Nosolofreak Julio (agosto)

N潞 11 - Julio 2012

cine, series. m煤sica, anime y todo lo que marc贸 marco a una generaci贸n generacion

ESPECIAL ESPECIAL VERANO VERANO

FRIKITORIAL DIRECCIÓN Daniel Ferrer SUBDIRECCIÓN Toni Camacho MAQUETACIÓN, EDICIÓN & REDACCIÓN Toni Camacho Daniel Ferrer Maria Gracia Galán Molina ENCARGADA DE RELATOS Andrea Peña REDACCIÓN Aída Albiar Andrea Peña Andrey Alonso Alejandro Muñoz Antonio Alcaide Beatriz Pulido(Miki Weasley Croft) Cugar Diecinueve David Blázquez Pérez Emilio Sanchís Iván Allan Ismael Torres Javier Sanchez Roquero Jesús Javier Cagigós Jordi Paulano José Lopez Luis Arcas (Larfénix) Luis Avilés Maica Herena (Neko Mai) María Gracia Galán Mikel Aulet Óscar Rivas Salvador Vargas Sergio Aguilera Toni Camacho COLABORACIONES ESPECIALES Juan Dougnac (El regreso del segador) PLQHQ (Pa lo que hemos quedado) Born to Play Contacto: marketing@nosolofreak.com http://www.facebook.com/Nosolofreak http://twitter.com/#!/Nosolofreak http://www.fusion-freak.com/ Nosolofreak es un producto de Fusion-Freak

Como si de un final de curso se tratará, hoy damos por cerrada la primera temporada (o el año 0 como se dice en este mundillo) de Nosolofreak. Ha sido un año de grandes alegrías, con un grandísimo recibimiento de público (si, me refiero a vosotros) que no esperábamos, de nuevas y maravillosas amistades y sobre todo de darnos la posibilidad de realizar un sueño que rondaba nuestras mentes desde hacía años. También hemos tenido malos momentos, como no, el abandono o exclusión (por causas que no viene a cuento) de miembros del grupo nos han llenado de tristeza, pero siempre hemos intentado mirar al futuro y sacar lo mejor de nosotros con el fin de ofreceros la mejor revista digital amateur que con nuestros medios podemos permitirnos.

No penséis que esto es una despedida, ni mucho menos. Con este número de Julio especial años 80 solo hacemos una entrega que os dure dos meses (julio y agosto) para así nosotros empezar a preparar un nuevo año “freak” en Septiembre. ¿Por qué los 80? Simplemente porque echamos de menos esa década mágica, llenas de películas imposibles, de música arriesgada y del inicio de muchos anhelos de infancia. Por todo ello y mucho más, se nos ha hecho muy apetecible rendirle pleitesía a una década que para los que la vivimos fue uno de los mejores momentos de nuestra vida y para los que no, unos años de magia y originalidad sin fin.

Disfrutad del verano, leed Nosolofreak, visitad Fusion-Freak y escuchad La Guarida del Sith y la gamberra WTF (será que no os damos planes de verano). Nosotros os esperamos en la vuelta del cole con un nuevo año (editorialmente hablando) lleno de muchas sorpresas y sobre todo ilusión.

Gracias a todos. Un abrazo Daniel Ferrer León, director Nosolofreak

INDICE: Relato Indiana Jones y El Juego de la Muerte pag. 6 Series de los 80 pag. 10 Fraggel Rock pag. 32 Caballeros del Zodiaco pag. 36 No viví los 80...pero he visto estas Series pag. 46 80´s La Decada que Cambió la música pag. 52 Glam Rock pag. 58 PLQHQ (La Mandragora) pag. 62 La Década de los 80 en el Cine, Nuestra Vida en Imágenes pag. 66 John McClane pag. 86 I Was an Ochen-Teen pag. 88 Conan, Un Cimerio en los 80 pag.104 Especial Blade Runner pag. 110 Regreso al Futuro pag. 134 Monstruos de cine: Biff pag 142 Remakes de los 80 pag. 144 La Magia de los 80 pag. 148 Relato SW Los Caminos de la Fuerza son Inescrutables pag. 158 Monstruos del cine de los 80 pag. 164 La Década que nunca se fue pag.172 Lakers vs Celtics pag. 174 Aquellos Maravillosos Juegos pag. 180 Ghost´n Goblins pag. 184 Érase una vez: Donkey Kong pag. 188 Yo Crecí en los 80 y Sobreviví pag 190 Lollypop Chainsaw pag 194 Videojuegos Indie: Los mejores pag. 200 Born to Play pag. 206 He-Man y los Masters del Universo pag. 208 Villanos del Cómic Tercera parte pag. 216 50 Sombras y el BDSM pag. 228 Reseña Prohibido Salir con el Cliente pag. 234 Reseña Ecos de Azurëa (libro I y II) + Entrevista Manuel F. Bueno pag. 238 Activación Terrestre No Programada: Previously in Gatercon 1.0 pag.244 Oricalco pag.248

Y EL JUEGO DE LA MUERTE Por Andrea C. Peña

La muerte pasa sobre todos, incluso por aquellos a los que amamos. Es como una plaga de este mundo que nadie puede evitar, ni las mejores defensas están preparadas para ello.

La tumba gris, bajo un cielo encapotado, dejaba un pobre rastro sombrío sobre la tierra marrón recién reposada. Frente a ella un hombre de mediana edad observaba algo dolido el paso de la visitante indeseada que se había llevado a su padre tras una vida larga y llena de aventuras.

Era un hombre alto, con cazadora desgastada de cuero, como si en ella reposasen ahora miles de partículas de polvo de cientos de viajes. Sobre sus ojos grises había un sombrero marrón de viejas etapas ya concluidas y de su cinturón estropeado con más agujeros de los que tenía inicialmente, colgaba un látigo negro.

Indiana Jones a sus más de sesenta años de edad se reclinó sobre la tumba de su padre, acarició las letras en relieve con unos dedos que habían tocado las reliquias más hermosas que la humanidad había creado y pronunció su nombre en voz baja. Se quitó el sombrero con la mano derecha, asintió con la cabeza y lo dejó como un viejo recuerdo sobre la losa, junto al látigo que le había acompañado en tantas ocasiones.

Solo entonces se dio la vuelta.

Le echaba de menos y eso que hacía tan solo unas pocas horas que le había visto dar sus últimos pasos. Todavía le parecía escuchar aquel nombre que él tanto odiaba pero que su padre debía adorar: “Junior, Junior, Junior”. El viento parecía burlarse de él y de su tristeza, frío y húmedo

cargaba consigo la más pesada de las lloviznas. El cielo dejó escapar un trueno entre las nubes, que retumbó rompiendo la paz en el cementerio.

-Ah…-sus ojos se posaron en el único asistente a la ceremonia, amén del párroco-debe ser usted el abogado de mi padre.

-No lo creo-dijo el hombre que vestía con un traje chaqueta negro, corbata y camisa blanca-soy el aval de su testamento.

-Creía que era lo mismo.

El hombre le dio lo único que le quedaba a su padre en vida, lo dejó caer sobre su mano derecha como si le pesase varios kilos en vez de los pocos gramos que debía contener. Jones lo cogió, lo introdujo en su chaqueta y se dio la vuelta para dirigirse hacia la salida del recinto.

La lluvia cayó sobre él limpiando las lágrimas que se vertían diariamente en aquel camposanto.

Todo pasa, todo sucede, todo termina siendo historia, ¿acaso no era lo que él amaba? Nazis, el Santo Cáliz, el arca de la alianza, el templo maldito, la calavera de cristal…. Había visto cosas que nadie creería, cosas que nadie se atrevería indagar, había visto civilizaciones levantarse de su tumba, había visto maravillas que el ojo humano no sabía apreciar….

Y al final todo quedaba allí, en un solo epitafio, en una losa negra y sin que nadie te recordase más que como un viejo chocho que supiese demasiado.

Aquel cuaderno le quemaba, el culpable de todas sus aventuras, las investigaciones de su padre…

Decidido a sobrevivir a la lluvia, se metió en el primer bar que vio, se sentó y pidió una fuerte bebida para su cansada mente y algo de aire para sus pulmones.

Cuando la cuarta copa estuvo sobre la mesa y él era el último de los parroquianos de aquel sucio bar, se atrevió a mirar la bomba de relojería que le había dejado su padre, tan antigua pero con un mecanismo tan perfecto, que no dudaría en que estallaría frente a sus ojos.

oscura del mundo…. Lo abrió… al fin y al cabo el Ser humano tenía muy pocos años de vida comparativamente hablando con el resto del universo.

La letra conocida, los dibujos que la acompañaban, los comentarios a pie de página y ocupando todos los márgenes, le dejaron la boca seca. Para alegría de la camarera pero no tanta para su cartera, pidió la última copa para quitarse el nudo de la garganta que tenía.

Sus dedos llegaron al final y para su disgusto descubrió que no se había equivocado, había un final para aquella historia, la última hoja, el final del libro, una última palabra: “JUNIOR

Rió secamente y vació su última copa. Se levantó y se dirigió hacia la salida con pesar. Al menos la última palabra del cuaderno había estado dedicada para él, las últimas letras aunque sátiras y cargadas de ironía y sarcasmo, eran de su padre Pero todo se tiene que acabar, ¿no? Hasta la para él mismo. Finalmente se arrastró hasta su aventura más insaciable, hasta la sombra más casa, saludó sin efusividad a su familia y se encerró

en su habitación sin deseos de hablar con nadie.

Volvió a abrir el cuaderno, miró su contenido y finalmente se dio cuenta de que aquella palabra parecía formar parte de un mensaje mucho más largo. Encendió una vela y pasó la hoja con cuidado, asegurándose de que no prendiera en el proceso.

“Me alegro de que hayas llegado hasta aquí, Junior. Busca la luz en la oscuridad de los últimos momentos en que fuimos felices.”

Los últimos momentos… Indi levantó los ojos hacia la claraboya que se abría en el techo y que llevaba a la parte superior de la casa, trepó con algo de dificultad, pensando con ironía en lo que había llegado a ser y a lo que había quedado relegado.

La lluvia seguía repiqueteando contra el cristal cuando salió al exterior donde normalmente tendían la ropa.

Una gran tormenta se desataba en la ciudad y los rayos recorrían las nubes, el cielo y caían sobre la tierra, ofreciendo un hermoso espectáculo. Buscó entre las piedras algo que fuera de su padre y por fin lo encontró: una pipa. Una simple pipa. Quitó la boquilla y encontró el segundo mensaje:

anterior visita, pero sí de su viaje conjunto a la India… hasta que sus ojos se posaron en una foto que había encima de una radio estropeada.

Acarició la foto de su padre y su madre, Henry y Ana Jones, le dio la vuelta, la sacó de su marco “He encontrado el sentido a la vida, Junior, lo he y acarició la fecha, junto con la inscripción. Sin encontrado después de tantos años de búsqueda.” darse cuenta tomó una resolución.

Salió de nuevo a la calle, donde la lluvia había dejado caer, pero se arrastraba como gusano por La lluvia comenzó a dibujar en el papel un el suelo buscando una vía de escape…. reguero de dibujos que cobraron forma bajo los avizores ojos del arqueólogo. Sin despedirse, sin Las pirámides de Egipto eran hermosas, una paraguas ni chaqueta que lo cobijaran, corrió de las maravillas del mundo y tan solo eran… bajo la constante lluvia hasta la antigua casa de tumbas. La muerte vivía en ellas, no solo porque su padre. En el interior, el polvo ya se acumulaba guardaban los cuerpos de faraones, si no porque sobre los antiguos muebles, algunos traídos desde también eran las causantes de la muerte de miles sus viajes. Era un como un rastro imborrable del de personas. Indiana Jones observó el cuaderno, luego sus ojos volvieron a la pirámide, luego paso del tiempo y de la muerte. escrutaron otra vez la libreta: Caminó, pesadamente, recordando con pesar los viejos tiempos, cuando no era viejo. Recordó -La encontraron hace una semana, esa puntita que algunos muebles que su padre había comprado o veis es solo la cúspide de la que quizás es una de conseguido de alguna manera en tierras lejanas, las más grandes de Egipto-dijo su acompañante acarició un aparador que no recordaba de su sin volverse-hemos conseguido encontrar la -Y ahora estás muerto, irónico, debo suponer.

entrada… y están intentando hacerla practicable.

Era curioso, todo el mundo siempre había tratado alguna vez en su vida desenterrar una piedra que en principio había parecido pequeña a simple vista pero cuanto más descubrías, más conocías el significado de la palabra Iceberg.

Los gritos se sucedieron, pero él permaneció inmutable, siguió caminando mientras escuchaba las voces pronunciando repetidamente el nombre de la reina que él mismo había dicho. La puerta no se movió, ni siquiera tembló.

Siguió caminando.

-No se atreven a entrar-admitió su guía señalando Llegó a una gran sala, en cuyo centro solo había a los que rodeaban la excavación-siempre son una balanza. Dio varias vueltas en torno a si supersticiones. mismo pero todo estaba vacío, no habían estatuas, ni pinturas, ni jeroglíficos. No había salida Supersticiones, supercherías, eso era lo que todos espectacular para aquello. Subió finalmente en creían hasta que de pronto la realidad les golpeaba uno de los platillos y esperó. No sucedió nada, ni a la cara. A él le había pasado numerosas veces siquiera la balanza se movió. y se había encontrado con serpientes y cosas peores, había estado a punto de morir varias El aventurero que casi había esperando la llegada veces y todas ellas había burlado a Caronte con del dios cocodrilo suspiró un poco más aliviado. maestría, casi con diversión. Ambos se medían Bajó de la báscula y entonces una pared ascendió, día a día y caminaban separados por el destino a lo lejos podía escuchar el sonido de un río… o por la fortuna, pero juntos… sobre todo desde Dio un paso, dio otro…. hacía un año.

Los guías habían rodeado a Jones, que había -Entraré yo primero. quedado tendido en el suelo de piedra nada más su mano diestra había tocado la puerta de la Ya poco importaba, ¿no? Llegados a aquel punto tumba. Sus labios esbozaban una tenue sonrisa y de la vida solo quedaba colgar el sombrero y sus ojos ya los miraban desde el otro lado del Río esperar… o salir, como estaba haciendo en ese de la Vida. momento. Desde hacía mucho tiempo no se sentía tan vivo.

Caminaron por el pasillo, siempre hacia abajo, bajo la luz roja de las antorchas, entre el baile de luces que se desarrollaba en las paredes, tratando de respirar lo irrespirable, el polvo se colaba por todos los orificios e hizo estornudar a más de uno de los investigadores. Llegaron ante una pared donde había una inscripción y una hermosa pintura del faraón que debía dormir en la pirámide. Leyó los jeroglíficos: -Sinhué-susurró Indiana Jones acariciando la palabra-paz y cultura.

La pared se deslizó al pronunciar aquellas pocas palabras. Los ocupantes del pasillo se separaron y se prepararon para lo peor. Pero las trampas no se dejaron ver. Indiana Jones avanzó sin temor y cuando dio el primer paso en el interior, la puerta se cerró tras de él.

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i er

s

por CUGAR 19

Los años 80 crearon un antes y un después, a la hora de vestirse, de peinarse, los hábitos de la juventud de esa época y claro esta los programas televisivos que veíamos nos marcaron, para bien o para mal de aquel entonces salimos la mayor generación de Frikis.

Todos recordamos las mismas series, porque todos veíamos la misma cadena, y no existían otros entretenimientos, por lo que somos la generación de los cómics, las series de TV, y los dibujos animados.

En esta ocasión vamos a hacer un repaso por todas esas series de televisión que tantos buenos momentos nos hicieron pasar y que nos hicieron soñar, imaginar y vivir en un mundo de fantasía.

LUZ DE LUNA La serie gira alrededor de los casos investigados por una agencia de detectives Luna Azul al frente de la cual están Madelyn “Maddie” Hayes (Cybill Shepherd) y David Addison (Bruce Willis). La serie cuenta con una mezcla de misterio, diálogos agudos y una tensión sexual entre sus dos protagonistas.

El hilo argumental comienza con un revés de la suerte para la ex modelo, Hayes, que se encuentra arruinada después de que su contable desfalque todos sus activos líquidos. Se queda con varios negocios fallidos que se mantenían

como tapaderas para la evasión de impuestos, uno de las cuales es la agencia de detectives en la ciudad de Los Ángeles y al frente de la cual se encuentra el despreocupado David Addison.

Addison convence a Hayes para continuar el negocio conjuntamente. La agencia de detectives pasa a llamarse Luna Azul (Blue Moon en el original), por ser ese el más famoso producto (un champú) que anunciaba Hayes en su etapa de modelo.

Ambos estarán asistidos por Allyce Beasley como Agnes Topisto (DiPesto en la versión original), la recepcionista y posteriormente, Curtis Armstrong en el papel de Herbert Viola, el ayudante de los detectives. ¡!Que gran serie!!, Cada Jueves por la noche, pedía desesperadamente que me dejaran acostarme un ratito mas tarde para poder ver Luz De Luna. Como me gustaban las discusiones a grito pelado entre los protagonistas y la sonrisa de picaron de Bruce. Casi casi los casos eran secundarios, porque con la química que tenían en pantalla los protagonistas era suficiente.

La dulce Agnes Topisto con su vocecilla, que tanta gracia nos hacia y cuyo amor era El Señor Viola, ayudante de los detectives. Seguimos su historia, sus casos y sus discusiones, deseando que acabasen juntas ambas parejas, muchos de nosotros, quitándonos horas de sueño para poder disfrutar de esta serie, que aun hoy en día sigue trayéndonos gratos recuerdos.

PRIMOS LEJANOS

Balki Bartokomous (interpretado por Bronson Pinchot): Nació en 1959. Es un cándido pastor de ovejas proveniente de la ficticia isla griega de Mypos. Es el primo lejano de Larry. Debido a que es nuevo en Estados Unidos, y no entiende bien el inglés, siempre sigue al pie de la letra lo que dice Larry, lo cual da lugar a numerosas anécdotas y equívocos que constituyen parte fundamental de los episodios. Colabora con Larry en la tienda “Ritz” y disfruta acabando las aventuras con el Baile de la Alegría. Luego trabaja en el correo del Chicago Chronicle, pasando con el tiempo a ser editor de una tira de dibujos de su querida oveja de peluche, hecha con la lana original de la oveja real, Dimitri y se casa con Mary Anne, con quien tiene un hijo llamado Robespierre, casi el mismo día que su primo Larry.

Larry Appleton (interpretado por Mark LinnBaker): Nació el 24 de mayo de 1954. Es un nervioso y algo neurótico residente de Chicago, quien comparte su apartamento con su primo lejano, Balki Bartokomous. Su sueño es ser fotógrafo, pero se resigna a trabajar en la tienda de descuentos “Ritz”, del señor Twinkacetti y luego como periodista en el diario Chicago Chronicle, donde curiosamente tiene su mesa de trabajo en el sótano al lado de Balki, que reparte el correo. Con el paso de los años ambos ascenderán de puesto, y de planta, a edi-

tores. Ya en la séptima temporada se casa con Jennifer Lyons, con quien se va a vivir a una casa tipo castillo junto con Balki y Mary Anne y posteriormente tendría un hijo llamado Larry Jr, con lo que se da por finalizada la serie.

Que maravillosa era esta serie, cada día Balki nos llenaba con sus diálogos graciosos y con su forma de pronunciar las cosas. Es muy divertido ver, como una persona que vive en un pueblo lejos de la civilización, ve nuestras costumbres, nuestros artilugios y nuestra forma de vida como si fuéramos marcianos.

Casi todo lo ve injusto y no entiende que nos compliquemos la vida con cosas que para el son totalmente carentes de importancia, por lo que esta serie tiene una especie de moraleja.

Cuando llega, para el todo es nuevo y sorprende ver sus caras de sorpresa, eligieron además un actor muy expresivo y de admiración con cada pequeña cosa cotidiana, por otro lado nos muestra sus descabelladas y raras costumbres, como el Baile de la alegría o su Oveja Dimitri que siempre le acompaña y que es graciosa no, lo siguiente.

ALF

El personaje del título es Gordon Shumway, un pequeño extraterrestre apodado A.L.F “Alien Life Form”, del inglés «Forma de vida Extraterrestre»).

Nació el 28 de octubre de 1756, en la región Lower East del planeta Melmac, que a su vez estaba localizado 6 pársecs más allá del supercúmulo Hydra-Centaurus, tenía cielo verde y pasto azul.

El cuerpo de ALF está cubierto de pelaje anaranjado. Tiene un hocico lleno de curvas, lunares faciales, nueve estómagos y le gusta comer gatos. Fue a la escuela preparatoria por 122 años y fue capitán del equipo de Bouillabaisseball (se juega sobre el hielo usando moluscos como pelotas). También estudió Odontología lo cual según dijo no fue tan difícil dado que los melmacianos sólo tienen 4 dientes. Su frase característica era: «No hay problema».

Huyendo de su planeta que estaba a punto de estallar (producto de que todos los habitantes de Melmac enchufaran la secadora de pelo al mismo tiempo -en un capítulo se dice que pasó porque una lluvia cósmica radioactiva alcanzó el planeta-), ALF viaja perdido por el espacio durante un año hasta que sigue la señal de radio proveniente del planeta tierra, estrellándose en la cochera de los Tanner, una familia de clase media de los suburbios que incluye al trabajador social Willie (Max Wright), su esposa Kate (Anne Schedeen), sus hijos Lynn (Andrea Elson) y Brian (Benji Gregory), y Lucky/ Suertudo, el gato de la familia.

Inseguros de qué hacer, los Tanner llevan a su casa a ALF y los esconden de una división militar encargada de la vida extraterrestre, y de sus entrometidos vecinos (los Ochmonek, los Armonía en España), hasta que el pueda reparar su nave espacial. Generalmente se esconde en la cocina. Eventualmente se reveló que al haber sido destruido su planeta, Melmac, ALF no solo no tenía casa, sino que también, en su conocimiento, era el último sobreviviente de su civilización y especie, aparte del superhéroe Malhar Maik.

Después se reveló que un pequeño grupo de los amigos melmacianos de Alf viajaban constantemente por el Universo en busca de un nuevo lugar para vivir. Se convirtió en un miembro permanente de la familia, aunque el impacto cultural, la culpa de sobrevivir, el aburrimiento general, la desesperanza, y la soledad de ALF frecuentemente causaban dificultades a los Tanner.

La serie original duró cuatro temporadas y 102 episodios. Al final de la misma, ALF está por ser rescatado por Skip y Rhonda, supervivientes de su planeta, pero en lugar de eso es capturado por la Fuerza de Tareas Extraterres-

tre. Se suponía que este hecho sería la trama para una quinta temporada, pero tal cosa no ocurrió por la falta de presupuesto del canal.

Por muchos años se pensó que ALF finalmente había sido eliminado por el ejército estadounidense, pero en la película de 1996 Proyecto: ALF se muestra cómo dos agentes (Rick y Melissa) lo ayudan a escapar de un inminente exterminio. Si bien esta película dejó una sensación alegre al hacer que ALF no tuviese un triste final, la cinta fue duramente criticada por algunos fanáticos de la serie debido a la no aparición de los Tanner. Sólo se les hizo una pequeña mención.

El nombre de cada capítulo es también el de una canción referente a la trama del capítulo.

Después de que la serie terminara en Estados Unidos, se convirtió en un éxito tras ser retransmitida en varios países del mundo.

Este Peludo extraterrestre se metió en nuestras vidas, y nos engancho. Era insoportable, mentiroso, torpe, desordenado y no tenía una idea buena. Conseguía sacar de quicio a la familia Tanner y se pasaba el tiempo asaltando la nevera o persiguiendo al gato. No se por que esta familia no lo ahogo, porque yo en su situación lo hubiera hecho.

Pero para que engañarnos, los diálogos entre Alf y Willy eran muy divertidos aunque Willy acababa totalmente desquiciado con este personajillo insoportable. Se vendieron replicas de trapo de este peludo bicho y algunos como yo, lo conservamos con mucho cariño, ya que en el fondo, es una monada, y el de peluche, no habla.

Mcgyver

Angus MacGyver, interpretado por Richard Dean Anderson, es un héroe de alta inteligencia que profesa el pensamiento de resolver todos los conflictos evitando la violencia. Solo lleva su navaja del ejército suizo (de las marcas Victorinox y Wenger indistintamente), por lo demás se niega a llevar armas encima debido a

la muerte accidental de un amigo suyo cuando eran niños (aunque esta es la postura del personaje durante toda la serie, en el episodio piloto se le ve disparar un fusil).

El personaje se define como defensor de la no violencia y del no uso de armas de fuego, además de ser políticamente liberal en otros aspectos. Incluso cuando sus inventos se utilizan en contra de otra persona, siempre lo hace en defensa propia para desarmar o deshabilitar al oponente, nunca para matar.

Siempre se le presuponen en contra de los militares por sus tácticas para resolver los problemas y ve sus trabajos en la Fundación Fénix como una alternativa a la más que convencional y violenta labor de defensa de la ley y el orden.

La fama de MacGyver viene de su habilidad para improvisar cualquier artilugio con elementos simples y de lo más variados: chicles, clips, mecheros, neumáticos, etc., su inseparable navaja suiza multiusos y su Jeep descapotable.

Es un agente secreto cuya arma más peligrosa es su inteligencia. Con tan sólo su mochila repleta de diversos objetos normales y corrientes, siempre es capaz de fabricar toda clase de elementos y escapar de todos los peligros que se topan en su camino, tanto en sus diversas misiones como en su vida cotidiana. Tiene parte de boy scout y otra parte de genio. Nunca usa armas de fuego y nunca mata a nadie.

Todos queríamos tener cerca de McGiver, que con un chicle te sacaba de un apuro. El atractivo protagonista nos instruyo sobre como fabricar, trampas, detonadores, bombas y otras válvulas de escape, utilizando cosas cotidianas que puedes encontrar en casi cualquier parte.

Siempre que se quedaba atrapado pensabas, ¿a ver que se inventa ahora? Y zas, con un plastiquillo y una pinza de la ropa, se fabricaba un helicóptero de combate.

Cada Sábado nos deleitaba con unos cuantos

artilugios caseros, era el algo así como “El cundarios pero con el tiempo tuvieron más ultimo superviviente” de aquella época, so- participación en los episodios y pasaron a breviviendo con lo que la naturaleza y las ser parte del elenco protagonista. circunstancias te brindan.

La serie llegó a su fin en 1995 tras ocho exitosas temporadas por decisión de todo PADRES FORZOSOS el elenco debido a sus intereses por iniciar Estrenada el 22 de septiembre de 1987 nuevos proyectos.

La serie está ambientada en la ciudad de San Francisco (California). El padre viudo Danny Tanner (Bob Saget) quien, después de la muerte de su esposa, pide a su mejor amigo, Joey Gladstone (Dave Coulier) y su cuñado Jesse Katsopolis (John Stamos) para que le ayude a cuidar a sus tres hijas, D.J Tanner (Candace Cameron), Stephanie Tanner (Jodie Sweetin) y Michelle Tanner (las famosas gemelas Mary Kate Olsen y Ashley Olsen).

Inicialmente el personaje de John Stamos sería llamado “tío Adam” pero después cambió al “tío Jesse” por sugerencia del mismo Stamos.

Las gemelas Mary Kate Olsen y Ashley Olsen fueron elegidas para interpretar a Michelle Tanner ya que durante la audición fueron las únicas niñas que no lloraron.

Durante la serie John Stamos y Bob SaMas tarde en la serie, la compañera y co pre- get vivieron tragedias familiares ya que sus sentadora del programa de Danny (y más hermanas de la vida real murieron trágicatarde la esposa de Jesse), Rebecca Donald- mente en accidentes automovilísticos. son Katsopolis, (Lori Loughlin) se une a la Candace Cameron contrajo matrimonio casa. Entonces la familia encuentra un perro y se queda uno de sus cachorros llamándole con el jugador de hockey Valery Bure un año Comet, haciéndole la mascota de la familia. después de la finalización de la serie, ambos Finalmente, los hijos de Jesse y Becky, Nicky se conocieron por medio de su compañero y Alex Katsopolis, se unen adicionalmente a de reparto Dave Coulier quien los presentó personalmente. la familia.

Otros dos personajes notables en la serie son Kimmy Gibbler (Andrea Barber), la vecina alocada de los Tanner y mejor amiga de D.J, y Steve Hale (Scott Weinger), el novio de D.J, personajes que inicialmente fueron se-

Ohhhhh, el tío Jesse, que gran ídolo sexual de todas las niñas y adolescentes, que comprábamos la Súper Pop cada semana para tener el póster de este hombre en nuestras carpetas.

No solo el tío Jesse era el reclamo de la serie, también tenia muchos alicientes, sobre todo las situaciones tan divertidas que se creaban con 2 niñas en edad escolar, un gracioso bebe y 2 solteros intentando ayudar a criar a estos angelitos.

Vimos como crecían poco a poco y la pequeña Michelle empezó a andar y casi sin darnos cuenta ya estaba hablando. Incluso vimos a la insoportable vecina Kimmy Gibbler, como dejo de ser insoportable a medida que se hacia mayor. Capítulos divertidos, entrañables y en algunos incluso con un tono dramático, pero que hacían las delicias de toda la familia. Hace unos meses pusieron la reposición en FDF y la volví a ver, y puedo decir, que me sigue gustando igual que antes, aunque la veo con distintos ojos.

BIOMAN

Huyendo de su planeta natal que está siendo destruido por la guerra, un inmenso robot de nombre “Bio Robot” aterriza en la Tierra junto a su amigo androide Peebolo, durante la era feudal japonesa. A su llegada al archipiélago, elige cinco jóvenes que el gigante de metal inunda de bio-partículas, después de la destrucción de Biostar, con la esperanza de que la humanidad futura saque provecho de su uso.

Quinientos años más tarde, BioRobot y Peebolo se despiertan de un largo letargo, cuando una crisis estalla en la Tierra. En

efecto, un nuevo imperio GEAR, una sociedad compuesta de monstruos mecánicos y otros humanos robotizados gobernados por el malvado Doctor Mad, se ha revelado e intenta conquistar la Tierra.

Bioman y Peebolo parten entonces a la búsqueda de los descendientes de los cinco japoneses ya mencionados irradiados por las bio-partículas, con el fin de mostrarles su poder y ayudarles a combatir el Nuevo Imperio GEAR. Otros personajes entraran en escena más adelante, como el androide caza-recompensas Silver, determinado a erradicar a los Biomen.

Se pongan como se pongan Los PAWER RANGERS fueron una copia, los auténticos y los mas frikis eran los Bioman, si si, los que daban los Sábados por la mañana.

Con sus ridículos monstruos de goma gigantes, que se veía claramente que el hombrecillo que estaba dentro casi no podía moverse con ese traje y sus explosiones tipo cohetes de nochevieja, bueno…peores, en nochevieja hay más glamour. Pero tenían la esencia y se acoplaban para hacer un súper BIOMAN enorme que usando siempre el mismo golpe, destrozaba a cualquier monstruo.

V

Extraterrestres humanoides (de apariencia prácticamente humana) llegan a la Tierra desde el cuarto planeta de la estrella Sirio en una flota de 50 enormes platillos voladores que se posan sobre las principales ciudades del mundo. Parecen ser amigables y buscan la ayuda de los seres humanos para obtener ciertos productos químicos que necesitan en su propio planeta.

A cambio, prometen compartir su avanzada tecnología con éstos. Los gobiernos del mundo aceptan y los extraterrestres ganan una gran influencia en las más altas esferas de poder del mundo. Sin embargo, rápidamente empiezan a pasar cosas raras. Por ejemplo, algunos científicos empiezan a encontrar hostilidad de parte de los medios de comunicación y restricciones legales en sus actividades y movimientos.

Algunos de los más renombrados hombres de ciencia empiezan a orientarse hacia prácticas subversivas y conductas extrañas, como repentinamente volverse zurdos cuando toda su vida fueron diestros. Aquellos que investigan esta situación desaparecen sin dejar rastro.

El periodista Michael Donovan (Singer) se escabulle dentro de una nave nodriza de los Visitantes y descubre que debajo de su disfraz humanoide, los extraterrestres son reptiles de preferencias carnívoras, con gusto marcado por roedores, aves y, en ocasiones, tarántulas.

Cuando Donovan trata de denunciar esta situación, la transmisión es bloqueada y Donovan se convierte en un fugitivo requerido tanto por la policía como por los Visitantes.

Conforme la serie avanza, se revelan las verdaderas intenciones de los Visitantes: robar toda el agua de la Tierra y cosechar a la humanidad como fuente de alimento, dejando sólo unos pocos como esclavos y soldados/”carne de cañón” para las guerras que los visitantes tienen con otras razas extraterrestres.

Los científicos son perseguidos para desacreditarlos, pues son los que probablemente se da-

rían cuenta primero de las intenciones de los Visitantes, aunque también para distraer la atención humana hacia otros asuntos.

Incluso algunas personalidades importantes son sujetas a una especie de lavado de cerebro (llamado “conversión”), la cual hace que tengan obediencia total hacia los Visitantes, aunque la humanidad no perciba los “pequeños” cambios que esto implica en la gente que sufre el proceso (por ejemplo, cambiar de diestro a zurdo).

No obstante, hay muchos humanos (la propia madre de Donovan entre ellos) que colaboran con los Visitantes o que, voluntariamente, ignoran o rechazan la verdad subyacente.

Sin embargo, se forma un movimiento de resistencia, determinado a exponer y oponerse a los Visitantes hasta donde les sea posible. La líder del capítulo de Los Ángeles es la Dra. Juliet (Julie) Parish. También Donovan se une a este grupo. La Resistencia comienza a atacar a los visitantes. Posteriormente surge disidencia entre los mismos Visitantes (este grupo se conocerá como la Quinta Columna, liderada por Martin), quienes se oponen a los planes de los de su propia raza, e intentan ayudar a la Resistencia de cualquier manera posible.

La cancelación de la serie en 1985 tomó a sus productores por sorpresa, pues el último capítulo hecho queda con la trama inconclusa. Se editó la colección de la única temporada en DVD en 2004. Ese mismo año, Johnson anunció planes para una continuación de la edición original. Posteriormente, NBC decidió que en vez de una continuación, se grabaría un remake del V original. La posibilidad de la continuación quedaría abierta, dependiendo del éxito de la reposición.

En 2007 se oficializó el proyecto de publicar una novela, que finalmente saldría a la venta en 2008. The Second Generation se ambientará 20 años después de los sucesos transcurridos en “The Final Battle”, donde los Visitantes siguen permaneciendo en la Tierra y la Resistencia está casi aniquilada, naciendo una nueva esperanza al parecer con un nuevo aliado aliení-

gena que recibió los mensajes de Julie Parrish (escena que se vio en el primer capítulo de la película-miniserie).

Recuerdo como a las 19:00 horas todo el mundo se iba a sus casas para ver V, la calle se quedaba desierta, vivíamos cada capitulo con incertidumbre y nos quedábamos intrigadísimos de saber que sucedería en el próximo.

La Malísima Diana que en su mirada podías ver que era un bicho de los más malos y que quería tener ella todo el poder y el control. Fue en su momento un Icono sexual, igual que lo fue Donovan.

Cada semana comprábamos la tele indiscreta que costaba 25 pesetas, para tener las pegatinas de la serie que plasmábamos en la puerta interna de nuestros armarios, o las calcomanías de los chicles o las ratas de gominota.

Que serie mas fantástica, nos abrió las miras a la ciencia-ficción y a las invasiones alienígenas.

Lo cierto es que he visto la serie de nuevo hace escasos meses, y sigue manteniendo la esencia, con su estupendo argumento y sus novedosas

vestimentas, pero el paso del tiempo le ha hecho mella. Aun así, para muchos de nosotros, seguirá siendo una de las grandes series de los 80.

Salvados por la Campana

El hilo principal de la serie son las aventuras del grupo de 6 amigos. La acción se desarrolla principalmente en el instituto Bayside (aulas, pasillos, despacho del director) y en el Max, la hamburguesería en la que los chicos comen habitualmente y en la que tienen lugar todos aquellos eventos que no sean el baile del instituto.

En los primeros capítulos, las Tramas no tenían apenas trasfondo: travesuras de Zack Morris, problemas provocados por ellas y resolución con lección aprendida, aunque realmente nunca la aprendía.

En estos capítulos cada personaje tenía un papel siempre idéntico respecto a Zack: Screech cargaba con las culpas y el trabajo sucio, Slater era el amigo/enemigo que le estropeaba los planes, Kelly era el objetivo que pretendía lograr, Lisa pasaba por allí y le daba la “información” o cotilleos de los que se había enterado y Jessie intentaba ser la voz de la experiencia.

Más adelante, y viendo que las tramas fáciles no daban para tanto, los capítulos comenzaron a tener unión entre ellos, como aquellos en los que Kelly engaña a Zack con Jeff, quien es su jefe en el Max y posteriormente rompen causando malestar en el grupo de amigos.

También intentaron hacer campaña pública contra las drogas poniendo como ejemplo al mundo del cine que, en un capítulo va a rodar un anuncio al instituto y el equipo de rodaje y el director terminan ofreciendo drogas a los alumnos que salen en el spot. Ellos, por supuesto, se niegan a tomarlas.

Algunos capítulos de la última temporada se basaron en la graduación de los chicos de Bayside y la grabación para recordar grandes momentos de la serie, donde expresaron a las próximas generaciones a valorar a la institución.

Estos fueron emitidos originalmente el 10 de Octubre de 1992 y fueron retransmitidos el 22 de Mayo de 1993 con motivo de la finalización del año escolar, en consecuencia, la serie finalizó el 21 de Noviembre de 1992.

Verano Azul Verano azul es una serie de Televisión Española producida en 1981 y dirigida por Antonio Mercero con música de Carmelo Bernaola. Fue rodada durante 16 meses, entre finales de agosto de 1979 y diciembre de 1980, en la localidad malagueña de Nerja. La emisión original tuvo lugar en la primera cadena de RTVE entre el 11 de octubre de 1981 y el 14 de febrero de 1982. El horario de emisión era desde las 16.05 h en la tarde del domingo. Consta de 19 episodios de aproximadamente una hora de duración cada uno. Fue una serie costosa en tiempo y dinero. Entre el guión, las localizaciones, el rodaje y montaje tardó aproximadamente tres años en estar lista para ser mostrada al público.

Esta serie nos relataba las peripecias de un grupo de 5 jóvenes y 2 niños, y las cosas que les suceden durante el verano en el pueblo en el que veranean, que aunque no lo dicen durante la serie, es Nerja (Málaga). Cada uno de los personajes tiene su ROL en el grupo, y sus personalidades son muy definidas. Estos jóvenes se relacionan mucho con 2 adultos, un marinero y una pintora, que hacen de consejeros en multitud de ocasiones.

Una serie totalmente Soez, pero que veíamos, unos por los protagonistas que eran adolescentes atractivos, tanto los chicos como las chicas, que después llenaban nuestras carpetas con sus fotos de la superpopa. Otros porque no había otra cosa, claro esta antes no había tantos canales, así que te limitabas a ver lo que daban.

Veamos quienes son los personajes principales.

Los personajes eran un poco descerebrados y el personaje principal Zack siempre estaba liándola petarda, por ello tenia una relación muy especial con el director del instituto, ya que pasaba mas tiempo en su despacho que en clase. Todos los protagonistas de la serie han seguido en el mundo de la televisión, Kelly en sensación de vivir, Jessie en Show Girls o Slater como presentador de algún Reality.

Javi (Juan José Artero) es el líder de la pandilla.

Orgulloso e independiente, choca a menudo con su padre y esta loquito por Bea. Que guapo nos parecía, tan rubio, con sus ojos tan azules, y siempre intentando complacer a Bea.

Bea (Pilar Torres), hermana de Tito, es la guapa del grupo, y dos de los chicos de la pandilla Javi y Pancho, se disputan su amor. Los triángulos amorosos ya vendían en los 80. Todas queríamos ser Bea, y tener el pelo largo como ella.

Pancho García (José Luis Fernández) es el repartidor de una tienda de alimentación regentada por sus tíos, con quienes vive. También estaba

ro que vive en La Dorada 1ª, un barco de pesca que esta anclado en la tierra. Todos lloramos su muerte ficticia y cantamos el “no nos moverán”.

Lo curioso era ver al actor en otras películas y sorprenderte, porque pensabas que chanquete había muerto.

Julia (María Garralón) es una pintora solitaria de vacaciones en el pueblo. En uno de los capítulos se revela que su soledad se debe a que dos años antes del verano que retrata la serie perdió a su marido (Carlos) y a su hija (Esther) en un accidente de tráfico. Siempre risueña y con una sonrisa, todos acudían a ella a pedir consejo.

loco por Bea, pero era un poco pesado e incordio.

Mantenía la intriga en el triangulo amoroso, pero todo el mundo prefería a Javi.

Muchas historias vivimos con esta pandilla, el episodio en el que como acto de rebeldía hablaban al revés o solo decían “A lo mejor” fue una revelación para muchos niños, algunos nos pasamos semanas con la frasecita de marras.

Desi (Cristina Torres), inseparable amiga de Bea e hija de padres divorciados, lo que en la época era toda una novedad: es comentario habitual entre los padres de los demás chicos. Ningún chico la hacia demasiado caso, era la menos agraciada de la pandilla, pero su amplia sonrisa y su gesto de arrugar la nariz al reír, hizo que a todos nos cayera bien.

Otro episodio para recordar es en el que un cantante llamado BRUNO, llega al pueblo para rodar un video musical. Las chicas se revolucionan con el joven rubio que canta. Los chicos se ponen celosos de verdad cuando un chico ajeno a la pandilla, mira a Bea con ojos golosos.

Quique (Gerardo Garrido), es el mejor amigo de Javi, situado entre los dos chicos mayores y los dos pequeños, es un personaje que pasaba un poco desapercibido. Era mas tranquilo y pasaba de líos de faldas, pero tenia su aquel.

Piraña (Miguel Ángel Valero) se llama en realidad Manolito, pero le llaman de este modo debido a su voracidad. Es ingenioso y culto, y compañero habitual de Tito. Siempre tenia algo comestible en la mano, en ocasiones tenía las 2 ocupadas y las escenas con su madre eran muy divertidas.

Tito (Miguel Joven),en realidad se llama Francisco y es el más pequeño de la pandilla. El actor que le dio vida, Miguel Joven, tenía sólo 6 años y medio cuando comenzó el rodaje. Compañero de Piraña y hermano de Bea. Le faltaban varios dientes, lo que le daba un toque de pillo con cara graciosa. Siempre estaba con Piraña y hacían un dúo humorístico muy divertido.

Chanquete (Antonio Ferrandis), viejo marine-

Hemos reído con esta serie, pero también hemos llorado. Cuando a chanquete le querían echar del barco en el que vivía, y todos acuden para impedir que le echen, puesto que el barco es su vida. Cuando Julia nos relato, porque no le gustaba el olor a carretera mojada, aquí nos enteramos de qué le había pasado en su vida y la tristeza que llevaba por dentro.

Lo mal que lo paso Desi con los conflictos entre sus padres divorciados, La primera menstruación de Bea, la muerte de chanquete, o la aventura casi trajica que vivieron cuando se adentraron en una cueva a la que acabaron poniendo el nombre de “La gruta de los ojos de Beatriz” Hemos vividos todas sus aventuras, y revivido sus peripecias en cada reposicion, y a dia de hoy la sigo recordando con cariño y sigo rememorando sus episodios , su musica y a sus protagonistas.

El Coche Fantástico Knight Rider (conocido como El Coche Fantástico en España) fue una serie de televisión estadounidense de los años 80. La serie sigue las aventuras de Michael Knight, un detective dado por muerto al que dan una nueva cara y una nueva identidad.

Su misión: luchar contra el crimen con la ayuda de un coche artificialmente inteligente y hablador con propia personalidad. Conducidos por la justicia, se enfrentan a los más peligrosos criminales.

El coche utilizado en la serie era un Pontiac Firebird Trans Am. La serie producida por Glen A. Larson, fue un hito para los adolescentes o más bien pre-adolescentes de la época y lanzó a la fama a Hasselhoff.

Michael y KITT eran destinados a misiones por Devon Miles (Edward Mulhare) el cual aparecía en cada capítulo mandando a Michael y a KITT a una misión. Bonnie Barstow (Patricia McPherson) y April Curtis (Rebecca Holden) fueron las mecánicas de KITT en la serie. Era la primera vez que una mujer se hacía cargo de un coche en una serie. Bonnie estuvo en la primera, tercera y cuarta temporada mientras que en la segunda temporada estuvo ausente porque Patricia McPherson tuvo diferencias con los ejecutivos. Fue reemplazada por Rebecca Holden interpretando a April, la cual no gustó a los seguidores de la serie y los ejecutivos decidieron traer de nuevo a Bonnie.

Reginald Cornellius III, RC para abreviar, fue la

última incorporación regular a la serie. Interpretado por Peter Parros se encargaba de ayudar a Devon y Bonnie en lo que necesitasen y algunas veces ayudaba a Michael con algún caso en especial.

Las tardes de verano a eso de las 15:30, se escuchaba la musiquilla de la intro de “El Coche Fantástico”. Delante del televisor comiendo un mikolapiz (que era lo que molaba entonces) veíamos cada episodio, cuyo protagonista siempre salía victorioso de cada investigación. Además la mayoría de las veces conocía a alguna dama en apuros, vinculada con el caso que investigaba en cada momento y que finalmente se rendía a sus encantos.

Todo el mundo quería ese coche, con esas lucecitas que iban de un lado a otro, y lo mejor de todo, era que el coche apartaba a los moscones el solo. Si se apoyaba en el capo un extraño o un perro levantaba la pata junto a su rueda, Kitt le pegaba un susto y los espantaba rápidamente.

Jugábamos a que teníamos un reloj intercomunicador y a nuestra llamada la bicicleta venia…

Falcon Crest Falcon Crest es el nombre de una serie de televisión estadounidense de los años 80, 9 temporadas. 227 episodios. Obra de la productora Lorimar. Fue uno de los grandes “soap opera” de la televisión de dicho país de la década de los 80. Narraba las vicisitudes de dos familias de viticultores californianos enfrentados (los Channing de la finca de Falcon Crest y los Gioberti) en el inventado Valle de Tuscany, trasunto ficticio del real Valle de Napa, próximo a San Francisco.

El valle de Tuscany en California (recreación televisiva del Valle de Napa), famoso por sus viñedos y por la producción vinícola va a vivir a lo largo de nueve temporadas una de las mayores y más famosas luchas de poder entre familias de la historia de la televisión. La historia comienza tras la muerte de Jason Gioberti, y la llegada de su hijo Chase Gioberti, pronto comenzaran una lucha de poder entre el honrado Chase y su pérfida y maquiavélica tía Ángela. Además del tema principal, existe otras tramas paralelas, como el duelo que el nieto de Ángela, Lance Cumson y el hijo de Chase, Cole Gioberti, mantienen por el amor de la bella Melissa Agretti, heredera de los viñedos de la familia Agretti, codiciados por Ángela.

La historia se complica sobre todo cuando Melissa casada con Lance tiene un hijo de Cole. Durante la segunda temporada además aparecerá Richard Channing un poderoso editor hijo del difunto marido de Ángela y como se descubrirá más tarde de la madre de Chase.

Más tarde Richard Channing se convertirá en un nuevo propietario de viñedos y evolucionará su rol de malvado al de bueno de la serie cuando en la sexta temporada muera Chase. Además luego resultará, por uno de esos giros incomprensibles de este tipo de series ser hijo de la misma Ángela Channing, además contraerá matrimonio con la mujer del que había creído su hermanastro Chase.

Creo recordar que la emisión de esta serie era sobre las 21 horas. Y la expectación crecía se-

mana tras semana para ver las maldades de Ángela Channing, que era la mas mala. Incluso los hombres G la mencionan como mala malísima en una de sus canciones.

Fue una serie larga, aunque no tanto como otras similares, Dinastía o Santa Bárbara.

Asesinatos, tramas malévolas, y mucha mucha envidia, todo por el poder sobre el Valle de Tuscany. Una gran melodía inicial daba paso a la perversa vida de estos productores vinícolas, que aunque no tenia edad para verla, conseguía convencer a mis mayores para que me dejaran un ratito y disfrutar del culebrón.

No olvidemos que esta serie encumbro como hombre sexy a Lorenzo Lamas, que poco después se convirtió en el rey de las camas. Las revistas llenaban sus hojas con entrevistas y fotografías a pecho descubierto del chico guapo y malo de Falcon Crest.

El Equipo A The A-team (El equipo A en España) es una serie de televisión, protagonizada por George Peppard, Dwight Schultz, Dirk Benedict y Mr.T, que fue emitida por primera vez en la NBC (23 de enero de 1983 - 8 de marzo de 1987).

1972. Cuatro de los mejores hombres del ejército estadounidense fueron encarcelados por un delito «que no cometieron»: el coronel John Hannibal Smith (George Peppard), el sargento Bosco A. M.A. Baracus (Mr.T), el capitán H.M. Loco Aullador Murdock (Dwight Schultz) y el teniente Templeton Face o Faceman Peck (Dirk Benedict). Ahora, buscados por la policía y el Gobierno estadounidense, los fugitivos se ven obligados a convertirse en mercenarios para poder sobrevivir económicamente.

El coronel John Hannibal Smith (George Peppard) es el cerebro del equipo. Este veterano de la guerra de Vietnam recibe su apodo en honor del famoso general cartaginés. Además Smith es un destacado estudioso de la guerra y siempre está listo para actuar. Su frase más conocida es «Me encanta que los planes salgan bien».

Con un puro todo el día en la boca, es el líder del

grupo. Es quien traza los planes y quien mantiene al resto del equipo unido y en sintonía. Con una sonrisa que pone los pelos de punta, porque aunque juega en el bando bueno, daría el perfil físico del malo perfecto. Siempre con sus guantes de cuero y su fría mirada azul.

hacía, y llevar varios colgantes de oro.

El capitán H.M. Howling Mad Murdock (Dwight Schultz) es un enfermo mental y experto piloto de aviones de guerra que realizó misiones en Vietnam que suele discutir con su compañero Baracus.

Nunca entendimos por que siempre que tenían que volar, M.A se comía el pastel, bocadillo o liquido, sabiendo que llevaba dentro un somnífero y que le iban a meter en un avión. Siempre persiguiendo a Murdock porque le sacaba de quicio con su locura y además siempre le hacia rabiar. Yo me hubiera pensado 2 veces lo de hacerle enfadar porque la planta que tenia, daba miedo, era el tío duro del grupo.

Como queríamos a Murdock, con sus locuras y sus calcetines de mano parlantes. Se inventaba personajes, se disfrazaba, era todo un genio se la sorpresa. Y en el fondo aunque M.A siempre estaba discutiendo con el, le llenaba de vida con sus locuras.

Fue una serie que entusiasmo sobre todo al género masculino y su furgoneta causaba furor, todo el mundo quería una igual. A pesar de ser una furgoneta muy “Cantosa” nunca les pillaban, y eso que se la veía de lejos, con esa franja roja que la cruzaba.

El teniente Templeton Faceman Peck (Dirk Benedict) es un sex symbol que se encarga de proveer al equipo de material difícil de conseguir mediante el uso de ingeniería social. En España se utilizó el alias Fénix.

Cada capitulo era siempre igual que el siguiente, llegaban a un pueblo, se cruzaban con algún ciudadano de medios limitados, con problemas gordos con los matones del lugar. Le proponían ayudarle, Fénix se trabajaba a la chica mona del pueblo, preparaban la trampa y Boooommmm!!!!

Explosión sin muertos. Los malos a la cárcel ilesos y ellos libres y con el reconocimiento de las gentes a las que habían ayudado.

Era el guaperillas que caía bien a las damas en apuros (casi siempre había alguna mujer de por medio) y siempre acababa llevándolas al huerto.

Le recordamos mas por eso, que por su labor en el equipo.

El sargento Bosco Albert M.A. Baracus (Mr. T) es el musculoso del grupo que se ganó su apodo por su Mala Actitud en Vietnam. A pesar de su fuerza, el sargento tiene mal carácter y miedo a volar, lo que ocasiona problemas al resto del equipo. No se lleva bien con Murdock, del que desconfía siempre e insta normalmente a trasladarse en avión para según que misiones. Solía conducir la GMC Van, asustándose cuando otro lo

Eran los Robin Hood de los 80, nadie los delataba porque ayudaban a los pobres sin pedir nada a cambio. Y justo, cuando se marchaban del lugar, llegaban sus perseguidores, tarde, como siempre.

compañera, Rose Nylund (Betty White), y una divorciada, Dorothy Zbornak (Beatrice Arthur).

Ambas respondieron a un anuncio en el tablón de anuncios de un supermercado local. En el episodio piloto, las mujeres tuvieron una cocinera homosexual llamada Coco, quien era eliminada inmediatamente porque ya no existía suficiente diálogo para las tres mujeres. Las tres pronto se unieron a la madre de Dorothy, Sophia Petrillo (Estelle Getty), después de que su casa de retiro en Shady Pines se quemó.

Las Chicas de Oro he Golden Girls, Las chicas de oro (en España), fue una comedia de situación en la televisión estadounidense, que era creada por Susan Harris y se emitió originalmente por la National Broadcasting Company (NBC) desde 1985 hasta 1992. Protagonizado por Beatrice Arthur, Betty White, Rue McClanahan, y Estelle Getty, el programa cuenta la historia de cuatro señoras que, divorciadas o viudas, comparten un chalet en Miami, Florida.

Producida por Witt/Thomas/Harris Productions, en asociación con Touchstone Television, la serie contó con la producción ejecutiva de Harris y sus colegas Tony Thomas y Paul Junger Witt.

The Golden Girls recibió comentarios positivos por la mayoría de su existencia, y ganó varios premios, incluyendo el Premio Primetime Emmy a la mejor serie de comedia. También ganó tres Premios Globo de Oro a la mejor serie - Comedia o musical. Cada una de las cuarto protagonistas recibieron Premios Emmy a lo largo de la existencia de la serie, y tuvieron múltiples nominaciones. La serie también apareció en listados de los diez programas con las calificaciones mayores por seis de sus siete temporadas.

La serie se centra en cuatro señoras compartiendo un hogar en Miami, Florida. La dueña del hogar es un viuda llamada Blanche Devereaux (Rue McClanahan), quien era acompañada por una viuda

Estas cuatro mujeres representaban el estado perfecto al llegar a una edad avanzada. Independientes, con dinero, amistad y se tienen a ellas mismas. La tan temida vejez, esta serie nos mostró que hay más opciones, que las de los asilos, o la soledad cuando los hijos se van o la pareja fallece. Claro que estaban sanísimas, yo misma firmo para llegar a su edad así de fresca y lozana y tener la marcha que tenían ellas.

Blanche Devereaux (Rue McClanahan) Es la atractiva y coqueta dueña de la casa. Sus flirteos con los hombres y su interés por el sexo le confieren el humor más picante de la serie. Luce con orgullo su origen sureño.

La más exagerada, echada para adelante y con muchas ganas de marcha. La vida sigue y ahí esta ella para demostrarlo, se siente joven, tanto que algunos hombres no pueden seguirla el ritmo.

Dorothy Zbornak (Beatrice Arthur) La única divorciada, hija de Sophia Petrillo, es la “chica” responsable. Da la casualidad que la Sophia tiene un año menos que Dorothy en la vida real.

Es la mas estirada del grupo, es seria y en hace de madre de las demás, las organiza, les da consejos, las controla. Es su Pepito grillo particular, una especie de conciencia. Aunque a veces es tan responsable y seria que aburre. Eso si, es cortante y borde, lo que hace que sus diálogos sean divertidos.

Rose Nylund (Betty White) La ingenua campesina del Municipio de Saint Olaf, en Minnesota. Divaga siempre que cuenta algún suceso, perdiéndose en las historias de juventud, lo que saca de quicio a sus compañeras. Es la más tierna y bonachona de todas.

A veces se puede confundir su ingenuidad con el

hecho de que su cerebro no da para mas, es la mas entrañable, supongo que porque tiene una sonrisa muy dulce y una voz agradable. Siempre la dejan sola mientras habla y es normal, se enrolla como las persianas.

Sophia Petrillo (Estelle Getty) Es el contrapunto de Rose, despierta, lista, no hay quien la engañe. Su origen siciliano la curtió en un mundo de dificultades y peligros. No tiene pelos en la lengua. Sophia Petrillo es la hija de Don Angelo y su mujer Leonor de Sicilia. La madre cínica de Dorothy nació en Sicilia y se mudó a Nueva York después de anular su convenido primer matrimonio con Guido Spirelli.

Siempre va a todas partes con su bolso, no lo suelta jamás, aunque creo que no se mostró nunca lo que llevaba dentro. Es muy cortante con sus comentarios, no le importa si hiere con sus palabras, aunque esto hace que las chicas pongan los pies en la tierra y vean la realidad.

Es el alma de la casa, siempre esta por ahí, y siempre tiene un comentario cortante. En ocasiones puede parecer que odia a su hija, ya que con ella es mucho mas dura.

Corrupción en Miami Miami Vice en España: Corrupción en Miami, una serie de televisión estadounidense producida por Michael Mann para la NBC. La serie se caracterizó por su novedosa integración de música y efectos visuales para narrar la historia. Miami Vice estaba protagonizada por Don Johnson y Philip Michael Thomas, que interpretaban a dos detectives del Departamento de Policía del Condado de MiamiDade, que trabajaban encubiertos en Miami. La serie se emitió durante cinco temporadas en la NBC, desde 1984 hasta 1989. USA Network comenzó a emitir reposiciones al año siguiente, en 1990, y emitió un episodio inédito durante la redifusión de la serie hasta el fin de las mismas, el 25 de enero de 1990.

La idea inicial era para una película sobre una pareja de policías anti-vicio de Miami.5 Finalmente, el guión de Yerkovich resultó en un episodio piloto de dos horas, titulado “Gold Coast”, pero lo renombró después a Miami Vice. Yerkovich viajó al sur de Florida para crear su nuevo estilo de se-

rie policíaca. Miami Vice fue una de las primeras series de televisión en Estados Unidos que fueron emitidas en sonido estéreo.

Dos automóviles llamaron especialmente la atención en Miami Vice: el Ferrari Daytona y el Testarossa. Durante la primera y la segunda temporada y el primer episodio de la tercera, el detective Sonny Crockett conducía un Ferrari Daytona Spyder 365 GTS/4 negro de 1972.

Esta serie gustaba tanto a hombres como a mujeres, a los hombres por los cochazos, las armas, el look de los protagonistas, cómodo y con clase.

Y a la parte femenina, le gustaba porque Sonny Crockett, estaba tremendo con su moreno y su chaqueta blanca.

Cada episodio era una aventura por las calles de Miami, chicas en bikini, coches de lujo y mucha droga y corrupción. Pero ahí estaban ellos para pillar a todos los traficantes del lugar. Todo el mundo que veía la serie quería ir a Miami, sol y calor, fiestas en la playa, mujeres despampanantes…

James “Sonny” Crockett (Don Johnson). Uno de los dos protagonistas principales de la serie. De origen sureño, veterano de la Guerra del Vietnam. Divorciado a inicios de la 1ª temporada de su esposa Caroline, con quien tuvo un hijo, Billy.

En la cuarta temporada se casa con una estrella de rock, Caitlin Davies (Sheena Easton). Sin embargo al final de esa misma temporada ella es asesinada por un enemigo de Crockett. Cuando trabaja infiltrado, se hace llamar Sonny Burnett. Vive en un barco llamado “El Baile de San Vito”, y vive con su mascota, un caimán llamado Elvis, el cual obtuvo cuando estudiaba y jugaba al futbol americano en la Universidad de Florida Ricardo “Rico” Tubbs (Philip Michael Thomas). El otro protagonista. Un policía de Nueva York, que persiguiendo al asesino de su hermano, termina en Miami, donde trabará codo con codo con Crockett.

Cuando trabaja infiltrado se hace llamar Ricardo Cooper.

No tuvo suerte con las mujeres en la serie, ya que la mayoría de sus novias acababan distanciándose de él por su labor de policía, o incluso acababan detenidas por cometer diversos delitos.

Teniente Martin Castillo (Edward James Olmos).

El jefe de la Brigada AntiVicio de Miami. Se une al reparto en el sexto capítulo de la serie, reemplazando al Teniente Lou Rodríguez (Gregory Sierra), que muere asesinado en el cuarto capítulo.

De origen cubano, tiene un carácter frío, distante y estricto, posiblemente herencia de su estancia en el Sudeste de Asia, cuando trabajaba para la DEA. Gina Calabrese (Saundra Santiago). Una agente de la brigada Antivicio. Tuvo una relación con Crockett cuando estaba en pleno proceso de divorcio. Aunque la relación no prosperó, su amistad fue siempre constante. Trabaja infiltrada a menudo disfrazada de prostituta.

