Latin American Art 1 by Latin American Art

LATIN AMERICAN ART

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ENERO A JUNIO DE 2012

n u n a c s u b e u q s Para lo . s a r b o e d o t le p estudio re

NÚMERO 1 ENERO A JUNIO DE 2012

NÚMERO 1

FIAT 500 2012

Latin American Art

PABLO RUBIO

MIS PREOCUPACIONES PLASTICAS Y MIS RECUERDOS

Domingo GarcĂa Sculpture Objects & Functional Art Fairs SOFA NEW YORK April 20-23, 2012 Park Avenue Armory Opening Night Thursday, April 19

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DEL EDITOR

LATIN AMERICAN ART número 1 • enero a junio 2012

Comenzar un proyecto nuevo siempre me llena de una mezcla de

emociones raras que activan las sensaciones de alegría y deseos de

DIRECTOR Y EDITOR Alejandro Alfonso Romero

licación. Podría compararse con el sembrar una diminuta semilla y

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sol y abono, estoy seguro que gozare a plenitud dar a conocer in-

Alex Martinez, Tenerife, España alexmartinez65@gmail.com

dar el máximo, se que disfrutare muchísimo desarrollar esta pubobservarla crecer día a día, con los cuidados necesarios como agua, ternacionalmente esta revista especializada en artes plásticas y abrir

puertas por donde llegar a los grandes salones del arte, que son las

Nadia Chaviano, Texcoco, México (52) 551-807-7687

ferias internacionales de arte.

Para comenzar, lo hemos hecho con el pie derecho, pues pre-

Vera Chaviano, Miami, Florida (787) 224-9420

sentamos en nuestra primera edición la obra de uno de los grandes escultores puertorriqueños de todos los tiempos, un artista que

Nadia Chaviano, Mexico: email: nadiale17@yahoo.es

embellece todo Puerto Rico con sus estéticamente monumentales

piezas, masivas obras de arte disponibles para el disfrute colectivo, objetos que aportan a que la sociedad se acerque mas al arte, para

Raniel Sebelen, Santo Domingo, R.D. ranier.sebelen@gmail.com 809-449 1249

ser una mas desarrollada, tengo el gran honor de contar en portada de Latin American Art con el gran maestro Pablo Rubio.

Ernesto Valenciano, Austin, Texas 12 466-0336 • valencianoe@gmail.com

Somos una publicación joven con un equipo experimentado, una

revista que nace entre muchas otras, entraremos a una competencia que conocemos pero que no permite descanso, ofreceremos a

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TRADUCCIÓNES Lee Collins, Translations Now

Alejandro Alfonso, Editor.

VENTAS Y CIRCULACIÓN (787) 923-2783 revistaartelatinoamericano@gmail.com

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strange emotions that stir up happy feelings and the desire to do my

very best; I know that I will greatly enjoy developing this publication.

It can be compared to the planting of a small seed that you can watch

grow day by day, while providing the necessary caring, such as wa-

IMPRESO EN PUERTO RICO EXTREME GRAPHICS • (787) 874-6698 Copyright© 2012 Latin American Art. Se reservan todos los derechos. Se presume veracidad del material compilado, no se asume responsabilidad por errores u omisiones. No se garantiza la autenticidad y la calidad de los productos o servicios promocionados por nuestros anunciantes. Se prohíbe la reproducción parcial o completa de esta publicación.

ter, sunlight and fertilizer. I am sure that I will fully enjoy launching

this magazine specializing in the plastic arts and I will make it known

COLABORADORES

internationally in order to open the doors to the great art salons, which are the international marketplaces of art.

To begin with, we have started off on the right foot, as we are

presenting in our first edition the work of one of the greatest Puerto Rican sculptors of all times, an artist that has beautified all of Puerto Rico with his aesthetically monumental pieces; massive works of

Pablo Rubio

Toni Piñera

Cecilia Crespo

Domingo García

Elizam Escobar

Yamilia Gordillo Rodríguez

art available for collective enjoyment, objects that enable society

Antonio Molina

honor of presenting on our first cover of Latin American Art the great

Dr. Nadia Rosa Chaviano Rodríguez

to come closer to art, to aid in its development. I have the great master, Pablo Rubio.

Manuel Álvarez Lezama Judith Nieves Lacomba

We are a young publication with a well-seasoned team, a maga-

Raul Cesar Santos Zerpa

that we are familiar with but which allows no rest. We shall offer our

D. Arnaldo Román

Dr. Marcelino Canino Salgado

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Rafael Acosta de Arriba

Lilliam Nieves

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zine that is born among many others; we will enter the competition

clients a unique product and we count on the grace of God to reach our goals.

God bless you all,

Bianca Ortiz Declet

Alejandro Alfonso, Editor.

Latin American Art

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enero - junio 2012

Roxanna Jordán

Dios bendiga a todos. Alejandro Alfonso, Editor.

CONTENTS CONTENIDO 37 POR: PABLO RUBIO

POR: CECILIA CRESPO

56 Latin American Art

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enero - junio 2012

POR: HUBERT CAÑO

POR: DR. NADIA ROSA CHAVIANO RODRÍGUEZ

CONTENTS CONTENIDO POR: ELIZAM ESCOBAR

POR: ARNALDO ROMÁN

78 68

POR: RAFAEL ACOSTA DE ARRIBA

POR: JUDITH NIEVES LACOMBA

POR: RAUL CESAR SANTOS ZERPA

Latin American Art

PABLO RUBIO

MAYKEL HERRERA

LUIS MAISONET

SELLES

SANTOSERPA

GILBERT SALINAS

HEBE GARCIA BENITEZ

FELIX CORDERO

GLENNYS CASTRO

GERLYS ALVAREZ CHACON

MAGDA SANTIAGO

MAGDIEL WILFREDO

JULIO CESAR DIAZ

ARTEANDO EN ARECIBO

ENRIQUE TOLEDO

ROSA MAR FONALLEDAS

NOTICIAS DEL ARTE

ROGELIO MALDONADO

RUBEN RODRIGUEZ

RENACE EL TEATRO LIBERTY

INDICE DE MUSEOS Y PARQUES

MILTON GONZALEZ

NOTICIAS DEL ARTE

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enero - junio 2012

ARTEAMÉRICAS, LA FERIA DE ARTE LATINOAMERICANO, CELEBRA SU DÉCIMO ANIVERSARIO. DEL 2 AL 5 DE MARZO, 2012 EN EL MIAMI BEACH CONVENTION CENTER

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“ESTRELLA DEL NORTE” [vista parcial, iluminada] 616’ X 60’ PR5 Bayamón ,P.R.

PABLO RUBIO MY PLASTIC PREOCUPATIONS AND MY MEMORIES At 67 years of age I am still focused on my ideas: Time, Space and Light. In a complex and aggressive world running at an almost unreachable speed, focus and to not be confused or distracted in thought is the principal base of CREATING. To create ideas that still produce childlike emotions in me and to materialize them in work for myself and for my people are the driving forces in my life. I have always thought positively. The game of time, at this moment, is the most important thing to me. To be able to fill my world with my works in all their manifestations – sculpture, painting and graphic work. One of the people who has understood my work and shares my preoccupation for Time, Space and Light is Dr. María de los Ángeles Pereira in her essay, “Antillean Artists in the Time Warp of the Caribbean” published in the cybernetic magazine – Arteamérica (www.arteamerica. cu/2/dossier/mapereira.htm). When she begins her essay, and I quote “To analyze the problem of time in contemporary art production is a tempting challenge. It is known that time – or temporary relationships, as opposed to other dimensions, relationships and elements of the physical world (such as space, movement, light, volume or color) is one of the most elusive relationships to be grasped by the human being, and consequently, by the artistic image. Time is, ultimately, a construction elaborated by ourselves based on

sequences and sequences of events that, over the course of time, acquire certain significance.” In her brilliant discourse she adds, and I quote “There are more than a few Caribbean sculptors dedicated to the effort of revindicating the relevance and value of an art form so long discredited in the contemporary plastic arts scene, as is the so called monumental and environmental sculpture. To this end, the key has been to try to adapt to the role of modern times while surpassing the stagnant language of nineteenth century statuary and to profess the necessary formal and conceptual renovation of the commemorative monument or the environmental piece. This effort is distinguished by the work of the Puerto Rican artist Pedro Pablo Rubio (1944), unanimously considered the ‘master of the laser beam and metal sculpture’ in his country; a creator who, while succeeding at restoring the prestige of the environmental sculptural production within the Caribbean context, highlights the artistic hierarchy of time as an object of artistic representation in its most abstract and inclusive conception. What is striking in Rubio, above all, is the way in which his poetic sculptural aesthetic has managed to subvert the “First World” aesthetics of the so-called minimal art in each of his works by contradicting the hardness, the gravity, the supposed anonymity and the icy coldness of stainless steel and the neon lights that flooded much of the American and European sculpture of the sixties and sevenLatin American Art

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ties. Indeed, his metals come to life, take on meaning and personality when they are stained with that polychrome gestural calligraphy in which textural effects and lighting can evoke the most rhythmic and joyous spirituality of our region….” In this dissertation Dr. Pereira does read my work cautiously and is able to summarize it as follows, and I quote “But especially in the monumental breath of his pieces, in the expressive potency sometimes concentrated in a few inches of steel which proclaim the possible and necessary multiplication, is where the work of this Puerto Rican master achieves full magnitude and intensity to rise as a stronghold in the radical renovation of current sculpture in the Caribbean.” Time, Space and Light enabled me to finish “ESTRELLA DEL NORTE” (The North Star); one of the biggest challenges in my career – perhaps, we admire her, we contemplate her and we partake with her as one does with a living being, well yes, she is alive. It was a long journey travelled day by day for several years; each challenge became a decision, each daring angle, another decision. But at last we achieved what we had set out to do – a monumental piece, an environmental piece which appeals to all our senses. Art Critic and Professor at Interamerican University, Myrna Rodríguez Vega was able to capture all the magic

The plurality of perception which is established by time is fundamental to achieve plastic appreciation. It is precisely this aspect which establishes a relationship between material and the moment, which can transport the spectator to an intimate experience while at the same time interpreting the aesthetic postulate of the artist. The eternal conceptualization of space and time prevail in the conceiving as well as in the interpretation and appreciation for a work of art.

We have to recognize that in this sculptural composite, the artist, immersed in his creative process widened his search for greater challenges both with the material and the techniques germane to the medium, as well as a reflection on existence. On the artistic level the creator has achieved an excellent interaction between the structure and the urban environment. The imposing modular sculpture blends in while at the same standing out above everything in the area. The thematic content has established the conception of negative and positive space of the structure.” Although this is an excellent description I end the quote and encourage you to read the article, but let us continue with another quote from her article which perfectly describes interaction with the work, and I quote “The appreciation of this work is conditioned by the climate, the time of day or night as well as the location of the spectator in relation to the work. Although most people will visualize it from afar as a whole, it is really when one roves between and under the girders that a sense of the aesthetic conceptualization can be understood. To be positioned inside and underneath the sculpture produces totally different sensations to the view from a distance and therefore the experiencing of the work will be more fulfilling. Truly, the interpretation of content becomes different once an integral concept of the work is grasped.” This interpretation brings you closer to a more complete understanding of my work. Even when I design sculptures in small format, such as the series “Portal del Norte” (The North Gateway), which is

based on one of the angles of the “Estrella del Norte”, “Saltamontes” (Grasshoppers), “Balance de un Bosque” (Balance of a Forest), “Danza del Samurai I y II” (Dance of the Samurai I and II) which are based on the theme of prince’s games, among others, I am able to achieve the same monumentality and universal sense that has characterized my work throughout my forty-five year career in plastic arts. I do not want to end this conversation without talking a little about my painting. In my beginnings, at eight years old, my career as an artist began as a painter and I have continued to paint up to this moment. My painting has its own personality and is a reflection of my whole life; what I see, what makes me laugh, what makes me cry, what I hear, what I smell, what I taste, what I live and what I remember. In my painting “El Flautista” (The Flutist) I recreate the sounds of a flute, creating a symphony with movement and color. In my painting “Jugando en el Tiempo” (Playing in Time) I recreate the beginnings of art and the moment when man expressed himself for the first time. Just as they did I try to recreate things of the past with the thoughts of this moment. I have always searched for the why and for sincerity, and in my work I AM. I leave you with another fabulous thought: “we are not granted long life, let us make something to prove that we have lived”. By: Pablo Rubio www.pablorubioescultor.com pablorubiosexto@gmail.com

“Portal del Norte”, 4/10 acero inoxidable y cristal, 19”x 8”x 4”

of this monumental sculpture in her essay “The North Star, Monumental Work by Pablo Rubio”, published in the Interamerican University’s cybernetic magazine “Revista Transdisciplinaria Kalathos” (Kalathos.metro.inter.edu./Kalathos_archivo5.hotmail). She broaches the creative concept as well as the concept of time with clarity of expression that deserves to be quoted so that through her words my creation can be better understood. I quote “The creation of a monumental sculpture of the magnitude of ‘Estrella del Norte’, located in the city of Bayamón and conceived by the prestigious sculpture Pablo Rubio, comprehends in its aesthetic conceptualization, as well as in its achievement, a complicated process of appreciation which has the capacity of transporting the spectator to an aesthetic experience. The imposing presence of the integrated whole has the power of presenting itself in multiple ways, depending on the spectator’s location (or their passing by on one of the surrounding roads) as well as the precise moment of the viewing.

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PABLO RUBIO MIS PREOCUPACIONES PLASTICAS Y MIS RECUERDOS A mis 67 años sigo enfocado en mis ideas: Tiempo, Espacio y Luz. En un mundo complejo y agresivo y con una velocidad casi inalcanzable, el enfoque y no confundir o distraer el pensamiento es la base principal de CREAR. Crear ideas que como a un niño me sigan emocionando y materializarlas en una obra para mi y mi pueblo, son el motor de mi vida. Siempre he pensado positivamente. El juego del tiempo, en este momento es lo más importante para mi. Poder llenar mi mundo de mis obras en todas sus manifestaciones - la escultura, la pintura y la obra gráfica. Una de las personas que ha comprendido mi obra y comparte mi preocupación por el Tiempo, Espacio y Luz es la Dra. María de los Angeles Pereira en su ensayo, “Artistas Antillanos en la Urdidumbre Temporal del Caribe” publicado en la Revista Cibernética - Arteamerica ( www.arteamerica. cu/2/dossier/mapereira.htm). Cuando comienza su ensayo y cito “Analizar el problema del tiempo es la producción plástica contemporánea

constituye un reto tentador. Se sabe que el tiempo -o las relaciones temporales-, a diferencia de otras dimensiones, relaciones y elementos del mundo físico(tales como el espacio, el movimiento la luz, el volumen o el color) es uno de los tipos de relaciones más difíciles de aprehender por el ser humano y, consecuentemente, por la imagen artística. El tiempo es, en última instancia, una construcción elaborada por nosotros mismos a base de secuencias y secuencias de eventos que, solo en su decursar, adquieren una determinada significación.” En su brillante discurso agrega y cito “No son pocos los escultores caribeños dados al empeño de reivindicar la pertenencia y valía de una manifestación artística tan largamente desacreditada en la escena plástica contemporánea, como lo es la llamada escultura monumentaria y ambiental. Para ello, lo fundamental ha sido tratar de adecuarse al cometido de los nuevos tiempos superando el anquilosado lenguaje de la estatuaria decimonónica y profesando la necesaria renovación formal y conceptual del monumento conmemorativo o de la pieza ambiental.

