Final nsfnoviembre by Daniel Ferrer León

universo expandido star wars

NĂşmero 35 Noviembre 2014

juegos de mesa PATHFINDER ADVENTURE CARD GAME

series homeland cuarta temporada ahs freakshow

cine estudios hammer sinsajo annabelle

animacion especial dreamworks goosebumps

Editorial ¿Estáis preparado para enfrentaros a los Titanes? Por fin, si sois como nosotros unos fans de Ataque a los Titanes, estamos de enhorabuena. Selecta Vision ya ha puesto a la venta la primera temporada completa del famoso anime. Por ello, en Nosolofreak, no podíamos ignorar ese notición y hemos decidido hacerlos portada.

Daniel Ferrer Leon Director Y Redactor Jefe

Tony Camacho

Director y Coordinador

Rosa Cortés Redactora

Carlos Martín Redactor

Pero como siempre, no solo de anime vive el mundo y este mes tenemos una seccion de cine que ya quisieran revistas especializadas: entrevistas, Sitges, Rec 4 y todo culminado con un pedazo especial sobre la Hammer.

Lidia Reyes Redactora

Oruga Calva Redactor

Antonio Alcaide Redactor

También tenemos que informaros que estuvimos en el XX Salón del Manga de Barcelona, por lo que la reseña era necesaria y la tendréis.

Jose Del Río Fortich Redactor

Elena Oteo Redactora

LJ Zapico Redactor

Xavi Muñoz Casermeiro Redactor

Curro Burgos Redactor

Cómics, juegos de mesas, dibujos animados y como guinda un artículo sobre un claro ejemplo de universo expandido: Star Wars.

Fran Tejeda White Redactor

Neko Mai Redactora

No es coincidencia, #NsfNoviembre14 ha traido el frío y la mejor revista digital gratuita que se puede disfrutar en este universo.

Beatriz Pulido Redactora

Daniel Torrejón Redactor

Jose Luis Soriano Redactor

Cristina Fernández Redactora

El mundo de las series también tendrá su hueco en nuestro nuevo número,: Novedades, el retorno de Homeland y una reseña de AHS: Freak Show. Puro terror en el circo.

Daniel Ferrer león Director NSF

Miguel de Andrés Bayón Redactor Jesús de la Fuente Redactor

Toni Serrano Montse N Rios RELATOS

Aida Albiar Redactora

destacados 192 Especial H.P. Lovecraft(2)

112 ESPECIAL Rec 4

Entrevista Constantino Martínez-Orts

Animología:

Goosebumps

Los Juegos del Hambre: SINSAJO 1

Ataque a los Titanes 26 52

Especial: Constantine Hammer

XX Salón

Manga de Barcelona

204 Homeland

182

Star Wars: Universo Expandido

novedades Danna Ga Nani anime o itteiru

neko mai

Denki gai no honya san

El 2 de Octubre se estrenó esta nueva serie de comedia. Se trata de la adaptación del manga creado por Asato Mizu, que empezó a publicarse en julio de 2011. Umio es un chico tímido, que acaba de empezar su trabajo a tiempo parcial en una tienda de manga llamada “Uma no Hone” en el centro de la ciudad, pero su estilo de vida no es tan glamoroso como las luces de neón que iluminan la ciudad. Los amigos más cercanos de Umio son sus compañeros de trabajo, que son personajes muy singulares, por decir lo menos, y aunque son buena gente, tienen sus peculiaridades. Son grupo muy unido de amigos, todos tienen apodos puestos por los demás y pasan sus fines de semana en casa. Nos encontramos ante una de las típicas “slice of live” que de típico sólo tiene el que sea una serie que nos muestra la vida cotidiana de los personajes, los cuales de típico tienen poco.

ka Wakaranai Ken

Esta serie empezó a emitirse el 2 de Octubre en la cadena japonesa KBS. Es una adaptación del manga creado por Cool-kyo Shinja. La historia nos enseña cómo es la vida de un matrimonio formado por Kaoru, una oficinista, y su marido Hajime, un otaku que pasa los días enganchado a un foro. Los capítulos de este anime son cortos, de apenas tres minutos y algo de duración, y la forma en la que se tratan los problemas de esta pareja pueden parecer algo absurdo. Sin embargo, para alguien que sólo busca un rato de diversión es una buena serie.

Nikesoi OAD

El día 3 se estrenó esta OVA de Nisekoi, que acompañó al tomo 14 del manga creado por Naoshi Komi. La OVA es una adaptación de los capítulos 58 y 64 del manga. La historia gira en torno a Raku Ichijo, un muchacho de instituto que parece muy normal y que hizo una promesa de pequeño con quién él pensaba que era el amor de su vida: ella se llevaba la llave y él la cerradura. Un día se encuentra con Chitoge Kirisaki, una chica con la que su primer contacto es que le dé un rodillazo en la cara. Raku es en realidad el heredero de un gran clan de yakuzas, y acabará teniendo que relacionarse con la recién conocida Chitoge sin poder evitarlo, puesto que es la hija del jefe de un clan rival. Ambos fingirán tener una relación por el bien de sus familias, y todo el mundo se lo cree. Raku descubrirá

Donten ni Warau Esta serie sobrenatural se estrenó el día 4 y está basada en el manga creado por Kemuri Karakara. En 1878 se produjo la Restauración Meiji. A causa de ello muchos criminales, tales como samuráis rebeldes que no aceptaban el nuevo orden, fueron encarcelados. Pese a ello, muchos de estos samuráis consiguieron escapar y se dedicaron a alborotar por todo Japón. Para evitar problemas, el gobierno japonés construye una enorme cárcel en la zona del lago Biwa, y para transportar a estos peligrosos criminales contratan a los hermanos Kumo. Una serie shojo + chicos guapos. ¿Qué más se puede pedir? Tenemos una de esas series que las chicas pueden disfrutar mucho (por fin, después de tanta teta y culo femenino) pese a que su nivel se fanservice es bastante nimio.

novedades anime

Ushinawareta Mirai o Motomete

El 4 de Octubre empezó a emitirse esta adaptación animada de la novela visual creada por Tsukasa Kawaguchi. Tigrevurmud Vorn, el joven señor de una remota tierra alejada del centro del reino, recibe órdenes del rey de ir a luchar en la guerra que se da contra un país vecino. El líder del enemigo es Eleonora Vitaria, una de las siete Vanadis que han recibido poderes sobrenaturales de un dragón. En el momento en el que el joven arquero y la chica de pelo plateado se encuentran, dará comienzo la leyenda de un héroe que se contará en generaciones venideras. Harem, ecchi, lolis, acción, legendas… Es lo que nos podemos encontrar en esta serie. Si bien romperé una lanza a su favor y diré que su trama es más sustancial que en otras series que he visto.

Madan no Ou to Vanadis

El 4 de Octubre empezó a emitirse esta adaptación animada de la famosa novela gráfica para adultos desarrollada por Trumple. La historia se desarrolla un otoño al inicio del siglo XXI en la zona de Uchihama. La academia Uchihama está creciendo muy rápidamente y tras la construcción de un nuevo edificio habrá un último festival general de clubes en el edificio que está previsto cerrar. Festival que los estudiantes se prometen que ese último festival cultural será un éxito. El club de astronomía del protagonista, So Akiyama, está repleto de estudiantes muy conocidos en el campus, y justo antes del festival, el día 1 de octubre, el club recibe una petición del consejo de estudiantes para que calmen un poco la intranquilidad que hay entre el alumnado. Se dicen que han visto fantasmas, que se han producido misteriosos accidentes, que no pueden dormir, y otro tipo de misteriosos incidentes en el video edificio. Cuando Yui Furukawa, una tranquila chica que se ha transferido recientemente a la academia, aparece ante So, la rueda del destino comienza a girar lentamente. Si hay algo que llame la atención, además de la trama en sí, es la apariencia tan parecida a una novela gráfica que se ofrece en la serie.

Magic Kaito es una colección manga creada por Gosho Aoyama que trata sobre la vida del famoso ladrón de guante blanco Kaito Kid. Una serie de anime se estrenó en 2010 y este 4 de Octubre se estrenó una nueva adaptación animada que continua con la serie. Kaito Kuroba es un estudiante de instituto de 16-17 años de edad y aficionado a la magia. Lo que él no sabe es que su difunto padre, Toichi Kuroba, llevaba una vida secreta como Kaito Kid (“Kaito” es un juego de palabras entre “Kaitou” que significa “ladrón” y el nombre japonés “Kaito”, jugando con la pronunciación, y “Kid”, niño), un ladrón de guante blanco que usaba la magia para cometer sus robos. Un día Kaito Kuroba descubre una habitación secreta a la que se accedía a través de un cuadro con la imagen de su padre. En esa habitación descubre el traje de ladrón que usaba su padre para cometer sus robos, por lo que decide ponérselo e ir al lugar donde un falso Kaito Kid daría su próximo golpe, ya que éste último lo había anunciado antes. Después de enfrentarse al falso Kid, descubre que quien se había hecho pasar por su padre había sido Jii, el viejo ayudante de su padre. Jii le confiesa que su padre si era un ladrón y que no murió en un accidente como le habían informado a su hijo, sino que lo asesinaron. Entonces Kaito decide convertirse en Kaito Kid para encontrar a los asesinos de su padre. Suele acompañarle su amiga de la infancia, Aoko Nakamori, que desconoce su doble vida como ladrón y resulta ser la hija del inspector Nakamori, encargado de atrapar a Kid. En otras ocasiones se encuentra con Akako Koizumi, una bruja que practica magia negra y que consigue descubrir el secreto de su doble vida. Más tarde, el detective inglés Saguru Hakuba, hace su aparición. Dicho detective se empeña en atrapar a Kid hasta el punto de sospechar de Kaito.

Magic Kaito 1412

Nos encontramos ante otra de las obras de este famoso autor, al cual todos conocemos por la serie de Detective Conan. Muchos de nosotros conocemos a Kaito Kid a través de la misma serie de Conan y con estas series tenemos la oportunidad de profundizar en este curioso y escurridizo personaje.

novedades anime Garo Honoo no

World Trigger

Kokuin

El 5 de Octubre se estrenó la adaptación animada de esta serie manga creada por Daisuke Ashihara. Un portal hacia otra dimensión se ha abierto, y del mismo emergen gigantescas criaturas invencibles que amenazan la vida de la Humanidad. La única defensa de Tierra es un misterioso grupo de guerreros que poseen tecnología alienígena, con el fin de defender a los Humanos.

Esta nueva serie empezó a emitirse el 4 de Octubre. Es una adaptación de las series tokusatsu (serie con imagen real y que usa efectos especiales) GARO. En un lejano reino, el consejero del rey decidió comenzar una caza de brujas para cazar a los caballeros y sacerdotisas Makai, servidores del bien que luchan contra entes demoníacos conocidos como “Horrores”. Antes de ser ejecutada, una sacerdotisa da a luz a Leon, que es rescatado por su padre Herman, caballero Makai. Cuando madura, Leon hereda una armadura dorada como descendiente del Caballero Dorado. Mientras tanto, el consejero del rey se ha hecho con el poder aprovechando la enfermedad del monarca. El príncipe Alfonso y su madre escapan, con la esperanza de encontrar al Caballero Dorado para que les ayude a recuperar el reino.

Sora No Method Sora no Method (Celestial Method) estrenó su anime el día 5 del mes pasado. Este manga fue creado por Naoki Hiyasa y su adaptación fue encargada al Studio 3Hz. Nonoka Komiya es una chica que siete años atrás conoció a otra chica llamada Noel en la ciudad de Kiriya. Tras estos años decide volver a dicha ciudad, que ahora tiene sobre ella un platillo flotante, y se reúne con Noel, quién le promete cumplir sus deseos. Si algo puede enganchar de esta serie es la forma tan fantasiosa con la que empieza. Deseos, milagros, ovnis… ¿Qué más pedir?

Esta continuación del anime Selector Infected WIXOSS empezó a emitirse el 4 de Octubre. WIXOSS es un juego de cartas muy popular, especialmente entre estudiantes de secundaria, pero pocos saben que las cartas LRIG en realidad tienen vida propia. Sólo ciertas mujeres especiales pueden escuchar las voces del LRIG, y aquellas que poseen esta tarjeta son llamadas Selector. La Selector que pueda ganar el WIXOSS podrá convertirse en Eternal Girl y será capaz de realizar su propio ideal. Esperanza, deseo, avaricia,… ellas se ven arrastradas al vórtice del peligroso juego. Nos encontramos ante una serie digna de ser sucesora de la anterior. Siguen los embrollos de estas chicas que buscan alcanzar su deseo a través de las cartas y acompañarlas de nuevo a través de esta segunda temporada es una auténtica vivencia.

Selecto Espread WIXOSS

Log Horizon

El 4 de Octubre empezó a emitirse la segunda temporada de esta serie que tanta marcha está trayendo. La historia comienza cuando 30.000 gamers japoneses quedan atrapados en el mundo de fantasía online Elder Tale. Lo que en su momento era una vía de escape del mundo real, es ahora toda la realidad que conocen. Shiroe, el protagonista, intenta sobrevivir como puede en ese mundo junto a su viejo amigo Naotsugu y a la asesina Akatsuki. Los que disfrutaran de la primera temporada disfrutarán de la misma forma con esta segunda.

novedades anime

El 5 de Octubre se estrenó en pantalla este anime, que surge de la adaptación de la novela visual para adultos creada por Front Wing. La academia Mihama es una “escuela-prisión” creada para mantener y preservar a las “frutas que caen demasiado lejos de su árbol”. En ella viven cinco chicas que se matricularon en la escuela por diversas razones. Un día, Kazami Yuuji, el primer estudiante chico de la escuela, lleva y hace que la apacible vida del Mihama se tambalee. Poco tiene que ver este anime con la novela visual, puesto que es una especie de mezcla de todas las opciones que se dan en el juego, sin embargo es una serie que todos, o casi todos, los fans de este tipo de cosas pueden disfrutar.

Grisaia no Kajitsu

Ookami Shoujo to Kuro Ouji “Wolf girl and black prince” es la adaptación animada de la serie manga creada por Ayuko Hatta, que empezó a emitirse el 5 de Octubre. Erika Shinohara es una chica de 16 años bastante vanidosa y que se dedica a chulear frente a sus amigos de un novio que realmente no tiene. Para demostrar su existencia Erika usa la foto de una foto cualquiera, que resulta ser la foto de su compañero de clase Kyouya Sata. Finalmente Erika se ve obligada a pedirle al chico que sea su novio falso y descubre que, detrás de esa máscara de bondad que lleva el chico, se esconde un chico cruel y malvado que disfruta tratándola como un perro. Nos encontramos frente a un shôjo que se sale un poco de la norma y que nos muestra el “lado feo” de los “amores” no correspondidos. Una chica mentirosa y un chico que se aprovecha de ella fingiendo ser pareja. ¿Mola, no?

Nanatsu no Taizai

El 5 de Octubre empezó a emitirse esta adaptación animada del manga creado por Nakaba Suzuki. Cuando fueron acusados de intentar derrocar la monarquía, los temidos guerreros conocidos como “Los Siete Pecados Capitales” fueron exiliados. Sin embargo, la tercera princesa del Reino de Britannia, Elizabeth, descubre la verdad: los guerreros fueron inculpados por los Caballeros Sagrados, la guardia el rey, pero es demasiado tarde y no puede impedir que la guardia mate al rey y se apodere del trono. La princesa decide escapar e ira en busca de los Pecados para que le ayuden a recuperar el reino, pero el primero de los guerreros que conoce, Meliodas, es un joven cuyas únicas preocupaciones consisten en atender su taberna junto a Hork, un cerdo que habla. Y ni siquiera tiene una espada de verdad. ¿Acaso exageraban las leyendas acerca de estos guerreros? Quienes hayan visto Fairy Tail podrán observar un comienzo similar, algo suave que se va complicando más y más.

Kaitou Joker Hideyasu Takahashi empezó a publicar este manga en el año 2007 y el 6 de Octubre se estrenó la adaptación del anime. La historia está protagonizada por el misterioso ladrón Joker, del cual se dice que no hay nada en el mundo que no pueda robar. Se dedica a robar un tesoro tras otro, usando lo que parecen trucos milagrosos. Con una estética más que peculiar se nos presenta este anime que a priori puede parecer muy parecido a Kaito Kid.

Ataque a los TITANES Ya conocemos el peligro constante que atenaza a la humanidad en un anime tan original como aterrador y varios misterios fueron desvelados en la primera temporada, pero todavía quedan muchas incógnitas y Eren Jaeger debe buscar la verdad sobre sus poderes. Afortunadamente, la espera es cada vez más corta, pues la segunda temporada de Ataque a los Titanes podría llegar en 2015 y promete... En abril de 2013 la cadena de televisión japonesa Mainichi Broadcasting System comenzó a retransmitir la adaptación anime de la serie manga Shingeki no Kyojin, conocida en nuestro país como Ataque a los titanes, escrita y dibujada por Hajime Isayama. El éxito y aceptación de esta serie ha sido tan grande que ya es una de las más conocidas entre los amantes de este género, lo cual no es para menos si se tiene en cuenta la originalidad del argumento que se desmarca de los temas populares en la ficción actual e incluso en el anime, para presentar unos seres bastante menos retratados que un muerto viviente o un vampiro pero no menos aterradores: los titanes. Los fans de esta trepidante serie llevan más de un año esperando a saber más sobre estos seres como su origen, el motivo de su sed por devorar humanos y sobre todo, de qué manera obtuvo Eren sus extraños poderes, los cuales no revelaremos para no “spoilear” a posibles lectores despistados que todavía no hayan visto o leído nada. Pero para dichos incautos recordamos que la historia se desarrolla en un tiempo en el que la humanidad ha sido mermada por unos gigantes que comen únicamente seres humanos sólo por placer (ya que no necesitan alimento al parecer) y ha sido obligada a replegarse dentro de una ciu-

dad fortificada y protegida de la cual está estrictamente prohibido salir libremente. La ciudad está diseñada en tres niveles, a cada cual más seguro y difícil de penetrar por los titanes. Los protagonistas de la serie son unos jóvenes que siempre han conocido la paz dentro de la ciudad, ya que los peligrosos seres llevan un siglo sin romper sus defensas, pero que sueñan con conocer el mundo exterior y sentirse libres de los muros que los rodean. Sobre todo el impulsivo Eren desea ver lo que hay detrás de las altísimas murallas que los protegen y para eso desea ingresar en el cuerpo de reconocimiento de la ciudad, destinado a investigar dónde están los titanes y darles muerte cuando es factible. Sin embargo, el mundo seguro de Eren, su hermana adoptada Mikasa y su amigo Armin se desmorona rápidamente cuando los titanes logran penetrar en la ciudad destrozando todo cuanto encuentran y devorando sin piedad a sus familiares y vecinos. La sangre, la violencia y la venganza son las protagonistas en esta serie que no retrata únicamente a los titanes como crueles asesinos, sino que también pone de manifiesto el lado más oscuro del ser humano, con personajes que asesinan por obtener dinero o a quienes no les preocupa ni un ápice la suerte de sus semejantes. No obstante, también ensalza otros aspectos humanos como el valor, el amor y la amistad, encarnados sobre todo en muchos de los integrantes del ejército especializado en detener el avance de los titanes cuando éste se produce, ya que deciden arriesgar su vida por proteger no sólo a sus vecinos y seres queridos, sino también a lo que queda de la humanidad. Los métodos y he-

rramientas de combate diseñados para reducir a los titanes son bastante originales y avanzados: debido a las descomunales dimensiones de estos seres y a su fuerza y velocidad, los componentes del ejército cuentan con propulsores de gas y un sistema de cuerdas que les confiere una total libertad de movimiento a la hora de cercar a sus monstruosos enemigos. Las armas para matar también tienen la resistencia necesaria para atravesar la piel del titán y su diseño está pensado para cortar con éxito su único punto vulnerable situado en la nuca. Todo este equipo denominado de “maniobra tridimensional” requiere de un

gran esfuerzo físico y equilibrio a la hora de manejarlo, motivo por el cual los combatientes son entrenados con dureza en su etapa de entrenamiento. La serie es tan buena como parece pero la primera temporada dejó en el aire muchas incógnitas, dando respuesta únicamente a la identidad de la titán femenina (shhh) pero los que no hayan leído el manga ya pueden dormir tranquilos porque el próximo año se podría estrenar la segunda temporada. Durante una conferencia en la Animagic 2014 el productor de la serie George Wada afirmó que la nueva tempo-

rada se encuentra en fase de preproducción, de modo que la historia y los guiones están siendo preparados y seguramente el resultado final vea la luz en 2015 aunque todavía no se ha podido confirmar fecha. Mientras tanto la curiosidad de los más ansiosos puede verse saciada con la lectura de su versión original en papel, donde la trama ya está bastante avanzada con nuevas y escalofriantes sorpresas. Además, una película de acción real tiene previsto invadir los cines japoneses el próximo año, aprovechando el filón de la serie y contará de nuevo las aventuras de Eren y sus compañeros frente a la amenaza titán. Parece que además de ésta, habrá otra película más para completar la historia y dejar satisfechos a los fans.

todo, a la originalidad de una trama y un argumento que demuestra que lejos de las historias y personajes de moda existen miles de opciones, cientos de situaciones y seres que pueden dar pie a una serie que, bien estructurada, puede llegar fácilmente a un público ávido de historias fantásticas con grandes dosis de terror e impregnadas de miedos y anhelos humanos y que aterran a la vez que fascinan. De momento la humanidad sigue bajo el yugo de esta amenaza gigantesca, pero ya está dando los pasos en la dirección adecuada para salvarse para siempre o extinguirse en el intento. Sólo nos queda confiar en Eren, Mikasa y sus compañeros y cruzar los dedos para que la anhelada temporada llegue lo antes posible.

Desde luego, los que todavía no le hayan dado una oportunidad a esta serie ya están tardando, porque no en vano se ha convertido en un fenómeno mundial de gran éxito llegando en poco tiempo casi al nivel de popularidad de Dragon Ball, Evangelion o One piece. Éxito que está totalmente justificado debido a la gran calidad y técnica de Ataque a los titanes, y sobre

SELECTA VISION ya ha puesto a la venta en DVD y Blu Ray la primera temporada completa después de presentarla en el XX Salón del Manga de Barcelona ROSA MARÍA CORTÉS

love

STAGE!!

Love Stage es una serie anime de género yaoi, basada en el manga del mismo nombre escrito por Eiki Eiki, que se empezó a emitir el 9 de julio de 2014 de la mano del estudio J.C.Staff. Este anime cuenta la historia de Izumi Sena. Izumi es un estudiante universitario cuyo sueño es convertirse en un gran mangaka, sin embargo carece de talento artístico para poder lograrlo (pobrecillo….XD). En relación a su familia, sus padres y su hermano se dedican al mundo del espectáculo y la publicidad. Desde que era pequeño querían que él también acabara en ese mundo, sin embargo Izumi no siente ningún interés hacia esta profesión. Esto es debido a que cuando era pequeño tuvo que participar en un anuncio de bodas en el que tenía que hacerse pasar por niña y coger el ramo de la novia, en el cual fracasa de forma estrepitosa. En dicho anuncio conoce a Ryōma Ichijō, que creyendo que Izumi es una niña acaba enamorándose de él. Diez años después y cuando se vuelven a encontrar para grabar la segunda parte del anuncio de boda, Ryōma le confiesa que ha estado enamorado de “ella” todos esos años; Izumi avergonzado por la situación le revela la verdad sobre su condición de hombre, sin embargo eso no hace desaparecer los sentimientos en Ryōma sino que provoca el efecto contrario, haciendo que entre ellos surja el amor. Después de hacernos una idea sobre el argumento de la serie debemos saber cómo son los personajes principales: Izumi: Es un chico tranquilo y bastante tímido. Físicamente es bajito, delgado, tiene el pelo rubio, los ojos amarillos-azules (un color muy raro y bonito) y lleva gafas. Además de estudiar en la universidad y de dibujar manga, es un gran fan de una ma-

gical girl llamada Mágica Lala-Lulu (la verdad es que el chico es un verdadero otaku porque tiene un montón de posters, figuras y objetos de esa chica). Izumi al principio siente reparos a la hora de aceptar los sentimientos de Ryōma, pero con el paso del tiempo empieza a sentir atracción hacia él y acaban siendo pareja. Shōgo Ichijō: Es un actor juvenil muy popular, que de pequeño se enamoró de Izumi pensando que era una niña. Físicamente es alto, moreno, ojos azules, atractivo y algo tímido. Aunque al principio se enfadó mucho al saber que la chica de la que había estado enamorado durante diez años era un chico, después acaba aceptando que sus sentimientos hacia Izumi son muy fuertes y que quiere estar a su lado sin importarle su condición. Sin embargo no lo tendrá fácil, ya que primero deberá conquistar el corazón de Izumi. Shōgo Sena: Es el hermano mayor de Izumi. Es el vocalista de una famosa banda llamada Crusherz, Shōgo se parece bastante a Izumi (rubio con los ojos amarillos-azules) aunque es más alto y fuerte; también se diferencia en que es muy risueño, alegre y lanzado. Siempre que puede ayuda a Rei, del cual está enamorado desde los 16 años, cuando tiene problemas y suele “estafar” a Izumi con regalos de Lala-Lulu cuando quiere que le haga caso. Rei Sagara: Es el mánager de la familia Sena. Fue acogido por la familia Sena cuando tenía 18 años. Rei es un chico sensato, responsable y algo tímido; físicamente es delgado, atractivo, tiene el pelo verde, los ojos naranjas y lleva gafas. Rei se enamoró de Shōgo a los 18 años y desde entonces son amantes, aunque no tienen nada serio (Rei y Shōgo tienen su propio manga en el que están juntos llamado Back Stage!).

En mi opinión este anime se podría incluir en la lista de anime de comedia romántica, ya que mezcla muy bien las escenas de risa con las de amor. Una de las escenas que más me gusta es la de cuando Izumi le pregunta a Rei si hacerlo con un chico duele y para saberlo ha estado investigando en novelas yaoi (como si en el fondo supiera que Rei es la mejor persona que le puede responder a esa indiscreta pregunta…;-D). Lo que menos me ha gustado de la serie es el tema de la censura. Entiendo que ciertas cosas no se pueden sacar en una serie anime, y menos si no es hard, pero de ahí a poner la censura de colores es otro tema. La primera censura coloreada, rosa más concretamente, aparece cuando Ryōma va a casa de Izumi con la intención de convencerse de que en realidad es un chico y que dejará de estar enamorado de él cuando lo vea con sus propios ojos.

irrefrenable de besarlo y en ese instante es cuando por obra y arte de magia Ryōma se convierte en una especie de ente rosado que besa a Izumi por el cuerpo (no sé por qué motivo, pero es bastante molesto…).

Al principio no se cree que ese chico otaku con gafas sea su querido Izumi pero al quitarle las gafas y descubrir su particular color de ojos, le obliga a desnudarse para borrar todo tipo de atracción hacia él. Sin embargo cuando lo ve desnudo siente un deseo

La última censura, esta no es coloreada, es la que aparece en el último capítulo de la serie. En este caso nos encontramos con la clásica censura en la que a ambos protagonistas solo se les ve semidesnudos (de cintura para arriba), abrazados y tumbados

La segunda censura coloreada, esta vez es azul, aparece cuando Izumi se lleva una triste decepción por su fracaso como mangaka y decide quedarse a dormir en casa de Ryōma para no tenerle que dar la razón a Rei. Sin embargo Ryōma le dice que es muy difícil para él estar cerca de la persona que ama y no poder tocarlo, entonces Izumi le da permiso para que le haga lo que quiera. Es en ese momento cuando Izumi sufre la metamorfosis y se transforma en un ente azulado mientras Ryōma está a punto de hacer el amor con él (en esta ocasión me cabreó bastante más, ciertamente me pareció hasta cursi).

Por un lado tenemos a la pareja protagonista, en la que vemos por una parte los desvelos de Ryōma para conquistar a Izumi y por otra al pobre Izumi teniendo una lucha interna para poder comprender sus sentimientos. Ciertamente es una pareja que no tiene muchas dificultades a la hora de constituirse, ya que Izumi no tarda demasiado en aceptar que lo que siente hacia Ryōma es amor. Por otro lado esta Shōgo y Rei, que aunque no aparezcan juntos se intuye mucho a lo largo de la serie. A mí la verdad es que la personalidad de Shōgo me encanta, me parece muy natural y risueño. Por su parte Rei me parece un chico muy dulce y bueno, que se preocupa mucho por la felicidad de Izumi (lo trata como a un hermano). Creo que hacen una pareja muy interesante, ya que tienen formas de ser muy distintas; uniéndolo además al carácter abierto y despreocupado de Shōgo la hace mucho más divertida.

en una cama (sin más acción que un leve gemido y un beso en la mano… muy triste). Creo que la serie es demasiado “cute” para ser de yaoi, yo sinceramente me esperaba algo un poco más explícito como por ejemplo en Junjou Romantica que por lo menos se ve algo más. Sin embargo en el manga de Love Stage las escenas de amor son mucho más explícitas e interesante, allí no hay tanta censura y se puede ver perfectamente. Yo en este caso prefiero el manga, aunque depende de los gustos de cada uno. Para mi parecer lo más interesante de esta serie son las dos parejas que aparecen, aunque la segunda solo se intuya levemente:

En conclusión decir que esta serie, como muchas otras de yaoi, es una buena manera de romper con los estereotipos del amor clásico. Para mí en este caso me parece muy romántico que Ryōma se vuelva a enamorar de Izumi por lo que es realmente, independientemente de que le hubiera querido durante tantos años como chica, su amor hacia él es mucho más grande y fuerte que todo lo demás. Lo que sí que veo diferencia con otras series yaoi es que en esta los personajes no conciben su condición de homosexual como una lacra social o un estigma, sino como otra forma de amar y de sentirse atraído por otra persona. Eso me alegra y me hace pensar que tal vez ya se esté cambiando la forma de pensar y de entender el amor y se estén rompiendo los prejuicios y los estigmas que pesan sobre este colectivo. Solo me queda decir que tengo muchas ganas de que saquen más capítulos, ya que de momento el cómic llega hasta el capítulo 24 y en anime solo tenemos los 10 primeros, y poder disfrutar de esta romántica y divertida historia.

CRISTINA JIMÉNEZ

zona comic nsf recomendaciones

al filo del spiderverso marvel - agosto14- varios autores: DAVID HINE, fABRICE sAPOLSKY, jASON lATOUR, DUSTIN WEAVER... En Marvel parecen querer que los aficionados se centren en los eventos, más aún que en los arcos argumentales de las series principales de los personajes que tan famosa han hecho a la editorial. Sin embargo, en el caso de Spiderman puede decirse que tanto “evento” como “arco argumental” sólo se diferencian en una cosa: los preludios. Y es que eso ha sido ‘Al Filo del Spiderverso’, una miniserie de preludios autoconclusivos, que además han contado con el apoyo de historias cortas en ‘Amazing Spiderman’ y ‘Spiderman 2099’ y con la reaparición de ‘Superior Spiderman’ por dos números más, con el fin de que el trasfondo de ‘Spiderverso’ sea lo suficientemente potente. Solo que no da más de sí. ‘Al Filo del Spiderverso’ es, como diríamos en España, un sacacuartos. Sí, podemos estar seguros de que podremos ver en las páginas de todos esos números una gran serie de Hombres Araña de universos paralelos, incluso un marvelita de pro conseguirá localizar el origen de muchos de los Spidermen alternativos que aparecen en las páginas de este macropreludio, que bien puede decirse que es un evento en sí. Pero en realidad, ¿nos sirve de algo? Como muchos sabemos ‘Spiderverso’ servirá para que los Spiderman de realidades alternativas se unan para enfrentarse a un enemigo común, Morlun y su familia. Morlun, para aquel que no le conozca, o no le

recuerde, es un vampiro que se alimenta de la energía que desprenden los tótems creado por Joe Michael Straczynski y John Romita Jr, un personaje que, tras haber muerto tres veces en el Universo Tradicional Marvel, tiene pánico a la Tierra-616, una maniobra absurda para mantener con vida a Miguel O’Hara, el Spiderman del año 2099 que permanece varado en nuestra época. Todos estos Spidermen han tenido al menos una aparición en algún ‘What If?’, al menos los importantes. Y si no lo tuvieron, como es el caso de la célebre Spider-Gwen, Marvel creó ‘Al Filo del Spiderverso’ para que al menos fueran presentados. En el

caso de la joven arácnida, ni la Casa de las Ideas pudo prever en qué acabaría el resultado de juntar al verdadero amor de Peter Parker con los poderes arácnidos, y es que, tras acabar ‘Spiderverso’, Spider-Gwen obtendrá su propia serie, igual que otras dos mujeres arácnidas: Spiderwoman y Seda. Pero ese es otro tema que quizás no sea mejor airear hoy. Como hemos mencionado antes, ‘Al Filo del Spiderverso’ es un sacacuartos. De las cinco historias que forman la miniserie que bautiza el “pre-evento”, sólo merecen ser recordadas dos entregas, y una de ellas es la ya mencionada aparición de Spider-Gwen. ¿Por qué? Porque Gwen Stacy merecía ser revisitada de una manera original, alejada de las versiones original y Ultimate, tan opuestas entre sí, pero que aún son muy similares. La aparición de Spider-Gwen es un soplo de aire fresco en una franquicia que nuevamente parece estar asfixiándose después de los patinazos perpetrados por Sony en la taquilla y por los constantes intentos editoriales de convertir a Peter Parker de nuevo en un joven soltero, aislado de la comunidad superheroica y superinteligente. Esta Gwen Stacy permite al lector veterano juguetear con la idea de una Spider-Gwen adulta, aliada con Peter, como un buen matrimonio de superhéroes, sustituyendo a los ya

protagonista de la primera entrega, no es otro que ‘Spiderman Noir’, una versión del arácnido que surgía cuando la Casa de las Ideas pretendía revisitar el origen de los personajes de la editorial durante la Gran Depresión de principios del siglo XX. Quizás este número esté más dedicado a aquellos que hayan seguido la estela del personaje, pero de poco más sirve si no conoces a este Peter Parker que se ha enfrentado a la mafia.

apolillados Reed y Sue Richards. Por otra parte, si Spider-Gwen acababa por sobrevivir en su entrega al asalto de Morlun, el protagonista de otra de las entregas de ‘Al Filo del Spiderverso’ no correría tanta suerte. En este caso, el guionista Clay McLeod Chapman juega con el concepto de las antiguas historietas de terror, incorporando este bello arte al nacimiento del Hombre Araña. El protagonista es Patton Parnel, un joven huérfano criado por su tío Ted, quien le maltrata física y psicológicamente. Enamorado de su vecina Sara Jane, acaba siendo mordido por una araña radioactiva en una excursión escolar a Industrias Alscorp. La historia parece ser la misma, pero la mutación en un ser más araña que hombre y con un apetito voraz, hace que los lectores veteranos se hayan mostrado satisfechos ante este número. Para olvidar se encuentran dos de las otras tres entregas, que presentan en sociedad una versión de Spiderman próxima a los Power Rangers y otra que bebe directamente de ‘Neon Genesis Evangelion’. Aunque el quinto en discordia, además

Las historias cortas que acompañan a ‘Amazing Spiderman’ nos presentan a un hombre arácnido que además forma parte de los Capitán Britania Corps: Spider-UK, William Braddock, quien reclutará un equipo de hombres araña alternativos, muy diferente al que recluta el Superior Spiderman. Por otra parte, el cruce de ‘Al Filo del Spiderverso’ con ‘Spiderman 2099’ nos muestran tierras alternativas donde Morlun ya ha cazado a diversas arañas, como el Peter Parker que conocimos en la serie de televisión ‘Spiderman y sus Asombrosos Amigos’ o el Miguel O’Hara que quedó varado en una Tierra alternativa tras su pertenencia al grupo de salvadores de realidades paralelas los Exiliados, con quienes intentaba ponerse en contacto. ¿Es esta ocasión, unida al futuro evento ‘Secret Wars’, la oportunidad de ver de nuevo a estos mutantes alternativos liderados por Destello? En conclusión, puede que ‘Spiderverso’ vaya a ser una gran historia, con su cruce incluso con la serie de televisión ‘Ultimate Spiderman: Web Warriors’. Sin embargo, ‘Al Filo del Spiderverso’ se ha mostrado como una manera más de exprimir una buena idea al máximo, sólo que en esta ocasión la idea original ni siquiera ha visto la luz aún.

MIGUEL DE ANDRÉS BAYÓN

constantine(new 52) dc- 2014 - historia: Jeff Lemire y Ray Fawkes-dibujante: Renato guedes Han pasado 30 años desde que John Constantine apareciese por primera vez en un comic de DC, en concreto en aquel número 25 del volumen 2, de La Cosa del Pantano, guionizado por Alan Moore. En aquel entonces, este hechicero, exorcista, fumador empedernido cuyos creadores trataban de que fuese un émulo de Sting (el vocalista de Police)… y vaya usted a saber qué más, seguro que no pensaba que el universo de ficción en el que habitaba iba a ser volteado cual calcetín (o casi), prácticamente tres décadas después, porque a cierto superhéroe con la capacidad de correr más que nadie le iba a dar por tratar de… bueno, léanse ustedes ese sarao que fue Flashpoint, y que acabó generando lo que hoy se ha dado en llamar Universo DC “Nuevos 52” (por el número de títulos con el que arrancaron la nueva andadura). Como seguramente tampoco pensaba que acabaría formando parte de una alineación (en versión oscura, hombre, tú tranquilo) de la Liga de la Justicia. Pero no adelantemos acontecimientos, que siempre me gusta correr antes de andar. Tras el citado evento Flashpoint, los universos de DC (el clásico, el que había pasado por varias “crisis”), Vértigo, y Wildstorm (que fuera comprado a Jim Lee y los suyos, unos años antes), se vieron fusionados, lo que permitió que por ejemplo los personajes de Vértigo formasen parte de nuevo de la continuidad más “superheróica” de DC.

Además de algún cambio de imagen (por ejemplo, en el color del pelo del personaje), esta nueva andadura supuso también el cierre en su redondo número 300 de la colección clásica Hellblazer (la cual originalmente iba a ser titulada Hellraiser pero hubo de modificarse el título porque si no, ciertos amantes de los piercings puntiagudos se iban a mosquear, y que llegó a ser la más longeva del sello Vértigo), para ser sustituida por la nueva Constantine. Así no había posibilidad de perderse, vamos. Los encargados de comenzar la nueva etapa fueron Jeff Lemire y Ray Fawkes al guión y Renato Guedes en el dibujo. De este último, puedo dar una opinión que puede resultar contradictoria. Me explico.

Su dibujo es limpio, detallado (muy detallado en ocasiones) que encaja muy bien con la aproximación al universo superheróico actual, de forma que si en la colección han de presentarse superhéroes clásicos, su apariencia no chirriará. Pero es que la antigua Hellblazer, en ocasiones se nos presentaba con un dibujo oscuro, rozando en ocasiones la suciedad, el borrón, aquello que lo acercaban a ese ambiente demoníaco y sórdido en ocasiones. Así que más nos vale hacernos a la idea de que si buscamos al viejo John Constantine en esta colección, no será a través de un dibujo desasosegante. Para eso hay que centrarse en el guión, y es que sí que nos vamos a encontrar al personaje socarrón, chulo como pocos. Pero ya no va a llevar implícita esa amargura de sus primeros años. De hecho, llamará la atención de los lectores veteranos el que los primeros números se centren en la búsqueda de un objeto místico, una brújula, antes de que caiga en manos poco deseables (una historia que, por mucha mala baba que le metan. no va a causarnos una repulsión tremenda ni nah). Ah, y para empezar, nos olvidamos un poco de Londres y nos vamos a

Nueva York, que así los primos Superman y Batman están más cerca. Volviendo a lo comentado al principio de este soliloquio, John Constantine va a sufrir muchos cambios en la nueva andadura, pero quizás uno de los que más llaman la atención es su incorporación a un grupo de héroes. Pero como es lógico (la esencia del personaje al fin y al cabo no se pierde, y sigue siendo un tío que juega con fuego… aunque sea infernal) el superequipo en cuestión solo puede estar formado por integrantes afines a nuestro exorcista de cabecera. Así pues, personajes como Deadman, Madame Xanadú, Zatanna, Shade, Mindwarp o Enchantress, junto con el propio Constantine formarán la Justice Leaque Dark, o Liga de la Justicia Oscura. Tanto la colección de Constantine en solitario como de la Liga de la Justicia Oscura son publicadas en nuestro país por ECC Comics, en tomos de 3-4 números cada uno, lo cual al menos facilita la lectura en forma de sagas, parcial o totalmente. La verdad es que revisando lo escrito hasta ahora para esta reseña, puede parecer que esté siendo un tanto duro con la nueva etapa de nuestro querido Hellblazer. Quizá mi apego por la colección clásica (en la que ojo, no todo fue gloria, pero sí que tuvo etapas fa-bu-lo-sas) me lleva a

mirar con un cierto recelo esta nueva colección. Y quizás el problema no sea tanto de la colección en sí, como del reboot que sufrió (sí, para mi gusto lo sufrió) DC en su totalidad. Pero admitiendo que esto es una nueva época, y que se ha tratado de unificar en un todo, los elementos que en su momento pertenecieron a sellos distintos, la colección probablemente pueda funcionar bien. Y la esencia del personaje no se ha perdido. ¿Que ya no es un tío TAN cínico? Bueno, no creo que Batman o Superman tuviesen demasiada paciencia con él. Pero tampoco se le ha dado al personaje un lavado de imagen extremo como sí ha ocurrido con otros personajes de la casa (Lobo, ¿¿qué te han hecho??). Vamos, que se sigue reconociendo al personaje original, con su sempiterna gabardina y todo. Además, en lo que a los equipos creativos se refiere, Ray Fawkes se ha ido manteniendo a lo largo de la colección a los guiones, lo cual da una cierta estabilidad. Y en cuanto al dibujo hemos podido ver, además del mencionado trabajo de Renato Guedes, colaboraciones de Jeremy Haun, Eber Ferreira, etc. (personalmente, me quedo con el trabajo de Guedes). ¡Por último, pero no menos importante! Parece ser que no solo las pantallas de cine han sido, están siendo y serán bombardeadas con aventuras pijameras (o “gabardineras”), sino que las televisiones también se están poniendo las pilas en este sentido. Y DC por ahora parece que va ganando terreno al resto, con Arrow, Flash, Gotham (serie ya reseñada en esta revista el mes pasado), iZombie… y sí, ¡¡Constantine!! Así que si lo que te gustan son los exorcismos realizados con un tono socarrón, a veces incluso con un puntito de cobardía bien disimulada, y las aventuras sobrenaturales, hay opciones más que sobradas para cubrir tus ansias de babas verdes, entre lo que te ofrecen las series comiquera y televisiva.

JESÚS DE LA FUENTE

seconds comic independiente- 2014- creador: Bryan Lee O’Malley Si sueles jugar a videojuegos, es muy probable que alguna vez hayas pensado en cómo sería la vida si pudieras poder guardar y cargar la partida a tu antojo para poder cometer posibles errores y enmendarlos. Algo muy parecido es lo que le pasa a la protagonista de Seconds, la nueva novela gráfica de Bryan Lee O’Malley, el autor de la archiconocida Scott Pilgrim. La historia nos cuenta las desventuras de Katie, una mujer de 29 años que triunfó como cocinera en un pequeño restaurante fundado junto a buenos amigos. Ahora se ha enrolado en la aventura de abrir su propio restaurante en una zona más céntrica, pero las obras y la inversión constante de dinero que está teniendo que emplear para arreglar el cochambroso lugar que ha elegido como emplazamiento (por ser un edificio que le encantaba de pequeña) la mantienen en un estado de costante estrés. Se ve forzada a vivir en una habitación alquilada de su viejo restaurante, rodeada ahora de camareros y cocineros más jóvenes que ella y supervisando un restaurante en el que ya no pinta nada.

en un viejo mueble de su habitación un champiñón y un pequeño cuaderno con unas instrucciones muy claras: Escribe tus errores, cómete el champiñón, duérmete y todo será como nuevo. Sobre el mueble se le aparece una extraña chica de cabellos plateados que le advierte que no abuse de este poder, pero para qué escuchar...

Un fatídico día, tras un encuentro repentino con su exnovio en el restaurante y ser en parte culpable de que una de las camareras sufra un accidente, encuentra

Esta novela gráfica es más cercana al manga que al comic convencional, tanto por su estética (con personajes un poco más cabezones y redondeados que en Scott Pil-

La obra nos muestra a Katie cometiendo errores y arreglándolos con la libreta y los champiñones, una especie de odisea a través del tiempo para intentar que todo sea perfecto. Todo un viaje en el que Katie tendrá que aprender a acercarse a los demás y a adaptarse a situaciones que no le agradan para nada.

grim) como por su historia y humor, con una clara influencia de obras de Rumiko Takahashi como Ranma 1/2 o Lum, La chica invasora. La obra acaba de ser publicada de forma íntegra en España en un solo tomo por la editorial Debolsillo, no puedo más que recomendaros esta especie de cuento (con su moraleja y todo), con personajes inol-

vidables y unos cuantos guiños a la otra serie del mismo autor, aquí no habrá peleas ni referencias a cultura popular como en la otra obra, pero os puedo asegurar que dejará huella en vuestro interior. JOSE LUIS SORIANO NAVARRO

EL ETERNAUTA NORMA EDITORIAL - 1957/1959 - CREADORES: h.g.oesterheld y f.solano lopez Una gran nevada cae en todo el mundo, es una nevada mortal, como un solo copo te toque estás muerto en pocos segundos. Con este impactante inicio el Eternauta te introduce en una historia que te atrapa desde la primera página hasta la última. Un cómic argentino que se publicó en formato de tiras en el semanario Hora Cero entre 1957 y 1959. Enlaza los distintos eventos que sufren los protagonistas en la terrible nevada que parece solo afectar a Argentina y al final notan que acaba siendo a nivel mundial. Para no hacer spoilers, sólo indicar que la historia no sólo es sobrevivir ante tan terrible nevada, las cosas se complican cada vez más para los protagonistas Juan Salvo, el Eternauta, su mujer Elena, su hija Martita, su amigo y profesor de universidad, el cerebro del grupo, Favalli, Alberto Franco, un trabajador tornero con mucho valor y grandes iniciativas y Heriberto Mosca, historiador aficionado que no deja de apuntar todo lo que les va pasando. Una historia realmente alucinante que atrapan al lector en las cada vez más difíciles y extremas situaciones en las que se ven metidos los personajes, hacen que

el incauto que se sumerje en sus páginas viva con ellos un posible final de la raza humana. Durante todo el cómic es normal que uno piense, pero ¿de dónde sale el título de Eternauta? Eso se explica al final, un final completamente inesperado e impactante, que no desmerece de toda la historia. Es muy posible que uno piense, una historia así ya está muy trillada por novelas, cómics, películas; para el que le venga esto a la cabeza, que tenga en cuenta que este cómic se creó entre 1957 y 1959, por lo que lo más probable las historias que se han creado a este respecto hayan bebido de esta fuente. Un cómic que ha sido un éxito rotundo de ventas desde su primera edición hasta la más reciente del 50 aniversario, la que este humilde escritor ha tenido el enorme placer de leer. Los dibujos de Francisco Solano y la pluma del guionista Héctor Germán hacen un conjunto que ha sabido envejecer muy bien aunque la tecnología humana es de la época, esto puede pasar en cualquier momento de la historia de la humanidad y los valores humanos y las situaciones de la historia puede pasar en cualquier momento haciendo sentir a uno incluso cierto temor porque esto puede pasar, la historia en todo momento tiene una coherencia realmente inquietante. Un cómic que cualquier aficionado del cómic a cualquier nivel o de cualquier tipo debe de leer, una de esas lecturas que perfectamente pueden estar de las primeras en la lista qué leer antes de morir. Un clásico inmortal, imprescindible. Para saber más al respecto esta gran obra y sus autores, no dejar de visitar la web http://www.eternauta.com/indexframe. htm, y no darle a saltar la intro, realmente vale la pena.

JUAN CARLOS MARTÍNEZ ÁLVAREZ

EL RENACER DE CORTO MALTES COMIC EUROPEO-caserman/norma/rizzoli-octubre 2015-AUTORES: Juan DIaz Canales y RubEn Pellejero Para los amantes de Corto Maltés de Hugo Pratt llega una gran noticia. Las aventuras de este gran marinero volverán en octubre de 2015 con acento español, gracias al guionista Juan Díaz Canales (Blacksad) y el ilustrador Rubén Pellejero (Dieter Lumpen, Blue Smoke, El Vals del GuEl marinero romántico de Hugo Pratt nació en 1976 y terminó sus aventuras con “Mû: el misterio del continente perdido” en 1992. Pero Corto Maltés no ha desaparecido sino que se ha convertido en un emblema y concepto del cómic europeo. Y ahora, veinte años después, llegan dos grandes artistas del mundo europeo para crear una nueva obra con pinceladas antiguas. Creando algo diferente pero siendo fieles y respetuosos al mito. “Será una historia de creación nueva, porque está considerado como el siguiente álbum. Es la continuación de la serie”, ha confirmado Canales a Efe. El nuevo álbum del dúo Canales / Pellejero será una coproducción entre las editoriales Caserman (Italia), Norma Editorial (España) y Rizzoli (Italia). Los nuevos padres de Corto Maltés tiene muy claro que es una gran oportunidad para mostrar lo mejor de sí mismos manteniendo la esencia.

“Va a tener un poco de nosotros, pero la idea es ser muy fieles al personaje y, en la medida de lo posible, al grafismo. Al ser una continuación de la serie estamos siendo súper escrupulosos con la cronología y la bibliografía del personaje”, ha detallado Canales. Los artistas se sienten ilusionados y creen que es todo un honor que les hayan encargado un trabajo que representa una responsabilidad enorme. “Es como poner en tus manos un monumento”. Todo un reto que han tomado con mucho respeto. La elección del equipo para resurgir a Corto Maltés fue decisión directa de Patricia Zanotti, amiga y colaboradora de Pratt durante los últimos años de su vida, y dueña de los derechos de su obra. “No sé exactamente por qué me escogió a mí, supongo porque ya me conocía por Blacksad” confiesa Ca-

nales. Una vez escogido el guionista, fue él mismo quien recomendó para el dibujo a Rubén Pellejero. Aunque la noticia hace poco que llegó a los medios, los autores llevan trabajando en la obra cerca de dos años que se ha llevado en estricto secreto. Dado que el trabajo que conlleva tal lanzamiento no es fácil al ocuparse simultáneamente tres editoriales, hasta que la producción no estuviera asentada y asegurada no han querido hacer pública la noticia. Por ahora, no pueden dar ningún detalle de cuáles serán las aventuras de Corto Maltés, pero de lo que podemos estar seguros es que seguiremos viendo el carácter cosmopolita de un sofisticado y enigmático aventurero veneciano. Los autores pueden estar convencidos de que cuentan con todo el apoyo de Hugo Pratt. Dado que el autor en una entrevista aseguró que no le temía a la idea de que algún día alguien podía retomar a Corto Maltés. Y es ahora cuando Canales y Pellejero siguen el legado de tan gran autor. El marinero romántico, creado a finales de los años sesenta por Hugo Pratt, pertenece al tiempo de las grandes aventuras. Nació en 1887, hijo de una gitana de Gibraltar y de un marinero de Cornualles. Grandes son sus aventuras y la mayoría de ellas transcurren en el entorno de la Primera Guerra Mundial. En 1917, por ejemplo, protagoniza 11 episodios. El último volumen que publicó Pratt, Mu, el más surrealista y extraño de toda la serie, transcurre en 1925, desapareciendo después del mapa. Pero Cush, un nómada de los desiertos del cuerno de África, buen amigo de Corto Maltés, asegura en otro tebeo de Pratt, Los escorpiones del desierto, ambientado durante la Segunda Guerra Mundial, que “desapareció durante la Guerra de España”. No cabe duda de que será uno de los grandes lanzamientos más esperados de 2015. Todo un mito del cómic europeo que volverá para hacernos disfrutar con sus aventuras.

JUDITH HIDALGO PIS

Twist Comics tiene el honor de haber sido contratada para realizar una tira documental mensual de todo lo que ocurra en el nuevo curso de Chaos University

“¿Qué asignatura os hace más ilusión estudiar este año? Hombre Lobo: Mark Howl “¿Estudiar? ¡Tengo una beca por ser el quaterback de los “Quebrantahuesos”("Bonebreaker") del Chaos University!¡No necesito estudiar!”

Demonio: Elathan “¡No puedo elegir solo una asignatura favorita! Quiero estudiarlas todas porque quiero ser un estudiante responsable para poder ser así un buen villano… ¿O debería decir un mal villano? ¡Siempre me lío con los adjetivos!”

Alien: Klatxstap’hrstpasaaâ (Klatx para los amigos) “He venido a vuestro insignificante planeta para aprender en vuestra patética Universidad pues había oído rumores de que los humanos son los seres más malvados y crueles de la Galaxia, pero por ahora, todo lo que he presenciado es bastante patético. No he decidido si deseo seguir estudiando aquí”

Humano: Mason “¿Yo? Bellas Artes... en una universidad normal, pero el chalado de mi padre está obsesionado con que siga con la tradición familiar de ser un jodido demente. Menudo año que espera.”

estuvo en xx salon del manga de barcelona Un año más una servidora pudo acudir al Salón del Manga de Barcelona, siendo este la edición número XX. ¡Veinte años de salón! Este año nos encontramos ante un cambio bastante fuerte en lo que a organización del espacio de refiere, pero sin duda lo que se llevó la palma fue el que las entradas del sábado se agotasen… ¡Días antes del Salón! Las del domingo se agotaron el sábado por la tarde. Uno de los cambios más notables fue que el escenario se situó en la plaza Universo, justo a la entrada del salón. ¿Qué me pareció la idea? Pues teniendo en cuenta el

fresquito que corría y el enorme espacio que hubo para que los asistentes se sentasen, me parece una idea perfecta. Eso sí, si hubiese llovido no estoy muy segura de que se hubiesen podido continuar con las actividades previstas por mucho que había la enorme carpa protegiendo la zona. Los concursos fueron una buena distracción en el evento, como siempre. Los concursos de cosplay destacaron por el nivel que presentaron los participantes. Y es que no exagero si digo que creo que es uno de los mejores años en cuanto a calidad se refiere. El concurso más diver-

tido sin duda fue el de Pokemon, en donde pudimos disfrutar desde disfraces “normalitos” hasta increíbles curradas echas formando estructura y todo. El anime song fue también uno de los entretenimientos del domingo y acabó con una repetición de ganador. Cintia Gilbert se llevó por segundo año consecutivo el primer puesto tras interpretar “Inori” de Romeo x Juliet de forma estupenda. Dentro de las exposiciones tuvimos un poco de todo. Personalmente me encantaron la de arte ikebana, en donde pude apreciar grandes muestras de este arte floral japonés, y la de espíritu japonés en 14 conceptos. También disfruté bastante de la exposición que se hizo de todos los carteles que ha tenido el salón durante estos 20 años. Una de las expos más notables, que también me gustó mucho, fue la de Pokemon. Bocetos, explicaciones, dibujos… Y al ladito de la misma, otra super-expo dedicada a Saint Seiya. Del espacio dentro de los distintos que había diré, a pesar de haber mejorado en algunos aspectos, otros siguen igual que años anteriores. Stands demasiado juntos que ocasionaban embudos y tapones, sobre todo cuando en uno de ellos había encuentros con autores o firmas de los mismos. Algo curiosos es que el domingo, que normalmente es el día que menos gente hay y más tranquilo se está, hubo tanta gente (o casi tanta) como el sábado. Supongo que el haberse agotado las entradas tendrá algo que ver. No llegábamos al nivel de “lata de sardinas” como cuando el salón de celebraba en La Farga pero… El horario es otro de los cambios notables. Este año nos encontramos con un salón que abría sus puertas a las 9 todos los días.