SANTA BARBARA No podía faltar, la serie que todos recuerdan por la cantidad de episodios que tuvo. Santa Bárbara, emitida al final de la década de los 80, esta serie tuvo muchísimo éxito y no solo en España, si no también en Turquía, Sudáfrica, Italia…

En mi caso, me enganche a ella una semana en la que victima de un proceso gripal, tuve que permanecer en cas sin ir al cole (una pena). Una vez visto uno de los capítulos, ya era una victima de Santa Bárbara, así que cada día salía del cole e iba corriendo a casa para poder ver un trocito de la serie.

Tuvo 2137 episodios. 10 Temporadas de 213 episodios cada una aproximadamente. Y los episodios

duraban 60 minutos. Si lo comparamos con la actualidad que las temporadas tienen 15-20 mas o menos, nos damos cuenta de que casi era un culebrón.

Los Capwell, Perkins, Andrade y Lockridge son familias poderosas de Santa Bárbara (California) que rivalizan especialmente después de la muerte de Channing Capwell. Cinco años después de dicho fallecimiento, Joe Perkins (acusado por dicho asesinato) es puesto en libertad (condicional) y vuelve a Santa Bárbara para demostrar su inocencia.

Ganadora de 24 premios Emmy y al menos 10 Soap Opera Awards.

Los directivos de la NBC confiaban en el éxito de esta serie que crearon el estudio más grande jamás construido para una serie de televisión, el estudio 11 de Burbank, un área que disponía de más de 1.800 metros cuadrados de estudios y costó cerca de 12 millones de dólares de la época.

Lo que tenia esta serie era un elenco de actores sumamente atractivos, tanto la parte masculina como la femenina. Estos atractivos actores hacían soñar a las mujeres cuyas mañanas las podían dedicar a ver esta serie. En esta serie vimos por primera vez (al menos yo) a Robin Wright, (Kelly Capwell) una chica preciosa, de rubios y largos cabellos a la que no le faltaban pretendientes ni dinero, ya que su familia era una de las mas ricas.

La trama realmente era simple, amores y desamores entre familias ricas, los episodios no tenían gran contenido, generalmente mareaban la perdiz hasta los últimos minutos, en los que utilizaban “cliffhangers”, para dejar al espectador con la intriga y que al día siguiente estaría frente al televisor para ver que sucedía.

Que tiempos los 80, aun me cuesta creer que tuviéramos tiempo de ver todas estas series. Hoy en día llevamos un ritmo mucho más frenético y resulta casi imposible seguirlas todas.

Supongo que la manera en la que recordamos todas estas series, es porque las veíamos con ojos de niño en mi caso o de adolescente. Era todo novedoso, lo esperábamos con ilusión de que llegara el momento de verlas, las historias que nos contaban o los personajes que salían en cada episodio. Ahora, años después, esta ya todo visto, todo inventado, son repeticiones de tramas y argumentos.

Antes todo era nuevo, diferente, los personajes tenían carisma, salían pegatinas en las revistas y pósters en la Súper Pop. Con las bolsas los paquetes de Rufles, reuniendo 5 te regalaban un póster grande. Ahora con las patatas no regalan nada.

No quiero decir que el pasado sea mejor, pero si que hay toda una generación que sonrió frente a sus pantallas, que jugo a ser McGiver, o Mike Do-

novan, luchamos contra los lagartos en el recreo y a nuestras madres contestamos “A lo mejor”. Aunque pasen los años, la década de los 80 vive dentro de muchos Frikis, en sus camisetas, en las convenciones. Los 80 están vivos!!!

Son pequeñas criaturas humanoides, de unos 30 centímetros de alto, que existen en una amplia variedad de colores y poseen colas con un pequeño penacho de pelo en la punta. Viven en un conjunto de cuevas naturales llamado Fraggle, que están llenas de toda clase de criaturas y detalles, y que parecen conectar al menos dos mundos diferentes. Los Fraggles viven una vida muy despreocupada, empleando la mayor parte de su tiempo jugando, explorando y disfrutando en general. Viven a base de rábanos y ‘construcciones de los curris’ .

Cugar19 presenta

La serie se centró en un grupo de Fraggles en particular: Gobo, Musi, Rosi, Dudo y Bombo. Los cinco forman un íntimo grupo de amigos, y cada uno tiene una personalidad específica. Gobo es el líder, práctico y con los pies en la tierra, y se considera un explorador. Musi es muy espiritual y artística, siendo tranquila y contemplativa. Rosi, por el contrario, es exuberante y atlética; es una de las mejores nadadoras entre los Fraggles. Dudo es nervioso y patológicamente indeciso, aunque nada cobarde cuando el momento lo requiere. El rasgo principal de Bombo es la depresión y preocupación, y su pasatiempo favorito es lavar calcetines - Los Fraggles, sin embargo, parece que no usan calzado la mayoría del tiempo.

Mamy, Papi y Son (Goris) Más allá de la otra salida de Fraggle Rock vive una pequeña familia de Goris, humanoides gigantes y peludos que miden unos 7 metros de alto. Los padres de la familia se consideran Emperador y Emperatriz del Universo, con su hijo Junior como príncipe y heredero, pero a simple vista son simples granjeros con un cortijo y una huerta. Los Fraggles son considerados una peste por los Goris, porque les roban los rábanos. También existe en el mundo de los Goris un montón de desperdicios cognoscente y sus dos ayudantes con forma de rata Filo y Mena. Los Fraggles consideran a La Montaña de Basura como poseedora de toda sabiduría y acuden a por su consejo regularmente.

Además de sabia aconseja a los Fraggles.

Curris Dentro de Fraggle Rock vive una segunda especie de pequeñas criaturas humanoides, de color verde y trabajadores como hormigas, los Curris.

a:

De pie alcanzan los 1,5 cm de alto, son como unos antiFraggles, con sus vidas dedicadas al trabajo y la industria. Los Curris pasan gran parte de su tiempo construyendo todo tipo de estructuras inútiles por todo Fraggle Rock, haciendo uso de herramientas de construcción en miniatura y llevando cascos y botas de obrero.

Para asegurarse de tener siempre una gran cantidad de trabajo que hacer, los Curris construyen sus estructuras a partir de una sustancia moldeable similar al caramelo (supuestamente hecha de rábanos) que apasiona a los Fraggles. Esta es esencialmente la única interacción entre Curris y Fraggle; Curris construyendo y Fraggles comiendo las sabrosas construcciones curris.

Así pues ellos forman una extraña forma de simbiosis.

La serie tuvo varios episodios con un curri como protagonista, la jovencita llamada Berbikina, y a medida que se revela más de la cultura curri se descubre que está sorprendentemente evolucionada.

Las criaturas del Mundo Exterior Gobo tiene un tío llamado Matt, también conocido como Matt el viajero. En cada episodio de la serie Matt está de viaje por el Mundo Exterior (como llaman los fraggles a nuestro mundo), para explorarlo, y envía postales a Gobo cada semana.

El acceso de Fraggle Rock al Mundo Exterior es un pequeño agujero en la pared del taller de un peculiar inventor llamado Doc, y Gobo debe adentrarse en el taller de Doc para recoger las postales de la papelera donde Doc las tira. Doc no es consciente de la existencia de los fraggles, pero su perro Sprocket los ha visto varias veces y pone gran empeño en sus intentos de mostrárselos a su dueño.

Los fraggles llaman a los humanos «estúpidas criaturas» basándose en las descripciones de Matt después de que éste los observase y entrase en contacto con ellos. El verdadero nombre de Doc, Jerome Christian, es revelado en el último episodio. En el penúltimo episodio finalmente descubre la existencia de los fraggles y entabla amistad con ellos.

En una ocasión hubo una serie de libros sobre Fraggle Rock, uno de los cuales se titulaba La leyenda del Curri que no hizo. Este libro detalla la historia de un curri que fue en contra de la tradición curri cuando dejó de trabajar y estudiar. De acuerdo con el libro, un curri que no hace nada, de

hecho, se convierte en un Fraggle.

Que estupendo, si dejamos de trabajar y vagueamos nos convertiremos en Fraggles, no es genial???

Todos recordamos a estos seres, algunos quizá por la canción del principio, otros por que las aventuras de estos seres fueron para ellos el sumun de la fantasía, yo también quería ser un Fraggle.

Los episodios eran aventuras nuevas siempre, cuando se adentraban en una de las cuevas dentro de Fraggle Rock o cuando salían a consultar una duda a la montaña Basura, que era una especie de oráculo de la sabiduría, que lo decía todo sin decir nada, pero como lo decía casi siempre cantando, pues resultaba eficaz.

Pero lo que mas me gustaba era cuando Gobo, traspasaba el agujero para ir a por la postal que

enviaba su tío Matt, para ello tenia que esquivar a Sprocket que es un perro muy salao pero muy torpe. Luego volvía y leía a todos sus amigos las noticias que había recibido de su tío y la manera que tenia de ver la vida de los humanos. Es una pena que no hayan dado una reposición, porque la vería seguro y si, también tengo un Fraggel de peluche.

Sergio Aguilera Un domingo, casi a la hora de comer, bueno en mi casa uno se alimentaba cuando se acercaban las 14:00, una serie de un grupo de muchachos que invocaban unas armaduras, armaduras que estaban muy bien enseñadas y se les ajustaba al cuerpo como si fueran las zapatillas de regreso al futuro pero a gran escala. Una serie que mezclaba mitología griega con el manga, una serie con violencia, con sangre, con afán de superación, con amistad y que en TVE, que es donde se emitió en principio, se la quitaron de en medio antes de llegar a empezar la parte interesante del primer arco argumental.

Para muchos de nosotros, la serie nos llamó la atención, y años mas tarde pudimos verla al completo gracias a Telecinco, convirtiéndose en una de esas grandes series de la infancia (o de la juventud para los no tan jóvenes), y mientras la emitían o no la emitían, muchos de nosotros teníamos esas figuras, caras para la época (3000 de las antiguas pesetas), normalmente uno tenia la figura de su signo zodiacal, daba igual que la figura de Piscis fuera un poco extraña, pero maldita sea, todo el mundo esperaba que apareciera en pantalla el caballero de su signo zodiacal, aquí es cuando me compadezco con todo aquel que era del signo Piscis... pero lo mejor es que la serie no terminaba en el santuario, continuaba y aparecían como no, enemigos mas fuertes a los cuales Seiya y sus amigos se tendrían que enfrentar, y a grandes rasgos ya sabéis, lío con Atenea/ Saori, los caballeros de bronce son ahostiados, pero cuando ya no pueden soltar mas sangre, se levantaban y daban la paliza de su vida al

Shiryu de Dragón: Se entrenó en los Cinco Picos de China, bajo la mirada de su maestro Dohko, un señor bajito y amoratado con parentesco a Yoda. Consigue la armadura del Dragón y vacila de tener el puño mas fuerte y el escudo mas poderoso. Esta dispuesto a todo por proteger a los suyos, aunque eso le lleve a autolesionarse mas de una vez. Su ataque mas conocido es el Rozan Shoryuha/Dragón ascendente de Rozan.

caballero de la constelación de turno. Y es que no hace mucho volví a ver la serie, otra vez, volví a disfrutar con ella, otra vez, y aunque la animación no sea una joya, aunque la historia tiene unos protagonistas con matices muy poco elaborados... daba igual, ese mundo de los caballeros del zodiaco, o mejor dicho, ese mundo de Saint Seiya, me sigue pareciendo muy atractivo, y sin duda, una serie que sigue despertando a ese niño que tiene uno en el interior.

Los protagonistas Seiya de Pegaso: El protagonista de la serie, para muchos el enchufado, como curiosidad, Kurumada crea a todos sus personajes siguiendo el concepto de Star System de Osamu Tezuka, por que con un grupo de personaje, solo cambiaba los roles de los mismos en las diferentes obras, por eso Seiya, es casi clónico a Teppei, protagonista de Bt’x. Ahi donde se ve, Seiya solo tiene 13 años, otra de esas cosas destacadas de Saint Seiya, cuyos protagonistas tienen un rango de edad de 13 a 15 años, aunque fisicamente pueda sonar absurdo. Seiya quedó huerfano de madre junto a su hermana Seika, hermana a la cual estará buscando en los pocos ratos libres que se dispone entre una cosa y otra. A seiya se le asignó el santuario de Atenea en Grecia, y realizó su entrenamiento bajo la tutoría de Marin, el caballero de plata del Aguila. Su golpe especial mas conocido es el Pegasus Ryusei Ken/Meteoro de pegaso.

Hyoga de Cisne: De origen ruso, vivía en Siberia junto con su madre, durante un viaje hacia Japón, el barco donde iba, tiene un accidente y esta fallece, lo cual nos lo recordará varias veces a lo largo de la serie. Es entrenado en Siberia, en el manga por parte de Camus de Acuario y en el anime por parte del caballero de Crystal. Sus ataques están relacionados al frío, y el mas conocido seria el Diamon Dust/ Polvo de diamantes.

Shun de Andrómeda: Un personaje un tanto afeminado, oculta un gran secreto, pero no lo diremos aquí. Huérfano de padre y madre, acogido junto con su hermano Ikki. Aun teniendo una apariencia débil, y realmente gran parte de la serie de la pase lloriqueando, en su momento fue considerado como el personaje favorito de la audiencia japonesa. En el sorteo para seleccionar el lugar de entrenamiento, le tocó ir a la isla de la reina de la muerte, pero como si de “los juegos del hambre” hablasemos, su hermano cambia el puesto, por lo que finalmente se entrena con Daidalos, el caballero de Cefeo. Su ataque mas reconocido es el Nebula chain/ Cadena nebular.

Ikki de Fénix: Hermano de Shun, se entrenó en la Isla de la Reina Muerte, allí tuvo como maestro a Guilty, el cual tuvo un dramático final a método de graduación para obtener la armadura del Fenix. Una vez allí se enfrenta contra los caballeros negros, y al derrotarlos, estos se unen a el y planean conseguir la armadura de sagitario lo cual le lleva a enfrentarse a los caballeros de bronce. En definitiva es el típico malo que finalmente no están malo, y que siempre está ahí para salvar a su hermano

Shun. Ademas tiene la facultad propia de los fénix, de resucitar cuando menos se lo espera.

Su ataque fundamental es Phoenix/Hōō Gen Ma Ken /La ilusión diabólica del fénix, que destroza mentalmente al enemigo.

Saori Kido/Athena: Nieta adoptiva del millonario Mitsumada Kido, el cual la adopta tras recibirla de manos de Aioros de Sagitario. El origen de como descubre que es Athena difiere en el manga y el anime. En el manga lo sabe por si sola y en el anime se lo desvela su mayordomo Tatsumi. A partir de ahí toma el papel de la diosa, aunque la mayoría del tiempo, este papel consiste en ser secuestrada, ser herida o cualquier cosa que implique una muerte semi-inminente.

Como curiosidad, tambien tiene 13 años, aunque realmente es algo que no me termino de creer.

Las armaduras El gran protagonista de la serie no es otra cosa que la armadura, o en este caso, las armaduras.

En reposo las peanas forman una figura relacionada con la constelación a la que representa.

Hay que indicar que aunque parezca que solo

existe un tipo de armadura, hay muchas mas de las que pueda comentar, por ello hablamos de las principales.

Cloths: Son las armaduras de los caballeros de Athena, son un total de 88 y por el nivel, calidad y rareza se dividen en tres categorias. Hay 52 armaduras de bronce, la categoria mas baja.

Un total de 24 armaduras de plata, y finalmente las 12 armaduras de oro, las mas importantes y poderosas de todo el ejercito de Athena. Obviamos las Cloth de acero, que fueron tres y creadas puntualmente para el anime.

Ankoku/Black Cloths: Son copias de las armaduras originales pero de color negro, oficialmente no son caballeros de Athenea los que las visten.

Túnicas sagradas: Las armaduras de los dioses guerreros de Asgard, son siete y representan cada una de ellas a una estrella de la Osa Mayor.

Escamas: Es el nombre que poseen las armaduras de los caballeros de Poseidon, las mas importantes son un total de 7, tantos como

generales marinos y son conocidas como escamas doradas.

Surplices: Son las armaduras de los espectros de Hades, cuanta mayor es su categoría, mas compleja y mas cubren el cuerpo, como por ejemplo en los dioses gemelos Thanatos e Hypnos, o en las de los tres grandes Jueces del averno. Cabe decir que hay un total de 108 guerreros sappuris a las ordenes de Hades.

Armaduras divinas: Son las armaduras de bronce renacidas con la sangre de Athena, existen cinco, una por caballero de bronce que llega al Eliseo.

Kamei: Estas serian las armaduras que visten los 12 dioses olímpicos, y hasta ahora se conocen tres, la de Hades, la de Poseidón, y la de Athenea. El eterno rumor de la continuación oficial de la serie, nos invitaría a conocer el resto.

Cloth Stones: Este tipo de armadura es la nueva creada en la serie de Saint Seiya Omega. No dispone de peana como las originales y se enclaustran en una piedra o gema, con la cual se invocan, están relacionadas con un elemento (agua, aire, fuego...) y tienen mas parecido a un traje de neopreno que a una armadura metálica. La evolución de las cloth clásicas a esta se debió a una explosión de un meteorito que modificó las capacidades de estas.

El autor Pero para hablar de Saint Seiya, lo mejor que podemos hacer para empezar, es hablar del mangaka, de Masami Kurumada, este señor nacido en Tokio el 6 de diciembre de 1953, del signo de sagitario, cosa que da que pensar, empezó pronto a trabajar en la Shonen Jump con el manga Sukeban no Arashi, obra desconocida para todos nosotros, aunque ya por 1977, este hombre empezó lo que fue su primer éxito, Ring ni Kakero, una obra que giraba en torno al mundo del boxeo, como años antes también trató el tema el manga de Ashita no Joe... pero no nos entretengamos mas, después de esta

obra, y con varios trabajos mas pequeños, entre medias, nuestro amigo Kurumada tuvo una idea, y es que este hombre mezcló una de sus pasiones, la mitología con una historia relativamente parecida a su anterior obra, que fue cancelada, llamada Otoko Zaka, un grupo de jóvenes que defenderían el mundo de las fuerzas del mal, para ello tendrían las susodichas armaduras. Y si, la idea funcionó, y durante muchos años, desde el 86 al 91, que si bien al día de hoy parecerían pocos años viendo otras obras actuales, eso seria otro debate. Y es que aunque la obra acabó, el mundo de Saint Seiya no terminó ahí, aunque eso si, pasaron años mientras se pensase en retomarla, y mientras tanto, y con varias obras menores entre medias, creo otra de sus grandes obras, Bt’x, 16 tomos que duró la obra, donde un personaje clónico a Seiya, aunque esto ya lo explicaré mas adelante, luchaba contra las fuerzas del mal gracias a unas maquinas de combate basadas en criaturas mitológicas... Y es que la verdad, el pobre Kurumada, cualquiera diría que estaba un poco estancado en sus argumentos, pero

llegó el nuevo siglo, y este hombre, decidió retomar sus grandes obras, por un lado Ring ni Kakero, 25 tomos, guionizada y dibujada por el, y por otro lado, trabajando en los guiones de los Spin off de Saint Seiya, que recuperó, resucitó y trajo de vuelta, pero Kurumada no se quedó con las ganas de retomar el mismo su serie estrella, y desde 2006, volvió con la protosecuela de Saint seiya, Next Dimension... pero de eso, ya hablaremos. Y es que Kurumada, a sus casi sesenta años, está hecho un chaval, lleva adelante todo ese mundo que el ha creado, y ademas de los guiones o la ilustración, ha resuelto algún capricho suyo, como seria el crear las letras de las canciones de los animes en que se basan sus obras, o hacer las ilustraciones que acompañaban a la edición japonesa de las películas de Furia de titanes.

El Manga Fue publicado entre Enero de 1986 hasta Diciembre de 1990, abarcó solamente 28 tomos, que parecen mucho, pero distan de los mas de 60 que pueden tener actualmente series como Naruto u One Piece. En España se público en la primera mitad de la década de los noventa de manos de Planeta de Agostini, intentando este emular el éxito de la serie blanca de Dragon Ball, y aunque no fue un fracaso absoluto, solo se llegó a publicar hasta el final de la Saga de Poseidon, que justamente fue hasta donde llegó el anime, quedando una ultima saga inedita durante años en nuestro país, hasta que a principios de la pasada década, Glenat se hizo con los derechos de la serie, publicándola en formato Tankōbon, formato tomo de 170-240 paginas, acordándose de los fans, y publicándolos en dos tandas al mismo tiempo, del tomo 1 al 18, y del 19 al 28, que seria la parte inedita. Estos tomos en blanco y negro, incluían también esquemas de las armaduras, tanto del personaje como de la peana. Como curiosidad, la saga del Santuario contemplaba los trece primeros volúmenes, la de poseidon del tomo 14 al 18, y la ultima parte era íntegramente la saga de Hades, por lo que en el manga no existía la saga de Asgard, sin embargo había un capítulo donde el protagonista era

el caballero del cisne, Hyoga en el país de los hielos. Para terminar, sobre las ediciones del manga en España, actualmente se está publicando la edición Kanzenban de Saint Seiya por parte de EDT, que se traduce en 22 tomos, obviamente con mas páginas, incluyendo capítulos a todo color y nuevas ilustraciones dibujadas especialmente para esta edición.

La serie de Animación Teniendo en cuenta que el Manga, publicado en la Jump, era todo un éxito, no era de extrañar que una serie de animación empezase a gestarse, y apenas diez meses despues del comienzo del manga, en octubre de 1986 se emitía el primer capitulo de la serie en TV Asahi, con los diseños de personaje de Shingo Araki, con la dirección de Kozo Morishita y Kazuhito Kikuchi, la espectacular banda sonora de manos de Seiji Yokoyama y un primer opening llamado “Pegasus Fantasy”, teníamos el caldo de cultivo de lo que fue un éxito internacional. La serie clásica se componía de 114 capítulos, que se dividían en un prologo y arco principal, y dos arcos posteriores: La saga del Santuario: Capítulos 1 al 73. Abarca desde la aparición de los caballeros de bronce, el torneo galáctico, el enfrentamiento contra el caballero del Fenix, los caballeros de plata y finalmente la batalla en las 12 casas del zodiaco.

A diferencia del manga, se incluían enemigos que no aparecían en este, como los caballeros de los abismos, Dócrates, el caballero de Cristal... en un relleno que no modificaba la obra, ni aportaba ningún cambio relevante, mas allá de los caballeros de Acero, tres personajes que aparecieron por petición de Bandai, para la posterior comercialización de figuras. En lo que respecta a la saga, la parte final de esta, erróneamente se piensa que son una barbaridad de capítulos, cuando realmente empieza en el capítulo 42, y la historia se va alternando entre varios personajes hasta llegar al capítulo 73 que es donde finaliza. Teniendo en cuenta que son 12 casas las que se recorren, aunque no todas ellas estén custodiadas, haciendo una

media, pasan solo dos capítulos y medio por Templo, ¿lo veis? No era para tanto.

La saga de Asgard: Capítulos 74 al 100. Esta saga no aparece en el manga, y no es canónica , aunque posteriormente no afecte en nada a ello. El inicio de la saga muestra como el caballero de Tauro es derrotado por un usuario de una armadura de los dioses guerreros de Asgard, pero en el manga, el enlace de sagas es parecido, siendo un general de poseidón el que derrota a Tauro, sea como sea, el pobre caballero de oro, era un pupas. En cuanto a la historia, trata sobre como Hilda de Polaris, poseida por el anillo de los nibelungos, decide despertar a los siete dioses guerreros de Asgard y dominar la tierra. Tras muchos enfrentamientos que aquí no contare, enlazan la saga a la siguiente, tras la aparición de un general marino de Poseidon, con el posterior sacrificio de uno de los dioses guerreros para enfrentarse a este y presentarnos la siguiente saga.

La saga de Poseidon: Capítulos 101 al 114. La saga mas corta, se enfrentan esta vez a los 7 generales marinos que protegen los siete pilares de los grandes oceanos, pilares que tienen que destruir para que la tierra no se inunde y provoque el caos y la destrucción. El enemigo esta vez es como no, Poseidon, el cual ha poseido a Julian Solo, un pijo de la alta alcurnia, bastante inofensivo cuando el dios del mar no le da por hacer de las suyas. Esto a grandes rasgos, salvo por los detalles que comenté antes, es igual que el manga, salvo porque el manga no terminaba aquí, y existía una cuarta saga. Pero esta no se llevo a cabo por problemas de licencias, apoyos comerciales por parte de Bandai, y otros culebrones... pero eso fue entonces.

En el año 2002, Toei decidió que era un buen momento para trasladar la tercera saga del manga, al anime. Pero en este caso la historia no se emitiria por televisión, sino en formato OVA, para la venta domestica. Por lo que se dividió dicha saga en tres partes : El capitulo de Hades: Santuario. 13 episodios El capitulo de Hades: Inferno. 12 episodios El capitulo de Hades: Elíseos. 6 episodios.

En España, la comercialización de la serie corrio a cargo de Selecta Vision, los cuales nos trajo la serie, remasterizada, con el metraje integro y sin censura, no como la edición que se emitió en Telecinco. Ademas tenia pequeños trozos redoblados por esta causa. En cuanto al formato, Selecta comenzó a comercializarlo en pack de dos discos a una media de 8 capítulos por pack, siendo 14 packs finalmente. Aunque posteriormente lo comercializó por sagas con caratulas de lujo y packs con la serie completa. En cuanto a la saga de Hades, también apareció por parte de Selecta

de la misma manera, incluyendo 3 capítulos por entrega. Siendo en general, y pese al fastidio del fan que compró las primeras ediciones, un buen artículo.

OVAS y películas Todo aquel que conozca Dragon Ball, recordará que aparecieron una infinidad de Ovas en el mercado español, por parte de Mangafilm, pues gracias a ellos, vimos también en su momento las cuatro primeras películas de Saint Seiya, ninguna de ellas se considera canónica y entran mas bien en el concepto Gaiden, historias que no se afectan a la historia principal.

Saint Seiya Gekijōban (1987) /Los Caballeros del Zodiaco: la leyenda de la manzana de oro Saint Seiya: Kamigami no atsuki tatakai (1988)/Los Caballeros del Zodiaco: La batalla de los dioses Saint Seiya: Shinku no Shonen Densetsu (1988)/Los Caballeros del Zodiaco: La leyenda de los santos escarlatas Saint Seiya: Saishü Seisen no Senshi Tachi (1989)/Los Caballeros del Zodiaco: El guerrero de Armagedón Posteriormente, en 2004, apareció Saint Seiya: Tenkai-Hen Josō ~Overture~ , que continuaba la historia tras los hechos acontecidos en la saga de Hades, la calidad de la película, se desestimó continuar lo que iba a ser una trilogía. Actualmente está en proceso una nueva película para este año, siendo animación íntegramente en 3d.

Los Spin Off Saint Seiya Episodio G.- Supervisado por Kurumada, Megumu Okada escribe e ilustra esta obra. Lleva publicándose desde 2002 y sin finalizar, al día de hoy hay recopilados 20 tomos, publicándose mensualmente en la revista Champion Red, y editadas en España de manos de EdT. Argumentalmente cuenta la historia de los caballeros de oro ocho años antes de la historia original. El protagonista es el caballero Aioria de Leo y se trata la invasión al santuario por parte de los titanes que tratan de liberar a Cronos para vengarse de Zeus.

The Lost Canvas.- Supervisado también por Kurumada, pero escrito e ilustrado por Shiori Teshirogi, el manga cuenta una historia alternativa al pasado de la anterior guerra contra Hades. Veinticinco son los tomos en los que se recopila este manga, que está siendo publicado por EdT. El éxito del manga se ha traducido en una serie de animación que se ha comercializado en nuestro país por parte de Selecta Vision.

Next Dimension.- Precuela creada directamente por Kurumada, trata una historia parecida a The Lost Canvas en cuanto a situación histórica, siendo en este caso la obra canónica, se publica de manera irregular en la Shonen Champion, lo que ha dado a lugar a solo 5 tomos en mas de seis años de publicación. Como curiosidad, este manga se publica por parte de Ivrea y la edición es completamente a color.

Omega – Se trata de una secuela con nuevos personajes de la serie original, actualmente se encuentra en emisión y en el momento de escribir estas lineas apenas llevan quince episodios. La serie no canónica, no supervisada por Kurumada, e independiente del una posible continuación de la serie, esto hay que remarcarlo ya que la serie de cambios producidos en este anime, cambia radicalmente ciertos

puntos del universo Saint Seiya, adquiriendo detalles mas propios de una serie como Pokemon o Digimon, con un marcado punto muy juvenil, sin embargo el desarrollo y la historia resulta muy interesante y por ahora al menos, a tener en cuenta a lo largo de los 52 capítulos estimados en esta, en principio, primera temporada. Sobre la emisión de esta serie en España, no hay duda de que aparecerá, pero el tiempo dirá quien serán los encargados de ello.

Gigantomachia – La única novela oficial de Saint Seiya hasta la fecha, escrita por Tatsuya Hamazaki bajo la supervisión de Kurumada, solo un milagro haría que fuese publicada en nuestro país como así pasó en su día con las novelas de Monster o Death Note. La historia se enmarcaría entre la saga de Poseidon y Hades, donde los caballeros de Bronce se enfrentarían a los Gigantes.

No viví los ochenta...

Pero he visto estas series Por: Maica Herena y Mikel Aulet Maica: Bien, en este número especial de los 80 he decidido hablar sobre algunos animes de los 80 (que claramente no los vi en los 80, si no un poquitíiiiito más tarde, a partir del 95 más o menos XD).

Os encontraréis con un poco de datos técnicos (año de salida, creador…), una breve sinopsis y una pequeña valoración personal de cada una.

Chico Terremoto Creado el manga en 1979 por Noboru Rokuda, con un total de 65 capítulos, su primera aparición en las televisiones japonesas fue en 1981 y se emitió en España gracias a Antena 3. ¿Quién no recuerda al terremoto de Chicho?

Aquel niño en el que seguro que Yoshito Usui se inspiró para crear Shin Chan.

La serie de Chicho se puede resumir en una o dos frases: niño tocapelotas que si no está “levantándose la moral” viendo braguitas de chicas está jugando al baloncesto y tirando triples.

Cuantas horas me pasé viendo las travesuras de aquel bicharraco, jugando al baloncesto, levantándoles las faldas a las chicas, cabreando a todo el mundo… Nunca olvidaré su famoso “¡TRES PUNTOS, COLEGA!” y su obsesión con las bragas blancas, sobretodo de su Rosita, que era la más pura de todas por siempre llevarlas de ese color.

Sin duda, si alguna cadena actual de animara a reponerla, tendría el mismo éxito que anteriormente. No sólo los adultos la verían para recordar viejos tiempos, sino que los pequeños disfrutarían con ella como si fuera un juguete acabado de comprar. Tan absurda y cómica que es esta serie no puedes evitar descojonarte a cada segundo, ya sea por las caras estrafalarias que va poniendo Chicho, por sus poses corporales tan… bueno, que parece que en cualquier momento se le vaya a salir un brazo o una pierna… o por el humor tan escatológico, irreal, hilarante y sin sentido que se usa el 100% del tiempo, imposible no reírse con ella.

Más tarde descubrí que el guion había sido cambiado tantas veces en España que la serie que nos llegó aquí era totalmente distinta a la japonesa (y si os veis la japo subtitulada, entenderéis el porqué), aunque bueno, si nos ponemos a comparar bien todos los animes que han llegado a España nos encontraremos que el 90% han Sin duda, una de las mejores series que puedes sufrido esa tonta degradación “para adaptarse a poner a cualquier niño que tenga un poco de bajón (la de veces que me “levantó la moral” los tiempos”.

Chicho XD).

D’Artacan y los mosqueperros

por vencido, para que luchases contra en malvado cardenal, para que insistieses con Julieta (que (también llamados mosqueteros, aunque suene parece que funcionó, porqué en 1991 os dedicaron más sosaina) una serie en donde salíais los dos viviendo en París con vuestros hijos)…

Para quien no lo sepa (de hecho yo me enteré hace poco) está serie está hecha gracias a la cooperación ¿Quién no ha jugado alguna vez a que era uno España-Japón (difícil de creer eh, sobretodo en de estos mosqueperros y tenía que salvar al esos tiempos). mundo mundialoso? Uno se podía pasar horas jugando a imitar esta serie y sólo se necesitaba Claudio Biern Boyd fue el que la creó en 1981 algo que hiciera de espada, un escudo y una capa y consta de un total de 26 capítulos. Un dato (obtenibles fácilmente con un palo, un trozo de curioso es que fue emitida al mismo tiempo en cartón y una sábana/toalla).

Japón y en España, a donde llegó a manos TVE1 y posteriormente se pudo ver de nuevo gracias a Cumpliendo sus misiones se fomentaba la amistad, TVE2. el compañerismo, el trabajo en equipo (valores fundamentales que este anime transmitía) y te En su producción intervinieron tanto dibujantes españoles como japoneses y fue producida por distintas empresas de ambos países: BRB Internacional S.A, Televisión Española S.A, Nippon Animation y Mainichi Broadcasting System (Afiliada a TBS en Osaka).

La historia nos cuenta la vida de D’Artacan, que desde pequeño a soñado con convertirse en mosqueperro, y las luchas que emprende contra los malvados planes del Cardenal Richelieu tras de conocer a los tres mosqueperros Amis, Pontos y Dogos. También nos muestra una segunda historia más sentimental en donde veremos al pobre D’Artacan enamorado de la joven Julieta.

Ay, D’Artacan, D’Artacan… la de veces que te habremos animado todos para que no te dieses

podías divertir más que cuando te imaginas que el suelo es lava, aunque supongo que las madres lo pasaron bastante mal limpiando nuestras ropas cuando llegábamos a casa… pero todo tenía explicación… ¡el Cardenal nos había encerrado en prisión y teníamos que escapar excavando túneles subterráneos!

Una serie con unos valores innatos y adquiridos que pocas series de hoy en día puede n presumir de llevar de una manera tan buena y correcta.

hechicero monstruo y que sueña con ser un valiente héroe, aunque le cuesta mucho aprender la magia que su abuelo quiere enseñarle. Un día llega a la isla a donde viven la princesa Leona y el mítico héroe Tutor Aban, quien se encargará de entrenar en las artes heroicas a Fly. Todo queda torcido cuando Tutor Aban muere a manos del malvado Hatler tras una intensa batalla. En la misma escena Hatler es gravemente herido por Fly, quién a causa de la rabia y el dolor se transforma en un “caballero dragón” y quiere vengar a su maestro.

Hatler escapa con la promesa de matarlos a todos, por lo que Fly y sus amigos Pop, Leona y más tarde Maam, deciden emprender un viaje para detener al ejercito maligno y vengar a Aban.

La rabia que nos dio a muchos al saber que por cuestiones presupuestarias el anime se iba a quedar a mitad fue tremenda. Recuerdo la de insultos y maldiciones que les eche a los del K3/3xl (los que trajeron esta serie a Cataluña) creyendo que la habían quitado a posta para dejarnos con las ganas de saber si Fly y los demás lograban salvar al mundo… ¡Y luego resulta que es que no se había acabado el anime! Que decepción, que despropósito, con lo buena que era y lo que me encantaba…

Esta serie es un cúmulo de sentimientos: la voluntad y la perseverancia que muestran todos, la fortaleza y entereza en los momentos difíciles, el dolor y sufrimiento que trasmite en muchas escenas (muchos acabamos llorando cuando Aba muere), la alegría de otras, el toque de comicidad Dragon Quest, las aventuras de Fly que aporta a la serie las constantes peleillas entre Pop y Maan… Tantas cosas a la vez, que en más de (Dai no daibouken) un capitulo tuve que apagar la tele de la tensión y los nervios que me entraban (aunque claro, la tele Puede que muchos digáis que esta serie no debería no duraba ni un segundo apagada, que si no me estar aquí porqué se emitió en televisión el año perdía lo que sucedía).

1991, pero no es así, ya que el manga se creó en 1989 (así que entra, por los pelos pero entra).

El manga fue creado (más bien, adaptado del videojuego) por Riku Sanjo (historia) Kôji Inada (arte) y contiene un total de 37 tomos.

El anime fue producido más tarde por Toei Animation y se expandió a 46 capítulos.

Fly es un huérfano criado por el abuelo Blass un

Urusei Yatsura (esos desagradables extraterrestres) bikini y claro, la joven prefiere taparse el pecho a taparse los cuernos. Con la alegría de haber Venga va, tenéis que decirlo: ¿QUÉ? ¿Cuál es esta vencido, Ataru comienza a gritar que se va a casar serie? con su novia Shinobu, pero Lamu lo malinterpreta y piensa que se quiere casar con ella.

Y esto es lo que pasa cuando en las traducciones se ponen los títulos que no tocan. Algunos, por el Resumen: Lamu acaba enamorada de Ataru y contexto del título español, podéis imaginar que viviendo en su casa, transformando la vida del serie puede ser, otros (como yo cuando me enteré chico en algo de lo más extravagante en donde del verdadero nombre) os quedaréis con cara de se verán involucrados extraterrestres, gente muy póker. rara, criaturas del folclore japonés, clubs de fans de Lamu... y muchas cosas irreales más. Por no “Urusei Tatsura” es nada más y nada menos que el contar las veces que Ataru recibirá la furia eléctrica anime que hizo sangrar a muchos por la nariz… de Lamu cuando empiece a perseguir a sus amigas ¡Lamu! (O Lum). Ahora mejor, ¿verdad? Va, id a alienígenas o a la sacerdotisa… (Hombres… XD) beber un poco de agua para que se os pase el susto Como dato… ¿curioso?... y que muestra como XD era el pensamiento cuando la serie llego a España, Lamu estuvo a punto de ser retirada por el El manga fue creado en 1978 por Rumiko exhibicionismo de Lamu. Muchas amas de casa Takahashi y adaptado al anime en 1981 por Pierrot y mujeres adolescentes se quejaban de que Lamu y Studio DEEN. Más tarde, en 1987, salieron al era mostrada como un simple instrumento sexual mercado 5 ovas creadas por los estudios Magic para el hombre (pero vamos, te paras a ver la serie Bus y Madhouse. También dispone hasta ahora y aquí el que menos recibe sexualmente hablando de 6 películas en el mercado. es el pobre Ataru, aunque si nos ponemos a mirar lo que recibe en palizas…. XD).

Urusei Tatsura nos cuenta la historia de unos extraterrestres que deciden hacer competir a los Hay que decir que en el manga, el comportamiento humanos (y si pierden, convertirlos en esclavos). lascivo de Ataru va disminuyendo conforme pasa El elegido para ello es un adolescente mujeriego el tiempo. En el anime, por el contrario, cada vez llamado Ataru Moroboshi, quien para vencer se sobresalta más. Por otra parte, en el manga tendrá que tocarle los cuernos a la hija del Rey Lamu es mucho más agresiva y protectora con su Oni, una muchacha peliazul llamada Lamu. No “marido” que en el manga. tendrá la cosa fácil, ya que la joven sabe volar, pero se las ingenia para quitarle la parte de arriba del La de veces que me imaginé de pequeña siendo

Lamu, con mi ejército de peluches convertidos cada uno en un personaje distinto del anime podía pasarme horas y horas jugando (hasta que mi madre me decía que si no paraba que llevaba al psicólogo, que eso de hablar con peluches no podía ser bueno XD) Sin duda esta es la obra maestra de Rumiko, la que la sentó en el podio de los grandes autores mangakas y la que sentó precedente para historias más tardías como Ranma, Maison Ikokku o Inuyasha en la relación de amor-odio que tienen sus protagonistas o en la forma absurda, sutil y evidente en que se muestran los sentimientos encontrados de los mismos.

Y si, muchos diréis: ¡Te has dejado series míticas como Arale (Dr.Slump), Dragon Ball, Saint Seiya o Captain Tsubada (Oliver y Benji)… Pero es Mikel Aulet: que si me pongo a decir todas puedo escribir un libro y he preferido hablar de algunas… menos Dr. Slump conocidas por así decirlo. “¡Un-cha! ¡Soy Arale!” ha sido una de las frases más oídas de nuestra infancia. Al menos, para la mayoría de nosotros marcó un antes y un después en el mundo del frikismo. Y es que este manga de la década de los 80, ha sido la obra que ha lanzado a uno de los autores favoritos de la animación nipona: Akira Toriyama.

Publicado por primera vez en Shônen Jump, batió records de público. Tal fue su éxito que hasta ahora, ostenta el record de la adaptación al anime más rápida. En tan solo un año consiguió lanzarse el primer episodio de esta fantástica serie. Con un total de 18 tomos, 240 capítulos de anime, fue lanzada una segunda temporada, esta vez escrita por Takao Koyama y dibujado por Katsuyoshi Nakatsuru. Pero, ¿que nos contaba esta serie?

Dr.Slump (o Dr. Suranpu, en su nombre original) nos narra la historia de la Familia Norimaki. El Dr. Norimaki es un científico e inventor que se considera un genio. Su pasión por las mujeres y hacer el vago, le llevan a construir artefactos que le ayuden con su vida diaria. Arale, su “mayor” creación, es un robot con personalidad que va al colegio y “tiene una vida normal”. El resto de la villa, la Villa del Pingüino, no sabe de la naturaleza

de Arale, así que hace creer que son hermanos.

El Doctor, enamorado de la profesora del colegio Midori Yamabuki, las pasará canutas para resistir las peripecias de nuestra amiga cibernética, que posee superfuerza y grades dotes matemáticas, pero es muy inocente e impulsiva.

Durante la serie, podremos ver muchos personajes más como puede ser Gatchan, un bebé volador que come metal, u otras familias como la Soramame (la familia del peluquero) o la familia Tsun, que tienen superpoderes. Además, como no de personajes recurrentes como nuestra adorable caca, a la que Arale le gusta pinchar con un palo.

Todo ello, aderezado de algún personaje popular como Son Goku o el dragón Shenron.

Una serie que nos encandilará por ser graciosa, aleatoria y con muchas sorpresas. Pero si aún no estáis satisfechos de esto, no os preucupeis.

Porque existen nada menos que 11 películas y unos cuantos OVAS, así que tenemos serie para rato. Además, podemos encontrarla en su versión original, en catalán, castellano, vasco, gallego y español latino, para el gusto del consumidor.

La década que cambió la musica Por Tony Camacho.

La música pop actual, tal como la conocemos hoy en día, no se entendería sin el periodo de tiempo del que vamos a hablar, unos años en los que se inventaron nuevos ritmos en todo el mundo, nuevas estéticas que eran igual de importantes que la propia música, un tiempo que cambio el concepto de música en todo el mundo y particularmente en España.

Hoy haremos un recorrido a los sonidos que pusieron la banda sonora de nuestra infancia, en este numero temático de No solo Freak no podía faltar un recorrido por la música de los 80.

¿CUANDO EMPEZARON LOS 80?

Una pregunta que parece muy fácil de responder pero que musicalmente hablando quizás no sea tan obvio, depende del país, del estilo del estado de animo etc… por ejemplo en Inglaterra los ochenta comenzaron en Manchester en junio de 1976 en la primera actuación de los Sex Pistols en aquella ciudad, un concierto memorable y eso que allí solo había 42 personas, pero entre ellos estaban Tony Wilson y el grupo germen del que saldría Joy Division y New Order, ahí se conocieron algunas de las personas que acabaron con el Glam y revolucionaron el Punk creando el PostPunk. En Estados Unidos para mi comenzaron el 1 de agosto de 1981 cuando a la una de la tarde comenzaban las emisiones de la cadena televisiva Mtv, el primer video que se pudo ver era toda una declaración de intenciones, un tema de The Buggles llamado “Video kill the radio star”. Y por fin en España, hay diferentes opiniones de cuando comenzó musicalmente los 80, hay gente que dice que comenzaron en 1975 en la plaza de toros de Burgos donde se realizo el primer festival de rock de la historia del pais, otros dicen que comenzo el 9 de febrero del 1980 con el concierto homenaje a Canito, promovido por un grupo de gente que mas tarde formarían Los secretos. Pero para mi, personalmente los 80 nacieron a finales de 1977 cuando unos chavales se unieron para fomar una banda llamada Kaka de Luxe, algunos de esos chicos eran Olvido Gara (Alaska), Nacho Canut, Carlos Berlanga y Enrique Sierra entre otros, este grupo punk en actitud fue el germen de Alaska y los pegamoides, Radio Futura, La mode etc…

CARACTERISTICAS MUSICALES DE LOS 80 Hay un error muy generalizado que tiene mucha gente que es el definir la música de los 80 como un género musical en si, ya que dentro de esta década la creatividad fue tan grande que prácticamente todos los estilos sonoros evolucionaron y dieron grandes momentos pero si podemos dar algunos puntos en común que se ven en casi todos los autores.

caracterizado los 70, en esta liberación como algunos lo llamaron, a favor de la creatividad mas que de la melodía, tuvo mucho que ver el Punk, movimiento musical que sirvió de nexo entre ambas décadas. Tenéis que tener en cuenta cuando hablo de punk que no me refiero al estilo musical sino a una actitud que defendía desde el principio este movimiento musical, el “hazlo tu mismo” cualquiera podía coger una guitarra y aporrearla si tenia algo que decir. El grupo por excelencia que marco todo este momento fue The Ramones.

Otra característica que marco todo la década y que se ha mantenido hasta hoy, es la inclusión definitiva de instrumentos electrónicos, samplers y sintetizadores.

Esta nueva tecnología comenzó a ser asequible, era fácil de aprender y te daba multitud de posibilidades, se podían oír bases y efectos digitales tanto en un

Otra característica que marco todo la década y que se ha mantenido hasta hoy, es la inclusión definitiva de instrumentos electrónicos, samplers y sintetizadores. Esta nueva tecnología comenzó a ser asequible, era fácil de aprender y te daba multitud de posibilidades, se podían oír bases y efectos digitales tanto en un tema de rock como en la canción pop mas melódica pero en si mismo, la electrónica creo un nuevo genero musical que en la actualidad ha derivado en multitud de estilos, nos referimos al Techno, cuyos máximos exponentes en la época fueron los alemanes Kraftwerk.

Musicalmente hablando los ochenta fueron una Pero si hay que hablar de algo que defina la música época que huyó del virtuosismo musical que había de los 80, eso es sin duda alguna su capacidad

visual. Era una música que entraba por los ojos, los artistas lucían vestidos llamativos, el maquillaje era algo fundamental tanto en ellas como en ellos y sobre todo, era una música que nos entro no por la radio, sino por la televisión y el cine. Desde Cindy Lauper cantando la canción de Los Goonies, como los hilarantes videos de Thomas Dolby y en España programas musicales como La Edad de oro presentado por Paloma Chamorro y en el que todo el mundo fumaba cigarro tras cigarro o el programa que revoluciono la televisión infantil, La bola de Cristal.

LA EDAD DE ORO DEL POP ESPAÑOL La cantidad de grupos, cantantes, autores y géneros musicales que circularon durante los primeros años de la década fue tal que es muy difícil hablar de ella sin dejarte olvidados a algunos. Mientras que en Inglaterra la capitalidad de la música voló desde Londres a otras ciudades mas pequeñas como Manchester, donde se fundo Factory Records y de la que salieron los Happy Mondays, Joy Division, New order y The Stone Roses, en España el centro de todo estaba en Madrid, con su famosa Movida.

Durante los años de la Movida, los creadores podían pasar desde la música a las artes plásticas, el cine y la televisión sin ningún problema, Pedro Almodovar, podía dirigir una película y sacar un disco, por dar un ejemplo, dando una imagen de música amateur poco seria, pero para nada era así. Existía una creatividad tan grande que nos dio grupos que han perdurado hasta la actualidad como Los Secretos, Loquillo, Alaska etc… eso en la capital porque desde las ciudades otros grupos viajaban al centro para presentar sus temas. Uno de los lugares mas importantes fue Vigo, de allí salieron grupos como Aerolíneas Federales y Siniestro Total, los reyes del punk-rock de la década.

A medida que los años fueron pasando y las energías de la juventud se acaban, solo sobrevivieron los grupos realmente buenos y la multitud de discográficas independientes que nacieron poco a poco desaparecieron o se unieron a multinacionales, este fue el final de la movida y el comienzo de la industria en España.

NO TODO FUE POP

MOMENTOS MUSICALES DE LOS 80.

No seria justo hablar de este tiempo tan importante sin hablar de otros géneros que también ser desarrollaron por aquellos años. En los barrios marginales de las ciudades de Estados Unidos se comenzó a gestar el germen de lo que en la actualidad conocemos como Hip Hop, en 1979 fruto de la unión del soul, la música disco, el funk y la mala leche, nace el primer hit internacional que se puede considerar como rap, hablamos de Rappers Delight de Sugarhill Gang, este fue el inicio de un estilo que ha dado la vuelta al mundo y que en los 80 dejo muchos himnos de los que yo destacaría Fight for your Right de los increíbles y muy blancos Beastie Boys y la colaboración entre Run Dmc y Aerosmith llamada Walk This Way.

Mucha de nuestras canciones preferidas de esta época son de una calidad entre baja y subterránea, pero no por eso hay que dejarlas de lado, porque lo importante de un tema no es su calidad, sino que te llegue muy adentro. Por eso voy a hacer un pequeño repaso por las canciones que pienso son indispensables dentro de la música ochentera.

En España durante los 80 ocurrió un fenómeno muy interesante, desde el norte del país y en los barrios obreros de toda España comenzaron a surgir bandas de rock con mensajes altamente sociales o incluso políticos, todos esos grupos se unieron en una definición muy amplia conocida como Rock Urbano, de aquí surgieron grupos como Leño, Cicatriz, Barricada, Reincidentes y Extremoduro y su templo fue la sala canciller en Madrid, allí tocaron todos los grandes del rock mundial, además de todas las bandas urbanas nacionales.

En España hay dos temas que marcaron el inicio de la movida, en primer lugar Alaska y los Pegamoides y ese tema puramente Punk llamado Horror en el Hipermercado que poco o nada tiene

que ver con el Bailando que poco tiempo después editaron, una cancion que les acerco al gran publico pero que posiblemente sea uno de los peores temas de la carrera de Alaska. Y uno de los videos que tienes que ver si o si, es la actuación en TVE de Las Vulpess con la versión que hicieron de I Wanna be Your Dog que ellas titularon Me gusta ser una zorra, fue un escándalo, cuatro chicas gritando sobre ser una zorra y terminando con un cristalino Cabrón que indigno a muchos.

En los Estados unidos un chico de color que antes cantaba en un grupo de hermanos, sacaba un disco producido por Quency Jones, el chaval se llamaba Michael Jackson y el disco Thriller, que nos traía algunas de las mejores canciones de la década como Billie Jean.

En Inglaterra la escena musical estaba en plena efervescencia, desde el sonido Manchester hasta los new romantics, Spandau ballet, Duran Duran reinventaban el fenómeno fans, pero sin embargo un video musical en un armario, presento al mundo a un grupo que nos acercaría el siniestro al gran publico, hablo del tema Close To Me de The Cure.

Justo lo contrario a las melodías melancólicas y góticas de The Cure, nos encontramos a la alemana Nena con uno de los temas mas optimistas que se han compuesto 99 red ballooms y los eternamente sonrientes Modern Talking.

En Estados Unidos los que molaban eran los rockeros de pelo rizado y muy largo, mallas ajustadas de colores imposibles y temas machacones, yo destacaría dos temas Living on

a Prayer de Bon Jovi y Jump de Van Halen. Pero si hablamos de rock, hay un tema que nos marco a todos, y venia de las frías tierras escandinavas, ellos eran EUROPE y todos hemos tarareado The Final Countdown CONCLUSION Como habrás podido ver he tocado muy por encima esta década ya que fueron unos años de tal creatividad que es muy difícil hacer un recorrido exhaustivo por todo lo que se compuso en esta época y se me han quedado colgadas grandes canciones y grandes grupos, tanto nacionales como internacionales, pero espero que esta pequeña introducción os haya despertado ese gusanillo de investigar por vuestra cuenta, si es así me daré por satisfecho.

En conclusión, los ochenta fueron una época de contrastes donde podías encontrarte himnos al buen rollo y canciones oscuras y que te dejaban el cuerpo al borde del suicidio, chicos con cresta y los pantalones rajados y otros elegantemente vestidos con gabardinas y zapatos muy limpios. Los ochenta fueron esa época que todos recordamos con cariño pero que al ver algún video de la época nos produce cierta vergüenza ajena, pero como todo movimiento histórico, acabo igual que empezó, con el punk, cuando un grupo de Seattle edito un disco que cambiaría otra vez el mundo de la música, el grupo era Nirvana y el disco Nevermind pero eso es otra historia.

Había una vez una estética y un estilo musical, cuyos seguidores, según cuentan se maquillaban más que sus novias. Pero la cosa no acaba aquí, si no que llevaban melenas de escándalo y lucían unos morritos que ya quisieran los canis del Tuenti. Señores, estamos hablando del Glam, en cualquiera de sus vertientes, heavy, rock…

Y sirva de ejemplo este maravilloso ejemplar del movimiento Glam que es Dee Snider, cantante de Twisted Sister.

El Glam nació en los años 70 en Gran Bretaña, Marc Bolan y David Bowie fueron pioneros en este estilo que se caracteriza por los estampados animales, la purpurina, las boas de plumas, la plataformas, el maquillaje y el reto del “más hortera todavía” El gran boom del Glam llego con los 80, uno de los que más expandieron esta moda fue Alice Cooper, con grandes performances en sus conciertos, el maquillaje y las canciones pegadizas (seguro que todos habéis escuchado la canción “Poison”) Otro de los grandes exponentes de este género, es sin lugar a dudas, Queen, sobre todo en sus primeros discos.

Alice Cooper nace como banda en 1964 cuando lanzan su primer disco, aunque posteriormente su cantante, Vincent Damon Furnier (ahí don-

de le veis, su padre es un predicador) continuaría su carrera en solitario pero manteniendo el nombre de la banda. Si bien Alice Cooper no es puramente Glam, no podemos negar que es shock rock, una de las variantes más importantes nacidas del Glam, es por ello, por lo que le incluyo, y por la música de sus discos de los 80, como Trash (para mi, uno de los mejores discos del mundo) Alice Cooper se caracteriza por sus mega shows con performances que incluyen decapitaciones y sillas eléctricas. Como curiosidad os diré que ha aparecido en varias pelis, entre ellas, Dark Shadows de Tim Burton jejeje es todo un personaje. Hay sido una gran influencia para muchísimos otros grupos como Kiss, Twisted Sisters, W.A.S.P… Os recomiendo especialmente que veáis el video de “Be chrool to your school” en el que canta junto con Dee Snider, perfecto ejemplo de la cultura ochentera con muchas caras conocidas, como Tom Savini, gran maestro de los efectos especiales. Y como curiosidad os diré que a finales de los 70 cuando estaba hundido en el alcoholismo y su carrera pendía de un hilo, grabo varios singles con un desconocido John Bongiovi, quien más tarde triunfaría con el nombre de Jon Bon Jovi. Lo cual es bastante lógico, ya que la influencia de Alice Cooper en los discos de los años 80 de la banda de Jon es

g l a m r o c k

g l a m r o c k

“No pienso que Twisted Sister sea “glam” porque eso implica glamour y nosotros no somos glamurosos.

Deberian llamarnos “hor”, porque somos horrendos” bastante notable Aunque seguro que todos conoceréis a Kiss, si hay algún grupo internacionalmente conocido por su estética Glam, son ellos. Kiss nació en Nueva York de la mano de Gene Simmons y Paul Stanley a principios de los 70. Como bien sabréis todos, esta banda se caracteriza por las performances de sus conciertos, su maquillaje y su estrafalaria indumentaria. Aunque el tema del maquillaje ha sido algo intermitente (desapareció levemente cuando decidieron inclinarse más hacia el glam).

Aquí podéis ver una portada de un disco de Kiss con el mítico “lengua vaca” (Gene Simmons) como se le conoce en mi pueblo.

Kiss son todo un icono en Estados Unidos, donde han llegado a aparecer en películas y comics, y suelen aparecer frecuentemente en capítulos de la serie “Padre de familia” Como comentaba al empezar el artículo, otro de los exponentes de este movimiento es Twisted Sister, aunque su cantante, Dee Snider, tiene otra opinión: “No pienso que Twisted Sister sea “glam” porque eso implica glamour y nosotros no somos glamurosos. Deberían llamarnos “hor”, porque somos horrendos” Y la verdad es que no le falta razón, porque con ese maquillaje y esas “permanentes” más de

uno y una saldrían corriendo jajaja Hay que resaltar que aunque sí que los podríamos calificar de glam, son una banda bastante gamberra. Sus videos reivindicando el estilo de vida rockero (“I wanna rock”, “We are not gonna take it” “You can’t stop rock and roll”) son los himnos de toda una generación, en la que me incluyo. Se caracterizan por su sonido gamberro y por la gran complicidad que logran con su publico, a los que cariñosamente llaman “sick motherfuckers” en castellano “enfermizos hijos de puta”, con todo el cariño y el amor de su corazón.

Yo he estado presente en uno de sus conciertos, y debo decir que llama la atención el pedazo de espectáculo que ofrecen, con mucha complicidad e intensidad, algo que llama la atención viendo la cantidad de años que llevan. Para mi, el gran momento inolvidable, es y siempre será, cuando en mitad del apoteosis del estribillo de “We are not gonna take it” Dee Snider para todo el tinglao y manda a callar a todo el mundo para decir en ingles, que el recordaba que en España cantamos esa canción de otra manera, y le pide a su guitarra que se lo recuerde. El tío, ni corto ni perezoso medio pronuncia “huevosss con aseitee” y Dee Snider y todo el publico presente (mas de 40.000 personas) continuamos coreando la canción, con la nueva letra de “Huevos con aceite, y jamón” para mi, fue algo muy muy grande.

Aunque Twisted Sister ya ha dejado el taller de chapa y pintura a un lado y no abusan tanto del maquillaje, siguen manteniendo su estilo fresco, gamberro y reivindicativo totalmente intacto.

Pero hay muchos otros grupos que se unieron a la estética Glam, como Whitesnake, Poison, Bon Jovi (esas melenas cardadas laaaaaargas que lucía Jon en los primeros discos) Aunque muchos ahora reniegan de aquellos años, lo cierto es que algunas de sus mejores canciones son de estos años como Bad Medicine, Here I Go Again, Every Rose Has Its Thorn….

Así que ya sabéis, sacad las pelucas y el ma-

quillaje, pintaos como una muñeca pepona y a desempolvar grandes éxitos de los 80, que aunque no todo el mundo lo reconozca, todos tenemos nuestro puntito Glam (o “Hor” jajaja)

Por Maria Gracia Galan

PLQHQ es un pequeño pueblo sin patria ni bandera, donde el librepensamiento y el librehacer son nuestras unicas normas, junto con unas gotas de respeto hacia las opiniones divergentes. Sed bienvenidos a nuestra humilde aldea del conocimiento.

Perpetrado por Oskarele

La Mandrágora fue un bareto de la Cava Baja Madrileña. Hoy en día no existe, pero es sumamente conocido por ser el lugar donde tres tipos con barba, Joaquín Sabina, Javier Krahe y Alberto Pérez, grabaron el famoso disco homónimo, en directo, con copas cayéndose y risas sonando, mientras Madrid se llenaba de crestas y pelos de colores en pleno boom de la Movida. Ellos en cambio, entre risas, whiskys, canciones y canutos, se lo pasaban bien criticando todo y a todos. Esta es la historia de la Mandrágora, disco, grupo y local.

La cosa empezó por Sabina. En 1977, con 28 años y recién muerto Franco, regresa de su autoexilio en Londres (por motivos políticos) el cantautor ubetense, y entre hacer la mili, casarse, escribir canciones y cantar poesías se le va el tiempo. Al año siguiente, 1978, graba su primer disco, “Inventario”, una obra muy del rollo canción protesta, escrita durante el último año en Londres. Pero aquí, en España, Sabina cambia, y de cantautor cariacontecido pasa a currarse su más conocido papel cínicovividor. A medias sigue andando a día de hoy.

Pues bien, Sabina comenzó a patearse los locales de Madrid haciendo conciertillos, con un show que se anunciaba con la coletilla de “canción poético-festiva-erótico-vecinal”. Uno de estos locales fue el bar La Mandrágora, como hemos dicho, en la Cava Baja Madrileña, en el barrio de La Latina. Y poco después invita a un colega, Don Javier Krahe, madrileño, algo

mayor que Sabina, un cantante a medias entre Leonard Cohen y George Brassens, pero con una pluma para escribir versos y canciones impresionantes. Sabina y Krahe se habían conocido en otro garito, La Aurora, y ahora unas veces en solitario, otras juntos, comenzaron a tocar en la Mandrágora. El propio Krahe lo recuerda así: “Fue una casualidad. Yo había empezado a cantar en el Café La Aurora, de Madrid. En noviembre de 1977 Sabina me llamó para que lo acompañase a cantar en La Mandrágora, para hacer bulto”. Al poco descubrirían que la asociación Krahe-Sabina es un filón lucrativo, a la par que enormemente creativo.

