Nosolofreak Diciembre 2012

Nº 15 - Diciembre 2012

Os recomendamos qué ver esta navidad (sólo o en familia)

Especial Cosplay Salón del Manga de Barcelona

Dossier

CREPÚSCULO

Nos perdemos en la TIERRA MEDIA

DIRECCIÓN Daniel Ferrer

SUBDIRECCIÓN Toni Camacho

MAQUETACIÓN, EDICIÓN & REDACCIÓN Toni Camacho Daniel Ferrer Maria Gracia Galán Molina

ENCARGADO DE RELATOS Miguel Rodríguez Robles

REDACCIÓN

Aída Albiar Antonio Alcaide Andrey Marino Alfonso Beatriz Pulido(Miki Weasley Croft) David Blázquez Pérez Esther Esteban Emilio Sanchís Ismael Torres Javier Sánchez Roquero Jesús Javier Cagigós Juan Dougnac Judith Hidalgo Pis Kyros Ylmaster Luis Jesús Zapico Quiñones Maica Herena (Neko Mai) Miguel de Andrés Bayon Miriam Grado María Gracia Galán Rufino Ayuso Salvador Vargas Tony Camacho

LA TETA ENROSCADA

Luis Borja Fuentes Galán Marta Fuentes Galán Marina Rodriguez Contacto: marketing@nosolofreak.com http://www.facebook.com/Nosolofreak http://twitter.com/#!/Nosolofreak http://www.fusion-freak.com/ Nosolofreak es un producto de Fusion-Freak

FRIKITORIAL Pues nada, ya llega otra vez la Navidad, pero este año no viene sola no, viene con rumores, incertidumbre y posibles cataclismos mayas que hagan que no lleguemos a catar el turrón el día 24.

Porque ya es mala suerte que la movida de los mayas sea el 21, tú imagínate que este año, era tu año, y que el décimo que tienes guardado en la mesilla de noche tiene el número del gordo de la lotería. ¡Pues te jorobas, porque los mayas dicen que el 21 nos vamos todos a la porra!

Por si acaso y mientras tanto, hemos decidido que sería buena idea preparar este número de la revista, para que así, la espera para el fin del mundo nos sea a todos más leve y divertida. Y para que si el 21 no pasa nada y llegamos a ver el sorteo de la lotería, podáis seguir frikeando y leyendo los artículos más desternillantes del panorama periodístico friki.

Además, y si te quedas con ganas después de nuestro mega especial de El Hobbit, te vamos a dar una primicia. Para el número de enero estamos preparando un especial del Expocómic e infarto, tendremos entrevistas con Simon Bisley, Max, José Fonollosa y con Enrique Corominas.

Todo esto, claro está, si los mayas nos dejan comernos las uvas este año.

Maria Gracia Galán, redactora de Nosolofrea/ Encargada marketing fusion freak

INDICE: De lo que fue y de lo que sera 6 El hobbit un viaje inesperado 10 Tolkien, Cuentos de la tierra media 14 Inspiracion 26 Carta al director: Peter Jackson 32 9 Preguntas sobre el señor de los anillos 34 Los señores del mal 44 Monstruos del cine: Los Nazgul 48 Cine de Espada y Brujería 50 Cine de aventuras 58 Una navidad de cine 74 Navidades Sangrientas 86 Entrevista con Andrés Lomeña 90 Festival de cine italiano de madrid 97 Edge Days 102 Espada y Brujería en el cómic 106 Skydoll 112 V de vendetta 120 Reseña: La hora del mar 124 Ilusionaria 128 Reseña: Siete Cruces 130 NosoloCosplay 133 La teta enroscada 162 Niebla y flechas 173 Regalos para una Navidad Friki 178 Erase una vez 186 Hatfields & McCoys 188 Crepusculo 192 Historias en la tierra media 234 Shokudo 340 Pesadilla antes de navidad 242 Orphen 246 Berserk 250 La leyenda de Lemnear 256 Zona musical 259 Las redes sociales y las elecciones en Estados Unidos. 270 Activacion Extraterrestre no programada 272 La receta de Nekomai 276 La Navidad, la muerte de dios y la llegada del nuevo mundo 278.

De lo que fue y de lo

Sus pasos, generalmente lentos, se tornaban rápidos y precipitados, sin razón aparente. Deambulaba por la Tierra Media, deteniéndose aquí y allá, en base a lo que le sugería una hoja arrastrada por el viento, el chapotear de un pez o el color de un campo. Los días se juntaban con las noches, sucediéndose los unos a los otros, tal y como marca el Tiempo; cuyo discurrir se asemejaba al de la criatura, fluctuante e indeterminado, dependiendo del ojo que lo contemplara. Buscó cobijó en graneros, bajo grandes árboles, en los claros de los bosques y a las orillas de los ríos; pero siempre tenía que huir, pues, según creía, los hombres y las bestias le acechaban constantemente.

Finalmente, llegó ante una inmensa cadena montañosa, donde aprendió que existían muchas sendas que subían, para después bajar; aunque la mayoría eran engañosas y decepcionantes, o no llevaban a ningún lado, o acababan mal. También descubrió que los muchos desfiladeros por los que había de cruzar, estaban habitados por criaturas malvadas o salpicados de horrores y peligros.

Sin saber a dónde ir, decidió internarse en el corazón de aquellas fortalezas de roca; haciendo de las Montañas Nubladas su hogar.

Al principio, Sméagol temía internarse en la oscuridad de los infinitos pasadizos que conformaban el entramado de túneles. Se sobresaltaba con cada sonido, con cada sombra, o incluso con cada ráfaga de viento. Y allí, en su soledad, Sméagol odiaba. Odiaba a todos los hobbits de los Campos Gladios; especialmente a Déagol.

Maldito fuera, pensaba la criatura cada noche, antes de conciliar el sueño. Maldito él, y su intento de robarme, repetía sin cesar, mientras acariciaba el único objeto que poseía y que era capaz de hacer que su espíritu temblara con un arco iris de emociones. Aquél objeto, liso y elaborado en oro, cuyo brillo era intenso, incluso sin luz, y cuyo tacto era cálido, como una mano amiga; aquella sortija, que desde que la poseyera por primera vez se había convertido en su tesoro, en su regalo de cumpleaños y, según creía, en la razón de su existencia.

Sin embargo, y pese a que Sméagol se negara a reconocerlo, en algunas ocasiones el roce del anillo sobre su piel se tornaba frío como el hielo, hiriéndole en lo más profundo de su corazón y atravesando su alma.

En esos instantes, el hobbit se sentía caer por un negro pozo, girando velozmente sobre sí mismo; hasta que despertaba, cubierto en sudor y temblando de pies a cabeza.

- Mi tesoro… él me quiere. Nunca me hará daño – se decía a sí mismo la criatura -. No es su caricia lo que me hace caer en esas nieblas de pesadilla, sino este frío lugar

– y cada mañana, fantaseaba con la idea de marcharse, de abandonar aquellas cuevas y sentir el calor en el rostro.

Pero nunca lo hacía. ¿Dónde crees que deberíamos ir?, inquirió en una ocasión, dirigiéndose al anillo.

Hacía mucho que había desechado la idea de obtener una respuesta a sus preguntas; de manera que, cuando la recibió, sintió un terror tan desgarrador y abrumador, que tan solo podía ser comparable con la idea de perder su tesoro.

- Corazón… Montaña… - susurró una voz, débil y apagada; pero perfectamente audible en la soledad del túnel.

- ¿Quién anda ahí? – quiso saber Smeagol, aterrado.

Por toda respuesta, el eco de sus palabras.

- Corazón… Montaña… - volvió a decir la voz, esta vez un poco más alto.

Asustado, Sméagol hizo lo único que podía hacer; un gesto sencillo, pero que le había salvado la vida en más de una ocasión. Lentamente, introdujo el anillo en su dedo índice, coronado por una uña negra y rota.

El murmullo del agua resonaba en sus oídos y algo frío y húmedo golpeaba, cada pocos segundos, su cabeza.

Sméagol despertó, sólo para darse cuenta de que se hallaba en un lugar diferente del túnel en el que había estado viviendo las últimas semanas. Ya no podía ver la tenue luz del exterior. De hecho, no podía ver nada.

Por mucho que intentara recordar, no lograba averiguar cómo había llegado hasta allí. Sus pensamientos, brumosos y entrelazados, huían ante su presencia; y lo único que sabía era que se encontraba a salvo. Aún y todo, el miedo recorría sus venas como agua helada, y su cuerpo, entumecido a causa del frío y la humedad, no respondía a sus órdenes.

- Tengo miedo, mi tesoro… - logró articular, entre balbuceos, mientras apretaba con fuerza el anillo.

Afortunadamente, esta vez, nadie respondió.

Los días fueron pasando, y Sméagol comenzó a acostumbrarse a aquella oscuridad. Descubrió, no sin esfuerzo, que la gruta en la que se encontraba estaba dominada, en casi toda su extensión, por un enorme lago de aguas negras e hirientes. También advirtió que su visión se acostumbraba a la noche perpetua que allí reinaba, y pudo apreciar que la laguna estaba conectada con la montaña mediante distintos pasadizos, algunos de los cuales transportaban ríos de agua y desechos, principalmente hojas y troncos.

La laguna, inmensa como un océano, estaba poblada por un gran banco de peces, todos ellos de colores apagados y tristes. Al principio, Sméagol intentó pescar alguno, pero se escurrían entre sus manos y dedos, y parecían burlarse

o que serรก

de él. Ahora, también los odiaba a ellos.

Fruto del hambre y la soledad, el hobbit comenzó a tener horribles pesadillas. En ellas, abandonaba las Montañas Nubladas para volver a los Campos Gladios, donde los miembros de su familia le recibían con los brazos abiertos. Tras un gran banquete, Sméagol pasaba los días disfrutando del sol y del suave tacto de la hierba… hasta que unas densas nubes cubrían el cielo, llenándolo de rayos y truenos. Temeroso, corría a casa, donde descubría que sus padres habían adoptado el rostro pálido y desfigurado de Déagol, quien alzaba un dedo acusador contra él.

Al despertar, el hobbit hallaba su rostro empapado en lágrimas, mientras su cuerpo temblaba, sacudido por incontrolables espasmos. Horas después, la culpabilidad prendía en su interior, haciendo arder el rencor y la rabia.

Cada noche, las pesadillas se volvían más intensas; y aunque Sméagol no podía verse, estaba perdiendo peso con rapidez, y el cabello se le caía en grandes cantidades, formando bolas que rodaban por la cueva, hasta caer al lago. Poco a poco, el hobbit se iba pareciendo más a un cadáver.

Tan sumido estaba en su dolor, que no se percató de la llegada de varios seres menudos, notablemente delgados y carentes de pelo, cuya piel, oscura y sucia, tenía la apariencia del pergamino viejo. Sus rostros, huesudos y alargados, eran grotescas conjunciones de ojos, dientes, nariz, y unas puntiagudas y grandes orejas.

Las criaturas hablaban entre ellas con una voz aguda y chillona, en una lengua ajena a cuantas el hobbit había escuchado en su vida. Aunque no podían ser más de tres o cuatro, el alboroto que estaban armando les hacía parecer un ejército entero.

Gracias a este hecho, Sméagol pudo ocultarse a tiempo tras un saliente de rocas afiladas, desde donde se dedicó a vigilar los movimientos de los trasgos.

Uno de ellos, el más alto, cogió un tronco de poco más de un metro, y lo colocó sobre la superficie oscura de la laguna. Una vez allí, introdujo su cuerpo en el agua y se sentó sobre el madero, con los arrugados pies colgando.

Tras realizar varios movimientos, y sin agitar el agua, se internó unos cuantos metros en la negrura de la caverna.

Allí, para sorpresa de Sméagol, comenzó a pescar.

Su destreza y su mañana eran tales, que en poco rato hubo capturado media docena de animales acuáticos.

Mientras, sus compañeros gritaban: - ¡Akk gollum akk. Ilke gollum akk!

Cuando el más alto volvió a lo orilla, los trasgos se abalanzaron sobre el botín, arrancando y desgarrando con sus afilados dientes la carne de los peces, que boqueaban y se agitaban, en un fútil intento por escapar.

Aquella húmeda y sangrante escena hizo que las tripas de Sméagol se revolvieran, obligándole a doblarse sobre el estómago, hasta vomitar un delgado hilo de bilis. El sonido resultante alertó a las criaturas, que se volvieron hacia él, al tiempo que comenzaban a lanzarle tripas de pescado y perseguirle por la enmarañada red de túneles.

Al llegar a una galería sin salida, Sméagol se vio

acorralado; momento en que recordó la existencia del anillo, hasta entonces olvidado a causa del miedo.

Nada más ponérselo, desapareció; dejando a los trasgos sorprendidos, a la vez que irritados.

Después de aquello, tardó varias horas en regresar a la gruta del lago, y para cuando lo hizo, descubrió, aliviado, que no había rastro de sus perseguidores. Lo único que encontró fueron algunos restos de pescado. El hambre rugía en su interior.

- Come – dijo una afilada voz.

Otra vez no, pensó Sméagol.

- Come, come, come – repitió, insistentemente, la voz.

Estaba hambriento. Demasiado. Así que se agachó, y recogió una cabeza de ojos saltones. Las lágrimas corrían desconsoladas por sus mejillas cuando se llevó un trozo a la boca. Sintió arcadas, y un fuerte deseo de gritar, chillar y golpearse contra las rocas. Sin embargo, sentía tanta hambre que siguió comiendo.

- Así, así. Lo estamos haciendo bien.

Con el paso del tiempo, Sméagol fue aprendiendo a pescar. Empleó ramas y troncos para construir un bote, y así fue como descubrió la pequeña isla que se ocultaba en el centro de la cueva. A pesar de estar formada por barro y suciedad, la consideró su hogar, y en ella ocultó todas sus escasas pertenencias. Excepto del anillo, que siempre llevaba encima.

Sin embargo, el hobbit se sentía desgraciado, y el peso de los remordimientos y la culpa pesaban sobre él.

Para combatir la soledad, Sméagol comenzó a hablar consigo mismo. Al principio, sus conversaciones se limitaban a unas pocas palabras, generalmente sobre el estado de los peces o las visitas de aquellos malditos trasgos, que se internaban en su cueva para quitarle la comida. Poco a poco, las charlas se fueron haciendo más y más extensas, hasta el punto de que podían pasar horas sin que cerrara la boca.

Por primera vez en mucho tiempo, Sméagol comenzó a experimentar un sentimiento similar a la felicidad, tan solo nublado por las constantes pesadillas y por la presencia de los trasgos; cuyos métodos de pesca, que una vez le parecieron tan efectivos, ahora se le antojaban burdos y vulgares, ya que asustaban a los peces, haciendo que éstos se ocultaran durante días. Como resultado, y después de cada visita, el hobbit se veía obligado a vivir a base de pequeñas arañas y gusanos.

Un día, después de que los bárbaros trasgos espantaran a todos las criaturas acuáticas, Sméagol se hallaba en su isla, tumbado e intentando olvidar el acuciante hambre que le asaltaba, cuando una figura pequeña y huesuda apareció en la cueva. Durante los muchos meses que llevaba allí, el hobbit había visto muchos tipos de trasgos, como para identificar a los adultos de los jóvenes. Aquél, sin duda, era de los segundos.

- ¡Akk gollum akk. Ilke gollum akk! – repetía el pequeño trasgo, una y otra vez, subido a un tronco y deslizándose por el agua, en busca de algo que llevarse a la boca.

- ¡Akk gollum akk. Ilke gollum akk! – aquél cántico infernal martilleaba la cabeza de Sméagol con fuerza, haciéndole enloquecer.

- ¡Akk gollum akk. Ilke gollum akk!

- ¡Basta! – grito una voz fría y aguda que, esta vez, el hobbit reconoció como suya -. Basta te digo – y lanzándose al agua, se abalanzó sobre el trasgo.

El oscuro líquido se agitaba, mientras diferentes chillidos y gritos rebotaban contra las paredes de la cueva. Cuando Sméagol volvió a su isla, arrastraba con él a la pequeña criatura, que se retorcía débilmente.

- ¡Akk gollum akk. Ilke gollum akk! – gritó el hobbit, mientras cogía una piedra y la estrellaba contra la diminuta cabeza de aquél ser -. ¡Akk gollum akk! – un nuevo golpe -. ¡Akk gollum! – otro más -. ¡Gollum! ¡Gollum! ¡Gollum!

Cuando dejó de gritar, la cabeza del trasgo se había reducido a una pulpa espesa y sanguinolienta. ¡Gollum! – exclamó, triunfante, la criatura, antes de comenzar a comer.

Por Miguel Rodríguez Robles

Dentro de las películas de culto es imposible no mencionar al señor de los Anillos, la eterna batalla entre el bien y el mal encarnada en una épica confrontación que se convirtió en la mitología que Inglaterra no había tenido hasta ese momento.

Un proyecto ambicioso que completo alrededor de cinco años (un año en grabaciones y cuatro en post producción) que como cualquiera de estos productos audiovisuales basados en libros tiene a detractores y defensores en batallas casi tan épicas como las del libro mismo. Y parafraseando a los tráiler “De los mismos creadores del señor de los anillos” llega ahora la historia que protagonizará otro regordetete hobbit y su transición de cómodo hombre de casa a un intrépido ladrón de tesoros.

El Hobbit un Viaje inesperado es la nueva apuesta de Jackson por el mágico mundo de Tolkien después de años de muchas insinuaciones y especulaciones, entrada y salida de actores, directores entre otros miembros del staff y subidas y declives en las expectativas de todos los seguidores de la literatura de Tolkien, quien le apuesta una vez más a contar la historia en tres películas distintas para poder recrear mejor todos los detalles y contingencias que se suceden a través del libro.

Y una vez más Peter Jackson trae innovaciones al mundo del séptimo arte pues en esta ocasión le apuesta a filmar a 48 cuadros por segundo lo que se convierte en una apuesta novedosa y arriesgada pues este es un formato hasta ahora nunca

trabajado; actualmente las películas se filman en a 24 cuadros por segundo (es decir en un segundo vemos 24 fotografías emulando el movimiento) y el hecho de duplicar este número la calidad de la imagen se verá generosamente beneficiada.

El casting de la saga del señor de los anillos se repite una vez más en el hobbit en numerosos personajes: Ian McKellen como Gandalf, Andy Serkis como Gollum, Elijah Wood como Frodo Bolsón, Cate Blanchett como Galadriel, Christopher Lee como Saruman. Hugo Weaving como Elrondy y Orlando Bloom como Legolas volverán a acompañar a los fanáticos de la Tierra Media aparte de los tozudos pero valientes enanos y el buen Bilbo Bolsón, interpretado por Martin Freeman e Ian Holm de acuerdo a la edad.

Pero la realización de la película ha estado llena de obstáculos y sin sabores comenzando por la renuncia de Guillermo del Toro después de tantos alargues que ha tenido el inicio de las grabaciones, pasando por la desilusión de Sir McKellen de grabar las escenas en que interactúa con los enanos frente una pantalla verde, las denuncias de grupos defensores de animales por la muerte de algunos animales presuntamente por desidia de los productores del filme y los problemas financieros de MGM, una de las casas productoras y demandas por parte de los herederos de Tolkien debido a los dividendos que generó la trilogía del Señor de los Anillos.

El tratamiento de este libro es otro de los aspectos que tiene en vilo a los espectadores y fanáticos de la serie pues el libro difiere bastante de el Señor de los Anillos en cuanto a ritmo, narración y descripción de los paisajes y personajes. Pues mientras el señor de los Anillos es toda una epopeya seria, contemplativa y muy adulta El Hobbit tiene en su mayor parte un aire más despreocupado, divertido, y fresco, sin que estas características le resten en calidad o rigor.

Pero finalmente y luego de tantos obstáculos la cuenta atrás cada vez nos acerca más al estreno de la primera de las tres películas El Hobbit: un viaje inesperado que estará en cartelera para diciembre de este años y será el abrebocas para las otras dos cintas El hobbit: la desolación de Smaug (2013) y El hobbit: partida y regreso (2014). Este filme junto a Avatar 2 encabeza las listas de las más esperadas por los fanáticos.

A partir del 13 de diciembre dispondremos de 164 minutos para disfrutar y juzgar con nuestros propios ojos si la larga travesía que iniciaron trece enanos, un hobbit, un mago, un director regordete y un vasto ejercito de producción valieron la pena.

POR ANDREY ALFONSO

Tolkien: Cuentos de la Tierra Media Sin duda Tolkien es un escritor de culto, tanto para adultos como para no tan adultos. Tras la llegada al cine de su genial obra El Señor de los Anillos de la mano de Peter Jackson, se ha convertido en un fenómeno de masas. Sus libros se han reeditado, existen ediciones de lujo, club de fans, gente que habla elfico…

Vamos a conocer la vida de este autor, que tan presente esta en nuestros días.

John Ronal Reuel Tolkien nació el 3 de Enero de 1892, en Bloemfontein, Sudáfrica. Hijo de Arthur Tolkien y Mabel Suffield, ambos de Gran Bretaña. Su nombre se debe a su abuelo paterno, ya que por aquel entonces, era tradición ponerle al primogénito del primer hijo varón, el nombre del abuelo. En este caso el tío de Tolkien, (John Benjamín Tolkien) no tuvo hijos varones, por lo que Arthur siguió la tradición con su hijo.

El segundo nombre, Ronald, viene de que su madre esperaba una niña, a la que llamaría Rosalind, al alumbrar un niño, cambio el nombre de Rosalind por Ronald. Reuel era el segundo nombre de su padre, viene del hebreo antiguo y significa “Próximo a Dios”.

A Tolkien nunca le hizo mucha gracia su nombre prefería que le llamasen Tolkien simplemente, aunque sus familiares le llamaban John Ronald.

Cuando era muy joven, apenas había empezado a dar sus primeros pasos, fue picado por una tarántula en el jardín de su casa. Este hecho parece que no tuvo consecuencias ni físicas ni psíquicas, ya que según Tolkien no recuerda el accidente y no tuvo miedo a las arañas siendo adulto. Pero muchos aseguran que este hecho tiene mucho que ver con ciertas partes de sus historias, donde relata la existencia de una gran araña asesina, con la que el personaje de la historia tiene que luchar.

El clima Africano perjudicaba notablemente la salud de Ronald, por lo que cuando solo tenía 3 años, su madre Mabel, se traslado con él y su hermano Hilary a Inglaterra. En teoría era una visita larga mientras su padre se encargaba de la venta de diamantes y otras piedras preciosas para el banco de Inglaterra en el condado de Orange.

Su padre se reuniría con ellos al terminar el trabajo, pero contrajo una fiebre reumática y murió para sorpresa de todos en 1896. A la muerte del cabeza de familia, se quedaron sin ingresos, por lo que se vieron obligados a volver a Birminghan con la familia de su madre.

Poco después se mudaron a Sarehole (Hall Green), donde había un bosque cercano que a Ronald le encantaba explorar, sobre todo la Turbera de Moseley , la aceña de Sareholem, las colinas de Clent y de Lickey. Estos lugares le marcaron de tal forma, que utilizo la descripción de algunos de esos paisajes en sus obras.

Otros parajes también inspiraron sus obras como los parajes de Worcestershire, Alcester, Alvechurch, Bromsgrove, incluso la granja de su tía Bag End (Bolsón Cerrado), nombre que utilizaría en sus obras de ficción. Todas sus vivencias en esta granja y sus alrededores, marcaron su infancia de tal manera que transmitió sus sensaciones a través de sus libros, contándonos su vida a través de sus fantasías.

Su madre fue la que se encargo de su educación, enseñándoles desde muy temprano el amor por la naturaleza y las plantas, por ello Ronald disfrutaba pintando paisajes y bosques. También les enseño latín, Ronald tenía mucha facilidad para aprender por lo que a los 4 años ya podía leer fluidamente y un poco más tarde escribir. Era un alumno muy aplicado

y le gustaban mucho los idiomas.

Estudio en la King Edward`s School de Birmingham, interviniendo en el desfile de coronación de Jorge V, en el que estuvo ubicado en las puertas del palacio de Buckingham. Después estudio en San Felipe y en el Exenter College , en Oxford.

Su madre decidió convertirse al catolicismo en 1900, hasta entonces su familia era Baptista, por lo que se opusieron firmemente a este cambio de religión, retirando toda la ayuda económica que le daban desde que se quedo viuda. Pasaron muy malos momentos económicos, recibieron ayuda moral y económica del Padre Francis Xavier Morgan, un cura Católico del Oratorio de Birmingham.

En 1904 Mabel falleció por complicaciones con la diabetes, en aquellos años no había insulina y muchas personas morían por este mal. Ronald y su hermano quedaron huérfanos y para él, el modo en que la familia de su madre la rechazo por sus creencias religiosas y su fe, hizo que la viera como una mártir.

Morgan se hizo cargo de la educación de los muchachos enseñándoles las bases del idioma español, ya que él era andaluz con padre galès. Ese aprendizaje lo utilizo en la creación de su “naffarin”.

El oratorio donde residían estaba justo bajo la sombra de dos torres Perrott`s Foll y Edgbaston Waterworks, esta imagen es la que inspiraría años después para la creación de las dos grandes torres oscuras de Orthanc y Minas Mogul de El Señor de los Anillos.

Con 16 años se enamoro perdidamente de una compañera de orfanato 3 años mayor que el, Edith Mary Bratt. Pero el padre Morgan le prohibió terminantemente que tuviera contacto con ella, ni hablar, ni tener correspondencia, ni nada hasta que cumpliese los 21 años, y lo cumplió obedientemente.

Durante los años que paso en la King Edward`s School, formo un club semi-secreto llamado “Club de Té y Sociedad Barroviana”, el reducido grupo lo formaban el y tres amigos (Rob Gibson, Geoffrey Smith y Cristopher Wiseman). La relación con estos amigos perduro a lo largo de los años, teniendo varios encuentros en Londres, en casa de Wiseman, lo que le impulso para escribir poesía.

Realizo un viaje a Suiza en 1911, este viaje lo detallo en una carta que escribió en 1968, en esta carta cuenta

las similitudes que hay con el viaje de Bilbo Bolsón a través de las Montañas Nubladas, el deslizamiento por las piedras resbaladizas del bosque de pinos. Està contando su viaje a Suiza, basado en las aventuras que vivió con un grupo de compañeros estando de excursión, desde Interlaken hasta Lauterbrunnen y en las acampadas en las morrenas más allá de Murren.

Años después, Tolkien recordaba la profunda pena que sintió al abandonar las nieves perpetuas de Jungfrau y Silberhorn “la Silvertine (Celebdil) de mis sueños). Tolkien nos conto su viaje, oculto en una aventura fantasiosa, llena de peligros, enanos, arañas, y anillos de poder. Ahora sabemos la realidad de sus historias y la maestría con que las relato. edith-brattDespués de miles de impedimentos, zancadillas y trabas, tras terminar sus estudios de Filología Inglesa en Oxford con honores, por fin la tarde en la que cumplía 21 años, Tolkien escribió una carta a Edith declarándole su amor y pidiéndole matrimonio. Pero habían pasado tantos años que Edith se había comprometido con otro pretendiente, pensando que Tolkien la había olvidado. Al comprobar que no era así, se reunió bajo un viaducto de ferrocarril y se prometieron amor de nuevo, por lo que Edith devolvió el anillo de compromiso a su pretendiente, puesto que decidió casarse con su verdadero amor, Tolkien. Edith se convirtió al Catolicismo porque esto era importante para Tolkien, y se casaron en 1916.

Tolkien se unió al ejército Británico durante la Primer Guerra mundial, con el cargo de Teniente segundo especializado en lenguaje de signos. En el 11ª batallón de fusileros de Lancashire, sirvió como oficial de comunicaciones en la Batalla de Somme hasta que cayó enfermo de la terrible “Fiebre de las Trincheras”, por lo que le trasladaron a Inglaterra para su convalecencia. Paso su reposo en una cabaña de Staffordshire, donde comenzó a trabajar en lo que llamo El Libro De Los Cuentos Perdidos con La Caída de Gondolin. Estuvo enfermo un par de años, pero podía realizar labores de mantenimiento en diferentes campamentos, por lo que le ascendieron a Teniente.

Le destinaron a Kingston upon Hull, y e y su esposa paseaban por los bosques cercanos a Roos, allí Edith un día comenzó a bailar entre frondosos árboles de cicutas, rodeados de flores blancas, que creaban una atmosfera fantástica. Esta escena inspiro al escritor para el pasaje del encuentro de Beren y Luthien,

Tolkien solia referirse a su esposa Edith como “su Luthien”. Tuvieron 4 hijos John Francis Reuel (Era Sacerdote), Michael Hilary Reuel, Cristopher y Priscilla Anne Reuel. Cristopher ha sido quien ha recopilado todos los escritos inéditos de su padre que dejo en su casa de Northmoor Road y los ha publicado de manera póstuma.

Tras la guerra Tolkien trabajo como Lexicógrafo en el Oxford English Dictionary, investigando la historia y procedencia de las palabras de Origen Germánico que comenzaban por la letra W, rastreando su origen alemán medio o alto o incluso nórdico antiguo. En 1920 tuvo el cargo de profesor no titular de lengua inglesa en la universidad de Leeds, allí conoció a Eric Valentine Gordon, con quien publico la obra “Alliterative Revival” Sir Gawain y el Caballero Verde, esta obra está considerada la mejor edición de la obra publicada hasta la fecha.

Regreso a la universidad de Oxford como profesor de Anglosajón en el Pembroke College, durante el tiempo que paso aquí, escribió El Hobbit y los dos primeros volúmenes de El seños de los Anillos. Realmente nunca pensó que las historias que escribía para sus hijos, causarían tanta expectación y se harían tan populares. Fue su amigo C.S.Lewis quien le insistió para que publicara El Hobbit. Este manuscrito paso de mano en mano, hasta que finalmente llego hasta Susan Dagnall, empleada de la editorial londinense George Allen & Unwin. El presidente de la empresa, Stanley Unwin, se lo dio a su hijo para que lo leyese, y le gusto tanto que decidieron publicarlo. El libro narra las aventuras de Bilbo Bolsón, un hobbit que junto al mago Gandalf y una compañía de enanos, emprenden un largo viaje lleno de aventuras y peligros, con el fin de recuperar el reino de Erebor, arrebatado a los enanos por el temible dragón Smaug.

No solo gusto a niños, si no que se hizo popular entre los adultos, por lo que la editorial le pidió a Tolkien que trabajara en la continuación de la historia. Eso fue lo que hizo y en 1954 se publico el primer volumen de la trilogía de El Señor de los Anillos. Una novela de fantasía épica, llena de intrigas, acción, aventura, traiciones y amor. Con seres maravillosos y en unos lugares llenos de encanto y realismo. Tolkien tardo más de 10 años en crear la historia, con los apéndices, guías e incluso idioma, que según escribía dejaba a su amigo C.S Lewis, para que le diera su opinión sobre lo que había escrito. Tuvo el apoyo incondicional de los Inklings (Club de lectura, foto), lo que le animo a seguir y crear un mundo que en la actualidad casi

todo el mundo conoce.

Al principio la idea era hacer la continuación de El Hobbit, un cuento para niños, pero recordó el anillo encontrado por Bilbo y decidió centrar la historia en torno a él, convirtiéndose en un relato más oscuro y serio, más enfocado para adultos. La Obra se hizo muy popular en 1960 y ha seguido con su éxito hasta la actualidad, siendo una de las obras de ficción más populares del siglo XX. Más todavía cuando el Neozelandes Peter Jackson y New Line Cinema, crearon una adaptación de El Señor de los Anillos, en una trilogía de películas protaginizadas por Elijah Wood, Viggo Mortensen, Sean Astin, Christopher Lee, Andy Serkis, Liv Tyler e Ian Mckellen entre otros. Películas que se han convertido en clásicos del cine, recaudando mucho dinero debido a la gran adaptación, la caracterización de los personajes y todo el mundo recreado en las cintas.

Con posterioridad se decidió llevar a la gran pantalla la obra El Hobbit, aunque durante mucho tiempo se barajó la posibilidad de que el director fuera Guillermo del Toro, finalmente será Peter Jackson quien con una nueva trilogía, la lleve a la gran pantalla Tuvo una gran influencia de los estudios sobre el mito de Beowulf, tema muy estudiado por Tolkien para la conferencia que ofreció en 1936. Beowulf: los monstruos y los críticos.

En Oxford entablo amistad con C.S. Lewis (Futuro autor de Las Crónicas de Narnia). Con el tenia extensos debates sobre religión ya que Lewis era agnóstico, pero aun así acabo siendo uno de sus principales correctores, junto con otros miembros del club literario que formaron llamado los Inkling. Este club de amigos se reunía los viernes antes de comer en el Pub Eagle and Child, y las noches de los jueves en las habitaciones de Lewis en el Magdalen College para recitar las obras que cada uno había compuesto, incluso romances y fragmentos de obras épicas del Norte de Europa.

Era una especie de “Club de los poetas muertos”, pero sin ser secreto. Este tipo de club de amigos literarios ya lo había tenido Tolkien mucho antes, cuando estudiaba en el King Edward`s School “Club de Té y Sociedad Barroviana”.

Siendo un adolescente comenzó a escribir una serie de historias llenas de mitos y leyendas sobre la Tierra Media. Motivado por la falta de mitología en

su país, añoraba tener una como la griega, llena de seres y dioses fantásticos. Se proponía inventar una mitología para Inglaterra, que mas tarde daría lugar al Silmarilion, al que antes se llamo El Libro de los Cuentos Perdidos. Los relatos que aparecen en el, están inspirados en un cuento publicado en 1927 por Edward Wyke-Smith llamado “El Maravilloso País de los snergs”, también por la mitología europea de cualquier origen y las sagas escandinavas. No sé si se puede considerar mitología todo el mundo que ha creado, pero lo que si está claro es que ha conseguido que sus personajes traspasen fronteras y sean conocidos internacionalmente.

En 1957, Tolkien tenía previsto un viaje a Estados Unidos, donde le harían entrega de unos títulos honoríficos de las principales universidades, entre ellas Marquette, donde actualmente se conservan manuscritos originales de sus obras y Harvard. Pero se vio obligado a sus pender el viaje puesto que Edith cayó enferma. Pocos años después en 1961 fue propuesto por su amigo C.S. Lewis para el Premio Nobel de Literatura, pero desestimaron la candidatura, alegando su Pobre Prosa. Tras la publicación en 1965 de El Señor de los Anillos, recibió varios premios, entre ellos destacar el que le entrego la Reina Isabel II, nombrándole Comendador de la Orden del Imperio Británico. En su honor se fundaron la Mythopoeic Society norteamericana y la Tolkien Society Britanica, así como decenas de sociedades similares por todo el globo.

Edith murió en Noviembre del 71 a los 82 años.

Tolkien regreso a Oxford donde moriría meses después 1973, a los 81 años. Fue enterrado en la misma tumba que su mujer, con la inscripción Beren y Luthien, para Ronald y Edith.

Estos nombres fueron extraídos de la leyenda incluida en “El Silmarilion”en el que se relata el amor entre estos dos seres de diferente naturaleza, la doncella Elfa Luthien y el mortal Beren y el robo de uno de los Silmarils. Esta tumba está ubicada en el cementerio de Wolvercote, en Oxford.

Es sabido por todo el mundo que Tolkien fue un devoto católico, enorgulleciéndose de sus creencias y proclamándolas sin prejuicios, tanto fue así que se llego a sentir el instrumento de conversión de su gran amigo C.S. Lewis del ateísmo al cristianismo.

Tiempo después Lewis se volvió anglicano, lo que le decepciono bastante puesto que pensaba lo peor sobre esta religión.

Sus hijos fueron educados a conciencia en su religión, siempre sintió que sus creencias eran una manera de buscar tranquilidad e inspiración y así se lo transmitió a sus hijos incluso en varias cartas, donde acostumbraba a citar salmos con la intención de darles ánimos a la vez que les explicaba la doctrina católica.

En los últimos años de su vida, los cambios realizados y reformas realizados tras el Concilio Vaticano Segundo, no le sentaron nada bien, le decepcionaron profundamente.

Tanto fue así, que su nieto recuerda, que cuando acudía con él a la Iglesia en Bournemouth, y empezaron a realizar la liturgia en Ingles en vez de en latín, Tolkien no estuvo de acuerdo. Por ello respondía a las preguntas de la liturgia muy alta y en latín, mientras que el resto de feligreses lo hacían en Ingles. Su nieto Simon, indica que la experiencia era desagradable para él, pero que a su abuelo le daba lo mismo, hacia lo que él creía correcto.

Habitualmente se dice que la saga de la Tierra Media y los diferentes hechos de la vida de Tolkien, tienen ciertas similitudes. Ha habido grandes debates sobre este tema, ya que argumentan que El Señor de los Anillos representa a Inglaterra durante y después de la Segunda Guerra mundial. Tolkien repudio tajantemente esta afirmación, sin embargo escribió que la escena del Monte del Destino, ejemplifica líneas del padre nuestro. Reconociendo en una de sus cartas, que su obra “El Señor de los Anillos” es, sin duda alguna, una obra religiosa y católica. Su amor por los mitos y su fe devota se unieron en su creencia en que la Mitologia “Es el Eco divino de la Verdad”.

Expreso este punto de vista en su obra Mitopoeia y su idea de que los mitos tienen ciertas verdades fundamentales.

La obra de Tolkien también ha sido objeto de ciertos debates académicos, con la cuestión de si es racista.

Todo el revuelo se formo en torno a: Los “Blancos” son Buenos, los “Oscuros” son malos, los “Orcos” son los peores. Aunque otros muchos no están de acuerdo con estas teorías y con la generalización tan exagerada.

Los oscuros y los Blancos no tienen por qué ser Buenos y malos. Pero siempre que hay una gran obra, tiene que haber críticos positivos y negativos, sacando puntilla a cada alusión o similitud con cosas que conocemos. Pero eso no quiere decir que el autor lo haya hecho intencionadamente, ni reflejando nada real, puesto que como ya sabemos, es ficción.

Tolkien perdió durante la Primera Guerra Mundial a la mayoría de sus amigos, muchos cayeron en las trincheras abatidos por el enemigo. Por lo que él siempre estuvo totalmente en contra de la Guerra, declarando antes del final de la Segunda Guerra Mundial, que los Aliados no eran mucho mejores que los Nazis y que se comportaban como Orcos en sus llamadas a una completa destrucción de Alemania.

Esta oposición puede reflejarse en varios fragmentos de las cartas escritas a su hijo Christopher, en las que deja ver la amargura e inutilidad humana que provoca la guerra y lo compara con hechos de sus libros: * Estamos intentando conquistar a Sauron con el Anillo. Y según parece lo lograremos. Pero el precio es, como lo sabrás, criar nuevos Saurons y lentamente ir convirtiendo a Hombres y Elfos en Orcos*.

Se horrorizo de las bombas arrojadas en Hiroshima y Nagasaki, refiriéndose a los científicos que las habían creado en el Proyecto Manhattan como “Físicos Lunáticos” y “Constructores de Babel”. También escribió: “No conozco nada sobre el imperialismo británico o americano en el Lejano Oriente que no me llene de dolor y repugnancia…”

Su madre le enseño a amar la naturaleza, a cuidarla y respetarla, siendo un gran defensor de los árboles y los bosques. Demostró un rechazo total a los efectos que causaba la industrialización y los avances tecnológicos, que devoraban el paisaje rural ingles que tanto le gustaba. Ese respeto tan conservador se percibía en sus trabajos, al hablar y describir la comarca y el cambio que sufre al final de El Retorno del Rey, con la industrialización forzada. Por ello y para practicar sus convicciones, se mantuvo reticente al uso de automóviles, siendo un usuario de la bicicleta

a lo largo de su vida.

Se reflejo a él mismo de una manera caricaturesca en “El Señor Bliss”, un relato infantil ilustrado por el mismo y editado de manera póstuma por Billie Tokien. No dudaba en ver su manera de ser y pensar de modo divertido y así lo demuestra en algunas de sus obras.

Una de sus tías, le pidió que escribiera un libro dedicado a Tom Bombadil, personaje que aparece en el señor de los anillos. Así que Tolkien escribió “Las Aventuras de Tom Bombadil y otros Poemas de El libro Rojo”. Aunque solo los dos primeros poemas están dedicados a Bombadil .

Su primer poema publicado, data de 1911 cuando solo tenía 19 años, titulado “La Batalla del Campo del Este”. Poco después, inspirado por el poema Christ II de Cynewulf, escribió “El Viaje de Earendel, la estrella vespertina”, que narraba el viaje por el cielo del marinero Earendel, que mas tarde se convirtió en Earendil.

Tolkien desde siempre acostumbraba a narrar historias a sus hijos, una manera de enseñarles y divertirles al mismo tiempo. Así concibió uno de sus relatos más entrañables Roverandom (1925), como un cuento para sus hijos John de 8 años y Michael de 5. La historia sucedió durante unas vacaciones en la costa. Michael estaba muy encariñado con un perrito de juguete en miniatura, de plomo pintado de blanco y negro. Un día paseaban por la playa, y Michael dejo el perrito en la arena para jugar y cuando se dio cuenta ya no estaba, lo había perdido. Tolkien y sus dos hijos lo buscaron durante horas por la playa, pero no lo encontraron, por lo que Tolkien imagino una historia para consolar a su hijo Michael, y es la que hoy conocemos como Roverandom.

La base de las historias principales del Silmarillion, fueron creadas durante la convalecencia de la enfermedad que contrajo en la Primera Guerra Mundial, historias como “El cuento de Tinùviel” o “La caída de Gondolin”, que terminaron convirtiéndose en las historias de Beren y Luthien o Los hijos de Hurin.

Mas tarde creó el “naffarin”, basado en el español que le enseñaba el padre Morgan.

Después de aprender el gótico, el finlandés y gales, creo el “sindarin”, la lengua de los sindar, y sobre todo el “quenya”, la lengua de los noldor.

Esta historia es un cuento infantil que narra las aventuras de un perrito llamado Rover que muerde a un brujo, por lo que el hechicero lo castiga convirtiéndolo en un juguete. Un niño compra el juguete, pero lo pierde en la playa. Entonces, el hechicero de la arena le hace vivir aventuras desde la luna hasta el fondo del mar. De esta manera su hijo Michael se consolo pensando que su perrito, estaba viviendo trepidantes aventuras y consoló su perdida.

Tolkien fue todo un lingüista, dado que controlaba un sinfín de idiomas y dialectos, llegando a idear algunos nuevos a colación de sus obras.

Su pasión por los idiomas comenzó desde que era muy joven 8 o 9 años de edad, aunque desde los 4 años su madre ya le enseñaba latín. Esta le enseño también francés, y alemán. En el colegio aprendió inglés medio, ingles antiguo, finlandés, gótico, griego, italiano, noruego antiguo, belga y belga medieval.

Junto a su prima Mary, se entretenía inventando sus propias lenguas, como el “animalico”, o el “nevbosh”.

También a lo largo de su vida se familiarizo con el danés, lombardo, noruego, ruso, serbio, y antiguas formas del alemán moderno y eslovaco.

POR CUGAR 19

Si tuviese que definir con una palabra a J. R. R. Tolkien, sería genio. Y es que solo al alcance de un genio está reservada la capacidad de crear un mundo tan rico, cuidado y, sumamente, perfecto como lo es la Tierra Media. Hay que tener una imaginación y una creatividad inigualables para hacer creíble algo tan fantástico e inaudito y, además, para hacer que millones de personas queden atrapadas con cada palabra leída y anhelen ese maravilloso mundo, tan hermoso y terrible al mismo tiempo.

Si así hablo del profesor Tolkien es porque gracias a él, y en parte a un profesor que tuve, que creyó que se engancharía mejor a unos chavales de doce años con “El Hobbit” que con cualquier clásico rancio, aprendí a amar la literatura, lo que me ha llevado a conocer cientos de historias y personajes, que de otra forma no habría sido posible.

Pero centrándonos en la figura del padre de la Tierra Media, ¿todo lo referente al mundo que creó salió de su cabeza o se valió de fuentes externas para enriquecer su obra?

Sin duda, la gran mayoría de escritores toman detalles de los clásicos, de la mitología y de un sinfín de obras populares para hacer más completa y atractiva su propia creación y, como es lógico, una persona tan culta y leída como lo era Tolkien no iba a ser una excepción.

A estas alturas, por casi todos será conocido el profundo conocimiento de nuestro autor sobre la tradición nórdica, sobre la que ahondaremos más adelante, pero no son las únicas fuentes que podemos encontrar en su obra.

Comencemos por el concepto de Tierra Media. Usado, según palabras del propio Tolkien, para referirse a las tierras de los hombres, podría pensarse que esta denominación estaría sacada del término Midgard,

INSPIRA INSPI

que significa “patio de en medio”, usado por los mitos nórdicos para referirse al lugar, situado entre el cielo y el infierno, donde habitan los humanos. Pero existe una teoría más acertada que dice que la expresión Tierra Media estaría sacada literalmente del Webster´s Universal Unabridged Dictionary, edición de 1936, en el que se denomina como termino en desuso para referirse al mundo. Además, con ese significado aparece usado este término en antiquísimos textos literarios ingleses.

Algo para lo que, por el contrario, existen numerosas teorías, es para situar la Tierra Media geográficamente. Si observamos el mapa de la Tierra Media, podemos encontrar cierto parecido con el Planisferio terrestre actual, algo lógico si tenemos en cuenta que es la única referencia con la que contamos para crear un nuevo mapa. Al ser preguntado a este respecto, Tolkien arrojo algo de luz sobre el asunto aclarando que la Comarca y las tierras occidentales situadas a su alrededor podían ser tomadas por una representación de la Europa noroccidental. Respecto a la Comarca, ese apacible lugar que representa un oasis de paz frente al caos y la oscuridad que inunda al resto del mundo, tendría su base en los verdes campos de Birmingham, ciudad natal de los padres de Tolkien donde el mismo fue criado. Por otro lado, cierto mito celta que se asemeja mucho con la historia de los Eldar, ha hecho situar a algunos investigadores los territorios de Númenor y Eresëa como Gran Bretaña e Irlanda, aunque hay otra teoría que asegura

ACIÓN IRACION

que Tolkien quiso reflejar con Númenor el territorio perdido de la Atlántida.

Si tuviésemos que situar históricamente el grueso de la obra, es decir la Tercera Edad, deberíamos hacerlo en plena Edad Media, una época oscura de transición entre el mundo conocido hasta el momento y un desconocido y temido nuevo periodo. Algunos también han querido ver en la Guerra del Anillo una alegoría de la Segunda Guerra Mundial e, incluso, de la lucha que se mantuvo entre Este y Oeste durante la Guerra Fría.

Si en otra cosa destaca la obra de Tolkien es en la riqueza de razas y personajes que habitan la Tierra Media. Sobre las razas, podemos observar que muchas no son desconocidas antes de la aparición del universo Tolkien, véase como ejemplo el caso de los Elfos, que tendrían su origen en la mitología nórdica, así como los Enanos y, probablemente, los Trolls.

Todas estas razas habían aparecido con anterioridad en la literatura, en la obra de los hermanos Grimm, por ejemplo, aunque es cierto que la mayoría de las veces pocas características tenían en común de unas versiones a otras. A día de hoy, gracias a la aparición de “El Señor de los Anillos”, parece que se ha establecido un arquetipo para todas estas razas que, con algunas pequeñas variantes, se repetirán en

la literatura fantástica posterior.

Lo que si hay que atribuirle a Tolkien es la creación de dos de las razas más originales que se han dado jamás en la literatura. Esas creaciones no son otras que los apacibles Hobbits y los milenarios Ents.

Respecto a los nombres elegidos por Tolkien para los personajes de su obra, hay que decir que quizás es el ejemplo más claro de las fuentes usadas por el autor a la hora de elaborar su obra. Así podemos ver la importancia de los poemas escandinavos, como podréis comprobar en los siguientes versos, extraídos de la recopilación de poemas llamado Edda poética:

9. Después buscaron los dioses los asientos de su asamblea, los santos, y celebraron un concilio para establecer quién elevaría la raza de los enanos de la sangre de Brimir y las piernas de Blain.

10. Allí estaban Motsognir, el más poderoso de todos los enanos, y Durin el siguiente; muchas semejanzas, con los hombres guardaban los enanos de la tierra, tal como dijo Durin.

11. Nyi y Niyhri, Northri y Surthri, Austri y Vestri, Altjhof, Dvalin, Nar y Nain, Niping, Dain, Bifur, Bofur, Bombur, Nori, An y Onar, Ai, Mjothvitnir.

12. Vigg y Gandalf, Vindalf, Thrain, Thekk y Thorin, Thror, Vit y Lit,

Nyr y Nyrathahora he dichoRegin y Rathsvithbien la lista.

13. Fili, Kili, Fundin, Nali, Heptifili, Hannar, Sviur, Frar, Hornbori, Fraeg y Loni, Aurvang, Jari, Eikinskjaldi.

14. La raza de los enanos, las huestes de Dvalin, cuya enumeración sin Lofar no termina; abandonaron las rocas y por húmedas tierras buscaron un hogar en los campos de arena.

15. Estaban Draupnir y Dolgthrasir, Horg, Haugspori, Hlevang, Gloin, Dori, Ori, Duf, Andvari, Skirfir, Virkir, Skafith, Ai.

Como veis, prácticamente todos los nombres de los enanos que aparecen en “El Hobbit” están sacados de estas escasas líneas. Además, también vemos el nombre de Gandalf por primera vez, ya que más tarde aparecerá en la saga nórdica Tháttr Nornagest saga o en la Historia danesa, donde durante un tiempo acompaña a un rey llamado Frode, posible origen de Frodo, un rey que parte en busca de un tesoro, custodiado por una serpiente o dragón, al que consigue matar gracias a un punto débil en la parte inferior del vientre, donde puede hundir su espada. ¿Todo esto os va sonando, verdad?

Pero Gandalf no es el único nombre que se repite a lo largo de las sagas nórdicas, ya que algunos de los enanos vuelven a aparecer, como Thrain, dando vida a un rey vikingo en la saga de Hromund o Durin y Dvalin, a los que el dios Odín obliga a forjar una espada mágica para su nieto, sobre la que pronuncian la maldición de que jamás será desenvainada sin causar la muerte de un hombre.

Otros casos son los de el héroe élfico Eärendil, que acabo convertido en estrella, y cuyo nombre, curiosamente, es muy parecido a estrellas semejantes a lo que quiere representar Tolkien, en la mitología teutónica y, por supuesto, otra vez en la mitología nórdica, siendo también mencionada en la tradición sajona, siempre bajo nombres como Earendel u Orvandel. También podríamos ver correspondencia en la tradición nórdica en los valar, el Bosque Negro, el caballo Sombragrís o Gimli, que aparece como una montaña mágica.

Pero como no todo va a ser mitología nórdica, también podemos encontrar semejanzas en la mismísima Biblia, donde podemos ver algo más que un remoto parecido entre los Nazgûl y los cuatro jinetes del apocalipsis, que representan la victoria, la guerra, el hambre y la muerte.

A lo largo de los siglos ha habido obras, entre las que destacan “Beowulf ”, “El cantar de Roldán” y “Amadís de Gaula”, que han presentado ciertos elementos comunes reflejados en la obra de Tolkien, como Trolls, dragones, espadas encantadas, armaduras mágicas, etcétera. Pero si hay una historia que lleva la palma en cuanto a puntos en común con el universo del Anillo, esa es la leyenda de Sigfrido. Con una trama muy parecida entre las dos obras, los puntos que más destacan son los siguientes: 1. Un anillo mágico capaz de proporcionar un gran poder a su portador, pero que lleva consigo una terrible maldición, además de la capacidad del anillo de corromper la mente del portador.