Junto con la organización del espacio vino la sensación de que todo estaba lleno y ocupado. ¿Recordáis lo abandonado que estaba el pabellón 1 el año pasado? Pues este año era de lo más concurrido, y es que la zona de videojuegos y de restauración fueron ubicadas en él. Hablando de asistentes era bastante palpable que uno de los temas principales del salón era Pokemon pero el resto de cosplays que hubo también eran increíbles (mirad las fotos si no me creéis). En referencia a los precios poco se puede decir. Ficomic exigió a todos los stands que sus productos fuesen originales (¿eso no lo hacía otros años?) y en consecuencia los precios subieron lo suyo, amén de que uno de los stands fue eliminado por no cumplir dicho requisito. Los restaurantes tuvieron también una buena parte del pastel. Colas interminables, de hasta una hora, en todos y cada uno de los stands de restauración sin importar si eran de platos de comida, de postres o de bebidas. Los precios siguieron elevados como los años anteriores (¿4 euros por 4 gyozas?) pero no parecía que a la gente le importase mucho no. Poco más se puede decir de este año a excepción de que la mejora frente a otros años ha sido notable, aunque con una organización algo rara en cuestión de horarios. ¿Alguna mejora? Simplemente la distribución del espacio. No se pueden poner tantos stands juntos y luego no quejarse de los embudos. ¿Felicitaciones? Sin duda la idea del escenario en la parte exterior (suerte que el tiempo acompañó).

Bienvenidos un mes más a la sección de Animología con una servidora, a pesar del poco tiempo del que dispongo he salido de mi cueva para cazar algún ejemplar para vosotros. Este mes he cazado una muestra de Pesadillas o Goosebumps, como lo llamaron en su día los norteamericanos de Canadá, lugar de origen de la serie. Nos remontamos a los años 90, donde lo habitual en el patio del colegio, era coleccionar tazos y jugar con los yoyos resurgidos cual Fénix. Hablo de una época que albergaba buenas series como Pesadillas, una serie con un target de 7 a 15 años. Seguro que de momento he captado la atención de un 50% que por el título ya conoce de lo que trata la sección este mes. Para el otro 50%, os puedo dirigir a unas imágenes de la intro, donde aparece un señor con sombrero y gabardina con un maletín en un montículo de tierra frente a una población, de repente el maletín se abre y las hojas echan a volar, la letra G, verde y viscosa emprende su camino endemoniando todo lo que encuentra a su paso, quizá la imagen más relevante de la intro de esta serie, sea ese perro labrador sentado en el porche, al que los ojos se le cambian de color a un amarillo intenso y luminoso. Pesadillas es una serie de origen canadiense transmitida por los canales YTV de Canadá, el canal Famille de Quebec y Fox Kids de EEUU, este primer período de emisión fue desde 1995 a 1998. En el año 2007 se volvieron a emitir los capítulos íntegramente por la cade-

na estadounidense Cartoon Network, durante Halloween, también se empezaron a emitir por la cadena Jetix en Europa e India, por NHK en Japón y la KBS2TV en Corea del Sur. Esta serie está catalogada como género de terror y dirigida a una audiencia infantil y juvenil, está basada en los libros de Robert Lawrence Stine, quien aparece en algunos capítulos como presentador, y en los spin-off del autor, ‘’Goosebumps 2000’’ y ‘’Goosebumps: 10 Spooky Stories’’. La serie de libros en España consta de 60 volúmenes publicados por ediciones B, y se basa en una mezcla de géneros, el terror y la ciencia ficción. El primer libro se publicó en 1992, finalizando publicación en 1999 en lo que respecta a nuestra región. En Hispanoamérica cuentan con un total de 45 publicaciones de distinta fecha. El último título publicado en España fue ‘’Sangre de Monstruo IV’’ y respecto al nombre, Goosebumps («piel de gallina»), se tradujo como Pesadillas

ANIMOLOGIA

historias de niños y adolescentes pasando terrible miedo, tú le miras y piensas, es el típico hombre conformista de perro en alfombra y diario en el porche. Sin embargo, ahí donde le veis, este señor ha hecho que niños de medio mundo doten a las sábanas con súper poderes de protección contra formas extrañas de vida, monstruos y esas cosas que entran en una clasificación parecida.

#3:

Robert Lawrence Stine es un escritor estadounidense con afición al género de terror que actualmente cuenta con 71 años a sus espaldas y que curiosamente, empezó a escribir libros de género humorístico para niños. Más tarde se casó con su mujer y tuvo un hijo, fue entonces cuando en 1986, Stine empezó a escribir novelas de terror que más tarde incluiría en la colección de Goosebumps...se ve que eso de casarse y tener hijos, realmente le cambia a uno la vida. Sus primeros libros lograron una cifra aproximada de 300 millones de ejemplares en ventas. Robert L. S también es el responsable de la serie ‘’La furia de Hulk’’, junto al productor Dan Silver, entre 1998 y 2001. Se le compara con el Stephen King infantil, la verdad es que no es de extrañar... Aun así, ¿Qué es lo que hace especial la serie de Pesadillas? Analicemos un poquito esa parte técnica que está detrás y nunca vemos, pero que define el producto y lo que recibimos en las pantallas de nuestras casas.

y en Hispanoamérica, Escalofríos. El éxito de los libros de Stine hizo posible un salto a los televisores de medio mundo con una gran repercusión comercial tras de sí. Se hicieron varios juegos de mesa producidos por Milton Bradley, más conocida como MB, bajo el eslogan televisivo ‘’¡De MB!’’, que muchos recordaréis sobre todo en época de navidades, los títulos de los juegos fueron los siguientes: ‘’Terror en el Cementerio’’, ‘’Noche en la Torre del Terror’’ y ‘’Un día en Horrorlandia’’. Más tarde salieron a la venta dos videojuegos de PC por parte DreamWorks Interactive titulados, ‘’Goosebumps: Escape from HorrorLand’’ y ‘’El Ataque del Mutante’’. ¿Pero quién es Stine? Conozcamos un poquito al autor de esta horrorífica saga de producciones y productos. Así a simple vista, tú le echas un vistazo y no te imaginas que tenga tendencia a escribir

Nos encontramos con una intro musical y un señor misterioso de negro nos muestra un maletín con un nombre grabado en la parte superior, ‘’R. L. Stine’’, esta figura esta enfocada desde atrás, con lo que la tensión sobre el objetivo se refuerza, el maletín que se abre cuando la figura misteriosa se detiene en lo alto de una colina con la ciudad a sus pies, da paso a que quitemos los ojos de la figura para pasar al siguiente plano. Del maletín empiezan a salir muchas hojas redactadas y una de ellas toma forma de letra G, una letra que de por si da bastante desconfianza, puesto que va por la vida con aspecto pasota, aparentando ser una sombra en forma de G y como si estuviera compuesta por una mucosidad, debido a su apariencia descompuesta. La sombra se deja llevar por la zona sacando el demonio de todo aquello que queda a su paso, un cartel muestra a una mujer cuya cara se vuelve terrorífica, un perro nos mira con ojos amarillos (hoy en día se ve un poco retro el efecto de los ojos, pero os aseguro que por aquel entonces daba miedito), la figura del perro es en

dentadura, pero esa no era la intención de R. L. Stine. Es en el intermedio de secuencia de estas imágenes, donde escuchamos el lema de la serie, ‘“Temblad muchachos, temblad, qué miedo vais a pasar” (en Hispanoamérica “Cuidado espectador, está a punto de llevarse un susto”), mientras tanto las imágenes aceleran el ritmo de aparición, vemos una masa de gusanos palpitar, esto queridos lectores, produce mucha repulsión y pelos de punta, otro factor importante como al principio de la intro he destacado es el énfasis que hace R. L. Stine en el uso de encuadre de una mirada, en este caso un recorte de plano para unos ojos azules que respiran miedo tras una rendija, a Drácula por ahí suelto enseñándonos los dientes también, alguna araña, hibrido de lobo y más niños gritando y corriendo. Al final de estas imágenes aparece el nombre completo de la serie, Goosebumps, junto a la letra G que tantos estragos ha hecho durante toda la intro, esta vez las letras se presentan con

especial relevante, puesto que si os pregunto, es la imagen de la intro que más recordáis, debido a que lo primero que miramos en otro ser son los ojos, la expresión de la mirada, así que el énfasis de un plano centrado en la mirada con esos ojos, hacen que retengas esa escena en la memoria. Tras el perro la misteriosa sombra G llega a una casa cualquiera, ambientada en un escenario oscuro con aire y hojas revoloteando, desconfianza, terror, al abrir la puerta nos encontramos con una serie de imágenes una tras otra, al igual que las portadas de los libros de Stine, estas muestran imágenes de contenido, protagonistas de sus historias, de sus mejores historias, como el muñeco ventrílocuo Slappy, el antagonista principal de la novela ‘’La Noche del muñeco viviente’’, la malvada niña Tara, de ‘’El Cuco maldito’’, la momia, de ‘’El retorno de la momia’’ y otros muchos monstruos, tenemos también imágenes de niños corriendo con una linterna en mitad de la noche, las escenas en las que aparecen dejan entrever una silueta juvenil, pero no nos dejan identificar la cara del protagonista al cual iluminan por detrás, este conjunto de composición a la hora de filmar, mantiene la tensión en el cuerpo una vez más. Los monstruos que aparecen nos enseñan en su mayoría los dientes, una gran boca con colmillos afilados, esto se puede perfectamente traducir como agresividad o amenaza, enseñar los dientes puede significar pocas cosas más, quizá que te hayas cambiado la

aspecto de mucosidad verde y viscosa, algo que nos daría mucho asco tocar, vamos, digno de una historia de terror. La música no es para menos, antes, durante y después consigue mantener la atención del espectador y complementar a la perfección las imágenes, estamos hablando de una mezcla de percusión, sonidos de arpa, piano y quizá algún bajo y guitarra, en el momento en que pasamos por los ojos brillantes del perro un ladrido acompaña la escena mezclándose con el ritmo, realmente sabe dar énfasis en los momentos en los que una imagen necesita de la compañía de un sonido. Toda la estética de la imagen dentro de la serie está basada en esa tipografía (tipo de letra), algo mucosa, contrastada mutuamente entre la combinación de verde y blanco, título de capítulo, título de la parte de producción y nombre de la persona que ha realizado esa parte, todo sigue la misma estética.

lidia reyes

¿Y qué hay de la composición de capítulos, de la presentación de las escenas? Explicamos un poco el porqué del éxito de la serie, a parte de una buena intro y banda sonora, tanto exterior como durante la emisión del episodio, tenemos situaciones similares en todos los capítulos, los jóvenes protagonistas se encuentran de alguna forma aislados, viven en una casa en las afueras, viven en un pueblo de cuatro casas, están en casa de algún familiar que vive en un pueblo alejado, en un camping o de vacaciones en algún remoto lugar apartado, esto genera de entrada una desconfianza en el espectador, que necesita sentirse protegido en un ámbito más familiar y conocido. Otro recurso por parte de R. L. Stine, son las penumbras, sombras, la falta de iluminación y escenas oscuras en general, lugares de noche, bibliotecas cerradas, edificios que estamos acostumbrados a visitar durante el día cuando están plagados de gente. A la falta de iluminación le podemos añadir la iluminación trasera, es decir, por la espalda, esto

enfatiza la silueta de quien anda a oscuras sin dejarnos distinguir mucho más, y al cerebro no le gusta no saber interpretar lo que está viendo, es en este punto donde entra el factor nerviosismo y tensión. Por otra parte, tenemos el uso de planos diagonales, que mantienen la expectación de la audiencia ya que es un plano no lineal, también usa mucho planos de distorsión, por ejemplo, en el capítulo ’’El Cuco Maldito’’, tenemos una escena en la que se enfoca al cuco gradualmente pero a trompicones, no es un acercamiento fluido de la cámara, si no que más bien es un acercamiento forzado hacía el objeto maldito en cuestión, en el mismo momento Stine refuerza este tipo de escenas con un muy buen trabajo sonoro, ya sean pisadas, el sonido del cuco, de las manecillas de reloj, la parte sonora siempre es muy intensa y se escucha claramente. Hay muchos planos en picado (desde arriba) y en contrapicado (desde abajo), también hay un uso frecuente del plano frontal para transmitir el estado anímico del protagonista. El énfasis nombrado arriba en los ojos, la mirada. Todas estas características hacen de Goosebumps una gran serie, a pesar de que hoy en día los efectos de planos se vean exagerados y se remarque mucho que es una serie antigua, aun así, os puedo asegurar que viendo un par de capítulos para hacer la sección de este mes, me he quedado embobada en la pantalla y he pegado un par de sobresaltos en mi silla. Así que si sois amantes de los clásicos de terror, o simplemente queréis recordar, os invito a que os miréis los capítulos de Pesadillas cualquier noche que tengáis libre, cojáis unas palomitas, una sábana y disfrutéis de la tensión que nos ofrece R. L. Stine.

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o, e t o a n ele e n i c l e amo

neil patrick harris, Oscars y los Goyas Hosts de cine Los fans del Neil Patrick Harris más vedette y la gala de los Oscar estamos de enhorabuena ya que por fin el actor ha sido el elegido (por fin) como el nuevo presentador de la próximos Oscar. Tras presentar los Emmy y los Tony en varias ocasiones, y con una aparición estelar en la gala de Hugh Jackman, Harris tendrá su oportunidad y yo trasnocharé para verlo.

que vale para todo, Dani Rovira, será el conductor de la gala de este año de los Premios Goya. Sinceramente, una gran elección ya que tiene bastantes tablas, aunque esperemos que le dejen decir todo lo que quiera. Aún sigo esperando una presentación por parte de los de Muchachada Nui, pero todo se andará.

Además, también hemos sabido que el actor/monologuista/chico mediaset

EL HOBBIT l a LA BATALLA DE INTERSTELLARTrailers e imágenes que no hay que perderse sLOS 5 EJERCITOS

Hemos podido ver el primer tráiler de la nueva película de Pixar Inside out. Pixar juega con nuestras emociones en este tráiler que no debéis perderos, hacedme caso.

m a s e s p e r a d a s

SINSAJO 1

EXODUS

Las primeras imágenes de lo nuevo de Brad Bird, Tomorrowland ya han salido a la luz, y mi escala de o a 10 de “Hypeismo” está ya en límites insospechados. ¿No habéis visto el primer teaser tráiler de The Avengers: Age of Ultron con Iron Hulk? ¡Pues venga!

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Ya queda cada vez menos para el estreno de la última parte de El Hobbit: La Batalla de los Cinco Ejércitos, pero el póster oficial del film ya nos está poniendo los pelillos como escarpias. ¡Ganazas! El proyecto absurdo del mes No hay mes que no nos topemos con un nuevo proyecto absurdo y en esta ocasión la palma se la ha llevado el CEO de Threshold Entertainment, Larry Kasanoff, que ha anunciado que llevará a la gran pantalla una adaptación del clásico videojuego Tetris. Kasanoff asegura que tiene una buena historia; yo digo que los creadores del Hundir la flota también lo decían y contrataron a Rihanna. Noticias noticiosas Steven Spielberg se vuelve a poner detrás de las cámaras para dirigir a su amiguísimo Tom Hanks en un drama ambientado en plena Guerra Fría en dónde Hanks dará vida al abogado James Donovan, el cual traspasó el Telón de Acero para rescatar a un piloto. Ridley Scott va cerrando el elenco de actores de su nueva película de ciencia ficción The Martian. A los ya confirmados Matt Damon, Jeff Daniels, Kate Mara, Michael Pena, Kristen Wiig y Jessica Chastain se les une Spoilerman Sean Bean, y ojo, en un papel principal interpretando a un director de vuelo de la NASA. ¿Cuántas probabilidades de morir tiene un director de vuelo?

El remake del film de 1994, El Cuervo, empezará a rodarse en la primavera de 2015. La película estará protagonizada por el nuevo actor de moda, Luke Evans, que será el encargado de tener que ponerse en la piel, aunque no lo pretenda, del que en su día fue el original Cuervo, Brandon Lee. Esperemos que tanto morbo no lleve a algún loco a repetir la historia. El cambio de look de James Franco en la alfombra roja de Venecia tiene un nombre, Zeroville; y un elenco de actores de lo más particular: Seth Rogen, Jacki Weaver, Megan Fox, Will Ferrell, Dave Franco, Horatio Sanz y Danny McBride. El film, protagonizado y dirigido por Franco, cuenta la historia de cómo un joven se cuela en la industria cinematográfica de finales de los 60 diciendo que forma parte de la familia Mason. Paul Greengrass está que no para. El mes pasado ya comentamos las intenciones del director para volver a la saga Bourne y este mes nos enteramos que el director se ha hecho con los derechos de la novela The Tunnels, una historia real de unos ciudadanos del Berlín Occidental que hicieron un plan para reencontrarse con sus seres queridos, habitantes en la zona Oriental.

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Rumores, rumores Si con la noticia del Tetris no te has caído de la silla, tenemos otra adaptación que a lo mejor si lo consigue. Uno de los juegos que más furor está haciendo estos últimos años, Minecraft, podría ser llevada a la gran pantalla por el director de Noche en el Museo, Shawn Levy. ¿Votos a favor? ¿Dramas con final feliz? La intención (aún no se le puede llamar proyecto) de traer de vuelta a Los Cazafantasmas parece que cada día es más real. Con John Feig detrás del guión, ahora se le une la guionista Katie Dippod. Ambos ya coincidieron en The Heat, por lo que esperemos que no haya problemas con este nuevo reborn que parece que contará con mujeres Cazafantasma. Pixar siempre se ha caracterizado por tener proyectos largos pero sólidos, aunque con The Good Dinosaur parecía que no iban a poder estrenarla nunca, pero parece que no va a ser así. Por fin sabemos que el director final del film será Peter Sohn y la fecha de estreno el 25 de noviembre de 2015, es decir, la misma que ya anunciaron hace unos meses y que aún no han movido. ¡Urra por Pixar!

Universos Todos estáis esperando a que os hable de DC, Marvel… pero esa no es la primera noticia. Aunque parezca mentira existen más universos que los que ya conocemos de sagas galácticas y cómics. ¿A qué a nadie se le habría pasado por la cabeza crear un universo con Robin Hood? Pues a Sony Pictures parece que sí. Dentro de esto tendremos tanto películas de Hood como spin offs de sus compañeros inseparables.

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e en pantalla grande Ahora sí que vamos con lo más esperado. Empezamos con el universo Marvel y el notición de la aparición de mi amado Iron Man en la Capitán América 3. El propio Downey Jr. ya dijo días antes que algo grande iba a pasar, y así ha sido. Se espera que en la tercera entrega esté relacionada con la saga Civil Wars, también anunciado por Marvel. Y no podemos hablar del universo Marvel sin hablar del universo Star Wars, y es que se ha confirmado que el actor que en su día encarnó a uno de los ewoks más monos de la galaxia (haters, no me peguéis), Warwick Davies, volverá a aparecer en el Episodio VII. Warwick es uno de los actores más queridos y dentro de la saga de Lucas ha encarnado varios papeles por lo que su vuelta seguro que es bien celebrada por los fans. ¿Y cómo vamos a hablar de todos estos universos y no decir nada de DC? Tenemos varias noticias. Primero, ya se sabe que la actriz Jena Malone ha sido confirmada para aparecer en la película de Snyder, Batman vs Superman pero se desconoce el papel (of course). Segundo, Jason Momoa ha confirmado que Aquaman aparecerá en La liga de la Justicia y además tendrá película en solitario. Y última, Jesse Eissenberg, el pavín que interpretará a Lex Luthor en la película de Snyder, está en negociaciones para hacer de Luthor en Suicide Squad, que llegará a los cines 4 meses después de Dawn of Justice. Y de regalo, ha salido el calendario de estrenos para los próximos 100 años. Gracias, DC. Todo esto confirma lo que ya se intuía: el modelo Marvel se pone de moda.

Adivina quién aparece en esta peli ¿Quién nos iba a decir que habría un remake de Los vigilantes de la playa que no fuera Joey y Chandler? Esta noticia ya produce un shock bastante grande de por sí, pero además saber que el protagonista de la cinta es Dwayne Jonhson, ya es de despiporre. Menos mal que la película está concebida en un tono jocoso y sin tomarse mucho en serio, vamos, igualito que en la serie originial (ups!) Bryan Cranston se va a desligar de sus papeles blockbusteros para centrarse en los que mejor se le da, los relacionados con el mundo de la droga. Por eso va a protagonizar The Infiltrator , la historia real un agente federal que estuvo dentro del círculo de los cárteles colombianos para alcanzar las pruebas necesarias para su encarcelación. Brian al otro lado de la acción. Tras dejar el enfado de la filtración del guión, Tarantino siguió adelante con su nuevo western, The Hateful Eight. Tras las confirmaciones de Samuel L. Jackson, Tim Roth, Karl Russell, Bruce Dern y Michael Madsen, entre otros, se une la

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e en pantalla grande actriz Jennifer Jason Leigh. ¿Resurgirá cuan John Travolta?

James Bond 24 tiene nuevas incorporaciones. Lea Seydoux se convierte en la nueva chica Bond (villana) de Sam Mendes, la cual ya demostró que lo de ser villana le viene como anillo al dedo tras Protocolo Fantasma, pero lo mejor de la noticia viene con el otro villano que acompañará a la francesa… RATATATATTA Batista (o Dave Bautista). De Bautista se espera que sea una especie de Tiburón, Mundo cuore uno de los antiguos villanos de la saga de Nuestra Pe, reconocida como la mujer 007. más sexy del planeta en 2014 según la revista Esquire. Algunos pensaréis que Por fin sabemos quiénes serán los encarestos de Esquire están un poco ciegos y gados de llevar el guión de Aaron Sorkin otros que tienen toda la razón. Yo sólo sobre Steve Jobs a la gran pantalla. Rediré que siempre me he dado un aire a cordemos que en un principio el elegido ella, pero claro, sólo lo pueden apreciar fue el director David Fincher, que sólo los de esta publicación. haría la película si Christian Bale era el prota. Fincher, por A o por B, se fue y el Los famosos nunca han pensado seriaproyecto recayó en Danny Boyle. Éste mente eso de “cómo llamar a tu hijo sin quería a Leo DiCaprio para el encarnar al que le peguen en el colegio”, del gran sagurú, pero Leo prefirió trabajar con Gonbio Homer Simpson. ¿Por qué no son cazález Iñárritu. ¿Sabéis a quién ha elegipaces de pensar en el bien de sus hijos? do Boyle? Pues finalmente, parece que a Un ejemplo: Ryan Reynolds. Este hombre Bale. Ironías de la vida. si se sabe reír de estas cosas y si no, al loro con lo que dijo hace unos días: “En el avión hacia aquí estuve intentando pensar en nombres para niños. No quiero un nombre que sea pretencioso o Hollywoodiense, así que voy a optar por Excálibur Anaconda Reynolds... eso si es niña. Si es niño Bruce Jenner”. ¡Crack! Por último, todos estáis esperando mi reacción ante la actriz anteriormente reconocida como Renee Zellweger. Dejad a la pobre mujer que se retoque lo que quiera. ¿Qué no la reconocemos? Pues mejor para ella, nuevos papeles que la saldrán (estaba ya un poco encasillada). Si ella está feliz, ¡qué narices! Alguien tendrá que criticarla.

ELENA OTEO

homenaje a la hammer antonio alcaide

“Durante muchos años, las películas de La Hammer han sido fuente inagotable de pura fascinación para toda una generación de realizadores” (Steven Spielberg)

Hubo un tiempo, ya algo lejano, en el que el mundo del séptimo arte podía quedar perplejo ante el poder de producciones menores, capaces de obtener el máximo respaldo de un público entusiasta, ese ente soberano que, a fin de cuentas, es el único elemento decisorio y verdadero en el negocio cinematográfico. La globalización planetaria ha acabado por barrer esa realidad en el panorama fílmico contemporáneo, la triste realidad de hoy en día, es que hasta los títulos de corte más independiente suelen llevan tras de sí el respaldo de una gran compañía, es por eso que retrotraerse a una época anterior, y hablar de una de las productoras más reconocibles de la historia del celuloide, adquiere una significación especial, sobre todo ahora que su regreso parece una realidad. La Hammer ha vuelto, tras casi treinta años desaparecida, en 2008 un experimento llamado “BEYOND THE RAVE”, un film de vampiros bastante infumable, creado para su difusión por internet, encontró curiosamente cierta acogida en Reino Unido, lo que permitió a sus responsables afrontar un reto de mayor envergadura comercial. Pero no es momento de adelantar acontecimientos, tiempo habrá para hablar de la productora y su cine en la actualidad, el estreno de un nuevo trabajo, nos sirve como excusa perfecta para afrontar un repaso a la época dorada de Hammer, atendiendo sus obras más destacadas, y ensalzando la figura de aquellos artífices responsables de tales hazañas, esos que supieron contrarrestar la escasez de medios a golpe de talento, sin duda, la mejor arma con la que poder transformar la ilusión en imágenes.

ORÍGENES Resulta habitual situar la fundación de la compañía a finales de los años 40, pero la verdad, y para ser exactos, habría que fecharla en 1934, el año en el que Will Hinds, un actor de segunda fila que utilizaba Will Hammer como nombre artístico, creo la británica “Hammer Productions”. Dos años más tarde, Hinds se unía al dueño de una cadena de cines llamado Enrique Carreras, y juntos originaron “Exclusive Films”, constituida para dar salida comercial a un gran numero de cintas de bajo presupuesto, principalmente comedias. Unicamente “EL BARCO FANTASMA” (1935), film de terror y suspense protagonizado por Bela Lugosi, ya famoso por su papel en el Drácula de Tod Browning cuatro años antes, puede considerarse un título cercano a lo que más tarde, será toda una seña de identidad prácticamente irrenunciable para los responsables de la productora. La II Guerra Mundial no sentó bien a La Hammer, que tuvo que suspender su actividad en ese periodo, tras la tormenta, Anthony Hinds y James Carreras, hijos de los socios fundadores, recogen el testigo

de la compañía, y derivan sus esfuerzos a un mayor control financiero en sus aventuras cinematográficas, que contemplan incluso cierta diversificación, al invertir en un negocio seguro para la época, el de los seriales radiofónicos. Otra de las pinceladas anecdóticas que perfilan parte de ese testamento o legado legendario que envuelve a Hammer, proviene de las cintas de misterio filmadas en los 40 con un presupuesto ínfimo, no superior a 12.000 £ esterlinas, techo salarial impuesto por Hinds hijo, que bajo esa realidad, y buscando abaratar costes, compra y habilita una vieja casa victoriana a las afueras de Londres, en el condado de Berkshire, para utilizarla como único decorado de las mismas, configurando una forma estética que será propagada más tarde, con gran acierto, en los mejores títulos de la factoría. Precisamente, de esa relación con las ondas mencionada anteriormente, surgen grandes oportunidades para el éxito, es así que personajes tales como “El Santo”, encuentran su paso a la gran pantalla de mano de Hammer Productions, un recurso del que poco pueden sospechar sus apoderados que está a punto de darles la cla-

ve del éxito a nivel internacional. DE LA CIENCIA FICCIÓN AL TERROR: EL TRIUNFO DE LA HAMMER A principios de los años 50, Hinds ficha a un poco conocido realizador llamado Terence Fisher, un tipo que, con apenas tres películas a sus espaldas, había demostrado una habilidad inusual para manejar presupuestos irrisorios, bajo su estrella, surgen títulos menores como “THE LAST PAGE” (1952), un modesto thriller de suspense, o “SPACE-WAYS” (1953), curioso melodrama con tintes de ciencia ficción, que supone la primera colaboración de la Hammer con Robert Lipper, un productor norteamericano con influencias en Hollywood, que ayudo a abrir mercado y acercar ambos universos cinematográficos. Con el apoyo de Lippert, solo faltaba acertar con un título que proporcionara un éxito cuando menos meridiano, y este se produce con el estreno de “EL EXPERIMENTO DEL DR. QUATERMASS” en 1955, otro personaje rescatado de aquellos seriales radiofónicos, que verdaderamente constituye uno de totems sagrados del cine de serie B en su década más prodigiosa. Rodada en B/N por Val Guest, el film supone el primero de la trilogía de aventuras del buen doctor, en su lucha por combatir la amenaza de una presencia alienígena, llegada a la tierra en un cohete espacial británico, transportado en las entrañas de su único superviviente. Un trabajo que contiene prácticamente todos los elementos que hicieron grande a ese subgénero fantástico, no falta la astronave de cartón piedra, los laboratorios militares, las conspiraciones gubernamentales, y como no, el entrañable ser tentacular que pone en peligro a toda la humanidad. Como factores propios, el film destaca por una interesante visión de Guest, manifestado en un ingenioso ejercicio de estilo,

situado principalmente en su tramo final, y donde el director se las ingenia para homenajear el expresionismo del cine mudo europeo del amanecer del séptimo arte, a lo que hay que sumar el saber mostrar a su protagonista, el doctor Bernard Quatermass, al que da vida el actor Brian Donlevy, como un personaje de moral estricta, en las antípodas del héroe correcto e impecable al que suelen recurrir los guionistas de manera convencional. Ante tal repercusión, y con el viento a favor, no se iba a hacer de esperar una secuela de del éxito, que tardo solamente dos años en hacerse realidad con “QUATERMASS II” (1957), que contaba con el mismo director y actor protagonista, y derivaba su trama hacia un argumento aun más conspiranoico, que plantea la existencia de una ciudad fantasma en las afueras de Londres, donde parece que se este llevando a cabo un oscuro complot extraterrestre para dominar la tierra. Es evidente que los factores que hacen interesante la primera entrega, se mantienen en esta continuación, pero también se acusa un descenso en la calidad del resultado final, cuenta con un mayor presu-

FILMOGRAFÍA FUNDAMENTAL: FILMOGRAFÍA FUNDAMENTAL DE HAMMER PRODUCTIONS - EL EXPERIMENTO DEL DR. QUATERMASS (1955) - LA MALDICIÓN DE FRANKENSTEIN (1957) - DRÁCULA (1958) - LA MOMIA (1959) - EL PERRO DE BASKERVILLE (1959) - HACE UN MILLÓN DE AÑOS (1966) - DRÁCULA: PRÍNCIPE DE LAS TINIEBLAS (1966) - KUNG FU CONTRA LOS SIETE VAMPIROS DE ORO (1974)

puesto, pero esto se traduce básicamente en una serie de escenas de acción que en suma, borran bastante de ese encanto de la cinta primigenia. Con la semilla plantada y bien sujetada en la tierra, a La Hammer solo le falta echar raíces, y en una decisión muy habilidosa, Robert Lippert entabla conversaciones con La Universal para comprar los derechos de Frankenstein, encontrando una gran oposición por parte de la productora americana, que finalmente cede con la condición de conservar inalterado el maquillaje del film original, rodado por James Whale en 1931. Poco sospechaban los responsables de los Estudios Universal, que Terence Fisher, responsable de esta nueva versión del monstruo creado por Mary Shelley, tenía unas intenciones muy concretas e innovadoras con las que afrontar “LA MALDICIÓN

DE FRANKENSTEIN” (1957). La primera y fundamental, pasar del blanco y negro al color, concretamente al Technicolor, que permitía una mayor intensidad cromática, llamada a resaltar con enorme viveza el tono de los decorados. Sobre el espinoso asunto del maquillaje, se recurre sabiamente a un estilo austero a la par que eficaz, que muestra una mayor modernidad en los surcos frescos que recorren las heridas de la criatura, a la que da vida un por entonces joven y desconocido actor ingles llamado Christopher Lee, que hablaba así de su trabajo años más tarde:

“Cuando me ofrecieron el papel del monstruo, supe que sería un gran desafío, pensé que podía hacer que la gente pensara, y que se preguntara como es mi aspecto físico en realidad. Desde entonces, y tras haber interpretado papeles en diferentes películas, mi nombre comenzó a significar algo para el público.”

“Tardaban media hora en aplicarme el maquillaje, no podía mover la cabeza, ni comer, ni hacer nada. Tenía todas esas cosas pegadas en mi rostro, con cera de enterrador, plásticos, todas esas cosas horribles, fue terriblemente incomodo, pero traté de olvidar mi cara y centrarme en la actuación.”

ción de la famosa novela de William Shakespeare, pero quizá esos no conocían el instinto y el carácter inquieto de un actor que se aventuró a cruzar el charco siendo un completo desconocido, y acabo trabajando en películas de El Gordo y El Flaco, todo ello sin dejar nunca a un lado su gran pasión, el teatro.

La segunda decisión de Fisher, es oscurecer aún más allá del guión escrito por James Sangster, el perfil psicológico de Barón Viktor Frankenstein, que pasa de cierta ingenuidad de la primera versión, a una malsana y profunda ambición en esta que nos ocupa, bien escenificada desde su comienzo, donde el personaje intenta explicar, a través de los barrotes de su celda, que el autor de los crímenes que se le atribuyen, es en realidad un monstruo que el ha creado en un laboratorio.

Su deseo de retorno a su Inglaterra natal, y el poder de convicción de Terence Fisher, que veía en en su figura, un interprete ideal con el que moldear un nuevo prototipo de protagonista inteligente y en parte inaccesible, hicieron el resto, y le convirtieron en una de las aristas maestras de ese triángulo mágico que le unió al director y a Christopher Lee.

PETER CUSHING (1913-1994) Seguramente, alguien debió decirle a Peter Wilton Cushing, que trabajar para La Hammer era un paso atrás en su carrera, sobre todo después de haber hecho Las Américas e incluso haber triunfado junto a su compatriota Lawrence Olivier en “Hamlet” (1948), multipremiada adapta-

Hablar de su filmografía es prácticamente hablar de la Hammer, a la que va indivisiblemente ligado, por lo que solo queda destacar su participación en “La Guerra de las Galaxias” (1977), en donde da vida a Moff Wilhuff Tarkin, gobernador todopoderoso del imperio galáctico, al que obedece el mismísimo Darth Vader. Un papel ideal para su perfil como actor, y al que accedió como estrella consagrada junto a Alec “Obi Wan” Guinness, confor-

mando los nombres más destacados del cartel original, en el un momento en el que sus protagonistas noveles eran unos completos desconocidos. De su participación en el film de George Lucas, y de su propia motivación como actor, Cushing hablaba de esta forma:

«Mi criterio para la aceptación de un papel no se basa en lo que me gustaría interpretar. Trato de tener en cuenta lo que el público quiere verme hacer, y yo pensaba en los niños que adorarían Star Wars». PETER CUSHING LA EDAD DE ORO “La Maldición de Frankenstein” supuso tal éxito a nivel internacional, que del recelo inicial de La Universal, se llego a un nivel de aceptación y de entusiasmo tales, que sus responsables pusieron a disposición de La Hammer su galería de criaturas, y como no podía ser menos, y bajo el buen criterio de Terence Fisher como realizador estrella, se eligió al otro gran icono de entre los monstruos clásicos. Nace así “DRÁCULA” - Horror Of Drácula (1958), donde Fisher realiza otro trabajo memorable, dejando al famoso Conde desprovisto de todo romanticismo, cercano a un animal salvaje movido por los más primarios instintos de conservación y supervivencia, enfrentado a un rival igualmente despiadado, al que da vida Peter Cushing en otro rol inolvidable, embutido en la piel de un profesor Van Helsing impertérrito y cerebral, en perfecta contraposición al ser con el que debe enfrentarse en un duelo final antológico. En los apartados técnicos destacan la tétrica BSO de James Bernard, y los decorados, que lucen con un estilo gótico muy destacado, auténtica piedra angular de La Hammer, y que en este caso son obra de Bernard Robinson, un habitual en las cin-

tas de la factoría británica. Evidentemente, el otro punto maestro de la obra, reside en la figura de su protagonista, icono notorio e imborrable para la mítica productora, encarnando el papel que le daría fama y reconocimiento en las primeras décadas de su longeva carrera como actor. CHRISTOPHER LEE (1922- ) Es algo innegable que la figura del legendario vampiro, surgido de la pluma de Bram Stoker, persiguió durante muchos años a Christopher Frank Carandini Lee, sencillamente porque esos ojos rojos y esa comisura de los labios ensangrentada provocan un miedo cercano al pavor, y le convierten en el mejor Drácula de todos los tiempos. Superar un estigma de ese calibre, resulta siempre una más que ardua tarea. Con todo, y pese a tener que volver al Principe de La Oscuridad con relativa asiduidad, Lee se las arregla para encontrar algunos retos como interprete, tanto para la Hammer, como para dar vida a malvados como Fu Manchú, otro de los personajes más recordados de su primera

etapa, al que dio vida en cuatro películas, rodadas ente mediados y finales de los 60. Curiosamente, en una de ellas, “El Castillo de Fu Manchú” (1969), estuvo bajo las órdenes del director español Jesús Franco.

MONSTRU DESTAC

La llegada de los 70 suponen un cierto declive en la carrera de Christopher Lee, que apenas tiene un par de momentos estelares, el primero dando vida a Francisco Scaramanga, uno de los villanos más recordados de la saga Bond, en “El Hombre de La Pistola de Oro” (1974), el otro, previamente, en 1970, encarnando a Mycroft Holmes en “La Vida Privada de Sherlock Holmes”, del maestro Billy Wilder. A finales de los años 90, con su estrella casi apagada, Tim Burton le recupera para un pequeño papel en “Sleepy Hollow” (1999), y Peter Jackson le resucita definitivamente dándole a Saruman, el mago blanco de la Trilogía de El Señor de Los Anillos (2001/2003), un momento muy especial para Lee, gran admirador durante años de la obra de Tolkien, al que curiosamente, llego a conocer en persona. George Lucas hizo el resto, regalando la capa de otro Conde, Dooku en este caso, para la nueva trilogía de “Star Wars”, en los Episodios II y III (2002/2005), algo que le acerca a su compañero y amigo Peter Cushing, que como ya hemos señalado, participó en la cinta primigenia. En la actualidad, y con 92 años a sus espaldas, muchos pensaran que a Sir Christopher Lee le queda poco que ofrecer, pero acaba de publicar su segundo álbum de Heavy Metal, y ya tiene confirmada su participación en la última entrega de “El Hobbit”, a finales de este año, lo que nos hace pensar, que quizá tenga oculto ese secreto de la eterna juventud que da el poder de la sangre, porque de seguir así, es perfectamente capaz de enterrarnos a todos. También de 1958 es “LA VENGANZA DE FRANKENSTEIN”, dirigida por Terence Fisher, secuela menor y precipitada, que al menos cuenta con el concurso de Peter

FRANKENSTEIN

DRÁCULA

Cushing, dando vida nuevamente al Doctor Viktor Frankenstein. En 1959, es el turno de “LA MOMIA”, otra pieza exquisita del trio Fisher-Cushing-Lee, en la revisión de otro clásico de La Universal, sobre una famosa maldición que vuelve a dar vida a un viejo guardián egipcio de la reina, y donde la interpretación de Christopher Lee, al que solo vemos los ojos a través de los pesados vendajes, que apenas le dejaban moverse, resulta sumamente conseguida y por ende inquietante, erigiéndose como el mayor hallazgo del film. Del resto se encarga el buen hacer de Fisher tras la cámara, bien apoyado en el minucioso trabajo de fotografía de Jack Asher, su colaborador habitual, y donde los decorados lucen legítimos y esforzados en un film que tuvo gran acogida, en un momento en el que Reino Unido sufría una fiebre arqueológica por el antiguo Egipto, gracias a la exposición de gran número de piezas de aquel periodo en el Museo Británico de Londres. Del mismo año es el film “LOS ESTRANGULADORES DE BOMBAY” (1959), también con Terence Fisher a los mandos, un trabajo exótico ambientado en la India,

sobre un grupo de asesinos que adoran a la Diosa Khali, reina del caos y la destrucción.

UOS MÁS CADOS

También en 1959 se estrena “EL PERRO DE BASKERVILLE”, petición expresa de Terence Fisher a La Hammer, que siempre soñó con adaptar su episodio favorito de las celebres novelas de Sherlock Holmes, escritas por Sir Arthur Conan Doyle.

LA MOMIA

LOS DINOSAURIOS

El resultado es otro ejemplo de notable calidad, donde la puesta en escena nebulosa, las fiel translación del original a la pantalla, el concurso de Christopher Lee como Sir Henry, pieza clave de la trama, y la omnipresencia de Peter Cushing en uno de los papeles de su vida, dando vida a Holmes con gran precisión y entrega, y encajando como un guante su carisma y

estilo interpretativo en el alma del detective más famoso de todos los tiempos. En 1960, el Conde Vampiro regresa de la mano de Terence Fisher con “LAS NOVIAS DE DRÁCULA”, cinta olvidada por la ausencia de Christopher Lee, que es sustituido por David Peel como Barón Meinster, y que fue acogida con relativa frialdad por parte del público, pese a que Peter Cushing si repetía como Van Helsing. Un film interesante, que presenta una visión estética mucho más oscura de la original, basando su discurso en la sutileza, más que en un estilo directo de acción macabra. Del mismo año, y con Terence Fisher como realizador, es “LAS DOS CARAS DEL DOCTOR JEKYLL” (1960), que explota con oportunismo al personaje creado por Robert Louis Stevenson, y “LA MUERTE LLEGA DE NOCHE”, un thriller de suspense dirigido por Val Guest.

su actividad, y entrena dos cintas de carácter exótico, uno de ellos es “LA DIOSA DE FUEGO” (1965), de Robert Day, película fantástica de aventuras protagonizada por Peter Cushing, Christopher Lee y la bellísima Ursula Andrews, que da pie al lanzamiento al año siguiente de uno de los mayores éxitos de la productora, “HACE UN MILLÓN DE AÑOS” (1966), de Don Chaffey, cine prehistórico de imborrable recuerdo, que combina el atuendo mínimo de esa bomba sexual llamada Raquel Welch, con el trabajo artesanal e insuperable del maestro Ray Harryhausen, factores de lujo al servicio de un film entretenido que marco una época y a toda una generación.

De 1966 es también “DRÁCULA: PRÍNCIPE DE LAS TINIEBLAS”, el regreso de Christopher Lee al personaje, tras ocho años de ruegos y peticiones por parte de toda la galaxia cinematográfica. Con dirección de Terence FiA principios de la déca“Todo director que pretenda introdu- sher, como no da de los 60, continua podía ser mecir un toque de macabra distinción el goteo de figuras de en sus películas, tiene muy presente nos, esta semonstruos clásicos de La cuela, que solo las obras de La Hammer, y en concreUniversal, que prácticaecha en falta to, las de Terence Fisher” mente impone a Fisher la presencia de David Cronenberg como realizador, nacen Peter Cushing, así “LA MALDICIÓN DEL es un film basHOMBRE LOBO”, con Oliver Reed de pro- tante más estilizado y dinámico que el rotagonista, y “EL FANTASMA DE LA ÓPERA” dado en el 58, y contiene un prodigioso (1962), trabajos ambos inferiores a los hallazgo en el tratamiento que se hace del originales, pero sobrados del encanto de mítico Conde, al que se deshumaniza por la mejor época de La Hammer, sujetadas completo al no vérsele pronunciar un solo diálogo en todo el metraje. por el talento de su director más capaz. Otros títulos destacados de este periodo son “VENGANZA DIABÓLICA” - The Maniac - (1963), una eficaz cinta de terror e intriga dirigida por Michael Carreras, “LA MALDAD DE FRANKENSTEIN” (1964) de Freddie Francis, con Peter Cushing dando vida nuevamente al creador del monstruo, y “LA LEYENDA DE VANDORF”, con el trio Fisher/Cushing/Lee, curioso film de terror también conocido como “La Gorgona”, ya que su criatura asesina es La Medusa de la mitología griega.

Las malas lenguas afirman que Lee obligó a los productores a eliminar sus frases, dado que consideraba que las lineas escritas para el por John Samson, guionista del film, eran ridículas, algo que vino de perlas a Fisher, que siempre pensó en el monstruo como un ser aún más despiadado y primario, lo que explica su enorme ansia de poder y su avidez por la sangre. Bajo esa tesitura, sobran las palabras, y el horror se intensifica hacia un escalón superior.

Entre 1965 y 1966, La Hammer diversifica

Atención al duelo final en el lago helado,

sumamente original e inolvidable. TERENCE FISHER (1904-1980) Prácticamente toda una vida profesional dedicada a ser un estandarte para Hammer Productions, al señor Fisher le bastaron apenas un par de cintas para demostrar a los responsables de la factoría, que tras su cotidiana apariencia, se escondía un talento sobrenatural. Poco importaba su falta de experiencia tras la cámara, saber manejar presupuestos de bajo calibre, y obtener un rendimiento tan óptimo, solo esta al alcance de un auténtico genio del Séptimo Arte. Al igual que muchos realizadores, que solo obtienen la satisfacción en el desarrollo técnico de sus obras, Fisher tuvo cerca

siempre guionista afines, a los que exigía textos abiertos sobre los que poder plasmar fielmente sus obsesiones personales, así, en su primera época, la que hemos definido como dorada, tuvo a su servicio a James Sangster, al que básicamente utilizaba para los diálogos, el aspecto del proceso creativo que menos le interesaba como cineasta. Ese gusto por rodar siempre con los mismos colaboradores, se extiende a casi todos los apartados que componen la producción, solicitar a Peter Cushing y Christopher Lee como protagonistas, Jack Asher en la fotografía, o James Bernard como compositor, eran exigencias casi obligadas para Fisher, que únicamente bajo esa comodidad, era capaz de pasar por alto el hecho de tener que filmar varias

historias al mismo tiempo, repitiendo decorados y localizaciones. Todo un quebradero de cabeza para cualquier autor, que le obligaba a ingeniárselas para disfrazar los mismos, en un esfuerzo que sencillamente, buscaba que el público no notara en exceso tal reiteración en la puesta en escena. Los resultados finales, en la mayoría de películas que contaron a los mandos con ese maestro indiscutible del cine de Terror que era Terence Fisher, son demoledores, el es el mejor exponente del triunfo de la Hammer, y el responsable más director de haber elevado un estilo, el gótico, a categoría de arte, gracias al uso de la sutileza en elementos básicos para el género tales como el erotismo o la violencia, argumentos sobre los que poder construir un discurso más moderno, con el que poder atrapar al espectador en su particular universo. EL DECLIVE DEL TERROR GÓTICO A finales de los años 60, se produce una gran excisión cinematográfica, indudablemente la más importante de su historia contemporánea, la aparición de un puñado de figuras rompedoras en el terreno de la dirección, suponen un punto y final casi definitivo con el cine de La Época Dorada de Hollywood, algo que no resulta ajeno para el encanto y saber hacer británicos, que se ve igualmente obligado a modificar sus acabados para adaptarlos a los nuevos tiempos. Con la llegada de los 70, ese punto se convierte ya en un horizonte sin retorno, en el que todo lo relacionado con el Séptimo Arte es devorado por la rabiosa modernidad. Lo que antes resultaba innovador, se torna ahora ingenuo para un respetable ávido de nuevas experiencias visuales mucho más radicales y agresivas. Bajo las normas de ese tablero de juego, La Hammer, antiguo paladín del vanguardismo, acaba devorado por las nuevas formas fílmicas, sufriendo gradualmente el mismo proceso que ellos provocaron

al cine clásico, y que inevitablemente, les aboca a la destrucción. Pese a lo dicho, la factoría aún tuvo un par de éxitos gracias a títulos como “QUE SUCEDIÓ ENTONCES” (1967) de Roy Ward Baker, tercera y última entrega de las aventuras del Doctor Quatermass, ya en color, y con James Donald sustituyendo a Brian Donlevy, en una versión más amable y menos contundente que la original, y otra secuela, “EL CEREBRO DE FRANKENSTEIN” (1968), del infalible Terence Fisher y nuevamente con el gran Peter Cushing en el papel principal de maníaco Barón. Por contra, se producen los primeros síntomas de agonía para la productora, “DRÁCULA VUELVE DE LA TUMBA” (1968), de Freddi Francis, con un Christopher Lee trabajando de mala gana bajo un enfoque sobre el personaje que no era de su agrado, “EL CONTINENTE PERDIDO” (1968), de Michael Carreras, otra muestra de cine prehistórico, o “LAS CONDESA DRÁCULA” (1970), de Peter Sasdy, que ya introduce elementos eróticos en la producción, en un vano intento por perpetuarse más allá de su propia vida útil, y que desgraciadamente, se hizo extensible a un buen puñado de obras a lo largo de los 70. Todas ellas son ejemplos nefastos y olvidables que representan la peor cara de La Hammer. En los estertores finales de la compañía, y con el norte perdido, solo cabe destacar un film que si ha quedado como referencia estimable al pasar de los años, hablamos de “KUNG FU CONTRA LOS SIETE VAMPIROS DE ORO” (1974), de Roy Ward Baker, disparatada pero eficaz muestra de cine de terror y artes marciales, que combinaba con habilidad ambos espectros, en una historia imposible en la que el Conde Drácula viaja a China y se transfigura en oriental, asolando periódicamente una aldea remota, y protegido por el poder de siete chupasangres milenarios que dan nombre al film, hasta que el profesor Van Helsing viaja al país asiático para dar una conferencia, y toma cartas en el asunto.

Película de culto, con un envejecido pero siempre reconfortante Peter Cushing, dando vida de forma inimitable al mítico profesor, y que contiene alguna que otra escena memorable, derivada del enfrentamiento directo entre los estilos mencionados, pese a que la sombra del ridículo planea en todo momento por casi todas las facetas de la producción. El último film de La Hammer Productions, data de 1976, “LA MONJA POSEIDA”, de Peter Sykes, un trabajo que intentaba aprovechar, sin mucho éxito, la estela de películas como “El Exorcista”, y que contaba como Richard Widmark y Christopher Lee como protagonistas. Tras un breve epílogo por el medio televisivo, la productora echa definitivamente el cierre en 1978, y durante muchos años, fueron muchos los que pensaron que su

corazón había dejado de latir para siempre, sin percatarse de que, como si de una criatura de sus obras se tratase, esperaba bajo el abrigo de las sombras más tenebrosas, un mínimo aliento vital que la hiciera nuevamente resurgir de sus cenizas.

LA HAMMER REGRESA DE LAS TINIEBLAS Como quien no quiere la cosa, hemos dejado el motivo real de este artículo para su parte final, el estreno a principios de noviembre, mes que nos ocupa, del film “EL ESTIGMA DEL MAL”, del director John Pogue, una historia sobre exorcismos basada en hechos reales, sumara el cuarto título de la etapa moderna en la renacida factoría. Previamente, y tras “Beyond the Rave” (2008), ya mencionada al inicio, se estre-

naron “DÉJAME ENTRAR” (2010), estimable remake vampírico de Matt Reeves, basado en la cinta sueca del mismo título, y “LA MUJER DE NEGRO” (2012), de James Watkins, todo un homenaje al viejo estilo, con su tenebrosa casa encantada, sus fantasmas, y el niño mago Daniel Radcliffe intentando huir en parte, de ese personaje que le catapultó a la fama. Dos cintas que hacen pensar que hay futuro para la nueva Hammer, sobre todo si contamos que a su favor, fluye una poderosa corriente retro que inunda casi cualquier espacio cultural en la actualidad. Bajo esa realidad, a sus responsables debería bastarles con encontrar un par de realizadores y actores estrella, seguramente, baste con indagar buscando ese talento en los subterráneos del planeta cine, nunca en la primera fila, las pautas a seguir son sencillas, compromiso y fi-

delidad con el público, ese ente soberano que hace y deshace, y siempre tiene de su parte la razón. Evidentemente, los cinéfilos celebramos su regreso, y esperamos con sinceridad, que este sea por muchos años.

los juegos del hambre

sinsajo parte 1

Es evidente que está de moda adaptar a la gran pantalla las sagas literarias juveniles del momento, sobre todo las que son best-seller. Pero pocas han logrado cautivar a los lectores y espectadores de todas las edades como la aclamada Los Juegos del Hambre. Esta saga empieza a ver su culminación cinematográfica con el estreno este mes de Sinsajo, Parte 1, donde Katniss Everdeen forma parte de una revolución en toda regla para acabar con el gobierno del Capitolio. La industria cinematográfica está tirando más que nunca de material literario para sus historias y cualquier saga susceptible de tener un considerable éxito de ventas se ve irremediablemente adaptada a la gran pantalla en poco tiempo. Ocurrió con otras historias, fundamentalmente ju-

veniles, como Harry Potter de gran éxito en taquilla o Crepúsculo (cuya popularidad algunos nunca entenderemos) y ciertas adaptaciones se dieron el batacazo en taquilla como Eragon o La brújula dorada que ni siquiera pudieron rodar sus secuelas debido a su poca aceptación por parte del público. Sin embargo, existe una saga que funciona igual de bien tanto en novela como en película y su creciente éxito está más que justificado: Los Juegos del Hambre. Las dos primeras películas de esta extraordinaria serie literaria juvenil muestran con gran fidelidad a los libros un escenario en el que una forma de gobierno (El Capitolio) domina de manera dictatorial a una población dividida en distritos dedicados a obedecer y abastecer las necesidades del Capitolio. La tiranía de esta retorcida forma de poder va más allá: cada año

un chico y una chica de cada distrito son obligados a luchar por su vida en una especie de macabro “reallity show” donde se les somete a duras pruebas y condiciones extremas, viéndose obligados a matar al resto de adversarios puesto que el “juego” sólo termina cuando queda un único superviviente. Pues bien, tras el éxito de las primeras entregas cinematográficas que funcionaron muy bien en taquilla tanto por la ya mencionada fidelidad a los libros, como por la impecable actuación de los protagonistas y el lograr un ritmo en todo momento adecuado, la tercera y resolutiva entrega Sinsajo se sube al carro de dividir en dos películas lo que un sólo libro cuenta , y este mes podremos disfrutar en los cines de la primera parte de este desenlace, donde ya no veremos más juegos, sino

una lucha real y unánime de un grupo de “rebeldes” para acabar con la supremacía del Capitolio. Por supuesto, en esta historia Katniss tiene nuevamente mucho que aportar y podremos ver de nuevo a una genial Jennifer Lawrence interpretando a este valiente personaje que ha impulsado su ya interesante carrera como actriz y la ha convertido en una de las actrices jóvenes del momento. Esta película promete seguir mostrando la esencia de unos libros escritos para hacer reflexionar al lector sobre importantes cuestiones como los peligros de un sistema de poder que configura cada paso de sus ciudadanos y frivoliza con la vida de las personas, sacrificando niños y adolescentes para el divertimento de unos pocos acomodados y televisando la tragedia de sus protagonistas y familiares. En este tipo de sistema, cualquier palabra que se sale del guión impuesto supone un peligro para la supervivencia del régimen y los libros y films retratan a la perfección cómo unos pocos inician una revolución con pequeños actos que despiertan a la población y atemorizan a los gobernantes, algo completamente extrapolable al mundo real. Este último film (o al menos su primera

parte por el momento) se centra ahora en la lucha de un pueblo que ha despertado del todo y, gracias al ejemplo de Katniss en los juegos, ha vencido el temor que atenazaba sus vidas, iniciando una revolución que hace tambalear el preciso e injusto sistema que el Capitolio había mantenido vigente durante años. La trama desde luego promete y mucho, pero como todo rodaje tiene sus curiosidades, nosotros prometemos amenizar la pequeña espera con algunos datos que nunca vienen mal. Una “anécdota” del rodaje que el reparto desde luego no olvidará nunca es la protagonizada por Jennifer Lawrence cuando, grabando una escena en la que la chica guía a sus compañeros por un túnel, una máquina encargada de mover humo se estropeó y hubo que parar el rodaje porque los actores empezaron a ahogarse. Lo peor de todo fue que durante unos minutos no lograron localizar a Jennifer y todo el equipo empezó a buscarla a ciegas hasta que alguien la encontró mareada y aturdida. Afortunadamente, todo quedó en un susto y la joven se recuperó pronto de este trance. Una de las cuestiones que rondan a los fans de Los Juegos del Hambre es si el tristemente fallecido este año Philip Seymour Hoffman aparecería interpretando a su personaje en las entregas anteriores: Plutarch Heavensbee o bien sería sustituido por otro actor. Pues bien, al parecer, Hoffman había terminado el rodaje de sus escenas poco antes de su muerte, por lo que no habrá ningún cambio en esta cinta, aunque todavía queda el problema de Sinsajo, Parte 2 que al parecer se podría solventar utilizando la tecnología CGI para recrear al actor en las pocas escenas en las que su personaje aparece en la última entrega. A propósito de la pérdida del gran actor, todo el reparto se mostró bastante afectado y algunos lo recordaron con cariño en entrevistas como Elizabeth Banks, que interpreta a Effie Trinket quien recordaba a su compañero con estas palabras para una revista: “Realmente estoy en shock. Él ha sido un actor absolutamente increíble, respetado por todo el mundo y forma parte de nuestra familia en Los

Juegos del Hambre”. Además, como las escenas de Sinsajo Parte 1 fueron una de las últimas que rodó el actor, muchos ven esta cinta como un homenaje para honrar su memoria. Otro de los motivos por los que Sinsajo está siendo tan esperada es por ver a la aclamada Natalie Dormer (Margaery Tyrell en la serie Juego de Tronos) encarnando a Cressida, una de las rebeldes que acompañan a Katniss en su cruzada por recuperar la libertad. Una de las características de este personaje es que lleva la cabeza totalmente rapada en las novelas, pero el director Francis Lawrence prefirió no privar del todo a la rubia actriz de su melena y optó por que se rapara sólo un lado de la cabeza al estilo “side shave” algo que la popular actriz agradeció con estas palabras “ Estoy muy contenta de habérmelo dejado así porque creo que se adapta mejor a la moda del Capitolio, y de allí proviene Cressida. Mantiene su estilismo también cuando es una rebelde y creo que es algo que beneficia al personaje”. Está claro que será interesante ver a esta prometedora actriz en un papel diferente al de reina, luchando al lado de Katniss y no tramando desde la seguridad de una fortaleza como hasta ahora la habíamos visto. En definitiva, Sinsajo, Parte 1 se convierte en un film de obligado visionado para los fans de la saga y en general para cualquiera que, haya leído o no los libros, quiera disfrutar de una historia con una trama inteligente, con tintes oscuros, a pesar de ser dirigida sobre todo a un público joven y muy recomendable para aquellos que pasan de historias en las que los protagonistas se sientan y no hacen nada, sino que por el contrario prefieren personajes decisivos en una trama fascinante, y Sinsajo desde luego, está diseñada para hacernos disfrutar y volar. ROSA MARÍA CORTÉS

annabelle gloria carrasco carrasco

El pasado viernes (26 de Octubre) decidí que era hora de pasarse por el cine y ver qué tan abrumadora y tenebrosa era la muñeca de moda que apareció la primera vez en gran pantalla en el verano del 2013, como trofeo del matrimonio Warren, que sirvió de introducción para la película ‘Expediente Warren: The Conjuring’, basada en hechos reales. En ‘Expediente Warren: The Conjuring’ pudimos ver a una familia numerosa recién mudada a una granja en los 70, en la cual empiezan a manifestarse cosas paranormales. Ellos no tienen más remedio que recurrir a Lorraine y Ed Warren, una vidente y un demonólogo reconocidos notablemente por la Iglesia. Imagino que ya sabréis el resto de este maravilloso filme de terror del director James Wan, el cual quería crear algo diferente en el mundo de terror (y lo consiguió con matrícula de honor, llegando a ser la película más terrorífica del 2013 y desde luego, de muchos años más a mi parecer), después de ‘Insidious’. Tras este breve paréntesis, los Warren salvaron a la familia Perron haciendo un exorcismo a la madre, adquiriendo finalmente como trofeo una cajita de música que contenía la melodía de la que sería después la misma de la precuela de la película, ‘Annabelle’.