Y poco después se une al grupo el tercero en discordia, Alberto Pérez, que tenía 27 años por entonces (1978) y que era amigo de Krahe desde unos atrás: se conocieron en Sigüenza, Guadalajara, localidad natal de Alberto, que fue, curiosamente, el que enseñó a Krahe a tocar la guitarra. Pues bien, cuando comenzaron a tener exitillo en La Mandrágora, Krahe decidió llamar a su colega de Sigüenza, pues podía apartar un aire mas romántico y sentido al por entonces dúo de canallas. Además era mucho mejor músico que los otros. Y mejor cantante. Aunque ya sabemos que ni Krahe ni Sabina brillaron por como cantaban, sino por como cantaban. Y sigue siendo así.

Los tres juntos triunfan en La Mandrágora.

Llenan el sótano de aquel bar cada vez que tocan. El famoso periodista y presentador, por aquel entonces, Fernando García Tola acude al garito y decide invitarlos a su programa “Esta Noche”, de TVE. El éxito llega a oídos de alguien de la CBS, que conocía a Sabina ya que había intentado venderles su segundo disco, recién salido con Epic/Ariola, “Malas compañías” (1980) y que incluye obras maestras como “Pongamos que hablo de Madrid” (tema que hizo famoso un par de años antes Antonio Flores) o “Calle Melancolía”.

Mientras nuestros protagonistas comienzan a patearse otros locales y otras ciudades, llegando incluso a tocar en el Teatro Salamanca de Madrid, los de la CBS, encantados con el espectáculo que ofrecían estos tres calaveras y con las reacciones del público, les ofrecen grabar algo. Pero no en estudio, sino en directo, allí mismo, en La Mandrágora.

Así en 1981 se graba y publica este maravilloso disco, con trece temazos, unos de Krahe, que homenajeó al genial cantautor francés Georges Brassens interpretando versiones de sus canciones (“Marieta” o “La tormenta”) y reflejando su increíble estilo propio y sus peculiares letras que se convertirían en clásicos

(“La hoguera”, “Un burdo rumor”, “Villatripas”, “Nos ocupamos del mar” o “El cromosoma”); otros de Sabina, como la ya conocidísima “Pongamos que hablo de Madrid”, “Pasándolo bien” y “Círculos viciosos”, también presentes en su disco “Malas compañías”, y la maravillosísima “Adivina, adivinanza”. Alberto Pérez no compuso ninguna, aunque canta en “Un Santo Varón”, “Mi ovejita Lucera” (con Sabina), “La tormenta”, “Nos ocupamos del Mar” y “Círculos viciosos”, también con Sabina.

En definitiva, un disco histórico en el panorama musical español.

Poco después, a principios del 82, Alberto Pérez se escinde, retirándose a su Sigüenza natal a cuidar de una granja (aunque seguirá haciendo sus cosillas en el mundo de la música). Sabina y Krahe continuaran tocando, acompañados de vez en cuando por la vocalista Teresa Cano, vieja conocida de ambos. La ausencia de Pérez no variaría gran cosa el tirón que tenían, pues si bien éste aportaba humor e interpretación al espectáculo, en Sabina y Krahe se sustentaba el peso de las actuaciones.

Y finalmente se rompió el grupo. Krahe recuerda, años después, lo que pasó: “Aquello

consistió en una juerga de 3 años y ya está.

Una juerga entre amigos. Bueno, duró 2 años con 3 personas, y sin peleas o disputas, salvo al final, al día que lo dejamos. Son cosas que suceden. Ocurrían cosas con Sabina y yo dije “adiós y muy buenas; deshacemos esto”. Pero nada más.”

Y efectivamente fue algo así. La cosa se rompe, pero de mutuo acuerdo, sin malos rollos. De hecho Krahe y Sabina seguirán siendo colegas y colaborando en alguna que otra ocasión.

Aunque por desgracia sus carreras no han ido en paralelo en cuanto a éxito: Krahe ha grabado numerosos discos, pero nunca ha tenido una popular excesiva (en parte debido a problemas políticos e ideologicos). Sabina, pues ya lo sabrán ustedes… triunfó.

Como curiosidad y para terminar, decir al respecto de este genial disco, La Mandrágora, que muchos de ustedes conocerán, que existe otra grabación de aquellos míticos conciertos (fácil de encontrar por internet al que sabe buscar), llamada “Piratas en La Mandrágora” y que fue realizada por el periodista y cantautor Joaquín Carbonell en 1981, aunque nunca llegó a ser editada. Incluye los siguientes temas, con algunos cambios respecto a la otra grabación: “Un burdo rumor” (Joaquín Sabina), “El cromosoma” (Joaquín Sabina), “Mi ovejita Lucera” (Joaquín Sabina), “Almacenes San Mateo” (Todos), “Ocupen su localidad” (Joaquín Sabina), “Caballo de cartón” (Joaquín Sabina), “Calle Melancolía” (Joaquín Sabina), “Cualquier noche puede salir el sol” (Jaume Sisa/Joaquín Sabina), “Pasándolo bien” (Joaquín Sabina/Alberto Pérez), “El hombre puso nombre a los animales” (conocida como “Con su bikini”, adaptación del tema “Man gave names to all the animals” de Bob Dylan) (Joaquín Sabina/Alberto Pérez) y “Círculos viciosos” (Chicho Sánchez Ferlosio).

Mil años tardó en morirse, pero por fin la palmó.

Los muertos del cementerio están de Fiesta Mayor.

Seguro que está en el Cielo a la derecha de Dios.

Adivina, adivinanza, escuchen con atención.

A su entierro de paisano asistió Napoleón, Torquemada, y el caballo del Cid Campeador; Millán Astray, Viriato, Tejero y Milans del Bosch, el coño de la Bernarda, y un dentista de León...

Adivina Adivinanaza, La Mandrágora

LA DÉCADA DE LOS 80 EN EL CINE, NUESTRA VIDA EN IMÁGENES. por Antonio Alcaide

Resulta imposible comenzar un artículo sobre el cine en los 80 sin retrodecer unos años, solo los antecedentes pueden situarnos y explicar el porqué de una década caracterizada por la coexistencia plácida entre lo comercial y lo convencional, una relación mágica, casi única, en la que un puñado de esforzados directores llenaron de ilusión las pantallas y demostraron que una nueva forma de hacer películas era posible, en su mayoría eran films que recurrían a géneros atractivos para el grán público, pero desde su orígen, el grán principio de estos realizadores fué siempre no renunciar a la calidad.

En la misma linea, y como es muy cierto eso de que los records están para superarlos, en 1977 George Lucas ponía en escena su ópera galáctica, “La Guerra de las Galaxias” pulverizaba los números de Tiburón, el film había nacido además para confirmar y evidenciar una brecha existente entre generaciones de cinéfilos, no parecía haber termino medio en ese momento, defensores y detractores iniciaron un enriquecedor diálogo cuyo discurso, una vez asentada y aceptada la fórmula en los 80, disipo las dudas sobre la evidente calidad formal del cine de corte más comercial.

En junio de 1975 se estrenaba, apoyada en una por entonces inusual y muy hábil campaña de marketing, un film de un joven y desconocido director llamado Steven Spielberg, la cinta en cuestión era “Tiburón”, fué el primer grán taquillazo de la historia del cine, recaudó la friolera de 470.000.000 millones de dólares en todo el mundo, la industria no estaba preparada para algo así, ni los artífices del film podían esperar tales resultados, ya nada iba a volver a ser igual, en un año donde 2 grandes obras maestras como “Alguien voló sobre el nido del cuco” de Milos Forman o “Barry Lyndon” de Stanley Kubrick acaparaban todos los elogios de la crítica, lo que para muchos era un film menor había conseguido despertar a un público esperanzado en que otro tipo de cine, hecho a la medida de sus necesidades, comenzaba a tomar forma.

Los orígenes no fueron fáciles, el propio Lucas sufrió para poder acabar su proyecto, casi nadie creia en lo que estaba haciendo, lo consideraban ridículo, pocos podía en ese momento pensar lo que significaba la marca “Star Wars” para el mundo del cine, en apenas 2 años Lucasfilm se convertiría en pionero para los apartados técnicos para casi cualquier film cuyo argumento requiriera de efectos visuales o de sonido, en colaboración con Spielberg nacía la “Industrial Light & Magic”, supervisada por genios como Stan Winston o Richard Enlund y “Skywalker Sound”, departamentos ambos de cuya grandeza se siguen nutriendo hoy día las películas, esas que pueden presumir de contener los mejores argumentos, al menos en lo que su envoltorio se refiere.

Ya a las puertas de inaugurar la década de los 80,

RECAUDACIÓN (P 80 1980-El Contra 538.37 concretamente 2 años antes,en 1978, la versatilidad de Richard Donner había hecho posible el estreno de “Superman”, un sonoro éxito de taquilla con un reparto espectacular, se evidenciaba por tanto la demanda de este tipo de productos por parte de la audiencia. Este mismo año, George A. Romero estrenaba “Amanecer de los muertos”, sus zombies volvían a la pantalla pero esta vez en clave “gore”, el director que había revolucionado el cine de terror 10 años antes volvía a innovar para el Séptimo Arte de manera bestial, tanto que, como si de un contagio se tratara, lo visceral comenzó a tomar protagonismo, al principio solo en ese género, para más tarde asentarse como algo natural, una marca de estilo que casi siempre se reflejaba en títulos destinados al grán público.

En 1979, Francis Ford Coppola, uno de los directores que más había luchado por modernizar el lenguaje cinematógrafico, sino el que más, estrenaba “Apocalypse Now”, Palma de Oro en Cannes, una de las 10 mejores películas jamás filmadas, Hollywood prefería mirar para otro lado, como suele pasar, los grandes innovadores siempre van un paso por delante de las anquilosadas mentes de los académicos, “Kramer contra Kramer”, un buen film pero a todas luces inferior a la cinta de Coppola, le arrebataba los oscars de mayor valor, lo convencional siempre suele ganar las batallas a lo novedoso en el mundo del cine, al menos en lo que a premios se refiere.

Todo esto el mismo año que Ridley Scott firmaba otro título mítico, “Alien, el octavo pasajero”, una original mezcla de terror y ciencia ficción rodado con un pulso firme, de una solidez incontestable, las 2 ideas, seriedad y comercialidad, comenzaban a fusionarse y a dar excelentes resultados.

LOS 80 Lo presento como una batalla entre el cine más convencional y el comercial, bien diferenciadas y destacando en mayúsculas mi favorita de cada año .

1980 El año uno de la década prodigiosa resultó ser de lo más soso en lo que a las apuestas más serias se refiere, las películas retornaban a un clasicismo casi insultante, todas cintas inusuales teniendo en cuenta la trayectoria anterior y posterior de sus geniales realizadores y que dejaban un regusto a pasado quizá algo fuera de lugar, lo demuestra la ganadora a mejor película en los Oscars: - “Gente Corriente” de Robert Redford, un drama con vocación de telefilm que dejaba en la cuneta a las otras candidatas, curiosamente de directores modernos y con garra, que ese año prefirieron estrenar cintas de corte más bien añejo, estas son las

1981-Indiana Jon Arca P 384.10

1982 792.91

1983-El del J 475.10

1984-India el Templo 333.10

1985-Regre 350.60

1986-T 344.80

1987-At Fat 320.10

1988-Ra 412.80

1989-India La Úl Cruz 474.17

POR AñOS)DE LOS 0: Imperio aataca 75.067$

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Top Gun 00.000$

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citadas a continuación.

- “Toro Salvaje” de Scorsese, rodada en glorioso B/N, una obra maestra profundamente amarga y desoladora con un montaje de 10 y un Robert De Niro magistral.

- “El hombre elefante” de David Lynch tambien en B/N, todo el cine de Lynch es raro, pero verle tan clasista sorprende, hasta Anthony Hopkins esta comedido, doble mérito.

- “Tess” de Roman Polanski, un melodrama intimista y algo aburrido que gano el favor de la crítica pero que vista hoy dia deja un resgusto más bien desconcertante si tenemos en cuenta a su realizador.

En lo comercial si que merecen destacarse títulos de enorme repercusión, al menos en lo que a popularidad se refiere: - “EL IMPERIO CONTRAATACA” de Irvin Kershner, la mejor de las películas de la saga “Star Wars” con diferencia se estrenaba con todo el éxito que merecía, 3 años de espera habían sido mucho para los fans que acudieron en masa a la cita.

- “El resplandor”, Stanley Kubrick buscaba un éxito de taquilla trás la decepción que supuso “Barry Lyndon” en ese apartado, su adaptación de la novela de Stephen King, nos debaja una de esas obras maestras indiscutibles en un género tan poco agradecido, el público respondió y resultó ser el film más rentable de todos los rodados por el genial director.

- “La niebla” de John Carpenter, piratas zombies buscando su tesoro robado en una pequeña localidad costera de los EEUU, serie B de calidad como solo el maestro sabía rodarlas.

- “Aullidos” de Joe Dante, film que contiene la mejor transformación de un hombre lobo jamás filmada, el talento de Rick Baker en el maquillaje y de Stan Wiston en los F/X aún hoy día nos sigue dejando boquiabiertos.

Títulos menores estrenados ese año como “Aterriza como puedas” o “El lago azul” dejaban claro que los productores pensaban cada vez más en el gran público a la hora de buscar guiones de fácil ejecución.

El balance de este año se decanta claramente a favor de lo comercial.

1981

tar en ese apartado, una obra maestra de 10.

Los extremos comienzan a atraerse, en la ceremonía de los Oscar la batalla entre las 2 tendencias, Indiana Jones contra los atletas olímpicos, lástima que la lucha siempre se decide a favor de lo convencional:

- “Excalibur” de John Boorman, el film que mejor ha abordado la leyenda artúrica que jamás se haya rodado, un film de culto cuyas licencias quedan justificadas gracias a la habilidad de su exposición, esa donde lo simbólico toma el protagonismo y se manifiesta como la mejor forma de exponer el relato.

- “Carros de Fuego” de Hugh Hudson, solvente cine británico de calidad, aburrido y por desgracia premiable, se llevó el Oscar a mejor película, mítica BSO de Vangelis.

- “Rojos” de Warren Beaty, Oscar al mejor director, cine político-social más interesante que realmente épico, excelente fotografía de Vittorio Storaro y un reparto majestuoso.

- “El Submarino” de Wolfgang Petersen, ladrillazo de más de 2 horas sobre las desavenencias de un grupo de marinos alemanes en la II Guerra Mundial, obtuvo el respaldo de la crítica y abrió las puertas de Hollywood a su director.

- “En busca del fuego” de Jean Jaques Annaud, peliculón con mayúsculas, los orígenes de la especie con rigor y dinamismo, un excelente trabajo que se erige como la mejor cinta jamás rodada sobre el tema en cuestión, Ron Perlman, actor fetiche de Annaud, está estupendo de hominido, le sobran aptutides para el papel.

En lo comercial otro año más para disfrutar, mientras los gafapastas se aburren como ostras con la única excusa del respaldo académico como bálsamo, el grán público disfruta con grandes películas: - “EN BUSCA DEL ARCA PERDIDA” de Steven Spielberg, este film no es un film de aventuras, es la aventura en estado puro, lo mejor de su clase dentro del cine contemporáneo, Spielberg y George Lucas inventaron la historia en una playa, durante sus vacaciones, llevaron el proyecto a buen puerto juntos, es el primer trabajo oficial de la “Industrial Light and Magic” en los F/X, el Oscar no podía fal-

- “1997, rescate en Nueva York” de John Carpenter, más serie B del maestro Carpenter, film de acción apocalíptico con un personaje para la leyenda, Kurt Rusell, favorito del director, en la piel de Serpiente Plisken, esa isla de Manhattan convertida en prisión y lo que allí habita, no tiene precio.

- “Un hombre lobo americano en Londres” de John Landis, mezcla de terror y comedia, un film original y cuya transformación le valió el Oscar de maquillaje al genio de ese apartado, Rick Baker, que ya el año antes había trabajado en “Aullidos”, con mejores resultados todo hay que decirlo, aún así, como variación a aquella, resulta interesante por la cosa de comparar ambas escenas, si en el film de Joe Dante eran hombre lobos, aqui es un hombre que se transforma en lobo, en la diferencia está la defensa y la validez de ambas.

Evidentemente lo comercial vuelve a imponerse a lo convencional.

1982.

Vuelta a las diferencias, un año en que lo clásico busca su sitio con un film destacado que le representa a la perfección: - “Ghandi” de Richard Attenborough, 9 oscars sin discusión, la película del año sin competencia en lo que a cine convencional se refiere, grandilocuente y con un Ben Kingsley impecable en un papel extremadamente complicado, una grán película.

- “Desaparecido” de Constantin Costa Gavras, ex-

celente film político y de denuncia social sobre el golpe de estado en Chile del general Pinochet, un trabajo veraz y llevado a cabo en el momento idóneo, Jack Lemon y Sissy Spacek están estupendos.

- “Fanny y Alexander” de Igmar Bergman, si uno se arma de paciencia puede encontrase con un film interesante sobre la familia y sus conflictos generacionales, son 3 horas de drama íntimo y encima sueca, pero Bergman era muy bueno, aunque yo prefiero su primera etapa como cineasta, mucho más onírica y entretenida.

En lo comercial otro año lleno de títulos para el recuerdo: - “CONAN EL BÁRBARO” de Jonh Millius, en una lista de las 10 películas más importantes de nuestra generación no puede faltar Conan, representa mucho de lo que viene después, es Arnold Schwarzenegger, la insuperable BSO de Basil Poledouris, la magia de su universo tan bien captada por Millius, un título mítico, una obra maestra espectacular.

- “Blade Runner” de Ridley Scott, vaya 2 obras maestras consecutivas que se marcó el señor Scott, primero Alien en 1979 y luego esta maravilla basada en la novela de Philip K. Dick, ¿es Harrison Ford un replicante? , la discusión no tiene fin, lo que no es discutible es su diseño, ese futuro es cada vez más cercano, para mi obligatorio disfrutarla con la voz en off, la BSO de Vangelis es otro de sus reclamos, el término “de culto” se le queda pequeño a Blade Runner.

- “E.T. El extraterrestre” de Steven Spielberg, a mi E.T. no me gusta, ya lo he dicho en más de una ocasión, pero sacarla de la lista es absurdo, merece su sitio por su éxito y por ser un icono para toda una generación a la que yo también pertenezco, tambien tiene cosas buenas, la BSO del maestro Williams por ejemplo.

- “Acorralado” de Ted Kotcheff, Silvester Stallone no sabía el revuelo que iba a montar con el personaje de John Rambo, si no seguro que le pone el nombre al título, estamos ante un film correcto, sin los patriotismos baratos de las posteriores entregas, aunque la última, esta vez si llamada “John Rambo”, resulta una vuelta a los orígenes y toda una gozada - que versa sobre el desprecio a los veteranos de la guerra de Vietnam desde un punto de vista del cine de acción, se convirtíó en la película favorita del

presidente Ronald Reagan, ese republicano amante del cine - fué actor de serie B en los 50 - que tanto bien hizo a la industria en su mandato (1981-1989) desde el punto de vista de la libertad y de la no censura.

por Cher y Kurt Rusell, Mike Nichols es un director con mucho oficio y ensambla bien las piezas de un film, que protesta contra los peligros de las centrales nucleares y sus efectos sobre los trabajadores de los mismos y su falta de seguridad.

- “La cosa” de Jonh Carpenter, una obra maestra que el tiempo ha puesto en su lugar, fué un sonoro fracaso en taquilla, el público solo queria ver la tortuga de Spielberg y dejaron pasar por alto las magistrales abobinaciones creadas por Rob Bottin para el film, el otro grán maestro artesano de los F/X, en esta ocasión Carpenter juega con mayor presupuesto, lo rueda de lujo y la gente le da la espalda, una grán injusticia subsanada por suerte años después.

- “Zelig” de Woody Allen, curioso falso documental del maestro Allen, una rareza de su filmografía más que estimulante, suele estar en las listas de sus mejores películas, yo no diría tanto, pero si que es un film emblemático del director.

Demasiadas obras cumbre en lo comercial, Ghandi no basta, la balanza se hunde a favor del grán público.

1983.

Dramas familiares o de denuncia son los favoritos del año y acaparan los mayores galardones,desgraciadamente aún existe demasiada distancia entre las 2 vertientes:

- “Yentl” de Barbra Streisand, en una época en que las mujeres judías no podían acceder al mundo académico, la Streisand se viste de chico y el resto imagináoslo, no soporto a esta mujer, además su cine se ha quedado obsoleto, gozó de un éxito sorprendente, era un año flojito.

La fuerza del cine comercial arrasa lo convencional: - “EL RETORNO DEL JEDI” de Richard Marquand, último episodio de la trilogía original, el más flojito de las 3 pero preferible a cualquiera de los actuales, taquillazo supremo.

- “La fuerza del cariño” de James L. Brooks, drama generacional que arrasó en los Oscar, su director es uno de los padres de “Los Simpsons”, un film correcto con una Shirley MacLaine estupenda, Jack Nicholson, favorito de director, ganó su segundo Oscar por su papel en el film, años más tarde repetirí galardón por “Mejor Imposible”, también de Brooks.

- “El precio del poder” de Brian De Palma, homenaje de De Palma al film que rodara Howard Hawks en los 50, su actualización del clásico resulta vibrante, bien apoyada en el guión de Oliver Stone y con un trabajo soberbio de Al Pacino como Tony Montana, film excesivo e inolvidable, lleno de rabia poética al que muchos reprochan su final, personalmente, pienso que va a tono con el resto del metraje.

- “Silkwood” de Mike Nichols, un interesante drama de denuncia con un reparto más que atractivo, Meryl Streep siempre impecable bien acompañada

- “El ansia” de Tony Scott, interesante film de vampiros rodado con una estética de videoclip adecuada y original, la escena lésbica entre la divina Catherine

Devenue y Susan Sarandon es mítica, el triángulo lo cierra David Bowie, tan camaleónico como siempre.

Volvemos a decantarnos por lo comercial.

1984.

LLegamos por fín a un año donde podemos equilibrar la balanza, se puede decir que los directores van tomando conciencia de la situación e intentan acercarse más al público y no resultar tan cáusticos en sus propuestas: - “AMADEUS” de Milos Forman, el mejor ejemplo de cine para todos, un film elegante, majestuoso, entretenido, interesante, profundamente irónico y absolutamente delicioso, 8 Oscars y la confirmación absoluta de Milos Forman como escelente realizador.

- “Érase una vez en América” de Sergio Leone, otra obra maestra absoluta, el film que siempre soñó Leone, junto con “El Padrino” y en lo que a grandilocuencia se refiere, el mejor film de mafias jamás rodado, sufrió la amputación de sus escenas mas crudas y se estrenó con su metraje limitado, con el tiempo se ha reparado la tropelía y podemos disfrutar de sus más de 4 horas de duración.

- “Los Santos inocentes” de Mario Cámus, hay sitio para el cine español en esta lista, la cinta de Cámus lo merece, una de las pocas e indiscutibles obras maestras de nuestra filmografía, la realidad de la España profunda y agreste y sus diferencias de clase, sorprende que el modelo se perpetuara tanto en el tiempo, hasta casi nuestros días.

Paco Rabal y Alfredo Landa se hicieron merecidamente con el premio de intrepretación en Cannes.

- “Broadway Danny Rose” de Woody Allen, una de mis cintas favoritas de Allen, muy divertida y melancólica a partes iguales, trata sobre el complicado e injusto mundo de los agentes artísticos, al igual que otra de sus grandes obras maestras, Manhattan (1979), está rodada en glorioso B/N. Lo comercial siempre nos deja títulos emblemáticos:

- “Terminator” de James Cameron, la mejor película de su director, contiene su obsesión por la tecnología en contra del ser humano que la ha creado, Schwarzenegger en el papel de su vida, apenas tiene que articular palabra y hace de máquina inexpresiva, mención especial para los magistrales F/X de Stan Wiston, germen de lo que más tarde nos ofrecería en la secuela, Terminator II, posiblemente la película que ha supuesto el salto técnico más grande de la historia del cine.

- “Indiana Jones y el Templo maldito” de Steven Spielberg, con el tiempo reconozco que he variado para mejor mi concepto sobre la segunda entrega de las aventuras de Indy, curiosamente porque es la que mejor trabajo tiene de dirección de todas, en contra hay que soportar a Tapón y al resto de niños, y la ausencia de los nazis, que es lo que le da vida a mi modo de ver al famoso arqueólogo.

- “Gremlins” de Joe Dante, bombazo navideño en taquilla, Dante se apunta el tanto con el dinero de Spielberg, rueda hasta donde le dejan con su toque malévolo inconfundible, una película entrañable.

- “Karate Kid” de John G. Avildsen, el director de Rocky repite fórmula en el cine juvenil y logra el taquillazo, la gente acudió en masa a las escuelas de karate buscando a Pat Morita, legendario en su papel de sensei.

- “Los cazafantasmas” de Ivan Reitman, otro de los taquillazos de año, rodada entre amigos que se conocen muy bien y con más de una escena improvisada entre el trio Murray-Aykroyd-Ramis, no es un peliculón pero es incuestionablemente divertido y reconocible.

- “Superdetective en Hollywood” de Martin Brest, la película que catapultó la carrera de Eddie Murphy en los 80, - previamente, “ Entre pillos anda el juego” y “Límite 48 horas” también ayudaron - un policiaco divertido que cuenta con la chispa del actor como mejor baza, lástima que se perdiera en los 90 en proyectos de tan escaso interés.

Por primera vez voy a tomar partido por el cine más convencional, las apuestas comerciales bajan un poco el listón mientras que el cine

más serio nos deja obras cumbre.

1985.

Regreso a los clásicos pero por suerte, generalmente se mantiene el dinamismo a la hora de realizarlos: - “Memorias de África” de Sydney Pollack, una de las películas más hermosas jamás rodadas, puede gustar a cualquiera aún siendo un drama, Pollack se encarga de darle un toque cálido y cercano y la música de John Barry hace el resto, Meryl Streep y Robert Redford tienen mucha química, el film arrasó en los Oscar.

- “El color púrpura” de Steven Spielberg, para una - primera - vez que el rey midas de Hollywood se pone serio, la academia le da un sonoro portazo en las narices, de sus 11 nominaciones a los Oscars se quedo a cero, todo un record, el film no está mal, pero tampoco es excelente.

- “La rosa púpura del Cairo” de Woody Allen, más color púrpura para una de las mejores películas del maestro Allen, entre ficción y realidad y con las dósis de nostalgia necesarias para no resultar cargante ni excesiva en ese sentido. Para muchos expertos, su mejor film.

- “Único Testigo” de Peter Weir, sólido policiaco que le sirvió a Harrison Ford para ponerse serio, también para acercar al público la por entonces desconocida cultura de los Amish, un film original rodado por un siempre solvente Peter Weir.

- “RAN” de Akira Kurosawa, adaptación del Rey Lear de Shakespeare al mundo feudal japonés, bellísima poesía en imágenes, un film complejo y diferente, es otro mundo, otra cultura, convence y atrapa pero se corre el riesgo al verla de provocar distancia en el espectador menos preparado.

En lo comercial un año algo endeble, solo un DeLorean salva la situación: - “Regreso al futuro” de Robert Zemeckis, lo mejor de 1985 en su terreno, una cinta redonda, de los más entretenidos a los que se puedan recurrir, ciencia ficción juvenial a ritmo de rock and roll, un film que es más que un icono para toda una generación.

- “Rambo II” de George Pan Cosmatos, Aquí nace la figura del soldado perfecto, el uno contra todos,

Stallone vuelve a Vietnam a rescatar a los pobres prisioneros abandonados por el gobierno, ahora en manos de los malísimos soviéticos, una castaña de argumento pero hay que ser honestos, uno la ve para no pensar demasiado y disfrutar la ensalada de tiros, pues eso.

- “Cocoon” de Ron Howard, un film blando, como todo lo que rueda el señor Ron Howard, tuvo un gran éxito y como film para toda la familia resulta ideal, pero poco más, uno espera algo más agresivo o al menos científico, cuando se habla de extraterrestres, junto a E.T. pone almíbar al tema en los 80.

- “Silverado” de Lawrence Kasdan, el Western andaba olvidado y Kasdan consiguió revitalizarlo y acercarlo al grán público con un lenguaje más actual, grán reparto y entretenimiento asegurado para un género, por desgracia, poco visitado en la década.

Empate técnico entre lo comercial y lo convencional, un año de transición donde los extremos se siguen acercando y las ideas se asientan .

1986.

Un buen año para el cine más serio, la triunfadora del año en los Oscar es un film bélico con bastante acción, se evidencia la cercanía entre ambas tendencias: - “Platoon” de Oliver Stone, de excelente guionista - El expreso de medianoche, El precio del poder a brillante director, Oliver Stone lo borda con su primer trabajo sobre el conflicto en Vietnam, sin la carga política que caracterizará su cine posteriormente, Platoon es un film de guerra puro y duro, fue premiada con el Oscar a mejor película y a mejor director.

- “El nombre de la rosa” de Jean Jaques Annaud, rodada en Europa y basada en la novela de Umberto Eco, fué un fracaso en EEUU, todo lo contrario que aquí, que sabemos apreciar sus incontables virtudes, pocas películas se han acercado con tanto acierto a la época medieval, y como es un thriller culto, de misterio, solo podía ser en una abadía, un film magistral, de una factura impecable y único en sus especie, al que solo se puede reprochar su final, falto del valor que posee el texto en el que se basa.

- “La Misión” de Roland Joffé, la Palma de Oro en Cannes avala a un film valiente, rodado en los paisajes naturales de la amazonia, donde se desarrolla la acción, las tropelías de esclavistas españoles y portugueses en el S.XVIII y como el Vaticano mira para otro lado para conservar sus intereses, excelentes Robert De Niro y Jeremy Irons en los papeles protagonistas y una BSO de Ennio Morricone para enmarcar.

- “HANNAH Y SUS HERMANAS” de Woody Allen, para el gusto de quien os escribe, es la mejor película de toda la filmografía del maestro, homenaje a Bergman, están todas las obsesiones del realizador sueco, la familia, la religión, todo ello bajo el prisma de Allen, que no abandona su estilo personal y en un alarde de suma inteligencia se reserva un papel secundario, que actúa como contrapunto cómico a una historia más bien agridulce. Tiene el mérito de haber ganado el Oscar a mejor guión original aún cuando la academia sabía que el genial director de origen judío no iría a recogerlo. Una obra maestra descomunal.

El cine comercial muestra algunos signos de agotamiento, por suerte el contagio al cine convencional ya era un hecho, trabajo cumplido: - “Aliens, el regreso” de James Cameron, complicada tarea la de salir airoso de una secuela cuando la original es tan grande, Cameron lo consigue, transforma el terror en acción y deja entusiasmado al público, evidentemente no es mejor que el film de Ridley Scott, per hay que reconocerle que es cine de calidad, muy bien rodado y con más de un momento logrado.

- “La Mosca” de David Cronenberg, el film más comercial del genial director canadiense, reconocido por todos y convertido en un referente del cine de terror, no era su intención claro está, Cronenberg solo busca desarrollar su teoría sobre la fragilidad del ser humano expuesto a la enfermedad, uno de los temas recurrentes de su filmografía, pero cuando el público acude en masa y lo convierte en un taquillazo, bienvenido sea.

- “Top Gun” de Tony Scott, panfleto militar patriótico que lanzó a la estratosfera la carrera de Tom Cruise gracias a su enorme éxito, las carpetas de las colegialas de todo el mundo se forraron con la cara del actor, el film vale bien poco, entretenido a ratos, ¿alguien a visto a Tarantino explicar porqué es un

film de temática gay?, buscadlo, no tiene precio.

- “Cocodrilo Dundee” de Peter Faiman, modesto film australiano de aventuras que fué todo un éxito de taquilla y puso de moda la cultura de las antípodas en los EEUU, Paul Hogan y su look en un Nueva York ochentero bien retratado, crisol inagotable de culturas y tendencias de lo más vanguardistas, además es un film de lo más divertido y entretenido.

- “Los inmortales” de Rusell Mulcahy, uno de los títulos más emblemáticos para el grán público de los 80, un film solo clasificable en la década en la que está rodada, bastante torpemente por Mulcahy pero con un guión sólido y convincente, Sean Connery y Clancy Brown lo bordan desde sus roles secundarios. Sus secuelas le han sentado mal y le han quitado prestigio, lástima que no sea un film único.

Balance favorable a lo convencional.

1987.

Un año satisfactorio para lo comercial, la cosa remonta y deja películas que rayan a gran nivel, en lo convencional hay un retorno a lo clásico: - “El último emperador” de Bernardo Bertolucci, la mejor película del director italiano, que arrasó con 9 Oscars sin apenas oposición, un film preciosista y técnicamente perfecto que narra la historia de Pu Yi, último emperador de China, anterior a la revolución comunista, un drama histórico muy sólido y profundamente interesante.

- “El imperio del Sol” de Steven Spielberg, segundo intento de Spielberg de ponerse serio, al contrario que en “El color púrpura”, la que nos ocupa es un ladrillazo de consideración, film aburrido y poco estimulante, se revela como uno de los peores filmes del director, ya se sabe, con un niño - repelente - de protagonista, échate a temblar.

- “Wall Street” de Oliver Stone, el mundo de los yuppies y las finanzas del Nueva York de los 80 merecía un film que lo retratara fielmente, Oliver Stone impecable en su sátira a los mecanismos del poder económico y su caracter corrupto, Michael Douglas ganó el Oscar a mejor actor por su fiel caracterización de hombre de negocios despiadado y Martin Sheen y Charlie Shenn, padre e hijo en la

realidad, también lo son en el film.

- “Hechizo de Luna” de Norman Jewison, deliciosa comedia sentimental que le valió el Oscar a mejor actriz a Cher, que está estupenda, bien acompañada por un Nicolas Cage en alza, los secundarios, Vincent Gardenia y Olympia Dukakis, que también logró la estatuilla a mejor actriz secundaria, completan un excelente trabajo para un film sencillo y muy bien rodado.

Lo comercial contiene títulos de un valor incontestable: - “Los intocables” de Brian de Palma, quizá el film se construyera como un vehículo fiable para arrasar en cualquier ceremonia de premios pero lo cierto es que la cinta de De Palma quedó más para el grán público que para la intención original de los productores. Un trabajo de dirección magistral y un reparto de lujo para la adaptación de una famosa serie policiaca de tv de los 60, Sean Connery ganó el oscar a mejor secundario por su papel de Malone.

- “ROBOCOP” de Paul Verhoeven, como es posible que de crios no repararamos en lo profundamente brutal que resulta el film de Verhoeven, apoyada en un guión nefasto que el propio director holandes desecho en un principio, Robocop se erige como una de las grandes películas de nuestra generación, un policiaco de acción futurista terriblemente cercano a nuestra realidad, le pasa el tiempo y cada vez resulta más válido en su visión, en el enorme talento de su genial realizador está la clave.

- “Arma Letal” de Richard Donner, la versatilidad de Donner al servicio del cine de acción da como resultado uno de los títulos más emblemáticos y reconocibles del género, la estrella de Mel Gibson se agigantó con el personaje de Martin Riggs y la taquilla tembló con el éxito de la cinta, que deparó hasta 3 secuelas, por suerte, todas dirigidas por su brillante realizador.

- “Dirty Dancing” de Emile Ardolino, profesor de baile ligón conocer a chica medio lela, del plan inicial de conquista se pasa al amor de la forma más previsible, un film flojito que se convirtió en todo un bombazo, la predisposición del público en encumbrar cada cierto tiempo a películas de este contenido - “Grease” - es digna de estudio, Patrick Swayze, protagonista del film, se hizo famoso de la noche a la mañana.

- “La princesa prometida” de Rob Reiner, uno de los cuentos más bellos y divertidos jamás filmados, clásico de aventuras con elementos sobrados para distraer y convencer a todos los públicos, la habilidad de Reiner trás la cámara en la mescolanza de géneros que afronta en el film, es su mayor virtud.

- “El corazón de Ángel” de Alan Parker, Obra maestra del cine de intriga y terror, una pesadilla húmeda y negrísima ambientada en Nueva Orleans, todo a ritmo de música de jazz chirriante, De Niro inquieta con su sola presencia, trás la cámara un solvente Alan Parker sobrepasando al guión con su excelente planteamiento.

- “Depredador” de Jonh McTiernan, lo que podía haber sido un film menor de acción bélica a mayor gloria de Arnold Schwarzenegger , se convierte en puro espectáculo gracias al buen hacer de Mctiernan trás la cámara, Stan Winston, que en paz descanse, pone su maestría en los F/X al servicio de la historia, con 2 talentos de ese calibre, hasta un mal guión puede convertirse en un film brillante.

Apabullante triunfo de lo comercial en uno de sus mejores años.

1988.

Buen año para las 2 tendencias, lo convencional contiene títulos de grán interés: - “Las amistades peligrosas” de Stephen Frears, uno de los guiones más sutiles que se puedan mencionar para un film ambientado en la época previa a la Revolución Francesa, cine de época por tanto, basado en la novela de Chordelos de Laclos (1741-1803) contemporáneo del Marqués de Sade y testigo de la época que se narra. Cine vistoso e inteligente a partes iguales, John Malkovich y Glenn Close están enormes dando vida sus maquiavélicos personajes.

- “Rain Man” de Barry Levinson, un director al que tengo escaso apego, goza de un prestigio inmerecido, a mi modo de ver es un mediocre realizador que ha tenido la suerte de acercarse a excelentes guiones y contar con el apoyo de grandes estrellas fieles a su causa, Dustin Hoffman es el mejor ejemplo, el actor

consiguió con su papel de autista el Oscar al mejor actor por Rain Man, que incomprensiblemente se alzó también con las estatuillas a mejor director y mejor película, no es un mal film, pero tampoco me parece excepcional y había mejores apuestas ese año.

- “Arde Missisipi” de Alan Parker, excelente drama de denuncia social que funciona más como vehículo de lucimiento para sus actores que como radiografía de un hecho real, Parker deja al film desprovisto de cualquier elemento veraz y rueda de forma clásica apoyado en el incomensurable trabajo protagonista de Gene Hackman, bien acompañado por actores del talento de Willem Dafoe o Frances McDormand.

- “La última tentación de Cristo” de Martin Scorsese, posiblemente la mejor película sobre la figura de Jesucristo que jamás se haya rodado, un film valiente que le costó la excomunión papal al director y su guionista Paul Schrader, como siempre suele pasar en estos casos, una decisión a todas luces precipitada, el propio Scorsese lamenta que se armara todo el revuelo cuando el film siquiera se había estrenado, como avanza su prólogo, es un acercamiento libre de los textos sagrados, siceramente lo considero un film respetuoso con una visión única de los evangelios, antes de opinar siempre hay que intentar verla, se evitan errores de juicio.

En lo comercial otro año lleno de películas inolvidables:

- “LA JUNGLA DE CRISTAL” de John McTiernan, lo que iba a ser una secuela de “Commando”, uno de los peores filmes de acción de los 80, se acabo convirtiendo por suerte en uno de las mejores películas de acción de todos los tiempos, Mctiernan merece su trono, es un director magnífico, Bruce Willis consiguió el estrellato gracias al papel del policía John McCLane, en una década caracterizada por actores anabolizados, su personaje pone el contrapunto de humanidad y vulnerabilidad tan necesarios para hacer más creible el film, su trabajo le costó, apenas nadie confiaba en el.

- “Willow” de Ron Howard, pensada inicialmente como una adaptación de “El Hobbit”, la imposibilidad de hacerse con los derechos de la novela llevó a George Lucas a desencantarse por el proyecto y dejarlo en manos del blandengue de Howard, respeto lo que el film supone para casi toda mi generación, a mi me parece una bobada, el género de fantasía épica tiene mucho potencial para rebajaro tanto y conducirlo a lo infantiloide. Lo mejor, la BSO de James Horner.

- “Los fantasmas atacan al jefe” de Richard Donner, mi película favorita de navidad, el film es una adaptación moderna de “Scrooged” - Cuento de Navidad - de Dickens, Donner pone su versatilidad trás la cámara, no hay género que se le resista, con un Bill Murray inconmesurable que pone la mala leche requiere la historia,una película que a pesar de sus altibajos, es una gozada.

- “Big” de Penny Marshall, antes de convertirse en un actor serio, Tom Hanks hacía comedias, en la década de los 80 era un valor seguro del género y “Big” es uno de sus mejores y más reconocibles trabajos, la historia de un niño que se convierte en adulto a través de un deseo es ya todo un clásico, film menor de enorme éxito, algo muy típico de la década.

- “Un pez llamado Wanda” de Michael Crichton, varios de los integrantes de los Monty Phyton - el guión lo firma John Cleese - son los artífices de esta excelente comedia gamberra que obtuvo un merecido éxito de taquilla y le valió el Oscar a mejor secundario a Kevin Cline, que está estupendo. Humor británico de alta calidad para un título destacado del género, una grán película.

Ligeramente superior el balance para el cine con-

vencional, pero lo dejaremos en empate.

1989.

La década termina para lo convencional mejor de lo que empezó, aunque la grán triunfadora en los Oscar sea un film de corte añejado: - “Paseando a Miss Daisy” de Bruce Bresford, 4 Oscars a Mejor película, actriz para una Jessica Tandy excepcional, guión adaptado y maquillaje son el aval de un drama sensible y bien rodado que conquistó los corazones de público y crítica, un film que busca ser testigo social de una época y de las diferencias raciales, esas que se difuminan cuando la edad avanzada da paso a las personas y va más alla de sus creencias o el color de su piel, un trabajo sutil y delicado basado en una novela ganadora del prestigioso premio Pulitzer.

- “Nacido el 4 de julio” de Oliver Stone, segunda película de la trilogía de Stone sobre Vietnam, que en esta ocasión elige el drama como género para mostrar las terribles secuelas de los soldados norteamericanos en el conflicto del sudeste asiático, para demostrar que ellos fueron los únicos realmente derrotados de la guerra, excelente Tom Cruise en el papel de Ron Kovic, la cinta supuso el segundo Oscar a mejor director para Oliver Stone trás haberlo ganado en 1986 con “Platoon”.

- “Delitos y faltas” de Woody Allen, uno de los mejores filmes del maestro, combina a la perfección drama y comedia en 2 historias ajenas que acaban por encontrarse en uno de los mejores finales rodados por el director, Allen se reserva el papel se-

cundario cómico para aligerar la parte criminal del guión, sujetada magistralmente por la interpretación de Martin Landau. Una obra maestra.

- “El club de los poetas muertos” de Peter Weir, dejando claro que su director, el australiano Peter Weir me parece un realizador de enorme talento, tengo que decir que este es un film que no me gusta, demasiado fariseo, no me creo nada, desde la contenida interpretación de Robin Williams hasta los mensajes contradictorios que de ella se deducen, todo un éxito de crítica y público que personalmente me deja frio e indiferente, el “Carpe Diem” reducido a la obviedad.

Para la comercial una despedida brillante: - “Batman” de Tim Burton, el superhéroe del cómic bajo la adecuada mirada gótica de Burton, un éxito de taquilla descomunal, apoyado en una publicidad y un merchandising previo arrolladores, Jack Nichoson se queda con todo el protagonismo de la cinta con su Joker desquiciado, quizá hoy resulte solo recomendable para nostálgicos, sobre todo ahora que Nolan ha revigorizado al personaje, pero hace 23 años no había otra cosa, y resultaba realmente deslumbrante.

- “Regreso al futuro II” de Robert Zemeckis, esperada secuela de los viajeros favoritos del grán público que si bien no está a la altura de la original, resulta nuevamente estimulante gracias a sus sorprendentes giros de argumento y a su desenfrenado ritmo, un film sumamente entretenido y bien rodado por Zemeckis, que contiene las mejores escenas de la trilogía.

- “Black Rain” de Ridley Scott, excelente policiaco al servicio de Michael Douglas que se vale de la visión del mayor de los hermanos Scott, ideal para rodar el film en un Japón siempre diferente y futurista, la deslocalización del personaje de Douglas en su busqueda para cazar a un criminal nipón evadido de la justicia es sin duda su mejor baza.

- “INDIANA JONES Y LA ÚLTIMA CRUZADA” de Steven Spielberg, Indiana Jones pone fín a sus aventuras en los 80 y cierra una trilogía inicial de leyenda, vuelven los nazis y por tanto sube el nivel con respecto a la segunda parte, Sean Connery como padre de Indy está estupendo, los duelos entre el y Harrison Ford son de lo más divertidos y la historia resulta vibrante y llena de interés, Spielberg

cierra con nota alta la que ha sido durante muchos años la última entrega de las aventuras del famoso arqueólogo, hasta que, para desgracia de muchos, resucitó hace 4 años.

Ligeramente superior el cine comercial, son secuelas en su mayoría, pero de enorme calidad.

RESULTADO: Lo comercial se impone seis veces por solo dos del cine más serio, y con dos años de equilibrio entre ambas tendencias.

EPÍLOGO-CONSIDERACIONES FINALES Evidente resulta que es una década en la que el cine de palomitas se hace con el control de las salas, es tal la demanda y la avalancha de espectadores que los cines requieren inicialmente macrosalas para los estrenos más llamativos, para más tarde crear multicines dada la cantidad de títulos de estas características a los que hacer frente, varios factores desequilibran la situación con la entrada de los 90, el cambio de gobierno en EEUU trae aires más conservadores, aunque ya es casi imposible hacer frente al contagio que suponen tantos años de libertad, se intentan coartar en la medida de lo posible los contenidos más excesivos, condenando a ese tipo de cine a circuitos menos comerciales, el otro factor determinante es la llegada de los efectos visuales por ordenador, fin a la magia, de la perfección y la verosimilitud del látex como piel y el jarabe de maiz como sangre, a gráficos cutremente sonrojantes, echando la vista atrás, solo el enorme trabajo de Stan Winston en “Terminator 2” parece justificado en ese sentido, pero claro, el era un genio adelantado a su tiempo y realmente, en en film se usan técnicas de lo más modernas e innovadoras con formas clásicas bien representadas, sobre todo en el maquillaje, en la fusión está la clave, lástima que casi nadie predicara con el ejemplo.

En los 90 son curiosamente las apuestas más serias las que demuestran su complicidad con el grán público, los productos comerciales han bajado preocupantemente el listón, la busqueda fácil de beneficios ha empobrecido el resultado final, no resisten la comparación con los títulos de los 80, por suerte Hollywood ha aceptado el cambio, lo desuestran películas como “El silencio de los corderos” (1991) de Jonathan Demme, grán triunfadora en los Oscar, un film de enfoque turbio y rabioso, que conecta con el público de manera incontestable, algo impensable años atrás.

En esta texitura, surge Quentin Tarantino, director Freak por excelencia que al mismo tiempo sabe ganarse un merecido respeto desde su primer film, un director capaz de aunar las 2 tendencias de manera magistral y recordar que el talento debe ir unido a la libertad de creación, es el único vehículo realmente válido en esto de hacer películas.

La pregunta podría ser entonces, que nos queda en la actualidad del cine de los 80, la respuesta rápida y más sincera es que solamente la nostalgia, pero no hay que ser pesimistas, gracias a lo sembrado esos 10 años, las nuevas generaciones de directores tienen una biblia en imágenes que les sirve como referencia, para nosotros los cinéfilos, la idea seguir apostando por la calidad de entonces y rebuscar algo de ella en el cine actual, aparte claro está, del compromiso de mostrarselo y servir como guía a los más jovenes, es cierto aquello de que cualquier tiempo pasado fué mejor, también que lo veíamos con los ojos aventajados de los que hoy en día conformamos la generación privilegiada, la misma que creció con ese cine disfruta hoy de mayor atención por parte de los mecanismos de entretenimiento, en la televisión, la música, el mismo celuloide esta destinado a nosotros, disfrutemos pués de la situación afortunada antes de que los que vienen detrás pisando fuerte nos pinten la cara y echen por tierra nuestros planteamientos, considerandolos arcaicos y faltos de argumento, en cualquier caso, cuando eso pase tampoco hay que preocuparse, es ley de vida.

I LOVE 80´S

John Mcclane el

hombre normal en lugar equivocado Por Javier Roquero.

Los años 70 supusieron para los Estados Unidos el mayor fracaso militar de su corta, pero beligerante historia. La guerra de Vietnam fue un conflicto largo, en el que no se seguían las normas tradicionales de la guerra, algo a lo que no estaban acostumbrados los EE.UU. y que supuso una sangría de vidas, unas 60.000 en el bando yankee, además de la perdida de una generación de jóvenes traumatizados por la barbarie vivida en el país asiático, con alrededor de 303.000 heridos.

el

en su juventud. Así surgieron personajes como John Rambo o el coronel Braddock.

Pero la década avanzaba, haciendo cicatrizar viejas heridas y relajando las conciencias. La sociedad había progresado y sus preocupaciones eran otras. Era hora de sustituir a esos héroes que olían a rancio y los ideales avinagrados que representaban. Y así fue como, en el año 1988, de donde nadie lo esperaba, surgió el contrapunto a estos veteranos de la guerra de Vietnam, el Este hecho caló muy hondo en la sociedad antihéroe definitivo, John McClane. americana, algo que hemos podido ver en su cultura y, sobre todo, en su cine. Pero el cine también sirve para crear héroes, y EE.UU. los necesitaba más que nunca. Por eso, en los años 80, florecieron los héroes de acción, soldados y veteranos de Vietnam, capaces de darlo todo por su país sin recibir nada a cambio. Eran hombres valerosos, que se enfrentaban a la muerte sin pestañear por amor a la patria, algo que Estados Unidos necesitaba más que nunca. Algunos eran reacios a cumplir con lo que se les pedía, ya que estaban descontentos con sus dirigentes, superiores o con su país, pero al final acababan abriendo los ojos porque era su deber. Esos soldados representaban los valores que el Estado necesitaba volver a ver

Es cierto que la figura del antihéroe ya la conocíamos, con personajes como el trastornado Travis Bickle, protagonista de Taxi Driver. Pero quizá este prototipo era demasiado extremo y psicópata para ser considerado un héroe de acción, por eso la figura de McClane es perfecta para encarnar a un héroe más acorde con la época. John es sarcástico, de lengua afilada, tiene la capacidad de meterse en problemas y, además, tiene la cara de Bruce Willis. ¿Qué más se puede pedir?

Nunca elegiríamos a ese tipo de hombre para que salvase una situación de vida o muerte, pero John McClane, con su camiseta y su olor a alcohol, será el único que esté para resolverlo y acabar con la ropa hecha jirones y el cuerpo magullado, para soltar su clásico: “Yippee-ki-yay, motherfucker!”.

John Mclane ya no representa a ese héroe que se debe a su patria y que lucha contra el enemigo porque es su deber, sino que es un héroe forzado, una persona normal que estaba en el lugar equivocado, en el momento equivocado, y que si hace lo que hace, es porque “no hay nadie más para hacerlo”.

Seguramente, si preguntásemos por la idea que cada uno tiene de un héroe, nunca saldría un tipo de origen irlandés, con problemas para obedecer a la autoridad, medio calvo, a quien representa su inseparable camiseta interior de tirantes, que, además fuma y, según sus palabras, está a un paso de convertirse en un alcohólico. Tampoco nos fiaríamos de una persona que tiene tendencia a ser un antisocial, despreciado por su propia familia y al que han suspendido de empleo y sueldo en alguna ocasión. Pero lo que es seguro, es que ningún otro héroe se enfrentaría solo, y sin zapatos, a unos terroristas alemanes que han tomado el edificio donde trabaja su mujer, en plena noche de Navidad; o a otras amenazas terroristas, entre ellas, la particular venganza del hermano de ese primer terrorista al que mató.

I WAS AN OCHEN-TEEN!

UN REPASO A LA COMEDIA ADOLESCENTE DE LOS 80

Por Jesús J. Cagigós ¡Venga so mamonazos, moved el culo de una puñetera vez! Que ya están aquí el solecito y las mini-faldas y los bikinis y las pelotas de Nivea, y vosotros no me hacéis nada provechoso. ¿Currar? ¿Con este calorazo? ¡Eso es de perdedores! Yo tengo una interesante propuesta: juntaos los coleguitas, sacad unas birras de la nevera y desempolvad aquellas locas peliculillas hechas con cuatro pavos y repletas de efervescente acné ochenteril. Efestiviguonder, aquellas cintas de las que algunos reniegan – los que “maduraron” o para mayor desgracia digi-evolucionaron en gafapastas – y que a otros muchos nos siguen chiflando, fascinando y descojonando a partes iguales – los perturbados –. El objetivo no es otro que pegaros un soberano empachote de COMEDIA TEENAGER OCHENTERA. Chicos y chicas, núbiles y maduritos, los que vivieron los gloriosos ochenta y los que no tuvieron la dicha: ¡estáis todos invitados al jolgorio!

Para los que aún no sepáis de las hazañas de PeeWee Morris, Bluto o Jeff Spicoli, o bien títulos como Movida en la universidad, No puedes comprar mi amor o El último americano virgen os suenen a swahili, os animo a cerrar los ojos y fantasear.

Imaginad un micro-universo de estudiantes calenturientos sobrehormonados, jamonas con propensión a quitarse el sostén, barriles de cerveza

y novatadas, fraternidades cachondas, voyeuristas de vestuario, rebeldes con causa, jeans y chupas de cuero, empollones gilipuertas, peinados imposibles y estrafalarios, robos de braguitas, macarras de pintas horrorosas, animadoras y nerds, deportistas y “patitos-feos”, campamentos desbocados, bromas groseras y chistes picantes, guaperas y pringados, romanticismo bobalicón y sal gruesa a tutiplén, un rector que está todo el tiempo dando por saco, un chino fanático de la tecnología que no sabe pronunciar la “erre”, un baile de fin de graduación en el que siempre pueden arreglarse las cosas al compás de los ritmos más bailongos de la década, y un final de ensueño coronado por un beso al chico/chica de tus sueños a la luz de la luna mientras suena una maravillosa balada del pop-rock más pasteloso y romanticón. ¡Ah, dulce nostalgia!

Todo aquello podía uno encontrar al meterle caña a los cabezales del vídeo una noche de viernes cualquiera durante la octava década del siglo pasado, en especial aquellos que aún no teníamos pelo en la barbilla o la edad suficiente para hacer ese tipo de gamberradas etílicas. Por aquel entonces tan solo valía soñar y hacerse alguna pajilla a escondidas de tu madre. Pero al darle al play todo un mundo ideal comenzaba a desfilar ante nuestras retinas, y uno no veía la

la hora de hacerse mayor para matricularse en la high school. ¿De verdad crecer sería tan flipante?

Pues no, no lo era, pero nos lo tragamos. ¿Y los pobres desgraciados que durante los ochenta tenían edad de emborracharse? Pues que con estas cintas lograban evocar unas fantasías que desgraciadamente bien poco se parecían a su mundo real. Pero sí, cada fin de semana, salían en busca de alcohol y tetas, muchas tetas. ¿Qué tenía todo esto de especial? No lo sé. Quizás unos protagonistas con los que cualquier imberbe en la edad del pavo podía sentirse identificado. Puede que algo tuviera que ver ese aire mugriento de videoclub que aún sin saberlo ya había embelesado a algunos de por vida, con ese “algo” especial que para algunos enfermos terminales siguen poseyendo aquellos VHS que han sido visionados una y otra vez, a pesar de su ínfima calidad. Puede que fuera la música de grupos como Devo, Billy Idol, Echo & The Bunnymen, Blondie, Simple Minds o The Commodores. Puede que fuera la ingenuidad que destilaban. O simplemente, la magia. Y es que durante aquellos años todavía cabía un lugar para la sorpresa, para adentrarse con inocencia en lo desconocido y vivir aventuras que nunca jamás habríamos soñado. Sí, era otra época definitivamente. Eran los ochenta.

Muchas joyitas de esta enjundia pudieron estrenarse en pantalla grande, como aquellas patrocinadas por los grandes estudios (incluso la Disney en algunos casos) o las que dirigía el inefable John Hughes, pope

del subgénero hormonal (y al que habría que dedicar otro capítulo aparte); pero la gran mayoría gozó de bendita gloria en el mercado del videocasete doméstico, en aquellos templos del entretenimiento de los ochenta que eran los videoclubes de barrio. Otras se emitieron por la caja tonta, limitada por aquel entonces a los dos canales de rigor, la primera y el UHF (a ver ese cani, que no se tire por la ventana… o mejor, que se tire). Mientras que las más subiditas de tono pasaron a formar parte de la programación de madrugada (¡ay, aquellas sesiones golfas!), las más ligeritas se convirtieron en clásicos de la sobremesa de los fines de semana en los noventa. ¿Y qué decir de sus intérpretes? Pues que a muchos les pasó como a Figo tras fichar por el Madrid, o lo que es lo mismo, que pasaron de ídolos a innombrables. ¿Su culpa? Hacerse mayores y no ser capaces de reinventarse en el negocio. Otros, sin embargo, corrieron mejor suerte y llegaron a superestrellas del Hollywood más apestoso.

Pero no queramos darnos gustillo antes de los preliminares. Hete aquí algunos de los rostros más célebres de la comedieta juvenil ochentosa que los freaks siempre recordaremos.

MOLLY RINGWALD: La gran musa del subgénero pajeril fue encumbrada por un John Hughes en estado de gracia al Olimpo de las fantasías onanistas de toda una generación de salidorros.

Esta dulce pelirrojilla de mirada traviesa, sonrisa deslumbrante y morritos comestibles lució palmito en clasicazos como Dieciséis velas – con la que debutó de la mano de su padrino Hughes –, la memorable La chica de rosa o la mítica El club de los Cinco. Su encantador aspecto de “vecinita de al lado” fue clave en su popularidad. De genuina sencillez, simpatía y naturalidad, no se pudo decir que la pobrecilla tuviera precisamente ojo de águila para escoger sus papeles, ya que tras rechazar en 1990 los roles principales en Ghost y Pretty Woman, cintas que podrían haber impulsado su carrera como actriz adulta y habernos librado de la asaltacunas Moore y la “puta-para-laeternidad” Roberts, su trayectoria inició una lenta y dolorosa caída que le fue relegando poco a poco al olvido. Tras participar en bodrietes olvidables como El Cazachicas o Boda pasada por agua y algún éxito esporádico como la mini-serie Hombres y mujeres (je, je), ya en edad adulta se asomó esporádicamente por el Apocalipsis de Stephen King o el slasher Cut, y sus apariciones fueron deviniendo cada vez más auto paródicas en filmes como Secuestrando a la señorita Tingle o No es otra estúpida película americana, en los que demostró tener la inteligencia suficiente como para reírse de sí misma. En los últimos años

se ha convertido en reputada actriz de vodevil con éxitos como Un abril encantado o Cabaret, en la que encarnaba el mismo papel que hizo famosa en cine a Liza Minnelli y demostrando una vez más su gigantesco talento. Siempre nos quedará aquella “next door girl” que nos legó en su etapa teenager.

SCOTT BAIO: Este dicharachero italianini, hermano del actor Steven Baio, dio el salto a la fama con la exitosa serie de finales de los setenta Días felices, en la que interpretó al novio de Joannie Cunningham (con la que tuvo un affaire en la vida real), el carismático Chachi Arcola.

Su debut cinematográfico fue todo un patinazo, precisamente con la cinta La fiebre del patín, comedia teenager ambientada en el mundo de las discotecas de patinaje (¿?). Pero el bueno de Scott será eternamente recordado por el aficionado al cachondeo más libertino por su protagonismo en la divertidísima Movida en la universidad. Luego volvió a la tele, y tras la exitosa Charles in charge también inició su declive profesional interviniendo como actor invitado en series como Hotel, De otro mundo o Padres forzosos. Obtuvo un mayor protagonismo como el Dr. Jack Stewart, uno de los ayudantes de Dick Van Dyke en Diagnóstico Asesinato. Siguió apareciendo en productos catódicos como La niñera, Tocados por un ángel o Apariencias engañosas, dirigiendo incluso algunos episodios de Harry y los Henderson, Infelices para siempre o The Wayans Bros. Pero resulta que además el tipo es un pichabrava y un vivalavirgen, ya que en lo personal su lista de romances incluye a jacas de la talla de Pamela Anderson, Erika Eleniak, Nicole Eggert, Nicolette Sheridan, Brooke Shields y Heather Locklear. Se las busca feas el muy cabrón.

AMANDA PETERSON: Esta preciosa rubita angelical de mirada ingenua nos enamoró en la estupenda No puedes comprar mi amor, en la que su personaje, la recordada animadora Cindy Mancini, también enamoraba a todo un presex symbol y futuro causante de cataratas de estrógenos de nombre Patrick Dempsey, que aún tenía cuatro pelos mal contados en los huevos.

Antes de aquello había participado en series y telefilmes de baja estofa, hasta que participó en la recordada Exploradores de Joe Dante y un año después protagonizar la miniserie A year in the life. Después de interpretar a la Mancini, participó en productos televisivos de liviana relevancia, o como actriz invitada en la recordada Un médico precoz, aquella que protagonizaba un entonces desconocido Neil Patrick Harris, alias Barney Stinson. Poco a poco se fue alejando de los focos,

y en la actualidad colabora en el programa de teatro de la Universidad de Colorado, está casada y tiene dos hijitos (¿alguien se apunta para hacerle un tercero?).

