Final diciembre14 by Daniel Ferrer León

especial compras frikis

NĂşmero 36 Diciembre 2014

ENTREVISTAS ira sachs antoni martorell

cine una navidad de cine adios a la tierra media

especiales un paseo por hiboria fancine

series constantine the killing

anime sao detective conan

te echamos de menos

Robin Williams

Editorial Y de nuevo queridos lectores, despedimos un año juntos. Un año lleno de frikismo y que nos ha llevado a convertirnos en referente en nuestro país, tanto por contenido como por diversidad de temática.

Daniel Ferrer Leon

Todo esto alcanzado no hubiera sido posible sin vosotros, sin vuestro apoyo, sin vuestro animo. Fusion Freak y Nosolofreak son lo que son gracias a vosotros.

Rosa Cortés Redactora

Carlos Martín Redactor

Lidia Reyes Redactora

Oruga Calva Redactor

Antonio Alcaide Redactor

Jose Del Río Fortich Redactor

Elena Oteo Redactora

LJ Zapico Redactor

Xavi Muñoz Casermeiro Redactor

Curro Burgos Redactor

Una vez dejado el tema de agradacimiento y peloteo es hora de explicar porque el señor Robin Williams es portada de este mes de Diciembre. Muchos autores, directores y personajes conocidos nos han dejado en este 2014, pero seguramente a mi y a mi compañero Tony, la muerte de Robin Williams nos ha dejado muy marcados. Referentes en muchas de nuestra bromas y recuerdos, su muerte, meses atrás, ha dejado un vacio muy grande en nuestros corazones. Que mejor, ahora que finaliza este año, este humilde homenaje como se merece un gran genio.

Director Y Redactor Jefe

Tony Camacho

Director y Coordinador

Por lo demás, os dejamos con el mejor contenido que hemos podido encontrar: cine, anime, manga, cómic, juegos de mesa, series y un largo sinfin de contenido exclusivo que nuestros redactores os van a traer un mes más.

Fran Tejeda White Redactor

Neko Mai Redactora

Beatriz Pulido Redactora

Daniel Torrejón Redactor

Sin más, os deseamos la mejor navidad y entrada de año nuevo posible. Nosotros seguiremos aquí en Enero, frikeando hasta que el cuerpo aguante.

Jose Luis Soriano Redactor

Cristina Fernández Redactora

Daniel Ferrer león Director NSF

EL rincón de Disidra Redactor Jesús de la Fuente Redactor

Toni Serrano Montse N Rios RELATOS

Aida Albiar Redactora

destacados 38

110 FANCINE 2014

COSTANTINE

172 Entrevista Antoni Martorell

142 GUÍA Compras friki

5 32

El Hobbit:La Batalla de los cinco ejercitos

178

UN PASEO

POR HIBORIA

ROBIN WILLIAMS 190 122 BATMAn: AÑO 1

128 TIMELINE

SAO

ESPECIAL: De los Hermanos Coen a Paul Thomas Anderson

El Hombre de las El pasado 11 de agosto nos levantamos de la cama como cualquier día normal de verano, pero al encender nuestros ordenadores una noticia nos hizo estremecer, algo que haría que recordáramos ese día durante mucho tiempo, el actor Robin Williams se había suicidado después de años luchando contra las adicciones y la depresión. Un nuevo famoso que no aguantó la presión de la fama y que como tantos otros se autodestruyeron poco a poco, o quizás simplemente un hombre triste que trataba de alegrar la vida de los demás ya que no podía alegrar la suya propia. Una vez mas estamos ante el típico caso del payaso triste, pero ¡que payaso mas genial!, un actor que nos hizo reírnos, emocionarnos, disfrutar y sentirle no como una gran estrella lejana de Hollywood, sino como alguien cercano y esta fue la razón de lo que sentimos esa mañana del 11 de agosto. Muy pronto se estrenará uno de sus trabajo póstumos, un papel que le había devuelto una vez mas al corazón de los niños, un personaje que le permitía excederse como a el le gustaba. En noche en el museo 3 Williams se volvía a meter en la piel (o el plástico) del presidente de los Estados Unidos mas aventurero de la historia, Theodore Roosevelt, y por ello desde la dirección de NosoloFreak, hemos pensado que era el momento adecuado para rendirle un merecido homenaje repasando su carrera cinematográfica a lo largo de sus mejores trabajos y de los mas recordados, acompáñanos a este viaje a través de la vida en la ficción de Robin Williams.

Popeye Allá por 1980 a alguien se le ocurrió que era buena idea hacer una película con actores reales de uno de los personajes mas caricaturescos de la historia de los dibujos animados, algo que es casi sinónimo de fracaso en la actualidad con los medios técnicos de los que disponemos, así que imaginaros a finales de los setenta cuando se gestó este proyecto. Pero si la idea de hacer la película era como mínimo discutible, la elección del director

era simplemente equivocada. Robert Altman haciendo una película paródica y para niños, ¿a quien se le ocurrió semejante barbaridad? Pero todo no fueron malas decisiones y es que en el casting acertaron de pleno, con una Shelley Duvall que es un calco físico de Olivia, y sobre todo por la elección de Robin Williams como Popeye. Si os atrevéis a acercaros a esta película, hacerlo con precaución ya que es un producto extremadamente extraño, pero que destaca por la actuación de Williams que se convierte en un personaje de dibujos animados. Su actuación es tan cartoon que la hace casi perfecta y probablemente en ese momento era el único actor preparado para realizar ese trabajo. Una película que es simplemente un cortometraje de dibujos animados de Popeye de una hora y media pero con personas reales y que solo por ver la caracterización de Williams merece la pena darle unos minutos de visionado.

Un ruso en Nueva York En 1984, en plena guerra fría, se estrenó esta dramedia dirigida por Paul Mazursky en la que Williams creó uno de sus personajes mas reconocidos, el inmigrante ruso. La facilidad de Williams (por supuesto en la versión original de la película) por imitar el acento ruso, fue uno de los puntos fuertes de esta película que paso sin pena ni gloria por los cines ya que lo que en un principio parecía una oda a las bondades del capitalismo norteamericano frente al comunismo ruso, se acababa convirtiendo en la historia de un emigrante que se tenia que buscar la vida como

«Sólo te han dado una chispa de locura. No perderla»

mil voces buenamente podía en las calles de Nueva York. Una película que sin aparentarlo y camuflada dentro de una historia de superación y supervivencia, es de los mas político y comprometido que rodó Williams en toda su carrera, ya que nos deja claro que ni un sistema es el infierno ni el otro el paraíso y que lo mas importante son las personas que tienes a tu alrededor para hacer tu vida mejor.

pequeña debes

Good Morning Vietnam Estamos ante su primer personaje “inmortal” por el que se le recuerda en todo el mundo, el del aviador Adrian Cronauer. Un locutor de la radio del ejercito que tras sorprender a un general en la isla de Creta es destinado a Saigon con un único objetivo, levantar la moral a las tropas destinadas en el frente con humor e ironía. Pero los planes de Adrian y del general chocan con las ideas de los dirigentes de la radio en Saigon. Un guión que podría tornarse incluso como simple se transforma en una de las mejores películas sobre la guerra que se han dirigido, un alegato antibélico que se centra en las victimas y no en las batallas, unas victimas que van desde el pueblo de Vietnam hasta los propios soldados que están allí sin saber muy bien el por que. Inolvidables son las escenas de retransmisión con verdaderas locuras hilarantes de

Robin haciendo bromas y voces, cuentan las malas lenguas que el noventa por ciento de lo que se ve en pantalla fue pura y dura improvisación del maestro. Todo ello acompañado con una selección de canciones magistral que convierten a Good Morning Vietnam en un título básico que nadie se puede perder. Este trabajo le valió a Robin su primera nominación a los oscars, en una época en el que las comedias y los cómicos jamás podrían ganarlo.

El club de los poetas Muertos. “El club de los poetas muertos se fundo para sacarle todo el meollo a la vida”, estamos ante una película de éxito que nadie sabe muy bien

«Que tú estas aquí, que existe la vida y la identidad, que prosigue el poderoso drama y t puedes contribuir con un verso» (El club de lo poetas muertos)

tú os

“La muerte no es enemigo, señores. Si vamos a luchar contra alguna enfermedad hagámoslo contra la peor de todas: La indiferencia.” (Patch Adams) como lo consiguió. Un canto a la vida y a la esperanza con un punto agrio y de pesar y un final apoteósico. Que una película sobre un rígido colegio norteamericano y en el cual el máximo exponente de rebeldía es un grupo de chicos que se reúnen por la noche para leer poesía romántica. Cualquiera podría decir que la idea era una locura pero sin embargo las interpretaciones de todos los actores y en especial la de Robin Williams hizo que nos enamoráramos de ella, de la película y de la poesía.

del mas quemado de los profesores y que nos muestra que no hay alumno malo, sin mal profesor. Todo ello con un toque de inocencia y humor que la convierten en un producto imprescindible del cine de los 90 y con la que consiguió su segunda nominación al oscar al mejor actor.

Despertares. Aunque no es uno de sus personajes mas recordados, si me gustaría destacar esta película por ser una de las primeras ocasiones en las que Hollywood dejo de ver en Robin al cómico que hacía imitaciones para ver al actor dramático. Sin embargo pese a ser un gran papel no consigue hacerse con el personaje correctamente, quizás porque nos encontramos ante una historia dura, aunque real o quizás porque le intimidaba trabajar con un monstruo como Robert de Niro. Una

En este film, Robin demostró que cuando era necesario podía dejar de lado los aspavientos y convertirse en un actor comedido, y esta sencillamente espectacular como el profesor Keating. Un maestro con una idea de la enseñanza basada en el entusiasmo por la materia, en la experimentación, la emoción y en definitiva por la pedagogía y culpables de que a muchos en todo el mundo, entre los que me encuentro, nos picara el gusanillo de la docencia. Todo esta nueva manera de ver la educación chocaba frontalmente con la idea memorística basada en la disciplina de la academia en la que transcurre la historia. Una película hecha por y para levantar la moral

película recomendable para revisitar aunque sea solo para conocer este hecho médico sin explicación alguna.

«Soy el loco que cree q (Patch A

El rey Pescador El cine de Terry Gilliams es muy particular y cuesta mucho acercarse a el, pero esta película es probablemente la cinta mas mágica de los noventa y que le valió su tercera nominación al oscar. Aquí si había esperanzas de que se lo dieran ya que no era un personaje cómico y ya sabemos como funciona la industria de los premios. Una magnifica cinta que basa su éxito en la complicidad de la pareja protagonista, ya que si Robin esta pletórico como el vagabundo en busca del santo Grial en Nueva York, Jeff Bridges no se queda atrás como locutor de radio en medio de una depresión suicida.

Hook Llegamos al papel perfecto para que lo interpretara Robin Williams, estamos ante la odiada por muchos y amada por otros tantos Hook de Steven Spielberg, en la que el actor se mete en las mallas de Peter Pan. El eterno niño por fin podía hacer de si mismo sin ningún problema. Una película que no se entendió demasiado en su momento, realizada en decorados, probablemente la última fantasía épica realizada sin los cromas ni los decorados virtuales omnipresentes, con unos efectos especiales geniales y tres impresionantes actuaciones, la de Bob Hoskins como Smee, un perfecto Garfio interpretado por Dustin Hoffman y como no, un Peter Pan que no recuerda que es Peter Pan interpretado por Robin Williams, también sale Julia Roberts pero tratamos de no recordarlo. A destacar la escena de la cena con los niños perdidos en la que Robin se convierte en el mas infantil de todos los que allí estaban y en el que si nos fijamos algunos de los niños no pueden evitar la risa con la interpretación del actor.

Aladdin

hijo, poner la versión original y disfrutar de la impresionante interpretación de Robin Williams como el genio de la lámpara, una interpretación que en España copio perfectamente Josema Yuste.

Un consejo, coger el DVD de vuestro sobrino o

Como ya sabéis, Disney graba primero las

que la risa lo cura todo» Adams)

en un dibujo animado alocado. Su genio es probablemente el último gran personaje animado tradicionalmente de Disney y aun hoy nos provoca risas.

Señora Doubtfire ¿Qué serias capaz de hacer por tus hijos? Ese es el punto de partida de esta agria y por momentos genial comedia en la que Robin Williams se transforma en una niñera inglesa de 60 años para poder seguir estando cerca de sus hijos. Un trabajo de caracterización magnifico y una interpretación divertidísima la convierten en el papel mas recordado en la carrera de Robin. Una película con multitud de lecturas, muy familiar y al mismo tiempo muy crítica, en la cual el mensaje cambia completamente tanto si eres un adulto como si la está viendo un niño, pero con una moraleja un poco ñoña. Con todo y con eso nos dejó algunas imágenes inolvidables como la mascarilla de tarta de merengue o el momento risky business con la escoba.

Jumanji Vale, lo reconoceré yo tambien, Jumanji es una película muy mala con unos efectos especiales horrorosos, pero lo siento a mi me encanta y cada vez que la ponen en la televisión no puedo dejar de verla una y otra vez. En esta fantasía Williams vuelve a tomar el papel que mas le gusta, el de un niño grande, esta vez convertido en un aventurero pandimensional dentro de un juego de mesa mágico y una partida interminable. Vamos, lo que viene siendo una locura de guión y que se convierte en poco menos que Los goonies de los noventa. Y al igual que los Goonies solo la disfrutaran los que la disfrutaron en su momento. voces y las actuaciones de los actores de doblaje para después adecuar la animación a la interpretación de los mismos y aquí a Robin le dieron luz verde para hacer lo que quisiera, siempre en los estándares de Disney. Si en Hook se convirtió en un niño en Aladdin se transformaba directamente

Nueve Meses ¿Puede un personaje secundario hacer que una peliculita normaducha se convierta en una comedia genial? Si ese secundario es un ginecologo ruso y está interpretado por Robin

«Prefiero morir co vivir la eternidad co Hombre B

película. Un oscar cantado que no sorprendió a nadie y que por supuesto la industria le debía desde Good Morning Vietnam que en mi opinión fue muchísima mejor interpretación.

Patch Adams Una vez mas Robin se mete en la piel de un médico para interpretar a un personaje real, el doctor Patch Adams, una persona con problemas mentales

Williams, la respuesta es si. Una película perfectamente olvidable si no fuera por los escasos 15 minutos en los que Robin aparece y sube la calificación de la historia de dos a tres puntos. Una actuación muy muy muy divertida que rescata a su personaje favorito, el emigrante ruso.

El Indomable Will Hunting Y por fin llegó el momento del reconocimiento que supone el oscar, y como no, fue por un drama y una vez mas con un secundario que se come la pantalla cada vez que aparece. Robin Williams interpreta magistralmente a un hombre con un gran sentido del humor, con ganas de comerse el mundo y de hacer a la gente mas feliz, pero sumido en una profunda depresión. O sea, Williams se interpretó a si mismo en la vida real dejando los mejores momentos de por otro lado una sobrevalorada

«Así que se acabaron tus aventuras. - ¡Oh no ¡vivir! ¡vivir será una fantástica aventura!» (Hook: Capitán Garfio)

omo un hombre, que omo una máquina» (El Bicentenario)

)

que tras su paso por un psiquiatrico decide estudiar medicina y basar su curación en el tratamiento personal con el paciente y en la risa. Un personaje duro lleno de claroscuros que montan sin embargo una comedia muy interesante y poco recordada.

Insomnia Christopher Nolan en sus comienzos decidió

darle uno de los papeles de su vida a Robin Williams, un papel para el que nadie lo veía y que terminó convirtiéndose en una de sus mejores interpretaciones. Williams interpreta a un cruel y frío asesino en un duelo interpretativo con Al Pacino en el que sinceramente, aun no puedo vislumbrar cual de los dos salió ganador del mismo. Probablemente su capacidad para parecer el perfecto vecino sin nada que esconder convierten la interpretación de Williams en un personaje terrorífico.

Noche en el museo Este es en mi opinión su último personaje inolvidable, el que interpreta en las tres partes de esta pelicula de entretenimiento familiar que es Noche en el Museo. En ellas da vida, nunca mejor dicho, al presidente de los Estados Unidos Theodore Roosvelt, y mas concretamente al muñeco del museo de Nueva York de ese presidente que es al mismo tiempo líder de todos los revividos muñecos del museo. Un trío de películas muy olvidables pero que a la vez muy divertidas de ver con la familia, un género en el que Robin se manejaba a sus anchas. Una carrera marcada por la comedia y una vida marcada por la desgracia, en la que

sus mejores amigos murieron trágicamente a edades cercanas, donde sus adicciones y su depresión le llevaron a un circulo autodestructivo que acabo con su vida, pero que pese a ello dejo huella en las mentes de millones de seguidores de todo el mundo que nos seguiremos emocionando con sus personajes, riéndonos con sus caras y voces y disfrutando de sus películas. Por todo ello creo que es de recibo acabar este artculo subiendonos a la mesa y gritando ¡OH CAPITAN MI CAPITAN! Por Tony Camacho.

bocaditos de realida

noticias de cine e

elena oteo, ME COMERIA A HUGH GRANT

de blockbusters y culebrones Noticias noticiosas -Michael Shannon y Kevin Spacey protagonizarán Elvis & Nixon, un film basado en hechos reales sobre una reunión secreta que mantuvieron el Rey del Rock con el Presidente Nixon haya por 1970. ¿De qué hablarían? -J. J. Abrams ha estado bastante ocupado este mes con lo que respecta al Episodio VII ya que los fans hemos tenido noticias de lo que nos viene. Primero, por fin ya tenemos título final: Star Wars, The force awakens (vamos,

l a venganza 3 s

babadook

m a s e s p e r a d a s

into the woods

automata

el renacimiento de la fuerza); segundo, el rodaje ya ha terminado; y tercero y más importante, tendremos teaser/tráiler el Día de Acción de Gracias. Cuando leáis esto ya lo habremos visto y espero que todo sea HYPE, HYPE y HYPE -Los fans de Stephen King están de enhorabuena ya que la productora Warner Bros. llevará a la gran pantalla la adaptación de una de sus novelas, The Stand. El film estará dirigido por Josh Boone al cual le ha tocado la lotería ya que lo que iba a ser una película de 3 horas se ha convertido mágicamente en 4 películas. Ya le puede dar las gracias a Peter Jackson. -El actor Christoph Waltz será el nuevo villano de Bond 24. Waltz dará vida a Ernst Stavro Blofeld, jefe de la organización criminal Spectre y super villano conocido dentro de la saga ya que ha sido interpretado hasta 6 veces. Muy buena pinta está tomando esta nueva película.

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en pantalla grande

Made in Spain Me hace mucha ilusión comentar que Juan Cruz y José Corbacho se han puesto otra vez en marcha para desarrollar el que será su tercer largometraje, Incidencias. En esta ocasión vuelven a la comedia y contarán con caras conocidas como Lola Dueñas, Carlos Areces y Ernesto Alterio entre otros. Biopics de todas clases Parecía que la película basada en la vida de Janis Joplin, en marcha desde 2006, parecía que no iba a ver la luz pero al final ya sabemos hasta quién será la agraciada en convertirse en la emblemática cantante, que no es otra que Amy Adams. Bajo las órdenes del director Jean-Marc Valle, seguramente este papel se convierta en la sexta nominación al Oscar (o séptima, who knows) de la actriz. El culebrón del biopic de Steve Jobs de Danny Boyle y Aaron Sorkin vuelve a dar un giro. Durante este mes y tras la fuga de Christian Bale, Sony decidió poner a la venta los derechos del film, que no han tardado en ser comprados por Universal. Ahora el papel de Jobs parece que lo hará Michael Fassbender y estará acompañado por Seth Rogen y Jessica Chastain, ambos anunciados en su momento por Sony y que parece que siguen en el proyecto. Cómo veis no confirmo nada de este proyecto, he aprendido. Reboot, reborn, secuelas y trequeñuelas Y no dejamos a Danny Boyle, ya que en marzo de 2013 confirmó su intención de

rodar la secuela de Trainspotting con el elenco protagonista de ésta incluido. La gran duda que a todos nos rondaba por la cabeza era si Ewan McGregor volvería a trabajar con el director tras su enfado, allá por el 2000. La sorpresa ha venido de boca del propio McGregor que ha confirmado que sí habrá secuela y que se empezará a rodar en 2016. Recordemos que el enfado vino porque Boyle aceptó hacer La Playa con la imposición de Leonardo DiCaprio incluido, algo que a McGregor no senó nada bien. Luego se echó unas risas, y no por la maría. Algunos mostraron el miedo ante unas declaraciones de Tom Hanks sobre una posible vuelta de la saga Toy Story y está claro que cuando el río suena, agua lleva, ya que Pixar ha confirmado que habrá Toy Story 4. La tranquilidad es que John Lassetter estará detrás de la cinta aunque muchos creen, dónde me incluyo, que Toy Story 3 fue un gran cierre de la saga.

La noticia Greengrass del mes nos dice que el director va a hacer una nueva adaptación del clásico de George Orwell, 1984. No es la única versión que se va a hacer de esta, por ahora, novela de ficción (nunca se sabe cuando se hará realidad) ya que la productora de Ron Howard también está trabajando en su propia versión. Todo sea por el Partido.

bocaditos de realida

noticias de cine

Hagamos una reflexión… si por un casual se hiciera un reboot de Los Inmortales, qué se está haciendo, ¿para ti quién sería al que Sean Connery cediera el testigo? ¡Pues Tom Cruise, claro! Esta es a la conclusión que ha llegado la productora Summit, pero el caso es que no las tienen todas consigo ya que el representante del pequeño Tom ha declarado que el actor recibe montones de proyectos, es decir, que si el guión es caca con ojos de whatsapp, ahí os quedáis. Por último, la secuela del peliculón de Ben Stiler, Zoolander, tiene una nueva incorporación en sus filas… ¡Penélope Cruz! Nuestra Pe acompañará a Stiler, Owen Wilson y Will Farrell en esta nueva aventura del súper modelo de mirada “Acero azul”. El Quijote de nunca acabar Cada vez que alguien dice el refrán “el que la sigue, la consigue” a Terry Guilliam le deben pitar los oídos porque no se puede decir que lo suyo con su proyecto gafado sobre la obra del Quijote no es algo de otro planeta. Parece ser que el Moby Dick de Guilliam vuelve a contar con un nuevo protagonista, el actor Jack O’Connell. El rodaje empezará la primavera del año que viene y se espera que se estrene en 2016… Se espera…

Marvel, DC y a veces Sony (sólo a veces) Cómo no podía ser menos tenemos noticias de los distintos universos. Sobre DC y Warner, las buenas nuevas vienen a raíz de llevar a la gran pantalla el comic Suicide Squad. Ya tenemos algunas incorporaciones confirmadas como la actriz Margot Robbie en el papel de Harley Quinn, y también algunos rumores como la posibilidad de que Jared Leto interprete al Joker. No voy a caer en tópicos, pero todos estamos pensando en el mismo nombre en estos momentos. Y hablando de DC, Marvel y Disney ya tienen nueva incorporación al elenco de Capitain America: Civil War que no es otro que el hispano-alemán Daniel Brühl. Si bien no se sabe el rol que interpretaría todo el mundo señala el papel de moda de estos meses que no es otro que el de Dr. Strange. Las últimas noticias daban como ganador a Benedict Cumberbatch pero tras la incorporación a filas de Brühl, la cosa ha cambiado. Y hablando de Marvel, por fin ya se conoce quién será la directora de una de las películas con menos hype del universo DC , junto con Aquaman, Wonder Woman. Por fin la elegida para tal honor es Michelle MacLaren, conocida por dirigir episodios de las series Breaking Bad y The Walking Dead. Anda que no tiene trabajo la muchacha.

¿Y qué pasa con Sony? Ese gran olvidado… ¡Pues también tiene noticias! El actor Oscar Isaacs se incorpora al elenco de X-Men: Apocalypse en el papel de Apocalipsis. También se está rumoreando los posibles actores que interpretarán a Cíclope y Jane Grey.

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e en pantalla grande Imágenes del mes A quién no le haya entrado ganitas de la llegada del 17 de diciembre es que no es fan del final de la trilogía que ha preparado Peter Jackson. Echad otro vistazo a lo que nos espera con El Hobbit y la Batalla de los Cinco Ejércitos (o esperamos decir batallón). El nuevo tráiler de Los Vengadores: La era de Ultron ya nos ha hecho desear a más de uno que la llegada del 2015 sea inmediata. Y si encima te llega Idris Elba y comenta que va a aparecer en la película junto con Tom Hiddelston ya sí que queremos que el 15 de abril sea ya. El próximo tráiler va dedicado a Dani, un gran fan de la saga Fast & Furious que por fin ha enseñado sus cartas en la que será su séptima entrega. ¡Y ojo, Dani! Que Justin Lin ya está pensando en la octava, novena y… ¡hasta 10 parte! No es por nada, pero el Día de Acción de Gracias va a estar repleto de sorpresas ya que podremos ver el tráiler del nuevo Episodio VII de Star Wars y también el de Jurassic World. El avance de este último con Chris Pratt ya me ha llamado algo la atención, aunque este film lo espero pero con miedito. ACTUALIZACIÓN- mientras escribía la noticia me han llegado rumores que el tráiler ya estaba por lo que lo he visto y en fin… miedito es poco (y no del de sustos). Lo mejor el “tecleo” a piano de la gran BSO de Williams. Y dejemos de ver trailers para dar paso a la imagen más estrambótica del mes protagonizada por Hugh Jackman vestido como Barbanegra en la precuela que se está preparando sobre Peter Pan. ¡Vaya pirata!

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noticias de cine

El proyecto absurdo de noviembre Los archi-enemigos de Lego tendrán su propia película. ¿Qué quiero decir? Pues que la marca alemana Playmobil se lanza a la aventura con su primera película. La cinta contará con Bob Persichetti, el cual ya ha trabajado para Disney y Dreamworks en films como Shrek 2. Yo no digo nada, pero siguiendo con la comparación inicial, el bagaje de Lego en lo que a videojuegos y demás proyectos audiovisuales se refiere les sirvió de trampolín, algo de lo que Playmobil carece.

sus trabajos como actor y productor podremos añadir el de director. Mundo cuore Bueno, bueno, BUENO… con qué notición comenzamos… Miley Cyrus estrena novio y no os vais a imaginar quién se convertirá en suegro de la cantante… ¡Arnold Schwarzenegger! El nombre del chaval es irrelevante teniendo en cuenta el hijo y novio de quién es. Miley, más te vale tratar bien al vástago que Arnold está muy mayor para tener que ir a buscarte a lo Sarah Connors (¿muy forzada la broma?) Sabíamos que el estreno de la tercera parte de Los Juegos del Hambre: Sinsajo Parte 1 iba a dar mucho de qué hablar, pero no me imaginaba que una de las anécdotas fuera que Jenny diera besos con sabor a ajo… o eso es lo que comenta uno de sus compañeros de rodaje. Por lo que se ve a la joven le entró hambre entre toma y toma, algo muy común en la actriz, y el bocata elegido tenía un ligero toque a ajo y bueno, tampoco tenía cepillo de dientes a mano.

Mamá, ahora que soy actor… ¡quiero ser director! Mel Gibson se va a volver a poner detrás de las cámaras en el que será su quinto largometraje, Hacksaw Ridge, un drama bélico ambientado en la II Guerra Mundial. Atrás se quedaron esos proyectos de vikingos y Leonardo DiCaprio aunque da gusto saber que Mel vuelve a una de sus mejores facetas. Si pensamos en Channing Tatum lo último que se nos pasa por la cabeza son sus inquietudes cinematográficas, pero la verdad es que el chico las tiene. Sin ir más lejos, será el encargado de llevar a la gran pantalla la adaptación Forgive me, Leonard Peacock bajo la gran compañía Wenstein. Ahora podremos decir que Tatum no es solo un cuerpazo 10 sino que a

Para ellas: la revista People por fin ha mostrado su ranking de los hombres vivos más sexies de 2014 y a la cabeza se encuentra el maridísmo de la Pataky, es decir Thor. ¡Felicidades, Elsa! Para ellos: las posaderas de la Kardashian Hasta siempre Aunque la muerte de la Duquesa de Alba ha copado todos los medios, uno de los directores más queridos también nos dejaba. El director Mike Nichols será siempre recordado por llevar a la gran pantalla grandes historias como El Graduado, Armas de Mujer, Una jaula de Grillos o Closer y por eso se merece una pequeña mención. Aunque no tenga muchas películas a sus espaldas, muchas de ellas forman parte de nuestra vida. Por ello, gracias y hasta siempre.

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e en pantalla grande

Es cinem DIXIE Y LA REBELIÓN ZOMBI.

CALIFICACION

FRIKISMO

Tras el estreno de la primera entrega en 2011 (Papá, soy una zombi), este año, el siete de noviembre se estrena la nueva entrega titulada Dixie y la rebelión zombi. La nueva película cuenta con un pequeño recordatorio de la antecesora, algo que sin duda es muy positivo para las personas que no conocen o no han visto la película anterior. Tras este pequeño recordatorio, pasamos a ver la nueva vida de nuestra protagonista, Dixi Mala Sombra, la cual deberá reunirse con pasados amigos para detener el caos que puede llegar a generarse en el mundo humano.

sorpresas a lo largo de la película, ya que fina se descubre que no es tan predecible c pueda llegar a pensar. A lo largo de la pelícu una amplia evolución en los personajes, a los problemas que le suceden a Dixi al combinar dos vidas. La animación esta tra una forma muy siniestra y oscura, lo que h esta película no sea recomendada para l pequeños pese a ser una animación. Los de los personajes a su vez recuerdan al e Tim Burton. La animación entera carece de vivos, sin embargo es una animación b limpia y bien estudiada, lo que hace que el por la misma se mantenga.

Destacar que la película se desarrolla escalonadamente, lo que permite el fácil entendimiento, dejando espacio también para varis

Sin duda cabe destacar también la banda canciones totalmente tenebrosas en mayor m que en ocasiones ponen los pelos de pu

EL AMOR ES EXTRAÑO. Cuando en 2011 se legaliza en Nueva York el matrimonio homosexual, Ben y George, que llevan 39 años juntos, deciden casarse. Poco después, despiden a George sin explicación alguna de la escuela católica donde enseñaba música y pierden su piso en Chelsea. Segunda entrega de la trilogía Nueva York del director Ira Sachs, en la que nos presenta a Ben y George que después de 39 años de convivencia y amor deciden casarse. Pero por culpa de este acontecimiento despiden a George y ambos se quedan sin piso, repartidos entre familiares y amigos. Mientras que a Ben le toca quedarse con su sobrino y su familia que pasan los unos de los otros, George se queda con una pareja de policías que eran sus vecinos.

Una hist desprend natural, risas, las todo, abs personaj

Cuando l pensé q homosex ¡Para nad igual de historia personas historia d otro al es y ante to historia d

Alfred Mo

strenos matograficos criticas

almente como se ula se ve así como intentar atada de hace que los más diseños estilo de e colores bastante l interés

música inunda en gran medida las escenas, capaz de darnos también cierta información delo que ocurrirá a continuación. Sin duda podemos decir que es lo mejor de la película. Al igual que la banda sonora, el doblaje es más que aceptable, siendo bastante bueno, y a la vez reconociendo voces como la de Luis Posada (Jonny Deep).

sonora, medida, unta. La

Paula Escalera

El conjunto de todo lo hablado anteriormente hace que “Dixi y la rebelión zombi.” sea una película entretenida, de corta duración y fácil de ver, no recomendada para niños demasiado pequeños, dado el tenebrismo con el que esta tratado, y entretenida en mayor medida.

toria ante todo muy real, el cariño que den el uno hacia el otro es completamente sus miradas, sus pequeñas disputas, sus s complicaciones típicas de las parejas… solutamente todo es natural en estos dos jes.

leí la sinopsis de la película en un principio que todo esto se centraría en el tema xual y el despido de uno de los protagonistas. da! Nos cuenta una historia de amor, da que sexo sean los protagonistas, es una de lo complicado de la convivencia con s que realmente no son de tu entorno, la de dos personas que se añoran el uno al star separados después de 39 años juntos odo como he dicho anteriormente, es una de amor.

olina y John Lithgow son los encargados de

poner cara a nuestros dos protagonistas y lo hacen magistralmente. Muestran una naturalidad increíble que hace que veas realmente una complicidad auténtica en la relación de Ben y George.

CALIFICACION

La música también es un factor muy importante, el piano está presente en toda la película y nos adentra en una atmosfera de tranquilidad y a la vez tristeza que te va llevando poco a poco a lo que va a ser el desenlace. El amor es extraño, deja un buen sabor de boca, una película tierna, romántica y llena de esperanza. Vicky Carras

FRIKISMO

FRENCH WOMAN París en primavera. Once mujeres, madres de familia, mujeres de negocios, solteras o casadas, encarnan las distintas facetas de la mujer de hoy: hermosa y paradójica, a veces desorientada, pero siempre llena de vitalidad. Alegres, explosivas, insolentes, incomprendidas, complejas, acomplejadas, celosas. Las mujeres están todas locas. Al menos, las de esta película, una comedia que habla de ellas, las protagonistas, las que son fieles, las que son promiscuas, las que no han tenido un orgasmo en su vida, o aquellas que deciden cambiarse de acera. Todas son mujeres del siglo XXI. Algunas mantienen los prejuicios del pasado, algunos estereotipos… pero todas evolucionan.

INTERSTELLAR

CALIFICACION

FRIKISMO

En Interstellar entraremos en la piel de Cooper (Matthew McConaughey) un ex piloto al que se le encomienda la misión de salvar a la humanidad. Para ello, tendrá que hacer una misión a la desesperada a través de un agujero de gusano que le transportará a otra galaxia con varios planetas con posibilidad de albergar vida y hacer un éxodo masivo que permita a la humanidad sobrevivir a la extinción. “Espectacular” es el adjetivo que mejor define el regreso de Nolan al cine tras su trilogía del Caballero oscuro. El retorno al concepto de cienciaficción dado por Kubrick adaptado al s. XXI y con más ciencia que ficción dándole un toque realista que por seguro afectará a posteriores cintas del género.

La respo entrelaza actriz fra de largom compleja y la per personaj lo más c sobre tod

La histo pero con mitades, son fant siempre, Julie Ferr pone un

Parece u además a

Si la historia de por sí tiene mucha calid conceptos que darán muchas horas de la intrahistoria que la precede podría hab para una película per se. Una misteriosa pla condena a la humanidad y que ha modificad las estructuras socio-culturales impuestas generaciones.

El aspecto técnico es donde se lleva la palm una calidad de sonidos y fotografía asom Un realismo que junto a la experiencia cog el excelente trabajo de Gravity, hacen de lleno en la película y sentirte que e pasajero más dentro del espacio profund que conviven la tripulación de Cooper. De las interpretaciones, McConaughey demues el Oscar no se lo dieron por casualidad, y convincente consigue meterte en la pie protagonista y lograr una empatía con él qu veces se consigue, a ello se suma las

THE SKELETON TWINS Skelleton Twins, divertida, entretenida, nos cuanta casos y vidas cotidianas, con las que uno puede sentirse más que identificado. Esta película de Craig Johnson, nos muestra la vida de dos hermanos no muy diferentes.

Maggie y Milo, son dos hermanos que se han criado juntos, unidos desde siempre. Sin embargo, tras diversas diferencias que se irán encontrando a lo largo de la película, ambos llevan diez años sin hablarse, sin saber de la vida del otro. Tras un intento de suicidio por parte de Milo, su hermana se hará cargo de él una temporada. A lo largo de ese tiempo que pasan ambos juntos, recordaran vínculos, dejándose ver el amor que se tienen en uno por el otro.

Skelleton problema y lo muc se quiere ambos qu alguna q grandes de guion esos toqu haciendo tipo de c bastante tomen co de su vid insegurid

onsable de estas 11 historias que se an unas con otras es Audrey Danna, ancesa que se estrena como directora metraje. No lo hace mal. Su película es a, y logra definir a la perfección el carácter rsonalidad de todos y cada uno de sus jes a los que saca máximo partido, sacando cómico e histriónico de cada uno de ellos, do, los personajes femeninos.

oria recuerda un poco a Manuale D’amore ntando la historia de una de las dos la de ellas. En cuanto a las actrices, todas tásticas. Destaca la interpretación, como , de Vanesa Paradise, como dominatrix, rer y su TOC, y Géraldine Nakache, quien punto de cordura en toda la historia.

y nada más lejos de la realidad. Cualquiera se echará unas buenas carcajadas con la simpatía de todos los personajes y se verá reflejado en la complejidad de algunos de ellos. Sin embargo, hace un flaco favor a la mujer, aunque esa no sea precisamente la intención del film, al estereotiparlas tanto, mostrándolas como féminas altamente influenciables por las hormonas, que las volverán literalmente locas, y como criaturas débiles necesitadas de un hombre que les apoye. Quitando cualquier tema de transfondo (más de una feminista se llevaría las manos a la cabeza), es muy entretenida y recomendable para todo aquel que quiera pasar un buen rato.

CALIFICACION

FRIKISMO

Rocío Gíl Grande

una película hecha por una mujer (que actúa en el film) para ser vista por mujeres

dad con debate, ber dado aga que do todas durante

ma, con mbrosos. gida por meterte eres un do en el entro de stra que sublime el de su ue pocas buenas

actuaciones del reparto mencionando a Jessica Chastain y Hathaway y destacando a Mackenzie Foy. La joven actriz, dará los mejores momentos emotivos de la cinta. Las pegas se encuentran centrados en el personaje encarnado por Matt Damon. Una subtrama que se torna un poco innecesaria y predecible. Cuando habiéndosela ahorrado, habría reducido su duración y habría mantenido el alto ritmo general del resto del metraje Con Interstellar, Nolan pretende juntar la cienciaficción más clásica y a la actual. Dando como resultado una película que, por méritos propios, tiene todas las papeletas para convertirse en un clásico del género. Gonzalo Pérez

n Twins es una película que muestra los as de las personas, el apoyo de la familia, cho que estos dos hermanos comparten y en mutuamente. A pesar de las diferencias, uieren cuidar el uno del otro, interfiriendo que otra vez en la vida del otro. Carece de efectos especiales, ya que es una película simple y de vida cotidiana. También aporta ues de humor durante casi toda la película, o de un drama una verdadera comedia. El comedia empleada en esta película es una e habitual, haciendo que los personajes se on humor hasta los aspectos más sórdidos da, lo que les da o una fuerza mayor o una dad, quizás ambas.

Kristen Wiig y Bill Hader, los actores encargados de llevar a la pantalla a los protagonistas principales, han dado vida a los dos hermanos, teniendo así una interpretación muy buena, así como una compatibilidad que muy pocas veces se ve en el cine cuando dos personajes, deben encarar la vida de familia en relación a los vínculos con los demás personajes.

En definitiva es una película bastante entretenida y divertida, con la que muchos se sentirán identificados, ya sea en los traumas que acechan a los personajes en el día a día, como en las preocupaciones y sobre todo el sentimiento de querer que la familia este bien. Paula Escalera

CALIFICACION

FRIKISMO

ORIGENES Mike Cahill (Otra Tierra) vuelve al género de la ciencia ficción dramática y cotidiana. Con esta cinta, el guionista y director asalta cuestiones metafísicas tales como la trascendencia del alma y la reencarnación. Para ello propone un drama romántico entre dos opuestos, Ian y Sofí. Material y racionalista el uno, romántica y espiritual la otra. En este caso la reacción es una historia de amor apasionada que, sin embargo, Cahill utiliza como vehículo y verdadero núcleo de la historia. Porque, no nos engañemos, aunque el director y guionista nos habla de ojos y utiliza las disciplinas científicas asociadas a estos órganos, la naturaleza de éstos no es más que una excusa para poner en marcha una historia tramposa, fácil que disfraza un drama romántico de película de ciencia-ficción/metafísica. La historia de Sofí y de Ian llena prácticamente

LA IGNORANCIA DE LA SANGRE

CALIFICACION

FRIKISMO

Narra la historia de Javier Falcón (Juan Diego Botto), jefe de Homicidios de Sevilla, que debe resolver dos asuntos distintos en poco tiempo. Por un lado, las complejas consecuencias de un caso de espionaje en el que está involucrado personalmente: un viejo amigo suyo se infiltró en un comando terrorista islámico y ahora el comando pretende reclutar a su hijo adolescente para la causa. Por otro lado, Falcón se enfrenta al secuestro de un niño por cuya liberación la mafia rusa, a la que está investigando, le exige que pague un precio demasiado alto. Basada en el libro de Robert Wilson, “La ignorancia de la sangre” nos presenta a Javier Falcón, jefe de homicidios de Sevilla se enfrenta a dos casos bastante complicados, uno en el que está implicado personalmente, pues su mejor amigo infiltrado en un comando terrorista islámico le pide ayuda para

más de anticlíma de la pel finales e ciencia n al espect los espe reforzará la intenc a un púb alzará de casualida más o m dura para

Y es que d pasando de los pe la lágrim desperta

que su hijo no sea reclutado para la causa. M tanto tiene las horas contadas para lograr re a un niño secuestrado por la mafia rusa.

Lo que parece una película llena de su y acción se queda en un intento de ent Realmente con la trama que tiene podría sido un gran thriller, pero se hace bastante según va llegando al desenlace pierdes un interés.

La trama se divide en dos, nos intentan mucho en poco tiempo y al final te lía tanta historia, una de las dos partes de la perfectamente podría haber desaparecido ocasionase ningún fallo para la película. L al desenlace, de hecho, nos meten dem subtramas para poder asimilarlas todas bie Una de las cosas que más me ha entusi ha sido la banda sonora de Federico Jus

ESCOBAR: PARAISO PERDIDO

una histo

A veces es mejor tener cuidado con la gente con la que te relacionas, con personas con las que haces tratos. A veces hay que tener cuidado a la hora de enamorarse, pero... ¿Desde cuándo se ha podido elegir?

La pelícu bastante resultar u pero de u principio lenta, ha aburrida. de la mit puedo de realment la vez qu

Escobar es la historia de Pablo, un hombre criado en la pobreza, que poco a poco ha conseguido levantar un imperio. Sin embargo este negocio, esta cantidad de dinero es adquirida mediante la venta de la droga. Cuando Nick y su hermano, simples canadienses, se mudan a las playas cercanas, nuestro protagonista, encarado por Josh Hutcherson, se enamorará de una hermosa joven que resultará ser la sobrina del famoso Pablo escobar. Los problemas del chico comenzarán cuando se vea arrastrado al grupo interno de Escobar, donde el joven comenzará a desarrollar

Esta pelíc más oscu drogas y a una ser destacam mezcla lo

60 minutos de película para alcanzar un ax que se supone el punto de inflexión lícula y que conduce a un par de escenas en la que el director ni apuesta por la ni la religión, y lejos de mojarse permite tador sacar sus propias conclusiones. Así, ectadores espirituales se emocionarán, án sus creencias e, incluso, defenderán cionalidad pro-religiosa del filme, frente blico más escéptico, que simplemente se e hombros aducirá el desenlace a meras ades, sino a la necesidad de darle un final menos emotivo a una historia que es droga a los románticos empedernidos.

desde la construcción del personaje de Sofí, por los diálogos e, incluso, las relaciones ersonajes, la trama obedece a conseguir ma fácil del espectador. El filme pretende ar una serie de sensaciones y sentimientos

Mientras ecuperar

uspense tretener. a haber e lenta y poco el

n contar as entre historia sin que Llegando masiadas en. iasmado sid, bien

en el espectador, y en esto cumple holgadamente un propósito comercial de cara a un público muy específico.

CALIFICACION

Además, aunque la historia no es precisamente una maravilla, sí lo es su fotografía. Ya sea con unos cuidados planos o con el uso de filtros y luces, las imágenes de la película hablan por sí solas, creando escenas íntimas o transcendentales. A esto ayuda mucho la banda sonora, que aumenta la sensibilidad del espectador, con sonidos acordes al fin emotivo de la película.

FRIKISMO

En general la sensación final que deja Orígenes es un buen sabor de boca, pero muy a su pesar, el espectador más veterano sentirá que algo falla que le falta algo. Jesus Delgado Manzano

trabajada en la que nos adentra tanto en tierras sevillanas como marroquís. Toda la historia recae sobre los hombros del personaje principal al que da vida un correcto Juan Diego Botto, que quizá al final de la película decaiga un poco, pero no quita para que esté bien en su papel. Destacar a Cuca Escribano, que a pesar de ser un personaje secundario, cada vez que aparece añade vida a la película y un muy buen hacer en su actuación. “La ignorancia de la sangre” nos demuestra que una película con un gran reparto no siempre tiene que ser tan buena, pero si queréis ver una historia llena de asesinatos, misterios y mafias no os la perdáis. Vicky Carras

oria no muy agradable.

ula de Andrea Di Stefano me ha sorprendido e en el desarrollo de la misma, ya que puede una película aburrida en algunas ocasiones, una ejecución brillante en otras. Desde el avanza pausadamente, quizás demasiado aciendo que en ocasiones resulte bastante . Sin embargo esto se fue corrigiendo tad de la película hasta el final, del cual ecir sin revelar mucha información que es te inesperado y ciertamente impactante, a ue perfecto.

cula a su vez nos muestra uno de los temas uros de la vida diaria, el contrabando de el cómo un joven inexperto se ve arrastrado rie de cosas quedan mucho miedo. También mos que la película en versión original os lenguajes de los actores de una forma

muy buena y bastante precisa, sin resultar liosa o produciendo trabalenguas incompresibles. Benicio Del Toro habla en español, mientras que a Josh Hutcherson, le escuchamos hablar en inglés, a la vez que este último trataba de aprender también el idioma de Escobar. Esta mezcla es dinámica, bastante buena y curiosa. Durante la última media hora de película destacamos los nervios que comienzan a pasarse dada la situación de nuestro protagonista. En ocasiones esta última hora resulta un tanto confusa, hasta que finalmente vemos lo que ocurre. Al igual que esto, el final es ciertamente confuso y me hace preguntarme de que ha servido tanta lucha, ya que sin darse cuenta, a lo largo de la película descubres que Nick ha olvidado a que había ido realmente a aquellas islas. Paula Escalera

CALIFICACION

FRIKISMO

DOS TONTOS AUN MAS TONTOS Han pasado ya veinte años desde que Harry y Lloyd se conocieran y formaran el divertido dúo que nos hizo reír con sus disparatadas ocurrencias, pero ninguno de los dos parece haber madurado. Harry tiene una hija a la que apenas conoce, y necesitando un trasplante de riñón, intenta localizarla para pedirle que le done uno de los suyos. Cuando Jim Carrey decidió colgar en su página personal una fotografía de su boca con un diente roto, todos los fans de la primera película comenzamos a dar saltos, bueno a dar saltos y a la vez al menos en mi caso también comencé a temblar. Justo hace 20 años se estrenó la primera parte en la que conoces a Harry y Lloyd, como dice el título, dos tontos que se meten en distintas situaciones rocambolescas gracias a su poca inteligencia.

LOS JUEGOS DEL HAMBRE: SINSAJO PARTE 1

CALIFICACION

FRIKISMO

Katniss Everdeen se encuentra en el Distrito 13 después de destrozar los Juegos para siempre. Bajo el liderazgo de la comandante Coin y el consejo de sus amigos más leales, Katniss extiende sus alas mientras lucha por salvar a Peeta Mellark y a una nación alentada por su valentía... Tercera y última entrega de la saga literaria “Los juegos del hambre” de Suzanne Collins, que se divide en dos películas. Primera parte de la última entrega de “Los juegos del hambre” donde volvemos a ver a Katniss, la cual se encuentra destrozada después de todo lo ocurrido en el distrito 12. Esta vez se encuentra en el Distrito 13 con alguno de sus compañeros y la necesitan para comenzar la rebelión contra el Capitolio. Para los que tengan pensado ir a ver una película

Los herm nuestros vuelven buen rato

Con una tontos” n Lloyd qu perdida d Con un h sencillo, secuela.

Jim Carre sus muec siendo u difícil. Ju en su pa da muy b

llena de acción y guerra van a salir algo defra pues en esta primera parte de de este fin que acción en sí, vemos como se va prep todo para la guerra, para el asalto al Capito

Ya hemos visto durante meses un mon cárteles publicitarios en las redes sobr revolución y tal promocionando la película película como digo es en lo que mas hincapi y con mucho éxito. Los videos propagan para la revolución, los contraataques con ot de videos y de violencia por parte del Ca hace que por fin la saga de “Los juegos del h comience encaminarse a un público alg adulto.