En este empeño se distingue la obra del artista puertorriqueño Pablo Rubio (1944), unánimemente considerado el “maestro del rayo láser y de la escultura en metal” en su país; un creador que, a la vez que consigue restituir el prestigio de la producción escultórica ambiental en el contexto caribeño, pone de relieve la jerarquía artística en su más abstracta y abarcadora concepción. De Rubio llama la atención, sobre todo, el modo en que su poética escultórica ha conseguido subvertir la estética “primermundista” del llamado arte minimal desdiciendo encada una de sus obras la dureza, la gravedad, el pretendido anonimato y la glacial frialdad del acero inoxidable y de la luces de neón que inundaron buena parte de la escultura norteamericana de los años sesenta y setenta. En verdad, sus metales cobran vida, sentido y personalidad indiscutiblemente propias cuando se tiñen de esa gestual caligrafía polícroma cuyos efectos textuales y lumínicos pueden lo mismo evocar la más rítmica y alegre espiritualidad de nuestra región....” La Dra. Pereira en esta disertación logra leer mi obra cautelosamente y logra resumirla como sigue, y cito “Pero es sobre todo en el aliento monumental de sus piezas, en la potencia expresiva muchas veces concentrada en unos pocos centímetros de acero que proclaman la multiplicación posible y necesaria de sus contenidas dimensiones, en donde la obra del maestro puertorriqueño alcanza cabal magnitud e intensidad para erigirse en baluarte de la profunda renovación de la escultura actual en el Caribe.” El Tiempo, Espacio y Luz me llevaron a concluir en el 2008 ESTRELLA DEL NORTE; uno de mis retos más grandes en mi carrera – tal vez, solo la admiramos, la contemplamos y compartimos con ella como se hace con un ser viviente, pues sí, sí tiene vida. Fue un largo recorrido día a día por varios años, cada reto una decisión, cada ángulo atrevido, otra decisión. Pero al final logramos lo que nos propusimos – una obra monumental, una obra ambiental que apela a todos nuestros sentidos. La Crítica de Arte y Catedrática de la Universidad Interamericana, Myrna Rodríguez Vega pudo captar en su ensayo, “ Estrella del Norte, Obra monumental por Pablo Rubio” - publicado en la Revista Cibernética Revista Transdisciplinaria

“Jugando en el Tiempo”, acrílico sobre lienzo, 36”X 36”

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Kalathos de la Universidad Interamericana (Kalathos.metro.inter.edu/Kalathos_archivo5.hotmail), toda la magia de esta escultura monumental. Ella plantea el concepto de la creación y también del tiempo con una claridad de expresión que merece la pena citarla para que puedan comprender mejor mi creación a través de sus palabras. Citamos “La creación de una escultura monumental de la magnitud de Estrella del Norte, situada en la ciudad de Bayamón y concebida por el prestigioso escultor Pablo Rubio, contempla en su planteamiento estético así como en su ejecución, un complejo proceso de apreciación que posee la capacidad de llevar al espectador a una experiencia estética. La imponente presencia del conjunto escultórico tiene el poder de presentarse de maneras múltiples, dependiendo tanto del lugar en que se encuentre el espectador (o pase en automóvil por alguna de las carreteras circundantes) como el preciso momento en que se encuentre. La pluralidad perceptiva que establece lo temporal es fundamental para el logro de una apreciación plástica. Es precisamente este aspecto que establece una relación entre la materia y el momento, lo que puede llevar al espectador a una experiencia íntima a la vez que puede interpretar el postulado estético del artista. El eterno planteamiento conceptual de espacio y tiempo prevalece tanto en la concepción como en interpretación y valoración de la obra de arte. Tenemos que reconocer que en este complejo escultórico, el artista, inmerso en su proceso creativo amplió su búsqueda a mayores retos tanto con el material y las técnicas propias del medio, así como en una reflexión sobre la existencia. En el plano artístico el creador logra una excelente interacción entre la estructura y el ambiente urbano. La imponente escultura modular se integra a la vez que se destaca sobre todo el entorno. El contenido temático determina la concepción del espacio negativo y positivo de la estructura.” Aunque es un descripción excelente cierro la cita y los exhorto a leer el artículo, pero continuamos con otra cita de su artículo que describe con excelencia como es la interacción con ella y cito, “La apreciación de la obra está condicionada por el clima, la hora del día o la noche así como por la ubicación del espectador en relación a la obra. Mientras que la mayor parte de las personas la visualizan de lejos como un todo, es realmente cuando se ambula por entre y debajo de las vigas que se adquiere conciencia del planteamiento estético. El estar posicionado dentro y debajo de la escultura produce sensaciones totalmente diferentes a la vi-

“EL FLAUTISTA” 2011 acrílico sobre lienzo 4’X 5’.

sión a distancia y por lo tanto la experiencia de la obra será más plena. Realmente la interpretación del contenido resulta distinta por la percepción a la vez que se logra aprehender un concepto integral de la obra.” Esta interpretación logra llevarlos a un planteamiento mas entero de lo que es mi obra. Aun cuando diseño esculturas de pequeño formato como la serie Portal del Norte, que está basada en uno de los ángulos de Estrella del Norte, Saltamontes, Balance de un Bosque, Danza del Samurai I y II ( basadas en el tema de juegos de príncipes), entre otras, logro crear la misma monumentalidad y sentido universal que ha caracterizado mi obra a través de estos cuarenta y cinco años de carrera plástica. No quiero cerrar esta conversación sin antes hablar un poco de mi pintura. En mis comienzos, a los ocho años de edad, mi carrera como artista comienza como pintor y lo he seguido hacienLatin American Art

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do hasta este momento. Mi pintura tiene personalidad propia y es un reflejo de toda mi vida: lo que veo, lo que siento, lo que río, lo que lloro, lo que oigo, lo que huelo, lo que paladeo, lo que vivo y lo que recuerdo. En mi pintura El Flautista recreo los sonidos de una flauta, creando una sinfonía con movimiento y color. En mi pintura Jugando en el Tiempo (del tema evolución) recreo los comienzos del arte y cuando el hombre se expresó por primera vez. Al igual que ellos pretendo recrear cosas del pasado con el pensamiento de este momento. Siempre he buscado el porqué y la sinceridad, y en mi obra yo SOY. Los dejo con otro fabuloso pensamiento: “no nos es concedida larga vida, hagamos algo para demostrar que hemos vivido”. Por: Pablo Rubio Fotos: José Soto www.pablorubioescultor.com pablorubiosexto@gmail.com

CARIBBEAN FINE ART FAIR BARBADOS MARCH 7-11, 2012 Lloyd Erskine Sandiford Center, Bridgetown, Barbados.

Event Days Wednesday, March 7: 3-5 pm, Press Review; 6-9 pm, Gala Opening Featuring a performance by T&Tâ&#x20AC;&#x2122;s David Boothman Thursday, March 8: 11am-8pm, Friday, March 9: 11am-8pm, Saturday, March 10: 11am-8pm, Fair & Caribbean Art Symposium Sunday, March 11: 11am-6pm, Closing 5 exciting days combining art, music and performance! Event Info: www.cafafair.com Barbados Info: www.visitbarbados.org Contact: 646 267-8831 or ampilgrim@hotmail.com

An exposition featuring works of art by some of The Caribbean regionâ&#x20AC;&#x2122;s finest artists Representing: Barbados; Cuba; Dominica; Dominican Republic; Grenada; Guyana; Haiti; Jamaica; Puerto Rico; St. Lucia; Trinidad & Tobago; US Virgin Islands; among othersâ&#x20AC;Ś Caribbean Art Symposium To be held on Saturday March 10, 2012 Will feature local, regional, and extra-regional experts. There will be 3 seminars exploring issues vital to the emergence of Caribbean visual art

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“Expectativa”. 2011. 100 x 80 cm.

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MAYKEL HERRERA

The Antillean Murillo

lidified his genuine style, with that unique manner of understanding, perceiving and conveying art. Only if you command the technique as well as the great masters of the past can you be up to the task of creating compositions of this artistic value.

“El patio de mi cabeza es particular I”. 2011. 100 x 60 cm. La mordida de Tell. 2011. 130 x 100 cm.

More than five years ago the young and consummate plastic artist Maykel Herrera broke into the contemporary visual arts scene with an attractive submission, his “Príncipes Enanos” (Tiny Princes). Since then, and up to now, his creations continue to cast a spell on the eyes of those who have viewed them, as they hold the power to bewitch even the most disinclined of mortals. Previously his work was ruled by a disparate collection of topics addressed in his graceful sketches, precious and subtle, laden with hues, noteworthy aesthetic values and grand mastery of technique and ability which he uses extensively in each rendering. Today it is childhood that delights us in occupying the enviable canvases while it occupies the imagination of this young master… This festival of color and sketch is precisely for and about these small princes. Children of different ages are caught by the painter’s pallet, as if by surprise, in various activities, metaphorically and lucidly, with their candid expressions. These pieces reflect a certain influence by Murillo, the iconic Spanish Baroque master, as regards the emotional renditions of the childish figures, the precision of composition and drawing, although the sources and inspirations that nourish them are diverse.

The paintings of Maykel Herrera are sometimes dreamlike, even the most perfect facial features are surpassed by means of foreshortening, reliefs, fillings and glazes. His characters float in varied settings; sepia, ochers and a peculiar old gold, combined with graceful textures and varied compositional elements typical of his poetics. This young artist, born in the province of Camagüey thirty-three years ago, has participated in more than fifty personal and group gallery exhibitions during his career. His works appear in private collections on different points of the planet and he has illustrated books by various authors. He is a tireless creator, he recently became immersed in a new phase in which he is conserving artistic principles which preceded him. With certain formal and conceptual variations, Herrera presents us with the series “La Verdad Parece un Cuento” (Truth is Like a Fairy Tale). We may observe in the artist’s creation a greater synthesis of symbols

His paintings are symbolic, intuitive, humanistic, thought provoking, tender, crude, all in all...polysemic. Although he is equally skilled in the domain of the abstract his impressive portraits and creations of modern day dynamics and multiple allegories are what have so-

and principles, the composition is more metaphorical, while at the same time going straight to the heart of the story that is depicted two-dimensionally. The theme of identity takes on a more predominant role, while it is also possible to perceive the work’s intention of reflecting the process through which his country is currently going through. He paints of his everyday reality, and of the different international warring conflicts which have marked his soul and come out through his brush, and this has been evident in more than one occasion. Formally his recent works are less strident in the use of color, and they have become greyer, in other words, they are more serious and visually committed. I still do not understand why he wastes his time signing his paintings, his unmistakable pictorial language gives him away, and it could be no one but him, the artist that lives with his beings, that with a cosmopolitan wink shows us the clues to understanding this universe that has been created, beyond his canvases. No one who views his work can escape the seduction that emanates from these little folks, not even the toughest spectator. By: Cecilia Crespo

“Oídos sucios”. 2011. 70 x 120 cm

www.maykelherrera.com • www.maykelherrera.net email: maykelherrera@cubarte.cult.cu Latin American Art

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“El patio de mi cabeza es particular II”, 2011, 150 x 100 cm.

MAYKEL HERRERA

El patio de mi cabeza es particular I. 2011. 100 x 60 cm.

El Murillo Antillano

tender, percibir y transmitir el arte. Solo si dominas la técnica como los grandes de la antigüedad puedes darte el lujo de realizar lienzos de esta valía artística.

Hace más de cinco años el joven y consagrado artista de la plástica cubano Maykel Herrera irrumpió en el panorama de las artes visuales contemporáneas con una atractiva propuesta, sus Príncipes enanos. Desde ese entonces y hasta nuestros días, aun continúan hechizadas las pupilas que se han asomado ante sus creaciones, capaces de mover la sensibilidad hasta del más reacio de los mortales. Anteriormente su obra se encontraba pautada por disímiles temáticas abordadas con su trazo ágil, preciosista y sutil, cargada de matices, notables valores estéticos y gran dominio de la técnica, habilidad de la que hace gala en cada entrega. Hoy día es la infancia la que se regodea en las envidiables telas mientras ocupa la imaginación de este joven maestro... Precisamente para y por los pequeños príncipes se hace esta fiesta de colores y trazos que es su impronta creativa. Niños de distintas edades son captados, más bien sorprendidos, por la paleta del pintor en diversas actividades, metafóricas y lúdicas, con la candidez de sus expresiones. Estas piezas denotan cierta influencia de Murillo, representativo maestro del barroco español, en cuanto a la emotiva interpretación de las figuras infantiles, la precisión de la composición y del dibujo, aunque son diversas las fuentes e inspiraciones de las que se nutren.

La pintura de Maykel Herrera en ocasiones resulta un tanto onírica, supera a golpe de escorzos, relieves, empastes y veladuras hasta los más perfectos rasgos faciales creados por la madre natura. Sus personajes flotan en diversas atmósferas, sepias, ocres y de un peculiar dorado añejo, junto a gráciles texturas y diversos elementos compositivos típicos de su poética. Este joven artista, nacido en la provincia de Camagüey hace 33 años, ha participado en más de cincuenta exposiciones personales y colectivas durante su trayectoria. Sus piezas figuran en colecciones privadas en distintos puntos del planeta y ha ilustrado libros de diversos autores. Incansable creador, recientemente se encuentra inmerso en una nueva etapa que continua preservando algunos de los códigos de la que le precedió. Con ciertas variaciones formales y conceptuales, Herrera nos presenta la serie La verdad parece un cuento. Al decir del propio artífice en estas piezas se evidencia una mayor síntesis en los símbolos o códigos,

Sus cuadros resultan simbólicos, intuitivos, humanistas, reflexivos, tiernos, rudos, en fin… polisémicos. Aunque se mueve con igual destreza en el terreno de la abstracción sus impresionantes retratos y figuraciones permeados del dinamismo de la vida moderna y múltiples alegorías son las que han solidificado su genuino estilo, esa forma única de en-

la composición se torna más metafórica, mientras apuesta por ir directo al grano en la historia plasmada bidimensionalmente. El tema de la identidad va tomando un rol más preponderante, y a su vez es posible observar en la obra la intención de reflejar los procesos por los que atraviesa el país en este instante. Pinta su cotidianidad y los disímiles conflictos bélicos internacionales también le han marcado desde el alma hasta el pincel, de lo que ha dejado muestra en más de una ocasión. Formalmente las piezas recientes son menos estridentes en cuanto al uso del color y se han tornado cada vez más grises, es decir, son más serias y más comprometidas visualmente. Aun no logro descifrar por qué pierde el tiempo firmando sus cuadros, su inequívoco lenguaje pictórico lo delata, no puede ser otro más que él, el mismo que habita entres sus seres que entre guiños cosmopolitas nos indican las claves para entender ese universo que se ha creado, más allá de sus lienzos. Nadie que los observe puede sustraerse a la seducción que emanan estos personajitos, ni siquiera el más hosco de los espectadores. Por: Cecilia Crespo

Expectativa. 2011. 100 x 80 cm. Pujanza 2011. 80 x 100 cm.

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LUIS MAISONET

THE ARTIST AS SPIRITUAL MEDIUM

The life experience of an artist is reflected or appears in his work, whether directly or indirectly, consciously or unconsciously. There is no way to avoid that which is destined to be. What does change/transform these experiences is the vision that comes with artistic practice. In other words, the ideological (beliefs, values attached to these beliefs and the depictions that such beliefs and valorizations entail) passes through the symbolic (that which cannot be reduced either by the ideological or by linguistic deciphering = the sign which establishes a sort of arbitrary conversion table with which we are able to communicate our experience, the ideological, and what we are familiar with).

The symbolism of art is the boundary of the senses and of liberty. Beyond that lies the unknown. Mystery. But in art, mystery resides in the visible. Or in that mysterious connection between the invisible and the visible. The symbolic is not separate from the signific code, it goes beyond it. It offers us that very meaning that life is devoid of. An inkling of the unknown, of mystery. None of this negates the social and political nature of art. On the contrary, it invigorates art, it “corrects” it, acting as a balsam to the delusions of the ideological aspects of sociology, psychology, politics, religions, and, why not, spiritualism. Latin American Art

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In Luis Maisonet’s exhibition we undertake the paradoxical relationship between the mystery of the visible (life, the existent) and the invisibility of death (the faded, that which is no longer alive), and on the formal level: a type of struggle between painting and techniques similar to serigraphy. It would be interesting to delve into this situation, but space limitations only allow for a mere introduction to this topic. The allusions to spiritualism can be appreciated both in the forms and imagery as well as in the titles, but also Maisonet’s cultural-artistic trajectory: the table as the object-surface where the ritual is conducted, but also serigraphy.

The Medium, the intermediary between the living and the dead. The round supporting shape may be a table. The embroidery may signify the trademark of our native spiritualism, the lineage of Oller’s “Bakiné” (A Child’s Funeral Wake), and the hand-crafted with the sanatorium. The relationship of perspectives: the flat design and the pictorial volume. In Puerto Rico, serigraphy is the graphic art closest to painting. One could say that both are the most noteworthy plastic arts in our artistic history. Until the generation of the seventies, serigraphy in Puerto Rico had maintained a level of excellence as well as undergoing important technical and stylistic transformations. It came closer to painting. It came closer, but now due to economic and technological reasons serigraphy is disappearing. Nevertheless, its indirect presence in these paintings is evident. By means of the stenciling and the object itself which is screen printed (in this case, the embroidered tablecloth) one can find the joining via technique which refers to Maisonet’s skills in serigraphy as well as painting. It is an example of the synthesis of our two greatest arts. In the painting “Bon Suá” (the spirit is present, the medium is in a trance), we don’t only see through the” microscope” the shaping of the wicker imitating the technique of serigraphy, but also in the addition of two women from an aerial perspective with a foreshortening from above, which in serigraphy would be a “luxury”. Obviously, the painter’s technique dominates here because the goal is not to try and reproduce multiple issues. What I am leading to is the connectivity of the conceptual process and the application of the brushstroke. The artist has transformed the screen into a base, but without really doing so. One could paint, literally over the screen. Or pass

the screen through the base of a painting or a photograph. No problem. It’s been done. What’s significant in the case is that it has been done without resorting to an easy, mechanical gesture. It’s possible that these flying saucers fly away yet draw closer simultaneously to that which they announce. The irruption takes place, as much by the brush ambushing the graphic image in “La Mesa está Puesta” (The Table is Set), perhaps the most emblematic work portraying this relationship between painting/serigraphy, and, at the same time, a dialogue with Carlos Raquel Rivera, as we are by the overpowering presence of the embroidered tablecloth pierced by the spray paint that is eating away the paint bill facture. It would seem that the painted images are floating above the printed images as ghosts float over the session at the spiritual medium’s table. There is a sort of correlation between the printed materiality and the lightness of the pictorial overlays, on one hand, and of the phantasmagoric and the essence of life and death on the other. Do these works announce, unknowingly, “the death of serigraphy”, or the rescue of the silkscreen from its disappearance from the world of plastic arts? Is it here that we can recognize the importance of the solidarity of these forms and the techniques that render them homage? In “Descarnado y está Presente” (Bodiless and Here) the graphic image is transformed into a planet and painting is transformed into the solitary figure of a woman, which in this thematic series represents The Medium, or the ghost of the plastic artist that has been displaced by unbridled technology and the ever present banality of present day art. By: Elizam Escobar

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“Tormenta” monotipo sobre papel 25” x 19”

“Flotante” medio mixto sobre papel 25” x 19”

aztambid Gaztambide

Gaztambide Teléfono (94 1) 627-9839 E-Mail: gztmbd_ptr@yahoo.com

JUAN DAVID RODRIGUEZ “Megapolis” acrílico sobre lienzo. 40” x 120”. 2009.

“Gravitando” acrílico sobre lienzo. 36” x 96”. 2009.

Al revisar con detenimiento las numerosas obras del pintor y artista plástico Juan David, me percato a simple vista de los siguiente: el dominio que tiene del dibujo, que es la arquitectura de la gran pintura. Trata con fineza y convencimiento la anatomía humana. Su talento como colorista, él se hace dueño y señor de una teoría del color donde se funden la tropicalidad que se respira y se palpa la creatividad en la búsqueda de distintos cromas. Es notoria su facilidad para el expresionismo-impresionismo que dulcifica el producto terminado: una auténtica ventana de gozo.