LAWRENCE MONOSON: Este simpático chavalillo con pintas de pringado graciosete nos cayó a todos de puta madre en El último americano virgen, que fue su debut en este negocio, y en la que tenía algún que otro problema para terminar con su estigma de pagafantas. Lució su equina pero simpática sonrisa en la cuarta parte de Viernes 13, en la que su personaje de Ted pretendía mojar el churro – de nuevo – con frases tan indicadas para ligar como “dale un besito al osito Teddy”.

El buenazo de Lawrence seguiría dedicado al cine durante algunos años más, alternando títulos de primera fila como Máscara de Bogdanovich o Gabi, una historia verdadera, con otras producciones de bajo presupuesto: Final Judgement, Me and the King o Black Rose Harlem. Trabajó además en engendros telefílmicos como Al filo de la duda y Noche peligrosas antes de entregarse por completo a papeles esporádicos en la caja tonta: Star Treck: Espacio Profundo Nueve, Sensación de Vivir, JAG: Alerta Roja, Se ha escrito un crimen, Profiler, CSI, Médium, Sin rastro, Closer, Urgencias, Navy, Investigación Criminal… y tantas y tantas otras.

El aficionado ochentoso ha tenido ocasión de rememorar sus entrañables paletos en la secuela de Starship Troopers. Grande Lawrence, aunque no tanto como sus piños.

ROBYN LIVELY: Única en su especie, la amiguita que todos quisimos tener, hasta para jugar a los médicos. Divertida, sexy, traviesa y de buen corazón… oh, lo siento, al menos así la imaginamos muchos tras visionar aquella genialidad titulada Una disparatada bruja en la Universidad. Desde chiquitaja, y tras debutar con seis añitos en el largometraje Summer of My German Soldier la Lively demostró su talento en serie antológicas: El Coche Fantástico, Punky Brewster, Starman, Cuentos asombrosos… Antes de pasar a la retina del aficionado ochenteril con su picarona Teen Witch, participó en algunos papeles secundarios para la gran pantalla – Los buenos tiempos, Gatos Salvajes – y la caja tonta – Un robot en familia y Un robot en familia 2 –.

Después de interpretar a la brujita adolescente, se convirtió en la novia de Daniel-san en Karate Kid 3, y se lió con el odioso Jason – Brandon Walsh – Priestley en la serie El regreso de un ángel joven. Después no le quedó más remedio que lucir su melena pelirroja en meras apariciones esporádicas de naturaleza catódica: Twin Peaks, Vacaciones en el mar, A través del tiempo, Las aventuras del joven Indiana Jones, Chicago Hope, Edición Anterior, Expediente X, Crossing Jordan, CSI: Nueva York, JAG: Alerta Roja, Nip-Tuck, Doctoras de Filadelfia… o participar en telefilmes como Milagro en Navidad o Herencia Mortal.

Aún puede que tengamos suerte y nuestra amiga Robyn levante cabeza, ya que recientemente ha estrenado en cine la peli de serie B Letters to God. Quién fuera brujo para echarle unos cuantos polvos mágicos.

ILAN MITCHELL SMITH: Todos quisimos estar en el pellejo de esta versión adolescente y salidorra del Dr. Frankenstein después de que fabricara a base de Spectrum a aquel pibonazo de La mujer explosiva – la bellísima Kelly LeBrock –, otra perlita del grandioso John Hughes. Antes ya había salido en pelis como Daniel, How to Be a Perfect Person in Just Three Days y The Wild Life. Después de ponerse las botas con Lisa, la morenaza computerizada, proseguiría su carrera en la gran pantalla con títulos como The Chocolate War, Viaje al centro de la Tierra o Identity Crisis.

Tras agonizar interpretativamente dando tumbos en series como Superboy y Medias de seda, el

muchacho parece haber encontrado su sitio como profesor de Universidad en Texas. Quién lo iba a decir, con lo golferas que era el tipo.

PHOEBE CATES: Esta dulce morenita de aspecto aniñado que fue la novia de Billy en Gremlins fue toda una sex-symbol adolescente aunque pudo haber llegado mucho más lejos. Para deleite del aficionado pajillero, Phoebe no dudó en enseñar las peritas cuando el libreto lo requirió. De padre americano y madre filipina, al teenager se la empina. Todo empezó con Paradise, aquella fotocopia grasienta de El lago azul en la que aparecía como Dios la trajo al mundo, virtud en función de la cual se le perdona que entonara el horrendo tema central de la película. Su siguiente aparición estelar fue en la gloriosa Aquel excitante curso, divertidísima cinta perteneciente ya al género que nos ocupa y en la que se convirtió en mito erótico gracias a una secuencia de agarrarse los machos en la que se quedaba en top-less para gozo de Sean Penn, su brillante compañero de casting.

A ésta cinta siguió otra comedieta hormonal de título significativo: Escuela privada para chicas, en la que de nuevo mostraba sus encantos. Tras el telefilme Lazos engatusó a Spielberg para salir en la genial Gremlins. La diminuta Phoebe comenzó a participar en montajes teatrales en Broadway, todos de gran éxito por cierto. Pero en su regreso

a la gran pantalla, el público pareció darle la espalda en Noches de Neón, donde compartía protagonismo con Michael J. Fox, y en Shag: ritmo en los talones. Repitió con Dante en la secuela de Gremlins después de casarse con Kevin Kline. Sus participaciones en cine irían espaciándose cada vez más, en títulos como Te amaré hasta que te mate, Maldito Nick o La princesa Caraboo. Su último papel reseñable fue en The anniversary party, dirigida por su amiga Jennifer Jason Leigh, y desde entonces se dedica por completo a su vida familiar junto a su esposo y sus dos hijos. Phoebe encandiló a toda una generación, no en vano el grupo Fenix TX le dedicó una canción; hasta en el país del Sol Naciente, el famoso mangaka Izumi Matumoto, creador de la mítica Kimagure Orange Road, reconoció haberse inspirado en su imagen para diseñar el personaje de Madoka/Sabrina.

Seguro que a él también le reventó la bragueta la visión de ese cuerpecito compacto.

ANTHONY MICHAEL HALL: Este tipejo pelirrojo con cara de sapo repelente me cayo siempre gordo, y eso que el muy bastardo apareció en algunas cintas míticas de Hughes. De hecho era el empollón de El club de los cinco, posiblemente en su personaje menos odioso. El caso es que a algunos cumplir años les sienta mal, muy mal.

Y es que no solo de fama quedo embriagado

Antoñito, sino también de otra serie de sustancias aun mas perjudiciales. El que fuera reconocido por el populacho como el nerd por excelencia de los ochenta dio sus primeros pasos en el mundo de la publicidad y poco a poco fue asomando el careto por algunas peliculillas infantiles con poca chicha: The Gold Bug y Rascals & Robbers: the secret adventures of Tom Sawyer y Huck Finn.

Luego saldría también en la comedia deportiva Six Pack para hacer luego de uno de los hijos de Chevy Chase en Las Locas Vacaciones de una Familia Americana. Y entonces comenzó su carrera como pagafantas oficial, al encarnar en Dieciséis Velas – la primera de Hughes – al pardillo por excelencia, enamorado de Molly Ringwald y eterno amigo de la chica sin derecho a nada, salvo a una mano bien entrenada. El caso es que mientras tanto el muy canalla se zumbaba a la musa de los teenagers detrás de las cámaras, ya que por aquel entonces la Ringwald era su pareja oficial. Luego le tocaría repetir básicamente su papel de geek en El Club de los Cinco y La mujer explosiva. Por aquel entonces se convirtió en el miembro mas joven en formar parte del elenco del Saturday Night Live, pero allí comenzó su decadencia. No calzaba del todo bien su rol de comediante en el show, y Antoñito empezó a manifestar problemas de adicción al alcohol. Patinazo tras patinazo, fue rechazando papeles importantes en las también

grandes comedias de Hughes La chica de rosa y Todo en un día. Incluso Stanley Kubrick le escogió específicamente para liderar el reparto de La Chaqueta Metálica, pero fue despedido a los pocos días y reemplazado por Mathew Modine.

En Johny be Good lucio cachas y esteroides, y en la espantosa y casposisima Gnomo Cop dejaba que un animatronic con forma de duende horripilante le robara todo el protagonismo con frases antológicas como “Uooooh… ¡Vaya pupus!”.

Luego haría de malo en Eduardo Manostijeras, y seguiría trabajando en el mundillo aunque de forma cada vez mas ocasional, alternando cine y tele con drogas y alcohol. Su ultimo papel de cierta relevancia fue para la serie The Dead Zone, basado en otra novela (y ya van…) de Stephen King. Como diría el inefable Ramón de Pitis, las drogas no son buenas.

Algunos se han quedado por el camino (¿Qué queréis mas? ¡Pues ahí tenéis la wikipedia capullos!): Kelly Preston, Alan Ruck, Lori Loughlin, Thomas C. Howell… siguieron trabajando a duras penas y ganándose el pan malamente, pero si que es cierto que hubo otras candelarias, estas si que mas afortunadas, en la comedia teenager ochentera. Gentes como Mathew Broderick, Robert Downey Jr. o el carismático John Cusack pasarían con mayor o menor esfuerzo a la primera fila del celuloide internacional. Pero vamos a hacer un repaso a algunas simpáticas peliculillas del subgénero y a meterlos todos en el mismo y apolillado saco. Algunos ejemplos de los que se reseñan a continuación servirán a los mocosos inéditos por estos lares para saborear las dulces mieles de la comedia adolescente por primera vez.

A otros, los maniacos enfermizos, quizás les valgan para recordar algún titulo con sonrisa nostálgica y tontorrona, incluso con alguna lagrimilla. A los demás, que por cierto no se que hacen leyendo esto, que les jodan. Desde el romanticismo mas bobalicón hasta la comedia mas grosera y maloliente, el cine teenager de los ochenta se inclina por un extremo u el otro, pero casi todas las películas del genero muestran elementos de ambas. ¡Allá vamos, cacho sinvergüenzas!

Entrad… ¡Entrad, y sed bienvenidos a la Hermandad Alpha-Beta-Gamma-Gili-Teta!

-DESMADRE A LA AMERICANA (1978, John Landis): Vale, no es ochentera, pero esta aquí por buenos motivos: dirige el rey de la comedia ochentera John Landis, es divertidísima, es la pionera de este subgénero estudiantil y dio a conocer a John Belushi, genial como el irreverente y vivalavirgen Bluto, cuya popularidad sin precedentes fue causa directa del exitazo que supuso en taquilla y del aluvión de títulos bastardos, mas o menos afortunados, que le siguieron. Va del enfrentamiento entre la Casa

Omega (los inteligentes y estirados del campus) y la Casa Delta (que hacen de todo menos estudiar).

Adivinen con quienes vamos.

-LOS INCORREGIBLES ALBÓNDIGAS (1979, Ivan Reitman): ¡Bienvenidos al Campamento de verano Northstar! El sinvergüenza de Tripper – genial como siempre Bill Murray – se afana en preparar a los monitores para que sepan controlar a los niños. El problema es que no hay nadie que les controle ni a él ni al resto de monitores,

que andan más salidos que los mandriles del Kilimanjaro. Todo se saldrá aún más de madre si cabe cuando se celebren las olimpiadas veraniegas y se enfrenten a sus rivales directos, los chicos del Campamento Mohawk. Todo un clasicazo.

-LOCURAS DE MEDIANOCHE (1980, Michael Nankin, David Wetcher): Aunque parezca mentira, la Disney fue una de las primeras en subirse al carro de la comedia juvenil mas soez y disparatada, y el caso es que la historia que aquí nos cuentan tiene su gracieta: un grupo de

-PORKY´S (1981, Bob Clark): El recordado Bob Clark dio el pistoletazo de salida a la comedia gamberra de tendencia más grosera y casposa con la recordada historieta de un grupo de estudiantes picarones de Bahía Angel (aunque luego solo recordaremos a Pee-Wee y a Cigarro-Puro) que se vengarán del gordinflón y chuloputas Porky por haberles echado de mala forma de su pulcro establecimiento. Gags memorables como el de la pirindola que se introduce en el agujero de las duchas para chicas, el de Lassie (una profesora de gimnasia conocida así por sus aullidos al alcanzar el orgasmo) o el del negrata que persigue a los bribones por tirarse a su mujer, toda una MILF de cuidado.

Hay que verla para creerla. “¿Está Mick Oño?”

-MOVIDA EN LA UNIVERSIDAD (1982, Robert J. Rosenthal): Tan casposa y mugrienta como distraída y amena. Dos estudiantes de medicina descubren una formula que otorga poderes telequinéticos, así que en lugar de emplearla para convertirse en hombres de provecho, se dedican a levantar minifaldas por todo el campus. Con algunos puntos de ñoñería sublime, no puede visionarse sin darle algunas licencias y disponer de mucho alcohol en vena. Todo un encanto.

-EL ULTIMO AMERICANO VIRGEN (1982, Boaz Davidson): Basandose descaradamente en el modelo “Porky´s” – de la que llega a copiar ciertos gags y personajes, y con una banda sonora excelente – nos cuenta las peripecias de un grupito de salidorros que anhelan ser desflorados.

Es mítica la escena de confusión en la que el gordinflas es pillado in fraganti en el catre con la madre del protagonista y por su propio marido.

Con picante y cachondeo, aire decadente y final estudiantes recibe una invitación para participar tragicómico, nos encontramos ante toda una en un juego nocturno que se desarrollara en joyita del genero ochenteril. la ciudad. Así, tendremos a cinco equipo en liza: el equipo amarillo (los buenos), el rojo (las -EL ÚLTIMO AMERICANO VIRGEN (1982, feminazis), el blanco (los nerds empollones), el Boaz Davidson): Basandose descaradamente en azul (capitaneado por el típico gordo odioso que el modelo “Porky´s” – de la que llega a copiar encima es millonario) y el verde (los jugadores ciertos gags y personajes, y con una banda sonora de rugby que entre todos no reúnen una sola excelente – nos cuenta las peripecias de un neurona). Humor muy, muy, muy absurdo para grupito de salidorros que anhelan ser desflorados.

Es mítica la escena de confusión en la que el toda una curiosidad. gordinflas es pillado in fraganti en el catre con la

madre del protagonista y por su propio marido.

Con picante y cachondeo, aire decadente y final tragicómico, nos encontramos ante toda una joyita del genero ochenteril.

-AQUEL EXCITANTE CURSO (1982, Amy Heckerling): La rehostia. La directora de Mira quien habla se marco todo un pasote de ochentada que a la vez es un reflejo de la mentalidad teenager y de lo que fueron los ochenta en general. Salen un Sean Penn jovencísimo, que aquí interpreta al mítico y supersalido Jeff Spicoli (todo un vago redomado que llega a pedir una pizza en mitad de una clase) y una Phoebe Cates muy, muy calentita y de gran capacidad trempante. En definitiva, una oda al entretenimiento que ensalza los valores mas denigrantes de la juventud. De culto.

-LOS ROMPECOCOS (1983, Rafal Zielinski): Otro hábil remedo de Porky´s que es de lo mas calenturiento. Cinco estudiantes tienen una sola obsesión, de nombre Purity Busch, la chica mas virginal y odiosa de la escuela y a la que todos se quieren tirar a toda costa. El caso es que ahora están castigados por su culpa y claman venganza, por lo que tendrán que trabajar unidos. Espejos para ver debajo de las falditas, falsos doctores que auscultan a las alumnas, chistes zafios y mucho guarreo. En definitiva, la monda lironda.

-LA REVANCHA DE LOS NOVATOS (1984, Jeff Kanew): Los nerds más extravagantes – Robert Carradine o un Anthony Edwards pre-Urgencias) deciden unir fuerzas y fundar su propia fraternidad después de haber sido rechazados en todas las demás. Al final, un partido de rugby pondrá las cosas en su sitio y quién sabe… quizás los inadaptados mojen el churumbel. Muy divertida y con unos puntazos memorables.

-DIECISEIS VELAS (1984, John Hughes): A mí ésta me chifla, y eso que es tontorrona a rabiar.

La guapa Samantha – Molly Ringwald – está a punto de cumplir los dieciséis, pero no es todo lo feliz que quisiera. Está enamorada del chico mas popular del colegio, y a su vez, el chico menos popular lo está de ella. Para colmo, su familia esta tan ocupada con la futura boda de su hermana, que se olvidan de celebrar su cumpleaños. Es dura

la vida a los dieciséis, ¿verdad chicos/as? El debut de John Hughes, y un auténtico bombazo en su momento.

-LA MUJER EXPLOSIVA (1985, John Hughes): Gary y Wyatt son dos persiguebragas que no gozan de excesiva popularidad en la escuela. Para olvidar sus penas deciden programarse su propia mujer perfecta, una hembra que les satisfaga en todo salvo en cuestiones sexuales (¡Pero qué mierda de programa es ese!). La espectacular Kelly LeBrock empaparía nuestros sueños adolescentes a raíz de salir en esta desvergüenza hecha película.

Divertidísima y emblemática. John Hughes merece un altar.

-UN CHICO COMO TODOS (1985, Lisa Gottlieb): La guapa Terry se siente discriminada en la escuela por el hecho de ser chica, y decide resarcirse participando en un concurso de literatura… solo para chicos. Así que a travestirse toca, aunque nuestra chica-chico no contaba con enamorarse. Como diría Mario Vaquerizo, “(…) tras-vestismo y mariconeo… ¡nuestro mundo!”.

Muy divertida y con Sherilyn Fenn, una autentica diosa de los ochenta.

-ÚLTIMO DÍA DE VERANO (1985, James Orr): Apestosa y entretenidísima barrabasada, con un par de estudiantes que se citan con dos muchachas que acaban de conocer en un parque de atracciones y, como el titulo indica, quieren exprimir al máximo su ultimo día del verano y de paso perder la virginidad. De por medio, una panda de ladrones patosos haciendo de las suyas. Y que conste que todo comienza cuando el protagonista se embelesa de una de las chicas después de verle las bragas. Arriba el romanticismo.

-PUNTO DE RECREO (1985, George Bowers): Grotesca, simpática y llena a rebosar de chicas de culo inquieto y sostén sueltecillo. Rob – Doctor en Alaska – Morrow y un gran Johny Depp adolescente se van de vacaciones a un lujoso hotel de Miami con un solo objetivo y mente: ¿escribir un libro? Estos no son personajes de Stephen King, amiguetes. Solo quieren FOLLAR. -ADMIRADORA

SECRETA

(1985,

David

Greenwalt): Encantadora resulta esta comedia de enredo que parece hecha casi al estilo clásico, realizada con gracia y desparpajo, y en la que una jovencísima Lori Loughlin escribe una carta de amor a su mejor amigo, que no sabe nada de lo que siente la chiquilla, solo para causar un sinfín de graciosos malentendidos. Mucho ritmo y acertadísimos gags para una de las mejores cintas del género. Y encima Kelly Preston enseña las tetitas.

pasan cinco estudiantes castigados en la escuela, sin nada que ver – aparentemente – entre ellos, y como en ausencia del director se empezarán a dar cuenta de lo mucho que tienen en común.

Descorazonadora y a la vez optimista. De culto es también el tema “Don´t You Forget About Me”, de Simple Minds, todo un himno de los ochenta.

Irrepetible. ¡Cagando hostias a por ella!

-TODO EN UN DIA (1986, John Hughes): Mathew Broderick, también conocido como el emblemático Ferris Bueller, decide disfrutar de unas vacaciones anticipadas aprovechando la ausencia de sus padres. Acompañado por su mejor amigo y su novia, se dispondrá a realizar todo aquello que no puede hacer normalmente en su día a día. Divertidísima y brillante, recupera el espíritu de los viejos slapstick. MÍTICA.

-JUEGOS DE AMOR EN LA UNIVERSIDAD (1985, Rob Reiner): El director de Cuenta Conmigo realizo esta fabulosa road movie repleta de comicidad y romanticismo. John Cusack y Dapne Zuñiga (¡brrrrrrrr!) no se soportan por causa de sus diferentes personalidades. De hecho, ella los prefiere maduros. Pero, hete aquí, que durante el viaje de sus vidas, se darán cuenta de que quizás sí que puedan sobrellevar su compañía. -MODERN GIRLS (1986, Jerry Kramer): Inolvidable, y todo un soplo de aire fresco en su Considerada pieza de culto por buenas razones. momento.

Salen jamonas como Daphne Zuñiga, Cynthia Gibb o Virgina Madsen, y la música es de Depeche -EL CLUB DE LOS CINCO (1985, John Hughes): Mode, Chris Isaak o Jesus & Mary Chain, entre La película de culto por excelencia, no solo en otros. Chicas alocadas y ochenterismo hortera a cuanto a comedia ochentera, sino también todo tutiplen. Para meterte en una capsula del tiempo un hito del séptimo arte: si no la has visto ya tardas. y no salir.

Esta obra maestra, todo un canto generacional entonado con tanta sensibilidad como sentido del -LA CHICA DE ROSA (1986, John Hughes): De ritmo y crudeza, relata la mañana de sábado que nuevo la hermosa Molly Ringwald, que aquí se

enamora de Andy McCarthy. El problema es que su entorno no parece estar muy por la labor de que la relación salga adelante, empezando por el mejor amigo de la chica, como es de suponer enamorado de ella. Una de las mas recordadas de Hughes, hará las delicias de los fans más romanticones.

Soundtrack fabulosa para una historia rebosante de encanto ochenteril.

-MANIQUÍ (1987, Michael Gottlieb): Yo debo estar enfermo, porque el caso es que este zurullo también me gusta. Jonathan – Andy McCarthy – es el dependiente de unos grandes almacenes que una noche descubre que uno de los maniquíes es una diosa del antiguo Egipto reencarnada, viviente y macizorra, la guapísima Kim Catrall, de la que perdidamente se enamora. Por medio, un negrata mariquita vestido con pintas estrafalarias y que hace daño a la vista y al gusto. Les advierto que el visionado de este producto puede perjudicar seriamente la salud mental, aunque a nosotros ya nos da igual.

-NO PUEDES COMPRAR MI AMOR (1987, Steve Rash): Un pringadísimo púber encarnado por el señor Patrick Dempsey, todo un especialista recortador de césped a tiempo parcial y pagafantas a tiempo total, le ofrece a la diosa blanca Amanda Peterson que salga con el a cambio de sacarla de un embrollo económico, y así obtener la ansiada

popularidad en el instituto. El plan le sale bien en principio y se convierte en un chico guay, pero no es oro todo lo que reluce… ni mierda todo lo que jiede. Ritmo, diversión, romanticismo y ambiente ochentoso para una de las grandes. Para el recuerdo queda ese final, con la Peterson y el Dempsey montados en la corta-cesped y riendo en el atardecer, ella con sombrero de cowboy, mientras suena el tema de la peli, el “Can´t buy my love” de los Beatles. Joyaza sin parangón.

-UNA MARAVILLA CON CLASE (1987, Howard Deutch): Otra joya del romanticismo mas potito, de nuevo con triangulo amoroso de por medio y guión de Hughes. Una rockerilla y preciosa Mary Stuart Masterson esta colada por el cara-acelga de su amiguito de siempre, que pierde el culo (y la polla) por la chica mas popular del colegio, que no es otra que Lea Thompson – que salía en Regreso al Futuro y en una de las cintas de cabecera del Sr. Ferrer, El Pato Howard –. Para ver con la churri y arrancarle algún achuchón: una de esas pelis que ya no se fabrican.

-HEATHERS (1989, Michael Lehmann): Una de las mejores comedias de la década, repleta de humor negro y satírico, y en la que destacan la fabulosa Wynona Ryder y una macizorra Shannon Doherty que ya había pegado el petardazo con Sensación de Vivir. La cosa va de un grupo de chicas super-guays y mega-populares que son unas autenticas zorrupias y japutas. Todo se complicara cuando la Wynona se encariñe de

un muchachito que resultara ser un verdadero psicópata y por ende, la horma del zapato de esas dulces chiquillas.

-UNA DISPARATADA BRUJA EN LA UNIVERSIDAD (1989, Dorian Walker): La preciosa Robyn Lively se va a convertir en bruja al cumplir los dieciséis, lo cual aprovechará para conquistar al guaperas del equipo de football y convertirse en la chica más popular del insti.

Hortera y simpática, poseedora de un encanto especial, y con una coreografía antológica por parte del club de animadoras en los vestuarios, interpretando el obsesivo “I like boys”. Para mear y no echar gota, y de paso enamorarse de la buena de Robyn. Un puntazo. ¿Queréis más? Pues ya estoy hasta los huevos de reseñar, así que os dejo unos cuantos títulos más por si queréis seguir indagando en los entresijos de la comedia teen ochentera: REGRESO A LA ESCUELA, ESCUELA PRIVADA… PARA CHICAS, MÁS VALE MUERTO, AMOR AL PRIMER MORDISCO, UN GRAN AMOR…, SUMMER SCHOOL, CITA MISTERIOSA, LOS MATASANOS, G.O.R.P., EL MUNDO DE WAYNE, EL CAZACHICAS, CLASS, HIGH SCHOOL USA, NAPOLEÓN DYNAMITE, LAS LOCAS AVENTURAS DE BILL Y TED, FOOTLOSE… incluso la recordada DE PELO EN PECHO. Y tantas, y tantas otras… Hale, a darle al google cacho cabrones. ¿O que os habéis pensado? ¡Que ser todo un OCHEN-TEEN requiere un mínimo esfuerzo!

Un Cimerio en los 80 Por Salvador Vargas Conan el Bárbaro, (también llamado Conan el Cimmerio o Conan de Cimmeria) es un personaje de ficción creado en 1932 por el escritor Robert E. Howard (John Carter) para una serie de relatos destinados a la revista de relatos pulp Weird Tales.

Es el claro reflejo del anti-héroe, un icono de la fantasía americana y el bárbaro más famoso de la ciencia ficción.

Sus relatos suelen ser clasificados dentro de la fantasía heroica o la espada y brujería. Desde su creación ha aparecido en libros, cómics, películas, programas de televisión, videojuegos, juegos de rol, de mesa y en otros medios. Vivió en la ficticia Era Hiboria, en una época fantástica comprendida entre los años del hundimiento de Atlantis (una isla que Howard ideó basándose en el mito de la Atlántida) y los de las migraciones de los arios.

SU ADAPTACIÓN A LA GRAN PANTALLA Adaptar Conan a la gran pantalla no es un hecho tan antiguo como la época en la que transcurren sus historias pero casi. Robert E. Howard vio publicada su primera historia sobre el personaje en 1932 y el apogeo de su popularidad llegó en los 60 y 70, gracias a los cómics de Roy Thomas para Marvel, así que las intenciones de llevarlo al cine datan, al menos, de 1975, cuando el propio Thomas y el productor Edward Summer escribieron un libreto que nunca vería la luz.

Edward R. Pressman tuvo que desembolsar casi 340.000 euros, al cambio actual, para hacerse

con los derechos de Conan. Dado que Robert E. Howard murió joven y sin hijos, las licencias sobre sus personajes se hallaban en poder de su heredero literario, R. Sprague De Camp, y su agente Edward Lord, quienes eran conscientes de lo suculento que resultaba el bárbaro como fuente de ingresos. Posteriormente, Pressman vendió su opción sobre el personaje a Dino De Laurentiis por una cantidad no especificada.

CONAN EL BARBARO Una vez Laurentiis tuvo los derechos comenzó a buscar guionistas para el proyecto. Aparte de por sus guiones para Apocalypse Now y Harry el Fuerte, el futuro director John Millius era conocido en Hollywood por haber firmado, en 1978, la película sobre surf El gran miércoles.

Con su fichaje además del guión y la dirección le acompañó su amigo de fatigas sufistas Gerry López, actor que daría vida a Subotai.

Además de Millius, se unió al proyecto Oliver Stone. Con los traumas del conflicto asiático aún frescos, sumido en una etapa muy politoxicómana y sin haber leído ni uno de los relatos de Howard, Stone se incorporó a Conan el bárbaro como guionista gracias a la fama que El expreso de medianoche le había procurado. La idea de Stone era ambientar el film en el futuro y hacer que Conan se enfrentase a zombies radiactivos.

Tras los primeros delirios de Stone, el guión que este firmó junto a Millius acabó partiendo de múltiples fuentes. Algunos de sus aspectos, como la larga secuencia de la Torre de la Serpiente, parten de relatos como La torre del elefante y Ladrones en la casa, el personaje de Valeria (Sandahl Bergman) apareció en la historia Clavos rojos, mientras que el villano Thulsa Doom (James Earl Jones) no es uno de los enemigos titulares de Conan, sino de otro guerrero howardiano: el Rey Kull de Atlantis.

recordase la inenarrable Hércules en Nueva York o siguiera los concursos de Míster Universo. Pero ese mismo año, apareció en el documental sobre culturismo Pumping Iron y de esta forma llamó la atención de E. Pressman. Curiosamente el mayor problema no era su evidente inexperiencia como Para los diseños de producción se firmó a Ron actor, sino su marcado acento austriaco, problema Cobb, quién saltó a la fama en los 60 con sus dibujos que solventó junto al propio Millius que le dio psicodélicos para portadas de Jefferson Airplane y clases de inglés. otros grupos californianos, para después trabajar en filmes como La guerra de las galaxias, Alien Otro de los problemas era su volumen muscular, y En busca del Arca perdida. Steven Spielberg, aunque en principio esto fue lo que le valió el fan de su trabajo, contó con él para dirigir E. T. papel irónicamente tanta masa muscular en la el extraterrestre hasta que, en una decisión que parte pectoral le impedía alzar la espada por tanto marcaría su carrera, eligió guardarse el proyecto. tuvo que reducir su rutina de ejercicios. Kiyoshi Yamasaki fue quién instruyó a Arnold en esgrima En las historias de Howard, Conan es más bien y además tiene un pequeño papel en el filme. moreno (de pelo y de piel), luce unos pectorales prominentes y su rostro rebosa de astucia y mala Una vez decidido el reparto faltaba por concretar leche. Con estas premisas los primeros candidatos el lugar de rodaje. En un principio Laurentiis para interpretar al cimerio fueron Charles se lo llevaría a Yugoslavia por los bajos costes y Bronson (algo mayor para el papel) y un tal por la cercanía con su Italia querida. Pero en Sylvester Stallone, por entonces en la cresta de la mayo de 1980 la muerte del dictador Tito hacía ola gracias a Rocky. No obstante, Stallone estaba presagiar cierto miedo a una posible guerra civil muy ocupado en aquel momento, y el papel fue a en el desaparecido país balcánico. En su lugar la producción se trasladó a España, concretamente parar a un desconocido culturista austríaco…

Almería y la sierra de Madrid. La cercanía del Arnold Schwarzenegger en 1976, no significaba rodaje sirvió para que la diva del destape Nadiuska gran cosa para el cinéfilo medio, salvo que este y un pipiolo Jorge Sanz, participaran en la película

interpretando a su madre y a un joven Conan que presencia la muerte de sus padres. Este hecho propició que su estreno mundial se llevase a cabo el 15 de marzo de 1982 en Madrid, concretamente en la gala de los Fotogramas de Plata.

Como tantos otros blockbuster ochenteros (En busca del Arca perdida, La guerra de las galaxias, Los cazafantasmas…), Conan el bárbaro sufrió el apaleamiento por parte de la crítica. ‘La fantasía perfecta para un quinceañero alineado’ era alguna de las perlas que los críticos vertieron sobre ella, además de calificarla de ser excesivamente violenta.

Aunque también hubo quien le recriminaba que no llegara a los niveles de gore de la obra de Howard. Como suele ser habitual esto no freno su éxito en taquilla, la película que costó 20 millones de euros, consiguió recaudar mundialmente 153.

Sin lugar a dudas significó la catapulta ideal hacia el estrellato de Arnold Swcharzenegger, además de una de las películas más icónicas de los añorados años 80. Pero si hay algo remarcable y que incluso capta la atención de los mayores detractores de la película son los coros y la música sinfónica compuestos por Basil Poledouris Al principio Dino De Laurentiis, pensó en una banda sonora que tendiese más a la música pop.

Pero finalmente fue convencido por Milius para enfocarla desde un punto de vista más clásico y orquestal. Para ello se encomendó la tarea al

greco-estadounidense Basil Poledouris, que pasaría a la historia por su trabajo en Conan el Bárbaro. El compositor evoca la ópera en todo momento, logrando el contraste musical dulce, melódico y nostálgico de las piezas con la personalidad salvaje de Conan. Muy aplaudidos fueron sus poderosos coros y la utilización del viento metal, además de varios leitmotivs como el tema Riders of Doom. La banda sonora ha sido descrita en multitud de ocasiones como una de las mejores de todos los tiempos.

CURIOSIDADES - Oliver Stone escribió el guión original como si fuera 1 de 12, su idea era que Conan regresara año tras año como James Bond, pero no se pudo concretar.

- El guión requería que Conan lanzase una antorcha a través de la ventana del palacio. Schwarzenegger falló su primer intento, pero no se pudo repetir la toma ya que el set empezó a arder, tal y como estaba previsto.

- Un 23 de febrero la Guardia Civil entró en el rodaje y paralizó la producción, debido a que se estaba produciendo el famoso Golpe de Estado de Tejero que gracias a Dios no prosperó.

- La actriz que interpretó a la aventurera Valeria, Sandahl Bergman, perdió parte de un dedo en una de las secuencias de lucha.

VERSIONES Universal distribuyó diferentes versiones de la película. La versión original proyectada en cines tenía una duración de 129 minutos. Para la edición en vídeo, el estudio ofreció esta versión además de otras dos más cortas; una de 115 minutos de duración, y otra de 123 minutos.

La versión original para cines fue la que se incluyó en el primer DVD de la película, lanzado en 1998.

En el año 2000, Universal sacó al mercado una edición "coleccionista" en DVD. Entre varios extras, la versión contenida en este último disco disponía de dos minutos adicionales de imágenes, quedando por lo tanto un metraje de unos 131 minutos de duración. Esta versión es la única disponible actualmente, todas las demás están descatalogadas.

CONAN EL DESTRUCTOR Tan sólo dos años después del estreno de 'Conan, el Bárbaro' llegaba a la gran pantalla una secuela que en demasiados aspectos no cumplió las expectativas. El terreno estaba ya abonado y se contó nuevamente con la presencia de Arnold Schwarzenegger, pero el intento de repetir la fórmula y transformarla en una película para todos los públicos provocó que todo quedara en un quiero y no puedo.

Tal vez la frase que definiría esta secuela es la avaricia rompe el saco. Tras la buena recaudación de taquilla de Conan El Bárbaro, Dino de Laurentiis y la distribuidora creyeron que rebajando el nivel de violencia y haciendo una película accesible a todos los públicos la recaudación sería aún mayor.

Además debido a la mala relación que tenía con Dino De Laurentis, John Milius se negó a dirigir la película, así que la productora tuvo que buscar a un sustituto con garantías. El escogido fue Richard Fleischer, que ya había demostrado tener buena mano con el género de aventuras en películas como 'Los vikingos' o '20.000 leguas de viaje submarino', y además había trabajado con Laurentiis en ‘Barrabas’ y ‘Mandingo‘. Fleischer, a pesar de hallarse en el ocaso de su carrera, consigue sacar adelante la película con una buena

cantidad de escenas de acción que contrastan poderosamente con el tono oscuro y calmado de la primera película. Quizás el problema es que vemos repetida la fórmula original pero con un sabor muy diferente que no le hace justicia a un personaje como Conan.

Roy Thomas y Gerry Conway, dos guionistas de comic, se encargaron de escribir la historia mientras que Stanley Mann dio forma al guión definitivo. Poco les gustó a los dos escritores el resultado, ya que años después decidieron publicar por su cuenta la historia original en un cómic que llevó por título 'El cuerno de Azoth'.

Los nombres de los personajes de la novela fueron sustituidos por otros para no tener relación con la película, así pues, Dagoth pasó a llamarse Azoth, Jehnna fue Natari, Zula se convirtió en Shumballa, Bombaata en Strabo, Toth-Amon en Rammon, y el personaje de la Reina Taramis se convirtió en el hechicero Karanthes, padre de Natari.

Uno de los pilares de la película es, como no podría ser de otra forma, la presencia de un imponente Arnold Schwarzenegger. Físicamente se encontraba en el momento más pletórico de su carrera, y eso se nota a poco que comparemos su trabajo con el de 'Conan el bárbaro'. No obstante, a nivel interpretativo no hay mejoría, en gran parte debido al exceso de escenas de acción y la persistente falta de líneas de diálogo. También se contó con la compañía de Grace Jones, una cantante negra de aspecto muy fiero que saltó al estrellato en los 80 participando además en otros films como Panorama para matar de la saga de James Bond. Esta vez Conan también tendrá un compañero ladrón, un chistoso muy cargante que no se puede ni igualar a nuestro añorado Subotai, y la espontánea colaboración del mago interpretado por Mako, que repite papel en esta secuela.

Uno de los lunares más negros de esta cinta fue la contratación de Wilt Chamberlain. El que fuera un jugador de baloncesto sin experiencia alguna en cine, interpretaba a un sirviente que trataba de proteger la virginidad de la bella sobrina de la reina. No dejó de ser curioso puesto que las correrías del amigo Wilt con las mujeres siempre

fueron vox populi. Si a eso le sumamos la fama de a la historia, y debido a una guerra de derechos Arnold con el sexo opuesto el argumento se nos los productores se vieron obligados a cambiar el viene completamente abajo. nombre Conan por el de Kalidor aunque volvieron a contar con Swcharzenegger.

Hay otros secundarios que en cambio están bien escogidos, por ejemplo Sarah Douglas en la piel En 1987 todo estaba preparado para recuperar de la reina Taramis. Uno de los sex symbols de los al personaje con Conan El Conquistador, pero el 80, y que recordaremos por papeles como Ursa en contrato de Arnold había expirado y éste te había 'Superman II' o haciendo de lagartona malvada en comprometido con Fox para rodar Predator. Todo la popular serie de TV 'V-Los visitantes'. La otra quedó en el aire y de echo se intentó retomar en nota sexy la ponía Olivia d´Abo, aunque tal vez varias ocasiones más pero los diferentes proyectos su actuación no era tan remarcable ya que parecía que ‘Arnie’ iba rodando le apartaban cada vez más extraída de un videoclip de la época y encajaba de la franquicia. En su lugar se optó por recurrir poco con los demás componentes del grupo. Y a otro personaje del universo de Howard, Kull el mención cariñosa para André el Gigante, que conquistador. La película pasó sin pena ni gloria aunque no muestra el rostro ni una sola vez es y recibiendo unas críticas durísimas. quien está dentro del disfraz de Dagoth.

Ante las insistencias de los fans del cimero Curiosamente esta secuela se acerca más a los que pedían a gritos una versión más fiel de las comics de Conan que su antecesora. Porque sí, historias y cómics, en 2011 Marcus Nispel dirigió pierde la épica pero al mismo tiempo profundiza Conan El Barbaro con Jason Momoa en lugar de en el género de aventuras. Que esto sea una buena Arnold. Si bien la película es bastante entretenida noticia o una mala dependerá de cada uno, a y visualmente no hay nada que reprocharle, tal fin de cuentas el género de "Espadas y Brujería" vez no alcanza el nivel de la original. o lo amas o lo odias. También es verdad que el presupuesto de esta película fue inferior al de Siempre el rumor más fuerte y deseado, ha sido 'Conan el bárbaro' y el diseño de producción es una nueva entrega con Millius en la dirección y francamente cutre en determinados momentos, Arnold dando vida a Conan. Ese proyecto siempre como por ejemplo las pintas que luce Toth-Amon, fue llamado Conan Rey, y durante un tiempo se los vestuarios o incluso algunos sets de decorado. especulaba con su posibilidad una vez Chuache Fue rodada en distintos lugares de México como terminara con sus labores como Gobernador de Pachuca de Soto, Nevado de Toluca y los Médanos California. A día de hoy y con un Schwarzenegger de Samalayuca, además también se rodó en los recuperado para el cine los rumores siguen en el estudios cinematográficos de Churubusco. aire, aunque queda claro que el papel de Conan sería muy diferente al de sus antecesoras, pero eso Recaudó treinta y un millones de dólares en es otra historia…

Estados Unidos, lo que representaba un menor taquillaje que su predecesora aunque recaudó más que esta en el resto del mundo consiguiendo otros sesenta y nueve millones.

RED SONJA, CONAN EL CONQUISTADOR Y OTROS PROYECTOS Tras el batacazo de Conan el destructor, la saga dio un giro con la espeluznante Red Sonja.

Conocida en nuestro país como El guerrero rojo, incorporaba a la espectacular Red Sonja (Briigitte Nielsen, exmujer de Sylvester Stallone)

Por General Nathan Kurtz INTRODUCCIÓN

FICHA TECNICA Y PÓSTER OFICIAL

"Blade Runner", dirigida por Ridley Scott en 1.982, es una película de ciencia-ficción que pese a no tener un estreno brillante, ni una buena acogida inicial entre la crítica norteamericana, con el paso del tiempo se convirtió en una película de las denominadas "de culto".

Como muchos de vosotros ya sabréis esta película tiene diversas versiones que, pese a tener diferencias aparentemente sencillas, cambian completamente el sentido que tiene la cinta.

Dichas versiones, que son seis, son las siguientes:

La cinta, como veremos a lo largo de este artículo, nos presenta un futuro distópico y alienante que aúna los rasgos típicos del cyberpunk y los del film noir (cine negro) para crear un producto único que, por si esto fuese poco, incluye un profundo discurso filosófico-religioso que sacude la mente del espectador y ofrece distintas lecturas cada vez que se ve.

• Preestreno de prueba de Denver / Dallas) (1982) • Preestreno de prueba de San Diego (1982) • Versión para los cines de EE.(UU (1982) • Versión para los cines europeos (1982) • Montaje del director (1992) • El Montaje final (2007-2008)

En el Podcast Nº17, de La Órbita de Endor que vio la luz el 6 de mayo de 2.011, dedicamos un monográfico a esta mítica cinta y el presente artículo recoge lo que contamos en dicha grabación más todo aquello que, por razones de tiempo, no pudimos mencionar o no hubo ocasión para hacerlo. Disfrútalo.

El "montaje del director", que se supone que muestra la película tal como la quería en origen Ridley Scott, contiene dos tomas aéreas adicionales del acercamiento al edificio principal de la Tyrell Corporation, dos primeros planos del ojo de Holden y dos tomas de éste desde atrás que no se ven en otras versiones. Se añade la frase "Este aviso es patrocinado por la Corporación Shimato

Dominguez - Ayudando a América en el nuevo mundo", en el vuelo hacia la jefatura se puede oír a Gaff diciendo algo en jerga urbana y se realizan mejoras sustanciales en el sonido. Por supuesto se elimina el final feliz impuesto por la productora [*] al igual que la voz en off y se añade la mítica escena del unicornio de la que ya hablaremos con detalle más adelante. [*] El final de la película fue cambiado por exigencias del estudio y aunque Ridley Scott quería que la película finalizase cuando Rachael y Deckard entran en el ascensor, los responsables de la productora decidieron que la película requería un final más feliz y menos ambiguo. Para lograrlo se impuso la inclusión de unas tomas aéreas de un vehículo circulando por una carretera que diesen a entender que el policía y la replicante huían y vivían felices. Dichas escenas fueron tomadas de los descartes de "El Resplandor" (Stanley Kubrick 1.980) en la que también trabajó Joe Turkel (Dr. Tyrel).

Aunque las versiones son, como hemos dicho, diferentes, la ficha técnica que presentamos bajo este párrafo se puede considerar básicamente la misma para todas ellas.

Titulo original: Blade Runner.

Titulo en castellano: Blade Runner.

Nacionalidad: Estadounidense / Año 1.982.

Compañía: Warner Bross Pictures.

Género: Ciencia ficción / Drama / Film Noir .

Director: Ridley Scott.

Guión: Hampton Fancher y David Peoples.

Basada en: La novela de Philip K. Dick: Do Androids Dream of Electric Sheep? ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?

Fotografía: Jordan Cronenweth.

Música: Vangelis.

Montaje: Les Healey (Montaje del director) Marsha Nakashima Efectos especiales: William Curtis.

Nota 1: Hampton Fancher fue quién más trabajó en el guión y presentó un montón de versiones al director que no se cansó de corregirlo y cambiarlo. En la red se pueden descargar las primeras versiones, hechas casi en exclusiva por Fancher y en al cuales los personajes tienen muchos cambios siendo tal vez lo que más destaca la frialdad de Rachel (Mata a León sin inmutarse, es físicamente incapaz de sonreír y de llorar y se entrega sexualmente a Deckard sin ofrecer ninguna resistencia y de modo muy pasivo).

Nota 2: El autor de la novela original, Philip K. Dick, no participó en el guión ni colaboró con los autores de este ni con el director sin embargo, aunque murió antes del estreno pudo ver una cinta de prueba de algo más de cuarenta minutos que al parecer le gustó mucho.

LOS ACTORES Esta película es un trabajo bastante coral y aunque Harrison Ford lleva la mayor parte del peso de la cinta, y de la narración, encontramos personajes con una participación escasa pero que resultan vitales para el éxito de la película. Seguidamente os mostramos una imagen y un pequeño texto sobre algunos de los más destacados.

Actor: Harrisond Ford.

Personaje: Rick Deckard.

Descripción: Ex policía, ex asesino, ex miembro de la brigada Blade Runner. Se ocupaba de matar (ellos lo llamaban retiro) a los Replicantes si estos incumplían la prohibición de acceder a la tierra.

Es obligado a volver a su viejo trabajo por su jefe, el capitán Bryant, quien, pese a considerarlo su mejor hombre, ordena a su compañero Graff que lo vigile de cerca.

Actor: Rutger Hauer.

Personaje: Roy Batty.

Descripción: Replicante modelo Nexus 6, líder de un grupo de pellejudos que llegan a la tierra en busca de respuestas sobre su futuro y su prematura muerte. Mantiene una íntima relación con su compañera Pris y aunque su vida se agota sigue poseyendo gran fuerza física y velocidad y un intelecto privilegiado que le permiten acceder a su creador, el doctor Eldon Tyrell.

Actriz: Sean Young.

Personaje: Rachel.

Descripción: Androide ultramoderno creado por la Corporación Tyrell que vive ajena a su verdadera naturaleza hasta que Deckard, tras acostarse con ella, se lo releva. Posee unos recuerdos implantados, posiblemente pertenecientes a la sobrina de su creador. Al ser un prototipo no tiene una fecha fijada para su final biológico pero como el resto de androides no puede vivir en la tierra.

Actor: Joe Turkel.

Personaje: Dr. Eldon Tyrell.

Descripción: Dueño de la Corporación que lleva su nombre y creador de los replicantes. Es ingeniero genético, desarrollador de sistemas y responsable del diseño de los cerebros de los modelos Nexus 6. Vive alejado del mundo en un moderno zigurat pero Roy consigue llegar hasta el a través de J.F Sebastian, uno de sus colaboradores.

Actriz: Daryl Hannah.

Personaje: Priss.

Actor: Brion James.

Descripción: Androide Nexus 6 creada como modelo básico de placer que mantiene una relación con Roy. Para ayudar a su compañero a llegar hasta el doctor Tyrell seduce a J.F. Sebastian haciéndose pasar por una mujer débil y desamparada. Es "retirada" por Deckard tras una dura pugna en la que la joven está a punto de acabar con el experimentado Blade Runner.

Personaje: León.

Descripción: Replicante modelo Nexus 6 de combate. Fuerte y resistente pero con una inteligencia limitada. Se comporta de forma infantil en algunos momentos de la película, se aferra a sus recuerdos fotográficos y a punto está de acabar con Rick Deckard. Aunque no se ve en pantalla con mucha nitidez su número de serie es N6MAC41717 y su significado se explica en este artículo.

Actriz: Joanna Cassidy.

Personaje: Zhora Descripción: Replicante modelo Nexus 6 diseñada tanto para el combate y para el placer. Se refieren a ella como una mezcla de la bella y la bestia. Se gana la vida en los bajos fondos realizando un número erótico con serpientes artificiales y una de las escamas de estas es la pista que permite a Deckard encontrarla y cazarla.

Actor: William Sanderson.

Personaje: J.F. Sebastian .

Descripción: Ingeniero genético que trabaja para Eldon Tyrell con el que además suele jugar largas partidas de ajedrez. Vive solo, rodeado de juguetes humanoides muy raros, algunos de ellos creados con ingeniería genética, y padece una extraña enfermedad, "Síndrome de Matusalén" que lo hace muy vulnerable. Gracias a ello Pris se gana su confianza y eso termina dando a Roy acceso a su creador.

Actor: Edward James Olmos.

Personaje: Gaff.

Descripción: Miembro de la brigada Blade Runner al que su jefe, el Capitán Bryant, le ordena que vigile de cerca a Rick Deckard. Es aficionado a la papiroflexia y deja figuras realizadas con diversos materiales que mandan mensajes concretos a su compañero. No interviene en la misión de Deckard ni le ayuda cuando lo precisa ya que se limita a vigilarlo mostándose frío y sarcástico.

Alguno tal vez echará en falta en esta lista a James Hong (Hannibal Chew), Morgan Paull (Holden) y a M. Emmet Walsh (Capitán Bryat), y esto se deba a que no queríamos extendernos en exceso en este apartado ya que lo importante es el análisis de la cinta y las curiosidades que expondremos más adelante. Lo que si nos gustaría indicar es que en el guión original Holden tenía mucha más presencia e importancia que Gaff ya que era amigo personal de Deckard, además de su sustituto. Curiosamente, y auque así lo parezca, Holden no es asesinado por León y de hecho se grabaron escenas en las que Deckard lo visitaba en el hospital y este le confesaba que no consideraba a los replicantes seres reales y que sus supuestas emociones no eran sino una "mera ilusión".

SINOPSIS Aunque seguramente muchos lectores ya han visto la película y saben de que trata hemos creído conveniente realizar una pequeña Sinopsis. En ella se apunta la trama general, a grandes rasgos, pero contiene algunos detalles que si has visto la cinta pueden estropearte su visión de modo que si este es tu caso y no quieres sufrir ningún "spoiler" deberías saltarte este punto.

Los Ángeles 2019 ...

y lo mate. El experimentado policía no es rival para el androide que termina derrotándolo sin embargo en el último instante, y sabiendo que se acerca su propio final, (Ha sido fabricado perfecto pero no para durar) perdona la vida del Deckard permitiendo que este se marche con Rachel.

BANDA SONORA ORIGINAL La banda sonora de Blade Runner fue compuesta por el archiconocido Vangelis y es una combinación melódica y oscura de la composición clásica y los sintetizadores futuristas con el que se intenta reflejar el futuro "retro" y de cine negro que Ridley Scott imaginó.

Vangelis, recién galardonado con el Óscar por su trabajo en la cinta británica "Carros de Fuego", compuso y ejecutó la música con sus sintetizadores, a los cuales sólo añadió el saxo tenor del músico de jazz británico, Dick Morrissey, colaborador habitual de este compositor.

A pesar de la buena acogida que tuvo entre el público, y a que fue nominada en 1983 al premio BAFTA y al Globo de Oro como mejor banda sonora origina, el trabajo de Vangelis no salió, de forma oficial, hasta 10 años después.

Al principio nos tuvimos que contentar con una versión orquestal grabada por la "New American Orchestra" el año del estreno y tras esta de varias versiones "piratas". Y cuando decimos piratas no nos referimos a grabaciones ilegales sino a orquestas de todo tipo que, con diversas excusas comerciales, lanzaban versione de algunas piezas de la BSO, con mayor o menor talento.

Los replicantes son androides semejantes a los humanos a los que se les ha implantado recuerdos para que tengan mayor estabilidad emocional. Se emplean en diversas labores y cinco de ellos llegan a la tierra, algo que tienen prohibido y hay que eliminarlos, o como dicen las autoridades"retirarlos". De esto se ocupan las brigadas de "Blade Runners" y uno de sus jefes, el capitán Bryan, endosa la misión a Rick Deckard, El primer recopilatorio digno, que incluía 12 uno de sus mejores hombres quien, pese a estar temas de la película, fue el que editó "Warner retirado se ve forzado a aceptar el trabajo.

Bros Music" de 1994 (En EE.UU lo hizo Atlantic Records) bajo el título "Vangelis Original Los replicantes, avanzados modelos Nexus 6, Soundtrack". En 2.002 vio la luz "Blade Runner: tratan de reunirse con su "creador", el doctor Esper Edition" y cinco años más tarde, en 2.007, Eldon Tyrell, y Deckard trata de evitarlo proceso lo hizo la versión titulada "Blade Runner Trilogy, durante el cual conoce a una replicante llamada 25th Anniversary". Interesante resulta también, Rachel de la que se enamora. Tras realizar y con el cerraremos el tema de las versiones, el diversas pesquisas Deckard acaba con varios lanzamiento multidisco de Warner Bros Music replicantes pero no consigue evitar que su líder, "The Sound Of Blade Runner - Definitive Edition Roy Batty, llegue hasta el "Dios de la biomecánica" Master release "

Volumen Nº1 de The Sound Of Blade Runner - Definitive Edition Master release

El tema "Memories of green", uno de los más famosos ya que suena mientras Rachel recuerda el episodio de las arañas en su niñez, fue el único que no fue compuesto ex profeso para esta película ya que pertenecía a un álbum anterior de Vangelis llamado "See You later" que vio la luz en 1980.

La BSO incluye también un tema que no es de Vangelis. Se trata de "Ogi No Mato" una canción del grupo japonés de música tradicional "Emsemble Niponia" que fue editado en el selloNonesush Rcecords.

El denominado "End Titles" (Tema final) es famoso, entre otras cosas, porque sirvió como cabecera al mítico programa de RTVE "En portada". Y ya para finaliza comentar que Vangelis y Scott volvieron a juntarse para trabajar en "1492: La Conquista del Paraíso", película en la que el compositor creó, según opinan muchos musicólogos, una obra sublime.

PREMIOS Y GALARDONES En 1983 la película fue nominada a los Oscars en las categorías de Dirección Artística y Efectos Especiales pero no pudo hacerse con ninguna de las dos estatuillas. En los premios BAFTA de ese mismo año tuvo algo más de suerte y aunque no ganó los premios a los efectos especiales, al sonido, a la BSO, el maquillaje y la edición, para los que estuvo nominada, si pudo hacerse con tres galardones; mejor fotografía, mejor vestuario y mejor dirección artística.

En otros premios, menos conocidos pero también prestigiosos, la cinta tuvo más suerte y se hizo con los siguientes: • Premio Hugo a la mejor presentación dramática 1983.

• Premio del La Asociación Londinense se Críticos a los efectos visuales.

• Premio de la Asociación de críticos cinematográficos de los Ángelesa la mejor película.

En 2.008 la película ganó su último premio, en concreto el otorgado a la Mejor Edición Especial en DVD, que ofrece la Academia Norteamericana de películas de Ciencia Ficción, Fantasía y Horror. El premio se dio a la edición especial del 25 aniversario que también fue premiada, un año antes, por La Asociación de Críticos Cinematográficos de Los Ángeles.

Imagen de la exclusiva Edición Especial DVD 25 Aniversario de Blade Runner La edición premiada, ver imagen, se vendía en un maletín metálico dentro del cual se incluían; cuatro versiones de la película en pantalla panorámica anamórfica con sonido 5.1; un figura de un speeder policial y otra de un unicornio de papiroflexia; un fotograma de la película en celuloide (una copia en realidad) y varias imágenes de los artistas conceptúales usadas en pre-producción.

UN RODAJE DURO El rodaje de "Blade Runner" estuvo lleno de conflictos y se dice que Ridely Scott, de nacionalidad británica, no confiaba en su equipo de los EE.UU con los que tenía problemas casi todos los días. Por si esto fuera poco Harrison Ford tuvo riñas constantes con el director y parte de su mal humor radicaba en lo incómodo que se encontraba con el personaje y por eso no extrañó a nadie que tras el estreno dijese cosas como esta: "La película no me gusta. Mi personaje era un detective que no tenía nada que investigar. No llegué a identificarme con la historia en ningún momento".

Recién llegado del éxito de "Star Wars", y un año después de que Indiana Jones lo llevase a la cumbre de su popularidad, la pobre recepción inicial de la cinta, y la fricción con Scott, han hecho que Ford evite hablar sobre la película cuando se le habla de ella.

claro ejemplo son estas declaraciones de la joven: "A mucha gente le gusta la escena en que digo a Deckard, 'bésame, bésame'. Personalmente, no es una de mis favoritas. ¿Cómo puede gustarte que alguien te enganche y te lance por toda la habitación? Acabé llena de moratones. Y la barba de Harrison estaba crecida, así que me arañó toda la cara. Toda la escena me recuerda a una mujer sufriendo malos tratos. No sé cómo mi personaje, Rachael, pudo subir a su piso después de aquello".

Tal como se supo tiempo después Sean Young tuvo que descansar varias semanas tras el rodaje de esta escena y este otro extracto de la entrevista nos aclara la razón: "Fue realmente un día duro.

Harrison tiende a tomarse las escenas de amor o furioso o divertido. No es solo actuar, ya sabes.

Hay alguien lanzándote de verdad contra la pared mientras tienes que decirle que le quieres. Estaba destrozada y tuve tres o cuatro semanas libres después de aquella escena".

Todas estas incidencias, y otras que no hemos consignado para no alargarnos, hicieron que los realizadores de la película, y gran parte de los que trabajaron en ella, expresasen su malestar Por si esto fuera poco la relación con Sean Young, llamando a la película "Blood Runner" significando actriz que interpretó a Rachel, no fue buena y un con ello que el rodaje fue "sangruiento" (Blood = Sangre).

ESTRENO, ACOGIDA Y CRÍTICAS

Varios críticos dijeron que la historia se sujetaba gracias a los excesivos efectos especiales y no prestaron atención al discurso religioso-filosófico que presentaba. Años más tarde algunos de los más famosos, Ebert y Gene Siskel entre ellos, admitieron que estuvieron equivocados en sus reseñas iniciales, y dijeron que la película era "Un clásico moderno".

La cinta se estrenó el 25 de junio de 1.982 en 1.290 salas de EE.UU y la fecha fue escogida por el productor Alan Ladd, Jr. porque sus anteriores éxitos, "La Guerra de las Galaxias" y "Alien: El octavo pasajero", tuvieron una fecha similar y fueron rotundos éxitos (La primera se estrenó el 25 de mayo de 1.977 y la segunda el mismo día pero en 1.979) Pese a las críticas "Blade Runner" se convirtió pronto en la favorita de muchos cinéfilos y se La recaudación de "Blade Runer" el primer fin de hizo un hueco en el mundo académico ganándose semana en EE.UU fue decepcionante, tan sólo 6,15 rápidamente el título de "película de culto". De millones de dólares, y parte de la culpa la tuvo que hecho su éxito fue tal que, tras salir la edición de coincidiese con "E.T: The Extra-Terrestiral" (E.T: video VHS, se convirtió en la cinta de alquiler más El extraterrestre - Steven Spielberg). Donde si vista motivo por el cual fue una de las primera tuvo un éxito remarcable fue en el viejo continente en ser lanzadas en formato DVD en EE.UU (En sobretodo porque, en contra de lo que ocurrió España pasó justo lo contrario y tuvimos que en EE.UU, la cinta fue alabada por los críticos esperar muchos años para tener una versión de cinematográficos casi desde el primer día. calidad en este último formato).

Entre los críticos americanos, que fueron muy duros con la película, se hizo hincapié en que la película tenía un ritmo muy lento y un crítico cinematográfico la llamó "Blade Crawle" (crawler = Que se arrastra). La mayoría de expertos se mostró confundida y decepcionada porque la cinta no tenía el ritmo narrativo que se esperaba en una película de acción que es como la había vendido la productora.

CINE NEGRO Y CIENCIA FICCIÓN Con esta película Ridley Scott sondeó por primera vez en la historia del cine, que no en la de la literatura, la fusión de dos géneros en apariencia muy distintos; la ciencia ficción y el filme noir(cine negro). El resultado fue un híbrido muy sugerente que ha influido en infinidad de trabajos posteriores, y en un sinfín de directores, motivo

por el cual, pasará a la historia del séptimo arte el autor de la obra que dio origen a la "The Big Sleep" (El Sueño Eterno - Howard Hawkes 1.946) con nombre propio. fue el guionista de la mejor película de cine Muchos ven en la voz en off una de las marcas del negro de todos los tiempos, "Double Indemnity" cine negro más clásico (lo trataremos con detalle (Perdición - Billy Wilder 1.944). más adelante) pero la cinta tiene muchas más. Así por ejemplo los escenarios por los que se mueven Esa fatalidad que hemos comentado, y que hace los personajes, la ciudad de Los Ángeles en el al espectador pensar que todo va a terminar mal, año 2019, poseen una "neblina mefítica" (según suele estar ligada, en la mayoría de los trabajos, el guión producida por la lluvia ácida) y la luz, a la presencia de una mujer. En algunos casos se siempre escasa e incidental, penetra por persianas trata, como sería el caso de "Blade Runner", de una y rejillas creando un sugerente y dramático baile fémina sumisa estando el riesgo para el personaje de sombras. principal, tan solo en amarla. En otros, aun más interesantes, la mujer es una "femme fatale", que

El edificio Bradbury - en la película la residencia de J.F.Sebastian - ejemplo de iluminación Filme Noir

Los ventiladores giran sus palas con la misma perezosa cadencia que el movimiento de los actores y a las gabardinas de anchas solapas, la prenda más repetida en la cinta, hay que añadirle que Harrison Ford se muestra tan inexpresivo como Humphrey Bogart en el "The Maltese Falcon"(El halcón maltés - John Huston 1.941).