Jennifer Lawrence vuelve a estar perfecta papel, donde además de luchar se la ve dudar por todo lo que le está ocurriendo poco tiempo. Esta joven ya más que una p

RASTROS DE SÁNDALO El árbol del sándalo es una especie sagrada en la India y de su madera de extrae el aceite de sándalo, un fuerte aromatizante utilizado en rituales. “Rastros de sándalo” la adaptación de María Ripoll del libro homónimo, tiene sin duda un aroma especial que perdura durante los 95 minutos que dura la película. Para valorar la cinta antes hay que tener en cuenta una serie de condicionantes que dan un valor añadido a la película: La producción ha sido muy larga (desde que se empezó a escribir el guión hasta que se ha estrenado la película han pasado siete años) lo que ha dificultado mucho la coherencia interna del film, pero en absoluto se nota, en cambio le da un halo artesano escaso en producciones internacionales. Otro valor es precisamente su internacialidad, no es una coproducción India, practicamente todo el

capital d millones la películ de allí, q diferente

A pesar d la mayor

Una imá espacios Barcelona de posta imagen d moderna tonos frío de la ima se mues de Bollyw Fernánde

manos Farrelly nos vuelven a traer a protagonistas que después de 20 años proporcionándonos muchas risas y un o sentados en la butaca.

a trama sencilla “Dos tontos todavía más nos trae las nuevas aventuras de Harry y ue esta vez tienen que encontrar a la hija de Harry para que le done un riñón a éste. humor absurdo, a veces macabro y otras las risas las tenéis aseguradas en esta

ey vuelve a sus orígenes, su humor físico, cas y su gran hacer nos muestra que sigue un gran actor, pues hacer reír es bastante unto a él, Jeff Daniels que esta estupendo apel de compañero fiel de Lloyd y que nos buenos momentos también.

audados, nal, mas parando olio.

ntón de re esta y en la ié hacen ndísticos tro estilo apitolio, hambre” go más

a en su sufrir y o en tan promesa

Con una banda sonora bien escogida y muchísimos recuerdos de la primera película, volvemos a ver a aquel niño ciego que tanto le gustaban los periquitos, esta vez más mayor y bastante traumatizado. Y también vemos un pequeño homenaje a la serie “Breaking Bad”. En general una película entretenida y con mucho humor, eso sí, si no os gustó la primera dudo que os guste ésta, pero quién sabe, siempre es bueno pasarse por las salas de cine y pasar un buen rato de risas. Eso sí, un detalle que me ha encantado: en los créditos podemos ver imágenes de esta secuela y de la primera parte, donde vemos cómo han envejecido sus personajes y ante todo recordar los buenos momentos de una buena película.

CALIFICACION

FRIKISMO

Vicky Carras

es una de las grandes del cine, capaz de hacer cualquier papel que le den. Su compañero Liam Hemswoth esta vez con más protagonismo también añade un poco mas de lío al trío amoroso que queda completamente en segundo lugar en la trama. Josh Hutcherson pierde bastante minutos en pantalla, lo que no significa que su papel no sea importante y decisivo para que Katniss decida ser “El Sinsajo”. Con grandes secundarios como son Julianne Moore, Sam Claflin, Donald Sutherland y el gran Phillip Seymour Hoffman en uno de sus últimos papeles. En general una muy buena introducción para preparar el final de saga, donde te enseñan el terror de la guerra y el duro camino que hay que recorrer hacia el cambio de la sociedad. Vicky Carras

de la película es privado (ha costado 1,8 de euros), pero a pesar de ello la mitad de la se desarrolla en la India y con equipos que tienen una estructura de trabajo muy e a la Occidental.

de estos problemas tiene grandes virtudes, ría pasan por la fotografía.

ágenes que dividen la película en dos claramente diferenciados. Por un lado a, pero lejos de la Barcelona mediterránea al muestra una ciudad más parecida a la de las ciudades del resto de Europa (más a, más gris y más multicultural), primando os. Por otro lado la India donde se huye agen de una India pobre (aunque también stra) para reflejar el colorido y la alegría wood. Esta fotografía a cargo de Raquel ez (parece ser que los equipos de la India

se sorprendían por que una mujer fuese directora de fotografía) refuerza los aspectos más profundos de las protagonistas, Paula en Barcelona es una chica fría, en cambio Nina es alegre, extrovertida y muy famosa en la India (resulta paradójico que Nandita Das, la actriz que interpreta a Nina sea en realidad una estrella del cine independiente Indio). Rastros de Sándalo es una película bonita, multicultural y que revindica las historias protagonizadas por mujeres. No hay grandes sorpresas, pero seguro que esta búsqueda motivada por el amor fraternal emocionará a los espectadores. Pablo Tejeda

CALIFICACION

FRIKISMO

FUEGO Carlos es policía. Un día, una bomba colocada en su coche mata a su mujer y deja sin piernas a su hija de 10 años. Él resulta ileso. Once años más tarde vive en otra ciudad, Barcelona, y parece una persona distinta; trabaja en una importante empresa de seguridad. Su hija parece haber superado aquel duro trauma, aunque las secuelas físicas sean imborrables. Carlos, en cambio, a pesar de los años de severo tratamiento psicológico, no lo ha superado. En su alma solo hay cabida para un sentimiento que consume a los demás: el odio. Y un único objetivo: la venganza. “Fuego” es una película con un tema un tanto tabú en España que como dicen sus protagonistas ya tiene que dejar de serlo y poder hablar sobre él. Carlos es víctima de una bomba puesta por ETA, pero él sale sin ningún tipo de daño físico, en

THE ZERO THEOREM

CALIFICACION

Qohen Leth es un excéntrico genio de los ordenadores que vive en un mundo corporativo controlado por una oscura figura llamada “Dirección”. Recluido en el interior de una capilla en ruinas, Qohen trabaja en la solución a un extraño teorema. Confuso trabajo de Terry Gillian que está lejos de su mejores trabajos.

FRIKISMO

Qohen Leth (Christoph Waltz) es un empleado deprimido al que se le encomienda el trabajo de demostrar “El teorema del cero”. Una teoría, según la cual, al igual que el universo se formó en un big bang y esta en expansión llegará un punto en que deje de expandirse y se contraerá en un enorme agujero negro que absorberá el tiempo y el espacio dejando la nada y volviendo a su estado original. Una teoría muy acorde con un protagonista ansioso

cambio e años pie otra ciud una cosa

Con un i realment momento de lo que ¿Realmen venganza que le de éste?

Una histo que en solo los pero clar acuerdo humilde o

de obtener respuestas a su monótona y vida que lleva.

Terry Gillian regresa con un trabajo con característica estética ciberpunk y c rodeado de un mundo en donde la imag vive un papel fundamental y con un referen que evidente al 1984 de Orwell. La lástima confusión general que va a dejar a más d lo largo de todo el metraje. Partiendo por e del trabajo original del protagonista, un sin absurdo que cuesta entender cual es el o en sí. Siendo una muestra de lo que nos v encontrar a lo largo de toda la cinta.

En The Zero Theorem, nos encontraremos historia que mezcla el romanticismo, una c la sociedad actual y una serie de dudas filo existenciales que perturban a nuestro atorm protagonismo, todo ello amenizado con un fi

LOS PINGÜINOS DE MADAGASCAR El día 28 de noviembre se estrenará la película de Dreamworks “PINGÜINOS” de Madagascar. Los pingüinos fueron en 2005 una gran revelación cuando se estrenó la película MADAGASCAR y fueron esos personajes secundarios que reciben un gran punto de atención quizá porque son sarcásticos, ácidos y completamente adorables. En la película podremos encontrar la historia resumida del escuadrón formado por Capitán, Kowalski y Rico antes incluso de que se uniera a ellos el cuarto miembro al que llaman Soldado. Cómo el escuadrón abandona el Polo norte en busca de aventuras y cómo se reencuentran con un desconocido antiguo enemigo y nuevos rivales que no sabemos si serán aliados o enemigos (mentira, sí que lo sabemos pero los niños verán un grupo nuevo que competirá en “molonidad” con los

pingüinos pasará co juego pa

La pelícu En el cine hecho de visuales c el inicio incluso se infantil co muy clar adultos la

Hay diver a gustar comando las pelis estarán m a los clás

ese día pierde a su mujer y su hija de 10 erde las dos piernas. Años después ya en dad, ya con otro trabajo Carlos solo tiene a en mente, la venganza.

importante reparto, con una historia que te podría haber ocurrido “Fuego” tiene os que te hace perder un poco la atención e está ocurriendo, hasta que llega el final. nte será capaz Carlos de llevar a cabo su a?, ¿de asesinar a la mujer de el terrorista estrozo su vida y dejar inválido a hijo de

Con unas actuaciones un poco flojas por parte de todo el reparto, aunque quizá también sea exigencia del guión, vas viendo como resalta ante todo el cambio de Carlos (José Coronado) y también la destacable actuación de Gorka Zufiaurre. Un film con una buena ambientación, una buena música y buena historia que os hará preguntaros qué harías vosotros en el lugar de Carlos, si esa tragedia os hubiera ocurrido y supierais quien os lo ha hecho. Vicky Carras

CALIFICACION

FRIKISMO

oria muy objetiva, ves los dos lados y ves ambos lados siempre hay víctimas. No muertos, no solo los familiares de estos, ro, seguramente mucha gente no esté de con la visión de Luis Marías, pero en mi opinión creo que es un visión bien realista.

anodina

n su ya colorista ginación ncia más a es esa de uno a ejemplo nsentido objetivo vamos a

con una crítica a osóficas mentado final que

te dejará dudas sobre todo lo visto anteriormente (SPOILER ¿es Qohen un programa de ordenador y todo lo que rodea también? FIN SPOILER) A destacar se encuentra el papel de Walz, alejado de su simpático papel de cazarrecompensas en Django, nos encontramos con un personaje oscuro, solitario, y ausente bastante convincente demostrando tener capacidad y recursos para hacer papeles diferentes a los dos anteriores de Tarantino que le trajeron la fama y los Oscar. Lamentablemente, nada más se puede destacar de un film por momentos bastante lento y pesado, con mucha confusión y con el único atractivo de para quién le guste poder verle el culo a Christoph Waltz. Gonzalo Pérez

s y no hay razón por la que desvelar qué on el nuevo grupo que tiene pinta de dar ara una segunda película)

ula no es larga y tampoco se hace larga. e, las risas naturales, que se producen del e introducir correctamente los chistes tanto como hablados, fueron una constante desde hasta el final. La trama no es compleja e e podría ajustar a cierto clichés de película on un final un tanto sencillo y con moralina ra; pero estoy más que convencido que los a van a disfrutar tanto como los pequeños.

rsas cosas por las cuales a los frikis nos va esta película, en primer lugar porque es un o de guerra y todos aquellos aficionados a de guerra, de comandos o de James Bond más que encantados de ver diversos guiños sicos, puede que no directos pero si símiles

que recordarán a; por otro lado muchos frikis somos aficionados a las películas de dibujos y es que nuestro niño interior sigue disfrutando con las películas que veíamos de pequeños y que seguimos viendo. Y quien diga lo contrario… ¡Miente! En el terreno técnico debo decir que me hubiese gustado ver la película en V.O. pues el doblaje del malo Debbie, digo…“Dave” (lo entenderéis cuando veáis la película) está realizado en inglés por el increíble John Malkovich y el jefe del grupo que conoceremos como “Viento Norte”, el agente cuyo nombre es “Secreto” tiene la voz cedida de Benedict Cumberbatch. La dirección es buena y la imagen muy correcta. Insisto en que es una gran película tanto para los adultos que aún pensamos como niños como para los niños que aún lo son. Oruga Calva

CALIFICACION

FRIKISMO

TRASH LADRONES DE ESPERANZA Amistad, honor y confianza. Son los aspectos que más cabe destacar de la nueva película de Stephen Daldry. La historia se desarrolla cuando un hombre le roba a un político corrupto, provocando que este sea perseguido, y finalmente asesinado. Nuestros protagonistas, encuentran una cartera que les cambiara la vida por completo. Esta película se podría considerar en cierto modo una crítica a muchos sistemas políticos que están haciendo este tipo de gobiernos en otros países. La corrupción, el como uno se queda con todos los beneficios por encima de otros. A su vez nos muestra también el significado de la amistad, el valor de no querer rendirse. La pobreza por otra parte es aquello que se encuentra más presente en

CALIFICACION

FRIKISMO

MORTADELO CACHONDO

FILEMON

CONTRA

JIMMY

Se acaba de producir el mayor ataque criminal contra la estabilidad mundial. Es un ataque de risa. Mientras el caos de la guasa y la risa floja se apodera de las instituciones, de la banca, de los ministerios, de las fábricas, de los colegios, de las cafeterías, de los policías, de los ladrones, de los notarios y de los elefantes, la única organización capaz de poner un poquito de seriedad en todo esto es la T.I.A. La Humanidad está en peligro. No aguanta una bromita más. Pero nuestros dos mejores agentes de campo (y playa) se encargarán de cortarle el rollo a ese supergamberro: son MORTADELO Y FILEMON. Con las voces de Karra Elejalde y Janfri Topera, Mortadelo y Filemón nos traen una divertida aventura. Esta vez tienen que enfrentarse a Jimmy el Cachondo, el cual está decidido a destruir la TIA,

la películ de los pa ello, los n fin y al c diferencie

Raphael interpret su valor hacer lo c la parte d interpret a su me buscan e estos ch Weinstein niños qu que le o personaj y la que

además Filemón tiene que huir de Tronch un preso del tamaño de un elefante que venganza, ya que Filemón le metió en la cá manera injusta.

Con una increíble animación, el humor de muy bien remarcado, Javier Fesser nos hace a cada uno de los personajes de este gran t

Si sois lectores de Mortadelo y Filemón, viñetas siempre se encuentran pequeños d como un caracol subiendo una farola, una por ahí tirada, huesos... en la película pequeños detalles pueden verse y haceros r estas viñetas que tanto leíamos de pequ muchos seguimos leyendo.

En la película, aún siendo de animación vem cameos bastante buenos, uno a menciona mismísimo Fesser que pone voz a un pe

LA ÚLTIMA AVENTURA DE ROBIN HOOD Errol Flynn, la estrella de Hollywood especializada en películas de capa y espada y notorio mujeriego, vivió siempre despreciando los convencionalismos, sobre todo en sus últimos años cuando, empapado en vodka y reacio a encarar su decadencia, emprendió una aventura con Beverly Aadland, una ambiciosa actriz menor de edad. Tuvieron un vertiginoso romance que les llevó a recorrer el mundo y Florence, la madre de la joven, una mujer obsesionada por la fama, permitió sin ninguna reticencia. Estos devaneos llegaron a su fin en octubre de 1959, cuando los acontecimientos forzaron a hacer pública la relación y esto provocó una avalancha de publicidad negativa que abrumó a Beverly y a su madre, y que simplemente alimentó la necesidad de Florence de ser el foco de atención. Aviso importante, esta película no puede ser

interpret de Bever la histori último ro este film carecería minutos c o dicho d película a vista de ella y aca

Sin duda en el cas aspecto de maqu dos acto caballero de Errol clonados

la, mostrándonos las penurias de muchos aíses que carecen de recursos. A pesar de niños y las personas son felices, porque al cabo no conocen una vida mejor o que se e a la que tienen.

es uno de los niños protagonistas, tado por Rickson Tevez, destacado por y su fortaleza así como por sus ganas de correcto. Gardo es un chico que representa del humor que pueda haber en la película, tado por Luis Eduardo. Este chico seguirá ejor amigo para conseguir la libertad que en su pueblo. Por último el tercero de hicos es Rato, interpretado por Gabrielle n. Este joven es la prueba de uno de los ue están contagiados por una enfermedad obliga a vivir aislado de los demás. Este je es la parte inteligente, la parte prudente va guiando a los demás.

Ladrones de Esperanza, nos ofrece una película sin muchos efectos especiales a destacar, nos demuestra la realidad tal y como esta es. Una de las cosas que si destacan en la película es el continuo uso de la música, acompañando a lo largo de la película a los compañeros y a la trama general de la historia. Como película de crítica, aventura, pobreza y esperanza, esta es un buen ejemplo, pero manteniendo continuamente el interés que nos obliga a seguir a nuestros compañeros, a averiguar dónde se encierra todo este misterio que puede acabar de una forma u otra. También destacar que al final, las dudas se hacen presentes, pus tampoco termina de quedar muy claro dicho desenlace y algunas cosas que van ocurriendo a lo largo de la historia, quedan un tanto sueltas, sin embargo le doy una nota buena, dado que me ha sorprendido para bien.

FRIKISMO

Paula Escalera

hamulas, e busca árcel de

secundario y la otra voz bastante famosa es Ramón Langa, un gran doblador del cine español mundialmente conocido por ser la voz de Bruce Willis.

e Ibáñez e revivir tebeo.

Como ya os he dicho si queréis ir a reíros, recordar las aventuras de estos dos desastres de detectives y pasar una buena tarde, no dudéis ni un segundo en ir al cine a ver está película y si tenéis la oportunidad de verla en 3D, hay varias imágenes que os pueden sorprender bastante.

en sus detalles, a cabeza a estos recordar ueños y

CALIFICACION

Vicky Carras

mos dos ar es al ersonaje

tada como un biopic, ni de Errol Flynn ni rly Aadland. No se trata de un repaso a ia del polémico galán, más bien cuenta su omance. Sería tal el error de considerar m como la biografía del actor que su título a de sentido. Y es que estos noventa cuentan efectivamente su última aventura, de otro modo su último lío de faldas. La además está enfocada desde el punto de Beverly, de tal manera que empieza con aba con ella.

los parecidos son enormes, principalmente so del talentoso Kevin Kline. En cuanto al físico no parece que haya mucho trabajo uillaje ya que al mismo tiempo ves a los ores encarnados en uno. Los gestos, la osidad, pomposidad, dramatismo y estilo Flynn están más que reflejados, están s. Dejará satisfechos a los fans del actor

que dicen fue el mejor Robin Hood, en mi caso el sabor de boca que me dejó fue magnífico. El resto del elenco de la cinta, principalmente Fanning y Sarandon, completan una interpretación no muy intensa pero si satisfactoria. Encarnan a dos mujeres típicas de las películas de los años 40 y 50 de Estados Unidos. La madre que quiere cumplir sus sueños a través de su hija y la hija rebelde que busca el romance ideal. No esperaba un guion ni un montaje digno de Oscar, pero no puedo decir que haya encontrado fallos o incoherencias, todo correcto. Una película lo suficientemente buena como para salir satisfecho del cine. Fran Tejeda

CALIFICACION

FRIKISMO

OUIJA

amiga.

Un grupo de jóvenes utiliza una Ouija para contactar con un amigo que ha muerto recientemente. Los problemas surgen cuando sin querer convocan a una presencia oscura. Adaptación del juego de tablero de Hasbro.

Ouija es ochenter todo llen una sonr ahí ignor popular algo ano hacer alg habiendo in the wo para darl

Terror ochentero sin nada nuevo que aportar Laine Morris (Olivia Cooke) pierde a su mejor amiga en un supuesto suicidio. Llena de dudas ante el desastroso incidente, decide jugar a un juego de mesa que usaron ambas de pequeña llamado “Ouija” una tabla que se usa para hablar con los espíritus. Lo que en un principio iba a ser algo inocente con tal de satisfacer los deseos de Laine de poder despedirse, se convierte en una auténtica pesadilla para ella y sus amigos con el contacto de un espíritu maligno que por desgracia no es su

Respecto previsible momento al drogat una espe y trabaja

MAGIA A LA LUZ DE LA LUNA

CALIFICACION

En la Francia de los años 20, durante le época dorada del jazz, un mago inglés (Colin Firth) está decidido a desenmascarar a una falsa médium (Emma Stone). Esto desencadenará una serie de hechos mágicos que sacuden la vida de los protagonistas. Como nos tiene acostumbrados, Woody Allen nos trae su estreno del año, con un divertido guión.

FRIKISMO

Colin Firth es un mago inglés que es llamado por un amigo para poder desenmascarar a una supuesta médium americana. Él un hombre que no cree en nada comienza a perder el juicio al conocer a Sophie y ver que realmente sí que podría ser verdad todo lo que cuenta. Con un reparto estupendo destacar a los dos protagonistas, Colin Firth está perfecto en su

EXODUS: DIOSES Y REYES Aventura épica que narra la historia de Moisés (Christian Bale) un hombre cuyo coraje desafió a un imperio cuando se rebeló contra el todopoderoso faraón Ramsés (Joel Edgerton), liberando a 600.000 esclavos en una épica huida a través Egipto.

es una g efectos e buen 3D.

Creo que si me pusiera a contar los innumerables fallos históricos no terminaría, además tengo que hacer un crítica sobre la película y no si es fiel o no a la historia real, así que comenzamos.

Ridley Sc pues es como un dudas, co que nunc un Dios q quiere es ver junto papel de tan fuert vemos ta Weaver ( (Seti), M muchos.

Con un gran reparto, “Exodus: Dioses y Reyes”,

De lo bu

“Exodus: Dioses y Reyes”, es la historia de Moisés y como pasó de ser un príncipe de Egipto, criado y querido por egipcios a descubrir que su verdadero pueblo eran los hebreos y querer liberarlos de la esclavitud egipcia.

s un regreso descafeinado al terror ro, con la clásica protagonista femenina y no de clichés que a más de uno le sacará risa. Sin embargo, el retorno se queda rando las fórmulas divertidas que hicieron a este género en su momento siendo odino e insípido con el mero objetivo de go “políticamente correcto” es curioso que o un precedente reciente como es Cabin oods no hayan cogido algo de esa esencia le un toque carismático y con cierto salero.

de fantasmas que intenta aprovechar el tirón de películas como The conjuring o Insidious con un misterio, que si eres fan del género, serás capaz de ver en los primeros minutos del metraje. Como podéis intuir, hay pocas cosas que se puedan destacar. Siendo recomendable para todos aquellos nostálgicos del terror de Freddy, Jason y Halloween y quizás para aquellos que sin pretensiones buscan pegarse un par de botes en el asiento y echarse alguna risa que otra. Gonzalo Pérez

CALIFICACION

FRIKISMO

o al guión, como se puede esperar bastante e. Con unos personajes planos y por os demasiado irreales (se echa de menos ta o la libertina que han sido sustituidos por ecie de emo y una camarera que estudia a...) todo ello amenizado con una historia

papel de inglés estirado al que vemos que poco a poco evoluciona y comienza de nuevo a creer en la magia. Y una estupenda Emma Stone que nos demuestra que además de ser una cara bonita tiene mucho mas y en esta película nos da la magia necesaria para que todo sea perfecto. Woody Allen nos lleva a los años veinte con una increíble ambientación en el sur de Francia, con un vestuario increíble de mano de la española Sonia grandes y donde la música nos adentra en esos años donde el jazz es lo más escuchado Según ha contado Woody Allen se basó en Houdini para esta historia, pues el mago estaba bastante metido en el mundo de los médiums y en desenmascararlos. Si tenéis ganas de pasar un buen rato y ver un poco de magia que tanto nos falta en este mundo, no os perdáis “Magia a la luz de la luna”. Vicky Carras

gran superproducción, con unos grandes especiales y para mi sorpresa bastante .

cott hizo muy bien en elegir a Christian Bale lo mejor de la película, su interpretación Moisés que quiere a sus dos pueblos, con on sentimientos encontrados al ver que él, ca creyó en nada, está siendo visitado por que es bastante vengativo y que lo único que s sacar de Egipto a los hebreos. Podemos o a Christian Bale a Joel Edgerton, en el Ramsés, bastante flojo para un personaje te como es éste. En la superproducción ambién a , Aaron Paul(Joshue), Sigourney (Tuya), Ben Kingsley (Nun), John Turturro María Valverde (Sephora), entre otros

ueno que tiene que la verdad entretiene

bastante, pues al ser una película de casi dos horas y media se hace corta y amena. Otra de las cosas que me ha gustado es que le intentan sacar, al menos a las primeras plagas, una explicación a cada una de ellas, hasta que llega un momento que se dan por vencidos y no son capaces de explicar mas.

CALIFICACION

Añadir que tiene una preciosa banda sonora de mano del español Alberto Iglesias. Así que bueno, comenzamos diciembre, el mes de las superproducciones con esta película, os la recomiendo si queréis ver una película entretenida y con muchos efectos especiales, donde tenéis que dejar fuera de la sala vuestra percepción de la historia. Vicky Carras.

FRIKISMO

Todo fan de J.R.R Tolkien que se precie no se ha conformado nunca con leer sólo la trilogía de El Señor de los Anillos, sino que además ha leído también como mínimo El Hobbit, una lectura sin la oscuridad de la aclamada trilogía y considerada como un cuento de aventuras en el que los protagonistas se enfrentan a diversos peligros pero donde la acción transcurre de manera rápida y dinámica. Por este motivo, los fans del mencionado Tolkien nunca nos hemos conformado con visionar únicamente una historia del escritor y la espera terminó hace 2 años cuando Peter Jackson volvió a deleitarnos en la gran pantalla, esta vez con El Hobbit a modo de precuela de El Señor de los Anillos y dividiendo la historia en tres films, algo que muchos consideramos innecesario, pero que el director medianamente justifica aportando escenas que nada tienen que ver con lo narrado en El Hobbit, pero que están inspiradas en el universo Tolkien y sirven de nexo de unión a la historia que se narra en El Señor de los Anillos.

ROSA MARÍA CORTÉS

El Hobbit: la batalla de los cinco ejércitos supone la culminación de una nueva saga cinematográfica que muchos llevábamos bastante tiempo esperando pero que se hizo de rogar hasta 2012 (11 años después de que la primera trilogía de Jackson viera la luz) por una serie de motivos que fueron retrasando la filmación de las aventuras de Bilbo, Gandalf y sus amigos enanos en su camino hacia la Montaña solitaria. De hecho, en un principio casi nada iba a ser como al final resultó en la planificación y dirección de estas películas que no estaban proyectadas desde primera hora como una trilogía sino que iban a ser dos entregas. Aunque Peter Jackson tuvo claro siempre su vinculación con este proyecto, su trabajo iba a limitarse a la producción y desarrollo de la idea, alejándose en esta ocasión de la dirección que iba a recaer en manos de Guillermo del Toro. A algunos nos parecía interesante esta unión, ya que el estilo del genial Jackson estaría presente en todo momento, pero la dirección de Guillermo Del Toro prometía bastante y su creatividad y originalidad le venían como anillo (no el único) al dedo a la historia de Bilbo. Sin embargo, cuando este binomio estaba casi confirmado y la grabación ya tenía luz verde, del Toro abandonó el proyecto en mayo de 2010, aparentemente por los problemas de financiación de la productora Metro Goldwyn Mayer. Este motivo puramente económico alegado en su día no convenció mucho a los seguidores del director mexicano quien concedió entrevistas para aclarar su renuncia. En la web The One Ring aparecieron en 2010 declaraciones del cineasta: “Mi compromiso con el proyecto exigía sacrificios enormes, tanto en términos personales como profesionales. Las consecuencias me dominaron durante años, me trasladó toda mi vida y mi familia a Nueva Zelanda, y eso que llegué por primera vez en 2008” Del Toro también puso de manifiesto su confianza en la profesionalidad de Jackson y el equipo y aseguró que ya había mucho contenido para la película que representaba fielmente sus ideas como animatics y esculturas del Bosque negro, arañas, huargos o trolls. Además, no se desvinculó del guión que realizó junto a Philippa Boyens y Fran Walsh. La mayor curiosidad de estas versiones cinematográficas y que poca gente sabe, es que Jackson pretendió ya en 1995 rodar primero El Hobbit y luego, si tenía éxito, completar una trilogía con la historia de El Señor de los Anillos. En aquella época el director estaba terminando Agárrame esos fantasmas y deci-

dió dedicarse de lleno al proyecto de las obras de Tolkien, el cual al parecer tenía en mente desde que vio en 1978 la película de animación de Ralph Bakshi El Señor de los Anillos y se sintió tan atraído por la historia que leyó los libros con 17 años. Jackson no entendía el motivo por el cual nadie estaba aprovechando los (por aquellos entonces) nuevos efectos digitales para hacer una gran película de fantasía sobre el universo de Tolkien y se puso manos a la obra. Esta maravillosa idea se vio truncada entonces por problemas y malentendidos con los derechos de distribución de El Hobbit y el director se tuvo que centrar en la trilogía sobre el anillo antes que en su precuela, no sin también sufrir algunos problemas y dificultades con los derechos y la financiación. Jackson y su equipo no pudieron hacerse con los derechos de El Hobbit hasta mucho después, otro motivo por el cual hubo de retrasar una película que pensaba hacer en primera instancia. Finalmente, el rodaje comenzó en 2011 en Nueva Zelanda y en diciembre de 2012 se estrenó la primera entrega: El Hobbit: un viaje inesperado que comienza con un relleno bastante innecesario en el que vuelven a aparecer Elijah Wood como Frodo e Ian Holm como Bilbo anciano, pero que pronto entra en un ritmo dinámico y entretenido, acorde con la fluidez de la versión escrita, sobre todo con la aparición de los enanos que aportan grandes dosis de humor tanto a los libros como a las cintas. El rodaje de este film también tiene sus peculiaridades, siendo quizás la más importante o reseñable la de ser la primera película en utilizar la tecnología de 48 fotogramas por segundo, con la que su director pretendía que la gente fuera a ver la película a los cines. En palabras de Jackson:” Yo no quiero que los niños vean El Hobbit en un iPad, quiero darles razones para que hagan ese viaje a la sala de cine”. La mayoría de las escenas se rodaron en estudio debido a que Jackson no quería arriesgarse más de lo necesario a las inclemencias del tiempo y, de hecho, actores como Ian Holm y Christopher Lee (Saruman) ni siquiera viajaron a Nueva Zelanda como en las películas anteriores debido a su avanzada edad y prefirieron grabar en los estudios de Los Ángeles. Con respecto al resto del reparto, es interesante saber que el papel protagonista del joven Bilbo Bolsón se lo quedó Martin freeman pero se barajaron candidatos como David Tennant, Shia LaBeouf, Tobey Maguire y hasta el mismo Daniel Radcliffe. Los enanos están interpretados

por actores de estatura media y su altura está retocada digitalmente, así como contar con dobles para algunas escenas que precisan de mayor naturalidad. Asimismo, los accesorios necesarios para caracterizarse llegaban a pesar en ocasiones 80 kilos, dificultando mucho el movimiento de los actores y las sesiones de maquillaje eran tan largas y complicadas que el propio Jackson reconoce que el trabajo de recrear a 13 enanos era uno de los motivos por los que temía ocupar la silla de director en el rodaje de El Hobbit. Con respecto a los enanos, es relevante una extraña casualidad, y es que Richard Armitage (el actor que da vida a Thorin) tuvo su primer papel sobre un escenario interpretando a un elfo en ni más ni menos que una versión teatral de El Hobbit. Una de las escenas más importantes de esta película ocurre en el escondite de Gollum y la pelea que tiene lugar entre la criatura y Bilbo fue lo primero en rodarse y al parecer, no fue nada fácil porque se dedicaron 10 días de rodaje para unos 9 minutos de metraje, aunque el resultado hace que merezca la pena esta dedicación. Justo un año después, en diciembre de 2013, llegó a los cines la segunda película: El Hobbit: la desolación de Smaug, donde la trama se vuelve más oscura y los protagonistas se ven envueltos en mayores peligros. Aunque los efectos digitales hacen de ésta una gran película en aspectos como el dragón Smaug, el Bosque Negro o el asombroso interior de

la Montaña solitaria (que ya habíamos visto en su máximo esplendor en la anterior entrega, cuando aparece el reino de Erebor) pero también existe un relleno que se traduce en escenas bastante largas como el descenso del río de los enanos en toneles con los elfos luchando alrededor y personajes que nunca aparecieron en la versión de Tolkien como Légolas o Tauriel. Sin embargo, se respeta la trama principal, añadiendo además retazos de la historia paralela que protagoniza Gandalf entrando en Dol Guldur, dominado por el nigromante y que se entiende como una forma de conectar con la lucha del Concilio Blanco

por expulsar al nigromante (lo cual se narra en libros posteriores, puesto que en El Hobbit sólo se comenta que Gandalf abandona a Bilbo y a los enanos a mitad de la misión) y hacer entender mejor la historia posterior de El Señor de los Anillos. Por esta batalla, que es una de las más esperadas por los fans de Tolkien, Jackson, fue preguntado mil veces a través del facebook de la película, pregunta a la cual el director respondió diciendo que existía una imagen en la que podía verse a Gandalf, Galadriel y Elrond esgrimiendo sus formidables armas élficas. Cuando el usuario abría el enlace mencionado por Jackson lo que veía era una foto del director junto con Cate Blanchett, Ian McKellen y Hugo Weaving “esgrimiendo” varios juguetes y riendo con un pie de foto que rezaba: “lo siento… no he podido resistirme”. Una anécdota divertida que demuestra el sentido del humor y el grado de frikismo del aclamado director. Con respecto al reparto, la reincorporación más evidente es la de Orlando Bloom como Légolas, sobre la cual se rumorea que el actor pidió más de un millón de dólares para aparecer en la cinta, aunque no queda muy claro si esto es totalmente cierto. Otra de las incorporaciones es la de Benedict Cumberbath como la voz en la versión original del imponente Smaug, la cual borda sin ninguna duda, y la del nigromante, además de generar otra casualidad ya que él y Martin Freeman son compañeros de rodaje en la serie Sherlock donde interpretan a unos modernos Holmes y Watson con gran éxito de audiencia. Esta segunda entrega supera incluso a la primera, llevando la mayor parte del peso del libro (si exceptuamos la batalla final) pero, seguramente por la necesidad de

alargar la historia, le dedica más tiempo a escenas que no lo precisan y que se hacen muy largas, como la de la estratagema de Bilbo y los enanos para librarse de Smaug, pero que tiene escenas sencillamente magníficas como la aparición del propio Smaug. Sin desvelar nada de su contenido para no hacer spoilers, hay que reseñar que la versión extendida en DVD de esta entrega contiene bastante contenido extra (casi 30 minutos) pero, a diferencia de la primera, se trata de un contenido interesante y revelador sobre todo de la trama paralela y no tanto de enanos cantando y otros momentos menos importantes como ocurría en su predecesora. Como ya se ha mencionado, esta historia estaba pensada para plasmarse en dos películas pero, según Jackson, no era suficiente para todo el material que tenía preparado (mi versión y sospecho que la de muchos también, es que la productora quería rentabilizar al máximo unas películas con tanto filón y que ningún fan de Tolkien se resistiría a ver en el cine o a comprarse en DVD) No obstante, Philippa Boyens (guionista) consciente de lo exagerado que puede parecer sacar tres películas de un libro que apenas llega a las 300 páginas, ha asegurado varias veces: “sabemos lo que estamos haciendo con el resto de la historia. Si lees El Hobbit, la llegada de los Orcos a Erebor es bastante fortuita. Pero si profundizas en la Obra del Profesor Tolkien te das cuenta de que no aparecieron de la nada” La intención de conectar esta trilogía con la de El Señor de los Anillos con escenas inspiradas en escritos de Tolkien nos queda clara, pero muchos siguen opinando que, aún así, tres películas de más

de dos horas cada una, es demasiado. De modo que este mes verá la luz la última entrega de la trilogía y ya hay mucho nerviosismo por ver cómo será El Hobbit: la batalla de los cinco ejércitos en la que todos esperamos una batalla espectacular y un desenlace épico de la historia, además de tener curiosidad por saber qué más se sabrá del rey brujo (que aparece en otras entregas) y del nigromante. Por lo pronto, sabemos que Smaug atacará sin piedad la Ciudad del Lago que será defendida por Bardo y que Thorin continúa obsesionado con recuperar el tesoro y restablecer el resplandor de Erebor, aunque Bilbo pretende hacerle cambiar de opinión hasta que un peligro mayor les sobreviene: legiones de orcos enviadas a la Montaña solitaria por Sauron. A pesar de que este film se estrene en diciembre como los anteriores, dicho estreno estaba previsto para el verano de este año, pero se retrasó para evitar la férrea competencia de la esperada X-Men: días del futuro pasado. En lo referente a sus personajes hay pocos cambios a estas alturas, pero con respecto al libro, Bardo tendrá más relevancia en la historia. Mientras que en la obra de Tolkien aparece como un tipo huraño y desagradable, Jackson pretende implicarle más en la historia de los enanos y Erebor, dotándolo de misterio para verlo luego convertido en un héroe. Tauriel, que es un personaje totalmente inventado para los films, tendrá también mucha relevancia en la última parte de la historia, sobre todo en las escenas de acción para las que Evangeline Lilly tuvo que prepararse con un serio entrenamiento físico, además de sufrir los inconvenientes propios de su indumentaria élfica durante el rodaje como perder la peluca en una escena de acción, ver una de sus puntiagudas orejas salir volando, aguantar dos horas de maquillaje y peluquería (nada comparado con las 5 horas de los orcos) o aprender el grácil movimiento de los elfos. Sin embargo, para la actriz este papel que le llegó justo después de dar a luz a su hijo supuso una gran oportunidad, puesto que ya se veía retirada de la interpretación y aceptó el papel de un personaje polémico que, en opinión de muchos, sobra totalmente en la historia pero que responde al deseo de Jackson de recrear una elfa guerrera que no huirá a la hora de matar orcos junto a sus compañeros. Ultimar el rodaje de esta última entrega para convertirla en otra película más supuso diez semanas extras al tiempo total de rodaje, y

no es de extrañar si son ciertas las afirmaciones de que la batalla final entre los cinco ejércitos ocupará nada más y nada menos que 45 minutos del film y parece estar muy bien recreada. Lo cierto es que, tras culminar el rodaje adicional de este desenlace, Peter Jackson se mostró en las redes sociales y medios de comunicación bastante triste por cerrar definitivamente la etapa Tolkien de su vida, ya que planificar, desarrollar y estrenar ambas sagas le llevaron 15 años de su carrera y su pasión por el universo de El Señor de los Anillos es lo bastante fuerte como para añorar los difíciles rodajes de sus películas. Pero para nosotros, frikis en general y amantes de los libros de Tolkien en particular, también resulta triste que ya no haya películas sobre hobbits, elfos, enanos y anillos que esperar para ir a ver al cine, aunque nunca nos cansaremos de ver en casa estas pelis, haciendo maratones y

adquiriendo todo el merchandising que esté a nuestro alcance, para honrar así la gran obra del escritor y la visión de Peter Jackson de unas de las mayores joyas de la literatura fantástica jamás escrita. Por eso no diré que no lloréis, puesto que no todas las lágrimas son amargas.

“En un agujero en el suelo, vivía un hobbit.”

FUSION FREAK E L GALA INAUGURAL Hemos vuelto al lugar del crimen, pocas cosas nos ponen más que acudir a nuestra cita anual con nuestro querido Fancine malagueño, que este año, cumple veinticuatro primaveras en un estado de forma óptimo, y uno no puede dejar de sentir mariposas en el estomago cuando se acerca ese olor a sangre y vísceras frescas, que le vamos a hacer, en el universo friki, donde portamos orgullosos nuestro carácter de

EN EL 24º FESTIVAL DE CINE FANTÁSTICO DE LA UNIVERSIDAD DE MÁLAGA abanderados, esto es básicamente lo que entendemos por amor. Como viene siendo habitual en los últimos años, el majestuoso Teatro Cervantes de la capital, sirve como perfecto anfitrión para una gala inaugural que como siempre, nos ha dejado una representación a cargo de los alumnos de la Universidad, entregados desinteresadamente para la causa, y que este año, ha elevado su nivel de calidad gracias a la dirección de Carlos Durán, con un montaje teatral que se mostrado adecuado y deudor de los mejores clásicos del género de terror moderno. Bastante más desacertado y fuera de lugar, ha sido la inclusión musical a cargo de Narksoul & Rob Renedie, que ha difuminado bastante en tono original de la representación artística, donde las niñas María Arráez y Lucía Rodríguez, han demostrado un talento impropio para su edad. Por delante tenemos toda una semana bien cargada de contenidos para todos los gustos y públicos, donde prestaremos especial atención a las películas y cortometrajes a concurso, sin dejar a mirar hacia los clásicos, con títulos como “El Mensajero del Miedo” (1962) o “Sed de Mal” (1958), o “La Conversación” (1974) dentro del ciclo “Top Secret”, al tiempo que nos deleitaremos con algún título del espacio predilecto para un servidor, la “Horror Zone”, paraíso de lo truculento que nos trae dos secuelas de alto nivel, “Dead Snow 2” y “The ABCs of Death 2”. De todo ello os iremos informando diariamente, esperando acertar con las cintas escogidas, y sobre todo, intentando transmitiros ese entusiasmo con el que afrontamos estos siete días de pasión cinéfaga. Por último, celebrar la feliz idea de recuperar una proyección cinematográfica en la gala inaugural, una tradición que amenazaba con perderse tras un par de años ausente. Añadir al mismo tiempo, que la película escogida ha estado a la altura de calidad reclamada, algo

que nos congratula doblemente. Con su análisis nos despedimos por hoy, no sin antes dar las gracias a Antonio Somoza, encargado en la sombra de la organización del Festival, su amabilidad y entrega merecen nuestro reconocimiento.

Cold In July Tras sufrir un robo en su casa, un padre de familia dispara accidentalmente contra el ladrón, provocándole la muerte, lo que desata una serie de complejas e incomprensibles situaciones que irremediablemente, lo arrastrarán a una espiral de violencia. En el yermo terreno del cine independiente norteamericano, se suelen cocinar platos de un gusto exquisito, como destacado espacio de mayor libertad sobre el que poder trabajar

sin presiones ni imposturas propias de los grandes estudios. Bajo esa consigna, el director Jim Mickle ha sabido trasladar su mirada a los clásicos de la década de los 80, época en la que está ambientada la cinta. En ese punto, muchos ven la sombra de John Carpenter o Walter Hill planeando por su metraje, aunque ciertamente, sería muy injusto quedarse solo en esas sutiles pinceladas, que por otra parte no dejan de ser un leve homenaje, seguramente impreso de manera inconsciente en el propio ADN del realizador. Lo que si está bastante más claro, es que existe un esfuerzo por parte de Mickle para que su criatura respire un aliento propio, los filtros de color que aplica, la huida del paisaje tejano mas desolado, su voluntad contenida, pero al mismo tiempo nerviosa, instalada en sonoros y puntuales estallidos de violencia, la convierten en un destacado ejercicio de estilo que recuerda, por encima de cualquier otra consideración, al debut de Los Hermanos Coen con “Sangre Fácil” (1984), título con el que además comparte localización geográfica. En el terreno argumental, su arriesgada mezcla de géneros y estilos pueden descolocar al más curtido veterano de este tipo de propuestas, volviendo al terreno de lo culinario, este frío en julio bien parece un filete mal cocinado, carbonizado por fuera y crudo en su interior, pero su espíritu libre alcanzará con furia y convicción a los cinéfilos más Pulp, que como un servidor, encontrarán en su metraje sobrados motivos para la celebración. De su reparto, contar con un puñado de actores implicados ayuda mucho a intensificar el eco del film, que tiene al televisivo Michael C. Hall Dexter - como protagonista, bien acompañado por un secundario de lujo como Sam Shepard, y la presencia de Don Johnson, que parece haber encontrado un mejor equilibrio interpretativo con el paso de los años. La recomendación final, apuesten por este peculiar retro thriller sombrío, incluso para sus desvaríos intencionados hay una buena excusa con la que poder defenderla, sencillamente porque alcanza esa cumbre donde su condición se manifiesta plenamente original, un aspecto con el que conviene siempre estar a favor.

DÍA 1

No hemos podido resistir la tentación, hechizados por el influjo de El Gato Bad Luck, que este año ha quedado infectado por esa bendita plaga bíblica, que habla de los retornados del más allá en el Apocalipsis, nos lanzamos en la jornada de ayer a devorar dos títulos de temática zombie, subgénero de moda del terror, que en los últimos tiempos se las ha arreglado para extender sus tentáculos a prácticamente todos los ámbitos de lo cultural. Desembarcamos así en el Cine Albéniz, sede mítica y oficial donde se proyecta prácticamente todo el grueso cinematográfico del Festival, y lo primero está mandado, saludar a Guillermo Díaz, gerente del local y escritor malagueño, a quien ya entrevistamos el año pasado a relación de la presentación en sociedad de “Las Mentiras del Cine Bélico”, un texto apasionante que echaba por tierra, con mucho respeto y convicción, la relación de Hollywood con el género, donde la épica sustituía generalmente a la realidad. Antes de entrar en materia, recomendaros

alguna de las actividades paralelas del Fancine, tales como la Exposición Objetivo Espía, una exposición de microcámaras de la que podéis disfrutar en La Sala de la Muralla del Rectorado UMA, en horarios de 11:00 a 14:00 y de 18:00 a 21:00, de lunes a sábado.

Life After Beth Sinopsis: Zach ha quedado destrozado tras la muerte de su novia Beth, obsesionado, acude a la casa de los padres de ella a buscar consuelo, descubriendo en una de esas visitas que, sorprendentemente, la chica ha vuelto de entre los muertos. El debut en la dirección del norteamericano Jeff Baena trae consigo una refrescante alternativa sobre el universo zombie, casi siempre entregado al terreno de lo truculento y a visiones bastante más dinámicas en su narración. Con un estilo desenvuelto, impropio de un primerizo, esta vida después de Beth, se

convierte por momentos en una muy inteligente comedia de terror, que sabe administrar con talento sus recursos, y encontrar un punto sentimental impropio de este tipo de producciones. Por contra, el choque de género romántico y apocalíptico acaba por estirar irremediablemente su argumento, llegando a fracturar en parte su discurso, que no acaba de encontrar un espacio definitivo en el que asentarse, algo que posiblemente, dejará insatisfechos a muchos de los fanáticos del cine de muertos vivientes, entre los que se encuentra este que os escribe. De su reparto, el concurso de un actor de la talla de John C. Reilly en el plano secundario, sirve para reforzar el protagonismo de un actor joven pero muy prometedor llamado Dane DeHaan, al que ya hemos visto como villano en las recientes entregas de “Spiderman”. Completan Anna Kendrick y Aubrey Plaza, que da vida desde la muerte a la Beth del título. Un trabajo definitivamente recomendable, que sin ser absolutamente memorable, convence por su carácter cercano y original, bien expresado en una conclusión brillante, que echa por tierra toda posibilidad de reconciliación sensiblera.

Dead Snow 2 Sinopsis: Martin ha sido el único superviviente del asalto nazi de ultratumba comandado por el coronel Herzog, tras el incidente, se haya custodiado en el hospital, acusado de las muertes de sus compañeros en la montaña, lo que las autoridades no sospechan, es que la horda tiene un nuevo y funesto plan, que amenaza con arrasar la zona. Lo que en 2009 supuso una muy grata sorpresa para el cine gore, en forma de ingeniosa propuesta, convertida en delirante orgía visceral que sin ser apoteósica, se las arreglaba para deleitar a los aficionados al género, gracias a su humor desenfadado y su sentido práctico de la puesta en escena. El éxito de aquel “Dead Snow”, nos arrastra a uno de esos males inevitables de los que suele adolecer el mundo de las secuelas, la mejora de medios al alcance de la producción, algo que proporciona un mayor presupuesto, pero que casi siempre, deja unos resultados bastante más paupérrimos.