2. Un dragón que custodia un gran tesoro y cuya muerte le llega por una zona desprotegida en su pecho.

3. Una espada rota que será recompuesta.

4. Un talismán que proporciona invisibilidad.

5. Dos personajes que disputan por la posesión del anillo, que acaba con la muerte de uno de ellos y cuyo vencedor, corrompido y enloquecido, al final hallará la muerte a causa de su preciado anillo.

Como habéis podido comprobar, muchísimas son las fuentes de las que bebió J. R. R. Tolkien para crear su particular universo y, aunque se ha procurado encontrar el mayor número posible de ellas, es seguro que hay muchas otras que nos hemos dejado en el tintero. Por ello, proponemos al lector que, si está interesado en el tema, busque por su cuenta, ya que es seguro que se encontrará con interesantes y satisfactorias sorpresa.

POR JAVIER ROQUERO

Querido Peter Jackson:

Carta al directo

Comenzar diciendo que soy un seguidor tuyo (perdona que te tutee) me recuerda mucho a Misery así que lo voy a obviar y en su lugar diré que sigo y he seguido tu carrera profesional con “Braindead” (1992) fue la que más veces vi, interés. seguramente. La idea de comenzarla en una exótica expedición la unía con mis lecturas Pero no te creas que me subí al carro después de novelas de aventuras, hasta que aparecía el del éxito de ESDLA (“El Señor de los Anillos”) maravilloso mono rata de peligrosa mordedura. sino que lo mío viene de antes. Recuerdo estar La locura zombi que se desata después hacia reír en el primer año de instituto cuando cayó en mis y disfrutar entre chorros de sangre, casquería de manos una cinta VHS de las largas, de las de tres baratillo, madres gigantes y curas de acción. horas, con una etiqueta escrita a mano donde, con “Mal gusto” (1987) me cansó primero. En cuanto letras gruesas de rotulador y fruto de la prisa, se se disipaba la impresión de los extraterrestres de podía leer: BRAINDEAD - MAL GUSTO. mercadillo que bajaban a la Tierra para hacer Menuda sesión doble. hamburguesas humanas, no veía mayor aliciente para volver a ella, aunque también le tenía aprecio.

Mi pobre cerebro, adolescente y nutrido a base Comencé a seguirte la pista a través de revistas de cómics, Alucine de La 2 y Noche de lobos y y cuando Internet se hizo accesible, también por Cinturón negro de Antena 3, sufrió un shock ahí, rellenando el hueco que había entre ambas tremendo. Casquería, cutrez y locura condensado películas, un delirio titulado “Meet the Feebles” en un VHS que, por cierto, estaba pirateado de las (1990) donde los niveles creativos eran muy ediciones de Manga Vídeo. Eran otros tiempos, superiores a los técnicos. no había Internet y tener dos vídeos conectados “Criaturas celestiales” (1994) la vi en vídeo de para hacer copias era de seres superiores. alquiler. La verdad que me dejo frío como una llave. Después del despliegue gore no me espera una película tan profunda y cuidada así que no conecte con ella, cosa que, con el tiempo, he corregido.

Mis esperanzas estaban por los suelos, otro ídolo caído.

Hasta que llegaron los fantasmas con Michael J Fox. He de confesar que el título en castellano, “Agárrame esos fantasmas” (1996), me echó para atrás. Horrible, de comedieta vulgar cuando “The Frighteners “es una comedia, sí, pero con un apego total al fantástico y con una mezcla de “Cazafantasmas” y thriller de de asesinatos pocas veces visto, con unos efectos especiales brillantes. Me convenció y me gustó y recuerdo la caja de algunas versiones domésticas que venían con una lámina en relieve.

Poco después de tu regreso al redil de lo fantástico, saltó la bomba ESDLA. Proyecto duro, difícil de sacar arriba pero creo que ni en tus mejores

or Peter Jackson

Últimamente estás muy cerca de tu admirado Spielberg y de cierto reportero belga, con el inicio de una posible trilogía a cuatro manos y, aunque “Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio” por L.J. Zapicos (2011) impacta técnicamente, le falta algo de sueños pensaste que iba a salir tan redondo. Tuve chispa. Le echaré la culpa de Spielberg. miedo, lo reconozco, había leído el libros de chaval y me parecía imposible hacer una película digna, Con Guillermo del Toro fuera del proyecto de “El hobbit”, vuelves a la Tierra Media, intentando aunque estuvieses involucrado. explorar las limitaciones técnicas, trasteando Pero salió perfecta, no sólo artística sino con las imágenes por segundo y anunciando una económicamente.

Un.auténtico bombazo trilogía, cosa que me parece excesiva porque, reconocido por todo el mundo que quizás sea el seamos sinceros, “El Hobbit” está muy bien pero punto más importante a tu favor de esta trilogía: tres películas son demasiadas, Peter. acercar la fantasía a todo el mundo, fuesen o no Espero con ansia las aventuras de Bilbo pero si fans de lo fantástico. que me gustaría que en un futuro volvieras a tus Después lograste sacarte la espinita de King Kong inicios, a esa comedia/gore delirante y barata, sin (2005), proyecto que años antes había quedado pretensiones y abandonases un poco las poltronas en el camino de las negociaciones de ESDLA. de oro y los presupuestos desquiciados, mas Visualmente impecable, es un perfecto homenaje cercano a la esencia de “Distrito 9” a la que tan en a las películas de aventuras clásicas pero pasadas cuenta tuviste para apoyar y financiar. por el filtro de los efectos digitales y toques de Spielberg. Quizás demasiado corriente para los Sin más, un fuerte abrazo y mucha suerte las tiempos que corren, sobre todo después de haber siguientes tres navidades con tus hobbits, Maese dado un puñetazo en la mesa con ESDLA, con un Jackson. guión flojete y un casting discutible, pero un buen ejercicio de cine de entretenimiento.

Hubo palos, tanto de crítica como de público y y tardaste algunos años en recuperarte pero en vez de volver por la puerta grande, lo hiciste por la de atrás, por la íntima. “The lovely bones” (2009) me gustó bastante, aunque reconozco que es un film muy personal y particular, con demasiado azúcar y todo el picante lo aporta un inmenso Stanley Tucci. El resultado fueron más palos y un ninguneo general, a pesar de algunas nominaciones a premios. 2009 también fue el año en el que produjiste una de las mejores películas de ciencia ficción de los últimos años, “Distrito 9” (Neill Blomkamp, 2009).

Nueve preguntas s los ani ...pero había un h respo “El señor de los anillos” (ESDLA a partir de ahora) es una obra literaria monumental, que forma parte de un mundo muy amplio y complejo con una cultura propia además de tener una adaptación cinematográfica excelente y que forma parte de la historia mas brillante del cine reciente.

Una obra tan grande tiene una larga historia detrás pero no os preocupéis, vamos a hacerlo fácil y condensarlo en diez preguntas con sus diez respuestas.

Vamos allá.

1 – Lo único que conozco de ESDLA es que son unos tomos enormes y que va de unos enanos de pies peludos y un anillo. ¿De dónde salió todo eso?

Todo sale de la mente privilegiada de J. R. R. Tolkien (John Ronald Reuel Tolkien, 3/1/1892 – 2/9/1973), escritor, poeta, filólogo y profesor universitario, entre otras cosas. Creó todo un universo fantástico, con su propia mitología y lenguajes, estructurados y coherentes, con un trabajo que le ocupó toda su vida adulta e incluso llegó a ser concluido por uno de sus hijos, Christopher.

Católico devoto, de ideas conservadoras pero que rechazaba totalmente el alzamiento nazi, pacifista convencido después de su dura experiencia en la Primera Guerra Mundial y ecologista, fue capaz de introducir todas estas ideas en su mundo de fantasía, transformando lo que veía y vivía en un universo de orcos y hobbits.

Escrita entre 1937 y 1949, fue publicada en 1954 y 1955 en tres volúmenes, “La comunidad del anillo”, “Las dos torres” y “El retorno del rey”.

Curiosamente, Tolkien no había divido la obra en estas tres conocidísimas partes sino que lo consideraba una obra única, diferenciada en seis libros para su organización.

La editorial que publicó el libro en Reino Unido, George Allen & Unwin, hizo esa división por cuestiones editoriales, en concreto por el alto precio del papel durante la época posterior a la Segunda Guerra Mundial.

La editorial quería una continuación de su obra anterior, “El hobbit”, un cuento infantil, en un principio, escrito para sus hijos y que, por cuestiones del azar, acabó llegando a uno de los trabajadores de la editorial que optó por publicarla. Tolkien quería seguir desarrollando su mundo particular y tenía varias ideas para una secuela, la mayoría de ellas continuistas con el tono infantil de El hobbit. La escritura le llevó muchos años con varias revisiones, tanto por su parte como por un grupo de personas de confianza entre las que estaban C. S. Lewis, gran amigo y autor de Las crónicas de Narnia y Christopher Tolkien, su hijo y que remató su legado al finalizar algunas obras incompletas, entre ellas El Silmarillón, auténtica biblia del mundo fantástico de Tolkien, su legendarium.

sobre “El señor de illos”... hobbit cerca para onder El tono fue cambiando según iba organizando ideas, suprimiendo a Bilbo (protagonista de El Hobbit) por Frodo, tío y sobrino respectivamente, y ensuciando el tono infantil con toques de la realidad que había vivido y de sus obsesiones como la religión, las diferentes mitologías como la nórdica, Beowulf y su visión de Inglaterra, desde la rural (puede considerarse una visión de La Comarca) a la mas industrializada (Mordor).

(Mordor).

si no eres seguidor de la fantasía, así que vamos a darle un ligero repaso.

Comencemos por los hobbits, pequeños “casi” humanos con los que están emparentados, llamados medianos, de pequeña estatura, pelo generalmente rizado y pies peludos que siempre llevan al aire. Habitan el La Comarca, zona rural semejante a la campiña inglesa, con sus agujeros hobbits, pequeñas casas horadadas en las colinas.

Gente sencilla y tranquila poco acostumbrada a las aventuras, a pesar de que Bilbo, Frodo, Sam, Pippin y Merry se empeñen en demostrar lo contrario, dejando de lado su pipa y su cerveza para correr por el mundo. Los forofos de la ficción e incluso de los juegos de rol, pueden sustituir el término hobbit por halfling, mas usado en el mundo anglosajón y que vienen a ser sinónimos.

2 – Muy bien, Tolkien era un genio pero, ¿de que va ESDLA? También hay hombres en este universo de ficción, entendiendo hombres como humanos genéricos Pese a su extensión y a su aura de obra de culto, y son los ejes de la situación de la Tierra Media su trama se podría resumir en pocas líneas: durante el transcurso del libro, lo que suele Frodo es un hobbit que, acompañado de una llamarse “Tercera edad del Sol” o “Edad de comunidad de personajes, debe destruir el anillo los hombres”. Los humanos se han adueñado único lanzándolo a la lava del Monte del Destino, de la cultura, creando una mitología propia y Mordor, para evitar que caiga en las manos de desplazando a los antiguos moradores de este Sauron, señor oscuro. mundo, como elfos y hobbits. Hay diferentes tipos de humanos, clasificación marcada por su 3 – Eh, espera, no te lances. descendencia y forma de vida como los Dúnedain ¿Hobbits?¿Anillos?¿Mordor? ¿De que narices me (Aragorn) o los Rohirrim (Éomer). estás hablando?

Que se pueda resumir en pocas palabras no De aspecto humanoide, también tenemos a los significa que sea fácil de comprender, sobre todo enanos y los elfos.

Los enanos son pequeños humanos, pero aunque pueda inducir a error, no tienen nada que ver con los hobbits. Son mineros, mal encarados, barbudos glotones y fanfarrones pero en el fondo son los seres mas nobles que pueblan la Tierra Media. Maestros en el arte de trabajar el metal

y las gemas, construyen baluartes prácticamente inexpugnables (recordad Minas Tirith) y lo protegen con su orgullo a prueba de bombas y unas buenas y afiladas hachas. Entre ellos destacan Gimli y los trece enanos que acompañan a Bilbo en “El hobbit” (coged aire): Thorin, Balin, Glóin (padre de Gimli), Bifur, Bofur, Bombur, Dwalin, Ori, Dori, Nori, Óin, Kíli y Fíli.

Los elfos son todo lo contrario a los enanos.

Altos, estilizados, altivos, de piel blanquecina y largas melenas, con un halo de pureza que baña todo a su alrededor. La historia los considera los primeros seres conscientes que aparecieron en el mundo y se dividen en distintos grupos. Legolas es quizás el elfo mas conocido de esta saga.

Los orcos son los antagonistas de nuestros héroes.

Los orcos son seres corruptos, centrados en el odio hacia el resto de seres e incluso, ellos mismos.

Desagradables a cualquier tipo de sentido, representan la eliminación de todo lo bueno, de cualquier virtud. Hay diferentes teorías acerca del origen de estos seres pero una de las mas aceptadas es que provienen de la corrupción de elfos por un señor oscuro, Melkor o de otros seres seres como humanos que quizás sea la mas plausible. Se dividen en diferentes tipos, además de los orcos “estándar”, como los trasgos, mas pequeños, o los Uruk-Hai, auténticas máquinas de matar, mas inteligentes que un orco normal o semiorcos, mezcla repulsiva de orcos y humanos.

No solo hay personajes “físicos” sino espirituales como los Maiar, que pueden tomar forma corpórea como Gandalf, Sauron o Saruman.

Además de todos estas razas de personajes, hay que incluir a seres fantásticos como dragones, ents (árboles gigantes que caminan y hablan), trolls, balrogs, arañas gigantes o los Nazgûl, antiguos hombres corrompidos por los anillos de poder y que actúan como sirvientes de Sauron.

4 – Bueno, ya está algo mas claro. Estabas contándome el meollo del asunto, ¿cómo sigue?

Como te decía, Frodo se embarca, rodeado de sus compañeros en una peliaguda aventura para

destruir el anillo único. ¿Anillo único? ¿que es Como Bilbo ya esta mayor y en parte, corrupto eso?, preguntarás ahora. por la influencia del anillo, delega en su sobrino, Frodo que parte con la pesada carga acompañado Pues bien, el Anillo Único es uno de los anillos de del fiel Sam “Sagaz” Gamyi y Pippin y Merry. poder y es único porque es el que puede controlar a los demás, aparte de conceder otros poderes El resto, lo dejaremos para que lo descubráis, como la invisibilidad, alargar la vida y conocer ávidos lectores pero os diré que no escatima en lenguas extrañas aunque tiene una contrapartida batallas y seres fantásticos. peligrosa: el excesivo uso o la cercanía a él corrompe a cualquier ser vivo (¿verdad, Smeagol?). Llegó a 5 - ¿Y todo eso se contó en tres libros? manos de Bilbo Bolsón, como vimos (o veremos) en “El hobbit” y, ante la amenaza creciente del Tres volúmenes pero, recordemos, obligado por Señor Oscuro Sauron, que quiere recuperar su la editorial. La idea de Tolkien era lanzar un anillo a toda costa y la excesiva carga que supone único tomo, estructurado en prólogo, seis libros y poseerlo, decide hacerle caso a Gandalf, el mago y posteriormente se añadieron unos apéndices. deshacerse de él en los propios fuegos donde fue forjado, el Monte del Destino, en Mordor, pleno “La comunidad del anillo” es el primero de los hogar del Señor Oscuro. libros y consta del prólogo y las dos primeras

divisiones originales, “El Anillo se establece” y “El Anillo va al sur” y se publicó por primera vez en julio de 1954.

El prólogo no es mas que una primera toma de contacto con el mundo del legendarium creado por Tolkien y fue una de las últimas partes que completó antes de entregarlo a la editorial ya que quería darle toda la importancia que consideraba que tenían los hobbits en su historia, la estructura de La Comarca y un pequeño resumen de “El hobbit”, sobre todo la parte en la que Bilbo encuentra a Gollum y al Anillo Único.

En una segunda edición se añadió “Notas sobre los archivos de la Comarca”, donde Tolkien daba a entender que la historia había ocurrido de verdad.

“Las dos torres” es el segundo libro, también publicado en 1954 y contiene dos libros, “La traición de Isengard” y “El Anillo va al este”, con una clara división temática. Mientras el primero se centra en las aventuras de Aragorn, Legolas, Gimli y el resto de componentes de La Comunidad del anillo, el segundo libro (el cuarto en el global) se centra en el periplo de Frodo y Sam hacia Mordor.

El último volumen es “El retorno del Rey”, publicado en 1955. Tolkien consideraba que el título desvelaba demasiado sobre la trama y prefería titularlo “La guerra del Anillo”, título que se respetó para el quinto libro, que abre el volumen mientras que el sexto y último libro se

titula igual que la compilación, “El retorno del Rey”.También contiene los apéndices, tres en total y que tratan sobre los regentes del mundo, cronologías, árboles genealógicos, calendarios y tipos de letras y lenguajes. No hay que olvidar la faceta de Tolkien como lingüista y que consiguió crear un lenguaje casi completo, con sus reglas gramaticales.

La escritura de la obra comenzó en 1937 y finalizó en 1948 aunque las revisiones continuaron hasta la salida al mercado del primer libro, en 1954.

Para las revisiones, Tolkien contó con un grupo de amigos y conocidos como su hijo Christopher, el escritor C. S. Lewis y el hijo de su editor, Rayner Unwin.

Tolkien siguió escribiendo y atendiendo a sus varios compromisos profesionales hasta su muerte en 1973 y varios de sus manuscritos

inacabados o sin revisar fueron terminados por su hijo Christopher, como “El Silmarillón” o “Los hijos de Húrin”.

6 – Menuda historia, ¿esto dará para unas cuantas películas no?

Hombre, la escritura del libro o la vida de Tolkien si que daría para una buena película pero ESDLA siempre fue una obra tentada por pasarse al cine. Primero se intentó hacer una versión americana de animación pero ante la infatilización del guión, Tolkien se cerró en banda y se negó. Posteriormente, Kubrick, atención, intentó realizar una adaptación con ¡los Beatles! También estuvo muy cerca de hacerse en imagen real en los años setenta pero finalmente la primera adaptación llegó de manos de Ralph Bakshi, que hizo una polémica adaptación con una técnica consistente en filmar a actores reales y posteriormente repasarlas para que parezca de animación. Tuvo relativo éxito pero no llega a terminar la historia, se queda inconclusa.

Gracias a esa adaptación de Bakshi es como un joven Peter Jackson llega a conocer la historia de ESDLA. Años después, al finalizar el rodaje de “Agárrame esos fantasmas” (“The Frighteners”, 1996), Jackson comienza a plantearse en serio el rodaje de una película sobre la creación de Tolkien. Tras una serie de negociaciones sobre los derechos de la película que involucraban a diferentes compañías y varias ofertas de películas (entre ellas “King Kong”, proyecto que realizaría Jackson posteriormente), Miramax se quedó con el control del proyecto en 1997. Pero Miramax tenía ideas muy controvertidas: de una película divida en dos partes se acabó pasando a un solo film de dos horas de duración, con una mutilación vergonzosa del guión y 15 millones de dólares gastados en pre-producción.

Jackson cogió las riendas de la situación y ante la reticencia de los hermanos Weinstein, dueños de Miramax, a entrar en razón, comenzó a buscar otros inversores en su proyecto. Acabó entablando relaciones con New Line Cinema que puso sobre la mesa la idea de concebir las películas tal y como estaba presentada la novela: como una trilogía. El propio Jackson, Philippa Boyens y Fran Walsh adaptaron el guión, variando levemente el enfoque de los libros hacia un terreno mas cronológico e incorporando elementos de diferentes libros para hacerlo mas fluido.

7 – ¿Y las películas de Peter Jackson son fieles a la novela?

Es un tema peliagudo y que depende mucho de a quien se lo preguntes. Generalmente, la idea mas extendida es que si, la trilogía fílmica respeta la saga literaria aunque hay grandes peros que van mas allá de modificar un poco lo sucedido en los libros para que encaje en las películas, como la muerte de Boromir (Sean Bean) al final de “La comunidad del anillo” cuando, en los libros, sucede en el primer capítulo de “Las dos torres”, perdiendo su potencial elemento dramático al final de la primera película, sin que por ello pierda su significado.

La principal queja de los fans es la total ausencia de Tom Bombadil y el episodio con el Viejo Hombre-Sauce en “La comunidad del anillo”.

Tom Bombadil es un personaje misterioso, que se considera que puede ser un maiar, y que se encuentra con Frodo y Sam y les ayuda a liberar a Pippin y Merry del Hombre-Sauce, llegando incluso a probarse el Anillo Único sin verse afectado por su poder. Luego vuelve al rescate para ayudar a Frodo en su lucha en el túmulo e incluso se plantea, durante el Concilio de Elrond, que pueda ser portador del Anillo. Jackson aduce que Bombadil no aporta nada a la trama principal de la película que es el viaje de Frodo para destruir el Anillo y que parecería un personaje “sacado El rodaje se realizo íntegramente en Nueva de la manga” que generaría mas preguntas que Zelanda durante la friolera cantidad de 438 días, respuestas. al rodarse la trilogía de seguido entre 1999 y Otra queja importante es la batalla del Abismo de finales de 2000.

Helm, la parte mas épica de “Las dos torres” y que, pese a lo que se ve en las películas, nunca lucharon

elfos... sólo los humanos (con la adicional ayuda de los integrantes de la Compañía del Anillo) hicieron frente a hordas de orcos.

Hay algunos detalles mas como la desaparición de la Compañía Gris, la forja de Andúril o la interacción de Faramir con Sam y Frodo.

Porque nueve son los integrantes de la compañía del Anillo: Gandalf, Frodo, Sam, Merry, Pippin, Aragorn, Gimli, Legolas y Boromir y reúnen a la práctica totalidad de los protagonistas de la historia.

El nueve es un número con un gran peso simbólico en ESDLA, llegando a tatuárselo los actores del Pequeños detalles o grandes pifias, que muchas film, por supuesto, en élfico. El Anillo Único se lo veces no tiene sentido su eliminación pero otras quedó Andy Serkis como regalo personal de Peter si que puede ayudar a la fluidez de la historia, Jackson. depende de lo que se valore la fidelidad a la novela.

Aunque siempre tendremos alguna edición Además nueve son los anillos de poder forjados extendida pendiente para meter todo el metraje para los humanos, que acabaron siendo los Nazgûl que falte... que acechan a Frodo y compañía en su viaje.

8 - ¿Ediciones extendidas?¿De que demonios estás hablando?

ESDLA es la historia de un viaje, de una misión casi imposible pero el camino que llevó a su creación, Seis meses después del estreno de “El retorno tanto literaria como cinematográfica, es un del Rey” se publicaron unas ediciones en dvd interesante camino de anécdotas, de inesperados con algunas escenas nuevas y otras con metraje cruces de caminos... pero, en el mundo real, sin extendido, ademas de una cantidad insensata anillos únicos. de extras como comentarios y documentales. Larga vida a la fantasía.

Una máquina de facturar dinero y de ampliar la Por L. J. Zapico leyenda de las películas.

No contento con eso, no paran de aparecer rumores de una nueva versión, la llamada “versión definitiva”, optimizada para la alta definición y que podría aparecer en un futuro próximo (¿quizás con el final de lo que, parece ser, la trilogía que va a conformar “El Hobbit”?).

Diecisiete Oscars después, casi tres mil millones de dólares recaudados en taquilla y cifras incontables de dinero en el mercado doméstico y merchandising, ademas de generar todo un fenómeno cultural y con un legado visual (¿quién no recuerda la imagen de la silueta de los protagonistas caminando por las montañas, a Gandalf entrando a caballo al Abismo de Helm o creerse que Gollum era un actor de verdad y no trabajo de Andy Serkis y la gente de Weta?) y musical prácticamente incombustible con el paso del tiempo, la adaptación cinematográfica de ESDLA es un filón inagotable y un reflejo del enorme trabajo de Tolkien, la dedicación de toda una vida.

9 - ¿Nueve preguntas?¿Por qué nueve?

Los Señores del Mal

Sauron y Darth Vader Los amantes de la fantasía y la ciencia ficción nos encontramos de suerte. Este mes de diciembre llegará con uno de los mayores regalos que podríamos desear para estas fiestas, El Hobbit: Un viaje inesperado. Será el comienzo de la nueva trilogía tramada por Peter Jackson basándose en los escritos de J.R.R. Tolkien, que nos tendrá durante estos próximos tres años ansiosos por que lleguen estas fiestas.

Sauron fue corrompido por Melkor entregándose por completo al servicio del mal, siendo la mano derecha de su señor en multitud de batallas.

Anakin Skywalker era el Jedi que supuestamente traería el equilibrio a la Galaxia, pero tras ser seducido por Darth Sidious se convirtió en sith recibiendo el nombre de Darth Vader y llegando a ser el instaurador del Imperio a golpe de sable laser.

Justamente cuando termine la trilogía basada en las aventuras de Bilbo Bolson, llegará una nueva trilogía inesperada para saciar nuestras ansias de devorar cine. El Episodio VII de Star Wars aparecerá, suponemos por mayo o junio, en 2015 tras la sorprendente compra de Lucasfilm por parte de Disney y posterior anuncio de la nueva trilogía de la saga galáctica creada por George Lucas.

Sus servicios a sus señores fueron bastante parecidos aunque el final de ambos no fuera el mismo, sí las intenciones de ambos. Sauron terminó traicionando a Melkor para quedarse con el poder total, mientras Vader daba caza a los jedi hasta casi exterminar la orden tramaba asestar el golpe de estado definitivo y ocupar el puesto de Sidious, pero su amor por su hijo se interpuso en sus planes y terminó con su vida.

La cercanía entre el estreno de las nuevas aventuras de la Tierra Media y el sorprendente anuncio de una de las mejores space operas de la historia del cine, me hacen plantear similitudes entre sus dos villanos principales. Sauron y Darth Vader, el Señor de los anillos y el Lord oscuro, el ojo que todo lo ve y el que estaba destinado a traer el equilibrio a la galaxia.

También sus ejércitos se pueden asimilar, mientras Sauron tiene a su merced a una legión interminable de orcos con sed de sangre y que obedecen a su señor sin remisión, Darth Vader controla las tropas de clones creadas por la República para defenderse en las Guerras Clon y posteriormente apropiadas por el Imperio.

En algunas discusiones de los más frikis suele aparecer una insinuación de lo más sutil, George Lucas se inspiró en ciertos aspectos de la obra de Tolkien para crear Star Wars. Es un hecho no demostrable pero es cierto que puestos a comparar a sus dos villanos tendrían alguna que otra comparación plausible pero también es cierto que hay diferencias considerables.

Sus orígenes malvados pueden sugerir similitudes.

La mística también coincide en sus poderes.

Sauron tenía el poder de cambiar su forma a la que quisiera, manejar los espíritus menores e invocarlos, podía llamar espíritus malignos y meterlos dentro de criaturas monstruosas y podía crear ilusiones en las personas de mente débil.

Darth Vader que inició los caminos de la Fuerza por el lado luminoso de los jedi, al ser seducido por el lado oscuro aumentó considerablemente sus poderes, pero nunca llegó al estatus total de su señor Lord Sidious. Control mental, la movilidad

de objetos eran algunas de las grandes bazas de Anakin.

que la clonación o cualquier otro macguffin traerán de vuelta al bueno de Anakin.

Preparaos para disfrutar de 9 años de nuevas emociones (incluso los lectores de la obra de Tolkien, que seguro habrá alguna sorpresa), tres seguidos donde el anillo de poder nos arrastrará como fieles servidores a las salas de cine primero y a las tiendas para completar nuestras colecciones, y mientras los hobbits, elfos, enanos y demás criaturas ideadas por el escritor británico Pero aunque pueden existir estas similitudes, también hay grandes diferencias. Mientras Vader dominan la taquilla Disney estará en la sombra planeando su asalto previsto para 2015 al que es sólo un humano tras una máscara que lo mantiene con vida, Sauron es un espíritu inmortal seguirán rumores primero, teasers después y cuya vida se extendió durante más de 16.000 años. tráilers con los que nuestra imaginación volará de nueva a cotas insospechadas.

Los dos malvados poseían bases de operaciones desde donde dominar y tramar sus planes, mientras Vader dominaba la Galaxia desde La Estrella de la Muerte, Sauron hizo de Mordor su fortaleza. Ambas inexpugnables, hasta que llegó su hora.

Tal vez la mayor de las diferencias consistiría en su implicación en la lucha. Sauron casi nunca se ensuciaba las manos, tal vez escarmentado por sus derrotas cada vez que se enfrentaba en persona a sus rivales. Desde su derrota ante Isildur permaneció en la sombra tejiendo los hilos para la reconquista de su ansiado anillo de poder que le haría volver con todo el poder perdido. En cambio Vader nunca dudaba en saltar al barro, encabezó el asedio al Consejo Jedi que destruyó a gran parte de los maestros y sus padawan, además no dudaba en pilotar un Tie Fighter si la situación lo requería o luchar con sable de luz en mano contra cualquier amenaza.

Lo que no queda duda alguna, es que estamos ante dos de los mejores villanos de la fantasía y la ciencia ficción. Dos villanos que en principio no veremos en estas nuevas trilogías, Sauron porque no aparece en el libro del Hobbit, salvo que Peter Jackson se saqué algún giro de guión que desconocemos pero que en circunstancias normales se habría dado a conocer como algunos cambios que ha realizado para dar una segunda vida a personajes que usó en la anterior trilogía o personajes que se conocen ha creado personalmente para esta nueva historia. Por parte de las nuevas secuelas de Star Wars, los Episodios que van desde el VII al IX, no deberían contar con la figura de Darth Vader que fallecían al final de El Retorno del Jedi (curiosa similitud de título con El retorno del Rey) en los brazos de su hijo Luke y cuyo fantasma pudimos ver reunirse con Obi Wan y Yoda. Pero ya suenan los primeros rumores de que Disney no está dispuesta a renunciar a una figura tan emblemática del universo creado por Lucas y mucho nos tememos

POR SALVADOR VARGAS

Cuenta la leyenda que los Altos Herreros Élficos forjaron 20 anillos de poder, tres anillos para los Reyes Elfos, siete para los Señores Enanos, Nueve para los hombres mortales y uno para el señor oscuro. Poco tiempo después todos fueron engañados por el Señor Oscuro Sauron.

Monstru Los N

Los nueve hombres a los que Sauron dio anillos poco a poco fueron corrompidos por el poder de los mismos, y esclavizados por el poder del anillo y porque se sienten atraídos por el poder del único en manos de Sauron convirtiéndose así en anillo, así que si no te gustan los encapuchados sus mas fieles y poderosos aliados. de dos metros armados con grandes espadas y a caballo, dale ese anillo a otro.

Su cuerpo físico poco a poco se desvaneció bajo la influencia de los anillos convirtiéndose en Si has decidido que tu destino es ser el portador espectros, solo visibles por sus ropajes y túnicas del anillo y has pasado por alto nuestro primer negras. Sus armas no se limitan a las espadas, cuyo consejo aquí va el segundo, NO TE ENFRENTES acero es venenoso para casi todas las criaturas de A ELLOS. Tienes las de perder, entre otras cosas la Tierra Media, o mazas sino que están envueltos porque son inmortales, pero además porque por un halo de terror que afecta a todo el que se en su época humana fueron grandes guerreros, le acerca. tres de ellos se cuenta que eran grandes reyes numenorianos así que su destreza con la espada y Aunque los Nazgul han participado en muchos las artes de la guerra es probablemente mejor que momentos decisivos de la Tierra Media, mucha la tuya. gente los conoce por su implicación en la llamada guerra del anillo, cuando Sauron les ordenó De la anterior recomendación podemos sacar recuperar el anillo único de poder, perdido hasta otra mas que queda implícita, HUYE. Una de tus entonces y que se encontraba en las manos de un mejores opciones ante un Nazgul que ha fijado tal Bolson que vivía en la Comarca. su mirada tenebrosa en ti es salir corriendo en dirección contraria, si, es de cobardes, pero de Cuenta la leyenda que los Nazgul no sobrevivieron valientes están los cementerios llenos. a Sauron ya que su jefe, el conocido como Rey Brujo de Angmar murió en batalla a manos de Una vez iniciada la huida hay una cosa que Merry y de Eowyn, que se aprovecho de un vacío debes de tener en cuenta a toda costa porque de legal en la maldición que protegía al ser y que ella puede depender tu vida, como vimos que le decía “ningún hombre me podrá matar” pero que ocurrió a Frodo y a sus amigos, y esta es… NO no decía nada de ningún hobbit y una mujer. Y el HAGAS EL GILIPOLLAS. Vamos en esencia, si resto se desvanecieron al destruirse el anillo único estas en la cima de una solitaria montaña sin nadie pero no obstante os vamos a dar unos pequeños alrededor, no enciendas una hoguera porque hay consejos de supervivencia, dada la posibilidad de muchos puntos de que te vean y ya sabemos lo que Sauron vuelva a alzarse y con él, el poder de que ello conlleva. los Nazgul.

Pero si al final de todo has hecho el gilipollas, es En primer lugar y antes que nada decir que una de muy importante TENER UN ELFO CERCA. Y no las principales maneras de evitar que un Nazgul solo porque son grandes guerreros, sino porque ponga su punto de mira en ti es en esencia NO su medicina es lo único que te puede salvar de SER EL PORTADOR DEL ANILLO UNICO, y una herida provocada por sus espadas, a lo que esto es en esencia por dos razones, porque su jefe incluimos que su magia puede venirte bien en les ha ordenado obtenerlo a cualquier precio y momentos delicados.

uos de cine Nazgul

Y aquí viene una de las pocas debilidades que tienen estos seres, EL AGUA LES GUSTA POCO, así que si puede ser pon un río entre ellos y tu que te puede venir muy bien a la hora de huir.

Tras el final de la guerra del anillo como hemos dicho antes, los Nazgul desaparecieron, según la leyenda porque el poder del anillo único se perdió y les liberó de sus ataduras, pero cuentan las malas lenguas que con la caída de Sauron, en Mordor hubo un expediente de regulación de empleo, que acabo con el trabajo de muchos orcos y otros seres oscuros como los Nazgul que tuvieron que volver a ganarse la vida en otros lugares, algunos han sido vistos guardando los muros de la prisión para magos oscuros de Azkaban, ahora responden al nombre de Dementores, pero desde la redacción de NosoloFreak no podemos confirmar ni desmentir estos rumores.

Por Tony Camacho.

Cine de y bruj

Por Beatriz

Cuando nos mencionan espadas y brujas o brujería, siempre pensamos en la leyenda del Rey Arturo y todas sus versiones, en Conan y las diversas adaptaciones y secuelas, o en el pequeño Willow que nos ayudó a conocer el valor en un ser de baja estatura. Todos ellos han sido parte de nuestras vidas, pero no sólo de ellos se ha nutrido el mundo cinéfilo. A continuación, recordaremos otras grandes películas de esta temática tan nuestra que nos ha emocionado a lo largo de los años, y, seguro, nos seguirá marcando, sobre todo con la vuelta de la Tierra Media.

Antes de Conan y partiendo de la leyenda del Rey Arturo, en 1981 se estrenó la película titulada El dragón del lago de Fuego, dirigida por Matthew Robbins y realizada por la unión entre Paramount y Disney. Centrada en ser un clásico del género, pues su ambientación, personajes y monstruos así lo indicaba, fue llamada al fracaso, quizás por eso mismo, por no innovar y no mostrar nada más que damas en peligro, valientes guerreros, dragones y aprendices de magos. Cabe destacar, que a pesar de llevar el sello Disney implícito, no escatimaron en escenas sangrientas, en luchas y en cierta violencia, pero, ¿qué película de espada y brujería que se precie no tiene esas escenas?

La trama se centra en un mundo medieval en el que el rey ha hecho un pacto con un dragón, por el cual el soberano tendrá que sacrificar a vírgenes a cambio de que la bestia deje en paz el reino.

Viendo que la situación no mejora, un aprendiz de mago, decidirá enfrentarse al temible dragón para salvar a una dama y a su vez convertirse en el mago más poderoso.

Como todos sabemos, en 1982 la temática de espadas y brujería estaba en auge gracias a Conan el bárbaro de John Milius, personaje creado por Robert E. Howard y que llevó al estrellato a un casi desconocido Arnold Schwarzenegger. A

partir de entonces, se vió que esta nueva temática podría dar mucho de sí en los cines, por lo que se firmó una secuela de Conan a la par que se fueron creando sucedáneos de origen europeo, como Gunan, Rey de los Bárbaros, entre otras.

Al descubrir que Robert E. Howard había creado más personajes de este mundillo, Richard Fleischer se atrevió a llevar a la pantalla en 1985

Espada jería

z Pulido su otro personaje, Red Sonja, en la película titulada El guerrero Rojo. Para no buscar otro actor, decidieron contratar a Schwarzenegger para que interpretara a este nuevo héroe tan similar al anteriormente mencionado. Esta vez su compañera sería Brigitte Nielsen, la verdadera protagonista, pues la historia comienza con el asesinato de su familia y su propia violación por parte de los soldados de la malvada Reina Gedren, la cual quería tener relaciones sexuales con la protagonista. En el momento después de la masacre, Sonja es visitada por un espíritu que le da fuerzas para poder vengarse. Por si fuera poco, otra hermana de Sonja ha sido mortalmente herida tras escapar de las garras de Greden e Ikol, los cuales quieren apoderarse con el Talismán, arma de inconmensurable poder que vigilaba junto a otras sacerdotisas en un templo. Sonja recibe de su hermana, Varna, las instrucciones para recuperar el talismán y destruirlo, para así evitar que el mundo quede destruido por tormentas y terremotos. Lord Kalidor, varón que ha ayudado a Varna a llegar hasta su hermana, se ofrece voluntario para acompañar a Sonja en su nueva misión, pero lo rechaza y parte hacia el reino de Hablock, en donde se encontrará con el Príncipe Tarn, un niño presumido y arrogante, y a su servidor, Falkon, los cuales le informan de los planes de hacerse con el mundo de Geden. Le intentarán dar un ejército, pero ella decide volver a partir sola, pero a lo lejos le persigue Kalidor, pues sabe que, tarde o temprano, tendrá que intervenir para salvarla, como ocurre cuando se encuentra con el ejército de Lord Brytag.

Finalmente, darán con el talismán dentro de una habitación rodeada de velas dentro del castillo de Berkubane, en donde Sonja se enfrentará a Gedren mientras el resto de sus compañeros se

se ocupa de los guardias. El talismán está fuera de control, provocando que el castillo se parta en dos, se abra una grieta en el suelo y caiga derrotado en ella Gedren. Una vez liberados del mal, los compañeros de Sonja tienen que huir a la par que el castillo se derrumba tras de ellos, consiguiendo vencer y celebrarlo con un beso entre Sonja y Kalidor, y eso que éste aún no la había vencido en combate, requisito que tenía la protagonista para estar con un hombre.

Una de mis películas favoritas de siempre ha sido El señor de las Bestias, dirigida por Don Coscarelli y basada en la novela de Andre Norton. Recuerdo como desde bien pequeña me sentaba a verla con mi hermano, y cómo disfrutábamos los dos juntos

viendo cómo luchaban contra monstruos, cómo el héroe se llevaba a la chica y como terminaba reinando el bien… bueno, al menos eso es lo que recuerdo yo jajaja.

La historia relata cómo el hijo del rey, Dar, es secuestrado por un sacerdote de la orden de Jun para acabar con la estirpe real. Pero lo que no saben, es que este bebé, al ser abandonado a su suerte, realmente fue encontrado por una familia de campesinos que lo crió como su hijo (al estilo de Superman, si) sin saber quien es ni en quien se convertirá.

Al llegar a la madurez, Dar ve como su familia es asesinada por hordas de salvajes, justo en el mismo momento en el que descubre que es capaz de comunicarse con todo tipo de animal con el que se encuentre. De este modo, Dar comenzará su andadura de venganza contra los asesinos de familia, encontrándose en el camino con varios seres de todas las especies y razas, entablando amistad con uno, y matando a otros, todo para llegar a ser el nuevo señor de las bestias. Cabe destacar la compañía de sus dos hurones, los cuales le salvan la vida en más de una ocasión, y

de su halcón, a través de cuyos ojos podía ver lo mismo que el ave, y así vigilar lo que le pasaba alrededor. Pero no sólo de animales vive Dar, ya que se encontrará con una atractiva esclava que le acompañará en su andadura.

Investigando un poco, he sabido que hicieron dos secuelas más, de las que no recuerdo haberlas visto, así que ya tenemos trabajo, las buscaré, las veré y os las comentaré, aunque parece ser que es más de lo mismo.

Otra de las películas que cabe destacar, es Kull El conquistador, dirigida por John Nicolella en 1997 y protagonizada por Kevin Sorbo (nuestro querido Hércules de la serie de TV). De nuevo contamos con otro personaje de Robert E. Howard, en donde se narra la historia de Kull, un valeroso guerrero que quiere entrar a formar parte de la Legión de élite del rey de Valusia, pero que no es aceptado por no tener sangre azul. Poco después de su rechazo, recibe la noticia de que el rey se ha vuelto loco y ha manato a todos sus hijos, por lo que Kull partirá hacia el palacio para comprobar si es verdad. Una vez allí, el líder de la legión, Taligaro, preguntará al rey por qué ha hecho esto,

pero está tan loco que ataca al legionario y a Kull, salvando éste al primero y quedando malherido el rey, el cual le entregará la corona a Kull, sabiendo que será perseguido por lo que ha ocurrido.

Kull tendrá que huir, pues Taligaro y su sobrino, ambos de sangre azul y posibles herederos de esa corona, buscan las formas de acabar con el poseedor de la corona, llegando a devolver la vida a la reina bruja para que acabe con él. la reina Akivasha, la bruja más poderosa de todos los tiempos, ha vuelto a la vida, logra seducir a Kull se casa con él, para que en la noche de bodas poder envenenarle y así acusar a la esclava Zareta y así ser la reina viuda. Pero Kull sobrevive y ayuda a Zareta a escapar junto a su primo sacerdote, y así, los tres juntos, ir en busca del Aliento de Valka, lo único que es capaz de acabar con la bruja malvada.

Una vez que han conseguido el aliento, vuelven al reino para comenzar una batalla contra la bruja, la cual se había convertido en un monstruo. Le hacen ingerir el aliento y muere, reinstaurándose así Kull como verdadero rey. Una vez conseguida la paz, Kull reformará la legislación, otorgándole más poder al pueblo, y en especial a la mujer.

La verdad es que esta película me gustó bastante en su tiempo, por los personajes, pero sobre todo por ver a Hércules y a Sydney Fox juntos (soy una serial lover) pero sobre todo por el trasfondo que tiene la película, por la importancia de seguir adelante pase lo que pase y de apoyarse en los que tienes a tu lado (puede que no fuera ese el mensaje, pero a mi me lo dio.)

En el año 2000 por fin pudimos ver la versión del archiconocido juego de rol Dragones y Mazmorras, el cual ya había sido llevado a televisión con una serie de animación (Llegamos a un mundo fantástico, lleno de seres extraños, el amo del calabozo, nos dio poderes a todos.

Tú el bárbaro, tú el arquero, acróbata, mago y el caballerooooo, Dragones y mazmorras, un mundo infernal, se oculta entre las sombras, la fuerza del mal) película dirigida por Courtney Solomon, presentada como versión oficial del juego del rol, nos narra las aventuras en el Imperio de Izmir, el cual ha sido gobernado por unos magos, un grupo de la élite que oprime a los plebeyos, entre

los que destaca Profion, con cuyo cetro es capaz de controlar a dragones dorados, pero uno de ellos se rebela y destruye el cetro, comenzando a matar a los esbirros de Profion, el cual se venga asesinando al dragón, cuya sangre será derramada al rio, provocando que se incendien muchas casas de los alrededores. Es en este momento en el que nos presentan a los protagonistas de la película, dos ladrones, Ridley y Snails, los cuales intentan robar dentro de la escuela de magia, en donde les pillarán la joven aprendiza Marina, justo en el momento en el que un esbirro del villano atrapa al mago bibliotecario para ser interrogado por Profion, para que le indique dónde encontrar el cetro que controla a los dragones rojos. El mago se niega a hablar y es asesinado por ello, pero justo antes, Marina se ha hecho con el mapa que le indicará el lugar del cetro, a donde acudirá llevándose con ella a los ladrones. En el camino conocerán al enano Elwood, con el cual intentarán escapar de los guardias de Profion y encontrar el rubí rojo llamado el ojo del dragón, el cual es la llave para abrir la tumba en donde descansa el cetro. Para conseguir el rubí, Ridley tendrá que sobrevivir a un laberinto en casa del ladrón Xilus, el cual le había prometido que se lo entregaría tras superar la prueba, pero éste intenta arrebatárselo por la fuerza justo en el momento en el que dan con ellos los secuaces de Profion.

Los compañeros consiguen escapar, dejando a Marina atrás. En la huída se encontrarán con la elfa Norda, quien trabaja como rastreadora para la Emperatriz Savina, la verdadera regente, la cual se unirá al grupo para conseguir el cetro y entregárselo a su verdadera dueña, y así destituir del poder al maligno.

Juntos conseguirán rescatar a Marina, encontrar el cetro e ir a devolvérselo a la emperatriz, mientras que surge el amor entre Ridley y Marina, no sin antes discutir por la naturaleza de cada uno, ya

que Ridley no soporta a los magos, pero ella le explica que gracias a la emperatriz todo cambiará y no se volverá a utilizar la magia con un mal fin.

Una vez con el cetro, Damodar, el súbdito más fiel de Profion, se lo arrebata y se hace con el poder, obligando a su amo a invocar a dragones rojos, para que luchen contra los dragones dorados de la emperatriz. El poder del cetro rojo corrompe a todo aquel que lo usa, cosa que sabe Ridley, por lo que cuando logra desarmar a su enemigo y éste le incita a usarlo, decide destruirlo y así terminar con todo. Profion ya no tiene poder, y la emperatriz lo condena a muerte, siendo devorado por un dragón dorado. Finalmente todos son nombrados héroes y viven felices.

A pesar del poco éxito de la película, se realizaron dos telefilmes que incluyen personajes de la saga, pero sin ser los protagonistas.

Sinceramente, creo que el poco éxito de la película se debió al gran éxito de la serie y del juego del rol, y a pesar de mantener el espíritu de las espadas y la brujería de lo ya vivido anteriormente gracias a esos otros dos formatos, el cine no supo transmitir en cien minutos todo el amplio mundo de dragones y mazmorras.

Podríamos estar comentando películas de los ochenta interminablemente, pues fueron cientos y cientos las que se realizaron de esta temática de espada y brujería a lo largo del mundo, y no solo las ya conocidas en Estados Unidos, sino también en Europa y principalmente las versiones en Italia, las cuales iban de mal en peor, intentando versionar diferentes cómics o personajes de otras películas.

Pero lo importante es reconocer que, por mucho que pase el tiempo, la espada y la brujería estará

presente en nuestras vidas, pues nos marcó no sólo con Conan, sino con Arturo, con El señor de los Anillos, con Harry Potter e incluso con Star Wars, pues todo film que recoja la valentía, la lucha por la amistad, dragones, espadas y magia, habrá estado influenciado por este género.

Y por eso mismo, a mi me gustan tanto todas esas películas que os he mencionado.

Finite incantatem

Mucho antes que el cine conviertiera a sus héroes románticos en descargas musculares de adrenalina para el cine de acción, existieron una raza de actores llamados a inscribir sus nombres con letras doradas en el género de aventuras.

Evidentemente vamos a hincharnos los pulmones de nostalgia, permitidme situarnos y retroceder a una época donde el público era más ingenuo, donde las autopistas de la comunicación estaban aún sin trazar, esa en la que la audiencia aprendía los hechos históricos que Hollywood le narraba, cierto que casi siempre con escaso rigor, pero daba igual, el énfasis de las producciones se medían por la emoción que generaban, nunca la fábrica de sueños de la meca del cine tuvo tanta grandeza, no en vano, se conoce como su época dorada.

Este artículo, en su origen, debería haber tratado simplemente las vidas de dos grandes intérpretes, posiblemente los que mejor supieron escenificar, a la largo de su carrera, el alma del aventurero, hablamos de Errol Flynn y de Burt Lancaster, iconos majestuosos e intemporales del género, pero se nos ocurre que tal vez, contar algo al estilo de un prólogo de una novela de Dickens, con el típico “nací, crecí....”, queda ya del todo anticuado, si nos imbuimos del espíritu de la aventura en su estado más básico, ese que nos permite disfrutar con ella, aquí hay cabida para algo más, el que busque una biografía típica, que consulte la Wikipedia.

Resulta del todo oportuno, cómodo y tremendamente ameno para el lector, situar por órden cronológico, una lista de las diez mejores películas del género de aventuras, siempre claro está, a juicio de quien os escribe, en dos de ellas encontrareis anécdotas de estos geniales e irrepetibles actores, a su vez, dividiremos el contenido en dos bloques, atendiendo primero a los clásicos y acto seguido a los títulos contemporáneos, preparaos para el combate más heroico, o gritad ¡al abordaje! si lo preferís, aquí el cine se hace digno de ser aclamado.

CLÁSICOS.

- The adventures of Robin Hood / Robin de los Bosques (1938) El cine mudo ya se había encargado de mostrar al personaje de Robin Hood en 1922, en aquella ocasión, el grán Douglas Fairbanks, que merecería un artículo para el solo, como auténtico y genuino héroe de aventuras primigenio, era el que se calzaba las mallas del personaje, pero es la versión que nos ocupa, dirigida por Michael Curtiz, - el mismo realizador de “Casablanca” - la que se merece la gloria.

Del argumento poco que mencionar, todo muy visto ya después de tantos acercamientos fílmicos, Ricardo Corazón de León se va a las cruzadas y deja a su repugnante primo Juan como regente, el tirano ahoga al pueblo y surge la figura de Robin de Locksley, que roba a los

CINE DE AV ERROL FLYNN, BU Y LAS 10 MEJO DEL GÉ

VENTURAS: URT LANCASTER ORES PELÍCULAS ÉNERO. ricos para darselo a los pobres.

Surje aquí la cuestión de porque hay que verla, algunos dirán que es preferible acercarse a una visión más actual, pero recordad que la pomposidad y los efectos no compran la magia de películas como esta, además, su sentido del humor, su fina ironía, su delirante vestuario, su deslumbrante fotografía a color, son armas imposibles de igualar, por mucho dinero que se invierta en el cine actual.

En los actores, encontramos a Basil Rathbone, perfecto como malvado Sir Guy de Gisbourne, la curiosidad es que Rathbone era un excelente espadachín en la vida real, resulta del todo irónico que tuviera que dejarse ganar en la grán pantalla, dado que siempre le tocaba hacer de villano en las películas en las que participaba, justamente, el duelo final entre Sir Guy y Robin es uno de los momentos más antológicos del género, otra razón más para elegir este título como el mejor jamás rodado sobre el personaje.

Como Lady Marian, la deliciosa Olivia de Havilland, el perfecto contraputo de Errol Flynn, no, no me he olvidado del protagonista, simplemente le dejo para centrarme en su figura, de la actriz, mencionar que fué la pareja de ficción más recordada del actor, aportandole una serenidad y elegancia ideales, que contrarrestaban la vena insolente de Flynn.

ERROL Leslie Thomson FLYNN (1909-1959) Bigotito mínimo, cara de sinverguenza, pero un ecanto demoledor, Errol Flynn vivió deprisa y aceleradamente, tanto que su corazón se rindió antes de lo esperado, cuando apenas contaba 50 años, nada que ver con sus personajes, desbordantes de energía y pasión, la misma con la que encaró una vida ajetreada, pocos saben que fué boxeador en su juventud, con apenas 17 años participa en las Olimpiadas de 1928 en Amsterdam, representando a Australia, su país natal, más tarde probó como marinero, e incluso intento cultivar cacao en África, entre tanto empleo, se las arregla para estudiar interpretación, es justamente representando una pieza teatral en Estados Unidos, que un cazatalentos de la Warner Bros le ficha, en su segunda película coincide con el director Michael Curtiz, que le convierte en su actor fetiche, llegando a rodar juntos un total de 12 títulos, en su segunda película juntos, quinta de Errol Flynn como actor, “El capitán Blood” donde forma pareja con Olivia de Havilland por primera vez, llega el éxito a la carrera de Flynn, tenía 26 años.