Más importante aun que todos estos detalles visuales es la presencia en la narración de dos de las convenciones propias del género negro. Una es el constante planear de la fatalidad y otra la narración en primera persona al más puro etilo Chandler.

arrastra al abismo al protagonista haciendo que por amor, y lujuria, este deje de lado su moralidad y/o su sentido de conservación y lo arriesgue todo por lo que ella ordene (El prototipo de este tipo de féminas es Phyllis Dietrihson, el personaje interpretado por Barbara Stanwyck en la antes citada "Perdición").

INFLUENCIAS EN LA HISTORIA Y EN EL ASPECTO VISUAL

La primera y gran influencia de "Blade Runner", en lo que a la historia se refiere, no es otra que la ya citada novela de Phillip K. Dick "Do Androids Nota: Raymond Chandler es uno de los más Dream Of Electric Sheeps" (Sueñan los Androides notables escritores de este género y además de ser con Ovejas Eléctricas - 1.968). Sin embargo hay

que aclarar que ambas historias son muy diferentes y ofrecen planteamientos y temas contrapuestos.

La historia se vio también influida, pues pertenece a este movimiento, por el Cyberpunk, un género caracterizado entre otras cosas por mostar un futuro cercano, alienante, sumamente industrializado y controlado por grandes corporaciones empresariales. Otras señas de identidad de este género son la comunión maquina-hombre en forma de cyborg (en esta película serían los replicantes) y la inclusión de piratas informáticos (aquí sustituidos por los ingenieros genéticos) Para el aspecto visual Ridley Scott se fijó, tal como el mismo contó, en "Metropolis" (Fritz Lang 1.926) pero sobretodo en el juego de luces y sombras creado por pintor Edward Hopper en su mítico cuadro "Nighthawks" (ver imagen). De hecho el director llevaba consigo siempre una copia de este cuadro y se la mostraba a los encargados del decorado, de la iluminación y de la fotografía para que supiesen cual era el ambiente que deseaba.

Nighthawks el cuadro de Edward Hopper que inspiró el aspecto visual de Blade Runner

De forma indirecta, y como fuentes de inspiración de Syd Mead, el artista conceptual que se ocupó finalmente del diseño artístico debemos citar también la mítica revista de ciencia ficción francesa "Heavy Metal". ¿CON O SIN VOZ EN OFF? Los fans de esta película se dividen en dos grupos, aquellos a los que les gusta más la versión con voz en off y aquellos que la prefieren sin ella.

Los argumentos de ambos son tan sólidos como respetables de modo que en este epígrafe nos limitaremos a contar los hechos más relevantes sobre esta inserción sin pronunciarnos al respecto.

Ridley Scott tomó también referencias visuales de la historieta breve "The Long Tomorrow", escrita por Dan O'Bannon y dibujada por Moebius y trató de contratar a este último para que se ocupase del diseño visual. El mítico dibujante prefirió trabajar sin embargo con René Laloux en la película animada "Les Maîtres du temps" decisión que en Lo primero que debe quedar claro es que varias entrevistas posteriores ha comentado que originalmente Ridley Scott hizo la película sin la voz en off y que, debido a la fría acogida que fue una de las peores que ha tomado en su vida. tuvo la cinta en el pre-estreno de prueba, donde hubo espectadores que dijeron que no lo habían entendido, los responsables de los estudios obligaron al director a añadir una narración con voz en off.

Años después, al tratar el asunto en una entrevista concedida a una cadena norteamericana, Ridley Scot dijo que en el cine negro la voz en off a veces funciona y a veces no, y añadió que en "Blade Runner" no lo hizo.

Se sabe también que la grabación se hizo con prisas y en ocasiones grabando a altas horas de la madrugada y que Harrison Ford tampoco quería incluirla motivo por el cual estuvo, por

así decirlo,"muy poco inspirado". De hecho en ámbitos cercanos al equipo técnico se hablo de "poca profesionalidad" y se dijo que hubiese sido mejor haber prescindido de lo grabado y haberla dejado tal cual estaba. ¿ES DECKARD UN REPLICANTE? La gran pregunta, la pregunta que todo el mundo se hace, o al menos la que se hacen todos aquellos que ven la película con atención, es si Deckard es o no un replicante. La respuesta a esta cuestión la dio Ridley Scott, de forma tajante, en julio de 2002 en la BBC donde dijo que todo en la película apunta a que Deckard es un replicante y afirmó que había colocado un montón de pruebas añadiendo, textualmente, "hay que ser idiota para no verlas".

La principal prueba o señal que indicaría que Deckard es un replicante sería el unicornio ya que en la parte final de la cinta Gaff le deja un origami de este mítico animal con el que le estaría diciendo"Se que sueñas con unicornios y lo se porque conozco tus recuerdos y la única explicación para ello es que no son realmente tuyos sino implantados".

La escena del unicorno blanco que aparece en el sueño de Deckard pertenecía en realidad al metraje de otra película de Ridley Scott, la incomprendida "Legend" que se estrenó tres años más tarde en 1.985.

te quiere y tú a ella así que vete con ella".

Hecha esta exposición queda a gusto del lector considerar o no a Deckard un replicante y, aunque la paradoja que supone que un replicante que se cree humano sea quien caza a los suyos es muy atractiva, también lo es que un agotado policía humano termine entendiendo a sus presas Dicho esto hay que aclarar que dado que las cyborg y que estas acaben valorando la vida de su imágenes del unicornio no están presentes en enemigo. todas las versiones de la película, en aquellas en las que no aparece, la naturaleza replicante de LAS FIGURAS DE GAFF Y EL UNICORNIO Deckard no estaría clara y solo tendríamos otro dato visual que la apoyaría, el brillo de los ojos A lo largo de la película Gaff crea tres figuras con de los replicantes. Y es que si uno se fija en los las que manda mensajes no verbales a Deckard. ojos de los replicantes verá que en todas la escenas El primero tiene lugar en la oficina de Bryant hay al menos un instante en el que muestran un cuando Deckard, ya retirado, no desea volver a brillo muy poco humano y, aunque esto no ocurre la caza de replicantes y Gaff hace una gallina de de forma generalizada con Deckard, si hay varios papel con la que le dice "Eres un cobarde. Tienes momentos en los que se vé un extraño brillo en miedo". El segundo mensaje se lo manda usando una cerilla para formar una figura humana con sus pupilas. una gran erección con la que le está diciendo "Sé Curiosamente Harisond Ford, pese a conocer que la replicante te gusta y quieres acostarte con las declaraciones de Ridley Scott, sigue negando ella". El último, ya comentado, es un unicornio de que Deckard sea un replicante y a esto hay que papel con el que le estaría diciéndole "Se que eres añadirle que Frank Darabont, reputado guionista, un replicante". sentenció "no, no es un replicante". Para él el unicornio con el que sueña Deckard es un animal mitológico que representa a Rachel, algo que realmente no existe, y el origami final de Gaff significa "no sé en que piensas, no es humana pero

Esta última interpretación tiene sentido solo si la versión que se visiona incluye la escena del sueño del unicornio y para el resto de casos se han aportado otras interpretaciones. Una de ellas dice que el mensaje sería "Sé que tienes a Rachel, pero

la dejaré vivir". Otra es que el unicornio representa una amenaza lanzada por Gaff con la que le indica que huir con la replicante es una locura y que va a ir tras ellos.

es mucho más sencilla. En el guión original los replicantes sobrevivientes eran cinco, los cuatro que conocemos y una hembra llamada Mary a la que Deckard cazaba a lo largo de la película.

Diversos problemas durante el rodaje obligaron a eliminar las escenas con esta replicante y Ridley Scott volvió a rodar el diálogo de Bryat para que este dijese "Dos se achicharraron en la reentrada" y con eso las cuentas cuadraban.

Rizando el rizo hay quien dice que el unicornio es un símbolo de virginidad y pureza que representa a Rachael. La leyenda dice que solo una virgen puede capturar un unicornio y que estos están extintos y Gaff estaría diciendo con la figura que no los perseguirá porque la replicante tiene una Por motivos que nunca pudieron aclararse, al vida limitada. realizar el montaje final, en lugar de incluirse el nuevo diálogo se incluyó el viejo y eso hizo ¿FALTA UN REPLICANTE? que faltase un replicante. En las versiones más recientes si se incluye el dialogo correcto y en ellas En la primera versión que se estrenó el capitán ya no falta ningún replicante.

Bryat habla de seis replicantes, tres hombres y tres mujeres. Acto seguido añadía que uno de ellos LA RELIGIÓN EN BLADE RUNNER se había achicharrado en la reentrada a la tierra de modo que por lógica debían quedar cinco Aunque en "Blade Runner" no se habla replicantes sin embargo en la película solo se veía directamente de religión, algo que si se hace en la a cuatro (Zhora, Pris, León y Roy). novela de Philip K. Dick, su director nos plantea, como tema de fondo, la lucha entre la criatura Esta discrepancia dio pie a diversos rumores. y su creador. En la película la criatura, Roy, se Unos apuntaban a que el sexto replicante era enfrenta a su creador, Eldon Tyrel, el Dios de la Rachel y otros a que era Deckard e incluso se biomecánica, y, tras acusarle de haberlo hecho llegó a decir que había una escena eliminada de finito, mortal, como castigo lo mata. Esto mismo la película en la que se revelaba que este último es lo que filósofos y teólogos dicen que ha hecho era también un modelo Nexus 6 pero la verdad el hombre moderno, no aceptar su mortalidad

y culpar de ella a Dios matándolo como castigo.

La única diferencia entre la realidad y la película es que el hombre moderno no pude matar físicamente a Dios, como hace el replicante, y la forma en la que acaba con él es apartándolo de su vida, llevándolo al olvido para vivir una vida racional en la que Dios no tiene cabida.

Por supuesto además de esta idea, verdadero eje de la película, podemos encontrar muchos otros símbolos religiosos que además no son solo judeo-cristianos. Así por ejemplo Tyrell muestra su condición de Dios viviendo en el edificio más alto de Los Ángeles, una gran pirámide (Zigurat si lo preferís) como si fuese un divino faraón egipcio. Por si esto fuese poco las estancias en la que reside están llenas de columnas que les dan aspecto de catedral, y su cama se hizo replicando con exactitud el lecho papal de Juan Pablo II.

El Doctor Eldon Tyrel en su cama papal poco antes de que Roy llegue hasta él y le diga "No es sencillo encontrarse con tu hacedor" y confiese que ha hecho cosas imperdonables.

Más claro aun es el modo en el que Roy se dirige a Tyrel llamándole "hacedor", y "Dios de la biomecánica" e incluso "Padre" aunque en este ultimo caso hay que hacer una salvedad ya que en original, y por indicación del director, Rutger Hauer, actor que interpreto a Roy, masculla el término para que se cree un pequeño guiño con el espectador que no sabe si dice "Father" (Padre) o"Fucker" (Cabrón).

Otros detalles religiosos los encontramos en la alegoría de la crucifixión que realiza Roy cuando se traspasa la mano con un gran clavo y en

una cita, que si bien no es religiosa, si habla de ángeles caídos título con el que se identifican los replicantes (Roy es para muchos Lucifer). El texto es del poeta William Blake, pertenece a su obra "America: una profecía" y dice así: "Fieramente cayeron los ángeles. Profundos truenos rodaron alrededor de sus playas. Ardiendo con los fuegos de Orc".

donde descubría el cuerpo sin vida del auténtico científico como si de un Dios se tratase. La razón por la que se eliminó esta parte del guión, que habría añadido un toque aun más "religioso" fue que cuando Roy mataba a la réplica de Tyrel, aplastándole la cabeza con las manos, esta debía estallar mostrando circuitería, cables etc y los miembros del departamento de Efectos Especiales no pudieron conseguir un efecto realista motivo En una de las primeras versiones del guión el por el cual se anuló la escena. doctor Tyrell que encontraba Roy era un replicante y el fugitivo se daba cuenta de ello porque el Hay quien ha visto también un paralelismo falso doctor llevaba una llave colgando similar entre esta película y "Frankenstein: El moderno a otra que portaba J.F. Sebastian. Roy mataba prometeo" de Mary Shelley sin embargo hay que entonces a ambos y accedía a una "crio-cripta" recordar que en esta joya de la novela gótica, y

Roy hunde en sus cuencas, los de Pris que Batty cierra en señal de dolor por su muerte, etc.

El ojo procesa alrededor del 80% de la información de nuestro entorno pero no se incluye aquí por ese motivo sino porque es "señal de vida" ya que cuando se bajan los párpados, o se está muerto o se está dormido, que no es sino una forma de estar muerto en vid, pero también, y más importante, porque son "el espejo del alma". Que los ojos de los replicantes no sean como los humanos indica que no están realmente vivos, e incluso que no tienen alma.

Nota: Como ya se ha dicho antes en esta película los ojos de los replicantes brillan en la oscuridad de un modo no humano, casi felino, y eso nos indica que se trata de máquinas.

Que Tyrel lleve una enormes gafas que agranda sus ojos enfatiza en la cinta su condición humana (los ojos mecánicos no fallan) y las referencias a la vista en los diálogos y las acciones son constantes.

Veamos unos ejemplos: • Chew a Roy: "Yo diseñé tus ojos".

• Roy a Chew: "Si pudieras ver lo que yo he visto con tus ojos".

• Roy a J.F. Sebastian: "Creo que no es hombre fácil de VER".

• Roy baja los párpados de Pris al encontrarla muerta.

• Roy mata a Tyerel hundiéndole los ojos con sus manos. en contra de lo que creen aquellos que no lo han • León trata de hacer lo mismo a Dekard. leído, el monstruo no mata al doctor Vicktor Frankenstein sino que llora su muerte cuando esta se produce.

Por supuesto más importante aun, y ya mítico, LA INCESANTE PRESENCIA DEL OJO Una de las clave para entender "Blade Runner" está en el ojo, en ese ojo que mira al espectador desde el mismo arranque de la película y cuya importancia está subrayada por la cantidad de veces que aparece en primer plano: el ojo de los replicantes que se someten al test Voight-Kampff, el ojo artificial del búho de Rachel, los ojos del fabricante Chew, los ojos del Doctor Tyrell que

es el discurso final de Roy, curiosamente con los nombres propios que se dan improvisados por Rutger Hauer, en el que habla de las cosas que ha visto y de los momentos que se pederán. Dice así: "He visto cosas que no creeríais. Naves de ataque ardiendo más allá de Orión. Rayos C brillar en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser.

Todos esos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia. Hora de morir".

El ojo que se ve al principio de la cinta, según desvela el storyboard, es el de Holden.

DETALLES QUE LA HACEN GRANDE

Para remarcar que la profesión del protagonista "apesta" y que la caza de los replicantes es "una salvajada" Ridley Scott quiso que Deckard únicamente matase mujeres y por eso sólamente retira a Zhora y a Pris (En el guión original también a la antes citada Mary).

Cada replicante está asociado con un animal diferente: León con la tortuga, Roy con el lobo, Zhora con la serpiente, Pris con el mapache y Rachel con la araña (Deckard con el unicornio y Tyrell con el búho si consideramos a ambos replicantes según hemos explicado a lo largo de La partida de ajedrez entre Tyrell y J.F. Sebastian este artículo). que vemos en la película es una reproducción fiel de la disputada entre Anderssen y Kieseritzky El número de serie de cada replicante, que en Londres, en 1851. Esta partida, considerada podemos ver brevemente en los monitores una de las más brillantes de todos los tiempos, cuando se muestran sus fichas, recoge todas sus se conoce como "El Juego Inmortal" y representa características básicas. Así por ejemplo León tiene aquí el enfrentamiento entre los replicantes y los el indicativo "N6MAC41717" que evidencia que es humanos que consideran a los primeros peones, modelo Nexus-6, Masculino, físico-A, gnosis-C y que sacrifican uno a uno sin rubor. fecha de creación 4/17/17 (mes 4, día 17, año 2017 según la notación anglosajona). El número de Pris En le guión original se indica que ha habido tres acumula una curiosidad aun más singular ya que generaciones de "seres mecánicos". La primera su fecha de nacimiento coincide con el día de San era muy primitiva y los seres se utilizaban para realizar trabajos demasiado aburridos, peligrosos Valentín, o día de los enamorados. o desagradables para los humanos. La segunda A lo largo de la película todos los replicantes disponía de un diseño biogenético, unidades de son llamados por sus nombres (Roy, Pris, Leon, transmisión electrónica y cerebros positrónicos, Zhora, Rechel) mientras que los humanos son y se empleaban en la exploración de ambientes referidos por sus apellidos (Tyrel, Deckard, inhóspitos. Los miembros de la tercera eran Chew, Gaff, Bryat). ¿Casualidad? No lo creemos "sintognéticos", se les llamaba "replicantes", aunque este punto presenta una discrepancia ya y fueron construidos para los programas de que si Deckard fuese replicante, como asegura el emigración espacial. Eran de de "piel y carne", director, deberían llamarlo Rick. tenían inclinación a la auto conservación y habilidades parafísicas.

LOS ESCENARIOS DE BLADE RUNNER

película es el cine "Millon Dollar" en S.Bradway.

Este cine, y su gran marquesina, se pueden ver en la escena en que Pris huye de J.F. Sebastian y rompe la ventanilla del coche y si uno se fija atentamente verá que proyecta películas en español o, al menos, con subtítulos en español.

La antigua estación "Los Ángeles Union" también aparece en "Blade Runner", como oficina del capitán Bryat, y por si esto fuera poco el decorado utilizado para las escenas que tienen lugar en el taller-hogar de J.F. Sebastian, fue el mismo que se había utilizado para el rodaje del musical "My Fair Lady".

En esta película aparecen varios lugares reales de la ciudad de Los Ángeles, zonas muy conocidas y repetidamente usadas en distintas películas de Hollywood. Uno de los más destacados es el"Edificio Bradbury" que en esta cinta es el destartalado, frío, oscuro y húmedo edificio en el que vive J.F. Sebastian y que en esa época estaba abandonado de modo que, en contra de lo que se dice en algunos textos, no hizo falta envejecerlo.

Tiempo después el Bradbury, toda una institución en la ciudad, fue rehabilitado y eso ha permitido que lo veamos lucir magnífico en películas como"Lobo" protagonizada por Jack Nicholson.

OTRAS CURIOSIDADES

El título de la película procede de la novela "The Bladerunner" escrita por Alan E. Nourse en 1974 (su protagonista trafica con instrumentos quirúrgicos en el mercado negro) y de "Bladerunner, A Movie" (en algunas ediciones Blade Runner), un sesudo tratado de cine escrito por William S. Burroughs. Se sabe, porque así lo contó el mismo, que Fancher encontró casualmente una copia de esta última mientras Scott estaba buscando un El edificio Bradbury rehabilitado y luciendo sus título comercial para su película; a Scott le agradó magníficas escaleras de hierro forjado. el título, y obtuvo los derechos sobre él, pero no sobre la novela. Más allá de esto ni una ni otra Cerca del edificio Bradbury, a una o dos manzanas obra tienen nada que ver con la trama de la cinta. al oeste de la edificación, hay un túnel para el tráfico rodado (entre la Segunda y la Tercera) que Antes de que se iniciara la filmación de la aparecen en infinidad de películas. Tan famoso película, Paul M. Sammon fue contratado por al como el Bradbury es la casa Ennis-Brow que revista"Cinefantastique" para que escribiese un sirve de apartamento a Deckard y que hemos artículo acerca de esta película. El resultado de su visto también en "Gran Cañón" y en la saga observación del rodaje y del estudio de la cinta "Depredador". tomó forma en el libro "Future Noir: The Making of Blade Runner" al que también se conoce entre los aficionaos de esta película como "La Biblia de Blade Runner".

Fachada exterior de la casa Ennis-Brow

Otro lugar mítico de Los Ángeles que se ve en la

Tras la muerte de Roy el espectador escucha decir a Deckard "Todo lo que quería eran las mismas respuestas que el resto de nosotros. ¿De dónde vengo? ¿A dónde voy? ¿Cuánto estaré aquí? y todo lo que yo podía hacer era sentarme y verlo morir".

Pues bien, según un ensayo de"Retrofitting Blade Runner", estas mismas tres preguntas son el título de un cuadro de Paul Gauguin de su época más suicida. ¿Casualidad?

En la escena en la que Deckard y Gaff se aproximan a la central de policía, si uno se fija con atención, puede ver una maqueta del "Halcón Milenario" (la nave de Han Solo - Harrison Ford - en Star Wars) formando parte de uno de los edificios.

La razón es que para las construcciones de estos elementos se usaron maquetas comerciales de todo tipo de vehículos y naves y alguien pensó que sería un guiño gracioso colocar esta nave sin apenas modificaciones.

Años después de su estreno algunas personas repararon en que cierto número de compañías cuyos logotipos aparecían en la película habían tenido grandes problemas financieros y eso hizo que se empezase a hablar de "La Maldición de Blade Runner". Así por ejemplo Atari, que tenía el 70% del mercado de consolas en 1982, tan solo nueva años más tarde, en 1.991, sufrió pérdidas de más de 2 millones de dólares y dejó de ser un referente en el mundo de los videojuegos. Algo parecido pasó con Bell que perdió su monopolio el mimo año del estreno y con Pan-Am que se declaró en quiebra en 1.991. Desde nuestro punto de vista todo esto es pura casualidad y prueba de ello es Coca Cola, que pese a que perdió millones con su nueva fórmula desde entonces ha experimentado el mayor crecimiento de su historia. n la escena en la que Deckard y Gaff se

El famoso presentador y doblador Constantino Romero fue el encargado de doblar a Rutger Hauer (Roy Batty) pero debió ser un trabajo más para él ya que según comentó en una entrevista un día que estaba viendo un pase en televisión de la película, su hijo le preguntó si esa voz era la suya.

Después de pensar un rato le dijo que sí, que era su voz, aunque no recordaba haber doblado"Blade Runner".

Para la escena en la que Pris salta sobre Deckard se contrató a una gimnasta que debía doblar a Daryl Hannah pero Ridley Scott obligó a repetir tantas veces la escena que la dejó exhausta e incapaz de hacer nada. La escena fue rodada finalmente con otro gimnasta (un hombre) que encontraron durante el receso del almuerzo.

En un principio se pensó en Dustin Hoffman para interpretar a Deckard, y este llegó a tener varias entrevistas con Ridley Scott para discutir la historia. Todo indicaba que aceptaría el papel pero diversos problemas personales lo alejaron del proyecto y eso hizo que se pensase en Harrison Ford.

Nathan Kurtz.

regre al fut

Si hablamos del cine de los 80 hay una saga que no se nos puede quedar en el tintero. Si decimos condensador de fluzo todo el mundo sabe de que hablamos. Regreso al futuro se convirtió por derecho propio en un monumento al cine de aventuras y a la comedia juvenil, con una historia rica y enrevesada, con mil guiños al espectador que provocan que cada vez que las vuelves a ver descubras algo nuevo y con unos personajes con un gran carisma y reforzados en cada entrega de la saga.

Regreso al Futuro es un ejemplo perfecto de como el todo es mejor que la suma de las partes. A pesar de tener u título tan sugerente y esclarecedor, realmente no es un película sobre viajes en el tiempo al uso. Se trata en realidad de una comedia juvenil con el leitmotiv del espacio tiempo para provocar todo tipo de situaciones divertidas y tratar el conflicto entre padres e hijos de una forma un tanto peculiar.

Creo que a estas alturas hablar sobre el argumento de las tres películas sobra, doy por hecho que todos hemos visto (incluso más de una vez) las aventuras de Marty y Doc, por tanto lo que os voy a contar es todo aquello que tal vez no sepáis: - En el guion original de Robert Zemeckis y Bob Gale, Marty y Doc van a nuevo México durante las pruebas con bombas atómicas para volver al futuro usando esa fuerza. Asimismo, también en el guión original, el perro del doctor Brown (Einstein) era un mono llamado Shemp. Tal vez George Lucas debió coger la idea para la escena de la nevera en Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal uniendo la primera máquina que tenían pensada para la original de 1985 y este primer guión.

- La idea de la película se le ocurrió a Gale (guionista) hojeando un viejo anuario escolar de su padre, y preguntándose qué habría sucedido si hubiese ido a la escuela con él.

- Robert Zemeckis y Bob Gale consiguieron vender la película a los estudios gracias a esta frase: “Es la historia de un chico que viaja al pasado y su madre se enamora de él”.

- Inicialmente, la máquina del tiempo iba a ser una nevera en lugar de un DeLorean. Sin embargo, se decididó cambiarla por dos razones: porque se trataba de un objeto muy estático y porque a algún niño podía ocurrírsele imitar lo visto en la película metiéndose en el frigorífico de su casa. Además, todo el mundo sabe que las neveras no sirven como máquinas del tiempo sino que son una excelente protección contra explosiones nucleares.

- En uno de los primeros borradores de la película, Hill Valley se llamaba “Elm-

eso< turo

dale” y Marty era un falsificador de videos y el lugar donde se reúnen para ver al DeLorean por primera vez se llamaba “Three Pines Mall” y no “Twin Pines Mall”.

- Aunque Michael J. Fox siempre fue la primera opción, originalmente el papel de Marty fue interpretado por Eric Stoltz, que tiene la misma edad y cierto parecido físico con Michael J. Fox. El problema por porSalvador Salvador es que Michael J. Fox ya se encontraba comprometido con la teleserie “Enredos de familia”. Sin embargo, Stoltz no encajaba en el papel y, al final, el Vargas Vargas director de la película llegó a un acuerdo con el productor de la serie que les “prestaba” a Michael J. Fox siempre que este no fallara a su compromiso con la serie. Fox compaginó ambos trabajos durante el rodaje. Llegaba al set de rodaje aproximadamente a las 6 de la tarde y trabajaba hasta las 6 de la madrugada, para después irse a casa, dormir unas cinco horas y cumplir con su otro trabajo en la serie. Por ello, la mayor parte de las escenas de “Regreso al Futuro” ocurren durante la noche, y las escenas diurnas se rodaron durante el fin de semana. Aunque en la película interpreta a un adolescente de 17 años, Michael J. Fox tenía 24 años en el momento del estreno de la primera entrega. El volver a rodar las escenas rodadas con Stoltz aumentó el presupuesto de la película en 3 millones de dólares.

- Durante el rodaje se utilizaron siete DeLoreans: uno de ellos estaba totalmente desmantelado para poder acceder más fácilmente a su interior; otro era una replica del DMC12 realizada en fibra de vidrio, fácilmente identificable debido a que el logotipo frontal de la marca es más grande en comparación con el del modelo real.

- Se dice que Michael J. Fox tuvo que aprender a patinar para la película, en realidad ya tenía cierta habilidad con el monopatín. No obstante, contaba con un doble para las escenas complejas y con el asesoramiento de Tony Hawk para la coreografía de las escenas de monopatín. Tony Hawk iba a ser el doble original de Marty cuando este era interpretado por Stoltz, pero era demasiado alto para hacer lo mismo con Michael J. Fox. - En la versión original, a Marty McFly le llaman por la marca de sus calzoncillos: Calvin Klein. Como cuando se estrenó la película en España esta marca no era muy conocida, aquí se cambió por Levi Strauss (y en Francia por Pierre Cardín).

- Al principio de la primera entrega, el episodio de la serie “Los recién casados” que la familia está viendo en la televisión mientras cenan es el mismo que luego Marty ve en casa de su madre mientras cenan en 1955, ya que la serie estuvo en antena entre 1955 y 1956.

- En la escena dónde Doc está colgado de las manecillas del reloj, se ve que

lleva unas zapatillas de velcro. Dado que el velcro no se inventó hasta principios de los años 60 (y la película está ambientada en 1955) se suele pensar que esto es un fallo. Sin embargo, al principio de la primera parte Doc mete una maleta en el maletero del DeLorean, con sus cosas y su ropa. En una de las escenas eliminadas de la película, se ve como su yo del pasado se dedica a hurgar en dicha maleta, lo cual explica como se hizo con esas zapatillas.

- Cuando Marty llega a 1955 y se estrella con su coche en el rancho de la familia Peabody, el hijo de la familia confunde el coche con la nave espacial de un cómic que sostiene en su mano titulado “The Tales from Space”. Dicho cómic fue creado especialmente para la película por Andy Probert. El hijo de Peabody se llama Sherman y los nombres de ambos fueron sacados de un chico y su perro que viajaban en el tiempo en una película de 1961 llamada “Bullwinckle Show”.

- El Generador de Fusión Mr. Fusion Home Energy Converter se fabricó usando entre otras cosas un molinillo de café Krups Coffee que también se ve al principio de “Alien” como un elemento más de la cocina del Nostromo.

- Cuando Marty asusta a su padre en el 55 usa una cinta de casete titulada Van Halen, el cual es un tema inédito escrito por Eddie Van Halen especialmente para la película por petición del Steven Spielberg.

- Hay una escena, que no se editó finalmente en la que Doc soborna al policía que le pide el permiso para realizar ese “experimento meteorológico” con el Delorean.

- La fecha a la que Marty viaja en la primera parte -el 5 de Noviembre- es la misma que en la película “Time After Time”, que interpreta Mary Steenburgen (Clara Clayton).

- Al principio, cuando salen los relojes, si nos fija-

mos hay uno que sale a los 40 segundos en el que se ve a un hombre colgado de las manecillas de un reloj. Dicho hombre es, o viene a representar a Harold Lloyd en “Safety Last”, una película de 1923, tal y como Doc acaba en 1955.

- En el guión original, el perro del doctor Brown (Einstein) era un mono llamado Shemp.

- La calle principal del pueblo es la misma que se usó en “Gremlins” y en “Los Fisgones”. La plaza donde se rodaron la primera y segunda entrega es la misma que se utilizó en la serie Entre Fantasmas.

El set de producción de Hill Valley fue quemado intencionalmente por un guardia de seguridad, y el set de Hill Valley de 1885 se incendió a causa de... un rayo.

- Al por entonces presidente de E.E.U.U., Ronald Reagan, le encantó la escena en la que el Doc de 1955 no puede creer que el famoso actor sea el presidente de la nación en 1985. De hecho, durante la proyección de la película pidió que se parase la misma y se volviese a proyectar dicha escena. Reagan hizo referencia directa a la cinta en 1986 en un discurso oficial con las siguientes palabras: Como dicen en la película “Regreso al futuro”, a donde vamos, no necesitamos carreteras.

- Al principio de la película, cuando Marty llega al Parking del centro comercial en el que le espera Doc, vemos en el cartel que dicho centro se llama Twin Pines Mall (Centro comercial de los pinos gemelos). Cuando Marty viaja al pasado “atropella” un pino en su huida de la granja Peabody. Cuando regresa al futuro de nuevo al final de la película, el centro comercial se llama Lone Pine Mall (Centro comercial del pino solitario).

- En la secuencia en la que el Marty de 1985 está haciendo las pruebas para el baile del instituto, la canción que toca Marty es “The Power of Love” de Huey Lewis and the News. El actor que interpreta

a la persona que les examina y les rechaza por ser “demasiado ruidosos” es el propio Huey Lewis.

- Cuando Marty McFly se dirige en monopatín al instituto al principio de la película, el conductor de un todoterreno al que se agarra es el propio Steven Spielberg, productor de la película.

- El Vagabundo que aparece diciendo “Otro conductor borracho” cuando Marty regresa a 1985 es Red Thomas, alcalde de Hill Valley en el año 1955.

El actor que lo interpreta es Hal Gausman, decorador de la película.

- Cuando Marty toca en el baile al final de la película el tema “Johnny B. Goode” de Chuck Berry, el público no conoce la canción, dado que no se había compuesto todavía. El guitarrista de la orquesta que se había lesionado la mano llama por teléfono y dice “Primo Chuck, creo que he encontrado el sonido que estabas buscando”. Dicho guitarrista se llama Marvin Berry.

- El editor del periódico de Hill Valley en 1885 es “M.R. Gale”, un homenaje al guionista de la trilogía Bob Gale.

- Durante la promoción de “Regreso al Futuro II”, Robert Zemeckis declaró que los monopatines voladores utilizaban “energía magnética” y que hacía años que existían pero, simplemente, las asociaciones de padres no permitían que las empresas jugueteras los comercializaran, así que consiguieron algunos y los usaron en la película. Aunque esto era una broma, Mattel, cuyo logotipo aparece en los monopatines de la película, se vio desbordada por las llamadas de clientes que querían hacerse con uno.

- El actor que interpreta a George McFly en la primera parte es Crispin Glover. Sin embargo, Glover exigió un salario tan alto por participar en las secuelas que tuvieron que reemplazarle. Fue sustituido por Jeffrey Weissman. A Weissman se le maquilló para que se pareciera a Glover y, en casi todas las tomas en que aparece, se le ve de espaldas o lateralmente, para evitar que el público se de cuenta de que se trata de un actor diferente. Sin embargo, Glover demandó a Spielberg (productor de la película) por usar su imagen ilícitamente, lo que provocó la introducción de nuevas reglas en la industria cinematográfica a este respecto.

- A lo largo de las tres películas de la saga giran alrededor de varios hechos que se repiten: Marty siempre es despertado de la inconsciencia por alguien que se parece a su madre, lo que le hace pensar que todo a sido un sueño. En las tres películas hay una escena en la que Marty entra a un bar y se encuentra con Biff (o uno de sus antepasados), que entran buscando a un pariente de McFly. Asimismo, en todas las películas hay una escena en la que Marty es perseguido por Biff y su banda. Y por último, el DeLorean siempre se estropea en algún momento de la película y Biff siempre es derrotado por Marty.

- En Regreso al futuro II, en el alternativo 1985, Biff amenaza a Marty con el revólver para que salte de la terraza de su edificio y Marty salta, pero cae sobre el capó del DeLorean y Doc abre la puerta y le paga a Biff, esto último no se suponía que debía pasar, la escena fue improvisada por los actores.

- El hombre que va solicitando donaciones para reparar el reloj de la Torre en el año 2015 es Terry, el mecánico de 1955 que le repara el coche a Biff cobrándole 300 dólares.

- En el cine del 2015 estrenan Jaws 19 (Tiburón 19) dirigida por Max Spielberg. En la actualidad, Steven Spielberg tiene un hijo llamado Max. - Needles, que hace que el Marty cuarentón sea despedido, es en realidad Flea, bajista de los Red Hot Chili Peppers.

- Los originales de todos los periódicos que salen en la trilogía se conservan. Los titulares en el del 2015 son del estilo: “La presidente afirma estar cansada”, “Campeón de fútbol detenido al descubrirse su brazo biónico”, “Final del torneo de Slamball”, entre otros.

- En el almanaque que compra Martin al principio de la película, sale que en 1997 Florida ganaría las series mundiales. En los años ochenta (de cuando data la peli) Florida todavía no tenía equipo de baseball. El 26 de Octubre de 1997, Florida quedó campeón de las series mundiales tal como se decía en el film.

- Dentro de la cafetería, Marty se acerca a jugar a la máquina donde hay dos niños, uno de ellos es Elijah Wood.

- En Regreso al futuro III al levantarse de la cama en

la granja de sus tatarabuelos lo primero que hace Marty es fijarse si tiene los pantalones puestos, recordando la escena similar en la primera película cuando Lorraine le quita sus pantalones.

- En 1955 llegan a haber 4 DeLoreans al mismo tiempo, el que lleva a Marty a 1985 de vuelta, el que está escondido por Doc en la mina Delgado desde 1885, el otro en el que vuelven Marty y Doc del 1985 alternativo para quitarle el almanaque deportivo a Biff y el otro en el que Biff viene del 2015 para darse a si mismo el almanaque. También hay 2 DeLoreans en 1885, el que está en la mina y el otro en el que Marty viene de 1955. Por lo tanto un error remarcable en Regreso al futuro III sería que cuando Marty le informa a Doc lo del tanque de combustible roto, pudieron haberlo tapado e ir al Delorean que estaba en la mina y extraer el combustible.

- En Regreso al futuro III el hombre que les saca la foto a Marty y a Doc junto a el reloj es el director de fotografía de la película.

- En Regreso al futuro III la idea que tiene Marty de usar la puerta de metal de la estufa como chaleco antibalas la saca de la película que estaba viendo

Biff en Regreso al futuro II con unas chicas en una jacuzzi en su edificio de 1985 alternativo, que no es otra que Por un puñado de dólares. Otra escena ‘robada’ a Sergio Leone sería la llegada de Marty a Hill Valley en 1885, lo hace siguiendo la vía del tren, la cámara se eleva y aparece el pueblo de forma inesperada, al igual que Claudia Cardinales en Hasta que llegó su hora.

- Michael J. Fox estuvo a punto de morir ahorcado en la escena del linchamiento cuando el sistema de seguridad se rompió y no pudo avisar porque todos pensaban que estaba interpretando la escena.

En la película quedó muy realista.

- Cuando Marty está vestido de vaquero y dice”Clint Eastwood no iría vestido así”, lo dice al lado de un cartel de la primera película que rodó Clint Eastwood.

- La banda de música en 1885 es ZZ Top, los cuales escribieron algunas de las músicas para la película.

- Como homenaje a los antiguos Westerns, Zemeckis (director) hizo sentar en una de las mesas del salón a tres veteranos actores ya retirados: Harry Carey Jr., Dub Taylor y Pat Buttram. El

camarero que les servía también fue famoso en su época: Matt Clark.

- Cuando Marty hace una referencia casual a las películas, nadie le presta la más mínima atención (el cine no se había inventado aun), pero un niño curioso le pregunta qué es una película. Antes de que Marty pueda responderle, un hombre toma del brazo al chaval y le aparta diciéndole: “Venga, D.W., lárgate”, a lo que uno de los hombres que ha observado la escena comenta: “Ese pequeño de los Griffith siempre anda escapándose”. D.W. Griffith (1875-1948) fue el primer gran director de cine de la histora.

- Aunque parezca difícil de creer, esta tercera parte le dio a Christopher Lloyd (Doc), un actor con una larga experiencia en cine y televisión a sus espaldas, su primera oportunidad de dar un beso en la pantalla.

- Cuando Marty Mcfly consigue regresar por fin a su 1985 gracias a la propulsión del tren pasa, por delante de un cartel que indica el nombre del barranco, este barranco deberia haberse llamado barranco Clayton en honor a Clara Clayton, la novia de Doc Emmet Brown, que segun la historia debería haberse despeñado por

él con la carreta desbocada. Esta historia cambió cuando Doc la salvo, ahora el barranco se llama Barranco Eastwood, que era el nombre que se puso Marty en el oeste (Clint Eastwood).

- Para las escenas del tren se utilizó una locomotora de la época, el legendario Sierra Railroad construido en 1897; el mismo famoso tren que espera Gary Cooper en Solo ante el peligro.

Sin duda estas son algunas de las curiosidades más significativas de una saga que está llega de guiños, cameos y particularidades. Tal vez este sea un buen momento para que recuperéis de vuestra estantería la trilogía y redescubráis todos aquellos detalles que a veces pasamos por alto y que una vez los conoces te das cuenta del gran trabajo de producción.

Monstruos de cine Biff por Tony Camacho

Quizás algunos de los que vais a leer esto, no estáis de acuerdo que en esta sección incluya al personaje del que voy a hablaros y quizás tengáis razón, ya que no es en si un monstruo, pero yo os pregunto; Un ser que puede atemorizar a nuestro protagonista a través de tres siglos, ¿no es acaso un Monstruo con mayúsculas? Porque el ser maligno del que os hablare en este número de No solo Freak monográfico de los años 80 no es otro que Biff Tunnen.

Conocimos a nuestro villano preferido allá por 1985, era un hombre simpático, triunfador, elegante que no tenia la culpa de que el coche que le había prestado su subordinado tuviera un ángulo muerto. Esta fue la primera ocasión en la que pudimos ver como la intervención directa de Biff podía destruir la vida de Marty y esa es básicamente la razón de su existencia, amargar la vida de los Mcfly.

Biff nació en Hill Valley en 1937 pero su esencia como persona ya la podemos encontrar en su

bisabuelo Budford Perro Rabioso Tunnen. En general podríamos definirle como un Hijo de la Gran Bretaña, es rastrero, matón, mentiroso, ladrón, acosador, machista etc… y justo por eso nos gusta tanto, posiblemente sea el personaje de una película para todos los públicos mas políticamente incorrecto de la historia del cine.

Durante sus años de juventud se paso el tiempo emborrachándose y abusando de George McFly, mas tarde, al acabar la escuela secundaria los caminos de George y Biff quedaron unidos irremediablemente al ser su jefe y en esencia su relación no cambio mucho, abusos, insultos y un tratamiento poco decoroso hacia la mujer de George, hasta que un buen día Marty, hijo adolescente de su subordinado, viaja por error en el tiempo y cambia la historia de tal manera que el antes poderoso Biff al sentirse humillado y dudar de si mismo se convierte en poco menos que un pusilánime, aunque siempre le guardara rencor a ese extraño chico vestido de guardacostas que le hizo morder el polvo no una, sino dos veces allá por los cincuenta. Por eso cuando en el año 2015 conoce la verdad, decide que la vida no ha sido justa con el y ahora tiene una maquina del tiempo y un libro con resultados deportivos, que le podrían ayudar en su objetivo de poder y gloria. Y si Biff era malo normalmente, con poder y dinero se convierte en un Darth Vader rural y todo poderoso.

Ahora, como cada mes os voy a ofrecer una serie de consejos para que podáis sobrevivir a un encuentro con nuestro personaje del mes, algo por otra parte complicado porque aun no han inventado las maquinas del tiempo. Precisamente

ese es el primer consejo, ni inventes ni te hagas amigo de un inventor de maquinas del tiempo, en primer lugar puede traer problemas a largo plazo como tu posible eliminación de la línea temporal, pero además los trae a corto dado que un encontronazo con este matón de instituto puede acabar con toda tu reputación y por supuesto con algún hueso roto, así que 1/ MANTENEROS ALEJADOS DE LAS MAQUINAS DEL TIEMPO, con esta sencilla premisa las posibilidades de acabar El siguiente consejo lo llamaré la opción rabo entre las piernas, y se basa en la lógica de la sabiduría popular que indica que: Dos no se pelean si uno no quiere. El principal problema es que Biff siempre quiere, así que te toca a ti el no pelearte con el y la única manera es, 2/ ADELANTATE A SUS DESEOS. El es un ser primario, no te será difícil saber que necesita en cualquier momento y lugar, de hecho siempre esta rodeado de un grupo de gente que ha optado por esta táctica, que necesita aprobar, hazle los deberes antes de que te lo pida, que necesita que le rían sus gracias, ríete de todas su chorradas, que necesita subir el ego, ahí estas tu para decirle lo importante y genial que es. Lo reconozco, no es muy valiente, pero ¿no es mucho peor que te partan la cara?

a la menor ocasión, tienes que tener siempre preparado un plan de huida, desde No solo Freak tenemos que indicar que en estos casos de supervivencia extrema, la solución es sencilla. 3/ UN MONOPATIN. Por alguna extraña razón que nadie puede entender, Biff tiene la rara costumbre de perseguir a todo aquel que va subido en un Skate y eso que siempre sale mal parado de esas situaciones. Esta incapacidad de permanecer tranquilo ante un hombre en monopatín, es un problema genético que se transmite de Tannen en Tannen a traves de los siglos. Así que tú coge la tabla y no te preocupes porque él, acabara en un camión de estiércol o algo parecido.

El último y mas importante consejo de supervivencia, 4/ NO SUBESTIMES SU Si has decidido que no quieres ser uno de sus ASPECTO, puede parecer tonto, pero no lo es, aduladores, y encima viajarías en el tiempo puede parecer un viejito inocente, pero estará preparado para clavarte un puñal a la menor ocasión, puede incluso que sea un paleto del oeste pero nunca has de fiarte de él, como ya hemos dicho, su única misión en el mundo es fastidiar la vida de los McFly, así que si eres miembro de esta familia y no quieres problemas con Biff, no viajes en el tiempo o cámbiate de apellido.

REMAKES DE LOS 80

Por Emilio Sanchís Sea por la falta ideas o por las ganas de hacer dinero fácil ( al menos en teoría ) la industria de Hollywood cada vez da luz verde a más remakes de películas y cada vez con más rapidez, solo hay que ver el remake de Spiderman que diez años antes Raimi había asombrado a todos con sus dos grandes películas sobre el trepamuros, la tercera es un tema aparte…, y este próximo mes ya se estrena el remake.

Aunque aquí lo que nos interesa y lo que vamos a comentar son los remakes basados en películas de los 80, una época que tan de moda está que hasta se hacen películas imitando el tono de las películas hechas en esta década como por ejemplo “Super 8” de J.J. Abrams y “Los mercenarios” de Sylvester Stallone.

El gran problema que tienen los remakes es que siempre escogen para realizarlos grandes películas que nos han marcado de una forma u otra y una cosa así es imposible de mejorar, por lo que tienen las de perder.

Otra cosa sería que cogiesen películas fallidas para realizar un remake y que dándoles otro aire pudiese ser lo que no fueron en el pasado.

Así pues vamos a zambullirnos en este mundo de copias y reinvenciones con más o menos éxito.

REMAKES BIEN HECHOS Esta claro que los remakes bien hechos son los menos habituales pero como las meigas haberlas hailas, solo es que hay que buscar mucho, vamos a enumerar algunos de ellos…. Aunque eso sí me he tomado la licencia de colocar algunos de finales de los 70 pero que por su calidad no he querido dejar fuera.

LAS COLINAS TIENEN OJOS: En el año 1.977 Wes Craven realizó una cinta de terror de bajo presupuesto con la tematica de la familia caníbal, tan de moda en esas fechas, gracias sobre todo a “La Matanza de Texas” y los resultados de la contaminación nuclear, la película tuvo bastante éxito y nos dejó el careto de Michael Berryman para el recuerdo.

En el año 2.006 el francés Alexandre Aja nos trajo uno de los mejores remakes que se han producido, siendo incluso superior a su original. La película es sucia, gore y extremadamente violenta ( como debe ser ) creando mucha más tensión que la original.

PIRAÑA: En el año 1.978 Joe Dante creo una franquicia de serie B que aprovechando el tirón de la muy superior “Tiburón” creaba otra saga de asesinos acuáticos, sólo que lo que era calidad en Tiburón aquí solamente era pura serie B, buscando divertir y con algún detalle gore.

En el año 2.010 Alexandre Aja, que parece ser que se va a convertir en el especialista de los remakes, creaba un remake totalmente enloquecido, convierte la playa en un festival de sangre y chicas desnudas en las que las pirañas se ponen las botas ( y nosotros con ellas viendo la que montan… ), es serie B como su original pero mucho mejor en todos los sentidos. Pura diversión.

RAMBO: Aunque no se trate de un remake puro y duro, se le puede tratar prácticamente como tal, ya que nada de la historia anterior sigue en esta, la primera Acorralado el año 1982 trataba más sobre el daño que

la guerra de Vietnam había hecho en los soldados que participaron en ella, en este remake John Rambo la violencia es mucho más explicita y aunque Sylvester Stallone cada vez parece más un muñeco que él mismo por el número de operaciones que lleva en la cara, este remake es divertido y ultra violento, cosa que para los tiempos que corren no esta nada mal.

REMAKES EN TIERRA DE NADIE Los remakes en tierra de nadie son las películas que no están mal, se dejan ver e incluso tienen momentos buenos, pero que no aportan nada a su antedecesor, por lo que no molestan mientras no se les compare con el original…

KARATE KID: En el año 1.984 se filmaría una película que nos marcaría a todos los que hoy rozamos la cuarentena nuestra juventud, ¿ Quién no se ha puesto con una pierna levantada y a realizado el famoso golpe con una pierna ?.Seguro que youtube esta lleno de imitadores…. En el 2.010 Will Smith lo vió como un vehículo perfecto para que su hijo hiciese gimnasia y se convirtiera en ídolo de jovencitas, pero mucho a cambiado el mundo desde entonces….. La película conseguía entretener y poco mas.

VIERNES 13: En 1.980 se creó uno de los iconos mayores del cine de terror, Jason el asesino de jóvenes lascivos que van a acamparar con la idea de echar algún polvete, su máscara de hockey y su machete han pasado a la historia del cine y la saga Viernes 13 como una de las más largas y que más secuelas han tenido.

Y en el año 2.009 Marcus Nispel, quién también realizó el remake de “La matanza de Texas”, se atrevió a devolver a la vida a la saga con la idea de resetear la saga para empezar otra, la película finalmente no consiguió el éxito esperado ya que poco más se puede decir del amigo Jason…

PESADILLA EN ELM STREET: En 1.984 Wes Craven daba vida a Fred Krueger que junto con Jason estarían en el olympo de iconos del terror, la idea de un asesino que asesinaba a sus víctimas en los sueños era

una idea genial y de hecho la primera parte tiene momentos de autentico terror, que desgraciadamente en las siguientes secuelas derivaría mas en comedia. En el 2.010 se estrenó su remake que intentaba empezar la historia cuando Krueger aún estaba vivo y le convirtieron en lo que es, la versión del 2.010 no aportó nada nuevo y difícilmente tendrá continuación…

TRON: En 1.982 se estrenó una película que sorprendió más por su estética y por sus novedosos efectos especiales que por la historia que nos contaba, bastante pobre seamos sinceros, en el año 2.010 se estrenó su remake titulado Tron:Legacy y que sin ser una gran película si que conseguía al menos entretener, con unos efectos especiales acordes al momento.

REMAKES NEFASTOS

PREDATOR: En 1.987 en el momento álgido de Arnold Schwarzenegger nos llegó una maravilla con unos extraterrestres con muy mala baba y cuyo divertimento era cazar a los humanos, aunque lo que no sabían era que enfrente tenían al futuro Governador de California y que hasta hay habían llegado, la película fue un éxito y originó una secuela que no alcanzó su nivel. En el 2.010 ( Año de muchos remakes ) se realizó uno de los peores remakes que se han realizado hasta la fecha, falta de ritmo, con actuaciones penosas, en las que se lleva la palma un Adrien Brody totalmente perdido.

CONAN: En 1.982 John Millius llevó a la gran pantalla a uno de los personajes más brutos de los comics, Conan encarnado por Schwarzenegger y que nos dejó dos películas convertidas hoy en día en películas de culto, y que juegan con elementos que tanto nos gustan a los amantes del fantástico como las peleas de espadas, brujería y los monstruos. Y así tenía que haber seguido…. pero no fue así y en el 2.011 llegó el temido remake con un Jason Momoa que en ningún momento nos hace dejar de pensar en Schwarzenegger y que

lastrado por un pobre guión terminó estrellándose tanto en taquilla como en crítica.

NOCHE DE MIEDO: En el año 1.985 Tom Holland nos ofreció una película en la que mezclaba los vampiros con el cine adolescente ( mucho mejor que otras sagas más recientes y Crepusculares…. ) y que se convirtió rápidamente en una película de culto, la película tenía una historia muy entretenida con buenos efectos especiales y unos actores acertados, especialmente Roddy McDowall. Pero en el año 2.011 llegó el remake y todo lo que en la original se tomaba a sí misma en broma en esta no le pillaron el punto y se quedó sin contentar a nadie, especialmente dolorosa es la actuación de Colin Farell, que casi siempre es un actor muy solvente pero en esta película va mas perdido que a la salida de un Alter.

ARTHUR EL SOLTERO DE ORO: Y dejamos para el final uno de los peores remakes que se han rodado ( con el permiso de Predators ), todo lo que en la primera versión de Steve Gordon era una comedia elegante y graciosa con unos acertadísimos Dudley Moore y Liza Minnelli son aquí desaciertos, estrenada directamente en DVD Russell Brand saca el lado mas histriónico, si es que tiene otro, y ni él ni los gags de la película funcionan en ningún momento.

Pues sí, después de leer todo esto aún tienen ganas de hacer mas remakes, y si ya se han destrozado la memoria de unas cuantas películas agárrense para lo que nos viene encima Desafío total, Robocop, Amanecer rojo, Los Inmortales, Los Cazafantasmas, Poltersgeist, Bitelchús, Toro salvaje……. son sólo la punta del iceberg, raro es el mes en el que no se anuncia el próximo remake de alguna película mítica, y seguro que terminamos viéndola en el cine aunque luego nos quejemos….

La magia siempre ha estado presente en mi vida, ya fuera gracias a mi padre con sus historias que me narraba acerca de brujas y magos, quizás por mi pasión por la fiesta de Halloween desde pequeña o simplemente porque tengo esa disposición hacia la magia (no sabréis si lo que os cuento es cierto o no, muggles).

Pero lo que claramente me ha marcado en mi vida con relación a la magia han sido esos peculiares personajes de las películas de fantasía de los años 80, pues ya fueran reyes de goblins, enanos aprendices o hechiceros malvados, todos ellos han utilizado la magia en su propio universo, el cual hemos podido observar a través de la gran pantalla, y por eso mismo los vamos a recordar.

Jareth, Rey de los Goblins (Dentro del Laberinto, 1986) Definitivamente es mi favorito desde siempre: rey de un mundo imaginario sacado de un libro, con gran presencia y con un encanto diabólico, Jareth es el personaje que mejor sabe utilizar la magia en su propio beneficio, pues tras acudir a la llamada de Sarah, teje todas tramas para llevarla a su castillo a partir de la petición de la muchacha de llevarse a su hermano pequeño.

A partir de ese momento se crea un vínculo entre la protagonista y el Rey de su libro favorito, pues solo cuenta con 13 horas para recorrer el laberinto que le llevará hasta el castillo y hasta su hermano… si no lo consiguiera, el niño se convertiría en un personaje más de la corte de Jareth, en un goblin más.

En el transcurso del viaje de Sarah por el laberinto, el rey intentará impedir por todos sus medios mágicos que la muchacha no consiga

su cometido, poniéndola a prueba con juegos mentales, acertijos difíciles e innumerables trampas que surgen gracias a su magia por todo el recorrido del laberinto.

En cuestiones de personalidad, hay que destacar que Jareth es un personaje poderoso, una misteriosa criatura creada para ser el antagonista de su propia historia, pero con un sexappeal irremediable para la joven Sarah, lo que él utiliza una y otra vez a través de un flirteo casi permanente.

Con relación a sus poderes, cabe destacar la capacidad para formar esferas de cristal con sus manos, puede crear ilusiones de todo tipo y también es capaz de ver las cosas desde la distancia. Jareth utiliza sus cristales mágicos para mostrar los sueños, y ofrece los cristales a Sarah como un símbolo de los suyos propios.

Jareth es, a su vez, un maestro del disfraz: puede

Dibujo realizado por Beatriz Pulido

transformarse en una lechuza para volar a donde le plazca. En la película se disfrazó como un mendigo ciego una vez, y en el manga “Vuelta al Laberinto” como una actriz Quinn, y en la segunda parte fílmica transformó su aparienda física, echando las manchas de su cabello hacia atrás y usando gafas, mientras que otra vez, eligió vestirse con un traje como el consejero de Toby.

Jareth se resiente su posición como Rey Goblin y anhela una vida diferente, probablemente con su amada. Él tiene una gran angustia que se genera sólo cuando se enamora de la protagonista de la primera película, Dentro del Laberinto, como se revela a través de las canciones de la película.

Si a esto le unimos que Jareth es interpretado por un David Bowie en mayas, comprenderéis a la perfección mi obsesión con este peculiar hechicero, rey de todos.

Willow (Willow, 1988) Willow es el segundo personaje que más marcó mi infancia, pues te enseña a seguir tus sueños y trabajar muy duro hasta conseguirlos, sin importar lo que te digan las personas de tu comu-

nidad o los impedimentos que te obstaculicen tu camino.

Willow es un pequeño hombrecillo de estatura baja, llamados enanos o personas con enanismo, que vive en su pequeño poblado junto a su esposa y sus dos hijos. Como parte activa de la comunidad, acude a las reuniones dirigidas por el druida del pueblo, el cual escoge todos los años a un aprendiz de magia, siendo éste el gran afán de Willow, el cual entrena con su varita mágica todos los días a pesar de los impedimentos que encuentra a su alrededor.

Cuando llega el día tan esperado de la audiencia ante el druida jefe, todo le sale mal y sale cabizbajo entre las risas de sus vecinos y compañeros. Pero esto es sólo el principio, pues Willow encuentra a un bebé abandonado en el río, y él no duda ni un momento en recogerlo y llevarlo ante el consejo. Una vez allí, Willow se hace responsable de la niña, y él junto a varios compañeros, se les encomienda el llevar a la niña a tierras de humanos, en donde la podrán cuidar bien. En el transcurso del camino, varios compañeros van abandonando la gesta, hasta que Willow encuentra a un humano, Madmartigan, el cual está colgado en una jaula a su

suerte. Willow, no se fía mucho de este hombre, por lo que decide liberarle a pesar de todo y llevar a la niña a buen recaudo.

En el transcurso del viaje, Willow podrá conocer más a fondo su poder mágico, utilizando la magia en varias ocasiones, hasta incluso combatir con un trol.

Poco a poco van descubriendo que el bebé es en realidad la niña que pondrá final al reinado de la hechicera y malvada reina Bavmorda, la cual quiere destruir por todos los medios a esa pequeña.

En el camino se encontrarán con seres de todas las razas, los cuales se unirán a la causa de Willow y protegerán a la pequeña con todo su valor, y a su vez, Willow aprenderá a utilizar la magia, siendo reconocido por todos por su valentía y por su gran poder con la magia.

Esta película es, para mí, un gran referente en el mundo mágico, pues te enseña a que por poco poder que crea la gente que tienes, si te esfuerzas puedes llegar a ser un gran hechicero.

Obispo de Aquila (Lady Halcón, 1985) La magia posee dos vertientes, la buena y la oscura, por lo que en esta película de 1985 podemos apreciar las dos partes, pues el Obispo de Aquila se alía con las fuerzas del mal para hechizar a la pareja de enamorados, Etienne Navarre e Isabeau, convirtiendo en halcón durante el día a ella, y en lobo por la noche a él.

El obispo está locamente enamorado de Isabeau, y esa es la verdadera razón por la que conjura el mal, pues por su conducta, ha sido rechazado por la Iglesia de Roma. Es un hereje, un tirano y un perverso ser, cuyo motivo de venganza es el amor.

A lo largo de la película la pareja contará con la ayuda del lacayo Philippe, el cual será su compañero de viaje y el que interceda por ellos ante el mal, intentado por todos sus medios lograr romper el hechizo. También se unirán al viaje de la pareja personajes muy peculiares como el fraile Imperius, el cual le contó al Obispo, mientras que estaba beodo, la relación entre su amada y Navarre, por lo que el fraile se siente culpable de la situación. Sin embargo, Imperius salvará a Isabeau de una flecha que la atravesó,

curándola en una habitación, siendo ése el momento en el que Philippe descubre la verdad sobre la pareja Navarre con el halcón e Isabeau con el lobo, a los cuales encuentra siempre ya sea de día (Navarre y el halcón) o de noche (Isabeau y el lobo).

Finalmente, la maldición sólo se podrá romper una vez muerto quien lo conjuró, por lo que deciden acudir en busca del Obispo de Aquila, pues con la ayuda de Philippe pueden entrar a escondidas. Navarre dejará a Isabeau, convertida en halcón, al cuidado del fraile, indicándole que si todo sale mal y suenan las campanadas, querrá decir que él ha fallecido, y tendrá, por lo tanto, que matar al halcón de la forma más rápida y menos dolorosa.

Navarre matará al guardia del Obispo, y sin esperar que su amada estuviera allí, la oye con su voz de mujer, pues ha ocurrido un eclipse en el que Isabeau puede recobrar su forma por unos instantes. El obispo, al verla, se dirige a ella, comprendiendo que el amor que siente por Navarre jamás lo sentirá por él, decidiendo ir a matarla. Pero Navarre es mucho más rápido que él y le atesta una puñalada mortal, liberando así a la pareja del hechizo.

El amor que se profesan por fin puede llevarse a cabo.

Merlín (Excalibur, 1981) El mago por atonomasia de los años 80, pues luego llegarán Gandalf y Dumbledore, pero sin duda, el más grande de los antecesores de todos ellos es Merlín.