Antes de continuar leyendo, te recomiendo parar si aún no viste la película debido a que contiene spoilers. RESEÑA Y CRÍTICA DE ANNABELLE La película empieza como comenzó su antecesora. Año 1970, las enfermeras se encuentran hablando con el matrimonio Warren acerca de la maligna muñeca. Esta escena da paso a lo que será la explicación de cómo y de qué manera llega Annabelle a sus manos. Los protagonistas de esta historia son una joven pareja de enamorados de 1969, John Gordon, un médico en proceso y Mía Gordon, su mujer, a punto de dar a luz a su primera hija, Lia. Hasta aquí todo es de color de rosa, porque de la noche a la mañana John le hace el regalo de su vida a su mujer, una muñeca “preciosísima” que ella había estado buscando tiempo atrás y no había manera de encontrarla por ningún sitio. Vamos, se ve que a la mujer le chiflan las muñecas una barbaridad porque tiene el cuarto del bebé lleno de ellas. Tal vez sea como una obsesión, porque en cada esquina, en cada hueco ves a una muñeca, cada una más bonita que la anterior.

Esa misma noche, cuando están durmiendo, empiezan a escuchar ruidos extraños que provienen de la casa de los vecinos. Así que hace lo que cualquiera con dos neuronas de frente haría, ir sin más en plena noche, a ver qué pasa, ¿Por qué no? Y si vas solo mejor, porque te conviertes en todo un americano. Si es que qué manía con hacerse el héroe… Al final llaman a la policía, pero la cosa se desmadra demasiado cuando los asesinos de los vecinos llegan a la casa de la feliz pareja a hacerles una visita de “cortesía”. La pobre Mia se gana una puñalada y el marido se gana también unas buenas galletas, pero todo sale positivamente gracias a que la policía llega por una vez a tiempo a salvarlos. Para colmo, la asesina entró en la habitación donde estaban todas las muñecas, cogió a la nueva adquisición y se suicidó, no sin antes dejar su marca en la pared, que más tarde averiguan que se trata de un símbolo que proviene de una secta satánica. Pero esta pareja puede con todo, el bebé sigue con vida y a Mia no le ha pasado nada. De vuelta a la vida normal en la casa de los crímenes. Yo me habría mudado ipso facto. Como todos esperamos cuando la estamos viendo en el cine, empiezan a suceder cosas extrañas, como por ejemplo una máquina de coser que se enciende sola, la televisión apagándose cada dos por tres, la muñeca cambiándose de sitio y moviéndose en la mecedora… hasta que llega el plato fuerte. Mientras que Mia está cosiendo (la pobre no tiene otro entretenimiento, porque se aprecia que no hacía otra cosa antes de que la muñeca entrase en su vida), con el marido fuera de casa, una bolsa de palomitas comienza a hacerse en la cocina de gas hasta llegar a arder. Esto tampoco es normal y me refiero a Mia, ¿Cómo no nota el olor a quemado de las palomitas antes de la fiesta del fuego? Si no llega a ser por unas personas que vieron el humo, se hacen las dos al punto. De nuevo todo sale de rechupete y cuando vuelve John se encuentra con su mujer sana y salva con su hija. En ese mo-

mento, en plena felicidad, deciden de una vez por todas mudarse a un piso. No sin antes abandonar a la muñeca. Pero por arte de magia esta vuelve con la familia y deciden quedársela, sin limpiarla ni nada, total… ¿Para qué? Al estante directa y a otra cosa. Mia conoce a dos pequeños mal educados en la escalera tras salir de casa para pasear con la pequeña Lia, descubre una pintoresca librería dirigida por una encantadora mujer que nada más ver a Mia sabe que pasa algo, lo sabe porque pone mirada de interesante y después de vuelta para casa, donde descubre cuando llega al portal unos dibujos de ella y el bebé, el cual es arrasado por un camión en el dibujo final. Tampoco es que le prestasen demasiada atención a los dibujos, todo niño dibuja cosas así… Pues nada, la cosa va cogiendo cuerpo y Mia comienza a tener visiones sobre la joven que se quitó la vida en su antigua casa y encima el marido no la cree… al principio. La mejor parte, para mí, es cuando Mia sale de su casa para colocar una caja llena de trastos al trastero del bloque. En ese lugar experimenta toda clase de presencias paranormales, desde llantos de su bebe hasta puras presencias que se hacen visibles delante de sus narices, acosándola de una manera bastante importante. Se

sube al ascensor huyendo como una cosaca, dándole al botón de subida y siempre abriéndose en el mismo lugar. Este proceso se repite muchas veces. Esa presencia se cachondea de ella cada vez que quiere, es demasiado cruel. Llega a las escaleras de milagro y de repente ve a una especie de espíritu con cuernos, todo de negro, que la persigue y le hace el mismo símbolo que el que hizo la chica suicida en la pared de su antigua casa. Pero la herida desaparece al día siguiente, que descubre a su vez que la cosa que le persigue es un demonio que quiere su alma y no parará hasta conseguirla.

Mia va a la librería de la encantadoraEvelyn, que es especialista en casos paranormales por cosas que vivió en el pasado y decide ayudarla en todo lo que pueda sacándole de todas sus dudas con unos libros que tratan estos temas. Así que a Mia le toca hincar los codos. Pero es que en su casa no hay manera de que se concentre, porque el demonio no para de abrir y cerrar puertas escondiendo a su vez a Lia para que Mia la encuentre. Si en el fondo es un niño travieso este demonio… A todo esto, entra en acción el Padre Pérez, que se presta voluntario para llevarse a la muñeca a la iglesia, pero de nada sirve tantas molestias. Antes de entrar en la iglesia el Padre voló y no supo aterrizar debidamente. Claro que Mia, junto con Evelyn que se encontraba con ella en ese momento y le cuenta su historia, no se entera del accidente de este hasta que John le llama y se lo explica todo. La muñeca no ha sido hallada y es la hora del acto final. Un torbellino de sucesos paranormales arrasa por todo el piso, dejando a Evelyn fuera de juego tras la puerta del piso y a Lia desaparecida. Más adelante se produce una calma, cuando Mia entiende que tiene que hacer lo que sea por salvar a su hija y piensa que debe ofrecer su alma y tirarse por la ventana, pero todo da un giro “inesperado” y Evelyn se teletransporta a la ventana y cae en picado junto con la muñeca Annabelle. Tras eso, la muñeca aparece de repente en una tienda de antigüedades y ya podéis imaginar cómo llega a manos de las enfermeras. En fin, la película ha estado entretenida, pero si la comparamos con “Expediente Warren” es pura comedia. GLORIA CARRASCO CARRASCO

Entrevistamos a: Anabel Botella

Anabel Botella Con motivo de la publicación de su última novela Dead7, la autora ha hecho un paréntesis en la promoción para atender a NosoloFreak. Hoy visita NosoloFreak una autora Murciana que acaba de editar la que es ya su cuarta novela Dead7. Hablamos de la creadora de “Como Desees” y “Ángeles Desterrados”. Ella es Anabel Botella pero mejor que se presente ella.

Para la gente que no te conoce aun podrías decirnos ¿Quién es Anabel Botella? Ante todo soy una mujer que adora las letras. Me recuerdo con un libro en las manos desde pequeña. Me encanta leer, actuar y escribir, tres cuestiones que procuro compaginar de la mejor manera posible y sin volverme loca. También soy hija, hermana, madre, compañera, amiga y bloguera. Sigo siendo risueña, soñadora y un poco bocazas. Cada vez más adoro el silencio, la meditación y el yoga.

que podemos encontrarnos en las páginas de Dead7. En Dead7 podemos encontrar una historia de mucha acción, bastante tensión, mezclada con alguna escena romántica. En la novela nos encontramos a una chica valiente, Katinka, que solo quiere vivir tranquila, que sueña con ser bailarina y actuar un día en el Royal Ballet de Londres, que está muy enamorada de su novio Eloy y que de pronto se encuentra jugando a un juego que no se imagina las consecuencias que le puede traer a su vida. Porque Dead7 es un juego, pero es algo más. Como dice la organización: No sabes a lo que estás jugando.

Según podemos ver en el Booktrailer, todo comienza con un tuit, ¿Cuál es la importancia del mundo online en Dead7? ¿Eres usuaria habitual de las Si es difícil publicar una novela, tú redes sociales? ya vas por la cuarta ¿Se vive igual los nervios las expectativas, etc…? Dead7 se presenta como un juego por internet No sé cómo lo vivirán otros autores, pero yo sigo sintiendo los mismos nervios que con la primera novela, pero casi que con más presión que cuando publiqué Ángeles desterrados. Con #Dead7 no dejo de pensar si gustará la novela, si se venderán ejemplares, si a la gente les interesará esta historia. En fin, me preocupo por algo que ya no puedo controlar. Lo único que me queda por hacer es respirar con calma y confiar en que todo vaya bien.

Hablemos de Dead7. Cuéntanos sin hacer demasiados spoilers,

en el que se busca a 7 participantes. La premisa es: 1.777.777€ para el mejor. ¿Qué serías capaz de hacer por este dinero? Desde la cuenta de Twitter se van sucediendo una serie de respuestas. En el momento en el que el concurso empieza, sabremos el por qué de ese título.

Si que soy usuaria de las redes sociales y los personajes de la novela también lo son. He creado cuatro cuentas de Twitter, que son los que salen en la novela Katinka: @Cisneblanca, Eloy: @Tantsor16, Tamara: @Babydollgon y @_Dead7, una página de Facebook de la

novela Dead7: https://www.facebook.com/pages/ Dead7/776952462369022 Además, la editorial ha creado una web estupenda: www.dead7eljuego.com Katinka es una protagonista fuerte y sobre todo con mucho coraje. No quiere participar en Dead7, un concurso que corre por Twitter como la pólvora y que todos sus compañeros de clase sueñan con entrar. También tiene una parte analítica y no acepta ciertas reglas porque alguien lo diga. Va un poco a contracorriente. Tampoco duda en decir lo que piensa. Adora el ballet y sueña con actuar un día en el Royal Ballet de Londres. Eloy Sierra es el novio de Katinka. Es el menor de dos hermanos. Tiene casi 17 años. Es moreno y está orgulloso de su cuerpo fibroso. Ayuda a sus padres en el bar cuando puede para sacarse algo de dinero. Le gusta la literatura rusa y el kárate. Lleva practicando este arte marcial desde que tenía 8 años. Quiere leer con su novia Anna Karènina. Cuando no queda con ella, ve series y las comenta. Siempre juega a ganar. No le gusta perder. Nunca no es una opción. Siempre hay una posibilidad. Le gusta la música y correr en moto. Tamara González es la heredera de Químicas ElNorte. Tiene 17 años. Es rubia y está orgullosa de su talla de pecho: 100 B. Piensa que todas las rubias no son tontas, y para muestra ella. Desea demostrar todo lo que vale. Quiere ser famosa cueste lo cueste. No le importaría entrar en Gran hermano, pero hasta que no cumpla los 18 no se puede presentar. Su máxima es: “En esta vida todo tiene un precio y el que diga lo contrario miente”. Entre sus aficiones están hacer shoping y comprar ropa de marca (Dolce&Gabanna y Versace), ir a hoteles estrellas, comer caviar, relajarse en un spa. Sueña con tener un Ferrari rosa.

¿Crees que estamos en un momento especial en lo que a la literatura “juvenil” se refiere? Creo que sí. Desde hace unos años a esta parte la literatura juvenil vive un buen momento. Los editores se arriesgan con historias que no son solo para escolares y de colección. Este sector de público es enormemente entusiasta y fiel cuando se sienten atraídos

“Ante todo soy una muje que adora las letras. Me recuerdo con un libro en las manos desde pequeña” por una historia. Un importante número de éxitos editoriales recientes, como podrían ser la trilogía de Memorias de Idhún de Laura Gallego, las dos trilogías de Francisco de Paula,

er e

Canciones de Paula y El club de los incomprendidos, la saga de Harry Potter de J.K Rowling, La trilogía de Los juegos del hambre

de Suzanne Collins o la tetralogía vampírica de Stephenie Meyer se han debido al entusiasmo de sus fans adolescentes y la promoción espontánea que realizan tanto en su entorno como en foros de internet. Estas novelas han emocionado a miles y miles de lectores. Evidentemente las editoriales se han dado cuenta que es un público que tienen que cuidar porque consumen muchas lecturas.

de vapor y algunos más que no recuerdo. La constancia es fundamental para publicar. Sé lo que es esperar una llamada, sé lo que es recibir cartas en el buzón rechazándome las novelas, sé lo que es tener varias novelas en el cajón y no saber qué hacer con ellas. Si realmente quieres publicar ese momento llegará. Solo es cuestión de tiempo y esperar. También recomiendo leer mucho (clásicos, juveniles, narrativa adulta… hasta esas novelas que son infumables porque en cualquier caso aprenderás cómo se escribe una novela y cómo no). Escribe sin miedo a equivocarte. De los errores que he cometido he aprendido mucho más que de los aciertos.

Muchas Gracias por todo ¿deseas Si entráramos en tu aportar algo más? biblioteca ¿Qué libros Me gustaría dejar el enlace del booktrailer que encontraríamos y que estás hemos hecho para la novela: https://www. leyendo ahora mismo? youtube.com/watch?v=-2rjNfWtbjo En mi biblioteca puedes encontrar de todo. Soy muy ecléctica en mis lecturas, y si a eso añadimos las lecturas de mi pareja de mi hijo, pues hay mucha variedad. Puedes encontrar desde ciencia ficción a romántica adulta, desde ensayos a obras de teatro, desde novelas infantiles y juveniles a tratados de teatrales. También tengo clásicos, narrativa, novela histórica. Yo leo de todo.

Ahora estoy leyendo tres novelas, una que tengo que prologar, Cuentos de la luna llena, de Iria G. Parente y Selene M. Pascual y Los números de la fe, de Rafael Ayerbe.

Por último, a la gente que está en casa ahora escribiendo, una autora con tu trayectoria que les recomienda y que consejos le daría. Les diría que no tengan prisa, que se tomen las cosas con calma, que lo importante es llegar. Sé que resulta muy fácil decirlo una vez que se ha publicado, pero mi primera novela publicada tardó en llegar casi cinco años. Por no contar todos los premios a los que me he presentado: La Galera jóvenes lectores, Minotauro, Darkiss, Everest, Gran Angular (varias veces), Barco

Muchas gracias a vosotros por ofrecerme vuestro espacio.

ENTREVISTAMOS A:

ICIAR BOLLAIN

Iciar Bollain Con Motivo del estreno en cines de su última película En Tierra Extraña, la directora Iciar Bollain nos ha concedido unos minutos de su tiempo

¿Cuál fue el motivo que te llevó a iniciar este proyecto? Icíar: Quizá un poco por lo que leía en los últimos dos, tres años. Hay muchas noticias sobre los españoles que se van, la fuga de cerebros, que se van preparados, que no se van preparados… Y entonces me empecé a preguntar qué dimensión tenía todo esto, esta oleada migratoria. El Gobierno por un lado minimizaba y decía que no eran tanto ni tan importantes, por otro lado había un estudio del CIS que señalaba otros datos. Y entonces me acordé de los años 60, entonces se fueron también muchísimos españoles. ¿Son parecidos, o no tanto, qué encuentran? Y al final estas preguntas me han llevado, con el testimonio de la gente, a descubrir un retrato de la crisis. Esa relación entre una emigración y otra se mantiene, se habla de la emigración de los 60, pero al final lo que se quiere es

hablar de lo que está pasando.

¿Qué diferencia ves entre los emigrantes actuales y la de los años 60? Icíar: Hay una tendencia común de cómo se van muchos. No todos ojos, pero es muy habitual. Muchas se van buscando suerte fuera, pero otros se van porque sienten que aquí no hay nada para ellos. Y es que hay una enorme decepción, sobre todo los que han estudiado carreras, porque ellos han cumplido. Han estudiado y “sido buenos”, como se les ha dicho, y al acabar sus estudios no han encontrado nada. Esto genera una sensación de frustración. La gente de los 60 no tenía esa situación. En muchos casos ellos eran analfabetos. Como dice la protagonista del documental, “hemos crecido en un país de sueños, mi abuelo no

Es muy distinto emigrar a un país en el que no hablas tu lengua, porque da igual la carrera que lleves, porque al no hablarla directamente vas a trabajos no cualificados, a hostelería. tenía sueños”. Su generación ha nacido en un país de prosperidad, que de repente es un país pobre. Esa decepción no estaba.

¿Por qué elegiste Edimburgo para rodar? Icíar: Reino Unido y Alemania, aparte, son los principales dos países donde emigran. Y en Reino Unido, la segunda ciudad con el mayor número de españoles es Edimburgo. Hay una colonia de hasta 30.000 españoles, respecto a una población de medio millón. Además como quería hacer una comparación con la otra emigración, se parecían en la cuestión de la lengua. Es muy distinto emigrar a un país en el que no hablas tu lengua, porque da igual la carrera que lleves, porque al no hablarla directamente vas a trabajos no cualificados, a hostelería. En esto ambas coinciden.

Y hablando de colonia, ¿qué implicación ha tenido en el documental? Icíar: Atendiendo a los números, bastante poco. Aunque mucha gente ha participado y ha ofrecido sus testimonios, no encontraba un

hilo conductor para el documental. Finalmente encontré la iniciativa que realiza Gloria, la chica que lidera la película. Gloria es dependienta en una tienda de ropa. Ella está preparada para ser profesora de Bellas Artes, pero no tiene plaza aquí. Ha creado un colectivo para hacer iniciativas artísticas y entonces creó con ellos este evento. Gloria llegó hace dos años a Edimburgo y comenzó a recoger guantes perdidos. Aquí es normal que se dejen clavados en una verja por si alguien los encuentra. Ella concretó su idea para el evento y durante su realización, ella

sacaba fotos mientras yo entrevistaba.

¿Qué te ha aportado a ti este documental? Icíar: Me ha servido para conocer mejor Edimburgo y a nuestros compatriotas allí. Ha sido muy interesante. Me ha permitido conocer la ciudad y poder trabajar con estudiantes de la universidad de allí. He tenido que tocar puertas para buscar financiación, sin éxito. Lo cual me ha permitido ver que no es fácil abrirte camino fuera.

¿Has querido mostrar cómo trabajar fuera de España?

Icíar: He querido contar lo que hay. Muchas se sienten acogidos, pero ninguno oculta que es duro. Que si no hablas inglés no tienes acceso a trabajos cualificados. En general se habla, sin embargo, es sobre España. De hecho, preguntaba: “¿Por qué no hay en España?” y salía así el retrato de lo que está pasando. También me parece interesante que muestre lo que pasa cuando estás fuera un número de años. Estas entre dos mundos, eres como un marciano, un poco guiri en todos los sitios. Y además vives la añoranza. Es un tema fundamental. Por Jesus Delgado.

SITGES 2014, UN AÑO DE INFLEXIÓN Del 2 al 12 de octubre se celebró la 47ª edición del Festival Internacional de Cinema fantàstic de Catalunya Sitges 2014.

Si hay algo que ha caracterizado a este certamen en los último años y lo ha hecho distinguirse de otros es su capacidad de evolución y adaptación en unos momentos particularmente complicados para el mundo de la cultura y el cine en general. El festival no sólo quiere ser un escaparate para las producciones de género fantástico en cualquier formato (recordemos que el festival se abrió al mundo de las series el año pasado y que este año consolida esta iniciativa con las actividades enmarcadas dentro del Sitges Serial), sino que además quiere convertirse en un espacio para el debate sobre la industria y un punto de encuentro para el mercado de esta industria que facilite y propicie el cierre de acuerdos comerciales.

Con el Festival acercándose ya a su cincuentena,

su evolución y crecimiento se ha hecho particularmente evidente este año, con

más proyecciones que nunca, más actividades paralelas que nunca y más galardones que nunca, Más películas, más secciones, más premios y más actividades paralelas

Si el año pasado el récord del Festival estuvo en el número de entradas vendidas (10.000, aproximadamente las mismas que en este edición), este año sin duda el récord ha estado en el número de películas proyectadas. Han sido cerca de 200 (una cincuentena más que el año anterior), propiciado quizás

por la aparición de nuevas secciones como la OFICIAL FANTÀSTIC ÓRBITA o el FANTÀSTIC DOCUMENTA y el crecimiento de otras como la FANTÀSTIC ESPECIALS o NOVES VISIONS (que se divide en cuatro categorías: Ficció, no Ficció, Emergents y Experimenta). Algunas de estas secciones además han venido acompañadas de sus propios premios (FANTÀSTIC ÓRBITA), otras han inaugurado premios este año (FANTÀSTIC PANORAMA) y además se han sumado algunos premios de nueva creación como el premio transversal BLOOD WINDOWS o el premio CINE365 FILM al cual optaban todos aquellos realizadores que hubieran presentado un cortometraje en cualquiera de las secciones con cortometrajes del festival. También ha sido destacable la cantidad de

El festival no sólo quiere ser un escapa fantástico ino que además quiere conver la indu invitados acreditados que han asistido al festival, sobretodo de profesionales del sector cinematográfico y estudiantes de cine en una importante apuesta de la organización por abrir sus puertas y su experiencia a la cantera de futuros cineastas. Otra prueba del espectacular crecimiento que ha experimentado el festival en esta edición, ha sido la gran cantidad de actividades paralelas que se han programado a lo largo de sus 10 días de duración: presentaciones de libros, cómics y novedades de editoriales, clases magistrales , debates, sesiones de pitching… pero lo más destacable por encima de todo por estar orientado a el público general han sido

proyectadas habían pasado con éxito por uno o ambos festivales. En este sentido, en cuanto a directores noveles destacan especialmente el trabajo de Ana Lily Amirpour (premio Citizen Kane al mejor director novel) A Girls Walks alone at night, una propuesta atípica sobre vampiros que ha cosechado numerosas menciones especiales de los diferentes jurados del festival; The Babadook, de Jennifer Kent, una historia de monstruos en el armario que nos ha dejado sin aliento o el mockumentary neozelandés What we do in the shadows de Taika Waititi y Jamaine Clement sobre un grupo de vampiros compartiendo piso… hilarante en cada minuto de su metraje y gen merecedora del Gran Premio del Público. Especialmente destacable en este sentido es un propuesta española que viene apadrinada por Álex de la Iglesia; Musarañas de Juanfer Andrés y Esteban Roel, con una especialmente brillante Macarena Gómez que no puede dejar más alto el listón del cine español de género. Respecto a autores que se van consolidando su buen hacer cabe destacar en primer lugar a Mike Cahill, quien si el año pasado llamó la atención con una atípica historia de ciencia ficción, Another Earth, este año ha arrasado llevándose el Premio a la Mejor Película en

arate para las producciones de género rtirse en un espacio para el debate sobre ustria las nueve exposiciones de temática variada pero siempre relacionadas con el fantástico.

Así destacaron especialmente la dedicada a la saga [REC] ([REC]: una saga indomable), la exposición de carteles de películas de la Cannon Films o Carne y Hierro dedicada al film de culto Tetsuo. Una porción de Sundance y Toronto en la Sección Oficial fantàstic a Competició.

El esfuerzo de la organización por acercarnos aquellas películas que ya han triunfado en otros prestigiosos festivales como Sundance o Toronto se hace cada año más evidente, casi una cuarentena de películas de las

la Sección Oficial con I Origins, una cuidada historia que plantea con elegancia el eterno enfrentamiento entre ciencia y fe. Pero también podría señalar otras producciones como The Voices de Marjane Satrapi, una propuesta a años luz de su anterior film; Alleluia de Fabrice Welz, una retorcida e incómoda historia sobre el amor, la obsesión y la dependencia o R100 de Hitoshi Matsumoto, un extraño cóctel de humor negro, extorsiones y perversiones. En cuanto a viejos veteranos, siempre es conveniente reservar un asiento destacado para nuestro adorado Takashi Miike que presentó en esta sección una de las dos películas que trajo al festival: Over my Dead body, una extraña mezcolanza de realidad, ficción y metalenguaje.

Fantàstic Órbita: las convergencias con el

fantástico

Esta sección de nueva creación ha permitido al festival acercar a su epicentro aquellos géneros que sin ser estrictamente fantásticos o de terror están en clara convergencia con él como podría ser el thriller. Así, esta sección ha permitido no dejar escapar las nuevas propuestas de autores que ya habían pasado por el festival y que este año se habían decantado por otros géneros, como Jim Mickle con Cold in July o Dante Lam con That Demon Within.

Los grandes maestros: Jean Luc Godard y Cronenberg El Festival siempre reserva espacio para las nuevas aproximaciones al género de grandes veteranos del cine, como es el caso de el último trabajo de Jean Luc Godard, Adieu a langage, un film sofisticado y complejo apto solo para los paladares más cinéfilos o lo último de David Cronenberg Map to the stars, una sátira descarnada sobre la industria cinematográfica la cual entró por cierto a competición en el último segundo en la Sección Oficial (por un malentendido con algún CEO de la productora, según comentó Ángel Sala) y que le valió el premio a la mejor actriz a Juliane Moore (ex aequo junto a Essie Davis por The Babadook)

Blood Windows, el fantástico que llega del Sur Es una marca distintiva del Festival el abrirse poco a poco a las aportaciones que pueden hacer al género diferentes países y zonas del mundo. Hace ya un par de años o tres el festival colocó su punto de mira en sudamérica, desde donde empezaban a llegar propuestas realmente interesantes respecto a cine fantástico y de terror. Es por ello que este año la organización del festival ha realizado una apuesta

Fantàstic Órbita ha permitido no dejar escapar las nuevas propuestas de autores que ya habían pasado por el festival y que este año se habían decantado por otros géneros más firme por las producciones procedentes de estas tierras. Así nace Blood Windows, una sección transversal que a través de una asociación con el mercado cinematográfico latinoamericano Ventana Sur, permite no sólo colocar estas películas dentro de las diferentes secciones del festival, sino también destacarlas con un galardón propio; el premio Blood Windows que este año ha recaído en la chilena The Stranger de Guillermo Amoedo, una de las cintas más celebradas por el público en esta edición. Dentro de esta sección quiero destacar especialmente la argentina Relatos Salvajes, una catárquica antología de historias sobre personas corrientes que alcanzan el límite de su tolerancia ante determinadas situaciones y Late Phases, una historia de licantropía que esta vez no está protagonizada por apuestos jovencitos, sino por un grupo entero de apacibles jubilados. Podría resaltar una buena veintena o treintena de películas más, pero necesitaría no ya un

artículo sino un reportaje entero dedicado al festival. Desde luego lo más remarcable de esta edición es el enorme crecimiento experimentado que he mencionado al principio de este artículo, hecho que me hace pensar particularmente, también gracias a ciertas declaraciones de su director Ángel Sala a la conclusión del festival, en que quizá este año sea un punto de inflexión para el certamen. Es evidente que un crecimiento de este tipo es insostenible de cara a próximas ediciones y que será necesario hacer un profundo ejercicio de autoexamen. La propia estructura del festival pide a gritos una simplificación y es probable que veamos algunos cambios en ese sentido de cara al próximo año; la organización del festival lo agradecerá y el público seguramente apenas lo notará porque estoy convencida de que seguirán ofreciéndonos aquello que el aficionado espera: amor por el fantástico.

Por Nuria Franco

CRÍTICA Jaume Balagueró vuelve con

[•REC] 4, donde acaba la saga que tanto ha dado al cine de género español. Y vuelve acompañado de Manuela Velasco mostrándonos su lado más heroico. Esta vez nos llevan a alta mar, donde encontramos a Ángela, a dos de los policías que la salvaron en el edificio y a la única superviviente de la boda que todos sabemos no acabó nada bien. El barco está lleno de misterios, jaulas, un laboratorio que les ocultan, como siempre mucha sangre, nuevas maneras de violencia donde podemos ver auténticas burradas y con bastantes toques de humor. Por lo que hemos podido hablar con Jaume Balagueró es el final de esta saga, aunque eso si, como en todas las películas de género siempre te deja un guiño para que te quedes con las ganas de más. En esta cuarta parte vemos como se abandona la cámara en mano que tantos recursos dio a la primera película, pero esto no significa que falte tensión. Entran nuevos personajes mezclados con los antiguos y por fin nos esclarecen el

dejen en paz. El reparto en general bastante bien, algún que otro personaje está algo sobreactuado, pero esto no quita la buena actuación de otros como Ismael Fritschi que está estupendo en su papel de fan numero uno de Ángela y que gracias a todos sus conocimientos de electrónica e informática puede ayudar a nuestros protagonistas y a él mismo. Si sois fans de la saga no dudéis en pasaros por el cine y ver [•REC] 4, os va a encantar y sobre todo podréis quitaros dudas acerca del virus y podréis ver más zombis que es lo que más nos gusta.

Como Velasco el papel lo único

siempre Manuela está estupenda en de Ángela Vidal que que quiere es que la

juguetones por todo el photocall y luego por la sala de cine.

Estuvieron en esta última fiesta de REC sus protagonistas Manuela Velasco, Jaume Balagueró, Paco Manzanedo, Críspulo Cabezas, Mariano Venancio, Paco Obregón, Emilio Buale e Ismael Fritschi, los cuales estuvieron muy atentos con todos nosotros y aguantando a la horda de zombis que se les echaba de vez en cuando encima. Como

nos

dijo

Balagueró

Jaume

en las entrevistas este es el punto y final de la saga y como el quería todo el mundo vino a ver su

“Final de fiesta” así

REC 4, FINAL DE FIESTA Estuvimos Premiere

comienzo del virus.

Muchos detalles que pueden recordar a “Alien y el 8º pasajero”, “La cosa” o “Braindead” puede darnos a pensar en un posible homenaje del director al cine de terror al uso.

distribuidora Filmax, quien además de otorgarnos un buen sitio en la premier puso a veinte zombis bastante

El pasado 27 de octubre tuvimos la gran oportunidad de asistir a la premier de REC 4, después de pasar la mañana con los actores y poder hablar con ellos, ahora tocaba disfrutar del estreno de su película y de cómo acogía el público la gran premier montada en los Cines Capítol en Gran Vía. La gran sorpresa nos la dio la

que muchas estrellas estuvieron junto a ellos para disfrutar de esta última película que tanto miedo a logrado darnos. Entre ellos pudimos ver a Angie Fernández, a la cual dieron un buen susto los zombis; al gran Carlos Areces; a la siempre magnífica Cecilia Gessa, sin Carlos Bardem; Eduardo Casanova, Diego Arjona, Fran Perea, Juan Ibáñez junto a Nerea Barros, Leticia Dolera, la cual según nos contó Manuela Velasco estaba triste por no poder hacer una nueva película de REC las dos juntas… La verdad que estuvo muy bien y nos divertimos mucho. La pena que haya acabado una saga que tanto miedo nos ha dado y a la vez tanto nos ha divertido.

que en eso se basa que al pasarlo mal también lo pases bien

Fusion Freak: Se han creado lemas alrededor de de esta saga, en REC era “Experimentarás el miedo”, en REC 2 era “¿Te atreves a volver?, REC 3 “El día más feliz de mi vida” ¿Tu que lema le pondrías a esta nueva de REC 4? Y Fusion Freak ha tenido el honor de entrevistar a los dos protagonistas del día a Jaume Balagueró y a Manuela Velasco. Nos invitan a estar con ellos en este “Final de fiesta”. Aquí nos responden acerca de los entresijos del rodaje en general de la saga de REC.

Fusion Freak: ¿Cómo afrontas acabar la saga de [REC]? Jaume

Balagueró: Bueno pues la afrontamos con un reto importante. Nunca tuvimos un universo preconcebido de la saga. En cada una de las películas lo que hacía era aportar algo totalmente independiente, ahora cuando llegamos a la cuarta y capítulo final teníamos que dar un poco de respuesta a todo y claro nos encontrábamos con piezas nuevas en cada entrega, que claro, ahora había que juntar y hacer que todo tuviese sentido. Ese es el primer reto importante, el segundo, de cómo afrontar esta [REC]4 está basado mucho en la motivación que siempre nos habíamos marcado. Siempre quisimos que cada entrega de [REC] fuese otra cosa, fuese completamente distinta

a las anteriores. No nos motiva mucho el repetir el mismo esquema, queríamos que todas las películas de [REC] fueran completamente distintas pero a la vez fueran fieles al espíritu. Si os fijáis [REC] es una película de miedo subjetivo, [REC] 2 es algo mas “juego de espejos” con más de dos puntos de vista, sale más acción, más terror, [REC]3 era algo mas paródico, era más comedia, más extendido. Y es que nos gusta mucho esto, que cada película fuera totalmente diferente y ahora queríamos hacer

otro tipo de aproximación al género, queríamos que

fuera un survival, una película de aventuras, queríamos que fuera un thriller, queríamos que fuera un montón de cosas metidas en una coctelera para poder hacer un final de fiesta a tope ¿no? Sobre todo muy divertido, es lo que siempre nos ha motivado a la hora de hacer [REC] es que sean películas muy divertidas y pasarlo mal. Aunque nadie lo va a pasar tan mal como en la primera (risas) porque la primera era puro miedo. Pero creo que en cualquiera de los casos nuestra intención siempre ha sido que lo paséis muy bien. ¡Mal! Puede que en algunos momentos, pero creo

Jaume

Balagueró:

Yo le pondría el lema “Final de fiesta” o “Ven a celebrar con

“Queríamos que tod [REC] fueran compl pero a la vez fuera

nosotros el final de fiesta”. La saga se acaba y vamos a celebrarlo por todo lo alto.

Fusion Freak: ¿Qué opinas que aporta de nuevo REC 4 que no aporta el resto de películas de la saga?

“Lo que siempre nos ha motivado a la hora de hacer [REC] es que sean películas muy divertidas”

Jaume Balagueró

optas en acabar con la cámara en mano ¿Esto se puede interpretar como una traición a la esencia de la saga? ¿Y porque optas desde el principio a un rodaje Fusion Freak: En la más tradicional? se rompe con das las películas de tercera Jaume Balagueró: Bueno la cámara en mano, puede interpretarse como letamente distintas pero se da una excusa una traición, pero claro se interpretar de muchas an fieles al espíritu” dentro de la película. puede maneras, aunque espero Jaume Balagueró Aquí desde el principio que no, porque realmente Jaume

Balagueró:

Yo creo que lo que aporta es otro tipo de aproximación a esta historia, una misma historia del virus, en toda la saga pelean con ese virus. Y hemos hecho otra manera de aproximarnos a esa historia desde otro género casi sin

traicionar evidentemente el espíritu de REC. De hecho quizá se aproxime más a las primeras en el tono que a la tercera por ejemplo. Pero sobre todo sorprende. Ven a ver el final de historia visto desde otro prisma.

no hemos querido traicionar nada. Lo que ocurre con este tema es que para nosotros la primera fue una propuesta original, innovadora, una película rodada en tiempo real, con una cámara subjetiva. Pero para nosotros eso era importante porque estaba justificado, es decir, tú estás viendo lo que estás viendo porque hay un cámara con una reportera que está grabando un reportaje en directo, así que tu ojo está en la lente de la cámara, eso lo justifica y haga que te lo estés creyendo. En la segunda conseguimos mantener un poco esa justificación cuando un equipo de GEOS entran al edificio, pues los GEOS siempre graban sus operaciones, ya sea por temas legales o por ver posibles fallos para luego mejorarlos. Y luego también metemos a los chavales que entran grabando con el móvil. Todo esto funciona y es totalmente justificable. Pero

¿Hasta dónde vas a poder justificar esto de una forma natural y no forzada?, yo creo que no da más de sí. Yo creo que Paco sabiamente comenzó con el video de una boda, eso fue muy sorprendente y realmente funcionaba, pero decidió en un momento dado a romper con esto. A nosotros si nos pareció interesante volver a buscar esa cámara subjetiva y decidimos que podíamos jugar con esas cámaras de seguridad. Para nosotros REC siempre ha sido un juego, siempre ha sido un juguete, en este caso nos ha parecido bien jugar con esas cámaras que además tienen una importancia en el argumento y la narrativa, pero no era algo para nosotros tan importante. Es cierto que han pasado 7 años, aquello que fue original en aquellos tiempos ahora no deja de ser una más de las películas de ese estilo. Creo que aquello que en aquella época fue fresco, ahora ha dejado de serlo. Entonces bueno, por eso terminamos con esa decisión, y sobre todo por lo antes mencionado, que en cada una de las películas de REC queríamos reinventar.

“Ro y1 3 cla y

Fusion Freak: Que la trama sea en un barco ¿Es algo que tenía pensado ya para esta película o fue algo de la sensación de no poder escapar y rápidamente última hora? surgió la idea del barco. El

Jaume

Balagueró:

Surgió muy rápido, teníamos muy claro que había que salir del edificio, porque era algo que ya no daba más de sí, entonces no podíamos hacer otra película entera en ese edificio. Pero si que había algo que yo quería mantener y era esa

seña de identidad de la saga que era esa claustrofobia, el sentido de aislamiento

barco era perfecto, un lugar en alta mar, donde no puedes escapar y además es opresivo y claustrofóbico. Así que nos pusimos en busca de un barco, bastante complicado hasta que encontramos el que nos gustó. Dentro del barco básicamente. Pudimos haber replicado todo en un plató, pero decidimos rodar en el barco a pesar de lo que suponía para el equipo y los actores,

fue algo muy complicado. Fue tremendo, fue infernal, pero a la vez era guay, porque todo lo que tenía ese barco de mugriento, pestilente, opresivo lo podíamos reflejar en la película.

Fusion Freak: ¿Cuál fue la escena más dura de rodar? Jaume Balagueró: La escena

más dura de rodar fue sin un momento de dudas la escena

final cuando Ángela Vidal cae al agua con esta balsa de salvamento y el motor, porque esto lo rodamos en una piscina en Gijón, que es un complejo de entrenamiento para la policía y bomberos de rescate, es un complejo al que vienen de toda Europa a prepararse. Allí hay una piscina con 8 metros de largo y 13 metros de profundidad con olas artificiales de hasta 3 metros y conseguimos ir allí, pero en noviembre y claro Manuela tenía que ir con su camiseta de tirantes y entonces tuvimos muchos problemas. Manuela tuvo muchas hipotermias, tuvimos que parar el rodaje, parecía que no íbamos a terminar, pero Manuela es una bestia y quiso seguir hasta el final y conseguimos acabar. Pero fue tremendo de verdad.

Fusion Freak: Esta es quizá la película de la saga más estadounidense incluso se puede ver un poco de esencia de “La Cosa” de la saga de “Alien” ¿Lo ha hecho para hacer un poco mas internacional la película o simplemente le ha salido así?

insospechados, tiene cosas que son homenaje a todo el género. Pero yo no veo yo que eso la hiciera más estadounidense, pero puede que si ¿he? Ya os digo que he buscado hacer una película muy entretenida y que diera respuesta a todo. El gusano, ¿Qué era ese gusano que salió en REC 2? Quería dar protagonismo a ese gusano y la verdad que nunca pensé en eso de hacerla mas estadounidense.

Jaume Balagueró: No, nunca Fusion Freak: ¿Por qué

nos habíamos planteado nada así. En todo caso son homenajes al género yo creo que REC 4 lo que tiene son muchas cosas… es decir, tiene “Mad Doctor”, como se dice, doctores locos, tiene monstruos, tiene tormentas en el mar, tiene hordas de infectados, tiene giros

odamos en una piscina en Gijón con 8 metros de largo 13 metros de profundidad con olas artificiales de hasta 3 metros y conseguimos ir allí, pero en noviembre y aro Manuela tenía que ir con su camiseta de tirantes entonces tuvimos muchos problemas. Manuela tuvo muchas hipotermias.”

Jaume Balagueró

habéis decidido acabar ya con la saga, cuando es enormemente rentable? Jaume

Balagueró: Bueno, porque yo creo que todas las cosas tienen su fin ¿no?, y creo que cuatro películas no están mal ¿no? Y para cerrar está bien. A mí lo que me gusta mucho y el otro día con Paco lo hablábamos, es mirar atrás y ves cuatro películas que son totalmente distintas y que parece que no tienen nada que ver, pero sí que tienen que ver y a nosotros nos parece algo muy rico. Y yo pienso también que cuando las cosas se comienzan a extender también se comienzan a agotar, quizá me equivoco no sé, pero lo decidimos así.

Tampoco me veo yo toda mi vida dedicada a los zombis

(risas), parece que soy un loco de los zombis y tampoco es verdad. Quiero decir, que tengo muchas cosas que contar, muchas más historias. Creo que cuatro está bien.

Fusion Freak: Hablando de las cuatro películas REC1, REC 2 fuisteis tú y Paco Plaza, en REC 3 Paco Plaza y en

esta REC 4 estás tu solo ¿Crees que habrá comparaciones con REC 3? Jaume Balagueró: Yo creo

que mucha gente va a ver las películas para comparar en vez de disfrutar, yo creo que ninguna película se hace para ser comparada. REC 4 la puedes comparar quizá con la primera y es lo que mucha gente está haciendo, “es que no da tanto miedo” efectivamente no da tanto miedo como con la primera, pero es que no es una

película de miedo como la primera es otra cosa, pero

vamos eso no tiene que ser un problema, es otra historia. A uno le puede gustar, a otro no, como siempre. Pero hay gente que se obsesiona con comparar. Pero yo creo que eso no es lo interesante de las pelis, yo creo que lo interesante de las pelis es verlas, cada peli es lo que es en sí misma y si te lo pasas bien viéndola súper bien, y si no, pues intentaremos a la próxima que te lo pases mejor. Pero la motivación de hacer una película es hacer que alguien lo pase bien viéndola no superar la comparación con nada. Las películas no se hacen para ser comparadas, se hacen para ser disfrutadas.

Fusion Freak: La publicidad que hicisteis con las reacciones del público en los distintos festivales funcionó muy bien para REC 1 y REC 2. ¿Vais a hacer algo parecido para esta última entrega? Porque ya sabes que las redes sociales ahora son muy importantes. Jaume Balagueró: No, no

lo pensamos porque esto fue una idea que surgió cuando nosotros presentamos REC por primera vez en Venecia y vimos como el cine reaccionaba de forma sincrónica ¿no? Con saltos, con sustos, pensamos “Ah, esto sería guay grabarlo” días después se volvió a presentar la película en Sitges y decidimos grabar eso. Pero esto tenía que ver con el tipo de reacción instantánea que provoca REC, que es una película de miedo total. En el caso de las otras tampoco

tenía mucho sentido porque no es el mismo tipo de película y la reacción no va a ser la misma. Si que se grabaron, en todas las películas se grabaron las reacciones del público, porque creo que es algo que está bien tenerlo ahora, no cuesta nada y siempre estar bien tener algo que quizá te sirva para promocionar algo. De hecho, hemos hecho una pieza promocional de la película, pero más bien de las reacciones del público al salir del cine.

Fusion Freak: Se deja un final un poco abierto en esta última entrega, ya sabemos que usted ha dicho que es el final y que no habrá REC 5 ¿Cree que Paco Plaza dentro de unos años pueda volver a retomar la saga desde esta cuarta entrega?

“Las películas no se hacen para ser comparadas, se hacen para ser disfrutadas.” Jaume Balagueró: No creo forma parte del género, de lo que dejar un final abierto sea no acabar una película, dime

una película de terror que no acabe totalmente. Ni REC

1 acaba totalmente cuando no había intención de hacer una segunda parte. Ni REC 2 cuando de repente aparece ese gusano que dices tu “¿que cojones hace ese gusano?” REC 3 de pronto si es quizá la que mas acaba, pero es que creo que algo de lo maravilloso que tiene el género es esa forma de acabar siempre guiñando un ojo, entonces, si no hubiéramos acabado REC 4, aunque es el capítulo final, guiñando un ojo, hubiéramos sido unos sosos. Si se hubiera acabado con un final “y fueron felices y comieron perdices y del virus nunca más se supo” pues eso es una mierda para los espectadores, vamos para mí sería un “venga ya tío, pero deja algo ahí…” pero no para seguir, si no porque

bonito del género. No se ha quedado así para que luego llegue alguien y siga haciendo películas. Pero yo me pongo a pensar y me parece que hay ideas brutales, con el mar totalmente infectado, sardinas, arenques… todo brutal.

Fusion Freak: ¿Por qué habéis retirado el subtitulo Apocalipsis en España? Jaume

Balagueró: Me parecía que si acabábamos con Apocalipsis después seguiría la saga y no quería dar esa sensación ¿sabes? Ahora lo pienso y creo que lo podría a ver recuperado al final, cuando ya todo ha terminado y aparece el pez, que es una barracuda por cierto, a ver puesto el título de Apocalipsis en azul y terminar tal cual.

Entra Manuela Velasco, la gran protagonista de la cinta, que tanta angustia nos ha hecho pasar y con la que hemos vivido toda esta aventura que ha sido REC.

Fusion Freak: Nos puedes definir tu personaje, como ha evolucionado a lo largo de la saga de REC. Manuela Velasco: Es curioso

porque toda la saga transcurre en muy poco tiempo, por lo cual a un personaje no le da mucho tiempo a evolucionar. Lo que pasa que lo que vive Ángela, porque es la que sobrevive, en muy pocas horas es mucho. A mi había algo que realmente me preocupaba muchísimo era el paso de los años de Manuela, que donde empieza REC 4 son unas horas después de las dos películas anteriores que se rodaron hace 8 años justo ahora, porque la empezamos a rodar el 23 de octubre de 2006 que era mi cumpleaños (risas). Y bueno claro yo decía, físicamente como vamos a justificar esto, porque obviamente no estoy igual. Pero luego, viendo el recorrido, que Ángela ha estado atrapada en esta situación, que ha sido afectada, que ha tenido el parasito, que ha pasado lo que ha pasado y que ese parasito ha hecho lo que ha hecho con la niña Medeiros, pues ahí me tranquilice, dije a bueno

después de esta bajada a los infiernos de Ángela es justificable que físicamente esté distinta. Y luego como

recorrido de evolución del personaje, es verdad que la que empieza es una chica que está como vosotros haciendo un reportaje, le toca cubrir un reportaje en un parque de bomberos y se ve atrapada

“Es una chica inocente que entro en un lu y sale una persona muy maltratada y m cabreada con mucha ira, que ha sufrido abuso de poder absoluto.” Manuela en la pesadilla y a partir de ahí creo que va pasando por varias etapas. Primero ve el reportaje de su vida, porque antes de que se dé cuenta de todo lo que había ella ve una oportunidad de que un día tonto cubriendo la vida de un parque de bomberos, se puede convertir en un reportaje estrella. Además sale su vena mas periodística, buscando la noticia, incluso buscando el mal gesto, enfrentándose a las autoridades, su vena

ambiciosa, de voy a sacar un reportaje de la leche, pero luego todo esto se va de las manos y se convierte en una víctima de la situación, luego se convierte en la mala, y ahora es rescatada y resulta que no es rescatada. Ha logrado sobrevivir, es la única superviviente, pero no la rescatan, ahora tiene que enfrentarse al virus, a los infectados y a todos los humanos. Ahora es cuando se da cuenta de que nadie va

ugar muy un Velasco

a salvarle la vida, sino que va a tener que salvarse sola. No puede contar con nadie, sí que es verdad que al final encuentra a Nick. Es una chica inocente que entro en un lugar y sale una persona muy maltratada y muy cabreada con mucha ira, que ha sufrido un abuso de poder absoluto. Para mí la frase clave es “Que me dejen en paz”. físicamente

lo he pasado mal

Fusion freak: Ángela es una luchadora, para esa lucha ¿Te has tenido que preparar físicamente de alguna manera? Manuela Velasco: pues creo

que uno de los aciertos de la saga, menos los bomberos

que salían al principio, todos los demás, los vecinos que estábamos allí, son personas que no estábamos preparados ni físicamente ni mentalmente para lo que se nos venía encima. Yo sí que es verdad que muchas veces que enfadaba con Jaume, le decía “Tío esto se avisa… “(risas) yo no soy una persona deportista, pero creo que es

bueno, porque Ángela no está preparado para esto. De hecho cuando ha habido secuencias que salían bien, a Jaume no le valen, porque no tiene que ser fácil para ella, porque Ángela no sabe trepar, no sabe nada, no es una supermujer, es una chica que hace lo que puede. Sí que hay algo que a mí me sorprende cuando vi la peli, cuando sale de nuevo la camiseta decía “Ala esa soy yo” de hecho le pregunte a Jaume a ver si había algo de retoque de luz o algo y no, es simplemente el entrenamiento de la película que hizo que realmente me entrenara y me viera poderosa.

“Aquí antes de decir acción estábamos metidos todos en un metro cuadrado y era en plan veníamos de la bodega me ha pasado esto y teníamos que pasar de cero a cien mil en nada de tiempo”

Fusion Freak: ¿Y como ha sido trabajar con el resto del reparto? Manuela

Velasco: Para mí ha sido muy divertido, porque yo sí que he estado en todas las películas y he ido compartiendo con cada película un casting nuevo. Llegan con la experiencia de a ver visto las películas pero no de haberlas hecho, y llegan con el guion muy aprendido, con el personaje muy pensado, con sus propuestas, y llegaban y nada, el guión era para romperlo y tirarlo a la basura porque nada que ver. Así que todas las ideas preconcebidas que traían era como “a ver chicos para que estudiáis, si esto luego no es para nada lo mismo”. También hay algo que si me da, como, no es placer, sabes… pero si que me gusta que venga gente que no está muy familiarizada con el género, porque el género como interpretación está muy denostado, porque al final mucha gente lo resume como “bueno solo tienes que jadear y pegar gritos” y cuando viene gente como Héctor o Mariano y te dice que

“ q v fá

es muy difícil es como una alegría, que no es para nada fácil hacer una película de terror. Además también vives la primera vez de los demás porque normalmente no vivimos en el cine en España, de estar flipando con todo, el maquillaje, los infectados… es muy bonito verlo en los demás.

Fusion Freak: ¿Qué es lo mas difícil a la hora de hacer una película de terror y personalmente que ha sido lo más complicado para ti en esta saga? Manuela Velasco: Lo más difícil de toda la saga me ha

“Cuando ha habido secuencias que salían bien, a Jaume no le valen, porque no tiene que ser ácil para ella, porque Ángela no sabe trepar” parecido hacer esta película. Porque las otras en la manera que lo rodamos que fue por orden cronológico, con plano secuencia, la cámara en mano hacía que hubiera mucha improvisación, había secuencias muy largas que hacían que de verdad vivieras lo que estaba pasando y poniéndolo en el cuerpo… Sin embargo está ha sido rodada al uso, plano contra plano, ahora paramos, ahora rodamos tu plano medio… encima en el barco, que era un sitio que no podías prepararte de ninguna forma porque no

había sitio. Aquí antes de decir acción estábamos metidos todos en un metro cuadrado y era en plan veníamos de la bodega me ha pasado esto y teníamos que pasar de cero a cien mil en nada de tiempo, y me parecía muy falso…hasta ahora en todas las REC lo que sucedía yo lo estaba viendo en esta veía una cámara, aparte no había monos, no había mar, no había tormenta, y ha sido mucho, lo peor para mí ha sido esta película entera. Y en cuanto al cine de terror, para mí siempre en todas las películas ha habido algo que

no me ha gustado de este personaje, de Ángela y es esa cosa histérica que tiene Ángela, que se va de tono, es algo que yo nunca haría ni como actriz, ni como persona y entonces me costaba mucho confiar en Jaume y Paco. Porque siempre tiendes a luchar por tu maneras que ves tú al personaje, pero te das cuenta de que es su película y es como se han imaginado a Ángela y claro tienes que hacerlo, pero bueno. Meterme en la situación me resulta fácil,

empatizo bien con el terror, me asusto con facilidad.