Como anécdota, entre 1938 y 1940, intérprete y realizador llegaron a filmar nada menos que siete películas juntos, algunas tan destacadas como “La vida privada de Elizabeth y Essex” con la legendaria Bette Davis y como no, con Olivia de Havilland, o la ya analizada “Robin de los bosques”.

En 1941 trabaja a las órdenes de el segundo director más importante de su carrera, Raoul Walsh, no tienen que demorar el éxito, pués a la primera firman uno de los clásicos más recordados del interprete, “Murieron con las botas puestas”, donde Flynn da vida al general Custer, y nuevamente comparte romance en la ficción con, ¿lo adivinan?, Olivia de Havilland.

De un total de 7 títulos juntos, la otra cinta destacada de la colaboración Walsh/Finn es “Objetivo Birmania”, filmada en 1945, un clásico del cine bélico.

De su disoluta vida personal, no añadiré apenas nada, para mi está prohibido manchar la imagen de una leyenda, de eso ya se encargaron algunos en vida, que intentaron, desgraciadamente con éxito, minar la confianza del actor, varias esposas que le masacraron en los tribunales en costosísimos divorcios, una acusación de violación de la que fué absuelto, ejemplos que explican el declive de Flynn, su estrella se fué apagando a golpe de escándalos, que finalmente le arruinaron tanto física como economicamente.

Considero que las anécdotas tienen más valor y nos muestran al Errol Flynn persona, quizá la más recurrente sea aquella que trata sobre la muerte del actor John Barrymore en 1942, según cuentan, Flynn y Raoul Walsh robaron el cadaver del velatorio y lo llevaron a casa del primero, para celebrar una última y pactada juerga, una vez terminaron con la promesa a Barrymore, devolvieron el cuerpo.

La otra anécdota que me gustaría mencionar, es puramente cinéfila y versa sobre la participación frustrada de Flynn como protagonista en “Lo que el viento se llevó”, al parecer, el actor ya tenía el contrato firmado con George Cuckor, director original de la cinta que luego sería despedido, - no en vano es una película que llegó a tener hasta dcinco realizadores distintos - en el último momento, y sin saberse bien el motivo, Cuckor eligió a Clark Gable para el papel del capitán Butler, lo que arruinó la relación de Errol con Cuckor y especialmente con Gable, uno de sus mejores amigos, al que jamás volvió a dirigirle la palabra.

Centrándonos en los últimos años de su vida, resulta curioso ver como el actor repudiaba su imagen de galán seductor, una de las pocas frases que podemos rescatarle, hace alusión a esa realidad: “En todo el mundo se me identificó como el playboy de occidente, ese era yo, un símbolo fálico universal”, no cabe duda que es algo que le influyó negativamente, sobre todo a nivel personal.

Como despedida me gustaría hablarle al Errol Flynn de ahora, ese que es uno de los grandes e incuestionables mitos del Hollywood más esplendoroso, seguro que hoy se sentiría orgulloso de su legado, para siempre imagen de grandes héroes del celuloide, el temerario Capitán Blood, el intrepido Robin de Locksley, el valeroso General Custer, casi nada.

- The Treasure of the Sierra Madre / El tesoro de Sierra Madre (1948) Decir que estamos antes la mejor película de John Huston, uno de los más grandes realizadores de todos los tiempos, puede sonar algo excesivo, pero yo voy incluso más allá, hablamos de un film que podría ocupar perfectamente una lista de las diez mejores cintas de la historia del Séptimo Arte.

La clave, lo que realmente la convierte en una película excepcional, es su adecuada mezcla de géneros, un híbrido de Western y cine de aventuras, que a su vez en transforma en uno de los mejores ensayos sobre la codicia jamás filmadas, si encima añadimos un reparto en estado de gracia, con un Humphrey Bogart soberbio, alejado de su imagen habitual del cine negro, y a Walter Huston, padre del director, en uno de esos secundarios apoteósicos que a veces nos regala el celuloide, obtenemos las razones de su excelsa superioridad.

Cine de perdedores, seña de identidad de su realizador , ante la última oportunidad de sus vidas para abandonar la pobreza y la miseria de las calles, embarcados a una odisea mexicana propia de los que se aferran a un clavo ardiendo, la fiebre del oro sujeta irremediablemente a la fatalidad, que les persigue allá donde surge el más mínimo atisbo de éxito, y todo ello sin abandonar el mejor espíritu del género.

La anécdota más recurrente del rodaje surje de la tensa relación de amor odio entre los Huston, Walter y John, padre e hijo, se comenta que fué un espectáculo ver como forcejeaban por llevar la última palabra en las continuas discusiones que mantenían, en este caso, Bogart, amigo personal - de borracheras - y actor fetiche del director, fué el encargado de apagar la mayoría de incendios. Walter, ya veterano actor, con origenes en el cine mudo, cuestionaba la autoridad de su hijo tras la cámara, no por considerarle un inepto, era más por mantener una severa autoridad paternal, propia de un caracter fuerte, por suerte se llegó a buen puerto y John Huston logró sacar lo mejor de su progenitor, imponiendo su no menos tormentoso temperamento.

El Tesoro de Sierra Madre supuso el Oscar a mejor director y mejor guión adaptado para John Huston, que en la ceremonia de los premios de 1948, compartió con su padre Walter, galardonado con el Oscar a mejor actor de reparto, esta vez sí, la imagen bien avenida de ambos, es la que se inmortalizó en la foto de los ganadores.

The Crimson Pirate / El temible Burlón (1952) Alguno pensara con razón, que el título que debería ocupar este espacio, ahora que llegamos a Burt Lancaster, nuestro segundo homenajeado, debería ser “El halcón y la flecha”, una de las cumbres del género, pero su excesivo parecido argumental con “Robin de los bosques” nos lleva a buscar cierta diversidad en la propuesta, es así como llegamos a “El temible Burlón”, una de las películas de mi más tierna infancia cinéfila, deslumbrante clásico de piratas en la línea del mejor y más entretenido cine de aventuras.

Dirigida por Robert Siodmark, narra las correrías del Capitán Vallo, Lancaster, y su inseparable compañero Ojo, interpretado por Nick Cravat, corsarios de buen corazón - el cine todo lo

puede - en el caribe de principios del Siglo XVIII. Separando la historia, que es bastante rutinaria dentro del cine de piratas, lo que realmente hace especial al film de Siodmark es su vocación de espectáculo puro, destacan su primorosa fotografía a color y sus decorados cartón piedra de todo punto entrañables, más que una forma de rodar, lo que se hacía en el Hollywood de entonces era magia, requiere un esfuerzo del espectador para valorar este tipo de apuestas en su contexto, sobre todo ahora, que Jack Sparrow y los F/X de la Disney-Bruckheimer han enterrado en parte su legado.

BURTon 1994)

Stephen

LANCASTER

(1913-

Otro encanto sirvenguenza, al estilo de Errol Flynn, la diferencia está en una trayectoria más extensa, por suerte no le visitó la muerte tan temprano, y tuvo la oportunidad trabajar en proyectos donde ofrecer su veteranía en el otoño de su carrera.

Burt Lancaster no tuvo que esperar mucho para convertirse en estrella, desde su primer trabajo, “Forajidos” en 1946, uno de los clásicos del cine negro, a las órdenes de Robert Siodmark, alcanzó la fama en un protagonismo compartido con una de las grandes actrices de la historia de cine, - la belleza siempre eterna - Ava Gardner.

El actor era un apasionado de la gimnasia en su juventud, lo que le llevó a trabajar como trapecista en varios circos, un agente de Hollywood se fija en el y le ofrece el papel en “Forajidos”, su portentoso físico hacen el resto y el cine de aventuras le llama para protagonizar dos clásicos ya mencionados, “El halcón y la flecha” de Jaques Tourneur en 1950 y “El temible Burlón”, de nuevo con Siodmark, en 1952. Si alguno todavía se pregunta el por qué de sus espléndidas acrobacias en estos films, en su pasado circense tiene la respuesta.

En 1953 se produce un punto de inflexión en la carrera del actor, Fred Zinnemann le ofrece el papel protagonista

en “De aquí a la eternidad”, uno de los grandes clásicos de la historia de cine, ganadora de 8 Oscars, por primera vez Lancaster se ve en un proyecto de tanta envergadura y prestigio, nominación a mejor actor incluida, desde ese momento decide que, en el futuro, buscará participar en todas las producciones similares que le sea posible.

Mientras tanto, Hollywood le reclama para lo que mejor sabe hacer, y en 1954 interpreta al marino aventurero de “Su majestad de los mares del sur”, de Byron Haskin, otro de sus trabajos más señalados en el género, ese mismo año, se pone a las órdenes de Robert Aldrich para “Apache”, un extraño y conseguido Western donde el actor se caracteriza como Massai, guerrero de la tribu del mítico jefe indio Gerónimo. También del 54 y de nuevo a las órdenes de Aldrich, tenemos “Veracruz”, muy famosa en España por tener a Sara Montiel en el reparto, excelente Western que le empareja junto a Gary Cooper, en uno de los duelos del género más fabulosos que se recuerden.

En 1956, Burt Lancaster protagoniza “Trapecio”, de Carol Reed, un trabajo casi biográfico, su personaje, lesionado en una acrobacia, - cosa que también le ocurrió en su juventud - vive obsesionado con repetir la hazaña del triple salto mortal, al mismo tiempo que intenta enseñarselo a un joven trapecista, al que da vida Tony Curtis. Lancaster se alzó en el Festival de Berlín con el Oso de plata al mejor actor por este papel, sus planes de alcanzar registros más altos como actor, tomaban forma en un título, en un principio, poco propicio para adquirir notoriedad.

De 1957 es “Duelo de titanes”, otro Western emblemático, en esta ocasión a las órdenes de John Sturges, el famoso tiroteo del O.K Corral y Lancaster en la piel de Wyatt Earp, bien secundado por Kirk Douglas en la piel de Doc Holliday, una cinta legendaria que muestra lo cómodo que se sentía el actor en el cine del oeste.

En 1960, en esa busqueda por papeles de mayor enjundia, protagoniza “El fuego y la palabra”, de Richard Brooks, sensacional película sobre la inmoralidad, en la que Burt Lancaster da vida a un oportunista convertido a predicador, los discursos religiosos son abrumadores, todo fluye con una magnética agresividad formal, marca de su brillante e injustamente olvidado realizador.

El trabajo supone el único y ansiado Oscar a mejor actor para Lancaster.

En los tres años posteriores se concatenan los mejores papeles del actor, en 1961 “Vencedores o vencidos” de Stanley Kramer, sobre los juicios de Nuremberg, interpretando al doctor nazi Ernts Janning de manera sublime, de 1962 “El hombre de Alcatraz”, dirigida por John Frankenheimer, bellísimo alegato sobre la libertad y la redención personal, que le hacen valedor de la Copa Volpi a mejor actor en el Festival de Venecia, amén de una nueva nominación al Oscar.

En 1963, Burt Lancaster viaja a Italia para trabajar a las órdenes de Luchino Visconti en “El gatopardo”, faraónico tratado sobre la decadencia de la aristocracia, en la época de la unificación del país transalpino a mediados del S.XIX, en ella, Lancaster retrata con infinita elegancia a su personaje de Don Fabrizio, un papel cuyo riesgo de venir a rodar a Europa, merece sin duda el más sonoro aplauso para el actor.

De sus última etapa, mencionar tres títulos más, “Novecento” de Bernardo Bertolucci, también rodada en Italia en 1976, “La isla del Doctor Moreau”, basada en la famosa novela de H.G. Wells, de 1977, y “Atlantic City” dirigida Louis Malle en 1980, su último grán papel protagonista, con una joven Susan Sarandon, y el aroma del limón flotando en la vida de dos solitarios condenados a compartir su vida de infortunios, supuso su cuarta y última nominación al Oscar.

En el ocaso de su vida, Burt Lancaster, siempre celoso guardián de su intimidad, nos deja una de las pocas anécdotas que han trascendido lejos de la ficción, trás haber sufrido una apoplejía que le deja parcialmente paralítico, una actriz y amiga que desea verle, es rechazada por el actor de la siguiente manera: “Deseo que me recuerdes como tú me conociste y no que veas en lo que me he convertido”.

Tomamos ejemplo de sus palabras y no añadimos ni un apunte más sobre su vida personal, en 1994, Lancaster abandonó su forma terrenal para formar parte de la constelación de leyendas más brillantes del firmamento cinematográfico.

Yojimbo (1961) Lo normal al recurrir a la filmografía del maestro Akira Kurosawa es hablar de “Los siete samuráis” (1954), obra monumental, un film capaz de generar de su infinito talento, un remake en Holywood que supone otro clásico del Western, “Los siete magníficos”, dirigida por John Sturges en 1960.

Para no resultar típicos, hablemos de una obra menos mencionada, pero que curiosamente tiene mayor influencia en el Séptimo Arte. La historia de un ronin, - samurái caido en desgracia por la muerte de su señor - interpretado por el actor favorito del director, el mítico Toshiro Mifune, llega a un pueblo, - en el Japón aún feudal de mediados del S.XIX - donde pronto se hace notar como un espadachín invencible, las dos bandas locales rivales, intentarán contratarle por todos los medios, para así intentar equilibrar la balanza a su favor.

Si nos suena el argumento es porque es el mismo de “Por un puñado de dólares” de Sergio Leone, primer título de la famosa “trilogía del dólar”, a la que recurriremos posteriormente en este mismo artículo. La anécdota es que los abogados de la productora japonesa, demandaron a Leone por plagio, antes de llegar a juicio, Kurosawa ofreció retirar la demanda si el director italiano cedía los derechos para su estreno en Japón, con el acuerdo en la mano, el director nipón estrenó uno de los mayores éxitos de taquillade la historia del país del sol naciente, lo que le permitió seguir rodando películas con los beneficios.

En 1996, Walter Hill volvió a llevar la historia al cine, con Bruce Willis como protagonista, en esta ocasión, con envoltorio de cine negro y muchas dosis de acción, situándola en el conflicto fronterizo de la época de la ley seca.

Una obra maestra indiscutible, con una puesta en escena sublime, llena de clarividencia e infinita imaginación, si buscas un referente a los héroes del cine de acción contemporáneos, no te pierdas a Mifune en el duelo de todos contra todos que supone “Yojimbo”, su torturado personaje, lleno de un sensacional dramatismo, le valió al actor para ser galardonado con la Copa Volpi en el Festival de Venecia.

Lawrence of Arabia / Lawrence de Arabia (1962) He aquí la más deslumbrante, indiscutible, y majestuosa Obra Magna del cine de aventuras de todos los tiempos, dirigida por el maestro David Lean y ganadora de 7 Oscars, que incluyen evidentemente los de mejor película y director.

Ambientada en El Cairo, durante la Primera Guerra Mundial, narra las hazañas de T.E. Lawrence, oficial británico enviado a la campaña de apoyo al pueblo árabe contra Turquía.

Suele ser complicado poner de acuerdo a los cinéfilos, pero creo que tratándose de Lawrence de Arabia, apenas hay discusión, si has visto encenderse una cerilla cuyo resplandor se eterniza hacia un amanecer en el desierto, seguramente habrás quedado hechizado para siempre.

No existe una Obra Maestra absoluta que no cuente con una BSO a la altura, en este caso, la composición del maestro Maurice Jarre, eterniza aún más el peso de su infinito alcance, en la misma línea técnica, no se puede pasar por alto el trabajo de fotografía de Fred A. Young, en ambos apartados, Jarre y Young obtuvieron su merecido Oscar.

Su otra gran baza, un reparto espectacular, Peter O´Toole protagoniza el personaje de su vida, bien secundado por Omar Shariff en el papel de Sherif Ali, y por Anthony Quinn como Auda Abu Tayi, tampoco podía faltar el actor fetiche del director, Alec Guinness, que compone un Principe Feisal para el recuerdo, lleno de complicidad y sutil ironía, elementos marca de la casa.

Para los curiosos, y por la parte que nos toca, el film está rodado en parte en el desierto de Tabernas y en las playas de Carboneras, provincia de Almería, también podemos encontrar la Plaza de España de Sevilla. No cabe duda que la experiencia fué del todo satisfactoria para el maestro Lean, pues repitió escenarios ibéricos en

su posterior trabajo, la espléndida “Doctor Zhivago” (1965).

Para terminar, si el cine de aventuras debe mostrar obligatoriamente la lucha del ser humano contra los elementos, Lawrence de Arabia cumple sobradamente ese registro, se me ha comentado más de una vez, que su extenso metraje la hace un poco insoportable, - 222 minutos - sinceramente, y creo no pecar de prepotente, no se puede amar el cine y medir la distancia de las grandes obras, el arte, cuando se evidencia tan rotundo como es el caso, no entiende de márgenes y limitaciones.

Il Buono, il Brutto, il cattivo / El bueno, el feo y el malo (1966) No, no me he confundido de género, ¿es un - spaguetti - Western?, pues sí, pero también es una excelente película de aventuras, todo un ejemplo de dominio trás la cámara frente a la adversidad de su escasez de medios. Su genial realizador, Sergio Leone, uno de los grandes perfeccionistas de la historia de cine, es el responsable de la hazaña.

Sin abandonar Almería, ahora si hablamos del un film integramente rodado en la provincia, más concretamente en el ya mencionado desierto de Tabernas, asistimos a una mezcolanza de géneros que incluye, en el evidente marco en el que se sitúa, cine del oeste, drama bélico - los protagonistas atraviesan las lineas enemigas en plena guerra civil americana - y uno de los elementos más recurrentes del género de aventuras, un tesoro, escondido en cierto lugar, y cuyos detalles conocen por separado tres pistoleros de fortuna, que irremediablemente tendran que asociarse si desean echar mano a la famosa caja de dólares condeferados. Última - y mejor - entrega de la “Trilogía del dolar”, que iniciara Leone en 1964 con “Por un puñado de dólares” y continuara un año después, en 1965, con “La muerte tenía un precio”, en este caso, “El bueno, el feo y el malo” es una precuela que nos presenta los orígenes del personaje de el manco, al que da vida Clint Eastwood naciendo como estrella.

Hablar de su influencia nos llevaría un artículo exclusivo sobre el tema, basta con decir que es una de las biblias de cabecera de Quentin Tarantino, devoto enamorado de sus planos en la jeta y su reconocible y necesaria presencia musical, que en el caso de los films de Leone, tienen un nombre propio, el del maestro compositor Ennio Morricone, al que el propio Tarantino ha recurrido para algún que otro momentazo - Kill Bill Vol. II de su filmografía.

The man who would be king / El hombre que pudo reinar (1975) Para el que no haya visto el film, pongamonos en situación, Peachy Carnehan - Michael Caine - intercepta

al famoso escritor, en ese momento joven periodista, Rudyard Kipling - Cristopher Plummer -, en su oficina de la India, a finales del Siglo XIX, cuando el país era la joya colonial más deslumbrante de el imperio británico. Allí le narra la fabulosa historia que el y su compañero Daniel Dravot, - Sean Connery - han vivido en el reino de Kafiristán.

Comienza así una de las obras maestras más indiscutibles del cine de aventuras, John Huston repite en esta lista tras “El tesoro de Sierra Madre”, con su adaptación del relato de Kipling, al que como hemos mencionado, le otorga de forma magistral un papel en la cinta, de nuevo cine de perdedores, movidos por una ilusión casi inalcanzable, sujetos a esa misma fatalidad que acaba por atraparles, borrado de un injusto plumazo su innegable proeza personal.

Como detalle cinéfilo, en “Indiana Jones y el templo maldito” (1984), Spielberg homenajea la conclusión de “El hombre que pudo reinar” en la famosa escena del puente.

Décadas acarició John Huston el proyecto, hasta tal punto es así que originalmente iba a ser interpretada por Humphrey Bogart y Clark Gable, el tiempo pasó y ambos actores fallecieron, se pensó entonces en Burt Lancaster y Kirk Douglas, pero tampoco cuajó, en los 70, Huston contactó con la pareja de moda, Paul Newman y Robert Redford, y curiosamente, fué el propio Newman quien aconsejó al director para que contara con actores británicos, es así como el dúo Connery/Caine, cuya química sobrepasa la pantalla, nos regaló una de las parejas mejor avenidas de la historia del Séptimo Arte, dos pícaros vividores con un encanto sobrenatural.

Un título superior, de un lirismo pleno, supone el último gran clásico de aventuras con solera.

CLÁSICOS MODERNOS. The Empire Strikes contraataca (1980)

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/

El

imperio

Otro caso en el que muchos esperarían que este espacio lo ocupara “La guerra de las galaxias” (1977), atendiendo a cierta lógica, así debería ser, pero la única realidad al afrontar la trilogía original de Star Wars, es que esta segunda entrega, el Episodio V, supera a su hermana mayor en calidad formal, incluso me atrevo a afirmar que resulta hasta más entretenida.

La ópera galáctica de George Lucas, se nutre de sus influencias en el cine de aventuras clásico, en especial del género samurái, imposible no mencionar “La fortaleza escondida”, rodada por Akira Kurosawa en 1958, y cuyos reflejo resulta fundamental para la construcción de personajes, y en general, para el argumento de la saga.

Con un guión destinado a ser puente entre dos películas y abocado a

terminar de forma terrible, esta es, justamente, su grán virtud, de la oscuridad surge un producto de calidad superior, lo desmuestra el triunfo momentaneo de Vader, que configura una de los mejores finales de la historia del cine, un momento paterno-filial que ya consta, por derecho propio, en la retina de cualquier buen cinéfilo.

Todo esto sin abandonar un sentido de la aventura magistralmente concebido desde las primeras escenas, el asalto imperial al planeta helado de Hoth es, junto con la huida del Halcón Milenario de la - falsa - cueva, de los momentos más sublimes del género.

George Lucas depositó la dirección en manos del veterano Irving Kershner, decisión desconcertante, ya que, aún teniendo en cuenta que seguro le dictó los parametros a seguir, también me parece muy realista pensar que Kershner tuvo que aportar más de una idea, y es curioso que el resultado final sea tan sobresaliente, ninguna de las películas dirigidas por Lucas llega a tanta altura.

Técnicamente sobresaliente y apoyada económicamente en el éxito brutal de la primera entrega, destacar a John Williams en uno de sus mayores momentos de gloria, su Banda Sonora se enriquece con nuevas partituras, destaca “La marcha imperial”, candidata a formar parte de cualquier lista cinéfila de los mejores temas jamás compuestos.

Una película soberbia, un auténtico espectáculo, entretenido en grado sumo y de una brillantez incontestable.

Raiders of the Lost Ark / En busca del Arca Perdida (1981) En unas vacaciones en Hawai, a la orilla de una playa paradisíaca, 2 jovenes talentos, ya triunfadores, calibran la posibilidad de llevar a la pantalla un sentido homenaje a aquellos seriales de aventureros de los años 40-50, ya habréis descifrado que hablamos de George Lucas nuevamente, y de Steven Spielberg, los dos nombres que hay que citar como revitalizadores fundamentales para el género, si hablamos de cine de aventuras contemporáneo.

De la historia poco que añadir, dudo que a estas alturas nadie esté familiarizado con el universo del Dr. Jones y sus característicos látigo y sombrero Fedora, por si así fuera, una breve sinopsis, como podeis ver por el título, narra las aventuras del arqueólogo más famoso del Séptimo Arte, en su busqueda del Arca de la Alianza, esa en la que, segun la Biblia, Moises depositó las tablas con los mandamientos. El peligro surge cuando los nazis, también sumados a la cacería por la obsesión de Hitler en los temas ocultistas, se interponen en su camino.

Contiene un inicio deslumbrante, quizá lo mejor que se haya rodado para el género, en apenas unos minutos ya estamos impregnados por su efecto, ídolos que brillan más allá del oro, trampas mortales en paredes y suelo, saltos imposibles con puertas que se cierran, y donde salvar el sombrero es un ejercicio de estilo, rocas enormes

que ruedan para aplastar al héroe, todo ello perfectamente ejecutado por Spielberg y con un montaje soberbio.

De la técnica, y al igual que con la saga Star Wars, inevitablemente volvemos a John Williams, porque estamos ante otra de sus composiciones de leyenda, en sus acordes suena el mejor espíritu de la aventura, elemento fundamental para elevar el resultado final a cimas de indiscutible maestría.

Un título fundamental, de la trilogía original, la segunda, “Indiana Jones y el templo maldito” (1984), baja un poco el listón, aunque hay que reconocer que es la que mejor trabajo de dirección tiene de las tres, en 1989, el personaje vuelve a retomar el vuelo con “Indiana Jones y la última cruzada”, gracias al regreso de los nazis y de la inclusión del papá de Indy, interpretado de manera soberbia por Sean Connery. De las calaveras de cristal, prefiero olvidarme.

Master and Commander: The far side of the world / Master and Commander: Al otro lado de mundo (2002) El empeño de Peter Weir por recuperar los grandes clásicos de aventuras marítimas, en la linea de títulos como “El Hidalgo del los mares” (1951) o “El mundo en sus manos” (1952), ambas rodadas por Raoul Walsh, tienen como resultado Master and Commander, epopeya naval basada en las novelas de Patrick O`Brian, un total de 20 volúmenes sobre la armada británica en alta mar, protagonizadas por el capitán Jack Aubrey y su inseparable amigo, el médico naturista Stephen Maturin.

A principios del Siglo XIX, Napoléon Bonaparte ha conquistado Europa, pero es incapaz de derrotar la habilidad de los marinos británicos, en el océano Atlántico, el buque francés “Acherón” ataca por sorpresa al navío inglés “Surprise”, dejandolo tocado pero no hundido, su capitán, el intrépido Jack Aubrey, - un Russel Crowe perfecto para el papel - conocido por sus hombres como “Jack el afortunado”, no descansará hasta dar caza al “Acherón” y vengar la afrenta.

Si las novelas de O`Brian se consideran un retrato preciso de esa vida en los barcos de guerra, hay que decir que Weir consigue trasladar su espíritu a la pantalla, gracias a un minucioso uso de la mejor narración descriptiva, su universo se filtra al espectador de forma apabullante, más allá de su final, con ese magnífico travelling alejado, en el que la “Surprise” se escora hacia la inmensidad, soñamos con saber más de lo que nos han contado, ya que una nueva persecución está en marcha, se demuestra así la habilidad de un film llamado con el tiempo a convertirse, por derecho propio, en uno de los mayores clásicos modernos del género de aventuras.

Una Navidad de Cine por Esther Esteban La navidad cada vez está más cerca.

Esa época del año en la que todo adquiere un color especial, los días son más cortos pero también guardan más encanto y brillan con luz propia. La etapa en la que comer dulces navideños por doquier, encontrarte con familia querida y alguna no tan querida, y si puedes, poder escaparte a algún lugar paradisiaco como tu mejor regalo y pasar en vez de frío, mucho calor.

Además las calles se llenan, los precios aumentan aún más (si es que eso es posible) y los sueños vuelan a la espera de un nuevo año donde cumplirlos todos. Es tiempo para el descanso, para ser feliz o estar triste, todo como a tí te dé la gana, pero sobre todo para pasarlo bien estés donde estés y bajo las circunstancias que estés pasando, crear tu propia atmósfera de descanso bajo este inmenso consumismo y falsedad disfrazada bajo blanca nieve.

Y para que tus navidades sean un poco aún más especiales, desde Nosolofreak te traemos un especial con las mejores películas navideñas para que las disfrutes entre polvorón y polvorón, junto a tu familia, a tu pareja, tus mascotas o el reno feliz, lo que tu desees, a tu manera, lo único que importa es sacarte una sonrisa.

Estas películas, las cuáles están ordenadas de este modo pero ello no tiene porque significar mayor o menor calidad, son:

TÍTULO ORIGINAL The Polar Express AÑO 2004 DURACIÓN 97 min.

PAÍS EEUU DIRECTOR Robert Zemeckis GUIÓN Robert Zemeckis & William Broyles Jr. (Libro: Chris Van Allsburg) MÚSICA Alan Silvestri FOTOGRAFÍA Don Burgess & Robert Presley REPARTO Animation, Tom Hanks, Nona Gaye, Michael Jeter, Peter Scolari, Leslie Zemeckis, Eddie Deezen PRODUCTORA Warner Bros. Pictures / Castle Rock Entertainment presentan una producción Playtone / Imagemovers / Golden Mean GÉNERO Animación. Aventuras. Fantástico. Infantil Navidad.

SINOPSIS En una nevada noche de Navidad, un niño emprende un extraordinario viaje en tren hacia el Polo Norte. A partir de ese momento empieza una aventura que le servirá para conocerse a sí mismo y que le enseñará que la magia puede estar siempre presente en la vida a condición de creer en ella.

En el puesto final, o el primero, según la filosofía con la que lo quieras ver, tenemos a Polar Express, otra bonita historia navideña para disfrutar con una gran calidad visual, emocionante y sencillamente perfecta, otra gran recomendación navideña familiar para sentir al máximo el espíritu navideño.

Dirigida por Robert Zemeckis, del año 2004 y con Tom Hanks liderando el doblaje TÍTULO ORIGINAL Hachiko: A Dog’s Story (AKA Hachi: A Dog’s Tale) AÑO 2009 DURACIÓN 93 min.

PAÍS EEUU DIRECTOR Lasse Hallström GUIÓN Stephen P. Lindsey (Remake: Kaneto Shindô) MÚSICA Jan A.P. Kaczmarek FOTOGRAFÍA Ron Fortunato REPARTO Richard Gere, Joan Allen, Sarah Roemer, Jason Alexander, Cary-Hiroyuki Tagawa, Erick Avari, Davenia McFadden, Robert Capron, Kevin DeCoste, Bates Wilder, Robbie Sublett, Rob Degnan, Tora Hallstrom PRODUCTORA Grand Army Entertainment / Inferno Distribution / Shochiku Kinema Kenkyû-jo GÉNERO Drama | Melodrama. Cine familiar. Animales.

Perros & lobos. Remake. Basado en hechos reales SINOPSIS Parker Wilson, un profesor universitario que da clases de música, recoge un día a un perro de origen japonés y raza Akita, al que encuentra abandonado en una estación. Como nadie lo reclama, se lo lleva a su casa. Parker va descubriendo entonces los entrañables lazos que pueden unir a una persona y a un animal Hachiko es una enternecedora historia de la mano de Richard Gere y su perro dispuesta a llegar al fondo de nuestra alma y que encandilará a todos los amantes de los animales, perfecta para ir clavada a vuestros corazones y recordar a tantos animales que cada año son regalados en navidad como un típico juguete para un niño y luego acaban tirados en la etapa veraniega en cualquier carretera, así que con esta historia podréis recordar el amor que ellos sienten a vosotros, y por supuesto recordar algo que todo el mundo debería saber, si no quieres que te hagan algo que no te gusta no lo hagas tú, y también para devolver un poco del amor que nos devuelven a nosotros.

TÍTULO ORIGINAL Snow White and the Seven Dwarfs AÑO 1937 DURACIÓN 83 min.

PAÍS EEUU DIRECTOR David Hand GUIÓN Ted Sears, Otto Englander, Earl Hurd, Dorothy Ann Blank, Richard Creedon, Dick Richard, Webb Smith, Ted Sears (Cuento: Jacob Grimm, Wilhelm Grimm) MÚSICA Leigh Harline, Paul Smith, Frank Churchill FOTOGRAFÍA Animation REPARTO Animation PRODUCTORA Walt Disney PREMIOS 1937: Nominada al Oscar: Mejor banda sonora original GÉNERO Animación. Fantástico. Musical. Infantil | Celos. Brujería SINOPSIS La malvada madrastra de Blancanieves decide deshacerse de ella porque no puede soportar que la belleza de la joven sea superior a la suya. Sin embargo, Blancanieves consigue salvarse y se refugia en la cabaña de los siete enanitos. A pesar de todo, su cruel madrastra consigue encontrarla y la envenena con una manzana. Pero la princesa no está muerta, sólo dormida, a la espera de que un Príncipe Azul la rescate.

Blancanieves se queda con el puesto catorce de la lista, pero en este caso la película animada, ya que parece que se ha vuelto a poner de moda y ahora llueven películas versionando esta historia.

La historia ya la conocéis, pero sin duda este clásico de Disney es el que más encanto tiene de todas las versiones realizadas, y sin duda chiflará a los pequeños del hogar y querrán verla una y otra vez.

TÍTULO ORIGINAL Plácido AÑO 1961 DURACIÓN 85 min.

PAÍS España DIRECTOR Luis García Berlanga GUIÓN Rafael Azcona, Luis García Berlanga, José Luis Colina, José Luis Font MÚSICA Miguel Asins Arbó FOTOGRAFÍA Francisco Sempere (B&W) REPARTO Cassen, José Luis López Vázquez, Elvira Quintillá, Amelia de la Torre, Julia Caba Alba, Amparo Soler Leal, Manuel Alexandre, Mari Carmen Yepes, Agustín González, Luis Ciges, Antonio Ferrandis PRODUCTORA Jet Films) GÉNERO Comedia | Drama social. Pobreza. Navidad SINOPSIS En una pequeña ciudad provinciana, a unas burguesas ociosas se les ocurre la idea de organizar una campaña navideña cuyo lema es: “Siente a un pobre a su mesa”. Se trata de que los más necesitados compartan la cena de Nochebuena con familias acomodadas y disfruten del calor y el afecto que no tienen. Plácido ha sido contratado para participar con su motocarro en la cabalgata, pero surge un problema que le impide centrarse en su trabajo: ese mismo día vence la primera letra del vehículo, que es su único medio de vida.

Plácido, el filme de Luis García Berlanga, un gran homenaje para este director con el que descubrir el lado sórdido y vil de la navidad que también lo tiene sin lugar a dudas y que intentamos tapar siempre a base de consumismo y de aguantar a gente que ni siquiera soportas. Este viaje al franquismo y la dureza del filme es otra buena apuesta para estos días invernales.

TÍTULO ORIGINAL Gremlins AÑO 1984 DURACIÓN 111 min.

PAÍS EEUU DIRECTOR Joe Dante GUIÓN Chris Columbus MÚSICA Jerry Goldsmith FOTOGRAFÍA John Hora REPARTO Zach Galligan, Phoebe Cates, Hoyt Axton, Polly Holliday, Frances Lee McCain, Dick Miller, Keye Luke, Scott Brady, Corey Feldman PRODUCTORA Warner Bros. Pictures / Amblin Entertainment GÉNERO Fantástico. Comedia | Película de culto. Comedia juvenil. Comedia de terror. Navidad. Monstruos SINOPSIS Rand (Hoyt Axton) es un viajante que un día regala a su hijo Billy (Zach Galligan) una tierna y extraña criatura, un mogwai. El inocente regalo, sin embargo, será el origen de toda una ola de gamberradas y fechorías en un pequeño pueblo de Estados Unidos. Todo empieza cuando son infringidas, una tras otra, las tres reglas básicas que deben seguirse para cuidar a un mogwai: no darle de comer después de medianoche, no mojarlo y evitar que le dé la luz del sol.

Los Gremlins también se cuelan en esta lista, estas criaturas tan especiales que distan desde ser adorables hasta otros un poco más despiadados y sinvergüenzas, sin duda te encantarán y desearás pedirte uno por navidad para llevarlo a tu casita. Un filme encantador y que si aún no has visto deberías hacerlo ya que lo disfrutarás sin duda.

TÍTULO ORIGINAL Bad Santa AÑO 2003 DURACIÓN 93 min.

PAÍS EEUU DIRECTOR Terry Zwigoff GUIÓN Terry Zwigoff, Glenn Ficarra, John Requa (Historia: Ethan Coen & Joel Coen) MÚSICA Varios FOTOGRAFÍA Jamie Anderson REPARTO Billy Bob Thornton, Bernie Mac, Lauren Graham, Tony Cox, Brett Kelly, Lauren Tom, John Ritter, Ryan Pinkston, Ethan Phillips, Cloris Leachman PRODUCTORA Dimension Films GÉNERO Comedia | Comedia negra. Navidad SINOPSIS Willie (Billy Bob Thornton) y Marcus (Tony Cox) son dos delincuentes que, aprovechando las Fiestas Navideñas, se les ocurre la genial idea de disfrazarse, uno de Santa Claus y el otro de uno de sus ayudantes, para poder entrar sin crear sospechas en los grandes almacenes, y una vez infiltrados entre el personal del centro comercial hacerse fácilmente con la recaudación del día. El plan parece perfecto hasta que se encuentran con un niño de 8 años (Brett Kelly) que les enseñará el verdadero significado de la Navidad.

El número 11 se lo lleva Bad Santa con su moderno Santa Claus que os deleitará con sus hobbies que van desde robar, fumar, el sexo, soltar improperios, y con su odio hacia los homosexuales, su racismo y sobre todo, su asco hacia los niños, vamos lo normal en un Santa Claus y todo lo que imaginabamos de él cuando eramos niños. Billy Bob Thornton nos trae una película original para reirnos y mirar con otro punto de vista la navidad.

TÍTULO ORIGINAL It’s a Wonderful Life AÑO 1946 DURACIÓN 130 min.

PAÍS EEUU DIRECTOR Frank Capra GUIÓN Frances Goodrich, Albert Hackett, Frank Capra MÚSICA Dimitri Tiomkin FOTOGRAFÍA Joseph Walker & Joseph Biroc (B&W) REPARTO James Stewart, Donna Reed, Lionel Barrymore, Thomas Mitchell, Henry Travers, Beulah Bondi, Frank Faylen, Ward Bond, Gloria Grahame, H.B. Warner, Frank Albertson, Todd Karns, Samuel S. Hinds, Mary Treen, Virginia Patton, Charles Williams, Argentina Brunetti PRODUCTORA RKO presents a Liberty Films Inc. Production GÉNERO Drama. Fantástico | Cine familiar. Navidad. Comedia dramática SINOPSIS George Bailey (James Stewart) es un honrado y modesto ciudadano que dirige y mantiene a flote un pequeño banco familiar, a pesar de los intentos de un poderoso banquero por arruinarlo. El dia de Nochebuena de 1945, abrumado por la repentina desaparición de una importante suma de dinero, que supondría no solo la quiebra de su banco, sino también un gran escándalo, decide suicidarse, pero cuando está a punto de hacerlo ocurre algo extraordinario.

Con el número 10 os traigo una película navideña perfecta para los más sensibles, una de las obras maestras del cine clásico que no debería faltar en ninguna buena filmoteca que quiera tener una de las joyas con más calidad del cine. Todo arte. Este filme del que os hablo es ¡Qué bello es vivir! En la que veremos la simpática y nostálgica historia de George, un hombre que ahogado en su propia infelicidad y angustia decide quitarse la vida y marchar a algún lugar mejor. Entonces llegará al cielo católico, donde se encontrará a un amable y bondadoso ángel que le intentará convencer para que no se quite la vida y intentará hacerle ver las partes buenas de la vida y a enseñarle a soñar de nuevo, haciéndole desplegar sus alas de nuevo, hacia la más absoluta felicidad, todo esto en la navideña noche de Nochebuena.

TÍTULO ORIGINAL Miracle on 34th Street AÑO 1947 DURACIÓN 96 min.

PAÍS EEUU DIRECTOR George Seaton GUIÓN George Seaton (Historia: Valentine Davies) MÚSICA Cyril J. Mockridge FOTOGRAFÍA Lloyd Ahern, Charles G. Clarke (B&W) REPARTO Maureen O’Hara, John Payne, Edmund Gwenn, Gene Lockhart, Natalie Wood, Porter Hall, William Frawley, Jerome Cowan, Philip Tonge, Mae Marsh PRODUCTORA 20th Century Fox PREMIOS 1947: 3 Oscar: Mejor actor de reparto (Edmund Gwenn), guión, historia. 4 nominaciones GÉNERO Comedia. Drama | Navidad SINOPSIS Durante un desfile navideño organizado por las grandes almacenes Macy de Nueva York, el hombre que encarna a Santa Claus ha de ser sustituido porque se encuentra indispuesto. Un anciano llamado Kris Kringle es contratado para el trabajo, pero todo se complica cuando asegura que es el auténtico Santa Claus En la novena posición tenemos a De ilusión también se vive, una película algo más tierna e infantil que dirigió George Seaton en el año 1947, y con protagonistas como Maureen O`Hara y Natalie Wood de niña. Ganadora de tres Oscars en 1948 merece su lugar de reconocimiento en esta invernal y festiva lista cinematográfica.

TÍTULO ORIGINAL La gran familia AÑO 1962 DURACIÓN 104 min.

PAÍS España DIRECTOR Fernando Palacios GUIÓN Pedro Masó, Rafael J. Salvia, Antonio Vich MÚSICA Adolfo Waitzman FOTOGRAFÍA Juan Mariné (B&W) REPARTO Alberto Closas, Amparo Soler Leal, José Isbert, José Luis López Vázquez, Paula Martel, Maria Carmen García, María José Alfonso, Pedro Mari Sánchez PRODUCTORA Pedro Masó P.C. GÉNERO Comedia | Cine familiar. Navidad SINOPSIS Historia de una familia numerosa compuesta por un matrimonio, quince hijos y el abuelo. El aparejador Carlos Alonso tiene, además de paciencia y sufrida esposa, quince retoños y un abuelo de los que cuidar. Carlos practica, lógicamente y de manera desaforada, el pluriempleo. No le queda otro remedio si quiere sacar adelante a la familia, aunque todavía le quede la remota esperanza del Premio Nacional de Natalidad.

Aquí otro clásico para ver en familia todos juntos y disfrutar de nuestro buen cine, La Gran Familia, de 1962. Otra historia que marcó tendencia y ha perdurado también en nuestras memorias a lo largo de los años, habiéndose hecho numerosas versiones posteriores, pero nada como tener el producto original.

TÍTULO ORIGINAL Scrooge AÑO 1970 DURACIÓN 118 min.

PAÍS Reino Unido DIRECTOR Ronald Neame GUIÓN Leslie Bricusse (Cuento: Charles Dickens) MÚSICA Leslie Bricusse FOTOGRAFÍA Oswald Morris REPARTO Albert Finney, Alec Guinness, Edith Evans, Kenneth More, Michael Medwin, Laurence Naismith, David Collings, Anton Rodgers, Suzanne Neve PRODUCTORA Paramount Pictures GÉNERO Musical | Navidad SINOPSIS Adaptación musical del popular “Cuento de Navidad”, de Charles Dickens. Una Nochebuena, el viejo y avaro Scrooge descubre, gracias a tres fantasmas (los de las Navidades pasadas, presentes y futuras), que hay que compartirlo todo y ser bueno y generoso con los demás.

Muchas gracias, Mr. Scrooge es la elegida para el puesto séptimo, otro filme que versiona el famoso Cuento de Navidad de Charles Dickens, esta vez en forma musical, protagonizado por Albert Finney y Alec Guinnes y logrando la friolera de ser nominada a 4 premios Oscars.

TÍTULO ORIGINAL Home Alone AÑO 1990 DURACIÓN 100 min.

PAÍS EEUU DIRECTOR Chris Columbus GUIÓN John Hughes MÚSICA John Williams FOTOGRAFÍA Julio Macat REPARTO Macaulay Culkin, Joe Pesci, Daniel Stern, John Heard, Roberts Blossom, Catherine O’Hara, John Candy, Angela Goethals PRODUCTORA 20th Century Fox GÉNERO Comedia. Infantil | Navidad. Cine familiar

SINOPSIS Kevin McAllister es un niño de ocho años, miembro de una familia numerosa, que accidentalmente se queda abandonado en su casa cuando toda la familia se marcha a pasar las vacaciones a Francia. Kevin aprende a valerse por sí mismo e incluso a protegerse de Harry y Marv, dos bribones que se proponen asaltar todas las casas cerradas de su vecindario. en cuanto su madre lo echa en falta, regresa apresuradamente a Chicago para recuperar a su hijo.

Solo en casa no merecía quedarse fuera de esta especial lista, el filme que lanzó a la fama a Macaulay Culkin, un gran filme cómico con una banda sonora excelente idóneo para estas fiestas para poder divertir a los pequeños de la casa y a los no tan pequeños.

TÍTULO ORIGINAL Maktub AÑO 2011 DURACIÓN 113 min.

PAÍS España DIRECTOR Paco Arango GUIÓN Paco Arango MÚSICA Nathan Wang FOTOGRAFÍA Carlos Suárez REPARTO Diego Peretti, Aitana Sánchez-Gijón, Goya Toledo, Andoni Hernández, Rosa María Sardà, Amparo Baró, Mariví Bilbao, Enrique Villén, Jorge García, Laura Esquivel PRODUCTORA Sonrisas que Hacen Magia Producciones / Antena 3 Films GÉNERO Comedia | Cine familiar. Navidad. Enfermedad SINOPSIS Cuento de Navidad. Manolo (Diego Peretti) atraviesa una crisis aguda: la rutina de su trabajo le resulta insoportable, su matrimonio con Beatriz (Aitana Sánchez-Gijón) está al borde del abismo y las relaciones con sus hijos no son buenas. Un día, conoce a Antonio (Andoni Hernández) un chico canario de 15 años, con cáncer, pero con unas ganas de vivir tan contagiosas que la vida de Manolo da un vuelco radical Maktub es un precioso cuento que pudimos ver hace no mucho en los cines españoles, una historia navideña que nos trae estas palabras mágicas para emocionarnos en estas fechas tan señaladas y hacernos ver lo importante de la vida y sobre todo poder pasar un emocionante rato. Protagonizada por grandes actores como Aitana Sánchez Gijón o Goya Toledo, os encantará sin duda.

TÍTULO ORIGINAL The Sound of Music AÑO 1965 DURACIÓN172 min.

PAÍS EEUU DIRECTOR Robert Wise GUIÓN Ernest Lehman MÚSICA Richard Rodgers & Oscar Hammerstein II FOTOGRAFÍA Ted McCord REPARTO Julie Andrews, Christopher Plummer, Richard Haydn, Eleanor Parker, Peggy Wood, Heather Menzies, Charmian Carr, Anna Lee, Marni Nixon PRODUCTORA United Artists GÉNERO Musical | Familia. Años 30

SINOPSIS Austria, 1938. María es una alegre novicia que abandona la abadía de Estrasburgo para convertirse en la institutriz de los siete hijos de un militar retirado, el capitán von Trapp, viudo desde hace poco tiempo. La casa de los von Trapp funciona como un cuartel, pero María consigue devolver la alegría a los niños y ganarse su respeto y cariño.

Sonrisas y lágrimas es otra dulce película que siempre ha triunfado y la repondrán millones de veces tanto en la televisión como en las filmotecas. Este emocionante musical no tiene precio y sus interpretaciones y paisajes hacen de ella una película especial y emocionante, ideal para cualquier edad y cualquier momento del año, pero sobre todo en estas fechas quedará como una joya.

TÍTULO ORIGINAL The Pursuit of Happyness AÑO 2006 DURACIÓN 116 min.

PAÍS EEUU DIRECTOR Gabriele Muccino GUIÓN Steven Conrad MÚSICA Andrea Guerra FOTOGRAFÍA Phedon Papamichael REPARTO Will Smith, Thandie Newton, Jaden Smith, Dan Castellaneta, Brian Howe, James Karen, Kurt Fuller, Mark Christopher Lawrence PRODUCTORA Columbia Pictures / Overbrook Entertainment GÉNERO Drama | Basado en hechos reales. Años 80. Bolsa & negocios. Trabajo/empleo SINOPSIS Chris Gardner (Will Smith) es un vendedor brillante y con talento, pero su empleo no le permite cubrir sus necesidades más básicas. Tanto es así que acaban echándolo, junto a su hijo de cinco años (Jaden Smith), de su piso de San Francisco, y ambos no tienen ningún lugar al que ir. Cuando Gardner consigue hacer unas prácticas en una prestigiosa correduría de bolsa, los dos protagonistas tendrán que afrontar muchas adversidades parar hacer realidad su sueño de una vida mejor.

Otro dramón ideal para hacernos reflexionar acerca del mundo que nos rodea y para levantar nuestro lado más solidario en estas fechas navideñas, y recordarnos que hay gente que lo está pasando muy mal, y desgraciadamente las cifras de personas sufriendo carencias cada día es mayor, por lo que esta película también debería ser necesaria visionarla en estas fiestas, y también disfrutar de su gran calidad.

TÍTULO ORIGINAL The Nightmare Before Christmas AÑO 1993 DURACIÓN 75 min.

PAÍS EEUU DIRECTOR Henry Selick GUIÓN Caroline Thompson MÚSICA Danny Elfman FOTOGRAFÍA Pete Kozachik REPARTO Animation PRODUCTORA Touchstone Pictures / Skellington Productions Inc. GÉNERO Animación. Fantástico. Musical. Romance | Monstruos. Halloween. Navidad. Comedia de terror. Stop Motion.

Película de culto SINOPSIS Cuando Jack Skellington, el Señor de Halloween, descubre la Navidad, queda prendado de ella y decide mejorarla. Sin embargo, su visión de la festividad es totalmente contraria al espíritu navideño. Sus planes incluyen el secuestro de Santa Claus y la introducción de cambios bastante macabros. Sólo su novia Sally es consciente del error que está cometiendo.

Pesadilla antes de navidad es otro clásico que ha causado una tendencia por todo el mundo increíble, estos mágicos personajes a la vez tan bellos y especiales no podrían faltar en esta lista. Dirigida por Henry Selick, y con la influencia de Tim Burton nace esta exquisitez digna de los mejores premios, una película que en su día no tuvo el éxito merecido pero que hoy ocupa dignamente su lugar de culto como merece.

TÍTULO ORIGINAL Love Actually AÑO 2003 DURACIÓN 128 min.

PAÍS Reino Unido DIRECTOR Richard Curtis GUIÓN Richard Curtis MÚSICA Craig Armstrong FOTOGRAFÍA Michael Coulter REPARTO Hugh Grant, Liam Neeson, Colin Firth, Laura Linney, Emma Thompson, Alan Rickman, Keira Knightley, Bill Nighy, Chiwetel Ejiofor, Andrew Lincoln, Thomas Brodie-Sangster, Rodrigo Santoro, Rowan Atkinson, Billy Bob Thornton, Martine McCutcheon, Heike Makatsh, Lucia Moniz, Martin Freeman, PRODUCTORA Coproducción GB-USA; Universal Pictures / Working Title Films / DNA Films GÉNERO Romance. Comedia | Comedia romántica. Navidad.

Historias cruzadas SINOPSIS En Londres, poco antes de las Navidades, se entrelazan una serie de historias divertidas y conmovedoras. “Love, Actually” es una manera abreviada de decir “Love Actually Is All Around” y éste es precisamente el argumento de la película: mires a donde mires, encontrarás el amor en todas partes. Todos los personajes, cada uno a su manera (un primer ministro, una vieja estrella del rock, una asistenta portuguesa que sólo habla su idioma), están relacionados con los aspectos más divertidos, tristes, ingenuos y estúpidos del amor.

Love Actually corona esta lista. Entre su magnífico despliegue artístico con este reparto estelar, sus múltiples historias que vuelan por la película y su banda sonora se cuela en nuestra lista para haceros disfrutar. Película de calidad, actores como Keira Knightley, Hugh Grant y Emma Thompson entre otras estrellas, para disfrutar y soñar.

NAVIDADES SANGRIENTAS La navidad…. Que bonita la navidad, ese tiempo en el que todos somos buenos, en el que hay que hacer el bien con todo el mundo, aunque el resto del año seas un auténtico cabrón….