Con base histórica, se cree que este galés vivió en el siglo VI, cuyo origen es bastante discutido en los escritos antiguos, pues se cree que su madre le concibió sin ayuda de ningún hombre, sólo por arte de magia, o que el demonio Asmodeo tuvo una noche de amor con ella (en esta versión la madre es una monja).

Concebido para crear el mal y proclamarlo entre los hombres mortales, Merlín decidió hacer

todo lo contrario y convertirse por lo tanto en un guía y consejero de grandes hombres, como el Rey Arturo de Camelot.

En esta película, el indiscutible protagonista es el mago, pues es el guardián de Excalibur, la espada que otorgará el poder a el rey, la cual ha sido entregada por la Dama del lago a Merlín para que éste se la adjudique a Uther Pendragon y así gane una larga y cruenta guerra.

Tras dicha batalla, Uther le ruega al mago que le ayude a seducir a la esposa de su nuevo aliado, el Duque de Cornwall.

Tras mucho ruego, Merlín accede, pero a condición de que el fruto de esa unión le sea entre-

ayudar a quien se lo pide a pesar de no estar muy de acuerdo en los modos. Siempre busca hallar la paz, por lo que odia las guerras y más si se debe utilizar la magia en ellas.

El mago Akiro y la Bruja (Conan el Bárbaro, 1982) El mago Akiro es el narrador de la historia de Conan, pues cuenta que le conoció cuando él era un ermitaño que vigilaba un gran cementerio de piedra, y cuando Conan estaba en medio de una gran gesta, pues era el guerrero encargado de alzarse con la venganza y destronar a Thulsa Doom del reino del terror. gado. Uther accede, y esa misma noche Arturo es concebido.

El mago esperará dieciocho años para anunciarle a Arturo que él es el verdadero heredero de Excalibur, la espada que le otorgará el poder para recuperar el reino, pues su trono está vacante.

Dicha espada mágica, incrustada en una piedra desde la muerte de Uther, sólo podrá ser liberada por su verdadero heredero.

Merlín es el mago a imitar por todos sus aprendices y descendientes, tanto en la literatura como en el cine. Es un hombre sabio y poderoso, que sabe utilizar sus poderes para el bien, aunque a veces se siente en la obligación de

En su camino se encontrará con Subotai, un ladronzuelo pero gran arquero y Valeria, una ladrona que enamorará al bárbaro. Tras el encuentro con el mago, Conan acudirá disfrazado a la Montaña del Poder, pero es descubierto por un guardia y crucificado en medio del desierto, en donde le encontrarán Valeria y Subotai a punto de morir. Los dos amigos llevan a Conan ante el mago Akiro, rogándole que le reviva, pero éste le dice que tendrá que pagar un gran precio a cambio. La muchacha accede.

Tras volver a la vida y emprender de nuevo el viaje, se toparán con un grupo que está realizando un aquelarre en donde conocerá a la bruja artífice de tal hecho. En el transcurso de la noche, la bruja visitará la cabaña en la que reposa Conan, incitándole a tener sexo con ella.

Finalmente, con la ayuda del mago Akiro, logrará hacerse con el trono, pues decapita al temible Doom con la espada de su padre, siendo de este modo reconocido como nuevo rey.

Akiro sigue el prototipo de mago ermitaño, que posee gran poder pero que no quiere usarlo, pues toda magia requiere un pago.

Sardo Numspa y el chico (El chico de oro, 1986) Otra vez volvemos a encontrarnos con las dos vertientes de la magia. En “El chico de Oro” nos

encontramos con un chico que es la reencarnación de Buda y por lo tanto tiene el poder y el deber de salvar al mundo. Por otro lado está Sardo Numspa, el maligno más malo que quiere acabar con el chico inocente para así poder hacerse él con el poder del universo. Entre medias nos encontramos al detective Chandler Jarrell, encargado de encontrar y proteger al chico en cuestión.

A lo largo de la película podemos ver lo reticente que es Farell con todo lo relacionado con la magia y con los poderes sobrenaturales, pero poco a poco, y gracias a los milagros realizados por el chico a lo largo de la historia, el detective termina creyendo en la magia.

Como en toda película que se precie, habrá un enfrentamiento final con el malo malísimo Sardo Numspa, el cual es capaz de todo por llevar a cabo su plan de matar al chico. En el enfrentamiento final, Numspa querrá matar a Chandler primero con la daga que daría muerte al chico, pero la daga da contra un amuleto que le habían regalado y que llevaba a regañadientes.

Otra vez, lo sobrenatural le salva, volviéndole creyente del todo. En un acto de valentía, Chandler recogerá el cuchillo y asestará una puñalada contra el hechicero malvado, logrando su muerte y el final de la historia, en la que el chico puede realizar su cometido al fin sin ningún peligro.

Lo Pan(Golpe en la pequeña China, 1986) Lo Pan es un mago ancestral de más de 2000 años, el cual secuestra a la prometida de Wang Chi, pues es una asiática de ojos verdes, la única capaz de romper el maleficio en el que se ve sumergido, el cual le impide volver a la vida

terrenal, pues está encerrado en la vida eterna.

Mediante el sacrificio de esa muchacha, él volverá a ser libre.

Este mago es el típico mago ataviado con vestimentas asiáticas antiguas, que utiliza su poder sin importarle ni como ni por qué para lograr su objetivo.

A lo largo de la película podemos ver cómo realiza un sin fin de trucos de magia y de hechizos contra el prometido de la muchacha y de su amigo, interpretado por Russell. Ambos intentarán buscar ayuda en el tío de Wang, Egg Shen, el cual posee poderes sobrenaturales, pues con su ayuda y una poción junto con un grupo de valientes, se adentrarán en los dominios de Lo pan, y así salvar, no solo a Miao Yin, sino a las esposas escogidas entre las mortales para casarse con ellas.

Volvemos a los ritos, juegos sucios entre magos y aventuras en una película con un ambiente total de los 80, con efectos especiales que hoy en día nos provocan una sonrisa.

Milagroso Max (La princesa prometida, 1987) En esta película, otra de mis más favoritas, también encontramos a un mago, con un papel muy corto pero importante, pues Íñigo Montoya y Fezzik, al reencontrarse, deciden vengar la muerte del padre de Montoya y a la vez impedir el matrimonio de Buttercup y Humperdinck. Tras este reencuentro, encuentran a Westley, el amor de la princesa, torturado hasta la muerte por el príncipe, por lo que deciden buscar al mago llamado Milagroso Max, el cual

es un antiguo mago despedido por el príncipe Humperdinck.

Una vez en casa del mago, éste les dice a los amigos que Westley solo está aparentemente muerto, por lo que decide resucitarlo, todo a instancias de su esposa Valerie, pues Westley ha encontrado el amor verdadero y debe ir en su busca.

Un pequeño papel, pero de gran importancia, pues sin la presencia de este mago animamuertos o resucitador, no hubiésemos tenido historia.

Zoltar (Big, 1988) Y por último nos encontramos con la máquina de la feria de Zoltar el mago, una pequeña marioneta dentro de una máquina, en donde por una moneda hace realidad tu deseo más profundo.

Con esta máquina se encontrará Josh, un joven de 13 años cansado de tener esa edad y que desea de todo corazón ser adulto, sin saber qué problemas y responsabilidades le acaecerán con es deseo.

Zoltar es un genio, parecido a los salidos de las lámparas de las historias árabes de “Las mil y una noches”, capaz de predecir el futuro e incluso de cambiarlo si lo deseas firmemente.

En esta ocasión, solo vemos a Zoltar al principio y al final de la película, cuando el joven acude a él tanto para hacerse mayor como para volver a su edad verdadera.

A pesar de ser un muñeco o una marioneta, es un mago de verdad, pues logra hacer los sueños realidad.

Seguramente habrá muchos más magos o hechiceros de los años 80 que han aparecido en diferentes películas de fantasía, pero, en mi humilde opinión, estos son los que más han influido a las generaciones venideras, como es el caso de la mía.

los caminos de la fuerza son inescrutables.

un relato de Andrea c. peña Un lugar, una hora, un día, ni un minuto más ni un minuto menos. A pesar de que siempre había sido de los que llegaban tarde, el consejo del jefe había sido no hacerlo aquella vez. Era el mejor, el más rápido y el más inteligente cazarrecompensas de todo Coruscant. Sin embargo, aquello nadie debía saberlo y menos aún el nuevo gobierno en ciernes. El lugar escogido había sido una cantina, el nombre… ¿acaso importaba?, la hora demasiado típica… Un encuentro con nocturnidad y alevosía. Pero el cliente pagaba bien y ponía las condiciones.

Cuando el cliente entró por la puerta todos los parroquianos se volvieron curiosos, siguieron sus pasos y sus gestos, cuyas manos enguantadas en blanco lo delatan como un siervo del nuevo imperio. Él, Darek, esperaba en una esquina su momento. Sus grandes y pesadas botas descansaban sobre la mesa redonda, sus brazos quedaban tras su cabeza, que estaba apoyada en el pecho de una hermosa bailarina.

Observó como el joven soldado preguntaba por él, el tabernero respondió y sus pasos pesados se dirigieron hacia él.

-¿Sherk?-su nombre artístico en sus labios sonó hasta insultante, se levantó ligeramente y chascó los dedos a su acompañante para que le dejase con el recién llegado.

-Ese soy yo y supongo que tú eres mi cliente-Su voz sonó distorsionada por la máscara que llevaba, un artilugio rojo que escondía su verdadero rostro-.

Dime, ¿qué hace alguien como tú en un sitio como

este?, ¿por qué necesitáis mi ayuda?

El clon se levantó y se dirigió hacia la puerta, dejando a solas a Darek que observó de nuevo la Como toda respuesta recibió una foto: es un niño foto que había quedado frente a él. La levantó y la demasiado pálido para estar sano, su cabello era miró. La mano que había alzado para mover dos blanco y su iris gris casi no se distinguía del resto dedos frente al soldado y dar la orden pertinente del ojo. Darek casi ni lo miró antes de decir: a su cerebro, regresó a la mesa.

-Así que sigues vivo, compañero. Deberías haber -¿Un Jedi? Mis precios son altos, pero debo decir permanecido escondido, como han hecho otros. que para este será excesivamente alto.

-Era un niño cuando se cumplió la orden de Se levantó, dejando unos créditos sobre la mesa, exterminarlos. por un instante pensó en dejar la fotografía, pero -Y ahora tendrá los veinte años como mínimo. luego se lo pensó mejor, se la introdujo en el -¿Tenéis miedo? bolsillo y abandonó el local por la puerta trasera, Darek rió fríamente, se levantó y se juntó tanto al donde un pobre hombre maloliente le pidió soldado clon que este pudo sentir el zumbido de algo de comida. Dejó caer sobre su zurda unas la máscara sobre su oreja cuando se pronunció: monedas, se quitó el casco y se lo dio.

-No hablemos de quién tiene miedo, no sea que quedes en ridículo.

-Véndelo dentro de unos días.

Las manos del soldado fueron endiabladamente rápidas cuando sacó una pistola y apuntó a Darek en la cabeza, los gritos se dejaron oír en la sala y los parroquianos trataron de abandonar en masa.

Sin embargo pronto fueron sustituidos por al menos media docena de clones.

Cuando dio la vuelta al recodo, observó que delante de la cantina donde el letrero de luces fosforescentes se había apagado, había aparcado un aerodeslizador y de él bajaba uno de los más temidos siervos del imperio. Por supuesto no era Darth Vader, era un aprendiz de Sith, o al menos eso era lo que le hacían creer al susodicho. Darek -Mirad lo que habéis hecho, les habéis asustado- no lo creía, lo veía como una simple marioneta a dijo con ironía el cazarrecompensas-. Ahora la que le cortarían los hilos en cuanto dejara de marchaos, por favor. Yo no soy Sherk, hace unos ser útil. días que murió en un tiroteo.

-Tú no eres Sherk-repitió el soldado-. Sherk está Darek no era un Jedi, nunca lo había sido. El chico muerto. de veinte años, espalda ancha, cabellos blancos y piel tan pálida que se le transparentaban las venas

azules, nunca había sido escogido, aunque sí su hermano gemelo. Le habían hecho las pruebas, pero nunca había logrado convencer a los maestros del consejo como lo hizo Varok.

Siempre le había odiado por ello, a él le había tocado vivir con sus padres, chatarreros y pobres, habían muerto por tratar de ir al templo Jedi cuando se cumplió la temida Orden. Él como siempre había quedado relegado a un segundo plano y posiblemente aquella había sido su salvación.

Tenía que encontrar a su hermano antes de que lo hiciesen ellos y lo matasen, aunque claro, para ello antes debería estar vivo. Sus pasos le habían llevado hasta la parte más baja de Coruscant, donde tenía su pequeño nido: una casa con más de mil habitaciones de menos de seis metros cuadrados. Con el dinero que había ganado con sus trabajos había comprado tres y había derruido las paredes para crear una más grande. Se entraba por una pequeña puerta que todavía necesitaba la llave y no una retina ocular para su apertura.

El zulo solo tenía una cama pequeña, una mesa y una estantería, amén de miles de cachivaches que llenaban el suelo entero. No había ni un solo adorno, todo estaba sucio y había restos de comida en un rincón.

Se sentó en la cama y se posicionó tal como le había enseñado su hermano, cerró los ojos y trató de concentrarse y no pensar en nada que pudiera distraerlo de su ocupación. El fallo del consejo Jedi había sido principalmente creer que Varok no enseñaría a Darek lo que sabía: algunos trucos mentales, esgrima Jedi y telequinesia. Varok creía que el consejo se había equivocado con él, él que la fuerza tenía pensado algo diferente. Cuando sucedió la matanza en el templo, Darek se alegró de ser libre. Aquel día, esperó acurrucado en su cama la llegada de sus padres, que no vinieron, esperó la llamada mental de su hermano, que tampoco llegó, ni tampoco le sintió cuando trató de buscarlo desesperadamente con la fuerza.

Aquella falta de comunicación podía tener dos connotaciones, o estaba muerto, o escondido para que no le encontraran.

El vínculo con su hermano siempre había sido poderoso y aunque se había roto hacía diez años, creía que podía reconstruirlo si seguía vivo. Buscó la pequeña cuerda de fuerza por la que antes estaban unidos, la encontró y la siguió con los ojos cerrados. Recorrió callejones oscuros, subió desde la antigua calle donde vivía la peor calaña a los niveles superiores de Coruscant, donde la gente rica se reía de la gente como él, y por fin, después de una larga búsqueda, encontró el final de la cuerda.

Se levantó, pesadamente, agotado. Rebuscó en el armario y sacó una bebida isotónica que tragó hasta que no quedó nada en su interior, después devoró un par de galletas que pasó con los restos de la botella. Después de un instante de reflexión cogió un casco azul que lo protegiera de los soles y de los mirones y salió al exterior donde ya había amanecido.

Pasó cerca de un atraco, pero no actuó.

Simplemente se dejó llevar por la marea de sentimientos que embargaban su corazón y la marea de gente que iba a las fábricas a trabajar y que lo arrastraban a él hasta unas escaleras que llevaban hasta los niveles superiores de la ciudad. Dos ascensores fueron necesarios para que la contaminación que se acumulaba en las partes inferiores de la ciudad desapareciera de sus pulmones y quedase tan solo un aire que aunque recargado, era más respirable.

Se movió seguro y sin dudar por la ciudad, la conocía demasiado bien. Eran viejos amigos y aunque se odiaban mutuamente, se soportaban en los momentos de más melancolía. Mientras sus pies consumían metros hasta su hermano, la mente comenzó a recordar y sus lágrimas a caer por sus mejillas.

El sol había salido cuando por fin alcanzó su destino, era una casa grande y llamativa, más propia de un hombre rico que de un Jedi. Tocó su arma que colgaba del cinturón y por fin se decidió a llamar. Una voz ronca preguntó: -¿Quién?

-Busco a Varok-se quitó el casco-soy su hermano

Pasaron varios minutos hasta que la voz dijo: -Pasa, chico.

-Lo sé, el Imperio lo atrapó hace ya dos meses.

He intentado decírselo pero…-el silencio volvió y ella empezó a llorar y a disculparse, hasta que él se El interior era una casa señorial, parecía el hogar aproximó y la apretó contra su pecho. de algún seguidor del imperio, una especie de agonía se cogió a sus pies y a su garganta y por -No puedo prometeros amor, al menos no por unos segundos su cuerpo pareció reacio a seguir ahora, pero sí dinero y protección. viviendo. Pero pronto pasó, un mayordomo lo llevó a una salita vacía donde un droide lo miraba ¿Realmente podía? El encargo que le había llegado con sus grandes ojos como dos linternas. era para matar a su hermano, si había muerto hacía dos meses entonces… dio dos pasos hacia atrás, -Buenos días, desea algo para desayunar. comprendiendo la traición. Le habían buscado a -Ya he comido gracias. él, no a su hermano y habían utilizado la foto de La puerta se abrió y en ella apareció un niño de Varok para hacerlo. La puerta volvió a abrirse, allí unos 4 años de cabello rubio y ojos grises, que le había un pelotón entero de soldados imperiales. miró fijamente a los ojos antes de decir: -Lo siento, Darek, prometieron que mi hijo -¿Papá? ¡Papá has vuelto!-gritó con un chillido seguiría vivo si te entregaba. que llenó sus oídos.

Pero, ¿por qué, si él nunca había sido un Jedi? Él no supo que decir, lo abrazó y se quedó escuchando sus sollozos antes de que la puerta -Lord Sidius quiere verte-dijo un hombre tras volviera a abrirse y apareciera una hermosa mujer todo aquel batallón, la marioneta del imperio… rubia, ojos verdes y de aspecto nervioso. cuando se quitó la capucha lo comprendió.

-Hermano-susurró, los dos gemelos se midieron -Varok, cariño, ve a jugar un rato mientras yo unos instantes, ¿el niño solo había fingido o hablo con tu padre. lloraba de verdad? Los soldados lo arrastraron hasta un vehículo sin muchos miramientos y su Los dos se miraron largamente antes de hermano se sentó a su lado. que ninguno pudiera hablar. Finalmente el -No te preocupes-el niño de la foto que ya no cazarrecompensas dijo: era tal se pasó los dedos por el cabello blanco, echándolo hacia atrás-. Quizás los Sith vean en ti -No soy Varok. el talento que no vieron los Jedi….

Monstruos del cine de los 80 por Jose Lopez La década de los 80 ha sido una de las mejores en cuando a cine se refiere, nos ha dado gran cantidad de monstruos que a día de hoy han servido para inspirar muchísimas películas, libros, videojuegos, cómic e incluso música.

Sobre todo gran parte de esos monstruos surgieron para el cine de ciencia ficción y terror , incluso algunos, hoy en día, continúan dando verdadero pavor, aun que también surgieron algunos de carácter cómico.

Este articulo pretende recordar, homenajear y dar a conocer mas profundamente algunos de esos monstruos que no solo han marcado un hito, si no que también nos han acompañado en nuestra infancia, desde los 80 hasta día de hoy.

Alien

También conocido como Xenomorfo es un ente biológico extraterrestre ficticio protagonista de la tetralogía Alien, además ha aparecido en una serie de cómics. Su diseño se baso en la pintura Necronom IV del suizo H.R.Giger.

Según el cómic su nombre científico es Linguafoeda acheronsis que significa lengua mortífera de Acheron, aunque también se le denomina Internecivus raptus, Ladrón mortífero.

El nombre técnico “Xenomorfo”, que literalmente significa forma extranjera o extraterrestre, fue dado por la oficial Ellen Ripley y es usado en Aliens (dirigida por James Cameron) y en Alien 3.

Origen El origen de la raza Xenomorfo es incierto, según la versión mas conocida, los Biomecanoides (Space Jockeys) sufrieron una brutal guerra, por lo que desarrollaron poderosas armas biológicas,

Son seres inteligentes pero a un nivel animal, ya que carecen de desarrollo tecnológico, y son depredadores natos. Los miembros de la colmena se identifican por el olfato gracias a una feromona que segregan en forma de gel, si una colonia identifica el olor de las feromonas de un xenomorfo ajeno a ella, automáticamente entran en un frenesí asesino que los llevará a liquidar a todo aquel ser extraño impregnado con dicho aroma.

Una de las características mas llamativas de los Xenomorfos sea la habilidad de adquirir parte del ADN de los huéspedes en los que se incuban, y por tanto, algunas de las características genéticas de este organismo. La cantidad de ADN que sustraen es imperceptible, pero lo suficientemente intensa como para transformas por completo su fisonomía.

logrando la creación de una nueva especie . Al finalizar la guerra los Biomecanoides, preocupados por una posible plaga en otros mundos, mandaron a un piloto a recoger muestras de huevos.

Sin embargo el piloto, al quedar infectado, falleció estrellándose en LV-426. Con el paso de los años la nueva especie desapareció misteriosamente, el piloto se fosilizó y el Alien huésped murió, pero los huevos se conservaron, hasta que posteriormente la Nostromus aterrizó en el planeta, aunque en la próxima película de Ridley Scott, Prometheus, se aclarará el origen.

Características Los Xenomorfos son de naturaleza social, suelen vivir en colonias tal y como lo hacen algunos insectos, hormigas, abejas, árgidos entre otros, rigiéndose por una estricta jerarquía en cuya cima se encuentra la Reina Alien, esta a su vez es protegida por los preorianos y mantenida por los zánganos (los Xenomorfos mas comunes que se encargan de proteger la colmena).

Estos seres poseen un exoesqueleto polisacárido mutado de silicona polarizada, lo que le permite resistir fuertes impactos, temperaturas extremas y largos periodos en el espacio. Los apéndices de sus extremidades terminan en puntas filosas que hacen las veces de garra y aguijón. Su método mas común de ataque es su cola, la cual acaba en una punta tan afilada como un cuchillo, es un arma natural de gran precisión, resistencia y con la fuerza suficiente como para levantar a su victima una vez la ha atravesado.

Además poseen una mandíbula muy compleja que consta de incisivos superiores similares a los de los humanos junto a un par de colmillos alargados. Los dientes de los Xenomorfos no están compuestos de calcio, como en el caso de los animales terrestres, si no que tienen una apariencia platinada y una gran resistencia. A esta dentadura hay que sumarle la segunda mandíbula retráctil que guardan en la cavidad bucal. La sangre de estos seres esta compuesta por un tipo de acido desconocido como sistema de defensa final. Este acido no es simplemente un método de defensa, los Xenomorfos carecen de sistema digestivo, por lo que la materia ingerida es disuelta gracias a este acido, y transformada en energía, lo que le permite alimentarse de cualquier cosa.

Apariciones  Alien: El octavo pasajero (1979) dirigida por Ridley Scott  Aliens, el regreso (1986) dirigida por Jamex Cameron  Alien 3 (1992) dirigida por David Fincher  Alien Resurrección (1997) dirigida por Jean-Pierre Jeunet  Alien vs. Predator (2004) dirigida por Paul W.S. Anderson  Alien vs. Predator 2 (2007) dirigida por los hermanos Strause  Prometheus (2012) dirigida nuevamente por Ridley Scott Además los Xenomorfos han aparecido en una serie de cómics, varios videojuegos, como el próximo Alien Colonial Marines, y se han hecho referencias sobre ellos en Animaniacs, Planet 51, Starcraft, La loca historia de la guerra de las galaxias entre otros.

Los Critters son monstruos voraces que carecen de conciencia y su único propósito es el de comer y reproducirse

Critters

Los Critters son una raza alienígena de seres malévolos que tienen la habilidad de tomar forma de pelotas como si se tratara de puesto espines, y combinarse en una espera mucho mas grande que avanza rodando y causando gran destrucción a su paso. Su color varia del negro al azul marino. Su diseño fue creado por los hermanos Chiodo. características Los Critters tienen la apariencia de pequeños animales peludos con pinchos. Poseen una boca llena de dientes puntiagudos y afilados.

Generalmente atacan en grupo mordiendo a la gente y tratando de devorarla.

Tienen la capacidad de lanzar los pinchos de su espalda a modo de misiles, las victimas de estos ataques quedan inconscientes, pero pueden ser despertadas al retirar el pincho. En la primera película tenían la habilidad de aumentar de tamaño, pero esto no se repitió en secuelas.

Origen Se desconoce por completo el origen de esta raza alienígena, aun que en la primera película los Critters son transportados a una estación espacial que funciona como prisión, sin embargo logran escapar robando una nave espacial de la estación.

Apariciones  Critters (1986) dirigida por Stephen Herek  Critters 2: The Main Course (1988) dirigida por Mick Garris  Critters 3: You Are What They EAT (1991) dirigida por Kristine Peterson  Critters 4 (1992) dirigida por Rupert Harvey Curiosidades En “Critters 2: The Main Course” la escena de la nave de los cazarrecompensas volviendo al planeta Tierra es la misma que la de la huida de

los Critters en la primera película.

critica y recibió un premio Saturn.

“Critters 3: You Are What They Eat supuso el Origen debut cinematográfico de Leonardo DiCaprio.

El origen de los Gremlins es incierto, estas criaturas En la película, el gato de la familia Brown se llama realmente te llaman Mogwai, que en cantones Chewy, esto es en referencia a Chewbacca de “La significa espíritu maligno. Según la cultura China, Guerra de las Galaxias“. los Mogwai son cierta clase de demonios que a menudo causan daño a los seres humanos. Se En una de las escenas de la película, uno de los dice que se reproducen sexualmente durante las Critters se come un muñeco de E.T. temporadas de apareamiento provocados por la llegada de la lluvia. Supuestamente, creían en La música del trailer es la misma que aparece en esta época debido a que en la cultura cantonesa la “Pesadilla en Elm Street” en la escena en la que lluvia significa “tiempos de riqueza”. matan a Tina.

El termino “Mo” deriva del sanscrito “Mara” que significa seres malignos. En el hinduismo y el budismo, Mara determina los destinos de la muerte y el deseo de que la gente entre en un interminable Los Gremlins son extrañas criaturas que pertenecen ciclo de reencarnación y el sufrimiento. En cambio a una especia animal que en determinadas “gui” simplemente significa espíritus difuntos o circunstancias se transforman en una pequeño almas de los muertos. En el chino moderno, sin y súper destructivo monstruito, por lo que como embargo, ha evolucionado para referirse a los mascota exige una gran responsabilidad por parte espíritus de los muertos que no pertenecen a los del cuidador. El diseño de Gizmo, así como el miembros de la familia a la que acecha. resto de las criaturas, corrió a cargo de Chriss Wallas, que fue altamente alabado por la critica y Estos seres de la mitología China son los que

Gremlins

utilizaron para basarse en los Gremlins de la Curiosidades película.

En el guión original la película estaba mas características encaminada el genero de terror, pero finalmente de decidió rebajar el nivel de violencia para que la El Mogwai es la fase inmadura de un Gremlin, película pudiera tener una mayor audiencia. a diferencia del resto de sus hermanos, Gizmo sobrevive debido a su apacible apariencia que Inicialmente el propio Gizmo se transformaba crea empatía con sus dueños y estos terminan al comer después de media noche, sin embargo protegiéndole, su carácter calmado es lo que le ha Spielberg (productor del largometraje) fue quien permitido sobrevivir, aunque es un ser maldito. decidió que no sucediera así y pasara a ser uno de Es una especie omnívora, aunque Gizmo prefiere los héroes de la película, considerando que seria los vegetales. popular con la audiencia debido a su dulzura.

Tiene orejas y ojos grandes, su nariz y mandíbulas son achatadas, es un animal bípedo e inteligente, posee manos articuladas de tres dedos, y está cubierto de pelo casi por completo. Se presume que tiene una vida muy larga porque en parte es un ser mágico.

Al final, cuando el viejo tendero chino coge a Gizmo, podemos oír a Gizmo decir “baba”, que en chino significa “papa”.

Pero los años 80 no solo han sido grandes por sus películas de ciencia ficción y terror, si no que también fue una gran época para el cine Hay tres normas básicas del cuidado de los de fantasía. Dejándonos monstruos que con el Mogwai: tiempo se han convertido en iconos de la época, y que gustaron a grandes y pequeños como es el  El mogwai no soporta las luces brillantes y caso de las que veréis a continuación. no debe recibir luz del Sol, que lo mataría. 

Nunca debe mojarse al mogwai.

 Y lo más importante, nunca se debe alimentar al mogwai después de la media noche.

El resultado de quebrar la segunda regla origina que el Mogwai suelte pequeñas bolitas de las cuales se forman otros Mogwai, tanto los Gremlins adultos como los Mogwai puede reproducirse de esta manera, aunque todas estas nuevas copias son malvadas.

Si se quebranta la tercera regla es cuando sucede lo mas grave, el Mogwai crece y entra en fase ninfa y se metamorfosea en un Gremlin, los cuales poseen las mismas habilidades de los Mogwai pero siendo mucho mas destructivos y peligrosos.

Apariciones  

Gremlins (1984) dirigida por Joe Dante Gremlins 2 (1990) dirigida por Joe Dante

Ludo Ludo es un troll con la personalidad de un peluche, la muestra perfecta de que en el Laberinto nada es lo que parece. Tiene el talento especial de invocar a las piedras, llamándolas y consiguiendo que estas le "obedezcan". Los Goblins parecen tener una fijación especial con molestarle y atacarle, aun así a el no le gusta dañar a nadie. características Ludo es un ser especialmente sociable, tiene facilidad a la hora de hacer amigos y si le tratas bien tendrás su amistad para toda la vida, ayudándote en todo lo que pueda, por lo que suele pecar de inocente y bonachón.

Tiene un par de cuernos a ambos lados de la cabeza, unos llamativos colmillos y gran cantidad de pelo largo y rojizo. Es ligeramente mal alto que un humano y bastante mas ancho, con grandes manos y pies, su cara transmite ternura a la par que tristeza. Siempre intenta defender y ayudar a Sarah en todo lo que puede.

Ludo posee habilidades especiales pero la principal sin duda es su habilidad para invocar a las rocas a su antojo emitiendo un rugido, el las considera sus amigas, además es un experto rastreador.

Sir Didymus Sir Didymus es el guardián del puente del Pantano del Hedor Eterno. Aunque ha pasado tanto tiempo desde que se le concedió el cargo que ya nadie recuerda quien le otorgó dicho titulo. Desde entonces, cumple impecablemente con su deber, pues juró no permitir que nadie cruzase al otro lado sin su permiso. características Sir Didymus es un perro con una habilidad innata para hablar que cree ser un caballeros de los de antaño, por lo que luce elegantes ropajes de terciopelo rojo y dorado con bandas negras

Didymus siempre va motado en su más fiel corcel, Ambrosius, un perro pastor inglés que siempre lo acompaña y que no posee ni la mitad del coraje que su dueño, lo que le otorga la noble labor de ser la parte sensata de este dúo cuando la situación se pone peliaguda.

Sir Didymus destaca por ser Valiente, leal y servicial además de ser tremendamente educado.

Le encanta hablar como si fuera un caballero de la Edad Media y nunca pasa por alto sus principios.

Es una Criatura de palabra donde las haya, aunque el hecho de ser tan despiadado le ha metido en más de un problema.

Además de estas, el laberinto está poblado de muchas otras extrañas criaturas Hadas, Enanos, Gusanos parlantes o Aldabones (unos picaportes mentirosos) entre las que cabe destacar a Hoggle, un gnomo irritante, cascarrabias y usurero, guardián de la puerta del laberinto, los Fireys que son unas extrañas criaturas que tienen la habilidad de quitarse su cabezas y sus extremidades para jugar con ellas, y por supuesto los Goblins que son los principales antagonistas de la historia.

Apariciones

Curiosidades El actor encargado de interpretar a Hoggle, es una actriz con enanismo llamada Shari Weiser.

Los muñecos macabros Fireys ,que arrancan sus extremidades y cabeza en un baile inolvidable, están claramente influenciados por sus hermanos mayores Los Fraguel, ambos creados por Jim Henson.

El guión es de Terry Jones, uno de los miembros de los Monty Python.

La historia está muy influenciada por los cuentos  Dentro del Laberinto (1986) dirigida por "El mago de Oz" Y "Alicia en el País de las Jim Henson.

Maravillas".

Fujur Fújur es un dragón blanco de la suerte, es una de las criaturas mas extrañas de Fantasía, donde los dragones de la suerte no tienen ningún parecido a los dragones comunes. Fújur es una criatura del aire y el buen tiempo, transmite alegría con solo estar a su lado, y a pesar de su colosal tamaño es ligero como una pluma. Siempre tiene una sonrisa en su cara, y se podría describir como un cruce entre un perro y un dragón.

Características Fújur tiene la capacidad de volar sin necesidad de alas por el hecho comentado anteriormente, su cuerpo es alargado y flexible revestido con

escamas de color perla alternado con pelo en ciertas zonas, como las orejas, y sus ojos son rojos como el rubí. Surca los cielos como si de un pez de tratase, cuando se le ve desde tierra da la apariencia de ser un relámpago lento. Lo mas destacable es su habilidad para el canto, posee una voz muy peculiar similar al repiqueteo de una campana de bronce.

piedras y rocas y ayuda a Atreyu en su misión.  Gmork es un hombre-lobo, que tras ser rescatado de su presidio por Atreyu, éste le muerde hiriéndolo de gravedad.

Apariciones  La Historia Interminable (1984) dirigida por Wolfgang Petersen  La Historia Interminable: El Segundo Capítulo (1990) dirigida por George Trumbull Miller  La Historia Interminable 3 (1994) dirigida por Peter MacDonald

Engywuck y Urgl Engywuck y Urgl son una pareja de gnomos que viven cerca del Oráculo del Sur del reino de fantasía, en una cueva excavada en la ladera de una montaña. Engywuck se considera un investigador, y esta obsesionado con el Oráculo y siempre examina con detenimiento sus tres puertas para escribir un libro que exponer en Curiosidades reuniones y círculos científicos.

La primera letra de cada capítulo es una imagen Urgl en cambio se dedica a preparar pociones dibujada en tinta roja y verde por Roswitha y brebajes, y siempre le esta reprochando a Quadflieg. Estas imágenes también representan Engywuck lo obsesionado que está con el oráculo. los caracteres y los acontecimientos del capítulo que introducen.

La pareja de gnomos son interpretados por Sydney Bromley y Patricia Hayes Steven Spielberg tiene el amuleto que usó Atreyu, guardado en un tarro de cristal, dado que es muy El mundo de fantasía está repleto de innumerables fan de este filme. seres fantásticos entre los que cabe destacar a: El papel de Emperatriz infantil en un primer  Ygramul el múltiple criatura extraña momento iba a ser para la hija mayor de Mick compuesta por insectos azules, que van zumbando Jagger violentamente a la vez que cambia de forma constantemente. Tan malo es, que tiene una Al autor de la historia Michael Ende, no le gusto canción con su nombre, como alerta al viajero. nada en absoluto la película y no quiso que su  Comepiedras gigante que se alimenta de nombre apareciera en los créditos.

La decada que nunca se fue We didn't start the fire No we didn't light it But we tried to fight it Billy Joel - We didn't start the fire

Por: Andrey M.Alfonso Mozos Cada década ha dejado alguna huella e imaginarios que marcan a la humanidad; La psicodelia sesentera, el escepticismo e incertidumbre noventeras….bajo esta premisa uno podría pensar que tal vez los ochentas fueron una década anodina sin embargo esta década dejó una huella perenne que aun hoy en día más de treinta años después sigue teniendo vigencia y repitiéndose en un ciclo en aspectos tan distintos como la música o las relaciones internacionales.

fortalecieron como en el caso del heavy metal tomó un segundo aire de la mano de bandas como Iron Maiden, Def Leppard, Motorhead y Judas Priest. El Sinth Pop con sus sintetizadores y su visión automatizada del futuro sería el caldo de cultivo para bandas aun vigentes como Depeche Mode o New Order. Con su impetuoso ritmo entro en escena el Trash Metal que con bandas como Megadeth o Sepultura empoderaron el sentido del Rock. En esta década se generó también el movimiento glam que cautivó a miles de jóvenes Vale la pena hacer un pequeño recuento de lo que en una estratégica llave con los videos musicales aconteció durante esos diez años y ver que hoy anteriormente mencionados. día hay muchos aspectos que se mantienen: Fue durante este lapso que tuvo su punto más álgido y Otro género que dejaría semillas sería el College a la vez su desenlace la guerra fría, y se intensifican Rock que años más tarde cosecharíamos en el fenómenos como el terrorismo y las desapariciones denominado Rock Alternativo. forzadas, el SIDA se convertiría oficialmente en el azote y mas reciente caballo del apocalipsis del momento, los tigres asiáticos inician su rápido desarrollo industrial. En el ámbito cultural se marcaron importantes tendencias en música, cine que implantaron nuevos estilos de vida y de ver el mundo. La aparición de los videoclips en el canal MTV (en el año 1981 con el video “Killed The Radio Star” de “The Buggles“.) cambiaría para siempre la forma de percibir la música y la aparición y comercialización de los videojuegos daría un nuevo sentido a la palabra sedentarismo.

La música en esta década trajo múltiples nuevos géneros mientras que otros se renovaron y

En cuanto a moda y tendencias en el vestir cabe resaltar el uso (y abuso) de colores y accesorios; artistas como Madonna, Michael Jackson Entre otros expusieron un estilo que sería copiado por sus fans casi que religiosamente. Las remeras o camisetas holgadas estampadas son casi que las prendas emblemáticas de este década por excelencia, al igual que los jeans descoloridos. Los peinados con flequillos, copetes y rulos mandaban la parada y el maquillaje era un tanto recargado.

Otro accesorio célebre de esta época fueron las hombreras.

En el área política el mundo veía como bastiones del capitalismo iban cayendo uno tras otro y el sistema que comenzó a imperar en el mundo es el aun vigente modelo político-económico (prefigurado por Milton Friedman) conocido como 'neoliberalismo' o 'liberalismo económico', que merecería un artículo independiente dada su complejidad y repercusiones en la posteridad.

Muchas cosas han cambiado desde que un mal actor se convirtiera en “el hombre mas importante del planeta” y de ver montar a un niño triciclo en un triciclo por un enorme hotel nos resultara tan inquietante y perturbador, pero los 80’s de convirtieron en ese hábito al que volvemos inevitablemente para mal o para bien.

Fuentes: http://espaciomusica.com/musica-de-los-80reportaje-completo-de-la-musica-de-los-80/ http://www.hacetiempo.com/tag/moda/ http : / / m x . ans we rs . y a ho o. c om / qu e st i on / index?qid=20091013215854AAYQbMz

Por Javier Sanchez Roquero En Nosolofreak no somos muy dados ha hablar del mundo del deporte, ya que no somos una revista deportiva, ni pretendemos serlo. Pero hablando de los años 80, nos vemos en la obligación de hacerle un hueco a una rivalidad deportiva que cambio la forma de ver el deporte en general y el baloncesto en particular, haciendo resurgir a una liga que había vivido sus peores momentos en los años 70 y que, gracias a esta rivalidad y a la llegada de dos titanes como Larry Bird y Magic Johnson, llegó a alcanzar el estatus de mejor liga del mundo, teniendo a seguidores de todo el mundo en vilo, delante de sus televisores, para ver quien ganaba esta legendaria lucha, año tras año.

Si hablamos de los inicios de la rivalidad entre Boston Celtics y Los Angeles Lakers, debemos remontarnos al año 62, año en el que se enfrentaron por primera vez Boston, reyes indiscutibles de la NBA, con 4 títulos en su poder, por aquel entonces; con unos Lakers recién llegados a Los Angeles, donde todavía eran un equipo nuevo y, prácticamente marginal, al que no mucha gente seguía. Esa final del 62 sacó lo mejor de las dos franquicias y de estrellas de esa época, como el hombre de los once anillos, Bill Russell, o Jerry West, el hombre al que pertenece la silueta que aparece en el logotipo de la NBA; llegando a un séptimo partido, con una prorroga, que acabaría llevándose Boston, pero que habría supuesto el nacimiento de una rivalidad legendaria.

Los años 60 tuvieron un color predominante, el verde. Los Celtics, entre 1960 y 1969, ganaron nueve títulos de la NBA, cuatro de ellos ganado a Los Angeles, bajo el mando de Bill Russell.

Estos serian los años más brillantes de Boston Celtics y nos dejarían un duelo para el recuerdo, el duelo entre, el ya mencionado Russell y Wilt Chamberlain.

La década siguiente, los 70, fue la etapa más oscura de la NBA. Las grandes franquicias no rendían a un buen nivel, equipos menores se hacían con el codiciado anillo, las audiencias y el prestigio de la liga caían en picado, además de empeorar la

situación la violencia en las canchas y el racismo entre jugadores. No parecía que la liga más famosa de baloncesto tuviese un futuro muy prometedor, hasta que llegó el año 1979, un año que lo cambio todo.

No fue la final de la NBA la que relanzó esta gran liga, sino la final de la NCAA, que enfrentaba a las universidades de Michigan e Indiana.

Esta final, la que más audiencia ha obtenido en toda la historia de la NCAA, fue especial por el enfrentamiento de dos jóvenes promesas, que se convertirían en, probablemente, los dos jugadores más importantes de la historia, con permiso de Michael Jordan. Esos dos jóvenes eran Larry Bird y Magic Johnson.

Indiana llegaba a la final con unos números increíbles, 33 victorias y ninguna derrota. Allí militaba Bird, que había sido drafteado como número uno por Boston y ese mismo año sería elegido MVP de la temporada regular en la NCAA, pero el premio no sería completo, ya que en Michigan le esperaba Magic Johnson, que llevaría a su universidad a la victoria, con un resultado de 75-64, y sería nombrado MVP de la final. Además, Magic fue drafteado ese mismo año con el número uno y elegido por Los Angeles Lakers . Así comenzaría el resurgimiento de una liga muy maltratada en los últimos años y de una rivalidad legendaria, tal vez la más especial de la historia.

Con estas incorporaciones en sendas escuadras, daría comienzo la década de los 80. Los Celtics representaban el esfuerzo y el trabajo en equipo, era un equipo que desprendía seriedad con jugadores que marcarían una época, liderados por el Big Three, compuesto por Kevin McHale, Robert Parish y Larry Bird. Al otro lado estaban los Lakers, con un juego explosivo, basado en el espectáculo, el famoso showtime que siempre ha sido la bandera del equipo angelino. Para ello contaba con jugadores de la talla de Earving “Magic” Johnson, Kareem Abdul-Jabbar o James Worthy.

El destino no podría haber estado más acertado que poniendo a Bird y a Magic en el equipo al que

mejor representaba cada uno, algo que dejo claro el propio Magic con la siguiente declaración: “Es imposible imaginarnos al revés. Bird nació para enfundarse ese viejo y feo uniforme verde y yo para brillar en mi oro y purpura”. Ambos sabían la responsabilidad que tenían encima, siempre pendientes el uno del otro, vigilándose mutuamente desde la distancia. Bird decía que “lo primero que hacía cada mañana era mirar las estadísticas de Magic. Esa competencia con él es lo que me hizo mejorar como jugador”, pero Magic no se quedaba atrás, “cuando estaba en el gimnasio entrenando y ya no podía mas, pensaba: tengo que seguir porque sé que, en algún lugar, él esta haciendo lo mismo. Era el único jugador que me podía ganar y eso me daba miedo”. Lejos de lo que se pueda pensar, la rivalidad entre ambos era sana, puramente deportiva. El ansia de estos dos jugadores por mejorar hizo crecer a sus equipos, convirtiéndolos en grupos unidos deseosos por dar lo mejor de sí y quedar por encima de su eterno rival. Bird y Johnson acabaron siendo

amigos fuera de la cancha, al igual que muchos otros jugadores de esa época, aunque no todo era tan bonito y no todo el mundo se toma la competencia de la misma manera. Ese es el caso de Cedric Maxwell, jugador de Boston, quien al ser preguntado por esta rivalidad, respondió: “¿Quieres saber cómo era la rivalidad CelticsLakers? Yo te diré como era. Si yo tuviera un cubo lleno de agua y un jugador de los Lakers estuviera ardiendo en llamas y agonizando…preferiría beberme el cubo entero antes que alguien pudiera utilizarlo para salvarle. Así es como era”.

Esta rivalidad traspaso las canchas de juego para convertirse en un sentimiento para cada habitante de Los Angeles o de Boston. No había tregua para el rival, el pique era continuo y en cuanto había oportunidad nadie dudaba de cargar contra el rival. Magic recuerda, con particular tono bromista que “cuando llegabas al aeropuerto de Logan, en Boston, te asaltaban los amables fans de los Celtics con sus cariñosas palabras como: Larry va a matarte”.

Esta rivalidad tuvo 3 momentos cumbres a lo largo de la década, las tres finales en las que Lakers y Celtics se enfrentaron, las del 84, 85 y 87.

Después de la derrota sufrida por Bird en el 79, el momento más duro de su carrera según sus propias palabras, este volvía a verse las caras con Magic en una final. Boston, con su Big Three al mando, llegaba con unos números espectaculares a la final, 62 victorias y 20 derrotas, además de tener la confianza de no haber perdido nunca una final contra Lakers. Estos, por su parte, llegaban con el record del Oeste, de 54 victorias y 28 derrotas. Tras los tres primeros partidos, en los que Lakers habían tomado la ventaja, con dos victorias suyas por una de Celtics, en el cuarto partido la cosa se puso tensa cuando McHale y Rambis se enzarzaron en una pelea que alcanzó los banquillos. El partido, tras una prorroga, lo acabó ganando Boston, pero el resto de las finales estarían marcadas por la dureza del juego. Pat Riley, al acabar el partido, declaró: “Los Celtics son todos unos matones”. Así se llegó al séptimo partido, donde surgió un héroe inesperado, Cedric Maxwell, que dominando en el poste bajo y con unos números de 24 puntos, 8 rebotes y 8 asistencias, hizo posible que la venganza de Bird contra Magic fuese posible.

Un año después, la historia cambio, y tras un primer partido en el que Boston machaco a Los Angeles, por 148 a 114, en un partido que pasaría a la historia conocido como “La masacre del Memorial Day”; Lakers supo secar a Bird, haciendo surgir nuevos héroes en Boston, como Dennis Johnson que resolvió el cuarto partido.

Pero nada de esto le sirvió a Boston para hacerse con el título, ya que un Abdul-Jabbar en estado de gracia, con unos números espectaculares, lograría la primera conquista de un anillo de los Lakers sobre los Celtics. Jerry Buss, dueño de los Lakers, declararía: “Nunca más podrá decirse que los Lakers no han derrotado jamás a los Celtics”.

El 87 sería la última vez que se enfrentarían estas dos franquicias en una final hasta muchos años después. Además, los Celtics estaban en decadencia y esta era la última oportunidad que tenía el Big Three de hacerse con un nuevo anillo.

Pero Los Angeles Lakers no estaban dispuestos a ello y machacaron sin piedad a los chicos de verde en seis partidos. Destacable fue el cuarto partido donde a falta de 30 segundos, con Lakers por debajo en el marcador, un alley oop de Magic a Jabbar, haría que estos se pusiesen un punto por arriba. Bird reacciono y a falta de 12 segundos puso a su equipo por delante. Pero una desafortunada falta a Jabbar, que convirtió el primer tiro libre y fallo el segundo, y una pérdida de Boston, dejo el terreno allanado para que Johnson decantase el partido a su favor con un espectacular Sky Hook.

También estas finales vieron el último partido de Boston en el Garden, afortunadamente con victoria de Celtics.

Este fue el final de una década gloriosa, guardada en la memoria de todo aficionado como unos de los mejores momentos deportivos vividos hasta el momento. Una época donde el deporte pasó de ser una mera competición deportiva para convertirse en un espectáculo mundial. Y todo gracias a unos jugadores que lo daban todo para ser mejores que su eterno rival. Además, nos dejó dos ejemplos a seguir, Bird y Johnson, que a pesar de ser rivales en la cancha y de representar cada uno unos ideales diferentes, supieron dejar de lado esa rivalidad en la vida real, estando unidos por la amistad y apoyándose en los malos momentos, como el conocimiento de Magic de su enfermedad. Os dejamos con las palabras del propio Magic en la ceremonia de despedida de Bird: “Eres mi amigo para siempre. Siempre dices que habrá otro Larry Bird, pero Larry, hazme caso: como jugador y como persona nunca habrá otro como tú”.

Aquellos maravillosos juegos Por Oscar Rivas Buenas compañeros del ocio interactivo. Hoy me gustaría hablar de unos años en los que la tecnología empezaba a despuntar para la gente de a pie, sobretodo por la reducción de costes y tamaño. Los maravillosos años 80. Esta década maravillosa no solo lo fue porque nací yo, sino porque el ordenador personal paso de ser para unos pocos privilegiados a algo que casi cualquier español medio podía tener en su casa debido a como ya he dicho, a la reducción de tamaño y precio. Fue una época en la que convivían perfectamente ordenadores de diferentes precios y potencia como Amiga, Commodore 64, MSX, el legendario Spectrum, etc.… Todos ellos con un montón de versiones. ¡Ay! quien de mi generación no recuerda el lenguaje informático Basic y los dibujitos que hacíamos con el o incluso pequeños juegos propios…. ¡Que recuerdos!

También vieron la luz consolas como Nintendo (Nes) Master System o incluso el nacimiento de una portátil legendaria, Game Boy. Aunque para ser sinceros a Europa llego en 1990, como Mega Drive y Super Nintendo que llegaron a principio de los noventa. En aquella época en portátil solo habían las clásicas maquinitas con una pantalla o incluso dos como la Nintendo DS pero hechas estas pantallas con la misma tecnología que los relojes electrónicos (para que nos hagamos una idea) Las mas famosas las Game & Watch de Nintendo o el legendario Tetris.

Era una época en la que los ordenadores funcionaban con diferentes sistemas físicos ya fueran cintas de cassette, si, lo que habéis leído, cintas como las de música de hace unos años. Antes los juegos venían en ellas y tardaban una eternidad en cargarse pero lo peor es que continuamente fallaban y se quedaba la carga colgada. O venia mi gato que le gustaba jugar con los enchufes y me lo desenchufaba de un golpe. De ahí su nombre Mendrugo Apagaenchufes. Descansa en paz amigo mió. Siempre recordare como movía los cabezales del Spectrum con el destornillador para afinar la carga o lo mismo hacia con el regulador de volumen del MSX. Y os quejáis de los tiempos de carga de ahora… También se veían los primeros cartuchos, Diskettes o incluso mas adelante CD pero eso aquí quedo muy lejos.

En definitiva una época en la que la belleza de los gráficos brillaba por su ausencia sobretodo en los ordenadores más asequibles pero primaba la jugabilidad y la ilusión. Era una tiempo en la que cada portada de un juego era casi una obra maestra que te hacia fantasear con el juego, aunque luego este no se

pareciera en nada. Eran en su mayoría dibujos a mano de magnifica factura y que de pequeño intentaba imitar con mi pobre destreza en el papel una y otra vez. Otro truco era que detrás en vez de mostrarte imágenes del juego en el sistema que lo habías comprado, te mostraba el juego funcionando en un ordenador mas potente que tuviera ese mismo. Es decir te comprabas un juego de Spectrum, flipabas con las imágenes de atrás del Cassette y resulta que esas imágenes eran de la versión Amiga. Luego la desilusión era obvia pero claro los jugones de aquella época ya conocíamos ese truco e intentábamos no caer.

Fue una época dorada para los programadores españoles ya que gracias a los bajos costes de producción de estos juegos, no había que hacer una gran inversión tecnológica ni hacia falta cientos de trabajadores para crear un juego, pues con un equipo reducido pero ilusionado era suficiente.

Así vieron la luz la legendaria Dinamic, Erbe, Topo, Opera, etc… Todas tenían un denominador común. Eran pequeñas compañías que podían rivalizar con el mercado mundial gracias a lo asequible que resultaba programar para los

dispositivos de entonces. En ese momento histórico vieron la luz obras como Army y Navy Moves ( ¿A quien se parecía el protagonista de Navy moves?), la Abadía del crimen, Livingstone Supongo, el Capitán Sevilla, Freddy Hardest, Mot, etc…. Sus características principales, una jugabilidad a prueba de bombas y sobretodo la imaginación y la ilusión que poníamos los propios jugadores pues muchas de estas obras eran protagonizadas por unos monigotes moviéndose por unos escenarios que si lo viera un chaval de hoy mas falto de imaginación porque esta acostumbrado a que se lo den todo hecho tanto en los videojuegos como en la vida real, nos trataría como locos al pensar que podíamos haber dedicado horas a juegos así.

Pero a nosotros no nos importaba. Soñábamos con esos juegos y nos imaginábamos mundos increíbles basados en esos programas que eran tan pobres gráficamente que muchas veces no tenían mas que dos o tres colores, personajes súper sencillos, casi sin movimiento y escenarios vacíos, sosos. Pero como ya he dicho, no nos importaba.

Con la llegada de los 16 bits la cosa se complico mucho, para hacer un juego de calidad ya era necesario un equipo mas preparado, de mayor numero y una inversión tecnológica mayor. Al no poder rivalizar con la calidad grafica propuesta

por las desarrolladoras extranjeras y su aumento de posibilidades jugables, las compañías españolas fueron desapareciendo poco a poco y la época dorada de desarrollo española acabo casi en el comienzo de la década de los noventa.

Alguna aguanto con el PC y el boom de las aventuras graficas pero estas con el tiempo casi han desaparecido a favor de un juego mas directo y profundo que han podido alcanzar los juegos a medida que a mejorado las especificaciones

técnicas. Porque seamos realistas. ¿Quién querría jugar a un Gears of War manejando un puntero y dando ordenes prefijadas en un menú pudiendo coger el control absoluto del personaje?

En definitiva este país que seamos realista es un país de pandereta no vio el potencial económico que tenia este sector y por lo tanto no lo apoyo, es mas hasta hace poco auténticos maquinas de este oficio se tenian que ir a otros países donde se están forrando ya sea haciendo juegos, películas de animación o incluso efectos especiales para el cine. Lleva muy pocos años aprovechándose el país de este potencial, ahora incluso es una carrera universitaria pero claro llevamos años de atraso. Y aunque hay compañías españolas que están despuntando mundialmente de un tiempo a esta parte (aunque casi siempre bajo la batuta de una gran compañía extranjera, no nos dejemos engañar) no es nada comparado con lo que habría sido apoyando un poco mas a este sector y a la gente que dedico media vida a unos estudios y formación que hasta hace poco aquí era infravalorada. Aquí solo servia poner ladrillos, levantar pisos y así nos ha ido.

Pero bueno, desde aquí dar las gracias a esas compañías españolas de los 80 nombradas anteriormente y algunas que me dejo, por acompañarme en una infancia llena de imaginación e ilusión. En la que incluso los tiempos de carga de

los cassettes eran aprovechados para hablar con los amigos o jugar con los muñecos. Un tiempo en el que lo emocionante del juego no eran solo los gráficos sino una jugabilidad y dificultad endiablada. Un tiempo en el que algunos juegos estaban en español pero no porque estuvieran traducidos, sino porque era su idioma original.

Con esto me despido y se que no he hablado mucho de las compañías o nada de las personas que están detrás de ellas y que a lo mejor a muchos de vosotros os podía interesar. Pero he preferido evocar las sensaciones de aquella época más que los elementos técnicos. ¡Un saludo a todos!

Por Oscar Rivas Bienvenidos otra vez a la sección retro. Hoy solo voy a escribir… Ghosts´n Goblins. No hace falta que diga nada mas. Ya esta, este juego habla por si solo. Esta maravilla fue lanzada a mediados de los 80 por la todo-poderosa Capcom arrasando en los salones recreativos y en las pobres conversiones domesticas de la época. Este juego es una demostración perfecta de cómo deberían ser los juegos en cuanto a jugabilidad, gráficos y dificultad. Solamente superado por sus propias entregas posteriores.

En esta obra tomamos el control de sir Arthur un caballero que pasaba un agradable día con su princesa hasta que un desalmado demonio la rapta (si, en esto no se rompieron mucho la cabeza) Así que nuestro héroe como buen caballero con brillante armadura y calzoncillos de corazoncitos, se lanza al rescate de la dama. Nos encontramos con un clásico plataformas pero con un encanto muy especial. Para empezar la ambientación llena de zombis, pajarracos, brujos y otras criaturas monstruosas o demoníacas con un diseño unico. Nos movemos por cementerios, bosques encantados, cavernas, zonas de hielo, el castillo, etc. Todas con un encanto y magia especial. Un mundo fantasmagórico muy bien recreado. Así que nuestro protagonista avanza de izquierda a derecha lanzando dagas, lanzas, antorchas, hachas, etc., dependiendo del ítem que encontremos y saltando a los diferentes niveles o plataformas del escenario. Nuestra vida se mide por la armadura. Si la llevamos y nos dan un golpe se rompe dejándonos en calzoncillos pero vivos pero si nos vuelven a tocar en este estado, se acabo.

Podíamos recuperar la armadura si encantábamos unos cofres escondidos. Cada vez que llegamos al

final de un nivel nos espera un enemigo final, ya se un gigante, dragones o el villano final Astatoth. Una vez vencemos a este con el arma especial crucifijo el cual tendrás que conseguir en el escenario anterior. Solo con esta arma podrás llegar al último escenario y derrotar a Astaroth.

Una vez hecho esto el juego nos vuelve a mandar al principio de este haciendo que nos lo tengamos que pasar otra vez pero con mayor dificultad.

Si lo logramos si que nos pasamos el juego y vemos la escena final. Así era este universo entre terrorífico y divertido. Tuvo versiones en todos los ordenadores de la época y en casi cualquier plataforma posterior. Algunas versiones eran realmente pobres pero claro en aquella época había lo que había. Aunque siempre conservaba ese encanto, aunque hubiera perdido la banda sonora original o algunos escenarios. Porque señores la banda sonora de este juego es mítica sumado a unos bonitos gráficos y a su legendaria jugabilidad y dificultad era lógico que llegara la segunda parte.

Tres años después en el 88 llego Ghouls´n Ghosts para mi la mejor entrega, aunque todas son buenísimas y la que consagro esta saga. La diferencia técnica era brutal respecto a la anterior entrega, no en vano funcionaba sobre una nueva placa creada por Capcom y posteriormente utilizada para sus grandes juegos como Final Fight o Street Fighter II. Aquí las fuerzas demoníacas lideradas por el propio Lucifer contraatacan intentando poseer todas las almas y raptando otra vez a nuestra princesa o su alma según se mire.

Así que volvemos a avanzar por unos mundos tenebrosos llenos de enemigos tétricos en la misma mecánica del anterior.

El cambio más representativo además del técnico claro, esta es en el hecho que podemos lanzar armas hacia arriba y abajo no solo horizontalmente como en la entrega anterior. Otro gran acierto fue la armadura de oro que nos otorgaba un poder que ejecutábamos manteniendo pulsado el botón.

Armaduras que encontrábamos en cofres y que en estos muchas veces en vez de estar la armadura había un brujo y nos convertía en pato o viejo.

En definitiva nos encontrábamos con el mismo sistema de juego pero mucho mejor técnicamente, tanto gráficos, animaciones y sonido, con unos cuantos añadidos jugables muy interesantes, con su legendaria dificultad y con el hecho de tener que pasarte el juego dos veces, la segunda con el arma especial para ver el verdadero final. Es una obra maestra y un juego al cual yo dedique horas y horas porque aunque tenia 5 escenarios divididos en dos secciones muy diferenciadas entre si mas el escenario final, cada fase con su villano de turno la cosa se alargaba por su dificultad. Su jugabilidad y encanto hacían que no pudiera dejar de jugar. Sufrió multitud de conversiones para casi cualquier ordenador de la época y consola.

Spectrum, Amstrad, Commodore 64, Amiga, Master System, entre otras fueron las afortunadas.

A destacar la versión de Mega Drive programada por Sega ya que es una de las mas fiel a la recreativa y la que yo poseía, jejeje…. Esa versión la podéis descargar a día de hoy en la consola virtual de Wii. En 1991 los afortunados poseedores del “cerebro de la bestia” Super Nintendo recibieron en exclusiva la tercera entrega que no vio la luz ni en los salones recreativos. Super Ghouls´n Ghosts.

En esta entrega justo cuando nos vamos a casar con la princesa van las fuerzas demoníacas y la secuestran. ¡Vaya por dios! En ese momento nuestro héroe pensó en afeitarse la barba dejarse bigote y llamarse Mario. (Porque entre nosotros la princesa Peach no hace más que ser secuestrada por Bowser, seguro que es que están liados y Mario no se entera de la indirecta.) Bromas aparte nos toca otra vez luchar con los demonios por multitud de los ya típicos escenarios tétricos de la saga con una calidad grafica superior a la anterior entrega gracias al potencial de Super Nintendo que incluso dotaba a los gráficos de efectos varios como zooms, desenfoque, deformación de

escenario, transparencias o unos enemigos finales gigantescos a mas de una variedad de escenarios brutal. A mi me gustaba en especial el barco fantasma. La banda sonora y efectos muy correctos y como siempre una dificultad grandísima.

