará el día en que lo lograremos. Nuestra cualidad está en nuestro resurgir, en nuestra tozudez, en nuestra valentía. No hay tesoro en el fondo del mar que cese de ser buscado, por muy perdido que esté.

Eduardo Cervera Retamar

BLACK SUPERMARKET

We have learned to use all the resources at our disposal to develop our partial welfare reality. At the same time, we have learned to waste all the resources at hand in the process of settling into this reality. If food is the base of our material development, will we make an exception with it? Black Supermarket is a celebration and a tribute inspired by my experiences with food recycling. They started in the fruit and vegetable market of Belleville, Paris, and showed me that in the western world, even without the economical means to buy a meal, it is almost impossible to die of hunger. In the darkness of urban trash bins there is plenty of fruit and vegetables pieces, ignorant of their destiny and victims of speculation. I wanted to pay tribute to them taking their studio portraits. Meanwhile, in large markets there appear constellations of tomatoes and colourful maps of melons, potatoes, mangoes and peppers from all over the planet, joining in an unprecedented crossbreeding.

BIO Eduardo Cervera Retamar (Guareña, Badajoz, Spain, 1979) began his incursion into art through dance, music and interpretation. His translation studies at the Universidad Complutense of Madrid (2000-2004) drew him towards the Faculty of Fine Arts, where he studied the major in photography as an occasional student and attended to several editions of Campus PhotoEspaña as a scholar and translator, where he received lessons from Nicos Economopoulos, Donna Ferrato, Luis González Palma and Alberto García Alix, among others. He was selected for Descubrimientos PhotoEspaña 2007 and exhibited at the Rhubarb Rhubarb Festival, Birmingham, UK and the Lianzhou Photo Festival 07, China. He then moved to Ibiza, where he co-created the community project Candela , studied theatre at Bont’ s International Clown School and created several musical projects and solo exhibitions. Three years later, he returned to Madrid to attend the European Master

of Fine Art Photography. He currently lives in Madrid, where he collaborates with the EMFAP, works as a translator and researchs about photography, music and dance. STATEMENT In the eternal search for my place in the world, art becomes a means that helps me in the vital determination of finding my point of departure and my way. Though sometimes it is elusive and reluctant, and it camouflages itself whenever it gets the chance, just like me. But perseverance allows us to keep on trying, and thanks to this insistence the day will come in which we will succeed. Our quality is in our revival, in our stubbornness, in our courage. There is no treasure in the sea that stops being searched for, no matter how lost it may be.