Esa época del año en el que todos nos reunimos alrededor del árbol y en el que gastamos más de lo que podemos, en el que hacemos esas comidas y cenas tan maravillosas con toda la familia, sí con ese hermano/a que no puedes ni ver también…

Quién no recuerda cuando era pequeño y se levantaba a ver que habían sido capaces de traerle Papa Noel o los reyes Magos y que casi nunca coincidía con lo que habíamos pedido realmente, supongo que sería porque tampoco es que fuésemos buenos…

Pero las Navidades también esconden otra cara, otra cara no tan amable, la de unos Papa Noel que en vez de llevar un saco de juguetes llevan hachas, o gente que en Nochebuena en vez de sentarse a comer o cenar con la familia prefieren entretenerse destripando a inocentes jóvenes…. Estos casos son los que vamos a repasar con un viaje por algunas de las películas más demenciales y casposas de la historia, pero con alguna joya oculta entre ellas, muchas pertenecen a los gloriosos años 80 y mis amados slasher, así que abróchense los cinturones y empecemos el repaso….

Vamos a empezar órden de antigüedad, en 1.974 Bob Clark rodó “Navidades negras” en la que

unas chicas de una fraternidad en el descanso de navidades preparan una fiesta en la que las jóvenes reciben llamadas extrañas de un acosador y claro está no tardarán en llegar las muertes…. Rodada dos años antes que Halloween, fue una de las precursoras del genero slasher, está bien rodada y destaca su climax final, Clark siguió rodando más películas de desmadres colegiales aunque en clave de comedia como la famosa Porki´s.

David Hess parió en 1.980 el engendro “Feliz Nochebuena” en la que durante las vacaciones de Navidad cinco chicas esconden a sus novios dentro de la escuela para celebrar una fiesta de Navidad, lo que no saben es que anda suelto un asesino… No sé si el argumento os a parecido interesante, pero os puedo asegurar que no tiene nada de interesante, ni incluso las muertes están rodadas con gracia, o sea, una simple copia de tantas que hubo de Halloween o la anteriormente comentada Navidades negras.

También en 1.980 nos llegó “Navidades infernales” de Lewis Jackson en la que un aspirante a Papa Noel quiere que todo el mundo crea en las Navidades, aunque tenga que matar para conseguirlo….

Mínimamente superior a Feliz Nochebuena, la otra película de terror sobre las navidades del año 80 (tampoco creáis que mucho más.. ) forma parte del atracón de películas de serie B que nos inundaron en los 80 con psicópatas y demás buena gente….

Como dato curioso apuntar que según John Waters es la mejor película navideña de todos los tiempos.

En 1.984 Charles E. Sellier Jr. llegó con “Noche de

paz, noche de muerte” una película que empezaría la saga, que ya lleva cinco entregas, a cual de todas peor…. En esta primera Billy presencia como un hombre disfrazado como Santa Claus asesina brutalmente a sus padres y años después él mismo iniciará una serie de asesinatos disfrazado como el asesino… Como podréis ver un argumento muy original y nunca visto en ninguna película….

El año 1.984 fue uno de los más prolíficos en películas sobre la Navidad, Edmund Purdom perpretó “No abrir hasta Navidad”, en esta ocasión nos encontramos en Londres y un asesino anda suelto con un solo objetivo, asesinar a todos los que vayan disfrazados de Papa Noel, sin importarle si están en unos grandes almacenes o en fiestas familiares…. En este bodriete lo más llamativo son sus asesinatos que tienen más gracia que en anteriores intentos y sus desnudos gratuitos que siempre son bienvenidos….

En 1.984 Joe Dante nos trajo la maravillosa “Gremlins” en la que un viajante le regala a su hijo una extraña criatura, un hogwai, pero con unas extrictas normas que una vez infringidas ocasionará un gran caos… Sin ser una película del género que aquí tratamos no he podido obviarla por su calidad y por sus referencias a la Navidad, más adelante llegaría la segunda parte que aunque no llegue a la calidad de esta primera parte, aún conserva parte de su encanto.

Y saltamos al año 1.989 para encontrarnos con “Game Over: Se acabó el juego” de Rene Manzor, el día de Nochebuena un psicópata asesino disfrazado de Papa Noel se adentra en una casa y en esa misma casa un abuelo y su nieto intentarán sobrevivir como puedan…. Al menos el argumento de la película es más original de la media, ya que los encargados de hacer frente al psicópata son un anciano y un niño, miedo y sustos da pocos pero entretiene que no es

poco En 1.999 Peter Hyans nos regaló “El fin de los días” En un hospital de Nueva York nace en el año 79 una niña que según un joven sacerdote lleva la marca del Anticristo, ya en el año 99 un policía salva la vida de esa misma niña del asalto de unos ladrones, y desde entonces le perseguirán fuerzas sobrenaturales…. La película es un simple vehículo de lucimiento para el gobernador Schwarzeneguer aunque los pocos momentos brillantes que tiene la película acaba robándoselos Gabriel Byrne como el mismo Diablo, la película es el ejemplo de cómo gastar mucho dinero en una película sin alma y sin nada bueno que la haga despuntar….

En el 2.003 el dúo galo Jean-Baptiste Andrea y Fabrice Canepa nos trajeron “Dead End” en la que el día de Nochebuena Frank Harrington lleva en el coche a su mujer e hijos a casa de sus suegros para celebrar la Navidad, pero Frank decide tomar un atajo para ir hasta allí sin saber que va a cometer el peor error de su vida, una misteriosa mujer vestida de blanco sale de la nada para sembrar la muerte a su paso y solo pensara en salir de aquella carretera que no lleva a ningún sitio…. Una más que interesante película del nuevo cine francés que tantas películas de calidad nos está trayendo, sobre todo en el género del fantástico, está película divertida por momentos, salvaje por otra tiene a unos personajes y unos diálogos superiores a producciones de este tipo, una película muy recomendable…

Tenemos que irnos hasta el año 2.005 para encontrar la colaboración patria en este viaje por las tiernas películas navideñas que estamos repasando, Paco Plaza dentro del ciclo de películas que se estrenaron homenajeando a Cuentos para no dormir nos trajo “Cuento de Navidad”, durante las Navidades de 1.985 cinco amigos se reúnen después del colegio en su club para comer chucherías, beber cocacola y comentar los últimos capítulos de sus series preferidas, la noticia estrella de ese día es una ladrona muy violenta que ha escapado de la cárcel y que al parecer se encuentra por su zona…. En esta película podemos ver claras referencias a películas como The Goonies, Cuenta conmigo y a los slashers típicos de los 80 como Noche de paz, noche de muerte anteriormente comentada, la película consigue entretener y me hizo recordar como transcurrió mi adolescencia, que nos es poco…

Y llegado este momento pongámonos todos de pie para la mejor película de todas las que vamos repasar, en el 2.007 Alexandre Bustillo y Kulien Maury realizaron la maravillosa, cruel, brutal “A l´interieur” en la que una mujer embarazada y viuda, cuyo novio ha fallecido recientemente, pasa la noche de Navidad a solas, completamente afligida por la pérdida del padre de su bebe, cuando una extraña se presenta en su casa…. Una de las películas que más me ha impactado en los últimos años junto la también francesa Martyrs ( superior

aún a esta ), el cine francés a dado un paso adelante y sus jóvenes directores apuestan claramente por el fantástico y un fantástico de calidad. La película es muy sangrienta, y con algún golpe de efecto que no desvelaremos aquí para no chafársela a quién no la haya visto, solo un consejo: Que ninguna mujer embarazada se atreva a su visionado….

En el año 2.008 el inglés Tom Shankland dirigió “The Children”, en unas tranquilas vacaciones navideñas familiares se convertirán en una pesadilla cuando los niños empiecen a cambiar de actitud hacia sus padres y a desarrollar extrañas habilidades, y ninguna buena… por supuesto. Película en el estilo de una de nuestras obras maestras, ¿Quién puede matar a un niño? o El pueblo de los malditos, aunque con algo más de sangre y mala leche. En resumen una interesante película sobre niños que cambian chupa-chups por navajas de afeitar, no les hagas enfadar….

De un país tan poco dado al terror como Holanda nos llegó “Saint” del director Dick Maas, en la que nos cuenta que según la tradición infantil San Nicolás se presenta cada 6 de diciembre a modo de Papa Noel regalando golosinas y dulces a todos los chavales que se han portado bien y le han dejado un zapato en la chimenea, sin embargo este año un fantasmagórico San Nicolás hará acto de presencia para crear la muerte y el caos a su paso….. Una muy mediocre producción en la que ni existe el

terror ni el suspense ni nada de nada, encima tampoco tiene tensión ni tiene un final que arregle el desaguisado…. En resumen nada de nada…

Ese mismo año 2.010 nos llegó otra película de un mercado no muy habitual al terror, el finlandés…

Jalmari Helander ( director conocido por todos, ejem ejem… ) nos llegó “Rare Exports: Un cuento gamberro de Navidad” en la que unos científicos se encuentran en el norte de Finlandia investigando extraños sucesos que guardan relación con la existencia de una misteriosa criatura. Siguiendo sus pasos, el pequeño Pietari descubrirá la verdad oculta tras el rostro de Santa Claus….. Fue una de las películas más comentadas en el Festival de Sitges de ese año, llegando a ganar el premio a mejor película y mejor director, y la verdad es que no es para tanto, tiene sus momentos logrados y una buena idea de partida, pero finalmente la película no termina de enganchar como debería y no pasa de ser una película entretenida pero que no llega a ser ni de lejos la maravilla que nos quería vender…

Bueno, hasta aquí hemos llegado con este repaso a esa otra Navidad, donde la sangre sustituye al cava y las hachas a los juguetes, espero que os hayáis portado bien y que no tenga que visitaros el “otro” Papa Noel, no abráis la puerta a desconocidos ni cojáis atajos, en fin esperemos que todo vaya según lo esperado y no tengamos que contar con ninguna baja estas Navidades….. al menos entre nuestros lectores

Que paséis unas Felices Fiestas y ya sabéis que si Papa Noel no os trae lo que queréis en Media Markt o Fnac seguro que lo encontráis…. Un abrazo para todos

POR EMILIO SANCHÍS

ENTREVISTA CON Andrés Lomeña (GUIONISTA PSICÓPOLIS) por Antonio Alcaide Entrevistamos a Andrés Lomeña en relación al cortometraje Psicópolis, estrenado en 2010. Estamos de enhorabuena, pues ya es posible verlo online.

Andrés es guionista de esta creación audiovisual andaluza y amigo personal de este que os escribe.

Abusando de dicha amistad, nos atrevemos a plantearle una batería de preguntas; en ellas intentaremos abordar, por una parte, los aspectos formales del corto, y por la otra un poco de la vida personal de este joven y mordaz escritor malagueño.

ANTONIO ALCAIDE: En primer lugar, enhorabuena por el éxito, aún recuerdo la incertidumbre que planteaba esta aventura cinematográfica, mucho antes de que dieran luz verde al proyecto. Me gustaría saber qué recuerdos te trae y qué sensaciones tienes ahora, que todo ha salido tan bien.

ANDRÉS LOMEÑA: ¡Muchas gracias, Alcaide!

Estamos muy satisfechos con el recibimiento y las críticas que ha tenido Psicópolis, cuyo ciclo de vida llega ya a su fin, después de dos años en los que el director, Miguel Mérida, se ha encargado de presentar el cortometraje en numerosos certámenes y festivales de cine.

La incertidumbre era doble. Por una parte, no sabíamos cuándo se podría rodar: el productor tenía claro que quería a Aníbal Soto como protagonista y el actor trabajaba ininterrumpidamente en Madrid.

Como estas producciones son baratas, teníamos que esperar a que Aníbal viniese a Málaga y pudiera dedicarnos, sin cobrar un solo euro, los tres días que requería el rodaje.

Por otra parte, desconocíamos cómo quedaría el guión literario en la pantalla. Es fácil escribir que un personaje cae al suelo inconsciente (cada lector lo imagina a su manera y ya está, el guionista no se compromete demasiado); en cambio, es un reto mostrar en imágenes ese desvanecimiento y que el espectador mantenga la “suspensión de la incredulidad”, o lo que es lo mismo, la verosimilitud.

Todos tenemos claro que una buena historia ha de ser verosímil, pero no está tan claro cómo se logra esa verosimilitud cuando intervienen tantos elementos: luminotécnicos, sonidistas, actores, maquilladores, cámaras, etcétera. Afortunadamente, el equipo sabía muy bien qué tenía que hacer y el trabajo colectivo terminó siendo un pequeño milagro.

Del guión literario se hicieron varias lecturas en voz alta. Esos ensayos me ayudaron a afianzar mi convicción en Psicópolis. Los amigos y familiares que leyeron anticipadamente el guión coincidieron en que la trama era inquietante y controvertida. Si lees un guión a tus amigos y te preguntan qué has querido expresar, es una mala señal; si los amigos comentan detalles que van mucho más allá del relato, entonces es que has conseguido acertar con alguna tecla.

A.A: Sobre el argumento, tú mismo eres profesor de filosofía, das clase a alumnos de secundaria y bachillerato, igual que Tomás Morales, profesor de nuestro instituto Salvador Rueda, que inspira al personaje de Aníbal Soto. La pregunta es, ¿se puede aplicar el método del cortometraje a los alumnos? Me gustaría saber si has hecho algo parecido en clase y de ser afirmativo, qué efectos ha tenido.

A.L.: Escribí el guión mucho antes de haber impartido mi primera clase como profesor; sería un error, por tanto, pensar que mi trabajo como docente inspiró la historia. El núcleo de la trama proviene, más bien, de mi primer año como estudiante de psicología, carrera que abandoné porque en muchos aspectos me pareció ridícula y trivial. Allí cursé la asignatura de psicología social, que tuve que volver a estudiar, dos años más tarde, en la licenciatura de periodismo. En cualquier caso, los experimentos sociales que se cuentan en el corto pueden encontrarse en un magnífico libro introductorio llamado “Cuerdos entre locos”, de Lauren Slater (curiosamente, muchos psicólogos desconocen este libro y algunos de los experimentos que en él se narran). Digamos que Psicópolis fue mi pequeño ajuste de cuentas con la psicología y la psicoterapia ¿Intentar algo semejante en las aulas? No. Estoy convencido de que los efectos de cualquier “performance” o dramatización son muy limitados.

Puedes hacer un experimento social en clase y te funcionará el primer día... el segundo día serás un pesado por insistir, y el tercero un tonto o un bufón.

Hace poco vi en Internet un vídeo sobre la “indefensión aprendida”. Ese experimento se puede probar en clase, aunque podría bastar con mostrar el vídeo (http:// www.youtube.com/watch?v=OtB6RTJVqPM).

Al margen de lo que he señalado más arriba, no he intentado nada parecido a lo que hace el protagonista porque creo que Tomás Morales (el personaje del cortometraje, el real fue un profesor mío de filosofía cuyas clases eran irreprochables) cruza una línea muy delicada. Los profesores, como los alumnos, tienen sus roles. Puede ser peligroso transgredirlos sin pensar en las consecuencias. De todos modos, me divertía jugar con algunos tabúes de la educación, como la escena en la que una alumna besa al profesor.

A.A.: La actitud del protagonista del cortometraje se podría definir como bastante temeraria, una gota en el océano de la educación en un país que, aparentemente,

tiene poca fe en sus jóvenes, ¿qué opinión tienes sobre el modelo educativo español?

A.L.: La educación fracasa por tantos motivos que es difícil acotar el problema. Lo más fácil sería señalar la última agresión del gobierno: aumentar dos horas la jornada laboral de los profesores y subir la ratio es una manera de enterrar un poco más el futuro de los estudiantes.

Por otro lado, creo que buena parte de la teoría pedagógica puede tirarse a la basura y el sistema educativo se confecciona a partir de esas teorías.

Ahora está de moda “psicologizarlo” todo. Si lees las programaciones didácticas que un profesor tiene que presentar para aprobar unas oposiciones, están infectadas de psicología barata. En todos los institutos hay “orientadores”. A los alumnos ahora se les diagnostica todo tipo de síndromes. Los test de inteligencia siguen clasificando a los alumnos en función de variables muy restrictivas. Y un largo etcétera.

La psicología domina, de forma sutil, gran parte de nuestra sociedad. Quizás por eso Psicópolis no ha gustado a los psicólogos. Comparto algunas ideas de la antigua escuela de la antipsiquiatría y muchas de la actual psicología crítica... todo eso es sacrílego para los psicólogos.

A.A.: El guión de Psicópolis es original. Creo que te conozco lo suficiente para saber que prefieres escribir tu propio material, pero aún así, ¿crees que habría sido más fácil adaptar, has pensado en hacerlo alguna vez?

A.L.: Todos los experimentos sociales de Psicópolis existen, así que en cierto sentido el corto es una adaptación que pretende divulgar la parte más denostada de la psicología (los psicólogos rehuyen de las explicaciones sociales y políticas, por eso la psicología social es una disciplina molesta y periférica que no termina de encajar en el mundo académico).

En efecto, preferiría escribir mi propio material. No cerraría la puerta a ninguna adaptación, pero ya se sabe, para eso también se necesita una industria, y la industria cinematográfica española agoniza o se ve monopolizada por historias que suelen conectar mal con el gran público.

Cuando estudié guión de cine pensé en adaptar novelas de Wilkie Collins, que es un escritor de intriga muy reconocido. Pero ese trabajo de adaptación

me venía grande, eso por no decir que tiene poco sentido adaptar a autores ingleses en nuestro país.

Lo importante sería que tuviéramos una industria poderosa para poder practicar trabajando, así como para asumir riesgos en los guiones y tener el derecho a estrellarnos alguna que otra vez. Eso no ocurre en la actualidad, aunque también habla alguien que no pertenece a esa industria.

sería el segundo y último borrador. La Universidad de Málaga puso algunos obstáculos para rodar en la Facultad de Comunicación, pero se consiguió. Hubo que pagar a un conserje porque el rodaje tuvo lugar en Semana Santa.

A.A.: El cortometraje está producido por Loasur, que ha cesado su actividad cinematográfica por culpa de la crisis. Vivimos malos tiempos para la cultura.

El rodaje fue muy sacrificado para Aníbal Soto porque es el protagonista absoluto. Por lo demás, todo fue maravilloso. Aburriría si diera muchos detalles: hubo entendimiento, colaboración... lo pasamos muy bien y se agradece la cercanía de Aníbal y del resto del reparto.

A.L.: El panorama no es nada halagüeño. Esperemos que la creatividad y las ganas de hacer cine prevalezcan.

Quizás haya que volcarse más en iniciativas como el crowdfunding, pero tampoco creo que esto vaya a ser la panacea.

A.A.: Me gustaría que habláramos de tu faceta como narrador, tienes 2 obras publicadas, “Empacho intelectual” y “Alienación animal”. Háblanos un poco de ellas y sobre todo contesta a la evidencia: ¿para cuando la tercera?

A.A.: Háblanos un poco del rodaje y de tu experiencia con los actores y el director.

A.L.: “Empacho intelectual” está formado por diecisiete microcuentos. Todos son hiperbólicos y gamberros, muy pesimistas también, y suelen terminar con una especie de moraleja más o menos evidente. El éxito de mis cuentos es relativo. Lo más trascendente que me ha ocurrido (digo esto con evidente ironía) es haber recibido una demanda por injurias por vía penal, ya

A.L.: El director transformó el guión literario en un guión técnico con la ayuda de un dibujante para el storyboard. Tuvo un respeto reverencial con el guión y fue él quien me dio algunas indicaciones para lo que

PREMIOS PSICÓPOLIS 1) Premio RTVA a mejor creación audiovisual.

2) Premio del público del festival de cine fantástico de Málaga.

3) Premio del público del festival de cine de Málaga.

4) Mención especial del festival de cine de Málaga.

5) 2º mejor cortometraje del festival “Cesur en corto”.

6) Mención especial para Aníbal Soto en el festival “La boca del lobo” (2011).

7) Mejor corto malagueño en el festival internacional de cortos de Benalmádena (FICCAB 2011).

8) Premio FNAC del festival de cortometrajes de Badalona 2011. que en uno de esos cuentos aparecía el nombre y el apellido de una persona real. Acabé absuelto y aprendí algo importante: quienes albergan resentimientos demuestran una gran agresividad, aunque tengan que matar moscas a cañonazos. No he aprendido aquello que intentaron enseñarme por la fuerza: a dejar de usar nombres que existen en el mundo real, incluso si el personaje y la persona no tienen nada que ver.

“Alienación animal” son seis entrevistas a teóricos de los derechos animales con un prólogo escrito por mí. Me empezaba a preocupar el sufrimiento animal innecesario y quería conservar esas entrevistas en formato papel. ¿Para cuándo una tercera obra? Estoy empezando unos cuentos, algo más largos que los de “Empacho intelectual”, y ciertamente menos gamberros.

Pretendo que sean historias más contenidas, más cotidianas. Pero ya sabes, a veces tienes ideas que se materializan y en otras ocasiones esas ideas terminan en la papelera. Por desgracia, el esfuerzo no siempre guarda una relación directa con el resultado.

A.A.: ¿Trabajas en un segundo guión para cine?, ¿nos puedes adelantar algo?

A.L.: Escribí mi segundo guión de cortometraje este verano. Se llama “Mercaderes de la cultura” y trata sobre las desventuras de un “negro literario”, un escritor desconocido que publica obras firmadas por otras personas.

Ahora mismo no hay financiación y puede que el corto no se haga nunca. Habrá que ilusionarse con otros proyectos...

A.A.: Tu espacio, por si quieres añadir algo para terminar.

A.L.: Os doy las gracias por invitarme a participar en vuestra aventura cultural. Sorprende vuestro entusiasmo y os felicito por ello.

En nuestra página hermana, Fusion-Freak, podéis disfrutar de “Psicópolis”: http://www.fusion-freak.com/index.php/cine-ytelevision/6-cine/10707-cortometraje-psicopolis-tehara-que-pensar.html

El Festival Italiano ha llegado a Madrid.

Del 22 al 29 de Noviembre tuvo lugar un festival al que están acudiendo algunas de las estrellas más prestigiosas del Cine Italiano para mostrar sus grandes y exitosas obras al público y agraciarnos con su presencia, regalándonos a lo largo de estos días varios actos que pasan desde encuentros matinales hasta grandes pases abiertos al público general en el Cine Verdi de Madrid, donde han presentado sus obras en versión original subtitulada y han hecho varios coloquios para hacer disfrutar al público y hacerlos cómplices de un gran arte que amamos y compartimos todos desde España hasta Italia, y por todo lugar en el que se aprecien las maravillas y bienes culturales.

Como en Nosolofreak siempre estamos en los mejores eventos para ofreceros la mejor cobertura, nos hemos reunido con dos prestigiosas figuras de la historia del cine, y nos han dejado varias confesiones para todos vosotros.

Esther Esteban

ENTREVISTA CON Luigi Lo Cascio Luigi Lo Cascio (Palermo, 1967) es uno de los actores italianos más importantes de la actualidad. Tras abandonar la carrera de Medicina y comenzar en el teatro, obtuvo su primer papel principal en el cine en Los cien pasos (I cento passi,2000) de Marco Tullio Giordana, logrando el premio David di Donatello al Mejor Actor.

Con su siguiente película, Luce dei miei occhi (Luz de mis ojos) de Giuseppe Piccioni ganó la Copa Volpi en la Mostra Internacional de Cine de Venecia en 2001. Ha protagonizado grandes películas del cine italiano reciente como Buenos días, noche de Marco Bellocchio o La mejor juventud de Marco Tullio Giordana.

También ha trabajado con directores como Spike Lee, Pupi Avati, Mario Martone o Giuseppe Tornatore.

En 2012, Lo Cascio ha realizado, escrito y protagonizado su primer largometraje como director, La città ideale, ganadora del Premio Arca CinemaGiovani a la Mejor Película en la Semana Internacional de la Crítica de la 69ª Mostra Internacional de Cine de Venecia.

En una película tan especial y original, ¿Cuáles son los aspectos que más le convencieron para seguir adelante con este proyecto?

Esta pregunta sería larga de contestar ya que es algo muy complejo.

Yo escribía en principio para el teatro, también he dirigido obras de teatro, nunca había surgido algo para el cine hasta que no llegó una idea idónea para el cine.

Había adaptado textos de la tragedia griega, de Kafka, para el teatro se suele crear un universo lingüístico sobre el que trabajar, y puede ser suficiente para el teatro ya que a veces se suelen adaptar textos clásicos y no suele ser necesario crear cosas nuevas.

En el cine no puedes hacer una película que se parezca a otra, pues el público puede decir que ya lo ha visto y se necesita la novedad.

Se hizo una historia que se formaba poco a poco que ha ido creciendo ya que no había una idea clara desde el principio de lo que iba a ocurrir, iba a escribir sobre una historia y algo que tuviera que ver con

sus intereses, pasiones, su pasado, sus obsesiones.

Está la búsqueda de la verdad y el malentendido sobre nosotros mismos, al igual que la certeza de los clásicos griegos, a la hora del encuentro con el destino, la casualidad y el ocaso va cayendo.

Otro aspecto que me gustaría preguntarle es qué aspecto considera esencial de la película y que mensaje le transmitiría al público para asistir a la película.

Lo Cascio: Es algo delicado, ya que el espectador no debe asistir demasiado preparado al cine, hay una necesidad de hablar de la película simplemente para crear curiosidad y hablar de los elementos, además de que la película tiene un título que marca bastante, es un significado que puede dar el director pero el público debe dar su conclusión propia.

Cada ciudad tiene sus límites y se confronta al encontrarse con la realidad, y la identidad de las personas, ya que cuando nos ocurre un trauma o un dolor encontramos una tierra desconocida y nuestra identidad sufre un cambio.

ENTREVISTA CON Marco Bellochio Marco Bellocchio (Piacenza, 1939) es uno de los directores y guionistas italianos más importantes de las últimas cinco décadas, como se le reconoció con el León de Oro a su carrera en la Mostra Internacional de Cine de Venecia de 2011. Bellocchio pertenece, por tanto, a una generación de cineastas que debutó entrefinales de los años 50 y principios de los 60, una parte de la cual conformaría, al menos en el inicio de sus carreras, lo que se ha denominado el Nuevo Cine Italiano (NCI), en plena eclosión de la modernidad cinematográfica.

Con 26 años dirigió su primera película, Las manos en los bolsillos (I pugni in tasca, 1965). Su inconformismo y beligerancia política está asimismo presente en sus siguientes obras, como China está cerca (Gran Premio del Jurado de la Mostra Internacional de Cine de Venecia), En el nombre del padre, Noticias de una violación en primera página, Marcha triunfal.

Otros de sus títulos destacables son El diablo en el cuerpo, El aquelarre, La condena, El sueño de la mariposa,El príncipe de Homburg o La balia.

Entre sus últimas grandes obras figuran La sonrisa de mi madre, Buenos días, noche (Premio Especial del Jurado, Mostra Internacional de Cine de Venecia de 2003) y Vincere. Ahora nos presenta su obra Bella Addormentata, una bonita y dramática historia sobre la eutanasia.

¿Qué ha sido lo más importante para usted en esta película?

Es una historia real, que viene de un documental, la batalla y la lucha del padre de Eluana, para salvar, se sumió al país en un gran debate, una lucha entre laicos y católicos, la película comienza con un fuerte episodio, a Eluana la trasladan de hospital, habiendo una fuerte interrupción.

Esta es la fuente de inspiración pero a partir de ahí, la película se desarrolla desde varias historias inventadas, en la película no se centran solamente en Eluana, se entrelazan entre sí en los seis días de traslado del hospital para quitarla la alimentación.

En una historia tan compleja, con tantos matíces y que se mezclan tantos temas, ¿Qué ha sido lo más complicado de reflejar para rodar junto a los actores?:

Ha habido una combinación de material televisivo junto con las historias inventadas, se mezclaba la política de aquellos días con estas historias a través de la gente, la dificultad era encontrar su estilo personal para poder contar las historias en el contexto.

La estructura en general de toda la película, encajar las piezas y los actores describen historias personales dentro de un trasfondo político.

La dificultad mayor era mezclar una realidad inventada con la real y el estilo que ha tenido que crear.

Cada película tiene su estilo y su forma de desarrollarse, y aquí ha habido una gran combinación.

¿Qué buscaba en los actores para dar vida a estos personajes y cómo los ha elegido?: Bellocchio: Hay dos formas de hacerlo, escribir la historia sin pensar en ese actor y la otra es al revés,

primero escoger al actor y luego escribir la historia.

Estuve buscando entre varios actores buscando si ese actor era bueno para el papel y su forma de interpretarlo.

Por ejemplo el personaje de Rossa, una toxicómana, hice pruebas con chicas muy jóvenes para el papel pero no estaba satisfecho y cojí a una joven pero no demasiado joven.

Esa persona me hizo entender que era más un papel para una persona de 34 que para una jovencita.

A lo largo de su amplia carrera, ¿Qué personaje recuerda con más cariño?: Bellocchio: Los que han representado un cambio en mi vida y de representar mi imagen, los que más han repercutido.

A veces lo conseguimos y otras veces menos, las películas de un gran cambio radical.

Este año hemos asistido por segunda vez a los Edge Days, que en su segunda edición han repetido en Madrid como sede y nos han traido las novedades más candentes de su catálogo y han afianzado las más fuertes. Dando muchísimo apoyo una vez más a los LCG con varios torneos.

En este caso el emplazamiento ha cambiado y dejamos de lado el Parque de Atracciones de Madrid para ubicarnos en el hotel NH Parque Avenidas (cercano al metro homónimo y en un lugar más céntrico… aunque peor comunicado bajo mi punto de vista).

Ganando espacio de juego y dando una sensación

mas de convención, al más puro estilo Yankee.

Cómo recordaréis las sensaciones del año pasado, pese a algunos fallos de organización flagrantes, fueron bastante buenas. Sensación la que no he salido de allí este año pues, aunque han corregido la gran parte de las críticas que destaqué el año pasado han errado en lo que para mi fueron los éxitos de la edición del 2011… pero bueno, no adelanto mas, empecemos cómo se debe empezar. Por el principio.

La cita era el sábado a las 10:00 de la mañana así que nos minutos antes me planté allí con mi bueno amigo Gabriel Gonzalez, de La Casa del Píxel, que se ha convertido en mi fotógrafo oficial para los eventos, ya no sólo por amistad sino por la calidad de su trabajo, que podréis afectar en este artículo.

Además a diferencia de este año había quedado con mis compañeros del club de juegos Mecatol Rex, lo que me permitió ejercer un poco mas la parte de jugón y no centrarme sólo en el “rigor periodístico”

cómo el año pasado. Así que todos reunidos en la entrada me percibí de que algo iba mejor que el año pasado, la mayor parte de la gente iba con su entrada y la cola no era increíblemente interminable a falta de unos pocos minutos para que abrieran. Sin embargo, al igual que el año pasado no tenían nada preparado para las acreditaciones y tuve que entrar cómo uno mas, lo que no fue un problema porque apenas nos llevó unos 10 minutos acceder a las instalaciones.

El espacio, en teoría más grande, no lo parecía a causa de las columnas del hotel, lo que provocó problemas

de movilidad en los momentos de mayor afluencia y cierta sensación de caos. Cómo acierto repetido del año pasado las mesas ya estaban montadas con los juegos y había una lista en la que apuntarte así que procedí a reservarme sitio en las mesas de los juegos que mas me interesaban, en este caso Star Wars LCG, Relic, Star Wars Edge of the Empire RPG, Android: Netrunner y Android: Infiltration (de los que detallaré mas adelante) y aunque había otras novedades cosas como el juego de cartas de Juego de Tronos (De la serie de televisión) que básicamente es el mismo que el otro LCG pero con algunos cambios.

Una vez apuntado a lo interesante, con el tiempo suficiente entre partidas, dedico la primera hora en reconocer el recinto: A parte de la sala que os comentaba, con unas 20 mesas bien servidas de juegos. Anexa a esta, tenemos una gran sala, con mesas rectangulares largas dispuestas para los diferentes torneos que los de Edge habían preparado, y es que he de decir que este año, con la experiencia

de los Edge Days 2011 y los LCG Days de Barcelona se han puesto las pilas con los torneos y todo fue a su hora y hasta dónde se rodado. Además dispusieron de una carpa con algunas mesas mas con juegos y una cafetería con unos precios digamos… ligeramente fuera de mercado (precios de hotel, en resumidas cuentas).

Sin embargo aquí se acaba lo bueno. La cantidad de novedades respecto al año pasado ha descendido drásticamente, quedándose en menos de la mitad.

Siendo los grandes atractivos X-Wing y Star Wars LCG, los mismos que ya fueron en 2011. Además, desconozco si debido a la gran afluencia de gente o si estaba planteado así originalmente, redujeron el tiempo de juego (excepto en la partida de rol de Star Wars que estuvimos un buen rato) a poco más de

me la prometieron sin dilación y la recibí este lunes, así que espero poder contaros con mas detalle en breve. Pero bueno, dejando de lado todo esto, voy a contaros que descubrí en los juegos que probé.

Warhammer 40.000: Relic: Bueno, la primera prueba no fue la buena precisamente. El esperado juego ambientado en el universo de Games Workshop ha resultado ser una suerte de Oca dónde toda la mecánica depende del azar y aunque sin duda hará las delicias de los fans a nivel de ambientación no tiene ninguna dificultad ni merito mas allá de tirar dados.

Sintiéndolo mucho no voy a pronunciar mucho mas de decir que las figuras eran de gran calidad y los materiales, cómo siempre, muy buenos.

media hora, tiempo insuficiente siquiera para hacerte una idea de cómo funcionan los juegos (por eso este año no podremos profundizar tanto en los mismos cómo nos hubiera gustado). En general se notaba el descontento de la gente con este hecho (no se si se enmendaron el domingo dedicando mas tiempo dado que decidí no acudir, dadas las expectativas).

Pero no todo fue malo, el personal de Edge y sus voluntarios estuvieron displicente y amables, cómos siempre, atendiendo a todos los presentes con una sonrisa y siempre dispuestos a resolver las dudas o preguntas que surgieran. Tanto que ante la petición de una copia de la beta de Star Wars Edge of The Empire

Android Infiltration: Este era uno de los que tenía mas ganas, englobado en el universo Android (alque están dando mucha caña con el juego homónimo, Netrunner, y este Infiltration) y que apenas pude probar debido a que en apenas 30 minutos nos levantaban de la mesa sólo habiendo llegado a intuir la mecánica del mismo. Básicamente los jugadores encarnan un grupo de profesionales que se infiltra en un edificio para robar información importante, avanzando por salas tienen que hackear terminales e interrogar a los empleados antes de que un tiempo que se resta de forma aleatoria (por eventos y una tirada de dado cada final de turno) expire y la policía venga a detenerlos. El objetivo final es abandonar el edificio antes de que llege la policía con mas cantidad de información que el resto (básicamente, puntos de victoria) que se obtienen de muy diversas formas.

Cómo digo no pude profundizar en el mismo así que poco mas puedo contaros hasta que caiga en mis manos y le de salida en el club, así que en breve espero poder contaros mas.

Star Wars LCG: A sabiendas de que había sufrido cambios no dude en repetir respecto al año pasado (el único que repeti) y fue un acierto. El juego ha cambiado tanto que ha dejado de ser cooperativo para convertirse en competitivo (algo que destaqué cómo mayor flaqueza del juego el año pasado y que me alegra gratamente saber que han cambiado). Ahora mismo, uno lleva el mazo del lado luminos y otro el del lado oscuro, con base argumental de momento sólo basada en la trilogía clásica el objetivo del lado luminoso es destruir tres objetivos del lado oscuro antes de que se complete la Estrella de la Muerte (un contador de tiempo que avanza a ritmo de uno por turno o dos si la fuerza está del lado oscuro, de

destruirlo), a personajes (para lo mismo y quitarlos de la mesa de juego) y para “concentrar” a personajes (lo que hace que no puedan actuar mientras tengan marcadores de concentración de los que se quitan “X” cada turno dependiendo de la habilidad que tengan.

A partir de aquí los parecidos continúan, con un sistema de nomenclaturas para ver que cosas son afectables (Jedi, Piloto, Humano, Arma, Usuario de la fuerza, etc) y que sirven para los disparadores y los objetivos. Por último, los personajes que no

estén concentrados suman un valor al equilibrio de la fuerza, que afecta a la posición en la que está una carta (lado luminoso o lado oscuro) y que provoca que el lado de la luz gane mas recursos o que el lado oscuro avance 2 el tiempo de la Estrella de la Muerte en vez de uno. momento no he visto mas formas de moverlo).

El motor de coste se basa en una serie de recursos que otorgan los objetivos (que forman un mazo a parte y se pueden destruir) y de los que cada jugador tendrá siempre tres en juego (y que pueden dar varios efectos, cómo reducir costes, o mejorar cartas o ciertas acciones) y que también otorgan determinadas cartas (cómo R2D2). Por lo demás se parece mucho a las mecánicas de los LCG y más concretametne a juego de tronos, con personajes, equipo, mejoras y lugares.

Con 3 tipos de daño, por un lado a objetivos (para

Bajo mi punto de vista aún tienen que pulirlo mucho y pienso que poner dos bandos tan específicos limita mucho las posibilidades del juego (a ver cómo avanza la cosa con sus expansiones). En cualquier caso yo no le quitaré el ojo de encima a ver cómo evoluciona la cosa.

Android: Netrunner: Bueno, aquí he sido un poco mentirosillo, en realidad no lo he probado… llevo casi un mes jugando a él y para mi este es sin duda el éxito de los Edge Days 2012. Del creador de Magic, se resucita este juego que ya tiene sus años en formato

LCG con una mecánica de juego asimétrica que hará las delicias de todos En este juego, uno de los jugadores encarna a un hacker activista y el otro a una megacorporación conspiradora.

El objetivo de ambos es puntuar “Agendas” (los planes de futuro de las megacorporaciones), la corporación debe conseguir completarlas gastando recursos y el hacker debe conseguir robarla accediendo a los servidores de la corporación y sin embargo, pese a que el objetivo es el mismo (Gana el primero en puntuar 7 puntos de Agenda) las formas de puntuar son totalmente distintas.

Resulta complicado de explicar sin ponerte a jugar, pero por su parte la corporación tiene varios servidores que son, originalmente, su mano, el mazo del que roba y el descarte (servidor central, investigación y desarrollo y archivos respectivamente)

y puede “instalar” servidores remotos (que es donde se puede, entre otra cosa, madurar las agendas para puntuarlas, cada una tiene un coste en recursos que hay que poner sobre la carta), además puede instalar hielos (protocolos de seguridad) en cada uno para evitar el acceso de los hackers (con varias subrutinas cómo finalizar el acceso o hacer daño al hacker, o que tenga que pagar para acceder, etc) Por su parte el hacker tiene software, hardware y recursos (virus, consolas y medios de ganar dinero,

por poner un ejemplo) que utilizará para acceder a los servidores y robar las agendas mientras se enfrenta a los hielos (con rompehielos) para poder llegar vivo hasta ellos.

Lo cierto es que es una explicación muy básica, si puedo me gustaría profundizar en el juego, que es una maravilla, y poder explicaros un poco mas de cómo funciona. Y si podéis os recomiendo que busquéis un poquito de información e incluso que lo probéis. Yo lo estoy jugando en el club con asiduidad y cada vez son mas los que caen.

Y bueno, hasta aquí los Edge Days, en ámbitos generales peor que el año pasado. Aunque han conseguido mejorar los errores de los que mas me quejé el año pasado han perdido en lo que para mi fueron sus éxitos. Si en la edición del año que viene consiguen coger lo mejor de estos dos años van

a tener un evento redondo, sin duda. Aún así, las sensaciones son positivas y tengo confianza en que seguirán mejorando. Si todo va cómo debe, el año que viene estaré ahí de nuevo.

POR RUFINO AYUSO

Espada y Brujería en el comic Por David Blazquez

Oídme bien muchachos, ¿vosotros os hacéis llamar héroes? Yo conocí a antiguos héroes los cuales tenían valor, orgullo y una gran espada que no vacilaban en utilizar para doblegar a las fuerzas de la oscuridad hasta que besaban sus sucias y desgastadas botas. Yo conocí tiempos oscuros en los que solo la luz de esos héroes era capaz de abrir brecha en las tinieblas en las que brujos y demonios campaban por doquier. Yo conocí héroes que tan solo pisaban tabernas como esta para destrozarla a puñetazo limpio después de acabar con las reservas de alcohol que en ellas había. Oídme bien pues os voy a narrar como eran esos héroes: Elric de Melniboné y Red Sonja son dos de los héroes de espada y brujería, que de la mano de Conan, nos demuestran que no dudan en enfrentarse a todo lo que se les venga encima.

«Su carne es del color de una calavera blanqueada al sol y el largo cabello que le cae sobre los hombros es de un blanco lechoso. En su tez ahusada y hermosa destacan dos ojos sesgados, tristes y de color carmesí y de las amplias mangas de su blusón amarillo surgen dos manos delgadas, también del color del hueso».

Esta es la descripción de Elric, Emperador de Melniboné, guerrero y hechicero melnibonés, una antigua raza cuyas aventuras son narradas en ocho libros donde descubrimos a un personaje de naturaleza débil que necesita beber ciertas pociones, que él mismo puede preparar, para aumentar sus energías hasta las de un melnibonés medio, o bien usar el poder de su arma, la llamada Espada Negra, que es una de las dos espadas rúnicas gemelas: Stormbringer y Mournblade.

Como poseedor de Stormbringer, tiene el poder de absorber las almas de aquellos que mueren con ella, y usar su energía vital para reforzar su

débil constitución. La espada, grabada con runas que emite una radiación negra, es consciente y malévola. También es capaz de actuar de forma ligeramente independiente, a menudo contra la propia voluntad de Elric. A causa de esto, en muchas ocasiones, el precio de desenvainar la 'ladrona de almas' es la muerte de un inocente o amigo.

La primera aparición de Elric en un cómic, fue en marzo de 1972, en una historia de dos partes de Conan el Bárbaro, tituladas “¡Una espada llamada Stormbringer!” y “La Emperatriz Verde de Melniboné”, cuyo guion corrió a cargo de Roy Thomas e ilustrado por Barry Windsor-Smith, basada en la historia escrita por Michael Moorcock y James Cawthorn. El primer cómic en el que apareció el personaje fue la novela gráfica Elric: The Dreaming City editada por Marvel Comics en 1980, escrita por Roy Thomas e ilustrado por P. Craig Russell y publicada en castellano como “Elric: La ciudad de los sueños” por Ediciones Forum en 1983; la cual es una adaptación de una de las historias de “El misterio del Lobo Blanco”.

Posteriormente Pacific Comics adaptó la primera novela, en una serie limitada de 6 números: Elric de Melniboné en 1984, repitiendo equipo con Roy Thomas y P. Craig Russell.

En 1985 First Comics consiguió los derechos del personaje, adaptando las novelas que van desde la segunda a la sexta y reditando la primera en un tomo recopilatorio. Cada novela fue ad apt ad a e n

novela fue adaptada en una serie limitada de seis o siete episodios, contando nuevamente con el guion de Roy Thomas y las ilustraciones de P. Craig Russell y Michael T. Gilbert. Las dos primeras adaptaciones fueron publicadas en castellano por Ediciones B, en una serie conocida como “Elric de Melniboné”, que duró trece números antes su cancelación. Elric apareció nuevamente en el cómic Michael Moorcock's Multiverse, una serie limitada de doce números editada bajo el sello Helix por DC Comics con guion del propio Moorcock y dibujo de Simonson. Posteriormente, y de la mano de Dark Horse comics, el dibujante P. Craig Russell volvería a dar vida al personaje, esta vez como autor completo, para adaptar Stormbringer, la única novela “clásica” de las ocho originales del personaje que no había sido traducida al cómic. Se repitió el formato de serie limitada a siete números, publicándose en España en dos ocasiones por Planeta DeAgostini, una en formato comic-book y otra en tomo. La penúltima adaptación de Elric al cómic ha sido la precuela titulada “Elric: The Making of a Sorcerer” una serie limitada de cuatro tomos editada por DC Comics llevada a cabo por el equipo Moorcock - Walter Simonson. Su publicación en castellano la llevo a cabo Planeta DeAgostini bajo el nombre “Elric: La forja de un hechicero” en un tomo único. Lo último tomo publicado por Planeta es “Elric: Portadora de Tormentas”.

Pero esto de la lucha contra el mal y el manejo de la espada de forma diestra y mortal no pertenece solo a los hombres, un ejemplo de ello es Red Sonja La “diablesa con espada” fue creada por Roy Thomas y Barry Windsor-Smith, apareciendo por primera vez en Conan el Bárbaro nº23 de Marvel Comics, en febrero de 1973. Esta heroína tiene cierta base en el personaje “Red Sonya de Rogatino” creada por Robert E. Howard en la mini historia “La sombra del buitre”, publicada por la revista pulp The Magic Carpet en enero de 1934.

Red Sonja se ha convertido en el arquetipo de heroína de fantasía, con la fiereza de un guerrero encerrada en una despampanante pelirroja, que

usualmente lleva “vistosas” pero inútiles piezas de armadura.

Hija de Ivor de Hirkania, un ex-soldado que se dedicaba a la agricultura, vivía junto con sus padres y sus dos hermanos en una tranquila aldea de Hirkania. Celosa del entrenamiento que recibían sus hermanos en el uso de las armas, Sonja, practicaba de noche a escondidas el uso de la espada por su propia cuenta, aunque estas artes eran mal vistas en manos de mujeres. Pese a todo seguía desempeñando sus deberes y habría seguido el destino que aguardaba a las jóvenes de Hirkania de no ser porque antes de cumplir

Aquí empezaron las aventuras de esta heroína, cuyo camino se cruzo con el del cinmerio en Makkalet, tras contratarla el Rey Ghaniff, de la ciudad-estado hirkania de Pah-Dishah, para que robara una tiara. Sonja llego a salvar la vida de Conan y escapo con el botín. El rey la hizo su esclava, lo que le llevo a morir en las manos de Sonja, huyendo esta con un precio sobre su cabeza por regicidio.

Desde entonces La diablesa salto de aventura en aventura, cruzando sus caminos con Conan en varia ocasiones, pero escapando siempre de sus brazos. Tiempo después volvió fugazmente a su pueblo natal, dirigiéndose después a las montañas del sur, donde descubrió un pueblo perdido de pelirrojos como ella, que adoraba a la estatua de la Diosa Roja,

idéntica a la visión que tubo tiempo atrás. Este pueblo estaba en permanente guerra con los Drommach, otra tribu rival de seres infrahumanos, que habitaba en la misma montaña y adoraba a la Diosa Negra, que a través de los tiempos había engañado a ambos pueblos. La sacerdotisa de la Diosa Roja, Zora, le reveló a Sonja que en realidad, ella pertenecía a su pueblo y al tocarla la Diosa con su espada, simplemente despertó sus habilidades latentes, aunque Sonja nunca supo si esto era verdad. Tras la destrucción de ambos pueblos Sonja, acompañada por Zora, abandono el lugar encaminando sus pasos hasta el puerto de Khorusun, donde un noble aquilonio llamado Daquius las contrataría para que le sirvieran como guardaespaldas, a él y a su hija, Merina, años después conocida como la Pirata Valeria de la Hermandad Roja. Años más tarde, buscó nuevamente a Conan, por entonces Rey de Aquilonia, volviéndolo a engañar para obtener su ayuda antes de abandonarlo y continuar su eterna marcha hacia la leyenda.

Bien muchachos, ahora ya conocéis dos héroes más, pero ellos son solo dos entre muchos. Sus leyendas están por ahí, en innumerables historias llenas de valor, magia y sangre.

CREACIoN DE LA HISTORIA Si hablamos de Disney, Iglesia, lilas y rosas, y de muñecas con una posible “vida” es la forma de adentrarnos en el mundo de Sky Doll de Barbara Canepa y Alessandro Barbucci. Una obra que, en el XVIII Salón del Manga de Barcelona, se ofreció en una edición especial de un solo tomo donde se agrupaban los 3 primeros tomos (La ciudad amarilla, Agua y La ciudad blanca) junto con la precuela del nacimiento de Noa, una historia inédita e ilustraciones sobre el manga de la mano de grandes dibujantes internacionales.

A primera vista, Sky Doll es un cómic europeo que trata de una muñeca creada originalmente para complacer a los hombres pero que por alguna razón, tiene conciencia más allá de ese propósito y no se siente feliz con su objetivo en la vida. Decide escapar, en la nave de unos emisarios papales y viajar para encontrar su sitio, conociendo nuevos mundos con diversas religiones que (como en la vida misma) dominan por completo esos planetas y hacen que sus habitantes se comporten de una manera predeterminada.

En la obra, se tratan de forma principal dos temas profundamente ofreciendo a los lectores diferentes niveles de compresión sobre la obra. Por una parte, es el papel de la mujer no sólo como mero objeto sino como persona libre que toma las riendas de su vida y sus propias decisiones. Y por otro lado, es una mofa y crítica de algunas religiones contemporáneas y de las acciones absurdas que conlleva su seguimiento.

La mujer, o en este caso la muñeca, en la que veremos reflejado el papel primordial es en su protagonista Noa. Una Sky-doll que vive permanentemente unida a un ser vivo siendo su esclava y este convirtiéndose en dueño de su existencia, ya que deben darle cuerda cada 33 horas en la espalda, lugar estratégico donde ella no puede llegar, impidiéndole así ser por completo dueña de sí misma.

Pero Noa, a diferencia de sus compañeras piensa, medita y tiene recuerdos ¿recuerdos? No debería tener recuerdos siendo una muñeca artificial! Eso ya nos da una pista de que no es una muñeca como las demás.

Sus autores querían denunciar la visión de la belleza de hoy en día, estereotipada y vacía pero sensual. Es decir, grandes tetas y piernas delgadas sin nada en la cabeza. Noa físicamente es explosiva pero realmente su carácter es totalmente opuesto a lo que representa, toma decisiones sobre su propia vida.

En esta obra no pretendían realizar una reivindicación feminista contra el machismo, hay un cierto atisbo que puede hacer creer que es así, pero lo único que querían era dar a entender que todo el mundo, sea como sea, debe tener libertad para encontrar su lugar.

Que a uno se le debe tener en cuenta por lo que es y lo que vale, no solamente por lo que representa.

Incluso aunque en Sky Doll las muñecas están representadas con un gran nivel de belleza, el erotismo en sus escenas es casi nulo. El único momento de demostración es cuando el genio de los efectos especiales realiza el acto sexual de forma violenta con la papisa Ludovica. Sus autores no querían escandalizar al público, sino que esa escena era necesaria para demostrar hasta qué punto era ambigua la relación entre ellos.

Por otro lado, la acción sucede en un universo ficticio donde las papisas Ágape, el amor espiritual, y

Ludovica, el amor sexual, entran en conflicto, ya que la ciudad se divide, y da como resultado la desaparición de Àgape y la creación de una única religión alrededor de Ludovica que ha sido pervertida. Así, Ludovica rige las vidas de casi todos los que viven en ese planeta a través del control de los medios de comunicación, usando “milagros” a modo de estafa para impresionar a los ciudadanos, a través del ingenio de un hombre que juega con los efectos especiales para atraer a la incredulidad de sus visitantes.

Visitantes, porque incluso para poder ser testimonio de tal maravilla, se realiza en una sala de visiones con aforo limitado que siempre es retransmitida por televisión por una presentadora comprada que glorifica que el espectáculo está a punto de comenzar, intentando atraer a un mayor número de “creyentes”.

Incluso en algunas de sus “apariciones” tocan con la “luz divina” a sus fieles, pero en realidad eliminan a seguidores afirmando que han sido bendecidos y han ascendido al cielo.

Sky Doll se convierte así en una crítica aplastante contra la actual comercialización de las creencias, promovidas como un circo con la finalidad de atraer a los ciudadanos de modo que los tengas sometidos a su voluntad. Los autores no señalan ni atacan a nadie en particular con el dedo, sino que hablan de cosas que han experimentado ellos mismos personalmente.