También el toque mágico con que desarrolla su estilo personal, que sin perder la unidad, trata magistralmente el paisaje abstracto, los diversos motivos del mar y sus muelles, temas que le subyuga, la textura de sus bodegones, el dominio de la espátula, con la que logra caligrafías inusitadas, así como la sinceridad de su mensaje. Nada es dejado al azar, todo está medido y probado con bellas veladuras y los efectos buscados demuestran una vez más que estamos delante de un gran profesional que supo aprovechar las lecciones de sus maestros, agregando él su poesía y su discurso con audacia, valentía y gracia. Antonio Molina, AICA

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SELLÉS

a totally chromatic painter The Caribbean is a realm of varied meanings for all of its habitants; art takes form in the present and is cultivated by the commitment of the plastic artists of the region. The great Cuban poet José Martí pointed out that youth is the period of liveliness and vivacity, of imagination and vigor. Puerto Rican contemporary painting has, in the work of Sellés, a young and solid talent, on the rise and blooming. The artistic output of Sellés is characterized by its anthropocentric quality, and for crystalizing the framework which evokes his passion for the human being. More than placing us before a painting, when we approach his works we fundamentally approach an original and daring outlook. He delights in the possibilities and suggestive qualities of shapes where the firm brushstroke, textures drawn in collisions of color, invest his paintings with mutable physical properties. In this set of pieces that Sellés presents, we perceive a bursting talent. The artist gives shape to his emotionality in the work, and at the same time, each painting causes particular feelings in the beholder. He demonstrates the mastery of his craft in the use of his palette to let his most intimate sentiments flow.

three figures. Here we are ruled by the power of the senses that pulls us towards a visual adventure that converts reason into mystery and poetry. It can be said that one can appreciate in the creator an overflowing of creativity, as if the painting were not large enough to convey everything he feels and loves. Through this body of work, the painter interacts with the viewer in the act of artistic appreciation where he is urged to discover analogies due to the enigma and ambivalence of the artist’s approach. His interest is not in resorting to details,

but to suggest shapes, gestures, attitudes. His works accentuate a predilection for the occult, the daring and the provocative. With his solid artistic background and total devotion to art in the dimension of a thorough artist, Sellés will conquer, by his own merits, a space in the uppermost and vibrant panorama of Puerto Rican art. Congratulations to the artist! By: Dr. Nadia Rosa Chaviano Rodríguez, Cuban University Professor

The chromatic effects of his pieces are always employed with an accentuated expressive purpose. He starts off with the distribution of color in different areas to achieve a harmonic fusion of shapes. The chromatic element is of high intensity, and is transformed into obvious expressionistic connotation. The painter finalizes the shapes in these works in masterful fashion. Using pictorial resources sparingly; with agile, confident and spontaneous lines, he renders a girl, tender and innocent, or a boy with a dreamy and pensive face, looking inside himself, or three strong figures, where nothing has been left to chance. These works render messages of deep human breath in spite of the solitary depiction of the figures.

“…painting is merely the pretext, the bridge between the painter’s soul and that of the spectator” Eugene Delacroix

Sellés makes good use of each centimeter of canvas to compose an adroit visual ensemble, generating new images, as in the piece which gathers together the Latin American Art

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SELLÉS pintor de un cromatismo total texturas dibujadas a golpe de color, le confieren a sus obras propiedades físicas mutables. En este conjunto de piezas que Sellés nos entrega, se denota un talento desbordante. El artista da forma a la emotividad en su obra y a su vez, cada cuadro causa determinados sentimientos en quien lo observa. Demuestra ser un artífice en el uso de una paleta donde descarga sus emociones más íntimas. El Caribe constituye un espacio de múltiples significados para todos sus habitantes, hecho arte en el presente y cultivado en un compromiso de los creadores plásticos de la región. El gran poeta cubano José Martí señaló que la juventud es la edad de la actividad y la viveza, de la imaginación y el ímpetu. La pintura contemporánea puertorriqueña tiene en la obra de Sellés, un talento joven, sólido, en ascenso y en crecimiento total. La producción plástica de Sellés se caracteriza por su carácter antropocéntrico, por plasmar ese entramado que nos evoca su pasión por el ser humano. Más que situarnos frente a una obra, al acercarnos a sus cuadros nos aproximamos fundamentalmente a una actitud original, audaz. Se regodea en las potencialidades y cualidades sugestivas de las formas donde la fuerte pincelada, las

El cromatismo de sus piezas siempre está empleado con propósitos marcadamente expresivos. A partir del color se distribuyen las diferentes áreas para lograr una armónica fusión de figuras. El elemento cromático de elevada intensidad, se transforma en textura de evidente connotación expresionista. El pintor resuelve magistralmente las figuras de estas piezas. Emplea una economía de recursos pictóricos y con unos ágiles, seguros y espontáneos trazos, nos entrega una chica, tierna e inocente, o un joven de rostro de ensueño y actitud reflexiva, mirando a su interior, o tres figuras fuertes, donde nada está

dejado al azar. Son piezas portadoras de mensajes de hondo aliento humano a pesar de la soledad de las figuras. Sellés aprovecha cada centímetro de la tela para componer un acertado juego visual, generador de nuevas imágenes, como en la pieza que reúne a tres figuras. Aquí, reina el poder de los sentidos para arrastrarnos a una aventura plástica que convierte la razón, en misterio y poesía. Se diría que se aprecia en el creador, un desbordamiento de creatividad como si no le alcanzaran las dimensiones del cuadro para transmitirnos todo lo que siente y ama. A través de este conjunto de obras, el pintor interactúa con el espectador en el acto de la apreciación artística donde insta a descubrir similitudes debido a lo enigmático y ambivalente de su propuesta. Su interés no es recurrir al detalle sino sugerir formas, gestos, actitudes. Sus obras acentúan la predilección por lo oculto, por lo atrevido y lo provocador. Con su sólida trayectoria artística y su entrega al arte en la dimensión de un artista total, Sellés conquistará por derecho propio, un espacio cimero en el panorama vibrante de la plástica puertorriqueña. Enhorabuena por el creador! Por: Dra. Nadia Rosa Chaviano Rodríguez. Catedrática cubana

“…la pintura no es sino el pretexto, el puente tendido entre el espíritu del pintor y el del espectador” Eugene Delacroix

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“Golfista II” 24” x 36”

“Carrusel” 30” x 40”

“Veleros II” 24” x 36”

787.307.0383 www.wichietorres.com

SANTOSERPA BY SANTOSERPA The Painterâ&#x20AC;&#x2122;s Inward Reflection I always dreamed of becoming a painter, to dedicate my life to painting, and to be recognized for my work. In my innocence in the early years I thought that this could be achieved by inventing a style or finding a conscious method, theme, or specific coloring, when this can only be achieved throughout the course of time by painting with honesty one picture after another, and by allowing the world we have inside to break out.

I paint using a horizontal bracket, and right along with applying color, I add water, to create magic, it goes in and out of each color, dragging and mixing and creating a range of hues and shapes which I then enhance and perfect, achieving as a final result weightless, abstract and translucent images that suggest forms that might dwell in rivers and seas, in the air or in the great depths, in the macro or micro world or awaken in the beholder feelings and emotions. When I paint I apply watercolor techniques although I do this with other materials (oils, acrylics, etc.) where the main importance is the transparency of the water coloring, this guarantees a freshness in the different shades and a certain luminosity, I apply the colors as feel them, with no preconceptions, as did in the first phase of my work when I discovered shapes, amongst accidental blots, this is what makes my work unique, myself could not repeat them even if I wanted to. I face the blank surface and my paintings are born as I paint, I have noth-

ing thought out when I am painting, thus my work is spontaneous and sincere, a reflection and expression of my inner world. I have never made concessions to any political trend, economic situation or fashionable statements. It is my intention to create images that are thought provoking and stimulate the viewerâ&#x20AC;&#x2122;s imagination, and because of this, the final totality and the highest moment that my works achieve is when the beholder creates their own fantasy. A dear friend once told me, with the best of intentions, that I was a discoverer and organizer of shapes and I now think that he was right, because I am always finding figures in the stains on walls, in the clouds, in water puddles, and above all, in the blots that I make as the first step in the realization of each of my works, I think that this accidental basis is what makes each one independent of the other. It has never been my concern to affiliate myself with any artistic tendency, to want to resemble any other artist, or to take elements from other works for my own motivation. I have never copied or derived with the intention of learning a technique or to approach a particular style, although I do not question those that do, as long as they combine it with their own way of doing things and create something new, but me, I have just painted. Painting has been the center of my life, the core of all my activities, the leading actress in all my dreams, with her I have laughed and suffered, with her I have mitigated the pain of the loss of my loved ones, but most importantly, with her I have been extraordinarily happy.

Raul Cesar Santos Zerpa (santoserpa) santoserpa@cubarte.cult.cu

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SANTOSERPA POR SANTOSERPA Reflexiones del pintor

Yo siempre soñé ser pintor, dedicar mi vida a la pintura y que la gente me reconociera por lo que hacia. En mi inocencia de los primeros años pensaba que eso se podía lograr tratando de inventar un estilo o buscando de manera conciente, temáticas o coloraciones determinadas, cuando solo se logra con el decursar de los años pintando con honestidad un cuadro detrás de otro y dejando que brote ese mundo que tenemos dentro. Pinto con el soporte horizontal y a la par de poner los colores, agrego agua, para que se produzca la magia, ella entra y sale de cada uno, los arrastra, los mezcla y va creando una gama de matices y de formas que después enriquezco y perfecciono, teniendo como resultado final imágenes abstractas ingrávidas y translúcidas que sugieren formas que pueden habitar: en ríos y mares, en el aire o las grandes profundidades, en el macro o micro mundo o despertar en el espectador sentimientos y emociones. Al pintar aplico las técnicas de la acuarela aunque lo haga con otros materiales (óleo, acrílico, etc.) donde lo fundamental es la transparencia por aguadas,

esto garantiza una frescura en los distintos matices del color y cierta luminosidad, voy aplicando el color según lo siento, sin nada preconcebido, como lo hice en la primera fase de la obra al descubrir formas, entre manchas accidentales, esto hace que mis obras sean irrepetibles, ni yo mismo puedo hacerlas igual si quisiera. Me enfrento a la superficie en blanco y mis cuadros nacen según pinto, no tengo nada pensado al hacerlos, por tanto mi obra es espontánea y sincera, reflejo y expresión de mi mundo interior. Nunca he hecho concesiones por ninguna tendencia política, situación económica o expresiones de moda. Las imágenes que creo, pretendo sean sugerentes y estimulen la imaginación del espectador, por lo cual, su total acabado y el momento cumbre de mis obras se logra cuando quien las mira, crea su propia fantasía. Un querido amigo me dijo una vez, con la mejor intención, que yo era un descubridor y organizador de formas y pienso en la actualidad que él tenía razón, pues siempre descubro figuras en

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las manchas de las paredes, las nubes, los charcos de agua, y sobre todo, en las manchas que hago como primer paso de la ejecución de cada una de mis obras. Creo que esa base accidental es lo que le da independencia a cada una de ella. Nunca ha sido mi preocupación afiliarme a ninguna tendencia artística, querer parecerme a otro creador o tomar elementos de su obra para motivarme. Jamás he realizado apropiaciones o copias con la intención de aprender alguna técnica o acercarme a determinado estilo, aunque no cuestiono al que lo haga, siempre que lo conjugue con su forma de hacer y cree algo nuevo, pero yo, simplemente he pintado. La pintura ha sido el centro de mi vida, el eje de todas mis actividades, la protagonista de todos mis sueños, con ella he reído y sufrido, con ella he mitigado el dolor de la pérdida de mis seres queridos pero lo más importante, con ella he sido extraordinariamente feliz Raul Cesar Santos Zerpa (santoserpa) santoserpa@cubarte.cult.cu

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aĂąos sirviendo al artista con las mejores marcas en la industria.

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GILBERT SALINAS

From the dab of color to the nature of human sentiment Plastic art changes course, undeniably, with every event that is documented as history, but nevertheless it unfolds repeatedly, circling back to its origins. Such is the case of the work of the artist Gilbert Salinas; paintings which in one way or another remind us that above all art is passion, feelings and the pure expression of our

innermost beings. This artist, educated at the University of Puerto Rico, speaks to us of nature, of its evolution and the constancy of life itself. His paintings unequivocally reflect not only the chaotic and the imperfection of change, but also reflect the personal experiences and purely physic emotions that are an integral part of our own

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humanity. We may find various tendencies in his work yet the prevailing and dominant force is that of abstraction in its purest form even though it may be presented as expressionistic elements. It cannot be classified as one thing or the other; itâ&#x20AC;&#x2122;s not even a combination of both concepts. What sometimes seems to remedy the style so famous in the

time of the cold war reveals itself as dialogue, conversations that show us beauty, the hopefulness of life, womanhood, and life in its most simple form, while maintaining the formality of expression. It is interesting to note that although the execution of this young artist is being practiced from series to series; changing themes, influences and pictorial motifs, the pictorial form is what unifies his work. Even when he changes motifs, his palette gives him away; the dab of color reveals him. Color is the main character in his work and plays the most important role as it expresses the sentiments of the painting’s theme and since most of the pieces express positive feelings one can easily deduce that the colors are brilliant, pure explosions of color and shape which altogether reveal recognizable shapes. In addition to the formal aspects of his praxis, it is also noteworthy that what propels this artist seems to be an indefatigable search for emotions and perfection. By simply examining the theme of each of his series this becomes very clear. The se-

ries “Iconos Musicales” (Musical Icons) supports my statement. This series speaks of positive contributions that stars of the music world have made at some point in their careers, such as Bob Marley, John Lennon, Kenny G. and Madonna, among others. It is a collection of pieces, according to the artist, that intends to urge the viewer to rethink the message and perhaps apply it to their life as a gift from life itself. “Big Bang” is another series which seems to be inspired by the chaos of creation. This rendering, which presents expansive explosions of shape and color, speaks of the unknown variable of life, the unevenness of creation whether it be divine or whether it be human nature. These are pieces that come closer to American abstract expressionism as much in their confection as in the sensations they transmit. The artist himself defines this series as the relationship between the spontaneous and the accidental with the spontaneity and unpredictability of our lives. On the other hand the series “Emociones” (Emotions) is not exempt

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from this premise as these are also pieces in which the artist practically painted his emotional moods. This series is presented on diptychs which, according to the artist, symbolize equilibrium and balance. They speak of energy, states of consciousness, sentiments and emotions which certainly connect them to the other series of works. Another of the works which I was able to analyze was the series “Naturaleza” (Nature) and in these as well we see the artist’s attachment to the organic shapes of nature. This series can be interpreted as a homage to life from the perspective of the different environments which could serve to characterize it, the different situations which shape it but above all sustain it; all different embodiments of the same sentiment. This artist’s work seems to be in a constant state of change and considering that it is characterized by the emotional, surely it will be interesting to follow the direction which it will take, as in following his work we will learn more about the artist, his life and emotions. By: D. Arnaldo Román, New Media Artist

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GILBERT SALINAS

De la mancha del color a la naturaleza del sentimiento humano El arte plástico innegablemente cambia de rumbo con cada acontecimiento documentado como historia pero aun así se despliega nuevamente como un circulo, de vuelta atrás, a sus orígenes. Tal es el caso de la obra del artista Gilbert Salinas; pinturas que de una forma u otra nos recuerdan que el arte es ante todo pasión, sentimientos y pura expresión de lo que llevamos dentro. Este artista, egresado de la Universidad de Puerto Rico nos habla de la naturaleza, de su evolución y lo constante de la vida misma. Sus pinturas reflejan indudablemente no solo lo caótico y la imperfección de los cambios sino el reflejo de las experiencias propias y las emociones puramente anímicas pero que son parte integral de nuestra propia humanidad. Varias son las tendencias encontradas en su obra pero la que impera y domina es la fuerza de las mas pura abstracción aunque se nos presente como gestos expresionistas. No se puede decir que es uno o lo otro, ni siquiera la combinación de ambos términos. Lo que a veces parece remediar el estilo tan famoso para tiempos de la guerra fría se desvela así mismo como un dialogo, conversaciones que nos muestran la belleza, la esperanza de vida, la mujer, la vida en su forma mas simple sin dejar de ser un gesto formal. Es interesante ver que aunque la practica de este joven artista lo lleva de serie en serie, cambiando temas, influencias y motivos pictóricos, siempre es el gesto pictórico lo que unifica su obra. Aun cuando cambia motivos, su paleta lo delata, la mancha lo descubre. En su obra el color es protagonista y juega el papel mas importante ya que expresa el sentimiento del tema de la obra y dado que la mayoría de estas expresan sentimientos positivos seria fácil deducir que los suyos son brillantes, puras explosiones de color y forma que en conjunto nos revelan formas reconocibles. Además de los aspectos formales de su praxis, también es notable que lo que impulsa a este artista parece ser una búsqueda incansable de las emociones y la perfección. Solo el hecho de indagar sobre

la temática de cada una de sus series basta para darse cuenta de ello. La serie “Iconos Musicales” da fe de lo que menciono. Esta serie habla de aportaciones positivas que en algún momento de sus carreras han hecho luminarias del mundo de la música como serian Bob Marley, John Lennon, Kenny G, Madonna entre otros. Es una colección de piezas que según el artista pretende instar al observador a repensar el mensaje y tal vez aplicar a su vida como un regalo de la vida. Big Bang, es otra de las series que parece ser inspirada en el caos de la creación. Esta propuesta, la cual muestra explosiones expansivas de forma y color hablan de la incógnita de la vida, lo accidentado de la creación sea divina o bien sea de naturaleza humana. Son piezas que se acercan mas al expresionismo abstracto americano tanto en su manufactura como en las sensaciones que transmiten. El mismo artista define esta serie como la relación de la espontaneidad y lo accidental con lo espontáneo y lo impredecible de nuestras vidas. Por otro lado la serie Emociones, tampoco esta exenta de esta premisa ya que también son piezas donde el artista prácticamente pinto sus estados anímicos. Son obras que pretenden traducir las abstracciones del sentimiento humano y el poder de la energía de los estados anímicos. Esta serie esta trabajada sobre dípticos lo cual según el artista simboliza equilibrio y balance. Hablan de energía, estados de conciencia, sentimientos y emociones lo que ciertamente las conecta con las demás series de tra-

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bajos. Otra de las piezas que tuve la oportunidad de analizar fue la serie Naturaleza y en estas también es visible el apego del artista a las formas orgánicas de la naturaleza. Esta serie se podría interpretar como un homenaje a la vida desde los diferentes ámbitos que la podría caracterizar, las diferentes situaciones que la forman pero que ante todo la sostiene; diferentes representaciones de un mismo sentimiento. La obra de este artista parece estar en constante cambio y dado que lo emotivo es lo que las caracteriza ciertamente seria interesante seguir los rumbos que estas toman ya que al seguir la obra conoceremos mas del artista, su vida y sus emociones. Por: D. Arnaldo Román New Media Artist

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HEBE GARCIA BENITEZ The Great Temptation of the “Evas”

In Hebé’s work we find a relationship of content, drawing and color which transports us to those great works of the grand European masters, where content is not stronger than color. In her works we can appreciate color as it purely transports us to that subtle content with which this great artist speaks to us openly and without restraint about what it means to be a woman. And at the same time, the artist makes us aware of the need men have of not wanting to live… without that hypnotizing serpent’s bite! Before us we have a great plastic artist whose brush is purely confident, clay is life, and each work, whether inside a box, a frame or a sculpture, is a piece of a mystical woman, while Hebé achieves that we, as spectators, become a part of her through her art. Her work, beyond strong, is presented with great confidence, as Hebé leaves her DNA imprinted in each work. With her earnestness, her artist’s view that emanates from this lady of peace, we can hear in her work every scream that we have inside ourselves. I dare say that Hebé walks, listens, meditates and screams for each one of us. We are the forbidden apple transformed into color, which gives a rich juice of passion, strength, and above all, and I repeat, to continue living in the plastic work of this great artist. By: Hubert Caño Hebé García is represented by the Pamil Fine Art Gallery.