DÍA 2 Es sábado, y toca esmerarse en nuestra cita obligada con el Fancine malagueño, no lo hemos tenido fácil, las furiosas rachas de viento casi nos mandan a otro plano temporal, pero por suerte, y una vez alcanzado nuestro objetivo, la calidez del cine Albéniz nos devuelve a la ansiada tranquilidad, y nos sumerge en el ambiente deseado donde poder desconectar de la cotidianidad. Nada menos que tres sesiones hemos podido disfrutar en la jornada de ayer, y como prometimos, hemos intentado paladear de forma variada secciones dispares entre sí, empezando por los clásicos,

Repite en el guión y en la dirección el noruego Tommy Wirkola, que vuelve a demostrar un entusiasmo desmedido por su criatura, desgraciadamente, lo que en la primera entrega quedaba limitado por lo económico y por tanto, contenido para el bien de su acabado final, se ha desatado en esta secuela en el peor de los sentidos. Si equilibramos en una balanza sus aciertos, que alguno tiene, sobre todo en la leyenda que acompaña a Herzog y sus hombres, con sus defectos, principalmente provocados por la incursión de un buen puñado de personajes absurdos y mal planificados, que lejos de aportar nada positivo a la historia, convierten al film en una triste parodia de sí mismo, el resultado acaba por declinarse hacia la clasificación de bodrio irrecuperable. Para terminar, y no queriendo hacer, nunca mejor dicho, más sangre, pasemos por alto el pésimo nivel interpretativo, y lamentemos simplemente que el buen sabor de boca que dejaba la obra original, se haya difuminado casi por completo en esta segunda parte. Hablamos de una cinta que ciertamente pertenece a un género libre, en el que se pueden disculpar en parte casi todos los defectos, algo que no le vale al film de Wirkola, que ha sobrepasado de manera holgada casi todos los límites de lo tolerable.

pasando por el mejor cine de animación, para desembocar en las apuestas a concurso, espacio en el que nos centraremos con mayor dedicación a partir de este momento. Sobre esa segunda película, “Space Pirate: Capitán Harlock”, situada en la sección informativa, os ofreceremos un análisis por separado, donde ocupara su propia publicación, la cinta lo merece, y como el territorio del anime pertenece a mi querido amigo, Samuel Béjar Ramirez, ya colaborador en estos menesteres de Fusión Freak, será el quien se ocupe de su reseña. Destacar que cualquiera que se acerque a la órbita del Albéniz, situado junto a nuestra mítica Alcazaba y su Teatro Romano, - Calle Alcazabilla - podrá disfrutar de diferentes

actividades lúdicas, que en el día de hoy mostraban una apreciable afluencia, y que consisten en teatros, actuaciones musicales en vivo, war games, cosplay, merchandasing, rol en vivo y juegos de mesa. Una feliz idea por la que hay que felicitar a la organización del Festival. Top Secret

El Mensajero del Miedo (1962) Sinopsis: En plena Guerra de Corea, un destacamento del ejercito americano es emboscado y hecho prisionero, pero gracias a la heroicidad del sargento de la unidad, consiguen salvar la vida. De regreso a casa, todos comienzan a tener horribles pesadillas, que les hacen sospechar que lo que en realidad ocurrió durante su captura no fue exactamente lo que recuerdan. A veces la ficción supera a la más rabiosa actualidad, justo un año antes de la muerte del presidente Kennedy, y en plena crisis de los misiles cubanos, “The Manchurian Candidate”, título original de la cinta, se estreno con más pena que gloria, y tras el magnicidio de Dallas, fue incluso retirada de circulación. Toda una injusticia con un film adelantado a los hechos, pocos podrán decir que su ser conspiranoico era algo exagerado o sacado de contexto, la novela de Richard Condon encuentra un habilidoso espacio para la reflexión, en un momento en el que Hollywood comenzaba a ver la luz al final de ese túnel de mierda, provocado por el infame senador McCarthy. Un buen reparto coronado por la presencia de Frank Sinatra, un actor que sabía dar credibilidad a los personajes torturados, seguramente porque no necesitaba interpretarlos mucho más allá de su propia condición, acompañado por un Lawrence Harvey algo más forzado. En el apartado femenino, excelente composición de Angela Lansbury, en la piel de una implacable arpía infectada de codicia, y la siempre gratificante presencia de Janet Leigh, a los que casi todos

recordarán por ser la mítica inquilina del Motel Bates en “Psicosis” (1960), del maestro Alfred Hitchcock. Precisamente, y ya que hablamos de grandes directores, la sobriedad tras la cámara de ese gran artesano llamado John Frankenheimer, es otra de las bazas de las que puede presumir este mensajero del miedo. Su estilo moderado, salpicado por brillantes momentos cercanos a lo documental, unido a una más que cuidada y vibrante puesta en escena, bien expresada en las secuencias de tortura colectiva y en su final imborrable, dotan de un valor indiscutible a una obra que, más allá de su propia condición como clásico, supone un reflejo social y político de la época en la que fue filmada. Largometraje a Concurso

El Mago Sinopsis: Un joven prestidigitador ambiciona trabajar en un circo que ha llegado a la región aislada en la que vive, cuando consigue convencer al dueño del mismo para actuar de manera profesional, descubrirá que en realidad es todo una tapadera criminal, algo que pone en peligro su vida y la de los suyos.

Desde las lejanas tierras chilenas nos llega esta propuesta, rodada con escaso presupuesto, bajo condiciones extremas, y que en boca de su director, Matías Pinochet, ha sido toda una experiencia, llevada a buen puerto con el uso de generadores eléctricos, necesarios por el paisaje casi marciano y deslocalizado donde ha sido rodado el film. Un esfuerzo notable, que ofrece un convincente resultado estético y formal en el acabado del film, pero que fracasa en su parte argumental, donde bien parece que los trucos de magia se hayan trasladado a un desarrollo narrativo, que a medida que avanza su metraje, se va tornando sumamente tramposo. Tampoco ayuda el lenguaje cinematográfico empleado, que apenas se puedan pronunciar dos frases sin que la música haga acto de presencia, no resulta fácil a la hora de empatizar con sus personajes, por no hablar de lo incomprensible que resulta el idioma chileno en el choque cultural con nuestro castellano, los términos coloquiales y la velocidad en la pronunciación casi aconsejan su visionado con subtítulos. Algo que, por otra parte, no es un reproche, solo un aviso a navegantes del que al mismo tiempo surge una reflexión, que nos hace valorar casi sin ningún género de dudas, que este mago tenga una mejor aceptación en tierras sudamericanas, donde sencillamente ocupa un espacio vital más cercano con el espectador.

Capitan Harlock En el futuro, la Humanidad se ha expandido por todo el universo, a la búsqueda de nuevos planetas a los que llamar hogar. La sociedad se ha convertido en una forma de vida de bienestar y comodidad que, sin embargo, es gobernada de manera férrea. Tan sólo unos pocos se atreven a plantar cara a este régimen de vida regalada y autoridad impuesta, atreviéndose a ir más allá, buscar nuevos horizontes y vivir sus vidas con libertad. El Alto Consejo de Gaia los llama proscritos, y el mayor de ellos, es el Capitán Harlock. Capitán Harlock es el muy esperado (por los fans del personaje, al menos) reboot de la space opera protagonizada por el pirata intergaláctico que creara Leiji Matsumoto allá mediados los setenta, y cuya adaptación del papel a la serie de animación tuvo un cierto

éxito en nuestro país en la década de los ochenta. Dirigida por Shinji Aramaki (director de las modernas versiones de Appleseed entre otras), con la colaboración de su citado creador y con un alto nivel técnico a su disposición, representa un inmenso intento por revivir las aventuras del personaje. Condensar toda la historia de una serie en una única película no es tarea nada fácil. No solo deben plantearse cuales son

DIA 3 Como ya anunciamos ayer, las películas a concurso se han convertido en nuestra prioridad, alcanzamos el ecuador de esta sección, y hemos de reconocer que el nivel expuesto hasta ahora resulta bastante superior a la media, aunque ciertamente, no hemos encontrado ningún título realmente memorable, lo que nos hace pensar que el reparto de premios podría terminar en una lucha encarnizada, producida por la tremenda igualdad de algunos de los títulos proyectados. En cualquier caso, aún nos queda camino por recorrer, y la jornada de hoy lunes, de la que os informaremos mañana, se presenta cargada de apuestas muy interesantes, con

Natali, productor de la cinta dicho sea de paso, han alcanzado horizontes de plena convicción, siempre añadido a lo meritorio que resulta estar soportando la presión de su poderoso vecino estadounidense. El debut tras la cámara de Merlin Dervisevic, antiguo colaborador de la mítica serie “Expediente X”, es un curioso híbrido a caballo entre género fantástico y el thriller criminal, que recuerda bastante a “Atrapado en el Tiempo” (1993) del recientemente malogrado Harold Ramis, solo que con una disposición formal provista de una mayor intensidad dramática.

las que esperamos encontrar un favorito claro con el que poder mojarnos, previo a que el jueves sean anunciados los ganadores en la gala de clausura. Dos películas llegadas de la misma latitud, y donde hemos podido disfrutar, con la primera de ellas, de la presencia de su realizador, Merlin Dervisevic, que nos ha contado el proceso creativo del film y anécdotas propias del mismo. Largometraje a Concurso:

CRUEL & UNUSUAL Sinopsis: Tras asesinar a su esposa, y fallecer acto seguido, Edgar se ve condenado a revivir una y otra vez el último día de su vida, mientras alterna su presencia en el más allá condenado a un infierno donde se le obliga a aceptar su culpa frente a otras almas en pena que comparten su misma situación. El cine fantástico canadiense siempre ha tenido un hueco de interés en la época moderna, directores como David Cronenberg o Vincenzo

Con un guión escrito por el propio Dervisevic, cuyo mejor aliciente reside en la presentación de ese purgatorio aséptico, donde van a parar los asesinos que cuentan con un grado eximente, el argumento combina ese espacio,

mientras encaja el puzzle criminal que provoco tal situación, desmadejando su trama con sutileza y estilo, sin forzar nunca las situaciones. Buen trabajo de sus desconocidos actores, donde destaca el protagonismo de David RichmondPeck, y el concurso en el plano secundario de Michael Eklund, uno de los compañeros en la terapia infernal de Edgard. El tono general de “Cruel & Unusual”, que nunca llega a sobrepasar el carácter vehemente de su exposición, la convierte en un film amable, apto para todos los públicos, una etiqueta sobre la que muchos podría reclamar con razón, una mayor valentía para llevarla a un extremo más agresivo, que en parte borrara de su metraje ciertas conclusiones de corte más bien edulcorado. En cualquier caso, el resultado final es más que aceptable, y su carácter inusual, bien recogido en su título, ofrece un trabajo compensado y bien elaborado, que sin ser absolutamente redondo, se las arregla para proporcionar 90 minutos de convincente fantasía, algo que de por sí, ya es suficiente motivo para la celebración. Largometraje a Concurso:

IT FOLLOWS Sinopsis: Una joven que acaba de mantener relaciones sexuales con un chico, descubre horrorizada, por propia voz de su amante, que ha quedado maldecida con una presencia que no va a parar de perseguirla hasta matarla, iniciándose así una huida continua y desesperada por preservar la vida.

Olimpo directores como John Carpenter en “La Noche de Halloween” (1978), o Wes Craven con “Pesadilla en Elm Street” (1984), el film de Mitchell alcanza un equilibrio de espanto inusual, capaz de mantener en la más completa inquietud a un espectador totalmente entregado al sufrimiento de su protagonista.

Bajo el deseado contexto de pesadilla interminable, el segundo trabajo del norteamericano David Robert Mitchell, bien podría estar llamado a formar parte de los productos de terror más impactantes del nuevo milenio.

En la utilización de los recursos visuales y sonoros tan característicos del género, reside parte de su acierto, bien expresado en el uso de una crispante banda sonora, que recuerda justamente, y como ya hemos mencionado, a la utilizada por Carpenter para su noche de Halloween.

Homenaje destacado al género slasher de temática sobrenatural, que elevaran al

En el aspecto moderno, del que también se nutre “It Follows”, su referencia argumental

más directa es “The Ring” (1998) de Hideo Nakata, con la que comparte su ser maldito, y en este punto, muchos pensaran con razón que al film le falta originalidad, elemento que no se debe buscar en su fondo, sino en la forma, donde su tratamiento feroz e iracundo, supone su mejor tesoro fílmico. Un buen puñado de actores jóvenes, liderados por una deliciosa Maika Monroe, ayudan a intensificar el alcance de la propuesta, que recupera con gran habilidad las mejores esencias del cine teenager, tan de moda en la década de los ochenta. En su contra, no saber rematar la faena con un final convincente, que no deje esa sensación de producto inacabado, y la falta de valor en el terreno sexual, el hilo conductor sobre el que se desata su tormenta narrativa, factores que diluyen, solo en parte, el hecho de que este título consiga alcanzar terrenos de mayor grandeza, cosa que, teniendo en cuenta la escasez de títulos memorables dentro del género, quizá no necesite.

DIA 4 Para todos aquellos que no se dejan camelar con las alineaciones planetarias, los deja vú, y los misticismos varios, lo de la velada del lunes no ha podido ser casualidad, es el día 24, del año 2014, cubrimos el cuarto día del Fancine,

en su edición 24, y encima bajo el influjo del mejor cine de Fantástico y Terror, como para no creer en las meigas, que no existirán, pero haberlas haylas. En la jornada de ayer aprovechamos para escrutar con gran motivación, la mayoría de propuestas a concurso, asistiendo a tres de ellas casi sin solución de continuidad, en un tour de force algo cansado pero igualmente estimulante, donde nuevamente, el nivel medio de las producciones ha vuelto a resultar por encima de lo aceptable. Tenemos ya la mente puesta en los cortometrajes, y ya que hablamos de cifras, sabed que en apenas dos días asistiremos a 25 de ellos, de los cuales 20 optan a premio, en otra sesión maratoniana de cinco horas ininterrumpidas, que promete trasladarnos a un terreno pleno de interés y fascinación. De todo ello seguiremos informando como está mandado, intentando transmitiros en parte, ese entusiasmo con el que afrontamos cada año nuestro querido Festival universitario, por el que somos capaces de abandonar a la familia, y los compromisos del día a día, durante una semana. Largometrajes a Concurso:

YOUNG ONES

resultado memorable. Con un arranque demoledor, que evoca las mejores sensaciones del universo post apocalíptico, su desarrollo posterior, marcado por un accidente puntual, desencadena una prosperidad narrativa poco deseada, que se aleja de su planteamiento inicial para centrarse en la clásica venganza propia del western, otro género al que rinde clara pleitesía. El excesivo cuidado con el que Paltrow trata a sus personajes, dibujando con sensibilidad los perfiles humanos, difuminan todo rastro épico de su metraje, elemento que el espectador espera en todo momento en un film de tales características, y que en caso de Young Ones, acaba esparcido en la nada tras su contundente tormenta emocional. Buenos actores, como Michael Shannon, o el sudafricano Robert Hobbs, ayudan desde el plano secundario a jóvenes actores, entre los que destaca el protagonismo de

Sinopsis: Instalada en una eterna sequía, la humanidad ha quedado devastada y condenada a una lucha eterna por el agua, ante tal panorama, un padre se las ingenia para intentar sacar adelante a sus dos hijos y proteger la granja familiar. De la destacada influencia de los videojuegos en el cine contemporáneo ya quedan pocas dudas, en un primer momento, las adaptaciones literales resultaron del todo frívolas, pero crearon un destacado banco de pruebas sobre el que trabajar, puliendo un producto al que poder dotar de mayor consistencia y credibilidad. Recogiendo las esencias de títulos virtuales de la talla de Fallout o Borderlands, el norteamericano Jake Paltrow ha construido su propia fantasía retro futurista, en el que las luces y sombras de su propia condición estética y argumental, definen el acabado final de una historia, que bien podría haber

Nicholas Hoult y de Kodi Smith-McPhee, sobre los que acaba por recaer la tarea de sujetar el peso dramático de la obra. Para terminar, señalar el excelente trabajo de Giles Nuttgens en la fotografía, y su reciente premio a mejor guión original - firmado por su realizador - en el reciente Festival de Sitges, un galardón que reconoce esa intención de Paltrow por sellar como autor, lo que en realidad debería haberse mostrado desolador y memorable. Justamente, por provocar esa sensación de vacío, el film resulta tristemente fallido.

horizonte, que no abandona del todo su estilo original, pero si se adentra en un formato de thriller que, todo momento, busca resultar un sentido homenaje al cine de los 80.

THE GUEST

Las gotas de acción desmesuradas, el uso de una música sintetizada, la construcción de un personaje chulesco, pero lleno de encanto canalla con el que se empatiza casi instantáneamente, en “The Guest” nada se ha dejado al azar, Wingard sabe perfectamente lo que quiere, y esto, indudablemente es devolver a la pantalla un estilo de hacer cine, que los nuevos realizadores llevan impreso en su código genético, porque sencillamente han crecido devorando tales influencias.

Sinopsis: Tras la muerte de su hijo en Afganistan, una familia recibe la visita de un joven que dice haber sido su compañero en el conflicto, pronto se ganará la confianza de sus miembros, aunque la realidad es que esconde un secreto que puede ponerlos en peligro a todos.

Buen trabajo del británico Dan Stevens, famoso por la serie Downton Abbey, dando vida a David, un personaje al que dota de convicción y credibilidad, incluso cuando la trama del film se desquicia hacia el exceso, expresado en una conclusión poco convincente, que en parte, echa a perder lo expuesto previamente.

El director Adam Wingard, habitual en el género de terror de Serie B, y responsable de cintas como “Tú eres el siguiente” (2011), se ha propuesto, junto a su colaborador habitual, el guionista Simon Barrett, explotar un nuevo

Lo curioso es, que el tono general del film puede incluso servir para disculpar esa falta de credibilidad final, ya que los mecanismos a los que recurre justifican su libertinaje argumental. Bajo ese espectro, este singular invitado bien podría alcanzar un status de distinción generacional que quizá sorprenderá a muchos, pero que en parte, y por intencionalidad, se ha ganado a pulso.

ALLELUIA Sinopsis: Una mujer divorciada accede a tener una cita con un desconocido de internet, nada más conocerle y tras una noche de pasión, se enamora perdidamente de él, desgraciadamente, pronto descubrirá que el tipo es un estafador, que se dedica a seducir a las mujeres para sacarles el dinero. Portando identidad belga, y bajo la dirección de Fabrice Du Welz, esta versión libre de “Los Asesinatos de la Luna de Miel” (1970), está llamada a ocupar por derecho propio un destacado espacio dentro del cine más obsesivo que se recuerde de entre los rodados hasta la fecha. Relato basado en unos ya lejanos hechos reales, a Du Welz le importa poco la parte criminal del argumento, su preocupación se centra básicamente en que su ejercicio tras la cámara resulte provocativo, y que la historia

romántica se degenere hasta unos extremos de compulsión casi irrecuperables. Un viaje estético y visual por la cara oculta del celuloide más desagradable, que hará las delicias de los que, como un servidor, disfrutan de platos de un gusto tan peculiar, y horripilará a la gran mayoría, sencillamente porque en su voluntad reside el ser molesta con las audiencias convencionales. Dividida en cuatro segmentos, bautizados con los nombres de las desdichadas, este Alleluia bien parece una fábula tenebrosa que escribe su propio código narrativo, alejándose de cualquier comparación para aventurarse con éxito en la búsqueda de una identidad personal e intransferible, hecho que consigue de forma sobrada, y a lo que solo hay que reprochar un final distante, algo que, por otra parte, era de esperar si se atiende a su desarrollo. En el reparto, la española Lola Dueñas, y el francés Laurent Lucas, bordan los personajes de Gloria y Michel, haciendo necesaria su presencia conjunta para intensificar ese particular descenso a los infiernos del pecado que experimentan Gloria y Michel, y que resulta creíble gracias al talento de ambos actores. Un trabajo diferente, complejo, que rezuma una desasosegaste esencia maligna, en la que el sexo incontrolado y la claustrofobia sentimental, son pilares maestros de un templo edificado por una secta sin religión aparente, que pertenece al terreno de la brujería, esa misma de la que su protagonista, es ferviente seguidor.

DIA 5 Llego el momento esperado, o al menos uno de los más importantes del certamen, las sesiones de cortometrajes a concurso, etapa reina en un Fancine que este año ha presentado entre semana una mejor entrada de los esperado, lo que es una muy buena noticia para la salud del mismo. Cinco horas de cortometrajes casi ininterrumpidas, que sinceramente, se nos han hecho muy llevaderas, gracias a los descansos puntuales y al buen ambiente de la sala, que vuelve a presentar un público variado de todas las edades y condición social, algo que viene a demostrar que el cine fantástico y de terror siempre atrae a una predominante legión de adeptos.

Sobre reseña de los 10 cortos visionados, señalar que como viene siendo habitual, serán calificados de 1 a 5 (*****), y donde hay que destacar un nivel muy respetable en las apuestas de imagen real, y más elevado en las producciones de animación, terreno siempre dotado de una mayor calidad.

CORTOMETRAJES DE IMAGEN REAL A CONCURSO Sequence *** Un chico amanece junto a su novia y ella le cuenta que ha tenido un sueño horrible con él, que le impide hablarle o mirarlo a la cara. Cuando sale a la calle, camino del trabajo, la cosa se complica al descubrir que no es solo un problema localizado exclusivamente en su pareja, ya que todo el mundo parece haber tenido el mismo sueño insoportable. Con un acabado impecable, y una esencia malvada, este corto norteamericano se las

ingenia para transmitir su contundencia al espectador, sin resultar nunca aburrido ni pretencioso. Buenas actuaciones e incluso un slogan final del que poder presumir. En su universo todos estamos sentenciados, nadie sabe cuando le va a tocar “ser el siguiente”.

Cortometraje español que cuenta con la presencia de la actriz Leticia Dolera, su corte apocalíptico y un deseado tono claustrofóbico, así como su desarrollo narrativo, que alcanza una conclusión plena de crueldad, hacen de ese hogar un emplazamiento a visitar.

Es el elegido por un servidor en las votaciones de este apartado de imagen real.

A(r)men **

Cólera *** Una turba de hombres armados con palos y horcas, y liderados por un individuo que porta una escopeta, llegan a una cabaña prefabricada y exigen a su habitante, al que se dirigen como “El apestado”, que salga al exterior. Cortometraje vasco protagonizado por el gran Luis Tosar, de escasos minutos, que sabe ir al grano con seguridad y convicción, y donde su trabajo de maquillaje y fotografía resultan deslumbrantes. El plano final, puramente de Serie B, resulta muy acertado.

Mémorable Moi

***

Un chico necesita que piensen continuamente en el para no desaparecer fisicamente. Desde Francia nos llega esta interesante propuesta, que quizá abusa de las relaciones entre sus protagonistas, pero sabe jugar con la originalidad de su historia, y ofrecer una conclusión impactante y sobrecogedora.

The Boy with a Camera for a Face ** Nada más nacer, ya se sabe que ese bebe va a ser diferente al resto de la humanidad, sencillamente, porque tiene una cámara de video en lugar de cabeza. Elegante fábula británica, cuidadosamente narrada para que sus frases entonen una rima, y de aspecto visual convincente, lastrado solo por su previsibilidad, este chico con una cámara por rostro estira en exceso su metraje, cuando no tiene mucho más que contar que lo planteado en su origen.

Hogar, Hogar *** Una pareja vive refugiada en un búnker bajo tierra, alimentándose con apenas unas latas, y siempre alerta ante la amenaza exterior.

Tras perder su brazo en un accidente, un joven tendrá que acostumbrarse a vivir con una sola mano, aunque los milagros existen, y quizá consiga que le vuelva a crecer la extremidad. Cortometraje sueco, ausente de diálogos, que bien parece un sketch deudor de Mr. Bean, personaje de humor creado por el británico Rowan Atkinson. Es tan divertido como frívolo.

The Landing ** En plena guerra fría, a principios de los años 60 del siglo pasado, un padre y su hijo ven caer del cielo un meteorito en los terrenos cercanos a su granja familiar. El reciente ganador en Sitges es un corto norteamericano muy bien rodado, con una forma estética muy cuidada, y buenas

interpretaciones de su duo protagonista, pero quizás peca de excesiva auto complacencia, expresado en un metraje estirado de forma innecesaria.

Subterráneo ** Una pareja de amantes se ve forzada a esconderse dentro de su coche, atrapados en el parking del edificio donde están estacionados y a merced de una peligrosa banda criminal de ladrones de vehículos. Bastante bien filmado y con una factura destacable, este corto patrio bien podría haber forzado algo más el carácter se su exposición, resulta tenso, pero solo por momentos, y en una situación tan extrema, había seguro mejores decisiones argumentales con las que elevar el tono final de la historia.

The Life and Death of Tommy Chaos & Stacy Danger ** Tommy y Stacy se conocen en una trinchera, donde combaten a dinosaurios del espacio exterior, y se enamoran, desde ese momento, su relación se basa en contarse las aventuras que han vivido previamente por separado. Corto norteamericano de bajo presupuesto que resulta muy imaginativo en su puesta en escena, pero chirría gravemente en motivación argumental, por no saber combinar su universo con el trasfondo dramático que persigue.

Intus * Un hombre despierta en su habitación, y se da cuenta que todas las salidas han sido selladas, el teléfono suena, y al otro lado, alguien le pide un código que en un principio, el desconoce.

busca diferentes formas de cambiar su función. Corto USA fabricado en 3D que comienza con interés, pero que acaba por alargar su metraje, provocando en parte una sensación negativa para que finalice a la altura de su meridiano. No resulta insoportable, pero si prescindible.

Entracte

Un mimo ejerce su profesión en la calle, hasta que se fija en una bella limpiadora tras un cristal, y comienza a interactuar con ella. La predominancia del cine Francés incluso en la animación, este entreacto muestra un dibujo clásico y preciosista, que limita su argumento al gusto por el movimiento de sus personajes. Tan bonito como soso.

La Maison de Poussière

***

Una mujer se ve obligada a abandonar el edificio donde ha residido durante toda su vida, invadida por la tristeza, acude a la demolición del mismo, y descubre que en su interior parece haber unos niños jugando. También desde Francia nos llega esta brillante historia sobre el olvido y la nostalgia, con un estilo de animación muy básico, pero a la vez muy convincente, y portando un valioso corazón de piedra. Sin duda, uno de los mejores de entre los proyectados.

Nuevamente una producción francesa al servicio de una historia ya conocida, con un desenlace poco sorprendente, y que no aporta nada nuevo más allá de su esfuerzo visual por parecer genuino. Olvidable.

Little Matryoshka **

CORTOMETRAJES DE ANIMACIÓN A CONCURSO

La más pequeña de las muñecas rusas no acepta su condición inerte, y sueña con jugar con el resto de los juguetes de su habitación.

Desire ** En una factoría, diferentes robots dibujan, cortan y perfilan baterías mientras uno de ellos

Desde la Europa del Este nos llega este entretenido Toy Story pobretón, que sin llegar nunca a desentonar, suena a visto, pese a que su vocación enérgica lucha de forma admirable por una mejor valoración.

Me+Her ***

Rabittland

Con la muerte del amor de su vida, una muy triste figura de cartón no encuentra razones para seguir adelante.

En la tierra de los conejos sin cerebro, el día a día consiste en un peligroso viaje para poder votar a las únicas candidatas al poder, unas malvadas muñecas.

Seleccionado en el Festival de Sundance, este sorprendente corto norteamericano está completamente realizado con marionetas de cartón y materiales reciclados. Su tono depresivo le impide ser memorable, pero su forma estética es deslumbrante.

Mr. Hublot *** Para el Señor Hublot todo debe ser milimetricamente perfecto, las manías dominan su existencia, hasta que un visitante encantador va a ponerlo todo patas arriba. La superioridad francesa en el terreno de la animación en la forma visual de este apabullante regalo visual, fabricado en 3D, con gruesas pinceladas steampunk, y estilo desenfadado y cercano. Su enorme cantidad de reconocimientos internacionales lo avalan.

****

Seleccionado en el prestigioso Festival de Berlín, ese valioso y desolado cortometraje serbio presenta un infierno de plastilina rosa bajo la técnica de stop motion, donde sus alienados habitantes viven una supuesta democracia perfecta, y que se erige como una sonora bofetada a los gobiernos totalitarios, que bajo fachada encubierta, parecen controlar nuestros destinos en la actualidad. Es el elegido por un servidor de entre los candidatos a mejor corto de animación.

Raging Balls of Steel Justice *** El detective Steel de la policía de Nueva York es el único capaz de poner orden entre un grupo de presos fugados, que se han hecho fuertes en una fábrica, al tomar como rehén a un pez gordo.

Otro ejemplo de stop motion y plastilina con nacionalidad USA, que desde su primera imagen, donde perfila las siglas de la mítica productora Cannon, se erige como un fantástico homenaje al cine de acción de los 80, imbuido de todos los elementos y frases propias del género.

Tea Time

***

Un anciano bibliotecario debe encontrar un volumen perdido en la inmensidad de sus incontables estanterías. Filigrana norteamericana en 3D, y presentando un personaje y un estilo que recuerdan a ese “Juego de Geri” de la Pixar que les hizo ganar El Oscar allá por 1997, este conmovedor ensayo sobre la senectud encuentra su espacio entre el homenaje y el propio alma de su discurso.

Wedding Cake ** Ser el novio y la novia del pastel no es solo posar para la foto, en su universo de nata también hay lugar para los mismos problemas conyugales de la vida real. Algún despechado o despechada ha debido perpetrar este curioso alegato en contra del matrimonio, que se sostiene con puntuales golpes de crueldad, dentro de cierto tono amable, culminado por una puesta en escena conseguida dentro de un estilo de animación tradicional. DIA 6 Llegamos a la penúltima etapa del certamen con cierta satisfacción por el deber cumplido, gracias a haber dejado los deberes a concurso bien atados, lo que nos permite desviar la mirada a otras secciones del programa, como paso previo a una gala de clausura, que mañana, pondrá fin a la vigésimo cuarta edición de nuestro querido Fancine. Mucho nos escamaba no haber encontrado en el camino ningún film realmente despreciable, generalmente, en un género como el fantástico y sobre todo, en el de terror, y dado la cantidad de apuestas visonadas, es inevitable encontrar alguna producción que no fuera de nuestro agrado, algo que en realidad, forma parte inevitable del propio alma del Festival. Ya estamos tranquilos, la morcilla que ha supuesto el último trabajo del norteamericano

Kevin Smith, nos ha devuelto a la cruda realidad, y en cierto modo, ajusta y ensambla nuestros chacras con el espíritu habitual y esperado, al menos en lo que a tradición fancinera se refiere. De los cortometrajes fuera de competición, que pasamos a señalar a continuación, destacar el buen nivel de los mismos, algunos de estos trabajos, perfectamente podrían haber ocupado su espacio entre los elegidos para optar a los premios.

SECCIÓN INFORMATIVA: CORTOMETRAJES DE IMAGEN REAL De Noche y de Pronto Sinopsis: En la víspera de nochebuena, una vecina recibe la visita de un individuo muy nervioso, que dice ser el inquilino del piso de arriba, y al que al parecer, le han entrado en su casa a robar. Tras dudar si dejarle pasar a o no, finalmente accede a abrirle la puerta. Corto nacional rodado en un solo escenario, y que juega con las sensaciones de miedo e incertidumbre generados por una situación cotidiana que podría sucederle a cualquiera.

iridiscente, este cortometraje patrio, protagonizado con solvencia por Ana Torrent, rinde un sentido homenaje al personaje de Enriqueta Martí, más conocida como “La Vampira de Barcelona”, una saca mantecas que asesinó a un sinfín de niños a principios del siglo pasado, y a los que principalmente, extraía las grasas para venderlas a la alta sociedad catalana de la época. Necesario y muy certero.

The Banishing Sinopsis: Una niña parece estar sufriendo el acoso de un fantasma, que la obliga a ejecutar actos atroces. Su hermana mayor, una vez convencida del hecho, intentará ayudarla a través de una invocación, con la que espera poder expulsar al ente. De brillante puesta en escena, y con un conseguido acabado visual, este corto norteamericano de terror resulta notable, por saber condensar en apenas 10 minutos, lo que generalmente otros no saben expresar en un largometraje. Su giro argumental de la parte final es inteligente, y ayuda a intensificar el alcance de su mensaje. Interesante pero con un desenlace poco convincente.

Whispers

Dead Hearts

Sinopsis: Un individuo enfermizo decora la pared con un buen numero de ratas a las que ha despedazado, sujetándolas con clavos.

Sinopsis: “Milton Mulberry va a morir, pero ese es solo el comienzo de la historia”, así sentencia el narrador el comienzo de un argumento de plena fantasía, a lo largo de la vida de un embalsamador, eternamente prendado de su amor de la infancia.

Bajo un incomodo filtro sepia, este corto británico consigue ser tan repugnante como insulso, Y en ningún momento da una explicación que haga referencia a la motivación de su único personaje, por no hablar de una conclusión absurda y mal ejecutada.

Desde USA nos lleva esta curiosa producción, que a modo de fábula, plantea un desarrollo algo disparatado, que combina varias influencias, no todas acertadas, pero al que salva un tono distendido, que en parte, salva los excesos de su propuesta.

SECCIÓN INFORMATIVA: LARGOMETRAJE

La Ropavejera Sinopsis: En una enorme casa, varios niños son sometidos a diversas torturas y vejaciones, por parte de una mujer implacable, que los utiliza como mercancía para satisfacer a sus adinerados clientes. Rodado en un exquisito blanco y negro

Tusk Sinopsis: Un famoso locutor de podcast, viaja a Canada para entrevistar a un extraño individuo de avanzada edad e incapacitado, que una vez fue salvado por una morsa. Lo que no podía sospechar, es que tras una fachada amable, el anciano esconde un diabólico plan oculto. A Kevin Smith le vino muy grande el traje de promesa indie con el que fue investido en la década de los 90, gracias sobre todo a su debut

tras la cámara con “Clerks”(1994), excelente muestra de cine inteligente, imbuido del mejor espíritu social y cultural del momento. Pasados los años, la filmografía de Smith se ha ido difuminando del todo a la nada, marcándose un par de bodrios infumables de la talla de “Una Chica de Jersey”(2004), o “Vaya par de Polis” (2010). Precisamente, esta última supone un punto de inflexión en su carrera, que básicamente le lleva a plantearse una reinvención, necesaria para poder volver a tomar el rumbo de su apagada estrella profesional. Lo que nos lleva a 2011, y a ese rayo de esperanza que supuso “Red State”, un trabajo satírico y contundente, que recuperaba la seguridad del realizador con un discurso renovado, que no necesitaba abandonar por completo su estilo original, lo cual resultaba doblemente celebrado. En la búsqueda de mantener esa línea, Smith se refugia nuevamente en una historia de impacto, que como es habitual, lleva su rúbrica, y donde la mezcolanza de géneros, que transitan desde la comedia, pasando por el thriller, hasta el horror más explícito, dan forma a un extraño híbrido que en un principio provoca interés, pero que a medida que avanza desmadejando su hilo argumental, adquiere tintes absurdos, abrazando un ridículo espantoso y absolutamente irrecuperable. De su reparto, conformado por un variopinto grupo de actores, que van desde Haley Joel Osment, el niño del sexto sentido o de Inteligencia artificial, ya adulto y con bastantes kilos de más, a la insoportable presencia de Justin Long, o a un Johnny Depp irreconocible, dando vida a un personaje absurdo, llamado a destruir las pocas esperanzas que le quedaban al film para resultar mínimamente recordable. Sin abandonar el apartado actoral, mención aparte si merece la presencia de Michael Parks, que al igual que hiciera para “Red State”, regala una composición plenamente convincente en la piel de Howard Howe, un ser desquiciado del que solo hay que lamentar, no tenga un protagonismo absoluto llamado a borrar de su metraje, el resto de decisiones erróneas que configuran el particular descenso a la negatividad que experimenta la cinta. Resumiendo, “Tusk” supone una triste vuelta a las andadas de Kevin Smith, que escenifica

la enésima gamberrada, ya casi imperdonable, de un realizador que un día tuvo en su mano ser uno de los referentes de toda una generación, y que tristemente, quedo en una promesa incumplida.

Clausura y ganadores de Fancine 2014 Todo lo bueno llega a su fin, hemos completado la última etapa del Fancine con toda la atención que nos ha sido posible prestarle, y que este año ha sido especialmente destacada. Atrás quedan siete jornadas en los que hemos cubierto un total de 12 largometrajes, 7 de ellos a concurso y 25 cortos, con un nivel de calidad bastante superior a la media. El cariño de asistentes y organizadores ha supuesto, como viene siendo habitual de un tiempo a esta parte, todo un bálsamo con el que afrontar una semana plagada de encuentros y alabanzas a nuestro trabajo, que, como diría el antiguo monarca, nos llenan de orgullo y satisfacción. Es inevitable sentir un enorme vacío, provocado por una ausencia que se alargará en el tiempo durante 365 días, y por el cual ya contamos los días para celebrar ese cuarto de siglo que supondrá la edición de 2015, y donde es seguro, habrá más de una sorpresa y algún que otro homenaje.

De la gala final, los chicos de la inauguración han presentado un video resumen de lo expuesto hasta la fecha, y no se han explayado demasiado en sus diálogos, lo cual es de agradecer, finalmente, han dado a conocer los ganadores en los diferentes apartados a concurso, unos premios bastante repartidos y esperados por otra parte. Lamentamos - pero con la boca pequeña - que “Alleluia” no haya sido escogida como mejor película, en detrimento de “Cruel & Unusual”, bastante mas académica, pero menos extrema y arriesgada que nuestra favorita, que pese a todo, ha salido bastante bien parada con tres premios, que incluyen el de mejor director y mejor actriz para nuestra Lola Dueñas, ambos merecidísimos. En los cortometrajes ninguna sorpresa, los galardonados responden al perfil de producto premiable, destacando la mención especial del jurado joven a “Sequence”, por su destacada calidad cinematográfica.

Palmarés: PREMIOS DEL JURADO OFICIAL Mejor Película: CRUEL & UNUSUAL Mejor guión: CRUEL & UNUSUAL Mejor director: “ALLELUIA”

FABRICE

WELZ

POR

Mejor actor: DAVID RICHMOND-PECK POR “CRUEL & UNUSUAL” Mejor actriz: LOLA DUEÑAS POR “ALLELUIA” Mejor fotografía: MANUEL DACOSSE “ALLELUIA”

POR

Mejores Efectos Especiales: GOAL OF THE DEAD

PREMIOS DEL PÚBLICO Corto online: SR. BARRIENTOS Mejor película: CRUEL & UNUSUAL Mejor cortometraje de imagen real: THE BOY WITH A CAMERA FOR A FACE

Mejor cortometraje de animación: Mr. HUBLOT

PREMIOS DEL JURADO JOVEN Mención especial: SEQUENCE Premio Méliès de Plata al mejor cortometraje europeo fantástico, y nominación al premio Méliès de Oro a LA MAISON DE POUSSIÈRE. Mejor cortometraje de imagen real: THE LANDING Mejor cortometraje de animación: LA MAISON DE POUSSIÉRE

LARGOMETRAJE CLAUSURA Aux yeux des vivants / Among the Living (Entre los vivos) Sinopsis: Una madre decide suicidarse frente a su marido y su monstruoso hijo, antes de tener que seguir soportando su presencia, años más tarde, y refugiado en un estudio de cine abandonado, unos jóvenes lo descubren, mientras introduce a una víctima en los subterráneos del mismo. El prometedor debut que los directores galos Julien Maury y Alexandre Bustillo tuvieron en 2007 con “À l’intérieur”, no igualo su reflejo en su segundo título tras la cámara, “Livide” (2011), un trabajo muy fallido, que no encontraba ese espacio dentro del subgénero de horror extremo debido a un guión estrambótico, que desembocaba en una conclusión ridícula, impropia del desarrollo que presentaba el argumento.

luzca realmente terrorífico sin dejar de ser argumentalmente persuasivo, porque si bien es cierto que en este tipo de cine se permiten algunas licencias, no todo los excesos son válidos. Destacar de su reparto la presencia de Béatrice Dalle, en otro personaje siniestro, parecido al que ya interpretara para “À l’intérieur”, y la solvencia de los actores más jóvenes, llamados a sujetar el otro intento frustrado de un film, que tampoco acierta en su faceta como producto teenager.

Para este tercer trabajo, que presenta un arranque contundente y muy esperanzador, Maury y Bustillo parecen haber indagado en sus propios orígenes, intentado recuperar ciertas esencias de su primera obra, pero ha vuelto a fracasar en la construcción y sobre todo, en la exposición narrativa de la historia, que vuelve a plantear un recorrido absurdo y poco convincente.

Esperemos que el próximo y anunciado salto de Maury y Bustillo a Hollywood, para realizar una precuela de “La Matanza de Texas”, proporcione unos resultados más óptimos, en lo que será su primer trabajo no original, firmado por un guionista ajeno. Quizá bajo la sombra de otro, y dedicados exclusivamente a labores de dirección, el acabado concluya mucho más satisfactorio.

Una verdadera lástima, porque el dominio que ambos realizadores tienen del aspecto técnico y visual hace pensar que solo necesitan encontrar cierto punto de equilibrio, seguramente basado en una mayor contención, para que el producto

Por Antonio Alcaide

Mil veces contada en varios formatos, la historia y enfrentamiento entre Moisés y Ramsés, hermanos durante un tiempo y enemigos acérrimos finalmente, va a tener estas navidades una nueva entrega de la mano de Ridley Scott en Exodus: Dioses y Reyes. Un film que contará con un reparto excepcional: Christian Bale, Joel Edgerton, Aaron Paul, Sigourney Weaver, Ben Kingsley o John Turturro,y que será uno de los estrenos de este final de año. Además, en lo que nos toca, la película ha sido en parte rodada en España y la música de esta la ha realizado el compositor nacional Alberto Iglesias. Exodus tiene todas las papeleta para convertirse en referente en lo que a films épicos se refiere, plagas, luchas contra imperios y la huida de Moisés junto a 600000 esclavos son más que suficiente para atraer público a las salas de cine en una época tan proclive para ello como Navidades. Ridley Scott intentará con esta nueva odisea redimirse de Prometheus y conseguir el Oscar que tanto ansía. Mientras para Cristian Bale será una forma de dejar atrás su papel como caballero oscuro, que tanta fama le ha dado. Además, encontraremos una actriz española que dará su salto al mercado de Hollywood como es María Valverde. La película también ha estado rodeada de crítica por no utilizarse actores egipcios para el rodaje y por la famosa frase de Ridley Scott: “Muhammad No-Sé-Cuántos de No-Sé-Dónde no hubiera conseguido financiación para rodar Exodus: Dioses y Reyes”. Quizás el director tenga toda la razón en sus afirmaciones pero la forma de decirlo ha creado aún más controversia. Parece que las últimas declaraciones del director han calmado a Egipto y la sociedad árabe. Nosotros confiamos en que Exodus sea todo un éxito y podamos disfrutar en pantalla grande de uno de los enfrentamiento más recordado en la historia del cine. DANI FERRER

EXODUS: DIOSES Y REYES

DE LOS HERMANOS C ANDERSON, DOS CORRI Por Antonio Alcaide DISCURREN E Aprovechando el estreno en diciembre de “Inherent Vice”, último trabajo del maestro P.T. Anderson, damos forma a una idea que lleva tiempo gestándose en la mente divergente de vuestro humilde servidor, y que uniría parte de su estilo al de otros dos grandes creadores del cine contemporáneo, los inigualables hermanos Coen.

Acercar ambos universos no va a resultar tarea fácil, seguramente, el espectro de la frivolidad planeará constantemente sobre estas lineas, tal es la complejidad de una empresa, que surge de un mínimo chispazo de inspiración, o mejor dicho, de locura cinéfila, nacida de la

COEN A PAUL THOMAS IENTES DE GENIALIDAD EN PARALELO. profunda admiración personal por los genios implicados en este concurso.

Como aliciente, el hecho de poder profundizar en ambas filmografías, motivo real de este artículo, y base entusiasta sobre la que construir cualquier retrato relacionado con tan ilustres personajes del planeta cine. En esta ocasión, y por suerte, no va a ser necesario debatir sobre que fue antes, si el dichoso huevo o la puñetera gallina, mientras Los Coen estrenaban su primer film en el año 1985, Anderson era apenas un adolescente que quizá soñaba con tener algún día su primera oportunidad tras la cámara. Es por eso que para llegar a un nexo común, habrá que aplicar el sentido cronológico básico, y centrarnos previamente en Joel y Ethan Coen, hasta alcanzar un punto temporal en el que nos ocupemos de Anderson, para que posteriormente podamos de algún modo comparar esas corrientes que, por derecho propio, representan un tesoro de valor incalculable para todo buen aficionado al Séptimo Arte que se precie de tener buen gusto.

JOEL Y ETHAN COEN Muchos piensan que estos hermanos son gemelos, - habría que decir más bien mellizos - sencillamente porque casi todos los actores implicados y habituales en sus rodajes, hablan de la enorme compenetración que existe entre ambos, hecho apreciable en un enfoque milimétrico a la hora de planificar hasta la más nimia faceta de la producción. Pero la verdad es que Joel nació un 29 de Noviembre de 1954, y Ethan lo hizo tres años más tarde, el 21

de Septiembre de 1957, ambos en el estado norteamericano de Minnesota, en el seno de una familia acomodada de origen judío, donde sus padres, ambos catedráticos por La Universidad de Minneapolis, se encargaron pronto de estimular intelectualmente a los pequeños, que a muy temprana edad, ya se divertían rodando cortometrajes con una modesta videocámara casera, que Joel había pagado cortando el césped de sus vecinos. Tras graduarse en Nueva York, el mayor de los Coen, que había cursado un par de años como cineasta amateur en dicha facultad de La Gran Manzana, accede al mundillo como asistente de producción, mientras Ethan alcanza el título de filosofía en la prestigiosa Universidad de Princeton, Nueva Jersey. Es en esa época, principios de los años 80, que Joel descubre una gran habilidad y fascinación por el montaje, lo que le lleva a ser editor de “Posesión Infernal” / “The Evil Dead” (1981), un modesta cinta Gore, hoy de culto, en la que trabaja junto a un viejo conocido de sus años universitarios, el director y responsable del film, Sam Raimi. Seguramente, esos inicios tan precarios, son fundamentales para definir un estilo que siempre se ha caracterizado por el uso de presupuestos reducidos, lo que en una primera etapa, ha servido para definir la obra de los hermanos Coen como cine de corte independiente, algo que como veremos más tarde, era simplemente una forma de controlar y dar mayor libertad a sus películas. En 1984, Los Coen, ya reunidos en forma fílmica, estrenan su primer título como realizadores, “SANGRE FÁCIL”, un trabajo que recupera las mejores esencias del cine negro, pero que al tiempo, aplica un destacado filtro personal, que acerca el género a formas contemporáneas, creando esa variante hoy

conocida como “neo-noir”, en la que el film es toda una referencia. La joven y enigmática Abby mantiene una relación extra matrimonial con Ray, uno de los empleados de su marido Julian, cuando este se entera de la infidelidad, a través de un detective privado, planea el asesinato de ambos, todo ello bajo la mirada y la presencia impertérrita del desolado paisaje tejano. Pocos comienzos resultan tan certeros, en “Sangre Fácil” están ya muchos de los elementos que configuran el peculiar universo de Los Coen, no faltan los personajes dibujados al detalle, cargados de obsesiones y complejos emocionales, la voz en off, entonada con amargura y convicción, retratando el puro egoísmo del ser humano, y por encima de todo, ese bendito humor negro marca de la casa, capaz de salpicar sin una sola sombra de frivolidad, el alma ennegrecida de esta brillante opera prima, base sólida y bien cimentada sobre la que construir un futuro más que prometedor. Como colaboradores técnicos, la suerte de contar con genios de la talla del compositor Carter Burwell, un valor indivisible del cine made in Coen, o Barry Sonnenfeld, otrora excelente director de fotografía, culminan

un estilo basado en la fidelidad hacia un mismo equipo de trabajo. Del reparto, reseñar los brillantes trabajos de Dan Hedaya y M. Emmet Walsh, así como el protagonismo de Frances McDordmand, una de esas interpretes plenas de talento, que justifican el visionado de cualquier película con su sola presencia. Como anécdota, la actriz y Joel Coen se casaron ese mismo año, y siguen siendo pareja en la actualidad tras 30 años. El éxito en El Festival de Sundance, donde el film obtiene El Gran Premio del Jurado, estimula a Joel y Ethan para su siguiente trabajo, una enloquecida road movie, más ingenua y bastante menos malvada, que no abandona los áridos caminos del sur, y representa un sentido homenaje al cine mudo de la primera era cinematográfica. Pese a todo, y a tener que soportar su vitola de film fallido en un principio, “ARIZONA BABY”

(1987), es un film que se ha revalorizado con el tiempo, gracias a que resulta mucho más fácil encajarlo dentro de una filmografía que ya sí contiene un par de títulos con los que está hermanado, aportando coherencia y sentido lógico dentro del cine de Los Coen. Una pareja que no puede tener hijos, pero que haría lo que fuera por formar una familia, decide secuestrar a un recién nacido de cinco hermanos quintillizos, provocando una serie de equívocos y alocadas persecuciones. Sobre el mismo equipo técnico, destaca en el reparto la incursión de John Goodman, un actor que con el tiempo, se ha convertido en uno de los intocables de los realizadores, que

sobre el que desarrollar una clásica historia de traiciones mafiosas y corrupción política, que tiene al novelista Dashiell Hamett, declarada fuente de inspiración para los directores, como punto fuerte sobre el que desarrollar un apasionante argumento original, seña de identidad reconocible, y extremadamente notoria, en la primera etapa de su obra. Actores como John Turturro y Steve Buscemi, habituales desde este momento para Los Coen, hacen su aparición en el plano secundario, sujetando el protagonismo de un Gabriel Byrne correcto, acompañado por ese gran animal de la escena que es el británico Albert Finney, dando vida a Leo, jefe mafioso de origen irlandés, y donde tampoco falta la femme fatale, a la que pone rostro la actriz Marcia Gay Harden. Completa un impecable Jon Polito como Johnny Caspar, rival italiano de Leo, es un esforzado y convincente papel. Nada queda al azar en los apartados técnicos, la cuidada fotografía de Barry Sonnenfeld, o la contundente banda sonora de Carter Burwell, son las puntas de lanza de un trabajo redondo, que sigue contando con un montaje preciso, que corre a cargo de Joel y Ethan, cada vez más sueltos y perfeccionistas en tales menesteres.

en esta ocasión contaron con Holly Hunter y Nicolas Cage como protagonistas, en una época en la que el sobrino de Coppola, no parecía aún la triste caricatura de cera en la que se ha convertido en la actualidad. En pleno inicio de la década de los 90, llega la confirmación de Los Coen en forma de rotunda pieza maestra, “MUERTE ENTRE LAS FLORES” (1990), es un nuevo ejercicio de cine negro, ambientado a finales de los años 20 del siglo pasado. Un escenario temporal idílico

Por último, destacar que este vibrante clásico neo noir, contiene una de las visiones de humor negro más certeras del cine contemporáneo, y su brutalidad visual no se limita solo a lo físico, se extiende a sus primorosos diálogos, lo que ayuda a construir un film sobrado de ingenio y grandeza, justamente esa misma que atesoran tan destacados autores. Con el viento totalmente a favor, y sobrados de entusiasmo, Los Coen ponen en marcha un guión que había escrito prácticamente al mismo tiempo que el de “Muerte entre las flores”, y que supone todo un descenso a los infiernos del creador para mayor gloria cinéfila, hablamos de “BARTON FINK” (1991), compleja joya de artesanía que requiere todo un esfuerzo por parte del espectador, e

incluso puede que algo más, pues habría que añadir que acercarse a sus imágenes sin haber desarrollado nunca algún tipo de actividad artística o cultural, puede resultar un grave error que solo encuentre la incomprensión como frustrante resultado.