Por un lado, los dos se vieron profundamente afectados por las ceremonias de Jubielo (o año Santo) del 2000 que ha sido ampliamente difundido por toda Italia y vivieron el espectáculo que se hace alrededor de tal acto de fe. Por otro ha sido la educación que han obtenido en una escuela religiosa, decididos a inculcarte unos valores quieras o no. Tal como declaran, a su alrededor todo está relacionado, incluso con la política.

Es por ello, que no dejan de hacer hincapié en como la religión controla todo aquello que se encuentra en su alrededor, de modo que lo promueven y modelan de modo que les sea favorable o incluso si fuera necesario, llegar a eliminar aquello que les moleste y entorpezca su ideología. Como en el planeta de Agua.

Agua, representa un mundo con una religión totalmente diferente. Los autores se inspiraron en la Iglesia de la Cienciología, incluso formaron parte de ella durante un tiempo para documentarse considerándola la religiosidad de la Nueva Era, un “hecho en casa” muy de moda en Milán. De la inclinación de los hombres de buscar la espiritualidad y el sentido de la vida de la forma más rápida y sencilla.

Así pues, Agua, simbolizada a primera instancia un tanto hippie, está representada como si una cadena de centros de bienestar se tratase con el fin de mejorar la estética y la psicología con un gabinete de psicoanálisis. Una burda mentira de cómo mejorar el alma y el espíritu con la que La ciudad amarilla tenía un pacto a través de Ágape, quien tenía una estrecha relación con la ciudad.

Pero con la desaparición de Ágape las cosas cambian.

La Iglesia Católica está mejor organizada que la Cienciología y pueden conseguir que sean ignorados o incluso eliminados aquellos que puedan introducir en sus seguidores ideas opuestas a las suyas. Y es así como en Sky Doll Ludovica destruye la otra religión y sus creencias. Eliminan su fuente de energía, un pez que otorga el don de la clonación, de modo que la especie, tratados como herejes, se extinga y así exterminarlos por completo.

Aunque la televisión esté comprada por Ludovica y creen efectos y milagros para venderlos al populacho existe una minoría que crea una confrontación hacia esta religión por partida doble. Por una parte La ciudad blanca, entidad misteriosa que es la verdadera regente de la Iglesia, les da la espalda ya que no comparten sus métodos para atraer a los fieles, y por otro los seguidores agapianos, la nueva iglesia de la inmaculada papisa Ágape que junto con los buscadores manifiestan su indignación y quieren encontrar a la verdadera santa.

Para dar forma a todo este mundo, en que nace la discordia de las diferentes religiones y la dificultad de encontrar un destino, los autores decidieron darle vida a su historia con los colores vivos y eléctricos.

Juegan con colores vivos, con una gama de rosas y lilas que dan vida y fuerza a su historia. Trabajan con una

paleta de colores pigmentados que dan a la heroína un toque extraordinario.

Al principio la serie fue coloreada a mano, pero hoy en día con la comercialización de la obra y las nuevas tecnologías se trabaja con Photoshop. A Barbara Canepa le encantan los colores llamativos y ácidos, totalmente puros, pero no podía usar acrílicos para conseguir la intensidad deseada. Para su suerte, descubrió los ecolines, colores líquidos similares a la acuarela de forma que podía ofrecer esos tonos tan vivos y fuertes que demuestran su pasión por el período de los años 70, la cultura hippie (como en el mundo de Agua) y la revolución de la cultura pop.

La mayoría de los detalles que existen en Sky Doll, están infundados por experiencias o pasiones de los autores, como la relación con la religión o la forma de usar los colores. Otro de los factores infundados por sus tiempos, es la elección de dar forma a la protagonista a través de una muñeca. Su decisión se debe a que en su vida han tenido una gran cultura de

ciencia ficción a través de las películas y obras entre los años 50 y 70, y han querido rendirle homenaje a este bagaje cultural.

Son las películas como La guerra de los mundos o Alien, algunas de las que recuerdan con más afín, pero la obra que consideran como una obra maestra y modelo a seguir para su proyecto es Barbarella de Roger Vadim. También les marcó las historias predecesoras de Moebius y Jodorowsky, entre otros, que han tratado estas cuestiones antes que ellos.

Además, de que en una visión más moderna, son amantes de la serie Futurama. Esa pasión por la ciencia ficción se ha convertido en la base de Sky Doll, en ese mundo que han creado rodeado de muñecas.

PERSONAJES Noa: La protagonista de esta historia es una muñeca que a diferencia del resto posee personalidad y, aunque no lo sepa, poderes por descubrir que al parecer tienen alguna conexión con la proscrita Ágape. A diferencia del resto de androides no es feliz con la vida que le inculcan y decide buscar su propio destino. Representa ser una persona positiva que busca su lugar en el mundo a través de la ayuda de dos compañeros, Roy y Jahu, con caracteres totalmente opuestos pero que ella sabrá hacer lidiar.

Roy: Es uno de los emisarios papales, joven e idealista, que es el apoyo de su compañero más experimentado, Jahu. Comienza su misión con entusiasmo como un ingenuo muchacho pero el descubrimiento del verdadero propósito de su viaje y de la religión a la que protege, acaba por transformarlo en un individuo cínico y rebelde. Pero con la compañía de Noa consigue que, aunque ya no crea en la filosofía de la religión que defendía, siga teniendo una visión positiva frente a la vida.

Jahu: Es el sirviente papal de Ludovica desde hace tiempo. Jahu es un individuo habitualmente malhumorado, que no se abre a los demás protegiéndose a sí mismo de cualquier cosa. Es una persona tan entregada a su causa que está dispuesto a cualquier cosa para no decepcionar a sus superiores pero demostrará su humanidad al confesarle su traición a Roy al no revelarle el verdadero propósito de su misión y demostrará que dentro de su corazón reside un amor perdido que se aferraba a él.

Ludovica: Es la soberana oficial de la Iglesia de Papathea que es adorada como una diosa. Es una

y controla sobre todo lo que ocurre a su alrededor.

A consecuencia de ciertos complots terroristas fomentados por los fieles a Ágape, su poder político y religioso se debilita día tras día.

Miraculator (Genio de los Milagros): Es un genio de la tecnología encargado de organizar las apariciones y “milagros” de Ludovica, que en realidad no son más que trucos. También es su amante (mientras los obispos miran para otro lado con respecto a la relación). Ludovica se enorgullece de haberle robado la pareja a su hermana Ágape, pero en realidad el Genio sigue siéndole fiel a su recuerdo, ocupando una alta posición en la célula terrorista que pretende vengar a Ágape y finge ser fiel a Ludovica para organizar mejor la rebelión. Tras la muerte de Ágape concibe a Noa, un androide fuera de lo común capaz de soñar: aparentemente ella debía servir como su sustituta, tanto para el corazón del Genio como para las masas.

joven tiránica y perturbada, desquiciada por su amor no correspondido hacia el “genio de los milagros” y obsesionada por el odio que siente hacia su hermana Ágape. Adora el poder y tiene la necesidad de sentirse admirada por todos siendo el centro de atención, incluso si para ello es necesario usar la fuerza, e incluso eliminar la memoria de Ágape o mentir, haciendo creer que recibe sus órdenes directamente de la “ciudad blanca”. Ella es sólo un títere que no tiene poderes en sí misma, sino que es manejada a través del genio de los milagros aunque ella cree que decide

Ágape: Era la representación del amor espiritual en la religión de la ciudad, pero fue asesinada por su hermana Ludovica por celos respaldada por los obispos ya que la separación de los fieles en dos bandos amenazaba la estabilidad del culto. Es un personaje misterioso cuyo papel es desvelado progresivamente, aparece con regularidad en las alucinaciones de Noa, no está viva físicamente, pero si en alma. Sus fieles la aclaman silenciosamente, creando sociedades secretas con el objetivo de reencontrarla y devolverla a su posición.

Ella conocía el culto de los Acuarianos y a Gaia, se le permitió acercarse al Pez Sagrado provocando la combinación y alteración de anteriores experimentos científicos que debían conducir a una nueva creación.

También tenía la intención de integrar diversos

elementos de la religión acuariana en Papathea.

TOMO 4 Y FIN DE LA SERIE Ante la pregunta ¿qué está pasando con el tomo 4? He de decir que Alessandro y Barbara a parte de trabajar juntos estaban casados y ese matrimonio se rompió.

La situación era difícil y durante tres años cada uno trabajó por su lado pero les dijeron que no podían dejar a los lectores sin nada de Sky Doll. Así fue como nació Sky Doll Lacrima Collection que reúne seis fragamentos de la vida de Ágape y Ludovica a través de las manos de varios artistas internacionales.

Con esta nueva colaboración, vieron que podían unir fuerzas para terminar Sky Doll y dar vida a los dos tomos que finalizan esta espléndida historia. No fue hasta el año pasado, después de tanto tiempo de silencio, que empezaron a darle forma al tomo 4: Sudra.

Esta entrega tiene lugar en el planeta Sudra. Hubo una investigación gráfica significativa para crear el universo entero. Se basa en islas como Bali, Sumatra.

Tardaron como 4 o 5 meses para poner todo en su lugar, el planeta debía ser lo más real posible, sin errores. Alessandro ha trabajado un montón de capas para no dejar pasar ninguno de los detalles. Será muy colorido porque van a construir la religión hindú esta vez, asemejándose a un circo.

En esta nueva entrega, se desarrollará aún más el carácter de Noa y su historia. En el tercer volumen Noa ya era sacudida por los acontecimientos que se acaecían alrededor de su persona, y es esta edición todavía se agravarán más todavía. Aunque se habló de que saldría en 2012, parece que deberemos esperar un poco más para poder disfrutar de las nuevas aventuras de Noa y sus compañeros, y de cómo transcurre esa Guerra Santa.

Por Judith Hidalgo Pis

VdeVendetta “Buenas noches Londres. Son las nueve y les habla la Voz del Destino retransmitiendo desde el 275 y 285 de la Onda Media. Hoy es 5 de Noviembre de 1997.”

Nos encontramos en el año 1997, pero no es el que todos conocemos. En esta ocasión, en esta historia, una III Guerra Mundial ha azotado el planeta y en Inglaterra se ha instaurado un régimen fascista, dirigido todo desde el Partido. La narración comienza con la aparición de una joven de 16 años llamada Evey, que por avatares del destino ha decidido ejercer la prostitución para poder salir adelante. Su mala suerte es evidente cuando podemos comprobar que su primer cliente es un policía, un dedo, que decide junto a otros compañeros castigarla por ejercer su profesión en la calle y violarla entre todos.

Pero es aquí cuando el héroe de esta historia hace su aparición y con majestuosidad y finos movimientos

acaba con la vida de estos malhechores, salvando a la joven y tomándola bajo su protección, protección que a veces se torna en un salvaje cautiverio.

V de Vendetta es una novela gráfica obra de Alan Moore y David Lloyd que se publicó originalmente en diez números en formato comic book (lo que en España llamaríamos “grapas”) de la mano de DC en los años 80. Es por tanto un futuro distópico para aquella época, pero si omitimos la fecha bien puede servir para los años venideros. El famoso guionista británico contempló como el Partido Conservador cometía, bajo su criterio, una administración terrible; suponiendo que el Partido Laborista ganaría las elecciones siguientes, eliminando la presencia de las armas nucleares estadounidenses del territorio inglés, procedió a imaginar un mundo en el que Norteamérica y Eurasia se sumieron en una guerra nuclear sin precedentes y quedaron completamente arrasadas.

Este escenario resulta perfecto para que Alan Moore y David Lloyd creen una Inglaterra fascista y manipuladora de la información, siguiendo la estela de obras como “Un mundo feliz” de Aldous Huxley o “Farenheit 451” de Ray Bradbury. Y como en toda historia debe haber un héroe, en esta ambientación tan prohibitiva el héroe no es otro que un enmascarado que busca la libertad conocido tan sólo como V. El diseño de V es conocido por todos actualmente ya que dicho look se ha difundido como un símbolo de libertad y lucha por los derechos de los individuos en diversas manifestaciones por todo el mundo, además de ser usado por el grupo Anonymous para proteger sus identidades en los videos que emiten

por Youtube. La máscara representa a Guy Fawkes, un ciudadano inglés católico que en 1605 colaboró en un complot para volar por los aires el Parlamento y así asesinar al rey Jaime I por la persecución que sufrían los cristianos no anglicanos. Y es que en 1604, el mismo rey había decretado la expulsión de todos los sacerdotes católicos del país y que se debía multar a todos aquellos que no asistieran a los ritos eclesiásticos de la Iglesia de Inglaterra.

Guy Fawkes se convirtió en el símbolo de un complot para terminar con esta situación al ser arrestado mientras custodiaba multitud de barriles de pólvora puestos debajo de la Cámara de los Lores. Desde entonces se conmemora el día quemando un muñeco de Guy Fawkes y lanzando fuegos artificiales. Según declaraciones de Alan Moore, pensaba que David Lloyd no estaba precisamente muy cuerdo al proponer un diseño basado en este personaje, aunque aceptó de inmediato. ¿Por qué no ensalzar a alguien que intentó destruir el Parlamento en pro de la libertad en el siglo XVII? Además, David Lloyd contribuyó a la obra dando como directriz que en ningún momento aparecerían bocadillos de pensamiento alrededor de los personajes ni de efectos sonoros, informando a Alan Moore por carta. Nuevamente sorprendido y pensando lo que no era, el guionista aceptó y la obra fue desarrollada así, siendo un reto para Alan Moore ya que nunca había hecho algo así.

Durante toda la novela gráfica, se hacen constantes referencias a la letra V y, por consiguiente, al número cinco. Incluso el propio V ha tomado como lema una frase en latín procedente de la obra Fausto: “Vi veri Veniversum vivus vici”, que se traduce como “Por el poder de la verdad, mientras viva, habré conquistado

el universo”, lema a su vez de Aleister Crowley.

En España se ha editado V de Vendetta ya cuatro veces. La primera, por Ediciones Zinco en formato comic book (sí, las “grapas”, lo dijimos antes); la segunda, ya por Norma Editorial, en un volumen en tapa dura; y la tercera y la cuarta a manos de Planeta DeAgostini, en 2005 con una edición con las páginas ligeramente más grandes que denominaron “formato Absolute”, con un precio de 17’95 €, y en 2010 con el mismo formato, pero con 100 páginas de contenido extra y un precio bastante mayor a su edición previa, ya que alcanzaba los 35 €. En 2012, esta última obra quedó descatalogada pero se espera que los actuales poseedores de la licencia de publicar cómics DC en España, El Catálogo del Cómic, vuelva a editar esta prestigiosa novela gráfica más tarde o más temprano.

No podemos olvidarnos ahora de la adaptación de 2006 a manos de los hermanos Wachowski de V de Vendetta, con Hugo Weaving, Natalie Portman, Stephen Rea, Stephen Fry y John Hurt entre otros, que a pesar de haber recibido muy buenas críticas por parte de los espectadores no habituales del cómic, ha sido criticada hasta la saciedad por Alan Moore, sus seguidores y otros aficionados.

V de Vendetta ha sido un rotundo éxito desde su publicación, ya que no deja indiferente a nadie. La posibilidad de que este futuro distópico sea realidad no sólo en Inglaterra si no en cualquier estado del planeta lleva a los lectores a plantearse los ideales por los que lucha V durante todas las páginas en las que están disfrutando de él. Si bien fue creado en los años 80, en la actualidad en España podemos reflexionar sobre lo que esta obra nos plantea, debido al clima que ahora impera en nuestro país.

Próximo: ¿Qué esperamos de 2013?

POR MIGUEL DE ANDRÉS BAYÓN

RESEÑA La Hora del Mar Carlos Sisí

LA HORA DEL MAR, cuando el Planeta toma las riendas para deshacerse del mal que lo atenaza: la humanidad. ¿Qué es LA HORA DEL MAR? Hay quién me preguntó si se trataba de un nuevo libro de temática Z, pero no. Quién vaya por esos derroteros se va a llevar un chasco de los grandes y puede que la imagen de la portada le lleve a error. Señores y señoras, amantes del género Z, del terror psicológico, etc... lo de la portada es un MUERTO, no un ZOMBIE. Avisados quedan...

LA HORA DEL MAR arranca con una reunión entre dos amigos que se han echado a la mar para pescar.

Todo sucede con normalidad hasta que comienzan a emerger peces muertos a la superficie. Primero uno, después son unos pocos, hasta que después están rodeados de una marea anacarada de animales muertos. Después, divisan una luz blanca que traspasa por debajo de ellos a una velocidad vertiginosa.

Avisan a la guardia costera, pero quedan en no decir nada de la luz blanca para que no les tomen por locos.

A la mañana siguiente, Jonás, uno de los dos amigos que estaban en la barca, se acerca a un bar cercano y descubre en las noticias que no ha sido un hecho aislado en Málaga, la ciudad en que reside. Sino que ocurre a nivel mundial.

Todo comienza a ir de mal en peor cuando detrás de una mala noticia ocurre otra que eclipsa la que estaba ocurriendo. Expertos de todas partes y todos los campos de la ciencia acuden para intentar averiguar por qué ha ocurrido este fenómeno. Mientras las cámaras están filmando, ocurre lo impensable y

es que los barcos desaparecen bajo el agua a ojos de todos los tele espectadores saliendo disparados poco después hacia el cielo cayendo y quedando destrozados. Y nuevamente no son hechos aislados, sino que ocurren por todas partes. Se cierran puertos y aeropuertos, los barcos intentan llegar a puerto, pero no todos lo consiguen... y de nuevo Carlos Sisí nos mantiene en vilo esperando nuevos horrores a la vuelta de la esquina. Cuando aparecen unos monolitos negros que cobran vida y … Oye ¿No te pensarás que te voy a contar toda la novela verdad?

Hasta aquí voy a leer.

LA HORA DEL MAR puede considerarse una novela de terror piscológico cuando no es solo a la naturaleza y al planeta a lo que nos estamos enfrentando.

Sino porque realmente no sabes de dónde viene el peligro y cuál será la siguiente baza que Carlos Sisí nos hará padecer en el transcurso de la historia.

Personalmente y aunque la novela me ha gustado mucho, me ha recordado en ciertos momentos a la película de “El Incidente” en la que la gente comienza a morir sin saber por qué y son las plantas y los árboles que mediante esporas y el viento hacen que gran parte de la población perezca sin remedio. Y ya después de desgarrar una película a cierta parte de la población que todavía no la había visto, vuelvo con la novela. Guardando las distancias de la comparación, claro. Porque en ésta la gente no muere sin más, sino que ha de enfrentarse a mil peligros, todos salidos del mar, a cual más increíble y descabellado poniendo en jaque a los gobiernos de todas partes que desde el interior de sus refugios intentan paliar y encontrar solución al problema que tienen entre manos y que les viene demasiado grande. Nada parece tener solución. Familias se separan y amigos se pierden

entre multitudes que en un éxodo abandonan las ciudades costeras y buscan refugio en zonas de interior. Pero parece que ni así están a salvo y que criaturas asombrosas salen del líquido elemento para darles caza.

de las criaturas. Yo de ti no me la perdía y le hincaba el diente (o mejor, le echaba un ojo) porque no tiene desperdicio.

LA HORA DEL MAR viene a lomos de la editorial Minotauro siendo una de sus grandes apuestas para La novela no se centra solamente en un personaje estas navidades. Y otro de los atractivos es el sensacional sino que el autor nos vuelve a demostrar cómo llevar trabajo de portada realizado por Épica Prima de las de forma ejemplar una novela moviendo los hilos de manos del extraordinario ilustrador Alejandro Colucci. diferentes personajes en un ir y venir de escenarios de lo más dispares y que parece que solo encuentran POR AIDA ALBIAR su punto de unión hacia el final de la novela.

Nuevamente Carlos Sisí nos moldea unos personajes cercanos, agradables, huraños, psicópatas, locos... nos los hace sentir. ¡Sentir como reales! Cosa que no todos los autores logran y es transmitir sensaciones cuando estás leyendo su obra.

LA HORA DEL MAR demuestra que un autor no se puede encasillar en un solo género y que puede sorprendernos para bien cambiando de registro y seguir poniéndonos los pelos como escarpias.

Quizá una distopía diferente, algo que quizá algunos pensamos y que en el planeta realmente lo que sobran son los humanos para vivir en paz el resto

La tercera edición de Ilusionaria ya está aquí y viene cargada de cuentos, ilustraciones y sueños para los niños más pequeños y porque no para los más grandes. 22 cuentos de 22 escritores que han unido plumas y lápices para un solo fin: apoyar a la Fundación Mauricio Garrigou en su labor docente y de ayuda a niños con discapacidad intelectual.

Esta fundación realiza una labor de adecuación e integración social y educativa para con estos niños y sus familias, mejorando su calidad de vida. Y lo hacen mediante becas, investigación y desarrollo, elaboración de programas educativos especiales, atención especial a los sectores más desfavorecidos, etc.

Según palabras textuales de la nota de prensa que nos han entregado desde los organizadores de este hermoso proyecto: “Nos llena de orgullo poder apoyar a esta gran causa, y esperamos vuestra colaboración para que desde la Fundación Mauricio Garrigou puedan seguir desarrollando esta importante labor”.

Es increíble pensar que incluso en tiempos de crisis como los que nos toca vivir, todavía quedan personas como Juan de Dios Garduño capaces de coordinar un proyecto tan grande y ambicioso y a la vez por una cifra tan pequeña: 0€, pues todo el precio del libro (15€) va destinado íntegramente a la asociación.

Así describe este proyecto Juande, coordinador del proyecto Ilusionaria: “sin duda el proyecto más grande que he creado en mi vida. Grande en todos los sentidos. Siento que aporto mi pequeño grano de arena para que este mundo sea un lugar mejor, más solidario y justo. Un proyecto compuesto por personas generosas, cientos ya, que aportan también su pequeño grano, su trabajo, para remar juntos en una misma dirección: la solidaridad para con los más necesitados.”

La primera edición de este proyecto fue destinada a traer niños bielorrusos que viven día a día cerca de Chernobil, la segunda fue dedicada a Abraham Presa Alba en su lucha contra la adrenoleucodistrofia. Ambas han sido todo un éxito y se espera una repetición en su nueva edición por ayudar a los más

desfavorecidos.

La relación de autores, dibujantes y cuentos de esta edición se expone a continuación: -Mudita Guillermo Tato / Guiomar González -María y la mariposa azul Carolina Márquez / Javier Charro -El inesperado viaje de Piedrito Ramón San Miguel Coca / Elisa Basagoiti -El payasete Nicolette Mar Solana / Sarah con Hache -El día en que el mundo se volvió loco J.E. Álamo / Esther Sanz -Una vida en sueños María Eijo / Alba Porta -Los hijos del trueno Martín Piñol / Votric Ilustrador -La niña que quería ser doctora de día y murciélago de noche Mitsuko Cristina González / David Navarro -Juan con miedo Paco Cabezas / Noelia Cabo -Amigas para siempre Olga Salar / Eva María Gey -La primera vez Ángel Luis Sucasas / Héctor Sánchez -Griselda y la varita mágica perdida Ruth M Lerga / Tamara Castro -Héctor, el rey sabio y la nieve David Prieto / Pedro J. Colombo -La bruja del sombrero violeta Julieta Paola Carrizo / Lorena Navarro Henríquez -El niño que soñaba con llegar a las estrellas Sergi Llauger / Bea González -¡Despierta, Dragón esqueleto! Amaya Felices / Laura López -Adán y Eva David Mateo / Ferrán Vilches -Tarfilandia y los tarfitos Lucinda Gray / Vicente Mateo Serra -Queridos niños del mundo Andrea Peña / Lucía Cerverón -¡Qué día, el del enano! Aída Albiar / Abel Pujol -El señor Beniverotti y la feria de mayo Eloy Alonso / David Agundo Álvarez -El gato y la luna Fernando López Guisado / Daniel Expósito Como podéis ver son todos cuentos originales que se salen de los libros tradicionales, ¡así que no lo dudéis! ¡Aportad un granito de arena a este proyecto!

Ilusionaria 3 saldrá a la venta en diciembre de 2012, para que estas navidades lleguen cargadas de ilusión, fantasía y esperanza….

RESEÑA Siete Cruces

Roberto García Cela Tiene mérito que un autor luche tanto por su obra como lo ha hecho Roberto García Cela, un trabajo que me consta a través de colegas que también se dedican a reseñar libros y que se han encontrado con la novela al igual que lo hemos hecho nosotros. Y primero que nada, quisiera hacer llegar mi agradecimiento a Roberto por enviarme su trabajo para poder valorarlo desde mi humilde opinión. Gracias Roberto.

Y ahora, adentrándome en la novela, ¿Os gusta Saw? Porque nada más comenzar la novela vais a notar un dejavú entre la escena inicial de ambas cuando desconocidos se despiertan aturdidos en una sala y no se conocen entre ellos (aunque puede que este parecido termine aquí. ¿Será así?) También me recuerda en cierto asunto (que no desvelaré cuál) a Misfits, pero de una forma sublime, casi como un divertido guiño a la serie que me ha encantado.

Seis desconocidos se despiertan a oscuras en una habitación sin tener más en común que estar sentados en unas sillas en forma de cruz, quedando libre una séptima. Son recibidos por un niño pequeño que no parece ser a simple vista lo que aparenta y una mujer de origen oriental. Éste pequeño, irá contando la historia de cada uno de los protagonistas allí cautivos llegando a ser en ocasiones demasiado visceral, es un libro duro no apto para mentes sensibles acostumbradas a lecturas sencillas y agradables. ¿Qué nos trae SIETE CRUCES y hacia dónde nos lleva? ¿Con qué propósito el pequeño de seis años los ha reunido y qué quiere de ellos? Son preguntas que te harás en la lectura de esta novela y que parece no vas a encontrar solución fácil. Pero, ¿Hay algo

que en realidad lo sea? Las historias que se cuentan sobre los personajes son desgarradoras, duras y crueles. Terribles. Autoflagelación, odio por los hijos y otras tragedias que harían las delicias de más de un psiquiatra tarado. Y aunque en principio parece que tengamos entre manos una novela de terror sádico, sorprende por que habla de las personas, de una forma que te hace sentir cierta empatía con ellos. La crueldad que han sufrido e incluso la que son capaces de hacer...

Roberto García Cela demuestra que hay joyas en bruto escondidas en el panorama literario nacional luchando por brillar y hacerse un hueco en las estanterías de moda.

No sé exactamente a qué público dirigirlo. Yo soy de fantasía épica y novela histórica y me ha resultado impactante su lectura, a la par que refrescante por sacarme de mi género literario por antonomasia.

Quizá si buscas una lectura diferente éste es tu libro.

POR AIDA ALBIAR

Entrevistamos a Mike valo nuestro Leon Kennedy Patrio

¿Como es ser, actualmente, un cosplayer en España?

En la actualidad, como todos sabemos el mundo del cosplay está en bastante crecimiento, son cada vez mas las personas que compartimos esta afición, cada vez más las distribudoras cuentan con nosotros para promocionar sus nuevos productos debido a la gran aceptación que tiene por parte de los consumidores ¿Como acabaste dentro de este mundo?

Si te soy sincero, el mundo del disfraz siempre me ha llamado la atención desde temprana edad, ¿quién no se lo pasaba en grande disfrazado de ninja o de superman?, el sentirse por un día el personaje y hacerse fotos con otras personas de cosplay es sin duda toda una experiencia. Sin embargo no sería hasta los 19 años cuando me haría mi primer Cosplay (Cloud Strife, Final Fantasy 7)

¿Cual consideras que es tu mejor cosplay?

Actualmente mi mejor cosplay es el de Leon S Kennedy de Resident Evil 2, el traje de RPD me costó mucho confeccionarlo con la ayuda de mi amiga y fotógrafa Sasu. Pronto colgaré un tutorial en mi página de facebook de cómo hacer dicho traje.

¿Cual cosplay te gustaría llevar a cabo?

Actualmente estoy trabajando en diferentes cosplays, en mi lista se encuentran personajes como Capitán America, Anakin Skywalker (Episodio III) y Tidus (Final Fantasy X).

Nos comentas en tu bio que eres un gamer ¿casual o hardcore? ¿Cual es tu título o saga preferida?

Empecé con los videojuegos a muy temprana edad, jugando al Battle Chess desde MS-DOS, pasando por Hocus Pocus, SuperMario, Sonic…

Realmente me apasiona el mundo de los videojuegos, sin embargo no me siento atraído por el ánime o el manga. Mis tres sagas favoritas son 1.

Resident Evil, 2. Final Fantasy y Silent Hill, como títulos favoritos siempre se encontrará Final Fantasy 7

En tu Bio nos comentas que tocas en un grupo de música con un nombre muy peculiar “Redfield” ¿El nombre está escogido por lo que todo creemos? Cuentanos algo del la banda.

A pesar de que soy un gran aficionado a Resident Evil, he de confesar que (independienmente de lo que diga la entrevista de televisión que tenemos publicada en youtube) cogimos el nombre de Chris Redfield por que nos gustó, pero no lo usamos en referencia a dicho personaje, nuestro estilo es post-grunge y nos hemos nutrido de otras bandas famosas como boyce avenue, nickelback, skillet, bon jovi, nirvana… pronto sacaremos nuestra primera maqueta oficialmente en el canal de youtube (www. youtube.com/redfieldband) .

Lo más destacable de la banda es que rompemos un poco con los esquemas tradicionales, usamos sólo instrumentos de cuerda y voz, haciendo canciones mayoritariamente en acústico y sin percusión.

Muchas modelos, sobre todo en el mundo asiático, se ganan bastante bien la vida ¿Te gustaría dedicarte, de alguna manera, profesionalmente a este mundo?

Realmente no es a lo que quiera dedicarme profesionalmente, como os comenté me dedico al mundo de las emergencias y los cuerpos de seguridad, por lo que preferiría mantener esto como un hobby, colaborando siempre con las empresas en las que pueda ¿Cual será tu próximo.cosplay?

El próximo cosplay que voy a confeccionar es Capitán America, espero tenerlo listo a principios del 2013 ¿Qué opinas de eventos tan brutales como la comic con o la dragon con? ¿Llegaremos a alguna vez a ver algo parecido en nuestro pais?

Sin duda siento gran envidia sana por ese tipo de eventos, vemos allí un nivel muy alto de cosplayers, si bien es cierto, deben tener un poder adquisitivo mayor que el de la mayoría de los españoles, ya que no hay malos cosplayers sino pocos recursos.

El mejor cosplay del fin de semana

Entrevistamos a Nori Kruspe Nuestra Ada wong patria

¿Cómo es ser, actualmente, una cosplayer en España?

Por desgracia, es algo que no está visto con buenos ojos. La gente no lo ve tan positivo como otras actividades como el fútbol, ir al cine, leer, etc. Para mí no deja de ser un hobby como cualquier otro normal, la gente se limita a pensar que somos infantiles o gente rara, sin pararse a pensar que quizá sea divertido. En nuestro país, por mi propia experiencia, el hecho de que te gusten los videojuegos, el anime o algo que se salga de la norma, está mal visto. En seguida te tachan de friki y te miran como si estuvieras haciendo el ridículo. ¿Qué es el cosplay para mí? Es una divertida forma de conocer gente de todas partes del país, viajar por ciudades que nunca has visitado, aprender de otras culturas y pasarlo bien de manera sana con otros jóvenes. ¿Como acabaste dentro de este mundo?

Es una pregunta difícil. Digamos que es como una evolución. Yo nací en un pueblo, por lo que no había mucha gente como yo que tuviera aficiones como leer mangas, jugar a videojuegos, dibujar, de modo que me dedicaba a ello de forma privada.

Cuando crecí un poco, me enteré

de eventos que se realizaban en la capital donde se reunían gente con los mismos gustos algunos fines de semana. La primera vez que fui me encantó la simpatía de la gente y ver personificados a esos personajes con los que había crecido. Al empezar a tener algo de dinero, decidí por diversión, probar a vestirme como uno de esos personajes que yo tanto admiraba, y para mi asombro, a la gente le gusté como cosplayer, por lo que decidí continuar. Más tarde, mis horas de esfuerzo en algunos trajes dieron su fruto y mi compañía de videojuegos favorita me pidió

salir en la promoción de los nuevos juegos. Nunca se me pasó por la mente la idea de que alguna vez eso pasara, sigue siendo una sensación increíble.

En tu Bio nos comenta que eres una “gamer” de tomo y lomo: ¿Casual o hardcore? ¿Cuales son tus juegos favoritos) ¡Hardcore a tope! Fui de las primeras que confió en Play Station como la nueva consola cuando ésta salió y nadie creía en esa generación nueva de juegos en CDs. Para mí los juegos son el séptimo arte, mucho más impactantes que el cine

porque tú eres el protagonista de esas increíbles historias. Mis sagas favoritas son Resident Evil y Silent Hill, y más recientemente la saga Dead Space y Assassin’s Creed. Mi género favorito son los survival horror y los de acción. Opino que las nuevas generaciones de consolas, a pesar de las críticas, aún tienen mucho más que ofrecer.

de lo debido ¿Consideras sexista el mundo del cosplay?

Sí. Al final me he terminado dando cuenta de que las cosplayers que más votos se llevan son aquellas que precisamente no llevan casi nada, y por tanto tienen menos trabajo. Para mí no es una competición, y no voy a caer en el juego clásico de ganar fama mostrándome casi desnuda.

Elegiré mis cosplays en función de ¿Cuál consideras que es tu mejor lo que me guste el personaje, como cosplay? siempre.

Le debo todo mi pequeño éxito al cosplay de Ada Wong con el que Muchas modelos, sobre todo en el se me conoce en el mundillo. Me mundo asiático, se ganan bastante

hizo mucha ilusión que a la gente le gustara tanto haciendo de este personaje, puesto que es mi favorito de todas las sagas de videojuegos. ¿Cual cosplay te gustaría llevar a cabo?

Tengo pensado ir de Ezio Auditore en versión femenina próximamente, ya que me ha gustado tanto la saga Assassin’s Creed, para mí es como hacerle un tributo al juego y mostrar mi admiración.

Mucha gente considera que en el cosplay femenino se enseña más

bien la vida ¿Te gustaría dedicarte, de alguna manera, profesionalmente a este mundo?

No. Yo el cosplay lo veo como un hobby, si surge cualquier cosa interesante como los estrenos en España de Resident Evil lo haré encantada, pero es hacer castillos en el aire, de modo que prefiero dedicarle más tiempo por ahora a la facultad y mi formación profesional. ¿Cual será tu próximo.cosplay?

Actualmente, estoy en proceso de mi personaje de Marvel favorito, Black Cat. Me gustaba desde pequeña y tengo muchísimas ganas de acabarlo. Creo que podré estrenarlo ya en los salones del año que viene, posiblemente en Granada o Jerez. ¿Qué opinas de eventos tan brutales como la comic con o la dragon con? ¿Llegaremos a alguna vez a ver algo parecido en nuestro pais?

Es difícil, puesto que, por lo menos en Andalucía, se ha reducido mucho el presupuesto para estos eventos.

La Gamefest de Madrid este año se suspendió por lo mismo. Por lo que por ahora lo veo difícil. Pero me gustaría asistir a uno tan brutal, debe ser una gran experiencia.

Llega Diciembre

Por Marta Fuentes Galán Llega Diciembre, las luces, árboles de colores, decorados, villancicos…Navidad!!! y con ella estrujarse el cerebro para encontrar un regalo que guste a familiares y amigos. No voy a quitarte de esta “dulce” tarea, lo que si voy a hacer es regalarte una genial idea para tu ser querido mas íntimo, pareja, amig@… para quien te atrevas o incluso para ti mism@, nunca viene mal darse un capricho ;) ¿Qué tal un regalo sorprendente, práctico y original? Que mejor señuelo que regalar placer para convertir una Navidad en inolvidable!!!

IDEAS…QUE IDEAS! 1. ROPA INTERIOR Regálate para tu pareja o regálale a tu pareja ropa interior sensual. Has probado esa ropa interior comestible… sexy y dulce.

Consejo: Si el regalo es para un hombre, cómprate un conjunto de lencería roja, además de ser el color ideal para estas fechas, esta demostrado que es el color que mas les hace perder el control. Un estudio de la Universidad de Rochester, ha demostrado que esto ocurre porque intuyen que las mujeres vestidas de rojo están más predispuestas a tener sexo.

2. LA MEJOR PELÍCULA DE ESTAS NAVIDADES Regálale un guión en el que vosotros seáis los protagonistas. Sólo hace falta alguna cámara, una habitación y alguna copita que otra de champán francés… Bonito recuerdo de las Navidades de 2012.

3. ¿QUÉ LE EXCITA A PAPÁ/MAMÁ NOEL? Piénsalo y regálale un disfraz sexy que no podrá olvidar.

4. DILDO ¿Cuántas veces habéis pensado en abrir vuestro mapa erótico corporal? Si lo habéis hablado pero ninguno se ha atrevido a dar el paso, este es el momento!

Regálale un dildo , es una buena opción para que ambos disfrutéis, aunque asegúrate antes de que está claro que ambos queréis probarlo.

Consejo: Daos permiso para que las primeras veces la cosa salga regular para que acabe saliendo bien.

El objetivo no es terminar cada encuentro con un orgasmo sino experimentar y disfrutar de las nuevas sensaciones.

Podéis empezar con una ducha sensual, recuerda que la higiene es fundamental en este tipo de sexo.

Posturas: Perrito y cuchara 5. ESPERAR A PAPÁ NOEL SIN SALIR DE LA CAMA , JOU, JOU JOU!!!

Un día entero en un hotel, con su día y su noche, comida, dulces, alcohol, zumos…Todo lo necesario para no salir de la habitación en todo el día.

Que mejor manera de eliminar las calorías de los deliciosos turrones navideños que con un bombón.

6. JUGUETES SEXUALES CLÁSICOS E INFALIBLES PATO VIBRADOR: Vibrador para un buen baño, ayuda a estimular el clítoris, los labios y la vagina.

BOLAS CHINAS: No son más que bolas de plástico unidas a un cordón pero tienen tanto éxito que las hay de todos los colores, materiales, tamaños… Sirven

tanto para estimular el ano (relajándolo y facilitando la penetración) como para fortalecer los músculos de la vagina y que los orgasmos sean más intensos.

Se puede jugar con ellas en el ano y vagina al mismo tiempo o ambas en el ano mientras se introduce el pene o algún estimulador en la vagina.

Consejo: Sal a pasear con ellas puestas e intenta que no se escapen.

VAGINA ARTIFICIAL: es un artilugio con forma de vagina diseñada para eludir la penetración vaginal del pene. Hay varios modelos con diferentes diseños y precios.

El mejor es el “Tenga Flip Hole” es rígido por fuera y por dentro tiene toda una serie de diferentes texturas y formas para dar el máximo placer imaginado, proporciona tres tipos de placer diferentes.

Consejo: Este aparatito nada tiene que envidiar a la vagina de una chica. No lo regaléis a vuestra pareja para que no pueda vivir sin vosotras.

7. JUGUETES SEXUALES ORIGINALES iGASM: ¿Te gusta bailar de placer al ritmo de la música? Este juguete se conecta a tu MP3 (ipod, teléfono…) y vibra en sincronía con el ritmo de

tus canciones favoritas. La fuerza se controla con el volumen y la frecuencia según el gusto musical.

Consejo: Regálale un Cd de metal y colaboraras a dar una buena dosis de orgasmos.

VIBRADOR PARA LA LENGUA: Sera de graaaaaaan interés para el sexo oral. Tiene diferentes velocidades de pendiendo de la sensibilidad de la otra persona o de la situación.

VIDEO VOYEUR Si siempre has querido saber como se ve aquello que ocurre en la vagina/ano a la hora de introducir un vibrador…este juguete despertara el voyeur que todo llevamos dentro. Es un vibrador transparente que incluye una cámara que se puede conectar a la tv para tener otro tipo de estimulación visual.

HUEVO VIBRADOR Es un pequeño huevo que se introduce en la vagina y se activa por control remoto. Podéis provocar situaciones muy excitantes y graciosas si tu pareja saca tu mando a pasear.

ANILLO VIBRADOR CONEJUDO. Es un anillo que se coloca en el pene y tiene incorporado un pequeño conejo que con sus orejitas, según este colocado, estimula tanto el clítoris como los testículos.Es el juguete perfecto para disfrutar en

pareja.

HIMEN FALSO Le llaman “Juana de Arco” es para mujeres. Es una especie d tela que se coloca en la vagina con cuidado para después de unos minutos tener relaciones sexuale4s c, mientras que de este se desprende un liquido rojo que podrá manchar cualquier sábana simulando la rotura del himen.

Like a virgen!

EN DEFINITIVA, REGALA UNA BUENA DOSIS DE PLACER Y PARA TI…REGALATE UN BUEN ORGASMO CON ESTOS TRUQUILLOS. Alejar de ti sentimientos negativos, como complejos e inseguridades.

Atrévete a experimentar cosas nuevas, pero jamás hagas nada con lo que no te sientas bien.

Utiliza tus manos!! NO SLO ESTAN AHÍ PARA TECLEAR. Acaricia, toca, estimula…

Te dedicaras el tiempo que necesites para conocerte sexualmente. ESA ES LA CLAVE! Tu estas ahí para disfrutar, no finjas. Orgasmo fingido es orgasmo perdido.

Dejar la vergüenza para otras cosas y mostrar lo que sientes sin tapujos: gemir, susurrar, arañar, suspirar…

Que nada os interrumpa; silencia el móvil, incluso apagad la tv. Tu mente tiene que estar a alo que esta.

Mantente en CLAVE ERÓTICA. Piensa en lo que estáis haciendo, no dejes que ningu7n pensamiento que no tenga que ver con esto entre en tu ente y si te ocurre…PIENSA EN VERDE! Te ayudara a no perder la excitación. Déjate llevar y no pienses solo siente.

La Homosexualidad a lo largo de las sociedades Por Luís Borja Fuentes Galán

A lo largo de más de dos mil años, la homosexualidad ha estado presente desde el principio de nuestros días en las diferentes sociedades y grupos humanos. Los iremos repasando para ver los diferentes momentos históricos y cómo fue cambiando desde la concepción de la homosexualidad, hasta la aceptación o persecución de según qué actos o relaciones.

Grecia y Roma

Empezando por sus dioses, el mismísimo Zeus fue amante de Ganímedes, o Apolo de Jacinto.

También fueron muy populares las relaciones entre Alejandro Magno y Hefestión, o entre Platón y varios de sus alumnos.

En ese momento, no existía el concepto de heterosexual, homosexual, bisexual, ya que se trata de conceptos modernos. No contaban con identidades sexuales definidas.

A pesar de ello, sexualmente no eran culturas del todo libres. Había reglas que traspasarlas podían incluso llevarte a la cárcel, como respetar la diferencia de edad.

En Grecia, se permitía la relación entre un ciudadano maduro y un adolescente, muy típica en la educación de los púberes. Con la aprobación de su familia, el maduro se convertía en su protector y maestro.

Cuando se hiciera adulto esta relación terminaba.

Eran complementarias al matrimonio, y estaban bien consideradas socialmente.

En Roma, la familia el núcleo de la sociedad lo formaba la familia, y el padre era el maestro. Se toleraban las relaciones entre hombres siempre y cuando no pusiese en peligro a la institución de la familia.

La Edad Media y la Inquisición

Al asentarse el cristianismo la persecución de las relaciones entre personas del mismo sexo fue un continuo. Eran castigados con torturas y hasta la pena capital, que podía ser la hoguera.

Por lo tanto, las relaciones homosexuales continúan en la clandestinidad.

El Renacimiento

La persecución a los homosexuales continuaba, incluso en los reinos no católicos se creaban leyes para luchar contra la homosexualidad.

Hasta Da Vinci sufrió un proceso judicial y

encarcelamiento acusado de sodomía en su juventud.

La Revolución Francesa

Se abolieron los delitos “imaginarios”, entre ellos la sodomía.

En Francia, Italia y España las relaciones consentidas entre adultos dejaron de ser delito. Gente adinerada del norte de Europa viajaba a estos países del sur para realizar turismo sexual en busca de una libertad de la que no disfrutaban.

Movimiento de Liberación Alemán

A pesar de la legislación existente en referente a lo homosexual, Berlín era una ciudad liberal con muchos locales y bares nocturnos gays.

Se empezó a formar un movimiento de reivindicación de los derechos de los homosexuales. Se crearon diferentes asociaciones, institutos o ligas que buscaban la despenalización, derechos para los homosexuales o la aceptación social.

En el ámbito cultural también se reflejaba un clima reivindicativo. Aparecieron muchas revistas gays, además de literatura específica.

El Nazismo y el Fascismo

Todos los avances en Alemania fueron frenados en seco con la llegada de Hitler al poder. La homosexualidad era un rasgo de inferioridad y un defecto genético.

Fueron perseguidos, arrestados, encarcelados o incluso internados en campos de concentración. Eran identificados al llevar un triángulo rosa.

A pesar de la caída del nacismo, siguió vigente hasta casi la década de los setenta. Hasta 2002 no se incluyó a los homosexuales como víctimas para recibir las compensaciones por las vivencias sufridas.

En Italia por ejemplo, Mussolini hizo que algunos homosexuales fueran enviados a un exilio interno.

En España el régimen franquista introdujo leyes para perseguir y encarcelar a los homosexuales. También eran recluidos en campos de trabajo y colonias agrícolas.

Mientras que en Los Estados Unidos mantenían la legislación de sodomía heredada de Reino Unido.

El Cambio en Estados Unidos

Con el psicoanálisis la homosexualidad pasa a ser un desorden psiquiátrico. Los homosexuales se internaban en psiquiátricos y eran sometidos a terapia.

A partir del Informe Kinsey sobre la sexualidad del hombre, se aborda científicamente la homosexualidad o la bisexualidad. La sociedad descubre que afectan a

bastante gente, y que no es un fenómeno aislado. Tuvo muchísimo éxito.

Aparecen organizaciones para revindicar los derechos de los homosexuales.

Con el alcalde de Nueva York, Lindsay, se retrocede al ser muy poco tolerante con la homosexualidad.

Empiezan las redadas a bares gays, y los arrestos. El 28 de junio de 1969 una de estas redadas en el bar Stonewall termina con un levantamiento violento de los homosexuales y transexuales provocando unos disturbios que durarían tres días en las calles. Este suceso tuvo un impacto enorme que hace que crezca la solidaridad o las organizaciones para los derechos de los homosexuales. Se empieza a conmemorar este hecho internacionalmente como el día del orgullo gay.

Estos disturbios empezaron a cambiar la mentalidad general en los sesenta, promovida por la revolución sexual, la cultura hippie, la lucha de las minorías o el movimiento feminista.

En España, a partir de la muerte de Franco y a partir de los 80, se despenaliza todo lo homosexual y se empiezan a multiplicar las asociaciones.

EL TRASTERO DE LAS DELICIAS II Por Marina Rodriguez

La comunidad de vecinos de Fanny y Dick, siguiendo el impulso de socializarse y sintiendo la urgente necesidad de sacarle partido a la inundación de los trasteros, termina uniéndose en una orgía a pequeña escala. El único vecino que permanece observando desde un rincón es Mutis. Cuando le preguntan por qué no se socializa como los demás, Mutis responde abriendo la puerta de su trastero y proponiendo al resto de la comunidad vecinal que sean ellos quienes se socialicen a su particular manera. Los vecinos miran boquiabiertos al interior del trastero de Mutis, en el que destacan las paredes pintadas completamente de color rojo. Sobre éstas, hay varios ganchos de hierro y baldas clavadas en la pared, con la función de sujetar el pequeño museo de objetos sadomasoquistas que posee Mutis. Los vecinos, algunos sin parar de estimular sus genitales con lentitud, se miran con complicidad y deseo. Salvatora, en un arranque violento, engancha de los cabellos a Barullo Dave y lo arrastra hacia el interior del trastero. Coge una máscara de látex rosada, con forma de cerdo, adquirida por Mutis a través de la página: http://www.tiendafetichista.com, al precio de 113,95 €, y se la pone.

-Te ordeno que grites como una cerda – dice Barullo Dave con dureza al tiempo que la coloca a cuatro patas y empieza a penetrarla analmente.

Salvatora, grita como una cerda intercalando gruñiditos cada vez que siente las violentas y acompasadas embestidas de Barullo Dave, que ríe como un ser diabólico dándose golpes en el pecho con los puños cerrados. ¿Por qué este comportamiento?

Sencillamente, Barullo Dave, al tiempo que explora los confines anales de Salvatora, que no para de gruñir cual cerda en plena matanza, ha colocado en el contorno de su pene y sus testículos un kit de anillos conocidos como Cockring Eléctrico, adquiridos por Mutis al precio de 29,95 €. Así que Barullo Dave está sintiendo unas placenteras descargas eléctricas que le conducen a exteriorizar su lado más primitivo y animal, de ahí que actúe como un simio enloquecido por el placer. Esta práctica, conocida como Electrosex, supone otra forma más de estimular nuestras zonas erógenas, actuando de forma combinada sobre el sistema nervioso y los músculos para otorgar mayor placer al acto sexual. Se trata de una práctica

consistente en aplicar estimulación eléctrica de baja frecuencia. Para llevar a cabo este tipo de prácticas es recomendable utilizar un lubricante a base de agua que conduzca bien la electricidad. No son recomendables los lubricantes de silicona ya que ésta no es buena conductora de la misma y, por supuesto, si tienes marcapasos ¡cuidado!, no vayas a experimentar literalmente con la frase: “morir de placer”.

Respecto a Salvatora y su máscara de cerdo, simplemente es una práctica que trata de cubrir sus fantasías de zoofilia, consistentes en sentir atracción y estimulación sexual hacia animales propios de otra especie. Salvatora, en este instante, fantasea y siente que se ha convertido en una cerda de verdad, así que su mente le lleva a sentir un placer inimaginable.

Siguiendo con la comunidad de vecinos, todos han entrado al interior del trastero a curiosear los diferentes objetos. Mutis, cámara en mano, graba todo cuanto acontece a su alrededor con el fin de poder darse futuros “homenajes onanistas”. Fanny, por su parte, decide castigar a Dick en un rincón y privarle de continuar disfrutando junto al resto de vecinos, así que le ha puesto una jaula de castidad para el pene y le ha dado un par de azotes con un látigo de cuero de 12 tiras, adquiridos ambos artículos a través de la página: http://www.tiendafetichista.com, al precio de 99,95 € y de 34,94 € respectivamente. Ella, por su parte, ha corrido a colocarse un Superwoman Strap – On Megapower, que es un arnés ajustable para mujeres que consta de braguita triangular y un pene realístico fabricado en vinilo. Echa un vistazo a su alrededor y encuentra a La Manolina agazapada en un rincón, babeando mientras Raimundo aplica sobre sus genitales un estupendo Sqweel de 2ª generación, o lo que es lo mismo, un estimulador de sexo oral femenino compuesto por una noria con 10 lenguas de silicona regulables a tres velocidades distintas. El precio de tan preciado artículo oscila entre los 40,00 y los 50,00 €. ¡Ánimo soñadoras! Apuesto a que será la única lengua insaciable en kilómetros a la redonda.

Siguiendo con Fanny y su particular búsqueda, decide acudir con su arnés de pene hacia el centro del trastero, donde un vecino juega a hacerle ahogadillas a otro. Fanny, justiciera donde las haya, opta por acabar con tanta injusticia propinándole el castigo oportuno a tan malvado vecino así que no duda en colocarse tras él y, ejecutando un rápido movimiento de caderas, ayudada por otro sutil movimiento de abajo hacia arriba y de atrás hacia adelante, encaja de lleno el pene realístico de su arnés en el ano del vecino. Fanny le penetra con fuerza, sin compasión, no solo porque no le guste que haya intentado ahogar

a otro vecino, sino porque acaba de recordar que éste, tiene la mala costumbre de poner música techno a todo volumen hasta bien entrada la madrugada.