Lo que más me cuesta es ir en contra de lo que a mí me sale, me cuesta en el set y me cuesta luego viéndolo que me muero, pero bueno al final es que es eso, yo no soy importante, no es mi peli, yo no soy Ángela, al final es eso es rendirme, rendirme al personaje, rendirme a dar esa nota que a mi no me gusta. Y aún así hay veces que intento negociar.

con tu propio papel, esto en el cine de terror comienza a ser algo habitual, pero que en otros géneros no se ven papeles fuertes de mujeres ¿Qué crees que hay que cambiar para que eso llegue? Manuela Velasco: Amigo…

- Fusion Freak: ¿Y le gustaría seguir haciendo terror o va a tomar un tiempo de asimilar todo lo que has hecho? Manuela Velasco: Hombre yo no genero, menos en teatro, yo no genero mis propios trabajos, imagínate poder tener cuatro películas de terror, cuatro películas románticas, otras tantas dramáticas…Lo

que venga ya veremos. Es verdad que durante el periplo de REC si me han llegado muchas películas de terror para hacer y no las he querido hacer porque no me gustaba el guión. Es verdad que el cine de terror está muy lleno de tópicos y una de las cosas que me gusta de REC es que no hay tópicos.

Fusion Freak: La saga de REC es una saga con mujeres fuertes, ya sea con Leticia Dolera y ya

no lo sé (risas) Además a medida que vas cumpliendo años también como que también empiezas a decir “Si ya tengo que dejar de ser la vecinita simpática o la novia joven…” te van quedando cada vez menos papeles, menos oportunidades. Es el gran drama de las actrices y sobre todo a medida que vas cumpliendo años y pasa en el teatro también. Es curioso, en alguna entrevista que me han hecho estos días me han preguntado que personaje de que película me hubiera gustado hacer y tenía claro la película, pero cuando pensaba en el personaje siempre me aparecía el personaje que hacía un hombre, pero me hubiera gustado estar en esa película. Pero bueno si, el de la mujer está bien, pero el papel que tiene chicha es el del hombre. No lo sé, no sé qué tiene que pasar, que se animen a escribir… en el mundo hay mujeres y hombres y las mujeres tienen historias interesantísimas que

contar y no tienen que ser historias de mujeres, historias de la vida… no se… si tuviera la respuesta la publicaría a los cuatro vientos para que la pudiera ver todo el mundo.

porque esta es la última y eso lo teníamos claro desde el principio Jaume y yo. Y en la presentación de Sitges hubo una exposición de toda saga y vinieron Paco y Leti y me decía “pero no puede ser, es

Fusion Freak: ¿Como ha sido pasar de ser periodista a ser actriz en tan poco tiempo?

Fusion Freak: Despues que tenemos que hacer una Manuela Velasco: Es que yo de ver la tercera película las dos…” y yo que lo tengo no era periodista, sino que yo clarísimo que ya no hay mas siempre he sido actriz. Y los y esta, todo el mundo cuando me lo decía Leti decía comienzos de la carrera de nos quedamos con “¡Es verdad!” y no creo que la un actor son muy variopintos, ganas de ver a Leticia hiciéramos sin Jaume y Paco, generalmente uno empieza Dolera y a ti repartiendo es un trabajo muy de equipo y haciendo casting de publicidad, sin ellos que ya han decidido yo he hecho mucha publicidad contra zombis. que ya no hay mas no creo mientras ponía copas en un que la hiciéramos. Aunque

bar. Y curiosamente cuando poniendo copas me dijeron que estaban

Manuela Velasco: Es verdad, tenemos muchas ganas de trabajaba yo

había

pensado

trabajar juntas.

haciendo un casting en los 40, buscaban una actriz y bueno fui al casting, aunque estaba cansadísima y tampoco es que tuviera muchas ganas de hacerlo y creo que eso es lo que me vino bien, siempre que no vas nerviosa haces bien la prueba. Así que me cogieron y vi que era una buena oportunidad, pues trabajaba menos horas, ya no trabaja de noche con lo que me daba tiempo a seguir formándome como actriz, lo vi como una gran oportunidad. Pero claro esto se extendió unos ocho años y claro la

gente se pensaba que yo era periodista, pero no, yo era actriz, y de hecho en

todos esos años yo estuve haciendo cosas, durante los 40 yo hice un culebrón para la televisión española que se llamaba “Géminis, venganza de amor” que lo veía mucha gente, pero ningún periodista le suena de nada. Lo que si que es verdad lo que pasó con REC fue la primera oportunidad de hacer un papel protagonista, fue sorprendente para todos, pero no solamente para mí como actriz, sino para todos, porque fue un experimento que no sabíamos ni si se iba a estrenar.

Fusion Freak: Y te llevaste un Goya ¿Eso como fue? Manuela

Velasco: Buah, primero veníamos de Sitges y nos dieron el premio de la crítica y del público y luego de película y actriz y ya ahí fue como “¡Están todos locos!”

pero claro es Sitges ¡Están todos locos! (risas). Cuando

me nominaron a actriz de revelación por una película de género aquello fue como un no puede ser. Nadie nos lo creíamos y ya que me lo dieran… bueno y de repente,

no sé explicarlo la verdad, fue sorpresa total, porque era una película de terror, nadie se toma en serio este tipo de película.

Fusion Freak: Bueno pero es que realmente hicisteis la película de terror y antes lo hablábamos con Jaume, que abandonó la cámara en mano en esta cuarta entrega y

nos dijo que no quería repetirse. Manuela Velasco: De hecho ha

quitado cosas en esta película que para mí haciéndolas han sido de las más terroríficas y las que más iban a funcionar para no repetirse. Había toda una secuencia grabada con la cámara en mano con Nick en un pasillo repleto de rejas, totalmente rodeados de infectados, buscando la salida hacia la balsa con la cámara y orientándonos con

“Cuando me nominaron a actriz de revelación por una película de género aquello fue como un no puede ser”

eso… y ha quitado muchas más secuencias que para mí hubieran funcionado muchísimo y era eso, para no repetirse.

Fusion Freak: Tu tía como ha visto convertirte en una estrella del género, como ha llevado tu familia todo esto.

Manuela Velasco: Bueno, mi

padre es cámara, cámara de cine pero clásico, vamos mi padre empezó con Buñuel en “Viridiana”, es de los que ha llevado manivela toda la vida, encuadre clásico, “Los santos inocentes”, “La colmena” ¿sabes? Yo cuando hice la peli era bastante mayor tenía 31 años y mis padres sufrían porque veían todo lo que yo ponía ahí. Y cuando yo

hice la primera peli estaban emocionadísimos porque la niña había conseguido un papel protagonista y claro cuando les lleve a un pase (se ríe) mi padre salió con una cara… y me dijo “mira niña, os lo habéis pasado muy bien y ji ji y ja ja y seréis todos muy amigos pero esto no es una película” claro imagínate mi padre un cámara clásico y aquello que era una película que no se veía nada, nada estaba enfocado… (risas) ahora la volvemos a ver y dice, “bueno ahora que la veo con el paso del tiempo no está mal” (risas) Y mi tía flipa, aunque no solo he hecho REC, pero vamos no solo flipan conmigo, sino en general con la película.

Crítica: Vicky Carras Premiere: Fran Tejada Entrevistas: Vicky Carras

Conocemos más de cerca al equipo de Dioses y Perros David Marqués, Hugo Silva, Megan Montaner… no faltó nadie. Es una de las grandes producciones españolas para este año y una de sus mejores películas. David Marqués cuenta en ella la historia de un boxeador, Hugo Silva, un perdedor en la vida que lleva una vida de castigo. Al menos, hasta que conoce a “la chica”, una parlanchina Megan Montaner, que pondrá color y esperanza en sus días. David no ha hecho muchas películas pero ya se le reconoce un estilo de hacer cine muy personal. Se ha aficionado a crear personajes sufridores, que han perdido mucho en la vida y, sin embargo, sus obras nunca son devastadoras. Insiste en desdramatizar el sufrimiento, “quería es que el espectador saliera sin pensar que ha visto un drama en que qué mal lo están pasando, o lo están pasando peor que yo”, asegura. El caso es que la crisis está también muy presente en Dioses y Perros, pero siempre en un sutil segundo plano: “hablamos de la crisis, de la ley de dependencia, del alcoholismo, del paro, de los

desahucios, del problema del profesorado… de mil cosas pero como circunstancias que han llevado a estos personajes

a estar en la vida que llevan. No quería hacer una película sobre la crisis”.

David: “Hugo era como Bruce Willis en La Jungla de Cristal”

Y para hablar de ello, los personajes. Es sublime cómo cuida Marqués todos y cada uno de sus ellos sin hacer diferencia entre principales y secundarios. Sorpende Elio González, que interpreta al hermano paralítico. Es quien más refleja la esencia del film: tener todas las dificultades del mundo, y hacerlas diminutas frente a unas inmensas ganas de vivir.

En la presentación pudimos hablar largo y tendido, además, con Lucía Álvarez, encantadora en persona y grandísima actriz en pantalla. Suele hacer papeles secundarios, algo que considera (y consideramos, si se nos permite) injusto porque la primera condición para ser protagonista es el físico: “a veces creo que piensan que venden los póster y yo creo que vende un buen actor. Yo

siempre digo que el cine, la televisión, el teatro… están para reflejar la vida. No todo somos 90/60/90, ni medimos 170cm ni tenemos por qué ser monísimas… hay de todo.

Lucía:“a ve que venden l vende

Megan Montaner y Hugo Silva, o Pasca y Adela en

ellos,

la película. Ambos reconocen gran parte de sí mismos en los personajes. “Mi personaje viene de un barrio (humilde). Tengo el mismo origen, el mismo sentido del humor… mis amigos también y sí que me planteo las relaciones con los amigos y la familia como Pasca. Hay que estar a muerte con ellos”, reconoce Hugo. Para David, Hugo debía tomarse su personaje “Como Bruce Willis en la Jungla de

hay quien lo es, hay quien es bajito y gordito y no pasa nada. Es un fallo”. Pero sin duda, los grandes esperados del evento eran

Cristal: una peli de acción donde la gente muere, donde tú sientas el peligro de que te pueden matar pero él se lo toma con una socarronería como diciendo “bueno, vale”

eces creo que piensan los póster y yo creo que e un buen actor”

“hablamos de la crisis, de la ley de dependencia, del alcoholismo, del paro, de los desahucios, del problema del profesorado… de mil cosas pero como circunstancias que han llevado a estos personajes a estar en la vida que llevan. No quería hacer una película sobre la crisis”

Adela no se ve tan “verborreica” como su personaje, pero coincide con él “en la vitalidad y en la energía”. No todo fue fácil. A pesar de ser una peli de boxeo en la que el boxeo “es la excusa”, Silva comenzó a entrenar en una escuela de boxeo nada más empezar el rodaje, y aún así reconoce que grabar los créditos al más puro estilo Rocky Balboa fue lo que más le costó. Sabe, sin embargo, lo duro del oficio de director. Él mismo se ha estrenado con un corto que ha hecho entre varios amigos, “Supercool”, sobre héroes y heroínas al más puro estilo años 80. “No me siento director, he hecho un experimento porque me gusta muchísimo pero ya está”, lo considera como una experiencia vital pero no se ve dirigiendo en la gran pantalla. Volviendo a Dioses y Perros y muy satisfechos con el resultado, ambos alaban el trabajo de Marqués como director y le acercan un poco más al público. Dicen que es muy fácil trabajar con él, porque “tener un ‘dire’ que tiene un estilo propio” y que eso hace que, “incluso en momentos en que te pierdes un poco, dices no, me voy a agarrar más a su estilo que a lo que pueda ser real o lo que pueda ser lo convencional”. “Comparte mucho sus dudas. Como director lo tiene todo acotado, pero está muy abierto y sobre todo delega mucho en el actor, sabe que el actor es el que tira adelante con su personaje y cuanto más conectado esté, mejor”, expone Hugo, quien ya ha trabajado con directores como Álex de la Iglesia (Las brujas de Zugarramurdi)

o Pedro Almodóvar (Los amantes pasajeros). Como curiosidad añade que David es un melómano empedernido: “siempre llegaba escuchando rock”.

Marqués ha aprendido de otros trabajos en los que, al igual que se suele hacer, uno escribía el guión, otro los diálogos, y otro era el director de la película. “En

Zona de Juego (su anterior

Megan: “Con Adela co vitalidad y la ene

película) es donde aprendí Con esto, ha conseguido unos que los diálogos sean de esa a que necesito hacer míos diálogos muy fluidos, muy manera” los proyectos; era la primera ácidos y sobre todo, muy vez q trabajaba con material ajeno… y tenía claro que en el siguiente proyecto quería reescribir por completo el guión y planificar la película desde el mismo”. Tanto le funciona la técnica de “Juan Palomo” que sucedió lo impensable en un rodaje de cine “ terminábamos cada día a una hora antes, cosa que no es habitual”.

omparto la ergía”

naturales. Pasca no para de meterse con su hermano haciendo alusión a su enfermedad, y con Gloria (el personaje de Lucía), por sus “carnes morenas”. Intentaba, dice, acercarse lo más posible a la vida real: “Si están hablando dos amigos de toda la vida, no hay autocensura. Tú hablas de una manera que no hablarías en público y el miedo que suele a ver es que si se presenta el personaje hablando con su amigo así por primera vez va a parecer que este tío es racista, u homófobo o que es machista… Yo intento llevar al espectador a ese punto: vale, yo también me voy a hacer amigo de estos tíos. Por eso intento hacer

El resultado, como resumen los protagonistas, es una historia

“dura pero esperanzadora”

que se puede reducir a una de las frases que el propio Pasca le da a su amigo, un alcohólico abandonado por su mujer que está a punto de ser desahuciado y que interpreta Juan Codina (que también es uno de sus mejores amigos en la vida real): “Si tienes dignidad, puedes recuperarlo todo”.

Rocío Gíl Grande

ENTREVISTAMOS A CONSTANTINO MARTÍNEZ-ORTS

CONSTANTINO MARTÍNEZ-ORTS El director de la Film Symphony Orchestra, hace un pequeño alto en el camino de la exitosa gira que estan realizando por España, para atender a NosoloFrek

La Film Symphony Orchestra (FSO) ha conseguido algo que para muchos de nosotros cinéfilos es casi un sueño, poder escuchar en directo las canciones de nuestras películas favoritas tocadas por una orquesta como dios manda.

Su director, Constantino Martínez-Orts, es un profesional muy joven, más que preparado y sobre todo, lo cual es lo más importante, un apasionado del cine y las bandas sonoras. Ha tenido a bien en concedernos una entrevista durante su exitosa gira.

La FSO está compuesta por unos 80 músicos, una plantilla en constante crecimiento, cambio y no se podría decir mejora porque si sonasen mejor, no habría adjetivos. Durante este año han pasado ya por ciudades como Madrid o Valencia pero aún les queda un último concierto el día 22 de este mes de noviembre en A Coruña.

-¿Cómo va la gira? Con buenas sensaciones, ¿no? Sí, estupendamente con buenos resultados, con unos conciertos espectaculares, muy contentos. Este año está sonando la orquesta mejor, poco a poco vamos madurando el proyecto y consolidando las ideas que vamos

Fusion FreaK acudió a los conciertos de la gira celebrados en Valencia y en Malaga, con gran exito de público y cartel de no hay billetes en el de Valencia. En la revista del próximo mes haremos un analisis del repertorio y el espectáculo. desarrolando. Hemos mejorado repertorio y orquesta, un éxito, el público lo está demostrando.

sobre todo con los tiempos que corren, ha sido y es mucho trabajo, una apuesta muy arriesgada.

-En algunas películas o series hemos visto a los protagonistas ir a conciertos de estas características, con una envidia sana por nuestra parte. ¿De dónde o cuando surgió la idea? ¿Fue algo que surgió de su afición al cine o de un grupo de personas?

-El cine es una industria que llega a todas las edades y culturas, la música sinfónica es algo que no está de moda en las últimas décadas. ¿Cree que con este tipo de conciertos puede acercarla más a la gente, mayormente a los jóvenes?

Surge de una pasión personal al fin y al cabo. De toda la vida he sido un gran amante de las bandas sonoras y al final esto se materializó en un concierto que se hizo en la última muestra del Cinema de Valencia. Logré hacer un concierto de James Bond, tributo a John Barry que acababa de fallecer y ahí se cuajó la idea, llevaba años dándole vueltas y estoy contento de que se haya podido materializar,

conseguir acercar la música sinfónica y la orquesta al gran público, desde niños a adultos. Que la Parte

nuestro

objetivo

gente no piense que hay que ser un entendido para disfrutar de una orquesta sinfónica. Como director de orquesta dirijo opera y sinfónica y estoy cansado de ver que los auditorios se llenan de un público de determinada edad que

“Hemos mejorado repertorio y orquesta, un éxito, el público lo está demostrando”

queda distante de la gente joven, como si la música clásica se hubiese quedado obsoleta. Esto estamos cambiándolo, estamos sintiendo una especie de revolución. Orgullosamente podemos decir que a nuestros conciertos van muchos jóvenes, sea cual sea la ciudad.

-¿Considera que ya no se da tanta importancia a las bandas sonoras como antes? ¿Menos? Creo que a la música del cine poco a poco se le está dando la importancia que se merece. Está siendo mejor considerada y se está mirando con mejores ojos desde la atalaya de la clásica. Siempre se la ha considerado como la hermana menor, pero tiene una calidad instrumental y de orquestación al nivel de Strauss o de una ópera de Puccini. No estamos por hacer música de cine como maltratados o que se le va a hacer... no es nuestra idea. Es

una música muy bien hecha y muy digna.

-La selección de temas es de lo más variada: películas nuevas, antiguas, de aventuras… ¿Cuál fue el criterio que siguieron? Como experto en música de cine el programa lo decido yo al 90%. Intento llevar un programa que lleve al público a una vorágine de sentimientos, pasando por temas de acción, ciencia ficción, románticos, dramáticos... llevando a la gente a una montaña rusa de emociones. Intento crear un programa de concierto que en la medida de lo posible que toque todos los palos, desde cine de los

50 con Lawrence de Arabia, los 80 con Regreso al futuro... hasta nuestros días

con Juego de Tronos. Un recorrido histórico y estilístico intentando que esté el máximo número de compositores. Se quitan a unos o se ponen a otros, siempre hay algunos fijos

como John Williams, algo representativo de lo que la historia del cine nos ha dejado.

-El personal de la orquesta varía de campaña en campaña. ¿Cuánto tiempo ensayan antes de comenzar la gira para conseguir ese nivel de calidad que ofrecen? Este año hay una plantilla fija. Hemos mantenido el 80% de la plantilla más o menos. Vamos mejorándola cada año, es un proyecto joven. Poco a poco mejoramos en todos los sentidos en calidad hilando más fino con los componentes para que nuestra orquesta no tenga nada que envidiar a cualquier otra.

questa? En nuestra web tenemos una sección a través de la cual nos llegan muchos curriculums. Yo exijo profesionalidad y no tener ningún tipo de complejos ni de prejuicios. Al que no le guste el cine, ni las bandas sonoras, ni sea capaz de disfrutar con una obra de Hans Zimmer o John Williams igual que tocando una sinfonía de Beethoven, que ni se le ocurra enviar su candidatura. Quiero músicos con pasión por lo que hacen.

-Sin duda es usted un director con una formación increíble y está más que laureado ¿Se plantearía dedicarse solo a componer bandas sonoras?

-Si yo tocase algún instrumento me encantaría formar parte de su elenco. Para aquellos que estén en esa situación. ¿Nos Más de una decena de premios si (risas). diría cómo elige a los músicos de la or- Entre en la mundo de la música de cine como compositor. En mi formación profesional, el

primer Master que hice en el extranjero fue en composición de música de cine. Ante todo soy director de orquesta pero apasionado al cine. Los últimos años me he vinculado al proyecto de la FSO y sí que me gustaría componer para cine, pero en este momento no tengo mucho tiempo. He hecho cortos, documentales, festivales de cine... Componer para cine es una vida muy estresante y a mí me gusta mucho el trabajo de la interpretación en equipo con una orquesta, que es muy enriquecedor. Estoy muy feliz con lo que hago ahora mismo.

-Nuestro grupo tiene una revista sobre cosplay. Durante su espectáculo aparece alguna persona disfrazada de algún personaje relacionado con el tema que interpretan, Stormtroopers, Jack Sparrow... ¿Conoce el tema del cosplay? ¿Se atrevería usted a disfrazarse de alguno? ¿De cuál le gustaría? Si claro que lo conozco. Si la gente viene o ve las fotos de los conciertos verá que no voy con el frac si no que voy con un cosplay muy guay. Queriendo acercar la música del cine y mi pasión he cambiado mi atuendo de concierto. No voy a decir de qué voy pero merece la pena verlo (risas).

“Siempre se la ha considerado como la hermana menor, pero tiene una calidad instrumental y de orquestación al nivel de Strauss o de una ópera de Puccini”

Muchas gracias de nuevo por responder a todas nuestras preguntas y por último, dentro de un ámbito más personal, me gustaría sugerirle una banda sonora, ya sea para su disfrute o para incorporar alguna de sus canciones a su repertorio. Me refiero a la banda sonora de las películas Transformers 1 y 3, de Steve Jablonsky, la cual es muy probable que conozca. Las bandas sonoras de Transformers son complicadas por la electrónica que llevan. No te digo que no lo haremos en un futuro. Porque vamos incorporando nuevos elementos, como por ejemplo este año la guitarra eléctrica y el bajo. Esta música tiene la dificultad añadida de la electrónica. Eso está ahí, es una asignatura pendiente que tenemos pero poco a poco lo vamos incorporando, tarde o temprano algo haremos.

Por Fran Tejada

MIKEL RUEDA, CHARLAMOS CON ÉL Y SUS ACTORES “A ESCONDIDAS” “El cine tiene que educar. Un gobierno que se opone a que el pueblo esté instruido y educado hace un flaco favor” Presenta su segunda película tras “Izarren Argia”, “A escondidas” y Mikel está nervioso, porque aún no sabe cómo reaccionará la crítica ante una historia con mucho trasfondo. Una historia que ha cuidado con mimo durante 7 años, que son los que ha tardado en producirla y que es la de Ibrahim y Rafa, dos adolescentes que se enamoran a pesar de sus difíciles circunstancias. Uno es marroquí y no tiene una situación asegurada en España; el otro, no sabe hacer del todo frente a unos amigos que no son capaces de entender su condición. Tras la primera proyección ante la prensa, llega al set de la entrevista y lo primero que pregunta es qué nos ha parecido. Se denota en él la ilusión de un niño que ha hecho algo con mucho esfuerzo y que ve la luz por primera vez: “la peli en sí habla un poco de la imposibilidad de ser, de cómo en edades tempranas, cuando te estás construyendo como persona y encontrando tu hueco en el mundo, hay tanto ruido, tanta gente que te dice cómo tienes que ser”. La temática principal de “A escondidas” es la homosexualidad. Quizá

parezca un tema trillado, una crítica que se repite ante algo que ya está más que aceptado en esta sociedad, pero Rueda va más allá: “Parece una sociedad muy avanzada, todos somos muy guays, pero no es así. Cuando hablamos de homosexualidad o inmigración parece que todos lo tenemos

fácil. Menos aún cuando no se trata de un film comercial que vaya a arrasar en taquilla. El cine español tiene la ventaja, en cierta medida, de que cuenta con ayudas del Estado para producir obras que vayan más allá. Aún así, cada vez es más difícil y se conceden menos ayudas. El director de

asimilado en edades adultas, pero en edades tempranas la sociedad aún no está a gusto con este tema. La sociedad sigue rechazando y apartando lo que es diferente y mucha gente sufre todavía porque no puede ser lo que quiere ser”.

la película critica la forma de concederlas y sin embargo, gracias a ellas, “tenemos una responsabilidad. El Estado te da un dinero de los contribuyentes para que hagas algo necesario, no vale solo con entretener, hay que ir un poquito más allá. Concibo el cine como un deber

Contar una historia así no es

“Lo que hacen estos actores es todo mentir, no tienen técnica ni saben e cámara”

público que tiene que educar. El entretenimiento está muy bien para las sobremesas de tele5” Por eso cada vez hay, dice, “propuestas más arriesgadas, y colaborativas donde entre muchos consiguen la financiación necesaria”, haciendo referencia a tácticas de crowdfunding. A pesar de todo, se muestra crítico con el gobierno, que según él parece que “se opone a que el pueblo esté instruido y educado”. Así que, con todo lo que ha conseguido estos siete

años, ha hecho una película a su medida, con un estilo independiente muy suyo, caracterizado por lo que él mismo reconoce que es un montaje desordenado y con amplias elipsis de tiempo que mantienen al espectador en atención constante. Para ir acorde con todo esto, Mikel necesitaba unos actores que transmitiesen toda la verdad del mundo ante una cámara y por eso hizo un casting de 6 meses. “El 90% de la película está en sus

hombros. Buscábamos una mirada, una sensibilidad, una madurez… yo sabía que no podían ser profesionales. Los actores jóvenes son caras conocidas y eso no me interesa porque quiero que la gente vea la película sin prejuicios, con unos actores que ven por primera vez. Lo bueno es que estos actores lo que hacen es todo verdad, no saben mentir, no son actores no tienen tecnica no saben engañar ante la cámara.” Por ello, reconoce que no se

verdad, no saben engañar ante la

centró en seguir estrictamente un guión, sino que dejó a los chavales que pudieran improvisar libremente, usar su jerga, apiñarse a su aire como la pandilla que forman en la pantalla de la forma más natural posible. Así lo reconoce Germán, su protagonista: “trabajar con Mikel es una pasada porque es un director que está encima de ti, diciéndote qué puedes mejorar y cómo, y eso se agradece”. Para Adil, el co-protagonista marroquí,

El casting de los protagonistas duró 6 meses por institutos de distintas comunidades autónomas

“No tenemos el poder de Mediaset para meterle en los ojos a la gente lo que tiene que ir a ver. Confiamos en el boca a boca” conocían mucho y no estaban acostumbrados a actuar. Entre risas, además, nos cuentan una anécdota, casi confidencialmente, dudando si contarla o no para no dejar en evidencia a uno de los miembros de su equipo quien, mientras rodaban una de las escenas más dramáticas y siendo responsable de sonido, se le el equipo era una familia y el director “era su hermano mayor”. Ellos son, como dice Mikel, la verdad de esta película. Reconoce que durante los 6 meses que duró el casting por los colegios buscaba en el personaje de Rafa alguien “maduro que transmitiese mucho con su mirada y que fuese sensible”, mientras que en Ibra quería alguien atractivo pero a la vez solitario. No hizo pruebas al uso para encontrarlos, sino entrevistas y juegos. Hasta el sexto casting, dice Germán, no desveló el eje principal de la película: la homosexualidad, pero creyó que era una historia digna de contar, vio la oportunidad de hacer realidad uno de sus sueños desde niño y no se lo pensó dos veces. La escena más difícil para ellos fue la escena del beso entre ellos, ya que no se

escapó un gas involuntario ante el asombro y las risas de todos. Así que diremos el pecado, pero no el pecador. Lo que está claro es que hay mucha parte de Adil y Germán en los personajes. Lo que vendrá después, ellos no lo saben. Tanto los chavales como el director y todo el equipo esperan que la taquilla sea lo más benévola posible, aunque Mikel reconoce el riesgo de no hacer cine comercial: “la taquilla es una incógnita. competimos contra películas como “Torrente” la nueva de Fincher. Sigue “La isla mínima” y “el niño”… sabemos

el producto que tenemos, pequeño y que no tiene el poder de Mediaset para meterle en los ojos a la gente lo que tiene que ir a ver. Confiamos en el boca a boca, que es nuestra única arma y que a la gente que le guste hable de ella y que estos 7 años duren más que una semana”. Reconoce que no espera que los jóvenes vayan a ver esta película, por eso ha llegado a un acuerdo con el gobierno vasco para ir a los centros educativos a proyectarla. Sin duda y como anticipábamos al principio, es una historia digna de contar.

Por Rocío Gíl Grande

Entrevistamos a Pablo Malo y a Unax Ugalde Con motivo del estreno en cines de la pelicula Lasa y Zabala y el director y el protagonista de la misma nos atendieron amablemente para hablarnos de la produccion y de la controversia de la misma Lasa y Zabala se presenta como una cinta del asesinato Lasa y Zabala, el primer gran

política y policiaca, que toma como referente el caso homónimo que sirvió para encarcelar a las cabezas de los Grupos Antiterroristas de Liberación, más conocidos como el GAL. Para este fin, la película recorre el proceso que arranca a principios de los 80, con el secuestro y desaparición de los dos jóvenes terroristas pertenecientes al comando Gorki, y acaba con la sentencia que condenó a los responsables de su asesinato y tortura.

Pablo Malo, su director, hace un retrato a matacaballo entre la ficción y la el biopic

asesinato de los GAL. Tomando como vehículo a Iñigo Iruin (Unax Ugalde), abogado de las familias y del entorno de ETA, Malo repasa de manera libre el proceso judicial que destapó éste, uno de los más oscuros episodios de la historia contemporánea de España.

La principal virtud de Lasa y Zabala es la magistral manera con la que Pablo Malo construye las escenas. A través de encuadres muy bien escogidos, el cineasta logra recrear atmósferas de gran peso dramático, despertando y sacudiendo sensibilidades

gran capacidad para rodar una coreografía de violencia, que helará la sangre hasta al espectador más duro. Ora incidiendo en el sufrimiento de los torturados, ora recreándose en el sadismo de sus torturadores. Paralelamente, Unax Ugalde ofrece un trabajo cuanto menos curioso, al meterse en la piel del abogado Iruin. Aunque actoralmente no se trata tampoco de uno de sus trabajos más soberbios, uno de los mayores logros del intérprete es el hecho de que durante la mayor parte de sus escenas actúa hablando en la variedad de euskera de Guipúzcoa, en lugar de hacerlo en batúa, la variedad dialectal más extendida en el País Vasco.

durante la hora y cuarenta minutos que aproximadamente dura la película. A pesar de abusar de primeros planos, quizá para dotar de mayor dramatización a su ficción histórica, el director consigue ofrecer retratos muy personales de los personajes implicados en su trama. Un claro ejemplo de ello son las escenas de tortura, en donde el director demuestra una

escena.

Desgraciadamente, esta calidad actoral decae en algunos de los otros intérpretes, sujetos a un enfoque personal de esta cinta, evidenciando la falta de identificación de los actores con los personajes que encarnan. Más concretamente esto se aplica a los actores que interpretan a los guardias civiles responsables de los asesinatos, siendo poco creíbles sus momentos de debilidad, frente al peso que ganan cuando se crecen en

Y es que lo único que empaña esta cinta es precisamente el enfoque personal de esta película. Lasa y Zabala es una cinta hecha en Euskadi y realizada bajo un enfoque que difícilmente podrán compartir y disfrutar los espectadores del resto de España por igual. Al encontrarse la historia sujeta a una sensibilidad determinada, la visión de los hechos resulta

“Sabíamos que no íbamos a grabar un panfleto político, que no podía usarse como arma política para lanzar a nadie”

parcial y rozando el maniqueísmo en ciertas secuencias. Un espectador que no comulgue con el nacionalismo vasco, o que no conozca la realidad social de sus provincias, podrá sentir que los personajes ajenos al entorno abertzale quedan despersonalizados, más sujetos a una funcionalidad en la historia que a un retrato psicológico. Esta sensación queda además magnificada por el hecho de que la mitad de la película se rueda en euskera, durante las escenas en el País Vasco, frente a las escenas en Madrid

y Alicante, rodadas en castellano, creando una polaridad palpable. A ello no ayuda el arranque de la película, con el retrato de los refugiados de Bayona, como simples civiles anodinos en lugar de miembros huidos de una banda armada, algunos con delitos de sangre. Tampoco ayudan sus créditos iniciales, más propios de una adaptación del Infierno de Dante que de un thriler político, que según sus autores no pretende levantar ampollas. Sin embargo, si el espectador se desprende de estos prejuicios, lo que encontrará es una cinta política que ofrece un recorrido más o menos fiel del proceso judicial y con un mensaje final que trasciende ideologías, que es el de que en este país, desgraciadamente, la leyes no son iguales para todos.

Entrevista Pablo, Esta es tu tercera película. ¿qué te llevó a contar este episodio tan oscuro de la moderna historia de España? Pablo Malo: A mí, lo primero, cuando me

ofrecen la película es que me doy cuenta de que tenemos un caso cinematográficamente muy potente. Para mí, tener un thriller político, me apetecía muchísimo. Y sobre todo teníamos una garantía. nos íbamos a basar en un sumario y eso me tranquilizaba muchísimo. Sabíamos que no íbamos a grabar un panfleto político, que no podía usarse como arma política para lanzar a nadie. S e g u í a m o s un caso que estaba juzgado y ratificado por tribunales internacionales. En ese sentido, toda la historia que se cuenta, toda la trama que se cuenta, citando a Carles Francino, es una historia política y periodística tal y como está contada. Además soy vasco y sé lo que pasó. Han pasado treinta años y muchas cosas se te olvida, pero recuperarlo todo aquello te daba la impresión de que era una película muy completa.

¿De qué modo te ha alimentado como cineasta el rodar esta historia? La historia tiene unas escenas de tensión en las que andas por arenas movedizas. Ha sido muy complicado. Todo el mundo nos dio el pésame al rodar esta película, fue muy duro rodarlo.

Unax y tú habéis trabajado antes. ¿Qué es lo que creéis cada uno que es lo mejor de trabajar juntos? Unax: Es la segunda vez que trabajo con él. Y

la verdad es que me gusta mucho la cercanía.

“No nos hubiéramos involucrado en una película año y medio si hubiera sido una película que reabriera heridas o tratara de ser polémica por si misma” Es muy exquisito, sabe perfectamente lo que se cree y lo que no se cree. Mucho antes de llevarlas a escena, las partes las hablamos y en ese sentido yo siempre he trabajado muy a gusto con él. Nos entendemos muy bien, ha habido días en los que apenas ha habido que hablar.

Pablo Malo: Para mí es un terreno ganado. Pienso que hay que pactar siempre con el actor y no me gusta imponerle nada. En este sentido veíamos la película de la misma manera. Nos conocemos de muchos años. Hemos hecho dos pelis y un corto. Ese recorrido lo tienes ganado. Además Unax resuelve muy bien. Tiene mucha técnica aprendida, de a lo largo de los años. Tenerlo en el rodaje me garantiza que las cosas van a ir sobre ruedas. Pero aquí había también 56 actores con los que trabajar y yo no los conocía. Por eso, a Unax le podía dejar más libre, porque ya teníamos un recorrido entre los dos. Así me he podido centrar más en otros actores como Jon Anza y Cristian Merchán, que son Lasa y Zabala, para los cuales era su primera película.

Unax. Tu personaje, Iñigo, ¿qué reto te ha supuesto? Unax: A ver, el reto más más grande ha sido euskera. Dentro del euskera hay muchas variedades, yo lo hablo desde pequeño pero batúa. Éste es el guipuzcoano. Clavarlo fue uno de los retos más difíciles. Sé que en el País Vasco mucha gente lo ha valorado y será consciente de ello. Y luego, por el lado interpretativo, Iñigo es un personaje complejo y complicado. Yo a veces cuando hablaba con Pablo le comentaba que quería que transmitiera más por lo que callaba que por lo que decía. Cuando hablé con Iñigo Iruin, lo que más me interesó fue el cómo separaba el lado profesional del lado emotivo y humano. Fue muy complicado para él, tenía familias que querían respuestas, dos chicos desaparecidos durante doce años y luego cinco años de juicios, de los que iban desapareciendo testigos. Me

parecía muy interesante ver el lado humano del personaje, pero sin enseñarlo. Que el espectador lo supusiera.

¿Cómo creéis que será acogida esta historia en la sociedad española actual? No es lo que se dice precisamente una píldora dulce. Unax: Yo creo que hay más prejuicio que realidad. Pido encarecidamente que sea acogida con respeto. Pablo no intenta hacer un panfleto político. Es un retrato bastante objetivo de los hechos que ocurrieron. La película es respetuosa y escrupulosamente exacta con lo que cuenta. El recibimiento ha de ser respetuoso. Yo creo

que asusta más la película que lo que es después de verla. Que son relatos que todo

el mundo tiene que tener una cercanía hacia lo que son los derechos humanos.

Pablo: Sí. No nos hubiéramos involucrado en una película año y medio si hubiera sido una película que reabriera heridas o tratara de ser polémica por si misma. Nadie se apuntó a hacer un panfleto político sobre ello. Pero lo que pasa es que la gente venga de su casa escandalizada, como suelo decir yo, va a ser muy difícil que vea la película de otra manera. Pero a mí si me gustaría es que gente que dice “cuánto gente habría matado estos chavales de no haberlos matado”, gente que te hace este tipo de política-ficción, gente que puedo entender que tengan esas ideas tan extremas, al salir del cine piensen que lo que pasó fue una barbaridad. Pero como decíamos, esta película no pretende ser realizada como película barricada. Es un caso muy concreto, está condenado, hay un sumario en el que nos hemos basado. De hecho, apenas está habiendo polémica en ese aspecto. Hay quien ha dicho que la película carece de contexto, pero es que nosotros sabíamos que en 100 minutos no podíamos contarlo todo, toda la historia del País Vasco. Por Jesus Delgado

Encuentro con los prot de cine f

Hoy hemos estado con algunos de los protagonistas del Festival de cine francés, que ha organizado este fin de semana la cadena de cines Yelmo en los cines Ideal, con un cartel exquisito; “Dios mío ¿Pero que hemos hecho?” “Regreso a Ítaca”, “3 Corazones”, “El precio de la fama”, “Tip Top”, “El cumpleaños de Ariane” y “French Woman”. Una gran oportunidad para disfrutar del buen cine francés y además acercarlo a nuestra cultura. Además de poder estar con actores y directores y hablar sobre sus películas y sobre las distintas impresiones de cada película. Hoy hemos podido disfrutar de su compañía y gratitud en el hotel Melia Reina Victoria, donde además de conocerlos, hemos tenido la oportunidad de entrevistar a a la fantástica Audrey Dana, actriz y directora de la divertida película “French Woman” que se estrena el 7 de noviembre y que no nos ha dejado indiferente a ninguno con su simpatía y alegría.

tagonistas del “Festival francés”

ENTREVISTAMOS A:

AUDREY DANA

Hace unas semanas asistimos al pase de prensa de la película French Women, una película de mujeres y hecha por mujeres pero que los hombres deberían de ver. Despues de la misma su directora Audrey Dana nos atendió personalmente. CRÍTICA Fieles, celosas, infieles, confundidas, directas, emprendedoras, buenas, malas, en fin, mujeres. Esta es la base de esta comedia francesa donde nos muestran las vidas de 11 mujeres durante 28 días en París. Donde, mediante una serie de situaciones sus vidas van a juntarse para encontrar entre ellas consuelo y en alguna ocasión odio. Mujeres fuertes que quieren una vida normal, mujeres que tras las adversidades se vuelven valientes, mujeres que no aceptan su edad, mujeres que no aceptan su vida familiar y son infieles. Todas estas mujeres representadas por iconos del cine francés como puede ser Laetitia Casta, Isabelle Adjani, Alice Belaïdi, la misma Audrey Dana, Vanessa Paradis… Un grupo de actrices fantástico y que han tenido la oportunidad de hacer el papel que a ellas más les ha gustado. La directora y actriz Audrey Dana quiere dar una imagen de que la mujer no solo es un objeto en el cine sino que también coge el toro por los cuernos en las relaciones sentimentales. Lo cual no me parece mal, pero sí que es verdad que en cierto sentido me parece un error hacer las mismas cosas que supuestamente marcan

a los hombres, como el ser infiel, el dejarlo todo cuando llega cierta edad… tópicos que se han colocado en el cine para describir a los hombres y que en esta película se hace todo lo contrario, dando una imagen de hombres débiles, cuando realmente lo que tendría que haber es una comunión entre ambos sexos y que se viera igualdad y a la vez hacer una buena comedia sin ridiculizar a nadie. Una película hecha para mujeres y solo para mujeres donde los hombres acaban estando en un segundo plano en cuanto a las relaciones amorosas se refiere. Si quieres pasar una tarde entretenida en el cine no dejes de pasar a verla.

ENTREVISTA Nos encontramos en la maravillosa terraza del Hotel Melia Reina Victoria de Madrid, donde esperamos a la directora y actriz de la película “Women French” Audrey Dana. Nos atiende con mucha simpatía y con muchas ganas de contarnos un poquito de su película.

Fusion Freak: Película en la que la mujer

queda por encima del hombre en cuanto a relaciones amorosas. ¿Cómo se os ocurrió este cambio de papeles entre relación de hombre y mujer?

Audrey Dana: Porque tengo la sensación de

que es lo que está ocurriendo y que ya es hora de dejar este lugar a la mujer. En la pareja, es ahora el problema en la relación entre hombres y mujeres y es que la mujer quiere coger su lugar y el hombre no está de acuerdo.

Fusion Freak: ¿Se basaron en historias reales a la hora de crear a los personajes y escribir el guión?

Mujeres fuertes que quieren que tras las adversidades se que no aceptan su edad, muj familiar y s entender un poco mejor lo que ocurre en sus propios cuerpos.

Audrey Dana: Si, entrevisté a cientos de Fusion Freak: ¿Así que la primera escena es mujeres y partí de sus testimonios.

Fusion Freak: ¿Por qué eligió el papel de Jo entre todas las protagonistas?

real?

Audrey Dana: (risas) Si, si. Chocó mucho en

Francia.

Audrey Dana: Porque quería arrojar luz sobre Fusion Freak: Los personajes son alocados y lo que ocurre en el cuerpo de las mujeres. Es el personaje mas ingrato por tanto no podía proponérselo a las otras actrices (risas) por tanto lo cogí para mí. Yo soy alguien muy hormonal, nunca he podido soportar la píldora porque siento de manera muy fuerte lo que está ocurriendo en mi cuerpo y esto me permite a veces comprender situaciones en las que me encuentro y tenía ganas de arrojar luz sobre este tema. Quizá ayudar a las mujeres a

muy cercanos ¿Cuándo escribieron el guión, pensaron en las actrices?

Audrey Dana: Si, de hecho escribí alguno de los

papeles para las actrices, fue preguntándoles el papel que les gustaría hacer que sabían que ningún director les iba a proponer. Pensé mucho en las actrices, realmente está escrito para las actrices, para que ellas se diviertan. Porque

poco, desequilibra a los hombres… Estamos un poco perdidos pero en el fondo ¡avanzamos!

Fusion Freak: En Francia, en la vida real, ¿La mujer está en un segundo plano, como muchas veces nos muestran las películas de su país? Audrey Dana: Si, porque acabamos de

empezar realmente acabamos de llegar. Estamos luchando para estar en la misma zona que el hombre, pero sin ser como el hombre, pues somos mujeres. Y queda un gran trabajo por delante, estamos en el principio y hay que avanzar.

Fusion Freak: Actriz, directora y guionista ¿Qué es lo que te ha gustado más? Audrey Dana: Directora, ha sido una relación

para mí. Me gustaría hacer solo esto para el resto de mi vida, me ha encantado. TE sorprenden mucho más los demás que tú mismo. ¡Qué felicidad! Llegar hasta el final, de formar parte del proceso de creación es una manera increíble de disfrutar.

Vicky Carras

n una vida normal, mujeres e vuelven valientes, mujeres jeres que no aceptan su vida son infieles estamos en Francia aburridas a estar limitadas y encasilladas en papeles y queríamos romper los códigos. Por tanto, habrá muchas de las actrices que no conozcas, pero que hacen cosas muy nuevas en la película. Por ejemplo yo soy muy conocida por ser una actriz muy dramática de ahí el shock en Francia.

Fusion Freak: ¿Realmente ve a la mujer

tan alocada como en su película? ¿Se siente identificada?

Audrey Dana: Si, si. Aunque ante todo es una comedia y hay que subir el nivel. Y hacer una comedia sobre todo lo que va bien en las mujeres sería un aburrimiento (risas). Estamos un poco desestabilizadas, no tenemos puntos de referencia. Todo esto es muy nuevo, hace 50 años que empezaron a cambiar las cosas, está perdida de referencias nos desequilibra un

ENTREVISTAMOS A:

JOHN S.BEARD

Jon S. Beard El director de la adaptación a la gran pantalla de Filth, la cruda novela de éxito de Irvine Welsh, nos ha atendido para contestarnos unas preguntas sobre su nueva pelicula, una película que desde NosoloFreak aconsejamos ver.

Hemos tenido la oportunidad de charlar con el director y guionista de la película “Filth”, Jon S. Baird. Nos cuenta cómo llegó al libro de Irvine Welsh, la elección de su actor principal y sus próximos proyectos.

Fusion Freak: “Filth” es bastante fiel a la novela de Irvine Welsh. ¿Es usted fan de este escritor? Jon S. Baird: La novela es uno de mi libro

favorito de Irvine Welsh, pero no solo de el sino de cualquier autor. He leído la novela más de diez veces antes de que yo empezara a hacer la adaptación del guión e Irving a menudo bromea acera de que yo sé más de la obra que él ahora.

Fusion Freak: ¿Tuvo algún problema a la hora de hacer alguna escena en general? Pues son bastante explícitas. Jon S. Baird: No tuve ningún problema ya que

había escrito el guión así y tenía una idea muy clara acerca del tono de la película. Creo que

James McAvoy estuvo bastante nervioso sobre la escena de la mamada con la adolescente (a pesar de que la actriz tenía 21 años)

James McAvoy estuvo bastante nervioso sobre la escena de la mamada con la adolescente (a pesar de que la actriz tenía 21 años), ya que esa escena fue cercana al comienzo del rodaje.

Fusion Freak: En su película podemos ver varías alusiones a las películas de Kubrick, como “La naranja mecánica” o “2001 Odisea en el espacio” ¿Es una manera de rendir homenaje a este cineasta? Jon S. Baird: Si, Kubrick es uno de mis

personajes secundarios? Jon S. Baird: El guión era muy fuerte, así que

tuvimos suerte de que un alto nivel del reparto querían hacer la película. También el saber que James iba a estar en la película hizo de mucha atracción para que otros actores se unieran a la producción ya que querían trabajar junto a él y Jim Broadbent. Fusion Freak: Usted ha realizado dos películas y ambas son versiones de libros ¿Tiene usted algún género de lectura favorito?

héroes y he usado un montón de lentes de gran angular como hacía a menudo en sus películas. Sentí que el protagonista principal de “La naranja mecánica” era una gran referencia para nuestro carácter principal en Bruce.

Jon S. Baird: Me gusta verdaderas y comedia negra.

Jon S. Baird: No, él era la última persona que

es un estilo totalmente diferente a “Filth”. Tiene un gran guión escrito por el guionista de Philomena, que ganó un BAFTA y fue nominado para los Oscar.

leer

historias

Fusion Freak: Por último, ¿Cuáles son tus Fusion Freak: James McAvoy está increíble próximos proyectos? en esta película ¿Tuvo claro desde el principio la elección del actor como Jon S. Baird: Mi próxima película es una historia real acerca de Laurel y Hardy, que protagonista de su película? pensamos podría haber hecho un papel como este, debido a sus papeles anteriores. ¡Este papel solmanete va a demostrar lo increíble actor que es!

Fusion Freak: ¿Cómo fue la elección de los

Por Vicky Carras

ENTREVISTAMOS A:

KADIR BALCI

Kadir Balci Con motivo del estreno de su reciente pelicula Marry Me, el director belga nos concedió unos minutos de su tiempo.

Durante la película, aquellos que somos ajenos a la cultura belga, flamenca o turca descubrimos muchas costumbres típicas de las bodas de allí. ¿Era su intención dar a conocerlas? No fue intencionado pero si necesario. Me encanta mostrar detalles en las películas de manera que den una idea de los personajes y su mundo. Jean-Claude Van Rijckeghem (guionista) y yo escribimos esos detalles en el guión antes de rodar ya que nos pareció importante esbozar las pequeñas diferencias entre sus culturas. Siendo muy específicos con las dos culturas, esperabamos que la historia fuese interesante y de alguna maenra universal.

Como Bélgica tiene una gran comunidad turca él tuvo esta idea rondándole desde hace algunos años. Cuando se enteró de que había un director belga con raíces turcas y vio mi primera película se puso en contacto conmigo. Me preguntó si quería hacer una película sobre una mujer turca que se va a casar con un hombre belga. Él me interesó por el punto de vista de la mujer en esta idea. Antes de empezar a escribir el guión entrevistamos a 5 parejas que se habían casado en situaciones similares: mujer turca, hombre belga. Escuchamos 5 historias diferentes que iban desde el gran drama hasta la gran felicidad. En todas las historias quedaba una misma cosa; la esperanza. Y eso es lo que nosotros como autores queríamos contar. Una tragicomedia con esperanza, mucha esperanza.

¿Cómo surgió la idea de hacer una película ¿Cree que esta es una versión europea de sobre una boda entre personas de estas las típicas películas de bodas americanas? tradiciones? La idea vino de Jean-Claude Van Rijckeghem.

No lo creo. Creo que esta historia podría

Antes de empezar a escribir el guión entrevistamos a 5 parejas que se habían casado en situaciones similares

funcionar también en los Estados Unidos si hubiera sido con una mujer americana casándose con un hombre de otra cultura. Pero creo que las bodas son una parte de todas nuestras vidas. Las bodas atraen a diferentes personas un día completo. En los matrimonios las personas se convierten en amigos para toda la vida, o enemigos de por vida, o la gente se enamore. Un matrimonio es una cosa muy emocional para la novia y el novio, pero también para muchas de las personas que asisten. Los matrimonios son parte única de nuestra vida y de la experiencia humana. No hay nada que se le parezca. Es un gran telón de fondo para el drama y la comedia.

A modo de chiste, si hiciese esta película con actores de Hollywood, ¿quien la protagonizaría? Sibel interpretada por Emma Stone Jurgen interpretado por Ryan Gosling Kemal interpretado por Tom Hardy

¿A qué tipo de público está dirigida? Realmente a todo tipo de audiencias. Desde el muy comercial al muy de arte y ensayo. Lo único que pensé antes de empezar a dirigir esta película es que quería estas historias para ser

vistas por muchas personas. Pero no me hizo trabajar de manera distinta a como trabajaba antes. Escribir el guión con Jean-Claude me ayudó a hacer que fuese para una audiencia más amigable. Dicho esto, la historia combina el drama áspero y realista con la comedia. Y creo que la mejor comedia también debe herir un poco.

Parece que Marry me empieza a sonar como una posible acaparadora de premios. ¿Qué expectativas tiene? En primer lugar me gustaría que la película sea un éxito en Bélgica. Ese sería mi mejor premio. Pero sería genial si pudiésemos escuchar de esta película en más festivales.

Sabemos que ha tenido que trabajar con gente que no estaba acostumbrada a actuar. ¿Le ha gustado la experiencia? Mucho. Te hace entender como director que es lo que necesitas para ser fuerte y si estás listo para hacer que te entiendan. Hace de tu habilidad como director algo más fuerte y profundo.

Por Fran Tejada

Es cinem AHI OS QUEDAIS.

CALIFICACION

FRIKISMO

La muerte del patriarca congrega por primera vez en muchos años al clan de los Foxman. El luto de Judd es doble: además de su padre tambien ha muerto su matrimonio. Es de dominio público que Jen, su mujer, tiene un romance con su jefe. Siguiendo la tradición judía, los Foxman deberán permanecer en la casa familiar siete días y siete noches. E Divertida comedia con toques dramáticos sobre una familia disfuncional y heterogénea. Shawn Levy se ha caracterizado siempre por comedías de toque ligero del estilo de Los becarios o Noche loca nos da en esta ocasión una cinta que se caracteriza más por el mensaje que por la situaciones cómicas. Un buen ritmo y unos personajes bastante bien recreados caracterizan a esta película que recordará por momentos a Un

funeral de muerte por la cantidad de situ estrambóticas que suceden.

A destacar el reparto, completado por mul caras reconocibles destacando su protagonis Bateman. El actor, más conocido por sus cómicos un tanto simplones, en esta o consigue sumarle a su papel un toque mela y melodramático bastante convincente sie personaje sólido que produce una enorme e El resto de personajes no desentona des a la incombustible Jane Fonda haciendo madre bastante peculiar que dará los m momentos de la cinta, Tina Fey y Corey Sto último conocido por la magnífica serie The y el actor de moda Adam Driver que pese a personaje no deja de ser un cierto tópico b repetido, el futuro actor de Star Wars dem una cierta gracia y carisma que hace que d por encima del resto y sea un auténtico

AHI OS QUEDAIS La muerte del patriarca congrega por primera vez en muchos años al clan de los Foxman. El luto de Judd es doble: además de su padre tambien ha muerto su matrimonio. Es de dominio público que Jen, su mujer, tiene un romance con su jefe. Siguiendo la tradición judía, los Foxman deberán permanecer en la casa familiar siete días y siete noches. El conflicto surge al salir a la luz viejas pasiones y rencores del pasado, ocultos durante años. Cuando parece que la situación va a estallar, llega Jen para comunicar una importante noticia: está embarazada. La vida de Judd se desmorona el día del cumpleaños de su mujer y es que, después de preparar un bonita tarta para darla una sorpresa, la sorpresa es para él al llegar a su casa y encontrarse a su mujer y su jefe juntos en la cama. Después de esto para completar la horrible situación su padre

muere y celebre la y sus her recibiend

strenos matograficos criticas

uaciones

ltitud de sta Jason papeles ocasión, ancólico endo un empatía. stacando de una mejores oll (este e Strain) a que su bastante muestra destaque o “Roba

escenas” cada vez que sale en pantalla. La pega que se le puede achacar, es el argumento. Falto de originalidad y en la mayoría de momentos previsible. Con un mensaje final ya comentado del estilo “pese a todo, la vida sigue” que ya hemos visto en multitud de ocasiones. Aunque comentado esto, y hablando de un modo subjetivo me gusto mucho como el director narra los acontecimientos que vemos en la película. Tanto los diálogos como la evolución de los personajes esta muy bien llevada y la realización resulta muy simpática y amena. Ahí os quedáis es una película divertida y agradable, detalle que siempre es agradecer y que nunca te cansas de ver. Gonzalo Pérez.

pide como última voluntad que su familia a shiva judía, es decir, 7 días con su madre rmanos con los que apenas tiene contacto do visitas familiares continuamente.

Dentro de todo este drama encontramos situaciones humorísticas que te hacen ver que aunque la vida es una faena siempre hay algo que nos hace seguir hacia adelante. Y esto es lo que tienen que aprender todos los miembros de esta familia rota. Con muy buenas actuaciones, tenemos como protagonista al actor cómico Jason Bateman, en el papel de madre lianta tenemos a la gran Jane Fonda, como mención especial diría que el papel de Rose Byrne nos deja una sonrisa cada vez que aparece y es que su papel alocado y a la vez frágil hace la delicia de cualquiera. “Ahí os quedáis” es una película divertida que hará que salgas del cine con un buen sabor de boca y con un final sorprendente. Vicky Carras

CALIFICACION

FRIKISMO

LA BUENA MENTIRA La buena mentira es una preciosa cinta que se encuentra claramente dividida por dos partes: la primera de unos cuarenta y cinco minutos, es una cruenta historia sobre los conocidos como “niños perdidos de Sudán” llamados así a los cientos de miles de refugiados que se quedaron en la frontera de Kenia debido a la guerra entre Sudán del norte y del Sur y que en su mayoría eran huérfanos a consecuencia de la misma. Y partiendo de esa premisa, nos encontramos con una historia de supervivencia de un grupo de niños que deciden permanecer juntos para sobrevivir. Una situación dramática y difícil de asimilar. Y por otro lado, tras un lapso de tiempo, los niños ahora jóvenes reciben una segunda oportunidad en la vida viajando a EEUU. De un duro drama, se pasa a una comediadramática de cómo el grupo se adapta al primer mundo con situaciones bastante divertidas.