“Eva Amorosa” 15.5”x 10”x 10”.

“Eva de día... Eva de noche” 18”x 10”x 9”.

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HEBE GARCIA BENITEZ

La Gran Tentación de la Evas

En la obra de Hebé encontramos una relación en contenido, dibujo y color que nos transportan a esas magnificas obras de grandes maestros Europeos, donde el contenido no es mas fuerte que el color. En sus trabajos podemos apreciar el color como puro transporte a ese contenido sutil con el cual esta gran artista nos dice abiertamente y sin limitaciones lo que es ser mujer. Al igual, la artista nos trae a flor la necesidad de los hombres de no querer vivir … ¡ sin esa picadura de serpiente hipnotizadora! Ante ustedes tenemos una gran maestra plástica en la que su pincel es de pura confianza, el barro es vida, y donde cada obra, sea dentro de una caja, bastidor o escultura, es un grito de mujer místico, logrando Hebé que nosotros como espectadores nos integremos a ella por medio de su arte. Su obra mas que firme, es una que se presenta con mucha seguridad, ya que Hebe deja totalmente su ADN en cada pieza lograda. Con su seriedad, su mirada de artista, una que sale de esta dama de paz, podemos escuchar en su obra cada grito que tenemos nosotros en nuestro interior. Me atrevo a decir que Hebé camina, escucha, medita y grita por cada uno de nosotros. Somos la manzana prohibida hecha color, esa que saca rico jugo para un contenido de pasión, de fuerza, y sobre todo, repito, para seguir viviendo en la obra plástica de esta gran artista. Por: Hubert Caño Hebé García es representada por la Galería Pamil Fine Art.

“Cronista” 47”x 12”.

“Magia de Luna” 20”x 20”.

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VIOLETA GUZMAN

Espejismos, 20” x 16”

Coqueteo, 30” x 24”

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Tel. 787-667-8936

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FELIX CORDERO

Balconies, fruits, carousels and mountains …pure melancholy To see his work is like remembering or imagining the countryside scenes of old times, their green mountains, their fresh and lovely lines of strong contours and colors. They are reflections of an epoch and many tales full of dirt roads, colorful houses with enviable porches and wide open doors, our beautiful coastlines and the laughter of our people. His work allows us to feel our Puerto Rican essence, the desire to love our country and to hear our coquí once again. He gives us the gift of a moment of silence in our lives where there are no cars honking, no ambulances, no sirens or gunshots. A whole amalgam of feelings depicted from the starting point of a time of exile and continuing for a considerable time after returning to our Puerto Rico. His work declares that the Puerto Rican, the professional, the patriot, the people of yesterday and the people of today are reflections of yesteryear. This is what we feel and experience in the work of the artist Félix R. Cordero, born in 1931 in Ponce, Puerto Rico.

“We are in debt to Félix Cordero for being an example of total dedication to the Puerto Rican visual arts. During his whole life he has strived through his painting to bring us closer to our reality so that we would love and defend what is ours.” –Manuel Álvarez Lezama, Hola Magazine (Hello Magazine) The work of Félix R. Cordero is whole new world for contemporary generations. This artist captures splendid landscapes while depicting the customs and visual anecdotes of a Puerto Rico that by now exists only in memory, and of which there is practically nothing left. Nevertheless, it invites us to reflect, while it feeds our hidden desire to lose ourselves in its mountains, breathe that fresh air, eat those beautifully rendered fruits and enraptures us with his landscapes, which are now our own. This body of work may be viewed as a historical archive within which we can gauge the march of progLatin American Art

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ress, the strength, the deterioration and the progress which our Puerto Rico has endured. Cordero recreates his memories of beautiful scenery, of spectacular hues of green where romance, subtlety and reminiscence are united once more. They are imprints of a Puerto Rico full of color, in contrast with the present which is full of greys and urban artificiality. “Even when we still lived in wooden houses prone to termites and hurricanes never suspecting that the only prosperous crops our countryside would bear would be those piled up cages that we today call “urbanizations”…-Ana Lydia Vega in “Saludos a los Niuyorricans, Esperando a Loló y otros Delirios Generacionales”. (Regards to Newyorricans, Waiting for Loló and other Generational Delirium) The detail in Félix R. Cordero’s work leaves no space for equivocal ideas regarding the social aspect of the epoch represented because the artist gives a

faithful rendering of the historical facts of an era. They are portrayals developed from his memory and his intellectual conception without distorting the truth of a past era. His vocation has led him to explore all the chromatic possibilities of painting, drawing and their forms. Cordero excels in his work showing a mastery of formal techniques which in past times lent glory to relevant masters. His perspective, the use of color, a composition of total balance of the hand with its unique stroke creates an image which captures nostalgia. In his depictions the remembrance is notable as is the undeniable longing for the Puerto Rico of yesteryear where there were an abundance of balconies, feasts in the plaza, folk singers, canteens and still life. He is an artist who, because he has dedicated his whole life to the arts, has also found his path toward experimentation, making him a virtuoso of drawing and painting.

“Cordero belongs to an artistic movement predestined to perdure. He is the narrator of a historical message which can be seen from the timeless angle of his cheerful and nostalgic balconies.”-Antonio Sánchez Rodríguez, Guayaquil Ecuador 1992, Félix R. Cordero Crónicas de un Paisaje Soñado. 2009 (Félix R. Cordero Chronicles of a Dreamt Countryside) As a teacher, Félix R. Cordero is an enriching experience; the teacher imparts knowledge that was acquired through vocation, passion and enthusiastic performance. He taught classes in the Charles Darwin Elementary Public School, the Erie-Waldensian Presbyterian Church, the Boricua Workshop, the East Harlem Children’s Center, and the Puerto Rican Center of Cultural Heritage in the United States. He was also the Director of the Free School of Art in the Moriviví Gallery in New York. In Puerto Rico he taught classes in the Puerto Rico Museum of Art, the Puerto Rico Community Foundation and in the Manuel Mendía Moret School in Patillas.

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In 1949, Félix R. Cordero obtained a study grant with the renowned Puerto Rican artist Miguel Pou. Cordero arrived in the United States in 1953 where he commenced studies in the New York School of Visual Arts and in the American Academy of Arts in Chicago, Illinois. He also studied in the Art Students League at the beginning of the 70’s. In New York he performed as a drawing and painting teacher on his own television program. In 1984 he was given the “Artist of the Year” award by the Puerto Rican Institute in New York and his biography was published in the book “Portrait of the Puerto Rican Experience” Since 1994 he lives in San Juan, Puerto Rico where he has continued with his art, his memories and his outstanding work. BY: Lilliam Nieves

FELIX CORDERO

Balcones, frutas, carruseles y montañas… pura melancolía.

Observar su obra es como recordar o imaginar los paisajes de antaño, sus verdes montañas, sus frescas y hermosas lineas con marcados contornos y colores. Son reflejos de una época y múltiples historias donde abundan los caminos de tierra, las coloridas casas con sus envidiados balcones y des-enrejadas entradas, nuestras hermosas costas y la risa de nuestra gente. Su obra nos permite sentir la puertorriqueñidad, los deseos de querer la patria y volver a escuchar el coquí. Nos regala un momento en nuestras vidas de silencio donde no existen las bocinas, los autos, las ambulancias, las sirenas y los disparos. Toda una amalgama de sensaciones plasmadas desde el marco de una época de diáspora hasta mucho después de volver a nuestro Puerto Rico. Declarando a través de su obra al puertorriqueño, al profesional, al patriota, al los de ayer y los de hoy que somos el reflejo de antaño. Así nos hace sentir y experimentar la obra del artista Félix R. Cordero, nacido en el 1931, y natural de Ponce, Puerto Rico.

“A Felix Cordero le debemos ser ejemplo de la dedicación total a las artes visuales puertorriqueñas. Durante toda su vida ha querido que a traves de su pintura nos acerquemos más a nuestra realidad y que amemos y defendamos más lo nuestro”. -Manuel Alvarez Lezama, Revista Hola La obra de Félix R. Cordero es un mundo nuevo para las generaciones contemporáneas. Este artista plasma espléndidos paisajes mientras representa las costumbres y anécdotas visuales de un Puerto Rico ya solo vivo en el recuerdo, y del cual prácticamente no queda mucho. Sin embargo, invita a la reflexión, mientras alimenta nuestro oculto deseo de perdernos entre sus montañas, respirar ese aire fresco, comer las frutas tan bellamente representadas y embelesarnos con sus paisajes, ahora nuestros. Esta obra podría ser vista como un archivo histórico en el cual podríamos confrontar los pasos del desarrollo, Latin American Art

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la fuerza, el deterioro y el progreso que ha padecido nuestro Puerto Rico. Cordero recrea sus memorias de un paisaje hermoso, de espectaculares tonalidades verdes y donde el romance, la sutileza y el recuerdo se reencuentran. Son estampas de un Puerto Rico lleno de color, en contraste con la actualidad lleno de grises y artificialidad urbana. “Aun cuando todavía vivíamos en casas de madera sujetas a polillas y huracanes y ni siquiera sospechábamos que la única siembra próspera de nuestros campos sería algún día la de esas jaulas amontonadas que hoy llamamos “urbanizaciones”,… - Ana Lydia Vega en Saludos a los Niuyorricans, Esperando a Loló y otros Delirios Generacionales. El detalle en la obra de Félix R. Cordero no deja espacio para hacernos de ideas inequívocas del aspecto social de la época representada ya que el pintor da una fiel restitución del dato histórico de

una era. Son retratos desarrollados a partir de lo que sus recuerdos y su intelecto concibe aunque sin tergiversar esa verdad de una época pasada. Su vocación lo ha llevado a explorar todas las posibilidades cromáticas de la pintura, ell dibujo y sus formas. Cordero destaca en sus obras un dominio de las técnicas formales que en otros tiempos dieron gloria a relevantes maestros. Sus perspectivas, el uso del color, la composición en total balance de la mano son su trazo único hacia una imagen que retrata la nostalgia. En sus representaciones es notable el recuerdo e innegablemente se nota cuanto añora el Puerto Rico del ayer donde abundan sus balcones, las fiestas en la plaza, los cantores, los bodegones y la naturaleza muerta. Es un artista que por haber dedicado toda su vida a las artes, ha encontrado también su camino hacia la experimentación, haciendo de este todo un virtuoso del dibujo y la pintura.

“…Cordero pertenece a una trayectoria artística predestinada a permanecer. Es el narrador de un mensaje historico que se observa desde el angulo intemporal de sus risueños y nostálgicos balcones.” - Antonio Sánchez Rodríguez, Guayaquil Ecuador 1992, Félix R. Cordero Crónicas de un Paisaje Soñado. 2009. Felix R. Cordero como maestro es una experiencia enriquecedora, el maestro llega a impartir sus conocimientos adquiridos por vocación, pasión y afano desempeño. El maestro impartió clases en Charles Darwin Elementary Public School, Erie-Waldensian Presbyterian Church, Taller Boricua, East Harlem Children’s Center, Casa de la Herencia Cultural Puertorriqueña en Estados Unidos. Tambien fue Director de la Escuela Libre de Arte en la Galería Moriviví de Nueva York. En Puerto Rico impartió clases en el Museo de Arte de Puerto Rico, Fundación Comunitaria de Puerto Rico y en la Escuela Manuel Mendía Moret de Patillas, Puerto Rico.

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En el 1949, Felix R. Cordero obtuvo una beca de estudio con el renombrado artista puertorriqueño Miguel Pou. Cordero llega a los Estados Unidos para el 1953 donde se adentro a estudiar arte en la Escuela de Artes Visuales en Nueva York y en la Academia Americana de Artes en Chicago, Illinois. Tambien curso estudios en la Liga de Estudiantes de Arte a principio de los años 70. En Nueva York se desempeño como maestro de dibujo y pintura en su propio programa de televisión. En el 1984 obtuvo el premio Artista del Año por el Instituto de Puerto Rico en Nueva York y su biografía fue publicada en el libro “Portrait of the Puerto Rican Experience”. Desde el 1994 vive en San Juan, Puerto Rico donde ha continuado con su arte sus recuerdos y su gran obra. Por Lilliam Nieves

“Dani Diva”

“¡Viva la Vida!”

Of pictures and memories…..the work of

GLENNYS CASTRO

One warm morning, I had the pleasure of meeting and spending time with Glennys Marie Castro. She is the living picture of an admirable woman, a dedicated mother who adores her family and who maintains her vocation for painting very much alive. The ambiance in her home-studio has a very homey air and one can breathe in a harmony which is quite visible in corners and nooks of the home, where happy scenes full of memories can be appreciated. A series of paintings or portraits present images of children playing, at the beach or enjoying a vacation trip. Within the various styles of her paintings, she has created a series in a small format in which she presents images done with a more realistic palette, details are present and the raw canvas is only partially covered. The images of her most recent series are simple; a predomination of the contour line made with frugal borders or thread stitching and color is used to highlight the image. These depictions can also be accompanied by slats of colors or composed of phrases or texts which de-

scribe the person captured in the painting. Conversely, memories are presented in a physical manner by means of the series of collages elaborated by the artist by way of an expanded painting, in which can be appreciated photographs, stamps, drawings, tickets, maps. They are composed of numerous details that recreate different experiences, from trips to special celebrations. In this way they serve as another to make portraits. This process of conserving memories by means of painting or collage is performed by the artist in a very personal way. The paintings of the children are based on photographs taken by the artist in her everyday life and family trips. Nevertheless, she comments that she has received numerous approaches for commissioned portraits and collages from private collectors. Glennys Castro, who has been on an artistic course for twenty years and who discovered her inclination for art at a very early age, is a graduate of the Cath-

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olic University in Ponce and has a Bachelor’s Degree in Fine Arts with a major in Painting. She has worked as a professor offering workshops in the Museum of Art in Ponce. Among her group exhibitions there is Ruta 2010 (Route 2010), Group Exhibition in Honor of Mexico’s Bicentenary, in Miami and she participated in the International Biennial of Contemporary Art in Florence in 2009. I must point out that Castro will soon be presenting her individual exhibition in Casa Aboy for the month of June-July, showing the portrait paintings of her most recent series as well as the photographs the paintings were based on. In this way, the spectator can appreciate the main source of the work as well as the work itself. By: Bianca Ortiz Declet To learn more about the works of Glennys Marie Castro you can visit her site www.glennyscastro.com. To commission paintings or collages you can contact the artist (787)7648457 or at (787) 315-1269.

De retratos y recuerdos… la obra de

GLENNYS CASTRO

Una cálida mañana, tuve el placer de conocer y compartir con Glennys Marie Castro. Es el retrato viviente de una mujer admirable, una madre dedicada que adora a su familia y que mantiene una vocación muy viva, la pintura. La atmósfera de su estudio-casa tiene un aire sumamente familiar y se respira una armonía que se hace visible en los rincones de la casa, donde se pueden apreciar escenas felices y llenas de recuerdos. Una serie de pinturas o retratos presentan imágenes de niños en escenas de juegos, en la playa o disfrutando de un viaje de vacaciones. Dentro de los varios estilos de sus pinturas, trabajó una serie en pequeño formato en la que presenta imágenes hechas con una paleta de colores más realistas, el detalle está presente y utiliza el lienzo crudo cubriéndolo solo parcialmente. Las imágenes de su serie más reciente son simples, predomina la línea de contorno hecha con bordados sobrios o puntadas hechas con hilo de coser y el color es utilizado para resaltar la imagen. Estas representaciones pueden estar acompañadas también por listones de colores o compuestos por frases y textos que describen a la persona plasmada en la pintura. Por otro lado, las memorias se presentan de manera física a través de la serie de collage elaborados por la artista a modo de pintura expandida, en la que se pueden apreciar fotografías, sellos, dibujos, boletos, mapas. Estos están compuestos por numerosos detalles que recrean distintas experiencias, desde viajes hasta celebraciones especiales. De esta manera sirven como otra forma de hacer retra-

tos. Este proceso de conservar las memorias a través de la pintura o el collage, la artista lo lleva a cabo de manera muy personal. Las pinturas de los niños parten de fotografías tomadas por ella misma en su vida cotidiana y sus travesías familiares. Sin embargo, comenta que ha recibido numerosos acercamientos para comisiones de retratos y collage de parte de coleccionistas privados. Glennys Castro, quien lleva veinte años de trayectoria artística y desde muy joven descubrió su inclinación por el arte, es egresada de la Universidad Católica de Ponce y posee un Bachillerato en Bellas Artes con una especialización en Pintura. Se ha desempeñado como profesora ofreciendo talleres en el Museo de Arte de Ponce. Entre sus exhibiciones colectivas están Ruta 2010, Exhibición Colectiva en Honor al Bicentenario de México, en Miami y participó en la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo, Florencia en el 2009. Cabe mencionar que Castro pronto estará presentando su exhibición individual en Casa Aboy para el mes de junio-julio, la cual constará de las pinturas retratos de su serie más reciente y las fotografías de las cuales parten las pinturas. De esta manera, el espectador podrá apreciar la fuente principal de la obra y la obra misma.