En la técnica, Barry Sonnenfeld abandona el apartado fotográfico para probar suerte como realizador - “La Familia Addams” (1991), “Men in Black” (1997) - pasando el testigo a Roger Deakins, que a partir de este momento, se convertirá en insustituible.

A principios de los años 40, un guionista, al que se ha encargado llevar a cabo una biografía, se encuentra bloqueado mentalmente en la habitación de su hotel, incapaz de llevar a cabo su trabajo, y contando únicamente con la compañía de su vecino de la puerta contigua, un alegre vendedor de seguros.

“Barton Fink” supuso un golpe de prestigio definitivo para Los Coen, que además, obtuvieron por el film la prestigiosa Palma de Oro en el Festival de Cannes, acompañada de los premios a mejor actor, para John Turturro, y mejores directores, un hecho que solo se

Mención especial para un reparto de actores implicados, que van desde los excelentes trabajos de John Turturro y Michael Lerner, a los no menos adecuados de John Goodman, Steve Buscemi, o Jon Polito, que hacen del reparto un asunto casi familiar, aspecto que ayuda a dotar de credibilidad tan perturbada propuesta.

había producido en una ocasión, en 1945 con “Días sin huella” del maestro Billy Wilder.

“Quedamos con John Turturro par hacer una secuela de Barton Fink cuando el personaje fuese viejo, la llamaríamos Old Fink, pero sol cuando sea lo suficientemente viejo para que pueda hacerse sin maquillaje, porque no quiere sesion de dos horas cada mañana” (ETHA COEN) El siguiente trabajo de Joel y Ethan no iba a ser tan afortunado, “EL GRAN SALTO” (1994) es una comedia negra fallida, con un presupuesto más holgado, que se queda a medio camino en sus intenciones de homenaje al cine de los años 50, seguramente por un exceso de ingenuidad, auto complacencia, y sobre todo, por su

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falta de mala hostia. Tras el suicidio del director de una gran empresa, a los directivos de la misma se les ocurre que la mejor solución para obtener mayores beneficios, es colocar al frente de la junta directiva a un pobre diablo al que poder manipular a su antojo. Buen grupo de actores, entre los que destacan el protagonismo de Tim Robbins, y la presencia del mítico Paul Newman, al servicio de un guión escrito por Los Coen codo a codo con

instinto natural envidiable para mimetizarse en el carácter del personaje al que da vida. Del reparto, destacar a William H. Macy, magnífico como pobre diablo, y a Steve Buscemi, uno de los actores fetiches de Los Coen. Del resto, se encargan Carter Burwell en una inolvidable composición sonora, y Roger Deakins en un trabajo fotografía helado pero luminoso, potenciando uno de los aspectos fundamentales e irrenunciables en el estilo de los realizadores, el de lo visual. “Fargo” se alzó merecidamente con sendos Oscar a mejor actriz y mejor guión original, además del premio a la mejor dirección en el prestigioso Festival de Cannes, y ha dado pie a una serie de reciente creación, que, con el mismo título, va camino de convertirse igualmente en referencia de culto.

PAUL THOMAS ANDERSON Solo a veces, digamos cada veinte o treinta años, surge directores de la talla del señor P.T. Anderson, un genio adelantado a su tiempo, capaz de revolucionar el universo técnico y narrativo, y marcar las pautas a seguir como el talento contemporáneo más aventajado de su generación.

Sam Raimi, al que como ya señalamos, une una estrecha amistad con los realizadores. El fracaso de ese gran salto sin red, sin duda el título más olvidable en el cine de Los Coen, lleva a Joel y Ethan a plantearse el regreso a un vehículo seguro con el que recuperar el status previo, nace así “FARGO” (1996), posiblemente el título más venerado de su filmografía, retrato criminal que hace crecer su estrella en posteriores visionados, cuando la importancia de los matices y la más corrosiva ironía, toman el control de una historia presentada al despiste desde el primer fotograma, ese en el que se nos advierte que lo que estamos a punto de presenciar, está basados en hechos reales, cuando en realidad, es todo fruto de la imaginación de sus creadores, fascinados por el submundo de telenovelas y películas de sobremesa. Excelente trabajo de Frances Mcdormand, a la que conviene ver en versión original, en una interpretación contenida, que hace gala de un

Nacido en la soleada California un 26 de junio de 1970, desde muy niño, Anderson tuvo muy presente la influencia cinéfila en casa, su padre, Ernie Anderson, fue durante años la voz en la sombra de la televisiva cadena ABC, y como actor, creo un personaje de terror conocido como “Ghoulardi”, compuesto de su diminutivo entre su apellido y el de su esposa, Bonnie Gough, madre del realizador. Años años más tarde, P.T.A utilizará ese juego de palabras para crear su productora, la “Ghoulardi Film Company”. Al igual que les ha ocurrido a muchas figuras históricas, - Stanley Kubrick - dotadas de una inteligencia extrema, la educación es algo que aburre al joven Paul, que a duras penas termina sus estudios de secundaria, y tras intentarlo con la Universidad, en Nueva York, abandona a las pocas semanas, sin desligarse completamente de su circulo creativo, en el que se apoya para desarrollar cortometrajes a caballo entre Los Ángeles y la Gran Manzana, aprendiendo el oficio como asistente de producción en la televisión, donde su padre ha conseguido abrirle camino.

En 1992, apenas pasada la veintena, Anderson presenta en el Festival de Sundance un cortometraje titulado “Cigarettes and Coffee”, por el que obtiene un gran reconocimiento, el paso a los largometrajes es solo cuestión de tiempo, hecho que se produce en 1996 con “SYDNEY”, elegante trabajo de cine negro, que comienza a igualar los comienzos de Los Coen, que también eligieron el género “neo-noir” para debutar tras la cámara. Un misterioso individuo, ofrece a un pobre desgraciado la oportunidad de hacer fortuna si acepta acompañarle por los Casinos, todo va muy bien, hasta el que el joven se enamora de una camarera sin escrúpulos, cuya malsana obsesión por el dinero es su única razón de ser. Una opera prima sólida, muy madurada y totalmente impropia de un novato, que se beneficia de lo que hoy se ha configurado como una marca de estilo, la técnica visual prodigiosa y deslumbrante con la que P.T. Anderson obsequia a sus películas. En su reparto, la presencia de los que más tarde se convertirán en habituales de su primera etapa como realizador, Philip Baker Hall, John C. Reilly, y el malogrado Philip Seymour Hoffmann, todos impecables en sus personajes, bien acompañados por Gwyneth Paltrow como rubia fatal, y Samuel L. Jackson.

convierte en el primer gran éxito de Anderson, y que como más tarde se demostrará, es un film adelantado a su tiempo, injustamente infravalorado por casi todos, incluido un servidor, y cuyo juego de estilos y alcance magistrales están fuera de toda duda en la actualidad. El joven Eddie, dotado con un miembro viril

“Tengo un sentimiento, es más bien una corazonada, que me dice que voy a hacer muy buenas películas el resto de mi vida” (P.T. ANDERSON) LA CONVERGENCIA Llegados a 1996, los estrenos de las dos corrientes se igualan, y ya sencillamente atenderemos a su presencia de forma ordenada, recurriendo a la simple cronología. Sin tiempo casi para digerir este primer trabajo que era “Sidney”, P.T. Anderson se lanza a la realización de su segundo film, que convertirá en largometraje una historia que ya traslado a la pantalla en formato corto a los 18 años con el título “The Dirk Diggler Story”, y que rememoraba la figura del mítico actor porno John Holmes. De ese germen, surge “BOOGIE NIGHTS” (1997), que casi automáticamente, se

desproporcionado, conoce una noche a Jack Horner, un director de cine X, tras demostrar una adaptación sobrenatural al medio, y rebautizado como Dirk Diggler, el chico se convierte rápidamente en una estrella del género. El apasionante mundo del porno de los años 70, sirve como terreno propicio para la mejor experimentación argumental, presentando un grupo de personajes extremadamente ingenuos, símbolo de una generación confiada, caminando peligrosamente por el alambre de sus propios actos. Todo ello rodado con un poderío visual y un dominio técnico insultantes, que sabe utilizar los recursos a su alcance de manera

primorosa, y cuenta con una banda sonora de temas escogidos realmente memorable, como muestra, el tema “Livin’ Thing” de ELO, sonando en los créditos finales tras haberse descubierto el verdadero protagonista del film en un último plano inolvidable. De su reparto coral, destaca la presencia de Burt Reynolds en el papel de su vida, impecable como Jack Horner, y el protagonismo de Mark Wahlberg naciendo como estrella, bien acompañado por talentos como el de Julianne Moore, Don Cheadle o John C. Reilly, estupendos actores que son deudores de P.T. Anderson, ya que gracias a su cine, en mayor o menor medida, hicieron despegar sus carreras. La presencia de William H. Macy, tras su momento estelar apenas un año antes en “Fargo”, parece un guiño a Los Coen, y nuevamente, demuestra un gusto similar entre la personalidad de ambos autores. “Boogie Nights” obtuvo tres nominaciones al Oscar, a mejor guión original, y mejor actor y actriz de reparto para el tándem Reynolds/ Moore, amén de un sinfín de reconocimientos a nivel internacional. Mientras tanto, Los Coen ponen en marcha “EL GRAN LEBOWSKI” (1998), un film que abraza de manera indirecta a la comedia, porque lo que en un principio iba a ser un homenaje a la novela negra de Raymond Chandler, acaba convertido en un trabajo más relajado, quizá por el carácter tan oscuro de “Fargo”, y trasciende de su propia trama disparatada, hacia el Olimpo de las grandes obras de humor de los 90. Por una casualidad del destino, las apacible vida de un vago, conocido como “El Nota”, cuya única motivación reside en jugar a los bolos, se verá inmersa en una espiral de secuestros y extorsiones donde nada resulta ser lo que parece. Un delirante viaje donde lo excéntrico se convierte en Arte, gracias a la inteligencia de sus diálogos y al trazo de unos personajes dibujados para adueñarse del argumento y retorcerlo hasta límites de grandeza y originalidad plenos. Enorme caracterización de Jeff Bridges en la piel de “El Nota”, posiblemente en el papel de su vida, bien acompañado por Julianne Moore, actriz puramente Andersoniana, Steve

Buscemi, y John Goodman, ese Walter tan inmenso en todos los sentidos. De la aparición de John Turturro como Jesus Quintana, solo decir que es un cameo que pertenece ya a al terreno de la leyenda, porque configura uno de esos momentos cinéfilos llamados a crear adeptos, dentro de lo que por otro lado, es un film repleto de escenas memorables. En 1999, y a las puertas del nuevo milenio, Paul Thomas Anderson asienta su estrella con “MAGNOLIA”, trabajo que se nutre de uno de los temas predilectos de la década, el de vidas cruzadas, pero con un estilo más complejo, en la forma de esa flor a la que alude el título, y donde cada pétalo, desprende una historia personal infectada de la más incomoda realidad. De la intimidad de sus personajes, surge la fascinación por una atmósfera misteriosa y contenida, cercana a la oscuridad perpetua, llamada a intensificar el drama cotidiano que supone enfrentarse a los problemas inherentes al ser humano, e incluso a lo imposible, porque atendiendo a ese prólogo prodigioso, rescatado de noticias reales de sucesos

con las que el realizador encontró la inspiración, entendemos que la ficción puede devorar con saña cualquier tipo de realidad. Actores de lujo como Philip Seymour Hoffman, John C. Reilly, William H. Macy, o Julianne Moore, habituales de Anderson, arropan la presencia de un Tom Cruise soberbio, transfigurado con gran acierto en la piel de televisivo gurú del sexo. Es conveniente acercarse a “Magnolia” con la mente muy abierta, su laberinto emocional puede descolocar a los más curtidos, y seguramente, muchos de ellos solo encuentren la redención si aguantan hasta esa lluvia final purificadora, germen de interminables y apasionadas tertulias cinéfilas. La cinta obtuvo el prestigioso Oso de Oro en el Festival de Berlín y sendas nominaciones en los Oscar a mejor actor de reparto para Cruise, mejor guión original, y mejor canción. La declarada pasión por el musical profesan los

hermanos Coen, les lleva irremediablemente a “O BROTHER! WHERE ART THOU?” (2000), un trabajo que busca sacar esa espinita que surge de cierta intencionalidad de convertir a “El gran Lebowski” en una pieza de ese género, y que finalmente, solo quedo impreso en leves pinceladas.

De los apartados técnicos, destaca Roger Deakins en la fotografía, con un trabajo luminoso, que convierte varios segmentos del film en una perfecta ensoñación, y T. Bone Burnett en la BSO, con una composición notoria, que obtuvo gran reconocimiento y alcance.

La Odisea de Homero trasladada al profundo sur de los EEUU de la gran depresión, Los Coen sustituyen los navíos por vehículos de época, y se encuentran con una road movie ágil y plena de entusiasmo, sujetada por la fe en el desvarío de sus geniales creadores.

“Alguien dijo que en realidad solo se pueden contra tres historias, una es La Odisea, la otra es la de chico conoce a chica, y la tercera no la recuerdo” (JOEL COEN)

En el reparto, y donde no falta ese cíclope al que da vida John Goodman, brilla con luz propia el carisma de George Clooney como Ulises, bien acompañado por John Turturro, otro habitual, y Tim Blake Nelson.

El siguiente paso de Los Coen sigue una dirección similar, pero solo en intencionalidad, el regreso al universo “neo-noir” que representa “EL HOMBRE QUE NUNCA ESTUVO ALLÍ”

“Siento que Magnolia es, para bien o para mal, la mejor película que habré hecho, o que jamas realizaré” (P.T. ANDERSON)

(2001), resulta en parte un capricho de Joel y Ethan por rodar en B/N, y dejar como marca indeleble un impecable ejercicio de estilo que ciertamente, no consigue caer del lado de sus películas más memorables, pero se las apaña para resolver con astucia y convicción sus intenciones dentro del género negro. Ed Crane, un reservado barbero de un pueblecito del norte de California, no se siente satisfecho con la vida monótona que lleva, por lo que decide aprovechar que su mujer le es infiel, para extorsionar a uno de sus amantes, con la idea de mejorar su existencia. Grandes trabajos de Billy Bob Thornton y Frances McDormand, implicados y protegidos por un reparto de actores de la talla del malogrado James Gandolfini, Jon Polito, o Richard Jenkins, y atención a la aparición de Scarlett Johansson, previo a su salto definitivo al estrellato de la mano de otro genio llamado Woody Allen. En la música, vuelve el maestro Carter Burwell, para impregnar con sus notas llenas de talento el alma oscura del film, y como no, el virtuosismo de Roger Deakins en la fotografía, apartado que supone todo un regalo de Los Coen, al permitirle poder lucirse en el terreno glorioso del blanco y negro. La cinta proporciona a Joel y Ethan su segundo premio como mejores realizadores en el Festival de Cannes. Para Paul Thomas Anderson, resulta complicado escapar al estigma de “Magnolia”, obra que en parte, ha consumido mucho del aliento vital necesario en todo creador. Pese a ello, un par de años más tarde da forma a “EMBRIAGADO DE AMOR” (2002),una sublime, a la par que extraña e inaccesible historia romántica, que evoca de manera indiscutible la figura de Los Coen y su “Gran Lebowski”, por el uso de un discurso similar, instalado entre lo nihilista y lo caótico, y donde el humor es devorado por la más absoluta ironía, intercambio deseado con el que poder alcanzar, e incluso sobrepasar, los límites de la comedia inteligente. La eterna sencillez de lo complejo, unas natillas que proporcionan millas de vuelo, un negocio de temática absurda, al que va a terminar adornando un instrumento musical tan golpeado como el propio alma de su protagonista, un viaje a Hawaii en busca

del amor, la inoportuna insistencia de unos despreciables timadores telefónicos de otro estado, y todo ello, perfectamente ensamblado en un guión magistral que se erige como uno de los ejercicios de autor más originales a principios del nuevo milenio. En el reparto, un Adam Sandler que jamás se encontró, - y seguramente nunca vuelva a hacerlo - en un papel de tan excelsa grandeza, y que agradece con entrega su concurso al director, alimentando la necesidad del uno por el otro, y construyendo juntos un personaje ideal con el que poder derribar los convencionalismos románticos, característica que resulta primordial en su alegato narrativo. Acompañan a Sandler la siempre convincente Emily Watson, y Philip Seymour Hoffman, convertido ya en fetiche de Anderson. El Festival de Cannes premió a “Punch Drunk Love”, título original del film, con el galardón al mejor realizador, recogiendo precisamente el testigo de Los Coen solo un año después. En la misma linea impuesta con “Oh Brother!”, Los Coen deciden seguir rodando lo que les viene en gana, y en la búsqueda de hacer un homenaje al cine de comedia clásico,conocido como “screwball”, una de sus declaradas fuentes de inspiración, se embarcan en la realización de “CRUELDAD INTOLERABLE” (2003), que bien parece una replica romántica de Joel y Ethan al “Embriagado de Amor” de P.T.A, aunque mucho más estilizada y en consecuencia menos incisiva.

Un prestigioso abogado matrimonialista, va a encontrar en un nuevo caso de divorcio a la horma de su zapato, en forma de despiadada caza fortunas, de la que irremediablemente, va a acabar enamorándose. La eterna lucha de sexos al servicio de un trabajo más bien fallido, al que hay que rescatar su intención y el hecho de contener detalles del universo de Los Coen, tales como la obsesión dental del personaje de George Clooney, - en “Oh Brother!” era su pelo engominado - que repite como protagonista, bien acompañado por una Catherine Zeta-Jones que nunca lucio tan bella, y actorazos de la talla de de Geoffrey Rush, Billy Bob Thornton, o Richard Jenkins. Casi sin solución de continuidad, al año siguiente se estrena “LADYKILLERS” (2004), otro proyecto caprichoso, que adapta “El quinteto de la muerte”, film británico de Alexander McKendrick rodado en 1955. Pese a que resulta un hecho impropio que Los Coen recurran a realizar un remake, hay que reconocer que nos encontramos ante un ejercicio de estilo muy dinámico, que encuentra en sus cuidados detalles estéticos un punto de originalidad, que solo el talento de sus geniales autores es capaz de imprimir para intentar restar en parte, el desinterés inicial que genera la apuesta. Un grupo de ladrones, capitaneados por un excéntrico y refinado profesor, tiene como objetivo atracar un casino flotante, para ello alquilan una habitación a una anciana, que

acaba por descubrir sus intenciones. Buen trabajo de Tom Hanks en la piel del profesor Marcus, que si bien no hace olvidar a Alec Guinness, el primer actor en darle vida, si que se las apaña para, al igual que hace el propio film, hallar una identidad propia con la que crear una mínima competencia. La fotografía de Roger Deakins, y la partitura de Carter Burwell siempre al rescate en la técnica, para elevar el tono de calidad por encima de la media, en un título que no resulta memorable, pero que indiscutiblemente, planta una semilla como primer contacto de un estilo de trabajo que, por primera vez, recurre a material ajeno.

LA DESEADA OSCURIDAD Al igual que ocurriera tras el fracaso de “El Gran Salto”, Los Coen saben retornar nueva y hábilmente a un terreno de máxima seguridad, al estilo de “Fargo”, y para ello recurren a la novela de Cormac McCarthy, llevando a la pantalla “NO ES PAÍS PARA VIEJOS” (2007), un texto ideal para profundizar en las constantes que definen su particular universo, donde un preciso desarrollo narrativo se combina con un lenguaje visual intachable, señas de identidad destacadas e irrenunciables para tan destacados autores. Un cazador descubre en una zona apartada varios cadáveres tiroteados, uno de ellos, lleva un maletín con dos millones de dólares, tras apoderarse de ellos, se verá inmerso en una desesperada huida, en la que es perseguido por un despiadado asesino. Enclavada a principios de los ya lejanos años 80, esta historia fronteriza de crimen y drogas sabe tomarse su tiempo, congelando el carácter de sus personajes para resultar convincente en su mensaje fúnebre y desangelado, aspecto que alcanza con enorme autoridad, culminando ese punto de equilibrio deseado, en el que la apuesta se transforma en un delicioso banquete cinéfilo. En la parte interpretativa, destacar el gran trabajo de Tommy Lee Jones, en un papel a su medida, bien acompañado por Josh Brolin, con el que comparte protagonismo, pero si por alguien será recordado el film, ese es sin duda nuestro Javier Bardem, su Anton Chigurh es, sencillamente, la personificación de la maldad hecha carne, toda suerte de asesino de peinado imposible, que ni golpeado por la fatalidad,

parece sufrir un daño realmente efectivo o definitorio. Imposible pasar por alto el enorme trabajo de fotografía de Roger Deakins, que sabe retrotraerse con virtuosismo a la década prodigiosa, y la composición musical de Carter Burwell, siempre adecuada y consecuente con las imágenes a las que sirve. Para Paul Thomas Anderson, cinco son los años de retiro forzoso desde “Embriagado de amor”, y en los que ha conocido, según propio

testimonio, los horrores de la paternidad, entendido como una situación que impide desarrollar el aspecto creativo de un genio, tristemente enjaulado por la cotidianidad. En ese periodo, una novela se convierte en obsesión de cabecera para Anderson, lo que acabará con la compra de sus derechos y la forma de “POZOS DE AMBICIÓN” (2007), la obra más descomunal del nuevo milenio, un trabajo de alcance tan infinito, que se erige como el “Ciudadano Kane” (1941) contemporáneo, por el uso magistral de todos los elementos que concurren en la realización del film, y cuyo mayor logro, es el uso de un lenguaje cinematográfico propio, alejado de todo convencionalismo o esquema predeterminado. Basada en “Oil”, de Upton Sinclair, adaptada por el propio Anderson en su primer texto no original, “There Will be Blood”, se posiciona

como un portentoso trabajo sobre la codicia, expresada entre esa encarnizada lucha entre el capitalismo y la religión, batalla que solo puede concluir con la sangre a la que alude su título original, lo que al mismo tiempo, supone una impecable y tenebrosa metáfora de la propia condición humana. Texas, principios del siglo pasado, un ambicioso personaje, cuya ética y moral parecen únicamente destinadas a obtener el máximo poder económico, acabara por convertirse en magnate del petróleo, borrando al mismo tiempo, todo rastro de humanidad de su carácter. Para alcanzar el máximo punto de grandeza, Anderson retrocede en el tiempo, consciente de que al situarse en el pasado, se ayuda a intensificar el aspecto de máxima modernidad de la obra, y para ello, nada mejor que recurrir a la experimentación técnica y visual, expresada

en un trabajo de fotografía sublime, a cargo de Robert Elswit, y en una banda sonora de Jonny Greenwood, que por momentos acerca a la cinta a géneros ajenos tales como el de terror. En un último estadio de perfección, resulta muy adecuado tener un diablo de la talla de Daniel Plainview, otro Daniel, Day-Lewis, no se limita a interpretar el personaje, lo respira y moldea a su conveniencia, logrando una caracterización mítica, llamada a ocupar un espacio de privilegio en el devenir de los tiempos. Justamente, en esos Pozos de Ambición, es donde el cine se hace Arte, el paso de los años acabará encumbrando a P.T. Anderson como un genio del celuloide a la altura de maestros como Orson Welles o Stanley Kubrick, dos ejemplos que curiosamente, tampoco fueron

“No tengo ni idea de lo que significa la perfección, busco qu las cosas salgan rotas, raras, imperfectas” (P.T. ANDERSON) reconocidos en su momento como merecían. Indudablemente, estamos ante el mayor nexo de conexión extrasensorial entre ambas corrientes, ya que tanto Anderson como Los Coen, han oscurecido su visión al mismo tiempo, y han creado dos villanos legendarios, algo que les lleva a acaparar un

)

sinfín de reconocimientos internacionales, y a competir en la ceremonia de Los Oscar, donde el film de Joel y Ethan se impone en las principales candidaturas, en parte por derecho de antigüedad, elemento siempre a tener en cuenta para los vetustos académicos de Hollywood. Resumen de premios: - POZOS DE AMBICIÓN 2 Oscar/8 Nominaciones: Mejor actor y mejor fotografía. Oso de Plata al mejor director y contribución artística sobresaliente en el Festival de Berlín. - NO ES PAÍS PARA VIEJOS 4 Oscar/8 Nominaciones: Mejor película, mejor director, mejor guión adaptado y mejor actor de reparto

LA ÉPOCA ACTUAL Solo un año después de tan mayúsculo éxito, Los Coen contraatacan, al igual que hicieran tras “Fargo” con “El gran Lebowski”, en un film aparentemente más distendido, pero que aprovecha el estado de gracia en el que se encuentran, hablamos

de “QUEMAR DESPUÉS DE LEER” (2008), un trabajo definido de forma muy acertada como una comedia idiota, que para nada, es para idiotas, a lo que habría que añadir, que esta genialidad es la mejor película de humor de Joel y Ethan desde el mencionado Lebowski. Con un excelente reparto coral, que incluye actores aliados de los realizadores, como George Clooney, en su tercera colaboración, o Richard Jenkins, brillantísimo secundario, al film se añaden los talentos de John Malkovich y Brad Pitt, y por encima de todos, el fulgor incandescente de Frances McDormand. Un agente de la CIA que está escribiendo sus memorias, extravía el CD que las almacena, yendo este a parar a manos de los empleados de un gimnasio, que intentaran chantajearle, sin saber que su acción va a provocar que la agencia de espionaje entre a tomar parte en el asunto. Los Coen vuelven a recurrir a material ajeno, en concreto a la novela de Stansfield Turner, para enriquecer su particular microcosmos, transformando al film en un magnífico ensayo sobre la estupidez humana, bien expresada en dos momentos inolvidables, uno es la disertación final del jefe de la CIA, que no puede comprender que demonios ha sucedido, la otra, esa en la que George Clooney y Brad Pitt comparten plano en un breve instante, consumando una de las bromas más macabras, impactantes y mejor perpetradas en mucho tiempo. Excelente banda sonora de Carter Burwell, cuyas notas lucen de forma siniestramente deliciosa, ayudando a crear un clímax impecable donde poder desarrollar tan disparatado y certero argumento. Al año siguiente, se estrena “UN TIPO SERIO” (2009), que mantiene esa linea de comedia de su anterior trabajo, pero con un tono mucho más ácido, de aspecto menos frívolo, y con grandes dosis de malicia, recuperando un estilo más agresivo, cubierto de negrura, que en parte, se echaba de menos en el universo de Los Coen. Un profesor de física, extremadamente amable, padre y marido ejemplar, ve como de la noche a la mañana su vida comienza a derrumbarse y ya nada parece tener sentido. El film es ante todo un regreso al terreno de la

máxima originalidad por parte de sus autores, que vuelven a poner en marcha un guión propio, y profundizan sobre sus orígenes, y en un sentido más amplio, sobre lo absurda que puede resultar la propia existencia, tan expuesta al azar y a la mala fe de los que nos rodean. Buen reparto de actores poco conocidos, donde destaca el protagonismo de Michael Stuhlbarg, y la presencia de buenos secundarios como Richard Kind o George Wyner, en esa búsqueda de no recurrir a ninguna estrella, para así poder dotar de mayor credibilidad el aura independiente de un film que puede presumir de llevar esa etiqueta, reservada a un público muy selecto y realmente admirador del cine de Joel y Ethan Coen, que obtuvieron sendas nominaciones a mejor película y menor guión original en Los Oscar por este tipo serio. Justo un año después, Joel y Ethan presentan “VALOR DE LEY” (2010), una nueva adaptación de la novela de Charles Portis, que ya fue llevada al cine en 1969 por Henry Hathaway, con el inolvidable John Wayne de protagonista,

en uno de los Western más recordados del actor, que además le valió para conseguir el único Oscar de su carrera. Una joven, decidida a hacer justicia tras la muerte de su padre, recurre a un veterano agente federal, borrachuzo pero excelente tirador, para que le ayude a encontrar al asesino, en su camino, se les unirá un Ranger de Texas, que también lo busca por matar a un senador. El sueño cumplido de Los Coen por llevar a cabo su propio film en el género, hecho en el momento adecuado, con enormes dosis de sobriedad y lirismo, pero con una pronunciada ausencia de sentido del humor, uno de los elementos siempre exigibles en su discurso, y que en este valor de ley prácticamente brilla por su ausencia. A favor, la contundencia de su puesta en escena, y su excelso poderío visual, expresados en una parte final deslumbrante y narrada con enorme maestría, donde el argumento de Portis, licuado por el filtro Coen, alcanza tintes de épica cotidianidad. Excelente interpretación de Jeff Bridges, en la piel del Marshall Cogburn, un trabajo que hace olvidar a Wayne por momentos, en parte gracias a la ayuda de la joven Hailee Stenfield, todo un descubrimiento con la que el actor comparte una química inigualable. Completan Matt Damon y Josh Brolin, siempre impecables. El film obtuvo 10 nominaciones al Oscar, que incluían los de mejor película, director y actor para Bridges, y alcanzó uno de esos récords negativos para el historial de La Academia, al no obtener ni uno solo de los galardones por los que competía. En la otra vía, el cine de P.T. Anderson continúa en un estado menos prolífico, cinco años nuevamente, la misma distancia entre sus dos anteriores trabajos, es el tiempo que le ha costado al realizador salir de ese pozo de grandeza, el resultado, es “THE MASTER” (2012), el golpe contracorriente definitivo de un genio, expresado en un estilo que ya no obedece a ningún esquema que no pertenezca a la propia iglesia

“C ha d

Con respecto a si nuestras raíces influyen en nuestra forma de acer cine, ¿quién sabe?, no pensamos en eso, aunque no hay duda en que nuestra ascendencia judía afecta a cómo vemos las cosas” (JOEL COEN)

Andersoniana, donde el virtuosismo técnico y la pureza visual resultan insultantemente demoledoras. Publicitada como un acercamiento a la figura de L. Ron Hubbard, padre de la Cienciología, esa religión con brotes de secta, más conocida por atraer algunos actores del star-system norteamericano como John Travolta o Tom Cruise, el film es en realidad una nueva regresión a un periodo cercano, concretamente a los años 50 del siglo pasado, y donde la destrucción de un sueño, el de perfecta ingenuidad de toda una generación pagada de si misma, y eufórica tras el triunfo de la II Guerra Mundial, es su principal objetivo argumental. Por otra parte, el azote religioso que supuso “Pozos de ambición”, aquí se ha desdibujado

casi por completo, solo queda como un eco lejano, reposado en la figura de ese animal de la escena llamado Philip Seymour Hoffman. Su Lancaster Dodd es toda suerte de charlatán existencial, cargado de una energía propensa a espamos temperamentales, que ni sus propios seguidores llegan a comprender. En ese punto, es donde la personalidad de Dodd se encuentra con la de Freddy Quell, interpretado por un Joaquin Phoenix descomunal, un obseso sexual, desquiciado por la guerra y cabreado con el mundo, claro reflejo del descontento existencial del ser humano. En los apartados técnicos, destacar la primorosa ambientación del film, su impecable trabajo de fotografía, y el uso de una música experimental a cargo nuevamente de Jonny Greenwood, que comienza a ser ya una constante y reconocible marca de la casa.

Cine profundo, de maestría incontestable, adquiere obligatoriamente esa etiqueta en forma de advertencia, destinada para todo aquel que pretenda acercarse a “The Master” sin estar bautizado en este tipo de apuestas, su grandeza reside en su falta total de convencionalismos. Bajo esa realidad, conviene tener presente que este que os escribe, es un extremista del discurso Andersoniano, puede que la postura de un servidor aún no este tan deformada como la de Freddy Quell, pero cuidado con ofender a mi maestro, a fin de cuentas, y como diría todo buen fanático que se precie, es su palabra la que tenemos que seguir al pie de la letra. Finalmente, y muy de reciente estreno, hemos podido disfrutar de “A PROPÓSITO DE LLEWYN DAVIS” (2013), última obra hasta la fecha de los Coen, que sirve para resucitar esa magnífica idea que expresa que el arte, sea cual fuere su expresión, provoca dolor, por esa imposibilidad que existe a la hora de calibrar y compensar los efectos del talento sobre la monotonía de la vida cotidiana. La música es la gran protagonista de la cinta, el Greenwich Village de los 60, un ambiente frecuentado por artistas tan influyentes como Bob Dylan, escenifican la eterna pasión de los Coen por una de las constantes mas reconocibles en su filmografía, basta recordar el tributo que ya rindieron al género con la

“No tengo un sentido de orgullo americ

mundo está aquí, luchando por la misma de mi país no sabe disfrutar de las pequ realmente dan la felicid

magnífica “O Brother!”, esa Odisea de Homero ambientada en el profundo sur de los Estados Unidos de los años 30. Precisamente, el mítico retorno a Itaca de Ulises, vuelve a ser un tema recurrente en este nuevo trabajo, la búsqueda de un espacio propio, en forma de una fama esquiva que lleva a su protagonista, - un Oscar Isaac soberbio - a experimentar los agrios sinsabores de la necesidad, se tornan profunda poesía catastrófica en ese viaje de pesadilla por carreteras heladas, donde la fatalidad parece conducir las vidas de sus desgraciados ocupantes. En un momento del film, Llewyn se queda perplejo, observando el cartel promocional de “El viaje increíble” (1963), una película de animales aventureros, que básicamente, es una la típicas basuras sentimentaloides de la Disney. Toda una declaración de intenciones, que recuerdan que también hay espacio en el cine para las miradas limpias y honestas, cercanas a la más estricta realidad.

cano, tengo la sensación de que todo el cosa, y realmente nada cambia, la gente ueñas cosas de la vida, que son las que dad” (P.T. ANDERSON)

Su premio especial del jurado en el Festival de Cannes 2013, unido a la presencia en el reparto de John Goodman, uno de los actores fetiches de los Coen, rememoran el aliento de “Barton Fink”, trabajo que ya se alzó en su momento con la prestigiosa Palma de Oro, por esa visión independiente e irrenunciable que contienen ambas obras, y que en la que nos ocupa, cierra provisionalmente un circulo de grandeza y autenticidad, suspendidos en la retina cinéfila a lo largo de más de dos décadas.

CONCLUSIONES FINALES Hasta aquí el repaso por dos de las filmografías más apabullantes del cine contemporáneo, como ya anunciamos al comienzo de este artículo, quedamos a la espera de “Inherent Vice”, rebautizada ya como “Puro Vicio” en su traducción al español, un trabajo que ya ha sido definido por algún critico norteamericano como una versión lejana de “El Gran Lebowski” de Los Coen, mientras que otros encuentran similitudes con “Embriagado de amor”, del propio P.T. Anderson. Comparaciones que inevitablemente, nos llevan a la conclusión más certera que se puede

hacer al respecto, y que borra toda posibilidad de influencia o plagio por parte de unos y otros, sencillamente, lo único que concurre en este caso es la genialidad compartida, nunca premeditada, entre autores de tan enorme talento, sobre todo en su vena más irónica, capaz de convertir la comedia en un género propio, capaz de alcanzar niveles superiores de sobrada inteligencia. Y es que lo que en otro tiempo, no tan lejano por cierto, parecía una promesa, es actualmente toda una realidad, las inquietudes de los realizadores que nos ocupan son sencillamente el reflejo de nuestra propia evolución a lo largo de las últimas décadas, sabedores de una realidad que impone que para poder indagar en los problemas de las sociedades modernas, el único camino realmente convincente consiste en retroceder al pasado, al origen de los mismos, en la búsqueda de una explicación que aporte coherencia, y todo ello, sin abandonar nunca un estilo visual y estético superiores, que inevitablemente, obliga a controlar todas las facetas de la producción. Por último, y atendiendo justamente a lo recién mencionado en el párrafo anterior, el próximo film de Los Coen, “Hail, Caesar!”, que cuenta con un reparto de lujo encabezado por George Clooney, y cuya fecha de estreno queda prevista para 2016, indagará en el Hollywood de los años 50, y sus historias más

escandalosas, donde seguramente asistiremos a otro ensayo maestro sobre la corrupción y la falsa moralidad, en lo que esperamos, sea una sonora bofetada a la Meca del Cine. FILMOGRAFÍA FUNDAMENTAL HERMANOS COEN

LOS

- MUERTE ENTRE LAS FLORES (1990) - BARTON FINK (1991) - FARGO (1996) - EL GRAN LEBOWSKI (1998) - NO ES PAÍS PARA VIEJOS (2007) - QUEMAR DESPUÉS DE LEER (2008)

FILMOGRAFÍA FUNDAMENTAL THOMAS ANDERSON

PAUL

- BOOGIE NIGHTS (1997) - MAGNOLIA (1999) - EMBRIAGADO DE AMOR (2002) - POZOS DE AMBICIÓN (2007) - THE MASTER (2012)

“Nunca haremos una película en 3D, nos cuesta mucho entender que la gente se preocupe más por como se proyecta una película que por la propia película en sí” (JOEL COEN)

El pasado 8 de Noviembre pudimos disfrutar de uno de los acontecimientos culturales más destacados del momento, la llegada a Málaga de la Film Symphony Orchestra, tras su exitoso paso por ciudades como Madrid, Zaragoza, Valencia o Barcelona, entre otras. En el pasado número de Nosolofreak ya os ofrecimos una entrevista con su director, Constantino Martinez-Orts, a cargo de nuestro colaborador Fran Tejada, donde podemos hacernos eco del entusiasmo pleno de un autor JASP, que como bien decía aquella famosa publicidad, significa joven, pero sobradamente preparado. Profesor en el Conservatorio Superior de Música de Valencia, Martinez-Orts puede presumir de varios galardones, como el gran premio de dirección de orquesta de Moldavia en 2011, y prestigiosos reconocimientos por sus composiciones, como el “Jerry Goldsmith” por su cantata “Pax et Bonum”. Su trabajo con la FSO, compuesta por un centenar de músicos, es un esfuerzo por acercar la música sinfónica al público, tomando como referencia otro arte, el del universo cinematográfico, con el que comparte algo más que un simple intercambio recíproco. De el programa ofertado, dos ausencias muy notables en un pro-

MÁL

LAGA

grama que abusa de la presencia de John Williams con tres temas, o de Alan Silvestri con dos, cuando maestros de la talla de Jerry Goldsmith o Basil Poledouris no encontraron presencia alguna entre los elegidos. En lo positivo, es de agradecer que el entusiasmo del público, reclamando un Bis, se tradujera en la ejecución de temas como “Los Simpsons” de Danny Elfman, “Superman” del omnipresente John Williams, y “James Bond Theme” de John Barry, otro compositor al que hubiera sido un crimen obviar. En cualquier caso, nada debe empañar el excelente trabajo de este grupo de profesionales, que se dejan el alma en la translación de un buen puñado de piezas musicales, algunas mejor ejecutadas que otras, pero igualmente imbuidas de las mejores esencias que revestían las películas a las que rememoran, títulos que seguramente, no habrían alcanzado tal nivel de grandeza sin el concurso de sus excepcionales composiciones orquestales. Previo a dejaros el programa al que tuvimos a bien asistir, destacar la promesa final de Martinez-Orts, que amenaza con volver próximamente con un nuevo repertorio, en una segunda entrega que indudablemente, esperaremos con la máxima ilusión e interés.

ANTONIO ALCAIDE

Entrevistamos a Ira Sachs Hemos tenido la gran oportunidad de entrevistar a Ira Sachs en la presentación de su película en los cines Golem de Madrid. Muy amable y dicharachero después de un largo viaje desde Nueva York nos presenta su película “El amor es extraño” donde nos responde acerca de su película y su nuevo proyecto. Estuvimos acompañados de

Ira Sachs: Digo que el amor es extraño en el sentido Shakesperiano de la palabra ¿no? Como para Shakespeare el amor era mágico realmente. También por el hecho de que nunca acabamos de entender plenamente el amor, en ningún punto de nuestra vida el amor es igual, es decir, cuando somos jóvenes el amor significa algo, cuando llegamos a una edad madura el amor significa otra cosa y cuando somos mayores, otra cosa distinta. En ese sentido el amor es extraño. ¿No es el amor extraño? (Nos pregunta entre risas). Fusion Freak: Me ha sorprendido mucho que en EEUU haya obtenido la calificación R (no recomendada para menores de 17 años) ¿Por qué? Ira Sachs: Por tres joder y 3 ostia puta. Digamos que aparentemente ha sido por el lenguaje, por los tres joder y los 3 ostia puta, pero realmente fue una especie de censura, aunque la censura no exista, es una censura que permite que la película no legue a todo el público que podría llegar.

nuestros compañeros de Cine Maldito, Inforadio y el Baúl de Kubrick. Fusion Freak: ¿Por qué el amor es extraño si realmente en la película el amor simplemente es un amor complicado?

Fusion Freak: En la película hay mucha química entre

Alfred Molina y John Lithgow ¿Ha sido difícil de conseguirlo? Ira Sachs: La verdad que ambos se conocen desde hace 20 años. Pero creo que lo importante realmente empieza por el guión, tener un guión lo bastante fuerte para aportar a los actores una estructura sobre la que trabajar. John y Alfred son amigos desde hace 20 años, se conocieron haciendo teatro y son dos actores a los que normalmente se les piden papeles muy fuertes, muy poderosos, aquí les pedí simplemente que fueran naturales, lo mas naturales que pudieran. Además les pudo ayudar también el hecho de que ambos llevan casados 30 años con sus respectivas mujeres. Fusion Freak: El despido de George parece no ser más que una escusa para mostrarnos otro tipo de temas como es la convivencia familiar, las relaciones familiares, el hecho de que ambos protagonistas estén viviendo separados en casas que no son la suya ¿Por qué vas mas por ese camino, en vez de profundizar en que George se tiene que ver en esa situación por sus preferencias sexuales?

“nunca acabamos de entender plenamente el amor”

“lo que a mí me interesaba enseñar era como funcionaba una relación después de 40 años de vivir juntos” Ira Sachs: Bueno en realidad el incidente, vamos a llamarlo así, es el pistoletazo de salida. Es el impulso de la película. Pero en realidad lo que a mí me interesaba enseñar era como funcionaba una relación después de 40 años de vivir juntos. Eso es lo que me interesaba, si una relación de 40 años era capaz de aguantar la adversidad, seguir queriéndose a pesar de la peor de las adversidades. Un ejemplo de película es Titanic, ¿Cuenta la historia del Titanic que se hunde o de una pareja que se ama? Aquí en esta película lo que se muestra realmente es el amor de estos dos hombres y la comunidad que les rodea y cómo reaccionan ante lo que les está ocurriendo. Hace veinte años no habría sido así, hace veinte años realmente el punto de mira hubiera sido sobre la sexualidad de Ben y George, no sobre la convivencia. Fusion Freak: ¿Cuándo se recurre a la escusa de la religión para despedir a George de que las personas homosexuales no pueden contraer matrimonio es simplemente para dar sentido a la historia o es una crítica al sistema de la iglesia? Ira Sachs: No es la misión de la película hacer una crítica de la iglesia. Pero si, desde luego soy crítico con la iglesia por la manera de ver la homosexualidad, es una hipocresía. Pero esto es un tema enorme y la película no va sobre ese tema.

Fusion Freak: ¿Escribiendo el guión había pensado en los actores? Ya que realmente congeniaban mucho. Ira Sachs: No, no pensaba en esos dos actores, me gusta escribir los guiones a partir de gente que he conocido, lo que me inspiró sobre todo fue el hombre que vivía con mi tío abuelo que era un hombre muy mayor y llevaban muchos años juntos. Él era escultor y a los 98 años empezó una nueva escultura de un adolescente con un macuto en la espalda, murió a los 99 y la obra quedó inacabada. Pero esto me inspiró mucho, porque fue atreverse hacia lo desconocido a semejante edad y eso me pareció muy esperanzador. Eso es lo que me inspiró para el personaje de Ben. Fusion Freak: ¿Que expectativas de audiencia cree que va a tener? ¿Cree que la va a ver más un público homosexual en España? Ira Sachs: En EEUU ha ido muy bien la verdad, se quedó mucho tiempo en cartel, cosa que tampoco esperábamos mucho. Fue un público muy mixto en general y bueno claro tiene el tema de la calificación R (no recomendada a menores de 17 años) esto también hizo que fuera un poquito de menos gente. Sí que es cierto que ha funcionado mucho el boca a boca, la gente habla mucho de lo que ha sentido viendo la película y anima así a verla. En Estados Unidos esto funcionó muy bien, aquí yo creo que también va a ser un

público muy mixto. Creo que también la gente está harta de ver películas muy grandes que se quedan pequeñas, con naves, asesinos en serie… con esta película intento ser muy intimista y creo que eso quizá la haga más grande. A diferencia de tu anterior película, Keeps the Lights On, que era mucho más oscura, tratando temas como drogas, alcohol y sexo, en El amor es extraño aportas un punto de vista más esperanzador, incluso desde el punto de vista formal. ¿No es así? Ira Sachs: Hago un cine muy personal, eso es verdad, y me gusta el cine personal. Ahora bien, eso no significa que eso se deba notar, ojalá aunque mis películas sean personales no se noten y uno se pueda meter en la historia, eso sería hacer una buena película. Keeps the Lights On es una película muy autobiográfica, estaba en un momento muy diferente al que estoy ahora, según vas avanzando en la vida cambias y no era un momento tan esperanzador como en el que estoy ahora. Fusion Freak: El amor es extraño es la segunda parte de su trilogía sobre Nueva York ¿Nos podría decir sobre que va a tratar? Ira Sachs: Se llama Thank you for Being Honest y trata sobre dos chicos que se hacen amigos y sus familiar tambien se conocen, pero estas comienzan a tener disputas por una propiedad en nueva york, por esta razón los chicos se ponen en huelga y deciden dejar de hablar a los padres. Vicky Carras.

Premier de Los Juegos Hambre: Sinsajo. Parte Gritos, llantos y risas nerviosas a la llegada de Sam Claflin. 11 de noviembre entre gritos de “guapo” esperamos al actor Sam Claflin en los cines Callao de Madrid, donde viene a presentar “Los Juegos del Hambre: Sinsajo. Parte 1”. A su llegada los llantos y gritos llenan la Gran Vía de una atmósfera llena de emoción y gratitud por parte de las fans hacia las dedicatorias y firmas que reparte Sam. Estamos en la premier de la nueva entrega de

‘Los Juegos del Hambre’. Junto a Sam Claflin, tenemos a Tony Aguilar para una pequeña presentación del film y por fin poder ver la esperada película. Sam Claflin interpreta en el film el papel de Finnick Odair, al cual, en esta película le veremos mucho mas decaído y trastornado por lo ocurrido en su anterior aventura. El actor comenta lo que le ha cambiado la vida gracias a este papel, pues ha tenido la oportunidad de trabajar “con algunos de mis héroes: Woody Harrelson, Philip Seymour Hoffman, Jennifer

s del e1

Lawrence, Juliane Moore...” ‘Los juegos del hambre: Sinsajo parte 1’ es la primera parte de la tercera y última entrega de la saga literario ‘Los juegos del hambre’. En esta parte Katniss Everdeen se encuentra en el Distrito 13 recuperándose y bajo el liderazgo de la comandante Coin, para llevar a la revolución contra el Capitolio... Según Sam se trata “de la parte más política de la trilogía”. Por Vicky Carras

Entrevistamos a Aina Clotet Entrevistamos a Aina Clotet protagonista de Rastros de Sándalo, una película que ha tardo siete años en estrenarse desde que se empezó a trabajar en ella y que ha sorprendido a público y crítica por su bajo presupuesto y la calidad de sus imágenes. Si te tuviéramos que describir fisicamente no encajas con el perfil que tenemos todos en la cabeza de una mujer de la India. ¿cómo fue el proceso de selección?