Hay que sido com pero aqu la transic a menos o quedan bastante un mund y afable. mas con

Y ya ha queda en actuación hay que un ejemp a las ad y entrañ compañe quedan a

LA DESAPARICION DE ELEANOR RIGBY

CALIFICACION

FRIKISMO

Eleanor y Conor son un un matrimonio neoyorquino que despierta la admiración de los demás, pues parecen muy enamorados. Pero, un día, un terrible golpe del destino perturba su relación. Tendrán entonces que esforzarse en sobrellevar la desgracia y recuperar su amor. “La Desaparición de Eleanor Rigby” es un remontaje de dos películas distintas que cuentan la misma historia vista desde los distintos puntos de vista de sus dos protagonista. “La desaparición de Eleanor Rigby: Ella” y “La desaparición de Eleanor Rigby: Él”, todo este díptico tenía una duración de unas 3 horas que al hacer el último montaje mezclando ambas se ha quedado en una película de dos horas, el cual se estrenó en el Festival de Cannes en mayo de 2014.

En esta película podemos ver como Conor y son la pareja perfecta, se quieren y ad uno al otro, pero por culpa de una desgra ninguno de los dos sabe llevar acaban sepa sin aparente reconciliación.

Con una atmósfera muy bucólica y ll tristeza vemos como ante el suceso que le

TORRENTE 5 ¿Qué hacen Santiago Segura, Jesulín de Ubrique, Andrés Pajares, Fernando Esteso, Cañita Brava, Chiquito de la Calzada y otros tantos cañís juntos en Torrente 5? Pues probablemente la que será una de las pelis más taquilleras del año. Porque nos gusta el humor, y más si es fácil y nos aleja de todo aquello que nos preocupa. Torrente tiene mucho de eso. Es una crítica a la estafa política y bancaria en la que vivimos, rebajada al lenguaje de la gente de a pie. Quizá por eso hay tantos “haters” que tachan la saga Torrente como casposa, pero es que el casposo es su personaje, que refleja la esencia del macho ibérico español, corrupto y vicioso llevado a la caricatura. Torrente 5 Misión Eurovegas es una parodia, la de la situación española ambientada a modo “Regreso al

Futuro” e Eleven”. de Jordi P para ser

Planeand contarán de esta por habl despunta quien, si mala pr bobalicón interpret trabajo d

El resto d las fases aburrido. personaj

decirlo, en cualquier otra película habría mplicado llevar este cambio tan radical, uí el director va sabiendo llevar muy bien ción con un tono dramático que va de más s sin que el espectador le acabe chocando ndo antinatural. Un recurso el que humor e acertado diferenciando claramente entre do difícil y complicado y otro más sencillo el cual consigue que logres empalizar aún el grupo protagonista.

ablando el reparto, Reese Witherspoon n un segundo plano gracias a la fantástica n del elenco protagonista. De entre ellos, destacar a Arnold Oceng cuyo personaje plo de superación y de no rendirse pese dversidades resulta bastante convincente ñable. Del resto de secundarios, los eros sudaneses que le acompañan no se atrás y dejando en este trío los mejores

Eleanor doran el acia que arados y

lena de e ocurre

momentos de la película. El dato curioso lo tiene Corey Stoll actor que esta semana va a repetir en nuestra cartelera con Ahí os quedáis.

CALIFICACION

La pega que se le puede achacar es que hay determinados momentos que aunque pese a ser acertados y que te obligan a aguantar alguna lágrima que otra, resultan demasiado cinematográficos. Con un transcurso de los acontecimientos que se torna excesivamente positivos, provocando una cierta ilusión poco creíble pero que como espectador al final acabas agradeciendo.

FRIKISMO

La buena mentira es una cinta que te hace pasar por multitud de emociones y acabando con un mensaje final emotivo y hermoso convirtiéndose en una película digna de ver. Gonzalo Pérez

Conor pasa de ser el marido perfecto a dedicarse completamente al trabajo y Eleanor se hunde intentando recuperar lo que tenía hasta que un día no puede más y decide marcharse. La actuación de Jessica Chastain es impecable, pues nos muestra toda su tristeza a través de su mirada, desconsolada. Mientras que James McAvoy nos deja un papel sin demasiado que resaltar, aunque si es cierto que se sale bastante de los últimos papeles en los que le hemos visto. Película sentimental y un drama bastante lento que nos muestra la relación de pareja antes y después de una tragedia, de cómo intentan salir de ese drama cada uno a su manera y que al no conseguirlo, todo cae en desesperación y tristeza, aunque el amor siempre deja puertas abiertas. Vicky Carras

en 2018 y tomando como formato “Ocean’s Se ríe de Esperanza Aguirre, de Podemos, Pujol, de los independentistas catalanes y, honestos, lo hace muy bien.

do el atraco al mayor casino de Eurovegas, n con la ¿ayuda? de Alec Baldwin, el villano a entrega, haciendo un sobreesfuerzo lar en español. En el equipo de Torrente a un nuevo showman: Jesulín de Ubrique in haber actuado en su vida y pese a su ronunciación, representa un personaje n, simpático y muy, muy cómico que ta de forma muy creíble. Sin duda, gran de Segura con él.

de la película… tópicos y mucho énfasis en del plan del atraco, llegando a ser un tanto . Los actores también son los tópicos de los jes que se han creado a sí mismos durante

años, pero al fin y al cabo es ese el objetivo de Santiago Segura para esta película y es justo lo que logra.

CALIFICACION

Sin embargo, hay algo que no podemos dejar de lado: la fotografía, la puesta en escena, los efectos especiales… los elementos técnicos de esta película son impecables, dignos de cualquier superproducción americana. Otra cosa no, pero Torrente es el “producto español” por excelencia, líder en producción, marketing y llamamiento masivo al público. Si Torrente 5 sigue la estela de sus anteriores entregas, no sería de extrañar que pronto desbancara la taquilla que hizo hasta ahora la exitosa “8 apellidos vascos”. Reconozcámoslo: Santiago Segura sabe cómo montárselo. Rocío Gíl Grande

FRIKISMO

A ESCONDIDAS Ibrahim, un chico marroquí de 16 años, camina solo y desorientado por una carretera de las afueras de una gran ciudad. Sabe que en dos días lo van a expulsar del país, así que coge su petate y se fuga. No tiene a dónde ir. En una discoteca, Rafa, un chico español de 15 años, está de los nervios porque no se cree capaz de satisfacer lo que espera de él la chica que lo acompaña. La homosexualidad cada vez está más naturalizada y desdramatizada en la sociedad, pero no cuando se trata de menores de edad. A escondidas es la historia de dos adolescentes, un español y un marroquí, que se conocen y enamoran a pesar de la mirada de los demás. Contarán con un problema adicional, el de la situación ilegal de Ibrahim, uno de los dos jóvenes.

DIOSES Y PERROS

CALIFICACION

FRIKISMO

Dioses y Perros es una película de boxeo pero sin boxeo. Su director, David Marqués, hace de esa una excusa para hablar de lo que verdaderamente le importa: el fracaso y la amistad. Porque así son sus personajes, unos fracasados con una triste vida que no hacen más que sobrevivir el día a día. Pero nada de esto desmerece una película que no solo goza calidad, sino que sumerge al espectador en todos y cada uno de los momentos de su guión. Pasca (Hugo Silva) es un Rocky Balboa de la vida y así se le presenta desde un principio, encima del rin, de sparring de un niñato sádico que solo quiere sangre. Él iba para campeón, y se quedó de saco de boxeo, y mientras saca de más de un aprieto a sus amigos y hermano paralítico. Su interpretación es brillante y se luce con un

La histor esforzado hacen es los actor la prime elegidos de institu inocente están mu historia.

Para hac espectad de los jó desorden harán qu que nos protagon jóvenes, dolor...

guión que pone en su boca frases verdader ingeniosas y demoledoras, inyectadas de humor negro. Los personajes secundarios s en esta película, haciéndonos empatizar c hasta puntos lacrimógenos.

La historia da un giro cuando entra en a protagonista femenina, Megan Montaner pese a cumplir el objetivo de interpretar profesora muy parlanchina, en ocasiones e demasiado.

Técnicamente podemos hablar de una buena que cuenta con una gran introducción con muy dinámicos, algunos de ellos grabados que parece ser una Go-Pro por su movimie un continuo uso de la cámara en mano qu aún más sensación de realidad y con una sonora propia de las películas americanas.

MI VIDA AHORA Una adolescente americana, Daisy, sumergida muy hondo en la edad del pavo, llega a vivir con su tía y sus primos a un pueblecito de Gran Bretaña. Hasta aquí podría ser el comienzo de una comedia estilo “indie” o de autor sobre adolescentes. Todo cambiará cuando, en un futuro no muy lejano, el mundo vuelva a estallar en otra guerra en la que ellos se verán duramente involucrados. “Mi vida ahora” es un intento de “La vida es Bella” llevado a la época actual. Es interesante de principio a fin, intensa y emocionante. Un drama con algún tinte de comedia que el oscarizado Kevin MacDonald dirige con un estilo muy particular y que funciona de maravilla en la gran pantalla. Quizá estuviéramos cansados de las típicas películas de las guerras mundiales. Esta tiene

la misma moderno que sí, p de horrib con mism que ha g dos baza historia,

Los acto Ronan, q

ria es tierna, muy real. Mikel Rueda se ha o por lograr esa sencillez en las cosas que sta película tan verosímil. Empezando por res: Germán Alcarazu y Adil Koukouh. Era era vez que actuaban en su vida, fueron tras siete meses de casting a 4000 alumnos uto y en ellos el director vio esa mirada que tanto transmite en pantalla. Ambos uy creíbles y aportan gran sinceridad a la

cerlo más tridimensional, para que el dor se sumerja de lleno en los sentimientos óvenes, el director cuenta con un montaje nado, con grandes elipsis de tiempo, que ue prestemos más atención a la historia y sintamos tan desubicados como los dos nistas. Con ello conseguirá la ternura de los la velocidad del riesgo ante sus ojos, el

ramente e mucho se lucen con ellos

acción la r quien, r a una exagera

a película n planos s con lo ento, en ue le da a banda

Pero el film también cuenta con actores profesionales. Destaca la valentía y el aplomo de Ana Wagener y cómo no, la siempre fantástica interpretación de Álex Angulo, fallecido el verano pasado, quien con dulzura crea un personaje entrañable con el que es fácil simpatizar, pues hará de guardián de los jóvenes inmigrantes desamparados ante la ley, como un Peter Pan de los niños perdidos. Esta tercera película que dirige el actor bilbaíno que comenzó fuerte hace cuatro años con su film en euskera Izarren Argia. Innegable su estilo personal, muy diferente a lo que estamos acostumbrados a ver, tiene como meta contar historias que hagan reflexionar, con un subtexto. Ese es el caso de A Escondidas, ahora os tocará descubrirlo a vosotros en el cine.

CALIFICACION

FRIKISMO

Rocío Gíl Grande

Lo demás, una ambientación en la zona de Vallecas y con la crisis económica como contexto y círculos muy turbios por donde se mueve el protagonista. No sabremos qué significa un combate “dioses y perros” hasta que llegue el final de la película. ¿Logrará Pasca solucionar sus propios problemas y el de todos sus amigos? Solo queda decir que da gusto cuando se hacen películas españolas diferentes, interesantes, y en este caso muy emocionantes que envuelven al espectador haciéndolo reír, sufrir y hasta llorar (al menos, eso puedo decir como anécdota personal). Dioses y Perros es ese tipo de película. Rogío Gíl Grande

a temática pero llevándola al panorama o, con personajes de ahora, mostrándonos podría volver a pasar y volvería a ser igual ble. La historia está basada en el best seller mo nombre, del escritor Meg Rosoff, con la ganado varios premios. Por ahí ya tenemos as a favor de esta película: Una buena un buen director.

ores tampoco se quedan atrás. Saoirse quien ya estuviera nominada al oscar por

“Desde mi cielo”, borda el papel de niña malcriada que se ve en la obligación de madurar ante la cruda realidad de la guerra. Sus compañeros de reparto, en especial los niños, tienen esa naturalidad infantil que cautiva tanto en pantalla. Pero un buen film no lo es sin una buena historia. “mi vida ahora” lo es, aunque en ciertos momentos solo la emoción de algunas escenas salva el hecho de que el guión se torna en la típica historia de amor entre adolescentes que tienen que hacer frente a las adversidades para mantener su amor, resolviéndose todo en un casual desenlace. Aún así, es una película que merece ver en el cine y se agradece que haya directores capaces de hacer obras con tanta belleza, películas que se salen de cualquier estreno de cine convencional. Rocío Gíl Grande

CALIFICACION

FRIKISMO

ANABELLE John Form encuentra el regalo perfecto para su mujer embarazada, Mia: una preciosa e inusual muñeca vintage que lleva un vestido de novia blanco inmaculado. Sin embargo, la alegría de Mia al recibir a Annabelle no dura mucho. Espeluznante precuela que espera repetir el éxito de sus antecesoras.

CALIFICACION

FRIKISMO

el magní su ausen plano a p cineasta hay que a presupue angustia anteriore

Annabelle al contrario de lo que muchos pensarían, no es una historia sobre cómo el matrimonio Warren se enfrento a la horripilante muñeca que aparecía en The Conjuring… por desgracia no es así, sino que es una historia sobre un matrimonio y de cómo la muñeca pasa a ser poseída.

Una de aunque la en este una mús hace falt seguram final de l causa alg

El director, no muestra ninguna personalidad copiando (aunque de forma eficiente todo sea dicho)

Con un r decente

PERDIDA

de dar con el argumento final.

El día de su quinto aniversario de boda, Nick Dunne (Ben Affleck) informa que su esposa Amy (Rosamund Pike) ha desaparecido misteriosamente. Pero pronto la presión policial y mediática hace que el retrato de felicidad doméstica que ofrece Nick empiece a tambalearse. Además, su extraña conducta lo convierte en sospechoso, y todo el mundo comienza a preguntase si Nick mató a su esposa... Adaptación del best-seller “Perdida”, de Gillian Flynn.

Perdida es una película retorcida, con per realmente maquiavélicos. Se nutre de la de Gillian Flyn para transformarse en un maestra donde el guionista tiene una form de construir los hilos que tejen una complic arquitectura argumental.

Pocos thrillers dan tantos giros en el guión como Perdida (Gone Girl). Todo comienza el día de su aniversario, el de Nick. Cuando llega a su casa su mujer ha desaparecido y la escena del crimen es de todo menos “casual”. A partir de ahí comenzará la persecución del culpable del secuestro o posible asesinato y, créanlo por esta vez, no serán capaces

Finn se sumerge en la psicología humana lle hasta el punto extremo de la manipulación d sus personajes como quien dirige un teat marionetas. Affleck está espléndido, pero sinceros, Rosamund Pike, para ser la desaparecida, lo borda.

¿Cómo lograr encajar todas las piezas del Cuando los problemas en una película se re sin más, por casualidad o porque en un m dado aparece de repente la salvación perso

LASA Y ZABALA Lasa y Zabala se presenta como una cinta política y policiaca, que toma como referente el caso homónimo que sirvió para encarcelar a las cabezas de los Grupos Antiterroristas de Liberación, más conocidos como el GAL. Para este fin, la película recorre el proceso que arranca a principios de los 80, con el secuestro y desaparición de los dos jóvenes terroristas pertenecientes al comando Gorki, y acaba con la sentencia que condenó a los responsables de su asesinato y tortura. Pablo Malo, su director, hace un retrato a matacaballo entre la ficción y la el biopic del asesinato Lasa y Zabala, el primer gran asesinato de los GAL. Tomando como vehículo a Iñigo Iruin (Unax Ugalde), abogado de las familias y del entorno de ETA.

La princ magistra las esce escogido gran pes sensibilid que apro

Paralelam cuanto m abogado tampoco de los ma que dura hablando en lugar más exte

Desgracia en algun

ífico trabajo de James Wan. Y hace que ncia no se note en absoluto copiando casi plano los elementos de terror y angustia del malayo. Aún repitiendo la misma formula, añadir que funciona. Es curioso que con un esto humilde sean capaces de causar tanta y “malrollismo” tanto en esta como en las es.

las causas de ello es la banda sonora, a repiten la oyes y creo que es insuperable contexto oscuro y agobiante. Cuando sica está tan bien realizada creo que no ta cambiarla o hacerla variaciones que mente acabarían estropeando la sensación la cinta (que en determinados momentos gún escalofrío que otro).

reparto desconocido, éste actúa de forma al igual que el director siendo meros

rsonajes a novela na obra ma única cadísima

evándola de todos trillo de seamos a mujer

puzzle? esuelven momento onificada

instrumentos para una historia que tiende a una cierta repetición pero que pese a ello tiene un par de sustos imprevisibles haciendo ver que esta formula aún puede ser explotada para un par de capítulos más (si la taquilla se lo permite). La pega que se le puede achacar es la ya comentada ausencia del matrimonio Warren, investigando el caso como en un principio cabría esperar y los que muchos habríamos considerado lógico cuando salió a la luz este proyecto. Aún con esa pega, Annabelle es una película que por muchos motivos ya comentados y otros que los tendréis que encontrar al visionaria, satisfará a los fans de Insidious y The Conjuring y por ende a todos los amantes del terror. Ya que un buen par de sustos los vais a tener asegurados.

CALIFICACION

FRIKISMO

Gonzalo Perez

(o La Virgen como decimos en España) en cine se denomina “deus es machina” y es un fallo del guión. En Perdida, sin embargo, todo deja rastros, huellas, pistas con las que podemos hacer flashback y flashforward y logrará encaja a la perfección.

Pero sobre todo esta película logra su objetivo, no dejarles indiferentes: empatizarán con los personajes. Con todos. Con sus puntos de vista. Luego se quedarán con la boca abierta, cambiarán de idea y aún así, terminarán la película con la sensación de que han sido guiados por un pasaje del misterio y con una sonrisa de asombro en la cara. Perdida es, sencilla pero muy complejamente, magnífica. Rocío Gíl Grande

cipal virtud de Lasa y Zabala es la al manera con la que Pablo Malo construye enas. A través de encuadres muy bien os, el cineasta logra recrear atmósferas de so dramático, despertando y sacudiendo dades durante la hora y cuarenta minutos oximadamente dura la película.

mente, Unax Ugalde ofrece un trabajo menos curioso, al meterse en la piel del Iruin. Aunque actoralmente no se trata de uno de sus trabajos más soberbios, uno ayores logros del intérprete es el hecho de ante la mayor parte de sus escenas actúa o en la variedad de euskera de Guipúzcoa, de hacerlo en batúa, la variedad dialectal endida en el País Vasco.

adamente, esta calidad actoral decae nos de los otros intérpretes, sujetos a un

enfoque personal de esta cinta, evidenciando la falta de identificación de los actores con los personajes que encarnan. Más concretamente esto se aplica a los actores que interpretan a los guardias civiles responsables de los asesinatos.

CALIFICACION

Y es que lo único que empaña esta cinta es precisamente el enfoque personal de esta película. Lasa y Zabala es una cinta hecha en Euskadi y realizada bajo un enfoque que difícilmente podrán compartir y disfrutar los espectadores del resto de España por igual. Esta sensación queda además magnificada por el hecho de que la mitad de la película se rueda en euskera, durante las escenas en el País Vasco, frente a las escenas en Madrid y Alicante, rodadas en castellano, Jesus Delgado Manzano.

FRIKISMO

THE EQUALIZER Robert McCall, un antiguo agente de la CIA, abandona su retiro para ayudar a Teri, una joven que está en manos de la mafia rusa. Se trata de una situación que despierta en él un renovado deseo de justicia. Versión cinematográfica de la serie de televisión de los 80 ‘El justiciero’. “Hay dos momentos grandes en la vida de un hombre. Uno es cuando descubre que ha nacido. El otro, es cuando descubre para qué”. Mark Twain. Empieza la película y está es la primera frase que leemos y que por supuesto nos adentra en el cambio de una persona con un pasado bastante oculto y una actual vida muy apacible y normal. Bob tiene todo para que no te imagines que puede llegar a ser un asesino justiciero, trabaja en un lugar completamente normal, lleva una vida tranquila y normal y por las noches utiliza un ratito

LA TORTUGAS NINJA

CALIFICACION

FRIKISMO

Reforzamos viejos tiempos. Personajes de la infancia de muchos; Leonardo, Rafael, Michelangelo y Donatello, acompañados de su maestro Splinter nos traen una nueva adaptación cinematográfica, que si no es fiel a lo que estamos acostumbrados a ver, si podemos adelantar que es una película entretenida, con toques de humor, y en ocasiones de nostalgia. Las tortugas ninjas es una película, en primera instancia, para aquellos que no conocen mucho de las mismas, una película que les resultará entretenida y no se les hará larga, pues pese a su corta duración. Disfrutamos de momentos que nos recuerdan a los cómicos pasados, se nos muestra una nueva historia, conmovedora, trágica a la vez, donde el valor que predomina es el de la familia.

de su tie leer un li con Alina en la pro ver como el decide vaya tras

Película s lo que qu expectan asesinato Pues no clase de para mat

Tenemos estupend supuesta cuanto a

Respecto a los efectos especiales, destac son bastante buenos. En el escalón má disfrutamos de una buena caracterización tortugas y su maestro, con diferencias a los que acostumbramos a ver. Siguiendo, encon unas escenas de acción que nos muestran u soltura y pureza en los gráficos, especta escenas y momentos en los que esto hace nos encoja el corazón. Seguimos con la ada del villano, la cual destacamos que es muy bastante similar a lo ya conocido, pero c armamento, lo que sigue provocando el mism a pelear contra este enemigo, el Despedaz guion de la película es bastante simple, tam molestaron demasiado en enredando, es l se sucede de forma clara y concisa, lo que h sea una película fácil de entender.

Destacamos la actuación de nuestra prota (Megan Fox), ya cual, pese a las dudas

LAS TORTUGAS NINJA Las Tortugas Ninja regresan a la gran pantalla tras más de dos décadas de ausencia. La trilogía que en su día entusiasmo a niños a extremos insospechados (salvo la denostada tercera parte) intenta con este reboot convencer a los niños que están viendo actualmente la serie en Nickelodeon. Y hay que decir que pese a sus fallos cumple con su objetivo. A nivel técnico, No se le puede echar en cara nada. Con unas tortugas magníficamente realizadas, demuestran lo bien que ha evolucionado la tecnología por ordenador convirtiéndose en un más que razonable sustituto de los efectos especiales de los que yo siempre he sido defensor. El director solventa de forma correcta las escenas de acción, evitando lo más que ha podido la dichosa cámara en mano tan de moda últimamente. Las pegas es su falta de personalidad siendo un mero mercenario a

la órdene este film.

De los a Arnett, s nivel inte de las t ya que e una de e sea fácilm por ser subjetiva

Respecto del film. gratuitos excusas en realid por qué dando lu

empo para ir a un bar a tomarse un té y ibre. Allí en ese bar coincide muchas veces a (Chlöe Grace Moretz), una joven metida ostitución por medio de la mafia rusa. Tras o la tratan y que ella no puede hacer nada, e actuar haciendo que toda la mafia rusa s el.

sencilla, con trama sencilla que consigue uiere, entretener y mantener al espectador nte para ver cómo va a ser el siguiente o que va a perpetrar nuestro justiciero. es el típico justiciero con pistolas y toda armas, no, sino que utiliza cualquier cosa tar.

destacar a Marton Csokas, el enemigo de nuestro protagonista y que borda su papel de jefe de mafia rusa sin ningún tipo de sentimiento ni escrúpulo.

CALIFICACION

Antes de terminar decir que el film está basado en una serie de los años 80. Así que si queréis pasar un rato entretenido, viendo muertes sin parar y a una auténtica máquina de matar no dudéis en pasar por las salas de cine. Vicky Carras

FRIKISMO

s ante nosotros a un Denzel Washington do como de costumbre, con su temperamento amente apacible pero temible a la vez. En a los actores secundarios, en este caso

car que ás bajo n, en las diseños ntramos una gran aculares e que se aptación y buena, con más mo miedo zador. El mpoco se limpio y hace que

trabajo bastante bueno, al igual que William Fichtner como Eric Sacks, o Masamune como Shredder, y por supuesto nuestras cuatro tortugas; Pete Ploszek como Leonardo, Alan Ritchson como Raphael, Noel Fisher como Michelangelo y Jeremy Howard como Donatello. Podemos decir que al igual que siempre Bay, no busca una adaptación fiel, si no y ser diferente, mostrar otros terrenos historias, por lo que sin duda esta nueva ha sido un buen trabajo.

Michael innovar y otras película

Paula Escalera.

agonista hizo un

es del malogrado Michael Bay que producía .

actores humanos, hay que destacar a Will su personaje de Vernon Fenwick resulta a erpretativo lo mejor de la cinta. Y dentro tortugas, es complicado destacar alguna el comentado gran diseño hace que cada ella tenga su propia identidad y diseño y mente identificables. Quizás Michelangelo, el secundario cómico de turno y porque amente siempre ha sido mi favorita.

o al guión, hay que ponerle la nota negativa . Bastante simple y con recursos muy s, con situaciones que no son más que para llegar del punto “X” al “Y” pero que dad lo único que dan son interrogantes de se ha actuado de esa forma y no de otra ugar a fallos evidentes que podían haberse

solventado de forma sencilla si al menos lo hubiesen dado un par de retoques. A ello hay que sumar los diálogos alguna veces demasiado forzados para poder hacer la gracia de turno o para hacer alguna referencia a la cultura pop. Aunque contando para el público al que va dirigida son fallos excusables sobre todo gracias a algunas referencias y guiños a las películas originales que me gusto mucho. Ninja Turtles es una película familiar que si eres consciente de lo que vas a ver y eres un nostálgico de la saga de los noventa. La vas a disfrutar mucho y más aún, si te acompañan los más pequeños de la casa. Gonzalo Pérez

CALIFICACION

FRIKISMO

CUANDO DESPIERTA LA BESTIA En una pequeña comunidad costera, Marie de 19 años vive sola con sus padres. No confía en nadie excepto en Daniel, un amigo hipnotizado por la naturaleza salvaje de la joven. Cuando Marie descubre que su cuerpo comienza a sufrir extrañas transformaciones, busca respuestas ligadas al oculto pasado de su familia. Su padre trata de mantenerla a salvo de las miradas atentas y temerosas de los vecinos, pero el espíritu rebelde de Marie no puede ser domesticado. Pronto su búsqueda de la verdad la llevará a enfrentarse con todo su entorno, a excepción de Daniel, que la seguirá hasta el final. Resulta grato como están surgiendo películas de terror con calidad al margen de las superproducciones Hollywoodienses. Este es el caso de Cuando

CALIFICACION

FRIKISMO

despierta danesa q contarno los mérit aquellos negro qu historia o de avanc

Se puede presupue de 2013 chicos jó raras en s a un film logrado d intensa. sus perso intensida

MARRY ME

bodas.

Segundo largometraje del director Kadir Balci, cuenta la historia de Jurgen Vindevogel y Sibel Koç, llevan sólo tres meses y tres semanas juntos, estan locamente enamorados y con planes de casarse. Lo único que ocurre es que la familia también tiene algo que decir al respecto...

Es posible que dentro de un tiempo veamo actores principales, la pareja que pretende c en películas de mayor calidad. De hecho D Sutter ya asoma la cabeza por produccion potentes. Hay que reconocer que dura

He tenido el placer de visionar una película que será presentada en la SEMINCI de Valladolid, festival que cumple 59 ediciones. Está película compite por el Oscar a la mejor película de habla no inglesa. A pesar de su curriculum, mucho hacía que una película hiciese que me revolviese en mi asiento como lo ha hecho esta. Si no tiene un cero es porque por lo menos está bien grabada y resulta una muestra, a modo de curiosidad, de lo que son las culturas flamencas y turcas o al menos sus

DOS DIAS, UNA NOCHE “Dos días, una noche”, una película que si bien se ha calificado como drama, que en mayor medida lo es, a su vez es una película que nos muestra uno de los problemas que más nos afectan a todos. “Dos días, una noche” nos cuenta la historia de Sandra, una mujer que tras una enfermedad está lista para incorporarse a su trabajo. Sin embargo la crisis que afecta a su empresa ha obligado a sus compañeros, en ausencia de Sandra, a realizar una votación a favor de su compañera o a favor de su “Prima”. Desde ese momento, Sandra luchara por la repetición de esa votación, visitando a todos y cada uno de sus compañeros para tratar de convencerles sobre el porqué deben votarla a ella y no a la Prima. Esta película es un drama francés, bien estructurado, sin embargo para aquellas personas, a las que

no suela ciertame ocasión, gusta a m nos mues en dos d el drama la familia todo es u protagon una depr de su enf

Otro de según av sobre si vamos vi el por qu repercusi que nos

a la bestia, película de nacionalidad que sin apenas efectos especiales consigue os una historia de misterio. Este es uno de tos que se lleva la película y que evoca a éxitos de la época del cine en blanco y ue conseguían atraer al espectador con una o una puesta en situación sencilla, sin tirar ces tecnológicos.

e equiparar esta película a otra de bajo esto como fué Afflicted (película canadiense 3). Partiendo del mismo planteamiento, óvenes que empiezan a experimentar cosas su cuerpo, la película pasa de ser un drama de terror. Cuando despierta la bestia no ha del todo captar mi interés de una manera Peca de lenta, en parte por el carácter de onajes con reacciones frías y carentes de ad. No tengo el placer de conocer a ningún

os a los casarse, Dries de nes más ante los

danés pero puede que este defecto se deba a un fiel reflejo de la gente de Dinamarca.

CALIFICACION

Queda patente que la valiente apuesta del equipo de rodaje del largometraje es la ambientación y la fotografía. Desde el primer frame dan ganas de conseguir imágenes de la película para el fondo de pantalla de nuestro escritorio. Muy buena calidad, encuadres y tratamiento de las luces. Furano J

FRIKISMO

noventa minutos de metraje no se ven actuaciones malas y eso que sabemos que la mayoría de actores no tenían experiencia y han aprendido en poco tiempo a moverse ante las cámaras. Esta especie de mezcla de Modern family con Mi gran boda griega pretende cumplir con los cánones de una comedia romántica. Situaciones absurdas, gente desquiciada, una vorágine de malentendidos o mentiras... pero solo rasca la superficie ya que sin duda en determinados momentos parece más un drama. No solo por la música triste que presenta en ocasiones sino también por algunos giros planteados de manera muy melodramática. No dudo que esta película tenga su público, sin duda a alguien le gustará pero para poder entretener un poco más le falta chispa y le sobra duración. Furanu J

a gustarle este tipo de películas, resulta ente aburrida y tediosa en más de una ya que carece de la ciencia ficción que les muchos. Es una película que simplemente stra otra estética, la de seguir a una mujer días y durante una noche. Nos muestra a por la pérdida del trabajo, el apoyo de a y los seres que te quieren… pero sobre una película de superación, donde nuestra nista, tendrá muchos altibajos, cayendo en resión de la que se sospecha fue repercusión fermedad.

los hechos destacado de la película es que vanza la misma, y Sandra va preguntando votarían por ella o por la prima, es que iendo las dificultades de sus compañeros, ué votarían por una cosa u otra… vemos las iones de la crisis, del poco trabajo, algo afecta a muchos en nuestros respectivos

países. Es una película donde también destaca la ausencia de banda sonora, ya que el ambiente siempre es natural, y de vez en cuando escuchamos algunas canciones en referencias o guiños. Es un guion limpio, no muy difícil, ya que simplemente busca contar un hecho. Sin embargo también destacamos la grandísima interpretación de Marion Cotillard, conocida también por otras películas (El caballero oscuro; La leyenda renace), la cual sin duda ha estado brillante interpretando el papel de nuestra protagonista Sandra. En definitiva “Dos días, una noche” es una muy buena película en la estética que esta plantea sobre el drama de la crisis, pero sin embargo es una película que generalmente resultara aburrida si no se está acostumbrado a esta misma estética. Paula Escalera

CALIFICACION

FRIKISMO

VAMOS DE POLIS Vamos de polis, película sin mucha gracia que nos cuenta la historia de Ryan y Jamie, dos amigos que viven juntos en los Ángeles para cumplir sus sueños. Una vez llegados a los 30 años se dan cuenta de que nada de eso se ha hecho realidad. El sueño de Ryan siempre fue convertirse en una estrella de Fútbol Americano, pero por culpa de una lesión su sueño fue truncado. Jamie, es un hombre bastante miedoso y muy inseguro que se dedica a diseñar videojuegos. Pero ninguno de los dos consigue absolutamente nada. Una noche les invitan a una fiesta de disfraces y van vestidos de policías, a partir de esa noche su vida cambia, pues la gente comienza a creer que son policías de verdad y su vida mejora notablemente, hasta que se meten en una operación contra unos mafiosos y sus vidas comienzan a correr peligro.

DRACULA: EL ORIGEN DE UNA LEYENDA

CALIFICACION

FRIKISMO

Una nueva adaptación que sin duda es de gran desarrollo, interpretación y totalmente nueva. Impactante en algunos casos, triste en otros pocos, y realmente sorprendente. Esas serían las palabras con las que se definirían la nueva película de Drácula, La leyenda jamás contada. Esta nueva película nos trae la vida del conde Drácula contada desde otro de los puntos de vista, donde la guerra ha desatado que niños pequeños sean adiestrados desde niños por los turcos, dispuestos matar sin remordimientos y sin preguntas. Entre esos niños, esta destacado el que posteriormente fue conocido como, El príncipe, el que pasó a la historia conocido como Drácula. Cuando nuestro príncipe, Vlaid, se ve obligado a entregar a su hijo a una antigua tradición, y este se revela contra los turcos, estalla la guerra.

Sin duda esta nueva adaptación destaca forma en la que esta levada la película, grandiosos efectos especiales y por una sonora que es inquietante y de las mejo se han escuchado ene l cine. Los efect realmente estremecedores, inundan las esc dramatismo, fantasía y en cierta forma tam terror. Efectos especiales en Drácula, en el de este sobre determinados animales, ha realmente lleguemos a tener miedo del per También nos trasladan dentro de la propia p o a Drácula fuera de la misma.

El guion es bastante bueno, es muy fácil de e y la historia es realmente estremecedora, l amor a la familia, el sacrificio que se rea querer salvara a la misma. Es un guion va desarrollando bien, sin dejar las cosas s con un final inesperado. En ocasiones es v desesperación y la angustia, donde se dem

EL JUEZ

resquebr

Hank Palmer (Robert Downey Jr.), un importante abogado, regresa a su hogar tras la muerte de su madre. Se entera entonces de que su padre (Robert Duvall), que es el juez del pueblo y de quien está distanciado, es sospechoso de haber cometido un crimen. Su decisión de investigar el caso lo lleva poco a poco a restablecer con los suyos una relación que estaba rota.

En esta papeles tanto Do en sus re decantar sólida y c emoción Otro de basándos personaj mismos. películas descubra sin neces evidentes superficie se oculta

Hank Palmer ( Robert Downey Jr) es un prestigioso abogado de Chicago que tiene que volver a su pequeña localidad en Indiana por motivo del fallecimiento de su madre. Durante su estancia, se produce un asesinato en el que su principal sospechoso es su padre (Robert Duvall). En ese momento, se producirá un conflicto con Hank entre su papel de abogado para defender a su padre y su deteriorada relación entre ambos que puede

El guión es bastante flojo, intenta hacer una comedia, cuando realmente hay pocas gracias y las que hay son muy típicas. Los actores tampoco es que ayuden mucho, podemos ver a Andy García como uno de los malos que da un poco de caché a la película.

CALIFICACION

Otra cosa que nombrar es la banda sonora que también es bastante mala, solo decir que la película comienza con una canción de los Backstreet boys. En fin, película sin mucha chicha y con poca gracia donde podréis ver lo fácil que parece hacerse pasar por policía en los Ángeles sin que nadie se dé cuenta y como siempre con una moraleja y es que la amistad hace posible que todo vaya bien, incluso cuando un montón de mafiosos va detrás de ti intentando matarte.

FRIKISMO

Vicky Carras

a por la por los a banda ores que tos son cenas de mbién de dominio ace que rsonaje. película,

que en algún momento Drácula, también tuvo un lado humano. Escenas que realmente resultan desgarradoras alguna de ellas y espectaculares las otras. La ya mencionada banda sonora es una de las mejores. No obstante no le resta valor a las imágenes, es más, lo incrementa y nos da esos momentos en los que hasta los pelos se ponen de punta, principalmente en esas escenas de guerra, cuando se relatan las historias del Conde. Una banda sonora que sin duda está bien pulida y realizada.

entender llena de aliza por que se sueltas y visible la muestra

Luke Evans sin duda es una figura destacada por sus anteriores trabajos, esta nueva película también será una de las más reconocidas, por su brillante actuación, sin duda lo mejor de la película. Cabe destacar también a Sarah Gadon o a Dominic Cooper, que aportan bastante peso a la película y a la propia historia del conde. Paula Escalera.

rajarse en cualquier momento.

cinta hay que destacar los excelentes mostrados por sus dos protagonistas, ownney como Duvall están espléndidos espectivos papeles haciendo siendo difícil rse por uno u otro y formando una pareja convincente que logra crearte empatía y la que requiere la misma. los aspectos a destacar es el guión, se en la fuerza de los diálogos entre los jes para contarte todo el pasado de los Es de agradecer, que aún siga habiendo que intentan que sea el espectador el que a todo lo sucedido a través de las palabras sidad de mostrarlo con imágenes o frases s. En este caso, es necesario rascas en la e para entender los muchos entresijos que an tras la familia Palmer.

La pega es la excesiva (e innecesaria) duración de su desarrollo. Los casi 140 minutos, pueden haberse reducido fácilmente con la eliminación de subtramas que no aportan nada al contenido de la cinta y que habrían ayudado a hacerla más amena y ágil. Todo ello es solucionado con su magnífica conclusión. Emotiva y fantásticamente realizada explotando ,en este caso en concreto, la fuerza de las imágenes dándole un final meritorio y acorde a las casi dos horas y media de duración. El juez es una película que por el simple hecho de ver a su pareja protagonista actuar. Hace que Merezca la pena darla un visionario. Gonzalo Pérez

CALIFICACION

FRIKISMO

Cheesebridge (Puentequeso) es una elegante ciudad de la era posvictorinana, obsesionada por el dinero, la clase y el más delicioso de los quesos apestosos. Debajo de sus encantadoras calles adoquinadas viven los Boxtrolls, unos monstruos que salen de las alcantarillas por la noche para hacerse con los bienes más preciados de los habitantes: sus hijos y sus quesos

Sus vida extermin quedando vive junt

Los pob

Bueno entre tanta película para adultos que ha habido en lo que va de año, comenzamos la temporada de películas infantiles, para que los más pequeños puedan disfrutar también del cine. Y aquí estamos con “Los Boxtrolls”, una película tierna, graciosa y con moraleja. Los Boxtrolls son unos pequeños monstruos que habitan bajo tierra, son grandes inventores y les encanta arreglar cosas, además de escuchar música que cogen de las basuras del exterior.

EN TIERRA EXTRAÑA

CALIFICACION

FRIKISMO

Documental que aborda el caso de los jóvenes emigrantes españoles que, debido a la profunda crisis económica en España, se han ido al extranjero, en este caso a la ciudad de Edimburgo, en busca de un futuro mejor. Iciar Bollaín apuesta por el género documental y el tema elegido es una realidad social como es la que actualmente se vive en España, la de la generación perdida, la de jóvenes españoles nacidos en democracia que han tenido que emigrar debido a la crisis económica. Para este fin, la directora adopta la ciudad de Edimburgo como escenario y a la colonia española de la ciudad escocesa como testigo. Bollaín toma una muestra significativa y durante una hora y cuarto realiza un retrato bastante fiel

de la realidad del emigrante, contrastan diferencias entre lo que fue emigrar en los a los abuelos de la actual generación de emigr lo que es actualmente. Mediante esta compa mostrando el gran abismo que separa situaciones y a la vez sus grandes similitu directora se sumerge en el retrato de la española de Edimburgo. Y precisamente g esto, el espectador entra en contacto con la del emigrante y su realidad, aunque únic sea a través de meros testimonios.

Edimburgo, que a su vez es un persona del metraje, se presta como escenario i que Bolláin utiliza un movimiento social y a llevado a cabo en ella para retratar el sent de alienación y desplazamiento de los emi que, en palabras de éstos, se sienten co guante que ha perdido su pareja”.

BLUE RUIN Dwight es un vagabundo de vida tranquila, un treintañero sin techo que vive en su coche, un destartalado Pontiac azul. Deambula por la ciudad y sobrevive recogiendo botellas en la playa, hasta que un día su rutina se trastorna al enterarse de una terrible noticia. Esto le lleva a tomar una decisión descabellada y a volver a la casa de su infancia para llevar a cabo una extraña venganza. Comienza “Blue Ruin” vemos a Dwight su protagonista en una gran bañera, inquieto y con todas sus pertenencias en el suelo. Te das cuenta de que algo raro pasa, todo está muy tranquilo, hasta que te das cuenta de que Dwight no está en su casa y tiene que salir corriendo al ori a los inquilinos venir. Él realmente vive en un Pontiac azul, es un vagabundo con una vida tranquila y que se dedica a recoger botellas de la playa con

lo que se día una p comisaría que salga

Macon B perdido venganza hombre Pero que quiere en

Menciona ahí poco pena, com papel y a aunque n le ayuda la vida de

as se complican cuando “Los Gorros rojos” nadores de Boxtrolls cazan a casi todos o solo 3, uno de ellos un pequeño niño que to a ellos.

bres boxtrolls son marginados de una

ndo las años 60, rantes, y aración, ambas udes, la colonia gracias a a cultura camente

aje más ideal ya artístico timiento igrantes omo “un

sociedad que no quiere monstruos y no intentan ver que son buenos, sino que lo único que ven es que son diferentes y los ven como monstruos.

CALIFICACION

Película de aventuras y muy familiar, con un stop motion perfectamente logrado y con una estética muy de Tim Burton, se nota mucho que viene de la mano de los creadores de “Los mundos de Coraline” aunque con una estética muy victoriana. Si queréis llevar a vuestros niños al cine y no os queréis aburrir, está es vuestra película, os reiréis de manera inocente, con pequeñas gracias que aunque, eso mismo, sean pequeñas, no podréis evitar sacar la sonrisa y además tendrán una buena moraleja en la que te hacen ver que hay que creer en uno mismo y que todo se puede cambiar.

FRIKISMO

Vicky Carras

La rica diversidad de testimonios y situaciones ofrece un mosaico rico en experiencias y vivencias, lo cual arroja claros y oscuros sobre la realidad de los emigrantes. Así, el espectador puede conocer tanto la experiencia de aquellos que han triunfado en el extranjero, y aunque desplazados han encontrado su nicho en otro país, frente a aquellos para los que la integración resulta aún una cuestión complicada. Bollaín presenta pues un documental muy correcto, bastante inocente y cercano. Alejándose de cualquier tipo de maledicencia política, la cineasta y actriz logra componer un trabajo serio, aunque emotivo, en el que apunta maneras, demostrando que su faceta como directora va más allá de la ficción dramática, pudiendo retratar también la realidad dramática. Jesus Delgado Manzano

e gana el poco dinero que tiene. Un buen policía rompe esta tranquilidad y le lleva a a donde le va a dar una noticia que hace a con sed de venganza de allí.

Blair nos regala un personaje totalmente pero que realmente sabe lo que quiere, a. Buena actuación, nos muestra a un débil en apariencia y en el fondo bueno. e por circunstancias de la vida lo único que n este momento es matar.

ar también a los actores secundarios, pues os realmente pero merecen bastante la mo Kevin Kolack en un breve y estupendo a Devin Ratray en el papel de amigo que no quiere meterse en los asuntos de Dwight en uno de los momentos más difíciles en e éste.

Jeremy Saulnier nos trae una historia de venganza familiar con un cierto toque al cine de los hermanos Cohen, donde los diálogos importan poco y las imágenes nos aportan todos los detalles que necesitamos.

CALIFICACION

Con una estupenda fotografía y un guión muy buscado, “Blue Ruin” es una película donde la venganza y la violencia andas juntas de la mano. Muy recomendada. Vicky Carras

FRIKISMO

FILTH Ha habido un asesinato en Escocia, un joven asiático ha sido asesinado cruelmente por una banda callejera, para poder resolver el crimen confían en Bruce Robertson, lo peor de la sociedad humana, un desgraciado, alcohólico, racista que se entretiene jodiendo la vida de los demás y pisando a cualquier persona que se le ponga por su camino. Todo porque su mayor creencia es que si le dan el ascenso su mujer volverá con él. La película es una verdadera locura, llena de alucinaciones y de pensamientos del personaje que te lleva con él al mismísimo infierno. El director Jon S. Baird nos trae esta adaptación de la novela de Irvine Welsh, con un montón de guiños para los lectores de la novela y dos guiños perfectamente reconocibles a las películas de

CAMINANDO ENTRE LAS TUMBAS

CALIFICACION

FRIKISMO

Caminando entre las tumbas, la nueva película de Scott Frank, basada en la novela de Lawrence Block, nos trae una historia de asesinatos, donde un hombre con un pasado perturbador deberá resolver uno de los casos más escalofriantes. Matt Scudder, interpretado por el famoso actor Liam Neeson, es un ex policía que se retiró por propia voluntad, tras un accidente en el que hirió a un pequeña tras un tiroteo, en el que derribo a dos personas, hiriendo lamentablemente de muerte a esta niña ya mencionada. Uno de los grandes problemas de este personaje era la adición a la bebida, debido a eso, fallo en su trabajo. En la actualidad se encuentra trabajando como detective, pero sigue resistiéndose a colaborar. Cuando un hombre requiere de su ayuda, Matt volverá a la acción para descubrir a los criminales que raptan a

Stanley K Odisea e impresion ha sido que te m desequili

James M bordado su carrer aunque s los de a asco y a que ha m poco vas ser como

En mi o película, secundar

las mujeres, y las someten a un maltrato e que no mencionare para dejar la sorpresa.

Desconozco si la película está bien de la novela, pero sí puedo decir que si es una película buena, de gran ejecució resulta ciertamente predecible en algunos desvalorando a la misma. En efectos esp encontramos aquellos que facilitan los tiro algunos casos las buenas caracterizacio heridas. Por otra parte la banda sonora adqu peso importante en la misma, no mucho, p suficiente para asustarnos de vez en cuand

Esta película nos mantiene constanteme tensión, sin saber qué es lo que va a guiándonos por un sendero que en ocasio queremos ver. En el reparto destacamos s la ya mencionado Liam Neeson como Matt S además de Dan Stevens como Kenny K

[•REC] 4 Ángela Vidal, la única superviviente de una terrible infección, es evacuada de un edificio. Sin embargo, a pesar de que la situación parece estar controlada, el caos vuelve a desatarse y la semilla del mal renace adoptando nuevas y terribles formas. Jaume Balagueró vuelve con [•REC] 4, donde acaba la saga que tanto ha dado al cine de género español. Y vuelve acompañado de Manuela Velasco mostrándonos su lado más heroico. Esta vez nos llevan a alta mar, donde encontramos a Ángela, a dos de los policías que la salvaron en el edificio y a la única superviviente de la boda que todos sabemos no acabó nada bien. El barco está lleno de misterios, jaulas, un laboratorio que les ocultan, como siempre mucha sangre, nuevas

maneras burradas

Por lo q Balaguer como en deja un g más. En e la cámar primera tensión. los antig del virus.

Muchos d 8º pasaje a pensar cine de te

Como sie

Kubrick La naranja mecánica y 2001: en el espacio. Con un trabajo de director nante, donde la elección de los actores impecable y ha logrado perfectamente metas en la cabeza de Bruce, una mente ibrada y a la vez bastante despierta.

McAvoy está increíble en este papel, lo ha y seguramente sea el mejor papel de ra, al menos hasta ahora. Nos hace reír, sea por las atrocidades que les hace a todos su alrededor. Nos hace sentir verdadero a la vez verdadera pena por un personaje marchado por un mal camino, pero poco a s viendo que tiene sus propios motivos para o es.

a grandes actores trabajando junto a él, pero voy a mencionar a uno en especial, Eddie Marsan, que hace el papel de “mejor amigo” o al menos eso cree él, personaje desdichado y a la vez conformista que siempre se deja llevar a la oscuridad por Bruce.

CALIFICACION

Así que si queréis ver una película con mucho ritmo, graciosa, entretenida, con mucho humor negro y con un doble final que no os va a dejar para nada insatisfechos, ya sabéis no os perdáis Filth. Vicky Carras

FRIKISMO

opinión McAvoy lleva todo el peso de la pero si es cierto que sin sus personajes rios no sería lo mismo y es que tenemos

excesivo

versada in duda ón, que s casos, peciales os y en ones de uiere un pero si el do.

ente en ocurrir, ones no sin duda Scudder, Kristo y

Boyd Holbrook como Peter Kristo dos hermanos involucrados; el primero por ser el marido de la mujer desaparecida y el segundo por ser quien enreda a Matt en la misión de buscar a los hombres que mataron a la mujer de su hermano. Caminando entre las tumbas es una película que nos muestra también uno de los lados de la vida que más miedo dan; aquel de los secuestros, donde las personas no llegan a aparecer, donde vemos el sufrimiento o incluso el dolor tras la pérdida, acompañado de la venganza y los fallos cometidos que se quieren enmendar. Una película que nos traslada eso si a la novela negra. Paula Escalera

de violencia donde podemos ver auténticas s y con bastantes toques de humor.

que hemos podido hablar con Jaume ró es el final de esta saga, aunque eso si, n todas las películas de género siempre te guiño para que te quedes con las ganas de esta cuarta parte vemos como se abandona ra en mano que tantos recursos dio a la película, pero esto no significa que falte Entran nuevos personajes mezclados con guos y por fin nos esclarecen el comienzo .

detalles que pueden recordar a “Alien y el ero”, “La cosa” o “Braindead” puede darnos r en un posible homenaje del director al error al uso.

empre Manuela Velasco está estupenda en

el papel de Ángela Vidal que lo único que quiere es que la dejen en paz. El reparto en general bastante bien, algún que otro personaje está algo sobreactuado, pero esto no quita la buena actuación de otros como Ismael Fritschi que está estupendo en su papel de fan numero uno de Ángela y que gracias a todos sus conocimientos de electrónica e informática puede ayudar a nuestros protagonistas y a él mismo. Si sois fans de la saga no dudéis en pasaros por el cine y ver [•REC] 4, os va a encantar y sobre todo podréis quitaros dudas acerca del virus y podréis ver más zombis que es lo que más nos gusta. Vicky Carras.

CALIFICACION

FRIKISMO

estrenos en DVD y Bluray

RAY DONOVAN 1 TEMPORADA

THE MINDY PROJECT 1 TEMPORADA

Un éxito rotundo, Ray Donovan hace su presentación en DVD con la primera temporada completa. El experto en arreglar crisis Ray donovan (Liev Schreiber, candidato al Golden Globe) soluciona problemas desde casa, hasta que los problemas le pegan de lleno. Ray resuelve las situaciones complicadas de la gente rica y famosa de Los Ángeles con su estilo de Boston.

Es inteligente. Tiene éxito. Pero en lo que se refiere a encontrar un amor verdadero, está siempre en pleno desarrollo. Conoce a Mindy (Mindy Kaling), una soltera especializada en obstetricia y ginecología que quiere que su vida sea como una película romántica, pero que no logra dar con el protagonista adecuado. Cuando intenta encontrar el equilibrio entre su imprevisible trabajo y citas poco convencionales, Mindy descubre pronto que la receta de la felicidad está repleta de efectos secundarios realmente cómicos.

Pero su padre, Mickey Donovan (el ganador del Golden Globe Jon Voight), un gánster irlandés, es la clase de problema que ni Ray puede atajar. Ahora en libertad condicional, Mickey regresa para recuperar a su familia

X MEN DIAS DE FUTURO PASADO

LA BELLA Y LA BESTIA

Los X-Men luchan por la supervivencia de la especie en una guerra que se desarrolla en épocas diferentes. Los personajes de la trilogía cinematográfica original de “X-Men” unen sus fuerzas a las que ellos mismos poseían en el pasado, cuando eran más jóvenes –tal y como aparecen en “X-Men: Primera generación”–, para cambiar un importante acontecimiento histórico y librar una épica batalla que podría salvar nuestro futuro.

1810. Tras el naufragio de sus navíos, un mercader arruinado debe exiliarse al campo con sus 6 hijos. Entre ellos se encuentra Bella (Lèa Seydoux), la más joven de sus hijas, alegre, guapa y llena de encanto. Tras un viaje agotador, el mercader descubre el dominio mágico de la Bestia (Vincent Cassel) que le condena a muerte por haberle robado una rosa.

NEED FOR SPEED La película narra la historia de Tobey Marshall (Aaron Paul), un mecánico que pilota muscle cars (coches clásicos de gran cilindrada) en un circuito de carreras ilegal callejero. Necesitado de medios para mantener a flote su taller familiar, acepta a regañadientes asociarse con el adinerado y arrogante ex piloto de NASCAR Dino Brewster (Dominic Cooper).

MALDITOS VECINOS

CARMINA Y AMEN

Cuando los recién casados Mac (Seth Rogen) y Kelly (Rose Byrne) descubren que sus nuevos vecinos son ni más ni menos que una fraternidad universitaria, con el carismático presidente Teddy Sanders (Zac Efron) a la cabeza, intentan adaptarse a las circunstancias y llevar lo mejor posible esta situación incómoda.

Tras la súbita muerte de su marido, Carmina convence a su hija María de no dar parte de la defunción hasta pasado dos días y así poder cobrar la paga doble que él tenía pendiente. Durante esos dos días esconden el cadáver y disimulan su duelo en la cotidianidad de un bloque de pisos de un barrio humilde de Sevilla.

Pero cuando las fiestas de la fraternidad son cada vez más escandalosas, a la pareja no le queda más remedio que poner un poco de orden. La guerra entre vecinos escala a la velocidad del rayo a medida que el matrimonio se las ingenia para que expulsen a los universitarios...

BEGIN AGAIN Rose (Zoey Deutch) y Lissa (Lucy Fry) son como la mayoría de chicas adolescentes: les gustan los chicos, ir de compras al centro comercial y se sienten incomprendidas. Pero hay una gran diferencia entre ellas y el resto: Lissa es una princesa vampira, perteneciente a la línea de sangre Moroi, mientras que Rose es la guardiana encargada de protegerla.

MAD MEN TEMPORADA FINAL PARTE 1 La Temporada Final, Parte 1, es el principio del fin para la serie más famosa de la televisión. Ganadora de cuatro premios Emmy® a Mejor Serie Dramática, y de tres Globos de Oro® consecutivos. Situado en el fascinante mundo de la década de los 60 en Nueva York, MAD MEN continúa siguiendo la vida del icónico publicista Don Draper

VAMPIRE ACADEMY

SEAWAY

Rose (Zoey Deutch) y Lissa (Lucy Fry) son como la mayoría de chicas adolescentes: les gustan los chicos, ir de compras al centro comercial y se sienten incomprendidas. Pero hay una gran diferencia entre ellas y el resto: Lissa es una princesa vampira, perteneciente a la línea de sangre Moroi, mientras que Rose es la guardiana encargada de protegerla.

la serie documental que hace un recorrido por los fondos marinos y espacios naturales más espectaculares del mundo, bajo la dirección y realización de los canarios Mónica González y Daniel Rodríguez, estará disponible en DVD y Blu-ray el próximo 5 de noviembre de la mano de Cameo. Los 13 episodios que componen la serie han sido rodados en Reservas Naturales, Parques Marinos, Reservas de la Biosfera y zonas altamente protegidas con una importancia relevante en la conservación de la fauna y flora submarinas. Cuba, México, Panamá, Indonesia, Papúa Nueva Guinea, son algunos de los lugares en los que esta apasionante aventura ha hecho escala.