Poseías una gran variedad de armas arrojadizas y esta vez una armadura nueva. Tenías la normal, luego una verde que dotaba a tus armas de más poder y por ultimo la dorada que ya apareció en la anterior entrega. En esta parte se añadió un doble salto que iba muy bien y para mí el único error y cosa que no entiendo, solo podíamos disparar horizontalmente y no hacia arriba o abajo. Aun así es un juegazo. Conversiones tuvo pocas al ser una exclusiva de Super Nes, aunque años después apareció en recopilatorios para Sega Saturn y Playstation, después en PS2, XBox y PSP (no tiene precio jugar a estos juegos en cualquier lado). Quizás la mejor versión de esta entrega fue la aparecida en 2002 para Game Boy Advance que incluya niveles y enemigos de las primeras entregas aparte de una pequeña mejora en el apartado grafico.

bien ítems o caminos ocultos. La jugabilidad es la misma que los clásicos, no en vano el director del proyecto estuvo en las entregas anteriores.

Simplemente se a agrandado con mas opciones jugables, mas afán aventurero, se han añadido niveles de dificultad para contentar a todos y mejora muchísimo técnicamente. Una autentica joya que por si solo justifica la compre de la PSP.

Como curiosidad decir que el juego en Japón se llama Makaimura. Que la gárgola que hace de enemigo en la primera parte protagonizo una trilogía de videojuegos que paso por Game Boy, Nes y Super Nes. Y que el videojuego Máximo de Playstation 2 es un Ghosts´n Goblins en toda regla pero con un planteamiento 3D. Solo se cambio al protagonista y se le dio mas importancia al combate cuerpo a cuerpo que al arrojadizo. Por lo demás conserva la misma mecánica con armaduras y armas pero en 3D. Hay mas exploración, los escenarios y el universo en general están basados en el e incluso la música original aparece en determinados momentos. Es un juegazo con dos entregas y de los pocos que han sabido pasar la En 2006 vio la luz en exclusiva para PSP Ultimate jugabilidad 2D a unas magnificas 3D. Ah y su Ghosts´n Goblins. Una revisión del clásico con famosa dificultad también quedo patente aunque unos geniales gráficos en 3D, aunque gracias a no era imposible como muchos dicen. dios el planteamiento sigue siendo en 2D. Una gran cantidad y variedad de armas, armaduras e La segunda parte es mas fácil y directa pero para ítems que daban al juego un afán coleccionista que mi sigue siendo un gran juego aunque algunos la las anteriores entregas no tenían. Además puedes critiquen. Con esto me despido hasta el mes que revisar los escenarios una y otra vez para buscar viene. Un saludo.

ERASE UNA VEZ: DONKEY KONG por Jordi Paulano Varios acontecimientos relevantes ocurrieron en 1981, desde la muerte de Bob Marley hasta el estreno en TVE de “Verano Azul”, pero eso será otro dia.

Lo que nos concierne hoy hablar es de como apareció de la mente un tanto retorcida de Shigeru Miyamoto un “triangulo amoroso” entre una princesa, un fontanero y nuestro amigo gorila, Donkey Kong.

Si bien todos sabemos que la gran invencion de Miyamoto y lo que le ha llevado a la fama, al premio Principe de Asturias y al dinero ha sido la creacion de Super Mario, apodado Jumpman en esos años, lo que muchos desconocen es que DK fue el malo malíssimo de la primera aventura del fontanero del bigote.

En efecto, en 1981 empezó todo, controlábamos a un Mario pixelado el cual tenia que salvar a la bella princesa de las manos de la bestia ,salvo por un dato muy revelador que no todo el mundo conoce: en Donkey Kong el malo es en realidad Mario, es decir, tú.

Para sacaros de dudas os pondre en antecedentes: en el manual de instrucciones de la primera aventura nos contaba como Mario era un arrogante y retorcido matratador de animales. Nos revela que DK era la mascota de éste, el cual tenia que soportar dia tras dia los latigazos de su amo, hasta que un dia logró escapar de la diminuta jaula donde el malevolo fontanero lo tenia confinado teniendo así nada mas que una vida de dolor y odio.

En la huida, DK se topa con Lady, la bella novia de su captor, y temiendo un chivatazo y una reprimenda latigo en mano de su amo, decide cargarla en su hombro y llevarsela bien lejos, donde cree que nadie los podra encontrar.

Aqui es cuando comienza el festín y el juego en si. Mario se entera de lo que ha pasado y ofuscado por la ira y la sed de sangre y venganza por el rapto de su amada decide ir en busca del “despiadado primate”. Cuando Mario se encuentra con Donkey, éste ultimo se limita a

cade, DK Jr. es el encargado de ir a rescatar a su padre de su captor. De ahí en adelante, el Donkey Kong que Nintendo ha hecho protagonista de todos los juegos sucesivos ha sido Donkey Kong Jr. y no el Donkey Kong original del arcade.

Evidentemente despues de esta edicion, todos hemos vuelto a ver ediciones y ediciones de DK, DK Jr. y demás familia de primates, pero todas estas en un ambiente mas risueño y amigable, libre de traumas y secuelas de juventud.

Y despues de saber la historia verídica del amigo mono, a mi se me plantean unas cuantas

obstaculizar el paso a base de tirar barriles de madera escaleras abajo para asi sobrevivir, pero Mario armado con una maza se abre camino rapidamente por los bloques de hierro.

En efecto, nuestro gran amigo Mario es en si un psicopata obseso torturador que lo unico que quiere es enjaular al gorila. DK consigue huir de las manos de su opresor por un largo de 22 niveles, hasta que al final Nintendo se lavo las manos en su kill screen particular.

Cabe decir que en la posterior secuela del ar-

preguntas: ¿Que fue de Yoshi? ¿Eran amigos o era un mero títere del fontanero retenido en contra de su voluntad? ¿Que opinaria PETA si ahora saliera al mercado un juego de esta calaña? ¿Es la cara de Mario de la imagen una cara de “como te pille no vuelves a andar en tu vida”?

Si señores y señoras, just in the childhood.

YO CRECÍ EN Y SOBREVIVÍ

Durante el recorrido podremos obtener diferentes Parafraseando al gran Reno Renardo, puedo afir- mejoras para hacer nuestro aparato más letal. mar que lo hice.

La diferencia es notable gráficamente, pero la diCuando hablé con nuestro director sobre la temáti- versión es exactamente la misma. ca de la revista de Julio, me dijo que trataba sobre los años 80, pero que yo podía ir por libre. h t t p s : / / p l a y. g o o g l e . c o m / s t o r e / a p p s / details?id=com.ArtInGames.AirAttackHDLite Como iba a perder esta gran oportunidad, para escribir sobre lo que ha marcado mi adolescen- Arkanoid (Break the Brick) cia y prácticamente mi vida. Recuerdo esos días que salía con mi traje de Judo y corriendo iba al Lo siento, lo voy a repetir varias veces. Muchísimas bar cercano a mi casa, solo para ver jugar al Tetris, horas delante de mi Amstrad CPC 6128, sin con1942, Bomb jack, Ghosts N Goblins, etc... a los ado- tar cuando podía jugar en alguna de las máquinas lescentes que podían gastarse 5 duros (25 pesetas, como la de arriba, moviendo la barrita de izquierunos 15 céntimos) en una partida a una máquina da a derecha como un loco para ir destrozando los recreativa. ladrillos que tenía delante para poder pasar de nivel.

1942 (Air Attack HD)

De vez en cuando, cuando destruías algún ladrillo especial, caían unas píldoras en las que hacías más ¡Qué cantidad de horas he pasado jugando a este largo el frontón, más pequeño, tenías dos bolas o juego!. Tanto en su versión original como las tres y ya tenías un orgasmos videojueguil si condiferentes versiones que se han ido realizando seguías el laser doble. y una de las mejores que podemos encontrar en Android es Air Attack HD. El equivalente actual lo podemos encontrar en Break the Brick, parecido al original. Aunque a mi Basado en el original, es un scroll vertical en el que no me ha transmitido el estado de nervios y ansiedebemos guiar un avión y destrozar todos los en- dad que conseguía Arkanoid. De todas formas os emigos que nos vengan por tierra, mar o aire. lo recomiendo para que podías disfrutar algo parecido. h t t p s : / / p l a y. g o o g l e . c o m / s t o r e / a p p s / details?id=com.candydroid.breakblock

LOS OCHENTA Í. Por Ismael Torres Frogger

Que levante la mano el que no haya jugado nunca a Frogger. ¿Seguro?. Esperad que os recuerdo de que va: Es una ranita que va saltando de tronco en tronco o atravesando una carretera infestada de camiones y coches.

A que ahora sí, sabes cual es. Pues Konami que era su desarrolladora original, ha cogido el código fuente y lo ha adaptado al siglo XXI dándole un lavado de cara en alta definición.

Es sencillo, partes desde abajo y debes llegar a la zona de seguridad que esta en la zona superior. h t t p s : / / p l a y. g o o g l e . c o m / s t o r e / a p p s / details?id=com.konami.DASH.frogger_IGA R-Type Es de los primeros juegos, que usaban el scroll horizontal de forma suave y fluida.

Como ellos mismos escriben en Google Play:

“¡FUNCIONES ORIGINALES! El juego es el mismo R-Type que han jugado antes.

Seguimos todos sus detalles, de la manera que lo recuerdo! Vuela a través de 8 niveles con 3 opciones de control diferentes. Juga en dos niveles de dificultad. Actualizado con nuevas armas, power-ups y archivos adjuntos. Derrota a los 8 jefes y pelea contra diferentes enemigos.”

Solo os puedo decir, que lo he pasado realmente bien destrozando varios joysticks y aporreando el teclado de mi Amstrad y después del PC con este adictivo juego.

Nunca pude terminarlo.

El concepto era parecido al 1942, pero esta vez el desplazamiento no era de arriba abajo, sino de izquierda a derecha, también podías coger diferentes armas o mini naves que podías mover alrededor de nuestra nave principal e incluso usarlas como escudos.

Creo que le voy a dar otra oportunidad. h t t p s : / / p l a y. g o o g l e . c o m / s t o r e / a p p s / details?id=com.dotemu.rtype

Pac-Man

e inigualable:

Blinky, Pinky,Inky y Clyde. Son los fantasmas más famosos del mundo videojueguil, los que le hacían la vida imposible a circulo amarillo más nombra de la historia.

Totalmente adictivo y brillante que siempre nos hará disfrutar. Seguro que por casa tienes todavía aquellas máquinitas que se pusieron de moda, ahora directamente tienes la experiencia en tu móvil o tablet Android.

El concepto es sencillo, un laberinto lleno de puntos amarillos que debes comerte y 4 fantasmas dispuestos a que no lo logres.

Creo que si digo que fue y será uno de los grandes iconos de los 80, ese sonido inconfundible que todavía hoy reconocemos, como el Waka Waka y no el de Shakira que llego después.

De la mano de Namco, podemos volver a pasarnos las horas huyendo de esos pequeños fantasmillas, como la vida misma.

Por cierto, la Sra Pac-man tambien tuvo su propia versión y a algunos nos gustaba más. https://play.google.com/store/apps/ details?id=com.NamcoNetworks.international.PacMan Tetris TI TIRIRI TIRIRÍ TIRIRÍ TIRIRÍ TIRIRÍ TI TI Para el final he dejado al rey, con el que muchos hemos llegado a soñar. Entonces te dabas cuenta del problema que tenías y le dabas la razón a tu madre.

Por el que muchos hemos rezado esperando la barra larga a la que habías dejado un espacio precioso y solíamos equivocarnos metiendo justo antes una S o una Z. Del que se llego a decir que lo habían inventado los rusos para que descendiera el nivel productivo de los norteamericanos.

Solo puedo estar escribiendo del único

https://play.google.com/store/apps/ details?id=com.ea.tetrisfree_row Como todo lo bueno, este artículo llega a su fin.

Para terminar me gustaría hacer una reflexión sobre los videojuegos en general.

Actualmente gracias a la potencia de las consolas, teléfonos móviles, tablets, ordenadores y demás cacharros, podemos ver unos gráficos espectaculares con unos efectos especiales que harían sonrojarse a George Lucas cuando rodó la Guerra de las Galaxias en los 70.

Miremos este pequeño listado, juegos sencillos, simples y tremendamente adictivos, que con suerte tenían 4 colores en su inicio. Aquí están con 30 años en sus espaldas y capaces de rivalizar con el último Call of Duty o Uncharted. ¿No creéis que las desarrolladoras debían darle más al coco y menos a la tableta digitalizadora?.

és

vil A is

Lu Bueno, después de un mesecito de retiro por motivos personales vuelvo un mes más a este mi pequeño rinconcito en el que muy agradecido se me deja hablar de mis juegos para que todos sepan un poquito de ellos, analizarlos, entre comillas, de manera muy cercana para de tu a tu daros mi humilde opinión.

Como ya he dicho varias veces a lo largo de estos meses, las nuevas ideas y el atrevimiento de hacer nuevas IP que alejen al consumidor de la monotonía del día a día son muy raras de ver en los tiempos que corren. Hoy hablaremos de la nueva obra de Grasshopper Manufacture, comandado por Goichi Suda, aka Suda 51. Para los que no lo conozcan, decirles que es el responsable de títulos como Killer 7, la saga No More Heroes, el reciente Shadows of the Damned y Lollipop Chainsaw del que hablaremos este mes. Las obras de Suda 51 no se caracterizan por ser juegos Triple A, mas bien andan justitos en lo técnico, suelen pasar desapercibidos pero para algunos son considerados juegos

de culto que comparten un estilo común y muy personal. Los que ya lo conocen saben como Suda 51 consigue crear juegos únicos, para los que no, tranquilos, a lo largo de este articulo os podéis ir haciendo una idea de las excentricidades de este genio nipon.

Lollipop Chainsaw es la parodia personal de Suda 51 de las típicas películas americanas de serie B protagonizadas por adolescentes, por supuesto con su toque personal que le ha llevado a ser conocido como el Tarantino de los videojuegos por muchos de los aficionados.

En este peculiar juego nos meteremos en el escultural cuerpo de Juliet, una porrista que acaba de cumplir los 18 años y es miembro de una familia de cazadores de zombis profesional.

La historia es bastante simple pero no falta de diversión. Básicamente trata de como Juliet armada con una motosierra, con la ayuda de su familia y su novio Nick, cuya cabeza lleva colgada del culo como si de un llavero se tratase

tras por arte de magia cortársela para impedir que se convirtiera en zombi, tiene la misión de salvar el mundo del holocausto zombi que liberará un terrible monstruo causado por romper la barrera entre el mundo de los vivos y el mundo de los muertos.

Por supuesto, como en toda gran obra de Suda 51, destaca por un marcado tono erótico y hace gala de un gran sentido del humor, un humor negro repleto de hilarantes comentarios, situaciones totalmente surrealistas y por supuesto gore, sangre a raudales y miembros cercenados por doquier combinados con un colorido cóctel rosa de arco iris y estrellitas.

Aquellos que busquen un guion adulto y profundo en este juego, ya deberían haber dejado de leer. Es un juego que busca la diversión pura y dura, despreocupado por presentar una apuesta compleja, donde las absurdas y surrealistas situaciones ocurren porque sí.

Dentro del apartado jugable podemos calificar a Lollipop Cahinsaw como un hack and slash de corte clásico. Dispondremos de tres ataques básicos, un ataque de motosierra, un ataque

de suelo y otro ataque con los pompones. Muy al estilo “brawler” habrá que ir masacrando hordas de zombis para poder avanzar a la siguiente zona. Cada vez que acabemos con un enemigo obtendremos una cantidad de monedas de oro, más todavia si lo hacemos de la más espectacular posible, y cuando acabemos con un enemigo especial, más fuertes, recibiremos monedas de platino. Conforme vayamos eliminando enemigos se llenará una barrita de color rosa, cuando esté llena podremos entrar en el modo arco iris, donde seremos prácticamente invencible y las cabezas enemigas volaran por los aires, cuando cortemos la cabeza de varios enemigos a la vez, las llamadas cazas brillantes, se nos recompensara con ambas monedas, de oro y platino.

Grasshopper consciente de lo peligroso y fácil que es caer en la monotonía y la repetición en este estilo de juegos han sabido implementar a la perfección una gran variedad de enemigos y situaciones en diferentes escenarios, numerosos “quick time events”, unos cuantos minijuegos que llenos de humor nos sacarán mas de una sonrisa y unos combates finales contra “bosses” que desbordan personalidad

por los cuatro costados y que personifican un estilo musical de manera muy original, habrá que estudiar sus movimientos para encontrar la estrategia idónea para vencerlos. Por otra parte y para esto mismo, con las monedas de oro conseguidas podremos comprar mejoras para Juliet, lo que le confiere un sutil toque RPG, tickets Nick para usar sus habilidades, “chupachuses” para recuperar parte de la salud y una gran cantidad de nuevos combos. Con las monedas de platino podremos comprar nueva música, apariencias para Juliet y diseños de arte conceptual.

Como podéis ver la jugabilidad no es nada compleja. En los primeros compases del juego puede parecer un poco brusca y con poco ritmo pero mas adelante con los combos y la variedad de situaciones el juego consigue un grado de adicción digno de mención. Te motiva a seguir adelante.

El modo historia está dividido en un prologo y seis fases. Completarlo no nos llevará mas de 6-8 horas y una vez completada una fase podremos rejugarla cuando queramos en cualquier dificultad para conseguir todos los colecciona-

bles, entre los que se encuentran envoltorios de chupa-cups dorados, llamadas telefónicas y entradas del diario zombi, o rejugarla en el modo marcadores donde nuestra misión es conseguir la mayor puntuación posible y subirla a los marcadores online. Para ello tendremos que evitar morir, realizar muchas cazas brillantes, matar todo lo que podamos y superar las fases en el menor tiempo posible.

En el apartado gráfico Lollipop Chainsaw no destaca por unos gráficos y unas texturas foto realistas, nada de eso, mas bien con un nivel técnico justito, de manera muy humilde, trata de imitar un estilo cómic muy vistoso y original. El apartado artístico en general es brillante, sin duda único, pasando por el diseño de Juliet, los zombis, los escenarios, hasta los bosses, los Lord Zombies. A eso hay que sumarle unas animaciones muy fluidas. Juliet es una animadora y hace tremendos combos sin apenas retardos.

Si es de mención que al contrario que otros exponentes del genero los combos hay que hacerlos pausadamente, con cierto ritmo, viendo como nuestra escultural porrista “baila” al son de la motosierra, en vez de machacar botones a diestro y siniestro.

A la banda sonora hay que echarle de comer aparte, es simplemente espectacular. Cuenta con títulos de consagrados interpretes de muchos estilos y una BSO propia compuesta por Akira Yamaoka, conocido por Silent Hill y que trabajo también con Suda 51 en el reciente Shadows oh the Damned. A lo largo del juego con las canciones desbloqueadas podremos configurar nuestra propia lista de reproducción con nuestras canciones favoritas y escucharla mientras rebanamos zombis. Por otro lado solo queda mencionar en el apartado sonoro los buenos efectos de sonido, sobre todo el de la motosierra, y el gran doblaje en ingles que dota a los personajes de una lograda personalidad.

A nosotros nos llega subtitulado.

Lollipop Chainsaw es un juego enfocado a una minoría, no pretende ser un superventas. Es un titulo muy difícil de valorar, muy ambiguo y que está a merced de lo subjetivo, depende muchísimo de los gustos del consumidor. Es peligroso recomendarlo a las amistades porque me estoy dando cuenta de que lo amas o lo

odias, sin termino medio. En fin, podemos concluir aludiendo a que es un juego distinto en el mas estricto sentido, que busca la diversión a toda costa despreocupándose de casi todo. Sin duda una gran apuesta para todos aquellos jugadores que hartos de la rutina quieren tomar un respiro e hinchar sus pulmones videojueguiles con un soplo de aire fresco, original y desbordante de sentido del humor.

VIDEOJUEG INDIES Los

Minecraft: Cuando un juego indie se convierte en religion Cualquiera diría que nuestro amigo Markus Persson, vendió su alma al diablo por conseguir la llave del éxito, este sueco, fundador de Mojang, cuando en 2009 presentó la beta de un titulo que apenas se podría definir como un sandbox de Lego. Las posibilidades de crear tu propio mundo con esfuerzo, con o sin ayuda, y mostrárselo a todos los demas, le han hecho vender mas de seis millones de copias, y convertir a este hombre de aspecto bonachon, en todo un punto de referencia en el sector.

Super Meat Boy: ¿Quien dijo que ya no hacen juegos tan difíciles como los de antes?

Meat Boy debe rescatar a su novia, Bandage Girl, de las manos del malvado doctor Fetus, y para ello, meat boy debe sobrepasar miles de peligros (y morir todavia mas veces) para conseguir su cometido. Sucesor del juego web, Meat Boy, y desarrollado por Edmund mcmillen y Jonathan Mcentee, la dificultad y sobre todo, su endiablada adictividad, hacen de este titulo aparecido en pc y 360, uno de los mejores plataformas de los últimos tiempos.

Braid: Rebobine por favor Tim, busca a una princesa, y como si de Super Mario bros se tratase, tendrá que recorrer seis mundos en lo que seria un plataforma en el cual puedes jugar con el tiempo, rebobinar y reproducir acciones, y superar desafiantes puzzles. Desarrollado por Jonathan Blow, una historia visualmente bella, que nos llegó a Ps3, 360 y Pc. Amnesia: “The dark Descent”: Terror en estado puro El pobre Daniel no sabe donde está, se acaba de despertar y quiere hacer honor al nombre del juego, pero Daniel solo sabe una cosa, y es que algo falla, algo le está persiguiendo y debe

GOS

POR SERGIO AGUILERA

s mejores

huir. Considerado por muchos el survival horror mas terrorífico, nos llegó en 2010 por parte de frictional games. El juego dispone ademas de una minicampaña oficial que alarga la historia, y está en espera una segunda parte para septiembre.

Magicka: El color de la magia El estudio Arrowhead se puso manos a la obra, y entre los apenas ocho componentes que empezaron el proyecto, realizaron un título lleno de humor, con infinidad de referencias del mundillo friki, pero con una base muy parecida a lo que es el juego Diablo, hasta cuatro jugadores, y un sistema de juego basado en la combinación de poderes elementales, un juego simple de primeras, pero difícil para dominar.

Cave Story +: Pixeles desde el lejano oriente También conocido como Dokutsu Monogatari, la historia de la cueva, es un juego desarrollado por Daisuke Amaya, a lo largo de cinco años. Un metroidvania en toda regla, con diseño gráfico retro, esta considerado como uno de los mejores de la historia en su genero, y que enamora desde el primer pixel. Una revisión del titulo, apareció hace relativamente poco para 3ds.

Limbo: Jugando entre las sombras Aparecido a mediados de 2010 para 360, y posteriormente para pc y sp3, nos cuenta la historia de un chico en la búsqueda de su hermana mientras recorre el mundo. La atmósfera de este juego, la ausencia casi total de música y lo inquietante que se demuestra el desarrollo, ha hecho ganar múltiples premios a este titulo de los daneses de Playdead Studios VVVVVV: El amor al retro Desarrollado por Terry Cavanagh y con una banda sonora creada por Magnus Palsson, nos trae un retrovideojuegos, con

gráficos mas parecidos a los de un viejo spectrum que aun titulo actual. Un plataformas con mucho puzzle que tuvo como origen un minijuego flash, en el que nuestro feliz protagonista solo puede cambiar la gravedad para salvar a la tripulación de su nave.

Frozen Synapse: Una de estrategia holográfica No se si alguno recuerda las Vr Missions de Metal Gear Solid, el aspecto es parecido, pero como si de un juego de ajedrez se tratase con ametralladoras, enfrentaríamos a una escuadra contra otras en este titulo de estrategia por turnos, desarrollado por Mode 7 Games, y disponiendo de un completo modo multiplayer este juego propone partidas repletas de accion y mucho darle a la cabeza.

Bastion: Una pequeña gran historia Este es uno de estos títulos que no sabes donde englobarlos, ya que esta desarrollado por una compañía independiente pero tiene un publisher como es la Warner detrás. Se trata de un Action Rpg en vista isométrica, con una banda sonora de lujo, el tema “Build That Wall” ganó la mejor canción del año, superando a Dragonborn de Skyrim.

Bit Trip Runner: Corriendo con ritmo Uno de los varios títulos de la saga Bit trip, que comparten gráficos mas propios de una atari que de algo relativamente actual. Casi todos estos títulos, y más exactamente este, están protagonizados por un ser simple y pixelado que se hace llamar Commander Video, que en esta aventura se dedica a correr y correr, nivel tras nivel al ritmo de la música. El titulo aparecido en 2011, y desarrollado por Gajin Games, se ha comercializado en un recopilatorio para Wii y otro para 3ds, y se espera una segunda parte para xbox live y psnetwork para Otoño.

Defense Grid: El mejor ataque es una buena defensa El genero de los tower defense consiste en desplegar estratégicamente tus piezas e ir actualizándolas al ritmo que vas derrotando las diferentes hordas de enemigos que intentan entrar en tu base.

Otro de esos juegos que hacen pensar donde está la linea que separan a los indies de los videojuegos comerciales. Apareció a

mediados de 2009 en xbox live arcade, producido por Hidden Parth Entertaiment, cuenta ademas de una expansión exclusiva para Steam, en el cual nos enfrentaremos a GlaDOS, con su habitual simpatía.

Journey: Un viaje inolvidable En 2005, Jenova Chen y Kelle Santiago decidieron como estudiantes que eran, crear su propia empresa de videojuegos, Thatgamecompany. El primer título fue un juego Flash llamado Flow, que posteriormente acabó en Psnetwork. Y tras otro titulo, llamado Flower, en este 2012, ha aparecido su tercer titulo, Journey un titulo en el que nuestra finalidad consiste en llegar hasta una lejana montaña, para ello necesitaremos la ayuda de otros jugadores que no sabrán quien eres, ya que se prima el anonimato, y que lo unico que se busca es que se ayuden entre ellos. Quizás no sea un título puramente indie, pero los origenes si lo son, y gracias a ello han tenido libertad para demostrarnos algo tan original como este título.

Shank: Con olor a película de Robert Rodriguez Casi que se podria considerar saga, ya que la segunda parte aparecío hace unos meses, y no seria raro encontrarnos con una tercera. Este beat em up, nos cuenta la historia de una venganza, con un estilo gráfico cartoon, nadie se imaginaria de primeras, las brutalidades que esconde dicho título. Desarrollado por Klei Entertaiment, un estudio canadiense formado por exmiembros de Relic Studios.

Botanicula: La semilla de la aventura o la aventura de las semillas.

Una preciosa aventura Point and click, protagonizada por cinco semillas: Mr. Lantern, Mr. Twig, Mr. Poppy Head, Mr. Feather y Mrs. Mushroom. Que intentan salvar su hogar de unas criaturas parásitas. Los checos de Amanita design, son unos expertos en este tipo de aventuras, y lo llevan demostrando desde su primer título, Samorost, publicado en 2003, y su éxito mas conocido, Machinarium.

Rock of ages: Rock and roll, and roll, and roll...

Basado en el mito de Sisifo, en el cual, este pobre estaría castigado para la eternidad a subir una piedra cuesta arriba como

castigo. Pues imaginaos que se le escapa la piedra y gracias a ella puede escapar del Hades ya que consigue romper la puerta que le permite salir. Pues el juego trata básicamente de utilizar una gran roca, manejarla como si de un monkey ball se tratara e intentar romper la defensa enemiga, al tiempo que formas una defensa para evitar que hagan lo mismo contigo. Este titulo, creado por ACE Team, fue su segundo título de este grupo chileno, tras la aventurabeat em up Zeno Clash.

Jamestown: Disparos desde la antigua Inglaterra En este shoot’em up a la antigua, de los de disparar a saco y sobrevivir en una pantalla llena hasta arriba de disparos dispuestos a matarte.

En este caso, se ambienta en Marte, que forma parte de las colonias británicas, y las defiendes de los marcianos indigenas y de los conquistadores españoles que quieren hacerse con el planeta rojo. El juego fue desarrollado por Final Form Games, y vio la luz el pasado 2011, formando parte de la lista de los mejores del año.

Game Dev Story: Ahora podras crear tu propio videojuego Quizás alguno conoce este título de la japonesa Kairosoft, una pequeña empresa de tan solo nueve personas, que desde hace quince años, se dedica al mundo de los videojuegos, y mas concrétamente a los videojuegos para moviles.

Este título en particular, te mete en el mundo de los simuladores, crearas tu propia empresa de videojuegos, compraras licencias y publicaras tus juegos. Es un juego pequeño, para un formato pequeño, pero que engancha casi como

los grandes, muchas son las baterías de moviles fundidas por este título, que está lleno de guiños a la verdadera industria del videojuego.

Cthulu Saves the world: Todo el mundo tiene un pasado Nos cuenta la historia de el pobre Cthulu, que ha perdido todos sus poderes y solo podrá recuperarlos si se convierte en un héroe. Este título, todo un homenaje a los Jrpgs de antaño, destila humor, además de un olor a retro que tira de espaldas. Creado por Zeboyd games, una pequeña compañía formada por tan solo dos personas, que ya sacaron poco antes un titulo similar llamado Breath of Death VII: The beginning, otro retro rpg bastante recomendable, si puedes soportar los gráficos (y el idioma).

Unepic: Castlevania a la española.

Desarrollado casi íntegramente por Francisco Tellez de Meneses, y en donde se nos cuenta una divertidisima aventura con aires de Castleroid, plataformas con toques de rol, docenas de horas de juego en un título considerado como uno de los mejores juegos indies del pasado año. Nos cuenta la aventura de Dani, un chaval que se encuentra jugando a una partida de rol con los colegas, pero de pronto se corta la luz cuando anda buscando el WC para hacer sus necesidades, esto unido a una droga psicotrópica que le han echado sus amigos, provocará una aventura que quizás solo se vive en su cabeza... o quizás no.

40 años de videoconsolas.

Dedicado a todos los jugadores El prototipo de lo que sería la primera videoconsola de la historia y uno de los inventos más importantes del siglo XX dentro de lo que al ocio se refiere, se conoció con el nombre en clave de “Brown Box“. Desarrollada por el ingeniero Ralph H. Baer, este ingeniero mitad alemán y mitad estadounidense, trabajó durante seis años con este prototipo para poder adaptar los videojuegos inventados durante la década pasada a un televisor. Ralph H. Baer es el autor de otros grandes inventos, como por ejemplo la primera pistola de luz y el famoso juego de mesa Simon.

En Enero de 1972, Magnavox, la filial de Philips en EEUU, comenzó la producción en masa de la Magnavox Oddysey, presentándose al mundo durante el mes de Abril. A finales de Mayo, salió a la venta la primera videoconsola en la historia de los videojuegos y a un precio de 100 dólares. El pack incluía seis juegos, fichas, dados y cuaderno de anotaciones, como si de un juego de mesa se tratara.

Magnavox Oddysey inició la primera generación de consolas (vamos por la séptima camino de la octava) con una máquina ingeniosa, pero a la vez increíblemente simple si la comparamos con las máquinas actuales. Magnavox Oddysey estaba construida con una placa de circuitos compuesta por transistores, condensadores y resistencias.

Era tan sumamente sencilla que la máquina no era capaz de almacenar datos como las puntuaciones de los jugadores y carecía de sonido. Sus juegos eran primitivos pero resultaban muy adictivos, creando de este modo un auténtico fenómeno social.

Casi todos sus componentes eran analógicos y los cartuchos de sus juegos carecían de componentes internos, eran simples tarjetas que provocaban

conexiones (jumpers) en los diferentes pines del slot donde se introducían, trasladándose como una señal analógica al televisor.

Magnavox Oddysey fue el punto de partida y la fuente de inspiración de todo lo que vendría después; Atari, Nintendo, Intellivision, Colecovisión, SEGA… hasta nuestros días.

Es impresionante cuando echamos un vistazo a estos últimos 40 años, recapitulamos y somos conscientes de la evolución que ha experimentado el mundo de los videojuegos. Algunos lo han vivido desde el principio, auténticos veteranos y otros nos hemos ido incorporando en algún momento de estos 40 años de historia. Todos compartimos la misma pasión y es muy emocionante recordar aquel momento en el que quedamos prendados por este mundo, ese punto de partida personal que todos tenemos y que llega hasta hoy, momento en el que la videoconsola cumple cuarenta años y nos encontramos leyendo estas lineas mientras recuerdas todas esas máquinas de diferentes formas, tamaños y colores que han ido pasando por tus manos.

Seguramente sigue habiendo gente que no encuentra sentido a este esfuerzo, a esta evolución y

a toda esta pasión. Gente que al leer este artículo pueda pensar “pues un friki más de los videojuegos” u “otro adicto sin vida social ” pero no. Los videojuegos son una de mis pasiones, pero no cometo el error de encerrarme o centrar mi vida únicamente en ellos. Si así lo hiciera, si no supiera disfrutar con otras cosas, dejarían de ser algo tan especial. Al menos para mi.

Las personas disfrutan con un buen libro, una buena película, una obra de teatro… los amantes del videojuego además de deleitarnos con todas estas cosas, también tenemos la suerte de disfrutar y saber valorar un buen videojuego.

Me han enseñado, me han inculcado y me han educado para saber apreciar ciertas cosas buenas.

No soy perfecto, pero soy capaz de reconocer y valorar algunas formas de arte, incluso las que no están reconocidas como tal, y los videojuegos es una de ellas. No lo contemplo como un mero entretenimiento, como pude haberlo definido en el pasado. Según va pasando el tiempo y vas cumpliendo años lo contemplas como una actividad realmente enriquecedora, siempre y cuando sepas disfrutarlo y valorarlo. No es una idea tan simple como “jugar a la maquinita, “los marcianitos” o” la play”. Es una manera especial de relajarte, emocionarte, conocer, experimentar

y soñar.

Un buen videojuego puede hacerte reír, divertirte, emocionarte e incluso pueden llegar a enseñarte. Nos permiten conocer fantásticas historias y personajes inolvidables, pero además de todo esto, algunos han sido capaces de mejorar mi inglés, me han ayudado a combatir la rutina diaria, a desconectar de los problemas (no evitarlos) y me han dado momentos únicos gracias a esas partidas memorables con los amigos. También es cierto y justo decir, que en algunos momentos desviaron mi atención de los estudios y otras obligaciones, pero más adelante también me ayudaron a combatir y a no caer profundamente en otros vicios o hábitos más dañinos.

Como decía, no soy perfecto pero me gustan los videojuegos. Me siento orgulloso de ser un jugador y muy afortunado por vivir todo lo que he visto y jugado hasta ahora (que no ha sido poco). Encontrar gente que comparte esta misma pasión, que sabe disfrutar con ella de una manera sana, con todo lo que puede llegar a ofrecer, es algo muy gratificante. A todos vosotros, os dedico estas lineas. Mis agradecimientos a Ralph H. Baer.

por David Blázquez Si hacemos memoria hasta las series de dibujos y comic que veíamos de pequeños, allá por la década de los 80 (los que tenemos cierta edad, claro…¡¿Cómo que abuelos?! ¡Esto es mis tiempos no pasaba! cof cof), todos hemos gritado eso de “Por el poder de GreySkull…”, ¿a que ya estáis gritando a pleno pulmón “¡¡¡Yo tengo el Poder!!!”? Y eso es porque todos veíamos esa pedazo de serie llamada “He-Man y los Masters del Universo” (chan! cha chanchananananaaaaaa- chananaaaa HE-MAN!) Como muchas otras series, se aprovechaba para lanzar los muñecos de acción (los originales eran algo paticortos los pobres) que irían apareciendo en la serie, y hacer que todos los niños berreáramos y suplicáramos por un maldito He-Man para poder presumir ante nuestros amigos de clase.

Para los que no conozcáis la serie , y para los que si pero necesitan que les refresquemos la memoria, la cosa iba tal que así: He-Man, en realidad es el Príncipe Adam de Eternia, Reino que soporto los ataques de los villanos conocidos como el Consejo del Mal, liderados por Hordak. Los defensores de Eternia consiguieron atraparlos en el muro místico, hasta que se liberaron el día en que el Príncipe Adam cumplió 16 años.

En ese momento la guardiana del Castillo

de Grayskull “La Hechicera”, vio que tanto Grayskull como Eternia corrían peligro y telepáticamente se comunico con Man-AtArms para que llevara al Príncipe Adam al Castillo de Grayskull donde le explicaría que se convertirá en un gran guerrero llamado He-Man. Los “Masters” (los buenos, para entendernos) en un principio están formados por: HeMan, Teela, Sorceress, Man-at-Arms, Orco, RaN-Man, , Buzz Off y Mekaneck y Cringer, el pedazo de tigre verde de Adam, un poco bastante cobardica hasta que Adam convertido en He-Man le enchufaba un rayo poderoso y se convertía en Battle-Cat, con la mala leche y ganas de pelea que eso le producía (ya me diréis si una descarga semejante no tendría el mismo efecto en vosotros), aunque a medida que avanza la serie se incorporaran más miembros.

Sus enemigos, “El Consejo del Mal”, cuyo líder es Skeletor y sus principales compañeros son Evil Lin (la malvada hechicera sexi, mano derecha de Skeletor), Beast Man, Phantor, Trap Jaw, Trip-Klows y Merman aunque al igual que el grupo de los Masters, a medida que avanza la serie el consejo del mal ampliará su numero.

Pero además de eso, las aventuras del Príncipe Adam y sus colegas de juerga se publicaron

en las paginas de los comic con un origen un “poco” diferente al presentado en la serie. Así era el origen del héroe en el papel: Mineternia: the original mini-comics (1981– 1983) Todas las figuras de acción originales llegaron a mini comics que contaban historias que involucran a los personajes. En los primeros cómics, He-Man es un bárbaro errante en Eternia, un mundo que tiene que afrontar las consecuencias de una gran guerra que ha devastado las civilizaciones que una vez reinaron, dejando atrás la maquinaria fantástica y las armas. Los acontecimientos de la Primera Guerra Mundial abrió una brecha entre las dimensiones, que permite que el señor de la guerra y del mal, Skeletor, viajar a Eternia, y ahora ha puesto sus ojos en el antiguo Castillo de Grayskull, la “fortaleza de misterio y el poder ‘. Quien se haga con el control de Grayskull será capaz de convertirse en el amo del universo. Para evitar que Skeletor alcance su retorcida meta, He-Man recibe poderes especiales y armas

de La Hechicera y se propone defender el castillo de la amenaza que supone Skeletor.

He-Man con el apoyo de varios aliados, como el Man-At-Arms, el maestro armero de Eternia y Teela, la hija adoptiva de este. Skeletor, por su parte, consigue encontrar la mitad de la Espada de Poder, una gran arma que a su vez es la clave del Castillo de Grayskull. HeMan ha recibido la otra mitad por medio de la magia, y debe evitar que Skeletor pueda juntar de nuevo las dos mitades para obtener acceso al castillo. Para distinguir estas historias de los dibujos animados de televisión, ya que se publicaron a la vez que la serie de televisión, los aficionados llamarón a esta primera versión de Eternia, como “mini-Eternia”, y las dos palabras se funden en ‘Mineternia’ en 2003.

Pero hay no queda la cosa porque la historia sigue con: DC Comics limited series (1982) DC Comics publicó un suplemento especial que apareció en varios comics en noviembre de 1982. A esto siguió Masters Of The Uni-

verse limited series, Esta serie hizo varios ajustes a la historia, para establecer la existencia del reino de Eternia, gobernado por el Rey Randor (llamado el rey Miro en las primeras apariciones) y la Reina Marlena. En esta serie , He-Man ya tiene una identidad secreta: el príncipe Adam, el hijo de los gobernantes de Eternia. El príncipe Adam es elegido por La Hechicera y ella le da el poder para convertirse en He-Man y que asume el papel de defensor de Eternia. Su identidad se mantiene en secreto, pero la bruja y el Man-at Arms conocen la identidad del héroe. Los personajes de Master of Universe comercializados por Mattel (MOTU) se introdujeron en el número 47 de DC Comics, en el que Superman se transporta a Eternia formando equipo con He-Man, y regresando en otra ocasión para una segunda aventura.

Marvel Star comic series (1986) En 1986, Marvel Comics estrenó Masters Of The Universe en su sello recién creado “Star”, una línea dirigida a los niños más pequeños, sobre todo con otra licencia, tales como Los Muppets. Masters Of The Universe de Star duró sólo 13 números y se abrió con una nueva versión de la introducción de Hordak y la Horda mal.

A medida que la serie progresaba, se centra generalmente el los personaje comercializados por Mattel después de la finalización de la serie animada de Filmation. En general, el cómic tuvo una tendencia a seguir la caracterización y la continuidad imprecisa de los dibujos animados de Filmation, mientras mostraban a los personajes como representaciones más exactas de los juguetes en sí, por ejemplo mostrando a Teela en su armadura de serpiente, que nunca se vio en los dibujos animados, y la presentación de la Zona de miedo y de Snake Mountain con sus diseños distintivos del playset, que también tenía poco parecido con sus apariciones en pantalla.

El numero 11 “¿De quién soy enemigo?” nos cuenta como He-Man y Hordak son secues-

trados y enviados a otro mundo. Debido a la amnesia mutua, se convierten en compañeros, con un gran dilema con esta nueva relación cuando finalmente recuperan la memoria.

Es especialmente destacable la historia en dos partes “Life-Time”, en la que en sus dos ultimas entregas se utiliza un dispositivo de viaje temporal y una premisa similar a la película “It’s a Wonderful Life”, de Frank Capra, en la que el príncipe Adam cuestiona la necesidad de la continuar siendo He-Man, recibiendo un duro golpe cuando sus reflexiones se pone a prueba por sorpresa. Cuando su Espada de Poder es transportada accidentalmente una década al futuro, Adán viaja a través del tiempo para recuperarla, encontrándose a sí mismo en un futuro en el que, privados de la espada y por lo tanto de la capacidad de convertirse en He-Man, el Adam adulto le cuenta a su joven yo como ha sido incapaz de detener la conquista de Eternia por Skeletor. Este macabro futuro, que contiene citas de la novela de George Orwell “1984”, convierte en huérfana a Teela, siendo la nueva Hechicera y nueva líder de la resistencia. También describe la destrucción del Castillo de Grayskull, e incluye una escena en la que Adam descubre a sus padres desolados y maltratados encadenados en una mazmorra.

El He-Man de Marvel también incluye una adaptación de la película de imagen real “Masters of the Universe” de 1987. Curiosamente, el cómic retrata a todos los personajes pre-existentes, a excepción de Beast-Man, con sus aspecto del juguete-dibujo animado en lugar de con el de la película, que son en gran medida rediseños. Adaptado a partir de un primer borrador del guion de la película, incluyendo ideas de la película final, como la batalla final entre He-Man y Skeletor (que tiene lugar en lo alto de Grayskull en vez de en sus entrañas). También hay un momento en el que He-Man ofrece su mano a su rival que esta a punto de caer, que habían sido traicionado por Evil-Lyn, despreciando este la ayuda y cayendo a lo que parece su fin. Lo más relevante de todo es un extraño código

que no aparece en la película, en la que los restos de dos banderas, una de Estados Unidos y otra de la NASA, son descubiertos en las cavernas de Grayskull con las palabras” Starfinder 5 - 10 de julio 2221”. En un giro totalmente único a todas las otras versiones de la continuidad de MOTU, esta adaptación de la película al cómic sugiere que los seres humanos de Eternia son descendientes de la tripulación de una misión espacial de Estados Unidos. En un giro totalmente único a todas las otras versiones de MOTU, esta adaptación del cómic de la película sugiere que los humanos de Eternia descienden de la tripulación de una misión espacial de Estados Unidos de futuro lejano.

Minicomics posteriores (1985–1987) A partir de la introducción de Hordak, los mini cómics empezaron a diferenciarse en algunos aspectos de la historia que aparecen en las serie de dibujos animados de HeMan y She-Ra (la hermana gemela de este y con las mismas aficiones bélicas que su hermano). Mientras que en los muchos dibujos animados los juguetes Masters nuevos aparecen basados en una Etheria bajo el imperio de Hordak, con una resistencia encabezada por Adora / She-Ra, el permaneció principalmente en la Eternia de He-Man. Etheria sólo apareció como base principal de operaciones de Hordak.

Muchos años antes Hordak había sido derrocado por su siervo Skeletor y desterrado de Eternia, pero regresa acompañado de sus secuaces de la Horda del mal, y trata de conquistar el planeta. De vez ese alía con Skeletor, aunque por lo general busca destruirlo. Así, Hordak se alza como la oposición reiterada y firme de He-Man. Un complemento aún más dramático a las leyendas de Eternia se presenta en el comic “El Rey de los hombre serpiente”. Aquí Skeletor descubre un pozo de energía enterrada en Snake Mountain, que mantiene encerrado al antiguo emperador King Hiss. Hiss cuen-

ta que había conquistado muchos planetas antes de invadir Eternia. Una gran parte del planeta se había reducido a los hombres serpiente antes de que fueran derrotados por el “Consejo de los Sabios” y desterrado a otra dimensión. Hiss, ahora intenta recuperar a sus compañeros, los hombres serpiente, y llevar la venganza a Eternia.

Más detalles sobre el pasado antiguo de Eternia se desvelan en la siguiente edición de mini-comics. Las revelaciones más importantes llegan con “Las Tres Torres” - Grayskull Tower “, un símbolo de la bondad”, Viper Tower, “un símbolo de todo lo que está mal”, y la torre central, la celebración de la “potencia máxima”. Esta gigantesca estructura se eleva desde el subsuelo de la mano de Hiss y Skeletor y se convierte en el punto central para nuevas aventuras de He-Man, que trata de evitar que los tres villanos adquieran los secretos de las torres. Mientras He-Man defiende las torres descubre unos cuantos secretos.

Hordak reconoce las torres y afirma haber

ayudado a construir la torre central, aunque poco más se descubre. El regreso de las Torres también mejora la magia de la Hechicera y es capaz de ayudar al Rey Randor en su búsqueda para descubrir lo que le había sucedido a su hermano perdido Keldor. Skeletor está decidido a poner fin a esta búsqueda, afirmando que “el conocimiento me podría destruir”. Se insinúa que Keldor se había convertido en Skeletor.

La revelación más sorprendente vendrá cuando la Hechicera mande a He-Man, a través de un portal temporal para visitar el pasado antiguo de Eternia.

Aquí no hay spoiler que valga, si queréis saber que es lo que descubre nuestro héroe ochentero ya sabéis, a leer comics toca.

BUITRE Nombre Real: Adrián Toomes Profesión: Criminal Profesional, antiguo ingeniero electrónico.

Altura: 1,80 cm.

Peso: 79 Kg. Ojos: Avellana Pelo: No tiene Poderes/Habilidades: El Buitre ha diseñado un arnés electromagnético que, en combinación con su traje alado, aumenta su fuerza y le permite volar como un pájaro. En vuelo posee una capacidad de maniobra muy superior a las aves de su tamaño e incluso puede alcanzar velocidades de cerca de 153 Km. /h El Buitre en la prueba viviente de que convertirse en supervillano no es una proeza reservada únicamente a los más jóvenes. Este anciano calvo y encorvado estaba a punto de jubilarse cuando se puso por primera vez las alas y el arnés antigravitacional ¡y emprendió el vuelo hacia el mundo del crimen!

Y pese a no haber jugado nunca en la primera división de Marvel, el Buitre ha conseguido poner en mas de un aprieto a Peter Parker.

El Buitre es un criminal sin escrúpulos, supo elegir el alias mas adecuado. Su silueta encorvada, su calva y su nariz aguileña recuerdan sin duda al Sarcoramphus papa, el llamado buitre Americano, aunque Tomees no se alimenta de carroña.

Tomees empezó su carrera siendo ya muy mayor.

Toda su vida había trabajado como ingeniero electrónico, hasta que llego a la conclusión de que le resultaba más rentable dedicarse al crimen... En una época en la que no abundaban los seres con superpoderes, logro hacerse un nombre cometiendo delitos de poca monta. Se abalanzaba desde el cielo sobre sus victimas y se escabullía antes de que nadie pudiera apresarlo. Llego a enviar notas burlonas a las autoridades informando de sus próximas fechorías.

Su primer enfrentamiento con Spiderman lo lleno de satisfacción, ya que pudo derrotarlo fácilmente

VILLA D CÓM terce

por Cugar 19 y lanzarlo a una torre de agua. Pero fue esta humillación la que empujo al Lanzarredes a desarrollar esa inconfundible red que le resultaría tan útil a lo largo de su carrera.

Buitre no salió tan airoso de su siguiente encontronazo con Spiderman, pues este utilizo un artilugio que inutilizo los poderes magnéticos de los que Tomees se servia para volar. Buitre empezó a perder altura y fue apresado por la policía, experimentando por primera vez la humillación.

Los primeros años de Tomees se desconocen, se quedo huérfano y lo dejaron al cuidado de su hermano mayor, Marcus. La desgracia llego cuando este quedo postrado en una silla de ruedas tras un accidente de moto. Quiso suicidarse e imploro que lo arrojara al mar con su silla de ruedas. Gracias a su talento para la ingeniería creo una empresa Bestman &Tomees, con un socio comercial Geregory Bestman. Tomees empezó a trabajar en solitario y a patentar inventos que reportaron cuantiosos ingresos a la empresa, pero de los que a penas se beneficio.

Descubrió que Bestman le había estado estafando, pero estaba a punto de jubilarse, lo que hizo más sorprendente que cuando se enfrento a su socio, mostrara una fuerza aumentada artificialmente.

Se trataba de su ultimo proyecto, un arnés electromagnético, que si funcionaba como esperaba le permitiría incluso volar. Además una extraña radiación emitida por su invento le otorgo súper fuerza. Aun así, Bestman se quedo con todo lo que le correspondía y le expulso de la empresa..

Consumido por el resentimiento, continuo con su proyecto, terminando el arnés y creando un traje

ANOS DE MIC era PARTE verde con el que emprendió el vuelo como supervillano. Su primer objetivo como era de esperar, fue la sede Bestman y Tomees, que asalto repetidamente hasta recuperar la parte de los beneficios que le correspondía. Después comenzó a robar en otras muchas empresas, por lo que Spidey le encerró entre rejas.

En la cárcel fingió ser un preso modélico, mientras construía otro invento volador, que utilizo para fugarse. Antes de volver a aparecer en publico, modifico su atuendo para hacerlo inmune al dispositivo antimagnético de Spiderman. Para aquel entonces Tommes se había convertido en un profesional del crimen, y se unió a los Seis Siniestros, con el objetivo común de derrotar a Spiderman. A pesar de ser un hombre mayor, a lo largo de los años ha demostrado ser un temible pajarraco, su frágil aspecto contrasta con la fuerza que le otorga el arnés y que le ha permitido superar muchos peligros en su vida.

En sus primeros años como criminal, termino en el hospital de la cárcel debido a un accidente en el taller. Quiso entonces transmitir su legado, por lo que ofreció unas alas al que era su compañero de celda Blakie Drago, antes de que este confesara que el accidente del taller fue obra suya. Esta confesión fue un error, pues el deseo de venganza del Buitre le hizo recuperarse mas rápido y obtuvo su venganza humillando públicamente a Drago. En esta ocasión estuvo muy cerca de derrotar a Spiderman, pero este logro destruir el equipo generador que le otorgaba poder.

Tras un intento de organizar su propia banda de crimen organizado (durante el que fue asesinado

su sobrino) el Buitre se retiro a un asilo, resignado a pasar allí el resto de sus días. Pero otro de los residentes del mismo Nathan Lubensky, logro convencerle de que la vida todavía tenía mucho que ofrecer. Cuando Peter Parker acudió a visitarle se enzarzaron en una brutal pelea. Durante el enfrentamiento el viejo pájaro mostró un destello de bondad, puesto que no fue capaz de herir a Lubensky al que había cogido de rehén, años después no tendría la misma consideración, ya que tomo vuelo con Lubensky aferrado a sus pies, lo que le provocó una mortal caída.

Descubrió que tenía un cáncer terminal provocado por la radioactividad de su arnés, así que decidió llevarse en su caída a todo el que se pusiera por delante. El primero de su lista fue su ex socio Bestman. No todo fueron malas noticias para el. A su salida de la cárcel conoció a una científica con una formula rejuvenecedora. Cometió un nuevo robo, acciono el dispositivo y se encontró de pronto en plenitud de facultades. Por desgracia la formula solo duraba unas horas, pero cuando volvió a ser el anciano de siempre, el cáncer había desaparecido. Poco le importo entonces que la maquina funcionase a base de vampirizar personas. El Buitre se sometió a una segunda sesión en la maquina y dejo a Spiderman en un estado lamentable, tras absorber la fuerza vital de la madre de Peter Parker, aunque resulto ser un robot disfrazado.

El buitre tuvo una hija, que se convirtió en una joven extraordinaria, además de ser una brillante estudiante con un montón de habilidades suplementarias. Por esta razón la reclutaron para SHIELD.

Todo el mundo ignoraba que Valeria Jessup, agente de SHIELD y el Buitre fueran familia. El problema radicaba en los archivos de informáticos en los q ue estaba la documentación de todos los héroes y villanos, además de información suplementaria sobre ellos. Por lo que el Buitre tenía que robar este material y para ello recluto a varios villanos mediante la extorsión, amenazando con revelar sus secretos; Juggernaut, Masacre, Bullseye, Dientes de Sable y el Hombre de Arena. Consciente de que controlar a estos malhechores siendo el Buitre era una tarea complicada, se escondió tras la identidad de un poderoso personaje, frecuentemente mencionado, pero nunca visto. Esta estrategia pareció funcionar, además hubo una emotiva escena con Valeria dando las gracias a su padre Vestida con el uniforme de SHIELD. Fue la primera vez que pudimos algo más que un viejo ingeniero resentido, al fin y al cabo, quizá también tenia su corazoncito.

Dr. Muerte Nombre Real: Víctor Von Muerte Profesión: Monarca de Latveria Altura: 1,88 cm Peso: 103 Kg. Ojos: Marrón Pelo: Castaño Poderes/Habilidades: Una armadura que aumentara su fuerza y que contiene ráfagas y campos de fuerza energéticos. Poderes mágicos y habilidad mental de intercambiarse de cuerpo con otros.

Muerte también es un genio científico y posee una maquina del tiempo.

El Doctor Muerte ha aterrorizado a los 4 Fantásticos durante más de cuarenta años. Siguiendo con la mejor tradición de la casa de las ideas, Doctor Muerte no es un villano al uso. Víctor Von Muerte es un personaje complejo, héroe en Latveria para algunos, el país que gobierna con puño de hierro, y tirano para el resto. Descendiente directo de Gengis Kan, Muerte ha combinado su increíble conocimiento científico con la magia negra gitana en un efecto devastador y además, puede escudarse en su inmunidad diplomática cuando tiene un problema gordo. Es el tipo más maquiavélico de todo el universo Marvel.

Hay que retroceder hasta los comienzos cuando un joven Reed Richards llega a la escuela, con el pelo echado hacia atrás y coderas en las mangas, y se encuentra con que el laboratorio de ciencias

esta ocupado por el imperioso europeo Víctor Von Muerte. Entre ellos salto ya la tensión ya que ambos se sentían invadidos por el otro, y el Doctor Muerte no tenia ganas de relacionarse con REED. Víctor Von Muerte se crió con Gitanos, popularmente, los gitanos son un pueblo nómada y su folklore tienen una gran riqueza de elementos mágicos. Pero los gitanos Latverianos habrían sido expulsados de Transilvania y el joven Víctor quedo destinado a convertirse en una leyenda viviente por derecho propio. Su padre era curandero y su madre una bruja asesina que hizo un trato con el diablo, arraso tres cuartas partes de su ciudad y hubiera acabado con todo si no se hubiera topado con un hacha de guerra.

Sin embargo todo esto sigue sin explicar que es Víctor Von Muerte, que tiene rasgos de cada grupo étnico europeo salvo de los belgas, y que consiguió volverse loco con un toque nazi.

En el camino para convertirse en el gobernador absoluto de todo lo que contempla, Muerte ha adquirido un bonito puñado de poderes y armamento que arrojar a los 4 fantásticos a la menos oportunidad. Su armadura hecha en el Tíbet, le otorgo súper fuerza, la armadura lanza unos rayos de energía junto con cualquier cañón, bomba o proyectil complementario. La pistola de dedo o la encefalopistola son sus favoritas. Dado que Muerte es una de las 2 personas más inteligentes del mundo, si necesita cualquier arma extra puede inventarla.

Muerte no sale tan armado hasta los dientes como otros villanos, pero como puede ocupar los cerebros y los cuerpos de otra gente, viajar a través del tiempo, pasearse por el espacio exterior con poco más que una capa, hacer uso de la magia negra ¿Para que llevar armas? Si muerte necesita pura musculatura puede llamar a su legión de doombots y si la cosa se pone realmente mal, puede sacar su mayor arma: La Inmunidad Diplomática.

Muerte ha luchado contra Hulk, he extendido su marca de maldad por las cuatro esquinas como la saga Secret Wars y la novela ilustrada Triunfo y Tormento, e incluso ha protagonizado una entrega de Wizards. Su hijo, el clon Muerte y heredero del trono de Latveria, adquirió temporalmente los poderes de los 4 Fantásticos y se lo paso en grande revolviendo la cabeza de Reed Richards tal como papa le había enseñado. Kristoff Vernard, un posible sucesor de Muerte cuya mente fue revestida

con la de Muerte cuando parecía que la original estaba muerta.

Doomsman I, un androide que heredo el modelo de cerebro de Muerte y después se convirtió en el esteroide tocado Andro.

Doomsman II, con los poderes de Estela Plateada y para rematar la faena, Los Muertes de los mundos alternativos…

Curiosidades Es Doctor, pero ¿Doctor en que? Aunque Víctor es el monarca de Letveria carece de titulo universitario. Al parecer le gustaba como sonaba eso de Doctor Muerte y simplemente se lo apropio.

El quinto primo de Víctor, el Doctor Bob Muerte, intento estafar a clientes ricos para que le entregaran grandes sumas de dinero, para conseguirlo les implantaba neurotransreceptores en sus dientes.

Cuando Muerte reclamo Latveria decidió cambiar el nombre de la mayoría de las ciudades, y les puso nombres agradables como Muertestadt, Muerteton, Muertesburg, Muertewood. Su ego no tiene límites.

Muerte engaño a la nobleza para que comprasen estatuas de oro, que se convirtieron en polvo cuando el se marcho.

Muerte ayudo al vecino y antiguo Vengador Pantera Negra a construir un robot de un gato gigante para que hiciera de guardián de Wakanda.

Muerte prendió fuego a una de sus pinturas de Renoir, de valor incalculable, solo por que no le gustaba.

Cuando Muerte envío a su verdadero y único amor al infierno a cambio de poderes demoniacos, se llevo parte de la piel de ella para tenerla cerca.

Super

Skrull

Nombre Real: Kl´rt Profesión: Guerrero Skrull Altura: 1,90 cm Peso: 315 Kg. Ojos: Verdes Cabello: Inexistente Poderes/Habilidades: El Superskrull ha sido bi-

onicamente diseñado para poseer poderes combinados de los 4 Fantásticos. No los puede desarrollar naturalmente si no que depende de la absorción de la energía cósmica ambiental. Al igual que todos los Skrulls, el Superskrull es capaz de modificar su forma y aspecto. Posee habilidades hipnóticas, cuyos límites no han sido revelados.

Es incendiario, flexible, invisible, y tan duro como una roca, por si esto fuera poco, es malo hasta la medula. Fue diseñado por los mejores científicos alienígenas del Imperio Skrull con el único fin de aniquilar a los 4 Fantásticos, pero ha ido mucho mas allá de su cometido inicial y ha causado terribles estragos a lo largo y ancho del universo.

Los Skrulls empezaron a tener a la Tierra en su punto de mira en los años 60. Enviaron una flota de invasión y a un grupo de espías a derrotar a los 4 Fantásticos, los campeones mas poderosos de la tierra. Pero el cerebro de los 4F, Reed Reichards, logro engañar a los skrulls para que creyeran que existían fuerzas todavía más poderosas en la tierra, por lo que el emperador Skrull, mando regresar a su flota. Por su parte los espías skrulls fueron hipnotizados por Reed Richards, y empezaron a creer que eran vacas. Gracias a la capacidad de cambiar

de forma de los skrulls, les enviaron al campo para que pudieran pastar a sus anchas.

Tras esto, el emperador skrull Dorrek, reunió a los mejores científicos para que creasen un campeón que pudiera derrotar a los 4F. Combinaron tecnología y bioingeniería para diseñar un guerrero que fuese tan flexible como Mr Fantástico, de volverse invisible como la chica invisible, de arder en llamas y de volar como la Antorcha Humana y de infligir castigos con su fuerza bruta como la Cosa. Crearon al Superskrull, que reunía e incluso superaba los poderes de los 4F. Así fue como Superskrull bajo a la tierra, donde lo primero que hizo fue plantar la bandera Skrull en el centro de Time Square y declarar que había sido conquistada por el imperio Skrull. Los 4Fantasticos tomaron entonces cartas en el asunto, pero con sus habilidades, y con su capacidad para cambiar de forma, Superskrull les hizo morder el polvo. Los 4 Fantásticos se refugiaron en el edificio Baxter, Allí Reed Richards puso en acción la única habilidad que Superskrull no podía imitar, su extraordinaria inteligencia. Rastreando el espacio hayo unas ondas ultrasónicas que podían ser el origen de los poderes de Superskrull, por lo que diseño un dispositivo para interferirlas. Reto a Superskrull a un enfrentamiento en una isla del pacifico, la chica invisible coloco el dispositivo en el cuerpo de Superskrull y logro desactivar sus poderes. Los 4 Fantásticos le dejaron encerrado en la isla dentro de un cráter volcánico.