Pues fue como un proceso, porque cuando entré todo el equipo estaba ya armado, todos me conocían de otros proyectos y no me veían como

Estaban a punto de empezar el rodaje y me enviaron el guión y me atrapó el recorrido del personaje, su búsqueda de identidad dentro de una historia tan extrema, que además me permitía adentrarme en universos de gente adoptada, que tienen una segunda oportunidad para conocerse a si mismo dentro de la multiculturalidad del mundo. Fue un poco surrealista, porque la primera entrevista que tuve con Maria Ripoll fue por Skype, me dijo que me había visto en alguna película y tenía un pálpito, que podría encajar para el personaje de Paula. No sé por qué no encendí la cámara... y cuando me lo pidió le mentí y le dije que estaba estropeada (risas) así que dijo que le enviase una foto lo más rápido que pudiese. Salí corriendo de casa, busqué un sitio de pelucas y de maquillaje y en menos de tres horas me transformé (risas) y pasé el primer corte. Lo cierto es que en la película te ves muy diferente.

Aina Clotet

Paula. Al día siguiente me tiñeron y me caracterizaron y eran los propios indios los que no se creían que fuese rubia. Mucha gente pensaba que yo

“leer e muy ú Paula m y tene

era india (risas) Cuando ya estabas dentro de la película ¿leíste el libro para entender mejor al personaje? Si. El libro está muy bien, pero el personaje de Paula es muy diferente, ella sabe que es adoptada desde pequeña, en la película no, que yo creo que le aporta más intensidad al personaje. Pero leer el libro me resultó muy útil para conocer a Paula más profundamente y tener una background diferente. Me gusta hacer mucho trabajo previo para conocer bien a los personajes que interpreto. Hablando de ese trabajo previo, Naby Dakhli es un actor francés que tuvo que aprender catalán y español en semanas ¿cómo fue el trabajo con él? Me sentí muy afortunada... en los primeros ensayos que hice con ellos rápido me di cuenta rápido que iba a

conectar con él y con Godeliv (Nikki). Naby tiene algo muy bonito de mirada y de verdad en el momento... Me gustaba mucho la capacidad que tenía de descoloque, yo en la vida normal soy muy extrovertida y nos hicimos amigos rápido, salíamos con mi grupo de amigos por Barcelona y nos poníamos a practicar el catalán. Pero Paula es más rígida que yo y le venía muy bien ese contrapunto de alegría, sin complejos, que le permite actuar con libertad. La historia de amor es algo secundaria, pero es esencial para Paula, le hace evolucionar, porque Prakash le desmonta. ¿cómo definirías personaje, a Paula?

Anna Soler

Es una chica que ha recibido una buena educación y con unos valores muy fuertes, no juzga sus padres, mi sensación es que siempre quiso decirle a sus padres “Yo puedo sola”. Han sido muy exigentes con

ella y eso la ha convertido en una persona muy introvertida y muy racional. De hecho al principio ve a Prakash como un mero instrumento para llegar a su fin (descubrir más de Mina), es una científica incluso en sus relaciones

el libro me resultó útil para conocer a más profundamente er una background diferente”

contrastes. Empezamos rodando en la India, aunque yo sólo estuve diez días, y era rodar en ese caos absoluto, que no sabías nunca si llegarías al rodaje, fue una locura... pero todo se resuelve, todo funciona y el equipo fluye. Son maravillosos, tienen una humildad y una capacidad de trabajo muy bonita. Lo que más me costó es ver el tema castas. En el propio rodaje el actor está considerado como “un Dios”. Al principio yo tenía unos asistentes para aguantarme el bolso, pero... no por favor... no quiero que nadie me aguante el bolso, a mi me gusta trabajar en equipo

Es un sistema completamente diferente. Cuando vinimos a Barcelona todo era mucho más estructurado, pero también más complicado... horarios, permisos... ambos sistemas tienen cosas buenas y malas, podemos aprender mucho los unos de los otros. Pero de la India me quedo con el relax, con el dejar de sufrir, como dicen allí “Con lo que tengas, haz” y vaya si lo hacen... mil y pico pelis al año. ¿Habías visto películas de Bollywood antes de hacer “Rastros de Sándalo? (RISAS) No, la verdad es que

“Empezamos rodando en la India, aunque yo sólo estuve diez días, y era rodar en ese caos absoluto, que no sabías nunca si llegarías al rodaje, fue una locura...” personales (risas). Parte de la película está rodada en la India. ¿cómo es trabajar en un sistema de trabajo tan diferente como es Bollywood? Esta peli ha sido siempre

y todos estamos a la misma altura. Cuando conseguimos romper con eso fue genial y yo creo que también para ellos fue fascinante trabajar en un equipo que los valoraba a todos igual, de hecho vinieron todos a la fiesta de final de rodaje.

no. Pero fui al cine en India, que es algo que recomiendo si tenéis ocasión de viajar allí. Es increíble, es como un parque de atracciones, hay sesiones cada hora, se forman colas desde las diez de la mañana, es como aquí el fútbol. Antes

de ver la pelí cantan el himno y cuando salen los actores se vuelven locos. Hay una escena en la película en la que Mina va al cine y se queda fascinada, porque tiene una vida muy marcada, están muy condicionados desde pequeños y el cine les permite viajar y soñar. Recuerdo que la película que vi se llamaba “Rajkumar” y ríete de Hollywood, tienen unos recursos increíbles, cientos de bailarines, planos aéreos, pero los personajes femeninos son un desastre, no me veo allí trabajando. Paradojicamente Nandita Das (Mina) es una estrella del cine independiente allí. ¿cómo fue trabajar con ella? Es muy conocida allí, es una “number one”. Es una mujer muy inteligente y muy comprometida, siempre escoge personajes que vayan más allá de la mujer objeto. Tiene una campaña “Dark is beautiful” porque en Bollywood te exigen que seas de piel clara y muy guapa para trabajar. Hay mucho racismo en ese aspecto y queda mucho por hacer. Pero Nandita tiene una mirada muy fuerte, es muy generosa, cuando acabábamos una escena juntas siempre nos dábamos las gracias, fue un trabajo de generosidad muy chulo. De hecho, las primeras Godeliv Van den Brandt escenas que rodé de la película fue con ella y yo tenía miedo por si no conectábamos, pero me emocioné mucho, es muy comprometida, me robó el En general esta película es corazón. muy valiente en muchas cosas, se ponen los idiomas al La imagen que se ofrece de servicio de la historia... Está Barcelona es muy diferente a la rodada en inglés porque es que estamos acostumbrados. lo que habla la clase alta en No es esa ciudad mediterránea la India, en Hindi porque es de postal que vemos en otras uno de los idiomas oficiales películas. ¿qué opinas como de allí y cuando estamos aquí Barcelonesa? en catalán porque Paula es

“Creo que la p muchos prejuicio ir a casa pensand temas sociales abiert

una científica catalana... es una universalización del cine. Me encanta el diálogo que se establece entre la ciudad de Barcelona y la India, porque es desde una perspectiva poco vista. Barcelona también es así, en invierno es gris y frío, algo que acompaña muy bien a la historia y a la persona de Paula. Además, creo que rompe prejuicios. Para mi “El Raval” es un barrio muy normal, voy

peli rompe os, te puedes do en muchos s que se han to”

mucho y lo que se enseña en la película es completamente real, el videoclub donde Paula conoce a Prakash es real y las personas que sale también son del propio barrio. Creo que la peli rompe muchos prejuicios, te puedes ir a casa pensando en muchos temas sociales que se han abierto. Me gusta el cine que hace preguntas a la sociedad.

Naby Dakhli

¿Tienes proyectos futuros? Tengo algunos proyectos de cine de los que no puedo hablar. Pero si que he empezado a preparar una obra de teatro de Annie Baker, la ganadora del Pulitzer de este año, la han traducido como “Juego de Espejos” y la verdad es que me apetece mucho. Pablo Tejeda

TOP 10 CINE NAVIDEÑO

POR CARLOS MARTIN La Navidad es una época perfecta para ambientar películas, y tenemos varios centenares de ejemplos que transcurren en estas fiestas. Como marco perfecto para historias que evocan lo mejor de nosotros mismos y que sirven de telón de fondo para tramas sobre la búsqueda de la felicidad, la importancia de la familia o hasta el consumismo más desatado, podemos encontrar cintas que abarcan desde comedias inocentes hasta la más adrenalíticas secuencias de acción. De entre todas ellas he recopilado diez títulos que son perfectos para revisionar o descubrir por primera vez a finales de este mes, sin ningún orden en especial y reseñando lo mejor de cada una de ellas.

10 - Gremlins Una de las cintas por excelencia de los años ochenta es un producto macarra, terrorífico y divertido protagonizado por criaturas de aspecto peludo y reglas muy estrictas sobre su gastronomía. La película comienza con un padre buscando el típico regalo perfecto y original para su hijo por Navidad, y acaba en una tienda de Chinatown donde encuentra algo que traerá problemas no sólo a su familia, sino también a toda la pequeña ciudad en la que viven y que, por cierto, se parece mucho al Hill Valley de Regreso al Futuro. Gremlins partía de una leyenda urbana de la Segunda Guerra Mundial en la que los pilotos de aviación aseguraban que unos pequeños duendes eran los responsables de los fallos de sus sistemas. Medio en broma, medio en serio, la idea de unas criaturas con muy mala leche era perfecta para un guión de Chris Columbus que Steven Spielberg modificó para convertirlo en una comedia donde el horror y los chistes iban de la mano. Con un ingenioso sistema de marionetas que es parte de su encanto, los gremlins pasaban de peluches a seres reptilianos muy vengativos que iban al cine, asustaban a las viejecitas y hasta conducían excavadoras. Se hizo una segunda parte donde el número de Gremlins crecía de forma exponencial y donde el equilibrio entre los dos géneros se inclinaba muchos más hacia el humor absurdo. Quizá la escena más memorable es esa en la que Phoebe Cates cuenta sus razones para odiar la Navidad, o en la cocina, donde la madre bordea el límite del gore verde al usar el microondas contra los bichos.

9 - Eduardo Manostijeras La mejor película de Tim Burton es un cuento de hadas retorcido y macabro contado a una niña en la cama mientras está nevando. Y después de eso entramos en una historia acerca de las personas que son diferentes y de cómo la gente considerada “normal” primero lo abraza para después repudiarle. Con un brillante diseño de producción que se convertiría en su marca personal, Burton creó un castillo encantado por un chico inacabado que vive completamente solo. El aspecto barroco contrasta muchísimo con los tonos pastel del pueblo de más abajo, donde el norteamericano medio vive, escucha el partido del sábado por la radio y participa en barbacoas. Lo extraño y raro es una novedad a la que todos se apuntan y parecen muy entusiasmados, pero después vemos cómo, tras ver que no pueden adaptarle, se dedican a querer destruirle para encubrir sus propios fracasos e imperfecciones. Fue la última actuación de Vincent Price, ya muy enfermo, y sirvió para lanzar a la fama a Johnny Depp, que demostraba su gusto por los personajes cargados de maquillaje, el símbolo también de casi toda la filmografía del director. También sería el comienzo de su relación con Winona Ryder, la clásica chica que sólo en la ficción puede ver en Edward algo más que un bicho raro por el que dejaría a su macarra novio de instituto, interpretado por un Anthony Michael Hall que durante años tuvo que aguantar los rumores de que había tomado esteroides para transformar su físico de El Club de los Cinco por el que mostraba aquí. Es sorprendente el nivel de violencia al que pueden llegar con la imagen de la caída de Jim y de las tijeras llenas de sangre, y lo bien que encaja todo esto con las escenas del baile bajo la nieve o el final de cuento de hadas, donde vemos la profundidad emocional de una persona demasiado pura para el apático y plano mundo que le rodea. Una maravilla que, ahora sabemos, su creador jamás podrá igualar.

8 - La Jungla de Cristal Totalmente contraria a las ideas típicas del cine navideño se encuentra La Jungla de Cristal, la primera de las cinco (por el momento) películas protagonizadas por Bruce Willis, el malhablado, sucio, cansado y mundano John McClane. Este agente de policía con problemas matrimoniales se enfrenta a los ladrones de Hans Gruber, que eligen uno de los edificios más modernos de Los Ángeles y también la fiesta de Navidad para cometer lo que llaman “el robo del siglo”. Descalzo y soltando palabrotas, es todo un ejemplo de acción física y creíble que ha sido imitada en múltiples ocasiones y de la que aún hoy se siguen haciendo versiones en las que sólo cambia el título y el nombre del protagonista. Por desgracia, las sucesivas secuelas tampoco han estado a la altura de la original, con la excepción de la tercera entrega en la que contó con la ayuda de Samuel L. Jackson en su eterno papel de tipo cabreado. La última de ellas, estrenada el año pasado, es quizá uno de los más flojos trabajos de Willis, donde poco o nada le importaba ya, ni siquiera evitar insultar a los entrevistadores durante la promoción de sus trabajos. Tampoco parecía importar ser consecuente con las escenas de acción o convertir a un tipo ordinario en una situación extraordinaria, en poco menos que un superhéroe al que las heridas apenas afectaban. Aun así, todos los agentes de la ley que traen de cabeza a su capitán, que no siguen las reglas o que sudan (y mucho) la camiseta, le deben su existencia al tipo que convirtió el Nakatomi Plaza en una montaña de escombros.

7 - Solo en Casa A pesar de que ahora haya quien levanta las cejas con sólo escuchar mencionar a Macaulay Culkin, Solo en casa es mucho más que una empalagosa comedia infantil. En esta ocasión presentamos a una familia numerosa cuyo hijo menor se siente saturado por ellos y desearía que se largaran, y esto ocurre cuando en un frenético viaje, se dejan olvidado al pequeño Kevin en casa. Con un estilismo y peinados propios de su época, los McCallister buscan juntarse de nuevo en Navidad mientras dos ladrones intentan desvalijar la casa pensando que sólo se toparán con un indefenso niño de ocho años. Pero Kevin, armado con humor y una gran cantidad de objetos que pueden ser usados para hacer daño, conseguirá repelerles una y otra vez mientras la moralina del significado de estas entrañables fechas aparece en la parte final. Su secuela fue la película más taquillera de 1992 y el momento más alto de la carrera de Culkin, que se desvaneció como la de otras muchas estrellas infantiles. En la última década sólo se ha oído hablar de él en relación con el cantante Michael Jackson o con sus supuestos problemas de salud. Sin embargo lo mejor de estas películas no era él, sino ver a Joe Pesci intentando aparecer en la primera película en la que no puede decir palabrotas.

6 - La Vida de Brian Es cierto que la obra cumbre de los Monty Python es más acorde con la Semana Santa, pero en el resto del mundo, no es mala idea revisar el origen del cristianismo con una obra tan blasfema que jamás podría ser rodada hoy día. Con los Reyes Magos equivocándose de camino en Belén, frentes nacionales de Judea enfrentándose en plena misión secreta o todas las críticas a las religiones o las lapidaciones, esta película es más irónica que divertida, por lo que no es la mejor comedia del grupo británico, pero sí una muestra de que los humoristas en ocasiones se han atrevido a decir lo que muchos otros jamás hubiesen pensado. En realidad, la película no ridiculiza la figura de Jesucristo ya que Brian tiene la pobre desgracia de nacer el mismo día y en la puerta de al lado, pero también es cierto que si los que se ofenden con esta cinta fuesen algo más abiertos de mente, no tendrían motivos para enfadarse.

5 - El día de la Bestia Un sacerdote está convencido de que el anticristo va a nacer en Madrid el día de Nochebuena,

y ve su oportunidad para acabar con el maligno de una vez por todas. Para ello deberá realizar todo el mal posible para entrar en contacto con él, ayudado por un vidente televisivo de poca monta y un empleado de una tienda de discos. Y ese es el punto de partida de una de las películas más recordadas del cine español de los noventa, donde Álex de la Iglesia levanta un circo decadente y políticamente incorrecto con diálogos ácidos y muy buenos, junto con una gran actuación de todos los que participaron en ella. El que más, el tristemente fallecido Álex Angulo, que clavaba su interpretación de experto en Teología y lector de Tritemio. La película jugaba entre el realismo y la mitología al mezclar la figura del demonio con un grupo de “limpiadores” de clase alta que apaleaban mendigos y un macho cabrío producto del éxtasis y el pan de molde empapado en sangre. Desde entonces, el letrero de Schweppes de la plaza de Callao no se ha vuelto a ver de la misma manera.

4 - Pesadilla antes de Navidad La pregunta siempre gira en torno a si la gran película de Henry Selick está centrada en Navidad o si es más de Halloween. La verdad es que es perfecta para las dos fechas. El personaje de Jack Skelleton, además, es un icono cultural y un gran objeto de merchandising en el que el pueblo de Halloween, que se reúne todos los años para celebrar la noche de los espíritus, logran sacar lo mejor de un Tim Burton que sólo puso su nombre en el póster para darle más publicidad, y que a cambio recibió la que durante años se ha considerado como una de sus mejores obras. El equilibrio entre lo oscuro y lo enternecedor, con muñecas de trapo enamoradas de esqueletos vivientes, es impresionante, y también el contraste entre el reino de la Navidad y la ciudad a la que Jack intenta traer la esencia de la fiesta. No hay moralina en esta película, sólo un Jack obsesionado y completamente fuera de sí que no entiende para nada las tradiciones de los calcetines llenos de regalos, y unos compatriotas que la entienden incluso menos que él.

3 - Un Padre en apuros Sin duda Un padre en apuros no pasará a la historia en la filmografía de Arnold Schwarzenegger, pero es posiblemente una de las cintas que mejor ha capturado el sentimiento navideño sin melodramas familiares ni ñoñas ideas sobre la familia. Al menos en su mayor parte, porque en la primera mitad, Arnold se ve en la piel de todo padre por estas fechas al intentar conseguir el regalo perfecto para su hijo, obsesionado con un superhéroe de una serie de televisión. Conscientes de que para los niños, Navidad significa regalos, nos muestra lo difícil que puede llegar a adquirir los productos estrella a última hora y cómo las jugueterías juegan con eso subiendo los precios y convirtiéndolos en objetos de lujo. Lo que sí ensucia un poco el resultado es la parte final de la cabalgata en la que Schwarzenegger personifica a Turbo Man incluyendo una mochila propulsora y todos los gadgets del personaje, y donde unos efectos especiales nada sorprendentes rompen la comedia que tan bien estaba funcionando minutos antes.

2 - Love Actually Una de las comedias navideñas por excelencia es esta cinta de reparto múltiple que nos cuenta una serie de historias entrelazadas de amor y sentimiento familiar, con actores de la talla de Liam Neeson, Hugh Grant o Martin Freeman. Sin duda algunas son mejores y más redondas que otras, y otras parecen derramar un romanticismo exagerado junto con personajes ñoños, como el Primer Ministro británico en contraste con el escritor personificado por Colin Firth. Si bien en su momento resultó novedosa, dio pie a un montón de copias que calcan incluso el póster fragmentado y que juegan con la misma idea, así que parece que la gracia de Love Actually reside en que fue original y contaba con un reparto en estado de gracia que se lo pasó bien rodando sus pequeños episodios, donde los niños corren por el aeropuerto en busca del clásico beso a última hora o le confiesan su amor a Keira Knightley mediante tarjetas. El resultado es optimista y tal vez edulcorado en exceso, pero una película de estas características no podría ser de otra forma.

1 - Qué bello es vivir Un hombre amargado por las deudas y su miserable existencia decide, ante la visión de tantos problemas, quitarse la vida. Pero justo cuando está a punto de suicidarse aparece un ángel que le muestra cómo hubiese sido el mundo si él jamás hubiese nacido, para enseñarle su propia importancia y cómo los actos en los que ha invertido su vida y que, de paso, han acabado con sus sueños, han significado mucho para las personas que le rodean. Esta maravilla dirigida por Frank Capra es una de las películas más televisadas por Navidad, no sólo por el optimismo que embarga a quienes la ven sino porque el sentimiento de desamparo que sufren muchos en estas fechas es también de sobra conocido, y en Navidad aumentan los suicidios. Quizá sólo se trate de una casualidad y del tópico de emitir cine navideño cuando corresponde, o también una forma de concienciar al espectador de que sus vidas sirven para algo y que no hay que dejarse llevar por la tristeza.

la caja tonta - la caj es e r b m o Mi n ga u r o , a v cal calva

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se acaba el 2014, no las series Ha llegado el mes de diciembre y lo prometido es deuda, de modo que en consecuencia a lo comentado en mi artículo del mes pasado, voy a hacer una valoración de las nuevas temporadas de series que ya estaban estrenadas y a recomendar algunas que puede que os gusten si aún no las habéis visto. Todas estas series tienen para mí una calificación de mínima de 3 sobre 5. Por cierto y lo aviso antes de que sigas leyendo ESTE ARTÍCULO PUEDE Y PROBABLEMENTE CONTENGA SPOILERS RELACIONADOS CON LAS TRAMAS DE LAS SERIES QUE COMENTO. Por otro lado y aunque indiqué que iba a hacer el artículo hablando de 25 series, para no cansaros demasiado he hecho una selección un poco menor y en enero para reyes haré un segundo tomo recopilatorio. He aquí mi selección de quince series que han retornado y que están en emisión esta temporada:

lo mas esperado tyrant

the librarians

1 Arrow: Esta serie de CW que se emite en EE.UU. los miércoles, comenzó con un tono realista que la alejaba en origen del cómic de Green Arrow en el que está basada de tal manera que vemos distintos personajes del cómic, humanizados en sus capítulos. La primera temporada fue bastante flojita y casi podría pasar por una presentación de personajes. No obstante, en la segunda y tercera temporadas, el nivel de calidad de la serie mejora con mucho mostrándose un diseño de personajes más cercano al superhéroe y otorgándonos una visión más profunda y compleja de tramas. Además, la participación de John Barrowman en la serie y el físico de sus principales le otorga un valor añadido amén de ser una de las pocas series emitidas que ha sobrevivido a Summer Glau como miembro del reparto. 2 Supernatural: ¿Quién no conoce aún a los hermanos Winchester? La serie creada por Erik Kripke y emitida por primera vez en 2005 tiene, para mi gusto y el de muchos conocidos, los mejores capítulos de relleno de la parrilla americana. Hace cinco años que el rumbo de la serie marcado por su creador se fue al traste y es cierto que en algunas temporadas no hemos sabido de qué nos iba a hablar la trama hasta que ha llegado el capítulo 12 o 13. (Para ejemplo la sexta temporada

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donde el lío con el purgatorio y demás no quedó claro hasta más allá de la mitad de temporada). No obstante capítulos como los de los maravillosamente inútiles Ghostfacers o en esta última temporada el capítulo sobre el musical fan-fiction basado en los caracteres de la serie hacen que siga mereciendo la pena seguir la misma. Eso sí no es una serie que guste a cualquiera, hay que ser bastante Frisi para ello.

3 Sleepy Hollow: Cuando el año pasado comenzó Sleepy Hollow, pensamos que podría ser una serie parecida a la anteriormente mencionada Supernatural pero nada más lejos de la realidad. Esta serie, lejos de ser la mejor serie en antena, cuenta con un guión clásico a la vez que fresco y con la inestimable presencia de John Noble (Fringe) en el papel de malo maloso de la serie a las órdenes del demonio Moloch. Una serie que mezcla brujería, investigación policial y un Apocalipsis inminente con problemas familiares a través de los siglos y el famoso Jinete sin cabeza que protagonizaba la historia que todos conocemos. Una serie absolutamente digna de ser vista cuando los temas sobrenaturales y la historia “modificada” de América son santos de nuestra devoción.

4 Revenge: Para los aficionados a las tramas enrevesadas y amantes de los crímenes y la perfidia, esta serie que bien podría ser una telenovela venezolana, Revenge es un claro ejemplo de cómo puede dar de sí una trama tan simple como el “mi nombre es Iñigo Montoya, tú mataste a mi padre, prepárate a morir”. Y no digo que no deje de ser interesante. Temporada tras temporada, esta serie engancha con sus intrigas, sus mentiras y sus engaños bajo la premisa inicial de una chica que vuelve a su hogar de la infancia con una identidad falsa y la intención de destruir a la familia que encerró a su padre en la cárcel por un delito que no había cometido y posteriormente ordenó su ejecución. SOILER ALERT “En el final de la anterior temporada, descubrimos que después de todo lo que ha pasado, el padre no estaba muerto, estaba de parranda, o algo así”.

5 Newsroom: Aaron Sorkin nos tiene ya acostumbrados a series polémicas que atacan de manera frontal el mundo de la divulgación televisiva y por supuesto al gobierno de EE.UU. Quizá por eso, aunque su audiencia es grande, sus series no duran más de dos o tres temporadas. En este caso y aunque tenían intención de cancelarle la serie con el final de la

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segunda temporada, le han permitido hacer una tercera temporada de seis capítulos para cerrar tramas e historias que habían quedado abiertas. Newsroom pertenece a una “trilogía de series” que recomiendo encarecidamente y que harán al público llorar, reír y desde luego emocionarse y comprender un poco más el funcionamiento de la televisión y los medios. Las series en cuestión son: Sports Night (1998) Studio 60 (2006) y Newsroom (2012) sin olvidarnos de una de las mejores series de la historia de la televisión en las valoraciones de un humilde servidor que es “El ala oeste de la Casa Blanca”. En fin que si os gusta la crítica social en serie, os gustarán las obras de este autor. 6 Person of Interest: La historia es simple, somos observados, el gobierno tiene una maquina que es capaz de predecir actos de terrorismo pero la máquina no sólo ve los actos que el gobierno califica como “relevantes” la máquina lo ve todo, pequeños actos que implican peligro para una vida humana que los encargados ven como “irrelevantes” lo sé porque yo la construí y ahora oculto del gobierno y con ayuda de algunos socios, nos dedicamos a impedir estos crímenes que el gobierno ha decidido obviar. Estate atento porque si sale tu número, víctima o agresor, te encontraremos. Esa es la premisa de una serie que ha evolucionado de un grupo de supuestos justicieros a una guerra abierta contra una inteligencia artificial global que prácticamente domina el mundo en secreto. Una serie absolutamente reco-

mendable que en su cuarta temporada sigue sorprendiendo por el dinamismo de su trama global.

7 El Mentalista: La temporada pasada, en su sexto año en emisión, vimos (ALERTA SPOILER). Vimos como Jane, cazaba y por fin mataba a John el rojo. Todos pensábamos que sería el fin de la serie, pero los guionistas han sabido darle una vuelta de tuerca a la serie y seguir sacando jugo de un personaje que nos gusta y que sin una trama global ahora protagoniza una serie sencillamente entretenida en la que nos ofrecen casos auto conclusivos y desde luego, un modus operandi que nos engancha y nos convence para seguir capítulo tras capítulo viendo los trucos de su protagonista.

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8 Once Upon a Time: Nada podía sorprendernos en esta serie, o eso creíamos. La cara de asombro que se nos quedó al final de la anterior temporada cuando vimos al personaje publicitado en la película de Disney Frozen. Efectivamente en esta última temporada, vemos muchos personajes de Disney y en particular de la película Frozen justo después de haber finalizado la película y nos cuentan por tanto el epílogo de la misma, enlazándolo con el cuento popular “La reina de las nieves” y con la historia del pueblo que ya tan bien conocemos. Desde luego, la franquicia está dando buenos frutos, eso hay que reconocerlo. 9 Brooklyn nine nine: En su segunda temporada, esta serie que sigue la historia de los miembros de la comisaría 99 de Brooklyn sigue dando de sí como lo hizo en su momento la loca academia de policía. Con un protagonista que nos recuerda al inolvidable Mahoney, esta serie de humor no tiene desperdicio en ese toque de humor sarcástico y absurdo que nos presenta. Si os gusta el humor ácido con un toque estrafalario, esta es vuestra serie. 10 The originals: Cuando salió esta serie el año pasado, la verdad es que no le daba demasiado crédito a que fuese renovada, no obstante, este Spin off de Vampire Diaries, ha cosechado sus propios fans y tras habernos convencido en sus últimos capítulos de la primera temporada de que sus tramas eran completamente viables, comienza una segunda temporada con bastante acción y todo lo que nos ofrece Vampire Diaries pero con un toque quizá un poco más oscuro y familiar. Una serie con vampiros, brujas, y hombres lobo en una recreación moderna de la lucha por el poder en Nueva Orleans. Desde luego es completamente aceptable e incluso recomendable.

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11 Agents of Shield: La primera temporada fue Buena aunque empezó floja pero tras el SPOILER con mayúsculas que nos hizo la película del capitán América “El soldado del invierno” vemos en esta segunda temporada la lucha de SHIELD por recuperarse del ataque de HYDRA y cómo avanza el conocimiento del origen de Skye. Tramas bien desarrolladas y aunque tiene capítulos más fuertes que otros, no deja de ser entretenida. Para los amantes de los cómics y de los espías, ésta es, lo mires por donde lo mires, la serie que debes tener planificada para ver todas las semanas o en maratón si no viste la temporada anterior.

12 Grimm: Yo creí que esta serie no me podía sorprender, y sin embargo, con sus tramas y su aparente sencillez, Grimm es una de esas series que se ha hecho hueco preferente en mi planning semanal. ¿Por qué? Muy sencillo, porque en su cuarta temporada, cada argumento se hace más fuerte y los personajes empiezan a tener mucho más carácter. Desde el loo de caperucita que acaba por ser un acompañante cómico hasta el compañero que no pintaba nada en la primera temporada y que va alcanzando un papel decentemente principal pasando por el malo malísimo que acaba siendo bueno como magneto. Esta serie, a partir de la segunda temporada, no tiene desperdicio.

13 Vampire Diaries: A diferencia del Spin off Los originales o de la cancelada The circle, Vampire Diaries que comenzó como una serie que competiría con crepúsculo y que subió y subió en intensidad y calidad de tramas, está para mi gusto decayendo en una serie juvenil ñoña y demasiado centrada en la relación amorosa de los protagonistas bañando sus tramas débiles en sangre y escenas con poco sentido, no obstante y como suele pasar con series como esta, es completamente adictiva y cuando ves un capítulo, acabas viendo el siguiente y luego otro más y otro hasta que te has terminado la temporada. No está mal para pasar el rato y desde luego, alguna de las temporadas es sorprendentemente buena. Merece la pena darle una oportunidad.

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14 Defiance: ALERTA SPOILER Cuando al final de la primera temporada vimos “morir” al protagonista y ser salvado por la entidad que controla el cuerpo de su hija adoptiva extraterrestre (si no habías visto al primera temporada, no te preocupes, pasan muchas más cosas, lo que te acabo de contar es una escena y si lo has leído es bajo tu responsabilidad porque ya había puesto que tenía spoilers) pensamos que tenía que haber algo más. Y vaya si lo hay, con tramas políticas, de investigación, místicas y sucesos bastante extraordinarios, esta serie que nos retrata un mundo post invasión alienígena es un gran reflejo de los clásicos de ciencia ficción y por supuesto está altamente recomendado para aquellos que fueron fans de Firefly y este estilo de historias.

mente mosqueada porque se fue sin decir adiós. Esta temporada veremos una nueva asistente de Sherlock, ni más ni menos que Kitty y una extraña rivalidad que quiere ser un intento del detective por volver a ganarse a Watson. Un reto para nuestras mentes pero no para nuestra vista porque sé que la vamos a disfrutar.

Podría hablar de decenas más de series como pueden ser Dr. Who que ha terminado su temporada y que nos aguarda con su Nuevo doctor y el capítulo de navidad o The exes, comedia que se mantiene en su cuarta temporada frente a los pronósticos habituales de las series de humor actual así como Two broke girls que también sigue en emisión. Pero tampoco quiero cansaros, y con lo que hemos 15 Elementary: Una temporada más, el Sherlock Holmes de versión americana nos comentado yo creo que tenéis para ver cosas este mes. No obstante, el mes que sorprende. ALERTA SPOILER Tras haber abandonado a Watson con sentimientos viene haré un segundo recopilatorio con valoración de series que sigo y algunas encontrados por estar ésta liada con su otras que ya están terminadas y que son hermano, Sherlock desaparece de USA y de visualización obligada para todo Friki reaparece a los meses encontrando una Joan Watson que no tiene ni una pizca de de las series de verdad. añoranza por él, es más está profunda-

Hace unos años, las adaptaciones basadas en cómics no gozaban de la aceptación popular de la que disfrutan hoy en día. Eso no quiere decir que no funcionasen en taquilla o que fuesen peores que las que hay ahora sino que el concepto y la imagen que le llegaba al público no era igual que la de ahora. En televisión pasa lo mismo. Las adaptaciones de cómics en televisión no comenzaron con Marvel: Agents of SHIELD y no terminarán con Arrow. Constantine es una de las apuestas de NBC para conseguir un hueco entre tanto superhéroe y construir una serie ligera, entretenida, con toques de muchas cosas ya vistas y cimentada en unos cómics de culto. ¿Habrán conseguido su misión o arderá en el infierno de las cancelaciones? John Constantine es uno de los nombres míticos de los cómics de los últimos años. Hellblazer fue la serie, incluida en el sello Vértigo (en 1993), donde transcurrían las aventuras de Constantine desde 1988 y contando con arcos argumentales escritos por guionistas esenciales de las últimas décadas. Nacido entre las páginas del Swamp thing de Alan Moore, este detective de lo oscuro y experto en artes místicas, siempre con su gabardina y un cigarro entre los labios, paseó su pensamiento punk y su mala leche por décadas de cómics hasta terminar siendo domesticado por el universo DC e incorporarlo a su plantel, en el mismo mundo que el resto de su personajes, con una nueva serie, Constantine y su aparición en otros como Liga de la justicia oscura. En 2005 ya pudimos ver al personaje en pantalla grande en Constantine, dirigida por Francis Lawrence y con Keanu Reeves como protagonista. Muy discutida, se alejaba de la estética del cómic para ofrecer un entorno mas real y con una descripción del personaje sosa y simple. Aún así funcionaba bastante bien y los rumores acerca de una secuela han sido incesantes. Finalmente el proyecto que se llevó a cabo ha sido el de su adaptación televisiva, en NBC y con Neil Marshall como cabeza visible del proyecto, con prestigio en el mundo televisivo, además de ser conocido por dirigir películas como The Descent o Doomsday, por hacerse cargo de algunos de los episodios mas espectaculares de Juego de tronos. David S. Goyer también se encarga del guión, conocido por llevar a cabo parte del resto de las adaptaciones del Universo DC, con resultados desiguales.

La producción se puso en marcha en enero de 2014 con el actor Matt Ryan como John Constantine, bastante de acuerdo al canon estipulado por los cómics (mas Sting que Neo), Lucy Griffiths como Liv, el componente femenino de la serie y Harold Perrineau (Lost) como un enviado de los cielos encargado de prevenir a Constantine acerca de la Oscuridad Creciente, el mal que se acerca y cobra fuerza. El piloto funcionó y NBC dio luz verde a una serie temporada, aunque con cambios: Liv se caería de la serie y sería sustituida por Zed (Angélica Celaya), otro personaje similar pero con una dinámica diferente con el protagonista. Además el piloto se filtró a meses de su estreno en internet lo que puede ser un arma de doble filo: si la serie convence, ya has generado interés pero si hay puntos flojos en tu piloto, las críticas caerán como cuchillos afilados. Algo de esto último fue lo que le sucedió a Constantine, que antes de nacer ya acumulaba quejas. No deja de ser una serie de entretenimiento, bastante alejada del terreno mas profundo que utilizaban los cómics. John sigue siendo un canalla, egoísta a su manera y con una cargo de conciencia enorme debido a lo que sucedió en Newcastle. Eso si, no fuma, cosas de la tele. La trama de la serie enfrenta a los personajes a una maldad creciente, un fenómeno que está haciendo que los demonios estén fuera de control y aumenten su poder en el plano terrestre. No es nada nuevo, ni nada que nos impulse a volver a ver un capítulo de 45 minutos cada semana. Parece una mezcla de Sobrenatural y Haven sin mayor interés que el demonio de turno, ya salgan de lo mas hondo de una mina o estén grabados en un viejo vinilo, o las salidas de tono de John, casi mas Doctor Who (con acompañante y hasta un papel psíquico) que un experto (bueno, aficionado) en las artes oscuras. A su favor juegan los personajes, interesantes y carismáticos, los demonios y una cierta sensación de ir in crescendo capítulo a capítulo (hasta donde se ha visto, cinco capítulos en el momento de escribir el artículo). Matt Ryan cumple con el papel aunque sin demasiadas florituras, no fuma pero continúa siendo un inglés descreído. Menos da una piedra. Es una serie entretenida, fiel a su manera a los cómics en los que se basa pero accesible para todo tipo de público. La NBC emitió un comunicado la última sema-

na de noviembre: Constantine pararía su primera temporada en el episodio 13. ¿Que significa esto? Primero y mas evidente; no recibirá una temporada completa de 22/24 capítulos. ¿Significa que la serie está cancelada y no irá mas allá de 13 episodios? No se sabe. Por ahora la NBC no ha informado de cancelación sino de una paralización en la producción de la primera temporada. No suena bien pero no parece un final. Ahora entrarán en juego las audiencias y críticas de estos últimos capítulos y se tomarán las medidas que la cadena considere necesarias pero Constantine y su universo merecen una nueva oportunidad. Quizás algún otro proyecto torpedee la continuidad de la serie, desde una secuela del film de Keanu Reeves, prácticamente descartado, o el uso que Guillermo del Toro, en un retahíla interminable de proyectos, quiere hacer de Constantine en su idea de llevar al cine la Liga de la justicia oscura. Esperemos que todo le salga bien al bueno de John. Practiquemos nuestros rituales, harán falta.

L.J. ZAPICO

género: ACCIÓN/INTRIGA estreno USA: 24 octubre EMISIÒN USA: nbc EMISIÓN ESPAÑA: ----TEMPORADAS: POSIBLE CANCELACIÓN

Cuando se estrenó en 2011 la adaptación de la serie danesa Forbrydelsen en el canal norteamericano AMC, pocos iban a pensar la tortuosa historia que iba a llevar en sus cuatro temporadas, con doble cancelación incluida y la salvación para una mas que honrosa cuarta temporada final por Netflix. En Seattle siempre llueve, siempre está frío, oscuro y húmedo, a juzgar por lo visto en la serie. La gente lo pasa mal, los policías están deprimidos y el sol brilla por su ausencia. Un escenario perfecto para un policiaco, una historia negra con todos los componentes necesarios. Los detectives Linden y Holder, brillantemente interpretados por Mireille Enos (Guerra Mundial Z) y Joel Kinnaman (Robo-

cop) representan el terrible cargo que supone luchar por la justicia en un mundo urbano y corrupto, donde las raíces de la suciedad humana se enredan en tu propia existencia, intoxicándote, hundiéndote en el barro del que los cadáveres pugnan por salir y contar su historia. La serie se puede dividir en dos partes diferenciadas: una que comprende sus dos primeras temporadas, de 13 episodios cada una, donde se investiga la desaparición de Rosie Larsen y una segunda, con las dos últimas temporadas, con casos diferentes pero interrelacionados, con un broche final de serie en seis episodios.

La primera temporada, de 13 capítulos en 2011, nos presenta la desaparición de Rosie Larsen (Katie Findlay), una chica normal y corriente, de una familia normal, aunque según se va investigando el caso se descubren inquietantes conexiones con la política local. Linden es una detective ante su último caso por una jubilación anticipada, después de hacer frente a una vida difícil entre casas de acogida, problemas mentales, obsesiones y un trabajo que la está destruyendo física y mentalmente. Su relevo es Holder, joven y perspicaz pero con terribles adicciones y una tendencia a la autodestrucción que casa perfectamente con la actitud de Linden. Ambos recorrerán Seattle detrás de sus propios demonios, desde los lugares mas lujosos a los

callejones abandonados. La serie tiene un aire innegable a Twin peaks sin ese toque de locura de Lynch, ilustrando una ciudad que es un personaje mas de la trama: oscura, húmeda, con luces que refractan en la lluvia y el humo de los cigarros, donde es mas fácil encontrar droga que la verdad. Quizás su punto flojo sea su parte final, donde la trama se enreda para aumentar el misterio una temporada mas, cuando los espectadores ya están deseando que se desentrañe la historia y conocer la verdad. La segunda temporada continúa temáticamente a la primera y quizás requiere una pizca de paciencia por parte del público. La historia se frena y la importancia recae sobre la

género: intriga estreno USA: 2/04/11 emisión USA: netflix/amc estreno USA: fox temporadas: 3

cupera la estética que tan bien funcionó en su primera temporada y añade un nuevo prisma a la ciudad de Seattle, ahora es un sitio peligroso, empobrecido, donde hay chicas y chicos que malviven en la calle, sin posesión ni de su cuerpo ni de sus ilusiones. En este temporada se incorpora Bex Taylor-Klaus (Arrow) como Bullet, una chica de la calle que va a hacer aflorar lo mejor de un Holder que está tocando fondo y una Linden alejada del cuerpo de policía pero íntimamente ligada al caso. Una temporada dura, bien resuelta y vibrante, deprimente y realista pero que no consiguió que la serie alcanzase una estabilidad y, una vez mas, terminó cancelada. Netflix acudió al rescate y pocos meses después de finalizar la tercera temporada, anunció que habría una cuarta y última en agosto de 2014, un broche final en seis episodios de una hora para la historia de Linden y Holder. Esta última vuelta de los detectives a Seattle continúa donde lo deja la temporada anterior, con Linden y Holder en una situación comprometida y un nuevo caso que se les viene encima: una familia de buena posición social brutalmente asesinada en su casa con un único superviviente, un hijo que estudia en una férrea academia militar. Son seis horas de una televisión con mucha calidad, con la participación de Joan Allen como Margaret O’Neal, directora de la academia militar, quizás con una trama central algo simple pero que sirve de contrapunto para la tensa situación que heredan los protagonistas de la temporada anterior. Además incluye una de las despedidas finales mas emotivas de los últimos años televisivos.

familia Larsen y sus motivaciones personales mientras Linden y Holder van sumergiéndose en una espiral de autodestrucción. La supervisión de Veena Sud, creadora de la serie, y sus guiones, centran la importancia sobre la parte humana de la situación, dejando la resolución para los últimos episodios, dejando la serie parcialmente cerrada, cancelándola en julio de 2012. Hay veces que sucede lo imposible y esta vez, ocurrió. En enero de 2013, AMC y Fox confirmaron una tercera temporada, a emitirse en junio de ese año. Otros doce episodios donde la trama se alejaba del caso Larsen para remover el pasado de Linden con un asesino de chicas sin techo. Esta tercera temporada re-

The killing es una de las series mas destacables de los últimas temporadas, vibrante, tensa y deprimente. Un espectáculo noir que no debe pasar desapercibida y que merece unas horas de atención bajo el humo de los cigarros, el olor del café y la fría lluvia de Seattle.

L.J ZAPICO

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neko mai

Ai Tenchi Muyou!

Ai Tenchi Muyou empezó a emitirse el 6 del mes pasado. Esta serie está basada en la franquicia del mismo nombre y fue creada para conmemorar el 20 aniversario de la misma. Volvemos a encontrarnos con el pobre Tenchi Masaki. Esta vez le toca infiltrarse en una escuela femenina como profesor para salvar al mundo del caos en el que está sumido. Tenchi Muyo… ¿Hacen falta palabras para describir esta serie? Una historia bastante conocida, llena de piratas espaciales,… Y lo mejor, en cómodos episodios de 4 minutos.

Gugure! Kokkuri san

Basado en un manga 4-koma cómico de Midori Endo, la historia está protagonizada por Kohina, una niña pequeña que acaba invocando a un Kokkuri-san, un fantasma de bajo nivel del folclore japonés. El Kokkuri-san al que invoca es un hombre joven, guapo y de pelo blanco y aunque al principio intenta asustar a la niña como debe, acaba preocupándose por ella y su mala costumbre de comer ramen en todas y cada una de las comidas, con lo que decide perseguirla para cuidar de ella. El anime empezó a emitirse el 6 de Octubre y nos muestra a los fantasmas típicos del folclore japonés de una forma muy curiosa.

Orenchi no Furo Jijou Nos encontramos ante la adaptación del manga creado por Itokichi. Empezó a emitirse el 6 de Octubre. Tatsumi es un chico de instituto que vive solo y un día, un tritón la mar de guapo llamado Wakasa se muda a su bañera. Wakase es un tanto egocéntrico, pero agradable, mientras que Tatsumi es una persona más fría. Esta es una serie en donde lo absurdo es el pan de cada día. Y es que no es muy normal encontrarse con un chico que se dedica a recoger monstruitos por ahí.

Orenchi no Furo Jijou

Nos encontramos ante la adaptación del manga creado por Itokichi. Empezó a emitirse el 6 de Octubre. Tatsumi es un chico de instituto que vive solo y un día, un tritón la mar de guapo llamado Wakasa se muda a su bañera. Wakase es un tanto egocéntrico, pero agradable, mientras que Tatsumi es una persona más fría. Esta es una serie en donde lo absurdo es el pan de cada día. Y es que no es muy normal encontrarse con un chico que se dedica a recoger monstruitos por ahí.

Shingeki no Bahamut Genesis

El 6 de Octubre empezó a emitirse este anime que está basado en el famoso juego de cartas creado por Cygames. Mistarcia es un mundo en el que humanos, dioses y demonios conviven juntos tras haber derrotado al malvado Bahamut cuando trató de destruir todo. Para que Bahamut no volviese sellaron su poder y partieron la llave que habría el sello en dos, llevándose una mitad los dioses y otra los demonios. Todo está en paz hasta el día en que la mitad de la llave que poseían los dioses es robada y comienza una desesperada búsqueda para parar una posible liberación de Bahamut.

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Yuuki Yuuna wa Yuusha de Aru Este anime original empezó a emitirse el 16 de Octubre y ha sido producido por el Studio Gokumi. Corre el año 300 de la Era Divina, una era en donde las chicas como Yuki Yuna asisten a clase como alumnas normales. Sin embargo dentro de todo este ambiente tan corriente hay un club bastante peculiar: el club de los héroes. En él Yuna y los demás integrantes descubrirán los misterios del mundo. Nos encontramos ante un anime de “temporada” que repite temas: chicas bonitas haciendo cosas monosas en sitios preciosos. Un “recuentos” de la vida dulzón de toda la vida.

Santa Company

Esta película se estrenó el 25 de Octubre y fue producida por Kenji Studio. La historia sigue a la joven Noel y sus amigos mientras reparten los regalos de navidad. Un dato curioso de esta historia es que fue originalmente lanzada por crowdsourcing y quiso recaudar un millón de yenes para su producción. Lamentablemente falló y se intentó una segunda campaña por Kickstarter en diciembre de 2013.

Hybrid Child Este manga es una historia creada poir Shungiku Nakamura, más conocido seguramente por Junjou Romantica. Una adaptación en forma de OVA se estrenó el 29 de Octubre. La historia gira en torno a los “Hybrid Child”, unos androides que crecen gracias al cariño que reciben. Nos encontramos ante un yaoi de pura cepa que hará babear a todas las amantes del género. Aunque pensándolo bien… ¿Qué obra de Nakamura no nos hace babear?

Ore, Twintails ni Narimasu Soji es un chico de secundaria promedio y devoto amante de coletas. Cuando unos monstruos que se alimentan de la energía espiritual invaden la tierra, Soji (junto con la ayuda de un misterioso desconocido) debe transformarse en una chica de colas para derrotarlos. Nos encontramos frente a la adaptación de la novela ligera de Yume Misusawa, que empezó a emitirse el 10 de Octubre.

Sanzoku no Eiga Hapiness Charge Precure Musume Ronja Ningyou No Kuni No Ballerina

La decimosexta película de Pretty Cure se estrenó el día 10 de Octubre. La historia nos cuenta una nueva misión de las Pretty Cure: deben salvar el “Reino de las muñecas” el malvado Black Fang.

La historia está protagonizada por Ronja, quien es la hija del jefe de bandidos Mattis y su esposa Lovis. Crece en la Fortaleza de Mattis, que no es más que un castillo abandonado partido a la mitad por un rayo que cayó el día en que Ronja nació. Un día, Ronja conoce a Birk Borkason, el hijo del capitán de unos ladrones hostiles, Borka y su esposa Undis. Ronja y Birk se convierten en amigos, muy contra la voluntad de sus padres. Esta serie se estrenó el 11 de Octubre y está dirigida por el mismísimo Goro Miyazaki en conjunción con el estudio Ghibli. Es la adaptación de la famosa novela de Astrid Lindgren y supone el estreno de Goro como director, además de la primera serie del estudio. La forma de presentar el diseño, combinando la animación CG y el 3D puede parecer algo impactante al principio, pero si estamos acostumbrados a los gráficos de los JRPG’s de ahora no nos supondrá ningún problema.