“Conga line”

Por: Bianca Ortiz Declet Para conocer más sobre la obra de Glennys Marie Castro pueden visitar su portal: w w w.glennyscastro.com. Para comisiones de retratos o collages pueden comunicarse con la artista al: (787)764-8457 ó al (787)315-1269. “A flower for her”

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many times portend unusual and dramatically charged possibilities. His exquisite drawings, pouring into the surety of the lines, unfold in kaleidoscopic form onto the final precision of certain forms and characteristics, and in the evaporation of his work as a whole, which, due to a mirage like illusion, endows his works with the force of enigma and a glimpse of the archetype. Add to these qualities his wise use of color. This, naturally lush, is always true to reality, and at the same time, even in his lightly hued canvases, serves to spread an idealized otherness which hides in the apparent presentation. Gerlys, above and beyond the theme he is broaching, reasserts both deliberately and through gestural graphics, the prerequisite without which there is no art: the passion for painting, for painting’s sake. “En busca de la brecha” - óleo sobre lienzo - 80 x 100 cm.

GERLYS ALVAREZ CHACON

Liquid Moments

The surrounding world, the physical reality, serves as the starting point for art in its most diverse interpretations. Ranging from cubism and abstract imagery, to realism or conceptualism, the artist’s dilemma lies in choosing which elements to take from the real environment and which to set aside. In our case, in Cuba, an island surrounded by the sea on all sides, the sea has rarely been utilized in recent times as the central figure or fetish in the works of graphic artists on canvas or poster board. Something to be studied.

surrounding us; trapped in buckets, in closed spaces, as if to give special connotation to that other part of our being, in this case, the geography that extends beyond the border between earth and water. With a skilled hand he captures situations, objects, boats in serene outdoor atmospheres, although we can find in his paintings definitive compositions that

Paintings both intimate and of the open air, his work gives testimony to the possible and the incredible, an inventory of a world which is necessary to rediscover with innocence as well as accuracy. The images through which he ranges are defined by the recognition-invention of seascapes, the norm of the everyday and the splendid and formidable landscape in which a man can find or lose himself. Enigmatic, sensual, apparently trembling with color and sunlight, his surrealistic paintings speak of self-reflexion which fuses with fragments of dreams, and in this way, invites us to establish surprising emotional connections. Because perhaps, above all, the art of the creator has emotional power. We invest in the paintings of Gerlys our own ghost haunted dreams, our thoughts and our subconscious desires as islanders. In effect, as with all true art, the enigma in the works of the artist lies not in how much we are moved, but in how much we are moved without us understanding why.

This is not to say that it never appears; from time to time someone navigates on the sea. This is the case of Gerlys Alvarez Chacon, who steers his brushes and imagination, full sail, on the open sea in a most original manner. The starting point of his creation is a subjective conceptualization, the selfcertainty of his mental process, and the ensuing objectification. Realism, in any case, does not lie in the beginning of the creative process, but in the final result. It does not come from the representation of the outside world; it comes from his own mind. It is there that he reveals the sea

In this figurative work the lines, the light and the contrasts enrich the details and project the effectiveness of the overall, and there is a central element which singles out these paintings as they portray our most purified imagination of the sea, as well as the seductions of surrealism and the pulse of the marvelously real. This element is the light, the artist’s heritage of memory which has the capacity to distill everything into black and white.

“La Isla” - acrílico sobre lienzo - 150 x 100 cm.

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By Toni Piñera

El mundo circundante, la realidad física, sirve de punto de partida al arte en sus m·s diversas interpretaciones. Desde el cubismo y la abstracción, hasta el realismo o la vÌa conceptual. El problema del artista está en qué escoger del entorno real y qué dejar de lado. En nuestro caso, Cuba, una isla rodeada de mar, por todas partes, y, sin embargo, tan pocas veces utilizado, en los últimos tiempos, como protagonista o fetiche en las historias de los artistas plásticos sobre lienzos o cartulinas. Algo para estudiar. Lo que no quiere decir que no aparezca, de vez en cuando, alguno que navegue por Èl. Este es el caso de Gerlys Alvarez Chacón, quien con astucia conduce sus pinceles e imaginación, viento en popa, por el ancho mar de manera original. El parte, en su creación, de una concepción subjetiva, propia de su proceso mental de certeza y se objetiva a partir de ello. El realismo, en todo caso, no est· en el comienzo de su proceso creativo sino en su final. No proviene de la representación del mundo exterior sino de su propia mente. AllÌ nos revela el mar que nos rodea atrapado en baldes, en espacios cerrados como queriendo dar connotaciÛn especial a esa otra parte del ser, en este caso, la geografÌa que sigue m·s all· de la frontera entre tierra y agua. Con diestra mano atrapa situaciones, objetos, barcos, en atmósferas serenas, por fuera. Aunque en sus cuadros hallamos la composición definitiva que, tantas veces, inaugura posibilidades insólitas y llenas de dramatismo. Su dibujo exquisito, decantado en la seguridad de las lineas, se desdobla con carácter caleidoscopio en la precisiÛn final de ciertas formas y rasgos, y en la evaporaciÛn de un conjunto que, por sus espejismos, dota a sus piezas de la fuerza del enigma y el entrevisto del arquetipo. Se añade a esas cualidades su sabio uso del color. Este, naturalmente rico, es siempre justo en su fidelidad a lo real y, a su vez, hasta en lienzos con poco color, hace proliferar una otredad ideal que se oculta en las apariencias. No menos central es su pincelada, su ejecución. Gerlys por encima del tema que aborde, reafirma, tan deliberado como gestual, esa condición sin la cual no hay pintura: la pasión por la pintura, por la pintura misma.

“El corral de los náufragos” - acrílico sobre lienzo - 100 x 150 cm.

GERLYS ALVAREZ CHACON

Instantes líquidos

En esta obra figurativa en que la línea, la luz y los contrastes enriquecen el detalle y lo proyectan en función de la eficacia del conjunto, hay un elemento central que singulariza a esos cuadros que tienen tanto del espíritu de la más depurada figuración nuestra y como de las seducciones del surrealismo y el latido de lo real maravilloso. Ese elemento es la luz, como patrimonio de la memoria del artista y que tiene la capacidad de contraerlo todo al blanco y el negro.

como isleños. En efecto, como con todo verdadero arte, en las piezas del artista, el enigma no está en lo mucho que nos conmueven, sino en lo mucho que nos conmueven sin que entendamos por qué. Por: Toni Piñera

Tel. (+53)52438683 E-mail: ibroche@yahoo.es yunifgb@infomed.sld.cu

Pintura de intimidad e intemperie, su obra se nos presenta como testimonio de lo posible y de lo increíble, como inventario de un mundo que es necesario redescubrir con tanta ingenuidad como exactitud. Las im·genes que recorre se definen por el reconocimientoinvención de las marinas, las novelas de la cotidianidad y el paisaje espléndido y tremendo en que el hombre se encuentra o pierde a sÌ mismo. Enigmáticas, sensuales, aparentemente estremecidas por el color y la luz solar, sus pinturas surrealistas hablan de reflexiones del yo que se fusionan con fragmentos de sueño y que, de este modo, nos invitan a establecer conexiones emocionales sorprendentes. Porque, quizás, ante todo, el arte del creador tiene poder emocional. Aportamos a la pintura de Gerlys nuestros propios sueños visitados por fantasmas, nuestros pensamientos y nuestros anhelos subconscientes Latin American Art

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“Un trago amargo” - acrílico sobre lienzo - 100 x 80 cm.

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MAGDA SANTIAGO At this Moment

History has repeatedly confirmed that now and then we get an artist who is genuinely interested in learning how to paint. It appears to me that each day we seem to get more artists but with less understanding. We also know that the learning process in the arts, is long and that it could lead to failure. Whomever can seriously bear the vocational demands of art could, in time, learn to work with the concept of “time”. “Time”, is simply the speed with which any surface is read. “Space”, in turn, implies “ the ability to place parameters on sequential compositions”. “Form”, may permit us to gradually achieve “significant form” and perhaps, in good time, we may also be able to create a dialogue with “light.colour”. But firstly, we should understand clearly that the arts are a discipline and not simply a whim. In the work of painter Magda Santiago there is no such thing as a whim. She demonstrates to us a great deal of study. She has been painting for some twenty years without pretence. In her work, without abandoning figurative painting, she reveals to us a great interpretative ability. She also draws very well. She makes us this gift of an exquisite surface with great “facture” This is a product of her unique command of the oil medium. She also commands a vibrant and tropical palette. She understands nature fully and closely. It also appears that she has fully understood contemporary plastic concepts. She uses light correctly, and uses it as a design principle, not only to direct her distances. Her work encloses profound plastic qualities. We see that she truly wanted to learn to paint. And it appears to me that she has accomplished it quite well. By: Domingo García A.I.C.A., San Juan, PR Magda Santiago Born September 10th in Santurce, Puerto Rico. Studied at Universidad Interamericana in San Juan; Long Island University, New York and Escuela de Artes Plásticas, San Juan, Puerto Rico. Was a member of Grupo X and studied painting with master painters: Rafael Tufiño and Domingo García. Has presented five local and international solo exhibitions.

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MAGDA SANTIAGO

En este Momento

La historia nos confirma que de vez en cuando se dan artistas que verdaderamente les interesa aprender a pintar. Me parece que cada vez se dan más artistas pero, con menos conocimientos. Se entiende que la enseñanza en el arte es larga y se presta para las caídas. El que pueda seriamente abarcar el oficio del arte podría con el tiempo compartir conceptos tales como el “ tiempo”. El “tiempo”, en la pintura, implica “el poder de controlar la lectura de una superficie”. El “espacio”, en la pintura, es “el poder lograr ponerle parámetros a una composición sequencial”. La “forma”, en la pintura, podría llevarnos a lograr la “forma significativa” . Y quizás podríamos llegar a un diálogo con la “luz-color”. Antes que nada, debemos entender con claridad que las artes son una disciplina y no meramente, un antojo. En la pintura de Magda Santiago, no se encuentran antojos. Ella demuestra muchísimo estudio y lleva pintando más de veinte años sin pretensiones de carrera. Aún sin abandonar del todo la figuración, su obra, nos ilustra gran facultad interpretativa. La pintura de Magda nos ofrece un excelente dibujo y una exquisita superficie con gran “factura”, la cual ha sido nutrida por su marcado dominio del óleo. Igualmente, ella nos presenta una paleta vibrante y tropical. Tal parece que esta pintora ha entendido plenamente la plástica contemporánea. Ella utiliza la luz correctamente, como un principio de diseño y no sólo, para matizar las distancias. Su obra encierra mucho caracter plástico y se ve que ella, sí, ha querido aprender a pintar. Se ve claramente, que lo ha logrado extremadamente bien. Por: Domingo García A.I.C.A., San Juan, PR

Magda Santiago Nace el 10 de septiembre en Santurce, Puerto Rico. Cursó estudios en la Universidad Interamericana en San Juan, en Long Island University, New York y en la Escuela de Artes Plásticas de San Juan, Puerto Rico. Fue miembro del Grupo X y tomó clases de pintura con los maestros Rafael Tufiño y Domingo García. Ha presentado cinco exposiciones individuales a nivel local e international.

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The Metaphorical Imagery of

MAGDIEL TOLEDO The artist functions as a documentarian who penetrates the problems inherent to men and women amidst the complex socio-economic reality which the country and the world is experiencing; he registers the ensuing outcome of their psychological and spiritual behaviors, whence the continual debate, struggle, complacency or conformism of the characters in his works “Los Angeles de Charlie” (Charlie’s Angels), “Inside”, “Espacio Reservado” (Space Reserved), and “La Hora de la Telenovela” (The Soap Opera Hour).

Magdiel Wilfredo Toledo Ortega (Matanzas, Cuba, 1971) is one of those artists that are always concerned with day-to-day social happenings. His gaze scrutinizes reality placing emphasis on the difficulties modern man is facing. We might continue to allude to his selftaught approach to the Plastic Arts, but this is only a statement that refers us to his artistic formation, which is distanced, in truth, from the skill which he has achieved in his most recent works. Present in his creations are diverse social currents, where everyday

happenings reflect the modern-day particulars of Cuban society, spanning the topics of family life, interpersonal relationships and other realities pertaining to national affairs. He has a preference for depicting characters in pairs, or in groups of three or more in order to position the conflict as if coming from a suite of voices; although in some of his works he inclines towards concentrating his attention on types of characters, conferring his meaning through the solitary figure, remembering his works “El Pescador” (The Fisherman), “El Sembrador” (The Sower), “La Alfombra Mágica” (The Magic Carpet) or “El Jubilado” (The Retiree). It is also interesting to note the reconstruction he makes of the scenario where he positions them, as they contribute to the groundwork of the content that he wants to express; for Magdiel no element is merely decorative; thus in the titles of his works there are other meanings meant to be deciphered by the beholder, always leaning toward the critical questioning of what is embodied. Arte Latinoamericano

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Nevertheless, in his most recent works exhibited at the end of 2010, we find an intimate profoundness, where the themes although still pertaining to the aforementioned Cuban reality, pieces such as “ A Pesar del Tiempo” (In Spite of Time), “Amen”, “Serenata” (Serenade), “Encuentro Cercano” (Close Encounter) situate perception in a metaphorical imagery of universal themes for human society. The formal treatment of his shapes predominates through the use of massive, voluminous figures, through the lines and exposition of planes; to achieve this there is an assimilation of principles and languages, -interchangeably-of the abstract, of constructionism, of the abstract, cubist, always serving to emphasize the proportions of his figures, their face, or their feet, or their hands, or an object, because for the artist the composition achieves a leading visual role that complements his expressive shapes. Magdiel Toledo has developed a very personal poetic imagery, recognizable by its visual principles and by the treatment of the themes he presents, with a very distinctive voice in which can be perceived a leap within his own artistic creation. We can only wait for his next exhibit, because he always has something new in store for us. Por: Yamilia Gordillo Rodríguez Bachelor of Literature

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JULIO CESAR DIAZ Poeta de las formas

Julio César Díaz es un escultor que ha llegado a establecerse como un excelente creador tridimensional dentro del “Modernismo Caribeno”, logrando desarrollar un discurso estético muy suyo. Sus esculturas combinan inteligentemente en lo mas puro del modernismo europeo y americano, y un enorme amor a su patria … logrando un delicado y precioso canto a la vida. Julio César Díaz es un dedicado y efectivo poeta de las formas. Sus seductoras composiciones – hojas, semillas, lunas y guitarras nos acercan a nuestra tierra puertorriqueña y a la vida misma. Por: Manuel Álvarez Lezama

“Olas” 22.5” x 18” x 5.5

Luego de años trabajando la madera como medio favorito en la escultura, Julio César decide incursionar en la cerámica como complemento a la madera … aunque desde sus comienzos como artista la figura humana era la base principal de su desarrollo como escultor. Entre sus mas recientes obras se encuentran presentadas “Olas”, escultura en madera y “Vejigantes”, escultura en madera y cerámica Las obras de Julio César se encuentran en la Galería Pamil Fine Art.

“Vejigantes”

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ARTEANDO en Arecibo El viernes 21 de octubre inauguró en el Museo de Arte e Historia de Arecibo René Marques la segunda edición de “Arteando”. “Arteando” es un junte de arte, diseño y gastronomía que se organiza con el fin de recaudar fondos para el hogar de niñas “Abrazo de Amor” y para apoyar en el pueblo de Arecibo la gestión cultural. Esta vez contamos con la colaboración de veintiún artistas plásticos: dieciséis pintores y cinco escultores y sus contrapartes en el diseño: dieciséis diseñadores de modas y cinco diseñadores de prendas. Con escultura participan Mel-quíades Rosario, Dr. Rafael Jové, Josué Guarionex Rosado, Brizaida Medina y Luis Ivora. Y con pintura nos acompañan Frank Andújar, Félix Bonilla, Moisés Castillo, Carmelo Fontanez, Martin García, Víctor Gotay, Domingo Izquierdo, Olga Lang, Ricardo Ramírez, Angélica Rivera, Noín Rivera, Aby Ruiz, Norberto Ruiz, Carlos Santiago, Cacheila Soto y Wichie Torres. Interpretando las pinturas en sus creaciones están los diseñadores de modas Carlota Alfaro, Sonia Santiago, Stella Nolasco, Nathalia López, Sonia Rivera, José Braulio, Elisamuel Berríos, Lourdes Vanessa Santiago, Angel Guzmán, Marcos Carrazana, Tommie Hernández, Arnaldo de Jesús, Fernando Gantier, Issa Quiñones, Lissa Porrata y Heriberto Vázquez. Las esculturas son la inspiración de los diseñadores de joyería Abimael Ortiz, Annette Behar, Nicole Albino, Awilda Casiano y Krystalos.

La Maestra Carlota Alfaro y el artista Frank Andujar junto a sus obras.

Este junte de artistas es una dádiva a la comunidad arecibeña. No es suerte, ni casualidad ni imprevisión la concentración de esta pléyade creativa. Ni mucho menos, fácil la labor de reunirlos, unidos con un propósito en común. Pero gracias al espíritu generoso y esforzado de estos artistas y del arduo trabajo de un grupo de arecibeños que tienen en su empeño el mejoramiento de su pueblo y de su ciudadanía se logra. Se alcanza la excelencia en la oferta al pueblo, se consigue llevar a la comunidad modelos de altísima calidad plástica. Modelos que se pueden utilizar para motivar y educar a los niños, jóvenes y no tan jóvenes a superarse y para impartirles la seguridad que con mucho trabajo y constancia se pueden lograr grandes cosas para el mejoramiento tanto individual como comunitario.