Su derrota fue temporal, los sckulls volvieron a su planeta y encontraron la forma de cambiar la señal ultrasónica, de este modo Superskrull pudo escapar de la isla. El alienígena se fue a Manhattan y se infiltro en una cárcel. Allí suplanto a un preso y le envío a su planeta, al día siguiente Sue y Johnny Storm (La Chica Invisible y Antorcha humana) acudían a visitar a su padre el Doctor Franklin Storm, que estaba en la cárcel por haber matado a un criminal en defensa propia. La sorpresa de los Storm fue grande cuando el doble fantasmagórico de su padre les revelo haber usado el laboratorio de la cárcel para convertirse en invencible y de repente atravesó la pared con la misma fuerza que la cosa.

El hombre invencible, como se llamo así mismo, empezó a causar estragos por la ciudad retando a los 4 Fantásticos. Al sentirse Sue y Johnny incapaces de herir a su padre, los 4 Fantásticos fueron derrotados. Reed Richards, logro descubrir al impostor me-

diante tecnología fotoelectronica. Tras ello diseño un transmisor de radio ultrasónico, con el que notifico al planeta skrull que el plan había concluido y propuso un intercambio de prisioneros. Superskrull fue enviado a su planeta mediante un rayo luminoso y el Doctor Storm regreso a la tierra, Superskrull fue humillado por los 4 Fantásticos.

También fue engañado por Loki. Este, le hizo creer, que si derrotaba a Thor, Loki participaría a cambio en la invasión skrull de Asgard. Superskrull regreso a la tierra para enfrentarse en una dura batalla a Thor, que le expulso de la tierra de un mazazo. Superskrull se topo entonces con su archienemigo, MarVell de los Kree (Conocido como capitán Marvel).

Los Kree y los Skrull estaban en pie de guerra desde hace miles de años, por lo que el emperador skrull, envío a la tierra a Superskrull, cuando oyó que un hombre de los Kree había aterrizado allí.

Su misión era encontrarlo y destruirlo, pero no fue fácil. El Superskrull lucho contra el capitán Marvel y consiguió dejarle KO, pero el Kree se recupero y utilizando sus poderes mentales, ordeno al Superskrull que volara al punto más lejano del espacio.

La distancia debilito la influencia del Capitán, mientras que el conflicto entre skrulls y kree se convirtió en una guerra sin cuartel, con la tierra atrapada en medio. El Superskrull regreso a la tierra adoptando la apariencia de Carol Danvers, amiga y aliada del Capitan Marvel. Secuestro entonces al capitán, junto a dos miembros de Los Vengadores, Mercurio y La Bruja escarlata. Pero cuando quiso llevárselos al planeta de los skrulls, fue atacado con los suyos, el emperador había declara que su creación había sido un fracaso y lo desterró.

Quiso vengarse y se dirigió a la tierra para vengarse del Capitán Marvel, logro ponerlo contra las cuerdas con todas sus habilidades físicas y mentales.

Superskrull estaba trabajando en realidad para Thanos, el demente dios de la muerte que había sido desterrado de la Luna De Titán. A petición de Thanos, Superskrull lidero un variopinto grupo de Alienígenas que asaltaron Titán. Pero la mala racha de Superskrull no había terminado, los Defensores ayudados por Capitán Marvel, repelieron a los invasores y aparentemente el Superskrull cayo muerto.

Es muy difícil matar a un alienígena, el Superskrull sobrevivió a la batalla y regreso a la Tierra, esta vez a por Carol Danvers, recientemente proclamada Ms Marvel. Con ayuda de Spiderman y de la Antorcha Humana, derroto a Superskrull y tras ello sus moléculas fueron diseminadas en los cinturones de Van Allen, el campo magnético que rodea la tierra.

DORMAMMU Nombre Real: Dormammu Profesión: Conquistador, déspota.

Altura:1,83cm Peso: Variable Ojos: Amarillos (Verde cuando adopta forma Humana) Pelo: Sin pelo (Negro cuando adopta forma humana) Poderes/Habilidades: Al ser un ente de energía, es mucho más poderoso que cualquier brujo. Es capaz de transmutar la materia, tele transportarse, alterar la forma de las cosas, y controlar los elementos, además de invocar las energías de la dimensión oscura.

Si se juzga a un héroe por la peligrosidad de sus enemigos, el Doctor Extraño debe ser muy poderoso para que el

terrible Dormammu sea su eterno rival. Este señor de cabeza llameante procedente de la Dimensión Oscura alberga n inmenso poder gracias a sus adoradores y jamás se ha rendido en su empeño por dominar la tierra. Su oscura ambición se ha visto eternamente frustrada, ya sea por otras fuerzas malignas, por los complots de su diabólica hermana o por el Hechicero Supremo, el Doctor Extraño.

DORMAMMU era solo un encantamiento, un juramento que recitado en el campo de batalla.

De forma consciente o no, este nombre estaba en boca de los más poderosos magos del mundo. El hechicero negro Barón Mordo, incluso en Doctor Extraño, ha invocado a Dormammu al pronunciar sus hechizos. ¡Por el poder del terrible Dormammu!

¡Hago un llamamiento para que los poderes del poderoso Dormammu acudan en mi ayuda! ¡Deja que la fuerza de tu poder descienda sobre mi enemigo, te lo imploro, Dormammu! ¿Pero quién era Dormammu? ¡Era el Gobernante de la Dimensión Oscura...y tenia planes para la Tierra!

Según el libro místico de los Vishanti, las infinitas realidades que coexisten en el Multiverso se ordenan por grupos. En base a ello, cuanto más lejana sea una realidad de nuestro grupo, menos se asemejara a nuestro propio universo. Existen grupos Superiores e Inferiores, entre los que se encuentran aquellos para quienes la vida se manifiesta en forma de energía en vez de materia. Este es el caso del reino de Faltine.

Los Faltine se reproducen de forma asexuada (algo parecido a las amebas, pero con mas chispa), creando criaturas con el mismo esquema de energía que ellos.

Hace unos milenios, un Faltine llamado Sinifer genero a Dormammu y a su hermana Umar. Quizá debido a una mutación o a una aberración, los hermanos no se parecieron en nada a su progenitor. Tanto Dormammu como Umar sentían una atracción malsana por todas las cosas físicas (Parecido a cuando los chicos descubren a una estrella del rock).

Dormammu y Umar acumulaban materia tan rápidamente como otros faltine almacenaban energía y usaron esta materia para diseñar cuerpos humanos para ellos mismos. Convertirse en materia no es-

taba muy bien visto, por lo que Dormammu y su hermana fueron desterrados de Faltine, acto que agradecieron sus moradores, pero no el resto del universo.

Los hermanos viajaron a la Dimensión Oscura donde ayudaron al Rey Olnar a anexionarse los reinos colindantes. Pero Olnar peco de ambicioso, cuando invadió el universo de los sin mente y estos contraatacaron, matando a miles de habitantes de la Dimensión Oscura, entre ellos al propio Rey Olnar. Los hermanos aprovecharon la invasión de los Sin Mente como tapadera para matar a muchos de los consejeros mágicos de Olnar, los Mhuruuks.

El populacho proclamo entonces a Dormammu y a Umar salvadores de la Dimensión Oscura y los nombro regentes.

Mientras Dormammu se dedicaba a su recién conquistado reino, su hermana experimentaba lo que era convertirse en un ser humano. Sedujo al hijo de Olnar, Orini y se quedo embarazada. Pero cuando alumbro a una niña, se sintió horrorizada ante la experiencia de la maternidad. No quería las responsabilidades de una familia humana real. Así que quedo traumatizada, y fue incapaz de recuperar su forma energética, por lo que se volvió loca. Ataco incluso a su hermano, que la derroto fácilmente y la desterró a los confines de su reino.

Dormammu descubrió que podía incrementar su fuerza al infinito apropiándose de las energías de los que le adoraban. Se comporto como un dios

despiadado, conquistando los universos cercanos y esclavizando a su población. Intento apoderarse de la materia del globo terráqueo, pero la tierra era el hogar del Hechicero Supremo, un joven que años después se le conocería como El Anciano.

Cuando Dormammu intento entrar en nuestro plano de existencia (provocando un gran incendio en Londres 1666), el Anciano estaba allí para detenerlo. Fue la primera vez que Dormammu fue derrotado por un Hechicero Supremo de la Tierra, pero no sería la última. Dormammu echaba humo desde su trono por el odio que sentía hacia la Tierra.

Sirviéndose de agentes humanos, intento crear el caos para destruir el muro entre ambas dimensiones.

El Barón Karl Amadeus Mordo, fue la marioneta preferida de Dormmamu. Mordo había sido aprendiz de magia del Anciano y pensó que el camino del poder seria más corto junto a Dormammu, no dudo en sacrificar para ello a su madre (Diabólica) y a su abuelo para lograr sus propósitos.

Mordo se encontraba en el lugar adecuado para matar al Anciano, pero este poseía el Ojo de Agamotto, el que todo lo ve, por lo que el intento fue fallido. El Anciano sabiendo a que se enfrentaba, acepto un discípulo para combatirles, el Doctor Stephen Extraño.

Dormammu reto al Anciano, y Doctor Extraño respondió al desafío en nombre de su maestro viajando a la Dimensión Oscura para luchar contra el Terrible. Al enfrentarse, y estar ocupado, los Sin Mente empezaron a salir de su confinamiento, pero con la ayuda mágica del Doctor Extraño, Dormammu logro cerrar la tapa de su caja mágica.

Dormammu, en agradecimiento juro no volver a amenazar a la dimensión terráquea (Con los dedos cruzados, claro está).

cuerpo de un ratón, y con un revés el Doctor Extraño, convertido en Roedor Supremo, consiguió echar a Dormammu de su cuerpo humano.

Dormammu volvió al ataque, pero esta vez a través del Barón Mordo, creyendo que si Doctor Extraño moría a manos de un tercero, esto lo liberaría de su pacto de no interferencia. Pero fue una terrible y humillante derrota para el Terrible, lo que lo volvió loco. “Prefiero morir antes que volver a sentir la humillación de la derrota…he estado renegando de mi supremacía durante demasiado tiempo…”

El Terrible personifica el ansia por doblegar nuestro mundo bajo su diabólico poder. Su cabeza sigue ardiendo, consumiéndose con la ciega ambición de conquistarnos a todos. Y sin lugar a dudas, quien juega con fuego, al final se quema.

Tiempo después, Dormammu regreso a la Dimensión Oscura, donde organizo un golpe de estado para arrebatar a su sobrina Clea, la soberanía del estado. Pero fue traicionado por Umar y por el Barón Karl Amadeus Mordo, y lo confinaron al universo de bolsillo de los Sin Mente.

Su ambición sin límites le llevo a enfrentarse con oponentes fuera de su alcance, como la Eternidad.

Ambos terminaron estrellándose contra la misma realidad. La Eternidad derroto a Durmammu y la forma física del Terrible, fue reducida a la nada.

La hija de Umar, Clea, ayudo secretamente al doctor Extraño a lo largo de sus multiples batallas contra Dormammu y hasta esta llamada a gobernar algún día la Dimensión Oscura.

Con la esperanza de adelantar a sus enemigos, Dormammu intento invadir la tierra desde el pasado, así evitaría enfrentarse con el doctor extraño durante la Segunda Guerra Mundial. El abuelo del Barón Mordo -el Vizconde Heinrich Krowler- había ayudado a Hitler a llegar al poder y estaba utilizando el miedo y el odio para abrir un portal místico entre la Dimensión Oscura y la Tierra. El sacrificio de Clea, llevada al 12943 por el Barón Mordo, seria crucial para sus fines. Sin embargo el Doctor Extraño viajo a través del tiempo con la ayuda del sargento Furia y de sus comandos Aulladores, así logro impedir el sacrificio de Clea, diseminando la esencia mágica de Dormammu a través del tiempo y el espacio.

Dormammu acabo volviendo a la vida, pero en una pequeña porción. La ínfima porción de sus ser que no era corpóreo sustituyo el ojo que Stephen Extraño había perdido en combate y hasta fue capaz de tomar el control del cuerpo en varias ocasiones.

Pero Doctor Extraño, encontró refugio dentro del

BULLSEYE Nombre Real: Lester (Apellido desconocido) Profesión: Asesino a sueldo, ladrón, antiguo mercenario, jugador de beisbol y extorsionador.

Identidad: Secreta Altura: 1,80cm Peso:90Kg. Ojos: Azules Pelo: Rubio Poderes/Habilidades: Bullseye es un gran atleta

con un conocimiento enciclopédico de los puntos vulnerables del cuerpo humano y la habilidad de lanzar cualquier objeto con una precisión asombrosa, convirtiendo los objetos más comunes en armas mortales. Su esqueleto esta reforzado con Adamantium y en el pasado tuvo la capacidad psíquica de percibir la presencia de Daredevil.

Este asesino a sueldo disfruta matando a sus víctimas con objetos de uso cotidiano que convierte en armas letales. En su larga trayectoria como enemigo de Daredevil, Bullseye (Su nombre en Ingles significa “Blanco de diana”) ha demostrado que es un peligroso psicópata, a quien no le tembló el pulso a la hora de matar a la novia de Daredevil ni a muchos otros.

Ha trabajado como mercenario para los bajos fondos de Marvel, aunque su objetivo principal sigue siendo el Hombre sin Miedo.

Bullseye, o Benjamin Poindexter, como se hacía llamar por aquel entonces en la vida civil, era el mayor asesino a sueldo del mundo, con una reputación temible que se había ganado a pulso, hasta que Daredevil le dio una paliza. Con su fama por los suelos, Benjamin necesitaba estar de nuevo en primera plana, lo que explica su enfrentamiento en el circo con Daredevil y su retransmisión por televisión.

La existencia de Daredevil era suficiente para volver loco a Bullseye. Cuando se topo con el por vez primera, empezó a desarrollar una obsesión, hasta convertirse en un asesino frio, capaz de sonreír mientras mataba silenciosamente al gran amor de Daredevil. El mundo de Daredevil se volvió mucho más sombrío cuando apareció Bullseye en su vida.

Cegado por su obsesión por Daredevil, secuestro a la súper heroína y antigua novia de Daredevil, la Viuda Negra. “Tu serás el instrumento de la muerte de Daredevil. Cuando descubra que te tengo en mi poder, vendrá a por mí…y entonces os matare a los dos”

Afortunadamente, Daredevil no se dejo engañar por un maniquí de la Viuda Negra atado a los raíles de una montaña rusa. El Jefe de la mafia Eric Slaughter, le retiro su apoyo y los otros criminales condenaron su actuación. Daredevil se gano el respeto de la mafia.

Bullseye era un hombre enfermo, le diagnosticaron un tumor maligno y, añadido a su fijación por Daredevil, Bullseye acabo sufriendo alucinaciones terribles en las que se veía rodeado de “Demonios” a imagen y semejanza de Daredevil.

Cuando iban a extirparle el tumor, se escapo del hospital y cometió una serie de asesinatos en masa.

Una vez mas Daredevil fue tras el psicópata y se encontró con un dilema, dejar que muriese arrollado por el tren o salvarlo y cargar con las consecuencias.

Por supuesto lo salvo y este acto traería muchas consecuencias.

Una de las consecuencias de no haberlo matado y que merece mención, fue cuando todos los señores del crimen de Nueva York, contrataron a Bullseye para eliminar a Wilson Fisk, el ex rey del crimen, alias kingpin, por la suma de 15 millones de dólares (5 por encontrarle y 10 más por disparar a matar).

Tras aceptar el encargo, vio la oportunidad de asegurar su futuro y se cambio de bando, para aliarse con Kingpin, como su tirador principal. Kingplin no dudo en sacrificar a Bullseye firmando una tregua con Daredevil, y Bullseye fue a parar a la cárcel, mientras soñaba con matar a Daredevil. “Te romperé todos los huesos del cuerpo, te hare papilla la columna vertebral, hare que cada nervio de tu cuerpo grite de agonía” ¡Me las pagaras!

Bullseye estuvo poco tiempo en la cárcel gracias a la intervención de Elecktra Natchios, que le impulso a fugarse. Elecktra era una asesina que se había

entrenado como ninja, además de ser la ex novia de Daredevil. Elecktra sustituyo a Bullseye en la organización de Kingpin, y este se escapo de la cárcel para matarla.

La encontró y la mato, le corto el cuello con su AS de Espadas, la marca de la casa y la atravesó el pecho con su propio puñal Sai Japonés. Murió en brazos de Matt Murdock. Este crimen fue un punto de no retorno, se desvaneció cualquier posibilidad de redención para Bullseye.

Daredevil y Bullseye se enfrentaron de nuevo en una batalla sin cuartel. Bullseye cayó desde las alturas y se rompió todos los huesos del cuerpo, pero mala hierba nunca muere y este logro sobreponerse. “La cárcel no me detuvo y tampoco lo hará esta cárcel en la que has convertido mi cuerpo… mi columna está destrozada. No siento las piernas.

Ni siquiera puedo hablar. Pero puedo odiar...y eso será suficiente”.

El odio fue lo que mantuvo vivo a Bullseye y le permitió sobrevivir parapléjico, hasta que los agentes de Kenji Oyama lo secuestraron y lo llevaron a japon. Conocido como Lord Viento Oscuro, Oyama era un señor Samurai y antiguo piloto Kamikaze.

Lord Viento Oscuro, consiguió recomponer el cuerpo de Bullseye con el increíble metal e indestructible Adamantium, con la intención de contratarle como asesino personal. Sin embargo, Bullseye se fue sin despedirse de Lord Viento Oscuro y sin darle las gracias.

Regreso a Manhattan, y tuvo que competir con Masacre para recuperar su empleo con Kingpin.

Lucho contra cráneo rojo y después de esta guerra, se topo nuevamente con Daredevil.

Este padecía amnesia, y Bullseye tuvo la oportunidad de arrastrar el mito de Daredevil hasta lo más bajo, así que intercambio su identidad con la del héroe. Vestido con el traje de Daredevil se dedico a cometer fechorías. El problema fue que la gente interpreto estos nuevos métodos de Daredevil como una nueva forma de impartir justicia, quitarle a los ricos para dárselo a los pobres, como si fuese Robin Hood. Así que Daredevil gano mucha más Fama y se hizo más popular que nunca.

Para intentar solucionarlo, cometió mas brutalidades, hasta el punto de perder el contacto con la realidad, confundía su personalidad con la de Daredevil. Finalmente Daredevil reapareció con la

memoria totalmente recuperada, lucho y derroto a Bullseye vestido con el traje del asesino.

Bullseye sigui odiando a Daredevil, tanto que intento matar tiempo después a su nueva novia, Milla Donovan. Afortunadamente lo detuvo y tiro a Bullseye por la ventana, apaleándolo salvajemente, utilizo una piedra para grabar una diana en la frente del asesino. Un circulo por Elecktra, otro por Karen…el FBI impidió que siquiera haciéndole daño y enviaron a Bullseye un tiempo a pudrirse en la cárcel.

Como podemos comprobar Bullseye es un asesino infalible y despiadado y él lo sabe. Cordura o locura, nada importa Bullseye mantiene su reputación de mejor asesino de los bajos fondos. Así que siempre tendrá clientes.

Curiosidades Armamentísticas -De pequeño, Bullseye no jugaba con otros niños.

Con el yoyo, cansado de hacer figuras y trucos, jugaba “La Paloma Decapitada”, así que no tuvo mucho éxito en el patio de recreo.

-A Bullseye le faltan un par de dientes que seguro que están clavados en el cráneo de alguna víctima.

-Hay un homenaje de Marvel hacia los Rolling Stones a través del personaje de Ruby Thursday.

Contratado por IMA para acabar con la Srta.

Thursday, Bullseye la mato utilizando el álbum Flashpoint de los Rolling Stones.

-Bullseye mata a Masacre con la tapa del bote de café, cortándole las cuerdas bocales y cerrándole la boca para siempre.

-Después de que lanzara una pelota a la cara de un bateador, le expulsaron de la liga de Beisbol.

-En una entrevista de trabajo, le pidieron que demostrara su destreza y su falta de escrúpulos. Así que lanzo un palillo entre dos cristales y le dio a una mujer en la nuca, dejando huérfano en el acto a su bebe.

KINGPIN Nombre Real: Grant Wilson Fisk Profesión: Traficante, contrabandista y asesino entre otras cosas Altura: 2,08m Peso: 200 Kg. Ojos: Azules Pelo: No tiene Alias: El Rey o El Rey del Crimen, El Rey Pelón, Rey Pillo Poderes/Habilidades: El cerebro del crimen no tiene habilidades especiales. Gracias al ejercicio físico posee la máxima fuerza posible para un hombre de su edad y características. Tiene una fuerza y agilidad atléticas a pesar de su gran tamaño. Su gran masa esta compuesta de puro músculo, desarrollados hasta ese tamaño como los de un luchador de sumo. Puede levantar unos 325 Kg. Es un gran luchador cuerpo a cuerpo, esto junto con su gran intelecto, hacen de el un temible villano.

Como armas suele llevar un bastón que contiene un láser capaz de disparar una descarga de 300 watios. Lo suficiente para vaporizar un revólver. El bastón también puede utilizarse para disparar una dosis concentrada de gas somnífero Sus mayores enemigos han sido siempre Spiderman, con quien se ha batido en varias ocasiones.

Aunque su principal objetivo siempre ha sido Daredevil. Conoce bien su identidad, debido a la indiscreción de Karen Page. Ha utilizado a un gran numero de asesinos para acabar con el, entre ellos Bullseye y Typhoid Mary.

Una serie fuera de continuidad sobre Kingpin, en 2003 trató sobre los orígenes y el ascenso al poder de Kingpin.

Wilson Firsk, Comenzó siendo un matón común del Bronks. Don Rigoletto, un jefazo del crimen consumado, que admiraba su brutalidad, lo con-

trato para ser su mano derecha. Firsk que era muy ambicioso, asesino a su benefactor y todo el control de su imperio mafiosos. Aquí nació el pivote central.

Su esposa Vanesa con la que había contraído matrimonio tiempo atrás, estaba al tanto de sus actividades delictivas. Tuvo cuidado de proteger a su hijo, Richard, de la vida que llevaba su padre. Con el tiempo Richard se entero de la relación que tenía su padre con la mafia. Richard fingió su propia muerte y regreso a Nueva York, con la intención de destruir el imperio de su padre. Nunca fue capaz de hacer mucho daño a la organización Kingpin.

El pivote central con el tiempo recobró la vista que había perdido tiempo atrás, pero apenas había sido capaz de ver el mundo otra vez, él fue enviado a prisión por sus crímenes. Pero no era a través de plaga Daredevil sin embargo, fue capaz de ser cerebro de una trama que pone la identidad secreta de Daredevil en manos del FBI, y también se las arregló para organizar la casi fatal apuñalamiento de Foggy Nelson , amigo de muchos años de Daredevil y el abogado del compañero.

Recientemente, después de que Peter Parker se ha revelado como Spider-Man, Kingpin contrató a un francotirador para matar a los Parker.

En la continuidad Ultimate Kingpin aparece por

primera vez en las páginas de Ultimate Spiderman, como Rey del crimen. La mayoría de los delincuentes de la ciudad le deben cuentas a él.

Cobra protagonismo cuando el joven e inexperto Spiderman decide derrocarlo. Entra en una redada, donde atrapa a los Forzadores, cuyo líder el Gran Hombre, le da información de donde puede encontrar a Kingpin.

El Lanzaredes se dirige entonces por la noche a las torres Fisk, donde Kingpin celebra una fiesta.

Spiderman se cuela por la ventana, para ser descubierto por el Rey del crimen y sus secuaces, Los Forzadores, y también la versión Ultimate de Electro. En este enfrentamiento, Spiderman termina derrotado y lanzado por la ventana del ático.

Al día siguiente Kingpin manda llamar al Gran Hombre, que era quien había dado información a Spiderman, con intención de desbancarle a el. Kingpin mata con sus propias manos al Gran Hombre y lo arroja al río con la mascara de Spiderman puesta.

Mientras tanto, el trepamuros ha conseguido información sobre el sistema de vigilancia de las torres Firsk y se dispone a hacer una segunda incursión, donde se hace con los discos de grabación de las cámaras de seguridad y logra derrotar al mismo

tiempo a los Forzadores y a Electro. Cuando intenta salir del edificio se encuentra con Kingpin, pero esta vez no le pilla con la guardia baja, lo inmoviliza, y le deja un recado: SU REINADO HA TERMINADO. Y así es, Peter le entrega a Ben Urich, los discos de las cintas donde se ve a Kingpin matar al Gran Hombre y muchas otras ilegalidades, así es como Ben Urich, hace un reportaje en el que Kingpin queda perjudicado y tiene que huir del país.

Pero al cabo de unos meses Wilson Fisk regresa a Manhattan, y esta vez tiene como aliado al candidato de policía Sam Bullit, que cuenta con el respaldo de J.J.Jameson, director del Daily Bugle.

Pero finalmente este le retira su apoyo, y Spiderman nuevamente con la ayuda de Ben Urich y La aparición de la Gata Negra, vuelven a dejarlo fuera de escena. Mas adelante, vuelve a aparecer cuando la versión Ultimate de Hammerhead decide arrebatarle su cargo del rey del crimen.

Kingpin ordena a Spiderman que lo detenga, ya que este nuevo mafioso pretende destruir y matar a mucha gente a cambio de conseguir lo que quiere.

El héroe recibe ayuda de la versión Ultimate de Iron Fist , La Gata Negra y de Moon Knight. Finalmente, Hammerhead es aparentemente asesinado por Elektra.

Wilson Fisk recientemente perdió su imperio criminal en un golpe sangriento, en manos de uno de sus empleados, quien estaba trabajando con su hijo Richard. Por poco lo recupera, pero fue derrotado por Daredevil ( Matthew Murdock ), quien lo reemplazó como el nuevo Kingpin. Fisk está ahora en prisión Tiempo después, en la Guerra Civil que afectó a todos los superhéroes, Spiderman, convencido por Ironman, reveló en público su identidad secreta, lo cual provocó la ira de Kingpin, que desde la cárcel ordenó asesinar a Mary Jane Watson y a May Parker, esposa y tía del trepamuros, respectivamente. Peter Parker-Spiderman logra salvar a Mary Jane, pero el francotirador alcanza a May, que cae en coma. Spiderman, al sentirse impotente para ayudar a May, decide ir tras el causante de esto, usando su viejo traje negro. Finalmente, descubre que Fisk fue quién organizó su ataque. Spiderman le da una paliza de muerte, dejándolo moribundo y humillado.

50 Sombras y el BDSM

Recientemente se ha publicado en España la primera novela de la saga “Cincuenta Sombras”, una serie cargada de escenas subiditas de tono y bastante explícitas que está haciendo furor. Una de las principales características de esta saga es la relación de amo y sumisa que mantienen sus protagonistas y que ha servido para que mucha gente descubra el mundo de la sumisión y el BDSM (siglas de Bondage Dominación y Disciplina, Sadismo y Sumisión y Masoquismo) Anastasia Steele es una universitaria a punto de terminar su carrera y que por diversas circunstancias se cruza en el camino de Christian Grey, un multimillonario súper guapo y misterioso. Ella es una chica sencilla, que prefiere unas Converse a los zapatos de tacón y unos vaqueros a cualquier vestido elegante. También hay que tener en cuenta que es bastante patosilla. Él termina ofreciéndole a ella el establecer una relación de amo y sumisa, estableciendo los límites y las condiciones en un contrato. Según avanza la historia descubrimos el gusto de Grey por el mundillo del BDSM. También descubriremos que cuando Grey quiere algo, tiene muchas maneras de conseguirlo, y que desde luego no es tacaño.

Pero la cosa no se queda ahí, y es que Ana, quiere algo más, quiere una relación y claro, eso no es tan fácil. Ella está intrigada por cosas que Grey deja entrever, pero él parece insondable, y tan pronto es cariñoso y cálido, como frío es distante.

Son estas otras facetas de él lo que más la intrigan

Personalmente, al principio me echó un poco para atrás el que estuviera escrito en primera persona, pero poco a poco consiguió enganchar totalmente y estoy deseando que salgan los otros dos libros para ver cómo continúa la historia. Me llamó mucho la atención la manera tan explícita en la que están escritas las escenas de sexo, es algo que no me esperaba encontrar en una novela “convencional” al fin y al cabo, no hay sociedad más puritana que la estadounidense. He de reconocer que esta saga está muy dirigida a las mujeres, pero siempre se admiten chicos curiosos jejeje.

Su autora, E.L. James trabajó muchos años en televisión antes de decidirse a iniciar esta saga. Se dice en internet que la historia nació como un fanfic de Crepúsculo, de Edward y Bella en clave de BDSM, pero resultaba demasiado fuerte para su publicación en un foro de este tipo, por lo que E.L. James decidió presentar el proyecto a una editorial.

A raíz del fenómeno editorial (llamado “porno para mamás” por su éxito entre las mujeres casadas) que ha supuesto en Inglaterra y EE.UU. se han realizado talleres en los que enseñan a las parejas a recrear algunas de las escenas de la saga.

Está previsto que a finales de este año salga en España “Cincuenta Sombras de placer” de Maria Bennett, donde te explican cómo poner en práctica 30 de las técnicas que aparecen en el libro.

Si os interesa mucho el tema, a principios de este mes de julio sale a la venta en Amazon UK.

En el momento en el que escribo este artículo, en España únicamente ha salido el primer volumen de la saga, “Cincuenta Sombras de Grey”, y a principios de julio saldrán los otros dos libros de la saga. Así que ya os iré contando qué me han parecido las siguientes entregas.

Este libro mezcla a partes iguales una historia de amor de Grey y Ana (diminutivo que usa la protagonista), las vicisitudes de Ana por entrar en el mercado laboral y la relación sumisa-amo de sus protagonistas. A través de esta relación descubrimos muchas cosas del mundo del Bondage que son desconocidas para el gran público y de las que hablaremos más adelante.

A raíz de la publicación de la primera entrega de la saga y de su gran éxito ha aumentado sensiblemente el interés por el BDSM. Pero aclaremos una cosa, debemos alejarnos de la imagen de gente turbia cubierta de cuero y que disfruta sufriendo grandes castigos; el BDSM puede ser mucho más que eso. Cuando atamos a nuestra pareja, le tapamos los ojos... todas estas prácticas tan normales y aceptadas socialmente forman parte del BDSM, la cuestión es que cada uno elige hasta dónde y qué quiere.

A continuación voy a dar un breve repaso a las técnicas recogidas bajo estas siglas.

Entre las prácticas más comunes del BDSM está el Bondage, que consiste en juegos sexuales que incluyen la inmovilización de alguno de los par-

ticipante mediantes cuerdas, correajes o similares.

Puede realizarse también por motivos estéticos y no únicamente sexuales (esto es especialmente apreciado en Japón, por ejemplo). En el caso del Bondage es muy importante no dejar en ningún momento a la persona atada sola y sin supervisión.

Dentro de la Disciplina y Dominación encontramos varias prácticas que realmente pueden resultar más comunes de lo que uno pueda pensar, como los azotes. A esta práctica, dentro del BDSM se la denomina “spanking” y admite muchas modalidades como fustas y látigos especiales, o simplemente con la mano.

A un nivel, ya más avanzado, encontramos los juegos de roles amo-esclavo (sumiso) en el que el amo indica al sumiso qué acciones realizar, cómo y dónde. En estos juegos de roles, el amo asume totalmente el control sobre el esclavo, o eso parece aparentemente, ya que como bien nos explican en la saga de “Cincuenta Sombras”, el que tiene realmente el control es el esclavo. Durante estos juegos se establecen palabras de seguridad para que el amo pueda saber cuándo el esclavo está llegando al límite o cuándo éste considera que alguna práctica traspasa sus límites admisibles. Es por ello, que el verdadero control lo ejerce el esclavo al decidir qué prácticas realizar y hasta dónde desea llegar.

Este tipo de juegos de rol se basa en la liberación que siente el esclavo al poner en manos de su amo toda responsabilidad sobre sus acciones.

En cuanto a la Sumisión y al Sadismo*, ya hemos explicado anteriormente en qué consisten los juegos de sumisión. El Sadismo son las prácticas sexuales en las que se obtiene placer al infringir dolor a otra persona, algunos amos en los juegos de roles este papel puede representarlo el amo.

Si hablamos sobre Masoquismo, debemos tener claro que nos referimos a aquella persona que obtiene placer mediante prácticas en las que se les infringe dolor (como el spanking) Este tipo de personas, en ocasiones pueden representar el papel de sumiso en los juegos de roles.

Por Maria Gracia Galán *Aclarar que cuando hablamos de sadismo lo hacemos refiriéndonos a una parafilia sexual sana, y no en referencia a aquellas personas que disfrutan haciendo sufrir y matando a otros seres vivos.

RESEÑA Prohibido Salir con el Cliente David Mateo La tarea de escribir una reseña, en ocasiones es algo complicada. Porque una reseña no es un resumen del libro, tampoco es solamente una opinión. La tarea se vuelve más compleja cuando el autor es amigo tuyo y quieres hacerlo bien siendo lo más objetiva posible.

Comenzaré hablando un poco sobre el autor. David Mateo es un escritor que tiene ya algunos libros en su haber, además de haber participado en el guión del cortometraje de Llagas junto a Juande Garduño y dirigida por Miguel Angel Font. Entre sus libros podemos encontrar Carne Muerta editada por la editorial Dolmen que en mi opinión cuenta con una de las mejores selecciones de libros de género zombie que podemos encontrar a lo ancho y largo del globo. Es muy conocida y de buena crítica su Noches de Sal, aunque su bibliografía es mucho más extensa.

Ha colaborado también en diversas antologías, a destacar la de la Editorial Torre de Marfil con los cuentos de terror. Su “Domovoi”, relato inspirado en otro de un autor de principios del siglo XX o finales del XIX es extraordinario. Si algo destaca David Mateo en su literatura es por su capacidad de descripción. Te sumerge en su mundo irreal cargado de detalles y te mantiene atrapado durante toda la novela. Quizá lo que más me sorprende y agrada de su forma de escribir son las escenas románticas y de carga sexual. Si has leído con anterioridad a David Mateo, estoy segura que sabes a qué me refiero.

Bueno, creo que es una buena introducción, o al menos es una introducción para la reseña. El último libro publicado de David es Prohibido salir con el cliente, viene de mano de la editorial Atanor. Estuve con él en la presentación que hizo en Valencia sitio Bibliocafé. Acompañado por Anika Lillo y por Juan Miguel Aguilera, otro gran autor de ciencia ficción. Un mes de estos hablaré de sus libros.

El libro nos sumerge en el plano del más allá de la mano de Louis, que tiene ciertos dones con los espíritus. Fue discípulo de Izaskun, una mujer dulce y cruel y sibilina como los gatos. Una mujer de doble filo que no duda de usar a Louis conforme le apetece y le viene en gana. Louis está harto de ser su títere, pero a la vez no puede resistirse a los encantos de la que fue su maestra. Ésta intenta que no escuche a las voces o que no haga caso a los espíritus, porque sino no se los sacará de encima. Y Louis cuando se la encuentra no ha hecho más que hacer eso, salvar a un director de cine de morir arrollado por un tren (esto ocurre al principio de la novela) de manos de una mujer loca y extravagante. Un poco antes, su pareja había sido asesinada por la misma vieja enajenada.

El libro tiene varios hilos abiertos, tenemos por una parte el Vaticano, que siempre está metiendo la mano donde le parece y al que no lo ve amigo, enseguida lo tilda de enemigo, la logia de los Elegidos de Cohen, tenemos a Eva

que trabaja en un chat erótico y que parece ser tiene un don especial con el más allá...

David Mateo ha trenzado una magnífica historia de terror, llevando al lector más allá que una simple historia de fantasmas o de intrigas vaticanas. Nada es lo que parece y ni los espectros pueden salvarte de ser arrastrado al Averno. Izaskun vive buscando al espiritu de su hermano Aner. También habrán otros personajes un tanto extravagantes, de hecho, un mal bíblico acecha por las calles de Sitges (al menos, al principio de la novela) llamado Legión y que no conviene enfrentarse a él, al menos eso le avisan a Louis.

No sé qué contaros sin desvelaros parte de la trama, sabéis que a mí me gusta hacer las reseñas “discretas”, de esas de mostrar canalillo pero sin que se vean las tetas. Si habéis leído Noches de Sal, sabéis que el terror que infunde David Mateo en sus obras te cala, dejando atrás todo lo que conoces saber de la literatura de género y dando un paso más allá.

Mezclando de forma exquisita tramas que al parecer no tienen nada que ver, pero que con

el transcurso de la novela van cobrando vida y encajando como en un puzle de forma extraordinaria.

La novela contiene giros que no te esperas, intrigas que crees que se ven venir y que después no tienen nada que ver con lo que tenías pensado. Personajes perfilados y detallados que si cierras los párpados puedes imaginarte y darles forma. Escenarios cercanos y conocidos. Quizá el título del libro, es un poco “extraño”, por llamarlo de alguna manera, pero tiene su matiz cuando estás metido en la novela.

La recomiendo “muy mucho”.

RESEÑA ECOS Libros I y I Ecos de Azurëa I. Cementerio de Torres Autor: Manuel Fernández Bueno Resumen: Shaede, con quince años, desearía ser la heroína de sus novelas. Por desgracia, es la reencarnación del gran demonio que estuvo a punto de destruir Azurëa, y su aventura no es otra que salvar al mundo… de ella misma. Con los sacerdotes en contra, y los demonios pisándole los talones, Shaede se enfrenta a la tarea de aprender a controlar sus poderes y llegar al Cementerio de Torres antes de su siguiente cumpleaños, donde será purificada. Junto a un mago irreverente, una chica-lince camorrista y un misterioso criminal, Shaede emprende una carrera contrarreloj donde no se juega solo la salvación de su alma… sino de toda Azurëa.

Páginas: 283 Este libro tenía ganas de leerlo y cuando me lo ofrecieron para reseñarlo lo acepté sin dudar, a pesar del peligro que entrañaba. Está escrito por un amigo y la segunda parte además está editada por otros amigos, eso me hizo arrepentirme un poco cuando abrí la funda del e-book y me dispuse a estrenarlo con Ecos de Azurëa. ¿Y si no me gustaba? ¿Qué les diría?

Cuando empecé con el prólogo me temí lo peor, demasiado lento, demasiado abstracto para mi gusto y algunas cosas no me quedaron muy claras. Era un principio que no enganchaba, pero que por fortuna solo era una pequeña mentira que el autor se concedió para arrancar de verdad la historia en el primer capítulo.

Manuel tiene una escritura fluida, una buena historia que contar y unos personajes que saltan de las páginas para llegar a la imaginación del lector. Porque lo mejor de este libro, señores y señoras, son sus personajes.

Cada uno tiene su propia personalidad, sus pros y sus contras, ninguno es un héroe perfecto, todos tienen una historia que contar que se entrelaza en las páginas para formar una sólida red que enreda al lector y lo lleva de la mano hasta el final. Cada personaje es una obra de arte que Manuel ha cincelado con cuidado para deleite del lector y Shaede, su protagonista, es el nudo central.

Shaede es una niña cualquiera, o podría serlo si no escondiese en su interior un gran poder del que debe liberarse antes de que traiga el caos y la destrucción del mundo. En su camino hacia Cementerio de Torres donde se liberará de este poder, o eso dice su maestro o jerú Tigris, se

S DE AZURËA: II por Andrea Peña encuentra con el imperturbable shyr Alain (con el que comparte portada), la rápida y mortal wune Niraki (esta raza es característica por sus rasgos felinos), y el hilarante Guilt (un brujo al que le gustan mucho los sombreros estrafalarios); amén de otras criaturas que tratarán de darle caza: gheist demonios y… la Parca Roja.

La historia avanza rápidamente y se escurre ante los ojos del lector sin que apenas se de cuenta. Es increíble como Manuel describe las escenas de acción que se suceden a medida que Shaede se va acercando a Cementerio de Torres y al final, sorprendente y explosivo, que dejará a más de uno con la boca abierta.

Otra cosa que debo resaltar son las citas que nos vamos encontrando al principio de cada capítulo, son interesantes porque esconden cuentos, partes de libros sagrados y pensamientos filosóficos que al menos a mí me sorprendieron por la belleza de estos pasajes.

Sin embargo, como punto a mejorar son las lagunas de información que no quedan cubiertas. No obstante, esto no es por otra cosa que Cementerio de Torres necesitaba la madurez literaria que tiene actualmente Manuel para hacer justicia a la historia. Debo de decirlo y lo resaltaré en la siguiente reseña: todas las lagunas quedan cubiertas en las primeras páginas de La Canción de la Telaraña.

Por último debo decir que este autor aún tiene mucho que contarnos todavía, le auguro un buen futuro para los próximos libros.

Ecos de Azurëa II. La Canción de la Telaraña Autor: Manuel F. Bueno Portada: Javier Charro Nº páginas: 302 La canción de la Terañara es el segundo volumen de la saga “Ecos de Azurëa”. En sus páginas retomaremos la historia de Shaede y sus atípicos compañeros de viaje: Guiltt van Rosenhaim, un hechicero seductor y poco ortodoxo, Niraki, la feroz mujer-lince, Siren, el sombrío inquisidor y Marit, la pequeña bruja capaz de causar dolor al mínimo contacto. Y junto a todos ellos, el personaje más extraño de todos: Alian. Un criminal convicto con un pasado incierto, a quien no parecen afectar las leyes de la física o la magia.

Shaede estaba dispuesta a aceptar su papel como Sacrificio para salvar al mundo... Pero pronto descubrió que no iba a ser un sacrificio, sino un clon sano en el que un mesías, enfermo y manipulador, introduciría su alma.

Ahora, tras derrotar a su predecesora para salvar la vida, Shaede debe afrontar su papel como mesías sustituto y aprender a controlar sus nuevos poderes... o toda Azurëa será destruida.

Lo bueno de reseñar dos libros de una misma saga juntos, es que puedes observar en ambos la trayectoria del autor. Como ya adelanté en la anterior reseña, La Canción de la Telaraña es un libro mucho más maduro que Cementerio de Torres, tiene todos los ingredientes buenos del anterior y mejora sus puntos malos.

Hay que destacar también el cambio de editorial desde Mundos Épicos a Kelonia por parte de Manuel, no conozco los motivos, pero supongo que serán poderosos. Mientras que el primer libro tenía muchos errores tipográficos, gramaticales y ortográficos; este se ha caracterizado por una mejor corrección. El único error grave que encontré (parece que no se guardaron los últimos cambios en el libro electrónico) en cuanto se lo dije a la editorial lo corrigieron en dos días escasos y me volvieron a enviar todos los archivos con una nota de agradecimiento. Se nota que detrás del editor hay muchas horas de trabajo y que cuidan de cada uno de sus hijos adoptivos como si fueran propios.

Dejando el exterior, nos introducimos en sus páginas y seguimos los pasos de Shaede, que ha pasado de ser el demonio que terminará con el mundo a la nueva Asoretta, el mesías que librará a Azurëa de los peligros que acechan. Parece un argumento sencillo, sin miga, pero es que esto solo es el comienzo, una escusa como cualquier otra para empezar a escribir.

Vamos a ahondar en sus páginas en el interior de cada uno de sus personajes, vamos a meternos en su vida y vamos a descubrir que quizás no es oro todo lo que reluce, o que todo el oro que reluce no es en realidad tal. Los personajes van a desnudarse y van a mostrarnos una cara que quizás no conocíamos, pues, como el autor, se han crecido con el paso de los años y la experiencia que da un montón de vivencias al borde de la muerte….

Descubriremos nuevos actores en la obra, que

bailarán al son del Flautista (¿quizás debería decir guitarrista?) Manuel y que afectarán a los protagonistas de diferente manera. Además, entre sus páginas nos irá desvelando a alguno de los Antagonistas, que nos mostrarán (o no) sus cartas, aunque creo que todavía muchos ases continúan dentro de la manga.

La escritura sigue siendo fluida, las escenas de acción se suceden una tras otra con gran facilidad, sin aturrullarse como en otros libros, si no que se deslizan a través de la pluma de Manuel desde su mente hasta el papel, dejándonos fuertes improntas en las retinas de nuestros ojos. Yo he conseguido imaginarme cada una de las escenas y las ciudades gracias a sus descripciones.

Como habíamos dicho con anterioridad, uno de los puntos negativos que tenía Cementerio de Torres eran sus lagunas de información, no porque el autor las omitiese deliberadamente, sino porque no quedaban demasiado claras cuando se intentaban explicar. Esto desaparece totalmente en La canción de la Telaraña, todo lo que anteriormente quedaba un poco en el aire y dejándonos un poco K.O. se explica con maestría y las dudas desaparecen hasta dejar tan solo las cuestiones que giran en torno a la trama.

Se echa de menos un mapa, está en la página Web del autor, sin embargo, creo que debería acompañar al libro para llegar a una mejor comprensión y orientación del lector.

Sin embargo y en definitiva, nos encontramos ante un autor en ciernes que, como bien ha dicho en la entrevista, espera pronto publicar más obras, entre ellas el “Príncipe de la Farándula”.

Así que mientras la Araña sigue trazando entre nosotros hilos que nos unen con la historia, que el autor ha sabido interpretar con la mejor de las guitarras, esperaremos la siguiente parte de la historia.

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Entrevista a Manuel F. Bueno (autor de la saga Ecos de Azürea) ¿Cuándo empezaste a escribir?

Pues empecé a escribir desde muy pequeño.

Sobre los 9 o 10 años gané un premio de relato en el colegio, para el Día del Árbol.

steampunk: El Príncipe de la Farándula.

¿Qué te animó?

Me animo la lectura, leía libros desde muy pequeño. Al ser huérfano de padre casi desde nacer, mi madre tenía que trabajar. Mi abuela vivía con nosotros, cuidaba la casa y de mi, así que eché mano de los libros muy pronto.

¿Puedes adelantarnos un poco de esa novela?

Claro que si, El Principe de la Farándula es una novela steampunk, es decir, suele ser una ucronía donde se mezclan diferentes edades de desarrollo, como por ejemplo esta historia: es una época renacentista (fantástica, no es el mundo real, pero con fuertes reminiscencias a países europeos como Italia, Francia, Alemania, Rusia) y con avances como la maquina de vapor de Watts, la locomotora o los dirigibles de helio. Eso en cuanto a contexto espacial temporal.

¿Qué autores han sido la inspiración para tu obra? ¿Para Azurëa? Es que he escrito muchos géneros….

Empezamos por Azurëa He leído de todo, tengo una biblioteca enorme, pero simplificando, digamos que mis favoritos como influencias para condensar en Azurëa son: Margaret Weiss y Tracy Hickman, la saga de videojuegos Final Fantasy y la animación japonesa. Estos puede que sean los tres pilares fundamentales. De literatura fantástica he leído también de todo: Reinos Olvidados, sobre todo la saga de el Elfo Oscuro, Drizzt do’Urden….

Dices que has escrito en otros géneros, ¿en cuáles? Y, ¿cuál es tu favorito?

He escrito relatos de terror: quedé finalista en el concurso Abismo del Fenix, que organizaron Taura: Lands of Alchemy y la FESFE. He escrito una novela Austeniana (como las de Jane Austen, la autora de Orgullo y Prejuicio, Emma, Sentido y Sensibilidad) y también una novela

Que estabas a punto de publicar con AJEC….

Exacto

El argumento es este, en resumen: una ciudad soberana, a medio camino entre la Venecia de los Borgia y el Paris de los Mosqueteros, dominada por un imperio vecino; donde existe un grupo llamado la Manada al mando del cual esta el héroe rebelde El León de Vinccia (Vinccia es como se llama la verdad) que lidera la rebelión pero por azar del destino, cae en coma a causa de un envenenamiento en una emboscada. Es entonces cuando entra en juego Jean Waltz (ladrón de guante blanco, actor, seductor) al que le piden que interprete el papel de su vida (o de su muerte). Debe interpretar al León de Vinccia para que los planes de la rebelión sigan su curso sin perder fuelle por la ausencia del héroe.

Este es el párrafo para la sinopsis del libro, corto

y conciso, como suelen llevarlo ahora muchas novelas: “Se dice de mi que fui actor, seductor, vividor, timador, fornica… dejémoslo en que fui todos esos “dor” que ni son ni añaden al hombre, ni hacen del hombre, un “don”. En mi afición por lo ajeno siempre tuve predilección por las máscaras, en el sentido más amplio, y es por eso que quiero contarte cómo robé el sueño, la leyenda y la posterior caída del héroe más famoso de todos los tiempos: el León de Vinccia.”

Tiene muy buena pinta ^^ esperemos que salga pronto a la luz. Y regresando a Azurëa, que es lo que más te costó de esta novela?

Crear el mundo: Razas, mapa, países, culturas, sistemas de gobierno y el sistema de magia de la Telaraña, la red de energía vital que rodea el planeta, basado en la música de cuerda.

La verdad es que está muy currado, a mi lo que más me gustó fueron los personajes, en especial el mago loco., ¿cuál es tú favorito?

Ufff, es difícil: Shaede es el catalizador de la accion, la protagonista. Alain es un secundario con mucho peso y muy misterioso, Niraki es un polvorín y el mago...

Probablemente mi favorito sea Guiltt van Rosenheim, pero solo si me obligan a decantarme por uno a punta de pistola. Porque Siren y Marit tambien son muy especiales Jajajaja, te entiendo, ¿bueno y cuando veremos la tercera parte y última? (por que supongo que es la última) Sí, pues espero que para finales del año que viene salga la tercera y ultima novela: la conclusión de la saga ¡Demasiado tiempo! jajajaja bueno muchas gracias por la entrevista Manu. Ha sido un placer leer tus libros y esperaremos el tercero para ver la conclusión de la saga....

Muchas gracias a ti y a toda la comunidad de Nosolofreak

PREVIOUSLY IN GATERCON 1.0 Ya hace más de dos meses de la Gatercon y somos muchos los que tenemos síndrome o depresión post-gatercon. Realmente fueron 3 días maravillosos e intensos los que pasamos los fans de Stargate y de la ciencia-ficción en general en ésta nuestra primera convención.

Tres días llenos de charlas, juegos, algún que otro premio, el actor Alexis Cruz (Skaare - Klorel), el cual fue en todo momento estupendo y una gran compañía, y sobre todo, tres días compartiendo nuestra afición con buenos amigos, nuevos y viejos, con los cuales pasamos grandes ratos En la convención hubo una estupenda recopilación, en gran medida original, de material de Stargate (numerosos trajes de los actores, utensilios de la Destiny, atrezo de la serie, etc), y todo ello iluminado por el increíble Stargate, a casi escala real, y hecho por nuestros compañeros del nuevo club “Recreaciones Space Task Force España”, los cuales también crearon una réplica de una mesa de ZPM (MPC) como el que había en la ciudad de Atlantis.

El Viernes fue el día más ligero, abrimos las puertas a las 4 de la tarde con la Ceremonia de Inauguración, a la que le siguió una charla amena de presentación de un libro de cienciaficción de un autor Valenciano, “Cuando las Estrellas nos llamen” de Vicente Hernándiz, que según él, está recogiendo muy buenas críticas, detalle a considerar, sobre todo, tratándose de un autor novel como lo es él. Tras ello tuvimos la ponencia de nuestro compañero Pako sobre las razas alienígenas que han aparecido por el Stargate, y a lo que siguió la charla de nuestro buen amigo Gonzalo sobre actores de Star Trek que han aparecido en Stargate, realmente fue una charla muy amena y entretenida. AL final de la jornada también hubo un Cóctel VIP de unos pocos privilegiados con el actor,

durante el cual un reducido grupo de personas pudieron pasar casi una hora charlando amistosamente con Alexis. Hasta aquí la parte “oficial” del Viernes, luego y tras la cena, algunos, bastantes, nos fuimos al cine a ver el estreno de Los Vengadores (bueno, algunos, la mayoría de los organizadores la vimos entre cabezada y cabezada). Por lo que pude ver, bastante buena.

El Sábado se esperaba que fuera el día de mayor afluencia de gente, y así lo fue. Empezó a las 10 de la mañana con algo ligero para los más trasnochadores, la proyección del documental de Discovery Channel, “Stargate: Salvados por la Ciencia Ficción”, en donde se nos muestra las diferencias entre la vida real y la ciencia ficción mientras nos habla de Stargate. Tras la sesión de fotos, tocó el turno al concurso “Pasapalabra Gater”, presentado por dos de nuestros amigos de Madrid, el cual fue realmente divertido y en

el que los dos oponentes llegaron en primera instancia a un empate “técnico”, el cual luego se resolvió.

Ahora toca el momento de los agradecimientos: Primero y antes de todo dar las gracias a Alexis Cruz y a su novia Heather por ser tan maravillosos. Alexis nos encandiló con su cercanía Gracias a Goretti por el fantástico logo original de la Gatercon, el cual se ha convertido en nuestra seña de identidad. Gracias a Carlos, el presentador de lujo que tuvimos, que no pudo hacer un trabajo mejor, y si no que se lo pregunten a Alexis, que estuvo encantado con él.

Gracias al El Club de Star Trek Cochrane de Madrid y a Gonzalo en particular, organizador de la Cifimad, por su inestimable ayuda y grandes consejos para la realización de la primera Gatercon. Gracias a Jesús por dejarnos todo su material de Stargate, en gran medida original, para la exposición. Gracias a J.J, Covadonga y Luis Santamaría (no sé si me dejo a alguien, sorry) por su impresionante Stargate que coronó dicha exposición. Gracias a Esteban y a Marta, que fueron nuestros fotógrafos, por su trabajo excepcional y por ayudarnos

en todo lo que pudieron para que ésto saliera adelante. Gracias a Miguel Angel Sabadell y a Constantino Martínez Orts por sus magnífias y muy interesantes charlas, de las cuales todos los oyentes salimos realmente contentos.

Gracias a Antonio A.K.A Chico A/V, Iñaki Oyarzun, Lydia Almela, Esteve Parés y Antonio Tarifa, que aún no siendo organizadores, trabajaron como tales y nos prestaron su inestimable ayuda. Gracias al ayuntamiento de Burjassot (Valencia), donde se realizó la convención, por apoyarnos en éste proyecto y por dejarnos disponer de las fantásticas instalaciones de su Casa de la Cultura.

También pedir disculpas de parte de la organización por todos los pequeños o grandes errores, que los hubo, y que esperamos que ellos no enturbiaran vuestra experiencia el fin de semana. Los anotamos y prometemos que para la siguiente vez no se producirán. Y por último daros las gracias a vosotros, los que estuvisteis, todos fuisteis geniales y sin vosotros y sin vuestro apoyo nada de ésto se hubiera hecho realidad, !! GRACIAS !!. Nos vemos en la Gatercon 2.0 Por RulezGrog Asociación Stargate España

LA TIRA DE VICENT Y AMBROSIO EN ALGUN PUNTO ENTRE PEGASUS Y LA VIA LACTEA …

PROXIMAMENTE

FRIKI TU ERES, Y SALIR DEL ARMARIO DEBES

Friki en los 80: La Mascarada Nos remontamos a los años 80. Alien (1979) era una película de miedo, Blade Runner (1982) de policías, Enano Rojo (1988) o Regreso al Futuro (1985) unas comedias, Caballeros del Zodiaco (1986) y Ranma ½ (1987) dibujos animados, El Señor de los Anillos (no se tradujo al castellano hasta 1978) un libro muy gordo e Indiana Jones (1981) una película de aventuras. No se podía hablar muy alto sobre los gustos reales de cada uno, y todo el mundo intentaba aparentar absoluta normalidad, por varios motivos. El primero de ellos era que a los “raritos” al descubierto, como se llamaba a los frikis en aquel tiempo, se les hacía pasar por una muerte social absoluta: las chicas y chicos los ignoraban o abusaban de ellos sin piedad alguna.

Ser friki era algo que iba en secreto pues, y los peculiares gustos: Ciencia Ficción, Rol, Cómics,... eran cosas que se llevaban en silencio e intentando no llamar la atención, a no ser que estuvieras en una conversación privada con otro friki del cuál conocieras sus gustos peculiares, y si se acercaba alguien ajeno, la conversación cambiaba drásticamente y era como si no estuviera ocurriendo nada.

Eran los tiempos que yo llamo “la mascarada”,

porque todo era aparentar, pero dejando sutiles señales en el estilo de vida cada vez que había una oportunidad para que otro friki lo reconociera. Despedirse diciendo “hasta luego y gracias por el pescado”, o “paz y prosperidad”, o hacer un boceto de un rostro anime en el margen de un cuaderno ¡o tener un pin de un grupo heavy en la mochila o un protegebolsillos! eran suficientes señales como para que un friki se acercara a otro.

Así comenzaban a charlar, a quedar y a verse un poco menos raros, pese a la presión ejercida por el resto del mundo, en una época en la que los Frikis, los Heavys y los Nerds tenían en común el ser maltratados en el instituto.

Desde luego, puede parecer extraño, pero ser friki en aquella época y reconocerlo era muy complejo, porque te alejaba muchísimo del resto, y finalmente te quedabas solo literalmente.

Los que pudieron seguir adelante, tras haber crecido en un ambiente tan hostil comenzaron a abrirle el camino al resto, y gracias a ello, hoy un friki está valorado de otra forma mucho menos malo en la sociedad.

Los frikis, por fortuna, eran suficientes casi en todos sitios como para que se pudieran empezar a crear asociaciones: particularmente e inicialmente de rol al igual que bares con tendencias a “rarezas”, como el metal, alrededor de

muerte social estaba asegurada prácticamente.

Una de las cosas que todo friki crecido en los 80 ha planeado, era la venganza por la forma de ser tratados por la sociedad, algo que posteriormente se ha concretado en la frase “dominaremos el mundo”. La venganza soñada era el ver a los que abusaban de uno como subordinados en alguna empresa, porque visto que los frikis eran dejados de lado en todo acto social (y hacer deporte era un acto social), lo único que tenían era estudiar, y adquirir superioridad intelectual, lo cual los catalogaba muchas veces de “empollones”. Esta especie de venganza contra los “abusones” desembocó en muchas escenas de películas y series, siendo la más sonada la patada de la grulla de Karate Kid (1984).

los cuales iba creciendo la subcultura friki, a la par de que aparecían en las tiendas las Crónicas de la Dragonlance, que a regañadientes y no en todos los casos eran colocados en los estantes junto a los libros de J.R.R. Tolkien.

No se tardó demasiado en que aparecieran algunas tiendas de cómics en las que se vendían juegos de rol o de cartas coleccionables y ya al fin que los frikis comenzaran a mostrarse algo más abiertamente, hasta el punto que hoy día en muchos centros comerciales y franquicias los cómics, las camisetas, las películas y los libros pertenecientes al frikismo, se venden junto a los del mainstream.

Frikido: ¿Tan malo era? El Manifiesto Friki como prueba Poca gente de los crecidos a principios de este siglo se ha planteado la importancia real que tuvo la celebración del Día del Orgullo Friki, pero es que clamaba al cielo el enorme daño que se le hacía a un friki: cuando se dicen en el manifiesto cosas que hoy parecen tan obvias como “Derecho a exhibir el propio frikismo” o “Derecho a no ir a la moda”, era porque directamente si hacías cualquiera de las dos cosas, la

Y es que la realidad era muy cruel. El Manifiesto Friki es algo para tomarse en serio, porque mucha gente sufrió una vergüenza inenarrable para que hoy día lo que te señalaba como objeto para abusos, te convierte sólo en alguien con gustos diferentes.

DTI: La Bola de Cristal Los 80 fueron unos años que transcurrieron después de los 70 y antes de los 90, en los cuales no existía nada interesante apenas porque sólo había dos canales de televisión: la primera cadena y la segunda cadena. Entre tanto despropósito, una serie de personajes se juntaron para crear la salvación: Alaska, Isabel Bauzá, Gerardo Amechazurra, Isidoro Fernández, Santiago Auserón, Loquillo, Kiko Veneno, Pablo Carbonell, Pedro Reyes, Miguel Ángel Valero, Fedra Lorente, Javier Gurruchaga, Anabel Alonso y Enrique San Francisco, entre otros.

Como hombres y mujeres recién naufragados contra una corriente totalmente adversa, en televisión comenzó este programa educó a los niños y niñas para que comenzaran a valorar a la gente que era diferente, llenando de color el gris social, y poniendo los cimientos de la modernización cultural de España.