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Bonjour Koiaji Patisserie

Shirobako

Este anime producido por P. A. Works se estrenó el 9 de Ocutbre. Cinco chicas persiguen sus sueños. La historia nos muestra sus problemas diarios para conseguirlos y lo que ocurre cuando empiezan a trabajar en la industria del anime.

Hitsugi no Chaika Avenging Battle Esta segunda temporada del anime Chaika - The Coffin Princess: Avenging Battle empezó a emitirse el 8 de Octubre y continua con la historia desde donde lo dejó la primera. La historia está basada en la serie de novelas ligeras creadas por Ichiro Sakai.

Este anime empezó a emitirse el día 10 y tiene una duración de 5 minutos por capítulo. Está basado en el juego para smartphones creado por More Games. Sayuri Haruno sueña con convertirse en una gran repostera y para ello se inscribe en la Academia Fleurir de Confitería, una academia de élite en el famoso distrito de Aoyama en Tokio. Allí se encontrará rodeada de chicos encantadores, cada uno único a su manera. Mitsuki Aoi es un instructor con una técnica sin precedentes y que parece un príncipe, lo que le hace muy popular en la escuela. Gilbert Hanafusa es el chico animado del grupo, un estudiante que procede de Francia. Yoshinosuke Suzumi no sabe expresar bien sus sentimientos, pero bajo su áspero exterior reside un corazón repleto de pasión por los dulces japoneses. ¿Alguien ha dicho harem inverso? Esta serie hará las delicias de cualquier chica amante de este género.

Llegaron en silencio y oscuridad, descendiendo de los cielos con un hambre por carne humana. Parásitos-alienígenas que deben invadir y tomar control de un humano para sobrevivir han venido a la Tierra. Nadie sabe su secreto, excepto el estudiante de preparatoria, Shinichi Izumi, cuya mano derecha ha sido invadida por un parásito alienígena. Shinichi y Migi, el parásito en su mano, sin quererlo forman una amistad y se encuentran atrapados en medio de una guerra entre humanos y parásitos. Este anime empezó a emitirse el día 9 y es una adaptación del manga de Hitoshi Iwaaki.

Kiseijuu Sei no Kakuritsu

Rakuen Tsuihou: Expelled From Paradise

Esta película creada por Toei Animation y Nitro+ se estrenó el 15 de noviembre. Con Gen Urobuchi como guionista y Seiji Mizushima como director, Rakuen Tsuihou se nos presenta como una película llena de ciencia ficción y acción. La Tierra se ha convertido en una ruina llamada Nano Hazard y la mayoría de los humanos han abandonado la esperanza en el planeta y han decidido vivir como datos en un mundo digital llamado DIVA. Es el año 2400 y DIVA sufre un ataque de ciberterrorismo desde la Tierra por parte de un hacker llamado Frontier Setter. Es entonces cuando la agente de policía Ángela Balzac, una humana en un cuerpo sintético, tendrá que descender a la devastada Tierra para investigar el suceso. Nos encontramos con una película que en su primer fin de semana en cines vendió tanto que se situó como la novela película más vista de ese finde, llegando a recaudar casi 30 millones de yenes. Además, como celebración a su estreno, los asistentes al cine pudieron hacerse con la edición en Blue-Ray.

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Inou Battle Wa Nichijou Kei no Naka De

Esta adaptación de la novela creada por Kota Nozomi empezó a emitirse el día 7 del mes pasado. Un grupo de chicos y chicas de repente adquieren poderes supernaturales y se convierten en guerreros para luchar en batallas galácticas, pero se dan cuenta de que no hay guerras, conspiraciones, no hay imperios malignos,… Así que deciden divertirse malgastando sus poderes. Nos encontramos ante una serie que, si bien no es lo más de lo más, sirve para pasar el rato y reírse lo suyo.

Trinity Seven Trinity Seven es un manga fantástico-romántico creado por Kenji Saito. Su adaptación animada empezó a emitirse el 8 de Octubre. Cada día era un día normal en la pequeña ciudad donde vivía Kasuga Arata. Sin embargo, todo cambió el día del Sol Negro. En ese momento, un misterioso mago se le aparece. Ese día el Sol Negro causó lo que se le conoce como “Breakdown Phenomenon” que destruyó en su totalidad la ciudad en la que vivía y que traslada a su primo Hiriji Kasuga a otro mundo. Para resolver el misterio del “Breakdown Phenomenon” y traer de vuelta a Hijiri, Arata se inscribe en la Royal Biblia Academy donde conocerá a siete preciosas magas conocidas como las Trinity Seven.

Amagi Brilliant Park es una novela ligera creada por Shoji Gatoh. Esta adaptación animada empezó a emitirse el 7 de Octubre. La historia nos muestra a Seiya Kanie, un estudiante de secundaria a quién un día, su misteriosa y guapa compañera de clase Isuzu Sento, que acaba de llegar a su instituto, le pide una cita para ir al parque de atracciones. Allí conocerá a Ratifa, una “princesa” que dirige el parque y que le pide ser el director en funciones de este decepcionante parque de atracciones en las afueras de Tokio.

Amagi Brilliant Park Hi Scoool! Seha Girl

Sega Hard Girls es un proyecto multimedia producido por ASCII Media Works, Dengeki Bunko, Imprint y Sega cuya adaptación animada se estrenó el 8 de Octubre. Nos encontramos con las Seha Girls, una representación antropomórfica de las consolas Dreamcast, Sega Saturn y Mega Drive. Las chicas deben de meterse en el mundo de los juegos de Sega para graduarse en la Academia SeHaGaga. Quizá os recuerde a algo este tipo de serie, y es que la idea de representar como humanos a las consolas no es nueva.

Daitoshokan no Hitsujikai

Este anime se estrenó el día 8 y es la adaptación de una novela visual para adultos creada por Hazuki. Kyoutarou Kakei es un estudiante del prestigioso Instituto Shiomi con una gran afición a la lectura que se pasa el día en la biblioteca de la Academia Shiomi, que rivaliza con la propia biblioteca nacional de Japón. Un día, llega a su móvil un misterioso mensaje de alguien que se denomina a sí mismo “el pastor” y que dice conceder deseos. Mediante este mensaje conoce a una chica de segundo llamada Tsugumi Shirasaki, la cual no es más que la primera de muchas que se unirán al club de literatura en el que está nuestro protagonista, todo gracias a los mensajes del “pastor”. Ecchi, romance y comedia… ¿Qué más se puede pedir?

Sword Art Online

Sword Art Online, o más conocida como SAO, es un anime de tipo ciencia ficción en el cual se cuenta una []historia que se desarrolla en el año 2022, cuando un videojuego de rol (VRMMORPG) sale a la venta. En este juego, los jugadores pueden controlar sus avatares por medio del NerveGear, un casco de realidad virtual capaz de hacer sentir el juego como si fuera la vida real. Sin embargo, cuando los jugadores se dan cuenta de que no pueden salir del videojuego, el creador de SAO, Akihiko Kayaba, aparece y les informa que si mueren en el mundo virtual también lo harán en el mundo real. La única solución que les queda entonces para poder salir del juego es superar los cien niveles. Una vez que conocemos de qué va la historia creo que es importante conocer cómo son y qué les sucede a los personajes principales y algunos de los secundarios: Personajes Principales Kirito (Nombre Real: Kazuto Kirigaya,16 años) Kirito es el protagonista principal masculino de la serie, tiene los ojos de color gris oscuros, su constitución es delgada y su estatura es alta, tiene el pelo corto de color azul oscuro. Su vestimenta es simple con ropas de color negro y su arma es la espada “Elucidator”. Este personaje se muestra dentro del juego como un jugador solitario, por lo que se gana el apodo del Espadachín Negro. Conforme sube de nivel dentro de SAO, consigue desarrollar la habilidad de Dual Blades o “Empuñadura Doble”, la cual solo puede poseerla el personaje con mayor velocidad de reacción en combate. Al activarla empuña una espada larga de una mano de color blanco llamada “Dark Re-

pulser”. Durante el juego “Kirito”, conoce a una jugadora llamada “Asuna” con la que entabla una profunda amistad que acaba convirtiéndose en un gran amor. En el Mundo Real vive con su madre y su prima/hermana, ya que fue adoptado por su tía cuando sus padres fallecieron en un accidente. Asuna (Nombre Real: Asuna Yuuki,17 años) Asuna es la protagonista femenina de la serie, tiene los ojos de color miel, su constitución es delgada y estatura media, tiene el pelo largo hasta la cintura con una trenza pequeña recogida como coleta su pelo es de color naranja claro. Su vestimenta es un traje en forma de vestido de dos capas; la parte de arriba es un vestido de color blanco que le hace como “capa” en la parte de atrás, la parte de abajo es una falda de color roja, lleva consigo su arma una espada. En el capítulo 11 se casa con Kirito y es la sub-líder del gremio Knights of Blood (KoB). Es una jugadora experta y gana el título de “El Destello Veloz o Flash” por su extraordinaria habilidad y rapidez. En la vida real, ella vive una vida muy estresante, a causa de las altas expectativas de sus padres en ella.

Heathcliff (Nombre Real: Akihiko Kayaba) Es en realidad es Kayaba Akihiko (el creador de SAO), el villano de la serie, tiene

los ojos grises, su constitución es fuerte y delgada con una estatura alta, tiene el pelo de color gris a media melena recogido por una coleta, su vestimenta es igual a la de un caballero, su armadura es de color roja con un escudo con el emblema de “Knight of Blood” (una cruz roja), su arma es una espada. Es el líder del gremio Knight of Blood. Es uno de los que tienen una habilidad única en SAO llamada “Espada Sagrada” y se lo considera el jugador más fuerte del juego. Personajes secundarios Klein (Nombre Real: Ryōtarō Tsuboi) Es el primer amigo de Kirito en SAO, tiene los ojos de color marones claros, su constitución es delgada y su estatura es

alta, tiene el pelo corto de color marrón claro recogido con una cita de color roja. Su vestimenta es un traje de samurái rojo protegido por un protector de pecho, su arma es un sable japonés (katana). Klein es bastante frio y distante, aunque en el fondo es una persona muy noble y leal. Su amistad con Kirito es muy sincera y profunda, tanto que llega a durar toda la serie aunque ambos estén separados. Klein llega a convertirse en el Líder del gremio Fuurinkazan. Agil (Nombre Real: Andrew Gilbert Mills) Ágil es un amigo de Kirito, tiene los ojos grises, su constitución es fuerte y grande su estatura es alta, su color de piel es de

color oliva, lleva barbilla haciendo característica de su madurez, no tiene pelo, es decir es calvo. Su vestimenta es parecida a un forjador, su arma es un hacha de dos manos. Dentro de SAO es un mercader y tiene un negocio en el piso 50 en SAO, el lema que usa en su tienda es “Compra barato y vende barato”. Es un hombre con buen corazón y ayuda a todos los jugadores de niveles inferiores en lo que puede, como por ejemplo regalándoles un manual. En el mundo real es el dueño de una cafetería. Silica (Nombre Real: Keiko Ayano) Es una chica que salva Kirito, tiene los ojos de color rojo, su constitución es pequeña y delgada, tiene el peplo de color marrón recogido en dos coletas. Su vestimenta es un vestido de tres partes; la parte de de arriba es un top de color blanco llevando enganchadas las mangas con botones, la parte de abajo es una falda larga de color roja que se abre, la otra parte es la falda corta de color negro, usa una daga de una mano como arma. En SAO es una chica muy popular debido a su oficio: Domadora de Bestias. Tiene un dragón de color azul claro como mascota, al que llama “Pina”. Sachi Es una chica que forma parte del gremio “Gatos Negros de la Luna Llena” de SAO, el primer gremio al que se unió Kirito, tiene los ojos azules claros, su pelo es corto de color azul oscuro. Su vestimenta es sencilla lleva un vestido de color azul claro con un protector de pecho. Fue asesinada junto con la mayor parte de su gremio, del cual también era parte Kirito, y su muerte fue uno de los principales factores por el cual Kirito se niega a unirse a otros gremios.

Una vez conocidos a los personajes debo decir que SAO me ha gustado porque al principio me engancho el hecho de que no podían salir del videojuego y que no sabía si los personajes iban a sobrevivir y quien iba a morir. La parte de la serie que más me ha gustado fue la investigación de la muerte de “Griselda”, un personaje secundario, en el que pasan cosas extrañas dentro del videojuego en las que Kirito y Asuma piensan que no pueden ser posibles, luego se descubre que es una estrategia de “Yoiko” y “Caynz”, para descubrir quien mato a “Griselda”. Otra parte que me gusto de la serie fue un momento bonito y triste; en el que Kirito busca desesperadamente el objeto para resucitar a Sachi, cuando se da cuenta de que no le sirve, ve el mensaje grabado de Sachi y lo escucha justo por Navidad, a mi sinceramente casi me dan ganas de llorar cuando en la grabación que le canta “Rudolph, el reno de la nariz roja”. Por otra parte no me ha gustado porque era una mezcla de .HACK y la película “Summer Wars”, en que todas están inspiradas en videojuegos y se parecen entre ellas. Además se hacía repetitivo que el chico hacia siempre lo mismo, subir de nivel, hacer amigos, buscar nuevos pasajes… Otra cosa que no me ha gustado es que se centraba demasiado en el protagonista, Kirito, algunas ocasiones me hubiera gustado ver o saber si algunos de sus amigos, como Klein, cómo pasan la vida en SAO. En conclusión que esta serie es interesante desde el punto de vista que te mantiene en tensión con el tema de que no pueden salir del videojuego y que los personajes son todos distintos y que tienen diferentes personalidades, de los cuales mi favorita es Silica. Sin embargo me parece un poco lenta y repetitiva en relación a que la serie gira todo el rato entorno al videojuego. Mi opinión final es que si te gusta la temática de los videojuegos y la realidad virtual SAO es una buena opción para pasar un agradable rato, aunque a mi sinceramente no me ha convencido.

CRISTINA FERNÁNDEZ JIMÉNEZ

DETECTIVE CONAN 20 años han pasado desde que el primer manga de Detective Conan viera la luz y desde entonces el universo de este peculiar detective ha ido creciendo y generando una importante legión de fans. Para ellos, se estrena este mes en la televisión nipona un especial de dos horas que muchos esperan ya con impaciencia. Ya se ha aclarado el misterio que durante meses ha envuelto a este especial cuyo estreno en Japón es inminente. En 1994 la editorial japonesa Shogakukan empezó a publicar en la revista mensual Shonen Sunday el manga Detective Conan, escrito e ilustrado por Gosho Aoyama y protagonizado por Shinichi Kudo un célebre detective que, al ser envenenado por unos hombres pertenecientes a una oscura organización, se convierte de nuevo en un niño de 7 años, aunque conservando su inteligencia de adulto. A partir de entonces, el joven cambia su nombre por el de Conan Edogawa y concentra sus esfuerzos en obtener las pruebas necesarias para detener a la organización que quiso matarlo, así como obtener una cura que le devuelva a su aspecto natural. El nombre que escoge para su nueva identidad hace honor a dos escritores de novelas sobre detectives: el inglés Arthur Conan Doyle y el japonés Ranpo Edogawa, lo cual incrementa el ambiente detectivesco de la serie, en la cual cada capítulo presenta un caso curioso o extraño que Conan debe resolver basándose sobre todo en la observación. El protagonista es muy ingenioso y aprovecha los inventos del profesor Agasa para, anestesiando a Mouri (el detective privado encargado de esclarecer los misterios) suplantar su voz de modo que la gente piense que es el adulto quien tiene la resolución de los casos. La aceptación de este manga llevó a su

adaptación en televisión en 1996, cuando los estudios Tokio Movie Shinsha empezaron a emitirla, logrando incrementar el éxito de la serie tanto dentro como fuera de Japón, y generando un gran mercado de merchandising, películas de animación, OVAs y videojuegos. En nuestro país lleva años siendo emitido en las televisiones y son pocos los que desconocen las originales aventuras del Conan japonés que también ha vendido bastantes tomos ilustrados en las librerías y tiendas especializadas españolas. El hecho de que Detective Conan sea uno de los mangas más vendidos y más largos de la historia hace comprensible que, con motivo de su vigésimo aniversario, la franquicia quiera recompensar a sus fieles seguidores con un especial que retransmitirá la televisión japonesa titulado El caso de la desaparición de Conan Edogawa: los dos peores días en la historia. Al parecer, esta esperada película animada es una versión adaptada al universo de Conan de la comedia japonesa Kagi Dorobo no Method, puesto que su director Kenji Uchida es un declarado fan de Conan y ha sido el encargado del guión de este especial. Al mando del proyecto está Yasuichiro Yamamoto, director jefe del anime, así como de algunas de sus adaptaciones cinematográficas. La película tiene una duración de dos horas y, con respecto a su argumento, puede decirse que no pinta nada mal ya que el pequeño Conan pierde la memoria. Para los japoneses la película trae un valor añadido, puesto que cuenta con dos actores nacionales importantes como Teruyuki Kagawa prestando su voz a Kondo, un asesino a sueldo y Ryoko Hirosue dobla a kanae, jefa de redacción de una revista.

Además, la cantante Mai Kuraki interpreta el tema principal de este especial “Dynamite”, coincidiendo con el 15º aniversario de su carrera musical que conmemora lanzando un disco con 30 temas, de los cuales 10 han sonado en la serie de Detective Conan, por lo cual no podría haber una mejor voz para ambientar la última aventura del pequeño detective. Desde hace unas semanas puede verse el

tráiler de esta nueva película (por supuesto en japonés) en el que aparece Conan resbalando en unos baños públicos y que termina con el detective preguntándose quién es. Lo cierto es que los foros están a rebosar de impacientes fans que quieren ya disfrutar de la nueva película de Detective Conan. La espera ha terminado y 2014 acabará con misterios y sorpresas de la mano de nuestro detective animado favorito.

TIME

Se acercan las navidades y todos ten se nos pasó. Da igual si la persona a acertarás seguro. ¿Qu

ELINE

nemos ese regalo de Ăşltima hora que a regalar es Friki o no, con Timeline uieres saber por quĂŠ?

tenga adyacentes. Por ejemplo, si sobre la mesa están “el descubrimiento del fuego” y “el CD”, y nuestra carta es “la imprenta”, pues la pondremos entre esas dos cartas, ya que es anterior al CD y posterior al descubrimiento del fuego. Si acertamos, dejamos la carta en la mesa pero si fallamos la descartamos y cogemos una nueva del mazo de juego. Cuando un jugador logra poner la última de las cartas de su mano, casi gana. Digo casi porque se debe entonces completar una vuelta completa entre el resto de jugadores, y si algún otro lograse colocar la última de sus cartas entonces todos los demás participantes quedan fuera del juego y cada uno de los jugadores que quedaron empatados cogerán una carta del mazo y las jugarán a muerte súbita.

¿Puede un juego ser para todos los públicos, económico, pedagógico y divertido al mismo tiempo? Timeline es la demostración palpable de que si, es posible.

MECÁNICA DE JUEGO El objetivo del juego es ordenar cartas en las que se muestran hechos históricos de manera cronológica y lograr poner todas tus cartas antes que el resto de oponentes. Cada carta tiene un anverso donde se muestra un hecho histórico y un anverso en el que se muestra el hecho histórico y el año en el que tuvo lugar. El jugador que antes se quede sin cartas es el que gana. Al principio de la partida se barajan todas las cartas y se reparten cuatro a cada jugador de manera que se vea el lado en el que NO aparece la fecha del evento al que pertenece, si bien podemos repartir más cartas para alargar un poco cada partida. Estas cartas serán visibles por el resto de jugadores y deberán permanecer por el lado que no tiene la fecha hacia arriba en todo momento. Hecho esto sacamos la primera carta del mazo y la pondremos en la mesa. A partir de ahí, los jugadores por turno tendrán que ir añadiendo cartas ordenándolas por orden cronológico. La carta se pone en la mesa por el anverso según se piense que el hecho histórico que se muestra en la misma es anterior o posterior a la carta o cartas que

COMPONENTES Timeline se presenta en una bonita caja metálica que tiene tanto defensores del formato ya que le da una robustez extra al ser este un juego que podemos llevar en el bolso o mochila para cualquier ocasión como detractores que dicen que es solo para justificar los 12 euros que cuesta. Las alrededor de 110 cartas son bastante robustas y aguantan muy bien los sucesivos barajados, tanto es así, que de todos los poseedores de Timeline que conozco ninguno ha sentido la necesidad de enfundarlo. En el

caso que queramos hacerlo, indicar que usa fundas de 43x65 y que enfundar cada uno de los juegos nos puede costar entre 2 y 4 euros, dependiendo de la calidad de las fundas. Aunque en su versión original hay siete sets disponibles, hasta la fecha hay tres sets editados en castellano por Asmodee, que son Timeline: Eventos, con hechos históricos, Timeline: Inventos, con descubrimientos e invenciones y Timeline: Multitemático, que

mezcla un poco de todo. Para finales de año (o sea, ya mismo) Asmodee tiene planeado lanzar Timeline: Música & Cine. No quiero terminar el artículo sin destacar las versiones digitales del juego. Existe una aplicación disponible en la App Store para iPad, muy cuidada gráficamente y que está disponible por apenas 3 dólares, y también existen versiones para un solo jugador en la página de asmodee www.asmodee.com más baratas que la de iPad, básicamente porque son gratuitas.

CONCLUSIONES Si algo hay que reprocharle a Timeline es quizás que se nota en los hechos reflejados en las cartas su origen francés, ya que hay proporcionalmente bastantes más cartas dedicadas a eventos y personajes que a los del resto del mundo, aunque este es un pequeño detalle que no ensombrece la opinión positiva que deja el juego. En definitiva Timeline es un buen juego, con bastante rejugabilidad y un precio ajustado

que seguro verá más mesa que otros fillers o party games. Eso sí, si lo jugáis mucho y muy seguido, es posible que acabéis “quemándolo” ya que acabaréis sabiéndoos muchas de las fechas de las cartas. De cualquier forma, si mezcláis cartas de distintas ediciones seguro que os costará más ubicar las cartas de fechas aunque os sepáis algunas.

FICHA TÉCNICA

Timeline Editorial Asmodee 12 euros aproximadamente. 1-8 jugadores. A partir de 8 años. 15 minutos. Por Curro Burgos.

cubil juegos presenta:

Kromaster Arena

Conviértete en el amo de Krosmoz De vez en cuando te da por profundizar en cierto juego, que estaba ahí llamándote la atención desde hacía tiempo, pero que por un motivo o por otro, nunca acababas de investigar. A veces nos perderemos títulos increíbles, que vemos pasar por los catálogos sin llegar a conocer en profundidad, pero otras veces por suerte, les prestamos atención y como en el caso de Krosmaster Arena, nos damos cuenta de que nos estábamos perdiendo un imprescindible. Para mí, este juego ha sido todo un descubrimiento, porque aunque sabía de su exis-

tencia y en parte de su mecánica, no me había decidido a meterle mano hasta hace poco. Parte de la culpa de que estuviera reticente, era saber que es te juego forma parte de un universo extensísimo de productos de todo tipo y eso quieras que no, abruma un poco. Al final me decidí y puedo decir que, al margen de este mundo infinito formado por sus juegos digitales, merchandising, serie de animación, etc, hemos probado el juego de mesa muy a fondo y los resultados no han podido ser mejores.

Situemos este juego de forma breve:

mente en los componentes.

Krosmaster Arena es la versión de mesa del juego táctico de PC del mismo nombre, cuya versión original podemos encontrar en versión digital en http://www.krosmaster.com/ es

Aspecto

Es un producto de Ankama y básicamente, lo que han hecho es pasar a tablero un juego digital al que se juega online contra otros jugadores. Este tipo de experimentos suelen estar mejor o peor llevados porque, requieren una serie de cambios que sufren más o menos durante la adaptación. Lo bueno de Krosmaster en este sentido es que, incluso en su versión digital, ya era un juego con un enfoque 100% tablero. Su sistema de turnos, puntos de vida, puntos de movimiento, puntos de acción, líneas de visión, alcances, etc, que además se jugaba sobre un tablero de casillas, lo hacían, ya desde un primer momento, un juego totalmente llevable a esos cartones, que tanto nos gustan. Y no solo no ha perdido en el cambio, sino que para mí, es mucho mejor y no precisamente porque no me vuelva loco con un videojuego. Por cierto, me recuerda muchísimo a Final Fantasy Tactics, juego increíble de Game Boy Advance, que seguro que marcó a más de un cuentacasillas. Se ve que la versión digital de Krosmaster Arena era de por sí, buenísima, pero si encima lo metes en una caja, con su olor a juego, y permites desplegarlo en tu mesa, con un cuidado muy destacable de los componentes, lo que obtienes es una joya. Dediquemos un momento a centrarnos precisa-

Ya se que cuando un juego me gusta mucho, me emociono un poco, pero esta vez voy a hacer una afirmación que no había hecho nunca y es la siguiente: la calidad de los componentes es la mejor que he visto en un juego de mesa. Y como sabéis, he visto alguno que otro... Lo digo y me quedo tan pancho, porque es la verdad y creo que cualquiera que lo haya visto y manipulado, estará de acuerdo conmigo. La estética puede gustarte más o menos, ya que los personajes son un poco estilo súper deformer, así tirando a manga. Son cachondos y coloridos, pero también un poco salvajes, cosa que les quita inocencia. Naturalmente la ambientación es el más subjetivo de todos los aspectos. Seguro que me gustaría más si fueran robots en vez de muñequitos cabezones, pero en esto es imposible acertar con todo el mundo y os puedo decir que aun así el resultado es bestial. Las 8 figuras a todo color incluidas representan a 8 personajes con personalidades y habilidades completamente definidas. Son de un tamaño bastante grande y presentan una calidad al tacto y un aspecto increíbles. Al igual que todos los componentes, vienen pintadas con muy buen gusto y son sin duda, lo más vistoso del juego. Pero es que además de las figuras, que ya de por sí son de 10, la calidad de los marcadores, cartas, dados, tablero y otros componentes son de primera categoría. De verdad, es una delicia destroquelarlo y luego te pones a montar los arbustos, las cajas y los

arbolitos que usaremos sobre el terreno de juego y ya es un desfase. Lleva un buen rato destroquelar y montar estos elementos de terreno la primera vez, pero es muy entretenido y te va haciendo imaginarte lo guapo que quedará todo eso durante una partida. Podéis llamarme exagerado si queréis, pero por favor, probadlo y me decís, porque en la cuestión calidad de los componentes, es una pasada. Sería bastante injusto darle un 5/5 en el medidor de aspecto, porque habría que meter un apartado más alto solo para este juego. Todo esto junto en una caja que te proporciona diversión infinita con calidad y cantidad, sin necesidad ninguna de recurrir a expansiones, que haberlas haylas, pero no son necesarias si eres capaz de resistirte a ellas. La primera pregunta que se hace uno es ¿cómo puede todo esto valer tan barato? El PVP del juego es de 49,90 euros (45,95 euros de oferta en Cubil Juegos). Es inevitable pensar que cualquier marca nos cobraría mucho más por todo ese material. De hecho se imagina uno, que al menos una, lo pon-

dría a su precio favorito de 80 euros, como mínimo. Un 10 para Ankama también en este sentido. Os juro que no nos han pagado jaja, de hecho ni si quiera hemos usado una versión de prueba del juego o regalada. Lo hemos comprado al proveedor como Dios manda y lo considero de las mejores relaciones calidad-precio que he visto hasta ahora. Historia Krosmaster Arena enfrenta a luchadores de Dofus y Wakfu (otros de los juegos de PC), pertenecientes al Krosmoz, que es el escenario que engloba todo este universo. Los demonios de las horas se aburren en el Horamundo y traen guerreros del Krosmoz para hacerles luchar y divertirse con sus combates. La historia no es un alarde de creatividad, pero nos sirve de excusa para liarnos a guantazos. Mecánica

Seré muy breve, porque ya me estoy yendo largo para variar. Krosmaster Arena es un juego táctico de tablero (de 2 caras) para 2 a 4 jugadores a partir de 14 años en el que controlaremos a unas figuras, cada una con sus características, que lo hacen único. Cada una de ellas tiene su carta en la que figuran sus valores de movimiento, puntos de acción, vida, hechizos, habilidades, etc, que iremos usando básicamente para hacer que los rivales muerdan el polvo. Cada figura tiene además un valor en puntos, que serían como puntos de ejército para hacerte tu bando, sin pasar nunca la suma de 12 puntos. Esto le da un rollo personalizable a tu tropa, parecido a lo que pasa con X-Wing. Y precisamente me recuerda también a este en una cosa y es que al igual que en X-Wing, no hace falta comprar expansiones para jugar, pero es que... son tan chulas... Las miniaturas irán usando sus valores de iniciativa y se irán moviendo por el tablero mediante casillas y teniendo en cuenta líneas de visión y obstáculos a la hora de avanzar y atacar a los rivales. Estos elementos de terreno, además de darle al juego un aspecto totalmente 3D muy potente, son también de suma importancia en el desarrollo de la partida. Es importante saber usarlos

tanto a favor, como en contra del rival. Los combates se resuelven mediante dados, que permiten hacer impactos críticos, defender, placar, esquivar y otras acciones. En las partidas de 2 jugadores, que son digamos las estándar, cada jugador tiene 6 Galones de Gloria (GG), que son las fichas que nos harán ganar o perder la partida, ya que el primero que se quede a 0, pierde automáticamente. Aunque hay más formas de ganar y perder estos galones, la principal será abatir a un luchador, lo que te aportará nada menos que 3 GG, que robaremos al rival. A todo esto añadiremos la posibilidad de ir comprando recompensas demoníacas a lo largo de la partida, con las moneditas que vamos recogiendo por el tablero y que se llaman Kamas. Este también es un punto importante. Los Kamas, además de permitirte comprar GG y así acelerar la partida, son necesarios para comprar estas recompensas demoníacas, que son potenciadores momentáneos o permanentes y que darán a tus figuras hechizos y características extra. Las recompensas son muy muy importantes. Por ejemplo, a mí me gusta mucho el

arquero (Guillermo Hotel), pero como corresponde a su gremio, es debilucho y nulo a corta distancia. Pues esto se puede solucionar comprando quizá alguna recompensa que aumente su vida máxima y algún arma cuerpo a cuerpo, que lo haga más versátil. A lo mejor prefieres especializarlo más aun y aumentar su alcance y efectividad a distancia, subirlo en una caja y tener al francotirador perfecto, dominando el tablero.

al rival.

Esto es solo un ejemplo de hasta que punto se pueden tomar decisiones en el juego y una partida puede ser totalmente diferente de la otra. Imaginaos, solo os he dicho unas opciones mínimas para Guille, pues teniendo en cuenta que tenemos 8 figuras y 60 recompensas, os podéis hacer una idea de la rejugabilidad infinita que tiene Krosmaster.

Hablando de aprender a jugar, el reglamento incluye un MAGNÍFICO sistema de tutoriales, que te van enseñando progresivamen-

No es que sea un juego difícil, sus reglas son fáciles de entender, pero el juego llega a su disfrute máximo cuando ya conoces bien las figuras y aprendes a usarlas o evitarlas. Evidentemente, lleva algunas partidas conocerlas bien, pero aunque las primeras partidas son un poco para ir descubriendo, te lo pasas muy bien haciéndolo.

A todo esto añadimos tiradas de tensión, invocaciones de animalitos y un largo etcétera o mejor dicho, un infinito etcétera, porque además, tenemos expansiones y muchísimos personajes nuevos, que podemos conseguir por separado. Puedes aumentar tu ejército comprando un pack que te guste o una cajita sorpresa con un personaje aleatorio incluido. Muy coleccionable y peligroso para el bolsillo. Conclusión Krosmaster Arena es un soplo de aire fresco total. Un juego táctico en toda regla, con un cuidadísimo apartado físico y una reglamento súper sólido y bien orientado. El equilibrio entre los personajes está muy bien regulado, la mayoría compensan ventajas con inconvenientes y de ser demasiado buenos, te costarán un buen puñado de puntos, con lo que podrás llevar menos figuras en tu bando. Se nota perfectamente que está todo muy bien pensado, funciona perfectamente y se ve que le han echado horas y horas de testeo para que todo cuadre. En cuanto al tipo de jugador al que va dirigido, podríamos decir que no es un juego al que querrá jugar cualquier tipo de jugador. Si eres amante de las pachangas rápidas, sin complicaciones, no es tu tipo. Será necesario pensar cada movimiento como si de un ajedrez se tratase, teniendo en cuenta la distribución de tus figuras y sus puntos fuertes y flojos, así como tener bien vigilado

te el funcionamiento de las mecánicas del juego y presentándote a los personajes. No es obligatorio hacerlo, pero sí muy recomendable, ya que vas avanzando página a página y descubriendo los entresijos de una forma súper amena, porque además llevan un minitablero impreso, en el que puedes ir probando los avances. De verdad, un toque videojueguil, que se agradece muchísimo y que es uno de tantos puntos, que convierten este juego en la pasada que es.

Curiosidades y Briconsejos - Aunque las reglas están en general muy bien explicadas y traducidas, sí que existe algún fallo puntual en algunas frases, que pueden aparecer en inglés o en italiano, pero son cosas que aun así vienen explicadas en español y que no estropean la comprensión. Es un poco tontería, pero para un fallo que le veo al juego, tenía que decirlo. - Hay poderes, que cuando se saben usar son chulísimos. La reina de los Tofus va sol-

ter rena

Krosmas

Guiton Édouard y y u o g e olas D Papet Autor: Nic stico: Alexandre tí r a Trabajo ores: 2 - 4 de jugad o r e m ú N men4 años roximada artir de 1 p p a a : s d to a u d E in : 45 - 60 m Duración te a te: Ankam Fabrican Año: 2013 añol arsp derada (c Idioma: e ia del idioma: mo yen nc cas inclu Depende pensas demonía om tas y rec rmalita texto) : mesa no o g e ju e ie d Superfic

la “casi victoria” puede cambiar de bando incluso varias veces. - Precisamente por lo anterior, no hay que bajar los brazos hasta el final, porque, aunque la cosa pinte mal, se puede llegar a ganar. Sobre todo es importante que no te desanimes cuando te maten al primer personaje y seguir con los demás a tope. - Aunque da un poco de cosa, recomiendo pegar las cajas con pegamento. Si no lo haces, se suelen desmontar durante la partida o al preparar el escenario y es un rollo pararse a arreglarlas. Una vez pegadas, se quedan compactas y no vuelves a perder esos minutos.

tando pajaritos, el Rey de los Jalatós con la ovejita, el otro con los bombazos, la otra curando, en fin, es que no puede ser más variado en este sentido. - La estimación de partidas de 45 - 60 minutos es bastante acertada, pero puede variar un poco si la cosa está igualada. Hay veces en las que se prolonga un poco ya que, aunque parezca que uno lo tiene fácil para ganar, existen muchos giros inesperados y

- Las reglas incluyen un código de acceso, que te permite desbloquear en el juego online las mismas figuras que vienen en el juego de mesa. De no usar el código, cuando accedes solo tienes disponibles 4 de las 8. - Como me pasa casi siempre en este tipo de juegos, me gusta más la versión para 2 jugadores que la de 4. Que sí, que es chulísima también, pero cuesta mas coordinar a 4 que a 2.

EL COLECCIONISTA DE MUÑECOS

STAR-LORD: Muñeco de Hot Toys de unos 31 cms de alto con 30 puntos de articulación. incluye máscara intercambiable con LED rojo. Hasta cinco guantes opcionales con dos pistolas como arma.

Los

s mejores regalos frikis del año Bienvenidos un mes más a Animologia, este mes vamos a hacer un parón en el análisis de series ya que os traigo una lista de 20 regalos frikis para estas navidades, algunos más relacionados con alguna serie o película, otros simplemente denominados frikis por ser algo enfermizos, entiéndase la buena intención del uso de enfermizo, para designar algo raro raro de encontrar en casa de alguien aparentemente ‘’normal’’, que no siente especial atención y devoción extrema por un tema en concreto.

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Con esta camiseta inc a creerse que eres el pero al menos sabrán DOCTOR’’ y que puede serie británica. Solo d

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Para terminar os pres fantástico para los m hogar, para ese momen usan la expresión ‘’que la cuchara llena de poti Enterprise para substitu podréis gritar, ‘’¡abre l Enterprise a velocidad d

Espero que os haya gustado la selección de 2 alguna que otra idea para regalar algo origina quizá a vuestra madre o padre le vengan bien mes que viene en una visita rápida a Tin Tin, saludo y que paséis unas muy buenas frikifiest Por Lidia Reyes

confundible, nadie te confundirá, no es que nadie vaya l verdadero doctor, eso seguro que nadie se lo cree, que llevas una camiseta que pone ‘’TRUST ME I’M THE en contar contigo para hablar de lo especial que es esta diré dos palabras, ¡Allons-y Allonso!

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sento un complemento más pequeños frikis del nto en el que los padres e viene el avión’’ y llega ito, nada mejor que una uir a ese desdichado, ya la boquita, que llega la de curvatura!’’.

20 regalos para estas navidades y que os de al y friki a vuestros amigos, pareja o hijos, o esas zapatillas para microondas. Nos vemos el preparad las mochilas y las cantimploras, ¡un tas!

Acabamos el presente año y vamos a realizar un pequeño repaso de lo que hemos visto en nuestras pantallas y tuvo un mínimo interés científico, por oculto que estuviese. Anuncio ya de paso, que aunque finalicemos este periodo de 2014 yo me propongo iniciar una nueva sección dentro del Pixelectrón. Al final de cada artículo podréis ver una noticia destacada del mes sobre ciencia, empezando en este mismo artículo. Y es que la ciencia está marginada, por lo menos en nuestro país o a nivel popular a través de todo el globo terráqueo. Pero de vez en cuando podemos decir que nos encontramos con detalles e incluso historias enteras con una buena base técnica. Solución saturada de películas con baja concentración de ciencia. Con el remake americano hemos podido plantearnos lo mismo que con la versión original de Old boy. ¿Puede vivir una persona durante años encerrado en un cuarto comiendo lo mismo? ¿Hasta dónde puede soportar un cerebro humano el aislamiento y los traumas antes de volverse loco? Relacionada también con la demencia, pero de otra clase por supuesto, tuvimos a Nebraska, una interesante muestra de lo confuso que puede estar uno cuando le afecta la edad. Si lo que queréis es una buena adaptación de un fundamentado libro sobre la esquizofrenia, escrito por un buen psicoanalista, tenéis que ver Jimmy P. Pero para comecocos existencialistas o paradójicos ya se estrenan películas como Enemy, película de esas que te hacen pensar de lo lindo y hacen correr ríos de bits en la red con su final paradójico. Los avances informáticos y la intrusión en nuestras vidas, lo que se llama el gran hermano, tuvo su pequeña presencia con Open Windows, película que pone al descubierto hasta donde es capaz de introducirse alguien en nuestras vidas a través de internet. También relacionado con la informática, amén de otros campos, llegó fuerte Transcendence, un tratamiento de lo que las tecnologías de la información y la nanotecnología pueden aportar a nuestra longevidad modificando nuestro cuerpo o

almacenando nuestra mente en un disco duro, lo primero ya es realidad, lo segundo aún es ciencia ficción.

Enlazando con el párrafo anterior, entrando en materia de lo que son las relaciones humano-máquina, este año ha venido bien cargado. El miedo a la robótica nos llevó a ver películas como Terminator, este tipo de género aún sigue vivo, y más hoy que estamos presenciando tantos avances en mundo de la automática. Poniendo de manifiesto la hipotética autosuficiencia de los robots y sus posibles usos, este año se han presentado dos películas que hay que destacar. The machine es una película del Reino Unido que nos muestra cómo sería nuestra reacción ante una máquina con la conciencia de una persona real. Por otro lado Autómata, con la presencia española de Banderas, nos muestra un mundo apocalíptico (muy semejante al de Blade runner) en el cual las máquinas buscan su propio sino. Para no irnos a un plano tan material, podemos hablar de la exitosa Her, en la que se trató el serio dilema de desarrollar inteligencias artificiales tan avanzadas que serían capaces de sustituir a un ser humano, incluso hacer las veces de pareja, conflicto con el cual ya nos encontramos actualmente con el problema de

las personas enganchadas a videojuegos. Pero por otro lado, yendo a algo más tangible, está el tema de la cibernética, campo que tocó este año Robocop, pero para esto es mejor remontarse mucho más al pasado y ver la versión del 87.

No deja de ser ciencia, a la vez que economía, la guerra que tenemos todos con las farmacéuticas y gobiernos, si no que se lo digan a los enfermos de Hepatitis C de nuestro país. En este caso una cruda pero certera visión de este problema se planteó en la más que recomendable The Dallas Buyers club. Es vox populi que en los laboratorios de muchas grandes multinacionales está la cura para algunas enfermedades graves, pero no interesa económicamente comercializarlos. Y es que muchas veces algunos investigadores o científicos piensan con demasiada frialdad, una demostración de cómo hay que enlazar los sentimientos con la razón, es la recién estrenada Orígenes. En la gran pantalla se nos muestra como la humanidad no suele acabar muy bien cuando experimenta con el animal equivocado, para muestra un botón, este año hemos podido ver Godzilla y El amanecer del planeta de los simios, ambas tocan el

tema de la mutación, jugar a ser dios con los pobres animales y nuestra dependencia de las energías, dicho sea de paso.

Pero si lo que queríamos era ponernos fatalistas con el futuro de nuestra raza, tenemos a nuestra disposición distopías como Snowpiercer, en la que se plantea que haría el ser humano en caso de llegar una nueva edad de hielo, creada incluso por él mismo al intentar acabar con el calentamiento global. Actualmente existen empresas que fabrican bunkers para casos de hecatombes o gobiernos que diseñan mini-ciudades subterráneas para refugiarse, por lo que algo así como un tren ciudad donde ampararse no es tan disparatado. También apareció Al filo del mañana, siendo mucho más fantasiosa, mezclando viajes en el tiempo con invasiones alienígenas. Pero lo que nos interesa más de esta última es el exoesqueleto que utilizan los protagonistas, algo que hoy en día ya está desarrollado y puesto en práctica por el ejército de EE.UU. por poner un ejemplo. Para finalizar, casi de la misma manera que finalizó el año pasado con Gravity, ocurre con Interestelar. En esta ocasión el

este año ya es de antaño, ALMANAQUE

equipo de la película estuvo asesorado por Kip Thorne, un experto físico. Y si la veis podréis aprender sobre materias (nunca mejor dicho) con las que la ciencia aún especula y de manera muy bien recreada: física cuántica, agujeros de gusano… Solo una corrección que no sé si es cosa del doblaje o del guion: la ley de Murphy dice que “Si algo puede salir mal, saldrá mal” no que si “Algo puede pasar, pasará”. Otra película que toca el tema del espacio y nuestro origen es The Big Bang, de nuevo con el resucitado Antonio Banderas. Las series serían serias si tomasen todo en serio En cuestión de series es difícil encontrar temas realmente creíbles o tomados con la rigurosidad necesaria para considerarlos dignos de interés científico. Lo único que se puede decir es que cada vez se emplea más dinero en hacer productos para televisión y muestra de ello es la gran cantidad de material de laboratorio, real y de vanguardia que se ve en series como CSI o Bones, y esto no es broma, está ahí e incluso a veces lo usan correctamente. Sin duda series como Cazadores de mitos tratan de ayudar a comprender más lo que veis en vuestras pantallas, pero estos “listillos” van sacando pecho promulgando

que desmontan mitos realizando experimentos con tantos “peros” y modificaciones que las condiciones reales y las experimentales están demasiado lejos como para tener relevancia. Una serie para tomarse un poco en broma todo y aprender algo sobre ciencia es Big bang theory. En ella se habla de temas de actualidad, algunos de vuestros amigos seguro que se ríen de muchos de sus chistes por que oyen las risas enlatadas sin apenas entender de qué están hablando. No olvidéis que sus guiones son revisados por el físico David Saltzberg. Documéntate mentecato En materia de documentales puedo recomendaros tres muy interesantes que se han estrenado este año. El primero de ellos es: Stephen Hawking, vida de un genio. Una manera muy personal de conocer la vida del famoso científico y de hacerse una idea de la magnitud de sus conocimientos y logros, sobretodo en el campo de la física. Además conviene verlo en breve ya que en enero se estrenará la película La teoría del todo, basada en su historia, con Eddie Redmayne encarnándole. Actualmente estamos presenciando un avance monitorizado por los medios en

tiempo real, el LHC o Gran colisionador de hadrones del CERN. Es como si viésemos en directo a Arquímedes o Tesla hacer sus descubrimientos. Locos por las partículas es una grabación de 99 minutos que nos cuenta como una decena de científicos intenta recrear las condiciones del Big Bang (en parte ya lo han hecho). Este proyecto no solo trata de explicar nuestro origen, si no que nos aportará multitud de avances científicos.

cáncer con mayor precisión y fiabilidad que los que utilizamos actualmente. En concreto dicho detector es diez millones más sensible y ha sido posible realizarlo gracias a los avances en nano mecánica y nanoóptica. Cotejando la masa de nano partículas en nuestra sangre se pueden distinguir marcadores tumorales y esto se consigue gracias a microtrampolines de silicio y nanopartículas de oro que se encuentran en el sensor.

En esta época en la que unos dicen que hay descenso de la natalidad y otros por el contrario hablan de Baby boom, nos conviene ver documentales como La vida secreta de los bebés. Vayas a ser padre, tío, padrino… te vendrá bien ya que es una filmación muy lograda técnicamente que nos muestra el cómo y el porqué de los primeros años de nuestras criaturas.

Con esta técnica se consigue una efectividad tan grande que solo se dan 2 errores en cada 10.000 pruebas. Con todo esto solo queda probarlo con muestras de pacientes de nuestros sistemas de salud, ya que además es un sistema sencillo y asequible.

La ciencia-ficción ha aportado mucho a la ciencia real en las últimas décadas, es por eso que también os recomiendo ver La verdadera historia de la ciencia ficción. Esta mini serie de cuatro episodios toca los temas más usados en este género especulativo: el espacio, los robots, los viajes temporales y las invasiones. Sin duda otro atractivo para verla es la gran cantidad de famosos que aparecen contando sus experiencias.

FRAN TEJEDA WHITE

La noticia de Novem Con la cantidad de recortes y penurias que pasan actualmente los investigadores españoles, me es grato inaugurar esta sección con una noticia surgida en la Piel de toro. En el Instituto de Microelectrónica de Madrid, perteneciente al CSIC han desarrollado un sensor capaz de detectar el

Una lástima que le mismo director del centro Javier Tamayo, haya tenido que anunciar que la mayoría del equipo de esta investigación se irá probablemtne al paro porque su contrato finaliza el próximo verano y no hay fondos. Personalmente puedo dar fe de dicho testimonio ya que he trabajado para este centro y conozco su situación de cerca. Esperemos que su situación mejore y este grupo de investigadores nos den muchas más alegrías como esta.