Pintura “Tu horizonte me fortalece” del artista Moises Castillo con el vestido de Stella Nolasco.

Siempre he dicho que la exposición a las artes agudiza el intelecto, cuanto más al crear una simbiosis plástica como ocurre en “Artendo”. Es un deleite el poder presenciar, sentir y observar cómo se adentra el diseñador en la psiquis y en el espíritu del pintor o escultor para crear un vestido o una joya que refleja fielmente la emoción y el sentimiento del artista. Solo otro artista puede lograr captar y plasmar las pasiones y deseos, la calma y la agitación, el paisaje o las formas, las debilidades y las fuerzas que se encuentran presentes en un obra de arte.

Pinturas “Homenaje a Renoir” del artista Victor Gotay y su interpretacion en el vestido de Jose Braulio.

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En la interpretación que hace el diseñador José Braulio en su vestido de noche de la obra “Homenaje a Renoir” del pintor Víctor Gotay el espectador siente el movimiento de la hojarasca presentada en la pintura en las faldas del vestido, así como en el busto del vestido se recrea toda la cromática que forja el ambiente de la pintura. La Maestra, veterana del diseño puertorriqueño, Carlota Alfaro, honra con su presencia los salones del Museo arecibeño. Con más de sesenta años de trayectoria en las modas y el diseño, la obra que presenta en “Arteando”, un vestido formal inspirado en la pintura del artista arecibeño Frank Andújar, es una muestra de la excelencia, la elegancia y la energía que la caracteriza. Hábilmente captura la pureza de los azules y rojos de la pintura “La Piedra Sagrada”, así como el uso de formas geométricas y la suavidad de las líneas. Todo esto lo traslada al vestido creando una continuidad visual y atmosférica entre pintura y vestido que estremece los sentidos.

El Maestro Wichie Torres y el disenador Heribrto Vazques junto a sus obras.

recrea el color de la carne, de la piel, en un vestido corto, de encajes, donde éstos, los encajes, pueden simbolizar los diferentes tipos de “carnes” que lleva el hombre. La vida misma con sus adversidades y diversidades… el resto del color de la pintura lo representa con los accesorios que presenta con el vestido.

Otro Maestro que comparte su arte en esta exposición es el artista ponceño Wichie Torres. Esta vez se aleja de su brillante croma de cielos rojizos, mar de azules y verdes brillantes para impactarnos con la pieza “Fragmentación de un Quijote”. Esta es una pintura en “blanco y negro” donde el drama lo imparte precisamente la ausencia del color, así como la agilidad en las líneas, que le imparte movilidad, dinamismo y emoción a la obra. El diseñador Heriberto Vázquez captura fragmentos de la pintura y los plasma en un elegante vestido negro. De esta manera no solo exalta la genialidad del Maestro Wichie Torres con su interpretación, sino que el vestido se convierte en una oda a la pintura.

En definitiva “Arteando” es un banquete estético, es un prontuario histórico; es un festín, tanto para los sentidos como para el intelecto; es una actividad que aporta al bienestar de la comunidad, contribuye al engrandecimiento y crecimiento de un pueblo. En este, mi escribir, invito a más “Artendo”, a la búsqueda de la excelencia, a más arte en Arecibo y en Puerto Rico. También agradezco y felicito a todos los que de una manera u otra colaboran a engrandecer nuestra patria.

Así mismo la complejidad de la obra “Carga su Carne” del artista Aby Ruiz fue magistralmente interpretada por el diseñador Arnaldo de Jesús. Esta vez, el diseñador sutilmente

Por: Judith Nieves Lacomba Antropóloga, Historiadora de Arte Puertorriqueño

Algunos de los miembros de la junta organizativa de “Arteando”: Jackie Dorta, Judith Nieves, Yolega Diaz y Lissy Toledo.

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ENRIQUE TOLEDO

In the first lustrum of the nineties during the past century, certain concepts were re-defined in contemporary Cuban art, fundamentally geared towards asserting a new artistic advancement including the survivors of previous periods, which earmark a difference in regards to the preceding decade known as the Cuban Renaissance. In her words from that period, referring to the “Salon de Arte Cubano Contemporáneo”, convoked in 1995, Lupe Álvarez stated: “Undoubtedly, this Salon has created high expectations, the first after an almost global consensus that declares that in the nineties there has been a change in tendencies in the realm of the visual arts, and in the framework of the debates which allude to the work, the traditional genres and the concern for aesthetic parameters which had been purposely subjugated by the provocative propositions of the eighties, immersed in the extra-aesthetic fervor of artistic sensibility.”

INVITATION INTO THE PAINTER’S WORLD

1. I find this quote very interesting because it expresses without circumlocution the new tendencies in Cuban art, at the precise moment when Toledo’s work becomes known. Nevertheless, in the terrain he has chosen, the appropriation of the pictorial, he can be considered one of the pioneers, and I think I would not be wrong in claiming that he is one of the few artists active at that time that still remains in Cuba. In the same quoted text, the author confirms the return of painting to the aesthetic paradigms, and indeed, among the prize recipient artists was to be found José Armando Mariño with a painting encompassing all the norms, as was noted by the journalist Pedro de la Hoz in his thoughts about the aforementioned Salon.

Enrique Toledo is one of the most selfless artists that I know, he does not have a grand studio in which to work or create; on the contrary, his studio - if it can be considered as such – is almost tiny, completely opposite to the spaciousness depicted in his works, and to the scenic display in which he positions his characters, the costumes and his preference for the great baroque masters whose paintings have undoubtedly inspired a great part of his creations. Since 1993, when he was awarded one of the prizes in the “Salon Provincial de Artes Plásticas” in Villa Clara, the Cuban province where

he resides, his work has matured in two essential directions: in the first place, in the compositional lay-out which has transcended the collage, or the almost capricious summing up of representational elements taken from the History of Art, an almost exhausting review of such an arsenal, achieving the coexistence of disparate geniuses such as Velazquez and Dalí, two of his favorite artists. And in second place, by concentrating more on technical processes, including drawing, he has been able to enrich his works with enhanced texture, coloring and illumination. Latin American Art

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2. The use of parody in the plastic arts as a strategy to encourage reflection has been less recognized than the assumptions from which it springs. Precisely, the search for meaning in the merging of imaginary elements as diverse as those of Enrique Toledo should be reviewed, if not exhaustively, at least precisely, in terms of the sources of influence that one assumes in his works. The juxtaposition of figures of diverse types of characters, objects and settings is the fundamental weapon employed by the artist, where surprise at the unusual associations of these elements plays a major role. But before this, it is necessary to specify that a great part of the resources employed by the artist in his compositions arise from his exploration of surrealism. His allu-

sions to Dalí and Magritte, for example, much more explicit in other stages of his career, oblige us to value his work more highly from a modern optic perspective than from the postmodern. Toledo has always been obsessed by realistic portrayal, thus he delves more and more into the iconographic legacy which he has found in the specific goals of the painting exercise. In his recent elaborations we find a leaning towards international gothic, the figurative language influenced by the Italian Renaissance throughout the rest of Europe between the XIV and XV centuries, fundamentally in France and the Netherlands. The artist’s first choice is to remove the religious content from the images, by means of parody. In this fashion he accentuates and legitimizes his discourse on art by means of his art and he allows himself reasoning of ideological bent which supports an ironical ingredient which has become better established in his work of these latter years. I am viewing two recent works that illustrate these pages. In “El Corcel Alado” (The Winged Steed) we are in the presence of a type of depiction which asserts the principal motif of the piece, that which gives it its title, as a representational aim per se. In this case, it is not of great importance the possible connections we may make, or be capable of establishing, based on the sources from which he elicited his shapes; he is only concerned with laying down a context in which it is possible to establish bonds which temporarily support the very existence of the myth that is being portrayed. As can be expected, the only possible context derives from the old chivalry legends. It is noticeable as well, how architecture is displaced from the painting and the human figure is sausaged into the constructed framework, almost as if it wanted to leave the scene. The background landscape is subordinated to two other horizontal stripes, which establish a peculiar clash between the veracity of the depiction and truly plastic values by means of the use of textures which reaffirm the supposed wings – of paper – of the steed. In this way there is an introduction of elements which establish the contrast between two modes of depiction in the same piece, between the figurative representation and the abstract. In the piece entitled “La Puerta” (The Door) the canvas is divided in two sections in the fashion of wooden altar-

pieces, permitting the artist to present two scenes related to one story. To the left of the spectator the main character, on horseback, as if entering the diptych, to the right, a group of characters further away from the spectator are trying to hunt an angel. The wooden frame ceases to be a window and becomes the threshold of the depiction, the rider gestures with his hand for us to enter, the ambivalence between frame-window presumptive of the pictorial window-door tradition refers us to surrealistic presuppositions as we had earlier warned, nevertheless, the parody’s strength held in the hunting of the angel assists in demystifying the very concept of an altarpiece as a religious object of art, while in the meantime, if we look closely, between the knight and his mount there is a stylistic distance of at least two hundred years, the same distance that exists between Lucas Cranach and Diego de Silva Velázquez. In this type of composition, the artist is much more committed to the necessity of establishing aesthetic criteria

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which will facilitate the spectator’s comprehension of the painting; the appropriation of religious artistic values does ease the task, as does the plausibility of the representation; the wooden altarpiece, the landscape, the characters. The idea of the époque, of historical painting, is the distinctive touch that complements the artist’s Diegoesque universe in this piece. Enrique Toledo invites us into his world, with the same gesture as the knight represented in “La Puerta”, a temporary disruption in space and time that we appreciate, because it permits us to enter and become part of the painting, our only opportunity to cease to be spectators and to become characters, and to be touched by his brush for the rest of our lives. _______________________________________________________ Lupe Álvarez: «Opciones de un Salón» In: Cúpulas, Instituto Superior de Arte, Habana City, Year 1, No. II, April 1996, page 43. Pedro de la Hoz: «Un salón sin pasos perdidos» En: Artecubano. Revista de Artes Visuales, Consejo Nacional de las Artes Plásticas, Habana City No.1, 1996, page 50.

ROSA MAR FONALLEDAS Ceramic Artist

Creative…persistent…clever…a lover of color and nature – that is Rosa Mar Fonalledas – an artist whose talent captivates art collectors. Rosa Mar presented her new creations in the group exhibition Diasporarte in the Pamil Fine Arts gallery owned by Paco and Mildred González. A selection of reliefs with textures and hues with a nature theme such as: “El Jardín de Zori” (Zori’s Garden), where she recreates her garden at home, the “Jardín de Isabel” (Isabel’s Garden) – her grandmother’s garden and “Pajaritos en el Aire” (Little Birds in the Air), among others were exhibited. Throughout her works Rosa Mar perceives the happenings in her life giving no heed to whatever her emotional burden may be and in a way creates a setting where the spectator can feel and admire the beauty that surrounds us in our daily lives. Inspired by images of nature loaded with color, Rosa Mar uses the process of fired ceramic (Raku) as a means of artistic expression. By: Roxanna Jordán

“Pajaritos en el Aire” 13” x 9” x “3.5”.

“Mar” 9” x 10”.

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ROSA MAR FONALLEDAS

Artista del Barro

Creativa … persistente … ingeniosa … amante del color y la naturaleza – asi es Rosa Mar Fonalledas – artista cuyo talento cautiva a los coleccionistas de arte. Rosa Mar presento sus nuevas creaciones en la exhibición colectiva Diasporarte en la galeria Pamil Fine Arts, de Paco y Mildred González. Una selección de relieves con texturas y matices con tema de la naturaleza como: “El Jardín de Zori”, donde recrea el jardín de su casa, el “Jardín de Isabel” – jardín de su abuela y “Pajaritos en el Aire”, entre otras piezas, fueron exhibidas. A través de sus obras Rosa Mar percibe los sucesos de su vida sin importar cual sea su carga emocional donde en cierto modo crea un escenario en el cual el espectador puede sentir y admirar la belleza cotidiana que nos rodea. Inspirada en las imágenes de la naturaleza cargadas de color, Rosa Mar utiliza la cerámica quemada a fuego directo (RAKU) como un modo de expresión artística. “Helechos” 9.5” x 9.5”.

Por: Roxanna Jordán

“Pajaritos en el Aire” 12” x 15”.

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DOMINGO GARCIA EN EL MUSEUM OF FINE ARTS OF HOUSTON

El pasado 29 de junio, durante una recepción privada en el Museo de Bellas Artes de Houston, la firma de abogados Zimmerman, Axelrad, Meyer, Stern & Wise, presento dos obras del maestro puertorriqueño Domingo García, un retrato de gran formato de Mahatma Ghandi titulado: “Adiós Mahatma”, y realizado en 1988 y la fabulosa obra realizada en 1974 titulada: “ Mujer Criolla”, las cuales son parte ya de la colección del antes mencionado museo. Noticias como esta, deberían tener mucho mas eco en la prensa local, donde se le reconozca a los artistas puertorriqueños sus logros y el pueblo en general reciba la información positiva de que el arte es creación.

El Maestro Domingo García en el Museu m of Fine Arts of Houston, detrás, su obra “Adiós Mahatma”, la misma se presentara permanentemente en Ancient and Modern Indian Exhibition de dicho museo.

Representante de la firma de abogados Zimmerman, Axelrad, Meyer, Stern & Wise, junto a Maricarmen Ramirez y Domingo García, presentan “Adiós Mahatma” al numeroso publico asistente la noche de la presentación.

obras cita para disfrutar de cerca las dos Gran cantidad de asistentes se dieron o es parte ahora de uno de los trabaj cuyo ño rrique puerto del artista s Unidos, con unas 63,000 10 museos mas impor tantes de Estado edad al presente. piezas que abarcan desde la antigü

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La obra: “ Mujer Criolla “, óleo sobre lienzo de 1974, ahora también forma parte de la colección del Museo de Houston, realizada por el Maestro Domingo García.

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Noticias del

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MUESTRA DE AISAR JALIL Y ESTERIO SEGURA “MUTACIONES” La exposición se extendió del 21 de octubre al 18 de noviembre en el Centro de Desarrollo de las Visuales de Ciudad de la Habana.

Aisar y Esterio en lo alto de la escalera durante la inauguración.

obras, conversa al lado de una de sus Esterio en el centro, stas. arti y as rist gale con

Artistas, galeristas y público en la sala de Aisar

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Time, Movement and Undulation in the Paintings of

ROGELIO MALDONADO Although I had seen some of his paintings and I had known him since he was a child, I had never reflected upon his constant creative work. Work both constant and diversified, on a rapid course to the lightning strike of artistic creation. Specially gifted for vivid colors, strong, taken almost directly from the palette, the distinctive hues succeed due to the harmonic interrelation that they project, not due to a rehearsed and scientific method of mixing. On the other hand, there is a constant experimentation in shapes and movement. A desire to perpetuate time in the moment of its greatest glory. In other words, his painting comprises a personal interpretation of the environment in which he is immersed, the time and space that surround him like a hallucinatory palette of gleaming colors. His subject matter, his inspiration, does not come from the great beyond, but from the great here and now, from nature itself. Crystal clear skies, or slightly clouded with tender clouds, inspiring birds in full flight weaving through heavenly rays of celestial and astral lights; leaves, trees and shrubs in arabesques which expel the full gamma of greens, reds, yellows and ochres. In sum, a well-stocked basket, a “tour de force”, not as a boastful technique, but evidence of his art as a search for his

own being, a probing of his own soul, a search for an explanation of his own fervors. Curiously enough, those paintings of his that are denominated triptychs contain amazing textural reliefs that are not immediately perceptible, but become visible after careful contemplation. It is painting that causes one to mediate on “Natura povet quae necessitas urget” (Nature provides what necessity requires), a Latin adage that expresses the omnipresent marvel of Nature as a nourishing mother. In this sense, Rogelio is an intuitive painter, whose perceptions of what art should be are derived from the contemplation of Nature in all its manifestations and gammas. There is an aspect, one could almost call mystical, because the flowering staffs are like hands in constant prayer to God, creator of all nature, like vegetable candles that bloom with the dreams of freedom of the author. As I contemplated his paintings I was listening mentally to Igor Stravinsky’s “The Rite of Spring” (a Gemini just like Rogelio), as serene in his creations as he is vehement in his social, environmental and political postulates. His work is consecrated to the applause of the harmony of conservation and veneration of Mother Nature without reaching the extremes of pantheism, because Rogelio Maldonado knows that all talent comes from God and not from the subsidy of the powerful. By: Dr. Marcelino Canino Salgado

“Cantar Floral” 20”x 48”

“Fiesta Floral” 20”x 36”

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Tiempo, movimiento y ondulación en

ROGELIO MALDONADO

Aunque había visto parte de sus pinturas y le conocía desde que era un niño, no había reflexionado sobre su constante labor creativa. Labor constante y diversificada, en carrera acelerada para conseguir el zarpazo de la creación artística.

en su propia alma, búsqueda de una explicación de sus propios afanes. Curiosamente sus pinturas denominadas trípticos constituyen asombrosos relieves de texturas imperceptibles de inmediato, pero visibles después de la cuidadosa contemplación.

Dotado especialmente para los colores vivos, fuertes, tomados casi directamente de la paleta, logran sus matices peculiares por la interrelación armónica que ellos mismos proyectan y no por una ensayada y científica manera de mezclar.