Fanny ríe internamente. Ha conseguido hacer real su frase, tantas veces pronunciada entre dientes mientras intentaba dormir en vano: “Ojalá le den por culo y le jodan bien jodido”. Este cinturón, adquirido mediante la página: http://www.eldeseosex.com, al precio de 25,49 €, puede hacer las delicias tanto de hombres como de mujeres. Supone, además, la eliminación de ciertas barreras sexuales ya que permite intercambiar los roles de la pareja durante el acto sexual. Además, otra de sus ventajas, dada la variedad de los mismos, es que permite que sean abrochados a otras muchas partes del cuerpo, espalda, pechos, muslos etc. posibilitando una infinidad de posiciones sexuales. ¡Adelante, lanzaos a eliminar las barreras de género y desatad vuestras fantasías!

Klic Klic El Skype del sexo

Por Maria Gracia Galán Bueno chavales, os traigo algo que hará las delicias de todos los que tengan una relación a distancia, o que simplemente no vayan a disfrutar de estas fiestas con su pareja. Olvidaros de las sesiones de sexo telefónico con vuestra pareja, ha llegado algo mejor y más avanzado, se llama Klic-Klic.

Este invento es cosa de una empresa catalana que debió de pensar que el sexo telefónico estaba ya desfasado y hacían falta cosas nuevas.

Aunque tiene más aplicaciones, para ir empezando, me voy a centrar solo en el uso en parejas ok? Luego ya os explico ampliamente los otros usos jejeje.

Partes de Klic-Klic.

Básicamente tiene 3 partes: emisor, receptor y software. ¿En qué consiste Klic-Klic?

Mantener relaciones sexuales recíprocas con otra persona a través de su hardware y su software. Cada miembro de la pareja tiene un Klic-Klic, y ambos tienen instalado en el ordenador el software que les facilita la empresa.

Una vez se empieza, ambos pueden sentir lo que hace el otro. ¿Cómo se usa?

Teniendo el software instalado y en funcionamiento, la chica activa su dispositivo y lo in-

troduce en la vagina. El chico, abre el programa en su ordenador y enciende su dispositivo, en el cual, inserta su miembro.

En chats de internet. Ya hay páginas web de contenido sexual donde se conectan personas buscando usuarios de Klic-Klic.

Modalidades de uso: En pareja con conexión a internet. Para cuando los miembros de la pareja se encuentran a distancia, con que cada uno tenga su terminal, el software instalado y conexión a internet, pueden mantener relaciones sexuales recíprocas sin problema.

Modo personal. Para cuando te apetezca disfrutarlo tú solo, tranquilamente y sin nadie más.

En pareja sin conexión a internet. Podéis usarlo con vuestra pareja sin necesidad de estar a distancia, si una noche os apetece, podéis usarlo para jugar, simplemente activando la función bluetooth.

¿Cómo hacerte con un Klic-Klic?

Si bien no es precisamente barato, es una idea de lo más innovadora. Podéis comprarlo en su página web: http://klic-klic.com/pag/inicio La versión masculina cuesta 158€ y la femenina algo menos 151€. El software os lo podéis descargar de su web sin coste adicional.

n i e b l a y F l e c h a s

Las últimas jornadas habían sido aciagas para los soldados atrincherados en la costa oeste de Osgiliath.

El constante acoso de las fuerzas orcas se había materializado en la forma de una incesante lluvia de flechas negras, que caían sobre la tierra, horadándola con la fuerza suficiente como para atravesar a un jinete y su caballo. Incapaces de abandonar sus posiciones, los gondorianos habían recibido con desánimo la alarmante noticia de que las reservas de alimentos comenzaban a escasear. Por si fuera poco, varios de sus capitanes habían desaparecido, engullidos por la niebla que se cernía sobre ellos cada noche.

A esas alturas, ni tan siquiera el símbolo del Árbol Blanco era capaz de fortalecer el ánimo de aquellos hombres, cuyos rostros comenzaba a reflejar el desgaste psicológico al que estaban sometidos; y al que no tardaría en sumarse la debilidad física que antecede a la muerte.

Consciente de la situación, Faramir, Capitán de los Montaraces de Ithilien, había mandado llamar a un reducido grupo de dúnedain, con el fin de internarse en las filas enemigas.

- Escuchadme bien - susurró el hijo de Denethor cuando sus hombres hubieron llegado ante él -. Mi padre nos encomendó la misión de defender Osgiliath de las garras de Sauron, protegiendo así Minas Tirith del Mal. Sin embargo, no tardaremos en convertirnos en alimento para los gusanos… a no ser que detengamos este asedio – dijo tras una breve pausa -. Os he convocado porque quiero formar una partida. Quiero que nos internemos en las filas enemigas, encontremos a los capitanes desaparecidos, y acabemos con este ataque sin fin.

Pese a que las capuchas les cubrían la cara y el yelmo, los seis montaraces cruzaron sus miradas.

- Faramir – dijo Damrod, observando el rostro de su capitán - ¿acaso no crees que los hombres desaparecidos pudieran haber huido, auspiciados por la noche y la bruma? ¿Acaso crees, que por el simple hecho de ostentar un rango, su coraje es mayor que el de un niño?

El hombre que tanto se parecía a su hermano guardó silencio por un instante. Sobre sus cabezas, las flechas silbaban, entonando su desquiciante melodía.

- Hablas sin pensar, Damrod, más no seré yo quien te lo reproche. Es cierto que los hechos apuntan en otra dirección, pero todos hemos luchado codo con codo junto a esos hombres. Todos hemos sangrado y hemos llorado; y les hemos visto a ellos hacer lo mismo. Si hubieran sido unos cobardes, los horrores de esta ciudad fantasma les hubieran desenmascarado hace mucho tiempo.

- Dices que están vivos – espetó Bergil -, ¿en qué te basas para asegurarlo?

- Si los orcos los hubieran matado, los habían dejado entre nuestras filas, con el fin de sembrar el desánimo, e incluso la sospecha. No, estoy convencido de que se los han llevado. Sin capitanes, los ejércitos de Gondor se verían debilitados. Traman algo – añadió finalmente.

Los montaraces volvieron a mirarse, y esta vez

fue Mablung quien habló:

- Discúlpanos, Capitán, no deberíamos haber dudado de nuestros hermanos. Ni de ti. Creo que hablo en nombre de todos al asegurar que algo se cierne sobre nosotros; algo, cuyo manto nos cubre, convirtiendo nuestros pensamientos en retazos lóbregos de conciencia.

Ante aquellas palabras, los otros cinco encapuchados asintieron.

- Es por esto por lo que debemos actuar, y cuanto antes – respondió Faramir, ligeramente preocupado -. Ha llegado el momento de hacer aquello que mejor se nos da. ¿Estáis conmigo?

- A tus órdenes, Capitán – dijeron los seis montaraces.

- Bien – aseguró Faramir, componiendo una sonrisa -. He estado hablando con los capitanes. Crearán una distracción. Nos darán tiempo para atravesar el puente.

Era bien entrada la noche cuando el pequeño grupo comandado por Faramir se colocó en posición.

La oscuridad se cernía sobre ellos, ocultándolos a la vista; mientras que el silencio reinante era roto, cada pocos minutos, por el siseante sonido de las flechas, que volaban impasibles sobre sus cabezas.

Mientras aguardaban la señal, los montaraces ocupaban el tiempo revisando, una vez más, sus equipos. Los eket, afilados y listos, descansaban en el interior de sus vainas, situadas de forma en que pudieran ser extraídos con rapidez. Los anket habían sido cubiertos con una capa de pintura negra, de manera que la hoja ancha y de doble filo no pudiera desvelar su posición. Los arcos, tensados con la precisión de un experto, viajaban a la espalda, junto a los carcajes llenos de flechas. Mantos de un gris oscuro cubrían sus cuerpos; y bajo ellos, las armaduras de cuero crujían levemente, dispuestas para recibir la mordedura del acero.

Imrahil susurraba un fragmento del Canto de la Compañía Gris, que entonaba de forma distraída.

En el Sur la temible Oscuridad crece Los Reinos se enfrentan a su destino Minas Tirith es el barco que corta la marea La marea del destino que todo lo inunda.

Del Oeste les llegará la esperanza Esperanza olvidada que parece imposible.

La Compañía Gris cabalga en las sombras

Había pasado más de una hora, cuando un fuego iluminó el sur de la ciudad.

- Aguardad – dijo Faramir a sus hombres, quienes contemplaban cómo las llamas se alzaban sobre un grupo de altos edificios.

Casi al instante, los hombres sintieron cómo las flechas volaban sobre ellos, provenientes del otro lado del río, y en dirección a las hogueras que los soldados de Gondor habían provocado.

- Ahora – susurró apremiante Faramir.

La carrera sobre la Calzada de Osgiliath fue tan rápida como silenciosa; exceptuando los centenares de

proyectiles que fueron lanzados, tanto a uno como a otro lado del río.

Una vez llegaron a la parte de la ciudad tomada por los ejércitos de Sauron, se percataron de la presencia de un intenso y desagradable hedor.

- Huele como si mil orcos hubieran muerto y se estuvieran descomponiendo – susurró Amrothos, al tiempo que se colocaba un trozo de tela sobre el rostro, cubriéndose así la boca y la nariz.

Los otros montaraces imitaron su gesto, y Faramir les indicó que le siguieran.

Aquella parte de la ciudad presentaba un aspecto aún más desolador que la suya: todos los edificios habían sido reducidos a cenizas, y los pocos que aún quedaban en pie, estaban oscurecidos por el fuego y la sangre.

Cientos de cadáveres alfombraban las calles, sin que, al parecer, nadie se preocupara por ellos.

Varios orcos de piel ajada y oscura aparecieron tras un montón de escombros. Las criaturas hablaban entre sí, y sus deformados rostros se contraían en extraños gestos.

Faramir chascó la lengua, y antes de que la patrulla enemiga pudiera reaccionar, sus cuellos y gargantas fueron atravesados por flechas. Para cuando los orcos se hubieron dado cuenta de que estaban muertos, los montaraces ya se habían echado sobre ellos, impidiendo que realizaran cualquier tipo de ruido al caer.

- Por mucho que los veo, no logro acostumbrarme a ellos – dijo Borlas con repugnancia -. No quiero ni imaginar cómo se reproducirán estas criaturas.

En silencio, la compañía siguió avanzando, internándose más y más en aquél oscuro lugar. Por mucho que caminaran, fueron incapaces de encontrar asentamientos orcos, a los capitanes desaparecidos, o incluso a los arqueros responsables del asedio.

Si no se hubieran encontrado con aquella patrulla, habrían pensado que la costa este de Osgiliath estaba abandonada.

Prácticamente habían recorrido toda la ciudad cuando se aproximaron a la plaza en la que se encontraba el Obelisco de Atanatar. Ocultos entre las sombras, Faramir y sus hombres vieron diferentes grupos de orcos, muchos de los cuales se hallaban congregados en torno a una gran máquina, junto a la que descansaban ingentes cantidades de afiladas flechas.

Sobre el pilar en recuerdo de Atanatar, los montaraces advirtieron la presencia de una extraña estructura de metal.

- Parece algún tipo de torreón de vigilancia – dijo Mablung.

Antes de que Faramir pudiera añadir algo, Imrahil susurró: - Allí – su voz, suave y amortiguada por el trozo de tela que cubría su boca, estaba perlada de algo similar al miedo.

Las miradas de los seis hombres siguieron la dirección que señalaba el dúnadan. Bajo el techo de lo que antaño fuera un templo, se encontraban los siete capitanes de Gondor desaparecidos. Aún a pesar de la

distancia y la oscuridad, sus ojos brillaban de forma extraña, y muchos reían, como poseídos por el propio Mal. A su lado, y rodeado por un aura de oscuridad, se encontraba una figura alta y maléfica, montada en un caballo negro. Un manto cubría por completo al jinete, y negro era también el yelmo que cubría su rostro. Pese a las apariencias, todos sabían que no se trataba de uno de los Espectros del Anillo, sino de un ser humano, como ellos; a pesar de lo cual, hacía mucho que había olvidado su auténtico nombre.

- Boca de Sauron – dijo Faramir.

- Esto se complica, Capitán – susurró Borlas -.

Si el lugarteniente de Barad-dûr está aquí, es probable que haya sido él el responsable de las desapariciones, del asedio, e incluso de la falta de suministros.

- Borlas tiene razón – inquirió Damrod -. Mirad los rostros de los capitanes, parecen bajo la influencia de algún hechizo. Seguramente fueron ellos quienes les hablaron de nuestra posición en la costa oeste de la ciudad. Así es como sabían dónde y cuándo atacar.

Todos callaron cuando el oscuro jinete alzó una mano, provocando un estallido de llamas en un punto próximo al obelisco. El fuego, avivado por las artes de aquél negro individuo, atrajo la atención de los orcos, que dejaron sus labores y se encaminaron hacia la lumbre.

Una vez junto a ella, la rodearon, entonando un gutural cántico. Boca de Sauron espoleaba a su caballo, girando alrededor de los pieles verdes.

Cuando Faramir y sus hombres creían que no podrían sorprenderse más, se produjo un hecho que les alarmó en exceso. Varios orcos habían saltado a las llamas, donde se quemaban entre alaridos de dolor, interrumpidos por sus propios cánticos.

Las llamas ennegrecían la deforme piel de aquellos seres, al tiempo que un humo blanco y denso salía de sus cuerpos, para comenzar a extenderse por la plaza.

- ¡La niebla! – exclamó Faramir con sorpresa -. Han sido ellos quienes la han creado y nos la han mandado durante todas estas noches. Así era como se internaban en nuestro campamento, secuestrando a nuestros hombres…

- ¡Marchad! – le interrumpió la gutural y siniestra voz del numenórano negro -. Marchad y traedme a Faramir, Capitán de los Montaraces.

Los cánticos de los orcos se interrumpieron, los cuerpos que ardían en las llamas cayeron al suelo y los gondorianos capturados gritaron como si sus cerebros estuvieran siendo atravesados por hierros ardiendo.

- Ocultaos – exclamo quedamente Faramir, instantes antes de que un numeroso grupo de orcos abandonara la explanada del obelisco, pasando junto a ellos.

Cuando los deformes guerreros se hubieron marchado, los miembros de la compañía comprobaron que tan solo quedaba un reducido número de orcos custodiando la plaza.

- Damrod, Imrahil y Amrothos – solicitó Faramir

dirigiéndose a sus hombres -, quiero que rodeéis aquellos edificios e intentéis deshaceros de la máquina. Bergil y Borlas, situaos cerca de los prisioneros, e intentad liberarlos. Mablung – dijo dirigiéndose al último de los montaraces -, sube a la torre de vigía que han construido sobre el pilar, y alerta a nuestros hombres de la presencia de orcos en la costa oeste.

- ¿Y tú, mi Capitán, qué vas a hacer? – inquirió Borlas, consciente de los planes de Faramir.

- Me enfrentaré a ese dúnadan traidor – espetó el capitán con un brillo de determinación en los ojos.

Los seis montaraces que acompañaban al hermano de Boromir asintieron; sabían que nada podrían decir o hacer para evitar que su capitán llevara a cabo tal acción. Lo único que les quedaba por hacer, era desearle suerte; y así lo hicieron.

Faramir aguardó unos instantes, hasta que sus hombres se hubieron colocado en posición, y salió de entre las sombras. La niebla se arremolinaba en torno a sus pasos, los cuales reflejaban su valor y la voluntad que anidaba en su corazón.

Los primeros en advertir la presencia del capitán fueron los prisioneros, que parecieron despertar de estado de sopor, para perforar con sus risas la noche.

- Mi amo, Sauron el Grande, te da la bienvenida, Faramir, hijo de Denethor II – la desagradable voz del jinete negro se descolgaba por entre dos filas de amarillentos y putrefactos dientes -. Veo que, tal y como cuentan, sois un noble caballero de mirada orgullosa.

Imagino que no habrás venido a entregarte…

El sonido de varios impactos de flecha interrumpió las palabras de Boca de Sauron, quien se giró para observar a los pieles verdes encargados de la vigilancia y mantenimiento de la máquina, quienes se tambaleaban, ensartados por los proyectiles de los montaraces.

- De manera que has venido acompañado, Faramir, hijo de Denethor II. Esperaba que te enfrentaras a mí como a un igual – aseguró el engendro, desmontando de su negro caballo.

- Y eso mismo haré.

El Capitán de los Montaraces cargó con rapidez una flecha en su arco y la disparó contra su enemigo, quien desenvainó una larga y afilada espada, con la que desvió el proyectil. Para entonces, sin embargo, Faramir ya había empuñado la suya, y se lanzaba sobre él.

Estocada tras estocada, los dos hombres combatían; mientras los montaraces ejecutaban las órdenes de su capitán. Antes de que Boca de Sauron pudiera darse cuenta, la horrible máquina fabricada para diezmar las tropas de Gondor había sido destrozada, y ahora ardía, gracias al fuego que el propio numenórano negro había provocado.

Al mismo tiempo, un potente haz de luz se proyectó desde la plataforma situada sobre el obelisco. El fulgor, dirigido sobre la parte oeste de Osgiliath, fue suficiente para que los soldados atrincherados en aquella zona de la ciudad despertaran sobresaltados y, por consiguiente,

alerta ante posibles ataques.

Cuando el siervo de Sauron comprendió que sus planes habían sido reducidos a polvo, emitió un sonoro bramido; que se elevó sobre la niebla y la noche, provocando que la sangre de los allí presentes se helara.

Todos los corazones se detuvieron por un instante, a excepción del de Faramir, que proseguía bloqueando los ataques de su contrincante.

Desconcertado, Boca de Sauron bajó la guardia, momento en que su oscura túnica fue atravesada por la hoja del que, tiempo más tarde, se convertiría en senescal de Gondor.

Herido y derrotado, el siervo de la Oscuridad huyó, pues su amo le reclamaba, una vez más.

Pese a su victoria, los soldados de Gondor fueron incapaces de conquistar la parte este de Osgiliath, puesto que los orcos, enviados por el Señor Oscuro, retomaron posiciones con asombrosa rapidez.

Días más tarde, la ciudad al completo caería bajo el yugo del Mal. Aunque esa, querido lector, es otra historia.

Por Miguel Rodríguez Robles

regalos para una navidad friki

Se acerca la navidad y lo sabes, lo has visto en las calles que te lo recuerdan desde octubre, lo has visto en la tele donde los anuncios de juguetes y colonias inundan la parrilla, lo has visto en la música, ya están saliendo los miles de recopilatorios, y sobre todo lo has visto en los grandes almacenes que ya están llenos de árboles de plástico, luces de colores y bolitas que brilla y te deforman la cara. Todo esto es muy bonito pero tiene un pequeño problema HAY QUE COMPRAR LOS REGALOS. Puede un friki sobrevivir a las navidades regalar cosas a toda la familia y no perder su esencia además de intentar que todos los que te rodean se vayan convirtiendo poco a poco en frikis, desde NosoloFreak te ayudaremos a elegir los mejores regalos navideños frikis que te puedes encontrar.

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Érase que se era en el otoño del 2011 cuando varias cadenas televisivas américanas decidieron buscar entre los famosos “cuentos infantiles” ideas para nuevos productos, corriente que después se extrapoló al cine cn dos versiones de Blancanieves y próximas de Cenicienta y Pinocho.

De dicha búsqueda aparecieron dos nuevas series en el panorama televisivo: Grimm y Érase una vez (Once Upon a Time), aunque ambas han gozado de gran éxito en sus estrenos y han conseguido nuevas temporadas, quizás la más original en su planteamiento fue la creada por Adam Horowitz y Edward Kitsis, guionistas de la conocidísima Perdidos, y que bajo el nombre de Érase una Vez nos han traído un gran compendio de personajes de cuento, conocidos por todos y añadiéndole una trama bastante coherente y entretenida. Érase una vez nos traslada a StoryBrooke, un pequeño pueblo donde conviven, sin conocer sus verdaderos orígenes, multitud de personajes de cuentos debido a la maldición de Regina, La Reina Oscura Malvada. A pesar de que la vida transcurre placidamente en dicho pueblo, la llegada de Emma Swam, madre biológica del hijo de alcaldesa del pueblo (y en realidad malvada reina), transtorna la vida de los habitantes del pequeño pueblo....Hasta ahí puedo contar.

La serie es un producto de ABC que en España podemos disfrutar por AXN. Su primera temporada gozó de 22 episodios y no hará ni un mes que la segunda llegó a nuestras pantallas con nuevas incorporaciones de personajes del mundo de cuento infantiles como Mulan o Cenicienta.

Tal vez Erase una vez peca de algo común en el mundo serial, pero que es de especial delicadeza en este título por la necesidad de dicho elemento en multitud de ocasiones: los efectos especiales. La serie patina mucho en este aspecto dando síntomas de no estar bien acabado y de falta de presupuesto, cosa que no logro entender después de la gran acogida de crítica y público. Capítulos tras capítulo no mejora dicho aspecto y termina uno por acostumbrarse a ello dándole mayor importancia a otros factores, pero que de haberse puesto más cuidado en este aspecto estaríamos ante un producto bastante mejor.

la originalidad de sus contenidos, aunque en un principio pueda parecer ridículo basar el argumento de una serie seria en los personajes de cuentos, Horowitz y Kitsis consiguen salir victorioso en cada uno de los capítulos creando un mundo consistentes que llega a ser creíble en muchos momentos a pesar de nombrar a Caperucitas y príncipes azules, términos que terminan asimilándose en la historia y que dan un toque muy chic al resultado final.

Los flashback continuos, mundo real-mundo de cuento, con los que juegan sus creadores y la variedad de personajes, le dan una libertad inusitada al título Hay sin duda tres cosas que destacan en Érase una vez que lo hacen muy eficaz para intentar evadirse de la sobre todas las cosas y que hacen de ella un título muy cotidianidad en las que caen determinados títulos. idóneo para ambiente familiar y realmente entretenido en casi todos sus episodios: Por un lado encontramos Por último, y sobre todo, la actuación de un actorazo

que no dejará en ningún momento de entretener, que es lo más improtante, y que a la vez te hará sentir participe de un submundo mágico que solo los cuentos son capaces de hacernos vivir.

Antes de despedirme me gustaría comentar algunas curiosidades que podremos ver en el transcurso de la primera y la, aún no terminada, segunda temporada: -Continuas referencias a Perdidos, se deja notar la influencia de sus creadores, guionistas en al famosa serie.

-La cabecera de la serie va cambiando dependiendo del cuento que nos vayan a contar en el correspondiente capítulo.

-Larra Parrilla, la malvada reina ocusra, fue eleigida mejor malvada del mundo serial por sua actuación en la primera temporada.

POR DANI FERRER

como es Robert Carlyle como el astuto Rumplestilskin, que ensombrece cualquiera de los otros personaje y que nos regala un personaje mítico de esos que se recuerdan de una serie y que, ya sea afortunada o desgraciadamente, son imprescindible en el transcurso de la historia y en el éxito del producto.

Es verdad que hay determinados personajes que rompen un poco la ecuación de serie bien hecha, como es el pequeño Henry (Jard Gilmo) o la propia protagonista Emma Swam (Jennifer Morrison) que con actuaciones forzadas en todo momento deslucen un poco un resultado final, en el que todos los actores rinden a un buen nivel, lo que es de agradecer -no miro a nadie, Revolution-.

Un entretenido producto lleno de magia y sorpresas

HABLEMOS DE ...

“Hatfileds & McCoys” comienza durante la guerra civil americana, con los dos protagonistas de la historia unidos en la lucha en el bando confederado. Cuando la guerra se da por perdida y las bajas de los sudistas son incontables, “Devil” Anse Hatfield decide abandonar la lucha y regresar a su casa en West Virginia. Randall McCoy no entiende esta decisión y menos la falta de fe de Hatfield tanto en Dios como en la causa de la confederación. Al volver, Hatfield se encuentra con la disputa que su tío Jim Vance mantiene con Harmon McCoy, hermano de Randall y el único miembro de las dos familias que ha luchado en el ejército de la Unión. Terminará asesinado por Vance, un crimen que no llegará a ser juzgado por el fuerte sentimiento anti yanqui de ambos clanes.

vida a Sally, la esposa de Randall McCoy; Matt Barr (“American Pie”, “One Tree Hill”, “Harper’s Island”) como Johnse Hatfield; Lindsay Pulsipher (“True Blood”), como la joven Roseanna McCoy; Sarah Parish (“Los pilares de la tierra”), como Levicy, la mujer de Devil Anse Hatfiel, o Jena Malone (“Orgullo y prejuicio”, “Hacia rutas salvajes”), como la vengativa Nancy McCoy.

Producida por Sony Pictures Entertainment para History Channel en Estados Unidos, “Hatfields & McCoys” ha contado con un gran equipo técnico y artístico, liderado por Kevin Costner que ejerce de productor ejecutivo y al mismo tiempo da vida a uno de los protagonistas, Devil Anse Hastfield, papel que le ha valido el Premio Emmy al Mejor Actor en Miniserie. Detrás de la cámara se coloca Kevin Reynolds, compañero de fatigas de Costner en filmes como “Robin Hood, príncipe de los ladrones” o “Waterwolrd”, que asume la dirección de los tres episodios de la serie.

Por Jose Javier Arce Cid

Por lo que respecta al reparto, secundan a Kevin Costner, el veterano Bill Paxton (“Big Love”, “Apolo 13”) como su rival Randall McCoy, y Tom Berenger (“Origen”, “Training Day”, “Platoon”, “La sombra del testigo”) que encarna a Jim Vance, interpretación por la que ha recibido también el reconocimiento de los Premios Emmy, en la categoría de Mejor Actor de Reparto en Miniserie.

Destacan en el reparto, entre otros, Mare Winningham (“Anatomía de Grey”, “Mildred Pierce”), que da

Además de los dos Premios Emmy conseguidos por Kevin Costner y Tom Berenger, “Hatfields & McCoys” ha recibido otros tres más en apartados técnicos, cinco estatuillas de 16 nominaciones. La serie también es candidata a los premios de la Asociación de Críticos de Televisión en el apartado de Mejor Miniserie.

ENTREVISTA A Tom Berenger (Hatfields & McCoys)

por José Javier Arce Cid ¿Con toda la suciedad que tendría en el rodaje, cuando llegaba al hotel, se duchaba o decía qué demonios no me ducho? (Tom Berenger se empieza a reír) Tom Berenger.- Uno de los actores de ‘Apocalipsis Now’, no se bañó en todo el rodaje y después de unas semanas nadie quería ir con él en el coche. Es muy fácil ensuciarte en el rodaje.

Hemos leído que usted es un apasionado de la historia de la guerra de Secesión le valió para prepararse el papel en ‘Hatfields & McCoys’ Tom Berenger.- Bueno hasta cierto punto. Tengo mucho interés en la historia a nivel general, y es algo que me atrae especialmente. Justo empieza la serie con el final de la Guerra Civil, y la historia acabó en torno a 1865. Empieza con mi personaje matando al ¿Qué escupís en la serie, ya que os pasais todo el rato hermano de Randall McCoy. escupiendo? ¿Cómo describirías tu papel?

Tom Berenger.- Es el tabaco, el tabaco de masticar, tengo que estar de acuerdo con que es un hábito Tom Berenger.- Es una combinación de dos cosas: primero de un mapache rabioso y la otra es un gnomo asqueroso, de jardín demente. ¿Pero es real el tabac0?

La serie esta ambientada en Virginia pero el rodaje se Tom Berenger.- No si yo lo hiciera con tabaco de realizó en Rumanía ¿Qué fue lo más duro del rodaje? verdad estaría mareado y me caería. Yo jugaba beisbol semi profesional y es muy típico mascar tabaco, y Tom Berenger.- Fue estupendo rodar allí. Estuve claro me dijeron pruébalo, pruébalo, y cuando me hace unos 11 años en Rumanía rodando y fue aún disponía a lanzar me desmayé. Pero el mascar tabaco y mejor. Tenían superestructuras de rodaje , había escupirlo es perfecto para mi personaje, en ese tiempo, más restaurantes en Bucarest. Podías ver una gran diferencia de hace 11 años hasta la actualidad, pero al en esa época, es perfecto. igual que en resto del mundo ha crecido mucho y hay muchos edificios vacíos o a medio construir. Pero fue

más barato rodar en Rumaníaa, y las montañas teníaan el aspecto de las Apalaches en Virginia. Rodamos en la época en que cambian de color las hojas, era un sitio muy atractivo.

Le hemos visto en multitud de papeles, cómicos, acción, dramáticos ¿en cuál de ellos se siente más comodo?

Tom Berenger.- Me gusta la comedia, y precisamente es lo siguiente que voy hacer. ¿Puede adelantarnos algo más de ese proyecto?

Tom Berenger.- En este nuevo proyecto está Sylvester Stallone. Empieza la historia con dos personajes y se van solapando los demás a medida que avanza la película. No es un comedia típica, es muy distinta a nivel de estructura, pero a mi me pareció muy interesante, y tengo muchas ganas de empezar. ¿En este nuevo proyecto también tendrá que caracterizarse como con ‘Hatfields & McCoys’?

Tom Berenger.- No esta vez. Interpreto a un escritor, que escribe libros de autoayuda. ¿Cómo ha sido trabajar con Kevin Costner y Bill Paxton?

Tom Berenger.- Estupendo. A Kevin le conozco desde hace mucho tiempo, y a Bill Paxton lo conocí aquí por primera vez y nos hemos convertido en buenos amigos.

Paxton es muy gracioso, y me dijo que teníamos que hacer una comedia juntos.

y se pelean con los vampiros por ser los elegidos para llevarse a la silenciosa dama de toda esta Todo tiene un comienzo y sin dudarlo este fue historia. uno de los más grandes para la historia del cine.

Libros, fenómeno fan, merchandising, películas Un hito, una leyenda, una saga, novelas y otros productos han sido lanzados a raíz de excepcionales, unos actores que se han comido este gran torbellino juvenil, haciendo la reina del el mundo, unos personajes atípicos fuera de lo oro a su autora, dueña de las librerías y también común y que ahora todo el mundo ha querido dominando las carteleras.

convertir en lo más normal y sobre todo, Pero todo llega a su fin, y esta saga aunque convertirse en ellos. presuma de inmortalidad, al menos su proyección Una saga dirigida principalmente a cinematográfica es finita, y con la llegada de adolescentes pero que ha volado mucho más Amanecer, esta estela se desvanece, y para darle allá de esa clasificación, logrando unos récords el homenaje que se merece, desde Nosolofreak impresionantes fuera de lo normal, rompiendo os hemos preparado este especial a modo de los esquemas y argumentos de los incrédulos y recorrido por todo este mágico mundo tanto para los antifans de la saga, gustando y enloqueciendo los fans como para el resto de lectores que también desde niños pequeños hasta ancianos, dejando quiera ser partícipe de la despedida crepusculiana. fuera de moda y de toda popularidad a los vampiros terroríficos que tanto temor en el pasado han causado para dejar paso a los metrosexuales y tiernos, pasando de tener pesadillas con que viniese uno de estos malignos seres a llevarnos al mundo de la noche a chuparnos hasta la última gota de nuestra sangre, a pasar a desear ver venir a esta pandilla de delicados vampiros a colarse por nuestra ventana cada noche al estilo Crepúsculo.

Una saga que ha sido el inicio de una de las historias de amor más comentadas entre sus dos actores principales, eco de rumores y habladurías que tanto daño les ha causado pero de tanto comer ha dado a las revistas del corazón.

Sin olvidar tampoco su punto de vista también sobre los hombres lobos aparte de los vampiros, criaturas que se transforman en humanos y se

Ficha técnica Título: Crepúsculo Dirección: Catherine Hardwicke Producción: Mark Morgan / Greg Mooradian Guión: Melissa Rosenberg / Mark Lord Reparto: Kristen Stewart / Robert Pattinson / Ashley Greene / Peter Facinelli País: Estados Unidos

Año: 2008 La primera película que abrió el paso a toda la saga entendiendo y también desvelándose nuevos es Crepúsculo, que ya contaba con numerosos secretos. fans antes de ser estrenada debido a la novela, y cuándo hizo su primer acto de presencia en los Otros personajes que veremos será a Jacob que cines desató la locura, una locura que se ha ido también le conoceremos por primera vez, pero en manteniendo a lo largo de todos estos años. esta película no es que tenga mucho protagonismo, así que sus fans deberán esperar una entrega para Para los que no hayan visto ni leído ningún libro disfrutar de él. ni película les recomiendo sin duda empezar por este en concreto. Tanto el libro como la película La familia de Edward hará también acto de en mi opinión son lo mejor de la saga y el nivel presencia y adquiriendo mucha importancia. de la primera parte no se supera hasta Amanecer, Tenemos a las dos familias, a los tres protagonistas que vuelve a ponerse a la y sus respectivos altura de Crepúsculo. amigos, pues como esperáis también Aquí nos haremos hay villanos, cómplices de esta historia siendo los más de amor, veremos como se importantes James conocen Bella y Edward y y su novia Victoria. también conoceremos la Sin desvelaros más historia de ella. en este libro tendréis escenas de acción muy interesantes y llamativas, Os resumiré un poco de la historia por encima también toques de humor y momentos bellos y para situaros en esta primera parte, conoceremos a sensibles, destacando sin lugar a dudas su especial Isabella Marie Swan, más conocida entre nosotros final. como Bella, que llegará a Forks, en Washington Es un libro bastante denso pero que se lee muy con un ánimo un poco decaído debido a que su bien y muy rápido, se hace agradable y muy madre no puede ocuparse debidamente de ella ya ameno y sin lugar a dudas como os he comentado que debe viajar con su novio Phil, así que Bella antes, es uno de los mejores de la saga y sin duda va a vivir con su padre Charlie, y allí el hombre totalmente recomendable para engancharse a intentará hacerla la vida lo más agradable posible, la saga. Y por otro lado y no por ello menos pecando en ocasiones de sobreprotección pero importante su adaptación al cine es fiel, ya que sin duda haciéndolo lo mejor que puede hacer. aunque se salta muchos momentos que en el cine no encontraréis, refleja muy bien a los personajes Bella hará nuevos amigos aunque su timidez y su historia. se lo dificulte, y también conocerá al otro pilar A modo de curiosidad, la manzana de la portada fundamental de esta historia, Edward, un chico según su creadora Meyer simboliza la manzana misterioso, callado y en principio borde, pero del Génesis, como icono del amor prohibido de no es oro todo lo que reluce, poco a poco se irán los dos protagonistas.

Si os sentís preparados tras haberos sumergid la historia, os invito a continuar con Luna Nu un cambio bastante radical al aire de la prim parte.

Luna Nueva para mí es el libro más lento y complicado de leer de todos, pudiendo desani a los lectores (al igual que la película, que aun mejora algo el ritmo, no abandona su esenc resulta también mucho más aburrida que antecesora).

El argumento básicamente destaca por la huid Edward lejos de Bella, para supuestamente prote

do en de él mismo y su familia, todo por un incidente ueva, sucedido en la fiesta del dieciocho cumpleaños de mera Bella en la que tras un desafortunado incidente se corta y Jasper corre a morderla sin poder controlar más sus más sangrientas emociones, y después de este imar horrible suceso, nuestro vampiro decide dejarla nque para que viva su vida. cia y e su Entonces entrará en juego Jacob, que la intentará cuidar y animar tras el abandono de su amor, y a la vez intentará conquistarla. No os desvelaré da de el resto de sucesos, pero en Luna Nueva también egerla veréis a los Vulturi, y se trata de una historia mucho más normal y cotidiana que la primera, en la que vemos la amistad de dos amigos muy amigos pero nada más, la fase de recuperación tras un amor muy caótico, el odio que crece entre Jacob y Edward, en esta ocasión más por parte del primero, y también alguna que otra escena de acción, pero nada que ver con la primera parte.

amor, de acción, de drama... aquí nos limitamos a una historia más cotidiana, más lenta y de mayor desarrollo, pero con unos diálogos y sentimientos más profundos.

En esta ocasión la portada del libro es una flor blanca que representa a Bella pero manchada de sangre representando toda la fuerte y dolorosa carga emocional de Bella en el filme.

De vuelta tenemos de nuevo el tema de la inmortalidad reflejado sobre todo al final con la nueva discusión de pareja acerca del tema, el mostrarnos más detalles de estas dos razas que son más normales de lo que parecen y también sombras oscuras que se ciernen sobre Bella, debido a su pasada pelea con James en la entrega pasada, ya que todo acto tiene sus consecuencias.

Luna Nueva se convirtió en la película más taquillera de la historia en EE.UU en su primer Como os comentaba, frente a una primera día de proyección, además de seguir embolsando entrega llena de varios géneros rebosante de grandes cantidades de dinero para todos y aumentando la fama de los actores.

El ritmo perdido en Luna Nueva vuelve a retomarse en Eclipse.

Un libro bastante ameno de leer y que gustará a los fans, y volverá a devolver la confianza que quizás perdieron al leer Luna Nueva, pero aquí los tres protagonistas vuelven a la carga y traerán nueva diversión, más intriga y múltiples escenas de acción.

Como personaje nuevo importante veremos a Riley Biers, en esta ocasión vendrá dispuesto a hacerle la vida imposible a Bella y a su amor, amaestrado por Victoria para hacerles pagar la muerte de su querido en la primera entrega, que ya después de tanta película y libro debía estar ardiéndola por dentro.

Besos entre nuestros protagonistas varios, peleas entre ellos también, un compromiso formalizado y sentimientos confesados sería una buena manera de explicaros este libros, pero en este caso la historia nos cuenta la confesión del amor de Jacob a Bella y la mala reacción por parte de la pareja hacia el inocente y dolorido lobo, la amenaza de los neófitos y Victoria a nuestros protagonistas, una alianza vampírica con los lobos con el único fin de proteger a Bella y una victoria satisfactoria.

En esta ocasión, el libro vuelve a llevarse de manera correcta a la pantalla grande pero aunque no refleja bien en ocasiones el laberinto emocional y los sentimientos reales de los protagonistas, puede servir para los que no quieran leerse el libro para tener una buena idea de la historia y introducirse correctamente en esta historia digna de un premio al mejor enredo sentimental y fantástico.

En esta ocasión, la portada la corona un lazo rojo roto y casi partido por la mitad, según la autora siendo un símbolo de ansia por la eternidad de Bella y repulsión a su vida humana, o la ruptura de la amistad de Jacob y Bella, en definitiva una bonita metáfora a modo descriptivo de la historia.

Con Amanecer vuelve el mejor espíritu de la saga, concentrando en él todas las virtudes que se había hecho gala en las anteriores entregas, y con este extenso libro no queda ningún cabo por atar, dando a cada momento la duración necesaria que precisa, haciendo un mix gigante para cerrar esta épica saga como merece y despidiéndonos de sus personajes de una forma espectacular.

Debido a la larga extensión del libro, este mismo se divide en tres partes, y en su adaptación al cine se ha dividido la obra en dos entregas, y la segunda está a punto de acudir a los cines para reventar las taquillas y hacer una despedida mundial dedicada tanto a los fans como a todos los que han participado en el proyecto.

Veremos la esperada boda entre Bella y Edward, el embarazo y los problemas que derivarán en Bella que como supondréis no será nada fácil para ella ya que su novio precisamente normal no es, y embarazarse de un vampiro es lo que tiene, también tendrá lugar la creación de la manada propia de Jacob Black, conoceréis a la criaturita que finalmente vendrá al mundo llamada Renesmee y a la que Jacob no se sabe ya si por amor o por despecho (creeremos que por amor...) la imprimará, el nacimiento al mundo vampírico de Bella y la apoteósica pelea entre los Volturi y los bondadosos vampiros de la saga, con novedades en su tropa.

Debido a la división en estas dos entregas, tendremos unas películas mucho más fidedignas y mejor adaptadas al libro, ya que con las dos películas unidas da mucho juego para poder desarrollar bien a los personajes y sus emociones.

Es uno de los mejores libros, de los más entretenidos y que os beberéis como agua de mayo, pero también uno de los más tristes, ya que es el fin de toda esta bonita historia que tantos buenos momentos ha regalado a los fans, pero toda gran saga merece una gran despedida, y sin duda aquí la tenéis y a lo grande, y más adelante podréis leer nuestra crítica cinematográfica de Amanecer Parte 2.

Como curiosidad os contaré que estos libros están inspirados en otras grandes obras: Crepúsculo en Orgullo y Prejuicio de Jane Austen; Luna Nueva en Romeo y Julieta de Shakespeare; Eclipse en Cumbres Borrascosas de Emily Brontë y Amanecer en El Sueño de una noche de verano, de Shakespeare. ¿Creéis que se pueden identificar con estos clásicos?

También otro aspecto llamativo es que estén escritos en primera persona, narrados por Bella, salvo el epílogo de Eclipse y una parte del libro final, de la que se encarga Jacob. Edward también iba a tener su libro con su punto de vista, llamado Midnight Sun (Sol de medianoche), pero debido a la piratería y la filtración de unos capítulos del mismo, el enfado de la autora la llevó a colgar ella misma los episodios en internet, pero también sentenció que ya nunca veríamos ese libro a la venta, ya que desde el primer momento tan solo tenía el fin de ser destinados para ayudar a los actores y directores para comprender bien a Edward.

Además de estos libros existe otro no tan conocido llamado La segunda vida de Bree Tanner (The Short Second Life of Bree Tanner), que se deriva de Eclipse y nos cuenta la historia de Bree Tanner, la neófita que conocimos en dicha novela, escrito desde su punto de vista y nos narra como los neófitos van a por Bella Swan, siendo en un principio un relato corto pero acabó formando otra novela más para la saga.

Robert Thomas Pattinson es el galán de toda esta gran historia.

Es un hombre de grandes virtudes, ya que es modelo, actor, productor y cantante, y a partir de Crepúsculo se ha convertido en uno de los actores del momento, mejor valorados y mejor pagados de Hollywood, que también es algo muy importante de recalcar, para que engañarnos.

Ha sido nombrado por la revista Time en el año 2010 una de las cien personas más influyentes del mundo y además Forbes lo nombró una de las

celebridades más importantes, y por si eso fuera poco, también fue galardonado por Glamour como el Hombre más sexy y GQ y Glamour también le otorgaron el título de El mejor vestido del 2010, entre otros títulos como uno de los actores mejor pagados o como jóven millonario, nada más que bonitos adjetivos para este peculiar vampiro.

No sabréis que además es primo lejano de los Príncipes Guillermo y Enrique de Gales y de Vlad III, Príncipe de Valaquia, el modelo de inspiración del personaje Conde Drácula, como veis todo está relacionado.

Tiene dos hermanas mayores y fue expulsado de la escuela para hombres Tower House School por sus malas notas y su trayectoria como modelo no duró mucho, tan solo de los 12 a los 16 años, debido a su aspecto afeminado y su gran altura y características masculinas como la barba y el vello, rasgos incompatibles.

Comenzó a los 15 años como actor y participó en varias películas televisivas como Ring of the Nibelungs en 2004. Como curiosidad el motivo mayor para ser Edward Cullen por el que convenció a la directora es por su química con Kristen y por haber interpretado tan bien su papel, y fue hospedado en casa de su agente por no poder mantenerse él mismo por motivos económicos.

También dio su toque musical a las obras cinematográficas, con sus canciones Never think y Let me sing, como veréis este chico sirve para todo, y poder grabar un disco musical en solitario e independientemente es otro de sus sueños.

Su relación con Kristen Stewart ha sido muy polémica y desde el principio de la saga ha dado que hablar, pero con sus idas y venidas aún continúan juntos después de tantos años, aunque es posible que de aquí a cuando estéis leyendo esto quizás ya no estén juntos.

Debutó en el año 2004 y nació el 13 de mayo del 1986 en Londres, Inglaterra, y sus motes son Rpattz, Spunk Ransom, Rob y Patty.

Filmografia.

2004: Vanity Fair 2004: Ring of the Nibelungs 2005: Harry Potter and the Goblet of Fire 2006: The Haunted Airman 2007: The Bad Mother's Handbook 2007: Harry Potter and the Order of the Phoenix 2008: How To Be 2008: Twilight 2009: Sin límites 2009: The Twilight Saga: New Moon 2010: Remember Me 2010: The Twilight Saga: Eclipse 2011: Bel Ami 2011: Water for Elephants 2011: The Twilight Saga: Breaking Dawn - Parte 1 2012: The Twilight Saga: Breaking Dawn - Parte 2 2012: Cosmopolis

Ahora os dejo con algunas curiosidades del actor: 1.- Rob calza un 44,5 de zapatos.

2.- Lo han expulsado de la escuela dos veces.

3.- Le gusta mucho la forma de vestir de su personaje de Edward Cullen en Crepúsculo, luce la ropa desgastada, incluso después del final de la filmación de la película.

4.- Fue la primera persona que hizo la audición para la parte de Cedric Diggory en Harry Potter.

5.- Dio su primer beso a los 12 años.

6.- Le gusta cantar y actuar en locales de aficionados, pero no lo hace más, rapido lo veria colgado en internet.

7 .- Le encanta escribir canciones y poemas.

8.- Le gustaría que un guión que escribió se convirtiera en película.

9.- Ha formado parte de una banda llamada "Chicas malas" 10.- A Rob no le importa el dinero.

11.- Estaba tan nervioso en la serie de Harry Potter que cayó enfermo.

18.- Su libro favorito de entre los de la saga de Crepúsculo es "Luna Nueva".

12.- Rob tiene un perrita llamada Patty.

19.- En las escenas de "Vanity Fair", en que 13.- Interpretó al hijo de Reese Witherspoon en apareció Robert se "Vanity Fair". surprimieron sin que nadie le dijera nada.

14.- Su segundo nombre es Thomas.

15.- Nunca estudió actuación.

20.- Rob ha aprendido a conducir en un curso intensivo sólo 10 horas.

21.- El se quedaba en el sillon de su agente la 16.- A Rob no le gustan las discotecas y prefiere primera vez que se mudo a LA. relajarse en su habitación de hotel con Kristen, Nikki y Jackson. 22.- Le encanta comer hamburguesas y beber Coca Cola.

17.- Odia ir al gimnasio, por eso hace footing.

23.- En el pasado, una chica le hizo daño.

Y para finalizar os dejo con sus direcciones para fans por si os animĂĄis a contactar con ĂŠl: Robert Pattinson Curtis Brown Group Ltd. Haymarket House 5th Floor 28-29 Haymarket London SW1Y 4SP Reino Unido Robert Pattinson William Morris Endeavor Entertainment 9601 Wilshire Blvd.

3rd Floor Beverly Hills, CA 90210-5213 Estados Unidos

KRISTEN STEWART Ahora nos toca el turno de la protagonista femenina de la saga y el poder femenino que ha movido todo, ya que sin ella nada habría sido posible.

Nació el 9 de Abril del 1990 en Los Ángeles, California. Sin duda su papel de mayor importancia ha sido Bella, pero también ha participado en otras interesantes películas como Blancanieves y la Leyenda del Cazador o The Runaways, dando vida a la rockera Joan Jett y junto a su enemiga en Crepúsculo, Dakota Fanning.

Ya apuntaba maneras desde antes de nacer, ya que es hija de un director y productor de televisión y de una guionista. Sus padres se separaron en el 2010 y tiene tres hermanos; Cameron, Taylor y Dana, asistió a la escuela hasta el séptimo grado, dejándolo para seguir a distancia hasta la graduación.

Su primer papel fue en una pequeña aparición para Disney en la película Tritón por accidente, y apareciendo en Los Picapiedra en Viva Rock Vegas.

A lo largo de su carrera ha recibido tanto buenas críticas como malas, destacando el calificativo de ‘insípida’ en muchas de ellas.

Sus parejas sentimentales más conocidas han sido Michael Angarano con el que compartió más de cinco años de relación y la más actual es Robert Pattinson, recibiendo el calificativo de RobSten como apodo por su relación, una relación apasionada pero también tormentosa, ya que se ha visto temblar en varias ocasiones, como con el sonado incidente del desliz de ella con Rupert Sanders, el director de Blancanieves y la leyenda del cazador, pero el amor todo lo puede y con ellos no iba a ser menos, y han sido vistos juntos besándose recientemente.

Aquí os dejo unas curiosidades de la actriz: - Asistió a la escuela hasta el séptimo grado, continuó sus estudios por correspondencia.

Kristen Stewart Viewpoint, Inc. 8820 Wilshire Blvd Suite 220 Beverly Hills, CA 90211-2618 Estados Unidos

- Dejó la escuela de muy pequeña porque la llamaban marimacho, confesando que la llamaban marimacho hasta personas que no conocía de nada.

- Es una gran fan de la música rock, y sus bandas favoritas son U2, Radiohead, The Beatles, The Specials, Laura Marling, Green Day, Nirvana y Beck.

- La canción, Flightless Bird de American - Toca la guitarra.

Mouth,de la última escena de Crepúsculo la propuso Kristen, y así sustituyó a la original y se - Su lugar favorito es Australia. puso en la banda sonora.

- Es una ex disney star Su primera actuación fue - Su padre, John Stewart, es un director y productor una pequeña aparición en la película Tritón por de televisión que trabajaba para la FOX. accidente, producida por Disney Channel.

- Su madre, Jules Mann-Stewart, es una guionista - No fue a una audición para Twilight ,se nacida en Queensland. encontraba rodando Adventureland cuando la directora de Crepúsculo, Catherine Hardwicke, - Su madre es Australiana visitó el estudio para hacerle una prueba que la "cautivó".

- Lee las novelas de Charles Bukowski y Kurt Vonnegut.

- Le gusta la lectura, le encanta componer versos.

- Sus películas favoritas son A Woman Under - Comenzó su carrera a los 8 años. the Influence de John Cassavetes, protagonizada por Gena Rowland, y La Vie in Rose, con Marion - Tiene 3 perros y un gato: Oz, una mezcla de Cotillard border collie, y Jack y Lily que son callejeros, el gato se llama Jella, y uno de sus perros fue -Su libro favorito es East of Eden de John Steinbeck adoptado inicialmente por Rob. ( y otros como "Cannery Row" y “The Stranger” de Albert Camus.)

- El cumpleaños del actor Dennis Quaid que hizo de padre de Kristen en Cold Creek Manor (2003), es el mismo día que el de Kristen.

- Aunque nació en Los Ángeles,sus primeros años los pasó en Colorado.Se trasladó a Los Ángeles en el 2006,donde vive con sus padres - Inició su carrera a los 9 años cuando un buscador de talentos la vio en una obra de Navidad del cole.

- Apareció en un anuncio de Porshe cuando era muy pequeña.

- Salió con el actor Michael Angarano ( su compañero de Speak) hasta los 18 casi 19 años - Actualmente vive en Woodland Hills(Los Ángeles) con sus padres.

Filmografía.

1999 Tritón por accidente 2000 Los Picapiedra en Viva Rock Vegas 2001 La seguridad de los objetos 2002 La habitación del pánico 2003 La Casa 2004 Speak 2004 Misión sin permiso 2004 Undertow 2005 Fierce People 2006 Zathura: una aventura espacial 2007 Los Mensajeros 2007 Entre mujeres 2007 The Cake Eaters 2007 Hacia rutas salvajes 2007 Cutlass 2008 The Yellow Handkerchief 2008 Algo pasa en Hollywood 2008 Jumper 2008 Crepúsculo 2009 Adventureland 2009 La Saga Crepúsculo: Luna Nueva 2010 The Runaways 2010 La Saga Crepúsculo: Eclipse 2010 Welcome to the Rileys 2011 La Saga Crepúsculo: Amanecer (Parte 1) 2012 En el camino 2012 Blancanieves y la Leyenda del Cazador 2012 La Saga Crepúsculo: Amanecer (Parte 2)

TAYLOR LAUTNER El último protagonista de este celestial trío es Taylor Lautner, el incansable luchador por el amor de Bella, que al final tiene también su final feliz aunque no sea como él se esperaba.

Al igual que Rob, Taylor también es poseedor de múltiples habilidades, siendo actor, modelo, actor de doblaje y luchador de artes marciales, todo un gentleman inteligente y hábil sin lugar a dudas.