Muchos de nosotros creíamos que ya, después de solo ocho películas, no íbamos a ver nunca más el mundo de JK Rowling en el cine. La verdad es que no podíamos estar más equivocados, ya que Warner supo muy bien cómo explotar esta franquicia tan mágica, ya que existen aún un par de libros más sobre los que inventar guiones cinematográficos. Pensaréis que un libro de a penas cien páginas no puede dar para tres películas. Pues bien, estáis equivocados, y es que la propia JK está escribiendo el guión, algo que se agradece por parte de los fans y seguidores de la saga, ya que quiere decir que la propia JK incluirá nuevos personajes y trama que estaban pululando por su cabeza desde que el niño mago apareciera por su mente hace tantísimos años. Últimas noticias nos han revelado que JK aún no ha terminado el guión, y que están pensando en hacer los castings de los actores hacia principios de 2015, ya que la película ya está fechada en su estreno en noviembre de 2016. Por lo tanto, a lo largo del año que viene iremos sabiendo más y más, pero de momento solo podemos elucubrar qué podrá pasar en esas películas. El protagonista de dichas películas, imaginamos, será Newt Scamander, autor del libro que va a dar nombre a la saga “Animales fantásticos & dónde encontrarlos”, el cual resulta ser un libro de texto de Harry Potter en sus primeros años de estudio en la escuela Hogwarts de Magia y Hechicería. Dicho autor nos presenta algo de su vida en tal precioso libro, en donde nos cuenta que su nombre real es Newton Artemio Fido Scamander (al cual el mismísimo Potter señala como “bonito nombre” en su libro de texto), que nació en 1897 y que su interés por las criaturas fabulosas le fue alentado por su madre, la cual era una apasionada criadora de bellos hipogrifos. Una vez que se graduó en el Colegio Hogwarts de Magia y Hechicería, pasó a formar parte del Ministerio de Ma-

gia, exactamente en el Departamento de Regulación y Control de las Criaturas Mágicas. Después de dos años en la Oficina para el Realojamiento de los Elfos Domésticos, los cuales fueros los más tediosos posibles, fue destinado a la División de Bestias, donde pudo demostrar que sus prodigiosos conocimientos sobre animales mágicos eran lo suficientemente buenos como para asegurarle un ascenso rápido. Además fue prácticamente el único responsable de la creación del Registro de Hombres Lobo en 1947, afirma que su mayor orgullo es la Prohibición de la Reproducción Experimental, la cual se aprobó en 1965, la cual ha contribuido eficazmente a impedir que se creen nuevos e indomables monstruos dentro de Gran Bretaña. El trabajo del señor Scamander dentro de la Agencia para el Estudio y Vigilancia de los Dragones le procuró numerosos viajes de investigación al extranjero, durante los cuales recabó innumerable documentación para escribir después su libro superventas mundial del que estamos tratando, Animales fantásticos y dónde encontrarlos, la cual es actualmente la edición número cincuenta y dos. Además, el señor Newt Scamander fue premiado en 1979 con la Orden de Mer-

lín, Segunda Clase, en reconocimiento a su labor en el estudio de las bestias mágicas, La Magizoología. Actualmente se encuentra retirado y vive en Dorset, con su amada esposa Porpentina y sus mascotas kneazles a las que llama Hoppy, Milly y Mauler. Tras conocer algo más sobre la vida de este gran escritos, intuímos que las tres películas, posiblemente, se basarán primero en su vida estudiantil, la segunda en su vida en el Ministerio de Magia, y la tercera en sus viajes alrededor del mundo recuperando y analizando la información para escribir este maravilloso pero escueto libro. Esa es la teoría, pero seguramente JK nos tiene preparadas muchas más sorpresas, o incluso se sentirá capaz de introducir personajes anteriores, ya que así nos lo indica el prólogo escrito por el mismísimo Albus Dumbledore, cuando éste era director de la Escuela Hogwarts de Magia y Hechicería. En dicho prólogo podemos apreciar que el director Dumbledore adora la obra maestra de Newt, ya que fue aprobada como libro de texto para las mentes infantiles de la escuela, ya que gracias a dicho libro, sus alumnos son capaces de obtener buenas calificaciones en la asignatura de Cuidado de las Criaturas Mágicas. Además, según Albus,

es un ejemplar digno de estar en todos los hogares de los magos y brujas, ya que es imprescindible para conocer qué les rodea y cómo saber tratar con ellos, ya que innumerables familias lidiaron con cuál era la mejor manera de extirpar del césped una plaga de horklumps, o interpretar los gritos luctuosos del augurey o quitarle a la mascota puffskein la costumbre de beber en el inodoro. Sin embargo, esta edición en concreto, tiene un propósito más elevado que la instrucción de la comunidad mágica, ya que por primera vez en la historia de la editorial de dicho libro, la editorial Obscurus, uno de sus títulos estará al alcance de los muggles (o sea, nosotros mismos), ya que el trabajo de Comic Relief en su lucha para combatir las peores formas del sufrimiento humano es conocido por todos. Por eso mismo, Albus Dumbledore se dirige a la comunidad de magos, los cuales piden que sepan que no son los únicos en reconocer el poder curativo de la risa, cura que los humanos han utilizado para alcanzar a recaudar millones de libras (exactamente, al cambio, treinta y cuatro millones, ochocientos setenta y dos galeones, catorce sickles y siete knuts) y a través de la compra de este libro están ayudando para ello, por lo tanto, Albus Dumbledore

avisa a todos aquellos que hayan leído el libro sin haberlo comprado, que le perseguirá la maldición del ladrón, además de que asegura a todos los muggles que las asombrosas criaturas que se describen en dicho libro son sólo imaginarias y que no pueden hacerles daños. Sin embargo, a los magos, simplemente les dice: Draco dormiens nunquam titillandus (que viene a ser algo como: al dragón que está durmiendo, nunca hay que hacerle cosquillas). Es bonito imaginar cómo serán las películas, pero sabemos todos aquellos que hemos leído el libro, que sería impresionante ver cómo Newt va lugar por lugar investigando, topándose e incluso peleándose con las criaturas fantásticas que nos va describiendo. Pero lo más gracioso será ver cómo el pobre autor va recordando todas aquellas experiencias que le recuerdan las innumerables cartas que le escriben sus lectores, con preguntas que no saben responder, y las cuales él intenta

explicarles lo mejor posible. La primera pregunta y más repetida de todas ellas es ¿qué es una bestia?, pues parece ser que no todo mago y bruja saben identificar. Para ello, el señor Scamander responde: “La definición de “bestia” ha sido objeto de controversia durante siglos. Aunque este hecho pueda sorprender a algunos estudiantes que se acerquen por primera vez a la Magizoología, el problema puede resultar más comprensible si nos tomamos un momento para considerar tres tipos de criaturas mágicas. […] Los Hombres lobo […] los centauros […] y los trolls […]” Al analizar este tipo de criaturas, algunas de ellas no humanas pero que lo parecen, se llegó a la conclusión, a través de Burdock Muldoon, presidente del Congreso de Magos en el siglo XIV, que todas aquellas criaturas que anduvieran sobre dos piernas, se consideran no bestias. Este hecho provocó que en la primera reunión con estas criaturas todo saliera mal, por lo que la sucesora de Muldoon, la señora Elfrida Clagg, intentó redefinir el concepto de

“seres” añadiendo que si eran capaces de hablar el lenguaje humano así lo eran. Por lo tanto, todos aquellos que pudieran hacerse entender por los miembros del Consejo estaban invitados a participar en la siguiente reunión. Sin embargo, una vez más, hubo problemas, ya que los duendes enseñaron algunas frases sencillas a los trolls y éstos volvieron a destrozar la sala.

tos especiales / magos experimentados pueden manejarlas XXX - Magos competentes pueden salir adelante XX – Inofensivas / pueden ser domesticadas X - Aburridas

No fue hasta 1811 cuando se dio con una definición más aceptable, ya que Grogan Stump, por aquel entonces recién nombrado Ministro de Magia, decretó que “ser” era “cualquier criatura que tenga suficiente inteligencia para comprender las leyes de la comunidad mágica y compartir parte de la responsabilidad que implica su formulación”, haciendo una excepción con los fantasmas, los cuales “habían sido” seres. Dentro de esta calificación, a su vez, había algunas excepciones más, a parte de las ya mencionadas, ya que los hombres lobo son humanos, pero una vez al mes se convierten en bestias sin control ni razón; además están las acromántulas, capaces de entablar una conversación totalmente coherente con los humanos, pero que se los pueden comer sin entrar a razón…

Con estas premisas esperemos que en las tres películas podamos ver a acromántulas, ashwinders, augureys, basiliscos, billywigs, bowtruckles, bundimuns, caballos alados, cangrejos de fuego, centauros, chizpurfles, clabberts, crups, demiguises, diricawls, doxis, dragones, duendecillos, dugbos, erklings, erumpents, escarbatos, esfinges, fénix, fwoopers, ghouls, glumbumbles, gnomos, gorros rojos, graphorns, grifos, grindylows, gusamocos, hadas, hipocampos, hipogrifos, hombres lobo, horklumps, imps, jarveys, jobberknolls, kappas, kelpies, knarls, kneazles, leprechauns, lethifolds, lobalugs, mackled malaclaws, mantícoras, mokes, mooncalfs, murtlaps, nogtails, nundus, occamys, plimpys, pogrebins, porlocks, puffskeins, quimeras, quintapeds, rámoras, runespoors, salamandras, serpientes marinas, Por lo tanto, tanto los magos y los mug- shrakes, snidgets, streelers, tebos, trolls, gles deben saber diferenciar muy bien qué unicornios, uros y Tetis por lo menos. (sí, es qué no es una bestia, para así poder son todos y cada uno de los animales que enfrentarse a ellas si fuera necesario. aparecen en el libro) Por último comentar algo que a todos nos ¡Feliz espera! Y recordad, Draco dormiens viene muy bien saber y que, esperamos, nunquam titillandus. aparecerá en las películas, lo cual le denotará un aspecto humorístico sin duda, y BEATRIZ PULIDO es la clasificación del Ministerio de Magia a las criaturas y animales fantásticos, y cómo el pobre Newt se tuvo que dar cuenta del nivel de cada uno. Las cinco categorías son las siguientes: XXXXX - Con reputación de asesinar magos / imposible de entrenar o domesticar. (según Harry, cualquiera que le guste a Hagrid) XXXX - Peligrosa / requiere conocimien-

Conan y las amazonas

Algo frío y húmedo salpicó la cara del cimmerio. Abrió los ojos, necesitó unos instantes para enfocar la mirada. Se encontraba en una amplia celda de piedra con diversos postes de madera repartidos por ella. Al tratar de moverse se dio cuenta de que se encontraba fuertemente atado a uno de esos postes. Le habían arrebatado sus armas y sus ropas. La luz del día que se colaba por los pequeños tragaluces del techo bañaba su piel desnuda. A su alrededor, un grupo de mujeres le observaban con curiosidad. —¿Dónde estoy? —se atrevió a preguntar el cimmerio. No recordaba nada de las últimas horas, menos aún cómo había terminado ahí. —Dejadnos a solas —dijo una de las mujeres con voz autoritaria. Su piel era oscura, vestía una amplia túnica azul adornada con multitud de cuentas plateadas y llevaba el cabello trenzado de forma artística. Mientras se marchaban, Conan se percató de que aquellas mujeres eran mucho más altas y corpulentas que la mayoría de mujeres que había conocido, incluso más que muchos de los hombres que se habían cruzado en su camino. La mujer de la túnica azul se colocó frente a él. Tenían la misma altura. —Así que tú eres el mercenario que quería cortarme el cuello… Conan empezó a recordar. Unos días atrás, mientras se tomaba una cerveza templada en un tugurio de mala muerte, cavilando sobre si los últimos acontecimientos que había vivido eran reales o solo producto de un encantamiento, un viejo casi desdentado se sentó junto a él y comenzó hablarle. Jarra tras jarra, Conan fue recuperando el ánimo y la lengua comenzó a soltársele. En un momento dado, el hombre desveló su condición de hechicero, aunque no parecía especial-

mente poderoso. Se trataba de un hombre triste, algo penoso y un poco loco. Conan sintió piedad por él. Le contó una historia terrible sobre una hechicera que le había arrebatado algo que al cimmerio no le quedó del todo claro. En cualquier caso, ya fuera por el alcohol, por la simpatía que le había despertado el hombre o por su propio sentido del honor, aceptó su petición: traerle la cabeza de aquella hechicera. Recordaba vagamente lo arduo que había sido encontrar pistas que le condujeran a la bruja, pero finalmente creía haber encontrado su rastro. Después de aquello todo se volvía confuso en su mente. —Supongo que ese soy yo —dijo Conan. No sabía cómo iba a salir de aquella situación pero mentir solo le metería en más problemas. Aquella mujer había sido lo suficientemente astuta como para atraparle, tratar de engañarla solo despertaría su ira. En aquel instante parecía más divertida y curiosa que enfadada, y prefería que siguiera así. —Solo un loco se atrevería a reconocer que desea mi muerte en mi propia cara —dijo la hechicera con una sonrisa pícara dibujada en su rostro felino. —Solo un loco se atrevería a mentiros en vuestra propia cara. —Buena respuesta. —La hechicera caminó alrededor suyo, examinando con detalle cada tramo de su cuerpo. Se sintió como si fuera ganado a punto de ser sacrificado. —Dime, ¿quién te envió? Todavía tengo mis dudas al respecto. —No conozco su nombre. —Cosa que era cierta; aun así, no se lo habría confesado. —No me hace falta un nombre, los nombres son engañosos, pueden cambiar con el paso del tiempo… No, no quiero un nombre, quiero que me digas quién era.

—Conan permaneció en silencio. —¿Acaso una mujer no tiene derecho a saber quién quiere su cabeza? El cimmerio pensó con rapidez. Aquello no era un interrogatorio, era una prueba. Ella sabía perfectamente quién le había contratado, de otra forma ¿cómo había podido saber que lo que quería era cortarle la cabeza para entregársela a quien había comprado sus servicios? La cuestión era que no sabía qué debía contestar para conservar la suya propia. —Faltaría más, todo el mundo tiene derecho a conocer la identidad de sus enemigos. Sin embargo, si yo os la revelara, ¿qué clase de mercenario sería? —Uno corriente, sin honor, de los que se venden al mejor postor. Ya veo que no eres un simple mercenario, cimmerio… La hechicera se marchó; lo dejó allí solo, atado a aquel maldito poste. Le costó un gran esfuerzo no dejarse vencer por la desesperación. Las horas pasaron y la impaciencia hizo mella en su determinación. El sol se había ocultado por el horizonte y la luz había desaparecido de la celda. Le dolían los músculos de mantener a la fuerza aquella posición. El picor se había cebado en las zonas de su piel pegadas a las gruesas cuerdas que lo mantenían inmóvil, y eran muchas zonas. Sentía hambre, sueño y sed, mucha sed. Su situación no parecía que fuera a tener un final feliz. Justo cuando la luz de la luna se coló por los tragaluces y envolvió en penumbras la celda, la hechicera, seguida de su séquito, entró de nuevo. Una de las mujeres que la acompañaban se acercó a él con un odre lleno de agua. El cimmerio bebió de forma ansiosa. —Mentiría si dijera que lamento haberte hecho esperar—dijo la hechicera mientras Conan bebía. Cuando le prestó toda su atención continuó su discurso. — El Consejo de Sabias hemos deliberado sobre cuál sería el castigo más apropiado para ti. Hemos decidido ser benévolas contigo dada la franqueza que has demostrado y queremos ofrecerte dos opciones. La primera es una muerte rápida e indolora. La segunda es una oportu-

nidad para que salves tu vida: deberás entregarnos tu semilla… y satisfacernos en el proceso. —La expresión de Conan se tornó en una mueca de incomprensión. La hechicera explicó que su tribu, una tribu de amazonas, compuesta casi totalmente por mujeres, además de por unos cuantos niños, necesitaban de vez en cuando la semilla que portaban los hombres para engendrar nuevas generaciones de amazonas. Ellas escogían a los hombres más fuertes, inteligentes, valientes y honorables para sus sesiones procreadoras. No era nada sencillo encontrar hombres de tales características y no todos los que eran invitados aceptaban, cosa que extrañó a Conan. Por fortuna para el cimmerio, él reunía todos los requisitos que codiciaban las amazonas. —¿Y qué pasa con los varones? ¿Qué hacéis con ellos cuando nacen? —Los criamos como hijos nuestros. ¿Qué piensas, que somos monstruos caníbales? Cuando alcanzan la edad adulta deben partir y buscar su propio camino, lejos de las murallas de nuestra comunidad, aunque siempre son bien recibidos cuando vuelven de visita y nos traen noticias sobre la situación en el mundo. Bueno, casi siempre… Conan aceptó. Si un grupo de mujeres solicitaba su colaboración para practicar sexo hasta la extenuación, ¿quién era él para negarse? Y si encima con ello lograba salvar su pellejo, ¿qué más podía pedir? El cimmerio disfrutó de un par de días de descanso en los que la inquietud se cebó con sus esperanzas. Las amazonas lo instalaron en una celda mucho más acoge-

dora que la anterior. Los cojines de seda rellenos de plumas eran realmente confortables. Pero por cómodas que pudieran estar sus nalgas, su espíritu no hallaba reposo. Nada más salir de la primera celda le habían mostrado lo que ocurriría si no cumplía con el castigo que se le había impuesto: un tigre le devoraría vivo. Había presenciado en primera fila el fatal destino de una desgraciada que había cometido un crimen imperdonable en la ciudad de las amazonas, matar a otra amazona. No había sido una visión agradable. Después de una sesión de acicalamiento en la que habían ungido su piel con aceites perfumados, lavado sus cabellos y pintado sus ojos del color de la noche, la hechicera había entrado en su lujosa celda. —¿Estás preparado? —Todo lo que puedo estarlo. —El cimmerio fue incapaz de ocultar por completo su preocupación. —Yo seré la última en recibir tu semilla y quiero que siga habiendo semilla que recibir. —La hechicera, que en ningún momento le había dicho su nombre ni ninguna de las mujeres lo había pronunciado en su presencia, le tendió un cuenco repleto de un líquido espeso de aspecto poco apetitoso. —¿Qué es esto? —Yo de ti lo tomaría si no quieres terminar en las tripas de Khal. El cimmerio la creyó. Había que ser un idiota para no darse cuenta de la simpatía que le inspiraba a la hechicera y no iba a desaprovecharla. El sabor de la pócima no era tan desagradable como había imaginado, aunque por su textura pegajosa costaba bastante de tragar. Un estado de éxtasis invadió su cuerpo y una vigorosa erección se irguió entre sus piernas. Las mujeres fueron entrando en la tienda de dos en dos, una más experimentada y otra completamente profana en la materia. Conan olvidó por completo sus temores y se dedicó a disfrutar de la extenuante experiencia. Su lengua paladeó más de una decena de sabores distintos, acarició tantos senos como no había visto nunca en su vida, penetró una y otra vez

las cálidas y misteriosas cuevas de sus captoras para regar con su semilla aquellos fértiles cuerpos. No podía parar. La droga que le había dado la hechicera era increíblemente efectiva. Cuanto más tenía más quería tener. Finalmente, la hechicera entró en la celda, completamente desnuda. Sus ojos voraces delataban el hambre de sus entrañas. Ella no se conformó con una simple cópula. Llevó a su cuerpo al límite de sus fuerzas. Conan pensó que moriría de puro agotamiento. No debía quedarle ni una sola semilla más por entregar en su maltrecho cuerpo. —Vaya… —fue lo único que la hechicera pronunció tras darse por satisfecha. —¿He salvado mi vida? —preguntó el cimmerio entre jadeos. Los efectos de la droga abandonaban su cuerpo con celeridad. —Sin duda. Espero que dentro de nueve lunas la mayoría de nosotras demos a luz a tus pequeños bastardos. — Conan se sintió muy extraño al escuchar aquello. No había pensado hasta aquel momento que iba a convertirse en padre, un padre ausente que probablemente jamás conocería a sus hijos. Sin embargo, el cansancio le arrastró lejos de aquellos pensamientos hacia un agradable estado de inconsciencia. Al despertar se encontraba fuera de los muros de la ciudad de las amazonas. Había recuperado sus ropas, sus armas y su vitalidad. No se demoró en seguir su camino. Sus pasos lo encaminaron lejos de aquellas singulares mujeres. Probablemente tardaría mucho tiempo en querer volver a estar entre las piernas de una. O no, ¿quién sabía? MONTSE N RIOS

Lem es el título de la novela y el nombre que le da el autor a su ciudad natal, Palma. Es un libro que recoge 5 relatos de terror: -Un duro final: a un escritor novel el barman de su local de siempre le hará entrega de un paquete de un amigo para que se lo guarde por unos días y el resultado es que contiene 2kg de cocaína y esto provocara que el pobre protagonista las pase canutas para que nadie descubra lo que esconde. -Lem: un oscuro secreto que va de generación en generación como en una maldición. El descubrimiento de un misterioso baúl con libros, cuadernos de dibujo, partituras y una caja de música que no se puede poner en marcha harán las delicias de los amantes del género de terror. Con cierto regusto a la novela de Drácula al principio y posteriormente a Lovecraft mientras lo vas leyendo. La mas aterradora de las cinco historias.

-Más de una vida: una pareja de serbios contándole historias de Egipto a un mallorquín, la posterior muerte del matrimonio y la aparición de un manuscrito datado de 1921 que es idéntico a la obra que está escribiendo el mallorquín hará que el lector se introduzca en un viaje por el oriente medio en busca de la verdad del origen del manuscrito y sus oscuros secretos. -Sin noticias: relato de cómo es la búsqueda de la verdad a todas las preguntas incontestables, la búsqueda del sentido de la vida y la muerte, a través de conversaciones de un loco con las diferentes manifestaciones del diablo. -Un mal viaje: un chico, una chica, LSD y unos dioses con ganas de juerga. Es la más cortita de todas las historias y el propio título ya desvela de que irá la cosa jejejeje.

”Como decía el tito John “la vida es lo que te pasa mientras estas ocupado haciendo otros planes”.”

ESTUVIMOS EN LA PRESENTACIÓN DE LEM. ENTREVISTA

ANTO MART

ONI TORELL

Es un libro que para los amantes del terror no defrauda, algunas escenas son bastante fuertes y hace que se te ericen los pelos en más de una ocasión. No sé si este ha sido el caso, pero me ha dado la sensación de que el autor ha plasmado sus miedos más profundos e internos en esta novela de una forma que hará las delicias de muchos.

obras teatrales como dramaturgo ·he escrito y dirigido multitud de documentales en TVE ·escrito e ilustrado libros de poesía infantil ·pintor ·ilustrador para libros ·tiras cómicas en 6/7 periódicos diferentes ·músico ·productor/director de televisión Entrevista: ·he escrito programas de Veo que está siendo todo radio un éxito en los medios, ¿no? Estoy muy contento, ha te- Creo que no has dejado nido repercusión en dife- ninguna faceta artística sin rentes medio de televisión, desarrollar, jejejej, un homradio y en periódicos como: bre verdaderamente polifaib3, el mundo, diario de cético. Pero…no he oído tu Mallorca, ultima hora. nombre es según que facetas. Cuéntanos un poco quien He usado diferentes nomeres. bres para ello Hagamos como si de un chat de citas se tratase: Vaya un hombre bien mis1.76m, 1972, Pelo castaño, terioso 70kg, médico naturista,… No lo digas, pero también Jajajaj gane en su día el premio nacional de guion. ¿Cómo un naturópata escribe libros? Eres tu el que con esta obra ¿Cómo un escritor se dedi- estoy viendo que eres el ca a la naturopatía? que se lo guisa y el que se lo come, te autopromocioah...reformulemos enton- nas, ¿que mas? ces la pregunta ¿Cómo un Es un libro autogestionaescritor se dedica a la natu- do, soy el editor y el distriropatia? buidor, si uno mismo no lo ¿insistes, eh? mueve no lo moverá nadie. Si, soy muy curiosa Las personas no son solo una cosa, son la suma de un compendio de ellas. A los 12 años ya hacía cómics y he sido: ·guionista de tv y cine ·redactor jefe y coordinador de periódicos ·director de sus propias

Esta es tu segunda obra, háblanos un poquito de tus dos obras: La primera obra fue “Historias de Valdemar”, más o menos a los 38 años cansado para escribir para otros decidí dedicarse a lo mío y rescatar una carpeta del ordenador titulada Valdemar,

“ Cuando la gente te lee y comparte ese momento de intimidad lector-autor es cuando todo cobra sentido.” y terminar por fin una obra que llevaba gestándose años y que por motivos de la vida no se había terminado. Lo bueno es que ya van por las 3 reimpresiones. Es una búsqueda de mi yo interior más personal y profundo.

que se quedaron con ganas de más con este libro tendrán para rato. Tengo previsto que sean 4, todo depende de cómo vaya. Dentro de 4/5 años tendremos las aventuras de “Pikilitroppo”, aventuras oníricas en el mundo de los sueños, del cual ya llevo escritas ¿Cómo es que ahora te has unas 700 páginas y será decidido a escribir libros? de una temática totalmente Siempre tuve claro lo que diferente de los otros dos. quería hacer, soy una persona muy inquieta y creati- ¿Cómo te ves dentro de 10 va. Los motivos que me lle- años? varon a dejar mi trabajo y Para eso queda mucho pondedicarme a la escritura fue gámoslo dentro de 5 que: “por no discutir me puse a escribir”(risas) Dentro de 5 sacaras pikilitroppo. Me parece muy bien. Há- Con los pies en la tierra. Lo blanos un poco de tu nueva más importante es ser feliz obra. lo demás viene solo. La parLem, se publica 3 años des- te más buena es la de espués que Valdemar, la ex- cribir, el resto es un castigo periencia con el anterior ha por haberlo hecho. Cuando hecho que me lo haya cola gente te lee y comparte gido con más calma, Valde- ese momento de intimidad mar fue muy intenso. lector-autor es cuando todo cobra sentido. ¿Cómo ves Lem? El recibimiento de Lem ha ¿Por qué escribir un libro? sido fantástico, todas las ¿Para que los demás te críticas son buenas, ha sido lean? complicado y estoy abru- No, por la necesidad y el mado por lo bien que va. placer de hacerlo para ti mismo. El libro se corri¿Cuáles son tus próximos ge infinidad de veces hasproyectos? ta que piensas que es apto La segunda parte de Valde- para una segunda persona. mar será un tocho. Para los Me cuento la historia a mi

mismo e intento llevar la gente a mi rollo sin concesiones. ¿El ultimo colofón? Como decía el tito John “la vida es lo que te pasa mientras estas ocupado haciendo otros planes”. Mucha suerte y quién dijo miedo.

EL RINCÓN DE DISIDRA

-DEAD7Anabel Botella Nº de páginas: 328 págs. Editorial: EVEREST Lengua: CASTELLANO ISBN: 9788444150314

Katinka, una chica normal, con las dudas y preguntas de cualquier joven de su edad, evoluciona desde la monotonía de su día a día, lleno de preguntas sobre si dar un paso más con Eloy, su novio, y los celos de su amiga Tamara, hasta llegar a convertirse en la heroína de un misterioso y escalofriante concurso que consigue qu itarnos la respiración y desatar nuestro miedo. Una obra ambientada en una cárcel abandonada con un argumento real, violento e intenso, que envuelve al lector con capítulos cortos de ritmo vertiginoso. Dead Siete presenta una trama arriesgada, con cimientos fuertes, que deja participar al lector con su imaginación e inteligencia para EMOCIONAR, PROVOCAR y ACELERAR los cinco sentidos.

¿Qué harías si recibieras un twit con un concurso en el que te dicen que puedes llegar a ganar 1.777.777eur? Yo sinceramente me lo pensaría poco, a no ser que me dijeran que es un gran hermano porque como que paso un poco, pero… ummm ¿1.777.777eur? Naaaa no me lo pienso y participo, joer que es mucha pasta y estamos en crisis. Pues aun así, hay gente que se lo piensa y pasa de ir para poder pasar un fin de semana con el noviete tranquilamente aprovechando que la mami no está para hacer lo que todos os malpensáis jejejeje Pero claro, no todo puede ser así de bonito, y una llamada de una amiga hará que el fin de semana romántico de Katinca y Eloy se convierta en una pesadilla al más puro estilo de Saw. El concurso no es lo que parece, la pareja se verá envuelta en una lucha para preservar su vida junto a

ZONA DE L

otros 6 adolescentes que también participan en el juego.

Es un argumento que ya he visto en otras ocasiones, Saw, Battle Royal, los juegos del hambre, el cubo,…llevar al límite a las personas para ver si son capaces de matar a tus congéneres para sobrevivir mientras hay gente que te observa, graba y disfruta con ello. Siempre hay 3 tipo de personas, el protagonista que se niega a jugar con esas reglas, el malo maloso que le da igual todo y disfruta con ello, y el tonto de turno que se lo cargan al minuto uno (si me dais a elegir quiero ser el tonto de turno, paso de todas estas movidas, me veo incapaz de coger un arma y cargarme a otra persona, así que el sufrimiento cuanto antes se acabe mejor). Es una lectura adictiva, la autora sabe expresarse muy bien, y hace que te metas en la historia muy hábilmente, en cuanto agarras el libro no lo sueltas hasta que te lo has terminado (ni para ir al baño), pero tiene que gustarte esta temática de pasar pena, como lo llamo yo, de estar en tensión todo el rato y de que cuando menos te lo esperas la trama te da un giro que te cagas en todo jejeje. Respecto al final, decir que ha ido mucho en su línea, y te deja un buen sabor de boca. Hay veces que te encuentras con tales giros argumentales que lo flipas, pero este no es el caso, si que hay un giro pero bien estudiado y expuesto. Lo dicho, a los que les guste pasar pena, se lo recomiendo, yo aún hay escenas con las que voy a tener pesadillas.

EL RINCÓN DE DISIDRA

LECTURA -Un Paso al FrenteLuis Gonzalo Segura Tapa blanda: 260 páginas Idioma: Español ISBN-10: 849691173X

Imagina un mundo de castas en la que la casta minoritaria fuese la dominante. Esta casta controlaría la policía, la fiscalía, la justicia, la intervención, los auditores, los medios de comunicación y cualquier otro estamento relevante. Establecería un férreo control que impidiese que el resto de castas se manifestase en público, reprimiéndoles con dureza cuando infringiesen la ley del silencio e internándoles en cárceles o centros similares, después de juicios llevados a cabo por personas que jamás han leído un libro de derecho. Un lugar en el que los poderosos privan de libertad, acosan, o reprimen a quien desean, con total impunidad y con la connivencia de la justicia. La próxima vez que camines junto a un recinto militar recuerda que ese mundo se encuentra tras sus muros. Un paso al frente destapa las miserias del Ejército Español. El autor es militar en activo con participación en Afganistán y una experiencia de doce años.

Aclamada novela donde se refleja la historia más reciente del cuerpo Militar de Infantería Español, donde hay más altos mandos que soldados a los que mandar. Donde la corrupción está tan arraigada que nunca se ha visto así y la impunidad es absoluta y total. El Teniente Luis Gonzalo Segura ha decidido romper el tenso silencio y denunciarlo públicamente en esta novela muy fresca, de rápida lectura que sorprende al lector desde la primera hasta la última página. Aunque el Teniente asegura no ser un escritor profesional y pide disculpas por su pobre redacción, no tiene nada que envidiar ni por qué pedir perdón, es una novela muy dinámica y atrapa al lector desde la lectura de la breve sinopsis de la con-

traportada. La variedad de personajes desde el Teniente Guillermo a la abogada, hija de un General metido hasta dentro en el ajo de la corrupción militar, que decide denunciar a su propio padre y pasando por un Teniente Neonazi y matón a tiempo parcial de las altas esferas militares hacen una historia muy atractiva plagada de información sobre el día a día de un soldado de infantería español en la actualidad. Desde la academia militar en Zaragoza hasta un palacio en Sevilla y pasando por misiones en Afganistán, las descripciones son escuetas pero el lector rápidamente hace una imagen mental muy buena de los escenarios. Si además añadimos la veracidad de muchos de los hechos indicados en la novela haciendo que la ficción se rompa y se mezcle con la cruda realidad, hace de este libro una lectura muy recomendable y hará pasar unos ratos irrepetibles al lector, actualmente va por la Séptima Edición y eso le avala como una buena lectura. Tanta es la realidad que el autor antes de decidirse por hacer esta denuncia de manera tan original, que ha sido condenado por sus mandos por múltiples delitos entre ellos desvelar secretos militares. En el momento de publicar esta revista el Teniente está en prisión preventiva y ya se ha propuesto su expulsión del Ejército tras 12 años de servicio y hace del valiente Teniente Luis Gonzalo Segura un hombre completamente respetable que ha decidido ser un David contra un Goliath demasiado poderoso aún sabiendo que perdería. Libro muy recomendable y seguro que más de un lector se llevará las manos a la cabeza y sorprendido de ver que ninguna institución española actual tiene derecho de tirar la primera piedra donde se vea libre de toda culpa. JUAN CARLOS MARTÍNEZ ÁLVAREZ

Existen personajes que se convierten en iconos de la cultura popular y poco a poco se escapan de su autor y toman su propio camino, construyendo un universo que dista mucho del imaginado por su creador. Si tomamos como ejemplo al personaje creado por Robert E. Howard, descubrimos como la historia que conocemos de Conan, el Cimmerio es diferente y mucho más compleja que la publicada originalmente en la revista Weird Tales. El universo imaginado por el autor ha sido enriquecido continuamente, en especial en el mundo del cómic, gracias a las contribuciones de autores como Roy Thomas que se encargaron de ampliar, definir y consolidar la cronología establecida por Robert E. Howard. Pero además del mundo del cómic, el universo de Conan ha sido enriquecido con series de televisión, juegos de rol, videojuegos e incluso juguetes. Esta amalgama de contribuciones al personaje hacen difícil que distingamos las atribuciones de cada autor. Algunos tenemos como estereotipo de bárbaro al dibujado por Barry W. Smith o John Buscema para los guiones de Roy Thomas, otros tienen la imagen del hipermusculado Conan interpretado por Arnold Schwarzenegger e incluso los más jóvenes la interpretada por el atractivo Jason Momoa. Pero todas guardan relación, pese a distanciarse en mayor o menor medida, con las líneas de Howard: “[…] el pelo negro, los ojos sombríos, la espada en la mano, un ladrón, un saqueador, un asesino, de gigantescas melancolías y gigantescos pesares […]”. Robert E. Howard desde un principio se tomó muy en serio la creación del universo donde se desarrollarían las aventuras de Conan y antes de comenzar a escribir los relatos del cimmerio decidió establecer las bases de su mundo en el su libro La Edad Hiboria. En este escrito el autor daba coherencia interna a sus narraciones y establecía las líneas maestras que seguirían tanto él como otros autores que continuarían la saga del cimmerio. El libro establece la cronología y geografía de La Edad Hiboria narrando los acontecimientos que sucedieron antes del nacimiento y después de la muerte de Conan. Uno de los autores que continuaron el legado de Howard fue L. Sprague de Camp, al que se considera el principal estudioso del bárbaro y que continuó muchas de las historias inacabadas de Howard, sitúa la vida del cimmerio hace unos doce mil años, ocho mil años después del hundimiento de Atlantis y siete mil antes del comienzo de la historia conocida. Esta cronología pertenece a L. Spra-

Un Un paseo paseo por por hiboria hiboria

gue de Camp puesto que La Edad Hiboria no incluye ninguna cronología y Howard describe en él gigantescos lapsos de tiempo de miles de años, pero sin situarlos en un momento temporal. En la cosmovisión del autor los relatos de Conan están situados en el mismo universo que los de su otra creación Kull de Atlantis, cuyos acontecimientos se desarrollan en el pasado de la vida de Conan. Howard lo escribe así: “Sabe, oh príncipe, que entre los años en que los océanos anegaron Atlantis y las resplandecientes ciudades, y los años de aparición de los hijos de Aryas, hubo una edad no sonada en la que brillantes reinos ocuparon la tierra como el manto azul entre las estrellas: Nemedia, Ophir, Brythunia, Hyperborea, Zamora, con sus mujeres de cabellos negros y sus torres de terrorífico misterio; Zingara, con sus caballeros; Koth, que hace frontera con las tierras de pastos de Shem; Estigia, con sus tumbas guardadas por sombras; Hyrkania, cuyos jinetes llevan acero, seda y oro. Pero el más orgulloso reino del mundo es Aquilonia, que reina suprema en el dormido occidente.” Así podemos establecer tres eras en el universo de Howard. Por un lado, tendríamos la Era Precataclísmica, donde se desarrollan las aventuras de Kull de Atlantis; la Era Hiboria, en la que se desarrollan las aventuras de Conan; y una nueva etapa iniciada por un cataclismo que daría fin a las naciones y a la geografía hiboria. Era precataclísmica o Thuria En esta era el mundo estaba constituido por un único gran continente llamado Thuria, o sencillamente continente thurio, donde se desarrollaron algunos reinos que alcanzaron cierto grado de civilización: Commoria, Grondar, Kamelia, Thule, Verulia y, el más poderoso de todos, Valusia. El resto del gigantesco continente estaba formado por pueblos primitivos que vivían todavía en estado salvaje. Alrededor del continente thurio, existían una serie de islas que tenían cierto grado de civilización: Pictas, Atlantis y Lemuria. Los atlantes, los lemurios y los pictos eran considerados como bárbaros incivilizados por parte de los habitantes del continente, pero al final de la Era Thuria estos reinos entraron en una fase de decadencia y acabaron por incluir a atlantes, lemurios o pictos entre sus generales o incluso entre sus reyes. Kull de Atlantis, por ejemplo, llegó a convertirse en rey de

Valusia. La Era Thuria terminó en un gran cataclismo. En el continente las civilizaciones thurias fueron destruidas por terremotos y erupciones volcánicas y Atlantis y Lemuria se hundieron bajo las aguas. Fue el comienzo de la Era Hiboria. Era Hiboria Howard describe como Atlantis y Lemuria desaparecieron bajo el océano pero las islas Pictas formaron un nuevo continente, el actual continente americano. Así, los pictos que sobrevivieron al cataclismo se dividieron en dos grandes grupos: los que se quedaron en el nuevo continente (originando los actuales amerindios) y los que se quedaron en el antiguo. Por otro lado, los atlantes supervivientes se instalaron también en el antiguo continente thurio y fueron el origen del pueblo cimmerio, al que pertenece Conan. El pasado gloriosos del pueblo picto y cimmerio no sería recordado y pasarían a ser salvajes y bárbaros. Los pictos y atlantes (ahora cimerios) tuvieron suerte y tuvieron países propios que podían gobernar pero los lemurios fueron reducidos a la esclavitud durante milenios por las antiguas razas que allí habitaban. Una vez establecida la nueva geografía se fueron formando nuevos imperios en lo que antes fue el continente thurio. En el oeste del continente thurio se creo el imperio de Aquerón, al que corresponderán los futuros reinos hiborios de Aquilonia, Nemedia y Argos. Tras su decadencia, el antiguo imperio de Aquerón se dividio en otro sreinos como Nemedia, Argos, Koth o Aquilonia. El más poderoso de todos era Aquilonia, que intentaba dominar a otros reinos. Pero surgieron numerosos reinos que dieron forma al universo de la Edad Hiboria. Vanaheim, Asgard, Hiperbórea en el norte. Cimmeria, al norte de Aquilonia. Al sur de Aquilonia: Zingara, Ofir, Koth o Shem. Más al sur Estigia, Zembabwei o los reinos negros. Al este de los reinos hiborios se encuentran Zamora, Corinthia o Brithunia y más al este aún, en la orilla occidental del mar de Vilayet, el reino hirkanio de Turan. Al este del mar de Vilayet, en el extremo oriental del continente, se encuentran los reinos hirkanios que fundaron Turan, Khitai y algunos otros reinos orientales. Estos eran los reinos donde se desarrollaban las historias de nuestro bárbaro. Conan viaja

desde su Cimmeria natal por la mayor parte de su mundo, siendo, entre otras cosas, ladrón, asesino, mercenario, pirata, soldado, general y, finalmente, rey de Aquilonia, el más poderoso de los reinos. Permitídme que inserte un poema de Howard que ilustra su imagen de Cimmeria, la tierra de Conan.

Recuerdo los bosques oscuros que cubrían los cerros sombríos; la perpetua bóveda de nubes grises, los turbios arroyos que bajaban silenciosos, y los vientos que susurraban por los desfiladeros. De horizonte en horizonte, de cerro en cerro, de ladera en ladera, cubierta por árboles tristes, así era nuestra adusta tierra. Así, cuando un hombre trepaba a un pico escarpado y oteaba, solo veía el horizonte interminable, de cerro en cerro, de ladera en ladera, todos ellos del mismo color. Tierra triste, que parecía reunir a los vientos, nubes y sueños que rehúyen al sol, las ramas agitadas por el viento solitario y, por doquier, los bosques oscuros, olvidados por el pálido sol; que de los hombres arrancaba chatas sombras; la llamaban Cimmeria, tierra de Oscuridad y Noche. Fue hace tiempo, lejos de aquí.

He olvidado el nombre que me dieron los hombres. El hacha y la lanza de punta de sílex son como un sueño, y las cacerías y guerras una sombra. Solo recuerdo la quietud de esa sombría tierra; las nubes eternas sobre los cerros, la media luz de los bosques eternos. Cimmeria, tierra de Oscuridad y Noche profunda. Fin de la Era Hiboria Como habéis percibido Howard utiliza las teorías de la separación de continentes para dar coherencia a su universo. De ahí que el fin de la Era Hiboria se produjese por un nuevo cataclismo que formaría el mapamundi que conocemos. La parte occidental de África emergió de las aguas y el océano occidental inundó una parte del continente thurio, creando el Mediterráneo y haciendo que surgiese Europa. En el extremo norte el océano también avanzó, creando las islas británicas y la península escandinava así como los mares del Norte y Báltico. Como podéis comprobar el universo creado por Robert E. Howard es rico y complejo, aquí hemos tratado de ofreceros un mero esbozo de su superficie. Os invitamos a que os adentréis en sus secretos donde encontraréis aventuras increíbles que harán volar vuestra imaginación. Mujeres hermosas, brujos malvados, criaturas sacadas de cualquier relato de Lovecraft… Un universo rico en texturas al que muchos han contribuido, ¿te atreves a entrar?

JOSÉ DEL RÍO FORTICH

Hemos perdido a dos más esta noche. Digo perdido y no fallecido porque esa es la definición exacta. Cuando nos hemos despertado ya no estaban. Con estos dos ya son una veintena los soldados desaparecidos desde que entramos al bosque negro hace unos días, y seguimos sin saber quién o qué nos está cazando. La palabra cazando también creo que es una elección apropiada, pues no creo que se trate de un ataque o asalto por su prolongación en el tiempo. En su momento lo pude considerar un acecho de alguna o más criaturas del bosque para alimentarse, pero tras lo de esta noche albergo serias dudas respecto a esa teoría. Los anteriores desaparecidos habían sido rezagados, exploradores que habían avanzado en solitario o pequeños grupos a reconocer el terreno, o soldados que hacían la guardia durante las noches, todos ellos en una situación vulnerable que podrían haber atraído la atención de cualquier depredador por la falta de riesgo en su captura. Captura también es una palabra minuciosamente escogida, pues no hemos hallado cadáver alguno, ni restos de sangre o señal alguna de pelea. Simplemente desaparecen y, salvo algún grito aterrador ocasional que lo delate, bien parece que hubieran desertado en masa. Sin embargo, como ya he insinuado antes, esta noche ha sido diferente. Los dos desaparecidos se encontraban en una zona bien defendida del campamento, bien iluminada por numerosas antorchas, rodeados de soldados dormidos, y custodiados por una docena de guardias despiertos. Nadie ha visto nada ni oído ruido alguno, simplemente, al despertarnos, ya no estaban. Si de por sí misma, esta situación ya es preocupante, hay dos factores que la hacen todavía más angustiosa para mí: La primera, que yo dormía entre los dos desaparecidos (cosa que aún me produce escalofríos). La segunda, que se trataba de los dos oficiales de más alto rango dentro de la compañía, lo cual me convierte en el nuevo líder del grupo y, según mi instinto, en el próximo objetivo. << ¡Que los nueve se me lleven!>> Nuestra misión era asistir como refuerzos para la batalla que se llevaba librando se-

EL BO NEG

TONI SE

manas en las minas de Moria, entre los trasgos que allí moran y el nuevo rey de Gondor, Aragorn. La primera gran batalla tras la caída del señor oscuro Sauron, la primera de esta nueva etapa o edad, como algunos se aventuran a llamarla. Sin embargo, nuestra misión de apoyo se había convertido en una lucha por la supervivencia. Tan solo quedamos cuarenta efectivos. Si esto sigue así, los que vamos a necesitar refuerzos somos nosotros, si pudiéramos pedirlos, claro está. Hoy avanzaremos poco, quiero a todo el mundo descansado y alerta esta noche. Voy a doblar la guardia. Yo tampoco dormiré. No quiero. No puedo. ¡Veinte! ¡Veinte soldados en una noche! ¡Toda la guardia menos yo! Aun me encuentro aturdido por lo sucedido, y no solo por haber perdido el conocimiento, sino por el terror de lo que esto representa. Anoche, durante la guardia, algo me golpeó en la cabeza por detrás y perdí el conocimiento. Mis soldados me han despertado sobre un charco de mi propia sangre y me han comunicado que han amanecido sin la guardia y, de nuevo, sin más señales de forcejeo que mi cuerpo en tierra. Me en-

OSQUE GRO

ERRANO

contraba conmocionado, tanto por el golpe como por la noticia pero, aun así, creo que mi reacción ha sido acertada. He ordenado la retirada. Ya no somos refuerzo para nadie, ni por el reducido número de efectivos que representamos, ni por nuestro estado anímico. Estamos aterrados y tememos por nuestras vidas como niños indefensos. ¿Qué soldado es capaz de entrar en batalla bajo estas circunstancias? Ahora solo servimos para intentar conservar nuestras vidas y parece que no somos demasiado buenos en eso tampoco. Además, algo me había quedado claro esta noche: el enemigo, quien quiera que sea, es superior a nosotros y está jugando de manera retorcida con nuestras vidas. Ordené una retirada inminente, sin recoger el campamento, sin más carga de la necesaria y sin interrupciones para el descanso. Tan solo volver sobre nuestras pisadas al mayor ritmo posible que nos permitiera mantener la formación. Suponía que esto último no garantizaba para nada nuestra supervivencia, pero tampoco quiero ponérselo en bandeja a nuestros depredadores. Quiero vivir. No se lo pondré fácil. No sé cuánto tiempo llevábamos retrocediendo en pos de nuestras propias huellas

cuando nos dimos cuenta de que nos faltaba gente en la retaguardia. Aquello no me extrañó lo más mínimo pero no por ello dejó de turbarme. Al seguir nuestras huellas para escapar del bosque habíamos añadido una nueva desventaja a las muchas que parecíamos tener dentro de aquel bosque: nuestros movimientos se habían vuelto completamente predecibles. No pensaba que parasemos a pernoctar. Estaba seguro que de aquella noche no nos levantaríamos ninguno, pero avanzar en la oscuridad, pese a nuestra portentosa visión nocturna, iba a ser casi tan arriesgado como dormirse y esperar la muerte. Por ello, pese a la temeridad que aquello suponía, inste a mis soldados a que corrieran por su vida sin ningún tipo de limitación, ruta o formación defensiva que pudiera retrasarlos. Sabía que había que aprovechar la luz del sol de la forma más desesperada que nos quedara, pese a saber que en aquel bosque, perderse era una constante y que, ni a lomos del mejor caballo élfico, se podría atravesar lo que quedaba de aquel bosque en una sola jornada, pero aun así había que intentarlo. Una parte de mi quería ponerlos a salvo. La otra, una parte mucho mayor, la que primaba a mi propio instinto de supervivencia, los mandaba por delante como cebo, con la esperanza de que su cadáver sustituyera al mío y colmara las ansias de nuestros depredadores lo suficiente para permitirme escapar. A estas alturas, con la noche cerniéndose sobre nosotros, casi en la más absoluta oscuridad, solo fracturada por la escasa luz de nuestras antorchas, bajo la sombra y cobijo de los árboles de un bosque cuyo nombre ya hablaba de oscuridad, ya no sabía cuál era nuestra situación real. Contándome a mí, quedábamos solo diez efectivos. A causa de la espantada que yo mismo había provocado, no estaba muy seguro de cuantos habían caído victimas de nuestros acechadores y cuantos, simplemente, habían corrido más rápido que nosotros. Ahora, rodeado de un grupo tan reducido, y en mitad de la noche, no me había parecido tan buena idea.