Es pintura para meditar en aquello de que: “Natura povet quae necessitas urget” (La Naturaleza provee lo que la necesidad le requiere) Adagio latino que expresa la omnipresente maravilla de la Natura como madre nutricia. En ese sentido, Rogelio en un pintor intuitivo, cuyas percepciones de lo que debe ser el arte provienen de la contemplación de la Naturaleza en todas sus manifestaciones y gamas. Hay un lado, podría decirse que casi místico, porque los báculos florecidos son como manos en plegarias constantes al Dios creador de la naturaleza, como cirios vegetales que retoñan los sueños de libertad del autor. Mientras contemplaba sus pinturas escuchaba mentalmente La consagración de la Naturaleza de Igor Stravinsky, (geminiano al igual que Rogelio), sereno en sus creaciones a la par que vehemente en sus postulados sociales, medioambientalistas y políticos. Una obra consagrada al aplauso de la armonía que produce la conservación y veneración a la Madre Naturaleza sin llegar a los extremos del panteísmo, porque Rogelio Maldonado sabe que todo talento proviene de Dios y no del subsidio de los poderosos.

Hay, por otro lado, un constante experimentar de formas y movimientos. Un anhelo de perpetuar el tiempo en su momento de mayor gloria. En otras palabras, su pintura constituye una interpretación propia del medioambiente en que está inmerso, el tiempo y el espacio que lo circundan como una alucinante paleta de fúlgidos colores. Sus temas, su inspiración, no provienen del más allá, sino del más acá, de la naturaleza misma. Cielos límpidos o levemente tachonados de nubes cariñosas, aves promisorias en pleno vuelo auscultando seráficos rayos de luces celestes y astrales; hojas, árboles y arbustos en arabescos que expelen toda la gama de verdes, rojos, amarillos y ocres. En fin, un cesto bien provisto como un Tour de force, no como alarde de técnica, sino como evidencia de su arte como búsqueda de su propio ser, sondeo

Por: Dr. Marcelino Canino Salgado

“Fiesta Explosiva” 20”x 40”

787-460-0088 “Encanto Explosivo” 37”x 63”

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“Imagery is the bridge which links desire between man and reality” Octavio Paz.

RUBEN RODRIGUEZ In the tides of visual eroticism It has always seemed necessary to me that an interview with Rubén Rodríguez should appear in print in one of our country’s magazines. To begin with because I do not think that he has granted many in the past, and even if his work has gained renown with the public since the latter part of the nineties, nothing can take the place of direct contact with the opinions and the memories of a creator. The other reason is more than sufficient; Rubén is a widely recognized master in contemporary Cuban art. Engraver, illustrator and painter, for many years he has balanced his creative work with the job of a professor of engraving. His work has maintained an unchanging frontier in which reality and fantasy, molded form and abstractionism, line and suggestion, have been debated and strained, to obtain as a final result a very personal anthropomorphic iconography which has not been exhausted and which, on the contrary, continues to bear new fruits of expression. In spite of the economy of line (I called him a “line craniator” in some words on his work some years ago) and similar to the creative writing techniques of the literary essayist, Rubén’s work does

not conclude, it points, expresses, suggests, giving the viewer the last word. That is to say, he moves in a realm of visual appearances that are capable of generating ambiguity in spite of the surety of his brushstroke. It is this characteristic which led him to create a style, and I emphasize this, because it is uncommon in the overstuffed world of images in which we live, to be able to create a personal and undeniable style. His work has always sought to enter into the recreation of the erotic; perhaps this theme has cost him the most. In his pieces there is also a clear minimalistic vocation which seems to be the expression of a world in tension between restraint and the infinite freedom of erotic desire; the line en perpetual and conflicted tension. When you view the oil paintings or engravings of Rubén Rodríguez, you feel that you are prying open an unreality which unfolds into another image, which nestles in your perception in a strange and peculiar manner. It comes down to work of suggestions and curious understandings, to which the artist has been faithful for many years. One searches feverishly in memory and thinks to find, or does indeed find, that there is something familiar about his images in an

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otherness that eludes us. Perhaps it is a rare ability to find the essence of the images, the nerve endings of an eroticism which relates to our life experience. The female body, the androgynous or sexual scenes in general, are shown to us amidst plenitude and a very mysterious illegibility. Some critics, however, have viewed his ventures into eroticism full of complacent sensuality, with no frills or hesitation, which positions this work within the ample spectrum of the ambiguous perception of diverse public opinion. The whole meshwork of his images, borders, textures, chromatic hues, spatial arrangement, everything, leads us to follow his labyrinth voyages to the domains of Eros, an expedition towards the interrelation of these images with our own most inner experiences and sexual and romantic fantasies. This is the protean nature of his work. This ritualism has created a magic which brings to mind Diderot’s commentary on the work of Chardín: “this magic is beyond comprehension”. And this is so, there is a rare fascination, a mixture of desire and curiosity, but, above all, this is good art, springing from impeccable skill polished by decades of creation. By: Rafael Acosta de Arriba

La imagen es el puente que tiende el deseo entre el hombre y la realidad. Octavio Paz.

RUBEN RODRIGUEZ En las aguas del erotismo visual Siempre me pareció necesario que una entrevista a Rubén Rodríguez apareciese publicada en alguna revista del país. En primer lugar porque no creo que haya concedido muchas con anterioridad, y si su obra ha crecido en el encuentro con los públicos desde finales de los noventa, nada sustituye el contacto directo con las opiniones y la memoria de un creador. La otra razón es más que suficiente, Rubén es un maestro de mucho reconocimiento en el arte cubano contemporáneo. Grabador, dibujante y pintor, ha compartido su trabajo creador con el de profesor de grabado durante muchos años. Su obra ha sostenido una invariable frontera en la que realidad e irrealidad, figuración y abstraccionismo, línea y sugerencia, se han debatido y pujado, para dar como resultado una iconografía antropomórfica muy personal que no se ha agotado y que, por el contrario, sigue dando nuevos frutos expresivos. A partir de la economía de la línea (“craneador de líneas” le llamé en un texto sobre su obra hace algunos años) y semejante a la táctica escritural del ensayista literario, la obra de Rubén no concluye, apunta, expresa, sugiere, dejando

al espectador la última palabra. Es decir, se mueve en el ámbito de apariencias que son capaces de generar cualquier ambigüedad a pesar de la seguridad en el trazo. Es esta característica la que lo llevó a crear un estilo, y subrayo esto, porque no es muy común en el atiborrado mundo de las imágenes en que vivimos, ser capaz de crear un estilo personal e indiscutible. Su trabajo ha buscado siempre introducirse en la recreación del erotismo, quizás la temática que le es más cara. Hay también en sus piezas una clara vocación minimalista que parece ser la expresión de un mundo en tensión entre lo contenido y la libertad infinita del deseo erótico; la línea en perpetua y litigante tensión. Cuando se aprecian los óleos o grabados de Rubén Rodríguez uno siente que avizora una irrealidad que se abre a una imagen otra, que anida en nuestra percepción de manera peculiar y extraña. Se trata de una obra de sugerencias y curiosas asimilaciones, a la que el artista ha sido fiel por muchos años. Uno busca febrilmente en la memoria y cree encontrar, o encuentra, que hay algo familiar de sus imágenes en una otredad que se nos escapa. Quizá sea una rara habilidad para encontrar la médula de las imágenes, el

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nervio de un erotismo que se asocia a nuestras vivencias. El cuerpo femenino, el andrógino o las escenas sexuales en general, se nos muestran entre una plenitud y una ilegibilidad muy misteriosas. Algunos críticos, sin embargo, han visto sus incursiones en el erotismo plenas de sensualidad complaciente, sin adornos ni regodeos, lo que vuelve a situar esta obra en el amplio espectro de una percepción ambigua por públicos diferentes. Todo el entramado de sus imágenes, bordes, texturas, tonos cromáticos, colocación espacial, todo, nos conduce a seguir sus laberínticos viajes por los dominios de Eros, una excursión hacía los vínculos de esas imágenes con nuestras más recónditas experiencias y fantasías sexuales y amorosas. Esa es la naturaleza proteica de su obra. Esta ritualidad ha creado una magia que recuerda la expresión de Diderot sobre la obra de Chardín: “esta magia escapa a la comprensión”. Y es así, se trata de una rara fascinación, una mezcla de deseo y curiosidad, pero, por encima de todo, de buen arte, de un impecable oficio pulido por décadas de creación. Por: Rafael Acosta de Arriba

RENACE EL TEATRO LIBERTY Concebido para defender la identidad de un pueblo desde su propio origen el “theatron”, lugar para contemplar, se ha convertido en el recinto idóneo para expresar la cultura de una sociedad determinada. Es por ello que el Teatro Liberty ha sido el testigo silente de las más elevadas expresiones del pueblo de Quebradillas, de su historia y su desarrollo cultural. El que fuera uno de los principales centros culturales del noroeste de Puerto Rico desde la primera mitad del siglo XX, renace hoy con todo su esplendor y elegancia. El Liberty se nos presenta hoy, como una grandiosa obra de arte que combina la arquitectura, la orfebrería, la pintura, el diseño textil y el color, en un conjunto armónico de incalculable belleza. Este teatro se concibe como un todo orgánico e indisoluble, siendo una obra de arte en si mismo, concebido para expresar y promover arte a través de los tiempos.

sos detalles tanto en los interiores como en su extraordinaria fachada. Su estilo, algo ecléctico, está salpicado de elegantes elementos neoclásicos. Un ejemplo de ello los son sus tres imponentes arcos de entrada con sus paredes de variadas texturas y sus molduras en arquivoltas que evocan un verdadero “Arco del Triunfo”. Otros elementos de su fachada que llaman la atención lo son los relieves sobre los tres arcos frontales. Sobre el arco central, de mayor altura, hay un “cartouche” con el nombre del Teatro y sobre los dos arcos laterales adornan dos camafeos con los anagramas de los fundadores, {CR y MI}. La parte superior de

El Teatro Liberty presentó zarzuelas, obras de teatro, cine silente, entre muchas otras actividades sociales y culturales, desde su apertura en 1921. Este hermoso teatro fue construido por iniciativa de sus primeros propietarios, Don Carlos Roure y Don Miguel Iribas. El diseño de la fachada fue una creación del extraordinario artesano camuyano Arsisclo Rosa Salas, quien impartió un toque único y original a este Teatro puertorriqueño. El Liberty posee una gran belleza arquitectónica que se la brindan sus maravilloLatin American Art

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la fachada frontal esta dominada por un relieve en el que destacan dos alas extendidas y cuatro copas que demarcan el diseño frontal. El Teatro Liberty es de dos niveles con planta rectangular construido en hormigón armado. Esta atractiva sala cuenta con balcones, palcos y lunetas. El Teatro tiene capacidad para trescientas personas aproximadamente. En su decoración interior surgen de las paredes, bellas pilastras únicas en Puerto Rico. Estas poseen unos extraordinarios basamentos que exhiben bellas liras al relieve, capiteles sencillos con volutas jónicas y diseños geométricos que corren a lo largo de las columnas.

Por el prestigioso escenario del Liberty han pasado iconos de la historia teatral puertorriqueña, como Mona Martí, Esther Sandoval, Jacobo Morales, Lucy Boscana, José Luis Torregrosa, Ramón Ortiz del Rivero {Diplo}, Ballet de San Juan, y varios grupos de zarzuelas locales y extranjeros. También han experimentado las tablas del Liberty, artistas como: Myrna Casas, Braulio Castillo, Gissel Blondet, Chavito Marrero, Mercedes Sicardo y Rafael José, entre otros. Todavía se recuerdan las actuaciones de Lidia Echevarría y Raquel Montero en la obra “Galán al desnudo”, la excelencia de Lucy Boscana en, “Marcelino pan y vino” y la espontaneidad de Luis Raúl en los clásicos infantiles “El patito feo” y “La cucarachita Martina”. Entre los muchos datos históricos del Teatro Liberty, cabe mencionar que fue en este Teatro donde el fenecido líder independentista, Juan Mari Bras {1926-2010}, emitió su voto como ciudadano Boricua en las elecciones del 1996. Identificándose con un pasaporte Boricua tras haber renunciado a su ciudadanía americana en el 1993. El Teatro Liberty ha sido sometido a varias restauraciones a través de su historia, siendo la más reciente entre el 2010 y 2012 por iniciativa del Hon. Heriberto Vélez Vélez, actual alcalde del Municipio de Quebradillas. Esta restauración del Teatro Liberty se trabajo por etapas e incluyó: la remoción y construcción del techo, restauración de las butacas y sillas en pajilla, restauración de soportes y balaustres de madera, tarima, nuevas luces y sonido, nuevas obras de arte adornan las paredes y la restauración de carteles y obras antiguas, instalación de un nuevo telón, restauración de ornamentos en cemento, diseño de nuevos portones y la pintura de interior y exterior entre otros cuidados.

La curaduría del arte estuvo a cargo del artista puertorriqueño, Reynaldo González Bravo. Quien también diseñó cuatro estandartes que fueron confeccionados y bordados por el diseñador quebradillano, Julio de Puerto Rico. RG Bravo, también creo tres nuevos óleos de gran formato alusivos al pueblo de Quebradillas, titulados “Arcángel del Guajataca”, “Protección’ y el mural “Las caras del Liberty” que da la bienvenida en el vestíbulo del Teatro. En la obra “Las caras del Liberty” se hace referencia a las caretas del teatro que representan la tragedia y la comedia. Con esta representación se hace alusión directa a la historia del teatro Liberty y al espíritu de renovación y lucha del pueblo quebradillano. La cara de la tragedia se plasmó en colores calientes (rojo, anaranjado y amarillo) y parece es-

tar votando humo, haciendo referencia al incendio que sufrió el teatro la noche del 5 de febrero de 1922. Incendio que consumió el teatro en su totalidad dejando en pie solo la fachada frontal. Dicho incendio tuvo lugar mientras se presentaba la obra “La Malquerida” de Jacinto Benavente. En contraparte, la cara de la comedia representa el espíritu alegre y luchador del pueblo quebradillano y la determinación que hizo se comenzara su restauración inmediatamente después del incendio. Un dato curioso de la obra es la representación de dos enormes manos. En la parte inferior se representa una mano en colores cálidos que simboliza el esfuerzo y el trabajo de nuestra gente. En la parte superior se representa una mano en colores muy suaves que simboliza la protección divina sobre nuestro pueblo al cual le reconocemos como “habitación de Dios”. Otro dato curioso en la obra lo es la representación de dos alas en ambos lados de las caras. Estas alas son tomadas del diseño original de la fachada del teatro. Las alas extendidas representan la libertad, el volar alto para alcanzar los sueños y el poder de la imaginación y la creatividad del teatro puertorriqueño. En hora buena, resurge el teatro Liberty como un “Ave Fénix”, levantándose de las cenizas y ofreciendo a nuestros artistas una nueva casa para manifestarse en libertad. .

Por: Waldemar Rodríguez Rojas Fotos: Rubén Morales

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INDICE DE MUSEOS Y PARQUES DE PUERTO RICO Barceloneta Centro Cultural y Museo Don Ocasio Figueroa Dirección física: Calle Georgetti #57, B   arceloneta, Puerto Rico Teléfono: (787) 846-4199, F   ax: (787) 846-4199 Horario: Lunes a viernes de 8:00 a.m. a 4:00 p.m.

Adjuntas Casa Pueblo Dirección física: Calle Rodulfo González #30 A   djuntas, Puerto Rico. Teléfono: (787) 829-4842  Fax: (787) 829-4842 Correo electrónico: casapueblo@coqui.net Sitio web: www.casapueblo.org/proyectos/casapueblo.html Horario: Lunes 8:00 am @ 1:00 pm Martes a domingo: 8:00 am @ 3:30 pm Reservaciones: Debe coordinar llamando al (787) 829-4842 y se le orientará al respecto.

Bayamón Parque de las Ciencias Luis A. Ferré Dirección física: Avenida Comerío Bayamón, Puerto Rico. Teléfono: (787) 740-6868, F   ax: (787) 787-2710 Horario: Miércoles a viernes de 9:00 a.m. a 4:00 p.m.  Sábados, domingos y días feriados de 10:00 a.m. a 6:00 p.m.

Aguada Museo Agrícola de Aguada El museo radica en la antigua estación del tren Dirección Física: Avenida Nativo Alers #7 Lunes a viernes de 8:00 am a 12:00 del medio día y de 1:00 a 4:00 pm.  Sábados y domingos se atiende por cita previa.

Cabo Rojo Museo de los Próceres de Cabo Rojo Dirección postal: Apartado 308, C   abo Rojo, PR 00623 Teléfono: (787) 255-1560 ó 255-1580  Fax: (787) 255-3939 (Alcaldía) Horario: Lunes a sábados de 8:00 a.m. a 4:30 p.m. Red de Museos Municipio Autónomo de Caguas

Añasco Parque El Sueño de los Niños Dirección física: Barrio Pozo Hondo , Añasco, Puerto Rico. Teléfono: (787) 826-6495 Fax: (787) 826-6088 Horario: Sábados y domingos de 9:00 p.m. a 4:30 p.m.  Lunes a viernes se atiende por cita previa

Casa del Compositor Héctor Flores Osuna: Direccion física: Calle Segundo Ruiz Belvis 46 Horarios: Martes a sábado de 9:00 a.m. a 12:00 p.m. y de 1:00 p.m. a 5:00 p.m. Tel: 787-258-3506.

Arecibo Museo de Arte e Historia René Marqués Dirección física: Ave. Santiago Iglesias #14 A   recibo, Puerto Rico. Teléfono: (787) 879-4403 Horario: Lunes a viernes de 7:00 a.m. a 3:00 p.m.

Casa del Trovador Luis Miranda “Pico de Oro” Direccion: Calle Alejandro Tapia y Rivera 10 Horarios: Martes a sábado de 9:00 a.m. a 12:00 pm y de 1:00 pm a 5:00 p.m. Telefono: 744-8833 extensión. 1843.