Nació el 11 de Febrero del 1992, y comenzó su carrera como actor a mediados de la década de los 2000 con series televisivas como The Bernie Mac Show o doblando a personajes animados de What’s New, Scooby-Doo? o Danny Phantom.

Como sus compañeros, gracias al lobo Jacob Black ha conseguido un gran reconocimiento, siendo uno de los veinte actores mejor pagados de Hollywood, y habiendo ganado premios como los MTV Movie Awards, el People’s Choice Awards y Scream Awards.

Sus rasgos fuera de lo común y tan especiales provienen gracias a sus raíces francesas, alemanas, neerlandesas y por ser nativo americano por parte de madre.

Tiene una hermana y estudió karate desde los seis hasta los trece años tras entrenarse en el Fabiano’s Karate School en Holland, Míchigan, ganando múltiples campeonatos y haber entrenado durante siete veces con el campeón del mundo Michael Chaturantabut, y por si fuera poco a los ocho años representó a su país en la World Karate Association ganando tres medallas de oro en la modalidad Junior World Forms and Weapons, y a sus once años ya empezó a alcanzar la gloria alcanzando el número uno en el mundo del NASKA’S Black Belt Open Forms, Musical Weapons, Traditional Weapons y Traditional Forms, una gloria plena a los doce años ganando el Campeonato del Mundo Junior de Artes Marciales Su carrera cinematográfica comenzó en el año 2001 con la película Shadow Fury. Para que veáis con mayor detalle su filmografía os la dejamos a continuación:

Filmografía.

2001 Shadow Fury 2005 Las aventuras de Sharkboy y Lavagirl en 3-D Mas barato por docena 2008 Crepúsculo 2009 La saga Crepúsculo: Luna nueva 2010 Historias de San Valentín La saga Crepúsculo: Eclipse 2011 Sin salida Field of Dreams 2: Lockout La saga Crepúsculo: Amanecer - Parte 1 2012 La saga Crepúsculo: Amanecer - Parte 2 2013 Incarceron Goliath Son como niños 2 Northern lights

Como Taylor no iba a ser menos, aquí os dejamos unas curiosidades de él: 1.- Toma clases de motociclismo 2.- Sus padres son muy exigentes, tanto que cuando cumplió 13 usó el móvil por primera vez y asegura que no le permitirán tener novia formal hasta los 28 años (claro que estamos seguros que esa norma ya la habrá incumplido).

3.- Pasa mucho tiempo en el gimnasio, es uno de sus hobbies, algo que salta a la vista en los filmes.

4.- Sueña con convertirse en Director y Guionista de películas, mientras tanto planea seguir actuando.

5. Al terminar la saga dejará de ir tanto al gimnasio, porque no quiere seguir viéndose tan musculoso.

6.- Asegura que le encantaría salir con una chica honesta, que no busque estar siempre a la moda, divertida y que jamás trate de impresionarlo.

7.- Para interpretar a Jacob decidió conocer a algunos miembros de la tribu Quileute .

8.- Si no se hubiera dedicado a actuar, estaría probablemente dedicándose a algún deporte como el beisbol, que ha jugado desde pequeño.

9.- Sus películas favoritas son las de acción y es fan de Denzel Washington, Brad Pitt, Matt Damon y Megan Fox. 10.- Aún se sorprende cuando ve a chicas con poleras que tienen su nombre o una imagen de él impresa.

Taylor Lautner Management 360 9111 Wilshire Blvd.

Beverly Hills, CA 90210 Estados Unidos

STEPHENIE MEYER Para finalizar con esta ruta de biografías os mostramos la vida de Stephenie Meyer, la creadora de todo este universo y sin ella no habríamos podido ni siquiera imaginar un fenómeno igual.

Su nombre completo es Stephenie Morgan Meyer, pero su nombre tras haberse casado es Stephenie Morgan. Nació el 23 de Diciembre del 1973 en Connecticut, y a los cuatro años se mudó con su familia a Phoenix, California. Se llama así por su padre, Stephen, un bonito símbolo de amor y respeto. Es hija de una familia numerosa, ya que tiene dos hermanos y dos hermanas más.

Gracias a su constancia y mérito consiguió en el colegio el premio Nacional al Mérito Escolar con el que se pagó su ingreso a la universidad, y sus asignaturas con las que más cómoda se sentía eran inglés y la escritura creativa con la literatura, siendo para ella siempre un placer dedicarse a escribir en sus ratos libres y leía siempre que podía.

Es licenciada en Filología Inglesa, y como curiosidad, esta carrera se extendió mucho entre los escritores, además de los restantes tipos de Filología desde que Tolkien se ganó su merecido doctorado gracias a una tesis de Beowulf.

Además de la saga Crepúsculo, ha escrito otras obras como La Huésped y ha participado en una antología femenina de terror llamada Noches de baile en el infierno.

Como podréis admirar en sus novelas, sus personajes se muestran reacios al sexo hasta el matrimonio y tienen una forma de ser orientada más a mentalidades de otras épocas, teniendo unos valores muy distantes de los de nuestro día a día, aunque no por ello menos válidos ni honrados, algo muy recalcado en Edward, y todo ello tiene que ver en parte por su pertenencia a la congregación mormona junto a su familia (la Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos días).

LA VIDA MUSICAL DE CREPÚSCULO Tras esta muestra de la vida de estos ídolos, procederemos a mostrar y recordar las canciones que han acompañado todos los momentos vividos por nuestros protagonistas a lo largo de las películas, ya que sin la música la magia no habría sido igual estamos seguros, y una buena canción siempre alegra todos los corazones y las almas, y llena aún más de emoción e intensidad los momentos de nuestra vida y nuestra historia, y en ese caso añadió el toque justo de intriga y emoción. Aquí las tenéis:

1 Muse - Supermassive Black Hole 2 Paramore – Decode 3 The Black Ghosts - Full Moon 4 Linkin Park - Leave Out All The Rest 5 MuteMath - Spotlight (Twilight Mix) 6 Perry Farrell - Go All The Way (Into The Twilight) 7 Collective Soul - Tremble For My Beloved 8 Paramore - I Caught Myself 9 Blue Foundation - Eyes On Fire 10 Rob Pattinson - Never Think 11 Iron & Wine - Flightless Bird, American Mouth 12 Carter Burwell - Bella's Lullaby

1. Death Cab for Cutie – Meet Me on the Equinox 2. Band of Skulls – Friends 3. Thom Yorke – Hearing Damage 4. Lykke Li – Possibility 5. The Killers – A White Demon Love Song 6. Anya Marina – Satellite Heart 7. Muse – I Belong to You (New Moon Remix) 8. Bon Iver and St. Vincent – Rosyln 9. Black Rebel Motorcycle Club – Done All Wrong 10. Hurricane Bells – Monsters 11. Sea Wolf – The Violet Hour 12. OK Go – Shooting The Moon 13. Grizzly Bear – Slow Life 14. Editors – No Sound But the Wind 15. Alexandre Desplat – New Moon (The Meadow)

1.Metric – 'Eclipse (All Yours)' 2. Muse – 'Neutron Star Collision (Love Is Forever)' 3. The Bravery – 'Ours' 4. Florence + The Machine – 'Heavy In Your Arms' 5. Sia – 'My Love' 6. Fanfarlo – 'Atlas'

7. The Black Keys – 'Chop And Change' 8. The Dead Weather – 'Rolling In On A Burning Tire” 9. Beck and Bat For Lashes – 'Let’s Get Lost' 10. Vampire Weekend – 'Jonathan Low' 11. UNKLE – 'With You In My Head (featuring The Black Angels)' 12. Eastern Conference Champions – 'A Million Miles An Hour' 13. Band Of Horses – 'Life On Earth'

1. Mia Maestro - Llovera 2. Carter Burwell - Love Death Birth 3. Hard-Fi - Like A Drug (Bonus Track) 4. Sleeping At Last - Turning Page (Instrumental) 5. Kevin Teasley - Eclipse (All Yours) [Bonus Track] 6. Bruno Mars - It Will Rain [Edit]

14. Cee-Lo Green – 'What Part Of Forever' 15. Howard Shore – “Jacob's Theme”.

1. The Joy Formidable - End Tapes 2. Angus & Julia Stone - Love Will Take You 3. Bruno Mars - It Will Rain 4. Sleeping At Last - Turning Page 5. The Features - From Now On 6. Christina Perri - A Thousand Years 7. Theophilus London - Neighbors 8. The Belle Brigade - I Didn’t Mean It 9. Noisettes - Sister Rosetta (2011 Version) 10. Cider Sky - Northern Lights 11. Iron & Wine - Flightless Bird, American Mouth (Wedding Version) 12. Imperial Mammoth - Requiem On Water 13. Aqualung & Lucy Schwartz - Cold

1.- Passion Pit – Where I Come From 2.- Ellie Goulding – Bittersweet 3.- Green Day – The Forgotten 4.- Feist – Fire in the Water 5.- The Boom Circuits – Everything and Nothing 6.- St. Vincent – The Antidote 7.- Pop ETC – Speak Up 8.- Iko – Heart of tone 9.- A Boy and His Kite – Cover Your Tracks 10.- James Vincent McMorrow – Ghosts 11.- Paul McDonald & Nikki Reed- All I’ve Ever Needed 12.- Reeve Carney – New For You 13.- Christina Perri – A Thousand Years (Part Two) 14.- Carter Burwell – Plus Que Ma Prope Vie

ANÉCDOTAS PELICULERAS Además de ofreceros las curiosidades de los actores, también os contamos algunas de las películas que sin lugar a dudas os resultarán llamativas: CREPÚSCULO: - Robert comenta la opinión que tuvo al principio cuando leyó la novela: "La primera vez que lo leí no era tan exageradamente popular, lo leí y me pareció extraño, era como la fantasía sexual de Stephenie Meyer. Parecía que la autora se creyera Bella, había muchas cosas del personaje de Edward que eran muy específicas. Así que, en muchos aspectos, te sientes muy voyeur y ése fue uno de los aspectos extraños que me echaba para atrás, la verdad, pero entonces empecé a trabajar en la película y ese aspecto fue lo que me gustó".

- Henry Cavill fue la primera opción de Stephenie Meyer para interpretar a Edward. Sin embargo, cuando iba a comenzar la producción, el actor tenía 25 años, y ya no parecía un joven de 17. Fue entonces cuando le ofrecieron el papel de Carlisle Cullen, pero lo rechazó debido a su compromiso con "Los Tudor".

los chicos "que actúan como si estuvieran en el primer grado y ella es el juguete nuevo y brillante".

Este pensamiento es dicho por Jessica durante el primer almuerzo de Bella en la cafetería.

- Catherine Hardwicke filmó una escena con Robert Pattinson tomada directamente de "Midnight Sun", la novela inacabada de Stephenie - Stephenie Meyer dijo que se inspiró en parte Meyer que cuenta la historia de "Crepúsculo" a en Jane Austen, Orson Scott Card, Shakespeare y través de la perspectiva de Edward. Según ella, Charlotte Bronte. esta escena aparecerá en el DVD. - Stephenie Meyer, la autora de los libros, es la que está con su ordenador portátil pidiendo un sándwich vegetariano, en el comienzo de la escena en la que Charlie le pregunta Bella si le gusta a los chicos de la ciudad.

- Stephenie Meyer había pensado en unos actores para interpretar a sus personajes. Pensó en Emily Browning como Bella Swan, Henry Cavill como Edward Cullen, Charlie Hunnam como Carlisle Cullen, Mary-Louise Parker como Esme Cullen, Rachael Leigh Cook como Alice Cullen, Trent - Stephenie Meyer citó a la banda Muse como Ford como Jasper Hale, Tom Welling como su fuente de inspiración para escribir sus libros. Emmett Cullen y Olivia Wilde como Rosalie Hale.

Otro de sus grupos favoritos es Linkin Park, que contribuyó con una canción en la banda sonora. LUNA NUEVA Después de meses de especulaciones y rumores, - Stephenie Meyer escribió una novela en paralelo el director Chris Weitz, y la autora de la novela, (sin terminar) a "Crepúsculo" llamada "Midnight Stephenie Meyer, confirmaron que Taylor Lautner Sun". Cuenta la historia del primer libro desde seguiría interpretando a Jacob Black. Se temía el punto de vista de Edward. En ella, comenta que no sería capaz de estar en forma en el tiempo que la llegada de Bella a la escuela tiene a todos necesario. Sin embargo, se le dio el visto bueno

AMANECER PARTE 2 - Para grabar la escena en la que Jacob imprima a Renesmee, Taylor Lautner tuvo que mirar a una x en la pared. "Fue difícil porque no sabes lo que realmente es una imprimación. Le pregunté a Stephenie Meyer que me explique exactamente como debe ser. Todo era muy confuso. Me dijeron que me entrara en una habitación, y me quedara mirando a una x y llegaba la imprimación. Pensé que estaba bromeando conmigo. En ese momento pensé que no iba a funcionar, pero cuando vi el resultado final me puse feliz", comentó Taylor Lautner.

EL MERCHANDISING ORIGINAL DE LA SAGA Tras este paseo por la saga Crepúsculo y sus protagonistas ahora pasaremos a ver algunos de los productos de merchandising lanzados al después de que el actor consiguiera aumentar casi mercado de la saga, perfectos para cualquier fan: 12 kilos de masa muscular.

AMANECER PARTE 1 -Stephenie Meyer ha vuelto a servir como recurso inestimable para la guionista Melissa Rosenberg, otra veterana de toda la serie cinematográfica.

- "La verdad es que la participación de Stephenie Meyer ha sido una constante progresión natural, y nuestra relación ha crecido a lo largo de los años.

Ha pasado de visitas puntuales en Crepúsculo, a visitas regulares en Luna Nueva y Eclipse, y ahora está aquí a tiempo completo. Paso más tiempo con Stephenie del que paso con mi mujer", sugiere Wyck Godfrey (productor) entre risas.

- La autora Stephenie Meyer también asume el papel de productora en las últimas dos entregas de la serie cinematográfica, que se rodaron simultáneamente, y estuvo presente en el plató a diario durante todo el rodaje.

- Stephenie Meyer y Bill Condon seleccionaron el diseño para el vestido de novia de Bella de entre 10 bocetos que presentó la diseñadora Carolina Herrera.

Colgante de plata estilo gargantilla de Alice Cullen

El anillo de plata de Carlisle Cullen con el escudo de la saga.

El anillo de Carlisle pero en versión de bistutería

Anillos del león y el cordero

Brazalete más colgante de corazón Twilight.

Brazalete de Bella y los Cullen

Brazalete de Esme Cullen.

Brazalete Edward

Brazalete Bella y Edward

Clips para el pelo con el escudo Cullen

Colgante del le贸n y el cordero.

Colgante de Rosalie Hale Cullen.

Gargantilla Alice Cullen

Colgante Jacob Black

Mu単equera Cullen.

Pendientes Twilight.

Pulseras Edward.

Joyeros

Juego de cama.

Pintalabios.

Billetera.

Caramelos.

Como podéis ver la variedad de artículos disponible es muy amplia, ya que a lo largo de la saga se han ido sacando al mercado múltiples productos para los admiradores, este repertorio podréis encontrarlo en vuestra tienda habitual de productos tecnológicos tipo El Corte Inglés o Fnac, y los que son más inusuales en tiendas online como www.cuernavilla.com de dónde hemos sacado las imágenes o previo encargo por Internet.

MEJORES FRASES PARA EL RECUERDO Toda leyenda tiene sus marcas especiales, y sin duda Crepúsculo ha dejado varias sentencias y maravillosas frases por parte de sus protagonistas que han hecho algo aún más especial el arte y la magia de la saga, marcándola sin lugar a dudas.

1. Bella, Crepúsculo, pág. 200 Estaba totalmente segura de tres cosas. Primera, Edward era un vampiro. Segunda, una parte de él, y no sabía lo potente que podía ser esa parte, tenía sed de mi sangre. Y tercera, estaba incondicional e irrevocablemente enamorada de él.

2. Edward, Luna Nueva, pág. 517 -Bella, yo no puedo vivir en un mundo donde tú no existas.

3. Bella, Luna Nueva, pág. 556 -No necesito el cielo si tú no puedes ir a él.

4. Bella, Luna Nueva, pág. 459 Entonces le vi, y los últimos siete meses desaparecieron. Incluso sus palabras en el bosque perdieron significado. No importaba cuánto tiempo pudiera llegar a vivir; jamás podría querer a otro.

5. Bella y Edward, Crepúsculo, pág. 504 -Bella…sus dedos recorrieron con ligereza el contorno de mis labios-. Yo voy a estar contigo…, ¿no basta con eso?

Edward puso las yemas de los dedos sobre mis labios, que esbozaron una sonrisa.

-Basta por ahora.

Le acaricié el rostro y dije: -Mira, te quiero más que nada en el mundo. ¿No te basta eso?

-Sí, es suficiente …contestó, sonriendo-. Suficiente para siempre.

6. Bella, Eclipse, pág. 601 -Si todo pereciera y él se salvara, yo podría seguir existiendo; y si todo lo demás permaneciera y él fuera aniquilado, el universo entero se convertiría en un desconocido totalmente extraño para mí.

7. Bella, Crepúsculo, pág. 9 Cuando la vida te ofrece un sueño que supera con creces cualquiera de tus expectativas, no es razonable lamentarse de su conclusión.

8. Bella y Jacob, Eclipse, pág. 591 -Él es como una droga para ti –Jake habló con voz pausada y amable, sin atisbo de crítica-. Ahora veo que no eres capaz de vivir sin él. Es demaciado tarde, pero yo hubiera sido más saludable para ti, nada de drogas, sino el aire, el sol.

Las comisuras de mis labios se alzaron cuando esbocé una media sonriza.

-Acostumbraba a pensar en ti de ese modo, ya sabes, como el sol, mi propio sol. Tu luz compensaba sobradamente mis sombras. Él suspiró.

-Soy capaz de manejar las sombras, pero no luchar contra un eclipse 9. Bella, Luna Nueva, pág. 125 Bastaba con que creyera que él existía para que yo pudiera vivir. Podría soportar todo lo demás mientras supiera que existía Edward.

10. Edward, Luna Nueva, pág. 27 -No estaba dispuesto a vivir sin ti –puso los ojos en blanco cono si eso resultara algo evidente hasta para un niño.

11. Renée, Eclipse, pág. 75-76 -Hay algo… extraño en cómo estáis juntos – murmuró ella, con la frente fruncida sobre sus ojos preocupados-. Te mira de una manera… tan… protectora. Es como si estuviera dispuesto a interponerse delante de una bala para salvarte o algo parecido.

-Y no es sólo él –apretó los labios en un ademán defensivo -. Me gustaría que vieras la manera en que te mueves a su alrededor.

-La manera en que andas, como si él fuera el centro del mundo para ti y ni siquiera te dieras cuenta. Cuando él se desplaza, aunque sea sólo un poco, tú ajustas automáticamente tu posición a la suya. Es como si fuerais imanes, o la fuerza de la gravedad. Eres su satélite… o algo así. Nunca había visto nada igual.

12. Edward, Luna Nueva, pág. 460-461 -“Muerte, que has sorbido la miel de sus labios, no tienes poder sobre su belleza” –murmuró y reconocí el verso que declaraba Romeo en la tumba.

13. Bella, Luna Nueva, pág. 366-367 ¡Lucha!, gritó Edward. ¡Maldita sea, Bella, sigue luchando! ¿Por qué?

Ya no quería seguir peleando. Y no eran ni el

mareo ni el frío ni el fallo de mis brazos debido al agotamiento muscular los que me hacían resignarme a quedarme donde estaba. No. Me sentía casi feliz de que todo estuviera a punto de acabar.

Le estaba viendo a él, y no tenía ya voluntad de luchar. Su imagen era vívida, mucho más definida que cualquier recuerdo. ¡No! ¡Bella, no!

Su voz sonaba más clara que nunca a pesar de que el agua helada me llenaba los oídos.

Ya había olvidado en qué consistía la auténtica felicidad.

Felicidad. Hacía que la experiencia de morir fuese más que soportable.

Adiós. Te amo, fue mi último pensamiento.

14. Bella, Luna Nueva, pág. 132 Como si nunca hubiese existido, pensé con desesperación. ¡Cómo había sido capaz de hacer una afirmación tan estúpida y tan absurda! Podía haber robado mis fotos y haberse llevado sus regalos, pero aun así, nunca podría devolver las cosas al mismo lugar donde habían estado antes de que le conociera. La evidencia física era la parte más significativa de la ecuación. Yo había cambiado, mi interior se había alterado hasta el punto de no ser reconocible. Incluso mi exterior parecía distinto.

Como si nunca hubiese existido. Menuda locura. Aquélla fue una promesa que él no podía mantener, una promesa que se rompió tan pronto como la hizo.

color de sus ojos, la sensación de su piel fría o la textura de su voz. No podía pensar en todo esto, pero debía recordarlo.

16. Edward, Luna Nueva. Pág. 405-406 Bella, mi vida era como una noche sin luna antes de encontrarte, muy oscura, pero al menos había estrellas, puntos de luz y motivaciones. Y entonces tú cruzaste mi cielo como un meteoro. De pronto, 15. Bella, Luna Nueva, pág. 124-125 se encendió todo, todo estuvo lleno de brillantez Había roto mis propias reglas. Me había acercado y belleza. Cuando tú te fuiste, cuando el meteoro a los recuerdos, había ido a su encuentro, en vez desapareció por el horizonte, todo se volvió negro. de rehuirlos.

No había cambiado nada, pero mis ojos habían Me sentía demasiado viva, y eso me asustaba. quedado cegados por la luz. Ya no podía ver las Pero la emoción más fuerte que en estos momentos estrellas. Y nada tenía sentido. recorría mi cuerpo era el alivio, un alivio que surgía de lo más profundo de mi ser.

ALGUNOS DE LOS MEJORES MOMENTOS A pesar de lo mucho que pugnaba por no pensar DE LA SAGA en él, sin embargo, tampoco intentaba olvidarle.

De noche, a última hora, cuando el agotamiento Como comprenderéis, enumerar todos los grandes por la falta de sueño derribaba mis defensas, me momentos de la saga sería imposible, pero con preocupaba el hecho de que todo pareciera estar estas instantáneas seguramente que os haréis una desvaneciéndose, que mi mente fuera al final un ligera idea de la carga emocional de la saga y todos colador incapaz de recordar el tono exacto del los buenos momentos que ha arrastrado tras de sí.

El primer beso

La confesion.

Confesion de Jacob a Bella.

Los rumores de los Cullen

Llego el gran dĂ­a

El esperado momento

El baile

Confesiones en el prado.

Besos lobeznos

Cuidadito chaval.

Todo gran momento tiene sus consecuencias

Bella se hace con el poder.

Para finalizar este recuerdo de la saga, os mostraremos nuestra crítica de Amanecer parte 2, esperemos que este resumen os haya hecho sentir la emoción de la primera vez que conocisteis Crepúsculo y también hayamos contribuido a reavivar los buenos momentos que nos ha hecho pasar, un fuego lento que ha sido como un incendio de buen cine y mejor aún lectura, algo que comenzó siendo una propuesta sencilla, y ha acabado irrumpiendo en todas nuestras vidas, sin duda, un hecho para no olvidar jamás.

y angustia, eso sí, esta parte es de las que más ritmo tienen y más entretenimiento suponen para el espectador, y además incluye una sorpresa que os dejará bastante asombrados, la cuál descubriréis tan solo en vuestros cines.

Nuestros protagonistas dan la mejor parte de sí mismos, teniendo en esta ocasión un ambiente tranquilo y relajado entre los tres protagonistas, salvo al principio, pero luego disfrutaremos de una relación de amistad y de amor que no habíamos visto anteriormente, pero como tras la CRÍTICA DE AMANECER PARTE 2 tempestad llega la calma, al fin veremos lo mejor de Edward, Jacob y Bella, muy unidos entre ellos Un final para una saga como ha sido Crepúsculo gracias a Renesmee, Nessy para el lobo. merecía una película por todo lo alto, una despedida a la altura de todo lo que han significado Robert Pattinson y Kristen Stewart se muestran todos estos años para todas las personas que han espléndidos en el filme, con una gran química formado parte de este proyecto, desde admirados como siempre han demostrado y en esta nueva hasta cada una de las personas que han elaborado historia con la hija en común representan la este proyecto: actores, productores, guionistas… estampa ideal. Taylor Lautner por su parte Y en cierta parte lo han conseguido, pero no de la va demostrando cada día más la madurez manera colosal esperada. interpretativa que está consiguiendo poco a poco, que tendremos que ver ya en futuras películas en La película vuelve a intentar hacer una revisión las que tenga otros personajes distintos a Jacob. de los elementos que mejor han funcionado La fotografía es estupenda, tiene unas escenas a lo largo de todas las películas, y de intentar verdaderamente impresionantes y sorprendentes, adaptar la magia que contenía la edición escrita en general podemos decir que es una buena de Amanecer, todo ello fusionado y intentando película, fallando un poco el ritmo en ocasiones y hacer una mezcla explosiva de nostalgia, acción, haciéndose un poco larga, haciéndote desear aún amor, celos, maldad… todos estos y algunos otros más el desenlace. símbolos más aparecen en el filme, pero al final te quedas con la sensación de haber necesitado algo Sin duda los fans estarán encantados de ver a los más. tres protagonistas juntos de nuevo tan magníficos y con tanta conexión, pero no hay que olvidar la La épica batalla final de la que veis una muestra nostalgia que también causará a los que se hayan en los tráilers cinematográficos ha mejorado sentido alguna vez identificados con la saga y bastante respecto a las anteriores entregas, ya sus personajes, ahora tan solo nos quedará el que en esta ocasión las escenas de lucha y los recuerdo. enfrentamientos si tienen los detalles y el ritmo Lo mejor: necesario, no pasando fugazmente y con prisa, -La química de Robert Pattinson y Kristen Stewart. siendo malamente explicado, como en las entregas -La madurez y el cambio que hemos podido ir anteriores, aquí sí podremos apreciar cada observando en Taylor Lautner. instante con total tranquilidad, teniendo tan solo -La batalla final. un defecto bastante grave, y es que las masacres Lo peor: y asesinatos carecen totalmente de credibilidad y -El ritmo lento que adquiere la película en realismo, pareciendo que están arrancando más ocasiones bien las cabezas a un muñeco que a una persona, -Las muertes tan poco creíbles del filme. quedando infinitamente lejos de transmitir horror Puntuación: 7,5/10

Historias en la Tierra Media Escribir sobre El Señor de los Anillos es siempre un arma de doble filo. Por un lado te permite acercarte y tratar la que probablemente sea la obra más importante de fantasía, algo que me permito tomarme cómo un pequeño honor. Pero por esa misma razón, la conoce todo el mundo. Da igual de que parte de la que rodea a la obra hables, habrá un nutrido grupo de gente que la conozca y no todos van a estar de acuerdo con lo que digas, ni mucho menos. Tocar ESDLA es jugar con fuego y yo espero no quemarme, por si acaso quiero recordar al mundo que esto es sólo opinión, sólo eso.

Cómo bien sabréis los que me seguís (si existís manifestaos!!!!) en la revista mis secciones engloban juegos de rol, wargames de miniaturas y juegos de mesa. Productos intrínsecamente relacionados a ESDLA desde hace ya muchos años y aunque hoy profundizaremos en los juegos de rol tened presente que hay toda una serie de subproductos relacionados de muy buena calidad para satisfacer el ANSIA de los fans. En fin, he encendido mi pipa (en serio) y me pongo a escribir, deseadme suerte, empezamos: A MBIENTACIÓN: Los que empecéis a leer esta sección os estaréis preguntando si es necesaria tratar la parte de ambientación. Quien no ha leído el libro (vaaale, quizá tengo demasiada esperanza en la humanidad…) o mejor dicho, quien no ha visto las películas? Pero El Señor de los Anillos no se limita sólo al Señor de los Anillos. Ancha es la Tierra Media.

Plantearse la ambientación para el Señor de los Anillos tiene más miga de la que parece y es que la decisión es difícil, partiendo de la base de que los mismos jugadores suponen un hándicap en sí mismos, dependiendo de si son grandes conocedores de la obra de Tolkien, sólo han leído los libros, han visto

las películas o, contra todo pronóstico, son completos desconocedores del mundo. Y es que unos jugadores puretas pueden sentirse ofendidos si cambias el mundo o la historia y unos completos desconocedores pueden perderse en la sobreexposición de datos si los saturas de información. En el artículo que hoy nos acerca vamos a hablar sólo de la tercera y cuarta edad o se nos iría mucho la cosa de las manos, al fin y al cabo es las que mejor va a conocer el gran público.

Bajo mi punto de vista, algunas de las mejores ideas que os puedo aportar para llevar una partida en la Tierra Media serán las que os expondré a continuación: What if: Para esta idea necesitamos ambientarlo en la tierra media. La idea básicamente supone en plantear cómo partida que hubiera sucedido si la historia narrada por Tolkien hubiera sucedido de otra manera. Desde que Frodo rechazara llevar el anillo y se encargara Sam o el propio Gandalf (quizá cayendo al “lado oscuro” y convirtiéndose en un ente terriblemente poderoso al que enfrentarse) o si Boromir no hubiera muerto, llevando el anillo a Gondor y si los Rohirrim hubieran sido derrotados en el Abismo de Helm, con Arwen combatiendo… bueno, esto mejor no. Aquí dejad volad vuestra imaginación, si tienes un grupo de jugadores conocedores del mundo y no demasiado puretas pueden salir cosas muy interesantes y divertidas.

Historia Alternativa: Si tienes un grupo de puretas aléjate de esta opción… querrán matarte, y un grupo de jugadores desconocedores del mundo no le verá la gracia a ser ellos los que narren la historia a su manera, para todos los demás puede ser un éxito.

La idea básicamente se basa en que los jugadores recreen unos personajes que formaran la comunidad del anillo, con su propia personalidad y enfoque la historia puede ir por unos derroteros totalmente distintos, dando resultados la mar de interesantes Otras partes de la historia: Esta idea es arriesgada. Puede resultar muy interesante

narrar que otras cosas están sucediendo en el mundo mientras que la comunidad del anillo sigue con lo suyo.

Desde llevar a unos Rohirrim exiliados que corren para unirse en la Batalla del Abismo de Helm, unos montaraces que se enfrentan a unos orcos de Mordor que amenazan una pequeña aldea. Una división en el puesto avanzado de Osgiliath, defendiendo a la ciudad del acoso de Mordor… las opciones son muchas y todas pueden ser divertidas… el riesgo es que los jugadores puedan sentirse secundarios…

El otro lado de la historia: Y ponerse en el papel de los malos? Es una decisión arriesgada, pero llevar unos Uruk-Hai o unos malvados hombres del sur. Ponerse del lado de Mordor y luchar por la recuperación del anillo… esta es sólo para valientes. Si le dais salida, por favor, contadme el resultado.

Una nueva historia: Bajo mi punto de vista la favorita.

Con el fin del Señor de los Anillos empieza la Cuarta Edad del Sol, la edad de los hombres… Algo que deja un mundo entero a su favor, en plena reconstrucción tras la caída de Sauron, en el que los últimos Elfos parten de la Tierra Media dejando el futuro de esta en manos de los hombres. Un entorno fantástico en el que englobar tu propia historia y perfecto para cualquier grupo de jugadores.

Cómo veis las opciones son muchas y desde luego no son todas. Si tenéis vuestras propias ideas porque no

las compartís con nosotros vía Twitter o Facebook.

Me encantaría hacer de esta sección algo más interactivo ;-).

SISTEMA: Visto esto llega el momento de plantearnos que sistema utilizar. En este caso vamos a tratar las que para mí con las cuatro mejores opciones, aunque con una de ellas me meteré mucho…

Middle Earth Role Playing (MERP): Vaaaale, está descatalogado, es Viejo, usa Rolemaster y las escaleras Moria son un enemigo mucho más peligroso que el Balrog, pero es con el que hemos jugado muchos de nosotros y el primer juego de rol que tuve de muy pequeñito, lo que, dado lo denso del mismo supone una relación de amor-odio con él por mi parte. En realidad, salvo que os pueda la nostalgia, dejadlo en la estantería y miradlo con añoranza, hay cosas mejores.

El Anillo Único: De reciente salida nos pone en una Tierra Media tan sólo unos años después de los sucesos acaecidos en El Hobbit, y antes de que comenzara El Señor de los Anillos. Por así decirlo transcurre entre la historia de Bilbo y la de Frodo (pero nada impide trasladarlo a otro momento) y nos detalla la zona de las Tierras Ásperas, donde transcurre el Hobbit para los que no estén familiarizados con la geografía. Lo cierto es que aún no ha caído en mis manos (veremos

si mis compañeros pueden hacerse con uno y quizá montar una partida para detallaros la experiencia) pero las sensaciones que me llegan de él por parte de conocidos son muy, muy buenas.

Con una presentación magnífica probablemente sea ahora mismo la mejor opción pero aún no tengo la capacidad de daros una opinión con todas las de la ley pero espero poder hacerlo pronto.

Pathfinder / D&D 3.5: Si alguien está pensando que no son lo mismo y está cogiendo carrerilla para soltarme el sermón que se frene un segundo. Son juegos distintos, si, pero sobre un mismo motor base y con muchas similitudes si no entramos en los detalles y si, el primero es bastante mejor que el segundo, pero también es cierto que Pathfinder no existiría sin D&D. Es el juego de rol de toda la vida, cubre las razas que necesitamos y tiene un sistema dinámico, con muchas posibilidades y que cumple… aunque habrá que no permitir muchas cosas para que case con la ambientación es una muy buena opción.

GURPS 4th: Hoy me alejo de mi gran comodín Hero System para irme al otro gran comodín (en realidad el primer gran comodín) que es GURPS. El sistema multiambiental del genio Steve Jackson cubre todo lo habido y por haber y tiene lo necesario para darnos las herramientas apropiadas para ambientar una partida.

Es sencillo, efectivo y con muchas posibilidades. Eso sí, está sólo en inglés y habrá que dedicar un buen rato a separar el grano de la paja, pero es sin duda una buena opción.

Y en fin, hasta aquí hemos llegado. Al tratarse de un universo tan conocido en este artículo he preferido daros unas pinceladas que quizá os den esa chispa de magia que necesitáis para volver a la Tierra Media y buscar contar ahí vuestras próximas historias.

Desgraciadamente este mes ha sido duro y no he podido apoyar el artículo con una partida cómo me hubiera gustado. Sin embargo, os dejo a vosotros el testigo y que compartáis con vosotros vuestras experiencias con este juego, esperando haberos servido aunque sólo sea un poquito de ayuda.

POR RUFINO AYUSO

Twitter: @yurian00

S H O K U D O

No cabe duda de que la industria de entretenimiento en todas sus facetas ha crecido muchísimo en el último tiempo, y los juegos de tablero no son la excepción.

Cientos de juegos se lanzan cada año, ayudados en el último tiempo por iniciativas de autofinanciación como Kickstarter, surgiendo comunidades tremendamente activas en torno a ellos.

Aunque a muchos lectores pueda sorprenderles, América del Sur, y Chile en particular, no han estado ajenos a esta evolución del mercado. De manera lenta pero segura han ido apareciendo iniciativas relacionadas con el mundillo friki. Desde ilustradores de talla mundial (Gabriel Rodríguez, de Locke and Key) hasta juegos de cartas coleccionables (Mitos y Leyendas) y videojuegos (Zeno Clash), los criollos no hemos estado ajenos a la creación de entretenimiento friki en sus diversas variantes.

Pese a todos estos antecedentes, fue para mí una agradable sorpresa encontrarme con un juego de tablero hecho en Chile: Shokudó, creación de Tabula Rasa, responsables además de varios comics que están dando de qué hablar por estos pagos.

La idea del juego es sencilla: el señor Miyamoto, dueño de un restaurante de comida japonesa para llevar, ha muerto, dejando a sus cinco hijos en pugna por ver quién será su sucesor.

Lo primero que llama la atención es lo bien logrado de su estética manga. Todos los personajes han sido dibujados en el clásico estilo super deformed, dándole un toque oriental sorprendentemente efectivo.

Partiendo por la caja, el juego ya promete: se nota que el diseño ha sido prolijamente preparado, representando el restaurante por el que luchan los descendientes del señor Miyamoto. Pese a que su hechura es más bien rústica, es lo suficientemente sólida como para acarrearla en un bolso sin miedo a que se deforme.

Pasando al interior, encontramos los elementos usuales: manual de instrucciones, contadores de plástico que representan a los jugadores, cartas de diversos tipos y dos piezas grandes representando el contador de honor y el restaurante propiamente tal. Si bien el material del que están hechas es simple cartón plastificado, la impresión es impecable.

El juego es simple y fácil de aprender. Hay una fila de autos esperando ser atendidos en el restaurante, cada

uno de ellos con un pedido distinto. Los jugadores, usando cartas de comida, deben completar la mayor cantidad de pedidos posible. Con esto no solamente ganan honor –con diez puntos se gana el juego-, sino que también una carta de fantasma, manifestaciones del espíritu del señor Miyamoto que pueden favorecer o perjudicar a sus descendientes. A medida que pasan los turnos, los autos van avanzando. Si uno de ellos llega hasta el final de la fila sin ser atendido, todos los jugadores pierden un punto de honor: el buen nombre del restaurante se ha puesto en entredicho.

Se trata de un juego entretenido y ameno, especialmente si juegan tres o más personas. Como es de esperar, las reglas son fáciles de aprender: el manual de instrucciones es apenas un tríptico, la mayoría del cual está dedicado a explicar los efectos de las cartas. Al cabo de dos o tres turnos, todas las mecánicas resultan claras y el juego puede disfrutarse sin problemas. Las vueltas de la fortuna son frecuentes, y una carta jugada en forma oportuna puede convertir en victoria una derrota segura. Este carácter imprevisible ayuda a mantener el suspenso, lo cual, unido a su corta duración (entre 15 y 30 minutos por partida) lo convierten en una excelente opción para quien busca un juego rápido o introducir a alguien al mundo de los juegos de tablero.

POR JUAN DOUGNAC

HISTORIA: Jack es el rey de la ciudad de Halloween, donde cada año se esfuerzan al máximo por celebrar esta festividad por todo lo alto. La ciudad de Halloween está plagada de vampiros y brujas, serpientes y calaveras y todas las criaturas escalofriantes que te puedas imaginar. Pero este año Jack está triste, siente un vacío en su interior y desconoce la causa.

Así que decide dar un paseo, Jack anda y anda hasta llegar a un extraño lugar en el bosque. Allí encuentra un grupo de curiosos árboles en círculo, cada uno tiene una puerta con un símbolo pintado, una calabaza, un árbol verde con bolas de colores, un huevo pintado de colores... ¿Qué serán?

Jack decide entrar en una de ellas y pronto llega a Christmas Town, donde todo son luces de colores, canciones, alegría... Pronto se entusiasma con ello. Algo nuevo, divertido, justo lo que Jack necesitaba. Así que coge un poco de cada cosa y decide regresar a la ciudad de Halloween para enseñárselo a todos, que están muy preocupados por su ausencia.

Cuando llega, les comunica a todos que este año ellos celebrarán la navidad, y les encomienda a cada uno una serie de tareas para que cada uno de los habitantes aporte su granito de arena al nuevo proyecto.

Pero Sally, que lleva un tiempo enamorada de Jack, presiente que las cosas no van a salir bien y trata de decírselo, pero Jack no la escucha.

PESAD ANTES NAVI

DILLA S DE IDAD

Los chicos de Oogie Boogie (lo que en España sería el mítico “Hombre del Saco”) son los encargados de secuestrar a Santa Clavos (Santa Claus) Así que Jack lo prepara todo para repartir regalos en Nochebuena, pero claro, no son los típicos regalos y esto provoca una gran confusión.

Finalmente y tras rescatar a Sally y a Santa Claus de las garras de Oogie Boogie, Jack se da cuenta de su error. Zapatero a tus zapatos. Y cada oveja con su pareja.

PERSONAJES: JACK SKELLINGTON Él es el rey de la ciudad de Halloween. Es inteligente, solitario y vive recluido en su torreón. Se esfuerza al máximo a preparar la festividad de Halloween año tras año intentando superarse. Aunque él lo desconoce, Sally está enamorada de él..

Su perro Zero siempre le acompaña a todas partes y guía su trineo cuando sale a repartir los regalos de Navidad.

En la versión inglesa, en los números musicales es doblado por el propio Danny Elfman, pero solo en esas secuencias, durante los diálogos su doblador fue Chris Sarandon.

SALLY Sally es una muñeca de trapo creada por el Doctor Flinkestein, quien la mantiene encerrada en casa como su sirvienta. Pero ella le echa belladona en las comidas para poder escaparse. Ella es la única que se da cuenta de que el plan de Jack fracasará, pero sus intentos por advertirle caerán en saco roto. Es muy tímida y se preocupa mucho por Jack, y aunque está enamorada de él, éste no parece darse cuenta.

Finalmente acaban juntos.

DOCTOR FLINKESNTEIN Es el creador de Sally, la trata como un objeto y la mantiene encerrada en casa. El Doctor ayuda a Jack creado unos renos esqueléticos para que tiren de su trineo.

Cuando se da cuenta de que no puede contar con Sally, decide crear otra criatura a su imagen y semejanza para que cuide de él, y de hecho, le da a esta nueva criatura parte de su cerebro.

OOGIE BOOGIE Es “El hombre del Saco” como lo llamaríamos aquí en España, y es el malo más malo de toda la ciudad de Halloween. Vive confinado en las raíces de un árbol, para evitar que salga y es el enemigo acérrimo de Jack. Su cuerpo es un saco relleno de insectos, y le encanta hacer trampas apostando.

CURIOSIDADES: Tim Burton sacó la idea para el poema original un día mientras veía cómo cambiaban en el escaparate de una tienda la decoración de Halloween por la de Navidad. Éste poema, de tres páginas de extensión, aparece recogido en la edición especial del DVD leído por Christopher Lee. El personaje de Jack aparece en Bitelchús en lo alto de un tiovivo cuando Bitelchús es liberado por Lidia.

En aquel tiempo Burton estaba dirigiendo Batman, y aparecen dos referencias en la película, uno es un juguete de un pato diabólico con ruedas, que es el vehículo que conduce el Pingüino, y otro un juguete de un gato diabólico, que es el símbolo de la corporación Shreck.

En principio Vincent Price iba a ponerle la voz a Santa Claus, pero, tras la muerte de su mujer, su salud empezó a resentirse y finalmente no pudo participar.

Disney comenzó a plantearse el hacer una secuela en 2001, pero Tim Burton les disuadió rápidamente.

POR MARIA GRACIA GALÁN

Manga japonés creado por Yoshinobu Akita y que querían matarlo T_T (Y ale, si queréis saber su dibujado por Yuuya Kusaka. Tiene una adaptación historia os veis el manga, que no voy a hacer spoilers al anime, un videojuego para PS2 (Scion of Socery) ;P). y una secuela llamada “Orphen: Revenge”.

Los hermanos, que pese a ser mayores parecen Orphen es un poderoso mago que vive sólo para criajos de 6 años, también son unos personajes una cosa: que su amiga Azalea vuelva a ser humana, recurrentes. Pese a no ser del grupo de Orphen ya que cuando era más joven fue convertida en propiamente dicho, siempre acaban donde están un dragón conocido como “Bloody August”. Para ellos, buscando la manera de conseguir dinero poder llevar a cabo esto debe aumentar su poder de forma ilícita o intentando conquistar a Cloe (y y llegar a dominar la mítica espada “Valthanders”. llevándose la correspondiente ostia después). Los En su aventura le acompañarán Cleo (una jovencita líos que montan son de lo más cómicos. de 17 años), Majic (su aprendiz), los dos traviesos e inaguantables hermanos Volkan y Dotchin y más Y Majic, pobrecito… Siempre está recibiendo adelante, una curiosa criatura que se une como castigos que no le corresponden (Cloe se los “mascota”, Leki. encasqueta, como no) y, pese a que intenta hacer todo lo que su jefe le manda, el 90% de las veces algo Bueno, esta es otra de las series que los catalanes sale mal. Cualquiera diría que Orphen le pega las pudimos disfrutar a través del 3xl. Ahora mismo no palizas que no le puede dar a Cloe cuando le saca recuerdo si la daban por el mediodía o por la tarde, de quicio. pero sin duda todos nos sentábamos delante de la tele a la espera de que Durante todo el recorrido de la historia podemos ver como los personajes evolucionan y van cambiando empezara. a medida que todo el entramado de sus pasadosLo que más recuerdo de todo, es el primer presentes-futuros se va desenmarañando. capítulo, la primera vez que se encuentran Cleo y Orphen… La banda sonora destaca sobretodo en el opening y el parece tan romántico y mono…. ending, la música ambiental que los va acompañando Y luego no veas como acaban… es buena, pero da una pequeña sensación de “falta que parecen un perro y un algo”. Los openings y los endings en cambio, nos dan gato con tantos piques que una pista de como serán los capítulos que vayamos a ver. Y es que el anime se puede dividir en trozos, tienen.

Uno de los personajes algunos más felices (como todo el inicio) y otros que más me gustan es más tristes (como cuando se descubre lo que pasó Leki, que aunque no es realmente con Azalea). El opening te prepara para un personaje en si, tiene eso, te dice “estos capítulos que vas a ver van a ser….” gran importancia dentro Y cuando cambian ya sabes que va a haber un giro de la historia: la de veces argumental. que les ha salvado el culo a su grupo… Y pensar Los personajes están muy bien detallados y el juego

de luces y sombras (sobretodo de luces y los brillos que provoca) están muy bien pensado. Las escenas de bosques con sus clarianas y sus zonas tenebrosas son increíbles.

La primera serie de Orphen, está llena de un tono dramático desmesurado, en donde los sentimientos y las pasiones son las que guían a los protagonistas.

Una penetrante aunque sencilla historia con una resolución un tanto rápida que a muchos nos dejó con un sabor de boca un tanto amargo.

Para suerte de muchos, el argumento de esta serie es de lo más cambiante, das por sentado algo y de repente zas, no es lo que parecía. Todos pensando que Azalea era una pobre niña engañada y luego…

Bueno, si lo queréis saber os veis la serie XD Revenge está totalmente separada de su antecesora, pierde todas esas virtudes que hicieron de su compañera una serie para disfrutar, llorar, reír, enamorarse… Superflua y poco interesante esta serie se come todos esos defectos a los que la primera serie consigue sobrevivir, lo que la hace convertirse en una serie con un humor tonto y sin fuerza. La típica serie vacía de buenos contra malos que muchos se vieron simplemente porqué albergaban la esperanza de que en algún capítulo diera un giro y se convirtiera en lo que tenía que ser: una secuela intensa y magnífica de una serie igual de buena.

Lo único pasable de Revenge son los primeros capítulos, autoconclusivos y basados en la historia principal. Luego podemos visionar una serie de minutos repetitivos y absurdos que se estiran

como un chicle y se llenan del llamado “relleno” que en momentos específicos nos dejan ver parte de la trama principal (y nos recuerda que es lo que estamos viendo verdaderamente).

Por su parte, algunos personajes de esta secuela están mejor trazados y definidos que anteriormente.

En muchas ocasiones da la impresión de que Cleo y Maic están mejor hechos que el mismo Orphen.

Por su parte, el videojuego de PS2, llegó mostrando un género muy poco conocido: el Action RPG, en donde el jugador maneja las armas, magias y todo lo que tenga que ver con el combate sin necesidad de menús ni nada (si no me explico bien, pensar en el tipo de batallas de Zelda). Pero a ver si me explico bien: magia X con botón X, ataque cual con botón tal… y así. Lo único que tenemos que hacer es apuntar con la mirilla a los malos.

Para crear el juego se basaron en el manga, inspirándose en el argumento y las características

mucha fluidez, sin tirones. Quizá el paisaje está hecho de una forma un tanto simplista, con pocos trazos (aunque bien definidos) y muchas líneas rectas.

Como en muchos juegos de antes, no hay libertad de movimiento: haces lo que tienes que hacer y punto.

La música lamentablemente sólo aparece en los combates y nos acompaña de forma instrumental durante estos de forma cuidadosa y delicada.

Resultado: un juego que empieza muy bien y va decayendo poco a poco, volviéndose mediocre y repetitivo y dejando de provocar ese “enganche” que provoca al principio.

Así que acabaré con una frase simple que resumirá bien lo que opino: si quieres disfrutar de Orphen céntrate en el manga y en la primera serie anime.

Si quieres acabar odiando a sus creadores mírate la secuela. Si quieres acabar con ganas de matar simplemente, juega al videojuego.

POR NEKO MAI

de los personajes. Hay quienes piensan que la cosa hubiera mejorado si el juego no hubiera estado relacionado con el manga… pero vamos… ¿si no tiene relación con la historia original de que sirve?

Lo malo: el juego está todo en inglés (la mayoría de los que hay ahora siguen en inglés… así que imaginaos hace años…). Y encima sin subtítulos y con videos no-pasables (vamos, que o te los tragas o te los tragas). Hay más vídeo que juego… Por no estar, ni el manual tiene idioma castellano… Un grave erros.

Para nuestra suerte, en el inicio hay un tutorial que nos enseña como va todo: ataques, magias, defensas…

Pero aunque uno no se entere de lo que pasa, sólo por ver los gráficos y los efectos de lo más realistas que tiene el juego vale la pena probarlo: los rayos, la niebla, la energía de las espadas, los hechizos…

Los enemigos están moldeados con el mismo detalle que el resto de los personajes y todo se mueve con

como Ouran Host Club, Special A, Fruits Basket entre otras.

Cuando me enteré de que en diciembre se haría un especial de la Tierra Media y fantasía épica en general me devané los sesos pensando cuál sería un buen manganime del que hablar, ya que una servidora no es demasiado aficionada al género en cuestión, pero cuando estaba a punto de pedir sugerencias Daniel me dijo ¿qué tal Berserk?, y me pareció una buena idea, ya hacía algún tiempo que la había visto así que pensé que no había mejor momento para volver a echarle un vistazo Así que me puse a ello, me volví a ver el anime y comencé a indagar un poco sobre el manga y demás, la verdad, sabía que era un manga antiguo... ¡pero no tanto! Me sorprendió bastante ver que la primera edición fue por allá a finales de la década de los 80 y que aun a día de hoy siga publicándose, habiendo sido editado el tomo 36 en Septiembre del 2011 en Japón, y se espera el tomo 37 para Marzo de 2013.

Los capítulos del manga son publicados en Japón por la editorial Hakusensha a través de la revista Young Animal, la editorial también es conocida en occidente por sus publicaciones Shojo en la revista Hana to Yume, con series

Pues bien, después de investigar un poco sobre la serie, me dispongo a volver a verme el anime, y lo primero que me encuentro son unos abusones en una taberna y a un tipo caminando con una capa, y ahí ya pienso, uff va a haber palos... y efectivamente no me equivoco, al poco el misterioso encapuchado llega a la taberna y monta una trifurca ayudando a los dueños de ésta, que son un abuelo y su joven nieta... y en ese punto descubres, aunque estaba más que cantado, que el encapuchado es ni más ni menos que Gatsu (Guts en la versión original), nuestro protagonista...

Poco después la escena nos lleva al pasado, donde pasamos de ver a un hombretón de 2x2 a un jovenzuelo con una espada más grande que él en medio de una batalla y acaba matando a un tipo bastante grande derramando sangre (como no... más sangre), y cobrando dinero por ello ya que era como una especie de apuesta... cuando se aleja de la ciudad se encuentra con La banda del halcón, y unos cuantos miembros le asaltan, él se defiende muy bien hasta que se enfrenta con el líder... Griffith, quedando mal herido, la banda decide llevárselo con él y curarlo, haciendo que forme parte de

ésta. En este punto es donde empiezan las aventuras del anime. Por mi parte a cada capítulo que veía solo veía sangre, y violencia por todas partes y no le encontraba ningún tipo de sentido y pensé, tal vez, deba leerme antes el manga, así que, dejo la serie de lado y me dispongo a leerme el manga, y mi confusión crece al ver, que el primer tomo no tiene nada que ver con los capítulos que he visto...