Muchas son las conversaciones y discusiones que han aflorado dentro de grupos de amigos a raíz del estreno de Lucy, la última película protagonizada por Scarlet Johansson. Sin duda una película hecha para que la marveliana Viuda negra se llene los bolsillos y el curriculum. No sé en qué pensaba Luc Besson para hacer este bodrio pero no voy a entrar en críticas cinematográficas. Entre otras majaderías y drogas azules a lo Breaking bad, en la película dicen que los delfines utilizan más porcentaje de cerebro que los humanos, que por eso son capaces de localizar y moverse con su propio sonar. ¿Entonces los murciélagos también son más inteligentes que nosotros? Porque ellos tienen un sistema semejante, la resonancia. Y es que en los carteles y promos de la película se nos “informaba” de que una persona normal, utiliza el 10% de su capacidad cerebral y ese es el mito que queremos desmontar hoy en el Pixelectrón. Ni siquiera fue una frase pronunciada por Albert Einstein como se suele decir, esta creencia surgió ya a principios del siglo XX, o al menos esa es la versión más cercana a la verdad. Muchos son los estudios, universidades, empresas… que actualmente se centran en la comprensión de nuestro cerebro pero que aún no han desvelado todos sus secretos. Pero si hay algo que se sabe es que es imposible que usemos solo el 10%. Partiremos de una teoría no religiosa, por lo tanto podemos decir que está demostrado que si solo usásemos ese porcentaje la evolución nos habría dotado de uno más pequeño, ya que este utiliza una gran cantidad de energía, sería algo inútil si no hubiésemos evolucionado hacia uno más pequeño. Es decir con el transcurso de los siglos nuestra capacidad craneal se tendría que haber reducido. Visto de otro modo, como todos

sabemos, durante las centurias en las que se ha formado nuestro cuerpo actual, se han eliminado las partes y volúmenes innecesarios, como la cola que ahora es nuestro coxis o como se cree que es el inútil apéndice, órgano que les encantaría tener desarrollado a los vegetarianos. Considerando que todos tenemos un cerebro normal y dejando la gente de Telecinco y políticos a parte… no es solo el tamaño de nuestro centro neuronal, si no sus regiones lo que nos indican que usamos buena par-

muertas, si se encuentra en perfectas condiciones. Esto queda demostrado con las radiografías. En estas, las zonas inactivas deberían aparecer en blanco y no lo hacen. Otro síntoma de su total actividad es que si tuviese partes no usadas observaríamos signos de degeneración, pero no de la degeneración que muestran algunos que parece que no usan la cabeza. Por supuesto el hecho de usar la totalidad de nuestro cerebro no hará que podamos hacer uso de la telequinesis o de absorber miles de datos instantáneamente como sugieren en Lucy. Pero sin duda nuestra sesera nos ayuda a comprender día a día el mundo que nos rodea y a movernos por él. Quede claro que esta parte de la cabeza forma parte de nuestro hardware y está para funcionar a pleno rendimiento, no es ni un puerto de entrada ni de salida, es un procesador y disco duro a la vez, grandes funciones como para utilizar solo el 10% ¿no?

FRAN TEJADA WHITE

lucy la descerebrada te de él. Científicos han detectado, mediante electrodos y neuroimagen, actividad por todas las secciones de nuestra cabeza, lo cual es ya un indicador de lo que afirmamos. Sería muy buena suerte dañarte el cerebro y que no te quedasen secuelas ¿verdad? Y es que otro síntoma que apoya aún más nuestra teoría es que sea cual sea el daño y sea en la región que sea siempre hay consecuencias graves, porque le necesitamos enterito. Nuestro encéfalo no tiene partes

La animación ha tenido una gran acogida desde que Walt Disney llegara a hacerse un hueco en la meca de cine, y es que ganar varios premios de la Academia no lo hace cualquiera. Por eso mismo, se han ido sucediendo grandes empresas con grandes artistas que han querido hacerle sombra a Disney y su industria. Tal caso es el que vamos a contar a continuación, ya que DreamWorks es, a día de hoy, su gran contrincante. También conocida como DreamWorks Studios, oficialmente DW II Distribution Co., LLC, no sólo es un estudio de cine que produce y distribuye películas, sino que también está dentro del mundo de los videojuegos y programas de televisión. Fue fundado el 12 de octubre de 1994, poco tiempo después de que Jeffrey Katzenberg renunciara en The Walt Disney Company, y con el dinero obtenido tras una demanda hecha contra su anterior empresa, Katzenberg se unió a Steven Spielberg y David Geffen para formar dicho estudio. Desgraciadamente, entre 2005 y 2006 fue vendida a la Paramount, pero en octubre de 2008 DreamWorks acordó el fin de su vinculación con ésta para ser independiente de nuevo. Conocer los comienzos está muy bien, pero lo que a nosotros nos interesa es conocer qué han proporcionado al mundo del cine y cómo los espectadores hemos podido disfrutar de ello.

BEATRIZ PULIDO

Una de las primeras películas animada enteramente por ordenador, narra las aventuras de Z, una hormiga neurótica e insegura, que forma parte de una colonia de millones de hormigas, en donde nació como obrero y se queja constantemente de su labor. Mientras, Bala la princesa de la colonia se queja de su monótona y aburrida vida, a pesar de lo que le dice su madre, la Reina, que debe asumir su papel dentro de la colonia al igual que el resto de hormigas. Un día, Z va a una discoteca junto a su mejor amigo, Weaver, una hormiga soldado de carácter alegre y muy buen amigo de Z, en donde conocerá y bailará con la princesa, enamorándose locamente de ella. Para volver a verla, le pedirá a su amigo que cambie su puesto en el desfile del día siguiente, enfrascádose así en una guerra contra las termitas. Z regresará al hormiguero donde es recibido como un héroe militar y distinguido por el propio general Mandible, siendo presentado ante la Reina y la princesa Bala que lo reconoce como un obrero, Mandible ordena su arresto y Z toma a Bala de rehén y ambos caen por un pasadizo a la superficie. Z y Bala emprenderán así la aventura de buscar Insectopía, el lugar ideal para todo insecto en donde no hay normas y no hay que trabajar para conseguir comida.

Trata de la vida de una abeja recién graduada de la universidad, Barry Benson que busca algo más de la vida que la inevitable carrera que le espera a él y a cualquier otro trabajador: hacer miel, por lo que saltará fuera de la colmena para conocer mundo y así cumplir sus sueños. Cuando Barry conoce por casualidad a una peculiar florista llamada Vanesa, él acaba rompiendo una de las reglas capitales de las abejas: hablar con los humanos. Así comienza a desarrollarse una amistad, y Barry recibe un cursillo intensivo sobre las costumbres de los humanos.

Ambientada en Yorkshire, Inglaterra en 1961, la película narra las aventuras de un grupo de gallinas en su eterno intento por escapar de una granja, hasta que conocen a un torpe gallo llamado Rocky, el cual les promete ayudarlas a escapar. Con su ayuda y el liderazco de Ginger , una gallina intrépida, valiente y decidida que vive en una granja, comenzarán a tramar un plan de huída de la granja, la cual es muy parecida a un campamento de prisioneros de la segunda guerra mundial, dirigid por los Tweedy, una pareja de gruñones de mediana edad que se mantienen en el negocio de venta y distribución de huevos y que asesinan a las gallinas que son ineficientes para su negocio. Las gallinas ya están hartas de que ss planes de fuga sean descubiertos y no saben a quién pedir ayuda, hasta que Rocky es puesto como su salvador ante ellas. Pero no es oro todo lo que reluce.

Algo muy curioso y que no llegó a notarse en nuestro país, es que cuenta con las voces de Will Smith, Jack Black, Renée Zellweger, Angelina Jolie, Martin Scorsese y Robert De Niro, estando incluso sus personajes inspirados en sus movimientos y gestos, e incluso en sus rasgos faciales. La película narra la historia de Óscar, un pez que trabaja en un lavadero de peces, que se ve involucrado sin quererlo en problemas de la mafia, ya que Lenny, el que iba a ser el heredero, en realidad es diferente y no le gusta comer carne, y en una de esas pruebas que le ponen a Lenny, es a su vez un raspapolvos para Óscar, el cual debe dinero. Lenny tendría que haberse comido a Óscar, pero al dejarlo libre, un ancla cae y matan al hermano de Lenny. Éste se va triste por la muerte de su hermano y todos creen que Oscar mató al tiburón y se convierte en el espantatiburones. Oscar se vuelve famoso por la muerte de Frankie, mientras que en la mafia de tiburones todos empiezan a tramar un plan contra el espantatiburones.

Es un spin-off de la saga de películas de Shrek, en donde Gato es un fugitivo de la justicia que se dedica a cometer robos para subsistir, siempre sin robar a personas de bajos recursos o a iglesias. En este aspecto se parece al personaje El Zorro, el cual casualmente también fue interpretado por Antonio Banderas, el cual le pone la voz a Gato

Dirigida por Peter Ramsey, basada en los libros de William Joyce, el cual es productor junto con Guillermo del Toro, y se ambienta unos 200 años después de la serie de libros y cuenta con las voces de Chris Pine (Jack Frost), Isla Fisher (el Hada de los Dientes), Hugh Jackman (el Conejo de Pascua), Alec Baldwin (Santa Claus), Jude Law (Pitch) y Dakota Goyo (Jamie). La película comienza cuando La Luna resucita a Jack y descubre un cetro mágico que congela todo lo que toca, convirtiéndose así en el espíritu del invierno, Jack Frost. Trescientos años después, uno de los Guardianes de los Niños, Norte se da cuenta de que el enemigo de los Guardianes, Sombra, ha vuelto y está amenazando a los niños del mundo, llamando así a los demás Guardianes: Hada (el Hada de los Dientes), Sandy (el Creador de Sueños) y Bunny (el Conejo de Pascua). La Luna les dice que necesitan un nuevo Guardián para que les ayude a derrotar a Sombra y para sorpresa de todos, elije a Jack Frost, el cual lo rechaza al principio, pero accede después de que Norte le explique su misión y la amenaza de Sombra.

La película incluye en las voces de la versión en inglés a Hugh Jackman, Kate Winslet, Andy Serkis, Bill Nighy, Ian McKellen, Shane Richie y Jean Reno. El guión fue escrito por Dick Clement, Ian La Frenais, Christopher Lloyd, Joe Keenan, y William Davies. Narra la vida de Roddy St. James, un ratón doméstico convencido de que tiene la vida solucionada, pero cuando Sid, un sucio ratón de alcantarilla aparece, todo su mundo se viene abajo, ya que se queda de okupa en su casa, por lo que Roddy no tendrá más remedio que deshacerse de él atrayéndole hacia el “jacuzzi”. Pero el plan de Roddy se vuelve contra él y acaba cayendo casi por accidente por el inodoro hacia el mundo subterráneo, en donde descubrirá una gran ciudad habitada por miles de ratas y ratones. Allí Roddy tiene que encontrar a alguien si quiere volver a casa, y conocerá a Rita, una ratona muy interesane que le ayudará en su misión y además a librarse de las garras del malvado Sapo, el cual odia a los roedores y que ha encargado a sus dos desventuradas “esbirratas” que congelen a los protagonistas.

Dirigida por Mark Osborne y John Wayne Stevenso, la película cuenta en la versión en inglés original con las voces de Jack Black y Dustin Hoffman, entre otros. Los protagonistas de esta saga son animales antropomorfos que viven en el Valle de la Paz, un lugar ficticio de la Antigua China. Po (Jack Black), un joven panda torpe y con sobrepeso, es un entusiasta del kung-fu que idolatra a los Cinco Furiosos, que son los guerreros kung fu tigresa (Angelina Jolie), Mono (), Mantis (), culebra (Lucy Liu), y grulla (David Cross), entrenados por el sabio panda rojo, el Maestro Shifu (), para proteger el valle. Debido a que trabaja en el restaurante de fideos de su padre oca, el señor Ping (James Hong), Po se ve frustrado por su incapacidad de alcanzar el sueño de ser a su vez un maestro del kung fu, hasta que logra ser el elegido como el legendario guerrero del dragón, y deberá entrenarse junto a sus ídolos para hacer honor a su nuevo título y así enfrentarse y derrotar a Tai Lung, el guerrero más temido de todos los tiempos que ha escapado de la prisión con mayor seguridad.

Dirigida por Jennifer Yuh Nelson, con la mayoría del elenco de voces original, junto con algunos personajes nuevos y narra cómo Lord Shen, el hijo de los pavos reales que gobernaban la ciudad Gongmen, decidió usar el poder de los fuegos artificiales como un arma para conquistar China entera y cómo una cabra adivina predijo que si Shen seguía por ese camino sería derrotado por un panda. Para evitar que la profecía se cumpliera, Shen y su ejército de lobos aparentemente exterminaron a todos los pandas. Horrorizados por esa atrocidad, los padres de Shen decidieron desterrar a su hijo, quien antes de marcharse juró venganza. Treinta años más tarde, Po es el Guerrero del Dragón y protege el Valle de la Paz con la ayuda de los Cinco Furiosos. En uno de los ataques de los lobos secuaces de Shen, Po y los Cinco pelean contra los lobos, pero Po se distrae al ver en la armadura del Jefe Lobo un símbolo que le hace tener un recuerdo en el que ve a su madre, permitiendo que los lobos escapen. Dicho recuerdo hace que Po le pregunte a su padre ganso, el señor Ping, de dónde viene, explicándole que le encontró en una cesta de rábanos y le adoptó. Ahora la lucha contra Shen tendrá también que ser lidiada con la búsqueda de sus orígenes.

Producida por los estudios Dreamworks Animation y distribuida por 20th Century Fox. Ambientada en la época prehistórica, la posición de un hombre como líder de la Caza se ve amenazada por la llegada de un genio prehistórico que viene con los nuevos inventos revolucionarios, como el fuego. Cuenta, en la versión original, con Nicolas Cage como Grug Croods, el cavernícola patriarca sobreprotector y anticuado de la familia Crood; con Catherine Keener como Ugga Croods, esposa de Grug, más abierta que Grug, pero tiene un duro trabajo protegiendo a la familia; con Emma Stone como Eep Croods, hija mayor de Grug Croods y Ugga Croods, llena de curiosidad y deseo de aventura, con Clark Duke como Thunk Croods, hijo del medio con un gran tamaño, es inteligente y tiene mala coordinación, pero tiene un buen corazón, con Cloris Leachman como Gran Croods, una longeva (45 años) y feroz cavernícola, suegra de Grug, con Ryan Reynolds como Guy, un cavernícola nómada que no es tan fuerte como los Croods pero prefiere usar la cabeza y viene acompañado de muchas ideas. Tiene una mascota algo parecida a un perezoso llamada Belt, es el enamorado de Eep Croods.

La primera película trata de cómo cuatro animales del zoo de Central Park, Nueva York, (Alex el león, Marty la cebra, Gloria la hipopótamo y Melman la jirafa) han estado toda su vida en cautiverio, y cómo uno de ellos, Marty, desea como regalo de cumpleaños ir a la jungla y así es cómo empezará su huida, siendo seguido por sus amigos, a los cuales les perseguirá incluso la policía, para devolverlos al zoo. Los ambientalistas quieren que estos animales tengan libertad y sean libres por lo que los llevan en cajas a África pero los pingüinos deciden llevar el barco a la Antártida, y tras algunos incidentes llegarán a Madagascar, donde piensan que es San Diego. Allí conocerán al Rey Julien (rey de Madagascar) el cual les presenta la jungla. Mientras tanto. Alex se está volviendo salvaje, por lo que tendrán que salir de allí sea como sea y volver al zoo de NY con la ayuda de los pingüinos, pero el barco no tiene gasolina.

Se inicia como precuela, mostrando una pequeña parte de las primeras etapas de la vida de Alex, incluyendo su captura por los cazadores. Pronto se traslada a poco después de que el punto en que dejó el original, con los animales decidiendo regresar a Nueva York. Abordan un avión en Madagascar, pero caen a tierra en África, donde cada uno de los personajes centrales se reúne a otros de su misma especie; Alex es reunirse con sus padres. Surgen problemas, y su resolución ocupa gran parte del resto de la película. Esto, junto con Alma Hombre, Bernie Mac fue la última película de rendimiento.

De marcha por Europa. Después de los acontecimientos de Madagascar 2, los pingüinos usan el avión para ir a los casinos de Montecarlo y dejan a los animales del zoo en África. Alex tiene una pesadilla en la que los pingüinos no vuelven nunca. Alex despierta y ve que Marty, Melman y Gloria le han hecho una maqueta de barro de Nueva York por su cumpleaños anhelando tanto volver a su ciudad. Finalmente, Alex los convence para ir a Montecarlo a buscar a los pingüinos y con esto regresar a Nueva York.

Las principales voces destacadas en el reparto son Will Ferrell, Tina Fey, Jonah Hill, David Cross y Brad Pitt, lo que denota otro carisma a la película, la cual trata de Megamind, un extraterrestre con una extraordinaria inteligencia al que envían a la Tierra siendo un bebé justo en el momento en el que su planeta natal está siendo destruido por un agujero negro. Sin embargo, su nave espacial aterriza en la cárcel de Metro City, gracias a otro bebé extraterrestre similar enviado de otro planeta, que sin embargo fue a caer en el seno de una familia rica y así acaba convirtiéndose en un superhéroe conocido como Metromán (Brad Pitt), defensor de la ciudad. Como resultado, Megamind es ignorado por su inteligencia destructiva, pero tiene como amigo a su pez y único amigo Esbirro. Al darse cuenta de que su talento es la causa de problemas, y celoso de toda la atención y la alabanza Metromán recibe, Megamind se convierte en un supervillano para competir contra Metroman.

Dirigida por Rob Letterman y Conrad Vernon. La película narra como Susan Murphy, una joven de California, es golpeada por un meteorito radioactivo que causa un exagerado incremento en su tamaño convirtiéndola en una gigante de 15 metros, por lo que una organización especial del gobierno de los Estados Unidos decide colocarla en cuarentena, junto a un grupo de monstruos que han estado aislados durante varios años. Su forzado aislamiento llegará a su fin cuando comienza una invasión alienígena en la Tierra, liderada por un robot gigantesco que empieza a causar pánico por todo el país, siendo ellos la única esperanza para detener la destrucción de la Tierra.

La película fue dirigida por Brenda Chapman, Simon Wells y Steve Hickner, teniendo a Hans Zimmer como compositor de la banda sonora y Stephen Schwart como letrista. Como señal de la marca, el reparto de voces incluyó una serie de importantes actores de Hollywood en los papeles hablados, mientras que cantantes profesionales los sustituyeron en las canciones. Las excepciones fueron Michelle Pfeiffer, Ralph Fiennes, Ofra Haza, Steve Martin, y Martin Short, quienes cantaron sus propias partes. La película es una adaptación del Libro del Éxodo y sigue la vida de Moisés desde que era un príncipe de Egipto hasta su destino final dirigiendo la salida de los esclavos hebreos de Egipto.

Dirigida por Eric Bibo Bergeron y Don Paul narra como en la España del siglo XVI, Tulio y Miguel son dos trileros que pasan los días haciendo trampas con dados trucados, pero por la buena o mala suerte, en una de esas partidas, los dos amigos ganan un mapa teniendo que huir al ser descubierta su trampa, escondiéndose en el barco del mismísimo Hernán Cortés y llegando así a las orillas del Nuevo Mundo. Lo que no imaginan es que el mapa que tienen entre manos indica la ubicación exacta dónde se encuentra la mítica ciudad de El Dorado.

Los cuentos de hadas no volverán a ser lo mismo desde que estas películas aparecieron en escena. Y es que el ogro se convierta en héroe, que el corcel sea un asno que no para de hablar y que la princesa no sea realmente la bella indefensa, hace que nos replanteemos muchas cosas. En la versión original presenta las voces estelares de Mike Myers, Eddie Murphy, Cameron Diaz, Julie Andrews, John Cleese, Rupert Everett, Jennifer Saunders y Antonio Banderas siendo una de las más grandes controversias de los actores participantes.

La segunda parte cuenta como tras su luna de miel, el ogro Shrek y la princesa Fiona regresan al pantano y junto con Asno reciben una invitación de los padres de Fiona, los reyes del Reino de Muy, Muy Lejano, ya que están enterados de su matrimonio y están ansiosos de conocer a su yerno. Sin embargo, las cosas no salen como esperaban, ya que al llegar todo el pueblo queda sorprendido al ver que de la carroza salen dos ogros, lo que provoca también que el rey Harold y Shrek no se soporten. Por si fuera poco, entra en escena el Hada Madrina, quien intentará por todos los medios que Fiona se case con su hijo, creando numerosas tretas y trampas e implicando a toda la familia y amigos.

Shrek tercero fue dirigida por Chris Miller y Raman Hui y contará de nuevo con las voces del elenco anterior. Esta vez el rey Harold sufre de una enfermedad mortal y antes de morir le pide a Shrek que sea el nuevo rey, pero éste solo quiere regresar a su pantano, por lo que Shrek se irá en busca del sobrino del rey, Artie. Desgraciadamente, el rey Harold muere, y el Príncipe Encantador piensa aprovechar la situación para convertirse en el nuevo rey. Shrek, Burro y el Gato con Botas salen en busca de Artie, y mientras se alejan a bordo de un buque, Fiona le dice a Shrek que está embarazada, lo que provoca que Shrek, sorprendido por la noticia, empiece a tener pesadillas sobre sus hijos, a pesar de que Asno le habla de lo bueno que es ser padre. Shrek felices para siempre, vuelve con los mismos personajes, que han tenido hijos e intentan llevar una vida tranquila en familia, pero que, lamentablemente, seguirán teniendo que enfrentarse a nuevos enemigos, como es el caso de Rumpeltinskin.

La Competencia Anual de Vegetales Gigantes del Tottington Hall se acerca y Wallace (Peter Sallis) y Gromit están sacando provecho mediante la ejecución de una garantía vegetal y de negocios humano de control de plagas, “Anti-Pesto”. Sin embargo, pronto se enfrentan a dos problemas: el primero es el peso creciente de Wallace, mientras que el segundo es la falta de espacio para los conejos capturados, a lo que Wallace se le ocurre una idea: usar su maquina Manipulación-O-Matica para lavar el cerebro de los conejos. Durante la realización de la operación, un conejo inexplicablemente se fusiona con la cabeza de Wallace, haciendo que la máquina no funcione correctamente y Gromit se ve obligado a destruir la máquina para salvar a Wallace. El fracaso resultante de alguna manera los deja con un conejo semi-inteligente que ya no tiene un apetito para las verduras.

Narra como Simbad estaba acechando a un barco que se dirigía a la ciudad de Siracusa, cuando la diosa del caos envía a una criatura monstruosa a eliminarle, logrando vencer al monstruo junto a su tripulación. Mas tarde aborda el barco enemigo y vence a su tripulación rápidamente, sin embargo, un soldado continúa luchando contra los piratas de Simbad, este le reconoce y resulta que es Proteo, el mejor amigo de su infancia, príncipe de Siracusa y heredero legítimo al trono. A su vez, el barco transportaba el Libro de la Paz, un objeto que protegía a las 12 ciudades de Sicilia. Jntos conseguirán eliminar a la criatura que envió Eris luchando mano a mano, pero la criatura consigue arrastrar a Simbad con uno de sus tentáculos al fondo del mar. Allí, Eris le pide que robe el Libro de la Paz para ella y le recompensará con enormes riquezas. Simbad acepta y junto a su tripulación persigue al barco de Proteo rumbo a Siracusa, pero Simbad se arrepiente, por lo que Eris se hace pasar por él y lo roba. Ahora Simbad tiene que probar su inocencia, por lo que realiza un largo y peligroso viaje hasta Eris con su fiel tripulación y con Marina, de quien se enamorará.

Dirigida por Kelly Asbury y Lorna Cook. Spirit, un joven caballo salvaje y líder de una manada de mesteňos, vive en el Viejo Oeste de finales del siglo XIX. Cuando una noche, Spirit descubre un campamento de cuatreros en donde se integra. Sin embargo, los cowboys se despiertan y lo persiguen con la intención de atraparlo y venderlo a un regimiento de la caballería estadounidense. Allí, Spirit conoce al severo Coronel del ejército, y al joven lakota Little Creek, quien se encuentra arrestado, quien será el único capaz de domarle, comenzando así una bonita amistad llena de aventuras hasta que ambos consiguen la libertad.

RJ, un mapache solitario de 20 años, se ha metido en un problema muy grave al intentar robar la comida a Vincent, un Oso de carácter antipático y regordete, pero éste ahora es quien manda, amezándolo, a que se lo devuelva todo, incluido su carrito rojo y su nevera azul, en tan sólo una semana. De este modo, yendo en busca de la comida, se topa con un grupo de animales, que tras despertar de la hibernación, se hallan con un seto sin fin y al otro lado un mundo aparentemente hostil. RJ ve en ellos a los sujetos perfectos que engañar para que le ayuden a recolectar todo lo que necesita de los humanos en el tiempo convenido. RJ los invita a conocer las costumbres humanas y cayendo en su trampa, la familia de animales acepta, a pesar de que al líder de la familia, Verne, no le gusta.

“General Kenobi, hace años serviste a las órdenes de mi padre en las Guerras Clon. Ahora te ruega que le ayudes en su lucha contra el Imperio. Lamento no hacerte esta petición personalmente. Mi nave está siendo atacada, temo que mi misión de llevarte a Alderaan ha fracasado. He puesto información vital para la supervivencia de la Rebelión en la memoria de esta unidad R2. Mi padre sabrá como extraerla. Debes asegurarte de que este androide llegue a salvo a Alderaan. La situación es desesperada. Ayúdame, Obi-Wan Kenobi, eres mi única esperanza.” Este mensaje oculto en el robot R2D2 se convertiría en el origen de toda la saga galáctica que conocemos. Leia Organa se encuentra en una situación límite y decide esconder un mensaje en una unidad robótica, lanzarla en una capsula al planeta Tatooine y buscar a un mítico guerrero retirado, el veterano Obi-Wan Kenobi. Como todos sabemos, este robot será adquirido por Luke Skywalker que se convertirá en la última esperanza en la lucha contra el Imperio. Desde la primera frase que vemos en la pantalla, Episodio IV. Una nueva esperanza, George Lucas da coherencia a la historia y por ende al universo que estaba creando. Si estamos en el Episodio IV, evidentemente, deben haber tres anteriores cuyas consecuencias nos lleven a lo que estamos viendo. De hecho, las referencias al pasado son continuas y en el mensaje escondido por la Princesa Leia podemos encontrar varias pistas que se refieren tanto al futuro como, evidentemente, al pasado de la saga. ¿Qué son las Guerras Clon? ¿Qué es el Imperio? ¿Por qué existe una Rebelión? Todas estos conceptos serían desarrollados en diferentes películas, series de televisión, cómics, libros, videojuegos e incluso vídeos creados por los fans. De ahí que podamos observar la saga como uno de los principales ejemplos de narrativa transmedia. Las narraciones transmedia, según Carlos Scolari, son “un tipo de relatos donde la historia se despliega a través de múltiples medios y plataformas de comunicación, y en el cual una parte de los consumidores asume un rol activo en ese proceso de expansión.” (Carlos A. Scolari, Narrativas Transmedia, Deusto, 2013) Esta expansión transmedia de la historia resulta atractiva para gran parte de los aficionados y contribuye a que la historia que inicialmente estaba planteada para un medio se desarrolle en otros diferentes. Otro de los casos más representativos es Superman que nació en el cómic pero inmediatamente se trasladó

a otros medios como la radio o la televisión. Si analizamos el universo creado por George Lucas podemos ver que esta formado por diversas aristas que dan forma y coherencia a la historia, y cuyos contenidos traspasan el ámbito cinematográfico abarcando diversos medios totalmente diferentes. Esta amalgama de medios son conocidos como Universo Expandido y marcan las pautas y reglas sobre las que se desarrollarán las historias.1 Como Dios Todopoderoso, George Lucas admitía o negaba la admisión de dichas historias el canon oficial de la saga pero desde la adquisición de Lucasfilm por parte de Disney esto ha cambiado, siendo admitido solo como canónico las seis películas y la serie de televisión Las Guerras Clon, contemplándose el resto como un universo alternativo. Siguiendo el antiguo canon, el universo expandido o la narración transmedia de Star Wars incluía principalmente los siguientes elementos: Cómics. Al principio fueron publicados por Marvel Comics como adaptaciones de las películas, pero una vez finalizadas las adaptaciones decidieron seguir con las aventuras de los personajes. De hecho, el primer ejemplo de narrativa transmedia que podemos contemplar en la saga es el número Star Wars #7, que incluía una historia sobre las aventuras de Han y Chewie. Pero fue a partir de que la editorial norteamericana Dark Horse se hiciese con los derechos de los personajes cuando ellos adquirieron una dimensión diferente y sus historias comenzaron a tornarse interesantes y a expandirse. Dark Horse dividió, acertadamente, los comics en diferentes sagas como Las Guerras Clon, Caballeros de la Antigua República o Imperio Oscuro. Dentro de esta última serie podíamos contemplar una serie de aventuras que recuperaban al Emperador Palpatine de su tumba y como Boba Fett escapaba del Sarlacc, formando una extraña alianza. También veíamos como Luke era atraído al lado oscuro y tentado por

STAR WARS universo expandido

un ejemplo de Narrativa Transmedia jose luis del rĂo fotich

el Emperador. La libertad que daba un medio cómic nos permitió rememorar la formación de la Antigua República y las aventuras de los caballeros Jedi que la protegían, también podíamos contemplar eventos relacionados con las Guerras Clon o viajar al futuro y descubrir las aventuras de nuevos personajes que heredaban los poderes de los Jedi o de los Sith. Marvel ha anunciado que, dada su pertenencia al grupo Disney, volverá a publicar los cómics de Star Wars y que, tal como hemos dicho, reiniciará las historias. Todo lo que creo durante muchos años Dark Horse formará parte de un extraño “What if…”. ¿Qué podemos esperar de este cambio? Si no os importa voy a daros mi opinión. Yo creo que todo el universo tendrá coherencia siempre y cuando tenga el editor adecuado. La inclusión de una figura como David Filoni, supervisor de Clone Wars y Rebels, sería fundamental porque sus conocimientos ayudarían a desarrollar un nuevo universo expandido coherente. En cambio, la inclusión de un editor procedente del cómic

de superhéroes como mi odiado Brian Michael Bendis sería catastrófico para la franquicia pues heredaría los vicios adquiridos en la nueva Marvel; es decir, resurrecciones y alianzas incoherentes que no llevan a ningún lado. Libros. La publicación de El ojo de la mente comenzó la incursión de Star Wars en el medio literario. Esta novela es una rara avis pues se concibió y escribió antes del desarrollo del Episodio V y VI y se desconocía el cariz que iba a tomar la historia. Por lo tanto, un lector conocedor del universo Star Wars puede descubrir incoherencias.2 Al igual que los cómics, las novelas desarrollaban historias que incluían personajes desconocidos o de nueva creación que alimentaban el universo creado por Lucas. Sagas como la Trilogía de la Nueva República (Heredero del Imperio, El despertar de la Fuerza Oscura y La Última Orden), La Nueva Orden Jedi que desarrollaba el futuro de los descendientes de Han y Leia, Las Guerras Clon que profundizaban en muchos de los personajes creados en la segunda trilogía. To-

das ellas contribuían a dar diferentes matices al tapiz de Star Wars. Videojuegos. Muchos de ellos nos metían de lleno en combates de naves espaciales como Star Wars: Rogue Squadron o Star Wars: X Wing donde el jugador asume el papel de Keyan Farlander, un piloto Rebelde del Escuadrón Rojo que luchó en la Batalla de Yavin. Pero sería en los videojuegos de rol donde el universo expandido lograría su máximo esplendor, en el juego Star Wars: Caballeros de la Antigua República veríamos el auge y declive de los sith, descubriríamos leyendas de los caballeros Jedi y como se crean los sables láser. Televisión. Obviando las series destinadas al público más infantil (Ewoks y Droids) o las películas especiales que, a su manera, también contribuyeron al enriquecimiento del universo expandido (La batalla del planeta de los Ewoks), la principal serie de televisión y fuente de muchas referencias para el Universo Expandido es Star Wars: Las Guerras Clon. La primera etapa de la serie, presentada en 2003, estaba compuesta de miniepisodios de 4 a 12 minutos que contaban historias desarrolladas durante las Guerras Clon, con tramas muy poco desarrolladas y repletas de acción. Fue en 2008 cuando se estrena con el mismo título una serie con mejores guiones y mayor desarrollo argumental. Fueron 121 episodios de 22 minutos de duración que profundizaban y daban forma al periodo que va desde el Episodio II al Episodio III. Dentro del nuevo canon impuesto por Disney, se ha estrenado la serie Star Wars Rebels que seguirá los pasos de un grupo de cazarrecompensas y forajidos que combaten las injusticias del Imperio. La acción se desarrolla inmediatamente después del Episodio III y enlazará con el Episodio IV. Como hemos visto, debemos distinguir la mera adaptación de la narración transmedia. Los autores de videojuegos, cómics o libros no se han detenido en crear una adaptación de las seis películas que son el germen del universo Star Wars sino que han creado nue-

vos conceptos en otros medios que sirven de complemento a la historia principal para dar coherencia al universo que creó George Lucas. Estos conceptos comparten tres elementos comunes que pueden servir de base a cualquier desarrollo transmedia: Una geografía común. Todos los libros, cómics, videojuegos comparten un mismo espacio geográfico. Nuestros personajes visitan una serie de planetas establecidos en el canon y que se repiten en todos los medios. No importa la extensión del mapa geográfico, puede ser un planeta o varias galaxias, como es el caso de Star Wars. Una historia común. La historia del universo Star Wars está dividida en varias etapas pero para armonizar se ha tomado como referencia la Batalla de Yavin, es decir la destrucción de la primera Estrella de la Muerte. De esa manera tenemos las siguientes divisiones: Era de la Antigua República (25000 ABY 1000 ABY) Era del Alzamiento del Imperio (1000 ABY - 0 DBY) Era de la Rebelión (0 DBY - 5 DBY) Era de la Nueva República (5 DBY - 25 DBY) Era de la Nueva Orden Jedi (25 DBY - 40 DBY) Era del Legado (40 DBY - ) Unos personajes comunes. Ya sean los Sith o los Jedis, el Imperio o los Rebeldes, en general o algunos personajes en particular, todas las narraciones incluyen referencias a personajes comunes. Como véis no podemos imaginarnos este Universo sin alguno de estos factores. Todos los elementos que construyen la narración transmedia contribuyen a la coherencia del universo que están desarrollando. Cada vez estamos más informados, tenemos acceso a foros de debate y, lo más importante, tenemos la capacidad de influir en el desarrollo de una historia. Nuestras voces deben ser escuchadas. Los autores no pueden obviar al fan sino que deben escucharle.

El mar se mostraba tranquilo al atardecer. Podría ser una apariencia, un simple disfraz para atraer a incautos bañistas hasta sus aguas y arrastrarlos hasta sus entrañas negras e insondables con la corriente. Para ser finales de octubre el tiempo era apacible. Un cielo despejado dejaba ver el ocaso y la aparición de las primeras estrellas. Violeta, desde la arena, contemplaba a la anciana. Siempre era la misma. No sabía de dónde venía. No había más casas alrededor, solo la suya. Cada día, en la hora del crepúsculo, la anciana aparecía, se arremangaba los faldones a la altura de la cintura y se adentraba unos metros en el mar. La anciana, de aspecto giboso, se agachaba y, con sus manos nudosas, rebuscaba en la arena húmeda algo que para Violeta era un misterio. Cuando se marchaba, justo al ponerse el sol por completo, sus manos estaban vacías, siempre. A Violeta le gustaba mirarla, contemplar cómo su sombra alargada se difuminaba con la creciente oscuridad de la noche en ciernes. Su dedicación la cautivaba. Resultaba inquietante. Las preguntas que se agolpaban en su mente infantil al ser testigo de la escena eran siempre las mismas: ¿quién era aquella mujer? ¿Qué buscaba? ¿Por qué siempre se detenía allí, justo frente a su casa? Una voz suave y melancólica la llamó. La cena la aguardaba. Violeta se levantó y espolsó de su vestido la arena que se le había adherido en el trasero. Su casa era extraña, aunque ella no lo sabía pues no había tenido ocasión de compararla con otras casas costeras. De aspecto decadente, con la pintura amarilla descascarillada y una pátina de salitre en las paredes exteriores, la casa de Violeta era peculiar por no contar con ninguna ventana ni puerta que diera al mar. Las que había habido en su momento habían sido tapiadas largo tiempo atrás, tanto tiempo que la niña no recordaba si había disfrutado alguna vez de contar con vistas a la playa desde su hogar. El ama de llaves, una mujer madura con la cabeza salpicada de plata, esperó a que Violeta llegara a lo alto de los escalones para entrar de nuevo en la casa. La cocina estaba impregnada de un aroma delicioso. En la gran mesa del comedor el ama le sirvió una suculenta sopa de marisco acompañada de pan

de centeno y patatas guisadas con verduras. Violeta comió con apetito. Justo al otro extremo de la mesa la cena de su padre se enfriaba. Él no había aparecido todavía. Tenía por costumbre salir tarde de su despacho, casi cuando la niña había terminado de cenar. El ama subió una bandeja con un simple plato de sopa al piso de arriba. Violeta tenía prohibido subir a ese piso. Era el lugar donde se encontraba su madre. Hacía algo más de un mes que no la veía. La mujer necesitaba reposo absoluto, eso había dicho el doctor. Estaba pasando por un embarazo muy complicado y la presencia de Violeta la alteraba demasiado. Eso había dicho. Violeta vació los platos y los rebañó con la última hogaza de pan. Su apetito no tenía límites. Nunca lograba satisfacerlo del todo. Su padre apareció entonces. Profundas ojeras surcaban sus párpados inferiores. Tenía el pelo alborotado, la camisa arrugada, la barba sin afeitar desde hacía días, la tez pálida, enfermiza. Apenas percibió la presencia de su hija. No le dirigió ni una palabra, apenas la miró. Comió de forma automática, sin disfrutar el sabor de los alimentos que el ama había preparado. Violeta fue a su habitación, aburrida. ¿Cómo sería tener un hermano? La idea le agradaba. Al fin tendría a alguien con quien jugar. En su habitación almacenaba infinidad de muñecas. La mayoría se las había hecho la propia ama con ropas viejas que ya no servían para su propósito inicial. No eran muy bonitas, a Violeta no le gustaban especialmente, pero eran sus únicas amigas. Algunas veces se portaban mal y tenía que castigarlas, tal y como la castigaban a ella. Violeta arrastró de debajo de la cama una caja que tenía allí guardada. La caja estaba llena de arena de la playa y, enterrada en ella, se encontraba una de sus muñecas. La sacó de su cautiverio. Ya había aprendido la lección. Ni siquiera recordaba por qué la había castigado. La arena se había colado por cada recoveco. Por más que la sacudiera no parecía limpiarse por completo. Fue afuera y, con mucho esfuerzo, hizo funcionar la bom-

ba de agua. Llenó un cubo hasta el borde. Sumergió a la muñeca en el agua. Estaba muy fría. Al principio se resistía a hundirse. Violeta necesitó tener paciencia para que se empapara bien y el peso venciera al fin la terquedad de su muñeca. Desde el fondo del cubo la muñeca la contemplaba con sus ojos de botón. Parecía suplicarle que la sacara de allí, que tenía mucho frío, que no podía respirar. Violeta la ignoró. Por enésima vez en su corta vida pensó en la muerte. No sabía muy bien qué era. Había visto cadáveres, de animales pequeños e insectos principalmente. Cuando el ama le retorcía el gaznate a algún desventurado conejo ella la espiaba. Le fascinaba sentir la vida del animal; cómo, aterrado, chillaba desesperado ante su cruel final. Lo sabía. El conejo siempre sabía que iba a morir, que iba a terminar guisado en una cazuela. Cuando el ama, con mucha habilidad, usaba sus manos para romperle el cuello de un simple movimiento, el animal dejaba de moverse, dejaba de chillar, dejaba de respirar. En cierto sentido es como si ya no estuviera allí, en ese cuerpo inerte, flácido. Lo que había ocupado aquel diminuto ser se había esfumado. A Violeta le habría gustado saber a dónde iban todos los conejos muertos que terminaban en su tripa. Ella había tratado de hacer lo mismo con sus muñecas. A más de una le había arrancado la cabeza al tratar de imitar el gesto del ama. No era lo mismo. Violeta decidió dejar a su muñeca en remojo. Merecía pasar frío y miedo por ensuciarse tanto en la caja de arena. Había sido una muñeca muy mala. En lugar de entrar en casa recorrió el camino que iba hasta la playa. El cielo se había vestido de negro, salpicado por infinidad de lejanas estrellas, pálidas y gélidas. Aunque su padre le había contado alguna vez que las estrellas eran puro fuego, a ella siempre le habían parecido frías y distantes. Igual que su madre. Le costó un poco acostumbrar su mirada a la oscuridad. Era una noche sin luna. La anciana seguía en la orilla. Ya no buscaba nada. Por primera vez la miraba a ella, a Vio-

La hora de los dioses homenaje lovecraft por montse N. Rios

leta, con unos ojos negros y profundos como el interior de dos cuevas gemelas. La niña sintió un leve escalofrío. La anciana se acercó a ella sin apartar la vista ni un segundo. Ni siquiera parpadeaba. Violeta no retrocedió, no titubeó. Se mantuvo firme a pesar de la inquietud que crecía en su pecho. La anciana, al llegar a su altura, se postró ante sus pies. Le había traído una ofrenda. Era un cadáver. El cuerpo era de una criatura que jamás había visto. Se asemejaba mucho a un cachorro de perro, si el perro fuera un animal de naturaleza acuática. Hedía a putrefacción. Bichos viscosos devoraban su carne. Violeta no sabía qué hacer con el extraño presente de la anciana. La mujer alzó la vista. Su semblante se ensombreció al ver la expresión de desconcierto de la niña. Sin mediar palabra, sacó un cuchillo de su cinto, lo extrajo con delicadeza de su vaina y lo clavó en su propia garganta. Un gorjeo acuoso fue el único sonido que brotó de ella. La sangre manó como de una fuente. No, de una fuente no. La forma en que corría se asemejaba más a la de un río, un río de color escarlata. La anciana se desplomó sobre la arena. El charco de sangre creció a su alrededor.

dolor de su madre podía escuchar la voz de su padre. No sabía si cantaba o recitaba, no entendía las palabras que pronunciaba pero, sin duda, eran lo más hermoso que había escuchado en su vida. El ama la abrazó mientras los gritos se sucedían. Ella no respondió al abrazo, nunca lo había hecho. Tampoco se resistió a él. Le resultaba reconfortante sentir el calor que desprendía el voluminoso cuerpo del ama. Mientras la voz de su madre se apagaba, llena de dolor, de pena, de miedo, de culpa, la

Un grito agudo sacó a Violeta de su ensoñación. Provenía de la casa. Era la voz de su madre. Suplicaba que terminaran con su tormento. Violeta dejó los cadáveres de la anciana y la criatura donde estaban y se encaminó a la casa. Sentía mucha curiosidad por saber qué ocurría. Aunque lo tenía terminantemente prohibido, subió al piso de arriba. Algo la llamaba. Era una llamada poderosa. Una placentera corriente eléctrica hormigueó por debajo de su piel. Sintió como si despertara, como si llevara mucho tiempo dormida y abriera los ojos por primera vez en mucho tiempo. Los gritos de su madre escapaban de entre los resquicios de la puerta de su dormitorio. Fuera, el ama aporreaba la madera quejumbrosa. Quería entrar, quería atender a su señora en el parto. Con amargas lágrimas humedeciendo sus mejillas el ama le explicó a Violeta que su padre se había encerrado en la habitación en el momento en el que ella había indicado que el niño estaba de camino. Venía con prisas, demasiadas prisas. Era imposible que su madre hubiera tenido tiempo de abrirle un camino por el que salir de sus entrañas. Violeta la escuchó distraída. Le interesaban más los sonidos del interior del dormitorio. Por debajo de los aullidos de

de su padre se alzaba sobre ella. Su cántico se había reducido a dos simples frases, repetidas hasta la saciedad, en un lenguaje que Violeta no comprendía del todo. El sonido de carne desgarrándose precedió al de un trueno abriendo el cielo en dos. Una ventisca sobrenatural sacudió la casa, haciéndola crujir y temblar. El ama cayó al suelo de rodillas. Se llevó una mano al pecho. Con sus ojos enrojecidos pidió auxilio a Violeta. Ella se apartó de su lado. Sabía que ya no podía hacer nada por ella salvo contemplar su final. Apenas unos segundos después se desplomó sobre el suelo.

El interior del dormitorio había quedado en completo silencio. Violeta abrió la puerta. Si antes había estado cerrada con llave ahora ya no lo estaba. El pomo no ofreció ninguna resistencia y giró con docilidad. Un solo candil iluminaba la habitación. La luz, allí donde se posaba, relucía en rojo. No había un solo rincón que no estuviera salpicado de sangre. Su padre estaba tirado en el suelo, tieso como un palo. Sujetaba de forma férrea entre sus dedos su querido Necronomicón, abierto sobre su pecho. Violeta había leído en alguna ocasión alguna de sus páginas, no

mujer que la había engendrado. Algo se movió entre las piernas de su madre. —¿Tú eres mi hermano? —Violeta cogió al pequeño ser y lo acunó con cuidado. Sus ojos oscuros contemplaban el mundo con curiosidad. Su piel era del color del mar al atardecer. Cuando le limpiara la sangre y la inmundicia de encima, su piel luciría un precioso tono turquesa, su color favorito. Una especie de barba tentacular rodeaba su diminuta boca. Estaba hambriento, lo sabía. Ella también tenía hambre. Colocó a su hermano en el pecho de su madre. Al principio trató de succionar la leche que se había almacenado en las mamas. Al no conseguirlo, simplemente mordió la carne con sus afilados dientes. Violeta lo contempló embobada. No tenía ni idea que convertirse en hermana mayor fuera tan maravilloso. Violeta le tendió su mano, aquella mano que había sido el motivo por el que ella jamás había ido al colegio ni se había relacionado con más personas que las que habían habitado aquella casa. Era idéntica a la de su hermano. De mayor tamaño sí, pero igual en forma y aspecto. El bebé, adormilado, cogió el dedo palmeado de su hermana con su manita de recién nacido. Violeta lo amó como no había amado nunca a nadie. La niña cogió a la criatura entre sus brazos y salió de aquella casa que apestaba a muerte. En el cielo, por encima de las olas, se había abierto una brecha púrpura de la que caía con suavidad una niebla tan negra que si un mortal tratara de observarla durante demasiado rato enloquecería. Todavía no había llegado a tierra pero no tardaría en hacerlo. Por fortuna, ni ella ni su hermano eran mortales, no del todo, no por mucho tiempo. Había llegado la hora de los dioses.

porque entendiera realmente lo que decía, ni siquiera porque le gustase el contenido de las mismas. Si lo había hecho era porque le parecía muy hermoso, tanto como las palabras que su padre había estado recitando hasta el momento de su muerte. Violeta se acercó a la cama donde su madre descansaba al fin tras tanto sufrimiento. Su vientre parecía haber explotado. Alrededor del lecho había desperdigados jirones de carne y tejidos sanguinolentos. A Violeta no le importó pisarlos. El rostro de su madre parecía en paz. Una parte de Violeta, una que cada vez era más pequeña, se alegró de contemplar la serenidad en las facciones sin vida de la

-EL CUARTO JINETE: ARMAGEDONNº de páginas: 512 págs. Encuadernación: Tapa blanda Editorial: DOLMEN EDITORIAL Lengua: CASTELLANO ISBN: 9788415296911

Hola, sabía que volveríamos a encontrarnos. Sígueme. La última vez que les vimos creían que se había terminado, combatieron el virus en las calles de Castle Hill; creyeron que lo habían detenido y estaban a salvo. No podían estar más equivocados. El Cuarto Jinete está a punto de ser liberado en pleno centro de Los Ángel es. Desatará toda su fuerza y crudeza sobre sus casi cuatro millones de habitantes. Si no consiguen detenerlo se esparcirá por todo el continente y correrán ríos de sangre. Los muertos no se detendrán ante nada y ante nadie. Vivir se convertirá en un privilegio. El Cuarto Jinete ha despertado… no corras, no te escondas, pierde toda esperanza. No hay sitio al que huir si la muerte corre más que tú.

ZONA DE L

que el virus pudiera propagarse además de ser mordidos por la saliva. Jason había besado a su novia después de que la mordieran y había permanecido con ella hasta que se convirtió, cuando le pegó con una gran piedra en la cabeza haciendo que su cuerpo mancillado descansase en eterno descanso. Jason nunca lo supo, se durmió y se despertó convertido en una de esas cosas. Mató a su tía que estaba a su lado en la habitación del hotel donde el ejército les había dejado y tras unas horas Los Ángeles se sumía en el caos. Cuando lograron escapar del hotel, en ambos frentes ya que se habían separado los que quisieron descansar de los que quisieron tomar algo en la cafetería de la planta de abajo. Kurt Disinger sin embargo, fue llevado aparte para hablar con el ejército y trasladado en avión hasta Washington por orden del mismísimo presidente por lo que el estallido de terror lo pilló en pleno vuelo. La solución del gobierno esta vez fue contundente. Se barajó la posibilidad de una bomba nuclear pero finalmente se decidieron por el Napalm y es que como dijera cierto militar “me encanta el olor del Napalm por la mañana”. Sin embargo, a mucha gente la pilló saliendo de Los Ángeles y entre ellos algún infectado condenando a todo el continente americano en amplitud y longitud a ser pasto de los muertos vivientes.

Cuando Mark y Paula pensaban que ya estaban a salvo del virus que asoló Castle Hill, nada les hacía sospechar que uno de los demás supervivientes estaba contagiado. Jason Fletcher había pasado los controles de seguridad del ejército porque ni el doctor Kurt había barajado la posibilidad de

Mark, Paula, Verónica y entre otros Blueman encuentran un pequeño lugar que parece ser el bastión perfecto donde resistir el envite de los zombies, una urbanización de lujo llamada San Mateo en la pequeña población de Half Moon Bay. En ellos conocen a Tom, su sobrino Neil y sus amigos de fechorías, a un participante y ganador del reality Survivor, un violador de niñas, una viuda que se entiende con el marido de la vecina, de una jovencita que le enseña las tetas al vecino... enseguida se dan cuenta

LECTURA

de que no todo son sonrisas en la urbanización y la gente que pareció amable cuando visitaron el complejo para asegurarse de que era un buen lugar donde esconderse no lo son tanto y verán sus dobles caras. No te vamos a decir quién de los supervivientes de Castle Hill logarará salvarse esta segunda vez, pero te diremos que no le cojas demasiado cariño a ninguno de los antiguos ni de los nuevos personajes, porque en cuanto menos lo espereres dejarán de formar parte del bando de los vivos.

TOP 3 MÁS VENDIDOS FICCIÓN: -1LA MUSICA DEL SILENCIO PATRICK ROTHFUSS -2EL UMBRAL DE LA ETERNIDAD KEN FOLLETT -3EL LIBRO TROLL EL RUBIUS

Sobre mi opinión al respecto, me parece que el autor a crecido exponencialmente en esta segunda entrega, su forma de narrar es mucho más atrayente que en la primera. Que si bien sigue el mismo estilo de narración que ‘El cuarto jinete’, ésta cuenta sin duda con una fluidez que supera a su predecesora. No os voy a decir más, solo que estas navidades la tengáis en cuenta en vuestros posibles para regalar o comprar para vuestra biblioteca particular. Una de las mejores de zombies que he tenido el gusto de leer. Hace muchas referencias a otros libros en los que voy a nombrar a Harry Potter (con lo de la capa de invisibilidad). Paula es uno de mis personajes favoritos, espero que también lo sea vuestro. Para mí, sugiere una esperanza, un futuro para la humanidad. Los niños son el futuro si no se convierten en zombies. La novela cuenta al final con un enlace a una web que contiene “extras del DVD”, pero refiriéndose a unos “extras” sobre las historias de la novela, que paralelamente el autor va colgando en relación a su universo creado. Y no van en dvd, sino en pequeños escritos. Armagedón es la segunda parte de la trilogía ‘El cuarto jinete’ escrita por Víctor Blázquez. La puedes leer en números anteriores de la revista NoSoloFreak. Y es precedida de una tercera parte que reseñaremos en breve.