Arroyo Museo Antigua Aduana Dirección física: Calle Morse #35 Arroyo, Puerto Rico  (al lado de la casa Alcaldía)   Teléfono: (787) 839-8096 , Fax: (787) 839-8096 Sitio web: http://museo-antigua-aduana-arroyo-pr.blogspot. com/2010/06/efectos-de-la-guerra-hispanoamericana.html Horario: Lunes a viernes de 9:00 a.m. a 11:15 a.m. y de 1:00 p.m. a 4:15 p.m.  Sábados y domingos de 9:00 a.m. a 4:15 p.m. (se atiende con cita previa) Arte Latinoamericano

Museo de Caguas Dirección física: Casa Alcaldía, Calle Muñoz Rivera Número de teléfono: 744.8833 ext. 1847 Número de fax: 258. 5189 Horario de oficina: 8:00 am – 12:00 md y 1:00 pm – 4:00 pm Horario de atención al público: martes a sábado de 8:00 am – 12:00 md y 1:00 pm – 4:00 pm [ 82 ]

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Museo de Arte de Caguas Dirección física: calle Padial, esquina Ruiz Belvis Teléfono: 744.8833 ext. 136; 1838

Teléfono: (787) 739-4372, F   ax: (787) 739-4372 Sitio web: http://www.muciam.com/ Horario: Lunes a viernes de 7:30 a.m. a 4:30 p.m.

Casa Rosada: Abelardo Diaz Alfaro Dirección física: Intendente Ramírez #12, Caguas, Puerto Rico 00725 Número de teléfono: 787.744.2960 Número de fax: 787.258.5189

Coamo Museo y Arhivo Histórico Ramón Rivera Bermúdez Dirección física: Calle José I. Quintón #29 Coamo, Puerto Rico Teléfonos: (787) 825-1150 ó (787) 803-6716  Fax: (787) 825-4423 Horario: 8:00 a.m. a 4:30 p.m Reservación: Debe coordinar llamando al (787) 803-6716 Dorado Museo Carlos J. Alegría Dirección física: Calle Norte # 192, nexo a la Iglesia Católica Dorado, Puerto Rico Teléfono (787) 796-1433 Horario: Oficina lunes a viernes de 8:00a.m. – 4:30 p.m.

Centro Musical Criollo José Ignacio Quintón Direccion: Calle Segundo Ruiz Belvis, esquina Intendente Alejandro Ramírez. Horarios: Martes a sábado de 9:00 a.m. a 12:00 pm y de 1:00 pm a 5:00 p.m. Telefono: (787) 744-4075.

Fajardo Reserva y Faro de las Cabezas de San Juan Dirección física: Carr, 987, Km.5.9 Las Croabas Fajardo, Puerto Rico, 00738 Teléfono (787) 860.2260, F   ax (787) 860-1451 Miércoles a domingo, visita guiada de dos horas comenzando a las 9:30 ma.m. 10:00 a.m. 10:30 a.m. y 12:00 m.d. Guánica Bosque Seco de Guánica: Centro de Visitantes Dirección física: Carr. # 334, Bo. La Luna, G   uánica, Puerto Rico Teléfono (787) 821-5706 , Fax (787) 821-5707

Museo del Tabaco Herminio Torres Grillo Direccion: Calle Ramón Emeterio Betances 87. Horarios: Martes a sábado de 9:00 a.m. a 12:00 pm y de 1:00 p.m. a 5:00 p.m. Telefono: (787) 744-2960.

Gurabo Centro de Exposiciones del Municipio de Gurabo Dirección física: Calle Santiago, frente a la Iglesia Católica Gurabo, Puerto Rico, 00778 Teléfono: (787) 737-8416 Fax: (787) 737-8416 H   orario: lunes a a viernes 8:00 a.m – 4:00 p.m.

Museo de Artes Populares: Direccion: Calle Betances esquina Padial. Horarios: Martes a sábado de 9:00 a.m. a 12:00 pm y de 1:00 pm a 5:00 p.m. Telefono: 787-258-3505.

Museo y Centro de Estudios Humanísticos Dra. Josefina Camacho de la Nuez Universidad del Turabo. Teléfono: (787) 743-7979 ext. 4135  Fax: (787) 743–7979 ext. 4149 Sitio web: www.suamg/universidadelturabo Horario: Lunes a viernes 9:00 a.m. – 11:30 a.m. – 2:00 p.m.-4:00 p.m

Carolina Casa Escuté Teléfono: (787) 757-2626 Ext. 3901, 3902, 3903, 3904, 3905  Correo electrónico: casaescute@yahoo Horario: Lunes a viernes de 8:00 a.m. a 4:30 p.m.,  Sábados y Domingos por cita previa Cayey Museo Dr. Pío López Martínez, Universidad de Puerto Rico, Recinto de Cayey Dirección física: Universidad de Puerto Rico  Recinto Universitario de Cayey, A   ve. Antonio R. Barceló #205 C   ayey, Puerto Rico, 00736. Teléfono: (787) 738-2161 ext. 2191 ó 2209  Fax: (787) 738-0650  Correo electrónico: museo@cayey.upr.edu Sitio web: www.cayey.upr.edu Horario: Lunes a viernes de 8:00 a.m. a 4:30 p.m.  Sábados, domingos y días feriados de 11:00 a.m. a 5:00 p.m.

Humacao Museo Casa Roig Dirección física: Calle Antonio López # 66 Humacao, Puerto Rico Teléfono (787) 852-8380 / 5425 Fax (787) 852-9144 Jayuya Museo El Cemí Dirección física: Bo. Coabey, Carr. 144 Km. 9.3 Jayuya, Puerto Rico. Teléfono (787) 828-1241 , Fax (787) 828-1033  Correo electrónico: carmenayala55@yahoo.com Horario: Oficinas: lunes a viernes 8:00a.m. – 4:30 p.m. Atención al público: lunes a viernes 8:00a.m. – 4:00 p.m. sábado – domingo y días ferrados 10:00a.m. - 3:00 p.m.

Cidra Centro Cultural Cidreño Dirección física: Antigua Casa Alcaldía, C   idra, Puerto Rico. Arte Latinoamericano

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In “Arlequín de Carnaval” (Carnaval Harlequin) the artist excels in achieving such a good sense of perspective, intertwined with the main figure and it’s characteristic rhythm, where space and its surroundings hold as much importance and energy as the human figure itself, and in “Bodegon” (Pub) the creator has the opportunity to present in an innovative way the movements of the adagio, andante and allegro. Magnificent work!

“Entre Luz y Sombra” (Between Light and Shadow) was the name of the collection of acrylic and oil paintings, along with pastel and charcoal drawings which was exhibited La Casona del Colegio de Arquitectos in Del Parque Street in Santurce, the neighborhood where the artist was born, grew up and stayed until his adolescence.

More than one style meets here and as he is so careful with his work he knows how to combine them with a very personal rhythm; always attractive and passionate. As I said before, there is nothing here that happens by accident and his rapid and spontaneous characteristics accentuate his strong and sincere expressiveness. There are fluid backdrops as well as the contours and adherences that lend his character to the painting, spontaneous and brave, original and felt with so much yearning. Our artist flees from the strictly decorative because that is not his intention. The dramatic brushwork which deposits on the canvas a theory and at the same time an original formula does not want to “adorn” the scene; it’s like the written word that we may read and understand. It is the message from the painter for those who behold the painting. This is why he cannot nor does he want to be decorative because in the contradiction of the composition lies the art of forcing the viewer to think when they pause before a symbol, emblem or mysterious secret for some such detail that appears surprisingly in any part of the paintings.

MILTON GONZALEZ BETWEEN LIGHT AND SHADOW

The grandeur of this exhibit of Milton González’s paintings was enhanced because his works were able to be shown in their full proportion, in the artist’s plastic language, which can be defined as a wise conjunction of expressionism, surrealism and futurism. This exhibition also showed us the author’s versatility, under the mantle of this beautiful house he provided us with a comfortable sampling of color and shape, by means of vibrant painting which move and animate us with an agreeable rhythm that is repeated in the majority of his paintings, offering us the vitality and emotion from one who wishes to share his active, sincere, convincing and beautiful message.

In some of his paintings Milton makes an aside, he lingers on a small detail, drawing or symbol which makes us smile because of its originality and wit, and it reminds us that the great Michelangelo, hanging from the lofty scaffolding in the Sistine Chapel would paint a simple fly. Something brilliant, undoubtedly! Milton has surprised us with small drawings to which you can attach the significance you wish, it’s good to have the viewer contribute something.

The artist states: “Painting, as is the case with music, should transmute the aesthetic threshold in the same manner in which poetry is nurtured by the part of one’s being that precedes reflective intelligence”.

The quality of Milton’s work is obvious to plain sight and this has been confirmed by the critics that are beginning to become familiar with his work, given the vivacity of his brush which is always searching for a happening. There is a direct and overflowing conceptualization, clearly defined between painter-spectator. This activity is so refreshing that it is impossible to walk past his paintings and not feel enveloped in such a welcome dialogue. This same sensation is brought on by “Catarsis” (Catharsis) the largest painting in this collection, worthy of the most demanding museum and in addition to its size; it delights us with its dynamism, mystery and profundity. Each section has a life of its own and the principal figure is symbolic of the legitimate concerns that are shared by everyone that inhabits the earth.

In order to admire the paintings which I will describe it is necessary that the viewer try to discover the concerns and the intention of the painter, the symbolic possibilities of these shapes, their features, the originality of the brushstrokes, the textures, the quality and the beauty.To what extent does the artist permit our interpretation? Or better, said that immediate comprehension of the work can only be discussed on a piece by piece basis. For example, “En Fuga” (On the Run) shows us with its agile movement…that everyone is fleeing; humanity is seeking, as it has always been, a horizon! This piece touches us because of the harmonious fusion of elements, its approach to color, space and transparency. Latin American Art

“Mujer Sentada” (Seated Woman), the smallest painting of the exhibition, is another of Milton’s accomplishments. With a very fine neo-picassiano spirit, I consider it brilliant, for the powerful synthesis that the artist displays with his talent. I exhort and encourage the public to get to know these works because each one of them has, wanted or not, its particular moral and denotes the sensibility of the painter. “Nothing human is foreign” could be their motto. I congratulate Milton for this artistic feast and I encourage him to paint much more, because this is his cultural legacy to his people and to humanity. By: Antonio J. Molina Art Critic, AICA [ 84 ]

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Entre Luz Y Sombra, fue el nombre de la exposición de pinturas y dibujos que tuvo lugar teniendo como marco la casona del Colegio de Arquitectos de la calle del Parque en Santurce sector de San Juan Puerto Rico donde nació, creció y se mantuvo hasta su adolescencia el artista. Milton nos demostró su versatilidad a través de una pintura vibrante que nos conmueve y anima con ese agradable ritmo que se repite en la mayoría de sus cuadros, brindándonos la vitalidad y emoción del que quiere compartir su mensaje activo, sincero, convincente y hermoso. Nos dice el artista: “La pintura, al igual que la música, debe transmutar el umbral de lo estético del mismo modo en que la poesía se nutre de una parte del ser que precede a la inteligencia discursiva”. Para admirar los cuadros que voy a describir es necesario que el que los contempla trate de descubrir la intención e inquietudes del pintor, las posibilidades simbólicas de esas figuras, sus rasgos, el golpe del pincel con sus originalidades, sus texturas, su calidad y su belleza. Por ejemplo, “En Fuga” nos demuestra con sus ágiles movimientos… que todos huyen, la humanidad que busca, ¡como siempre ha sido, un horizonte! En “Bodegón” el pintor se luce al lograr tan buen sentido de la perspectiva brindándole a su creador la oportunidad de presentar en forma novedosa los movimientos del adagio, andante y alegro. ¡Magnífica obra!

bre la tela una teoría y a la vez una fórmula original y respetable no quiere “adornar” la escena; es como una escritura para que sepamos leerla y entenderla. Es el mensaje del pintor para el que observa el cuadro. Por eso no puede ni quiere ser decorativo porque inclusive en lo contradictorio de la composición está el arte de hacer pensar al que se detiene ante un símbolo, emblema o secreto misterioso de tal o cual detalle que aparece sorpresivamente en cualquier parte de la pintura.

MILTON GONZALEZ

Y LA CELEBRACIÓN DE LOS ELEMENTOS

La calidad de la obra de Milton se nota a simple vista y así lo afirman los críticos que van conociendo su trabajo, dada la vivacidad de su pincel buscando siempre un acontecer. Hay un planteamiento directo y desbordante, claramente definido entre pintor-espectador. Es tan refrescante esa actividad que es imposible tratar de pasar por delante de sus cuadros y no sentirse uno envuelto en tan deseado diálogo. Esta misma sensación nos la provoca “Catarsis”, el cuadro más grande de esta colección, digno del más exigente museo y en adición a su tamaño, nos deleita con su dinamismo, misterio y profundidad. Cada sección tiene vida propia y la figura principal es el símbolo de las legítimas inquietudes que tienen todos los habitantes de la tierra.

Vemos en la obra del artista nada parecido a la improvisación; son todas sus obras conscientes y llevadas a cabo siguiendo un patrón de vanguardia donde el dibujo se aprecia como tal y no queda nada dejado al azar, pues tiene el interés de conservar una genuina técnica para brindar buen deseo. Así, satisfecho el pintor firma su obra sabiendo lo que sabe, con respeto a sí mismo y a los demás. Más de un estilo se dan cita y como es tan cuidadoso de su obra los sabe combinar con un ritmo muy personal, siempre atrayente y apasionado. Como dije antes, no hay nada casual y sus rasgos rápidos y espontáneos subrayan y animan su fuerte y sincera expresividad. Hay fluidos fondos como también a veces son los contornos y las adherencias que prestan su carácter al cuadro, espontáneo y valiente, original y sentido con tanta ilusión.

“Mujer Sentada”, el cuadro más pequeño de la exposición, es otro de los logros de Milton. Con un espíritu muy fino neo-picassiano, lo considero genial, por el poder de síntesis que el artista mostró con su talento. Exhorto y animo al público a conocer estas obras porque cada una de ellas tiene, queriéndolo o no, su particular moraleja y denota la sensibilidad de quien las pinta. “Nada humano es ajeno” podría ser su lema. Felicito a Milton por este banquete artístico y le animo a pintar mucho más, pues ese es su legado cultural a su pueblo y a la humanidad.

Huye nuestro artista del “decorativismo” porque esa no es su intensión. El dramatismo de la pincelada que deja so-

Latin American Art

En alguno de sus cuadros Milton deja un aparte, se regodea de un pequeño detalle, dibujo o símbolo que nos hace sonreír por lo original y ocurrente, y que nos recuerda que el gran Miguel Ángel, subido en altos andamios de la Capilla Sixtina pintaba sencillamente una mosca. ¡Algo genial sin duda!

Por: Antonio J. Molina, Crítico de Arte, AICA

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Noticias del

Arte

MILTON GONZÁLEZ: ENTRE LUZ Y SOMBRA

La noche del pasado 22 de septiembre fue la apertura de la exposición Entre Luz y Sombra, colección de pinturas en óleo y acrílico, así como dibujos a pastel y carboncillo del artista Milton González que tuvo lugar teniendo como marco la casona del Colegio de Arquitectos de la Calle del Parque en Santurce. Varios artistas se dieron cita durante esa noche en las acogedoras facilidades que contó con la presencia de 80 personas. La actividad se engrandeció al lucir en justa proporción la obra de Milton, que puede definirse como una sabia conjunción del expresionismo, surrealismo y futurismo, a través de una pintura vibrante que nos conmueve y anima con un ritmo muy personal que nos brinda la vitalidad del que quiere compartir su mensaje activo, sincero, convincente y hermoso.

En la foto de izquierda a derecha, los pintores: José Galarza, Orlando Castro y Milton González.

De izquierda a derecha, el arquitecto y expositor Milton González, al centro el crítico de arte Antonio Molina y a la extrem a derecha el Sr. Arturo Báez.

Arte Latinoamericano

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Noticias del

Arte

EXHIBICIONES EN VIOTA GALLERY

Para más información, visita www.viotagallery.com

tra inoctubre la mues inauguró el 6 de gran ta ió Vio ist ía as al ler cu Ga La a a la os ista Omar Medin plásticas y asidu dividual del art es art las en s eresado l artista. de s cantidad de int igo am y ía ler clientes de la ga

También el reconocido pintor Anton io Fonseca expuso en Viota Gallery desde el 8 de diciembre, la muestra titulada: “Júbilo”, la cual se realizó en beneficio de los pacientes del Hosp ital del Niño. Felicitamos a Fonseca por su aport e social.

“ENCUENTROS” EN PAMIL FINE ART Mildred y Paco Gonzalez, propietarios de la galería Pamil, no escatiman esfuerzos a la hora de seleccionar artistas que presentaran en su espacio. Esto lo atestigua la excelente exposición colectiva titulada “ Encuentros”, inaugurada el 6 de octubre y en la que participaron creadores como Jaime Altieri, Cristina Córdoba, Susana Herrero, José Morales, Cecilio Colón Guzmán entre otros no menos importantes. Para más información de la muestra, visita www.pamil. com

Latin American Art

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Argenis Lebron Tel. 809.359.3493 argenis_lebron@hotmail.com

“Yo” grafito/papel. 50”x 40”

“El más guapo de TO” grafito/tela. 35”x 73”

Domingo GarcĂa Sculpture Objects & Functional Art Fairs SOFA NEW YORK April 20-23, 2012 Park Avenue Armory Opening Night Thursday, April 19

SOFA WEST: SANTA FE August 2-5, 2012 Santa Fe Convention Center Opening Night Wednesday, August 1

SOFA CHICAGO November 2-4, 2012 Navy Pier

Produced by The Art Fair Company, Inc.

Caribbean Fine Arts

Tel. 787-923-2783 email: caribbeanfinearts@gmail.com

Dan Dailey, Schantz Galleries

Opening Night Thursday, November 1

LATIN AMERICAN ART

FIAT DE SAN JUAN 787-620-FIAT

F at es una marca reg strada de F at Group Market ng & Corporate Commun cat on S.p.A. Ut zada bajo cenc a por Chrys er Group LLC.

ENERO A JUNIO DE 2012

n u n a c s u b e u q s Para lo . s a r b o e d o t le p estudio re

NÚMERO 1 ENERO A JUNIO DE 2012

NÚMERO 1

FIAT 500 2012

Latin American Art

PABLO RUBIO

MIS PREOCUPACIONES PLASTICAS Y MIS RECUERDOS