La historia es que el anime tan solo trata una parte del manga comprendido entre los tomos 4 y 13, que sería la primera parte, y la segunda que va desde el tomo 1 al 3, y del 14 hacia adelante.

En el anime vemos la vida y milagros de Gatsu, en su infancia/juventud, desde que es encontrado bajo el cadáver ahorcado de su madre por el miembro de una banda de mercenarios en la cual le entrenan como tal, y de cómo acaba separándose de estos de una forma un tanto apresurada, también nos muestra cómo se acaba uniendo a la Banda del Halcón, y cómo en esta descubre sentimientos y emociones tales como el amor, el compañerismo, e incluso al finalizar esta parte de la historia en el

Eclipse... la traición...

En cambio en el manga, veremos la segunda parte de la historia, que trata después del Eclipse, vemos cómo Gatsu empieza su venganza bajo el pseudónimo del “Espadachín negro” persiguiendo y buscando a los apóstoles de la mano de Dios, en un inicio le mueve la venganza pero poco a poco, también el afán de proteger a sus nuevos compañeros.

Además de esta división por partes, dentro del manga encontramos diversas sagas las cuales nos van mostrando la historia pagina a pagina, a medida que las leemos.

Para empezar tenemos la Saga de “El Espadachín negro” que va desde el capitulo 1 al 8, seguida por “La Edad Dorada” desde el capitulo 9 al 110, esta es la saga llevada al anime.

La “Saga de la retribución” del capítulo 111 al 193, la “Saga del Halcón milenario” desde el 193 al 307, y para

Gatsu se nos presenta como un niño y adolescente, que poco a poco va madurando, pero aun así es bastante egoísta, y tan solo mira por sí mismo en muchas situaciones, o por lo menos, es lo que quiere aparentar. En verdad Gatsu es como la representación más pura de la fuerza y la voluntad. A pesar de su apariencia, tosca y ruda, es hábil, rápido y ágil a la hora de manejar su enorme espada, además de ser inteligente y perceptivo, aun así no duda en hacer uso de la ira, la rabia y la fuerza cuando se enfrenta contra alguien. finalizar la “Saga de la fantasía” que son del capítulo 308 en adelante, que aun esta sin finalizar a día de hoy.

Bien, después de ver las diversas partes y sagas del manga, hablemos un poco de sus personajes, más que nada de los principales, porque son bastantes, y de las relaciones que tienen entre ellos.

Empezaremos cómo no, con Gatsu, como bien he dicho antes, es un huérfano rescatado por un grupo de mercenarios, convirtiéndose él en uno, que después de abandonar el primer el grupo, va de banda en banda de mercenarios hasta toparse con los de la Banda del Halcón. En el anime,

En cuanto a descripción física y características de este personaje, lo más notorio es su gran tamaño. Es un tiparraco de cuidado, con el pelo negro, corto y de punta, que ya en la segunda parte de la historia lleva un antebrazo ortopédico de metal y le falta un ojo, además de diversas cicatrices que recorren todo su cuerpo. Y si así no acaba de dar miedo, añadámosle la pedazo espada que carga a su espalda, la “Matadragones” es más grande que él, e incluso en el manga mencionan varias veces que más que una espada parece una losa de metal.

Por otro lado tenemos al antagonista de Gatsu... Griffith, estos dos se conocen cuando la Banda del Halcón asalta

a Gatsu y al enfrentarse contra él le hiere y decide llevárselo y curarle. Es un tipo listo, carismático, inteligente, bello, delicado, elegante, que lucha con un sable de una forma refinada. Es el líder de la banda del halcón, el nombre de esta posiblemente provenga de su armadura y de la forma de pico de halcón que tiene su casco.

Podríamos decir que es totalmente opuesto a Gatsu, para empezar,

físicamente, ya que Griffith es algo menudo, pálido, con el pelo largo y blanco e inspira confianza, y cae bien a primera vista, y esto es totalmente

lo contrario a nuestro protagonista con sus formas rudas y demás. También Gatsu aunque no lo reconozca valora la vida de los demás y trata de protegerlas, mientras que para Griffith no son más que piezas que utilizar para alcanzar su objetivo.

Yo por mi parte siempre vi una tensión sexual no resuelta entre ellos, llamadme pervertida si queréis.

También tenemos a Kiasca (llamada así en la versión de MangaLine), es la única integrante femenina de la banda del Halcón, y siete una gran admiración y deseo por Griffith que nunca es correspondida además de mantener una especie de relación amor-odio con Gatsu.

Su habilidad por la espada esta solo tras las de Gatsu y Griffith, además de demostrar grandes dotes de liderazgo y estratega a la hora de defender a la cuadrilla.

En mi humilde opinión acaba siendo un daño colateral por parte de Griffith y Gatsu.

Estos son los personajes principales, y aun así me dejo muchos en el tintero, y como secundarios, podría mentar a Puck (Pack en la edición de MangaLine), es un pequeño elfo, capaz de sanar con el polvo de sus alas y que percibe los sentimientos que están en el ambiente de las personas, es uno de los personajes cómicos, junto con Isidro (Isidoro en MangaLine), los dos siguen a Gatsu en su aventura, uno por puro asombro y el otro porque quiere ser el mejor espadachín y le pide a Gatsu que le enseñe.

Dejando de lado la trama y los personajes, pasemos a hablar un poco del anime, no tiene demasiadas diferencias con respecto al manga, lo más notable

diría yo es la exclusión de algunos personajes, para no hacer la historia más liosa, y... que este tan solo se centra en una parte del manga.

También, como pasa en casi todos los animes, hay escenas eliminadas y censuradas, en este caso, se eliminaron completamente, escenas de sexo, violencia y sangre, llegando a eliminar plenamente el tomo 11.

Estas secuencias también han sido eliminadas de las películas que se han estrenado este año, la primera, Berserk Edad de Oro Arco I: Huevo del gobernante Supremo, que fue estrenada el 4 de febrero en Japón; y Berserk Edad de Oro Arco II: La batalla de Doldrey, que fue estrenada el 23 de junio en Japón. Para inicios del próximo año, se espera la última película.

He de decir que la película se me ha hecho mucho más amena, y teniendo en cuenta la diferencia que hay entre una producción y la otra en cuanto a años se refiere, se puede percibir notablemente la mejora en cuanto ha animación, aun así, se me ha hecho algo rara...

Hablando ahora ya del dibujo diré que con respecto al manga no hay una gran diferencia, y este diseño se mantiene bastante constante a lo largo de todos los tomos, en mi opinión, es un buen dibujo, no es excesivamente de mi agrado, pero lo encuentro muy acorde con la temática, tal vez,

demasiado abrumador, con demasiado detalle.

Había momentos donde Gatsu se encontraba luchando y me sentía algo... agobiada sin saber bien bien dónde mirar con tanta cosa, lo he encontrado demasiado sobrecargado, valga decir que soy una aficionada a los shojos, y son cosas que no se pueden comparar.

Bien en cuanto a aspectos más técnicos, como el doblaje, diré que no me parece nada mala la adaptación al español, teniendo a dobladores como Jordi Pineda, que le da voz a Gatsu, y que le ha puesto voz a personajes como Hiroyuki Miyazawa de “Kare Kano”, o a Kogoro Katsura en el OVA de “Kenshin, el guerrero samurái: Recuerdos”, en la versión original encontramos a Canna Nobutoshi, que ha dado voz a personajes como Kabuto en “Naruto”, también tenemos a Carmen Ambros como la dobladora de Kiaska, que también ha puesto su voz para Kaoru Kamiya en “Kenshin, el guerrero samurái”, y como doblador de Griffith tenemos a Kike Carballo, que también ha doblado a Hideaki Asaba en “Kare Kano”, y en la versión original es doblado por Toshiyuki Morikawa, que le ha puesto voz, a Takumi en “Nana” o a Melvin en “Full metal Alchemist” además de haber trabajado en Bleach, en Inuyasha, etc...

Ahora ya, para ir finalizando queda comentar un poco sobre su versión en papel. Este manga fue publicado inicialmente por MangaLine en España, pero esta editorial después de 10 años activa, cerró sus puertas el año pasado, dejando muchas publicaciones en el aire.

Por suerte, Berserk fue acogida por Glénat la cual a día de hoy es la encargada de hacer la edición, además de haber reeditado todos los tomos anteriores dándoles un nuevo toque.

Como opinión personal, recomiendo el anime y el manga a todos aquellos que quieran unas altas dosis de violencia, acción, y sangre, si por el contrario eres algo aprensivo, esta serie no es para ti.

Y bien, aquí os dejo mis andanzas con esta serie, espero que os haya gustado y nos vemos otro día. ¡Hasta luego!

POR MIRIAM GRADO

Legend of Lemnear es un manga escrito por Kinji Yoshimoto y dibujado por Satoshi Urushihara. La serie tiene una adaptación al anime en formato OVA, dirigida por Yoshimoto y producida por la Anime International Company, que se lanzó en Agosto de 1987 en Japón.

La historia nos muestra a la joven Lemnear, una chica que busca venganza a consecuencia de la destrucción de su pueblo y de la muerte de su familia. Se la conocía como “Silver”, uno de los tres poderosos guardianes del pueblo, pero con el ataque el mago captura a Bronce y mata a Oro (a parte de causar grandes estragos).

El mago, a parte de tener una buena defensa (su potente armadura) poseé un enorme ejercito. Y, por si fuera poco, es el subordinado del señor del mal, quien pretende traer la oscuridad a la tierra y es más poderoso que este mago.

Para llevar a cabo su objetivo, Lemnear tendrá que ponerse manos a la obra y pasar por innumerables

sacrificios, entre ellos lidiar con un traficante de esclavos y formar parte de su harem.

Vi la OVA de esta historia a una edad bastante temprana, por culpa de mis primos, y como no, quedé traumada con cierta escena ecchi… (¿A quién se le ocurre enseñarle un anime así a una criaja de 10 años ¬¬? A mi primo… como no…).

Bueno, a lo que iba.

Años más parte decidí darle una oportunidad al manga (3 tomos) y la cosa me gustó bastante. Pese a que la trama en si en bastante simple el dibujo es increíble (algo así como Slayers pero más a lo picantón).

Como en muchos casos, el manga tiene menos censura que la OVA, así que si os queréis hinchar a ver tetas, culos y otras zonas marcadas al máximo quizá deberíais empezar por el papel. De igual modo, el anime tiene algunos cambios respecto al argumento-tiempo del manga.

Aun hoy en día, pese al éxito que tuvo en Japón y a su repercusión posterior en Internet y cia, pocos conocen esta historia. Algo que me sorprende bastante, ya que aquí se mezcla lo medieval, lo mítico, lo erótico, la acción y todas esas cosas que suelen tener más éxito.

Muchos opinan que esta serie está llena de cliches: el típico malo con su enorme armadura que ataca un pueblo y esclaviza a un montón de gente, ganándose el odio de nuestra protagonista. Pero claro, puede que me meta en camisa de once varas, pero todos los que me han dicho eso son de una época posterior a Lemnear, por lo que comparan la historia con otras más tardías… ¿No se tendría que decir entonces que (si eso) es la que inició los cliches? Porqué vamos, con eso de “malo mata pueblo, prota quiere matar a malo” se han hecho máááás historias….

Aunque bueno, su poca trama se ve eclipsada por un montón de jovencitas guerreras vestidas con una simple armadura sujetador-bragas (y si eso, alguna capa). Todas las escenas más gamberras y buenas están protagonizadas por chiquillas de este estilo.

Y bueno… los malos… hay los malos… Son peores que esos que disparan 1000 veces y no dan ni una vez en el blanco… Con sus decisiones, los vacíos argumentales de la serie se ven bastante más acentuados.

Como ya habéis podido comprobar en otros artis, yo casi odio el ecchi. Quiero decir, me gusta (como a cualquiera supongo), lo que no me gusta es el exceso que se está haciendo de este género desde hace unos años. En este sentido tengo que romper una lanza a favor de Lemnear, uno de mis primeros Ecchis, cuando aún nadie había unido éxito con desnudos. ¿A quien le recomendaría esta historia? Bueno,

la cosa es difícil… Si lo que buscas es una historia profunda que te haga pensar no te lo recomiendo.

Si buscas mucha teta y esas cosas tampoco, ya que aunque tiene bastante, hay series actuales (y con un argumento algo más útil) que son capaces de cubrir con estas expectativas. Recomiendo encarecidamente esta historia (tanto el manga como el anime) a aquellos que simplemente quieran ver un “como era” de un género como es el medieval unido con el ecchi. Y es que antes de esta historia, pocos eran los mangas que unían estas dos vertientes.

Quizá por este mismo motivo, el argumento sea flojillo. También lo recomiendo si se quiere disfrutar de un buen dibujo, oscuro e infernal como es el que se nos presenta durante toda la historia.

Por Neko Mai

Entrevista en exclusiva con Arábiga

Jeff Buckley El Último poeta

Crítica de Red de Taylor Swift

Entrevista en exclusiva con Arábiga

1 Para quien no os conozca aun, ¿Quiénes sois otra el total control de la producción. Así hemos Arábiga? querido que suene, así hemos querido que se vea.

La producción musical ha corrido a cargo de Arábiga es un grupo de 4 amigos con un mismo nuevo por Mario Alcántara, nuestro guitarrista, objetivo, disfrutar de la música y que ésta llegue al en su estudio "La Leonera". máximo posible de seguidores.

El resultado es un total de 12 canciones con fuerza, sentimiento, melodía y arraigo a lo que hacemos, 2 El pasado día 1 de noviembre salió a la venta un rock con matices andaluces. vuestro nuevo disco, "Retazos de Vida". Habladnos El concepto gráfico es de Arábiga pero todo el un poco de su nacimiento, como se pensó, se montaje lo ha hecho Raúl, nuestro bajista. grabó, temas que lo componen, etc.

Por lo que podéis apreciar, totalmente autoproducido.

Ya han pasado 4 años desde el anterior trabajo y Nos encontrábamos ante un reto, que era superar muchos conciertos a las espaldas, que son los que el anterior trabajo y creemos que lo hemos por, decirlo de alguna manera, han ralentizado conseguido. Otra vuelta de tuerca más, fruto de la creación del nuevo trabajo, porque no dejaban muchas horas. de solicitarnos en muy diversos lugares. Pero Estamos muy contentos con el resultado y eso se poco a poco hemos ido trabajando las nuevas nota de cara a las críticas y ventas. Por ahora todo composiciones hasta que se decidió entrar en el muy bien. estudio.

3 Vosotros cuidáis mucho vuestras ediciones en El trabajo está totalmente autoproducido por cd, ¿pensáis que una buena edición y un buen nosotros, como el anterior disco, tanto el concepto precio es mejor para la lucha contra la piratería gráfico como la parte musical, lo que por una que mil leyes imposibles de cumplir? parte nos da la facilidad de reducir costes, de ahí que se siga vendiendo al precio de 5 euros, y por Evidentemente tienes que ofrecer algo que atraiga

y si además la relación calidad-precio es buena, pues imagina. Desde el principio hemos apostado por eso mísmo. Intentar hacer algo atrayente a un buen precio. Lo hemos conseguido. Más hace el que quiere que el que puede. Y te aseguramos que se puede. Aunque eso no resta, tristemente, que haya gente que se lo descargue, pero vamos, que por 5 euros tienes una bonita presentación en CD-LIBRO de 32 páginas, con pasta dura y 12 temas, ¿se puede pedir más?

4 a X días de la salida de vuestro disco, ¿Cómo van las ventas? ¿estáis contentos con la respuesta de vuestro público?

Por ahora no hemos hecho recuento porque estamos de promoción, ya sabéis, envío de cds, entrevistas en prensa, radio, etc. Esperaremos a que pasen las navidades que es una buena fecha para la venta del disco y a ese precio más aún.

Pero por hacer una reseña, en la primera semana de venta estuvimos en el TOP 2 de ventas de TIENDAS TIPO. Lo que ¡¡¡ está muy bien!!!

Estamos contentísimos con la respuesta del público. Siempre nos hemos sentido muy queridos por nuestros fans. Nos han apoyado muchísimo y todo esto, evidentemente, es por y para ellos, que día a día nos escuchan, nos solicitan en salas y pubs, adquieren nuestra música y dedican su tiempo en ver nuestros directos. Nos consta que son de muy diversos lugares.

5 ¿Tenéis concretada ya la presentación en directo?¿Habrá gira? ¿os veremos por toda España.?

Pues estamos buscando fechas y ya nos están llamando de salas, así que tenemos que coordinar todo eso. Para empezar los días 24 y 25 de noviembre en ALMERÍA. El sábado 24 en PUB LA VENTA, Llanos de la cañada y el domingo 25 en PUB WHY NOT? en Albox. Pero pronto cerraremos más fechas. Esperemos que por toda la geografía.

6 Recientemente habéis estrenado videoclip, ¿como ha ido todo?

Muy bien, todo perfecto. El tema elegido ha sido el primer single, "Eres tú". La productora encargada también ha sido la misma del anterior videoclip, EL OJO DEL BULULÚ, con Araceli Flores al frente, que ha conseguido realizar un magnífico trabajo tanto en la búsqueda de ubicaciones para tal evento, así como el desarrollo del mismo. Se rodó en la discoteca Palko, de aquí de Lucena (Córdoba) y para ello también contamos con la presencia de seguidores de la banda, que se desplazaron desde muy diversos lugares, algunos

muy lejanos, Bilbao, Murcia, Madrid, Sevilla, Málaga, Córdoba y provincia. A todos muchas gracias. Fué un placer poder contar con ellos.

Y el resultado se está dejando notar en YOUTUBE con más de 1200 visitas en las primeras 24 horas y a la fecha de hoy más de 2000.

Os animamos a que visitéis nuestro canal en Youtube. ht t p : / / w w w. y o u t u b e . c o m / u s e r / arabigarock?feature=results_main 7 ¿Donde se pueden adquirir vuestros discos?

Pues hay varias formas: En nuestra web www.arabigarock.com En Tiendas Tipo.

En plataformas digitales como SPOTIFY, AMAZON e ITUNES En distintas salas y tiendas en las que hemos ido dejando.

Y por supuesto en cada concierto donde montamos el stand con camisetas, discos y algunas cosas más.

8 ¿Algo que añadir?

Pues tan solo agradeceros la oportunidad que nos brindáis al abrirnos vuestra casa. Es un placer poder contar con vosotros, sois parte muy fundamental de nuestro camino. Agradecer de corazón a todos los que están ahí, dando su aliento para que todo esto no decaiga en ningún momento. A los que de una manera u otra han hecho posible que Arábiga esté donde está y a todos los que siguen contando con nosotros.

Un fuerte abrazo de Arábiga.

Crítaca de Re

El pasado 1 de noviembre salía a la venta Retazos de vida, el segundo trabajo de estudio de la banda cordobesa Arábiga. 12 temas que son puro y duro rock andaluz por los cuatro costados, con todo lo bueno y todo lo malo que ello conlleva. Para los seguidores del estilo este trabajo es un ABC de lo que tiene que ser este tipo particular de rock, canciones con letras íntimas en las que abunda el amor y el desamor, con guitarras y bajos duras y bien encajadas, voces aflamencadas pero no flamencas, unos coros muy bien metidos que apoyan perfectamente la voz principal y un teclado que da la melodía característica de esta música.

Lo malo, si no eres seguidor de esta música no te sentirás demasiado atraído por el disco, aunque después de unas escuchas es bastante difícil que no tararees al menos un par de canciones.

guitarra se luce en un momento de la canción que destaca sobre lo demás. Tras el Cristal es puro Rock con un inicio potente de bajo que te mete poco a poco en el ritmo de una canción clásica que tiene cierto aire al Heavy europeo de los ochenta.

En Una noche de Verano, vuelven a introducir un arreglo que funciono muy bien en su anterior album, el de introducir una guitarra española con un riff nada clásico.

Nos acercamos a otro momento fuerte del disco, el tema Hoy Camino Junto a Ti, que es otro de los que mas me gusta, tanto el estribillo, el ritmo y la melodía la hacen una de las mejores canciones del disco. Ay amor es una canción difícil, la mas experimental del disco, con un inicio que no suena a nada que hayas escuchado antes para transformarse en una gran balada.

etazos de vida

El disco comienza con el primer sencillo, una canción con un inicio contundente y una melodía a teclado que rápidamente se te queda, creo que es un acierto haberla elegido como primer single ya que es con diferencia en mi opinión la canción mas comercial. El disco continúa con la que en mi opinión es la mejor canción del disco Universos Digitales, además de ser la mas diferente e innovadora del disco. Con varios tiempos muy agradecidos para tocar en directo.

Después el disco decae un poco, pero no por que los dos siguientes temas, Hablo de ti y Un Angel caído sean malas canciones, sino porque el inicio es muy potente en lo que ha composición y arreglos se dice.

Rosas Rojas es una semibalada en la que Mario, el

Recordarte y suspirar es una canción que suena a directo, a conciertos a gente saltando y cantando al igual que Pasodoble y humillación. Por ultimo el tema acaba con una canción intima casi acústica llamada Entre Estos Vagones y que cierra un disco redondo en el que estos cuatro experimentados músicos han volcado no solo su ilusión sino también su dinero ya que es autoproducido, presentado en una edición de Lujo y que podrás encontrar a un precio muy competitivo.

Por Tony Camacho.

El cuarto disco de la guapa Taylor Swift (de 22 años, hay que decirlo), lanzado hace ya un mes, ha arrasado en ventas. Es el lanzamiento de una artista femenina que más ventas ha conseguido en su primera semana desde el ‘Oops!... I Did It Again' de Britney Spears en el 2000. La cuestión es ¿qué tiene este disco para tan tremendo éxito?

La verdad es que hoy en día no hace falta hacer algo verdaderamente bueno para triunfar, sólo hay que saber que los dos vídeos más vistos de la historia de Youtube son el Gangnam Style y el Baby de Justin Bieber. Aun así, hay que concederle a Taylor Swift el beneficio de la duda, teniendo en cuenta sus raíces y sus composiciones (porque Taylor Swift compone sus canciones) de bastante mejor calidad que el pop de masas habitual.

‘Red’ es un disco largo, suave y muy melódico.

Tiene sus arrebatos, a veces puede hacerse un poco largo, pero por suerte Swift es heredera (un poco ilegítima) de la estirpe del folk y el country y sabe contar historias cotidianas con las que sentirnos identificados sin aburrirnos. Quizá la apertura a influencias más mainstream no guste a todos (y quizá sea una de las razones de su tremendo éxito), pero tampoco le sienta mal.

Por Martxel

Sin alargarnos más, pasemos a las canciones:

Do retoma el folk, y esta vez se agradece que no haya guitarras distorsionadas que quiten espacio State of Grace es una buena apertura. Con guitarras y protagonismo a la voz y a la historia que cuenta. que suenan a U2 y coros y arreglos que recuerdan a veces a Florence + The Machine, es algo poco Y llegamos al tema estandarte del disco: We Are relacionado con el estilo primigenio de Swift, Never Ever Gettin Back Together, un tema poppero no suena nada mal. Red, la canción que da folk perfectamente hecho. ¿Canciones de estribillo nombre al disco, suena más a pop que a country, híper pegadizo pero de indiscutible calidad? Sí, y esos teclados en el estribillo son geniales, pero gracias. Una aclaración: no es la mejor canción en ese banjo es lo que de verdad hace que la canción ‘Red’, pero se entiende que fuera número uno en merezca la pena. Treacherous va directamente al el Billboard. En ese ranking podría haber cosas folk, con estribillos más cercanos al pop. Un tema mejores, pero esta canción es mejor de lo que honesto, delicado, sencillo y bello, de las mejores suele haber. Stay, Stay, Stay es un tema alegre y del disco. Hay que decir que lo mejor del album optimista, a ritmo de ukelele, Taylor como buena está en el terreno que Taylor ya controla, más que narradora que es, nos cuenta una historia con la en sus nuevas influencias pop. que cualquiera se sentiría identificado.

I Knew You Were Trouble es un tema más electrónico, incluso con toques dubstep (se nota la huella de este estilo en la música actual, desde Pitbull a Muse), pero nunca pierde la elegancia y el estribillo combina extrañamente bien con el resto de la canción. Otro acierto, y van cuatro, de la señorita Swift. All Too Well sigue por la senda de Treacherous, aunque a veces quizás se eche de más tanto guitarreo. 22 es un poco más floja, sin ser mala, y con un estribillo muy pegadizo, se nota que Swift es experta en ello. En Almost I

The Last Time, con la colaboración de Gary Lightbody (cantante y guitarrista de Snow Patrol) desentona un poco con el resto del álbum, especialmente con las dos canciones entre las que está colocada, y parece más propia de los escoceses. Después del sobresalto de The Last Time viene Holy Ground, con un inicio muy country y que va haciéndose más pop sin perder de vista al country, otra canción que no es una obra maestra pero que no desagrada. Sad Beautiful Tragic, de corte más folk, es sentida y sencilla y profundiza en la mejor faceta de este disco. The Lucky One sigue una senda parecida con resultados muy similares, junto con la anterior, de lo mejor del disco.

Everything Has Changed, compuesta con el inglés de moda, Ed Sheeran, es otra canción sencilla que transmite sin utilizar demasiado (como a menudo debería ser). Otro de los mejores momentos del álbum. En Starlight vuelve al pop con reminiscencias acústicas, otro tema pegadizo pero también de lo más prescindible del disco, no aporta nada distinto a lo que ya hicieron I Knew You Were Trouble o We Are Never Ever Gettin Back Together, que además están mejor hechas. Begin Again (título más que apropiado para un cierre) es toda una delicia con sabor Nashville, hemos tenido que esperar casi una hora para encontrar a la Taylor más hillvilly en este final que deja muy buen sabor de boca.

En resumen, ‘Red’ es el disco más maduro, que no mejor, de Taylor Swift. Con momentos buenos, momentos no tan buenos, algún resbalón y alguna que otra joya escondida entre tanto single para radio, este LP es un oasis de buen pop entre tanta mediocridad y tantos fenómenos adolescentes tan exitosos como sin sentido. Por lo tanto, mi recomendación es disfrutar de ello sin prejuicios ni complejos.

Critica: Caminos por recorrer - Barricada Este disco es algo mas que un disco en directo, es un reinicio de la banda Navarra tras la salida del El Drogas, por eso muchos seguidores estaban ansiosos de saber como sonaban ahora. El disco fue grabado en el teatro Ansoain los días 26 y 27 de septiembre, así que no esperéis el sonido de un gran festival, sino algo mas intimo.

El tema que abre el disco es uno de los clásicos indiscutibles de la banda en una versión a medio tiempo y la colaboración del publico a los coros, no se puede evitar corear Pídemelo otra vez al mismo tiempo. Tenemos que esperar hasta el tema 3 para escuchar la tipica fuerza de la banda en directo, en el tema Juegos ocultos.

participaran con sus coros en algunos temas.

Otras colaboraciones que podemos encontrar en el disco son las de Lucas Irisarri del duo Barracus en el tema Por Salir corriendo o Alfonso Zarzosa de Mr Fylyn en Peligroso animal de compañía.

O Aurora Beltran, Iker Piedrafita y el cuarteto Nebari en Eclipse, uno de los mejores momentos del disco con diferencia.

En general Quedan Caminos por recorrer, es justo eso, un punto y a parte en su carrera, 19 canciones grabadas con pasión y ganas que no dejaran insatisfechos a los seguidores habituales de la banda y que pueden acercar sus temas a algunos nuevos dado el formato mas asequible del concierto intimo.

En la esquina del Zorro se incorporan a la grabación Arantxa Ojeta y Marifé Cortes que Por Tony Camacho

Will.i.am y una recuperada Britney Spears nos trae Scream and Shout Rapvivoros nos presenta el que probablemente sea el rap mas bestia en espa単ol "Puta Espe" Sus Satanicas Majestades vuelve, Doom and Gloom de The Rolling Stones

Corría el año 1994 cuando fue publicado ‘Grace’, el álbum debut de un músico californiano afincado en Nueva York, un tal Jeff Buckley, hijo del aclamado músico de los 60 y 70, Tim Buckley. El disco pasó relativamente desapercibido durante los primeros meses, pero los elogios de los críticos y los piropos de músicos como Robert Plant, Jimmy Page o Bob Dylan desplazaron el foco hacia 'Grace'. De repente todo cambió y Jeff pasó a ser un ídolo de masas. Se le puso el sambenito de heredero del recientemente malogrado Kurt Kobain, a pesar de lo mucho que separa a los dos músicos: Kobain representaba a los primeros años 90, Buckley hizo un disco atípico, no respondía a ningún cliché, lo suyo era algo que trascendía cualquier época o estilo.

Jeff B El úl Grace es un disco sutil, contenido y a la vez rabioso y desmedido. La voz y la música de Jeff te tocan muy dentro y después te atraviesan, dejándote convaleciente. 'Grace' es un disco profundamente sentimental y al escucharlo pasas por todos los estados de ánimo y sentimientos que recoge.

La angélica voz de Jeff suena familiar, como si siempre hubiera estado allí. Como cantante está Cuando comencé a escribir este artículo lo técnicamente muy por encima de, por ejemplo, planteé a priori como un recorrido breve sobre Bob Dylan, pero la familiaridad que transmite es los primeros años de la carrera de Jeff Buckley la misma que la del tío Bob. y un análisis canción por canción de su único disco publicado en vida: ‘Grace’. Pero cuando Los temas que tocan las canciones son cotidianos, uno escucha este disco se da cuenta de que no cualquiera se siente identificado con ellos. Porque puede separar cada canción y estudiarlas como si Jeff, aunque parezca de otro mundo, siente lo de una disección se tratase, porque lo que estás mismo que tú y que yo. El amor, la melancolía, cometiendo es una mutilación. Este disco es una la tristeza, la sexualidad… todo son temas que tú unidad tan fuerte, tan indisoluble, que alguien y yo entendemos, sentimos que esas canciones que de verdad aprecia el legado de Jeff, y creedme están escritas para nosotros, para esos momentos que yo lo hago, no puede tratarlo como un mero malos, esas rupturas, esas discusiones, esas producto a analizar. Yo sólo puedo describir las rutinas…. sensaciones que este disco produce.

Este album respira clasicismo, bebe directamente Mi recomendación es reservarse 54 minutos de Bob Dylan, de Tom Waits, de Leonard para uno mismo, hacerse con unos auriculares Cohen… (Mención especial merece la versión de decentes, poner el disco en un discman (si es Hallelujah, tan sexual como espiritual, tal como que todavía tienes uno), tumbarse en tu cama y Cohen la concibió, elevada a la enésima potencia). escucharlo de principio a fin, saboreando cada Pero también hay un aire punk, ritmos reggae e nota, cada acorde, cada susurro... Os aseguro que intensidad soul.

Un inciso antes de que continúes leyendo:

saldréis del pequeño mundo que Jeff creó para sí mismo (y para cada uno de nosotros) agotados, sí, pero satisfechos. 'Grace' es un disco con mucha carga emocional, y escucharlo dedicándote por completo a ello hace que esa carga pase a ti, pero algo capaz de transmitirte toda esa experiencia vital de una forma tan hermosa nunca puede ser malo.

Armado de su voz y de su casi omnipresente Telecaster y acompañado de una banda en estado de gracia, Jeff logra crear una serie de melodías y texturas que parecen totalmente nuevas y que crearon escuela. Thom Yorke y Matthew Bellamy son los más conocidos de una larga lista de músicos que ha intentado imitar al último poeta.

Buckley: ltimo poeta Es fácil preguntarse qué habría pasado si Jeff hubiese seguido vivo, lo difícil es contestarse. Yo opino que es mejor no pensar en ello. Quizá ese fue el destino de Jeffrey, regalarnos un solo disco, un disco grandioso, celestial. Quizá su destino fuera morir a los 30 años, joven, pero más viejo que otros que hicieron más en vida, como Hendrix o Morrison. Quizá sea esa la magia de Grace, la

nos estremecemos de placentera melancolía. ¿Qué pudo pasar después si hubiese seguido vivo?

Ya nunca lo sabremos, el Río Wolf se lo llevó aquel 29 de mayo del 97.

Por Martxel

Abril del 2011.

Mes clave en la reelección de Barack Obama como presidente de Estados Unidos.

En este momento se inicia el proceso de creación de Narwhal, el software que haría que en tiempo real se pudiera acceder y examinar miles de datos y tenerlos disponibles para la toma de decisiones.

Se comenzó dando forma al equipo que ayudaría en algo tan importante como conseguir llegar a más personas para conseguir más dinero para la campaña. Especialistas de todas las grandes compañías de California, como Google, Facebook, Twitter, Quora,etc.. y de Chicago han colaborado para conseguir esa cantidad, así como los principales artífices del éxito del 2008 como Jim Messina y David Axelrod.

Campañas de emails, Dashboard y Call Tool Fueron los tres grandes pilares de Barackobama.com.

Cada email que era enviado a un posible donante, era antes testado en 18 pequeños grupos y se monitorizaban los resultados, consiguiendo ratios de entre el 15% y 20%, recaudando entre 2.500.000 $ y 500.000 $, por supuesto que sólo enviaban las que obtenían más fondos.

La herramienta Dashboard, es en sí una red social, donde aglutinar a nivel local los voluntarios tan importantes para las campañas americanas, como tal podías crear perfiles, ver los grupos de tu zona, colaborar con ellos, subir fotos, etc... ¿Cómo conseguir más voluntarios, más asistentes a los eventos e incluso saber la intención de voto de la forma más barata?.

Creando Call Tool. Usando la Gamificación, haciendo que las personas registradas en la web compitan por hacer más llamadas a otras personas que la misma herramienta te proporciona.

Tiene incluso una hoja de estilo de cómo se debe hablar al interlocutor y una sencilla guía de lo que tenían que preguntar, se podía incluso mandar información de eventos.

Facebook, Twitter, Youtube, Tumblr,....

Las redes so elecciones

Tweet más retuiteado de la historia: Four More Years. 817.177 veces retuiteado y 299.282 favoritos.

Post más popular de Facebook. También con la foto de Four More Years. Casi 4.438.040 Me gusta, 581.417 compartido y 215.346 comentarios.

Se considera el perfil de Tumblr como uno de los mejores.

Ha sido el primer candidato en aparecer en Reddit.

ociales y las s en EEUU

Laura Olin, es otro nombre a tener en cuenta. Esta mujer ha sido la que ha llevado la dirección de todo lo que se publicaba en las redes sociales tradicionales, donde cada imagen o texto era revisado varias veces y no se publicaba en todas.

Se percataron de que con los GIFS animados tenían más impacto y se basaron en ellos en Tumblr.

Estas redes fueron los otros pilares, junto con los datos filtrados y conseguidos por Narwhal. Sin ellas no lo habrían conseguido.

La presencia de Obama en todas ellas y el gran equipo que constantemente estaba realizando fotografías, comentarios y vídeos sobre todo lo que hacían, han conseguido hitos como los siguientes: Facebook, Twitter, Flickr, Instagram, Storify, Youtube, aplicaciones Android e IOS e incluso SMS. Cada una dirigida a un público objetivo, con sus características, enfocando cada acción, vídeo o comentario a conseguir la reelección.

Por ejemplo, en Youtube, encuentras desde vídeos del mismo Obama, a explicaciones de cómo usar las herramientas de su web, en Flickr e Intagram fotografías de eventos o momentos especiales, en Tumblr Gifs animados para llegar a los más jóvenes, etc...

Como habéis podido leer, en ningún momento he escrito nada de Mitt Ronmey. La razón es sencilla, no ha conseguido tener la presencia ni el impacto necesario para ser un opositor en internet. Un vídeo grabado con camara oculta y reproducido miles de veces consiguió el efecto contrario y se le ha ridiculizado en perfiles humorísticos.

Un solo dato, seguidores de Mitt Ronmey en Twitter: 1.729.109, seguidores de Barack Obama: 23.965.947.

Desde que me crucé con la primera red social, entendí que llegaron para quedarse y ser un elemento más en nuestra vida. Cualquiera que quiera tener éxito en el mundo actual debe tener presencia en ellas. Si además quiere conseguir resultados, rodearse de especialistas es imprescindible

POR ISMAEL TORRES

ACTIVACION EXTRATERRESTRE NO PROGRAMADA

La HISTORIA DE VINCENT Y AMBROSIO Era un día normal para Vicent un guerrero Jaffa al servicio del Dios Apophis y Ambrosio, guerrero Wraith al servicio de su reina, cada uno en su galaxia, recibió su misión, sin sospechar que cambiaría su vida para siempre…….

Hacía poco tiempo que tanto Goa´ulds en la Vía Láctea como Wraith en Pegasus habían detectado la presencia de un nuevo planeta en sus radares, y cada uno por sus propios intereses querían hacerse con él, sin conocer la existencia de los otros. Por ello y sin que fuera algo prioritario en sus agendas (lo primero eran esos molestos humanos) mandaron sus naves de reconocimiento con sus mas prescindibles guerreros.

Cuando llegaron al lugar señalado por el radar no encontraron inmediatamente el planeta, por lo visto era un planeta errante, que se movía por el universo aleatoriamente, lo que haría difícil tenerlo localizado hasta que lo “señalaran” con sus instrumentos. Habia algo mas, alguien que quería lo mismo, su nuevo planeta, comenzaron una batalla y lo demás es historia, un muy mal aterrizaje, que acabo con sus naves y con la única posibilidad de volver a sus planetas, el Stargate, nadie les encontraría porque el planeta volvía a moverse, estaban obligados a colaborar si querían sobrevivir, puesto que aparentemente eran los únicos habitantes en este nuevo mundo.

Enterate de todas las novedades de la Asociación Stargate España en nuestra web y visita nuestro foro para conocer a otros Gaters; http://www.gatercon.es/

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http://foro.gatercon.es/index.php

EN ALGUN LUGAR ENTRE PEGASUS Y LA VIA LACTEA

LAS RECETAS POTETO SARADA Bueno, esta vez nos vamos con algo muy típico adaptado a la cocina japonesa. Una simple ensalada de patatas con verduras con una mayonesa un tanto… especial… ¡Pero muy rica!

Ingredientes para 2 personas: - 2 patatas - 1/4 Cebolla - 40 de Macarrones - 1/2 Pepino - 1/3 Manzana - 30g de Jamón York - Media cucharada de Vinagre de arroz/manzana - 60-100g de Mayonesa japonesa - Dos cucharitas de azúcar - Sal - Pimienta negra Opcional: - 1/2 zanahoria - 1 huevo cocido por cada 2 personas - Maiz Preparación: - Pelar las patatas y cortarlas en dados u rodajas, indiferente.

- Poner a cocer el huevo y cuando esté reservarlo.

- Poner a hervir los macarrones durante 10 min aproximadamente y cuando estén escurrirlos, enfriarlos con agua, escurrirlos otra vez y reservarlos.

- Hervir las patatas hasta que estén blandas (recordad echar un poco de sal a la olla) y escurrirlas.

- Aplastarlas en la misma olla (las hemos vuelto a poner una vez escurridas) a fuego lento hasta que desaparezca toda la agüilla que puedan soltar.

- Cortar la cebolla en finas rodajas o cubos, como prefiráis.

- Poner la masa de patatas en un bol/plato hondo y mezclarla con el vinagre y la cebolla.

- Cortar el pepino, el jamón, la manzana, la zanahoria (previamente pelada) y el huevo en tiras o cubos, como queráis.

- Mezclar todo con la masa de patata y añadirle la mayonesa, el azúcar, la sal y la pimienta y servir.

Esta ensalada se puede tomar tanto caliente como fría.

Para la mayonesa: Ingredientes para 250 ml aprox: - 200ml de aceite de girasol - 1 huevo - 1 cucharada de salsa de soja - 2 cucharadas de vinagre de arroz/manzana Opcional: 1 pizca de glutamano monosódico.

Preparación: - El en vaso de la batidora pondremos el huevo y la salsa de soja.

S DE NEKO MAI: A (Ensalada de papatas) - Iremos añadiendo el aceite a medida que vayamos batiendo. (Se puede batir a mano o con la batidora eléctrica).

- Añadir el glutamato y el vinagre y volver a batir.

- Dejar reposar en frío hasta que la usemos.

La La navidad, navidad, la la muerte muerte de de Dios Dios y y la la llegada llegada del del nuevo nuevo mundo mundo ¡Ya ha llegado de nuevo el período del año más bizarro!

La Navidad. Grandes comilonas, luces parpadeantes por doquier, cancioncillas pegadizas y desfasadas, consumismo patológico... y a pesar de todo ¡Cuánto nos gusta!

Aviso con antelación, si eres de esas personas que sienten una devota veneración y aprecio por estas fiestas deja de leer a partir de aquí puesto que lo que tengo que decir es posible que no te guste.

Una vez hecha la advertencia podemos empezar…

Originalmente la Navidad era una festividad 100% religiosa: 24 de Diciembre, Noche Buena, celebración del nacimiento de Jesús y víspera de la Navidad. 25 de Diciembre, Navidad, del latín nativitas que significa “nacimiento”, es el aniversario del nacimiento del dios cristiano reencarnado. 26 de Diciembre, San Esteban, considerado el primer mártir cristiano. 28 de Diciembre, los Santos Inocentes, conmemoración del día en que el rey Herodes decidió masacrar a todos los niños menores de dos años nacidos en Belén (Judea). 6 de Enero, día de los Reyes Magos, que es en realidad el día de Epifanía, el día de la revelación o el día en que oficialmente Jesús se dio a conocer. Cinco citas señaladas intrínsecamente religiosas más la simplemente festiva celebración del Fin del Año.

Todo concentrado en un único mes. Parece la respuesta cristiana al ramadán musulmán ¡si ellos ayunan nosotros nos cebamos! Un gran reclamo para captar devotos: ofrecer festividades que invitan a reunirse, celebrar y comer en grandes cantidades.

Tal y como dijo Karl Marx “la religión es el opio de los pueblos”, no hay nada como que te digan qué debes pensar, qué debes celebrar y a qué debes adorar. Abstenerse de la responsabilidad de la elección, del razonamiento y de la toma de decisiones es para muchos una gran liberación.

Justamente la Fe significa eso mismo, creer en algo ciegamente, sin cuestionarlo, sin dudar y sin rechistar.

Gran idea eso de fundamentar una religión en el pilar de la Fe, sembrar el calendario de fiestas y celebraciones y

solo pedir a cambio devoción y un donativo. Todo un gran negocio siempre y cuando el gran público sea pobre e ignorante…

Friedrich Nietzsche, en sus obras La gaya ciencia y Así habló Zaratustra, anunció la muerte de Dios, proclamó irreverentemente que la cultura occidental había asesinado a Dios, desarraigándose y liberándose de su necesidad de él. Reflejó en un crudo aforismo cómo estaba cambiando la sociedad, cómo se estaba dando el advenimiento de una nueva era para el hombre, una era libre del yugo del misticismo y la religiosidad. En 1882 Nietzsche se veía como un colono en esta nueva tierra, una tierra fértil y vacía con un sinfín de posibilidades.

Sin lugar a dudas en los últimos 130 años la humanidad

ha dado pasos agigantados en lo concerniente a desarrollo científico, social y cultural. Tal y como anunció Nietzsche la “muerte de Dios” dio paso a una era de fertilidad y crecimiento sin igual, pero junto a este excepcional desarrollo algo más creció hasta ocupar el vacío dejado por la religiosidad…

Como si de un tumor maligno se tratara la sociedad occidental extirpó del seno de su ser a Dios, pero del gigantesco hueco dejado supuró y metastatizó un cáncer todavía más virulento: el Capitalismo. El dinero se convirtió en el nuevo dios de occidente, provocando guerras de la misma forma que antaño lo hacía la Fe, subyugando a los dirigentes de todos los países y creando nuevos conflictos y desigualdades entre el pueblo.

La Declaración Universal de los Derechos Humanos ratificada el 10 de Diciembre de 1948 nos aseguró, gracias a su artículo 26, una educación básica a todo el mundo y gracias a ello la ignorancia y el analfabetismo han ido desapareciendo lentamente del planeta y con ellos la Fe. Conforme la cultura del pueblo ha ido en aumento su devoción y dependencia religiosa ha disminuido. La razón y la lógica se imponen gradualmente, pero las costumbres son más difíciles de cambiar.

En una época en la que el “cuánto tienes” equivale a decir “quien eres” es gracioso comprobar cómo la fuerza de la tradición y la costumbre refleja la hipocresía de la idiosincrasia que nos rodea. La tradición religiosa ha perdurado a pesar del escepticismo generalizado frente a la religiosidad por parte de occidente, encontrándonos en situaciones tan risibles como las fastuosas comidas navideñas, Semanas Santas dignas de Sodoma y Gomorra o regalos dignos de reyes para niños que desconocen el significado del día de Reyes.

La llamada sociedad de consumo se ha encandilado con la cegadora luz de neón que representa el Mercado, un monstruo que no para de avasallarnos con una interminable oferta de productos. Parafraseando a Chuck Palaniuk: “tenemos trabajos que odiamos para comprar cosas que no necesitamos”.

El capitalismo ha sabido hacer suyo hasta los resquicios de la religiosidad residual que perduran en occidente. El período navideño se ha convertido a mi parecer en una burla cruel de lo que debería ser. Como agnóstico que soy no debería importarme lo más mínimo que una marca de refrescos haya lobotomizado a todo el mundo para

asociar la imagen de un Santo a su producto estrella y lo haya convertido en parte de la tradición; como pensador escéptico que soy (cínico dirían algunos) no me debería molestar el bombardeo publicitario masivo que nos llena la cabeza de mensajes contradictorios “compra para ser feliz”, “ayuda a los niños somalíes”, “haz feliz a los tuyos con tal o cual producto”… pero realmente es algo que me enerva… ¿Dónde queda el mensaje cristiano de humildad, pobreza y estoicismo en esta orgía de consumo desmedido?

Tengo la terrible sensación de que hemos vendido nuestra alma a un nuevo dios que sí ha sabido ganársela. En su mayor apogeo el dios cristiano supo dar consuelo y esperanzas a cambio de exigir una obediencia ciega y una Fe absoluta, pero en la época en que nos ha tocado vivir el dios Dinero nos ha dado comodidades y falsos anhelos a cambio de nuestra moral. Nos hemos insensibilizado hasta tal punto que somos capaces de celebrar las festividades de una religión en la que realmente ya no creemos, mancillamos estas fechas con luces de colores, regalos y comida, puesto que olvidamos los valores de aquel al que supuestamente estamos “recordando”. Bailamos sobre el cadáver de un buen conjunto de ideales, a los que hemos dado la espalda a cambio de treinta monedas de plata.

En mi humilde opinión nada se puede hacer ya para evitarlo. Es nadar contracorriente el intentar volver a una religiosidad obsoleta con unos valores bondadosos. Parece ser que forma parte de la naturaleza humana el afán de adoración y el querer sustentar gran parte de su existencia en un ente o principio considerado superior (sea divino, moral o material), por lo que en lugar de luchar contra todo ello abracémoslo con devoción. Tenemos la supuesta suerte de vivir en la era de la información, de la diversidad y de la mayor libertad de pensamiento y elección de la historia de la humanidad ¡Aprovechémoslo!

Para empezar propondría deshacernos del ajado cadáver de la cristiandad, es absurdo seguir arrastrando costumbres y principios medievales en esta nueva era y menos aún en los países sin religión oficial alguna. La mejor forma para hacerlo sería eliminar toda la iconografía del calendario y relegar su estudio y conocimiento al ámbito de la curiosidad teológica. Dejemos que la gente elija libremente y sin influencias. No niego la libertad de elegir ser cristiano sino la obligación de celebrar sus festividades, puesto que ¿Quién en su sano juicio le niega la Navidad a su hijo a pesar de ser ateo? ¿Cómo negar la palpable presión social que se impone a toda convicción moral en estas fechas?

Por lo tanto deberíamos reformular gran parte de las

festividades del año. Suprimir todas aquellas de índole religiosa y sustituirlas por nuevas fiestas con motivos en los que la gente realmente crea. De esta forma evitaríamos entre otras cosas la absurda situación de unos padres agnósticos o ateos teniendo que celebrar vívidamente la Navidad por sus hijos, para evitar que los pequeños sufran el estigma social de ser diferentes.

En un primero momento todo lo dicho puede resultar (como poco) chocante, pero por favor, démonos unos instantes para reflexionar seriamente sobre todo ello. ¿Cuánta gente hoy en día siente auténticamente la Fe? ¿Cuántos hay que todavía van a la iglesia con regularidad y viven bajo los preceptos cristianos? No es lo mismo vivir bajo la fachada del buen cristiano que creer sin duda alguna en Jesús, en el milagro de la resurrección y en la vida eterna tras la muerte.

Con todo esto quiero señalar directamente a los “devotos” miembros del Opus Dei, a las adineradas Cofradías que florecen como champiñones en Semana Santa o al sinfín de adinerados políticos chaqueteros que hablan de “valores cristianos” mientras malversan, roban y mienten.

Entonces… si en la actualidad la mayoría de la población occidental no cree realmente ¿Por qué nos dejamos arrastrar borreguilmente por la tradición? La sociedad de consumo nos ha fijado nuevos objetos de adoración: Marcas comerciales, músicos, actores, películas, dibujos animados, videojuegos, colonias etc etc etc… ¡Demos el siguiente paso de la cultura pop! Andy Warhol ya previó todo esto, de ahí su obra, solo nos queda dar un último valiente paso, el que nos aparte de la hipocresía. La gente adora más a su Iphone (Ipod, Ipad…) que a Dios, pues entonces démosle la importancia que se merece: 5 de octubre (muerte de Steve Jobs), día internacional de Apple, por poner un ejemplo.

El fandomeo en general es una fuente inagotable de adoradores devotos: Fans de Star Wars, trekkies, locas por la saga Crepúsculo o incondicionales de la Tierra Media son la clase de gente que estaría encantada de que se reconociese como se merecen sus objetos de adoración.

Por poner un ejemplo: Sustituyamos la Semana Santa por la semana de la Ciencia Ficción, que dará inició el 25 de mayo (estreno mundial de Star Wars) de cada año y durará 7 días en los que, siendo festivos, se animaría a hacer maratones de cine fantástico, de ciencia ficción y palomitero en general. ¡O mejor todavía! Podríamos sustituir la Navidad por la Temporada de la Fantasía, dando inicio el 19 de diciembre (estreno de la Comunidad de Anillo) y durando 9 días (en homenaje al número de integrantes de dicha Comunidad), en estos días festivos se animaría a todo el mundo a la lectura de todo tipo de literatura fantástica, se organizarían festejos de carácter medieval con toda clase de parafernalia mitológica (dragones, elfos, magia etc…), se podrían seguir haciendo grandes banquetes y por supuesto se seguirían haciendo regalos.

Otro más: 19 de agosto, nacimiento de Coco Chanel, día festivo en el que todo el mundo debe salir a la calle a lucir sus mejores galas, a comprar ropa o a regalar algún artículo de lujo.

Un último ejemplo: 5 de abril, nacimiento de Akira Toriyama. Día del Manga y la animación en general. A pesar de que no fue el creador del manga Akira Toriyama lo popularizó internacionalmente gracias a su obra Dragon Ball.

Os animo a que vosotros mismos imaginéis vuestras propias festividades, mientras sean inspiradas en algo o alguien en lo que creáis realmente u os influya con fuerza, ¡todo vale!

Concluiré esta diatriba con una humilde disculpa para aquellos que se hayan podido sentir ofendidos por mi desalmado ataque hacia toda religiosidad y en especial la cristiandad en general. Quedaos tranquilos, puesto que, como bien sabéis, pagaré por tan terribles ofensas… ¡y si no es así dejad de rabiar y disfrutad de las Fiestas! ¡Yo como buen hipócrita lo haré!

POR KYROS ILMASTER