AIDA ALBIAR

COEDICION

HOMENAJE STEPHEN KING POR TONI SERRANO

Al escritor le sudaban las manos mientras el avión despegaba. Habría querido medicarse durante todo el trayecto, pero no se atrevía a soñar, no después de lo que le había sucedido a su mujer. Esperó a que finalizara el despegue y se levantó para acceder a su mochila y extraer de ella algo que se despreciaba por tener que hacer. Una vez lo tuvo en sus manos, se sentó de nuevo y se dispuso a utilizarlo, cuando una mano sobre su hombro le sobresaltó. ― ¡Vaya señor King! No sabía que le gustaran las novelas románticas. El escritor miró a la azafata, vieja conocida gracias a sus numerosos viajes de promoción de sus novelas. ― Es una petición de mi mujer ― le mintió ― Una especie de apuesta perdida. Siento romperle el mito. Ante la falta de sonrisa por parte del escritor en aquella afirmación, la azafata se sonrojó. ― Lo siento señor King. No es asunto mío lo que usted lea. Es solo que... no se, es tan impropio de usted que... “Si tu supieras” pensó el escritor. La azafata le sonrió pero él no le devolvió la sonrisa. No fue por apatía, sino por preocupación. Necesitaba ponerse a leer cuanto antes o si no... Unos cuantos golpes llamaron su atención. Uno de los pasajeros, un hombre mayor, intentaba abrir uno de los compartimentos superiores donde se alojaba el equipaje de mano y parecía tener problemas con el cierre. La azafata se disculpó con el escritor y acudió a auxiliar al anciano. Entonces, sin que el escritor pudiera evitarlo, su mente comenzó a elucubrar ideas, y todo empezó otra vez. La azafata consiguió abrir la portezuela casi de inmediato, y algo peludo saltó sobre su ca-

beza ante los gritos de asombro y terror de los allí presentes. Aquella cosa, entre chillidos de animal, no paraba de arañar y morder la cara de la pobre mujer y el escritor, contrario a cualquier reacción lógica, se sentó en su asiento y empezó a leer su novela entre escalofríos. No había visto lo que se había abalanzado sobre la auxiliar de vuelo, pero sabía muy bien lo que era: una rata gigante, con ojos rojos, largas uñas negras y colmillos donde cualquier otro roedor hubiera tenido incisivos, exactamente igual que la que él se había imaginado. Afortunadamente, uno de los pasajeros, un militar de servicio, fue capaz de reducir y matar al animal, golpeándolo con una de las bandejas de catering del avión. El escritor, lo único que pudo hacer para ayudar, fue continuar con su inofensiva lectura, ocupando su mente para evitar que nada más escapara de ella. El vuelo tuvo que cambiar su rumbo para que pudieran atender a la azafata herida, lo cual contrarió mucho al escritor. No es que aquella mujer no le importara, al contrario. Lo que le preocupaba, lo que él bien sabía, era que cuanto más se alargara su trayecto, más tragedias se sucederían, aumentando con ello el número de victimas. El avión hizo escalas en Nueva York y puso a disposición de los viajeros un autobús para completar lo que les quedaba de trayecto. El escritor odiaba tener que viajar con más gente, pero no le quedaba otra. Desde que sufrió aquel atropello, en uno de sus paseos, sentía pánico al ponerse al volante de cualquier vehículo y se negaba a que ningún loquero se asomara a su perturbada mente, por lo que pudiera sacar de ella, y eso fue mucho antes de aquella molesta maldición. ¡Maldito accidente! EL autobús los esperaba a la salida de la terminal. Un trayecto realmente corto en el que no se esperaba ningún problema, pero unas estridentes risas infantiles llamaron su aten-

ción hacia un Mac Donalds de la terminal, donde un grupo de niños parecían celebrar una fiesta de cumpleaños. Le bastó una mirada, una única mirada al payaso de cartón piedra de la entrada para recordar a una de sus creaciones literarias más exitosas, para que aquel payaso cobrara vida y se transfigurara en la diabólica criatura de sus novelas. No quiso esperar a que “ESO” entrara en la hamburguesería. Corrió como alma que lleva el diablo hasta la salida y se repitió a si mismo que no había escuchado los gritos de ningún niño durante su huida. Repetirse aquella mentira, no consiguió aliviar su conciencia. Nada más subirse al autobús, mientras podía oír el ruido de las sirenas de las ambulancias y los coches de policía que se aproximaban a la terminal, decidió tomarse los somníferos. Introdujo tres pastillas en su garganta mientras su transporte arrancaba. Con una sola de ellas sabía que era suficiente, pero espero que la segunda le ayudara a entrar en un estado profundo de sueño que le impidiera soñar y la tercera... La tercera fue por si acaso, y el riesgo a sufrir una sobredosis letal hasta le pareció placentero. Se durmió al instante, sin sospechar que ningún narcótico podría anular aquella maldición. Por muchos que se tomara. Un golpe seco le sacó de su estupor. El escritor se despertó, asombrado de seguir vivo, para lamentarse unos segundos después al comprobar su situación. Había llegado a su destino, esa era la parte buena, pero no todo el autobús lo había hecho. Se levantó de su asiento entre los gritos de los pasajeros y bajó del vehículo, concretamente de la mitad del vehículo. La otra mitad, junto con la mitad cercenada de dos pasajeros se encontraba al otro lado de una barrera traslucida que parecía haber partido el vehículo en dos. Pese a saber lo que se iba a encontrar, le echó una mirada al cielo para contemplar la cúpula que los cubría, a ellos y a todo el pueblo en el que se encontraban. Gigante, majestuosa e impenetrable, tal y como el la había descrito en uno de sus libros, tal y como él la imagino en sus sueños. “Al menos estoy donde debo estar” se consoló el escritor. En medio de todo el caos que se formó tras el

accidente del bus, el escritor decidió escabullirse. No le quedaba demasiado para llegar a su destino, pues se encontraba prácticamente a las afueras del pueblo. Empezó a caminar hacia la calle donde le habían citado. En aquel momento solo pensaba en acabar con todo aquello, era como una obsesión para él pero, de alguna manera, en medio de todo aquello, su imaginación se hizo paso de alguna manera, y la niebla empezó a invadir el pueblo. En medio de aquel infierno blanco en el que nada se podía distinguir más allá de un palmo, le rodeaban los gritos. ― ¡Hay algo en la niebla! ―gritó un hombre al pasar corriendo junto a él ― ¡Corra por su vida! ¡Y vaya si lo sabía! Por supuesto que había “algo” en la niebla, pero a él no lo tocaría pues su maldición le convertía en un mero espectador, nada más.

De nuevo, ignoró los actos de sus creaciones literarias y encendió el GPS de su móvil para poder orientarse en la niebla. Realmente el móvil no era suyo pues, desde que escribió aquella novela en la que los teléfonos móviles enloquecían a la humanidad, no había tenido coraje de utilizar ninguno, cosa extraña, pues cuando creó su novela del coche maldito o aquella en la que las máquinas cobraban vida para vengarse de la humanidad, no cambió para nada sus costumbres. De repente se dio cuenta de que estaba divagando en todos aquellos pensamientos y que, seguramente, todos ellos habrían escapado de su mente para aterrorizar, aun más, a toda aquella inocente población. Afortunadamente, la niebla le privaría de contemplar la mayoría de ellas. EL GPS le llevó acertadamente al punto de encuentro, una especie de granero abandonado, tal y como su contacto le había indicado.

Cruzó su umbral sin perder un instante y se encontró con la persona que le había citado, su nuevo socio, el culpable de todos sus males actuales. ― ¡Señor King, me alegro de verle! ― Ojala pudiera decir lo mismo. ― ¿Ha traído lo que acordamos? ― No acordamos nada. ¡Usted me obligó a traerlo! ―hizo una pausa para eliminar la rabia en su tono, pues no le quedaba otra― Pero si, lo he traído. Los manuscritos de mis novelas con los cambios que usted indicó y el nuevo último volumen de “La Torre Oscura” que usted escribió con nuestros nombres como autores en él. También he traído la documentación para que la firme. En cuanto lo haga, llamare a mis editores para que la imprenta se ponga en marcha. ― Excelente ―dijo el hombre frotándose las manos. ― Ahora retire su maldición. He cumplido con todo lo que me ha dicho. ― Todo a su tiempo. No pienso retirar nada hasta que todo este esté hecho. El escritor apretó los puños de pura impotencia pero o dijo nada. Estaba a merced de la voluntad de aquel hombre, y lo sabía. ― Muy bien ―se forzó a decir en el mejor tono posible. ― Dígame señor King, ¿Como le ha ido? ―dijo su interlocutor con sorna― Por primera vez es usted la víctima de sus elucubraciones. Un mero espectador sin poder hacer nada para cambiar sus propios argumentos. ¿Que le ha parecido? ― No tengo nada que decirle. ― Pues yo si a usted. Durante años sus fans hemos leído sus novelas y nos hemos tragado sus novelas, con argumentos y situaciones que nos atrapaban para luego llegar a decepcionantes conclusiones improvisadas que no nos merecíamos; perros que ven fantasmas, el dedo de Dios que apartaba misiles, deidades con forma de tortuga, aliens adolescentes que se compadecían de los humanos y retiraban cúpulas y, sobretodo, aquel final para su saga más longeva, “La Torre Oscura”, en la que un personaje que aparecía en los últimos capítulos solucionaba todo de la forma más cuestionable posible. ¡Incluso Hollywood ha dotado a sus novelas de mejores finales al trasladarlos a la pantalla grande! ¿O que me dice de “La Niebla”? Aquello fue un golpe bajo. Estaba harto de

que la gente le nombrara la maldita peliculilla y de que le dijera lo del maldito final, aunque si, reconocía que el final de la película era mucho mejor que el de su novela. Aquello le hizo reflexionar, y decidió poner en practica algo, algo que había ideado de camino y que, hasta aquel último comentario de aquel hombre, no había estado seguro de atreverse a utilizar. Pero él se lo había buscado. ― Hay una cosa que quería comentarle antes de firmar nada ―dijo el escritor― Es sobre la foto que me ha proporcionado para la contraportada de las novelas. ― ¿Que le pasa a la foto? ―dijo el hombre con desconfianza. ― Nada, no le pasa nada en absoluto. Simplemente quería que contempláramos otras opciones. ― el escritor sacó un folio de su maletín y se lo enseñó. ― ¿Que es eso? ― Es un dibujo. De usted. Últimamente está poniéndose de moda que, en lugar de una foto, en la contraportada aparezca un retrato del autor hecha por algun ilustrador famoso. No he tenido tiempo de ponerme en contacto con ninguno, así que me he limitado a hacerla yo, por lo que le pido que no tenga en cuenta el trazo y reconsidere la opción. El hombre se acercó para examinar el dibujo y su cara expresó cualquier cosa menos conformidad. ― No me convence. Prefiero que nos ciñamos a lo clásico. La foto estará bien. ― ¡Oh, vamos! Eso es porque el dibujo no está bien. Mi capacidad artística no es demasiado buena y, además, nunca nos habíamos visto en persona. Ahora que lo veo más de cerca veo que he cometido errores, pero pienso corregirlos de inmediato. Déjeme hacerlo. El escritor sacó una goma de borrar de su bolsillo y la apoyó sobre el papel. ― ¡¿Que se supone que hace?! ― Primero de todo, voy a borrarle las manos. Las suyas son mucho más pequeñas que las que yo le he dibujado, y no le hacen justicia para nada. El escritor pasó la goma por la parte del dibujo que estaba describiéndole y su interlocutor empezó a gritar. Aterrado, comprobó como sus manos desaparecían al mismo ritmo que el escritor las borraba del papel.

― ¡No voy a consentirle que lo haga! ―dijo corriendo con los muñones extendidos hacia el escritor. ― Sus piernas también fuera, pues usted es mucho más alto. Un nuevo golpe de goma borró aquella parte de la anatomía en el papel, mientras que su nuevo socio caía estrepitosamente al suelo al perder las extremidades. ― ¡Por favor, no! ―gritó él en el suelo, entre lágrimas― ¡Le retiraré la maldición, lo prometo! ― Por favor, le ruego que no me interrumpa en medio de mi proceso creativo. Algo podría salir mal, y luego son los fans los que lo pagan. ― ¡NOOOOOOOOOOOOO! Al menos no acabe conmigo así. Es el peor final que usted ha escrito nunca para un libro. No puedo acabar igual se lo.... Aquel comentario bastó para que el escritor borrara la boca del retrato y lo silenciara para siempre. Así, poco a poco, muy lentamente, el escritor fue borrando partes de aquel retrato, dejando la cara para el final, para poder ver el gesto de terror en sus ojos hasta el último instante. ― Al final voy a hacerle caso ―dijo cuando solo quedaban los ojos de aquel hombre plasmados en aquel papel― No voy a hacer lo mismo que al final de mi libro. Esta vez, el borrado será completo. Así no tendrá que sufrir más leyendo mis obras. ¡Que la todopoderosa tortuga lo acoja en su gloria! Y procedió al ultimo borrado. Cuando emergió de aquel granero, todo había vuelto a la normalidad. Ni rastro de niebla, ni de cúpula, ni de nada más extraño. El escritor, complacido, miró a su maletín, donde aun guardaba los borradores de aquel hombre. “Es un buen material” ―pensó― “ Tal vez lo publique, aunque el único nombre que habrá en portada será el mío. Tal vez haga alguna mención a él en los agradecimientos” “ Tal vez”

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15 series de nueva hornada Ha llegado el mes de noviembre, y todas o casi todas las series que habíamos esperado han salido ya a la luz, no obstante, de las casi treinta series que os presentamos en los previos artículos, un servidor tiene sus gustos y por si esto fuera poco, una cantidad más que considerable de series que ya seguía de años anteriores; por lo cual he realizado una preview de pilotos y primeros capítulos de las series que más me han llamado la atención y he aquí mi valoración. Debo decir que esta valoración es meramente personal y que siempre se puede estar en desacuerdo con ella. Valoraré las series que he visualizado en una escala de 1 a 5 con el siguiente baremo 1 Deberían cancelarla y es un insulto a los televidentes. 2 A mi no me gusta, pero a alguien le gustará. No es del todo mala si te gusta el tema 3 No es la mejor serie pero entretiene, tiene algo bueno que me llama 4 La serie es buena, veamos como continua, recomendable si te gusta el estilo 5 Me encanta, no puedo dejar de ver el capítulo en cuanto sale. Muy recomendada sin duda. Pero veamos las quince series elegidas para “evaluar” este otoño-invierno:

cultura televisiva e

l a s

constantine

the f lash

m a s e s p e r a d a s

z nation

how to get away with murder

1. En primer lugar, diré que la miniserie HOUDINI me sorprendió gratamente. Como una película bien llevada, la miniserie nos transporta a la vida y creencias del afamado escapista, dando una motivación a sus acciones y hablándonos de lo que había detrás de los escenarios pero sin necesidad de profundizar demasiado en el ámbito romántico. El ritmo de la miniserie es bastante trepidante y si bien en algún momento los flashbacks sin previo aviso me desconcertaron por unos segundos, la actuación del habitualmente poco expresivo Adrien Brody no me dejó para nada indiferente. Desde luego es una obra no sólo para ver sino para volver a ver fijándose en los detalles de imagen y desde luego en la oscura estética que le han dado al conjunto. Es más si sale como supongo lo hará en DVD, posiblemente me haga con ella. Tendría un 4 si no estuviera terminada y si os gusta el estilo, debéis verla.

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r 3. Respecto a RED BAND SOCIETY debo decir que me sorprendió gratamente. Con este tipo de series es fácil conquistarme, me tragué enteras URGENCIAS, DOCTORAS DE PHILADEPHIA, DOC, sigo SAVING HOPE. Vamos, que las series de hospitales no me desagradan y aunque está catalogada como drama y lo es, esta serie me toca la fibra sensible al tiempo que ofrece una perspectiva juvenil de la estancia en un hospital y todos aquellos 2. La siguiente en la lista es la nueva que hayan estado más de una semana en serie sobre zombies, Z NATION. A todos un hospital de jóvenes o hayan sido volos amantes de los zombies nos encanluntarios, saben que si bien la vida en un ta una buena película Z pero… teniendo THE WALKING DEAD, una serie en la que hospital no es idílica, se normaliza mucho más de lo que pensamos cuando ves que un grupo aleatorio de individuos se ven la gente que tienes alrededor es gente atacados por zombies tras tres años de como tú. En fin, que a este retrato basainfección, con la intención de llevar “la cura” o al menos al portador de la posible do en pulseras rojas, le doy un 4 porque cura, a un laboratorio en la otra esquina me ha enganchado con su humor agridulde USA con un abuelo, una pareja joven ce y su frescura en el reparto. y dos protagonistas, se me hace un tanto manido, no digo que no esté bien, pero a mi personalmente no me va a desbancar a la anterior mencionada, principalmente porque no me ha presentado nada nuevo, sí, las circunstancias son distintas porque en esta serie sí que existe la posibilidad de curarse y hay un objetivo, pero el objetivo lo único que hace es sentenciar a muerte a la serie o hacer que se vuelva inaguantablemente pesada. Le doy un 2 porque sé que a algunos les gustará pero ni creo ni espero que dure.

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4. Según uno de mis contactos, si juntamos SHERLOCK+ LIE TO ME+ CASTLE+ PERCEPTION, nos sale la serie FOREVER. La verdad es que cambiaría Sherlock por EL MENTALISTA pero sí, la serie tiene muy buena pinta y un argumento que engancha, desde luego, si no la cagan con el tema de tramas, están dando el punto justo para que nos enganche y pueda seguir con nosotros unos cuantos años, aunque claro, el público de USA es un tanto extraño y a veces deja caer series buenas y mantiene otras como cierto remake de una bella y una bestia que yo creo que no ve ni debería ver nadie. Me desvío del tema. Esta serie con la Némesis que han buscado, entretiene, y si bien, al igual que el mentalista, no es la mejor de las series y en USA está teniendo una aceptación menor de la que se esperaba, no sabemos aún si se renovará; es una gran candidata a quedarse en nuestras pantallas y ser emitida a razón de 4 capítulos por día en las televisiones españolas sin embargo, tiene un 3 como nota. (Le daría un 3,5 pero no puedo hacer niveles intermedios)

5. La esperada y ansiada serie sobre la ciudad del murciélago, GOTHAM está rodando la temporada completa. Pero si bien nos ha dado un villano en alza como puede ser ese pingüino interpretado de forma maravillosa por Robin Lord Taylor, el lento desarrollo de los capítulos y la trama general nos dejan con esa sensación de que realmente e no estamos viendo una serie de superhéroes, o como es, se supone, el caso; supervillanos. Desde mi punto de vista es una pena que una serie que podría dar mucho de sí no consiga centrar la atención del público llegando en determinados momentos a aburrir al espectador. E incluso así solo por lo molón de la idea de una serie de villanos de verdad le doy un 3.

6. Otra de las series que me ha cautivado aunque sea muy pronto para decir si la renovarán o no es SCORPION. Esta serie une de los mejores puntos que una serie puede reunir, al igual que pasó con LEVERAGE, tenemos un grupo al estilo ocean’s eleven pero con superdotados de coeficiente emocional sesgado y en manos del gobierno estadounidense. Uno de los grandes descubrimientos de la temporada y que espero que renueven porque es definitivamente un 4 (no le pongo un 5 porque no he visto de momento trama a largo plazo que puede ser un punto a favor o en contra para recomendarla)

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7. Dentro de las comedias de corta duración, BLACK ISH es una de las que con mucha probabilidad se mantendrá en las pantallas. Rescatando el clásico de la comedia en el mundo negro y con un aire que nosotros apenas entendíamos pero que conocemos desde hace años por series que marcaron nuestra infancia como EL SHOW DE BILL COSBY o COSAS DE CASA; esta serie nos ofrece una ambientación que casi recuerda a MODERN FAMILY pero centrada sólo en una casa y en sus miembros. Ciertamente es divertida y tiene su aquel. Un 3 alto para esta comedia.

8. Desde luego los americanos tienen un toque que no se acerca siquiera a ese humor campechano que tenemos en España. Una de esas poquísimas series españolas que sigo y que pensé en su momento que si hubiese sido americana, mucha más gente habría visto, y ciertamente LOS MISTERIOS DE LAURA ha sido llevada a la pantalla americana. Las diferencias son obvias y se agradecen, pero no deja de haber similitud entre las versiones, lo cual también se agradece claro. Esta serie, me gusta en español, me gusta en inglés y me gustaría en japonés seguramente pero es que los detectives a la antigua se echan de menos (aunque sigo agradeciendo a la querida señora Lansbury que detuviera el sacrilegio del remake de SE HA ESCRITO UN CRIMEN) el primer y no el único 5 de esta valoración.

9. Inigualable en trama, maravillosa en tiempos y rapidez, HOW TO GET AWAY WITH MURDER es quizá la mejor serie que ha visto la luz este año desde mi punto de vista aunque si debo sacarle un defecto, es la repetición de escenas de flashbacks una y otra y otra vez. Aún así, la mezcla de juicios, investigación, asesinatos y sexo es una combinación que hay que calibrar muy bien para que no quede soez, aburrido o anodino y esta serie hasta el día de hoy, ha conseguido un cóctel perfecto por lo que creo que sin duda será renovada. Ahí va mi segundo 5 de la temporada.

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10 y 11 Por suerte o por desgracia, tiendo a tener razón cuando valoro el gusto de los televidentes americanos y el comportamiento de las cadenas en respuesta. La baja audiencia y descenso continuado de las series A TO Z y BAD JUDGE que tenían un 2 y un 3 respectivamente en mi calificación, ha hecho que la cadena responsable de su emisión, es decir NBC cancelara ambas, eso sí, permitiendo que terminen su primera y última temporada de 13 capítulos para ser emitidos. Esta situación se da casi de forma regular y lo vimos el año pasado con series como BACK IN THE GAME, EL SHOW DE MICHAEL J. FOX, THE CRAZY ONES o SEAN SAVES THE WORLD, series que vieron la luz y fueron canceladas antes de finalizar su primera temporada. No obstante el panorama televisivo es la jungla y no todos

12. Una serie que tiene todas las papeletas para ser renovada y no sólo una temporada es THE FLASH, serie presentada la temporada anterior a través de su familiar ARROW y que nos trae a la pantalla al héroe más rápido de DC. Cierto es que esta serie para ser sobre el hombre más rápido del mundo, no tiene una velocidad de guión alarmante y de hecho puede tender hacia abajo si no remonta como lo hizo su predecesora. Aún así y teniendo en cuenta que los personajes son más de cómic y que su protagonista, desde mi punto de vista tiene más carisma que e muchos otros que se ven, yo le doy un voto de confianza y un 4 en mi valoración. 13. KINGDOM es una serie que puede tener un componente muy llamativo, la elección de los actores y la temática de la serie son bastante meticulosos, pero la cámara deja mucho que desear desde mi punto de vista. Aun así, la cadena ha decidido solicitar un paquete de episodios que conformarán una nueva temporada supuestamente para primavera de 2015. Yo la verdad es que no he quedado demasiado encantado con la serie y eso que los deportes de lucha me gustan. Le podría llegar a dar un 3 pero sinceramente, dejo mi valoración en un 2 porque no me acaba de convencer lo que ofrece más que por el hecho de que sea mala.

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14. Respecto a la serie basada en los cómics de Hellblazer y que lleva como título CONSTANTINE debo decir que puesto que no soy un purista, me parece una adaptación bastante aceptable, y desde el primer capítulo se ve a un Constantine bien definido, si bien es cierto que hay determinadas cosas que según los aficionados, no cuadran demasiado con el cómic, no deja de ser entretenida y muy llamativa. Sólo hace falta que no se convierta en un nuevo supernatural, que para eso ya tenemos la propia supernatural que sigue y sigue. Para esta serie la valoración es de 4 15. Dentro de las comedias elegidas para ser visualizadas y una de las últimas que han salido al aire, está THE McCARTHYS, una serie en la con ese aire de comedia de barrio nos presentan a una familia cliché y un poco loca. Padre entrenador, gemelos como los de la película, uno grande y un poco bobo y otro cerebral y bajito, una hermana un tanto… liberal, una madre manipuladora y un protagonista gay que acaba siendo asistente de su padre como entrenador de baloncesto aun cuando no sabe prácticamente ni las reglas básicas del deporte. Una premisa curiosa y que puede dar de sí aunque el tema de la homosexualidad no sea de lo que mejor se lleva en Estados Unidos a día de hoy, no por nada, sino porque ya está bastante manido. Aun así a mí en particular me ha gustado, sólo hace falta que tenga audiencia y que sea capaz de sobrevivir. Yo le doy un 3 pero a saber qué le dará la audiencia. Y con esto terminamos la valoración de lo destacado entre los estrenos de este año, no obstante, si queréis que hable de alguna serie en concreto o si preferís algún tema en particular, no dudéis en poneros en contacto con la revista y seguramente podamos hacer algo con lo que nos digáis, que siempre estamos dispuestos a mejorar.

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Antes de terminar, por supuesto, y como nota; os dejo los estrenos y vueltas de este mes, que como veréis son poquitos: El día 15 de noviembre se estrenará la miniserie de 8 episodios THE MISSING nacida en colaboración de BBC y STARZ, esta serie nos transporta a la agonía de un padre obsesionado con el secuestro y desaparición de su hijo y los efectos que esto tiene no sólo en él sino también en su vida y en su comunidad. Una serie que puede llegar a ser muy angustiosa si asumimos como hacen las cosas las cadenas de las que provienen. El día17 se estrenará en NBC STATE OF AFFAIRS una serie sobre la agente de la CIA encargada de asesorar al presidente sobre crisis internacionales en la casa blanca y que tendrá que compaginar sus responsabilidades con una difícil vida privada.

Por otro lado, vuelven a la pantalla: THE EXES 5 de noviembre (4 temporada) WHITE COLLAR 6 de noviembre (6 temporada, sólo 6 capítulos de momento) GETTIN ON 9 de noviembre (2 temporada) NEWSROOM 9 de noviembre (3temporada, 6 capítulos para cerrar tramas) El mes que viene y para que sobrellevéis el parón de navidad, haremos repaso de las series que no son nuevas y que han vuelto a nuestras pantallas. Eso sí, atentos que lo mismo hay spoilers. De lo que sí podéis estar seguros es de que será un artículo con 25 series que no bajarán del 3, ¿o queréis que hagamos un artículo de lo que NO debéis ver pase lo que pase?

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Homeland sorprendió en sus tres primeras temporadas, fresca, sorprendente y con una calidad incuestionable. Todos estábamos encantados con la magnifica historia del sargento de los marines de EEUU Nicholas Brody, desaparecido en combate durante años y aparecido en extrañas circunstancias en Irak, y su relación con la oficial de operaciones de la CIA la excéntrica Carrie Mathison. Terrorismo, secretos, y la tensa relación entre EEUU y las fuerzas terrorístas islámicas. Cuando se no hacia prever temporadas llenas de tensión y giros inesperados, nos enteramos que los dos actores principales: Damian Lewis y la premiada Claire Danes se llevaban como el perro y el gato y no había posibilidad de rodar muchos episodios juntos, la tensión en el plato era insoportable y había que quitar a uno de los dos del medio o simplemente terminarla dignamente en su tercera temporada, ya a la baja. Pues bien, se tomó la solución primera, haciendo desaparecer de un plumazo al sargento Adrian Brody y a su actor Damian Lewis. Había solución pero....¿Qué nos íbamos a encontrar en la cuarta temporada?. Decepción total en la vuelta de Homeland a la pequeña pantalla después de los primeros episodios. Es verdad que la calidad del producto sigue siendo incuestionable y que la mayoría de los personajes de las primeras temporadas siguen en liza: Carrie, Saul Berenthon o Peter Quinn, pero todo es un recuerdo frustrado de algo que nos encanto pero que no llega ahora a convencernos, de un quiero y no puedo al que le hace falta algo más de la cuidada presentación de anteriores temporadas, ya que, la cuarta temporada de Homeland poco o nada tiene que ver con Homeland. El conflicto sigue ahí y seguramente la serie se arriesga, solo un poco, insinuando temas como que el ataque a las torre gemelas en el 11-S pudo ser un plan urdido por la propia EEUU e Israel, pero la historia principal completamente centrada en Carrie Mathison, esta vez como uno de los referentes de la CIA en Pakistan y cambiando la relación amor/odio de la pareja principal de las tres primeras temporadas en relación materna de Carrie con su hija, no convence. Muchos críticos afirman que esta cuarta temporada devuelve glamour y calidad a la serie, perdida en la tercera temporada, pero sigo diciendo que esto no es Homeland, no es lo que los fans esperábamos en la vuelta de la serie, es otra cosa a la que podían haber puesto otro nombre y seguramente también sería un triunfo de crítica y público, pero no hacia falta asociarla con la serie original. De lo mejor de esta cuarta temporada es el protagonismo que parece haber ganado Peter Quinn, un protagonismo que todos pedíamos a voces, que duda de sus sentimientos hacia Carrie. Además de la sensación de que el actor Mandy Patinkin como Saul Betenthon es ineludiblemente uno de los centros de calidad de la serie creada por Howard Gordon y Alex Gansa, por lo que sigue siendo necesaria su presencia. Seguiremos disfrutando de este recuerdo de aquella fantástica serie que es esta cuarta temporada, pero sigo pensando que esto no es Homeland, se pongan como se pongan.

homeland

CUARTA TEMPORADA DANI FERRER

g茅nero: terror emisi贸n usa: fx estreno usa: 8 octubre 2014 temporadas: 4

Una temporada mas, Brad Falchuk y Ryan Murphy vuelven a abrir el tarro del horror para someter a los espectadores a una nueva dosis de lo mas oscuro de la cultura popular norteamericana. Y haciendo un buen homenaje al carácter de la serie, ¿qué mejor que ambientarla en una feria de fenómenos? En esta ocasión parece ser que no habrá saltos temporales hasta la época actual sino que nos quedaremos a finales de la década de los 50 en Jupiter, Florida, donde el freak show de Elsa Mars (Jessica Lange) debe arreglárselas para sobrevivir en un mundo donde los freaks ya no interesan. Además la pequeña localidad se ve sacudida por unos terribles asesinatos realizados por un siniestro payaso... LAS RAÍCES American Horror (AHS) es una serie antológica, es decir, recoge elementos de la cultura popular (creencias, leyendas urbanas y algún caso real) para construir un imaginario que muta en cada temporada, se expande, sin ser ajena a otras influencias culturales. En este Freak show se notan influencias de ¿Qué fue de Baby Jane? (Robert Aldrich, 1962) en la relación de Elsa Mars con su pasado, probablemente con la figura de Marlene Dietrich, que llegó a eclipsarla, relegándola al segundo plano del circo de fenómenos. Resulta inevitable hablar de Freaks de Tod Browning (1932) al ver Freak Show, ya que comparten gran parte de su ADN: el día a día de un espectáculo, los códigos de honor que se establecen entre los fenómenos,utilizar personas con deformidades reales en vez de actores... Si Freaks es una de las patas sobre la que se sostiene esta entrega de AHS, la otra es Carnivàle, la enorme serie de culto cancelada por HBO en 2005. Las dos temporadas de la serie se ambientan en plena depresión norteamericana (1929), donde un circo ambulante lleno de fenómenos y fugitivos de la justicia y la sociedad se embarcan en una lucha mística entre dos fuerzas antiguas y poderosas, un dios y un diablo eternos, re-

encarnados en diferentes personajes para continuar una lucha que no termina, un círculo sin fin. La relación entre ambas series no termina en los meramente ideológico o estético ya que hay actores que coinciden en las dos como John Carroll Lynch, el temible payaso de Freak Show que ya había perseguido hasta la saciedad al reparto de Carnivàle como Stroud. Quizás en AHS se hayan eliminado las referencias religiosas y a grupos de poder que centraban la atención en Carnivàle pero los puntos en común son múltiples. No se queda aquí la cosa ya que tenemos payasos asesinos, una relación madre/hijo al mas puro estilo Psicosis, un velado homenaje al Halloween del maestro Carpenter en el tercer capítulo... y lo que nos queda por ver. EL REPARTO AHS es una serie coral, en cualquiera de sus encarnaciones, pero hay una serie de actores recurrentes, un plantel que repiten año tras año su participación, interpretando personajes diferentes. Podría decirse que Jessica Lange es el eje central de AHS. En esta ocasión se mete en la piel de Elsa Mars, una artista alemana caída en desgracia, recelosa y manipuladora que dirige un circo de fenómenos itinerante en busca de un último momento de gloria. Jessica Lange se encuentra como

pez en el agua en cualquiera de los papeles que le ofrecen en AHS y esta vez no va a ser diferente. Una presunta estrella en decadencia, ejerciendo de madre de unos personajes que la quieren y la respetan. Otra golosina para Lange. Sarah Paulson vuelve a interpretar a otro personaje mortificado. La pobre no gana para disgustos. Esta vez toca un personaje doble, las siamesas Bette y Dot, unidas por el cuello y con dos cabezas diferentes pero sin caer en la simplificación de una dualidad bien/mal. Es un poco mas complicado, dentro de la ideología de AHS. Evan Peters es otro de los actores favoritos para ser atormentado en AHS y después de su incursión en X Men: Días del futuro pasado vuelve a AHS para ser Jimmy Darling, el chico langosta. Joven, impulsivo y líder de los freaks en el día a día, con una estética de joven Marlon Brando, debe asumir las consecuencias de su liderazgo cuando las cosas se ponen feas. Kathy Bates y Angela Bassett regresan después de su ilustre aparición en Coven, con otros papeles igual de antagónicos (la mujer barbuda vs la hermafrodita de tres pechos), unidas por el personaje de Michael Chiklis (The shield), nuevo en la serie y el hombre forzudo del espectáculo. Frances Conroy trae otro de sus personajes desquiciados, histriónicos. La señora Mott, de alta cuna, dedica sus esfuerzos en satisfacer los caprichos de su hijo Dandy (Finn Wittrock), malcriado y peligroso. La aleatoriedad salvaje a la serie la trae Twisty, el payaso, con la altura y mirada salvaje de John Carroll Lynch, que quizás vaya a dejar a Pennywise como una mera anécdota... Seguro que algún viejo conocido regresará durante el transcurso de la historia (Denis O’Hare, Emma Roberts...) y alguno nuevo se incorporará, como Wes Bentley en el papel del misterioso caballero Edward Mordake. Una duda razonable se instaura en el espectador: ¿los fenómenos, los freaks, son reales o producto de efectos?

Bien, mitad si, mitad no. En casos como las siamesas es lógico pensar que no, Sarah Paulson no tiene dos cabezas. Pepper es otra historia. A Pepper ya la habíamos visto en Asylum, dentro del manicomio y quizás, a manera de precuela, se nos presenta en Freak Show. Pepper es, en realidad, interpretada por Naomi Grossman que poco tiene que ver con ella. Sin embargo hay casos donde las peculiaridades son reales: la pequeña Jyoti Amge posee el récord de ser la persona mas pequeña del mundo, voz de pitufo incluida y en AHS interpreta a Ma Petite, la protegida de Elsa Mars. Mat Fraser es otro caso real, interpreta a Paul, el hombre con malformaciones en los brazos. El caso de Mat es increíble: nació con phocomelia en ambos brazos ya que a su madre le recetaron thalidomida durante el embarazo. El medicamento (trágicamente famoso en todo el mundo, España incluida) provoca malformaciones en los fetos y Mat Fraser nació con ellas. Además de actor, Mat es batería en varios grupos (en la serie se le ve tocando el instrumento) y un estudioso de artes marciales como el hapkido, karate o taekwondo... llegando a hacer una película de acción: Kung Fu Flid (2009). AHS es un torbellino de ideas, de referencias, una ametralladora de balas con cabeza de cultura popular que explotan al impactar en el espectador receptivo. Desde versiones de David Bowie (el momento Life on Mars del primer capítulo es impagable) hasta recoger casos reales para adaptarlos en la serie. Las gemelas siamesas existen en realidad en la actualidad, las gemelas Hensel de Minnesota o la increíble historia de Edward Mordrake, reflejada como leyenda en la serie, pero que existió en realidad, un hombre con una cara en la nuca, capaz de reír o llorar, casi como acto reflejo y que terminó volviendo loco a Edward hasta conducirle al suicido. AHS siempre deambula por la fina línea de lo esperpéntico y lo terrorífico y esta vez parece que se vaya a salir con la suya: aterrorizarnos y volarnos la cabeza con un tiro certero de ideas alocadas. Gracias.

L.J.ZAPICO

Primeros Anime El primer anime que se conoce oficialmente en Japón se remonta a 1917, pero no es hasta el siguiente año donde empiezan a utilizar música en las obras. El primero con banda sonora que se conoce es la leyenda de Momotaro y los Guerreros Divinos del Mar. Es una producción de hora y cuarto con cuatro efectos de sonido y muchas canciones típicas infantiles de la época, eso sí, canciones con instrumentación clásica, recuerda mucho a las películas clásicas de Walt Disney, pero con letras japonesas, la verdad es que es muy entretenida, aunque uno no sepa japonés se entera más o menos de la película. Todo el metraje tiene sonido, un trabajo realmente impresionante para le época de la que hablamos. Saltamos directamente a 1929 donde un trabajo un tanto curioso porque es cine mudo en todos sus aspectos donde una música tradicional japonesa y un tanto repetitiva, y cuatro efectos de sonido, acompaña a la animación con el típico cartel que explica – efectivamente en japonés, por eso se deduce que explica algo – la historia, tiene tintes divertidos con moraleja. Diez minutos que se hacen amenos aunque uno no sepa leer japonés. Damos un pequeño salto de nueve años y nos encontramos con un anime japonés un tanto curioso y bastante inquietante, en 1936 se publicó un anime de casi 8 minutos donde un malvado Mickey Mouse ataca japón desde el aire a lomos de un murciélago con la cabeza del mismo ratón y por mar por medio de cocodrilos, y un gato lucha contra él y su ejército y lo salva. Es mudo, con pocos efectos de sonido y una música moderna y de

opening

Japón, en múltiples ocasiones ha demostrado cosas de otra manera, y lo que es mejor, lo ninguna excepción, ya desde tiempos remot últimas tecnologías de su tiempo e incluso cre principal objetivo, hacer arte. Así que dibujém vamos a colarnos en el mun

orquesta como si fuera una película de Walt Disney. Esto es inquietante porque estaban en medio de la II Guerra Mundial y EEUU para Japón era el enemigo, por lo que además de plagiar completamente a Mickey Mouse, creado en Diciembre de 1928, pura propaganda de guerra.

Y llegó el Color En 1960 se creó el clásico Astroboy, siguiendo la misma tónica de música

CORCHEAS SOSTENIDAS POR B

por juan carlos martínez álvare

g series

o ser otra dimensión, otro planeta, hacen las o hacen bien. Y la animación japonesa no es tos llevan haciendo animación utilizando las eando su propia tecnología para conseguir su monos a nosotros mismos o digitalicémonos y ndo del anime y su música.

moderna interpretada con orquesta y donde ya los efectos de sonido y las voces tomaban cada vez más protagonismo y la banda sonora dejaba de ocupar un mínimo del noventa por ciento de la cinta . En esta misma década tenemos a Kimba, el león blanco, la música es muy épica con una orquestación realmente muy elaborada y el cantante con el coro canta en un idioma universal que todo el mundo entiende, dice algo así como “oooohooo, oooohooo” coreado por un “aaaaahhaa aaaaa”, se ve que esta serie ya estaba

BEMOLES

pensada con proyección internacional. Otro gran clásico con el mismo idioma utilizado en los coros del aaaahhhaaa y ooohooo y con unas trompetas bastante estridentes, flautas que van a su bola, la orquestación de turno y un ligero toque yeyé bastante chocante. Otro clasicazo que seguro más de uno y una conoce más pro friki que por viejuno, Meteoro, la del corredor del coche blanco y vestido a juego. La música ya completamente mimetizada con otros clásicos como Batman, sí el de, nanananananananana. Ya en los años 70 tenemos lo que para más de uno fueron los dibujos de su infancia, qué se puede contar a estas alturas de las bandas sonoras tan orquestales de Heidi, Marco, y Candy Candy, con n piado rococó y música escrita con fortísimas bases de bals austríaco. Lupin III con una música que parece que ha escrito e interpretado los Beattles. Luego están las bandas sonoras épicas, heroicas, de los que presentan a héroes con más o menos se preocupan por salvarnos de unos terribles villanos como el Capitan Harlock, Marzinger Z y Comando G (una mención especial al robot Zark 7 del Comando G, tiene una forma y una cara que a más de uno sonará y mucho) que ahí ya las bandas sonoras son muy parecidas con una fanfarria de instrumentos de viento que hacen, para los que no saben solfeo, paaapapapaaa y de cuerda haciendo tiiiituuuuuttiiiii, seguidas de una característica percusión brrrubum. Ya en los años 80 pudimos ver una explosión de animes que coparon el mercado internacional, si hablásemos aquí de todos aunque nos limitemos a la banda sonora daría para un libro. Entre estos

cabe destacar lo que hoy día son clásicos independientemente de la edad que uno tenga. Está Bola de Dragón que sigue mucho la fanfarria épica de los animes heróicos anteriormente mencionados, una colección realmente amplia donde la banda sonora no sufre ni muchos cambios ni mucha evolución, es un más de lo mismo en toda regla. También llegó Ranma ½ que trajo frescura y diversión a nuestras vidas con una historia muy curiosa y atractiva con una música con mucho tinte pop japonés de la época y con una banda sonora muy divertida siguiendo la filosofía del anime. Otra serie, Capitán Tsubasa (Campeones en castellano antiguo) mete tintes claramente pop al más puro estilo sintetizador ochentero con “mechas” de guitarra eléctrica que pueden despistar, al igual que City Hunter. Otra serie popera con guitarra eléctrica de gorra es la versión original de Dartagnan y los Mosqueperros, que en España directamente tiramos a la papelera la música original y le pusimos la nuestra sin más contemplaciones. Aunque estos últimos animes son bastante famosos y gustan mucho, la verdad es que las bandas originales son poco originales, parece música hecha a granel y las han seleccionado en un cajón de pares sueltos. Para bandas sonoras mucho más elaboradas y diseñadas como parte de la animación, como un ejemplo claro es Kimagure Orange Road, en esta serie la música le da el dinamismo, ambiente y vida a los dibujos y guión, es más, la música es un personaje más puesto que de las dos protagonistas, Madoka toca el saxofón y se ve enseguida cuándo toca ella, y la otra es Hikaru que es bailarina y la música dice perfectamente cuándo

la historia la pone a ella como foco de atención. Y otra serie donde la música es un trabajo completamente personalizado y cuidado segundo a segundo es Saint Seiya, música clásica y moderna en varios estilos completamente adaptada a la forma de ser del personaje en el que la acción se enfoca en cada momento, hay personajes que usan instrumentos musicales como armas y la música está diseñada para ellos usando hasta los tempos para darle ritmo a la acción, y música de fondo que no desmerece incluso en el resumen inicial de los episodios anteriores. Sencillamente una obra de arte, merece la pena escucharla si uno es o no seguidor de la serie. Acabando el siglo y milenio, el país del sol naciente seguía dándonos grandes animes, y algunos ya son un clásico, el mayor de todos es Pokemon del que hay series, películas, videojuegos... de todo, esos simpáticos pokemon con Pikachu a la cabeza, la banda sonora es muy amplia pero destaca mucho el pop y música instrumental muy de videojuego, se percibe rápidamente. Otra serie muy conocida de esta época es Trigun, cuya banda sonora está básicamente compuesta por ritmos soul muy de serie policiaca típica americana, eso sí, de calidad, se nota enseguida que se ha cuidado mucho la banda sonora.

Actualidad Hoy día, el anime ha evolucionado tanto desde sus comienzos que parece de ciencia ficción. La calidad ha ido in

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crescendo de forma continua y tenemos hoy día grandes animes. Un buen punto de partida es el curioso Highschool of the Dead, la banda sonora corre a cargo del grupo Kishida Kyoudan & the Akeboshi Rockets, un grupo de pop rock japonés que de mayor quiere ser heavy metal y se ve que aún les queda, no está mal, la cantante tiene buena voz y le da ritmillo al anime, pero como otras muchas bandas sonoras, también tienen una parte más melódica un tanto oscura y futurista, muy ambiental. También muy ambiental con fuertes toques épicos es el anime Attack of the Titans, donde los coros acompañan con maestría a la música, dándole así mucho más emoción a las imágenes y efectos sonoros. En Japón el fenómeno AKB 48 viene pegando muy fuerte, tanto que además tiene un anime. Su banda sonora básicamente son canciones del grupo además de ciertas dosis de música orquestal sin las voces de toda la legión de cantantes que suelen formar el grupo. Los estudios Ghibli han marcado un antes, un mientras y un después dentro de la animación en general y el anime en

particular. Su buen hacer ha marcado la carrera de estos estudios y por derecho propio están en lo más alto. Cuidan todos los detalles de sus producciones, y la música más que cuidada en estos estudios la miman. La música es sencillamente exquisita, con toques clásicos y muy emotivos que acompañan perfectamente al metraje segundo a segundo transportando y metiendo al espectador de lleno y sin posible salida al mundo de la historia que quieren contar, da igual de qué anime se pueda hablar, Nausica, Princesa Mononoke, Porco Rosso, Totoro, todas sus producciones tienen ese común denominador del buen hacer y un gusto exquisito incluyendo a la música.

Sube la Temperatura El anime también ha tenido un espacio importante dentro de lo erótico y anime para adultos. Hay muchos estilos dentro del anime y manga para adultos, posiblemente el más conocido sea el

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Hentai, pero bueno, se supone que vamos a hablar de música. En este punto voy a proponerle un reto estimado lector, si le viniera una productora y le pidiera ponerle banda sonora a un anime erótico o muy subidito de tono, ¿qué clase de música elegiría? Ahora se entiende el por qué de lo absurdo y penoso de algunas bandas sonoras, ¿eh? Vamos a ver cómo han salido de ésta los compositores nipones. Empezamos con Eiken, un instituto gigantesco donde se estudia, bueno ya se sabe qué estudian. Es curiosa la música, puesto que sin saber que es para un Hentai uno piensa que está escuchando la banda sonora de un anime infantil. Música muy pop interpretada por una cantante con voz de niña, es escuchar la música y lo primero que uno piensa es que es muy infantil y rosa. Otro anime para adultos pero más orientado hacia el romanticismo es Futari H, y tenemos más de lo mismo, música muy rosa, pop por todas partes y voces femeninas. Otro anime Hentai es Dream Note, la música sigue la misma tónica de pop rosáceo pero esta vez las voces femeninas se ve que son adultas y la música del opening es muy movidita, y a veces la música va por un lado y la cantante por el otro, cada uno a su bola y lo que ha salido. El anime japonés ha tenido una trayectoria realmente fructuosa donde todos los artistas han tenido un gran espacio para desarrollar su creatividad para cualquier tipo de público, época y situación. Posiblemente este haya sido la clave de su éxito mundial. Ya podemos archivar nuestro avatar animado y seguir en el mundo real.

cubil juegos presenta:

ESCAPE FROM THE ALIENS IN OUTER SPACE

La humanidad se ve amenazada por una nueva y devastadora enfermedad degenerativa, llamada la Bellavita. Un equipo de investigación médica, a bordo de la astronave Selva, ha buscado, durante 4 largos años, una posible solución al problema y recientemente se han conseguido los primeros y esperanzadores avances .

La implantación de esporas alienígenas en las cobayas de prueba, ha dado unos resultados, que nos permiten ser optimistas, sin embargo, a partir de ese momento se desencadenaron una serie de acontecimientos,

que tuvieron como resultado la total perdida de comunicación con la astronave.

Las últimas informaciones llegadas, documentaban un incidente entre una de las cobayas y un médico (posible mordedura), que tuvo como resultado la necesidad de ingresar al sujeto en cuarentena, tras un ataque ESCAPE FROM de salvajismo, que le impulsó a tratar de deIN OUTER SPA vorar a uno de los monos de pruebas. Tras estos acontecimientos, no se ha vuelto a saber nada de Selva ni de sus tripulantes.

Este es el argumento que nos pone en situación para empezar a disfrutar del juego. Me he parado a escribirlo un poco con mis palabras, porque me ha gustado mucho que se lo hayan trabajado. No es que la historia sea para ganar un premio, pero sí es verdad que está bastante elaborada, para la poca o nula cuenta que echan algunos juegos a la historia en que se ambientan. Incluso han puesto nombres y apellidos a los personajes y es algo que me llama la atención, ya que no hace ninguna falta, dada la mecánica del juego. Está curradito. ¿De qué va? Tras los incidentes mencionados, la tripulación fue sufriendo desconocidas transformaciones, que hicieron que gran parte de ellos acabaran devorados o convertidos en aliens.

Los pocos supervivientes que quedan, han centrado su esfuerzos en mantenerse fuera del alcance de los alienígenas, evitando ser vistos ni escuchados, mientras buscan una escotillas de escape, que les permita huir. M THE ALIENS ACE Dado que la nave se encuentra sin mantenimiento alguno, ha quedado abandonada y sumida en la más profunda oscuridad, que sera la única ventaja de los humanos, que tratan de evitar ser devorados por los aliení-

genas, mientras se abren camino lentamente por las distintas dependencias. En este panorama se desarrollarán las partidas de Escape from Aliens in Outer Space (EFTAIOS), un juego para 2 a 8 jugadores, en el que usaremos cartas y mapas para guiarnos y escapar o devorar, según el bando al que pertenezcamos. Al principio de la partida, los jugadores deben elegir uno de lo 3 mapas propuestos. Es importante elegir uno que se adecue al número de jugadores y dificultad que queramos que tenga la huida humana. Los mapas son papeles impresos en blanco y negro, que presentan una serie de hexágonos unidos y que serán las casillas o sectores por los que nos moveremos. Además del mapa, habrá que determinar a que bando pertenecen los jugadores, cosa que se hará al azar. La mitad de jugadores serán aliens y la otra mitad humanos, pero se repartirá todo de forma secreta, así que será parte importante del juego averiguar quién es amigo y quién enemigo. Durante la partida, el mapa de cada jugador permanecerá en secreto y será importante mantener nuestra ubicación sin revelar, en la medida de lo posible.

Cada jugador en su turno, está obligado a mover. De ser humano, moverás 1 espacio y tendrás como objetivo dirigirte a una de las escotillas marcadas en el mapa. De ser alien, andas 1 o 2 casillas y tu misión será tratar de averiguar en qué sectores hay humanos, dirigirte a ellos y merendártelos, cosa que te dará los nutrientes necesarios para avanzar hasta 3 sectores por turno. ¿Y cómo se localizan unos a otros? Pues como está todo oscuro, deberemos guiarnos por el ruido. Por muy silencioso que se quiera ir, avanzar por una nave que está en calma total y encima ir a oscuras, da el cante. El hecho de hacer ruido o no durante tu turno, viene determinado por la casilla a la que muevas y por cartas al azar. Siempre tendrás que ir apuntando la ruta que vas siguiendo, intentando dejar pistas falsas, que despisten a los rivales. En caso de que avances a un sector seguro (blanco), no harás ruido y pasará el turno al siguiente, pero de acabar tu turno en un sector peligroso (gris), cogerás una carta,

que te indicará si se escucha tu avance, debes dar una pista real o una pista falsa. Es justo aquí donde encontramos la parte más interesante del juego. Sólo nosotros conoceremos la verdadera ruta que estamos siguiendo y nadie sabrá si al revelar nuestra ubicación, estamos diciendo la verdad o nos lo estamos inventando. Es muy muy importante no jugar a este juego con tramposos, ya que tanto el avance, como el uso de ciertas cartas, se realizan en secreto y si a alguien le toca revelar su ubicación real y pasa de hacerlo, nadie lo pillará. Es un juego para jugar con gente fiable. Además de llevar un control de tu avance real, es muy buena idea llevar un registro de las pistas falsas que vas dando, para que tengan coherencia. Es más creíble decir H8 si en el turno anterior dijiste H7, que decir A1. Aunque también es divertido volver locos al os demás y rayarlos con avances extraños. Mientras los humanos huyen, los aliens tratarán de ir a las casillas en las que crean

que hay posibles víctimas y así podrán atacarles. Si alguien ataca un sector vacío, no sólo no habrá conseguido comerse a nadie, sino que además, habrá revelado su bando y ubicación. Hay que ser prudentes y no precipitarse, ya que incluso los aliens pueden ser atacados por humanos que tengan los objetos adecuados. Mientras un bando hace todo lo posible por encontrar algo o a alguien que llevarse a la boca, los rivales se dirigirán a las escotillas, con la esperanza de poder salir por ellas. Una cosa que

me gusta regular, es que al llegar a una escotilla, hay que sacar una carta de escotilla, que puede estar abierta o cerrada. Se decide sacando una carta con un 50% de posibilidades. Da bastante pena cuando ves a alguien que se ha conseguido abrir camino, a lo mejor engañando a sus enemigos, con unas jugadas ingeniosas y al conseguir llegar: escotilla bloqueada. Esto te tener que dirigirte En todo momento tendrás que hace a otra, cosa que se hace tomar notas de tu ubicación y difícil, porque ya todos saben dónde estás. Es la de los contrincantes. un poco injusto. AfortuCuanta más información apun- nadamente es una regla avanzada y puedes optes, mejor. tar por usarla o no. Así se irá desarrollando la partida y al final se hará un balance según los resultados. Los humanos que hayan logrado huir por una escotilla, serán ganadores, sin embargo el bando alienígena gana si acaba con el último de los rivales, así que pueden darse empates. A todo esto se suman las cartas de objeto, que se cogen al azar y que dan capacidades como atacar a un alien, descubrir un sector y adyacentes, andar el doble durante un turno, etc. Son bastante importantes y hay que tener en cuenta que solo el jugador humano puede usarlos. De todas formas, los jugadores alien tienen que cogerlos igualmente, para no revelar su bando y de paso, quitarle algún objeto potente a sus enemigos. Aspecto La presentación del juego es bastante elegante. La caja negra y blanca, esas cartas tan serias, ilustradas por Giulia Ghigini, ese detalle de meter los lápices, etc, pero los amantes de los muñequitos y los componentes, quizá lo vean un poco simplón en cuanto al despliegue. Hay que tener en cuenta que se juega con un papel lleno de números y letras, un lápiz y algunas cartas, así que no es un juego que esté pensado para que quede bien en la foto. Cartas de personaje. ilustradas por Giulia Ghigini.

Conclusión EFTAIOS es un juego original, que compensa la simplicidad de su despliegue visual y componentes con un sistema de juego muy creativo y un PVP de 19,90 que justifica totalmente su compra. No gustará a todos al principio estar jugando con algo que básicamente es un sistema de coordenadas, formado por letras y números, pero es que realmente el juego no necesita más para jugar, ya que se basa en las ubicaciones en las que pongamos mentalmente a cada jugador. Podríamos decir que es un juego semi-cooperativo, ya que los aliens tienen un objetivo común, pero los humanos van cada uno a lo suyo intentando ser los primeros en huir. Este es uno de esos juegos en los que hay jugadores eliminados. Si matan a alguien, este se quedará fuera de la partida hasta que acabe. Si esto pasa demasiado pronto, estarás un ratillo sin jugar, así que más vale aferrarse a la vida o tener una maquinita cerca par amenizar la espera. Se puede jugar de forma distendida echando unas risas, pero se puede jugar duro si quieres tomar nota de cada movimiento de tus rivales. Esto segundo, permite ir valorando posibles rutas reales o engañosas de los contrarios, a la vez que vas indicando los ruidos que haces al avanzar de una forma inteligente para despistar. Lo que recomiendo hacer es ponerse más o menos intenso, según el número de jugadores. De ser de 2 a 4, puedes ir apuntando y estudiando todo, convirtiéndolo en un juego con bastante estrategia. En el caso de ser una partida de muchos jugadores, se hace un poco coñazo llevar anotado el movimiento de todos y merece más la pena centrarse un poco menos en el estudio y dar algo más de importancia a la intuición. Curiosidades y briconsejos - Existe una variable de juego básico, para simplificarlo todo bastante. En general, no merece mucho la pena, porque no es un juego complicado, pero por ejemplo, puedes

quitar la regla de las cartas de escotilla, si ves que no te gusta mucho. - Para controlar la duración de las partidas, hay un límite de 39 rondas. Si pasado el turno 39 no ha se escapado nadie, ganan los aliens. - En la web http://www.escapefromthealiensinouterspace.com/ tienes bastante información y formas de expandir el juego. Hay mapas adicionales, generador de misiones, inclusión de reglas, etc. Está muy muy currado y permite prolongar la rejugabilidad del juego. Hay una regla que me ha gustado mucho, que es convertir a los humanos en aliens, una vez cazados o el modo arena en plan todos contra todos. Merece la pena echar un buen vistazo a esta web.

Magopunk ESTE JUEGO Y OTROS MUCHOS MÁS PUEDES ENCONTRARLOS EN: http://cubiljuegos.com/

UTER

IN O E ALIENS H T M O R ESCAPE F SPACE

ighi Pietro R , a r o p r io Mario P esco Rossi y N Autor: c n a r F uca Riva, L schi Ghigini de e T : Giulia colò o ic t ís t ar 2-8 Trabajo e jugadores: d os Número artir de 13 añ s aproxip to a u : in m Edad 30 - 45 : n ió c Dura ente piaf madam e: Mora t n a ic r Fab 10 ugués Año: 20 spañol y port mínima e : idioma: Idioma cia del n e d n e r Dep jugado anual) : cada o g (solo m e o r u j e cie de pacio, p Superfi poco es ue buscar y u m a habrá q necesit uchos, m r e s de amplio un sitio

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EL LABERINTO LABERINT Parte 2: Jueg

Tras revolucionar el género literario de te amenazas cósmicas imparables, la obra de H y ha dado innumerables productos relacionad artículo vamos a centrarnos en los juegos d desarrollados por Fantasy Flight Games mas divertidos. Quizás no estén todos los que son Coge tu túnica, mete el Necronomicón y los cordura te

O LOVECRAFT TO gos de mesa.

error con sus historias de desesperanza y H.P. Lovecraft sigue hoy más viva que nunca dos con los mitos de C’thulhu. En el siguiente de mesa, y más específicamente en aquellos s un par de juegos “menores” pero bastante n, pero desde luego, son todos los que están. s dados en la mochila y acompáñame… si la lo permite. ARKHAM HORROR En el anterior número de NosoloFREAK comentamos el juego “La sombra de C’thulhu”, un auténtico juegazo al que muchas opiniones definen como un hermano menor de este Arkham Horror. Aunque el objetivo y planteamiento del juego sea muy similar, en Arkham Horror encontramos mucha más variedad de objetivos, tareas y situaciones. Es un juego cooperativo en el que los jugadores encarnan a un grupo de investigadores que debe cerrar los portales que se abren en la ciudad de Arkham antes de que el primigenio elegido despierte. Hablar a estas alturas de Arkham Horror es un poco difícil, ya que el juego lleva casi diez años en el mercado y poco hay que decir que no se haya dicho ya. Pero por si no lo conoces, vamos a intentar hacer un resumen rápido. La puesta en escena de Arkham Horror es apabullante. Un inmenso tablero rodeado de cientos (literalmente) de elementos entre cartas, fichas, marcadores y peones de personajes.