No nos atrevíamos ni a sentarnos. Formando un círculo defensivo, con las cimitarras en mano, nos custodiábamos unos a otros mientras avanzábamos de forma casi esperpéntica pero segura (o, al menos, no tan temeraria). Algo más había cambiado. Ahora podíamos oírles. Pisadas, ruido de ramas al romperse con el paso e incluso el murmullo de algo que parecía una voz humana. Estaba seguro de que eran más de uno, o eso o se movía a tal velocidad que era capaz de que sus pisadas se escucharan en lugares completamente opuestos del bosque. También estaba seguro de que el hecho de que pudiéramos escucharlos era deliberado. Habían sido invisibles y silenciosos durante muchas jornadas y en situaciones mucho menos ventajosas. Aquella nueva forma de acecho solo significaba una cosa, el juego estaba próximo a su fin. El terror no me impidió mantener la formación, pero sí que lo hizo en dos de mis compañeros que, mudos por el espanto, se adentraron en la penumbra para correr por sus vidas. No duraron mucho. Desgraciadamente, esta vez, lo supe con certeza. En cuanto atravesaron la zona de visibilidad que nos otorgaban nuestras antorchas, pude escuchar un sonido que me era más que familiar, el de acero y carne fundiéndose en una sola cosa con un único vencedor. No hubo grito alguno, no les dio tiempo, pero si a aterrarse por última vez. Al menos ese era el gesto que conservaban los rostros de sus cabezas amputadas cuando su asesino las lanzó en medio de nuestro círculo para que pudiéramos admirar su obra. No era la primera cabeza cercenada que veíamos yo o mis hombres, pero el saber que aquel podía ser, y casi seguro sería, nuestro destino, pudo con la poca cordura que nos quedaba. La formación se rompió. Salimos corriendo sin que hubiera necesidad de que nadie diera las instrucciones. Tan solo permanecimos juntos porque yo era el más rápido y los instintos de mis compañeros les indicaban que seguir a su superior era lo más seguro. Lo más seguro en aquel momento, según mi opinión, era clavarse un cuchillo en el corazón para evitar que alguien lo

hiciera por ti. Los dos que corrían a ambos lados de mí hicieron una mueca de dolor y un grito casi ahogado cuando algo les alcanzó en la espalda y cayeron a tierra. No pude ver que les había sucedido y ni siquiera me detuve en socorrerlos. Bastante tenía en intentar no ser el siguiente. De los seis que restábamos, dos cayeron de forma similar a los anteriores, y otros dos simplemente desaparecieron. Tan solo quedábamos dos, y mi compañero tuvo la suerte de romperse el cuello al golpearse con una rama en nuestra huida a ciegas. Solo quedo yo. La idea de clavarme un cuchillo en el corazón se me hace cada vez más sugerente. Ya casi ni tengo miedo a lo que puedan hacerme, es la angustia de la espera lo que se me hace insoportable. Llevo dos días corriendo sin más incidente que mis propios tropiezos. En esta última jornada hasta me he permitido pararme a descansar unos instantes. Desde la noche en que me quedé solo, no he vuelto a tener indicios de mis atacantes. Mi subconsciente me dice que aún están ahí, vigilándome y esperando su oportunidad, pero mi parte racional las mitiga, diciéndome que oportunidad no les falta y que, seguramente, continuo con vida para transmitir alguna especie de mensaje. Que así sea. El bosque cada vez era menos frondoso, lo cual indicaba que me aproximaba a sus límites y aún quedaban muchas horas de luz. Estaba seguro de que no pasaría otra noche más en vela en aquel bosque, aunque aún distaba mucho de llegar a algún lugar en el que pudiera considerarme a salvo. Sentí el viento soplando frente a mí y supe que me aproximaba al final. Ya estaba, lo había conseguido, iba a sobrevivir. Vi el final de la arboleda y corrí hacia él, a empaparme de la luz del sol sin que ningún filtro forestal se interpusiera. Casi podía sentir el exterior, cuando lo escuché. El ruido que producen las pisadas sobre madera reseca en el suelo, dos ruidos concretamente, uno a mi izquierda y otro a mi derecha. Me di la vuelta hacia el de mi derecha para

ver como un gran objeto de metal surcaba el aire hacia mi sin que yo tuviera tiempo de esquivarlo y, pese a ello, cuando impactó sobre mi pecho y me hizo volar por los aires, lo que más me sorprendió fue el doloroso aguijoneo que noté a mi espalda antes de aterrizar. Estaba a punto de perder el conocimiento por última vez. El hacha enorme que me acababa de atravesar me había partido la columna y ya no sentía ni el dolor, solo como la vida se me esfumaba poco a poco. Lo último que vi fue a un enano de larga barba y gesto malhumorado que sujetaba la empuñadura del hacha clavada en mi pecho. ― ¡Maldita sea, Légolas, este orco cuenta como mío! ―dijo el enano enfurecido. ― De eso nada, Gimli ―dijo entrando en escena un elfo de largos cabellos rubios que empuñaba un arco― Mis flechas le alcanzaron antes. ― Aunque así fuera, yo ya he matado a una centena. ― Pues habrás tenido que matar a alguno dos veces porque no eran tantos cuando entraron en el bosque. ― No me fio de las cuentas de los elfos. Nadie puede vivir tantos años conservando esa carita de niño. Seguro que os saltáis números. El elfo se rio estruendosamente por aquel último comentario del enano y aquello me provocó una pequeña convulsión. ― ¡¿Ves?! ―dijo el enano― Este orco aún sigue vivo. Y separando el hacha de mi cuerpo con un fuerte y rápido movimiento de su brazo, la volvió a enarbolar sobre mí. >> Y va a contar como mío ―exclamó dejándola caer sobre mi cuello.

Rev

Por Jesús

Midnight – 2

“La obra en su conjunto recuerda enormemente a las historietas publicadas en las revistas de tebeos de Bruguera”

view de MIDNIGHT

s Delgado

2014 – Planeta DeAgostini Cómics – Carlos Sisí, Ittai Manero Midnight narra el periplo de caballero y mago Knight junto al fantasma Banshee y el guerrero Dwain para poner fin a una plaga de fantasmas sin control. El trío deberá viajar al este, en busca de un talismán mágico, presuntamente en manos de la bruja Malware para poner fin a esta amenaza. Midnight es la nueva apuesta de Carlos Sisí, autor de los caminantes. El zombie-escritor deja de lado a los muertos vivientes para narrar una historia de fantasía espada y comedia. Para este fin, confía su historia a las manos y los pinceles del dibujante Ittai Manero (Lunita). Con este álbum, el tándem Sisí-Manero regresa al formato de álbum europeo, apelando a la infancia de los lectores de treinta años y de aquellos que ya peinan canas. Aunque, por otro lado, no se trata tampoco de álbum orientado específicamente para lectores, ya que la historia y la ilustración se presta para un público más extenso, mucho más joven si cabe. La obra en su conjunto recuerda enormemente a las historietas publicadas en las revistas de tebeos de Bruguera durante, en las que se mezclaban viñetas de autores nacionales como Ibañez, Ramis o Vázquez, con las de autores francobelgas. De este modo, un ojo entrenado reconocerá que Midnight es muy similar en cuanto a formato y contenido a obras como La Mazmorra,

Percevan o, incluso, La Búsqueda del Pájaro del Tiempo. Aunque, eso sí, la historia de Carlos Sisí es mucho más ligera que la de estos cómics, tratando de arrancar una sonrisa de los labios de los lectores, con un humor bastante blanco, algo que adaptado a nuestros días resulta enormemente complicado. Por otro lado, el estilo de Manero para desarrollar el guion de Sisí, recurre una construcción simple, que no por ello pobre. Aunque el ilustrador realiza composiciones muy similares a las de autores nacionales de tebeo, las influencias de la escuela norteamericana queda patente en la obra. El uso de planos generales, picados y la variedad de perspectivas, delatan que Manero adapta su estilo de dibujo para, confabulado con Sisi, rendir un homenaje a una serie de obras con las que creció una generación. Estas elecciones dotan al cómic de un acabado extraño y poco habitual a día de hoy, aunque justificado si se atiende al objetivo de estilo al que obedece. En conjunto, Midnight es una obra que disfrutarán jóvenes que quieran iniciarse en el mundo del cómic y adultos que quieran disfrutar de un sentido homenaje a un tipo de tebeo que raramente se produce a día de hoy. Una valiente apuesta con un público tan complicado como es el actual, cautivado por el género de los superhéroes o del manga japonés o reservado únicamente a las historias del cómic francobelga.

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batman: tierra uno DC- 4 DE JULIO 2012 - guionista: GEOFF JOHNS Dibujantes: GARY FRANK Normalmente, y explico esto para los que no conocen la forma en que trabajamos dentro de la sección de comics de Nosolofreak, hacemos una puesta en común buscando obras que, por su relevancia o vigencia pueden resultar interesantes para el amigo lector. Y siendo sincero, en ocasiones te encuentras con la (a veces sí, a veces no tanto) ardua tarea de tener que escribir sobre un comic que, o bien no conoces, o directamente no entra dentro de tus gustos habituales. Eso conlleva leer la obra, dedicarle un tiempo que merece, como trabajo artístico que has de valorar, y que no es sino el fruto del esfuerzo de uno o varios autores. Otras veces, el encargo de nuestros jefes coincide plenamente con nuestros gustos, y todo resulta mucho más sencillo; en esos casos el esfuerzo debe centrarse en que no parezcas un fanboy de tres al cuarto, cosa que en mi caso suele ser difícil de evitar dado que tiendo a llevarme fácilmente por el entusiasmo si el tebeo de turno me priva. Pero en esta ocasión, se nos pidió a cada uno de los miembros de la sección que

fuésemos nosotros quienes escogiésemos un comic. Uno que recomendaríamos de cara a las próximas fiestas navideñas, ya sea como regalo a realizar, o como lectura en la que enfrascarnos aprovechando las vacaciones. No sé qué es más difícil, si tener que escribir sobre algo que te gusta sin que se note la euforia, o esforzarte en buscar los puntos positivos de una obra que jamás leerías… o tener que escoger UN cómic que recomendar. Sólo UNO. En más de una ocasión me he declarado marvel zombie irredento, y se me vienen a la cabeza muchos, muchísimos comics marvelitas que recomendar. Pero pocos días antes de la mencionada “reunión virtual”, cada uno en su casita pero todos pendientes del nuevo encargo, había terminado la obra que os traigo hoy. Por mi trabajo y demás condicionantes perso-

nales, no siempre puedo leer de un tirón un comic, por largo o corto que sea. Pero después de mucho tiempo, había encontrado uno de esos comics que no puedes dejar de leer. No puedes y además tienes que acabarlo. Debes acabarlo. Curiosamente, hace unos meses me ocurrió lo mismo con otro comic, también de DC, Superman: Origen secreto. Y para más inri, estaba elaborado por los mismos tíos que parieron este Batman: Tierra uno. Geoff Johns al guión y Gary Frank al dibujo. Lo del primero en los últimos años ha sido de traca, destacando por encima de todo el grandísimo trabajo realizado con Lin-

terna Verde. Pero a Gary Frank lo tengo en un pedestal desde hace unos años ya, especialmente por aquellos maravillosos números de Hulk que dibujó, con San Peter David al guión (La caída del Panteón es una maravilla, en mi modestísima opinión). Y si en el mencionado comic de Superman se dedicaban a redefinir los orígenes del Hombre de acero, en esta ocasión los autores hacen lo propio con la otra gran figura de DC, ambientándolo en una suerte de universo paralelo. De nuevo se nos vuelve a contar el origen del personaje… pero los ingredientes adicionales del plato son los que hacen a

este comic diferente, fresco, interesante y terriblemente divertido. La esencia de Batman, del atormentado Bruce Wayne no se pierde con respecto a la versión original, no. Pero hasta ahora no habíamos visto un Alfred Pennyworth así. O un Jim Gordon, o un Harvey Bullock, o sobre todo un Pingüino como los que nos ponen sobre la mesa. Que el pasado de Alfred va ligado al de la familia Wayne, especialmente al de Thomas Wayne y posteriormente al de su hijo Bruce, es algo que ya hemos visto en muchas ocasiones, tanto en los comics como en el cine. Pero ¿un Alfred con pasado militar que es capaz de llegar a entender las ansias de venganza de Batman, o que incluso puede utilizar un arma de fuego como cualquier pseudojusticiero si la situación lo requiere? ¿Un Alfred que es capaz de tratar de tú a su jefe sin llamarle “amo Bruce” o “señor”? Seguro que desde que leímos Batman: Año uno, o vimos Batman Begins, según unas versiones u otras pero con un mismo denominador común, hemos tenido claro que James Gordon y Bruce Wayne están unidos por un fuerte lazo, que proviene desde años atrás. ¿Pero que Gordon sea el policía corrupto? ¿Pero vamos a ver, ese no era Bullock? Ah, que tito Harvey ahora es una estrella de TV venida a menos pero con placa de policía… Y ese pingüino… ese Oswald Cobblepot… aquí no esperéis a un villano de opereta. Un fulano tarado que hace el memo con un paraguas. No. Sin llegar a la sensación de desasosiego o por qué no decirlo, arcadas que llegaba a causar Danny DeVito, sí que volvemos a ver a un Pingüino temible. Poderoso. Un cabrón en toda regla. Dado que es una obra autoconclusiva, no debe extrañar que elementos como el origen de Batman, la familia Arkham, el Pingüino y otros elementos estén entrelazados. Pero todo ello le confiere a la obra una sensación de cohesión. De que puedes leerlo de una tacada, te cuenten o no

más cosas sobre esta nueva versión del hombre murciélago. Sin duda, una buena forma de describir este comic, es considerarlo una especie de híbrido entre Batman: Año Uno y uno de los muchos Elseworlds o versiones alternativas, con las que DC nos deleitaba sobre todo en los 90 del siglo pasado. Y luego… luego está Batman. No son pocas las ocasiones en que he podido leer en webs y, revistas especializadas, que una curiosidad o peculiaridad que define a esta versión del encapuchado más renombrado de DC es… que se le ven los ojos. Sí, puedes ver los ojos de Bruce Wayne a través de la máscara. Eso acentúa la condición de hombre del personaje; de hombre que trata de encontrar justicia, de vengar la muerte de sus padres. De hombre que llega a mostrar accesos de rabia, alejándolo de ese icono casi sobrenatural que los villanos del universo DC ven al enfrentarse a él. Y es que, Bruce Wayne es un hombre, marcado por un hecho terrible, que se lleva a sí mismo al límite… pero un hombre al fin y al cabo. En fin. Sin duda, si debo recomendar un comic a alguien, conozca o no el pasado del personaje (aunque si lo conoce disfrutará más aún con las diferencias respecto de la versión original, los giros, las sorpresas) tengo claro que con Batman: Tierra Uno sería muy probable que acertase. De todos modos, sean cuales sean vuestras preferencias, disfrutad tanto como podáis de las futuras fiestas navideñas. Y paraos a pensar en qué comic, si solo pudieseis escoger uno, recomendaríais a un amigo. Veréis que no es tarea fácil. ¡¡Salud!! JESÚS DE LA FUENTE

batman: el tribunal de los buhos dc comics- septiembre 2014- guionistas: RJames Tynion IV, Scott Snyder-dibujantes: Greg Capullo, Jason Fabok, Rafael Albuquerque Batman entra con fuerza en el Nuevo 52 de DC, con una de las historias más aclamadas desde que comenzó este nuevo universo allá por 2.011. Tras haber comprobado en los primeros números de la Liga de la Justicia que Batman sigue siendo el de siempre, el fantástico dibujo de Greg Capullo (Spawn, X-Force) acompaña en una consonancia perfecta un guión maduro y profundo de Scott Snyder, que hace que el bueno de Wayne se vea involucrado en los hechos de manera muy personal por sucesos del pasado que relacionan a su familia con un grupo de asesinos que amenaza a Gotham. Bruce Wayne da un discurso en el que busca fondos para el desarrollo de Gotham, comprometiéndose a mejorar la infraestructura de la ciudad, empezando por los barrios marginales. Tras esto aparece un cadáver torturado por un misterioso asesino, acompañado de un mensaje claro, “Bruce Wayne morirá mañana” y para rematar, bajo sus uñas tiene restos de piel con ADN de un ser muy cercano al murciélago. Batman investigará a fondo que el grupo de asesinos tiene como base una vieja canción de cuna popular en su ciudad, una canción que habla sobre unos búhos que vigilan constantemente, teniendo que olvidar sus prejuicios y afrontar que él mismo no es la única leyenda urbana viviente de Gotham.

Bruce contará con la inestimable ayuda de James Gordon y un nuevo set de aparatos modernos que van más allá de todo lo visto hasta ahora en otros comics, desde sistemas informáticos que le hacen consultar el ordenador de la Batcueva a través de unas lentillas, hasta máscaras de realidad virtual que transforman el rostro en el de cualquier otra persona. Nos encontramos ante una historia que me hace no comprender muy bien el movimiento de DC del Nuevo 52, ya que éste se comenzó para liberar a nuevos lectores y guionistas del peso argumental que tenían las historias de la editorial a sus espaldas, así que no entiendo por qué la primera historia “en solitario” de Batman empieza con la presencia de personajes que ya todos conocemos, como Dick Grayson, Tim Drake, Damian Wayne y un enorme elenco de villanos encerrados en Arkham que aparecen en las primeras páginas sin explicación alguna de su transfondo argumental, muchas caras conocidas y ninguna nota aclaratoria, por lo que si no tuviera el sello de “Nuevo 52” en la portada, no se diferenciaría en nada de

cualquier historia clásica de nuestro amigo Batsy. Sé que es aburrido contar una y otra vez el origen de los mismos personajes, pero creo que un nuevo lector andará casi igual de perdido en ésta historia que en cualquiera anterior a éste polémico reset, aunque el visionado de películas, series de animación y videojuegos (y una rápida visita a internet) puede hacer que esto sea un obstáculo muy fácil de sortear. A pesar de esto, nos encontramos ante una de las mejores historias de Batman de los últimos años, con mucha acción, una buena carga de intrigante trabajo de investigación y un sinfín de diálogos internos del protagonista que nos recuerdan a Frank Miller en sus mejores tiempos. La historia ha sido editada por la editorial ECC en un tomo único que reúne los 11 números y el anual que conforman este arco argumental al completo y una generosa cantidad de extras, por sólo 30€ podras disfrutar del superhéroe nocturno favorito de todos, que en este nuevo siglo sigue pegando más fuerte que nunca.do.

JOSE LUIS SORIANO NAVARRO

EL IMPERIO DE LOS MUERTOS MARVEL- 2011- Guionistas:george a. romero Dibujantes: alex maleev Para la gran mayoría de críticos y fans, George A. Romero es el creador del arquetipo zombi moderno. Antes de Romero los zombis eran representadas como criaturas serviles que se inspiraban en el folklore haitiano y su origen estaba motivado por ceremonias vudú realizadas en países caribeños. Uno de los precursores de este arquetipo y divulgador de estas ceremonias fue el Reverendo Henry S. Whitehead. Durante los años 1921 y 1929, fue destinado como diácono en las Islas Vírgenes y allí quedó fascinado por las costumbres, ritos y supersticiones de los habitantes de estas islas. Su fascinación quedó plasmada en una serie de relatos que se publicaron en las míticas publicaciones Weird Tales o Adventure. Por cierto, la maravillosa editorial Valdemar publicó algunos de sus relatos en el recomendable volumen Jumbee y otros relatos de terror y vudú. Estas narraciones sirvieron de influencia a las primeras películas que desarrollaron el tema zombi: I Walked with a Zombie o White Zombie. Romero modificó los mitos caribeños y nos ofreció nuevas perspectivas que iban

a ser establecidas como canónicas en el género, incluso soterrarían y harían caer en el olvido a las leyendas haitianas. Así podemos establecer algunas características que le distancian de las concepciones anteriores: 1. Su principal virtud y hecho que ha sido copiado en todos los films derivados de La noche de los muertos vivientes (1968) es que traslada todos los hechos al mundo occidental. Es decir, si bien anteriormente todos los hechos suceden en islas caribeñas o zonas olvidadas, ahora el terror está en la puerta de nuestra casa. Nadie está a salvo de las hordas de zombis. Psicológicamente, este hecho que ahora parece obvio debió producir terror en la sociedad de los sesenta que se pensaba segura en sus hogares. 2. Los zombis ya no actúan como criaturas serviles en manos de un brujo o doctor loco. Son criaturas violentas que atacan al ser humano buscando dos cosas: alimentarse y propagarse.

3. Romero se centra en las relaciones interpersonales de los supervivientes. Cobran mucho interés tramas como la expiación, el amor familiar o la formación de nuevas sociedades, pero sobre desarrollaría matices como el rol de los protagonistas o el liderazgo. Los protagonistas no luchan contra los zombis sino que, debido a las tensiones, terminan luchando entre ellos. 4. El origen del alzamiento de los muertos vivientes no importa al espectador. Al centrar la trama en los supervivientes el tema del despertar queda en segundo lugar. Romero solo nos ofrece pequeñas pis-

tas sobre su origen: ¿experimento militar? ¿virus? ¿drogas? A lo largo de más de cuarenta años viviendo el fenómeno zombi, Romero desarrolló muchos temas en sus películas que darían un nuevo rumbo y sentido a todas los productos derivados de su primera película. En la tercera película de su saga El día de los muertos (1985) comenzaría a desarrollar una idea que daría un nuevo rumbo a su mitología: ¿pueden tener inteligencia los zombis? ¿podemos comunicarnos con ellos? ¿son conscientes de su existencia? Como recordaréis, los supervivientes in-

tentarían entrenar a zombis para luchar con otros zombis y después en La Tierra de los muertos (2005) el autor nos contaría como los zombis comienzan a manejar, al principio, objetos rudimentarios derivados de su vida anterior para terminar manejando armas de fuego y en un giro revolucionario buscar la lucha por sus derechos. Este complejo argumento sería desarrollado en el cómic El Imperio de los Muertos. Romero decidió utilizar el cómic como medio para desarrollar su historia debido a que le daba mayor libertad y no estaba limitado por el presupuesto. En esta historia, el autor continúa sus principales argumentos, mostrándonos como el ser humano tras el apocalipsis zombi crea una sociedad que copia los fallos de la anterior. Es decir, establece un sistema de castas que buscan la desigualdad de los habitantes. Para que esta metáfora sea entendida por los lectores, el autor establece una cadena alimenticia donde los vampiros ocupan el primer lugar, el hombre el segundo y los muertos vivientes están en lo más bajo. Para mantener contento al pueblo, los vampiros, que viven ocultos en las altas esferas de la sociedad, han construido un Circo Máximo donde los zombis entrenados por seres humanos combaten en despiadadas luchas. Ante esta masacre, una doctora comienza a especular sobre si esos zombis podrían ser educados para convivir con los vivos. Romero mezcla varios conceptos ya desarrollados en sus películas y crea una interesante amalgama de argumentos. Para desarrollar su historia ha contado con el dibujante Alex Maleev cuyo oscuro arte encaja perfectamente con los guiones de George A. Romero. La serie constará de quince números y en este volumen de Panini Comics podremos disfrutar de los cinco primeros.

JOSÉ DEL RÍO FORTICH

leyendas de parvaterra COMIC EUROPEO-independiente- raul arnaiz Llegan las navidades y hay que empezar a pensar en los regalos tanto para grandes como pequeños. ¿Un libro? ¿un cómic? ¿una historia que pueda gustarle a todos?... te gustan... ¿los piratas? ¿la magia? ¿los caballeros y las profecías? entonces te gustará Leyendas de Parvaterra. Leyendas de Parvaterra es un cómic de fantasía heroica protagonizada por niños, pero no por ello es una historia sólo para ellos. “Un mundo mágico poblado por criaturas de cuento tales como hadas, ogros, magos o elfos, pero no hay adultos en él, todos han desaparecido. Ahora sólo quedan niños estancados en su infancia que no recuerdan nada del mundo anterior” explica Arnaiz en RTVE. Según la profecía, un joven héroe, un caballero, deberá emprender la búsqueda de ese pasado perdido donde mora la verdad sobre los adultos. Pero no será fácil, un enemigo se oculta entre las sombras para interponerse en su camino y hará todo lo posible para que no llegue a su destino, incluso poner en su contra viejos amigos. En un mundo sin adultos, los niños están divididos y enfrentados entre los guerreros pelirubios, caballeros, y los científicos pelinegros, brujos. “A los guerreros peli-

rrubios les mueve la intolerancia y el desprecio hacia los demás, el egoísmo, y la búsqueda de beneficio instantáneo, mientras que los magos pelinegros son estudiosos, científicos, naturalistas que representan el respeto, la curiosidad y la necesidad de saber, de conocer el mundo y el sentido de la vida. Son los que indagan en el pasado y traen progreso”. Además de estos dos grupos enfrentados, se encuentra un tercero que navega a sus anchas sin posicionarse hacia ningún bando: los piratas pelirrojos. “se desentienden de los problemas de su mundo y viven la vida al día, consideran el mundo “demasiado complicado y aburrido” como para involucrarse en él; así, huyen de los problemas por considerarlos ajenos, pero con su inacción acaban formando parte de ellos.” Es así, como sin quererlo, que con estas interacciones entre los diferentes grupos

como se forma la trama de esta aventura. Raúl Arnaiz decidió crear un mundo sin adultos movido por su gusto por las historias de Peter Pan y de El Señor de las moscas, donde los protagonistas son casi exclusivamente niños. Su curiosidad principal provenía de la idea de ¿qué sucede cuando el ser humano se desentiende de sus responsabilidades como un niño?, perdiendo su temor a un poder superior del que extraía su sentido moral, viviendo en un nuevo mundo carente de normas (representado por la falta de adultos). Sueños premonitorios, recuerdos borrosos, luchas, magia, amor, dolor, todo se encuentra y se entremezcla en medio de incertidumbres sobre el futuro y el pasado. Preguntas sin respuesta que nuestros protagonistas, Leo, Zenda y Jan, caballero, pirata y mago, intentarán averiguar a través de un mapa inexplorado. ParvaTerra es todo un mundo enorme y misterioso, que se extiende más allá del mar que rodea la pequeña isla donde habitan. Todo un reto para tres niños. En Leyendas de Parvaterra los personajes parecen tener vida propia dada la experiencia en animación de Raúl Arnaiz. Además, el proyecto nació como serie de animación, pero cuando la serie no salió adelante, Arnaiz decidió reconvertirla en serie de cómic y una buena editorial belga se interesó por ella. Personajes expresivos con una vestimenta estudiada y trabajada, criaturas fantásticas, una gran belleza de escenarios y unos colores que armonizan todo el entramado hacen de este cómic una delicia visual. Recientemente nuestros héroes han finalizado sus aventuras. Hemos podido deleitarnos con sus historias gracias a Norma Editorial que ha publicado en nuestro país los cinco números de este cómic de género épico cerrando el ciclo del valeroso Leo y sus amigos. JUDITH HIDALGO PIS

entrevista al

PUTO AMO

Con motivo de su aparición en las tiras cómicas publicadas por Twist Comics, el último gran héroe de acción de los 80 que sigue en activo como agente especial de la Organización Pacificadora Internacional “Twist” nos recibe en su mansión de Beverly Hills para hablarnos de todas sus aventuras. Entrevista realizada por Lois O´Neil, periodista y autora del ensayo “Feminismo en acción del siglo XXI” Había viajado a Los Angeles para realizar una entrevista a Jennifer Lawrence que canceló en el último momento, su agente para compensarme me aseguró que me podía poner en contacto con el Puto Amo. Aunque no me gustaba nada este héroe de acción por ser un icono del peor machista rancio, es innegable que tiene millones de seguidores y quería descubrir que encontraban tan excitante sobre alguien tan asqueroso tantas personas de todo el mundo. Así que finalmente acepté que al agente de Lawrence concertara la entrevista. Llamo a la puerta de la mansión del Puto Amo 10 minutos antes de la hora acordada para realizar la entrevista. Me recibe Kim Polvazo, su ama de llaves oriental, que viste con un kimono de seda trasparente que no deja mucho para la imaginación. Me acompaña al salón principal, allí me dice que me acomode donde desee y me asegura que el Puto Amo me recibirá en unos pocos minutos. Después de esperar sentada en un incómodo sofá de piel de leopardo durante cuarenta y cinco minutos que me destroza la espalda, el Puto Amo surge de detrás de unas cortinas rojas que parecen sacadas directamente de una película de David Lynch. Su bata de terciopelo verde no oculta las horondas curvas del agente de la ley y odio tener que confesar que nunca he visto a nadie andar de forma tan sexi con unas pantuflas de conejitos.

Se sienta al lado de la chimenea donde tiene colgadas las cabezas de los últimos malhechores a los que ha dado caza y se sirve una copa de coñac mientras empieza a hablarme. Puto Amo: Disculpa por el retraso, pero estaba leyendo el mejor guión que he leído en mi vida. Lois O´Neil: ¡De verdad! ¿Y quién lo ha escrito? Puto Amo: YO.

Me quedo sin habla durante unos segundos e intento recolocarme en el incomodo sofá. A continuación, el Puto Amo me explica que durante los últimos años ha estado recibiendo peticiones de Hollywood para adaptar sus aventuras, pero cansando de leer los terribles guiones que le mandaban ha decido a escribir el mismo sus aventuras. Lois O´Neil: ¿Y cuándo recibió una petición de Twist Comics para realizar cómics que relataran sus misiones internacionales contra el crimen y terrorismo? Puto Amo: Recibí al guionista Fernando Verniere y al dibujante Víctor Martínez en agosto en mi mansión de veraneo de la Costa Azul. Allí me explicaron su plan de hacer un comic sobre mi vida, pero que contará toda la verdad de mis misiones sin endulzar nada. Como todo el mundo sabe, Twist Comics es la plataforma de cómics digitales con más calidad y ambiciosa de la actualidad y respetaba el trabajo de estos dos autores. Pensaba

sinceramente que solo Verniere y Martínez podrían relatar mis aventuras de forma realista y con un estilo casi documental. ¡En Hollywood siempre querían hacer concesiones comerciales! Pero ellos no… Así que les di luz verde para que empezaran con el comic de “El Puto Amo: Agente de Twist” Pero traes recibir la primera tira piloto no estaba muy contento de la forma que me habían retratado… ¡Yo no tengo esa barriga ni esa papada con la que me han dibujado! Así que corte la cabeza de Verniere y Martínez, y ahora ahí están colgadas a mi espalda encima de la chimenea. Desde entonces, decidí que yo lo controlaría todo y no sólo estoy guionizando yo mismo estas historias, sino además, estoy dibujándolas y desde octubre aparecen una vez al mes en la web: www. twistcomics.com Lois O´Neil: (GLUB) Esperamos que se quede contento de la entrevista Puto Amo: Eso ya se lo diré cuando acabemos el desayuno. Lois O´Neill: ¿Desayunando? ¿Si son las diez de la noche?

Trago saliva y evito seguirle el juego. Mientras me preparo para lanzarle mi primera pregunta comprometedora, me doy cuenta de lo mucho que me duele mi espalda por culpa del sofá. Estoy convencida que tiene este mueble tan incómodo para que sus invitados se sientan pequeños ante su presencia. Lois O’Neill: Me gustaría preguntarle por un tema por el que ha recibido muchas críticas. A pesar de ser un agente de la Ley y haber presenciado de primera mano el daño y el horror que provocan las armas de fuego en posesión de criminales, no está de acuerdo con la regulación de armas de fuego. ¿Por qué? Puto Amo: Creo en la segunda Enmienda de los Estados Unidos más que nada en el mundo. Los padres de la constitución dejaron claro que cada ciudadano tiene el derecho de defender a su país y a sus hogares con armas. Pero esta derecho no estaba ahí solo para que la gente se pudiera proteger contra malvadas invasiones extranjeras, sino también contra gobiernos corruptos que intenten violar sus derechos. Por ejemplo, Hitler lo primero que hizo cuan-

El Puto Amo tan sólo asiente con una sonrisa mientras se toma un trago de su coñac, y después, se pasa el dedo por el labio como si estuviera el protagonista de un anuncio de Martini.

cinturón negro séptimo dan de Aikido. ¿Por qué decidió practicar Aikido antes que otras artes marciales? Puto Amo: Elegí aprender aikido cuando era muy pequeño porque es la forma más bella y harmoniosa de romper huesos. El aikido utiliza la fuerza de tu adversario contra él. Cuando más rápido y fuerte intentan pegarme los malos, más fuerte y rápido reciben. Así que yo no mato a mis contrincantes, se matan ellos mismos. Pero te tengo que decir, que no solo soy una leyenda viva en el mundo Aikido. Hago probablemente los mejores masajes Shiatsu a este lado del Pacífico y veo que tiene la espalda un poco dolorida, deje que le eche un vistazo.

Lois O’ Neil: Esto…-Kof- Kof- Supongo que es fácil enfrentarse desarmado a criminales cuando se es

Y no sé cómo lo consigue pero la entrevista termina el día siguiente mientras estamos

do subió al poder, fue quitar las armas a su gente. Pero para ser honesto, tengo otro motivo más personal, si a los criminales se lo pusieran más difícil para conseguir armas mi trabajo sería demasiado fácil. Lois O’Neill: Es curioso que diga esto, ¿es por eso que en muchas ocasiones se enfrenta desarmado a sus enemigos?

desayunando… ¿Que puedo decir para excusarme? El agente de Twist es un ser odioso, egocéntrico y machista pero también es el auténtico Puto Amo. Sigue al PUTO AMO: AGENTE DE TWIST en: www.twistcomics.com https://twitter.com/putoamotwist

Navidades Pasadas Soy el espíritu de las navidades pasadas. Ven, no tengas miedo, dame la mano y veamos qué se escuchaba en las navidades de 2012, sí, la del fin del mundo Maya. Las Navidades, donde se celebra el amor, la felicidad, se hacen buenos deseos, regalos, un momento ideal para lanzar al mercado cine, música, etc. Dentro de lo que es la música no todo van a ser villancicos, en este año Laura Pausini sacó disco y su canción principal “Hace Tiempo” nos muestra a una Laura muy estilizada y con un estribillo muy adecuado con la época, “señor sálvame”. Una canción muy a su estilo, música suave y romántica de corazones rotos. En estas épocas también se viaja mucho, y muchas veces las maletas sufren extravíos, golpes y zarandeos múltiples, y a veces se mezclan cosas que no deberían haberse mezclado nunca. Eso es lo que pasó cuando el rapero del grupo Black Eyed Peas, Will.I.Am y Britney Spears se juntaron y sacaron en estas navidades un sencillo, Scream and Shout. Muy adecuado el título, grita y dispara. El resultado una canción con unos ritmos bastante subrealistas con una voz sintetizada del rapero y la de Britney sintetizada a ratos como coro de estribillo y poco más, la verdad, un tanto innecesario todo esto, con una música y un ritmillo que en la mayoría de los casos recuerda a un videojuego antiguo. Pero es lo que pasa cuando zarandeas una maleta, que se mezclan cosas que no deberían. Game Over.

nav

Otro año se va, otro año que pasa y otro añ bueno, malo, regular, pero ha sido. Y como ca música repetida hasta la saciedad, buenos de vestir como en la Inglaterra Isabelina, con nu corbata y el sombrero de copa, y viajemos al ocurrido en las navidades pasad

El grupo de Las Vegas, The Killers y Ryan Pardey, sacó el single I feel it in my bones, un single muy navideño donde aparece un Papá Noel en plan justiciero de película de acción ochentera al ritmo de un pop-rock con un ritmo un tanto pasivo, en plan para todos los públicos, lo más divertido el típico jou jou jou. Otros que se apuntan a la tradicional canción navideña, los ya desaparecidos Backstreet Boys, según parece Kevin Richardson tras seis años alejado de la banda y en esta canción volvió a casa por Navidad. Una

CORCHEAS SOSTENIDAS POR B

por juan carlos martínez álvare

vidad

ño que hemos sobrevivido. Podrá haber sido ada año, la tradición navideña está aquí, luces, eseos, amigos, familia… Este año nos vamos a uestros trajes, camisas de cuello almidonado, más puro estilo Dickensiano para ver qué ha das y qué ocurrirá en las futuras.

canción como otra cualquiera, aunque el ritmo recuerda bastante al Merry Christmas ochentero de la banda Wamp. Todo muy políticamente correcto, bonito, y de gominola. Un inmortal sacó disco, versiones navideñas, tanta originalidad sólo puede salir de la mente de Rod Stewart. Se metió en un estudio rodeado de músicos y adornos navideños y ala, a dejar salir toda su creatividad haciendo un más de lo mismo. Pero bueno, se le ve contento e ilusionado que es lo que importa.

BEMOLES

Un hombre con bastante humanidad tendiendo a la sobrealimentación, ideal para unas fechas más señaladas, Cee Lo Green en un video junto con los Muppets coge el ritmillo del Maná Maná y le mete una letra y un ritmo de esos que vienen por defecto en el típico órgano barato y canta All I Need is Love junto a esos entrañables personajes de TV. Este mismo año John Trabolta y Olivia Newton John sacaron un disco bastante empalagoso, en plan vamos a sacar pasta aprovechando el aún supuesto tirón de Grease. Como colofón a estas navidades del fin del mundo Maya, no podían faltar las Barys Rubias con el carismático Mario Vaquerizo cantando la versión de la famosa canción de Mariah Carey, que en español suena como El Mejor Regado Eres Tú, indescriptible. Pasamos a las navidades del 2013, alguien tuvo la genial idea de sacar un recopilatorio bastante variado donde los villancicos brillan por su ausencia, alguien pensaría que en navidad todo el mundo compra de todo, sea lo que sea, y ahí han sacado un disco donde la definición ideal sería esa, sea lo que sea. Tenemos grandes éxitos como a Alex Dj Ft Koko De Leo con su gran éxito Movin On, y para colmo de la amenaza está el Original Mix, cuidado. Básicamente coge los ritmos más lógicos y básicos del house, tecno y amigos y con una voz de pito se repite más que las fabas, cosa fina. En el mismo disco, que son dos CD’s y dan para mucho, otro Dj, esta vez con el apellido Hasan con su Birthday Cake, un más de lo mismo pero en lugar de catedrales en plan hermita en medio de ninguna parte, con cierto rallamiento mental, tan repetitivo es que

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más o menos pericia hacen las delicias de miles de personas, está David Getta con su álbum listen. Siguiendo fuera de nuestras fronteras tenemos a los míticos Pink Floyd con su álbum The Endless River, un disco al más puro estilo de esta legendaria banda con la novedad de ser un disco instrumental muy ambiental y relajante. Selena Gomez tambíen se ha apuntado a las ventas navideñas donde todo vale, su disco se llama For You (para ti), que va a ser que no, gracias. Otro clásico navideño, otro disco de Queen, esta vez se llama Queen Forever. Sí, Queen es música con mayúsculas, guste o no, pero ¿para qué otro disco de las canciones de Queen que se han reeditado una y otra vez? Ah, espera, que esta vez viene con tres canciones nuevas, pero como sacar un disco con sólo tres canciones con una duración relativamente corta queda feo, le metemos otras quince canciones conocidas y tenemos disco. Dentro de nuestras fronteras tenemos a Café Quijano, donde tiran de la fórmula de autoversionarse con un disco llamado Orígenes: Boleros Volumen 3, vamos que han rizado el rizo por tercera vez. Aquí hay para todos los gustos, y para quien le guste el flamenquito bueno puede disfrutar de firmas bien conocidas por méritos propios como El Arrebato con La Música de Tus Tacones, donde suena a taconeo del buen tablao de maderas nobles y El Barrio con su Hijo del Levante, cómo no, del levante con vistas al Mediterráneo, muy nuestro. Otro experimentado músico patrio, Manolo García, el hombre sin término medio, o te gusta o no, con su último trabajo Todo es Ahora; como si no fuera a haber un

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le sacan varias canciones; y en la portada una chica de muy buen ver con un micro biquini de papá Noel con gorro incluido, a simple vista parece algo más en rollo porno que música para unas familiares Navidades. La verdad un disco para regalar a esa persona que no quieres que te vuelva a mirar a la cara y no sabes cómo decírselo. Además un grupo de musical colombiano en un mix tropical navideño y de fin de año, no tampoco hablan de nada relacionado con las fechas, sólo es música en plan salsa o merengue, no estoy muy puesto en recetas de cocina internacionales, y en el vídeo por supuesto no pueden faltar las chicas con micro biquinis famosos en el mundo entero por el sobrenombre de hilo dental, la verdad viendo estos vídeos uno no acaba de enterarse mucho ni de la música ni de su letra aunque también es en español.

Navidades Futuras Despierta, no te asustes por mi indumentaria, esta noche nadie morirá aquí. Soy el espíritu de las navidades futuras, ven conmigo y veamos qué te espera en las navidades del 2014. Empecemos con lo fácil, son los que tienen un equipo de publicidad responsable de indicar a la gente qué debe de escuchar, y lo saben. Empezamos con los internacionales One Direction y su disco Four, básicamente más de lo mismo, un grupo de chavales cantando temas de lo más comerciales, originalidad en estado puro. Siguiendo la estela de los DJ, básicamente un tío con una mesa de mezclas donde con

mañana, quien sabe, a lo mejor no lo hay. Este disco suena bastante a un pop rock al que este hombre tan polifacético no nos tiene muy acostumbrados. Melendi también se sube al carro de las navidades con su trabajo Un Alumno Más, es curiosa la portada, un tío con traje y corbata, aunque desatada corbata, al más puro estilo Luis Miguel con sus tatuajes, como dando una imagen que nunca ha dado. La canción principal tiene la música el ritmito de la típica canción ligera romántica, y este hombre empieza a cantar y en pocos segundos va a su bola, pasa de la música, y cada uno por un lado, como una pareja regañada de camino al inevitable divorcio; efectivamente, hablo de la música y de Melendi. Para poner la guinda final a unas próximas Navidades donde empiezan ya a sonar los ecos de los dioses mercaderes llegando por el cada vez más cercano horizonte,

los señores del metal, los roqueros que nunca morirán, AC/DC con miles de Amperios de energía en su nuevo trabajo Rock Or Bust. Acabo de despertar y he tenido un sueño, venía un espíritu del pasado y otro del futuro a decirme qué se escucha en las navidades pasadas y futuras. Uno se dirá, ¿y las presentes? Bueno, las presentes ya puedes comprar cosas como los dulces navideños y algunos discos que seguirán siendo superventas en el próximo mes, por lo que ya es posible disfrutar de la música sea cual sea el estilo, idioma y si se apura un poco hasta religión. Deseando unas muy buenas Navidades con la familia y amistades, y un Feliz y Próspero Año Nuevo desde este rinconcito musical donde siempre suena algo, sea bueno o menos bueno. Sed felices.

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EMOLES

El panorama televisivo vive unos momentos brutales, o terroríficamente mortales, dependiendo el prisma con el cual se observe. No nos es nuevo el impacto que tienen los, tan chic denominados, mass media en la población, y más en la nuestra, enormes consumidores de televisión, corazón y “realities”.

Al DesN

XAVI MUÑOZ

el top 3 de las cadenas más vistas en España., consiguiendo muchas veces la medalla de oro. Y aquí he de romper una lanza a favor de esta cadena. No me malinterpretéis, a un servidor se la suda cuatro pueblos quien ha zumbado quien, quien apareció encocado en la fiesta de fulanito o bien a que folclórica arrepentida le llevarán bocatas de lima. Lo que admiro de la cadena es que ha sabido encontrar la fórmula para tener tanto a jóvenes como a mayores enganchados por un motivo u otro a su programación; Gran Hermano, Sálvame, Hombres Mujeres y Viceversa, Hay una Cosa que te Quiero Decir…

La tan conocida frase de hace unos años (que tan cínicamente parodió el programa Se lo que hicisteis) con la cuáles muchos se descartaban de la tan popular telebasura, era: Yo solo miro los documentales, noticias y alguna que otra película. Hoy esta frase ha dejado paso a las nuevas generaciones que también quieren desmarcarse de esta programación que nos ofrecen las cadenas de la caja tonta. Pero ahora ya no se utiliza la famosa frasecita, se ha modernizado. Ahora escuchamos mucho lo de: Yo no miro la tele, lo que me interesa lo veo por Internet. Al fin y al cabo es el mismo perro con diferente collar. Cambia el contenido pero no el continente. Y el continente es, amigos míos, que siguen triunfando (al menos en nuestro país) los programas que la mayoría tildan de telebasura. Sin ir más lejos, tenemos que Telecinco es la cadena por excelencia del televidente medio. Con unas cuotas de share geniales, Telecinco se pone cada día en

Pocos de estos programas están orientados a la información y a la actualidad política del día como pueden ser otros programas de debates y tertulias. En todos estos programas que he mencionado prima una cosa por encima de todo: Entretenimiento.

NoDO

Z CASERMEIRO Ya sea mediante historias lacrimógenas i/o que lleguen al espectador, como la actualidad del corazón y del famoseo, o bien las trifulcas que puedan tener entre ellos diversos concursantes metidos en una casa sin poder salir al exterior… la verdad es que Telecinco ha sabido dar al público lo que quiere. Y el público, uno de los elementos más fieles que te puedes encontrar, le ha respondido otorgándole las primeras posiciones diarias en la lucha por las cuotas de pantalla.

¿Esto quiere decir que dicha cadena no se preocupe por la actualidad diaria? En absoluto. Nos encontramos con sus informativos diarios (curiosamente momento en el que tienen sus picos más bajos de audiencias) con los que cumplen con la actualidad informativa pero no nos asustemos, luego vuelve el entretenimiento. Ahora es cuando podríamos entrar en el contenido de este entretenimiento que dicha cadena nos ofrece. Cierto; podríamos. No obstante ya entraremos en semejante percal otro día porqué nos daría para hablar largo y tendido en cuatro o cinco páginas (como mínimo) sobre lo que dicho contenido nos aporta, la mo-

ralidad, la ética… Por ahora solo diremos que es una programación bastante variada, que sabe llegar a jóvenes y no tan jóvenes y que algo tiene que tener para que tanta gente se enganche a la mayoría de sus programas.

Ciertamente, mirándolo desde el punto de vista de los detractores, tendríamos mil y un argumentos para condenar a Telecinco por su política, programación y público al cual se dirigen. Ciertamente podríamos echar espuma por la boca al ver las barbaridades que se pueden ver en sus programas, que son trending topic a la hora del café de la mañana siguiente, y que aparecen en los programas de zapping de otras cadenas. Ciertamente podríamos, como la esposa del reverendo LoveJoy, ponernos las manos a la cabeza y pensar que pasará con los niños que miren estos programas. Y ciertamente podríamos coger nuestro mando a distancia y pulsar el botón rojo de la esquina superior derecha; Problema resuelto.

lAS RECETAS DE NEKO MAI dango PREPARACION - Mezcla lentamente la harina de arroz con el azúcar y con el agua hasta crear una masa que no se pegue en los dedos. - Crear bolitas de unos 5 cm de diámetro. - Hierve agua en una cazuela. - Sumerge las bolitas de masa en la cazuela y déjalas hervir hasta que floten. - Retíralas con un cucharón y ponlas en un plato dejándolas enfriar y secar. - Cuando estén secas, pínchalas de tres en tres en uno de los palitos, báñalas con la salsa de caramelo. Hay muchísimas variantes en cuanto a formas de preparar los dangos. Algunos les ponen colorantes o los mezclan con diversos productos (té verde, pasta de judía roja,…) para que tomen diversas tonalidades/gustos. Cambiarle los ingredientes también da efectos variados: ponerle harinas tostadas, añadirle semillas, cubrirlos con otros ingredientes, rellenarlos…

INGREDIENTES - 1 taza de harina de arroz (puedes conseguirla en tiendas especializadas en productos orientales) - 1 cucharadita de azĂşcar (opcional) - 1/2 taza de agua - Sirope de caramelo o cualquier salsa dulce que te guste - Palitos para hacer pinchos

“Back to the past” con J en la fiesta 30 anive Luces de colores al más puro estilo años 80. Naranjito en las paredes. Avanzamos un poco más para encontrarnos una Supernintendo y nos damos cuenta de que, de alguna forma, hemos viajado en el tiempo. Y lo hicimos de la mano de dos grandes, de Alaska (completamente en su salsa) y del siempre divertido Joaquín Reyes. Era la fiesta 30 aniversario del Seat Ibiza, y para celebrarlo, más de 700 invitados acudieron el pasado 6 de noviembre en el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid. Una palabra bastará para resumir lo que allí se caldeaba: ambientazo. Imaginaos tres salas. La primera, ya la describimos antes; Alaska sufre una regresión a su época La Bola de Cristal e inaugura al Equipo A, las riñoneras y el Pinball (sí, ¡se podía jugar!), y se sube a hacer de DJ. De pronto una puerta nos lleva a otra dimensión, la de los años 90, y nos reciben los Backstreet Boys y un Joaquín Reyes esperando para hacer los honores musicales. Que sí, que aquí también se puede jugar al Mario Car. ¡Qué locura! Hay que reponer con un refrigerio. Porque otra cosa no, pero comida y bebida gratis a tutiplén (cómo se lo montaron los de Seat). Última parada, años 2000. Sí, todos sabemos que son un poco más aburridos. Que la

Joaquín Reyes y Alaska ersario del Seat Ibiza música no fue nada del otro mundo tampoco. Pero ahí teníamos la Wii, y no pudimos representar a Fusion-Freak de otra manera... salimos a bailar como unos campeones, a hacer el ridículo, frente a la pantalla donde nos obligaban a hacer coreografías imposibles. Y no lo hicimos una, sino hasta tres veces, dejando el listón bien alto. ¿Lo demás? Pues lo de cualquier fiesta, “salir, beber... el rollo de siempre”, pero con famosetes. Ahí teníamos a Bebe, María Castro, Najwa Nimrio Carlos Jean, y un simpatiquísimo Santi Millán que os mandó un saludo a todos los lectores. Por supuesto, hablamos con el propio Joaquín Reyes y sí, está igual de falto de cordura que en la televisión. Nos estuvo hablando de su serie, “La Peñita Guapa”. ¿No la conocéis? Está en Internet, un mix de Enjuto Mojamuto con Padre de Familia. Alaska se nos escapó, se debió de quedar en los 80 perdida en su bola de cristal, pero aún así estaba tan simpática como siempre. Era un cumpleaños peculiar, al que solo queremos hacer mención al Seat Ibiza: “allí me colé y en tu fiesta me planté. Coca-Cola para todos y algo de comer”. Que lo pasamos pipa, vaya. Por Rocío Gíl Grande