Por contrapartida, las reglas son un poco farragosas y la duración de las partidas es muy alta, aunque esto como siempre depende del número de jugadores. Los componentes del juego son excelentes, algo a lo que nos tienen acostumbrados tanto Fantasy Flight Games, los editores originales, como los sevillanos EDGE Entertainment, encargados de la traducción al castellano del juego. Es cierto que quizás se eche de menos alguna miniatura de plástico para representar a los protagonistas y monstruos del juego, pero es de justicia decir que para un juego que cuesta sobre 60 euros, y viendo la cantidad de componentes que trae y las horas de diversión que propone, el contenido de la caja no nos decepcionará en absoluto. Además, existe la opción de adquirir estas miniaturas por separado o junto con el juego “Las mansiones de la locura”, del que hablaremos más adelante en este mismo artículo, ya que todos los juegos de Fantasy Flight basados en los mitos comparten los mismos protagonistas.

Esto es algo que ha creado controversia, ya que mientras que una parte de los aficionados a juegos de mesa lo ven como una falta de creatividad otros defienden que esto ayuda a crear una cierta cohesión y continuidad entre los distintos títulos. Para Arkham Horror han salido muchas expansiones, cuatro “grandes” llamadas Dunwich Horror, Kingsport Horror, Innsmouth Horror y Miskatonic Horror, que tienen tableros adicionales que se suman al ya de por si enorme tablero original, y otras cinco “pequeñas” que añaden nuevos investigadores y monstruos al juego principal. En definitiva Arkham Horror es un juego grande en todos los sentidos, que encantará a los seguidores de Lovecraft por las referencias a los mitos y que, pese a la larga duración de las partidas, puede enganchar severamente. Ficha técnica

ARKHAM HORROR Editorial EDGE

60 euros aproximadamente. Expansiones “grandes”: 45 euros aproximadamente. Expansiones “pequeñas”: 20 euros aproximadamente. 1-8 jugadores (Recomendado jugar 4 como mínimo). A partir de 12 años. 2-4 horas.

LAS MANSIONES DE LA LOCURA Si Arkham Horror nos lleva a recorrer las calles de la ciudad para evitar el despertar de un primigenio, en Las mansiones de la locura exploraremos diversas localizaciones para desentrañar sus misterios. Dentro de la caja, además de los contadores y cartas necesarias paralas partidas, encontraremos también una buena variedad de miniaturas, tanto de investigadores como de monstruos, de muy buena calidad, mereciendo mención especial los dos Shoggots que son totalmente alucinantes. Además, el tablero es modular, y consiste en las diversas partes que podemos encontrar en una casa o mansión como tramos de pasillo,

habitaciones, jardines y pasadizos secretos, que colocaremos según el escenario que vayamos a jugar. Las mansiones de la locura no es un juego cooperativo. Uno de los jugadores tomará el papel de “guardián” y su objetivo será el de eliminar a los investigadores o hacerles fracasar en su misión. Para ello tendrá a su disposición unos puntos de acción que podrá gastar en distintas acciones como convocar monstruos o maldiciones. Los investigadores tendrán que explorar el lugar donde se desarrolla la historia elegida, e ir descubriendo las pistas que hay repartidas por la casa para intentar acabar con los malvados planes del guardián. El juego también propone varios puzles que los jugadores tendrán que resolver mediante unos movimientos limitados, lo que hará que le tengan que dar trabajo a la materia gris, aunque no nos engañemos, tampoco tendrán que darle demasiado. Cada escenario tiene varios caminos posibles, con lo que podemos jugar cada aventura con distintas opciones de manera que aunque el juego básico sólo traiga cinco escenarios estos se pueden jugar varias veces. Por supuesto, nada nos impide hacer nuestras propias aventuras, y precisamente en este carácter “abierto” del juego es el que creo que es más interesante una vez terminado el libro de escenarios “oficial”. Como no podía ser de otra forma, Las

mansiones de la locura también cuenta con una abundante producción de expansiones, y al igual que en Arkham Horror las hay de varios tamaños. Las dos expansiones más importantes son “Alquimia prohibida” y “La llamada de lo salvaje”. El primero añade nuevos investigadores, monstruos, historias y losetas de tablero al juego original, así como un nuevo tipo de puzzle, mientras que el segundo es una expansión mucho más ambiciosa, ya que además de añadir investigadores, monstruos, historias y losetas de tablero también propone nuevas formas de jugar, dándole al juego más

lo que podéis encontrar en Las mansiones de la locura, pensad que es un Hero Quest basado en los mitos de C’thulhu, con exploración, trampas, monstruos y mucha tensión, sobre todo en los compases finales del juego ya que cada aventura se juega en un número finito de turnos. Las partidas no suelen ser demasiado largas, con una duración media de unas dos horas. No es desde luego un juego barato, pero desde luego que si tienes un grupo más o menos frecuente de jugadores a los que les guste la ambientación “C’thulhuniana” es una compra prácticamente obligada. Ficha técnica

LAS MANSIONES DE LA LOCURA Editorial EDGE 80 euros aproximadamente. Expansiones “grandes”: aproximadamente. Expansiones “pequeñas”: aproximadamente. 2-5 jugadores. A partir de 13 años. 2 horas.

35-60

euros

EL SÍMBOLO ARCANO Algo extraño está pasando en el museo… y los incansables investigadores de Arkham van a averiguar qué es. El símbolo arcano es un juego cooperativo de dados, en el que los jugadores deberán detener (otra vez) al primigenio que se alzará de un momento a otro desde otra dimensión con la sana intención de exterminar a la raza humana. Es un juego que plantea un dilema: aunque no es un juego caro, su sistema de juego basado en la reserva de dados que a priori deja al azar gran parte de las posibilidades de éxito nos pueden echar atrás. Sin embargo, tras un par de partidas todas nuestras dudas se disiparán.

variedad y un nuevo enfoque a las partidas. El resto de expansiones “pequeñas” añaden nuevas aventuras para que no se acabe la diversión. ¡El mal no descansa nunca! Para hacerse una idea rápida y aproximada de

El juego se divide en varios escenarios, localizaciones dentro del museo, donde se nos plantearán diversos retos. Para superar estos retos y conseguir el número de símbolos arcanos necesarios para evitar la entrada en nuestro universo del primigenio de turno, tendremos que conseguir en los dados los símbolos necesarios para “cerrar” cada localización.

Versión Steam: 14.99 euros. 1-8 jugadores (Recomendado jugar 4 como mínimo). A partir de 12 años. 1-2 horas. Por otra parte, las fuerzas del mal necesitan también un cierto número de marcadores de maldición para lograr despertar al primigenio, y los conseguirán o bien automáticamente cada vez que en el juego el reloj de la medianoche o bien si fracasamos en cerrar alguna localización concreta del museo. Quizás el carácter de juego “cuasi-filler” de El símbolo arcano, mas el hecho de que sólo lleva en el mercado desde 2011 hacen que sólo haya aparecido una expansión hasta la fecha, llamada “Fuerzas ocultas”. Esta expansión incluye nuevos primigenios, investigadores, dados y cartas de localización, monstruos, etc. En fin, lo que se puede esperar de una expansión.

ELDRITCH HORROR Eldritch Horror… o Arkham Horror 2. Sé que me voy a ganar muchas enemistades por esta (y otras) afirmaciones, pero realmente tengo la impresión que el último juego por ahora de Fantasy Flight basado en la obra de Lovecraft es una puesta al día de Arkham Horror, revisada y ampliada. En este caso la alegre pandilla de investigadores

Un juego fácil de aprender, rápido de jugar y muy pero que muy divertido, que además cuenta con una versión digital en disponible para Android, iOS y Steam que también resultan más que recomendables. De hecho, si todavía albergáis dudas sobre si haceros con el o no, lo mejor es probarlo en el móvil o tablet, ya que tienen un precio muy atractivo y os dará una idea muy aproximada de lo que encontraréis en el juego físico. Ficha técnica

EL SÍMBOLO ARCANO Editorial EDGE

35 euros aproximadamente. Expansiones “Fuerzas ocultas”: 25 euros aproximadamente. Versiones Android, iOS y Kindle: 3.99 euros. Versiónes Mac Os e iPad : 6.99 euros.

en vez de cerrar portales correteando por las calles de Arkham se embarcarán en una búsqueda global como si fuesen Willy Fog y tendrán que visitar diferentes países para logra que, una vez más, el primigenio de turno no se levante de su letargo. Para ello tendrán que resolver tres misterios, y si el primigenio logra despertar, un misterio final (y casi imposible)

gustó Arkham Horror o La sombra de C’thulhu, pero no tan recomendable si ya posees alguno de estos. Ficha técnica ELDRITCH HORROR Editorial EDGE 60 euros aproximadamente. Expansión “Saber prohibido”: 25 euros aproximadamente. 1-8 jugadores (Recomendado jugar 4 como mínimo). A partir de 14 años. 2-4 horas. o la humanidad estará perdida sin remisión. Este juego retoma las mecánicas de Arkham Horror, puliéndolas y simplificándolas para hacer las partidas más dinámicas y, por qué no decirlo, más divertidas. Por una parte es cierto que se pierde cierta sensación de desasosiego durante la partida, sensación que si se conserva en Arkham Horror y Las mansiones de la locura ya que al ampliar el escenario a todo el planeta y “alejar” al jugador de la acción no consigue tanta inmersión en la acción como en los juegos mencionados, pero por otra parte es un juego mucho más asequible que Arkham Horror en cuanto a número de reglas y curva de aprendizaje de estas.

A al igual que en el caso de Arkham Horror la cantidad y calidad de componentes que encontramos dentro de la caja es tal que no echaremos en absoluto de menos la ausencia de miniaturas de plástico para representar a los investigadores y monstruos. El juego ya cuenta con una expansión, “Saber prohibido”, que añade un primigenio más (necesario, ya que la caja básica trae sólo cuatro), y nuevas cartas de misterio, criaturas, hechizos y artefactos. En definitiva, un juego muy recomendable si te

MUNCHKIN C’THULHU y C’THULHU DADOS

Vamos a terminar este artículo con dos juegos más, dos títulos “pequeños” pero que no dejan de ser interesantes. El primero, Munchkin C’thulhu es la adaptación del famosísimo juego de cartas al mundo de Lovecraft. En vez de elfos, enanos y orcos encontraremos investigadores, sectarios y monstruos a los que combatir, aunque como el juego conserva al 100% la esencia Munchkin,

también tendremos que combatir a los demás jugadores para lograr ser los únicos vencedores de la partida. Un juego divertido que cuenta con cuatro expansiones en castellano, y que explota, una vez más, la fórmula de “consigue el tesoro, apuñala a tus amigos” que tantos buenos ratos ha dado y tantas amistades ha roto.

su cometido. Ficha técnica

Ficha técnica

C’THULHU DADOS Editorial EDGE 6 euros aproximadamente. A partir de 2 jugadores. A partir de 10 años. 10 minutos.

MUNCHKIN C’THULHU Editorial EDGE

CERRANDO

20 euros aproximadamente. Expansiones : 9-14 euros aproximadamente. 3-6 jugadores A partir de 10 años. 1-2 horas. Por otra parte, C’thulhu dados es un auténtico filler, carne de cafetería de facultad, en el que tendremos que conseguir la victoria a base de socavar la cordura de los demás jugadores. Esto lo conseguimos tirando un dado de doce caras y según sea el símbolo resultante del resultado de la tirada tendremos que hacer alguna acción, como robar una cordura al oponente al que hayamos atacado, sacrificarla a C’thulhu, etc. Por cierto, es curioso que en España se llame “C’thulhu dados” cuando realmente sólo se juega con un dado. En su versión original se llama “C’thulhu dice”, en singular, que es mucho más apropiado. La gran baza de este juego es su reducido coste, por el que obtendremos una hoja impresa con las reglas, un dado y 18 cuentas de cristal en un blíster. Tampoco es para matarse, pero cumple

Pues este ha sido un pequeño repaso sobre los juegos de mesa basados en Los mitos disponibles en España a día de hoy. Hay muchos otros títulos, pero o bien no están traducidos o bien no gozan de tanta aceptación como los aquí presentados. Volveremos dentro de un mes con más productos basados en la obra de H.P. Lovecraft, empezando por el genial juego de rol editado por Chaosium en los ochenta y verdadero culpable de la fiebre “lovecraftiana” en España, “La llamada de C’thulhu”. Pero eso será dentro de treinta días… si C’thulhu no despierta antes.

Por Curro Burgos

¡¡¡RESERVALO!!!

¿Preparado para maz

“Pathfinder”, el juego de rol heredero espiritua mundo ha dado lugar a varios productos asoci go de cartas. ¿Estará a la altura de lo es Se ha hablado mucho de este Pathfinder Adventure Card Game refiriéndose a el como un “juego de rol con cartas”. Pues bien, cuanto antes borréis esa idea de vuestra cabeza, antes lograréis disfrutar de el como lo que realmente es: ni más ni menos que lo que pone en la caja, un juego de cartas de aventuras (o “con trama”, si lo preferís). En este juego para 1 a 4 jugadores encarnaremos a uno de los personajes icónicos del universo Pathfinder, a saber Valeros el guerrero, Kyra la clériga, Ezren el mago, Harsk el explorador, Lem el bardo mediano, Seoni la hechicera y Merisel, la elfa pícara que es sin duda el mejor personaje para partidas en solitario. El objetivo del juego es explorar distintas localizaciones buscando al villano de la historia mientras combatimos a sus secuaces y a otros

monstruos, eludimos o desactivamos trampas y conseguimos tesoros y aliados que nos ayudarán en el transcurso de la partida. Como podéis observar, estos objetivos son similares a los de la gran mayoría de juegos de rol “mazmorreros” e incluso a Munchkin, pero seguid leyendo y veréis que Pathfinder esconde mucho más en su interior.

COMPONENTES Lo primero que nos llama la atención cuando vemos la caja de Pathfinder ACG es su tamaño. Una gran caja de un peso considerable que nos hace maravillarnos pensando en cuál será su contenido. Una vez abrimos la caja nos podemos llevar una pequeña decepción, ya que el contenido consiste en el libro de reglas

zmorrear con cartas?

al de D&D 3.5 y que está triunfando en todo el iados a su marca, como por ejemplo este juesperado? Sigue leyendo y lo descubrirás. de formato horizontal, bastante más incómodo a la hora de leerlo y consultarlo pero que ya venía así en la edición original, un juego de dados que van desde el D4 a el D12, varios mazos de cartas que componen las casi 500 del juego básico y la caja de expansión llamada “Ofrendas calcinadas”, primera aventura de las seis que conforman la senda de aventuras (o campaña) “El auge de los señores de las runas”. El resto de la caja lo ocupa el aire (bastante) y un inserto preparado para albergar las sucesivas expansiones de la aventura (seis en total), la expansión de personajes y los mazos de personaje de los jugadores entre partida y partida.En cuanto a la calidad de las cartas poco que reseñar, son de la excelente calidad que nos tiene acostumbrados DEVIR y aunque se ha criticado mucho el arte de las mismas,

con ilustraciones pequeñas u oscuras, hay que decir que si bien no son un deleite para la vista tampoco son tan horribles como se las han puesto. Realmente, cumplen con su cometido y ayudan a meterse en la ambientación del juego. Por supuesto, es más que recomendable enfundar las cartas ya que aunque no sean necesarios tantos barajados como en otros juegos de cartas como por ejemplo Dominion, sí que pueden sufrir bastante desgaste después de algunas partidas.

MECANICA DE JUEGO En Pathfinder ACG el objetivo de los jugadores es eliminar la amenaza de cada uno de los escenarios para así ir completando las aventuras que conforman la senda de aventuras. Para

ello, los jugadores deberán encontrar al villano de ese escenario, acorralarle y derrotarle. Si jugamos una senda de aventuras, pondremos la carta correspondiente en la parte alta de la mesa. Después pondremos la carta de la aventura y por último pondremos la carta correspondiente al escenario que vayamos a jugar. Esto no es algo meramente informativo o decorativo, ya que cada senda de aventuras, aventura y escenario tienen reglas propias. En la carta de escenario se

detallan las diversas localizaciones en las que estará escondido el villano y sus secuaces, y cada una de estas localizaciones también tienen algunas particularidades descritas en las propias cartas. En principio puede parecer que hay demasiadas reglas unas encima de otras, y que puede ser algo confuso, pero en la práctica no lo es en absoluto, ya que estas reglas son bastante lógicas y consecuentes con las situaciones y localizaciones que describen, lo que hace muy sencillo lograr recordarlas. Por ejemplo, en el bosque los monstruos no derrotados en vez de ser barajados de nuevo se “queman” (devuelven a la caja), lo que se podría interpretar como que estos monstruos, tras el combate, huyen del lugar o simplemente los logramos despistar en nuestra huida, o la localización del boticario en la que tras terminar el turno, si no hemos explorado, podamos recuperar 1D6 de vida. Cada escenario tendrá diferente número de localizaciones en relación al número de jugadores. Recordar que la caja básica viene preparada para ser jugada por un máximo de cuatro jugadores, pudiéndose aumentar este número si se adquiere la expansión de personajes adicionales. En estas cartas de localización viene indicado el número de monstruos, barreras, armas, conjuros, armaduras, objetos, aliados y bendiciones que podremos encontrar en ese lugar. Tomaremos estas cartas al azar de entre las disponibles de la caja y las barajaremos para cada localización. También cogeremos de la caja la carta del villano correspondiente al escenario y un número de esbirros igual al número de localizaciones menos uno. Estas cartas se distribuyen a razón de una por cada localización y se barajarán con el resto, con lo que al principio de la partida no sabremos dónde está el villano, por lo que la primera tarea del grupo de personajes será ir explorando cada lugar hasta dar con el.

maloso. Cada turno un héroe puede dar una carta a otro héroe que esté en su misma localización, moverse a otra, explorar levantando una carta, resolver el encuentro y reponer su mano o descartarse hasta tener el máximo de cartas permitido por su personaje. En los encuentros podremos encontrar dos tipos de cartas básicamente: buenas y malas. Las buenas, llamadas “mercedes”, son objetos, aliados, conjuros, tesoros, bendiciones, armas y armaduras que podremos conseguir si superamos la tirada pertinente, y las malas, llamadas “perdiciones” son las barreras, monstruos, esbirros y villanos. Por regla general, si intentamos una prueba para obtener una merced y fallamos, la carta se “quema” (se devuelve a la caja), mientras que si fallamos en una tirada para superar una perdición, aparte del “mal rollo” si lo hubiera, la carta se vuelve a barajar dentro del mazo de localización del que se sacó.

Los mazos de los héroes se confeccionan de forma similar, pudiendo elegir armas, conjuros, armaduras, objetos, aliados y bendiciones de entre los disponibles y en una cantidad que va en función del personaje elegido. Para los principiantes, al final del libro de reglas vienen unos mazos de inicio recomendados, aunque después de un par de partidas seguro que nos gustará modificarlos y adaptarlos a nuestra forma de juego. El tiempo de juego está limitado por un mazo que se crea con treinta cartas de bendiciones elegidas al azar. Cada vez que sea el turno de un héroe, tendrá que levantar una de estas cartas. Si transcurridos estos treinta turnos el villano aún sigue vivo, entonces terminará la partida con la derrota de los héroes. Este es un factor realmente atractivo, ya que por una parte limita el tiempo de juego (nada de eternas partidas de ocho horas) y por otra aporta una sensación de carrera contra el tiempo que puede llegar a estresarnos, sobre todo cuando quedan pocos turnos y todavía no hemos logrado encontrar la guarida del malo

Es curioso que siendo este Pathfinder ACG un juego derivado del juego de rol que usa el amado/odiado sistema D20 no use este dado. Da la impresión de que en Paizo han querido alejar los sistemas de juego, para hacer experiencias diferentes y dotar de una identidad propia a este ACG. Sinceramente, me parece un gran acierto. Como dije más arriba los puntos de vida se contabilizan con el mazo de cartas de cada personaje, comenzando cada escenario con quince cartas/puntos de vida. Cada vez que usemos una carta se nos indicará en el texto de la misma qué tendremos que hacer tras aplicar su efecto. Las cartas se pueden revelar, que es enseñarla a los demás jugadores, recargar, que es ponerla debajo de nuestro mazo de héroe, descartar, con lo que irá a la pila de descartes de nuestro personaje, enterrar, con lo que la pondremos debajo de la carta/ficha de personaje o quemar, con lo que se devolverá a la caja del juego. Si en algún momento debemos coger una carta de nuestro mazo de héroe y no nos quedan... pues esto indicará que nuestro personaje ha pasado a mejor vida, y el escenario ha terminado para el. Podremos volver con otro personaje en el próximo escenario, aunque sea el mismo héroe, pero perderá todo su equipo y habilidades.

Cada personaje puede explorar una sola vez por turno “gratis”, y si quiere (y creedme, con los turnos limitados, querrá) hacerlo alguna vez más deberá usar alguna carta en su mano que se lo permita. Estas cartas normalmente se descartan, con lo que cada vez que exploremos de nuevo tendremos un punto de vida menos. Recuperar puntos de vida no es fácil si en el grupo no va Kyra la clériga, así que mejor no salir de aventuras sin ella. Durante estas exploraciones podemos encontrarnos con un esbirro o con el mismísimo villano del escenario. Si nos encontramos con un esbirro significa que el villano no está en esa localización (recordad, habíamos barajado las cartas de esbirro y villano y luego habíamos barajado una en cada mazo de localización,

por lo que en la localización en la que hay un esbirro no puede estar el villano), y además nos dará la oportunidad de “cerrar” esa localización. Cerrar una localización impide que el villano del escenario huya a ella si logramos derrotarle, por lo que es más que recomendable que cuando estemos explorando seamos capaces de cerrar la localización en la que estemos. Las condiciones para cada localización son únicas y están indicadas en su carta. Si logramos derrotar al villano y quedan localizaciones sin cerrar, este huirá a una de ellas de forma aleatoria, pero si no quedan habremos superado el escenario y obtendremos la recompensa que viene indicada en la carta

de escenario. Las recompensas varían y pueden ir desde un objeto a una mejora de nuestro personaje como un mejor bonus a una habilidad o incrementar el tamaño de la mano o la capacidad de equipo que puede transportar, traduciéndose esto último también en un aumento de los puntos de vida totales. En el juego se incluyen cartas de héroe que sirven como fichas de los mismos con sus características y habilidades, y se supone que los avances que vayamos haciendo hay que apuntarlos en las propias cartas. Estoy seguro que a vosotros, al igual que a mi, lo de marcar

una casilla en una carta me parece poco menos que una herejía. Y estoy seguro que los amigos de DEVIR también se lo parece, y por eso han puesto a disposición de todo aquel que quiera unas hojas de control de personaje que podremos descargar desde su dropbox, para conservar nuestras cartas en perfectas condiciones. ¡Gracias DEVIR! Entre escenario y escenario podemos intercambiar equipo con los demás jugadores y seleccionar nuevo equipo para volver a formar un nuevo mazo de héroe que nos de garantías para superar el próximo escenario.

CONCLUSIONES Pathfinder ACG es un gran juego que no está exento de algunos puntos negros. El primero es sin duda la enorme aleatoriedad a la que está sujeto. Imaginad que por ejemplo, jugamos con Valeros el guerrero. Tiene cuatro cartas en su mano y once en el mazo de héroe. En su primer turno explora su primera localización y sale un monstruo como el gigante, el gigante zombi, la sombra o el hombre lobo. Valeros lanza su dado de combate... y obtiene la peor tirada posible, un uno. Con su +3 a la fuerza, el resultado total es 4. En el combate, el daño recibido es igual a la resta del nivel del monstruo menos la tirada, o sea, que si era el gigante zombi por ejemplo serían 134=9 puntos de daño, lo que dejaría a Valeros con sólo 2 puntos de vida para el resto de la partida. Obviamente, estamos asumiendo que Valeros no tiene ninguna arma o armadura en su mano y que además no puede recibir ayuda de ningún compañero, pero esto es posible (y de hecho, en mi primera partida me pasó algo parecido). Tampoco juega del todo a favor de Pathfinder ACG su mecánica de juego. Se ha buscado un sistema ágil y sencillo que además funciona a la perfección, y eso es desde luego una virtud, ya que nos permite jugar varias partidas en la misma jornada y además hace el juego asequible a neófitos en juegos de mesa con más “miga”, pero por otra parte tras muchas partidas se puede volver algo repetitivo. ¿Por qué sigo jugándolo entonces? Muy sencillo. El juego engancha. Engancha una barbaridad y engancha todavía mucho más si lo juegas con un grupo más o menos estable de jugadores. La progresión de tu personaje y el hecho de que las partidas no son en absoluto largas hacen que sea un juego en el que es difícil jugar un sólo escenario por sesión, ya que aunque el juego puede ser frustrante a veces y sobre todo en las primeras partidas, cuando logras superar un escenario con tus amigos a base de hacer una buena gestión de los turnos y de los personajes y sus habilidades la sensación de recompensa es increíble. Por otra parte se critica también su precio, que está entre los 45 y los 50 euros para un juego de 500 cartas y ocho escenarios (tres de la caja básica y los cinco de la primera aventura de la senda de aventuras “El auge de los señores de las runas”), mientras que hay en el mercado

otros juegos de cartas con tanta o más rejugabilidad y a un precio menor. Esta valoración depende mucho del tipo de jugador que seas. Haciendo una analogía con los videojuegos, puedes tomarlo como una aventura gráfica y jugarlo una sóla vez, con lo que seguramente no sea una buena inversión, o bien puedes tomarlo como un “sandbox” y probar a jugar los diferentes escenarios con distintas combinaciones de personajes o grupos de jugadores y además crear tus propias aventuras utilizando las cartas que tengas disponibles. Si juegas así, y personalmente creo que es la forma correcta de hacerlo, este Pathfinder ACG es un juego más que recomendable para ti. Comenzaba el artículo diciendo que Pathfinder ACG no es un juego de rol con cartas sino un juego de cartas de aventuras, y esto es así. Es tan así como que Hero Quest no es un juego de rol con miniaturas sino un juego de mesa con miniaturas de aventuras. Que no es poco. FICHA TÉCNICA Pathfinder Adventure Card Game: El auge de los señores de las runas. Editorial DEVIR 50 euros aproximadamente. 1-4 jugadores. A partir de 13 años. 90 minutos.

Por Curro Burgos

EL COLECCIONISTA DE MUÑECOS

EL COLECCIONISTA DE MUÑECOS vuelve en formato retro con una gran figura BATTLE DAMAGE del ROBOCOP clásico de HOT TOYS. Todos los meses os traemos las princiaples novedades en lo que se refiere a muñecos, merchandising y figpaas. POR: DANIEL FERRER LEÓN

STAR-LORD: Mu単eco de Hot Toys escala 1/6. Mu単eco basado en el actor Peter Weller en la primera entrega de Robocop.

La tragedia

a de Ontake

El gobierno de Japón tiene muy controlados to las cimas de una cordillera que debe su exis de las entrañas del mar y con más de cien pu vigilados para que no se produzcan tragedias in de Septiembre los equipos de medición no pud el segundo volcán más alto de Japón, situado a Era un día despejado y centenares de excursionistas habían decidido pasar el día ascendiendo por la ladera de la montaña, de unos tres mil metros de altura. En lo alto había un lago y un monasterio que eran los principales atractivos del ascenso junto con las vistas que se tenían desde la cima, pero sin

previo aviso, el Ontake iba a hacer erupción

en forma de una columna de humo y cenizas que se desperdigarían en cuatro kilómetros a la redonda. No hubo advertencias ni tampoco temblores de tierra que son una de las formas más fáciles de vaticinar que se producirá una erupción. El despertar de Ontake pilló a todos por sorpresa y los turistas corrieron en busca de refugio mientras grababan con su teléfono móvil la nube gris que se cernía sobre ellos. Es increíble lo rápido que puede moverse la columna de ceniza, de modo que muchos, entre ellos Hideomi Takahasi, que fallecería segundos después, tal vez sólo tuvieran tiempo para hacer lo que todo turista ante algo insólito: sacar un par de fotos. Lo que pasó en la cima del Ontake sólo lo conocemos por los testimonios gráficos de las víctimas, cuyos teléfonos móviles y cámaras de fotos fueron recogidas días después por los equipos de rescate. Enterrados bajo cincuenta centímetros de cenizas, no es fácil identificar a los más de setenta fallecidos, pero tampoco esperan que ocurra un milagro y aparezcan más supervivientes. El polvo, candente y asfixiante, tapona en segundos las vías respiratorias y se introduce por ojos, oídos y boca, borrando además todas las huellas de su destrucción con un manto finísimo, de ahí que esté siendo tan complicado completar las tareas de rescate, más cuando el Ontake sigue lanzando vapores tóxicos a la atmósfera y también cuando un tifón amenaza las islas de Japón con lluvias torrenciales. Pero no hay ríos de lava que desciendan por la

montaña, por lo que se deduce que la erupción de este volcán que ha dado signos de actividad desde 1979 no ha sido más que una explosión hidrotermal, la súbita evaporación de grandes cantidades de agua (tal vez, del lago del cráter) al entrar en contacto con las altas temperaturas del interior de la montaña. Un suceso externo que explica por qué los aparatos de medición no detectaron movimientos bajo tierra, y un aviso a las autoridades de Japón para vigilar aún más sus calderas activas al recordarles que los volcanes son un peligro real ajeno a su control. La última información declara que el gobierno esperará hasta la primavera del año que viene para buscar los últimos cuerpos que se hayan quedado allá arriba, cuando las condiciones climatológicas lo permitan. Para entonces es posible que la ruta hacia la cumbre esté abierta de nuevo.

odos sus volcanes. Con un país fundado sobre stencia a la gran cadena volcánica que surge untos activos, les conviene tenerlos fichados y nesperadas. Sin embargo el pasado veintisiete dieron predecir la erupción del monte Ontake, a doscientos kilómetros al Oeste de Tokio. parece haber menguado desde que en el año 79 D.C, estallase en una marea de fango, cenizas y material piroclástico devorando las ciudades de Pompeya y Herculano y matando en cuestión de segundos a cerca de dos mil personas, incluyendo al escritor y naturalista Plinio el Viejo, que se arriesgó para salvar a sus conocidos y también, para observar el suceso más de cerca.

La tragedia del Ontake es el mayor desastre de este tipo en Japón desde la erupción del monte Tokachi en 1926, donde

una nube de escombros salió despedida desde la parte superior de esta cadena montañosa a gran velocidad. La explosión debilitó la ladera occidental de la montaña provocando su derrumbe en una ola de rocas y magma que recorrió veinticinco kilómetros en otros tantos minutos, alcanzando dos ciudades cercanas y arrasando todo lo que encontraba a su paso. En aquella ocasión murieron más de ciento cuarenta personas, pero a pesar de su gravedad, estas erupciones están muy lejos de otras catástrofes de similar origen en la antigüedad. El monte Fuji, símbolo de Japón, lleva dormido más de trescientos años, y la capacidad destructora del Vesubio

Otras grandes erupciones que han demostrado el poder destructor de las entrañas de la Tierra fue la del Krakatoa en 1883, de tal virulencia que volatilizó la isla en la que se encontraba matando a miles de personas de las poblaciones cercanas en Indonesia y dejando un agujero en el agua del que años más tarde, en 1930, emergería una nueva isla producto también de nuevas erupciones. Pero sin duda, la mayor explosión volcánica de la que se tiene constancia fue la que produciría el llamado Año sin Verano, cuando hace cien años el Tambora expulsó cenizas oscureciendo el cielo hasta una distancia de nada menos de seiscientos kilómetros. Los efectos de la erupción dieron la vuelta al mundo entero tapando la luz del Sol y provocando un descenso de las temperaturas. Se perdieron cosechas, se produjeron hambrunas y murieron cientos de personas más en lugares tan remotos como Francia, lo que es una muestra de lo pequeños que somos en realidad y lo indefensos que estamos ante una naturaleza caprichosa e impredecible. Por Carlos Martin @tierracinefagos

Connor Kenway nació en 1756 pero la fecha de su fecha de fallecimiento es desconocida, su nombre real es Ratonhnhake; ton y fue un Asesino Kanien´kehá; ka durante la Guerra de la Revolución Americana y ancestro de Desmond Miles por parte paterna. Nació del Templario Haytham Kenway y Kaniehtí; io, una mujer Nativo Americana de la villa Kanien´kehá; ka en Kanatahséton. En 1760 cuando aún era un niño, fue atacado por Charles Lee y otros miembros de la Orden Templaria que buscaban el santuario del espíritu que su gente resguardaba, y luego vio como toda su villa era quemada y su madre moría. Preocupado por el impacto del mundo exterior en su ente, Connor se unió a la Orden de los Asesinos para prevenir a los Templarios a regresar. Descubrió que los Templarios habían destruido a todos los Asesinos Coloniales, Connor convenció a Achilles Davenport (uno de los últimos Asesinos vivos) de que lo entrenara. Fue Aquiles quien le puso l seudónimo Connor para pasar inadvertido como nativo entre las gentes, revitalizo la Orden mientras reclutaba artesanos para rehacer la hacienda Davenport y el buque Asesino, la Aquila. Robert Faulkner con posteriedad lo entreno para capitanear la nave, mientras Connor indujo a seis Asesinos más a la Orden. En la caza de los Templarios, Connor ofreció su ayuda al movimiento Patriota y protegió al mismísimo George Washington. En cambio, se encontraba en conflicto por querer reconciliarse con su padre, a pesar de las advertencias de Achilles de la futilidad que era intentar unir la filosofía de los Asesinos y los Templarios, lo cual tuvo trágicas consecuencias cuando quedo claro que Haytham no quería dejar de proteger a Lee. Una vez que supo que fue Washington y no Lee, quien había quemado su villa, Connor se desilusiono con los Revolucionarios, pero continuo utilizándolos para ayudar en la erradicación de los Templarios. De mala gana acepto la solicitud de Washington para ayudar a investigar al Benedicto Arnold y luego en la disposición del Fruto del Edén que había recuperado. Este último incidente hizo que Connor se viese atrapado en una realidad construida por el Fruto, una en que Washington gobernaba como rey a través de la tiranía. Eventualmente, Connor escapo de esa realidad y dispuso del Fruto.

connor Conociendo a... Primeros anos de su vida

Nacido de Kaniehtí;io nueve meses después de que su relación con Haytham Kenway terminara abruptamente, Connor se crío en la tribu de su madre, los Kanatahséton. Su infancia la paso en compañía de los otros niños de la villa, especialmente con Kanen´tó; kon con quien perduro la amistad hasta su vida adulta. Cuando Connor cumplió los cuatro años, se aventuró en las tierras fuera de su villa para jugar al escondite con otros niños. Gracias a sus dotes innatas logra localizar a todos los niños, pero llegado el momento de esconderse fue atacado por los miembros de la Orden Templaria, quienes estaban buscando el sitio Precursor el cual se rumoreaba que estaba cerca de la villa. A pesar de su captura, exigió desafiante conocer el nombre del líder del grupo, y Charles Lee le respondió de forma burlona porque quería saberlo. Connor le respondió que era para encontrarlo algún día y asesinarlo, pero el Templario lo ignoro. Como era inútil para lo que los Templarios buscaban, lo dejaron inconsciente, pero cuando despertó se encontró a su villa en llamas. Esto hizo que asumiera erróneamente de que Lee y sus Templarios eran los responsables, con esta convicción se volvió más fuerte ya que el fuego había matado a su madre y que luego impulsara a Connor buscar justicia para su pueblo y luchar contra la tiranía donde fuese que la encontrase.

Uniéndose a los Asesinos Se mantuvo en su villa hasta 1769, pero estaría siempre cuestionándose porque a su gente no se le permitía salir del valle que habitaban. Ya crecido, consiguió algunas respuestas de Oiá; ner, la Madre del Clan de la villa, quien se reunió con él en privado para explicarle varias cosas. Ella le mostró una Bola de Cristal, y le dijo que a su pueblo se le había encargado guardar un secreto en sus tierras. Una vez tuvo en sus manos el Fruto del Edén, Connor escucho la voz de Juno, y se encontró a sí mismo en el

“Nexo”. Juno le guio en un “viaje espiritual”, dándole la forma de águila mientras lo guiaba a través de un paisaje brumoso. Le comento que el camino en la vida que él estaba tomando iba a permitir a los Templarios ganar acceso prematuro al Gran Templo, lo que llevaría al mundo a la ruina. Juno lo instruyo a buscar un símbolo en particular que le llevaría por el camino correcto. Ya recuperado la consciencia, Connor se encontró en la orilla de un valle en un río. Mientras dibujaba el símbolo que se le había mostrado en la arena, la Madre del Clan llego por detrás y le pregunto dónde lo había visto. Le explico que un espíritu se lo había mostrado y ella entendió que habían pedido de él. La Madre del Clan le dijo que se dirigiera a una hacienda que se encontraba al este, donde ella había visto el símbolo una vez, y le concedió el permiso para abandonar el valle. Connor abandono la frontera y llego a una deteriorada finca días después. Llamo a la puerta y fue recibido por un hombre anciano. Connor declaro vacilante que en ese lugar le podían entrenar, pero el hombre solo lo negó y cerró la puerta. Después de pasar la noche n los establos, Connor intento de nuevo hablar con el anciano, pero este solo le grito para que se fuera de sus tierras. Persistió tercamente, golpeando la puerta y escalando hacia el balcón para encontrar una entrada, pero el anciano lo intercepto. Empujo a Connor al suelo y duramente le insistió de que siguiera su camino, como el mundo también lo había hecho. Connor volvió a los establos de nuevo, gritando que no se movería hasta que lo entrenase. Esa noche, unos bandidos se colaron en la finca

y pasaron por el lado de los establos mientras discutían como atacar, Connor, despertado por sus voces, pregunto que estaban haciendo, estos lo atacaron, pero fue capaz de defenderse de la mayoría. En cambio, el líder de los bandidos lo golpeo por detrás, arrastrándolo por el suelo y preguntándole si trabajaba para el dueño de la finca. En ese momento, el anciano llego al rescate de Connor apuñalando al líder de los bandidos por detrás. Le ordeno a Connor que limpiara el desorden y que luego lo siguiera dentro de la casa para hablar. Ya dentro, el hombre le contó acerca del conflicto entre los Asesinos y los Templarios, antes de que se presentara como un Maestro Asesino llamado Achilles Davenport. Le mostró también un cuarto escondido en el sótano, donde se encontraba un traje de Asesino y un par de hojas ocultas. Achilles lo guio hacia una muralla que tenía escrita los nombres y retratos de los líderes Templarios, los cuales eran William Johnson, John Pitcairn, Thomas Hickey, Nicholas Biddle, Benjamin Churh, Charles Lee y su propio padre, Haytham Kenway, el Gran Maestro de la Orden Templaria de las Colonias.

La Masacre de Boston Achilles siguió entrenando a Connor por los siguientes meses en la hacienda, comenzando por las habilidades vitales que disminuirían el salto en experiencia que había entre él y su padre. En marzo de 1770, invito a Connor a ir a Boston, donde compraran suministros para rehacer la hacienda. Una vez allí, para que Connor se moviera más fácilmente entre los círculos coloniales, Achilles sugirió que adoptara el nombre de Connor, el cual era el nombre de su difunto hijo fallecido años antes. Connor estaba impresionado por las vistas y la vida en la ciudad, tanto que Achilles tuvo que darle un toque de atención por quedarse mirando mucho tiempo a la gente del pueblo. Luego lo mando a un almacén cercano donde podrá comprar madera y otros materiales de construcción, para que luego los llevara de vuelta a su carruaje. Después de comprar los artículos de la lista, Connor paso por el lado de una multitud amotinada, quienes les gritaban a los soldados británicos locales para que se fueran de

Boston, Connor regreso con Achilles mientras observaban el escándalo, hasta que vieron a Haytham Kenway hablando con otro hombre entre la multitud. Achilles, preocupado de que los Templarios pudiesen empeorar una situación que ya era delicada, mando a Connor a descubrir que era lo que su padre y sus asociados estaban planeando. A pesar de su deseo por acercarse a su padre, obedeció a Achilles para seguir al otro hombre en cambio. Lo siguió hasta los tejados, donde pudo detenerlo de disparar una bala hacia el tumulto de la gente. Sin embargo, Charles Lee, quien había estado en un tejado en el lado opuesto de la calle, disparo su pistola al aire y causo que los soldados Británicos atacaran a los ciudadanos de manera inesperada. En la confusión, Haytham se acercó a uno de los guardias y apunto hacia Connor, haciendo que varias tropas le persiguiesen a través de la ciudad, para luego acusarlo de ser el que disparo primero. Una vez logro escapar de los guardias, un hombre se acercó a Connor, quien le recomendó buscar a alguien que pudiese ayudarlo, Samuel Adams. Samuel ayudo a Connor a limpiar su nombre enseñándole como remover carteles de “se busca” y sobornar a pregoneros o imprentas para anunciar falsa propaganda. Después de eso, Samuel se lo llevo al puerto, donde podría navegar de forma segura hacia la hacienda Davenport. Una vez en la hacienda, Connor se enfrentó a un Achilles furioso, acusándolo de abandonarlo en Boston, pero Achilles le respondió que el día de experiencia había sido más valioso que meses de entrenamiento. Como recompensa, le confío al fin las Hojas Ocultas. Convirtiéndose en Asesino Poco tiempo después de regresar de Boston, Achilles y Connor fueron alertados por un hombre golpeando la ventana de la finca y gritando por ayuda. Inmediatamente lo siguió hasta el río más cercano, donde vio a u hombre aferrado a un tronco flotante que se dirigía rápidamente hacia una cascada. Connor lo siguió a través de la orilla, antes de saltar hacia el agua para salvarlo justo a tiempo. Después de descubrir de que los dos hombres, Godrey t Terry, eran leñadores en busca de un lugar donde construir un molino, Connor les ofreció un buen lugar en la hacienda. No mu-

cho tiempo después, Connor protegió al carpintero Lance O´Donnell después de que su vagón fuese atacado por mercenarios. Agradecidos, estos hombres junto a las familias de Terry y Godfrey, construyeron sus hogares en la propiedad, convirtiéndose en compañeros de comercio con Connor, al mismo tiempo que le fabricaban armas especiales, bolsas y consumibles para el asesino. Achilles instruyo a Connor para que se juntara con él en el puerto de la hacienda para mostrarle algo que él llamaba “una posesión”. Una vez allí, vio los restos de un barco sin reparar, a la vez que una pequeña cabaña frente a la bahía. El y Achilles entraron en la cabaña y se encontraron con Robert Faulkner, el primer oficial de la nave en el puerto, la Aquila. Connor se ofreció a pagar por la reparación y Robert acepto con alegría a reunir una tripulación para el barco y recuperar su capacidad de navegación. Seis meses después de que la Aquila estuviese reparada, Robert invito a Connor a subir a la nave equipada con cañones. Connor se unió a él sin dudarlo, y los dos estuvieron en el mar por semanas, donde Robert le enseño tanto como a navegar como a disparar sus cañones. Después de esto, lidiaron con unos cuantos corsarios antes de volver a la hacienda. Una vez de regreso a la hacienda, escucho a un hombre borracho gritar acerca de unas cartas que poseía, escritas por el infame William Kidd. Connor pronto hablo con “Pata de Palo”, ese le explico que las cartas que obtuvo daban indicio de la ubicación de un gran tesoro. Él se las daría a cambio de unas “baratijas” en cofres del tesoro repartidas a través de toda la Frontera Americana. A la vuelta, Connor fue regañado por Achilles, quien lo acuso de abandonarlo por mucho tiempo sin ni siquiera un adiós. En cambio, Achilles guió a Connor hacia el sótano de la finca para entregarle el traje de Asesino. A pesar de que Achilles admitió de que la Orden usualmente tenía una ceremonia para tales ocasiones, ni él ni Connor parecían el tipo de persona para esas cosas. En vez de eso, le dio la bienvenida verbalmente a la Hermandad de los Asesinos. Connor exploraba regularmente la frontera, uniéndose a una Sociedad de Caza, que le alerta sobre animales infames, tales como un puma que amenaza a los niños de su villa en

el valle vecino. También se hizo amigo del explorador Daniel Boone, quien le cuenta sobre criaturas misteriosas y sobrenaturales y eventos que ha presenciado, los cuales Connor investigaría y descubriría una explicación lógica. Durante su estadía en la Frontera, se encontró con los granjeros Warren y Prudence atacados por las tropas por negarles entregarles su cosecha, Ya repelido el ataque, se convirtieron en el tercer grupo en asentarse en la Hacienda Davenport. También se unió a los Púgiles de Boston, eventualmente ganando un trofeo, y fue invitado a unirse a un Club de Ladrones después de notar sus dotes de carterista. Como miembro de los clubs, con frecuencia le dan retos a los que enfrentarse. Connor exploro también los túneles subterráneos usados por los Francmasones que Adams le había mostrado, aprendiendo así algunos de sus secretos al utilizar la linterna mágica. En 1773, acepto algunos contratos a través de la Costa Este para defender el barco mercante Henderson, y para cazar el barco corsario Saint James. Navego también hacia las Bahamas para hundir el Windermere (que llevaba carga templaria) y el Leviathan, que llevaba a un emisario templario. Mientras investigaba redadas en Martha´s Vineyard, Connor y Faulkner encontraron que el Fuerte Fénix esta-

Asegurar el futuro

ba ocupado por fuerzas templarias; lo destruyeron con éxito, pero sin embargo las redadas continuaron. Después de intercambiar una baratija, recibió la primera de las cartas de William Kidd por parte de Pata de Palo. Dicha carta estaba dirigida a un hombre conocido como “Lucky” Lem, que fue encarcelado en el Fuerte Wolscott. En respuesta, Connor se infiltro en el fuerte y recupero una pieza del mapa de la celda de Lem, que tenía inscrita “Se encuentra bajo la cama del águila”. Connor luego escapo mientras la Aquila abría fuego, zambulléndose en el mar mientras el fuerte quedaba en llamas. Durante todas estas desventuras, poco a poco iba dando caza a líderes templarios y a su vez ayudando a Washington en varias batallas, hasta que llega el momento final, la caza de su propio padre Haytham Kenway. Pero cuando estaba a punto de asesinarlo, una mezcla d sentimientos hacia él le impide matarlo, tras hablar con él, descubre que buscan el mismo fin, así que se unen en una “tregua” para conseguir su objetivo, el cual resulta ser una medalla que era la llave de la puerta sagrada del templo que custodiaba el pueblo nativo de Connor. Esta resulta estar enterrada en la tumba de Connor Davenport, hijo de Achilles.

Más tarde, Connor regreso a su aldea para descubrir que su gente había dejado el lugar. Regreso a la Casa Grande donde se reunió con La Madre del Clan hace muchos años, y abrió la caja que contenía la bola de cristal, confundido en cuanto al porque la había dejado atrás. De repente, el artefacto se activó y Juno vino a él una vez más. Le complacía escuchar que Connor había regresado. Enojado, le informo que su pueblo ha sido expulsado por la gente que había considerado sus aliados. Juno le informo que tenía que coger la llave y esconderla donde nadie la buscara de nuevo. Aun confundido, Juno le dijo que el solo estaba obligado a su propósito: proteger el Gran Templo. Le explico que había cumplido su papel, aunque Connor sabía que no era suficiente para él y le dijo que la completa justicia no existía, pero había hecho una diferencia y lo volvería a hacer. Una vez más, ella le recordó que ocultar el amuleto donde nadie lo encontrara, y entonces la visión desapareció con la bola de cristal que se desintegro. Connor regreso a la Hacienda y volvió a enterrar el amuelo en la tumba de Connor Davenport. Más tarde, en 1783, estaba en la habitación del sótano, donde quito los retratos de los templarios y los quemo en una gran fogata. Caminando hacia fuera, Connor quito el hacha de guerra que clavo al principio, significando así que su guerra había terminado. La tiro a un lado y volvió a su aldea para descubrir a un hombre sentado junto al fuego. Este le informo que su pueblo había ido al oeste, y que un hombre en Nueva York le dio la tierra por parte del recién formado congreso. Cuando Connor le pregunto cómo había sucedido esto, el hombre le dijo que no se tenía a Inglaterra para que le suministrasen los recursos, y que el Congreso tenía que hacer las cosas ellos mismos. Afirmo que el gobierno estadounidense vendió las tierras de los fondos, ya que sería demasiado parecido a Inglaterra cuando comenzó a imponer impuestos, llamando a los padres fundadores “los hombres inteligentes”. Connor le dio las gracias y se fue a Nueva York, donde el último de los barcos británicos se fue a Inglaterra. A medida que los colonos les tomaban el pelo desde la tierra, la nave hizo un disparo de advertencia. Connor se volvió y sonrío a la libertad de los colonos, pero también vio un hombre que vendía los esclavos africanos. Fue entonces cuando se dio cuenta de que no todo el mundo en la nueva tierra tenía libertad por el momento. DANIEL TORREJÓN GONZÁLEZ

Esta noche, cuando salía del gimnasio (ya saben, por eso de cultivar mente y cuerpo), me he acercado a una tienda de reparación de teléfonos tan frecuentemente regentadas por personas de índole extranjera; India, Pakistan, Marruecos… para ver si podían arreglar una pieza estropeada de mi terminal. Tras unos quince minutos de espera la dependienta, una chica de origen indio, le informa a la clienta (una mujer de unos sesenta años) cuanto le debe por haberle arreglado una cosa de su teléfono, y haberle explicado ingente cantidad de cosas sobre su terminal. La clienta al enterarse de lo que tiene que pagar pone el grito en el cielo, carga contra la tienda, contra la dependienta y amenaza con pagar menos de la mitad del precio que le han dicho. La clienta solo quería pagar dos euros de los cinco que le habían dicho.

A primera vista puede que esto no sorprenda a mucha gente y aquí radica principalmente el problema de lo que hoy quiero tocar. Estamos viviendo en una sociedad tan marcada por la violencia y el odio que ya pocas cosas nos parecen sorprendentes. Cada día que ponemos las noticias, leemos la prensa, navegamos en la red… la violencia y el odio inundan nuestros sentidos. Conflictos armados como los de Ucrania, Palestina, Irak están día tras día acompañándonos en nuestra vida cotidiana y son elementos tan normales

Al DesN

XAVI MUÑOZ

que ha llegado tal punto de interactuar con ellos como si del tiempo estuviéramos hablando.

Pero no hace falta irse a conflictos internacionales con miles de muertos para darnos cuenta del odio que asedia a gran parte del planeta. Simplemente basta con abrir Youtube, entrar en uno de los miles de vídeos que hay sobre “Los Simpson” y ponerse a leer los comentarios que va dejando la gente. Tranquilamente el 70% de los comentarios en esos vídeos son para criticar el doblaje que tiene el vídeo argumentando que los dobladores de su país son mucho mejores. A partir de aquí insultos, amenazas, descalificaciones… todo por defender la versión que gusta a uno sin tener en cuenta nada más. Con esto no estoy defendiendo ni atacando a nadie, y si queréis hacer la prueba ya lo veréis. Da igual a que vídeo entréis, da igual que sea el doblaje en español de España o español latino; como mínimo un comentario criticando

NoDO

Z CASERMEIRO el doblaje estará presente. Esto ha llegado a tal punto que muchos usuarios que suben sus vídeos (da igual que sean de Los Simpsons, Disney o cualquier otra serie) han bloqueado la opción a comentar para que no estallen tales conflictos. Hasta que punto hemos llegado. Y si queréis que reduzcamos el ratio del odio no hay problema. Simplemente coged vuestro coche (o pedid que alguien os lleve a dar una vuelta) para respirar el ambiente que tenemos en nuestras carreteras. “Yo siempre tengo la razón porqué los demás son gilipollas”; esa parece ser la premisa que siguen gran cantidad de conductores al volante (da igual que sean mujeres u hombres, mayores o jóvenes).

Llevamos ese odio tan a flor de piel que parece que estemos deseando que cualquiera nos la juegue para iniciar una buena pelea, o al menos soltarle un sonoro “Hijo de Puta” que nos calme a nosotros un poco. ¿Y que se da el remoto caso en que la culpa recae sobre nosotros? (aunque es difícil ya que difícilmente tendremos nosotros la culpa nunca) Pues nada, que se joda el otro que la “pua” ya se la ha comido.

Con todo esto no pretendo que el mundo cambie. No es otro “We are the World” por escrito. Simplemente es una pequeña reflexión que llevo haciéndome estos días en los que se masca tanto descontento, odio, y malestar general por nuestras tierras. Ya sea el gobierno, el paro, la crisis, los que se quieren separar, los que se quieren quedar juntos… estamos en un clima tan adverso que hemos aprendido a convivir con estos elementos tan desfavorables como si de nada se tratara. Hemos sido capaces de coger un elemento tan destructivo como es el odio, o la violencia, y moldearlo hasta ser capaces de hacerlo algo tan mundanal y común como el mismo aire que respiramos. De nuevo lo digo, no busco culpables ni soluciones (porqué para ello más que una pequeña página necesitaríamos todo un libro de texto), simplemente quiero dejar constancia de hasta que punto hemos llegado en 2014. Y miedo me da pensar a que punto llegaremos en 2015.

lAS RECETAS DE NEKO MAI takoyaki PREPARACION - Elaboración: 1. Agregar el agua y el caldo dashi en un cuenco y mezclar bien. 2. Agregar el caldo a la harina y los huevos en un tazón o fuente y mezclarlo todo bien. 3. Untar en aceite la plancha para takoyaki con un pincel o servilleta enrollada en un palillo. 4. Encender la plancha a fuego medio/ bajo. Verter dentro la pasta, llenando un 80% en cada molde. 5. Agregar los trozos de pulpo cortado a cada uno. Se puede añadir también en esta ocasión algo de cebolleta también. 6. Acabar de cubrir con más pasta por encima. 7. Dar media vuelta a cada takoyaki cuando esté un poco cocido ayudándote con unos palillos de metal finos (primero rodearlos para despegarlos y luego darles la vuelta). 8. Cocinar los takoyaki hasta que alcancen el grado deseado de firmeza, dándoles la vuelta con frecuencia y vigilando la temperatura para que no se cocinen demasiado

rápido. 9. Sacarlos de la plancha, untar salsa takoyaki, mayonesa, cebolleta picada y katsuobushi al gusto.

INGREDIENTES - Ingredientes (para unas 10-12 bolas) - 200g de pulpo hervido (troceado) - Aceite de oliva - 450ml de agua - 6g de caldo dashi en polvo (podéis encontrarlo en supers asiáticos o grandes superficies. A las malas podéis sustituirlo por caldo de pollo). - 200g de harina - 2 huevos - Jengibre encurtido gari (picado) - Cebolleta (picada) - Salsa takoyaki o tonkatsu (podéis encontrarlo en supers asiáticos o grandes superficies. A las malas se puede sustituir por Ketchup). Katsuobushi (escamas de bonito seco) - Mayonesa. Material: plancha especial para takoyaki. En caso de no tener una plancha de takoyaki podéis hacer un “invento” usando los típicos moldes para magdalenas, los de tamaño pequeño. Para este caso es ideal tener una parrilla para que el fuego no dé directamente al molde y evitar que se queme el takoyaki.